Arte ao Lado (vol. II) by Filipe Chagas

ARTE ao LADO vol. II

Publicação Independente de Arte | ano I

APRESENTAÇÃO

uando você passa a se interessar e até mesmo estudar a Arte, você passa a ver não só a questão estética, mas também busca o contexto e as intenções por trás das obras. No dia 20 de julho de 2015, Dia do Amigo, me dei conta que diversos amigos, familiares e conhecidos estavam de certa forma conectados à Arte. Resolvi escrever sobre isso em meu blog particular (sim, ainda tenho blog), pois conhecer os processos criativos e perceber que você está gerando reflexões é deveras instigante e empolgante. Só não imaginava que iria me dar tanto prazer, ao mesmo tempo que traria tanta dificuldade. Abordei os participantes via e-mail ou redes sociais, pedindo que respondessem três perguntas que todo jornalista precisa fazer para escrever um texto: O QUE você faz? COMO você faz? POR QUE você faz? Depois dessas respostas começava o processo cíclico de escrever, revisar, aprovar até que ficasse bom para ambas as partes. De início, achei que seria somente uma exposição e apresentação dos trabalhos de pessoas do meu cotidiano que são verdadeiros artistas. Porém, quando comecei a receber as primeiras respostas, percebi que estava pedindo que os artistas se distanciassem de suas produções e refletissem sobre seus processos de criação, que penetrassem em si mesmos e encontrassem a essência de suas artes. Que complexo! Confesso: não pensei nisso quando tive a ideia. Vi alguns lutando contra a escrita porque nunca haviam se debruçado sobre suas próprias criações/ações. E isso, por fim, acabou criando um diálogo mais rico e fascinante que extrapola o universo da arte: sim, temos o desenho, a fotografia, a escultura e a dança, mas também temos o artesanato de bolos, a cirurgia plástica, o carnaval e o colecionar. Chamei esse projeto de ARTE ao LADO, por estar identificando, buscando e espalhando a Arte que vejo ao meu redor. A primeira fase do projeto contou com dez postagens uma vez por semana. A segunda fase contou com dez postagens uma vez por mês. E a terceira fase está sendo a criação desta publicação independente, saindo do universo particular do meu blog para ganhar um outro alcance. Divirtam-se!

PRESENTATION

hen you become interested in Art and even study it, you begin to see not only the aesthetics, but also the context and the intentions behind the works. On July 20, 2015, Friend’s Day in Brazil, I realized that I have several friends, family and acquaintances connected to Art in some way. I decided to write about it in my private blog (yes, I still have a blog), because knowing the creative processes and generating reflections is very exciting. I just didn’t think it would give me so much pleasure and it would bring so much trouble at the same time. I called the participants via e-mail or social networks, asking them to answer three questions that every journalist needs to ask to write a text: WHAT do you do? How do you do? WHY do you do? After their answers began the cyclical process of writing, reviewing, approving until it was good for both parties. At first, I thought it would only be a presentation of the works of people of my daily life who are true artists. But when I began to receive the first answers, I realized that I was asking artists to distance themselves from their productions and to reflect on their creative processes, to penetrate within themselves and find the essence of their arts. That’s complex! I confess: I didn’t think of that when I had the idea. I saw some struggling against writing because they had never bent over their own creations. And that, in the end, has created a richer and more fascinating dialogue that goes beyond the universe of art: yes, we have drawing, photography, sculpture and dance, but we also have the cake design, aesthethic surgery, carnival and the act of collect. I called this project ART BESIDE, cause it’s identifying, searching and spreading the Art that I see around me. The first phase of the project featured ten posts once a week. The second phase had ten posts once a month. And the third phase is being the creation of this independent publication, leaving the private universe of my blog to gain another reach. Have fun!

EDITORIAL Nesta segunda edição, o Desenho assume sua posição de Arte em suas diversas formas e técnicas. No entanto, outra coisa chamou minha atenção. Ao reler os textos escritos, inconscientemente (será?) os organizei de forma que eu me vejo indo de aluno a mestre, de mestre a aluno. Revivi uma trajetória particular tanto acadêmica quanto profissional que me levou ainda mais no passado quando fiz um desenho aos 4 anos de idade e meu tio colocou num quadro, certo de que uma criança jamais teria aquela consciência artística.

In this second edition, the Drawing assumes its position of Art in its various forms and techniques. However, something else caught my eye.

Fica a pergunta: quantos de nós temos essa consciência artística quando pequenos e somos aos poucos retirados desse universo? A resposta vem tão rápida em nossas mentes que me sinto ainda mais responsável por divulgar e enaltecer o desenho como Arte.

The question is: how many of us have this artistic awareness when we are little and are gradually withdrawn from this universe? The answer comes so fast in our minds that I feel even more responsible for spreading and extolling the drawing as Art.

When I re-read the written texts, I unconsciously (?) organized them so that I see myself going from student to teacher, from teacher to student. I relived a personal trajectory both academic and professional that led me even more in the past: when I made a drawing at the age of four and my uncle put it on a wall, certain that a child would never have that artistic awareness.

SUMÁRIO LETÍCIA VICENTINI pág. 6 SIDNEY CHAGAS pág. 12 AMADOR PEREZ pág. 20

Letícia Vicentini D

oce, sorridente e delicada, Letícia era aquela aluna fofa. Os professores sempre esperavam muito de seus resultados por sua dedicação e bom gosto. Já se via em alguns trabalhos o seu empenho e aquele brilho no olhar que aparece no momento de criação do artista. Mas preciso confessar: a escola não deixou ela dar vazão ao seu real talento. Posso dizer isso agora que comecei a ver o que ela desenvolve para a faculdade. Mesmo estando voltada quase que exclusivamente para o curso de Desenho Industrial da PUC-Rio e para o estágio no IP Studio, Leticia está sempre tentando variar e aprender novas técnicas. Desenho, pintura, escultura, aquarela (foco atual), depende da técnica e do projeto, não sem antes fazer vários esboços e ver referências. Ela diz que vai modificando constantemente o trabalho até chegar em um esboço que considera “aceitavel”: Me sinto “realizada” quando eu imagino algo e consigo passar o que eu imaginei para o trabalho, seja para o papel ou computador, ou o que for. Então, quanto mais técnicas eu souber, mas interessante serão os resultados imaginados. Olha… isso deve ser difícil pacas pra ela, porque o perfeccionismo faz parte da pessoa. Repararam nas aspas que ela usa? Isso tem dois lados: o bom é a busca contante pelo melhor; o ruim é a insatisfação garantida, porque nunca vai estar no nível que realmente gostaríamos. Por isso, acho que, quando ela divulga os desenhos que faz por diversão, conseguimos ter um vislumbre da ponta do iceberg que é o potencial dessa menina. 6

E fico feliz em saber que Leticia faz os trabalhos da faculdade com gosto. Percebo pelas suas palavras que ela tem como objetivo abrir ainda mais seus horizontes criativos. Como fui seu orientador de Projeto Final do Curso de Comunicação Social do Instituto de Tecnologia ORT, me sinto como um dos responsáveis por tê-la colocado na frente de um possível caminho a seguir na vida.

Esta postagem sobre Letícia Vicentini está disponível no meu blog Philos+Hippos. Foi publicada em 29 de agosto de 2015 às 00h e houve revisão para esta publicação.

Sweet, smiling and delicate, Leticia was that cute student. Teachers always expected much from her because of her dedication and good taste. It was possible to see in some works her commitment and that brightness in her eye that appears at the moment of creation. But I must confess: the school did not allow her to give vent to her real talent. I can say that now because I’ve begun to see what she’s developing for college. Even though she is focused almost exclusively on the Design course at PUC-Rio and at the internship at IP Studio, Leticia is always trying to vary and learn new techniques. Drawing, painting, sculpture, watercolor (current focus)... depends on technique and design, not without first doing several sketches and seeing references. She says she is constantly changing her work until she arrives at a sketch that she considers “acceptable”: I feel “fulfilled” when I imagine something and I do that on paper or computer, or whatever. So the more techniques I know, the more interesting the imagined results will be. Look ... this must be hard for her, because perfectionism is part of her. Have you noticed the quotation marks that she uses? This has two sides: the good is the constant search for the best; the bad is the guaranteed dissatisfaction because it will never be at the level that we would really like. So I think that when she posts the drawings she does for fun, we get a glimpse of the tip of the iceberg that is the potential of this girl. And I’m glad to hear that Leticia does college work with drive. I see from her words that she aims to open up her creative horizons even more. As I was her final project supervisor at Instituto de Tecnologia ORT’s Social Communication Course, I feel like one of the people responsible for putting her in front of a possible path to follow in life.

Sidney Chagas T

odas as crianças no mundo desenham e rabiscam desde muito pequenas. Mas pra onde será que vai essa habilidade? O que é feito no meio da criação/educação que as crianças perdem a vontade de se expressar graficamente? Essa é apenas uma das reflexões que passaram pela minha cabeça quando li as respostas do designer Sidney Chagas. Pra ele, quando crianças, ninguém julga seus próprios desenhos como ruins. As pessoas crescem e começam a se comparar umas às outras, e tudo que não se adequa ao conceito de correto ou bonito é classificado como ruim. Às vezes as próprias pessoas decidem que seus desenhos não são bons o suficiente e desistem de continuar à desenhar. Quando ingressou na faculdade de design, Sidney aprendeu que o conceito de ilustração sugere que a mesma acompanhe um texto, um conceito ou um produto com o propósito de complementar, o que acontece frequentemente em seu trabalho como designer. A profissão “ilustrador“ lhe pareceu agregar propósito demais ao desenho e isso tirava um pouco da magia que essa atividade representava pra ele: Tive a impressão de que o desenho desenhado era um pedaço de mim que se mostrava bem pequeno em relação ao mundo de tipos, regras e planejamento que me eram apresentados.

Isso o incomoda muito ao ponto de ter tido grande dificuldade de responder as perguntas deste projeto (“Foi um parto de mim mesmo!”). Sidney questionou-se sobre como iria escrever sobre algo tão livre como arte se sua criatividade tem ficado cada vez mais condicionada ao trabalho: Tem aquela criatividade já forjada pro trabalho, sabe? Te pedem uma coisa e você produz. Produto puro, TEM que vender, TEM que ser bom, o cliente TEM que gostar. Isso afeta demais quando se quer simplesmente desenhar. Chego em casa e não tenho mais aquele desejo... Agora ele busca se sentir criança novamente, retomando o desenho sem expectativas no final, sem razões concretas, sem responsabilidades de parecer correto. Não quer mais desenhar somente para complementar algo ou ter uma explicação necessária. Sabe que tem nas mãos uma ferramenta de moldar o mundo ao seu redor (“Desenho quando não quero estar preso à regras, ou quando quero quebrálas”) e, seja de forma analógica ou digital, entende que as técnicas se tornam inúteis sem uma inspiração. E ao falar disso, Sidney relembra a magia do desenho: É comum eu querer criar algo e passar horas com uma folha de papel em branco na minha frente 14

pois nem sempre a criatura obedece ao seu criador. Geralmente extraio inspiração de pessoas peculiares que vejo na rua, de personagens e personalidades que admiro. Se algo que vejo gera uma reação forte o bastante pra que eu fique pensando naquilo por um certo período, isso geralmente me motiva a desenhar e, ao fazê-lo, tento recaptar aquela sensação. O desenho pode vir também pela simples vontade de desenhar, como um chamado, se eu quiser colocar “poeticamente”. Eu desenho porque é uma das poucas coisas em que se tem total liberdade pra se fazer. Esse chamado poético é o Chamado da Arte. Fez Sidney sofrer ao se dar conta que sua forma de expressão, sua liberdade, está sendo tomada pelo cotidiano voraz capaz de eliminar o ato de desenhar da vida das pessoas. Mas foi essa angústia (que emergiu ao ter se deparado ironicamente com uma folha branca na sua frente) que o motivou a retomar o caminho de sua vocação. 16

Apesar do sobrenome em comum, não somos da mesma família, mas carinhosamente nos chamamos de “primos”. Ele foi estagiário de design no Museu da República quando eu trabalhava lá. Ambos estudamos na ESDI (em momentos distintos) e me lembro de termos rapidamente conseguido uma conexão profissional (suas ilustrações já me impressionavam e salvaram vários momentos de falta de criatividade!). Aos poucos a ligação se tornou pessoal e vivíamos ouvindo músicas no rádio (odiando a “Hora do Blush”). Mesmo com nossa separação profissional e o intercâmbio para a Alemanha que o fez morar lá, mantivemos contato pelas redes sociais e hoje estabelecemos novos vínculos. Espero que esse projeto reanime sua Arte.

Esta postagem sobre Sidney Chagas está disponível no meu blog Philos+Hippos. Foi publicada em 24 de outubro de 2015 às 00h e não houve revisão para esta publicação.

Every child in the world draws and sketches from an early age. But where does this ability go? What is done in the middle of creation / education that children lose their willingness to express themselves graphically? This is just one of the thoughts that went through my mind when I read the answers of the designer Sidney Chagas. For him, as children, no one judges your drawings as bad. People grow and begin to compare themselves to each other. Anything that does not fit the concept of right or beautiful is rated as bad. Sometimes people themselves decide that their draws are not good enough and they give up. When Sidney entered the design university, he learned that the concept of illustration suggests that it has to accompany a text, a concept or a product for the purpose of complementing, which often happens in his work as a designer. The “illustrator” profession seemed to add too much purpose to the drawing and this took away some of the magic that this activity represented for him: “I had the impression that the drawing was a piece of me that was very small in relation to the world of types, rules and planning that were presented to me.” This bothers him greatly to the point of having great difficulty answering the questions of this project (“It was a birth of myself!”). Sidney wondered how he would write about something as free as art if his creativity has become more and more conditioned to work: “You have that creativity already made for work, you know? They ask you for something and you produce it. Pure product, MUST sell, MUST be good, the customer MUST like it. This affects too much when you simply want to draw. I arrive home and I do not have that desire anymore...” Now he seeks to feel a child again, returning to drawing without expectations at the end, without concrete reasons or responsibilities to be correct. He no longer wants to draw only to complement something or to give a explanation. He knows that he has a tool in his hands to shape the world around him (“I draw when I don’t want to be bound by rules or when I want to break them”) and, whether analog or digital, he understands that techniques become useless without an inspiration. And in speaking of this, Sidney recalls the magic of drawing: “I often want to create something and spend hours with a blank sheet of paper in front of me because the creature does not always obey its creator. I usually draw inspiration from the peculiar people I see on the street, from characters and personalities that I admire. If something I see generates a reaction strong enough for me to think about it for a certain period, that usually motivates me to draw and recapture that feeling. The drawing can also come from the simple will to draw, as a call, ‘poetically’ speaking. I draw because it is one of the few things in which one has complete freedom to do.” This poetic call is the Call of Art. It made Sidney suffer by realizing that her form of expression, her freedom, is being taken by the voracious daily life capable of eliminating the act of drawing from people’s lives. But it was this anguish (which emerged when he met ironically with a white sheet in front of him) that motivated him to return to the path of his vocation. Despite the surname in common, we are not of the same family, but we affectionately call ourselves “cousins.” He was an intern at the Republic Museum when I worked there. We both studied at ESDI (at different times) and I remember we quickly got a professional connection (his illustrations impressed me and saved several moments of lack of creativity!). Gradually the connection became personal and we listened to music on the radio (hating “Blush Hour”). Even with our professional separation and his exchange for Germany (where he lives), we maintained contact and we establish new links. I hope this project will revive his Art.

Amador Perez E

screvo sobre Amador Perez sem fazer as perguntas oficiais do projeto. Já havia escrito sobre ele no meu blog em 2014 por conta da exposição comemorativa de seus 40 anos de carreira (Memorabilia), mas gostaria de acrescentar algumas coisas.

1. Livro de artista Nijinski:Imagens. 2013. (Artist’s book Nijinski: Pictures) 2. Estudos a partir de “Madame Récamier”, de David. Tonergrafia, série “Impressões da Arte”, 2004, impressão a laser sobre papel, 42 x 29,5 cm. (Studies from “Madame Récamier”, by David.Toner, “Art Impressions” series, laser printing on paper) 3. Ofício I, do díptico baseado em “Newton”, de William Blake. Desenho, série “Imagens e espaços”, 1991, grafite, 10 x 14 cm, Coleção do Artista. (Craft I, from the William Blake-based “Newton” diptych. Drawing, “Images and spaces” series, graphite, Artist’s Collection) 4. Série COSMO-LÓGICA. Negativo da imagem do desenho Indeciso, série Eus e Um, 1990, grafite e lápis de cor, 14 x 11 cm. (COSMO-LOGIC Series. Negative image of the drawing Undecided, “Mes and One” series, graphite and colored pencils)

Chamá-lo de desenhista é reduzi-lo. Sua técnica em grafite transborda do academicismo e inunda suas obras com uma riqueza de detalhes, uma perfeição estética inigualável. Isso oferece a abertura necessária para explorações técnico-visuais, onde Amador se permite embaralhar grafite, gravura, fotografia, impressão, Photoshop e até mesmo objetos pessoais em novas representações artísticas. Em uma grata oportunidade, Amador me resumiu diretamente sua relação com a arte: A arte salva. Esse é o meu lema e escopo. É por ela e através dela que sobrevivo. O interessante disso é pensar que ele foi meu salvador. Amador foi meu professor na faculdade. Sua fala doce, seu amor pelo ensino, pelo design e pela arte transbordavam para aqueles que - como eu - andavam desmotivados pelo boulevard esdiano. Com ele aprendi a errar e encontrar beleza no erro. Aprendi a insistir e persistir em busca de um processo significativo, relevante, engrandecedor que transcende o resultado. Para sempre, obrigado.

Esta postagem sobre Amador Perez está disponível no meu blog Philos+Hippos. Foi publicada em 1º de dezembro de 2016 às 00h e houve revisão para esta publicação. A postagem sobre a exposição Memorabilia também se encontra no blog.

I write about Amador Perez without asking the official questions of the project. I had written about him on my blog in 2014 because of the commemorative exhibition of his 40-year career (Memorabilia), but I would like to add a few things. Call him designer is to reduce him. His technique in graphite overflows the academicism and floods his works with an abundance of detail, an unparalleled aesthetic perfection. This provides the necessary opening for technical-visual explorations, where Amateur allows himself to shuffle graphite, engraving, photography, printing, Photoshop and even personal objects into new artistic representations. In a pleasant opportunity, Amador summed up his relationship with art: Art saves. That’s my motto and scope. It’s for it and through it that I survive. The interesting thing is to think that he was my savior. Amateur was my teacher in design college. His sweet talk, his love of teaching, design and art inspired those who - like me - were unmotivated by the “Esdian boulevard”. With him I learned to err and find beauty in error. I have learned to insist and persist in pursuing a meaningful, relevant, enriching process that transcends the outcome. Thank you. Forever.

ETRA oa ODAL Textos, Concepção e Design por Filipe Chagas 24