FILTER México #10

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Viva la música El próximo Vive Latino se acerca y en este número estamos orgullosos de tener entrevistas con algunas de las bandas que se presentarán, como Los Macuanos, División Minúscula, Gepe y, sobre todo, Tame Impala.

El regreso de esta agrupación australiana a nuestro país se da poco tiempo, pero mucho éxito después, de que vinieran a México por primera ocasión. Su show en vivo en el mencionado festival y la calidad de Lonerism fueron el pretexto perfecto para entrevistar a Kevin Parker, la mente maestra detrás de Tame Impala —y algunos proyectos más.

Entre otros artículos destacados de la décima edición de FILTER México se encuentra la colaboración de Reuben Torres (Los Macuanos) en la sección Paisajes Sonoros, un especial de artistas chilenos y las entrevistas con DJ Shadow, Björk y Matt Maust, de Cold War Kids, que no encontrarán en otro lugar.

- C O N T E N I D O -

EN PORTADA

/ 33 /

TAME IMPALA

PAISAJES SONOROS

/ 8 /

TIJUANA

LES PRESENTAMOS A…

/ 12 / / 13 /

LOS MACUANOS THE BABIES

YA DEBERÍAS CONOCER A…

/ 14 / / 16 / / 17 /

THE MACCABEES UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA MADAME RECAMIER

PRINCIPALES

/ 19 / / 24 / / 26 / / 28 /

CHILE: JAVIERA MENA, DËNVER, GEPE Y ASTRO DIVISIÓN MINÚSCULA TALIB KWELI BJÖRK

TRIBUTO

/ 40 /

DJ SHADOW

ARTE

/ 42 /

COLD WAR KIDS

NOTA FINAL

/ 48 /

BAND OF HORSES

Gracias y hasta la próxima FILTERParty

Pamela Escamilla Menchaca Editora en Jefe

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Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza

milton@filtermexico.com

Editora en Jefe Pamela Escamilla pamela@filtermexico.com

Editora Web Paulina García paulina@filtermexico.com

Colaboradores Daniela España, Benjamín Espinosa, Beatriz Pecero, Eliseo Quintanilla, Paola Romo, Cristina Salmerón, Fernanda Santiago, Anna Stephens y Reuben Torres Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Fotografía Rodrigo Jardón y Óscar Villanueva Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Ventas Fernando Espinosa

fernando@filtermexico.com

Alejandro Aguirre alex@filtermexico.com

Gabriela Toriz gabytoriz@filtermexico.com

Octavio Tovar

octavio.t@filtermexico.com

FILTER, Año 2, No. 10 (1 de febrero al 15 de marzo 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011-083012492100-102, ISSN 2007-3216. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación.

Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 25 de enero de 2013 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

Distribución: La versión gratuita de FILTER México es distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc. CP 06890. México, Distrito Federal. La versión de paga de FILTER México es distribuida por Pernas y Cía., Editores y Distribuidores, S.A. de C. V . Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo C. P. 02300, México, D. F. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación.

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PUBLISHERS Alan Miller & Alan Sartirana EDITORIAL EDITOR-IN-CHIEF: Pat McGuire MANAGING EDITOR: Breanna Murphy INTERNS: Alejandro Rubio, Bailey Pennick ART ART DIRECTOR: Melissa Simonian CONTRIBUTING ARTISTS & PHOTOGRAPHERS Patrick Jeffords, Marc Lemoine, Matt Maust, Nick and Warren, Maciek Pozoga, Jasmine Safaeian, Whitney Summer, Christopher Wilson SCRIBES A.D. Amorosi, Jeffrey Brown, Kendah El-Ali, Jon Falcone, Kevin Friedman, Erin Hall, Lauren Harris, Mike Hilleary, Patrick James, Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, Kyle Lemmon, Clare R. Lopez, Kyle Mackinnel, Nevin Martell, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck, Loren Auda Poin, Adam Pollock, Jon Pruett, Marty Sartini, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Zachary Sniderman, Laura Studarus, Colin Stutz, Tamara Vallejos MARKETING Corey Anderson, Jacklyn Arding, Samantha Barnes, Mike Bell, Sarah Chavey, Angelica Corona, Samantha Feld, Monique Gilbert, Alyssa Jones, Wes Martin, William Overby, Bailey Pennic, Evan Pierri, Kyle Rogers, Connie Tsang For marketing inquiries please email info@filtermmm.com FILTER MAGAZINE IS PUBLISHED QUARTERLY BY FILTER MAGAZINE LLC, 5908 BARTON AVE., LOS ANGELES, CA 90038.

VOL. 1, NO. 50, HOLIDAY 2012.

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USA JUEGA DISFRUTA

Pom Pom

Liliana Zúñiga y Ekaterina Maksabedian son dos ilustradoras obsesionadas con la infancia; y nosotros, con sus dibujos. Pom Pom son tatuajes temporales hechos con tintas hipoalergénicas, no tóxicos y con diseños tan cute que querrás llevarlos por siempre. La primera edición de Pom Pom es una planilla con once tatuajes, aunque también se pueden comprar de manera individual.

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Por PAOLA ROMO

Lupe Fiasco se pone nativo con Vans

Gold Member(s) De pronto, un día enloqueces y quieres vestirte como M.I.A., Lady Gaga, Azealia Banks y Ke$ha, pero… ¿no sabes qué ponerte? Jeremy Scott tiene la solución para tu locura pasajera: unos lentes que realizó en colaboración con Linda Farrow. A los costados tienen unas AK-47 y están bañadísimos en pintura dorada.

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He aquí un ejemplo de lo que hace Vans OTW, línea de la que puedes encontrar varios modelos en México. Aquí vemos cómo Lupe Fiasco incluye algunos de sus patrones y diseños favoritos combinados con colores brillantes que reflejan la era dorada de los 90: el hip hop. En nuestro país también hay varios modelos con esta silueta, llamada Stovepipe.

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WWW.VANS.COM.MX

Calienta tus oídos CON MUSICA

Una bicicleta del futuro y plegable Las hay de aluminio, de bambú y plegables. Sí, Citizen Bike son bicicletas plegables que no pesan más de 10 kilos. Imagina llevar tu bici en una mochila, en el asiento del copiloto o, incluso, subirla contigo al avión. Además, se pueden complementar con canastas o cualquier tipo de accesorio de acuerdo a la personalidad y necesidades de cada quien.

Con estos audífonos podrás escuchar música al mismo tiempo que calientas tus orejas. Están hechos con la antiquísima técnica del crochet, lo que los hace ver aun más bonitos y les da un toque vintage combinado con una muy buena audición.

Consíguelos en

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Bolsa de Lego Si son amantes de Lego seguramente les encantará esta bolsa tipo messenger que es una réplica exacta del tradicional bloque amarillo, sólo que en tela y diez veces más grande. La pieza fue diseñada por Luxford St., originarios de Australia.

Por si el lindísimo diseño fuera poco, la bolsa tiene compartimentos secretos en el interior para que guardes tu celular o, ¿por qué no?, algunos Legos.

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Sí, nosotros también amamos Rodarte

Después de lanzar las sudaderas y t-shirts con las variantes J’aime Rodarte, un corazón en el pecho y Radarte, la última variante describe muy bien nuestro amor por las hermanas Mulleavy y sus diseños: una playera que entre letras lee Heart y Rodarte = Rohearte.

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Cuidar al medio ambiente no tiene horarios fijos, por eso te presentamos una lista fácil y rápida para que cada hora de tu día sea un poco más verde y reduzcas tu huella en el planeta casi sin darte cuenta.

-6:00 A.M.Pareciera muy temprano para pensar en la sustentabilidad, pero una vez que la idea de ser un “lover de lo verde” entra en tu mente, ya no la puedes sacar. Así que lo primero que puedes hacer es activarte y hacer deporte. En medida de lo posible, opta por hacerlo al aire libre pues así no fomentarás el uso de aire acondicionado, alfombras y las tantas y tantas toallas que se lavan en el gimnasio. Si de plano no puedes evitar ir al gimnasio, revisa sus políticas ambientales y elige el más verde.

-7:00 A.M.Es hora de un regaderazo para terminar de despertar. Además de poner la cubeta 6.FILTER

mientras se calienta el agua, te pedimos que te bañes ¡lo más rápido posible! Piensa que cada minuto con la regadera abierta implica aproximadamente 20 litros de agua. Así que te sugerimos que si te vas a rasurar, poner un tratamiento en el cabello, exfoliarte, lavarte los dientes u otra actividad que te tome mucho tiempo, cierres la llave mientras lo haces y sólo la abras para lo indispensable.

-8:30 A.M.Disfruta tu camino a la oficina lo más posible. Para esto, descarta el coche todas las veces que puedas y en su lugar utiliza una bici, ya sea tuya o de Ecobici. Si el largo camino a la oficina no te permite hacerlo, puedes utilizar el transporte público y aprovechar para leer un buen libro. Si de plano no puedes ninguna de las anteriores, opta por hacer ronda con compañeros de trabajo pues seguramente hay varios que viven cerca de tu casa o ésta les queda a medio camino. Hay algunas opciones que

te pueden facilitar estos cambios en tu vida; por ejemplo, Carrot, una empresa que te renta coches por hora para distancias largas (carrot.mx); o Aventones, unos chavos que se dedican a organizar rondas en los coches para las oficinas (aventones.com).

Aparte de reducir tu huella ambiental, le ayudarás a tu cartera.

-11:00 A.M:A casi todos nos da hambre a media mañana, e inclusive es sano comer más de tres veces al día. Date un gustito y prepárate unas frutas o verduras con chile y limón, pero ¡que sean orgánicas! Si de plano no consigues, te sugerimos que las compres en un mercado o tianguis pues así beneficiarás la economía local.

Si las frutas y verduras te dan sed, toma agua de un termo en lugar de comprar productos embotellados. Actualmente existen termos que filtran el agua de la llave, también puedes hacer un concentrado de jamaica o limón para tenerlo en la oficina.

-2:00 P.M.¡Al fin llegó la hora de comer! Pero no se te olvide apagar la computadora o ponerla en modo de hibernar antes de salir de la oficina, casa o escuela. Si decides comprar comida fuera, lleva tus propios recipientes para no utilizar materiales desechables. Si optas por comer en la calle, pide que no te den platos desechables o que, al menos, sean biodegradables. Además, te recomendamos evitar el uso de popotes pues normalmente no los necesitas y podrás ahorrar algo de plástico.

-4:00 P.M.En todas las juntas que haya en tu oficina o trabajos en equipo en la escuela, fomenta que tú y tus compañeros utilicen medios digitales en lugar de imprimir los materiales. Si van a imprimir, sugiere que siempre sea en hojas recicladas y por los dos lados.

También puedes demostrarles que ser

verde sí se puede presumiéndoles tus artículos sustentables, como plumas de cartón y libretas de papel reciclado, etcétera. Por último, opta por las conferencias telefónicas y la computadora en lugar de recorrer largas distancias para las reuniones (evitarás tráfico, contaminación y, muchas veces, mal humor).

-7:00 P.M.De regreso en casa, te recomendamos sacar a pasear a tu mascota (si tienes). Si no tienes, pero si quisieras una, recuerda que la adopción es la mejor opción, hay muchos perros y gatos que no tienen hogar y estarían felices de vivir contigo.

-8:00 P.M.Después de un largo día, a todos se nos antoja estar un rato en la casa. Disfruta el descanso, pero no se te olvide apagar las luces que no estás utilizando. Te sugerimos que en lugar de ver la tele, que gasta mucha energía eléctrica, convivas con tu familia y organicen una noche de juego. Si vives solo siempre podrás leer un buen libro y, si es digital, ¡todavía mejor!

-10:00 P.M.Listo para descansar, utiliza ropa adecuada al clima. Por ejemplo, si hace mucho calor, utiliza pijama ligera y ventila la habitación; por el contrario, si hace mucho frío, usa las capas de ropa que sean necesarias y un edredón que te dé calor. Evita en la medida de lo posible los calentadores y los aires acondicionados.

Así que ya sabes, ¡no hay pretextos!

Ser verde es muy fácil y lo puedes lograr integrando algunos hábitos que sólo te traerán beneficios. Si quieres encontrar más consejos sobre cómo ser verde, visítanos en facebook.com/ lpverdes, como @lpverdes en Twitter o en nuestra página web laspaginasverdes.com

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Paisajes sonoros

TIJUANA Por REUBEN TORRES Fotos MONI SALDAÑA

DJ RUPTURE

Hace poco tuve la oportunidad de formar parte de dos eventos que tuvieron gran impacto para Tijuana. El primero fue organizado por una entidad extranjera, mientras que el otro tiene raíces en la escena musical independiente de la cuidad. Ambos contaban con expectativas muy altas, no sólo para ellos, sino para Tijuana y su renacimiento potencial como una fuerza cultural en el país.

Norte Sonoro tuvo como fin crear un puente entre sonidos regionales del norte del país, y música 8.FILTER

electrónica de procedencia principalmente internacional. Además de ser curadores de los sonidos regionales y anfitriones para los productores internacionales, mi agrupación –Los Macuanos-y yo tuvimos el placer de investigar el contexto de los sonidos y transmitirlo a los participantes. El proyecto consintió en una residencia que culminó en una especie de showcase para los productores.

A su vez, el fin de semana en el que se realizó coincidió con All My Friends, el festival más importante de la música independiente de Tijuana

durante los últimos años, y en donde mi grupo se presentó como acto estelar. Ambos eventos tuvieron seguimiento extenso de la prensa norteamericana, en especial de The Fade y Pitchfork, lo que sin dudo tornó el ojo del mundo hacia Tijuana.

Mis sentimientos hacia ambos eventos fueron mixtos. Por una parte, el hecho de que la ciudad se encuentre de nuevo en el mapa cultural internacional me enorgullece. Con poca modestia, confieso que nuestros esfuerzos en generar una onda local en la música han ayudado a generar esta nueva percepción deTijuana; pero al mismo

tiempo, hemos contribuido a perpetuar su mito. Este hecho alimenta mis dudas.

En mi adolescencia, la ciudad pasaba por un momento muy particular en su historia. Vivía un auge artístico y musical. Al momento de cumplir la mayoría de edad corrí hacia Tijuana en busca de este mito; es decir, el de una ciudad en la que supuestamente se generaba la cultura y, en particular, la música más vanguardista del país.

La realidad fue otra. Sólo me llegué a topar con raves ordinarios, drogas baratas y nostalgia por la supuesta época de oro que algún día vivió la cuidad. Aun así, Tijuana me parecía infinitamente más emocionante que San Diego, en donde nací, y por ello la adopté como la cuna de mi juventud y despertar creativo.

El placer me duró muy poco. A unos años de descubrirla, la guerra contra el narco arrasó con los residuos de su vida nocturna. Los pocos raves y conciertos, que de por sí cada día se tornaban más monótonos, desaparecieron casi por completo. Como jóvenes, ansiosos por diversión y renuentes a aceptar la condición lúgubre de la cuidad (y del país), un grupo pequeño de amigos y colegas, decidimos tomar acción y generar nuestra propia comunidad musical, organizando eventos en casas y en locales clandestinos de una cuidad casi abandonada. Desde un inicio nuestras metas fueron ambiciosas. Queríamos colaborar con el fin de generar algo nuevo y original, ya que todas las propuestas existentes nos parecían frías y meramente comerciales, si no es que anacrónicas. Lo que un día comenzó como diversión a los márgenes, se terminó por volver la sensación musical más grande que había generado la ciudad desde el llamado boom, al menos desde el punto de vista de la prensa internacional.

Aunque siga siendo poco aceptada en su entorno, la nueva corriente musical contribuyó en generar una

NORTE SONORO

nueva imagen para Tijuana, tanto Norte Sonoro como All My Friends surgieron a partir de estas corrientes, y a su manera, también han contribuido a perpetuar aquel viejo mito. Estos eventos no vieron mucho apoyo local, pero sí atrajeron a un número inusual de espectadores extranjeros que llegaron en busca de ese mito. Este regreso de la clase turista se ha llegado a considerar, en ciertos círculos, como una victoria para Tijuana, ya que se trata de un sector un tanto más informado y cosmopolita (lo que de forma más simplista se llamaría “hipster”).

La ciudad, sin duda, ha cambiado mucho. Se han generado corrientes nuevas y originales, pero han surgido por la partida de la vieja clase turista y la falta de presión por proveer para consumidores extranjeros. No ha sido fácil. Los pocos que hemos contribuido a mantener la cultura tijuanense de pie lo hemos hecho a pesar de grandes obstáculos y de un público escéptico en su mayoría y a veces cínico y apático. Aunque estoy de acuerdo con que tener el patrocinio de un turismo más sensible es preferible al antiguo modelo, lo ideal sería atraer a otro tipo de visitante, no turista, sino a aquél que esté dispuesto a invertir la misma cantidad de esfuerzo que los locales por ver a la ciudad salir adelante.

Sobra decir que el mito de Tijuana es sólo eso. No existe aquel paraíso de libertad moral y cultura vanguardista que tanto se ha retratado en los medios. Simplemente existe una ciudad incipiente con un pasado muy marcado y una posición geográfica que le otorga una perspectiva privilegiada —tanto de México como del mundo— a aquellos pocos que están dispuestos a buscarla.

*Reuben Torres forma parte de la agrupación musical, Los Macuanos, además de escribir para blogs como Club Fonograma y Remezcla.

VENUS X

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Posada

FILTER México y Topetitud Estudio

Por BEATRIZ PECERO Fotos ÓSCAR VILLANUEVA

#FILTERParty 11

SUAVE AS HELL Por PAMELA ESCAMILLA Fotos RODRIGO JARDÓN

El 18 de diciembre celebramos nuestra primera posada. El lugar que nos acogió fue Topetitud, estudio de nuestros amigos de Molotov, ubicado al sur de la Ciudad de México. Para sonorizar y poner ambiente en la fiesta, EsamiPau! abrió la pista de baile mezclando lo mejor de su repertorio.

Entre los asistentes contamos con la presencia de amigos de diversas bandas como Le Baron, Los Bunkers, Los Infierno, Madame Recamier, Turbina, Ventilander, The Plastics Revolution, Los Esquizitos, Marcello Lara (Reactor), Paco Ayala (Molotov), Yamil Rezc (productor), Mike (ex integrante de Los Dynamite y de Royal Bloodline), Vicente Gayo y Los Rebel Cats.

Parece que fue ayer cuando se celebró la primera #FILTERParty para presentar nuestra revista y ahora ya hasta tuvimos la décima primera y última del año. Después de hablar tanto de Suave As Hell en nuestro podcast, era imprescindible invitarlos a nuestro tradicional encuentro en el Caradura.

Ya con el recinto lleno y con muy buen ambiente llegó el momento de romper la tradicional piñata, que esta vez era una revista Poliça en portada (edición 9 de FILTER México). Mientras todos cantaban al ritmo de “¡Dale, dale, dale!”, Meketrefe nos acompañó con sus grandiosos beats. La noche agarró sabor gracias a la deliciosa pizza de chilaquiles de Perro Negro.

La banda abrió la velada con “Susan’s Holiday” y “Controlling the sun”, para pasar a interpretar rolas tanto de su EP más reciente, Selección Natural, como del disco homónimo de la banda, entre las que destacan “Maravillas” y “Desvanecer”, respectivamente. Antes de tocar “Be brave”, Apache O’ Raspi brindó con el público, que enloqueció cuando tocaron “She’s not there”, de The Zombies.

Esta posada fue para celebrar el primer año con todos ustedes y recuerden: good music will prevail!

El grupo, también integrado por Paco, Omar y Juan Pablo, cerró el show con “Try” y “El cadáver de dios”.

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Les presentamos a...

LOS MACUANOS Narrativas fanstasmagóricas para bailar hasta el amanecer.

Por ESAMIPAU! Foto LOS MACUANOS

El turbulento 2012 por fin se fue, y con él se llevó amargos sabores de boca que vivimos como país, como sociedad y como individuos. Lo que los mexicanos en general no entendemos es que dejar pasar no significa olvidar, pues cuando uno olvida, tropieza con la misma piedra una y otra vez. Es posible que quienes viven en la capital no hayan sentido la violencia tan a flor de piel como varios jóvenes de provincia, quienes en lugar de tornarse a lo bélico, convirtieron todo esa malilla en música, diseño y arte.

En el ’96 Beck nos mostró su amor por lo “mexa” en el Odelay!, algunos años después apareció el Colectivo Nortec, quienes además de retratar a Tijuana a través de ojos locales, nos recordaron que ahí también les gusta pasarla bien, que hay humor a pesar de todo y que en esa ciudad se baila hasta que el sol salga y se vuelva a poner. Sin embargo, años después de haber empezado la fiesta tijuanense, ésta se terminó gracias a que la guerra del último sexenio panista se apoderó de los estados fronterizos y la violencia volvió a reinar.

Pero mientras todo parecía estar congelado por el miedo, en realidad se estaba gestando algo del otro lado de la frontera. “Comenzamos con un par de fiestas llamadas NO RAVE en el departamento de MoiH en San Diego; Tony Gallardo, a.k.a María y José, tocaba bajo su antiguo pseudónimo Unsexy Nerd Ponies, MoiH como Kixly y yo bajo mi DJ alias, Sésadelic. Nuestro set consistía de cumbias viejas, desbaratadas y mezcladas con ritmos electrónicos. MoiH animaba al público como sonidero.

Después nos juntamos a experimentar con Ableton 12 . F I L T E R

Live y a raíz de las técnicas que usábamos para armar nuestro DJ set salieron las primeras producciones oficiales de Los Macuanos”, recuerda Moi López, probablemente el miembro más zen y misterioso de la banda.

Unos años después Reuben se unió al proyecto, cuando había concluido sus estudios de cine y filosofía. Sin tener experiencia ni un interés musical particular, él se contagió del espíritu DIY de los tocayos y encontró que las piezas de Los Macuanos pueden, en efecto, relacionarse con su carrera. “Para mí, la música, como la filosofía, es un proceso rígido. Los conceptos que abarcamos en el proyecto siempre deben ser sólidos. Aunque sí existen argumentos dentro de la música, también radica un elemento más reflexivo, que explora diferentes narrativas. Esto hace que el proyecto se vuelva un tanto novelístico”.

Y entonces Los Macuanos se enfocaron en sus presentaciones en vivo. Sustituyeron los samples que usaban al principio por sintetizadores y cajas de ritmos, adoptaron una narrativa usando arquetipos de la música regional mexicana y con una atmósfera fantasmagórica redondearon su primera pieza sonora con el sonido que ahora los caracteriza. MoiH (tam-

bién conocido como DJ Nombre Apellido) nos platica que “‘El Fantasma / La Maquila’ es una especie de meta-narrativa sobre un obrero de maquiladora que posteriormente descubre, dentro de su rutina monótona, que había fallecido y que sólo es un espectro que repite las actividades de su vida pasada. Dentro de ese track encontramos el elemento de crítica social y experimentación sonora por medio de evocaciones del inconsciente colectivo mexicano a través de piezas apenas reconocibles pero muy presentes en la memoria nacional”.

Desde entonces, al lado de contemporáneos como María y José, Santos, Siete Catorce y cualquier músico inquieto que llame su atención, Los Macuanos se han dedicado a impulsar el ruidosón, un género musical que se caracteriza por contextualizar la extrema dualidad mexicana al unir el amor por el baile y la fiesta con abstractos mensajes políticos en los que solamente basta juntar tres palabras como “Sangre, Bandera, Cruz” para dejar en claro tan sólo el inicio de los problemas en nuestro país.

Para leer la entrevista completa de FILTER México a Los Macuanos, entra a filtermexico.com/?p=11357

Les presentamos a...

THE BABIES

Por MIKE HILLEARY

Traducción ELISEO QUINTANILLA Foto WHITNEY SUMMER

“Me estoy sonrojando”, dice Cassie Ramone. “Me estoy poniendo roja por cosas con las que no puedo lidiar. Pero está bien”. Se ruboriza debido a los cumplidos con los que la ataca el bajista de Woods, Kevin Morby, que en los últimos minutos ha alabado desde la energía positiva de la compositora de Vivian Girls, hasta las sucias guitarras y el arte que desarrolló para su proyecto en conjunto, The Babies. Ramone reacciona a tan sinceros halagos como cualquiera esperaría, se ríe y se enreda cuando trata de corresponder.

“Um, pues, yo… yo creo que yo… ok, fuck”.

A pesar de que su relación nunca ha llegado a un nivel romántico, es evidente el cariño que se tienen Morby y Ramone, y el que le tienen a su trabajo. El título del último álbum de la banda de garage pop, Our House on the Hill, alude a la dulzura de su relación.

Incluso la portada, un diorama hecho por la propia Ramone, muestra una pareja de recién casados con los brazos entrelazados afuera de una capilla.

Hace seis años, cuando Morby conoció a Ramone, tan sólo era un tipo que buscaba un lugar donde dormir. Recién llegado a Nueva York desde su hogar en la ciudad de Kansas, el músico se quedó sin casa cuando su departamento se plagó de chinches. Después de hacer couchsurfing por un tiempo, le presentaron a Ramone por casualidad y ésta amablemente le ofreció un lugar para quedarse mientras encontraba algo más estable.

“Básicamente, mi mejor amigo y yo teníamos un departamento cuando estudiábamos en [Brooklyn’s] Pratt [Institute], que tenía una sala gigante”, comenta Ramone. “En serio, muy grande. Y decidimos que para bajarle a la renta podríamos tener inquilinos viviendo en un fuerte en la esquina de la sala. Primero estuvo un amigo de Oakland y funcionó muy bien.

Así que cuando Kevin buscaba casa le dije: ‘¡Deberías venir a vivir a mi sala! Es divertido’”.

Morby delimitó su espacio con un colchón desinflado y manteles de plástico clavados al techo, e inevitablemente, su vínculo con Ramone se dio a través de la música. En ese momento Ramone apenas arrancaba con Vivian Girls. “Me tocaba las canciones que estaba componiendo y me preguntaba mi opinión”, dice Morby. “Escuchábamos discos, cocinábamos y hacíamos música”.

Cuando Morby se mudó, él y Ramone perdieron contacto por una temporada. “No la vi por un largo tiempo, ni hablé con ella, ni nada”, comenta. Mientras estaban separados, Vivian Girls se convirtió en una banda importante y Morby encontró un nuevo hogar en los estudios Rear House de Brooklyn con el compositor Jeremy Earl y su banda de lo-fi folk, Woods. Pasó un año y medio hasta que Morby y Ramone se encontraron una noche por casualidad de camino a una fiesta. Mientras se ponían al corriente y recordaban su poco tradicional convivencia, en la conversación apareció la posibilidad de trabajar juntos.

Como se formaron de manera espontánea —más o menos como un vehículo para que Morby y Ramone pudieran tocar en fiestas, cosa que ya no podían hacer con sus otras bandas—, The Babies se hacían

un tiempo para grabar su lo-fi garage pop, con Justin Sullivan en la batería, cada que sus respectivas agendas lo permitían; y posteriormente lanzaron su debut homónimo en 2011. Un año después del lanzamiento del LP en febrero, la banda estaba de vuelta en el estudio para grabar su segundo disco, con Brian Schleyer en el bajo. Grabado en Los Angeles con el productor Rob Barbato (Cass McCombs, La Sera, The Soft Pack) durante un periodo de dos semanas —más un tiempo adicional para la mezcla— Our House on the Hillh ace que la informalidad de la banda se sienta como algo deliberado y perfeccionado.

Morby explica el porqué de las canciones divertidas y simples de The Babies, que mezclan guitarras al estilo jangle con dulce pop adolescente. “Desde el punto de vista de un compositor, algunas de mis canciones favoritas pueden afectar a un niño de la misma forma que a un adulto”, comenta Morby. También opina que es la dinámica entre él y Ramone lo que hace que valga la pena escuchar a la banda.

“Me gusta mucho el contraste entre las voces masculinas y femeninas”, dice Morby. “Mi música favorita viene de ese sonido, como The Velvet Underground and Nico, y el álbum Desire que hicieron juntos Bob Dylan y Emmylou Harris.

Creo que una voz masculina termina por aburrir cuando la escuchas mucho. Me gusta la presencia femenina en la música”.

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Ya deberías conocer a...

THE MACCABEES Texto y foto CRISTINA SALMERÓN

Para muchos, 2013 trajo un nuevo ciclo, pero para The Maccabees se cierra el que califican como “el mejor que hasta ahora podamos recordar”.

Given to the Wild, su tercer disco, les llevó dos años de preparación, pero les dio más de lo que esperaban: cuatro jugosos sencillos, los llevó 18 meses de viaje por 20 países, a tocar a la par de Florence + The Machine en la gira por Estados Unidos, a estar con The Black Keys en varios conciertos por Europa, y a ser considerados entre los 12 mejores discos del Reino Unido e Irlanda de 2012, según el famoso Mercury Prize.

Los hermanos guitarristas Hugo y Felix White, el bajista Rupert Jarvis y el vocalista Orlando Weeks formaron en 2004 una banda en Brighton, Inglaterra, y decidieron tomar al azar una palabra de la Biblia y titular así su proyecto musical: The Maccabees.

En 2007 debutaron con su disco Colour It In, del que sonaron los sencillos “First love” y “About your dress”. Un año después, hubo un cambio en su alineación, salió el baterista Robert Dylan Thomas y entró Sam Doyle, quien actualmente toca con ellos. Para 2009, hicieron su segundo disco, Wall of Arms, que fue descrito como “un poco más oscuro” y “de sonidos con un toque de Arcade Fire”, según The Guardian.

Con inspiración en la música de The Stone Roses, Kate Bush y David Bowie, crearon Given to the Wild, material que les puso rostro en México, donde no habían sonado tan fuerte. Al Corona Capital llegaron sin muchas expectativas, y cosecharon sorpresas: “Quedamos asombrados por tanta gente que fue a vernos, se creó una atmósfera muy buena durante la 14 . F I L T E R

tocada”, dijo en entrevista telefónica el vocalista, Orlando Weeks.

El bocadito final de la que ha sido una “grandiosa, pero cansada gira” será su concierto el 25 de febrero en el Distrito Federal. “Con este show tendremos el cierre de un viaje que ha durado año y medio y estamos emocionados por volver a tocar allá, así que terminaremos en nuestro punto más alto”, agregó Weeks.

Para los integrantes de The Maccabees, pasar horas juntos en las carreteras, en la salas de espera de los aeropuertos o en los camerinos antes de subir al escenario de algún festival, no fueron tiempos muertos, ya que aprovecharon para componer canciones y así poder acelerar el proceso creativo de un cuarto álbum.

El último día de su año dorado, por medio de su página de Facebook, anunciaron que el nuevo material estará para finales de 2013, y los asistentes al concierto en El Plaza Condesa podrían tener un adelanto. “Presentaremos canciones que hemos escrito y que, si vemos que son suficientemente buenas, serán parte de nuestro siguiente disco”, dijo Weeks.

Cada disco lleva un proceso distinto, en el caso de Given to the Wild, The Maccabees hallaron la

fórmula perfecta al trabajar cada uno en privado durante seis meses y luego reunirse para develar los tesoros que cado uno tenía.

“Esta forma de componer es más privada, no discutes mucho el proceso con los demás.

Siempre llega el momento de mostrar lo que has hecho, esto le imprime un toque de emoción. A l poner tu canción en la computadora, en un disco, de darle el primer play, no sabes si va a funcionar o no, en este proceso ocurrió lo mismo al mostrar lo que habíamos hecho con los demás integrantes de la banda”, platicó el británico.

Confesó que para él, la mejor parte de hacer un disco son esos primeros meses: “ese proceso en que no tienes nada y de repente surge algo. Hay un tipo emoción que a lo mejor es por la incertidumbre de no saber cómo va a terminar una canción. La parte más divertida es el proceso creativo, aunque sé que viene un largo camino para que todo termine, en el momento, disfruto mucho el arranque”.

Y es justo ahora en el punto en que se encuentran, porque apenas concluyan el último capítulo de ese viaje musical, se dedicarán a plasmar sus nuevas ideas en notas y acordes.

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Ya deberías conocer a...

UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA Por LAURA STUDARUS Traducción BENJAMÍN ESPINOSA Foto JASMINE SAFAEIAN

A pesar de que por una temporada, durante su adolescencia, fue un artista de grafiti en Auckland, Nueva Zelanda, el frontman de Unknown Mortal Orchestra, Ruban Nielson, dice que su meta nunca fue destacar.

“No me atraparon, incluso cuando usaba mi nombre real”, comenta con un tono de voz irreverente y divertido. “Había un chico que pintaba su sobre nombre, pero un día lo agarró la policía y tuvo que cambiarlo. Él y yo siempre teníamos algo que ver, así que cambié mi sobrenombre de ‘Ruban’ sólo por prevención”.

Ahora de 32 años, Nielson puede ocultarlo a simple vista. Mientras, se sienta a sus anchas en un gabinete de un restaurante mexicano en Echo Park, Los Angeles.

En realidad, él podría hacer cualquier otra cosa en una noche de viernes mientras observo a detalle el misterioso ojo que tiene tatuado en su cuello, sobre la manzana de Adán.

Este anonimato no ha existido siempre. Después de haber encontrado el éxito con su anterior banda, The Mint Chicks (donde tocaba con su hermano Kody, ahora de Opossom), Nielson descubrió que el oído del público fue una limitante para la banda. “Estábamos en el periódico y en la televisión”, dice. “Nueva Zelanda es un país pequeño, pero lo es aún más pequeño una vez que la gente empieza a reconocerte. No había ningún lugar al que pudiera ir. La única opción era convertirse en algo más convencional”.

No estaba seguro si quería seguir haciendo música, y deseaba un respiro de ese cargo no solicitado, como un pez grande en un estanque pequeño. Así que Nielson se mudó a Portland, Oregon, en donde tomó un descanso de todo lo relacionado con su vida anterior.

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“He estado tratando de dejar de hacer música desde el principio”, dice Nielson. “Realmente me gusta hacerlo, pero siguen pasando en mi cabeza estas fases para intentar detenerme. Mi padre es un músico de jazz. Mi madre es una bailarina de hula, ella solía hacer coros para cantantes de salón.

Mi tía enseña el método para violín Suzuki. Tengo un tío que es un músico de reggae... creo que estoy genéticamente predispuesto”.

Al descubrir que incluso en otro continente no pudo dejar de pensar en términos musicales, Nielson volvió a su oficio, uniéndose con sus amigos Jake Portait y Julien Ehrlich para crear Unknown Mortal Orchestra (Ehrlich dejó UMO entre álbumes, entonces el baterista Greg Rogove se unió a la banda en 2012). El resultado de la colaboración de este trío es una fusión de rock psicodélico con mezclas de guitarra estilo blues y unas melodías chirriantes. El segundo álbum de la banda, II, tiene cierta picardía, más oscura y que retoma los ya explorados temas en su disco homónimo de 2011. Desde la primera canción, “From the sun”, Nielson reflexiona: ‘La soledad puede poner una pistola en tu mano’, hasta la percusión impulsada por el himno de la chica mala, “So good at being in trouble”, hay claramente un balance estético que coloca a este álbum en un mundo psicodélico distante y que sus creadores sólo han experimentado a través de un vinil.

“La mayoría de las cosas por las que estoy influenciado fueron grabadas o sucedieron antes de que yo naciera, así que no lo siento como si fuera nostalgia”, dice Nielson. “Es genial poder olvidar que estás en esta

época y hacer cualquier tipo de música que creas que es mejor que todo lo que has escuchado durante años.

Recuerdo que había más presión hace seis años para traer algún elemento a nuestra música con el que nos identificáramos como ‘de estos tiempos’. No siento esa presión ahora”.

Admite que Unknown Mortal Orchestra tiene una tendencia retro que fusiona y cambió desde sus propias raíces musicales en Nueva Zelanda.“Yo crecí alrededor de música punk-rock y bandas hardcore”, dice riendo.

“Son un placer culpable todas las cosas que estoy haciendo ahora... sólo veo pasar a todos los chicos de Flying Nun [Records] en Nueva Zelanda, y a todos los punks que me han enseñado algo de música y me dicen ‘¡No! ¡No te enseñamos eso! ¡No te enseñamos a ser así!’”.

Independientemente del género, Nielson cuenta con el incansable estímulo de su hija Iris, de dos años de edad, quien aparece en la portada del 7” Swim and Sleep (Like a Shark). Ya contento de haber ganado su atención con Unknown Mortal Orchestra, Nielson tiene planes para ampliar aun más su panorama musical con grabaciones de su banda anterior.

“Va a ser gratificante cuando ella esté sobre el escenario y yo pueda decir: ‘Esto es The Violent Femmes ...’” dice. “La chica de la música cool. Pero ella es una chica real, ella no va a querer escuchar Napalm Death. Ella es más del estilo Blondie y cosas así”.

Al menos Nielson sabe que siempre tendrá una fan que nunca dejará de reconocerlo.

Ya deberías conocer a...

MADAME RÉCAMIER Por FERNANDA SANTIAGO Foto CORTESÍA DRAGORA RECORDS

Gina Récamier, mejor conocida como Madame Récamier, es una de las jóvenes cantautoras mexicanas cuya propuesta ha cautivado al público. Ella se dio a conocer con Chocolate, su primer disco, en el que contó con la participación instrumental de Aleks Syntek, Marcello Lara y Enrique “Bugs” González y Mood Fu. Gina es amante de la música desde muy pequeña: “no me imagino haciendo otra cosa, si no estuviera haciendo esto, no sé qué haría. La música es mi pasión”, asegura.

Entre las canciones más destacadas de aquel material, que la llevó a presentarse en el festival Corona Capital, se encuentran “Mira mira”, “Pam, pam, pam”, a la que Bonnz (Hello Seahorse!) le hizo un remix y “No dudes”. Desde entonces también ha hecho música para la obra de teatro Wonderland y el tema principal de la película Me late chocolate, entre otros proyectos.

“Me gusta colaborar en todo tipo de cosas, me gusta de todo, de repente te llaman y aceptas”, indica quien también ha cantado con Los Estrambóticos.

Uno de los discos hechos en México más esperados de 2013 es ImaGina, su segundo álbum. Éste fue producido por Chetes y su primer sencillo, “Quiero”, suena desde hace varios meses. “Este disco es más sólido, fue más

respetado el proceso, tuve que buscar un productor, dinero y promocionarlo, es la primera vez que saco un disco con un sello”, comenta sobre el proyecto.

Para Madame Récamier, en este material ha evolucionado mucho si se le compara con el trabajo que hizo en Chocolate, en el que experimentó más. “Para ImaGina ya tenía una selección de instrumentos y sabía la forma que iba a tomar mi voz en cada canción”.

Entre las rolas más esperadas de este material se encuentra “Luz verde”, que presentó en el Vive Latino 2011 junto a Luis Humberto Navejas (Enjambre). “La colaboración surgió de manera espontánea y muy natural, le dije a Luis que fuera a componer a mi casa, llevó su guitarra y empecé a cantar. La compusimos en media hora, fue muy rápido y simple, estábamos nerviosos nunca habíamos compuesto con alguien más. Después le dije que la grabara en el disco, creo que está más lindo con una colaboración”, opina Gina.

Para ella, ImaGina es el filtro de todo lo que vio y vivió durante la creación del disco. “Me inspiré en muchísimas cosas, en viajes por México principalmente, me fui a Peña de Bernal (Querétaro) y Zipolite (Oaxaca).

También me gusta mucho observar a la gente en cualquier momento, sus reacciones me sensibilizan y hace que me den ganas de componer del amor y la vida”, asegura.

Gina ha sido comparada con otras solistas mexicanas, tales como Ximena Sariñana, Natalia Lafourcade y Carla Morrison. “Es muy normal, somos de la misma generación, a todos siempre nos están comparando, prefiero que me comparen con Natalia que con Belinda. Natalia me cae muy bien, hicimos click a partir de “Un derecho de nacimiento”, la canción que nos unió. Yo sé que todas somos muy diferentes, sólo que la gente necesita puntos de comparación”, concluye la cantante, a quien no le quita el sueño el qué dirán y prefiere enfocarse en el material que podría terminar de consolidarla en el mundo de la música.

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a escuchar nuevas propuestas, ser críticos, comprar su música legalmente y comprobar lo bien que lo hacen en vivo. Un ciclo que ahora no debe terminar, ¿cachái?

LA MEXICANIZACIÓN DE

JAVIERA MENA Por FERNANDA SANTIAGO Foto SELENE ORTIZ TOLENTINO

La autora de la banda sonora de la película Joven y Alocada lanzará su tercer álbum —también hecho de la mano de su amigo, el músico y productor chileno, Cristián Heyne— a mediados o finales de este año. “Mi tercer disco sigue siendo pop, pop para bailar, con un par de baladas, siempre apuntado hacia la música electrónica, pero también quiero canciones que te digan algo”, indica la cantante, quien se inspiró en viajes por México, España y Argentina para la composición del material. “Los discos pasados fueron introspectivos, hablaban de mis sentimientos y de amor. Este disco es externo, sobre sociedades, sobre mirar el mundo desde el lugar en el que estés”, asegura.

Por ANNA STEPHENS

Hablar de Chile como referencia cultural es fundamental para nuestro país. Específicamente, la influencia que la nación sudamericana ha tenido en la escena musical de México es tan innegable al punto en que ambos países somos una simbiosis cuyos límites y fronteras artísticas se han perdido para bien.

Aunque Chile ha exportado talento que va de La Ley, Lucybell, Los Tres y Los Búnkers, en los últimos 10 o 15 años hemos vivido la invasión de una nueva oleada de músicos independientes cuyo talento es en ocasiones poco valorado en aquella nación. Esto tiene que ver con que en Chile la industria musical es una inversión de tiempo y dinero por la cual pocos empresarios e instituciones han apostado. Es así que estaciones de radio, promotores, disqueras y foros han apenas comenzado –poco a poco– a aparecer en un esfuerzo provocado por los mismos músicos, que ven en la pasión por componer un modus vivendi y que se han visto obligados a realizar la labor completa que conlleva tener esta carrera. Casi como cualquier músico en nuestro país.

Con esto, los chilenos han visto en México un país lleno de oportunidades y, sobre todo, de intercambio artístico cada vez más enriquecedor para ambas culturas. Javiera Mena, Gepe, Dënver, Francisca Valenzuela, Anita Tijoux y Astro son tan sólo algunos de los nombres que resuenan constantemente en la radio y los foros. Mantener esta experiencia es algo que nos corresponde a todos cuando estamos abiertos

nuestro país por la interpretación de Daniela Romo, “Sol de invierno” y la rola que da nombre al disco. Con Mena, segundo material de larga duración, bajo el brazo, Javiera se presentó en los festivales más relevantes de nuestro país (Vive Latino y Corona Capital). Sin embargo, en pocos años ya ha visitado los principales foros y ciudades de México.

Después de “Necesito cambiar”, en colaboración con Dapuntobeat, y de su participación con Gepe en Los Momentos, DVD de Julieta Venegas, la chilena no descarta alguna colaboración mexicana en su próximo material. “Tengo muchas ganas de que alguien de México colabore en mi tercer disco, no lo voy a decir porque aún no se concreta y qué pena que no quiera”, adelanta la cantante, así que podemos esperar algún combo interesante.

Javiera Mena está involucrada en el mundo de la música desde hace más de diez años, pero fue hasta Esquemas Juveniles (2006), primer álbum en estudio de la cantautora, que se dio a conocer gracias a temas como “Yo no te pido la luna”, famoso en

Una vez que esté listo el material, Javiera quiere presentar el material en nuestro país. “Me quiero quedar seis meses. Quiero experimentar vivir en México. Siempre me encuentro a varios artistas y comparto mucho cuando estoy con ellos, creo que en la escena de aquí hay mucho compañerismo”, concluyó durante su visita, así que si no la has escuchado en vivo, en unos meses ya no tendrás excusa.

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LA LIBERTAD CREATIVA DE

DËNVER Por CRISTINA SALMERÓN Foto TERRÍCOLAS IMBÉCILES

San Felipe era lindo, pero pequeño para sus sueños.

Por eso, Mariana y Milton tomaron su teclado, su guitarra, sus canciones y se fueron para Santiago.

Aunque sus primeros escenarios fueron los autobu autobuses, y su público, los pasajeros, pronto llegaron los bares para tocar frente a los amigos más cercanos; después los centros culturales con amigos de los amigos y, al fin, los teatros con desconocidos que ya coreaban sus canciones.

Mariana Montenegro y Milton Mahan, que aunque se llaman Dënver son bien chilenos, forman parte de la nueva ola de músicos de este país andino que en los últimos años se ha caracterizado por esa libertad mental para escribir letras y cantarle a la cotidianidad sin sentir remordimientos políticos o sociales.

Decidieron llamarse Dënver luego de leer la novela de Jack Kerouac, En el Camino, y comenzaron a distinguirse por su sonido electrónico y la creatividad para cantar versos de amor, pero sarcásticos. En 2008 reunieron lo necesario para grabar Totoral, su primer LP, y dos años después, Música, Gramática, Gimnasia.

Como parte de una de las giras que tuvieron en 2012, Dënver visitó el Distrito Federal. Mariana tenía el brazo derecho enyesado a causa de un accidente en bicicleta, pero le quedaron los deditos libres para poder poner los efectos de su teclado y tocar junto con Milton frente a los chilangos.

“Quizá todos nosotros somos una generación posdictadura. Como que no crecimos tanto con el resentimiento de esa época. Para entonces, yo tenía tres años y quizá por eso hacemos música que no 20 . F I L T E R

tiene un significado político, lo que nosotros hacemos es pop y nos fijamos en cosas más de la vida cotidiana”, platica Mariana.

“Además de ser una generación más libre”, dice Mariana, “crecimos con internet y tuvimos acceso a disfrutar cualquier tipo de música, lo cual amplía el universo y permite crear cualquier cosa. Creo que todo eso es lo que nos ha dado un sello especial”.

Aunque desde pequeños escuchaban a Los Prisioneros, Violeta Parra o la folclorista Margot Loyola, Dënver reconoce que sus influencias musicales son de grupos extranjeros.

En Chile son parte del sello discográfico Cazador y en México han sido acogidos por Terrícolas Imbéciles, que ha puesto los ojos en músicos de su misma camada.

Bandas y solistas como Gepe, Pedropiedra, Javiera Mena, Francisca Valenzuela, y Astro son parte de esa escena en la que los Dënver se sienten cómodos porque crecieron junto a ellos tocando en el Bar Lo-

reto, El Subterráneo o el Centro Cultural Gabriela Mistral, sitios obligados para las bandas independientes que se mueven en Santiago que, como muchas otras ciudades capitales, es el epicentro del rock de su país.

“Creo que la escena en Chile está yéndose más al pop que al rock, que está muy bien encaminada por estar constantemente creando espacios. Cada banda, además de ser una banda, es gestora, hace todo lo que implica su promoción, publicidad y eso ha hecho que cada vez estemos ganando más respeto de la gente chilena, de la prensa y se está posicionando exponencialmente afuera”, asegura la cantante.

Luego de dos años de promoción en España, México y Sudamérica, Dënver prepara ya su tercer disco, el cual se escuchará en 2013. “Estoy muy contenta con lo que está pasando, espero que eso siga y que en Chile se preocupen de incentivar la música en más regiones de nuestro país”, concluye optimista una chica veinteañera que acaricia su yeso del que sobresale un pulgar levantado.

MATERIAL DE EXPORTACIÓN:

GEPE Por BENJAMÍN ESPINOSA Foto GABRIEL SCHOLNICK

Han pasado casi ocho años desde que escuchamos por primera vez a Daniel Riveros en Gepinto (2005). Desde hace algún tiempo la oleada de artistas chilenos ha llegado con fuerza a los oídos de los mexicanos, que al parecer congeniamos mucho con su estilo. Gepe no es la excepción y se proyecta como una de las figuras referentes de aquel país andino.

Latino, Gepe comenta: “Todas han sido especiales, han sido en diferentes etapas de mi carrera. El primer festival grande al que fui fue el Vive Latino en 2008… era un verdadero novato y tenía todos esos sentimientos a flor de piel y creo que por eso le tengo más cariño a esa presentación”. También tiene experiencias tan extravagantes y nutrientes como las que realizó en Shanghái, China, durante la celebración del bicentenario de la independencia de Chile, con un público

totalmente desconocido y diferente, lo que representó un reto para él.

Gepe es un artista que sigue su propio camino sin modificar su tendencia melódica y que logra imprimir una esencia estética en cada material en el que tiene una colaboración. Aunado a la ya larga lista de su carrera, este año estará presente en Lollapalooza Chile… y lo que le espera.

Dentro de las personas con las que Gepe ha colaborado a lo largo de su trayectoria encontramos a Javiera Mena, Pedropiedra y, más recientemente, para su disco GP, Carla Morrison. “Me gusta mucho su voz, es muy linda. Fue lo que intenté rescatar. Esa colaboración surgió porque el año pasado me invitó a tocar con ella una canción que se llama ‘Maleza’ a una de las presentaciones que tenía en el Metropólitan. Luego de interpretar la canción le dije que si quería en algún momento hacer una canción conmigo o cantarla.

Desde que empecé el disco quería trabajar con ella”, explica el chileno.

No conforme con lanzar hace unos meses su más reciente álbum, ahora tiene una colaboración más con otro connacional suyo, Alex Andwandter. “Es un disco que trabajamos durante tres años. En cierto momento le dedicamos mayor tiempo. Trabajar en este disco con Alex, que tiene una dinámica laboral muy distinta a la mía, fue muy entretenido porque no nos conocíamos antes de este trabajo. A mí se me ocurrió que podríamos hacer una canción y luego fue como ‘hagamos un disco’, fue superbonito”, declara.

A pesar de que Gepe ha mostrado un maduro crecimiento y desarrollo con los años en su natal Chile, para algunos de nosotros quizá nos resulte más reciente su presencia. Al hablar sobre todas sus presentaciones como el Primavera Sound, el SXSW o incluso el Vive F I L T E R . 21

ASTRO: HEDONISTAS SIN CULPAS Por CRISTINA SALMERÓN Foto DANIEL HANSELMANN

Ellos mismos aseguran que el salto a tocar fuera de su país les ha llegado rápido; admiten sentirse cobijados por una escena que crece, se reproduce y es tan popular como un trago de “terremoto” en un bar santiaguino, pero que es, apenas, el inicio de una cuesta.

Su primera tocada fue en un centro de esquí al sur de Chile en septiembre del 2008. Para entonces, en Astro solo estaban Andrés y Octavio.

“Por una montaña nevada y con unos esquíes, subimos con el tecladito, la guitarra y nuestras máquinas en las espaldas. Llegamos en pleno almuerzo, había familias comiendo y les tocamos ‘Maestro distorsión’ recién hecha. Así fue, así comenzó”, cuentan quienes son vocalista y baterista de la banda, respectivamente.

Seis meses después, llegaron Nicolás (Lego) y Daniel (Zeta) para completar la alineación de Astro, un grupo que dice sonar a pajaritos en ácido, inspirarse en las palmeras, y mete a los chicles bomba en varias de las letras de

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sus canciones que contagian esa diversión que arman en el escenario. “No es banalidad, sino plena libertad”, aseguran. Poder cantar lo que les venga en gana es una lucha ganada que ellos disfrutan ahora.

“Somos probablemente la primera generación que está desvinculada del tema Pinochet, de la dictadura, en un sentido emocional. Nosotros ya no tenemos sentimientos profundos con respecto a eso. Cada uno tiene su postura política, pero no lo reflejamos en la música, ni como la voz de la banda”, dice Octavio. “Por primera vez, uno puede ser hedonista, pero con libertad, sin la carga de ‘¿oye, por qué no estás pensando en los temas de verdad?’”, agrega Andrés.

Y, en gran parte, es ese sentimiento independiente el que ha unido a esta nueva ola de músicos chilenos que crecieron admirando a Los Tres o a Los Prisioneros, pero supieron tomar distancia y forjar una identidad distinta que los ha hecho subir como espuma de pisco sour.

“Existió una época en que las bandas no podían hablar de ciertos temas porque los bajaban del escenario y los tomaban presos, pero al mismo tiempo sentían que tenían la responsabilidad de hablar de temas que arreglaran el país que esta-

ba podrido”, explica Nicolás —y le interrumpe Zeta—, “ahora estamos orgullosos de esa generación, de que haya existido esa revolución, pero nosotros ya estamos en otro contexto”.

De acuerdo con los Astro, haber tenido un festival como Lollapalooza en Chile refleja un poco la confianza que tiene la industria y los fans. “Muestra que está creciendo una escena emergente a nivel de managers, disqueras, grupos, todo. Somos una gran familia que hemos refrescado la música chilena”.

Aunque se iniciaron actuando en fiestas y bares en Santiago, a sólo un año de haberse formado ya eran parte del Vive Latino 2010. “Fue muy rápido el salto a tocar en Buenos Aires y luego a la ciudad de México. Hemos ido a Uruguay, Colombia, España, Estados Unidos y estaremos en Panamá y Costa Rica con Café Tacvba”, cuentan estos chicos que tienen un EP y un LP homónimo.

“Hay una generación específica que ha trabajado muchísimo por su sueño musical. Artistas como Dënver, Gepe, Javiera Mena, Alex Anwandter o Pedropiedra han tenido un salto a la internacionalización pero vienen otros más que son capísimos”, concluye Andrés.

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Por BEATRIZ PECERO Fotos RODRIGO JARDÓN

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Matamoros, una ciudad en el noreste del estado de Tamaulipas, es el lugar en donde División Minúscula surgió. Sin embargo, en Monterrey construyeron sus primeros años en el panorama musical de nuestro país. Su característico sonido los ha llevado a presentarse en recintos de culto para el rock en español, como el Café Iguana en Monterrey o el Multiforo Alicia en la Ciudad de México. En los últimos años formaron parte del cartel del Vive Latino, uno de los festivales más importantes en nuestro país. Su fiel grupo de seguidores ha atestiguado la carrera en ascenso de esta banda mexicana.

A pocos días de haber editado su cuarto disco, División Minúscula platicó en exclusiva con FILTER México sobre el proceso por el que pasaron 24 . F I L T E R

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para ver materializado este trabajo. En el lobby de un hotel ubicado en una zona céntrica de la ciudad, nos reunimos con Javier (guitarra y voz), Luque (bajo y coros), Ricci (guitarra) y Efrén (guitarra y coros), para quienes este álbum de manera física significa un respiro en su carrera musical.

Los norteños tenían claro el sonido que querían, así que recurrieron a Brian McTernan, uno de sus productores musicales favoritos y a quien consideran pieza clave en el sonido del disco.

La experiencia de trabajar con Brian fue haber llegado al límite, desde la manera de tocar hasta la de componer. Con su ayuda conquistaron el disco que tanto anhelaban. “Creo que logramos hacer el álbum que soñábamos”, opina Efrén. Ir a grabar con McTernan implicó vivir un mes en

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Baltimore, en donde recordaron la banda que son y sus orígenes. Para ellos este trabajo es la mezcla de sus anteriores discos: tiene la energía del Extrañando Casa, el sonido fuerte que caracterizó a Defecto Perfecto y el mood más clásico y orgánico que tenía Sirenas, más lo que han absorbido como banda. Esa suma da como resultado División.

Al vivir juntos durante un mes, la banda reflexionó sobre todo lo que ha sucedido en estos 15 años de carrera, lo que los motivó a llamar al disco División. “Nosotros somos División Minúscula pero para todo y todos nos dicen ‘los División’; el ‘minúscula’ casi nunca se usa. Fue adoptar ese apodo de cariño y hacerlo más personal, eso incluye a toda la gente que está y trabaja con nosotros y a nuestros fans. Este álbum refleja una parte muy

P íntima de la banda, fue voltear atrás y ver nuestras raíces e historia pero sin dar un paso atrás”, explica Javier, el frontman de la banda.

División fue un trabajo que tardó en salir dos años, bajo una idea clara, pero en una época de incertidumbre en su carrera: no tenían manager y ellos hacían el booking o lo que hubiera que hacer para salir adelante. El momento clave llegó cuando retomaron la esencia de la banda, pero con un sonido más ambicioso. Recordaron a bandas que los marcaron como The Ramones, The Clash, Bruce Springsteen y Bad Religion. Tenían plena conciencia de quiénes eran, de dónde eran y de lo que podían hacer.

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pretenden llevar la versión en vivo del disco a toda la gente. Quince años en la escena musical de México sustentan la trayectoria de División Minúscula, quienes se muestran agradecidos por tener un lugar en la historia del rock mexicano, aunque para ellos el reconocimiento más importante es saber que sus fans han hecho de División el soundtrack de su vida.

En este material, se preocuparon por primera vez por el hecho de que hubiera una sinergia entre el sonido y el arte del álbum. Para ellos, el título representa todo lo que han hecho desde hace 15 años que empezaron a tocar. “Trabajamos una idea para hacer nuestra versión de los clásicos que nos gustan. Por eso los logos, el color, el arte, la foto. División es nuestra versión moderna de los clásicos que nos hicieron agarrar una guitarra”, argumenta Luque.

El momento más sincero de la conversación llegó cuando nos platicaron sobre lo que les falta por lograr en su carrera musical, tras varios años en la escena: “Nos falta tocar en lugares en los que nunca hemos tenido la oportunidad. Queremos que la gente nos escuche en vivo, nos gustaría ir a Europa, regresar a Sudamérica. Por ejemplo, que en España conocieran a División así como aquí conocemos a muchas bandas españolas. “División sabe lo que ha logrado y aunque no tengamos un premio, varios medios y la gente nos consideran un grupo de culto. Preferimos quedarnos con un buen lugar en la historia y en el corazón de la gente que ha crecido con la banda, eso es mejor que una estatuilla”, concluye Javier.

División Minúscula empezó una gira por el interior de la República a finales de enero, con la que F I L T E R . 25

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Por COLIN STUTZ Traducción BEATRIZ PECERO Fotos MARC LEMOINE

Mientras Talib Kweli se encontraba dando un show al lado de Yasiin Bey, conocido como Mos Def, se sintió perturbado al ver que entre los asistentes había un chico que portaba una playera con la leyenda “More Tupac, Less Drake”. En medio de su set y frente a un gran público, lo único que venía a la mente de Kweli era “¿Por qué tienes que usar esa playera en mi show?”

“A ellos no les gusta su arte”, dijo Kweli a la mañana siguiente, mientras caminaba en la banqueta de Studio City en Los Angeles. “Drake es talentoso, seas o no su fan”.

Durante el año pasado algo similar le sucedió a Kweli mientras hablaba con el público en un concierto.

Notó que alguien en la audiencia usaba una playera que decía “Lil Wayne Sucks”. Un fan grabó el momento en el que Kweli se comparó con Weezy y dijo: “En el hip 26 . F I L T E R

LA GRAN ACEPTACIÓN hop hay mucha división y carecemos de unidad, y lejos de las diferencias que existan entre Lil Wayne y yo, también hay similitudes… antes de juzgar a cualquier persona y a su rendimiento creativo, deberían darse cuenta de dónde vienen y de sus experiencias personales”. Este video apareció en la red.

Pero aquí están esos fans que presumen su odio durante el show de Talib Kweli, esperando que él esté de acuerdo con ellos. “Lo más triste de todo es que ellos no se dan cuenta de que su mente tan estrecha es la responsable de reprimir la cultura de la gente que está en su contra”.

Si tan sólo la gente que proclama amor fuera más abierta a recibir la experiencia de otras personas en el hip hop”.

Por los años 90, a sus 22, Kweli salió del anonimato musical gracias a la gran colaboración que tuvo con Mos Def formando Black Star, que

sirvió como ejemplo para recordar en “Definition”, su primer sencillo, el trágico final de Tupac Shakur y The Notorious B.I.G. En 2002 fue otro momento clave en la carrera de Kweli, pues trabajó con Hi-Tek, con quien formó Ref lection Eternal, él lo ayudó a editar Quality, su álbum debut como solista. Este disco lo ayudó a postularse como un agente de cambio social y conciencia dentro del hip hop, tanto en la música como en la cultura del género. Con una minuciosa y sofisticada producción por parte de Kanye West, DJ Quik y J Dilla en el tema “Get by”, Kweli se levantaba como el líder de una nueva etapa y no como una moda pasajera. Eso fue exactamente lo que pasó, el hip hop se impuso dentro de lo convencional, no inf luyó dentro del sistema, pero sí el sistema dentro de él. En 2004, con su disco The Beautiful Struggle, buscaba expandir su carrera musi-

cal, pero sus fans reaccionaron de una manera negativa.

Kweli entró en shock cuando, durante una presentación como telonero de los Black Eyed Peas, se dio cuenta de que estaba cantando sus mejores temas ante una audiencia ávida de pop. Los Black Eyed Peas se encontraban de gira y con su sencillo “Where is the love?”, en donde participaba Justin Timberlake, en la cima. Para Kweli ese momento significó un cambio: “Sabía que eran muy importantes y pensé que todavía eran los mismos Black Eyed Peas”, dijo, haciendo referencia a lo que alguna vez Fergie había argumentado acerca de lo alternativos y creíbles que eran dentro del hip hop. “Nunca me imaginé que fueran una banda de pop”.

“Ahí fue cuando el hip hop empezó a cambiar. Antes el hip hop sonaba toda la noche en una fiesta, quizás combinado con música para bailar.

li. “Quería que él colaborara en una canción severa, donde el tema no fuera sobre estar en un club”.

Mientras preparaba Prisoner of Conscious, Kweli quería grabar un álbum con canciones de amor al estilo de The Love Below, de André 3000; o The Miseducation of Lauryn Hill, pero al final tomó otro camino: “me enfoqué en hacer un álbum con el que pudiera contar historias en vez de en el arte de ser MC”.

Los temas son variados: desde la conciencia política en “Human mic”, en donde recuerda la manifestación que hubo en Wall Street en octubre del año pasado, hasta una tierna y lenta canción de amor como “Kilos of love”. Mientras tanto, la rola que le da nombre al disco se destaca con un coro de rock pesado que parece salir de los límites del género por completo; y durante todo el disco, los alientos y cuerdas acentúan la mayoría de los tracks.

Ahora es todo lo contrario, si hay hip-hop sólo lo ponen con intención irónica”, dijo Kweli.

Ahora, después de 37 años de carrera y varios álbumes editados, Kweli es un sobreviviente; pero para otros es uno más. “Antes te sentías atraído por un hip hop con mensaje. Para los artistas que realmente quieren seguir con consciencia social, esto es todo un reto. Es una de las cosas más difíciles de hacer, ser relevante y aun así sobresalir”.

Prueba de ello es que por primera vez en mucho tiempo, Kweli es el artista de hip hop más visitado en el portal Okayplayer. Al editar en septiembre Attack the Block (mixtape) se sintió inquieto sobre las reacciones y comentarios que se podrían decir sobre éste; sin embargo, todas las reseñas fueron positivas.

“Siento que mi música ha mejorado, me siento más productivo. He construido oportunidades, pero me molesta cómo mi manera de ver las cosas es diferente a la de algunos fans que quieren llamar la atención. Es por ello que me desprendo de estar tan preocupado sobre a dónde va el hip hop”, continúa.

“Mi carrera en este género no se puede discutir.

No estoy tratando de competir con Chief Keef. Soy

quien soy por lo que he hecho. Es bueno pensar más allá del hip hop. Fue bueno lo que hice, pero no puedo seguir con lo que ahora marca la industria”.

Así como Drake y Lil Wayne, amados u odiados; Kweli dice que es juzgado y encasillado por lo que la gente percibe de él. Y con todo eso en mente, es sorprendente saber que cuando el rapero Nelly condujo en un Maybach hasta la casa de Kweli, en donde éste le enseñó música de Madlib y J Dilla. En medio de todo grabaron el tema “Before he walked” para el nuevo LP de Kweli, titulado Prisoner of Conscious, una colaboración que nadie se esperaba y eje del álbum. “En ese momento me di cuenta del amor que él tenía por el género. Es bueno, pero sus elecciones musicales no han causado el efecto esperado en la gente”, señala.

Prisoner of Conscious contó con las colaboraciones de Seu Jorge, Busta Rhymes, Curren$y y Kendrick Lamar, pero ninguna tan poco probable como la de Nelly. Como era de suponerse, los comentarios alrededor de este disco no se hicieron esperar. “Él era perfecto para hacer lo que yo quería, porque al igual que a mí, a él lo han encasillado”, dijo Kwe-

“Sólo estoy tratando de escribir canciones que ustedes amen. Y la mejor manera de hacerlo es escribir canciones que yo ame y ser lo más honesto que puedo ser conmigo”, dice Kweli.

Pero al final con los raperos siempre es lo mismo. “¿Por qué un artista no debería escribir una canción acerca de un club de strippers? Si a le agente le gusta, no hay más… si quieres hablar de lo que trata, un fan siempre te dirá: ‘La música es buena, se siente bien, tiene estilo…’ Pero entonces tampoco te puede gustar Wu-Tang Clan. Puedes hablar de Onyx, Biggie, Redman o J Dilla, quienes han hablado de prostitutas, clubes nudistas, de tener un gran auto y de fumar marihuana todo el día. Sin embargo, si vas a hablar en el más sentido estricto de la palabra del hip hop, vas a perder tu argumento todo el tiempo”.

Sentado en su patio trasero y de frente a su estudio de grabación, se detiene por un momento para dar una fumada. Exhalando el humo hacia el sol dice: “Pero ese no soy yo, no el chico que va con la corriente del rap y tengo que aceptarlo. Eso debe aceptarse como un artista, también”.

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PRINCIPALES

E S C L AV I T U D D E L S O N I D O

Bjork U n a c o n v e r sa ción básica con

Por KEN SCRUDATO Traducción CRISTINA SALMERÓN Fotos NICK AND WARREN

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PRINCIPALES

Bjork

“El mundo es de los que se atreven” Aquellas palabras dichas por un iluminado caballero del siglo XVIII, mejor conocido como Voltaire, lo metieron en un gran problema cuando, a diferencia de otros filósofos charlatanes, decidió vivir de este modo. Doscientos años más tarde, estas palabras podrían servir fácilmente para describir el trabajo artístico de Björk Guðmundsdóttir —que, si bien, no sufrió precisamente una estancia en la Bastilla, sí ha soportado la carga de malentendidos absurdos y de burlas por parte de la misma clase de mentes retrógradas que buscan desacreditarla, como al francés.

Tal como sucede con enormes y singulares personalidades como la suya, Björk ha ganado notoriedad, que ha sido mucho menor comparada con su correspondiente éxito comercial. Ahora, para añadir algunos signos de exclamación a su carrera, ha concluido cuatro años de ferviente e intensiva investigación al realizar Biophilia, uno de los más apasionantes y honestos proyectos musicales desde El anillo del Nibelungo, de Wagner (o, posiblemente, Quadrophenia). Un material hecho con furia, con puro corazón, abrumadoramente visceral y, al mismo tiempo, profundamente intelectual por retomar la naturaleza del mundo a través de la comprensión del sonido. Todo eso, a la vez, sin sencillos exitosos.

Björk se apoyó en verdaderos genios para reinterpretar algunos de los tracks de Biophilia en un álbum llamado Bastards. El mago de la electrónica, Matthew Herbert, tomó “Mutual Core” y la convirtió en un pasaje etéreo y fantástico; el dúo experimental

de hip hop, Death Grips, dio a “Sacrifice” una belleza salvaje; y el sirio favorito de los hipsters, Omar Souleyman, imprimió su sello a “Crystalline” y “Thunderbolt”.

Siempre visionaria, Björk reclutó al cineasta Andrew Thomas Huang para colaborar en el video de “Mutual Core”. Éste también incluyó el trabajo del director del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), Jeffrey Deitch, quien lo metió en las series de arte y música de MOCAtv. No quiero hacer menos a Copérnico, Newton o Galileo, pero reconocer nuestro lugar en este infinito y terriblemente maravilloso universo se parece mucho a escuchar cómo Björk lo explica.

Biophilia fue un salto interesante.

Gran parte de lo que habías hecho era más personal y, ahora, tenemos un proyecto que retoma el universo entero y el tiempo.

Björk: A veces siento como si viviera en una clase de mundo extraño del sonido. Y para qué representar todo eso en un álbum, sabía que no había otra forma, mas que incluirlo todo. El mundo del sonido está en las moléculas, en las galaxias y todo lo que hay entre ellas. La intención fue que sirviera para explicarlo a los niños también, así que debía empezar desde el principio.

Parece ser que estás en el momento de tu vida en que empiezas a pensar en tu lugar del mundo, en la búsqueda del significado de la existencia.

Yo no diría eso. Pienso que es más sobre la búsqueda del mundo del audio y cómo me

he sentido respecto al sonido desde que era una niña… Caminando en las montañas y escuchando el viento; y después, yéndome a las ciudades que son realmente ruidosas.

También abordo la musicología. Fui a la escuela de música desde que tenía cinco años y ahora estoy en un punto en que siento que puedo mostrar mi opinión, y también la versión visual de esto.

Tiendes a ser progresista, rara vez te vas al pasado. A un año de que lanzaste Biophilia llegó este disco remix. ¿Por qué pensaste que era importante hacerlo?

Hay gente que baja todo de internet, y hay otra que va a las tiendas de discos para encontrar algo bueno. Gente de mi generación, a pesar de poder tener 30 o 40 remixes en línea, preferiría tener un disco que haya editado sólo diez u once mezclas.

Entonces, ¿crees que es preferible ofrecer un trabajo inteligente con valor agregado, en lugar de que todos puedan buscarlo en internet y construir sus propias versiones?

Todo es emocionante. A fin de cuentas, esto habla de la pasión por la música.

Ha sido una bendición estar con Derek [Birkett] de One Little Indian (su disquera), que simplemente produce todo lo que hago. Pero él viene de una generación punk, en la que si al menos se venden cinco copias, valió la pena hacer el álbum. Nunca he sentido que mis fans tengan que comprar todo lo que hago.

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¿Cómo eligieron los remixes?

Cada uno tiene una historia diferente. Fui preguntando a cada colaborador y fue gratificante cuando me fueron diciendo que sí. Había estado trabajando en unos beats con Current Value y las piezas terminaron siendo remixes.

Cuando hice Biophilia fue muy elemental, por aquello de los elementos naturales. Si estás pensando en cristales y física…

Entonces te diriges hacia aquellas personas que hacen beats elementales.

Biophilia se siente como una proyección filosófica, como si proyectara a Björk en todos los elementos del universo, pero ¿qué significa para ti?

Biophilia estuvo ahí conmigo todo el tiempo. Fue un intento de revelar y compartir cómo me siento con respecto al mundo del sonido. Se convirtió en algo educativo… lo hemos llevado alrededor del mundo, mostrándolo a los niños. ¡En Reykjavik lo han puesto entre las materias de la escuela, al menos en los siguientes tres años! Y esto me recuerda a cuando era niña y aprendía musicología en Islandia. Fue increíble, por cuatro años todos dejamos el alma ahí. ¿Podrías ilustrarnos un poco? ¿Qué deberíamos saber del sonido?

El sonido mueve de forma similar los átomos y los planetas y lo hace también con los humanos, con los coches… o incluso con los animales. Si gritas en un cuarto, y hay un eco que se te regresa, el sonido se está comportando como el sistema solar y el espacio. Si ves las fotos de las ondas sonoras, es similar al trabajo de los átomos.

La película de Andrew Thomas Huang, Doll Face, parece tratar nuestra desesperación por aferrarnos a un mundo cada vez más tecnológico. Y he sentido que tu música, a menudo, establece esa tensión entre nuestro ser primitivo y la tecnología de ahora. ¿Eso es lo que te llamó la atención de él?

De hecho, yo vi algo (Solipsist) de él que era mucho más elemental. Él utiliza cosas elementales como arena y barro.

Incluso, la paleta de colores es similar al color al de los estratos terrestres, y los acordes de la música también son similares a los estratos.

Parece que en el video transmites la capacidad de la naturaleza para aterrorizarnos.

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¡No, para nada! Es más bien como una celebración de la naturaleza.

La naturaleza no es precisamente altruista, muchas veces hace con nosotros lo que quiere; estamos atenidos a sus deseos brutales. ¿Hacer Biophilia te ayudó a entender nuestra relación con la naturaleza?

Creo que Biophilia es una sugerencia de cómo deberíamos vivir con la naturaleza. Es como colaborar con ella en pleno siglo XXI. Tenemos que hacerlo porque estamos en un estado de emergencia.

Platícanos de tu participación en MOCAtv y tu trabajo con Jeffrey Deitch, director del MOCA. Ellos fueron los que se acercaron a mí, tenían sugerencias con las que no estuve de acuerdo. Al final, lo que ellos querían era involucrarse en el video, y era la intención… colaborar. Es extraño cuando la gente del mundo audiovisual me contacta para hacer ese tipo de cosas, porque soy músico ¿sabes? Pero creo que Jeffrey Deitch apoya a la gente que ha hecho videos para mí, como Michel Gondry.

Hoy en día existe una serie de exigencias artísticas.

El mundo está cambiando muy rápido, ahora mismo ya no podemos costear nuestros videos vendiendo discos.

MTV ya no apoya a gente como yo. Yo soy una punk vieja: nunca he hecho un comercial, nunca me he dejado patrocinar por alguien. Me siento rara cuando veo esas bandas patrocinadas por marcas de coches. Y algo como MOCAtv, que su único fin comercial es el de llevar el trabajo a un museo, hace que realizar un video se vuelva un trato amigable. ¿Te ha parecido extraño llamar la atención de los curadores de museos?

Es gracioso, sí. Yo recibí las ofertas de los museos, ellos son los que querían promoverme.

Todo mundo quiere tener un poco de tu brillo.

Y me siento halagada, pero esto fue sólo para realizar los videos. A fin de cuentas, estoy contenta con ser una mujer que hace música pop.

PRINCIPALES

Bjork

STILL DE “MUTUAL CORE” VIDEO ANDREW THOMAS HUANG

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TAME IMPALA

EN PO R TADA

Viaje al centro de la psicodelia

Por PAMELA ESCAMILLA

Después de casi dos años de haber visitado la Ciudad de México por primera vez, Tame Impala vuelve a nuestro país a un escenario mucho más grande y en diferentes condiciones: son de las bandas más esperadas del Vive Latino 2013 y traen a Lonerism, y todo el éxito después de haber lanzado este material, bajo el brazo.

A principios de este año entrevistamos a Kevin Parker, mente maestra detrás de este proyecto australiano, quien nos confesó que la primera vez que vino se sintió abrumado por nuestra ciudad. “La gente nos ha estado diciendo que tenemos que venir a México, nunca sabemos qué se espera de nosotros, la cantidad de gente en el festival será una sorpresa también.

Desde la última vez que estuvimos allí salió el segundo álbum y la gente ha estado escuchándonos…”, confiesa el veinteañero a tempranas horas laborales en México, casi a media noche en Perth, su ciudad.

Foto MACIEK POZOGA

Tanto para él como para la banda, satisfacer sus necesidades creativas y estéticas es una prioridad. Irónicamente, es probablemente eso lo que da como resultado música exitosa. “Creo que lo importante es hacer música relevante para nosotros, hacer música que queremos escuchar, si es relevante o no para los demás, es un accidente”, advierte.

Mientras llega el momento de volver a escucharlos en vivo, los invitamos a disfrutar estas páginas, en las que encontrarán una introducción a la banda, publicada en la edición de otoño de FILTER Magazine, así como las declaraciones que Parker hizo a FILTER México con respecto a su segundo material discográfico y a muchos otros temas relativos a Tame Impala.

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EN PORTADA Foto MATTHEW C SAVILLE

GOING BACKWARDS PARA SUMERGIRSE EN

TAME IMPALA Por LAURA STUDARUS Traducción CRISTINA SALMERÓN

Kevin Parker, el líder de Tame Impala, no es precisamente un científico loco —sólo juega a serlo mientras descansa entre gira y gira en su casa de Perth. “Estoy inventando un ‘sonido envolvente omniguitarra’”, dice el australiano sobre sus experimentos, pero antes de verse a sí mismo hablando de más, decide no revelar otros datos.

“Va a ser asombroso, confía en mí”.

Presumiblemente un solista (en el escenario él suele estar con Dominic Simper, Jay Watson, Nick Allbrook y Julien Barbagallo), Parker es experto en canalizar esa explosión de creatividad que viene de sus momentos a solas —ya sea al hacer música o instrumentos. Recientemente, el músico terminó Lonerism, el segundo álbum que hace bajo el sobrenombre de Tame Impala. A pesar de tal título (que en jerga anglosajona es como estar enfermo de soledad), Parker asegura que en este disco quiso hacer algo más allá de un ejercicio de introspección, aunque se le ha hecho la fama de esconderse para escribir en su “guarida”, como él mismo la llama.

“Se trata de hacer un contraste entre uno mismo y el resto de la gente”, habla sobre el tema central del álbum. “De esta forma, en verdad se convierte en ese mundo exterior y las formas de interpretarlo, lo cual se describe como ‘lonerism’ —cómo describiríamos ese mundo de afuera que se vuelve una propiedad particular de tu sangre”.

Más aventurero que su disco debut, Innespeaker, el tono vibrante de Lonerism fue influenciado por un periodo en el que Parker produjo el disco solista de su ahora novia, Melody Prochet, titulado Melody’s Echo Chamber.

“Ella fue la que me dio el coraje para probar cosas 34 . F I L T E R

en verdad locas que, normalmente, nunca hubiera hecho, como poner una distorsión digital extraña en las baterías”, recuerda. “Soy tímido; me gusta permanecer en esa producción hecha a la antigua, pero ella se veía muy audaz y con ganas de probar cosas hechas al azar”.

El cambio de enfoque dio lugar a un vibrante sonido, como de explosión de lámpara de lava. Así, las armonías retro-futuristas de Parker se unieron a fuerzas con una serie de opciones sónicas que resultaron inesperadas.

Por medio de una aventura optimista de pop sicópata, el álbum incluye canciones como esa improvisación technicolor que es “Elephant” y sus sincopados pisotones, que semeja al rey de los paquidermos amenazando con aproximarse; del mismo modo, “Be above it”, captura la intensidad del quinteto tocando en vivo —con un coro que nos lleva a un ambiente similar a unos Beatles vistos tras un cristal.

Intercalados entre capas ondulantes de sonido se encuentran unos bits misteriosos de palabras habladas —recuerditos de un viaje de cerca de dos años que Parker hizo antes del debut con la banda.

“Es como tomar una fotografía”, dice al respecto de su hábito por coleccionar piezas de audio. “Para mí, el sonido es más potente que las imágenes. Si estoy en una habitación en algún lugar —incluso si hay un silencio tenebroso, como cuando el viento sopla— y comienzo a grabar, reproduzco esto un mes después y recuerdo exactamente lo que era…. Tal vez, el hecho de que haya tantas fotos en el mundo ha hecho que pierdan su potencia”.

Además de esos sonidos, Lonerism fue inspirado por

muchas reflexiones momentáneas. Parker señala que “Apocalypse dreams” es donde —a pesar de sus mejores intenciones— la conciencia colectiva de la fascinación por 2012 se apoderó de él. “Es algo que ha impregnado mis sueños”, relata. “Seguía teniendo esos sueños recurrentes acerca del fin del mundo.

Había sólo una emoción en ellos. La canción se trata del Apocalipsis, pero también de sentirse como al borde de un gran cambio…. Es tener ese sentimiento de que todo está cambiando y luego darse cuenta de que se ha vuelto al punto de inicio”.

Se ríe de tan analítica descripción, notando que está a punto de hacer que sus interlocutores no compren su disco, o de que su proyecto se vea como un tipo de terapia sónica (aunque, asegura, él está sosteniendo esta conversación mientras se encuentra recostado en una cama en Perth, algo muy similar al diván de un siquiatra).

“Este disco tiene una emoción de niño”, aclara el músico de 26 años. “Es algo simple, en realidad.

Las emociones y los sentimientos tienen ese toque de juventud. La maravilla de ser joven como oposición a ser excesivamente intelectual y adulto”.

Parker está consciente de que su trabajo ha encontrado un lugar en la esquina de un paisaje cultural. “Hacer este álbum de principio a fin terminó siendo algo en lo que puse mi corazón por completo”, asegura. “Sé que debe haber ciertas personas para las que Tame Impala es algo importante. No quiero decepcionarlas. Ellos valoran a Tame Impala tal como lo hago yo. Es música buena que tiene sentido para ellos. Si los defraudo, me defraudo a mí”.

EN P O RTA DA

LONERISM

LA PRUEBA DE FUEGO

Por PAMELA ESCAMILLA

“No estaba pensando en lo que la gente esperaría de un segundo álbum cuando empecé a trabajar en él”, Kevin Parker Innerspeaker, su primer álbum de larga duración, fue reconocido en su país natal con nominaciones en los ARIA Music Awards y el J Award (que otorga la estación de radio Triple J), mientras que Pitchfork lo reconoció como Best New Music. La tarea de realizar el temido segundo disco de cualquier banda exitosa, no le quitaba el sueño a Parker y compañía, lo que seguramente se reflejó en los resultados de la aventura sicodélica que es Lonerism. “Pasa de manera natural y hasta rápido, no estaba pensando en lo que la gente esperaría de un segundo álbum cuando empecé a trabajar en él. La parte creativa fue muy fácil, muy natural, pero son las decisiones las que son difíciles”, indica el multiinstrumentista.

Aparte de decidir qué canción tiene que ir antes que otra, para Kevin es el resultado final de cada rola lo que más lo preocupa. “También si quieres que una canción suene muy loca o más digerible, es como definir que una canción tenga todas las cosas raras y todos los sonidos retorcidos o hacerla más digerible pero aún interesante, o si de plano quieres quitar todo lo loco y hacerla para que sea puesta en el radio. Es una batalla en tu cerebro que ocurre a cada momento, si quieres ser totalmente raro o accesible”, explica tras confirmar que los sencillos son las partes más digeribles de sus discos. ¿Será este el caso de “Feels like we only go backwards”?

con los mismos músicos en la agrupación, así como en otros proyectos, tales como The Dee Dee Drums, Pond, Mink Mussel Creek y Space Lime Peacock.

“No estaríamos en donde estamos si no fuéramos los mejores amigos, nos conocemos desde hace años, con algo tan sensible y frágil como lo es hacer música necesitas amigos y otros músicos que entiendan tu visión, cómo te estás sintiendo. Si no lo hacen, entonces no hay razón para trabajar con ellos, tiene que haber pleno entendimiento de todo y por fortuna todos mis amigos lo hacen, nos entendemos entre nosotros”, afirma el australiano.

Esta constancia de colaboraciones creativas, se nota en todas las partes del disco. Prueba de esto es que Leif Podhajsky, quien creó el arte de Innerspeaker, volvió a trabajar con Tame Impala en su segundo disco, cuya portada nace de una fotografía tomada por el mismo Parker mientras trabajaba en el proyecto de la francesa Melody Prochet, en París. “Me involucro mucho en esto, es la imagen que todos tendrán en la mente cuando se hable del álbum, la manera en que se muestra la música para mí es muy importante”, sostiene el compositor.

Para Parker, este material, a pesar de su complejidad sonora, es un poco infantil. “Lo de la niñez y lo infantil tiene que ver más con las letras, la melodía vocal es muy simple. Contiene música muy compleja. Sé que hay muchos instrumentos y sonidos en las canciones pero cuando sacas cada cosa es muy simple, en especial las letras y la manera de cantarlas, y todos en la banda tenemos una onda infantil, nadie tiene un alma vieja, cuando cantas sobre las emociones; es algo muy de niño”, explica sobre el disco que, aunque tenga un título que haga referencia a la soledad, es el resultado de un trabajo en equipo.

Foto MATTHEW C SAVILLE

En la composición de este material destaca que comparte créditos con Jay Watson en dos canciones, “Elephant” y “Apocalypse dreams”, cosa que no había hecho antes en su carrera como Tame Impala. “Tiene los acordes e ideas de alguien más, así que me renové con ello y estábamos emocionados de hacerla porque tiene esta onda soul y a la vez es casi espacial y electrónica. Fue una canción muy divertida de escribir”, comenta con respecto a su creación apocalíptica.

Aunque gran parte del trabajo creativo de Tame Impala está sobre los hombros de Kevin, es destacable que ha trabajado de manera constante F I L T E R . 35

EN PORTA DA

WHY WOULDN’T HE ANSWER ME? MÁS DE LA CHARLA CON KEVIN PARKER

Todos estamos fascinados con Lonerism, pero este material no es todo en la vida de Tame Impala, ni sus visitas a México sus únicos conciertos, así que esperamos que disfruten esta sesión de preguntas y respuestas con el líder de la agrupación. ¿Qué es lo más raro que has escuchado de un fan sobre la interpretación de alguna canción?

He escuchado varias pero hay una en particular rara. La primera canción del disco (Lonerism) “Be above it”, repite esas palabras una y otra vez, alguien dijo alguna vez que podría sonar como “Be a puppet”, no es lo que quería decir pero tiene como este otro significado. Fue algo cool, me gustó la idea de que le dieran otro significado aunque no fuera para nada en lo que yo estaba pensando.

Esta persona le mandó a nuestro manager todo un párrafo preguntando sobre otro significado de la canción. ¿Cuál es el significado que tienen tus lanzamientos en la carrera de Tame Impala?

Incluyendo Innerspeaker y el primer EP. Creo que nunca sabré qué significado tienen.

Siempre que termino una canción me siento satisfecho, para mí no tiene que ver para nada con álbumes, sino con canciones individuales porque si nunca hubiera lanzado la música, si no la hubiera vendido y se la hubiera dado a compañías 36 . F I L T E R

discográficas no tendría discos, sino sólo canciones. La idea completa de hacer un álbum es poner juntas un grupo de canciones que quedan bien, yo no necesariamente escucho mi propia música en álbumes así que para mí cada canción tiene su propia alma y el álbum es sólo poner un círculo enorme alrededor de ellas. ¿Qué estás escuchando ahora? Bandas que estés descubriendo o redescubriendo…

No escucho tanta música, se me olvida…

Menciona algunos covers que solías tocar cuando eras más joven.

“Paranoid” de Black Sabbath, creo que “1979” de Smashing Pumpkins y, no sé, supongo que algo de Silverchair. ¿Qué disfrutas más de las giras?

Creo que la idea de ir de un lugar a otro muy rápido, visitar un lugar por un día y luego avanzar es algo romántico. Entrar a un cuarto de hotel sólo una vez, salir y saber que nunca entrarás a la misma habitación, lo encuentro como una experiencia mágica. ¿Qué planes a futuro tienes con Tame Impala?

Andar mucho de gira, supongo. Hacer mucho de lo que te estaba contando, entrar a diferentes cuartos sólo por una vez y salir, pero creo que vamos a ir a nuevos lugares este año, lo que será bueno. ¿Ya empezaste a escribir material nuevo?

Un poco. Es decir, siempre estoy pensando en canciones pero en este momento sólo estoy pensando en cosas que hacer en el show en vivo, quiero hacer algo de lo que me sienta orgulloso, hacer algunos puentes musicales. Creo que una vez que me establezca y tenga tiempo de nuevo podré pensar en más música para álbumes.

Foto MATTHEW C SAVILLE

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EN PORTA DA

3 DISCOS QUE INSPIRARON A KEVIN PARKER PARA HACER MÚSICA

AIR – Talkie Walkie “Me hizo descubrir hermosos paisajes sonoros.

Descubrí el mundo de la música más allá de las guitarras. Fue algo exuberante, electrónico con acordes melancólicos”. ¿De dónde te inspiras para crear música?

No sé, del mundo a mi alrededor, supongo. Nunca ando buscando inspiración pero siempre es como que tengo cosas que debo sacar, y a la vez vienen del mundo de afuera… pero no siempre estoy al pendiente de eso. ¿Cuáles son las diferencias en los resultados de producir el álbum Melody’s Echo Chamber y trabajar en Lonerism?

Fue mucho más fácil, creo que trabajar en Melody’s Echo Chamber para mí fue sólo ser el productor, no tuve que ser el artista, lo que es divertido, porque significa que tienes que divertirte y hacer sonidos. No tienes que preocuparte por escribir canciones ni letras, sino hacer sonidos de batería. Es más como un pasatiempo, hacer Lonerism tomó mucho más de mi alma, es más como tener un bebé, y producir el disco de alguien es como ser niñera del hijo de otro. ¿Qué tan importante es recibir buenos comentarios y reseñas de tus materiales y tu trabajo?

Ohhh, no es muy importante. Es decir, es la opinión de una persona, la gente que reseña álbumes lo hace de una manera diferente que la gente que sólo lo escucha porque le gusta la música, es diferente.

No es como amar la música, sino analizarla, como hacer un examen en la escuela. Para mí es lo opuesto a apreciar la música.

A l trabajar con Modular Recordings, ¿cómo te sientes? Han estado muy constantes con la compañía, ¿cómo les ha funcionado como banda?

Muy bien, me dejan hacer lo que quiero en el estudio, nunca han tratado de controlar el lado creativo, que es lo que toda banda quiere. Hay discos que se hacen para hacer dinero. No me puedo quejar porque nunca me han presionado para ir a un estudio profesional de grabación o conseguir a “x” productor, puedo grabar en mi recámara, que es mi sueño. El resultado de eso nunca lo han tratado de convertir en otra cosa.

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SMASHING PUMPKINS Siamese Dream “Me confrontó con la melancolía —de la forma en que la música puede ser pesada, con muchas guitarras, pero, al mismo tiempo, totalmente pop y soñadora”.

SUPERTRAMP Breakfast in America “Sus canciones y melodías eran efusivas. Tienen un toque nostálgico, aunque no se estén refiriendo a un pasado en específico”.

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I SEE A DARKNESS DJ La historia de

SHADOW Por KEVIN FRIEDMAN Traducción PAMELA ESCAMILLA

Si Josh Davis fuera cineasta, hubiera hecho filmes de horror. La oscuridad que corre a través de su trabajo justifica su alias, DJ Shadow. No es difícil imaginarlo como un personaje de alguno de los clásicos del género, alguien esclavizado por sus creaciones. Él empezó a hacer beats cuando cursaba la secundaria. Como estudiante en UC Davis, fundó el colectivo Solesides con los dúos Blackalicious (Gift of Gab y Chief Xcel) y Latyrx (Lyrics Born y Lateef the Truthspeaker) y empezó a lanzar discos como DJ Shadow. Un remix llamó la atención de James Lavelle, pionero británico del vinyl, quien lo alentó a hacer su primer LP en 1996. Ese esfuerzo, Endtroducing….., cambiaría el mundo de la música y su vida.

Endtroducing….. incluye sampleos de cine y television como T he Prince of Darkness, Twin Peaks y THX 1138, pero también material de David A xelrod, Tangerine Dream, Kraftwerk y Giorgio Moroder. El álbum lo ayudó a establecer el género embriagador y downtempo que se convirtió en trip-hop. Con material sacado de sus famosos y profundos cajones, creó lo que aparece en el Libro Guinness de los Records como el primer álbum creado sólo con sampleos. Seis años después, con T he Private Press continuó su viaje a través de un bosque claroscuro de sonido. Se estancó en los tonos menores y grooves lentos.

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A pesa r de los la rgos per iodos ent re sus la n za m ientos sol ist a s, colaboró con L avel le y Ti m G old swor t hy en U N K L E , cuyo á lbu m de 19 9 8 , Ps ye nce F i ct i on, i ncluyó colaboraciones voca les de T hom Yorke, M i ke D y R icha rd A shcrof t. Ta mbién compi ló u na colección de sus pr i mera s g rabaciones pa ra P ree mpt i ve S t r ik e y produjo el sou ndt rack del docu ment a l D ark D ays.

Para algunos, el tiempo que se tomó entre álbumes era prueba de su atención al detalle, pero los fans se sorprendieron con T he Outsider (2006). Sus seguidores se dividieron por este disco-frankenstein, con voces y MCs. Shadow usó una técnica de producción más convencional para acompañar a raperos como David Banner, Nump y Keak Da Sneak. Mientras siempre se había considerado parte del mundo del hip-hop, eso no había sido tan claro para sus escuchas.

Los artistas que han experimentado con nuevas direcciones han enfrentado el aumento de seguidores contrariados, Shadow parecía desconcertado por las antorchas y cañones fuera de los muros de su castillo. La reacción de la gente lo llevó a decir: “¿Repetir Endtroducing….. una y otra vez? Eso nunca estuvo en el plan. Es tiempo para ciertos fans decidir si son seguidores del álbum o del artista”. Pasarían cinco años más antes de que un nuevo LP de Shadow le diera a la gente la oportunidad de tomar la decisión. En 2011, Shadow lanzó T he Less You Know, the Better.

E n otoño la n zó R econ st r uct ed : T h e B est of DJ S h a dow, u n á lbu m de g ra ndes éx itos, y el box- set R econ st r uct ed : T h e D ef init i ve DJ S h adow. E st a s colecciones capt u ra n su evolución como autor, u no que ex plora géneros y se esf uer za por ma ntener a l escucha — y sobre todo, a l a r t ist a— si n sent i r que había n v isto est a pel ícu la a ntes.

Sólo Shadow sabe

Una conversación con Josh Davis ¿Cómo empezaste a trabajar con tornamesas y samplers?

No teníamos mucho dinero cuando crecimos, así que ahorré para comprar mi equipo. No sabía que quería hacer beats hasta el último año de la preparatoria. Muchos de mis mentores, estaban de fijo en los clubes nocturnos. Creí que eso era lo que terminaría haciendo hasta que me tomé más en serio lo de buscar qué samplear. Era la época dorada del hip-hop, a finales de los ochenta. ¿Querías trabajar con MCs o mantener las cosas instrumentales?

Estuve con los Solesides alrededor de 1992, ya tenía un par de discos de 12’’. El primer rapero de Solesides con el que trabajé fue Gift of Gab, con quien hice varios de éstos. En 1993 me buscó Lavelle, del sello londinense Mo’ Wax. Él quería ir en una dirección instrumental, había escuchado “The legitimate mix”, que hice para Zimbabwe Legit. Le gustó ese tipo de onda espacial y etérea, y quería que hiciera algo así. Eso definió mi primer sencillo en Mo’ Wax [“In/Flux”]. Después quiso darle seguimiento y “Lost and found” se convirtió en lo que me haría ser mencionado en las listas de popularidad. Mo’ Wax y James me animaron a hacer más de esto, porque era un área que me interesaba. Si hubiera querido hacer un beat para mover la cabeza hubiera llamado a uno de los MCs de Solesides. ¿Qué querías lograr con Endtroducing.....?

Pasé gran parte del verano de 1995 trabajando en un EP llamado What Does Your Soul Look Like?

Había estado escuchando música basada en sampleos y hip-hop por una década, fue con lo que crecí. En cierto sentido, mucho más que las tornamesas, el sampler se convirtió en mi instrumento. Escuchaba lo que todos los demás

estaban haciendo, estudiándolo y tratando de hacer algo que nadie más hiciera.

A The Outsider lo dejé resonar con todas las inf luencias de mi vida.

Cuando lo sacaste, ¿sentiste que eras parte del mundo del hip hop?

Creo que abrí un espacio, era una puerta para que otros descubrieran el género. No creo que eso haya cambiado la dirección del rap o del hip hop. Ofreció una nueva perspectiva de lo que el sampling y el hip hop pueden ser.

¿Puede la apreciación de diferentes géneros convertirse en una trampa cuando se produce un disco?

Uno se rodea de mucha música e ideas, y no hay nada nuevo bajo el sol. Muchos de mis héroes han llegado lejos —Trevor Horn, Malcolm McLaren— y cuando creces con discos audaces es difícil limitarte a las mentes conservadoras del mainstream.

Después de que saliera Endtroducing…..muchos quisieron hacer un disco instrumental y me decepcionaron. Sólo eran beats de rap. Estoy orgulloso de que ninguno de mis discos instrumentales esté hecho de simples beats a los que les hace falta una voz. La música se tiene que construir de manera diferente, yo estoy tratando de contar historias con las canciones que hago y por eso es que Endtroducing…..sigue siendo el favorito de muchos. Tiene muchas capas y eso he tratado de aplicarlo en todos mis álbumes, ya que es mucho más difícil lograr un track instrumental de siete minutos y mantener la atención. ¿Qué cambios experimentaste en los seis años antes de llegar a The Private Press?

Había lanzado un álbum aclamado con Endtroducing….. y eso cambió mi vida. Con UNKLE me realicé como productor, pero estaba trabajando 20 horas diarias en el estudio. Fue la primera vez en que acepté que tenía que bajar el ritmo. The Private Press fue un disco muy personal y no he trabajado tan duro desde entonces.

Creo que varias de mis mejores canciones están en ese material, fue un gran salto.

Y The Outsider es un brinco diferente…

Después de The Private Press sentí que había cumplido mis obligaciones con los fans y caí en la cuenta de que sería ridículo pedirle a cualquier artista no hacerle caso a su musa o no llevar su creatividad tan lejos como pudiera.

Parece que hubo mala respuesta por parte de algunos fans, ¿eso te molestó?

Me decepcionó. A veces es difícil para la gente entender que he evolucionado y que no hago la música del mismo modo. Prefiero hacer algo diferente, en el sentido de que estoy haciendo lo que se supone que tengo que hacer. Muchos creen que los artistas están para complacerlos.

Tu primer álbum fue una aventura en solitario pero has avanzado a escenarios con más colaboraciones. ¿Qué disfrutas más?

Recordando cuando empecé a trabajar con los Solesides, yo haría un beat para cualquiera, así fue como esto empezó. El disco de UNKLE fue cuando trabajé por primera vez con guitarristas en el nivel de alguien como Thom Yorke y Richard Ashcroft —gente que viene de un universo musical diferente. El proceso colaborativo puede dar recompensas y decepciones. Es por eso que [en The Less You Know, the Better] he tratado de limitar un poco mis colaboraciones. Creo que cuando trabajo solo es cuando mi visión es más pura y puedo adentrarme en algo profundo para comunicar. ¿Cómo te sientes con un álbum de retrospectiva de tu carrera?

Es una de esas ideas a las que me resistí, pero al terminar el último disco sentí que tenía suficiente material para justificarlo. Tenía seis horas de material para escoger y unos tracks nuevos. Estoy feliz con el resultado.

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ARTE SINFONÍAS INCOMPLETAS

EL ARTE RE-VISIONARIO DE

MATT MAUST DE

COLD WAR KIDS Por KYLE LEMMON Traducción DANIELA ESPAÑA Arte MATT MAUST (CORTESÍ

¿En dónde estudiaste diseño gráfico?

Fui a una escuela muy pequeña de artes de la cual tal vez nunca hayas escuchado, su nombre es Biola University, se encuentra en La Mirada, en el sureste de Los Angeles. No es muy conocida por su programa en artes. Me quedé con muy poco de lo que estudié ahí. Tomé más de una clase de literatura que me dio Paul Buchanan, él enfatizaba en la idea de borrar lo más que se pudiera hasta que ya no quedara que borrar. Básicamente tenías que volver a trabajar con tu propio trabajo. Tenías que escribir y editar todo lo que pudieras para después volver a escribirlo. En realidad eso me gustaba mucho.

Casi siempre el arte que yo hago es arbitrario.

Pienso que mis cosas se parecen mucho a algo que pudo haber hecho un niño, siempre lo tengo presente. Me gusta hacer arte que no parezca que fue hecho por un artista.

En el verano tuviste una exposición en Manhattan. ¿Qué intentabas obtener con las piezas que expusiste? ¿Fue una exposición de toda tu obra o fue más como una selección?

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Técnicamente fue mi trabajo de los últimos diez años, pero la mayoría fue de los últimos dos. Exhibí 70 piezas de gran formato. Fotocopié gran parte de mi trabajo para hacerlo blanco y negro. No exhibí ningún original, pues eran muy coloridos. La exposición se organizó de último momento, pero a mí me gusta trabajar rápido. Esta fue mi primera exposición, ubicada en Danese, en Chelsea, después de tres años de estar tan ocupado con la banda.

Realizas exposiciones, el arte de algunos álbumes, diseño web y libros que coinciden con el lanzamiento de la música de Cold War Kids. En ocasiones anteriores has mencionado que te gusta la relación que hay entre las artes plásticas y los lanzamientos musicales de bandas como The Clash y Joy Division. ¿Qué es lo que disfrutas de dicha estética?

Creo que la banda que ha logrado ese nivel de dirección de arte es New Order. Peter Saville, director de arte y diseñador gráfico inglés, lo ha logrado de la mejor manera. Él no era parte de

la banda; sin embargo, lo dejaron tener el control total del arte con Factory Records. El mito se fundamenta de la siguiente manera: New Order no interfería en lo más mínimo con el diseño de los discos porque el director de arte estaba totalmente involucrado en esto. Yo lo veo a él como a una inspiración, porque aunque estoy con Cold War Kids puedo ver mi arte desde un filtro que involucra un nombre específico y una estética determinada.

He realizado todo el arte de nuestros EPs y LPs, la mayor parte de ese trabajo lo realizo por mi cuenta.

Las fotos para Loyalty to Loyalty fueron tomadas por un gran amigo mío, pero yo me encargué del diseño gráfico. En el EP Behave Yourself, Nathan hizo algunos de los dibujos y yo el resto. Es difícil recordarlo. Las líneas son difusas en cuanto a qué ha hecho quién.

Simplemente me gusta trabajar en cosas como estas.

Nathan Willet (vocalista, guitarrista y pianista de Cold War Kids) está interesado en integrar influencias filosóficas, literarias y cinematográficas a la música de la banda. ¿Te gustaría hacer lo mismo con tus piezas artísticas?

ARTE Has mencionado que intentas ir a tu estudio antes y después de que la banda escribe y ensaya. ¿Piensas que tu música y tu arte se complementan?

Claro que lo pienso. Muchas de las piezas están influenciadas por las letras de las canciones de Cold War Kids. El estudio de nuestra banda está repleto de piezas mías, es una gran motivación.

Estoy seguro de que algunas de las nuevas piezas estarán en el siguiente álbum.

Lo que sucede con la música es distinto, pues ahí estás intentado hacer algo con lo que las personas puedan identificarse y a la vez personalizarlas de alguna manera. Es cierto que Nathan está intentando integrar influencias filosóficas, literarias y cinematográficas. Yo creo que con el arte trabajas con otra parte del cerebro, pues en menor medida estás mandando mensajes a las personas. Creo que fue Peter Saville quien dijo que los diseñadores no tienen mucho que decir a diferencia de los artistas.

Sólo tengo 33 años pero creo que a veces la línea que me separa del diseñador y del artista es muy difusa. Al ser tan joven tengo mucho cuidado con decir todo el tiempo cosas con mi arte, aunque en ocasiones no puedo evitarlo. Me gusta exponer más preguntas que respuestas. Mi arte tiende a representar ideas o estados de ánimo, sin embargo, no me gusta recurrir a éstos con frecuencia porque la mayoría de las veces lo hago bromeando. Es casi como un sentimiento o un tipo de emoción, no se lo dejo muy claro al espectador.

Uno de mis artistas favoritos en este momento es el director alemán Wim Wenders, él tiene un gran libro de fotografías llamado Once. He escuchado que en ocasiones comenta que fue muy fácil para él comenzar una película, pero a la mitad de ésta las cosas comenzaron a complicarse y en realidad nunca ha terminado una. Me gusta pensar constantemente en esa idea. Él realiza películas que nunca están terminadas y eso es lo que hace que el espectador las vea, el hecho de que no están resueltas.

Todo el tiempo vuelvo a trabajar sobre lo que ya he hecho. Tomo fotos de la foto, de la foto. Las imprimo. Las dibujo. Las escaneo. Las vuelvo a escanear. Es casi irreconocible. Creo que el trabajo de un artista nunca está terminado. Me encanta estar en una banda en la que presionas el botón de grabación, tocas una canción y después se masteriza para su lanzamiento. Esa canción está terminada pero aún así tendrás que tocarla por muchos años más. Nunca dejo nada grabado sobre una piedra, eso está bien, creo yo.

¿En este momento están trabajando en el nuevo álbum de Cold War Kids?

Sí, está casi terminado. En esta ocasión nosotros lo grabamos por completo, por eso tuve más tiempo para trabajar en mi arte, porque trabajas arduamente grabando por dos días y tienes otros cuantos para una exposición o algo más.

Cuéntame un poco sobre tu proceso al realizar estas piezas artísticas. ¿Qué tipo de materiales utilizas para el texto y para los collages que están en el fondo?

Quería que se vieran viejos, así que raramente hago recortes de revistas; más bien es mi manera de organizar las cosas. Lo escribo en una computadora o en una máquina de escribir y comienzo a copiarlo una y otra vez.

Casi siempre convierto mis textos en timbres postales, otras veces distorsiono los colores alterando la copia. Ese aspecto viejo lo logro a partir de diferentes técnicas. Aunque casi todo se resume en trabajar una y otra vez con mis piezas.

¿Qué tal suenan las grabaciones hasta ahora?

Estamos mezclándolas de nuevo. Hay algunas canciones que suenan muy nuevas para nosotros y otras que podrían estar en nuestro primer álbum. Tenemos un nuevo guitarrista, pues Jonnie (Russell) dejó la banda después de siete años y nuestro amigo Dann Gallucci (Modest Mouse, Murder City Devils) tomó las riendas de la guitarra inmediatamente. Él también produjo el disco completo en nuestro estudio de grabación casero en San Pedro. Tiene un nuevo sonido, diferente del de Mine is Yours, que fue grabado por Jacquire King, productor ganador de un Grammy. ¿Hay aspectos de tu arte en los que quieras seguir mejorando?

Es una buena pregunta. Lo primero en lo que pienso es en que quiero dibujar mejor. Me gusta el aspecto sencillo que tienen mis dibujos pero podría evolucionar.

Para conocer más sobre el trabajo de Matt Maust puedes visitar mistermausters.tumblr.com.

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REVIEWS

TORO Y MOI Anything in Return

Foto PATRICK JEFFORDS

Carpark

85%

Chaz Bundick, el héroe y mente creativa detrás de Toro Y Moi, ha dicho una y otra vez que él tan solo quiere hacer buen pop. Cualquiera que haya escuchado esos beats funkeros llenos de éxtasis se ha dado cuenta de que tal vez no está tan lejos de su sueño. Tal vez no sea necesario mencionar que Anything in Return —el tercer material de Bundick como Toro Y Moi— no es de aires tan californianos. Musicalmente es sin duda lo mejor que Toro Y Moi ha logrado, con ritmos complejos y una meticulosa producción —característica que ha prevenido que los anteriores éxitos de Bundick se pierdan en el imaginario musical.

En 2010, Toro Y Moi lanzó Causers of This, un debut que detonó a decenas de proyectos musicalmente similares como el Life of Leisure, EP de Washed Out, y Psychic Chasms de Neon Indian. Trece meses después Bundick editó Underneath the Pine, un material lleno de texturas que también sirvió como una respuesta al género que Bundick involuntariamente había ayudado a crear.

En Anything in Return, todos los beats tienen algún giro. Cualquier letra que tenga que ver con amor, viene acompañada de un aire agudo y un tanto misterioso. “High living” es un espeso tema con sintetizadores alegres que inmediatamente contrastan con el bajo que rebota una y otra vez. “Never matter” inicia como una fresca explosión de una botella de Perrier, mientras los instrumentos burbujean sobre una tarola firme y un bajo con mucho groove. La última nota de un sintetizador cerca de la marca de los cuatro minutos es tan sólo una muestra de la habilidad de Bundick para moderar ritmos y sus dinámicas. “Cola”, uno de los mejores temas del disco, retoma todo el funk ochentero y lo combina con percusiones repetitivas y los característicos sampleos vocales que se han vuelto la firma de Toro Y Moi. Pero con letras como “I wish I could be there/See you every day/I don’t have to call you”, la canción —como el resto del disco— los remontará a la nostalgia en las canciones de Underneath the

Pine y experimenta con las dinámicas fundamentales de este género que Bundick claramente tiene toda la intención de dominar.

Underneath the Pine llegó en 2011 y a través de él Bundick canalizó el dolor que le provocó la muerte de un amigo muy cercano. El sonido era crudo y mostraba a Bundick aceptando el ciclo de la vida y el hecho de que todos tenemos que crecer. A pesar de que Anything in Return evoluciona musicalmente a partir de lo que construyó en Underneath the Pine, líricamente da un paso atrás. El álbum habla en general de amor (fórmula probada en el pop) pero carece de narrativa y de aquel detalle que nos permita conectar con Bundick. La música pop exitosa depende de una conexión y en Anything in Return es innegable que la meta es la pista de baile mucho más que de las palabras de Bundick, que sirven más como textura para las canciones.

En cuanto a influencias, Anything in Return es una perfecta mezcla de sampleos de funk, jazz, chillwave (sí, chillwave), synth rock, shoegaze y un sinnúmero de géneros creados por los periodistas. Es el disco más old school de todos los que ha editado Toro Y Moi. Mientras Causers of This era abundante en sampleos y Underneath the Pine es un experimento en vivo exitoso, Anything in Return es un homenaje a los héroes musicales de Bundick. A veces esta fórmula coquetea con el acid jazz (“Harm in change”, “So many details”) y otras ocasiones toma caminos como el del sencillo “Say that”.

Entonces, ¿qué concluimos del álbum? Que le falta un poco de balance, aun así Anything in Return es otra muestra de qué tan bueno es Bundick cuando se trata de dominar su arte. Tal vez el pop no lo sea tanto, pero sus talentos para prolongar la vida de un género que se adapta a todo lo demás, son bastante satisfactorios. ZACHARY SNIDERMAN Traducción ESAMIPAU! F I L T E R . 45

REVIEWS TEGAN AND SARA Heartthrob Warner

85% En su nuevo álbum Heartthrob, el dueto indie canadiense Tegan and Sara cambia de dirección hacia un sonido pop más pulido. Desde el primer sencillo, “Closer”, hasta el último track, “Shock to your system”, las canciones están llenas de ganchos bailables y voces amigables con la radio comercial. Aun así, el cambio no es tan drástico, tal vez sólo para los más f ieles fans de la banda. Aunque la producción es la mejor de todos sus trabajos (gracias a los productores Greg Kurstin y Justin Meldal-Johnsen), las canciones todavía son tan fervorosas como siempre; las voces de Tegan y Sara mantienen hacia adelante el contrapunto, sacando las canciones con mucha más emoción que siempre. El hecho de que este álbum no encaje pulcramente con The Con, su material más popular, es una buena señal —las chicas aún no están listas para descansar en sus laureles, y en vez de eso siguen impulsando su música hacia delante de manera dinámica.

JEFFREY BROWN THE JOY FORMIDABLE Wolf’s Law Canvasback/ Atlantic

80% En 2011, el trío galés The Joy Formidable hizo una gran declaración con su debut de larga duración The Big Roary, con un sonido sin complejos cimentado en la voz etérea de la frontwoman Ritzy Bryan. El siguiente material de la banda, Wolf ’s Law, encuentra al grupo toda46 . F I L T E R

vía escalando esa montaña de sonido —han aprendido algo de realmente tocar en los estadios en los que hubieran querido estar con Roar... A diferencia de su debut—que algunas veces podría tener momentos equivalentes a armas de fuego, que ocasionalmente golpean a su objetivo —los tracks en Wolf ’s Law son como cohetes láser, más efectivos. Con un inicio fuerte con las trituradoras “This ladder is ours”, “Cholla” y “Tendons”, la sorpresa real viene de “Silent treatment”, un gentil y acústico número a medio camino que queda a la perfección.

MIKE HILLEARY THE BABIES Our House on the Hill Woodsist

84% The Babies crean tonadas indie folk que son, en la superficie, dulces. Ahí donde Cassie Ramone, de Vivian Girls, y Kevin Morby, de Woods, despliegan un talento refinado en donde sus más mórbidos pensamientos aún tienen un brillo de juventud. El nunca empalagoso Our House on the Hill disipa toda noción de depresión estudiantil.

Con la entrada del bajista Brian Schleyer y las sólidas y valientes líneas de guitarra, el resultado es un suntuoso seguimiento, en particular en “Get lost”, mientras que “Slow walking” golpea como un soundtrack laberíntico a través de carreteras sin rumbo. Saliendo de su vibra tradicional garage-folk, “That boy” incursiona con riffs hogareños y toques country, mientras que “Baby” reverbera en un rugiente muro de sonido. Hasta con coros como ‘I’ve been on the road for way too long’ y ‘I want to die’, garfios infecciosos y dulces duetos oohs y ahhs aún incitan a mover la cadera y sonreír tímidamente.

PAULA MEJÍA

BRIAN ENO Lux Warp

78% El maestro minimalista podría haberse superado a sí mismo. La composición de Eno, presentada en cuatro partes nombradas todas “Lux” y delineadas como “1”, “2”, “3” y “4”,agregan más de una hora a un paisaje de lentos movimientos de piano, loops y teclados que a menudo tocan las fronteras de lo efímero. La información sobre el lanzamiento es del tipo: “envuelto en obras de arte ubicadas en el Palacio de Venaria en Turín, Italia”, pero no especifica qué piezas o cómo los tonos las envuelven. La historia de músicos que han recibido influencia de otras formas de arte es significativa, y el principal discípulo de esa mentalidad podría ser el constante colaborador de Eno, David Bowie, pero en donde él usó sus influencias a la vista, Eno escogió, al menos en esta ocasión, ser más obtuso. La música es suficientemente agradable, Hermosa en partes, y pondrá en un mood perfecto a esos que pueden bajar la velocidad lo suficiente para escucharlo todo. ADAM POLLOCK OF MONTREAL Daughter of Cloud [compilation] Polyvinyl

83% Siempre prolífico, Of Montreal también ha tendido a ser increíblemente ecléctico. Durante los últimos seis años, sus álbumes se han hecho más accesibles en general, hasta con la experimentación sonora sin cansancio de Kevin Barnes, el frontman de la banda.

Tras coleccionar rarezas y lados B de este periodo, Daughter of Cloud es un sorpresivo showcase de energía

frenética. No es tan consistente como el Paralytic Stalks pero aun así es atractivo y hasta humorístico. Destaca una nueva versión de “Feminine effects”, en donde la participación de la cantante Rebecca Cash le da un nuevo sonido a Of Montreal. Los fans devotos podrían tener ya varias de estas canciones en 7’’ y los nuevos escuchas no encontrarán esto como el mejor punto de entrada a algún álbum en particular, pero los seguidores casuales que han disfrutado los últimos cuatro lanzamientos de la banda deberían dar la bienvenida a esta sorpresa. JEFFREY BROWN CLINIC Free Reign Domino

83%

En Bubblegum, material lanzado en 2010 por Clinic, la banda de Liverpool que usa tapabo-

cas tomó su post-punk frenético a un nuevo y relativamente suave territorio. La misma estética está presente en lo más reciente de la agrupación, Free Reign, pero toma forma en algo más viajado y seductor.Cada uno de los nueve tracks del disco emite un hechizo hipnótico que nos transporta a diferentes paisajes: “Cosmic radiation”, con su groovera base de jazz, nos manda a un paseo desmadejado hacia los bordes del espacio y de regreso; mientras que “King Kong” nos lleva a cuartos oscuros llenos de humo, en donde cada f lash de un estrobo descubre un delicioso trato ilícito. Una abrasadora sensualidad a lo largo del disco destina a Free Reign a ser el soundtrack de muchas aventuras ardientes.‘The touch of your skin/Keeps me alive’, canta Ade Blackburn en “Sun and the moon”. Puede ser el track que cierra el disco, pero las cosas podrían apenas estar empezando. TAMARA VALLEJOS

NOSAJ THING Home Timetable/ Innovative Leisure

78% Innovative Leisure no sólo es el sello discográfico del segundo material de larga duración de Nosaj Thing, sino también es un sucinto resumen de Home. El álbum se desarrolla agradablemente pero sólo se las arregla para captar la atención del escucha en un puñado de ocasiones. La voz de Kazu Makino, de Blonde Redhead, en el segundo track “Eclipse blue” definitivamente tiene una vibra de Portishead, pero tal vez demasiado y la comparación no les hace ningún favor.

En el track con Toro y Moi, “Try”, logra emparejar el estilo para llegar al intrincado final del disco. No es suficientemente sexy para ser un album de R&B electro ni explota lo suficiente para ser un track de chill-out en el club. DAVID C. OBENOUR

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NOTA FINAL Por

BAND OF HORSES

Fotos CHRISTOPHER WILSON

Creighton Barret salió a tiempo de la cárcel para felicitarme porque al fin mi orina, que estaba en una botella de Powerade, era de un color normal.

RYAN MONROE

Chris Wilson, nuestro director de arte y mejor amigo, comenzó a tomar algunas fotos de Ryan Monroe y yo estrechando nuestras manos en diferentes momentos alrededor del mundo. Lo empezamos a hacer en diferentes festivales y frente a todos los asistentes; nos creíamos alcaldes de una ciudad cortando el listón para inaugurar un nuevo edificio o como parte de un acto civil. Ésta fue tomada mientras grabábamos nuestro nuevo disco en L.A. El productor Glyn Johns estaba hospedado en casa de la hija del director de cine Ridley Scott, que se encuentra en lo alto de una colina.

Dicha residencia fue ocupada en algún momento por Ridley, quien después se la dejó a su hija, Jordan. Como gran fan, pasé gran parte de mi tiempo actuando mi película favorita de Ridley, Alien. Me puse unas mallas blancas y una camiseta como la que usó Sigourney Weaver; Ryan me persiguió alrededor de la casa como si él fuera el alien. Me veía muy bien en mis mallas blancas.

CREIGHTON BARRETT

PORTLAND

STOCKHOLM Durante mucho tiempo he que-rido perdonar a Tyler por todas sus fechorías. Estoy feliz de comunicar que cada día estamos más cercanos al perdón. ¿Acaso este apretón de manos hace que mi trasero se vea más grande?

BEN BRIDWELL

JACKSON HOLE

En esta foto estamos Creighton Barret y yo mostrando un símbolo de unidad después de — finalmente— estar de acuerdo en que los amigos imaginarios son reales y merecen derechos humanos igual que el resto de nosotros. El hombre que está en la parte de atrás de la foto no estaba en el momento cuando fue tomada. Nunca imaginé que Creighton tuviera amigos imaginarios hasta que su Polaroid fue encontrada dentro de una apestosa maleta de gimansio de la primavera de 2010.

RYAN MONROE

La siguiente fue tomada tras bambalinas de un show de televisión en Sao Paulo, Brasil. Tuvimos que estar sentados por alrededor de tres horas tamborileando con nuestros instrumentos mientras el conductor hablaba en portugués y no teníamos un traductor. Eso me recordó cuando tomamos un ferry en Europa que iba de un país a otro. El viaje tomó pocas horas, así que decidimos beber algunas cervezas para consentirnos. Al llegar a nuestro destino estábamos algo ebrios.

LOS ANGELES 48 . F I L T E R

Nuestro manager en aquella época, Baptiste, era un tipo pequeño y con largo cabello rojo, razón por la cual solíamos llamarlo “Le Petite Monsieur Rouge”. Ryan y yo estábamos bastante alcoholizados y él corrió detrás de quien pensó que era Baptiste para darle una nalgada. Volteó y se dio cuenta de que no era él sino una mujer alemana de edad avanzada que estaba con su familia; Ryan estaba asustado y confundido. Recuerdo cómo mientras pedía disculpas todos corríamos para ocultarnos atrás del autobús, llorábamos de la risa. Buenos tiempos, sin duda. Seguramente la señora tuvo marcada la mano de Ryan en el trasero toda la semana.

CREIGHTON BARRETT

SAO PAULO