Future Magazine - Nº 14 by FUTURE MAGAZINE

Diciembre 2015 - NĂşmero 14

SEX MUSEUM Rabiosa Madurez

Noticias discos cine conciertos entrevistas libros reportajes

STAFF Edita Future Management C/ Archiduque Carlos, 119-20 46014 Valencia (España) C.I.F. B-98084486 Teléfono: 655 900 232 info.futuremagazine@gmail.com

Facebook www.facebook.com/future.magazine.online Twitter @futuremg Director Vicente Ribas movidavalenciana@gmail.com Coordinadora Geles Piquer gelespiquer@gmail.com Asesor Editorial Pablo Martínez Vaquero

su ma rio

noticias nacionales

noticias internacionales

Entrevista: sex Museum

discos nacionales 28 ¿te acuerdas? nacional

el diván de lola: garcía-alix 34

discos internacionales 38 ¿te acuerdas? internacional

reportaje: carmina burana 40 algo más que música 48

Departamento De Ventas Elisabeth Barros futuremagazinepublicidad@gmail.com Teléfono: 663 50 99 16

copy-paste 50

Redes Sociales Tomás Alias tomas@imusicarock.com

entrevista: beatriz alonso 54

Maquetación revista Marah Villaverde marah@bipbip.media Diseño y fotografía Ana Sánchez anasanchezabad@gmail.com Colaboradores Manel Ramodne, Rosa Ruiz, José Luis Hoyos, José Rodríguez, Irene Sánchez (Conciertos Solidarios), Ricky Rodríguez, Salvador Pérez Cuñat, Juanjo “Jota Jota”, Lola Villajos Roldán, Gabriel Cámpora, Óscar Romagnoli, Julia Navas Moreno, Vicente Ribas, Pablo Martínez Vaquero, José Gálvez, César Andión, Commandant DJ y José Zamora Linares.

solidarity 51

los discos Ð commandant dj 61 la calle 46: the clique 63 libros 68 regreso al cine: karate kid 69 de concierto 70 yo estuve allí 72 de mayor quiero ser… 74 el rincón del loco 76 la mirada de chuck 78

Diferentes Menus a elegir especiales para parejas, familias y grupos grandes

¡HAZ YA TU RESERVA! Teléfono: 96 333 47 49 Platos mediterr áneos y arroces en un edificio del siglo XIX con opulentos salones de época C/ Pedro III el Grande nº 11 46005 Valencia

COLA JET SET

os barceloneses Cola Jet Set ya tienen en la calle su tercer larga duración, ‘El Fin Del Mundo’, con 12 canciones que edita Elefant Records. Está diponible en Cd digipack, vinilo (en edición numerada y limitada de 500 copias) y digital. Este nuevo trabajo de Cola Jet Set llega repleto de “canciones atemporales y pegadizas, llenas de historias emocionantes y melodías eternas”, asegura la nota de prensa. La grabación comenzó en 2013, y durante este tiempo ha habido diversos cambios en la formación de la banda, que ahora integran Alícia a la voz y la guitarra, Dani al bajo, Felipe a las guitarras solistas y de 12 cuerdas, Manel a los teclados, Matt a la guitarra, Ruth a la 2ª voz y percusiones, Toni a la batería y Gerard Civat participando como productor y segundo teclista.

FAMILY

lefant Records publica ‘Casete’, un vinilo de 12” que recoge las maquetas inéditas de Family, anteriores a su único trabajo, ‘Un Soplo En El Corazón’. Aramburu y Gametxogoikoetxea grabaron estas maquetas en 1991, de forma casera, en un cuatro pistas de cinta de casete. Las grabaciones, que contienen versiones primigenias de algunas de las canciones que aparecían en el álbum y alguna inédita, han sido digitalizadas por Xavier Alarcón a partir de las cintas originales del multipistas Yamaha MT3X. Listado de canciones de ‘Casete’: 01 ‘Carlos Baila’ (Demo 1991) 02 ‘Como Un Aviador’ (Demo 1991) 03 ‘Nadadora’ (Demo 1991) 04 ‘Yo Te Perdí Una Tarde De Abril’ (Demo 1991) 05 ‘El Mapa’ (Demo 1991) 06 ‘Martín Se Ha Ido Para Siempre’ (Demo 1991) 07 ‘Al Otro Lado’ (Demo 1991) 08 ‘Dame Estrellas O Limones’ (Demo 1991) 09 ‘Sentimental’ (Demo 1991) 10 ‘El Buen Vigía’ (Demo 1991) 11 ‘Sígueme’ (Versión de Vainica Doble, Demo 1991).

ALBERT PLa

l artista catalán aumentará a buen seguro su número de detractores tras la publicación de su nueva novela, llamada ‘España De Mierda’. Un relato que presenta a un músico uruguayo que sale de gira por locales de España, donde se encontrará a músicos reales, definiendo encuentros ficticios. Así define la editorial Roca su sinopsis: “Son buenos tiempos para la lírica contra el sistema. Es momento de irse por el mundo a encontrar la respuesta a tot plegat. España de Mierda tiene como punto de partida el Camino de Santiago, un camino que los dos personajes principales deciden hacer al revés. Así, en un periplo quijotesco, los dos protagonistas (Raúl, cantautor uruguayo y Tito, su representante y máximo exponente del Madrid de Lavapiés) se embarcan en un recorrido iniciático por una tierra desmembrada: desde Santiago de Compostela, pasando por Salamanca, Burgos, Madrid, Zaragoza, Cataluña, Valencia, Murcia, Granada, Sevilla, Extremadura…”

QUIQUE GONZÁLEZ

ntes de iniciar su gira mexicana, con todas las entradas vendidas, Quique González

lanzó el pasado 20 de noviembre una edición especial conmemorativa del decimoquinto aniversario de ‘Salitre 48’, su segundo disco. La edición

LOS NIKIS

l próximo 11 de diciembre, el sello madrileño Lemuria edita ‘Los Nikis’, un álbum del gam-

berro grupo del mismo nombre recogiendo sus primeras grabaciones, sus comienzos. En Lp de vinilo transparente de 200 gr., incluye los dos primeros Ep’s remasterizados junto con maque-

ha sido supervisada por el propio González y

tas que quedaron inéditas o fueron grabadas

Carlos Raya. Esta edición del 15º aniversario “es-

posteriormente, un primer Cd con el disco ente-

tará disponible tanto en Cd como en vinilo y en

ro remasterizado y un segundo Cd con el directo

digital. En ellos, sus seguidores podrán disfrutar

completo y restaurado en el programa televisi-

del álbum original remasterizado en 2015 y de 10 canciones de ‘Salitre 48’ grabadas en directo durante su exitosa gira ‘Carta Blanca’. Además, también

vo ‘La Edad de Oro” más una sorpresa oculta. Lo acompaña un libreto de 32 páginas de 30 x 30 cm. a todo color con cantidad de fotos inéditas, las letras de las canciones con ilustraciones exclusivas

podrán encontrar un libro de

para esta edición, amplia in-

40 páginas con textos, fotos

formación y textos de los

y memorabilia de todo tipo.

propios Nikis, Jesús Ordovás, Nacho Álvaro y Paco Clavel.

VALENCIA POR LOS REFUGIADOS

n colectivo de músicos de Valencia y bajo una nueva Asociación solidaria denominada Solidarity Vibrations, están trabajando para la creación de una canción llamada ‘Refugiados Lejos De La Barbarie’, con el fin de ayudar a los refugiados que intentan entrar en Europa huyendo de las guerras de sus respectivos países, principalmente de Siria. Es el mayor número de desplazados desde la Segunda Guerra Mundial. Rock Vibrations editará un Cd sg y organizará varios conciertos de cara a principios/mediados del 2016, y todas las ganancias de sus respectivos eventos serán donadas a la Asociación Conciertos Solidarios, quienes lo harán llegar a la ONG correspondiente. Tras una idea del director de esta revista, Vicente Ribas, y con la composición de José Zamora Linares (Silves3, R.I.P…) en la citada canción colaboran músicos y cantantes de la escena valenciana de diferentes décadas, como Yaco Lara, Emilio Solo, Francis F. Guerrero, Vicente Feijóo, Suco, Sergio Aguado, Julio Molina, Fernando Lavado, Lupe Catalá, Tono Riquelme, Bea Hidalgo, Óscar De Les, Miguel Prado, Geles Piquer, y así hasta un largo etcétera. Este es el punto de partida de Rock Vibrations, los cuales ya están trabajando para ayudar (musical y humanamente) en un futuro cercano para otras causas solidarias.

Hombres G

ntre 1983 y 1984, Hombres G grabaron sus dos primeros singles para el sello Lollipop y temas con los que completar el que iba a ser su primer Lp, pero la situación financiera del pequeño sello madrileño hizo que el Lp nunca llegara a editarse. Un año después, en la discográfica Twins dan forma a ese disco con nuevas grabaciones y se convierte en disco de oro en pocas semanas. Más de 30 después, el sello Lemuria, recupera en ‘Polvos Pica-Pica’ todos aquellos temas iniciales que luego acabarían en el primer álbum de Hombres G. Es decir, esto es el primer Lp antes del primer Lp… Con excelente sonido y en tomas más frescas y sueltas que las que conocemos. Además, incluyen parte del concierto de presentación de la banda en la mítica sala Rock-Ola y temas inéditos. ‘Polvos Pica-Pica’ se editará el 11 de diciembre en Cd y también en una edición de lujo para coleccionistas en vinilo rojo transparente con dos Cd’s y un libreto de 36 páginas a color y de 30 x 30 cm, con fotos inéditas, letras de las canciones e ilustraciones.

ARIZONA BABY

ubterfuge ha reeditado ‘Songs To Sing Along’, el disco con que debutaron Arizona Baby hace diez años. “Los tres miembros de la banda iniciados en ruidosas bandas underground unían su destino a unas guitarras acústicas y emprendían la gloriosa tarea de introducir en el indie nacional sus estoicas visiones “americanas”, su filosofía básica (menos es más) y una poderosa imagen pionera de barbudos neofolk. Nacía Arizona Baby y, poco después, un espléndido debut autoproducido, autoeditado y expedido por ellos mismos en sus conciertos por Londres, Grecia y garitos nacionales hasta agotar totalmente las 3.000 copias prensadas de forma artesanal. Desde entonces ha permanecido descatalogado”. Realizado con más pasión que oficio y aprendiendo sobre la marcha, bajo la crudeza de su sonido se percibe claramente la destreza instrumental y genialidad melódica del trío bien presente en estas, sus 12 primeras canciones, algunas de ellas (‘Everything’, ‘Survive’…) vigentes aún en sus directos”, dice la nota de prensa.

BUTTERFLY

venezolana, mientras que la letra es de Geles Piquer y Vicente Ribas.

l grupo valenciano Butterfly entrará en enero en los estudios para empezar a gestionar lo que será su próximo trabajo. Con una imagen renovada, seguirán con el pop-rock sinfónico que les caracteriza e incluirán nueve nuevas canciones más una versión que aún no desvelan. Algunas de esas canciones llevarán por título ‘Estrella Fugaz’, ‘Susurros Del Mismo Sexo’, ‘No Pienso Esperar’ o ‘Dime Tú’. En los temas la parte compositiva en música y/o letra llevan la aportación de José Zamora, Dani Zamora, Pablo Martínez Vaquero, José Medina, Vicente Ribas, y por supuesto Butterfly. ‘Dime Tú’, en su caso, es una canción de hace unos años, en la que todavía militaba Yoly Rojas, siendo parte de la composición musical de la ex cantante

JESÚS ARIAS

l rock granadino ha perdido esta 1 de diciembre a uno de sus símbolos. El guitarrista y periodista Jesús Arias, miembro del extinto grupo TNT, fue hallado muerto en su domicilio por causas que aún se desconocen. Arias formó parte, junto a Ángel Doblas (bajo), José Antonio García (voz) y Joaquín Vílchez (batería), de una formación que está considerada como la primera banda punk de Granada, surgida en 1981, en plena eclosión del punk en España, con La Movida Madrileña o el Rock Radical Vasco. Hermano mayor del también músico y vocalista de Lagartija Nick, Antonio Arias, fue una de las personas que más trató al mítico líder de The Clash, Joe Strummer, durante su estancia en la ciudad hace treinta años. También entabló una gran relación con el cantaor Enrique Morente, amistad que, tras la muerte del cantaor, se extendió musicalmente a sus hijas. En 2012, tras años dedicado a la otra pasión de su vida, el periodismo, Arias regresó a la escena musical con un nuevo proyecto, Qüasar, en cuyo primer trabajo colaboraron Estrella Morente, su propio hermano Antonio, Quini Almendros (guitarrista fundador de La Guardia), el cantaor Jaime Heredia ‘El Parrón’ o el tocaor Pepe Maya. En abril de este mismo año, Jesús Arias presentó la obra ‘Mater Lux’, una cantata para coro y cantaora flamenca compuesta por él mismo, en la que amplió su colaboración con Soleá Morente y en cuyo estreno, junto al coro Canticum Novum, participaron el batería Eric Jiménez (Los Planetas), Víctor Parejo, Ricardo Rodríguez Cuadros, Jorge R. Morata (director de la obra), Juan Pinilla y Arturo Cid, entre otros. Aunque se le consideraba un artista punk, Arias, desde los años 80, siempre había mantenido la misma filosofía: “No cerrar los oídos a nada”, según reconoció en alguna entrevista. Como periodista, escribió para el diario El País y fue redactor de Cultura del periódico Granada Hoy.

ASOCIACIÓN CULTURAL FESTBUS

l pasado sábado 21 de noviembre tuvo lugar la presentación de la Asociación Cultural Festbus. El evento se celebró en Espacio Pático de Murcia y tuvo como artista invitado a Roi Nu. La Asociación Cultural Festbus nace en Murcia con el objetivo de apoyar artistas emergentes murcianos, promover eventos culturales y organizar viajes para asistir a los mejores festivales musicales, todo ello apostando por la sostenibilidad ambiental. En el primer evento de la Asociación Cultural Festbus tuvo como protagonista a Roi Nu, nuevo proyecto del cantautor murciano afincado en Barcelona Pablo Matías Hernández. Debuta en solitario tras poner fin a su anterior proyecto, Maez, con un Ep de cinco canciones folk en la línea de artistas como Bon Iver, José González o Iron & Wine. Un ambiente íntimo y cálido para el estreno de esta nueva asocia-

RAMONCÍN

l 2 de diciembre comienza en la Audiencia Nacional el juicio contra Ramoncín por apropiación indebida de 57.402 euros de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). La Fiscalía solicita cuatro años y diez meses de cárcel por delitos de falsedad documental, apropiación indebida y administración fraudulenta. Según la acusación, el músico habría emitido facturas a la SGAE por servicios que no llegaron materializarse. Desde su imputación, Ramoncín ha defendido en todo momento su inocencia. Junto a Ramoncín son juzgados José Luis Rodríguez Neri, director de SDAE, la filial digital de la SGAE; Enrique Loras, exdirector general de la SGAE; y Pedro Antonio Hernández, exdirector de los servicios jurídicos de la sociedad de autores.

ción murciana.

LE CLÔTET AVEC GARCÉS

l nuevo vídeo de Le Clôtet Avec Garcés está arrasando desde su salida en Internet el pasado 6 de noviembre. ‘Dovelike Man’ ha alcanzado la cifra de 17.000 visitas en España, logrando ser el vídeo más visto en el fin de semana del 6 de noviembre. Después de estrenarse en 27 países, ‘Dovelike Man’ sigue sumando seguidores e intereses. Una sola canción está provocando que profesionales de otros países se interesen por el trabajo de Le Clôtet Avec Garcés, Bélgica o Perú publican noticias sobre su trabajo. Revistas especializadas del sector como Muzicalia o Popclara se han interesado por ‘Dovelike Man’ y han publicado artículos al respecto, hasta el ABC se ha hecho eco. El periplo de Hussein Garcés (LCâG) empezó hace muchos años, pero fue en Finlandia donde comenzó realmente a ver que el sueño era posible. Llenando auditorios en el país escandinavo, siendo portada de Lansi Savo, uno de los periódicos más vendidos de Finlandia.

JOSÉ ANDRËA y URÓBOROS

ras recuperarse de los problemas de salud que le hicieron bajarse forzosamente de los escenarios, Jose Andrëa regresa con más contundencia que nunca al frente de Uróboros. ‘Resurrección’ es la muestra de ello; doce canciones variadas que suenan más hardrock, modernas y sólidas. El ex cantante de Mägo De Oz vuelve junto a varios compañeros de su antigua banda -Pedro Diaz “Peri” (bajo) y Sergio Cisneros “Kiskilla” (teclados)-, además de Juan Flores “Chino” (Sínkope) y José Rubio a las guitarras y Bernardo Ballester a la batería. El disco sale a la calle el 11 de diciembre, pero ya se puede escuchar ‘Resurrección’, primer single que anticipa la potencia que tendrá la esperada segunda entrega de José Andrëa y Uróboros. Además, ya está disponible la preventa del trabajo. Hasta el 10 de diciembre se podrán conseguir tres packs distintos que incluyen productos exclusivos a precio rebajado.

CICLONAUTAS

l pasado 27 de noviembre se publicó el segundo disco de Ciclonautas. El título del disco es ‘Bienvenidos Los Muertos’, como su primer videoclip. Diez canciones, destacando las colaboraciones de Iñaki ‘Uoho’ Antón, de Extremoduro, al órgano Hammond, y Marc Ford, de The Black Crowes, a las guitarras. El trabajo ya se puede reservar en Fnac, Tipo y Elkar, así como en ITunes y en la tienda oficial del grupo. El primer single extraído y videoclip, ‘Bienvenidos Los Muertos’ suma ya más de 30.000 reproducciones, en Vevo y Youtube. Ciclonautas es un trío fundado en Pamplona en 2012, integrado por el batería Alén Ayerdi (también a las baquetas en Marea); el guitarrista y vocalista argentino Mai Medina y el bajista Javiertxo Pintor. Su primer trabajo, ‘¿Qué Tal?’, fue un álbum doble, grabado por Iñaki Llarena en Estudios Aberin, Navarra, y lo publicó El Dromedario Records en 2014.

GREEN DAY

DARLENE LOVE

P. F. SLOAN

l pasado 20 de noviembre se puso a la venta un nuevo DVD de Green Day: ‘Heart Like A Hand Grenade’, un documental dirigido por John Roecker sobre la grabación del álbum ‘American Idiot’. “Nos cuesta creer que ya haya pasado más de una década.

Poco imaginábamos que iba a ser el comienzo de una aventura del calibre que resultó ser. Estamos emocionados de que nuestros fans puedan ver este material y ver cómo empezábamos a dar forma al álbum”, explica Billie Joe Armstrong. El mismo 20 de noviembre también se lanzará una edición especial del disco titulada ‘The Ultimate American Idiot’, en la que se incluye el documental.

a vocalista Angelina Darlene Love acaba de anunciar para el próximo otoño la publicación de su primer disco en solitario en 17 años: ‘Introducing Darlene Love’, que ha sido producido y arreglado por Stevie Van Zandt, guitarrista de la mítica E Street Band. En el apartado de colaboradores ha contado con músicos tan importantes como Elvis Costello, Bruce Springsteen, Jim Webb, Linda Perry, Desmond Child y Joan Jett. Mientras que

Barry Mann y Cynthia Weil, entre otros, aportan sus composiciones. Descubierta por Phil Spector a principios de los sesenta, Darlene Love participó en grabaciones de las Ronettes, Frank Sinatra, las Crystals, Sam Cooke, Dionne Warwick, The Beach Boys o Elvis Presley, entre otros muchos.

.F. Sloan, compositor, cantante, músico de sesión y productor, murió el 15 de noviembre, en Los Ángeles, unas semanas después de que se le diagnosticara un cáncer de páncreas. Tenía 70 años. Sloan era el autor de ‘Eve Of Destruction’, grabada en 1965 por Barry McGuire. También compuso para Herman’s Hermits (‘A Must To Avoid’), The Turtles (‘You Baby,’), Johnny Rivers (‘Secret Agent Man’), y Grass Roots (‘Where Were You When I Needed You’), entre otros. De nombre real Philip Gary Schlein, Sloan nació en Nueva York, y con solo 13 años logró un contrato con Aladdin Records, publicando un año después su primer single, ‘All I Want Is Loving’. Establecido en Los Ángeles, a principios de los sesenta, se incorporó al equipo de composición de Screen Gems. Luego trabajó como compositor y productor para Dunhill Records. Además fue guitarrista de sesión.

EAGLES OF DEATH METAL

agles Of Death Metal han emitido un comunicado a través de Facebook tras la matanza de más de 87 personas en el concierto que ofrecían en el Bataclan de París el pasado viernes: “Mientras la banda está ahora a salvo en casa, estamos horrorizados y seguimos tratando de asimilar lo sucedido en Francia. Nuestros pensamientos y corazones están primero con nuestro hermano Nick Alexander, nuestros camaradas de la compañía de discos Thomas Ayad, Marie Mosser y Manu Pérez, y con todos los amigos y fans a los que se les quitó la vida en París, así como con sus amigos, familias y seres queridos. Aunque unidos por el dolor con las víctimas, los fans, las familias, los ciudadanos de París y todos los afectados por el terrorismo, estamos orgullosos de estar juntos, con nuestra nueva familia, unidos ahora por un objetivo común de amor y compasión. Nos gustaría dar las gracias a la policía francesa, a los

LORETTA LYNN

oretta Lynn (de 83 años) anuncia el que será su primer disco desde 2004, ‘Full Circle’, que Legacy Recordings lanzará el 4 de marzo de 2016. Grabado en Hendersonville, Tennessee, en el Cash Cabin Studio, (creado por Johnny Cash en 1978 y en el que grabó buena parte de sus últimos discos), ha sido coproducido por Patsy Lynn Russell y John Carter Cash (el hijo de Johnny Cash y June Carter). ‘Full Circle’ inaugura una serie de discos grabados en el Cash Cabin Studio denominada Cash Cabin Recordings. Lynn reinterpreta algunos de sus clásicos junto a versiones de temas tradicionales y algunos nuevos, a modo de viaje a través de su carrera. Los invitados especiales del álbum son Willie Nelson (‘Lay Me Down’) y Elvis Costello (‘Everything It Takes’).

Departamentos de Estado de EE.UU. y Francia, y especialmente a todos aquellos que estuvieron con nosotros en la zona cero y se ayudaron unos a otros lo mejor que pudieron durante esta inimaginable y terrible experiencia, lo que demuestra una vez más que el amor eclipsa el mal. Todos los conciertos de EODM quedan suspendidos hasta nuevo aviso. Vive la musique, vive la liberté, vive la France, y vive EODM”.

PHIL “PHILTHY ANIMAL” TAYLOR

hil “Philthy Animal” Taylor, ex batería de Motörhead, murió el pasado 11 de noviembre, a los 61 años, según anunció su amigo y ex compañero “Fast” Eddie Clarke: “Mi querido amigo y hermano falleció anoche. Llevaba algún tiempo enfermo, pero eso no lo hace más fácil cuando finalmente llega el momento”. Taylor, nacido el 21 de septiembre de 1954 en Hasland, Inglaterra, se incorporó a Motörhead durante la grabación del primer álbum, ‘On Parole’, en 1975, en sustitución de Lucas Fox. Junto a Lemmy Kilmister y Clarke constituyó la formación clásica de la banda, hasta su salida en 1984. Luego regresó entre 1987 y 1992. Junto a Clarke publicó en 1989 ‘Naughty Old Santa’s Christmas Classics’.

ALANIS MORISSETTE

‘J

agged Little Pill’, el legendario álbum de Alanis Morissette cumple 20 años. Y para celebrarlo la cantante ha decidido revelar una canción inédita que incluirá en una reedición especial de coleccionista de su exitoso disco. ‘Superstar Wonderful Weirdos’ es el título del nuevo tema que la cantante canadiense ha querido publicar, junto a otras cuantas demos que nunca habían sido reveladas. Morissette se ha encargado personalmente de editar y crear la nueva versión del álbum publicado en 1995, uno de los más vendidos de la historia con más de 33 millones de copias en todo el mundo. “Estoy supercontenta de poder compartir toda esta música con una nueva generación, así como con gente que ha crecido junto a mi durante las últimas dos décadas”, explicó Morissette. “Estas canciones han conseguido superar el paso del tiempo”, aseguró.

MÍSIA

a cantante portuguesa Mísia regresa con el disco ‘Para Amalia’, con el que rinde homenaje a la fadista Amalia Rodrigues. El álbum se compone de dos Cd’s: el primero comenzó a grabarse en diciembre de 2014, en el 15 aniversario de la muerte de Amalia Rodrigues, con los músicos Lain Oulman, Fontes Rocha, Carlos Gonçalves; mientras que el segundo fue grabado con una formación de guitarra, viola y bajo acústico. Mísia ha contado con las colaboraciones de la cantante brasileña Maria Bethania, el actor portugués Rogério Samora y la española Martirio. Además de canciones de Amalia Rodrigues, Mísia ha grabado algunos temas nuevos y una versión a dúo con Martirio de ‘María La Portuguesa’, de Carlos Cano, quien compuso esta canción para Amalia y la grabó junto a ella. Mísia presentará ‘Para Amalia’ en Madrid el 1 de diciembre, en la sala Galileo.

FOO FIGHTERS

espués de suspender días atrás su gira europea (que tenía cita prevista en Barcelona) por los atentados de París, Foo Fighters desvelan ahora el significado de la cuenta atrás que presidía su web oficial desde hace días: regalan un nuevo Ep con cinco temas inéditos grabados en octubre en el Hotel Santa Cecilia de Austin (Texas, Estados Unidos). Precisamente el Ep lleva por título ‘Santa Cecilia’ (patrona de los músicos) y llega con las canciones ‘Iron Rooster’, ‘Neverending Sigh’, ‘Saint Cecilia’, ‘Savior Breath’ y ‘Sean’. ‘Santa Cecilia’ está disponible ya para descarga gratuita en la web: www.saintceciliaep.com, así como en las plataformas habituales de streaming como Spotify y Apple Music y también en YouTube. Incluso puede pedirse en vinilo.

GRAHAM NASH

raham Nash ha anunciado el lanzamiento, el 15 de abril de 2016, de un nuevo disco en solitario que lleva por título ‘This Path Tonight’ y que ha sido producido por Shane Fontayne. Este es el primer trabajo con canciones nuevas en catorce años del integrante de Crosby, Stills, Nash And Young. “Grabar este disco ha sido un placer. Shane y yo compusimos veinte canciones en un mes y grabamos el álbum en ocho días.

La música tiene un sentimiento diferente al de mis primeros discos, aunque oigo ecos de cada uno. El trabajo con este nuevo disco ha sido un viaje de auto descubrimiento, intensa creación y pasión absoluta”, dice Nash en un comunicado oficial.

VUELVE LA FORMACIÓN ORIGINAL DE GUNS N´ ROSES

José Rodríguez esde octubre de 1996, cuando Slash abandonó a los Guns N’ Roses, se han desatado una serie de polémicas alrededor de esta exitosa banda comandada por Axl Rose. La pelea entre estos dos fue traumática para el grupo, que desde aquel entonces ha sufrido varios cambios en su alineación, llevándola desde la cima del éxito hasta el olvido de muchos fans. En el año 2009, el vocalista Axl Rose mencionó que primero moriría alguien de los dos antes de ver una reunión de la agrupación. En 2012, Guns N’ Roses fue incluido al Salón de la Fama del Rock and Roll donde la ausencia de Axl Rose fue notoria. En mayo de este año Slash mencionó en una entrevista al preguntarle sobre el reencuentro de los Guns N’ Roses “Nunca digas nunca”. A mediados del pasado mes de noviembre, Scott Weiland, quien fuera vocalista de los Stone Temple Pilots y Velvet Revolver, aseguró haber escuchado algo sobre la reunión de los miembros originales de Guns N’ Roses. Slash se negó a hablar sobre el tema. El día de hoy, un rayo de esperanza cada vez se hace más fuerte y la reunión de los miembros originales de Guns N’ Roses muy probablemente se vuelva realidad en pocos días. El sitio de noticias Dish Nation publicó lo si-

guiente sobre la reunión de Axl, Slash, Duff, Steven e Izzy: Slash y Axl han acordado verbalmente juntarse de nuevo para reformar la banda original. En los shows en vivo pueden mostrar al mundo lo que tenían y también generar las mayores ganancias. Los promotores están trabajando en silencio para hallar las mejores oportunidades. Se espera que los detalles de la reunión se filtren en los próximos días. Todos están a la espera de una gran demanda por entradas, pero los chicos se muestran muy humildes y no están seguros de qué esperar”. Los rumores apuntan a que la banda realizará una gira por Europa y Estados Unidos en el 2016, además de que esta noticia se dará a conocer en los próximos días, esperemos sea verdad y podamos de nuevo disfrutar de la alineación original de Guns N’ Roses.

SINÉAD O’CONNOR

“A

mis hijos y familia: vinisteis a visitarme al hospital antes de que me despertara y no habéis vuelto. ¿Por qué me hacéis estas cosas a mí?”. Así empieza el nuevo post que Sinéad O’Connor ha publicado en su cuenta de Facebook en el que reclama la atención y el cariño de los suyos. La cantante había escrito otro hace un día afirmando que para ella “estaban todos muertos” porque “ninguno me ha apoyado cuando más lo necesitaba”. La irlandesa, de 48 años, ha pedido a sus hijos Jake (28), Roisin (19), Shane (11) y Yeshua (8) que le den amor y les ha preguntado que por qué se marcharon del centro hospitalario antes de que se despertara. “Estoy sola. Por favor, por favor, amadme. Venid al hospital a pasar tiempo conmigo y a arreglar todo esto. No me dejéis asustada y sola”, ha suplicado la artista a su familia en Facebook. Parece que O’Connor ha cambiado de opinión y ha tratado de rectificar el texto anterior en el que reprochaba a sus vástagos que la hubieran “abandonado” durante 12 semanas e incluso les decían que habían “matado a su madre”. La cantante remató sus palabras llamándolos “asesinos, mentirosos, hipócritas”. La artista utilizó también esta red social para alertar a sus seguidores el pasado domingo de que ha-

bía ingerido una sobredosis. “Las últimas dos noches han podido conmigo. He tomado una sobredosis. Es la única forma de que se me respete. No estoy en casa, estoy en un hotel en Irlanda, con un nombre falso. Si no estuviera escribiendo esto, mi familia y mis hijos no se enterarían”, se leía en el mensaje de socorro. La policía de Dublín respondió a la llamada de auxilio y se personó en el motel. A la ocho de la tarde, los agentes anunciaban haber encontrado a la cantante sana y salva e informaban, crípticamente, que estaba recibiendo cuidados médicos. Poco después, un publicista de O’Connor le confirmó a la web musical de referencia Pitchfork que la cantante “no se encuentra bien y está bajo tratamiento”. Diagnosticada en 2013 con trastorno bipolar y cada vez más distanciada de la música y su familia, suele usar Facebook para desahogarse con mayor o menor coherencia. Este agosto fue sometida a una histerectomía y, desde entonces, sus mensajes se han ido haciendo más erráticos. Hace unos días se dirigió a un supuesto acosador, rogándole “de rodillas” que dejaran de mandarle correos detallándole cómo la iba a violar. Aquel mensaje, ya borrado, comenzaba con un detalle que casi pasó desapercibido: “Fui ingresada en el

hospital hace dos semanas y llevo desde entonces bajo sospecha que me puedo suicidar”.

ADELE

l 3 de diciembre se pusieron a la venta las entradas para el concierto que la inglesa Adele ofrecerá el 24 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Las entradas se pueden adquirir a partir de las 10:00h del jueves 3 de diciembre, únicamente a través de doctormusic.com, ticketmaster.es y www. adele.com. Todas las entradas serán de asiento reservado. El precio será de 56, 73, 90 y 115 Euros (gastos de distribución no incluidos). Se podrá adquirir un máximo 4 entradas por comprador. Recordamos que Adele acaba de editar un nuevo trabajo con el nombre de ‘25’, siendo éste, un record de ventas en Europa.

The Cure vuelve de gira por Europa en 2016

José Rodríguez l legendario grupo británico The Cure ha anunciado su primera gran gira europea desde 2008. La banda liderada por Robert Smith, famoso por su resistencia en el escenario, iniciará su tour en Helsinki el 7 de octubre. Estos conciertos vendrán después de los celebrados en Norteamérica —donde no han regresado en siete años—, en una gira que comenzará en Nueva Orleans el 10 de mayo. La banda recorrerá 27 ciudades estadounidenses y hará treinta conciertos en 17 países europeos. En España serán tres las actuaciones en noviembre de 2016: Madrid (20 de noviembre en BarclayCard Center), Bilbao (24 de noviembre en el BEC) y Barcelona (26 de noviembre en el Palau Sant Jordi). El Wembley Arena de Londres será testigo del concierto de cierre el 1 de diciembre. La gira ‘The Cure 2016’ presentará a Robert Smith (voz/guitarra), Simon Gallup (bajo), Jason Cooper (baterista), Roger O’Donnell (teclados) y Reeves Gabrels (guitarra), en un repaso de 37 años de canciones, y con una mezcla de éxitos, rarezas y temas hasta ahora inéditos en una nueva producción escénica. Como artista invitado en toda la gira europea estarán The Twilight Sad. Después de dos años de relativa inactividad, el tour es prueba de que no hay planes de disolución del grupo. La gira se realizará a pesar de la marcha del único miembro veterano de la banda junto con Robert Smith, el guitarrista Porl Thompson, que tocó con The Cure en el tour de 2007-2008, pero que ahora está centrado en la pintura. La banda ha anunciado en su web que contará en 2016 con Reeves Gabrels, un guitarrista más conocido por trabajar con David Bowie. La marcha de Thompson había complicado los planes para un nuevo álbum. Las entradas se podrán comprar desde las 10 horas del jueves 3 de diciembre en Ticketmaster, El Corte Ingles y web Live Nation. Los usuarios registrados en la web de la promotora (www.livenation.es) podrán comprar en preventa desde las 10 horas del 1 de diciembre.

THALÍA

SOULFLY

a cantante y empresaria mexicana Thalía reveló hace unos días que el próximo año lanzará ‘Viva Kids: Volumen 2’, su segundo disco infantil inspirado en sus dos pequeños hijos. La artista señaló en una visita al programa Despierta América de Univisión que el nuevo disco tendrá un tema sobre “las cucarachas”, un insecto al que todos le temen, pero que lo presentará de una manera agradable. Desde que debutó como madre la intérprete de ‘Amor A La Mexicana’ y ‘No Me Enseñaste’ está envuelta en proyectos para los pequeños. El año pasado lanzó ‘Viva Kids’, una producción compuesta por un Cd + DVD con dibujos animados que incluye algunas de las canciones infantiles más populares reinventadas con animados sonidos del pop contemporáneo.

os fans de la banda de groove metal de Fénix, Arizona (Estados Unidos), Soulfly están de enhorabuena. La banda regresa en 2016 con un nuevo trabajo de estudio y una gira con la que ofrecerán tres conciertos en España en febrero. En este noveno disco de estudio Max Cavalera muestra su mejor versión en su nuevo disco ‘Archangel’, sucesor de ‘Savages’ (2013) y que también publicarán con el sello anterior Nuclear Blast. Las fechas de la gira española de la banda son las siguientes: 12 Febrero 2016: Vitoria, Jimmy Jazz. www.musikaze.com 13 Febrero 2016: Almàssera, Valencia, Rock City. www.movingtickets. com 14 Febrero 2016: Zaragoza, Centro Cultural Las Delicias. www.musikaze.com

TODO EL MUNDO ADORA NUESTRA CIUDAD: LA HISTORIA ORAL DEL GRUNGE José Rodríguez Compuesto a partir de más de 250 nuevas entrevistas con miembros de Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney, Screaming Trees, Alice In Chains, The Melvins, Hole, Green River, Mother Love Bone, 7 Year Bitch, Temple Of The Dog, Babes In Toyland, Mad Season, TAD, The U-Men, Skin Yard, L7, Supersuckers, The Gits y muchos más, ‘Todo El Mundo Adora Nuestra Ciudad’ es un retrato conmovedor, divertido y revelador de una era musical extraordinaria. En 1986, C/Z Records, una discográfica de Seattle, editó ‘Deep Six’, disco antológico con el que daba a conocer a media docena de grupos locales: Soundgarden, Green River, The Melvins, Malfunkshun, The U-Men y Skin Yard. Aunque vendió de pena, el disco hizo historia al documentar un incipiente sonido regional: esa áspera fusión entre heavy metal y punk rock que con el tiempo acabamos conociendo como grunge. Cinco años más tarde, con el éxito de ‘Smells Like Teen Spirit’, dicho término acabó extendiéndose por todo el mundo para convertir Seattle en la zona cero de la explo-

sión de rock alternativo de los 90. Ésta es la crónica definitiva de cómo una escena musical y cultural independiente y en gran medida aislada acabó convirtiéndose en un fenómeno de alcance mundial. ‘Todo El Mundo Adora Nuestra Ciudad’ captura los antecedentes, auge y apogeo de la era grunge en las palabras de los músicos, productores, representantes, directores de vídeo, fotógrafos, periodistas, publicistas, propietarios de salas, roadies, entusiastas y acólitos que de verdad la vivieron. El libro cuenta toda la historia: desde la fundación de los grupos que participaron en ‘Deep Six’ hasta el éxito mundial de los cuatro grandes referentes del grunge (Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice In Chains); desde los orígenes de la insolvente pero entusiasta discográfica independiente Sub Pop hasta el frenesí con el que las grandes multinacionales cayeron sobre el Noroeste de Estados Unidos dispuestas a exprimir la gallina de los huevos de oro; desde el sencillo placer de meter caña en fiestas privadas en sótanos y en diminutas salas de conciertos hasta las trágicas y solitarias muertes de Kurt Cobain y Layne Staley una vez convertidos en superestrellas. Está editado en España por Ediciones Es Pop.

JUDAS PRIEST

urante una reciente entrevista, el guitarrista de los británicos Judas Priest, Richie Faulkner, anunció que la banda planea componer y grabar un nuevo trabajo en un futuro muy cercano. Estas fueron las palabras de Faulkner sobre el nuevo disco: “Nosotros estimamos entrar al estudio una vez más durante el próximo año y grabar algunas ideas para ver que nos inventamos. Cuando uno sale de gira por todo el mundo y tiene la oportunidad de tocar en frente de tantos fans apasionados en los diferentes países, eso inspira a que uno se ponga a componer canciones nuevas, eso inspira a que uno vuelva a salir de gira y tocar algunas de esas canciones en vivo. Ahora que estamos de gira tocando canciones de ‘Redeemer Of Souls’ en vivo, nos está inspirando volver al estudio y seguir componiendo música nueva.”

Entrevista:sex Museum

rabiosa madurez

Se cumplen treinta años del origen de un grupo musical cuya trayectoria ha marcado la vida de muchos jóvenes españoles. Su música, airada y plena de energía juvenil, no sólo no ha perdido un ápice de su contundencia primigenia sino que la ha conservado intacta a través de una trayectoria continuada y sin precedentes ibéricos. Desde mediados de octubre el histórico grupo madrileño está llevando a cabo la gira que conmemora sus tres décadas por el lado salvaje del rock, un hito que se prolongará hasta el verano de 2016 y que se completará con el estreno de un documental sobre el grupo y la grabación de un nuevo álbum. Pablo Martínez Vaquero

arece que fue ayer cuando asistieron -aún como público- a la concentración mod de Lloret, en el verano de 1985, debutando oficialmente en octubre de ese mismo año en el pub Bwana de Madrid, con César Andión como “Mighty Caesar”, manager y “sexto miembro” del quinteto. Poco después, en enero de 1986, con sus dos recitales -junto a Los Negativos, de Barcelona- en el colegio mayor Chaminade de Madrid la banda marcó un antes y un después en el rock español; era ya, pues, un grupo llamado a hacer historia y que

cumplió con creces todas sus expectativas. De su mano llegaron a estas tierras las influencias sixties de grupos como Pretty Things, Small Faces, The Troggs, Chocolate Watch Band, The Sonics, Yardbirds, Standells o MC5. Inmediatamente fueron elevados a la categoría de iconos, reverenciados e imitados, pero nunca -jamás- igualados. Han pasado ya treinta años y uno se pregunta si los jóvenes de hoy les contemplan con la distancia generacional con la que nosotros veíamos a Los Brincos y a Los Bravos, y eso tan sólo quince o veinte años después de su cenit… Pero no; España ya no es la misma desde los veloces 80 y los

abismos generacionales ya no son tan profundos gracias a los cambios sociológicos producidos durante aquella vertiginosa década. Y es que la evolución de Sex Museum ha sido coherente y natural; constante. La música es su vida y ellos forman parte de la de -al menos- dos generaciones de fans. Con Roberto Lozano ‘Loza’ (batería desde 2000) y Javi Vacas (bajo desde 2005), Miguel Pardo (voz), Fernando Pardo (guitarra) y Marta Ruiz (teclados) mantienen viva la leyenda de la quinta del Agapo, la de los chicos del pelo largo que aparecieron en Malasaña para quedarse para siempre, sobreviviendo a efímeras modas, corrientes imperantes y todo tipo de remolinos y obstáculos vitales. Reencontrarse con ellos siempre es un placer; hablamos con el matrimonio Pardo-Ruiz, sempiterno tándem creativo y portavoz habitual de la banda. – Treinta años de carrera continuada y el grupo sigue igual de vigente, derribando barreras generacionales ¿Cómo se consigue algo así, impensable en la España de hace tres décadas? Marta: Nunca pensa-

vida así es fácil disfrutarla, tirando siempre hacia delante, tratando de superarte en cada disco y en cada gira, aunque sólo sea un poco. También ayuda mucho que la compañía sea buena.

“S

iempre hemos sido muy eclécticos, pero buscando una inmediatez y frescura en la interpretación”

- Los Coronas, Poliéster y un largo etcétera si sumamos colaboraciones… ¿Cómo se puede compaginar todo eso con Sex Museum y máxime teniendo familia? Marta: Te pones a componer y te salen muchas cosas, no todo va para Sex Museum. En mi caso te diré que ser artista y madre de familia es complicado pero no imposible. Yo, por ejemplo, le quito muchas horas a la noche de sueño para trabajar concentrada; eso me hace estar siempre en mi vanguardia creativa. -Fernando: Son bandas que formamos para seguir tocando siempre, aprendiendo y para no dejar de viajar nunca.

mos cuánto duraríamos. En tantos años se completan muchos ciclos del grupo y se atraviesan muchas - Sólo habéis tenido un modas; cada miembro parón, entre 1997 y el aporta algo en cada 2000 si mal no recuerépoca y asimismo las do… ¿Fue ése el gran Sex Museum. Archivo Pardo-Ruiz energías que hacen punto de inflexión que haya movimiento para no pensar en ditambién van cambiando. Ahora mismo pienso solveros llegado un momento dado, tal como que un grupo como Sex Museum tiene más senhan ido haciendo otros grupos de vuestra getido que nunca. neración? Los que parecen haber aguantado se Fernando: Se consigue sin pensar demasiado en toman el directo como un hobby o como algo ello y disfrutando del camino, sobre todo porpuntual, lo que ni fue ni es vuestro caso. que es un tipo de vida divertido y estimulante Fernando: Nos vino bien parar un poco más de que te pone a prueba constantemente. Si eres un año para dejar atrás un montón de malos hácapaz de aguantar la incertidumbre de llevar una bitos y porque la relación se estaba volviendo

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muy tensa. También para poder ver las cosas relacionadas con el grupo con más perspectiva. Marta: Paramos en el ’97, pero en el ‘99 ya estábamos ensayando “Sonic”; no fue un parón tan grande, pero necesitábamos cortar la inercia que estaba tomando esa formación y retomarlo con más seriedad.

-A pesar de que sé que sólo miráis al futuro y no os van las nostalgias “Big City Lies”, vuestro último álbum, parecía querer cerrar ya un círculo, volviendo a vuestros orígenes ‘garageros’, precisamente cuando estaban a punto de cerrarse tres décadas de trayectoria ¿Sois conscientes de ello? Supongo que no ha sido algo premeditado… Fernando: Marta casi nos obligó a hacer la gira de “Back To The Fuzz” y nos vino muy bien para refrescarnos y no acomodarnos. Al final eso nos llevo inevitablemente al sonido y la forma de componer del principio, y cuando nos pusimos a hacer las canciones para el “Big City Lies” se notó con un sonido más crudo y directo. Marta: Bueno, si escuchas el disco tampoco es muy ‘garagero’… Desde nuestros comienzos fuimos muy eclécticos, pero sí que hemos buscado una inmediatez y frescura en la interpretación; un sonido muy concreto… Y con este disco también recuperamos una actitud rabiosa, volviendo a componer juntos Fernando y yo, algo que habíamos dejado de hacer.

-Creo que éste es un momento perfecto no sólo para hacer un balance general sino para hacer hincapié también en vuestra última gira, el Tour “Big City Lies”, un punto de inflexión en vuestra carrera. Fernando: Si, totalmente de acuerdo. Y también para reforzar algunos de los puntos que teníamos en el grupo desde el principio; la esencia, el sonido, la actitud ‘garagera’. Marta: Es de los pocos discos que hemos tocado al completo en directo, lo cual ya dice bastante de sus canciones y de la capacidad del grupo en esta época. -Me consta que, a pesar de de que teníais garantizado numeroso público, este año que ahora acaba tuvisteis que cancelar algún concierto de debido a que la sala consideró que no habías vendido las suficientes entradas adelantadas. En algunas ciudades españolas el público prefiere esperar a última hora y parece que esa práctica no arraiga ¿Cómo se puede concienciar al público de su importancia? Marta: A mí me gusta que la gente sea libre y que haga lo que quiera en este aspecto, parece que todo tiene que hacerse desde un móvil o un ordenador, pero las salas quieren tener una seguridad antes del concierto. Son nuevos tiempos; en los últimos cinco años hemos visto a muchos grupos y salas echar el cierre, nosotros nos hemos conseguido mantener y crecer gracias a un público fiel y a adaptarnos a algunos cambios

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que provoca un mundo globalizado. Fernando: Es una época de cambio y el tema de la venta anticipada es un lio. Se ha convertido en un marcador de la gente que va a entrar a los conciertos, pero aún hay un montón de gente que compra en taquilla.

-¿Cómo podéis conciliar en vuestros gustos e influencias a los Small Faces o a Paul Weller con AC/DC, Deep Purple o Beastie Boys y que esto no rechine en absoluto? Me parece algo realmente sin precedentes en un país como éste, al igual que ocurre con vuestro reciente vídeo con Def Con Dos, mismamente. Marta: Lo llevamos haciendo desde el principio aunque tal vez ahora ya nos sale mejor. Además siempre nos ha gustado homenajear nuestras raíces y hacer versiones. Fernando: Nos gusta todo lo que ruge y tiene filo, así que no encontramos muy lejanos a Steve Marriott de Bon Scott o de Paul Weller, o a los Beastie Boys de Black Sabbath.

LP Sex Museum ‘Fuzz Face’ [1987]

uestra historia merece ser contada en un documental y haremos un nuevo disco para cerrar el aniversario”

-Sin aquella primera pandilla de mods madrileños de 1981, los “Camel Boys” ¿habrían existido Sex Museum? Fernando: No lo creo; todo lo que va ocurriendo en el camino tiene sentido, de una manera u otra… Y el espíritu de grupo y de unidad de los Camel Boys se transportó a Sex Museum. Marta: Fue lo que hizo que nos conociéramos, el comienzo de todo, y hay muchos idealismos de esa adolescencia que jamás hemos abandonado.

-Junto al tour del aniversario, este año el público podrá disfrutar de un documental con la historia del grupo, de un nuevo disco en ciernes… Habladme de esos proyectos. Marta: Comencé hace un año con la idea y me puse a ello. Me parece que la historia del grupo merece ser contada y creo que nadie mejor que alguien de dentro para hacer algo tan complicado como un documental. Y el disco lo haremos para cerrar este año de aniversario, estamos en una buena época como grupo y tenemos cosas que decir. Fernando: Marta nos habló de la posibilidad de hacer un documental y nos pareció buena idea. Sobre todo si lo iba a hacer ella, porque es un trabajo enorme que va a llevar mucho tiempo y solo ella tiene la capacidad, de entre nosotros, de sacar esas cosas adelante.

Foto: Tábata Pardo

Postal promocional de Sex Museum - 1988

-En este nuevo tour que ya habéis iniciado es el público quién escoge las canciones ¿Pesa el legado o los fans apuestan por los nuevos discos? Marta: Hay de todo, tenemos varias generaciones de seguidores, con la gira “Back to the fuzz” aparecieron rostros que hacía años que no veíamos en los conciertos, sin embargo hay mucha gente que nos conoce a partir de “Sonic”, y otros a partir de los últimos dos discos… Fernando: El legado pesa, sí, aunque está bastante repartido; es demasiado largo como para no tenerlo en cuenta, pero para agradar a todo el mundo tendríamos que dar un concierto de tres horas y media…

«L

a actitud es lo que da coherencia al grupo, lo que hace que el mensaje llegue al público»

-En los últimos años he detectado que gustáis a un amplio sector de público, desde a los habituales seguidores de la cosmología sixties a los degustadores de punk, pasando por heavies militantes e incluso a una concurrencia más vanguardista que también consume música electrónica o a iconos del dark como Joy Division ¿Han cambiado los tiempos y la gente es menos purista o es algo que sólo logran grupos como Sex Museum y sus epígonos? Marta: Hemos hecho guiños a todo lo que nos ha gustado; hemos tocado con Deep Purple y aparte hemos tenido épocas bastante experimentales, por lo que en Sex Museum hay alimento para varias familias... Pero al final las etiquetas vuelan;

lo que da coherencia y hace que llegue el mensaje es la actitud. Fernando: Creo que la gente es menos purista que en los 80, sobre todo porque hay menos oferta; menos grupos con los que puedas conectar, que sigan en activo y que puedas ver en directo. Eso abre un poco los gustos y, por otra parte, hace que se mire un poco más allá de lo estrictamente musical… La autenticidad o la credibilidad de la propuesta de cada uno ha pasado a tener mucho peso, sobre todo para quien lleva mucho tiempo oyendo música… No obstante para una fan de Justin Bieber me imagino que las cosas serán muy diferentes. -Aunque vuestra efeméride también coinciden con la consolidación de la vuelta del vinilo, también parece que no obstante os habéis ido adaptando también a las nuevas plataformas musicales de una forma nada forzada, muy natural, como todo lo que hacéis… Marta: Sólo es que estamos ahí, que tenemos

curiosidad por lo que está pasando y que usamos las herramientas que nos da la tecnología, como casi todo el mundo. Yo tuve que aprender a hacer páginas web para que Sex Museum tuviera una en el 2000. Desde siempre hemos tenido claro que el grupo lo llevábamos nosotros en los hombros y que íbamos a intentar colaborar y hacer las cosas bien cuando trabajásemos con otra gente. Fernando: Yo pienso que lo hacemos todo de manera bastante natural, sin salirnos demasiado de nuestro camino y de nuestros gustos, e ima-

TOUR 30 ANIVERSARIO

Próximas fechas confirmadas Viernes 18 diciembre - Sala Prince GRANADA

Sábado 19 diciembre - Louie Louie ESTEPONA Martes 5 enero - Hell Dorado VITORIA Viernes 8 enero - Garage Beat MURCIA Viernes 22 enero - El Sol MADRID Jueves 18 febrero - Marula / AwambaBuluba BARCELONA Viernes 19 febrero - Stereo ALICANTE Sábado 20 febrero - Wah Wah VALENCIA Jueves 3 de marzo - Gran Café LEÓN Sábado 12 marzo - Festival Lekuek - Sala Trinkete Antitxokoa

GERNIKA

Entradas adelantadas disponibles en www.ticketea.com

Sept 1985. Debut en Bwana [Madrid] Foto: Ángel de la Iglesia

1985. Foto: Juan Pardo

Marta (16 años) y Miguel. Foto: Juan Pardo

gino que al final eso acaba notándose. Yo sigo comprando vinilos, sobre todo de discos antiguos que no me acaban de sonar bien en CD o en mp3, pero la música contemporánea la oigo en digital porque en su mayoría está hecha con un proceso de ese formato. Tengo el “AM” de los Arctic Monkeys en vinilo y no me suena demasiado diferente a un buen mp3; con peso… Lo que sí que suena muy, muy diferente son discos como el “Fun House” de los Stooges y otros vinilos “cerdos” de los 60 y principios de los 70… -Mantenéis vuestro propio sello, Tritone, pero delegáis la distribución a Legacy-Sony ¿Es ésa la forma de mantener la independencia sin renunciar a llegar al gran público? Marta: Es una buena opción Fernando: Es que para un grupo como nosotros es la mejor manera de hacer las cosas; sigues teniendo la propiedad de tus grabaciones y a la vez consigues llegar donde tú solo no llegarías. Ése es uno de los grandes problemas actuales en el mundo de la música independiente o autoproducida, el poder llegar a todo el mundo; resulta fácil grabar y fabricar el disco, pero conseguir que la gente se entere de que existes es lo más complicado que tienen los grupos jóvenes hoy en día.

«L

a tensión siempre va a existir en el momento de llevar una canción al local, la haga quien la haga»

En Reithalle (Berna), 1988, concierto con Miracle Workers. Foto: César Andión

–Vosotros dos sois quienes lleváis el peso creativo de la banda aunque me consta que tenéis gustos e ideas musicales que muchas veces son demasiado diferentes…

¿Alguien de los dos acaba cediendo u os dejáis llevar, esperando a ver que sale con el resto del grupo? Marta: Lo más difícil es tener un concepto claro y seguirlo; yo por ejemplo soy muy creativa y hay veces que presiono buscando la originalidad, pero “Big City Lies” lo hicimos conjuntamente y salió de una manera muy fluida. Por ejemplo “Again & Again” se hizo entre todo el grupo y también hubo mucha tensión… La verdad es que a estas alturas asumo que la tensión siempre va a existir en el momento de llevar una canción al local, la haga quien la haga. Fernando: Yo lo hago sin esforzarme mucho; soy un poco vago y he aprendido que la mejor ma-

nera de hacerlo con poco esfuerzo pero dando lo mejor de mí es delegando en la gente con talento que tienes alrededor. No obstante, reconozco que a veces me pongo un poco cabezón, pero trato de colaborar todo lo posible... Marta es bastante talentosa y me encanta apoyarme en ella. -Talento evidente al margen, vivimos tiempos muy duros; dictaduras culturales sin ambages, repletas de recortes y trabas para la supervivencia de la música en directo… Supongo que estamos ante el preámbulo de algo, pero la pregunta del millón es precisamente qué nos va a deparar todo esto… Marta: Yo solo sé que no quiero parar de luchar por ello y que cada uno de nosotros somos responsables de que las cosas se dirijan hacia un lado u otro, está claro que por encima de todo está la codicia humana, el hombre primitivo que no termina de evolucionar y la practicidad de las masas que bastantes problemas tienen como para intentar cambiar el mundo.

Contraportada primer LP - 1987

César, segundo por la izquierda, con Sex Museum en Orbetto (Italia), 1988. En la formación aún estaban McCartney y Pepe Ríos. Archivo César Andión.

Pero no estaría mal que cada persona se planteara algo tan básico como: “qué es lo que me da felicidad” y que fuera consecuente con ello. Fernando: Está claro que estamos en el final de una época, pero como la cultura de mediados a finales del siglo XX fue tan atractiva y a la vez tan perpetuada, en discos, vídeos, películas… Creo

que seguimos viviendo esa época como si estuviera vigente aún, yendo de revival en revival, y que el gran cambio no va a llegar hasta que nos desliguemos de todo lo retro, aunque a mí me gusta que las cosas sigan así, por lo menos durante una temporada◊

es eso y más; la definición una parte de él, en forma no sólo no le queda grande de banquete soberbio de rock y blues impregnado sino todo lo contrario. de tango o viceversa. Amén de sus virtuosas guitarras y de su voz se agradece sobremanera la inclusión de toda una sección de metal (tuba, clarinete, trombón…) sin concesiones “digitales”. Puro talento.

Virginia Maestro Blue Bird Autoeditado, 2015

powerpop y lo que se podría llamar como rock alternativo de la década de los noventa con nombres tales como PJ Harvey. A destacar también que el disco ha sido producido por Paco Loco y que una canción como ‘Susan’ cuenta con la colaboración de Gary Louris, el líder de los inmensos Jayhawks. Si un temazo como ‘Wishing Well’ no obtiene más popularidad es porque este mundo es injusto.

Pablo Martínez Vaquero

Lo tiene todo: es bella a rabiar y posee muy buen gusto, sobrado talento, una voz muy, pero que muy agradable y particular… ¿Demasiadas bondades para ser creíble? ¿Qué demonios ocurre en este país para que no esté copando ya las portadas de la prensa especializada? Cuesta trabajo comprender el porqué la gente se empeña en recordar como un hándicap su paso por O.T., hace ya casi ocho años, cuando dejó bien patente que allí era una rara avis, la única artista que no era carne de orquesta verbenera; que ella -con una enorme personalidadera mucho, muchísimo más que un simple producto comercial y paródico. Cuarto álbum ya; cantado en inglés, autoeditado y autoproducido mediante crowdfunding. Buenas canciones (todas suyas) en las que prevalece el pop soul luminoso y lúcido. ¿La Vanessa Paradís del pop español? En mi opinión ella

Javi monge impuro tango rock cd records, 2015 Pablo Martínez Vaquero

Desde los 80 ha sido uno de los guitarristas más valorados del panorama rockero asturiano, pasando por decenas de grupos de diversa índole; trabajos en los que dejó un sello de indiscutible calidad instrumental. Ahora por fin da su nombre a una portada, pero no para recordarnos que -si al le apeteciesepodría ser el Bruce Springsteen español, sino para demostrar que sigue siendo un todoterreno de la Música con M mayúscula. De momento nos ofrece su faceta como lúcido (y lucido) “re-creador” de tangos, Gardel incluido, a través de una colección de sones que hace suyos con un sentimiento al alcance de unos pocos elegidos. Monge lo tiene; el don, el duende, el ángel o como quieran llamarlo, y por fin nos regala

Carolina Otero & The Someone Elses Diastema Girls Malatesta Records, 2015 inoportunos involución Juanjo ‘Jota Jota’ autoeditado, 2015 De entrada el título de este disco es muy sugerente para aquellos que sentimos cierta atracción por las mujeres que tienen separados los incisivos superiores. El tercer trabajo de Carolina Otero y sus tres acompañantes (Dani Gurrea a la guitarra, José Montoro a la batería y Nick Simpson al bajo y a los coros) lleva ese título en base a un poema de la mencionada vocalista dentro de su libro ‘Balada Del Rimel Corrido’. El resto de temas circulan especialmente entre el

Ricky Rodríguez

Dicen que no hay nada más español que apuntarse a una fiesta. Si no la hay se inventa y si ya existe se busca la mejor manera de celebrarla. Eso fue lo que debieron de pensar Lauren Jordan, Ángel González y Fernando Morales cuando se dieron cuenta de que se iban a cumplir 25 años de la formación del grupo... Manos a la obra, nada mejor que una cifra tan redonda para volver a su lugar natural, los escenarios

y el estudio. 10 nuevos temas (que en el disco se convierten en 12 al tener dos de ellos dos versiones) que nos traen en inmejorable estado de forma a una de las grandes bandas del rockabilly nacional por la que no parece pasar el tiempo. Mientras no se distribuya por las tiendas puedes conseguirlo en www.inoportunos.net o en alguno de los conciertos que esperamos empiecen a dar en lo antes posible. El rockabilly vuelve a estar en alza y este es un ejemplo de ello.

hasta el ‘As Long As I Have You’, popularizada por Elvis Presley, pasando por ‘Anna (Go With You)’ de Arthur Alexander, ‘Boom Boom’ de John Lee Hooker, o ‘Rip It Up’ de Little Richard, entre otras. La única adaptación al castellano viene de la mano de ‘Historia De Los Rockers’, de Gene Vincent. Aprovechando la cercanía de la Navidad, Fernando también da rienda suelta a unos christmas: ‘Rockin’ Around The Christmas Tree’, de Brenda Lee, y ‘Blue Christmas’, de Elvis Presley. Además, colaboraciones de lujo; Dani Cardona (batería y coros), Roberto Fort (guitarras) o Beabop Nando (coros).

festivales este año. Se centra en 40 minutos de puro Rock electrónico con influencias de los grupos británicos más representativos de esta corriente musical, como Depeche Mode o The Human League. Sonidos con cierto toque gótico, y la peculiar voz de Miguel Rivera que juega como un instrumento más. Letras muy trabajadas gracias a la colaboración de la escritora Ana Muñoz. Quizá la canción más comercial del disco sea el primer single ‘Y Ver Llover’ donde cuenta con la ayuda de Anni B Sweet, aunque canciones como ‘Quebrar El Timón’ o ‘La Máscara y El Disfraz’ tienen una gran contundencia y brillantez.

guitarras y líneas de bajo pronunciadas destacan dentro de un disco de rabioso rock que se mueve en la onda de referencias internacionales como Pixies, Throwing Muses, Veruca Salt, Jesus And Mary Chain, Dinosaur Jr.,… Destacan las abundantes críticas al mundillo del rock y a la crítica especializada en sus letras. Eso sin contar una portada y un título atractivamente beligerante.

hombres g en la arena warner music, 2015 fernando lavado & rock n’ roll friends una noche con mis héroes autoeditado, 2015

delacruz delacruz autoeditado, 2015

mad robot i declare war autoeditado, 2015

Vicente Ribas

Rosa Ruiz

Juanjo ‘Jota Jota’

Primer trabajo en solitario de Fernando Lavado, como Fernando Lavado & Rock N’ Roll Friends, y en donde da cabida a un disco repleto de clásicos del rock and roll. Con este disco no quiere decir que se aparte de sus queridos Gatos Locos, todo lo contrario, siguen más vivos que nunca y en breve tendremos noticias sobre ello. ‘Una Noche Con Mis Héroes’ aporta 12 versiones que van desde el ‘Donna’ del malogrado Ritchie Valens,

Aunque Delacruz aparece en este 2015 como un grupo principiante, hay que decir que llevan mucho tiempo en esto de la música, ya que lo componen ex miembros de Maga, exitosa banda sevillana indie de principios del 2000. Es éste su disco debut, publicado de momento en plataformas digitales como Spotify y Itunes, y que han paseado en directo presentando sus canciones en distintos

Son de Paiporta, en plena Huerta Sur de Valencia. Al frente Mike Grau, un histórico de la escena alternativa valenciana durante la década de los noventa. Junto a él la sensualidad vocal de Susana Munárriz y otros nombres del mundillo independiente musical valenciano como Carolina Otero a la guitarra y voces, Borja Boscá al bajo y Roberto Timón a la batería. Distorsión de

José Zamora Linares

Es raro ver dos discos nuevos de un grupo en un sólo año. Pero, a veces, estas cosas pasan. Este es el caso de Hombres G que, para celebrar su cumpleaños artístico, en verano sacaron un disco de rarezas, del que ya hablé en su momento, llamado ‘30 Años y Un Día’. Además, me consta que también editarán un tercero antes de que acabe el año, o una reedición, mejor dicho de su primer trabajo. Pues bien. Hace una semana, apareció otro disco llamado ‘En La Arena’, un directo grabado en junio de 2015 en la Plaza De Toros de Las Ventas (Madrid), el cual, es un largo muy cuidado que contiene los temas de siempre y alguna que otra

canción de las que, cuando vas a un concierto piensas; ¿Por qué no tocan esta? Diréis: Bueno, pues un directo más. ¡Pues no! Todas las canciones de este concierto, están revisadas, reconstruidas y orquestadas de tal manera que, cuando las escuchas, parece que no has escuchado estas canciones en tu vida. Para fans de Hombres G, pieza fundamental.

por la crítica especializada donde guardas los discos de musicales Spotify, Youtube… en EEUU como ignorado Hard Rock y metal en todas Muy recomendado. por la española. Este sus variantes. sencillo de anticipo ya ha deslumbrado a los exigentes redactores británicos de The Indiependient, donde comparan al grupo con Embrace y su reseña comparte espacio con lo último de Noel Gallagher. Veremos qué ocurre en el país de las “cocretas”…

duende josele la semilla verso libre producciones, 2015 Lola Villajos Roldán

the traveling zoo believe me autoeditado, 2015 Pablo Martínez Vaquero

Si el 2016 no es el año del definitivo despegue de TTZ es que la humanidad (y por ende la música) ha perdido definitivamente el norte. ‘Believe Me’ es el single de adelanto con el que Fran Elías avisa de lo que va a ofrecer en su próximo álbum, ‘Science & Fictions’, el tercero en solitario de este exquisito creador de pequeños universos paralelos de pop vitalista y luminoso, de flashes y destellos que nos remiten al mejor pop británico de los ochenta, a los Psychedelic Furs más melódicos, a unos Echo & The Bunnymen desatando sin complejos su “beatlemanía”, al propio autor anglófilo asturiano -él-, devoto de Macca y Brian Wilson… Su álbum anterior fue tan alabado

paco ventura black moon avispa, 2015 José Zamora Linares

El guitarrista de Medina Azahara, Paco Ventura, da alas a una nueva aventura paralela a sus mencionados Medina Azahara, en la que ha contado con músicos de primera fila del rock internacional como: Bruce Kulick (KISS), Roland Grapow (Helloween), Patrick Rondat (Steve Vai) John Norum (Europe), Kiko Loureiro (ExAngra y actualmente con Megadeth), etc, etc... Como podéis imaginar, ‘Black Moon’ es un discazo de Hard Rock con muchos matices diferentes dentro del estilo musical que abarca. Se podría decir que a la personalidad guitarrística de Paco Ventura le ha invadido el espíritu de Deep Purple e Yngwie Malmsteen, demostrándolo en este trabajo repleto de guiños. Indispensable en el rincón

José Manuel Díez, después de 12 años como vocalista y principal autor del grupo El Desván Del Duende, el compositor y GRAN poeta extremeño decide cambiar de aires con una propuesta mucho más íntima que las anteriores, cercana a sonidos fronterizos. Un proyecto donde la poesía y la rebeldía son las señas de identidad. Como sentencia el proverbio persa: “La paciencia es un árbol de raíz amarga, pero de frutos dulces”, tras dos años de intenso trabajo musical y literario, Duende Josele regresa con un fruto muy dulce, ‘La Semilla’, nuevo disco en versiones Cd y Discolibro con 15 canciones y una selección de poemas y relatos cortos, donde se puede comprobar que es un acróbata de la palabra, la acuna con la delicadeza de unos padres a su bebé. Un trabajo personal y heterogéneo, con producción de Markos Bayón y la colaboración de músicos como Mercé, Aute, “La Negra”, Lichis… Está en las grandes plataformas

conde reverbville clifford records, 2015 Pablo Martínez Vaquero

Lideró con carisma todos sus proyectos musicales desde aquel primer single de Cámara en 1982 (Serie B, Los Mosquitos, Harry Octopus, Santos De Goma…) ¿Su deuda pendiente? Un disco en solitario; y el refinado malagueño cumple con nota. ‘Reverbville’ contiene la esencia de la exquisita cosmología musical característica de Conde pero filtrada a través de un poso de oscuro crooner de culto, un traje que le cae perfecto. Grave, brumoso y sinuoso, el songwriter, cantante y multiintrumentista ha producido un álbum que desata emociones y en el que su obsesión por el cine y la literatura queda -por finsin soterrar, a flor de piel. La densidad de su atmosfera y su inclinación “oscura” exigen más de una audición para que las canciones puedan ser apreciadas en su justa medida. El difícil arte de escuchar es todo un desafío lanzado al público que subraya la honestidad y la madurez artística de un talento en estado puro, sin adulterantes.

¿te acuerdas? VV.AA. Navidades Radioactivas DRO, 1982 José Gálvez

igor paskual tierra firme warner music, 2015

Manuel L. Sacristán solo autoeditado, 2015

Ricky Rodríguez

Juanjo ‘Jota Jota’

Igor Paskual está que no para. Hace poco se editaba, a través de Efe Eme, ‘Rugidos De Gato’, libro en el que se recopilan las columnas que a lo largo de los años ha ido editando en El Comercio. Está trabajando en el estudio en ‘La Armas’ (el que será próximo disco de Loquillo) y hace escasos días ponía en la calle ‘Tierra Firme’, su segundo disco en solitario que toma el relevo de ‘Equilibrio Inestable’. Escritor (os recomiendo ‘El Arte De Mentir’), compositor, guitarrista, cantante, pocas cosas hay con las que no se atreva el guipuzcoano y lo demuestra en este trabajo que nos ofrece ritmos ahora más rock, ahora más pop, ahora más country y algún ramalazo de fiereza que nos hace recordar a aquellos Babylon Chat que lideró en sus inicios en esto de la música. Un disco para escuchar con calma y sacarle todo el jugo. Muy recomendable.

El vocalista, guitarra y líder del grupo madrileño Hotel Valmont, una de las mejores bandas españolas a pesar de ser habitualmente ninguneada por los medios, ha grabado en solitario un disco de versiones de bandas o artistas de los 80’s y 90’s que marcaron su educación musical, llevándolas todas ellas a su terreno. En un tono bastante acústico es un lujo escuchar las adaptaciones que realiza de clásicos como Extremoduro, Nacha Pop, Radio Futura, Loquillo, Los Secretos, Lapido, Los Rodríguez… Sorprende gratamente, y mucho, las dos de grupos más desconocidos como ‘Más De Hierro’ de El Sueño y ‘Lo Intenté’ de Los Sentidos. Una exquisitez en toda regla que posee fuerza de voluntad y, a buen seguro caso de que lo pudiera escuchar, la bendición de Don Antonio Vega.

Entrando en las señaladas, para algunos, claro, fechas de celebración de acontecimientos ocurridos en la vida y obra de un Señor hace la friolera de dos mil y pico años, no está de más acercarnos en este pequeño espacio a la típica costumbre de algunos cristianos de celebrarlo cantando, o destrozando, según el caso, los famosos villancicos. Editado en el año de Vuestro Señor de 1982, y bajo una ingeniosa portada diseñada por Montxo Algora, se esconde uno de los tesoros patrios de la música independiente de principios de los años 80. Era aquella una época en la cual muchos de los grupos surgidos a principio de década aún destilaban gotas de irreverencia juvenil, y esto está muy presente en esta grabación. Además, la discográfica DRO, por aquel entonces aún independiente, estaba ávida de editar cosas nuevas y diferentes. El atraco consistió en seleccionar a 13 grupos patrios, encerrarlos en un estudio, y no dejarlos salir hasta que no hubieran compuesto, arreglado, interpretado y grabado un tema propio que tuviera como referente a la Navidad. El reto era parir y grabar un tema en 6 u 8 horas. Los grupos que se prestaron a ello fueron Derribos Arias, Glutamato Ye-Ye, N-634, Camaleones, Agrimensor K, Siniestro Total, El Aviador Dro, T.N.T. P.P. Tan Solo, Mogollón, Seguridad Social, Los Iniciados y Alphaville. Cuenta este álbum con la particularidad de registrar canciones navideñas o versiones de villancicos, pero sonando a ritmo de punk, rock, tecno o new wave. No te lo puedes perder!! Como curiosidad sirva comentar que fue reeditado en formato Cd allá por el año 1994, pero esta reedición cuenta sólo con 12 grupos, Los Iniciados no salen, y además el tema de El Aviador Dro es diferente al registrado en el disco original. FELIZ NAVIDAD!!

1988 AUDIO PROFESIONAL Nº42 BLANCO Y NEGRO Nº3595 DISCO MARKET Nº1 EL GRAN MUSICAL Nº295 EL PEQUEÑO PAIS Nº368 POPULAR 1 Nº183 ROCK DE LUX Nº37 ROCK DE LUX Nº43 VALE Nº446 1989 BOOGIE Nº18 DUNIA Nº18 EL GRAN MUSICAL Nº0 ESPECIAL EL GRAN MUSICAL Nº307 EL GRAN MUSICAL Nº309

EL PAIS SEMANAL Nº646 LECTURAS Nº1949 MAN nº25 POPCORN Nº23 POPULAR 1 Nº118 ESPECIAL POPULAR 1 Nº188 POPULAR 1 Nº189 POPULAR 1 Nº190 POPULAR 1 Nº194 POPULAR 1 Nº197 PRIMERA LINEA Nº45 ROCK DE LUX Nº51 ROCK DE LUX Nº52 ROCK DE LUX Nº58 RPM EXTRA SOUND Nº2 SUPLEMENTO SEMANAL Nº93 TIEMPO Nº389 TOP ROCK Nº1

El Diván de Lola

por Lola Villajos Roldán

Alberto García-Alix:

EL POETA TRAS EL OBJETIVO “Si no hay viento, habrá que remar”

esde el siglo XIX, que fue el comienzo de la fotografía, hasta nuestros días, la lista de grandes fotógrafos es larga, pero pocos pueden tener el calificativo de poetas de la cámara. Future Magazine ha estado junto a uno de esos hombres águilas que siempre se adelantan a su tiempo. Nació en León es Aries y Premio Nacional de Fotografía 1999, además de ejercer de romántico y rudo pirata que emana pura vida por cada unos de sus poros. En él las palabras son plata y los silencios oro. Es capaz de congelar emociones con un solo disparo, y después lograr resucitarlas. Retrata tan bien que sabe captar hasta un ‘quejío’ y un sonido. Esta ciencia, madre de la pintura, padre de la escritura e hija de la música, tiene en nuestro invitado de este mes a uno de los mejores exponentes de la fotografía mundial, un ángel de la cámara que le pone musa y duende a golpe de ‘clicks’ fotográficos.

nquieto; explora e investiga en el mundo de la fotografía, las motos y las emociones como Cousteau lo hizo en la mar. No solo es el Buda de la cámara, es un gran escritor, un pirata bueno que vive la vida y se pasea por ella a lomos de dos ruedas… Y aunque una vez se tatuó en su pie el aforismo: “No me sigas, estoy perdido”, sus amigos siempre lo hemos seguido, entre otras cosas porque los perdidos somos nosotros sin él, Y además nos ha enseñado una maravillosa filosofía vital: que «si no hay viento habrá que remar». Pura vida,

es un honor estar con un genio con ingenio como él. Acaba de publicar su nuevo libro: “Moto”, es Alberto García Alix. –¿Te sientes congelador de instantes? Sí, congelador de fragmentos de tiempo y más, congelador de una visible y propia emoción. –¿Conservas tu famosa Harley Davidson? La tengo, esperándome en el garaje y tirando aceite.

–¿Cuántas fotos inéditas aparecen de éstos últimos tres años? He de decir que me encanta con el mimo que está realizado el libro tanto en texto como imágenes. –¿Desde cuándo empezaste a apasionarte por las motos y sobre ese margen entre la vida y la muerte que son las carreras? Empecé a apasionarme con las motos a los trece años. La primera carrera a la que asistí fue en el Jarama, eran los tiempos de las monocilíndricas españolas. Había tres categorías: 50cc, 125cc y 250cc y mi piloto favorito era Santiago Herrero con la Ossa Monocasco de 250cc. –Para ver buenas carreras de motos hay que ir al Jarama ¿Cuántas has visto?

He asistido a innumerables carreras y tuve la suerte de ver a casi todos los grandes pilotos de las últimas décadas. En el año ‘74 yo también participe en alguna competición de motocross a lomos de una Bultaco Pursang. El Jarama dejó de ser competitivo como circuito a finales de los años 90. –Proverbio chino: “Si te caes 7 veces levántate 8”. ¿Las caídas por moto, duelen menos que las morales? Son dolores diferentes. Las caídas de moto rompen los huesos y las morales el alma. Es obligatorio levantarse y recomponerse de todas.

“N

osotros podemos ser nuestros peores enemigos”

–¿Te has mirado alguna vez en el espejo y has visto en él al peor enemigo de tú vida? Creo que sí, nosotros podemos ser nuestros peores enemigos. –¿Qué es “Cabeza de chorlito”? ¿Y “El canto de

la tripulación”? “Cabeza de chorlito” es una nueva y pequeña editorial creada por Frederique Bangerter y yo, con la ilusión de crear y editar. “El canto de la tripulación” era una revista creada por mí, junto a un grupo de amigos, en el año ‘89. Se editaron diez números, uno al año; fue una experiencia gloriosa y muy creativa y además editamos una serie de libros de autores entonces desconocidos, como Ray Loriga y El Ángel. –Para alguien que no sepa quien es Alix. ¿Qué le dirías que intentas contar a través de tu cámara? Intento encontrar y encontrarme a través de ella. –¿Sin complicidad no hay buena foto? Claro que es posible, pero yo, al retratar, necesito la complicidad extrema del modelo. –Abrimos si te parece el archivo de las nostalgias: En 1976 comienzas retratando a amigos. Si yo te digo Cessepe, Hortelano, el Rastro de Madrid… ¿A dónde te remito? A un mundo de resonancias y recuerdos, a viejos amigos, a unos días mágicos, repletos de juventud y rock’n’roll… –Estuviste estudiando Derecho y allí hiciste amigos ¿Lo dejaste porque la ley no es fotogénica? Lo dejé porque la ley no era para mí, pero de la universidad conservo lo mejor, a mi amigo Gonzalo del Pino. –¿Te sientes leonés, madrileño o ciudadano del mundo? Madrileño. –¿Una cámara, es lo más democrático del mundo? Una cámara es un cuarto de juguetes. –¿Las buenas fotos como el buen vino ganan con el paso de los años? Bueno cada cosecha tiene su bouquet.

–¿Te gusta el juego de las miradas? Sí, a través de la mirada percibimos la seducción. –¿Tienes memoria fotográfica? Me temo que no, ¿verdad? Temes bien, mi memoria es nefasta. –¿Te interesas por las nuevas cámaras que aparecen en el mercado? No. –Si yo digo “Tatuajes” qué me contestas… Que quiero uno nuevo que de lectura al momento que vivo. –¿Cuántas exposiciones llevas hasta el momento? ¿Y Premios? Exposiciones colectivas muchas, aunque jamás las he contado y en solitario otras cuantas. En cuanto premios, los justos. –Te confieso algo; una de las cosas más bonitas que me ha pasado en mi vida ha sido posar para ti, porque a través de tus fotografías, transcurridos muchos años, se me han abierto las puertas para poder conocerme mejor y te doy las gracias por ello ¿Cuándo te das cuenta que desnudabas almas a través de las fotografía?

Autorretrato Con Ana Curra

Desde el principio entendí la fuerza de la imagen y su capacidad de desvelar la máscara. –¿Abruma tanta felicitación? Los halagos no me gustan, pero debo reconocer que en determinadas ocasiones estimulan.

–¿En cuántos países del mundo has dejado tu tarjeta de presentación? No uso tarjetas, pero por todos los que he pasado he ganado amigos.

Pedro Almodovar

–Estás vinculado también a la música. Has realizado portadas para Gabinete Caligari, Malevaje… Y has hecho la del primer disco de Antonio Carmona ¿Tienes nuevas propuestas de ese tipo?

No. –¿Los perdedores son más fotogénicos que los ganadores? Depende del fotógrafo.

Camarón

–De todos los garitos que has estado en tú vida ¿Qué lugar ocuparía La Mala Fama? La Mala Fama fue un bar que monté junto a otros socios en el año 1988. Durante nueve años fue mi garito preferido pues bebía gratis, y de paso invitaba a los amigos◊ Lisa En Buenos Aires

Christina Rosenvinge

the kitchenettes Speak up! (when you say love) copasedisques, 2008 (reedición) Pablo Martínez Vaquero

Si alguien te habla de cierto grupo suizo que suena a verdadero soul de los 60’s sin duda se refiere a The Kitchenettes (los “cocinetas”, en español). Cierto es que no son los únicos que a día de hoy logran trasmitir ese sonido y ese espíritu, pero cuentan con una baza que les da muchas cabezas de ventaja: la poderosa voz negra de la pálida y carnosa Nicole Bernegger, que da hasta para compaginar esta (sobresaliente) banda con su propia carrera discográfica en solitario. Pero en este álbum (de 2008 y ahora reeditado) la banda lanzó un poker de ases difícil de igualar; una docena de pildorazos de emocionante soul de la mejor añada. ‘Tearing Me Apart’ te obliga a revisar el año de grabación del disco, ‘Lolita’ te certifica que estás a punto de descubrir a tu nuevo grupo favorito de soul y ‘Porcelain Faces’ sencillamente te toca el alma como sólo lo hacían aquellas perlas del mejor Northern Soul. Un disco imprescindible.

the most invasion completed copasedisques, 2015

men of north country magic (time warp remix) copasedisques, 2014

Pablo Martínez Vaquero

El sello alemán CopaseDisques se está convirtiendo en un verdadero filón para quienes queremos descubrir nuevas bandas de sonidos añejos y con una calidad garantizada (French Boutik, The Buttshakers…). En esta ocasión se trata del grupo sueco The Most, pura delicia beat recién editada; un cuarteto capaz de sonar más 60’s que muchos grupos de aquella década y con una facilidad asombrosa para facturar canciones con aureola de hits, de caras A de singles que podrían conformar un ‘hit parade’ ideal. Al Lp de vinilo (el segundo de la banda) le acompaña de regalo su versión en Cd, así que nadie tiene disculpa para no hacerse con ‘Invasion Completed’, sin duda uno de los mejores álbumes ‘sixties’ del año. Además viene avalado por el mismísimo John ‘Twink’ Alder, de los Pretty Things. Quince canciones (dos de ellas versiones) cantadas en inglés que te remitirán a la ribera del Mersey en 1963. Yeah!

Soul moderno hecho en Tel Aviv (Israel) por los chicos de Men Of North Country, mods de la nueva era. No les falta el punto groovy, con un aire psicodélico y pinceladas de banda sonora de los últimos años 60 y primeros 70 (las guitarras wah wah no faltan), aunque lo hacen desde un punto de vista contemporáneo, dando un nuevo y refrescante enfoque al género pero sin llegar a caer en el “sacrilegio”. Este doble 7”, editado hace ahora justo un año, nos descubre un tema “llenapistas” con todas las de la ley. El líder, vocalista y compositor del invento es el DJ Yashiv Cohen, mientras que el responsable del remix (realizado en los estudios alemanes Yeah! Yeah! Yeah!) no es otro que Markey Funk, gurú del groove desde Jerusalén. En España su sonido podría emparentarse con terrenos ya explorados por Carlos Jean, aunque este grupo es fruto de una nueva escena mod y soul abierta al acid jazz que, aun grabando de forma analógica, no renuncia a explorar nuevos terrenos sonoros.

The Buttshakers night shift copasedisques, 2014 Pablo Martínez Vaquero

Otro álbum publicado el pasado año pero que nos ha llegado ahora y que merece especial atención. Se trata de un grupo francés, fanático de la música negra vintage. Sección de metal de ataques constantes, bajo y batería al frente, sin descanso, sobre una soberbia guitarra -milimétrica- que te atrapa sin caer nunca en alardes solistas; puro ritmo. La cantante, Ciara Thompson, rebasa lo fabuloso para rozar lo increíble; puro ‘black power’ vocal de amplios registros. En temas como ‘Tell The Truth’ nos podrían recordar al soul de The Excitements, pero en otros como ‘Night Shift’ suenan a poderoso garage de la factura más preciosista. Lo cierto es que en este disco el viaje del oyente pasa por diversos paisajes sonoros, desde el raw soul y el rhythm’n’blues hasta el funk sin olvidar lo ya dicho. Grabado en los estudios Yeah! Yeah! Yeah! de Hamburgo, confirma el enorme talento de Alex Gramlich como productor. ¿Energía? No, lo siguiente; alucinante sonido powerfull que te dejará con la boca abierta.

Carmina Burana Tejiendo el mito

reinta años han pasado desde la edición de uno de los discos más inclasificables y personales que ha dado la música española. En el año 1985 Carmina Burana se desmarcaba de sus coetáneos con un debut arisco y atemporal que marcó la diferencia, y cuyo eco resuena hasta hoy. ‘El Telar De La Locura’ fue el pistoletazo de salida de una carrera decidida a rechazar los convencionalismos y subyugada por una negación constante de la suerte que merecían. Ahora, conmemorando este aniversario, y con la colaboración de dos de sus componentes, Manuel Fernández y Andrés Blasco, elaboramos una retrospectiva completa de la historia del grupo para situar la importancia de su legado dentro de la música de nuestro país. José Rodríguez

finales de la primavera de 1983, la música en Valencia estaba dominada por los coletazos de La Movida Madrileña y los ritmos tecno-pop hedonistas y sintéticos de los grupos más modernos, manteniendo en el underground otra serie de propuestas más interesantes y arriesgadas. Surgían tiendas de discos como Amsterdam, Harmony o Zic-Zac a las que acudían melómanos imberbes a empaparse de las nove-

dades que las nuevas radios independientes, fieles a su papel, emitían en sus diales. Radio Klara y Radio Color se hacían eco de las nuevas propuestas sónicas internacionales que llegaban a sus emisoras, al mismo tiempo que apoyaban a los modestos proyectos locales con sus primeras maquetas. Bares y salas de la ciudad, como NCC, Planta Baja, Gasolinera o Babia, no querían quedarse atrás e intentaban buscar hueco en su

programación para esas nuevas bandas con mayor o menor fortuna. En este momento tan particular, y en un contexto tan ajeno a ellos, surge el embrión de lo que sería Carmina Burana.

Los inicios

u origen no dista mucho del de cualquier banda; un grupo de amigos, incitados por la desidia ante el panorama musical reinante y con ganas de hacer la música que escuchaban, se juntan para dar rienda suelta a esos deseos aportando ilusión y ganas al proyecto en común. Esta primera formación la integraban Lisandro Giordani, que aportó una batería y su escasa experiencia en la banda de la Escuela, Paco, que aportó un Korg MS- 10, Ernesto Sánchez que se encargó de la voz, y Manolo Fernández que se responsabilizó de la guitarra. Una vez conformada la banda, sólo faltaba el lugar donde se desarrollaría su música, el local de ensayo, y que consiguieron tras contactar con un grupo local afín a ellos, Interterror, que les dejaron compartir local, ya que Seguridad Social se marchaba a otro. Con los primeros ensayos se demostró el diferente nivel de compromiso en el proyecto y, como es natural, se produjeron las primeras bajas. El grupo se redujo a un dúo compuesto por Manolo y Lisandro y tras unas semanas de dudas, en las cuales había idas y venidas de músicos a prueba, se quedaron con un guitarrista, Jose Pernías, asumiendo Manolo el rol de cantante y compositor de la formación. La debilidad del guitarrista por grupos como The Kinks o Pink Floyd introdujo matices sixties a las primerizas canciones que aportaba Manolo, que se decantaba más por una corriente más oscura y visceral de la música (The Birthday Party, Joy Division, Virgin Prunes, Seventh Séance, Stunt Kites).

El Telar De La Locura, 1985

n la primavera del 84, convencidos de que al grupo sólo le hacía falta un bajista para alcanzar el line up ideal, aparece Andrés Blasco por mediación del bajista de Interterror, Xavi, que lo conocía del Instituto y sabía de las necesidades del grupo. Procedente de Praxis, un grupo de rock duro, Andrés ya tenía experiencia en el escenario, habiéndose recorrido una treintena de pueblos de Valencia. Su estética y gustos punk fueron el detonante para que saliera de la formación y recalara en Carmina Burana. “Lo que yo escuchaba en casa era Motorhead, Stranglers, Dead Kennedys (…) y al poco de comenzar con Carmina Burana, descubrí Joy Division, Birthday Party, Bauhaus”, aclara Andrés, aunque también indica que su principal fuente de conocimiento musical de la época era el recordado programa de televisión “La Edad de Oro”. Asombrados por la contundencia de su ejecución, y alentados porque vino acompañado de un amigo que acabó como primer mánager de la formación, integran a Andrés inmediatamente y empiezan a preparar canciones. Al mes siguiente, hacen su debut en el Instituto de Campanar con un directo de media hora, y a la par, graban una cinta en el local de ensayo con ayuda de una pletina doble simulando una grabación por pistas con las canciones más terminadas que tenían. En ella se encontraba una primeriza versión de ‘El Telar De La Locura’, y aún teniendo un sonido mejorable, les permitió tocar en Planta Baja y en Gasolinera en dos sesiones dobles del verano.

pesar del movimiento que empezaba a mostrar el grupo, Lisandro decide abandonar y pasarse a las filas de Extrema Cordialidad Homicida. La banda, ante esta coyuntura, decide poner un anuncio al que responde Dani Arlandis, que llegaría a ser una pieza fundamental para encontrar el tan ansiado sonido propio.

De Las Danzas Apócrifas, 1986

240 Days Of May, 1986

El maxisingle

lega el año 1985 y la oportunidad para el grupo de pasar a otro nivel. Gracias a su relación con la formación valenciana La Resistencia, y el apoyo de Jesús Ordovás, que pinchaba la maqueta del grupo en su programa, contactan con Paco Martín, capo del sello Producciones Twins, que, después de escucharlos, les ofrece grabar un Maxisingle. En aquel momento, Twins era EL SELLO. riunfaba con Hombres G y albergaba en su escudería a grupos como Los Secretos, Nacha Pop o Danza Invisible, entre otros. El grupo, ante tal desafío, debate acerca de los temas a grabar. De ‘El Telar De La Locura’ nadie dudaba (era su hit del momento para las radios), pero los otros dos no estaban tan claros. Tal como recuerda Manolo: “Nadie dudaba del Telar, pero las otras no las elegimos tan rápido. A punto estuvimos de grabar “Entre Líneas De Lamentos” en lugar de “Orgullo De Amor Quebrado”. Al final se decidieron por las que mejor les representaban y se fueron los cuatro a Madrid a registrarlas.

y además aportó trucos para darle más personalidad a la grabación (“reverbs inversas hechas a mano, un gong al revés para el cual convirtieron la cabina de mezclas en un circuito de cinta…”). Además, consideró las ideas de los miembros del grupo incorporándolas a la grabación, como en la ocasión que Andrés le propuso a Eugenio que en el final de “Tierra Feliz” pusiera una segunda línea de bajo “más metálico, golpeado como una percusión lejana”. La grabación se realizó en agosto de 1985 y el disco lo produjeron entre Eugenio Muñoz y la propia banda. El resultado no fue del agrado del grupo, ya que consideraban que se había dulcificado su propuesta y ellos preferían un sonido más crudo, parecido al de la maqueta. Aún así, tener un disco profesional grabado en Madrid superaba con creces sus expectativas y alejaba un poco esa insatisfacción por el resultado final. Para la portada del Maxisingle hablaron con el Colectivo Lucrecia Borgia, que les realizó una pintura gigantesca muy original, que al final acabó por las oficinas de Twins. La recepción del disco fue buena en general. Y a pesar de que Ordovás pensaba lo mismo que el grupo en cuanto a la producción, radió el disco en su programa Diario Pop y los oyentes de su espacio Esto no es Hawaii lo eligieron como el segundo mejor trabajo de 1985. asta tuvieron rueda de prensa de presentación del disco, organizada por Jorge Albi de Radio Color en Barracabar. Pero la mala suerte hizo que al poco de presentar el disco, Dani Arlandis, el batería, enfermara y el grupo pospusiera la gira de presentación. El grupo consideraba que el disco lo debían presentar los cuatro y que debían esperar a que se recuperara. Cuando los meses pasaron, y vieron que la enfermedad de Dani no remitía, consideraron la posibilidad de contar con otros baterías. Hicieron unos cuantos bolos con Manolo Cascales, de Hal, y José Blasco, de Marat-Sade, pero la química no era la misma y el impacto del disco se había diluido por el impasse de la enfermedad. al vez estas circunstancias hicieron que la relación con Twins se enfriara y la banda, ante el ofrecimiento de Miguel Jiménez, aceptara entrar dentro del sello Plataforma Discos. Twins no obstaculizó su marcha, y en 1986 se materializaba el fichaje con la publicación de un sencillo promocional compartido junto a Karmas Colectivos, de edición limitada, con una remezcla del tema ‘De Las Danzas Apócrifas’.

Planta Baja, 1984

ntusiasmados por la idea de ir a grabar a la capital, llegan a los Estudios Track y se dan cuenta del abismo que existía con la anterior experiencia en el Microestudio donde grabaron la maqueta. Los estudios Track estaban en una planta baja, con un equipo de primera y condiciones profesionales. Además, contaban con un ingeniero reputado, Eugenio Muñoz, miembro de la banda experimental Mecánica Popular y un maestro a la hora de grabar en un estudio analógico. El grupo, a sus escasos veinte años, se enfrentaba a su primera grabación seria y lo disfrutaron todo lo que pudieron. Eugenio intentó plasmar el sonido que el grupo tenía en directo

Letras e inspiración

as letras de las canciones, tan importantes a la hora de valorar la trascendencia y el impacto de un grupo a lo largo del tiempo, no eran un tema baladí para Carmina Burana. Reflejaban su realidad, lo que pensaban y sentían en ese momento. Tal como expresa Manolo, que se encargaba de crearlas: “los primeros temas tenían un fuerte contenido político y social (…) pero más tarde fueron tomando otros derroteros no tan directos. No tenía una idea clara de qué contar y (…) dejaba un cierto automatismo que luego era retocado. O no. El peligro de esta manera de hacer es que (…) el lenguaje se vacía y retrata el vacío de ideas, resultando un collage de palabras que se agota en sí mismo. Pero es un proceso de búsqueda necesario”. ste proceso de prueba y error daba como resultado unas letras muy personales y con un mensaje muy definido. Mitad poéticas, mitad realistas, su inspiración venía de cualquier lado. Un texto de Derecho Político servía para dar forma a la letra de ‘El Telar De La Locura’, una reflexión tras un momento dramático enfocaba la letra de ‘Tierra Feliz’ y ‘Orgullo De Amor Quebrado’ es una canción de no-amor sobre el amor. Y así, se iba depurando su estilo, al igual que se iba conformando su sonido.

Pintura del Colectivo Lucrecia Borgia para El Telar De La Locura

Carmina Burana, 1985

Primer LP

The Apocriphal Dances

iguel Jiménez confía plenamente en las virtudes del grupo y les convence para editar su primer largo. Alquila un estudio en agosto de 1986 en Las Fuentes de Alcossebre (Castellón), y los mete en un chalet a dos pasos de la playa con todos los gastos pagados. Como Dani no estaba recuperado todavía, la banda propone que se contrate a Rafa Villalba de Seguridad Social para grabar las pistas básicas, porque pensaban que podían tener química con él. Aún así, Dani pudo incorporarse en el tramo final de la grabación y completar las bases de batería. Como productores del disco, se contrató a Jo Dworniak y Duncan Bridgeman, dos técnicos de auténtico lujo, que Miguel conocía a través de Radio Futura. Ellos se involucraron en la grabación al máximo y tuvieron muy buen feeling con la banda, tal como recuerda Manolo: “El buen rollo se puede intuir en el inicio del disco, cuando todos, incluido Miguel, los productores, la mujer de Jo, Sandy, y una amiga suya, simulamos una escena de bar como las que disfrutábamos casi cada noche”. l trato que se le dio al disco fue marcadamente comercial, es algo que la compañía quería y que los productores acataron. El grupo pensó en su momento lo mismo que con el Maxi, pero con el tiempo vieron las cosas de otro modo. Además, incluso uno de los productores, Jo, le comentó a Manolo un año después, que hubiera hecho otro tipo de producción si los hubiera conocido mejor. El disco se llamó ‘Carmina Burana’, y lo componen ocho temas fieles a su estilo indescifrable y oscuro, contando con la colaboración de Duncan en los teclados. En él se incluyeron los siguientes temas: ‘De Las Danzas Apócrifas’ (en una versión diferente al sencillo previo), ‘Los 240 Días De Mayo’, ‘Rememoranzas De Base Líquida’, ‘Sobre El Suelo’, ‘Ahora Sí (Sobre El Lugar Que Ocupan Las Esferas En El Espacio)’, ‘Frío’, ‘Entre Líneas De Lamentos’ y ‘Vacío Histérico’, que llega casi a los doce minutos de duración. Se extrajo un sencillo promocional de edición limitada para la revista Rock De Lux, donde aparecían ‘De Las Danzas Apócrifas’ y ‘Entre Líneas De Lamentos’ en su cara B.

omo Plataforma distribuía discos de importación, sobre todo de compañías independientes inglesas, llegó a un acuerdo con una de ellas, Midnight Music, para distribuir sus referencias en Europa y Norteamérica. Tener tu primer Lp distribuido no sólo en España, sino fuera, de manera profesional, hizo que la banda estuviera eufórica y se sintiera como en un sueño (del que despertarían posteriormente). El castellano no es un idioma comercial fuera de España a la hora de editar discos y los ingleses quieren entender las letras, por lo que se decidió utilizar las bases ya grabadas en Alcocéber sustituyendo las pistas vocales por otras cantadas en inglés. Manolo las tradujo como pudo, tratando de hacer coincidir las intenciones. Con la ayuda de la mujer de Nick Ralph, de Midnight Music, les acabó de dar forma. Tal como recuerda Manolo: “Algunas palabras hubo que limarlas ya que, como dijo Nick, John Peel no iba a poner una canción que diga fuck en su letra”. En diciembre volvieron a Alcocéber con Nick para grabar las voces. l disco cuentan que tuvo más aceptación en EEUU, Canadá, Holanda o Bélgica, que en España. Y Midnight Music acopló ‘Now (Like The Time)’, la versión en inglés de ‘Ahora Sí (Sobre El Lugar Que Ocupan Las Esferas En El Espacio)’, para una larga duración compartido con otras bandas de su catálogo llamado ‘Diamonds In The Dark’, donde figuraban nombres como The Essence, Front 242 o Karmas Colectivos, entre otros. lataforma también extrajo para España un maxisingle con las versiones en inglés de ‘Los 240 Días De Mayo’, ‘Rememoranzas De Base Líquida’ y ‘De Las Danzas Apócrifas’. También lo editan en formato single destinado para coleccionistas de rarezas y, con idéntica portada que el Maxi, con las dos versiones de ‘Los 240 Días De Mayo’. El grupo no considera que el resultado de esta incursión internacional fuera tan bien, achacándolo a que no tenían los contactos suficientes para poder haberle sacado más partido. La salida del disco les abrió las puertas a algunos bolos, y poco más. Plataforma nunca recuperó la inversión.

Triquinoise

lega 1991 y en el grupo se suceden los cambios. Dani Arlandis deja definitivamente la banda para acabar de recuperarse, y entra Santi Serrano para cubrir su hueco (debutando con ellos en el Babia Bar de Valencia). Su manera de tocar, más sólida y potente, acaba por endurecer la propuesta del grupo, que ahora, acorde a las nuevas influencias y las nuevas experiencias, abre su abanico a otra manera de expresarse. Según retrata Manolo: “Letras llenas de absurdo, vacías de ideas a veces, expresión de vacío otras, un grito de escepticismo casi siempre (…) y músicas que igual acercábamos al rock más clásico como lo hacíamos coincidir con el absurdo espíritu de las letras en cuestión de segundos”. l contacto con Triquinoise llega por medio de la maqueta que le hace llegar al sello sus paisanos de Amor Sucio. Tras los escasos conciertos durante esos años, y la inestabi-

lidad en el puesto del batería, deciden grabar una demo que es la que acaba en el sello madrileño. El disco se grabó en abril de 1991 en los Estudios Pertegás de Xirivella, bajo la co-producción de Jaime Munárriz, y conteniendo los temas: ‘Estudio De PzMr2k’, ‘La Luna Hiena’, ‘El Reke-Soul’, ‘Estéreo Afonía’, ‘Intercambio Basura De Segunda Mano’, ‘El Arte-Facto’, ‘Hélice Por Tres’, ‘Cosa Rica En Planta’, ‘The Modern Dance’ y ‘El Hombre Puente’. Todos los temas compuestos por Carmina Burana y escritos por Manolo Fernández, salvo ‘El Hombre Puente’, compuesto por el grupo y ‘The Modern Dance’, original de Pere Ubu. El disco no tuvo repercusión alguna y no fue del agrado del grupo, que lo considera flojo e irregular. Aún así, y gracias a él, pisaron varios escenarios de Barcelona, Albacete, Alicante o Valencia, entre otras ciudades. pesar de la esporádica actividad en directo que tenían en ese momento, se animaron a viajar fuera, realizando tres conciertos en Ber-

Últimos pasos

as últimas aportaciones discográficas de Carmina Burana aparecen en un par de recopilatorios. La primera inclusión en 1991 cuando, a raíz del nacimiento del sello Tritón Rock en Valencia exclusivamente para dar cabida a varios grupos que pisaron el escenario del Babia Bar (cerrado por expropiación un 2 de noviembre de 1991), se edita un disco compuesto de conciertos ofrecidos por varias bandas que pisaron su escenario como Amor Sucio, Doctor Divago, Vamos A Morir, 713º Amor, Club 430, Rubber, Superelvis, The Joke, 1ª Komunión y por supuesto Carmina Burana, que incluyen su tema ‘La Luna-Hiena’. La siguiente aportación, y última, llega en 1993 de

lín (Alemania) y uno en Tesalónica (Grecia). Los conciertos berlineses vinieron a través de Superelvis, un grupo de Barcelona de la escudería de Triquinoise. En principio iban a ser cinco los bolos, pero se quedaron en tres: en el Studio Bunhe siendo teloneros de She’s Hit, en una casa ocupada del Berlín Oriental (en una habitación del segundo piso), siendo éste el que más buenos recuerdos les trae por el ambiente y la reacción del público, y en la discoteca Trash junto a Space Hobo. El de Tesalónica les llegó al ser seleccionados en la Bienal de Valencia en mayo de 1991 (“por el dudoso mérito de ser los únicos que se presentaron”). Con avión y hotel pagados, posibilidad de ver un montón de conciertos de músicos de toda Europa y tocar en un escenario enmarcado dentro de una plaza céntrica de la ciudad, con un telón de fondo de ruinas maravillosamente iluminadas. Según Andrés: “De las mejores experiencias que he tenido en mi vida, tanto a nivel humano como profesional”.

la mano nuevamente de Triquinoise, que edita un trabajo tanto en formato Cd como en Lp y al que llama ‘Déficit’. Reúne a varios combos de su catálogo, Malcolm Scarpa, Corcobado, Pachuco Cadáver, Amor Sucio o Ebria Danza entre otros. Carmina Burana, que en esos momentos ya se habían disuelto, no sin antes Santi Serrano haberse ido, siendo sustituido en las postrimerías del grupo por Víctor Royo “Acnex” (Interterror, La Resistencia), aportan un

tema inédito llamado ‘Usufructus’, pero en su edición digital, ya que en vinilo Triquinoise optó por no incluirles en el recopilatorio, que entre otras cosas porque sufría de sus horas más bajas en cuestión de dinero. partir de ese momento el grupo se disuelve de forma absoluta y cesa su actividad. Y tras un período sin tener noticias de ellos, en el cual Santi Serrano está involucrado en diferentes proyectos musicales y Andrés Blasco está con su proyecto Truna, el cuarteto vuelve a los escenarios con dos actuaciones únicas en 2010 (Matisse) y 2013 (Wah-Wah), en su casa, en Valencia, pero no hay visos de continuidad por parte del grupo, a pesar de mostrar buena forma y tener muy buena recepción por parte del público.

Epílogo

anolo: “Sinceramente, no había caído en la cuestión del aniversario, pero no tengo la sensación de que el grupo sea referente o emblema de nada. Sé que hay gente que nos recuerda, pero ni hemos tratado nunca de ser trascendentes ni creo que lo hayamos sido (…), tal vez para un puñado”.

ndrés: “Carmina Burana tuvo la suerte de grabar y distribuir esos discos (…) pero nunca fuimos bandera de nada, hacíamos la música que sentíamos y nunca hemos hecho concesión a nada ni a nadie”.

algo más que música por Vicente Ribas

t.A.T.u.

Esta chica ama a esa chica

.A.T.u. fue un dueto ruso formado en Moscú (Rusia)

comercial, crear desde los despachos un dúo de chicas

en el año 1999 por el productor musical Ivan Shapo-

monas, lesbianas, y videoclips con altos momentos

valov. El grupo estaba integrado por las cantantes Ju-

provocativos, recogiendo a un público tanto masculi-

lia Vólkova y Lena Katina, así como los músicos Troy

no como femenino y feminista.

MacCubbin, Sven Martin, Domen Vajevec y Steve Wilson. Es la banda rusa más exitosa de todos los tiempos, habiendo vendido más de 35 millones de copias

u verdadero éxito llega en julio de 2002, el rodaje del vídeo musical de la versión en inglés de ‘Ya Sos-

hla S Uma’ comienza. Sólo las partes donde las chicas

en todo el mundo. Su fama se extendió a gran parte

cantan son re-grabaciones. Para crear la atmósfera del

de Europa y el mundo anglosajón, llegando a recibir

vídeo que había sido filmada dos años antes, la misma

reconocimientos como “la banda rusa más exitosa de

pared fue construida como en el primer vídeo. Ade-

todos los tiempos” y el premio de “Leyendas de MTV”.

más, la valla metálica original del primer vídeo fue encontrada. A través de este cerco EE.UU. verán a Yulia y Lena besándose en la lluvia. La onda t.A.T.u. finalmente llega a Polonia y a Latinoamérica. El álbum ‘200 km/h In The Wrong Lane’ es lanzado en los Estados Unidos. El debut de ‘All The Things She Said’ (la versión en inglés de) aparece en la radio en España, Italia, Holanda, Suecia, Finlandia, Noruega, México y también el video musical de la canción aparece en todos los canales de TV de música de los países mencionados. En Italia, el Cd obtiene un disco de platino en el día de la libera-

u mánager Ivan Shapovalov y su amigo de negocios Alexander Dimayuga elaboraron planes para

crear un proyecto musical en Rusia. Con esta idea

epresentaron a Rusia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2003 quedando en el tercer puesto

a tres puntos de coronarse campeonas de dicha edi-

en mente, Shapovalov y Voitinskyi organizaron au-

ción. En el documental del mismo año ‘Anatomy Of

diciones en Moscú a principios de 1998 para vocalis-

t.A.T.u.’ el dueto dejó en claro que no eran lesbianas,

tas adolescentes femeninas. Al final de una audición,

que esto era sólo una imagen publicitaria idea de su

su búsqueda se redujo a diez chicas, incluidas las ex

mánager (en ese entonces Ivan Shapovalov).

miembros del grupo de Neposedi, Katina y Volkova. Ambas jóvenes destacaron entre las demás, sobre todo debido a su apariencia y experiencia vocal, pero

ción. Mientras tanto, el single es lanzado en los EE.UU.

finales de marzo del 2009 las chicas anunciaron en un comunica-

do que t.A.T.u. se se-

los productores decidieron empezar con Lena Katina,

paraba y que querían

de 13 años de edad, que cantó ‘It Must Have Been Love’

por ahora brillar en su

de Roxette. Katina comenzó grabando demos, inclu-

carrera como solistas.

yendo ‘Yugoslavia’ una canción sobre el bombardeo de

Agradecieron

la OTAN de Yugoslavia. Shapovalov insistió en que otra

fans por todo el apo-

chica se agregara al proyecto. Así, a finales de octubre

yo que les brindaron

de 1998, Yulia Volkova, también de 13 años de edad, se

durante 10 años, y se

añadió al grupo. Después de completar el dúo, los pro-

publicó de manera vir-

ductores se decidieron por el nombre de Тату (Tatu).

tual su último disco, un

Se trata de una versión abreviada de la frase Eta die-

álbum de remixes titu-

vushka lyubit etu dievushku, que significa “Esta chica

lado ‘Waste Manage-

ama a esa chica”. Y es que ese era el planteamiento

ment Remixes’.

sus

copy-paste

el arte del plagio en la industria musical por José Luis Hoyos

’Viva La Vida’: Una canción, mil autores

‘V

iva La Vida’ fue el tema que catapultó a la ban-

formación americana Creaky Boards, que creyeron en-

da británica Coldplay al estrellato internacional.

contrar parecidos razonables con su sencillo de 2007,

Segundo sencillo de su cuarto trabajo, ‘Viva La Vida Or

‘The Songs I Didn’t Write’. También la francesa Alizée

Death And All His Friends’ (2008), se aupó al número

(una especie de lolita discotequera con algún efímero

uno en medio mundo, incluyendo EEUU y Reino Unido.

éxito en los primeros 2000) estuvo a punto de llevar a

Himno oficioso del Barça de Guardiola, despertador

Coldplay a los tribunales por plagiar su tema de 2003,

oficial en la misión del transbordador espacial Atlantis,

‘J’en Ai Marre’.

sintonía de la cadena de televisión indonesia ANVTV, protagonista junto a sus autores en un capítulo de Los Simpsons, son sólo algunos de los logros acumulados por esta famosa canción.

a lista se amplía con: Marty Balin (cantante principal de Jefferson Airplane) y su canción ‘Hearts’, de

1981, la banda argentina Enanitos Verdes y su ‘Francés Limón’ (2002) y el productor punk Tim Armstrong, ‘Sing For Your Supper’ (2008). Incluso hay quien ha querido ver un parecido intencionado entre ‘Viva La Vida’ y la banda sonora de uno de los videojuegos de Super Mario Bros, o con el éxito discotequero ‘Piece Of Heaven’ de Cascada. Ejemplos que, creemos, no pasan de la anécdota bizarra y divertida.

uizá ‘Viva La Vida’ se base en armonías y tonalidades arquetípicas, secuencias de acordes millones

de veces empleadas por autores de todos los lugares y

Coldplay

épocas. Tal vez, en el fondo, todos copiaran a Cat Stevens. El caso es que ninguna de las demandas llegó a

uy pronto comenzaron las acusaciones de plagio.

cuajar y Coldplay continuó su carrera como si nada, ins-

La primera, a cargo de Joe Satriani, reconocido

talándose en el corazón de la industria a base de due-

como uno de los mejores guitarristas del planeta. Sa-

tos con Rihanna o estrafalarias indumentarias, mezcla

triani demandó a Coldplay por plagiar su tema de 2004

de Sgt. Peppers y uniformes paramilitares made in U2.

‘If I Could Fly’. Chris Martin y los suyos no cuestionaron el parecido entre ambas composiciones, y se defendieron alegando que escribieron ‘Viva La Vida’ antes de la

l problema es que no es la primera polémica de este tipo protagonizada por los ingleses (fueron

acusados por Roxette de plagiar su tema ‘I Wish I Could

publicación del trabajo de Satriani. Nos parece extraño

Fly’, un claro caso de “cazador cazado”). Cuentan con

tener guardado en el congelador un pelotazo con tanto

más de una decena de posibles apropiaciones en su

potencial durante un lustro, pero todo es posible. Tam-

haber, algo que daría para otro artículo y para hacernos

bién el artista antes conocido como Cat Stevens, con-

sospechar que a algunos todo les vale para alcanzar el

vertido en 1978 al Islam con el original nombre de Yu-

éxito comercial.

suf Islam acusó a Coldplay de apropiarse de su canción ‘Foreigner Suite’ (1973). Le siguió la menos conocida

solidarity por Conciertos Solidarios

“Conciertos Solidarios” recibe premio especial en los Premios Jóvenes Emprendedores Sociales (JES) El proyecto Conciertos Solidarios, iniciativa de la madrileña Irene Sánchez, ha recibido el premio especial en la VII edición de los premios Jóvenes Emprendedores Sociales de la Universidad Europea. Conciertos Solidarios es una iniciativa que ayuda a proyectos sociales por medio de la música, la cultura y, sobre todo, el entretenimiento.

ara ello, organiza y desarrolla conciertos y even-

plazo, como son la formación, el apoyo de una red in-

tos solidarios centrados en la magia, los mo-

ternacional y la visibilidad de la iniciativa.

nólogos o el teatro, cuya recaudación se destina a cualquier causa solidaria que sea de interés social. Además, explica la organización de este galardón, pro-

demás

recibir

una

dotación

económi-

ca de 3.000 euros y preparación específica

mueve, entre otros, el trabajo en equipo con otras aso-

para la mejora de su proyecto, al igual que el res-

ciaciones, ONGs, particulares o entidades sin ánimo de

to de ganadores, accederá a una formación adi-

lucro. Irene Sánchez ha señalado en la entrega del pre-

cional en México, de la mano de YouthActionNet.

mio que para ella es “muy importante haber recibido

Junto a este premio especial, el resto de proyectos

este premio, estar aquí y, sobre todo, haber conocido a

ganadores recibirán cada uno de ellos 3.000 euros y

mis compañeros, cuyos proyectos me han emociona-

formación académica orientada a cada uno de los se-

do mucho“.

leccionados.

Diez proyectos ganadores

ste proyecto ha resultado elegido entre los diez jóvenes premiados en la séptima edición de unos galar-

dones que cuentan con la colaboración de la División Santander Universidades de Banco Santander, y que se han convertido en un referente del emprendimiento social. Su principal objetivo, añaden sus promotores, es aportar a los ganadores la combinación de tres factores fundamentales

para

hacer sostenible

proyecto y co n s e g u i r un benefi-

n esta séptima edición de los Premios Jóvenes Emprendedores Sociales se han reconocido ini-

ciativas relacionadas con el cuidado y el desarrollo infantil, la música como motor del cambio, la mejora de entornos urbanos y el cuidado medioambiental. Entre las iniciativas ganadoras se encuentran: Nutricocina, un programa de educación infantil para la mejora de hábitos alimentarios, Prometteo, una red social de viajeros con discapacidad auditiva, Red Internacional de ción,

Educaun

proyecto que

ofre-

ce cursos y programas de apoyo e

cio a largo

intervención directa en las escuelas, posicionándose como una herramienta eficaz al servicio de cualquier docente y centro educativo que busque su renovación y mejora. Incluyendo Diversión, proyecto de ocio inclusivo personalizado dirigido a los menores del programa de Hospitalización Domiciliaria y Cuidados Paliativo de la Región de Murcia. Cienciaterapia, un proyecto innovador impulsado por jóvenes científicos y psicólogos para mejorar el ingreso de niños hospitalizados gracias al lado más curioso de la ciencia. Música para despertar, escuchar la música de su vida con unos auriculares mejora la vida de los enfermos de Alzheimer y otras demencias, complementando el uso de fármacos. PASaPAS Les Planes, es un proyecto de investigación que promueve la autoregeneración de Les Planes, un barrio de Barcelona, con el fin de mejorar su metabolismo urbano. Una Barcelona diferente sobre ruedas, se trata de una ruta en bicicleta guiada con carácter social y didáctico por los rincones más desconocidos de Barcelona y entidades sociales del Raval con la finalidad de ayudar a escolarizar a través de Diandé África, y por último, Apadrina un olivo, un proyecto único para recuperar miles de olivos centenarios, un formato inspirador para conservar nuestra naturaleza y preservar el olivar de Teruel.

l presidente de la Universidad Europea y consejero delegado de Laureate International Universities Europa, Miguel Carmelo, intervino en el acto, donde destacó que en la Universidad Europea “entendemos que, a través de la forma-

ción, las sociedades alcanzan el desarrollo y puede darse el entorno ideal de crecimiento económico y bienestar de todos“. Por ello, incidió en que “uno de los principales retos del mundo global es la formación en valores de los individuos. Y estos premios son un claro ejemplo de ello”.

El Huerto Rest auran t e c/ Pedro III el Grande nº 11 46005 Valencia

tfno: 963 33 47 49

MENU NOCHEVIEJA 2015 APERITIVO

Milhojas de Calabacín, Tomate y Mozarella Tartar de Atún Ensalada de Salmón Caneloncito de Carrilleras de Ternera

COMIDA MERLUZA RELLENA DE ESPINACAS

MEDALLONES DE SOLOMILLO CON FOIE Y SALSA DE OPORTO

TARTA SACHER DULCES NAVIDEÑOS CAFÉ / INFUSIONES

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Cocktail de Bienvenida Pinna Fidelis Verdejo (D.O. Rueda) Hito (D.O. Ribera del Duero) Aguas Minerales Cava Chozas Carrascal( Utiel-Requena)

Beatriz

Alonso Aranzábal

de un tiempo libre a esta parte:

la movida desde dentro El documental “De un tiempo libre a esta parte”, de Beatriz Alonso Aranzábal, aporta veracidad y nuevas visiones de los días efervescentes de la Nueva Ola madrileña, fenómeno cultural más conocido para las posteriores generaciones como La Movida. Sus protagonistas, como la propia realizadora, no sólo fueron testigos de lo acontecido sino que también lo hicieron posible desde la primera línea de acción, no siempre la más mediática, algo que constituye un valor añadido a un trabajo cinematográfico ya de por sí impecable por su calidad y rigor. Julia Navas Moreno

eatriz Alonso Aranzábal (Madrid, 1963), es una mujer polifacética y con un currículo que nos desvela una profunda inquietud artística y vital. Es psicóloga, guionista y directora de cortometrajes. También, escritora y traductora. Seguro que los amantes de la música alternativa recordaréis aquella chica de maravillosos ojos verdes del grupo llamado Los Monaguillosh, uno de los primeros en constituir la nueva ola madrileña y lo que se denominó La Movida. Aquel grupo, con unos comienzos cercanos a la estética y corriente mod, evolucionó hacia una oscura psicodelia que acabó por situarles dentro de la llamada onda siniestra influenciados por bandas británicas del momento como The Cure o Siouxie & The Banshees. Hablamos con ella de todas sus facetas, pero haciendo hincapié en el documental que se estrenó en la sala Berlanga de Madrid el pasado 27 de noviembre. –Tu último trabajo relacionado con las artes audiovisuales acaba de ver la luz en un

documental llamado “De un tiempo libre a esta parte”. A principios de los 80, muchos adolescentes madrileños crecieron en un ambiente musical emocionante, irreverente y creativo. Así empezó La Movida. Como directora, guionista y productora, haces un repaso de aquella edad de oro de la música española relatada por muchos de sus protagonistas. Una visión acertada de alguien que vivió en primera fila aquellos efervescentes años. ¿Es una mirada desde la nostalgia o crees que había llegado el momento de una revisión de este movimiento contracultural? La nostalgia se desata cuando escuchas una canción o miras una vieja fotografía. Pero además, en el caso de la música que acompañó mi adolescencia, se despierta aquella energía y el afán creativo y modernizador que muchos sentimos en aquel momento. De todas aquellas inquietudes, que acompañaron a una generación, salieron muchas cosas interesantes, pero con el paso del tiempo sólo una parte trascendió, mientras que un montón de propuestas no tuvieron mayor difusión. No obstante veo que cada vez más hay una búsqueda y revisión de toda aquella marea musical por parte de gente que no lo vivió.

su “sólo tienes quince años cumplidos” me parecía lo más. La canción “Sé una chica de hoy” la tenía grabada de la radio y me fascinaba, suerte que la he podido encontrar para el documental. A los grandes grupos (Alaska y Los Pegamoides, Radio Futura, Nacha Pop, Gabinete Caligari, y un largo etcétera) se les ha dedicado páginas, libros, eventos, exposiciones, programas de radio y televisión. Pero muchos otros, muchísimos, han quedado en el olvido. En el documental apenas he podido reivindicar a unos pocos, y han quedado fuera una gran cantidad de formaciones con temas inolvidables o propuestas interesantes Necesitaría más metraje para reflejar lo que vivimos. Fue una creatividad desbordante.

–¿Cuál crees que fue su mayor atractivo? Fue un movimiento muy intenso y muy breve, que dio la oportunidad a muchos jóvenes de experimentar con la música y la estética, con las ideas y las actitudes, sin pensar mucho en el futuro, que estaba a la vuelta de la esquina.

«A

los grandes grupos se les han dedicado páginas, libros, eventos, exposiciones, programas de radio y televisión, pero muchos otros han quedado en el olvido» –El documental empieza con la canción de Paraíso ‘Sé una chica de hoy’. Este grupo fue uno de los más creativos y genuinos pero nunca logró salir del underground. Los entrevistados pertenecen a formaciones que corrieron la misma suerte. ¿Ha sido un ejercicio de reivindicación? Paraíso fue mi grupo favorito y por eso quise que abriera el documental: a los quince años les vi en Pop-Grama cantando “Makoki”, “Vacaciones en la Morgue”, etcétera, y en la radio el “Para ti”, con

Beatriz Alonso Aranzábal

–¿Cuándo empezaste a sentir la necesidad de recuperar esas vivencias y testimonios? En 2011 casualmente volví a ver una foto a doble página que tuve en la pared de mi habitación. Era un reportaje firmado por Eugenio Haro, del año 1981. A la mayoría de los adolescentes de la foto les conocía, y me pregunté cómo estarían 30 años después. Me preguntaba cómo recordarían aquel momento, cómo habría cambiado sus vidas. Me preguntaba si seguirían interesados en la música o la tendrían apartada de su vida actual. En aquel año surgió la idea, preparé la mecha, pero el proyecto tardaría casi dos años en prender. –¿Fue complicado contactar con los protagonistas?

Gracias a las redes sociales fue bastante sencillo. Lo espectacular fue la respuesta de todos: cariñosa, cordial, muy reforzante para mi proyecto. Me di cuenta de que había una sintonía muy buena y que las entrevistas resultarían muy fluidas y naturales.

«E

stábamos en plena transición y estaba todo por hacer»

–Todo por hacer, todo por descubrir… ¿Cómo recuerdas las dificultades en aquellos años donde aún pesaba una sociedad gris y opresiva? En esa época yo estaba terminando el Liceo Italiano y empezando la Universidad. La sociedad estaba evolucionando muy rápido, había sed y hambre de libertad y eso se notaba a nivel general: en la calle, en los medios, en la cultura. Es-

tábamos en plena transición y estaba todo por hacer. Las únicas dificultades que yo podía tener eran que me miraran por la calle por mis pintas y que me dijeran, a modo de insulto, “moderna”. –Frente a la canción protesta aparecíais como unos hedonistas ajenos a las reivindicaciones políticas. ¿Realmente era así o era vuestra propia manera de cambiar el mundo? La actitud de los más jóvenes era lógicamente de oposición a los mayores que en aquellos momentos estaban representados por los hippies, los progres, los cantautores y todos los movimientos que habían caracterizado el final de la dictadura. Es cierto que queríamos divertirnos, estábamos en la edad y no nos pesaban las responsabilidades, pero a la vez formábamos parte de la sociedad que luchaba por salir de las restricciones a todos los niveles que impuso la dictadura y que quería ser moderna, progresista, libre y europea. No es cierto que no tuviéramos reivindicaciones políticas.

Fotograma del documental

–Hay algo que queda muy palpable en el video: las chicas son protagonistas por derecho propio. Camaradería e igualdad, ¿algo que no había ocurrido antes y que desgraciadamente, no volvió a suceder? La efervescencia creativa y rebelde fue idéntica en chicas y chicos, y desde el principio no hubo distinciones: basta mirar las formaciones musicales para comprobar que había chicas para cualquier instrumento, y también entre el público de los conciertos. Las chicas no explotaban su feminidad sino que la canalizaban con estéticas novedosas, intentando afirmarse por una imagen propia y no por una imagen conformista con los cánones de la belleza. –Otra característica de la gente que conformó este movimiento era que todos teníais expectativas e inquietudes intelectuales que con el tiempo muchos habéis materializado. Como señala Rafa Notario de Los Ángeles Caídos, la mayoría de los jóvenes de la movida eráis inquietos, leídos… ¿Cómo lograste no ir a la deriva en aquel frenesí de sensaciones? ¿Eres una mujer disciplinada? Afortunadamente en el Liceo Italiano tuve una educación laica y enfocada a la comprensión y análisis del conocimiento, y en mi casa la cultura era una constante: cine, música, literatura, etc. Mi experiencia musical y creativa de esos años me dejó una inquietud artística que, unida al poso de mi educación, me ha conducido a tratar de darle salida. Yo era muy responsable y compaginaba el grupo con mis estudios universitarios, como también hicieron todos mis compañeros de Los Monaguillosh. –Esas ganas de apurarla dio al traste con la vida de muchos, en el documental se señala estos reveses como el principio del fin, el ocaso de la movida. ¿Vuelta a la realidad o era un fenómeno

adolescente con fecha de caducidad? Todos los movimientos tienen caducidad, se le llamó la nueva ola, y siguiendo con el símil, las olas se deshacen. La vida y la muerte se ensañan con todo el mundo, formen parte o no de un fenómeno cultural. –La música era el universo en torno al cual giraban otras disciplinas. Viendo la gente que ha colaborado en “De un tiempo a esta parte”, se aprecia que aquello no fue un movimiento puntual de juventud sino una repuesta vital de gente a las que os unía las mismas inquietudes, sobre todo la musical. ¿Sigue siendo la música para ti algo indisoluble a todo lo que haces? Ya no escucho tanta música como antes, ni voy a conciertos, pero me acompaña siempre. Según el estado de ánimo, voy a Youtube y busco y me sorprendo con los videos que encuentro.

tonces (por timidez u otros motivos) nunca hablé directamente. He comprobado que hay unos lazos invisibles que se mantienen entre quienes experimentamos las mismas emociones en aquella época. –Un verdadero acto de valentía con los tiempos que corren abordar un documental con este contenido… ¿Te encontraste con muchas dificultades? Mis dificultades tienen que ver con ser la productora y ocuparme yo sola de todo, y en mi tiempo libre. Pero a la vez, al ser independiente, tengo toda la libertad para hacerlo como me de la gana. No he contado con ningún apoyo oficial ni económico, pero sí con lo más valioso: las personas que han querido colaborar, tanto a nivel técnico como artístico.

«E

l objetivo es transmitir emociones, despertar la curiosidad, no repetir fórmulas archiconocidas»

–Muchos os convertisteis en músicos, aprendisteis a tocar instrumentos de la noche a la mañana. Era complicado conseguir ropa diferente y todo era analógico. ¿Qué mensaje, si es que lo hay, o que sensaciones te gustaría hacer llegar a la gente joven de ahora que cuenta con tantos medios? Mi mensaje es que exploren, que experimenten, que busquen sensaciones nuevas cuando usen instrumentos musicales o los medios tecnológicos actuales. Que el objetivo es transmitir emociones, despertar la curiosidad, no repetir fórmulas archiconocidas. –El documental es un trabajo serio, riguroso, con un material fotográfico increíble como el Miguel Trillo, Alberto Morante y fotos atesoradas por los protagonistas. ¿Cómo fue el ambiente de trabajo y qué significó para ti el reencuentro con amigos y compañeros? El ambiente que ha envuelto al proyecto ha sido muy cálido y me ha dado una gran confianza para sacarlo adelante. Para mí fue increíble por un lado volverme a reencontrar con gente conocida, que me han mostrado una actitud muy receptiva y afectuosa, y por otro el hecho de tratarme con muchas personas con las que por aquel en-

Los Monaguillosh. Foto: Pedro Antonio Martínez Parra

–Una vez finalizado “sólo” queda hacer que llegue al mayor número de gente posible. ¿En qué actos, jornadas encajaría? Creo que en festivales de cine así como en eventos culturales de contenido musical y/o social. Se trata de evocar un tiempo histórico, no sólo de recordar unas experiencias musicales y estéticas. Puede ser interesante para la gente de mi edad para rememorar el pasado, y para los más jóvenes, que conocen muy indirectamente esa época y además de una forma muy parcial. –Para aquellos organismos que estén interesados -vamos a facilitarles la tarea-, ¿Cómo podrían contactar con vosotros? A través del email documentaldebaa@gmail.com

o de la página web de la página web del documental: bealaran.wix.com/deuntiempolibre.

cambio, estaban sin batería, y durante un tiempo ensayamos con caja de ritmos.

–Con la perspectiva que da el tiempo ahora se empiezan a ver trabajos que hablan de aquella “Edad de oro”: tesis, novelas, documentales como el tuyo… ¿Crees que es necesario que el underground sea estudiado en la educación oficial o perdería su verdadera esencia? La esencia de las cosas no se pierde por ser dada a conocer, aunque lo difícil es ser capaces de transmitir la verdadera esencia.

–Has escrito varios libros y participado en antologías. Tu maestría y sensibilidad quedan demostradas en tu antología, “La vida es una palabra muy corta”: ciento cincuenta relatos y micro-relatos publicados por la editorial Nazarí, llenos de realismo e intensidad. En estos tiempos de farragosas descripciones y libros mastodónticos, se agradece esa capacidad de contar tanto en tan poco con voz personal y originalidad. ¿Son resultado de una profunda reflexión o te asaltan desde lo cotidiano? Me he acostumbrado a escribir de forma breve, intentando transmitir las sensaciones y pensamientos que, efectivamente, me asaltan en el día a día. El paso de los años es un valor incuestionable para un escritor, porque su escritura tiene más poso y menos morralla.

–A pesar de las dificultades de aquellos tiempos hubo difusión en programas de radio y televisión. Los Monaguillosh y otros grupos aparecieron en “Caja de ritmos”, “La Edad de Oro”, y en emisoras como Radio 3 con gente como Jesús Ordovás apoyando esta avalancha creativa. Ahora esto parece imposible y han desaparecido estas plataformas. ¿Qué sientes ante este panorama tan desolador? Me parece incomprensible. La música es tan importante en la vida de las personas que merece ser tratada desde diferentes perspectivas en la televisión. No como producto mercantil, sino como fuente de placer, disfrute, conocimiento y expresión artística. –¿Qué opinas de las redes sociales como herramienta de difusión? Cumplen un papel importante, pero seguramente serán sustituidas por otras formas de difusión. –Inicialmente tú eras una seguidora incondicional de Los Monaguillosh que no se perdía un concierto. Cuéntanos cómo fue que acabaste siendo su teclista. Yo iba a muchos conciertos en colegios mayores, facultades y pequeños locales, y muchas veces vi tocar a Los Monaguillosh. A Amador le conocía de coincidir en conciertos, y un día me encontré a Jaime en el portal de mi casa: ¡resulta que su tía abuela era vecina mía! A partir de ese momento me hice amiga del grupo y acudí a muchos ensayos. Yo entré en un momento de

–En tus historias hay nostalgia, dolor… pero también humor, mucho humor sintetizado en su máxima expresión en “San Deces. Y otras ocurrencias”: Entraron en la relojería y robaron todo el tiempo. O esta otra maravillosa San Dez: “Doctor, veo relatos en todas partes”. ¿Te es fácil desconectar o te persiguen continuamente las historias? Como expreso en el microrrelato que mencio-

«La música merece ser tratada no como producto mercantil, sino como fuente de placer, disfrute, conocimiento y expresión artística»

nas, veo historias en todas partes, me fatiga estar pensando en ellas, y luego me frustra no tener tiempo para volcarlas sobre papel u ordenador. Por eso, de momento, escribo de forma muy breve, voy tomando apuntes en mi libreta.

«D

esde “La vida es una palabra muy corta”, he seguido escribiendo muchos nuevos microrrelatos y también aforismos» –Tu padre es el escritor Alonso Ibarrola. Sus relatos también cultivan el humor fino e inteligente. ¿Qué te ha aportado tener un referente -supongo que lo ha sido-, tan cercano? Mi padre nos transmitió a mis hermanos y a mí su pasión por la cultura en general (y la italiana en particular), así como su amistad con el célebre escritor y guionista Cesare Zavattini. Y su particular humor negro, por supuesto. –¿Está en tus proyectos escribir otro libro? Tengo en preparación otra antología, ya que desde que cerré el manuscrito de “La vida es una palabra muy corta”, he seguido escribiendo muchos nuevos microrrelatos y también aforismos.

Los Monaguillosh. Foto:Pedro Antonio Martínez Parra

–Para acabar, volvamos al proyecto inmediato. Hace escasos días se presentó el documental “De un tiempo libre a esta parte” que, espero, tenga un largo y exitoso recorrido. Dinos por qué crees que merece la pena no perdérselo hayamos vivido o no en primera línea esa época. Creo que es una oportunidad de oír el testimonio directo de personas que formaron parte de los inicios de la Movida, de escuchar la música que nos acompañó en aquellos días, y de ver fotografías de aquel tiempo, muchas de las cuales son inéditas◊ w w w. f a c e b o o k . c o m / D e - u n - t i e m p o - l i b r e - a esta-parte Trailer disponible en Youtube.

Los Monaguillosh - Promo

flo morrissey tomorrow will be beautiful glassnote, 2015 Tiene apenas 20 años y no es familia del ex-Smith. Dicho esto, sorprende en gran manera el debut discográfico de esta joven cantautora que parece sacada de una comuna hippy de los años 60. Su estilo cabalga entre los ecos del folk atemporal y las relecturas que del mismo hacen artistas actuales como Devendra Banhart, Joanna Newsom o Karen Dalton. Su voz es pura e inocente, suena como de la adolescente que casi es, las letras supuran un optimismo bañado de luz, claro, aún es demasiado joven para caer en las tinieblas y los arreglos de producción que ha creado Noah Georgeson con guitarras acústicas, arpa y sección de cuerda dotan al repertorio de un encanto soñador, casi gótico. Hay quién la ha comparado con Lana Del Rey, pero lo que allí suena a artificioso y hueco, aquí se muestra natural y auténtico. Su primer sencillo ‘Pages Of Gold’ y sus apariciones en directo este verano en varios famosos festivales la están convirtiendo en el nuevo hype. Por méritos propios y por la esperanza de futuro que se le intuye le concedemos el título de artista revelación de la temporada. No ha inventado nada que no hubiéramos escuchado antes, pero lo que está bien hecho merece nuestro respeto.

tom jones long lost suitcase virgin/emi, 2015

adele 25 sg, 2015

Recuerdo, siendo un niño, escuchar repetidamente en la radio un vibrante tema titulado ‘It’s Not Unusual’, ‘No Es Nada Extraño’, para nosotros, cantado por un tipo patilludo y algo hortera en el vestir al que llamaban “El tigre de Gales”. Bien, este hombre, es decir Tom Jones, lleva más de cuarenta años en la carretera manteniendo el tipo en buena forma física y vocal, y aunque su abundante discografía es algo errática con mucha más arena que cal, hay que reconocer que ha sabido reciclarse con elegancia en los últimos años y tener muy buen ojo para arrimarse a autores jóvenes para incluir en su cancionero temas interesantes. Tom Jones podría haberse quedado en un viejo crooner rockero en Las Vegas para solaz de jubilados nostálgicos, pero su inquietud y la buena mano de su hijo Mark (convertido en su manager) lograron relanzar su carrera desde mediados de los 80. Sus últimos discos ‘Praise & Blame’ (2010) y ‘Spirit In The Room’ (2012) nos sorprendieron por su calidad y el reciente ‘Long Lost Suitcase’ que ahora nos ocupa vuelve a refrendarlo. La producción es acertadamente minimalista y la voz de Jones en primer plano mantiene toda la fuerza que le hizo un mito. Las canciones elegidas también son acertadas, desde ‘Opportunity To Cry’ de Willie Nelson, o ‘Everybody Loves A Train’ de Los Lobos, hasta ‘Why Don’t You Love Me Like You Used To Do’ de Hank Williams y ‘Factory Girl’ de los Rolling Stones. Un listado lleno de clásicos que este seductor de 75 años hace suyos.

Tras ‘19’, ‘21’y un directo, llega ahora ‘25’. Adele ha tardado cuatro años en lanzar su nuevo disco, el peso del triunfo mundial que obtuvo con ‘21’ le debe haber hecho pensar con tiempo las nuevas canciones. También debe haberle influido el formar nueva familia e intentar adelgazar, pero el resultado vuelve a ser óptimo. Adele no es una cantante de pop, ni de soul, ni de rythm & blues, pero tiene la personalidad y el swing suficientes para acomodarse a cualquiera de estos estilos. Su fuerte siguen siendo las baladas que se elevan hacia el cielo en sus interpretaciones vocales que ya se han convertido en iconos de su música. El temario de letras elegido para el disco incide en su crecimiento intelectual y físico, Adele ya es adulta, algo así como ocurrió con Carole King cuando editó ‘Tapestry’, el paso de jovencita inexperta a mujer, cosa que reitera varias veces en las letras. La mayor parte de las nuevas canciones mantienen el punto de melancolía que tan bien le casa y los arreglos musicales con piano, cuerdas y sutiles toques electrónicos vuelven a estar a la altura de convertirse en clásicos. Algo que deben haber entendido muy bien sus fans, pues el álbum ha pulverizado records de ventas en la primera semana de lanzamiento, ya lleva casi cuatro millones de copias despachadas y fue editado el 20 de Noviembre. Otro buen disco para coleccionar y escuchar sin caducidad de tiempo.

eagles of death metal zipper down universal, 2015

carly rae jepsen e-mo-tion universal, 2015

Eagles Of Death Metal es la banda paralela de Josh Homme de Queens Of The Stone Age y su amigo de toda la vida Jesse Hughes. A pesar de su rimbombante nombre, el sonido está más en la onda del rock de garaje de toda la vida aderezado con claras influencias de los Rolling Stones y T. Rex. El grupo se montó hace unos nueve años como puro divertimento de sus líderes y este es su cuarto álbum. No es que pretendan ofrecer un rock de aire caricaturesco, es que son vacilones y muy divertidos, una forma jovial de rendir homenaje a un estilo que disfrutó de sus mejores momentos en los años 70. En este nuevo disco volvemos a escuchar esos riffs de guitarra al estilo de Keith Richards y los resultones boogies rollo Marc Bolan sin olvidar simpáticos arreglos vocales que nos remiten al Glam-Rock. Ya desde la portada del disco parece que nos estén diciendo que no nos lo tomemos del todo en serio, que ellos tan solo son una banda de rock’n’roll para divertir al personal y lo cumplen de largo en todos sus celebrados conciertos. Chocando con su festiva propuesta se han dado de bruces con la terrible tragedia del atentado terrorista en la Sala Bataclán de París mientras actuaban allí hace unos días. Un desgraciado acontecimiento que derrumba a cualquiera y que ha afectado profundamente a estos músicos que al igual que cualquier hijo de vecino no pueden entender una barbarie como esta. De hecho han cancelado todos sus compromisos para guardar el duelo.

Esta joven canadiense surgida de un programa televisivo comercial como es el American Idol no habría pasado de ser una efímera imagen más si no hubieran concurrido algunas circunstancias extraordinarias que, de vez en cuando, pasan en la música. Tras un primer disco de estilo folk-rock que no despertó demasiadas esperanzas reapareció en 2012 con el single ‘Call Me Maybe’ con una sonido dance-pop discotequero que se convirtió en un hit comercial, número uno en más de veinte países y realzado por un vídeoclip que alcanzó setecientos millones de visitas en Youtube. El álbum que albergaba este mega-hit titulado ‘Kiss’ resultó ser muy bueno y tener beneficiosas críticas con lo que Carly dio un paso de gigante en su carrera. Nos llega ahora ‘E-mo-tion’ en el que han colaborado un buen puñado de productores como Sia, Greg Kurstin o Devonte Hynes, todos ellos avezados cazadores de éxitos, que han logrado facturar un disco notable, efervescente y claramente orientado al sonido ochentero con sintetizadores cristalinos y arreglos exuberantes que bien podrían recordarnos a Cyndi Lauper en sus mejores grabaciones. Hay aquí una calidad que supera los generalmente infumables y chabacanos trabajos de otras divas contemporáneas. No es corriente que, el que escribe, se fije en este tipo de productos pop, pero debo reconocer que canciones como ‘Your Type’ o ‘All That’ me han convencido. Carly Jae Repsen es una artista comercial pero destila una seriedad y una elegancia que le hacen sobresalir del resto.

La Calle 46: the clique por Manel Ramodne

la gran banda mod británica de R&B “garajero” de los 90. Una banda minusvalorada.

a habido un montón de bandas con el mismo nombre. Esta es la banda de culto por excelencia del modernismo de los 90. Hoy injustamente olvidados, hicieron bandera de purismo mod por su estilo, un retro Rhythm and Blues “garajero” y su look, sixtie total, en los años en los que reinó el estilismo del sello británico Detour. Llevaron bien alto su modernismo aunque ya eran conscientes de que nunca serían como The Jam o The Who: lo suyo era pura subcultura musical. En unos 13 años aproximadamente de vida dieron cientos de conciertos por Gran Bretaña y Europa además de editar 6 singles y 2 LP’s.

La banda surgió en Londres a mediados de los 80 en el vagón de cola del revival mod del 79, de entre la grey de los seguidores más acérrimos de The Prisoners. Estuvieron comandados desde el principio por un par de tipos peculiares llamados Phillip Otto, bajista y Jon Paul Harper, guitarra. Eran dos mods fanáticos de la música negra americana, del Beat y de la cultura sesentera. Otto y Harper deciden montar su propia banda mod en un estilo de R&B sixties cercano a The Prisoners y para ello fichan a un batería, el francés Gilles. B. Mery y a un cantante mod, con buena voz para el género, su amigo Paul Newman (nada que ver con el actor americano). Se harán llamar The Clique, en homenaje a otros The Clique de los 60, banda mod británica de culto que también practicaba R&B. Los gustos musicales de los miembros de The Clique eran obvios, los propios de todo mod de gustos sesenteros: The Prisoners, Dr. Feelgood, los primeros The Beatles, The Kinks, Spencer Davis Group, The Animals y los primeros The Rolling Stones, el Blues, el Soul y el R&B yankees, Georgie Fame, lógicamente todo el Beat y el Pop-Art modernista británico de los 60 (de The Who, y Small Faces, a Creation, Action...) sin olvidar el Freakbeat, The Remains y el Garaje psicodélico más ácido y cavernícola. Además gustaban del Souljazz de Mose Allison, Jimmy Smith y similares. El núcleo inicial de músicos que montaría The Clique alrededor de 1985 fue variando en los casi 13 años de vida del grupo. En total por el combo han pasado más de una decena de miembros, entre fijos, eventuales y colaboradores esporádicos. Luego me extenderé en ello. El único fijo, Phillip Otto. Practicaron siempre una mezcla de R&B, Beat y Garajepunk, sin demasiados prejuicios. Conocían bien lo que les gustaba, sabían de lo que iban y no les importaba dejarlo claro. Les importaba un pito si sonaban muy blancos

o poco negros, si parecían más o menos “garajeros”, muy americanos o demasiado británicos, eran mods, guitarreros y estaban orgullosos: base R&B a la mod, con toques de freakbeat y psicodelia. Por todo ello quizá se hicieron acompañar desde el principio de arreglos y acompañamiento de órgano Hammond, tanto en estudio como en directo. Fueron casi los únicos en continuar ese legado de juntar modernismo estilista y retro-garajebeat sesentero que habían comenzado los Prisoners en el ocaso del revival mod del 79. Más tarde, ya en los 90 y 2000, otros grupos se inspirarían en ellos y continuarían líneas parecidas. Vestían con un look mod formidable, elegantísimo, cuidado al detalle, inigualable, como los primeros Prisoners: peinados de flequillo beatle o tipo Steve Marriot aunque más como los Motions holandeses, trajes de sastre de corte italiano, americanas tweed de 3 botones, cazadoras vaqueras blancas, loafers finos, chelsea boots, pantalones hipsters de cuadros con un poco de campana, suéteres de cuello alto, camisas de cuello largo abotonadas o tipo paisley, cinturón y hebillas gordas, fulares... También adoraban las escúteres antiguas, todos lucían orgullosos sus Vespas o Lambrettas originales y pertenecían a un club escuterista del sudeste de Londres que los adoraba y tenía como banda emblema. Entre sus amistades se contaba lo más granado del modismo londinense, Eddie Pillar, Paul Weller, cómo no, además de la peña de los Prisioneros, el círculo de James Taylor lógicamente, pero también eran amigos de músicos de la peña garajera de Billy Childish, Holly GoLightly y el estudio Toe Rag. Banda de culto, por tanto, aunque no por voluntad propia. Aunque su primer disco (‘Self Preservation Society’ del 95, que realmente era el segundo) se vendió bastante bien, (fue el disco más vendido en la historia de Detour Records), por los condicionantes e imperativos de ser mod en una época tan difícil como los 90 no pasó del culto minoritario. Después de los años gloriosos del revival 79, lo “mod” se convirtió en algo “out” para el “establishment” musical, casi rancio o conservador para mucha gente, especialmente la prensa musical. Pura subcultura underground británica pues. Ya no había una escena fuerte y numerosa y la gente que quedaba estaba algo perdida, entre restos de “quadrophenismo”, se imponían o las salidas a lo retro 60 buscando lo original y no adulterado (R&B, Ska, Souljazz con Hammond) o hacer una puesta al día del Northern Soul del período 68-74. Todo se dividió el la escena mod post 85. Las bandas, pocas,

poco conocidas, sin apoyo e inexpertas, con más voluntad que oficio, se disgregaban y se quemaban rápido. Todo parecía perdido hasta que unos mods algo más mayores que los chavales, provenientes de los años de revival 79, como Gilles Peterson y Eddie Piller o David Holmes montan un par de sellos discográficos independientes, Acid Jazz los dos primeros, Detour el último, para apostar claramente por la revitalización y renacimiento de la escena mod inglesa y por extensión la europea. En Detour grabaron y editaron nuestros The Clique.

Remember the time: los jodidos 90 En el mainstream pop-rock británico y europeo a partir de 1984 se sucedieron un montón de modas musicales, a cada cual más efímera y más plúmbea: revival neogaraje/neo-psicodelia paysley, segunda oleada gótico-siniestra, el pop indie M-86, el Grebo, la E.B.M (Electronic body music), el Acid House, la consiguiente locura “rave” que invadió Londres, con la fiebre de los éxtasis, luego el ya mencionado Acid jazz, el Shoegazer noise-pop, casi a la vez desde el norte de Gran Bretaña llegaba la fiebre del Manchester Sound. Le siguió la explosión Nirvana y del Grunge de Seattle, que arrasó Europa a partir del 92 con su estética sucia y dura. Dos años después, al poco del suicidio de Kobain, llegó la respuesta europea a los chicos ingleses del Britpop de los Blur, Oasis, Elastica, Suede, OCS, Menswear, etc, y a finales de los 90 el Punk-Hard rock escandinavo de Hellacopters y Gluecifer y el Techno dance de Orbital, Chemical Brothers y The Prodigy. Lo mod y 60s sólo fue reivindicado, superficialmente la mayoría de las veces, por parte del Manchester sound, Stone Roses, The Charlatans e Inspiral Carpets y parte de los britpoppers (Ocean Colour Scene, los que más, a su manera Oasis y los primeros Blur). Después, en la música poprock internacional, ya en los 2000 todo han sido modas de fusión, mestizaje, porquería comercial, rock “alternativo” adocenado, “punkitudes” varias o constantes reciclajes del pasado. Para 1998 The Clique ya dejaron de existir. Representaron en Gran Bretaña la supervivencia del ideal del modernismo musical y del esteticismo retro sesentero desde finales de los 80, con el ocaso del revival mod del 79 y el inicio de otra oleada revival, más underground, durante casi toda la década de los 90.

Obra y milagros La primera formación del grupo se formó en Londres entre 1984-85. La formaban Phillip Otto (bajo), Jon Paul Harper (guitarra y cantante en algunas ocasiones), el batería frances Gilles B. Mery (que abandonaría

en los 90) y como vocalista a un tal Paul Newman que como buen seguidor del R&B también soplaba la armónica. El único miembro fijo, estable y perenne de grupo en los 13 años de vida del grupo fue el bajista Phillip Otto. Se foguearon en directo en algunos bolos mods en el ocaso del revival mod por la capital inglesa como banda de versiones con diversos organistas de acompañamiento. Pero no fue hasta que entró en la órbita de la banda un tipo como Mr. James Taylor que no consiguieron la notoriedad necesaria para salir de semianonimato. Taylor, que después de salir disparado de los Prisoners por diferencias irreconciliables con Graham Day estaba poniendo en marcha su nuevo proyecto de souljazz mod, la J.T. Quartet, aceptó colaborar temporalmente con la banda por echar una mano a unos antiguos colegas mods. En 1991 entraría otro teclista al grupo, Dom Strickland, tambien compositor y cerebro musical, que se convertiría en una pieza importante en el devenir del grupo. Ahora, un inciso sobre el órgano Hammond. El sonido de órgano (Hammond/Farfisa/ Rhodes), cabe recordarlo, fue, tanto o más que los arreglos soul de sección de metales (saxo, trombón y trompeta), el símbolo real de la evolución del mod sound (del guitarrero y powerpopero revival 79), al buscado estilismo sixtie posterior (más retro, por hurgador en el pasado mod original). La querencia por el órgano Hammond, popularizado en el poprock por la escuela se imitadores de Jimmy Smith en los 60, aunque lo heredaran a través de lo hecho por James Taylor en los Prisoners y caracterizaría para siempre su típico sonido Clique: les da un toque retro sesentero a su música, entre garaje psicodélico/souljazz bailable y les separaba del grueso de bandas del revival mod 79. De esta formación original, en 1986-87, que en directo tocaban un repertorio casi exclusivo de versiones de clásicos del soul, blues, de R&B y jazz, graban dos sesiones que iban a ser su primer Lp oficial y que motivos que sólo el grupo y Eddie Piller saben, (Piller estaba interesado en el acid jazz y no vio futuro comercial en estas grabaciones) quedarían guardadas en un cajón durante décadas. Únicamente vieron la luz en 2003 por iniciativa de Detour: el disco se llamó ‘Vanbrugh Park’. Este disco recogía 2 sesiones de 11 temas, 5 composiciones propias del grupo y 6 versiones: ‘Sookie Sookie’ de Don CovaySteve Crooper, ‘Leaving Here’ de los compositores de Motown Holland-DozierHolland, el ‘Young Man Blues’ de Mose Allison, ‘Crying Days’ de Robert L. Kelly o ‘Te-Ni-Nee-Ni-Un’ de Slim Harpo. Parte de este material, la cara A entera vio la luz en 1993 en un EP de 33rpm editado por Detour llamado ‘The Clique Featuring James Taylor: Early Days’. Con todo, la primera grabación oficial del grupo fue el tema ‘Worming’ (grabado en

las sesiones del 87) que apareció en 1989 en la recopilación ‘Totally Wired’ del sello Acid Jazz Records. No fue hasta 1989-90 en el que se produjeron cambios significativos en la banda: entró el teclista Dom Strickland. Taylor ya solo colaboraría muy puntualmente con el grupo. En 1991 se fue el batería francés Gilles B. Mery (vuelve a su país) y entra Matthew Braim. A las voces se consolida un nuevo cantante, Trevor French. Con esta formación se adentran en la década de los 90 dentro de la escena mod naciente que se movía en festivales mod y garajeros, mod weekends y scooteruns. En 1994 Detour Records les edita su segundo 7”, ‘Reggie’, anticipo de su esperado primer LP. Son dos temas propios, alegres, pegadizos y cañeros. ‘Reggie’, compuesto por Harper y el teclista Strickland esta más en su línea habitual del grupo, de R&B garajero y el tema ‘She Doesn’t Need You Anymore’, obra de Harper, destaca por su novedosa sección de metales (saxo, trompeta, trombón de varas) descaradamente orientado al baile desenfrenado del “moderío”. Este 7” abriría la que fue la mejor etapa de la historia musical y artística del grupo: los años 1994-1995. El mando del grupo pasó a manos de Dom Strickland. Se tiran todo el verano del 94 tocando y para principios del 95 editan el LP ‘Self Preservation Society’ en su compañía de siempre, Detour Records. Aunque los temas estaban compuestos, tocados y dispuestos en el local de ensayo y en directo desde el verano del 94 con la formación de French-Harper-Otto-StricklandBraim, discusiones internas, cansancio o quizá todo a la vez ocasionan la huida repentina de Jon Paul Harper. Tal cosa podía significar un problemón de aúpa para el grupo. Se quedan sin guitarrista, compositor y a veces cantante. Solución rápida: echar mano de los amigos. En los créditos del disco del 95 ya aparece un nuevo guitarrista, un componente habitual de la escudería musical del padre del R&B garajero británico, Willian Charlie Hamper, más conocido como Billy Childish, Mister Bruce Brand, (batería en The Pop Rivets, The Milkskakes, Thee Mighty Caesars, Thee Headcoats) buen amigo del grupo, especialmente de Otto y Strickland, y que se atrevía a empuñar el hacha de 6 cuerdas por primera vez. La relación fluida y cercana con la peña de Childish, con Don Melchior y con la gente del estudio de grabación Toe Rag propiedad de Liam Watson hace que entre en el círculo Clique una mujer, Holly Golightly, (ex-novia de Childish, cantante, guitarra y líder de los grupos The Delmonas/Thee Headcootees) haciendo coros en un par de temas. El disco ‘Self Preservation Society’ tuvo una recepción buena, tanto en la crítica de la prensa musical como por la presencia mediática. Vendió la friolera de 5000 copias, bastante cantidad para la época, sobretodo en un grupo de su estilo. De hecho es la cifra más alta de ventas en la historia de Detour. Les hizo conseguir notoriedad, bolos y algo de dinero. Queda como su obra imprescindible. El disco constaba de 14 temas que eran en realidad 11 porque el ultimo era un medley divido en tres partes. El tono general del disco es más garajero, fuzzista y duro

que todo lo hecho anteriormente. Solo había 5 covers o préstamos esta vez, poco para lo que ellos solían acostumbrar, pero eran crema 60’s garajera: el clásico del psico-garage-punk americano ‘1-2-5’ de The Haunted (popularizado por The Fuzztones en los 80), el ‘Why Do I Cry’ de The Remains, la hipergaragera ‘Make You Mine’ de los Shadows Of Knight y dentro de mencionado medley final centrado en el largo y proto-psicodélico tema ‘The Quest’ de 5 minutos y pico había compuesto 2 partes prestadas para añadirle, un fragmento breve del ‘The Cadbury’s Flake Theme’, cancioncilla de un spot de unas conocidas chocolatinas inglesas, muy comunes en UK y el ‘Self Preservation Society’, canción emblema del modernismo fílmico, compuesta por Quincy Jones y Don Black para la banda sonora de la película de culto ‘The Italian Job’, de 1969, protagonizada por el mítico actor Michael Caine. De la producción propia yo destacaría los temas ‘Tortoise’, en la línea R&B y garaje anterior, ‘Crystal Ball’, muy neo-psicodélica y ‘Ropey Old Boat’, en un estilo beat mod cercano a los Remains. En general un gran disco de R&B y garaje retro de filiación mod. Del LP en 1995 además de ‘Reggie’ se sacó otro 7” del tema ‘Bareback Donkey Riding’, de lo más ramplón del disco. Destaca más su cara B, ‘Security’, una versión de un viejo tema del genio Otis Redding convertida en un temazo de garage-beat-soul-yeyé con una voz, un estilo y una guitarra brutales. A partir del 1995 el grupo continuó tocando y grabando esporadicamente pero se entró en una etapa de hibernaciones constantes, deserciones de miembros: Trevor French se largó y entraron tres cantantes nuevos, Alex (Louise) Petty, Peter Wild y finalmente Chris Jordan. Brand era un músico pluriempleado, no era un mod estricto, tampoco destacaba por componer; era más un miembro de la secta Childish que de la de Otto-Strickland y eso se tenía que notar. El grupo entró en decadencia a partir del 96 y se aceleró todo hasta la disolución en 1998. Solo grabaron dos cositas en 3 años, los singles ‘The Clique... Featuring Alex Petty’ que incluía dos temas nuevos: ‘Save Me’, correcto cover de una canción soul de Aretha Franklin en el que canta Alex Louise Petty, una chica amiga de la banda y un tema instrumental de Bruce Brand, ‘The Fish Down Gina’s’, mezcla de R&B y sobredosis Hammond que parece registrado en un falso directo. El grupo estaba muerto a finales del 97 pero el canto del cisne del grupo fue la edición de un último EP, a 33rpm, del grupo en Detour: ‘Hello Sunshine’, publicado en 1998. La canción ‘Hello Sunshine’ de la cara A es más un tema pop beat compuesto ex profeso para decir adiós de forma oficial al grupo por parte de Dom Strickland, juntando a viejos amigos/músicos que habían participado a lo largo de los años en el proyecto Clique, que un tema propiamente oficial de la banda. Otto y Brand ya ni estaban, se habían largado antes; cantan entre Chris Jordan y Trevor French, y como invitados de lujo, Jon Paul Harper a la guitarra, Paul Newman a la armónica y Gilles B. Mery a los tambores, hacen coros Alex Petty y Peter Wild. En la cara B hay dos temas cantados en la misma

sesión, la ultima con Brand y Otto en el line-up, interpretados los dos por Chris Jordan: ‘After Five’, de Matt Braim, tema de pop psicodelia que recuerda a los Action de la segunda época y ‘Hanging Around Your Door’ de Chris Jordan, para mí el más interesante del EP y que está en la línea del psico-garage propio de la última etapa del grupo. En 1998 anunciaron su disolución definitiva. Hacia el año 2000 los responsables de Detour se ponen en contacto con Eddie Piller para desempolvar las sesiones de los Clique de 86-87 con vistas a su publicación futura en un nuevo LP. El disco vio la luz finalmente en 2003 en Detour Records con el nombre de ‘Vanbrugh Park’. Recientemente dos de los miembros originales, Otto y Strickland, con la colaboración esporádica de la fémina Alex Petty, han montado un nuevo grupo llamado Aunt Nelly. Son la continuación estilística de los buenos The Clique. R&B mod garajero. Han grabado un disco muy interesante y en directo tocan todavía algún tema de la antigua banda. Y hasta aquí el repaso a la historia de The Clique, el grupo británico más mod de los 90. Si no los conocéis y queréis acercaros a su música solo tenéis que buscarlos en Spotify. Sus discos no son especialmente complicados de conseguir. Saludos modernistas.

libros Der Klang Der Familie: Berlín, El Techno y La Caída Del Muro Félix Denk y Sven Von Thülen Alpha Decay, 2015 Vicente Ribas

l techno nació a mediados de los ochenta en los suburbios de la ciudad industrial de Detroit, el centro de la producción de automóviles de todo Estados Unidos, pero su verdadera patria espiritual siempre ha sido Berlín: en ningún otro lugar del planeta se ha asimilado con tanta intensidad este sonido futurista, maquinal y ocasionalmente violento como parte del tejido urbano y la cultura popular de las sucesivas generaciones de jóvenes. Desde el momento en el que cayó el Muro que dividía los sectores este y oeste de Berlín, la música electrónica de baile se impuso como banda sonora de la reunificación alemana y como vehículo de expresión de un afán de libertad desesperado tras décadas de represión.

Contar La Música Jesús Ruiz Mantilla Galaxia Gutemberg, 2015 José Zamora Linares

lo largo de dos décadas, Jesús Ruiz Mantilla ha sido cronista musical en el diario El País. Contar la música recoge gran parte de su experiencia en ese campo. Una obra que resume el oficio al que se ha dedicado apasionadamente a través de sus encuentros con figuras de primer nivel, pero que le ha llevado a la conclusión desde el propio título, de que resulta una utopía imposible de cumplir. Diferentes protagonistas -creadores e intérpretes- nos acercan a su experiencia con la música. Entrevistas a grandes directores de nuestra época, desde Daniel Barenboim a Claudio Abbado, Zubin Mehta, Riccardo Muti o Gustavo Dudamel, pianistas de la talla de Brendel, Pollini, Zimerman, Sokolov, María Joao Pires o el conocimiento profundo de fenómenos como el sistema de orquestas venezolano de José Antonio Abreu, la orquesta de israelíes y palestinos, West-Eastern Divan o la eclosión de pianistas chinos ayudan a comprender el fascinante panorama creativo de la música clásica.

Cerati. La Biografía Juan Morris Grijalbo Ilustrados, 2015 Vicente Ribas

a nueva biografía de Gustavo Cerati generó polémica e interés incluso antes de su publicación. El libro, escrito por el periodista Juan Morris, salió a la calle en el verano de este año. Pero el hijo del ex líder de Soda Stereo se mostró disconforme con la edición. “¡Buenos días, amigos! Queremos informarles que tengan cuidado. La biografía de GC que anda dando vueltas carece de veracidad. Tiene muchas imprecisiones y no está autorizada por la familia. Además está escrita por alguien que nunca lo conoció ni tiene vínculo con ninguno de los miembros de la familia. Por ahora no hay nada oficial. ¡Gracias!”, escribió Benito, el hijo menor de Cerati, en la cuenta oficial de su banda Zero Kill. Entre otras cosas y muchas anécdotas, el libro relata las últimas horas de vida del músico argentino. Sea fidedigno en parte, o no, es un muy buen libro para empaparse la vida de Cerati y de Soda Stereo.

Instrumental: Memorias De Música, Medicina y Locura James Rhodes Blackie Books, 2015 José Zamora Linares

a música fue su salvación. James Rhodes fue víctima de abusos durante su infancia y su vida ha estado marcada por esa tragedia. Escuchar a Rajmáninov en bucle durante su adolescencia y descubrir el Adagio de Bach en un ala psiquiátrica le ayudó a combatir sus demonios y a transformar su vida. James Rhodes es uno de los más eminentes concertistas de piano de la actualidad y un gran renovador de la música clásica. Ha protagonizado documentales para la BBC y Channel 4, escribe en The Guardian y ofrece recitales en todo el mundo. ‘Instrumental’ son sus memorias, que vieron la luz en Reino Unido después de que el Tribunal Supremo levantara el veto que pesaba sobre la obra. Todo un tributo apasionado al poder terapéutico de la música y que aborda cuestiones fascinantes sobre cómo funciona la música clásica y sobre cómo y por qué puede cambiar nuestras vidas.

regreso al cine por Vicente Ribas

Karate Kid Karate Kid (Karate Kid) es una película estadounidense de 1984 dirigida por John G. Avildsen, ganador del Óscar a la mejor dirección en 1976 por Rocky. La película fue origen a una serie cinematográfica que continuó con Karate Kid II, Karate Kid III y El Nuevo Karate Kid, y posteriormente una nueva versión en 2010, The Karate Kid. Toma como base el cuento A Veces El Corazón De La Tortuga, escrito por Kenzaburo Oe. John G. Avildsen (nacido en 1935 en Illinois) es un director de cine estadounidense, que al margen de las películas anteriores es un especialista en películas de acción. Comenzó a trabajar como mánager de producción, asistente de director y director de fotografía antes de graduarse como director a fines de los años 1960. Debutó en la dirección a finales de los sesenta con Guess What We Learned In School Today (1969), siguiéndole Cry Uncle! (1971) y Salvad Al Tigre (1973) donde dirigió a Jack Lemmon, ganador del Óscar al mejor actor por su papel en esa cinta y donde Avildsen recibió favorables criticas. Cuando Daniel Larusso (Ralph Macchio) se muda con su madre a California (Estados Unidos) no imagina que, debido a unos conflictos con unos alumnos de kárate, su vecino el Señor Miyagi (Noriyuki “Pat” Morita) le enseñará técnicas de defensa oriental para poder defenderse en una batalla final con motivo de la celebración del campeonato local de karate. Mientras va aprendiendo, Daniel se enamora de Ali Mills (Elisabeth Shue), la ex - novia del líder de sus futuros enemigos. El filme comienza con la llegada de Daniel junto con su madre a su nuevo hogar en un suburbio de Los Ángeles, California, provenientes de Nueva Jersey. A los pocos minutos de su estancia entabla amistad con un joven que vive en su mismo edificio, quien lo invita a participar en una actividad recreativa en la playa. Antes de partir, Daniel va en busca del conserje para reparar una llave de su departamento. Cuando entra en la conserjería, se da cuenta que el conserje es un anciano japonés, el Señor Miyagi.

Ralph Macchio tuvo su momento más espléndido en el cine con este largo tras haber debutado en 1980 en Up The Academy, más tres filmes de escasa repercusión, fue Francis Ford Coppola quien lo hizo popular gracias a la mítica cinta Rebeldes (1983), pero a raíz de Karate Kid prácticamente pasó por el anonimato cinematográfico a posteriori. Mientras que Elisabeth Shue, que debutaba en el cine en este metraje, si que se hizo un hueco con los años protagonizando otros cortes esenciales en el mundo del celuloide, como Regreso Al Futuro en sus partes 2 y 3 (1989 y 1990), Leaving Las Vegas (1995), Cocktail (1988), El Santo (1997) o El Hombre Sin Sombra (2000) entre otras muchas. Con Leaving Las Vegas llegó a estar nominada como Mejor Actriz en los Premios Óscar, BAFTA, Globos De Oro y Sindicatos De Actores. Sin duda su momento mas dulce. La banda sonora la encabezaba ‘The Moment Of Truth’ como canción principal, interpretada por el grupo de rock norteamericano Survivor, que por aquellos años se popularizaron principalmente por cosechar éxitos con piezas para bandas sonoras. A la mencionada ‘The Moment Of Truth’, ya lo habían hecho antes con ‘Eye Of The Tiger’ para la película Rocky III (1982) y con ‘Burning Heart’, para Rocky IV (1985). Y como no hay 3 sin 4 también en el 2000 lo hicieron con ‘Velocity’ para el filme ‘Driven’. En esta banda sonora también destaca el tema ‘Cruel Summer’, ejecutado por Bananarama, ‘(It Takes) Two To Tango’, por Paul Davis, ‘Desire’, por Gang Of Four, ‘Tough Love’, por Sandhi o ‘Young Hearts’, por Commuter. Pero todas ellas muy lejos del éxito comercial de ‘Burning Heart’. Resumiendo, un filme para emprendedores del kárate, incita a ello. Al menos, en aquel 1984 se registró un record histórico de matrículas en gimnasios en Estados Unidos para aprender este deporte de defensa personal, todo ello gracias a Karate Kid.

deconcierto L.A.

Wah Wah (Valencia, 20-11-2015) Texto y fotografías: Rosa Ruiz

ue un viernes de celebración en el emblemático local de conciertos de la capital del Turia, la sala Wah Wah, lugar clave de la manifestación de música en directo, que durante ya quince años viene presentando una programación de calidad. Para esta ocasión, en el marco de una serie de conciertos para celebrar dicho acontecimiento, le tocó el turno a L.A. grupo mallorquín cuya cabeza visible y alma máter es Luis Albert Segura, acompañado de un buen plantel de músicos. Con el cartel de sold out venía a pre-

sentar las canciones de su último trabajo ‘From The City To The Ocean Side’, que ya reseñé en un anterior número de esta misma revista. Bien es cierto que desplegaron un setlist de repaso a toda su carrera, supongo a modo de cortesía o estar a la altura del evento que se celebraba, y no defraudaron. ueron interpretando temas conocidos de sus anteriores discos, empezando por ‘Oh, Why?’, ‘Cristal Clear’, ‘Dualize’ y del último, como ‘Secrets Undone’, ‘Living By The Ocean’, ‘In America’, demostrando una perfecta ejecución y un buen apoyo de los músicos que le acompañan, todo ello añadido a la personal voz de Luis Albert que llegó a su momento de máximo esplendor interpretando en acústico el tema ‘Ordinary Lies’, para dar paso al bloque final donde derrocharon toda la energía que les quedaba, cerrando con ‘Outsider’ con un final explosivo, resumen y conclusión de que tiene un directo que no deja indiferente a nadie, y te quedas con ganas de más. Aún quedó algo de energía para que continuara la fiesta con la sesión Dj del vocalista, pinchando temas seleccionados por él mismo así como firma de autógrafos, un fin de fiesta perfecto.

Lichis

Minigira en Buenos Aires (Argentina) Boris Club / Ultra Bar (Buenos Aires, Argentina, 19 y 21-11-2015 Gabriel Cámpora / Fotografías: Óscar Romagnoli

l cantautor español Miguel Ángel Hernando Trillo, más conocido como Lichis y aún más conocido por haber sido la voz y el inventor del grupo La Cabra Mecánica durante más de una década y media docena de discos, estuvo visitando Buenos Aires en plena época electoral y a horas del balotaje, por lo cual el agradecimiento es doble, ya que además de disfrutar de su maravilloso arte, éramos muchos los que necesitábamos sacarnos, aunque más no sea por un rato, la política de la cabeza. Fueron dos las citas con Lichis y su banda, en la capital de nuestro país, y aunque estoy seguro de que todos nos quedamos con ese sabor a poco, quedó claro que fueron enormemente disfrutadas por la concurrencia. a primera de las dos presentaciones fue en el recinto conocido como Boris Club, en el barrio de Palermo, temprano, por tratarse de un día jueves. La banda, conformada por Alex Olmedo en Guitarra, Jordi Cobre en bajo, Daniel Ortín en la batería, y por supuesto, Lichis en la guitarra y voz líder, se despachó, con 16 canciones más dos bises, más una suerte de Bonus Track, versión acústica de ‘Cómo Penélope En La Estación Del AVE’, de La Cabra Mecánica, cantada por Lichis, “a garganta pelada” como se suele decir, y con gran participación del público. Gran banda, una maquinaria perfectamente aceitada, mucha química, y el sonido sin quejas, claro, con un volumen correcto y perfectamente disfrutable. Un placer verlos desenvolverse sobre el escenario, realmente como si en él hubiesen nacido.

Para los que no pudieron ir al primer show y los que se quedaron con ganas de más, la segunda oportunidad fue el sábado 21, a pocas cuadras de la estación Retiro, en Ultra Bar, nuevamente temprano a pesar de ser fin de semana, porque como el propio Lichis dice en la letra de Yayo Yaya, “Se abrió la veda”, ya que hoy domingo 22 a nosotros los argentinos, nos corresponde elegir nuevo presidente (mal que nos pese). a banda repitió la lista, la interpretación fue nuevamente impecable, realmente se disfrutó mucho. El sonido me resultó algo inferior al de la presentación anterior, aunque sin dejar de ser MUY bueno. La gente estuvo algo más “agitadora” que en el primer show lo cual ayudó a que se genere un clima de gran disfrute y alegría, realmente un excelente momento y un gran espectáculo de total calidad. En mi caso, que vivo en Ensenada, ciudad cercana a La Plata (capital de la provincia de Buenos Aires) y que en ambos casos tuve que trasladarme alrededor de 130km entre ida y vuelta, puedo decir que quedaron totalmente justificados los viajes y que de haber hecho más presentaciones, ahí me hubiesen tenido.

uego de ambos recitales, la predisposición de Lichis y sus compañeros para saludar a la gente, conversar, cumplir con pedidos como fotos, firmas y demás, fue la frutilla del postre, gente con muy buena onda y humildad. Esperamos haberlos hecho sentir como en casa, haber logrado que sientan esas ganas de volver, que necesitamos que sientan, por la sencilla razón de que necesitamos que vuelvan! Así que esperamos que no pase mucho tiempo antes de que los muchachos nuevamente se pongan en MODO AVIÓN y luego de unas HORAS DE VUELO, estén otra vez pisando suelo argentino, brindo por eso y me ofrezco a hacer el asado de bienvenida! Por ahora, sin más, y para fraseando al gran Gustavo Cerati: GRACIAS TOTALES!

YO ESTUVE ALLÍ texto y fotos de Vicente Ribas

Armas Blancas El Loco Club, (Valencia, 18-10-2007)

su despedida, y antes del único bis, con ‘Pasión x Pasión’, versión de Fernando Garcín y Salva Ortiz (Breve Idilio), ‘He Vuelto A Soñar Contigo’, uno de los temas más aplaudidos, ‘Ala de Mosca’, que Francis F. Guerrero aprovechó para dedicar a su hijo, allí presente, ‘Killer’, versión de Jesús Fita y Francis F. Guerrero (Perros De Lluvia), y que parece ser podían volver a la actualidad en aquel año, y ‘Ritmo Del Ahogado’, su mayor hit, eso sí, tocado a semejanza como en ‘Calma’, en clave bastante más soul.

uvieron que pasar 22 años para poder celebrar un segundo trabajo de Armas Blancas, tras aquel álbum, de nombre homónimo, que editó Polydor en 1985. Bien es verdad que para verles en directo, tras su disolución en 1987, no pasó tanto tiempo, ya que a los “chicos” en cuestión se les pudo ver durante su larga hibernación en un par de ocasiones en un n el bis realizaron tres canciones: ‘Perros De atisbo de regreso inesperado, momentos que a la Lluvia’, comenzándola únicamente con el tándem postre únicamente quedaron inmortalizados en el Fita/Guerrero, ‘1/8 Negro’, ambas versiones de álbum de fotografías. Perros De Lluvia, y finalizaron de nuevo con ‘Ritmo alma’ fue el resurgir, o al menos eso parecía, de Del Ahogado’, que como colofón a su actuación quizá Armas Blancas al mundo de la música, con el hubiera estado mas acertado ejecutar su versión citado nuevo trabajo bajo el brazo, entrevistas por original. Como anécdota, la presentación del evento doquier en radio, conciertos… ilusión. La sala El Loco corrió a cargo de Pepe Navarro, amigo de la banda y Club fue testigo de la presentación del disco, que a emblema a finales de los años ochenta desde El Pop pesar de ser un jueves a las 12 de la noche o costar 8 Nuestro De Cada Día, programa radiofónico de Onda euros la entrada, registró un lleno absoluto. Valencia Cero Música que daba cabida a todo lo relacionado, musicalmente hablando, desde Valencia. También, tenía aspecto de resurgir de sus cenizas. Con la formación casi original, a saber: Jesús Fita mientras se explayaban ante el público, proyectaron (voz y guitarra), José A. Cuesta (bajo y coros), Xavier un video con Morant (guitarra), Francis F. Guerrero (teclados y fragmentos de películas coros), Salva Ortiz (batería), más la aportación en la las N o s f eratu, mitad del repertorio ofrecido por J. Miguel Medes El Cielo (saxo), Armas Blancas ejecutaron sublimemente casi Sobre Berlín, toda su historia musical, en formato nuevo disco, con Hombre calma, que para eso se llama así el reciente trabajo. El E l e f ante, Comenzaron el espectáculo mirando al pasado, El Increíble con ‘Seré Tu Fantasma’, obra maestra junto a ‘Misil Blanco’ y ‘He Vuelto A Soñar Contigo’ de su debut H o m b r e discográfico con Ediciones Milagrosas, Siguieron con M e n g u a n t e , ‘Completo y Funcional’, uno de los dos temas nuevos Senderos De que brotan de su nueva autoedición, para seguir con Gloria, Choose cuatro piezas creadas en sus comienzos: ‘La Máscara Me (Elígeme), (He Perdido Mi Sueño)’, segundo single extraído de Corazonada y su álbum debut y, uno de sus mayores éxitos, ‘Aquí La Cosa.

‘C

Estás’, tema que en teoría tuvo que aparecer como tercer sencillo, ‘Nostalgia Del Futuro’ y ‘Cristales Huecos’, uno de los temas primerizos y que nunca llegaron a plastificar con Polydor. Prosiguieron con ‘Calma’, la otra nueva creación del 2007 y que la ejecutaron magistralmente, continuando hasta

de mayor quiero ser… por José Luis Hoyos

max martin

s más que probable que, mientras escribo estas líneas, el productor y compositor sueco de 44 años, Karl Martin Sandberg, más conocido como Max Martin, se halle en su estudio diseñando el próximo número uno en su carrera como hacedor de milagros musicales. Ese futuro hit que, no me cabe duda, acabará arrasando en radio fórmulas, pistas de bailes y canales televisivos, haría el número 22 en su lista personal de números uno del Billboard americano, algo que sólo superan Paul McCartney y John Lennon. Además, Martin ha conseguido colocar (hasta la fecha) la friolera de 58 temas entre los diez primeros, una cifra absolutamente mareante.

ha sabido siempre elegir a los intérpretes de sus obras, aunque a estas alturas, después de más de 135 millones de discos vendidos, quizá sería más acertado pensar en que fueron ellos los que escogieron al autor correcto. ackstreet Boys, Britney Spears o Katy Perry deben su éxito mundial, en gran medida, al influyente músico sueco. En otros casos, Martin ha conseguido rescatar carreras en franco declive y darles un impulso comercial suficiente, como fue el caso de Bon Jovi o Pink. También es el responsable de asombrosas transformaciones: bajo su dirección Taylor Swift, icono juvenil del country, se ha convertido en una rutilante y global estrella de pop. numerar la nómina de artistas que han trabajado con Martin sería largo e innecesario. Pero sí quiero insistir en su faceta como definidor del mainstream del siglo XXI. Todos quieren trabajar con Martin. Consagradas figuras (Celine Dion, Def Leppard, Bryan Adams, A-ha, Maroon 5) y jóvenes promesas (Ariana Grande, Demi Lovato, Jessie J). Por eso, de mayor me gustaría ser Karl Martin Sandberg. Te-

E D

esde los inicios de su carrera el autor nórdico tuvo clara la receta del éxito: melodías pegadizas y versátiles, válidas para la radio fórmula y las pistas de bailes. Canciones facilonas pero bien estructuradas, que pudieran gustar a amplios sectores de población, sin importar la edad, el sexo o el estrato social. Max Martin

ner su fino instinto para el hit y su ojo clínico para detectar estrellas en ciernes. Armado con su varita mágica, Max es el puto amo de la industria musical, con el permiso de influyentes padrinos del hip hop y R&B, c o m o Usher y JayZ. l actual ritmo de producción Max Martin se convertirá en el año 2023 en el compositor de música comercial más exitoso de la historia. Y también en el productor más laureado. El músico más omnipresente desde que existen registros y clasificaciones. Dudo mucho que, a estas alturas, a Sir Paul McCartney le queden muchos conejos en la chistera. Pero nunca se sabe…

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el rincón del loco por Salvador Pérez Cuñat

Hojas promocionales que incluían los discos en ediciones muy limitadas, que hablan por sí solas. Incluyen texto con información inédita hasta la fecha..

El tiempo pasa (Valencia, octubre 2015)

Transversal (Valencia, noviembre 2015)

Soñar (Valencia, Octubre 2015) Abstracto (Coves De Belromà, octubre 2015)

Microscópico (Coves De Belromà, octubre 2015)

La guía (Coves De Belromà, octubre 2015)

Calor (Oropesa Del Mar, Octubre 2015)

Contrapicado (Coves De Belromà, octubre 2015)

la mirada de chuck fotografías de Ana Sánchez