FILTER México #13

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Living in a digital world En las trece ediciones impresas de FILTER México vimos desfilar montones de propuestas nuevas y exclusivas que no hubiéramos soñado hace dos años, antes de que saliera la revista en nuestro país, y vivimos cambios tanto de formato como de distribución. Sin embargo, en tiempos en los que la inmediatez no es un lujo, sino una necesidad —y prácticamente una obligación—, publicar una edición cada seis semanas representaba prescindir de temas que en su momento fueron importantes, por lo que hemos decidido mudarnos por completo a un formato digital.

Esto no significa nuestra desaparición, sino un enriquecimiento de la página web, ya que uniremos fuerzas en favor de un mejor, así como más oportuno y relevante contenido. Hay quienes dicen que las revistas y los libros están en un declive, pero en FILTER México no creemos eso, ya que seguimos aplaudiendo el trabajo de otros medios en el país y de nuestros hermanos FILTER Magazine, así como amamos las descargas digitales sin dejar de disfrutar tener un disco nuevo en nuestras manos. No descartamos hacer algunos especiales impresos en el futuro, o sea que si son coleccionistas no hay por qué preocuparse.

En esta edición afortunadamente fue difícil escoger a la banda de portada, lo que refleja la calidad musical actual, y contamos ya con material de algunas agrupaciones que visitarán nuestro país para el Corona Capital 2013. Agradecemos infinitamente a todos cuyas plumas han pasado por las páginas de FILTER México, así como a las bandas que nos abrieron las puertas para conocer un poco más a los creadores de la música. Seguiremos en esta labor a través de filtermexico.com, nuestra recién estrenada app, el podcast que realizamos en Dixo.com y, por supuesto, en nuestras próximas fiestas.

- C O N T E N I D O -

EN PORTADA

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QUEENS OF THE STONE AGE

LES PRESENTAMOS A…

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DAN SOLO JULIAN LYNCH MACKLEMORE & RYAN LEWIS ZONORA POINT

YA DEBERÍAS CONOCER A…

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PAISAJES SONOROS

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COACHELLA

DE VISITA CON...

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BUFI

PRINCIPALES

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Editora en Jefe Pamela Escamilla Menchaca

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32 34 36 41

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!!!

JAKE BUGG CHIKITA VIOLENTA

ERA DIGITAL: DE LO TANGIBLE A LO ABSTRACTO YOKOZUNA KASHMIR PORTUGAL. THE MAN THE NATIONAL

TRIBUTO

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BRYAN FERRY & ROXY MUSIC

NOTA FINAL

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RODRIGO JARDÓN FILTER.1

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Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza milton@filtermexico.com

Editora en Jefe Pamela Escamilla

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Editora Web Paulina García

paulina@filtermexico.com

Colaboradores Federico Arias, Karina Cabrera, Nicole Day, Jacinto DiYeah, Benjamín Espinosa, Artemisa Hernández, Alejandra Limón, Romina Pons, Revilox Studio, Alejandro Rocha, Paola Romo y Cristina Salmerón.

Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Fotografía Rodrigo Jardón, Óscar Villanueva y Jaime Fernández Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Ventas Fernando Espinosa fernando@filtermexico.com

Alejandro Aguirre alex@filtermexico.com

Gabriela Toriz

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Octavio Tovar

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FILTER, Año 2, No. 13 (1 de julio al 31 de agosto 2013), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011-083012492100-102, ISSN 2007-3216. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación.

Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 28 de junio de 2013 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

Distribución: La versión gratuita de FILTER México es distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc. CP 06890. México, Distrito Federal. La versión de paga de FILTER México es distribuida por Pernas y Cía., Editores y Distribuidores, S.A. de C. V . Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo C. P. 02300, México, D. F. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación.

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Vol. 1, NO. 52, SPRING-SUMMER 2013 FILTER MAGAZINE IS NOT RESPONSIBLE FOR ANYTHING, INCLUDING THE RETURN OR LOSS OF SUBMISSIONS, OR FOR ANY DAMAGE OR OTHER INJURY TO UNSOLICITED MANUSCRIPTS OR ARTWORK. ANY SUBMISSION OF A MANUSCRIPT OR ARTWORK SHOULD INCLUDE A SELF-ADDRESSED ENVELOPE OR PACKAGE OF APPROPRIATE SIZE, BEARING ADEQUATE RETURN POSTAGE. ISSN # 1544-2861 ©2012 FILTER MAGAZINE LLC. ALL RIGHTS RESERVED. FILTER IS PRINTED IN THE USA. FILTERmagazine.com Cover photo by Brantley Gutierrez

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USA, JUEGA Y DISFRUTA

Por PAOLA ROMO

BOTAS Y PONCHO MAISON

BARAJA FRAGGLE ROCK ¿Se acuerdan de aquella serie con personajes tipo muppets que vivían bajo las tuberías de una ciudad? Fraggle Rock era uno de los shows preferidos de la infancia de muchos de nosotros y recientemente The Spare Room lanzó una baraja con los personajes de la serie. www.spareroomhollywood.com

Las casas francesas Kitsuné y Aigle realizaron una colaboración en la que presentan un juego de botas Wellington y poncho, ideales para la época de lluvias. Ambas prendas son unisex. www.kitsune.fr

ESPÍRITUS DULCES La próxima vez que pongas un altar el día de muertos o retomes el hobbie de la repostería, podrías considerar hornear unas galletas en forma de calavera. Los moldes son de Fred & Friends y pueden decorarse de mil maneras distintas. www.fredandfriends.com

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BACKPACK VVVOVVV Se pronuncia “vov” y es una marca 100% mexicana. Todos los diseños de sus backpacks o bolsas tienen la intención de mantener la sencillez con toques del estilo urbano de nuestra ciudad. En algunos modelos utilizan piel reciclada de muebles y hebillas de oro viejo. www.vvvvovvvv.com

LIBRETA DIY TEJIDA Curious Doodles es una marca que fomenta los proyectos DIY con técnicas tradicionales y objetos de diseño, como esta libreta que puede ser tejida. El kit trae un par de libretas, estambre, agujas y algunos patrones. www.etsy.com

BABAR X OPENING CEREMONY Opening Ceremony lanzó recientemente en conjunto con la marca danesa Soulland una increíble colección de camisas, t-shirts, sudaderas y shorts con prints de Babar. www.openingceremony.us

iSTICK ORGANIZADOR DE ESCRITORIO Si de pronto tienes tu escritorio lleno de post-its, plumas, lápices y papeles, no te caería nada mal tener un iStick, que es básicamente un organizador para escritorio que cabe perfecto entre la compu y el teclado. Lo mejor de todo es que tiene un brazo que detiene los vasos, así que no derramarás líquidos en el teclado. www.amazon.com FILTER.5

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FILTER PARTY

ELLA MURETO

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Por ESAMIPAU! Fotos RODRIGO JARDÓN

Una vez más hicimos de las nuestras en el Caradura, y aunque habíamos dicho que esperaríamos más tiempo para hacer otra FILTER Party, no nos aguantamos y la adelantamos un poquito.

Como invitados especiales tuvimos a Ella y El Muerto, dúo conformado por Camila Sodi y Saúl Ledesma de Radaid. Ellos tomaron el escenario a las 11:30 p.m. para dejar a los asistentes escuchar un poco de

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su álbum debut homónimo. Las canciones con tintes góticos se apoderaron de todo el lugar y en cuanto empezaron su set la gente que estaba merodeando por el bar se apretujó en el centro para poder ver y escuchar lo que tenían que ofrecerles.

El show fue corto, pero consistente, y la rola más coreada fue “Señorita corazón venganza”. Ella y El Muerto hicieron de ésta, otra exitosa FILTER Party.

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ZONA VERDE Crea adornitos: los CDs son excelentes opciones para ser implementados en la decoración navideña. Puedes recortarlos para hacer figuras; o bien, utilizarlos completos y poner lindos mensajes (pueden ser navideños o no). Al final, con un martillo y un clavo, hazles un hoyito para que puedas poner un hilito y hacer que cuelguen de tu árbol navideño o de un bonito perchero en cualquier época del año.

Por CRISTINA GUASCH WARNHOLTZ (Las Páginas Verdes) Foto CHUYU

La tecnología avanza rápidamente y es común que los objetos que considerábamos los más vanguardistas se conviertan en residuos electrónicos. Los CDs han llegado a esta etapa, pero todo tiene una oportunidad de convertirse en algo nuevo cuando ponemos un poco de esfuerzo en ser creativos. El hecho de que nuestros viejos amigos hayan sido suplantados, no significa que tengan que botarse. Hay un montón de grandes proyectos para darle un segundo uso a vieja tecnología. Las Páginas Verdes te presenta cinco ideas para comenzar:

Convierte discos compactos viejos en pesas: no se necesitan herramientas y con sólo 150 CDs (que seguro tienes abandonados), una varilla y tornillos de rosca puedes conseguir montar una pesa de aproximadamente 5 kilos.

Elabora un lindo portarretratos: es facilísimo, sólo tienes que armar una base, puede ser con cartón grueso, y cortar tres discos en pedacitos con mucho cuidado, ya que cuando este material está en fragmentos puede ser bastante filoso en sus extremos.

Después, pégalos sobre la base con una pistola de silicón.

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Haz joyería: también es muy sencillo y es un accesorio que le dará un toque realmente original a tu look. También puede ser un excelente obsequio. Lo lograrás cortando las piezas igual que en el portarretratos. Les puedes hacer un pequeño orificio, como en el punto anterior, para agregarles la cadena o los aretes, dependiendo del accesorio que estés fabricando.

Guarda tu bagel: los contenedores de CDs, hoy en día también son considerados como basura. Una forma muy original para darle un nuevo uso es utilizarlos como recipientes. Se ve muy divertido y te sorprenderás de lo perfecto que se amolda su forma a tu almuerzo.

Estas son tan sólo unas ideas, sin embargo, hay infinidad de reúsos que puedes darle a tus viejos discos compactos. No los tires ni los dejes abandonados, ¡dales una segunda oportunidad!

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LES PRESENTAMOS A...

Por PAMELA ESCAMILLA Foto MIX LE FUN

Dan Solo es más que el alias como DJ del tecladista de Technicolor Fabrics.

Es un proyecto que surgió de las grabaciones nocturnas que el tapatío hacía después de pasar todo el día en el estudio mientras se preparaba el segundo álbum de la banda. “De pronto me di cuenta de que ya tenía, por ejemplo, 32 rolas. Fue una onda de mis amigos, ellos me hicieron entender que tenía que hacer un disco con eso, al que llamé Club Insomnio porque lo hice de madrugada”, indica.

Dan asegura que después de tanto tiempo de trabajar hasta las 6 de la mañana, dejó de sufrir de insomnio cuando dio por concluido el material.

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Las rolas que quedaron en el disco fueron las que terminé. Dan reconoce que “Shine” y la que da nombre al material son las que definen mejor el proyecto. “Describe muy bien la onda disco fresca, es más funk y bailable”, explica sobre la primera, mientras que reconoce que “Club insomnio” es más intensa y progresiva.

Al haber finalizado el álbum, se dio cuenta de que la versión en vivo tenía que contar con músicos y no sólo sacarlo como DJ. “Estoy en contra de los lives que son una computadora y máquinas, entonces armé uno que

sí es una banda, una de nu-disco y funk”, explica sobre la agrupación que está conformada por músicos con los que ya tenía confianza. A la fecha ya han compartido escenario con MGMT, Hot Chip y Penguin Prison.

Cabe destacar que aunque el disco salió el año pasado y está a la venta de manera digital, se planea sacar una versión especial en físico, en la que se incluirán remixes y se refleje más lo que es el show en vivo. “El buen jale que tuvo la banda fue el detonante de plantear muchas cosas, si no hubiera funcionado tal vez

seguiría solo. Siento que los sonidos y las canciones tienen más riqueza cuando se cabildean con mucha gente, sobre todo cuando tienes en común tantas cosas y has trabajado con ellos”.

Aunque Dan asegura que el próximo material de la banda, que espera hacer este año, se hará más como un trabajo en equipo, el éxito de sus releases electrónicos rendirá más frutos a partir de mayo, cuando realizará una gira en varias ciudades de Europa (París, Estrasburgo, Marsella, Barcelona, Madrid y Berlín) en formato de DJ.

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LES PRESENTAMOS A...

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a cabeza de Julian Lynch está llena de música.

Prueba de esto son sus espléndidos álbumes, en donde destaca el cuarto y más reciente Lines, que es como escuchar una caravana de sueños salir de su cabeza a través de notas, agrupadas en nubes como células u organismos que poseen inteligencia propia.

“A veces, para mí, hacer música se siente como completar un cubo Rubick”, nos cuenta acerca de los procesos internos de crear sus canciones. Resulta una analogía adecuada, aunque sus canciones suenan más como a un cubo Rubick resolviéndose a sí mismo: cuadrados de colores brillantes, deslizándose y rotando, planos y facetas cambiantes para luego hacer una breve pausa para pensar, un pensamiento jazzy.

Lines es el más rápido y florido álbum de Lynch. Sus dos primeros álbumes, Orange You Glad (2009) y Mare (2010) fueron hechos usando “pequeños juegos que tenían lugar en mi cabeza mientras tocaba y escribía las canciones. El nuevo álbum no comparte estas restricciones estructurales, los juegos que jugué conmigo mismo para éste fueron diferentes”. A Terra, trabajo editado en 2011, el músico lo considera como un álbum ‘minimal pop’ — un enfoque que ha sido sustituido constantemente por más y más dinámicas ambiciosas que parecen reflejar mejor el flujo circular de la vida a través del caos y la serenidad.

El viaje musical de Lynch empezó oficialmente cuando tenía diez años. Celoso del puesto de su hermano mayor como fagotista en la orquesta escolar, eligió a la música como su camino y al clarinete como su instrumento al ver a su hermano “llevar ese enorme fagot todos los días a la escuela”.

Pronto, la música le dio a Lynch más que sólo buenos momentos y amor fraternal; se convirtió en una manera de convivir con el mundo a su alrededor. “Creo que para muchos de los niños que se involucran con la música rara como en la que yo estaba en secundaria –está de alguna manera socialmente alienado o simplemente es un chico raro metido en el punk rock — inmediatamente se adquiere algo más que sólo los 12 . F I L T E R

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Por LOREN AUDA POIN Traducción ARTEMISA HERNÁNDEZ Foto PETER BENCK

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Estas experiencias lo han mantenido hasta el día de hoy, impulsándolo como una mecha encendida de un cohete. Actualmente Julian Lynch trabaja a tiempo completo para conseguir su doctorado en antropología y etnomusicología en la Universidad de WisconsinMadison, pero Lynch se resiste a que su música sea asociada a sus intereses profesionales o viceversa.

“Mi investigación académica en realidad es acerca de los usos culturales de la música, no de la música como tal. Creo que la gente a veces lo utiliza como una señal para escribir acerca de mi música usando un lenguaje exótico o tomándolo como un marcador o apropiación cultural, pero esa no es mi intención en lo absoluto”, comenta Lynch.

discos que está escuchando o las notas en una página”.

A temprana edad le dio por tener una banda – una enfermedad contagiosa en su ciudad natal Nueva Jersey que también afectó a sus amigos, incluyendo a aquellos que conforman bandas como Real Estate, Ducktails y Family Portrait (entre muchas otras) y las mentes maestras de Underwater Peoples, el joven y ecléctico sello que desarrollaron juntos.

“Ha sido maravilloso trabajar con ellos. En algún momento del colegio, empezaron a hablar acerca de que querían hacer un sello discográfico. Una de sus primeras ediciones fue un CD mío que nunca fue distribuido. Después sus primeros lanzamientos se empezaron a vender rápidamente. Cada vez que regreso a Wisconsin se ven más establecidos y más y más gente va a los shows”, explica sobre Underwater Peoples, que ha sido un hogar cómodo para Lynch, un lugar amistoso y, cuando es necesario, profesionalmente relajado.

La intersección de sus dos pasiones es incidental, ramas divergentes del mismo árbol. Por ejemplo, Lynch toma clases de tabla en Madison, pero él la ha utilizado más por respeto a los tímpanos de sus vecinos que para la música religiosa india que estudia, mientras que sus fraseos de guitarra parecen más de Frank Zappa que de Ravi Shankar. “Diría que muchas de las cosas que me hicieron interesarme en la etnomusicología fueron en muchos sentidos las mismas cosas que me hicieron sentir más cómodo para crear mi propia música o me inspiraron a hacerla”.

Las grabaciones de Lynch evocan revelaciones inciertas y misteriosas que se vislumbran en relación a los diversos giros de la Tierra. Sin embargo, el toque exótico de estos temas no es que vengan del oriente o de la India, sino que vienen del lugar más recóndito y extraño de la mente de Lynch, donde algunos de nosotros hemos ahondado lo más que podemos.

No es la tabla, el tintineo de campanas o el xilófono que empapan las canciones de Lynch con vigor y presencia; es su entrelazamiento y la elevación de los impulsos, los tonos mágicos que se unen y se convierten en algo más. De hecho, la espiral embriagadora de la música sin duda ha establecido su residencia en la cabeza de Lynch, pero sólo porque primero echó raíces en su corazón.

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LES PRESENTAMOS A...

Por JONATHAN ZWICKEL Traducción NICOLE DAY Foto JOHN KEATLEY

El otoño en Seattle es generalmente luminoso y alegre. El velo que nubla la ciudad el resto del año se hace a un lado por días largos y noches cristalinas.

La tierra y el cielo son impecables, pintorescos, exponiendo mucho brillo en el latente interior. Y en el otoño de 2012 era difícil de imaginar al rapero Ben Haggerty, de 29 años de edad, mejor conocido como Macklemore, existiendo bajo cualquier otra luz.

Macklemore llega a Victrola Coffee en el barrio de Capitol Hill en Seattle, en un Cadillac DTS negro 2008 radiante. Sí, leyeron bien: un Cadillac DTS Edición Biarritz. Liso como una orca androide, el coche parece que vibra en el sol de mediodía, incluso mientras está estacionado. Haggerty se baja en jeans, unos Jordan vintage, camisa de franela azul marino con botones, sonrisa perezosa, cabello rubio peinado hacia atrás e intensos ojos azules. Él es, en más de un sentido, un hombre que ha llegado.

Ahora vamos a dar una vuelta. Durante los siguientes 90 minutos, Haggerty viaja por la ciudad, su ciudad, casual y enamorado. “Seattle”, dice, “es, primero y ante todo, el lugar más hermoso en Estados Unidos”.

Nuestro primer destino es a algunas cuadras de donde empezamos nuestro recorrido, la casa de dos pisos en donde Macklemore creció, vendida este verano por sus padres. Luego, TOPS, la escuela secundaria en donde estudió y su madre trabajó como voluntaria, mientras que su padre dirigía una 14 . F I L T E R

empresa de muebles en la cercana isla de Bainbridge.

Siguiente parada, Seward Park, en donde tuvo una experiencia alocada mientras consumía hongos en la secundaria. Ahora nos toca ir al centro, por Showbox, donde Haggerty y su socio musical, Ryan Lewis, agotaron tres conciertos consecutivos la primavera pasada (la última banda en hacer eso fue Pearl Jam). Después, Key Arena, donde el dúo llenó con 10 mil personas el Festival de Música Bumbershoot en 2011, y Safeco Field, donde lanzó la primera bola contra los Angels para sus queridos Mariners en septiembre.

Estos lugares y fases vividas convierten a Haggerty en Macklemore, el maestro de ceremonias emotivas que en los últimos dos años ha acumulado millones de visitas en YouTube y cientos de miles de descargas en iTunes sin el apoyo de un álbum o sello discográfico. Nos deslizamos a través de todo, su pasado, borroso y confuso fuera de la ventana, su presente definitivamente aquí, detrás del volante lacado de madera de un coche lujoso y de gama alta.

En On The Heist, el tan esperado primer álbum que salió en octubre, Haggerty y Lewis encuentran el equilibrio en los extremos. No hay pequeños momentos en el disco. Con un himno rimbombante, cada canción está bien definida, ya sea cotidiana (alabando la moda de segunda mano en “Thrift shop”) o crucial (apoyando el matrimonio gay en “Same love”). Cada canción implora al oyente a pensar mas allá de lo obvio. Cuando Macklemore rapea sobre su colección de Jordan en “Wing$” y junto a Ab-Soul, del crew ‘black hippy’ de Los Angeles, sobre su Cadillac en “White Walls”, habla de los efectos del consumismo. Al mismo tiempo, la producción de Lewis es desgarradora en su grandeza sinfónica.

Estas canciones suenan enormes en The Heist; pero suenan monumentales en vivo. En algún momento en torno a la liberación del EP de Macklemore y Ryan Lewis en el 2009, el dúo se detuvo simplemente a tocar y comenzaron a proporcionar

experiencias que cambian la vida. Fans han acudido a conciertos sold out en Estados Unidos y Europa, ansiosos por el sentimiento puro que es la firma de Macklemore.

“Estoy constantemente escudriñando la vida y poniéndole en canciones. No soy muy prolífico. No se me ocurren 100 discos de rap al año. Pero los que voy a sacar van a identificar perfectamente cualquier emoción. Veo eso como algo bueno, algo que evoca una sensación en el escucha”, comenta Haggerty.

“No soy un producto terminado”, señala. “Es algo en lo que estoy trabajando como un ser humano que de vez en cuando es puesto en mi música. Son cosas en las que trabajo constantemente, sólo que las proceso de una manera muy pública”.

Zonora Point

Desde hace unos buenos cuatros años hemos recibido –aparentemente– toda la música de la nueva generación chilena. Disfrutamos hasta el cansancio los lanzamientos de Astro, Javiera Mena, Gepe, Dënver y muchos más artistas que han encontrado amor y admiración en oídos mexicanos. Sin embargo, si uno vuelve la cabeza un poco y mira para atrás, una buena parte de estos proyectos musicales se mueven en el synth pop, y sabemos que en todos los países —por más pequeños que sean— existe más de una corriente musical.

Por ESAMIPAU! Foto CORTESÍA

Durante la tan extrañada década de los 90, en Chile explotaron todas las vertientes del hip hop. DJs, MCs, break dancers y escritores surgieron a lo largo del Cono Sur y “es por eso que se comenta que en Chile existe un gran nivel de hip hop, para muchos el mejor de Sudamérica”, de acuerdo con Zonora Point un dúo que definitivamente hace que creamos en lo que se dice de este género, y cuyos integrantes han estado sumergidos en esta cultura desde los 13 años.

Zonora Point llegó en 2007 y empezó como un trío en los barrios porteños. Con sus dos primeros mixtapes las rimas y beats de Camileazy,

En una charla con Zonora Point, señalaron que para ellos el hip hop, además de ser amistad, también es competencia. “Entonces al momento en que se encuentran personas que practican la misma disciplina, quieren demostrar sus habilidades y ganar”, explica Jamez Manuel, pero para poner las cartas sobre la mesa el rapero debe tener beats que le sirvan de pedestal que se va elevando mientras él rima. Es por eso que además de Douster, Zonora Point ha trabajado con otros productores como DJ Dacel, DJ Raff, Daniel Klauser u Hortadoj, todos nombres muy bien parados en el hip hop chileno que han ayudado a darle vida a un sonido único que va y viene entre los límites de lo sensual, lo peligroso y lo sudoroso.

El álbum debut de Zonora Point, 24/7, está lleno de imágenes tan vívidas que uno podría verlas suceder mientras escuchan temas como “Gitana” y “Nos 2”, donde Jamez Manuel y Camileazy prueban ser el vivo ejemplo de aquellos chicos que si se los presentaran a sus papás, les daría un pequeño infarto pero que ustedes, chicas, dejarían que las llevaran a donde ellos quisieran.

Por otro lado, aunque 24/7 les dará una muy buena idea de lo que hoy día es Zonora Point, no deben dejar de lado temas como “Huachita Rica (Douster Mix)”, “Polvo” o “Zkte esa bless” que les mostrarán el verdadero mundo de estos dos chilenos.

Desde hace un par de años el hip hop ha gozado de muy buena salud por estos lares de América, valdría la pena checar algo del material que se edita al sur del continente, aunque les advertimos claro y fuerte: Zonora Point no es música para oídos sensibles a las palabras altisonantes en español.

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LES PRESENTAMOS A...

Jamez Manuel y Lioz Prav (quien ya no es parte del grupo) llegaron a oídos del productor francés Douster, con quien mantienen una cercana relación. Desde sus inicios han sabido complementar sus rimas altamente provocativas y astutas con bases en las mismas características. Zonora Point pertenece a una nueva generación de hip hoperos cuyo flow ha encontrado un gran complemento en la música electrónica de bajas frecuencias: bass music, ambient o aquel género tristemente conocido como post dubstep. Música sexy que provocaría a tu novia quitarse la ropa traviesamente, que cobija letras sexuales y que a la vez es suficientemente contundente para respaldar momentos donde el MC tiene que pararse el cuello y probar que él es la autoridad.

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Por KENDAH EL-ALI Traducción ESAMIPAU! Fotos PIPER FERGUSON

A veces el plan más simple es el más exitoso.

Hace más de 16 años unos jóvenes de Sacramento soñaron con un futuro sencillo. Con una amistad de años como motor y unos cuantos viajes de LSD, la idea era hacer música extraña, con tintes de highenergy y dance con instrumentos en vivo en lugar de máquinas. Cinco discos después, la una vez novedosa banda llamada !!! (Chk Chk Chk) se ha colocado como un referente en la escena musical.

“No empezamos a tocar porque estaba de moda, tocamos así porque era lo que queríamos hacer. Al principio fue como: ‘Ok, genial, hay más modelos en el backstage’”, nos contó el vocalista Nic Offer mientras bebíamos un café cerca de Bryant Park en Nueva York. “Luego pensamos que dejaríamos de estar de moda, cosa que definitivamente sucedió, pero lo supimos manejar. A pesar de todo, éste era nuestro sonido. Solamente estábamos haciendo lo que nos gustaba”.

Bajo el mando del carisma que Offer tiene en el escenario, sin mencionar su habilidad para rebotar durante su set entero, los imparables !!! ahora son más conocidos por las sudorosas fiestas que arman en vivo que por su curioso nombre. Y, a pesar de que la fórmula no parezca ser complicada, sus presentaciones en vivo nunca dejan de ser sólidas, además de divertidas.

En medio de la escena dance-punk que evolucionó a principios de la década pasada, no fue tan difícil para !!! tener éxito. Su primera oportunidad se dio durante una fiesta de la Miami Winter Music Conference del 2003. Al principio lo que más llamaba la atención eran los chinos alborotados de Offer, pues su presentación fue un tanto plana. Sin embargo, todo eso cambió cuando sonó la alarma de un edificio, y de alguna forma, la banda logró hacerlo parte de su set.

“Sólo recuerdo a alguien abriendo la puerta de emergencia mientras estábamos en el escenario y eso activó la alarma. Pensamos que era parte del momento así que nos dejamos fluir”, recuerda Offer.

La gente pasó de ser borrachos bailando a una masa frenética en minutos. Y en términos de éxito, las cosas para !!! resultaron ser algo similar a ese show. Todos sabían cómo pronunciar su nombre después de eso.

“Pensamos ‘¡No mames, estamos en Miami!’ primero”, sonríe Offer. “Y después salí en un blog de moda. Todos nuestros amigos de Sacramento entraron en shock después de eso. Ahí fue cuando nos dimos cuenta de que nuestro momento había empezado”.

Recientemente !!! empezó una gira para promover su lanzamiento THR!!!ER. El álbum tiene mucho

Ya deberías conocer a ...

!!!

de lo que la banda siempre ha prometido: diversión, litros de sudor y la ocasional sicodelia. “Slyd” destaca por ser una joya disco que derrocha sexualidad, mientras el primer corte, “Even when the water’s cold”, suena casi como una canción de folk bailable. Un ingrediente clave en el éxito de esta banda es la necesidad de la variedad, que sin duda, viene de la inquieta mente de Offer, sin mencionar su amor genuino e interés por diferentes tipos de música.

“Todo lo que hago, todos los libros que leo, lo hago esperando que cambie aunque sea lo mínimo en mí para escribir mejores canciones”, dice Offer. “Soy bueno para la música porque la amo y estoy obsesionado con ella”.

“Siempre que viajo, llevo conmigo un radio de transistor para ver qué está sucediendo.

Recientemente la radio me llevó por un viaje al oeste de África. Terminé en un estudio en Sierra Leona grabando con unos tipos que no conocía por seguir la música y preguntarles qué era lo que sucedía. Y de pronto, estaba ahí”.

Detrás del hiperactivo frontman, el grupo de amigos de Sacramento seguirá bailando al ritmo de alarmas de incendios, el oeste de África y más.

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Por LAURA STUDARUS Traducción ALEJANDRO ROCHA Foto MARC LEMOINE

comparación muy floja y genérica, aunque, a final de cuentas, no es algo malo. Aun así, me hace preguntar si esta gente tan siquiera tiene otros discos”, termina su declaración con una risa ligera, desligándose de cualquier tono agresivo.

Bugg se deslinda de la comparación con un encanto superficial. “La gente en verdad quiere conectarme con eso”, menciona.

“Yo creo que es una

Con una cara esbelta y un corte de cabello lanudo, Bugg se parece más a Noel Gallagher que a Robert Zimmerman. Inundado con energía postadolescente, se inquieta mientras habla, interrumpiéndose para preguntar si la entrevista puede ser hecha afuera. Cuando nos cambiamos de lugar, el traslado lo transforma; repentinamente es más trovador que adolescente. Con un cigarrillo en la mano, habla de forma lenta y raspada, lo que, según él, es consecuencia de una serie de compromisos profesionales y no los residuos de una fiesta.

De hecho, al emparejar esto con sus anécdotas de whisky, mujeres y redención, es fácil ver de dónde vienen las comparaciones con personajes de folk. “La gente dice que tengo este estilo de grabación vintage,” reflexiona. “Para ser honesto, es algo que nunca he pensado. Grabé unas cuantas canciones en un estudio con mi manager; tres piezas. Después me fui a un estudio en Liverpool para grabar otras. Luego me fui a otra cabina con un amigo.

La última pieza la hice con mi iPhone... hice muchas canciones. No es como si hubiera llegado y pensara ‘voy a utilizar este micrófono y después éste’.

No... alguien me puso un micrófono enfrente y empezamos a grabar”.

Su atracción por la guitarra surgió después de escuchar “Vincent (starry, starry night)”, de Don McLean, en un episodio de Los Simpson y posteriormente fue fomentada por la colección de discos de su tío; su voz encontró su estilo por su cuenta.

Al dejar la escuela a los 16 años para dedicarse a la música, Bugg no tuvo que esperar mucho tiempo para encontrar la fama. Un año después de iniciar, la BBC lo escogió para abrir el Festival de Glastonbury.

La respuesta del público fue exponencial. El año posterior, su sencillo “Lighting bolt” fue parte del soundtrack oficial de los Juegos Olímpicos de Londres. De igual forma, recibió nominaciones para los Brit Awards y NME Awards por su LP debut. Bugg describe su salto a la fama como algo divertido.

“Encuentro un poco injusto que yo pueda vivir mi sueño de tocar música mientras otras personas no tienen esa oportunidad”, menciona el inglés.

“Lo único que puedo hacer es tratar de entretener a la gente, cosa que, a mis 19 años, he descubierto es una tarea imposible. Pero hay que intentarlo”.

“Escucho mi música cuando la estoy escribiendo y después en el estudio”, menciona. “Cuando está ‘afuera’, ya no lo hago porque ya no es mía. La he regalado... lo único que sé es que una canción puede cambiarle el día a alguien. Si mi música puede completar o cambiarle el día a una persona, entonces eso cambia mi día”.

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Ya deberías conocer a ...

JAKE BUGG

Jake Bugg sabe que la pregunta vendrá tarde o temprano. El cantante se inclina y articula las palabras conforme las piensa. ¿Acaso él es — como muchos lo han nombrado— la respuesta de la Generación Y a Bob Dylan?

Ya deberías conocer a…

C H I K I T A V I O L E N T A Por CRISTINA SALMERÓN Foto ARTS & CRAFTS MÉXICO

Si algo caracteriza a Chikita Violenta es esa vibra de amigos que hay entre ellos. Desde hace 13 años y tres discos, estos chilangos han sido de esas bandas que aunque no hacen canciones a destajo, se sabe que siguen ahí componiendo y que, como desde la secundaria, continúan haciendo la música que les gusta.

Su primer disco, Chikita Violenta, fue lanzado en 2003. Desde entonces brincó al público que todas sus canciones fueran en inglés, pero al ver lo natural que les salía cantar en otro idioma rolas como “Turnaround” o “Happy pills” su trabajo fue bien recibido. En este LP debut trabajaron con Paco Huidobro, de Fobia y Los Odio!

The Stars and Suns Sessions fue su segundo material y el primero enteramente grabado en Canadá en 2005. Con este disco forjaron una relación de trabajo —que aún continúa— con Dave Newfeld, famoso productor de bandas como Broken Social Scene, Los Campesinos o los Super Furry Animals.

De este segundo álbum, los temas más sonados fueron “Laydown” y “War”, que pudieron llevar por dos años consecutivos al festival SXSW en Austin, Texas.

En el 2010 dieron a conocer Tre3s, éste fue presentado por la disquera Arts & Crafts, un sello canadiense que Armando David Ortigosa y Andrés Velasco, mejor conocido como el Güero, trajeron a México.

De esa alineación integral que reunía a cinco amigos, además de Armando y Güero, sigue en la banda Esteban Suárez, que toca el bajo

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y la guitarra, pero ya han salido el baterista Eduardo Pacheco y el vocalista, guitarrista y bajista, Luis Arce.

“Después de que salió Luis reorganizamos la banda, comenzamos a tocar con Zöel Farrugia como nuestro baterista oficial al igual que Gerardo Gabilondo como bajista para los shows en vivo”, dice Armando sobre la nueva alineación de sus conciertos.

Este 2013, Chikita Violenta vive una nueva etapa musical que tardó tres años en cuajar, ahora podemos ver a tres orgullosos padres de familia que viven por y para la música y se estrenan con un tema cantado en español al que llamaron “Colapsomanía”.

Si bien ya habían dado muestra de que sí cantan en español con el cover de “Horror amor” que hicieron a Six Million Dollar Weirdo, esta vez han grabado cinco canciones en su lengua materna. Ellos mismos no saben si los nuevos temas serán un EP o parte de un LP, pero están contentos con el resultado de un experimento que irán develando poco a poco.

La renovación de Chikita Violenta navega con la corriente actual de los consumidores de música, donde ya pocos compran discos. “Últimamente quizá ya ni se sientan a escucharlos completos, con el rush de la vida diaria, no sé qué tanta gente se tome el tiempo de poner el disco, de ponerse los audífonos o ponerlo en su casa. De alguna manera está padre que este material tenga esta exposición.

Nos encanta el disco completo, pero éste es un nuevo camino”, reconoce el Güero.

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PAISAJES SONOROS

Por MILTON BARBOZA ARRIAGA Fotos JAIME FERNÁNDEZ

Ya no hay mucho que decir sobre este importante festival. Tantos años de realizarse, tantas bandas desfilando por sus ahora seis escenarios y millones de personas que hasta la fecha han disfrutado de la música ahí, son suficientes para entender la trascendencia de este encuentro.

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PAISAJES SONOROS

uestro recorrido este año se realizó durante el segundo fin de semana que, para nuestra fortuna, tuvo buena afluencia de gente, pero así se podía caminar cómodamente por el Empire Polo Club.

Y esto es lo que vivimos:

Band of Horses energizó con su rock ligero y relajante, gracias a rolas como “Is there a ghost”. Ben Bridwell, líder del grupo, pidió un aplauso para los fotógrafos que siempre ayudan a que los músicos se vean increíbles en el escenario.

Alt-J dio muestra de por qué fueron acreedores al Mercury Prize en 2012 gracias a su disco An Awesome Wave. “Breezelblocks” es un agasajo en vivo. Por su parte, Passion Pit tuvo un gran recibimiento y ya se les ve más cómodos en el escenario.

Llegó el turno de The Stone Roses, cuya presentación fue bastante inconstante, ya que no conectaron adecuadamente con la gente e incluso tuvieron poca convocatoria. “I wanna be adored” sirvió para iniciar, pero Ian Brown se veía cansado y se lo transmitió a John Squire, Mani y Reni.

A Local Natives les vino bastante bien el Outdoor Theatre, en donde presentaron rolas de su segunda producción Hummingbird, tales como “You & I” y “Heavy feet”.

El maestro Jello Biafra se hizo acompañar de The Guantanamo School of Medicine, una banda que no se queda corta ante la importancia de Biafra, exlíder de los Dead Kennedys, ya que es una de las mejores en la historia del punk.

Dog Blood, el proyecto alterno de Skrillex y Boys Noize, generó una gran convocatoria en el Sahara Stage y valió la pena, ya que son una bomba en vivo y un must para los amantes de la música electrónica.

Por otro lado, los Yeah Yeah Yeahs tuvieron un éxito rotundo e incluso reunieron más gente que los headliners ingleses del primer día: The Stone Roses y Blur.

Por el lado contrario, Foals estuvo presente en el Gobi Stage y realmente les quedó chico este lugar. Blur cerró el escenario principal, “Girls & Boys” dio la pauta para que la noche concluyera bien, aunque no como muchos esperarían, ya que por momentos fue tedioso.

Pero quien sí cerró con broche de oro esta primera fecha fue Trent Reznor como parte de How To Destroy Angels. Hicieron magia con una presentación que incluyó mapping y cortinas de leds. Fuimos afortunados porque son de los pocos conciertos que harán.

Ya el sábado, la banda de shoegaze originaria de Virginia, Wild Nothing, eclipsó con las canciones de sus dos discos, Gemini y Nocturne, dejando un gran sabor de boca.

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COBERTURA ESPECIAL

Por su parte, la banda de chicas Savages le puso un toque muy especial a la tarde, porque de inmediato engancharon con el público que a cada rola ovacionaba más a las originarias de Londres.

Quizás les parezcan familiares los nombres de rolas como “Blister in the sun” o “Kiss off”, que hicieran famosas los experimentados Violent Femmes, quienes después de 33 años de carrera siguen teniendo la misma euforia en sus conciertos. Ellos tocaron en el Coachella Stage.

Jaime Meline, mejor conocido como El-P, llegó con toda su carga hip hopera y puso los puntos sobre las íes en lo que a calidad musical e importancia dentro de la escena neoyorquina se refiere; mientras que Natasha Khan, o Bat For Lashes, hizo vibrar a los miles de fanáticos que la vieron.

Por su parte, nuestros compatriotas Café Tacvba regresaron al Empire Polo Club, en donde miles de mexicanos cobijaron a los de Satélite coreando cada una de sus ya clásicas canciones. También, tanto los oriundos de Alaska, Portugal.

The Man, como Hot Chip demostraron su evolución sobre el escenario.

Después de su visita a la ciudad de México, Jason Pierce, mejor conocido como Spiritualized, tocó por acá. También los irlandeses de Two Door Cinema Club, que son un fenómeno internacional y agradan a todos. Ahora tuvieron horario estelar y lo aprovecharon al máximo, ya que la fuerza que los caracteriza terminó por agradar a los miles de asistentes.

The Postal Service hizo historia con su show; no dejó ningún cabo suelto y, por el contrario, confirmó que es un proyecto que debe seguir teniendo su validez en la escena, así como The xx, quienes dieron un gran concierto en el que los integrantes de la banda se notaron más relajados en el escenario.

Otros de los grandes shows fueron los de Franz Ferdinand, que tienen muy bien armada su presentación y cada una de sus canciones es una pieza perfecta; New Order, quienes cumplieron con el cometido de hacerse respetar en estas tierras y dejarse querer por los fans de todo el mundo; y 24 . F I L T E R

PAISAJES SONOROS Phoenix, que ya tienen ganado un lugar privilegiado en el mundo de la música.

Para acabar con nuestra experiencia en Coachella, el domingo vimos la presentación de Ghost B.C., poderosa banda sueca de metal que sigue dándonos esperanza con respecto a la vida del género. Luego vimos a DIIV cuya música es simplemente excelsa, energética y cruda. En el Gobi se presentó Thee Oh Sees, la banda de San Francisco que en el mismo mood que DIIV electrizaba a los presentes con su rock alegre.

A sus casi 25 años, James Blake se cuece aparte. Es un magnífico músico que se hace acompañar de otros muy buenos colegas que en vivo le dan un giro de 180 grados al sonido.

Vampire Weekend fue de las bandas más esperadas y Coachella recibió a los oriundos de Nueva York muy bien.

También Joshua Tillman (Fleet Foxes), quien ahora desarrolla su proyecto en solitario, Father John Misty, dio un gran espectáculo.

Wu-Tang Clan demostró cómo son una leyenda viviente y, sobre todo, parte de la cultura estadounidense. Se reunió gran cantidad de gente a escucharlos y todos y cada uno cantaron y bailaron a ritmo de su hip hop.

También tuvimos la fortuna de ver a un clásico del drum and bass, el maestro Roni Size, quien armó la fiesta junto con Dynamite MC. Los Red Hot Chili Peppers la rompieron en el escenario principal como lo que son: headliners. Casi dos horas de excepcional concierto en donde se demostró la importancia de la banda californiana.

Mientras todos nos cansamos de caminar y sofocarnos con el imponente sol, algunos miles pasaron 72 horas de fiesta en el Sahara Stage, en donde la música electrónica no dejó de sonar ese fin de semana. Si hubiera un festival sólo de ese escenario, tendría el mismo éxito que siempre ha tenido.

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De visita con...

Por JACINTO DI YEAH Fotos RODIGO JARDÓN

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En esta ocasión nos trasladamos a Coyoacán al estudio y hogar de un joven productor de música electrónica con una nutrida trayectoria. Se trata de Mateo Gónzalez “Bufi”. Hemos visto el crecimiento de su carrera desde el lanzamiento de su primer EP, We Begin, en 2008, hasta los últimos remixes que ha hecho este 2013 para Quiero Club o Hello Seahorse! Su estilo siempre ha sido pulcro, afrancesado y con mucha personalidad. En esta visita Bufi platicó cómo ha logrado madurar el sonido de sus producciones junto a su carrera.

Instalado en un acogedor departamento me recibe junto a su novia Pamela y sus dos perros, Cosmo

y Tofu. Este último can fue la inspiración para que Bufi hiciera el track “Training Tofu” que aparece en su primer LP, Trilogy, editado a finales del 2012.

Además, Pamela le ayudó con las voces para otra canción de este mismo disco. Acerca de este álbum, Bufi comenta: “Al principio tenía la idea de hacer tres EPs, pero finalmente decidí sacar todo como un solo LP; quería sacarme la espina de hacer un álbum completo”. Dentro de esta colección de canciones podemos encontrar varios sencillos que sonaron fuerte en las estaciones de radio en la capital: “Labios rojos” o “Will be” ayudaron a que más gente y medios especializados pusieran atención al trabajo del productor mexicano.

Estas canciones, al igual que todas las que ha lanzado Bufi, han sido producidas en el estudio dentro de su departamento, que pasó de ser compuesto básicamente por una computadora, un teclado controlador y un par de monitores, a una estructura mucho más compleja basada en sintetizadores y efectos analógicos que lo han ayudado a encontrar su sonido. “Rey Pila fue una influencia para dejar de producir electro, el primer EP de Bufi lo hice casi todo en la computadora, en software, y en Rey Pila al tocar el bajo y clavarme en el mundo de los pedales cambié mi percepción de la música”, explica Bufi sobre cómo ha cambiado su manera de trabajar. Esto produjo un cambio importante en el aspecto de su estudio y en la forma en que produce. “Cada vez he ido convirtiendo mi estudio en hardware based en lugar de software based”: Pedales de guitarra clásicos como el Distortion de MXR o Memory Man de Electro Harmonix, combinados con el poderoso sintetizador Acces Virus TI, se han vuelto las principales herramientas de Bufi para poder alejarse del sonido “aburrido” de la computadora.

Para sus presentaciones en vivo, explica: “es una reproducción del trabajo que hago aquí en mi estudio, volver a pasar las cosas por los pedales y manipularlas”.

Durante este año Mateo planea su segunda visita a Europa, pero incluyendo más ciudades y clubes que en su primera experiencia y con la intención de dejar descansar los remixes a terceros por un tiempo. También se prepara para realizar su siguiente material, en donde le gustaría integrar a más músicos como Diego Solórzano (Rey Pila) o Paco Martínez (Centavrvs y ex Neon Walrus); pero sobre todo, se ve concentrado en aprovechar y disfrutar todas las tocadas que tiene en puerta y con paciencia y dedicación ir avanzando en la industria musical de México y el mundo.

Si quieren ver de cerca el estudio que tiene en casa Bufi, les recomendamos visitar la sección #FierrosNuevos en filtermexico.com F I L T E R . 27

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D e lo tangible A L O A B S T R A C T O

ERA DIGITAL

Por MILTON BARBOZA ARRIAGA Ilustración @REVILOX

PERSPECTIVAS ENCONTRADAS Hace ya varios años, Sean Parker y Shawn Fanning fueron de los primeros en renovar la distribución musical a través de Napster, su creación. Era 1999.

A partir de ese momento la industria no volvería a ser la misma, las disqueras buscaban desesperadamente evitar que se compartieran canciones en esta especie de red social que conectaba a los cibernautas melómanos del mundo.

Ya no tenemos que recordar que algunas bandas como 28 . FMetallica I L T E R se unieron para demandar a Napster

“No todo lo que brilla es oro” es una frase muy recurrente para referirse a la forma de comprender y, sobre todo, percibir el mundo. La evolución constante de la civilización en varios ámbitos ha llevado al mundo a valorar nuevas formas de entendimiento de su entorno.

Hoy, no todo lo que podemos ver y tocar tiene más valor que lo que no lo es, tan sencillo como hablar de lo digital, algo que jamás podremos tener en nuestras manos. Y de ahí partimos.

por este suceso que se conocía en los tribunales internacionales como “ilegal”, aunque, si el análisis es claro, no había dinero de por medio entre los usuarios del software (como sucede diariamente en los tianguis de nuestro país, donde por 10 pesos se compran cientos de canciones en formato mp3).

Con el crecimiento acelerado de la tecnología, el aumento de la gente que tiene acceso a internet y la revolución con respecto a distribución musical, empresas dedicadas a la creación de equipo de cómputo —como es el caso de Apple— vieron

en esta nueva era digital una ventana para captar públicos diversos pero con un objetivo en común: almacenar la música de una manera diferente al CD. Era apenas enero de 2001, el inicio del nuevo siglo y milenio, cuando Steve Jobs dio a conocer la idea de proveer al consumidor de música sin necesidad de ir a una tienda de discos. iTunes se presentaba como una tienda digital que ofrecía a la gente canciones en formato mp3 con la particularidad de que podías adquirir un solo track en lugar del álbum completo.

las discográficas cambiaron la forma de premiar a los artistas por la ventas de sus materiales.

Por ejemplo en México, un disco de platino se consigue con 60 mil copias vendidas, cuando hace diez años era por 100 mil, entre 1999 y 2003 por 150 mil y antes de 1999, por 250 mil.

De acuerdo con la consultora Yankee Group, en 2001 se descargaron alrededor de 5 mil 100 millones de canciones, mientras que durante 2007 se alcanzó la cifra de 7 mil 400 millones —no por nada

Los siguientes años fueron decisivos en la consagración de los acontecimientos digitales. El surgimiento de MySpace ofrecía la posibilidad de compartir entre amigos conectados desde ideas y pensamientos hasta, claro está, música.

Poco a poco las mismas bandas comenzaron a utilizar la red como el arma perfecta para dar a conocer su propuesta musical. Sin importar que algún sello discográfico las apoyara, lo importante era promover su trabajo, hubieran o no grabado un disco.

Muchos comenzaron a olvidarse de lo que era comprar un CD y se concentraron en explotar otras alternativas de Peer 2 Peer que surgieron tras la desaparición de Napster. La ilegalidad ahora se concentraba en sitios en los que se compartían archivos de gran tamaño, como es el caso de los denominados Torrent, con los que se tenía el objetivo de compartir sin costo ya no solo música, sino también películas y software.

Share my tweets Facebook y Twitter llegaron casi a la par con algunos meses de diferencia. La importancia de ambos hasta nuestros días es innegable para cualquier persona que esté conectada a la red. Las redes sociales digitales son básicas para entender el mundo y cómo se mueve. De acuerdo con “Futuro Digital Latinoamérica 2013”, un estudio realizado por Comscore, los latinos utilizamos las redes sociales 10 horas al mes en promedio, cuando la media en el ámbito mundial es de 5.8 horas. México ocupa el segundo lugar en uso de Internet en la región, con más de 24 millones de cibernautas, mientras que Brasil lidera con 62 millones de usuarios.

Para comprender la importancia de las redes en distintos ámbitos, platicamos con Edgar San Juan, productor y escritor de la película mexicana Chalán, que se estrenó solamente por Internet y gracias a la ayuda de las redes sociales, principalmente Twitter, según cifras de Casete —disquera que también se especializa en la difusión de música y películas a través de plataformas digitales—fue la primera película mexicana de la historia que se estrenó vía streaming a través de Nuflick y fue vista por más de 100 mil personas el día de su estreno (21 de noviembre de 2012).

“Está financiada con 80 por ciento de fondos públicos, decidí que no teníamos por qué restringirla. Es una película con crítica a la clase política y me pareció pertinente compartirla por streaming porque es una tendencia que no toda la gente conoce. Creo que fue una historia de éxito”, indica San Juan.

En el caso de la música el terreno ha sido claro y el camino ascendente, sobre todo para los creadores que han difundido sus proyectos por medio de las redes sociales, invirtiendo pocos recursos en ellas.

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Aunado a esto, y debido al éxito de iTunes, Apple presentó para finales de ese mismo año un dispositivo que marcaría la tendencia y la historia de la música de los últimos años: se dieron a conocer el iPod y, con él, todo un nuevo estilo de vida. Las disqueras comenzaban a buscar nuevas formas de ofrecer su música y tenían que unirse a este importante mercado, ya legal, que había catapultado iTunes, mientras que compañías de hardware creaban sus propias versiones del dispositivo de Apple.

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Al respecto, Eduardo Mussali, Managing Director de Deezer México —servicio para escuchar música en streaming cuyo catálogo asciende a 25 millones de canciones—, apunta: “Se están descubriendo nuevos artistas independientes y el crecimiento que tienen es muchísimo más rápido, ya que se viraliza al integrar las plataformas de música en streaming con las redes sociales. Esto les permite que su trabajo se promueva de manera más orgánica a través de la red”. Deezer cuenta con más de 30 millones de usuarios registrados y el país con mayor tiempo de escucha al mes en la plataforma es México.

Por su parte, Mariana Saucedo, Gerente de Mercadotecnia de Terra México, explica: “Empezamos haciendo streamings de producciones externas, si se presentaba algún grupo lo cubríamos. Vimos que los resultados eran muy buenos y justo encontramos esta nueva área de oportunidad que el usuario nos pedía. Internet te permite ir a algún lugar desde tu casa, e interactuar.

También surge de la necesidad de las mismas bandas de poder acercarse a sus fans.”

Con la llegada del iPad y demás tablets, hace ya tres años, se dio un cambio radical en la forma de disfrutar y leer la prensa escrita… el papel cada vez es más prescindible para estos medios de comunicación, y muchos recurren a la alternativa de crear aplicaciones para estos dispositivos en los que también se incluyen contenidos multimedia como un plus a lo publicado.

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futuro que cada vez es más digital, menos tangible, más abstracto pero, sobre todo, ideal para los tiempos que vivimos.

En cuanto a esta nueva generación de contenidos, Saucedo opina: “No creemos que la prensa vaya a desaparecer del impreso, pero cada vez nos damos cuenta de que más medios migran al formato online”.

Sobre el futuro de la transmisión digital de material audiovisual, San Juan opina: “Es alucinante ver el impacto que tiene Netlifx, Klic y todas estas plataformas con sus series exclusivas. Lo que sucede es que se ajustan los gustos del consumidor para que no sólo tengan una experiencia de dos horas, esto se reformula y puede ser a largo plazo. Hoy día la gente vincula su propia vida a la narrativa de este tipo de nuevas series, empiezan a hacer estas experiencias algo muy fuerte, creo que no sabemos hacia dónde va el futuro, pero debemos aprovechar el link que se está generando”.

Este cambio en las diferentes formas de distribuir música, cine y otras artes, nos obliga a pensar en el

Para Mussali, en la música, mientras más sencilla sea la entrega y difusión de ésta, es mejor para todos.

El proyecto de vida apunta a la revolución digital, a ser y estar todo el tiempo conectado a la red, lo que algunos han dicho sobre la nube y que otros ya producen, como es el caso de Apple (con iCloud), parece gestar el mundo que le tocará vivir a nuestros hijos, uno en el que su

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En el ámbito de generación de contenidos la información cada vez tiene una vigencia más corta que debe ser aprovechada por los medios, Mariana lo ve desde el punto de vista de multiplataforma, como lo es el caso de Terra: “Las notas cada vez son más cortas, el usuario se queda poco tiempo en una página y va a otra. Ahora todo debe ser simple para lo que busca la gente”.

vida estará escrita y vivida desde esa “nube”, en donde tendrán todo lo necesario para su comunicación y entretenimiento.

De acuerdo con De la Riva Group, actualmente hay aproximadamente 6.8 billones de personas en el mundo, de las que 2 billones son usuarios de Internet. La era digital existe desde hace años pero hoy es más fuerte y nos marca el camino que hay que seguir. Seguramente llegará un momento en que nuestra vida será completamente digitalizada, pero no por ello perderemos la capacidad de asombro o el amor por lo material, simplemente seguiremos evolucionando como sociedad moderna… ¿Alguien quiere bajarse del barco de una vez?

Sharing artists…

Con la llegada de las redes sociales despuntaron las carreras de varios artistas.

Por ejemplo, los Arctic Monkeys y Lily Allen se dieron a conocer gracias a MySpace. Los primeros llegaron a 124 mil amigos en esta red, además de lograr que su disco fuera escuchado más de un millón de veces.

También están los casos —no tan agraciados— de YouTube, entre los que destacan PSY, que superó las mil millones de vistas del video de “Gangnam Style”, o Rebecca Black, cuyo video “Friday” y un comentario de Justin Bieber la convirtieron en una estrella viral.

También hay casos como el de OK Go y su ya clásico video de “Here it goes again” (la siempre imitada pero jamás igualada coreografía en las caminadoras), que se

convirtió en uno de los videos más vistos tras su salida en 2006, rebasando las 52 millones de vistas en YouTube antes de ser bajado y vuelto a subir a la red.

En el terreno del share de discos, Radiohead marcó la historia con In Rainbows, el primero que sacaron sin una disquera trasnacional y que fue lanzado en formato digital en octubre de 2007.

La diferencia fue que la banda ofrecía la descarga al precio que la gente quisiera pagar por el material (pay-what-you-like) y tiempo después salió en formato físico, logrando la venta de más de 100 mil copias en su primera semana tan sólo en Estados Unidos. Se reportaron más de 30 mil descargas en iTunes del disco durante su primera semana a la venta en esta tienda online.

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YOKO ZUNA Por ALEJANDRO ROCHA Fotos RODRIGO JARDÓN

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uando alguien piensa en un grupo como Yokozuna es probable que los visualice como un par de rockeros intensos y asertivos.

Con base en su música, incluso podríamos llamarlos como ‘ingobernables’ o desmadrosos.

Desde sus inicios, a mediados de la década

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pasada, la banda se ha caracterizado por ir en contra de las reglas. Mientras en la radio se escuchaba una versión acústica de la sensación pop del momento, este par de hermanos tocaba éxitos basados en blues y rock pesado como “Ya no queda nada de mi amor”.

Podrían ser la oveja negra de la industria musical mexicana. Sin embargo, no es así. Al llegar a la entrevista, José Antonio y Arturo Tranquilino sonríen y hablan un poco acerca del tránsito de la ciudad. “Cuando quieras podemos empezar”, indica José Antonio mientras se quita su sombrero negro.

Quiero Venganza es un disco muy llamativo, un LP muy agresivo pero no parece tener un destinatario fijo. Los Tranquilino aseguran que ése era el punto de la creación de este LP. Para Toño y

De acuerdo con el vocalista, Venganza fue concebido como una obra de arte atemporal. Sin embargo, al ver todo lo que pasaba a su alrededor, lograr un trabajo universal resultó más difícil de lo que parece. “Había sentimientos de enojo e ira, eso sí. También tomamos ideas de momentos y de sucesos”, asegura mientras se reacomoda en el sillón. “A eso nos referimos, que la gente se pueda identificar con diferentes cosas, y que sirva (el disco) en diferentes épocas”.

Lo primero que llama la atención de Quiero Venganza son las guitarras distorsionadas y las letras de enojo y depresión que remiten un poco a los 90. Al decirles esto, aseguran que el mensaje musical que transmiten los instrumentos es un rock puro en todos sus sentidos y ésa era toda la intención. De acuerdo con Toño y Arturo, este disco representa todo lo que habían escuchado cuando eran pequeños. Es cierto que tienen influencias contemporáneas como Wolfmother y The Hives, mientras que por ratos también se escucha un ligero homenaje al rock clásico como Led Zeppelin o King Crimson. ¿Lo predominante? Según Arturo, la influencia noventera fue esencial para este disco, bandas como Soundgarden, Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers.

“Hoy en día hay muchas cosas en la escena nacional que suenan a José José, Raphael, Vikki Carr... y eso está padre”, dice Arturo, entre risas con su hermano. “Pero los papás bailando con los hijos... parte de hacer rock n roll es enfurecer a la gente, romper el orden, hacer mucho ruido para que tus papás te digan ‘bájale’”, reflexiona el vocalista.

Antonio, el baterista de la banda, también asegura que para ellos, el rock and roll está lejos de la muerte. “La cuestión es que requiere disciplina y esfuerzo; todavía tiene mucho potencial”, asegura.

“Desafortunadamente, muchos músicos en México no se lo toman en serio”.

llegarle a quien fue reprobado por su maestro hasta a alguien en Atenco; a cualquier persona que tenga esa necesidad de desprestigiar a otro”, agrega.

Con base en este comentario, el video promocional para su primer sencillo, “Quiero venganza”, tiene mayor sentido. Para ellos, aunque éste muestra fragmentos de protestas y enfrentamientos con los militares alrededor de México... no tiene una postura política.

“El sentido que se le daba a la palabra ‘venganza’ en novelas como de Jack London era sobre la urgencia y motivación hacia hacer algo; para bien o para mal. El chiste es moverse...”, agrega Arturo. “Ése es uno de los objetivos del video; mostrar la realidad fuera de nuestra burbuja”, concluye Toño.

Arturo, lo mágico de ser un músico es que puedes mandar una simple idea para que posteriormente, el público le dé forma.

“No estamos escribiendo una doctrina filosófica, estamos haciendo una canción que va a hacer a la persona sentir una emoción”, señala Toño, mientras Arturo asiente con la cabeza. “Puede

Aunque con Quiero Venganza aún no hay una gira planeada, sí les gustaría hacer una. Cuando se les pregunta con respecto a festivales, concluyen entre risas: “Hay planes casi cerrados, pero todavía no les podemos decir”, responde Arturo, mientras la sonrisa de Toño se extiende lentamente por su cara. Después dejan la redacción de FILTER México para continuar su trabajo, al que aman porque disfrutan hacer y ser rock.

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Por ARTEMISA HERNÁNDEZ y FEDERICO ARIAS Fotos SONY MUSIC MÉXICO

Reinventarse con cada álbum es una labor estrictamente necesaria para muchos músicos, en este caso, Kashmir lo ha logrado a través de sus veintidós años de carrera, cumplidos en abril. A partir del popular Zitilites, Kasper Eistrup, Mads Tunebjerg, Asger Techau y Henrik Lindstrand pusieron todo su empeño en mejorar sus creaciones sonoras, tanto que conquistaron México, una ciudad a miles kilómetros de su natal Dinamarca.

Y es que en 2003, casi una década después de editar su primer álbum, Travelogue, Kashmir logró brillar fuera del continente europeo con sencillos correspondientes a su cuarto material discográfico como “Surfing the warm industry” y “Rocket brothers”, que los colocaron en el top ten de miles de personas y de canales de videos, en los que eran programados más de cinco veces al día.

“Cuando lo grabamos todo era nuevo, decidimos producirlo nosotros mismos y desde entonces así ha sido, cuando empezamos pensábamos en crear canciones para radio sin dejar atrás el camino de nuestra música, fue un gran experimento con un buen resultado”, menciona Asger Techau, baterista de la banda, en entrevista telefónica para FILTER México, con respecto al famoso disco.

Este año, luego de casi tres de descanso y de haber crecido con otros materiales y compilaciones, Kashmir regresa con E.A.R. siglas de Eternally Amplified Restlessness, álbum del que Asger nos habló horas antes de un show en Holanda.

“Aún es muy emocionante para nosotros salir, especialmente con este álbum que es muy diferente.

Al principio nos sentíamos un poco temerosos acerca de la recepción del público y las críticas, la ansiedad nos comía, parecíamos niños chiquitos, pero al final todo ha resultado bien, son experiencias nuevas para nosotros. Amamos lo que hacemos”, explica el músico.

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“Al principio nos sentíamos un poco temerosos acerca de la recepción del público y las críticas”, Asger Techau, baterista de Kashmir.

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E.A.R. y sus preludios sentimentales Dejar a un lado riffs que nos dejan tarareando todo el día y empezar a usar más ambientes y secuencias no es una tarea fácil, pero Kashmir lo logró con E.A.R. El material consta de doce canciones cuyos

títulos llevan una carga anticipada de las sensaciones que experimentaremos al escucharlas. “Piece of the Sun” nos transporta a esos días de excesivo romanticismo, en esta canción la voz de Kasper hace una perfecta combinación sonora al acompañarse con arpas, guitarra acústica, y una línea de bajo que marca una visión primaveral.

“Seraphina” es la canción que destaca el cambio rotundo que han tenido los daneses. Pero esta variación no es mala, al contrario, es el complemento perfecto para sus presentaciones en vivo. Nos recuerda un poco a “Rocket brothers” pero no nos deja esa melancolía, sino una sensación de empezar de cero. Sin duda, es un nuevo himno no sólo de Kashmir y la escena danesa, sino de la escena indie que aún queda.

Un disco se disfruta más cuando no caemos en un ritmo monótono, y sin duda E.A.R. tiene esa esencia que lo colocará como uno de los mejores discos de 2013. La evolución de esta banda la percibimos en “Milk for the black hearted”, una canción oscura llena sintetizadores y secuencias, pieza que también podría resultar en el soundtrack perfecto para los enamorados o las personas que tienen roto el corazón. Desde el nombre nos damos cuenta de que es una canción que intenta curar la decepción cuando no estamos con el ser amado, parecida a la historia de la musa Melpomene que con todo y riqueza, belleza, y hombres, no podía ser feliz.

“This love, this love” y “E.A.R.” son grandes canciones que despiden de manera efectiva un gran disco. “This love, this love” es la balada perfecta para olvidar el trago amargo que tuvimos con “Milk for the black hearted” y “Trench”. Esta balada nos hace llevar el ritmo perfecto con la voz de Kasper, acompañada perfectamente con una sutil batería y un coro que cierra a la perfección el momento romántico.

“E.A.R.” nos deja ese sentimiento de expectativa. Es una de las canciones con las que concluye este disco de experimentación, gracias al que nos damos cuenta de que siguen haciendo música. Es una canción camaleónica que puede combinar a la perfección con cualquier otra en vivo, como “Melpomene”, “Mouthful of wasps” o “Surfing the warm industry”.

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“Nos sentimos muy felices con respecto a E.A.R., que fue producido por nosotros en nuestro estudio en Copenhage. Disfrutamos hacer música que nos gusta sin recibir órdenes de alguien más. Grabarlo fue un viaje fantástico para nosotros. Decidimos dividirnos en equipos de dos, así cada uno llegaba con ideas diferentes y debíamos acoplarlas, nos hizo más intuitivos y la parte creativa fue más fácil de este modo. Todas las decisiones son difíciles, especialmente cuando se trata de música, pero al final creo que elegimos correctamente el camino de este material”. Tal es el caso de la elección de “Seraphina” como primer sencillo del álbum.

“Nunca sabemos cuál escoger, no podemos ser tan objetivos al respecto, pero nos pareció una decisión bastante obvia, tiene algo diferente y positivo a la vez, esperamos le llegue a mucha gente”, agrega Techau.

“Disfrutamos hacer música que nos gusta sin recibir órdenes de alguien más.

Grabar E.A.R. fue un viaje fantástico para nosotros”.

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Con este extraordinario contexto es un alivio darse cuenta de que John Baldwin Gourley es afable y humilde, alguien que pocas veces pierde el control. “Teníamos ballenas y belugas en la parte trasera de la casa”, comenta Gourley en el teléfono. “Recuerdo que invitábamos a niños a la casa y se asustaban”. Gourley pasó su infancia rodeado de una fauna diversa y paisajes fantásticos, pero también inmerso en la colección de viniles de sus papás. Desde chico era fan de los Beatles. En cuanto a lectura, se familiarizó con las obras de Jack London.

Por KYLE MACKINNEL Traducción ROMINA PONS Fotos HAYLEY YOUNG

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a aventura es algo que corre por la sangre. Su andar puede ser controlado por poco tiempo antes de que hierva y se manifieste en el actuar de los valientes. Si no lo creen, pregúntenle a John Baldwin Gourley, vocalista de Portugal. The Man. En los setenta, el padre de Gourley unió sus fuerzas con Robert A. Durr —un profesor de Siracusa asociado con Terence McKenna— y escaparon de su cotidianidad para buscar lo desconocido en “la última frontera”: las montañas más altas del interior de Alaska. El señor Gourley pasaría tres años en uno de los climas más inhóspitos del planeta, y meses enteros sin la luz de sol. Finalmente migró al sur, a las afueras de Wasilla, una pequeña ciudad a 80 km al norte de Anchorage. Calmarse no estaba entre sus planes. El padre de Gourley construyó una cabaña para Joe Redington, el fundador del Iditarod (una carrera de trineos jalados por perros que se realiza cada marzo

Por ahora está preparando el tour de Portugal. The Man y admite que se siente presionado por la prensa y el trabajo de promoción que hay detrás de su próximo disco, —el séptimo de la banda y el segundo con Atlantic Records— Evil Friends, mientras sus compañeros de banda disfrutan del sol veraniego.

Tanto su niñez como su genética le han dado el carácter necesario para lidiar con estas situaciones, poniendo así a Portugal. The Man en los reflectores desde un inicio.

La banda se formó mientras sus miembros iban a la prepa en Wasilla y es la evolución de la banda de covers de Zachary Carothers, el bajista, quien es descrito por Gourley como “el chico más popular de la escuela”. Su banda tocaba esporádicamente covers durante los recreos de la escuela, canciones de Cannibal Corpse, Rage Against The Machine y más.

“Recuerdo verlos tocar y pensar, de manera ingenua e ignorante: ‘Si pueden tocar música de otros, también pueden hacer música propia’”, dice Gourley. Entonces se acercó al grupo y empezaron a escribir canciones. Además su voz poco pulida congeniaba con el nuevo sonido de la F I L T E R . 37

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de Anchorage a Nome). A manera de trueque, Redington le pagó con un trineo altamente equipado. Él perfeccionó sus habilidades para participar en el Iditarod y otras carreras.

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banda. Admite que sus colegas tienen tablas musicales, mientras que él nunca estudió nada de eso. “¿Qué te vuelve un buen músico?”, pregunta Gourley. “¿Es la habilidad técnica o es tu gusto y lo que le inyectas a una canción? Siempre se trata sobre lo que quieres mejorar”. Tal vez esta frase sea cliché, pero nadie puede desacreditar una banda que ahora tiene siete sólidos discos.

Cuando se acercó el momento de grabar Evil Friends, habían tomado la decisión de hacer ellos mismos el disco. A pesar de esa mentalidad, fueron a Sonic Ranch Studios en El Paso, Texas, donde se les presentó una oportunidad que no podían rechazar.

“Sí, la situación con Danger Mouse se dio de la nada”, explica Gourley. Rich, nuestro manager, me llamó un día y tal cual me dijo: ‘Oye, Danger Mouse quiere conocerte. ¿Vuelas mañana a Nueva York?’

Tienes que ser estúpido para desaprovechar esa oportunidad. Pasé a ser el músico al que un productor buscaba”.

Hay algo acerca de Evil Friends que lo hace destacar. Las letras de Gourley continúan con matices modernos pero la voz suena distinta, más madura, 38 . F I L T E R

los instrumentos muy limpios y las influencias parecen más distantes que en álbumes anteriores. Sería fácil argumentar que la calidad del sonido fue lograda por Danger Mouse, pero sería admitir que una banda talentosa no es más que una boy band manipulable, y no es el caso.

“Todo lo que me dijeron que no dijera, fue precisamente lo que dije”, comenta Gourley sobre su entrevista con el productor. “Llegué al estudio e inmediatamente Danger Mouse dijo ‘No estoy seguro de trabajar de nuevo con una banda de rock.

Sólo trabajé con The Black Keys’. Para mí fue un alivio escuchar eso, pues no tenía que actuar de cierta forma”. Evidentemente Danger Mouse cambió de opinión.Gourley se encontró con una agradable sorpresa al darse cuenta de que Danger Mouse fungía como caja de resonancia para sacar el máximo provecho de la banda, y no como un productor que quería dirigir todo.

“Te enfrenta a un reto como artista”, comenta Gourley.

“Ha sido la experiencia más positiva que he tenido en ese ámbito, pues se la pasaba diciéndonos ‘no, pueden hacerlo aún mejor’”. Este acercamiento orgánico dejó a la banda fascinada, y el resultado es un disco de pop muy sólido.

Si crees que ya sabes todo sobre el estilo de Portugal. The Man, no estés tan seguro. La aventura está grabada dentro del ADN de la banda y, con el intrépido de Gourley como líder, el futuro se vislumbra brillante. “Hay una cosa rara con la música”, dice Gourley. “Parece ser que todo es oscuro”, continúa. “Me gusta eso, pero prefiero mantenerlo iluminado”.

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NATIONAL Tránsito emocional

En el documental Mistaken for Strangers hay una escena que encuadra al antiguo proyecto de The National. La escena es una transición al pasado, un show de una banda que nació hace década y media. En ésta, un peludo y desaliñado Matt Berninger se aferra de igual manera al pedestal del micrófono que a su cigarro y tiene a sus costados a los guitarristas gemelos Aaron y Bryce Dessner. A sus espaldas, un fachoso e irreconocible Bryan Devendorf

golpea sus tambores mientras, a solo unos centímetros, su hermano

Scott toca el bajo. La banda está en el escenario del Mercury Lounge, en una húmeda caverna ubicada en el barrio Lower East Side de Nueva York, que tiene capacidad para 250 personas. “No había

Por LAUREN HARRIS Traducción CRISTINA SALMERÓN Fotos MARC LEMOINE

gente ahí”, platica Berninger, que se repone rápidamente de aquel embarazoso momento, pero aunque parecía tener mucha fuerza por esos miles de fans que aparecen durante el documental, él llega a su casa, cierra la puerta y rompe en llanto. Él se dirige a Tom, director de la cinta y hermano de Berninger, nueve años más joven que él. Matt intenta sacar a su hermano de ese ámbar paralizante en el que está atrapado y le comparte su razón de lucha: “pusimos toda la

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ansiedad, el miedo y la humillación en nuestra música, y esto nos acercó a ambos”, cuenta Berninger.

Esas palabras hicieron eco en toda la sala de proyecciones en la noche de inauguración del Festival de Cine de Tribeca 2013, un momento de emoción desbordada. Los integrantes de la banda habían viajado por quince años, escalado las listas de ventas y pisado la alfombra roja, su familia estaba ahí con ellos. Y no es a pesar de estas emociones difíciles que The National se ha subido a escenarios de estadios, sino que es consecuencia de ellas.

Es imposible hablar de The National sin meterse en las relaciones que hay en la banda. Integrada por los hermanos Dessner y Devendorf, Berninger es la figura central, su singularidad resalta entre tanta fraternidad. Se ha hablado mucho de estos parentescos, pero tal vez no de que Berninger también tenía a un hermano (y su madre puede dar fe de ello). “Hay un tipo de simbiosis entre Aaron y Bryce”, dice Berninger, “ellos trabajan en conjunto, y Bryan y Scott se la pasan pegados, practican más que nadie. Y yo estoy en medio, hecho un desastre”.

Desde que el grupo llamó la atención de la crítica en el 2005 con su tercer álbum, Alligator, se han ganado el mote de “banda de hermanos” en la prensa. “Pero en realidad no me cansa”, reconoce Bryce, y no le molesta que le preguntan qué se siente estar en un grupo así. “Es lo que somos”, dice.

La banda se creó en Cincinnati, con los hermanos Dessner y el baterista Bryan, que tocaban juntos desde que tenían trece años. Después, Scott, hermano mayor de Bryan, conocería a Matt en la Universidad de Cincinnati. Solían viajar al este para sus prácticas de diseño y se quedaban en un departamento bajo del Puente Queensboro.

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“Nuestro primer show fue probablemente en un picnic que organizó la empresa donde trabajaba Matt”, cuenta Bryce: “El ADN de nuestra banda fue tocar en pequeños lugares, sólo para nuestros amigos, para nosotros”.

A falta de un “verdadero público” en ese entonces, hace estos episodios se recuerden con cariño, pero al mismo tiempo fueron entrenamientos para la humillación. Como para un show en Atlanta al que casi nadie asistió, pero para entonces eran una banda de quinceañeros. También hubo una ocasión en la que viajaron por carretera para tocar en Lexington, Kentucky, al que sólo la madre de Matt los fue a ver.

Este tipo de acontecimientos los hizo una banda aún más familiar.

Y como los miembros de la familia son también los integrantes de la banda, normalmente se tratan como familia, incluso aquellos que tocan con ellos en el estudio o en los shows en vivo. Sharon Van Etten conoció a la banda luego de ver tocar a los Dessner un cover a la canción “Love more”. Ella se acercó a preguntarles si querían grabar con ella y así fue como Aaron produjo su álbum, Tramp. Van Etten, que tiene varias colaboraciones en el nuevo disco de The National, se unió a ellos durante una gira por Europa que coincidió con su cumpleaños 30. “Estábamos en Berlín. Ellos me llevaron a ver a PJ Harvey, que me encanta”, cuenta Van Etten, “luego, mis padres me sorprendieron con su llegada —también era el cumpleaños de mi madre— y al final del show, ellos me tenían unos cupcakes con velitas y cantaban el ‘Happy birthday’, me hicieron sentir esa vibra familiar que tienen en la banda”.

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Años después, Aaron iría a la universidad en Nueva York y se separaría por primera vez de su gemelo. De hecho Aaron reconoce que esa etapa lejos de su hermano fue como un luto que ocupó sumergiéndose en la música con sus amigos.

Después de su graduación, Aaron se quedó en la ciudad, Bryce se fue también para allá y así comenzó a tocar The National.

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Mistaken for Strangers no es sobre The National.

“El documental se convirtió en algo que resultó no ser ‘nosotros’, lo que es un alivio. ¿Quién quiere ver una película así? Más bien somos como el escenario del filme”, aclara Aaron en la noche de la premiere.

El tema principal es Tom y su lucha por encontrar el equilibrio en el contexto de éxito que tiene su hermano. Al principio, esta película fue concebida como un documental de una gira, algo que seguro los fans querrían ver, pero cambió de rumbo.

escrito y de las composiciones más complejas que hemos hecho”, explica Aaron.

Esta expansión sónica conecta directamente con el contexto en el que fue concebido el disco. Históricamente, The National solía ser difícil de digerir, y eso nunca fue tan cierto como con High Violet, la culminación de este material y su respectiva gira coincidió con uno de los momentos más difíciles de la banda.

Curiosamente, su éxito se contrapuso a esos Mistaken for Strangers resultó ser una carta de problemas y los colocó en un mejor escenario. amor: Matt, un deportista hermano mayor; y Tom, “Boxer y High Violet fueron una batalla”, torpe, cuenta cómo lo despidieron de su trabajo asegura Aaron, “en cada ocasión, nos sentimos como manager. Desde ese punto, Tom aborda que estábamos a la sombra de lo que habíamos una trama repleta de espirales para culminar este hecho anteriormente”. Esta incapacidad para proyecto que resuelve un ejercicio familiar: cómo salir de lo más profundo de las canciones que amar a alguien que no siempre te cae bien. ya habían recorrido el mundo sustenta lo que dice Aaron sobre esos días considerados como “Es mucho más de lo que hemos pensado para algún “los peores de la banda”. The National estaba filme sobre la banda. Es chistoso, pero no se trata de luchando con tensiones entre ellos y luchas que mermaban el proceso creativo. “Y algunos de la banda y sin embargo se puede saber mucho más sobre la banda, que en cualquier documental que se nosotros lo estábamos haciendo muy bien”, bromea Aaron, “después de eso, volver a escribir hubiera hecho”, dice Berninger. Durante la trama música fue en realidad un placer”. entre estos hermanos, los otros son entrevistados y así, el público va introduciéndose en detalles de su vida y del grupo.

Y The National regresó a las vidas que había tenido al inicio de la gira de High Violet.

Llegaron los bebés, los niños crecían y sus La mayoría conoció a The National hasta 2007, cuando sacaron Boxer, una lucha meditativa sobre el prioridades se volvieron a alinear. A pesar de enamoramiento. Éste fue el predecesor del Alligator, sus intenciones por tomarse un tiempo luego de este tour, la banda comenzó a trabajar en lo criticado y amado, un sucio affair. que sería Trouble Will Find Me. “Nos pareció más natural, más fluido”, recuerda Aaron.

Con Boxer, la voz de Berninger se convertiría en una “No fue porque nos estuvieran correteando”, especie de tarjeta de presentación de la banda, en un asegura Berninger, “más bien, las canciones bálsamo fresco que a la vez resultaba provocador. que Aaron y Bryce enviaban eran demasiado Ya en el 2010, High Violet los hizo navegar en aguas buenas”. emocionales, yendo hacia delante y hacia atrás entre sus discos anteriores.

Parecería contradictorio que la paternidad precipitara el proceso de un álbum en vez de Con Trouble Will Find Me, la banda pisa un obstruirlo, pero Aaron y Berninger cuestionan nuevo territorio sonoro, construido a partir de las esa idea: “creen que al ser padre uno no va a canciones favoritas de The National. “En este disco tener tiempo de ser creativo, pero es lo más hay algunas de las letras más simples que hemos

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inspirador”. Aaron regresó de la gira de High Violet —que duró 22 meses— con una hija de dos años y estuvo trabajando bajo esta apasionante labor: “estaba pensando en la primera música que alguien escucha y cómo es ésta”.

Para Berninger, la paternidad encontró un camino al igual que la música, pero en diferentes formas. “Al tener a mi hijo sobre mis hombros, traté de no herir a nadie”, piensa Berninger, quien es muy consciente de que su forma de moverse por el mundo tendrá un impacto en su hija. Ésta y muchas más ideas fueron las cuerdas para tejer Trouble Will Find Me. “Antes de tener un hijo, la idea de ser atropellado o de que me cayera un rayo era algo a lo que decía ‘ok, así es la vida’. Pero ya no soy un joven salvaje e indestructible de treinta y tantos. Solía fumar y beber como loco, y dejé de hacerlo, no me quiero ir hecho mierda porque hay alguien ahí que me necesita’”.

Además de la paternidad, The National vació otras experiencias en Trouble Will Find Me: narradores haciendo el ridículo en fiestas, llorar mientras se escucha un disco favorito, atacar a los seres queridos. “Líricamente, nuestras letras tienen todo tipo de momentos incómodos y de situaciones humillantes, luchamos contra nuestros demonios. Después de años de luchar por ser una banda, el proceso nos ha hecho más humanos y el éxito, que es algo aún más dulce, nos ha hecho salir adelante pero a la vez conservar la esencia de nuestros inicios”, reconoce Bryce.

Según ellos mismos, Aaron y Berninger son los más obstinados de la banda, cavan en sus infiernos y planean estrategias para ensanchar sus agendas musicales. “Tenemos una incipiente democracia en el grupo”, dice Aaron, “yo soy el rey y él es como el primer ministro”, añade irónicamente Berninger.

PRINCIPALES “Vivíamos en una elaborada partida de ajedrez, donde cada quien defendía su posición”, pero ahora después de los momentos difíciles, de haber hecho 20 canciones, Berninger y Aaron se han dado cuenta, por primera vez en mucho tiempo, de que estaban emocionados por lo que estaban creando. Incluso, para evitar que hubiese problemas, Dressner y Berninger decidieron los tracks del disco al elegir las que consideraban las diez mejores canciones, y coincidieron en nueve. “No sé si esto va a durar para el siguiente disco”, reconoce Berninger.

The National se sube al escenario luego de la fiesta por la apertura del festival. Unos momentos antes en ese día, Bryce se había acordado de un show que habían tenido en ese mismo lugar unos años atrás, y no lo recuerda con cariño. Su actuación de esta noche no podía estar más lejana a la anterior.

Comenzaron con “Oh holy night”, dedicada a Tom en un guiño a la escena en la que él se retuerce en Mistaken for Strangers y luce solo y desgastado.

Berninger está ahí, aferrado al pedestal del micrófono y a un vaso de vino blanco, los Dressner y los Devendorf detrás de él, justo como mostraban esas imágenes de una década atrás.

Berninger da una introducción a “Don’t swallow the crap (No te tragues esta mierda)”, no lo puede resistir: “recientemente revisamos nuestro propio mensaje en la letra”, dice él mientras extiende la mano hacia sus compañeros y toma un poco de esa ansiedad, miedo, humillación, para canalizarlo en algo hermoso.

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Por KURT ORZECK Traducci贸n PAMELA ESCAMILLA Fotos BRANTLEY GUTIERREZ

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QUEENS OF THE STONE AGE

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osh Homme está agotado de la batalla.

El guitarrista de 39 años aún no muestra canas en su flamante cabello rojo, pero su corpulenta estructura se encorva mientras se sienta en un lugar de Hollywood y su café no llega lo suficientemente rápido. Es una tarde de miércoles de abril y el ciclo para el nuevo álbum de su banda, Queens of the Stone Age, apenas ha comenzado. …Like Clockwork todavía no sale y las fechas de la gira todavía no se anuncian. Pero Homme, que casi murió en 2010 debido a un incidente relacionado con el agotamiento, luce fatigado. “Alguien iba a educarse con este disco”, dice mientras le echa crema a la primera de dos tazas de café.

“Iba a ser él o nosotros”.

Sin perder el ritmo, Homme admite que el sexto álbum de QOTSA fue, por mucho, el más retador. Tras varios inicios falsos, la banda finalmente grabó ...Like Clockwork en agosto de 2012 y el material salió seis años después de su predecesor. El disco mantiene la tradición de tejer líneas entre cada álbum de QOTSA. Lo que es aún más revelador para Homme —a quien comúnmente se asocia con su lugar de nacimiento, Palm Desert— es la pasión por el océano. Es un tema nuevo para la banda y está lleno de alusiones al existencialismo, la renovación y la eternidad. “Estoy en el timón de este barco pirata pero a merced de las olas”, dice mientras levanta la vista del café. “Todo lo que realmente necesito son las adversidades insuperables y soy feliz”.

Homme se merecía un buen y largo descanso en 2009. No sólo había sacado discos de QOTSA prácticamente cada dos años desde 1998 a 2007 y estuvo de gira extrema después de cada lanzamiento, sino que había sacado recientemente otro disco con su proyecto alterno, Eagles of Death Metal. De acuerdo con sus cuentas, básicamente trabajó sin parar durante 13 años.

Estaba listo para abrir finalmente la hamaca que había mantenido en su caja durante seis años —pero entonces surgió Them Crooked

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en portada

J

en portada Vultures. También con la participación de John Paul Jones y Dave Grohl, el proyecto era el sueño mojado de un fan del hard-rock si es que existe alguno, y ese sueño se le hizo realidad a Homme.

“Necesitaba un descanso físico y mental, pero fue como un truco de magia”, señala. “Mordí el anzuelo”.

El trío encaró altas expectativas. Mientras que QOTSA por lo regular enfrentaba a Homme con el estudio de grabación, con un elenco cambiante de músicos llenando los huecos —incluyendo al guitarrista Troy Van Leeuwen, al tecladista Dean Fertita y al bajista Michael Shuman— Vultures sólo contaba con otras dos extremidades que antes habían sostenido a dos de las más grandes bandas en la historia: Led Zeppelin y Nirvana.

Homme dice que no le podrían haber importado menos las críticas —aunque se premió a Vultures con un Grammy por Best Hard Rock Performance— pero que no quería decepcionar a sus compañeros de banda. Así que asumió virtualmente todas las responsabilidades: guitarras, voces, melodías y letras. Él no culpa a sus compañeros por poner la vara tan alta. Desde que era niño ha puesto más presión en él mismo que nadie en su vida. Vive con el mantra militar de que si tú mismo haces tu vida más dura de lo que tus enemigos la hacen, entonces no podrás ser derrotado. “Me presioné en el disco de Vultures más de lo que necesitaba, porque quería hacerlo bien por los tres”, indica. “Puse toda mi energía en eso… y me pasó la factura”.

Homme, que colapsó por agotamiento en el escenario en 2005, se sintió diferente cuando terminó la gira con Vultures en verano de 2009. En vez de euforia, o compulsión por empezar a escribir de nuevo, esta ocasión experimentó confusión. “Paré, levanté la cabeza y estaba como ‘¿Por qué estoy en Fresno y dónde están mis pantalones?’”, declara. “me di cuenta de qué tan perdido estaba”.

El caso de agotamiento de Homme fue tan grave que requirió 48 . F I L T E R

cirugía. Durante el procedimiento, los doctores no podían reoxigenar su sangre, así que tuvieron que usar un desfribilador para que recuperara la consciencia. “Morí en la plancha”, asegura.

“Cuando desperté, sentí que algo fue robado de mi interior”.

Homme —quien recuerda que al tratar de cepillar sus dientes, solo llenaba de pasta sus cejas— pasó cuatro meses en cama recuperándose de la fatiga y de la cirugía. Para un hombre que, como un tiburón, se tiene que mantener en movimiento para sobrevivir, ese medio año fue un infierno.

“No soy bueno en hacer reminiscencias ni en mirar atrás, porque hay tantas cosas maravillosas por delante que no se pueden ignorar”, indica. Por primera vez, según recuerda, sintió pena por él mismo. Pero entre esa extraña sensación de autocompasión, Homme entendió algo: no había a dónde ir, sólo hacia delante.

Después del retardado relanzamiento del primer álbum de la banda, Queens of the Stone Age, hicieron una gira en 2011 en la que tocaban todo el disco cada noche.

Pero mientras Homme disfrutaba reviviendo la embriagadora música de QOTSA, había un problema: no tenía nuevas ideas. Lo que le quitaron durante la cirugía no había vuelto. Ahí fue cuando decidió pedir ayuda. No al 911 —Trent Reznor, por supuesto. Los dos habían tenido algunos breves pero memorables encuentros cuando QOTSA y Nine Inch Nails fueron de gira juntos en 2005, de acuerdo con Homme. Y tenía una sensación de que Reznor, tan inteligente y con los pies en la tierra como cualquier otro músico de rock que hubiera conocido, podría identificarse con lo que estaba experimentando.

“Necesitaba hablar con alguien”, dice. “Terminamos teniendo cuatro o cinco de estas conversaciones de cinco horas de duración.

Me di cuenta de que algunas veces obtienes lo que necesitas cuando dejas de buscarlo tan frenéticamente”.

“De repente, ya no estaba funcionando”, señala Homme. “Fue una dura manera de empezar un disco”. Es difícil definir una fecha exacta de inicio para ...Like Clockwork —porque hubo varias. Homme se alistaría para juntarse con sus compañeros en el estudio, sólo para decirles que sufría del ‘bloqueo del escritor’. Un par de semanas de descanso podrían ayudar, pensó, pero pronto se convirtieron en dos años.

Pero mientras Grohl y Oliveri mantuvieron todo funcionando, fue una leyenda de la música quien tuvo un mayor impacto tanto en el disco como en Homme —nada más y nada menos que ‘Rocket Man’, Sir Elton John. Después de que un amigo de Homme se encontrara con John y supiera que era un fan de Them Crooked Vultures, el piloto de QOTSA recibió una llamada de ‘Captain Fantastic’.

Afortunadamente para Homme, que completó su contrato con Interscope con el álbum de Vultures, no tenía a una compañía discográfica respirándole en la nuca. Eso también hizo más fácil que tuviera su propio estudio discográfico: Pink Duck, ubicado en Burbank. Fue a través de esas puertas que Dave Grohl caminó —y ayudó a Homme a finalmente aplicarse con el álbum. “Tenemos una relación especial”, sostiene. “Fue como, ‘Hermano, te necesito’. Significó mucho para mí”.

Homme lo invitó a su estudio, y su contribución fue más allá de una participación especial en ...Like Clockwork.

Como lo cuenta, el Paseo de la Fama del Rock and Roll lo ayudó a finalmente recuperar lo que había perdido en el quirófano: su instinto y habilidad de hacer música con otros.

Todavía más especial para Homme es su relación con su amigo de la infancia y exintegrante de QOTSA, Nick Oliveri, a quien sacó del grupo en 2004 después de que Oliveri tuvo unos arranques de ira muy publicitados. “Despedí a mi mejor amigo y no dije mucho al respecto”, reconoce Homme.

“Pero volví a ver a Nick tres meses después de salir de la banda y lo he seguido viendo”.

“Siempre escucho cómo suenan las cosas, así que avanzo hacia lo que escucho”, dice Homme, tratando de verbalizar lo que lo hace un músico nato talentoso. “Si

“La gente estaba como, ‘no puedes acercarte tanto [al álbum]. Estarás en una burbuja y no sabrás qué es lo que sucede’”, recuerdo. “Y yo pensé, ‘Lo siento, no sé lo que eso significa’. Pero esta vez fue la primera en la que estuve como ‘Umm...uhh…lo entiendo ahora’”.

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Todo volvió a hacer click de nuevo, pero hacer un nuevo álbum de QOTSA estaba lejos de lograrse.

Debido a incompatibilidad de horarios, Reznor no pudo producir el disco, como Homme esperaba.

Aun más significante, otro potencial colaborador dejó todo a la mitad de las sesiones: Joey Castillo, baterista de QOTSA durante 10 años.

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De agosto a enero —una eternidad en el estudio, para los estándares de QOTSA— ellos finalmente crearon ...Like Clockwork. El resultado final es la grabación más sombría, contemplativa y humilde a la fecha. Tal vez mucho más que cualquier otro disco de QOTSA, es sobre Homme el hombre: lo que sucede adentro, no sólo de su cabeza sino de su alma.

“Not everything that goes around comes back around/One thing that’s clear: It’s all downhill from here”, dice en la canción que da nombre al disco. En otra, “The vampyre of time and memory”: “I feel no love/Does anyone out there get this right?”. La canción probablemente más autobiográfica que ha escrito, “I appear missing”, documenta el incidente en la cirugía (“Shock me awake, tear me apart/Prisoner of sleep/Pieces were stolen from me/As I go down the drain, I appear missing”).

Mientras Homme considera Era Vulgaris (2007) su disco más enojado, es justo decir que el nuevo es el más oscuro. “Cuando miras en el espejo y no ves nada, sabes que eres un vampiro”, menciona con respecto a su hospitalización.

El álbum tiene uno o dos tracks más ligeros, como “Smooth sailing”, que Homme llama “una canción funk reminiscente de Eagles” (de las otras, no tan Death Metal). Pero mientras es igualmente amargo —no vayan más lejos que al himno “Fairweather friends”— ...Like Clockwork es representativo de todos esos que han apoyado a Homme durante los últimos años. Castillo toca la batería en cuatro canciones, Reznor canta y agrega percusiones en “Kalopsia” y Mark Lanegan aparece en “If I had a tail”. También

hay participaciones de Elton John, James Lavelle (UNKLE), Alex Turner (Arctic Monkeys), Jake Shears (Scissor Sisters) y el nuevo baterista de QOTSA, Jon Theodore, antes de The Mars Volta.

“El álbum es una incorrecta flecha en llamas hacia el futuro. Tiene un sentimiento de Naranja Mecánica, y una vibra de cabaret de David Bowie”, explica Homme, agregando que ha estado escuchando mucho material de la artista de electrónica Wendy Carlos, quien hizo la banda sonora de la película de Stanley Kubrick. “¿Sabes cómo se siente cuando corres en un sueño y despiertas y agradeces que no haya sido real?”, pregunta. “Eso se fue a todos lados.

Como si el tiempo no valiera y fuera lo único que tienes al mismo tiempo. Como si se hubiera detenido y fuera eterno”.

Mientras QOTSA pasó alrededor de cuatro veces más en el estudio de lo planeado, Homme señala que el nuevo material no es más depurado que el demás material de la banda. “No soy un perfeccionista. Quiero errores”, dice. “Dejemos que este material sea el escupitajo en el suelo que es. Es como caer y levantarse. Este álbum es como sentarse después de la batalla”.

Para lograrlo, dejó fuera mucho material adicional que se había creado antes porque no encajaba en el tema de las sesiones de grabación.

Mientras los fans podrían haber esperado un disco doble después de la sequía, Homme les da exactamente lo contrario.

“Soportamos las críticas, cambios de integrantes, relámpagos, abuso de drogas, felicidad, tristeza, todo— y lo hemos hecho”, concluye Homme, quien regularmente lee sobre generales invencibles. “Este es nuestro sexto disco, pero en cierta manera, siento que es nuestro segundo acto y empieza ahora”.

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alguien tiene una idea cool, puedo escucharla y entender en dónde van caminando. Pero perdí eso durante dos años, solo podía escuchar la música de otras personas, me era imposible escribir”.

TRIBUTO

Por KEN SCRUDATO Traducción PAMELA ESCAMILLA Foto CORTESÍA BRYAN FERRY

A pesar de una distinguida historia de provocadores como Byron, Oscar Wilde y Quentin Crisp, ser homosexual a mediados de la década de los 60 era casi un crimen. Peor aun, bandas como ELP reinaban el mundo del rock a principios de los 70, así como una nueva cosecha de drogas combinadas con el hábito inglés de ver románticamente a lo medieval, fomentaban una cultura de botas de elfo y letras sobre invasiones sajonas.

Como sucede en tales situaciones, una reacción potente se vislumbraba. Pero mientras un David Jones (aka Bowie) y el T. Rex de Marc Bolan no se había sacudido las tendencias folk, Roxy Music llegó a la escena en 1971 como una máquina moderna perfecta. Había, por supuesto, el toque exacto de campamento posmoderno, el traje blanco de Ferry, las boas de plumas de Brian Eno… la etimología de su nombre prácticamente no sorprende, es un tributo directo a Samuel “Roxy” Rothafel, pionero de las salas cinematográficas.

Ferry, cinéfilo, buscaba un nombre que transmitiera el alcance cinematográfico de su tamaño y 52 . F I L T E R

producción. Los riffs espaciales del sintetizador de Eno, el sabor latino/exótico de la guitarra de Phil Manzanera, la reinvención del oboe y el saxofón por parte de Andy Mackay, así como la batería de Paul Thompson nunca fueron una mezcla ostentosa, pero siempre exacta.

Sin embargo, siempre fue la sensualidad natural de Ferry como frontman lo que unió toda esa salvaje experimentación en algo irresistible. Proveniente de un pueblo en Durham, se reimaginó a sí mismo como una inteligente amalgama de los protagonistas de Hollywood de los años 40. El primer sencillo “Virginia Plain”, lo encontró cantando un sarcástico pastiche como ‘Baby’s Jane’s in Acapulco/We are

Su debut homónimo de 1972 y su sucesor en 1973, For Your Pleasure, marcaron pauta para una nueva ola que definiría el inicio de los 80. Tracks como “Re-make/Re-model”, “Ladytron”, “Do the strand” y “In every dream home a heartache” se inspiraron en gran medida en la teoría cultural contemporánea y fueron, en cierto modo, retro y modernos a la vez, intelectuales y viscerales, pop y anti-pop. La banda fue convenientemente agrupada en el glam —pero en realidad, exhibieron poco de su glorificación del exceso estilístico.

La ambición de Eno es otra historia por completo — pero lo llevó a marcharse antes de que comenzaran a trabajar en su tercer álbum. A sus filas se unió Eddie Jobson, más inclinado a lo clásico, y continuaron con Stranded, Country Life y Siren, este último con el ahora clásico sencillo “Love is the drug”.

Pero canciones de los discos previos —“A song for Europe,” “Mother of pearl” y “Out of the blue”— se dirigían hacia una parte más gentil y sensual. Se desintegraron durante cuatro años y regresaron en otra versión con Manifesto, después Flesh + Blood y su decisivo final, Avalon. Para entonces, una generación de discípulos, algunos de la talla de Duran Duran y Spandau Ballet, dominaban las listas de éxitos. Mientras su progenie les daba la vuelta, Roxy se desintegró en 1983.

Ferry ya había hecho cinco discos bajo su nombre pero fue hasta ese momento que su carrera como solista llegó al estrellato —debido al éxito internacional de Avalon. No decepcionó.

El sencillo del glorioso Boys and Girls (1985), “Slave to love”, fue un hit mundial que cimentó su imagen de seductor. “Kiss and tell”, del disco siguiente Bête Noire, triunfó en Estados Unidos debido a su inclusión en la película Bright Lights, Big City, basada en la novela de Jay McInerney.

De acuerdo con los rumores, la letra de la rola era una daga apuntando hacia la exnovia supermodelo de Ferry, Jerry Hall, quien lo dejó por Mick Jagger, aunque él ya se había casado con la hermosa socialite Lucy Helmore.

El cantante se tomó seis años para lanzar un disco de covers, Taxi (1993), seguido por el oscuro Mamouna, en el que se reunió con Brian Eno —lo que no afectó a elevar su perfil comercial. Era el álbum de material original que daría a conocer en una década que vio al grunge y al techno dejar a muchos iconos noventeros al margen.

Ferry cerró los 90 con As Time Goes By, colección de estándares de jazz grabada con una orquesta completa. Fue recibida con entusiasmo universal.

Después, lo inevitable, Roxy Music anunció su reunión en 2001 en una conferencia de prensa de saco y corbata en un hotel de Londres. Para la banda era esencial revisitar un legado que era uno de los más importantes en la historia del rock and roll. Varios de los conciertos y giras que seguirían serían emocionantes para los fans. Curiosamente, el material prometido nunca se produjo.

De manera simultánea, otro álbum solista de Ferry en 1990, Frantic (que contó con la participación de Jonny Greenwood, de Radiohead, en la guitarra),

lo regresó a las listas de popularidad. Dylanesque (2007) era Ferry cerrando el círculo artístico en cierta manera —líder de una banda cuya existencia y vitalidad se debía al rechazo de los ideales hippies haciendo honor a un icono definitivo del movimiento.

Con toda la emoción con respecto a la posibilidad de un nuevo material de Roxy, el disco solista de 2010 de Ferry, Olympia, jugó ese papel, sin la consagración oficial. Fue liderado por Rhett Davies, productor de algunos materiales de Roxy Music; incluyó participaciones de Eno, Manzanera y Mackay; y pareció tanto estética como ideológicamente asimilar todo el alcance de la carrera del cantante. La portada con la imagen de Kate Moss combinaba perfecto con las mujeres fatales de las primeras portadas de Roxy Music.

Una vez más en la vorágine de la relevancia cultural, Ferry lanzó un golpe maestro a finales de 2012, The Jazz Age. Es una colección de covers a sí mismo, como solista y como integrante de Roxy, recreados como piezas de jazz instrumental de 1920. Afortunadamente coincide con el lanzamiento de una de las películas más esperadas de 2013, la versión de Baz Luhrmann de The Great Gatsby, con la participación de Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan. El director no sólo tomó prestados un par de temas para el soundtrack, sino que le pidió a Ferry la creación de música adicional.

Y así, 42 años después de iniciar un viaje creativo que cambiaría la manera en que la música, el arte, el cine, la moda y los medios coexisten, Bryan Ferry parece estar una vez más en el centro de todo.

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TRIBUTO

flying down to Rio’ sobre un riff minimalista y proto-punk.

REVIEWS

VA MPI RE WEEKE N D Modern Vampires of the City Terrícolas Imbéciles

90% De Afganistán, Estados Unidos, India, Inglaterra, Irlanda o incluso México, de ahí provienen los modernos vampiros citadinos, al menos Junior Reid así lo estableció en 1989 a través de la canción “One blood”, dance hall que pone la primera línea para el tercer disco de Vampire Weekend, pero mientras el jamaiquino hablaba de unidad racial y establecer a la humanidad bajo una misma sangre, Modern Vampires Of The City es sobre grandes ideas y miedos aún mayores que trascienden el temor al fracaso en la industria de lo inmediato, no responden a la idea de mimar el estatus del nuevo grupo preferido neoyorquino o mantener frescos sus múltiples proyectos alternos en SoundCloud.

El nuevo disco de Vampire Weekend es sobre evocar una especie de estremecimiento por medio de un pop algo rarito centrado en la muerte y el miedo a lo desconocido, otorgando cierta belleza que mantiene a la banda lejos de la crisis ligada con la novedad que solía ser en el año 2007, cuando las críticas en blogs los impulsaron hacia los medios convencionales.

Modern Vampires Of The City es sobre cinco años, tres discos, múltiples apariciones en festivales y una demanda, lo que significa algunos cambios al interior que repercuten en lo que escuchamos.

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Foto Terrícolas Imbéciles

Sí, todavía es una banda de pop estadounidense recostada sobre una extensa cama de afropop, pero Vampire Weekend ya no se centra en correcciones de estilo, tendencias y lo fabuloso de las universidades de prestigio, llega al 2013 con sus integrantes bordeando los 30 años de edad, totalmente conscientes de la crisis económica que no anuncia su retirada. Pero aún con las diferencias, las letras de Ezra Koenig —puestas en el orden correcto— parecen reflejar ese crecimiento, como el tercer capítulo de una historia que intenta arrugar las idiosincrasias y, al mismo tiempo, mantenerse familiar.

Regresando al 2007, cuando la cobertura de un blog parecía poco trascendente y su impacto aún era dudoso, Vampire Weekend surgió en un contexto que empezaba a exigir una evolución viral a través de internet, un juego que dominaron plenamente sin necesidad de grandes estrategias o todo el aparato de social media que se utiliza en la actualidad. Para el momento en que su álbum debut homónimo fue lanzado, lo que más se discutió fueron sus influencias, mas no el esfuerzo de reunir a miles de personas en YouTube para ver su concierto en el Roseland Ballroom, era una banda más cercana a las bromas que realizó Steve Buscemi en los cortos previos a su participación en la serie American Express Unstaged.

De 2007 a 2013 el mundo parece haberse encogido debido a la red, pero la cultura parece haberse ampliado, al menos en los rangos abarcados por Vampire Weekend en Modern Vampires Of The City, el grupo realmente intenta moverse y liberarse del estilo que lo hizo más famoso, agregando el ruido que en los 90 fue conocido como alt-rock, algo de hip-hop

y la notable habilidad de no tener miedo a crecer, aunque con la absoluta consciencia de que todo tiene fecha de caducidad.

La música ha dado un paso hacia adelante, pero puedes detectar ecos de “M79” y “Walcott” de su álbum debut, así como de “Cousins” y “White sky” de Contra. La separación la brindan “Everlasting arms” y “Finger back”, que justo a la mitad hacen que el tercer álbum desarrolle otro Vampire Weekend, antes de eso todo es familiar, después elimina las preocupaciones sobre lo que podría desarrollar Vampire Weekend en este momento de su trayectoria.

Tal vez se trate del peso de la mortalidad, las letras dan la impresión de un Koenig encontrando la marca de la angustia, pero aún con la pesadez de las palabras es un material ligero, lleno de canciones de engañoso ritmo alegre, accesible en la rotación en el oído, capaz de quedarse largo rato como si ya lo conocieras, pero no deja de recordarte que ya no es sobre el exitoso crossover o los coros contagiosos, sino de la calidad de la música.

Es el fin de una fase, seguramente apuntan a la cima, pero ya no enterrando sus pensamientos en una miríada de referencias culturales.

Vampire Weekend nos ha dado un disco de pop resplandeciente e inmediatamente amable. Fue su tercer intento y nuevamente lo logró con éxito.

En esta época pocos pueden decir eso sin pasar inmediatamente al olvido.

KARINA CABRERA

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REVIEWS

DAVID BOWIE Bowie 1965! (EP 7”) EMI, 2013

80% Bowie fue muy bien recibido al lanzar The Next Day, un disco extraordinario que no está lejos de los materiales lanzados antes de su retiro de una década. La realidad es que debido a producciones fundamentales como la ‘trilogía de Berlín’ y The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, su nombre es sinónimo de sorpresa.

En el EP de siete pulgadas lanzado como edición limitada para Record Store Day 2013 es admirable que la nueva capa que descubrimos de Bowie provenga de los años previos a la formación del personaje, la época en que se propuso ser compositor y buscó la inspiración en la práctica diaria del oficio hasta que encontró su estilo en Space Oddity (1967).

Bowie 1965! es material previo que muestra las

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influencias y el inevitable pop que corría por venas que todavía no eran alienígenas. En el EP lo descubrimos con cuatro tracks que desde hace años rondaban YouTube de The Manish Boys y Davy Jones & The Lower Third, grupos en los que ya se ven temas constantes, como en “Take my tip”, que ya incluye la frase “you’re playing with the spider who possess the sky…”, demostrando que la araña empezó mucho antes de la década de los 70.

KARINA CABRERA BICICLETAS Magia Amor Locura Animal POP ART MUSIC

79% El tercer LP de esta agrupación argentina tiene la misma frescura que sus predecesores, pero denota la madurez y experiencia que han adquirido.

“Magia” es la canción con la que abre el álbum y su coro lleva con orgullo el nombre de este material mientras te pone a bailar.

En rolas como “Buen día” y “Amigos” se percibe un gran porcentaje de buena vibra en las letras, mientras que lo que dicen otras como “Fiesta” y “Siempre” es algo con lo que cualquiera podría identificarse. Sobre “El pistolero”, primer sencillo del que ya existe un video, sólo hay que aclarar que es difícil que quien la escuche se la pueda sacar de la cabeza.

Desde el EP Cubiertas (2011) se notó el cariño de los Bicis a México y con este disco ese fugaz desliz se transforma en una relación sólida si tomamos en cuenta que parte de este material fue compuesto mientras vivieron en el Distrito Federal, prueba de esto es “El extranjero” y (probablemente) “Sicario”. Con “Adelante” y “Mañana”, el álbum cierra con un dejo de melancolía, que nos hace ansiar nuevas canciones o, al menos, escuchar todas éstas en vivo.

PAMELA ESCAMILLA

REVIEWS The Breeders LSXX 4AD

85%

El recorrido de 39 minutos altamente promovido en la nación alternativa de cortes instrumentales, experimentación avant-garde, recuerdos de grupos femeninos de los 60 y distorsión no era el mejor álbum de aquella época. Sin embargo, 20 años después Last Splash es un verdadero ejemplo de lo que sobrevivió y se intenta retomar vía la nostalgia en vivo.

La celebración llega con la misma versión de 1993 que ya hemos escuchado, la misma fidelidad y orden, un manifiesto de que The Breeders considera que así como lo lanzó hace dos décadas era perfecto y no necesita modificaciones, o que 4AD prefirió ampliar la idea a través de los agregados, 30 para ser exactos. Lejos de la idea de que ya tenías ese mismo disco, las hermanas Deal crecen a través de LSXX mostrando qué tan creativas podían ser, así como las múltiples capas que encerraba The Breeders.

El conjunto de 44 tracks es una larga lección de historia de un breve periodo de tiempo, sobre una banda que no tuvo gran éxito al iniciar justo cuando se lanzó Bossanova de Pixies, pero que con su segundo álbum y el impulso del sencillo “Cannonball” creó una curiosidad que era difícil ignorar.

Lo mismo ocurre con LSXX, sus demos, rarezas y versiones para la BBC son muchas aproximaciones de una misma banda buscando un sonido, pero todo cambia con el extra titulado The Stockholm Syndrome. El concierto grabado en Suecia en 1994 evidencia la fricción al interior provocada por ciertas adicciones con la frase ‘The next song is “Saints” and Kelley is going to start it ... We hope’. Es el declive de un grupo que después no pudo volver a remontar, pero que si volviera a lanzar Last Splash se encontraría más fresco que muchas otras cosas que escuchamos.

KARINA CABRERA

TURBINA Leti’ Hum Eek’ -Inda Jani- Mish Masadi Vol.2 Intolerancia

70% Pocos grupos nacionales rompen las barreras establecidas. Muchos se enfocan más bien en trabajar en un género que saben qué le gustará al público, como un pop-rock o un rock básico. Sin embargo, Turbina lanza un disco que nos da la esperanza de que las cosas cambian para la escena nacional. Al escuchar Leti’ Hum Eek’, la música que escuchamos es una mezcla experimental y psicodélica que pocos pueden copiar, mucho menos crear. Más allá de guitarras distorsionadas y pianos, el grupo incluye bucles y máquinas de batería para explorar qué tan lejos pueden llegar.

A pesar de ser el trabajo más arriesgado que se ha escuchado por parte de un conjunto mexicano en varios años, Turbina va más allá e incluye un homenaje a las lenguas regionales de México, como el maya, el zapoteco y el mixe.

Las fusiones de sonidos que se escuchan en este disco son demasiadas, ya que pasa del rock a lo psicodélico, y a lo experimental dentro de las mismas canciones. “Lego delator”, en la que participa Bocafloja, mantiene un misticismo y cuenta con una serie de sintetizadores que se mezclan muy bien con la voz.

Por su parte, Daniel Zlotnik, reconocido saxofonista, le inyecta al disco su propio estilo al mezclar los sonidos experimentales de Turbina con una clase jazz contemporáneo. Su colaboración va muy de la mano con los pianos que se pueden escuchar en varias de las canciones. También recomendamos la canción “Philia”, porque durante esos siete minutos de duración los músicos explotan de manera exquisita los instrumentos.

A final de cuentas, todo parece indicar que Turbina hizo de este disco una lasaña; los chicos metieron toda clase de ingredientes y el resultado es muy bueno. Arriesgado, pero finalmente, es lo que necesitamos.

ALEJANDRO ROCHA

THE NATIONAL Trouble Will Find Me 4AD, 2013

85% De la grandeza de Alligator, a la casi perfección de Boxer al momento mainstream de High Violet, pasando por las comparaciones con R.E.M y Wilco, el quinteto de Brooklyn ha intentado no sacrificar la integridad artística en favor de la máquina de hacer discos, se tomó su tiempo para meditar profundamente y lograr que The National sea un crossover, pero no de sonido, sino de espíritu, entre la gran aceptación que llena estadios y la modestia del escenario pequeño.

Sabían que se esperaba un High Violet II, en vez de complacer crearon un material que resiste la separación en sencillos, pero busca aquel viejo concepto de álbum y retomar el ejercicio de sentarse a escuchar el disco como un todo que necesita un track seguido de otros 12.

Trouble Will Find Me tiene un arco progresivo, es una invitación para superar las tentaciones impuestas por la generación del random, no es un álbum para el salto continuo, es necesario el recorrido completo para capturar las canciones viscerales y la voz de Matt Berninger en crecimiento durante 55 minutos, con letras más complejas encontrando un balance entre lo ostentoso y lo íntimo.

A diferencia de las grandes orquestaciones de sus discos anteriores, The National esta vez buscó cierta austeridad a través de texturas sintéticas y bajos, todo para lograr una sensibilidad pop y jugar con esa idea de que se trata de canciones divertidas sobre la muerte, sin rellenos gracias a una selección que logra que Trouble Will Find Me sea tanto oscuro como melancólico, edificante y silenciosamente eufórico.

KARINA CABRERA F I L T E R . 57

REVIEWS

LA BANDA BASTÖN Todo bien Independiente

70%

Muelas (MC) y Dr Zupreeme (productor/DJ) han hecho un disco en el que ambos se sienten cómodos. Los flows de Muelas se mueven bien entre los beats funk, jazzy; guapachosos y rappers de Supremo.

Los temas van del ego trip (“Quiúbole”), las mujeres (“Chula”) y el sexo (“Habitación con jacuzzi”), al barrio (“Los ayeres”) y el país (“Pantanos”).

Su marca de distinción, como parte de La vieja guardia, son los juegos de palabras con el slang ‘de la calle’, como es el caso de “Así se habla”.

Todo bien. Es un disco que tiene todo para estar bien, sin correr riesgos: los temas típicos del rap, las colaboraciones de la casa y ritmos para todo gusto.

“Me gustas” es lo que se sale de la lista. En esta canción, Mu escribe sin ser genérico de un affaire que lo enloquece, ‘Me gustas, me buscas, me encuentras, me usas, me gustas…’, sobre una base funk. Un track fresco del que sólo sale una pregunta: ¿por qué no salieron del promedio y nos dieron más canciones así?

ALEJANDRA LIMÓN Mark Kozelek Like Rats Caldo Verde

76%

Hacer covers puede resultar complicado y hacer álbumes compuestos en su totalidad por éstos los es aun más. Al igual que con su más conocido disco de covers a Modest Mouse como Sun Kil Moon, Like Rats, de Mark Kozelek toma una variedad de canciones desde (Descendents, Sonny & Cher) y las convierte en versiones a veces irreconocibles. Los fans de estas canciones puedes encontrarlas completamente irrelevantes, pero para aquellos que se interesan en el trabajo de 58 . F I L T E R

Kozelek, pueden encontrar una colección interesante que se presta para la deconstrucción intelectual y para simplemente escucharlo.

JEFFREY BROWN HAVALINA H Origami Records Sire/ADA

70%

Escuchar la música de la banda española Havalina es como meterse por las callejuelas oscuras de Madrid, pero en H, su más reciente producción, ya se notan algunos destellos de luz entre ese rock atormentado que tanto gusta a sus integrantes y que han mostrado en sus anteriores LPs: Junio (Estoescasa, 2007), Imperfección (Origami, 2009) y Las Hojas Secas (Origami, 2010). “Norte”, la rola con la que abre el disco, tiene una introducción larga que funciona como presentación de las influencias que tiene este trío de rockeros, como Sonic Youth, el lado denso de The Cure y hasta lo más pesado de Caifanes. Incluso, el timbre de voz de Manuel Cabezalí semeja un poco al de Saúl Hernández. Si bien las guitarras, las distorsiones y los delays son el sello de Havalina, en “Viaje al Sol” son lo más evidente; aquí sólo dan dos minutos de canción, pero es tiempo suficiente para sentir la intensidad del ruido de sus instrumentos.

Mucha lira y poca letra es lo que ofrece “El estruendo”, que con un coro cantado por la guitarra recuerda a la música árabe. A este track le sigue “Compañía felina”, que después de la tormenta ruidosa muestra una canción de rock más clásica y alegre, éste es el mismo caso de “Viernes” que, salvo el final clavado, es ágil y de fácil digestión.

Un defecto de dos temas del disco es que empiezan con un conteo de baquetas que se hace innecesario, pero eso es exquisitez, quizá el punto más débil sean las repeticiones melódicas que en canciones como “Música para peces” (que dura 7 minutos y medio) dan ganas de pasar a la siguiente.

H es un disco que consolida el estilo de los madrileños Havalina y da fe del virtuosismo interpretativo de sus integrantes.

CRISTINA SALMERÓN

QUEENS OF THE STONE AGE ...Like Clockwork Arts and Crafts Vagrant

80% Después de un largo periodo en el que escuchamos más silencio de QOTSA que de los proyectos Eagles of Death Metal, The Dead Weather y Them Crooked Vultures, el grupo regresa con una batalla de demonios en el exterior, en la que todos los sonidos empujan hacia el principio. ...Like Clockwork no gira hacia adelante, sino hacia atrás, al territorio familiar, pero el camino no es tan simple como ir hacia las raíces, ya que es también un ‘un documental de audio de un año maníaco’ al que se sumaron colaboraciones tan obvias como las de Brody Dalle (esposa de Josh Homme), Dave Grohl, Mark Lanegan, Nick Oliveri y Trent Reznor, con un refresh sonoro con Alex Turner (Arctic Monkeys), Jake Shears (Scissor Sisters) y un inesperado Elton John.

A pesar del gran elenco, el único músico que hace imborrable su presencia es el mismo Homme, da todas las características del volumen y la búsqueda de la seducción en la oscuridad, aunque esta vez, lejos del desierto y el exceso. En su debut querían anunciar un sonido, en Rated R evidenciaban que eran diferentes y extraños, en Songs for the Deaf deseaban experimentar, pero Lullabies to Paralize era sobre las indulgencias de The Desert Sessions y en Era Vulgaris contrastaban el viaje del desierto hacia Hollywood.

Sin embargo, en ...Like Clockwork encontramos narradores caricaturizados autoexplorándose en un tejido de líneas de guitarra perfectamente adictivas.

Es sobre la precisión de un reloj, es complejo pero más pegadizo que los anteriores discos de QOTSA, eso significa que es menos stoner y más orientado a las canciones, con Homme encontrando una vía alterna al desierto del sur de California para profundizar en su música, pero sin poner en peligro su identidad.

KARINA CABRERA

nuevo disco de

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NOTA FINAL

Donde la magia sucede:

Armory Studios, San Francisco Por RODRIGO JARDÓN

The Armory es un enorme edificio histórico de la ciudad de San Francisco, California, que sirvió para guardar las armas de soldados de principios del siglo pasado y que desde el 2007 es el hogar de kink.com, un imperio de pornografía para “sexualidades alternativas” o BDSM (Bondage, Disciplina y Dominación, Sumisión y Sadismo, y Masoquismo). Este paraíso porno ofrece hoy en día

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visitas guiadas a sus instalaciones, que van desde calabozos llenos de celdas, tambos de lubricante, cadenas y grilletes, hasta exquisitos salones decorados con tapetes, cortinas de terciopelo, candelabros y pinturas al óleo que retratan escenas de sus cintas pornográficas extremas.