Frente 143

143

crónica queens of the stone age Versus eduardo salles comida cine y cocina mexicana música caribou cine la casa del cine mx arte en esto ver aquello letras nicolás cabral medios odiar a apple se volvió cool diseño marika vera escena FESTIVAL OTRAS LATITUDES DEL 25 de septiembre AL 8 DE OCTUBRE DE 2014 | $0.00 CERO PESOS | AÑO 3 | WWW.FRENTE.COM.MX

por rulo

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | índice | frente | 3

Editorial por rulo Dirección general Gustavo Guzmán

Dirección editorial Raúl David Vázquez | ruleiro@frente.com.mx

Coordinadora editorial Lorena Villa Parkman | lorena@frente.com.mx

Editores Agenda Benjamín Ocaranza | benjamín@frente.com.mx agenda@frente.com.mx

CRÓNICA Guillermo Núñez Jáuregui

Música Mariana Vidal | mariana@frente.com.mx

Cine Roberto Garza | roberto@frente.com.mx

Comida Alonso Ruvalcaba | aruvalcaba@frente.com.mx

Arte

El ocaso de Nortec

#143

E

n el Vive Latino (del 2013) me encontré a Ramón Amezcua en el bar que los promotores montan en la parte posterior del escenario principal para atender a artistas, invitados especiales y gorrones de nivel avanzado.

Después de los saludos bajó el volumen a niveles francamente alarmantes y me contó —antes haciéndome prometer que no revelaría el secreto— que el final de Nortec estaba cerca. No pude ocultar mi malestar. Le dije, aunque no recuerdo que haya pedido mi opinión, que lo pensara bien. Que no era justo. Que aún les quedaba buena música que ofrecer. Pero ya no había vuelta atrás. Después de un rato me pareció que era una decisión atinada. Ellos sentían que no tenían más que ofrecer bajo esa marca y que lo más correcto era retirarla. No había conflictos personales ni drama de por medio. Era un acto de honestidad y de valor que se ve en muy pocos artistas. Nadie se atreve a matar a la gallina de los huevos de oro. Bien por ellos. Aunque a sus entusiastas y fanáticos la noticia les habrá caído mal, su determinación merece aplausos.

Lo que a continuación leerán es una entrevista que les hice hace tres semanas. Nos sentamos durante un par de horas a revisar su historia y a hablar de lo que sigue tanto para Ramón como para su socio, Pepe Mogt. Espero que lo disfruten. Y que ellos sigan haciendo música tan brillante como la que han hecho hasta ahora.

Pasando a otra cosa: éste es el último número de Rodrigo Alcocer en Frente. Nuestro editor de Diseño y reseñista estrella se va a otro continente a continuar sus estudios. Remplazarlo en nuestras páginas será difícil. En la vida diaria aún más. Toda esta oficina le desea lo mejor. Yo, que lo considero un amigo cercano, le mando un gran abrazo.

Se le extrañará.

Christian Gómez | christian@frente.com.mx

Letras Diego Rabasa | diego@frente.com.mx

DISEÑO Rodrigo Alcocer de Garay | ralcocer@frente.com.mx

ESCENA Mayté Valencia Salinas| mayte@frente.com.mx

DIRECTORA DE ARTE

En este número

Astrid Stoopen | astrid@frente.com.mx

diseño editorial Luis Quiroz | lquiroz@frente.com.mx

COORDINACIÓN de fotografía Victoria Garza Levy | vicky@frente.com.mx

corrección

Efren Victoria

Ilustrador, diseñador y amante de la pizza. Egresado de la Universidad Autónoma Metropolitana. Se considera un pésimo escritor, pero un buen dibujante. Visita su blog: http://yosoyefrensinacento.blogspot.mx

Paula Bouchot

asistente editorial Aretha Romero

relaciones públicas Noé David Aguilar | naguilar@frente.com.mx

web y redes sociales Abril Mulato | amulato@frente.com.mx Karen Benavides | kbenavides@frente.com.mx

Toni François

Fan de la música en vivo, toma fotos de conciertos y músicos desde hace más de 10 años. En el 2006 lanzó su sitio TONO.TV para documentar parte de lo que pasa actualmente en la escena de rock en México. Ha cubierto festivales como Vive Latino, Corona Capital, Coachella, Lollapalooza, entre otros.

Distribución Mariana Paz | mpaz@frente.com.mx Más por más | Presidente Masaryk 169, Col. Chapultepec Morales, Mexico, DF. CP. 11570.

oficina frente Yoali Maya Guzmán | yoali@frente.com.mx

Colaboradores Abraham Cruzvillegas, Julio Martínez Ríos, Rodrigo Márquez Tizano, Alan Page, Taquitojocoque, Cucho, Ana Hop, Ramón Ruiz Sampaio, Arturo R. Jiménez, SussyOh, Jesús Pacheco, Toni François, José Antonio Valdés Peña, Rubén Olegnowicz “El Paella”, Mauricio Hammer, Violeta Solís Horcasitas, Olga Olivares, Fernando Hernández Urias, Burgerman, Abraham Huitrón, Tery Vega, Carlos Velázquez, WARpig, Laura Gamboa, Sofía Grivas, Efren Victoria

CONSEJO ADMINISTRATIVO Gustavo Guzmán, Alejandro Romero, Rodrigo González, Miguel Heredia, Jorge Obregón, José Jorge David Vázquez, Raúl David Vázquez, Luis Enrique Wah y Rodrigo Velázquez.

Tery Vega

Periodista en crecimiento. Le gusta escribir, los conciertos y los gatos. Es colaboradora web en Frente.com.mx y en la sección de Debutantes de Frente.

LA ciudad DE FRENTE. Periódico de distribución gratuita; se publica quincenalmente. Publicado por La Ciudad de Frente a sus Contenidos, S.A. de C.V. Editor responsable: Cecilia Goslinga Arenas. Número de certificado de reserva de derechos al uso exclusivo otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor 04-2010-112411305400-101. Certificado de Licitud de Título y Contenido: No. 15162 del 8 de mayo de 2011. Domicilio de la publicación: Tula 13, Col. Condesa, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06140, México, D.F. T 5914 0335. Impreso por: SPI Servicios Profesionales del Impresión. Mimosas 31, col.

Santa María Insurgentes. Del. Cuauhtémoc. C.p. 06430. T. 51170100. Los artículos de los autores colaboradores de esta publicación reflejan únicamente la opinión de los mismos y no necesariamente coinciden con la de esta editora. D.R. ©La Ciudad de Frente a sus Contenidos, S.A. de C.V., México, 2012. www.frente.com.mx Se prohíbe la reproducción parcial o total de las obras y demás contenidos de esta publicación sin previa autorización por escrito de la editora.

4 | frente | índice | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Índice #143

foto portada alterna ANA HOP

7 AGENDA

Música, Cine y Arte

12 CONTRALORÍA

Abraham Cruzvillegas, Julio Martínez Ríos, Rodrigo Márquez Tizano, Alan Page, Taquitojocoque

14 CRÓNICA

Queens of the Stone Age: “muy nais” por WARpig

17 VERSUS

Eduardo Salles por Lorena Villa Parkman

20 EN PORTADA

La división del Nortec por Rulo

28 MÚSICA

Caribou comparte el amor por Arturo R. Jiménez Erasure para todos por Aretha Romero Tricky: reclamando lo suyo por SussyOh La Roma Records Columna Timba Tintín por Jesús Pacheco Arriba/Abajo por Toni François + Reseñas discos, La vara y Flamante

36 CINE

La Casa del Cine MX: cine de calidad a precios accesibles por Roberto Garza Yeah, yeah, yeah… 50 años de La noche de un día difícil por José Antonio Valdés Peña + Estrenos

39 MEDIOS

Columna Mundos Para Lelos por El Paella Columna Martillazos por Mauricio Hammer

40 ARTE

En esto ver aquello. Diálogo entre el arte y las ideas de Octavio Paz por Christian Gómez Horror en el trópico: lógica y estética de la narrativa de terror por Violeta Solís Horcasitas Pola Weiss: el despliegue de una teleasta por Mayté Valencia Columna Reverso por Christian Gómez

44 DISEÑO

Marika Vera: por una cultura del erotismo por Olga Olivares Perfil: opqrs design-studio por Rodrigo Alcocer de Garay

48 LETRAS

Nicolás Cabral, un arquitecto de historias por Fernando Hernández Urias Ocupar lo público por Christian Gómez Novedades editoriales por Fernando Hernández Urias

52 COMIDA

Sopas de tortilla: cine y cocina mexicana por Alonso Ruvalcaba Columna El Rincón de Burgerman por Burgerman Guarniciones | Pesca del día

56 ESCENA

Travesías teatrales por Mayté Valencia Columna Mutis por Mayté Valencia

58 debutantes Black Pig La Guapachosa Levi’s Commuter 2014

60 DETRÁS

Charlyfornication por Carlos Velázquez Mi veldá por WARpig

61 HORÓSCOPOS por Laura Gamboa 62 Gráfica

La ciudad arde en llamas por Efren Victoria

CEN T RO N AC I O NA L DE L A S A RTE S AC C OR D ON E

AR ACALADAN Z A

LE S CR I S DE PA RIS

Auditorio Blas Galindo

Te a t r o d e l a s A r t e s

Auditorio Blas Galindo

U N ME D I TE R R ÁN E O S I N M UR O S

Auditorio Blas Galindo

S O N A JO B ART E H

Auditorio Blas Galindo

IN S T IT U TO NA C I O NA L D E B E L L A S A RTE S E N S E MB L E I NT E R CO N T E M P O R AI N

F I LE M Ó N Y B AUCI S

Palacio de Bellas Artes

Palacio de Bellas Artes

L E S ARTS FL O R I S S AN T S Palacio de Bellas Artes

N E W LO N DO N CO N S O RT Palacio de Bellas Artes

IN S TITU T O ME X I C A NO DE L SE G U RO SO C I A L B AL L E T FO L C LÓ R I CO DE HO N G HE DE Y UN N AN

Te a t r o I n d e p e n d e n c i a

TEAT RO J U L I O C A STI L L O

P L A ZA C O ND E SA

TRO U B L E YN/JAN FAB R E

B AJO F O N DO

The Power of Theatrical Madness

B O B AN & M AR K O M AR K O VI Ć O R CHE S T RA

S ECRETARÍA D E C U LTU RA D E L DI STRI TO F E D E R AL AL I M Q AS I MOV

Te a t r o d e l a C i u d a d E s p e r a n z a I r i s

K AT I A G UE R R E I R O

Te a t r o d e l a C i u d a d E s p e r a n z a I r i s

U N IVERS IDA D I B E RO A ME RI C A NA B AL L E T FOL C LÓ R I CO DE H ON G H E D E Y UN N AN

DAN I E LA LI E B M AN Foro Ibero

Foro Ibero

U N IVERS IDA D NA C I O NA L A U TÓ NO MA D E MÉ XI CO C OMPAG N I E J O S É B E S P R O S VAN Y

R HI Z O M AT I K S X E L EV EN PL AY

Te a t r o J u a n R u i z d e A l a r c ó n

Sala Miguel Covarrubias

LU N ARIO

TH E L E GE ND ARY TI G E R MAN

TE ATRO F RU F RU T HE T I G E R LI LLI E S CANCIONES DE HORROR Y CAOS

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | AGENDA | frente | 7

Agenda

#143

Música | Cine | Arte | Escena

1

2

3

4

1

2

3

4

OBSESIÓN INFINITA De Yayoi Kusama.

Primera muestra retrospectiva en Latinoamérica de la artista japonesa. Más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013, que incluyen pinturas, trabajos en papel, esculturas, videos, slideshows e instalaciones.

Hasta enero 18 de 2015.

MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec.

Martes a viernes y domingos de 10 a 18 horas. Sábado de 10 a 20 horas.

Entrada general: 19 pesos. Entrada gratuita para estudiantes, profesores y tercera edad con credencial vigente. Domingos entrada libre general.

CHRISTIAN WOLFF 80: IMPROVISACIONES Wolff inició su trayectoria en 1950 en la escena de la música experimental de Nueva York explorando técnicas de composición experimental e improvisación musical.

Esta actividad forma parte del ciclo que el ensamble Liminar le dedica. En esta presentación participarán el mismo Christian Wolff, Liminar con Robyn Schulkowsky, Generación Espontánea e invitados, Ensamble Chamizo, Milo Tamez y los participantes en el taller que forman parte de este ciclo.

Domingo 28 de septiembre de 11 a 15 horas. Entrada libre.

MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO Dr. Enrique González Martínez 10, Santa María la Ribera.

LOS CÓDICES DE MÉXICO, MEMORIAS Y SABERES Se muestran al público, por primera vez, los códices que resguardan las bóvedas del Museo Nacional de Antropología, como parte de la celebración de los 50 años del museo. Son 45 códices de la época precolombina del siglo XVI y dos más del siglo XVII, además del Códice Colombino del siglo XVII, el documento más antiguo que resguarda la Biblioteca del Museo Nacional de Antropología.

Hasta enero 2015.

MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Chapultpec Polanco.

Martes a domingo de 9 a 19 horas. Entrada libre.

RAYMONDSTOCK Sábado 4 de octubre.

Los Monjo + Pictureplane + Lorelle Meets The Obsolete + Skin Town + Javier Estrada + Era del Vacío + Young Jake + AAAA + Los Blenders + Eva y John + Dance Your Name All Stars + Cremalleras + Baby Nelson & The Philistines + Occult Danse + Rapid Loss + Bonsai Babys + DJ Hotmale + Lola’s Bad + Animación Suspendida + Yo Maté A Tu Perro + Red Bro + Playa Vaginitas + A–rp + S.E.R. + Avocados + Father Murphy + La Rubia Te Besa FORO INDIE ROCKS, 12 horas. $150 Zacatecas 39, Roma.

ARTE

MÚSICA

ARTE

MÚSICA

8 | frente | AGENDA | del 25 deseptiembre al 8 de octubre de 2014

A agenda

Lo mejor de la semana del 25 de septiembre al 1 de octubre

Jueves 25

Viernes 26

Sábado 27

Domingo 28

MÚSICA CICLO & PRESENTA: HUGO GROB, RUIDO MINADO 20 horas. Entrada libre.

CENTRO DE CULTURAL DIGITAL Paseo de la Reforma y Río Lieja, Juárez.

MÚSICA PORTA 20 horas. $500 - $600 JOSÉ CUERVO SALÓN Lago Andrómaco y Molière, Ampliación Granada.

MÚSICA APOPTYGMA BERZERK 21 horas. $500 - $600 EL PLAZA CONDESA Juan Escutia 4, Condesa.

MÚSICA FESTIVAL RITMOS UNIVERSITARIOS: SEKTA CORE + VICTORIOS + ROYAL CLUB + LOS KORUCOS + ELEMENTO RÚSTICO 16 horas. $120 - $320 TEATRO METROPÓLITAN Independencia 90, Centro Histórico.

MÚSICA FELIPE EL HOMBRE + UNO CONTRA UNA NACIÓN 22 horas. $80. +18 EL IMPERIAL Álvaro Obregón 293, Roma.

MÚSICA IS TROPICAL 21 horas. $350. +18 FORO INDIE ROCKS Zacatecas 39, Roma.

MÚSICA ADIÓS PARÍS + ATOMIX 17 horas. $150 PASAGÜERO Motolinía 33, Centro Histórico.

MÚSICA PRUDENCE FEST: LOS DANIELS + SIDDHARTHA + TORREBLANCA + GENITALLICA + LA FRIDHA + MARLISH + SMASH - O + MIRÓ. 16 horas. $250 - $400 JOSÉ CUERVO SALÓN Lago Andrómaco y Molière, Ampliación Granada.

MÚSICA EL COLUMPIO ASESINO 21 horas. $250. +18 FORO INDIE ROCKS Zacatecas 39, Roma.

MÚSICA SUSSIE 4 22 horas. $350 - $550 EL PLAZA CONDESA Juan Escutia 4, Condesa.

MÚSICA ODISSEO PRESENTA: DÍAS DE FUEGO 19 horas. $120 – $300 TEATRO DE LA CIUDAD Donceles 36, Centro Histórico.

MÚSICA FESTIVAL UNIÓN III: LXS ESCOMBRO + QUALIA + TAOS + EKOS + JÚPITER SOBRE LA LUNA OFICIAL + THE THICK BONES + VIVA EL REY + MI TRISTE BISONTE + KÖNIGSBERG + FUTUREMEN + LUCAS TROTACIELOS + JEAN LOUP 13 horas. $20. +18 LA ARENA ROYAL CLUB Thomas Alva Edison 142, San Rafael.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | AGENDA | frente | 9

Lunes 29

Martes 30

Miércoles 1 Si quieres que tu foro aparezca en esta lista, manda tu cartelera a agenda@frente.com.mx

MÚSICA KEY LOSERS + ALLEN BLEYLE 19 horas. Entrada libre.

LA ROMA RECORDS Álvaro Obregón 200 BIS-1, Roma.

CINE LOS EXILIADOS (Estados Unidos; Kent Mackenzie, 1961); 15 horas.

CINE TONALÁ Tonalá 261, Roma Sur. $50

CINE NINFOMANÍA [VERSIÓN COMPLETA, DIRECTORS CUT] (Dinamarca; Lars Von Trier, 2013); 18 horas.

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Xoco. $40

CINE GRITOS DE FIN DE SIGLO (Chile; Karen Baher, 2013); 20 horas.

CINECLUB CONDESA DF Av. Veracruz 102, Condesa. Entrada libre.

mÚSICA PAIN OF SALVATION 21 horas. $600 - $800 JOSÉ CUERVO SALÓN Lago Andrómaco y Molière, Ampliación Granada.

TEATRO ÚLTIMA FUNCIÓN: ANDRÓNICO De Mónica Perea sobre Titus Andronicus de William Shakespeare.

Dirección: Sixto Santillán.

20:30 horas. $100 TEATRO EL MILAGRO Milán 24, Juárez.

CINE 29 PALMAS (Francia; Bruno Dumont, 2003); 20 horas.

FILMCLUB CAFÉ Blv. Manuel Ávila Camacho 1695, Fraccionamiento La Florida, Naucalpan, Estado de México. Entrada libre.

CINE CICLO MÉXICO RECIENTE AUTORRETRATO APROPIADO (México; María José Alós, 2014); 20 horas.

CINECLUB REVOLUCIÓN Museo de Arte Carrillo Gil. Av. Revolución 1608 esquina Altavista, San Ángel. Entrada libre.

ARTE MIÉRCOLES DE SOMA: PLÁTICA CON JOSÉ SPRINGER 20:30 horas. Entrada libre.

SOMA Calle 13 núm. 25, San Pedro de los Pinos.

10 | frente | AGENDA | del 25 deseptiembre al 8 de octubre de 2014

A agenda

Lo mejor de la semana del 2 al 8 de octubre

Jueves 2

Viernes 3

Sábado 4

Domingo 5

MÚSICA LXS GRISES PRESENTAN: MONOGATARI + JACQUES COUSTEAU + COYOLI + APOCALIPSIS + LOS ATEOS + LXS ESCOMBRO 21 horas. $50. +18 EL REAL UNDER Monterrey 80, Roma.

MÚSICA FRECUENCIA URBANA 01: MHV + SCHEZ + ITZONE + HIRAM MARTÍNEZ + A-RP + KUPA + DJ GROSS + NO LIGHT 21 horas. $50 +18 BODEGA Dr. Vértiz 86, Doctores.

MÚSICA BEAT 100.9 PRESENTA: MARKUS SCHULZ 21 horas. $380 – $990 FORO CORONA Av. Industria Militar s/n, acceso 2, Lomas de Sotelo.

teatro TOM EN LA GRANJA De Michel Marc Bouchard.

Dirección: Boris Schoemann.

18 horas. $275 FORO LUCERNA Lucerna 64, Juárez.

ARTE DEL AMOR, EL ODIO Y EL OLVIDO Audioinstalación de Fernando Andonaegui.

MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL Av. Revolución 1608, San Ángel.

Martes a domingo de 10 a 18 horas. $19. Domingo entrada libre.

MÚSICA RICKY MARTIN 20:30 horas. $380 - $1,980 PALACIO DE LOS DEPORTES Río Churubusco y Añil, Granjas México.

MÚSICA NO TE VA GUSTAR 20 horas. $100 – $600 TEATRO METROPÓLITAN Independencia 90, Centro Histórico.

MÚSICA HATEBREED + NAPALM DEATH 19 horas. $350 - $450 JOSÉ CUERVO SALÓN Lago Andrómaco y Molière, Ampliación Granada.

teatro MADRE CORAJE Y SUS HIJOS De Bertolt Brecht.

Traducción: Juan Alberto Alejos.

Dirección: Iona Weissberg y Aline de la Cruz.

19 horas. $150 TEATRO JUAN RUIZ DE ALARCÓN Centro Cultural Universitario; Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria.

MÚSICA THE CAVERNARIOS + TELEKRIMEN + ESPECTROPLASMA + RADIO BLUES + LOS SUSTOS 20:37 horas. $70 MULTIFORO ALICIA Av. Cuauhtémoc 91-A, Roma.

MÚSICA NY JAZZ ALL STARS: SACHAL VASANDANI 20:30 horas. $200 - $600 CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL Puente de Xoco s/n, puerta A, Xoco.

teatro MANZANAS De Richard Milward y John Retallack.

Traducción: Antonio Vega.

Dirección: Alberto Lomnitz.

18 horas. $150 TEATRO ORIENTACIÓN Centro Cultural del Bosque; Paseo de la Reforma 50, Chapultpec Polanco.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | AGENDA | frente | 11

Lunes 6

Martes 7

Miércoles 8

MÚSICA LANA DEL REY 20:30 horas. $450 - $2,200 AUDITORIO NACIONAL Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

ARTE CORPUS DELICTI Artistas contemporáneos colombianos: Iván Argote, Germán Arrubla, Carlos Castro, Nadia Granados, Fernando Pertuz, Eduard Moreno, Leonardo Ramos y José Salgado. Hasta noviembre 2. | Entrada libre EX TERESA ARTE ACTUAL Licenciado Verdad 8, Centro Histórico.

MÚSICA FITO PÁEZ 20:30 horas. $300 - $1,200 AUDITORIO NACIONAL Paseo de la Reforma 50, Chapultepec Polanco.

CINE IMÁGENES PAGANAS (Argentina; Sergio Constantino, 2013); 20 horas.

CINECLUB CONDESA DF Av. Veracruz 102, Condesa. Entrada libre.

ARTE ETERNAL RETURN de Omar Rodríguez-Graham.

INDETERMINABLE EXACTITUD DE UNA LEJANÍA de Sandra Nakamura.

ARRONIZ ARTE CONTEMPORÁNEO Plaza Río de Janeiro 53 PB, Roma. Lunes a viernes de 10 a 19 horas. Sábado de 11 a 14 horas.

CINE LOS CANALLAS (Francia; Claire Denis, 2013); 21 horas.

FILMCLUB CAFÉ Blv. Manuel Ávila Camacho 1695, Fraccionamiento La Florida, Naucalpan, Estado de México.

Entrada libre.

TEATRO ROMEOS Dramaturgia y dirección David Gaitán.

Con Diana Sedano, Diana Fidelia y Ana Beatriz Martínez.

20:15 horas. $150 TEATRO LA CAPILLA Madrid 13, Del Carmen, Coyoacán.

CINE CICLO MÉXICO RECIENTE VIENTO APARTE (México; Alejandro Gerber Bicecci, 2014); 20 horas.

CINECLUB REVOLUCIÓN Museo de Arte Carrillo Gil. Av. Revolución 1608 esquina Altavista, San Ángel. Entrada libre.

MÚSICA FAKE NUMBER 22 horas. $50. +18 CARADURA Nuevo León 73, Condesa.

12 | frente | contraloría | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

C contraloría

Abraham Cruzvillegas | Tras Canvas En el sesenta, Urbano y Abel se toparon en donde se juntan Castro y Divisadero, iban a dar las cinco de la madrugada, el primero iba hacia La Misión, donde estaba pintando un mural sobre la vida despapayosa de san Francisco de Asís antes de su transfiguración mística; el segundo venía de tocar en un tugurio en Sausalito. Hacía ya harto que no se veían, pues Urbano –quien ahora respondía al nombre de Narciso– había tomado los hábitos y hecho los votos que la orden franciscana exige, y Abel –a quien siempre llamaron Canvas, porque desde chiquito nunca pudo decir bien la palabra “carambas”– siguió a su tío tocayo de apellido Pardo a tocar en una banda de pachucos desenfrenados de la bahía. Ahí se volvió pacheco y aprendió a rifársela en cualquier tipo de chamba: fue garrotero en la marisquería Swan, cadenero de un antro en el Tenderloin, pizcador de uva en Napa, jardinero en Rincon Park, y ahora saxofonista en un club cerca del Embarcadero. Los dos eran tarascos, pero desde cha-

vos supieron que era vergonzoso hablar su idioma fuera del pueblo, en la Sierra Madre Occidental; en Frisco entendieron que era vergonzoso hablar español.

Eran primos hermanos, los dos vieron la luz en 1935, los dos fueron niños músicos, como casi todo mundo en su pueblo, los dos sabían trasquilar, cardar e hilar lana, los dos crecieron taqueando tripa de borrego. Abel le dijo que iba a ver a Gildardo, hijo de su tío Chente, quien se había instalado en un lugar de la ciudad de México a donde estaban cayéndose todos los carnales del pueblo, ya entre varios parientes estaban armando una capillita para san Luis Rey de Francia, hecha de pura piedra volcánica amontonada, pues era lo único que había en ese lugar. Para entonces toda la raza se estaba yendo a la capirucha, decían que había jale para todos, que aunque fuera de macuarros, de chalanes, de lo que cayera. Se estaban construyendo un montón de edificios, se abrían calles donde nomás había lomas o cerros, muchas fábricas tenían vacantes.

Urbano, con la cabeza pelada, con su túnica parda y sus cordones anudados a la cintura y en sandalias, Abel todo de negro y con chamarra de piloto, con el copetazo envaselinado, y con zapatos puntiagudos de plataforma, dialogaron en la calle por una media hora y no volvieron a verse sino hasta el año 68, cuando Urbano había dejado la orden y ya tenía dos hijos, viviendo en la Ruiz Cortines, a dos cuadras de la tortillería de la tía Cachi, quien llorando había pedido a Abel ya no volver al gabacho, pues nomás agarraba malos vicios. Canvas, instalado en Bond Street con unos músicos que alternaban con negros que a veces tocaban jazz y otras bugalú, se metía lo que se encontrara y camellaba todo el día de mecapalero en Seaport. Hasta principios de los setenta hueseó en las bandas que le dieron chance, incluyendo las de Jemeel Moondoc y Joe Bataan, pero al final se rebotó al pueblo, donde abrió una pollería, desempolvó el telar de su abuelo Amado Aviléz, y se puso a dar clases de música en la escuela primaria que justamente llevaba el nombre de su ancestro.

Julio Martínez Ríos | Calabozos y dragones Gran dona rosa Los Simpson cumplieron 25 años.

Se armaron una celebración a la que este bien amado quincenario pudo asistir a través de las gafas de quien ahora golpea torpemente el teclado.

La convocatoria alcanzó para tres fechas.

La sede fue el Hollywood Bowl, anfiteatro angelino con capacidad para un poco más de 17 000 personas. La promesa publicitaria hablaba de música orquestal, pirotecnia e invitados especiales.

En los pasillos, antes de que cada uno pudiese encontrar su asiento, la iconografía de la serie daba la bienvenida mediante inflables, muros, figuras, afiches de gran dimensión que recordaban la transmisión maratónica recién organizada por la cadena Fox. Quinientos veinte episodios. La caricatura estaba ahí antes de que tú y tú y tú fuesen concebidos.

Donas gigantes flotaban en el aire. El rosa tóxico, único, un plato tan emblemático como la cabellera de Marge o la patineta del chiquillo Bart.

El actor Hank Azaria, encargado de decenas de voces, como Apú, el jefe policíaco Clancy Wiggum y el profesor Frink hizo las veces de anfitrión. El espectáculo estaba escrito. Tenía un guión cuyo arco dramático intentaba reproducir la estructura de una transmisión televisiva; no lucía por un

instante fabricado a la carrera. Las pantallas transmitieron fragmentos animados desarrollados ex profeso que hacían referencia a las vicisitudes relacionadas con llegar al Hollywood Bowl en auto, estacionarse, encontrar lugar y caminar hasta el asiento –un cotorreo donde los niños Simpson preguntaron decenas de veces “¿ya llegamos?”

–Y no encontraron más que imposibilidad.

Apareció el “chiste del sillón” desarrollado por el titán Guillermo del Toro. Se realizó un homenaje a Michael Jackson y la pieza compuesta para el cumpleaños de Lisa. El autor de “Thriller” hizo de su relación con la serie un juego de máscaras: él hizo la voz de un personaje que no lució como él, aunque no fue él quien cantó el corte arriba citado, sino un imitador, mientras que la famosa canción “Do the Bart Man” sí es de su autoría mas el crédito no pudo ser utilizado por razones contractuales.

El coro de hombres gays de Los Ángeles nos recordó el episodio de la sociedad secreta (los Magios) a la que Homero perteneció.

La mascota cervecera Duffman (otra identidad vocal de Azaria) llegó a la tarima acompañada por porristas y cañones que disparaban camisetas.

El anfitrión televisivo Conan O’Brian, otrora escritor de la serie, apareció para inter-

pretar el número que compuso para la aventura pueblerina del monorriel.

Hanz Zimmer recreó en directo la música compuesta para el cortometraje The Longest Daycare, candidato al Óscar.

El patinador Tony Hawk hizo una aparición relámpago, guiño a las invitaciones gratuitas de cada temporada.

Pero todo lo arriba descrito es betún. Un obsequio escrito en código para quienes se han involucrado con la caricatura en diferentes niveles. El tuétano del acontecimiento estuvo casi al inicio: Matt Groening, el caricaturista independiente de 60 años que puso sus iniciales en la calva de Homero, apareció bajo el reflector para compartir con los presentes algunas de las tarjetas de censura que la cadena Fox hizo llegar a su escritorio.

Los Simpson hablaron de religión, sexo, del diablo, de patinetas, alcohol, de las muchas formas en las que el mundo te vuelve súbdito y de las muchas otras como tú puedes engañarlo y darle la vuelta. Se burlaron de la autoridad, del estado, de la escuela. Todo en una pared rayada por “El Barto”.

A veces es difícil recordarlo, pues han estado ahí un cuarto de siglo. Son unos muñecos feos.

La patineta de Bart va remolcando una cofradía, una sociedad no tan secreta que ejecuta un largo acto de rebeldía.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | contraloría | frente | 13

Rodrigo Márquez Tizano | Malasaña La sopa paraguaya Al cruzar el Pilcomayo y dejar atrás Clorinda, En su magnífico En busca del hueso perdido debe tenerse en cuenta que, además de los (tratado de paraguayología), Helio Vera da cuenta casi trescientos artículos sancionados y pro- de algunas de estas no acciones. Dice: “En el mulgados por sus legítimos representantes Paraguay cualquier conflicto sigue esta rutinaen la Constitución Política de la República ria secuencia: nace, crece, y como nadie le hace caso, se vuelve complejo, de Paraguay de 1992, incorpora lágrimas y saiexiste en Asunción otro Estas leyes, latinoamericanas de netes, produce carcajadas conjunto de leyes cuyo llega a un fragoroso clídesignio quizá no sea el cepa, son las que verdaderamente ymax.

Después, comienza de enaltecer los principios de la democracia se imponen entre la tropa. Las a declinar por sí mismo”. republicana, participa- únicas. Nadie las inventa pero Ahí surge el opa rei, que se tiva y pluralista, sino traduce como “terminar apenas salvar las car- todos las acatamos. en balde”. La lógica es la nes. Hay que decirlo: siguiente: cuando la dismás de un estatuto resulta vagamente cusión aflora hay que saber de antemano que familiar. No por nada el DF debe ser con- opa rei. Entonces, ¿para qué apremiar la disputa siderada, por derecho propio, capital si de todos modos es bien sabido que no puede mundial del dioselopague y la yernocracia. ser solucionada? ¡Opa rei!

Estas leyes, latinoamericanas de cepa, son Sin embargo, no siempre pueden contar las que verdaderamente se imponen entre la los paraguayos con que el destino irremediatropa. Las únicas. Nadie las inventa pero todos ble los libre de alinearse. Entonces, dice Vera, las acatamos. Ese constante tallón entre el se aplica la inexorable “ley del jepoka”, que no fervor cristiano, el exceso de diminutivos a la es otra cosa sino esperar del otro la solución. hora de pedir, y por supuesto, la sana relación Transferir la responsabilidad a un segundo (o entre autoridades y autorizados, les van dando hasta un tercero) es una acción noble y colforma. No hay que pagar derechos de piso: son mada de buena voluntad. No vaya a cometerse creative commons. En Paraguay, sin embargo, el error de confundirla con vil desidia. Es un no sólo existen sino pueden ser nombradas. asunto de confianza. “La frase Ajepoka nderehe Y hasta en guaraní. Su eficacia es proverbial (lo esperaré de ti) pone en movimiento una porque más que negar el sentido de las cosas o, misteriosa cadena de sucesos que finalmente mucho peor, intentar solucionarlas, lo detie- terminará con nuestra angustia”. Y es así como nen sin más. Le instalan pausa al conflicto, se dirimen, con sabia indolencia, las broncas igual que Romerito ponía a dormir la pelota en el país de la sopa dura. Sirva este texto a los con un mágico roce de su empeine. Una suerte aficionados pumas, que con frecuencia termide revitalización de las cien escuelas del pen- nan desconsolados intentando comprender el samiento chino, sin más. andar errático de Dante López.

“

”

http://taquitojocoque.tumblr.com

Taquitojocoque | #COMPER

Alan Page | Casi Casi La nostalgia de la fiesta Me considero afortunado de haber podido visitar hace unos días el archivo de una de las grandes televisoras de México –una bodega, ni tan grande ni tan chica, llena de fragmentos, de restos olvidados de los medios: notas, transparencias, guiones de noticieros caducos–.

Al parecer, la televisora estaba por tirar todo este material a la basura y algunos buenos hombres y mujeres lo rescataron. Quizá, apropiadamente, la bodega estaba escondida al fondo de uno de los niveles del estacionamiento subterráneo. Iba en busca de material de un compositor famoso de música de baile.

En mis pesquisas me encontré con una escena que me tomó por sorpresa. Me conmovió.

No era mucho: algunas imágenes aisladas, sin ton ni son, de una fiesta en un pequeño salón de baile en los años cincuenta. De la oscuridad salían unos entonces jóvenes sudados como de un trance, sonriendo de oreja a oreja, por completo inconscientes de la cámara. Se veían tan contentos bailando…

Y lo que me conmovió no era el grado de felicidad que demostraban, sino su absoluta inconsciencia. Sólo estaban ahí, bailando, esa noche en ese teatro en ese año, tan ignorantes del pasado como lo eran del futuro por venir.

Más tarde, comencé a revisar entrevista tras entrevista con dicho compositor. Le

hacían las mismas preguntas: cuándo compuso sus éxitos, qué proyectos tenía, a dónde iría en su siguiente gira. Las preguntas las respondía con amabilidad, pero su mirada estaba ausente. Su música se había vuelto propiedad pública, y la reverencia con la cual se dirigían a él impedía cualquier posibilidad de contacto real. Se veía cansado. Lo mismo sucedía con el baile. En el pietaje de fiesta tras fiesta ( ya veinte años después), los jóvenes todos miraban a la cámara, ausentes del lugar en donde estaban, más cercanos a una idea que a un lugar.

Este pequeño contraste entre fiestas me dejó pensando. Hay una fiesta en donde las canciones se bailan por primera vez, y hay otra donde se vuelven a bailar. Las volvemos a bailar para ver si logramos bailarlas como esa primera vez. A veces se logra algo que se le asemeje, pero a la larga no. Porque la nostalgia de un primer momento pone en acto la misma separación que añora superar.

Lo digo porque si no se mira con atención, quizá parezca que la cultura de fiesta constante en que vivimos está atrapada en un gran ciclo de celebración y de goce desenfrenado.

Pero detrás de la eterna repetición de los éxitos esculca una añoranza, un duelo y una imposibilidad de regresar.

“Y lo que me conmovió no

era el grado de felicidad que demostraban, sino su absoluta inconsciencia. Sólo estaban ahí, bailando, esa noche en ese teatro en ese año, tan ignorantes del pasado como lo eran del futuro por venir.”

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | Versus | frente | 17

v versus

“Me gusta cómo con pocos elementos se puede llegar a comunicar algo crítico, que dé risa, que haga enojar. La capacidad de síntesis siempre me ha gustado. Admiro a cualquier persona reflexiva, con humor, que logre explicar las cosas de manera sencilla. Esa capacidad se me hace un proceso mental muy cabrón.”

Eduardo Salles Cinismoilustrado.com es el vehículo que Eduardo Salles usó para diseminar sus ilustraciones de crítica social, las cuales ahora ya no sólo se encuentran en su blog, sino dispersas por toda la red. Su trabajo incluso ha dejado de ser unos y ceros, y se han vuelto tangible en la forma de un libro recién publicado: Cinismo ilustrado [Tumbona, 2014] que recopila lo mejor de su gráfica. Este publicista, humorista y diseñador autodidacta de 27 años ya es parte de la cultura popular digital, no sólo de México, sino de Latinoamérica e incluso otras latitudes.

Entrevista Lorena Villa Parkman | fotografía ramón ruiz sampaio

18 | frente | Versus | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | Versus | frente | 19

¿Cómo empezó la idea de tu blog Cinismo ilustrado?

Decepciono a todos los que me preguntan esto. No fue un inicio glamuroso. El sitio nació del ocio y de no tener nada que hacer, de no tener ningún plan. No tenía pensando que iba a hacer ilustraciones o diseño. Simplemente un día dije “ah, voy a publicar dibujos en internet”. Ésa es la historia real, verdadera y deprimente.

Cuando dices que no tenías nada que hacer, ¿a qué te refieres?, ¿no tenías trabajo, no estudiabas?

No tenía nada que hacer porque fue en mayo del 2009, justo cuando pasaba lo de la influenza. En medio de la paranoia colectiva estaba en mi casa y no salía. No es metafórico, tal cual, no tenía nada que hacer en ese momento y entonces decidí crear el sitio. Estaba empezando la universidad, que por cierto no terminé. Estudiaba Ciencias de la Comunicación en la unam.

En quinto semestre, le dije no a hacer otros cuatro semestres sólo para que mi mamá tuviera un título que colgar en su pared.

Mejor decidí aprender por mi cuenta.

Cuando empezaste a hacer dibujos, ¿tuviste alguna fuente de inspiración, no sólo estética, sino humorística?

En un principio me dejé llevar mucho por Quino, no por el estilo, aunque me gustaba, sino por su capacidad de sintetizar un chiste.

No me encanta Mafalda, pero sí todo lo demás que ha hecho. En un sólo cuadro entiendes todo sin necesidad de un texto. Ahí empecé a hacerme fanático de la síntesis. Me gusta cómo con pocos elementos se puede llegar a comunicar algo crítico, que dé risa, que haga enojar. La capacidad de síntesis siempre me ha gustado. Admiro a cualquier persona reflexiva, con humor, que logre explicar las cosas de manera sencilla. Esa capacidad se me hace un proceso mental muy cabrón.

Y en esta síntesis, justo después de tu blog encontraste Twitter. Ya no sólo hacías tus ilustraciones, sino tuits críticos, ¿eso aumentó tu público?

Se podría pensar que la gente que me sigue es la misma, tanto la del sitio como la de Twitter. Pero son universos que no se conectan, hay gente que me conoce de Twitter y no sabe que hago lo que hago. No entienden que yo hago ilustraciones. Y hay gente que ve mis ilustraciones y no me leen en Twitter. Y pasa mucho. También hay personas que no saben que soy publicista. Creen que soy un diseñador freelancero. Tengo tres o cuatro personajes distintos con delirios de personalidad múltiple, pero está padre. Puedo hablar de diferentes maneras en diferentes medios.

En tu trabajo de publicista, imagino que tienes que ser políticamente correcto, no puedes decir todo lo que dices en Cinismo ilustrado. Pero no sé si por ser tú te dejan hacer más o menos lo que quieres…

No saben quién soy. Hay una desconexión.

Ningún cliente sabe que yo hago Cinismo ilustrado. Pasa mucho. Hay gente que sabe qué es y cuando dicen: “¿ah es el de Cinismo

“ Después me di cuenta de que más que hacer el libro por negocio,

porque jamás he pensado eso, sí tenía una inquietud. Creía que en algún momento se iba a desaparecer todo lo que había publicado en la red. El huracán de gatos y memes se lo iba a llevar todo.” ilustrado?” Pero como no soy una persona que dé su nombre mucho, ni salga en fotos, no nos relacionan. La autoría no va por delante, la gente no reconoce al autor, sino el trabajo.

¿Quiénes o qué temas son tus blancos favoritos?

No estoy ensañado con alguien en particular. Me gustan los temas que son polémicos pero porque no deberían serlo. Hay unos que lo son por naturaleza, como el aborto, la política, la religión. Si toco estos temas la gente se enoja, claro. Pero hay temas que pensarías que no generarían ningún tipo de polémica, los tocas y la gente se enciende.

Un ejemplo es el tema de los animalistas, el fanatismo animal. Estas personas llegan a un grado fanático. Si te burlas de esta sobreprotección o excesiva atención que tenemos hacia ellos, enloquecen. Hay una ilustración que hice que muestra a un niño de la calle pidiendo dinero y nadie le hace caso; luego esas mismas personas ven un perrito de la calle y se acercan muchos a ayudarlo. Lo sorprendente es cómo se prende la gente y los comentarios que hacen. Otro asunto así es el cambio climático o las ideas de los veganos. Una más es esta cuestión de los temas feministas, como que todavía no tenemos bien calibrado dónde es machismo, dónde es misoginia, dónde sólo es un chiste. Para mí la igualdad consiste en que hay humor en todos lados, tanto te puedes reír de un hombre como de una mujer y no es que seas machista o misógino, simplemente hay cosas que son graciosas en los hombres y en las mujeres. Cuando no está claro dónde está la aguja de a favor o en contra, esas polaridades generan mucho más escozor.

¿Tienes detectados ciertos temas que jamás abordarías en tus críticas?

No soy muy fanático de lo grotesco. No es lo mismo hacer humor de un tema delicado a hacer polémica barata. De cajón no tengo una restricción, siempre trato de trabajar sin ningún filtro, pero siempre pensando en la parte humorística, criticable o irracional del asunto. Y no tanto mofándome de la cuestión.

Un ejemplo de esto fue cuando sucedió el tsunami en Japón, el apocalipsis japonés: un terremoto, un maremoto y luego un desastre nuclear. En la mañana escuché sobre el incidente y lo primero que se me vino a la mente fue: Japón, ola de Hokusai, anime. Entonces, hice una ola de Hokusai que arrasaba a Mazinger Z, a Hello Kitty y todos esos personajes. Lo subí y me dijeron que era un hijo de puta, que era demasiado pronto para burlarme… entonces yo pensé: pues me estoy burlando de las muertes, no estoy poniendo a un japonés muerto arrasado por la ola. Buscaba más bien el efecto

humorístico a través de que son muchos clichés puestos en una imagen con la excusa de que hubo un maremoto en Japón.

No tengo problema con el timing o ciertos temas escabrosos, con la condición de que siempre hay que encontrar cuál es el caldo de cultivo que puedes convertir en humor, crítica o estupidez gráfica. No pensar en cómo voy a ser obsceno, cómo voy a burlarme de los muertos o hacer polémica barata.

¿Cómo surge la idea del libro Cinismo ilustrado?

No hubo nada original en el asunto. Se han publicado libros de autores que hacen ilustraciones en internet. Hay unos muy buenos que se dedican a hacerlos en internet y luego hacen un libro con su trabajo, como The Oatmeal y Hyperbole and a Half. Al principio estaba un poco dudoso. Después me di cuenta de que más que hacer el libro por negocio, porque jamás he pensado eso, sí tenía una inquietud. Creía que en algún momento se iba a desaparecer todo lo que había publicado en la red. El huracán de gatos y memes se lo iba a llevar todo. Aunque es lo divertido de internet, que sea tan efímero, y que un día algo está de moda y luego nadie se acuerda, esa fecha de caducidad me preocupaba porque había algunas ilustraciones publicadas en línea que quería tener en forma física. Si a eso le sumas que la editorial ya estaba interesada, había visto estos otros referentes, pues dije “fuck the police, vamos a hacerlo”. Sólo quería que el libro existiera para poder tener una copia.

Los screenshots que incluyes en tu libro de los comentarios de Facebook que recibes a propósito de tus ilustraciones, son a veces hasta más hilarantes que el propio tema del que te burlas…

Me han preguntado si los inventé. No inventé nada, todo está ahí. Hay gente muy dañada, creo que eso es lo divertido también de internet. Es ponerte en contacto con todos estos personajes que están por ahí. Como el sitio Cinismoilustrado.com se volvió muy masivo y llega cualquier tipo de persona, no sabes a dónde está llegando realmente. No es como cuando lo publicas en una revista y sabes que ciertas personas lo verán. Lo bueno de internet es que parte de un lugar, pero va a llegar a sitios donde no te imaginas. Llegará a gente que lo recibirá de diferente manera. A alguien que le gusta el humor negro, que entiende la lógica, dirá “es gracioso”. Pero cuando sale de ese nicho y se va a otro lugar, un tipo que no está acostumbrado a ese humor pues claro que le indigna que esas imágenes estén circulando por la red ¡piensen en los niños!

De hecho, quería publicar un libro de puros comentarios que recibo, como un lado B con anécdotas de cómo surgieron

esos comentarios. Ya no dio para eso, pero combiné ambas idas en un solo libro.

Los comentarios a veces son más humorísticos que la propia ilustración. Nada le gana al humor involuntario.

¿Tienes alguna anécdota con algún hater o algún fan?

Hay muchas anécdotas. Me ha tocado que ilustraciones mías las hagan grafitis. Me mandaron una foto de una que reprodujeron en grafiti en Chile. Una vez me pasó que me dijo una chica que en Colombia soy famoso (a lo mejor soy un tipo como Sugarman allá). Pero la verdad no soy muy hábil con las cuestiones sociales. Hay algo en la relación del fan y la persona admirada que nunca me hace sentir cómodo. Es agradable que alguien te admire, pero me altera un poco.

Me pregunto: ¿qué hago con esto? No me gusta llamar la atención. Mucho tiempo traté de que no se viera mi cara, ni se supiera mi nombre. Prefiero hacer cosas que gusten, que la gente odie, pero amar a la persona me causa conflicto. Mejor que el centro de atención sea Cinismo ilustrado o cualquier proyecto, no Eduardo Salles.

Por lo mismo que tu trabajo se disemina en internet, supongo que es más fácil que plagien tu trabajo. ¿Te has enfrentado a eso? ¿Cómo lo tomas?

Todo el tiempo. Lo veo como algo superbueno. Finalmente es el remix, el plagio, el rehacer las cosas todo el tiempo que permite que haya más producción cultural.

Además, todos los creadores lo hacen. No es que siempre hagas cosas de la nada, sin referencias. Así funciona la creatividad, de tomar cosas que ya existen, hacer un remix y crear algo nuevo. Incluso internet es así, es un chavito de 20 años que apenas está descubriendo la vida. Ve algo padre y lo toma, dice “esto está genial” y se lo apropia sin dar crédito. Esto afecta cómo entendemos las referencias. Antes, cuando le preguntabas a alguien cuáles eran sus modelos a seguir, tenía claro a quien admiraba: al autor o al caricaturista. Antes el autor era lo principal y luego su obra. Hoy hay tanta mierda en internet que es un scroll eterno. Uno ubica un artículo, imagen o video genial, pero si preguntas ¿quién es el autor? Ni sabes. Ya no endiosamos tanto a los autores, sino al contenido. Es parte de la dinámica de internet. No me molesta el plagio, más bien me he reído de community managers que le dan mi contenido a marcas. De sólo pensar que le pagan a una agencia digital para que se robe contenido de internet y lo use como suyo, me da más bien risa y pienso que qué pendeja la gente de esa marca.

Algunos me sugieren que los demande, pero tengo poca afinidad al dinero. No me mueve. Quizá está mal y soy un pendejo.

Nunca he trabajado con una marca ni monetizado mi sitio. Estoy convencido de que me voy a morir pobre, lo sé, ya lo vi, vi ese final decadente, porque no, nomás no me motiva.

Me gusta hacer las cosas, para bien y para mal.

Soy un hippie. De hecho no, odio a los hippies, no pongas eso.

20 | frente | portada | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

foto ana hop

por rulo

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | portada | frente | 21

Nortec tiene las horas contadas. Bostich y Fussible, los dos hombres que fundaron este colectivo, han decidido que el flamante Baja Motel será el último disco que se publica bajo este nombre y la última vez que utilizan la música norteña que definió el sonido que ellos inventaron.

En sus catorce años de trayectoria, Nortec logró definir a qué sonaba Tijuana y el norte entero, al mismo tiempo que transformaba la música electrónica mexicana. Produjo una discografía trascendente que dio la vuelta al mundo. Sus propuestas de vanguardia lo llevó del Vive Latino, a tocar en Coachella, a presentarse en Bellas Artes y hasta un festival de folk en Finlandia.

Con la misma claridad con la que los fundadores abordaron cada uno de sus proyectos, ahora saben que seguir adelante con Nortec sería desgastarlo. Hay nuevos planes en el horizonte de este dúo.

El año que entra harán su gira de despedida y tantán. ¿Qué hay detrás de su decisión?, ¿qué sigue? Frente platicó con ellos para resolver estas dudas.

22 | frente | portada | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

foto ana hop

A lo mejor nuestra música está cambiando Tijuana”, le decía Ramón Amezcua, mejor conocido como Bostich, al curtido periodista Neil Strauss (entre otras cosas autor de las biografías oficiales de Mötley Crüe y Marilyn Manson) en una nota que apareció publicada el 8 de marzo del 2001 en el New York Times.

Alrededor de Nortec, consignaba Strauss en su pieza, se galvanizaba una escena creativa a la que además de músicos se sumaban escultores, escritores, cineastas, diseñadores de moda, cineastas y otros artistas.

Strauss visitaba Tijuana como parte de la comitiva invitada a la presentación con bombo y platillo del primer larga duración del Colectivo Nortec, Tijuana Sessions Vol. 1, un evento llamado Nortec City. El evento se llevó a cabo en el viejo edificio que en tiempos más glamurosos alojó la cancha de jai alai de aquella ciudad. El sello que editaba el disco, Palm Pictures, había trasladado a la crema y nata de la prensa musical norteamericana a conocer la frontera que

Pepe Mogt

al dividir dos mundos contrastantes estaba generando su propia identidad, a sondear en primera persona el caldo de cultivo que había originado ese particular híbrido de música del norte de México con beats electrónicos.

Han pasado trece años y medio desde aquel evento. Hoy Nortec es Ramón Amezcua y Pepe Mogt, o Bostich y Fussible. Atrás se quedaron Plankton Man, Clorofila, Terrestre y Panóptica, los otros integrantes del colectivo.

En este tiempo han construido una discografía notable y le han dado la vuelta al mundo. También se han presentado como plato fuerte en festivales como el Vive Latino, han sido el espectáculo principal en la inauguración de unos juegos panamericanos e incluso han ofrecido conciertos en Bellas Artes, un foro que no suele acoger propuestas musicales de vanguardia.

Pero ¿de verdad cambió su música a la ciudad Tijuana? Se vale discutirlo. El que escribe esto piensa que sí. Por lo menos cambió ( y sigue cambiando) de manera positiva la escena cultural de la ciudad. Para empezar, gracias a Nortec muchos tijuanenses empezaron a ver y a valorar lo que estaba sucediendo en su propia ciudad, lo cual no es poca cosa, ya que abrió espacios que significaron un impulso importante para las industrias creativas locales. Además, le generaron una curiosidad importante al mundo por saber lo que ahí pasaba, abriendo así la puerta a muchos artistas de Tijuana en otras latitudes. También significaron un hito para la música popular mexicana. No es exagerado decir que Nortec se ha convertido en un tesoro nacional. Por eso resulta doloroso que se acabe, aunque probablemente sea lo más sensato.

El encuentro con Frente es en la cafetería de un hotel de la avenida Álvaro Obregón. Se sientan ante una grabadora para hablar de su pasado, su presente y su futuro. Ya está decidido que Nortec llega a su fin. Baja Motel es su último disco. Habrá una gira para presentarlo en directo y tantán. No más. Vendrán otros proyectos que no tendrán que ver con su afortunada fusión de electrónica y música norteña.

No parece haber acordeones, bajo sextos y trompetas en su futuro.

Pepe recuerda, de cierto modo, por su bigote y sombrero, a la máscara de Guy Fawkes que muchos conocimos en la película V de Vendetta,

y que suelen utilizar los miembros de Anonymous en sus videos. Román parece dentista. Y es que lo es. Ése ha sido su oficio desde antes de ser un músico reconocido. Los dos están cansados del proyecto que ahora es sumamente exitoso. Saben que musicalmente no da más. Por eso decidieron liquidarlo.

ElPepeinicio Mogt llevaba muchos años haciendo música. Había participado en varios proyectos, el más notable Artefakto, un grupo de música electrónica que pisaba los terrenos del industrial. Una vez disuelto Artefakto, le dedicó su tiempo y su esfuerzo a Fussible, alias bajo el cual hizo un disco de breakbeats, más o menos como lo que hacían los Chemical Brothers a finales de los noventa. Aunque recibía ofertas tentadoras para editar el primer disco de Fussible, solían venir acompañadas de alguna sugerencia que iba contra su forma de hacer música. Querían algo más accesible, más simpático. “No me gusta lo kitsch. O hago algo serio o no hago nada”, dice Mogt. Acabó por hartarse de la industria musical de México. Entonces tomó una decisión trascendente: “A la chingada. Estaba entre agüitado y encabronado con las disqueras mexicanas. Todos valen para pura… Todo era muy controlado, muy monopolizado, todo tenía que pasar por filtros, todos tenían que ser compas del otro, entonces dejé de hacer música por un rato”.

Aprovechó el descanso para reflexionar sobre cuál podría ser la ruta a seguir. “Me puse a tripear. Pensé que tenía que hacer algo donde todo me valiera camote, y pensaba que tenía que haber un sonido que tuviera que ver con Tijuana. Todavía no pensaba en lo norteño, pero sí quería algo que fuera muy de ahí.”

No había música, en ese momento, que representara a su ciudad. Así lo cuenta Ramón, quien producía música y se presentaba como Bostich en rave. “Es una cuestión generacional.

Hubo gente que se identificaba con Los Moonlights, con Los Alabastrinos, con ese tipo de música, pero era sólo una corriente.” Y agrega Pepe: “En los sesenta estuvo Peace & Love, que sí traían la onda local, con mucha influencia del rock, obviamente”.

Pepe encontró inspiración en la escena tecno de Colonia, en Alemania. “Había muchos proyectos pero todos tenían un sonido. Y claro, todos se juntaban en el mismo lugar. Yo tenía muchos amigos haciendo música –incluido Ramón– y entonces pensé en hacer una recopilación con un mismo sonido, haciendo yo la

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | portada | frente | 23

foto ana hop

curaduría, pasándoles los sonidos. Si la idea les gustaba, sabía que se iba a lograr un sonido de Tijuana.”

Cuando habla de los sonidos, Mogt se refiere a las legendarias cintas de música norteña que llegaron a sus manos y que son una pieza fundamental de este relato.

Para conocer la historia de las cintas, hay que revisitar la boda de la hermana de Pepe Mogt. La amenizaba un conjunto norteño y a Pepe le tocó sentarse en una mesa junto a los músicos. “Qué hueva aguantarlos toda la noche”, pensó. Pero después de un rato de escucharlos empezó a cambiar de opinión.

No estaban tan mal. “Si arreglo las melodías, si cambio los ritmos, si los filtro, si les pongo sintes, esto puede ser una música diferente.” Fue con ellos y les dijo que los quería grabar. Cuando supo sus honorarios, desistió. No contaba con ese presupuesto para hacer experimentos.

Pero eso no lo detuvo. Le habló a un amigo que tenía un estudio para ver si tenía alguna grabación en ese estilo que le sirviera para hacer pruebas. No tenía, pero le contó de un estudio en la sórdida calle Coahuila donde encontraría lo que estaba buscando. “Eran demos que hacen para conseguir jale de los grupos que andan por ahí, en los congales”, dice Pepe.

Su amigo le ayudó a obtener las cintas.

Pepe pasó una noche en vela escuchando el tesoro que le acababan de entregar. “Pensaba ‘qué feo se oye y qué chingón a la vez’. Las tarolas gordas y aguadas, las tubas distorsionadas, mal grabadas.” Más allá de la calidad de los músicos o de la grabación, lo valioso era que esas cintas capturaban la esencia de Tijuana.

“Yo lo que pensaba era ‘esta madre me suena a la Coahuila’ y de ahí vinieron otras ideas. Era el sonido de Tijuana. No era el sonido de la banda de Sinaloa, olía a pescado, al Adelitas [un famoso tugurio tijuanense].”

Lo primero que recuerda haber hecho Pepe, una vez copiadas esas cintas, fue poner a sonar el vinilo de la canción “A Jealous Guy from Memphis” de Burger/Ink [oscuro dueto alemán de música electro ambiental] al mismo tiempo que la música norteña. Le gustó cómo se escuchaban estos estilos, aparentemente tan ajenos entre sí, al ser yuxtapuestos. Con base en eso empezó a trabajar con secuenciadores,

samplers y sintetizadores. Lo siguiente fue invitar a otros colegas a sumarse al proyecto.

El primero fue Ramón que en un principio se mostró escéptico ante la idea.

“No me creía. Pensaba que estaba bromeando. O que me lo estaba albureando. Lo invité a la casa para que checara el material, música electrónica con norteño y banda.

Llegó y le di su copia en CD de lo que había en las cintas”, dice Pepe. En ese momento, él ya tenía una versión cruda de “Ventilador” [que viene en Tijuana Sessions Vol. 1], la primera pieza del sonido Nortec, un borrador de lo que estaba buscando. “Era una idea primitiva para ilustrar lo que podría ser.” Aún no había nombre para lo que estaban haciendo. Sabían que era norteño y techno. Nor-Tech. Nor-Teck.

Pero no les gustaba cómo se veía. Tampoco a su diseñador de cabecera, Fritz Torres. Se quedó como Nor-Tec y luego, simplemente, fue Nortec.

Vía telefónica se mostraban lo que cada uno estaba haciendo. Así se acuerda Ramón de aquella época: “Era muy emocionante, muy divertido. Y en cuestión creativa era como haber encontrado una mina de oro. Cada cosa que hacíamos, neta, nos emocionaba.

Era mucha energía”.

Aunque ya tenían algunos temas –“Solaris”, “Trip to Ensenada” y “Ventilador”–, no estaba claro cuál debería ser el siguiente paso.

Para su buena suerte, uno de sus amigos, DJ Tolo, se ganó una beca estatal y con el dinero que recibió se propuso hacer mil copias de un vinilo. Le pidió un tema a Pepe, quería algo de house o de techno. Pepe le reviró invitándolo a su casa para enseñarle su trabajo más reciente. A DJ Tolo le impresionó tanto lo que le mostraron que decidió que el vinilo que publicaría sería el de Nortec. Todo su dinero lo invirtió en un disco llamado Nortec: The Spaced TJ Dub (1999). Apareció en su propia disquera, Mil Records.

Invitaron a muchos músicos a sumarse al proyecto, pero por lo general los rechazaban.

“Preferían seguir haciendo house francés”, dice Pepe. Otros se comprometían, pero nunca entregaban nada. Y también hubo algunos que no dieron el ancho. “Nos daban un remix, mas no un sonido nuevo, que era lo que buscábamos”, dice Ramón. Invitaron a algunos amigos de la juerga interesados en la música electrónica a trabajar con ellos, aunque no supieran tocar. Pepe y Ramón les ayudaron a armar sus rolas. “El único que entró, que sí nos pareció bien cabrón, fue Fernando [Corona], alias Terrestre [poste-

“… gracias a Nortec muchos tijuanenses empezaron a ver y a valorar lo que estaba sucediendo en su propia ciudad, lo cual no es poca cosa, ya que abrió espacios que significaron un impulso importante para las industrias creativas locales.

Además, le generaron una curiosidad importante al mundo por saber lo que ahí pasaba, abriendo así la puerta a muchos artistas de Tijuana en otras latitudes.”

Ramón Amezcua

foto toni françois

24 | frente | portada | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

“No va a ser una gira de despedida. Vamos a estar enfocados en este disco. Bostich y Fussible vamos a seguir trabajando. Es la última gira con el sonido de Nortec.” riormente conocido como Murcof], y él nos dijo que conocía a un morro chido, Plankton Man”, cuenta Pepe.

Camilo Lara (ahora del IMS, antes ejecutivo del sello EMI) le hizo llegar la música de Nortec a una representante del sello Palm Pictures, entonces la nueva empresa del mítico Chris Blackwell, fundador de Island Records. Blackwell y su gente viajaron a Tijuana a conocerlos de cerca. Les ofrecieron una fiesta enorme que terminó en un contrato.

La idea de ponerles Nortec Collective fue de los ejecutivos de Palm Pictures. También bautizaron su primer disco, Tijuana Sessions Vol. 1 (2001). El resto, como dicen, es historia.

Entre otras cosas, representaron a México en ferias mundiales, tocaron en Bellas Artes y se encargaron de musicalizar la inauguración de los Juegos Panamericanos Guadalajara 2011.

Encabezaron el Vive Latino en varias ocasiones y desarrollaron uno de los shows en vivo más potentes que haya hecho jamás un artista nacional. El Vol. 2 de las Tijuana Sessions nunca salió. El Vol. 3 (2005) sí, y fue el último del colectivo. Al final se quedaron, como al principio, Pepe y Ramón, o Fussible y Bostich.

El último disco y el final de la historia. ¿Duró más de lo que se estimaba?

cómo lo grabamos, por las colaboraciones, la idea. Inclusive fue una retrospectiva a nivel sonoro, hay canciones que te llevan al Tijuana Sessions Vol. 1, remembranzas de “Polaris” en una pieza que se llama “Into Your Heaven”.

Todo eso nos hizo ver que este disco es el que cierra el ciclo.

Pepe: Llegamos al Motel Baja. Ya habíamos hecho colaboraciones con mucha gente. Ya habíamos grabado con sinfónica. Ya habíamos explorado nuestro lado más espacial musicalizando la película Puño de hierro (de 1927), habíamos hecho varias colaboraciones y cosas… y dijimos “ya son 15 ¿Es un retorno a la música que origiaños”. Llegamos al punto en el que ya había nalmente les apasionaba, la electrónica que parar. más dura?

Ramón: Sí. Siempre tratamos de que estuRamón: Fritz Torres (el diseñador gráfico de viera el elemento electrónico, pero hasta los los discos de Nortec) nos dijo: “Este proyecto mismos festivales nos pedían usar más insva a durar mucho, va a durar cuatro años”. trumentos. Tocamos incluso en un festival de Extendernos 15 años sí fue muchísimo. folk en Finlandia. Ahí tocar electrónico como Es difícil retirarse cuando aún están coque no. Llevamos hasta 17 músicos en una sechando lo sembrado durante mucho de esas giras. tiempo. ¿Es su caso?

Para este disco, al revisar lo que nos Pepe: Estamos en un punto de comodidad, gusta, los sonidos con los que hemos experimentado, empezamos a desempolvar sí nos está yendo bien, pero tenemos otras muchos instrumentos que teníamos en ideas, otros proyectos que hemos estado trabajando. Con el Motel Baja llegamos al final. nuestro estudio: las cajas de ritmos viejas, No nos vemos haciendo otro disco más de por ejemplo. Casi todo este disco está hecho Nortec. Ya le metimos trompetas, tarolas, con las [Roland] 808, 606, 303… eso para acordeones… ya hicimos sinfónico. Ya no nosotros fue muy divertido. Nos tardamos podemos más. más en programar porque tiene su cuestión Ramón: Ya colaboramos con gente que artesanal trabajar con este tipo de maquinaria, pero nos dio muchas satisfacciones. siempre hemos admirado, desde Kraftwerk Pepe: El disco lo hicimos en el Valle [de Guahasta Tom Tom Club. Eso también fue como dalupe]. Estuvo superbonito, en una casa una tesis de algo que siempre soñamos. Y toda de cristal, viendo hacia el valle. Y nos es lo que nos ha hecho dar el paso que ahora quedamos ahí hasta la madrugada. damos. Estamos muy satisfechos.

Ramón: Es la primera vez que Pepe y yo Y Hotel Baja lo consideran un final digno… hemos trabajado totalmente juntos, enceRamón: Con este material estamos muy rrados. Juntamos nuestros estudios en contentos. Fue un disco totalmente difeuna habitación. Se convirtió en un arsenal rente por la forma en la que se concibió, de sintetizadores.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | portada | frente | 25

¿Cómo se fueron alejando de la música electrónica?

afecta su trabajo?

Pepe: Sí y le echas más ganas. Al principio ¿Y en el DF? Pepe: El año que entra, para ya decir bye. Si no sabíamos cómo decirle a la gente, ni a nuestro mánager, Tomas Cookman, que era Nortec creció a este nivel fue primero aquí nuestro último disco. con estas fiestas como Technogeist en el Ramón: La respuesta ha sido muy buena, Zócalo. muy positiva.

Ramón: Para esa fiesta, en el 2002, nos pidieron que no tocáramos Nortec, sino cosas de Pepe: Seguir adelante con Nortec sería desgastarlo. Ya no estamos cómodos. Sería un nuestros proyectos anteriores porque había problema si no tuviéramos otro horizonte puros DJs alemanes. Y tocamos puro Nortec. en la mira. Si se acaba hoy, ahorita, antes de la gira del Hotel Baja que es lo único que nos ¿Van a hacer algo juntos?

Pepe: Sí, algunas cosas juntos, otras por queda para acabar de cumplir –sería muy separado. mala onda acabar de golpe, porque no estamos peleados ni nada, sería muy mamón– ¿Cómo hacen las canciones? tenemos un montón de proyectos listos.

Pepe: Cada quien escribe las suyas y luego ¿No les importa dejar de ganar dinero, las juntamos, les damos visto bueno y las no ser cabeza de festivales? producimos.

Pepe: Va a ser algo diferente, adecuado a nuestros tiempos y a nuestras edades. Yo no me veo en diez años brincando en el Vive Latino. A lo mejor levantando el bastón. Estamos en otras cosas, en proyectos visuales que a lo mejor vas a ver en salas de museos o en conciertos para doscientas personas. Eso es lo que queremos ahorita. Y económicamente la verdad ya estamos resueltos. Nos podemos retirar sin broncas. Queremos seguir por ese lado y que se acuerden de Nortec. Seguir tocando “Tengo la voz” me daría no sé qué.

Luego ves a bandas viejas y piensas… ¿Cómo va a ser la última gira?

Pepe: Ahorita estamos haciendo algunas fechas, pero la gira del Motel Baja es hasta el 2015. Nueva, con nuevo escenario.

Ramón: Ya tenemos muchas ideas sobre ese show. Vamos a usar instrumentos que hacen referencia a la historia de la música electrónica.

Pepe: Vamos a regresar a las raíces.

Ramón: No va a ser una gira de despedida.

Vamos a estar enfocados en este disco. Bostich y Fussible vamos a seguir trabajando. Es la última gira con el sonido de Nortec. ¿El nombre de Nortec ya no lo va a usar nadie? ¿Ustedes tal vez en unos años?

Pepe: Cuando regresas es por alguna razón: el dinero o la falta de creatividad. Cuando te colapsas y ya no puedes hacer más cosas.

¿En qué se distinguen las canciones de uno y otro?

Pepe: Yo soy más norteño. Ramón es más vientos, yo soy más bajo sexto y acordeones.

Ramón: A mí me gustan los arreglos de alientos. Casi todas mis piezas, en cuestión armónica, no tienen mucha variación. Pepe usa más acordes.

Pepe: Son más pachecas…

Ramón: Más tranquilas. Y las mías son más festivas.

Pepe: “Polaris” y “Tengo la voz” son de Ramón, se nota su sonido. “Tijuana Makes Me Happy” o “The Clap” son mías. Ahí se notan las diferencias, son canciones totalmente distintas. Pero ese balance es lo que nos ha mantenido divertidos. ¿Aún se sorprenden el uno al otro?

Ramón: Sí, nos sorprendemos. Nos tenemos muchísima confianza en cuanto a la producción. A veces yo no sé qué está haciendo Pepe y él, a veces, no escucha mis demos de lo que estoy armando para uno de los discos de Nortec. En ese aspecto siempre ha habido confianza.

Pepe: Si yo le digo que una trompeta está de la burger la quita. Si él me dice que algo está gacho lo trabajamos.

Ramón: En eso somos muy honestos y abiertos.

Pepe: Lo que uno hace le afecta al otro y viceversa.

foto ana hop

Para mí esos regresos son patadas de Pepe: El primer disco se trató de descuahogado. Todos los proyectos que hemos brir el sonido, que lo podías mezclar sin dejado han sido de manera definitiva. Yo sonar kitsch, nunca quisimos hacerlo chisnunca haría un concierto de Artefakto, toso. Pero luego fue evolucionando hasta ¿para qué? Ya lo hice cuando era morro y convertirse casi en World Music, con me tiraba al piso. instrumentación en vivo. Incluso cambió nuestra trayectoria, de tocar en Coachella ¿Cómo se imaginan el último concierto o en el Sónar [festivales de música alter- de Nortec? nativa y electrónica], pasamos a tocar en el Pepe: Teníamos un lugar pero ya no se va a WOMAD [el festival de música del mundo hacer: en el techo del [legendario bar tijuanense] Dandy del sur. Parece que la señora fundado por Peter Gabriel]. no quiso. Esa era la idea, el típico clandestino ¿Estaban conscientes de que estaban y gratis. haciendo su último disco? ¿Eso cómo Ramón: Va a ser en Tijuana.

20

26 | frente | portada | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

nortec en canciones Canciones emblemáticas, colaboraciones, remixes y covers.

Una selección de Frente para conocer la música de Nortec.

Tanto de Bostich y Fussible como de los otros que alguna vez fueron parte del colectivo.

“Polaris” | Bostich “Tepache Jam” | Terrestre “Odissea” | Fussible “Lazer Metravekta” | Plankton Man “Tijuana Makes Me Happy” | Fussible “Ciruela eléctrica” | Fussible “Botas de oro” | Terrestre “Tijuana Bass” | Bostich “Tengo la voz” | Bostich “Tijuana Sound Machine” | Bostich + Fussible “El sastre del diablo” (feat. Adrián Dargelos) | Hiperboreal + Clorofila “L.O.V. 2010” (Nortec Panóptica Version) | Trans-X “Manuel Santillán, el León” | Nortec Collective “Must Love” | Bostich + Fussible “Complejo de amor” (con Javiera Mena) | Panóptica Orquesta “Baby rock rock” | Clorofila “El gitano western” (remix drum and banda de Nortec Panóptica) | Líber Terán “I Count the Ways” | Bostich + Fussible and the UABC University Symphonic Orchestra “Cómo te voy a olvidar” (feat. Nortec Collective) | Los Ángeles Azules “Camino Verde” | Bostich + Fussible

28 | frente | música | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

M

foto: CORTESÍA CARIBOU

música

Caribou comparte el amor Por Arturo R. Jiménez

Con cada álbum que Dan Snaith edita bajo su nombre de batalla, Caribou, logra superar las altas expectativas que ha ido creando a lo largo de su carrera . En octubre aparecerá Our Love, su séptimo álbum y con ese pretexto platicó con Frente.

Caribou

es ese raro proyecto de electrónica con un claro corazón palpitante detrás de todo el cableado. La voz de Snaith, aún con distorsión, expone sus emociones al ritmo de un pop experimental, un house hipnótico o cualquier ritmo que el canadiense encuentre apto para sumergir sus ideas.

Tuvimos una videollamada con Snaith quien descansaba unos días antes de retomar su gira por Europa.

Desde que inicio Caribou has mantenido un calendario de giras muy intenso. ¿Se ha vuelto algo más fácil ir de presentación en presentación alrededor del mundo?

Amo estar de gira. La razón por lo que salimos de gira es porque realmente lo amamos pero en esta ocasión tengo una hija de sólo tres años.

Después de Swim hicimos como 220 shows en un año y contando los traslados significó que estuviéramos prácticamente fuera todo el año.

Eso no va a volver a suceder. Ya no puedo hacer eso. Para ser honesto no es malo estar obligado a tener un más equilibrio en mi vida. Con suerte aún podremos ir a todos lados, aunque tal vez nos tome más tiempo porque lo tendremos que hacer en bloques más pequeños para que yo pueda venir a casa y pasar más tiempo con mi familia. ¿Tu hija escucha tu música?

Sí. Cuando estuvimos de gira con Radiohead y visitamos México ella estuvo con nosotros. Apenas tenía ocho meses. En la presentación de Boiler Room Dimensions fue cuando entendió lo qué estaba sucediendo. La primera hora y media estaba súper emocionada y la última media hora estaba llorando y pidiendo que la llevaran a casa.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | música | frente | 29

polos opuestos y me convertí en músico.

Supongo que mi mamá ganó.

que seguro encontrarán es una mezcla de estados de ánimo.

¿Podrías recurrir a tu doctorado si algún día la música te llegara a cansar?

¿Cómo logras esa emotividad en la música electrónica?

No quiero nunca dejar de hacer música.

Espero que siempre esté ahí. Estoy más emocionado que nunca con la música y haciéndola. Supongo que existe la posibilidad de que eso se acabe. Di clases en la universidad cuando estaba estudiando para mi doctorado y lo amaba, me venía de manera natural. Puedo imaginarme como profesor de Matemáticas o de piano. Siento la misma emoción por ambas cosas.

Para mí la distinción entre la música electrónica y el pop se ha vuelto muy borrosa. Toda la música pop es música electrónica en el sentido que todo es grabado en una computadora y, probablemente, la mayoría utiliza sintetizadores, efectos o manipulaciones de la voz. Es por la textura del sonido. Además, la música electrónica tiene los suficientes años para poder hacernos sentir nostalgia por ese tipo de sonidos que hemos escuchado desde Kraftwerk. Puede estar tan lleno de emoción como sentarte frente a un piano. Para mí, sentarme frente a un sintetizador y tocar acordes puede ser incluso más emotivo. Yo no veo tanto esa distinción, sólo respondo de manera intuitiva a las cosas que me hacen sentir emociones fuertes.

En el título de tu nuevo álbum, Our Love [Nuestro amor], ¿a quién te refieres con “Nuestro”?

Para mí tiene muchos significados. Definitivamente, es sobre mi esposa y yo, sobre mi hija, sobre mi familia. El primer impulso que me hizo hacer este álbum fueron las cosas increíbles que sucedieron después de que ¿Así es como comienzas a desarrollar las salió Swim. Vivimos experiencias locas al nuevas ideas para un álbum? ¿Frente a un tocar en festivales o con Radiohead. Un día sintetizador?

Tengo un piano aquí en mi sala y tengo uno cuando un adolescente me dijo “tu álbum eléctrico en mi sótano. Ahí está mi estudio fue con el que me enamoré de mi primera donde también tengo un sintetizador, una novia cuando tenía dieciocho años” me dejó batería y una caja de ritmos, y cualquier inmóvil. Es una maravilla. Es algo que antes de esas cosas pueden no tomaba en cuenta, ser el punto de parsólo hacía música tida para una canción. para mí, y esas experiencias cambiaron mi Nunca empieza de la punto de vista. Cuando misma manera. Hice por fin empecé este más de 900 pequeños disco todo lo que queborradores de canría hacer era algo para ciones para hacer este compartir con la gente. disco y los reduje graEl “Nuestro” [del título] dualmente hasta tener son todos, todos los 9 o 10. Es bueno tener que lo van a escuchar. varias formas de acercarme a las canciones En cierto sentido busca porque si comenzara crear un sentimiento de la misma manera no creo que conseguiría de comunidad, un sentimiento compartido la misma variedad de resultados. con las personas.

“Toda la música pop es

música electrónica, en el sentido que todo es grabado en una computadora y, probablemente, la mayoría utiliza sintetizadores, efectos o manipulaciones de la voz.”

¿Serás un papá que les muestre música nueva y les ponga instrumentos a sus hijos?

Espero que no. Mis padres tenían filosofías muy distintas. Mi papá, quien es profesor de Matemáticas, siempre nos empujaba hacia las matemáticas. Trataba de hablar sobre ellas en la cena, nos ponía a hacer pequeños acertijos, a jugar ajedrez con él, ese tipo de cosas. Estábamos hartos de eso.

Tal vez sí funcionó, hice un doctorado en Matemáticas y una de mis hermanas es matemática, pero mi otra hermana dijo “absolutamente no voy a hacer eso. Es lo último que haría”. Fue demasiado, lo forzó mucho. Mi mamá tenía una filosofía distinta. Sobre mis clases de piano, cuando estaba pequeño, ella decía “yo no te voy a presionar. Voy a ponerlo a tu disposición y tendremos lecciones de piano cuando tu estés interesado en hacerlo por tu cuenta, ¿si no lo practicas cuál es el punto de obligártelo a hacer?”. Básicamente, eran

¿Entonces Our Love es un álbum de celebración?

Lo es. Supongo que la relación entre mi música y la gente a la que le gusta es totalmente jubilosa, pero también mi experiencia del amor a mi edad y con las personas que conozco no siempre ha sido así. Dos de mis amigos cercanos se divorciaron en los últimos dos años y para ser honesto fue algo bueno para ambos. Un amigo cercano falleció en el último año y gente de la generación de mis papas envejecen. El amor es algo complicado, no es un dulce y perfecto todo el tiempo, eso fue lo que nos hicieron creer cuando veíamos películas de Disney de pequeños. Nadie tiene una experiencia así. Es complicado, comprometido y contradictorio. Es a la vez bueno y malo. Busqué conseguir esa textura y complejidad lo más que pude. No sé qué tanto lo logré, tal vez es difícil meter eso en la música. Lo

¿Ya no usas ese sintetizador modular que alguna vez construiste para tu proyecto alterno Daphni?

Con el álbum de Daphni que lancé hace un par de años y el cual está más orientado al dance, no sabía lo que estaba haciendo con el sintetizador en lo absoluto. Los sonidos en ese disco los produje al estar girando las perillas como loco para ver que sucedía y estuve improvisando de manera muy suelta.

Este nuevo álbum está mucho más estructurado y centrado, pues he aprendido a usar ese sintetizador y está por todos lados dentro de Our Love, pero de manera más sutil.

El problema principal es que puede ser un hoyo negro en el que desapareces buscando sonidos y nunca terminas haciendo música.

Soy demasiado impaciente para caer en eso y he aprendido a obtener lo que quiero de un sintetizador sin pasar el resto de mi vida sentado frente a él.

30 | frente | música | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Erasure para todos

foto: CORTESÍA DE LA BANDA

Por Aretha Romero

La forma de entender el pop no sería la misma sin el dueto inglés formado por Vince Clark y Andy Bell.

Ellos son Erasure y están a punto de sacar su decimosexto disco de estudio (The Violet Flame). Frente platicó con Andy Bell, sobre sus inicios, carrera y nueva producción.

E

n septiembre de 1986, el dúo británico Erasure lanzó su primer disco Wonderland.

Fue un fracaso; no se metió en las listas de popularidad y no tuvo sencillos exitosos.

Se grabó con premura, a los pocos meses de que Vince Clarke, fundador de Erasure, había descubierto a su compañero de banda Andy Bell.

El encuentro fue producto de un anuncio en el periódico, en el que solicitaba vocalista para su nuevo proyecto. En ese momento Clarke ya brillaba dentro del mundo de la música, así que no fueron pocos los que respondieron al llamado. El inicio del pop británico electrónico se puede resumir en unas cuantas bandas y Vince fue responsable de dos. Fundó Depeche Mode y compuso su gran éxito “Just Can’t Get Enough”. Después, aún en la primera mitad de los ochenta, fungió como el cerebro de Yazoo, dúo que compartía con la extraordinaria vocalista Alison Moyet. La fórmula de Yazoo tuvo

mucha fortuna, ya que combinaba en partes iguales música electrónica (su aportación) con blues y soul (lo que sumaba Moyet).

No quedaba duda de que el talento de Clarke había guiado hacia el reconocimiento del público y de la crítica los proyectos en los que participaba, el problema es que no soportaba estar con los miembros de sus grupos más allá de dos discos.

“Hace treinta años que empezamos con Erasure. De nuestro primer encuentro puedo decir que yo no sabía sostener el micrófono; llegué a la audición que Vince había convocado y por alguna razón de mi boca salió lo que él necesitaba. Pensé que sólo haríamos un disco juntos, pero a los dos nos tomó por sorpresa lo que vino después”, cuenta Andy Bell en entrevista para Frente. El desastre de Wonderland no mermó el ánimo de Clarke. Con su nuevo secuaz había conseguido algo especial, y a partir de 1987 se aseguró de convertir a Erasure en una maquina de éxitos.

Cinco discos seguiditos pasaron por el número uno en los charts del Reino Unido y sus actuaciones en vivo fueron de lo mejor que se vio dentro del pop de los noventa. Para Erasure el escenario se convirtió en una zona de libertad creativa, donde podían portar un traje transparente o llenarse el cuerpo de lentejuelas.

Bell trajo al dúo una voz plena, viva, pero también cierta locura y teatralidad que rápidamente

conquistó el corazón de sus espectadores, especialmente del público gay. “Hoy nuestra filosofía sigue siendo la misma que al inicio. En lo personal cuando estoy sobre el escenario me siento sobre mi propia piel, me siento desnudo y la música es como las campanas que acompañan mi alma. Erasure es nuestro confort, subimos para dar todo de nosotros y bajamos para volver a sentirnos limpios”, explica el cantante.

Septiembre 2014, es la fecha que eligieron para estrenar The Violet Flame, su nuevo disco.

“Según el calendario chino, estamos en el año del caballo y hay épocas de escasez y de abundancia, pero este es un periodo de trabajar, trabajar y no parar de bailar. Con este disco queremos decir que la estamos pasando muy bien, hay canciones muy melódicas para poner las manos en el aire y otras más melancólicas, pero logramos escribir canciones orientadas a la celebración, al baile y a los sintetizadores. Queremos decir que estamos bien, tal cual es nuestra historia”, explica Bell.

De nueva cuenta, Erasure se reunió con el productor Richard X (con quien trabajaron en el disco anterior) y según Bell, “quedaron muchas ideas pendientes, a parte de que es un individuo que tiene una idea muy especial de concebir al pop, conoce su historia y toma referencias que han servido de inspiración para el grupo y así crear nuevos

sonidos”. Después de tantos éxitos y años juntos, sus sentimientos por el pop siguen latentes y cada intento es una nueva lucha para hacer despegar los pies y los oídos de sus fans, pero también una nueva oportunidad para retarse a sí mismos. “¡Dios mío, 16 discos y para nada me siento viejo! Lo que tenemos muy presente es que el éxito no es algo que siempre está y sobre todo en el pop, un género bastante superficial, después de un tiempo las estrellas se desvanecen y hay que acostumbrarse a eso. Lo que hemos hecho en todo este tiempo es seguir ampliando nuestro talento artístico personal y así definir si Erasure todavía nos pertenece.”

Y con esas palabras se despide la voz del grupo.

32 | frente | música | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Tricky: reclamando lo suyo Por SussyOh

¿Dónde vives actualmente?

Ahora vivo en Londres. Me gusta estarme moviendo. Soy algo parecido a un gitano.

Siempre estoy viajando.

Viéndolo en retrospectiva, ¿qué le ha dado la fama a tu vida?

Vivimos en la cultura de la celebridad. En teoría, la gente se vuelve conocida debido a su talento. Y ahora ser reconocido es más importante que su talento. Los reality shows y la gente tonta que forma parte de ese plan vive una ilusión. Es más fácil controlar a la gente cuando está dormida y es tonta. Ser famoso hoy en día no vale nada, no hay ambición en eso.

¿Qué significa para ti en esta era la palabra “superestrella”?

Cuando estoy de gira conozco gente que se sorprende cuando camino entre ellos. Si me quedo en mi camerino me aburro. Salgo, camino, me tomo fotografías, me relajo por ahí. Estoy intentando romper con esa jerarquía. Los DJs superestrellas no tienen sentido para mí, ellos tocan música hecha

Timba Tin Tin #9 Por Jesús Pacheco (@peach_melba) Novalima: música peruana de alcances globales

E

n el 2001, Ramón Pérez Prieto, Rafael Morales, Carlos Li Carrillo y Grimaldo del Solar, cuatro músicos y productores peruanos, tomaron ritmos y formas melódicas de la música tradicional afroperuana, los combinaron con técnicas de producción contemporáneas y géneros musicales como el dub y el house para lograr un moderno mestizaje que decidieron bautizar como Novalima. Los cuatro vivían en distintos puntos del planeta, de manera que comenzaron a dar forma al proyecto vía internet; de hecho, se cuenta que su primer disco homónimo fue gestado sin demasiado contacto cara a cara. Grimaldo del Solar me contó hace unos años que la idea de iniciar con un proyecto de esas características se las inspiró vivir fuera de Perú.

Se inspiraron en todos esos proyectos de fusión, de diferentes estilos del mundo,

por otras personas. Este disco es una llamada a abrir los brazos, a decir “jódete, eres igual que yo, somos lo mismo, tú no eres mi ídolo, ni yo el tuyo, respeto tu música, pero no esperes que te bese el trasero”. La gente no se debería de impresionar tanto con el éxito.

En repetidas ocasiones escribes las letras de tus canciones en perspectiva femenina, ¿de dónde viene?

Sinceramente creo que eso viene por mi madre. Ella se suicidó. Cuando estaba haciendo un documental me di cuenta de que las canciones las escribo por ella. Mi madre escribía poesía, en su tiempo no pudo hacer nada con eso, no tuvo la oportunidad, en cambio yo con mis letras sí la tengo. Heredé su talento, soy su vehículo, así que casi siempre necesito mujeres que canten lo que escribo.

foto: ADRIÁN THAWS PRESS

El décimo álbum de estudio de Tricky lleva su nombre de pila, y cuenta con la colaboración de diversos artistas como Mykki Blanco, Tirzah y Nneka. Aquí una pequeña plática con él sobre su madre, la fama y lo que rodea esta nueva producción.

hacer, tomo para estar borracho y socializo en el estudio. Mykki está haciendo hip hop real, gay o no. El suena más duro que muchos raperos heterosexuales que se consideran gángsters. Mykki es un talento.

¿Qué te motiva a empezar un nuevo disco? ¿Cómo fue el proceso creativo de y cuál es Canciones como “Lonnie” en el disco Adrian el tema principal?

Thaws estaban listas hace mucho tiempo.

Sólo necesitaban que alguien más trabajara en ellas y olvidarlas por un tiempo. Esa canción, por ejemplo, tiene tres años de antigüedad, tenía mi voz pero hizo sentido hasta que conocí a Mykki y la reinventamos.

¿Por qué escogiste a Mykki Blanco para colaborar en este álbum?

Soy yo reclamando lo que es mío. He hecho mucho por esta industria musical, mucha gente suena como yo y yo sigo permaneciendo medianamente underground. Mucha gente está haciendo lo que hice hace 15 años, llamándolo trip hop (estúpido nombre), yo sigo moviéndome. Sigo teniendo el mismo equipo desde hace muchísimo tiempo, no voy al estudio a hacer canciones, voy al estudio a divertirme, a relajarme.

Conozco a gente todo el tiempo, si alguno me da buena vibra, grabo con él. Algunas personas conocen a gente y si creen que son ¿Qué es lo más escandaloso que te ha buena onda, van a tomar una cerveza, a comer pasado sobre el escenario?

Una mujer bailando completamente deso a bailar con ellos. Lo que yo hago es ir al nuda toda una canción en el escenario. estudio con ellos. Como porque lo tengo que

que ya existían para entonces y que les tocó conocer muy de cerca. A Grimaldo, por ejemplo, le tocó experimentar la escena mestiza de Barcelona... Morales conoció la vitalidad y la diversidad de la movida en Londres... Y a Li Carrillo le tocó vivir en oídos propios la escena musical de Hong Kong.

Todos han coincidido en que vivir fuera de su país les abrió de formas inesperadas el espectro a nivel musical, se abrieron a todo tipo de influencias.

Cuando Ramón, Rafael, Carlos y Grimaldo se encontraban trabajando en el primer disco decidieron incorporar percusiones afroperuanas. Empezamos experimentando con ellas, mezclándolas con electrónica y con cosas como funk o acid jazz. Les gustó el resultado, y a partir de la relación que crearon con los músicos con los que trabajaron en aquella ocasión, se fueron involucrando cada vez más en los ritmos afroperuanos. Siguieron experimentando y el sonido se volvió cada vez más afroperuano. Para Afro, su segundo disco, incluyeron versiones de canciones tradicionales afroperuanas, algunas de ellas con más de 100 años de antigüedad. Desde entonces, han mantenido un pie siempre puesto en la tradición musical peruana y el otro, en sus montones de influencias, electrónicas o no.

Hoy, Novalima cuenta con cuatro álbumes Novalima, Afro, Coba Coba y Karimba dos de los cuales tienen extensiones en compilaciones con reversiones a cargo de productores de música electrónica de diversas latitudes: Coba Coba Remixed y Karimba Diabolic Remixes dos discos de reinterpretaciones orientadas, sí, a la promoción entre públicos alejados de sus habituales, pero sobre todo a efectuar experimentos a partir de la fusión del folclor afroperuano lo mismo con afrobeat, dub y champeta que con house, break beats o drum & bass brasileño, siempre, eso sí, en beneficio del baile. (Por favor, no se pierdan la versión de “Diablo”, de Sergent García, ni la de “Mamaye”, de Nickodemus.) En ambos discos han recibido las reinterpretaciones de productores ingleses como Da Lata, Faze Action o Seiji, que de la escena multicultural neoyorquina, como Zeb o Nickodemus. Novalima siempre se ha movido en una hibridez inesperada que les ha permitido tocar tanto en festivales de world music como en otros de electrónica y que les ha ganado públicos de los orígenes y gustos más diversos.

Hace unas semanas, se me antojó escribir de ellos y volver a escuchar sus discos

,

,

,

Algunos momentos importantes de Tricky 1991: Colaborador estrella en el disco Blue Lines de Massive Attack.

1995: Su álbum debut Maxinquaye estuvo nominado al Mercury Prize y fue el mejor del año según el semanario inglés NME. 1996: Neneh Cherry, Björk y Terry Hall están entre los invitados del disco que editó como Nearly God. 1997: Actuó en The Fifth Element, película de Luc Besson.

1998: PJ Harvey es la voz en su canción “Broken Homes”.

2001: Colaboró con Alanis Morissette en una canción llamada “Excess” para la banda sonora de la película 13 Ghosts.

2012: Beyoncé lo invitó a cantar “Baby Boy” con ella durante su presentación en Glastonbury.

cuando atestigüé en streaming la ceremonia en la que se dio a conocer la lista de los 50 Mejores Restaurantes de Latinoamérica.

Sucedió en Lima (a unas horas de Mistura, la feria gastronómica en la que los peruanos presumen la diversidad y el origen multicultural de sus creaciones culinarias). Entre uno y otro nombre de los restaurantes reconocidos en esa lista –que ya ha sido pasada por el cuchillo cevichero de Alonso Ruvalcaba en este periódico— sonaba música que, imagino, buscaba subrayar la naturaleza ultramoderna y conectada con el mundo de los organizadores de la premiación: Two Door Cinema Club, Imagine Dragons, Chvrches…

Y sólo sonó Novalima hasta el final, cuando supimos que Central le arrebataba el cetro a Astrid y Gastón. Sentí un poco de pena.

Lamenté –¿fui el único?— que no hubiera sonado más Perú en la selección musical.

Es más: la ceremonia podría haber estado musicalizada exclusivamente con temas de Novalima y sus múltiples remixes y eso habría sido suficiente para mostrar al mundo lo afinado de sus antenas para detectar territorios donde lo tradicional se encuentra con lo contemporáneo. Pero no sucedió así. Y me puse a escribir estas líneas a manera de inane desahogo.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | mĂşsica | frente | 33

Le Butcherettes en el Pepsi Center, el 10 de septiembre

abajo

ARRIBA

Por Toni François www.tono.tv

34 | frente | música | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

S • LA

Por Rodrigo Alcocer de Garay | @rodrigoalcocerdegaray

ECORD

U2 Songs of Innocence Island | 2014

*******

Flaman te Discos Syro | Aphex Twin Popular Problems | Leonard Cohen Too Bright | Perfume Genius

Canciones “Chasing Time”

Azealia Banks “The Light (ft. Denai Moore)”

SBTRKT “50 Cent”

Dean Blunt “I’m Not the Only One” (Feat. A$AP Rocky)

Sam Smith “The Amazing Heart Attack”

Wampire

Eventos EL COLUMPIO ASESINO

Jueves 25, Foro Indie Rocks; 21 horas.

IS TROPICAL

Viernes 26, Foro Indie Rocks; 21 horas.

RAYMONDSTOCK: PICTUREPLANE + LORELLE MEETS THE OBSOLETE + JAVIER ESTRADA + AAAA + LOS BLENDERS Y MUCHOS MÁS

Sábado 4, Foro Indie Rocks; 12 horas.

La vara Aphex Twin está de vuelta

Si algo hay que reconocerle a U2 en este momento de su carrera, a treinta y tantos años de haberse formado, es haber lanzado su decimotercer larga duración, Songs of Innocence, de manera gratuita con un esquema semiinvasivo a través del iTunes Store de Apple. (El disco, si uno ha hecho compras en el sistema y tiene automatizada la sincronización de sus compras y canciones, se descarga automáticamente a tu colección.) Parece que ya entienden el valor de la música que producen actualmente para sus escuchas, y el papel que como actores culturales cumplen en estos tiempos.

Esto es, en el primer caso, el referente al valor es nulo. Su costo para nosotros aparentemente no es nada; nuestra relación emocional con, y deseo de éste, cero. En el segundo, el papel del conjunto irlandés en esta era de transmisión inmediata e invisible de información es el de spam.

Información no solicitada, casi siempre inútil, la mayoría de las veces indeseada, que logra a veces superar los filtros que le imponemos y llegar a nuestra bandeja de correos ofreciéndonos la posibilidad de cobrar fortunas nigerianas, “sin receta”, productos y técnicas para aumentar el tamaño de nuestro pene y la posibilidad de conocer “chicos y chicas calientes, cerca de ti”.

Como el spam, el nuevo disco de U2 se fundamenta en una estafa apelando a los deseos y a veces inseguridades de los receptores para conseguir una respuesta, un click. El deseo aquí es, para los entusiastas del conjunto, una ansiada y anunciada pero poco lograda “vuelta a los orígenes y raíces de la banda”, que está muy superficialmente abordada en algunos temas líricos donde Bono tiene una regresión a épocas más simples: cuando escuchar a Joey Ramone lo salvaba a uno, recordando a su mamá en “Iris”, dándonos su dirección de cuando niño en “Cedarwood Road”, dedicándole una canción a su mujer en “Song for Someone”; todo esto –a excepción quizá de “Raised by Wolves”, el único tema sónicamente tenso e interesante del álbum, igual la única que grabó The Edge– sobrepuesto al equivalente de música de sala de espera en versión Wembley. Un soundtrack insípido y sin alma, pero con suficiente volumen y oooohs y aaaaahs, perfecto para una presentación corporativa de dos marcas que se siguen vendiendo como si la rebeldía fuera un bien de consumo, y cuyas prácticas comerciales son lo más monopólicas y basadas en la explotación de terceros que sea “legalmente” posible.

La estafa, en este caso, no es para Apple, que pagó 100 millones de dólares a la disquera y al conjunto para metérnoslo en el iTunes a 500 millones de personas y promover el lanzamiento del iWatch y el iPhone 6 –una bicoca para las ganancias de la empresa de Cupertino–; tampoco lo es para sus seguidores, que aunque nunca más recibirán algo decente de ellos –y lo saben desde hace tres discos por lo menos– les seguirán llenando estadios bajo el argumento “uy me acuerdo en la secu cuando salió el Joshua Tree, el Zooropa o el Pop…” (la nostalgia es un negociazo). Ni siquiera lo será para quienes compramos productos de Apple y que veremos elevado en uno o dos centavos el costo de nuestro próximo fetiche de pantalla táctil.

Al final, la estafa está siendo orquestada por U2 a sí mismos, en un intento por mantenerse relevantes en algo en lo que en algún momento fueron grandiosos: haciendo música a través de medios y métodos que nada tienen que ver con esa práctica –activismo social dudosamente dirigido, innovación mercadológica y tecnológica sin mayor propósito–. Incluso han anunciado ya un acompañante inmediato a este lanzamiento gratuito: Songs of Experience, que probablemente será mejor y sí costará. Un disco como campaña para otro disco como campaña a una gira.

Radiohead comparte fotos de archivo

Aprovechando que Radiohead se encuentra en el estudio, Thom Yorke compartió vía Twitter fotos viejas de la banda. Una, por ejemplo, es la letra modificada de su canción “A Wolf at the Door”.

Después de no haber publicado ningún disco nuevo en 13 años, Richard D. James, mejor conocido como Aphex Twin, nos sorprendió con Syro. En este material participan sus dos hijos, su esposa y sus padres.

U2 nos hace enojar

A• R

Reseñas Discos

RO M

Los diez vinilos más vendidos en La Roma Records (AGOSTO):

White 1 Jack Lazaretto 2 ElInterpol Pintor Spoon 3 They Want My Soul 4 Beck Morning Phase Barranca 5 LaEclipse de memoria War on Drugs 6 The Lost in the Dream The Goastt 7 Midnight Sun Albarn 8 Damon Everyday Robots Angels 9 Black Clear Twigs 10 FKA LP1

Álvaro Obregón 200 Bis 1, Roma T. 52642140

Tanya Tagaq maldice a PETA

Animism, de Tanya Tagaq, fue elegido disco del año en los premios canadienses Polaris, derrotando a Arcade Fire, Drake y varios más.

La cantante de origen inuk dijo que “la gente debería de comer todas las focas posibles porque hay muchas… y que la asociación PETA (organización de derechos de los animales) se joda”.

El nuevo disco de U2 (Songs of Innocence) fue regalado a 500 millones de usuarios de iTunes y sólo fue descargado por 200 000 personas. La gran mayoría se mostró en descontento con este acto, algunas personalidades como Tyler, The Creator, o Sharon Osbourne hicieron público su enojo con la banda irlandesa.

Encarcelados por bailar “Happy”

Seis personas en Irán fueron sentenciadas a un año de prisión por bailar la canción “Happy”, de Pharrell Williams, en YouTube sin el velo el cual es obligatorio. Por ahora, la sentencia fue aplazada, a menos que estas personas vuelvan a cometer alguna otra ofensa.

36 | frente | cine | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

La Casa del Cine MX: cine de calidad a precios accesibles

C cine

imÁGENES CortesíA: la casa del cine mx

Por Roberto Garza

La Casa del Cine MX es, como se intuye al leer su nombre, un espacio consagrado al séptimo arte. En él se exhiben películas, ya sean estrenos o curadurías en el marco de ciclos, muestras y festivales, contribuye a la formación de nuevos públicos cinéfilos, organiza cursos y talleres a precios accesibles y fomenta la producción audiovisual. Hablamos con su director sobre el modelo cultural y de negocio del espacio, de su reciente asociación con la Cineteca Nacional y Ambulante y de otros temas relacionados con el cine mexicano.

A

lo largo de sus cuatro años de vida, La Casa del Cine MX, en República de Uruguay 52, en el Centro Histórico, se ha ganado un lugar en el mapa cultural del Distrito Federal, al grado de convertirse en el referente más sonado del cine de calidad en el Centro de la ciudad de México. A pesar de su intensa vida cultural, antes del 2010 el Centro no contaba con un espacio de fomento, formación y difusión de la cultura cinematográfica como lo representa hoy La Casa del Cine MX. Pero ¿qué distingue a este espacio de otros similares como el Cine Tonalá, el Cineclub Condesa o las sedes alternas de la Cineteca? “Definitivamente el precio”, responde Carlos Sosa, director de La Casa del Cine MX desde que su fundador, Carlos Sánchez, lo dejó al mando tras aceptar la invitación para dirigir el Instituto Mexicano de Cinematografía. “Nosotros le apostamos a ese segmento de la población que no puede gastar 50 pesos o más en el cine. Por eso la entrada vale 30 pesos”, explica Sosa.

Recientemente remodelada, La Casa del Cine MX cuenta con una sala de cine armada con un equipo de proyección y audio de primer nivel, pequeña, cómoda y aclimatada, así como con una mediateca con más de 150 títulos para consulta gratuita y una cafetería-bar bien montada.

Se sabe que la ganancia dura en el negocio de la exhibición de cine no está en la taquilla, sino en la dulcería y, más recientemente, también

vía la venta de alimentos y bebidas alcohólicas. Además, los modelos de negocio cultural vinculados al cine, como los del Cine Tonalá y La 68 (en Mérida), esta última apegada a la exhibición exclusiva de documentales, son viables gracias a los subsidios públicos y por la venta de comida, bebidas en el bar y la comercialización de una serie de productos culturales que gravitan en torno a su oferta cinematográfica. “La Casa del Cine no es un negocio que subsiste del restaurante y el bar”, explica Sosa. “Más bien estamos involucrados con la producción de películas, con la exhibición de cine de calidad y con la formación académica.

Estamos muy orgullosos de los talleres que hacemos y de las películas que producimos”, (por ejemplo, Tijuana: Sonidos del Nortec y actualmente un documental sobre el rap en México, dirigido por Kyzza Terrazas).

La oferta académica de La Casa del Cine MX es una de sus mejores cartas, en particular por la calidad de los ponentes, todos involucrados en la industria del cine: Carlos Carrera, María Novaro, Everardo González, Lucía Gajá, Armando Vega-Gil, Alberto Cortés y Emilio Portes. A nivel internacional se han presentado en sus instalaciones figuras como Albert Maysles, autor del legendario documental musical Gimme Shelter (1970), el guionista Barry Gifford (Lost Highway) y el actor Matt Dillon.

Hace unas cuantas semanas, este espacio se asoció con la Cineteca Nacional y la gira de documentales Ambulante para traer a México al cineasta inglés Julien Temple y exhibir una retrospectiva completa de

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | cine | frente | 37

estrenos

“No podría decir que la gente

ya se apropió de La Casa del Cine, pero sí que nos visitan más de 1 500 personas al mes y que muchos son usuarios recurrentes, gente a la que reconoces y saludas de tanto que viene.”

Dir. Antoine Fuqua.

Con: Denzel Washington, Chloë Grace Moretz, Marton Csokas. Ésta es la versión cinematográfica de la exitosa serie de televisión homónima de los años ochenta. Excesivamente larga (128 minutos) y pesada por momentos, El Justiciero se salva por la capacidad actoral y la imponente presencia en pantalla de Denzel Washington, que interpreta con soberbia a un ex agente de la CIA que abandona su retiro para ayudar a una joven capturada por la mafia rusa, reto que despierta en él una renovada sed de acción y justicia.

imÁGENES CortesíA: mónica álvarez

su obra. “Es algo que se quería hacer desde hace mucho y finalmente lo conseguimos.” Sosa dice haber estado en pláticas con Temple para producir una película sobre Tijuana que el documentalista británico planea desde hace tiempo.

“Por lo pronto no vamos a hacer esa película, pero lo bueno es que cuando vino Julien, se la pasó increíble en México, hasta nos enfiestamos con él.” Efectivamente, la noche del 31 de julio hubo una fiesta en La Casa del Cine MX en la que se pudo ver a Temple contento poniendo rolas de su propio iPod. Ya se imaginarán la calidad del punk que sonó esa noche. “Ésas son las cosas que dan más satisfacción: organizar una retrospectiva de Julien Temple con él presente en las funciones y dando dos clases magistrales en la Cineteca. Y que, además, un montón de gente lo disfrute y lo aprecie.” Lo interesante, hay que decirlo, es que hallaron la manera de traer a Temple a México y de ofrecer su trabajo y conocimiento a precios muy accesibles. “Ése es nuestro espíritu… Ofrecer cine de calidad y talleres de alto nivel a bajo costo”, explica Sosa.

Su oferta de programación tiene dos ramas: una que los une a la programación de las salas Cinemanía, sus aliados en materia de estrenos, y otra mucho más amplia que parte de una estrategia de apertura ante festivales, ciclos y muestras cinematográficas. “Fui a ver a cada uno de los directores y directoras de festivales y les abrí las puertas de La Casa del Cine. Fue una estrategia bien aguerrida, de mucho convencimiento, pero que está funcionando muy bien.”

Hoy, La Casa del Cine, además de ser sede de ciclos, muestras y festivales como Ambulante, el Tour de Cine Francés, MICGénero y DOCSDF, es un espacio comprometido con la exhibición de cine mexicano, en particular de producciones independientes. En paralelo, como vía alternativa de subsistencia, también funciona como un espacio cultural que se renta para estrenos de películas, funciones especiales, presentaciones editoriales y ruedas de prensa.

Es correcto decir que los espacios culturales logran su objetivo social cuando la gente se los apropia. La Cineteca Nacional es un claro ejemplo de ello. Generaciones de cinéfilos la han hecho suya independientemente de quién

EL JUSTICIERO

la dirija o lo que se haga para remodelar su espacio. “No podría decir que la gente ya se apropió de La Casa del Cine, pero sí que nos visitan más de 1 500 personas al mes y que muchos son usuarios recurrentes, gente a la que reconoces y saludas de tanto que viene.”

Como la mayoría de los centros culturales del país, el principal problema de La Casa del Cine MX, y así lo reconoce su director, es el dinero. “No es cosa fácil”, comenta Sosa. “Ojalá supiera más de negocios y administración.

Afortunadamente, hemos recibido apoyo del Fideicomiso del Centro Histórico de la ciudad de México; ellos nos han dado trabajo y con mucho esfuerzo hemos logrado tener finanzas sanas. Te puedo decir que hoy salimos tablas, y lo hacemos sin alejarnos de nuestro principal objetivo, que es tener una oferta cultural de calidad a un precio muy accesible.”

Sosa agrega que el modelo de negocio del espacio “es viable pero sigue en proceso de construcción”. Actualmente, el director del espacio tiene planes de abrir una serie de Casas del Cine en diversos estados de la República. “Tengo un proyecto que quiero desarrollar con gobiernos municipales y estatales. Sueño con crear una red de salas de exhibición, abrir una cada año.” Por lo pronto una de ellas ya es realidad y parece ser que va viento en popa.

EL DADOR DE RECUERDOS Dir. Phillip Noyce Con: Taylor Swift, Jeff Bridges, Meryl Streep y Katie Holmes.

Adaptación de la novela The Giver de la escritora estadounidense Lois Lowry, El dador de recuerdos no logra profundizar en la esencia del relato original y se queda en un acercamiento tan artificial que nomás no logra mover emociones. La historia está ambientada en una sociedad futurista y narra doce años en la vida de un joven que es seleccionado para almacenar la memoria del tiempo anterior a la llamada “Monotonía”.

EMPEZAR OTRA VEZ Dir. John Carney.

Con: Mark Ruffalo, Catherine Keener, Adam Levine, CeeLo Green, Keira Knightley. Ésta es una de las películas más honestas, sinceras y entrañables del año. ¿De qué trata? Gretta y su novio Dave viajan a Nueva York para dedicarse de lleno a la música. Pero cuando él firma un contrato con un importante sello discográfico termina por abandonarla y Gretta, con el corazón destrozado, tendrá que ingeniárselas para levantarse del golpe emocional y continuar con su carrera en el complicado negocio de la música.

38 | frente | cine | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Yeah, yeah, yeah 50 años de La noche de un día difícil Por José Antonio Valdés Peña

“Apoyado en un trabajo de guión a

manos del poeta Alun Owen, Lester encontró la forma ideal: dejar a los Beatles hacer lo que quisieran, siguiendo una tenue línea argumental en la cual se narrara un día en la vida del cuarteto entre entrevistas, presentaciones en televisión y gritos de las fanáticas…”

C

onmemorar el cincuenta aniversario de una película Dirigida por Richard Lester y protagonizada como La noche de un día difícil (A Hard Day’s Night, Reino por los Beatles, La noche de un día difícil, Unido, 1964) es, en primer lugar, celebrar el feliz mariel primer gran clásico del cine-rock, cumple daje entre el cine y la imagen electrónica. En efecto, durante medio siglo de vida. A continuación, una la secuencia en la cual los Beatles ensayan el tema “And I breve celebración de esta obra. Love Her” sobre el escenario del programa de televisión en el que participarán muy pronto, la mirada de Richard Lester, el director del filme, se asoma a las mirillas de las cámaras televisivas que acechan a los músicos, comparando texturas, dimensiones y puntos de vista de una misma imagen. En sí misma esta secuencia es ya de antología para entender la forma en que el cine y la televisión comenzaron un proceso de fusión hace medio siglo. La otra razón de festejo es que gracias a este filme, los Beatles aparecieron en la pantalla grande por vez primera.

Lo cierto es que Richard Lester, estadounidense de nacimiento, estaba ya curtido en la televisión desde su juventud cuando fue enviado por los pioneros de la televisión norteamericana como asesor para la BBC. Para cuando recibió la invitación para incorporarse al proyecto, Lester ya había dirigido una comedia ambientada en la Guerra Fría, El ratón en la Luna (The Mouse on the Moon, 1963) y contaba con innumerables programas de televisión. Y lo que encontró en el nuevo reto era que el productor Walter Shenson no tenía la menor idea de qué hacer ni con la película ni con los protagonistas.

El contexto en el cual se filmó La noche de un día difícil explica por sí mismo la incertidumbre de los creadores detrás de la cinta.

La unión del cine y el rock and roll no estaba todavía bastante afianzada para emprender un proyecto que fuese más allá de la mera promoción del grupo musical protagonista (y por fortuna, Shenson no quiso emular el modelo de los horribles filmes de Elvis Presley). Mientras tanto, los jóvenes ingleses se debatían entre mods y rockers, entre el jazz y el rock, entre el hipster

prehistórico o el roquero consumado con su motocicleta y copete envaselinado. Por las pantallas de ese país se dejaba sentir la presencia de una nueva generación de cineastas agrupada en lo que se llamó el Free Cinema, que nació del documental interesado en la realidad social del país (con piezas magistrales de Karel Reisz, Tony Richardson y Lindsay Anderson, entre otros) que se robaba la estética y el ritmo del Cinéma Verité para transformarse en ficciones protagonizadas por personajes de la clase obrera, retratada sin cortapisas ni concesiones. Películas como Almas en subasta (Room at the Top, Jack Clayton, 1959), Sábado en la noche, domingo por la mañana (Saturday Night and Sunday Morning, Karel Reisz, 1960) y El mundo frente a mí (The Loneliness of the Long Distance Runner, Tony Richardson, 1962) le daban entonces su voz a los “angry young men”, jóvenes airados de las clases populares inglesas que estaban hartos del conservadurismo y a la vez de las falsas promesas de los laboristas durante la posguerra.

Ellos encontraban una manera de mostrarse al mundo entero en estas historias de rebeldes con causa, atribulados moralmente y enfrentados a una sociedad en la cual como te ven te tratan.

Cuando Lester conoció a John, Paul, George y Ringo por encomienda de Shenson, el encuentro no pudo ser más extraño.

La anarquía surrealista del primero, la guapez mamona del segundo, la buena onda del tercero y la inocencia pazguata del cuarto fueron elementos que hicieron al cineasta considerar una opción viable para el proyecto. Apoyado en un trabajo de guión a manos del poeta Alun Owen, Lester encontró la forma ideal: dejar a los Beatles hacer lo que quisieran, siguiendo una tenue línea argumental en la cual se narrara un día en la vida del cuarteto entre entrevistas, presentaciones en televisión y gritos de las fanáticas que engarzaban algunos gags realmente divertidos que muy seguramente inspiraron el humor anárquico y surreal del futuro Circo volador de Monty Python.

Lo más fresco de La noche de un día difícil es sentir a unos Beatles que aún no descubrían el Nirvana ni las drogas, que no querían salvar al mundo ni eran multimillonarios. Eran héroes de la clase obrera, respondones con una prensa pendeja que no los entendía, burlones con los ancianos ingleses de moral victoriana que los sobajaban. Unos chavos de traje y corbata, con cabello recortado, que cantaban “She Loves You” en medio de los gritos orgiásticos de cientos de jovencitas.

Ver el filme es presenciar el contenido divino de una máquina del tiempo compuesto por el primer episodio de unos seres legendarios.

del 28 de agosto al 10 de septiembre de 2014 | MEDIOS | frente | 39

Martillazos

M

Por Mauricio Hammer

medios

Mundos para lelos Por El Paella

Elvis y Madonna versión Disney Cuando odiar a apple se volvió cool

A

ntes que nada, quiero aclarar que no intento convencer a nadie de nada. Hay a quien le gusta comer frijoles y hay a quien le gusta el salmón ahumado. De igual forma, hay quienes afirman que un Tsuru es prácticamente igual que un Mercedes-Benz porque tiene cuatro ruedas; y bueno, ésta es mi opinión.

Me parece que en los últimos treinta años Apple es la empresa de tecnología que más ha cambiado la forma en la que usamos computadoras y nos comunicamos entre nosotros. El lanzamiento de la primera computadora personal con ratón en 1984, su reproductor de música en el 2001, su teléfono inteligente en el 2007 y el iPad en el 2010 son tan sólo ejemplos de ello.

La marca ha triunfado donde otros han fracasado, al innovar y cuidar detalles, aspectos pequeños que pasan inadvertidos, pero que marcan una gran diferencia. Cuando salió el iPhone 5 todos hablaban de su pantalla más grande y de su procesador más rápido, pero rara vez alguien mencionó el nuevo diseño de los audífonos que aventajaban (y lo siguen haciendo) a todos los que vienen incluidos con teléfonos inteligentes tanto en calidad de materiales como en diseño. No nos podemos limitar a decir que los audífonos son un “detalle”, sobre todo después de los tres mil millones de dólares por los que Apple compró a Beats...

La primera vez que alguien me mostró un teléfono que usaba el sistema operativo Android fue en un restaurante a finales del 2009. Cuando le pregunté a esa buena amiga por qué lo había comprado, la respuesta fue sencilla: no me alcanzó para un iPhone.

Perfectamente válido. La economía es importante, pero muchas veces quienes optan

por Android se quedan con un equipo que no se puede actualizar, no digamos a la versión más reciente, sino a veces ni a la que salió después de que lo compraron. La fragmentación e inseguridad del sistema es tremenda. Apenas poco más del 10% de equipos usan KitKat y una tercera parte de todos los usuarios tienen una versión del sistema de hace cuatro años.

En el 2010, Steve Jobs comparó a Android con un robo a mano armada. Está claro que le quieren aplicar “la Windows” de nuevo a Apple con un producto inferior.

El nuevo sistema operativo iOS8 utilizado por los nuevos equipos iPhone 6 y 6 Plus, es el mismo que descargué para mi iPhone 4s que compré en noviembre del 2011 y tengo prácticamente todas sus funciones. Usando como siempre mi teléfono actual como prueba, no he notado que se gaste la batería más rápido, mientras que en interfaz y tiempos de carga de aplicaciones incluso lo noto ligeramente más ágil. Apenas ayer respondí unos 10 correos electrónicos extensos solamente dictando a Siri.

Si buscan criticar, mejor critiquen un mal gobierno o una empresa que contamine, incluso tomen acciones para cambiar las cosas, pero no critiquen a un teléfono que habla o a una banda de rock que les regala su nuevo disco. Ese anonimato para arrojar piedras al vacío que brindan las redes sociales podría transformarse en una herramienta de creación para nuestras sociedades. Creo que la finalidad de este texto más que enumerar las prestaciones y bondades del nuevo sistema operativo de la compañía de la manzana y sus nuevos equipos, es en realidad una petición.

Una muy simple: tolerancia para quienes piensan diferente.

C

uando todavía flota en el ambiente el terrible agravio que Miley Cyrus cometió contra nuestro lábaro patrio, y los diputados panistas claman para que sea castigada con todo el rigor de la ley, y en el momento mismo en que actúa por segunda vez en México abarrotando el Foro Sol de nuestra capital, a este opinador se le ocurre pensar que estamos viviendo un momento muy peculiar de la cultura pop. Un momento caracterizado por el inusitado auge de artistas muy jóvenes que son seguidos por un público a su vez particularmente imberbe.

Nunca como ahora los teen idols se han convertido en verdaderos fenómenos de popularidad que proliferan sin freno e invaden los estadios, la radio y los corazones de millones de chavitos y chavitas alrededor del mundo.

En el pasado fuimos testigos del surgimiento de artistas teen como los Jackson, Menudo o Timbiriche. Pero en todos esos casos, se trataba de productos de diseño creados por adultos donde quienes actuaban lo hacían dentro de marcos muy regulados. Sabemos quiénes estaban detrás de estos artistas y podemos distinguir las reglas que los normaban.

Hoy en cambio, pareciera que estos nuevos ídolos se mandan solos y hacen con su vida sobre y fuera del escenario exactamente lo que les da la gana: así, Miley besa a una chava, saca mil veces la lengua, le baila en el regazo a un espectador, se desviste en cada oportunidad, fuma marihuana, baila en el tubo o se deja golpear el trasero con la bandera nacional. Mientras, Justin se embriaga y se droga, agrede a su chofer, se lía con prostitutas, le escupe a sus fans o contrabandea mascotas prohibidas.

En su momento, el primer teen idol de la historia, Elvis Presley, se volvió emblemático por mover la cadera de manera voluptuosa.

El mensaje que mandaba, la invitación que hacía a los jóvenes, era claro: asuman su

sexualidad, libérense de los tabúes. Otros rockeros que le siguieron añadieron nuevos componentes a sus narrativas: gente como Robert Plant o Mick Jagger jugaban con el erotismo pero le añadían el componente de la rebeldía frente al sistema; Bowie o Lou Reed trajeron a la mesa el ingrediente del hermafrodismo. Y Madonna consiguió empoderar al público femenino que reclamaba para sí una libertad sexual al parejo de los hombres.

Pero si cada fenómeno pop responde a necesidades específicas de su público, entonces, ¿cuál es el mensaje que esta nueva generación de ídolos adolescentes le manda a sus fans y que ellos reciben y asumen con tanto entusiasmo? ¿Por qué ahora son estos los mayores artistas del mundo?

Ni Miley Cyrus, ni Justin Bieber, ni ninguno de los demás se caracterizan precisamente por sostener ni difundir ideas nuevas ni por su crítica social. No son grandes músicos ni grandes poetas.

No están inventando nada. Lo que están haciendo es bajar la edad y el nivel del público. Son una suerte de Madonnas y Elvis y demás en chiquito, para públicos chiquitos. Son jovencitos que se comportan, consumen y abusan como los grandes. Y no tengo duda de que sus excesos y escándalos abajo de las tarimas les atraen tanto o más público que sus actuaciones, discos y videoclips. Así pues, todo indicaría que lo que hoy atestiguamos es la manera como las personas acceden más y más temprano al mercado y son vistas ya como consumidores hechos y derechos desde muy jóvenes: no deja de llamar la atención que sea Disney, ese experto en venderle a los niños, uno de los mayores promotores de esta tendencia. Así, más que aspirar como antaño a separarse de los adultos y cuestionar y confrontar sus valores, los chavitos aspiran hoy a ser como ellos desde pequeños.

40 | frente | ARTE | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

En esto ver aquello.

Diálogo entre el arte y las ideas de Octavio Paz

A arte En la muestra “En esto ver aquello” el Museo del Palacio de Bellas Artes pone en comunicación las ideas de Octavio Paz sobre el arte con las propias obras que el escritor atendió en varios de sus ensayos críticos.

imÁGENES CortesíA: MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES

Por Christian Gómez

Richard Dadd, El golpe maestro del leñador de hadas, 1855-64

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | ARTE | frente | 41

Existe

una tensión entre las obras de arte y las palabras. Un ir y venir de fuerzas que resulta de las diferencias en sus distintos lenguajes.

Entre las imágenes y los discursos que sobre ellas se producen –y viceversa– se teje una intrincada y problemática red de tránsitos, de correspondencias, traducciones, recreaciones y repercusiones mutuas. Las imágenes no dicen más que mil palabras y las palabras pueden envidiar la potencia de las imágenes.

Es en esa tensión que puede leerse la exposición “En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte”, que contrapone más de 220 obras de artistas de diversas latitudes con los discursos sobre el arte del escritor mexicano, de cuyo nacimiento este año se ha conmemorado un centenario.

“Esto nos deja ver aquello y, a veces, esto se transforma en aquello. Todas las artes, lo mismo las verbales que las visuales son de esencia metafórica […] La realidad del arte es siempre otra realidad” es la aseveración de Paz de la que se extrae el título de la muestra, y donde precisamente se ocupa de las correspondencias entre lo visual y lo verbal.

Coordinada por Miguel Ángel Fernández Félix, director del Museo del Palacio de Bellas Artes, y el curador Héctor Tajonar, la muestra propone un diálogo entre las obras de artistas como Diego Rivera, Pablo Picasso o Marcel Duchamp y las ideas de Paz en textos como Los privilegios de la vista, Duchamp o el castillo de la pureza, La llama doble y El mono gramático, entre otros.

La relación había sido explorada antes en la muestra “Los privilegios de la vista” en el Centro Cultural/Arte Contemporáneo en 1990 y en “Materia y sentido: el arte mexicano en la mirada de Octavio Paz”, también curada por Tajonar, y que en el 2009 reunió 320 piezas en el Museo Nacional de Arte. Sin embargo, esta exposición sorprende por las obras que reúne, procedentes de 96 colecciones nacionales e internacionales, de museos y particulares. Entre ellos, obras de los acervos del Guggenheim, MoMA, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Tate Britain, Smithsonian Institution, Centre Pompidou y Museo Picasso de Barcelona.

Esos diálogos “La creación artística es por esencia universal, de modo que yo no predico un nacionalismo anacrónico”, se escucha decir a Paz en la selección de frases que se reproducen al inicio de la muestra. Si bien la exposición constituye un punto de partida para la discusión sobre las ideas estéticas del escritor, lo que sugiere una frase como ésta es el carácter cosmopolita de su visión del arte.

Así, si bien puede advertirse también desde lo visual su cuestionamiento sobre la identidad, la diversidad en los temas propone el reconocimiento de Paz sobre la existencia de otras rutas en el arte.

“El cubismo y Picasso”, “La apariencia desnuda. Marcel Duchamp”, “Caminos a la abstracción”, “La subversión surrealista”, “La sonrisa de Eros”, “Otredad mesoamericana”, “Las dos conquistas: la de las armas y la de las almas”, “Mestizas y el milagro”, “Academia y pintura popular”, “Revolución y revelaciones” y “El aquí y el allá”, nombres de los núcleos de la muestra, hacen coincidir en el mismo espacio la cultura material prehispánica y de la India, con obras del arte decimonónico europeo, el arte moderno y ese germen del arte contemporáneo que constituye la obra de Marcel Duchamp.

Es posible entonces ver obras de Picasso, Braque y Gris junto a un Diego Rivera cubista; Duchamp en vivo (con readymades más fetichizados de lo que el propio Duchamp pudo imaginar); Kandinsky junto a Pollock y Siqueiros; Miró ante Felguérez y Gerzso. Entre esos diálogos se deja ver cómo Robert Motherwell, por ejemplo, realizó su pintura Rostro de la noche (1981) para el propio Octavio Paz.

“Así, si bien puede advertirse también

desde lo visual su cuestionamiento sobre la identidad, la diversidad en los temas propone el reconocimiento de Paz sobre la existencia de otras rutas en el arte.”

Mark Rothko, André Breton, Paul Klee, Yves Tanguy, Max Ernst, Balthus, Edvard Munch, Willem de Kooning, Jean Dubuffet, Edward Hopper, Giorgio de Chirico, Antoni Tàpies y Robert Rauschenberg se encuentran en la notable selección de la muestra, que además de su cometido es valiosa por la reunión de obras emblemáticas de distintos episodios, corrientes y personajes de la historia del arte.

En tal sentido, merece mención el catálogo de la muestra, que además de un texto de Octavio Paz, el ensayo curatorial y una documentación de las obras, incluirá artículos de artistas y especialistas como Valerio Magrelli, Anthony Stanton, Brian Nissen, David A. Brading, David Huerta, Eduardo Matos Moctezuma, Hugh Thomas, Jorge Esquinca, Pascual Buxó, Juan Malpartida y María Minera.

En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte Museo del Palacio de Bellas Artes Eje Central Lázaro Cárdenas esquina con avenida Juárez, Centro Hasta enero del 2015 museopalaciodebellasartes.gob.mx Octavio Paz por Ricardo Salazar

42 | frente | ARTE | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Horror en el trópico: lógica y estética de la narrativa de terror Por Violeta Solís Horcasitas

En la muestra “Horror en el trópico”, 21 artistas contemporáneos exploran el imaginario de lo monstruoso y sus mutaciones en la industria cultural.

“… cada una de las piezas de los

Por su parte, la exhibición es un recorrido que inicia con la producción fílmica y plástica de López Moctezuma. “Horror en el trópico” exhibe por primera vez óleos, collages y bocetos que sirvieron de referencia cinematográfica para el autor. De ahí cada una de las piezas de los demás artistas que conforman la exposición va reconstruyendo lo que podría ser un mapa del imaginario del cineasta, siguiendo representaciones, personajes y situaciones que hablan de lo prehispánico, la muerte y lo femenino, entre otras temáticas. La selección del curador Garza Usabiaga refuerza estos conceptos mientras revitaliza aspectos determinantes y propios de la estética gótica.

La exposición, así como el filme y el relato, rescatan una lógica que prevalece en la narrativa de terror, ese término que actualmente se nutre tanto de mitologías como de leyendas y se magnifica exponencialmente a partir de los múltiples referentes mediáticos que asociamos con el mismo.

El rostro delirante de Jack Nicholson en Kubrick, piezas de arte clásico mutando o interactuando con monstruos de la cultura

popular, personajes tanto grotescos como seductores del cine nacional, fiestas patronales mexicanas celebradas bajo disfraces de películas de terror hollywoodenses, falsas cabezas reducidas de spring breakers, un mensaje suicida desde la marquesina de un cine, un oráculo para contactar familiares desaparecidos, la lúgubre historia de locura del actor Johnny Weissmüller (Tarzán), vampiresas y la construcción de la feminidad desde el terror, además de zombis, pirámides prehispánicas o sociales como escenarios fúnebres contemporáneos.

Esta muestra, este escritor, este cineasta ya no tratan de explicar lo irracional y lo inexplicable, sino le dan un lugar como elemento de lo que somos y de lo que están construidos nuestros pensamientos, que a veces parecen pesadillas.

La exposición incluye obras de una veintena de artistas, entre ellos Escoto+Carrara, Melecio Galván, Cristóbal Gracia, Daniel Guzmán, Teresa Margolles, Humberto Ríos, semefo y Mariano Villalobos.

Horror en el trópico Museo Universitario del Chopo Dr. Enrique González Martínez 10, Santa María la Ribera chopo.unam.mx

imÁGENES CortesíA: MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO

demás artistas que conforman la exposición va reconstruyendo lo que podría ser un mapa del imaginario del cineasta, siguiendo representaciones, personajes y situaciones que hablan de lo prehispánico, la muerte y lo femenino, entre otras temáticas.”

L

a exhibición “Horror en el trópico” se inspira en el primer largometraje del legendario Juan López Moctezuma: La mansión de la locura, filmada durante 1971. El autor es poco conocido en México aunque tiene un gran trabajo dentro del medio artístico y cultural de la época. Desde la década de los setenta fue conductor de televisión, locutor de proyectos radiofónicos de jazz y de terror, director y productor de teatro y cine, artista plástico, escritor y guionista. Su filmografía consta de cinco películas, las cuales le bastaron para ser reconocido como director de culto del cine pánico, además de convertirlo en referencia para cineastas como Guillermo del Toro o Roman Polanski.

Tanto la muestra “Horror en el trópico” como la película La mansión de la locura comparten locación, ya que esta última fue realizada en el Museo del Chopo durante el periodo que el recinto estuvo abandonado.

La cinta basa su argumento en el cuento “The System of Doctor Tarr and Professor Fether” (“El sistema del doctor Tarr y del profesor Fether”), del escritor estadounidense Edgar Allan Poe. El texto relata la historia de un joven que visita la institución dirigida por Monsieur Maillard, un manicomio donde se sigue el peculiar “sistema de la dulzura”, un método desarrollado por el “doctor Tarr y el profesor Fether”, bajo el cual los enfermos pueden pasear en libertad, sin castigos ni casos de confinamiento. El narrador pronto se vuelve testigo de eventos tanto extraordinarios como aterradores en un palacio donde parece que el tiempo y la lógica han dejado de existir.

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | ARTE | frente | 43

Pola Weiss: el despliegue de una teleasta

Otros agentes, proyectos, espacios

Por Mayté Valencia

formara parte de los circuitos de galerías, museos y eventos culturales.

De acuerdo con Hernández, sin embargo, “Pola Weiss intentó ir más allá y pensar qué se puede hacer con este dispositivo, cómo generar esa cultura crítica que le hace falta. Pola pensaba en una televisión alejada de una programación de Estado, buscaba transmisiones cuyos contenidos no sólo se enfocaran a informar y tuvieran esta necesidad de ser ‘objetivos’, sino que buscaba formar públicos y experimentar con esta parte emocional y personal. Este tema es un problema con el que seguimos actualmente, creo que lo que Pola plantea es mucho más contemporáneo de lo que podemos pensar”.

Sus investigaciones sobre las posibilidades artísticas de la televisión la llevaron a viajar a Francia, Italia, Holanda y Estados Unidos, donde finalmente conoció el videoarte gracias a Nam June Paik, considerado el pionero de esta práctica a nivel mundial. Desde ese momento su trabajo no se despegó del video, aunque nunca dejó atrás su trabajo con la televisión. Así, a finales de los años setenta se autodefinió como “teleasta” y formó una pequeña productora llamada artTV, donde retomó el modelo conceptual de la TV y la llevó al campo del video.

Weiss fue una mujer multifacética y una artista con una gran producción (creó un total de 38 videos de arte, una videoinstalación, varios performances y videodanzas; produjo su último video en 1988, un poco antes de su suicidio en 1990). Para Aline Hernández, “la exposición abre estas posibles líneas o campos de investigación sobre el trabajo de Pola; busca entender cuáles fueron sus inquietudes y los ejes de su producción. Haría falta un segundo momento en el cual aterrizar todas estas partes. Esta muestra abre la posibilidad de hacer historiografia mexicana de videoarte, algo que no ha sido lo suficientemente atendido”.

imAGEN CortesíA: MUAC

Una mujer danza sobre avenida Reforma con una cámara al hombro. La cámara graba sus movimientos, pero también a los espectadores: su desconcierto y curiosidad, sus sonrisas, los sonidos de la calle. La mujer que baila es Pola Weiss (ciudad de México, 1947), precursora del videoarte en México. Se trata de una artista inquieta y extravagante quien durante los años ochenta fue considerada como una de las más importantes videoastas de América Latina.

Actualmente, el muac le dedica una muestra: “Pola Weiss.

La TV te ve”.

Curada por Aline Hernández y Benjamin Murphy, más que una retrospectiva, esta exposición intenta dar cuenta de los ejes que guiaron los procesos creativos de la artista: el papel central que la televisión tuvo en su producción (Pola Weiss: el despliegue de una teleasta); su relación con la videodanza (Hacia una sinergia del cuerpo y el video), los recursos técnicos que Weiss tomó del cine y su cuestionamiento a la veracidad del género documental (Ensayos documentales).

Aline Hernández explicó que “uno de los motivos que guiaron la exposición fue dar a conocer obra gráfica, en video y escrita, de una artista que ha sido muy poco retomada y de la que valdría la pena analizar o profundizar no sólo cuál fue su legado o si fue la pionera de este arte, sino ver cuáles fueron los aspectos particulares de toda la producción que tuvo”.

En este sentido, la curadora refirió que dos elementos distinguen el trabajo de Pola Weiss del de otros artistas que también experimentaban con el video en esa época: la presencia de la cámara y las posibilidades artísticas que ella vio en el aparato televisivo. La primera se refiere a esta doble imagen que caracterizan sus obras (en particular las videodanzas). Es decir, al hecho de que ella se graba a sí misma y lo que está a su alrededor; de esta manera, se convierte en sujeto y objeto de sus producciones y hace un registro íntimo y a la vez público, como sucede con el performance videodanza a dos tiempos La venusina renace y reforma (1980).

“Pola no soltaba su cámara –que además pesaba como ocho kilos–, bailaba lo mismo en Xochimilco o en Venecia, filmaba a la gente, la entrevistaba y le preguntaba qué había entendido. Al mismo tiempo había otra cámara que grababa todo lo que sucedía y formaba parte de la obra misma, es decir, se alejaba de la función que tenía el registro en el performance, que sólo es conservar el evento efímero. Eso es muy interesante en ella”, dijo Hernández.

El segundo elemento está intimamente ligado con lo anterior. Contrario a lo que se pensaba en su época, cuando se decía que la televisión era una “caja idiota” que formaba espectactadores acríticos y pasivos, Weiss vio en este aparato una posibilidad artística, una forma de llevar el arte a un público mayor, que no necesariamente

Pola Weiss: la TV te ve Museo Universitario Arte Contemporáneo Insurgentes 3000, Centro Cultural Universitario Hasta enero 11 del 2015 muac.unam.mx

imAGEN CortesíA: TALCUAL

Con la muestra “Pola Weiss. La TV te ve”, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (muac) revisita un capítulo poco explorado en la historia actual del arte mexicano: el videoarte. La exposición presenta videos, carteles, fotografías y otros documentos de una de las pioneras en el país de esta práctica.

Arte Talcual Por Christian Gómez

C

on la intención de abrir la puerta a artistas jóvenes y con inquietudes distintas a las de los ya establecidos en el mercado, Andrés Arredondo fundó en el 2009 la galería de arte contemporáneo Talcual. Desde entonces, han promovido artistas emergentes y de carrera media principalmente mexicanos, aunque la dinámica del espacio los ha llevado a ampliarse para exhibir también artistas extranjeros.

Daniel Monroy, Fritzia Irizar, Iñaki Bonillas, Begoña Morales y Manuel Muñoz son algunos de los artistas que han presentado proyectos en esta galería. Asimismo, para ampliar su espacio de exhibición Talcual cuenta con el Proyecto vitrina, donde se exhiben obras concebidas para ser vistas desde la calle, fuera del contexto de la galería.

“La vitrina da a la calle de Praga, que entre semana cuenta con muchísimo tránsito peatonal y siempre resulta atractivo para los artistas la idea de tener un proyecto que sea accesible a tantas personas, muchas de ellas con poco o nulo conocimiento del arte contemporáneo”, explica Georgina Arozarena, directora de dicho espacio.

Otro aspecto de Talcual es su labor como asesores de coleccionistas.

De acuerdo con Arozarena, “muchas personas quieren empezar a coleccionar arte pero no tienen claro por dónde empezar, qué dirección darle a su colección, y en ese sentido nosotros hemos asesorado a muchos coleccionistas jóvenes, explicándoles cómo funciona el mercado del arte, ayudándoles a definir si quieren, por ejemplo, hacerse de una colección que tienda a lo general o coleccionar en torno a un tema en particular”.

Uno de sus siguientes pasos, además de seguir trabajando en alianzas con museos y otras instituciones culturales en México, es proyectar a sus artistas en el extranjero.

Actualmente, exhiben una individual de Rodolfo Díaz Cervantes, una propuesta en la que el artista intervino la arquitectura de la galería con un tapiz que resulta de una serie sobre las posibilidades de acomodo de símbolos o formas. También presenta obras nuevas en las que se examinan temas como el movimiento y el balance, así como la relación de distintos procesos arquitectónicos.

En su Proyecto vitrina, Francisco Ugarte Talcual ha realizado una intervención en la cual la Praga 27, Juárez vitrina se exhibe a sí misma revelando sus artetalcual.com características y particularidades a través del uso de la luz.

44 | frente | DISEÑO | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

D diseño

Marika Vera: por una cultura del erotismo

FOTOS: CUCHO JIMÉNEZ

Por Olga Olivares

En el 2009, Marika Vera empezó a planear una marca de lencería.

Recién regresaba a México de estudiar en el Instituto Marangoni en Londres. Desde aquellos momentos hasta ahora, el proyecto de Vera, su marca, ha ido creciendo orgánicamente, posicionándose en el mercado nacional e internacional.

Marika

Vera nos recibe en su showroom de la colonia Juárez en un momento bastante agitado: está haciendo un casting de modelos para su siguiente lookbook. El timbre no deja de sonar y entre clientes, asistentes de producción y demás, pudimos vivir un día normal de la diseñadora.

ACERCAMIENTO A LA MODA El primer acercamiento de Vera con la moda fue cuando tomó unos cursos cortos en Swinburne University en Australia mientras estudiaba la carrera de Administración de Empresas. Poco tiempo después, solicitó admisión al Instituto Marangoni de Londres en donde se graduó con una colección de lencería, explorando así las posibilidades que la moda le ofrecía para mezclar sus intereses personales con las prendas.

“Cuando regresé de Australia de estudiar la carrera de Administración de Empresas, le dije a mis papás que quería estudiar moda y me dijeron: “Sí, estás loca”, relata Vera. “Después vieron que hablaba en serio y fuimos a

ver las escuelas que habían en México. Fui a ver la Casa de Francia y comparamos las colegiaturas y costaba lo mismo que estudiar en Londres, sólo que tenías que pagar la estancia que es caro, pero como yo siempre trabajé, me podía mantener y mis papás me ayudaban con la renta. La verdad valió mucho la pena, no podría comparar el nivel de unas escuelas con otras, pero el Instituto Marangoni tiene una educación italiana que está basada en la técnica.” Vera explica que con esto se refiere a que en el instituto enseñan a los alumnos lo que necesita saber cualquier diseñador: dibujar, coser, hacer patrones y diseñar colecciones enormes en tiempos muy limitados. “Nos ponían a hacer proyectos de tres meses de 60 looks y cada uno de ellos estaba conformado por tres piezas y una ficha técnica por prenda. En mi último año de escuela decidí hacer una colección de lencería por mi interés en el tema de la sensualidad, la femineidad y la psicología de la mujer, y también porque quería hacer algo diferente para ver si podía conseguir un trabajo y quedarme en Europa.”

LA IMPORTANCIA DE LA PRÁCTICA La curiosidad y el hambre de conocimiento la llevaron a pasar veranos enteros haciendo prácticas profesionales, trabajando y estudiando. El hecho de estar en el extranjero y estar involucrada en la industria de la moda de cerca la hizo enfocarse y aprovechar todas las oportunidades que se le iban presentando.

“Además de ser becaria, trabajaba y estudiaba. Los veranos me la pasaba haciendo prácticas profesionales. Trabajé para Giles Deacon tres temporadas, una de tiempo completo y las otras nada más en temporadas de show”, cuenta Vera. “Me hablaban porque sabían que tenía esa disponibilidad, era de esas estudiantes que le valía madres tener que tirar la basura, siempre estaba buscando algo que hacer. En ese sentido, creo que hay una diferencia con los estudiantes aquí en México, o al menos en mi experiencia, siento que a veces les falta el deseo de involucrarse.”

Vera cree que esto se debe a una combinación de personalidad y de inseguridad, que de alguna manera tiene algo que ver con la inmadurez de los estudiantes mexicanos

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | DISEÑO | frente | 45

quienes no tienen la cultura de independiOtra influencia importante de la disezarse de sus padres desde jóvenes. ñadora es la música. “Siempre invierto en un concierto y en festivales de música. Voy SOBRE SU TRABAJO ACTUAL con gente que es muy culta y cada vez que Desde que inició su carrera ha estado traba- nos vamos cambiando de escenario me van jando en una línea que se llama Marika Vera explicando cosas. Siempre que estoy en y hace un año empezó a desarrollar otra línea un concierto se me ocurre algo: un diseño, llamada Signature para ampliar su mercado. frases, ideas.”

“Quería hacer un look para la mujer ideal de la marca, pero para el uso diario. Esta primera SUS RETOS ACTUALES colección está inspirada en la mujer que tra- Vera asegura que la parte financiera es lo que baja, entre los 30 y 50 años, que es activa y tiene más trabajo le cuesta resolver. “No porque no una sensualidad natural.” La colección incluye sepa nada sobre mi flujo de efectivo o cuánto bodys básicos que se pueden combinar con un dinero necesito, ni qué voy a hacer con él, pantalón o falda, además de vestidos túnicas. porque eso lo tengo clarísimo. La parte que Asimismo, Vera trabajó una línea de lence- me falta es tener ese flujo de efectivo. Estoy ría de uso compuesta por detalles sutiles. “Tengo trabajando en un plan de inversionistas para modelos que favorecen a los diferentes tipos de vender un porcentaje de la empresa y tener cuerpo. La idea es que esta línea siga creciendo y una inyección de capital mensual que me que cada producto se vuelva un clásico. También permita liberarme de ciertas preocupaciones. tengo unas prendas muy lindas que son arne- Tener que preocuparte por el dinero al mismo ses y unos calzones ouverts –abiertos– y unos tiempo que estas trabajando al límite, creatibrasieres abiertos. La idea es que con prendas vamente es difícil.”

Mientras este reto se resuelve, Vera y su de la misma marca puedas hacer capas. Tal vez traes puesta una de estas piezas que en realidad marca siguen en movimiento. El 7 de octubre tiene un propósito más sexual, pero además te es el lanzamiento oficial de la página web, lo puedes poner sobre un soft bra o puedes traer marikavera.mx, donde sus prendas podrán una tanga y encima un ouvert y, a lo mejor, des- comprarse en línea. Su ropa también se pués terminas usando el ouvert solo. Eso es un encuentra en las tiendas Cañamiel, Peonia, poco la idea, no ser muy evidente. Creo que el Local, The Feather y Cardigan, y tiene un hecho de ser mexicana me hace pensar siempre plan de distribución en México de alrededor de otros 15 puntos que iniciará en los en maneras de ser más discreta.”

A pesar de que en México no es tan siguientes meses. común hablar de sexo de manera abierta, el www.marikavera.mx hecho de que existan este tipo de proyectos nos obliga a reflexionar acerca del cuerpo y la conciencia de éste.

“Creo que la madurez y la sensualidad de una mujer depende mucho de qué tan conectada esté con su cuerpo y consigo misma, de ahí es donde florecen muchísimas cosas. Me encantaría que en unos 10 años pudiera decir que he generado una cultura del erotismo en México. Voy haciéndolo poco a poco. Yo creo que el cambio y la apertura a una vida sexual y de sensualidad parte mucho de la imaginación que tiene el individuo.”

INFLUENCIAS Las influencias de Vera van desde la literatura hasta el cine. En sus colecciones anteriores hay referencias a personajes femeninos de películas de David Lynch hasta colecciones basadas en novelas eróticas de Leopold von SacherMasoch y Anaïs Nin. “Mi escritora favorita es Anaïs Nin, porque deja mucho a la imaginación y te acerca al clímax y al momento sensual. Creo que eso es muy importante y eso una película pornográfica no lo hace”, opina Vera.

“Creo que la madurez y la sensualidad

de una mujer depende mucho de qué tan conectada esté con su cuerpo y consigo misma, de ahí es donde florecen muchísimas cosas. Me encantaría que en unos 10 años pudiera decir que he generado una cultura del erotismo en México. Voy haciéndolo poco a poco.

”

46 | frente | DISEÑO | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

perfil

opqrs design-studio Diseño ARQUITECTÓNICO Por Rodrigo Alcocer de Garay

Los proyectos que hacemos en el estudio se enriquecen con la búsqueda de información, colaboración de diferentes profesionales, exploración de nuevos materiales y tecnologías o aplicaciones innovadoras de los mismos, dependiendo de las características y necesidades de cada uno. ¿Cuáles son los proyectos por los que son más reconocidos?

Nido y Hexa Lamps; Cafioka (en colaboración con Roof Office) y Jacinta (en colaboración con Karimayo). ¿Cuáles son los principales retos o áreas de oportunidad en la práctica profesional del diseño arquitectónico contemporáneo?

En generar productos 100% sustentables. La sustentabilidad es un compromiso que todos los creativos del diseño como generadores de ideas tenemos que adoptar, ya sea como forma de pensar o de idear los proyectos desde un inicio. ¿Cuál es el principal vicio o desventaja del panorama nacional en cuanto a diseño se refiere? ¿Cuándo se formaron?, ¿por quiénes está compuesto?

opqrs design-studio fue fundado en el 2011 por Silvio Margain. Con él colaboran Leonardo Flores y Emanuel Moreno. Después de hacer un proyecto entre el arquitecto Rodrigo Velasco (Roof Office) y el diseñador industrial Silvio Margain (opqrs), teníamos la necesidad de tener un nombre que englobara la parte de diseño con una identidad. Finalmente, nos dimos cuenta de que el diseño está en cualquier lugar, por ejemplo, en el alfabeto ( abcdfghijklm…), pero para generar un diseño interesante hay que saber hacer una síntesis interesante y así nace opqrs. ¿Cuál es la filosofía principal detrás de su práctica?

opqrs es un estudio de diseño el cual da soluciones creativas a diferentes proyectos. Buscamos innovar de una manera estética para darle a cada proyecto una personalidad única, atractiva, funcional y sustentable. Nuestros ejes son estética, innovación, funcionalidad y sustentabilidad (responsabilidad: ecológica y social). ¿Cómo describirían su proceso de diseño, los elementos esenciales de su propia metodología?

En opqrs nos gusta entender las necesidades de nuestros clientes para explorar y proponer nuevas ideas que no sólo cumplan, sino superen las expectativas.

Repetir patrones o tendencias, y no explotar la riqueza local o nacional perdiendo así la identidad. Creemos que esto se puede revertir diseñando con estándares internacionales, pero con una esencia local para dar una identidad fuerte al diseño mexicano. ¿Quiénes son algunas influencias o referencias esenciales para entender mejor su práctica?

Tapio Wirkkala, Robert Wilson y Diller Scofidio + Renfro. ¿Quiénes tienen una práctica de diseño –en todas sus variantes– en México que merecen ser reconocidos por el público en general?

Dear (www.dear.mx) y Déjate querer (www.dejatequerer.mx).

Un edificio o espacio que cualquier persona en la ciudad de México debe visitar y por qué.

La unam, en especial, el Espacio Escultórico porque es parte de una reserva ecológica volcánica que tiene esculturas que se integran en el entorno, generando un espacio único en el Distrito Federal. ¿Cuál sería un proyecto que les gustaría hacer o una problemática –de diseño– que les gustaría atacar?

Hay muchos proyectos que queremos hacer, pero uno en el que actualmente estamos trabajando es una serie de

productos que nacen a partir de los residuos que generamos (ejemplos: Nido y Hexa Lamp) y que se transforman en objetos con un diseño atractivo.

Lo que nos falta es que las empresas se involucren con este tipo de proyectos para que con sus desperdicios generemos un diseño y vinculemos a una comunidad u ONG para que los produzcan y tener así un producto sustentable (ecológico y socialmente responsable). ► www.opqrs.mx ►@opqrs

48 | frente | LETRaS | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

L letras

Nicolás Cabral, un arquitecto de historias Por Fernando Hernández Urias

En su primera novela, Catálogo de formas, Nicolás Cabral, director editorial de la revista La Tempestad, erige con una prosa precisa varias estampas que dan cuerpo a la historia de aislamiento, contradicciones y dolor del arquitecto Juan O’Gorman.

1.

El Arquitecto sueña con estar lejos de todos. Tiene un plan: construirá, en medio de la naturaleza, una torre y una choza, viajará poco al pueblo para comprar provisiones, cruzará palabras sólo con quien sea necesario. Se aislará con cuadernos donde hará dibujos, definirá formas.

“Nadie más habitará la zona”, una frase que aunque no se repite parece un mantra.

Son varias las voces que cuentan la historia del Arquitecto. Está la de su esposa, quien siempre vivió amenazada por el suicidio de su marido. La voz de su hermano, el historiador Edmundo O’Gorman.

Está, también, la de la Alemana, una amante del pasado a quien compartía con otros hombres, incluido su marido. La de su hija, quien recuerda hacer viajes con él por minas, túneles, cuevas, lugares oscuros lejanos y diferentes a casa. Una niña que se esconde para vigilar a su padre. Uno de los albañiles que trabajan con él, y su doctor, también tienen voz.

El Pintor (Diego Rivera) y la Pintora (Frida Kahlo); el compositor Conlon Nancarrow y el ex secretario de Educación Pública, Narciso Bassols; el Ruso (León Trotsky) y la Rusa (Natalia Sedova) también son parte del reparto. Y, a la sombra de toda la historia, el Suizo (Le Corbusier) y el Libro.

El Arquitecto, Juan O’Gorman, dibujado por las voces de quienes lo acompañaron. El gran artista como un niño que se escondía en las faldas de su abuela; como un joven revolucionario que pretende cambiar al mundo con piedras; como un amante que sólo busca poseer a las mujeres; como un hombre que primero buscó la claridad y el brillo, y después huyó hacia la oscuridad; como un viejo que es visto por todo un pueblo como discípulo de Satanás; como un vidente que sabe “nuestros actos serán premiados con la extinción”; como un artista que se pierde, sumido en la desesperación que genera la ambición de los demás, en las alucinaciones que genera un ayuno total; como un ser harto de la humanidad y que tiene bien claro que “el hombre es el cáncer de la Tierra”.

Con una prosa limpia y precisa, Cabral va construyendo pequeñas estampas que, como las piedras con las que O’Gorman construyó sus murales, o como los ladrillos con los que construyó su legado, o como los colores con los que pintó su obra, van dando cuerpo a una historia de aislamiento y contradicciones, de dolor e incomprensión, de hartazgo y de desesperación.

foto: laura pardo

2.

Nicolás Cabral es el autor de esta historia. Es, también, director editorial de la revista La Tempestad desde su fundación, hace 16 años. Nació en Córdoba, Argentina, en 1975, pero sus padres se mudaron tras su nacimiento a México.

Estudió Arquitectura en la Universidad de Guanajuato motivado por la relación entre el arte y la técnica. Creció rodeado de libros y comenzó a leerlos en cuanto sintió la necesidad de explicarse ciertas cosas. Fue también una lectura la que le llevó por primera vez a plantearse la posibilidad de escribir una historia.

Dice que escribe para organizar su relación con el mundo. Y también para problematizarla. Ante la necesidad de lidiar con clientes, decidió alejarse de la Arquitectura. Pero sigue interesado en esta disciplina, la cual, al menos hasta ahora, ha influenciado el imaginario de sus relatos.

Sobre las funciones que tiene la literatura para él, dice: “La materia de la literatura es el lenguaje. Es el arte del lenguaje. Su función es crear nuevos órdenes simbólicos. Cuestiona, por lo tanto, los límites de lo posible, imagina formas de vida”.

Además de en La Tempesad, Cabral escribe sobre diversos temas en publicaciones como La Nación, El Poeta y su Trabajo, Quimera y Otra Parte, entre muchas otras. Y relatos suyos han sido incluidos en antologías como Nuevas voces de la narrativa mexicana y De lengua me como un cuento.

La editorial Periférica pondrá en circulación próximamente su primer libro de relatos, titulado Las moradas. El volumen, compuesto por poco más de 130 páginas, incluye nueve cuentos. Uno de ellos titulado “Cuaderno” es el diario de un hombre que vive en una ciudad en la que los niños han tomado el control, niños que “atacan para

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | LETRAS | frente | 49

“La prosa de Catálogo de formas no es la

misma que la de otros de mis relatos. De cualquier modo aspiro, sí, a la precisión.

La relaciono con la belleza por influencia de Wittgenstein. Me atraen las formas nítidas, así se trate de nubes.”

no ser exterminados”, niños que se revelan en contra de sus mayores, de la imposición; mientras los adultos, con miedo, se esconden.

Otro, “Ausencia”, es protagonizado por un hombre que apenas puede moverse. Pasa los días y las noches tumbado en la cama, mirando hacia el techo. Apenas se mueve para orinar y un día, harto de su jefe y de su aburrido trabajo, deja de ir a la oficina. Su mujer es quien lo cuida, le da de comer, le compra ropa y lo baña. Pero ahora, esta mañana, ella ya no está ahí.

3. ¿De dónde surgió la idea de tu novela?

Siempre me interesó la obra de Juan O’Gorman, lo mismo su arquitectura que su pintura. En cuanto a su vida, me perturbó enterarme del modo en que se suicidó.

El relato tuvo ese detonante, pero finalmente pensé en la posibilidad de hacer un retrato narrativo del personaje, con las estrategias de la ficción.

¿Cómo fue el proceso de escritura de tu Catálogo de formas?

Me documenté sobre ciertos aspectos de la vida de O’Gorman. Una vez elegidos los pasajes reales que me interesaban narrativamente, comencé a hilvanar fragmentos ficticios, con el fin de que la novela operara de acuerdo con su propia lógica.

¿Por qué elegiste a O’Gorman como protagonista?

Simboliza, para mí, las contradicciones de la modernidad, no sólo en México: de la fe en la técnica y el progreso a los impulsos autodestructivos. Su obra materializa un conflicto constante.

¿Cuál es tu relación con él? ¿Recuerdas la primera vez que viste alguna de sus obras?

Conocí su obra estudiando Arquitectura, inicialmente en fotos. Luego, en sucesivos viajes a la ciudad de México ( yo vivía en Guanajuato), visité algunos de sus edificios (las casas de Diego Rivera y Frida Kahlo, la Biblioteca de la unam). Me atrajo siempre la radicalidad de sus propuestas, primero funcionalistas y luego inclasificables.

¿Consideras que el desencanto sirve como motor creativo?

Como quería Gramsci, al pesimismo de la inteligencia hay que responder con el optimismo de la voluntad.

¿Por qué usar varias voces para contar esta historia?

Porque permite poner en tensión la subjetividad del personaje y la mirada de quienes lo acompañan. Son versiones complementarias, a veces contradictorias, de los hechos. La intención es ofrecer un retrato múltiple, jugando con la idea del Autorretrato múltiple que O’Gorman pintó en 1959.

Novedades editoriales Por Fernando Hernández Urias

El protagonista parece rechazar su parte humana a partir de un acto humano (construir, crear). ¿Qué te interesa de la contradicción?

La contradicción es la condición de la realidad, aquello que pone las cosas en movimiento. Por lo demás, O’Gorman fue un personaje profundamente contradictorio, hasta un punto de verdadero desgarramiento.

¿Se puede construir o reconstruir espacios con historias?

Los grandes textos crean espacios, nos exigen habitarlos. Y tienen la capacidad de volver extraño el lugar en el que nos encontrábamos antes de leerlos.

Tu escritura, me parece, es breve y precisa. ¿Crees que “en la precisión reside la belleza”?

La prosa de Catálogo de formas no es la misma que la de otros de mis relatos. De cualquier modo aspiro, sí, a la precisión. La relaciono con la belleza por influencia de Wittgenstein. Me atraen las formas nítidas, así se trate de nubes.

¿Quiénes son tus autores favoritos?

Un listado siempre estará incompleto, pero pienso ahora en Joyce, Kafka, Beckett, Faulkner, Bernhard, Burroughs, Di Benedetto, Rulfo, Robbe-Grillet, Saer o Handke, por mencionar sólo a unos pocos narradores.

¿Cómo fue el proceso de escritura de Las moradas?

Fue un proceso de aprendizaje, una gestación lenta. En ese periodo busqué descubrir el tipo de escritor que soy, ensayando diversas formas de entender la prosa narrativa, esquivando las “normas” del cuento.

Leí en blogs y en redes sociales, hace tiempo, mucho sobre tu obra de ficción. Sólo conocía dos cuentos tuyos (uno publicado en De lengua... y otro en Nuevas voces...). ¿Por qué te tomaste “tanto” tiempo para publicar?

Escribo ficciones muy lentamente, al grado de que las escasas páginas de Las moradas me ocuparon una cantidad ridícula de años. No tenía apuro, sino la necesidad de encontrar la forma adecuada para imágenes específicas. ¿Cómo se dio el contacto con Periférica? ¿Por qué los elegiste como editores?

Periférica es un sello atento a las búsquedas más interesantes de la narrativa contemporánea. Me ilusionaba que mis libros se integraran a su catálogo, así que se los mandé.

Por fortuna, Julián Rodríguez les hizo un espacio. ¿Estás trabajando en algún proyecto nuevo?

Tengo un par de proyectos a mediano plazo. El primero es un ensayo sobre las formas en las que la narrativa contemporánea se relaciona con las problemáticas del presente. El segundo es una novela de ánimo utópico. El tiempo dirá.

1. De la mano de la editorial Jus, Malpaso Ediciones desembarca en nuestro país con novedades como esta colección de relatos inéditos de Kurt Vonnegut. La historia que abre el volumen se titula “Entre tibio y Tombuctú”. El protagonista es David Harnden, un joven pintor cuya esposa acaba de fallecer en un accidente automovilístico. La tragedia lo marca a tal grado que se obsesiona con la posibilidad de poder viajar en el tiempo y, tras salvar a su vecino de morir ahogado, se da cuenta de que quizá exista una manera de regresar al pasado y volver a estar con su amada. En otro relato, titulado “Señortita Snow, está usted despedida”, un hombre de cuarenta años llamado Armand Flemming, harto de una vida gris y anodina, decide hacer a un lado su matrimonio y su empleo, para perseguir a una joven secretaria de la que está perdidamente enamorado.

La cartera del cretino. Kurt Vonnegut. Malpaso Ediciones, 2013. 143 páginas.

312 pesos.

2. “Estoy bien jodido”, dice el protagonista de la novela más reciente de Fadanelli, tras descubrir que su mujer, Elisa Miller, lo ha abandonado sin siquiera dejar una nota. Se trata de un hombre sin amigos que platica con personajes como Rousseau, Montaigne, Schopenhauer y el basquetbolista Earvin “Magic” Johnson, con quien se lamenta por no haberse convertido en un jugador profesional de basquetbol.

Obsesionado por la partida de Elisa, el narrador decide contratar a un investigador para resolver todas sus dudas. El elegido para esta misión se apellida Riquelme y cobra en dólares. Y todo por una mujer que se encontró por casualidad hace muchos años en la Facultad de Ingeniería de la unam; la misma que se sentaba en las gradas durante los entrenamientos de basquetbol para leer a Milan Kundera; la misma con la que compartió una casa, una cama, una vida, y que ya no está.

El hombre nacido en Danzig. Guillermo Fadanelli. Almadía. México, 2014.

166 páginas. 199 pesos.

3. Angustia es un pequeño pueblo con 523 habitantes (cuyo gentilicio es angustiados y cuyas vidas son sencillas) que sobrevive gracias al cultivo de la flor de manzanilla y de sacar muchas fotos contemplativas que después son utilizadas en calendarios, tarjetas y separadores de libros, entre otras cosas. Un pueblo en el que no pasa nada, hasta que un día un enorme jet comercial se viene abajo sobre su campo. La noticia no causa mucho revuelo y el mundo presta poca atención, pero Angustia cambia por completo. Y es que luego de que las cadenas noticiosas le retiran su atención al suceso, Angustia tiene que enfrentar un gran dilema: darle alojamiento a los sobrevivientes del accidente quienes no recuerdan nada. Ramiro, el idiota del pueblo, es el encargado de narrar la historia de cómo “la vida en Angustia se convirtió en un eco de ella misma”.

En los tiempos de la ocupación. Alejandro Espinoza. Editorial Terracota.

México, 2013. 218 páginas. 210 pesos.

50 | frente | LETRaS | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Ocupar lo público

“Sólo sencillo en

apariencia, el ejercicio se convierte en una guía, un punto de partida para seguir los planteamientos de un artista que se ha propuesto pensar en público, desde lo público.”

Por Christian Gómez Con la instalación “Círculo de animales/Cabezas del Zodiaco”, del artista chino Ai Weiwei, en el Museo Nacional de Antropología, se editó en nuestro país Weiwei-ismos, una antología de sus consideraciones sobre el arte y la política.

V

ale la pena preguntarse cuándo el arte y los artistas irrumpen en lo público. Más allá del lugar que tienen en las revistas especializadas o de su relación con el público asiduo a sus espacios habituales, una gran cuestión es cuándo un artista trastoca ese circuito y ocupa ámbitos mayores de la esfera pública. ¿Cuándo el arte asalta las primeras planas?

Hace unos años, en una entrevista el curador y crítico de arte Cuauhtémoc Medina recordó unas palabras del historiador del arte Olivier Debroise: cuando el arte sale en las noticias es una mala noticia. Hay en los grandes medios una capacidad no de abrir la recepción y generar un debate más complejo sobre los enunciados de la práctica artística, sino lo contrario: una asombrosa capacidad de reducirlos a los términos más banales posibles. Siempre el escándalo, los lugares más comunes, los mismos artistas.

Pese a ello, vale pensar en la capacidad de algunos artistas de valerse de esa maquinaria para difundir sus planteamientos. De aprovechar esa visibilidad para llevar hacia lo público, y de manera potente, su pensamiento. Tal es el caso de personajes como el artista chino Ai Weiwei, en cuya producción hay una persistente correspondencia con lo mediático. Al aprovechar la visibilidad que el mundo del arte le ha dado para encarar las condiciones políticas de su país, se volvió tan incómodo que empezó a ser perseguido; y frente a esa circunstancia, su operación ha sido desplazar la atención sobre sí hacia esa realidad que es también de otros: la de la imposibilidad de la libertad de expresión y un eterno padecer los efectos de la corrupción.

Por esa razón, llama la atención un libro como Weiwei-ismos, un compendio de sus frases aparecidas públicamente. De entrevistas en medios de comunicación de todo el mundo, catálogos de exposiciones, textos académicos sobre su obra, el propio blog y Twitter del artista, el editor Larry Warsh extrajo reflexiones en las que Ai Weiwei insiste sobre temas como la libertad de expresión, la relación del arte con el activismo, el ejercicio del poder y

el gobierno, el papel del mundo digital y la relación de los ciudadanos con la historia.

Sólo sencillo en apariencia, el ejercicio se convierte en una guía, un punto de partida para seguir los planteamientos de un artista que se ha propuesto pensar en público, desde lo público. Intencionalmente o no, la publicación sugiere una narrativa posible a una avalancha de declaraciones aparentemente inconexas y surgidas de la emergencia. Rastrea, organiza, propone un sentido sobre aquellas.

Está por pensarse qué sucede con el compendio: si, por un lado, al sacarlas de su contexto, las palabras pierden potencia y son trivializadas como las frases célebres en las agendas; o bien, si reunidas adquieren una potencia y conexiones no advertidas en sus contextos originales. La balanza parece inclinarse hacia el hecho de que las palabras son ya un dispositivo del artista. De esta manera, la recuperación las pone en su justa dimensión; como lo ha hecho el poeta Kenneth Goldsmith al incluir en su archivo en línea Ubu Web las entrevistas a Andy Warhol: mientras a la fundación en nombre del artista no le resultaban especialmente redituables, para Goldsmith

hay en aquellas palabras una fuerza quizá mayor que en sus obras.

De la misma manera, los dichos de Ai Weiwei suponen una correspondencia entre lo visible y lo decible. Mientras en su exposición individual “So sorry” (2010) denunció, a través de un mural realizado con mochilas escolares, la muerte de cinco mil niños a causa de la pésima construcción de las escuelas en el terremoto de Sichuan dos años antes, en los medios no dejó de hacer un señalamiento sobre los actos de corrupción detrás de esos hechos. Frente a los artistas acomodados en un mercado en crecimiento exponencial e indiferentes a las circunstancias políticas, Ai Weiwei no deja de ser cada vez más incómodo al régimen.

De una entrevista en CNN: “‘¿Por qué?’, preguntan todos. ‘¿Por qué no se puede escribir el nombre de este hombre [Ai Weiwei] en una computadora sin que se borre toda la frase?’”

Es la vida y la muerte, no el arte Weiwei-ismos surgió de manera paralela a la exhibición de “Círculo de animales/Cabezas

del Zodiaco”, que se ha presentado en la Bienal de São Paulo (2010) y en distintas ciudades de Estados Unidos. Entre ellas, en espacios como la Plaza del Pulitzer en Nueva York y en la Universidad de Princeton. A su vez, el libro ha sido editado en español en México a propósito de la exhibición de la obra en el Museo Nacional de Antropología –donde ha hecho falta señalar que la instalación denuncia el saqueo de bienes culturales en naciones conquistadas.

“El problema fundamental no es que aquí existan limitaciones para manifestar diferentes opiniones. El problema radica en que toda la sociedad agoniza debido a la falta de responsabilidad o de involucramiento”, señala el artista en este libro, en el que apenas se incluyen dos imágenes: una foto de su arresto en el 2009, en un elevador repleto de policías; y la otra, de una radiografía que da cuenta de la hemorragia cerebral que le produjo entonces la violencia de la policía.

Nacido en 1957, y luego de crecer en el exilio al que fue sometido su padre, Ai Weiwei formó parte desde los años setenta de la neovanguardia artística y desde entonces ha asumido diferentes roles que van desde el diseño y la arquitectura hasta el trabajo como editor. A la vez, mantener un blog o asumir su presencia en las redes sociales han sido herramientas para la denuncia. En ese sentido, reconoce, su obra siempre ha sido política, pues en China la elección de ser un artista es ya política: ser político significa asociar su obra a las condiciones de vida de un número más amplio de personas.

Como ha dicho a Der Spiegel: “La única razón por la que me encarcelaron fue mi participación política, mi crítica a las autoridades. Luego el pretexto de mi arresto fue mi ‘problema fiscal’. Pero ahí adentro no me dijeron nada de esto. No quiero subestimar su inteligencia, pero hasta el día de hoy creo que lo que hicieron fue muy tonto. De hecho, hasta me ayudaron en un sentido irónico. Me dieron la oportunidad de explicar lo que pasa con el sistema. Me dieron una gran plataforma”.

Pero su práctica no se encuentra ya, como proponían los artistas de vanguardia, en la tensión entre el arte y la vida, sino que lo sitúa entre la vida y la muerte. Hace tiempo que dejó de ser un asunto del arte.

Weiwei-ismos. Ai Weiwei, Edición de Larry Walsh, Tusquets, México, 2014.

52 | frente | comida| del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

C comida

Sopas de tortilla: cine y cocina mexicana Por Alonso Ruvalcaba

El melodrama moja con sus lágrimas expresionistas toda la historia del cine mexicano.

Parte de su canon lo conforma la dicotomía: los ricos (ustedes), los pobres (nosotros). Y claro, lo que comen los ricos, y lo que comen los pobres. En película tras película la comida mexicana sirve para evidenciar ese abismo entre clases, y en ocasiones, para minimizarlo.

Ustedes

los ricos contra nosotros los pobres es casi la forma de relación en que nuestras películas se sienten cómodas. Ustedes: ricos, transas, mamones, pipirisnáis, gringos, ojetes, albureables; nosotros: pobres, honrados, mexicanos, valedores, albureros, tururú. En película tras película la comida mexicana sirve para ahondar ese tajo. Ustedes: comiendo sus horribles platos respingados franceses, sus hamburguesas, sus hot-dogs (“También existe el hot-dog, pero no mancharé este libro con más que tomar nota de su inconcebible existencia” escribió melodramáticamente Salvador Novo), en restaurantes enmantelados y en sus casas de oro en las Lomas; nosotros: alimentándonos de tacos de carnitas, de molito, de tortas delgadas de jamón y ensanchadas con un montón de aguacate y cebolla, alimentándonos de esquites, de patitas de pollo hervidas, en el puesto de Tepito o la Merced.

En Acá las tortas (1951), de Juan Bustillo Oro, cuyo título alternativo es Los hijos de los ricos, el negocio de don Chente y doña Dolores, Acá las Tortas, tiene un local que le hace competencia a unos metros: Ponciano’s Quick Lunch. Un diálogo entre los dos restauranteros podría resumir la historia del noventa por ciento de la comida en el cine mexicano. Ponciano pregunta: “¿Y qué? ¿Siguen dejando las tortas?”. Acá las Tortas suele estar lleno. Chente: “No me quejo”. Y Ponciano: “Pus sí, la verdad es que en México sigue imperando el mal gusto”. “¡¿El mal gusto?!” Ponciano intenta una cuchillada: “Francamente le envidio su negocio, don Chente, ¡pero no su vulgaridad!”.

Esto en cambio, continúa Ponciano, “¡es una lonchería!”. Don Chente se trepa en un caballo tricolor: “Sus perros y hamburguesas saben a puritita alfombra… Esas cosas que se atreve a vender son pura gringada… Mis tortas son mexicanísimas. ¡A Dios gracias!”.

Spanglish

(Con una historia así, no es nada extraño que el estudioso José N. Iturriaga pudiera colar esta irreflexiva propuesta en su libro sobre antojitos De tacos, tamales y tortas: “La sencilla baguette francesa, el pepito, el magro bocadillo español o la hamburguesa poco tienen que hacer al lado de las tortas compuestas, cuyo origen es la ciudad de Puebla”.)

Esa ruptura primordial y alimenticia va de Ustedes los ricos (1948), de Ismael Rodríguez a Tacos al carbón (1972), de Alejandro Galindo; de Miss Bala (2011), de Gerardo Naranjo a (constantemente) la obra de Carlos Reygadas. En Post tenebras lux (2014), por ejemplo, hay una fiesta pueblerina con comida y beberecua a la que asiste Juan, el protagonista. Aquí “nosotros” somos los ricos. Los “pobres”, ellos, los otros, se ponen realmente pedos: no hay “actuación”. La secuencia dura menos de cuatro minutos, pero la fiesta avanza hacia una pedota que en su momento perturbó a más de un crítico santurrón, que declaró “indigno” filmar una borrachera real de “indígenas”.

Reygadas contestó así en una entrevista: “Quizá hay quien cree que la embriaguez es indigna. Como yo mismo me pongo en ese estado y no pienso que sea indigno, al contrario, no me parece un problema”. Amén. (Esta secuencia tiene muchos puntos de contacto con la borrachera en la playa de El lenguaje de los machetes (2011), de Kyzza Terrazas, y con el fabuloso corto Este es mi reino (2010), del propio Reygadas.)

En la guerra de comida entre ricos y pobres, la película más reciente anda también por el camino de la no-ficción –como las borracheras de Carlos Reygadas–. Apareció en agosto pasado y se viralizó de inmediato. La filmó un tal Rafael Altamirano Álvarez; la protagonizan su esposa, Adriana Rodríguez “de Altamirano”, y su sirvienta, Nieves Arjona. El corto no tiene título; le dicen, sencillamente, Lady chiles. Su

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | comida | frente | 53

El rincón de BURGERMAN @burgermanmex La Hamburguesería

“Por supuesto, la

comida mexicana en el cine no sólo tiene la función de separarnos del Otro. También sirve para unir, para identificar.”

Tortilla soup

Perros de reserva

forma es la de un interrogatorio concerniente al robo de un chile en nogada; el interrogatorio pronto se convierte en un descenso tenebrosísimo a las cavernas del racismo, el clasismo, el aplastamiento del jodido y el sistema de castas de Yucatán, donde Yucatán es un microcosmos de México. Aquí, el chile en nogada cobra para siempre el estatus que tantos cocineros aspiran a darle: el de símbolo patriotero y conservador de la cocina mexicana. Que con su pan se lo coman. Lady chiles es la más perturbadora película del grupo.

Por supuesto, la comida mexicana en el cine no sólo tiene la función de separarnos del Otro. También sirve para unir, para identificar. En Tortilla Soup (2001), de María Ripoll, basada en Comer, beber y amar (1994), las hermanas Leticia, Carmen y Maribel abandonan sus caminos dispares cuando se sientan a la mesa de su padre, el chef Martín Naranjo, quien ha perdido el sentido del gusto y el olfato pero “se expresa” a través de cenas tradicionales mexicanas. Spanglish (2004), sobre las relaciones de una sirvienta mexicana (en Estados Unidos) con su hija y sus patrones, trata de responder comestiblemente a la pregunta “¿Quiero ser otra persona o ser yo?”. No les sorprenda que la identificación, en ambas, venga como una forma de conservadurismo: ser yo es ser mexicano, comer mexicano, pensar mexicano.

En otros casos –especialmente en películas situadas en California– la comida mexicana sirve como identificación y como moneda corriente. Éstos van del “I’m hungry, let’s get a taco” enunciado por Mr. White en Perros de reserva (1992), de Tarantino, al taco que comparten Oliver y Ana al principio de su enamoramiento en Beginners

(2010), de Mike Mills; del guacamole al centro de la mesa en la primera cita de Jerry y Dorothy en Jerry Maguire (1996) –donde involuntariamente fingen que no están en una cita; Dorothy a un mariachi: “We work together”; Jerry: “It’s almost like a business meeting”– de Cameron Crowe al taco de consolación hollywoodense en Argo (2012), de Ben Affleck. Y, por supuesto, dos tacos migrantes: los de Cheech en Nacido en East L.A. (1987), de Cheech Marin, y los de food truck (también angelinoorientales) en Una vida mejor (2011), de Chris Weitz.

En Un día (2011), de Lone Scherfig, la comida mexicana acentúa el carácter rutinario y tedioso de la vida de Emma, que en Londres en 1990 (la película recorre el día 15 de julio de 23 años diferentes) meserea en un restaurante “mexicano”. La repetición monocorde y sin pausas de esta letanía nos deja ver su cansancio: “La tortilla es de maíz o de trigo. Una tortilla de maíz doblada y rellena es un taco, pero una tortilla de harina rellena es un burrito; un burrito frito es una chimichanga; si tostamos la tortilla hacemos una tostada; si la enrollamos, una enchilada.” En Ace in the Hole (1951), de Billy Wilder, el taco acentúa la extrañeza del entorno que enfrenta el reportero neoyorkino Chuck Tatum al llegar a su nuevo trabajo para el Albuquerque Sun-Bulletin en Nuevo México. Una extrañeza mucho más extrema padece el millonario gringo Nicholas en El juego (1997), de David Fincher, cuando despierta en una tumba en un cementerio de Tijuana madreado y sin dinero. Lo poco que consigue malbaratando un reloj carísimo lo gasta en un taco salvador y un boleto de vuelta a California.

Tacos: el camino a una vida mejor.

“

No hay nada más hipster que un local que acaba en esería”, me dijo algún día un amigo que funge muchas veces como mi wingman en la búsqueda de la hamburguesa perfecta. Changarros con nombres como Mezcalería, Quesería, Champañería proliferan en los barrios de moda de la ciudad. Generalmente llevan el estigma, por lo menos ante mis ojos, de estar condenados a ser un lugar pasajero por estar sujeto a la moda y a la ocasión. De tal manera, era inevitable que surgiera en el DF una Hamburguesería. Curiosamente, este restaurante, de recién apertura, no se encuentra en ninguna de las zonas en boga. Está, contrario a cualquier pronóstico, en una de las colonias residenciales de más tradición de la ciudad de México: la Del Valle, a media cuadra del periódico El Economista, en avenida Coyoacán. Si alguien me hubiera recomendado estas hamburguesas, hubiera jurado que se encontraban en la Roma o en la Condesa. Y si, además, me decían que se anunciaban como “Hamburguesas artesanales”, no lo hubiera dudado ni tantito. ¿Hamburguesería artesanal? ¡Lentes de pasta gruesa, barbas, tenis Nike y muchos tatuajes! Sí, ya sé que los estereotipos no son buenos, pero sirven para ilustrar. El caso es que lo descubrí porque pasé frente al local un día por la noche.

Como es mi costumbre, pedí la hamburguesa más básica: carne, queso y tocino. Se puede elegir entre arrachera o sirloin. A pesar de que la mesera me recomendó animadamente la arrachera, escogí la segunda opción pues, en mi experiencia, la carne de arrachera no suele estar bien molida y no se amalgama bien. La espera fue breve y llegó el platillo. Se veía buena, como podrán notar en la foto que subí al Instagram, si es que me siguen. Una masa irregular de carne, a buen término y con una grasita que se asomaba y se antojaba sabrosa. Hasta ahí parecía que lo artesanal iba por buen camino. Primera mordida y nada. Segunda mordida y nada. A la tercera empecé a resignarme: el sabor no iba a llegar por ningún lado. Y, efectivamente, nunca llegó. Sin pena ni gloria pasó por las armas de un servidor. Le hice los honores hasta el último bocado –toda hamburguesa lo merece, según yo–, pero nada. El pan, aunque sí parecía artesanal, era demasiado grande para la carne. Me temo que el problema de esta hamburguesa es que no le echan ganas al sazonar la carne, además de que también le fallaba un poco la integridad y la consistencia. La carne estaba sosa y fofa. Ni hablar. Me gustaron las papas fritas con su variedad de salsas, pero a lo que iba, nada más no. Quiero regresar a probar alguna de las múltiples especialidades e inclusive su cambiante hamburguesa del mes. Pero me temo que no va a mejorar. Y casi puedo asegurar que ni la de arrachera logrará hacerme sonreír. Ojalá me equivoque. Este local me recordó mucho a las hamburguesas de carrito. Podrá sacarme de un apuro y llenarme la panza inmediatamente, pero no me llenará el corazón. Desafortunadamente, no las puedo recomendar. Espero estar en un error y que si pido otro tipo, pueda rectificar mi reseña. Si usted, querido lector, se anima a constatar o refutar mi comentario, puede encontrar a La Hamburguesería en avenida Coyoacán 529-A, en @Hamburgueseria0 en Twitter y en www.lahamburgueseria.com.mx Como siempre, comentarios, sugerencias, siempre son bienvenidos en @burgermanmex, en Instagram también como “burgermanmex”, en el blog: burguerman.blogspot.com y ahora en la flamante página de Facebook: www.facebook.com/burgerman.mex. Se agradecen todos sus likes y retuits.

54 | frente | comida| del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

Pesca del día Las uvas de la ira

E

l “trabajo mexicano”, el sudor de la frente, las manos tupidas de grietas, los campos de California, Nuevo México, Texas, el delta del Mississippi latigueados de mentadas de madre, de canciones, de aguardiente, las uvas de la ira fotografiadas por Russell Lee y Dorothea Lange. Aquí “Mexican Migrants Drinking Cold Drinks And Buying Candy” (1939) de Lee y “Gang labor, Mexican and white, from the Southwest” (1939) y “Mexican Mother in California” (1935) de Lange.

guarniciones

Dos recomendaciones taqueras fuera de la mesa Planet taco: A Global History of Mexican Food | Jeffrey M. Pilcher | (Oxford University Press, 2012) Jeffrey M. Pilcher estaba tan capacitado como el que más para trazar (esbozar es acaso un verbo más apropiado) la historia del taco. Y lo hizo de la Mesoamérica tacocéntrica a los viajes del maíz alrededor del mundo en las naves de la era de las exploraciones y el gran Intercambio Colombino; de las ciudades de México –en el centro y en el norte– a las ciudades de Estados Unidos –en las costas y en el sur–; del Diccionario de mejicanismos de Feliz Ramos i Duarte (1895), donde aparecen por primera vez entradas para “taco” y “burrito” (“tortilla arrollada, con carne ú otra cosa dentro, que en Yucatán llaman cosito, i en Cuernavaca i Méjico, taco”; notarán que Ramos adoptó la reforma ortográfica de Andrés Bello) a la invención del Mexican-American taco y la gran batalla de los food trucks taqueros. Terroir en los tiempos del TLCAN.

Taco USA: How Mexican Food Conquered America | Gustavo Arellano (Scribner, 2012) La prosa de Pilcher en Planet Taco es competente, útil, tal vez necesaria. La de Gustavo Arellano en Taco USA es chusca, aliterativa (“Beaten down, battered, and bruised but still standing”), a veces irreflexiva. Se le nota una vena popular acaso proveniente del trabajo de Arellano como columnista, ese oficio que tanto puede parecerse al del standupero. (Ask a Mexican es el nombre de esa columna.) Su libro puede leerse como un complemento de Planet Taco: más rico en anécdotas, más concentrado en lo que algunos dan en llamar “el elemento humano” de la historia. Para completar estos dos libros, busquen una nota en BuzzFeed: “Undeniable Proof That Tacos Are The Greatest Food Ever Made”. Duerman tranquilos.

Shoe Shine Boy [Mickey drinking soda] 1947 Betsy Von Furstenberg [At a restaurant] 1950 Gimbels Fashion Show [Couple eating] 1950

56 | frente | Escena | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

E

Travesías teatrales

escena

Por Mayté Valencia

Gran

Obras de Veracruz, Oaxaca, Jalisco, Michoacán y Nuevo León se presentarán hasta el 12 de octubre en el Centro Cultural de Bosque, como parte del IX Festival Otras Latitudes.

dad para disfrutar en un mismo tiempo y espacio el trabajo de compañías y producciones teatrales realizadas en el interior de la República. Este año se podrán ver obras provenientes de Veracruz, Oaxaca, Jalisco, Michoacán y Nuevo León.

De acuerdo con Juan Meliá, titular de la cnt, en esta novena edición hay una combinación muy particular en las propuestas: “Hay compañías de larguísima trayectoria, como la Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana, que es la compañía pública más antigua del país y que presenta una obra de excelentísima calidad, Beisbol, dirigida y escrita por David Gaitán; la compañía Teatro Estudio T, también de Veracruz que dirige el maestro Abraham Oceransky, uno de los más importantes a nivel nacional, o el Grupo Teatral Tehuantepec de Oaxaca, dirigida por Marco Pétriz, que es uno de las más reconocidos por la propia comunidad teatral. Esto en conjunto con compañías jóvenes o de reciente creación pero que, ya sea con sus textos o sus puestas, han obtenido reconocimientos, como La Canavaty de Nuevo León, que ha participado

en la Muestra Nacional de Teatro, o Grupo Viajero de Jalisco, cuya obra obtuvo un Premio Nacional de Dramaturgia.”

Las obras varían tanto a nivel formal como en las temáticas que persiguen. Algunas de ellas tocan temas que nos atañen como mexicanos, por ejemplo, la migración en el caso de El viaje de Ulises o La Bestia; y otras que incluyen cuestiones de identidad o que hacen nuevas lecturas de los textos clásicos como en el caso de Shakespeare M, de Teatro Studio T de Veracruz.

Obras que se presentarán en el festival otras latitudes:

►Otro día de fiesta, del Grupo Teatral Tehuantepec

(Oaxaca), una adaptación de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM) sobre la obra Fin de fiesta de Marco Pétriz, bajo la dirección del mismo Pétriz. Una pieza que parte de una amistad: la de Concha y Amanda, y las dificultades a las que se enfrentan. Amanda es un muxe [en Oaxaca se le conoce así a las personas de sexo masculino que asumen roles femeninos] que defiende sus afectos en

fotoS CORTESÍA: INBA

parte de los dramaturgos y directores que figuran en la historia del teatro mexicano son de otros estados. La centralización política, económica y cultural en el país es un problema conocido y se ha escrito mucho de ello; sin embargo, en el campo del teatro, desde hace veinte años, hay una narración diferente.

Las producciones escénicas que nacen de otras latitudes, es decir, fuera de la ciudad de México, son vastas.

Estados como Veracruz, Yucatán, Nuevo León, Baja California, Morelia o Jalisco se han consolidado como importantes centros de producción; e incluso la cartelera del Distrito Federal –porque es aquí donde los creadores se dan a conocer e impulsan su carrera a nivel nacional– está llena de nombres de autores o directores “fuereños”, tales como Antonio Zuñiga, Bárbara Colio, Alejandro Ricaño, Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, Conchi León o Mario Cantú, entre muchos otros.

El Festival Otras Latitudes, organizado por la Coordinación Nacional de Teatro (cnt) del inba, representa una oportuni-

Shakespeare M

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | escena | frente | 57

mutis Creadores de la maquinaria escénica Por Mayté Valencia

Jorge Ballina

S

u trabajo está en todos lados. Ha sido escenógrafo para ópera, danza y teatro en espacios de todo tipo, desde el Palacio de Bellas Artes –con Muerte en Venecia que él mismo dirigió– hasta el Teatro Insurgentes o La Capilla. Cada apuesta suya es original e innovadora: sus escenografías son dinámicas y transformadoras, pueden ir de algo muy minimalista a formas complejas y monumentales. En ellas cada elemento fluye orgánicamente, como un intérprete más que da vida a la escena.

medio de la doble moral social, y Concha es una mujer, madre de tres hijas, que batalla con sus adicciones.

Función: jueves 25 de septiembre, 20 horas.

►El viaje de Ulises de la compañía La Valentina

Teatro (Jalisco), escrita por Verónica Maldonado y dirigida por Beto Ruiz. La anécdota es la siguiente: Ulises vive con su abuela Clara. Todas las noches, Ulises escucha a su abuela leerle un fragmento de la Odisea, la famosa obra de Homero; pero, al tiempo que le revela una guerra antigua, Clara le oculta cosas mucho más esenciales, entre ellas, su propia historia ¿Dónde están sus padres?, ¿qué sucedió en el pueblo de la Concordia cuando Ulises era pequeño?, ¿por qué nunca más regresaron ahí?, y, sobre todo, ¿por qué Clara no quiere hablar de ello? Odiseo, a las puertas de Troya, también se pregunta sobre la razón de esa larga e irracional guerra, anhela regresar con su gente, con su familia: la historia del niño y el héroe griego comienzan a recorrer caminos paralelos y a emprender el mismo viaje.

Función: domingo 28 de septiembre, 13 horas.

►La Bestia, de la compañía michoacana Muerte a Crédito. Con técnica de danza butoh, Espartaco Martínez, quien es integrante de la compañía de butoh japonesa Dairakudakan, interpreta una historia en la que encarna a varios personajes: hombres y mujeres que viajan por necesidad para buscar una vida mejor, “el sueño americano”. El destino es bien conocido: Estados Unidos; y el transporte es un tren de carga que los migrantes toman en su paso por México y al que se le conoce como “La Bestia”. Al emplear el butoh esta puesta enfatiza la vejación, tortura, robo, pérdida de los derechos fundamentales, violación, mutilación y muerte a la que los migrantes son expuestos.

Funciones: miércoles 1 de octubre y jueves 2 de octubre, 20 horas. ►Pequeño fin del mundo, de la compañía La Canavaty de Nuevo León. Una obra, escrita y dirigida por Víctor Hernández, en la que se plantea un

paralelismo entre la catástrofe y violencia a la que se tienen que enfrentar dos jóvenes con el fin del mundo o, dicho sin metáfora, con el fin de su infancia. Dos adolescentes a punto de graduarse de la secundaria entremezclan la realidad y la ficción. Una divertida incongruencia en la que tienen lugar la confusión, la inconformidad y el deseo de escapar y salir de la insignificancia en la que están inmersos.

Funciones: sábado 4 de octubre, 19 horas; domingo 5 de octubre, 18 horas.

►Beisbol, escrita y dirigida por David Gaitán, la

cual es interpretada por el elenco estable de la Compañía Titular de Teatro del estado de Veracruz y con la cual celebran 40 años de existencia.

La anécdota es la siguiente: un grupo de viejos se reúne en el escenario con el deseo de hacer una buena obra de teatro. Al menos una, antes de morir. Ante la desesperación por impregnarse en la memoria del público y la inminencia del final de sus vidas, están dispuestos a lo que sea con tal de ser recordados. En este caso, la singularidad de Gaitán radica en que la obra cuenta con más de 300 variables que pueden escenificarse cada noche.

Funciones: jueves 9 de octubre y viernes 10 de octubre, 20 horas.

►Viaje de tres, de Jorge Fábregas, dirigida por Luis Manuel Aguilar “Mosco”. Esta obra presentada por la compañía Grupo Viajero fue ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia 2008 y relata la historia de Emilio, un soltero cuarentón que vive con su padre, don Yayo, quien desde hace unos años fue diagnosticado con una enfermedad terminal. Un día aparece un reportaje sobre un chamán, que se hace llamar el “Shamán Taita Marcelo”, que cura todo tipo de enfermedades. Don Yayo decide emprender el viaje para ser tratado por el chamán. Un camino que los llevará por rutas rurales en autobuses de tercera en donde lo importante no es en sí el destino, sino la relación entre los personajes.

Funciones: sábado 11 de octubre, 19 horas; domingo 12 de octubre, 18 horas.

foto: OSCAR PONCE

Pequeño fin del mundo

¿Cómo defines el trabajo de un escenógrafo?

La función del escenógrafo es diseñar el espacio donde va a suceder la obra. Siempre empiezo por saber qué es lo que debe ocurrir en la obra, cuáles son las acciones que hacen los actores, y a partir de ahí, invento, modelo y creo el espacio ideal para que todas esas actividades que tienen que pasar, de verdad sucedan. Todo ello enmarcado para que sea más fuerte e impactante para el público.

A diferencia de la arquitectura [carrera de la que es egresado] donde se diseña para la gente que habita o está dentro de ese espacio, en la escenografía –que es muy similar a la arquitectura– se diseña para el que está afuera. También está la parte visual, el hecho de crear atmósferas y darle al público referencias para que entienda en qué época, situación o lugar ocurre todo.

¿Cómo es tu proceso para crear una escenografía?

Una cosa importante es que la escenografía no es un arte aislado, no la puedes hacer como se hace una pintura o una escultura, sino que es parte de todos los demás elementos de la puesta en escena. No la puedes trabajar solo. Por más que tengas muchas buenas ideas, si éstas no se adaptan a la idea del director o los actores, no funcionan. La única manera de trabajar en teatro es hacerlo en equipo; es una obra de arte en conjunto que tiene todos sus elementos integrados. El proceso es leer la obra, o en el caso de una ópera también escuchar la música, o si no hay texto –como en trabajos de danza o teatro no hablado– pues hay que escuchar las ideas de las personas que van a crear la historia o el tema. A partir de eso, intento encontrar los problemas que hay que resolver espacialmente e identificar cuál es la convención teatral en la que vamos a jugar. Me gusta que la escenografía se relacione con la acción, la música, el vestuario o la iluminación. Hago cosas muy dinámicas y cambiantes; lo pienso como un todo que fluye, el cual, al igual que las acciones de la obra, está en constante transformación.

¿Cuál es el estado de la escenografía mexicana hoy en día?

Más allá de los problemas típicos que implica hacer teatro, los cuales tienen que ver con la producción, pienso que trabajamos muy bien en el país. Todo mundo se queja, pero en general aquí se hace muy buen teatro: con grandes directores, actores y dramaturgos.

Estamos acostumbrados a pensar que hacemos teatro tercermundista, pero la realidad es que, sobre todo, en diseño escénico –de escenografía y vestuario– somos reconocidos como de los mejores. En las últimas siete ediciones de festivales como la Cuadrienal de Praga o el World Stage Design, hemos ganado los mejores premios. Lo que hacemos es muy novedoso, original y diverso; tú ves el trabajo de otros países y son muy homogéneos, todos los alemanes diseñan igual, los gringos también; y en México cada diseño es completamente diferente del otro, incluso siendo de la misma persona. Esto en parte se debe a que no hay una buena escuela de escenografía y los que hacemos teatro aquí tenemos que ingeniárnosla como podemos. Hay artistas plásticos, arquitectos y diseñadores, quienes hacemos algo muy bien pensado –algo a lo que te obliga a veces la falta de recursos– que no sigue una receta específica. Hay diseños sencillos pero contundentes, muy diversos y, sobre todo, con ideas muy claras.

58 | frente | debutantes | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

D

Black Pig

debutantes

En Coyoacán ha crecido la oferta de bares, específicamente en la calle Caballo Calco, ubicada detrás de la iglesia de San Juan Bautista.

En el último año, ahí mismo se ha conformado un corredor que ofrece una opción diferente para quienes visitan el barrio.

Black

Pig, que acaba de abrir sus puertas hace una semanas, es idea original de Erick Hernández, emprendedor que lleva más de 15 años trabajando en bares y que ahora incursiona como socio y dueño de su propio lugar.

“Empecé a ver la forma de juntar dinero e invertir para crear nuevos proyectos. Se hizo un corredor buenísimo en esta zona ya que todos nos conocemos, incluso somos socios del lugar de al lado”, asegura Hernández.

El espacio del bar es pequeño y está compuesto por varias mesas y una barra de madera. Según el dueño, la idea siempre fue tener un lugar acogedor para ofrecer un servicio más personalizado.

Black Pig ofrece comida preparada en una parrilla texana hecha de piedra. Algunos de los platillos que se preparan en ella son hot dogs, fajitas, tuétanos a las brasas, alitas y costillas.

Además, se sirven ensaladas y sándwiches de costilla de cerdo a la barbecue.

Las bebidas, de acuerdo con Hernández, son la carta fuerte del lugar. El comensal puede pedir cerveza, mezcal, aguardiente y ginebra.

De esta última cuentan con una gran variedad para elegir y es servida también en diferentes cocteles de receta propia.

“La idea es que a la gente que llegue se le prepare un trago según su estado de ánimo.

Utilizamos conocimientos de herbolaria en los cocteles. Por ejemplo, cuando la gente viene triste le preparamos algo con canela para levantarles el ánimo”, comparte.

Los tragos de la casa son el Dragon Punch, en su versión para hombres, y el Pink Dragon para mujeres, este último servido en una botellita muy similar a la de los perfumes antiguos.

Ambos son una combinación de coñac, vodka y frutas tropicales.

“Son bebidas muy frescas que no saben tanto a alcohol. Además, al servirla primero es de color azul, pero conforme se va diluyendo con el resto de los componentes, el fondo se vuelve rosa”, agrega el dueño.

Por el momento, Black Pig no tiene página de internet o cuentas en redes sociales, ya que sus creadores buscan darse a conocer mediante la publicidad de boca en boca y así convertirse en un buen pretexto para visitar Coyoacán.

–Abraham Huitrón

Además de Black Pig, en la calle de Caballo Calco hay otros dos lugares que vale la pena visitar y que son parte del corredor: Mezcalero Soymezcalero.com Facebook/ MezcaleroCoyoacan | @SoyMezcalero La Celestina Coyoacán Facebook/ LaCelestinaCoyoacan Black Pig Caballo Calco 14-F, Del Carmen, Coyoacán Domingo a miércoles de 13 a 24 horas Jueves a sábado de 13 a 2 horas

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | debutantes | frente | 59

La Guapachosa

F

Llega a la colonia Roma una rancisco, Carlos y Bruno Landero son los fundadores de La Guapachosa, un lugar gastrocantina que ofrece a sus muy mexicano en donde el comensal comensales cervezas artesanales, encontrará platillos con una personalidad muy cocteles con ingredientes muy peculiar, mucha cerveza y bebidas de autor. mexicanos y combinaciones “La denominamos gastrocantina porgastronómicas para valientes. que es un restaurante bar con ambiente de

La Guapachosa Oaxaca 31, Roma Martes a jueves de 13 a 22:30 horas Viernes y sábado de 13 a 23:30 horas Domingo de 13 a 19 horas Facebook/ La guapachosamx @Laguapachosamx

cantina, pero con platillos mexicanos gourmet. La autenticidad de nuestros platillos y bebidas nos caracteriza y además el trato es muy personal y cálido, pues lo atendemos los mismos socios”, comenta Bruno Landero, socio del restaurante.

El menú incluye platillos poco convencionales como los aguachiles de cecina y de chapulín colorado, la birria vegetariana y de pescado y el shawarma preparado en tortilla de harina, aderezado con hummus, tzatziki (yogurt, pepino y ajo), pico de gallo y col morada.

Otro elemento a resaltar de esta cantina es que cuentan con tres tipos de cervezas artesanales hechas en casa: La Ambar Mexican Pale Ale, con manzanilla y miel de abeja, la Tezontle Mexican Red Ale, que contiene piloncillo y chiles secos, y la Obsidiana Mexican Stout, un homenaje al café de olla, pues tiene una base de canela, vainilla y cacao. En La Guapachosa también hay cervezas con

piquete extra: La Ambar Mezcal, la Tezontle Tequila y la Obsidiana Bourbon.

En la carta de cocteles destacan la Márgara Pinta, un raspado de jamaica con aderezo de mezcal, escarchado con chile, el Grillito Cantor, preparado con licor de chile ancho, chapulines y ginebra, y la Tunalguita, bebida con jugo de tuna roja y aderezo de mezcal.

En La Guapachosa el primer miércoles de cada mes se llevan a cabo noches de storytelling durante el evento “Acá entre nos…”, organizado por la escritora y actriz italomexicana Anna Cetti. También hay noches de microteatro y guerras de albures.

- Abril Mulato

Levi’s Commuter 2014

CORTESÍA: JIMENA CARRANZA

Ciclistas chilangos, emociónense. Levi’s acaba de lanzar en México su línea de ropa pensada para quienes se transportan en dos ruedas en la ciudad, e incluso para aquellos que la viven en patines o patineta.

L

evi’s tiene una nueva misión: convencer a los ciclistas citadinos de que su nueva línea, Commuter Otoño 2014, no es sólo chic, sino funcional. Hay que aclarar que ésta no es exclusiva para los usuarios de bicicleta, pues también está pensada para quienes se mueven en otros medios de transporte alternativos, como la patineta, los patines o hasta en patín del diablo.

Levi’s Commuter Otoño 2014 pretende satisfacer las necesidades de los deportistas urbanos al ofrecer prendas diseñadas con tejidos innovadores, impermeables y con avances que controlan la transpiración al modular los cambios de temperatura corporal. La línea combina materiales que sirven de protección al ciclista con la mezclilla, lo que sin duda le da el toque Levi´s.

La ropa está fabricada con telas elásticas que facilitan la movilidad y con cintas reflectoras para lograr mayor visibilidad durante la noche. Muchas de las prendas incluyen bolsos ocultos que evitan que lo que se guarde en ellos se caiga durante los trayectos por más accidentados que éstos sean ( y vaya que lo son en el DF).

La colección también cuenta con piezas impermeables. Las costuras exteriores de las chamarras y los pantalones están forradas con una cinta sellada térmicamente para evitar que el agua se cuele por cualquier hueco de la tela.

Algunas prendas de la colección ideales para el clima lluvioso del DF son la chamarra “empacable” Shell Jacket con una cubierta de nylon ripstop impermeable y con material 3M reflejante; la Trucker Jacket, una reinterpretación de un clásico de Levi’s con un terminado de Nanosphere que la hace resistente al agua y al lodo; y el pantalón 511 Commuter, diseñado en algodón de pima que ofrece mayor resistencia a la fricción y controla la sudoración.

Ve la colección completa en http://www.levi. com.mx o visita tu tienda Levi’s más cercana.

–Tery Vega

Commuter Otoño 2014 Facebook/Levis.Mexico @LevisMX Instagram @levismx

60 | frente | DETRÁS | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

D detrás

Charlyfornication: Biopic de un rockstar de la literatura mexicana | por Carlos Velázquez TRUE DETECTIVE Para Andrea Paasch En particular de A Walk on the Wild Side. Por supuesto trasladado a una Las series memorables se han distinguido por diseñar modelos narrativos propositivos. True Detective no es la excepción. Como lo explica en uno de sus capítulos, true detective es un género. Y su aporte consiste en ensayar un género dentro de otro género. Si bien es cierto que la teleserialidad está emparentada con el pulp, y estaba sugerida por Boardwalk Empire, quizá su pariente más cercana por cuestión de temporalidad, nunca antes se le había abordado con tal transparencia estructural. Un mecanismo no explotado a fondo por las series monstruo. El responsable de este milagro es Nic Pizzolatto. Un narrador de Nueva Orleans nacido en 1975. Treinta años más joven que David Chase, el que nos convirtió en unos iniciados. Coincide con la comercialización de la primera temporada de True Detective el anunció del pronto arribo a nuestro país de la versión impresa de Galveston ( ya disponible en formato electrónico) la primera novela de Pizzolatto. Un texto que los fans de la serie nos relamemos los bigotes por despachar.

Una de las principales virtudes de True Detective es la originalidad de su argumento. Un asesino serial sacrifica a niños en culto a un rito satánico. Pero lo que te produce la sensación de enfrentarte a un producto narrativo diferente es el prototipo del relato. Desde el principio establece que se trata de una entrevista. Y es aquí donde se palpa una de las ambiciones de Pizzolatto, el ensayo o la sobreposición de los géneros. Por el manejo de la trama, True Detective evoca por la prosa de Nelson Algren. Su mundo de predicadores sureños alcohólicos.

trama en exceso delirante. Otro gran acierto de Pizzolatto es remitir a las series o autores que en apariencia jamás tocarían el formato, como Jim Thompson o Cormac McCarthy, debido a la mezcla de brutalidad y elegancia que conjugan en el estilo de Pizzolatto.

True Detective es una historia brutal. Cuenta con una de las intros más estremecedoras antes vista. Y posee una secuencia de acción magistral.

Aquella donde Matthew McConaughey drogadísimo asalta un punto de venta de droga en un barrio negro. Pero también tiene sus tropiezos.

El final se resuelve a mi gusto un poco apresuradamente. Creo que el relato debió dilatarse más. Y tiene sus momentos cursis. Como la escena de esta pareja de agentes afuera del hospital. Pero quizá sea permitido porque la serie no sólo cuenta la historia del mal en la Tierra.

Es también el retrato de una amistad. A prueba de lo sobrenatural, pero que se tambalea por algo mucho más mundano: una mujer. Otro tipo de demonio. Pero pasión diabólica al fin. La trama hace demasiado hincapié en el triángulo amoroso y te quedas con ganas de saber más sobre el diablo. Pero aunque le cuesta reponerse varios capítulos se retoma la historia y se resuelve veinte años después.

Mientras comienza la transmisión de la segunda temporada contamos con Galveston si no queremos desengancharnos de las habilidades de Pizzolatto. Es una lástima que los protagonistas van a cambiar.

Porque el Ross que Matthew McConaughey interpreta está a la altura de la demencia de un Walter White.

Mi veldá | porWARpig ESTRATEGIAS MALÉVOLAS Veo a los amigos en un cafécito que uno de ellos bautizó como el “Always Christmas” porque en la noche sus árboles están cubiertos con lucecitas.

Cerca hay agencias de modelos y locución, entonces, si alguien se tarda en llegar, a quien le toca esperar ve pasar mujeres guapas.

La mesa de siempre: afuera. No fumo pero adentro se oye más la música del staff que no es de la más recomendable para relajarse, al contrario, muchas veces hasta encabrona. No és “music to watch girls pass by”.

La persona que espero tardará. Pido una bebida y me preparo para ver mujeres guapas caminar por la banqueta (odio cuando la gente dice “por la acera”, pinches mamones).

Es medio día. Precioso y despejado. Entonces, a mi izquierda escucho una voz del cliché “bruja maléfica de cuento de Disney”. De esas gargantas acabadas por el cigarro y tal vez por alguna infección mayor, sino es que por el cáncer.

Son tres mujeres: dos señoras mayores (una en silla de ruedas) y una muy joven. Si una mujer es capaz de desafiar toda la tranquilidad a su alrededor imaginen tres. Las mayores querían hablar fuerte, pero salía algo muy extraño porque esas gargantas pedían ayuda. La joven

y la mesera acomodaban muebles a la necesidad de la señora en silla de ruedas y la otra se quejaba del concreto, de la mesa, del aire, del sol y de todo. Y ocurrió: me vio. Con los años sabes que una señora jodona siempre está buscando a quien joder y tratas de esconderte pero… me vió.

-Oiga, ¿puedo tomar una silla de SU MESA? -Señora, claro. Es más, dígame dónde quiere que la ponga.

Me ofrecí. No cuesta nada. Yo ya tenía la silla en el aire y ella, como buena señora jodona, tomó la más lejana y dijo que no me precupara con su voz de Tales from the Crypt. Ok. Pocos minutos después… HUMO. Chingos. CIGARRO. Las señoras comenzaron a fumar a medio metro. El humo y sus infecciones de garganta se pegaron a mi cara, mi café, mi nariz, mi ropa.

No agüanté. Me cambié de mesa. Y ellas, claro, se sentaron donde yo estaba. Desde un principio ése era todo su pedo: querían mi mesa.

Gran estrategia: contaminar el habitat para luego expropiarlo o adquirirlo a un precio de risa.

Y lo lograron.

México a fin de cuentas.

Convocatoria| ¡ESTE ESPACIO PUEDE SER TUYO! Convocamos a todos los moneros, historietistas e ilustradores (de preferencia que tengan buen sentido del humor) que quieran publicar un cartón o tira cómica quincenal en Frente (que hable de los temas que abordamos en esta publicación).

Los interesados deben enviar sus propuestas a lorena@frente.com.mx con el siguiente formato: ❒ Medidas de 21.5 x 5.6 cm ❒ Formato JPG, TIFF o PDF ❒ 300 dpis de resolución ❒ Formato de color CMYK o escala de grises

Los trabajos se recibirán hasta el lunes 1 de septiembre a las 11:59 p.m.

Los resultados se darán a conocer el viernes 5 de septiembre en las redes sociales de Frente @FrenteMx y facebook.com/frentemx

ilustraciones sofía grivas | www.facebook.com/grivasart

w

del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014 | horóscopos | frente | 61

H horóscopos

por Laura Gamboa

libra Del 24 de septiembre al 23 de octubre

Le has puesto mucho ingenio e inteligencia a tu trabajo y a los detalles varios de tu rutina, y qué bueno, porque eso te llevará a cosechar éxitos día a día. Sólo no te olvides de la diversión, pues si te pasas de nerd acabarás hartándote de todo; ¡aplícate con las fiestas y reuniones con tus cuates más chistoretes! Está bien que vayas con la corriente, pero tampoco te aplatanes porque si no tomas las riendas de tu camino y las diriges acabarás quién sabe dónde.

escorpión

Del 24 de octubre al 23 de noviembre Estás en pleno trajín transformador y encima andas cargando con las broncas de quién sabe quién. Está bien que seas de alma compasiva y achicopalada, pero tampoco conviertas tu vida en un melodrama drenando tu energía con broncas ajenas. Enfócate en lo tuyo que sólo así tu rutina recuperará su chiste y te volverán las juerzas al cuerpo. Sigues sin querer ponerle punto final a esa etapa que claramente “ya se gastó”… coopera con lo evidente y te sentirás mejor.

Sagitario

Del 24 de noviembre al 21 de diciembre Te cargas una claridad mental tremenda, o sea, nadie te está dorando la píldora y entiendes tu situación en toda su complejidad. La bronca es que tanta lucidez te está estresando porque eso de captar todo al mismo tiempo pues ataranta. La clave es que no veas la situación en paquete, pues así no se soluciona la vida. Tú resuelve las cosas como se vayan presentando y ponle tu concentración total a cada momento. Así te saldrá todo padrísimo y además disfrutarás el proceso.

capricornio

Del 22 de diciembre al 19 de enero Eso que tanto admiras en otra persona es algo que tú tienes como potencial pero que aún no desarrollas… piénsalo y síguete rodeando de gente que te motive a seguir puliéndote. Ya se sabe que todas las cosas que haces te salen retechulas, pero tampoco exageres y delega o haz equipo pues sólo así lograrás tus misiones del momento. Además, actualmente, te conviene mucho socializar, pues la vibra ajena aligerará la tuya y eso… pues te urge.

acuario

Del 20 de enero al 18 de febrero Ronda el chisme de que estás haciendo tormentas en vasitos tequileros, o sea, armando panchos a lo loco. ¿Qué hacer?, pues ver la serie Cosmos o alguna de ese estilo en donde cada capítulo es como una cachetada existencial del tipo: no eres más que un miniser viajando en un universo gigantesco. Encontrar la proporción de cada suceso en la vida es un síntoma de madurez; aplícate y de paso abraza a un árbol, para contagiarte de su serenidad y recuperar el centro.

PiScis

Del 19 de febrero al 20 de marzo Uf, te andarás anotando unos golazos tremendos en tu trabajo, en tu vida familiar, en tu economía, en el amor, en fin, que te irá tan bien que este horóscopo parece una inserción pagada por tu patrocinador, pero ÑO. Resulta que a veces uno está en lo alto de la rueda de la fortuna, y ¡a gozar! Aprovecha la buena racha atreviéndote a tocar esas puertas que a la fecha no se te han abierto… en una de esas ahora sí te dejan pasar y ¡pum!, conquistas otra meta.

aries

Del 21 de marzo al 19 de abril Llega un momento en que la opción es dejar de lamentarse y regresar al juego de la vida.

Y es que habías estado fantaseando con cierta situación y a la hora de poner los pies en la tierra pues sentiste feíto. Ni modo, que la única ruta es hacia adelante, ni para qué perder el tiempo azotándose por un pasado que pues ya fue. La fórmula de resolver las broncas conforme lleguen te funcionó bien, pero ahora toca que le pongas velocidad a las cosas o se enredarán peor.

TAURO

Del 20 de abril al 21 de mayo Has ido liberando las emociones densas que cargabas, y si no lo has hecho aún mejor coopérale al proceso y hazlo por las buenas.

Y es que si te deshaces de esa maraña negativa, reencontrarás dentro de ti a esa parte sabia que siempre sabe qué rumbo tomar y cómo vivir feliz. Nada de lo que has vivido en esta etapa ha sido en vano, pues, como podrás notar, el resultado de dicho proceso es esta visión que andas estrenando –tan luminosa– sobre tu propia vida.

géminis

Del 22 de mayo al 21 de junio Andar siempre con la ojera y el bostezo eterno es un estilo de vida cero simpático, así que ponle más seriedad al tema del descanso y respeta tus horas de sueño, agéndate unos masajes, regálate una vacación, en fin, que si tu mente está lúcida y tu cuerpazo relajado, estará más difícil que repitas los errorcillos de siempre. Además, necesitas estar al cien para analizar a ciertas personas y situaciones que se te presentarán y que te conviene descifrar correctamente.

CÁNCER

Del 22 de junio al 23 de julio Te estás juzgando con una severidad que uf, sólo te falta castigarte sin tele dos años o algo así. Sentirse culpable sirve para reflexionar y aprender, pero después hay que tirar la culpa a la basura cual kleenex moquiento. Necesitas ser paciente para respetar el ritmo de otras personas y el de la vida misma; para que un proceso resulte uno no se puede saltar ningún paso o sea que CALMA. No des lata y mejor usa tu energía acelerada y competitiva para hacer ejercicio.

leo

Del 24 de julio al 23 de agosto No pues qué buena modorra te cargas, está bien que las cosas te están saliendo mejor que como esperabas, pero desaprovechar las buenas rachas no es buena idea así que avíspate y checa cómo puedes sacar más ventaja en cada situación. Tienes un viaje en puerta, nada más antes de lograr realizarlo deberás atender varios detallitos que quizá se compliquen más de la cuenta; ¡paciencia! Hay varios asuntos que sólo tú puedes resolver, o sea que no esperes el paro de nadie.

virgo

Del 24 de agosto al 23 de septiembre Aunque se le bajen unas rayitas a tu popularímetro tendrás que abrir tu boquita para decir lo que realmente opinas sobre cierta situación.

Dale el micrófono a tu verdad interna siempre que puedas y tu corazón se llenará de una paz de lo más a gusto. Has estado procesando muchas cosas en tu interior y es hora de iluminar a las personas confundidas que te rodean. Claro, hazlo con tacto y compasión, que todos andamos en el mismo barco remando como podemos.

LA CIUDAD ARDE EN LLAMAS | eFREN VICTORIA | http://yosoyefrensinacento.blogspot.mx/

62 | frente | grรกfica | del 25 de septiembre al 8 de octubre de 2014

G

grรกfica