FILTER México #9

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LO MÁS RECOMENDABLE DE 2013 Hacer la típica edición en la que les decimos cuáles fueron los mejores discos, sencillos y conciertos de 2012 según FILTER México hubiera sido una tarea fácil, pero consideramos que es más divertido agendar conciertos y esperar lanzamientos de discos que leer críticas. Aparte de nuestra guía de lo que viene este año, también nos aventuramos a decirles lo que consideramos que —si el mundo no se acaba— va a rockear 2013, como TOY, Alt-J (Δ) y Poliça. Ya veremos si el tiempo nos da la razón.

En esta edición también entrevistamos a Suave As Hell, con quienes celebramos en la última FILTER Party del año, y Turbina, banda que nos abrió las puertas del ya muy frecuentado Caradura y que participará en la próxima edición de SXSW. También aprovechamos las visitas de Suede, New Order y Banda de Turistas a nuestro país, así como les explicamos por qué Galaxie 500 y Jumbo siguen vigentes.

No se pierdan las fotos de Austin City Limits, tal vez se animan a lanzarse el próximo año.

- C O N T E N I D O -

EN PORTADA

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LO MÁS RECOMENDABLE DE 2013 TOY ALT-J (Δ) POLIÇA

PAISAJES SONOROS

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AUSTIN

LES PRESENTAMOS A…

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THENEWNO2

YA DEBERÍAS CONOCER A…

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SUAVE AS HELL LOS PUNSETES

DE VISITA CON…

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TURBINA

PRINCIPALES

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HELLO SEAHORSE! GALAXIE 500 BANDA DE TURISTAS JUMBO

TRIBUTO

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Pamela Escamilla Menchaca Editora en Jefe

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SUEDE NEW ORDER

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Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza

milton@filtermexico.com

Editora en Jefe Pamela Escamilla pamela@filtermexico.com

Editora Web Paulina García paulina@filtermexico.com

Colaboradores Benjamín Espinosa, Berenice Ibarra, Beatriz Pecero, Paola Romo, Cristina Salmerón, Luli Serrano y Anna Stephens Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Fotografía Rodrigo Jardón Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Ventas Fernando Espinosa

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Alejandro Aguirre alex@filtermexico.com

Alejandra Martínez alejandra@filtermexico.com

Octavio Tovar

octavio.t@filtermexico.com

FILTER, Año 2, No. 9, (1 de diciembre de 2012 al 30 de enero 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368.

Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011-083012492100-102, ISSN 20073216. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 28 de noviembre de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

Distribución: La versión gratuita de FILTER México es distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc. CP 06890. México, Distrito Federal. La versión de paga de FILTER México es distribuida por Pernas y Cía., Editores y Distribuidores, S.A. de C. V . Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo C. P. 02300, México, D. F. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación.

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PUBLISHERS Alan Miller & Alan Sartirana EDITORIAL EDITOR-IN-CHIEF: Pat McGuire MANAGING EDITOR: Breanna Murphy INTERNS: Alejandro Rubio, Bailey Pennick ART ART DIRECTOR: Melissa Simonian CONTRIBUTING ARTISTS & PHOTOGRAPHERS Noah Abrams, Marc Lemoine, Michael Macioce, Christopher Wilson SCRIBES A.D. Amorosi, Jeffrey Brown, Kendah El-Ali, Jon Falcone, Kevin Friedman, Erin Hall, Lauren Harris, Mike Hilleary, Patrick James, Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, Kyle Lemmon, Clare R. Lopez, Kyle Mackinnel, Nevin Martell, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck, Loren Auda Poin, Adam Pollock, Jon Pruett, Marty Sartini, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Zachary Sniderman, Laura Studarus, Colin Stutz, Tamara Vallejos MARKETING Corey Anderson, Jacklyn Arding, Samantha Barnes, Mike Bell, Sarah Chavey, Angelica Corona, Samantha Feld, Monique Gilbert, Alyssa Jones, Wes Martin, William Overby, Bailey Pennic, Evan Pierri, Kyle Rogers, Connie Tsang For marketing inquiries please email info@filtermmm.com FILTER MAGAZINE IS PUBLISHED QUARTERLY BY FILTER MAGAZINE LLC, 5908 BARTON AVE., LOS ANGELES, CA 90038.

VOL. 1, NO. 49, FALL 2012.

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212 VIP MEN

Sabemos que la elección de una loción es algo importante, ya que marca el estilo y personalidad de cada quien. Sí, incluso para los hombres es algo que resulta esencial para dar ese toque especial que a las chicas nos enloquece.

USA JUEGA DISFRUTA

212 VIP MEN representa el estilo único y actitud de los hombres de Nueva York, ya saben, ese estilo cosmopolita y siempre a la moda.

La fragancia mezcla distintos aromas y notas que van desde vodka con menta helada, caviar de lima y las más exclusivas especias que caracterizan a un hombre carismático, sofisticado, divertido y deseado.

Por si el interior fuera poco, el frasco metálico le da un toque elegante que sólo aquellos VIP poseen

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¡ME MUERO POR ESE SUÉTER MJM! Por PAOLA ROMO

q Llegó diciembre y junto con la quincena, la ansiedad de no saber qué regalos comprar para la familia, amigos o el incomodísimo intercambio de la oficina. Por eso les preparamos algunos regalos infalibles para esta temporada que pueden encontrar, ya sea en tiendas de nuestro país o en línea.

q

Rayas, lana y colores brillantes parecen ser la combinación perfecta para esta temporada otoño/invierno 2012. Si no saben qué regalarle a su novia, hermana o amiga, seguramente con este suéter no habrá falla. Además de ser súper calientito tiene una textura suave y es una excelente prenda para cualquier outfit. Lo pueden encontrar en la boutique Marc by Marc Jacobs de Antara.

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MÍ TU CALZADO COLECCIÓN EMMA Seguramente han escuchado de los zapatos de Mí Tu. Ale y Angélika, originarias de León, Guanajuato, son las responsables detrás de estos lindos diseños que no sólo son únicos, sino que además son comodísimos. La última colección, Emma, presenta modelos con plataformas y agujetas en distintas tonalidades de pastel. ¡Además brillan en la oscuridad! Pueden encontrar todos los modelos en su nuevo sitio.

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MAC

ORIGINAL

A LA MARILYN

PENGUIN EN MÉXICO

Recientemente abrió en nuestro país la boutique de Original Penguin. Chicas, les prometo que aquí podrán encontrar el regalo perfecto para cualquiera de sus hombres. Ya sea desde una t-shirt sencilla, hasta polos con increíbles diseños, chamarras contra todo tipo de frío y accesorios.

La tienda se encuentra en el Centro Comercial Santa Fe.

PARA PUÑOS…

LOS DE TARANTINO

Ahí les va una combinación insuperable: Tarantino, Ninjas, Wu-Tang Clan, Kanye West, John Frusciante y The Black Keys.

Sí, el soundtrack de la película escrita por RZA y Eli Roth promete ser una joyita. La música fue curada por RZA en conjunto con Tarantino, basada en tracks de WuTang Clan y cuenta con la participación de los artistas mencionados, entre muchos otros. Lo pueden conseguir vía Amazon.

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Si siempre han deseado tener ese look tipo Hollywood Glam combinado con la sensualidad y labios rojos característicos de Marilyn Monroe, ¡no busquen más! Cosméticos MAC ha lanzado una línea inspirada en la diva y sex symbol de los cincuenta.

Dentro de la línea hay pestañas postizas, sombras dramáticas, esmaltes de uñas y por supuesto labiales en distintas tonalidades de rojo. Además de tener increíbles empaques que capturan la esencia de MM.

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z o n a

v e r d e Por BEGOÑA ORTIZ ARIZA (Las Páginas Verdes) Foto ELENA SCHWEITZER

Navidad es una época que muchos esperamos con ansia y en la que además de celebrar con la familia queremos enfiestar, recibir regalos, comprar el árbol, comer rico y cuidar el medio ambiente. ¡Ah, no! Mentira… Eso de “cuidar el medio ambiente” es algo en lo que pocos pensamos durante estas fechas. Antes de acordarnos del impacto ambiental, preparamos la cena, decoramos la casa con mi:es de luces, compramos y envolvemos todos los regalos, conseguimos platos desechables para no lavar y dejamos el árbol seco en la banqueta porque el de la basura no quiso llevárselo.

Esta Navidad te invitamos a que hagas algo diferente y te des un tiempo para reflexionar acerca de la huella que generan todas las acciones que realizas en esta época, y de la gran diferencia que puedes hacer tan sólo modificando algunos hábitos.

A continuación unos consejos para que tu Navidad no sea blanca, sino verde: c En lugar de comprar un árbol en el supermercado adopta un árbol vivo. Éste llegará a tu casa en una maceta y será recolectado al acabar la temporada navideña, con el objetivo de ser plantado de nuevo. c Para decorarlo puedes elegir series de iluminación LED, que permitirán que ahorres energía, y esferas elaboradas con material reciclado. Incluso puedes realizar tus propios adornos con desperdicios de empaques; por ejemplo, puedes decorar tapas de plástico de colores o pintar focos fundidos y colgarlos como esferas. c Te sugerimos que des regalos verdes: puedes elegir maquillaje orgánico, libretas de papel reci6.FILTER

clado, joyería ecológica, chocolates orgánicos, porta laptops de f ibras naturales o hasta un kit de relajación con aceites orgánicos. Al envolverlo, ten mucho cuidado porqu e una envoltura de plástico o de papel arruinará la intención de dar algo verde. c Para la cena, compra ingredientes orgánicos. A todos les va a encantar el toque “eco” en una fecha tan especial y te diferenciarás de todas las fiestas a las que acudirán tus invitados. c Cuando de juguetes para los niños se trate, elige aquellos que no tengan plástico ni requieran pilas. Busca que estén hechos

con materiales naturales y sin ningún tipo de químicos ni materiales tóxicos, como el plomo. Puedes encontrar bellos juguetes elaborados con madera certificada, cartón o tela reciclados. c Para descansar puedes elegir un destino verde, acudir con varios amigos en el mismo coche en lugar de avión y comer en los deliciosos restaurantes de la zona para ayudar a la economía del lugar.

Para información de los productos mencionados en este artículo visita laspaginasverdes.com o ponte en contacto con nosotros a través de Facebook.com/lpverdes o Twitter @lpverdes. ¡Feliz verde Navidad!

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Paisajes sonoros/

Cobertura Especial presentada por

AUSTIN, TEXAS El lugar POR todos tan amado…

Por MILTON BARBOZA ARRIAGA Fotos RODRIGO JARDÓN Enviados especiales a Austin City Limits

Ya no es necesario decir que Austin es una ciudad increíble o que en su extensión de casi 800 kilómetros cuadrados se transpira música, gracias a esa gran cantidad de lugares para escuchar bandas y artistas de todo tipo, desde los más conocidos hasta los que apenas hacen sus pininos.

Siempre que he viajado a Austin me encuentro con un sinfín de buenos momentos que compartir, desde un vuelo retrasado en la Ciudad de México para llegar a San Antonio (que está a poco más de una hora en autobús), hasta los nuevos lugares para comer que resultan una delicia en temporada de festival (el Whole Foods Market rockea), y claro está, el lugar por excelencia para conseguir música en sus diferentes formatos, que sigue siendo considerado de las mejores tiendas de música en el mundo: Waterloo Records.

Todo eso me topé en esta ocasión, en la que afortunadamente pude regresar para disfrutar por segunda vez de Austin City Limits, festival esencial de fin de año que no sólo impone, sino que propone desde su centro de acción en Zilker Park, ubicado en los límites de esta magnífica ciudad.

Y gracias a que 212 VIP decidió entrar de lleno a la música, pudimos vivir esta experiencia como se debe, siendo parte de la exclusiva lista de medios acreditados en ACL. Acá el recuento de los daños…

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AUSTIN CITY LIMITS

Paisajes sonoros/

Cobertura Especial presentada por

Todo arrancó el viernes 12 de octubre como se esperaba, ante un sol que no perdonaba a los melómanos que desde temprana hora se reunieron en los ocho escenarios del Zilker Park para deleitar orejas con proyectos de todas las nacionalidades. Aquí algunos de los highlights del primer día:

J OVA N OT T I

THE AFGHAN WHIGS

El italiano cimbró el escenario Austin Ventures con su “Penso positivo” y toda esa carga de energía hip hopera que lo ha colocado como uno de los mejores músicos de su país y de los más respetados en muchas latitudes. Jovanotti saltó, rapeó y bailó todo el tiempo al igual que la gente que se reunió en este escenario.

TEGAN AND SARA Para los que tuvieron la oportunidad de verlas en el Corona Capital 2012 no es necesario recordarles que su show es bastante aceptable: sencillo, honesto y lleno de ternura. Buena música es lo que ofrece este dúo conformado por las hermanas de origen canadiense. Canciones como “Nineteen” son simplemente magníficas en vivo.

La banda clásica de Cincinnati ha regresado, para fortuna de la escena internacional, porque desde el año pasado que volvieron a reunirse sus integrantes han dejado en claro que son un referente del rock estadounidense; así lo demostraron en el AMD stage, desde donde le pusieron el poder sónico a ACL.

WEEZER

FLORENCE + THE MACHINE

THE BLACK KEYS Los más esperados de esta jornada llegaron al Bud Light Stage. La fuerza que ha caracterizado a Dan Auerbach y Partick Carney no surtió el efecto deseado, ya que se notaban cansados y el set list del concierto era inconsistente. Pese a esto, terminaron su set con sus éxitos, “Tighten up” y “Lonely boy”, por lo que muchos salieron satisfechos.

Rivers Cuomo y compañía se presentaron en el AMD Stage y tocaron las clásicas “Buddy Holly”, “Hash pipe”, “Say it ain’t so”, “Undone”, “The sweater song”, entre otras. Cuomo presentó a los integrabtes de la banda en un perfecto español.

La intensa artista sigue consagrando su música en cada lugar. Lo sucedido en el Bud Light Stage así lo confirmó, ya que Florence Welch acompañada de su “máquina” dio todo en el escenario. Cada canción tenía una carga emocional increíble: eran como piezas de un rompecabezas sonoro que fue armado poco a poco y de forma exquisita.

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Paisajes sonoros/ AUSTIN, TEXAS Cobertura Especial presentada por El sábado 13 de octubre nos dejó claro que en Austin no sólo el calor manda, sino que puede combinarse con cielos nublados que sin avisar, dejan caer fuertes lluvias. Pero todo comenzó de buena forma en Austin City Limits.

FATHER JOHN MISTY

MICHAEL KIWANUKA

RUFUS WAINWRIGHT En punto de las dos de la tarde llegó al Bud Light Stage Rufus Wainwright, quien vestido con un elegante traje a rayas dio cátedra de su calidad musical, montado en el piano, mientras sus músicos lo seguían sigilosos. Incluso algunas personas se embelesaron tanto con la música de este artista estadounidense-canadiense que decidieron despojarse de sus prendas íntimas.

Joshua Tillman, músico que hemos conocido por otros proyectos como Fleet Foxes, decidió lanzar su carrera en solitario bajo el nombre de Father John Misty, y vaya que la crítica lo ha recibido muy bien.

Es por eso que llegó a ACL directamente al Austin Ventures Stage, en donde recibió muchas muestras de cariño que aceptó gustoso. En vivo demuestra que su hambre de proponer buena música tiene sus recompensas y por eso logró un gran concierto.

BAND OF SKULLS

El artista británico refrendó que su carrera no es nada improvisada sino que está cimentada bajo las premisas de buenos ritmos como el soul, el jazz y el funk; además, lo acompañan músicos de inigualable calidad. No por nada lo tuvimos en nuestro número 7, hablando de su imponente sonido.

THE ROOTS

JACK WHITE

La banda de hip hop creada en Filadelfia retumbó en el Bud Light Stage con toda esa historia que tienen detrás y por la que está considerada como una de las más importantes. Con trombón, guitarra, batería, bajo y otros instrumentos, los integrantes de The Roots hicieron bailar a todos los mojados asistentes, quienes olvidaron que la lluvia estaba pegando con tubo. Gran presentación y enorme grupo.

El proyecto británico llegó al Barton Springs Stage junto con la lluvia que azotó el Zilker Park con gran fuerza, tanto así que la presentación se tuvo que detener apenas en la segunda rola. De inmediato entraron técnicos para secar el equipo y evitar algún accidente; después de unos diez minutos de trabajos y tras haber cesado el chubasco, los miembros de Band of Skulls regresaron al escenario junto con un fuerte aplauso de los reunidos… y la lluvia los volvió a acompañar pero ahora con más fuerza. Austin y sus sorpresas.

10 . F I L T E R

El cierre del AMD no pudo ser mejor, el músico de Detroit que después de varios proyectos (The White Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather) por fin sacó su disco solista este año e hizo un show memorable en ACL. Acompañado de una banda integrada por puras chicas, White embelesó y encumbró su enorme carrera con canciones llenas de rock clásico, fiel al estilo que siempre lo ha caracterizado.

Paisajes sonoros/ AUSTIN, TEXAS Cobertura Especial presentada por

POLIÇA

TWO DOOR CINEMA CLUB

Esta banda nacida de otros proyectos como Bon Iver y Gayngs, que tiene su base en Minneapolis y es comandada por la pequeñita Channy Leaneagh, fue uno de los mejores shows de ACL sin lugar a dudas: poder vocal y un bajo perfecto que se acompañan de dos baterías magistralmente tocadas, hicieron que las canciones del álbum debut de la banda, Give You The Ghost, sonaran impresionantes.

DIE ANTWOORD El proyecto encabezado por el sudafricano apodado Ninja se cuece aparte. El show que genera esta especie de MC/showman junto con Yo-Landi Vi$$er es simplemente único, lleno de fuerza, comedia, sexualidad y, sobre todo, música ácida que va directo a los sentidos. Llegó un punto en que ambos cantantes terminan en ropa interior, lo que generó euforia entre los más de 10 mil presentes en el Honda Stage. Rotundo éxito de este par de personajes que parecen salir de algún dibujo animado.

No cabe duda que el crecimiento a pasos agigantados de la banda irlandesa ha sido inminente. El que escribe tuvo la oportunidad de ver a Alex Trimble y compañía en este mismo festival en 2010, cuando tocaron en el Austin Ventures ante unas tres mil personas. En esta ocasión, Two Door Cinema Club logró reunir en el Bud Light (uno de los dos escenarios más importantes de ACL) a más de 20 mil fans, quienes no se cansaron de cantar rolas como “Sleep alone”, “Undercover Martyn”, “What you know”, entre muchas más.

IGGY&THESTOOGES “¡Somos los Stooges y venimos del infierno!”, gritó el maestro Iggy Pop, dando por iniciada la fiesta punk dentro del Bud Light Stage, en donde había más de 30 mil personas. No es necesario decir que The Stooges es banda honoraria fundadora no sólo de un género musical, sino de todo un estilo de vida: el punk. Fiel a su costumbre, Iggy invitó a varios fans a subir al escenario a bailar con él, para hacer la diversión aún más grande. “Dead rock star”, “Rubberlegs”, “I wanna be your dog”, fueron tan sólo algunos de los clásicos que sonaron y muy bien, cuando comenzaba a caer el sol en Austin.

RED HOT CHILI PEPPERS Caía la noche y todos esperaban la presencia de la banda californiana más reconocida de los 90, los Red Hot Chili Peppers, quienes llegaron como siempre, enfundados en la energía que los caracteriza para agradar a las cerca de 80 mil personas que sólo esperaban este momento para concluir con Austin City Limits 2012. Desde “Give it away”, pasando por “Scar tissue”, el momento creado por los Peppers fue simplemente único e histórico para concluir con una etapa de este festival que debido a su éxito, para 2013 se realizará durante dos fines de semana… y ahí estaremos.

F I L T E R . 11

Te invitamos a ver el video de nuestra cobertura en vimeo.com/52033202, así como nuestras reseñas y albumes a través de FILTERMexico.com y facebook.com/FILTERMexico

Aunque los tenis seguían húmedos, el domingo 14 de octubre, tercer y último día de ACL no podía ser mejor: el calor regresaba a su estado natural (apabullante), la gente abarrotaba desde temprano el Zilker Park, y los grupos hacían un inmejorable trabajo.

Por PAMELA ESCAMILLA

Fotos RODRIGO JARDÓN

cias a rolas conocidas de hace mucho tiempo como “El planeta sexual” o las que vienen en su más reciente material discográfico, Tú Quieres Ser Como Yo.

Una vez más la lluvia parecía un mal presagio para la celebración de nuestras fiestas mensuales y, de nuevo, los lectores de FILTER México lucharon contra las inclemencias del tiempo para llegar al Caradura a celebrar la novena edición de la #FILTERParty, en esta ocasión con Los Esquizitos como banda invitada.

Ya con la gente enfiestada, la agrupación empezó a tocar. Una de las primeras rolas fue la clásica “Pum, pum, bang, bang” y a partir de ese momento el ambiente se mantuvo gra-

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Por ESAMIPAU!

En el escenario todo era una fiesta. Nacho Desorden nos honró con su presencia directo desde Oaxaca; Alex, con sus chistes, de los que el equipo de redacción de esta revista disfrutó mientras esperaban a los invitados; Brisa, haciendo más voces que de costumbre, sin perder el beat preciso que la caracteriza; y Güili, quien celebró su cumpleaños con su siempre ganadora actitud.

El público continuó celebrando durante todo el show. Hacia el final de éste el slam estaba mucho más prendido y destacó “Santo y Lunave”, así como el cover de “Esa noche”. Si aún siguen enfiestados y/o con ganas de Los Esquizitos, no se pierdan el octavo número de nuestra edición impresa, ya que nos abrieron las puertas de su lugar de ensayo. ¿A quién les gustaría ver en nuestras próximas fiestas? ¡Ya vamos por la de aniversario!

PARTY 10

Fotos RODRIGO JARDÓN

Todas nuestras FILTERParties son especiales y nos esforzamos porque en cada una encuentren una razón más para regresar a las próximas. Esta décima edición de nuestras fiestas mensuales se juntó con la celebración del lanzamiento oficial del LP debut de Sonido Changorama, Los Padres de la Patria.

Poco a poco, la gente fue llegando al Caradura listos para escuchar la cumbia de este proyecto capitalino. A media noche el lugar ya estaba casi a reventar y los asistentes ya empezaban a mostrarse 12 . F I Lpor TER ansiosos escuchar música en vivo, además de

disfrutar unas buenas cubas cortesía de Bacardi. Entonces los integrantes de Sonido Changorama subieron al escenario y las cortinas se abrieron para mostrar a la banda que entonaba las primeras consignas de la noche. Con un ritmo lento y un tanto tenebroso, Changorama inició un set que haría levantar los puños de varios de los presentes.

En tan sólo un par de temas, la cumbia insurgente de Sonido Changorama tomó posesión de su público, quienes sonreían y se movían al ritmo que dictaban las palabras de David Somellera y las melodías de Zaratustra Vázquez,

mentes detrás de la genialidad de esta banda. Por su parte, la gente respondía bailando y expresándose en favor de las causas con las que más se identificaran, aunque por supuesto, hubo espacio para que una que otra mano inquieta tomara ventaja de la cadencia en la música para pasearse por las curvas de su acompañante, agregándole un toque de calor a la noche.

Así que, como en toda buena fiesta hubo de todo y por eso declaramos esta FilterParty 10 como todo un éxito. Nos vamos acercando cada vez más a la fiesta de aniversario, entonces quédense pendientes porque si ésta estuvo buena, no queremos imaginarnos las que vienen.

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Les presentamos a...

THE

new no2 Por COLIN STUTZ Traducción BEATRIZ PECERO Foto NOAH ABRAMS

Una noche, mientras bajaba la velocidad en Venice Boulevard al Oeste de Los Angeles, el generador de Dhani Harrison hizo explosión y envolvió en llamas su coche. Rápidamente perdió el control del vehículo, todas las funciones electrónicas se apagaron mientras el auto paraba en medio de la calle. Viniendo de una fiesta en Beverly Hills, Harrison —parado y vestido con traje— observaba el humo que salía del cofre de su Audi. Sin servicio en su celular, el cantante y guitarrista inglés de 33 años estaba abandonado.

Una vez que el fuego se extinguía lentamente, un policía bajó la velocidad y vio a lo lejos a Harrison, pero continuó su camino sin mencionar palabra. Empujando su auto a un lado del camino, a Harrison se le unió un hombre corpulento que estaba pasando, pero incluso este buen acto tuvo sus consecuencias y la mochila del hombre fue robada. Un deprimido Harrison caminó a lo largo de 20 cuadras para llegar a casa a la 1 am.

“Han sido dos meses en los que he estado muy ocupado”, dijo a la mañana siguiente con un mejor espíritu, sentado en su oficina de Santa Monica. Había estado grabando en el estudio, yendo al club y hace pocas semanas se había casado.

“Lanzar un disco, casarse, poner lo mejor de ti, tocar en Lollapalooza; este ha sido mi verano”.

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Para un hombre que tiene mucho que hacer, resulta irónico que además de ser líder de Thenewno2 tenga que darle forma al nuevo álbum de su banda y perderle el miedo a caer en una aparente monotonía. Pero dejando de lado la ansiedad que produce en nuestras vidas el “si tan sólo hubiera hecho eso o aquello”, Harrison señaló todo lo contrario, todo está en un constante cambio “sólo es experiencia de vida”, dice.

“Algunas veces experimentamos el miedo de ser excluidos de algo”, Harrison continúa. “Cuando tienes ese temor, sientes que todo lo descuidas, cualquier otro podría tener una vida de confort, mientras tú estás en medio de la nada, sin saber a dónde ir. Estoy tratando de disfrutar mi vida; ir a casa, sentarme en mi sillón favorito y dejar que pase cada minuto, y decir estoy bien”.

Mientras las nuevas canciones del segundo álbum iban tomando forma, Harrison dijo que por primera vez sentía que el LP era un esfuerzo de toda una banda. En busca de más fuerza en los actos en vivo y trasladando esa energía al disco, Harrison incorporó a Nick Fyffe, Jonathan Sadoff, Jeremy Faccone y Frank Zummo a la banda, no sólo para tocar sino para convertir al proceso creativo en una experiencia colectiva, con lo que dejó de lado su faceta obsesiva compulsiva. Paul Hicks, tres

veces ganador del premio Grammy y amigo de la infancia de Harrison, fue invitado a participar en la producción. Bajo un cuidadoso proceso de grabación en el que se mezclaron beats de dubstep con una capa de rock instrumental se obtuvo algo de lo mejor de Bristol. Dentro del disco hay invitados como el rapero RZA y Ben Harper, compañero de banda de Harrison en Fistful of Mercy, todos guiando a los escuchas a través de esta ansiedad común contemporánea: el miedo a perderse de algo.

“Necesitas rodearte de gente cuya esencia no sólo esté plasmada en el acto en vivo, sino también en el álbum” dice Harrison. “Para mí ha sido más fácil caminar hacia una dirección pues sé que Paul y yo tenemos los mismos gustos musicales. Es cuestión de creer en lo que quieres y lo que te gusta. Sé que esto va a sonar tal cual yo quería que sonara.

Y si no, incluso podría sonar mejor”.

Para Harrison, terminar el álbum ha sido totalmente terapéutico. “El disco está enfocado a las diferentes maneras de manifestar nuestro miedo a perdernos de algo y al mismo tiempo en cómo puedes terminar con ello, desde los primeros acordes necesitas dejarte ir, antes de que te destruya” dice. “Es positivo, no hay tiempo y no te importa.

Está bien”.

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Ya deberías conocer a...

SUAVE AS HELL

Por ESAMIPAU! Foto SOURPOP RECORDS

Aunque muchos pegan sus oídos a las fronteras y devoran la música que incansablemente se hace en el extranjero (pues creen que aquí no hay nada rescatable), existen proyectos que han dotado de muy buena salud a la escena musical nacional.

Una de las bandas que se ha encargado de esto es Suave As Hell, que llegó a conquistar no sólo nuestros oídos, sino nuestros ojos también. La portada de su primer álbum, Well, Well Mr. Whale, que mostraba una hermosa ilustración de una ballena flotando entre nubes sicodélicas, fue la puerta perfecta que había que abrir para entrar al mundo de Suave As Hell.

No sabíamos que necesitábamos de su mezcla de pop, folk y sicodelia hasta que le dimos play al disco y empezamos a escuchar. Después de eso, el segundo álbum homónimo que reforzaba el estilo musical del cuarteto y la temática en sus letras, también prevaleció: una constante alternante entre la realidad y fantasía que se logra gracias a la imaginación y las miles de posibilidades que ver algo por primera vez implica. Si no han escuchado a Suave As Hell, le están negando un viaje increíble a sus mentes.

Antes de que terminara 2012 los integrantes de Suave As Hell no permitieron que nos olvidáramos de ellos y nos presentaron “Desvanecer”, el primer sencillo de un EP que lleva por título Selección Natural. Sería 16 . F I L T E R

normal que después de dos LPs la banda se siguiera con el tercero; sin embargo, para Juan Pablo (voz y guitarra) la decisión de un formato más corto fue para hacer una especie de corte.

“Las canciones que se estaban empezando a gestar eran temática y conceptualmente distintas a otras que teníamos a medio arrancar, que eran más parecidas a lo anterior. Lo que hicimos fue utilizar estas rolas que ya teníamos, como cierre del capítulo sobre la ‘infancia de Suave As Hell’. Los dos discos anteriores van un poco de eso: el primero habla de la locura de la infancia; y el segundo, sobre la nostalgia de la misma. Éste es una especie de fabulario donde están los animales y más cosas, creímos que era el elemento que podíamos usar para cerrar este ciclo y pasar a lo otro que es temáticamente más maduro”, dice Juan Pablo.

Afortunadamente, para Suave As Hell es importante seguir caminando para adelante sin perder la esencia; llámenlo exageración o congruencia, pero su segunda producción fue grabada con instrumentos fabricados en los 60 y 70, y aunque conservaron esa esencia para este EP, aumentaron un poco la tecnología.

“No nos hemos aventado al precipicio, hemos dado brinquitos hacia lugares desconocidos, pero trayendo el equipaje con nosotros. Este EP es muy orgánico en

el sentido musical pues tiene guitarras acústicas, bajo, piano y coros, pero yo metí mi cuchara al mostrar mi lado que le gustan los experimentos musicales con cosas electrónicas. Entonces con un teclado Yamaha sampleé muchísimas cosas de librerías de sonidos de sintetizadores digitales a través de uno análogo, entonces metimos muchos ruidos del estilo. Y aunque no sean instrumentos de los 60 sí son vintage de los 80. En ese sentido es congruente, pero seguimos explorando las posibilidades de sonido sin quedarnos en lo mismo, que podamos ejecutar en vivo y que nos siga representando”. Esta inquietud surgió cuando Juan Pablo hizo el soundtrack de la película Vete Más Lejos Alicia y comenzó a explorar sonidos que lo acercaron a distintos objetos que hacían diferentes ruidos, hasta que encontró el que le gustó y que quiso desarrollar un poco más a fondo al lado de sus compañeros de banda.

La evolución musical le sucede a todas las bandas, aunque son pocas las que logran adaptarse para seguir creciendo y muchas se quedan en el camino.

Sin apresurarnos a nada, nos alegra ver que este talentoso cuarteto de músicos enfrentan nuevos retos con pasos firmes, así que para quienes estén dispuestos a dejar ir su mente un poco, no duden en hacerlo y escuchen Selección Natural en el bandcamp de Suave As Hell.

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Ya deberías conocer a...

LOS PUNSETES Por BENJAMÍN ESPINOSA Foto RICARDO RONCERO (CORTESÍA DE TERRÍCOLAS IMBÉCILES)

La amistad surgida en la universidad y una afición mutua por la música condujeron a Ariadna, Manu, Jorge, Chema y Gonzalo a formar Los Punsetes.

Con su técnica, que reconocen que “no es la mejor”, sumada a los sonidos sencillos en los instrumentos y a letras que sacuden cualquier complejo, demuestran no tener miedo en lo que realmente son.

Los Punsetes aparecieron en el mapa hace ocho años en Madrid, España, y desde sus inicios ha llamado la atención la actitud de maniquí que adopta Ariadna —vocalista— al momento de sus presentaciones: una especie de irrealidad para amenizar y darle tranquilidad al momento.

A pesar de que su primer material salió en 2008, la agrupación ha logrado consolidar su muy peculiar y sobria personalidad tanto en sus trabajos de estudio como sobre el escenario.

Después de dos años sin nuevo disco, Los Punsetes regresan con un material que los hizo encontrar una manera diferente de hacer canciones… al menos para ellos: una forma “menos concreta”.

Así, Los Punsetes ahondan en su propio sonido y presentan Una Montaña es una Montaña, un disco que es menos irreverente y brusco en su contenido 18 . F I L T E R

lírico, en relación con sus trabajos anteriores, aunque cuenta con el mismo sello de la banda. “El disco suena mucho a Los Punsetes no hay grandes cambios. Tampoco nos vamos a poner a hacer algo tan diferente”, comenta Manu, guitarrista de la banda.

“Una frase muy contundente y con mucha sonoridad” es la fórmula indicada para darle nombre a Una Montaña es una Montaña y el productor elegido por los madrileños fue Pablo Díaz-Reixa —El Guincho—. “Nos habíamos fijado que en las entrevistas él nunca habla de las canciones ni de las letras. Él siempre habla del sonido, de cómo está la producción y pensamos que podría ser el adecuado, por tener una perspectiva diferente de las cosas y por su forma de trabajar consideramos que era diferente a como lo habíamos hecho”, opina Manu.

Un toque de cinismo y diversión, mezclados con sobriedad para decir las cosas en un panorama competitivo y prometedor para Los Punsetes. “Lo que creo es que todos estamos en gran momento, tampoco de una manera muy consciente pero curiosamente ha coincidido con que hemos estado haciendo una música menos pop”, concluye el guitarrista con respecto a la escena musical.

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TUR bi NA Por BENJAMÍN ESPINOSA Fotos RODRIGO JARDÓN

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TURbina

Llegamos apenas unos minutos después de que Turbina empezara el soundcheck para su primera presentación en el bar Caradura, mientras Gabriel, guitarrista y vocalista, subía su instrumento y algunas cajas por las escaleras. Los demás integrantes de una de las bandas mexicanas que tocará en SXSW ya se encontraban sobre el escenario para preparar y ensamblar los demás instrumentos.

La banda estuvo poco más de una hora sobre el escenario para afinar todos los detalles y pormenores junto con el ingeniero de audio del lugar, con el objetivo de tener una presentación perfecta. Luego de esto, los cuatro integrantes de Turbina y Pablo—uno de los músicos invitados— bajaron para platicar con FILTER México sobre sus planes y experiencias dentro de la industria musical.

Estaban muy contentos, ya que acababan de confirmar su segunda participación en SXSW (edición 2013 del festival), logro aunado a la próxima salida de su nuevo material en formato gramofónico y a la edición del video de su sencillo “Cretino”, dirigido por David Gerstein, “Estamos a punto de sacar la segunda entrega de la trilogía Leti’ HumEek’ – Inda Jani–MishMasadi en un vinil y contendrá seis canciones inéditas, el

material se mandó a hacer a Estados Unidos”, nos comentó el vocalista y guitarrista Alex. La primera entrega de esta serie fue el año pasado en formato de disco compacto.

Hace algún tiempo la banda tuvo que buscar a un nuevo bajista.

“En ese momento Nick tenía la necesidad de crear otro tipo de propuestas que estaban vinculadas con la escena de la música electrónica”, nos cuenta Gabriel.

Entonces lanzaron una convocatoria vía Facebook para encontrar a su reemplazo y llegó Cheo. “Yo ya sabía quiénes eran porque el primer baterista tocaba con amigos míos de Puebla, me metí a su Bandcamp para actualizarme con las rolas e hice la audición”, explica el ahora bajista de la banda.

Gabriel nos platicó sobre la llegada de algunos remixes realizados por

el productor holandés Roel Funcken y que vendrán incluidos en el próximo lanzamiento. “Es un vinil doble, lo encontrarás de manera física y lo vas a poder descargar, además de que contendrá la tercera parte del disco (digital), más los remixes y unos videos que grabamos en el Foro del Tejedor donde también colaboraron Pablo Delgado en los alientos, e Israel Araiza, el violinista de TheSconek-T, así como Renee Mooi en la voz. También tiene un arte muy chido elaborado por el reconocido fotógrafo mexicano Gudini”, señala.

Durante nuestra visita a la prueba de sonido también buscábamos conocer esa parte que pocos conocen o ven, ¿qué cosas pasan antes, durante o después de sus tocadas?

“Las buenas experiencias son cuando tienes un buen soundcheck, después puedes subirte con mucha

confianza, sabes que te vas a escuchar bien y no vas a tener broncas.

Aunque también hemos tenido malas experiencias. Hace como uno o dos meses llegamos a un concierto que teníamos programado y no había llegado el sonido y pues ya ni tocamos”, dice Cheo.

Sin embargo, también hay historias que destacan por ser cómicas para la banda. Sobre esto Aarón, baterista, nos cuenta: “Hace poco un señor nos quería callar en el metro San Lázaro. Estaba muy molesto porque estábamos tocando, se puso a gritar ‘¡tranquilos, este lugar no es para hacer ruido!’ y nos exigía que nos fuéramos al jardín que estaba afuera de la estación”. Así, entre historias chuscas nos despedimos de Turbina y compañía para que pudieran ir a cenar algo y se relajaran antes de subir de nueva cuenta al escenario.

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S Luego de lanzar el disco Bestia, en 2009, Denise, Bonnz, Oro de Neta y Joe regresan con nueva producción bajo el brazo, y hablaron con FILTER México sobre cómo las nuevas vivencias y experiencias dieron vida a Arunima, un material descrito por ellos mismos como el inicio de un nuevo camino.

Los estudios Sonic Ranch, en Texas, vieron nacer este disco bajo la producción de Camilo Froideval (El hombre Invisible de Ely Guerra) y Manuel Calderón, quien se encargó de la mezcla. Durante su participación en el festival Corona Capital sonaron canciones nuevas como “Para ti”, “No es que no te quiera” y “La Flotadera”. Recientemente, Hello Seahorse! terminó la gira del Rockampeonato, en la que compartió escenario con Café Tacvba. ¿Cómo surge Arunima?

Denise (voz): Es una palabra que define el inicio de un nuevo camino. Sacar un disco es una nueva vida.

Joe (guitarra): Las nuevas canciones representan nuevas experiencias, cosas que hemos vivido y aprendido a través de los años con discos pasados, y queríamos que este disco tuviera más energía y nos funcionara mejor para tocarse en vivo. ¿Cómo fue trabajar con Camilo Froideval?

D: Camilo se ha vuelto un nuevo maestro para nosotros, así como lo fueron Yamil Rezc en Bestia o Money Mark y Yamil en Lejos. No Tan Lejos. Lo tomamos, aparte de cómo un amigo y un aliado, como un maestro.

Yo siento el disco más rockero, hay más guitarras.

A él (Camilo) lo involucramos desde el proceso de composición, iba constantemente a visitarnos para trabajar las canciones, después fue con nosotros a Coachella y eso nos unió mucho.

Tras un nuevo horizonte Por BERENICE IBARRA Fotos EMI MUSIC MÉXICO

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¿Cuál es el papel del productor cuando ustedes están más involucrados en el proceso creativo?

Bonnz! (batería): Es una visión externa. Muchas veces tú tienes una idea fija de lo que quieres pero lo has visto desde afuera. Alguien que lo ve desde afuera es más objetivo y te dice que no

suena tan bien como crees. A veces alguien tiene que bajarte el ego porque puedes creer que todo lo que haces está increíble y que a todo el mundo le va a gustar.

D: Tú piensas que encontraste el hilo negro pero necesitas de alguien que te baje los pies a la tierra y que te digan por qué no vamos por acá.

B: Lo padre de trabajar con Camilo en Sonic Ranch fue el acierto de los arreglos, la parte técnica y la parte de ingeniería junto con Many (Manuel Calderón) con quien hace mucha mancuerna.

Es bien padre meterse en este aspecto de la producción que muchas veces se olvida y ahora por la onda de que cualquiera puede tener una interfaz en su casa y grabar un disco, se olvida que los discos de antes sonaban así por algo.

Camilo hablaba mucho de que el poder regresara a las manos del músico y hacer cosas más artesanales. En este sentido, ¿en qué es diferente este disco a los anteriores?

B: Los discos anteriores eran más digitales y este es más análogo ya desde ese principio, lo que cambia mucho el sonido.

D: Teníamos más claro lo que queríamos, porque es el primer disco en el que tuvimos un

trabajo de preproducción, tomar una maqueta y retomarla para probarle todas las figuras que tiene.

Como personas, ¿en qué momento llega este disco?

D: Cada quien en nuestra propia vida estamos en una situación distinta, parados en otro lado. Como banda también, entonces quieres decir otras cosas y contar nuevas historias; a mí me toca la parte lírica y quiero contar nuevas anécdotas, nuevas experiencias. ¿Cómo fue el momento en el que se dieron cuenta de que dejaban de ser una banda amateur?

Oro de Neta (sintetizadores): Dos. D: Esa pregunta nos la hicieron hace 5 años y nuestra respuesta fue exactamente un par de años. De pronto la carrera de la banda no siempre ha sido luminosa, ha tenido muchos momentos de crisis, donde individualmente nos preguntamos si debemos hacer otra cosa, pero curiosamente hay una necesidad de hacer música y es la que te hace mantenerte ahí, entonces no podemos decir cuántos años vamos a estar.

Considero que durará el tiempo que tenga que durar y, muy probablemente, si esto se termina en un punto, vamos a seguir haciendo música de alguna forma,

pero porque lo veo en mis colegas. Para nosotros es una necesidad hacer música, es una necesidad chingona y la disfrutas. ¿Qué esperan de este disco?

D: Es curioso, porque es lo mismo que quieres con cualquier disco, es la misma dinámica, lo mejor es hacerlo interesante.

Haces un disco, o lo quieres tocar mucho o tal vez lo haces y decides no tocar, nosotros queremos tocarlo porque hicimos un disco para tocarse en vivo.

B: No nos hemos dado cuenta.

D: Lo que pasa es que vivimos de esto, vivimos en la música constantemente, a eso nos dedicamos y creo que cuando sientes la adicción de la música tocando en ti, ya estás más para allá que para acá. Ya estás completamente inmerso en la música. Una vez que ya estás bien metido es la droga más intensa que hay y no hay cosa más chingona que hacer música, tocarla en vivo, hacer un disco, vivir la vida para hacer una canción, es una cosa bien padre, pero te tienes que dejar, si no te dejas o le tienes miedo, se va a quedar como un simple proyecto. ¿Cuáles son los elementos que ustedes consideran han llevado al éxito a la banda?

B: Constancia. Yo creo que hay que ser muy constante y siempre hemos estado al pie del cañón, dándole, y que hacemos música honesta que nos gusta. No buscamos llegarle a las masas o hacer hits, porque no sabemos hacerlos; hacemos canciones que nos gustan, que nos salen y creo que eso es lo más importante, creo que una banda debe ser honesta.

Alguna vez a Mick Jagger le preguntaron cuántos años iba a durar su banda, y él contestó que dos, ¿cuántos le ven a HS!?

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DEAN WAREHAM Otro día con el eterno sonido de

GALAXIE 500 Por ALEJANDRO RUBIO

Traducción BENJAMÍN ESPINOSA

Fotos MICHAEL MACIOCE/macioce.org

En 1962, la Ford Motor Company introdujo el nuevo sedán, el Galaxie 500.

Durante más de una década conquistó las calles vendiendo millones de modelos, hasta que se dejó de producir en 1974. A pesar de que la industria automotriz empezó a tomar una tendencia nostálgica para rediseñar y reintroducir modelos como el Challenger, el Camaro e incluso el Fiesta, el Galaxie 500 permaneció en el olvido.

Pero había otro Galaxie 500. Formado en 1987 por alumnos de Harvard: Damon Krukowsky, Naomi Yang y Dean Wareham. Este Galaxie 500 era una banda de rock que grabó tres álbumes de estudio —Today, On Fire y This Is Our Music— permanecieron unidos durante cuatro años antes de disolverse abruptamente en 1991. A diferencia del Ford, que arrinconó entre los recuerdos de nuestras mentes su popular modelo, este Galaxie 500 se rehusaba a ser olvidado y hacer disfrutar e intrigar a su legión de seguidores.

Durante 20 años, las canciones de la banda se limitaron a ser grabaciones dispersas por todos lados. Seguido del rompimiento de la banda, Krukowski y Yang formaron Damon & Naomi, mientras que Wareham tocaba en Luna y luego en Dean & Britta (con su esposa, Britta Phillips). Luego, en 2012, Wareham decidió salir al ruedo y darle a las canciones de Galaxie 500 otra vida. Así, el 24 . F I L T E R

cantante y guitarrista encontró la guía para prepararse y presentar “Dean Wareham toca Galaxie 500” en el festival Culture Collide (2012) en Los Angeles, recordando su tiempo con la banda y como se siente regresar a tocar esas canciones luego de alejarse por dos décadas.

Estoy seguro de que no fuiste a Harvard con la esperanza de iniciar una banda. ¿Cuáles fueron tus primeros planes al empezar ahí?

No tenía planes. Creo que algunas personas sabían exactamente lo que querían hacer a esa edad —entre los 18 y los 21. La verdad es que yo no. Pensé que me quedaría en la escuela o en la política. Damon fue a la universidad para estudiar inglés y literatura y Naomi se inscribió en arquitectura, pero yo no sabía lo que estaba haciendo. No lo tenía del todo resuelto. Si me preguntaran ahora si volvería a hacer música, estoy seguro de que diría que “no”. Parecía poco probable. ¿Tocaste en otras bandas antes que en Galaxie 500?

Cuando estábamos en Harvard, Damon y yo estábamos en una banda que se llamaba Speedy and The Castanets. Éramos muy malos, no sabíamos tocar. Tocábamos covers punk rock de canciones de The Clash, Joy Division y The Cramps y nuestros amigos iban a reírse de nosotros. Luego de cinco años y después de graduarme de la universidad me fui a Alemania por un año con mi novia, sólo me sentaba en mi cuarto para tocar mucho la guitarra.

Cuando regresé a Estados Unidos

empecé a armar una banda, pero no sabía cómo hacerlo de una manera seria. Empezamos a tocar Damon y yo e hicimos una especie de audición para conseguir un bajista, pero fue hasta que Naomi entró a la banda que todo comenzó a ir en la dirección certera. Me había dado cuenta de que en vez de buscar a un músico consumado debería buscar uno que compartiera la misma sensibilidad.

Creo que eso es importante en una banda que quiere compartir su visión. De esa manera no terminas tocando con alguien a quien le gusta un tipo de música completamente diferente a la que a ti te gusta. ¿En Galaxie 500 habían hecho seguidores antes de grabar su primer álbum, Today?

No, no teníamos. Sólo eran esos amigos que podíamos persuadir de ir a vernos en un miércoles por la noche.

Ya sabes, cuando empiezas en una banda sólo tus amigos y tu familia van a verte, es todo. Lo hicieron un par de veces, luego se cansaron de nosotros. Pero había un sistema de estaciones de radio en la universidad, en Boston, eran muy influyentes y podías hacer un casete o alguna grabación pequeña y mandarla a estas estaciones. Parecía que había algunos programas que la gente sintonizaba y escuchaba más, así que podías hacer algún acto en vivo, con

P seguidores locales y tocar una o dos canciones que no habían sido lanzadas aún.

Una vez que la gente escuchó el primer álbum que produjo Mark Kramer (cuarto integrante de la banda, quien también trabajó con Royal Trux y The Jon Spencer Blues Explosion) , ¿se encontraron con una popularidad repentina?

Sabíamos que éramos un poco populares pero no nos habíamos dado cuenta de lo mucho que lo éramos en Boston, nos dimos cuenta en otras ciudades. Creo que también es el caso en que una buena banda se vuelve más popular fuera de su ciudad, pero también es cierto que te vuelves muy famoso en tu ciudad natal porque eres una banda que se escucha bien en vivo, pero fuera de eso, a nadie le importa porque tus discos no son tan buenos. Cuando sacamos el primer disco, cualquier gira que hacíamos se trataba de aprender del desastre, de romper cuerdas o lo que sea. No estábamos tanto tiempo juntos, pero poco antes de separarnos, grabamos un álbum en vivo en Copenhague y tocábamos esas canciones muy bien.

Ahora han pasado más de 20 años desde su separación ¿Qué te inspiró a tocar esas canciones de nuevo? Especialmente cuando te firmaron como “Dean Wareham toca Galaxie 500”.

Bueno, acordé tocar así por la descripción exacta de lo que es y lo que estoy haciendo. Britta y yo empezamos a tocar en los shows con más cancio-

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nes de Galaxie 500 en nuestro set y luego tocamos en pequeños festivales españoles donde el promotor decía, “¿Por qué no regresas el próximo año y haces un show de Dean & Britta y tocas un set entero de canciones de Galaxie 500?”. Lo hicimos y sonaba muy bien. Llegué a casa de ese viaje y los discos de Galaxie 500 estaban siendo relanzados, exactamente 20 años después. Sentí que yo también podría hacerlo ahora y lo he disfrutado desde entonces.

siente diferente, cantando canciones como “Don’t let our youth go to waste” y es diferente cuando tienes 25 años que cuando tienes 48. Creo que estas canciones han envejecido muy bien. No sé por qué, pero lo han hecho.

¿Cómo ha respondido la gente al verte tocar estas canciones de nuevo?

Definitivamente hay más bandas ahora. Todo el mundo está en una banda. Más gente se encuentra de tour y lanzando discos al mercado, creo que hay más bandas haciendo música parecida a la que hacíamos nosotros. Cuando estábamos en la escena, todo era parte del grunge. Parecía que todos estaban pensando en eso. Había un montón de cosas ruidosas que salían de Nueva York como Sonic Youth, Live Skull y Swans. Así que lo que hacíamos nosotros era un poco diferente a eso.

La gente parece contenta, echo una mirada y sonríen sosteniendo sus encendedores. Ellos se saben todas las letras de las canciones. Es muy cool cuando voy a Japón y a Brasil —toco estas canciones en mis shows en São Paulo y la gente se sabe todas las canciones. ¿Tus sentimientos hacia estas canciones han cambiado desde la última vez que las tocaste con Galaxie 500?

Bueno, eso creo. Especialmente las primeras veces que hacía estos shows se sentía como ser transportado atrás en el tiempo, regresar a la juventud, cantando canciones acerca de la persona que solías ser. Es extraño regresar a muchas de las ciudades donde quizá tocamos por primera vez hace tiempo. Hay ciertas canciones en las que se

No creo que hubiera muchas bandas tocando entonces como las hay ahora, pero la gente todavía parece estar atraída con los discos de Galaxie 500…

¿Qué es lo que más te enorgullece de cuando estuviste en Galaxie 500?

Creo que estoy orgulloso de los tres. Músicos autodidactas. Fue como un sueño hecho realidad, que fuimos capaces de reunirnos para hacer nuestros discos y todavía sonar genial, raros y no escucharnos de antaño. No suena ochentero ni noventero, eso es un logro.

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BANDA PRINCIPALES

TURISTAS DE

Sin nada más que demostrar

Por MILTON BARBOZA Fotos POP ART DISCOS

Ser una banda que ya es aclamada en todo un continente y que tiene la posibilidad de convertirse en el proyecto a seguir, representa un verdadero reto. Este es, tal vez, el caso de Banda de Turistas, agrupación argentina que con sólo tres discos está en el proceso de ser el punto de referencia en el Cono Sur. Desde un viejo hotel del DF, entre llamadas a huéspedes por medio de las bocinas del lobby, tuvimos la oportunidad de descubrir cuán maduros son los miembros del grupo que ha logrado con su tercer disco, Ya, darse a conocer entre públicos más amplios. “Es un disco muy bien hecho y, por los escalones que estamos subiendo, creemos que vamos a llegar al final de la escalera bastante bien”, apunta Bruno Albano, uno de estos 26 . F I L T E R

turistas que ya son más que ciudadanos en México.

“Yo creo que significa la confirmación de la profesión que elegimos. Esto es una suma de experiencias, tanto para el público como para nosotros, una nueva forma de tocar; con el tiempo mejoramos, cambiamos la forma de tocar, es un ida y vuelta esto se va cerrando, un mejor show, más gente. Es una carrera de ascenso que esperemos que la gente nos acompañe en todo momento para ir informándose con nosotros e ir aprendiendo con nosotros”, agrega Tomás Putruele, vocalista y guitarrista de la banda.

Y con nuevas canciones, llegan las nuevas críticas, ésas que hacen a muchos flaquear e incluso evidenciar su intolerancia ante

los comentarios malos. En el caso de los creadores de excelsas rolas como “Cada día”, esto no parece importar del todo. “Amamos la crítica, nos hace sentir más orgullosos, y a su vez como… no sé si será la frase: ‘más chingón’, por algo nos critican, está buenísimo, pero no respondemos. Creo que lo importante es que hacemos cosas y desde el comienzo tuvimos una buena crítica en realidad. Al principio a la prensa le gustó bastante nuestra música y como te decía antes, partía desde un punto totalmente inconsciente de nuestra parte. Y si le gustó a alguien, eso ya nos ayudó bastante a estar en donde estamos, a confiar un poco en nuestra intuición y en lo que estábamos haciendo, que el mensaje era correcto y que estábamos haciendo un buen camino como banda”, explica Putruele.

Pese a los altibajos de la escena latinoamericana, y que tiene cualquier otra escena, con tan sólo seis años Banda de Turistas puede darse el lujo hoy de buscar a otros artistas para colaborar en sus producciones.

Aunque bromearon diciendo que invitarían a Paul McCartney y Hendrix a participar en futuros ál-

bumes, lo que ha sucedido con ellos es que dejaron de ser herméticos al momento de producir y escuchar opiniones. “Creo que si hubo un cambio en nosotros fue a partir de empezar a abrir nuestra música al resto de la gente, los productores y otros músicos. Cada vez nos gusta más esa visión objetiva sobre nuestra música y sobre lo que otra mente, que no esté adentro del grupo, puede aportar. Así que para el próximo disco vamos a considerar varias colaboraciones, probablemente distintos productores y bueno, no lo tenemos planeado, así que no te puedo adelantar nada”, confía Bruno, el bajista, al mismo tiempo que comienza a hojear FILTER México Este “grupo rock-pop”, que es como sus integrantes definen a Banda de Turistas, tiene el privilegio de ya no tener que demostrar nada, lo que han logrado gracias a ese ejercicio de hacer su música a conciencia, con base en sus experiencias personales, pero sobre todo, porque siguen creyendo en que, para llegar a ser LA banda en su país, no queda más remedio que trabajar para encontrar su propio momento.

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PRINCIPALES

La última cena en el Restaurant Por LULI SERRANO EGUILUZ Fotos OCESA SEITRACK

El pasado es riesgoso de revisar. Sus cimientos, adornos, colores y tonos no siempre son como la memoria los organiza. Cada cierto tiempo se va perdiendo el matiz de los tapices, la forma de las cosas, el contorno de las sombras. Por eso, a veces, sólo con ciertos recuerdos muy especiales merece la pena desempolvar lo que sucedió dentro de ese momento específico en que todo pareció acomodarse y propulsó el futuro que se volvió presente. Flip Támez y Beto Ramos, guitarrista y baterista del conjunto regiomontano Jumbo, recuerdan con FILTER México el ahora lejano 1997 cuando las cosas no eran fáciles y había que buscar trascender la vorágine de sonidos novedosos que se producían en su lugar de origen.

Un día en la vida de Jumbo antes de hacer Restaurant era la vida de músicos que lo son práctica y casi exclusivamente de noche. Flip cuenta que los ensayos eran a esas horas del día porque todos tenían otros trabajos para sostenerse, cuando la música no les permitía todavía hacerlo de ésta. El cuarto de ensayo estaba forrado de cajas de cartón y no tenía aire acondicionado (algo esencial en una ciudad con el clima de Monterrey). Todos se veían más a menudo, la química mientras trabajaban juntos era palpable.

“Nadie veía el reloj para irse”, dice Flip. Un recuerdo fundamental es el ímpetu con que hacían cosas que ahora parecen engorrosas. Todos cargaban con el gear de Eddie y nadie se quejaba. Es justo ese impulso el que no quieren perder. Ser cinco músicos sin idea de lo que hacían realmente con una energía dirigida 28 . F I L T E R

a hacer lo que más les gustaba en la vida. Si tenían una pequeña tocada, ello implicaba cargar los fierros y pedir prestados algunos otros. Para Beto se trató de hacer un disco que vivió como fan, pues él llegó a la historia del grupo después del disco. “Representa mucha nostalgia. Tocar la obra completa me remonta a los momentos cuando yo llegué a Monterrey. Estaba en mi cuarto escuchándolo. Me sabía el orden, le atrasaba y le regresaba a las canciones. Todo eso vuelve a la cabeza”, recuerda.

La camaradería entre bandas, las de la famosa “Avanzada Regia” a la que pertenecieron cuando Restaurant se publicó, siempre ha estado más adornada por los medios que por la realidad ocurrida.

“No es como que había un mitin y Tony de El Gran Silencio tocaba un platillo para iniciar sesión”, bromea Flip. Ahora, cuenta Beto, todos son más amigos que antes. En ese entonces, todos los grupos trataban de encontrar su onda, su sonido particular. Plastilina Mosh, los mencionados El Gran Silencio, buscaban algo que los hiciera diferentes del resto de lo que se oía en ese entonces. Jumbo ejecutaba un rock mucho más clásico, eran los más normales de todos ellos.

Todos los discos tienen un soundtrack escondido detrás de los oídos de cada integrante. En sus estéreos y casetes sonaba The Bends de Radiohead, inspiración marcada sobre todo en los teclados del Restaurant.

Sonaba también Billy Corgan y The Smashing Pumpkins con el Mellon Collie and the Infinite Sadness.

Flip era el más grunge y escuchaba mucho a Pearl Jam y Soundgarden. Charlie siempre ha sido el más clásico y traía al ensayo sonidos esenciales del rock como Page o The Band.

Sobre su secreto para mantenerse unidos a pesar del tiempo (aunque en 2005 sufrieron de la partida de Eddie y Bugs), Flip dice que la historia de cada banda es una especie de novela. Primero fueron amigos y compañeros de borrachera, luego socios y finalmente una familia. Esa historia también depende de que la gente escuche. El camino de la banda ha recorrido la independencia, los sellos transnacionales, el retorno a la independencia, el no tener manager y luego tener tres, después ninguno. De alguna manera han sabido sacarle provecho a todas las circunstancias. El mejor momento del grupo, según Flip, ha sido cuando no se encuentran de alguna manera en la gracia de la ‘popularidad’, volando por debajo del radar. “Somos una banda que no ha parado desde el día uno. No nos tomamos recesos para escribir canciones o trabajar en discos mientras estamos de gira, que es casi todo el tiempo. Nunca hemos parado y eso se lo debemos a que siempre ha habido alguien dispuesto a escuchar nuestras canciones y comprar un boleto para nuestros shows”, remata.

Jumbo ha sido uno de los pocos grupos que ha alzado la voz frente al problema de inseguridad y violencia que aqueja a nuestro país, plasmando su sentir en la canción “Alto al fuego”, que le dio nombre a su más reciente disco de estudio, publicado en 2011. Al respecto, Flip comenta que en toda la carrera de Jumbo, jamás habían tocado un tema de esta naturaleza pero siempre han escrito de cosas que los afectan.

Justo cuando grababan el disco decidieron hacer un ejercicio distinto y se encerraron a componer en un desierto donde no hubiera señal de celular. Ahí se dieron cuenta de que había mucho enojo en todos por la situación de violencia que se vivía, particularmente en la ciudad de Monterrey, y escribieron la canción rápidamente, sin el afán de cambiar nada, sólo con el fin de levantar la mano y provocar reflexión entre la gente.

En las entrevistas subsecuentes se convirtieron en una suerte de portavoces de Nuevo León. “La música en ciertos casos debe tener un rol de cronista, mínimo”, apunta Flip, aunque no es la intención del grupo buscar una secuela de la misma en su nuevo trabajo. “Aquí habría que preguntarse la función de la música dependiendo de cada quién. Hay quienes la hacen por aceptación social, por desmadre, por entretenimiento. Es válido usarla también como público a manera de válvula de escape frente a la situación difícil, en la que no quieres ir a un concierto a recordarla sino a olvidarla y bailar y cantar”, dice Flip.

Cumplir quince años no es cosa fácil y Jumbo ha querido celebrar por todo lo alto este acontecimiento, no sólo con el concierto en El Plaza el pasado 25 de octubre, donde se dedicaron a ejecutar Restaurant en su totalidad, sino con una reedición del álbum que se compondrá de tres materiales. El primero, la versión remasterizada del disco original. El segundo

contará con versiones de dichas canciones a cargo de varios grupos amigos del grupo, como Siddhartha, Enjambre, Niña, Pato Machete y Mexican Dubwiser, entre otros; y finalmente, con un DVD que contará la historia de la creación del disco y documentará el camino del grupo hasta el día de hoy.

Los planes de Jumbo incluyen también el lanzamiento mensual de un cóver, elegido por ellos mismos y cuya única constante es que incluya “man” en el título. Flip dice que nunca han contado la historia de ese proyecto, y que tiene sus orígenes en una pieza de Elton John (“Rocket man”) que se les pidió para un álbum patrocinado por Coca-Cola, misma que se enlató, pues el cantante inglés decidió, de último momento, f irmar un contrato con la refresquera rival.

A partir de ello, decidieron lanzar la versión ellos mismos y cada mes producir una nueva a manera de ejercicio. Esperan publicar un

nuevo disco a principios de 2013, cuyo contenido es aún un misterio para ellos mismos.

Todo el trabajo alrededor de Restaurant para el grupo ha significado cerrar una segunda etapa de la vida del conjunto (la primera, marcada por el antes mencionado 2005), misma que les permitirá empezar con nuevos bríos la tercera parte de la historia de Jumbo, que es la que más les emociona, quizá con gente nueva en el equipo.

La última cena del Restaurant ha sido servida.

Lo que resta en la vida de Jumbo es la construcción del álbum definitivo de su carrera, mismo que no consideran que sea el ya citado (es, de hecho, el disco menos favorito al interior de sus filas), un álbum que conjugue todo lo aprendido durante este largo camino y que les permita cimentarse como uno de los más sólidos proyectos surgidos de las entrañas del rock mexicano.

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lo mÁS RECOMENDABLE DE

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as listas de lo mejor del año suelen ser aburridas debido a su subjetividad. Es por esto que en FILTER México preferimos organizarnos con respecto a lo que viene en cuanto a música el próximo año y te decimos cuáles festivales consideramos que van a repuntar; te recordamos los lanzamientos de discos y conciertos confirmados; ponemos changuitos con respecto a regresos, reencuentros y shows en vivo; y, por qué no, hacemos nuestra cartita a Santa Claus pidiéndole volver a escuchar a X o Y banda, aunque sepamos que probablemente nos quedaremos con las ganas.

También nos aventuramos a afirmar que 2013 será de TOY, Poliça y Alt-J (Δ), motivo por el que contactamos a integrantes de estas tres bandas para platicar con ellos, entrevistas que disfrutarás en las próximas páginas. También te recomendamos no perderle la pista a Café Tacvba, Azealia Banks, Arcade Fire, Kendrick Lamar, Enjambre, Teen Daze, The Vaccines y Wild Nothing.

Esperamos que disfrutes este especial y lo aproveches para ver qué libros o discos pedirás de regalo navideño o cumpleañero, así como a qué concierto quieres que te inviten, y cuáles serán las películas más musicales del año (más las que se sumen).

Staff FILTER México F I L T E R . 31

FESTIVALES Encuentros musicales que este año serán particularmente especiales

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SXSW (12-17 de marzo). Alt-J, Buck 65, Turbina, Tego Calderon y más.

VIVE LATINO (14-17 de marzo).Yeah, Yeah, Yeahs, Morrissey y Blur estarán entre los actos principales.

Coachella de nuevo dos fines de semana (12-14 y 19-21 de abril).

Primavera SoundBlur será la banda principal en Barcelona (22-26 de mayo) y Porto (30 de mayo-1 de junio).

Sasquatch (24-27 de mayo). Un festival sin pretensiones ni mucho hype. Una locación natural extraordinaria en Washington (el hermoso anfiteatro The Gorge) y una curaduría que en el pasado ha incluido actos como Wilco, Dinosaur Jr., Mark Lanegan, Spiritualized, Jack White y Beck. Cuatro días de rock, rap, música electrónica y shows cómicos que se posicionan como un espacio donde la música y su sonido impecable son los protagonistas.

Bonaroo (13-16 de junio). Con diez años de historia, ya es un must de los melómanos.

Glastonbury (26-30 de junio). Sin conocer el cartel se agotaron las entradas. No olvides estar al pendiente de los boletos que se cancelen.

Rock Werchter (Bélgica, del 4 al 7 de julio) tendrá a Depeche Mode como una de las bandas principales.

EL SÓNAR(13-15 de junio) y El Festival Internacional de Benicàssim (18 -21 de julio) llegan a su vigésima edición.

Lollapalooza (20-22 de agosto) llega a Tel Aviv.

Austin City Limits (4-6 y 11-13 de octubre) durará por primera vez dos fines de semana.

Corona Capital. Aún falta mucho por mejorar en el festival internacional más importante del país. A los retos logísticos por superar se le añade la expectativa de curar un cartel tan interesante como el de 2012. La atención de varios medios internacionales está presente. Los ojos están puestos sobre la ciudad en octubre.

Culture Collide El mismo mes se celebrará la cuarta edición del festival que ya es todo un referente en el mundo de la música.

DISCOS

-Lysandre-Christopher Owens -Anything In Return-Toro y Moi -Beta Love-Ra Ra Riot -Heartthrob-Tegan & Sara -Hummingbird-Local Natives -Wolf’s Law-The Joy Formidable -True North-Bad Religion -Holy Fire-Foals -Free the Universe-Major Lazer -The Afterman: Descension-Coheed & Cambria -No End-Daft Punk -The messenger-johnny marr -home-nosaj thing -pedestrian verse-frightened rabbit -People, hell and angels-jimmy hendrix -imagina-madame recamier -cinema mandril-sr. mandril Otros -Depeche Mode -Yo La Tengo -Arcade Fire -Lily Allen -Azealia Banks -Kings Of Leon -Phoenix -Vampire Weekend -How to Destroy Angels -Quiero Club -yeah, yeah, yeahs -devendra banhart -Queens of the Stone Age -Rage Against The Machine -The Black Keys -Nine Inch Nails -Black Sabbath -local natives

CONCIERTOS Para empezar el año…

25 de enero: DLD en el Auditorio Nacional 31 de enero: GRizzly Bear en el Auditorio BlackBerry 18 y 19 de febrero: NICK CAVE AND THE BAD SEEDS en El Plaza Condesa 23 de febrero: La Gusana Ciega en el Auditorio Nacional 25 de febrero: THE MACCABEES en El Plaza Condesa 3 de marzo: RED HOT CHILI PEPPERS (RHCP) en la Arena VFG (Guadalajara)

Los que soñamos

Lollapalooza y Rock in Rio Hasta ahora no

hay nada concreto con respecto a ediciones mexicanas de estos festivales.

Foo FigHters Se ha rumorado tanto este concierto que ya nos lo deben, en festival o solos.

SoundgardenCon King Animal, el primer disco de la banda después de 15 años, ¿por qué no una breve visita?

Depeche Mode. Nuevo álbum, gira mundial…

5 de marzo: RHCP en El Palacio de los Deportes.

12 de abril: The Killers en el Estadio 3 de Marzo (Guadalajara) 13 de abril: The Killers en el Foro Sol Para ir ahorrando…

The Cure Robert Smith ha declarado que la

banda visitará América Latina en primavera/ verano de 2013, región en la que México es una parada obligada.

Muse Tras el reciente lanzamiento de The 2nd Law, una gira mundial es un hecho.

Queens of the Stone Age Con su visita a

Lollapalooza Chile los rumores sobre su visita a México son cada vez más fuertes. Así sea.

PELÍCULAS

LIBROS

Bailando por nuestra cuenta y Recuerdo prestado Con motivo del XX aniversario de la carrera de Café Tacvba.

Behind the beat: Hip Hop Studios Una mirada al interior de los estudios caseros de grandes productores, músicos y DJs dedicados al hip hop y sus ramificaciones. Los espacios creativos de los músicos detrás de los beats en Inglaterra y Estados Unidos. Muestra los espacios de DJ Shadow, Cut Chemist, J Dilla, Madlib, Dan the Automator, entre otros. Se reimprime el 15 de enero e incluirá un disco con canciones de los DJs y las compañías disqueras involucradas en el proyecto.

All Is By My Side, de John Ridley

Andre 3000 interpreta a Jimi Hendrix antes de ser famoso.

Sound City, de Dave Grohl

Documental sobre el estudio de grabación Sound City, en Los Angeles, California, que comenzó a funcionar en 1969 y que ha visto nacer Nevermind, de Nirvana; Rumors, de Fleetwood Mac; Afther the Gold Rush, de Neil Young; el debut homónimo de Rage Against the Machine y Damn the Torpedos, de Tom Petty.

QUATRO, de Tim Lynch

Documental sobre Green Day. F I L T E R . 33

Lily Allen. Que siempre no se retira de la escena musical.

REGRESOS (Casi) confirmados

Empire of the Sun. El dúo australiano de gira

y, probablemente, con nuevo disco bajo el brazo.

Fleetwood Mac. El grupo comandado por

Stevie Nicks está listo para emprender una gira en 2013. Aunque se han producido rencillas en el camino, ocasionadas por el disco solista de Stevie, ella misma ha confirmado la reunión que, sin embargo, no contará con algunos integrantes originales debido al deceso de los mismos. Su nombre suena fuerte como estelar de Glastonbury.

Snoop Dogg. El rapero se ha mantenido vigente

con una serie de colaboraciones y más recientemente con el mítico concierto que ofreció junto a Dre en Coachella. Su discografía reciente (el álbum publicado en 2011) deja mucho que desear y en 2013 tendremos la oportunidad de verle regresar a los escenarios de una manera totalmente distinta. A raíz de un viaje a Jamaica, Snoop sufrió una especie de iluminación que le hizo abandonar el rap y su nombre (ahora se llamará Snoop Lion) para dedicarse al reggae. Un regreso casi en forma de fichas, como Alf. 34 . F I L T E R

The Coral. A pesar de sus proyectos solistas, se

supone que su séptimo álbum ya viene en camino y se está desarrollando en los estudios de Peter Gabriel.

Los que soñamos ¿Se harán realidad?

Supergrass. Gaz Coombes se rehúsa, pero a nosotros nos encantaría.

Zurdok. ¿Qué tal estaría escuchar Hombre sintetizador o Maquillaje completitos?

Franz Ferdinand. Ya escuchamos parte de “lo nuevo” en el Corona Capital y otros festivales.

Sólo nos falta el disco.

Kraftwerk. Un posible box set de Kraftwerk,

Kraftwerk 2 y Ralf and Florian y recientes presentaciones en el ámbito mundial nos hacen creerlo verosímil.

Modest Mouse. En mayo se les escucharon dos nuevas canciones, ¿será?

Portishead. Desde hace más de un año están trabajando en algo nuevo…

The Smiths. Aunque aún suena un tanto difícil,

las recientes declaraciones de Johnny Marr (guitarrista) sobre llevar una mejor relación con Morrissey, avivan las esperanzas de que la nostalgia logre reunir de nuevo a esta gran e influyente banda.

LOS QUE ESPERAMOS QUE SE JUBILEN -Muse -Fobia -The Killers -Kings of Leon -Kiss

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Por BENJAMÍN ESPINOSA Fotos UNIVERSAL MUSIC

36 . F I L T E R

P

sicodelia desbordada en cada una de sus canciones y videos, podrían describir grosso modo el estilo de Toy, pero la verdad es que pocos podríamos imaginarnos el proceso creativo que han vivido y que hace que no pierdan la noción de innovación en el camino. La gran entrega de su álbum debut homónimo en septiembre, material producido por el reconocido productor Dan Carey —quien ha colaborado en trabajos con artistas como Fatboy Slim, Hot Chip o The Kills—, así como una amistad con los integrantes de The Horrors, sin duda han ayudado al crecimiento exponencial de esta joven banda, que ya terminó su primera gira en el Reino Unido como grupo principal. La ovación no se hizo esperar luego de que la prensa inglesa hiciera lo propio desde los primeros destellos de Toy con su primer sencillo, “Left myself behind”, que cuenta con ocho intensos y coloridos minutos.

En FILTER México tuvimos la oportunidad de platicar con Alejandra Diez, tecladista de la agrupación, para conocer un poco más a fondo sobre sus experiencias en el estudio con Dan, así como sus expectativas y vivencias. La historia del nombre de la agrupación, conformada por cinco grandes amigos, se remonta a hace aproximadamente seis años en una fiesta en la que vieron un baúl estilo victoriano en casa de un amigo mutuo que tenía la palabra “TOY” grabada.

Un año después entablaron amistad con los integrantes de The Horrors y Dan Carey, figuras que han ayudado bastante a impulsar a la banda. “Somos muy amigos y nos llevamos desde antes de que empezáramos a tocar conciertos solos. Los conocimos hace varios años, luego nos invitaron a ir de gira con ellos (The Horrors). Fue fantástico porque pudimos tocar para audiencias muy grandes y cada vez nos la pasamos genial juntos”, indica la tecladista.

Cuando TOY decidió grabar su primer LP instintivamente buscaron a Dan para producirlos, pero más allá de la trayectoria de este productor, sería el “cómo” trabajaron con él lo que marcaría la pauta de su estilo psicodélico.

“Tuvimos una reunión unas tres semanas antes de grabar y hablamos de las ideas que teníamos y cómo queríamos que el álbum sonara. Lo entendió perfecto desde un principio; no pudo ser más fácil”, declara.

Todos los instrumentos fueron grabados en directo y lo verdaderamente enigmático para los integrantes fue la motivación que Dan le dio a la banda.

“Lo que él hacía era ambientarnos. Tres segundos antes de que empezáramos a grabar apagaba todas las luces y ponía lásers e incluso máquinas de humo. Una experiencia muy psicodélica, de hecho el estudio está en el sótano de su casa.

Lo único que podías ver eran luces verdes, rojas y amarillas, fue perfecto para no pensar en otra cosa que no fuera en lo que estábamos haciendo y empezábamos a tocar, sólo mirando nuestro instrumento y nuestras caras”, explica.

La grabación de TOY duró diez días, pero lo que preocupaba a la banda era incluir la mayor cantidad de material posible dentro del disco. Alejandra comenta: “sabíamos todos lo que queríamos grabar e incluso una no entró en el disco, pero hubo algunas canciones que prácticamente terminamos de detallar en el estudio, más que tener acabado el trabajo, sabíamos cómo queríamos que sonara y cómo transmitirlo.”

Ese estilo psicodélico fue transmitido desde el estudio hasta sus videos, una experiencia difícil de lograr. “Nos preocupamos bastante del tema visual: el oído y la vista van de la mano. Queríamos que fuera un conjunto y tuviera sentido, sería un poco raro hacer la música que hacemos y expresarlo de una manera muy común. Entonces los efectos visuales definitivamente concuerdan con la música y lo hemos intentado”, opina la española.

Aunado a esto, la cereza del pastel fue la noticia de tener planes para venir en fechas próximas a nuestro continente y posiblemente a nuestro país. “A principios del próximo año esperamos visitar Norteamérica y México, también Australia, estamos muy emocionados de ir… por cierto The Horrors siempre dicen cosas maravillosas de México”.

Sin duda alguna, TOYha tomado por sorpresa al mundo de la música y le ha dado esa pequeña chispa de sabor a la psicodelia retomando sonidos retro para ensamblarlos de manera perfecta, algo que seguramente seguiremos de cerca y ansiosos durante el próximo año… claro, si no se acaba el mundo antes.

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Por ahí dicen que las mejores sorpresas son aquellas que nadie ve venir hasta que de repente ya están ahí, en todo su esplendor, para que las gocemos.

ALT-J Por ESAMIPAU! Fotos WARNER MUSIC

Después de varios años de navegar bajo el radar con un EP que muy pocos conocieron y un LP que empezó a promocionarse a finales del 2011, Alt-J (∆) llegó este año para darle a nuestros inquietos oídos eso diferente que llevábamos muchos años buscando. Las contundentes y en ocasiones siniestras canciones de su debut An Awesome Wave, aunadas a sus hipnóticas presentaciones en vivo captaron la atención de medios y radios independientes hasta que generaron la estática suficiente para empezar a visitar algunos festivales este año.

Además de recibir buenas reseñas, el cuarteto ganó en noviembre el Mercury Prize, superando a los otros nominados, entre quienes destacaban Richard Hawley y The Maccabees. Emocionado por todo lo sucedido este año con su banda, el bajista y guitarrista Gwil Sainsbury platicó con FILTER México de lo que ha sido el 2012 para ellos.

Felicidades por haber ganado el Mercury Prize. ¿Es el primer premio que ganan?

Sí lo es. Es raro porque son los premios de los que siempre estoy al pendiente.

Por lo menos mis amigos y yo tratamos de ponerle mucha atención para ver qué banda se nos pasó escuchar cada año.

La lista de nominados al Mercury Prize es muy importante y la verdad no hemos procesado el hecho de que ganamos. ¿Han pensado en qué van a hacer con el dinero del premio?

No lo hemos discutido en realidad, es muy probable que tengamos que pagar

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impuestos de ese premio, y a nuestro manager seguramente tendremos que darle el 10 por ciento, así que no nos hemos sentado a hacer cuentas, pero creo que todo lo depositaremos en la cuenta de la banda. El dinero del premio es suficiente para cubrir los gastos de una gira en Europa; dudo que nos demos unos aguinaldos bien nutridos.

Cuando se enteraron de que formaban parte de la lista de nominados al Mercury Prize y estaban al lado de otros actos con cierta relevancia en el Reino Unido, ¿se sintieron extrañados de estar en esa lista de aquellos premios que llevaban años viendo?

Definitivamente es algo rarísimo.

Recuerdo tener 17 años y usar algunas de las canciones de The Maccabees para aprender a tocar la guitarra. Lo mismo con Richard Hawley. De repente, un día antes de la entrega, en un descanso del ensayo de los premios me encontré platicando y fumando afuera con él. Es de verdad muy extraño convivir con esta gente que llevas admirando y conociendo tantos años únicamente a través de su música, es como un sueño muy extraño.

El lanzamiento de su debut este 2012 salió del Reino Unido y los llevó a distintas partes del mundo. ¿Hubo algún momento en específico o recuerdas algo que los haya hecho darse cuenta de que algo estaba sucediendo?

Tocamos en un festival en Alemania y pensamos que iba a haber muy poca gente porque no creíamos haber vendido

discos ahí. No había nadie cuando hicimos el soundcheck, y a la hora que salimos a tocar había como tres mil personas esperándonos. Esos son el tipo de momentos donde todo deja de tener sentido y no puedes explicar en realidad cómo es que te conoce tanta gente porque no se puede medir en ventas de discos. En Suecia nos pasó algo similar: creo que habíamos vendido como veinte discos y cuando nos presentamos en un festival también había mucho publico.

Entonces alguien ahí nos explicó que mucha gente tiene la aplicación de Spotify en sus celulares que les permite acceder a un amplísimo catálogo musical sin tener que comprar discos, y que la forma de consumir música es a través de plataformas como esta.

Artistas como Tom Vek y Jim James (My Morning Jacket) son sólo algunos de los nombres que han hecho remixes de sus temas. ¿Cómo se han ido dando este tipo de colaboraciones?

Al principio hicimos una lista larga de artistas de los que nos gustaban mucho algunos remixes que habían hecho, pero también se han puesto en contacto con nosotros y nos piden las partes de las canciones para ponerse a jugar con ellas. Por otro lado, la disquera tiene que aprobar todo lo que lanzamos (sencillos, remixes, arte, etcétera), lo que a veces hace que tu bandeja de entrada esté repleta de “papeleo”. En el caso de Jim James, nos conocimos en aquel festival en Alemania. Él nos vio tocar y se puso en contacto con nuestro sello y pidió las partes de “Fitzpleasure”.

Todos sus videos tienen una estética similar y una forma de contar historias sin realmente hacerlo, ¿qué tanto se involucran en la parte visual de su música?

Hemos usado mucho una plataforma llamada Radar (www.radarmusicvideos. com) donde un artista sube el brief de su próximo video, la canción y el presupuesto, entre otras cosas. Entonces pones una fecha límite y en ese tiempo uno va recibiendo diferentes propuestas de directores a quienes les interesa tu proyecto y que también están inscritos en la página. Así hemos hecho todos los videos; nos sentamos a leer las propuestas que nos llegan y las vamos seleccionando dependiendo de lo que buscamos, tal vez para un video en específico nos interesa alguien experto en efectos especiales. En general tratamos de no interferir mucho con la visión de los directores, preferimos esperar a que terminen la primera versión del video y sobre eso hacemos correcciones, pero han sido mínimas.

saber exactamente qué pasaba con nuestra música, algo que hace varios años tal vez nos hubieran negado. Hay bandas a las que no les importa tanto eso, y está bien. En Europa por ejemplo, Spotify es muy grande y tiene miles de usuarios, sin embargo en América aún no cobra tanta fuerza. Nadie en realidad sabe qué rumbo va a tomar la industria y eso tiene a diferentes sellos intentando diversas formas de trabajo con las bandas y creo que eso es algo muy sano: que se vean obligados a cambiar su modelo de negocios.

Ahora con plataformas como Kickstarter y Radar, los artistas tienen muchas más herramientas para llevar a cabo sus proyectos.

Me hace pensar que las disqueras cada vez son menos necesarias. ¿Cómo sientes que la industria se ha adaptado a esto?

Creo que actualmente la industria musical está en medio de un ataque de pánico pues ha tenido que cambiar minuto a minuto sus estrategias para vender o distribuir la música de sus artistas gracias a que nadie sabe cuál es el futuro de la distribución y venta de música. Nosotros escogimos a Infectious Records en el Reino Unido porque sabíamos que nos apoyaban, que entendían nuestra visión y sabían que queríamos F I L T E R . 39

P O L Iร A Mรกs allรก de las normas de conducta Por BERENICE IBARRA Fotos TELL ALL YOUR FRIENDS PR

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a mística sobre lo que surgirá en el universo de la música, esa incertidumbre que hace imposible conocer todo lo que existe y saber a dónde se dirige… es la mejor parte de la música… descubrir lo inesperado, lo que te sorprende, te gusta y se instala en tu memoria para revivir momentos a través de ciertas canciones.

Por esas y otras razones, los oídos de muchos se han postrado en Poliça, sedientos y listos para saciarse de cómo mezclan los impulsos electrónicos con tintes de new wave, trip-hop, R&B, jazz y funk; ansiosos de escuchar cómo conjugan a The Who, Etta James y The Rapture en una propuesta llena de emociones, de amor y desamor, de esperanza y de rabia.

Hace un año, ni ellos mismos sabían que estarían juntos y que saldrían de los límites de Minneapolis, Minnesotta, para recorrer el mundo y compartir su propuesta, un concepto que de pronto comenzó a cobrar tal fuerza que atrajo los elogios, no sólo de las audiencias y los medios, sino de personajes consagrados como JayZ, quien en repetidas ocasiones ha expresado la pasión que tiene hacia la banda; Mike Noyce, quien colabora con ellos en “Lay your cards out”; y el ganador del Grammy como Mejor Artista Nuevo, Justin Vernon de Bon Iver, quien los tiene en tan alta estima que los considera la mejor banda que ha escuchado.

La forma en que terminaron juntos podría llamarse destino o simplemente curiosidad. Channy Leaneagh (vocalista) tuvo una banda con su esposo Alexei Luna Casselle, en el grupo de folk Roma di Luna (2006); sin embargo, las cosas se complicaron y al terminar la banda terminó también su matrimonio.

Tras esta ruptura, Channy encontró al músico Ryan Olson, con quien estubo en Gayngs. De inmediato tuvieron química para trabajar. Leaneagh tenía muchas canciones escritas que interpretó en una sesión de grabación conjunta, y él la quería para que hiciera coros en su grupo.

Se hicieron amigos, juntos trabajaron algunas cosas y dos meses después tenían once temas listos. Olson, quien irónicamente no se considera un integrante de la banda, sugirió que todo lo que habían creado se enriquecería con bajo o batería, por lo que suman a los bateristas Drew Christopherson y Ben Ivascu, así como al bajista Chris Bierden, con quienes se complementaron y por fin lanzaron Give You the Ghost, el álbum debut de Poliça, que fue coproducido y masterizado por Jim Eno, de Spoon.

En pocos meses, este material los ha llevado a importantes festivales como Sasquatch!, SXSW, Osheaga, Lollapalooza y Austin City Limits. Consta de un conjunto de voces dulces y a la vez espectrales que hablan de la desesperación y de la nostalgia, con potentes tambores y distorsiones. La voz de Leaneagh parece salida de una cueva, para crear una atmósfera impersonal con tintes de lejanía y soledad pero a la vez de esperanza.

Con la premura de la grabación y la rapidez con la que sucedieron las cosas, los integrantes aún están en la fase de conocerse unos a otros, lo que ha mantenido fresco al grupo, con sus piezas listas para crecer juntos y explotar al máximo sus capacidades creativas.

Channy Leaneagh habló con FILTER México para contarnos sus próximos planes y que la grandeza de Poliça radica principalmente en que son una banda con ambiciones, pero no pretenciosa, y que hacen su música desde lo más profundo de su corazón para tocar el de quienes los escuchan.

Su nombre signif ica “política” en varios idiomas, ¿qué tanta política hay en su propuesta?

La política es una condición humana, en las mujeres, la política del amor. La gente contribuye a lidiar con personas con sexos opuestos, alfa y omega, el macho alfa, y cómo sorteamos las diferentes relaciones que tenemos en la vida. ¿Imaginaron que en tan poco tiempo tendrían el éxito que tienen?

No. Todo el año fue un gran cambio. Cada día, cada semana se han presentado grandes oportunidades y sorpresas, hemos sido muy bendecidos. Todo ha sido muy gratif icante.

Ustedes comenzaron a ensayar cuando el disco estaba prácticamente terminado, ¿cómo fue este proceso de hacer el disco a tocarlo en vivo?

Paso mucho tiempo sola cantando las canciones, hasta que quedo conforme. Gracias a la dedicación de todos, disfrutamos el escenario, sentimos la música y la pasamos bien. Fue poco el tiempo que pasamos juntos en el proceso de grabación, debíamos conocer bien las canciones y practicarlas mucho antes de tocarlas en vivo, así como pensar en cómo hacer que suene bien y hacerlo lo mejor que podamos.

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¿Cuál es la diferencia de proyectos anteriores y Poliça?

En este proyecto realmente combino mis experiencias en las bandas pasadas; en la primera, aprendiendo las bases de la música tradicional; y en Gayngs, fue aprender lo que era estar en una banda de giras y cómo amoldarte con las demás personas con las que estás tocando. Uso todas estas cosas, incluso siendo una persona graciosa para las personas, trato de desenvolverme en las responsabilidades que tengo en la banda. ¿Cómo responden a la expectativa que tiene la gente en Poliça?

Trato de hacer lo mejor que puedo. Creo que los músicos son personas que a veces tienen altos estándares, casi imposibles, y que la gente 42 . F I L T E R

a veces puede ser especialmente cruel y crítica.

No somos la banda más grande, somos muy pequeños pero nuestra música es sincera, es en lo que creemos y proviene de nuestro corazón.

La gente quiere eso, tratamos de ser agradecidos con ellos. ¿Por qué decidieron no incluir guitarra en la banda?

Queríamos mantener un sonido pequeño en vez de la complejidad. Tratamos de hacer algo diferente, no tener guitarrista, quiere decir que el bajista puede moverse sobre la melodía y experimentar un poco más, eso ofrece un sonido diferente, creo que se basa en cómo las cosas se llevan mejor y si la cosas se llevan bien como están, no necesitas agregar a otra persona.

¿Cómo percibes a la banda en un futuro?

Queremos ser una banda que haga música que nos haga felices y nos haga madurar. ¿Tienen planeado visitar México en corto o largo plazo? ¿Les gustaría?

Me encantaría tocar en México, he escuchado muchas cosas buenas, que hay una buena escena musical. Sí, nos encantaría ir. ¿Qué planes tienen para 2013 y qué temas abordarán?

Grabar el siguiente disco, ya trabajo en él, y fijarme mi nueva gran meta, eso es lo que me viene a la mente. En las letras hablaremos un poco de lo usual, un montón de cosas diferentes, supongo. No sé ahora de las cosas que escribiré. De la mujer que solía ser, supongo.

REVIEWS

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TRIBUTO

Stay Together Por MILTON BARBOZA ARRIAGA Fotos (Cortesía) SUEDE

Han pasado veinte años desde que Suede impactó al Reino Unido con su sencillo “The drowners”.

Desde ese momento, la banda originaria de Londres ya no sería la misma porque trascenderían con el paso del tiempo para convertirse en un referente del inicio de los años 90.

Aquellos jóvenes músicos que comenzaron el proyecto en 1989 jamás pensaron que serían, junto con otros grandes como The Stone Roses, una especie de estandarte del sonido británico que buscaba hacerse notar ante la euforia del grunge que se gestaba en Estados Unidos. “Era una época extraña. Habíamos tocado juntos por unos años hasta entonces y terminábamos tocando para alrededor de cinco personas cada noche. En el año que precedió a The drowners vimos ese número aumentar noche tras noche gracias a la publicidad de boca en boca. Así que cuando el sencillo salió y estábamos en la prensa en todos lados, se sintió como un éxito de la noche a la mañana para todos los demás, y el final de un largo y duro camino para nosotros”, apunta Matt Osman, bajista de la banda, en una entrevista concedida a FILTER México después de haber visitado nuestro país.

Y así fue como Suede, integrada en aquel momento por Brett Anderson, Bernard Butler, Simon 44 . F I L T E R

Gilbert y Matt Osman, sin darse cuenta se encontraba en los cuernos de la luna de su país.

Aunque las cosas iban muy bien para esa primera mitad de los noventa, la banda comenzaba a tener algunos problemas internos, tal vez por la presión de saber que cada movimiento era vigilado por la prensa especializada, y no era para menos, ya que el disco debut de Suede se hizo acreedor al Mercury Prize; aunado a esto, la muerte del padre de Bernard Butler, vocalista de la banda, trajo consigo la cancelación del segundo tour del grupo y, tiempo después, una serie de tensiones entre Butler y el resto del grupo — pero sobre todo con Brett Anderson— dieron como resultado su salida al término de las grabaciones del segundo disco, Dog Man Star (1994).

Pese a esto, el proyecto continuaba, aunque con resultados no tan aceptables para los miembros de la banda. Coming Up, Head Music y A New Morning fueron los discos que editó Suede hasta 2002, pero lo inevitable llegaba: la separación de la banda a principios de 2003. Al respecto, Osman dice: “Creo que teníamos que hacerlo. Nos habíamos quedado sin ideas y alcanzamos un punto en el que no estábamos haciendo la clase de discos que hubiéramos querido. Es por eso que dimos pasos tan pequeños cuando regresamos, no teníamos idea de si la antigua química aún estaría allí”.

Y tuvieron que pasar alrededor de siete años para que Suede decidiera reencontrar su carrera y volver a posicionarse entre la gente, sobre todo entre los melómanos más jóvenes. Hubo muchos cambios al regresar de nuevo a la escena, sobre lo que Osman comenta: “las principales diferencias están realmente en el negocio. Nuevas bandas tienen que trabajar muy duro hoy en día para vivir de la música. No sé en qué clase de banda nos habríamos convertido si hubiéramos tenido que estar de gira tanto como las bandas de ahora”.

El Mercury Prize que ganó Suede, así como los Grammy y otros premios, pueden ser considerados un buen medidor de éxito, pero para Matt Osman, parece todo lo contrario: “Para ser honesto, a las bandas sólo les interesan esas cosas cuando ganan uno. Lo genial acerca de la música es que realmente no se necesitan premios, hay una manera más fácil para decir quién está moviendo a la gente; se le llama ventas de discos”.

Tal vez los integrantes de Suede jamás pensaron que con su desintegración hace diez años vendría un revival que hoy agradecen propios y extraños, todos aquellos que respetan las canas de uno de los proyectos más importantes de la historia de la música inglesa y que hoy sigue más vivo que nunca en la escena internacional. Cheers, mates!

Quick Q & A con Matt Osman…

Pese a la gran cantidad de trabajo que por fortuna tiene Suede tras su regreso, Osman se da el tiempo de reír, de divertirse y, sobre todo, de gozar la música que esta banda le ha dado al mundo.

Si tuvieras que escoger otra era diferente a la que viviste para haber tocado en otra banda, ¿cuál sería?

Me hubiera gustado acompañar al rey Enrique VIII en “Greensleeves”, esa melodía siempre necesitó un bajo. ¿Cuáles son sus planes para 2013? ¿Habrá un nuevo disco?

Sí, el nuevo álbum está terminado. Pasaremos 2013 empujándolo por las gargantas a lo largo de los cinco continentes. ¿Cuál sería tu principal recomendación para los nuevos músicos?

Que escriban para los fans, no para los críticos. Escuchen a la gente a la que le gustaban cuando no había nada que obtener de esto. Nada es más costoso que una comida gratis.

Si pudieras, ¿qué cambiarías en la historia de Suede?

Nada, es por tus imperfecciones por las que la gente te ama.

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TRIBUTO

SIN

New Order…

Por CARLOS VERÁSTEGUI Fotos DANIEL ANGUIANO

¿Qué sería de nuestros afortunados oídos sin New Order? ¿Qué hubiera pasado con la escena musical si, después de la muerte de Ian Curtis, el resto de los integrantes de Joy Division hubieran dejado de lado esta escena para vivir de la leyenda?

Las respuestas son ambiguas, nada es seguro y mucho menos con una banda que logró evolucionar hasta convertirse en leyenda por sí misma; leyenda viviente y vigente cuya música suena hoy más actual que ayer.

La banda post punk y creadora de sonidos electrónicos presenta un estilo ecléctico que pocos se atreven a definir ante la constante mutación de un collage musical que surgió del punk de los Sex Pistols, retomó elementos del art rock y abrió una nueva era de la que ellos, junto con Depeche Mode, son creadores. ¿Ustedes, estimados lectores, se atreverían a definir este sonido? Es quizá esta ambigüedad la que los coloca tan alto dentro del gusto musical de aquellos que lo logran entender, y ¿qué entienden? Es complicado, pero esto lo resume: melancolía, oscuridad, baile, sexualidad, post rock, post punk, pre rave, synthpop…. ustedes pongan aquí el adjetivo de su elección.

Ahora no es fácil crear un sello propio, y menos dos veces. Los inte46 . F I L T E R

Hasta The Killers debe su nombre a New Order. Para la grabación del video de su sencillo “Crystal” la banda decidió tener a jóvenes dobles, ya que consideraban que su apariencia física ya no era vigente con su propia música. Estos jóvenes aparentan ser una banda llamada “The Killers”. A partir de esto, Brandon Flowers y compañía toman este nombre y lo utilizan para su proyecto musical.

grantes de New Order lo hicieron, fueron capaces de crear un sello icónico con dos bandas distintas que hoy son de culto. ¿Cuántos músicos pueden decir que han logrado eso siquiera con una banda? Ahí radica su genialidad, que además permea en la actualidad en toda la escena musical, con bandas como Beach House o The Weeknd, entre varias más que deben parte de su sonido a la base rítmica de Bernard Sumner y compañía.

Esta herencia omnipresente no sólo se manif iesta en la música, sino que su inf luencia se palpa en el cine con películas como 24 Hour Party People o Trainspotting. ¿Cómo podríamos imaginar la hasta hoy pieza máxima de Danny Boyle sin ese soundtrack con base en New Order? Además, él mismo sirvió como puente generacional por donde pasamos de Lou Reed a Bedrock, cuya única banda atemporal hasta hoy es New Order.

Después de este breve vistazo la pregunta sigue ahí, ¿Qué sería de la música sin New Order? Hoy algunos ya hemos tenido la oportunidad de ver a los originarios de Manchester en el escenario, cada uno con más de 50 años a cuestas.

Nos han hecho vibrar con la fortuna de saber lo que estamos viendo, lo que estamos escuchando, historia musical en constante evolución, la respuesta a la pregunta sigue ambigua pero es afirmación más que negativa.

Hoy más que ayer, mañana más que hoy.

TRIBUTO

Entrevista con Stephen Morris Por PAMELA ESCAMILLA Unas horas antes de que New Order cerrara el escenario Corona Light durante el segundo día del Corona Capital 2012, su baterista, Stephen Morris, platicó con FILTER México. El alguna vez integrante de Joy Division no quiso entrar en detalles sobre el sonido de The Lost Sirens, posible nombre de su más reciente material (aún no disponible) y se mostró sorprendido de la variedad de generaciones que asisten a sus conciertos. ¿Cuál es el mejor recuerdo que tienes de un festival de este año?

Mi favorito fue uno muy pequeño, el Festival No. 6, en donde se hizo la serie The Prisoner, es un lugar muy agradable.

En esta etapa de New Order, ¿qué es lo que los mantiene unidos?

Que disfrutamos haciéndolo, si no tendríamos que dedicarnos a otra cosa. Básicamente es eso.

Hasta el momento ha sido genial, un poco más duradero de lo que pensamos que sería, queríamos hacer dos o tres conciertos y ya llevamos como 50. Ha sido genial.

terés y luego tienes hijos y es con ellos que vuelves a escuchar música y redescubres por qué te gusta tanto. Me gusta Hot Chip, con quienes llegamos a trabajar, es fantástico; y Crystal Castles.

¿Qué es lo más loco que ha hecho un fan?

Recuerdo a un chico con un tatuaje de Joy Division a lo largo de toda la espalda, ¡eso debió doler!

Yo no lo haría.

¿Cuáles son los próximos planes de la banda?

A nosotros nunca nos ha funcionado hacer planes, creo que seguiremos con algunos conciertos, escribir canciones, tocarlas en los conciertos. El más reciente disco se ha retrasado pero tiene que estar afuera pronto, tal vez para Navidad. Es un álbum muy ambiental de ocho tracks, ya lo juzgarán ustedes cuando salga.

¿Cuál dirías que es una canción de New Order que represente a la banda o a la manera en la que te sientes con respecto a ésta?

Eso es algo muy difícil, mejor te diré mis canciones favoritas: serían “Temptation” y “Bizarre Love Triangle”, diría que esa es la favorita.

Con una carrera tan larga y tanta experiencia, ¿tienes nuevas inf luencias como músico?, ¿qué estás escuchando o redescubriendo?

Es extraño porque a veces pierdes un poco el in-

¿Cómo ven la inf luencia que han ejercido en otros? Es decir, hay una banda llamada Thieves Like Us, como una canción de New Order.

Sí, toda esta pasión por Ian Curtis y Joy Division, es como si fuera sobre alguien más… no puedo creer que haya tanta gente sobre la que inf luimos.

Es genial, raro, pero te hace sentir bien.

F I L T E R . 47

NOTA FINAL Por

BAND OF HORSES Esta foto fue tomada el 14 de diciembre de 1969. Creighton Barret salió a tiempo de la cárcel para felicitarme porque al fin mi orina, que estaba en una botella de Powerade, era de un color normal.

RYAN MONROE

Chris Wilson, nuestro director de arte y mejor amigo, comenzó a tomar algunas fotos de Ryan Monre y yo estrechando nuestras manos en diferentes momentos alrededor del mundo. Lo empezamos a hacer en diferentes festivales y frente a todos los asistentes; nos creíamos alcaldes de una ciudad cortando el listón para inaugurar un nuevo edificio o como parte de un acto civil. Ésta fue tomada mientras grabábamos nuestro nuevo disco en L.A. El productor Glyn Johns estaba hospedado en casa de la hija del director de cine Rydley Scott, que se encuentra en lo alto de una colina.

Dicha residencia fue ocupada en algún momento por Ridley, quien después se la dejó a su hija, Jordan. Como gran fan, pasé gran parte de mi tiempo actuando mi película favorita de Ridley, Alien. Me puse unas mallas blancas y una camiseta como la que usó Sigourney Weaver; Ryan me persiguió alrededor de la casa como si él fuera el alien. Me veía muy bien en mis mallas blancas.

CREIGHTON BARRET

PORTLAND

STOCKHOLM Durante mucho tiempo he querido perdonar a Tyler por todas sus fechorías. Estoy feliz de comunicar que cada día estamos más cercanos al perdón. ¿Acaso este apretón de manos hace que mi trasero se vea más grande?

BEN BRIDWELL

JACKSON HOLE

En esta foto estamos Creighton Barret y yo mostrando un símbolo de unidad después de finalmente estar de acuerdo en que los amigos imaginarios son reales y merecen derechos humanos igual que el resto de nosotros. El hombre que está en la parte de atrás de la foto, no estaba en el momento cuando fue tomada. Nunca imaginé que Creighton tuviera amigos imaginarios hasta que su Polaroid fue encontrada dentro de una apestosa maleta de gimansio de la primavera de 2010.

RYAN MONROE

La siguiente fue tomada tras bambalinas de un show de televisión en Sao Paulo, Brasil. Tuvimos que estar sentados por alrededor de tres horas tamborileando con nuestros instrumentos mientras el conductor hablaba en portugués y no teníamos un traductor. Eso me recordó cuando tomamos un ferry en Europa que iba de un país a otro. El viaje tomó pocas horas, así que decidimos beber algunas cervezas para consentirnos. Al llegar a nuestro destino estábamos un algo ebrios.

LOS ANGELES 48 . F I L T E R

Nuestro manager en aquella época, Baptiste, era un tipo pequeño y con largo cabello rojo, razón por la cual solíamos llamarlo “Le Petite Monsieur Rouge”. Ryan y yo estábamos bastante alcoholizados y él corrió detrás de quien pensó que era Baptiste para darle una nalgada. Volteó y se dio cuenta de que no era él sino una mujer alemana de edad avanzada que estaba con su familia; Ryan estaba asustado y confundido. Recuerdo cómo mientras pedía disculpas todos corríamos para ocultarnos atrás del autobús, llorábamos de la risa. Buenos tiempos, sin duda. Seguramente la señora tuvo marcada la mano de Ryan en el trasero toda la semana.

CREIGHTON BARRET

SAO PAULO