FILTER México #7

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*** La noticia de la visita de The xx a México entusiasmó tanto a nuestros lectores como a quienes formamos parte de la redacción de FILTER México, que desde que supimos de sus próximos conciertos nos dimos a la tarea de localizarlos.

En la entrevista con Oliver Sim, él explica la importancia que tiene para ellos haber obtenido un Mercury Prize, por qué se tardaron “tanto” en lanzar Coexist y reflexiona sobre la carrera de la banda y la relación entre los integrantes.

Mientras leen esta edición, disfrutarán de nuestra cobertura del Festival Internacional de Benicàssim (España) y conocerán un poco más a The Volture y Descartes a Kant, bandas que nos abrieron las puertas de sus centros de operaciones.

Después de una portada con Sigur Rós no podíamos dejar a Islandia fuera de nuestro mapa musical, así que tener una entrevista con Of Monsters and Men resultó imprescindible; mientras que a Steve Martin lo consideramos para demostrar que hay más estrellas de cine que se toman en serio la música, aparte de Woody Allen.

Les recomendamos ampliamente el texto de Bobby Womack, que bien merecido tiene este tributo; la entrevista con Carla Morrison, que por fin ha dejado de sufrir; y la entrevista con Steve Martin, que no deja de sorprendernos.

Esperamos que disfruten la séptima edición de nuestra revista y nos vemos en la próxima FILTER Party. Recuerden que éstas han sido un éxito gracias a ustedes.

Pamela Escamilla Menchaca Editora en jefe

- C O N T E N I D O -

EN PORTADA

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THE XX

PAISAJES SONOROS

/ 12 /

ESPAÑA

LES PRESENTAMOS A…

/ 14 / / 16 /

OF MONSTERS AND MEN MICHAEL KIWANUKA

YA DEBERÍAS CONOCER A…

/ 18 / / 20 /

JAPANDROIDS THE VOLTURE

DE VISITA CON…

/ 22 /

DESCARTES A KANT

PRINCIPALES

/ 24 / / 28 /

CARLA MORRISON LIARS

COMEDIA, MÚSICA Y MÁS

/ 38 /

STEVE MARTIN

TV

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ESPECIALES MUSICALES

1.FILTER

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Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza

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Editora en Jefe Pamela Escamilla

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Editora Web Paulina García paulina@filtermexico.com

Colaboradores Paola del Castillo, Benjamín Espinosa, Beatriz Pecero, Paola Romo, Anna Stephens y Mara Vargas Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Fotografía Rodrigo Jardón y Óscar Villanueva Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Ventas Fernando Espinosa

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Alejandro Aguirre

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Alejandra Martínez alejandra@filtermexico.com FILTER México, Año 1, No. 7, (1 de septiembre al 15 de octubre 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 10, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011083012492100-102, ISSN 2007-3216. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 27 de abril de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

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VOL. 1, NO. 48, SPRING 2012.

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21 Años de

BLUR en un Boxset

USA JUEGA DISFRUTA

¿Qué podría ser mejor que haber visto a Blur tocando en Hyde Park como parte de la clausura de los Juegos Olímpicos? Bueno, tal vez no sea mejor, pero ¿qué les parecería tener tooooodos los discos de la banda remasterizados, 65 tracks inéditos, escenas nunca antes vistas y un booklet que documenta en arte y fotos la trayectoria de la banda de Colchester? Blur 21 reúne en un boxset las más de dos décadas que Blur ha estado en nuestros oídos y corazones.

http://blur.co.uk/blur21/ Por PAOLA ROMO

Un iPhone muy vintage Si tu alma de fotógrafo te exige tener un case vintage para tomar fotos cool y subirlas a Instagram, este estuche de piel es lo que buscas. Además de ser súper práctico y cómodo para tomar fotos, te permite acceder sin problemas a la pantalla.

www.fourcornerstore.com

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Longchamp x Jeremy Scott Las colaboraciones de Jeremy Scott con Longchamp se caracterizan, como todos sus diseños, por tener excéntricos patrones, figuras y telas. Para esta temporada presentó la maxi bolsa Multicolored Keyboard, basada en un objeto de nuestra vida diaria: el teclado.

www.colette.fr

Cuélgate del animal Si los ganchos tradicionales te parecen demasiado aburridos para tu excéntrico guardarropa, podrías utilizar alguno de estos modelos según tu animal preferido: zorrito, perro o un coqueto gato. Los puedes encontrar en Urban Outfitters.

www.urbanoutfitters.com

Vans LXVI. The Future.

The Future es como Vans nombra a esta nueva línea de tenis inspirados en los principios básicos de los deportes extremos, pero combinándolos con métodos de construcción y diseños que ofrecen a los usuarios flexibilidad y confort.

Vans LXVI es el modelo ideal para jóvenes que disfrutan de la estética clásica fusionada con líneas modernas y funcionales.

www.vans.com.mx

¡Hey, Zombie!

Guárdame este fierrito

Comme des Garçons busca a Wally ¿Se acuerdan de Wally? Aquel personaje flaquito, con lentes y camiseta a rayas que fácilmente podría pasar por un hipster en estos días. A 25 años de la creación del personaje de Martin Handford, la firma japonesa Comme des Garçons ha sacado una línea de camisetas y accesorios en honor a Wally o Waldo, como se le conoce en Estados Unidos.

¡Sí! La segunda temporada de The Walking Dead saldrá pronto a la venta y no sólo eso, sino que será con una edición especial Blu-Ray en un terrorífico empaque.

Los pasos a seguir: 1.Agarra el desarmador.

2.Deslízalo hacia arriba (como si quisieras sacarle el ojo al zombie).

3.Saca los DVDs. Puedes ordenar en preventa el boxset vía Amazon.

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www.comme-des-garcons.com/ 5.FILTER

UN CACHITO DE PARAÍSO EN TU CASA Por BEGOÑA ORTIZ ARIZA (Las Páginas Verdes)

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ierra los ojos. Piensa en el paraíso. ¿Qué imaginas? Probablemente muchas cosas, pero entre todas las ideas tal vez viene incluida mucha, mucha naturaleza. Y ahora me pregunto: si el paraíso tiene una estrecha relación con la naturaleza, ¿por qué no llevar un cachito de éste a tu casa?

Tener una azotea verde o un jardín vertical tiene infinidad de ventajas para tu hogar y, además, es mucho más sencillo de lo que crees. Este tipo de intervenciones naturales ayudan a controlar la temperatura interna del inmueble en el que estén, así como a mejorar la calidad del aire.

Además, una de sus grandes ventajas es la función decorativa que juegan.

Jupiter Images

Para instalar una azotea verde o un jardín vertical, lo primero que te recomendamos es que contemples la estructura de tu inmueble.

Normalmente, todos pueden soportar una azotea verde o un jardín vertical, sólo hay que definir de qué tipo y tamaño pueden ser.

Si crees que no es el momento para llamar a un especialista en azoteas verdes o jardines verticales, te recomendamos que comiences con lo que puedes hacer ahora mismo: -Reúne botes de aluminio usados, ollas viejas, latas, huacales, en fin, todo lo que creías que era basura y te pueda servir para contener una planta.

-Compra las plantas que más te gusten; en la ciudad hay muchos viveros en los que las personas que trabajan ahí te pueden dar consejos. Inclusive, puedes encontrar algunos que en sus procedimientos no utilizan fertilizantes o pesticidas dañinos para el medio ambiente.

Hemera Technologies

-Además de las plantas que ya colocaste, puedes decorar con otras cosas: una bici vieja, una mesa de madera para tomar el café, mosaicos, en fin, todo lo que se te ocurra.

Si quieres ir más allá y tener una azotea verde o un jardín vertical más profesional, en México existen varias empresas que pueden asesorarte en este proceso. Puedes encontrarlas en www.laspaginasverdes.com Así que ahora sabes los primeros pasos para llevar un cachito de paraíso hasta la comodidad de tu hogar y, al mismo tiempo, regresar a la naturaleza un poco de lo mucho que le hemos tomado prestado.

6.FILTER

Andrey Marzeev

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Le Baron

Vicente Gayo

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- P A R T Y -

6

Randy (Molotov)

Por ESAMIPAU! Fotos RODRIGO JARDÓN

DLD

E

l viernes 29 de junio celebramos la FILTERParty más grande hasta el día de hoy. La sexta edición de este festejo mensual tuvo lugar en el Auditorio BlackBerry con las presentaciones de DLD, Le Baron, Vicente Gayo y un DJ Set por parte de Randy, de Molotov.

Las puertas del nuevo Auditorio BlackBerry se abrieron a las 8pm para darle entrada a la gente que ya estaba formada afuera desde un rato antes.

La primera banda en saltar al escenario fue Vicente Gayo, que horas después participaría en Rock al Parque (Colombia), uno de los festivales más importantes de Latinoamérica. Entre cartulinas de “Voto útil”, “Despierta y vence” y “#YoSoy132”,

8.FILTER

Vicente Gayo tocó algunas canciones incluidas en su próximo álbum, que saldrá este año. Como siempre, la banda dio una presentación llena de ruido texturoso para bailar y rebotar con ellos.

Una vez terminado el set de Vicente Gayo, el público esperó pacientemente a que DLD tomara el escenario. Su set fue completamente enérgico: rock —en toda la definición de la palabra—, que fue muy bien recibido entre la gente que para ese entonces ya había llenado el espacio de pista del Auditorio BlackBerry y festejaba con nosotros (y nosotros con ellos). Obviamente DLD iba armado con material nuevo, que fue muy bien recibido por sus fans, quienes no dejaron de aplaudir sus rolas ni un segundo.

La tercera banda en presentarse fue Le Baron, que llevaban un rato de poca actividad en los escenarios debido a que sus integrantes estaban enfocados en la composición de más material. La banda salió, rompió el silencio y engalanó el sexto capítulo de la FILTERParty. Una de sus primeras canciones fue su sencillo “Inmóvil”, que funcionó tremendamente cuando se lanzó, así que obviamente fue una de las más coreadas. Un poco más entrado su set, los chicos de Le Baron tocaron algunos temas nuevos que retoman influencias de bandas como Mew.

Vicente Gayo

Al terminar Le Baron, se alistaron las tornas de Randy, baterista de Molotov, a quien invitamos para que hiciera un DJ Set para recibir la ley seca como se debe: bailando. Los primeros minutos del set transcurrieron con mucho hip hop hasta que la delegación hizo de las suyas y se tuvo que interrumpir su participación. Por ahí dicen que no es una verdadera fiesta si no llegan los policías a callarte, así que consideramos haber sido exitosos. Gracias a los casi cuatro mil asistentes que festejaron y se alegraron con nosotros en esta FILTERParty 6. Esperamos haberlos relajado un poquito antes del estrés del fin de semana electoral.

Randy

san pascualito - P A R T Y - rey ™

7

Al cierre de esta edición celebramos la séptima edición de nuestra FILTER Party. Los Pellejos se encargaron de abrir el concierto y la banda estelar fue San Pascualito Rey, quienes interpretaron desde “Hoy no es mi día” y “Nos tragamos” hasta “No voy a dejar”. Ni el hecho de que Pascual Reyes trajera muletas minimizó la energía de la banda en el escenario. ¡Los esperamos en la próxima!

Foto ÓSCAR VILLANUEVA

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FESTIVALES A LOS QUE QUERRÁS IR LOS PRÓXIMOS AÑOS Los melómanos cada vez tienen más oportunidades de disfrutar a las mejores bandas, gracias a que hay diferentes eventos para diversos presupuestos. Claro está que los de mayor renombre y curaduría mejor lograda se celebran en Estados Unidos y Europa.

Como siempre hay que estar al día con todos y cada uno de estos festivales, FILTER México te da a conocer algunos que seguramente en pocos años serán un must en tu agenda de viajes musicales.

CULTURE COLLIDE 4-7 culturecollide.com

FEST 26-28 oct.

oct.

Organizado por FILTER Magazine desde hace tres años, Culture Collide se realiza en la zona del Echo Park en Los Angeles y tiene como sede diferentes restaurantes y bares, ideales para pasar momentos inolvidables con las bandas alternativas del momento. Este 2012 no será la excepción y ya se confirmó la participación de Of Montreal, The Wombats, Patrick Wolf, Penguin Prison, Class Actress, Vicente Gayo y muchas más.

FUN FUN FUN FEST

funfunfunfest.com

thefestfl.com Con una historia de diez años, Fest se ha consolidado como un interesante evento que reúne a las mejores bandas de punk de la actualidad en el ámbito mundial. Se realiza en el poblado de Gainesville, Florida, en una decena de venues como restaurantes y bares. En Fest se pueden disfrutar de potentes conciertos, así como acústicos que le dan otro feeling a la música. Para el Fest de esta edición ya están confirmadas Braid, Delay, Isotope, Mixtapes, Ninja Gun, entre muchas bandas más.

2-4

NOV.

Celebrado desde 2006, este festival se ha posicionado como uno de los de mejor propuesta en lo independiente. Tiene su sede en la capital mundial de la música en vivo: Austin, Texas. Este año tiene en su line up a Run DMC, A$ap Rocky, Public Image Limited, Refused, Santigold, Turbonegro, Wavves, entre muchos grupos más.

Foto ASHLEY GARMON 10 . F I L T E R

11 . F I L T E R

PAISAJES SONOROS

ESPAÑNA Por BEATRIZ PECERO Fotos ARCHIVO FIB

Para la mayoría de los melómanos es imperdonable dejar pasar vivo algún festival internacional, pues no sólo es el momento musical, sino también todas las experiencias que se involucran en el viaje para llegar a él.

Actualmente resido en Madrid, España, y como buena amante de la música no podía dejar de asistir a un festival en Europa, por lo que fui al Festival Internacional de Benicàssim (FIB). Para ubicarlos geográficamente, el lugar está situado en la costa de la provincia de Castellón y es un municipio de la Comunidad Valenciana.

Para llegar a Benicàssim desde Madrid lo mejor es tomar un autobús que hace aproximadamente cinco horas, o bien, si vienes de Barcelona, puedes llegar en tren y tardar sólo tres. La ciudad es bastante pequeña, muy limpia y está ubicada a la orilla del mar Mediterráneo; la gente es muy servicial, pues saben que esa semana acuden una gran cantidad de turistas que van a disfrutar del festival y, aunque a veces hablen catalán, no les molesta hablar español para ayudarte. Para hospedarse hay dos opciones: hotel, con todas las comodidades y privacidad a las que por un mayor costo eres acreedor, o bien vivir la experiencia de acampar junto a casi 70 por ciento de los asistentes, modalidad con la que disfrutas grandes fiestas en la noche, conoces gente y, sobre todo, aprendes a convivir y a ser tolerante con los demás.

Foto de Noel Gallagher por ÓSCAR TEJEDA Fotos de Playa y camping por PAU BELLIDO

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Ya instalada en el camping y con mi pulsera para entrar al festival era necesario ir a la playa, que se encuentra a tan sólo un par de kilómetros del recinto. Con el mar Mediterráneo ante mis ojos, nada como beber una cerveza muy fría sin tener que hacerlo a escondidas de la policía, pues aquí se permite tomar bebidas alcohólicas en la calle. Con un caluroso atardecer había que ir a comer la tradicional paella valencia acompañada de un buen tinto de verano, bebida a base de vino tinto y refresco de limón.

En esta edición del FIB hubo grandes actos, como el reencuentro de The Stone Roses, quienes se veían muy cómodos y felices de estar haciendo una vez más lo que más les apasiona.

Noel Gallagher hizo lo propio al interpretar parte de su disco solista, aunque la mayoría estaba a la expectativa sobre qué canciones de Oasis cantaría. The Vaccines, The Maccabees, Howler, Django Django, Little Dragon, The Horrors y The Antlers pusieron muy en alto a la nueva camada del rock alternativo con unos episodios llenos de energía sobre el escenario.

En contraste con los nuevos grupos estuvo New Order, que destacó por la gran producción audiovisual durante su set; así como Buzzcocks, quienes dieron muestra de su consolidada carrera musical y de la experiencia que han adquirido a través de los años. Crystal

Castles, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, De La Soul y Agoria convirtieron las explanadas en verdaderas pistas de baile.

Uno de los aspectos más importantes de cualquier festival es la comida y el FIB tiene una gran variedad de todo el mundo, desde el tradicional kebab, pizzas, hamburguesas y hot dogs, hasta comida británica como el famoso fish & chips y gran variedad de currys en lo que a comida india respecta. Los precios de los alimentos están entre seis y doce euros, mientras que las cervezas para acompañar el festín culinario cuestan cinco.

Hablando del espacio para el Festival, los escenarios se encuentran bastante cerca. Eso desafortunadamente hace que en ocasiones se cruce el sonido. En cuanto a los servicios cuenta con todo, muchos baños, varias casetas de primeros auxilios y seguridad. Como en todo festival existe la venta de artículos que te harán recordar este evento, desde playeras, llaveros, pulseras, hasta toallas e incluso bóxers para los hombres.

El FIB es la combinación perfecta para los amantes de la música y de la playa. Está por consolidarse como uno de los principales festivales en Europa, pues dentro de dos años cumplirá sus primeras dos décadas.

PAISAJES SONOROS

Foto de The Stone Roses por ÓSCAR TEJEDA

ESPAÑNA 13 . F I L T E R

Les presentamos a...

OF MONSTERS AND MEN Por MIKE HILLEARY Traducción PAULINA GARCÍA Foto DAVID GALLARDO

Sobre el techo del Williamsburg Musick Hall en Brooklyn, Nanna Byndís Hilmarsdóttir y Ragnar “Raggi” Þórhallsson, líderes de Of Monsters and Men, toman un respiro de la locura del venue.

Con botas imitación Doc Martens, leggings y overol, Hilmarsdóttir parece estar lista. Se acomoda su larga y obscura cabellera de lado y se pone un sombrero a la Annie Hall. Por su parte Þórhallsson, con camisa escocesa y pantalones de mezclilla, es un recordatorio de que no toda la industria musical está dominada por vocalistas ñangos.

A 30 minutos de que empiece el soundcheck del concierto que darán, Hilmarsdóttir y Þórhallsson comentan que la rapidez de las últimas semanas les ha dejado poco tiempo de reflexión. Durante éstas, los dos (junto con los otros miembros de la banda) se han sometido a un itinerario de poco sueño y tocadas abarrotadas de gente lista para gozar de sus épicos temas folk-rock desde su llegada a Austin para el SXSW. Esto es algo sorprendente para una banda que jamás ha estado de gira por Norteamérica y está a unos días de lanzar su disco debut.

“Los músicos que conocemos en Islandia nos han dicho que la primera vez que han estado en Estados Unidos nadie fue a verlos”, dice Þórhallsson.

Antes de romper la tendencia del resto de sus paisanos, Hilmarsdóttir y Þórhallsson se conocieron cuatro años atrás en la capital islandesa Reikiavik, cuando Hilmarsdóttir salía con el mejor amigo de Þórhallsson. Para ese entonces Nanna ya tenía un proyecto acústico llamado Songbird; sin embargo, empezó a pensar en grande cuando Þórhallssonle presentó a sus amigos músicos Arnar Rósenkranz Hilmarsson (baterista), Árni Gujónsson (piano/acordeón) y Kristján Páll Kristjánsson (bajista). “Es más divertido compartir el escenario con más gente”, dice Hilmarsdóttir, quien es muy tímida. “Es muy difícil pararte ahí sola.

Quería compartir mi sufrimiento con alguien.”

salvaje; desde lobos, tigres y pájaros a bestias que aúllan y criaturas monstruosas. Pero la forma de contar historias en realidad tiende a alojar un poco de inspiración extraída de experiencias personales. “King and the lion heart” tiene un significado emocional para Hilmarsdóttir. Mientras su mamá sigue viviendo en Islandia, su hermano y padre (quien se volvió a casar) migraron a Canadá.

“Estaba extrañando muchísimo a mi hermanito”, platica. “Esa canción nació de eso. Él es el rey y yo soy el corazón de león. Es horrible tenerlo tan lejos y perderme de cómo crece. Así que esta canción es un mundo que él y yo podemos compartir”.

Otros temas fueron adquiriendo su valor con el paso del tiempo como “From Finner”, que cuenta la historia de una ballena que vaga por los mares con una casa sobre su espalda. Como centro tiene el coro que dice “Y estamos lejos, muy lejos de casa, pero felices / Lejos de casa, solos, pero estamos felices”; Hilmardóttir dice que el contexto de la canción ha cambiado. “He estado pensando en eso porque estamos fuera haciendo cosas y de gira, lejos de todos, pero la estamos pasando increíble”, cuenta. “En el momento que la escribimos no parecía tener un significado en específico”.

3 DISCOS

QUE INSPIRARON A OF MONSTERS AND MEN A HACER MÚSICA

THE POSTAL SERVICE /Give Up

Dos semanas después de hacer de su lineup actual el oficial, Of Monsters and Men entró en la edición 2010 de Músíktilraunir, una batalla de bandas en Islandia. Resultaron ganadores del concurso y con el tiempo de estudio que era parte del premio grabaron la primera versión de “Little talks”, que al día de hoy es su éxito más grande.

Mientras la canción llegaba a estaciones estadounidenses como WRFF en Filadelfia y la KEXP de Seattle, la banda se encerró durante tres días en el estudio para grabar las bases de su LP debut. Después de una meticulosa instrumentación y voces grabadas a altas horas de la madrugada, el disco se lanzó en Islandia en septiembre del año pasado.

My Head Is an Animal abarca el romanticismo en su máxima expresión y acumula tensión a través de riffs de guitarra acústicos, arreglos de acordeón y cornos, armonías vocales y los ocasionales y pegajosos “la-la-la”. como lo sugiere su título, el LP está lleno de imágenes referentes a la vida 14 . F I L T E R

THE CURE/ The Head on the Door

BON IVER/ For Emma, Forever Ago

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Les presentamos a...

MICHAEL KIWANUKA

Por LOREN AUDA POIN Traducción ANNA STEPHENS Foto SAM BUTT

En un mundo perfecto, el álbum debut de Michael Kiwanuka estaría disponible sólo en acetato. De esta manera, cuando quisieras escuchar la producción —de reconfortante título Home Again— estarías obligado a colocar la aguja en el disco y escuchar un saludable crujido precedido de una voz fuerte y clara como agua corriente, acompañados por una banda de groove digna de Van Morrison, Otis Redding o cualquier otro experto en soul de antaño.

Acetato o no, la crudeza y sinceridad en la voz de Kiwanuka proporciona fácilmente un efecto a la inversa por el paso del tiempo y ese es su objetivo. No es que las cualidades de la música de Kiwanuka se deban exagerar, mucho menos el poder de sus canciones (que por cierto, fueron escritas mucho después del nuevo milenio). Por el contrario, su objetivo es aprovechar el torrente de imaginación atemporal que ha inspirado a sus héroes. Esto es un grupo variado, desde los clásicos de los Beatles y los Stones a James Brown, Shuggie Otis, Sly Stone y Neil Young, con algunos grandes del jazz y, posiblemente, un poco de Blur.

Nacido de padres ugandeses en un barrio de clase media del norte de Londres, Kiwanuka se adentró en las joyas musicales del rock, soul y folk en las tiendas de discos de esta ciudad. A la impresionable edad de 15, descubrió los artistas clásicos antes mencionados e inmediatamente reconoció algo familiar, aunque sorprendentemente diferente de las bandas pop con las que había estado obsesionado. Al mismo tiempo, el aspirante a guitarrista encontró que estar bien rodeado y mantenerse con los pies en la tierra es algo bueno. “Todos esos artistas me abrieron los ojos de qué tan lejos la música puede llegar, lo que me obligó a tomármelo más en serio”, dice Kiwanuka, en un excesivo tono educado y caballeroso.

Tan serio que, a través de trabajo duro y una actitud inquebrantable casi religiosamente positiva, fue capaz de conseguir un trabajo como guitarrista de sesión, un trabajo que disfrutaba... bueno, tanto como se puede disfrutar de cualquier tipo de trabajo. Kiwanuka explica: “Fue en ese momento cuando empecé a llevar mi carrera como músico más lejos y a creérmelo. La forma en la que me hizo sentir y tal vez el hecho de tocar diario lo hicieron muy atractivo para mí. Me estaban pagando por tocar la guitarra. Era la mejor forma de hacer dinero. Y cuando digo esto, me refiero a una módica cantidad de dinero, pero lo suficiente para no tener que buscar otro trabajo y para que mis padres estuvieran contentos”.

Durante las noches, después de hacer realidad los sueños musicales de los demás, se concentraba en los suyos, bocetando ideas de canciones y probando los límites de su estable pero potente voz.

Pronto, no podía parar. “Me gusta mucho expresarme en una canción”, dice. “Eso es algo que realmente disfruto. Sin el afán de escucharme dramático, realmente me gusta hacerlo y me ayuda a 16 . F I L T E R

controlar mis propios nervios de subirme solo al escenario y ese tipo de cosas. Te rompe los nervios, se siente como que hay mucho más que perder, pero al mismo tiempo tienes más que ganar, supongo que mucho más”.

Al terminar el primer disco, Kiwanuka comenzó a descubrir lo gratificante que es contar con libertad creativa. Grabado en la Isla de Wight, en la casa del productor Paul Butler, Home Again cuenta con un elenco de gente amable reunida por Butler. Este compañerismo refleja la perfecta y sencilla armonía que contenían grandes discos de pop de las décadas 60 y 70.

Para Kiwanuka, toda esta empresa no es sólo una obsesión retro, se trata más de capturar la magia imborrable, misma que estos artistas del pasado fueron tan expertos en conjurar, y conectarla con la tradición de un arte noble. “Cuando los escucho, después de haber sido un músico profesional de estudio, definitivamente siento como si entendiera el proceso, que soy una parte de ese mismo viaje”, dice. “Así que siento como si yo fuera parte de un linaje, de escribir una canción y transmitirla de una forma que es única para mí, pero parte de algo más grande también. Básicamente, me hace sentir como si yo fuera parte de algo, que es una especie de por qué lo hago”.

Tal vez, más que ser otro más en la línea de tiempo de los grandes artistas, el impulso principal de Kiwanuka para la creación de música viene de adentro. Un reflexivo, perpetuo autoexaminador, al joven artista le puede ser útil lo suficiente como para notar que esta lealtad a sí mismo también es compartida por los más brillantes ejemplos de sus compañeros. “Neil Young, Joni Mitchell, Marvin Gaye, lo que todos ellos tienen en común para mí es que siempre están cantando acerca de algo que les interesa. Ellos siempre están en concordancia con lo que son, y eso es realmente lo que me influye. No es sólo un cierto estilo de música; el sentimiento es lo que es realmente importante, y es por eso que hago música, también”.

3 DISCOS

QUE INSPIRARON A MICHAEL KIWANUKA A HACER MÚSICA

BOB DYLAN / The Freewheelin’ Bob Dylan

MARVIN GAYE/ What’s Going On

SHUGGIE OTIS/ Inspiration Information

Atrévete a probar cosas nuevas,

atrévete a vivir el Smirnoff Midnight Circus

Smirnoff Midnight Circus es una plataforma mundial, experiencias únicas de vida nocturna que se realizarán en más de 30 ciudades.

Esta celebración de los más nuevos y extraordinarios espectáculos nocturnos no es un circo en el sentido tradicional, sino una interpretación moderna creada por los más influyentes artistas de vanguardia.

En esta ocasión Smirnoff colaboró con David LaChapelle para llevar la visión de Smirnoff Midnight Circus a la vida, con una pieza multisensorial que inspira una serie de experiencias que tendrán lugar alrededor del mundo en los siguientes 6 meses. “You are in my head”, la obra del reconocido artista y fotógrafo será develada en el lanzamiento de Smirnoff Midnight Circus a escala mundial, el cual se realizará en la Ciudad de México el 7 de septiembre y tú puedes estar presente.

El objetivo de Smirnoff Midnight Circus es probar lo nuevo, salir de tu zona de confort y descubrir tu verdadero yo nocturno, la mejor versión de ti mismo. ¿Dejarás pasar esta oportunidad? Sé parte del Smirnoff Midnight Circus y descubre la noche como nunca antes.

@SMIRNOFFMX

www.facebook.com/SmirnoffMexico

CONOCER ES NO EXCEDERSE y www.alcoholinformate.org.mx

17 . F I L T E R

Ya deberías conocer a...

JAPANDROIDS Por LAURA STUDARUS Traducción BENJAMÍN ESPINOSA Foto MARC LEMOINE

“He estado diciéndole a la gente que me metí en una pelea para defender el honor de una dama”, explica el guitarrista-vocalista de Japandroids, Brian King, cuando el tema de nuestra conversación es una herida fresca y desagradable a lo largo de su nariz. Después de la explicación de la perspectiva de su compañero de banda, el baterista-vocalista David Prowse, con respecto a la situación, King expresa una sonrisa tímida —admitiendo que el corte lo causó un borracho con un cuchillo el día anterior, cuando trató de cortar las numerosas pulseras de su brazo. “No se me ocurrió que fuera malo. Le dije a Dave justo después, cuando estaba inclinado sobre el lavabo, ‘¡Dave, creo que hice algo malo!”

Además de los siete temas originales que produjeron en su tiempo en el estudio, también hubo un cover a The Gun Club, “For the Love of Ivy”. Para Japandroids —cuyo catálogo está salpicado de covers, tales como canciones de Big Black y Nick Cave— hacer homenaje a una de sus bandas favoritas se sentía natural.

“Él es muy tranquilo”, añade Prowse, con un marcado acento canadiense en sus palabras. “Yo estoy allí para cuidar las heridas de la cara causadas por el cuchillo.”

Aunque el boom de Celebration Rock no es exactamente un mixtape tradicional, King señala que el álbum tiene el sello de aprobación de la más grande fan de la banda —la madre de King.

Su relación se extiende más allá de la administración de primeros auxilios. Juntos desde 2006, los integrantes del dúo de rock garage ruidoso con sede en Vancouver ha encontrado su camino fuera del escenario en un puñado de EPs y álbumes —su más reciente esfuerzo (segundo) es, Celebration Rock.

“Ella va a todos nuestros shows”, dice King. “Se esconde en la parte posterior y compra tragos para nuestros amigos”. “Art Czars” es su tono para el celular”, añade, haciendo referencia al debut de la banda.

Anclado por el rechinido de las guitarras y la pelusa lo-fi del primer sencillo, “Younger Us”, es un álbum de tono optimista y frenético que oculta su prolongado periodo de gestación. “Fue un proceso raro”, declara King de las sesiones de Celebration, que duraron más de un año.

“A veces cuando estoy en su casa, suena su teléfono y oigo una versión rara de la canción que sale de su iPhone”, King se ríe.

Durante su tiempo en el estudio les ayudó el ingeniero Jesse Gander —a quien King y Prowse consideran como el tercer integrante no oficial. No sólo el papel de Gander en el estudio le aseguró a la banda un horario flexible para las grabaciones de la banda, sino que King y Prowse se encontraron cómodos “actuando como tontos” frente a su viejo amigo, quien ha dirigido todos los lanzamientos anteriores de Japandroids. “Jesse puso un micrófono grande en el centro del estudio, nosotros sólo escuchábamos en los audífonos y gritábamos”, dice King, en sus intentos por recrear la exuberancia de sus shows en vivo. “No nos gusta que otras personas estén merodeando alrededor cuando hacemos eso. Mucho tiene de prueba y error. Es más sobre tratar de tener un sonido que se siente, es tu sonido y tu manera de hacer las cosas”.

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“Las bandas siempre reconocen que hay una banda más grande que ellos y pueden hacer algo que no somos capaces de hacer”, dijo Prowse. “Me tocó tratar de obtener la dirección de Kid Congo Powers [el líder de The Gun Club]”, admite King. “Así que le voy a enviar una copia cuando esté listo. Esperemos que le guste”.

“¡Yo no sabía eso!”, Exclama Prowse, impresionado.

Aunque King y Prowse reciben muchos elogios, por parte de sus familias, de cada álbum cuando apenas lo van a lanzar, ambos lo encuentran difícil de creer. “Cuando estábamos sacando Post-Nothing nos quedamos con la esperanza de hacer una gira por Canadá y tal vez hacer algunos shows por la Costa Oeste de Estados Unidos, o algo así”, dice King. “No teníamos ambiciones de ser una banda que llegara a recorrer todo el mundo”.

Incluso con un una gira de verano por delante y memorables conciertos como en el Pitchfork Festival y el Siren Music Festival en su retrovisor, ambos creen que sus mejores conciertos son en su ciudad natal. “Cuando tocamos en casa, nuestros padres están ahí y todos nuestros amigos también. El concierto es una excusa para reunir a todos”.

Así que si ves a la señora King escondida en la parte posterior durante uno de sus conciertos, asegúrense de pedirle un trago.

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Ya deberías conocer a...

the

VOLTURE Por PAMELA ESCAMILLA Foto LESLIE DE LA MORA

Seguramente ubicas a Maurizio Terracina por haber sido integrante clave de una de las bandas más representativas de “la avanzada regia”, cuando todavía era novedad ese término y todos estos músicos aún vivían en Monterrey. Hace pocos años, el –alguna vez– bajista de Zurdok y Vaquero inició su proyecto.

En palabras del músico, quien dio una entrevista exclusiva para FILTER México, “The Volture es una banda de rock clásico, sin rebuscarle; retomamos el formato de banda de rock & roll: batería, guitarra, bajo y voz. Tocamos rock pesado pero no es una cuestión metalera ni dark. Nos gusta disfrazar la música de esta manera: que suene fuerte y que el show sea entretenido para la gente”.

Para Terracina, la prioridad es hacer y grabar material que pueda tocarse en vivo, sin exceso de efectos. “En las otras bandas nos metíamos mucho rato en el estudio y tratábamos de luchar y retarnos a nosotros mismos, hacer arreglos distintos… los discos de The Volture están hechos de cierta manera y sí tienen arreglos, no estoy diciendo que sean aburridos, pero los elementos son un poco más limitados. En The Volture, el disco suena un poco más ordenado, comprimido y conciso, pero en el escenario 20 . F I L T E R

es una bomba, podemos llevar eso a otro nivel”, explicó Maurizio, quien también ha producido a Niña y 60 Tigres, entre otras bandas.

Aunque desde un inicio The Volture no fue conceptualizado como un grupo, durante la vida del proyecto Terracina se ha rodeado de músicos reconocidos en la escena nacional, tales como Chivo Elizondo (60 Tigres), Efrén Barón (División Minúscula), Miguel Hernández (Los Dynamite) y Rodrigo Guardiola (Zoé), por mencionar algunos. “Aquí han tocado la mayoría de los Jumbo, Catsup tocaba conmigo en Zurdok y Guardiola tocaba conmigo en Vaquero, no dudo que al rato Chetes también lo haga. Es una cuestión de reclutar los integrantes de la familia disponibles. Trato de rodearme de amigos más que de músicos que sepan tocar bien”, agregó Maurizio.

Lo más reciente de The Volture es Sonoma, que de acuerdo con Terracina se diferencia de The Volture (álbum debut) en que todas las canciones fueron compuestas para esta obra.

“El anterior es como una compilación de temas que ya tenía desde hace mucho”, indicó Maurizio, quien sostiene que haber lanzado el segundo material es lo más relevante que le ha ocurrido a su proyecto, para el que ya comenzó a componer nuevas canciones.

SKATEBOARDING

Por

Dickies se sube a la patineta y forma un gran equipo con los grandes del skating. El grupo para 2012 se conforma por Tom Remillard, Jim Greco, Kevin Terpening y Vincent Alvarez.

Vincent Alvarez

Patinar habla más fuerte que las palabras, y nadie prueba esto major que el originario del este de Los Angeles Vincent Alvarez. Se dio a conocer cuando fue coronado Rey de LA en 2007, un título que realmente no tiene relevancia para él. Como dijo en una entrevista antes del concurso: “Sólo vine a patina y a divertirme, creo que hay un título en juego que, si tiene que llegar, llegará”. Es evidente para cualquiera que lo vea, que esa misma actitud es reflejada en el deporte.

Lugar favorito para patinar: Los Angeles.

Truco favorito: Switch nollie heelflip.

Jim Greco Ya sea para su siguiente gran participación en un video o sólo para un pequeño demo, Greco lo da todo. También es responsable de algunas de las compañías más influyentes en el mundo del skateboarding; él fundó Baker Boys Distribution con Andrew Reynolds y Erik Ellington. Los tres, con la ayuda de algunos amigos, están a cargo de Baker Skateboards y Deathwish Skateboards. Ya sea con su banda, The Silverdrones, patinando o en los negocios, Greco hace todo con tal determinación y estilo como nadie más.

Lugar favorito para patinar: Wilshire (Los Angeles, California).

Truco favorito: 270 Lipslide down rails.

Kevin Terpening

Ohio tiene una fuerte tradición en skateboarding y Kevin es una de las nuevas-más-disfrutables-de ver adiciones a esa historia. Kevin es un chico del Alien Workshop y eso puede ser visto en su sólido, lleno de estilo y bien pensada propuesta del deporte. Kevin nos ha dado constantemente gran material fílmico y fotográfico, por lo que sólo podemos esperar que no baje este ritmo.

Lugar favorito para patinar: Tierra aplanada o mini rampas.

Truco favorito: Straight no comply.

Tom Remillard

Dada la cantidad de conocimiento e historia del skate que Tom, es sorprendente escuchar que sólo tiene 21 años de edad. Él fue formado sobre las más importantes transiciones de cemento y su mentor fue uno de los grandes del concreto: Peter Hewitt.

Esto se nota en el momento en que lo ves patinar o lo escuchas hablar. Tom es otro representante de la nueva generación de skateboarders que luce cómodo en cualquier terreno y uno de los pocos patinadores que tiene un conocimiento y respeto profundo por la historia de esta disciplina.

Lugar favorito para patinar: la cuneta de la calle de su casa.

Truco favorito: Standard slash grind.

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De visita con

DES CAR TES

A KANT

En su lugar de destrucción…

Por MILTON BARBOZA

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Fotos RODRIGO JARDÓN

De visita con

DES CAR TES

A KANT

Más fotos en facebook.com/FILTERMexico Sandrushka, Memo, Cristina, Andro, Dafne y Gigio conforman una familia, una comuna o como deseen llamarle, que termina en una razón de ser: Descartes a Kant. Los músicos tapatíos hace dos años decidieron cambiar de aires para hacer base en el D.F. con el objetivo de salir adelante con este proyecto que es hoy uno de los más importantes de nuestro país.

el mismo festival, además de que muchas bandas presentaron disco en esas fechas. Seguimos tocando y abriendo puertas en estados de la República; también hemos logrado tener contacto con nuevos artistas e iluminadores, que son actividades con las que Descartes coquetea mucho pero para las que no había encontrado gente tan profesional y capaz”.

Una casona de la colonia Condesa es el destino al que llegamos.

La puerta se abre y nos reciben Chato (representante de la banda) y Cristina (sintetizador, guitarra y voz), quienes nos invitan a sentar en la sala a la que llegan todos los demás Descartes. La casa es grande y tiene muchos años de vida, pero aun así tiene ese aire de energía que le han impregnado los músicos, quienes se la pasan muy bien aquí.

Descartes se ha caracterizado por la teatralidad de sus presentaciones, misma que va de la mano con los outfits que usan. Sandrushka habla de ese elemento primordial del grupo: “también quisimos darle un giro para que se sintiera un parteaguas entre lo de antes y lo de ahora, entonces nos falta llenar un catálogo de más opciones; la complejidad y la segmentación de los accesorios lo convierte en algo más teatral en lo que se van cambiando los personajes”.

“Se llama Mansión Descartes, lugar de destrucción”, asegura Dafne, mientras que Sandrushka afirma que Gigio es el velador. “Además de nosotros viven tres personas más, cada quien cocina un día o por equipos. Al principio era muy caótico pero ya encontramos un orden de parejas. En el garaje hemos tenido clases de actuación, a veces la casa ha estado llena de tela cuando hacíamos nosotros los vestuarios. Pasa de todo aquí”, agrega Memo.

De acuerdo con Dafne, el hecho de vivir juntos los ha unido como banda, lo que se refleja en su trabajo. “Nos ha permitido llegar a un nivel de organización bien cabrón, desde las cosas más elementales como el respeto y uso de los espacios comunes, hasta quién va a hacer de comer, cómo se van a organizar los ensayos y la logística de los shows”.

Y hablando de su labor, Il VisoreLunatique es su más reciente disco y requirió bastante tiempo terminarlo. Andro habla sobre eso: “el disco tardó tres años en grabarse y hubo cambio de integrantes, además de que nos mudamos al D.F., pero en marzo que lo presentamos nos acaparó el Vive Latino y hubo prisa por sacarlo a la venta. Ahora estamos planeando hacer un relanzamiento porque creemos que perdió mucha fuerza por

Sobre este concepto que ha caracterizado a Descartes, así como muchos otros temas como la misma música, ha surgido un sinfín de críticas de las que tratan de tomar sólo lo esencial.

“Como ejercicio de lectura de tu trabajo siempre es bueno: la crítica mala a este disco fue que se tardó un chingo en salir.

Pero al trabajo creo que no ha sucedido, es más bien hacia nuestra capacidad de respuesta”, opina Andro.

Por su parte, Memo reconoce que hay otras críticas más enfocadas hacia los shows: “por ejemplo Gerry (Rosado, productor de la banda), que ha sido parte fundamental de Descartes y que sabe todo, nos dijo que era demasiado lo que estamos haciendo, que la gente no capta todo lo que sucede en el escenario y necesitamos hacer algo real con ellos”.

A la fecha, la banda se ha convertido en una verdadera familia que hoy tiene un segundo hijo llamado Il Visore Lunatique, que para octubre o noviembre de este año tendrá un segundo aire que le dará una nueva vida y, sobre todo, una proyección más fuerte a la música de la agrupación, que es de las más importantes y propositivas de los últimos diez años en México.

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Carla PRINCIPALES

Morrison

Voz, música, sentimiento, fama y, a fin de cuentas, felicidad

Por ESAMIPAU! Fotos RODRIGO JARDÓN

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PRINCIPALES

V

oces bonitas hay muchas, pero encontrar a alguien que además de cantar bien logre removernos hasta la más recóndita vena melancólica dentro de nuestro cuerpo es raro. Carla Morrison tiene la virtud de hacer que aquellos sentimientos que estamos acostumbrados a reprimir nos afloren apenas empieza a cantar. Este joven talento pone la honestidad de sus composiciones por delante y toma escenarios a lo largo y ancho de la República cantando de amor para oídos atentos que la acompañan en su sentir.

porque nunca falta el borracho o el que está en otro rollo, entonces ha sido una experiencia rara pero súper gratificante también. Poder decir que aprecian lo que haces y están callados escuchándote, son sentimientos muy bonitos y positivos que al final del día claro que me impresionan. Es lo que todos los músicos queremos, que te escuchen y que te den una oportunidad.

Para Carla Morrison lo más importante es no reprimir sus sentimientos para plasmarlos en las cuerdas de su guitarra tal y como son. Lo que para muchos podría ser algo abrumador e imposible de lograr, para ella es como una terapia. Desde el canto hasta el ritmo, la sinceridad de Carla Morrison ha alcanzado a oídos y corazones empáticos que cantan cada uno de sus temas con sus propias experiencias en mente.

Al principio estaba sola y luego un día mi hermano — que es baterista— me dijo que podía integrar más cosas.

Yo pensaba que no quería más gente porque siempre es un pedo, hasta que dije “bueno”. Entonces un día se integró una chica, luego un chico, luego decidí meter un bajo.

Pudimos sentarnos con la alegre (sí, alegre y risueña) Carla Morrison para platicar acerca de cómo ha vivido la increíble experiencia de que su música sea escuchada y bien recibida por oídos cada vez más inquietos. ¿Cómo definirías este último par de años en tu vida?

De mucho crecimiento, intensidad, infinitos bellos momentos, pero sobre todo mucha intensidad; algo así como el Batman the Ride. ¿Estos momentos que has vivido se han reflejado a la hora de componer?

En realidad trato de separarlo. Intento componer acerca de mi vida personal sin mezclar lo profesional. Mi vida profesional tiene altibajos, y afortunadamente ha ido más cuesta arriba que abajo, pero trato de tenerlos muy aparte. Escribo de la experiencia humana y espiritual; de todo lo que Carla siente.

Hay cosas que suceden en tu carrera que traen como consecuencia momentos en tu vida personal. ¿Te resulta complicado separar una de otra?

En algún momento sí me llegó a costar algo de trabajo pero no es tan difícil porque tengo muy claro qué es lo que quiero y qué es lo que no, entonces trato de tenerlo muy separado. Hubo un momento, cuando las cosas empezaron a crecer en que sí me costaba trabajo, pero hasta ahora he logrado tenerlo aparte. ¿Cómo es el sentimiento que tienes cuando estás parada frente a un público grande que guarda silencio para escuchar tus canciones?

Una vez que toqué en Ensenada, me di cuenta que la gente estaba muy interesada en escuchar no tanto la música, sino lo que tenía que decir —con todo y puntos y comas. Eso me parece muy interesante también

¿Cómo escogiste a los músicos que te acompañan ahora en el escenario?

Al principio era muy fácil porque estaba lejos y no era tan conocida en el norte como acá, entonces escogía a mis amigos. Pero más que nada escojo a gente que sea responsable y que se tome en serio el proyecto. Les explicaba que iba a haber shows y giras y que necesitaba que estuvieran pilas y que sacaran lo mejor de todo.

Cuando me iba a Estados Unidos, llevaba a un baterista que tenía visa y él me acompañaba con el bajista.

Luego, cuando me invitaban a tocar acá, como no había suficiente presupuesto para pagar el pasaje de los otros chicos, conocí a través de Juan [Torreblanca] a gente que me podía ayudar y con la que había buena onda.

Me gusta escoger a la gente por su disposición y su energía, no sacrificaría a un músico talentoso por otro igual de talentoso pero con el que tenga química y que pueda platicar con él, que si en algún momento siento que no pueda lograrlo, esa persona me diga “claro que sí, estamos acá atrás de ti”.

Al final vamos a convivir mucho tiempo, entonces trato de que sean personas mágicas, que les guste y respeten mi música porque vamos a escuchar las mismas rolas muchos días.

Las veces que ha sucedido que compones un tema mientras estás de gira, ¿te acercas a tus compañeros para pedirles ayuda o para de alguna forma componer juntos?

No, siempre soy yo sola. Generalmente tengo las rolas en maquetas y tengo una idea de quién quisiera que me ayudara a producirlas y a construirlas. Hay veces que estamos ensayando y pasa que tomamos un descanso, me pongo a tocar algo nuevo, y ellos me acompañan y me dan ideas. Pero yo nunca me acerco a ellos, porque prefiero esperar al momento de trabajar en material nuevo para mostrarles todas las canciones y trabajarlas.

Hay veces que si estamos montando las nuevas canciones no podemos hacer la versión del disco, pues hacemos otra y es ahí cuando ya empezamos a interactuar todos y a dar ideas.

Hay rolas que ya me harté de tocar como siempre y las 25 . F I L T E R

PRINCIPALES

reinvento. Entonces les digo que me ayuden a mejorar la canción, les expreso mi inquietud y ellos me dan ideas. Creo que ahí es cuando más colaboramos, cuando tengo ganas de re-versionar. Hubo un momento donde yo ya estaba muy cansada de “Una salida” y se me ocurrió hacerla como hawaiano con country y ellos me ayudaron a sacar la idea.

Escribir puede ser una terapia, pero al igual que en una de éstas, hablar de ciertas cosas resulta muy complicado y debe haber algo que en realidad no quieres contar. ¿Recuerdas alguna rola que se te haya dificultado sacar?

No me había pasado nunca, pero sí con “Maleza”, que viene en el nuevo disco. Esa canción es muy humillante porque básicamente le estoy rogando a la otra persona que vuelva, que no importa lo que pase o lo que haga y que me haya mandado a la chingada, yo quiero que vuelva. Entonces, era muy degradante que yo le hiciera saber al mundo que le estaba diciendo “regresa a mí”, y por un segundo pensé “no, that’s too much”. Pero después dije “¡NO! Justo es eso, y dejémoslo así”, pero sí te pone a pensar y siento que la gente va a creer que soy una súper azotada, pero no es así. Estoy tratando de comunicarme de la forma más clara posible para que la gente sepa que todos nos llegamos a sentir de esa manera a veces. Para mí es más importante que todos se identifiquen y desahoguen con lo que puedo llegar a crear que reprimirme, porque eso es justamente de lo que estoy en contra, de reprimir mis sentimientos.

Tu público es muy joven, tienen diferentes formas de ver las cosas, mucho más fresca que personas de otra edad. ¿Cuál es tu virtud favorita de ellos?

Que son muy tolerantes y abiertos. Internet es un arma de doble filo y es a través de este medio que dan su opinión a valer. Todos sabemos lo que queremos, entonces es padre que ellos sepan lo que está pasando gracias a las redes sociales . Es un público muy honesto, sí, tiene su intensidad y sus impulsos porque es joven. Pero a la vez apoyan mucho, están conscientes de lo que son las bandas independientes, de que —por ejemplo— yo pago mi renta de la música. Es bien padre que la gente aprecie

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eso y te apoya para que sigas haciéndolo. También son rebeldes y por lo mismo están sucediendo todas estas marchas, porque el público joven ya está harto y —a diferencia de otras generaciones donde no creían poder alzar la voz—, ellos saben que pueden cambiar al mundo y saben que el futuro está en sus manos. Entonces es cuando dicen “¡Claro!

Claro que podemos hacer algo. Si estamos haciendo esto”, y eso está muy chido porque tienen ganas de cambiar. Todo ese impulso, balanceado, es lo mejor.

Estabas diciendo hace rato que tenías algunas canciones en maquetas, que me imagino, podrían convertirse en canciones de tu próximo álbum. ¿Has pensado en algún productor con el que te gustaría trabajar? ¿Tienes alguna wishlist?

Fíjate que soy la peor en cuanto a eso porque no me pongo a escuchar productores ni su trabajo. Yo soy muy “rancho” para eso, entonces —hasta ahorita— no he escuchado otros productores más que con los que he trabajado. Claro que sé que hay muchos que han hecho cosas padrísimas, pero cuando me dicen que tal persona quiere trabajar conmigo y no lo conozco como que prefiero trabajar con alguien que conozca, ¿sabes? Hasta ahorita no he visto nada de eso, lo que sí se es que en mis discos todo siempre es coproducido.

Una parte de mí en realidad no quisiera cambiar de coproductor porque me quedé muy feliz con Juan [Torreblanca] y con Landón, como que sí quisiera trabajar con alguien más, pero no sé… Creo que también se lo estoy dejando al tiempo porque mis canciones nuevas son muy distintas, son como de una Carla contenta, entonces no sé qué tanto cambie eso. Como que hasta ahorita, todas mis canciones han sido tristes y muy tristes, pero ahora estoy muy muy contenta. He pensado mucho en hacer una canción a dueto con Rubén Albarrán, pero nadie en la producción. Y es que como que nunca pienso mucho en productores “de curriculum”, más bien surge de estar con una persona que hace mucha química conmigo y creo que me podría entender.

Justo como con Juan y Landón, a quienes una madrugada como a las 3 a.m. comiendo pozole les dije que si querían producir el disco conmigo. Mucha gente pensó que por haber producido un disco con Natalia [Lafourcade], mi siguiente álbum iba a ser con alguien más acá pero pues no, al final terminé eligiendo a quien me hiciera sentir mejor.

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PRINCIPALES

LIARS

TRES HOMBRES

UN PLAN Por MARTY SARTINI GARNER Traducción ANNA STEPHENS Fotos LIARS

La duda ha puesto a Liars en un vasto y hostil brezal.

“Esto es algo por lo que todos pasamos, todos tenemos esa sensación de incertidumbre y duda que es parte de nuestro proceso”, dice Angus Andrew refiriéndose tanto a la realización del nuevo álbum de su banda, como a la vida humana, “pero para nosotros es importante que estamos haciendo algo que está fuera de tu alcance normal”. Cuando el líder de Liars habla de la relación entre el principio y el fin de las cosas, de aventurarse a salir al desierto para ser acuchillado y golpeado, lo hace en serio. Tiene razón, y la tiene contra todos los pronósticos razonables, porque él y su banda casi siempre tienen la razón a pesar de ir contra todos los pronósticos razonables.

Por más de 10 años, Liars —Andrew, junto con el cofundador y también compositor Aaron Hemphill y el percusionista Julian Gross— han editado una serie de producciones que no parecen pertenecer a la misma banda. Una aleatoria vista al catálogo del grupo bien 28 . F I L T E R

te puede arrojar tanto el éxito dancepunk “Mr. Your On Fire Mr.”, como el collage sonoro de “Read the book that wrote itself”. Para el Drum’s Not Dead del año 2006, arrastraron la batería del tribal hacia el frente del escenario y redujeron sus guitarras. Regresaron 18 meses después como si nada hubiese ocurrido, con guitarras furiosas, y para 2010 con Sisterworld el grupo divagaba en su fanatismo por Nick Cave.

Es inevitable entonces, que el nuevo WIXIW (se pronuncia “wish you”) sólo pueda haber venido de Liars, aunque sólo sea porque no suena como algo que hayan hecho antes. “Hay una gran época en donde todo es la experimentación”, dice Andrew acerca de la grabación del álbum. “Te dedicas al desarrollo y la catalogación de cientos de sonidos interesantes que has creado”.

La primera escucha de cada nueva canción de Liars puede ser desorientadora para los fanáticos de producciones anteriores. El cambio en el sonido es tan

fuerte que Hemphill dice de WIXIW: “es la antítesis de lo que hicimos en Sisterworld. Sabíamos desde el principio que queríamos abordar este álbum desde un punto de vista electrónico”, dice Andrew. “Es natural y normal para nosotros, buscar algún tipo de reto cada vez que hacemos un disco “.

Mute, el sello discográf ico de Liars desde el lanzamiento en 2004 del álbum They Were Wrong, So We Drowned, se hizo de un nombre gracias a la música bailable del tipo de Depeche Mode (banda de muchos años del sello). Actualmente la compañía incluye a proyectos como M83 y Goldfrapp, quienes van por la misma dirección. “Tenemos una gran relación con Daniel Miller, quien dirige el sello, y que es una especie de virtuoso y es muy venerado en el mundo de la música electrónica”, dice Andrew.

A pesar de la orientación de expertos como Miller, WIXIW no fue fácil. Andrew y Hemphill nunca han sido escritores de colaboración. Eligen en vez

de esto, un lugar privado para esculpir y refinar sus ideas, antes de presentarlas para la crítica a la otra parte. “[Para WIXIW ], nos obligamos a tocar las ideas nuevas y rudimentarias de los otros, para así no tener la oportunidad de desarrollar esa sensación de que lo que estábamos haciendo era lo que queríamos hacer”, dice Andrew. La exposición entre sí de los restos crudos de sonido fue un reto para los más de diez años que Andrew y Hemphill llevan trabajando juntos. “No se trataba de presentar canciones ya terminadas y no criticarlas por el hecho del esfuerzo que les había puesto el otro”, dice Hemphill. “Es mucho más gratificante cuando tienes que pasar por la aprobación del otro”.

La incertidumbre se permea en WIXIW a partir de los sintetizadores paranoicos de la canción que da título al álbum, hasta las percusiones asustadizas de “Octagon”. Tal vez la angustia es el hilo que ata la discografía de Liars, pero con WIXIW los tonos 29 . F I L T E R

LIARS

PRINCIPALES fríos son ineludibles. No hay nada para bailar o perderte en un ritmo y provocar que la audiencia se mueva, nada de “Scarecrows on a killer slant”.

Y eso es quizá el efecto más escalofriante de WIXIW, que incluso en su punto más discordante, nunca parece perder el control de sí mismo. Nada es caótico; no hay ninguna grieta, por lo que la luz no se filtra nunca. WIXIW es mucho más estrecho, lo que lo hace más potente, un vacío convexo para siempre, casi a punto de tragar a sus creadores.

“El hecho de que el título exprese una frase tan simple pero de una manera tan complicada, da muestra de nuestra ansiedad para decir algo simple, pero que siempre se escucha como ‘Xs’ y ‘Ws’,” dice Hemphill. “Siempre hemos tratado de hacer sentir emociones simples a través de nuestros discos y a veces se complica”.

Perdida entre las ‘Xs’ y las ‘Ws’ de la discografía cubista del grupo está una banda cuya identidad se ha vuelto estable. Para todos los factores de confusión de los sonidos del grupo, y por cada sugerencia de que su arte es siempre un constante cambio, la historia grabada no es el caos salpicado que a veces parece. A pesar de su diferencia con la calidez orgánica de Sisterworld, WIXIW con frecuencia deslumbra su ADN sonoro. Andrew ha perfeccionado el falsete y el sintetizador que ronronea todo “No. 1 against the rush” se derrite en contra de su propia estructura en el coro, y la sección rítmica de “A ring on every finger” se construye alrededor de un bajo en acecho y un collage de ruidos y coros. Andrew dice: “es importante apartarse de todo lo que sabemos y

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empezar de nuevo”, y mientras cada uno de los discos del grupo se siente como si hubieran sido hechos desde un desierto creativo, son las pequeñas coherencias de personalidad las que hacen la experimentación algo posible.

Es estar dentro y fuera de la confusión lo que da a WIXIW su poder temático. “The exact colour of doubt” y “Annual moon words” son muy abiertas y sueltas, impulsadas por guitarras acústicas y aplausos. “The exact colour of doubt” gira hacia su interior, recogiendo el último rayo de luz disolvente antes de que el álbum se cierre en sí mismo por completo, mientras que “Annual moon words” va rodando la piedra. Al igual que su título, el álbum es un palíndromo. Es una imagen especular de sí mismo, un arduo viaje que termina en el mismo lugar que comienza, aunque no de la misma manera. “Si se piensa en eso, podría ser visto como una cosa negativa: atraviesas todo este año de trabajo y terminas en el mismo lugar”, dice Andrew. “Pero para mí es en realidad un resultado bastante positivo. Comienzas con una idea, pasas por un millón de maneras diferentes de mirarla, y luego terminas con la misma. Es como edificar tu pensamiento original y sentir como si hubieras hecho algo bien”.

Para WIXIW, esa voluntad de lanzarse hacia lo desconocido y enfrentarse a dudas en favor de algo más grande, hace eco en todo el camino desde los inicios humildes del álbum a la disposición del grupo para poner a prueba sus vagas ideas uno contra el otro. “Creo que al final es totalmente benéfico”, dice Andrew. La duda ha puesto a Liars en un vasto y hostil brezal. Ellos se han defendido.

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El balance justo

the

Por PAOLA DEL CASTILLO

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Madurez, sensibilidad y oscuridad: entrevista exclusiva con Oliver Sim antes de los conciertos deThe xx en México. the Foto ALIYA NAUNOFF

No es una exageración decir que The xx es una de las bandas más influyentes de los últimos años. Con su disco debut, cuatro reservados jóvenes londinenses nos recordaron —con una caja de ritmos, un bajo y un par de guitarras— que menos es más. Mientras que para algunos puede ser sinónimo de ritmos aburridos y monótonos, lo cierto es que este trío ha logrado lo que bandas de la talla de Radiohead provocan en los escuchas con su música: despertar nuestras más profundas emociones con letras que parecen salir directamente de las entrañas de sus autores,

musicalizadas con sombrías —pero a la vez esperanzadoras— melodías.

Romy Madley Croft, Oliver Sim, Jamie Smith y Baria Qureshi se conocieron en Elliott School, un colegio que, a pesar de tener otros alumnos notables tales como Hot Chip, Burial y Four Tet, es una escuela como cualquier otra. “Tal vez hemos sido influenciados por Burial y Four Tet”, confiesa Oliver, “pero no estoy seguro de qué tanto impacto tuvo la escuela aunque nos daban mucha libertad para hacer lo que queríamos. Había gran variedad

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“Fue un gran honor el solo hecho de estar nominados”, con respecto a haber obtenido un Mercury Prize hace dos años. the

de personas y creo que estuvimos tan expuestos a música diferente de nuestros compañeros como cualquiera, pero creo que la música que más nos influenció en nuestros primeros años fue la que escuchamos en nuestras casas, la que oían nuestros padres”.

En agosto de 2009, llegó xx, que lleno de hormonas, inocencia y corazones enamorados —o rotos en ocasiones— pintaba a la perfección una representación mental de Oliver o Romy cuando tenían dieciocho años, en sus cuartos con un oscuro y nublado cielo londinense fuera de sus ventanas y un mar de sentimientos a flor de piel esperando ser interpretados en una canción como la apasionada “Islands”.

Tampoco es difícil imaginar a un joven Jamie Smith jugando con su caja de ritmos y descubriendo nuevos beats que después tomarían forma en temas como “Heart skipped a beat”. Estos temas lo posicionarían poco tiempo después como uno de los productores/ DJs más solicitados de Inglaterra.

Para sorpresa de todos, meses después del lanzamiento de su primera placa, Baria abandonó The xx, enviudando a la banda más que divorciándose de ésta, ya que el resto decidió que funcionaban bien los tres tanto personal como musicalmente y que no necesitaban a alguien que sustituyera a la guitarrista.

Toda su sinceridad, sencillez e innovación rindieron frutos con un Mercury Prize en 2010, lo que los consolidó aún más como la nueva promesa musical del Reino Unido a pesar de su corta trayectoria y experiencia. “Fue un gran honor el solo hecho de estar nominados”, recuerda Oliver.

“Todos crecimos dándole seguimiento a estos premios y tenemos mucho respeto por artistas como Portishead, Antony and the Johnsons y PJ Harvey. Nos sentimos privilegiados por ser considerados en el mismo grupo de gente como ellos”.

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Tras toda la fama que vino después, The xx se mantuvo firme y a pesar de su corta edad no permitieron que otros tomaran decisiones por ellos o que los influenciaran con sus opiniones.

“Somos individuos bastante testarudos, siempre hemos estado 100 por ciento involucrados en las decisiones creativas con respecto al grupo, desde el arte hasta con quien nos vamos de gira y con quien trabajamos. No diría que nuestra edad es tan relevante, creo que todos somos bastante maduros y sensibles”, asegura el bajista y cantante.

Y tras la tempestad de las giras promocionales, vino la calma. Después de dos años de giras, al llegar a la cima, Romy, Oliver y Jamie decidieron que en vez de meterse al estudio era hora de vivir sus vidas. Mientras sus amigos salían a fiestas y disfrutaban la transición de la adolescencia a la edad adulta ellos pasaban sus noches sobre escenarios. “Creo que realmente pensábamos que tomaríamos un descanso más largo del que tomamos, pero empezamos a escribir de nuevo prácticamente tan pronto como volvimos. Me di cuenta de que esto no es algo que sólo hago como un trabajo, sino que también es mi hobby, así que no podía sólo sentarme y no hacer música”.

Del mismo modo, Romy continuó escribiendo canciones mientras que Jamie no paró de crear nuevos mixes que rápidamente llegaban a los primeros puestos de popularidad como su remezcla a “Rolling in the deep”, de Adele, o a la versión de Florence + the Machine de “You’ve got the love”, a la que le agregó las voces de sus compañeros de banda. Además, hizo un tributo a Gil Scott-Heron, a quien ha nombrado como una de sus más grandes influencias, poco tiempo antes de la muerte de esta leyenda estadounidense (mayo, 2011). El éxito de We’re New Here, la versión de Jamie de I’m New Here (álbum de Scott-Heron ) fue tan grande que pocos meses después estrellas pop como Drake y Rihanna ya interpretaban su propia versión de “I’ll take care of you”.

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the Foto JAMIE JAMES MEDINA

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“Lo titulamos así ya que pensamos que resumía la naturaleza de las relaciones bastante bien sin esconder el hecho de que no siempre son fáciles”, Sim sobre Coexist. the

Pero el éxito en solitario de Jamie no fue un contratiempo para la evolución de su proyecto colectivo. Al final del día, la prioridad seguía siendo The xx, pero no tenían prisa por lanzar un nuevo álbum, sino que optaron por tomarse su tiempo para crear un producto final que realmente los satisficiera. “Instalamos nuestro propio estudio y lo grabamos nosotros mismos, con Jamie como ingeniero y productor, sin presión para lanzarlo en cierto periodo de tiempo”, recuerda Oliver.

Pero esta vez había que ser más meticulosos en el proceso. Las expectativas en torno a su nuevo álbum eran sumamente altas y esto genera una presión natural, que si no se maneja con mano firme puede recaer en inseguridades y malas decisiones.

“Esta ocasión estábamos definitivamente más al pendiente con respecto a que las canciones que estábamos escribiendo serían escuchadas por mucha más gente… la música que hacemos siempre va a sonar a nosotros y eso lo valoramos mucho. Así que pienso que la presión que nos ponemos y nuestras propias expectativas son más altas que las de todos los demás”, comenta Sim. Aunque poco se sabe de sus vidas amorosas (incluso dejando inciertas las preferencias sexuales de Oliver y Romy) al igual que en xx, la tercia continúa enamorada del amor, algo evidente tanto en el nombre de su producción,

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Coexist, como en la letras de sus nuevos temas.

“Lo titulamos así ya que pensamos que resumía la naturaleza de las relaciones bastante bien sin esconder el hecho de que no siempre son fáciles”, cuenta Oliver para después hablar sobre las letras de sus nuevas piezas. “Definitivamente son, en esencia, canciones de amor. Ahora vienen de una perspectiva diferente, habiendo crecido mucho y tenido diferentes experiencias amorosas. En Coexist, muchas de las letras de Romy son menos sobre experiencias personales y más contemplativas y abstractas, mientras que las mías están más basadas en la vida real; en xx era de manera opuesta”.

Aunque las dos primeras canciones reveladas de Coexist, “Angels” y “Chained” reflejan un estilo similar a lo que han hecho previamente, Jamie llegó a comentar en una entrevista previa que en este disco la inspiración vino más de la música que escuchaban en clubes nocturnos. Sin embargo, tampoco es un álbum para bailar y salir a echar fiesta. “Hay influencias definitivas de este tipo de música, ya que todos hemos desarrollado amor por la música dance y por salir a ver DJs en vez de bandas en vivo, lo que no hacíamos cuando éramos más jóvenes. Pero la gente que está esperando un álbum house se decepcionará. Hay momentos rítmicos pero también hay momentos más densos y oscuros. Nosotros vemos las canciones en términos de luz y oscuridad y creemos que hemos logrado un balance bastante justo”.

EN PORTADA

the Foto JAMIE JAMES MEDINA

Tras todo el camino recorrido por estos tres músicos de veintitantos años, su autenticidad y creatividad siguen en pie. La principal diferencia entre xx y Coexist es la confianza que los años y la experiencia les han otorgado como músicos, compositores y hasta como personas. Su ropa oscura y caras largas siguen ahí. Su aspecto de inadaptados e incomprendidos sociales se mantiene. Pero esta vez lucen cómodos en su propia piel, dejando atrás la característica inseguridad que acompaña a la adolescencia y mostrando una madurez y seguridad sólidas. Al cierre de este texto queda menos de un mes para el lanzamiento de su nuevo disco, el cual esperamos demuestre esta misma evolución.

Queremos más primeros encuentros, ilusiones, corazones lastimados, esperanza y fe en el amor. Queremos más The xx.

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-COMEDIA, MÚSICA Y MÁS-

toma vuelo Por Lauren Harris Traducción MARA VARGAS Foto Sandee Oliver Bartkowski

P

ocas figuras de la cultura pop estadounidense han abordado las personalidades múltiples tan bien como Steve Martin. El comediante ganador del Grammy (y host de los Oscar) que no sólo colecciona sino hace arte, ha utilizado las últimas décadas para perfeccionar otro de sus talentos: tocar el banjo. Para aquellos que conocen a Steve Martin por sus chistosísimos papeles en películas durante 30 años (desde Navin, el desafortunado inventor en The Jerk, hasta su giro actoral en Shopgirl, cinta adaptada de su novela del mismo nombre), su incursión en el mundo del bluegrass puede parecer incongruente, pero está lejos de serlo. Durante casi 50 años Martin ha tocado el banjo, empezó cuando tenía 17 –no por accidente– después de escuchar por primera vez a Earl Scruggs, el grande del bluegrass. “Fue increíble”, Martin dice del estilo de cinco cuerdas que escuchó de Scruggs y compañía. El instrumento quedaba bien con su carrera de comediante y empezó a integrarlo a sus shows de stand-up, continuando con la larga tradición de unir la comedia con el banjo.

Con el álbum debut de Martin en 2009, The Crow: New Songsfort he Five-String, se deshizo de las sospechas de que sólo era un capricho de celebridad, al ganarse un Grammy por Mejor Álbum Bluegrass. Scruggs, quien falleció esta primavera, cambió la cara de la música bluegrass y el sonido del banjo al inventar un estilo que más adelante tendría su nombre. Ha sido el mentor de muchos artistas, entre ellos de Martin. Con un tour detrás de Rare Bird Alert, su más reciente álbum con su banda Steep Canyon Rangers, Martin continúa juntando fans y reconocimientos de la comunidad de la música, en gran parte por sus composiciones y obras deslumbrantes, que dejan ver tanto el ingenio legendario de Martin como su romanticismo (que pocas veces se ha visto). Más que nada, este es Martin volviendo con su primer amor, un híbrido entre su sello como comediante que todos conocemos y la música que lleva una vida amando. “No estoy tratando de ser un rockstar”, dice Martin. El hombre nos platica sobre

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el fallecido Scruggs, el mundo de posibilidades que tiene Twitter y cómo pedirle un favor a Paul McCartney.

Quiero empezar diciendo cuánto siento la muerte de Earl Scruggs. Entiendo que era una figura muy importante para ti.

Sabíamos que iba a pasar. No sabíamos cuándo. Fue muy triste. Todos [en el mundo del bluegrass] estábamos muy afectados porque fue alguien que estuvo con nosotros toda nuestra vida. En la mayoría de los casos, él había sido quien los introdujo al banjo, entonces básicamente cambió nuestras vidas. Fue un momento muy emotivo.

Hay una larga historia de comediantes que usan el banjo en sus presentaciones, ¿cierto?

Era algo bastante importante para los comediantes antes de Earl Scruggs. Era un instrumento legítimo, en los años 20 lo usaban en orquestas. Era un instrumento clásico.

En el siglo XIX era un instrumento que usaban los juglares y para finales de ese siglo era usado por señoritas. Ha tenido una carrera variada. Pero fue Earl Scruggs quien lo hizo lo que es ahora.

Parece que Earl Scruggs es responsable en gran parte por tu carrera con el banjo.

Me regresó al banjo. Me preguntó si quería tocar en un disco en el que estaba trabajando llamado Earl Scruggs and Friends, y le dije “claro.” Sabía que no estaba a la altura, así que tuve que practicar. A lo largo de los años había escrito canciones, y gracias a esto volví a hacerlo. Saqué mis banjos y hasta compré uno nuevo. Después Tony Trischka [productor y banjista] me pidió que tocara en su álbum Double Banjo Bluegrass Spectacular, y le dije: “Pues, no creo que valga la pena que toque el banjo en alguna de tus canciones clásicas, pero tengo unas canciones nuevas que escribí.” Entonces me dijo que vendría a escucharlas y escogió “The Crow”. Y se convirtió en un éxito del blue-

-COMEDIA, MÚSICA Y MÁS-

grass. Y dije “pues tengo otras canciones.” Tenía suficientes para hacer un disco. Así que hice este álbum y luego mi representante —para este punto ya tenía uno— dijo que tenía que hacer una gira. Y dije “¿tengo que?” No había estado de gira en 30 años, y luego heme aquí. ¿Qué es lo que más disfrutas de tus presentaciones, la música o la comedia?

Es todo. Es el show y hacer a la gente feliz. Tocamos canciones complicadas, y algunas son muy accesibles y después tenemos un diálogo alegre entre éstas. Se siente que estamos haciendo al público muy feliz y no lo estamos haciendo con cosas chafas y fáciles. ¿Cómo te ha recibido la comunidad bluegrass?

Han sido muy amables, no sé qué esperar. Tenían todo el derecho de preguntarse qué era esto, Pero los International Bluegrass Music Awards nos dieron el premio de Artista del Año, lo cual fue muy generoso de su parte.

Considerando que eres un actor, comediante y escritor muy famoso, ¿no había una parte de ti que quería proteger tu identidad como músico?

No. Sólo no tenía que llevarlo a la televisión, tocaba solo.

En realidad no tenía alguna forma de llevarlo a otros lados, necesitaba la experiencia de tocar todos los días en un escenario para realmente ser capaz. ¿Cómo es el proceso de escribir canciones?

A veces es solo —te sientas con la intención de escribir una canción. A veces piensas que quieres escribir algo en Re. En el banjo Re es una posición diferente en los dedos, entonces presenta otro tipo de problemas y otra melodía completamente diferente. Depende de lo que necesites. A veces piensas “necesitamos una canción rápida en el show” o “hace mucho no escribo una canción instrumental”.

Tú primer álbum, The Crow y Rare Bird Alert tienen en común los pájaros, ¿hay algo de eso en tu música?

Mi esposa sugirió el título Rare Bird Alert, y así se quedó.

El título se presta para una imagen de portada. También te dice que las canciones son un poco diferentes de lo que escuchas. También, es que ningún otro título funcionaba. ¿Cuál es la diferencia entre estas canciones?

No sé nada sobre escribir canciones, así que en general no están hechas bajo ningún modelo convencional de escribir.

Supongo que algunas sí y algunas no. Para mí todas son diferentes. No forman parte de un grupo. No sé si eso es bueno para un disco, pero lo es para un concierto.

En el booklet del disco mencionas en las notas que Lorne Michaels te empujó a contactar a Paul McCartney. ¿Qué específicamente fue lo que hacía que Sir Paul fuera una buena opción para “Best love”?

Tiene una gran cualidad: puede cantar románticamente, con un gran encanto. Tiene un gran sentido del humor. Y la canción tiene eso. Es algo tan despreocupado. Una vez

que sugirieron su nombre, no nos lo podíamos sacar de la cabeza. ¿Estabas nervioso de pedirle que cantara en el disco?

Un poquito [ríe]. Sí. Me tomó un rato comunicarme con él. Él es una persona ocupada. Pero finalmente dijo que sí. ¿Por qué incluiste “King Tut” en el álbum?

Pensé en eso muchísimo. Primero pensé que era chistoso: la idea de una versión bluegrass de “King Tut”. Y segundo, quería que el que fuera a comprar el disco supiera que hicimos un concierto divertido. Creo que ya ni la toco hoy en día. La practicamos de vez en cuando para que la tengamos fresca. Tenemos problemas decidiendo qué no tocar.

Dado que “King Tut” es prácticamente un sinónimo de “Steve Martin, comediante”, ¿encuentras difícil no sacar más material de tus viejos sets de comedia musical?

Es fácil, porque la verdad es que ya no puedo hacer ese material hoy en día. Se vería fatal. Creo que hago ese tipo de personajes en el escenario de manera natural, pero, digamos, sin tener que esforzarme. [Tocar música] es diferente de cuando tienes que estar saltando en el escenario por una hora y media. Solo.

Hablando de ya no tener que estar solo en el escenario, ¿cómo te topaste con tu banda?

Los conocí en Carolina del Norte, donde les gusta vacacionar a mi esposa y a su familia. [Su familia] simplemente dijo “Una banda local va a venir.” Y eso hicieron, y es todo lo que supe. ¿Cuántos banjos tienes?

Cinco o seis. Pero toco cinco de ellos en el escenario. No hay muchos extras botados por ahí. Cada uno toca un tipo diferente de música: uno es para bluegrass, uno es para clawhammer y algunos simplemente están afinados diferente, para que no tenga que perder el tiempo del público cuando tengo que volver a afinar.

Tu presencia en Twitter es bastante prolífica, y acabas de lanzar un libro con tus tweets y las respuestas que reciben: The Ten, Make that Nine, Habits of Very Organized People, Make that Ten. ¿Qué es lo que te gusta de Twitter, y por qué decidiste juntar todo en un libro?

Puede ser bastante espontáneo. Cuando hacía televisión, si a un programa no le iba bien, siempre estaba la siguiente semana. Así es aquí. Si a un tweet no le va bien, puedes anularlo en segundos con uno nuevo. Descubrí que había una verdadera interacción entre el público y yo, que tuiteaban de regreso cosas que eran igual de chistosas que las que yo tuiteaba. Muchos de los lectores no ven eso —lo he estado notando. Por eso fue parte de la razón del libro —primero, que podía borrar muchas de las cosas mediocres, y ponerlo junto de manera cohesiva, con las mejores respuestas agrupadas para crear una historia padre y pequeña de ello.

Para leer la entrevista completa entra a filtermexico.com/2012/08/steve-martin/ 39 . F I L T E R

BOBBY tributo

WOMACK -La última leyenda del soulPor ANNA STEPHENS

Por ANNA STEPHENS Foto CORTESÍA XL RECORDINGS

Nos han inculcado la idea de que faltar a las normas, romper reglas y desobedecer nunca trae nada bueno. Durante generaciones nos han enseñado que no debemos tomar aquello que no es nuestro y aún así hay personas cuyo arrebato es mayor que cualquier indicio de consciencia. Desobediencia es la palabra que ha acompañado a Bobby Womack durante toda su vida.

Womack creció —junto con sus cuatro hermanos—bajo enseñanzas bautistas. Su padre, Friendly Womack, era un obrero de la industria siderúrgica y ministro de la iglesia que solía tocar la guitarra; y su madre, el órgano. De no haber sido por la desobediencia del pequeño Bobby, nos estaríamos perdiendo de una de las grandes leyendas del soul. Él decidió evaluar su talento con la guitarra de su padre. Advertido en varias ocasiones de que ese instrumento era para uso exclusivo de su progenitor, al pequeño de ocho años nunca le importó, hasta aquel día de 1952 en que rompió una de sus cuerdas. Preparado para el castigo, se maravilló al ver que su padre le ayudaba a repararla y lo invitaba a tocarla. La sorpresa en realidad fue para Friendly, quien quedó impactado con el talento del tercero de sus cinco hijos. La familia decidió integrar un grupo de góspel con el que tuvieron una modesta gira.

Fue entonces que Sam Cooke invitó a los hermanos a darle un giro a su estilo y dejar de lado el género musical, integrando así The Valentinos.

No había marcha atrás para Bobby Womack ni en lo profesional, ni en su tortuosa vida personal.

La última gran figura del soul no sabía que desde 40 . F I L T E R

el momento en el que se vio obligado a salir de casa de sus padres para residir en Los Angeles auspiciado por Cooke, sería una pieza clave para el éxito de The Rolling Stones (particularmente para el desarrollo de Mick Jagger), que trabajaría con Janis Joplin y sería una de las últimas personas con las que la cantante tendría contacto; que sería un músico fundamental para Sly & The Family Stone; que sería admirado por James Brown… y que Rod Stewart trataría de ser como él.

Con la trágica muerte de Sam Cooke, se desintegró The Valentinos y llegó el primer gran escándalo de Womack: se casó a los 21 años de edad con la viuda de Cooke a sólo tres meses del fallecimiento del músico. Odiado por muchos por la “falta de respeto” que esto significaba, Bobby no logró el éxito que esperaba con el par de canciones que editó ese año y se convirtió entonces en un músico de sesión.

Durante este periodo, el oriundo de Cleveland trabajó como músico de Aretha Franklin, Sly & The Family Stone y Janis Joplin, y como compositor para George Benson.

Communication es el primer gran álbum de Womack y el tercero en su carrera, publicado en 1971. Es una producción cargada de rhythm & blues y soul que alcanzó éxito también en el circuito y listas de popularidad del jazz. A este disco le sigue Understanding, que en 1972 ayudó a consolidar su carrera solista, pero en 1986 significaría un amargo recuerdo para el músico debido al suicidio (a los 21 años de edad) de su hijo Vincent —quien aparece en una fotografía con él en la portada. Con el paso de la década de

tributo

/ bobby womack

los 70, la carrera de Womack atravesó por altibajos musicales para definitivamente desvanecerse en colaboraciones con otros artistas.

go, la enfermedad volvería a presentarse en su vida. El músico tuvo que hospitalizarse por neumonía y fue intervenido quirúrgicamente por cáncer de colon.

Bobby Womack publicó poco más de una docena de discos entre los 80 y 90, pero no fue sino hasta que se recuperó de su fuerte adicción a la cocaína en esa década y gracias a la colaboración en “Stylo” de Gorillaz, que retomó su carrera. Sin embar-

Ahora, bajo la producción de Damon Albarn y George Russell, Bobby Womack volvió con The Bravest Man in the Universe, un álbum que nos recuerda que hay pocas leyendas que aún viven y siguen rompiendo los parámetros establecidos.

NUESTRAS 20 CANCIONES FAVORITAS “California Dreaming’” – Fly Me To The Moon (1968) “Tried & Convicted” – My Prescription (1969) “Arkansas State Prison” – My Prescription (1970) “Communication” - Communication (1971) “That’s the way I feel about Cha” – Communication (1971) “Across 110th Street” – Across 110th Street(1972) “Woman’s gotta have it” – Understanding (1972) “Nobody wants you when you’re down and out” – Facts of Life (1973) “Can’t stop a man in love” – Facts Of Life (1973) “You’re welcome, stop on by” - I Don’t Know What the World Is Coming To (1975) “I feel a groove comin’ on” - I Don’t Know What the World Is Coming To (1975) “Trust in me” – Safety Zone (1976) “Something you got” – Safety Zone (1976) “If you think you’re lonely now” – The Poet (1981) “So many sides of you” – The Poet (1981) “Tell me why” – ThePoet II (1984) “If you want my love, put something down on it” – The Last Soul Man (1987) “Stupid” – The Bravest Man In The Universe (2012) “Please forgive my heart” – The Bravest Man In The Universe (2012) “Deep river” – The Bravest Man In The Universe(2012)

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REVIEWS

DOLORES

Disco Póstumo Origami / Terrícolas Imbéciles

95%

Generalmente un disco póstumo refiere a una producción editada tras la muerte de un artista, pero en el caso de Dolores esto no aplica. Ni están muertos, ni se han separado; al contrario, su paso por esta tierra apenas comienza, aunque parezca que resurgieron del inframundo con la única misión de hacerse escuchar a través de sus espesos temas.

Pero, ¿exactamente cuál es el origen del magnetismo de Dolores? ¿Sus letras? ¿Las pesadas y galopantes líneas de bajo? ¿Que esté comandada por la voz de una chica que en lugar de sufrir un síndrome premenstrual permanente es seductoramente peligrosa? Si esto fuera un examen de opción múltiple la respuesta sería “D) Todas las anteriores”, aunque hay mucho más que estas cuatro simples razones.

Dolores se formó cuando Juan vio a Teresa tocar con su antigua banda, Cuerpos, en un stream del Primavera Sound hace un par de años. Entonces se dio a la tarea de buscarla y cuando la encontró le envió un track que, según él, quedaría perfecto con su voz. Teresa grabó unas cuantas voces, se lo regresó y el proyecto nació. Tal vez aquí lo que resulta más sorprendente es que a pesar de su corto tiempo trabajando juntos, el sonido de Dolores es casi como el de una banda que se conoce desde hace muchos años ¿Lo mejor? Dolores es un proyecto lo-fi, no por todos los juguetes carísimos para producir un sonido así, sino porque esta grabación se hizo con lo que tenían en un ambiente casero.

Disco Póstumo no es una producción conceptual como tal, pero sí tiene un hilo conductor que lleva el disco por el mismo camino a pesar de la diversidad de sus temas. “Cortafuegos”, el primer sencillo y tema con el que abre este álbum, pone el mood perfecto para escuchar el debut de los españoles. La seria voz de Teresa invita a los oídos a prestar atención a lo que dice mientras el ritmo de la guitarra se va impregnando en su corteza cerebral. Y aunque este tema sea muy jugoso en cuanto a elementos y todo lo que lo conforma, nos complace anunciarles que no es el mejor que se alberga en esta producción.

Pocas son las bandas que encuentran un buen balance y logran incluir el justo necesario de pop en su rock sin parecer una triste incongruencia; sin embargo, esta banda española tiene momentos en los que canaliza lo mejor de proyectos como Sonic Youth. Tal es el caso de canciones como “Volcán”, “Nicho/Loft” y “KDR”, en donde el espíritu de la increíble Kim Gordon se hace presente en Teresa para brindarnos tres de los mejores momentos a lo largo de los diez cortes en Disco Póstumo. Aunque este álbum cuenta con temas un tanto más dulces, los tres temas antes mencionados muestran el lado dominante y fuerte de Teresa donde esta frontwoman se convierte en la femme fatale que no le teme a nada.

Otra de las características importantes de Disco Póstumo es que ninguno de los integrantes teme mostrar su lado dulce para darle entrada a canciones con arreglos más delicados, sicodélicos y detallados. “Cocodrilos de marfil” es el glorioso tercer corte del álbum que gracias al uso de sintetizadores nebulosos y un coro pegajoso, hará que Dolores permanezca en tu inconsciente, además de recordarte a bandas como The Jesus & Mary Chain o The Horrors en sólo cinco minutos y medio.

No dejen pasar tampoco “No hay lugar” y “Temblor”, las dos canciones que le siguen, en las que podrán volver a probar el lado dulce, femenino y nostálgico de Dolores hasta el punto en que alguna de éstas hará que su piel se erice en cualquier momento.

Mientras un gran porcentaje de los proyectos nuevos buscan subirse a la ola musical que está en boga mientras cree que esa es la forma de sobresalir, la música de Dolores es tal cual se escucha y es honesta. Todas las canciones encontrarán la forma de llegar a su cerebro y harán que quieran volver a una práctica que tal vez tenían olvidada: aprenderse todas y cada una de las letras de las rolas en

Disco Póstumo.

ESAMIPAU!

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REVIEWS

THE WALKMEN Heaven FAT POSSUM 87%

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Como un vaso de leche caliente o una canción de Bruce Springsteen musicalizando un despliegue de fuegos artificiales, cada nuevo material de The Walkmen es digno de confianza, relajante y refleja bien el estilo de vida norteamericano. Heaven, el séptimo disco de la banda, no es diferente porque es, después de todo, un disco de The Walkmen. A excepción de que los créditos de producción caen esta vez en el ingeniero-de-las-estrellas-indie, Phil Ek, mientras que los LPs pasados recaían principalmente en las temblorosas manos de la banda, Heaven hace un buen trabajo continuando con casi una década de dependencia: retoma las canciones de rock sólidas y profundas aderezadas con las emociones mortales de Hamilton Leithauser. Encontrarás al menos uno de sus mejores temas (“The love you love”), uno de sus más fáciles de olvidar (“Southern heart,” porque no va a ninguna parte) y 40 minutos más para convencer al mundo de seguir amando a esta banda.

Aun así, Heaven es un álbum post–You & Me, un documento marcado por un pasado no muy lejano cuando todo cambió para siempre. You & Me —que debería de, por su buen gusto, ser considerado como su mejor trabajo—l legó en 2008, después de cuatro discos que definieron su sonido garage desgastado y a través de los cuales The Walkmen descubrieron la sutileza en su música al dejar en evidencia el sentimentalismo y yendo directo a su tierna esencia. En Heaven, Ek traduce esa sutileza en una estética compuesta por extremos: “We can’t be beat” rompe triunfante; “Dreamboat” duele, cada canción anterior de The Walkmen parece mucho menos triste en comparación, y todo lo demás es tanto alegre como doloroso, en proporciones bien medidas. No es nada nuevo, pero la verdad es que no necesita serlo. Es simplemente uno de los mejores discos de rock de nuestro, hasta ahora superficial año. Es, después de todo, un disco de The Walkmen.

DOM SINACOLA

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REVIEWS

PATTI SMITH Banga Columbia 88%

CROCODILES Endless Flowers Frenchkiss 82%

BOBBY WOMACK The Bravest Man in the Universe XL 82% 46 . F I L T E R

Patti Smith es de los pocos músicos contemporáneos (tristemente) que pueden fusionarse con el corazón y el alma de Estados Unidos, y traducir esa relación en una canción. Lo que la hace aún más especial, es que lo hace manteniendo su estatus como uno de los íconos consumados del Rock and Roll Hall of Fame. Han pasado ocho largos años desde que le escuchamos un álbum de material original, pero el genio no se puede—o no se debe— precipitar, Banga puede acabar siendo uno de los álbumes más fuertes de Smith en sus cuatro décadas de carrera.

Smith, de 65 años de edad, suena totalmente repuesta en su décimo primero LP, acercándose al mundo con ojos nuevos y una visión juvenil. Con el apoyo de músicos como Tom Verlaine de Television, su colaborador habitual Lenny Kaye y sus hijos Jackson y Jesse Paris. En este disco presenta amantes redescubriendo la naturaleza, bicicletas oxidadas, aros de fuego y “latidos humanos.” La beatnik poeta-punk, habla, canta, testifica y abre camino a través de su nueva serie de éxitos, llevando a sus personajes a mundos nuevos: a veces son caprichosos, a veces son aterradores, pero siempre fieles al espíritu humano.

A mitad del álbum los ha llevado hasta el espacio, los regresa a la simplicidad de las mariposas y las aves, y luego los lanza hacia la estratósfera de nuevo. Smith logra equilibrio en canciones etéreas, como “Constantine’s dream,” un improvisado análisis del arte y la naturaleza, con la realidad concreta, basando una canción en el viaje de Américo Vespucio al Nuevo Mundo (“Amerigo”). La siempre desinteresada Smith, deja espacio para un par de canciones de tributo en Banga: a los japoneses que sufrieron en el tsunami del año pasado y el terremoto (“Fuji-san”), a Amy Winehouse (“This is the girl”) y a Johnny Depp (“Nine”). Pero si Smith está tratando de distraer con humildad, no lo logró: Banga encuentra a la artista más sólida que nunca, sin edad, incluso.

KURT ORZECK

Ojalá Endless Flowers fuera tan infinito como su sonido es maravilloso. Lamentablemente, estas diez canciones sublimes se te escapan antes de darte cuenta de que ya pasaron los 40 minutos que dura el disco. La pista homónima y abridora introduce a Brandon Welchez cantando suavemente una melodía que se desvanece, y luego sangra en el sencillo del álbum “Sunday (Psychic conversation #9)”, un festival de psicodelia de sintetizadores, remolinos de guitarra y armonías aéreas estilo Stone Roses. Crocodiles comenzó como una banda que existía como una reverencia absoluta (empezando porque su nombre fue tomado de un álbum de Echo and the Bunnymen) y shoegaze de Xerox, y después de dos LPs de sencillos de tributo a Suicide, Spacemen 3, y The Jesus and Mary Chain, por fin se ha enfocado en sí misma. Los riffs son más fuertes, el sonido a la vez luminoso y oscuro, y las letras van más hacia un pop psicótico que destaca en “My surfing Lucifer” y “Bubblegum trash”, esta última sube con el órgano que en casi todo Endless Flowers está presente.

Así que, ¿Cuándo sale el EP? TALEEN KALENDERIAN Ha habido un resurgimiento del soul en los últimos años, pero mientras los nuevos cantan de forma optimista sobre corazones rotos y cambio social, Bobby Womack canta acerca de su experiencia, y hay muy poco optimismo en esa voz. En su nuevo álbum, la voz caracterizada por un intenso desapruebo muestra a un hombre que se encuentra tratando de juntar las piezas de su vida; sin embargo, los efectos nuevos y sintetizadores tipo arcade distraen y rompen con la sinceridad de las palabras de Womack. El tema más íntimo del disco es una entrega pura de un viejo espíritu, “Deep river”, que cuenta con la guitarra y potente voz de Womack, demostrando su esencia: un hombre cantando y buscando la paz, no éxitos del momento.

ALEJANDRO RUBIO

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C

entral Once, la barra de jóvenes de Once TV México, presenta ahora Especiales musicales, una serie de 13 episodios de media hora que comprende una sesión exclusiva en el estudio del canal y un documental en el que se narra el proceso de trabajo de una banda independiente. Esto se agradece al ser prácticamente el único espacio en televisión abierta que ofrece este tipo de contenido.

tuvieran varios años tocando y otras, como Botellita de Jerez, que fueran consagradas pero tal vez no muy conocidas por una nueva generación de escuchas. La regla básica era ser incluyentes”, agrega Emmanuel, quien también destaca el caso de El Poder del Barrio, banda que surgió de la batalla de bandas organizada por Rock en Contacto DF, también a través de Once TV.

De acuerdo con Emmanuel Caballero, productor ejecutivo de la barra en el canal, la idea de hacer este programa “surgió por el interés y la responsabilidad de dar una ventana de expresión a bandas independientes que difícilmente hubieran tenido acceso a los típicos canales de música o cultura joven, con la convicción de que en México se hace música de calidad, pero hay poca difusión y poco interés en desarrollar la escena musical del país”.

Para el productor, el documental que acompaña a las sesiones es el principal diferenciador de éstas con respecto a otras que hay en la televisión. “Vemos los lugares donde se crea la música, conocemos sus antecedentes y su contexto, y analizamos a profundidad la filosofía detrás de la música”, explica.

En el programa se dará cabida a diferentes géneros musicales y la selección de las agrupaciones se hizo con el objetivo de cubrir una amplia gama de éstos. “Buscamos que se incluyeran bandas muy recientes, algunas que ya

Aunque este programa compite con los medios que se alinean con el mainstream musical, la premisa de Especiales musicales es impulsar talento y descubrir la esencia de los grupos a través de entrevistas a profundidad. Se transmitirá los domingos a la 1:30pm a partir del 9 de septiembre.

Bandas que formarán parte de Especiales musicales

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