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20 minute read
Arpenteuses
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DANCE, CONTEMPORARY CIRCUS, DESIGN COLLECTION
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Compagnie Furinkaï
Conception SATCHIE NORO Performers NATACHA KIERBEL,
FLEURIANE CORNET ET LAURE
WERNLY
Conception and construction SILVAIN OHL Music CARLOS CANALES
COPRODUCTION CCN de Nantes /
Le Fourneau – Centre national des arts de la rue en Bretagne / Le Théâtre Louis
Aragon, Scène conventionnée pour la danse de Tremblay-en-France, dans le cadre de
« Territoire(s) de la Danse » 2017.
HELP AND SUPPORT Département de la Seine-Saint-Denis / Direction
Régionale des Affaires Culturelles d’Île-de-
France – Ministère de la Culture et de la
Communication / Arcadi Île-de-France.
Satchie Noro is an associated artist at CCNN / direction Ambra Senatore dans le cadre du dispositif soutenu par le ministère de la Culture et de la Communication.
Sunday 9 October 2022
15.30, 18.30 35 min
New Hope Gallery
Rue Américaine 26-28, 1060 Saint-Gilles Amerikastraat 26-28, 1060 Sint-Gillis FR Arpenteuses est une installation éphémère dans un pliage et un dépliage permanents. Elle convoque trois présences s’inventant architectes d’un espace qui se recompose sans cesse. Trois corps qui se mêlent, se fondent aux chaises, les mobilisant, se mobilisant. Corps qui enregistrent, occupent et définissent l’espace dans une quête constante d’équilibre, de mise en tension et de dialogue avec l’objet, avec l’autre.
NL In Arpenteuses gedragen drie personages zich als architecten van een ruimte die steeds verandert. Drie lichamen die bewegen rond stoelen en versmelten met die stoelen, lichamen die de ruimte verkennen in een voortdurende zoektocht naar evenwicht, spanning en dialoog met het object, de stoel, en met elkaar.
EN Arpenteuses is an ephemeral performance that continually folds and unfolds. It convokes three beings that become the architects of a space that never ceases to reinvent itself. Three bodies meld together, melt into chairs, moving them and moving themselves. Bodies that enter, occupy and define the space in a constant quest for balance, tension and dialogue with an object and with another.
1 NEW HOPE GALLERY
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FR La New Hope Gallery est le fruit de vingt ans de passion, de recherches et de travail sur un certain art de vivre à travers la constitution d’un ensemble remarquable de pièces maîtresses de l’histoire du mobilier de la seconde moitié du 20ème siècle. Le focus est mis sur certains grands créateurs de cette époque, principalement danois ou américains, à la fois modernes et indépendants, qui ont su produire un mobilier exceptionnel, résistant à l’épreuve du temps et qui nous parvient dans sa contemporanéité renouvelée. Tous précurseurs, George Nakashima, Paul Evans et Phillip Lloyd Powell, Poul Henningsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl, et quelques autres, ont apporté un regard résolument novateur et ont influencé plusieurs générations de créateurs, encore aujourd’hui. Leurs univers nous proposent un éclairage précieux sur notre histoire, individuelle et collective et, au plus près de nos intimités, les promesses de l’amour du bel œuvre et de l’espoir. Cette philosophie est également présente dans l’architecture de la galerie qui accueille la collection. Le bâtiment du 19ème siècle a été entièrement transformé et rénové par l’architecte belge Olivier Dwek en 2017 incorporant des matériaux précieux dans un bâtiment passif. C’est une ode à l’architecture moderne.
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NL New Hope Gallery is ontstaan vanuit een langdurig onderzoek naar en een passie voor een bepaalde levenskunst. Ze omvat een opmerkelijke collectie meesterwerken van de meubelkunst uit de tweede helft van de 20e eeuw. De nadruk ligt op enkele moderne en onafhankelijke Deense en Amerikaanse designers uit deze periode die uitzonderlijke meubels ontwierpen die de tand des tijds hebben doorstaan en eigentijds blijven. George Nakashima, Paul Evans, Phillip Lloyd Powell, Poul Henningsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl en anderen waren allemaal pioniers met een resoluut vernieuwende visie op het meubeldesign. Tot op vandaag hebben ze verschillende generaties ontwerpers beïnvloed. Hun universum geeft ons een dieper inzicht in onze individuele en collectieve geschiedenis. Ze verrijken ons met hun streven naar schoonheid en creatie. Deze filosofie is ook aanwezig in de architectuur van de galerij. Het 19e-eeuwse gebouw is in 2017 door de Belgische architect Olivier Dwek volledig verbouwd tot een passief gebouw en gerenoveerd met kostbare materialen. Het is een ode aan de moderne architectuur. EN New Hope Gallery is the result of twenty years of passion, research and work about a certain art of living through the constitution of a remarkable collection of historic masterpieces from the second half of the 20th century. The focus is on selected Danish and American designers of this period, both modern and independent, who were able to produce exceptional furniture that has stood the test of time and is eternally modern. George Nakashima, Paul Evans, Phillip Lloyd Powell, Poul Henningsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl and others were all pioneers who brought a resolutely innovative vision to furniture design and influenced several generations of designers even today. Their universes offer precious insights into our individual and collective history and, at the most intimate level, the promise of the beauty of creations and hope. This philosophy is likewise present in the architecture of the gallery hosting the collection. The 19th-century building was fully transformed and renovated by the Belgian architect Olivier Dwek in 2017 incorporating precious materials in a passive building. It is an ode to modern architecture.
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Memory of a Place
Circus Memory
Audiovisual artist, composer OFER
SMILANSKY
Cello JEAN-PAUL DESSY Mezzo-soprano COLINE DUTILLEUL
Costume design HAYA SMILANSKY Production NICOLAS ROZIECKI Technical support: sound VCL PRODUCTIONS laser LSE
Monday 10 October 2022
19.30 / 21.00 40 min
Guided tour
18.30 (FR/NL) max 20 pp
La Ferme de Stassart, bureaux de Philippe Samyn and Partners Hoeve de Stassart, kantoor van Philippe Samyn and Partners
Chaussée de Waterloo 1537, 1180 Uccle Waterloose Steenweg 1537, 1180 Ukkel
FR Une performance audiovisuelle pour voix, violoncelle, électronique, laser, lumières diffuses et brouillard. Dédiée à l’architecture des bureaux de Philippe Samyn and Partners, la pièce convoque la mémoire du lieu par la lumière, le son et le mouvement ; ce qu’il était, ce qu’il est maintenant mais aussi ce qu’il pourrait être et pourrait devenir. La composition lumineuse et musicale évoque le passage du temps, avec les détériorations et les transformations qu’ils entraînent. Les vagues de son et les rayons de lumière mettent à nu des couches de mémoire. Les artistes déambulent dans l’espace et le remplissent de leur présence d’une manière qui évolue vers une sorte de rituel. Avec Memory of a Place, Ofer Smilansky approfondit son intérêt pour l’art audiovisuel in situ et propose une pièce qui célèbre le contour rectiligne de l’ensemble architectural dans une ambiance à la fois sobre et mystérieuse.
NL Een audiovisuele performance voor stem, cello, elektronica, laser, licht en mist. Deze voorstelling, gewijd aan de architectuur van de kantoren van Philippe Samyn and Partners, roept door middel van licht, geluid en beweging de herinnering aan het verleden van deze plek op. Wat het was en wat het nu is, maar ook wat het zou kunnen zijn, wat het zou kunnen worden. De licht- en muziekcompositie suggereert het verstrijken van de tijd, met de aftakeling en andere evoluties die er deel van uit maken. Geluidsgolven en de lichtstralen leggen verschillende lagen van herinneringen bloot. De kunstenaars dwalen door de ruimte en vullen die met hun aanwezigheid op een wijze die een soort ritueel wordt. Met Memory of a Place verdiept Ofer Smilansky zijn belangstelling voor site-specifieke audiovisuele kunst en maakt hij een stuk dat de rechte lijnen en de sobere maar mysterieuze sfeer van deze architectuur in de verf zet.
EN An audiovisual performance for voice, cello, electronics, 2 lasers, diffused lights and haze. Dedicated to the architecture of the Samyn and Partners offices, the piece summons the memory of the place through light, sound and movement: what it used to be and what it is now but also what it could be, what it may become. The light and music composition evokes the passing of time, with the deteriorations and transformations it brings. The waves of sound and the rays of light are exposing layers of memory. The artists wander around the space and fill it with their presence in a way that evolves into a sort of ritual. With Memory of a Place, Ofer Smilansky pushes his interest for in situ audiovisual art further and composes a piece that celebrates the straight outline and sober yet mysterious atmosphere of the architectural ensemble.
LA FERME DE STASSART 2
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© Ch. Bastin et J. Evrard
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FR LA FERME DE STASSART, BUREAUX DE PHILIPPE SAMYN AND PARTNERS La ferme construite par le Baron de Stassart vers 1830 fut utilisée telle quelle jusqu’à la fin des années 1960. Elle devint ensuite le restaurant “La Ferme” puis la boîte de nuit “Le Circus” pour être finalement livrée à la spéculation immobilière.
Samyn et Associés acquièrent ce bien de 3200 m² en novembre 1991 dans le but de restaurer la ferme encore dans son état d’origine et de la transformer pour y accueillir ses bureaux.
Situé à l’entrée sud de Bruxelles, le bâtiment côtoie la Forêt de Soignes et est entouré de propriétés arborées. Deux bâtiments situés à angle droit, comprenant trois niveaux, sont complétés par un bâtiment bas à un seul niveau en forme de L de manière à former une cour intérieure dans laquelle est disposé un plan d’eau. L’ensemble est traité avec sobriété, murs en maçonnerie apparente et planchers en béton armé lisse peints en blanc, menuiseries intérieures et extérieures ainsi qu’escaliers et planchers surélevés en merbau.
Le bâtiment est conçu de manière à pouvoir être utilisé demain à une autre fonction que celle d’un bureau d’architecture, telle que par exemple du logement. Une attention toute particulière a dès lors été portée à la circulation intuitive dans les espaces et à l’ergonomie.
NL HOEVE DE STASSART, KANTOOR VAN PHILIPPE SAMYN AND PARTNERS Hoeve de Stassart, gebouwd voor baron de Stassart rond 1830, werd eind jaren zestig nog actief als boerderij gebruikt. Het werd vervolgens het restaurant “La Ferme”, dan de nachtclub “Le Circus” en uiteindelijk werd het goed het onderwerp van intense vastgoedspeculatie.
Samyn and Partners verwierf het goed van 3200 m² in november 1991 met het oog op de restauratie van de hoeve in zijn oorspronkelijke staat en de huisvesting van zijn kantoren.
Het gebouw bevindt zich aan de zuidelijke toegang tot Brussel, naast het Zoniënwoud en wordt omringd door bosrijke eigendommen. De compositie van de hoeve bestaat uit twee rechthoekige gebouwen in een rechte hoek met 3 niveaus. Een nieuw L-vormig gebouw werd aan de bestaande structuur toegevoegd, zodat ze samen een geheel vormen met een binnenhof die de reflecterende vijver omsluit. Het geheel werd aangepakt met een zekere soberheid. Zo liet men het metselwerk van de muren zichtbaar, werden de gladde betonnen vloeren wit geschilderd en het binnen- en buitenschrijnwerk, alsook de trappen en verhoogde vloeren, in merbau hout uitgevoerd.
Het gebouw is zo ontworpen dat het in de toekomst voor andere doeleinden kan gebruikt worden, bijvoorbeeld voor huisvesting. Om die reden werd er bijzondere aandacht besteed aan de morfologische organisatie. EN DE STASSART FARM, OFFICES OF PHILIPPE SAMYN AND PARTNERS The farm built by Baron de Stassart around 1830 was used as such until the late 1960s. Thereafter, it housed the restaurant “La Ferme” and then the nightclub “Le Circus”, before becoming the subject of intense real estate speculation.
Samyn and Partners acquired control of the 3200 m² farm site in November 1991 with the aim of restoring and transforming the farm for their own use.
Located at the southern tip of Brussels, the farm borders the Sonian Forest and is surrounded by large green private properties. Two rectangular wings at right angles, of 1000 m² each and comprising three levels, are completed with a single level L-shaped building of 600 m² so that together they enclose an inner court with a reflecting pond. The building is treated with sobriety, with all visible masonry, vaults and new concrete floors painted white; all the woodwork (window frames, doors, stairs and raised floors) is merbau.
The project is conceived to facilitate other architectural uses in the future, such as residential housing. Special attention was therefore given to the morphological organisation.
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Silence
Isabella Soupart
Concept & choreography ISABELLA SOUPART Dancers JOHANNA WILLIG ROSENSTEIN,
AMINE MAZHOUD, ABIGAIL ALEKSANDER,
ELENI ROBERTS, ELSA TAGAWA, LOREDANA
GARGANO, MACARENA BIELSKI LOPEZ,
MARITA SCHWANKE
Musical direction GUY VANDROMME Sound design SILAS BIERI Musicians OLIVIER TASKIN Drums, GUY
VANDROMME Keyboards & piano, GASPER PIANO Electric guitar Research & dramaturgy ISABELLA SOUPART, GUY
VANDROMME
Artistic assistant BÉRENGÈRE BODIN Light JIM CLAYBURGH Technicians FESTIVAL ARTONOV Tour manager ANNE DECHENE / DANIEL
VERHEYDEN
Production MADE IN BRUXELLES / ACT2 CO-PRODUCTION Festival Artonov 2022,
Concertgebouw Brugge, In-discourse (SE) HELP AND SUPPORT Service Général de la
Création artistique (Fédération Wallonie - Bruxelles),
Vlaanderen Verbeelding werkt, and Muziektheater
Walpurgis
Wednesday 12 October 2022
18.30 / 20.30 1h30
Brasserie Surréaliste
Place du Nouveau Marché aux Grains 22, 1000
Bruxelles
Nieuwe Graanmarkt 22, 1000 Brussel 24
FR Silence, la nouvelle création de la chorégraphe Isabella Soupart, plonge au cœur du livre 21 Lessons on the 21st Century de Yuval Noah Harari. Pour ce spectacle, elle poursuit sa collaboration avec le pianiste Guy Vandromme et invite le concepteur sonore suédois Silas Bieri. La chorégraphe analyse dans cette œuvre les défis technologiques de demain, les médias sociaux, les enjeux politiques, la façon dont nous gérons le désespoir et l’espoir. Silence explore, dans un monde numérique et analogique, les notions d’espace-temps, d’immobilité et de mouvement. Avec Silence, la chorégraphe conçoit un ballet électro-contemporain où neuf danseurs/performeurs jouent avec les codes de la danse contemporaine, dans la mouvance de la culture pop-rock-punk. Une performance dans laquelle les interactions entre individus sont au cœur du processus de création et tentent de donner un nouveau tournant à ce 21ème siècle multiple et mondialisé.
NL Voor haar nieuwe creatie Silence nam choreografe Isabella Soupart het boek 21 Lessons on the 21st Century van Yuval Noah Harari als uitgangspunt. Ze besloot samen te werken met pianist Guy Vandromme en nodigde de Zweeds-Zwitserse Silas Bieri uit voor de sound design. In dit werk analyseert ze de uitdagingen van de technologische evolutie, zoals de impact van de sociale media en de bijbehorende politieke kwesties. Ook kijkt ze hoe we omgaan met wanhoop en hoop. Silence verkent de kneedbaarheid van tijd, de onbeweeglijkheid en de iconografie van beweging in een digitale en analoge wereld. De choreografe creëert een hedendaags elektroballet: negen dansers/performers spelen met de codes van de hedendaagse dans, in het kielzog van de pop-rock-punkcultuur. De voorstelling tast af hoe inclusiviteit een antwoord kan betekenen op deze geglobaliseerde 21e eeuw.
EN Silence, the new creation by choreographer Isabella Soupart, delves into the heart of the book 21 Lessons on the 21st Century by Yuval Noah Harari. For this production, she continues her collaboration with pianist Guy Vandromme and invites the Swedish-Swiss Silas Bieri to curate the sound design. In this work Isabella Soupart analyzes the challenges of contemporary technology, the impact of social media, political issues and the way we show resilience in handling despair and hope. Silence explores the malleability of time and the immobility and the iconography of movement, based on our digital and analogue world. With Silence, the choreographer designs a contemporary electro ballet, where nine dancers/performers play with the codes of contemporary dance, in the spirit of pop-rock-punk culture. A performance in which the inclusiveness of this world is offered as a quest and response to the globalisation of the 21st century.
BRASSERIE SURRÉALISTE 3
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FR Le majestueux bâtiment Art déco datant de 1932, qui abrita à l’époque les Ateliers Coppens et qui fut laissé à l’abandon pendant près d’une décennie, retrouve enfin l’affectation qu’il mérite. Face à la place du Nouveau Marché au Grains et au croisement de la rue de la Braie et de la rue du Houblon, c’est un retour aux sources que de voir naître une nouvelle brasserie en ces lieux. Par le passé, le quartier abritait un grand nombre de brasseries avant de connaître une période d’exode des Bruxellois et ainsi la disparition progressive des petites brasseries locales.
La Brasserie Surréaliste est un lieu de vie qui participe au dynamisme du quartier. Sur près de 1500 m², on trouve une micro-brasserie, un bar, une boutique de bières artisanales, un restaurant et un espace dédié à la promotion de jeunes artistes surréalistes.
« Être surréaliste, c’est bannir de l’esprit le déjà vu et rechercher le pas encore vu. » disait René Magritte.
Cette citation inspire la philosophie et les valeurs de la Brasserie Surréaliste que nous pouvons résumer en 3 mots : surprendre, créer et expérimenter. Le visuel des bouteilles illustre également la philosophie “disruptive” de la brasserie. La bière étant le meilleur ambassadeur belge et le surréalisme l’emblème du rayonnement artistique de notre pays à l’étranger, l’association de ces deux symboles ne peut que stimuler l’imaginaire.
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NL Het majestueuze art-decogebouw uit 1932 dat ooit het Atelier Coppens huisvestte en bijna tien jaar leegstond, krijgt eindelijk de bestemming die het verdient. In het gebouw, gelegen aan de Nieuwe Graanmarkt, waar zowel de Moutstraat als de Hopstraat op uitkomt, is immers onlangs een brouwerij geopend. Een terugkeer naar de oorsprong vermits de wijk in het verleden de thuishaven was van een groot aantal brouwerijen.
Brasserie Surréaliste is een levendige plaats die wil bijdragen aan de dynamiek van de wijk. Op bijna 1500 m2 vindt u een microbrouwerij, een bar, een ambachtelijke bierwinkel, een restaurant en een kunstruimte waar jonge surrealistische kunstenaars worden gepromoot.
“Surrealist zijn is het déjà vu uit je geest bannen en op zoek gaan naar het nog niet geziene”, zei René Magritte.
Dit citaat inspireert de filosofie en de waarden van de Brasserie Surréaliste, die wil verrassen, creëren en experimenteren. De grafische vormgeving van de flessen illustreert de “ontwrichtende” filosofie van de brouwerij. Bier is de beste Belgische ambassadeur en het surrealisme is het embleem van de artistieke invloed van ons land in het buitenland. De combinatie van deze twee kan de verbeelding alleen maar stimuleren. EN The majestic Art Deco building from 1932 that once housed the Ateliers Coppens and remained empty for almost ten years is finally getting the makeover it deserves. A brand new micro-brewery has popped up opposite the Nouveau marché aux grains, and ironically at the intersection of the Rue de la Braie and the Rue du Houblon. A true homecoming, since the district was home to many breweries in the past!
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Brasserie Surréaliste is a bustling space that contributes to making the neighbourhood more dynamic, with an area of almost 1500 m² housing a micro-brewery, a bar, a craft beer shop, a restaurant and an art space promoting young surrealist artists.
“To be a surrealist is to banish déjà vu from your mind and to seek the unseen,” said René Magritte.
This quote inspires the philosophy and values of the Brasserie Surréaliste, which aims to surprise, create and experiment. The graphic design of their labels illustrates the “disruptive” philosophy of the brewery. Beer is the best Belgian ambassador and surrealism is the emblem of our country’s artistic influence abroad. The combination of these two symbols cannot but stimulate the imagination.
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Reflets de cristal
Thomas Bloch
Glass harmonica THOMAS BLOCH
Thursday 13 October 2022
18.00 / 19.00 35 min
Guided tour
17.15 (NL), 19.45 (FR) max 15 pp
Queens Brussels
Avenue de la Reine 266, 1020 Laeken Koninginnelaan 266, 1020 Laken
Possibilité de visiter l’exposition de Sébastien
Forthomme (p 36) Gelegenheid om de tentoonstelling van
Sébastien Forthomme te bezoeken (p 37)
MUSICAL PROGRAMME
Johann Abraham Peter Schulz (1747-1800) Largo Thomas Bloch (1962) Hot Dog Vladimir Tosic (1949) Voxal Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Adagio K 617a Johann Julius Sontag von Holt Sombach (1962) 1ère Suite Michel Redolfi (1951) Quelques songes sur pont suspendu Gareth Farr (1968) Kembang Suling Karl Leopold Röllig (1754-1804) Zwei Tonstücke Thomas Bloch (1962) Christ Hall Blues
FR ARTONOV vous invite à une rencontre musicale exceptionnelle avec Thomas Bloch, un des très rares glassharmonicistes professionnels au monde. Une occasion unique d’entendre les sonorités cristallines de cet instrument insolite et méconnu.
Composé de 37 verres qui tournent sur un axe, frottés par les doigts mouillés, le glass harmonica fut inventé en 1761 par Benjamin Franklin, qui entendit un musicien jouer sur des verres à pieds posés sur une table. Il décida alors d’en améliorer le principe. Mais après avoir irrité certains de ses contemporains, l’instrument fut interdit par la police et disparut vers 1835. Un médecin aurait même suggéré, dans un ouvrage daté de 1804, qu’il relâchait tous les nerfs du corps et pouvait abattre l’homme le plus robuste en moins d’une heure. Heureusement, d’autres personnes se sont intéressées à l’objet comme Paganini qui l’avait surnommé l’orgue angélique. Ainsi, grâce à la virtuosité qu’il permet, des compositeurs comme Mozart, Beethoven, C. P. E. Bach, Weber, Donizetti, pour ne citer qu’eux, ainsi que des auteurs contemporains (Dusapin, Benjamin, Connesson…) se sont laissés séduire. Le milieu du cinéma l’a également adopté par l’intermédiaire de compositeurs de musiques de films comme Philippe Sarde, Gabriel Yared, Nino Rota ou encore Alexandre Desplats.
NL ARTONOV nodigt u uit voor een uitzonderlijke muzikale ontmoeting met Thomas Bloch, een van de zeldzame professionele glasharmonisten ter wereld. Een unieke gelegenheid om de kristalheldere klanken van dit ongewone en weinig bekende instrument te beluisteren.
De glasharmonica, die bestaat uit 37 glazen die om een as draaien en met natte vingers worden gewreven, werd in 1761 uitgevonden door Benjamin Franklin, die een muzikant hoorde spelen op wijnglazen die op een tafel waren geplaatst. Hij besloot het principe te verbeteren. Het instrument irriteerde sommige van zijn tijdgenoten in die mate dat het door de politie werd verboden en rond 1835 verdween. Een arts beweerde in een boek uit 1804 zelfs dat het voorwerp de meest robuuste man in minder dan een uur kon doden. Gelukkig kon Franklin anderen overtuigen, onder wie Paganini die de naam ‘engelenorgel’ gebruikte. Dankzij de virtuoze mogelijkheden van dit instrument hebben onder anderen Mozart, Beethoven, C.P.E. Bach, Weber, Donizetti, maar ook hedendaagse componisten (Dusapin, Benjamin, Connesson...) zich erdoor laten verleiden. Ook kreeg de glasharmonica een plaats in de filmmuziek, met dank aan Philippe Sarde, Gabriel Yared, Nino Rota en Alexandre Desplats. EN ARTONOV invites you to an exceptional musical encounter with Thomas Bloch, one of the very few professional glassharmonists in the world. A unique opportunity to hear the crystalline sounds of this unusual and little-known instrument.
Composed of 37 glasses that turn on an axis, rubbed with moistened fingers, the glass harmonica was invented in 1761 by Benjamin Franklin, who had previously heard a musician play on wine glasses arranged on a table. He thereafter decided to improve upon the principle. Unfortunately, his efforts aggravated certain of his contemporaries to the extent that the police banned the instrument, which subsequently disappeared around 1835. A doctor even suggested, in a text dated 1804, that the instrument could slacken all the nerves in the body and could bring to their knees even the most robust of men in under an hour. Happily, he was able to convince others of its merits, including Paganini who attributed it the nickname the ‘angelic organ’. The instrument’s potential for virtuosity was recognized by Mozart, Beethoven, C.P.E. Bach, Weber and Donizetti among others, as well as by contemporary composers such as Dusapin, Benjamin and Connesson. It has also featured in film music by Philippe Sarde, Gabriel Yared, Nino Rota and Alexandre Desplats.