Frente 139

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crónica profesionalización de la ingesta Versus Mastuerzo comida corredores gastronómicos música jungle cine julien temple arte nahum b. zenil letras jim dodge medios comic-con diseño tipografía mexicana escena opus ballet DEL 31 de JULIO al 13 DE AGOSTO DE 2014 | $0.00 CERO PESOS | AÑO 2 | WWW.FRENTE.COM.MX

Napoleón Habeica: fetiches y fantasías por rulo

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | índice | frente | 3

Editorial por rulo Dirección general Cecilia Goslinga | cgoslinga@frente.com.mx

Dirección editorial Raúl David Vázquez | ruleiro@frente.com.mx

Coordinadora editorial Lorena Villa Parkman | lorena@frente.com.mx

Editores Agenda Benjamín Ocaranza | benjamín@frente.com.mx agenda@frente.com.mx

CRÓNICA Guillermo Núñez Jáuregui

Música

Napoleón es dinamita

#139

H

ay fotos que ha tomado Napoleón Habeica que son capaces de poner nervioso a cualquiera. Por ejemplo, una imagen de Camila Sodi en un diminuto y sedoso atuendo, que recientemente circuló, primero en Instagram y luego en casi todos los periódicos del país. En cambio, lo que a él lo hace sudar, no es una mujer semidesnuda, sino una grabadora encendida. Cuida cada palabra que sale de su boca. Tartamudea. A veces se arrepiente de lo que acaba de decir. Habla de sus modelos. De los novios celosos que le quieren cobrar facturas que no le corresponden.

De su fugaz paso por el mundo del arte. De cómo en todo lo que hace acaban reflejadas, en mayor o menor medida, sus perversiones, sus fantasías, sus obsesiones, sus deseos. De cómo lidia con los clientes. De cómo algunas de sus piezas más significativas las ha hecho no con equipo profesional, sino con la cámara de su teléfono.

Está en la portada de Frente por la solidez de su trayectoria. Por la influencia que ha ejercido en una nueva generación de fotógrafos. Por el alcance que ha tenido su trabajo. Por ser un personaje notable del mundo de la moda y de la vida nocturna de la ciudad. Y, sobre todo, porque trabajando bajo sus propios términos ha conseguido no sólo trascender, sino ser feliz.

Mariana Vidal | mariana@frente.com.mx

Cine Roberto Garza | roberto@frente.com.mx

Comida Alonso Ruvalcaba | aruvalcaba@frente.com.mx

Arte Christian Gómez | christian@frente.com.mx

Letras Diego Rabasa | diego@frente.com.mx

DISEÑO Rodrigo Alcocer de Garay | ralcocer@frente.com.mx

ESCENA

En este número

Mayté Valencia Salinas| mayte@frente.com.mx

DIRECTORA DE ARTE Astrid Stoopen | astrid@frente.com.mx

diseño editorial Luis Quiroz | lquiroz@frente.com.mx

Ana del Castillo

Filósofa y actual estudiante de la maestría en Historia del Arte de la unam. También bailarina, cantante, maestra de yoga cuando alcanza la vida y ciclista por amor al viento.

COORDINACIÓN de fotografía Victoria Garza Levy | vicky@frente.com.mx

corrección Paula Bouchot

asistente editorial Aretha Romero

relaciones públicas

Felipe Rosete

Es doctor en Ciencias Políticas y Sociales por la unam.

Es ensayista y miembro permanente del consejo editorial de Editorial Sexto Piso.

Noé David Aguilar | naguilar@frente.com.mx

web y redes sociales Abril Mulato | amulato@frente.com.mx Karen Benavides | kbenavides@frente.com.mx

Distribución Más por más | Presidente Masaryk 169, Col. Chapultepec Morales, Mexico, DF. CP. 11570.

oficina frente

Francisco Mortales

Ilustrador, diseñador y tatuador. En este número colaboró en la sección de Gráfica con la ilustración Raspado de anís. Más de su trabajo en http://salmonela.deviantart.com. En Twitter es @mortales333

Yoali Maya Guzmán | yoali@frente.com.mx

Colaboradores Mario Campos, Julio Martínez Ríos, Rodrigo Márquez Tizano, Alan Page, Taquitojocoque, Cucho, Ana Hop, Luis E. Arista, SussyOh, Jesús Pacheco, Toni François, Rubén Olegnowicz “El Paella”, Mauricio Hammer, Ana del Castillo, Fernando Hernández Urias, Felipe Rosete, Burgerman, Abraham Huitrón, Carlos Velázquez, WARpig, Laura Gamboa, Sofía Grivas, Francisco Mortales

CONSEJO ADMINISTRATIVO Gustavo Guzmán, Alejandro Romero, Rodrigo González, Miguel Heredia, Jorge Obregón, José Jorge David Vázquez, Raúl David Vázquez, Luis Enrique Wah y Rodrigo Velázquez.

LA ciudad DE FRENTE. Periódico de distribución gratuita; se publica quincenalmente. Publicado por La Ciudad de Frente a sus Contenidos, S.A. de C.V. Editor responsable: Cecilia Goslinga Arenas. Número de certificado de reserva de derechos al uso exclusivo otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor 04-2010-112411305400-101. Certificado de Licitud de Título y Contenido: No. 15162 del 8 de mayo de 2011. Domicilio de la publicación: Tula 13, Col. Condesa, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06140, México, D.F. T 5914 0335. Impreso por: SPI Servicios Profesionales del Impresión. Mimosas 31, col.

Santa María Insurgentes. Del. Cuauhtémoc. C.p. 06430. T. 51170100. Los artículos de los autores colaboradores de esta publicación reflejan únicamente la opinión de los mismos y no necesariamente coinciden con la de esta editora. D.R. ©La Ciudad de Frente a sus Contenidos, S.A. de C.V., México, 2012. www.frente.com.mx Se prohíbe la reproducción parcial o total de las obras y demás contenidos de esta publicación sin previa autorización por escrito de la editora.

4 | frente | índice | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

Índice #139

en portada ALISON MOSSHART & NAPOLEÓN HABEICA

7 AGENDA

Música, Cine, Arte

12 CONTRALORÍA

Mario Campos, Julio Martínez Ríos, Rodrigo Márquez Tizano, Alan Page, Taquitojocoque

14 CRÓNICA

La profesionalización de la ingesta por Guillermo Núñez Jáuregui

17 VERSUS

Mastuerzo por Mariana Vidal

20 EN PORTADA

Napoleón Habeica: fetiches y fantasías por Rulo

28 MÚSICA

44 DISEÑO

Tipografía digital mexicana. (parte 1) por Rodrigo Alcocer de Garay Perfil: Carlos Ortega por Rodrigo Alcocer de Garay

48 LETRAS

Jim Dodge, un genio errante por Fernando Hernández Urias No sabemos nada por Felipe Rosete

Jungle: de un bar de tequilas al éxito mundial por Luis E. Arista La Banda Bastön no está en la casa, está en el aire por SussyOh Monarca, canción por canción por Aretha Romero La Roma Records Columna Timba Tintín por Jesús Pacheco Arriba/Abajo por Toni François + Reseñas discos, La vara y Flamante

52 COMIDA

36 CINE

Entre lo clásico y lo contemporáneo por Mayté Valencia Columna Mutis por Mayté Valencia

Do It Yourself. Charla con Julien Temple, documentalista del punk por Roberto Garza Retrospectiva Julien Temple por Roberto Garza + Estrenos

39 MEDIOS

Columna Mundos Para Lelos por El Paella Columna Martillazos por Mauricio Hammer

40 ARTE

Las metáforas de lo humano por Ana del Castillo Arqueología imposible por Christian Gómez Monarchs, men & monsters: las contradicciones del arte por Christian Gómez Columna Reverso por Christian Gómez

Corredores gastronómicos por Alonso Ruvalcaba Guarniciones | Pesca del día Columna El rincón de Burgerman por Burgerman

56 ESCENA

58 debutantes

Libros Tontos, Camino Silvestre, Galería Mariana García Arte Contemporáneo

60 DETRÁS

Charlyfornication por Carlos Velázquez Mi veldá por WARpig

61 HORÓSCOPOS por Laura Gamboa 62 Gráfica

Raspado de anís por Francisco Mortales

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | AGENDA | frente | 7

Agenda

#139

Música | Cine | Arte | Escena

1

2

3

4

1

2

3

4

Sábado 2 FESTIVAL ANTES Jiony + System Error + Vampire Slayer + Animación Suspendida + Las Brisas + Annapura + Buried Under Stars + Aj Davila y Terror Amor + Terror Cósmico + Vaya Futuro + Otros AFTER PARTY A PARTIR DE LA 1 A. M.: Lao + Frankie Vs. White Visitation Boletos en taquilla el día del evento.

De 16 a 6 horas. $150 +18 BAHÍA BAR. Tolsa 36, Juárez.

CAPITÁN GALLO. Ayuntamiento 145, Centro.

DOMINGO 3 CLAUSURA + FESTIVAL ZIN AMIGOS Omar Soriano + Telequinesis + Insectontos & Nick Zedd + (Sic) + Vegan Cannibal & Jaime Martínez 15 horas. Entrada libre, todas las edades.

EX CAPILLA DE GUADALUPE – PARQUE LIRA Av. Parque Lira y Gob. Agustín Vicente Eguia, Ampliación Daniel Garza.

PORGY AND BESS De George Gershwin.

Dirección de escena: Charles Randolph-Wright.

Dirección musical: Pacien Mazzagatti.

Coreografía: Keith Lamelle Thomas.

Con Keneth Overton, Frederick Jackson, Brandie Sutton, Kishna Davis, Reggie Whitehead, Robert Mack, Geraldine McMillian y Mary-Yan Pringle.

Jueves 31 de julio y viernes 1 de agosto; 20 horas.

Sábado 2; 12 y 18 horas. Domingo 3; 16 horas. $205 - $670 PALACIO DE BELLAS ARTES Av. Juárez y Eje Central, Centro Histórico.

CICLO TRANSVERSALES DISCURSO DE UN HOMBRE DECENTE Colombia - Mapa Teatro De Heidi y Rolf Abderhalden.

Dirección: Heidi y Rolf Abderhalden.

Miércoles 6 de agosto; 20 horas.

L’EFFET DE SERGE Francia - Vivarium Studio Autor y director: Philippe Quesne.

Viernes 8; 20 horas. Sábado 9; 19 horas.

TRILOGY Líbano – Rabih Mroué Espectáculo de Rabih Mroué.

Domingo 10; 18 horas.

Todas las funciones son entrada libre.

TEATRO JULIO CASTILLO Centro Cultural del Bosque; Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

#DANCEYOURNAME PRIMER ANIVERSARIO: SILENT SERVANT Productor responsable de parte del techno más ecléctico e innovador que ha surgido en los últimos años. Parte esencial de un renacimiento estimulante y creativo del género, también es el talento más reciente en la filas de la legendaria discográfica Sandwell District.

22 horas; $200 (Los detalles sobre la sede serán develados un día antes.)

Más información en danceyourname@gmail.com y www.facebook.com/danceyourname

MÚSICA

ÓPERA

TEATRO

MÚSICA

8 | frente | AGENDA | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

A agenda

Lo mejor de la semana del 31 de julio al 6 de agosto

Jueves 31

Viernes 1

Sábado 2

Domingo 3

ARTE INAUGURACIÓN: SUCESO BREVE De Julie Escoffier.

19 horas.

BREVE – CASA ROSANO Orizaba 101, local D, Roma.

MÚSICA ENSAMBLE @ FESTIVAL ANTES: TURNING TORSO + PAPERWORKS + ANTIGRAVITY + KUPA + PRO.TONE AKA SAEG + DEN5HION + SONIDO BERZERK 21 horas. $60. +18 CAPITÁN GALLO Ayuntamiento 145, Centro.

MÚSICA LA BANDA BASTÖN: XVI AÑOS 21 horas. $350 LUNARIO DEL AUDITORIO NACIONAL Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

ARTE INAUGURACIÓN: COMPENDIO FOTOGRÁFICO MEJICANO UNO De Fernando Etulain.

CAFÉ 123 Artículo 123 núm. 123, Centro.

MÚSICA CICLO &: JORGE GONZÁLEZ + MAURICIO ORDUÑA 20 horas. Entrada libre.

CENTRO DE CULTURA DIGITAL Paseo de la Reforma y Lieja, Juárez.

MÚSICA WYE OAK 21 horas. $400 – $650 EL PLAZA CONDESA Juan Escutia 4, Condesa.

CINE RETROSPECTIVA TOMÁS GUTIÉRREZ ALEA MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO (Cuba; Tomás Gutiérrez Alea, 1968); 20 horas.

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Xoco. $50

TEATRO INFANTIL LA FANTÁSTICA HISTORIA DE LA SEÑORITA OFELIA Versión libre de un cuento de Michael Ende.

13 horas. $80 TEATRO EL GALEÓN Centro Cultural del Bosque; Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

MÚSICA TROY PIERCE + ANDRÉ VII + HOLDER + FLOR & ODETTE 22 horas. Hombres $200, mujeres entrada libre.

RHODESIA CLUB SOCIAL Durango 181, Roma.

CINE LOS OVNIS + LAS PIPAS DE LA PAZ 22 horas. Entrada libre. +18 CARADURA Nuevo León 73, Condesa.

MÚSICA MINUS THE BEAR 20 horas. $350 – $550 EL PLAZA CONDESA Juan Escutia 4, Condesa.

CINE Anime: La animación japonesa de posguerra JUEGOS MENTALES (Japón; Maindo Gemu, Masaaki Yuasa, 2004); 18 y 20:30 horas.

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Xoco. $50

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | AGENDA | frente | 9

Lunes 4

Martes 5

Miércoles 6 Si quieres que tu foro aparezca en esta lista, manda tu cartelera a agenda@frente.com.mx

CINE 34 FORO DE LA CINETECA EL PASADO (Francia; Asghard Farhadi, 2013) 16:30 y 19 horas.

CCU TLATELOLCO Flores Magón 1, Nonoalco Tlatelolco. $30

CINE CICLO MÉXICO RECIENTE CUMBRES (México; Gabriel Nuncio, 2013); 20 horas.

CINECLUB REVOLUCIÓN Museo de Arte Carrillo Gil; Av. Revolución 1608 esquina Altavista, San Ángel. Entrada libre.

mÚSICA POWER OF MUSIC FEST: GINO VANNELLI + BILLY OCEAN + CHRISTOPHER CROSS + SHEENA EASTON 20:30 horas. $350 – $1,500 AUDITORIO NACIONAL Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

DANZA COMPLEXE DES GENRES Compagnie Virginie Brunelle (Canadá) 20:30 horas. $100 – $465 PALACIO DE BELLAS ARTES Av. Juárez y Eje Central, Centro Histórico.

ARTE CHARLA: MOTORIZACIÓN Y ARTE MODERNO Imparte: Daniel Garza Usabiaga.

19 horas. Entrada libre.

SALA DE ARTE PÚBLICO SIQUEIROS Tres Picos 29, Polanco.

MÚSICA MYRNA AR Y LA CONJURA + LA MULA DE SIETES 21 horas. $50 +18 BAR HOBOS Plaza San Jacinto 23-A, San Jacinto, San Angel.

TEATRO LOS ÚLTIMOS DÍAS DE CLARK K. De Alberto Ramos. Dirección: Xavier Villanova.

Con Carlos Quintanilla, Georgina Rábago e Israel Amescua.

20:30 horas. $150 TEATRO HELÉNICO Revolución 1500, Guadalupe Inn.

ARTE ENTRE ABSORCIÓN Y ATENCIÓN, EL ESPECTADOR DE VIDEO: CONVERSACIÓN CON LAURE PROUVOST Con la participación de Ana Sol González y Luis Felipe Ortega.

19 horas. Entrada libre.

LABORATORIO ARTE ALAMEDA Dr. Mora 7, Centro Histórico.

ARTE MIÉRCOLES DE SOMA: CHARLA CON ALEXANDER GARCÍA DUTTMANN 20:30 horas. Entrada libre.

SOMA Calle 13 núm. 25, San Pedro de los Pinos.

10 | frente | AGENDA | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

A agenda

Lo mejor de la semana del 7 al 13 de agosto

Jueves 7

Viernes 8

Sábado 9

Domingo 10

MÚSICA CA$H 4 KU$H: DRUG WAR VETERANS + LIL THRAX VS. BB CLAY + MEXICAN JIHAD VS. DJ THIRTY THIRTEEN 22 horas. $50. +18 CAPITÁN GALLO Ayuntamiento 145, Centro.

MÚSICA LNG/SHT + DE NALGAS + JOLIETTE + CARDIEL + HEY CHICA! + SHEREKAN + DIE ALONE 20 horas. $50 +18 LA ARENA Thomas Alva Edison 142, San Rafael.

MÚSICA LOS GUADALOOPS: DE LOCOS Y MONSTRUOS 21:30 horas. Consultar precio en taquilla. +18 PASAGÜERO Motolinía 33, Centro Histórico.

ÓPERA INFANTIL LA NIÑA QUE RIEGA LA ALBAHACA Y EL PRÍNCIPE PREGUNTÓN Dirección: Hernán del Riego. 12 y 14 horas. $60 TEATRO DE LAS ARTES CNA; Río Churubusco y calzada de Tlalpan, Country Club.

MÚSICA LOS ESQUIZITOS 22 horas. $70. +18 CARADURA Nuevo León 75, Condesa.

CINE RETROSPECTIVA JULIEN TEMPLE RIO 50 DEGREES: CARRY ON CaRIOca (Reino UnidoAlemania-Brasil; Julien Temple, 2014); 19 horas.

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Xoco. $50

MÚSICA BLASTERJAXX 20 horas. $380 – $750 JOSÉ CUERVO SALÓN Lago Andrómaco y Molière, Ampliación Granada.

DANZA ÚLTIMA FUNCIÓN: SECRETOS DE LA LUZ Compañía Artes Transformáticas de Pilar Urreta.

Dirección y autoría: Pilar Urreta. 18 horas. $100 FORO EXPERIMENTAL BLACK-BOX Centro Nacional de las Artes; Río Churubusco y calzada de Tlalpan, Country Club.

DANZA MACHO MAN XX Compañía Tania Pérez-Salas.

Dirección y autoría: Tania Pérez-Salas. 20 horas. $300 TEATRO RAÚL FLORES CANELO Centro Nacional de las Artes; Río Churubusco y calzada de Tlalpan, Country Club.

MÚSICA LA ÚNICA INTERNACIONAL SONORA SANTANERA + LA ORIGINAL SONORA DINAMITA 21 horas. $650 – $1,100 AUDITORIO NACIONAL Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

MÚSICA SYSTEMA SOLAR 20 horas. $200 – $400 EL PLAZA CONDESA Juan Escutia 4, Condesa.

TEATRO LA VELOCIDAD DEL ZOOM DEL HORIZONTE De David Gaytán. Dirección: Martín Acosta.

18 horas. $150 SALA XAVIER VILLAURRUTIA Centro Cultural del Bosque; Paseo de la Reforma 50, Chapultpec Polanco.

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | AGENDA | frente | 11

Lunes 11

Martes 12

Miércoles 13

CINE 34 FORO DE LA CINETECA EL MUDO (Perú; Daniel y Diego Vega, 2013); 16:30 y 19 horas.

CCU TLATELOLCO Flores Magón 1, Nonoalco Tlatelolco. $30

ARTE NUEVAS FORMAS DE MIRAR EL LIBRO ILUSTRADO De la editorial española OQO. CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA Guatemala 18, Centro Histórico. Martes a viernes de 11 a 21 horas. Sábados de 10 a 21 horas. Domingos de 10 a 16 horas. Entrada libre.

ENCUENTRO BONUS CREATIVE WEEK MX Plataforma que contribuye a la competitividad del sector creativo por medio del apoyo y la promoción.

Del 13 al 15 de agosto.

CENTRO BANAMEX Conscripto 311, Lomas de Sotelo.

TEATRO JACINTO Y NICOLASA De Camila Villegas. Dirección: Alberto Lomnitz.

Con Olivia Lagunas y Bernardo Velasco.

20:30 horas. $150 FORO LA GRUTA Revolución 1500, Guadalupe Inn.

ARTE NOCIONES, VARIANTES Y PROCESOS MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA Av. Hidalgo 39, Plaza de la Santa Veracruz, Centro Histórico. Martes a domingo de 10 a 18 horas. Entrada general: $13

ARTE MIÉRCOLES DE SOMA: CHARLA CON MARIANA BOTEY 20:30 horas. Entrada libre.

SOMA Calle 13 núm. 25, San Pedro de los Pinos.

ARTE TODOS LOS ORIGINALES SERÁN DESTRUIDOS De Luigi Amara, Luis Felipe Fabre, Rodrigo Flores Sánchez, Inti García Santamaría, Sergio Loo, Mónica Nepote, Daniel Saldaña París, Jorge Solís Arenazas, Alejandro Tarrab y muchos otros.

HOUSE OF GAGA Amsterdam 123, Condesa.

CINE CICLO MÉXICO RECIENTE VELOCIRAPTOR (México; Chucho E. Quintero, 2014); 20 horas.

CINECLUB REVOLUCIÓN Museo de Arte Carrillo Gil; Av. Revolución 1608 esquina Altavista, San Ángel. Entrada libre.

MÚSICA KILLSWITCH ENGAGE 21 horas. $650 – $700 JOSÉ CUERVO SALÓN Lago Andrómaco y Molière, Ampliación Granada.

12 | frente | contraloría | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

C contraloría

Mario Campos | Campos de batalla Tu médico, tu doctor “Algún día –se decía hace unos 20 años– los teléfonos celulares concentrarán muchos productos que ahora tenemos que comprar por separado.” Y así fue, como bien describen algunos memes. Hoy podríamos llenar una mesa con una cámara fotográfica, otra de video, una grabadora, una agenda, un radio, la televisión y una computadora –por mencionar sólo algunos productos– que en la actualidad incluye cualquier smartphone. Pues bien, parece que el futuro es traer dentro del mismo equipo a un nutriólogo, un entrenador, tu médico general, un pequeño laboratorio de bolsillo y quizá hasta a tu psicólogo.

O hacia allá va la apuesta de algunos nuevos desarrollos que están captando la atención de la prensa especializada. Es el caso de Vessyl, un vaso que tiene la capacidad de identificar 60 tipos de bebidas y determinar cuántas calorías tiene, qué proteínas aporta y, por supuesto, mantiene un registro del tipo y la cantidad de líquidos que consumes diariamente para saber tus hábitos de hidratación. Este producto –según reportó FastCompany hace unos días– costará alrededor de 200 dólares.

El complemento del vaso, según fastcoexist.com, sería el Scio, un producto aún en desarrollo, de un tamaño menor a un USB, capaz de identificar la cantidad de calorías

en los alimentos mediante un sensor que proporciona información inmediata. Ambos artículos son la contraparte natural a las bandas que ya existen en el mercado que miden tu actividad física, calorías quemadas, horas de sueño, y que te permiten hacer una fotografía de tu estilo de vida.

Por eso no sorprende el análisis de Will Oremus en Slate.com que afirma que uno de los usos más importantes de los teléfonos celulares será el rol que juegue en obtener y analizar información sobre tu salud. Y a eso hay que agregar los desarrollos en materia de detección de emociones en que están trabajando diversas compañías.

Según reportó hace unos días la agenda AP, la empresa Softbam venderá en Japón a partir de febrero un robot –Pepper– que “está programado para leer las emociones de las personas que lo rodean”; si a eso sumamos que hoy ya hay sistemas capaces de leer las emociones en el rostro mejor, incluso, que las propias personas (de acuerdo con The Atlantic), no estamos lejos de tener a nuestro alrededor dispositivos que no sólo monitorearán nuestros hábitos, sino también nuestros estados de ánimo.

Por supuesto, habrá que esperar al desarrollo comercial de algunos de estos productos,

y lo más importante, al cambio cultural que permita que estemos dispuestos a registrar y almacenar toda esa información, aunque el éxito de las bandas para correr puede ser un indicador de las oportunidades que ofrecen estos nuevos mercados. Por eso no sorprende que en los próximos días Google pudiera lanzar una nueva plataforma –según C-Net– enfocada en procesar la información generada por diversos dispositivos relacionados con la salud: Google Fit. Las implicaciones de este movimiento también están por verse. Basta pensar en lo que toda esa información valdría para las aseguradoras que podrían cotizar sus productos con mucha mayor precisión sobre los riesgos de sus clientes potenciales; se trataría de información estratégica también para los mercadólogos que tendrían todavía más datos sobre la vida de las personas, al tiempo que el agregado de todos esos reportes podrían ser la base para la construcción de mejores políticas públicas en materia de salud. ¿Cómo impactará este nuevo mundo de información en los servicios de salud?, ¿qué actores ganarán y cuáles perderán? Las respuestas las veremos en los próximos años, por lo pronto, la revolución de la salud en el campo de la información ya está en marcha.

Julio Martínez Ríos | Calabozos y dragones Homenaje a los Ramones ¿Usted sabe cómo funciona su teléfono celular? ¿Cuáles son los componentes esenciales que se esconden entre la pantalla y la tapa? ¿Sabe cómo está hecha su cerveza?, ¿quién está a cargo del lúpulo que se emplea para su fabricación?, ¿sabe de qué rancho viene la carne que se encuentra en su refrigerador?, ¿cuáles son las condiciones laborales de la persona que ha ensamblado la camisa que lleva puesta en este momento?

El punk es la respuesta. ¿Sospecha usted que lo están robando?, ¿conoce el nombre de su diputado local?, ¿quién es senador por su Estado?, ¿tiene la sensación de que el sujeto que da las noticias por la noche tampoco tiene idea de lo que realmente sucede?, ¿alcanza a percibir el discurso de odio en los informativos radiofónicos?, ¿quiere que su colonia tenga un mejor alumbrado público? También podría mejorarse el servicio de recolección de basura, con suerte organizar un club de lectura, un taller de carpintería, cualquier cosa que nos permita dejar de estar encerrados.

El punk es la respuesta.

¿Está cansado de no conseguir empleo? Es un círculo infinito, no lo contratan porque no tiene experiencia y como no tiene experiencia le resulta imposible conseguir el empleo. ¿Y si mejor lo hace usted mismo? Se puede comenzar con hilo y pegamento. ¿Un martillo? La tecnología de nuestro tiempo puede ofrecer algunas opciones. Manualidades, bordes crudos.

El punk es la respuesta. ¿Se despierta cansado de esos atuendos diseñados en serie por compañías anónimas que operan en aguas internacionales para evitar el pago de impuestos? Ah, el hombre que viaja junto a usted en el metrobús lleva la misma corbata y el mismo saco y las mismas zapatillas. ¿Qué puede hacer al respecto?

Coser, modificar, teñir, personalizar.

El punk es la respuesta. ¿Está cansado de que las instituciones le digan qué hacer, cómo pensar, en qué creer?, ¿se inclina por cuestionar al universo antes de arrojar un juicio o utilizar una etiqueta?, ¿prefiere investigar a riesgo de saber que defendía una opinión equivocada?, ¿se ríe de la autoridad?

El punk es la respuesta.

Años antes de que el cuarteto neoyorquino emplease la nomenclatura, otros habían dado con la idea, prefiguraban el concepto (en el hermoso texto Rastros de carmín, del estadounidense Greil Marcus, se puede saber que, básicamente, el siglo XX y sus vanguardias existieron para conducirnos a esto). En el libro Babylon’s Burning. From Punk to Grunge, el periodista mancuniano Clinton Heylin señala la pluma de su colega Lester Bangs como la génesis.

El punk no es un sonido (pero es principalmente un sonido), es un mecanismo que permite a los individuos, desde la inconformidad, la duda y la autogestión, relacionarse con el mundo. El punk es eso que sucede cuando alcanzamos a ver un poco más allá de nosotros mismos y los acontecimientos inmediatos. Es un emblema, una cortada, un escupitajo en la zapatilla del opresor, una idea diseñada para sobrevivir a todos los modelos económicos imaginables.

(El punk no es un sonido), pero es sobre todo un sonido: la estridencia irrefrenable que emitimos los seres humanos cuando decidimos ponernos de pie y hacernos cargo.

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | contraloría | frente | 13

Rodrigo Márquez Tizano | Malasaña

Alan Page | Casi Casi

Piano Bar

Soccer! Goal!

Hay quienes creen que para abrir un piano bar lo más importante es contratar un cadenero. Pues no. Para montar un piano bar en condiciones, primero hay que hacerse de un piano. Por más evidente que parezca, no conviene pasar por alto este punto, mucho menos en un país donde para inaugurar una biblioteca, por ejemplo, se piensa antes en el cemento que en los libros. Es un caso singular el de nuestra Red de Bibliotecas: entre el hormigón y la colección de algún muerto culto mediará, por sobrentendido, la designación de un comité extraordinario, un patronato y una asociación que se llamará a sí misma Amigos de la Biblioteca, quienes a su vez repartirán las siguientes tareas: 1) seleccionar la pieza que servirá como ornamento del ala principal (casi siempre una escultura de Sebastián); 2) conseguir las tijeras con las que el político de turno cortará el listón inaugural; y 3) confeccionar una lista, sin erratas, que contenga los apellidos de los invitados al magno evento, la cual será 4) enviada al fotógrafo encargado de cubrir la nota. Luego, si sobra tiempo, alguien, alguno, pensará en la colección.

El piano bar, pobre, ha recibido idéntico trato al de nuestros archiveros públicos. El fallo más común tras la cascada de trámites y preparativos suele hallarse desde el origen: un lugar de esta naturaleza no puede ser “inaugurado”. Es más: está lejos de ser algo que pueda “abrirse” de la nada, porque un piano bar, al menos uno auténtico, nunca huele a nuevo. Con el tiempo va ganándose el título de guerra, mientras el tapiz se gasta y los meseros de corbatín encanecen. Antes sólo podemos hablar de un teclado hostigado

http://taquitojocoque.tumblr.com

Taquitojocoque | PORFA

por botellas. El instrumento, distintivo y único, antecede incluso a la idea. Y con este viene el ejecutante. Así apunta la regla de oro de la hípica: los buenos caballos sólo acostumbran sus lomos al peso de un jockey específico. Pues bien, piano y pianista, deben poseer un carácter singular y la química entre ambos será, en buena medida, el componente intangible que dictamine el éxito o fracaso del lugar. A veces la operación es más complicada y los buenos bares suelen atraer poca clientela.

La tradición del piano bar, que alguna vez estuvo bien arraigada en nuestra ciudad, parece destinada a desaparecer. Desde el omnipresente Barón Rojo, las tardes azules del Gran Hotel de la Ciudad de México o los fantasmas de la Cueva de Amparo Montes, el piano bar fue parte elemental en esa tradición de tascas ignoradas y recónditas que poco a poco ha ido menguando hasta casi esfumarse.

La última puñalada fue el cierre de El Bar de Perico, hace ya unos años. Aquella joya de la Narvarte, con su pichón rostizado, sus mamparas, el instrumento en acrílico neón, la luz marciana y el interminable repertorio cuajado en las manos, primero del Maestro Rolón, luego del inolvidable Maestro Marco (siempre acompañado de una misteriosa soprano), parece haberse llevado la fórmula a la tumba.

La primera vez que estuve ahí fue cuando cumplí la mayoría de edad, con mi padre.

Le servían su trago: ginebra con Pascual de toronja. Luego volví muchas veces, por temporadas, hasta que lo cerraron. Ahí a uno lo hacían socio de la única manera que un bar que se precie puede otorgar dicho honor: mandando las de la casa.

El norteamericano por fin parece haberse enamorado del futbol. Ya venía gestándose desde algunos años, pero fue en este Mundial que detecté ese furor, esa investidura masiva en su selección nacional. Varias páginas de internet ofrecían guías que explicaban cómo ser un fanático amateur sin sonar como uno; cuando EE. UU. metió su segundo gol contra Portugal, rugieron las multitudes como pocas veces las había escuchado, y cuando perdieron contra Bélgica se escuchó el sonido de sus corazones rompiéndose al unísono. Fuera de manifestaciones republicanas proguerra, nunca había visto tantos ciudadanos portar al mismo tiempo un paliacate con la bandera norteamericana.

Quizá se me cuestione por qué al lector mexicano debería interesarle la afición de nuestros vecinos del norte. Pues bien: el futbol en EE. UU. sigue siendo un deporte con menos financiamiento que los grandes (el americano, básquetbol, beisbol, etc.), y quienes se beneficiarían de un alza en popularidad serían en su mayoría hijos de migrantes latinoamericanos.

Pero no es por eso que escribo esta reflexión.

La escribo porque, en su recién descubierta fascinación por el balompié, hay dos cosas que el estadounidense simplemente no puede digerir: el arbitraje y los clavados (o el flopping).

Y esta repulsión me parece sintomática, y dice mucho del carácter norteamericano.

El tema del arbitraje. El problema no se centra en si les parecen buenos o malos los árbitros: tiene más que ver con la idea misma de confiarle el resultado de un partido al juicio de un solo hombre. No entienden por qué el mundo insiste en dejar fuera el instant replay,

ni por qué se dejaría el resultado de un partido a la contingencia humana. No argumento aquí ni a favor ni en contra del uso de la tecnología en el futbol: lo remarco simplemente porque suena a demasiada protesta. Hay una incapacidad sintomática de entender el ejercicio de la autoridad como una práctica humana y como tal, abierta al error; una renuencia a creer que los árbitros juegan, que su visión se mueve al nivel de la cancha, como la de todos los demás.

Es un horror ante la falibilidad del juicio.

Sucede lo mismo con los clavados. Les parece casi inconcebible un deporte donde prevalece tanto la actuación. Ahora que allá es cool interesarse por México, se registró un odio profundo por Robben y su histrionismo.

Y aseguro, aunque no hay manera de probarlo, que su horror ante los clavados es en realidad un juicio sobre la inmoralidad de los jugadores del resto del mundo; como si los buenos norteamericanos no fingen, no buscan atraer la atención. Me hizo pensar si la libertad, aquel valor cardinal americano, es algo que se tiene o que se actúa (o peor: me sospecho que es algo que se actúa sin saber que se está actuando).

Tuve una discusión con un amigo estadounidense al respecto. Le decía que parecía que más que futbol, hablábamos de política: del primer mundo vs. el tercero. Y el balompié condensa dos cosas claves de la vida en América Latina: jueces ciegos ( y posiblemente corruptos) y la necesidad de hacer un escándalo para que te pongan atención. A mi amigo esto le pareció digno de condolencias.

Pero para mí, aún así, la vida y el juego se disfruta, y sigue.

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C

foto: pepz vázquez

crónica

La profesionalización de la ingesta Por Guillermo Núñez Jáuregui

Quizá la proliferación del food truck en la ciudad de México sólo sea un síntoma de la flexibilización laboral a la que se someten tantos defeños.

Lunes Me alimento diariamente, bendito sea el señor. En ocasiones de forma frugal, es cierto, pero creo que se debe más al estilo de vida que llevo (de autoexplotación) que a la falta de medios. Hoy por la mañana, por ejemplo, me levanté cansado, sin ánimos para prepararme un desayuno completo. Como tenía poco tiempo para llegar a la oficina –soy miembro de las filas del cognitariado– sólo bebí un jugo de naranja (de caja), un licuado de plátano y preparé café (que me llevé al trabajo, en un termo). Al llevar mis propias dosis de cafeína al trabajo puedo ahorrarme el gasto hormiga que implica la visita obligatoria al Café Cucaracha. No se llama así, pero se ganó el apodo a pulso: hemos descubierto, los compañeros de la oficina y yo, a valientes blatodeos inspeccionando su barra. Pero es el más barato y rico en las cercanías del trabajo.

Laboro. Después de unas horas, regreso a casa para comer (son diez minutos en bicicleta). Hoy, E. y yo preparamos una ensalada de arúgula, con queso emmental y mango, seguido por una pechuga de pollo empanizada y frijoles. Por alguna extraña razón encontramos que era un buen día para abrir la botella de vino que nos sobró de una cena (un poco más de cien pesos, del grupo Domecq; no es que seamos particularmente exigentes). Más tarde, la siesta y el café.

De regreso al trabajo pienso en que deben ser pocos los miembros del cognitariado que pueden retirarse a casa para alimentarse (Amantes del dato duro: una encuesta Mitofsky de 2011 señala que, a nivel nacional, uno de cada tres mexicanos come fuera de casa ). Yo sólo puedo hacerlo algunos días, así que conozco varios de los menús económicos que se encuentran en las cercanías (pero también sé dónde están los “ejecutivos”). También ubico el lugar donde solía encontrarse un puesto de burritos, del que sólo sobrevive su fantasma en las redes sociales (@frijolerosDF; no actualizan su perfil desde el 2012).

Cerca de la oficina se encuentra, estacionado, un camión acondicionado para cocinar y vender comida, pero nunca lo he visto servir (es de color negro y lleva un cartel donde se lee “Street Cuisine” que, creo, puede traducirse al español como “cocina de la calle”; encima, lleva otro cartel donde se lee “Camión”, para que no haya confusiones). Por lo que me han contado varios entusiastas de la industria alrededor de la comida, entiendo que muchos de estos vehículos no pueden circular en el Distrito Federal por falta de permisos.

Leo y gloso del perfil de Facebook de Street Cuisine: “Bajo la tendencia internacional de los food trucks (Al parecer, existe una tendencia.

Y es internacional), hoy llega a México (¿Llega a México? ¿De dónde? ¿Qué significa esto? ¿Es una invasión?) Street Cuisine, un proyecto gastronómico que incursiona en el mercado mexicano con “Le Camion”, nuestro primer food truck (¿Cuántas veces puede escribirse food truck antes de que la descripción pierda significado?), que ofrece un menú sencillo, pero de la más alta calidad inspirado en la gastronomía francesa (Ah, sí, la globalización, el multiculturalismo), próximamente en la Roma-Condesa (¡Gentrificación! ¡Aburguesamiento!)”.

Les pregunto a los colegas de la oficina qué comieron. Es una pregunta importante pues forma parte de los ritos civiles que se celebran en las oficinas. Uno comió picaña recalentada (le sobró del fin de semana).

Otra “risotto que sobró de la comida de ayer”. Otro me explica que comió un burrito callejero. ¿En un food truck? “Más bien en un food truck without wheels”, me dice. Finalmente, uno me dice que comió una ensalada de lechuga, espinaca, champiñones y pollo, así como una bocata de pavo y unas galletas de mermelada de postre. Le pregunto si fue a un menú.

“No”, me dice, “pasa un carrito por la oficina”. ¿Un food truck? “No”, me explica, “fue un proto food truck: es un vehículo de locomoción humana.”

En rigor, el comercio de alimentos ambulantes prospera en México (ahí están los tacos de canasta, los carritos de tortas o de ricos y deli-

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Martes Por la mañana me serví jugo de naranja y me preparé un huevo frito.

Lo que hago es quitarle el centro a una rebanada de pan, lo caliento en un sartén con mantequilla, y frío el huevo en su centro. Después lo volteo para que se fría por encima también. Lo acompaño con salsa roja. Aprendí a hacerlo en internet.

Anoche, al salir del trabajo, en lugar de regresar a casa caminé al cine. En el camino, me compré una rebanada de pizza. Entré a la función de las 21:30 para ver una comedia ligera sobre un chef que pierde su trabajo en un restaurante y, con el apoyo de su ex esposa, su hijo y su fiel amigo, consigue un camión de comida donde ofrece sándwiches cubanos. Debe llevar su autobús de Miami a California, así que pasa por Nueva Orleáns y Texas. Uno comprende que de esta forma integra otros platillos a su menú, incluyendo la carne que prepara Aaron Franklin en su bbq (en la novena edición de Lucky Peach puede leerse un perfil de Franklin, cuyo establecimiento fue visitado por Barack Obama el pasado 10 de julio). El camión resulta ser un éxito (en gran medida gracias a las redes sociales) y la vida personal del chef, como ocurre en tantas comedias románticas, ¡se resuelve también gracias a su desempeño profesional! Es el sueño americano: si trabajas con suficiente empeño (y a pesar de la vigilia representada por la desigualdad económica propia del capitalismo tardío), todo estará bien.

La sinopsis de Chef (Jon Favreau, 2014) que puede encontrarse en imdb hace hincapié en que el cocinero también busca la libertad creativa que había perdido y que sólo a través de la realización del trabajo que amamos, lograremos la felicidad y la productividad. Son dos mitos interesantes que cada vez se aceptan sin mayor problema: 1) la creatividad del cocinero (o el artesano en general) es similar (o idéntica)

a la del artista y 2) sólo seremos felices si hacemos una profesión a través de lo que amamos (independientemente de si ello supone una retribución justa o las prestaciones laborales mínimas).

El martes no comí en casa, visité la Chilpa con colegas del trabajo.

Venden tacos de pescado frito y tostadas. Se encuentra en la calle Chilpancingo, número 35, de la colonia Condesa. Pagué unos cien pesos.

No estuvo mal. Por las mañanas, sirven chilaquiles.

Miércoles El domingo, antes de que me sentara a escribir esto, me di el lujo de ir al sur de la ciudad para conocer el Barra vieja y el Burger Lab, dos camiones que funcionan desde hace año y medio. De lunes a viernes, los camiones visitan el camino de Santa Teresa, en el Pedregal (una colonia donde he visto a señoras pasear perros sosteniendo la correa desde su automóvil, impertérritas ante el tráfico que causan), y los fines de semana se ubican en el estacionamiento del Sud777, de Édgar Núñez, junto a un par de mesas para picnic. Pedí un clamato de camarón y ostión (60 pesos), un taco gobernador (40 pesos), una orden de almejas rasuradas (son cuatro, 60 pesos), un (1) volcán de mariscos (45 pesos) y un taco de pulpo con pesto de quelites (40 pesos). Es decir, un total de 245 pesos. Todavía me quedó espacio para pedir un hot dog (que compartí) en el puesto de hamburguesas. Todo estuvo rico y muy caro.

Ahora, miércoles, todavía recuerdo el sabor del taco gobernador, pero también lo que dice Platón en su Gorgias, sobre cómo la gastronomía es a la medicina lo que la cosmética es a la gimnasia. Evidentemente, aunque me gusta comer (pero eso es una verdad trivial), no soy un foodie. ¿Pero alguien lo es? Y si lo es, ¿qué significa eso? Me temo que no significa mucho, fuera del hecho de que un foodie es un tipo de consumidor específico. No estoy realmente interesado en la comida en esos términos (no leo revistas sobre comida, no suelo leer entrevistas a chefs, no conozco la teoría en torno a la comida ni la industria del servicio), pero sí me interesa comer. Diariamente, si es posible. Y en casa, porque hay crisis. F

“Pero algún día, me temo, podría alcanzarse el futuro

donde finalmente se regularán los puestos de comida motorizados –con sus refrigeradores y estufas– y serán vistos como parte de la normalidad. Y es algo que, por alguna razón, me causa alarma. Creo que será un signo claro de que la sociedad autoexplotada, de flexibilización laboral, habrá llegado a uno de sus puntos más álgidos.”

Guillermo Núñez Jáuregui (Ciudad de México, 1982) es escritor y filósofo. Es jefe de redacción en La Tempestad y corrector de estilo en Caín. Pueden seguirlo en @guillermoinj o leer su columna "La noche de Walpurgis" en Crítica.

foto: turco

ciosos tamales oaxaqueños). Pero es cierto que la “tendencia internacional” del camión motorizado, o food truck, es un animal distinto. Pero algún día, me temo, podría alcanzarse el futuro donde finalmente se regularán los puestos de comida motorizados –con sus refrigeradores y estufas– y serán vistos como parte de la normalidad. Y es algo que, por alguna razón, me causa alarma. Creo que será un signo claro de que la sociedad autoexplotada, de flexibilización laboral, habrá llegado a uno de sus puntos más álgidos.

Pienso en el perturbador inicio de Blade Runner (1982), de Ridley Scott. Los Ángeles: 2019. Un detective se resguarda de la lluvia bajo la vitrina de un negocio (lo iluminan luces de neón): está esperando a que se despeje un lugar en un puesto callejero. En el cielo, flota un espectacular pagado por la corporación Shimago-Domínguez, que invita a los ciudadanos a imaginar una mejor vida en las colonias fuera de la Tierra. “Una tierra de oportunidades, llena de aventuras”, prometen.

Finalmente, se libera un asiento en el puesto ambulante. Pide cuatro rollos primavera, pero sólo quedan dos. Debe conformarse. También pide tallarines. Pero apenas se sienta a comer, debe volver al trabajo.

La escena tiene su coda en El quinto elemento de 1997, de Luc Besson, cuando, en un edificio al sur de un hacinado Brooklyn, se presenta un vehículo con la forma de un bote que lleva comida china –y la noticia de un despido– hasta la ventana de un departamento ubicado a alturas vertiginosas.

En el blog del chef Edgar Núñez (no somos familiares), uno de los adalides de la regulación del camión de comida (en change.org puede encontrarse su petición para regular y profesionalizar la venta de alimentos en la vía pública), leo: “Los food trucks o puestos ambulantes de comida nacen como necesidad de alimentar a la gente que trabaja en oficinas donde no hay lugares para comer, no todo el mundo tiene dinero para comer en restaurantes, somos una alternativa higiénica para esta gente que merece comer sano, con calidad y a precio justo”.

(Un texto que puede leerse completo en cuandotengoalgoquedecir. blogspot.mx.)

Junto al camión varado del Street Cuisine que se encuentra cerca de mi oficina, se estaciona también una unidad móvil de salud dental.

No todo el mundo, es evidente, tiene el dinero ni el tiempo para visitar a un dentista y las unidades móviles de salud dental son una alternativa higiénica para esa gente, que merece una dentadura sana, de calidad y a precio justo.

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v versus

“Ha costado mucho trabajo recorrer este camino, pero hasta la fecha seguimos intentando significarnos por nuestras canciones, crear y hablar de lo que nos toca en una realidad concreta. Tú ahora ves muchas bandas mexicanas que cantan en inglés, eso no es nuevo, lo vivimos hace mucho tiempo, nosotros nos preguntábamos por qué pasaba eso si hay tantas cosas que decir en nuestro idioma. Empezamos esa lucha de identidad junto con otras bandas, quisimos cantar en español y quisimos hacernos entender con la gente que nos interesa, que son los mexicanos.”

Mastuerzo Francisco Barrios “el Mastuerzo” se describe a sí mismo como un antropólogo por naturaleza, incansable rebelde, trovador, actor y fundador de Botellita de Jerez, junto con Sergio Arau y Armando Vega-Gil. Actualmente, hace rock duro con su proyecto El Mastuerzo y los Jijos del Maíz quienes acaban de sacar su primer álbum llamado Prohibido, podrid@.

Entrevista mariana vidal | fotografía ana hop

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¿De qué manera empezó tu carrera? ¿Tenías otros planes más allá del mundo del espectáculo?

Empecé a cantar hace 43 años. Nací en Tulancingo, Hidalgo, emigré a la ciudad de México, soy uno de esos tantos migrantes.

La música siempre me ha acompañado. Mi primera banda se formó en 1971. En 1976 me integré al grupo Los Nakos, que surge como una brigada cultural del movimiento estudiantil de 1968 para difundir una serie de consignas. Permanezco en él hasta 1984 y, paralelamente, en 1983, junto con Sergio Arau y Armando Vega-Gil formamos el grupo Botellita de Jerez. Desde el 2 de abril de 1983 hasta el día de hoy somos una banda que sigue trabajando. Además de este grupo, para mí han surgido una serie de proyectos paralelos, experimentos que me he propuesto como músico individual. Para mí la música es un taller de vida. ¿Cómo era tener una banda en los ochenta?

En los años ochenta, según un compa, había alrededor de 300 bandas en la ciudad y su periferia, eso es muy poco. Empezaba a reorientarse el rock, anteriormente era un rock refugiado y limitado a los hoyos funkies. En los ochenta se rescata este tipo de música para la mal llamada clase media, para los jodidos con corbata como yo. Aparecieron lugares como Rockotitlán, la Rockola, el Tutti Frutti, Rock Stock, La Última Carcajada de la Cumbancha (mejor conocido como LUCC). Los chavos empezaron a encontrar respuestas a sus expectativas rockeras. Aunque sigue la misma dificultad de resolver esa contradicción de vivir de lo que amas o crear sin convertirte en un imitador. Ha costado mucho trabajo recorrer este camino, pero hasta la fecha seguimos intentando significarnos por nuestras canciones, crear y hablar de lo que nos toca en una realidad concreta. Tú ahora ves muchas bandas mexicanas que cantan en inglés, eso no es nuevo, lo vivimos hace mucho tiempo, nosotros nos preguntábamos por qué pasaba eso si hay tantas cosas que decir en nuestro idioma. Empezamos esa lucha de identidad junto con otras bandas, quisimos cantar en español y quisimos hacernos entender con la gente que nos interesa, que son los mexicanos.

En retrospectiva, ¿cuál crees que es la importancia de la existencia de Botellita de Jerez?

Es difícil decir ese tipo de cosas de uno mismo, pero te voy a decir lo que han dicho los otros. Primero que miramos el rock desde nuestra lengua, desde las distintas culturas de lo que es México, porque México es un montón de Méxicos. Pretendemos que la música de los distintos pueblos que conforman nuestro país esté presente en nuestra música. Comunicar el humor de lo mexicano, lo mexicano a veces es muy dis-

“La mexicanidad es sangre, sudor, lágrimas, caca, historia, luchas

cruentas, desde entonces hasta nuestros días. La mexicanidad la han querido moldear en términos de estado nacional pero este México contiene otras tantas naciones, cincuenta y tantas etnias con lenguas vivas y con historias propias.” cutible. Hace poco hablaba con un músico oaxaqueño sobre lo mexicano y me decía que lo mexicano a él le quedaba muy lejos, inclusive Oaxaca le queda muy grande, “yo soy un músico mixe”, me decía. Creo que de alguna manera Botellita se ha acercado a las formas de hacer música mexicana, al humor, a la cultura sin necesariamente esa pretensión de intentar reivindicarse porque la cultura popular no tiene esa necesidad.

Nuestra referencia es el pueblo, su lucha, sus querencias, las historias, los amores, el imaginario que el pueblo crea más allá de la ideología de la dominación. ¿Cómo describes la mexicanidad?

Yo creo que es una lucha por el dominio de todos los que habitamos este territorio.

Durante tres siglos de conquista, jamás los españoles pudieron dominarlo completamente. La mexicanidad es sangre, sudor, lágrimas, caca, historia, luchas cruentas, desde entonces hasta nuestros días. La mexicanidad la han querido moldear en términos de estado nacional, pero este México contiene otras tantas naciones, cincuenta y tantas etnias con lenguas vivas y con historias propias. Botellita desde su inicio ha dicho que hace guacarrock, una mezcla de varias cosas, es una antietiqueta, una mezcla entre aguacate y rock and roll; es tratar de mirar la vida desde nuestra propia cultura. ¿Qué tipo de humor tienes?

A mí me da risa Peña Nieto, también me da coraje por supuesto. Me da risa su mediocridad, su actitud como un tipo sumamente ignorante apuntalado por su cachondería o su galanura. Apuntalado por una serie de ojetes priistas, porque es precisamente lo que merecemos por idiotas y por dejados.

Me da pena, angustia. Me encantaría dialogar con él. ¿Qué le dirías?

Me gustaría escucharlo, meterme a su alcoba y ver qué hace con su esposa, de qué hablan.

En el fondo me vale madres, pero es un buen pretexto para poner en algún lugar mi coraje.

Lo más triste es que además se reproducen como clones. Es feo hablar de esto. ¿Sigues “forjando patria”? ¿De qué manera?

Claro que seguimos. Yo trato de decirle a la gente que hay muchas cosas que discutir, muchas personas piensan que así es la vida y ya, y hay tanto de que hablar. Para

mí eso es forjar esta patria. Forjar patria siendo críticos de la vida, no creer lo que nos dicen. ¿Qué cambios notas en la sociedad ahora que las redes sociales son un fuerte frente común?

Eso sólo es una de las tantas posibilidades.

En el fondo también estamos controlados por ahí, todo está en la nube. Pero dentro de todo, existe esa nueva posibilidad de comunicarnos, que aunque nos vigilen y sepan dónde estamos, de esta manera podemos encontrarnos con otros por ahí y colectivizar nuestros movimientos personales. Ahí nos podemos encontrar. ¿Cómo nacen en ti las canciones?

No hay una metodología concreta. A veces caminando, en el baño, oyendo frases de la gente. Me encanta escuchar a otras personas.

Colecciono palabras y de ahí sacó canciones. ¿Cómo vives la censura?

Creo en la autocensura. Necesitas saber dónde decir cosas y en dónde no tiene sentido decirlas. Tienes que controlarte para que no te cierren las puertas. Me ha pasado, me han sacado de la cabina de radio del Tecnológico de Monterrey por decir algo para ellos inadecuado del Presidente de la República.

También me vetó Televisa, bueno a todo Botellita de Jerez, en el 91. Fue después de la telenovela que hicimos, que además ahorita la están volviendo a pasar en el canal de telenovelas de Cablevisión. Era Alcanzar una estrella. Después de esa telenovela y después de la película nos censuraron los pendejos.

De hecho, la primera dama sale en la segunda parte de la novela, no estoy seguro, pero se me hace que algún día le di un besito en la boca, no lo dudo. El maestro Luis Carbajo, periodista, un tipo preocupado por la cultura, tenía un programa en el Canal Once, el primero en México que se hizo de esos largos que pasaban en la noche. En una época, él se va a Imevisión (el antecedente a TV Azteca) y estando ahí, nos invita en 1993 a festejar los 10 años de Botellita en un programa. Eso fue cuando ya habíamos terminado la novela, se enteraron estos changos y empezaron a sacar rumores de que estábamos vetados de Televisa. Después vimos una nota en el Excélsior que decía: “Vetados en Televisa, Celia Cruz, Botellita de Jerez, etc.”, una lista gigante. A nosotros en realidad nos valió madres, de hecho, después nos encontramos al director de la película Más que alcanzar una estrella,

un tipo chidísimo, y nos dice: “¡Qué creen!, que los quieren sacar de la película. Ya me pidieron un presupuesto para saber cuánto cuesta cortar todas las partes en las que ustedes salen”. Como era muy caro no quisieron cortarnos, pero nos sacaron del tráiler. ¿Cómo llegaron ahí? A Televisa, Alcanzar una estrella…

Pues con cinismo. Luis de Llano nos decía “¿se avientan?”, pues claro, a mí no me molestó, es más, me encantó la idea de ser actor, aprender de muchos actores de los que nos rodeamos. No sólo hicimos eso, a esos papeles les sucedieron muchos más. En una premiación de la revista Eres me encuentro a Luis de Llano y me dice: “¿Por qué no me vas a ver a mi oficina para quitarte lo del veto?”, le dije sí sí sí, pero dentro de mí pensé, que se vayan a chingar a su madre, no Luis, sino la institución, hoy y siempre. Los hijos de puta han borrado del planeta a personas que su único oficio es ser artista, los detesto.

Y a propósito de la censura, ¿cuál es tu opinión de la ley de telecomunicaciones?

Pues nos la están dejando caer, y qué mejor que se nos atravesó el Mundial para tenernos a todos distraídos. Habría que decirle al portero maravilloso de la selección nacional haber si él puede parar las reformas. Para que se convierta en un verdadero héroe. ¿Qué crees que han dejado tus letras para el inconsciente colectivo?

Pues espero que la semilla de la rebeldía.

Acerca de la legalización de la marihuana, ¿cuál es tu opinión?

Pues yo les pido a todos los marihuanos que se unan y que salgan del clóset, para que se dignifique. Esto no debe de ser un estigma, yo soy un digno consumidor. La gran mayoría de cosas que he hecho, canciones e inclusive casi todos los capítulos de la telenovela, he estado remarihuano. Que la liberen, que la restrinjan al mercado, en algún otro momento vamos a expropiar todo, no yo, pero la historia lo deberá hacer. ¿Cuáles son tus principales influencias literarias?

Armando Vega-Gil, premio nacional de cuento y excelente bajista de Botellita.

Michel Foucault, Carlos Monsiváis, Carlos Fuentes, Milan Kundera... ¿Y de música?

Un montón. Desde que tengo recuerdo mi papá, que en paz descanse, nos ponía música hasta a la hora de dormir. Cada vez que llego a tu pobre casa, que no es ninguna pobre casa, es más bien un chalet estilo suizo en Coyoacán, en cada esquina hay un radio.

Siempre que llego prendo algo, lo que sea, me vale madres. Todo el día me la paso escuchando voces.

fotografĂ­a easy tiger

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NapoleĂłn Habeica: fetiches y fantasĂ­as

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Las fotografías de Napoleón Habeica no se deben abrir en la oficina. Al menos las que lo han hecho famoso: en ellas suelen aparecer bellas posadolescentes pálidas y delgadas con muy poca ropa. O pueden ser las imágenes más eróticas que se han hecho de celebridades como Camila Sodi, Irene Azuela o Belinda.

Habeica se dio cuenta justo a tiempo de que lo que más le gustaba eran las mujeres, la moda y la música. Con estos elementos forma películas que sólo existen en su mente. De ahí salen sus fotos.

Por más de dos décadas, su trabajo ha aparecido en revistas serias como Harper’s Bazaar y en publicaciones de culto como Self-Service, por mencionar algunas. También ha realizado campañas de publicidad internacionales para marcas como Casio o American Apparel, y nacionales para clientes como el Palacio de Hierro. Éste es un retrato de un tipo que no se considera ni fotógrafo, ni artista. Quizá el título que mejor le quede sea el de “creador de fantasías”.

Por Rulo Fotos tomadas de facebook.com/napoleon

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L

a cita con Napoleón Habeica es en su casa, un departamento antiguo de grandes dimensiones en la colonia Juárez, un lunes cualquiera a mediodía. Él mismo abre la puerta. Es una especie de darketo maduro con un copete fenomenal, mitad Robert Smith mitad rockabilly. Está vestido de negro, como siempre, de los pies a la cabeza (“Me visto de negro porque es muy práctico. No tienes que pensarle: cualquier camisa, cualquier pantalón, cualquier par de botas y cualquier sombrero y ya está.” Pero no siempre fue así, dice que tuvo su época de polos Lacoste color pastel.) Desayuna una pizza de Papa John’s acompañada de una botella de vino tinto mientras suena un disco de Johnny Cash.

Empezó a tomar fotos desde chico. Su padre era aficionado y le prestaba una cámara gigante en las fiestas familiares. Empezó a trabajar como fotógrafo desde hace 20 años: “Fue circunstancial, la verdad. Yo fui a la Ibero [Universidad Iberoamericana] a echarme un volado para ver qué carrera escoger, la verdad me daba igual. Pero por circunstancias raras ya no entré a la Ibero, nos fuimos a vivir fuera de la ciudad”.

Fue una relación sentimental lo que condujo a Habeica hacia la fotografía: “Empecé a andar con una chica que trabajaba en algo de foto, entonces me clave ahí, me puse a estudiar foto, me gustó. Entré a trabajar con ella –era mi jefa–, en el periódico Reforma. Dizque a hacer moda, pero me trataban de la verga y acababa haciendo cualquier reportaje culero; cuando no había fotógrafos me mandaban a mí.

Cubría desde las elecciones hasta sociales, bien gacho”.

Su siguiente empleo fue en Editorial Televisa. “Ahí también hacía cualquier cosa menos lo que me gustaba. Los editoriales de moda los hacían güeyes de fuera y a los de pool de fotografía nos daban lo pinche. Hacía fotos de comida, fotos de animales, cualquier mamada, menos moda.”

Entonces, decidió dejar a un lado la comodidad del depósito puntual cada quincena para ingresar al mundo del trabajador independiente, y así dedicarse a lo que le interesaba: “Me gustan las mujeres.

Me gusta la moda. Y combina con mis fetiches. También me gusta la música, entonces está bien hacer retratos de eso”.

◊Reputación NSFW

Aunque en su portafolio uno encuentra fotos de muchos tipos (incluso ha trabajado para marcas como Alpura o Nike), la obra que más se le ha celebrado –predeciblemente– es la de alto contenido erótico. Dice que en buena medida se lo debe a su incursión en el mundo del arte.

“Era dizque artista de Proyectos Monclova, una galería formal. Y ahí, lo que empecé haciendo fue exhibir fotos muy ‘porno’ como arte.

De esa forma me conoció mucha gente y me encasillaron por ahí. Todo mundo espera, para bien o para mal, que tome fotos de mujeres desnudas. Sí me encanta, pero no es lo único que hago. Algunos reclaman que estén vestidas y otros no me dan trabajos. Me dicen: ‘No, me vas a encuerar a la modelo; mi marca no va con eso; no es lo que queremos’, cuando puedo hacer otras cosas”.

◊Ni artista, ni fotógrafo

La idea de seguir exponiendo en galerías dejó de interesarle: “Me da toda la hueva. El mundo del arte es… me encanta [el arte], pero no para mí. Me da flojera quien decide quién es bueno y quién es malo, quedar bien con la gente, todo con lo que hay que lidiar que no tiene que ver con el arte. Entonces me vale madres: no quiero ser un artista y nunca lo fui. Yo hago fotos. Me gusta hacer fotos. Me divierto haciendo fotos.

Pero tampoco soy fotógrafo. Hago fotos para vivir”.

Una declaración así no deja de sorprender. ¿Cómo que no es fotógrafo? ¿Entonces? ¿Qué es Napoleón Habeica?: “Una cosa es lo que haces para vivir. No me gusta verme así. Me da mucha hueva la parte

◊◊ […] no quiero ser un artista y nunca lo fui.

Yo hago fotos. Me gusta hacer fotos. Me divierto haciendo fotos. Pero tampoco soy fotógrafo.

Hago fotos para vivir. ◊◊ técnica de las fotos. Me cagan las cámaras. Me caga todo el proceso de lentes, laboratorios, Photoshop. Yo me divierto tomando las fotos, pero todo lo demás… Me gusta mucho ver mis fotos, pero ser ‘fotógrafo’ o ‘artista’, qué flojera”.

◊Fetiches y fantasías

Las fotos de Napoleón obedecen a sus a sus fetiches, a sus pasiones y a sus perversiones. Incluso en sus trabajos más comerciales hay rastros de lo que le obsesiona: “Es algo que he ido descubriendo poco a poco.

Cuando empecé tomaba fotos de paisajes y no de mujeres. Pero sí, por ejemplo, me encantan las chicas con tacones y la boca pintada de rojo, es un fetiche que exteriorizo. Veo una chica guapa pero vestida horrible, y pienso que me gustaría verla vestida (o desvestida) de otra forma, entonces le tomo la foto como yo la quisiera ver. Acabo exponiendo mis fetiches, no porque se los quiera platicar al mundo, no lo hago para la gente, sino para mí. A veces con la modelo vamos sacando nuestras fantasías juntos. Y también te das cuenta de que la foto de tu fantasía puede ser la de los demás, porque llegan y te lo dicen”.

◊Revelando el proceso

Le pregunto cómo surgen las ideas de cada sesión de fotos. Hacemos una pausa para ir hacia su computadora. La pantalla muestra lo que estaba editando antes de iniciar la entrevista. Son fotografías de una modelo vestida (o medio vestida) a la usanza del viejo oeste. La locación es un pueblo en el norte de México que podría ser set de cualquier filme de John Wayne: “Si ayer vi una película de vaqueros en la que sale una mujer vaquera bonita, entonces pienso en una historia de vaqueros y visto a una modelo de vaquerita”. Le gusta crear imágenes que podrían ser fotografías fijas de alguna película: “Igual nadie sabe que estoy intentando que parezca una película, pero en mi cabeza es lo que está pasando”. Le pregunto si a la modelo le explica cada escena, como si ella fuera una actriz y él un director: “Más o menos sí. Me caga cuando las modelos hacen su cara de modelo. Ya se la saben, se ve muy bien y es lo que funciona en el mundo. Me gusta que parezca que no es moda”.

Intenta que hagan otras poses, que se olviden de que les están tomando fotos, que se empiecen a divertir, que se metan a su papel: “No sé si lo logro, pero ésa es la idea”.

◊Un estilo a contracorriente

Habeica insiste en que le interesa hacer cosas nuevas constantemente. ¿Tiene un estilo fácilmente reconocible?: “Eso habría que preguntárselo a la gente. No creo. Me aburro muy rápido. Voy cambiando porque me voy aburriendo, siempre hago la foto que en ese momento se me antoja hacer. No me importa seguir el estilo que la gente espera de mí o que la gente cree que tengo, eso me vale supermadres”.

Siente que desde que se dedica a la fotografía ha ido a contracorriente. Primero como estudiante. Los maestros disuadían su

fotografía napoleón habeica

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Kelley Ash

interés de encontrar formas de expresión que se alejaran de lo que a ellos les parecía correcto: “Me acuerdo que batallaba mucho, que sufría mucho y me la pasaba muy mal. Todas las escuelas en las que he estudiado eran muy cuadradas. Lo mismo de lo que me sigo quejando ahora. Si tratabas de hacer algo diferente, algo nuevo –sin importar que lo hicieras bien o mal–, sólo por intentarlo estaba mal.

Si no era tipo Manuel Álvarez Bravo estaba mal. Si no era blanco y negro estaba mal. El hecho de querer hacer algo diferente siempre ha sido una traba. Desde hace mucho, fotógrafos como Mario Sorrenti o Juergen Teller, que hacían fotos más arriesgadas, que no estaban entre lo común en aquel entonces, me llamaban mucho la atención.

Me influyeron mucho”.

Problemas del mismo tipo ha encontrado en su etapa profesional, sobre todo aquí en su propio país: “Cuando te contratan fuera de México es porque respetan lo que haces. Me hablan de Japón o de Francia para hacer fotos y cuando les pregunto qué quieren que haga me responden que lo que sé hacer, por eso te están contratando. Esperan que tú propongas, que les des algo de ti. Mientras que aquí tienes que batallar todo el tiempo. Te hablan porque les gusta tu trabajo, pero para hacer otro trabajo que no tiene nada que ver el tuyo. Lo ideal es lograr poner en una marca comercial algo que tenga onda, lo cual en México es complicado. Cuando es publicidad para nada termino haciendo lo que quiero, jamás. Fuera de México sí”.

Uno se imaginaría que tras 20 años de trayectoria y con el reconocimiento que goza sería más fácil que un cliente mexicano se adapte a la forma en la que Habeica trabaja: “Ha ido cambiando. Pero no suficiente.

Seguimos bien atrasados, desgraciadamente. Seguimos sin proponer,

sin imponer moda, nos la pasamos siguiendo lo que se puso de moda y funcionó en otros países. Y si tratas de proponer algo te dicen que no, hasta que no ven que ya funcionó en otro lado. Quieren lo que ya vieron en una revista, lo que ya hizo otra marca”.

◊Libros, películas y el día que conoció a Caifanes

Además de las influencias directas que ya menciona (Juergen Teller y Mario Sorrenti) su labor también está inspirada por otras artes. La música, por ejemplo, ha jugado un rol fundamental en su formación.

Se le ilumina la mirada cuando recuerda un evento de su adolescencia: “Me cambió la vida el primer concierto que dio Caifanes en LUCC [cuasi legendario y extinto foro alternativo en la calle de Perpetua, en la colonia San José Insurgentes]. No tuvo que ver con fotografía o con modelos, fue la música. Yo venía de andar con novias fresas que me obligaban a ir a conciertos de Miguel Bosé. Ese día me ligué a una niña darky, me acabé dando de madrazos en un slam, acabe haciendo amigos y empecé a ver que existía otro mundo bien diferente”.

También se entusiasma cuando menciona libros como Psicópata americano de Bret Easton Ellis, Las vírgenes suicidas de Jeffrey Eugenides, y dice que las obras de William S. Burroughs lo volvieron loco. Pero no está seguro si los títulos que le han gustado tienen que ver con lo que hace ahora. En cuanto a la relación del cine con su trabajo, comenta que ésta es más palpable. “No lo hago consciente, pero de repente tomo una foto y mi esposa me dice que le recuerda la película que vimos ayer. Eso me pasa con la última que vi, el último viaje que hice o el último concierto al que fui.”

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◊◊

Lo peor es que ha habido tipos hipócritas que me comentan que les gustan mis fotos y luego cuando sale su novia quieren madrazos. Es una cosa como de doble moral.

◊◊

◊Complicidad absoluta

En buena parte de entrevistas que Habeica ha dado, es común que hable de su esposa, Paola Viloria: “Es lo máximo. Primero que nada, nos respetamos. Ella sabe que me pueden gustar otras mujeres como yo sé que le pueden gustar otros hombres, eso es normal, es humano.

Y el tipo de foto que hago afortunadamente le encanta, es fan de mi trabajo como yo del suyo. Nos echamos la mano, si ella ve una modelo linda me la enseña. Sabe que soy profesional con mi trabajo, entonces está bien padre. Muchas veces ella está en [las sesiones] mis fotos”.

◊Las modelos y las amigas

Buena parte de las fotografías que realiza son con modelos amateurs.

No le gusta lidiar con las agencias que representan a las profesionales: “Tomo fotos de modelos cuando son mis amigas. Y me gusta mucho trabajar con amigas que no son modelos. Cuando es trabajo para marcas sí las uso. Pero para mi trabajo personal evito lo más posible las agencias, incluso a pesar de que los de las agencias son mis cuates.

Trato de que no haya ningún tipo de compromisos: cuando le tomo foto a una mujer, nos gusta divertirnos, tomar fotos sin tener compromiso con nadie”. ¿Es difícil convencer a sus modelos de que se quiten la ropa o ya saben que es una de las cosas que pueden suceder cuando Napoleón tiene una cámara en las manos?: “Al principio, hace 20 años, me la pasaba rogándoles. Y ahora…”.

◊Y los novios celosos

Uno de los contratiempos que Napoleón enfrenta en el trabajo son los novios celosos: “Me doy en la madre todo el tiempo. Me caga pelearme, pero llegan pendejos a decirme que qué le dije a su novia, a reclamarme que haya fotografiado a sus novias”. Ante la pregunta de cuántas veces le ha pasado eso, contesta que muchas más de las que él hubiera querido. Y continúa: “Lo peor es que ha habido tipos hipócritas que me comentan que les gustan mis fotos y luego cuando sale su novia quieren madrazos. Es una cosa como de doble moral”.

◊Un profesional ante todo

Asegura, contrario a lo que cualquiera pueda creer, que a pesar de ser un pervertido es ante todo un profesional y un caballero. “A la modelo que le tome fotos, desnuda o no, o como sea, primero se las enseño a ella y si decide que ya se arrepintió, jamás en la vida salen las fotos y jamás en la vida alguien va a saber que existen.” ¿Tienes un archivo secreto?: “No te puedo decir. Afortunadamente, nunca he tenido un problema y no creo que lo pueda tener. Pueden confiar en mí y saben que esas fotos nos las verá nadie si decidieron que no. Y eso se va pasando de boca en boca entre las modelos”. La confianza es materia prima de su oficio.

◊Técnica y estilo

A las sesiones de foto, a diferencia de casi cualquier colega, Habeica no llega cargado con luces profesionales o flashes: “Si uso flash, es el de mi

fotografía napoleón habeica

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Still del video "Backpack" de Petite Meller

cámara, de mi snapshot. O luz natural. Como te decía hace rato, la parte de la técnica me da mucha flojera. Cuando tengo que ser el director de foto de un comercial, ahí sí la parte técnica es indispensable porque te piden algo muy específico, pero cuando hago mi foto fija, ya sea para trabajo personal, editorial o más comercial, trato de convencer a quien tenga que convencer de que me deje hacer mi trabajo como lo hago: no ilumino, lo hago con luz natural o mi flashecito. Por ejemplo, [las campañas] de American Apparel son de lo más popular que he hecho. Son fotos que no tienen nada que ver con campañas de Louis Vuitton, de Chanel o de Dior.

Son fotos que tomo aquí en mi casa, le digo a alguna amiga que se ponga alguna prenda de American Apparel, le tomo fotos con una snapshot o con una polaroid, las mando a Los Ángeles y se publican en todo el mundo.

Eso, afortunadamente, ya medio se está poniendo de moda, ya la gente lo entiende aquí y en todos lados, y me dejan hacer más lo que hago”.

Aclara que su forma de trabajo no es una reacción ante los fotógrafos que requieren grandes estudios y toneladas de equipo para cada sesión.

“Tampoco creo que estén mal. No es que yo sea de izquierda y ellos de derecha y ellos estén mal. Los que lo hacen muy comercial y muy producido no son mi onda, pero tampoco estoy en contra de ellos. Simplemente a mí no me llena y no me convence. No me estoy rebelando contra nada, prefiero ver una foto con el tipo de iluminación que utilizo.”

◊Hablando de AA

La relación con este fabricante de ropa ha sido de las más afortunadas y duraderas de su carrera: “A mí me encantaba desde siempre. Una vez

venía de regreso de Nueva York con Paola [su esposa] viendo una revista, y en la contraportada venía un anuncio de American Apparel. Yo le decía: ‘Ve esto, qué chingonería, justo lo que me gustaría hacer, lo que yo hago’. Llegamos a la casa y Paola me enseña un mail donde American Apparel dice que le gustaría que yo hiciera sus fotos. Me llevaron a un departamento, me dieron un coche y estuve ahí haciendo fotos un buen tiempo. Me dijeron que hiciera lo que quisiera. Me dieron ropa, modelos, hice lo que se me pegó la gana y días después había un espectacular en Sunset Boulevard [la emblemática avenida de esa ciudad] de una foto que tomé con mi celular. Lo que les importa es que tenga onda”.

Cuando se le pide que defina qué es exactamente a lo que se refiere cuando dice que algo tiene o no onda, comenta: “Yo creo que es imposible de responder…. Un buen comienzo es ser propositivo. Si lo logras o no es otra cosa. Si estás tratando de seguir una moda vas por muy mal camino. Tratar de hacer algo nuevo es un buen primer paso”.

◊Sus videos

Además de sus fotografías, Habeica ha ganado notoriedad gracias a algunos videos que ha hecho. “El primero fue con Chicle [álter ego del director regiomontano Alejandro Romero], de She’s a Tease [“Why”].

Fue como una sesión de fotos pero en video, lo hicimos con un teléfono celular. El segundo fue para una amiga que se llama Petite [Meller] y me fui a hacerlo a Nueva York. También eran como puras fotos [se llama ‘NYC Time’]. El tercero que he hecho hasta ahorita fue también de Petite [‘Backpack’], con una cámara más acá y todo. Lo hicimos en Francia”.

fotografía napoleón habeica

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Sky Ferreira

◊◊ Voy cambiando porque me voy aburriendo, siempre hago la foto que en ese momento se me antoja hacer. No me importa seguir el estilo que la gente espera de mí o que la gente cree que tengo, eso me vale supermadres. ◊◊

Sin embargo, este medio no le resulta particularmente emocionante. “Está cagado cuando me invitan, pero no me encanta.” Tampoco le entusiasma la idea de dirigir comerciales: “He fotografiado comerciales, por la lana, pero no me interesa”.

◊Entre generaciones

Me dice que no se siente parte de un grupo. Cuando empezaba le daban flojera los fotógrafos ya establecidos. Es el mismo sentimiento que tiene hacia algunos fotógrafos más jóvenes que él. “Creo que hay muchos en las nuevas generaciones que hacen lo mismo que yo, porque se puso de moda o yo que sé, no porque me copien. Creo que debería estar haciendo algo mucho más cabrón y no está pasando desgraciadamente. Y los de antes siguen en lo de antes."

◊Los que vienen

Le pregunto si nota su influencia en otros fotógrafos.

Hace una mueca que parece indicar que no le importa mucho. ¿No ha visto fotos de fotógrafos más jóvenes

que le recuerden su trabajo?: “Millones de veces. Pero como seguramente muchos fotógrafos han visto fotos mías y dicen: ‘Este güey me copió bien gacho’. Tengo muchas influencias y puedo ser influencia de alguien.

Lo que sí creo es que en México lo que yo hago no se hacía cuando empecé a hacer foto. Ahora todo mundo lo hace. No creo que tenga que ver conmigo, fue muy circunstancial, en esta época es muy fácil saber lo que se hace en otros lados y no creo que me estén copiando”.

◊Sobre el futuro

Que no les quede duda: estamos ante un tipo pleno que no se imagina haciendo otra cosa que lo haga más feliz.

“La verdad es que mi vida es increíble. Tengo la mejor esposa, tengo el mejor trabajo, tengo los mejores amigos. Que me paguen por hacer lo que hago es increíble. Sé que suena al peor cliché del mundo. No creo que todos tengan la misma suerte. Soy muy afortunado. No soy un abogado al que le caga ser abogado. Me la paso bien todos los días de mi vida.”

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Nick Cave

◊◊◊ Retratos memorables ◊◊◊ Nick Cave

Se los agradezco aún [hizo una portada para Frente]. Le tomé tres fotos en medio minuto, pero logramos una foto bien bonita, de mis favoritas en la vida.

Chloë Sevigny

Estoy enamorado perdidamente de ella. La foto es medio de hueva, pero me encantó que se me hizo fotografiarla y luego nos hicimos cuates.

Estuvo chido.

Robert Smith

Tengo un retrato de Robert Smith, que es mi máximo en la vida, pero la foto está de hueva. Tengo ahí la espinita todavía.

Daniel Johnston

Acabo de hacer fotos de él, que también es mi ídolo, y estuvo muy emocionante.

Alison Mosshart

También estoy enamorado de ella y ya somos cuates. Ya le tomé varias fotos.

The Horrors

Están chistosos y son muy fáciles de fotografiar. También son mis cuates.

Plastilina Mosh

En su momento me encantaba. Y aunque les tomé muchas fotografías, lo primero que hice con ellos fue usar fotos que había tomado de unos espacios para una de las portadas de su disco Juan Manuel [que tuvo varias portadas]. No tuve que ver directamente con ellos, pero estuvo padre, porque eran de mis grupos favoritos. Fue gracias a Aldo Chaparro y Vanessa Fernández que el grupo se puso en contacto con él. Posteriormente, esta pareja lo invitaría a ser parte de dos de sus proyectos favoritos: las revistas Celeste y Baby, Baby Baby.

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M música

Jungle: de un bar de tequilas al éxito mundial Por Luis E. Arista

foto: DAN WILTON

La historia de Jungle es un pefecto ejemplo de los tiempos que vivimos: se conviertieron en uno de los artistas nuevos más cotizados de la música electrónica gracias a un puñado de canciones en cuestion de meses.

Frente platicó con Tom McFarland, mitad de este dueto inglés del que aún se sabe poco (apenas revelaron su identidad) y que está publicando su primer larga duración Jungle.

En

mayo del 2013 apareció el video de “Platoon”, de Jungle. En éste aparece una niña de seis años, B-Girl Terra, bailando break al ritmo de la música. Pero ella no canta la canción ni toca la música.

Lo mismo pasó con los videos subsecuentes –“Heat”, “Busy Earnin’” y “Time”–: bailarines extraordinarios a cuadro, mas ninguno es eso llamado Jungle. En sus presentaciones en vivo hay siete individuos en el escenario; cuatro de ellos cantan, nadie da la cara por el grupo ni se muestra como el líder.

Así fue como la prensa se inventó la historia de que Jungle es el grupo más misterioso del momento, comandado por un tal “J” y un “T”. Firmaron con XL Records y nunca llegó un boletín de prensa con la cara del grupo o con información más allá de la musical.

Todo un enigma. Excelente, habrá pensado la prensa inglesa: la historia perfecta.

Pero la realidad es otra. No hay historia –o sí, pero menos emocionante de lo que todo mundo se imaginaba– y ya no hay misterio.

“Nunca planeamos ser un misterio y crear esta campaña mercadológica en donde nadie

supiera quiénes somos. Simplemente lanzamos nuestra música, los videos y el arte, y creo que somos gente tímida. Somos productores, no somos líderes de la banda. La idea ególatra del personaje central de una banda nos resulta repugnante. Tu creatividad no es libre si sólo eres ego. La relación que tenemos J (Josh Lloyd-Watson) y yo viene de mucho tiempo atrás. No nos interesa lo que la gente piense de nosotros como individuos; no queremos que nos juzguen por quiénes somos como personas, sino por lo que hacemos en nuestra música, nuestro arte”, dice Tom McFarland desde Shepherd’s Bush, en su natal Londres.

Acabas de usar la palabra “repugnante” para referirte a los líderes de bandas. ¿Usarías el mismo adjetivo para Freddie Mercury, por ejemplo?

Oh, no, claro que no, pero es que él no era un ególatra ni nunca lo fue. Era increíblemente talentoso. Tiene que ver más con experiencias que tuvimos en otras bandas en donde el líder era impulsado por sus deseos. No rechazo la idea de los líderes de grupo. En

algunas bandas es necesario para tocar en un escenario. Ni J ni yo somos así. Queremos ser como Damon Albarn en Gorillaz, en donde se sienta hasta atrás en el escenario y sólo toca el piano, dejando que el resto de la gente toque música para él. Creo que es una manera muy humilde de vivir tu vida.

Esa manera humilde a la que Tom se refiere consiste en haber visto el Mundial en sus ratos libres (“Estoy obviamente desilusionado desde el punto de vista inglés, pero ¿cuándo ha sido eso algo diferente?”), salir a pasear en bicicleta, estar con su novia, tomar vino y buscar música nueva. ¿Cuál es tu fuente principal de novedades musicales?

Depende, casi siempre viene de la radio.

Escucho mucho BBC 6 Music, creo que es una estación excelente. Le ponen música nueva a la audiencia y no tienen miedo de tocar cosas que no se han escuchado o que Radio 1 [la estación juvenil y más pop de la misma BBC] no tocaría por su falta de

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | música | frente | 29 naturaleza comercial o algo así. También yendo a tiendas de discos. La primera vez que escuché a Tame Impala fue por esa portada tan increíble (Innerspeaker, 2010), hace como cuatro o cinco años lo compré y me impresionó muchísimo.

En febrero de este año, Jungle se presentó un par de veces en el festival South by Southwest, y el efecto que causó en la audiencia fue el mismo que los australianos psicodélicos le causaron a Tom. Uriel Waizel, gerente musical de contenidos de Ibero 90.9, los vio y me dijo sonriente: “Son como Disclosure con coros de los Bee Gees”. Una mezcla inmejorable. Después leí comentarios de varias personas que estuvieron la misma noche ahí y hablaron maravillas de Jungle. Al respecto comenta: “Creo que esa noche fue una mezcla de trabajo arduo y mucha diversión. Creo que la gente notó eso y le gustó. Cuando ven que disfrutas lo que haces, que es honesto y verdadero, se conectan. No sabíamos qué esperar y es increíble ver que poco a poco las cosas comienzan a dar resultados. Nuestra música es honesta, viene de nuestros corazones; ha surgido de la gran relación que tengo con J, pues somos los mejores amigos, y eso se percibe en nuestra música.”

Hace dos años no estaban ni tocando en vivo. ¿Cómo están viviendo hoy el éxito?

No tocamos nuestro primer show hasta octubre del año pasado. Ha sido loquísimo.

Muy emocionante. Nos ha sorprendido mucho que la gente haya conectado con nuestra música y nuestro show en vivo tan rápido. Es parte del plan: tocar cuantos conciertos se puedan y hacer tantas conexiones humanas dentro del público como se puedan, porque eso es lo más importante a fin de cuentas.

¿Les tomó por sorpresa o era algo que sospechaban que podría pasar?

Ha sido excepcionalmente apabullante.

Timba Tintín #10 Por Jesús Pacheco (@peach_melba) Silent Servant: techno intrépido, tenso, propulsivo

E

l sonido de Silent Servant ha sido descrito con bastante tino como una reinterpretación de la electrónica pospunk de principios de los ochenta, puesta en interacción con los sonidos profundos y metálicos de dos sellos legendarios de techno: Basic Channel (que ha editado a Rhythm & Sound, Cyrus, Quadrant y al dueto del mismo nombre, Basic Channel, que integraba Mark Ernestus y Moritz von Oswald) y Downwards (de sonido más industrial, que el año pasado cumplió dos décadas y ha grabado a Surgeon, Sandra Electronics o Regis, el codirector del sello).

Ese primer párrafo repleto de referencias que quizá digan poco para el lector ajeno al

“ Creo que todos estamos emocionados y agradecidos por la

generosidad de la gente y de la prensa. Nos pellizcamos a diario y nos recordamos a nosotros mismos lo afortunados que somos por estar en esta situación y de hacer lo que amamos a diario.”

Nunca le entramos a este viaje para ser exitosos, no funcionamos así en la vida.

Cuando estamos en el estudio la satisfacción viene dentro de nosotros mismos. Si como artista buscas satisfacción de fuentes externas, debes vivir una vida muy vacía y creativamente frustrante, porque siempre estás adivinando qué es lo que la gente quiere escuchar de ti. Así que la experiencia completa ha sido muy emocional porque no esperábamos hacer las cosas que ahora hacemos. Ha sido increíble esta experiencia. Creo que si continuamos cosechando lo que sea que tengamos, serán un par de años fantásticos no sólo para nosotros, sino para todos los demás, ya sea nuestro representante o la gente que toca en vivo con nosotros –que son nuestros mejores amigos–.

Creo que todos estamos emocionados y agradecidos por la generosidad de la gente y de la prensa. Nos pellizcamos a diario y nos recordamos a nosotros mismos lo afortunados que somos por estar en esta situación y de hacer lo que amamos a diario.

Una buena historia tiene en algún lado un punto de quiebre. No todo puede ser tan color de rosa. Si la vida fuera tan emocionante como la cuenta Tom, todos formarían bandas y saldrían a triunfar a continentes desconocidos. ¿Qué hay de los miedos, del estrés, de la presión?

No hay porque todos los días son diferentes. Cada día es una oportunidad. Si te preocupas por lo que pasará mañana o lo que pasó ayer, entonces tu vida no avanza. techno y su historia reciente pretende por lo menos dos cosas: 1) poner en perspectiva la importancia de un DJ y productor que suele ser calificado como una auténtica lumbrera del techno, y 2) contagiar de un mínimo de interés por un personaje cuya visita al DF ya esperan con entusiasmo los seguidores del techno (tocará el sábado 9 de agosto, como parte del aniversario de las fiestas Dance Your Name).

Detrás de Silent Servant se encuentra un auténtico oído voraz, el de Juan Mendez, nacido en Centroamérica, pero desde muy temprano asentado en Los Ángeles, donde creció escuchando montones de cosas que pulieron su ecléctico gusto: New Order, The Cure, The Smiths, Sonic Youth, My Bloody Valentine, Cabaret Voltaire, Soft Cell, Suicide (¡obviamente!), Raymond Scott, Throbbing Gristle… Todavía adolescente, a los 16, comenzó a poner discos en fiestas, sets que imaginamos diversos y emocionantes.

A finales de los noventa conoció a Regis, creador del sello Downwards e integrante del colectivo Sandwell District, quien de inmediato lo invitó a formar parte de ambos proyectos.

Además de contribuir con el descubrimiento

Desde un punto muy filosófico, la razón principal por la que estoy en Jungle y por la que el grupo se ha convertido en algo tan personal para mí y para J es porque es el único proyecto –y es la primera vez en nuestras vidas– en donde nos sentimos cómodos siendo quien somos y haciendo lo que hacemos. Por muchos años seguimos el sueño de alguien más, ahora hacemos las cosas en nuestros propios términos.

Aún no nos preocupamos por el segundo disco porque entonces el siguiente concierto no sería lo que sería. No podemos controlar cómo recibirá el disco la prensa o si la gente piensa que somos una basura.

Las únicas cosas que podemos controlar son las cosas que hacemos como artistas, hacer lo que amamos y divertirnos tanto como queramos.

¿Recuerdas cuando decidiste hacer realidad ese grupo?

Claro, fue tras tener una conversación con nuestro amigo Sam, quien ahora es nuestro representante. Él era al único que le compartíamos nuestra música en un inicio. Nos apoyó mucho y nos sugirió que lo subiéramos a la red, sin miedo, para que la gente decidiera si le gustaba o no. Lo que no me creo es que hace 12 meses todavía trabajaba en un bar de tequila.

¿En serio?

¡Sí! Es un lugar increíble aquí en Londres.

Teníamos como 100 variedades de tequilas. ¿Sabes qué? Cuando te vea en México te haré la mejor margarita que hayas probado. Y hasta que no la pruebe no sabremos si esa historia es real o es pura ficción. de varias de las bandas que conformarían el sonido pospunk y shoegazer de Downwards, fue el responsable de la identidad gráfica de Sandwell District (minimalista, oscura, intrigante, como sus lanzamientos), y pronto ayudaría a moldear la estética sonora del sello, ya convertido en Silent Servant. También creó el dueto Tropic of Cancer al lado de su esposa y colaboró con Regis en un proyecto más: Sandra Electronics. Antes de eso, Mendez ya había estado a cargo de dos sellos especializados en techno de avanzada (sólo que entonces usaba otro alias, Jasper): Cytrax (junto a Kit Clayton y Steve Tang) y Delay (con lanzamientos más orientados a las pistas de baile). En poco más de una década, Silent Servant ha acumulado una legión de seguidores, una bastante heterogénea, formada por punks, góticos, industriales y seguidores tanto del new wave como del techno.

En la actualidad, con Sandwell District semidesaparecido (el sello cerró, aunque colectivo su espíritu sigue vivo), la actividad de Silent Servant sigue siendo intensa: además de producir un magnífico álbum

discos que le cambiaron la vida a Tom McFarland, de Jungle ► Play, de Moby Fue uno de los primeros discos de electrónica que me gustó. Una de las primeras veces que asocié la emoción humana con la músca electrónica fue con ese disco. Las canciones, las melodías y la instrumentación que Moby usa es muy personal y humana, pero representándolo de una manera moderna. ► What’s going on, de Marvin Gaye Es el disco clásico al que siempre regreso. Viene de una época increíble en la sociedad, en la historia de Estados Unidos. ► Donuts, de J Dilla Es una pieza de producción increíble.

J y yo lo escuchamos ocasionalmente para obtener inspiración o para perdernos en cómo este personaje creó su música. Es un disco en donde simplemente no sabes cómo hizo algunas cosas y eso es lo que me gusta.

debut bajo ese alias, Negative Fascination, codirige –al lado de Santiago Salazar– el sello Historia y Violencia, con influencia tanto del techno de Berlín como el de Chicago y Detroit, atmósferas profundas y oscuras, y la mirada puesta en el futuro; en mayo del año pasado, lanzó –al lado de Regis y James Ruskin– un nuevo sello: Jealous God, con el que se proponen –según han dicho– explorar ideas relacionadas con simbolismo y con el que buscan convocar “a los mutantes de nuestra era, en ellos hallamos consuelo y ellos nos proveen de combustible para crear”. La música de Silent Servant combina siempre tensión, intrepidez y propulsión, además de un interés especial por construir tanto tracks como sets siempre atmosféricos, inesperados y emotivos, tres ingredientes que le han permitido hipnotizar la imaginación de hordas de bailarines durante largas noches en clubes como el Berghain de Berlín. Justo como sucederá la noche entre el 9 y el 10 de agosto en algún punto del DF (el sitio está por confirmarse; más información aquí: https://www. facebook.com/danceyourname).

30 | frente | música | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

foto: CORTESÍA DE LA BANDA

La Banda Bastön no está en la casa, está en el aire Por SussyOh

Más que una banda, es un dueto ¿Cómo empezó su carrera?

Lo que sea que hayamos hecho yo creo que nos presentamos un par de veces en [Ciudad] Mu: Nos conocemos desde el kínder, nuestro no ha perdido su esencia, seguimos siendo Constitución con esas rolas.

Llegando al DF, en de hip hop: Mu (el MC o maestro proyecto de rap empezó en tercero de secuncomo niños, aunque hemos sofisticado el 99, nos pusimos a trabajar en nuestro primer de ceremonias, encargado de daria. Todavía no nos llamábamos Bastön ni nuestro sonido, nuestras rimas, conocemos disco, que apenas salió el año pasado (2013). las rimas) y Dr. Zupremo (el DJ, nada, pero ya empezábamos a hacer canciomás técnicas y mejores maneras para hacer En ese ánimo de hacer un disco comenzamos a encargado de la música). Nacieron nes. Somos muy amigos y nos gustaba echar las cosas. Nosotros nos desempeñamos conocer gente y a tocar canciones que ya teníaen un pequeño pueblo de no más mos hechas, pero que aún no estaban grabadesmadre juntos. siempre tratando de tener mucha calidad e das. Así se fue haciendo la Banda Bastön, más Dr. Zupremo: Desde la secundaria empezaintentamos llevar una buena propuesta para de 100 000 habitantes, Ciudad mos a escribir cosas, agarrábamos rolas que por rolas en vivo que por grabaciones. que no sea algo que ya hayamos hecho. No Constitución en Baja California Sur. ya existían y les cambiábamos la letra para nos gusta repetirnos.

Su llegada al DF fue un poco antes darle carrilla a la raza. Todo este cotorreo por ¿Cómo ha sido este camino?

Dr. Zupremo: Como nosotros aprendimos del 2000 y no se han ido de aquí. El Mu: Ha estado chido. Es el significado que ahí del 95. Yo diría que profesionalmente, solos a hacer esto, este grupo ha sido nuestro año pasado sacaron su primer larga le das a tu vida, escoges un oficio y te dedio más bien cuando empezamos a tocar laboratorio, lo que sea que se nos va ocuduración llamado Todo bien con rriendo lo vamos experimentando, a ver qué cas todos los días a eso. Día con día hemos seguido fue hasta el 2000 ya que llegamos al jala y qué no. estado haciendo esto, desde que me acuerdo, DF. Nosotros llegamos a la ciudad para estuel cual dieron de qué hablar. Para diar otras cosas y a fin de cuentas ninguno todos los días le dedicamos un tiempo.

Tuviconmemorar 16 años de carrera mos nuestras etapas en las que andábamos ¿Cómo es su metodología de trabajo? de los dos siguió en eso, pero comenzamos estarán en el Lunario con invitados Mu: Nos conocemos desde hace un muy haciendo otras cosas o muy clavados con a conocer gente y nos dimos cuenta de que de lujo. Además, en conjunto con buen rato. Intentamos no vernos tanto, alguna morra, pero nunca dejamos de lado había muchos otros grupos de hip hop en La Roma Records, sacarán 300 pero siempre estamos en comunicación, el rap. Para mí ha sido mi vida. Hace poco español, que había muchos eventos. Nosovinilos de colección. Éste fue el tros viviendo allá no estábamos enterados. ya sea por internet o nos vemos para tocar platicaba con unos amigos sobre el éxito, y Así fue que decidimos dedicarnos a esto. o ensayar. Cuando alguno tiene una idea yo les decía que como todo ha sucedido tan pretexto perfecto para platicar con se la platica al otro. Zupremo siempre tiene un paulatino me he ido acostumbrando, a mí se ellos sobre su historia y la escena ¿Cuál es la primera canción que hicieron montón de beats, me los enseña, y si me me hace muy normal ir a tocar y todo eso, nacional actual del hip hop. juntos?

Mu: “León Norteño” era una canción inspirada en el Piporro.

Dr. Zupremo: Grabamos unos órganos de aire, ni me acuerdo cómo lo hicimos. Trabajábamos en casa de Mu, compramos una computadora cuando era novedad, y ahí empezamos a grabar y a editar. En ese tiempo hacíamos las pistas juntos y escribíamos nuestras partes y rapeábamos. Grabamos esa y otra, de hecho

y lo agradezco mucho, pero entiendo que es un trabajo y lo hemos desarrollado como tal.

Hemos pulido nuestras habilidades, nuestra manera de vender el producto que hacemos, la forma de acercarlo a la gente… eso es lo que ha ido cambiando, no nuestra forma de ser.

¿De qué manera ha cambiado su producto?

Mu: Yo diría que ahora es un poco más fino, hemos ido sofisticando nuestros métodos.

gusta alguno lo trabajamos con mis letras. A veces a mí se me ocurre un concepto y ya nos juntamos a trabajarlo. Nunca tenemos una idea totalmente preconcebida o clara, nos gusta que suceda ahí, cuando estamos juntos. Procuramos no estresarnos y dejar que sucedan las cosas, regularmente llegamos a buen puerto cuando nos dejamos chambear libremente. Él sabe que yo tengo la batuta en cuanto a decir cosas y yo sé que él manda

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en cuanto al ritmo. Yo tengo que encontrar la manera de acoplarme y viceversa. ¿Qué tipo de música escucha cada uno?

nos podíamos adecuar a los tiempos de estudio, después el disco entró a masterización y todo ese rollo en el 2012 y se tardó más de un año. Aprendimos mucho, no teníamos experiencia. Al final ya con el disco listo la disquera en la que estábamos (Mantequilla Records) no tenía dinero ni infraestructura, así que decidimos hacerlo por nuestra cuenta y nos empezó a ir muy muy bien. Siempre hemos tocado, teníamos un EP y un mixtape informal que fue lo que nos mantuvo ahí, además de las tocadas. Eso nos hizo gozar de buena reputación en la escena del hip hop. Cuando salió el Todo bien y empezamos a tener un éxito mayor con la canción de “Me gustas” muchos ojos voltearon a vernos, y cuando nos veían en concierto se notaban nuestros años de carrera y nuestra experiencia. La trayectoria que tenemos es lo único que nos respalda.

Dr. Zupremo: Cada quien escucha música diferente, independientemente de eso, el hip hop tiene la particularidad de que te ayuda a descubrir otras cosas, y vas abriendo puertas continuamente. Por ejemplo, empiezas a escuchar una canción que lleva un sampleo de alguna banda, averiguas de quién es y te clavas en ese grupo y descubres que tiene un montón de buenas canciones. El hip hop te hace descubrir un mundo bien grande que no puedes ignorar. Si te dedicas a hacer rap y sólo oyes rap, en algún momento vas a consumir todo lo que ya se hizo. La verdad escuchamos mil cosas, desde música electrónica nueva, música que se consume en festivales, conciertos. Creemos que la música tiene que ver mucho con las drogas, como las drogas van cambiando también la música. Enton- ¿Cómo ven la escena de hip hop nacional ces, aunque hagas hip hop tienes que saber actualmente?

Dr. Zupremo: Bien saludable, están pasando todo lo que está pasando alrededor en términos musicales para después llevar una un montón de cosas interesantes. Justo con buena propuesta, adaptarte y evolucionar esto de nuestros 16 años que celebraremos como banda. en el Lunario hemos andado bien retrospectivos, revisando nuestros archivos, las rolas Mu: La música que más se vende o que yo me viejas, y me he dado cuenta de que ha habido doy cuenta de que vende cerveza, que llena varias épocas doradas del 2000 para acá en bares, es música grupera y así. Está chido, a el rap nacional y ahorita es cuando más grumí también me gusta, pero también el soul. pos y tocadas hay. De los dos lados, tanto de Me gusta hacer compilados de música rara, los medios y los raperos se acomodaron las escucho corridos, me gusta mucho el son cosas, nosotros les hemos dado cosas que jarocho también. Somos de la Baja Sur así pueden funcionar en el radio, en las revistas, que no todo el tiempo oímos rap, oímos de y del mismo modo ellos están más abiertos todo. Me gusta la manera en la que escriben a eso. Si te gusta el rap ya no eres segregado, los corridos, porque con pocas palabras te antes si eras rapero estabas en la escala más cuentan toda una historia. baja de las tribus sociales. Ahora ya es muy Dr. Zupremo: Nos gusta Cerati, Yokozuna, común, ya hay tiendas que venden ropa y Juan Cirerol, si ponemos esos ejemplos pues música que tiene que ver con el hip hop. ninguno tiene que ver con el rap, pero para Es muy buen momento para tener un proyecto nosotros sí tiene que ver. de rap o hip hop.

¿Han querido parar de hacer esto?

Mu: No, bueno a lo mejor en algún momento ¿Por qué creen que creció tan lento?

Mu: Yo creo que porque estamos en hace tiempo. Pero no, no existe esa posibilidad. Es como nuestro plan A, B y C. Es lo que México, un país que el número 1 de rating nos gusta hacer, yo no le encuentro sentido a lo tiene Laura en América, que el grupo más esta vida aquí sin hacer esto. Probablemente, escuchado sigue siendo Timbiriche. A mí nos dediquemos siempre a esto o a algo que me ha tocado ver que los promotores de tenga que ver, tal vez si dejamos de tocar es talento nacionales no buscan cosas nuevas, se van a la segura, a lo que ya funcionó. para producir grupos.

Si te fijas el radio mainstream está lleno de Dr. Zupremo: A estas alturas la Banda Bastön covers. Yo se lo atribuyo a eso. Somos un ya no nos pertenece, nosotros le pertenecemos a ella, lo que nos pida vamos a hacer. país de mafias, y la música es una mafia más. Además, el rap dice muchas cosas de ¿Por qué tardaron tanto en sacar su prila calle, la política, la sociedad, sobre el mer álbum completo? despertar de conciencia, también mucha Mu: Porque somos muy románticos al resfiesta y otras cosas. pecto. Nunca nos interesó hacer por hacer, Dr. Zupremo: Tú ves una canción de pop siempre tenemos un motivo. El disco Todo bien o de rock en su estructura y no son más de lo empezamos a hacer en el 2009 y salió hasta 15 renglones, y en el rap esos 15 renglones el 2013 por mil razones. Sucedieron muchas son apenas el coro. Cada canción lleva mucha información. cosas en la disquera en la que estábamos, no

“A estas alturas la Banda Bastön

ya no nos pertenece, nosotros le pertenecemos a ella, lo que nos pida vamos a hacer.”

Dr. Zupremo

Mu: Yo creo que va un poco por ahí y también porque no hay muchos intentos serios en cuanto al rap, pero van en crecimiento, porque la realidad ya alcanzó a los medios, los raperos tenemos más views, más fans y más clicks en internet que muchos grupos.

Con esta era del internet, se dieron cuenta de que no los necesitamos y entonces ellos nos vinieron a buscar. No sólo hablando de nosotros, sino de muchísimos MCs y proyectos.

Dr. Zupremo: Nosotros tenemos más interés legítimo porque eso se nota de volada en las redes sociales. Ahí es un poco más democrático.

Mu: Antes el hip hop era para los barrios bajos y las zonas conurbadas, ahora en todos lados, en la Condesa, Polanco, hay rap. ¿Qué puertas les ha tocado abrir?

Mu: A nosotros nos empezó a ir bien en la radio. Entonces, a mí se me ocurrió meter un proyecto en Los 40 principales junto con Facundo que se llamaba La Academia de Hip Hop, cada jueves llevábamos un artista que nadie conocía y lo poníamos a rapear. Esa sección se hizo muy popular y la pasamos a Sabadazo, un programa bastante cutre de Televisa que tiene muchísimo rating. Nosotros no queremos cambiar nada solamente abrir un hueco para meter a los raperos en la mira. Nosotros creemos mucho en la unión, en la colaboración, en hacer equipo. Ahí está la fuerza de cualquier movimiento. Queremos que vayan al Lunario para empaparse de nuevos flows, de nuevos estilos, para empezar a formar una escena fuerte dentro de lo que se pueda.

Dr. Zupremo: Que sepan lo que es una experiencia verdadera de hip hop, sin que tenga que ser underground o bien lejos, en un lugar feo o así, sino que se den cuenta de que estas cosas ya pasan cerca, cada fin de semana hay un evento de calidad al que pueden ir. ¿Qué van a hacer con La Roma Records?

Mu: Vamos a hacer un álbum conmemorativo de los 16 años de la Banda Bastön. Son 13 rolas que nos representan para que la gente conozca un poquito de nuestra historia. Son 300 vinilos de colección.

Los cinco

mejores raperos mexicanos según Mu

* * * * * 1 Elote el Bárbaro: increíble, es un veterano que tiene 20 años haciendo rap. Es buenísimo escribiendo, tiene un rollo socioeconómico y político.

2

Simpson Ahuevo: es un vato de Hermosillo que hace un rap muy feliz, fiestero, relajado. Pone a bailar a la gente, tiene un carisma increíble.

3

Eptos Uno: Tiene 27 años y es de Obregón Sonora, tiene unas barras increíbles, rimas muy poderosas y flows bien chidos.

4

Tino el Pingüino: él ha generado mucho interés en el DF y en varias zonas. Hace un rap novedoso en el aspecto en el que sus rimas al menos en México aún no se escuchan con tanta regularidad. Además, goza de muchísimo carisma.

5

El Asesino: él es el campeón de Freestyle. Es el mejor improvisador que hay en habla hispana. Él representa a México, es un morro de 22 años con increíble talento. Va por muy buen camino, yo creo que se va a convertir en un gran artista.

* * * * * XVI años de la Banda Bastön Invitados: Serko Fu, Eptos Uno, Simpson Ahuevo, Tino el Pingüino, Pato Watson, Elote el Bárbaro y muchos más.

Lunario del Auditorio Nacional Paseo de la Reforma 50, Bosque de Chapultepec Entrada: 350 pesos 2 de agosto; 21 horas

32 | frente | música | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

Monarca,

alguien que ha perseguido a la misma persona por mucho tiempo, en un grado enfermizo de acecho y persecución.

Germán: Cuando haces comparaciones siempre te metes en un problema y lo que voy a decir es polémico, pero para mí es una canción que pudo haber hecho Arcade Fire. De hecho cuando oigo esa rola, luego luego quiero oír Funeral también.

canción por canción

Por Aretha Romero La Gusana Ciega está por estrenar Monarca, el nuevo material que produjeron en Canadá. Frente se reunió con el grupo para hablar del disco y, en particular, para que contaran la historia y los tecnicismos de cada canción.

Al final del repaso, los músicos concluyeron que la misión de La Gusana Ciega, a lo largo de los años, ha sido y seguirá siendo tocar y cantar para sublimar el dolor del amor, de la realidad y los cambios.

8

“Más grandes”

Daniel: Con el tiempo construyes algo mucho más grande que el mismo amor.

Llega un momento en que las relaciones ya no se tratan de amor, hay toda una construcción aparte. Y puede ser una construcción sana o enfermiza, pero es algo mucho más grande que ese enamoramiento inicial. Ésta es la otra canción que compuse en piano. Yo quería lograr una rola que tuviera una belleza muy especial y delicada en la narrativa, pero al mismo tiempo que planteara una situación poderosa.

9

“Justo lo que necesito”

1

“San Miguel”

Daniel: Es de noche, no puedes dormir y lo único que anhelas es estar en ese lugar, con esa persona. Eso fue lo que sucedió cuando compuse la letra de esta canción, me di cuenta de que necesitaba regresar a ese sitio.

Se llama “San Miguel” porque alguna vez hice un viaje a San Miguel de Allende que fue muy especial y muy particular. Yo le puse así porque es mi lugar de deseo, pero creo que cada quien tiene uno al que a veces necesita regresar.

Cuando empezamos a trabajar técnicamente para este nuevo disco, me empeñé en rescatar un riff de guitarra que grabé en mi teléfono en diciembre del 2012. Decidí que tenía que ser el riff para San Miguel.

2

“Tiempos para amar”

Daniel: En el 2010 fuimos a tocar a Chihuahua y a Ciudad Juárez. En esa época la inseguridad estaba muy fuerte. Los lugares a los que llegamos, sobre todo en Ciudad Juárez, se sentían abandonados. Los locales estaban cerrados con la cortinas abajo y los candados echados, y si mirabas por la rendija hacia adentro del local, todo estaba ahí puesto, con cubiertos, como si estuvieran listos para atender. Lo que pasó es que la gente por miedo, cerró su local, lo dejó tal cual y se fue. A nosotros nos llevaban a tocar unos chavos que habían organizado una serie de conciertos, y fue muy inspirador el esfuerzo que hicieron ellos y los que asistieron a la tocada. Era una ciudad abandonada que hablaba de un grupo de jóvenes que no estaban dispuestos a cederla y a perder las cosas que tenían por lo que parecía que se apoderaba de su entorno, como la inseguridad, el narcotráfico y la violencia. Eso me inspiró para componer una historia de amor situada en un contexto violento y poco adecuado para que suceda una historia de este

tipo. Esa canción quedó como símbolo de que a los tiempos complicados se les tiene que enfrentar felices y dispuestos.

Cuando la pensé musicalmente, llegué a la conclusión de que un piano era el marco perfecto para esta historia. Nunca antes había trabajado con un piano, ni se me había ocurrido nada al respecto, esta vez lo hice para dos canciones del disco y fue una sensación única.

3

“Perder o jugar”

Lu: Ésa es una composición que se estacionó en mi cabeza desde hace mucho tiempo. Un día que íbamos en la carretera de camino a alguna parte del Bajío (para La Gusana Ciega la carretera siempre es un lugar de trabajo y de convivio) se las mostré y les gustó, pero no se dijo más.

Tiempo después conocí la canción “New Slang” de The Shins en la película Garden State y me pareció tan profunda y con una vibra tan especial, que quise hacer algo idéntico. Retomé la composición pasada, armé una melodía y se las enseñé. Originalmente esa canción se llama “Tres meses”, porque a mí me interesaba hablar sobre ese amor intenso que dura tres meses. Cuando conoces a alguien, te superenamoras y de pronto se esfuma. Una sensación de pérdida prematura.

4

“No necesito nada”

Jorge: Esa salió de un riff barroco. En algún momento de mi vida estudié guitarra clásica y de pronto se me ocurrió regresar a esa época. Al final terminó siendo algo muy psicodélico, la grabé con una guitarra acústica de nylon y cuando estaba en esas, me salió una frase que dice: “En cuánto tiempo nos vamos a encontrar aquí sentados en el mismo lugar”.

Hice la maqueta y se la entregué a Daniel para que hiciera lo suyo.

5

“Sobre final”

Daniel: ¡Típico! La relación está en las últimas, ya se destruyeron el corazón, ella ya lo va a dejar y él lo sabe, y encima de todo ella es la primera en buscarlo para quitarse el vestido la última noche.

Musicalmente, me imaginaba algo parecido a “Eyes Without a Face” de Billy Idol.

Con una carga fuerte de sintetizadores, y de fondo una guitarra medio violenta. Los cambios de tiempo son muy importantes en esta canción. Creo que quedó un buen balance, con influencias de los ochenta y un ritmo muy profundo que envuelve muy bien la temática de la canción.

6

“No te puedo olvidar”

Daniel: La idea era montar una balada con guitarra acústica toda melosa. Yo estaba medio aferrado a esa idea, hasta que un día fue un amigo al ensayo y se burló de mi canción diciendo que parecía de Palito Ortega. No tengo idea a qué se refería, pero en ese momento agarré la guitarra eléctrica y les dije a los demás: “¿Cómo le movemos?”.

Quedó superpotente, tanto que hasta genera angustia o ansiedad musical.

La letra habla de que ya no estás con ella, entonces ya puedes hacer todo lo que querías hacer. Ya puedes llegar tarde, no tienes que hablar con nadie para decir dónde estás, puedes hacer el amor con quien quieras, subir, bajar… lo único que no puedes hacer es olvidarte de ella.

7

“Tú volverás”

Daniel: Mi primera inspiración fue “Sorrow” de The National. Cuando la empecé a sacar me dijeron que parecía “Space Oddity” de David Bowie y eso les parecía muy aburrido. Con muchos arreglos la hicimos crecer. Habla de una historia de amor fallida, de

German: Soy un gran entusiasta de los noventa, me gustan las canciones que están basadas en riffs y en guitarras. Cuando todo empezó con esta canción yo no podía dejar de pensar en los Pixies. Daniel me ayudó a irla moldeando. Lo que me sorprendió muchísimo de Daniel es que la rola nunca tuvo letra hasta el día que la grabó. Y creo que es una de las letras más honestas y sinceras que he escuchado de Daniel, esa canción es tal cual como se sentía en ese momento.

10

“En abril”

Daniel: Acabas de hacer el amor y estuvo tan increíble que no quieres mover nada, pero empiezas a pensar ¿habrá sentido lo mismo?, ¿esto va a durar?, ¿va a regresar? E intentas callar tu cabeza y disfrutar, pero en cualquier momento esa persona se va a parar y se va a ir. Una canción que habla de un instante mágico que no te atreves a arruinar. La compuse en abril a partir de cierta experiencia, el ritmo inicial tenía unos acordes que me hacían pensar en Simon & Garfunkel.

11

“Escapar de noche”

Jorge: La empecé con unos acordes muy simples y la primera frase que se me vino a la mente fue “I wanna be a dog in my head”.

Daniel: Es cortita, directa y muy honesta.

12

“Califórnica”

Lu: Ésa tiene una forma en la producción diferente porque es un solo ritmo con mucho groove, es muy pesada, medio disco, bailable y derecha.

Daniel: Habla de una chava inalcanzable que está bailando en el antro, y tú te mueres de ganas de que te voltee a ver porque crees que eres la solución a todos sus problemas, lo único que falta es que te pele.

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | mĂşsica | frente | 33

A-Trak en el evento Sneaker Pimps Plaza condesa 24 de julio

abajo

ARRIBA

Por Toni François www.tono.tv

34 | frente | música | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

Reseñas Trouble in Paradise | La Roux Polydor-2014

Flamante Discos Song Reader Beck Time Is Over One Day Old Bear In Heaven Lese Majesty Shabazz Palaces

Canciones “Heavy Metal and Reflective”

Azealia Banks “Way to Be Loved”

TOPS “New Dorp. New York (Feat. Ezra Koening)”

SBTRKT “The Lord’s Favorite”

Iceage “Pickles from the Jar”Courtney Barnett

Eventos Wye Oak

Viernes 1, El Plaza Condesa; 21 horas.

Los Esquizitos

Jueves 7, Caradura; 22 horas.

Aniversario Roma Records

Miércoles 13, El Imperial; 22 horas.

World Peace is None of Your Business | Morrissey Capitol / Harvest - 2014 Querido Stephen Patrick: Sé que tú y yo tenemos desde siempre diferencias ideológicas fundamentales e irreconciliables, ya sabes, me gustan las chuletas…

Pero nunca permití que esa condición, ni muchas otras de esas manías que tienes, me impidiera disfrutar de tu música o incluso de encontrar tus cada vez más frecuentes lapsus de cretinismo –ya sabes, cancelar giras por una gripita, correr a Kristeen Young de esas giras porque dices que te contagió de gripita, ¿qué… andaban tomando del mismo popote?, exigir que tu autobiografía fuera publicada bajo el sello Classics, y que las versiones americanas y europeas tuvieran pasajes distintos, a lo que Penguin accedió y de donde seguro sacaste unos dolaritos más de quienes quieren saber si has tenido experiencias homoeróticas– hasta chistosas, ese tipo de cosas que le dan pena a uno como una tía abuela que le dice suripanta a alguna chavilla que trae minifalda, pero que se le toleran porque le dan risa hasta a quien se lo dice.

Quiero que sepas que si vienes a México otra vez, quizá te vaya a ver. Digo, la verdad soy fan y el disco suena bastante bien, la producción es bastante buena, la banda que traes es cada vez más contundente, está claro que ellos están en plenitud de facultades. Pero al final las canciones, con todo y la producción fastuosa, se quedan un poco cortas. Siento que agotaste tu escritura fina en tu autobiografía y acá pusiste puro retazo. ¿Neto en “Neal Cassady Drops Dead” te echas la tripleta “babies, rabies, scabies”? Digo no me siento tan cómodo alrededor de niños pero ¿de plano proponer aventarlos?, ¿de plano ya a las chavas les dices vacas? Sabes, es suficiente chutarse el video de los rastros y las granjas de pollo en “Meat Is Murder”, que es de tus canciones más lelas, con todo y los mujiditos de vaca, pero aún así es buena. La bronca es que sólo puedo aguantar como cinco minutos de eso y ahora que sacaste “The Bullfighter Dies”, vas a poner puro video de cornadas, y aunque a mí los toros me dan lo mismo, lo que sí es imperdonable es que en ella rimas “gaga” con “Málaga” y “mental” con “Valencia”.

Así que te propongo algo, tú no tocas ésa en vivo y yo me ahorro unos taquitos de gaonera; y si nos ahorras la palmita y guitarrita neoflamenca tipo Ottmar Lieber y, sobre todo, el azote innecesario en “Earth is The Loneliest Planet of All” te lo agradecería también.

Sinceramente, Rodrigo Alcocer de Garay

La vara The Avalanches y Danny Brown

Danny Brown afirma que su colaboración en la canción “Frank Sinatra” con The Avalanches cambiará el mundo. El nuevo disco de los australianos es de lo más esperado, ya que no han sacado nada desde el Since I Left You del 2001.

Escuela en línea con profesores como Yoko Ono o Kim Gordon

Kickstarter está a punto de lanzar un laboratorio de creación en línea gratuito para niñas llamado School of Doodle. Kim Gordon, Chan Marshall, Marina Abramović y John Baldessari son algunos de los encargados de dar lecturas para avivar la imaginación de las niñas.

Lady Gaga y Tony Bennett

ECORD

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La cuestión principal de la industria de la nostalgia musical que nos trae constantemente música-que-suena-como-de-los-80-y-los-90-en-los-2010 es que los recuerdos en los que se fundamenta son principalmente inventados. La mayoría son cálculos hechos a posteriori, que prefieren sorprender con producciones fastuosas y composiciones predecibles –y sí, familiares y quizá por eso pegajosas– que tener las agallas necesarias para asumir el riesgo de tomar algo ya hecho y construir sobre él (que sabemos que en realidad no hay nada nuevo), adaptándolo a su momento, llevándolo en nuevas direcciones y contextos. Seamos sinceros, La Roux es un ejemplo perfecto de esto. Su disco debut de hace cuatro años presentaba un synth pop extraído de principios de los ochenta, bañado en una opulencia auditiva perfectamente separada en surround 5.1 que esa música jamás tuvo; una combinación perfecta para convertirse durante un verano en el soundtrack de infinidad de anuncios de autos híbridos, refrescos sin azúcar y goma de mascar blanqueadora de dientes. En Trouble in Paradise, La Roux, ahora proyecto solista de Elly Jackson, se autoengaña haciéndose creer que ha descubierto el hilo negro –y el bajo bamboleante– al reabordar descaradamente la manera en que Bowie se reinventó durante los ochenta, apelando al disco y al funk. Es demasiado monótono y artificial para ganarse nuestra empatía, sentirse auténtico y, sobre todo, atrapar nuestra atención completa (que es un disco sumamente personal) por más de cuatro minutos. Ademas es difícil darse uno cuenta cuando empieza un tema y acaba otro.

RO M A• R

S • LA

Por Rodrigo Alcocer de Garay | @rodrigoalcocerdegaray

Los diez vinilos más vendidos en La Roma Records (JULIO): White 1 Jack Lazaretto Meets the Obsolete 2 Lorelle Chambers 3 Warpaint Warpaint del Rey 4 Lana Ultraviolence Robot 5 Shit We Got a Love Zeppelin 6 LedII (deluxe remastered edition) 7 Oasis Definitely Maybe Marley 8 Bob Legend (30th anniversary edition) Keys 9 TheTurnBlack Blue Zeppelin 10 LedI (deluxe remastered edition)

Álvaro Obregón 200 Bis 1, Roma T. 52642140

Pussy Riot demandan al gobierno ruso

Nadezhda Tolokonnikova y Maria Alyokhina integrantes del grupo de rock Pussy Riot acaban de demandar al gobierno ruso por permanecer 21 meses en prisión después de su protesta punk prayer.

La fructífera amistad entre Lady Gaga y Tony Bennett empieza a dar frutos. Los músicos sacarán un álbum de jazz en septiembre. “Cheek to Cheek” escrita por Cole Porter es el primer adelanto de esta colaboración.

Sale a la luz la causa de muerte de Peaches Geldof

Se confirmó que Peaches, la presentadora de televisión e hija del vocalista de Boomtown Rats, murió a causa de una sobredosis de heroína. Su hermana Fifi dijo que Peaches fue extremadamente egoísta.

36 | frente | cine | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

C cine

Do It Yourself

La vida después.

Charla con Julien Temple, documentalista del punk Por Roberto Garza El director de ánimos anarquistas, Julien Temple, viene a la ciudad de México a ofrecer dos clases magistrales en la Cineteca Nacional. En ese recinto, también se exhibirá una retrospectiva completa del trabajo del cineasta que ha registrado la historia del punk con un rigor sin precedentes. Temple concedió esta entrevista a Frente días antes de que llegara al país.

El

británico Julien Temple ha dirigido algunos de los documentales musicales más relevantes de la historia del cine. Conoció a los Sex Pistols antes de la irrupción de la escena punk en Londres, cuando eran unos desconocidos y furiosos desadaptados sociales que ensayaban en un almacén abandonado. Desde entonces, Temple ha documentado la historia del punk y lo ha hecho con la disciplina y el rigor de un historiador social, pero sin renunciar jamás al espíritu anarquista que lo distingue como persona y cineasta. En su filmografía destacan títulos como The Filth and the Fury, el documental más completo sobre los Sex Pistols, y Joe Strummer: The Future is Unwritten, un portentoso retrato biográfico del vocalista y líder de The Clash.

Temple viene a la ciudad de México invitado por La Casa del Cine y la Cineteca Nacional, donde el 4 y 5 de agosto ofrecerá dos conferencias magistrales y se exhibirá una retrospectiva completa de su trabajo. Unos días antes de su arribo a tierras mexicanas, Temple nos concedió esta entrevista exclusiva. ¿Cómo comenzaste a filmar a los Sex Pistols?

Es una historia extraña. Primero tengo que recordar cuando era pequeño en los sesenta, una época en la que se hacía una música asombrosa en Londres. Estaban los Rolling Stones, The Kinks, Small Faces y The Who, y de algún modo me sentía involucrado en la creación de esa música, me identificaba con sus canciones, igual que muchos jóvenes londinenses de la época, porque sabíamos que estaban escritas para nosotros. De hecho, esas bandas tenían mucha más influencia en nuestras vidas que nuestros padres y maestros.

La música era nuestro principal referente. Eso ocurrió entre 1963 y 1967, más o menos. Pero después todos se fueron a Estados Unidos,

se mudaron a Los Ángeles, y se perdió ese contacto directo con la juventud en Londres. Se volvieron rockstars y se alejaron de la gente.

Ese esquema se mantuvo hasta que apareció el punk de los setenta. Lo mejor del punk fue que surgió desde abajo, justo cuando Inglaterra vivía momentos de convulsión social y desempleo. En Londres había zonas industriales que cerraron y estaban completamente desoladas. Podías ir un domingo en la mañana y no había nadie, como pueblo fantasma, mientras que por otra parte estaba esta idea del gran imperio británico, de la gran potencia industrial.

Yo solía ir a estas zonas deshabitadas, me gustaba caminar por ahí. Un día escuché una canción a lo lejos, así que me acerqué a un almacén de donde venía esta música extraña, subí las escaleras y me encontré con una banda que estaba ensayando a un volumen muy alto. Recuerdo que cantaban “quiero que sepas que te odio” (cambiando el sentido a la versión original, que dice “quiero que sepas que te amo”), y estaban dándole durísimo a esa canción, la estaban destrozando. Me pareció genial, nunca había escuchado algo similar en mi vida. Desde donde estaba parado los veía como una especie de insectos de otro mundo, como mutantes, mitad insectos mitad humanos. Era muy raro porque estaba acostumbrado a ver a músicos de cabello largo y ellos tenían esas piernas largas y delgadas y el cabello puntiagudo estilo mohawk. Fue como si hubiera tenido una visión futurista, pero era sólo esta banda ensayando, que aún no había tocado en público. Yo estaba asombrado.

En ese entonces estaba haciendo una película sobre Small Faces para la escuela de cine y les pregunté si querían hacer música para mi proyecto. Me contestaron: “Fuck off”. Pero me dijeron que iban a dar un concierto en un mes. Estaba muy entusiasmado y les dije a todos mis amigos que acababa de ver a una banda increíble, como venida del

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | cine | frente | 37 futuro. Me preguntaron cómo se llaman y caí en cuenta de que ni siquiera les había preguntado su nombre. Fue hasta un mes después cuando supe que eran los Sex Pistols.

Desafortunadamente me perdí su primer concierto, pero fui al segundo. Había como 15 personas, no más, pero fue algo extraordinario: entre el público estaban Sid Vicious, Siouxsie y Billy Idol que de algún modo replicaban lo que hacía la banda en el escenario. En ese momento fue cuando mandé a la mierda todo lo que estaba haciendo y decidí filmar a los Sex Pistols.

¿Cómo recuerdas a Sid Vicious?

Yo quería mucho a Sid. Era un tipo comprometido y muy carismático.

Cuando aparecía en un lugar no había manera de que pasara desapercibido, todos volteaban a verlo. Tenía una energía extraordinaria. Esto, por supuesto, antes de que se convirtiera en un junkie, porque cuando se hizo adicto fue una persona diferente. Pero antes de eso Sid era un individuo lleno de energía. En el segundo concierto de los Sex Pistols, Sid estaba entre el público y la gente lo volteaba a ver más que a la banda, tenía un magnetismo impresionante.

Me parece una discusión un tanto innecesaria porque viene de ambos lugares y de más atrás en el tiempo.

Si revisas la historia del punk tienes que remontarte al blues negro de Estados Unidos. Y en Inglaterra, a principios de los sesenta, teníamos bandas como The Kinks y Rolling Stones, mientras que en Estados Unidos apareció gente como Iggy Pop. Pero la génesis del punk real viene de The Kinks. Luego tenemos a los Sex Pistols y al punk de Nueva York surgiendo al mismo tiempo, producto de una influencia bilateral. Así que es innecesario preguntarse en dónde fue primero, si en Estados Unidos o en Inglaterra, porque fue en ambos lugares al mismo tiempo.

“Me parece importante que los niños

vean The Filth and The Fury y sepan quiénes fueron los Sex Pistols y qué pasó con Sid Vicious; y también que comprendan el contexto histórico, social y político en el que surgió el punk.”

¿Crees que Nancy Spungen [novia de Sid Vicious] fue de algún modo la responsable de su muerte?

Te puedo decir que Nancy fue la responsable de que Sid se convirtiera en un junkie. Ella lo enganchó en las drogas duras y, como todos sabemos, Sid murió de una sobredosis. Había algo horrible respecto a Nancy, un lado destructivo y oscuro en su personalidad que terminó por hundir a Sid y… no lo sé… Primero anduvo tras Johnny (Rotten), pero acabó siendo la novia de Sid. Y todos sabíamos que tenían una relación destructiva, se lo advertimos a Sid, pero al mismo tiempo había un amor extraño entre ellos, un amor real.

¿Cuál es la historia detrás de The Great Rock ‘n’ Roll Swindle?

La historia detrás de la película es que creíamos que el punk podía destruir el sistema creado por las grandes compañías discográficas. Esas mismas que gastan millones de dólares anualmente y crean rockstars inalcanzables para la gente, una suerte de ídolos creados con muchísimo dinero, que luego se les tiene como dioses en pósters en los cuartos de los jóvenes, quienes les rezan y los idolatran. Nuestra intención, más que destruir esos pósters, era destruir las habitaciones completas. Y lo queríamos hacer a partir de una idea: “Hazlo tú mismo”.

Los Sex Pistols fueron víctimas de ese sistema. En 18 meses se convirtieron en un fenómeno, tuvieron fama mundial, y los jóvenes tenían pósters de los Sex Pistols en sus cuartos y se inclinaban frente a ellos, sus nuevos ídolos punks. Así que la idea de la película era provocar a esos fans con la furia y el enojo del punk. Era una provocación para que pensaran sobre esa realidad.

En esos tiempos, ¿cómo era tu relación con Malcolm McLaren [mánager de Sex Pistols]?

Tenía una buena relación con él, en particular en ese periodo. Al principio no le gustaba que filmara a la banda, pero terminamos trabajando juntos en la película (The Great Rock ‘n’ Roll Swindle) durante seis meses.

También aprendí mucho de él. Era un tipo con muy buena suerte y de algún modo al trabajar con él te la contagiaba. Pero también te puedo decir que era una persona complicada y bastante difícil de tratar.

Hay quienes consideran que el punk nació en Nueva York y hay quienes aseguran que nació en Londres. ¿Qué opinas?

¿Hay alguna banda hoy en día que tenga el espíritu punk de aquellos años?

Es una pregunta difícil. Son momentos muy diferentes y definitivamente no podemos hablar de que se pueda hacer lo mismo que en aquellos años. No me gusta nada la música ruidosa e inconexa que pretende ser punk, pero te puedo decir que Massive Attack tiene un concepto muy poderoso tanto en lo musical como en lo visual, aunque, repito, es muy diferente porque son contextos distintos. Pero en este caso el espíritu (de Massive Attack) me parece similar. Hay algunas bandas que retoman bien la actitud y el sonido punk, pero que les falta el espíritu subversivo del punk real.

estrenos

TOM EN EL GRANERO Dir. Xavier Dolan.

Con: Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy, Evelyne Brochu.

Adaptación de la obra teatral homónima de Michel Marc Bouchard, clasificada como una pieza de queer noir, Tom en el granero cuenta la siguiente historia: sumido en una profunda angustia tras la pérdida de su novio en un accidente, Tom viaja de Montreal hasta la casa de campo de la familia del fallecido, donde se entera que ni la madre ni el hermano de éste sabían de su homosexualidad. Mientras que la atormentada mujer recibe la visita con perplejidad, el hermano ve una amenaza y decide asegurarse de que ella jamás se entere de la “otra vida” de su hijo.

Has hecho muchas películas, la mayoría relacionadas con la música, los músicos y la cultura juvenil. ¿Por qué la recurrencia en estos temas?

Creo que si no conoces y comprendes bien el pasado no puedes transformar el futuro, así que, en parte, la razón por la que he hecho este tipo de películas como un historiador social y como un anarquista es porque creo que podemos hacer el cambio. Creo que podemos provocar que los niños del futuro puedan hacer las cosas por ellos mismos, y para lograrlo necesitan de un arma de entendimiento, una que les muestre su pasado para que puedan hacer los cambios en el futuro.

Me parece importante que los niños vean The Filth and The Fury y sepan quiénes fueron los Sex Pistols y qué pasó con Sid Vicious; y también que comprendan el contexto histórico, social y político en el que surgió el punk. Me gusta hacer películas sobre música, pero la verdad es que utilizo la música como un elemento que te permite viajar en el tiempo para comprender nuestra historia reciente.

MINÚSCULOS Dir. Thomas Szabo, Hélène Giraud.

Con el apoyo de Hélène Giraud, el director Thomas Szabo adapta al cine su exitosa serie animada de televisión Minúsculos, la vida privada de los insectos. La historia: una pareja disfruta de un picnic en el bosque cuando de pronto tienen que irse porque la mujer está a punto de dar a luz. Los restos de los alimentos desatan la guerra entre dos grupos de hormigas, en particular por una codiciada caja de azúcar. A partir de esta sencilla premisa, Szabo construye una historia épica al nivel del suelo.

Cambiando de tema, ¿qué opinas sobre la legalización de las drogas en México?

La mejor solución sería que Estados Unidos dejara de consumir tanta droga, pero eso es una fantasía, así que la legalización me parece una buena propuesta porque una vez que el negocio es legal los carteles de la droga y su violencia no tienen razón de existir.

¿Qué proyectos desarrollas actualmente?

Acabo de terminar una película sobre Río de Janeiro (Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca), que voy a pasar en México ahora que vaya en agosto. Es un retrato social de Río, que es una ciudad muy diferente a la que nos vendieron durante el Mundial de Futbol, porque allá las cosas están bastante jodidas. Pero al mismo tiempo es un lugar muy poderoso, sabes, de hecho en eso se parece a la ciudad de México.

También tengo planes de hacer una película sobre Tijuana, que es la futura capital de California. Es donde chocan el primer mundo con el tercero. En esa frontera confluyen todo tipo de expresiones culturales y artísticas, además de que socialmente es un lugar muy interesante.

JUNTOS… PERO NO TANTO Dir. Rob Reiner.

Con: Michael Douglas, Diane Keaton, Sterling Jerins, Frances Sternhagen. Ésta es una comedia romántica simplona e intrascendente, de ésas que se pueden ver un domingo en la tarde con una caja grande de palomitas en las manos. ¿De qué trata? Un veterano agente de bienes raíces, con un genio del demonio y poca paciencia, planea vender su última casa para vivir su retiro en paz. Sin embargo, su vida da un giro de 360 grados cuando de pronto aparece su hijo y le pide que se haga cargo de su nieta, cuya existencia desconocía.

38 | frente | cine | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

Retrospectiva Julien Temple

Joe Strummer: The Future is Unwritten

The Great Rock ‘n’ Roll Swindle

Glastonbury

The Filth and the Fury

Oil City Confidential

Rio 50 Degrees: Carry On CaRIOca

Del 1 al 16 de agosto Cineteca Nacional La Casa del Cine Mx Joe Strummer: The Future is Unwritten (2007) Retrato biográfico de Joe Strummer, vocalista y líder de The Clash, con testimonios de amigos y personajes claves de la historia del punk.

Viernes 1 de agosto, Cineteca Nacional; 19 horas.

Sábado 9 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

Dave Davis: Kinkdome Come (2011) Con material de archivo único, Julien Temple cuenta la historia de la otra mitad de The Kinks, Dave Davies, donde él mismo analiza su carrera musical.

Domingo 3 de agosto, Cineteca Nacional; 20 horas.

Lunes 11 de agosto, La Casa del Cine; 20 horas.

London - The Modern Babylon (2012) Material de archivo, música y retazos de viejas películas forman este collage que recorre la historia de Londres, ciudad natal de Temple.

Jueves 7 de agosto, Cineteca Nacional; 19 horas.

Viernes 15 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca (2014) The Great Rock ‘n’ Roll Swindle (1980) En esta película Julien Temple cuenta la “verdadera” historia de los Sex Pistols, y lo hace desde el punto de vista de su mánager, Malcolm McLaren.

Sábado 2 de agosto, Cineteca Nacional; 18 horas.

Martes 12 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

The Filth and the Fury (2000) Este poderoso documental es sin duda el mejor y más completo retrato fílmico que se ha hecho de los Sex Pistols.

Sábado 2 de agosto, Cineteca Nacional; 20 horas.

Domingo 10 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

Glastonbury (2006) Acercamiento histórico al famoso festival Glastonbury, con material filmado por Temple durante varias ediciones y enriquecido con grabaciones hechas por el público.

Martes 5 de agosto, Cineteca Nacional; 19 horas.

Miércoles 13 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

Oil City Confidential (2009) Este documental cuenta la historia de Dr. Feelgood, banda inglesa de culto de los setenta.

Miércoles 6 de agosto, Cineteca Nacional; 19 horas.

Requiem for Detroit (2006) Ray Davies: Imaginary Man (2010) Biofilme documental sobre Ray Davis, líder de la banda británica The Kinks.

Domingo 3 de agosto, Cineteca Nacional; 18 horas.

Lunes 11 de agosto, La Casa del Cine; 18 horas.

Retrato de Detroit, Michigan, cuidad en decadencia que alguna vez fue meca de la producción automotriz.

Miércoles 6 de agosto, Cineteca Nacional; 21 horas.

Jueves 14 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

Una mirada crítica a la actividad histórica y cultural de la ciudad que albergó recientemente la Copa del Mundo de Futbol y próximamente unos juegos olímpicos: Río de Janeiro.

Viernes 8 de agosto, Cineteca Nacional; 19 horas.

Sábado 16 de agosto, La Casa del Cine; 19 horas.

Sedes Cineteca Nacional Avenida México Coyoacán 389, Xoco cinetecanacional.net La Casa del Cine Mx Uruguay 52, entre Isabel la Católica y Bolívar, Centro lacasadelcine.mx Clases magistrales El lunes 4 y martes 5 de agosto, de 16 a 19 horas, Julien Temple impartirá dos clases magistrales en la Cineteca Nacional.

Informes e inscripciones: talleres.casadelcine@gmail.com

del 31 de julio al 3 de agosto de 2014 | MEDIOS | frente | 39

Martillazos

M

Por Mauricio Hammer

medios

Mundos para lelos Por El Paella

Contra la neutralidad

Y

La celebración del cómic... y todo lo demás

E

s difícil describir Comic-Con de San Diego, pues abarca un sinnúmero de aspectos de la cultura popular contemporánea. Y todo tiene fanáticos. Desde la nueva película de Avengers: Age of Ultron hasta una casi olvidada película animada llamada El último unicornio basada en el libro del mismo nombre escrito por Peter S. Beagle. El escritor reposa en una mesa en un alejado rincón, platicando a veces solo, a donde llegan mujeres con lágrimas en los ojos exclamando su admiración. La escena lo hace parecer más un depredador sexual que un talento creativo, pero los gritos de las chicas son casi de la misma intensidad, aunque no en cantidad, que los que recibe Chris Hemsworth, actor que hace de Thor, al subir al escenario del Hall H. Hall H es el salón más grande la convención. Le caben alrededor de 6 500 personas y allí se realizan los anuncios más importante$$$, principalmente los de las grandes casas cinematográficas y productoras televisivas. No me lo tomen a mal, la creatividad y el talento son abundantes por toda la Comic-Con. Desde ese punto, hasta la esquina más oscura del piso de exhibición: el “callejón de los artistas”, donde los creadores de historias e historietas ocupan un lugar que a menudo es opacado por todo lo demás, cuando son en realidad el motor de la industria del entretenimiento moderno. El motor capaz de llamar cada año la atención de 125 000 personas a lo largo de una noche y cuatro días en el Centro de Convenciones de San Diego.

Ocasionalmente, los personajes en el trono de Comic-Con se pasean por sus pasillos y las calles aledañas. Este año Guillermo del Toro, quien probablemente se convirtió en el rey del evento, caminó entre los asistentes vestido con un traje negro y portando la máscara del Santo para pasar inadvertido. Su peculiar forma de andar y su acento tapatío lo delataban, pero le bastaba guiñar un ojo a cualquiera para

sellar un pacto con el que se garantizaba que su identidad no sería revelada, una complicidad inmediata que cualquiera en la expo entendía, justo como si se tratara de un superhéroe.

Por otra parte, Peter Jackson, quien este año acudió para dar una probadita de lo que será el final de su trilogía de The Hobbit, también se dio sus vueltas disfrazado de bufón con una satánica sonrisa.

El actor Daniel Radcliffe, reconocido por interpretar a Harry Potter, promovió Horns, una película de suspenso sobrenatural dirigida por Alexandre Aja. Lo menciono porque en la conferencia de prensa alguien le preguntó qué disfraz usaría para recorrer ComicCon. Respondió que uno de Spider-Man, y exactamente ése usó. El punto es qué es tan emocionante y divertido en Comic-Con que hasta celebridades buscan darse un tiempo para estar allí. Películas, ropa, libros, juguetes, series de televisión, conferencias, firmas de autógrafos y hasta estrellas del porno como Tera Patrick, todo en un lugar. ¿Qué más puede uno pedir?

Superman v Batman: Dawn of Justice pinta para estar chafa. No me emocionó el avance y no dijeron nada, lo que me hace sospechar que carece de sustancia. Por otro lado, mi momento favorito de esta Comic-Con fue saludar y platicar con Mark Millar, autor de Kick-Ass, Wanted y Superior, quien mostró avances de la nueva película basada en su trabajo, Kingsman: The Secret Service. Antes de la primera vez que visité la convención, en el 2010, dudaba pasármela bien, ya que soy nerd, pero hasta para ser nerd hay niveles.

Después de que vine no dudo en recomendarle a cualquiera que venga a Comic-Con, sea o no nerd, no sólo para comprar cosas o ver superestrellas, sino para sentirse parte de algo más grande: una comunidad incluyente y tolerante, de todas las edades, celebrando y admirando la capacidad humana para crear.

o era el menor de mis hermanos. Y cuando era pequeño, y alguno de ellos me hacía alguna fregadera (que es lo que hacen siempre los hermanos mayores con el más chico), mi mamá o mi papá simplemente se volteaban, y sin dejar de hacer lo que estaban haciendo, nos decían: “No se peleen”. Eso, a mí me indignaba mucho.

Hubiera preferido mil veces que mis padres se tomaran la molestia de averiguar lo que había originado el pleito y hubieran actuado en consecuencia.

Y es que cuando alguien dice “ya, no se peleen, aprendan a convivir como hermanos, etc.”, lo que en realidad está haciendo es poner en el mismo saco a la víctima y al victimario, al agredido y al agresor. Y eso me parece una injusticia que además no soluciona nada.

Ahora que (una vez más), hay una guerra entre Israel y uno de sus vecinos, Facebook se ha convertido en un campo de batalla entre quienes defendemos a Israel y quienes defienden a Hamas (que es en realidad lo que hacen quienes dicen defender al pueblo palestino). En lo personal me he dedicado a postear todo lo que he podido a fin de ilustrar lo que, a mi parecer, explica la postura israelí y la necesidad de esta terrible guerra.

De los comentarios que la gente que no está de acuerdo conmigo no me ocuparé, porque lo voy haciendo a medida que los recibo. Pero además, he recibido algunas líneas de personas que, sin rebatirme nada, me invitan a no apasionarme, a no tomar partido y comprender que ésta, como todas las guerras, es inútil y destructiva. Comentarios, en fin, bien intencionados, pero que no son demasiado lejanos de aquellos que mis papás nos hacían a mis hermanos y a mí. Para que nos entendamos, este tipo de planteamientos me suenan a algo parecido a que, durante la guerra de Vietnam, alguien le hubiera dicho a gringos y vietnamitas, “ya, muchachos, estense quietos, no se peleen”, o como si en el 68, una voz autorizada le hubiera dicho a Díaz Ordaz y a los estudiantes: “No se confronten, hay que llevar la fiesta en paz”.

Y es que para mí (y por eso me vuelve la indignación infantil), éste no es sólo un pleito entre hermanos que no se entienden. Como yo lo veo, esta guerra representa la lucha entre la civilización y la barbarie, entre la razón y la locura.

Israel dista de ser un país perfecto.

Tiene muchísimos problemas y en su seno viven muchos fanáticos religiosos. Además,

tiene serias divisiones internas. Hay gente racista y gente violenta. Pero nadie que esté informado puede negar que se trata de una nación profundamente democrática donde existe una absoluta libertad de expresión, igualdad entre hombres y mujeres, derechos para las minorías, y un enorme desarrollo científico, tecnológico y cultural. Y Hamas es, dicho hasta por muchos ciudadanos árabes, un grupo terrorista cuya meta no es sólo la destrucción de Israel, sino la derrota de Occidente y de todo aquello que no sea el islam. Hamas nunca aceptará nada que no sea la desaparición de Israel como país y en ese afán está, como ya lo ha dicho y demostrado en cada oportunidad, dispuesto a sacrificar a sus propios miembros y a que mueran mujeres y niños porque glorifican a sus mártires.

Israel tiene la ventaja militar, sí. Pero al poner a su pueblo como carne de cañón, al exponerlos al fuego enemigo con el afán de obtener víctimas que luego puedan exhibir ante el mundo, los líderes de Hamas obtienen la ventaja mediática que les dan las cifras y las fotos.

En estos días he leído más de una vez que Israel está cometiendo un genocidio. Esto, dicho por gente a la que el asesinato, por parte del presidente sirio Bashar Al-Assad, de 170 000 miembros de su propio pueblo o la muerte de más de 400 000 coreanos a manos de su gobierno ni siquiera los conmueve. Y es que, además de su victimización, Hamas cuenta con otro aliado invaluable: el antisemitismo que campea alegremente por el mundo actual. Un estudio del mes pasado reveló que 26% de los encuestados (que representan 1.1 billones de adultos en todo el mundo), alberga profundos sentimientos antisemitas.

Así que a todos los que piensan las guerras en abstracto y las descalifican, a todos mis amigos que, con la mejor de las voluntades me invitan a no tomar partido, les digo: seguiré en mis afanes, continuaré con esta diminuta y casi ridícula idea de hacer mi luchita mediática. Gracias de todos modos.

Yo sé que me iría mejor si no me metiera en este espinoso asunto, o si pusiera algo como “la verdad es que todas las guerras son terribles y todos deberíamos de buscar la paz”, pero para mí no hay duda de quién tiene, si no toda, al menos el mayor porcentaje de razón histórica en este conflicto y voy a decirlo siempre que pueda.

40 | frente | ARTE | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

A arte

Las metáforas de lo humano Por Ana del Castillo

Con la exposición “Páginas sueltas”, el Centro Nacional de las Artes renueva el interés sobre la obra del pintor veracruzano Nahum B. Zenil. Se trata de la primera vez que se reúnen las 93 piezas de un libro de artista realizado en 1997.

Hace

He despertado en la noche liberado y sujeto: Humano.

Nahum B. Zenil

siete años que el artista Nahum B. Zenil no tenía una exposición individual en la ciudad de México; por ello, recientemente, se hizo espacio para exhibir su libro de artista Páginas sueltas. No es la primera vez que este trabajo se abre para ser recorrido, a modo de obra pictórica, en una galería o museo, pues se expuso por primera vez en el Museo de Arte Moderno en el año 2000 y después hizo un corto recorrido por algunas de las ciudades más importantes del país. Aún así, es la primera vez que se presenta el libro completo, con páginas que no habían salido antes a la luz. Se presenta con ello la posibilidad de recorrer y acceder a la narración completa de esta metáfora de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte. Se trata de una muestra tan íntima que no deja otro camino al espectador que acercarse desde la experiencia más profunda. Ésta es la exposición de un libro y por eso el lugar perfecto es una biblioteca. El texto introductorio de la muestra apenas da unos detalles de la obra. La primera imagen es contundente: un nacimiento. Pero lo que aparece es un rostro desconcertante: no es el de un niño, sino el de Nahum Bernabé Zenil, el artista nacido en 1947. Habrá que acostumbrarse a ese rostro porque estará presente en todo el recorrido. Ahí mismo hay un texto escrito minuciosamente a mano, un poema. En ese momento todo cobra sentido.

“Páginas sueltas” es la muestra de un libro de artista en donde cada página es una obra por sí misma, pero es también parte de un todo.

Zenil siempre ha sido pintor y poeta, por eso estas piezas no son poesía o pintura, sino la unidad absoluta de un libro que recorremos, leyendo y mirando, para encontrar una historia; un flujo perfectamente equilibrado entre el lenguaje escrito y el plástico.

Nahúm B. Zenil forma parte de una generación de artistas que definieron la producción artística de la década de los ochenta en México, marcada por las transformaciones sociales y culturales que delimitaron los modos, las relaciones y lenguajes de todo el siglo XX y, por lo tanto, también determinaron la construcción de este siglo que inicia. En México este proceso de construcción del presente está marcado por momentos de crisis bien definidos como el movimiento estudiantil de 1968, el terremoto de 1985 y el fraude electoral de 1988.

Estos acontecimientos, además, se vincularon con una situación global

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | ARTE | frente | 41

“Zenil siempre ha sido pintor y poeta,

que exigía cada vez más la aceptación de las individualidades que no formaban parte de los cánones tradicionales, es decir, de las nuevas identidades sexuales, políticas y colectivas que en ese momento requerían de lenguajes propios y transgresores.

Dentro de este contexto, el artista propone una búsqueda de identidad individual partiendo de un regreso a las formas reconocibles en donde vincula la iconografía religiosa y nacional con un imaginario completamente íntimo y personal –un tipo de pintura que en general se denominó como neomexicanismo–.

Pero lo que destaca en la obra de Zenil es el uso desmesurado del autorretrato. Con una clara fascinación por el legado de Frida Kahlo, este autor utiliza su propia imagen para abordar las discrepancias de la vida: amor y desamor; lo idéntico y lo diferente; vida y muerte; lo íntimo y lo público.

Así, esta exposición muestra una serie de objetos inéditos que son parte del libro en el que Zenil explora los fragmentos de su propia vida, como siempre lo hace. La diferencia es que lo logra mediante un relato ordenado, dividido en siete partes que representan momentos determinantes. La muestra está pensada para experimentarse de manera distinta a una exposición de pintura, ya que requiere del tiempo de la lectura que está marcado siempre por un inicio, un desarrollo y un final. De este modo, aunque el rostro del artista –el autorretrato– domina el espacio, lo importante son las experiencias narradas: el nacimiento, la infancia, el encuentro con un primer amante, la distancia; la imagen de un corazón sangrante dentro del cual se observan dos rostros frente a frente y un poema que habla del perdón; luego el desamor que desemboca en un nuevo amor: un hombre-ángel, la muerte de su madre, el dolor y otra vez la muerte.

La forma en que trabaja Zenil es siempre muy personal. La técnica que utiliza consiste en delinear la tinta y los gouaches (un tipo de acuarela) de color sobre un papel hecho a mano para finalizar con una pluma muy fina que da un efecto punteado sobre los fondos, además muchos de los cuadros tienen telas, hilos rojos o pedazos de materiales diversos que aportan realismo a las imágenes.

Por otro lado, los poemas fueron escritos por el artista desde el tercer año de la secundaria hasta 1997, año en el que recupera todos sus recuerdos para dar forma a este libro o diario de vida en donde escribe, por ejemplo:

por eso estas piezas no son poesía o pintura, sino la unidad absoluta de un libro que recorremos, leyendo y mirando, para encontrar una historia; un flujo perfectamente equilibrado entre el lenguaje escrito y el plástico.”

Otra vez en un punto como en tantos otros anteriores. Serie, casi línea.

Me reconozco de nuevo en mis pisadas … doloroso como todos.

Es precisamente esta subjetividad impresa en la imagen y en el relato la que sirve de espejo para el público, porque se hace evidente que todos compartimos los deseos, dolores y placeres que están ahí representados. Así, los objetos de esta muestra dan forma a una larga poesía que repite incansable la metáfora de lo humano a través de la palabra y de la imagen de cuerpos maravillosamente transformados en ángeles y demonios, alrededor de los cuales se mezclan símbolos religiosos, experiencias y sueños en los que nos reconocemos. Al final, queda claro que la obra de Nahum B. Zenil se mantiene vigente porque ha creado un lenguaje en el que dialogan todas las disonancias y contradicciones de la existencia humana.

Nahúm B. Zenil: Páginas sueltas Galería Juan Soriano de la Biblioteca de las Artes en el Centro Nacional de las Artes Río Churubusco 79 esq. calzada de Tlalpan, Country Club.

Hasta agosto 10 cenart.gob.mx

42 | frente | ARTE | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

Arqueología imposible

imÁGENES CortesíA: Fundación Jumex Arte Contemporáneo

Por Christian Gómez

Realizada por los artistas Adam Broomberg y Oliver Chanarin, “Dodo”, la nueva exposición de la Galería Jumex resulta de una exploración documental y arqueológica sobre una costa mexicana que, tras la filmación de una cinta de Hollywood, nunca volvió a ser la misma.

Núm. 33d

C

omo en la mítica búsqueda del huevo del pájaro dodo, especie extinta a manos del hombre en los años 1600, los artistas Adam Broomberg (Johannesburgo, 1970) y Oliver Chanarin (Londres, 1971) visitaron México para rastrear las huellas de una historia que hoy parece escaparse de las manos.

En 1968, un año después de estrenar su exitosa cinta El graduado, el director Mike Nichols llegó al entonces discreto pueblo de San Carlos en Sonora para convertirlo en locación de su película Catch-22, basada en una novela satírica de Joseph Heller sobre la Segunda Guerra Mundial. Para el equipo de producción, este escenario del Mar de Cortés era perfecto para recrear la isla siciliana de la historia ocurrida en los años cuarenta. Durante meses de trabajo transformaron la localidad y construyeron torres de control, villas y una pista de aterrizaje capaz de recibir 18 aviones B-25, la flota más grande reunida desde 1945.

,

Fotograma de Dodo 1969-2014, Adam Broomberg y Olvier Chanarin

Tras la filmación, San Carlos nunca volvió a ser el mismo; hoy convertido en destino turístico, en él quedaron los restos de la producción y un avión que fue enterrado en algún lugar del set. Así, tras el reciente descubrimiento de material inédito de la cinta en las bodegas de Paramount Pictures, el curador Javier Rivero y los artistas emprendieron un viaje a la costa para exhumar el avión. Sin embargo, la búsqueda, apoyada por una cuadrilla de arqueólogos de la unam, arrojó otros resultados.

“Teníamos la fantasía de meter la pala al piso y sentir el metal y desenterrar entonces un avión B-25 casi intacto, pero lo que encontramos fueron 600 o 700 pequeñas piezas de aluminio que podían haber sido de ese avión o de otros”, explica Oliver Chanarin.

Así, entre los planes originales y lo que se presenta en “Dodo” hay una distancia considerable. Si la intención original fue exhumar un avión de los que se utilizaron en la cinta para traerlo a la galería, en el espacio sólo han podido reunirse pequeños fragmentos metálicos y excrementos de conejo, lo único que quedó de un set reclamado por el desierto y saqueado por los habitantes por el valor de los metales.

La exhibición de los hallazgos se acompaña con la hélice de un avión B-25 facilitada por un coleccionista y cuyo movimiento hace balancear la tela donde se proyectan imágenes inéditas de la película. Las vistas muestran un paisaje que ha sido radicalmente transformado por la mano del hombre. Así, los fragmentos descartados en la edición final de la cinta adquieren en este contexto una dimensión documental.

Pensar los documentos Una manera de entender este proyecto con otros trabajos de Broomberg y Chanarin es ponerlo a la luz de su reflexión sobre el papel de los documentos y las pruebas en la construcción de la idea de realidad. Por ello, pensar en circunstancias como las impuestas por las guerras ha sido un tema recurrente.

“Mucho de nuestro trabajo está enfocado en el conflicto y vamos a esos lugares no como periodistas, sino como artistas. Otro de los factores que caracteriza nuestro trabajo es la brecha entre la realidad y la ficción, somos muy escépticos de las imágenes que intentan registrar el conflicto humano, en particular la guerra”, dice Broomberg.

Como en su libro de artista Manual básico de guerra, donde intervienen imágenes de prensa para cuestionar el hecho de que se hagan pasar por la verdad, en varias de sus obras los también profesores de la University of the Arts London utilizan las imágenes de las tragedias para problematizar el papel que éstas juegan como “evidencia” de la realidad.

“La noción de la verdad recuperada de un lugar en guerra es para nosotros una noción arcaica”, sentencia Broomberg. En trabajos que pueden ser realizados en fotografía, instalaciones, libros de artista o intervenciones en archivos, también llaman la atención sobre el carácter absurdo de aquellos desastres.

Dodo Galería Jumex Vía Morelos 272, Ecatepec Hasta octubre 19 fundacionjumex.org

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | ARTE | frente | 43

Monarchs, men & monsters: las contradicciones del arte Por Christian Gómez

imÁGENES CortesíA: labor

Otros agentes, proyectos, espacios Untedruekung

Cthulu

El artista alemán Jan Peter Hammer presenta en la galería LABOR “Monarchs, men & monsters”, una inquietante videoinstalación sobre el papel de la producción artística y su relación con la economía.

E

n una inauguración en la galería Blue chip, el inversionista y patrono Arthur Ashenking conoce al artista que expone, Leonard LeGros. Acompañados de otros jóvenes artistas, pasan pronto de una típica charla de inauguración –entre el ánimo festivo, la pretensión y un par de reflexiones– a una tensa discusión. Mientras uno se pronuncia por el papel social del arte y sus posibilidades críticas, el otro lo reduce a un mero asunto de la economía de mercado. Delinean así una de las grandes paradojas del mundo del arte.

La discusión se desarrolla en el video Monarchs, men & monsters, que el artista alemán Jan Peter Hammer presenta en la galería LABOR. Se trata de una ficción inspirada en la entrevista imaginaria “Si Rockefeller y Tolstoi se hubieran conocido”, publicada en 1913, donde el escritor Maximilian Harden especulaba lo que sucedería en una conversación entre el multimillonario y un escritor tan crítico del capitalismo. De manera similar, en el video de Hammer, el inversionista Ashenking partidario del egoísmo encarna, entre otros, la ideología de figuras como el empresario Bill Gates, mientras que el artista LeGros es interpretado por el filósofo alemán Felix Ensslin.

En la historia los personajes intercambian opiniones sobre el estado actual del mercado del arte, determinado por el estado actual de la economía. ¿Cuál ha sido la estrategia del monumental e hipercomercial Jeff Koons, corredor de bolsa antes de convertirse en artista?, preguntan. ¿Y la de Andy Warhol, con su abrumadora presencia mediática?

Además del mercado del arte, piensan el papel de los curadores y el de la interpretación del público, dividido entre los que pueden comprar obras y los que no. A la vez, cuestionan las posibilidades que tiene el arte de sostener una crítica al capitalismo cuando es éste el que determina su existencia. Mientras para Ashenking la respuesta es el neoliberalismo, el egoísmo e ideas como el capitalismo creativo y la filantropía corporativa, para algunos de los artistas los temas preocupantes son la movilidad social, la falta de derechos laborales, los costos de la educación y la ineficacia del sistema de becas. ¿Cómo se construye el valor de las obras de arte en ese escenario?

El trabajo de Hammer plantea la paradoja del mundo del arte en la que él mismo se encuentra. Mientras en su ficción aborda el lugar que ocupan las propuestas de los artistas y sus posibilidades críticas frente a las dinámicas del mercado, en el espacio de la galería se exhibe una serie de esculturas de neón realizadas por el propio Hammer, pero atribuidas a uno de los personajes del video: el ambicioso artista Billy Neumann capaz de comprometer sus posiciones con tal de encontrar un lugar en el mercado. Hammer propone así una mirada crítica del mercado del que también forma parte.

Durante una entrevista en el festival La pantalla del arte en Italia en el 2012, el artista explicó sobre este trabajo que le resultaba interesante abordar el conflicto entre el apoyo al arte y los intereses políticos conservadores. Lo anterior, porque se trata de un punto donde se cruzan las ideas del cambio social en relación con el arte y el hecho de que versa sobre un ámbito de gran alienación.

Se trata de una contradicción que resulta fundamental explorar, pues como afirma el protagonista del video, Leonard LeGros: “Si el papel del arte no fuera aportar nuevas formas de ver y nuevas cosas que ver, sería solamente la historia de personas famosas”.

“En la historia los personajes

intercambian opiniones sobre el estado actual del mercado del arte, determinado por el estado actual de la economía.”

Jan Peter Hammer. Monarchs, men & monsters LABOR | Francisco Ramírez 5, Daniel Garza | Hasta septiembre 6 labor.org.mx

Art Walk México Por Christian Gómez

A

Art Walk México se llevará a cabo del 15 al 17 de agosto en diversas sedes. artwalkmexico.com

la manera en que se realiza en diversas ciudades del mundo donde las escenas artísticas influyen en la experiencia de la ciudad, en los próximos días se buscará replicar el concepto de art walk en la colonia Roma.

En un esfuerzo que involucra a los vecinos, galerías de la zona, artistas y paseantes, Art Walk México propone una serie de intervenciones en el circuito que conforman el camellón de Álvaro Obregón y las plazas Río de Janeiro y Luis Cabrera.

En ese contexto, a partir del tema “historias cruzadas”, se propone un diálogo entre el transeúnte y las obras de arte situadas en el espacio público. Así, se busca conformar un circuito donde diversas propuestas de escultura, arte urbano, pintura, proyecciones, instalación, performance y fotografía transformen el entorno.

La fuente de la plaza Luis Cabrera, por ejemplo, será intervenida para convertirse en escenario de un concierto y pista de baile; mientras que la plaza Río de Janeiro será cubierta con pasto natural para hacer un gran picnic. A la vez, se organizarán fiestas con artistas y talleres para niños; así como intervenciones lumínicas nocturnas, como las que Pablo Montiel llevará a cabo en Álvaro Obregón.

Llama la atención la manera en que se realizan estas obras durante el encuentro, pues se lanzó una convocatoria para recibir proyectos de intervención del espacio público, los cuales no fueron financiados por los organizadores, sino por el público a través de Fondeadora.

Entre las propuestas en el espacio público y actividades especiales de las galerías participantes, habrá piezas de artistas tan diversos como Herbert Baglione, Pedro Friedeberg, Kari Mayo, Las Flaminguettes, Ciler, Marco Kalach, Colectivo 15:85, Curiot, Víctor Pérez-Rul, Visual Pilots, Prince Láuder, Saner y Florentine Hoffman.

44 | frente | DISEÑO | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

D diseño

Tipografía

digital mexicana (parte 1 de 2) Por Rodrigo Alcocer de Garay En años recientes el interés por el diseño tipográfico se ha filtrado cada vez más al campo de atención del público en general. No es de extrañarse. La cultura visual de la era digital en la que vivimos obliga a recibir y transmitir información de maneras más precisas y profundas.

Un recuento oral de algunos de sus eventos y protagonistas Nunca habíamos leído y escrito más en la historia de la humanidad. Libros, revistas, mails, anuncios, señalizaciones, páginas web, mensajería instantánea, redes sociales… El texto está en todos lados, y ya sea porque necesitamos leer con menos esfuerzo, porque queremos expresar (sin palabras) algo más en las frases que estamos usando o porque consumimos y generamos productos de diseño para distinguir nuestro mensaje en un mundo cada vez más saturado de información, el diseño tipográfico nos importa más.

Frente charló con algunos de los tipógrafos más relevantes en el país para hacer un recuento –en dos partes, ya que el tema es extenso y, sobre todo, apasionante– de los últimos 20 años de diseño tipográfico mexicano. Desde los orígenes de la tipografía digital en los años noventa, a nuestros días cuando los tipógrafos mexicanos están comisionados a hacer proyectos de mayor alcance y presencia, y encontrando las vías para distribuir su trabajo y seguir desarrollando su oficio.

El diseño tipográfico está en su momento de mayor actividad. En el caso de México, diseñadores nacionales están recibiendo

“Hacia finales de los noventa aparecen en reconocimientos. Hay cada vez más y mejores maneras de entrenarse. En las recientes el entorno nacional publicaciones de diseño”, ediciones de la Bienal de Tipografía Lati- dice Calles. “En los ochenta fue Magenta, desnoamericana Tipos Latinos –el evento más pués Lúdica, pero luego aparece México en el importante de su tipo– México fue el país con Diseño, D Diseño, la revista A, la revista Matiz… esta última nos permitió reconocernos a disemás propuestas inscritas.

El diseñador editorial David Kimura, cofun- ñadores de alrededor de 30 años con intereses dador de Kimura + Varela, comenta: “Hay un en común. Se empezó a generar un caldo de creciente interés por la creación y uso de tipo- cultivo que me permitió reconocer que había grafía en sus distintas vertientes: diseño de gente, unos cinco años más jóvenes que yo, fuentes tipográficas, caligrafía, lettering, diseño que tenían un interés por la grafía. de logotipo, composición e impresión con tipos ”Yo enlazaba a las generaciones que empemóviles, etc. Creo que esto tiene que ver con que zaban a hacer letras digitales con algunos nos hemos vuelto más sensibles a la forma en la de los profesores destacados del momento. que se nos presenta la información, y como dise- Gente como Nacho Peón, Quique Ollervides ñadores nos ha caído el veinte del potencial que –quien fue mi alumno y de quien aprendí tiene la tipografía y los medios analógicos como muchísimo–, Gabriel Martínez Meave, herramientas de comunicación a nivel tanto fun- José Luis Cóyotl, y por el otro lado Alfonso García y Jorge Medrano. cional como expresivo”.

En todos ellos me apoyé Este creciente interés para desarrollar la espepor la tipografía a nivel En estos tiempos muchos cialidad en la Universilocal ha sido resultado diseñadores denigran a la dad Intercontinental. del intensivo trabajo de ”En el 2000 propuse creación y difusión que estética, pero la estética es desarrollar Tipografilia, desde los noventa han importantísima. Es lo que te que ocurrió por primera realizado distintos diseñadores. Uno de ellos es hace que vuelvas a usar algo, vez en el 2002. Fue un Francisco Calles, el prinexitazo, junto a las conno sólo porque te funciona, ferencias hicimos una cipal promotor de la disciplina en México, quien sino porque te gusta. exposición con más de se define a sí mismo como 50 familias tipográficas. un diseñador de diseñaAhí, Héctor Montes de dores y que lleva dando clases desde hace 25 Oca, Nacho Peón y yo presentamos Tiypo, una años. Ha desarrollado los programas académi- revista completamente dedicada a la tipogracos de mayor impacto y autoridad: la primera fía. A partir de ese congreso es que surge la especialización en Tipografía en la Universidad propuesta de parte del Instituto Gestalt para Intercontinental (uic) desde 1998, y desde el desarrollar la maestría”, cuenta Calles.

En aquel momento, los diseñadores mexica2004 la maestría en Diseño Tipográfico en el Centro de Estudios Gestalt en Veracruz (www. nos eran principalmente autodidactas, formados cegestalt.com), el primer posgrado de este tipo practicando el oficio, y las tipografías que diseen Iberoamérica, tercero en todo mundo. Desde ñaban eran en gran medida familias de carachace 12 años ha sido el organizador de Tipografi- teres limitados enfocadas a ser utilizadas como lia: Congreso Nacional de Tipografía en México, títulos o cabezales: llamativas, coloridas, anchas. así como fundador del Día del tipógrafo y coor- Un reflejo de su época cuando se empezaban a dinador de la Bienal Tipos Latinos en México. hacer y distribuir tipografías con computadora.

“

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Enrique “Quique” Ollervides (www.ollervides.com), uno de los primeros diseñadores mexicanos en abordar el desarrollo de tipografías digitales, profesor de tipografía durante ocho años en la uic y en Centro, comenta sobre aquel momento: “Cuando surgió la tipografía digital era de relajo y las fuentes que hacíamos los mexicanos eran letras para títulos, con personalidad, pero poco funcionales”. Y agrega: “Estaba el fenómeno Botellita de Jerez o Café Tacuba. Había muchos que decían ‘si es mexicana tiene que verse mexicana’. Había fuentes basadas en glifos o fuentes que revivían tipografías vernáculas, otras que se veían de rotulista. Eran fuentes para usar en uno o dos proyectos, pero faltaban otras que funcionaran para varios proyectos editoriales”.

Francisco Calles recuerda de aquella época una de las preocupaciones básicas en el diseño tipográfico nacional: la exploración alrededor de “lo mexicano” y su representación en los productos de aquellos años.

“Hay algunos aspectos muy particulares de la exploración de esa época: el rescate de aspectos de la gráfica popular, como la Luchita Payol de Quique Ollervides o Santo Domingo hecha por Pablo Rovalo que hace referencia a los grabados de Posada”, comenta Calles. “También se busca en la herencia novohispana, como los proyectos de rescate de fuentes coloniales como Espinosa de Cristóbal Henestrosa o Enrico de Consuelo García Barcha y varios más.

Está la búsqueda de la herencia indígena, como en Mexica de Gabriel Martínez Meave, que hace homenaje al talud de las pirámides mexicanas, o algunas fuentes de Jose Luis Cóyotl.”

Luchita Payol es el nombre de una de las primeras fuentes que puso a la tipografía mexicana en la mira del mundo, y es quizá la fuente digital mexicana más reconocida y pirateada en los sitios de descarga gratuita.

“Luchita Payol nació como parte de un proyecto editorial de Trilce Ediciones llamado Sensacional de Diseño Mexicano que reunía ejemplos vernáculos de gráfica popular mexicana, rótulos, etiquetas, cosas hechas por gente ‘común’, quienes no eran diseñadores”, explica Ollervides. “En Hula + Hula, el despacho que tenía con Javier Ramírez, nos la vivíamos tomando fotos de este tipo de cosas en la calle. Con otros amigos, entre ellos Oscar Reyes, quien diseñó Sensacional, juntábamos cosas que nos parecían divertidas de esta gráfica medio accidental mexicana. Déborah

Holtz –directora de Trilce– nos pidió material para el libro y se me ocurrió hacer una fuente tipográfica basada en los carteles de lucha libre que se hacían en la imprenta Payol. Visitamos la imprenta, juntamos carteles que nos regalaron y los digitalizamos para hacer una versión propia. Me parecía importante que no fuera a desaparecer esta tipografía con la sustitución de las imprentas tradicionales por la computadora. La fuente venía en el CD ROM del libro y de ahí se volvió un poco viral, ahora la encuentras en cualquier sitio de fuentes gratuitas. Me da mucho gusto que esté por todos lados, pero también me da pena porque no es un producto que esté terminado como me gustaría.”

Gabriel Martínez Meave (www.meave. org) es sin duda el diseñador de tipografía mexicano más prolífico y reconocido. Ganador de múltiples premios, ha creado hitos como la familia tipográfica del periódico El Economista, tipografías exclusivas para marcas, entre ellas Jumex Sans y Telcel Sans, y Presidencia una familia tipográfica comisionada por el gobierno federal en el 2008. Esta última sentó un precedente importante: fue la primera ocasión en que un gobierno de habla hispana recurría a un diseñador para la realización de la fuente que sería utilizada en todas las aplicaciones de texto, desde sus espectaculares a sus tarjetas de presentación.

Habiendo logrado un desarrollo pleno en el campo del diseño tipográfico e influenciado por su actividad como ilustrador, Martínez Meave se enfoca cada vez más en la caligrafía, disciplina que siente más próxima y que ha influenciado sus diseños tipográficos más personales, como la letra gótica Darka y la cursiva Arkana.

Martínez Meave siempre ha estado preocupado por expresar una identidad propia en sus tipos, situación que considera esencial para el desarrollo de fuentes exitosas en esta época.

“El reto es hacer proyectos que cautiven a los usuarios, no nada más que les sean útiles. El estilo es muy importante”, dice Martínez Meave.

“Creo que ya se pasó el punto de hacer sólo letra funcional y legible. Debe haber estética y función. No es que una deba dominar a la otra. En estos tiempos muchos diseñadores denigran a la estética, pero la estética es importantísima.

Es lo que te hace que vuelvas a usar algo, no sólo porque te funciona, sino porque te gusta.

“Yo prefiero trabajar algo que tenga estilo y otros valores. En cuanto a ‘lo mexicano’, para

mí lo particular y verdaderamente original es lo prehispánico, lo colonial es español. En mi trabajo he intentado meter lo azteca, lo tolteca, lo olmeca, lo purépecha, lo que siento tiene un origen profundo aquí.

“En el caso de Presidencia era importante trabajar una letra Sans Serif –sin remates, lisa–, algo que la agencia que me contrató y yo considerábamos moderno y dinámico. Diseñé una letra muy simple y firme, con líneas muy austeras, pero que hacía referencia a lo mexicano, y ahí es donde decidí trabajar con formas angulares. Un común denominador de lo prehispánico es que hay ángulos. Los lados de las pirámides tienen un lado inclinado y partes rectas, eso no se ve en la arquitectura Occidental, entonces la estructura de las aes, de las enes, de varios números tiene una inclinación más rica, ése es todo el tema en esa fuente. Se usó muchísimo y fue algo muy importante, estableció un precedente”, revela Martínez Meave.

Del otro lado del espectro está Cristobal Henestrosa (www.estudio-ch.com), de quien el mismo Martínez Meave se refiere como “posiblemente el diseñador de letra de texto más relevante de México”. Henestrosa fue alumno de Francisco Calles en la maestría en el Instituto Gestalt –y coautor con él de un ensayo dedicado a la tipografía mexicana–, ha trabajado con David Kimura y ha desarrollado muchas de las fuentes de cuerpo de texto más representativas en los últimos años, entre ellas Espinosa Nova, el rescate de una tipografía novohispana que le ha dado premios y reconocimientos internacionales; Fondo, una fuente diseñada para los libros del Fondo de Cultura Económica; y Soberana (junto con Raúl Plancarte), la familia tipográfica que sustituye a Presidencia para la administración de Peña Nieto.

“Al usuario, al lector, en realidad no les interesa tanto si la tipografía está bonita o no. Les importa leerlas y no tener problemas”, revela Henestrosa. “A mí me interesan las fuentes de texto. Me parece un reto enorme, pensar en la manera en que mis fuentes van a componer páginas y páginas, novelas, enciclopedias, texto en volumen. Hacer una fuente que no llame la atención en sí misma, sino que sea un vehículo de comunicación, que la gente tome un libro, lo abra y lea 200 páginas y no se canse. Ser un buen intermediario entre autor y lector. Creo que es la parte más noble y la más exigente de la tipografía. Los lectores ya tienen una idea de cómo debe verse una fuente, su prejuicio puede ser estrecho y si te sales del canon puede ser contraproducente para la lectura. Mi interés es estar haciendo letras en el espíritu clásico para que la gente no note que son nuevas y que les resulten atractivas, que las puedan leer, pero que no sean protagonistas, que sean un vehículo para que alguien lea a su autor favorito”, dice Henestrosa.

Al ser tan reciente el estudio y la práctica del diseño de tipografías en México está en un momento clave de su desarrollo, consolidándose como una rama que empieza a adquirir exposición y reconocimiento y que, finalmente, de una o de otra forma, está saliendo de su nicho. El abanico de estilos abarcados y la cantidad de caracteres diseñados es cada vez mayor y más complejo. Esto viene de la mano de la institucionalización de la enseñanza del diseño tipográfico en el país, la incorporación a estas instituciones de diseñadores mejor formados y un nuevo panorama de exhibición global traído por el crecimiento en el alcance del internet, permitiendo así enfrentar y solucionar nuevos problemas de diseño en un contexto mundial, los cuales se abordarán en la próxima entrega en el número 140 de Frente.

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perfil

CARLOS ORTEGA Diseño de moda Por Rodrigo Alcocer de Garay ¿Qué haces?

Soy el director creativo de Royal Closet, una marca de ropa y accesorios con varias líneas que fue fundado por Bárbara Coppel y Montserrat Oliver. La marca empezó en el 2006 como una línea de camisetas personalizadas de edición limitada. Yo regresé a México en el 2007 después de haber vivido ocho años en París. En el 2011, después de haber hecho varios proyectos y colecciones independientes, conocí a Bárbara y Montserrat a través de amigos en común y como tenían la intención de darle un giro a la marca me invitaron a colaborar con ellas. Cada uno de nosotros tiene sus fortalezas y afortunadamente hemos funcionado muy bien como equipo.

También soy socio fundador del Abierto Mexicano de Diseño, un festival de diseño que va por su segunda edición y ya se ha convertido en el más importante de Latinoamérica.

¿Por qué te has dado a conocer?

Creo que como Royal Closet tenemos la gran ventaja de contar con la imagen de Bárbara y Montserrat que al ser figuras públicas hacen que la marca se difunda muy fácilmente.

En lo personal, a través de mucho esfuerzo y trabajo he logrado cosas de las que me siento muy orgulloso como, por ejemplo, ser el primer mexicano en ser admitido en el Institut Français de la Mode en uno de los mejores programas de maestría del mundo. Ahí tuve la oportunidad de hacer proyectos con casas de moda como Louis Vuitton Malletier o Agnelle.

Cuando terminé la maestría empecé a hacer prácticas en la casa Givenchy, y me acabaron contratando como diseñador junior. Estuve ahí poco más de año y medio y después regresé a México a hacer mis proyectos personales: varios desfiles, muchas colaboraciones y proyectos como freelance.

¿Qué proyectos crees son los que mejor te representan?

El último desfile de Fashion Week fue muy acertado en cuanto a la estética y los valores de la marca. Incluso dentro de las colecciones de pasarela siempre trato de presentar ropa favorecedora, de una confección impecable, con mucha atención al detalle, pero sobre todo que inspire ganas de usarla.

Prefiero mantenerme alejado de cualquier cosa que se vea demasiado forzada.

Siempre he pensado que en la moda hay tres elementos principales que van de la mano y que tienes que ir midiendo y equilibrando como en una balanza para tener éxito: calidad, precio y diseño. Creo que nunca hay que perder de vista que la moda puede inspirarse en el arte, pero no es equivalente.

Mi moda favorita es la que nos rodea, la que es una parte importante de nuestra cultura y de nuestra vida cotidiana. A mí no hay nada que me emocione más como diseñador que ir por la calle y ver a la gente usar algo que diseñé. Bajo esa filosofía tenemos una línea que se llama MAP by Royal Closet que estamos haciendo en conjunto con la principal cadena de tiendas departamentales de México y que se distribuye en más de 100 tiendas en todo el país.

El año pasado, durante el Abierto Mexicano de Diseño tuve la oportunidad de presentar una exhibición en el Antiguo Colegio de San Ildefonso. Era una instalación de una colección de suéteres hechos como un proyecto en colaboración con artesanos de la comunidad de Guadalupe Yancuictlalpan, Estado de México, mejor conocido como Gualupita. El objetivo era reactivar, a través del diseño, una economía que está por desaparecer. Me llama mucho la atención que en nuestro propio país sean productos que se perciben como algo obsoleto y pasado de moda, mientras que en el extranjero generan mucho interés. Creo que este enfoque de ayuda social es algo que también me interesa mucho.

¿Quiénes son algunas influencias o referencias esenciales para entender mejor tu práctica?

Mucha atención al detalle, elementos inesperados y toques de humor. Siempre se me ha hecho importante que la gente descubra cosas en el interior o en la construcción de sus prendas. Inconscientemente, siempre regreso a la mezcla de elementos opuestos: masculino-femenino, estructuradofluido, elegante-casual, etcétera.

¿Cómo describirías los elementos esenciales de tu manera de diseñar?

Depende mucho de cada caso. En las colecciones de pasarela, por lo general, parto de temas que me interesen en algún

momento, ya sea un lugar, una época, el trabajo de algún artista… en general son temas muy variados sobre los que hago una investigación muy profunda que me ayude a inspirarme. Creo que es este hecho de poder aprender sobre algo completamente diferente cada seis meses, es una de mis partes favoritas de la moda. Teniendo ese concepto claro hago un viaje de sourcing en donde voy a conseguir los materiales que usaremos. Solamente teniendo esos dos elementos puedo empezar a trabajar en las colecciones. Lo que se presenta en un desfile es un trabajo de seis meses en los que las colecciones van evolucionando y tomando forma poco a poco. Una vez que las prendas están listas entran el casting y el styling, que son herramientas que ayudan a dar fuerza al concepto y presentar las prendas de una manera más concisa.

En el caso de las colecciones de difusión entran en juego muchos otros factores o restricciones del lado comercial que también vuelven el proceso muy interesante. Aparte de ser un proceso en el que el tiempo de respuesta es sumamente importante (hacemos entre dos y cuatro minicolecciones al mes).

¿Cuáles son los principales retos y dónde se encuentran las mejores áreas de oportunidad en la práctica profesional de diseño de modas contemporáneo?

Al final de los sesenta y principio de los setenta, México pasó de ser un país que generaba diseño de primer nivel a ser un país de copia y maquila. En la actualidad, hay una especie de falta de confianza entre la industria y el diseño, los fabricantes no creen en el trabajo de los diseñadores y los diseñadores no toman en cuenta el know how comercial de los fabricantes. Creo que la única manera de que logremos posicionarnos como un país productor de moda es encontrar un punto medio entre estas dos partes y trabajar en equipo.

Una experiencia fundamental que cualquier persona en la ciudad de México debe hacer.

Voltear hacia arriba. Creo que una de las cosas que más me gustan del DF es su arquitectura. Muchas veces estamos tan cautivos en el día a día que se nos olvida ver nuestro entorno, vivimos en una ciudad con mucha historia, llena de contrastes y cosas interesantes que ver. Siempre hay que aprovecharlo.

¿Cuál sería un proyecto que te gustaría hacer?

Creo que muchas veces se tiene la idea de que el diseño debe ser algo elitista que solamente concierne y está al alcance de ciertos “iniciados”. Para mí el diseño está en todo lo que nos rodea. Cualquier prenda, objeto o espacio en nuestro entorno tuvo que haber sido diseñado por alguien. Creo que por eso mismo me apasiona tanto ser parte del Abierto Mexicano de Diseño, creo mucho en su democratización. ►http://www.carlosortega.mx ►http://www.royalcloset.com.mx

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L letras

Jim Dodge, un genio errante Por Fernando Hernández Urias

Jim Dodge es uno de los secretos mejor guardados de la gran literatura norteamericana de la segunda mitad del siglo XX. Ahí arriba junto con gigantes como Don DeLillo, Thomas Pynchon, William Gaddis, Donald Barthelme o John Barth, escribió una obra única con un espíritu rebelde y feroz. Presentamos a nuestros lectores un breve perfil esperando que les genere la curiosidad suficiente para acercarse a su fantástica obra.

I. Vida Sin estabilidad y sin amigos, Dodge pasó por Texas, Wyoming, el sur de California y el norte de Canadá. Nació en 1945, en Santa Rosa, California. A principios de la década de 1950, su papá, un carpintero y ex combatiente de la Segunda Guerra Mundial, fue llamado a prestar servicios como instructor de vuelo durante la Guerra de Corea, lo que obligó a la familia a mudarse de una ciudad a otra.

Debido a un alta médica, el padre de Dodge pudo dejar la fuerza aérea y la familia regresó a Santa Rosa. Ahí, el joven Jim se graduó de la preparatoria Montgomery High School, donde fue electo como presidente de su clase y capitán del equipo de futbol. En 1963 se inscribió en la Universidad Estatal de Humboldt, con la intención de especializarse en la gestión de recursos pesqueros.

Sin embargo, durante un acto de iniciación de su fraternidad, Dodge se dio cuenta de que en realidad quería dedicarse a escribir poesía y ensayo. Tomó algunas clases de Periodismo y Biología, y se graduó en 1967. Inmediatamente, se unió al taller de escritores de la Universidad de Iowa, donde realizó su maestría en escritura creativa y poesía.

A los 23 años, Jim trabajó como maestro de un colegio católico para mujeres en Dubuque, Iowa, pero dejó el puesto muy pronto ya que su hermano Bob sufrió un accidente en auto, y el escritor tuvo que volver a California para cuidarlo. Tras un tiempo ahí, se mudó junto a su familia y algunos amigos a un rancho en Sonoma County, donde pasaron 15 años casi en total aislamiento.

Durante aquellos años conoció a Victoria Stockley, quien después se convertiría en su esposa, y continúo escribiendo. En conjunto con algunos otros hombres del rancho, construyeron casas, plantaron jardines, desarrollaron sistemas de irrigación, cazaban y pescaban. Y hacia

el final de su estancia, fundó junto con algunos amigos una consultora ambiental que empezó con dos máquinas de escribir en una mesa de cocina y a la fecha sigue siendo uno de los negocios ambientales con mayor reputación en California.

Tras el éxito obtenido por la publicación de su primera obra, a principios de la década de 1980, Dodge y su esposa decidieron viajar durante un año a México. Vivieron en Tepoztlán y en Sayulita, pero un brote severo de hepatitis los obligó a regresar a Estados Unidos antes de lo planeado. Esta vez, se instalaron en Crescent City, California, cerca del hermano de Jim, cuya salud iba empeorando.

La pareja se mantuvo de los ingresos que Jim consiguió dando clases y escribiendo, y para 1992, Victoria y él adoptaron a un niño, Jason Stockley Dodge, hijo de la hermana de su esposa. A tan sólo dos años, un tiempo después de que Bob muriera, la familia empacó sus cosas otra vez y se mudó a las montañas Klamath, cerca de la frontera de California con Oregón.

El medio ambiente es una de las obsesiones de Dodge. “Las posibilidades de que el biorregionalismo triunfe, como las oportunidades de supervivencia, son muy bajas. Si una persona, o unas cuantas, o una comunidad de gente, vive una vida mucho más satisfactoria a partir de su práctica biorregional, ya es un éxito. Este país (Estados Unidos) tiene una idea muy torcida de lo que el éxito significa: casi siempre es una medida cuantitativa –salarios, triunfos, el número de cuartos en una casa, la cantidad de gente que está a tu mando–. Pero ya que el temperamento del biorregionalismo es cualitativo, las bases de juicio deben de cambiarse en consecuencia. A lo que ellos llaman una subcultura, nosotros le llamamos amigos”, dice Dodge en un ensayo titulado “Living By Life: Some Bioregional Theory and Practice”, publicado en

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1981 por CoEvolution Quarterly. En este fragmento podemos encontrar sintetizada la postura existencial de Dodge: una postura combativa que fincaba en los pequeños triunfos individuales el motivo suficiente para transitar una degradación general de su entorno.

II. Obra Publicó su primer libro a los 38 años, en 1983, y lo dedicó a su padre.

Fup (editada en nuestro idioma por primera vez en 1985, por Alfaguara, y rescatada recientemente por la editorial Capitán Swing con el título Jop) narra la historia de Jonathan Adler Markhurst II, Peque, hijo de un piloto de pruebas de Boeing y una adolescente de 17 años que se llama Gabriel. Tras la muerte de su madre, Peque tiene que mudarse con su abuelo, Jackson Santee, un viejo que vive solo en un rancho donde destila galones y galones de un whisky milagroso con una pureza del 97%, gracias a una receta secreta llamada Último Suspiro, que supuestamente es capaz de dar la inmortalidad a quien la beba. Se forma así una sociedad de dos individuos extraños, aislados entre la naturaleza, que se ganan la vida día con día.

La familia (que también incluye a un jabalí destructor de cercas llamado Cepo) crece cuando, tras varios días de lluvia aparece en el rancho una pequeña pata a quien el abuelo decide llamar Jop (jodido pato o fup duck, en inglés, por el juego fucked up). El ave, un ejemplar de ánade real, es adicta al alcohol, y transforma por completo la vida del viejo y el joven.

La edición en español de Capitán Swing incluye ilustraciones de Virginia Frieyro y un prólogo del periodista y crítico Antonio Jiménez Morato. En su texto, el madrileño apunta: “… en Jop está todo Dodge, sin exageraciones. El lector encontrará aquí sus obsesiones temáticas, sus excelencias estilísticas y un argumento más cerrado y reconocible que en sus otras novelas, por lo que se puede afirmar que se trata de una puerta idónea para el fabuloso mundo de su escritura”.

En el 2007, la editorial El Aleph decidió continuar con la publicación de la obra de Jim Dodge en español. El libro que escogieron fue El Cadillac de Big Bopper, publicado originalmente en 1987 y bajo el título Not Fade Away. La novela cuenta la historia de George Castin, el menor de tres hermanos, nacido en Florida. Hijo de un camionero que, junto con su esposa, cultivaba rosas en miniatura hasta su muerte. George fue un niño precoz que aprendió a conducir apenas le llegaron los pies al suelo y su estatura le permitió ver por arriba del volante. Adicto a las drogas desde joven, decide alejarse de sus padres y viaja a San Francisco en donde conoce a muchos de los miembros de la generación Beat.

George forma parte de un turbio negocio que consiste en destrozar automóviles para sacarle dinero a las compañías aseguradoras. Mientras, en el radio suenan canciones de los Rolling Stones y Bob Dylan.

Pero la rutina cambia cuando tiene que destruir un Cadillac blanco que supuestamente sería un regalo para The Big Bopper, un cantante texano llamado Jiles Perry Richardson que falleció en un accidente aéreo junto con Buddy Holly y Ritchie Valens. A manera de homenaje, Gastin decide llevar el auto hasta la tumba del músico, embarcándose así en una kilométrica travesía llena de persecuciones (reales e imaginarias) y autoestopistas excéntricos como el reverendo Double-Gone Johnson.

Su tercera novela publicada –y quizá su obra maestra– fue Stone Junction. Aunque la empezó a escribir a los 35 años, antes de comenzar Jop, este libro vio la luz en su idioma original hasta 1989. Dodge decidió trabajar en una novela porque su “inspiración poética estaba en un callejón sin salida”. Durante un año, pasó todas las noches, cinco horas, sentado junto a una lámpara de queroseno, escribiendo a mano. Al día siguiente, su esposa Victoria pasaba todo a máquina. Sin embargo, perdió interés en el tema y dejó el manuscrito guardado.

La editorial española Alpha Decay publicó, primero en el 2007 y después en el 2012, el libro acompañado de un prólogo escrito por Thomas Pynchon. El protagonista, Daniel Pearse, comparte varios rasgos con el resto de los personajes de Dodge. Nace el 15 de marzo de 1966 y es hijo de una madre huérfana de tan sólo 16 años que pasó gran parte de su vida recluida en un centro tutelar en Iowa bajo la custodia de las hermanas de la Santísima Virgen María, lugar que tuvo que abandonar tras darle un derechazo en la mandíbula a una de las religiosas.

Sin un lugar para descansar, madre e hijo buscan en la carretera ayuda de extraños y ahí conocen a Smiling Jack Ebbetts, un viejo camionero que les ofrece un lugar para quedarse.

A lo largo de más de 500 páginas, Dodge narra la vida de Daniel y su instrucción a manos de varios profesores que pertenecen a la Alianza de Magos y Forajidos (la AMO), una educación que incluye clases de falsificación de documentos; el cultivo, consumo y tráfico de drogas; la apertura de cajas fuertes; y hasta la desmaterialización. Todo ello con el fin de entrenarlo para que sea capaz de robar un diamante que está en poder de la CIA y que el mago Volta desea, pero no ha sido capaz de conseguir.

Dodge es autor también de un libro de poesía y pequeñas prosas titulado Rain on the River, publicado en el 2002 aún inédito en español.

III. Cuestionario apócrifo (Las respuestas son extractos de entrevistas, artículos y distintos documentos en los que recuperamos la voz del autor.) ¿Qué es la escritura para ti?

Es un acto de imaginación en colaboración con otra persona (el lector), empleando el lenguaje como un medio de intercambio.

Kenneth Rexroth decía que la imaginación es “el órgano de la comunión”, pero a diferencia de los pulmones o el hígado, la imaginación –más allá de una descarga de disparos neuronales y un resplandor alrededor de los hemisferios cerebrales– ha demostrado ser difícil de localizar. Yo la imagino como la confluencia de la memoria y el sueño, o, para ponerlo en términos de Jung, como la interacción dinámica de los cuatro centros psíquicos: las emociones, los sentidos del cuerpo, el intelecto y el espíritu/alma.

(Dice Dodge en un artículo publicado por el periódico inglés The Guardian el 13 de marzo del 2004.)

“Este país (Estados Unidos) tiene

¿Sigues alguna rutina al escribir? Con tus trabajos como consultor ambiental y profesor de escritura creativa, ¿a qué hora lo haces?

una idea muy torcida de lo que el éxito significa: casi siempre es una medida cuantitativa – salarios, triunfos, el número de cuartos en una casa, la cantidad de gente que está a tu mando.”

Siempre me estoy quejando de que mi tiempo para escribir es escaso, pero –y en verdad intento que este punto le quede muy claro a mis estudiantes– la primera prueba para ser un escritor es que tú mismo hagas tiempo para practicar este arte, incluso a costa de las relaciones y de los medios de subsistencia.

En mi caso, mi esposa y yo adoptamos un hijo hace diez años, casi al mismo tiempo que mi hermano tuvo un accidente automovilístico y requería mucha más atención. Y al aceptar esas responsabilidades familiares me di cuenta de que tendría mucho menos tiempo para escribir. Pero criar a un pequeño ser humano también tuvo una consecuencia imprevista en mi escritura: hizo un agujero en mi ambición. Pasar tiempo con él era mucho más interesante y convincente que pasar tiempo a solar en un cuarto lleno de lenguaje.

Además, me quemé un poco escribiendo Stone Junction; un trabajo que casi me vuelve loco. [...] Pero no he dejado de escribir, como dicen los rumores. He estado trabajando en poemas y ensayos, los cuales me permiten pasar más tiempo con mi familia que si estuviera trabajando en un proyecto de ficción más largo. Pero, otra vez, los escritores de verdad hacen tiempo para su trabajo, sin importar las consecuencias familiares o personales. Así que quizá yo no soy un escritor de verdad o no siento la misma necesidad que sentí cuando tenía 20 o 30 años.

(Entrevista realizada por Peter Wild, publicada en el sitio Bookmunch, el 16 de marzo del 2009.)

¿Qué es más importante, la técnica o la imaginación?

Mientras que el escritor ha rendido su imaginación a la historia, una parte todavía debe hacer, según una serie de cuidadosas cuentas que he hecho, 257 decisiones estéticas exquisitamente difíciles por segundo sobre la dicción, el uso de la puntuación, y unas cuantas decisiones técnicas más, importantes para la coherencia, la compatibilidad y la claridad del texto.

(Palabras, otra vez, de Dodge, publicadas en The Guardian el 13 de marzo del 2004.)

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No sabemos nada Por Felipe Rosete Si de algo habla Solaris –novela que catapultó a la fama a Stanisław Lem–, es de la imposibilidad humana de conocer absolutamente todo. A pesar de la aún vigente carrera por conquistar el espacio, de los avances tecnológicos, de la era de la información, Felipe Rosete reflexiona que seguimos y seguiremos sin saber nada con la misma sensación de incertidumbre que habita a los personajes y situaciones de este clásico de la ciencia ficción.

Kelvin, el personaje central de Solaris, es un psicólogo cuya tesis de grado estudia las analogías entre, por un lado, los elementos que, a nivel de la corteza cerebral, acompañan las emociones más intensas –la desesperación, el dolor o el placer–, y, por el otro, las descargas de las corrientes oceánicas del planeta Solaris, registradas por las mediciones de los solaristas, aquellos científicos que durante muchas décadas se han encargado del estudio de ese planeta aún desconocido para el hombre.

Gibarian, uno de los científicos residentes en la estación espacial Solaris, convoca a Kevin a trabajar en ésta. Y a su llegada, a bordo de la nave Prometeo, se encuentra con un entorno completamente hermético y misterioso, por no decir aterrador. Algo ha pasado con Gibarian, y ninguno de los otros dos humanos que habitan allí le dicen qué ha sido. Uno de ellos, Snaut, actúa como un chiflado, lleno de nerviosismo. Y el otro, Sartorius, permanece encerrado en su laboratorio sin ver a nadie, aunque no está solo. Inmerso en esta incertidumbre, Kelvin comienza a adaptarse a la vida en la estación, desde la que observa el oleaje y las imponentes creaciones de ese negro océano que constituye la superficie de un planeta cuya noche dura sólo una hora, y cuyos paisajes son realmente asombrosos debido a la interacción entre los dos soles, el azul y el rojo, que rigen sus procesos. Una noche, al despertar de un sueño, se encuentra con Harey, su antigua novia, que se había suicidado tiempo atrás, y quien desde entonces no se le despegará ni un instante, por más que intente deshacerse de ella. Y a pesar de ser consciente de la imposibilidad de estar con ella, y de que no es la “verdadera” Harey, terminan reenamorándose, al grado de planear juntos su nueva vida en la Tierra. ¿Cómo es esto posible? ¿Qué ha pasado con Gibarian? ¿Por qué tanto misterio? ¿Qué tiene que ver el planeta con todo ello? Éstas y cientos de preguntas más empiezan a atormentar la mente de Kelvin, al grado de difuminar las fronteras psíquicas entre la razón y la locura. Si en un principio trata de comprender a toda costa lo que le ocurre, más adelante termina por adaptarse al autoengaño, derivado justamente de la falta de entendimiento de las cosas.

Y en efecto, si de algo habla Solaris –novela que catapultó a la fama literaria a Stanisław Lem, también psicólogo–, es de la imposibilidad humana de conocer absolutamente todo, premisa opuesta al ideal científico-racional que desde el siglo XVI elevó al hombre al estatus de dios omnisciente

y omnipotente. “El ser humano puede abarcar muy pocas cosas a la vez. Tan sólo vemos lo que ocurre delante de nosotros, aquí y ahora. Evidenciar una multitud de procesos simultáneos, de algún modo relacionados entre sí, o incluso complementarios, supera nuestra capacidad. Es una limitación que experimentamos incluso en contacto con fenómenos relativamente sencillos”, señala el narrador al hablar de los intentos por comprender las “simetriadas”. Al igual que la ciencia, la solarística –ese cúmulo de investigaciones que, en forma de libros, tapizan la gran biblioteca de la estación– todo el tiempo se topa consigo misma, ante su incapacidad de alcanzar el contacto con el planeta desconocido, pero sobre todo ante su imposibilidad de conocerlo a profundidad. Y lo mismo respecto al ser humano. Se nos ha dicho hasta el cansancio que lo que nos diferencia de los animales es nuestra capacidad de razonar, de actuar no impulsados por el instinto sino por la conciencia, y sin embargo, asevera Snaut frente a Kelvin, “sólo un dos por ciento de los procesos cerebrales son conscientes”.

Solaris, pues, nos recuerda nuestra condición de animales primitivos, completamente impotentes ante lo que no conocemos, ante lo totalmente otro, que para los hombres antiguos era la fuente de lo sagrado y, consiguientemente, de la religión, a la que la modernidad considera, por su parte, una forma de autoengaño.

El hombre ilustrado, de razón y de ciencia, se asume fuera del autoengaño y, sin embargo, gracias a esa presunción pierde de vista que lo único que hace es seguir reproduciendo esa misma lógica bajo la máscara de la ciencia, o en el caso de la novela, de la solarística. “La solarística”, decía Muntius, “es un sucedáneo de religión de la era cósmica, fe disfrazada de ciencia; el Contacto, el objetivo que pretende, no es menos vago y oscuro que el trato con los santos o el sacrificio del Mesías. Empleando fórmulas metodológicas, la exploración equivale a la liturgia, el humilde trabajo de los investigadores se traduce en espera de una epifanía, de una Anunciación […] sin darse cuenta, lo que en verdad esperan es una Revelación que les explique el sentido del ser humano en sí.” Hoy, al parecer, esa Revelación nos es dada por el avance tecnológico y el aceleramiento en las comunicaciones gracias a la “magia” de internet.

Al autoengaño como ciencia corresponde el autoengaño como amor y, en última instancia, como locura. “La conciencia del engaño mutuo era nuestra última escapatoria”, dice Kelvin al describir su relación con la fantasmal Harey, pero esta descripción podría aplicar a casi todas las relaciones de pareja, y a las relaciones humanas en general. Parece ser que constantemente intentamos engañar a la realidad, vistiéndola de ideas o motivos que alimenten nuestra esperanza, aunque se tenga la certeza de que se trata de cosas irrealizables. ¿Y qué es la locura sino vivir y entender la vida bajo un discurso completamente desapegado de la realidad? No obstante, son esas

“El hombre sigue siendo

un ser de creencias, y ante la falta de un horizonte claro de sentido, como el que antiguamente aportaban las religiones, recurre a cualquier cosa que tenga a la mano.”

ideas o motivos los que nos mueven a la acción y nos hacen sentir vivos. El hombre sigue siendo un ser de creencias, y ante la falta de un horizonte claro de sentido, como el que antiguamente aportaban las religiones, recurre a cualquier cosa que tenga a la mano.

“Sí, hay que fingir, hay que mentir, siempre lo mismo.

Pero es porque dentro de mí se albergan pensamientos, intenciones, esperanzas crueles, maravillosas y asesinas, de las que no sé nada. El ser humano ha emprendido el viaje a otros mundos, otras civilizaciones, sin haber conocido a fondo sus propios escondrijos, sus callejones sin salida, sus pozos o sus oscuras puertas atracadas.” Tales eran las reflexiones de Lem hacia 1960, año en que terminó de escribir Solaris, y en el que empezaron, en plena Guerra Fría, las primeras expediciones espaciales que nueve años después llevaron al hombre a la Luna. La carrera por conquistar el espacio continúa. La misión espacial Curiosity actualmente explora la superficie de Marte bajo la pretensión de ensanchar las fronteras de la Tierra, pero sobre todo con la intención de encontrar un espejo que nos devuelva nuestra propia e idealizada imagen. En el fondo, seguimos y seguiremos sin saber nada ni del cosmos ni del mundo ni de nosotros mismos, con la misma sensación de incertidumbre que habita a todos los personajes y situaciones de este clásico de la ciencia ficción. A la manera de Sócrates, Harey sentencia: “Entonces lo entendí todo, aunque, a decir verdad, sigo sin entender nada”.

52 | frente | comida| del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

C

FOTOS: CUCHO JIMÉNEZ

comida

Corredores gastronómicos

Av. Chilpancngo

Por Alonso Ruvalcaba

Puestos callejeros que son Primera parte héroes, otros reyes, unos más, meros Un corredor gastronómico en la segunda mitad del siglo XVI. Ahora, la taquera: duques. Todos dispuestos en infor- Primero, la señora de los tamales: La que vende solamente las tortillas à las vezes vende las que males corredores gastronómicos que La muger desta tierra que es oficial de hazer tortillas ò las merca junto son gordas, y otras las que son delgadas, unas redondas y otras se forman en las arterias oficinistas para vendellas suele vender tortillas y tamales de cualquier manera, prolongadas, y otras enrolladas hechas redondas, y las que tiede la ciudad. Su propósito es noble: ora sean de pescado, ora de ranas y de otras cosas, unos de los quales nen dentro masa de frixoles cozidos o por cozer, fofas, y las que se cuezen debaxo de tierra y otros en ollas. Todos los quales después de tienen dentro axí molido ò carne, y las que son dobladas, y las satisfacer las necesidades alimentacozidos saben muy bien, que contentan mucho al paladar y al apetitu, que son untadas con axí y hechas entre las manos, y las que están rias de los millones de chilangos que por llevar dentro, allende de lo dicho, el axí molido, tomates, pepiarrolladas y untadas con chilmole, y las que son amarillas y tamtrabajan de 9 a 5. Su oferta: platillos tas, sal, que dan mayor sabor siendo bien molidas y mezcladas unas bién las blancas. Vende también tortas anchas y muy delgadas, humildes y honestos. He aquí un con otras. Vende también los tamales de maíz bien cocido y lavado, y otras que son anchas y groseras, y las tortillas de huevos, y recuento de algunos memorables. y los tamales prolongados y delgados, y los que son colorados, y las de masa mezclada con miel, que son como guantes, y otras los que tienen dentro frixoles cozidos y molidos, ò los granos de ellos envueltos con la masa, ò empanados y salados, y los tamales largos y anchos, y los que son redondos, largos y puntiagudos, y los tamales que son muy blancos del maíz cozido y bien lavado, y los tamales pintados, blancos y colorados, y los que tienen dentro huevos.

El puesto de esa señora podía estar junto al de la que vende el chocolate y el champurrado: La que vende cacao hecho para bever, muólelo primero en este modo: que la primera vez quiebra y machuca las almendras; la segunda vez van un poco más molidas; la tercera y postrera vez muy molidas, mezclándose con granos de maíz cozidos y lavados; y ansí molidas y mezcladas les echan agua en algún vaso. Si les echan poca, hazen lindo cacao, y si mucha, no hazen espuma. Y el que lo sabe hacer bien hecho, vende cacao lindo, y tal que los señores lo beven blando, espumoso, bermejo, colorado y puro sin mucha masa.

A las vezes les echan especies aromáticas, o alguna agua rosada.

Y el cacao que no es bueno tiene mucha masa y mucha agua, y ansí no hace espuma, sino unos espumarajos.

hechas de maíz mal molido y crudo, y panecillos de Tuloca, y tortillas cocidas debajo del rescoldo, y tortillas hechas de semillas de bledos, y las hechas de calabazas molidas y maíz verde y las de tunas, unas de estas son cozidas y otras tostadas, unas frías y otras calientes.

Y al final del corredor: el señor de los guisados y la barbacoa: Hay el que vende caçuelas hechas con chile y tomates, etcétera, él suele mezclar lo siguiente: axí, pepitas, tomates y chiles verdes, y otras cosas que hacen los guisados muy sabrosos. Tiene también por oficio vender asados, y carne asada debaxo de tierra, y chilmole de qualquier género que sea, y el mole de masa cozida ò de frixoles cozidos, y de los hongos y setas, y el mole de tomates gruesos o menudillos, y de las azederas y de los bledos, y de los pescados, y de las ciruelas o de otras muchas cosas azedas, y de los aguacates mezclados con chile que quema mucho, llamado chilteppin.

Si yo pudiera, hablaría siempre con la voz de fray Bernardino.

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | comida | frente | 53 Segunda parte Pero no puedo y los corredores gastronómicos siguen siendo parte de la ciudad de México. Ninguno de ellos es arbitrario. Nacen donde miles de personas confluyen con hambre, prisa y cartera flaca. En estaciones del metro, en hospitales, atrás de los atrases de edificios de oficinas en Santa Fe. Algunos de estos corredores tienen un héroe. En el metro Chabacano, por ejemplo, está El Gallo. Todo alrededor son puestos de comida: sobre el Eje 3, sobre Tlalpan, hay tacos (uno: Sistema de Carnitas Colectivas, gran nombre), tortas, jugos, frutas, caldos de gallina. Pero El Gallo, gracias a sus rajas con crema y a su chicharrón prensado a seis pesitos, tiene gente cuando nadie más tiene gente y tiene multitudes cuando todos los demás tienen gente. Hay que decirle Gallo, como si uno lo conociera de toda la vida. Parece que todos lo conocen de toda la vida.

Otros corredores más que héroes tienen duques ostentosos. En el corredor del metro Chilpancingo, por ejemplo, esos son Los 3 Hermanos. Son dueños de al menos un puesto de caldos de gallina, un puesto de birria y un puesto de guisados. No me sorprendería que tuvieran su propia fábrica de papelitos que fungen como servilletas. En su logo hay chapa de oro, destellos solares, tipografía grupera. (Aunque siempre están llenos, sus puestos no alcanzan la gloria transitiva de la rosticería San Juan. Ésa sí es la onda.)

El corredor del Panteón Francés tiene duquesa: doña Maty, que vende las tortillas gordas, y otras las que son delgadas, unas redondas y otras prolongadas, y las que tienen dentro masa de frixoles cozidos, y las que tienen dentro chicharrón de puerco, las unas llamadas gorditas, las otras sopes, las otras tlacoyos y unas más: quesadillas. Cito un texto de Borges, Definición de la quesadilla, publicado en 1939: Los implacables detractores de la etimología razonan que el origen de las palabras no enseña lo que éstas significan ahora; los defensores pueden replicar que enseña, siempre, lo que éstas ahora no significan. Enseña, verbigracia, que los pontífices no son constructores de puentes, que las miniaturas no están pintadas al minio; que la materia del cristal no es el hielo; que el leopardo no es un mestizo de pantera y de león; que un candidato puede no haber sido blanqueado; que las rúbricas no son rojas como el rubor y que las quesadillas no llevan queso.

“Nacen donde miles de

personas confluyen con hambre, prisa y cartera flaca.

En estaciones del metro, en hospitales, atrás de los atrases de edificios de oficinas en Santa Fe. Algunos de estos corredores tienen un héroe.”

El corredor gastronómico de la Basílica va más lejos. Tiene un rey: El Rey de la Birria, sobre la Calzada de Guadalupe (antes con puestito blanco semifijo: El Príncipe de la Birria). Sus tortillas de comal hechas al momento son mejores que su birria. Él tiene las mejores tortillas, pero no el mejor relleno para ellas. Ése le pertenece a Don Lencho, en la esquina con Alberto Herrera. En su puesto de lonas naranja hay panza de borrego, ojo, machitos, que se sirven con cebollas, pápalo y chiles curados. Inigualable.

Miente quien dice que la cocina de estos corredores es una cocina sencilla. Puede ser otras cosas que se parecen a ese adjetivo. Por ejemplo, humilde: conoce sus propias debilidades y limitaciones y obra de acuerdo con ese conocimiento; u honesta: es decente, razonable, justa: nadie podría condenar que hay ahí gato por liebre: ese trozo de chicharrón gordo no es otra cosa que un gordo trozo de chicharrón y aquel montón de salsa de chile serrano con cilantro y agua y sal no es nada más que eso, y como tal se vende y se compra.

Pero no es sencilla: hay horas invertidas ahí, hay la lenta gestación y la cocción más lenta, hay la sazón entreverada. A veces las autoridades son miopes y obliteran estos corredores, como cuando rehicieron Regina y mandaron quitar a la señora de la barbacoa y a la de las tostadas y a la de las papas fritas con limón; o como cuando adecentaron Uruguay y quitaron a la familia que vendía tacos de guisados y a los que vendían bistec con longaniza y a los que vendían cemitas y a los que vendían gelatinas. Pero los corredores reaparecen siempre, en otro lugar de la ciudad, bajo lonas verdes o rosas o azules, porque todos estamos jodidos y tenemos que comer barato y ponedor.

El rincón de BURGERMAN | @burgermanmex El recuerdo vs. la realidad

T

odos tenemos una tía, un hermano, un amigo, un gerente, en fin, alguien que siempre dice que todo lo que se hizo antes es mil veces mejor. Que si la moda en los 70 era la onda; que si todo el rock hecho después del 68 es una porquería; que ya nadie escribe como lo hacían los grandes de otro siglo. Siempre uno voltea hacia el pasado como para tratar de encontrarle sentido a lo que hace y, también, para tener un punto de comparación. Esto no tiene nada de malo.

Malo es cuando se descalifica todo lo actual. Malo es cuando insisten en que lo de “sus épocas” era mil veces mejor. La “época dorada” de algo, generalmente, es nada más una manera de encasillarlo con algún fin de organización, de marketing o de venta. Las hamburguesas no se salvan. No falta quien diga una y otra vez que la llegada de la comida fast food vino a dar traste a toda la comida “real”. No falta quien insista en que aquellas hamburguesas, que llevan toda una eternidad en el barrio donde nació o creció, son el cáliz sagrado. Bajo esta premisa, les presento dos opciones que estoy seguro serán la delicia de alguien cercano a usted, querido lector. De sur a norte: El Gnomo | Av. Universidad 1894, Oxtopulco Universidad. Más de 30 años alimentando a universitarios y sureños. Una de las hamburgueserías de más tradición de Coyoacán y anexas. Me las habían recomendado mucho y, por alguna extraña razón, no había podido ir. Son las hamburguesas con las que crecimos todos los que vivimos los 70 y los 80. Carne sencilla (aguayón molido in situ), bollo Bimbo, queso amarillo Kraft. Buen sabor, pero nada fuera de este mundo.

Pedí una Super Gnomo, que lleva tocino, salsa Gnomo (que es como mil islas con pepinillos), papas a la francesa (también cortadas y hechas ahí mismo, no congeladas), ensalada con su porción de aderezo blue cheese, muy bueno por cierto, y lo mejor del lugar: rodajas de calabacita –zucchini– capeadas y fritas. Una verdadera delicia. Esta hamburguesa es el ejemplo perfecto de que no todo lo de antes es mejor y que, generalmente, el recuerdo supera a la realidad. Es una hamburguesa competente, pero parece que la hizo tu tía en su casa. Quizá lo más rescatable es que sí es grasocita, lo cual es un problema con el pan Bimbo, que se deshace a la primera. Vale la pena ir por el recuerdo y por las calabacitas.

Embers | Av. Ejército Nacional 840, Polanco. Desde 1958, aunque en otro local, el Embers ha sido un ícono de Polanco. Incólume ha sido testigo del enorme crecimiento de la zona y de cómo el gusto por nuestro platillo favorito se ha ido transformando también con el tiempo. Lo que no ha cambiado desde entonces es su enorme variedad de burgers: hoy en día hay 50 diferentes, que van desde la clásica, hasta la que lleva frijoles y plátano. La cheeseburger con trenzas de queso Oaxaca, la que está bañada en chimichurri y cubierta de cebolla cruda, y la que lleva generosa porción de Cheese Whiz y aguacate (como la pidió mi acompañante @pauselo). Yo me fui por una más sencilla: queso suizo y tocino. Todas las hay en versión de media y una libra (226 y 453 gr, respectivamente): ¡portentos los dos!

La carne es una mezcla secreta de varios tipos. Después de muchos años de no visitarlos, me sorprendió que sigue sabiendo muy bien. Bollo grande, probablemente industrializado, pero decente. Tienen una barra de ensaladas para complementar el platillo. Las papas se piden aparte. La modernidad llegó a modo de un karaoke en el segundo piso que funciona los fines de semana. Así que uno puede agarrar la fiesta, echar el karaoke, comer una buena burger y echar unos chupitos. Tal y como lo recordaba: desde la decoración vaciladora, los comentarios cotorrones en el menú, el mesero mal encarado que medio que te regaña (mesero muy old school que parecería que lleva ahí desde la apertura del local) y un muy buen sabor de hamburguesa. Definitivamente, vale la pena regresar por lo menos una vez al año.

Como siempre, comentarios y sugerencias, siempre se reciben con alegría en @burgermanmex, en Instagram también como “burgermanmex”, en el blog: burguerman.blogspot.com y ahora en la flamante página de Facebook: www.facebook.com/ burgerman.mex. Se agradecen todos sus likes y retuits.

Panteón Francés

54 | frente | comida| del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

guarniciones

Pesca del día

Dos recomendaciones para una mesa alterna

Plástica caníbal

E

n las artes plásticas el canibalismo se ha inclinado más hacia lo trágico brutal que hacia la comedia negra. (Piensen en Saturno devorando a un hijo, que Goya pintó hacia 1820.) También hacia el comentario social: todos somos caníbales. Aquí abajo, tres aproximaciones contemporáneas: Feast of fools (1990) y Azul branca em carne viva (2002), que adoptan el camino del gore, y Exchange of devouring (2004), inquietante retrato inspirado en Goya.

Ravenous (1999) de Antonia Bird Iba a decir que Ravenous –o Voraz como le pusieron en México– es una de las grandes películas de horror de los años noventa, pero no: esta historia de canibalismo es un buen ejemplo del problema o la inutilidad de clasificar una película por género: sus paisajes de Nevada y California, el momento histórico (1847, la guerra México-Estados Unidos) e incluso algunas referencias verbales a “la conquista del oeste” nos dan un western; el tono nos da una comedia nigérrima; ciertos giros y lugares comunes (el canibalismo) nos remiten al cine de horror y ciertas circunstancias generales nos colocan en un drama tipo Lord Jim, con todo y un cobarde que debe probar su hombría en circunstancias tremendas. Eso sí: es una gran película.

Feast of fools

Eating Raoul (1982) de Paul Bartel El canibalismo se presta a la comedia negra. Ravenous y su apetito western, Cannibal: The Musical de Trey Parker y Matt Stone (los de South Park), Blood diner y su canibalismo vegetariano (?), Parents y su canibalismo filial, Delicatessen y su humor haute-cuisine, Cordero al matadero de Hitchcock y su refinado humor vengativo… También Eating Raoul, la historia de la pareja de hiperpuritanos Paul y Mary que, en sus ratos libres y por una lanita extra, se dedican a asesinar swingers. Cuando el tal Raoul los descubre, la película (como dijeron en The Playlist) se convierte en una suerte de piloto para una sitcom del infierno. SPOILER ALERT: el título de la película. Esto es camp extremadamente divertido.

Azul branca em carne viva

Exchange of devouring

Todos los jueves 19:30 con Paulina Frente y sus colaboradores · @FrenteMX |

· FrenteMX | www.youtube.com/user/FrenteMx

jueves 21

THE WOOKIES SHE´S A TEASE astros de mendoza juan soto JINETES ELÉCTRICOS LA VIEJA GUARDIA SANTO BARRIO DJ RITCH MOLLEN viernes 22

PORTER COMISARIO PANTERA SIDDhARTHA CALONCHO technicolor fabrics liquits CARMEN COSTA ATTO AND THE MAJESTICS sábado 23

BABASONICOS ABOMINABLES ODISSEO FURLAND PEDROPIEDRA ATOMIX THE JOHN BAND LOVE KILLS domingo 24

HELLO SEAHORSE! rebel cats y sus amigos torreblanca 60 TIGRES TRICICLO CIRCUS BAND LOS FASCINANTES BELAFONTE SENSACIONAL LOS MUERTOS FARO ZÓCALO, CARPA DE INNOVACIÓN, AMBULANTE: GIRA DE DOCUMENTALES, JUAN VILLORO “MIENTRAS NOS DURE EL VEINTE”, GLOBOS DE CANTOYA, CIRCO itinerante, CONFERENCIAS, EXPOSICIONES, TEATRO, MÚSICA y más.

domingo 17 de agosto: la maska, los infierno y más bandas en la explanada delegacional de iztacalco.

56 | frente | Escena | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

Entre lo clásico y lo contemporáneo

E escena

Por Mayté Valencia

Transformar lo clásico en vanguardia es quizá lo que mejor define a la compañía mexicana Opus Ballet, una de las primeras del país en especializarse en ballet contemporáneo. Presentará su pieza Ateh, la posibilidad de ser… en el Teatro de la Ciudad este 2 y 3 de agosto.

La

Teatro de la Ciudad Esperanza Iris Donceles 36, Centro Histórico Funciones: agosto 2, 19 horas; 3 de agosto, 18 horas Entrada general: 127 pesos

búsqueda de innovación es una práctica esencial en las artes.

Ante tendencias arraigadas siempre hay una necesidad de ruptura. En la danza hay dos rutas principales a elegir: contemporánea o clásica. Sin embargo, desde hace algunos años hay un nuevo estilo que se sitúa justo al centro: el ballet contemporáneo.

Se trata de bailarines con formación clásica que buscan trascender la rigidez de su técnica y ampliar sus posibilidades creativas con las herramientas de la danza contemporánea. Fundada en el 2009, Opus Ballet es, de acuerdo con su director Ricardo Domingo, una de las primeras compañías mexicanas en desarrollar esta práctica.

“Es un estilo dentro de la danza clásica que se originó en los años ochenta, pero que en México estaba olvidado”, comenta el coreógrafo, “de repente la Compañía Nacional de Danza (cnd) traía algunos bailarines extranjeros que hacían esto, pero no existía una agrupación mexicana como tal.” Ahora es una tendencia que crece poco a poco, ya que hace dos años se sumaron agrupaciones como Mexico City Ballet y Convexus.

Para Domingo, la innovación se da tanto en la dramaturgia de las piezas como en la biomecánica del movimiento, es decir, “hay cosas más sueltas, fuera del centro, algo que no se hace en el repertorio clásico, que es mucho más cuadrado”. Y profundiza en otro de los cambios: “Como el ballet tiene una técnica más estructurada, lo que hace es tomar la mímica italiana para lograr una mayor expresividad, así

en las partes narradas, ellos utilizan esta gestualidad. Sin embargo, cuando surge la danza contemporánea, se rompe esta idea y se dice ‘el cuerpo es suficiente para poder expresar todo lo que se tiene que decir’.

El ballet contemporáneo fusiona ambas técnicas. Ya no hay jerarquías del primer bailarín, sino todos son importantes en la historia. Es el movimiento el que expresa absolutamente todo”.

Opus Ballet, llamada así porque Opus es el nombre con el que se registran todas las obras musicales clásicas y porque todas sus creaciones son originales, tendrá dos funciones en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

La pieza que presentarán es Ateh, la posibilidad de ser… un ballet inspirado en la obra literaria Diccionario Jázaro del autor Milorad Pavic, una novela en forma de diccionario que narra el destino ficticio del pueblo de los jázaros, de origen turco, a partir de que el Khagan (rey) decide que es necesario adoptar una fe monoteísta y abandonar los rituales paganos.

“Lo que me interesó de esta obra fue su planteamiento como una estructura esquizofrénica. Es la historia de este pueblo contada en tres versiones distintas, según los cristianos, los musulmanes y los judíos.

Algo que refiere que la verdad no existe, que esto depende según el ojo de quien lo narra. A partir de eso, pensé en cómo un suceso puede tener distintas realidades.”

Por eso llama a su obra esquizofrénica, porque en ella seis bailarinas dan su propia visión e interpretan al mismo personaje: Ateh, una

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | escena | frente | 57

mutis Creadores de la maquinaria escénica Por Mayté Valencia

“Ateh, la posibilidad de ser…

un ballet inspirado en la obra literaria Diccionario Jázaro del autor Milorad Pavic, una novela en forma de diccionario que narra el destino ficticio del pueblo de los jázaros…” princesa y poetisa jázara, a quien un demonio musulmán le arrebata su voz y a su amado, y cuya descripción coincide en las tres versiones presentadas; la ven como una mujer muy inteligente, pasional y que no se dejaba vencer.

“Lo que rescaté fueron sus ganas de ser feliz, independientemente de las circunstancias.

Ella nunca fue víctima; ella decidió amar a alguien y construyó su propio destino, tal como nosotros lo hacemos día con día”, cuenta el coreógrafo.

De acuerdo con Domingo, lo que le atrapó de la obra fueron “el personaje, por la forma en la que ella veía la vida y, por otra parte, el reto como coreógrafo de hacer una estructura que no tuviera una narrativa lineal, como ocurre normalmente en un ballet, pero que también fuera entendible”. Lo anterior, según

explica, derivado de lo que ocurre en las dos grandes tendencias de la danza. “El clásico tiende a ir sólo por la estética o a privilegiar tanto la técnica, que queda en un segundo plano el tema de la obra; mientras que en la danza contemporánea, pasa lo contrario.

Llega un momento en que son tan abstractas que sólo el coreógrafo la entendió.” Para él, el reto era no llegar a ninguno de esos dos extremos: ni hacerlo obvio, pero tampoco incomprensible.

Opus Ballet es una compañía formada por bailarines experimentados, con más de 20 años en la escena y con muchas tablas a nivel nacional e internacional. Según su director y fundador, les interesa tocar temas cercanos a las personas y que generen empatía con ellas.

“Somos una compañía humanista, siempre tocamos temas existenciales del ser humano como qué significa ser feliz, cómo salir de patrones viciosos, cómo responsabilizarte de tu destino. Todo abordado desde distintos ángulos.”

Hasta ahora su repertorio incluye las obras Snytt Pa Nytt (2010), coproducida con el coreógrafo noruego Fredrik Lorentzen, Aqua, No somos, soy y Ateh, la posibilidad del ser…, las cuales se han presentado en diversos festivales del país y del mundo.

Gabriel Pascal

E

scenógrafo e iluminador que desde hace más de treinta años ha dedicado su vida a los escenarios. De formación autodidacta, ha incursionado en la danza, la ópera, el cine y la televisión, aunque el teatro ha sido su trinchera principal A lo largo de su carrera ha realizado más de 150 escenografías y ha trabajado con numerosos directores entre los cuales destacan Julio Castillo, José Caballero, Luis de Tavira, David Olguín y Daniel Giménez Cacho. Actualmente, es presidente de la Academia de Arte Teatral, además de ser editor y cofundador del proyecto el Milagro.

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¿Cómo definirías el trabajo de un escenógrafo?

Nuestra labor es hacer una traducción del texto a la imagen. Ahí está todo: eso nos va a llevar a la plástica y nos va a ayudar a elegir la escala, el color, el estilo y el tono.

¿Cómo llegaste al teatro?

Por accidente. Andaba perdido estudiando la prepa y no sabía qué quería. Un día mi maestro Kleomenes Stamatiades empezó a hacer la escenografía de una pastorela y yo fui su asistente. Después, lo llamaron a la unam para que fuera el director técnico del Taller Coreográfico, y como nos habíamos llevado muy bien, me llamó y volví a ser su asistente. Eché a perder muchas obras. He sido el alumno más caro de este país.

¿Cómo es el proceso para crear una escenografía?

Los escenógrafos somos detectives; buscamos todos los elementos informativos en el texto (dramático), lo desmenuzamos por completo, y de ahí se construye la metodología: por qué los personajes están ahí, qué buscan, qué sucede en la escena.

Estoy releyendo constantemente el texto, lo interpreto, y también hablo con el director, escucho a los actores y a todos los del equipo. Es un trabajo en conjunto; cuando una obra funciona muy bien es un todo muy poderoso y no ves esa diferencia entre iluminación, dirección, actores, vestuario.

¿Qué elementos encuentras en tu trabajo?

Busco encontrarle un significado a las obras, que el espacio se conecte con los personajes de una manera verídica, y si puedo, de una forma poética. No creo en la pirotecnia teatral ni en lo espectacular de la escenografía. Me gusta más la síntesis, lo que acompaña a los personajes.

¿Tienes alguna influencia?

Quizá Alejandro Luna; no tanto en el resultado artístico, sino en la búsqueda de no mentir en escena, de encontrar una verdad: que tu pared o puerta parezcan reales.

¿De qué proyecto te sientes orgulloso?

De varios. De la calle [dirección Julio Castillo], Tío Vania, El misántropo, Los asesinos, La lengua de los muertos [dirigidas por David Olguín].

¿Cuáles son los principales problemas de la escenografía mexicana hoy en día?

No los encuentro tanto en la escenografía, sino en la producción: aún no se entiende su función dentro del proceso artístico y es fundamental, porque muchas veces puede determinar el resultado final. Si los recursos no están a tiempo, no se tiene el tiempo suficiente de ensayar y se complica todo.

Derivado de esto, otro vicio particular de los escenógrafos es que estamos condenados a ser perfectos, es decir, una vez que diseñaste y mandaste a hacer las cosas, ya no las puedes mover, aunque a veces te equivoques o quieras hacer cambios. Si fallas y te pasas del presupuesto, ese error lo pagas tú. Me parece que tenemos que tener más tiempo para ensayar con la escenografía y ver qué pasa con los actores. ¿Cuántas veces los actores y el director están sobre el texto? Lo ensayan una y otra vez y, además, durante las funciones aún hacen cambios, eso debería de suceder también con la escenografía.

58 | frente | debutantes | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

D debutantes

Libros Tontos Libros tontos, como quieren que sus letras entren en mi mente, sé muy bien que por su culpa perderé el semestre, pero la quiero, la quiero, perdónenme.

Bronco

Libros Tontos es una librería online, especializada en la venta de cómics y novelas gráficas con distribución a toda la República Mexicana.

Platicamos con Iván Santiesteban, creador de esta plataforma, para que nos diera los detalles.

Libros Tontos www.librostontos.com FB: somoslibrostontos Tw: @libros_tontos

El

cómic es asociado frecuentemente con la comedia o con historias de superhéroes, pero éstos no son los únicos temas que se utilizan en este tipo de narrativa. La amplitud y variedad de tópicos que tratan puede ser tan extenso como aquellos que se abarcan en la industria cinematográfica y la literatura.

A través del cómic se pueden hacer reportajes sobre Palestina, contar memorias personales o narrar historias de seres fantásticos. Gracias al interés que despierta esta versatilidad nace la librería Libros Tontos.

El nombre surge de la canción de Bronco, un tema que remite a la ciudad de Monterrey, lugar donde reside su creador, Iván Santiesteban.

“Me parece que el nombre evoca algo que pienso, que es que el libro como objeto material se siente cada vez más como una extravagancia; algo que no necesitamos, pero en lo que nos inmiscuimos por placer”, asegura Santiesteban. Él fue quien concibió este espacio online que tiene como fin incentivar la lectura del cómic y ofrecer un canal de difusión que impulse la nueva ola de libros gráficos que se producen en el país. Esto lo logra mediante una plataforma a la que los amantes del cómic pueden acceder fácilmente.

Los ejemplares que se venden en la librería, además de ser interesantes para el lector, tienen que ser objetos bellos y de buena calidad para el coleccionista. Aquí se pueden encontrar 198 autores diferentes,

entre los que destacan Joe Sacco, Masayuki Kusumi, Max Ernst, Ernesto Sabato, Alejandro Jodorowsky, Paco Roca, Alex Ross, Pascal Girard, entre muchos otros artistas.

En el portal se pueden comprar alrededor de 245 títulos que pertenecen a distintos géneros del cómic como manga, terror, mudo, superhéroes, historia, niños, ensayo, en español, aventura, novedades y de autor. Entre los más solicitados se encuentran algunos clásicos como Black Hole, de Charles Burns, o Ghost World, de Daniel Clowes; así como los libros de Los Moomin, de Tove Jansson.

La meta a largo plazo es, de acuerdo con su creador, lograr que Libros Tontos tenga un espacio físico además de uno virtual, pues así logrará hacerle justicia a la novela gráfica.

Los ejemplares se pueden pagar vía tarjetas de crédito, depósito bancario y débito o PayPal. –Karen Benavides

Iván Santiesteban recomienda: Los Garriris, de Javier Mariscal

The Frank Book, de Jim Woodring

Antes de Cobi, la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona creada por Javier Mariscal, estaban Los Garriris, el cómic que éste hacía desde 1974.

Con Los Garriris, Mariscal tomó el cómic alternativo de EE. UU. y lo convirtió en algo más ingenuo, pero igual de refrescante. Los Garriris están hechos de dibujos simples y cuentan anécdotas sencillas protagonizadas por personajes que sólo quieren pasarla bien: pescar, andar en moto, comer en la playa o salir a bailar. Sobre esa base, Mariscal creó un fenómeno de los cómics que vale la pena explorar.

No es fácil describir los cómics de Frank sin contradecirse. Son encantadores pero repulsivos, profundos pero ligeros, psicodélicos pero con una lógica estricta y fácil de seguir.

Frank es un animal antropomórfico, como Mickey Mouse, que se mete en problemas y nunca aprende sus lecciones. A partir de ese concepto tradicional Jim Woodring ha creado un universo: el Unifactor, en el que parecen caber todos los mitos. Entre los seres que pueblan este universo están un par de mascotas encantadoras y fieles que quizá sean semidioses protectores, un demonio con el revelador nombre de Capricho y un ser mitad animal-cerdo que podría representar a la humanidad pecadora, y al que Frank desprecia.

Este compilado es una buena manera de conocer este mundo, porque incluye historias en blanco y negro e historias a color, que muestran dos caras del fascinante estilo de dibujo de Woodring.

Palestine, de Joe Sacco Resulta que los cómics son un medio ideal para el género documental y el periodismo, y Joe Sacco es casi sin duda el mejor periodista del medio. Este libro, ganador del American Book Award de 1996, está basado en meses de investigación y un largo recorrido de Cisjordania y la Franja de Gaza. Para este libro Sacco realizó más de 100 entrevistas.

Palestine ha sido comparado con Maus, de Art Spiegelman (otra joya de los cómics) por su destreza para abordar de frente asuntos políticos sensibles.

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014| debutantes | frente | 59

Camino Silvestre Directamente desde San Miguel de Allende llega a la ciudad Camino Silvestre, una boutique dedicada a las aves que busca convertirse en un punto de encuentro para los amantes de la naturaleza.

H

ace 18 años, Jim McKeever y Alfredo García-Lucio decidieron crear PARASOL, empresa que se dedica a crear comederos para colibríes. Años más tarde abrieron dos tiendas en San Miguel de Allende en donde, además de comercializar artículos para alimentar aves, se ofrece la oportunidad de aprender sobre estos animales y adquirir piezas creadas por artesanos y diseñadores mexicanos, todas con motivos aviares.

Este año, McKeever y García-Lucio abrieron la primera sucursal de Camino Silvestre en el DF y eligieron la colonia Roma para hacerlo.

“Quisimos traer un cachito de San Miguel a la ciudad de México y fue hasta ahora que lo logramos. Cualquiera que nos visite notará en nuestra oferta una influencia fuerte del estado de Guanajuato, pues trabajamos con productores de vidrio, bronce, muebles y cerámica provenientes de esa zona del país”, explica McKeever.

En el lugar se pueden encontrar artículos inspirados en los animales que tanto admiran, desde libros, títeres y brújulas hasta relojes de arena, muebles, juguetes y joyería. “Esta tienda es para todos. Puedes encontrar un regalo para cualquier tipo de persona y de cualquier precio porque hay piezas de 30 pesos, de 2000 o incluso más costosas”, detalla García Lucio.

Camino Silvestre será la sede de distintos eventos como exhibiciones artísticas, conciertos privados y actividades didácticas para niños. Dichas actividades pretenden cumplir con el propósito principal de la boutique: informar a los visitantes sobre las aves.

Como organizadores del Festival Internacional del Colibrí que se realiza en San Miguel de Allende, McKeever y GarcíaLucio buscarán que biólogos, aficionados y ornitólogos de Estados Unidos, México y Sudamérica visiten la tienda e impartan algunas sesiones informativas.

“En un futuro queremos traer a representantes del jardín botánico de Colorado. También tenemos planeado hacer una muestra de altares de Día de Muertos dedicada a las aves para crear conciencia sobre lo que estamos haciendo”, comenta García.

Para enterarse de las actividades que se llevarán a cabo en Camino Silvestre, basta seguir sus redes sociales o bien visitar la tienda y registrar un correo electrónico en la recepción.

Camino Silvestre Tabasco 195, Roma Martes a sábado de 11 a 19 horas domingo de 12 a 17 horas http://www.caminosilvestre.com | @CaminoSilvestre

–Abril Mulato

Galería Mariana García Arte Contemporáneo

fotos abraham huitrón

En junio esta galería abrió sus puertas en el centro de Polanco con el fin de convertirse en un espacio de exhibición y compra de arte contemporáneo en esta zona de la ciudad.

D

esde que terminó su carrera, Mariana García, fundadora de la galería Mariana García Arte Contemporáneo, se ha dedicado a promover el trabajo de artistas jóvenes.

Sin embargo, la idea de abrir un lugar que difundiera específicamente el arte contemporáneo, siempre fue su prioridad.

García estudió Historia del Arte en nuestro país y complementó su preparación con diplomados y cursos en Nueva York y Florencia.

Estos últimos le permitieron adentrarse en lo que a ella siempre le interesó: la comercialización del arte.

La oportunidad de abrir su propio espacio surgió de manera repentina este año, por lo que la primera exposición de Mariana García Arte Contemporáneo se montó en mes y medio.

“Conocer a distintos talentos facilitó las cosas, ya que pude seleccionar obras de siete artistas diferentes; también se buscó hacer una curaduría colectiva lo más coherente posible.

Quedé muy satisfecha pues ha obtenido una respuesta positiva por parte del público”, dice García. Entre los artistas que conforman la muestra se encuentran Aide de León, Amilcar Riveram, Bradley Narduzzi, Héctor Bitar, Juan Sebastián Barberá, Knut Pani, Ilan Dana y Tania Esponda. Las obras creadas por estas

personalidades pertenecen a distintas disciplinas como escultura, pintura, instalaciones de luz y arte objeto.

“No buscamos que hubiera una temática en común entre los artistas, pero sí que cada una de las piezas diga algo; que sean piezas originales de artistas vanguardistas, atrevidos y que tengan una trayectoria importante a pesar de ser jóvenes”, explica García. Mariana busca que la galería se convierta en un centro cultural en donde, además de realizarse muestras de arte contemporáneo, se ofrezcan cursos y clases. “En agosto vamos a dar clases de cine de arte, queremos que esto sea un espacio cultural y de exhibición”, agrega.

En septiembre se tiene planeado montar una exposición de fotografía; en noviembre, una exhibición con sólo tres artistas y en diciembre se pretende que la galería sea sede de una muestra colectiva.

– Abraham Huitrón

Mariana García Arte Contemporáneo Aristóteles 165, Polanco. | De lunes a viernes de 11 a 19 horas; fines de semana sólo con citas. www.mgartecontemporaneo.com.mx Facebook: /marianagarciaartecontemporaneo

60 | frente | DETRÁS | del 31 de julio al 13 de agosto de 2014

D detrás

Charlyfornication: Biopic de un rockstar de la literatura mexicana | por Carlos Velázquez El amor no es si no otra forma de extorsión “But if this ever-changing world in which we’re livin’ makes you give in and cry”. Sir Paul McCartney was right. Si este mundo traidor te maltrata: muere y deja vivir. Si fracasas en el amor. Si te va mal en los negocios. Si la salud te traiciona. Si no consigues triunfar en la literatura, “rimemba”: a Felipao lo ratificaron, al Piojo lo anunciaron para Rusia 2018, El gran hotel Budapest apesta, así que agarra el trapeador y limpia tu casa como si se tratara de tu psique, cena un plato de sandía y duerme.

Porque lo de ahora es dormir. Para bajar de peso. Para defraudar a los editores. Para nunca, nunca, terminar la tesis.

Si como dice Paul, eres joven y tu corazón es un libro abierto: no te enamores. Pero lo más importante: no permitas que nadie se enamore de ti. Porque te espera algo peor que un fraude telefónico. Una tarjeta de crédito que no vas a terminar de pagar nunca. Esa herencia maldita se la heredarás a tus hijos. Y vivirás en el reproche perene.

Por qué me ilusionaste. Como si uno hubiera sido alumno estrella del Mago Frank. Qué casualidad que todo a lo que aspiras en la existencia se te niega, menos, eso sí, lastimar a las mujeres. ¿De verdad es uno tan cabrón? Hasta te hacen sentir miembro de la mafia. Dueño de un poder irrevocable.

Piensa que Joe DiMaggio perdió a Marilyn Monroe, Tom Cruise a Nicole Kidman, Jabba The Hutt a la Princesa Leia. Entonces, por qué no vas a perder tú a tu novia de apellido extranjero. Por qué no vas a rebotar esos 20 kilos que ya habías bajado. Por qué no vas a despilfarrar

todos tus ahorros en artículos de cuero en una de las tantas ferias de los barateros de León, Guanajuato. Bonito, como dice José Alfredo, la feria con su jugada. No te dejes embaucar. Nada funciona mejor que la vieja chapuza de que no se entere tu mano derecha lo que hace tu mano izquierda. Y si todo se descubre al fin. Móchatela. No la mano.

La monserga que te arruine el esplendor. Que te impida ver un maratón de Futurama los domingos junto a una montaña de sushi y tres litros de Dr. Pepper.

Nunca te equivoques, porque las personas que te quieren te van a crucificar. Pero no necesitas de comparsas. Para subirte a la cruz te bastas a ti mismo. Por eso, busca el éxito, la insensibilidad, ser el mejor en indiferencia. Nunca pierdas tu toque. Pide ayuda para no terminar en un psiquiátrico. Pide ayuda a la música. Escucha discos. Millones de discos. Consagra tu vida a oír discos.

La culpa es un invento del otro. No permitas que te extorsionen.

No dejes que te presuman su infierno. Tú ya has estado en el tuyo.

Recuerda, en estos tiempos la caridad empieza por uno mismo. Date una limosna. No te enamores. Mejor búscate una psiquiatra. Y sal con ella. Y ten sexo con ella. El egoísmo es un invento. Porque a nadie le importas. Así que quién te va a señalar. Por qué pecado capital te van a juzgar. Permítete por una vez en la vida destruir algo. Aunque sea la maldita computadora porque la señal es una mierda y el video en YouTube se tarda mil cuchillos de ansiedad en cargar.

Mi veldá | porWARpig MENTES PERTURBADAS Por razones laborales y del corazón vivo en un lugar céntrico. Mis trabajos quedan relativamente cerca aún con tráfico, marchas, bloqueos y semáforos moribundos. Mi sanidad mental (if any) se estaba quedando en trayectos que a las tres de la mañana toman 15 minutos, pero de las siete de la mañana a las nueve de la noche ese mismo camino puede tomar hora y media.

En 15 minutos puedo llegar donde está mi familia. Por el Viaducto Miguel Alemán hacia el oriente del DF todo es relativamente fácil. Cuando llegas a donde comienzan los terrenos de la Magdalena Mixhuca y el Foro Sol ya surgen algunos semáforos que tampoco son un problema salvo en horas pico. Poco después viene el infierno. La calzada Ignacio Zaragoza a la altura de la colonia Agrícola Oriental, pasas el puente de Rojo Gómez y la vialidad no parece aún de Nepal.

Pero cuando llegas a la altura de la Zaragoza con la Av. 259 (delegación Iztacalco) comienza la guerra entre tráileres, micros, peseras, camiones repartidores y autos por tres centímetros de asfalto. Se detienen, la fila se extiende en espera de poder pasar, tarea imposible debido al transporte colectivo que ocupa 2 de 3 carriles (a menudo los tres, valiéndole

madre) para subir el “pasaje” que sale de la estación “Canal de San Juan” del tren suburbano. ¿Por qué les vale madre? Sencillo: porque es tierra de nadie. Es el mismo problema al que se enfrentan todos los habitantes que tienen la mala suerte de circular por esas sucias, oscuras y delincuenciales zonas donde “NI ES DF NI ES ESTADO DE MÉXICO”.

Nadie los mete en cintura y si alguien se atreve pues las cosas se arreglan como sabemos que se arreglan en México.

El mismo abuso por décadas. Las mismas mentes perturbadas deteniendo el tráfico y a su vez, perturbando las mentes de quienes deberíamos haber pasado ya por ese punto vial desde hace 40 minutos.

Y lo mismo en el metro Oceanía y Circuito Interior y en todos esos puntos-frontera porque si vas a tu delegación política a pedir ayuda te dicen que eso es cosa del Estado de México, y si pides ayuda en el Estado de México te dicen que no es su jurisdicción y que vayas a una delegación del DF. Miles de “horas-hombre” al día. Y así “vivimos”: separados de la familia por tan sólo 15 minutos que en realidad son hora y media.

Nomás por sus huevos.

Convocatoria| ¡ESTE ESPACIO PUEDE SER TUYO! Convocamos a todos los moneros, historietistas e ilustradores (de preferencia que tengan buen sentido del humor) que quieran publicar un cartón o tira cómica quincenal en Frente (que hable de los temas que abordamos en esta publicación).

Los interesados deben enviar sus propuestas a lorena@frente.com.mx con el siguiente formato: ❒ Medidas de 21.5 x 5.6 cm ❒ Formato JPG, TIFF o PDF ❒ 300 dpis de resolución ❒ Formato de color CMYK o escala de grises

Los trabajos se recibirán hasta el lunes 1 de septiembre a las 11:59 p.m.

Los resultados se darán a conocer el viernes 5 de septiembre en las redes sociales de Frente @FrenteMx y facebook.com/frentemx

ilustraciones sofía grivas | www.facebook.com/grivasart

w

del 31 de julio al 13 de agosto de 2014 | horóscopos | frente | 61

H horóscopos

por Laura Gamboa

leo Del 24 de julio al 23 de agosto

Algunos cambios inesperados podrían ponerte de un humorcito que ah jijo. Como no puedes evitarlos, mejor ensaya frente al espejo una buena reacción, para que no pierdas el estilo ante tus fans… ni ante ti. Te costará trabajo tomar decisiones importantes, y todo porque quieres quedar bien con quién sabe cuánto fufurufo. Salte del guión y haz algo que salga directo del lado más noble y honesto de tu corazón y que te reconcilie contigo.

virgo

Del 24 de agosto al 23 de septiembre Te agarró el complejo de mártir y por querer hacerle el paro a quién sabe cuánta gente, traes un cansancio gigante. Igual y duermes tus horas, pero el puro estrés de las responsabilidades que cargas, te quita energía. Usa dos de tus superpoderes: el pragmatismo y la discriminación. O sea, mide tus fuerzas con realismo, y selecciona qué tarea te toca y cuál no. En el amor quieres a un dios o diosa a tu lado… ¡no les pongas peros a los mortales!

libra

Del 24 de septiembre al 23 de octubre Andas en automático nomás dejándote llevar por las circunstancias y a ese pasito tun-tún no lograrás nada interesante. Algunas veces toca fluir y otras toca tomar las riendas y mostrar liderazgo para llevar las cosas a donde quieres. Tu momento actual es una mezcla de las dos actitudes: fluye pero tampoco caigas en la pazguatez. Algo dentro de ti está cambiando, pasando de un estado a otro, o sea que vive el proceso con conciencia, gozo y apertura hacia lo nuevo.

escorpión

Del 24 de octubre al 23 de noviembre Concéntrate más porque el santo se te anda yendo al cielo muy seguido y la acumulación de metidas de pata podría crearte mala fama. Se auguran inicios (laborales, sentimentales, geográficos, etc.) en tu panorama, vívelos como lo haría un niño pequeño: con una perspectiva inocente, maravillándose ante cada detalle, emocionándose con el potencial de todo principio, etc. Estás gestando una nueva visión sobre tu propia vida que te abrirá muchas puertas.

Sagitario

Del 24 de noviembre al 21 de diciembre No son tiempos para hacer grandes aspavientos ni generar expectativas desbordadas, más bien es un momento de siembra y de ocuparte en lo tuyo amorosamente, disfrutando los detallitos de tu rutina y cumpliendo con lo que te toca. Si entras en ese estado de ánimo sereno, contemplativo de la maravilla del mundo en que vivimos y de nuestra condición humana, la sincronía del cosmos cooperará contigo de maneras sorprendentes.

capricornio

Del 22 de diciembre al 19 de enero A veces la actitud más sabia es aceptar las cosas como son, porque tu afán perfeccionista puede caer en intento de control y eso de querer arreglarle la vida a medio mundo está medio desgastante (y metiche), ¿no crees? Tú a lo tuyo que la mejor forma de ayudar es inspirando con el ejemplo.

Te estás aferrando a ideas algo extremas que no coinciden con la realidad; recupera la objetividad. No te autodescalifiques de esa aventura o proyecto que tanto te late y lánzate al ruedo.

acuario

Del 20 de enero al 18 de febrero Algo importante en tu vida se está terminando, quizá sea una etapa en tu relación con alguien, un trabajo o ve tú a saber qué. El chiste es que sepas reconocer y aceptar la situación, para que sepas cerrar con broche de oro entendiendo que pronto estrenarás un nuevo estatus lleno de potencial. La prueba de oro es que sepas celebrar tanto el final como el inicio. Traes un nudo de emociones que expresar; hazlo creativamente y sin ponerte límites.

PiScis

Del 19 de febrero al 20 de marzo Necesitas hacer autoteamback para digerir el momento en el que estás y checar qué te pide la vida.

Como siempre, tu voz interna es la más valedora, pero para escucharla necesitas silencio. Y claro, típico que te van a andar invitando a cuanta fiesta; no te prives de las mejores y lánzate al rock, pero luego date días de paz y silencio para regresar a tu centro.

Quítate la máscara de fuerte y déjate caer tantito con alguien que te dé el consuelo y ánimo que te falta.

aries

Del 21 de marzo al 19 de abril Eres de esas personas con las pilas siempre tan bien puestas que te cuesta trabajo ponerte en actitud receptiva y pedir apoyo o recibir la ayuda que otros te ofrecen. Sin esperar o demandar nada, abre los brazos para recibir lo bueno con agradecimiento, constatando que eres una persona reteafortunada. Y bueno, este, sí, ¡ejem!, metiste la pata con una persona muy importante para ti; en vez de seguirte autoflagelando pide una disculpa, rectifica y ¡a seguirle!

TAURO

Del 20 de abril al 21 de mayo En estos momentos la vida te está pidiendo que subas de nivel en el tema de la amistad. O sea, dile adiós a los dramas y a las expectativas, y ofrece un apoyo sincero y comprensivo. La actitud también aplica en temas románticos, porque las mejores relaciones están basadas en una profunda amistad. La apariencia con la que se está manifestando cierta persona o situación es engañosa; si le haces caso a tu intuición se te revelará una verdad muy luminosa.

géminis

Del 22 de mayo al 21 de junio Te cargas una porra tremenda que lleva semanas motivándote para que te animes a dar ese paso que has estado planeando. Llegó la hora, no defraudes a la banda y ¡lánzate!, que todo indica que las cosas serán mucho más fáciles de como las imaginabas. Luego toca darle el avión a las ideas negativas que pueda producir tu cabecita nomás por ociosa; y es que la misión del momento es desidentificarte de tu mente… Sí, suena muy filosófico, pero no le saques.

CÁNCER

Del 22 de junio al 23 de julio Te llegó la iluminación y tienes una claridad tremenda respecto a cierto tema. Esta sabiduría te llenará de armonía; saborea el sentimiento y grábatelo, pues es a lo que uno debe a aspirar en todos los asuntos. Te llegará un dinerito extra caído del cielo; sal de apuros económicos, pero también ponte la del Puebla y saca una comida o cenita con tus cuates.

Luego busca unos días de paz y tranquilidad, que la soledad te caerá bien para acomodar tus emociones.