Arte ao Lado (vol. VI) by Filipe Chagas

ARTE ao LADO vol. VI

Publicação Independente de Arte | ano III

APRESENTAÇÃO

uando você passa a se interessar e até mesmo estudar a Arte, você passa a ver não só a questão estética, mas também busca o contexto e as intenções por trás das obras. No dia 20 de julho de 2015, Dia do Amigo, me dei conta que diversos amigos, familiares e conhecidos estavam de certa forma conectados à Arte. Resolvi escrever sobre isso em meu blog particular (sim, ainda tenho blog), pois conhecer os processos criativos e perceber que você está gerando reflexões é deveras instigante e empolgante. Só não imaginava que iria me dar tanto prazer, ao mesmo tempo que traria tanta dificuldade. Abordei os participantes via e-mail ou redes sociais, pedindo que respondessem três perguntas que todo jornalista precisa fazer para escrever um texto: O QUE você faz? COMO você faz? POR QUE você faz? Depois dessas respostas começava o processo cíclico de escrever, revisar, aprovar até que ficasse bom para ambas as partes. De início, achei que seria somente uma exposição e apresentação dos trabalhos de pessoas do meu cotidiano que são verdadeiros artistas. Porém, quando comecei a receber as primeiras respostas, percebi que estava pedindo que os artistas se distanciassem de suas produções e refletissem sobre seus processos de criação, que penetrassem em si mesmos e encontrassem a essência de suas artes. Que complexo! Confesso: não pensei nisso quando tive a ideia. Vi alguns lutando contra a escrita porque nunca haviam se debruçado sobre suas próprias criações/ações. E isso, por fim, acabou criando um diálogo mais rico e fascinante que extrapola o universo da arte: sim, temos o desenho, a fotografia, a escultura e a dança, mas também temos o artesanato de bolos, a cirurgia plástica, o carnaval e o colecionar. Chamei esse projeto de ARTE ao LADO, por estar identificando, buscando e espalhando a Arte que vejo ao meu redor. A primeira fase do projeto contou com dez postagens uma vez por semana. A segunda fase contou com dez postagens uma vez por mês. E a terceira fase está sendo a criação desta publicação independente, saindo do universo particular do meu blog para ganhar um outro alcance. Divirtam-se! 2

PRESENTATION

hen you become interested in Art and even study it, you begin to see not only the aesthetics, but also the context and the intentions behind the works. On July 20, 2015, Friend’s Day in Brazil, I realized that I have several friends, family and acquaintances connected to Art in some way. I decided to write about it in my private blog (yes, I still have a blog), because knowing the creative processes and generating reflections is very exciting. I just didn’t think it would give me so much pleasure and it would bring so much trouble at the same time. I called the participants via e-mail or social networks, asking them to answer three questions that every journalist needs to ask to write a text: WHAT do you do? How do you do? WHY do you do? After their answers began the cyclical process of writing, reviewing, approving until it was good for both parties. At first, I thought it would only be a presentation of the works of people of my daily life who are true artists. But when I began to receive the first answers, I realized that I was asking artists to distance themselves from their productions and to reflect on their creative processes, to penetrate within themselves and find the essence of their arts. That’s complex! I confess: I didn’t think of that when I had the idea. I saw some struggling against writing because they had never bent over their own creations. And that, in the end, has created a richer and more fascinating dialogue that goes beyond the universe of art: yes, we have drawing, photography, sculpture and dance, but we also have the cake design, aesthethic surgery, carnival and the act of collect. I called this project ART BESIDE, cause it’s identifying, searching and spreading the Art that I see around me. The first phase of the project featured ten posts once a week. The second phase had ten posts once a month. And the third phase is being the creation of this independent publication, leaving the private universe of my blog to gain another reach. Have fun!

EDITORIAL E a saga continua! Se tivesse que categorizar essa edição eu diria que ela fala das diversas linguagens visuais. Trago dois artistas visuais que trabalham de formas bem particulares e um colecionador com olhar estético apurado. As imagens criadas (ou adquiridas) são ressignificadas pelas mãos, pelo computador ou pelo olhar dessas três pessoas com backgrounds bem diferentes: um artista autodidata, um publicitário/designer e um cirurgião plástico. É como se fosse o epítome desse projeto/revista: a Arte está ao seu lado, está em todos os lugares. Fique de olho bem aberto!

And the saga continues! If I had to categorize this edition I would say that it speaks of the various visual languages. I bring two visual artists who work in very particular ways and a collector with accurate aesthetic look. The images created (or acquired) are resignified by the hands, the computer or the look of these three people with very different backgrounds: an autodidact artist, an advertising/designer and a aesthetic surgeon. It is as if it were the epitome of this project/magazine: Art is by your side, it is everywhere. Keep an eye open!

SUMÁRIO FELIPE ZÚÑIGA pág. 6 BIDA pág. 18 ROGÉRIO RUIZ pág. 24

Felipe Zúñiga F

elipe Zúniga é filho de Luiz Alberto Zúniga (pra sempre aquele abraço sinestésico) e Cíntia Kury. Eu poderia escrever parágrafos de elogios aos meus dois mestres eficientes, geniais, simples, doces, acolhedores… ih comecei… mas não. Agora é hora de falar da maior criação dos dois, desse artista visual que meio que vi crescer à distância (papo de tia velha). Ao convidar amigos, conhecidos e familiares para este meu projeto, fiz três perguntas que seriam o norte para um texto escrito por mim. Já de cara recebi o seguinte do Felipe:

1. Liebestod. Colagem sobre papel. (collage on paper) 2. Arcanos do Tarô. Colagem sobre papel. (Tarot cards. collage on paper) 3. Do the astral thing. Colagem sobre papel. (collage on paper) 4. Hits of sunshine. Nanquim, ecoline, papel de origami, colagem sobre papel. (Ink, ecoline, origami paper, collage on paper)

“O processo criativo é um assunto deveras cabeludo, mas não é imune a eventuais cortes na barba e vez ou outra sintetizar a coisa. Vou sentar com as tuas indagações e bancar o Louco do tarô. ‘O que você faz?’ imediatamente me lembrou de uma colocação do Faulkner: An artist is a creature driven by demons. He doesn’t know why they choose him and he’s usually too busy to wonder why. Abraço venusiano” Percebi que coisa boa viria por aí. E, quando recebi as respostas, vi que não poderia editá-las. Algo genial se perderia no caminho. Portanto, colocarei-as aqui na íntegra e aconselho que sejam lidas em sua totalidade:

5. Colagem em escrivaninha. (collage on desk) 6. Miles Davis. Técnica mista sobre gatorfoam. (mixed media on gatorfoam)

O que você faz? Antes de homo faber, de artífice, eu sou aquele que testemunha, o observador. Todo artista é em essência um observador e um interprete do que captou. Cabe ai a ideia de canal também, de antena parabólica para tudo que acontece por ai, em todos os níveis. Alguns dramatizam aquilo que lhes afeta – ou a palavrinha odiosa ‘problematiza’. Eu estou a serviço da egrégora da arte através das minhas criações. O que eu faço é ousar enxergar o invisível, ir além, materializar o espirito ou espiritualizar a matéria.

Como você faz? A apropriação de imagens e a possibilidade de (re)significá-las surgiu há dez anos atrás depois de uma longa jornada de experimentação com diversas linguagens. Sempre desenhei, mas, não encontrava uma verdade ali, havia uma discordância entre o que eu queria obter em termos gráficos e o que de fato obtinha, dentro das minhas limitações, com o material. Com a pintura foi a mesma coisa, só mais adiante é que eu percebi que eu pintava... Com tesouras. Meu background é totalmente musical – incluindo aí layout de capas de discos, posters, cenografia – design gráfico, manipulação analógica de fotografia e tudo relacionado à 7ª arte e mais recentemente à ópera. Sou uma esponja. Mergulho intensamente em um assunto e vou estabelecendo associações ou pontes dentro dessas linguagens. Todo o pensamento por trás das minhas colagens vem dessa amálgama de mundos, que são opostos/complementares. Não penso apenas na imagem estática, muda, deslocada. Eu vejo interação entre as formas, busco referencias fora-da-caixa, não obedeço a narrativas ou posso partir de uma e depois desconstrui-la. Todo processo de criação é uma libertação, tanto em um nível emocional quanto material. Quando concluo eu já sei que não me pertence mais, é do mundo. A descarga energética varia de projeto para projeto, mas, há sempre naturalidade e leveza, não faço parte desse clichê de artista torturado, tudo é um parto sem anestesia. Acho um exagero e até forçado, não se deve perder a ternura jamais. Você é o médium prestes a transformar algo, a gestação pode ter suas turbulências e a criatura 11

nasce como um trovão, mas se for desgastante e não houver prazer há algo de errado aí. Tudo o que produzo é uma aventura, me sinto como O louco do tarô, prestes a se jogar no abismo. Desvendar ou desvelar pouco a pouco uma ideia é algo absolutamente mágico. Descobrir quem é, qual a intenção disso, o que estou querendo comunicar aqui. Esse processo de analise é intermediário a

finalização, se é que podemos chamar disso. Eu acredito que um trabalho nunca está pronto, ele apenas para em lugares interessantes. Isso me fascina e ao mesmo tempo enlouquece, pois há um infinito de outras soluções que poderiam ser dadas ou narrativas que poderiam ser esculpidas... Talvez por isso alguns artistas optem por criar variações sobre uma mesma forma, ideia ou

cor. Eu gosto de retornar a uma ideia que não gostei e desenvolver um novo olhar sobre aquilo. Não tenho medo do erro. Esses ‘’acidentes’’ podem muito bem transformar uma imagem banal em um ser magnifico. Tudo esta na maneira como se olha, na intenção desse olhar.

Para essa série que estou trabalhando agora – as 78 laminas do Tarô – resolvi abrir espaço para novos elementos e experimentar uma nova rotina de produção. Aliás, rotina de trabalho também é processo criativo, garimpar material idem. Toda vez que eu inicio uma nova jornada eu nunca sei exatamente aonde aquilo pode me levar, essa descoberta é a força motriz. A confecção de

uma colagem pode ter inicio antes mesmo de pegar no estilete, tesoura e papel. Fica fermentando dias na minha cabeça, já tenho a imagem pronta, resta saber como materializá-la. E ai se dá essa loucura que é para o colagista ou quem vive de apropriação: a caçada ao material. Às vezes o próprio trabalho vai me informando como e o que devo procurar. Tenho, naturalmente, minhas predileções, e elementos que invariavelmente fico repetindo e aperfeiçoando a cada colagem. É um processo orgânico, desde a escolha da imagem até as camadas, sobreposições que vão surgindo. Não se pode obrigar um trabalho a ser isso ou aquilo, querer confiná-lo em uma ideia. O grande barato está em ir descobrindo seus segredos aos poucos, deixar-se guiar pelo sensorial, se sentir provocado. Não acredito em inspiração, nem em writers-block. Isso mixaria. Há naturalmente estímulos e ‘’dieta de criação’’ que consiste em se cercar daquilo que pode servir de referencia, expandir os horizontes, abrir o canal e estar aberto para o novo, o inimaginável. É ai que entra a música e o tarô, são os meus portais para abrir o canal com 14

o invisível. Se não está saindo naquele dia, eu aceito e desapego, retorno no dia seguinte. É importantíssimo ouvir o que aquele trabalho está lhe comunicando, as respostas estão ali, mas é preciso mudar a atitude para conseguir perceber as sutilezas. Nesse sentido a pressa é a inimiga da perfeição, tudo que envolve criação tem um tempo próprio, tem uma maturação. Não dá para apressar senão desanda e ai vem essa baboseira de falta de inspiração. Tem que haver continuidade, constância senão não se evolui. E isso é um processo vitalício, ninguém nunca está 100% pronto.

Por que você faz? Tem uma frase de Viktor Frankl que sempre gostei que diz: What is to give light, must endure burning. Isso me dá vida e eu dou vida em troca. Captar, imaginar, abrir novos horizontes, materializar, servir e consolidar, me vitalizam. Sem desejo, sem maravilhar-se não se sai do lugar, você envelhece, empobrece a alma. Estou cumprindo o meu decreto nessa 3ª dimensão. Eu me fortaleço, cresço e aprendo muito criando e dividindo o brilho do que faço. Sou um canal a serviço do invisível, não é uma escolha, simplesmente É. Mana (Axé, iluminação) dos meus ancestrais... Fora os diversos aspectos deliciosos no meu mapa. Isso é um decreto. Quando ele escreve que pinta com tesouras, me lembro do seminal Henri Matisse (e do álbum Jazz). Quando vejo suas colagens, me lembro de Richard Hamilton, um dos pioneiros da Pop Art. Não estou fazendo comparações - longe de mim -, mas, em muitos pontos, me peguei impressionado com a maturidade criativa de Felipe, como se ele tivesse encontrado o nirvana espiritual que todo artista busca em sua trajetória. Isso se deve ao fato dele ter 29 anos e eu estar com a tal “Síndrome de Tia Velha”. Me senti inspirado a fazer uma aliteração: “Foda, Felipe. Fez fãs”. Esta postagem sobre Felipe Zúñiga está disponível no meu blog Philos+Hippos. Foi publicada em 5 de setembro de 2015 às 00h e houve revisão para esta publicação.

Felipe Zúniga is the son of Luiz Alberto Zúniga (always that synaesthetic hug) and Cíntia Kury. I could write paragraphs of praise to my two efficient, genial, simple, sweet, welcoming masters... as I am doing now... but no. Now it’s time to talk about their greatest creation, that visual artist that I’ve seen growing up at a distance (old aunt’s talk). By inviting friends, acquaintances, and family members to my project, I asked three questions that would be north for a text written by me. On the face of it I received the following from Felipe: “The creative process is a very hairy subject, but it isn’t immune to occasional cuts in the beard and occasionally synthesizing the thing. I’ll sit with your questions and play the Tarot Fool. ‘What do you do?’ Immediately reminded me of Faulkner’s thought: An artist is a creature driven by demons. He does not know why, and he’s usually too busy to wonder why. Venusian hug.” I could just imagine what would come. And when I got the answers, I saw that I couldn’t edit them. Something great would get lost on the way. Therefore, I’ll put them here in full and advise that they should be read in their entirety: What do you do? Before homo faber, an artificer, I am the witness, the observer. Every artist is in essence an observer and an interpreter of what he has captured. It’s up to the idea of a channel as well, as a parabolic antenna to everything that happens around. Some dramatize what affects them - or the odious word ‘problematizes’. I am at the service of art’s egregore through my creations. What I do is dare to see the invisible, to go beyond, to materialize the spirit or to spiritualize matter. * How do you do? The appropriation of images and the possibility of (re) signifying them arose ten years ago after a long journey of experimentation with different languages. I always drew, but I did not find a truth there, there was a disagreement between what I wanted to get in terms of

graphics and what I actually got, within my limitations, with the material. With the painting it was the same thing, only later I realized that I painted... With scissors. My background is totally musical – including layout of disc covers, posters, scenography – graphic design, analogue photography manipulation and everything related to the 7th art and more recently to the opera. I’m a sponge. I dive intensely into a subject and establish associations or bridges within those languages. The whole thought behind my collages comes from this amalgamation of worlds, which are opposites/complementary. I don’t think only of the static, mutated, displaced image. I see interaction between forms, I look for out-of-the-box references, I don’t obey narratives, or I can start from one and then deconstruct it. Every process of creation is a liberation, both on an emotional and material level. When I conclude I already know that it does not belong to me anymore, it’s the world’s. The energy discharge varies from project to project, but there is always naturalness and lightness. I am not part of the tortured artist’s cliché. Everything is a birth without anesthesia. I think it’s an exaggeration and even forced, you should never lose your tenderness. You are the medium about to transform something, the gestation can have its turbulence and the creature is born like thunder, but if it’s exhausting and there is no pleasure there is something wrong there. Everything I produce is an adventure, I feel like The Tarot Fool, about to throw himself into the abyss. Unraveling or unveiling an idea little by little is absolutely magical. Find out who it is, what the intention is, what I want to communicate. This process of analysis is intermediate to finalization, if we may call it. I believe a job is never ready, it just stops at interesting places. This fascinates me and at the same time goes crazy, because there are an infinite number of other solutions that could be given or narratives that could be sculpted... Maybe that’s why some artists choose to create variations on the same form, idea or color. I like to return to an idea I didn’t like and develop a new look at it. I am not afraid of error. These “accidents” may well turn a banal image into a magnificent being. Everything is in the way one looks, in the intensity of that look. For this series I’m working on now – the 78 Tarot cards – I’ve decided to make room for new elements and ex-

periment with a new production routine. By the way, work routine is also creative process, as panning material. Every time I start a new journey I never know exactly where that can lead me, this discovery is the driving force. The making of a collage may begin before you even pick up the knife, scissors and paper. It’s fermenting days in my head: I have the image ready, it remains to know how to materialize it. And there is that madness that is for the collagist or who lives of appropriation: the hunt for the material. Sometimes the work itself tells me how and what to look for. I have, of course, my predilections, and elements that I invariably keep repeating and perfecting each collage. It is an organic process, from the choice of the image to the layers, overlaps that arise. You can’t force a job to be this or that, to want to confine it to an idea. The great excitment is in going discovering its secrets little by little, letting itself be guided by the sensorial, be provoked. I don’t believe in inspiration or writers-block. That’s poor. There are natural stimuli and a “diet of creation” that consists of surrounding what can serve as a reference, expand horizons, open the channel and be open to the new, the unimaginable. That’s where the music and the tarot come in, it’s my portals to open the channel with the invisible. If it isn’t going out that day, I accept and let go, return the next day. It’s very important to listen to what that work is telling you, the answers are there, but you have to change your attitude in order to understand the subtleties. In this sense, haste is the enemy of perfection, everything involving creation has its own time, has a maturation. You can not rush or all falls apart and here comes that nonsense of lack of inspiration. There has to be continuity, constancy or won’t evolve. And this is a lifelong process, no one is ever 100% ready. Why do you do it? There is a phrase from Viktor Frankl that I always liked that says: “What is to give light, must hard burning”. It gives me life and I give life in return. Capturing, imagining, opening new horizons, materializing, serving and consolidating, vitalize me. Without desire, without marveling yourself you don’t leave the place, you get old, it impoverishes the soul. I am fulfilling my decree in this third dimension. I strengthen myself, grow and learn a lot by creating and sharing the brilliance of what I do. I

am a channel at the service of the invisible, it isn’t just a choice. Mana (axé, enlightenment) of my ancestors... Apart from the many delicious aspects on my map. This is a decree. * When he writes that he paints with scissors, I remember the seminal Henri Matisse (and the Jazz album). When I see your collages, I remember Richard Hamilton, one of the pioneers of Pop Art. I am not making comparisons – far from me – but in many ways I was struck by Felipe’s creative maturity, as if he had found the spiritual nirvana that every artist seeks in his or her trajectory. This is due to the fact that he is 29 years old (now he is 32) and I am with such “Old Aunt Syndrome”. I felt really inspired.

Bida

ímpeto criativo pode vir de diversas fontes, seja de uma urgência da alma, de uma necessidade de ocupação do tempo ocioso ou até mesmo de uma questão prática e comercial (Graphz Galeria). Assim pensa Alcebíades Maia Souto Jr., o Bida, diretor de arte e publicitário de formação. Ter projetos em mente nos quais investir faz com que ele crie imagens autorais utilizando referências e trabalhos já conhecidos, que vão desde o abstracionismo geométrico à estampas de ladrilhos hidráulicos. Uma vez que costuma buscar a síntese, se interessa por soluções gráficas que tragam o mínimo em matéria de elementos e traços, como logotipos, HQs antigas do Recruta Zero, a Pop Art de Warhol e Tozzi, o neoplasticismo de Mondrian e a arte cinética de Cruz-Díez. Bida não se preocupa com o desenvolvimento de um estilo próprio, uma personalidade que o torne “reconhecível”. Ele diz que “gera uma certa anarquia visual”, mas é nítida sua pluralidade artística que transborda de seus gostos pessoais para suas habilidades profissionais. Além disso, Bida é um excelente anfitrião.

Creative impetus can come from a variety of sources, whether it be an urgency of the soul, a need to occupy idle time or even a practical and commercial question (Graphz Gallery). That’s how Alcebíades Maia Souto Jr., or Bida, director of art and advertising, thinks. Having projects in mind to invest makes him create copyrighted images using references and works already known, ranging from geometric abstractionism to hydraulic tile prints. Since he usually seeks synthesis, he is interested by graphic solutions that bring the least element and trace, such as logos, former Recruit Zero’s comics, Warhol and Tozzi’s Pop Art, Mondrian’s neoplasticism and the kinetic art of Cruz-Diez. Bida does not care about developing a style of her own, an identity that makes him “recognizable.” He likes to “generate a certain visual anarchy,” but it is clear his artistic plurality that overflows from his personal tastes to his professional skills. Also, Bida is a great host.

Esta postagem sobre Bida está disponível no meu blog Philos+Hippos. Foi publicada em 1º de novembro de 2016 às 00h e houve revisão para esta publicação.

Rogério Ruiz A

OBRAS DE ODILLA MESTRINER (Coleção Particular)

1. Equilibristas VI. Acrílica sobre tela (1973). 2. A Santa. Nanquim e colagem sobre cartão (1966). 3. Metamorfose. Litogravura (1980). 4.Áries e Sagitário. Acrílica sobre tela. Série Signos (2001).

WORKS OF ODILLA MESTRINER (Private Collection) 1. Equilibrists VI. Acrylic on canvas (1973). 2. The Holy. Ink and collage on paperboard (1966). 3. Metamorphosis. Lithography (1980).

s artes clássicas nortearam o entendimento ocidental de beleza, mas Rogério Ruiz buscava nas emoções dos artistas a contextualização que levava à reflexão: “Uma obra de arte é tudo que causa reação no espectador. Para o bem ou para o mal.” Talvez por essa razão tenha sido tocado pelo figurativismo abstratizante, onde os artistas precisam ter o talento da realização da obra e a capacidade de adequá-las à linguagem contemporânea sem perder sua essência. A cirurgia plástica deu a Rogério um espaço para desenvolver seu senso estético e a possibilidade de desenvolver uma coleção de arte que apaziguasse (e - por que não? - instigasse) seu espírito. Começou a comprar obras de artistas que, além de agradá-lo, “conversassem entre si”. Assim, Odilla Mestriner, Lívio Abramo, Djanira, Darel Olivença, Babinski, Wesley Duke Lee, entre outros, o recepcionam quando chega em casa. Como colecionador, Rogério entende a necessidade de preservação e difusão da arte. Com essa ideia, recentemente, escreveu o livro Odilla Mestriner - O olhar do colecionador (São Paulo: Giostri, 2014), onde reuniu e organizou as informações que conseguiu rastrear de todas as obras da artista. Desde que conheci Rogério ficou claro que beleza é algo que ele respira e transpira: a estética é seu suor e sua paixão. Pra isso, ele se inspira em Arte e a coleciona, colocando-a sempre à sua vista.

4.Aries and Sagittarius. Acrylic on canvas. Signs Series (2001).

The classical arts guided the Western understanding of beauty, but Rogério Ruiz sought in the emotions of the artists the contextualization that led to the reflection: “A work of art is everything that causes reaction in the spectator. For good or bad.” Perhaps for this reason he had been touched by abstractist figurativism, where artists need to have the talent to perform the work and the ability to adapt them to contemporary language without losing its essence. Aesthethic surgery gave Rogério a space to develop his aesthetic sense and the possibility of developing a collection of art that appeased (and – why not? – instigated) his spirit. He began to buy works from artists who, in addition to pleasing him, “talked among themselves”. Thus, Odilla Mestriner, Lívio Abramo, Djanira, Darel Olivença, Babinski, Wesley Duke Lee, among others, welcome him when he comes home. As a collector, Rogério understands the need for preservation and diffusion of art. With this idea, she recently wrote the book Odilla Mestriner - The Collector’s Gaze (São Paulo: Giostri, 2014), where she gathered and organized the information she was able to trace from all the artist’s works.

Esta postagem sobre Rogério Ruiz está disponível no meu blog Philos+Hippos. Foi publicada em 1º de agosto de 2016 às 00h e houve revisão para esta publicação.

Ever since I met Rogério it was clear that beauty is something that he breathes and transpires: aesthetics is his sweat and his passion. For this, he takes inspiration from Art and collects it, always putting it in his sight.

ETRA oa ODAL Textos, Concepção e Design por Filipe Chagas 30