Fea Internacional 20 by Fea Internacional

FEA INTERNACIONAL

D I R E CTO R I O DIRECCIÓN Y DISEÑO Libertad Castillo EDICIÓN Carlos Blanco CONSEJO EDITORIAL Cuauhtémoc Zamudio III

ÍNDICE

3 Esto es para esto 4 Uno: El cine experimental no es un experimento 6 Ricardo Zapata 8 Sergio Aguirre 9 Enrique Navarro 10 Raúl Quintanilla 12 Alessandra Baragiotta 14 Jorge Lorenzo 15 Miranda Luna 16 Leo Torres 18 Fernanda Polo 20 Said González 21 Evan Martínez 23 Andy Martínez

EN COLABORACIÓN CON Ricardo Zapata Kike Navarro Sergio Aguirre Martín Zinglaterry estoesparaesto237@gmail.com facebook/estoesparaesto instagram: /estoesparaesto youtube: Esto es para esto fea_internacionalzine@hotmail.com facebook/feainternacionalzine instagram: /fea_internacional issuu:/feainternacional

Portada Santiago Vela Contraportada Sergio Aguirre

DIGRESIONES SOBRE HACER CINE “Sólo en los fragmentos encontramos autenticidad” Bretch Nos reunimos con el equipo de Esto Es Para Esto y los autores locales para platicar aspectos sobre el quehacer cinematográfico. Encontramos, como en la mayoría de los diálogos, diversos puntos de vista, un eco de voces, fragmentos de ideas diversas. Sin importar los géneros o modos de capturar imágenes, compartimos horizontalmente digresiones del imaginario de cada uno de nosotros.

*Proyecto ganador del Programa de Apoyo a Publicaciones Impresas Raúl FRangel delAConsejo E A IFrías N T 2017 ERN CIONAL para la Cultura y las Artes de Nuevo León y la Secretaría de Cultura.

ESTO ES PARA ESTO Esto es para esto es un colectivo que se dedica principalmente a la difusión de cine que explora y le interesa hacer preguntas de distintas maneras dentro de su misma existencia. Una de las cosas que van ligadas a la proyección y difusión es el diálogo que se genera al término de los cortos o largome trajes seleccionados, casi siempre con las y los directores presentes. Con esto se busca generar condiciones para enriquecer la existencia de la obra, sobre todo si es un cine que detona preguntas y propone cosas, es necesaria esa retroali mentación del público, creando un círculo que otros luego se encargan de ir ampliando. Luego de comenzar proyectando en casas y diversos espacios independientes como cafeterías, bares, festivales, galerías, así como en algunas universidades locales y nacionales; continuaron, a partir del año pasado, a tener proyecciones mensuales en la Cineteca N.L., por lo cual el público y la recepción se ha ampliado por la curiosidad. Con más de 90 proyecciones y más de 500 realizadores, Esto es para esto ha trabajado con varios colectivos de manera continua para seguir difundiendo cine local y nacional en otros lugares como Retransmisión de Aguascalientes, ShortCup de Brasil, Panorámica de Cdmx en Villa Olímpica y la Pulquería Insurgentes, UltraCinema de Puebla en Faro Aragón, CODA en León, Experimental Film Society de Dublín, el Festival Alfonsino en Monterrey, Cine Club Edredón en Tijuana, entre otros. Es interesante el punto de vista y recibimiento que han tenido, dimensionando de otra manera el interés y creando un eco de lo que se hace en Monterrey principalmente. La mayoría del cine independiente que se realiza aborda cosas íntimas o temas particulares, sin intereses de mercado y demás ya que se realiza por las propias convicciones de cuestionarse o experimentar con elementos varios; de manera natural las expresiones toman diversos formatos, texturas y líneas temáticas las cuales se encargan de identificar y programar. Esto es para esto ha servido además como taller o proceso de formación al proyectar y confrontar la creación de los cineastas con las reacciones y críticas directamente del público, sin tantos intermedi arios. Perder el miedo e intentar tener claro lo que uno piensa y pasarlo a palabras, imágenes Escanea el código y símbolos. Tenemos muchas QR con tu móvil para cosas en común y a veces las ingresar al link con inquietudes nos resultan muy los cortometrajes de similares, al presenciar los esta edición. esfuerzos de otros tenemos la oportunidad de abrir ventanas y observar otros universos.

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UNO EL CINE EXPERIMENTAL NO ES UN EXPERIMENTO

Raúl Quintanilla. El cine experimental puede funcionar como una resistencia, pero no creo que eso sea lo que nos mo tiva a hacerlo. No empezamos queriendo resistir, como si fuésemos reaccionarios al cine comercial o cualquier otra cosa y sólo quisiéramos ir en contra de eso, y no estoy reaccionando a ello, no es por eso por lo que estoy haciendo algo “raro”. Más bien haces lo que quieres, con las cosas que te topas, las cosas que la vida te enseñó, cosas que te gustan. Quizá lo mejor sería no tomar tan en serio la idea de que estamos en con traposición con el cine comercial. Estamos en una cosa distinta que tiene su valor y no se debería de estar midiendo todo el tiempo contra lo que no es.

Jorge Lorenzo. La cosa de lo reaccionario en el mo mento en el que se generó todo el discurso del cine experimental, con la primera ola de los años veintes, siguió la tradición del cubismo. Eso de reaccionar a una ilusión falsa del cuadro, los artistas que comen zaron a explorar la dinámica cubista de descubrir que el cuadro es un cuadro, un lienzo plano, con material de pintura y que por ende no tenemos que ser grandes técnicos para hacer un cuadro con ilusión. Se rompió esa dinámica cuando se comenzó a hacer en cine. El invento cinematográfico era para hacer una repre sentación muy fidedigna de la realidad sin pensar en otra cosa. El término “experimental” (el cual no le gusta a nadie) tenía la función de retar, decir: esto no es la realidad, esto no es movimiento, represent ación del espacio; son cuadros, fotos, una tras otras que parecen espacio y movimiento pero no lo son. Entonces desde esta postura se hacen cosas que no tienen nada que ver con las razón de ser de ese apara to cinematográfico, sobre todo después, cuando vino la industria haciendo películas de ficción narrativas.

La diferencia es que hoy en día posiblemente tener una burbuja de cine experimental nos mantiene en lo que el cine experimental no hacía de meterle pintura, cosas de la escultura, del performance, mezclar otras disciplinas muy explícitamente. Hacer algo que se extiende a otras cosas que no son el cine tradicional. Dejaron esa burbuja y entonces, en lo conservador, nada fuera de allí vale. Y hoy en día a qué reaccionas, la dinámica de lo reaccionario viene de esa formación y tradición que se hizo de cine experimental pero que ahora en la época posmoderna, para bien o para mal, puede mezclarse con mil cosas, inclusive con las dinámicas de la industria. Hay gente en la industria trabajando en la línea experimental o de grandes presupuestos. Cosas que no tienen que ver con cine sino artes audiovisuales, creo que hay que estar conscientes de que no necesariamente tiene que ser reaccionario, puede serlo. Más bien se crea en función de qué se necesita para la libertad de la expresión y la búsqueda de la individualidad y todo eso. No estamos reaccionando, pero inconscientemente venimos de esa primera manera de hacer cine ya por mucho tiempo, que hoy en día podríamos abrazarla de muchas maneras para una búsqueda personal donde uno se desarrolla mejor como individuo, no sólo en el mundo del arte sino en el quehacer social. Todos los días estamos metidos en una dinámica que nos atrofia y demás.

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Sergio Aguirre. Como paréntesis. Cuando hablamos de cine, simplemente hacemos referencia a imágenes en movimiento. No nos clavamos en géneros o formas o procesos, sino que sólo son imágenes en movimiento y de ahí podemos darnos la facilidad de proyectar un documental que quizá está establecido con ciertos criterios. No estamos casados ni peleados con nada. Preferimos que exista el espacio donde pueda haber esta mezcla plural entre una ficción, algo más de textura como el sonido y un punto medio. Que esas cosas, al momento de juntarse se encuentren percep ciones y perspectivas que no hubieran estado en otro espacio. Que no hubieran podido existir esas mismas en otros sitios. Luego de un silencio natural, alguien dijo otra cosa sobre los procesos, las diferen cias en los tipos de medios de proyección y alcance. Alguien dijo otra cosa: El diálo go directo crea comunidades “reales”, en contraste con lo digital, que tiene la característica de tener una recepción, en algunos caso, más efímera o distante, en su acepción más general. Es importante la experiencia al observar pero también, estos esfuerzos toman for ma a manera de archivo o investigación: si alguien ve un corto o película que le agrada en algunas proyecciones, sobre todo si se tiene que ver varias veces, y le interesa cierto tema o técnica como referencia de que se hacen cosas; quizá no se tiene la experiencia total pero ya se sabe del archivo o las personas que tienen ciertos documentos, programas. Alguien le envía un link a otras personas y demás. Son cosas que hacen comunidad y que se le pueden aplicar otras salidas.

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DOS

“Yo no sabía aún de qué iría la película, no sabía cómo se estructuraría el guión, qué forma adoptaría la imagen o, para ser más exactos, cuál sería la matriz. Solo sabía una cosa: que no dejaba de soñar con el lugar en donde había nacido. Soñaba con mi casa. Y era como si entrase en ella, aunque en realidad no entraba, sino que todo el rato daba vueltas a su alrededor. [...] En un texto de Proust leí que la escritura ayuda a liberarse de ciertas cosas, y también Freud analizó este tema. Bueno, pensé, escribiré un relato. Y, poco a poco, todo empezó a adoptar la forma de una película.” Con esta frase evoca Andréi Tarkovski el nacimiento de lo que terminaría siendo su película El espejo, escrito entre sus documentos. Resulta particular la descripción que se hace del proceso de una idea, una ocurrencia si se quiere. El diálogo que tenemos con otras artes, con la interpretación de las palabras. La manera en que a través de lo sueños, los recuerdos, los libros y las personas, el espacio que habi tamos y un sinfín de cosas dan forma y profundidad a los proyectos que se decida realizar. Siempre resultará en algo incierto, para uno y para otros. Llenaremos de significa ciones una serie de imágenes y sonidos. Creemos cosas que no son ciertas e ignoramos otras que lo son.

RICARDO ZAPATA

Me interesa explorar ideas que surgen de lo que veo o me afecta directamente, emo ciones, sueños o temas que despierten mi curiosidad, me motiva la exploración a través de la imagen en movimiento. La repetición.

Antes de El sueño roto, la película que hice, todo era más intuitivo. La realicé con material que grabé con mi celular durante cuatro años. Lo que me hizo crearla fue una nostalgia de estar con mis amigos, las cosas que cambian sin darse cuenta. La necesidad de mostrarles lo que éramos y somos. A través del tiempo y el montaje fue tomando forma. No la concebí como una película o sucesión previa, fue más por cómo me sentía en ese mo mento. Llegué a pensar que mi primera película iba a ser con mucho dinero, porque crecí con una idea de ese cine. Yo mismo me hice cierta traba en otro tiempo. Pero tenía la oportunidad y no quería desperdiciar el material y la salida. Me solté. Hay que tomar los cortos como una práctica, como el que dibuja hace bocetos o quien se dedica a la fotografía. Luego las personas quieren hacer la gran película y se encuentran con muchas dificultades. La salida no tiene que lim itar a uno. La excusa de que se necesita dinero o equipo para crear desde hace mucho ya no es vál ida. Hay películas graba das con celulares que han ganado premios en festi vales, cualquier persona puede crear algo. En ins tagram vemos que gente sube historias y cuánto no se puede construir con eso. Hay muchas herramientas actuales para generar y habría que aprovecharlas. Esto Es Para Esto surgió por el hecho de aprovechar todo lo que tenemos para producir y visibilizar algo. De ahí vas forjando cierta identidad o estilo, no compararse con alguien sino a partir de lo cercano a experimentar para desarrollar lenguajes, esti los, formas. Realmente nadie de aquí busca ser Scorsese o Kubrick, no tiene caso, cada quien se está buscando a sí mismo y por eso elegimos este medio, por eso nos gusta. Cortometraje: Temporal

Referencia a aquello perteneciente o relativo al tiempo. Algo temporal dura algún tiempo pero no es eterno o fijo. FEA INTERNACIONAL

SERGIO AGUIRRE

Producir obra ya sea en dibujo, collage, fotografía o cine es una actividad que me genera sentido y me permite asimilar lo que estoy experimentando. Me entiendo mejor a mi mismo una vez concluida una pieza. Las imágenes son polisémicas, no es tán limitadas a un solo significado. Hay mucho poder en ellas y por eso estamos todo el tiempo siendo bombardeados de imágenes con cargas e intereses específ icos. Como creador necesito generar mis propios símbolos y realidades a través de lo que experimento a nivel personal y social. Construir mi propia mitología de manera consciente y deliberada es parte importante de mi trabajo para resignifi car lo que experimento y poder generar una coherencia en la obra que produz co. Uno puede interpretar las imágenes que están dadas allá afuera en la manera que se espera sean asimiladas, y también puede dotarles de una connotación extra. Pienso y uso el montaje y el collage como herramientas para subvertir/crear. Con forme voy desarrollando el corto o col lage encuentro cosas que originalmente no había contemplado y termino con algo mucho más nutrido en comparación a lo que primeramente había concebido.

Los sueños también son parte importante en la manera que voy dotando de sentido al corto. Los torrentes de imágenes que no tienen conexión o coherencia aparente por sí mismos, necesitan de un entramado poco conciso, pero que a través de autoconocimiento, uno puede armar interpreta ciones de lo que le sucede. No hay una única respuesta, ni una manera establecida en cómo puedes “descifrar” tus sueños, pero si hay sensaciones e ideas específicas que pululan las imágenes. Lo mismo con lo que produzco. Es fácil subir tu arte a internet, sin embargo no es suficiente para llegar a la gente que po tencialmente podría gustarle. En una primera instancia a través de Esto Es Para Esto tengo un grado de certeza con que llegará a personas que puedan procesarlo más fácilmente. Tam bién estoy actualmente realizando fanzines con enlaces a mi material para que pueda lle gar de diferentes maneras y con un margen de significación que pueda encauzar aún más al espectador a mis ideas/imágenes. FEA INTERNACIONAL

Cortometraje:

Cuerpo Negro

Cuando la estupidez reina y la indiferencia se contagia el aire mata.

Es común que cuando empiezo a hacer un corto pienso en un concepto, sentimiento o forma, algo que me gustaría explorar en lo audiovisual. Me gusta cómo se representa la visión de manera inmediata y cómo es manipulable dentro de la lectura de la luz, cuando vemos el cine esto es porque

KIKE NAVARRO

nuestra referencia es inmediata, lo que vemos, lo que vivimos. Por su parentesco con el sentido de lo real y su formas de experimentarse, a través de una pantalla en una sala de cine o desde una pantalla más chica en otras partes. El equipo con el que trabajo es rele vante cuando imagino algo relacio nado con la estética o temática del corto. Creo que la forma del cine que hago resulta directamente de las ca pacidades de la cámara y la imag inación consciente de ella. Además, me gusta buscar en videos que grabé hace tiempo alguna pista de lo que estoy pensando en ese momento, a veces a propósito y a veces fortuito. Sigo distintos procesos, a veces devi ene de la curiosidad por un fenóme no o querer reflejar, entender quizá sentimientos de manera abstracta así que parte del proceso previo es revisar grabaciones que me lleven a lo busco en ese momento. Otras veces, nacen de algo que he escrito o pensado y que pude traducir en un guión (o algo similar). Me interesa lo que pueda estar sucediendo en ese momento en ese lugar y cómo se va develando frente a la cámara, plantear situaciones que puedan ser tanto como lo que pensaba que quería grabar, como lo que podría suceder de improviso en ese momento. A través de conexiones entre las imágenes, el montaje y el sonido, se puede generar una narrativa pensando en elementos que guíen las imágenes que tengo grabadas. A veces la narrativa se mani fiesta en ritmos de algún sonido en particular o una pieza musical, a veces a través de la repetición de ciertos motivos en los videos, o desde algún material escrito o referencia. Entonces para esta ocasión estaba pensando mucho sobre la luz estroboscópica como fenómeno óptico que tiene sobre nosotros, así como los contextos en los que se manifiesta. Además de que es una relación directa con el origen del cine. En cuanto al público pienso en que alguien verá mis corto, y a veces pienso en cómo manifestar ideas de una manera en la que se puedan comprender, busco dialogar con el público también, buscar públicos.

Cortometraje: Phantasmata En el instante a punto de dormir, se devela frente a los ojos otro lenguaje, un estado transitorio donde se comienzan a borrar los trazos que delinean lo real. Los destellos es troboscópicos como cambios microscópicos en el cuerpo.

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Lo que me gusta del cine es que es lo que más se acerca a la vida. Quiero retratar la vida, y la literatura y otras disciplinas lo hacen bien, pero para mí el cine es la forma en la que se capta de una manera más cruda, como es, de alguna manera sin filtros, aunque cada quien le mete los filtros que quiere.

RAÚL QUINTANILL A

No estoy peleado con la ficción, me gusta la variedad, poder ver de todo; pero siempre uno descubre que el cine se siente como el fluir de la vida. Algo que no se ve en una foto, no se siente en una imagen. Se tiene que percibir con el tiempo. Casi todo lo que he hecho ha salido de los recursos que tengo, mis amigos, mi padres. Mi entorno, Monterrey, influye en ese sentido en mi obra. En lo personal nunca pienso en un tema, tampoco me siento a quebrarme la cabeza en pensar una historia. Me nace algo y quiero hacerlo. Normalmente en el momento de la edición todo toma otro sentido por completo. Las ideas llegan de la nada. Uno no las inventa. Todo el tiempo hay ideas y uno elige la que más le apasiona o por algo intuitivo. Las limitaciones son muy importantes. Justamente ellas te hacen ver de una manera creativa un problema que tratas de resolver de otra manera. Muchos de los grandes directores han llegado al estilo que los identifica por accidente y sus necesidad inmediatas. Obvia mente no es lo que uno desea pero al final ayudan a crear otras formas. En el caso de los largome trajes de ficción hay mayor planeación, escribo un guión aunque no sea en el sentido tradicional. En los cortome trajes casi todo lo planeo en mi mente. En ambos estoy ab ierto a improvisar y modificar lo escrito. Ya con la idea claro que desarrollo cierta historia, imágenes, personajes y demás. Pero durante el rodaje y en la edición trato de divertirme, de olvidar el guión y regirme por mi entusiasmo. Yo soy el primer público. Luego se lo enseño a amigos y puedo aceptar consejos pero sé exactamente lo que quiero y lo que no quiero cambiar. Cortometraje:

3 haikús Tres distintos días, tres personas y un cuarto. Tres impresiones de una colección titulada Haikús que consta de un cortometraje diario por cada día del 2012. FEA INTERNACIONAL

ALESSANDRA BARAGIOTTA

el corto. Trabajo mucho con las cosas que me encuentro, regularmente no me siento a pensar en un tema o historia. Hemos recibido cierta educación visual de par te del medio, creo que el equipo que se utilice es relevante en la medida en que el resultado que genere nos remonte al sentimiento que buscamos compartir con el espectador. Pienso que cada reflexión tiene un medio adecuado específico para su publicación. En este caso el fenómeno que quería poner a discusión tenía que ver con procesos internos de una condición humana difícilmente perceptibles en un formato más abstracto, por lo que la construcción de un personaje y su representación terminó por ser la mejor manera de expresarlo. No pienso en el público al momento de de cidir sobre qué voy a hablar, pero pienso que

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Al momento de crear, mi principal motivación es descargar asuntos pendientes en mi proce so de crecimiento personal; hacerlo e intentar entablar un diálogo en el que logre conectar con otras personas, generar aprendizaje. En mi cortometraje la protagonista todo el tiem po está en su zona de confort, ella misma es la antagonista. Una figura ausente que lleva todo

es necesario darle un contexto, herramientas para que conozca algo sobre ti, no el mensaje deconstruído pero pequeñas señales. Procuro crear el contenido desde la experiencia senso rial; prefiero que el producto genere un estado de ánimo en quien lo ve en lugar de ponerlos en una posición donde tengan la necesidad de descifrar mensajes. En mis objetivos está el factor de la empatía, me gusta el cine pero hablando de lo que no se ve del cine, siempre puede resultar difícil expresarse o desahogar algunas inquietudes. Si uno se queda callado el silencio o pasividad te carcome y por eso la onda de publicarlo. La resistencia está en el gesto de mostrarlo y no tanto en el tema que cada quien aborde. Creo que está chido plant earle preguntas al público, sacarlo de onda; con esos choques la humanidad va evolucionando por medio del diálogo y la reflexión. FEA INTERNACIONAL

Cortometraje: Un lugar desierto Teresa es una mujer que todos los dĂas va a casa de su difunta hermana a alimentar a su mascota. Entra en conflicto cuando recibe una oferta de compra para la propiedad. FEA INTERNACIONAL

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JORGE LORENZO

Más que la imagen en movimiento, me interesa el formato de cine que da pie a colocar imágenes en el tiempo. No es la imagen en sí, sino todo el aspecto formal y gráfico del formato que la conlleva.

Generalmente pienso los proyectos como conceptos completos que si acaso se elaboran más adelante en el proceso de ejecución, es en cuestiones de detalles implicados en los procesos y algunas veces en el desarrollo de las estructuras que los sostienen. En mi caso particular no uso mucho la intuición en los procesos, uso conceptos y todo más metódico. En el caso de la película que se proyectó en EEPE, el libro de Kerouac que se transcribió a cine. La idea surgió de pensar que si el libro se hizo en un rollo de papel, pues es lógico que puede ir en rollo de cine. Además era una película que se quería hacer mucho en cine en esa época. En el proceso de hacerla vinieron las reflexiones o aspectos más profundos del proyecto. Utilizo el formato cinematográfico mismo y lo inter vengo con lo que sea necesario para tal o cual pieza. Esto me permite manipular manualmente lo que sea que quiero plasmar en el celuloide a manera de lienzo y así tener control plástico de lo que sea que estoy ha ciendo. El proceso en muchas ocasiones es laborioso; casi siempre es muy sistemático. Aunque la edición o postproducción es otra manera de escribir. En la nar rativa a veces vemos más decisiones en la edición que en el guión. Es interesante porque es verdad que una parte de todo esto exige que el público se involucre y eso es lo que en muchos sentidos y mucho del arte contemporáneo, o quizá todas las etapas del arte tuvieron esa confusión para el público, es clásico que se digan cosas como: eso qué es o el arte está muerto o el arte tiene que trans mitir y comunicar y no es que no comunique es que se necesita tener contexto de todo ese discurso para que pueda transmitir. Y muchos hablan de eso como el elitismo en el arte, y en cierta forma lo es, y el cine experimental entra mucho en eso si no se conoce el dis curso. Pero es sabido que los artistas o muchos de los movimientos del cine experimental buscan un público activo, que se mueva para saber qué está pasando. No es elitismo es para que realmente seamos seres so ciales pensantes y no pasivos. Que no nos digan todo en la película sino estar dispuestos a indagar, expandir lo cotidiano.

Cortometraje: “En el camino” de Jack Kerouac

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Yo diría que mi motivación es dejar al descubierto mis emociones y experiencias difíciles, que tenemos la tendencia a enterrar en favor de presentar ver siones mucho más positivas de nosotros mismos y nuestra sociedad. Otra de mis motivaciones o ideal, es que el espectador conecte con lo que surge en la pantalla.

MIRANDA LUNA

Todo lo que hago proviene de los recuerdos y de algunos impulsos que tengo, en el caso de Acuoso, mi primer cortometraje, me encontraba un poco triste en ese entonces y leí un libro que justo tiene un poema con ese título, no dejaba de imaginar cosas que finalmente tomaron esa forma. Todos estamos pasando por las mismas cosas y busco que sientan empatía con las imágenes y el mensaje que intento dar. No me es realmente relevante el equipo que utilizo, creo que mientras tengas una idea y ganas de hacerlo, puedes hacerlo funcionar con cualquier medio. A la hora de rodar nunca sigo completa mente el storyboard. Hago todas las escenas que tenía previstas y en el momento grabo más cosas que van surgiendo.

En mi primera instancia el público no es el motor de mi creación, no obstante hacia él va destinado el producto final. Pero para mi no es una prioridad en el momento de la creación.

Cortometraje:

Acuoso

El sentido del género de terror radica en el miedo que las películas producen en el espectador. Con El horror, dicha dinámica es invertida dándole a éste el rol de protagonista; como si la película estu viese de “este” lado de la pantalla, poniendo a los personajes representados como la audiencia del espectáculo en la sala de cine. Este inusual protagonismo permite que el espectador cuestione su rol tradicional como participante pasivo y dependiente de la ilusión proyectada en la pantalla de cine.

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LEONARDO TORRES

Mis intereses en cuanto a la producción vienen del conflic to y la investigación de las imá genes a través del tiempo y sus orígenes. Me interesa el cruce de lo real y lo imaginario, cómo surge la representación, lo simbólico y las ficciones que componen la realidad, mucho de ello a través de la filosofía, la ciencia y las artes. Guiado por un ideal “Wittgeinsteniano”, formulo con base a la asociación de imágenes para crear la nueva imagen de lo que deseo comunicar, como una teoría de montaje. “El cine es la más perversa de las artes. No te da que desear, te dice cómo desear”, escribió Žižek. La sala de cine da una experiencia direc ta al espectador, es estar en un espacio dentro de ti, cuestionándote. Y justo de eso habla el cortometraje que se presenta aquí, esa búsqueda a través de la observación que se materializa y coexiste en lo simbólico. En mis cortos más narrativos, los personajes suelen aparecer con stantemente abatidos por la realidad que les aprisiona, confundidos e inestables, mientras que en cortos más experimentales creo que ese universo se complementa con la lectura de el espectador. En el proceso previo a la realización de la obra creo que hay una parte de introspección, de exploración y soledad. De dar largas caminatas sin rumbo y estar en contacto con la naturaleza. Tener una visión que deje entrever el caos de las ideas y las emociones, con ello se debe aprender a intuir; después abstraer las imágenes guía, pues provienen principalmente de lo que uno es, en lo que cree y lo que se quiere transmitir. Otra par te suele ser dedicada a la investigación y a la disciplina, ya sea en reunir las anota ciones, dibujos, referencias y toda clase de imágenes que pueda producir previo a la creación experimental o de representación. En el rodaje aunque haya tenido una pre producción, scouting y lista de tiros, no llego a realizar lo que tengo por escrito. Observo por la cámara y después decido si es lo que busco, el movimiento y el tiempo, para ello algunas veces intento imaginarme en la sala viendo lo que está siendo grabado, la tridimensionalidad de la pantalla y en torno a esos puntos genero la atmósfera y lo que podría ser el montaje de una imagen a otra. Creo que el artista no debe preocuparse por el público, su trabajo está en realizar y crear arte a sus convicciones y ritmo. El público no debe dirigir lo que el artista quiere decir, esto no cumple una lógica en el proceso para la creación. Cuando leo público pienso directamente en la cultura, es ahí cuando sí pienso en el público y en lo que quiero mostrar. Crear algo que sea de carácter cultural para los más sensibles, para estudiantes, conocedores de cine y del ámbito artístico, así como para quien jamás ha visto mi trabajo e ignora todos éstos procesos.

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Quarere

Cortometraje:

Quaerere proviene del latin que arroja varios resultados como mirar, observar y búsqueda, si bien el cortometraje en un principio intenta ser una analogía entre la creación de la imagen y el imaginario, tambien da la lectura entre el objeto que observa y es observado.

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FERNANDA POLO

Muchas veces una idea nace de las ganas de ver algo, experimentar algo, querer compartir algo con los demás. A veces surgen de palabras, sonidos, imágenes, sensaciones o todas revueltas, pero principalmente de dudas; alguna pre gunta a la que le busco respuesta y el camino a encontrarla siempre resulta nuevo. Este cortometraje en particular fue más un ejercicio de vulnerabilidad, reconocimiento y sanación. Quería ex plorar el apego desde el punto de vista de una batalla de cuerpos y sentirlo en mi piel. También me parecía importante el registro aunque primero no sabía si estaría más dirigido a la documentación, video arte, o si evolucionaría a un cor tometraje en forma. Fue un proceso de exploración de los medios también.

No quería producir mucho, prefería fuese algo sencillo, práctico. Me parecía más importante que el fondo fuese blanco y la ropa también, o mostrar los cuerpos desnudos, enfocarse en la acción. Acabé decidiendo usar mi cámara dslr personal. Todo proceso va evolucionando y dejo que cambie conmigo, porque sino estaría forzando a que sea algo que quiero que sea más que darle su lugar para que se presente a sí mismo, esto porque no es ficción. Si fuese ficción el proceso sería distinto, y más cercano a la idea concebida ya que nace de mi imaginario y no tanto de lo que observo y contemplo fuera de mí.

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Normalmente el rodaje es muy suelto. Me gusta cuando busco retratar algo que no es ficción, tratar de dirigir lo menos posible, y más que nada encuadrar y dejar que las co sas fluyan. En Apego, fue encuadrar a estas dos personas, donde una de ellas era yo, y observar lo que surgía de una experiencia que no había vivido antes, improvisar como en la vida real, enfrentar las sensaciones, no actuar. Pienso en el público cuando escribo gu iones, cuando planeo cosas más elabora das que requieren de una inversión, y que esta inversión de dinero, gente, y tiempo debe ser bien aprovechada. Ya he trabajado en muchas ideas de otras personas que me parecen no llegar a ni nguna parte, no cues tionar nada, no apor tar nada y busco en este caso incluir a los demás a mi búsqueda. Pero hay veces que sólo quiero jugar, por y para mí, y gracias a que tengo una cámara propia, puedo darme ese lujo de no tener que pensar en el pú blico, especialmente si todo el trabajo o la gran parte del trabajo lo haré yo sola.

Cortometraje:

Apego

Exploración personal sobre el apego.

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SAID GONZÁLEZ

Parto de los sueños, la pérdida de memoria, realidades afec tadas y la percepción del tiempo. Capturo partes de mi día y los deforme. Me guío por una internalización del mundo externo, que me muestra la forma en la que lo percibo. Se transforma en algo concreto cuando al haber visto mi propia perspectiva busco las herramientas del lenguaje para crear un mundo o mensaje completo, pudiendo ver la calidad de mi comunicación en la retroalimentación desde afuera.

Se puede entender un mensaje de manera clara con la guía adecuada en la progresión, significado y razón que lleva cada imagen en secuencia. Lo interesante es observar qué dicen tus cuadros individualmente y en conjunto, para saber si fueron aplicadas de manera clara las imágenes dentro del mensaje, y cómo se podrían representar de manera evidente y justa para las necesidades de la idea, motivo o sensación principal. El sonido también es impor tante, la atmósfera que puedes lograr con él le agrega un plano sensorial a la imagen lo cual convierte la experiencia en algo envolvente. La cámara cambia el formato, la textura y en cierto sentido el modo de uso y la accesibilidad a lugares o imágenes del mundo. Cambia completamente la perspectiva de la realidad plasmada por la manera en la que la captura. Por ejemplo una cyber-shot automática, portátil y con un zoom increíble, pero una calidad ruidosa te va a permitir realidades diferentes a una DSLR, GoPro o algo de más alto rango. En mi caso me gusta experimentar con diferentes

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formatos y las posibilidades que me brindan, relacionando su estética natural con el mensaje o sensación de la historia que se está capturando. Pienso que el público está directamente relacionado con una parte de mi desarrollo como persona que usa el lenguaje como medio de expresión. El primer trabajo que expuse, era muy personal y abstracto, a partir de esa retroalimentación me di cuenta que aun quería seguir externalizando lo interno, pero debía mejorar mis herramientas para expresarme.

Cortometraje:

Radio Recuerdo Modulado ¿Que piensas en tu camino diario? Una conversación en auto, el sonido de la radio.

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EVAN MARTÍNEZ

Mi corto se llama d.f y es una recopilación de imá genes y video que documenté cuando trabajaba en un call center. En algún punto empecé a sentir que todo lo que hacía era muy automático, entonces pensé en la referencia de mundo feliz representada en mi situación y la de mis compañeros. De alguna manera habíamos terminado siguiendo esa línea de Ford. Creo que los call center están llenos de eso: individuos o personas que llegamos ahí para hacer un trabajo que realmente es parte de la cadena de producción de algo más grande, pero que al mismo tiempo nosotros somos el resultado de esa cadena. Somos un eslabón pero al mismo tiempo un resul tado de ello.

Como pasaba mucho tiempo en el trabajo decidí que podía aventarme las llamadas y grabar la rutina, me gustaba en un principio el título de “movimiento inerte” porque tenía la sensación de que nos movíamos mínimamente durante el día, de ahí surgió primero fotografiar con tiempos de exposición largos y después grabar. Me interesa el cine por la sensación que causa en las personas ver la pantalla, creo que vivimos en un mundo en el que la pantalla es nuestra mejor amiga y quiero aprovechar eso para comunicarme. Contribuir a la conversación de lo cotidiano con mi celular o dslr.

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Mantengo un proceso experimental, creo que depende de lo que quiera hacer, no interactúo mucho con las personas que grabo, por ejemplo, uno de mis cortos es ficción y ahí sí tuve que dirigir más a los actores pero sus papeles y realidades eran muy similares y creo que me ayudó mucho eso. Normalmente me paro frente a la cámara y trato de capturar lo que más se acerque a lo que imagino. Pienso en el público aunque a veces es difícil porque comienzo a cuestionarme si llega o no lo que quiero que llegue a las personas que ven lo que proyecto. Una vez sí me dijeron que no habían entendido lo que estaba pasando en uno de mis cortos, me dije a mi misma que es importante crear cosas que me gusten pero también cosas que no vengan en un código que solo yo capto.

Cortometraje: D.F (después de ford) Vivimos el futuro prometido: El legado de Ford. ¿Somos parte de algo más grande? ¿una producción en serie de individuos? éstas son las cuestiones que dieron pauta para este corto documental. Contemplar el futuro-presente por medio de la cámara, abordar la posibilidad de estar existiendo en un plano distópico. FEA INTERNACIONAL

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ANDY MARTÍNEZ Desde pequeña mis padres me llev aban al cine cada semana. Cuando se divorciaron me seguían llevan do, pero entonces iba dos veces por semana. El cine se convirtió en un ritual familiar. Fue la manera en que aprendí muchas lecciones de vida, las películas fueron mis compañeras du rante tiempos de soledad. Hago cine porque es el medio artístico que más intensamente siento y por lo tanto en el que mi mente procesa mejor las ideas. Mis motivaciones cambian con cada película, pero el largometraje que estoy realizando comenzó como un proyecto para entender a mi familia y la educación que me hizo la persona que soy hoy en día. Así llegué a anal izar problemas políticos desde lo personal. Cambio de cámara dependiendo del proyecto. En mi ópera prima grabé con la mejor cámara que encontré dentro del presupuesto que tenía. Para el largometraje que trabajo ahora utilizo una mejor cámara porque el equipo que se fabrica cambia muy rápido y las cámaras envejecen casi al año de haber sido lanzadas, no porque haya buscado algo carísimo. La diferencia es que ahora grabo sin iluminación y sin equipo profesional porque es una película casera, familiar y eso crea una atmósfera muy diferente y personal. También estoy utilizando una vhs antigua para recrear imágenes de mi infancia o para ficcionar algunas memorias. Utilizo una cámara antigua porque nunca me he creído el efecto digital vhs. En mi ópera prima cada imagen que vemos en el corte final estaba en el guión original y el guión técnico. Cada plano estaba meticulosamente planeado. Claro que el primer corte dura 2 horas y media y el corte final 87 minutos. A veces menos es más y eso lo descubrí en 2 años de edición. En la peli que hago ahora actúan mis papás y yo como nosotros mismos. Y aunque sí hay escenas con guión y dirigidas, la mayor parte es impro visación, documental o ejercicios performáticos que realizo con mi familia.

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En cuanto al proceso, La distancia me tomó 1 semana escribirla, 3 meses preproducirla, 1 semana rodarla y 2 años y medio de edición y postproducción. La pre y el rodaje fueron veloces porque todo estaba calculado. Mi nueva peli quería que fuera menos controlada y más real, sobretodo porque estoy jugando con la docuficción. Tenía un guión al inicio pero mis motivaciones del documental cambiaron casi al final del año que estuve trabajando con la beca del FONCA. Ahora creo que es una peli que seguiré rodando 1 año o 2 más. No sé cuánto. Ya no tengo prisa por terminarla. Quién sabe, igual y termina siendo mi Boyhood.

Me gusta ir a festivales de cine y entrar a ver pelícu las sin saber de qué son ni qué esperar. No suelo ver trailers, ni leer sinopsis, prefiero sorprenderme. Quiero pensar que si hago un cine honesto alguien va a querer sorprenderse con mis pelis, igual que yo con las de los demás.

Cortometraje: Una mamá y una mamá

Una directora de cine hace un documental para saber más so bre su adopción.

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