REVISTA FEPFI 26

FEPFI

número 26

Publicación de la federación española de profesionales de la fotografía y de la imagen

profesionales de la imagen

© Jacqueline Roberts

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editorial

sumario

Sumario Fernando Barrio.

Contraluz

Fernando Blanco.

porfolio

Nelson Marques.

a pie de calle

José Manuel Gómez Girón.

porfolio

Jacqueline Roberts.

porfolio Natan Sans.

iluminación Víctor Lax.

vídeo

DaVinci Resolve 12, por Paco Leiva.

historia

El suegro del yerno, por Ángel Herraiz.

panel abierto

Análisis de imágenes, por Jesús Muel de Dios y Jesús Amenedo

panel abierto audiovisual

Análisis de audiovisuales, por Bernardo Díaz Guzmán y Marco del Pino

FEPFI

profesionales de la imagen

Edita Federación Española de Profesionales de la Fotografía y de la Imagen Redacción administracion@fepfi.es Colaboradores Ángel Herraiz, Fernando Barrio, Fernando Blanco, Víctor Lax, Jesús Muel de Dios, Jesús Amenedo, Paco Leiva, Bernardo Díaz Guzmán, Marco del Pino. Imprime Servigraf Publicidad Departamento propio Departamento de Comunicación comunicacion@fepfi.es Administración administracion@fepfi.es Webmaster Philippe Uglietta webmaster@fepfi.es Vivero de empresas COCIPA .Avda de Santander 44 34003 Palencia Teléfono y Fax 979 100 130 Depósito legal: P-19-2010 I.S.S.N.: 2171-2220 WEB www.fepfi.es Director honorífico:José Luis Vázquez Giummarra Director Consejo Editorial Philippe Uglietta Consejo Editorial Fernando Barrio, Juan Carlos Berguices, José Luis Pozo y Fernando Fernández. © fepfi publicaciones Todos los derechos reservados. Se prohíbe la reproducción parcial o total de esta obra por cualquier medio o procedimiento sin la autorización expresa por escrito de fepfi. Los contenidos de la revista son responsabilidad de sus autores y de la dirección de la publicación en los términos que establece la legislación vigente.

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la revista

Patrocinadores

2017

Colaboradores

2017

editorial

Fernando Barrio Presidente FEPFI

Editorial

Camino de formación Las olas de calor, que en algunos sitios han sido más bien tsunamis de calor, marcan el ecuador del año. Ahora ya se deja ver allá a lo lejos nuestro evento formativo más esperado... nuestras Calificaciones.

Parece que queda todavía tiempo, pero no hay que descuidarse porque luego ya sabemos, dejamos siempre todo para el último momento y las prisas nunca han sido buenas consejeras.

Sé que muchos pensarán que ya estoy otra vez con lo mismo; sé que muchos creen que sólo hay Calificaciones; nada más lejos de la realidad, pero quiero que nos quede claro algo: soy un defensor de las Calificaciones desde que las viví; puedo decir sin temor a equivocarme que vivir las Calificaciones significa pensar, preparar, enviar y, cómo no, asistir.

No imagino un evento para formación mejor que ése; son casi 600 obras las que vemos pasar en fotografía y casi el centenar en audiovisual. Sabemos que sólo con mirar vamos cultivando nuestro ojo fotográfico y vamos aprendiendo a mejorar los errores que todos cometemos. Además, allí contamos con la presencia de personas con un largo recorrido y una gran experiencia que nos van a instruir en cómo mejorar.

Debo decir por mi propia experiencia que las Calificaciones me han enseñado a reconocer muchos de mis errores y a aprender a subsanarlos. También he aprendido de los errores de los demás para no cometerlos y de las maravillas de otros para intentar mejorar.

Aquel que crea que es un concurso, se equivoca. Aprender nunca debe ser considerado un concurso. Sí que es cierto que conseguir “méritos” en nuestras obras es el objetivo final, pero también hay que decir que, si no se consiguen, no pasa nada. Seguro que algo habremos aprendido.

Estar de juez es una gran responsabilidad también. Calificar las obras de compañeros es una gran responsabilidad. Si obtiene lo que esperamos, todos contentos, pero en caso contrario “volcamos nuestra ira” contra unas

personas que tienen el valor de sentarse pero sólo ven y aprecian lo que hemos sido capaces de mostrar y transmitir. Debemos asumir que, probablemente, por no decir con total seguridad, que si no les ha transmitido no será porque no tengan sentimientos, será más bien porque no habremos sido capaces, o habrá fallos en impresión o en edición. No hay nadie más dispuesto a aprender que aquel que asume su puntuación y se sienta en el Panel Abierto para que nuestros más experimentados compañeros nos muestren lo que podía haber sido.

Pero no creamos que estar de juez es fácil y es sentarse en una silla. Ellos deben hacer su curso para evolucionar y ser capaces de estar a la altura de las circunstancias.

Este año, lo mejor de todo es que cualquier federado va a poder asistir a ese curso de jueces, con el límite de aforo correspondiente (claro está). Allí se podrá aprender a mirar con esos ojos que alguna vez todos hemos criticado, pero que seguramente no se habían equivocado.

Debemos aprender a ver nuestros errores, tarea nada sencilla, y a saber escuchar y asimilar las “críticas”, que siempre serán constructivas, porque no olvidemos que estamos hablando de formación, no de mercadeo.

También quiero que conste que nuestro sistema de Calificaciones es admirado, respetado, envidiado y copiado por otras asociaciones de otros países debido a la rectitud, seriedad y calidad que en él se exije.

Esos niveles son los que hacen que nuestros federados sean reconocidos con premios en todo el panorama español y europeo.

Hemos sido inspiración y ejemplo para otros. Aprendamos a valorar lo que realmente tenemos.

No olvidemos tampoco que las Calificaciones se crearon con un fin, el de con los méritos obtener una titulación.

Puedo aventurarme a decir que cada vez estamos más cerca de éso; 20 años después, pero estamos en ese camino, y cuando ese camino esté despejado, podremos obtener por lo que tanto hemos luchado.

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Fernando Blanco MHF

contraluz

Contraluz “E pur si muove” (... y sin embargo se mueve) Esta famosa frase que según parece de manera errónea se atribuye a Galileo, y que por muchos años ha sido común utilizar para indicar que a pesar de lo que digan “los eruditos” o “la autoridad” la realidad es completamente diferente, ha estado rondando en mi cabeza desde hace aproximadamente un mes, cuando empecé a tratar de escribir mi siguiente colaboración para ustedes, y que súbitamente se hizo más fuerte al encontrarme en FaceBook una publicación, que compartí en mi muro, de una mujer que me ha enriquecido de forma impresionante cada vez que la leo o escucho (y que espero algún día tener la fortuna de conocer en persona): Avelina Lesper.

Pero... ¿Qué tiene que ver con los fotógrafos que el movimiento de los planetas sea heliocéntrico y no geocéntrico?, o como diríamos nosotros en México ¿Qué tiene que ver la gimnasia con la magnesia?

Permítanme, como suelo hacer, dar un rodeo para explicarme.

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Para mi es claro que nosotros que no solo “hacemos” fotografía para obtener un ingreso, sino que la vivimos más como pasión que como simple profesión tenemos algo de artista en nuestros genes, con todo lo que esto implica. Digamos que en términos generales somos: medio locos, sensibles, algo desordenados, creativos, distraídos, inseguros, observadores, necesitados del reconocimiento público, listos para compartir generosamente lo que sabemos entre nuestros colegas y al mismo tiempo celosos de nuestro trabajo y feudo... y por lo tanto compartimos con el mundo del arte muchas de sus incertidumbres y carencias, aparte de sus satisfacciones, entre ellas la maravillosa de crear.

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Creo que en términos generales todos nosotros estamos de acuerdo en una misma posición; es impresionante encontrar cómo en la actualidad se han distorsionado los estándares de la estética y del buen hacer, y el segmento “intelectual” del arte ha creado un nuevo paradigma que establece un cambio radical: Todo se vale, y parece ser que el autor incrementará el valor de su obra entre más reglas rompa.

Un muy buen ejemplo de esto sucedió hace pocos meses en la Bienal de Fotografía, organizada por el Centro de la Imagen de la ciudad de México, que provocó durante meses gran revuelo e inconformidad entre el gremio fotográfico nacional. Para muestra de ello les dejo la liga de un artículo escrito por Ulises Castellanos para el periódico El Universal- http://www.eluniversal.com.mx/entrada-de-opinion/articulo/ulises-castellanos/2016/12/17/amarganavidad- en el que califica la exposición de “desastrosa, insípida y montada con absoluto extravío” solo para empezar.

Hablando específicamente de nuestro medio, la fotografía a nivel profesional, nos encontramos con que el respeto a la composición

o iluminación es “cosa de viejitos” y el retrato clásico debe ser olvidado. Más aún, lo que anteriormente era considerado una falla grave de técnica fotográfica ahora se pretende presentar como el estándar máximo de calidad y creatividad.

Como decía unas líneas arriba, los fotógrafos hemos tenido históricamente un interesante grado de inseguridad, que yo atribuyo a la inevitable comparación con la pintura, en la que en muchas ocasiones la fotografía es, en el mejor de los casos, reconocida como un arte menor, ya que nosotros solo capturamos lo que ya existe mientras que el pintor crea a partir de un lienzo en blanco.

Percepción que de alguna manera nuestros propios proveedores de equipo y materiales se han encargado de fomentar, desde aquel famoso eslogan de Eastman Kodak: “You push the button, we do the rest” (Usted solo presione el botón, nosotros haremos el resto), hasta nuestros tiempos en que los fabricantes de cámaras y teléfonos móviles se empeñan en hacer creer a todo el mundo que con sus equipos se logran imágenes a la altura de cualquier profesional.

El otro día en el vuelo que me llevaba a la ciudad de Los Ángeles para dar una charla me encontré, en la imprescindible revista del avión, un artículo escrito por Xavier Velasco y titulado “Aquellos valiosos clics” del que me gustaría compartirles algunos párrafos: “ Los retratos antiguos solían ser tan solemnes y ceremoniosos como las ocasiones en que se tomaban. La gente se vestía y acicalaba, igual que si asistiera a una fiesta importante, para plantarse enfrente del fotógrafo con la convicción- grave, protocolaria- de mirar no a la lente, ni “al pajarito”, sino directamente a la posteridad.”

Más adelante dice: “Por más que la fotografía estuviera al alcance de cualquiera, la ocasión de hacer clic seguía siendo especial.

Tenía que ver con producir imágenes de cartón SUSCEPTIBLES DE SER ATESORADAS, ya fuera en un gran tomo familiar o en una humilde caja de zapatos” Y finalmente: “Algo me dice, al cabo, que el vetusto retrato del bisabuelo vivirá más que el resto de mis fotos. Por algo se vistió tan elegante.”

Ideas con las que, como se imaginarán estoy totalmente de acuerdo, al punto de quedarme con la revista para en su momento compartir con ustedes estas palabras.

Me imagino que todos hemos vivido la experiencia de encontrarnos con un sinnúmero de personas que no solo han conservado a lo largo de los años las fotografías que les tomamos en un momento muy especial en su vida y que además recuerdan esa sesión con gran cariño. También nos ha tocado, muy probablemente, recibir a

quien nos lleva un carnet de conducir para que hagamos una copia de la foto que ahí se encuentra porque su familiar falleció y lamentablemente solo tienen esa imagen para recordarlo.

Tal vez no seamos artistas y nuestra obra muy probablemente no llegará a estar en algún museo o galería de arte contemporáneo. Mas sin embargo debemos ser muy conscientes que nosotros fotógrafos, desde hace ya muchos años, nos convertimos en los únicos capaces de “escribir” la historia de una persona, familia, ciudad o país... y perpetuarla para las siguientes generaciones, y por lo tanto para la posteridad.

Creo entonces que debemos recordar que las modas son efímeras y que si bien podemos lograr que nuestras imágenes sean de gran impacto -momentáneamente-, vale la pena pensar en esas fotos de nuestros bisabuelos que a la fecha siguen siendo vigentes. No quiero decir con esto que debemos de quedarnos estancados en un estilo anquilosado, pero al mismo tiempo pienso que tampoco debemos dejarnos llevar por tendencias pasajeras con tal de estar en la cima de la ola, cuando sabemos que toda ola acaba reventando.

Después de todo, aún y cuando disfruto el MOMA, prefiero visitar El Prado, o el Louvre, o el Rijksmuseum... igual que muchas, muchas más personas.

Así que seguiré siendo, a mucho orgullo, un “simple fotógrafo” que día a día hace su mejor esfuerzo por capturar momentos, tratando de dominar la técnica para con ello poder liberar mi creatividad, siendo fiel a mi estilo, tratando de mantenerme actualizado en estilos y tendencias, reconociendo siempre que mis fotos deben superar la prueba del tiempo y ¿por qué no? recordando una gran verdad que leí hace poco en el Blog de FEPFI, escrito por un gran -y diría yo sabio- amigo, Philippe Uglietta: “Donde hay calidad, no hay competencia”.

© Tristan Shu

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Philippe Uglietta Director Consejo Editorial Nuestra revista número 24 nos trajo el último contraluz de nuestro querido y estimado José Luis Vázquez, quien estuvo tantos años colaborando con sus elaborados textos haciendo de esa sección de la revista un aporte imprescindible además de esperado. Es lógico que todo tenga un final y desde estas líneas sólo podemos ya agradecer el enorme esfuerzo realizado todo este tiempo con criterio, rigor y muchísima discreción en consonancia y total coherencia con su autor y fundador de la que siempre será su Revista (antes llamada Hiposulfito); GRACIAS INFINITAS POR TODO José Luis.

Pero del mismo modo en que terminan unas cosas hemos de renovar otras, y si el contraluz requiere de cambio igualmente la revista requiere de nuevas ideas para seguir viva, y por ello necesitamos de nuevas incorporaciones, las cuales permitirán a nuestra publicación tratar de ser interesante y estar a la altura de vuestras expectativas; de hecho, en el número anterior, el número 25 ya podrán comprobar algunas secciones nuevas que tendrán su continuidad en medida de vuestra respuesta sobre los mismos.

Damos las gracias a José Luis Pozo, Juan Carlos Berguices, Fernando Fernández y Fernando Barrio que conformarán el Consejo Editorial desde ahora y por su disposición en seguir aportando su tiempo en favor de los demás. Seguimos adelante.

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© Nelson Marques

Marques Hoy en día, más que nunca, nuestro trabajo requiere de una visión totalmente única y personal; el sello de un fotógrafo es el anhelo más preciado en estos tiempos de voracidad fotográfica que, con demasiada frecuencia, desvirtúa la esencia fotográfica de relatar la realidad desde un punto de vista intransferible y propio.

Nelson Marques, junto a Andreia Torres, representan el dúo perfecto. La elegancia, sensibilidad y la sencillez con la que realizan cada reportaje, conforman la narrativa de unas evocadoras imágenes, trabajadas y pensadas con esmero, siempre respetando la naturalidad del momento.

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Un trabajo con estilo y un sello personal que trasciende en el tiempo transmitiendo un mensaje de paz, de armonía, coherencia, romanticismo... Un trabajo atemporal que lógicamente ha elevado el concepto fotográfico en arte y así es reconocido y entendido por sus clientes y compañeros de profesión.

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Pero ¡¡¡Basta de palabras!!! A partir de aquí, que hablen las imágenes.

Nelson Marques Photoraphy http://www.nelsonmarquesphotography.com/ Texto: Philippe Uglietta

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José Manuel

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FEPFI - ¿Como y por qué empezaste en la fotografía?

José Manuel: La fotografía para mí es un sueño vivido, el cual empezó a hacerse realidad en el momento que mi mujer, que por el año 1985 siendo mi novia, se le ocurrió regalarme una Minolta. Desde entonces y a día de hoy no me he separado del visor de una cámara, para inmortalizar lo vivido.

Comencé en el ambiente profesional de la mano de mi gran compañero y amigo Pepe Cuenca, con el cual y a pesar de estar en la misma plaza mantenemos una de las mejores amistades, tanto en el tema

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profesional como personal. Pues soy de los que opina que cada visor de cámara es un ojo diferente y un corazón; compartir con los compañeros no significa competencia, al contrario, unidos siempre seremos más fuertes y nuestra respuesta será mejor. A día de hoy tras más de 15 años al pie del cañón, podéis encontrarnos en Vélez-Málaga en nuestro Estudio Gómez Fotografía.

FEPFI - ¿Como te definirías como fotógrafa?

José Manuel: Pienso que soy un fotógrafo humilde y sencillo. Mi dicho es que debes vivir los pequeños momentos, pues de ellos hacemos

FEPFI - ¿En que disciplina de la fotografía te encuentras mas cómoda?

José Manuel: Donde me encuentro más a gusto es en el estudio y sobre todo con una pareja que está toda ilusionada por su futuro bebé, esa sensación de plasmar la espera de ese esperado hijo, la dulzura, ternura y sobre todo conseguir que esa súper mamá se vea guapa a pesar de esa gran transformación que con el paso de las semanas su cuerpo va adquiriendo. Es verdad que cuando consigues la mejor sonrisa de un niño te sientes realizado, pero las sesiones suelen ser

expresiones etc., no recargarla con demasiadas cosas. Curiosidad, es la que hace que esté constantemente alerta para asistir a formaciones, talleres, los cuales a través de las asociaciones son constantes.

Pasión, que es lo que abarca todas las demás virtudes para seguir cada día.

FEPFI - ¿Qué artistas han influenciado en tu visión fotográfica?

José Manuel: Uno de mis referentes y que a día de hoy me sigue apasionando su fotografía, es nuestro compañero Toni Limeres.

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grandes recuerdos. Simplemente vivir el momento disfrutarlo y conservarlo en fotografías.

FEPFI - ¿El mejor momento que te ha brindado la fotografía?

José Manuel: Recordar los momentos vividos con un gran amigo

“compartir con los compañeros no significa competencia, al contrario, unidos siempre seremos más fuertes” un poco menos relajadas para mí y se disfruta más del después que del durante, quizá por eso prefiero las sesiones de embarazo.

FEPFI - ¿Dónde te gustaría llegar en la fotografía?

José Manuel: Bueno pues como te dije me considero muy humilde así que no sé si alguna vez me lo planteé; mientras siga disfrutando de mi trabajo y él me llene plenamente seguiremos inmortalizando esos pequeños momentos. Es esta pequeña entrevista y la pienso tres veces.

FEPFI - Dinos tus 3 mejores virtudes como fotógrafa José Manuel: Sencillez, pienso que la fotografía debe de hablar con

apasionado igual que yo de la fotografía, viendo como nuestras imágenes tomaban vida en nuestro cuarto oscuro y la investigación por los procesos antiguos como lago fotografía con goma arábica y albúmina, que al sol tomaba vida tras mucho tiempo de pruebas. Y hoy en día el ver como tu trabajo levanta la ceja del cliente y paso seguido la boca toma forma de sonrisa y te dice: me encanta, sabía que podía confiar en ti.

FEPFI - ¿Una buena fotografía se busca o se encuentra?

José Manuel: Se busca y se encuentra. Lo que está claro es que hay que estar para buscar el momento y para encontrarlo.

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Jacqueline

Roberts

© Jacqueline Roberts

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Nacida en Paris en 1969, la fotógrafa española Jacqueline Roberts se licenció en Ciencias Políticas y trabajó para organizaciones internacionales antes de dedicarse a la fotografía.

Jacqueline trabaja con cámaras de gran formato y aficiona las técnicas fotográficas antiguas. Su trabajo ha sido premiado en varias ocasiones y expuesto en Europa e internacionalmente. Recientemente, una de sus placas de la serie “Nebula” ha entrado a formar parte de la colección permanente de la “Royal Photographic Society”, colección albergada en el Victoria and Albert Museum de Londres. La Real Sociedad Fotográfica, una de las más antiguas y reconocidas sociedades fotográficas, se fundó en el Reino Unido en 1853. Jacqueline ha publicado tres libros; su cuarta monografía, “Nebula”, ha sido publicada en 2016 por la editorial de arte Damiani. En la actualidad, Jacqueline reside y trabaja en Alemania.

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LA SERIE “NEBULA”

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“Nebula” son retratos hechos en placas de vidrio o metal. Uso una técnica fotográfica antigua llamada colodión húmedo. Este proceso fue uno de los primeros procesos fotográficos divulgado durante la segunda mitad del siglo XIX. Fue introducido en 1851 por el Inglés Frederick Scott Archer y el método consiste en cubrir una placa con colodión, que luego se sensibiliza en un baño de nitrato de plata. Una vez hecho ésto, se expone la placa, aún húmeda, se revela y se fija. La placa debe permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes, ya que una vez seco, el colodión no reaccionaría con las soluciones químicas. La imagen obtenida es un negativo sobre una placa de vidrio, sobre la cual colocamos un fondo negro

en su dorso para convertirla en una imagen positiva. Obtenemos así un “ambrotipo” (derivado del griego “Ambrotos” que significa “inmortal”). Igualmente, se puede utilizar una placa de metal lacada en negro y obtendremos una imagen positiva directamente. La estética del colodión es única, una calidad atemporal y etérea. Luego, cada placa es única.

Dicho ésto, trabajar con esta técnica es para mí algo que va más allá del proceso fotográfico. Es de alguna manera un proceso interior también. Un estado de ánimo. Hoy en día, estamos sumergidos de imágenes. Antes, las fotografías eran unos de nuestros bienes más preciados, de aquellos que salvaríamos de una casa en llamas. Estamos perdiendo el vínculo emocional con la fotografía. La mayoría de las fotos que hacemos son insignificantes

“Quiero que la imagen recobre su valía. Busco imágenes únicas, con valor intrínseco. Imágenes que recordar y preservar.” limbo y así evocar ese estado transicional por el que están pasando.

“Nebula”, niebla en latín, refleja las turbulencias que conlleva el crecimiento con todos sus cambios psicológicos y emocionales. Una mirada sobre el incipiente sentido de sí mismo.

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y desechables. Quiero que la imagen recobre su valía. Busco imágenes únicas, con valor intrínseco. Imágenes que recordar y preservar. Para ello, creo que es necesario entrañar con la persona que retratamos para intentar capturar algo de las emociones que nos recorren. Para mí, ésto es esencial. También le doy mucha importancia a la estética, a la composición, a las metáforas contingentes, a las referencias pictóricas o a la confianza que puedan surgir si aspiro a transcender el retrato y alcanzar algo mayor, más profundo, más íntimo: “greatness of inner” como solía decir Julia Margaret Cameron. Todos estos aspectos son clave para mí.

Otro aspecto destacable para mí, es la necesidad de detenerse y tomarse el tiempo que haga falta para crear una imagen. Al fin y al cabo, mis retratos de eso tratan… del tiempo. El tiempo que pasa. El tiempo transcurrido. El tiempo suspendido. El tiempo que se avecina o aquel que dejamos atrás. Los retratos de la serie “Nebula” requieren largas exposiciones, eso hace que las personas se desprendan, se olviden de su entorno inmediato. Quedan como suspendidos en el tiempo y en el espacio. Los individuos que fotografío ya no son niños, tampoco son adolescentes. Quería que estos retratos emergiesen de ese estado de

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Reviviendo los procesos fotográficos del siglo XIX, la fotógrafa española traza el limbo que marca la transición de la niñez a la adolescencia.

“Nebula” es una colección de retratos que captura la neblina de los cambios psicológicos y emocionales de la juventud; una mirada sobre el incipiente sentido de sí mismo.

Damiani ed., 2016 / En inglés / Encuadernado / Tapa de lino / 144 pág. / 87 ilustraciones / 9.5 x 11.75 in.

ISBN: 9788862084864 Copias firmadas disponibles en: http://www.jacquelineroberts.com/nebula-the-book website: www.jacquelineroberts.com facebook: www.facebook.com/JacquelineRobertsFernandez Instragam: @_jacquelineroberts

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La espontaneidad, naturalidad, emotividad y coherencia son el sello del trabajo de Natan Sans.

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Imágenes frescas, divertidas, atrevidas, diferentes… conforman el amplio mosaico del porfolio de su página web con infinidad de reportajes realizados en muchos lugares del mundo. La luz mediterránea, única y con su peculiar “aroma” a fiesta e historia casi siempre presente, ocres, blancos, azules… completan el binomio que conforma el fotógrafo con su instinto.

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Natan – junto a su compañera Esther – nos ofrece un trabajo diferente pero además no es el típico fotógrafo “nouvelle vague” al que le gusta disparar a todo sin criterio, un trabajo bien hecho no depende únicamente de unos buenos reflejos. Extraemos de su web: “Fotografías “de autor” interesantes, sí, pero no a costa de los que salen en ellas”. El riesgo no debe ir en detrimento del buen gusto.

Un trabajo previo de acercamiento a los novios permite conocerlos en detalle para poder realizar su trabajo con más libertad si cabe, como describe en su página web: “Como el buen cine, la base siempre es el guión”… El atrevimiento, una filosofía y la espontaneidad es el puente para contar una historia coherente, emotiva, elegante… la historia de una pareja, de un día único.

Porque, en definitiva, en un reportaje de boda debe prevalecer el amor, y el reflejo de la vida.

Natan Sans Fotógrafo http://www.natan.es/ Texto: Philippe Uglietta

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Esta imagen fue realizada durante los momentos del maquillaje de la novia previo a su boda.

La idea, desde un principio (debido a la simpleza de la habitación), era intentar unificar la luz exterior con la que había en el interior, concretamente donde se encontraba la novia y el maquillador. Normalmente, para estos casos me encanta trabajar con el 28mm pero particularmente, en este caso, decidí usar el 20mm para centrar más la atención en la novia y darle pro-

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fundidad a la escena.

Me gusta ir a las bodas con lo que me cabe en la mochila, así que sólo llevo dos flashes de mano (YN568EX Yongnuo) y varios emisores/receptores YN622N. Los parámetros de cámara fueron f8 1/250 y 1250 iso.

Por supuesto el flash a plena potencia para compensar la cantidad de luz que había en la calle.

Esta imagen no la hace tan sólo interesante el reflejo de la novia en los cristales de la habitación, sino que el ciclista en el fondo de la calle es, para mí, la clave. Ese ciclista balancea la imagen justo por la mitad y hace que llene el encuadre mucho mejor.

Los preparativos de la novia son posiblemente el momento que más disfruto del día de boda, ya no sólo por el tiempo que tengo para ir jugando creativamente con los elementos que rodean a la novia sino porque además todos esos sentimientos, nervios y prisas que se respiran son geniales para poder capturar algunos momentos realmente únicos.

© Tristan Shu

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DaVinci Resolve es un software de edición de video no lineal desarrollado por Blackmagic Design . Su versión más reciente es DaVinci Resolve 12.5 la cual funciona en ordenadores personales con sistema operativo Windows , Mac OS X y Linux, incorporando el idioma español. Lanzado en 2004 como un software de etalonaje digital , DaVinci Resolve ha evolucionado hasta convertirse en un editor de video completo con multitud de herramientas para la edición y etalonaje de profesionales, fue el primer software en ofrecer múltiples características y niveles dentro de la corrección de color proporcionando un control intuitivo y exigente sobre imágenes estáticas o en movimiento.

DaVinci Resolve ofrece una edición no lineal de multitud de formatos de video y en multitudde aspectos, la interfaz de DaVinci está diseñada de forma intuitiva y agradable, dividida en cuatro páginas, la primera interfaz del usuario. “ Medios “ es la página donde se importan los archivos para ser seleccionados posteriormente para su edición, así como la librería de los archivos importados anteriormente, la segunda “ Edición “ incluye las diferentes líneas detiempo del proyecto actual, la tercera “ Color “ es la página donde puedes editar todo los aspectos referentes a la corrección de color del proyecto y la cuarta “ Entrega “ que contiene todas las herramientas de renderizado y exportación.

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Soporta trabajar con multitud de pistas de video y audio así como diversas funciones de edición (insertar, reemplazar, sobrescribir, superponer, intercambiar y combinar imágenes editadas). Incluye además avanzadas herramientas contextuales que permiten desplazar, extender o acortar secuencias e incluso recortar secuencias en varias pistas simultáneamente. Incluye multitud de filtros, transiciones y efectos permitiendo la total edición de estos ajustando su duración y sus puntos de entrada y salida. Además permite la importación de transiciones utilizadas en otro programas de edición como Final Cut Pro X .

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Resolve también permite cambios de velocidad, tanto aceleraciones como ralentizaciones, a la hora de editar, incorporando el flujo óptico haciendo más suave la cámara lenta. En cuanto a formatos, Resolve permite la edición de prácticamente todo tipo de formatos incluidos formatos RAW sin necesidad de perder tiempo convirtiendo el material grabado y manteniendo la calidad de las imágenes, los archivos mp4 son los que más le cuesta mover, dado a la gran compresión que tienen, pero siempre podremos trabajar con los archivos optimizados que podemos generar si nuestro ordenador no pudiera mover los originales.

DaVinci Resolve también ofrece herramientas para la edición del audio permitiendo mezclar con facilidad distintas pistas, ya sean mono , estéreo o 5.1 , y dispone de controles delvolumen permitiendo subirlo o bajarlo desde la línea de tiempo.

Al igual que en la edición, DaVinci Resolve tiene multitud de herramientas para el procesado y edición de la corrección de color. Resolve utiliza un sistema de procesamiento por nodos que permite corregir el color y añadir efectos en cada uno de ellos

de esta manera combinar gradaciones, efectos y mezclas superpuestas para crear una gran variedad de apariencias.

Permite además el etalonaje a partir de archivos RAW permitiendo retocar un sin fin de características de la imagen y sacar el máximo partido al rango dinámico de las imágenes. Su multitud de herramientas permiten desde correcciones más sencillas, controlando los niveles YRGB , a correcciones más avanzadas permitiendo modificar diferentes espacios del color y la luminancia . La estabilización de imagen es espectacular y muy fácil de realizar, tracking y seguimientos rápidos y sencillos además de nuevos efectos OpenFX. DaVinci Resolve no sólo permite la importación en prácticamente todo tipo de formatos sino también su exportación en masterización de copias para TV o la creación de un paquete digital cinematográfico (DCP) para su distribución a distintas salas de cine, cuenta con varias opciones de entrega para crear diferentes versiones, dar los toques finales o enviar el trabajo en cualquier resolución. Es posible exportar contenidos en distintos formatos con inserción del código de tiempo en pantalla y crear archivos EXR o DPX para trabajar con efectos visuales, además de material en ProRes de 10 bits sin comprimir para llevar a cabo el montaje en programas tales como Final Cut Pro X. De esta manera ofrece multitud de códecs para comprimir y exportar archivos a casi cualquier formato. Permite exportar archivos en formatos personalizados, YouTube, Vimeo, Final Cut Pro 7, Premiere XML, Avid AAF, Prootols y audio, pudiendo crear colas de procesamiento por si fuera necesario la exportación de un proyecto a distintos formatos en distintas calidades.

La versión DaVinci Resolve 12.5 ofrece más de 250 nuevas funciones y un sinfín de mejoras que incluyen herramientas de edición adicionales, mejores prestaciones para realizar ajustes cromáticos, efectos innovadores y compatibilidad con imágenes de alto rango dinámico (HDR).

Esta versión ofrece siete innovadoras funciones de recorte, un menú superpuesto al visorcon opciones para añadir o sobrescribir archivos y la posibilidad de reorganizar o pegar e insertar clips, entre otras características. Asimismo, se ha mejorado el rendimiento de la línea de tiempo para agilizar los procedimientos de edición. Con la nueva opción de pantalla completa, los

Edición con múltiples fuentes DaVinci Resolve 12 permite a los editores realizar cortes directos para alternar entre distintas fuentes en tiempo real.

Asimismo, es capaz de sincronizar diferentes ángulos a partir del código de tiempo, la forma de la onda correspondiente a la señal de audio o los puntos de entrada y salida. El visor de fuentes muestra una cuadrícula con los ángulos de la cámaras y los reproduce en forma sincronizada mientras que el editor realiza modificaciones en las imágenes y/o el audio. Al finalizar, se puede volver atrás y cambiar el ángulo de la cámara, modificar las pistas de audio o recortar las secuencias mediante cualquiera de las herramientas extraordinarias que el programa ofrece.

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usuarios pueden previsualizar el contenido editado en equipos portátiles o sistemas con un solo monitor.

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Las versiones DaVinci Resolve 12.5.5 (gratuita) y DaVinci Resolve 12.5.5 Studio (905€) pueden descargarse en: https://www.blackmagicdesign.com/es/products/davinciresolve DaVinci Resolve 12 Studio tiene las mismas características que el editor/ corrector Davinci Resolve gratuito pero con las siguientes funcionalidades añadidas:

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Monitores

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.- Reducción de Ruido Temporal y Espacial .- Herramientas Estereoscópicas 3D .- Salida a Resolución Superior a UHD, como 4K o Más

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.- Rendering Remoto .- Funciones de Flujo de Trabajo Colaborativo .- Soporte Para Más de 2 GPUs Requerimientos mínimos del sistema para Mac OS X Mac OS X 10.10.5 Yosemite Se recomiendan 16 GB de memoria del sistema y 8 GB es el mínimo soportado Blackmagic Design Desktop Video versión 10.4.1 o posterior Controladores CUDA versión 7.5.25 Controladores NVIDIA requeridos por la GPU Controlador RED Rocket-X 2.1.31.0 y firmware 1.4.1.16 o posterior Controlador RED Rocket 2.1.23.0 y firmware 1.1.18.0 o posterior Requerimientos mínimos del sistema para Windows Microsoft Windows 8.1 Pro 64bit Se recomiendan 16 GB de memoria del sistema y 8 GB es el mínimo soportado Blackmagic Design Desktop Video versión 10.4.1 o posterior Controlador NVIDIA/AMD/Intel requerido por la GPU Controlador RED Rocket-X 2.1.31.0 y firmware 1.4.1.16 o posterior Controlador RED Rocket 2.1.23.0 y firmware 1.1.18.0 o posterior

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© Alberto Rodrigo

historia

«EL SUEGRO DEL YERNO» (Antonio García Peris) Ángel Herraiz - MFI

Casi nadie recuerda a Federico de Madrazo director del Museo del Prado y de la Real Academia de Bellas Artes, pero sí a Mariano Fortuny que se casó con su hija Cecilia, y fue muchísimo más famoso y rico que su suegro. El estupendo pintor Francisco Pacheco tenía como aprendiz a un tal Velázquez el cual se ligó a su hija Juana, le desplazó como pintor de cámara del rey y pasó a la posteridad como el mejor pintor del mundo. Otro como Francisco Bayeu promocionó a Goya en la corte del rey, y el pájaro que todavía no era sordo se casó con su hermana Josefa, y ya nadie conoce a Bayeu.

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Bueno, ¡pues ojo!, porque parece que es una tradición esto de casarse con la hija de un artista benefactor y luego desplazarle. Y así le pasó a Antonio García Peris, un buen pintor y gran fotógrafo que prohijó a un jovencito Joaquín Sorolla huérfano desde los dos añitos a causa de una epidemia de cólera que mató a sus padres. El fotógrafo le pagó los estudios de Bellas Artes y le contrató para colorear fotografías.

Además le proporcionó un espacio para pintar pero… tanto coloreo, tanto retoque, tanto cuarto oscuro…terminó ligándose a Clotilde, la hija pequeña. Luego se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo…¡y ya nadie se acuerda del generoso suegro!

Antonio García Peris fue un tipo estupendo, simpático como todos los valencianos, había estudiado pintura en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y se dedicó a pintar escenarios para el teatro. Allí por un compañero conoció la incipiente fotografía y con un socio más comercial que artista abrió un estudio fotográfico. Tuvo la buena idea de no competir con los fotógrafos que ya estaban instalados en sus elegantes pisos y áticos luminosos. Antonio fue un innovador y abrió su estudio a pie de calle con un gran portalón para retratar a los ricos sin bajarse de sus carruajes o de sus caballos. El éxito fue inmediato. A fin de cuentas quien tenía un carruaje tenía más dinero.

Luego se instaló ya el sólo en la Plaza del Ayuntamiento en una casa enterita para él y lujosamente decorada. Con sus estupendos retratos se ganó una prestigiosa reputación entre la burguesía valenciana y reunió una importante fortuna.

Pero inquieto y creativo, no se detuvo ahí y de nuevo se trajo del extranjero todas las novedades tecnológicas y dio un giro tremendo a su trabajo siendo el primero en incorporar cámaras de gran formato y ampliadoras enormes, para ofrecer grandes fotografías de carácter publicitario a empresas y comercios. Si ya era muy considerado entre la clase media y el artisteo, ahora se ganó a los industriales y empresarios. Ya sólo faltaba…

78 Antonio García Peris por Sorolla

…¡La clase alta! La inoperante y dudosa nobleza de los Borbones, su corte y sus adláteres. Así que de nuevo incorporó otro estilo y una vez más con éxito: El reportaje social de alto nivel. Siendo el más significativo el lujoso seguimiento que hizo de la visita de los reyes Alfonso XII y Mª Cristina a

historia lación magnífica. Se retrataron mutuamente en composiciones divertidas y mundanas, y Sorolla – discípulo atento- repitió más tarde en sus óleos algunas composiciones de grupo que previamente había creado Antonio.

Los fotógrafos valencianos (levantinos, más bien) han sido afortunados herederos de esa tradición y nos han dado hasta nuestros días, mavillosas fotografía bien iluminadas. Pero me conmueven sobremanera

Antonio García en su laboratorio (por J.Sorolla)

Clotilde hija de Antonio y esposa de Sorolla

Valencia. Luego con su tremendo prestigio y su conocida generosidad se dedicó a defender y apoyar la profesión de fotógrafo, desde el ámbito artístico, luchando para desvincularla de la pintura y que fuera considerada como otra arte plástica, y desde el mundo social y laboral, como presidente de la Asociación de Fotógrafos Valencianos.

Ya nadie cuestiona que Joaquín Sorolla es uno de los mejores pintores postimpresionista y luminista del mundo, y afortunadamente tampoco se cuestiona cuanto tuvo que ver en esto la protección y ayuda de su suegro. Parece que ambos fueron tipos estupendos y tuvieron una re-

Sorolla y su familia

las composiciones de grupo. Os invito a observar cuidadosamente la titulada “Autorretrato familiar” En la que aparece nuestro fotógrafo de pie al fondo, y Sorolla sentado en primer término encendiendo relajadamente un puro a la hora del café y los licores. La distribución es teatral y perfecta. La abuela satisfecha y oronda, el yerno comodón pasando de todo, el niño con la mano en el bolsillo deseando marcharse, la criada sirviendo el café con la cabeza agachada pero con un oportuno rebote de luz en la cara, la iluminación general parece provenir del lámpara central…¡en 1907!

Hoy, yo no sería capaz ni siquiera de reunir a todos los personajes.

Autorretrato familiar

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Jesús Muel de Dios- MF

panel abierto

ANÁLISIS Y PROPUESTA

APARTADO: Reportaje Gráfico.

IMPACTO: Medio.

CALIDAD TÉCNICA: Deficiente por un exceso de microcontraste en toda la imagen. Este efecto resulta visualmente impactante para quien no tenga el ojo educado ya que añade dramatismo y una sensación de hiperrealismo, pero si estamos hablando de lo que debería de ser una buena fotografía los “ fuegos artificiales” desvían la atención del mensaje de la imagen.

COMPOSICIÓN: Sin lugar a dudas es el punto fuerte de esta fotografía. La simetría de las ventanas, así como la perfecta corrección del paralelismo de las mismas con respecto a los márgenes nos cuentan que el autor se tomó su tiempo para la realización de la imagen. Da la sensación de haber empleado tiempo en la composición, quedando a la espera de que alguien pasase por el encuadre para completar la imagen.

CALIFICACIÓN DE RANGO: Insuficiente por lo expuesto anteriormente sobre el microcontraste. Lástima.

PROPUESTA: Partiendo de la premisa de que el autor tuvo tiempo para realizar la toma, la imagen hubiese mejorado quitando el papel blanco del suelo y esperando a que la luz dejase de iluminar la esquina inferior izquierda ya que estos dos elementos, al ser altas luces, entran en competencia directa con la protagonista de la escena. Esto se podría hacer retocando en postproducción ( como en el ejemplo que acompaño) pero, siendo puristas, el retoque no está aceptado en el reportaje gráfico. Así mismo disparando el obturador unos segundos antes se habría situado a la mujer en el tercio vertical derecho y la imagen habría quedado más equilibrada y compensada, ya que en la ubicación en la que nos la muestra el autor, sumada a las altas luces mencionadas y a la dirección en que camina la mujer, la imagen tiene un excesivo peso en su lado izquierdo.

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También propongo cerrar un poco las luces sobre la mujer con la intención de destacarla sobre el fondo.

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panel abierto

ANÁLISIS Y PROPUESTA

APARTADO: Retrato. En una obra tratamos de averiguar qué nos quiere contar el autor, y cómo nos lo cuenta.

IMPACTO: Medio.

MENSAJE: En cuanto vemos y analizamos la obra nos damos cuenta perfectamente del mensaje de la misma. El autor nos presenta a un niño con su sueño aventurero de recorrer mundo, de viajar...

Jesús Amenedo- MF

CALIDAD TÉCNICA: Nos presenta todo en un mismo PLANO tanto lumínico como focal. La Iluminación es tan uniforme en todo el plano de la obra que no consigue resaltar al niño, y ni siquiera ese intento de iluminación cenital nos separa la expresión del niño (“retrato”). La piel se encuentra completamente plana y sin apenas textura. Se aprecia un exceso de retoque en toda la piel sobre todo en los brazos. La sombra que se produce en el cuello hace que parezca más ancho de lo normal.

El hecho de estar todo en el mismo plano focal tampoco ayuda a la hora de “separar” al niño de todo el resto de la imagen haciendo que todo adquiera el mismo -tanto ó más- protagonismo que el niño y que al tratarse del apartado mencionado antes, entiendo que tendría que prevalecer sobre todo eso mismo, un retrato.

COMPOSICIÓN: Sin lugar a dudas es el punto fuerte de esta fotografía. La simetría de las ventanas, así como la perfecta corrección del paralelismo de las mismas con respecto a los márgenes nos cuentan que el autor se tomó su tiempo para la realización de la imagen. Da la sensación de haber empleado tiempo en la composición, quedando a la espera de que alguien pasase por el encuadre para completar la imagen.

CALIFICACIÓN DE RANGO: Obra que para mí podría estar en el rango de Aceptable.

PROPUESTA: Menos es más. Me explico: Tratándose de un retrato y de un mensaje tan claro como el que transmite el autor quizás se podría intentar aislar lumínica y focalmente al niño del resto del entorno-bodegón. Poder tener al niño separado un poco del fondo para poder jugar con la focal óptica y dejar fuera de plano focal el decorado. Asímismo aislar con luz la expresión del niño,utilizar esa iluminación cenital sobre el rostro.

En cuanto a todo el entorno, decorado, atrezzo... ¿es necesario tanto para enfatizar ese“deseo-sueño-anhelo”?. Sinceramente creo que sobra mucho del mismo. Por último, y creo que tiene importancia, el hecho de aparecer todo en ese mismo plano hace que nos fijemos casi sin querer en el libro de arriba a la derecha cuyo título se lee con facilidad al estar tan nítido...”Carceles para mujeres”....... Mmmmmm..!!!

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Bernardo Díaz Guzmán MV

panel abierto Lo primero que me llamó la atención, nada más empezar la obra fue la buena calidad del sonido directo. Algo que en un breve espacio de tiempo todos hemos mejorado o por lo menos lo hemos intentado. De esta forma nuestro trabajo ha pasado de ser cine mudo acompañado por la canción de moda, a aprovechar todas las posibilidades narrativas que nos ofrece la banda sonora.

Cuando comienza la canción de Coldplay me despista un etalonaje un poco raro y que no comprendo ni me cuenta nada de la obra. También observo un abuso de cámara lenta , quizás justificada por el lento ritmo del principio de la canción.

El autor de esta obra es un profesional con muchas tablas y que nos presenta unos planos cuidados fotográficamente y que no recurre a encuadres raros, tan de moda en la actualidad y que muchas veces su valor radica en una apuesta diferente estéticamente, pero no acertada en la narrativa visual; utiliza un montaje no lineal que hace que no estemos pendientes de la cronología de la boda y que está últimamente muy recurrido. El uso de algún filtro de imagen es excesivo en mi opinión. Cuando la canción sube, nos cambia y nos muestra la fiesta a velocidad normal, cambio acertado, pero antes de que acabe el momento álgido de la canción vuelve a la cámara lenta. La luz de la fiesta parece que se proyecta de un foco montado encima de la cámara, esto produce una luz muy plana y poco atractiva, quizás la opción hubiera sido iluminar el recinto del baile con algún foco.

En la entrega de regalos a los amigos, algunos planos se podían haber acortado un poco para evitar algunos traqueteos de la cámara que no van en consonancia con los cuidados movimientos de toda la obra.

Echo en falta algún sonido ambiente que también vendió muy bien al principio del trabajo y que ha brillado por su ausencia en el resto .

A favor: destacar la buena fotografía, buenos movimientos y calidad del sonido ambiente del inicio.

A mejorar: El etalonaje, uso abusivo de la cámara lenta, algún movimiento brusco de cámara y la ausencia de sonido ambiente en casi toda la obra.

Felicitar al autor, ya que se ve un gran profesional y que con algunas correcciones podía haber rozado el mérito.

(Escanea el código QR para ver el vídeo) Una vez más tengo el honor de poder participar en este panel abierto y poder dar mi opinión sobre el trabajo realizado por un compañero del área audiovisual.

Nos encontramos con un vídeo “publicitario” con todo lo que implica esa palabra, campo en el que cada vez más los compañeros videógrafos dan muestra de una excelente preparación y demostrando que no solamente saben defenderse en el campo del reportaje social.

Dentro de los distintos estilos publicitarios yo incluiría este trabajo como un buen ejemplo de un spot del estilo “publicitario emocional”, donde lo que prima son las emociones a través de las cuales se crea la necesidad o fiabilidad sobre un determinado producto o persona/as.

Marco del Pino- MVI

Se denota claramente que el trabajo está pensado para su alojamiento en medios tipo redes sociales o página web y no para una emisión por Televisión, ya que el autor ha obviado claramente la parte infográfica a la que solemos estar acostumbrados al no ser necesaria por la inclusión del spot dentro de algunos de los medios descritos anteriormente. En mi opinión “no” nos encontramos ante un publireportaje. Trabajo de calidad, con un buen guión y buena realización, se nota que el autor se ha preocupado de obtener la máxima información posible de su cliente y de esa forma hacerlo partícipe de su propia publicidad.

En la parte técnica me atrae bastante como el autor ha utilizado la luz natural, si bien, creo que la corrección de color no es totalmente homogénea en todos los planos, creo que la utilización de un color más cálido hubiese favorecido el trabajo; recordar que si hablamos de emociones, los tonos fríos utilizados durante el vídeo, quizás no sean los más adecuados; un toque de calidez en los tonos hubiesen elevado un poco más el impacto emotivo visual.

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Me agrada mucho la trama que el autor ha desarrollado para hacerme llegar la publicidad; se desliga de los usuales recursos a lo que solemos estar acostumbrados, (clínica dental = sillón + instrumental + boca abierta y a sufrir...)

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A nivel de planos, la gran mayoría están muy bien pensados y realizados, aunque en algunos creo que el encuadre podría estar un poco más justificado:

-plano semáforo, tiempo de visualización 00:26

-plano clínica, tiempo de visualización 01:45 (tampoco ayuda el reencuadre con el movimiento de la cámara)

-plano actor sentado sala de espera, tiempo de visualización 01:50

Son pequeños ajustes que hubiesen hecho que el trabajo fuera todavía más perfecto si cabe, aunque no lo suficientemente importantes como para desmerecer la obra en su conjunto.

En definitiva, un excelente trabajo tanto en su preparación como en su ejecución, ¡¡¡mi enhorabuena al autor!!!

(Escanea el código QR para ver el vídeo)

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