PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE

PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE

FIORELLA PATRICIA ALTAMIRANO AQUINO 20202476

SECCION 322 Docente: Cristina Isabel Deyfuss Serrano

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2021-1

EP1

TABLA DE CONTENIDOS 01

EXTRAÑOS COMIENZOS

pág. 3 - 4

02

PODER

pág. 5 - 6

03

PODER Y PLACER EN LA ANTIGUA ROMA

pág. 7 - 8

EXTRA

EF

EP2

04

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

SINTESIS DE LA ANTIGUEDAD

pág. 9 - 10

05

ISLAM

pág. 11

06

ROMANICO Y GOTICO

pág. 12

07

RENACIMIENTO

pág. 13

08

LA LUZ EN EL BARROCO

pág. 14

09

PREIMPRESIONISMO

pág. 15 - 16

10

NEOCLASICO

pág. 17 - 20

TRABAJO FINAL

pág. 21 - 22

11 12 13 14

CG2, CG3

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

CG2, CG3, CG7

PORTAFOLIO CG2, CG3, CG7

-

INFORMACION DEL CURSO

pág. 23

CV

pág. 24 - 25 1

CRITERIOS RIBA DESARROLLADO DURANTE TODO EL CICLO 2021 - 1

CG2

Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de la arquitectura y las relacionadas con el arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3

Conocimiento de las bellas artes, como una influencia en la calidad del diseño arquitectónico.

CG7

Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.

2

EXTRAÑOS COMIENZOS Se nos indico, realizar un resumen gráfico (mapa conceptual, cuadro sinóptico o similar) sobre la lectura "Extraños comienzos" (Gombrich: Historia del Arte, capítulo 1).

Calificación 3/3

REFLEXION Iniciando este ejercicio, independientemente no comprendía el porqué del arte primitivo, puesto que, talvez no tenia la noción de qué realmente era, pero cuando se nos empezó a explicar ,quedé totalmente fascinada, ya que , es gracias a ello que las personas se comunicaban y mostraban sus mas grandes hazañas . e incluso hasta ahora mucho investigadores siguen buscando su significado. Además , incluyo que a partir de este punto fue que el arte fue evolucionando y digamos que "perfeccionando" .mas no perdiendo la esencia con el que se inicio.

PODER Para este trabajo grupal , se necesito escoger TRES IMÁGENES en las que se distinga una o varias figuras que representen poder (figuras jerárquicas). Y dentro de estas, señalar cuales recursos se basan para mostrar la figura jerárquica: luz, posición, emblemas, etc.

Looconte es un sacerdote troyano, el cual junto con sus dos hijos ,están luchando frente a dos serpientes marinas. la escala del hombre es mucho mayor que la de los dos jóvenes ubicación central y más alta dentro de la visual piramidal.

Título de la obra: Loconte y sus hijos Autores: Agesandro, Arenorodo y Polidoro de Rodas Fecha: aprox. entre 170 y 150 a.C. Material: mármol la mirada de los jóvenes es hacia el protagonista, pidiendo ayuda

Autor: Leonardo da Vinci Título de la obra: La última cena Año: 1498

perspectiva direccionada hacia el centro

ubicación en el centro

concentración de luz en el centro

5

Calificación 3/3

Para contextualizar , este óleo se basó en el levantamiento de de los madrileños contra Napoleón Bonaparte

LUZ: Primeramente hay un claro contraste de iluminación , pues se todo alrededor se encuentra oscuro excepto el limeño de en medio ,llamando la atención hacia ello.

Título de la obra: Los fusilamientos del 3 de Mayo Artista: Francisco de Goya

COLORES: La distribución de colores permite entender que el personaje de en medio representa la paz y liberación (colores claros) mientras que su fondo y los personajes de enfrente se representa de un color más oscuro/opaco lo cual se entiende como la muerte.

POSICIÓN: El personaje de camisa blanca se encuentra con los brazos levantados, con la finalidad de liberación y paz mientras que los de delante sin mostrar la cara se encuentran con la cabeza baja mostrando vergüenza.

Año: 1814 Periodo: Romanticismo

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PODER Y PLACER EN LA ANTIGUA ROMA Este ejercicio grupal, consistió en escoger dos obras de arte realizadas durante la antigua Roma (aprox.

753 a.C. - 476 d.C.) en donde se representen ambas ideas: poder y placer. Las obras pueden ser pintura (por ejemplo, los Romanos decoraban los interiores de sus casas con pinturas murales), arquitectura (templos, palacios, baños, estructuras deportivas) o escultura. Además, se debe explicar de qué manera los antiguos romanos transforman las ideas de poder y placer, y la adecúan a sus propias necesidades.

PANTEÓN DE AGRIPA Autor: Mandado a construir por el emperador Adriano Fecha: Construido entre los años 118 y 125.

Ubicación: Italia, Roma

Cúpula de dimensiones colosales Pintura mural a base color, rescatados de Grecia Única abertura como símbolo de serenidad y belleza

Sensación de grandeza y poder

Cerramiento protector Imponentes corintios

columnas

con

capiteles

Entrada de descomunales proporciones

Estructuralmente, este templo toma como inspiración la arquitectura griega, teniendo como uno de sus principales elementos las columnas de orden corintio, el tímpano, el arquitrabe y el friso. Asimismo, la serenidad y calma fue punto clave en ambas representaciones artísticas , pues esta fue, una gran característica de belleza que los representaba, ya que, por parte de la escultura, su rostro, mostraba un control de expresión a pesar de tener una posición de mando y dirección, asimismo, el Panteón tenía una sola abertura que transmitía la misma sensación de calma . Por último, las columnas corintias, se la comparó con la esbeltez de una doncella; siguiendo el trazo de la silueta en sus tiernos años, admiten efectos más placenteros en el adorno. La arquitectura, las esculturas y pinturas romanas pasan a un contexto en el que la brecha entre la divinidad y el hombre no se encuentran lejanas, sino más bien se combinan y forman una realidad perfeccionada mostrando la belleza del ser humano y proporcionando placer ante sus ojos.

7

Calificación 15/20

AUGUSTO DE PRIMA PORTA Autor: Desconocido Fecha: Siglo I a.C Ubicación: Museo Vaticano, Roma Material: mármol

Vestidura militar poder de mando

Detalle en las expresiones faciales Hombre como centro de Poder

como

La religión política se encuentra en el traje , representa la unión de estas dos

Pose decidida enérgica

y

Musculatura perfecta

Explicar de qué manera los antiguos romanos transforman las ideas de poder y placer, y las adecuan a sus propias necesidades.

En primer lugar, la fascinación de los romanos por tener el control y poder, llegó a todo ámbito de su vida, iniciando por lo divino. Idealizaban a sus dioses con características humanizadas, puesto que, su respeto y poder, se centraba especialmente alrededor del hombre, desde la expresión del movimiento hasta sus rasgos faciales y musculatura; esto se visualizó claramente en la escultura de Augusto de Prima de Porta, ya que, se le esculpió de una forma empoderada, desde la posición en la que se encuentra, levantando la mano derecha en señal de mando, hasta los mismos personajes divinos que acompañan su vestimenta; muestran el poder que este emperador tenía, como parte de su postura se observa que todo el peso va apoyado en una pierna y deja la otra relajada, al igual que lo hacían los griegos, tratan de darle esa naturalidad a la escultura y evitar la rigidez; sus pies descalzos fueron otra característica de poder y divinidad, ya que, representaban su ida al Olimpo.

Asimismo, la belleza estaba ligada a la forma corporal con la que se estaba diseñada. Un hombre debía de ser representado perfectamente con el fin de ser ejemplo de los demás, esto era muy común verlo en esa época, pues era necesario verse de tal forma para que los demás lo vieran desde una perspectiva idealizada, por lo mismo se puede identificar que la belleza misma mostraba la intención de esconder lo que representa al hombre como característica natural, la imperfección.

Por consiguiente, El Templo “Panteón de Agripa” está muy ligada a estas características, pues, en estos tiempos era muy común ver pinturas de dioses dentro de estos espacios, pero en este caso se transforma el pensamiento de lo que se tenía establecido, ya que su mirada se dirige más a características meramente humanas, como representación de que el pueblo romano iba creciendo en todo ámbito. Si bien el Panteón de Agripa es principalmente una estructura con fines religiosos, el principal objetivo de sus elementos arquitectónicos fue unir al hombre con la divinidad y con mucho más énfasis se puede apreciar la necesidad de empoderar al ser humano, puesto que se relaciona con notoriedad la forma en que sus dioses carecen de aspectos característicos que se tenía en un principio; que era lo absolutamente irreal e inalcanzable.

8

SINTESIS DE LA ANTIGUEDAD Par esta actividad grupal, se debió escoger tres obras de arte que representen las principales ideas sobre el arte de la antigüedad. Asimismo, explicar cuáles son esas ideas y por qué han escogido las obras que escogieron.

Coliseo Romano, Roma. Siglo I (80 d.C)

La tableta de Shamash, Mesopotamia, 860850 a.C.

El arte como medio para plasmar la historia Perspectiva estética Representación del poder

9

Calificación 2/3

Tumba de Najt Escena de caza y pesca, Egipto. 1397 y 1388 a. C. aprox

El arte en la antigüedad fue plasmado por diferentes civilizaciones desde la intención narrativa en las pinturas rupestres, hasta el realismo en las esculturas romanas. Las técnicas de arte que se usaron en cada época se transmitieron y desarrollaron para adaptarse a las creencias y estilo de vida de cada civilización; es así como se destacan tres ideas principales que se mantienen presentes a lo largo de la historia del arte. En primer lugar, la intención de plasmar situaciones o creencias de gran relevancia se realizaba con bastante frecuencia desde los inicios, tal como la pintura rupestre que su principal fin fue representar escenas de nuevos descubrimientos, o las pinturas de Grecia, en las cuales se narran escenas de La Odisea o referentes a sus dioses. En segundo lugar, la idea de representar a los personajes desde el mejor ángulo proveniente de Mesopotamia, es evidenciado en Grecia y Roma con la posición del cuerpo, algunas frontales y otras de perfil, con tal de que se proporcione una mayor sensación de realismo y perspectiva estética. Asimismo, empleaban otros recursos tales como detalles a profundidad en la vestimenta o musculatura, expresiones faciales, intención de movimiento y proporciones de acuerdo a lo que se quería manifestar. Por último, las muestras de arte fueron un medio de representación del poder (ya sea poder religioso o militar), pues cada civilización se encargaba de destacar su manera de ver el arte a través de las herramientas que se poseía en el momento. De esta forma, cada pintura, escultura o arquitectura, se hacía destacar a través de la escala, el detalle o el uso de color. Destacando principalmente la escala, pues la intención de hacerse notar e imponer poder se lograba principalmente a través de este medio.

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ISLAM

Calificación 3/3

Terminado la clase sobre el islam, investigamos diferentes tipos de mezquitas y como estas poseen caracastisticas independientemente en ellas,

País: Irán Ubicación: Jamkaran, Qom, Irán Construida por: Sheikh Afif Saleh Hassan ibn Mosleh Jamkarani Año: 1006

A pesar de no tener una gran altura, toda la atención se encuentra en la parte superior de la cúpula, la cual está llena de un patrón de mosaicos en color dorado, la que simboliza belleza y enriquecimiento , que se le proporciona a la oración del magrib hacia su creador.

Asimismo, se da la sensación de que la intención era acumular la grandeza en la entrada, con la gran cúpula central y las dos torres a los costados, como una especie de mensaje que daría a entender que el lugar al que se está ingresando tiene un valor muy importante. Las torres están ubicadas en un lugar estratégico ya que en cierto mes la luna se ubica exactamente entre estas dos torres.

También nos gustó mucho los colores que se usa, hay un buen contraste entre el azul, el verde esmeralda y el amarillo.

Por último , cada espacio que se observa tiene un valor muy importante , desde la parte de la entrada que muchas veces se usa en oración hasta la parte mas intima o mínima. Por eso cada uno ellos tienen un acabado muy detallado y exagerado.

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Calificación 2/3

ARTE ROMANICO Y GOTICO

En este trabajo grupal, se indico escoger dos imágenes que representen el mismo hecho, una románica y la otra gótica. Por ejemplo: crucificción, nacimiento, visita de los reyes magos, etc. Y explicar la evolución del románico al gótico, utilizando como referencia lo visto en clase y las dos imágenes escogidas.

ROMANICO

Fuente: Arteguias.com

En la pintura Románica el principal fin es transmitir un mensaje, no se percibe la preocupación por reflejar la perfección y el realismo, y con el pasar de los años, esta idea cambia con el Gótico, debido a que transmitir un mensaje, se fusiona con la necesidad de mostrarlo de la manera más realista posible. Asimismo, las funciones que se toman cambian radicalmente, pues en el románico se tenía una función doctrinal y poco decorativa pero para el gótico cambia a un plano completamente decorativo, dejando el doctrinal en el pasado.

A su vez, en la imagen Románica observamos a la virgen María con Jesús sentado en sus piernas, no interactúan entre ellos, y se da la impresión de que Jesús ni se da cuenta que está en el regazo de su madre, careciendo de sentimentalismo absolutamente y haciendo énfasis en la rigidez de la pintura. Contrario a esto, en la pintura gótica vemos como estos dos personajes interactúan entre ellos, se refleja la maternidad, asimismo es bastante notorio la evolución de los trazos y el uso del color, se observa la profundidad y las personas adquieren rasgos humanos. Por último, en la pintura románica se ve una clara ausencia de perspectiva e iluminación , pero para el gótico , esto cambia, pues se busca una mejor perspectiva en el ángulo y se atenúa un claroscuro que permite entender un enfoque central en la imagen.

GOTICO

Fuente: Flickr.com

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RENACIMIENTO

Calificación 3/3

Por continuación a la actividad anterior, se indico buscar otro cuadro del mismo tema , pero dentro del tema de Renacimiento.

“Madonna del libro” Sandro Botticelli, 1465.

En la pintura románica resalta la simpleza dirigida a transmitir un mensaje, en la gótica pasa a un plano más realista empleado toda la atención en los detalles decorativos para el placer visual.

Sin embargo, la pintura renacentista sobrepasa y combina estas dos funciones, añadiendo el estudio de las medidas y del arte en si, es por esto que de esta época rescatamos las obras de arte más hermosas y perfectas de toda la historia. Se logra a través del simbolismo representar escenas como sería el caso de la corona de espinas colgando del brazo del niño Jesús, asimismo, se maximiza el realismo en las expresiones humanas y se relacionan con los elementos del entorno, como es el caso del libro el cual María está leyendo con detenida atención, dándole una función al fondo y no dejando que se categorice simplemente como un elemento de relleno.

Asimismo, dentro de estas tres pinturas se nota una diferenciación clave , pues , se tiene un enfoque distinto, por ejemplo, en la pintura románica se busca dentro de la imagen un significado ,algo narrativo y simbólico , algo que deje entender algún mensaje . Por otro lado, la pintura gótica busca expresar una función más decorativa, que narrativa y finalmente en el renacimiento se busca una perfección plástica en la anatomía y rostro, pues han ido arrastrando los aspectos, greco romanos y su búsqueda del centro de todo al ser humano a comparación de los románicos y góticos, pues se centran más en la los dioses e iglesia en sí. Mientras que en el renacimiento de denigro a la iglesia y se exaltó más a los seres mitológicos.

Otra diferencia de técnica dentro de los tres es que en la pintura renacentista se emplea una técnica de pintura al óleo, en cambio en la románica se utiliza pintadas al fresco sobre muros o ábsides y en el gótico la técnica cambia a una muy usada ,que era pintura sobre tabla que finalmente da siendo un retablo.

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Calificación 3/3

LA LUZ EN EL BARROCO

Luego de ver la película "La joven de la Perla", se nos indico tomar capturas de pantalla de dos escenas en las que se demuestre cómo la luz contribuye a las emociones que busca recrear una determinada escena. La luz debió analizarse no sólo como un componente funcional (que hace ver) sino como un elemento que puede acentuar las emociones. Esta es una idea muy potente en el barroco.

Su alrededor, se tiene un tono oscuro negro, lo que permite englobar la escena, ósea que deja como un marco oscuro a su alrededor para poder tener la atención al centro

PRIMERA ESCENA

Dentro del claroscuro, lo que se quiere resaltar es la escena "romántica" dentro de la película Otro punto son las texturas que se permite identificar. Además, se puede ver que la piel de la mujer es mas clara que la de su esposo Este mismo claroscuro, también nos ayuda a identificar profundidad y escala dentro de la imagen. Además, permite entender en que plano se encuentra cada cosa. Por ejemplo, la silla con la mesa , es claramente los elementos mas cercanos, la escena de los esposos en el pianos es segundo plano y por ultimo el tercer plano es los elementos de atrás.

Y lo más importante, es poder identificar las emociones que se trae dentro de la escena , que la luz permite enfocar, sentimientos de calma y sensualidad por parte de la mujer, y por parte del esposo e afecto ante la situación que esta pasando.

SEGUNDA SECENA La mirada del joven que esta a su lado, permite evidenciar que la luz da justamente a ella, otro punto es que el único rostro que se puede evidenciar es el de la mujer , los otros dos hombres no se les logra ver completamente, entonces se puede concluir que la luz permite resaltar la belleza.

Otro punto, es que la luz permite identificar las texturas dentro de la imagen. Pues, se ve claramente que el vestido de la mujer tiene un costo alto.

Asimismo, el fondo que se nota mas desteñido, se logra identificar las telas y la pared que no tiene un color prolijo.

Asimismo, el color claroscuro que se identifica en las paredes, nos permite tener cierta profundidad dentro de la imagen, quienes están mas cerca y quienes mas lejos. Por ejemplo, la mujer claramente esta por delante de los dos jóvenes

Primeramente, la luz en esta escena , permite resaltar a la mujer con vestido rojo, ósea resaltar la riqueza sensual dentro de la mujer

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PREIMPRESIONISMO Se escogió una obra de arte impresionista , en el cual se señalaron 5 diferencias con respecto al barroco, al neoclásico y/o al romanticismo. Considerando técnicas, temas representados, paleta de colores, función, etc.. Asimismo, se cuestiono : ¿Cuál crees que es el rol del espectador en la pintura elegida?

NOMBRE: Niñita en un sillón azul AÑO: 1878 UBICACIÓN: Musée d'Orsay AUTOR: Mary Cassatt.

El espectador tiene el rol de estar a una altura promedio en la pintura, ya que esta intenta que el visualizador se sienta parte de la misma, e incluso intenta que forme parte de la acción que está tomando la niña, proporcionando una sensación de naturalidad.

Asimismo, deja a libre interpretación por parte del espectador a analizar el porqué de la posición de los personajes de la imagen.

15

Calificación 3/3

Pinceladas suaves y poco definidas en comparación de la pintura Renacentista que mostraba trazos firmes.

Uso de colores intensos, contrario al neoclásico que se inclinaba por hacer uso de colores opacos. en esta pintura se representa una escena cotidiana, a comparación del neoclásico que la pintura estaba hecha con el objetivo de transmitir un mensaje y del Barroco que buscaba lo ornamentado y exagerado.

Se carece de énfasis en la musculatura, muestra una figura tierna a la vista, contrario al romántico, cuyo enfoque principal era mostrar en su máximo esplendor la anatomía humana.

Uso de la luz de forma conservadora , con un reflejo fidedigno.

Se implementa con el hecho de representar naturalidad a diferencia del Barroco , que su fin era los contrastes brutales de luz y sombra.

16

NEOCLASICO En esta actividad, se debió escoger una obra de arte neoclásico, y con ello describir brevemente cuál es el mito o evento histórico que el artista está representando y explicar cómo se ve reflejado en el cuadro. Por ultimo se tuvo que responder la pregunta: ¿Cuál creen que es la idea principal detrás de la obra, más allá de la narración del mito o evento histórico?

'Juramento de los Horacios' de Jacques-Louis David, 1784 Fuente: HA!

CONTEXTO HISTORICO A mediados del año 669 a.c, Roma le declaró la guerra a su vecino territorial Alba Longa. La guerra dio lugar a la decisión, por parte de ambas ciudades, de designar a tres campeones de cada bando para dar fin al enfrentamiento. Por parte de Roma se presentaron los Horacios, tres hermanos trillizos y de parte de Alba Longa, los Curiacios, también hermanos trillizos. Sin embargo, el drama en el que se envuelve este enfrentamiento es la unión sentimental entre ambas familias, uno de los hermanos Horacios estaba casado con Sabina, hermana de los Curiacios. Al mismo tiempo, uno de los Curiacios, mantenía una relación con Camila, hermana de los Horacios.

Antes de partir a combate, Los Horacios se presentaron ante su padre dando un juramento donde se mostraron dispuestos a asesinar a los Curiacios, con tal de obtener la victoria para Roma.

En el enfrentamiento, uno de los Horacios sobrevivió ante los Curiacios, este con gran astucia, pudo derrotar a sus enemigos, consiguiendo de esta manera consagrar a los Horacios como ganadores supremos de Roma. Asimismo, se consagró triunfador dentro de Alba Longa. La ciudad quedó totalmente devastada, por lo que no se pudo volver a reconstruir y sus habitantes que vivían en esa parte , fueron enviados al Monte Celio de Roma.

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Calificación 16/20

COMPOSICIÓN

División de los grupos que se adapta con los arcos posteriores.

Secuencia visual de colores. El rojo como punto de partida, pasando por el amarillo y por último, el azul. ingreso de la luz por el lado izquierdo Perspectiva por el piso, llevan al punto de fuga en las espadas Repetición simbólica del número tres: hermanos, espadas, mujeres, arcos.

Formación de triángulos, permite entregar estabilidad estática al cuadro.

División entre mujeres y varones, las mujeres se ven más encogidas y los varones abiertos Colores tenues

ESCENA ESCOGIDA Jacques-Louis David, autor de la pintura, hace referencia al momento en que el padre de los Horacios está entregando las espadas (sirven de armas, y son símbolo de seguir el emblema del rey/patria) a sus hijos, para que vayan a una guerra que es de vida o muerte, se puede ver en la mirada del padre que este ni es capaz de mirar a los ojos a sus hijos, ya que los está enviando a morir. Mientras que los hijos están con los músculos tensionados (incluso uno coge firmemente de la cintura a otro) y las manos alzadas en señal de aceptar su misión ante cualquier tipo de sufrimiento por parte las mujeres de su familia, con este acto ellos juran solemnemente dar su vida por la patria. Por otro lado a las mujeres se les observa encogidas, con gestos tristes y de lamento, sin embargo no vemos que muestren algún signo de resistencia a que sus esposos o hermanos vayan a la guerra, sino que son conscientes que la lealtad a la patria es primero y simplemente lo aceptan con dolor. Y finalmente en la pared del fondo se observa más armamento militar, típico de la época, como una lanza y un escudo dorado.

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IDEA PRINCIPAL La escena que se representa nos proporciona el mensaje de la lealtad y la trascendencia al sufrimiento por resignación al sacrificio ,para lograr la consagración de la patria. La disposición que se muestra tanto en las expresiones como la posición rígida del cuerpo incrementa y sobresalta esta intención.

Además , dentro de la imagen se muestra a los tres hermanos Horacios abrazados como símbolo de un fuerte unificado, y a su costado se ve a las mujeres solas , sin ningún vínculo de consuelo. Esta escena deja entender que entre ambas acciones, la lealtad va por encima de todo y el sacrificio por esta; trasciende el sufrimiento que muestras las mujeres por saber que perderán a un ser querido. Asimismo, el padre observa hacia arriba, porque no puede mirar a sus hijos ,ya que sabe lo que está haciendo (enviar a sus hijos a sacrificarse) , entonces claramente se entiende que la lealtad (punto base) de esta imagen es más fuerte que sentimientos, emociones y lazos de sangre . Las convicciones de entender que esto no solo es por sí mismo ni su patria , sino por todos, sobrepasa absolutamente todo; incluso la vida.

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20

TRABAJO FINAL ¿QUÉ OBRA DE ARTE ME ROBARIA? "Muchacha leyendo una carta" Artista: Johannes Vermeer Año: h. 1657 Periodos: Barroco, Siglo neerlandés Fuente: Wikipedia

de

Oro

Si me robaría alguna obra de arte, definitivamente seria "Muchacha leyendo una carta", no por el hecho que es famoso o muy conocido sino por lo especial que es .En particular siento que para encontrar lo hermoso en una pintura no debe de ser exhibido de forma aglomerado, sino rebuscada de forma escasa , es ahí cuando empiezas a resaltar esas pequeñas características que posee.

En primer lugar, cuando empezamos a tomar la clase de arte Barroco , fue que conocí al pintor Johannes Vermeer, y de ahí empecé a investigar algunas pinturas que realizo en su trayectoria, muchas fueron bellas , pero esta fue a mi parecer la mejor de absolutamente todas, ya que posee esa sencillez sin ser simple, que permite transmitir una escena cotidiana de forma tan real , puesto que, la luz permite resaltar esa piel de forma amarillenta natural por el mismo hecho del horario en el que sucede, un atardecer que permite entender la bajada del sol.

Asimismo, se puede observar capa sobre capa , esto es gracias al fondo degradado con el color negro , que permite entender la profundidad con la que se compone. Además, la pintura al oleo permite entender las texturas con la que se componía cada elemento, esto me fascino porque es muy difícil hasta ahora pienso yo, poder transmitir ese tipo de sensación. Por otra parte, cuando la observe me sentí como si fuese parte de la obra, como si yo la estuviese viendola a ella, algo que suena un poco raro pero que me sucedió, pienso yo que es porque cada vez que algo me deja fascinada me identifico tanto que llego a sentirme dentro de ese espacio o manifestación, talvez porque suelo escribir cartas a parientes míos , por el hecho de sentir esa sensación de conexión que se ha ido perdiendo con el tiempo. Entonces, no solo es la pintura en sí, sino su significado con el que se compone y como esta se relaciona con la mía, eso hace que se vuelva especial 21

HISTORIA DEL COLOR MORADO EN TRES ETAPAS Dentro de esta etapa , el color morado es mas tenue , mantiene un protagonismo , ya que permite transmitir simetría, proporción y orden dentro del cuadro. Asimismo , poseía la capacidad de enfocar al hombre como punto focal dentro del fresco (perspectiva central) .

Además, permitía tener un recorrido dentro de cada parte con la que compone, atendiendo a mostrar algún mensaje de enseñanza.

Renacimiento

'El Juicio Final' de Miguel Ángel, 1536-1541 Fuente: Harte con Hache

Barroco

'Muchacha dormida' (Joven dormida) de Johannes Vermeer .,1657 Fuente: WikiArt

Para este periodo, el color morado se utilizo para representar escenas del momento, pero de forma subjetiva, tal así que forma parte de la vida real, ya que, es impredecible decir que todo lo que se rodea es de un solo color..

Además, proporciona movimiento al objeto , de tal forma que e entienda que no esta estático simplemente colocado. Finalmente , esta comprende finas expresiones de los autores, pues permite entender de que forma ven esa escena.

Postimpresionismo

En esta etapa, el color morada se utilizo de manera mas intensa, puesto que refleja un componente natural que es la luz, esto permitió entender la profundidad con la que se componía la pintura. Asimismo, de proporcionar la naturalidad a la pintura. Se enfoco en interpretar lo que acontecía en el momento, como forma de mostrar lo que sucede en la realidad. Asimismo, esto permitió valorizar los detalles los componentes que tenia a su alrededor. Finalmente, en totalidad agrego enfoque al personaje que esta en medio, ya que la piel de la mujer resalta de forma mas exagerada que otros tonos.

‘Dos figuras en el bosque' de Vincent van Gogh ,1890 Fuente: Alamy

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INFORMACION DEL CURSO SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días

OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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984232941 danfiotital@gmail. com 20202476@ALOE. ULIMA.EDU.PE Pachacamac, Lima. Perú

Estudiante de arquitectura en la Universidad de Lima. Dentro del quinto superior todos los años en el colegio John F. Kennedy.

Tercio Superior durante toda la carrera hasta la actualidad en la Universidad de Lima. Apasionada con el dibujo y resolución de problemas ambientales y consciente del cambio en los diferentes ambientes en el que se encuentre la Arquitectectura actual.

Comprometida con los objetivos y deberes que tengo. Interesada en el cambio del ámbito rural y costero Peruano.

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Portafolio 2021 -1 Historia de Arte