Revista para saia

El Renacimiento Español, Francés, Alemán e Italiano.

El Manierismo

Arquitectura.

Escultura.

Pintura.

Árte Barroco Árte Neoclásico Neoclasicismo, Neogótico y Exotismo.

Francisco Salazar C.I 22.995.092

Índice El Renacimiento Arquitectura Renacentista Italiana Pintura Renacentista Italiana Escultura Renacentista Italiana Arquitectura Renacentista Española Pintura Renacentista Española Escultura Renacentista Española Arquitectura Renacentista Francesa Pintura Renacentista Francesa Arquitectura Renacentista Alemana Pintura Renacentista Alemana Estilo Manierista Arquitectura Manierista Pintura Manierista Escultura Manierista Estilo Barroco Características de la Arquitectura Barroca Características de la Pintura Barroca Características de la Escultura Barroca Estilo Neoclásico Elementos Arquitectónicos del estilo Neoclásicos Elementos Arquitectónicos del estilo Neogótico Elementos Arquitectónicos del estilo Exotismo

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El Renacimiento 

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un período de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna.

Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa.

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del Humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica, griega y romana. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.

Arquitectura Renacentista Italiana La principal influencia, obviamente es la del mudo clásico, muy especialmente de la arquitectura romana.

Elementos sustentantes: Sustentante continuo: el muro recupera su valor como sustentante.

Es frecuente que estén articulados con pilastras, líneas de imposta, etc.

Sustentantes discontinuos: se utilizan los órdenes clásicos, con preferencia por el corintio. También se usan entablamentos y frontones.

Pintura Renacentista Italiana Combina la temática cristiana, pagana y profana frente a la temática cristiana dominante hasta ahora.

Interés por el hombre, no solo desde el punto intelectual, sino también físico, por ello el estudio de la anatomía en el arte será un tema importante para los artistas, también la búsqueda del canon perfecto y el movimiento.

La pintura se distribuirá en orden alrededor de un eje central, dicho eje central siempre girará alrededor del ser humano: humanismo.

Escultura Renacentista Italiana Se valora la perfección de la formas, frente a la prioritaria función docente y religiosa de la escultura medieval.

El relieve renacentista muestra preocupación por captar el espacio y la profundidad mediante el nuevo sistema de representación de la perspectiva: Relieve pictórico (SCHIACCIATO).

Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce, por influencia de los modelos clásicos.

Temas: tanto en el relieve como en las esculturas de bulto redondo, siguen predominando los temas religiosos, pero empiezan a desarrollarse también los profanos: mitológicos, históricos y alegóricos.

El motivo principal es la figura humana. Se recuperan las tipologías frecuentes en el Arte clásico: el desnudo, el retrato o la estatua ecuestre.

Arquitectura Renacentista Española La arquitectura renacentista española pasó por tres fases. La primera es la del estilo plateresco y se puede considerar como una combinación de elementos del mudéjar y del gótico. El plateresco se caracteriza por edificios cuyas fachadas están ricamente decoradas con adornos almohadillados, medallones, escudos, columnas con capiteles corintios y pilastras decoradas con insectos, hojas, etcétera.

Vista de El Escorial por Johannes Blaeu (copia del "Séptimo diseño" de Juan de Hererra)

La tercera fase de la arquitectura renacentista se conoce como el estilo herreriano -- por su mayor exponente, Juan de Herrera -- o escurialense -- por el edificio emblemático de este periodo: El monasterio de El Escorial. El estilo se caracteriza por la simetría y la repetición de formas y motivos. También predominan los elementos constructivos, líneas rectas, volúmenes cúbicos, formas geométricas simples y la ausencia de decoración.

Pintura Renacentista Española Ausencia de temática profana y predominio de la religiosa. La clientela será fundamentalmente la Iglesia.

La técnica preferida es el óleo sobre tabla, o sobre lienzo con escaso desarrollo del fresco.

Dependencia de las formas italianas que conviven con restos góticos y caracteres populares.

En Época de Felipe II, El Escorial se convierte en el centro de la producción pictórica más importante.

Juan de Juanes. Última cena (Museo del Prado).

Mención aparte merece el genio individual del Greco.

Escultura Renacentista Española Predilección absoluta por temas religiosos y rechazo de temas paganos y mitológicos.

Materiales: se utiliza la piedra y el mármol para los sepulcros pero el material predilecto será la madera policromada, mediante la técnica del dorado y el estofado, en imágenes y retablos y sin policromar para la realización de las sillerías de los coros.

Frente a la serenidad clásica de algunas obras italianas en España se prefiere un arte más expresivo.

Vaso de la Zarza. Sepulcro del Tostado. Catedral de Ávila

Arquitectura Renacentista Francesa Los artistas del siglo XV dejaron de lado el estilo gótico para unirse al movimiento italiano del renacimiento, este tomaba las obras antiguas de griegos y romanos como modelos de belleza perfecta.

La arquitectura renacentista interpreta el arte clásico e intenta imitar la estética de aquellas construcciones.

El nuevo pensamiento se contraponía al empleado para proyectar las construcciones góticas, sus arquitectos fueron tildados de cultivar el feísmo en sus obras.

Palacio ducal de Nevers.

Pintura Renacentista Francesa Búsqueda de la perspectiva .

Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato .

Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo.

La composición centra el tema y distribuye los elementos técnicos: color, volumen y formas.

La luz y los efectos de claroscuro culminan en el esfumato leonardesco.

Retrato de Francisco I, de Jean Clouet,3 ca. 1527-1530.

Arquitectura Renacentista Alemana Búsqueda del ideal clásico.

Visión profana sobre temas religiosos.

Influencia de la naturaleza.

Antropocentrismo y humanismo.

Castillo de Heidelberg

Pintura Renacentista Alemana Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.

Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.

El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad.

El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.

Pintura gótica: Tabla central del tríptico de la Adoración de los Reyes, obra de Stefan Lochner en la catedral de Colonia.

Estilo Manierista Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte última del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica10 tanto en lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio altorenacentistas, una "violación de la figura"),11 que prefigura el "exceso"12 característico del Barroco.

Leda y el cisne (Ammannati, ca.

1536).

Verano (Arcimboldo, 1573).

Por otro lado, también se identifica el Manierismo con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte sensorial y popular.13 Considerado como una mera prolongación del genio creativo de los grandes genios del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como los leonardeschi), el Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico14 y una "afectación artificiosa"15 cuya elegancia y grazia16 no fue apreciada plenamente hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.

Tímpano spezzato ("partido") de Buontalenti en la Galleria degli Uffizi, Florencia (1574-1580).

Arquitectura Manierista Obras más pláticas y decorativas.

Tensión y abstracción en las formas en contraposición con los cánones clásicos.

Los elementos arquitectónicos son utilizados de forma arbitraria.

Algunos arquitectos manieristas fueron Vignola y Palladio.

Fachada de la Iglesia del Gesù, Roma.

Monumentalidad.

Uffizi, Florencia.

Puerta Pía, Roma.

Pintura Manierista Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad. Las obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas. Las composiciones son irregulares, con zonas muy vacías y otras muy llenas, y las figuras se representan como a punto de caer.

Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. Las tonalidades no siempre se corresponden con las reales de los objetos representados.

Los dibujos son muchas veces exagerados, sofisticados y artificiosos. Acentúan gestos y giros, predominio de las curvas.

Pontormo, Descendimiento de Cristo, 1528; Santa Felicità, Florencia.

Alessandro Allori, Susana y los viejos.

Los artistas deforman sus composiciones por diversos ejes, generalmente diagonales.

Algunos pintores manieristas fueron Bronzino, El Greco, Tintoretto y Veronés.

Tintoretto, Última cena, 1592-1594.

Escultura Manierista Tendencia a la monumentalidad.

Los escultores dan dinamismo a sus obras a través de las líneas curvas y las formas serpenteantes.

Canon más alargado y figuras retorcidas.

Interés por el hombre y el cuerpo humano.

Naturalismo y antropocentrismo.

Perseo con la cabeza de Medusa (Benvenuto Cellini 1554, Loggia dei Lanzi, Florencia)

El rapto de las Sabinas (1581-1582), de Juan de Bolonia (Giambologna).

Salero de Francisco I de Francia, de Benvenuto Cellini (15391543).

Se defiende la multifacialidad (diferentes puntos de vista de las obras), aunque adquiere máxima importancia la parte frontar de las creaciones.

Las obras se realizan a partir de un único bloque de material a partir del cual cada autor elimina la parte sobrante.

Algunos escultores manieristas fueron Benvenutto Celliniy Juan de Bolonia.

Estilo Barroco El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica.

Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.

Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).2 Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo.

Características de la Arquitectura Barroca 

La arquitectura barroca tuvo el objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador, por lo que utilizaron lo siguiente:

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El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.

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Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que tienen el fuste en espiral, y da una sensación de movilidad.

La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de una gran profusión de entrantes y salientes, es decir, de fachadas con distinta profundidad; y de fronteros rotos, es decir, de fronteros en los que alguno de sus lados no está cerrado.

La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.

La utilización de materiales ricos, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de ostentación.

Características de la Pintura Barroca 

La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes:

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Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.

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Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una mayor mobilidad y fuerza a las representaciones.

Se utilizaba una técnica llamada claroscuro.

Se basaba en generalizaron los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.

Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.

La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de ―naturaleza muerta‖.

Características de la Escultura Barroca 

Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se dotó de rasgos físicos y movimientos naturales.

Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente.

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Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos.

Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.

Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se hizo muy habitual que éstas se engarzasen unas con otras formando composiciones muy complejas. Se impuso el gusto por lo teatral y las composiciones se pensaban como auténticas escenografías, es decir, como decorado para una representación teatral.

Se potenciaron los efectos luminosos.

Los pliegues de la ropa y los gestos de las figuras provocaban combinaciones de luces y sombras.

La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los países católicos eran frecuentes las representaciones religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y las escenas mitológicas.

Estilo Neoclásico El término Neoclasicismo (del griego -νέος neos, el latín classicus y el sufijo griego -ισμός ismos) surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

El juramento de los Horacios, obra de Jacques-Louis David.

Fachada de la Catedral de Pamplona.

Características que representan los elementos arquitectónicos del neoclasicismo en las obras del Estilo Neoclásico.

Además de iglesias y palacios construyen hospitales, bibliotecas, museos, teatros, etc., ya que creen que el arte debe estar al servicio de la sociedad y ser útil. También embellecen las ciudades con plazas y jardines.

Utiliza elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, órdenes clásicos –con predominio del dórico–, frontones, arcos de medio punto, bóvedas, cúpulas, etc.

Panteón de Paris

Se busca la belleza ideal basada en las lĂ­neas puras, en la simetrĂ­a y en las proporciones. Predomina la horizontalidad que da sensaciĂłn de equilibrio.

La decoración es sencilla y austera.

Está inspirada en el arte clásico a base de ovas, guirnaldas, decoración floral, escudos, trofeos etc, y también en el arte egipcio.

Características que representan los elementos arquitectónicos del neogótico en las obras del Estilo Neogótico.

Este elemento propio del estilo Gótico denominado Chapitel, se representa es esta obra en la parte superior, en forma de culminación con la finalidad de generar verticalidad.

Elemento propio de la arquitectura Gรณtica llamada Rosetรณn, utilizado en la decoraciรณn de las fachadas principales de las iglesias para obtener iluminaciรณn natural y ventilaciรณn.

Este elemento del estilo G贸tico, se llama Gablete, hay q tomar en cuenta que el estilo neog贸tico deriva de la arquitectura g贸tica implementando nuevos materiales.

Este elemento forma parte de las fachadas principales ubicada en la parte superior central de la misma generando un impacto visual que permite destacar este

Este elemento de la Arquitectura Gotica se denomina Portada, es en forma de Arco Ojival superpuesto uno delante del otro, este tiene la finalidad de destacar los accesos a las edificaciones.

Características que representan los elementos arquitectónicos del Exotismo en las obras del Estilo Exótico.

Este elemento de la arquitectura Exótica se denomina Arco Tumido, también conocido como el Arco Árabe.

Este elemento de la Arquitectura Exótica se llama Cúpula Bulbosa, también denominada Cúpula Encebollada por su forma semejante. Este elemento es parte de la Arquitectura Oriental.