FILTER México #11

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Primavera musical Cuando supimos sobre el concierto de Spiritualized en la Ciudad de México, tener un homenaje a la banda en portada, así como una entrevista con Jason Pierce, se convirtió en nuestra prioridad.

Esperamos que disfruten tanto como nosotros esta charla en la que se nota la evolución musical y personal de J. Spaceman.

Entre otras exclusivas, también les presentamos un especial de Eels con motivo de Wonderful, Glorious, su más reciente material discográfico, un paseo por Nashville, un especial sobre la crítica situación de España y una entrevista con Yoko Ono, Kim Gordon y Thurston Moore, con respecto a la aventura sonora cuyo resultado todavía nos sorprende.

En cuanto a música nacional, destacan la visita que le hicimos a Candy, el reencuentro de Porter y varios discos nuevos, así como la reseña de nuestra más reciente FILTER Party.

Nos da mucho gusto que, así como conforme avanza el año hay más conciertos en nuestra ciudad, cada vez contamos con más y mejores colaboradores tanto en nuestra edición impresa como en línea..

Pamela Escamilla Menchaca Editora en Jefe

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- C O N T E N I D O -

EN PORTADA

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SPIRITUALIZED

PAISAJES SONOROS

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NASHVILLE

LES PRESENTAMOS A…

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LA BIEN QUERIDA

YA DEBERÍAS CONOCER A…

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T

HE J OY F ORMIDABLE

DE VISITA

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CANDY

PRINCIPALES

/ / / /

ESPAÑA YOKOKIMTHURSTON PORTER EELS

TRIBUTO

/ 43 /

YO LA TENGO

ARTE

/ 42 /

COLD WAR KIDS

NOTA FINAL

/ 48 /

PIKTORAMA

20 / 25 / 28 / 31 /

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Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza

milton@filtermexico.com

Editora en Jefe Pamela Escamilla pamela@filtermexico.com

Editora Web Paulina García paulina@filtermexico.com

Colaboradores Paola del Castillo, Laia Colomer, Daniela España, Benjamín Espinosa, Rodrigo Fernández de la Garza “Fo”, Arturo Garibay, Amaranta Martínez “Piktorama”, Alejandro Murillo, Beatriz Pecero, Davo Peñaloza, Eliseo Quintanilla, Paola Romo, Cristina Salmerón, Anna Stephens y Sandra Valerio.

Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Fotografía Joel Cárcamo, Rodrigo Jardón y Óscar Villanueva Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Ventas Fernando Espinosa

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Alejandro Aguirre alex@filtermexico.com

Gabriela Toriz

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Octavio Tovar

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FILTER, Año 2, No. 11 (15 de marzo al 30 de abril de 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011-083012492100-102, ISSN 2007-3216.

Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 10 de marzo de 2013 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

Distribución: La versión gratuita de FILTER México es distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc. CP 06890. México, Distrito Federal. La versión de paga de FILTER México es distribuida por Pernas y Cía., Editores y Distribuidores, S.A. de C. V . Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo C. P. 02300, México, D. F. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación.

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VOL. 1, NO. 50, HOLIDAY 2012.

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Por PAOLA ROMO

USA JUEGA DISFRUTA

SIN COLILLA QUE TE PISEN El simple hecho de fumar representa un daño para la salud, más si cada vez que se consume un cigarro tiramos las colillas al piso. Los cerca de 45 trillones de colillas que se tiran anualmente en el mundo representan 500 mil toneladas de basura. Para esto, Suhab, una empresa mexicana de diseño sustentable, desarrolló este lindísimo portacolillas de latón que, además de resultar un accesorio superpráctico, ayuda a reducir el daño que genera este tipo de basura. Almacena hasta 12 colillas sin olor.

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¿QUIÉN DIJO PICNIC? Marzo es el mes ideal para empezar la temporada de picnics en la ciudad.

Una canasta con carnes frías, quesos, sándwiches de pepino y queso crema, rebanadas de sandía y, por supuesto, un chardonnay bien frío. Esta bolsa térmica guardará la temperatura ideal de la botella conservando el look de recién salida de la vinatería de la esquina.

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Sofía Johnson es la diseñadora detrás de Aurelia, una marca ecológica mexicana para mujeres que se preocupan por verse y sentirse bien, y que cuidan del medio ambiente. +THE GRAY es el nombre que llevan las nuevas playeras hechas de algodón orgánico y bambú en tres colores diferentes: gris (The Gray), azul celeste (Sky Blue) y negro (Night).

Las telas ecológicas tienen la enorme ventaja de permitir que nuestra piel respire mejor, lo que es ideal en estos meses calurosos; además de que no contienen ningún químico. Pueden encontrar los productos de Aurelia en distintas boutiques de la ciudad.

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FRED AMA A AMY <3

Además del enorme legado musical que dejó la cantante, existen un par de colecciones que la casa inglesa Fred Perry realizó a manera de homenaje para la fundación Amy Winehouse Collection. Dentro de la última colección está una mascada de seda inspirada en los elementos que caracterizaban la manera de vestir de Amy y el sello de Fred Perry.

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PASIÓN, UNA NUEVA EXPRESIÓN Con motivos de lencerí¬a en un sexy fondo rojo, la marca de condones Prudence no deja lugar a ninguna especulación. El kit Pasión es la prueba de que una buena noche de diversión puede convertirse en una experiencia inolvidable, con una “manga” texturizada estimuladora más la delicia de 6 condones con sabor y aroma a fresa, el kit Pasión propone no salir de la habitación.

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Los objetos de Pantone Inc. y sus distintas aplicaciones a muebles se han convertido en excelentes elementos de decoración. Esta silla en Amarillo 140848 le vendría muy bien a una oficina o estudio, además de que es un color muy primaveral. Puedes encontrarla en:

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Sabemos que te encanta el café, que eres adicto a tu smartphone y que no lo puedes dejar de ver un instante.

Como también te encanta tomar café mientras ves tu teléfono, es importante lograr esta maniobra cuasi circense sin tropezar y tirar el café o estrellar la pantalla del teléfono. Si te compras un case Upper Cut lo lograrás, ya que contiene un orificio que detendrá tu café mientras mandas emojis a tus amigos.

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#filterparty

FILTER Party 12 Elis Paprika

& The Black Pilgrims y VERANO PELIGROSO Por BENJAMÍN ESPINOSA Fotos JOEL CÁRCAMO

Como siempre, para todos los que integramos FILTER México es un placer ofrecerles continuamente noches divertidas, acompañadas por unos tragos y muy buena música. En nuestra primera fiesta del año tuvimos como invitados especiales a Elis Paprika y Verano Peligroso. Estos últimos formaron parte del Carnaval Bahidorá.

La noche apenas comenzaba y mientras la barra del Caradura era duramente asediada, el dúo conformado por EsaMiPau! y Jacinto Di Yeah! tomó el escenario y nos dio una muestra de su estilo alegre, tropical y ameno. Los temas del EP Culpable fueron muy bien recibidos entre el público. El escenario ya estaba listo para recibir a Elis Paprika.

Luego de unos minutos, tanto ella como The Black Pilgrims hicieron acto de presencia, con lo que el público reaccionó de manera eufórica. Con todo un catálogo en su haber de Elis Paprika y compañía, se escucharon temas de discos como Give Me Love, Express y Maldito, hasta su más reciente producción, Animal. Los temas que hicieron vibrar al Caradura sin duda alguna fueron “Hasta que te conocí” y “No me van a callar”.

Luego del acto de los proyectos, algunos gozamos un rato más de los amigos y varios tragos para terminar la noche igual que siempre: ¡genial! Esperamos que hayan pasado una noche increíble al igual que nosotros y vernos pronto en la siguiente fiesta.

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7)Conviértelos en tus compañeros de escritura Si tienes varios cuadernos a medio usar, ésta es tu mejor opción. Recolecta tantas hojas como quieras (de las que te sobran en libretas a medias), córtalas del mismo largo que el diámetro del disco y del mismo ancho que su radio. Engargola todas las hojas juntas entre pastas duras. Sobre éstas coloca la mitad del disco de vinil. Puedes regalas las libretas a quien sea amante de la música (y del planeta), como tú.

Por BEGOÑA ORTIZ Fotos STOCKBYTE, JUPITERIMAGES y COMSTOCK

Un disco de vinil es un verdadero tesoro. Hay quienes tienen sus discos preferidos y los escuchan a diario; otros tienen toda una colección que vale miles de pesos; pero unos más, tenemos algunos discos rayados o rotos que tienen muy poco valor en el mercado y de los que no queremos deshacernos tan fácilmente.

Si eres un melómano nostálgico que no quiere desechar sus discos pero ya no son funcionales, te damos varias opciones para que los transformes en algo útil y continúes disfrutando los recuerdos que te traen.

1) Cuélgatelos

Hacer unos aretes a partir de viniles es muy sencillo y le darán un toque muy original a tu look. Sólo tienes que tomar un trozo del disco y colocarle un ganchito para poderlo colgar de las orejas. Estos ganchitos los puedes tomar de otros aretes que ya no utilices o comprarlos en algún expendio de insumos para joyería de fantasía.

2) Organiza tus contactos

Si eres de los que encuentra tarjetas de presentación en todos sus cajones, ropa, cartera y cualquier lugar, esto es para ti. Toma un disco y córtalo por la mitad. Fija ambas mitades, por la parte plana, en un cartón de 15 centímetros de ancho por el largo de la mitad del disco. Haz cortes a la misma altura de ambos lados redondos del disco, así podrás colocar las tarjetas de tus contactos en estas ranuras a la vez que tienes un accesorio muy original para tu escritorio.

3) Recuerda las maravillosas horas que te regaló Transforma ese disco tan querido en un reloj. Sólo tienes que comprar un mecanismo de reloj (lo consigues en el Centro del D.F. o por internet) y colocarlo en el disco. Te

recomendamos que tengas mucho cuidado con ¡la etiqueta de tu disco!

8) Ilumina tu habitación

Si tienes un montón de discos y no tienes ganas de hacer mucho con ellos, puedes convertirlos en una lámpara. Lo más fácil será que compres, o consigas entre tus familiares y amigos, una lámpara de pie que esté hecha con un tubito que sostenga el foco y una pantalla que te agrade. Después de desarmarla, introducir los discos en el tubo y rearmarla, seguro impresionarás a cualquiera.

9) Adorna tu mesa

5) Cómetelos (bueno, sólo pon tu comida en ellos)

Esta es una de las ideas más sencillas y originales.

Sólo tienes que colocar el disco de vinilo como si fuera un planto base. Junto a éste, coloca los cubiertos, las copas y las servilletas. Sólo te faltará invitar a tus amigos para impresionarlos con tu originalidad.

Esta es una de las ideas más sencillas y originales.

Sólo tienes que colocar el disco de vinilo como si fuera un planto base. Junto a éste, coloca los cubiertos, las copas y las servilletas. Sólo te faltará invitar a tus amigos para impresionarlos con tu originalidad.

6) Adopta una planta

Ahora sabes que eso que tanto quieres pero no sirve más siempre podrá tener una segunda vida. Espera los siguientes artículos de esta serie para saber qué hacer con tus discos compactos y casetes. Si ya hiciste alguna de estas ideas, presúmenoslas mandando tu foto a contacto@laspaginasverdes.com. Y si quieres más ideas verdes para tu vida, no olvides visitarnos en www. laspaginasverdes.com o en Facebook.com/lpverdes, así como seguirnos en Twitter como @lpverdes.

4)Convierte tus mesas y sillas en muebles melómanos

Si tienes una mesa redonda o una silla con el asiento del tamaño de un disco, lo único que necesitas hacer es pegar el disco sobre la superficie de cualquiera de los dos muebles.

De esta forma convertirás cualquiera de los muebles en un objeto de deseo para cualquier visitante que llegue a tu casa u oficina.

Quítate el miedo al horno de la cocina y crea los botaneros más originales para las fiestas. Para esto, necesitarás precalentar el horno a unos 120°C y colocar el disco arriba de un tazón que puedas meter en el horno. Arriba del disco coloca una lata; y debajo del tazón, una charola. Conforme se empiece a calentar, el disco se ablandará y la lata se hundirá mientras le da forma.

Cuando estés satisfecho con la siluetay profundidad de tu recipiente, sácalo del horno. Cuando se enfríe podrás usarlo.

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Páginas Verdes

Si eres amante de lo verde seguramente querrás poner una planta en tu recipiente en lugar de botana. Te recomendamos que sea tierra con fertilizantes naturales y que coloques alguna plantita orgánica y local.

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PAISAJES SONOROS

V

oy en bicicleta por Eastland Avenue. Son casi las cinco de la mañana y acabo de recibir mi primera probada de East Nashville. Hace apenas unos minutos salí de The Five Spot, donde viví la efervescente experiencia de la “fiesta de baile de los lunes”, también citada en más de una ocasión por la prensa americana como la mejor fiesta en Estados Unidos. The Five Spot es un bar ubicado en la línea fronteriza de East Nashville, la zona con más “onda” de la capital de Tennessee.

Su Monday Night Party, también conocida como Keep On Movin’, ya es mítica y de auténtica referencia a lo largo y ancho de ese país. Se trata de una velada semanal en la que tocan y/o mezclan música de las décadas de 1950 y 1960 para bailar hasta desfallecer. Algunas mujeres llegan vestidas con crinolinas, faldas con vuelo, lazos o diademas; ciertos hombres van à la Elvis, Buddy Holly o Ritchie Valens. También están los parroquianos que asisten marcando tendencia en la moda, adelantados a nuestro tiempo. Y claro, están también los simples mortales, los que para encajar pedimos una Pabst Blue Ribbon (la cerveza hipster del momento) y simplemente gozamos el espectáculo que se erige ante nuestros ojos y oídos.

DO THEY WANT TO BE SINGERS LIKE THEIR MOM?

En Nashville, la película de Robert Altman de 1975, el personaje interpretado por Geraldine Chaplin lanza en algún punto esa pregunta, absolutamente pertinente. ¿Quién no toca un instrumento en Nashville? ¿Quién no está en una banda? ¿Quién no quiere ser estrella de la música? A donde vayas, te 12 . F I L T E R

mente sureñas en las que la música en vivo es indispensable—, quien reventó emocionalmente a todos los parroquianos con su interpretación de “Man of constant sorrow”, una de mis favoritas del folk estadounidense. Para cerrar, me metí a The Family Wash, un barecito recomendado por los nativos donde escuché a los ignotos The Depressions.

encuentras con músicos por hobbie u oficio. Es una ciudad donde la música es endémica. Mientras otras han construido sus encantadoras reputaciones de melomanía a partir del “hype” y de espontáneos periodos de bonanza artística, aquí es un estado permanente. Se le conoce como “Music City” desde hace más de 50 años.

Aunque carga con el estereotipo de ser la meca de la Música Country, es territorio fértil de bandas emergentes de todo tipo. Además, aquí encuentras estudios como el legendario Woodland, en donde se han grabado los acordes de titanes como Robert Plant o Elton John. Sí, siempre hay alguien grabando en Nashville: desde Sheryl Crow hasta Radiohead (estos últimos estuvieron grabando en un estudio de Jack

White mientras yo me encontraba en la ciudad).

Nashville nunca está en silencio.

Como ejemplo, en una misma noche pude ver a Alabama Shakes y Fly Golden Eagle tocando gratis en la explanada del Palacio de Justicia.

Aquello estaba atestado, y sobra decir que los Alabama Shakes fueron la sensación: su impacto es notable entre el público estadounidense, que se derritió con “Hold on” y “Heartbreaker”. Después del concierto, encontré una banda de bluegrass auténtico y recalcitrante tocando en un escenario casi improvisado en un lote baldío donde se vendía Moonshine, bebida destilada de herencia ilícita. La noche alcanzó su clímax hasta que me topé con un cantautor anónimo y su banjo en un honky-tonk —cantinas arquetípica-

Los foros de conciertos presumen una relevancia natural: el Grand Ole Opry es la catedral del country, el Ryman Auditorium es considerado uno de los mejores venues del mundo —David Byrne y St. Vincent tocaron allí justo el día que volé de regreso a México—, The Basement es un sitio óptimo para conocer bandas nuevas, Mercy Lounge y Cannery Ballroom poseen envidiables calendarios indie —ahí vi a Stars, Californian Wives y Diamond Rings, en un concierto divertidísimo. Hasta lugares semiimprovisados se pueden encontrar, tales como el Owl Farm, una triste bodega en la parte trasera de una serie de anodinos locales comerciales. Allí vi en directo a mi descubrimiento musical favorito de 2012, Chrome Pony, un ruidoso y energético dueto de Nashville que hay que seguir con atención. Fue la banda con más poder y más orgánica que vi en todo el viaje. Sus canciones “Apocalypse almost” y “Rock and roll” presumen una estridencia perfecta en directo y en estudio por igual.

CIUDAD DE LA MÚSICA...

Y LA CULTURA

¿Por dónde empezar en Nashville? Si vas de visita, te diría que empieces comiendo en Mafioza’s, The Pharmacy, Monell’s (comida sureña, imperdible), Gojo (un exquisito buffet de comida etíope) o Marché (cafecito que los nativos

PAISAJES SONOROS

presumen como el favorito de Gwyneth Paltrow en la ciudad). También puedes comprar discos en Grimey’s —el paraíso del melómano, punto—, adquirir ropa en la imperdible Two Old Hippies, curiosear en el pequeño sótano del terror y la estérica Serie B, que se conoce como Logue’s Black Raven Emporium, o visitar el Belcourt Theatre, referente cinéfilo de la ciudad.

Rica en arte y entretenimiento, rebasa las expectativas del turista cultural.

Conocida como la Atenas del Sur, en Nashville está la única reproducción fiel del Partenón griego, una suerte de epicentro cultural y recordatorio de lo que la ciudad puede ofrecer allende la imagen preconcebida que se tiene de ésta. Si bien el Country Music Hall of Fame and Museum es parada turística obligada, también existen sitios como el Schermerhorn Symphony Center, que alberga exquisita programación de música clásica.

Por supuesto, la Ciudad de la Música no estaría completa sin su Music Row, un área que concentra las oficinas de decenas de compañías discográficas, el oasis de la entrega de demos.

Empero, el sitio más interesante en este rubro está fuera de esa área. Éste es Third Man Records, sello y local musical de Jack White, a donde pude entrar a una fiesta privada. Con decoración kitsch y tapizado con los discos de oro de White Stripes, The Raconteurs y The Dead Weather, es la más notable joya instalada recientemente en Nashville, de visita obligada para el melómano irredento.

Hacía más de una década que no pisaba suelo estadounidense. Me sentía turísticamente desencantado por Norteamérica, pero Nashville —ciudad donde viven Robert Plant, Jack White, Béla Fleck, Nicole Kidman, Al Gore, Taylor Swift... y los Titanes con su imponente LP Field— resultó ser más de lo que esperaba.

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LES PRESENTAMOS A....

LA BIEN QUERIDA Por ELISEO QUINTANILLA Foto ALBERT MOLLON

Antes de que la conociéramos con el nombre artístico de La Bien Querida, Ana Fernández-Villaverde se dedicaba a la pintura. Fue en 2005 que su amigo Juan Ramón Rodríguez (Jota), líder de Los Planetas la animó a componer su propia música. Tres años más tarde estaba tocando en el Primavera Sound.

Para entonces ya formaba parte del catálogo de Elefant Records, pero aún no editaba ningún álbum con éstos. El único material con el que contaba era una maqueta casera.

En 2009 comenzó a trabajar con quien hasta ahora es la otra mitad de la La Bien Querida, David Rodríguez (Beef, La Estrella de David), su productor y arreglista; ahora, su pareja. Desde su debut, Romancero, Ana y David se han alejado de ese feeling directo y austero de la primera maqueta, y han construido un sonido cada vez más cuidado.

Primero, el proyecto era más cercano al pop, con tintes folclóricos indie. Para su tercer álbum, Ceremonia (noviembre de 2012), el sonido ha girado hacia el synth-pop, krautrock, new wave y post punk. “Teníamos claro que queríamos romper con los materiales anteriores y nuestra intención era hacer un disco más homogéneo en cuanto a sonid.

Lo primero que se me ocurrió para este disco fue el título, que viene de una canción de New Order, así que lo tenía antes que las canciones”, comenta Ana. Es su trabajo más sólido hasta ahora, posiblemente porque—a diferencia de sus antecesores—fue concebido como una obra completa. “Tanto en Fiesta como en Romancero las canciones las 14 . F I L T E R

iba haciendo y luego se recopilaron. Ceremonia es un disco y un concepto mucho más pensado. La primera fue ‘Arenas movedizas’, pero las demás las hice ya en un modo más consciente, sabiendo de qué forma iban a ser arregladas por David”.

Para lograr este sonido, que recuerda no sólo a New Order, sino también a Kraftwerk, My Bloody Valentine y los primeros años de Depeche Mode, David decidió prescindir de músicos invitados y hacer todo desde su estudio con ayuda de sintetizadores, samplers y guitarras. Para Ana, el no

depender de nadie ha sido un proceso liberador, ya que “ha sido el más fácil de todos porque está hecho en casa”.

La ruptura con sus dos primeros discos se ve reforzada también en lo visual. Por un lado en la portada, donde por primera vez aparece un dibujo hecho por la cantante en vez de una fotografía suya. Por otro lado, está el oscuro video de “Arenas movedizas”, dirigido por Iker Insausti, quien trabajó en [REC]³ Génesis, y Jeffrey Frígula, codirector del cortometraje Zenizas.

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LES PRESENTAMOS A....

THE JOY

FORMIDABLE Por JESSICA JARDINE Traducción DANIELA ESPAÑA Foto XXX

Estar en una nevada puede forzar a algunos a subsistir a partir de frijoles y pan tostado o a acabarse una botella de whisky para pasar el tiempo. Para los miembros de la banda galesa The Joy Formidable, ésta fue la oportunidad ideal para grabar un segundo disco.

Al finalizar una gira por Estados Unidos, el trío se quedó atrapado en Portland, Maine, con montañas de nieve afuera de su puerta. El clima invernal les proporcionó la atmósfera ideal para que Ritzy Bryan, la guitarrista y vocalista; Rhydian Dafydd, el bajista; y Matt Thomas, el baterista, pudieran poner sobre la mesa las canciones que habían estado presentes en el camión de la gira en los meses previos.

“Vuelvo a contar la historia y la gente piensa ‘estás estúpidamente loca’, porque realmente hacía mucho frío, todo estaba nevado y pienso que a la gente toda la situación le suena como, ‘oh, les dio claustrofobia el encierro,’” dice Bryan. “Suena un poco extraño pero en realidad la estábamos pasando muy bien todo el tiempo. En realidad no podíamos grabar tan rápido.

No fue nada difícil realizar este segundo álbum”.

El proceso de grabación fue aún más fácil si se considera que la banda sale de gira con un estudio de grabación portátil, esto tiene mucho sentido considerando el tiempo que pasan de gira en la actualidad. Con el reciente éxito del álbum anterior, The Big Roar, Bryan y el grupo tocaron casi en todos los festivales de música internacionales, desde Glastonbury hasta Lollapalooza, encabezando las listas de participantes.

El público incrementó considerablemente, en gran medida por el éxito de la canción “Endtapes” que se incluyó en la banda sonora de la película Amanecer, de la saga de Crepúsculo.

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El shoegaze característico y el estilo de ensueño de The Joy Formidable se aprecia muy bien en el escenario; los fans se maravillan con el increíble espectáculo que presenta el trío: incluye las poderosas percusiones y las letras que roban los corazones que en ocasiones se sienten llenos de energías y en otras tranquilizan a la audiencia. Llevar a cabo lo anterior ha sido una increíble hazaña que ha tenido críticas favorables, además de que el número de fanáticos se ha incrementado.

Los miembros de la banda se han comportado casi como verdaderos maniáticos, pues difícilmente se han dado un momento para respirar antes de comenzar a promocionar su segundo disco, Wolf’s Law, en su tour internacional y en una gira por Europa acompañando a Muse.

Según los comentarios de Bryan no se sienten inmunes al ritmo frenético con el que ha despuntado su carrera musical. “Nos sentimos un poco locos,” se ríe. “Ha sido un viaje desquiciado. En un minuto estamos en el escenario y en el siguiente estamos en un pequeño y acogedor bar en el norte de Gales. Verdaderamente estamos disfrutando de todo esto”.

Al trío le tomó cuatro años lanzar su primer disco, desde su formación en 2007, lo que significa que satisfacían a sus fans a partir de EPs y singles, incluyendo la maravillosa canción del 2008 titulada “My beerdrunk soul is sadder than a hundred dead Christmas trees”.

Bryan y Dafydd aún recordaban con tristeza haber tocado en un par de bandas que se desintegraron — Tricky Nixon y, más adelante, Sidecar Kisses— hasta que encontraron a Thomas para crear The Joy Formidable. Afortunadamente fue amor a primer concierto para el nuevo trío.

“Si has tenido una dinámica extraña con tu banda anterior, en realidad aprecias aquello especial que tienes con una nueva,” dice Bryan. “Tan pronto como los tres estuvimos juntos, supimos que teníamos la oportunidad de crear algo definitivamente único”.

Más que nada los tres miembros de la banda están abiertos a compartir y escuchar toda la música que puedan mientras viajan y graban juntos. Durante el

periodo previo a Wolf’s Law, Bryan inclusive hizo que sus compañeros escucharan las canciones de las películas de Disney. “Podrá sonar loco, pero en realidad nos motiva lo complicadas que son algunas de ellas y sobre todo el efecto coral y el de los instrumentos de cuerdas”, Bryan lo menciona sobre las canciones que tanto le gustan. “Aunque la mayoría de esas bandas sonoras tienen millones de cosas distintas, queríamos hacer algo parecido”.

El resultado final es un álbum que reúne la indomable libertad de sus esfuerzos anteriores y un poco de angustia y reflexión. Además, a Bryan la inspiró profundamente la reciente muerte de su abuelo, su amor por el viejo Perry Cuomo y las canciones de algunas barberías; su voz en Wolf’s Law es un arma emotiva y poderosa. En la canción principal, su voz es vulnerable y ardiente como una cascada de emocionales pianos e instrumentos de cuerda. Pero justo antes de que comiences a sentir unas irremediables ganas de llorar, la canción “Cholla” te hará estallar con la energía de una guitarra que haría a Jack White sentirse orgulloso. Es un álbum lleno de contrastes hecho por una banda que aprecia las percusiones estruendosas casi tanto como el vibrato de La Bella Durmiente Pero para Bryan gran parte del crédito se lo lleva ese retiro invernal no planeado en Maine. “Creo que la soledad y la paciencia tienen que ver con que hayamos perdido el tiempo y la noción de hacer música y de escribirla. En realidad fue el mejor lugar en el que pudimos estar”.

Si hace tres décadas le hubieran preguntado a cualquiera de los integrantes de la banda originaria de San Francisco sobre la posibilidad de que su disco debut fuera parteaguas de toda una generación de metaleros, su respuesta habría sido que eso no les importaba.

Hoy, el imponente Kill Em’ All sigue siendo imprescindible en la historia del rock gracias a su poderoso sonido, que sorprende a los melómanos, sea cual sea su género musical favorito.

James Hetfield, Lars Ulrich, el desaparecido Cliff Burton y Kirk Hammett definieron en este álbum la esencia que haría de Metallica una banda emblemática del metal hasta nuestros días. No hay que dejar de lado una mención especial a Dave Mustaine, quien colaboró en varias de las canciones incluidas antes de que le dieran las gracias, para después formar Megadeth.

Cabe destacar que dentro de cada uno de los acordes de este álbum se puede evidenciar que, para Metallica, el límite se encontraba en el término de los tracks,

porque cada uno de los 10 incluidos es un incisivo trabajo auditivo que lleva a momentos de locura bien armonizada.

Las rolas ya clásicas “Whiplash”, “Jump in the fire” o “Seek & destroy” son verdaderos himnos para cualquiera que se digne ser rockero o metalero, debido a toda la potencia que despliegan y, sobre todo, esos arreglos perfectos dentro de un género en el que es muy complicado crearlos.

A 30 años de distancia, Metallica y Vans unieron fuerzas para ofrecer a los fans — tanto de la banda como de la marca— una edición especial con el arte del Kill Em’ All, creados en modelos Ski8-Hi y Slip On, con la que se rinde un merecido tributo a este legendario material discográfico.

No se puede dejar pasar tan buena oportunidad para continuar formando parte de la leyenda llamada Metallica que, a tres décadas de haber lanzado este material, siguen promoviendo la buena música.

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DE VISITA ...

CANDY Por BEATRIZ PECERO Fotos ÓSCAR VILLANUEVA

En un lugar muy íntimo, ubicado en una de las calles más emblemáticas de la colonia Condesa, Candy le abrió las puertas a FILTER México para hablar de su lado B, el que a veces desconocemos.

Para cada uno de los integrantes de la banda, ésta es el resultado de la constancia, un vehículo de aprendizaje o una válvula de escape, algo especial que pasó de ser un hobby de amigos a un proyecto formal. “Los pequeños pasos que hemos dado, siempre han sido hacia adelante” expresa Michael, vocalista y guitarrista de la agrupación.

Una parte de la esencia de cualquier grupo es su cuarto de ensayo. Con respecto a esto, aseguran que para ellos 18 . F I L T E R

lo ideal es ensayar en donde viva alguno de los integrantes. Durante su primera etapa y hasta hace un año lo hicieron en casa de Valentina, en un cuarto que adaptaron poco a poco. “Un día la vecina nos reportó y llegaron siete patrullas, ella decía que había algo raro en la casa”, comenta Héctor, el baterista.

“Después, los ensayos pasaron de ser una reunión de amigos a momentos serios para definir objetivos más claros que exige ser una banda más profesional”, explica la bajista.

Tras su segunda incursión en el Vive Latino se pusieron a ensayar de manera ardua desde el momento en que supieron que participarían. “Significa poner a prueba este disco ante un gran público, además tiene un connotativo emocional

muy fuerte tocar el mismo día que Blur”, manifiesta Ángel, nuevo guitarrista de la banda.

Más allá de Candy, cada uno de sus integrantes tiene un lado B que combina con sus actividades con la banda. Ángel es psicólogo y se dedica a dar coaching a empresas.“Uno de mis hobbies es descubrir nuevos métodos de producción musical”, revela. Héctor, por su parte, es consultor de procesos en tecnología de la información, y tiene un negocio en el que se dedica a hacer cases personalizados para instrumentos musicales. “Es el artesano del grupo”, opina Michael.

Valentina, la voz femenina de la banda, trabaja freelance en traducción e interpretación y está terminando la carrera de nutrición y ciencia de los alimentos; le gusta descubrir nuevos lugares para comer y ver series. Michael está en el área de comercio electrónico

y trabaja en una empresa que vende tecnología y da asesorías. También estudia la carrera de mercadotecnia y es apasionado de los gadgets.

Entre las recomendaciones que los músicos de Candy nos hicieron para visitar en los alrededores de la Condesa, Valentina nos habló de Romaní, una boutique gourmet ubicada en Alfonso Reyes. También, las calles de Mazatlán y Ámsterdam, sus favoritas para disfrutar la panorámica, así como la librería Rosario Castellanos y la plaza Río de Janeiro, ubicada en la Roma.

Los helados favoritos de Héctor están en Glace, en donde venden sabores exóticos como cardamomo y sal de mar.

Para cerrar esta visita la banda nos compartió sus planes, que consisten en hacer una gira para promocionar Control, su disco más reciente.

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ESPAÑA: CRISIS Y CREATIVIDAD E n

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Por BERENICE ANDRADE y CRISTINA SALMERÓN

Era el verano de 2006 cuando El Columpio Asesino, banda de Pamplona, vino por primera vez a México. Faltaba poco para que la peor crisis económica mundial de los últimos tiempos —que no ha terminado— iniciara en Estados Unidos, pero Álbaro Arizaleta, líder de la banda, ya contaba en las primeras entrevistas que dieron en México, con un poco de desfachatez y resignación, que vivían del seguro del desempleo. No tenían de otra, la banda no les dejaba para vivir pero no querían comprometer su tiempo y creatividad en un trabajo alejado de la música. Amor al arte al más puro estilo.

Dos años después, la recesión explotaría y afectaría con particular saña a España. El desempleo en el país estaba en un mínimo histórico en 2007, pero para 2012 registraba un máximo con seis millones de personas desempleadas. La mayoría, jóvenes menores de 25 años. Noticias de paros, manifestaciones y suicidios por embargos abarrotaron los medios de comunicación.

Para El Columpio Asesino, esto no implicó mayor problema, y es que, como alguna vez declaró el mismo Álbaro para el blog Pression, toda su vida habían vivido en crisis. Y no es que la banda no le diera importancia a lo que pasaba en su país, es que desde su independencia, ya habían aprendido a explotar y a sobrevivir en los tiempos difíciles, como muchas otras bandas surgidas a finales de la década de los 90 y principio de los 2000.

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Ya antes España había experimentado una revolución cultural como respuesta, cuando la dictadura de Franco terminó y la Movida Española inició a principios de los años 80 como consecuencia contracultural.

“En la Movida hubo muchos grupos a los que, más que la calidad musical, les podía las ganas de

transgresión, gente que más que se juntara para hacer música, estaban muy cabreados y tenían una manera de manifestarlo a través del arte... o simplemente de reírse en la cara de todo el mundo.

Y en cambio ahora, lo que mueve a los grupos es la música, si no fuera así nadie se dedicaría a esto, porque casi no hay ingresos”, explica Marta Pallarès, periodista de música, quien ha colaborado en la revista Rockdeluxe.

“Al haber menos subvenciones del Estado y de los municipios, pues hay menos festivales de música”, comenta Alaska vía telefónica. “Nos han subido el IVA mucho, estaba en el 8 y ahora está en el 21 por ciento. Pero eso no quiere decir que no haya gente haciendo cosas y no haya grupos interesantes por todos lados”, señala la cantante, pieza clave en la Movida.

El que no haya recursos económicos no impacta directamente en la creatividad y en las propuestas a lo largo y ancho del territorio español. Tanto así, que la mayoría de los nuevos proyectos con propuestas más interesantes están saliendo de provincias alejadas de la capital.

Así, los hijastros de aquella generación que usaba la música y el arte en general para darle una cachetada a la antigua represión, usan ahora a la música para sobrevivir y darle sentido a sus expresiones en medio de la crisis moral que la económica ha traído consigo. “España está inmersa en la peor crisis económica y eso nos lleva a una crisis ética”, agrega Marta.

“Sí que se están fomentando cosas que antes no existían o no se conocían. Lo que está pasando es que la música independiente ya no tiene por qué ser sólo marginal. Es decir, tú puedes tener una banda de música alternativa y eso ya es mainstream, se puede escuchar en muchas emisiones de radio; el

indie ya no es aquello que queda en el más estricto underground como con la Movida Madrileña, sino que esta música alternativa sí tiene unos canales en los cuales moverse y eso lo ha fomentado la crisis, porque las discográficas ya no tienen dinero, la gente no compra discos y consume básicamente conciertos. Yo creo que, como dice un dicho en España, ‘de la necesidad, virtud’. Había una necesidad grande, carencias importantes, luego la gente ha tenido que ingeniárselas como ha podido para que su música llegara a más”, explica la también colaboradora de Panamerika.

Pero ni los conciertos han logrado proporcionarle cierta salud económica a la industria de la música, y es que en 2012 se registró una caída del 85 por ciento en comparación con 2009, por ejemplo.

“Cualquier grupo que se junta ya tiene expectativas de grabar, de tocar, de que conozcan lo que hace. Ha cambiado mucho la forma de difusión. Antes tenías un grupo en un pueblo y te conocían solo los de ahí; hoy en día puedes tener un grupo en un pueblo y que te conozcan en todo el mundo.

Puedes poner todo lo que tú haces, tus videos y canciones, en internet. Eso lo hace tan distinto, que no puede haber ninguna similitud entre la gente joven de hoy en día y la de cuando yo tenía 15 años”, agrega la hispanomexicana.

Eso, y la necesidad por abrir nuevos escenarios ante la crisis de conciertos en España, también ha ayudado a que la F I L T E R . 21

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Ya dijo Emilio Santamarina, presidente de ARTE —organización que aglutina 80 por ciento de la industria del concierto en España— en entrevista para Billboard, que el público creció acostumbrado a no pagar por conciertos y bajar la música de manera gratuita. “Nosotros construimos nuestra industria con dinero de subsidios del gobierno.

Ahora no hay dinero y es imposible para la industria sobrevivir así”, expresó al medio.

PRINCIPALES

“NOS HAN SUBIDO MUCHO EL IVA, ESTABA EN EL 8 Y AHORA ESTÁ EN EL 21 POR CIENTO. ES MÁS O MENOS UN 13 POR CIENTO EXTRA. PERO ESO NO QUIERE DECIR QUE NO HAYA GENTE HACIENDO COSAS Y NO HAYA GRUPOS INTERESANTES POR TODOS LADOS”, ALASKA. música de las bandas independientes españolas haya llegado a Latinoamérica y, particularmente, a México, en donde hay una gran tradición de consumo de música ibérica. Así, bandas como Triángulo de Amor Bizarro (Galicia), La Habitación Roja (Valencia), El Columpio Asesino (Pamplona), Dorian (Barcelona), Napoleón Solo (Granada), El Guincho (Canarias) y otras sean parte de los carteles de los festivales importantes de nuestro país, aunque no puedan sobrevivir económicamente sólo de su banda.

“En la escena independiente hay muy pocos que se puedan dedicar solo a la música o, digamos, solo a su grupo. Mucha gente está creciendo, por ejemplo, en estudios de grabación, trabajan como productores, promotores, pero poca gente se puede dedicar solamente a la banda. Muchos están enfocados al trabajo creativo”, agrega Marta. Sí, hay crisis, pero ellos se las ingenian, como en su tiempo se las ingeniaron los grandes de la Movida Madrileña.

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Los herederos

¿Será que en unos 20 años recordaremos a estas bandas como sobrevivientes y precursores de un fuerte movimiento cultural? Habrá que verlo con la distancia propia del tiempo. Mientras tanto, esto es lo que opinan.

Isa, Triángulo de Amor Bizarro

Cuando algo sale bien, la forma más rápida de verlo es a través de las páginas especializadas en música. Entonces las disqueras pueden comprobar que las cosas pueden funcionar aunque sea de una forma diferente a lo que ellos pensaban. Simplemente tienes que hacer algo interesante que le guste a la gente y ya tienes el medio, es gratis, es para todos y ayuda mucho a la gente que no tiene los contactos que puede tener un grupo potente, o que necesita más dinero o influencias para llegar a sitios como México, por ejemplo.

Jorge, La Habitación Roja

Nosotros somos un grupo que empezó su carrera en los años 90, y fue el momento de la explosión de los festivales, de revistas de grupos. Se ha consolidado una escena tan sólida que ni siquiera la crisis ha conseguido acabar con ella. Al abrigo de todo ese circuito se han establecido una serie de canales y un montón de grupos que desarrollan ahí su carrera. Ahora mismo, a pesar de que es difícil vender discos, sale esto de ‘hazlo tú mismo’, así que las bandas se graban sus discos, se autoeditan y hacen sus giras. Es todo mucho más allá del dinero, lo que es bastante estimulante. La verdad creo que es un buen momento musical.

Alonso, Napoleón Solo

En el último año se nota que los grupos emergen de nuevo y salen desde debajo de las piedras, cada vez hay más grupos de música y se nota.

Alaska

Creo que la gente es menos acomodada por la situación. No están esperando a ver si les dan una ayuda o les graban un disco porque nadie va a venir a grabártelo. No estás esperando a ver si te contratan porque nadie va a venir a contratarte. Yo creo que ahora la gente tiene un poquito más iniciativa.

Lo bueno que se puede sacar de esto es la idea de que no podemos estar esperando a que vengan otros a ayudarnos o a hacer lo que nosotros solos podemos lograr.

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yokokimthurston Watch the Drone El anuncio en otoño del proyecto de colaboración entre Yoko Ono, Kim Gordon y Thurston Moore titulado YOKOKIMTHURSTON envió un escalofrío fantasma de déjà-vu en el universo de la música pop: esto ya había sucedido antes, ¿no?

Traducción PAOLA DEL CASTILLO Foto LESTER COHEN Collage YOKO ONO

Aunque Ono dice que conoció a Moore y Gordon “hace siglos…en el periodo Eduardiano, para ser exactos”, la verdad es mucho menos surreal.

“Sólo sucedió de manera orgánica”, dice Gordon.

Con la posible excepción de John Cage, no hay nombres más cercanamente asociados con el término avant-garde en las mentes de los estadounidenses promedio (o, por lo menos, en las del estadounidense promedio que no tiene nada mejor en qué pensar) que los de Ono y los dos integrantes principales de Sonic Youth.

El hecho de que el trío se haya reunido en algún momento para compartir ideas y grabar algunos tracks para lanzar un proyecto limitado parecía algo especial.

O tal vez sólo parecía como si este proyecto ya hubiera existido antes en nuestras mentes, por lo que no necesitó ser realmente creado. Guitarras enérgicas, voces lamentosas, ruido sónico de gritos emocionales:

“Creo que fue idea de Sean [Lennon].”

Ono es, y siempre será, mejor recordada por su relación con el padre de Sean, John Lennon, y por su misteriosa presencia entre The Beatles durante los últimos años de la banda, pero se ha ganado ser una artista muy reconocida por su trabajo. Ella se encontraba ya bien establecida en el mundo artístico cuando conoció a Lennon en 1968, había colaborado ya con Cage y Ornette Coleman en diferentes ocasiones y dirigido su propia galería y espacio experimental en el vecindario de Manhattan que años después se convertiría en lo que hoy es Tribeca.

“Cut Piece y otros filmes y obras que hizo son fantásticos”, comenta Gordon.

Sí, estoy más que seguro de que hemos escuchado esto antes.

Es verdad que Moore y Ono han compartido escenario en el pasado, pero no deja de ser novedad que el bombardeo de notas, lamentos y gritos, los residuos de rimas, la colección de acordes de guitarra y cuerdas ahogadas —las rondas de intercambio psíquico que forman a YOKOKIMTHURSTON— son los primeros pedazos sonoros lanzados en colaboración por tres de los personajes más importantes e influyentes del avant-garde de Nueva York. No por nada cada reseña al respecto se pregunta en voz alta por qué no lo habían hecho antes.

“Culturalmente siempre ha sido una figura interesante y su arte fue inspirador”.

En Cut Piece, la instalación de performance-art que lanzó en 1964, Ono se hincaba sobre un escenario envuelta en una tela que invitaba a la audiencia a cortar, pedazo por pedazo, un trabajo instrospectivo que convertía al público en el motor de su propia examinación.

Desde entonces su obra, ya sea visual o musical, ha provocado fuertes reacciones.

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La inspiración personal de Ono es el motor detrás de la mayor parte de la música capturada en YOKOKIMTHURSTON. Las sesiones fueron totalmente improvisadas, con Gordon y Moore creando bases musicales para sostener las voces resbalosas de Ono. “Su presencia y todo lo que ha hecho artísticamente fueron una influencia muda [en las sesiones]”, cuenta Gordon. Ono insiste en que Gordon y Moore “estaban en su mundo ideal cuando hacían música”, completamente desconectados del entorno, pero es difícil ignorar a la pareja diferir de la guía de Ono a través del disco, dejando a los retorcidos gritos de la cantante liderar los seis temas del álbum.

No se confundan, devotos de la destreza en guitarras de Gordon y Moore: la voz de Ono es el instrumento principal en YOKOKIMTHURSTON.

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Ella respira la frase que nombra a “I never told you, did I?” repetidamente a lo largo de las cuerdas de Moore, mientras que Gordon hace sonidos carentes de palabras, con lo que su voz reducida a ser un track rítmico de fondo que sirve como ancla para las disculpas y confesiones frustradas de Ono. En “Running the risk”, Ono avienta palabras hacia un espacio vacío —“Mientras más grandes son las expresiones faciales más pequeño es el riesgo”— hacia el que Gordon y Moore lanzan sus propias reacciones verbales. Es un exquisito cadáver articulado que es descuartizado y seccionado por las inserciones de Gordon y Moore y por recordatorios de todos los días —“Los bebés abandonados del Partido Republicano”, “efectos especiales”, dicen en un punto— avivado de nuevo por las gentiles expresiones humanísticas de Ono: “estar solo”, ella responde.

Aunque el trío entró al estudio sin concepciones previas, los sonidos se fusionaron rápidamente.

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“Si aplicas la noción de ‘una banda’ para improvisar”, cuenta Gordon, “las cosas tienden a tomar inmediatamente cierta forma de coherencia al tocar”.

Las estructuras no se mezclaron, pero fueron descubiertas en vivo y en el momento.

“No hablábamos”, cuenta Ono sobre las sesiones.

“Hacíamos sonidos”.

Sonidos serios, sonidos juguetones, escurridos sobre lienzos blancos.

Y, a momentos, sonidos impresionantes.

Guitarras deconstruidas perforan “Let’s get there”

mientras Ono grita como si fuera apuñalada antes de entregar la canción a una especie de inmovilidad escurridiza en el momento en que las guitarras y las voces intercambian posiciones.

Después es el momento en que las guitarras se mantienen quietas, plantando una especie de campo sónico para que Ono se desate en gritos.

Moore se aleja por un tiempo, frotando su diapasón mientras Ono hace trémolo sobre una sola nota.

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Es emocionante escuchar a Gordon y a Moore llevar al límite sus capacidades instrumentales, así como escuchar las reacciones a gritos ya familiares de Ono. “Let’s get there” es el momento más tenso de la colaboración, el tipo de experimento con fuerza que sugiere la historia colectiva de sus tres creadores.

De hecho, es la única canción de YOKOKIMTHURSTON que realmente marca lo genuino de su noise-rock; mientras que el disco es uno de los primos más lejanos de las producciones Geffen de Sonic Youth, joyas art-pop, evadiendo casi por completo las cortinas de disonancia que uno esperaría.

Incluso en los momentos más difíciles, YOKOKIMTHURSTON tiende a estructurar su confusión con relativa simplicidad, y el poder recae más en la estructura que en el volumen.

Hay momentos de increíble belleza —de la perfecta transición de disonancia lingüística a acordes de guitarra correctos y los gemidos de Ono y Gordon en el tema de seis minutos “Running the risk”— y otros de rareza sónica tan fuera de lugar que casi dan risa —los intensos y repetitivos gritos y las guitarras estridentes que conforman casi todo el final de “Early in the morning”—, pero YOKOKIMTHURSTON desafía las expectativas al rehusar ser cualquiera de los dos, al existir simultáneamente entre los polos de claridad y opacidad.

no más pequeñas, pero tampoco iguales— a la suma de sus partes.

Si la energía es igual a velocidad por masa, entonces cobra sentido científico el que tres leyendas del avant-garde neoyorkino, sumergidos por el peso de sus propias historias y dirigiendo sus propias corrientes creativas, fueran capaces de trabajar juntos derribando las barricadas de nuestras ideas preconcebidas sobre cómo deberían de sonar.

Aunque tanto Ono como Gordon evaden el punto cuando sale a tema, sus nombres esencialmente garantizan que YOKOKIMTHURSTON será el disco avant-garde más escuchado del año, sino es que hasta por más tiempo.

“Amamos la complejidad que fue creada por nuestro diálogo musical”, Ono dice sobre las razones por las cuales lanzaron estas sesiones.

Con un futuro incierto para Sonic Youth, parece muy probable que este sea el último disco en el que colaboren juntos Gordon y Moore por un buen rato.

Es difícil no sentirse confundido con YOKOKIMTHURSTON, es difícil no sentirse como si te ahogaras en un mar de sonido redundante, o enterrado bajo cintas grabadas después de tres o cuatro intentos.

Las colaboraciones auténticas tienden a hacer eso, ser cualitativamente diferentes —no más grandes,

Y aun así, es inevitable admirar a todos los involucrados por usar su prestigio para

lanzar algo tan desafiante en este momento y, simplemente, porque disfrutaron hacerlo juntos.

“Hacer música es como caminar sobre una cuerda floja”, comenta Ono. “Una vez que llegas al otro lado, te sorprendes de haber hecho algo tan hermoso”.

Aunque no es evidente en los sonidos que hacen, hay cierta alegría al escuchar el trabajo de Ono, Gordon y Moore, y ésta reside en escucharlos comunicarse entre ellos, aunque sea en un idioma que pocos hablan.

Hay, entonces, un extraño tipo de química en YOKOKIMTHURSTON, una que no se puede realmente medir con nuestros instrumentos, ya sean con nuestro análisis crítico o con nuestra afinidad por sus creadores.

Es una nueva ciencia.

Así que debemos guardar silencio y observar. ¿Qué otra cosa se puede hacer con la belleza?

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Host of a Ghost POR SANDRA VALERIO FOTOSMARÍA JOSÉ VERGARA

Muchos son los “reencuentros”, pero pocos son los más esperados. El regreso de Porter se ubica sin duda en la segunda categoría. Acerca de la sorpresiva noticia de su reunión, que tuvo lugar en la más reciente edición del Vive Latino, Víctor (Villor), Juan Pablo (Chata) y Diego (Bacter) platicaron con FILTERMéxico desde su natal Guadalajara.

Aunque tuvieron que pasar cinco años para que una de las bandas que le devolvió las esperanzas a la escena alternativa en México se reuniera, y no se vislumbran detalles de una nueva producción, el regreso es inminente. Prueba de esto es que los integrantes del grupo —entre los que también se encuentran Juan Son (voz) y Fernando (guitarra) — viajaron a Manzanillo en invierno 28 . F I L T E R

para retomar la convivencia y el proceso de composición de la banda, lo que dibuja un panorama alentador para los seguidores que se mantienen al pie del cañón y no olvidan Donde los Ponys Pastan.

Platíquennos ¿cuándo y cómo surge la idea de este regreso?

Diego (D): Fue hace unos meses, cuando recibimos la invitación al Vive Latino, que decidimos reunirnos y hablarlo, nos dimos cuenta de que todos hemos crecido en este tiempo y quisimos valorar la opción.

Villor (V): En este tiempo cambiamos mucho como personas, fueron cinco años separados, cada quien se enfocó en sus proyectos solistas o alternos, que también nos ayudaron a madurar como músicos.

DECIR QUE DISFRUTO MÁS LA ETAPA QUE ESTAMOS VIVIENDO AHORA QUE EL PROCESO QUE TUVIMOS HACE CINCO AÑOS” CHATA, BATERISTA.

Ahora podemos decir que nuestras decisiones en diversos ámbitos son más acertadas. Hemos atravesado un proceso necesario, teníamos que vivir ese lapso, el tiempo dirá lo demás. ¿Cómo se sienten juntos, ha sido difícil el proceso de tocar nuevamente en la banda?

Chata (Ch): Cuando regresamos a ensayar fue algo raro, tratábamos incluso de recordar cómo iban las canciones, eso fue curioso, a veces necesitábamos escucharlas. Ha sido un nuevo proceso, hemos tratado de componer más rolas y el tipo de trabajo que se ha realizado es diferente. En lo personal, puedo decir que disfruto más la etapa que estamos viviendo ahora que el proceso que tuvimos hace cinco años. ¿Podemos esperar entonces un nuevo disco?

Ch: No podemos hablar aún de resultados como un nuevo disco, pero sabemos que estamos muy a gusto con lo que estamos viviendo.

V: Se nos vienen a la mente diversos nombres, hay varias personas con las que nos interesa trabajar, pero lo diremos en cuanto sea un hecho. Si esto se da, seguro los mantendremos al tanto. ¿Qué extrañaron de Porter durante su largo receso?

Ch: Lo que yo aprendí en este tiempo fue a valorar a cada uno de ellos, lo que hacen como ejecutantes y compositores, todos tienen algo que los hacen diferentes, aunque tal vez no son los más virtuosos. Me cayó el veinte de que son cuatro personas muy talentosas.

V: Yo extrañé estar en una banda con grandes músicos y excelentes seres humanos que me complementan en lo que hago.

Para mí, este regreso fue como encontrarme de nuevo con personas con las que puedo componer casi mágicamente.

V:No hay ninguna otra fecha en puerta y tampoco estamos preocupados por dar más conciertos.

No sabemos si lanzaremos nuevo disco, un EP, un sencillo o media canción, pero estamos componiendo juntos y el proceso creativo ha fluido bastante bien, estamos muy contentos.

¿Qué implica este regreso para sus proyectos alternos? ¿Les darán continuidad?

Ch:Nuestros proyectos siguen, siempre estamos haciendo música, es una necesidad, tal vez no son bandas que tengamos en mente lanzar comercialmente, pero nos gusta seguir creando diferentes cosas, esas opciones seguirán hasta que —tal vez— llegue el momento de presentarlas formalmente.

De surgir la posibilidad para un nuevo material ¿Han pensado con quién les gustaría trabajar?

V:Nos encanta estar rodeados de música, así que no pondremos de lado esos otros proyectos que nos complementan.

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“EN LO PERSONAL PUEDO

FALTA CARADURA 30 . F I L T E R

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Y RESUCITÓ AL DÉCIMO ÁLBUM

POR CRISTINA SALMERÓN FOTOS UNIVERSAL MUSIC MÉXICO

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as historias de vida de los artistas suelen influir en su trabajo creativo, tanto en la cantidad como en el contenido; por amor o desamor se han visto afectadas cientos de producciones discográficas, también por la llegada de los hijos de los integrantes de las bandas, así como por vivencias de muerte y destrucción, como en el caso de Mr. E, líder de Eels.

Así, el décimo disco con la banda y el número 15 en su historia personal, lleva por nombre Wonderful, Glorious y muestra una etapa de recuperación, de una conciliación con el mundo que ha tenido Mark Oliver Everett, Mr. E o simplemente E. De respuestas parcas y un poco vagas, Mark Oliver parece no gustar de dar explicaciones sobre sus actos, para eso está su obra artística, que habla de su vida entera.

Al ser parte de esos artistas inquietos que exploran todos los formatos, E no sólo ha compuesto decenas de canciones, sino que ha dirigido documentales y escrito un libro.

El fallecimiento de su padre, un brillante físico con el que mantenía una relación tormentosa; el suicidio de su hermana, la que lo introdujo a la música y sufría de esquizofrenia; el cáncer pulmonar que se llevó a su madre; la muerte repentina

de su manager y el deceso de una prima azafata que iba en uno de los aviones que se estrellaron en las torres gemelas el 11 de septiembre, son algunas de las estructuras sobre las que se ha construido la obra de Eels.

MARAVILLOSO Y GLORIOSO “Peach blossom” es el sencillo promocional de Wonderful, Glorious, “esa canción la compusimos luego de una noche oscura y fría, cuando nos despertamos, vimos una hermosa mañana. El video refleja justamente ese ánimo”, cuenta E. En el video se puede ver a The Chet, Knuckes, Kool G Murder y P-Boo, integrantes de Eels, trajeados y barbones tocando con E en una bodega en blanco y negro; a la par, tocan también en un jardín en plena primavera donde el vocalista persigue y juguetea con una chica que toca el pandero.

Con ese ambiente soleado y repleto de flores, Eels abre un ciclo y cierra el anterior que contenía la trilogía de los discos Hombre Lobo (2009), End Times (enero 2010) y Tomorrow Morning (agosto 2010), una tercia cuyo punto de encuentro fue el deseo, la pérdida y la redención.

Así, Wonderful, Glorious es un tipo de resurrección “musical y espiritual. “El nombre del disco vino porque creo que ya la gente no utiliza mucho las palabras ‘maravilloso’ o ‘glorioso’, entonces, hicimos una canción que se llamó así y luego se convirtió en un tema que es muy importante para mí y que le dio nombre al disco”, explica Mr. E. Hasta ahora, Everett se había dado a conocer por sus letras que hablan de la muerte, la soledad, la vida tormentosa, las enfermedades mentales y el amor no correspondido. Sin embargo, sus canciones pueden hacer bailar y hasta reír a quienes las escuchan con atención.

LA PROCESIÓN VA POR DENTRO “He estado en México, pero, que yo recuerde, nunca he actuado allá, aunque me gustaría y es posible que vayamos este año”, dice al tanteo porque apenas comienza la gira internacional de Eeels.

“Primero vamos a comenzar con una gira por Estados Unidos y Canadá,wqw luego iremos al Reino Unido y a algunos países de Europa.

Aún no sabemos qué esperar, no tenemos nada planeado, sólo sabemos que hay mucho por hacer”, dice este hombre de barba cerrada que está a punto de cumplir 50 años.

“Compusimos ‘Peach blossom’ (primer sencillo de Wonderful, Glorious) luego de una noche oscura y fría, cuando nos despertamos vimos una hermosa mañana. El video refleja justamente ese ánimo.”

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Los que han visto un show de Eels en vivo saben que pagan por buena música y diversión asegurada.

Los integrantes de la banda suelen hacer actos extraños, como trucos de magia o uniformarse el look para parecer como la misma persona.

“Para esta gira aún no hemos planeado nada divertido, pero queremos que la gente vaya a vernos y descubra si sucede”, comenta entre risas E. Y así como esos fans que los siguen desde sus inicios en 1995, los cineastas parecen también ser fieles admiradores de las “anguilas”. De ahí que su música haya estado en soundtracks como el de American Beauty, Scream 2, Hellboy 2 o las tres primeras películas de Shrek.

Sobre esa relación que tienen con la industria cinematográfica, el compositor señala que “es algo que ha pasado y ya. Nosotros no lo pensamos así, simplemente son oportunidades que se nos han presentado. Parece ser que tenemos muchos fans que hacen películas”.

SOBREEXPUESTO Un día, Mark Oliver Everett decidió abrir una vieja herida. Hugh Everett III, su padre, fue un científico que propuso una teoría de física cuántica sobre los universos paralelos y murió en 1982, fue él mismo quien encontró el cadáver y aún no cumplía los 20 años.

En 2007, luego de 25 años del escabroso suceso, E presentó un documental con la BBC que trataba sobre la teoría desarrollada por su padre y su relación con él, lo nombró Parallel Worlds, Parallel Lives (Mundos paralelos, vidas paralelas).

“Primero vamos a comenzar con una gira por Estados Unidos y Canadá, luego vamos a el Reino Unido y a algunos países de Europa. Aún no sabemos qué esperar, no tenemos nada planeado, sólo sabemos que hay mucho por hacer.”

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PRINCIPALES “Hacer ese documental sobre mi padre fue menos difícil de lo que pensaba. Estaba muy preocupado antes de comenzar a hacerlo. No sabía qué esperar y al final fue una experiencia bastante grata para mí”, recuerda Mark y agrega: “durante la filmación me sentí muy extraño por tener a todo un equipo siguiéndome por dos semanas, gente que te quiere hacer llorar todo el tiempo”.

Reconoce que abrir su vida familiar a los demás es algo doloroso. “Tuve que recordar muchas cosas de mi niñez, pero valió la pena”, asegura.

Things the Grandchildren Should Know no es sólo una de las canciones que hablan de su familia, sino el título de su autobiografía. “Fue como una

catarsis. Escribir este libro es una de las cosas más difíciles que he hecho, es ahora parte de muchos otros proyectos”.

bromear sobre sus tragedias, miente con facilidad o finge no escuchar preguntas que no quiere responder, y se divierte así.

REÍRSE DE LA VIDA

“Creo que, probablemente, desarrollé este particular sentido del humor desde muy temprana edad porque toda mi familia tenía este extraño humor y era la forma en la que principalmente nos comunicábamos. Bueno, más bien era la única manera en que lo hacíamos”, recuerda E y agrega, “creo que es una de lo mejores partes de esta vida, si puedes reírte en verdad de las cosas…”

“¿Qué bandas te gusta escuchar?”, cuestionamos a Mark, “A todo mundo”, responde. “Y ¿a qué conciertos has ido últimamente?”, insistimos para saber sus gustos musicales. “Cuando era niño o cuando iba a la preparatoria, fui a muchos conciertos maravillosos”, concluye.

Pese a llevar una incuestionable vida atormentada, este compositor, cantante, guitarrista, tecladista y baterista que ha sido el único miembro fijo de Eels, conserva un agudo sentido del humor, le gusta

Con un disco para presumir en una gira que ya ha comenzado y con un periodo que parte hacia un renacer musical, E confiesa que para el 2013, entre su lista de deseos está “patear algunos traseros este año cada que damos un concierto”.

“Fue como una catarsis. Escribir Things the Grandchildren Should Know es una de las cosas más difíciles que he hecho, es ahora parte de muchos otros proyectos.”

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FALTA FMX F I L T E R . 35

EN PORTADA

L A

S O R P R E N D E N T E

G R A C I A

D E

Spiritualized POR RODRIGO FERNÁNDEZ DE LA GARZA “FO” Y LAIA COLOMER FOTOS XXX

El sinuoso camino de Jason Pierce, desde su “música para consumir drogas” hasta morir y resucitar en… más música

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El conjunto británico se presentará por primera vez en el Distrito Federal. Debido al próximo concierto en el Teatro de la Ciudad, Jason Pierce accedió a conversar con FILTER México para platicar sobre su música, su visita y, de paso, desmitificar las interpretaciones que su nombre ha generado durante las últimas tres décadas. “He querido ir a México desde hace tanto tiempo que estoy en verdad muy emocionado. Siempre he tenido esta idea de que cuando tocas en vivo te conectas con el público en todos los niveles. Es mucho mejor que escuchar a la banda en tu casa, y creo que somos buenos dando conciertos”, anticipa el músico.

La importancia de Jason Pierce va más allá de una moda pasajera o de un virtuoso mal apreciado en su tiempo. Su trayectoria musical inició en 1982 cuando Pierce y Peter Kember —mejor conocido como Sonic Boom— estudiaron juntos en el Colegio de Arte de Rugby, Inglaterra. Con Pete Bain en

“La música buena merece ser escuchada más de una vez. Es el chiste de hacer discos, ¿no? La gente quiere escucharlos una y otra vez hasta perderse en el sonido.” el bajo y Tim Morris en la batería, ambos guitarristas dieron forma a Spacemen 3, otro nombre de culto entre los maestros de distorsión con guitarras, la experimentación atmosférica y la psicodelia de los años 80.

Propensos a las alineaciones cambiantes, Pierce y Sonic Boom se mantuvieron como los únicos constantes durante los nueve años que el conjunto se mantuvo activo. Vieron pasar ocho músicos en el roster para llegar a la conclusión de que sólo dos nombres eran los esenciales para la vida del grupo.

Cuando esos dos se convirtieron en uno, se desvanecieron de manera definitiva los míticos rasgueos difusos, voces sigilosas, interminables drones y la necesidad de una pareja creativa “a la Lennon-McCartney”.

Jason comenta que “la premisa detrás de Spacemen 3 era minimizar las cosas, hacer la música más rudimentaria. La música buena merece ser escuchada más de una vez. Es el chiste de hacer discos, ¿no? La gente quiere escucharlos una y otra vez hasta perderse en el sonido”. Sonic Boom declaró a Pierce culpable por la ruptura, aunque la realidad es que fueron las diferencias creativas las que alejaron los estilos de composición entre ambos egos. Sentía que Jason había llegado

a una zona de confort dependiente de las creaciones de su compañero, para después asumir su papel y seguir el consumo de sustancias.

La realidad es que ambos estaban en diferentes lugares creativos y, mientras Peter se interesaba más por la labor en el estudio, Jason Pierce integraba más a la banda y se avocó al trabajo en el escenario.

Tras su separación, aparecieron dos grupos abanderadas por cada uno de ellos: Spectrum por Sonic Boom y Spiritualized por Jason Pierce.

Spiritualized nació cuando Peter Kember desaparece de los planes musicales de Jason Pierce. Para no perder identidad, Pierce adoptó el alias de J. Spaceman y volteó musicalmente hacia el góspel y el blues, sin perder las cualidades que le dieron nombre diez años atrás. La banda que conformaba Spacemen 3 —sin considerar a Sonic Boom, por supuesto— integró la primera alineación del grupo comandado por el hombre del espacio. La intención era honrar talentos como The Velvet Underground, La Monte Young y Steve Reich, además de usar la producción en capas (usada por Brian Wilson y Phil Spector). Pierce define su estilo como la mezcla de toda la música que escucha y menciona nombres como Kraftwerk o The Stooges, a quienes les encuentra algún tipo de “conexión” pese a ser diferentes. “Cuando tratas de abarcar todo eso para crear tu propia música y transmitir quién eres o dónde estás, todo tiene sentido; no hay una fórmula probada para hacer que algo suene bien: funciona o no funciona”, comenta durante la entrevista.

La primera canción que grabó el conjunto con este nuevo alias fue la prolongada versión a “Anyway that you want me”, F I L T E R . 37

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Jason Pierce es de las pocas figuras en la industria que respetan el concepto de música.

Polémico, adicto, talentoso y extraordinario, Pierce ha pasado veinte años en un grupo que sólo ha lanzado siete álbumes y del que es el único integrante constante. Todo un forever cuyo lema siempre fue “taking drugs to make music to take drugs” (usando drogas para crear música para usar drogas), su legado en la escena parece mantenerlo tan endiosado como relegado. La mejor parte es que no le importa en absoluto. Su grupo, Spiritualized —uno de los nombres de abolengo en la música alternativa independiente—, ha establecido tal reputación gracias a las composiciones emotivas de baladas orquestales, improvisaciones prolongadas de free jazz, guitarras de blues eléctrico y letras personales con múltiples interpretaciones posibles.

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una distorsionada recreación de la original de Chip Taylor que hicieran famosa The Troggs, pero incrementada en duración, instrumentación y producción. Aquel abrumador inicio reveló el tamaño de aspiraciones musicales que Jason perseguía en esta nueva faceta: cambiarían las atmósferas por improvisaciones, renovarían la experimentación con un sonido más directo y buscarían menos pretensión y más rock & roll (en el sentido menos trillado de la expresión). Tras tres EPs apareció el primer álbum, Lazer Guided Melodies, que ayudó a ganar un lugar para abrir conciertos a The Jesus and Mary Chain y Depeche Mode. Los resultados no fueron los mejores, pero sus compañeros de profesión los respetaban.

Después llegaron los primeros cambios de alineación. El staff se redujo a tres integrantes para Pure Phase, el segundo en la discografía. En este trío aparecían los créditos de Sean Cook en el bajo y Kate Radley en teclados y guitarra. Aunque ella llegó a la alineación desde el primer disco, su relevancia va más allá de los instrumentos. Kate es la célebre exnovia de J. Spaceman que motivó la obra maestra de Spiritualized.

Una cualidad inobjetable en el trabajo del outfit de Rugby es la belleza que transmiten las composiciones de Pierce en cada producción.

En cada uno de los siete álbumes hay instantes de beldad auténtica que conmueven hasta al escucha con mayor estancamiento emocional.

Ya sea con una orquesta de acompañamiento, coros góspel o guitarrazos caóticos, la música de Jason Pierce provoca una reacción climática en más de un momento a lo largo de cualquiera de sus creaciones. “La belleza está en todos lados: en la música grandiosa, en el universo, en los planetas… en todo. La belleza musical no es algo fácil. No es una receta de cocina, sino algo para lo que te debes esmerar y cometer muchos errores en el camino. Siento que Spiritualized es una banda de rock & roll, y la belleza de eso es 38 . F I L T E R

que no hay mucho que pensar, es algo simple”, declara Jason.

En 1997, Kate dejó a Jason por el vocalista de The Verve, Richard Ashcroft. La depresión que le causó tal abandono hizo catarsis en forma del álbum emblema de Spiritualized: Ladies and Gentlemen We’re Floating in Space. Las doce canciones que lo conforman son prueba de la belleza que Pierce es capaz de lograr cuando su inspiración está enfocada en algo más allá de las sustancias que consume. Alusiones a El mundo de Sofía en el título, colaboraciones con el legendario Dr. John y la mezcla final hecha por el productor John Leckie complementaron la docena más sincera entre las letras de Pierce. La placa fue considerada por el semanario inglés NME como el álbum más importante de aquel año por encima de OK Computer (Radiohead), The Fat of the Land (Prodigy) o Urban Hymns (The Verve).

Incluso, el empaque para su edición especial es digno de mencionar: una caja tamaño disco que asemeja un paquete de pastillas medicinales. Al interior, un folleto que señala la dosis a seguir (o escuchar) y el disco cubierto por un plástico para píldoras. Éste era sellado por un aluminio con la leyenda “Spiritualized”, cual marca de producto. El concepto fue diseñado y creado por Pierce y Mark Farrow.

Jason nos platica que la música transporta a un recuerdo específico desde los primeros acordes y el empaque es esencial para redondear esa experiencia. “Cuando compraba discos, el primer punto de referencia siempre fue la portada y eso era lo que me hacía comprarlo o no”, recuerda. Por ello siempre invierte dedicación, tiempo y dinero para lograr ese objetivo desde la primera vista. Durante la conversación, deja entrever que su música va más allá de una experiencia auditiva y que cuidar estos detalles, la complementa. A la presentación medicinal del álbum le siguieron el relieve plastificado en Let it Come Down o la sencilla

“No hay una fórmula probada para hacer que algo suene bien: funciona o no funciona.”

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—pero elocuente— imagen del brazo estirado en Amazing Grace, que denotan momentos en la vida de Jason Pierce.

La carrera de Spiritualized alcanzó su mayor éxito con Ladies and Gentlemen(…) pero la alineación tuvo un nuevo cambio con la obvia salida de Kate y se redujo hasta convertirse en la banda de un solo hombre. Ya no debía apegarse a las restricciones de compañeros, por lo que depura el estilo y después, en colaboración con el London Community Gospel Choir, absorbió los créditos para la composición, producción y realización de Let it Come Down.

Sin saber leer notas musicales, Pierce tarareó las melodías, las interpretó en el piano y así las entregó a la orquesta y voces. Cuando lo interpretaron, lo trabajó con Wall of Sound, técnica desarrollada por Phil Spector, y lanzó el ambicioso trabajo. El éxito se mantiene con sencillos como “Stop your crying” o “Do it all over again”, aunque no destacó como su antecesor.

“Cuando le das a alguien más tu música, claro que habrán aspectos que se pierdan en el proceso, pero es ahí donde deja de ser solamente tuya y se convierte en algo colectivo. Considero arrogante tomar todo el crédito de algo si hubo otros que contribuyeron a la creación. He conseguido grandes resultados, pero son grandes solamente gracias a ese proceso”, agrega Pierce al respecto.

Pese a las constantes alusiones a dios en sus canciones, Jason Pierce declara no creer en religiones, pues considera que segregan a la gente. “A veces llega la gente y cuenta su postura religiosa y no puedo evitar preguntarme si en serio creerán en eso, pero uso ese tipo de lenguaje para expresar ideas comunes”, explica el inglés.

Considera que el góspel es la música más sincera por la interpretación honesta, mientras gran porcentaje de la música actual son bandas que copian a otras. Este género fue el que inspiró la placa de 2003 del inglés, titulada Amazing Grace.

En este colabora con el colectivo Spring Heel Jack 40 . F I L T E R

para regresar al free jazz que lo distinguía desde inicios de su carrera. El poderoso estilo del álbum lo aleja del halago crítico y revela el creciente problema de drogas que Pierce padecía.

Tal situación se volvió crítica cuando Jason fue diagnosticado con neumonía en 2005. Al llenarse sus pulmones de líquido, su físico decayó y su corazón se detuvo un par de veces. Esta experiencia cercana a la muerte deterioró su salud y limitó la actividad pública. Sin embargo, en ese tiempo se mantuvo activo y compuso su primer álbum “solista” (Guitar Loops, 2006), experiencia que sirvió como contexto para el siguiente material discográfico.

Songs in A&E fue lanzado en 2008, aunque fue escrito antes de la enfermedad de Pierce. El título de este álbum alude a su experiencia en la sala de accidentes y emergencias (A&E), pero fue un presagio —antes que un relato— de la situación que vivió en el Royal London Hospital. Este trabajo podría considerarse como uno de los más solitarios

en su trayectoria. Comenta que los medicamentos le fatigaban mucho y siente que pasó la composición aletargado. En éste, aparecen seis armonías con un solo instrumento, así como múltiples connotaciones a un personaje que se encuentra en su lecho de muerte, lo que refleja una sensación de despedida separada en 18 tracks. Afortunadamente superó esta condición, pero la vida de J. Spaceman tenía una factura más que cobrar.

En entrevista para The Guardian en 2012, Jason Pierce admitió que tantos abusos casi le cuestan el hígado. En esa época ya trabajaba en lo que se convertiría en su siguiente producción discográfica, pero el tratamiento lo había alejado por un año completo. Decidió tomar un tratamiento alternativo, para pacientes de leucemia. Aunque estuvo apartado por casi el mismo tiempo, tuvo la posibilidad de reanudar su trabajo. La diferencia principal entre éste y otros álbumes es que las drogas que consumió para escribir Sweet Heart, Sweet Light ayudaron a limpiar su organismo y crear

un material distante a la melancolía. Pierce se recuperó exitosamente con una terapia diferente y encontró en la música uno de los mayores incentivos para aferrarse a la vida.

Finalmente, Jason Pierce comenta que las constantes alusiones al espacio en su carrera no se relacionan con traslados fuera del planeta, sino con navegar la mente. Se trata de un viaje interno más que el atuendo de astronauta o el transporte espacial. Por mucho tiempo, lograr ese viaje interno sólo era posible con algo que lo abstrajera de la realidad, pero las circunstancias lo forzaron a encontrar una manera más convencional para llegar ahí. Jason se muestra como una persona más centrada, aterrizada y que disfruta los placeres que otras personas no sabemos apreciar. En otro presagio accidental en su carrera, lo previó en la frase que cierra la canción homónima a su obra más representativa: Everything happens today, and that’s what you get And I don’t know where we are all going to.

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“Cuando compraba discos, el primer punto de referencia siempre fue la portada y eso era lo que me hacía comprarlo o no.”

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TRIBUTO

YO LA TENGO Por DAVO PEÑALOZA Foto ARTS & CRAFTS MÉXICO

Posiblemente Yo La Tengo no tiene un “Seven Nation Army”, un “Smells like Teen Spirit” o un “Ziggy Stardust”, pero es un magnífico ejemplo de lo que una banda de rock debe de ser, alejada de cualquier intensión falsa o de máscaras que encubran caras que no se quieren mostrar tal y como son.

e irse a dormir, nada más…y qué música más fina.

Algo que llama mucho la atención es que desde 1993 se mantiene la misma alineación, lo que habla de una gran comunión y entendimiento dentro de la banda.

Más allá de que Ira y Georgia sean esposos, la mancuerna musical que los tres músicos han logrado es suficiente para que en 2013 tengamos Fade, un nuevo disco de Yo La Tengo. Dentro de esta “familia musical” también encontrábamos a Roger Moutenot, quien desde Painful (1993) hasta Popular Songs (2009) había sido el productor del grupo en Matador Records. Fade fue producido por John McEntire (baterista de Tortoise y The Sea and Cake), pero la verdad es que el sonido de esta banda no parece depender del productor, ya que su estilo permanece intacto.

El legado que los oriundos de Nueva Jersey han construido a través de 29 años de carrera y 13 álbumes de estudio va más allá de un sencillo, un disco o un show de estadio. Han demostrado que con música sencilla y nada pretensiosa son capaces de tener éxito y convertirse en un referente del indie de los últimos 30 años.

En 1962, los Mets de Nueva York contaban en sus filas con el jugador venezolano Elio Chacón, quien no sabía hablar inglés.

Cuando la pelota iba en el aire, él gritaba “¡Yo la tengo!”, pero sus compañeros angloparlantes no entendían, por lo que en varias ocasiones se estrellaban entre ellos. Tiempo después aprendieron a gritarle “¡Yo la tengo!” para evitar más accidentes en la cancha. Dicha anécdota llevó a que Ira Kaplan y su esposa Georgia Hubley nombraran así a su banda 22 años después.

Yo La Tengo es una de esas bandas como Sonic Youth, Spiritualized o Stereolab, que están repletas de toda clase de influencias y que al final

forman un híbrido único que suena bastante bien y diferente a todo lo demás sin perder su estilo característico. Este punto es muy importante, ya que en sus 13 álbumes, Yo La Tengo ha experimentado con noise, dream pop, folk, experimental, shoegaze y psicodelia: cada disco es diferente pero al final siempre suena a Yo La Tengo.

Han sabido combinar ese fino rock psicodélico de garaje de The Velvet Underground o Jefferson Airplane, la dulzura de Beach Boys, lo rasposo de Television y

una actitud de mostrarse como unos mortales más, no rockstars, que no necesitan ser notados, sencillos y humildes, a quienes no les importa su apariencia.

A Georgia Hubley la vemos en una batería común y corriente sin maquillaje y con un peinado “equis”; Ira Kaplan toca la guitarra con una sudadera sin marca; y James McNew toca el bajo mientras luce grande y gordo, con lentes de pasta y piel latina. Son una banda que simplemente tiene ganas de hacer música, tocarla

Como se mencionó al principio, Yo La Tengo no se ha caracterizado por grandes éxitos o sencillos, ni por tener un nivel de superestrellas, pero sí por su capacidad de autoinnovación y de explorar cada vez más campos musicales dentro de su propio estilo. La calidad que el grupo refleja en cada álbum los ha convertido en referencias inmediatas en lo que a música independiente se refiere, ya que los orígenes del trío están en el underground y pocos artistas logran transformarse en una banda de culto.

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REVIEWS Mark Oliver Everett continúa haciendo examen autobiográfico. A sus 49 años, compone con la seguridad de quien tiene dominado el arte de la melodía. Sin embargo, aunque es posible considerar a Wonderful, Glorious como un álbum maduro, no nos atreveríamos a decir que lo es tanto por el sonido de la música como por el contenido y perspectiva de sus letras.

suenan igual de melodiosos que la música que los transporta (“New alphabet”, “Accident prone”).

Años después de la publicación de sus páginas autobiográficas, tituladas Things the Grandchildren Should Know, nunca antes habíamos escuchado el bajo timbre del señor E cantar en primera persona acerca de sensaciones y experiencias más que meditaciones o posturas. A pesar de un inicio amargo (“I’m tired of being a mouse”), en la mayoría de las canciones prevalece un sospechoso optimismo y hasta añoranza amorosa, envuelta en distorsiones y ruidos que consiguen acomodarse entre el resto de la instrumentación.

Por otro lado, eso le ha permitido publicar música fuera de lo común y descaradamente retro, aun dentro de su propio estilo. Debido a ello, es imposible decir que el señor E no es un compositor inteligente, un artista sensible o un intérprete brillante. Tampoco es posible acusar a Wonderful, Glorious de carecer de imaginación musical para los instrumentos y las palabras.

Más que maravilloso y glorioso, tal cual su nombre, el disco parece la compilación de confesiones de un compositor en paz con su propia soledad y que no necesita tanto expiar sus crisis emocionales. “Bombs away” no es ningún primer track explosivo, ni en potencial ni a contrarreloj; “Kinda fuzzy”, segunda canción, es también el estado de ánimo con el que uno detecta un problema de versodependencia.

Por supuesto, es una sensación que se disipa entre track y track. “Stick together” manifiesta rasgos de mayor organicidad entre letra y música. Algunos compases inevitablemente roban nuestra atención (“Wonderful, glorious”) y algunos versos

El mayor problema de Eels siempre ha sido la clasificación comercial. A pesar de su singular y humorística perspectiva ante asuntos aparentemente oscuros como la muerte y la depresión, un aura distinta domina las riendas de su popularidad.

EELS Wonderful, Glorious

E Works/Vagrant Records/ Universal Music México

80%

Aunque siempre por encima del promedio, la música del señor E difícilmente ha alcanzado los primeros sitios entre lo mejor del año. Su último disco suena a madurez estilística estancada en el análisis de las crisis personales. Sin embargo, nos coloca privilegiadamente en el sillón de su terapeuta, para cuestionarlo, comprenderlo o cantar al unísono.

Posiblemente, la última canción, que lleva el título del disco, sea el que mejor represente las virtudes del conjunto. Con la acostumbrada discreción, sutileza y mesura, una instrumentación más compleja y novedosa se distingue como el valor principal de este álbum, sucesor de una colección de grandes éxitos ante la que se planta dignamente como un material cuya novedad, no obstante, depende en gran medida de los versos que canta.

ALEJANDRO MURILLO F I L T E R . 45

REVIEWS LOS VIEJOS Quebrantahuesos

80% Es el debut de la banda mexicana de punk/ trash Los Viejos. Siete canciones, poco más de 15 minutos de riffs aceitosos, frenéticos dobles bombos, alaridos y chingadazos. ¿Qué más punk que eso?

La banda se formó a f inales de 2010, pero dos sus integrantes no son ningunos improvisados. Ambos tocaron juntos en Parking Ballet; además, Viejo Jacobo ( Jordi A lacont) estuvo en Gula, y Viejo Eustaquio (Leo Padua) toca en Hong Kong Blood Opera, Después del Odio, BESTIA y Bruha.

A l escuchar a Los Viejos lo primero que viene a la mente son bandas anglosajonas como Black Flag, Bad Brains o Napalm Death, pero también recuerdan proyectos mexicanos como Atoxxxico, Garrobos o 34-D. Su alineación de dos piezas podría sugerir que se trata de otra banda de garage minimalista, pero al contrario, suenan llenos y atascados.

Quebrantahuesos se puede descargar gratis en el bandcamp de la banda.

ELISEO QUINTA NILL A PATÉ DE FUÁ Bon Appetit Seitrack

80% Esta banda mexicano-argentina comenzó en 2006 un camino que se consolidó con el tiempo. Discos como Boquita Pintada o El Tren de la Alegría marcan esta historia. Pero fue hasta diciembre de 2012 que presentaron un conglomerado de éxitos.

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Así, Bon Appetit se convirtió en el material que compilaría “La colegiala”, “Muñeca”, “El valsecito de don Serafín”, “Celoso y desubicado”, “La canción de linyera” o “El tren de la alegría”. En este disco no encontrarás sorpresas, pero sí una trayectoria importante.

Su portada sencilla nos remonta a comerciales o carteles impresos de los años 50, lo que es suf iciente para atraer la atención e invitar a que lo escuchen tanto los fans cautivos como los que no se atreven todavía a explorar el sonido de la música de Paté de Fuá.

BENJAMÍN ESPINOSA

FOALS Holy Fire Transgressive Records Warner Music México

70% Aquellos puristas del estilo único en una banda de indie rock deben entender que es indeseable que ese sonido permanezca intacto y repetible a lo largo de su carrera. Los que, por el contrario, prefieren que su agrupación favorita del género componga material con una estética diferente, seguramente estarán listos para llevarse sorpresas desagradables. En el caso del tercer álbum de Foals, tenemos un poco de ambas situaciones.

Holy Fire cuenta con canciones contundentes en las que se reconoce la tradicional propuesta de los británicos. Ejemplo de esto son “Bad Habit”, “Providence” y, sobre todo, el primer sencillo, “Inhaler”, en donde no hay una tonadita hipster pegajosa, sino una serie de capas sonoras que van construyendo una atmósfera de total encierro y ansiedad. Todo lo contrario ocurre con “Out of the Woods” y “My Number”, una canción pegajosísima ideal para festivales veraniegos. En esta ambigüedad transcurren las once canciones del Holy Fire. Es una producción en la que destacan los arreglos meticulosos de Flood y Alan Moulder, que le dan una nueva

identidad sonora a la música de Foals, pero también se permea cómo se aferra el quinteto por mantenerse fieles a su propia estética.

ANNA STEPHENS SR. MANDRIL Cinema Mandril Polyvinyl

83% Unos viejos conocidos de la escena nacional mexicana regresan con nuevo material discográfico, en el que apuestan por un sonido ambiental e instrumental. A lo largo de los 11 tracks que lo componen, Sr. Mandril hace un recorrido sonoro dentro de una atmósfera caracterizada por el funk, con un groove y beats propios de una pista de baile.

Conforme nos adentramos en el álbum descubrimos una evolución en el sonido que de sus producciones discográficas anteriores, sin dejar de lado las características que los han hecho sobresalir en la escena. Entre los temas que más destacan de este material está “5 y 3”, una delicada pieza de jazz con un toque soul.

Su fusión de metales y electrónica te lleva por caminos retro. Por otro lado, la pieza que da nombre al disco es un universo musical. Este tema lounge-ambiental provoca que quien los escucha entre en un estado de relajación; sin embargo, al final entramos en un mundo melódico y altamente ref lexivo sobre nuestro alrededor.

Cinema Mandril es el resultado de la exploración musical que nos lleva a imaginar un mundo rodeado de sonidos embriagantes, lo que reafirma su gran calidad musical, gracias a la que han obtenido reconocimiento internacional. Este material es un acercamiento perfecto al jazz, funk y acid jazz, gracias a la capacidad de sus creadores para lograr cautivar hasta al oído más exigente.

BEATRIZ PECERO

BAD RELIGION True North Epitaph Records

85% Bad Religion es una de esas bandas de las que nadie espera sorpresas. En más de 30 años de carrera su sonido ha cambiado muy poco y álbum tras álbum utilizan prácticamente los mismos elementos. Lo anterior no es dicho a manera de crítica, ya que al principio de su carrera reinventaron el punk rock, innovaron lo que tenían que innovar y no han pretendido probar nada desde entonces. Tan solo siguen haciendo música.

Dicho esto, está claro que su disco número 16, no dista mucho de los anteriores. Las mismas estructuras, el mismo tipo de guita-

rras, velocidad, punch, melodías pegajosas, armonías de voz y, lo más importante, letras impecables que podría envidiar cualquier artista folk. Tiene todo lo que se espera de un disco de Bad Religion, pero es justo decir que es de lo mejor que han hecho desde el regreso de Mr. Brett. En comparación con The Dissent of Man, de 2010, pierde un poco en producción, pero gana solidez. Es un punk más directo: 16 canciones en poco más de 35 minutos, muy al estilo de Against the Grain (1990).

En 2011, Greg Graf f in alimentó el rumor de una posible separación. De ser cierto, Bad Religion se retiraría con la frente en alto, con un disco que es testimonio de por qué han sido inf luencia de tantas bandas, y de que Graf f in y Brett Gurewitz siguen siendo dos de los compositores más agudos del rock norteamericano.

ELISEO QUINTA N ILL A

APOLO Apolo Dragora Records

80% La banda de Ciudad Juárez presenta su EP, que se caracteriza por un ritmo definido en su batería y potentes guitarras y líneas de bajo. Su música va por un lado enérgico, retoma el rock de los 70 y suma una fusión de estridentes guitarras y un toque de noise y psicodelia. Es música sencilla y cruda, muy garage rock. Además, el timbre de voz de su vocalista permite que cada track tenga su propia esencia. “Guajura” es el tema que abre y define a Apolo como banda. “Luz de oriente” es ese lado B que, sin serlo, le da al escucha una percepción diferente sobre la agrupación.

BEATRIZ PECERO

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PIKTORAMA

Amaranta es una ilustradora caraqueña que en el mundo de motion graphics ha trabajado para canales de TV. En su tiempo libre creó su proyecto personal llamado Piktorama. En esta ilustración para FILTER se inspiró en dos de las cosas que más le gustan: la música y viajar. En este caso, un viaje espacial musical lleno de color y buenas vibras. www.piktorama.com 48 . F I L T E R