Future Magazine - Nº 15 by FUTURE MAGAZINE

Enero 2016 - Número 15

eew

el esperado retorno de 091

eew

la calle 46: les fleur de lys

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algo más que música: samantha fox

Los Negativos regreso a tumba abierta

entrevista en exclusiva y las claves de su último disco eeeew

reportaje: de entrada… entradas

eeeew

manuel notario, un manager romántico

eeeew

fede comín, entre las dos mitades del mundo

Noticias discos cine conciertos entrevistas libros reportajes

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su ma rio

noticias nacionales

noticias internacionales

Entrevista: los negativos

discos nacionales 24 ¿te acuerdas? nacional

lola ¡atf!: manuel notario 29 discos internacionales 33 ¿te acuerdas? internacional

loladas: santoral 35 091: el regreso anhelado 36 algo más que música 40

Departamento De Ventas Elisabeth Barros futuremagazinepublicidad@gmail.com Teléfono: 663 50 99 16

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Redes Sociales Tomás Alias tomas@imusicarock.com

entrevista: fede comín 47

Maquetación revista Marah Villaverde marah@bipbip.media Diseño y fotografía Ana Sánchez anasanchez.futuremagazine@gmail.com Colaboradores Manel Ramodne, Rosa Ruiz, José Luis Hoyos, José Rodríguez, Irene Sánchez (Conciertos Solidarios), Salvador Pérez Cuñat, Geles Piquer, Lola Villajos Roldán, Gabriel Cámpora, Jim Aubareda, Paula Marchal Luque, Riot Press, Julia Navas Moreno, Vicente Ribas, Pablo Martínez Vaquero, José Liñán Navarro, Josep Lluis Navarro Rovira, Fernando Arellano, Carles Estrada, Commandant DJ y José Zamora Linares.

solidarity 44

los discos Ð commandant dj 50 la calle 46: les fleur de lys 52 libros 57 regreso al cine 58 de entrada… entradas 59 de concierto 61 los mejores discos de 2015 64 yo estuve allí 67 de mayor quiero ser… 69 el rincón del loco 71 la mirada de chuck 73

CHEMA FOMBONA

hema Fombona, batería de innumerables grupos asturianos y profesor de Percusión, Música de Cámara y Repertorio en el Conservatorio de Oviedo, falleció el pasado 16 de noviembre de forma repentina poco después de las doce y media de la mañana, mientras daba clase a una alumna. Nada pudieron hacer por salvar su vida ni los compañeros que le asistieron en un primer momento ni los servicios sanitarios que acudieron a intentar reanimarle. Todo parece indicar que un fallo cardiaco es la causa de la muerte de un músico irrepetible, “muy querido por todos sus compañeros en el conservatorio”, donde llevaba trabajando diez años, y todo un icono para multitud de músicos asturianos, que empezaron a enviar mensajes de pésame a familiares y amigos según se iba extendiendo la noticia. hema Fombona, hijo de otro gran músico, Tino Fombona, que acababa de cumplir 46 años, vivía en Noreña, pero su segunda patria era la carretera, como lo es la de muchos otros músicos. Bien sea de la mano de Los Berrones, grupo del que era batería y con el que hace nada llenaba de asturianos la sala Penélope de Madrid, con Logical Dream -la banda tributo a Supertramp nacida en Asturias- o con el astur-brasileño Vaudí, al que también acompañaba desde hace años, o de tantos otros grupos, su presencia a las baquetas era garantía de calidad. También destacaba Chema Fombona por su capacidad de sacrificio y su voluntad de ayudar en todo lo que podía. Desde defender públicamente la música en directo hasta su colaboración con la Fundación Yehudi Menuhin, en la que colaboró entre 2001 y 2003 enseñando música y creando proyectos musicales para niños y niñas con problemas de adaptación, o por su amor por las tradiciones asturianas: su tambor acompañó también en muchas misas de gaita.

CARLOS CANO

a Asociación Memoria Carlos Cano ha organizado un concierto de homenaje al fallecido cantautor con motivo del 70 aniversario de su nacimiento (28 de enero de 1946). El concierto tendrá lugar el 12 de marzo, en el Palacio de Deportes de Granada y contará con la participación de Miguel Ríos, Estrella Morente, Kiko Veneno, Silvia Pérez Cruz, Pasión Vega, J de Los Planetas, Mísia, Raúl Alcover, Soleá Morente, Luis Pastor y Lourdes Guerra. Las entradas saldrán a la venta el lunes 4 de enero por la mañana con un precio que oscila entre 14€ y 35€ (gastos de distribución e impuestos incluidos) y estarán disponibles en las siguientes plataformas: Ticketmaster, Red Entradas y El Corte Inglés, así como en los puntos físicos del Teatro Isabel La Católica, Halcón Viajes, Carrefour, FNAC, etc.

THE FOX 196

a joven formación de punk rock proveniente de Barcelona, fundada en 2010, acaba de poner en circulación una demo con cinco cortes, que se encuentra en descarga directa. Ya disponen de su primer videoclip y cuentan con la colaboración de Marcos de Gritando En Silencio en una de las canciones de su demo. The Fox 196 son Dez Caballero (voz y guitarra), Manel Prieto (bajo y coros), Joel Gil (batería) y Pablo López (guitarra y coros). Todos los beneficios online de su primer videoclip y de los lyrics videos serán donados a la Associació Catalana de Fibrosi Quística. Las canciones que componen la maqueta son ‘Banderas Moradas’, ‘Cocaína’ (con Marcos de Gritando En Silencio), ’Cocaína’, ‘Grabado A Fuego’ y ‘Jack y Dani’.

LULU

l que fuera vocalista, guitarrista y compositor de Forraje ya tiene fecha de entrada para grabar lo que será su primer trabajo bajo la nueva denominación. Se trata de un Ep con cinco canciones que va a ser grabado, arreglado y producido por Carlos Manzanares. Lulu explica que Manzanares, productor, entre otros, de gente como El Kanka o arreglista de El Niño De La Hipoteca, es “un pedazo de músico, de productor y de arreglista que ha entendido a la perfección lo que busco y con el que desde ya, estoy trabajando a distancia en la preproducción. El 5 de febrero empezamos a grabar en El tercero estudios de Benicarló”. Por otro lado, el 4 de marzo presentará a su nueva banda en Madrid, en la sala Hebe de Vallecas. Las primeras 30 entradas en promoción a 5 euros. Después pasarán a costar 8 euros anticipadas y 10 euros en taquilla. A la

INVISIBLES

e las entrañas de Re-Z nace Invisibles. Nuevo nombre, nueva imagen, nuevo disco pero el mismo alma y la misma denominación de origen: rock por los cuatro costados. ‘El Perro’ fue su carta de presentación hace unos meses, un tema directo y pegadizo, de esos que no te puedes quitar de la cabeza, mientras que ahora presentan ‘Noviembre’, una canción rockera con diferentes partes, que para y arranca, de corte urbano y cortes sesenteros, letra ardiente y mensaje claro. El disco estará disponible en descarga gratuita y en las principales plataformas el próximo 23 de enero, además ese día ofrecerán un concierto gratuito en la sala Moondance de Madrid, si quieres asistir (aforo limitado) tienes que conseguir tu invitación en Entradium y si eres unos de los 100 primeros en reservar te regalan el disco en la puerta. Además habrá regalos durante el concierto.

EL CAPITÁN ELEFANTE

a formación vizcaína El Capitán Elefante, cuyo nombre lo toman del libro ‘Como Me Convertí En Un Estúpido’, de Martín Page, han lanzado recientemente un nuevo Ep de cuatro temas, preludio de lo que será su segundo larga duración tras el primer disco titulado ‘Nuevas Coordenadas’. La formación actual está compuesta por cuatro músicos con más de quince años de experiencia y más de diez discos a sus espaldas. Javier Marcos, guitarra y voz; Jaime Marcos, guitarras; José Arribas, bajo; y Josean Valle, batería. Aunque las comparaciones siempre son odiosas, podrían recordar a grupos como Lemonheads, Placebo, Pearl Jam, The Clash, Radiohead, The Stranglers, The Jam, o a grupos nacionales como Los Enemigos,

Los Piratas o Los Planetas por nombrar algunos. Estas son las canciones: ‘Accidentes Provocados’, ‘Naves Espaciales’, Agoraphobia’ y ‘Otro Día Más’

ADRIAN LEVI

on motivo de la grabación del segundo disco de Adrian Levi ‘Undersongs’ se ha lanzado un proyecto Verkami para financiar su salida física. Así nos lo cuenta su autor: “Hola a todos. Soy Adrian Levi y estoy a punto de terminar mi segundo disco. Antes he capitaneado otros proyectos como Suidhe o Crow Jane, pero toda mi ilusión se centra en esta nueva aventura, que empezó hace un par de años con mi primer Lp, My Hidden Pockets. Lo publiqué sin mayores intenciones, pero poco a poco los conciertos se fueron sucediendo y el público creciendo a medida que tocábamos y tocábamos. Además, he podido consolidar una banda muy firme que me acompaña en este camino, como es el caso de Carlos Soler, Manolo Tarancón y José Rodríguez (Ambros Chapel), que se sumaron de forma natural y voluntaria y que van a seguir estando a mi lado en esta segunda aventura. Sin ir más lejos, en el caso de Carlos y Manolo han grabado y producido el disco. Todos los instrumentos los hemos tocado entre los tres, y el propio José ha hecho lo suyo con las baterías. En total, nueve canciones que pretenden consolidar este proyecto, a la vez que evolucionan hacia nuevos sonidos e inquietudes personales. Lanzo esta campaña porque el disco ya está casi terminado, y falta precisamente el tramo final: el de la edición. Por eso me he animado a proponeros estas recompensas que más abajo paso a detallaros, para que ese formato en Cd digipack pueda hacerse realidad. Con vuestras aportaciones podré hacerlo posible físicamente, con la seguridad e ilusión de que son las mejores canciones que he grabado. No solo vais a contribuir a la fabricación. También al diseño del libreto y al arte en general del mismo. ¿Os animáis?” Para más información: https://www.verkami.com/projects/13726-fabricacion-del-segundodisco-de-adrian-levi-under-songs

QUEEN

SCOTT WEILAND

ueen ofrecerá el próximo 22 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona su único concierto en España, como anunció la promotora Live Nation. Las entradas se pondrán a la venta el 5 de enero a las 10 horas. El grupo británico de rock actuará con Adam Lambert como vocalista, en sustitución del difunto Freddie Mercury. Lambert se ha convertido en miembro fijo de la banda, con la que ya ha realizado varias conciertos y espectáculos en televisión en 2012 y 2013, además de un total de 24 espectáculos con las entradas agotadas en la gira por EEUU en 2014. Con una carrera de más de 40 años y a pesar de la trágica pérdida de Freddie Mercury, Queen sigue siendo una de las bandas de rock que más venden de la historia gracias a canciones como ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Radio Ga Ga’ o ‘We Are The Champions’, entre muchas otras.

l ex líder de los grupos de Stone Temple Pilots y Velvet Revolver, Scott Weiland, falleció el pasado 3 de diciembre a los 48 años, según confirmó su esposa al periódico Los Angeles Times. Un comunicado en el perfil del músico en la red social Instagram detalló que Weiland murió en Bloomington (Minesota), donde se encontraba de gira con su actual banda The Wildabouts. Weiland nació el 27 de octubre de 1967 en Santa Cruz (California) y fundó a finales de los años 80 con los hermanos DeLeo y Eric Kretz el grupo Mighty Joe Young, que luego daría lugar a la banda Stone Temple Pilots. Con álbumes como ‘Core’ (1992) o ‘Purple’ (1994), Stone Temple Pilots alcanzó un gran éxito de ventas con su sonido a caballo entre el hard-rock y el grunge. Tras varias desavenencias y parones a lo largo de su trayectoria, finalmente el grupo californiano despidió a su cantante en febrero de 2013. Weiland, que afrontó problemas con las drogas y la justicia en varias ocasiones a lo largo de su vida, lanzó su carrera en solitario con el disco ‘12 Bar Blues’ en 1998 y formó parte desde 2002 del grupo Velvet Revolver, en el que también estaba Slash, guitarrista de Guns N’ Roses, con los que publicó dos álbumes.

ROY ORBISON

oy Orbison era conocido por sus inolvidables timbres de voz, una voz de barítono, capaz de convertir en cualquier canción en baladas poderosas. Pero para Alex Orbison era “Papá”. Ahora, está comprometido en la carrera del legendario cantante. Alex y sus hermanos publican un álbum inédito, sensacional trabajo que estaba olvidado y enterrado por las trágicas circunstancias en que se creó. One Of The Lonely Ones’ fue grabado en el año 1969, a raíz de la muerte de otros dos de los hijos de Roy Orbison en un trágico incendio. No había sido escuchado por muchas personas hasta ahora. Y, ahora, resucita en todo su esplendor, con temas fabulosos como ‘Sweet Memories’ o una imborrable versión del clásico del musical ‘Carrousel’. Por supuesto, estas canciones han sido debidamente remasterizadas y dispuestas además de en cd, en vinilo de 180

‘

gr. El mismo día de su salida, el 4 de diciembre, también se editó el box-set titulado ‘The MGM Years’, 14 vinilos de una etapa fructífera aunque no muy conocida.

LEMMY KILMISTER

l cantante británico, icono mundial del rock duro, falleció el pasado 28 de diciembre en Los Angeles a consecuencia de un cáncer fulminante días después de cumplir los 70 años. Encarnaba como nadie aquello de que los viejos rockeros nunca mueren. Lemmy Kilmister, líder de la banda británica Motörhead, parecía un tipo indestructible. “No le recomiendo mi estilo de vida a nadie”, reconocía en su autobiografía, publicada en 2002. “Aniquilaría a cualquier persona normal, no es ninguna broma”. Y después relataba como en 1980, tras dos décadas de desmedido consumo de anfetaminas y todo tipo de drogas, decidió hacerse una transfusión completa de sangre a lo Keith Richards para desintoxicarse. Pero el médico le recomendó no hacerlo: “Ha dejado usted de tener sangre humana, y tampoco puede ser donante. Ni se le ocurra. Su sangre es tan tóxica que mataría a una persona normal”. in embargo, Lemmy siguió consumiendo, fumando, bebiendo y dando conciertos como si fuera inmune al paso del tiempo. Por eso la noticia de su fallecimiento, un 28 de diciembre, ha llevado a muchos a pensar que se trataba de una inocentada. Pero no lo es: el carismático bajista, icono mundial del rock duro, falleció en su residencia de Los Angeles (EEUU) a consecuencia de un cáncer fulminante, apenas unos días después de cumplir los 70 años, según han confirmado sus compañeros de banda mediante un comunicado. otörhead había celebrado durante este 2015 su 40 aniversario en los escenarios con la publicación de un nuevo disco, ‘Bad Magic’, su vigesimosegundo álbum de estudio, y preparaba una nueva gira a partir de enero que pretendía hacer parada en nuestro país con actuaciones en Barcelona y Madrid durante el próximo mes de febrero.

EDITH PIAF

l 19 de diciembre de 1915 nació en París, Edith Giovanna Gassion, mundialmente conocida como Edith Piaf. Por lo tanto el 19 de diciembre pasado se cumplió un centenario del nacimiento de uno de los referentes internacionales de la canción francesa. Su estatura no llegaba al metro y medio, por eso se autodenominó ‘gorrión’ (‘piaf’, en francés) cuando consiguió su primer éxito a la edad de 20 años. Poco después moría su por entonces maestro, lo que la desterraría a la pobreza de la Francia de principios de siglo. No tardaría mucho en resonar en todas las radios galas de la mano de Raymond Asso, su amante y compositor, y la pianista Marguerite Monnot. Vida efímera en rosa Acabada la Segunda Guerra Mundial, había llegado a lo más alto del panorama de la canción francesa, pero en 1946 conquistaría los corazones de medio mundo con ‘La Vie En Rose’, que une a través de una letra profunda y sincera a toda la humanidad. ras pasar en su madurez por diversas desgracias (uno de sus grandes amores, el boxeador Marel Cerdán, falleció en un accidente un año después de conocerlo), los médicos recomendaron a Piaf que dejara los escenarios en 1960 después de una corta pero intensa carrera. Dos años después del último concierto que la cantante dio acompañada de grandes amigos en la que cantó ‘Je Ne Regrette Rien’ (No me arrepiento de nada), Edith Piaf dejó este mundo a la edad de 47 años, en 1963. Su música y su voz serán recordados para siempre.

HONKY CHATEAU

l Honky Chateau, el famoso estudio de grabación, introducido en un castillo francés, a las afueras de Paris, está siendo reformado y se reabrirá en 2016. Hugh Schofield tenía un tour exclusivo para visitar el Chateau d’Herouville, donde se exponía el piano original utilizado por Elton John en ‘Goodbye Yellow Brick Road’. Y allí ha languidecido durante más de 30 años, puesto en un ático. Una vez se llamó Honky Chateau, porque ese fue el nombre que Elton John dio a uno de sus estudios favoritos: el Chateau d’Herouville. Entre 1972 y 1973, los tres álbumes más queridos de Elton se grabaron en ese desván del castillo del siglo XVIII. Es decir: Honky Chateau, ‘Do Not Shoot Me, I´am Only The Piano Player’ y ‘Goodbye Yellow Brick Road’. A principios de los años 70, todos los grandes fueron a grabar allí. Incluido David Bowie con su ‘Pin Up’. El estudio se ganó el apodo de “Abbey Road de Francia”. A sólo una hora fuera de París, el Chateau ofrecía servicios de grabación de primera clase. Pero lo que también atrajo la talla de T Rex, Cat Stevens, Pink Floyd y, más tarde, a los Bee Gees, Richie Blackmore, Iggy Pop, etc… El estudio en sí era un estilo de vida. Era también una especie de hotel. Los músicos no sólo hacían música. Podían dormir, comer, vivir y grabar. ás de 30 años después, el castillo comienza a respirar de nuevo. Cuatro amigos franceses con larga experiencia en el negocio de la música, han encontrado el dinero para comprar el castillo y comenzar la restauración de los estudios en su antigua gloria. Saben que la tarea por delante es larga y costosa.

JOHN “BRAD” BRADBURY

l batería de la banda inglesa The Specials, John ‘Brad’ Bradbury, falleció el pasado 29 de diciembre a los 62 años, según confirmaron sus compañeros a través de las redes sociales. «Con gran pesar decimos adiós a nuestro gran amigo, el mejor batería del mundo, nuestro querido Brad. RIP», puede leerse en el mensaje en Twitter de The Specials, recogido por Future Magazine.

GURU JOSH

l año 2015 con otra de esas despedidas inesperadas. Guru Josh, el que fuese uno de los grandes representantes de la cultura rave en Europa, falleció el pasado 28 de diciembre en su casa de Ibiza a los 51 años de edad. La noticia no llegó a los medios hasta pasados unos días, cuando su agente, Sharron Elkabas, confimara la fatal noticia al medio The Guardian. Aunque en un principio solo se hablaba de una muerte “por causas desconocidas”, ha sido su propia familia quienes a través de un portavoz aclararon que Guru Josh falleció después de una corta enfermedad: “Estamos consternados y con el corazón roto tras haber perdido a alguien tan dinámico y creativo de nuestras vidas en circunstancias trágicas y prematuras. Paul era una persona muy querida en la familia. Le vamos a echar mucho de menos”. aul Walden nació en Jersey el 6 de junio de 1964 y comenzó su carrera en la discoteca Sands bajo el nombre de Syndrone. Una vez se trasladó a la isla de Ibiza fue donde comenzó a ser una cara conocida dentro del circuito de clubes de moda de la isla, ya como Guru Josh. Su gran salto a la fama se producía en el año 1989, cuando su tema ‘Infinity’ se convertía en un éxito en gran parte de Europa, llegando a alcanzar el número 1 de las listas en diez países. Tras la fiebre de ‘Infinity’, Guru Josh continuó con nuevos proyectos, ya dentro del mundo de la producción multimedia, como fue Dr Devious And The Wisemen. Pero el boom de ‘Infinity’ aún no había acabado. Fue en el año 2008 que el gran éxito de Guru Josh renaciera para lograr hacerse con una nueva legión de fans de la generación actual, repitiendo el mismo éxito en las listas que ya viviese a principios de los 90.

ohn ‘Brad’ Bradbury (16 febrero 1953 - 29 diciembre 2015) era un multi instrumentista nacido en Coventry, conocido principalmente por su papel como batería de la banda de ska The Specials. Brad se unió al grupo en 1981, cuando la formación original de 1977 se separó en 1984. Pero Brad volvió a enrolarse en The Specials en 2008 y se mantuvo en activo hasta su fallecimiento. Algunos de los principales éxitos del grupo fueron ‘Free Nelson Mandela’, ‘A Message To You Rudy’, ‘Ghost Town’, ‘Too Much Too Young’ y ‘Gangsters’.

NATALIE COLE

atalie Cole, cantante de jazz, soul y R&B, ganadora de varios discos de platino y heredera de la leyenda del jazz Nat King Cole, falleció en la noche del 31 de diciembre, según informaron varios medios estadounidenses. Natalie, de 65 años, siguió con el legado musical de su padre durante décadas, tras la muerte de éste por cáncer de pulmón en 1965. La publicista Maureen O’Connor informó de que Cole murió la noche del jueves, pero no dio más detalles sobre su fallecimiento, aunque la web especializada en celebrities, TMZ, publicó que la muerte le ha sobrevenido, en un hospital de Los Ángeles, a consecuencia de una “insuficiencia cardíaca”. Cole había padecido numerosos problemas de salud en los últimos años. En febrero de 2008 le fue diagnosticada una hepatitis C y un año después se sometió a un trasplante de riñón. El pasado otoño se vio obligada a cancelar una gira al experimentar una recaída. Natalie Cole disfrutó de una exitosa carrera que abarcó varias décadas, desde su llegada al estrellato en 1975 con su álbum debut, ‘Inseparable’ (incluía el tema ‘An

Everlasting Love’), que la hizo acreedora de sus primeros dos Grammys como Mejor Artista Revelación y Mejor Interpretación Femenina R&B. u gran éxito y su momento más memorable, sin embargo, llegaría en 1991, cuando grabó el dueto virtual ‘Unforgettable... With Love’, acompañada de su padre, Nat King Cole. El disco permaneció cinco semanas en el número uno, ganó seis Grammys y vendió más de 14 millones de copias en todo el mundo. ole tuvo que luchar con una adicción devastadora a la cocaína, hasta que su representante la envió “dando patadas y gritos a una clínica de desintoxicación”, en 1983, según recordó la propia cantante. Antes había experimentado con otras drogas como el LSD y la heroína, pero fue la cocaína la que hizo que su carrera y su matrimonio se tambaleasen. El primer intento de rehabilitación falló, pero el segundo fue un éxito y Natalie Cole fue capaz de mantener el control durante el resto de su vida. Cole, que recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, escribió un par de libros de memorias y apareció en un espacio de televisión en 2001.

MICHAEL JACKSON

a Asociación de industrias discográficas de Estados Unidos (RIAA) anunció que el disco ‘Thriller’, de Michael Jackson, ha vendido más de cien millones de copias en todo el mundo, manteniendo el récord de álbum más vendido de la historia. Los álbumes recopilatorios de Eagles y Billy Joel están detrás en la lista de los más vendidos. El que muchos consideran mejor trabajo de la historia de la música pop, con temas tan icónicos como ‘Billie Jean’, ‘Beat It’ o el propio ‘Thriller’, se alzó con el puesto de más vendido tan solo un año después de su salida a la venta en 1982. 32 años después, la RIAA, que concede discos de oro y platino a los artistas de todo el mundo, declara que “es la primera vez que un artista consigue treinta veces un disco de platino (30 millones de discos)” solo en Estados Unidos, en palabras del presidente de la asociación, Cary Sherman. El segundo disco más vendido en EE UU continúa siendo ‘Greatest Hits 1971-1975’ del grupo californiano Eagles, con 29 millones de discos. Le sigue otra recopilación, esta vez de Billy Joel, con 23 millones de ventas.

“Duplexín”, el nuevo álbum del más legendario grupo español ‘60’s inspired’

los negativos

regreso a tumba abierta

Siguen en pie y presentan nuevo album treinta dos años después de su sorprendente debut. Ocurrió en 1984, en el Antic Mercat del Peix de Barcelona durante el festival “La Cresta de la Ola”. No estaban en cartel, pero fueron llamados al escenario a última hora. Era su primera actuación pero bastó para demostrar al aposentado movimiento mod barcelonés, casi exclusivamente arraigado al power-pop británico, que existían más referencias aparte de The Jam o los Who. Espejos en los que reflejarse tan lejanos como los estadounidenses Byrds y tan cercanos a determinados grupos españoles de los años 60 como, entre otros, Los Salvajes. Con ellos, la psicodelia y el ‘garage’ llegaban a la Península. Paula Marchal Luque

a combustión de su compendio de influencias musicales y estéticas les otorgó un grado underground diferente, hasta convertirles en un grupo de culto. En 1986, tras editarse en flexidisc, ‘Moscas y Arañas’ se convertía oficialmente en el primer hit de su álbum de debut, ‘Piknic Caleidoscópico’, siendo el tema de Los Negativos más versionado por diversas bandas de varias generaciones musicales. Eso fue la primera etapa de la formación, cuando todavía estaba el recorda-

do Alfredo Calonge, uno de sus miembros fundadores, tristemente fallecido inesperadamente hace año y medio. Realizamos esta entrevista a la banda sólo unas horas antes del concierto que ofrecieron en la sala Apolo 2 de Barcelona, dentro de la gira de presentación de su último trabajo, “Duplexín”, en el que llegó a intervenir Alfredo. Acudimos a una actuación especialmente emotiva para el grupo por la ausencia (sólo física) del citado compañero. La experiencia también resulta extraordinariamente apoteósica en el escenario. Es la primera cita de la presentación en directo

del disco por varias salas de toda España. El punto importante de arranque de la gira son citas como la de hoy y la de Madrid, continuando con Zaragoza ¿Qué balance podemos hacer, a día de hoy, de la gira? Raúl Costafreda: Muy bueno. Estamos disfrutando de un momento realmente muy especial y de algo inédito en Los Negativos; tocar con un teclista en vez de dos guitarristas. No por guardar el puesto a Alfredo, que también, sino porque el disco se merecía unas texturas más dramáticas. Así que hemos contratado, entre comillas, a Joan porque todos somos amigos. No sabíamos muy bien cómo iba a reaccionar el público pero ha tenido muy buena acogida porque supongo que el disco está gustando mucho y la gente viene a escuchar y a descubrir. Unos nuevos Negativos, quizás.

«“

Duplexín” también va a ser un disco de Alfredo Calonge»

El concierto que vais a presentar esta noche aquí en la sala Apolo 2 de Barcelona, obviamente será muy especial para vosotros por motivos sentimentales puesto que por estas fechas, hace un año, se ofrecía un homenaje a vuestro compañero, Alfredo Calonge y que reunió a un elenco de artistas realmente importante, entre ellos, algunos de los grupos con los que compartió proyectos musicales Alfredo. ¿Qué significó para vosotros este concierto homenaje? Carles Estrada: Es gente que nos hemos ido en-

contrando a lo largo de todos estos años y son amigos y queríamos hacerlo entre amigos. De la manera que se celebran los cumpleaños. No quisimos celebrar su marcha, quisimos hacer simplemente una fiesta porque es lo que a él le habría gustado; que estuvieran sus amigos ahí reunidos cantando las canciones del primer disco que hicimos, “Pinknik Caleidoscópico”, que

seguramente es el más recordado de él hasta la fecha, aunque estoy convencido de que “Duplexín” va a ser también de él. De entre los grupos que participaron en ese homenaje, es sabido que existe un vínculo de amistad especial con Sex Museum, precisamente portada del número anterior de esta revista con motivo del 30 Aniversario del grupo madrileño. Carles Estrada: De siempre, porque nos conocimos cuando los dos grupos estábamos empezando en el año 85 y nos caímos muy bien desde el principio. Hubo una afinidad personal incluso superior a la musical. Aunque musicalmente nos movemos en espacios próximos y compartimos muchos gustos, somos grupos bastante diferentes. Sobre todo, la afinidad es a nivel personal. ¿Y qué tal vuestra relación con el resto de los grupos en general? Carles Estrada: Muy buena. Con los años te das cuenta de que llevamos, todos, mucho tiempo en la misma trinchera. Cuando tienes 20 años te dejas llevar por tonterías que, con el transcurso del tiempo, parecen insignificantes. Llevamos mucho tiempo en el mismo lado, luchando por lo mismo, peleando por hacer nuestra música y eso es muy meritorio. Pero sí es verdad que, al principio, hubo una acusada rivalidad entre las diferentes bandas mods o sixties en Barcelona. Carles Estrada: Era normal porque competíamos por el mismo público lo cual era una gilipollez porque, al final, el público se puede compartir perfectamente y, de hecho, cuantos más grupos hay, más escena se crea al tiempo que nos beneficiamos todos. Por cierto, es curioso y también de agradecer que, paralelamente a vuestra gira, Brighton 64 mantiene la suya. Incluso tocáis en ciudades y locales comunes.

lógicamente nos ayudó muchísimo. Lo cierto es que, hasta esa época, los grupos más representativos del movimiento mod de Barcelona (Telegrama, B-64, Sprays, Kamenbert…) basaban su música casi esencialmente en los sonidos británicos del Revival Mod, lo que viene a ser principalmente el power pop. Pero de pronto, llegáis vosotros con una propuesta diferente, conseguida a base de sumar las referencias más sofisticadas -como el garage, el punk o la psicodelia- a influencias de otros estilos procedentes de bandas estadounidenses como los Byrds e incluso del pop español de los 60’s y los 70’s… ¿Estas características os convirtió en un grupo con marca personal, sin una etiqueta concreta? Carles Estrada: Es que ellos hacían lo que en aquella época se conocía como revival mod basado en lo que empezó con The Jam y Sret Affair y gran número de grupos ingleses. Noso-

Los Negativos - Foto: Olga Marco

Carles Estrada: Sí. Es que, al final, el circuito es el que es. Tampoco es que nos pongamos de acuerdo. Es lo que queda de ese circuito; las salas que todavía pelean por estar ahí, por ofrecer música en directo y alternativa. Es así de complicado y así de sencillo. Os invito ahora a que hagáis una retrospectiva en el tiempo. Nos situamos en 1984, en el Antic Mercat del Peix. Concurrís a vuestro primer festival, “La Cresta de la Ola” junto a Brighton 64, Kamenbert, Wom! A2 y Nervios Rotos. ¿Fue para vosotros; importante, determinante para vuestra trayectoria o, simplemente una actuación más? Carles Estrada: Fue determinante. No porque fuera un festival sino porque fue nuestra primera actuación. En principio, no estábamos ni en el cartel. Salimos al final, a última hora y sólo tocamos cuatro canciones pero nos sirvió para que ese público, que iba a ser nuestro, nos conociera. Y en ese sentido, claro que fue determinante porque a partir de ahí empezaron a apoyarnos, empezaron a venir a nuestros conciertos y eso,

tros, aunque teníamos a dos mods en nuestras filas, Alfredo y Roberto, no éramos un grupo mod. Yo no era mod y Valentín tampoco. La música que nosotros escuchábamos abarcaba un sentido mucho más amplio en la música de los 60’s. El revival mod, de hecho, no se apoyaba en la música de los 60’s mod sino en estos grupos británicos que tenían ese punto punk. Nosotros bebíamos de otra tradición que, aunque cercana y por eso fuimos bien aceptados por ellos, era diferente y en ese sentido, claro que abarcamos personalidad incluso a nivel estético. Nuestra estética era bastante personal y, sobre todo, diferente a la que llevaban estos grupos.

«H

abía dos mods en el grupo, pero no éramos un grupo mod»

¿Cuál es vuestro concepto del movimiento mod en general? Carles Estrada: Tendría que contestarte Alfredo o Roberto. Yo no era mod pero mi hermano sí. Por eso también conocí esta escena. Básicamente el movimiento mod clama a la inmediatez, a disfrutar el momento, vivir el famoso carpe diem.

alma de un conocimiento chamánico, que con ideas convertidas en letras nacidas de sus sueños, logró dar esa vuelta de tuerca y hacer que una canción sonara distinta y enmascarar sus influencias frente al público. ‘Duplexín’ el disco que vio la luz justo después de su partida. “El día en que yo muera que me hagan un panteón de Gaudí”. En mi humilde opinión, es el resultado final que debió ser ‘18º Sábado Amarillo’, donde cada uno intentó escribir su canción, aquello quizá fuera demasiado pronto para ese tipo de aventura. Los temas de ‘18º Sábado Amarillo’ son ricos en matices que te hacían adivinar quien de la banda compuso el tema, pero aquí si, sintiéndolo mucho, puedo decir que fue una producción mísera, nefasta e indigna para el grupo. Ya lo he mencionado antes, una aventura Eran épocas de recorta y pega, épocas temprana y el momento inadecuado. de Fanzines, Radio Caroline, Pravda, Reacciones y tantos más... Allí nació ‘Dúplexín’ es la extensión de ‘PikLa Secta Violeta y la revista Ansia nik Caleidoscópico’, donde una vez De Color donde Fernando Campillo más los sueños del Capitán Escarlaera el único capaz de poner orden en ta guiados por la magia de Valenti, la “redacción”; nadie puede llegar a Carles y Raúl, nos regala esa música imaginar a tantas personas habiendo atemporal y que pocos, muy pocos, durante todos estos años se atrecomido un “caramelo” pez... Si tuviera mil páginas en las que po- vieron a componer y grabar ese tipo der imprimir anécdotas, sueños, re- de canciones. Como escribió en una tazos, historia de la música en nues- canción otro querido amigo… Llegaré tro país… Terminar de tejer la red de hasta lo mas alto, ya veras... Alfredo ‘Moscas y Arañas’. Pero no es posi- llegó alto, pocas veces la puertas de paraíso de los músicos suelen abrirble. se, como sucedió hace poco, y un mes La música me regaló vida, la fortuna de mayo en que el azul se convirtió de conocer a grandes personajes, de en gris y se hizo la noche en la ciuvivir momentos por los cuales mu- dad. chas personas hubieran vendido su Sigo soñando con Alfie, con Kike jualma al diablo. Uno de esos personajes fue Alfredo gando con su moneda antes de llegar Calonge, el “Mod” de Badalona, con a La Vía o al Agapo! Caminos por reél aprendí a escuchar discos de los correr, os quedan y me quedan, AlCream, de la Velvet e incluso de Evo- bert, Ricky... lution, Máquina... aprender de un La Secta del Canario seguirá volanmúsico, un amigo que se convirtió en do, The Pinker Tones ex Bondage, sehermano, en esa parte de la balanza guirán experimentando y creando… que lograba hacernos reflexionar en Aunque ya nada sea igual sigue exissilencio, sobre los actos y sus conse- tiendo un club al que hay que bajar cuencias. La voz de un sabio que sin por una escalera en espiral, donde llegar a la vejez vivió, vio y llenó su no existe el derecho de admisión.

“sagrada” Biblia Mod. Cambiamos hábitos en el vestir, trajes al estilo de los Flamin’ Groovies, camisas de paramecios resplandeciendo bajo el sol. A dejarnos querer por el efecJosep Lluis Navarro Rovira to 67/68, a conocer a otros grupos como The Flashback Five... de todos Empezaré como un querido amigo, ellos aprendimos un nuevo modo de unas amistades a las que llamó “favida. milia” en sus palabras ya escritas dedicadas a Sex Museum.

Recuerdos desde la Buhardilla del Lirón

Todo empezó en un concierto en el colegio Chaminade en Madrid. Donde se respiraban noches en el Rock-Ola, encuentros en El Templo Del Gato, ese Madrid que tanto le debe a uno de los pocos políticos honrados, que quiso creer en las mal llamadas tribus urbanas y los grupos que de allí surgieron. El profesor Don Enrique Tierno Galván, que sabía que la música, era y es cultura y un retrato de la sociedad, de la gente, de las calles de cualquier ciudad, mas allá de ideologías, colores y banderas. Allí coincidieron Los Negativos junto a Sex Museum, dos bandas que muchos años después siguen en la carretera. Les quedan muchas letras y canciones que escribir y mucho por delante. Pertenecen a esa clase de músicos capaces de reinventarse a ellos mismos, sin perder ni un ápice de sus orígenes, sin necesidad de venderse al mejor postor. Las conspiraciones de juventud de Carles Estrada junto a Valentí Morató dieron origen a la banda, tuvieron la fortuna de encontrar a sus almas gemelas, Robert Grima, actual presidente de Live Nation España y el genio, el gurú de los sueños en technicolor: Alfredo Calonge Martínez. Allí nació ese ‘Piknik Caleidoscópico’, un disco capaz de romper cánones escritos y pautas marcadas. La fortuna de tener como productor y quinto Negativo a Enric Lindo. Yo era un Mod más de los ochenta, junto a Víctor López y Ringo Julián nos dejamos arrastrar por su música, sus letras. Aprendimos a no cerrar la mente, a ver más allá de la

Lp Piknic Caleidoscópico (Victoria, 1986)

Raúl Costafreda: El movimiento mod se adaptó al revival que surgió en Inglaterra en el año 64 ó 65. Sí, fue artístico y también un poco violento. Tenía ese toque punk de reivindicación. Carles Estrada: Sí pero la filosofía se muestra más en las canciones, como en el tema de Brighton 64 “Cinco días son para morir y dos para vivir”... el fin de semana. Es hedonista a tope ¿no?... soy joven y voy a hacer lo que sea para pasármelo bien. Creo que esa es la fuerza del movimiento mod y por eso tiene tanta energía. Raúl Costafreda: Pero se suponía que duraría poco, que tendría que haber sido un movimiento instantáneo, esa es la fórmula de los mods. Lo que pasa es que, por necesidades de la historia social, la gente se vuelve a acoger a estos movimientos y vuelven a resurgir. Hasta el momento en que no cambie algo; el rock and roll seguirá sonando, el movimiento mod seguirá existiendo y al punk se le llamará “pink”, pero es una necesidad de los jóvenes.

«L

as ‘canciones himno’, normalmente, suelen ser canciones sencillas»

A pesar de las mencionadas diferencias musicales, lo cierto es que vuestro primer LP ‘Piknic Caleidoscópico’ (Victoria, 1986), se convirtió en una referencia mod, amén de sixties, llegando a encabezar diversas listas de éxito aquel año. Os convirtió en grupo de culto y, uno de sus temas, ‘Moscas y Arañas’ fue muy versionado por otras bandas. ¿Es el tema icono de Los Negativos por excelencia?

Los Negativos - Foto: Olga Marco

Carles Estrada: Bueno, si yo te dijera que era el tema que menos me gustaba cuando lo grabamos, con eso te lo digo todo. Es un arquetipo de garage y, como todo arquetipo, resulta más fácil de entender que otros temas que recoge el disco y que me parecen mejores desde el punto de vista compositivo pero también son mucho menos directas. Y ahora voy a decir una cosa que puede sonar pretenciosa pero normalmente, las “can-

ciones himno” suelen ser canciones sencillas. Vendrá un nuevo trabajo en 1987, ‘18º Sábado Amarillo’ y poco tiempo después la disgregación del grupo. ¿Qué ocurrió en la banda para llegar a esta división y cómo fue la reconciliación que derivó en la grabación de ‘Dandies Entre La Basura”? Carles Estrada: En el 87 publicamos nuestro segundo disco y en el 88 nos separamos. Roberto y Alfredo por su lado y Valentín y yo por el nuestro. Ellos montaron Doctor Love y nosotros continuamos con la banda. Buscamos gente, entre ellos Carlos Ordax que tocaba con Los Bisontes, de hecho siempre ha seguido tocando en el grupo (es su banda de referencia) y otros músicos como Dani Frontadom con los que sólo grabamos un EP para el fanzine “Ansia de Color”. En 1995/6 firmamos con Aleluya y, aunque ya teníamos a otro músico, Albert Ramírez, invitamos a Alfredo para incluir otro instrumento musical en una canción y nos dimos cuenta de que teníamos que estar juntos, que él tenía que volver a Los Negativos. En febrero de 2014 aparece el single adelanto del que será vuestro sexto álbum ‘A Tumba Abierta’. En mayo de ese año fallece Alfredo Calonge, justo una semana después de haber terminado ‘Duplexín’ que se publicará en enero de 2015. Tanto

el título como la letra del tema, llaman poderosamente la atención por las connotaciones adquiridas con la partida de Alfredo. Para vosotros ¿cobra este tema especial relevancia a la hora de interpretarlo en el escenario? Carles Estrada: Es la canción de Alfredo. Siempre que tocamos el tema sabemos que es la canción de Alfredo. De hecho, todo el disco respira a Alfredo. Cualquier cosa que hagamos como Negativos nos lo recuerda pero es que además, esa canción habla de él. Es lo que él dijo en una entrevista con Kiko Amat y si hay una canción que realmente le define, es esa. ¿Es ‘Duplexín’ vuestro mejor trabajo? Carles Estrada: Yo no diría que es nuestro mejor trabajo, creo que está a la altura de nuestro me-

jor trabajo. Las cosas, a veces, son difíciles de comparar. No podemos Formación Original (F. Sumber) comparar “Piknik” que es un disco del ‘86, cuando teníamos 26 años, con un disco del 2015, cuando tenemos 50. En todo caso, creo que es nuestro mejor trabajo. ¿Cómo definiríais la evolución de vuestra trayectoria a lo largo de estos años a pesar de las circunstancias? Carles Estrada: Somos como el Guadiana, vamos entrando y saliendo. Lo dije el otro día en una entrevista, vivimos en un mundo paralelo. Nosotros vamos sacando discos cuando nos apetece y desaparecemos cuando nos apetece, eso nos da una cierta libertad. Nos hubiera gustado, como probablemente a todos los grupos, estar en el circuito y vivir de la música pero, a cambio, disfrutamos de una libertad que nos permite hacer las cosas cuando realmente tenemos algo que decir y cuando tenemos ganas de decirlo algo que también nos da mucha libertad creativa. Raúl Costafreda: De hecho, el grupo está activo desde 2006, lo que pasa es que como todo el mundo tiene su trabajo (el único que se dedica a la música exclusivamente soy yo) pues hay que hacerlo de esta manera, con mucho cariño y de ahí salen

obras como “Duplexín”. Y que, después de cuatro años, nadie te pide que saques otro disco enseguida y ese respeto está muy bien, es algo que pocos grupos tienen porque los que están en el circuito tienen que estar ahí, publicando cada año o cada dos años. Siempre se os ha catalogado de ser más contundentes y enérgicos en directo que en el vinilo, en las grabaciones… ¿Os crecéis, pues, en el escenario? Carles Estrada: No es cuestión de crecerse. Para mí, son dos cosas diferentes. Un estudio te da una serie de posibilidades creativas y artísticas que son diferentes que son diferentes a las que te ofrece el escenario. En este último, el efecto siempre es más inmediato, notas la energía del público, tu propia energía. Por eso tampoco nos planteamos hacer las canciones en directo exactamente igual que en el disco. Nos gusta creer que la gente que viene a nuestros conciertos quiere ver otra cosa. Y ya, por último, ¿cuáles son vuestros proyectos más inmediatos, a partir de esta nueva etapa? Raúl Costafreda: Estamos preparando un documental que tiene su base en la vida Alfredo Calonge (Olga Marco) de Alfredo y que todavía se ha de acabar de definir pero que tiene intenciones de ser una película. Aparte, preparamos material porque estamos pensando en hacer una recopilación de lo mejor de estos más de treinta años… y seguir con la gira. Nos gustaría realmen-

te tener más conciertos y, ahora que tenemos tan buenos amigos que se han unido a esta estupenda banda, estaría bien sacarle provecho. Así que estamos abiertos a que nos propongan cosas y seguir tocando por ahí presentando “Duplexín”, que es un disco que se lo merece. No nos cabe duda que el público seguirá demostrando su respeto por los “Graduados en Underground” estatales. El pasado fue suyo; ahora viven un presente a disposición del futuro, siempre abierto a los grandes, como ellos.

charlamos sobre duplexin con

Carles Estrada Una entrevista de Jim Aubareda

Duplexin es el disco de 2015 de Los Negativos, un vinilo con catorce magníficas canciones que por momentos parecen treinta, dados los cambios constantes en los ritmos y en los tiempos, dada la extraordinaria calidad de los músicos, la complejidad de los arreglos, la magnífica producción de Enric Lindo y la versatilidad de la voz de Carles, capaz de abarcar los más amplios registros. Con él, con Carles Estrada, charlamos a continuación sobre los temas del disco. JIM: Callejeando en soledad abre el disco. Una canción que yo tildaría de pop barroco y que cuenta con esos coros introductorios a capela deliberadamente deudores de Brian Wilson. No percibo nostalgia, pero sí reivindicación de una época, de una trayectoria. Pese a que Duplexin sea plenamente un disco de 2015, están muy presentes las vivencias del pasado. CARLES: No pretendemos ser nostálgicos pero es inevitable hablar de lo que conocemos y eso nos lleva a menudo al pasado; al nuestro, por supuesto. En cuanto a la reivindicación, nuestra existencia y el hecho de seguir sacando discos ya es en sí una reivindicación. Las chicas del bar del canal incluye un fraseo muy r’n’r; me parece un tema en cierto modo velvetiano, con Sweet Jane muy presente y un punto también muy stoniano en los coros. Y el bar del canal estaba en nuestro barrio, ¿no? Sí. Estoy de acuerdo contigo. Tanto Velvet Underground como los Stones han sido y son grupos de referencia para nosotros. En cuanto al bar del canal, es un bar que actualmente está en traspaso pero cuando Valentí y yo íbamos al instituto, Sant Josep de Calassanç entonces, vendía buñuelos de bacalao y era un lugar de reunión habitual. Toda la canción es un homenaje a esa época; Adrián es un compañero de clase que además me enseñó los primeros acordes, y «Calcetines» y «La chica de ojos azules» dos chicas preciosas e inalcanzables que protagonizaron mis sueños en más de una ocasión. Pictures of Lily! Duplexin, el tercer tema y el que da nombre al disco ¿qué significado oculta? Yo lo conozco, pero tal vez no nuestros lectores. En esta canción, como en todo el álbum, la gran calidad de las letras recrea un imaginario que no por pertenecer a una época pretérita resulta nostálgico. En Duplexin, la psicodelia con que se inicia el tema deriva en un gran estribillo pop. Y ésta es una de las grandes virtudes de siempre de Los Negativos: crees que estás escuchando una canción y de pronto te encuentras con tres a la vez. Duplexin habla del sueño de dos adolescentes que se convirtió en realidad. Habla de Valentí y de mí. De cómo planeamos llevar nuestro mundo a los surcos de un vinilo. Duplexin era un juego que inventamos pero ahora me doy cuenta de que en realidad fue mucho más; fue

un laboratorio. Psicodelia en Salambo Road, más acústica, de nuevo con una letra muy cuidada donde las referencias populares se mezclan con otras más cultas y las anglófonas con las francófonas. Me encantan la voz y las guitarras, me recuerdan por momentos a los Kinks y remiten al Londres del 65, aunque siempre llevada por Los Negativos a su terreno. Fue la última canción que entró en el disco y la última letra que escribimos. Lo hicimos como antes, a cuatro manos. Estoy especialmente orgulloso de esta letra. Le da sentido a la canción. Nace en la profundidad de nuestros recuerdos comunes, de las largas horas que pasamos sentados sobre la cama de mi pequeño cuarto de la calle Agudells planeando cómo hacernos famosos. De las largas horas sentados en el sofá de skay rojo de la calle Pedrell escuchando música mientras escribíamos poemas. Ansia de color, aparte de concordar con el nombre del mítico fanzine, tiene una entrada muy Beatles, y aunque habla del asesinato de John Lennon, me recuerda más al George Harrison luminoso de What is life, por ejemplo. Luego, como siempre, la canción trascurre por sus propios y «negativos» caminos. Sí. Alfredo opinaba que el perfume harrisoniano era excesivo pero todos estuvimos de acuerdo en que eso nos pasaba a menudo. En Los Negativos somos muy de Harrison y esto, al final, nos delata. El cielo bajo mi cama, que he redescubierto escuchando de nuevo el disco. Una canción acústica, casi folk, que me ha llevado a recordar a grupos vocales como Cánovas, Adolfo, Rodrigo y Guzmán, y que cuenta con unos fascinantes arreglos de guitarras que le otorgan un aire más barroco a medida que avanza el tema. Gran letra de Valentí. Un tema que nos enganchó desde el principio y que merece más atención. Especialmente orgulloso del trabajo con las voces y de poder contar con Marta Ruiz de Sex Museum a los teclados. Turmix, que cierra la cara A y que como es sabido es un homenaje a Kike Turmix y también a un estilo de vida, a una época, a unos tiempos en los que vivimos al límite. Un tema soul-rock y garagero, de nuevo pasado por el

tamiz de las melodías de las voces y los cambios de ritmo. Y es que no sabéis hacer un tema plano… Tenía que ser así. A Kike le gustaba el garage, pero a pesar de la imagen dura que proyectaba era un entusiasta de los Beatles y los Byrds. A veces parece como que haya que escoger entre el fuzz y la guitarra de 12 cuerdas. Creo que todo forma parte de lo mismo. Kike lo tenía claro: o eres de los de Louie, Louie o de los otros. Los Byrds también son de Louie, Louie. Y empezamos la cara B con un tema con música de Alfredo Calonge y una letra basada en una entrevista que hizo Kiko Amat al propio Alfredo, arreglada posteriormente por Valentí Morató. Una canción en que las voces de Alfredo y Carles se compenetran a la perfección, y toda una declaración de intenciones que más que transmitir nostalgia por un pasado que ya no existe, nos recuerda que somos lo que somos porque fuimos lo que fuimos. En directo, presento A tumba abierta como un homenaje a nuestro público. La canción no sólo habla de Alfredo. Cambiando Badalona y el Instituto Albéniz por tu propia ciudad y tu instituto, la canción habla también de cualquiera de nosotros. Venimos de donde venimos y somos hijos de una época que nos marcó para lo bueno y para lo malo. Llegamos a La reina del Juke Box, una canción que comentaste un día que bebía en cierta manera de Whatever gets you trough the night, de Lennon. He escuchado el single recientemente y tal vez sí, aunque me reafirmo, ya por enésima vez, en que es una canción indiscutiblemente marca de la casa. Por cierto, gran presencia del saxo… Yo la veo muy Some time in New York City de Lennon. El saxo me lleva a ese disco. Nunca habíamos metido un saxo en una canción y tuvimos la suerte de contar con David Riberas, un músico excepcional, un tipo maravilloso y que entendió perfectamente qué queríamos para esa canción. Como Michael Caine, el siguiente tema, con esas trompetas soul y el extraordinario Hammond bajo una sección de ritmo más garagera, responde a otra de las premisas de Los Negativos: vuestra música es siempre visual, los instrumentos se corresponden con los colores de un lienzo, con el grafismo de un cómic, con las imágenes de una película, ya sea de época o de dibujos animados. A este respecto es interesantísimo cómo ha sabido plasmar está canción Álvaro Ortega en un vídeo que nuestros lectores encontrarán fácilmente en la red. Álvaro es otro de esos tipos talentosos con los que nos gusta codearnos. Sus dos vídeos para Duplexin son maravillosos y seguimos trabajando con él para un proyecto que estamos seguros va a sorprenderos. Me gusta eso de las imágenes. Es cierto. Siempre hemos trabajado así a nivel de letras y de alguna manera, en lo musical, he-

mos sido capaces de ilustrar nuestras historias a base de arreglos. Día lluvioso, un tema que gana con cada escucha, de nuevo pop barroco, psicodelia y una letra muy trabajada, que puede parecer oscura y sin sentido en un primer momento, pero que en realidad sugiere mucho más allá de lo que explicita. Es uno de mis favoritos y creo que, como tú bien dices, es un tema que precisa más de una escucha. Una recomendación: escuchadla siempre junto a Más allá de mí. Son dos partes de la misma canción.

Más allá de mí es justamente la siguiente canción, un precioso tema intimista con unos extraordinarios arreglos psicodélicos. Es curioso que pese a que no cuenta con una letra triste, transmite cierto deje de melancolía, como si el escritor temiera perder aquello que más ama. Hablar del amor es siempre difícil. Es probablemente el tema más sobado del arte y por ello resulta fácil caer en lo obvio o, peor aún, en lo hortera. Más allá de mí es uno de los temas más sinceros que hemos escrito. A mí, me emociona cantarla. Hemos podido comprobar como el público se queda en respetuoso silencio cuando la hacemos en directo; escuchando atentamente. Un tema precioso, si se me permite decirlo.

El pasaje de Doña Amelia, el otro tema que cuenta con un magnífico vídeo de Álvaro Ortega, plagado de referencias surrealistas en una letra que se ha querido ver como premonitoria tras la muerte de Alfredo, aunque yo la interpreto justamente al revés, como una explosión vital. «Ven a mi funeral», «El día en que me vaya a morir…». La vida tiene estas extrañas coincidencias. Claro que el texto resulta premonitorio aunque la letra la escribimos Valentí y yo, así que resulta un poco forzado. Estoy de acuerdo contigo en que la canción pretende todo lo contrario. Yo también la veo muy vital. Carpe diem. Finalmente, Bollo de canela es una pequeña maravilla en la que de nuevo la letra se adecua por completo a la música y que cuenta con la presencia de un grupo de música clásica, un cuarteto de cuerda, el Euroquartet Barcelona. Un conjunto en principio bastante alejado de Los Negativos, aunque creo que más de una vez han interpretado en directo canciones de los Beatles; tal vez por ello suena tan natural su participación en Bollo de canela. El cuarteto de cuerda fue uno de esos caprichos que siempre nos quisimos dar y Euroquartet entendió perfectamente qué queríamos de ellos. Ellos también aman la música pop. Bollo de canela me recuerda, en espíritu, a Cigarras panameñas. Tiene ese aire de cuento que tanto nos gusta. Recomiendo la escucha comiendo un auténtico kanelbulle sueco. No hace falta ir muy lejos. ¡Creo que

los venden en Ikea!

pero que suena bonita y honesta. Para acabar ‘L´afoguín’, la historia de un obrero que hace “cruising” al acabar su dura jornada. En resumidas cuentas, un apetecible aperitivo a la espera de próximo trabajo.

nacho vegas canciones populistas

producción más cuidada hubiera sido ideal; el disco no refleja el buen quehacer que los valencianos ofrecen en directo. El trabajo lo completa ‘Lágrimas Rotas’, ‘Nada Suena Igual’, ‘La Estación Del Destino’, ‘Fuego’ y ‘Bajo El Suelo’. Sin apenas respiro tras este debut, nos contaron que en “nada” se meterán de nuevo en el estudio para dar vida a un nuevo disco, el cual esperamos con recelo. Buen grupo, buena apuesta.

marxophone, 2015 José Liñán Navarro

El asturiano Nacho Vegas vuelve al formato Ep para saciar la sed de sus seguidores a la espera de nuevo Lp, y lo hace ahondando más en lo que denominaríamos canción social (ojo, no protesta), pero sin olvidar sus orígenes. Le saca brillo a los coros en general y aporta un tema en asturianu. Toque folk, intimista y arreglos en ‘Vinu, Cantares y Amor’. Una versión de Phil Ochs, ‘Ámenme Soy Un Liberal’, donde suena muy Billy Bragg y describe con gran clarividencia, sarcasmo, cinismo y sentido del humor, a una gran mayoría de nosotros. En ‘Mi Novio Es Un Bobo’, cantada por Fee Rega, escribe sobre lo absurdo de algunos comportamientos a ritmo de vals y en un ambiente romántico. Cierran el Ep, ‘Canción Para la PAH’, himno-homenaje donde tal vez tira un poco de tópicos,

Bajo El Suelo El Club De Los Sufridores

mejor canción. Colaborador en varios programas de radio y televisión, su último trabajo fue en la serie de Telecinco “El Chiringuito De Pepe”. Hola, déjame que te cuente, es lo que el madrileño quiere decir con este trabajo de 17 temas, con guiños al flamenco, rock, reggae, funk… productores como Acción Sánchez, R De Rumba, Zarman, etc. ha creado su disco más dinámico hasta la fecha. Colaboraciones como: Calamaro, Swan Fyahbwoy, La Excepción o Hugo Montilla, su hijo en ‘Padre e Hijo’, un tema “noble, entrañable y lleno de valores” grabado en dos partes, cuando el pequeño tenía 3 y 6 años.

autoeditado, 2015 Geles Piquer

Desde Valencia, o mas concretamente desde la localidad de Ayora, aparecen en escena Bajo El Suelo, una potente banda de rock que debutan discográficamente con ‘El Club De Los Sufridores’. Ocho canciones al más puro estilo The Godfathers, de hecho, este mes pasado los pudimos ver teloneando en Valencia, nada más y nada menos, que a la banda de los hermanos Coyne. A destacar temas como ‘El Club De Los Sufridores’, ‘Vuelta A Empezar’ o ‘Sin Dolor’: batería y guitarras potentes emergiendo con ello un sonido al mas puro rock con mayúsculas y sin tapujos. No obstante, una

el langui hola autoeditado, 2015 Lola Villajos Roldán

José Manuel Montilla “El Langui” nos saluda con ‘Hola’, el primer disco en solitario que salió a la venta en 20 Noviembre. 3 discos con su grupo de rap La Excepción, junto a su grupo de amigos del Pan Bendito El Langui creó un programa de radio, Radio Taraska en clave de humor. En 2007 dio el salto al cine con “El Truco Del Manco”, y recibió el premio Goya al mejor actor revelación y a la

Hombres G Polvos Pica-Pica Lemuria, 2015 José Zamora Linares

¿Cuántos grupos habéis visto que saquen tres discos en un año, a parte de The Beatles? Este año, los veteranos Hombres G están que tiran la casa por la ventana. Primero, en

verano, sacaron ‘30 Años y Un Día’ (3 Cd’s + DVD). Hace escasamente un mes, vio la luz un directo llamado ‘En La Arena’ (2 Cd’s + DVD), de los cuales ya os hablé en su momento en esta misma publicación. Y ahora, la discográfica Lemuria ha sacado el primer disco de la banda que nunca había visto la luz hasta entonces hasta hace una semana, llamado ‘Polvos PicaPica’. El disco es un inédito que el grupo grabó con la compañía Lollipop en los primeros 80, pero que nunca llegó ha ser editado (hasta este momento, claro). Además, para más jugosidades, edición en vinilo rojo transparente que incluye dos Cd’s (parte del concierto ofrecido en la sala Rock-Ola de Madrid donde se ven y escuchan temas inéditos) y un libreto de 40 páginas a todo color. Una joya para coleccionistas.

a lo largo de cinco discos. Además en él podemos encontrar colaboraciones de lujo: Pablo y Pepo de Desakato en ‘Cultura Irracional’, Juankar de Boikot en ‘La Conjura De Los Necios’, y Rulo de Rulo y La Contrabanda en ‘A Veces’. ‘A Contracorriente’, ‘Nunca Más’, ‘La Ruleta Rusa’, ‘A Trancas y Barrancas’, ‘Con El Humo Dibujando Calaveras’, ‘Entre Alfileres’ y ‘Borracho En Mi Cuna’, despejan el resto del disco. Como si se partiera de cero bajo este nuevo apelativo, Silenciados van a ser, con toda seguridad, uno de los referentes estatales a tener en cuenta para el 2016, y si no tiempo al tiempo.

2015

Vicente Ribas

Tras las cenizas de Silencio Absoluto llegan Silenciados, con un primer trabajo que alcanza los senderos del rock and roll en su estado más coherente. ‘Cultura Irracional’ es la mejor presentación para los de Fuenmayor (La Rioja), con diez temas en donde brotan la presencia de letras directas y con denuncia, aires provocadores y rock acelerado. Musicalmente refleja el bagaje y la personalidad de quien ha construido del rock patrio

Pigmy Villancicos

The Suicide Of Vicente Ribas Western Culture Long Live Death! Jugoso vinilo navideño de 7” Down With que nos llega de la mano de Vicente Maciá, o lo que es Intelligence!

Rumble Records, 2015

Rock Estatal Records, 2015

reventar la pista de baile de gran calidad, como ‘Drugs Bring Me Closer To You’. El disco que resuena en tu cabeza cuando vuelves a tu casa de fiesta. Eso es ‘Long Live Death! Down With Intelligence!’

Grabaciones En El Mar,

Baby Horror Head & Banger

Silenciados Cultura Irracional

que podemos encontrar en el vinilo son: ‘Me Chifla’, ‘Lazo Secreto’, inspirada en el guión del cortometraje “Entre Tú y Yo Siempre Habrá Un Lazo Secreto”, compuesta por petición de Jorge Beltrán y Pablo Quevedo, guionista y director del citado metraje, más ‘Romperás Mi Corazón’. ¿Los Ramones han vuelto?, no, son Annie Baby y J. Horror, y están mas vivos que nunca.

Tras unos años de silencio los Baby Horror parece que vuelven a escena, al menos en una grabación. Aparcan sus “limitaciones” laborales de J. Horror y Reverbdúo y se centran de nuevo en el pop-punk ramoniano, que huelga decir para los conocedores de Baby Horror, que Ramones son sus fetiches musicales. ‘Head & Banger es un Ep de cuatro temas en vinilo en donde resaltan los riffs de guitarra y la celeridad de sus canciones, con guiños, mas que consabidos hacia la banda de Queens. La canción que abre el disco, ‘Head & Banger’ está dedicada a los pincha discos más molones del planeta, como según ellos explican. Los otros temas

El Segell, 2015 José Liñán Navarro

El dúo barcelonés nos ofrece en su tercer trabajo todo un tratado de intensidad e inquietud musical. The suicide Of Western Culture suenan electrónicos, postrockeros y ambientales cuando la ocasión lo requiere. Sueltan auténticos trallazos electrónicos y sus ritmos y melodías ambientales resultan evocadoras y lúdicas en el mejor sentido del término. Temas como ‘Amor De Madre’, ‘Still Breathing But Already Dead’ o ‘Headless Saints’, nos remiten a pasajes sonoros agradables. Capaces de crear en cada corte luminosos “collages” sonoros de una fuerza brutal. Saben combinar con precisión, diversión y trascendencia y eso denota en ellos inteligencia. Sin duda una propuesta arriesgada y como tal, ganadora. Canciones para

lo mismo, Pigmy. El catalán, ex componente de Carrots, emite este tercer trabajo como tal aprovechando las fiestas navideñas, muy común en países como Estados Unidos pero poco habitual por estos lares. Dos villancicos populares: ‘La Virgen Fue Lavandera’ y ‘Una Pandereta Suena’, más uno de fabricación propia, ‘Carbón De Azúcar’. Maciá se envuelve de excelentes colaboraciones para este trabajo, con Isabel Cervantes (voz), Alexandra Mecinas (flauta), Carlos Yoder (pandereta), Enrique Forner (batería y percusión) e Ignacio Lois (piano y clavicordio). El resto de instrumentos, guitarra acústica, órgano Elka 705, mandolina, bajo, percusión y voz, es todo cosa de Vicente Maciá, que además arregla y produce esta fenomenal dosis musical para la buena distracción navideña. Por lo que respecta a Grabaciones En El Mar, se le empezaba a echar de menos la vuelta al vinilo en formato 7”. Excelente.

Centinela El Lamento Del Diablo Autoproducido, 2015 José Zamora Linares

‘El Lamento Del Diablo’, el último y octavo disco de los albaceteños Centinela, muestra, una vez más, el virtuosismo de esta banda de metal innovadora y de calidad. ¿Qué vas a encontrar en este disco? Guitarras potentísimas y

armonías vocales cuidadas hasta el extremo con una musicalidad tremenda que no está reñida con la contundencia de las letras que podemos escuchar en este, por el momento, último trabajo de los manchegos. Un grupo que deja muy claro que no tiene nada que envidiar a figuras internacionales consagradas. ‘El Lamento Del Diablo’ ha sido grabado en los Estudios Volcano con José Cano, frontman de la banda como productor, mientras que Alberto Sales se ha encargado de la masterización en los Rockettes Estudios de Castellón. Si alguna vez has perdido la fe en el buen hacer de la escena española del metal, este disco te devolverá la creencia en las bandas nacionales del metal. Disco imprescindible dentro del metal nacional.

¿te acuerdas?

La Fundación Repetición Tres Cipreses, 1983 Pablo Martínez Vaquero

La Fundación aparece en la escena musical madrileña en 1983, a través de este single editado por Fernando Urrutia en el sello independiente Tres Cipreses. Estaba producido por el sueco Lars Mertanen (guitarrista

Egon Soda Dadnos Precipicios Naive, 2015 José Rodríguez

‘Dadnos Precipicios’ es el tercer álbum de Egon Soda. Se grabó en los estudios La Casa Murada por Jordi Mora y lo produce Ricky Falkner. Es una colección de 10 temas, arreglados por Ferrán Pontón, Ricky Falkner y Charlie Bautista que rompe con el anterior gusto de la banda por los arreglos más sofisticados

de Décima Víctima) y contenía los temas “Repetición” y “Todo Pensado (Para No Durar)”. Ambas composiciones estaban firmadas por la banda al completo y, debido a su intensidad y ‘obsesión’ siniestra, hubiesen podido figurar sin ningún tipo de complejos en cualquiera de los recopilatorios británicos que por aquella época editaba el sello londinense Rough Trade, abanderado del género en Europa. Pero, quizás, en 1983 el pop español aún no estaba preparado para propuestas tan tétricas y sumamente difíciles de digerir, y el single del grupo madrileño sólo fue comprendido por una pequeñísima minoría de aficionados al género. Tras una mínima repercusión del citado vinilo en el pop estatal, el grupo acabaría por disolverse hacia 1984. La Fundación la integraban: Alejandro (batería), César (guitarra, percusión), Juan M. (voces), Julián (bajo) y Luis (guitarra). Al igual que las bandas españolas anteriormente mencionadas, este quinteto madrileño dejaba entrever su admiración por la estética cinematográfica alemana de entreguerras, así como las vanguardias artísticas de

y se vuelve más emotivo, directo y melodramático. Aún así, el estilo del álbum es “más compacto y negroide que su antecesor” según el propio grupo. El rock americano predomina, pero el grupo ha introducido aires distintos: progresivo, latin, algún toque mediterráneo e incluso soul “haciendo de él un disco mucho más compacto que su antecesor pero también más rico en ritmos”. Las letras, como es habitual, corren a cargo de Ferrán Pontón, que se ha empapado en especial de la poesía de Walt Whitman para dar un tono general al disco, girando alrededor del concepto de “unión natural” frente a los envites de una vida supuestamente moderna. El disco cuenta, además, con varias colaboraciones, como Enric Montefusco (Standstill), Gorka Benítez o Martí Perarnau (Mucho).

ese período histórico. En 1983, la denominada onda siniestra (inspirada en el darkrock británico) dominaba el panorama del pop independiente estatal; la ‘etapa negra’ del pop madrileño se encontraba en su momento cumbre. Grupos como los primeros Gabinete Caligari, Parálisis Permanente y Décima Víctima -a través de sus propios sellos discográficos- ya se habían erigido durante el año anterior como los grandes adalides del genero en España (recordemos también a Derribos Arias y El Último Sueño), influenciados todos en mayor o menor medida por el after-punk inglés practicado por bandas como Bauhaus, Joy División o Killing Joke, entre otras. Y aquel año, los primeros trabajos discográficos de las nuevas bandas siniestras (La Fundación, Los Monaguillosh…) afianzaba aún más el dark hispano. De entre todas ellas, La Fundación destacó por el carácter radical de su ‘oscuridad’ musical, que asimiló sin filtro alguno ni complejos las enseñanzas de las bandas británicas mencionadas anteriormente y las de otros artistas como Nick Cave o The Fall.

1988 AUDIO PROFESIONAL Nº42 BLANCO Y NEGRO Nº3595 DISCO MARKET Nº1 EL GRAN MUSICAL Nº295 EL PEQUEÑO PAIS Nº368 POPULAR 1 Nº183 ROCK DE LUX Nº37 ROCK DE LUX Nº43 VALE Nº446 1989 BOOGIE Nº18 DUNIA Nº18 EL GRAN MUSICAL Nº0 ESPECIAL EL GRAN MUSICAL Nº307 EL GRAN MUSICAL Nº309

EL PAIS SEMANAL Nº646 LECTURAS Nº1949 MAN nº25 POPCORN Nº23 POPULAR 1 Nº118 ESPECIAL POPULAR 1 Nº188 POPULAR 1 Nº189 POPULAR 1 Nº190 POPULAR 1 Nº194 POPULAR 1 Nº197 PRIMERA LINEA Nº45 ROCK DE LUX Nº51 ROCK DE LUX Nº52 ROCK DE LUX Nº58 RPM EXTRA SOUND Nº2 SUPLEMENTO SEMANAL Nº93 TIEMPO Nº389 TOP ROCK Nº1

Lola: ¡A Toda Fusión!

por Lola Villajos Roldán

Manuel Notario,

presidente de Hook Management

UN MANAGER

ROMÁNTICO

n toda profesión: “Camarón que se duerme la corriente se lo lleva”. Nuestro invitado no se duerme porque vive su profesión con pasión de enamorado. Se interesa por nombres reconocidos y por supuesto por los nuevos valores para seguir creciendo. Cuentan las encuestas que el 95%, de músicos en España no tiene manager porque no generan dinero y justo les llega para cubrir gastos. Por otra parte hay músicos consolidados que van subiendo peldaños por su propio esfuerzo y no se pueden encargar de todo, necesitan lo que se llama el manager a la vieja usanza. Luego están los artistas que funcionan porque son productos del marketing. Estamos con un manager romántico. Lo podría definir con cuatro palabras: respeto, honradez, profesionalidad e ilusión.

anuel Notario se cruzó en mi camino a través del primer grupo que llevó: Rey Lui. Ama la música, gran negociador, un buen diplomático… su labor consiste: “en dar el máximo de trabajo a sus artistas en las mejores condiciones posibles”. Tiene fama de manager transparente. Su carrera se ha visto gratificada por sus compañeros con el reconocimiento A.R.T.E. 2015 a su trayectoria profesional. Actualmente es el presidente de Hook Management, agencia de contratación que lleva artistas como: Amaral, Miss Cafeína, Second, Dinero, Elefantes, Full… ¿Quién ha dicho: ”el IVA es una salvajada y hacer conciertos hoy en día es para románticos”?

Vivimos unos tiempos donde la cultura no interesa, por no interesar no interesa ni para debatir, yo llevo agarrado a la música desde que tenía 14 años y me desanima mucho ver el valor tan mínimo que tiene hoy para la gente, hoy en día comprar un disco o ir a un concierto es una cosa que la gente masiva ni lo tiene en cuenta, nosotros actualmente trabajamos artesanalmente para una minoría de gente que damos gracias que la tenemos. Primero que arreglen los problemas más importantes pero después espero que los políticos nos bajen el IVA. De todas formas somos muchos los que luchamos cada día porque esta situación mejore.

¿Qué papel ocupa La Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo A.R.T.E. dentro de la industria cultural? ARTE es una asociación con muchos años a sus espaldas y para mi estamos viviendo los años donde más se nos está defendiendo, tienen todo mi apoyo.

go también que si no te quieren lo imprescindible es tocar y la mayoría de los grupos lo que quieren es tocar, no es el dinero lo más importante lo que quieren ante todo es actuar, vivir un concierto más.

Ahora en toda profesión se lleva el doble o nada. ¿Es la única manera de hacer frente a la crisis? No, creo que las crisis no son tan malas, hay que sacar lo mejor de nosotros, mucha creatividad y esperar a que nos ponga a todos en nuestro sitio.

¿Cada día es más difícil llegar al público, por tus propios medios y sin prostituiste artísticamente? No pienso eso, creo que internet ha dado la vida a los grupos, hoy en día puedes vender muchos discos y hacer muchos conciertos sin depender de nadie, lo más difícil es tener talento pero si lo tienes no necesitas que nadie te lo compre, tu mismo lo puedes mostrar.

¿Un buen manager tiene que ser “la súper nani” del artista, el músico solo se ha de ocupar de crear? ¿La última palabra la tiene el manager o el artista? Los artistas ante todo son personas, generalmente muy sensibles pero son personas que viven el día a día, tienen que tener su independencia, para mi es vital que tengan su propio espacio. En mi caso la última palabra siempre la tiene el artista.

¿Sin el alcance de una buena promo el mejor artista del mundo morirá en la oscuridad? Eso también es verdad, pero también tienes que saber como hacerla, el primero tiene que ser el grupo con ganas de trabajar y ser uno más dentro de ella, es muy importante hacer equipo y que todo el mundo que esté ligado con la promo esté a muerte con el proyecto.

¿Quién estipula los caches el artista o el manager? Se decide de mutuo acuerdo, hay que valorar muchos aspectos e intentar llegar al correcto.

¿Qué cualidades debe tener un manager para hacer bien su trabajo? ¿Qué debe saber un artista a la hora de elegirlo? Ante todo tiene que ser un currante, tener imaginación, buen negociador, cuidar las relaciones, y lo más importante ser absolutamente respetuoso con tus artistas. Siempre he pensado que una de las decisiones más importantes que tienen los artistas es saber elegir bien a tu manager, la mayoría de las veces los artistas no conocen al manager con el que van a trabajar, tienen que tomar la decisión nada más conocerse y en pocos días, la primera impresión es vital, si se sienten bien, preguntan a sus conocidos y todo el mundo habla bien, es una muy buena opción seguro.

¿Qué es lo que define el caché de un artista? El caché es una mezcla entre muchas cosas pero sobre todo lo define la demanda, tanta gente metes tanto vales, hay dos profesionales en la contratación, el promotor y el manager. “Hemos mantenido el caché, aunque es cierto que también hemos negociado algunos bolos puntuales”. ¿Es una frase común en la profesión? Cada grupo empieza la temporada con un cache y vas viendo las diferentes situaciones, no es lo mismo tocar en un festival que tiene de aforo 2000, 3000 personas, que ir a otro que tiene 50000, y lue-

Miss Caffeína

Profesionalidad, honestidad, pasión. ¿Sin compli-

Manuel Notario con Jaime Urrutia, Eva Amaral, Ariel Rot, Shuarma, etc

cidad con el artista y pasión por su música el binomio no funciona? Yo nunca he trabajado con ningún grupo que no me gustara, para mi es imprescindible ir a un concierto y sentirme encantado con mi grupo viéndole actuar.

nunca he firmado un contrato con más porcentaje. No hay estudios específicos para manager. ¿Qué conocimientos consideras imprescindibles para ser manager? ¿Dónde aconsejas a la gente que pueda adquirirlos? Manager se aprende cada día y ejerciendo, ahora eso sí, si llegas con estudios mucho mejor, a mi me hubiera encantado tener conocimientos de derecho antes de haber empezado.

Amaral

¿Un perdedor de lujo y un ganador de plastilina? Enrique Urquijo. Tengo muchos en la cabeza, no me hagas ele-

consigue, ya puede hacer bien su trabajo si quiere ganar dinero. Sí yo te digo SGAE, ¿Qué me cuentas? ¿A qué te huele? ¿Chanel, agua de colonia fresca, alcantarilla…? Así como ARTE esta en su mejor momento la SGAE no, está sin rumbo, no hay unión entre los autores. La parrilla musical de TV en la madrugada. ¿Ahí hay tomate? Mis artistas nunca han salido en estos programas, no me gustan, pero también creo que todos los grupos que salen en estos programas les viene bien, les ayuda a salir adelante.

gir. ¿Cuándo y cómo surgió la idea de fundar Hook Management? Mi primer trabajo fue en una Re-Aseguradora y estaba preso, no me gustaba nada el trabajo y decidí junto con mi mujer cambiar y trabajar en lo que más me gustaba la música, fundamos Hook en 1982 hace 33 años. ¿Cuántos artistas y quiénes lleváis en éste momentos? Amaral, Izal, Miguel Campello, Second, Miss Caffeina, Elefantes, Dinero, Full, Belize, y dentro de poco vamos a presentar nuevas incorporaciones. Moneyyy… cómo funciona la retribución salarial… ¿Qué porcentaje te llevas de cada artista? ¿Qué es lo normal? ¿El trabajar con un 15%, hasta un 20% se puede considerar normal, todo lo que subir de ahí es robar? El porcentaje normal entre el artista y el manager es un 20%,

Abrimos el archivo de las nostalgias. Te conocí cuando llevabas a tú primer grupo Rey Lui, los invitamos a una entrevista radiofónica en mi pueblo en Toledo y allí se presentaron el grupo al completo con manager incluido y nos deleitaron con un pequeño acústico. ¿Qué recuerdo tienes de aquella época? Muy emocionante, todo era nuevo, cada día flipaba más con la profesión, no paraba de aprender. ¿En un ciclo de autogestión no empeora la digestión del manager? No, creo que en un ciclo de autogestión la figura empresarial de un manager es muy beneficiosa para el artista, el manager cobra un porcentaje de lo que

¿Hay más traidores en éste mundo musical como diría Lichis, que en el imperio romano? Como en todos los curros malas personas las hay en todos lados, también hay mucha gente buena que le apasiona su trabajo.

Second

En las carreras suelen haber altibajos, como he dicho antes, son carreras de fondo, el único truco es detectar cual es el fallo y ponerle solución, de todo lo demás se encarga la música. ¿Un bajón y una subida en tú carrera? Es mucho más difícil mantenerse que llegar, aunque te parezca una locura se lo que te estoy diciendo, es muy complicado

tener una larga carrera, Las carreras a largo plazo tienen momentos más bajos, es normal. ¿Con tus colegas como es la relación, hay buena onda entre vosotros? Yo me llevo muy bien con los colegas de la profesión, todos vamos a nuestro lío, pero creo sinceramente que hay respeto entre nosotros. La tarea de manager es extensa. Asesor de prensa, promotor, agente, contable, encargado de giras… ¿Te sientes uno más de las bandas que llevas? Por supuesto tienes que ser uno más, si no tu trabajo no existe. Imparto talleres de periodismo y una adolescente que quiere dedicarse al mundo de la música le ofrecen una multinacional, pero me ha comentado que le quieren hacer un contrato “Llamado de 360º. Me ha pedido que te pregunte. ¿En qué consiste?

Un contrato 360 significa que firmas con ellos los derechos de todo lo que puedas generar y normalmente los porcentajes son altos.

Belize

¿Has rezado alguna vez en tu vida: Hoy me volví a equivocar y la pagaré? Si, siempre te puedes equivocar, nadie es perfecto En éste país no se valora al artista. ¿Hay que cruzar fronteras e internacionalizarse? No puedes vivir perfectamente de lo que generas en este país, pero siempre llega un momento en las carreras que salir es muy positivo y si tienes más mercados mucho mejor. ¿Qué es lo que te lleva a elegir un artista? ¿Han prescindido de tus servicios artistas que jamás

pensaste que llegarían hacerlo? Nos tienen que gustar, eso lo primero y después valorar si es bueno su incorporación a la oficina y tenemos tiempo para poderlo trabajar. ¿Jugamos a una quiniela musical? Funciona con el clásico 1 -X -2, como en el fútbol. Rey Lui-Tennessee Rey Lui, fue mi primer grupo, me encantaba su swing. Loquillo-Jaime Urrutia Jaime Urrutia, uno de los mejores escritores de canciones que ha dado nuestro país. Los Coyotes-Malevaje Los Coyotes, me pregunto como este grupo no fue nunca masivo. Fito-Leiva Me gustan los dos. Ana Curra-Alaska Alaska, me muero con ella y Mario, soy seguidor de su programa. Quique González-Lichis No sé qué decirte. UN TEST para terminar con la primera palabra que se te venga a la mente LOCURA Cuidado. ROBO A la orden de nuestros días. MARKETING La gran mentira. VALORES Todavía se mantienen y eso es muy bueno. LIBERTAD No se puede vivir sin ella. ESTRÉS El trabajo. COMISIÓN Cuesta mucho ganarla. INDEPENDENCIA Un timo de nuestros días. ROMANTICISMO Me gusta la palabra y el estado.

Jesús Ordovás nos da su criterio sobre Manuel Notario: “Por lo que yo sé es uno de los managers más honestos y que más se preocupa por los artistas a los que representa, de los más honestos. Porque hay managers que solamente van a por la pasta”. Alfonso López de Producciones Malvhadas también habla de su colega: “Manuel es un profesional de la industria musical admirable. Uno de los managers con la trayectoria más extensa y exitosa”.

talco silent town kasba music, 2015 Lola Villajos Roldán

Rage Black In Mind (20th Anniversary)

Sleater-Kinney No Cities To Love Sub Pop, 2015

Dr. Bones, 2015

José Rodríguez

José Zamora Linares

Desde la obrera localidad Italiana de Marghera, Talco lleva más de diez años reivindicando, al son de la libertad, la igualdad y la justicia. Antifascistas y antirracistas desde sus inicios, la formación italiana presenta ahora su sexto larga duración. Doce canciones que forman un torrente inigualable de energía ska-punk. El 6 de noviembre a través del sello Kasba Music, salió ‘Silent Town’ su nuevo disco. Cierra la trilogía que los italianos iniciaron con ‘La Cretina Commedia’ y siguieron con su más reciente lanzamiento hasta la fecha, ‘Gran Galà’; una trilogía dedicada esencialmente al compromiso social, político y musical de Talco. Una vez más grabado en la propia Venecia y mezclado y masterizado por Marc Boria en Terrassa. Un ‘Silent Town’ que despierta una vez más esos versos reivindicativos y esa lucha continua tan necesaria en estos momentos. La popular banda Italiana de ska-punk ya ha anunciado su gira que se iniciará en Enero de 2016.

Con motivo de la aparición del sello discográfico fundado por el cantante de la mítica banda alemana Rage, Dr. Bones, aparece la edición 20 Aniversario del histórico trabajo ‘Black In Mind’, grabado, originalmente, entre finales de 1994 y principios de 1995. Esta edición contiene los catorce temas del disco original, más un bonustrack que se lanzó sólo en Japón (‘Chase’) y un segundo Cd con diez demos (incluyendo tres canciones nunca escuchadas), una de ellas, como curiosidad, es el ‘Through The Barricades’ de los británicos Spandau Ballet. En esta edición se ha cuidado más el sonido y el diseño de la portada. Pero cuidado, no es una remasterización. Podría decirse que es una edición expandida. Si te gusta el metal, no lo dejes pasar y consigue esta joya, clásicos como ‘Black In Mind’, ‘The Crawling Chaos’, ‘Sent By De Devil’ o ‘Alive But Dead’ vuelven a estar de plena actualidad gracias a esta reedición por su 20 Aniversario.

Sleater-Kinney se disolvieron hace una década tras entregarnos una obra cumbre como fue ‘The Woods’, culminando así su evolución como banda y profundizando, como nunca antes en su discografía, en temas más sociales y políticos. Con ello, reinterpretaban su particular visión de ese punk-rock más clásico que llevaban haciendo desde su inicios y nos entregaban un disco memorable. Ahora, alentadas por revivir ese espíritu y proseguir con ese impresionante legado, se juntaron en el estudio para dar forma a este ‘No Cities To Love’. Un álbum directo, claro, sin concesiones, pero compuesto en estado de gracia. 10 años de presión creativa guardada que ha rebosado en este nuevo álbum. Un ejemplo de ello es ‘Price Tag’ en la cual tienes riffs mandando, rasgueos sin compasión en las cuerdas mientras Weiss propulsa, y Tucker suena lo bastante cabreada como para engancharnos a su propuesta. Luego se van sucediendo los trallazos: ‘A New Wave’, ‘Bury Of Friends’, ‘Anthem’, sumando diez temas que revisan su pasado más enérgico aportando sinceridad y experiencia acumulada, con la virtud de no perder ni un ápice de su magistral forma de hacer canciones. Ineludible.

loladas: santoral por Lola Villajos Roldán

Es que la vida, la auténtica vida de cualquier ser tanto animado como inanimado, pecadolll o santurrón, empieza en el nombre. Antes de alcanzarlo, todo es caos y forma parte indiferenciada del caos. Por eso tan pronto como al recién nacido se le considera definitivamente fuera de la impersonal condición de feto, se le asigna un nombre convirtiéndole en “alguien”. Y ese alguien está contenido en su nombre. Aunque no estoy muy católica, me pongo el velo a la vieja usanza. Comienza una sección sobre el Santoral, sí porque para doctores la iglesia y para sufridores los santos. Aquí va mi peculiar desfile de los Santos. La situación de la Iglesia hacia el año 300 no podía ser más halagadora, se acogían a la fe de cristo como yo a la de Dylan. Hoy mi invitado es San Vicente, diácono y mártir. Nos situamos en Zaragoza, España en el 304. Su nombre significa Valeroso. Era diácono o ayudante del Obispo de Zaragoza, San Valerio. Como el Obispo tenía dificultades para hablar bien, hablaba como Javivi, y en todas épocas los tartajas han servido de mofa, encargaba a Vicente la predicación de la doctrina cristiana. Sabido es que los romanos y cristianos se llevan peor que el Real Madrid-Barça. Los romanos aquí eran los malos y los cristianos los buenos. El Emperador Diocleciano que tenía peor leche que un tártago, decretó la persecución contra los cristianos y el gobernador Daciano encarceló al Obispo Valerio y a su secretario Vicente. Les ofrecieron muchos regalos y premios si dejaban la religión de Cristo. Vicente dijo: “Estamos dispuestos a padecer todos los sufrimientos posibles, con tal de

El éxito se vende como tan fácil que “los fracasados” lo son sólo porque han elegido no tener éxito o mejor porque han elegido seguir fiel a su filosofía de vida. Por eso yo elijo ser santa, ser beata y cuando me muera, mi cuerpo quede incorrupto y los que me lean gocen del gusto (risas benévolas). Cada mes del año, elegiré un santo al azar y contaré su vida. Con lo más importante que hay en la vida, la pimienta del humor, pero con todo el respeto del mundo. Hoy comienzo con Vicente y no soy pelota, es donde va la gente. Buen nombre para un garito y que se pete.

permanecer fieles a la religión de Nuestro Señor Jesucristo”. Entonces Daciano desterró al Obispo (era aforado) y se dedicó a hacer sufrir a Vicente las más espantosas torturas. El primer martirio fue un tormento llamado: “el potro”, vamos el famoso potro, que consistía en amarrarle cables a los pies y a las manos y tirar en cuatro direcciones distintas al mismo tiempo. Vicente, fiel a su nombre que significa “valeroso”, aguantó este terrible suplicio rezando y sin dejar de proclamar su amor a Jesucristo. El segundo tormento fue apalearlo. El cuerpo de Vicente quedó masacrado y envuelto en sangre. Pero siguió declarando que no admitía más dioses que el Dios verdadero, ni más religión sino la de Cristo. Y vino el tercer tormento: la parrilla al rojo vivo. Lo extendieron sobre una parrilla calientísima erizada de picos al rojo vivo. Los verdugos echaban sal a sus heridas. Vicente no hacía sino alabar y bendecir a Dios (Banda sonora: ‘Olor A Carne Quemada’, de Gabinete Caligari). El “ansia viva” del sadismo no quedaba ahí y el tirano duro

que te pego y el masoquismo del presunto mártir también sin límites, gozando y gozando. El tirano mandó que lo llevaran a un oscuro calabozo cuyo piso estaba lleno de vidrios cortantes y que lo dejaran amarrado y de pie hasta el día siguiente para seguirlo atormentando. El poeta Prudencio dice: “El calabozo era un lugar más negro que las mismas tinieblas; era una noche eterna donde nunca penetraba la luz”. Pero a medianoche el calabozo se llenó de luz. A Vicente se le soltaron las cadenas. El piso se cubrió de flores. Se oyeron músicas celestiales. Y una voz le dijo: “Ven valeroso mártir a unirte en el Cielo con el grupo de los que aman a Nuestro Señor”. Al oír este hermoso mensaje, San Vicente murió de emoción. El carcelero se convirtió al Cristianismo, y el perseguidor (“tititó de rabia” que diría Lichis) al sentirse vencido por este valeroso diácono. Colorín colorando, la vida del mártir ha terminado. Yo casi, me lo estoy pensando no quiero ser Santa. Como diría Mota: “¡Mañanaaa!”. Amén.

091: el retorno anhelado

“

Ahí llega de nuevo el que dijo que no volvería”, cantaba José Ignacio Lapido en el que fuera su primer single de debut en solitario tras la disolución de 091, ‘Ladridos Del Perro Mágico’. Si bien ellos nunca dijeron que no volverían, veinte años después, vuelven a reunirse en lo que puede parecer un negocio en toda regla. Pero no nos engañemos, siempre estuvimos esperando este momento. En el fondo es una maniobra de resurrección para saldar una deuda entre ellos y nosotros.

José Liñán Navarro

eduzco que el ritual fue similar en muchos hogares. Llegar a casa, revisar el correo electrónico y, en mi caso, encontrar un mensaje de un antiguo compañero de instituto enviándome el link con la noticia. Las redes sociales hirviendo de comentarios y todos en Youtube, revisando vídeos de actuaciones de los Cero. Tarareando estribillos y alucinando como el niño que recibe el regalo más deseado en la noche de reyes.

a carrera de 091 estuvo marcada por algo muy común en las bandas de gran calidad que ha habido y hay en este país. El respeto unánime de crítica especializada y una repercusión comercial nula y no correspondida. Pueden decir que el mismísimo Joe Strummer les produjo un disco, algo que ya de por sí solo debería haberles hecho mucho aún más grandes a nivel comercial. Pero

pesó más el lastre de unas producciones en algunos discos sencillamente horribles (sobre todo en los primeros) y unas portadas que también en líneas generales dejaron mucho que desear. Aguantaron más de lo que ninguna otra banda con su calidad habría aguantado porque tenían talento y actitud. Mucho talento y mucha actitud. 091 cantó al desencanto existencial de finales de los 80 y principios de los 90 con una precisión quirúrgica, encadenando auténticos himnos generacionales. Canciones entre el pop y el rock para las cuales este país nunca pareció estar preparado. Como Surfin Bichos, siempre parecieron el grupo perfecto en el momento más imperfecto. Ellos abonaron un camino y aguantaron hasta que se les acabó la gasolina. Discos como ‘Doce Canciones Sin Piedad’, ‘El Baile De La Desesperación’, ‘Tormentas Imaginarias’ y ‘Todo Lo Que Vendrá Después’ fueron la excusa perfecta para que rugieran las Gibson y llevaran las letras a lí-

mites poco conocidos en el rock en español. Multitud de referencias literarias, existencialistas. Un auténtico huracán de hits imparables por un lado pero imposibles para un público general, muy poco cultivado.

provecho mi estancia en Granada para pasar unos minutos con Gonzalo Tafalla, en su humilde y a la vez gran morada, que es Discos Bora Bora. Un auténtico museo de reliquias y recuerdos no solo de 091, sino de otras bandas. Un centro neurálgico de la escena granadina y donde es muy frecuente ver a miembros de diversas bandas de la ciudad y de

otros lugares haciendo las pertinentes adquisiciones musicales. Le pregunto como ha sentado allí la noticia. “Bueno, la gente aquí en general tenía ganas. Siempre se ha pensado que podían volver… Bueno, más bien soñaban con esa posibilidad”, matiza. Le pregunto si cree en que haya nuevo trabajo tras la gira, “Yo personalmente no lo vería coherente. Además Lapido por ejemplo ya tiene su carrera en solitario bastante bien encauzada. Se tratará de disfrutar de su directo lo máximo posible”.

oz privilegiada y de gran valor por conocimiento de la banda y de la escena musical, es la del periodista Juan Jesús García. Con él, comento que desde la distancia, aquello parecía un secreto a voces, “Desde Granada ha sido así, aunque ya antes del verano los que tenían que saberlo lo sabían. Si te sirve de ejemplo del ‘hambre’ de la noticia te diré que yo tenía acordado con el grupo sacarla el

domingo, pero el mismo director del medido, no se pudo contener y obligó a sacarla dos días antes… Para la música en Granada ha sido una noticia esperada durante muchos años, los más antiguos para poder volver a verlos en directo y para los menores de 20 años para tener la oportunidad de poder escucharlos como leyenda viva”. Le pregunto también que podemos esperar de esta gira, y si cree que va a tener continuidad, “En principio va a ser un año de trabajo tan solo, de descanso en sus proyectos individuales (de hecho los miembros del grupo de Lapido ultiman todos sus discos en solitario). No parece que vaya a ser una gira al uso sino ‘un año de contratación’ aunque ellos se han reservado las plazas fuertes como Madrid o Granada capital. Así que se les va a poder ver (y contratar) con facilidad ya que, por las noticias que llegan, van estar en festivales y muchas ciudades. Y me alegro porque ha sido un grupo cuya sombra ha ido creciendo con el tiempo. Ellos han asegurado que no habrá más, y doy fe a las palabras de José Ignacio Lapido, lo que no está tan claro es que el concierto final en Granada no sea grabado de nuevo para una posible edición de un ‘Último concierto’ (esta vez de verdad)”.

e acerco hasta Alfred Crespo, director de la revista Ruta 66, para la cual los Cero han sido siempre un grupo de cabecera. Me interesa su opinión acerca del regreso. “Sinceramente, no soy muy partidario de las reuniones de bandas que me han marcado. Supongo que a todos nos pasa lo mismo, el miedo a que esos bue-

nos recuerdos que conservas se vean machacados por un retorno a medio gas, el temor a que canciones que forman parte de tu vida se transformen en un mero trámite sin alma. Pero, sinceramente de nuevo, en esta ocasión estoy más que excitado. Quizás llegó el momento de que se haga justicia a una de las mejores bandas de la historia del rock de este país. Y los bolos prometen ser la bomba: hemos infiltrado a un colaborador rutero en varios de sus ensayos y el hombre todavía está en estado de shock…” Uno de los temas que a mí más me preocupa o inquieta como fan del grupo es ver cuánto hay de mística y cuánto de negocio en el tema. Alfred se muestra tajante al respecto: “La mística ya no existe sin el negocio, cuando traspasas el umbral del underground. Y ellos no podían regresar si no era a lo grande, un comeback de medio pelo habría aplastado su leyenda, esa de la que muchos hablan y pocos disfrutaron en su momento. Habrá, hay, negocio. Y ojalá les vaya de puta madre y se forren. Este país está lleno de “artistas” mediocres con dinero, esperemos que parte del pastel se lo lleven los de Granada”.

or último me acerco a los fans de 091, gracias a los cuales se ha mantenido viva la llama y tal vez, la esperanza por el regreso. Paco Cárdenas, junto a su hermana Ana, y Belén Muñoz, gestionan una página sobre José Ignacio Lapido, pero han mamado y sufrido desde siempre los avatares de los Cero. “Tengo sentimientos encontrados ante la resurrección de los Cero. Por un lado, soy feliz al ver la ilusión que ha desatado su vuelta. Se cuelgan carteles de “no hay billetes” minutos después de poner las entradas a la venta. Tocan tres noches seguidas en Madrid… Doblete en la plaza de toros de Granada… Y no ha hecho más que empezar. Siento felicidad y orgullo, porque, por fin, parece que tendrán el reconocimiento que merecieron. Por otro lado, nunca fui pro-vuelta de 091. Para mí será siempre la mejor banda de rock español, pero no siento la necesidad de volver a verles en

José Ignacio Lapido

un escenario, quizás por haber cerrado ese duelo, en buena medida gracias al buen hacer de Lapido y su carrera en solitario. Quizás volver a escuchar su sonido inconfundible en directo me haga cambiar de opinión. Disfrutaré como el que más, eso sí, de unos conciertos que serán, sin ningún género de dudas, apoteósicos”, apunta Paco. Por su parte Belén opina muy en la misma línea: “Su legado y su recuerdo siempre estuvieron presentes. A modo de escritura cuneiforme, grabamos sus melodías y letras en nuestro cerebro, y nunca jamás salieron de ahí. No siguieron modas y por eso no pasaron de moda, sus seguidores tuvimos la suerte de conocerlos, esperar sus discos, aprender y crecer con ellos. Aunque no los esperaba, verlos de nuevo en acción desplegando calidad, saber estar, profesionalidad y humildad, no tiene precio. Asistiré a todos los conciertos que pueda e intentaré ir a los que no pueda, con la mirada orgullosa a una banda que no defrauda, mirando de reojillo a los que nunca los vieron, pues ya los imagino ojipláticos y maravillados ante lo que verán sobre las tablas”. Por último Ana Cárdenas, “La emoción es agridulce, contenta por todo lo que se

José Antonio García

está moviendo con la resurrección de 091, se le está dando su sitio ahora, mucha gente habla de ellos sin apenas conocerlos y me encanta. Que abarroten lugares que nunca llenaron me parece fabuloso y muy merecido para ellos, el lugar que siempre debieron ocupar como la mejor banda de rock de España. Pero también tengo la parte dolorosa de saber que en este tiempo Lapido dejará de tocar en solitario, quizá algo que no me permita disfrutar tanto como otros el momento, pero lo haré acudiendo a todos los conciertos que pueda, porque sé que serán increíbles, ya que una banda que fue perfecta, jamás podrá dejar de serlo”.

uando finalizo este artículo, 091 ya están confirmados en grandes festivales como el Actual de Logroño, el Low Festival, el Sonorama y el Festival Cruïlla. Tienen tres fechas en Madrid, un par en Sevilla y varias por toda la geografía peninsular. Ahora solo se trata de comprobar que están en perfecto estado y dejar que su rock y sus letras nos vuelvan a embrujar como antaño.

algo más que música por Vicente Ribas

Samantha Fox Calendarios a Go-Go

amantha

Ka-

trabajo ‘Just One Night’, al que siguieron dos álbumes

ren Fox, cono-

de grandes éxitos publicados en 1992 y en 1995. A fi-

cida

simplemente

nales de los años 90 el éxito de sus álbumes fue más

como Samantha

discreto, como ‘21st Century Fox’ que se lanzó en 1998,

Fox, nació en Lon-

y un año después probó suerte como actriz en la pelí-

dres el 15 de abril de

cula The Match.

1966. Es una modelo, actriz y cantante inglesa que obtu-

n la década del 2000 publicó tres discos recopilatorios ‘Hot Tracks: The Best Of Saman-

tha Fox’ (2000), ‘12 Inch. Collection’ (2004) y ‘Very

vo gran fama a nivel

Best’ (2004). En los últimos años ha seguido dedicada

mundial

a la música y ha participado en programas y documen-

principal-

mente a finales de los años 80. Fox fue una de las tit-

tales musicales sobre la década de los años 80 para

stars de aquella época, junto con la italiana Sabrina

cadenas como VH1. En 2005 publicó su sexto álbum

Salerno y con la polaca Danuta Lato, las tres famosas

de estudio ‘Angel With An Attitude’ cuyo single de pre-

por sus exuberantes bustos, Sin duda, Samantha Fox

sentación fue la canción homónima del álbum, y en

es de las tres la más conocida dentro del mundo an-

2007 se reeditó en Australia y Nueva Zelanda con una

glosajón, quizá por haber sido la primera de éstas en

nueva versión de su Hit ‘Touch Me (I Want Your Body)’,

salir a escena.

con una discreta repercusión.

cales en el género dance-pop bajo la producción del

bol para hombres, comunicó que era bisexual y que

trío Stock, Aitken y Waterman, coincidiendo con otros

mantenía una relación estable con una mujer, su re-

ídolos juveniles del momento como Kylie Minogue, la

presentante Myra Stratton, con la que contrajo matri-

mencionada Sabrina Salerno, Rick Astley, Sinitta o Ja-

monio.

u despegue como personaje popular se debió a fotografías de semidesnudo (topless) en la pren-

sa británica. Consiguió luego diversos éxitos musi-

son Donovan entre otros muchos. Entre sus canciones más exitosas se cuentan ‘Touch Me’ y ‘Nothing’s Gonna Stop Me Now’, cuyo vídeo musical se rodó en Marbella (España).

dio especial popularidad en España. Pero de ma-

nera sorprendente, tras forjar su fama como sex sym-

n mayo de 2010 regresó al mercado musical al editar un sencillo-cover de la canción ‘Call Me’ del

grupo Blondie. Lo llamativo de esta grabación es que la cantó a dúo con

n 1986 debutó como cantante con el single ‘Touch

Me (I Want Your Body)’, su imagen exuberante y

(y amiga) Sabrina

el contenido de la letra de la canción la convirtieron en una sex symbol de los años 80. En 1987 se publicó su segundo Lp ‘Samantha Fox’, que contenía canciones muy pegadizas y que funcionaron muy bien, como

antigua

rival

Salerno.

amantha

declaró les-

biana en 2003 y

‘Nothing’s Gonna Stop Me Now’ o ‘Naughty Girls (Need

se caso con Myra

Love Too)’, que siguieron la línea de ‘Touch Me’.

Stratton,

u relación con el torero español Rafael Camino le

once

amantha posó desnuda para varias revistas, entre

años mayor que

ellas Playboy. En 1988 se publicó su tercer álbum ‘I

ella.

Tras

doce

Wanna Have Some Fun’, con éxitos como ‘I Only Wan-

años de matrimo-

na Be With You’ o la canción que dio título al álbum ‘I

nio,

Wanna Have Some Fun’. Dos años más tarde el éxito

ció en el mes de

de sus discos comenzó a descender con su siguiente

agosto del 2015.

Myra

falle-

copy-paste

el arte del plagio en la industria musical por José Luis Hoyos

los plagios fundacionales

a historia de la música popular moderna se fundamenta en una serie de canciones que podríamos denominar “fundacionales”. Por todos conocidas y radiadas en todo el mundo durante décadas, son las iniciadoras de determinados estilos o movimientos, a veces trascendiendo la esfera de lo musical para convertirse en himnos políticos o emblemas universales. ¿Y si algunas de estas melodías arquetípicas no fueran sino burdas apropiaciones u oportunistas popularizaciones de otros temas anteriores?

es que la banda británica fue telonera de la americana pocos años antes. Con ello se inició un largo litigio que dura hasta nuestros días. Como en el caso de Dylan, el número de acusaciones de plagio relacionadas con Led Zeppelin es, cuando menos, elevado.

975. Pink Floyd lanza ‘Wish You Were Here’, contenida en su álbum homónimo. Una balada muchas veces versionada y que se convirtió en uno de los grandes símbolos del rock. De nuevo, el original es mucho menos popular: ‘Almost Independence Day’, de Van Morrison (1972). Cualquiera que escuche la introducción –un minuto largo- del tema del León de Belfast tendrá que admitir el abrumador parecido.

963. Bob Dylan publica ‘Blowing In The Wind’, la canción que le dio fama universal y que, con los años, se convertiría en himno del movimiento antirracista americano. Pocos saben que Dylan “utilizó” para su composición un antiguo espiritual llamado ‘No More Auction Block’. En verdad, la lista de presuntos plagios atribuidos al Señor Zimmerman es tan larga (incluyendo sus pinturas) que daría para un monográfico. 967. El grupo californiano Spirit escribe y graba la pieza instrumental ‘Taurus’. En 1971 Led Zeppelin publica ‘Stairway To Heaven’, una de las canciones más famosas de todos los tiempos. La línea de acordes con que se inicia es prácticamente idéntica a la de ‘Taurus’. El hecho significativo

987. Guns N’ Roses reina en el rock con ‘Sweet Child O’ Mine’, uno de los temas más radiados en los últimos 30 años. La formación Australian Crawl, de cierto éxito en nuestras antípodas durante los 80, decidió demandar a Axl Rose y sus muchachos por considerar que habían copiado su trabajo de 1981, ‘Unpublished Critics’. La acusación no prosperó en los tribunales, pero merece la pena escuchar ambas composiciones con sentido crítico.

992. ‘Creep’, de Radiohead, es probablemente una de las canciones más famosas e influyentes de los 90. Una especie de manifiesto de la ola Britpop que inundaría el mercado en los siguientes años. El famoso compositor Albert Hammond percibió patentes similitudes con ‘The Air That I Breathe’, que había escrito veinte años atrás para The Hollies y decidió demandar a la banda de Thom Yorke, ganando el derecho a aparecer como coautor en los créditos. 001. The Strokes, con su aclamado disco ‘Is This It’, se encargó de revitalizar el rock y el sonido basado en los héroes de la New Wave y el Post Punk. Su sencillo ‘Last Nite’ es la piedra angular de esta nueva tendencia. Todavía hoy es notable la influencia de The Strokes en muchos de los novísimos grupos que intentan destacar en las listas de éxitos. Pues bien, la banda de Nueva York

(formada, entre otros, por el hijo del mencionado Hammond), tuvo que admitir que su ‘Last Nite’ se basaba “conscientemente” en ‘American Girl’, de Tom Petty, quien decidió tomarse el incidente con humor y deportividad. odas las canciones mencionadas en este artículo tienen una importancia capital para entender la historia y evolución de la música y la cultura popular en los siglos XX y XXI. Son sólo ejemplos destacados (hay muchos otros) de lo que ha venido siendo una práctica habitual entre los grandes nombres del pop-rock: la apropiación indebida. Quizá debamos concluir que el plagio, con sus muchos niveles, constituye también una herramienta inherente al proceso de popularización de la música, un mal menor disculpado en muchos casos, pero sufrido con amargura por los verdaderos autores de las Canciones Fundacionales.

solidarity por Irene Sánchez - Conciertos Solidarios

solidaridad con nombre propio: solidarity vibrations A finales de 2015, en Valencia, y de la mano de Vicente Ribas y José Zamora Linares nace una nueva Asociación sin ánimo de lucro que une a músicos llenos de ilusión por cambiar el mundo que les rodea disfrutando de lo que mejor saben hacer: tocar en directo, componer canciones, grabar discos… Solidarity Vibrations nace con la esperanza de ayudar a quién más lo necesita, no importa si es de aquí, de allí, el color ni la raza.

on esta primera edición se pretende ayudar a los refugiados de Siria a través de un tema compuesto expresamente para esta causa ‘Valencia Por Los Refugiados’. Más de 30 músicos se han unido y ya están grabando el tema. Entre ellos se encuentran Fernando Lavado (Gatos Locos), Suco (Blue Moon), Francis F. Guerrero (Armas Blancas), Sergio Aguado (Los Inhumanos), Yaco Lara, Emilio Solo (Emilio Solo y Sus Rockeros), Geles Piquer (Butterfly), Gilbert Romero (Loreley), Lupe Catalá, Vicente Feijóo (Zarpa), José Asunción (Irresponsables), y un largo etcétera. Entrevistamos a José Zamora Linares, autor de la canción. Cuéntanos, ¿en qué consiste la Asociación Solidarity Vibrations? Solidarity Vibrations es una asociación sin ánimo de lucro desde la que músicos valencianos intentamos ayudar a la gente que lo necesita. En esta ocasión, nos hemos hecho eco de las dificultades que están pasando los refugiados de Siria para salir de la terrible situación que está atravesando su país, para luego, intentar entrar

Elisabet Gang (The Splizzy Gang) Foto: Ana Sánchez

en Europa y encontrarse con más problemas para pedir asilo. ¿Cómo surgió la idea? La idea de hacer algo por la gente que lo está pasando mal no la interpretamos como tal. Me Explico: El hecho de escribir una canción y reclutar a músicos de diferentes estilos y épocas para que la interpreten todos juntos para grabar un disco, sin más motivo que el de ayudar con lo que mejor sabemos hacer, «MÚSICA», nace de la necesidad de hacer algo por la gente que lo está pasando mal. Así pues, yo diría: La idea sale de la concienciación y la necesidad de aportar nuestro granito de arena. Pero, esto no se queda ahí. La intención, además de grabar el disco, es organizar una serie de conciertos benéficos, cuyos fondos, tanto los del disco como los de las entradas vendidas en los directos, irán destinados a los necesitados. ¿Quién ha compuesto el tema sobre los refugiados y por qué motivo? El tema lo he compuesto yo junto a Daniel Zamora, que le ha dado un matiz muy interesante a la

Sergio Aguado (Los Inhumanos) Foto: Ana Sánchez

música que envuelve y arropa toda la letra. El motivo por el cual fue creado el tema no es otro que la mente de Vicente Ribas, manager y director de Future Magazine Él me contó sus inquietudes, me trasmitió sus ganas y su ilusión por este proyecto. Y yo, por mi parte, me contagié de ese entusiasmo al instante y, con muchas ganas me uní a todo el proyecto de Solidarity Vibrations y “Refugiados Lejos De La Barbarie”, que es así como se llama la canción. El tema está interpretado por casi 30 músicos entre instrumentos y voces, ¿ha sido fácil la colaboración por parte de los artistas en este proyecto? Sí. Las personas que de verdad han querido colaborar con este tema lo han tenido claro desde el principio. Ha sido un Sí rotundo y ya está. ¡Nos hemos puesto en marcha! Lo difícil no ha sido «reclutarlos». El reto es cua-

¿Cómo surgió la colaboración con Conciertos Solidarios? ¡Que grande es Conciertos Solidarios! Como bien sabes, Conciertos Solidarios se dedica a organizar eventos desde hace mucho. Es una gran labor y son ellos los que repartirán el dinero que saquemos con la venta del disco y los conciertos realizados y lo hará llegar a sus destinatarios finales. Los necesitados. Hemos optado por Conciertos Solidarios porque sabemos que es una organización seria que se encarga de ayudar sin ánimo de lucro a quién más lo necesita. Huelga decir que tienen su hueco en la revista Future Magazine y por eso estamos al tanto de todas sus actividades. Yo, como colaborador de ella sigo atentamente su sección. Hacen una gran labor.

drar horarios que a todos les vengan bien. Porque, como tú has dicho, son casi 30 músicos los que están dándolo todo por hacer esto realidad. Si me permites, me gustaría aprovechar para dar las gracias en nombre de Solidarity Vibrations, Vicente Ribas y en el mío propio a todos y cada uno de los músicos que están poniendo todo su arte y su corazón Al servicio de la solidaridad.

Suco (Blue Moon) Foto: Ana Sánchez

¿Para cuándo calculáis que podremos escuchar el tema? Si todo sale en función de lo previsto, pasadas las navidades, aunque como ya he explicado anteriormente no es fácil cuadrar horarios con tanta gente., pero queremos que no se retrase en exceso.

Geles Piquer (Butterfly) Foto: Vicente Ribas

¿Tenéis pensado un segundo tema para ayudar en alguna otra causa solidaria? Sí. Esto no acaba aquí. En Solidarity Vibrations hemos arrancado con esto, pero ya tenemos en la cabeza otras “historias” para poder ayudar a los más necesitados.

¿Qué esperáis conseguir con este proyecto tan bonito de cara a un futuro? Esperamos poner nuestro granito de arena para que, las personas que lo necesiten, no sólo los refugiados; sino cualquier persona o colectivo necesitado, tenga un futuro mejor. Aspiramos a conseguir muchas sonrisas, que los ojos de de esas personas que hoy lo están pasando mal destellen de luz al ver un futuro mejor. Queremos que hayan vibraciones y conciertos solidarios y que sirvan para obtener ese resultado.

Fede Comín Entre las dos mitades del

mundo

Nacido en Lanús, provincia de Buenos Aires, Argentina, Federico Comín, o Fede, como todos lo conocemos, es un cantautor residente en Granada (España) desde hace ya varios años. Ante la inminente salida de ‘La Otra Mitad Del Mundo’, su nuevo trabajo discográfico y la reciente aparición del primer corte de difusión del mismo, con su correspondiente videoclip, estuvimos dialogando con él. Gabriel Cámpora

más hermosa que otra, para escuchar sentado y también para bailar. También me encontré con colaboraciones y duetos con artistas que ya conocía y otros que no y que a partir de ahí también empecé a investigar y a escuchar, me encontré con todo un mundo de música, de poesía, de colores, con el cual quedé fascinado y así sigo hasta el día de hoy, todavía sorprendiéndome con cada nuevo disco de Fede, y por eso, en este momento, estoy a la espera de la salida de ‘La Otra Mitad Del Mundo’.

¿Cuánto hace que te fuiste de Argentina? ¿Qué te llevó a tomar esa decisión? Hace catorce años, entre el 11S y el corralito. Estaba estudiando en la Universidad de Córdoba la carrera de Letras Modernas, pero ya tenía claro que quería dedicarme a esto, y la situación eco-

na noche, el reconocido cantautor mexicano Alejandro Filio a la mitad de su show en Buenos Aires, le pide a un tal Federico Comín, que se encontraba entre el público y a quién yo hasta ese momento desconocía por completo, que se ponga de pie y solicita a la audiencia un fuerte aplauso para quién él considera “La nueva promesa de la canción de autor”, esa presentación por parte de un artista al que admiro fue lo que me llevó a investigar la obra de Fede, y vaya si fue grata la sorpresa. e encontré con un cantante de tono agudo, voz limpia y cristalina que canta tanto canciones de amor, como canciones de protesta, tanto canciones que pueden rozar la tristeza como canciones que te hacen reír a carcajadas por sus ocurrencias, un montón de canciones una

nómica y política del país lo dificultaba muchísimo. Creí que era el momento de soltar amarras y así lo hice. Cuando llegué a Granada todo comenzó a rodar. Más allá de los afectos, que siempre ocupan el primer puesto del ranking ¿qué es lo que más extrañas de Argentina? Lo del ranking es verdad, la patria es eso: los afectos y los olores de la infancia. Es lo que se añora, porque el dulce de leche y la yerba mate ya se consiguen fácilmente por estos pagos. ¿Cuándo fue tu última visita al país y qué recuerdos tienes de la misma? ¿Estás pensando volver próximamente? Volví por última vez en febrero de 2013 y me traje hermosos recuerdos de aquel viaje. Además de haberme reencontrado con grandes amigos y parte de mi familia, tuve la posibilidad de cantar junto a Alejandro Balbis y Adrián Abonizio. Ade-

más, hice mi primer sold out en Buenos Aires y pude participar en el VIII Encuentro de Cantautores que organiza mi gran amigo Adolfo Barrera en Alta Gracia, Córdoba. Gracias a este nuevo disco, una de las prioridades es volver a Argentina y presentárselo como ella se merece. Si es posible lo llevaremos también a lugares a los que debo hace tiempo una visita, como son Uruguay, Chile y México, entre otros… ¿Qué diferencias y qué similitudes encuentras entre los públicos argentino y español? La similitud es que ninguno viene a los conciertos (risas). Encuentro más diferencias en el carácter; por lo general el público argentino es más pasional, más lanzado, lo dicen hasta los Rolling Stones. Es el único lugar donde antes de salir a cantar, el público ya está gritando. Y qué voy a decir del público español, que me viene bancando hace catorce años. Los aplausos y los silencios son hermosos en los dos países. Pronto verá la luz tu nuevo trabajo llamado ‘La Otra Mitad Del Mundo’ que fue financiado a través del sistema de colaboración vía Internet conocido como Crowdfunding. ¿Qué me puedes contar sobre esa experiencia? Debe ser emocionante que la gente este deseando un nuevo disco tuyo hasta el punto de ayudarte a cubrir los gastos de grabación y producción. Así fue. En este caso, fueron ciento cinco perso-

nas que apostaron a ciegas por el nuevo disco. Al final, los costes de producción fueron algo más elevados de lo que presupuestamos en un primer lugar y hubo que buscar otras fuentes de financiación, pero está reflejado positivamente en el resultado final y merece la pena. Por supuesto, no hubiera sido posible nada de esto sin ese primer empujón de los mecenas, a los cuales estoy muy agradecido. ¿Qué nos puedes contar del nuevo videoclip del tema ‘Circular’ que apareció hace apenas unos días? Muy bueno, por cierto, te felicito. Muchas gracias, estoy muy feliz con ese video que pudimos hacer humildemente con la gente de La Casa Cantonera de Algemesí, Valencia, con quienes también hice mi anterior videoclip, Nada mejor. Esta vez, en exterior y con un dron. Tres meses entrenando para hacer la carrerita en plano secuencia. Ahora estoy enganchado a correr, adictivo total.

«L

a experimentación y cambio constantes son necesarios para evolucionar, y surgen de forma natural» De las primeras grabaciones que escuché de Fede Comín, al día de hoy existen grandes diferencias, tu música ha evolucionado, tomado otros rumbos quizás, por ejemplo, antes en muchas canciones te acompañabas solamente con tu guitarra, hoy en día utilizas más instrumentos. ¿Este cambio fue una evolución artística espontánea tuya o fue producto de la experimentación o de una búsqueda intencionada o de qué manera ocurrió? Mis influencias más fuertes y primarias vienen del Rock Nacional, pero cuando empecé con todo esto me fui más hacia la trova por una cuestión de practicidad. Poco a poco voy volviendo a mi raíz, que es el rock argentino. Además existe una experimentación y cambio constante; es necesario para evolucionar, y surge de forma natural. En mi caso, la evolución parece ir hacia la raíz. Recuerdo haber escuchado cientos de veces el disco ‘Buenos Días’, que grabaste con Fran Fernández, sin duda uno de mis favoritos, en el cual contaron con la participación de artistas de la ta-

lla de Ismael Serrano y Ana Belén. ¿Qué recuerdos tienes de aquella experiencia? Justamente se cumplen diez años de la grabación de ese disco. Recuerdo que fue una etapa muy revoltosa. No sabíamos bien lo que estaba pasando, y así lo disfrutamos Fran y yo. Ana Belén se comportó como la dama que es, y grabamos ese Yo te vi primero de un tirón, ella bailó mientras cantaba. Me sorprendió que, al llegar al estudio, ya se sabía la canción de arriba abajo, casi no hizo falta repasar. En una de tus visitas a Buenos Aires, tuve la suerte de ver en vivo aquella maravillosa dupla “Fede Comín/Elena Bugedo”, sinceramente era un enorme placer verlos sobre un escenario. ¿No tienen pensado volver a presentarse juntos? Bueno, como te decía, la evolución es algo na-

ción del video y demás, ¿cómo está la movida actualmente en España? ¿Estás tocando con fre-

cuencia? ¿Has salido de gira o tienes alguna programada? En España todo está en movimiento ahora mismo. Muchas cosas están cambiando, esperemos que para mejor. España es un país lleno de talento y de cultura, pero tiene que luchar constantemente con las dificultades y la mediocridad de algunos medios. Yo estoy dando pocos concier-

tos porque estos últimos meses estuve grabando y componiendo, después de una época intensa de recorrer la Península. Pero ahora tengo la intención de llevar ‘La Otra Mitad Del Mundo’ por todos lados en 2016, con suerte, con la misma banda que grabó el disco.

tural, y en el proceso hay algunas bifurcaciones. Disfrutamos y aprendimos mucho de aquella simbiosis, pero ya pasó, ahora estamos cada uno en nuestro proyecto personal.

Algo que quieras agregar para los lectores de “Future Magazine”. Pues nada, que estoy deseando volver y que los espero a todos en los conciertos. Y si me está leyendo Gustavo Santaolalla, ¿querés producirme? Pequeño Ping-Pong de preguntas/respuestas, con Fede: Un disco: El amor después del amor, de Fito Páez.

Cuéntame qué es, o qué fue (no tengo claro si sigue existiendo) “La BBC y los Minicomponentes”. La BBC fue uno de los experimentos musicales más divertidos que tuve la posibilidad de vivir. Una banda de rock con charango, bombo, y artilugios varios, tres voces armonizando sin parar (Bruno Bonacorso, Elena Bugedo y Fede Comin, de ahí el nombre), versiones locas (Madonna, Roy Orbison, Charly García, etc.) y canciones propias se convirtieron en una orgía musical que duró tres años, hasta 2011. Fue una hermosa experiencia de la cual guardo muy lindos recuerdos. Más allá de la grabación del disco, de la produc-

Una película: Laberinto, de Jim Henson. Un libro: Las Cosmicómicas¸ de Italo Calvino. Una comida: Los alcauciles en todas sus variantes. Una bebida: El vino tinto. Una ciudad: Granada. Un lugar que te quede por conocer: La Patagonia, además de casi todo el resto del planeta. Alguien con quien quisieras cantar: Fito Páez.

Recomendamos ver el video estrenado recientemente de la canción ‘Circular’, que formará parte de su nuevo disco ‘La Otra Mitad del Mundo’. Lo pueden encontrar en su Facebook oficial.

Squeeze Cradle To The Grave

Coldplay A Head Full Of Dreams

The Sheepdogs Future Nostalgia

Virgin / Emi, 2015

Parlophone, 2015

Warner Music, 2015

Venerados por todos los amantes del buen Pop, Squeeze vivió sus momentos de mayor gloria y popularidad durante la década de los 80 y los primeros 90. Han sido muchos los músicos que han militado en sus filas, destacando Paul Carrack y Jools Holland entre otros, aunque siempre bajo la batuta de sus líderes y compositores Chris Difford y Glenn Tilbrook, un dúo que se ha mantenido unido por décadas, ya bien como autores de hits para otros artistas o manteniendo intermitentemente la franquicia del grupo. Sorprendentemente y tras 17 años de ausencia nos llega un nuevo disco de temas inéditos que han ido pergeñando durante este tiempo de silencio, solo interrumpido por un reprise de grandes éxitos en 2010. No busquen en esta grabación arreglos o sonidos de moda, afortunadamente Squeeze siguen siendo fieles a su estilo atemporal de componer preciosas canciones llenas de inspiradas armonías. No hay duda de que Difford y Tilbrook siguen siendo unos grandes autores y lo vuelven a plasmar en un álbum cuya estética es de puro Pop-Rock de corte clásico, una honestidad que favorece al resultado cuya finalidad es simplemente agradar a su público de siempre y a ser posible, como es lógico, ganar nuevos adeptos ahora que la música popular británica discurre por terrenos contaminados y enrevesados. Una bocanada de aire fresco reflejada en píldoras vitamínicas como ‘Nirvana’, ‘Everything’ o ‘Happy Days’.

La multicolor portada augura un contenido eufórico, grandioso y luminoso, pero al escucharlo observo que me encuentro ante uno de los trabajos más endebles de la discografía del grupo y eso que últimamente ya venían entregando más ruido que nueces. La ampulosidad de su música y el haberse convertido en banda de estadio con miles de fans a sus pies ha obrado en proporción inversa al interés artístico e innovador que podríamos esperar de un talento como Chris Martin, sobre todo tras haber exorcizado ya los rescoldos de su separación sentimental de Gwyneth Paltrow con su anterior disco ‘Ghost Stories’. No obstante, este no es un disco malo, suena francamente bien pero ellos siguen abusando de los mismos clichés, ni siquiera Johnny Buckland que solía crear interesantes pasajes a la guitarra me parece que ahora anda bloqueado de ideas y repite riffs explotados. Quedan para el recuerdo magníficos discos como ‘Parachutes’, ‘A Rush Of Blood To The Head’ e incluso ‘Viva La Vida’ y sinceramente espero que no se adocenen en el éxito masivo y vuelvan a sorprendernos con grandes canciones que nos ericen el bello. No peco de severo al enjuiciar negativamente a Coldplay, a grandes músicos como estos hay que exigirles material que esté acorde con la valía contrastada que han demostrado tanto en estudio como en directo. Repito que el conjunto de la obra es aceptable, pero a excepción del single ‘Adventure Of A Lifetime’ con su toque funky, el resto me ha dejado frío, y eso que he tenido la paciencia de escuchado varias veces.

Continuando con la tradición del rock and roll canadiense, cuya escuela se remonta a Guess Who y Bachman Turner Overdrive, estos chicos de Saskatoon comandados por un tal Ewan Currie (voz, guitarra y autor) practican una mezcla de rock sureño, boogie y blues que tan popular se hizo allá por los años 70 desde los Allman Brothers a Lynyrd Skynyrd. Una moderna revisión de un palo clásico que sorprende escuchar a estas alturas del siglo XXI. Cuentan que se foguearon durante años en los típicos bares de ambiente rural de sombreros de ala ancha, cerveza y whiskey, recintos ideales y receptivos para emular a Bad Company, Led Zeppelin o Foreigner. Imagino que tras unos primeros tiempos versionando a los clásicos han acabado componiendo su propio material utilizando los mismos esquemas y armonías. La grabación, que abarca nada menos que 18 cortes, recoge con limpieza y fidelidad el sonido de la banda como si se tratara de un directo. No escuchamos más aditamentos sonoros que batería, guitarras, órgano y un excelente piano eléctrico HonkyTonk. El mérito de los Sheepdogs reside en no extenderse más allá de los tres minutos por canción, evitando los largos desarrollos instrumentales de sus maestros, y en mantener el pulso rítmico durante todo el disco que acaba siendo un muestrario remozado de todas las variantes del estilo. Las letras, como de costumbre relatan historias sobre los buenos y malos tiempos pasados o hacen referencia a outsiders añorados. El ejercicio vocal es excelente y creíble. En resumen, un álbum sólido cuyo título lo dice todo.

Jeff Lynne’s ELO Alone In The Universe

Lindi Ortega Faded Gloryville

Sony Music, 2015

Last Gang Records, 2015

A estas alturas de la historia nadie pondría en duda que la Electric Light Orchestra es una franquicia cuya propiedad y mérito recae en su creador Jeff Lynne, lo cual no quita que, al negarse el mismo Lynne a salir de gira, uno de sus colaboradores habituales Bev Bevan montara una banda bajo el nombre ELO Part II, en 2001. Tal vez por eso, en este nuevo disco, el primero en 14 años, reivindica su autoría anteponiendo su nombre en la cabecera. No hay sorpresas musicales en las doce canciones que lo componen y siguen presentes sus bellas armonías en suaves baladas y en las marchas de medio tiempo de aire señorial, aunque con menos pompa orquestal que antaño y más protagonismo de instrumentos orgánicos. Una colección de temas en los se sigue notando su devoción por las producciones de George Martin y las composiciones de Paul McCartney, además de echar mano del estilo de su amigo George Harrison en las guitarras slide que suenan frecuentemente. No escuchamos afortunadamente los excesos de producción que acompañaron algunas de sus grabaciones de los años 90 y las nuevas canciones nos remiten en un “déjà-vu” constante a la época dorada de la ELO, desde las primeras notas de ‘When I Was A Boy’ que abre el álbum, hasta el rock and roll que lo cierra ‘Fault Line’, pasando por el trotón y potencial single ‘One Step At A Time’. Un buen regalo para los muchos fans que mantienen su música y leyenda.

Con mezcla de sangre irlandesa y mexicana, apariencia gótica y natural de Toronto (una ciudad volcada en el Indie-Rock) esta joven cantautora no lo ha tenido fácil para abrirse camino dentro del mundillo de la música de raíz y el Country. Aunque la crítica la viene tratando con respeto y ha alabado sus dos últimos álbumes parece que no termina de encajar entre las señoronas semi-tradicionalistas ni entre las audaces outsiders de nueva ola y eso que finalmente ha claudicado y se ha mudado a Nashville. El trémolo de su voz le acerca a Dolly Parton o Loretta Lynn, pero su cadencia armoniosa y cálida podría emparejarla mejor con Stevie Nicks. Ese aire de chica solitaria e inconformista que emana se refleja en las nuevas letras del disco ‘Faded Gloryville’, como bien dice en ‘I Ain’t The Girl’: “No soy la chica que vive al lado. No soy la chica para ti”. La mayoría de las veces Lindi suena de un modo ágil cantando con un guiño de complicidad que subraya el fatalismo de sus letras y el apoyo musical que ha encontrado en el órgano de Ben Tanner (Alabama Shakers) y la guitarra de John Paul White (The Civil Wars) hacen de éste su mejor disco hasta la fecha. La producción es vintage y ha sido grabado en Alabama, emulando el sonido clásico de discos sureños de los años 60 y 70 facturados en los míticos estudios “Muscle Shoals” con guitarras llenas de reverberación y ecos naturales. Como curiosidad ha registrado una recreación preciosa del ‘To Love Somebody” de los Bee Gees. De lo mejorcito escuchado en el año recién acabado.

La Calle 46: les fleur de lys por Manel Ramodne

la enigmática banda freakbeat inglesa de los 60

uando a alguien le toca ponerse a contar la historia la banda de psicodelia mod hermana Rupert’s People... de un grupo como Les Fleur De Lys (o The Fleur De todo esto y más eran Les Fleur De Lys.

Lys) siempre se destacan las mismas ideas. En primer

El nombre de la cosa (¿o era de la rosa?). de eso llamado freakbeat. Que tuvieron mala suerte lugar, eran una obscura banda mod británica sesentera

a nivel comercial, nunca hicieron un hit y como grupo llevaron una vida turbulenta. Son, por tanto, paradigma de grupo de culto, enigmático y muy poco conocido, sólo carne de mods conoisseurs, completistas de los 6T y fans de la psicodelia británica. Por su falta de éxito comercial padeció salidas constantes de personal, inestabilidad y cambios en la formación; más de media docena en apenas 5 años. Ello les condenó a la falta de consistencia. Hay dos formaciones claras del grupo, una, la primera, de sonido más mod, de rock freakbeatero a lo Creation-Who y otra más tardía en una honda más cercana a la psicodelia y el soul pop blanco. Todo ello confundió a su público potencial y a los medios, les llevó al ostracismo mediático y de ventas. Dada su inestabilidad y cierta volubilidad no grabaron ningún Lp. Los tres que hay son recopilaciones tardias de sencillos, de los años 90 y del 2013. Eran pues un combo de singles, de discos pequeños de 45 rpm, (algunos enormes temazos, clásicos mod, como por ejemplo So Come On o del psych-pop 6T como Reflections Of Charlie Brown. Se convirtieron en un juguete de sus managers y de las compañías de discos que solo buscaban hacer con ellos un hit millonario rápido. Prácticamente acabaron siendo la banda de estudio del sello Polydor. Se relacionaron con otros artistas de su época, como por ejemplo con la cantante surafricana Sharon Tandy, de la que ejercieron como banda de acompañamiento o de

Lo primero que destaca en este grupo británico es su extraño, rimbombante y algo pretencioso nombre. Les Fleur De Lys, lógicamente, proviene de la lengua francesa, (la flor de lis, la flor del lirio) y ésta era un símbolo heráldico-religioso muy antiguo y tradicional en Europa, emblema de la monarquía gala desde la Edad Media, en particular de la casa de Borbón y marca de sus partidarios (también para los de la rama castellano-española del linaje desde el siglo XVIII). Es además, por extensión, una especie de simbolo identario de lo genuinamente francés, francófono y filo-aristocrático; en la República Francesa actual la flor de lis es un símbolo nacional más, como la bandera tricolor, la Marsellesa, la festividad del 14 de Julio, el lema republicano “libertad, igualdad, fraternidad”, el gallo o la Marianne. Recordemos que todo lo francés estaba muy de moda entre los mods británicos de los 60 (sobretodo entre la facción más culta, sibarita y esnob) como paradigma de modernidad, elegancia y superioridad cultural europea. En segundo lugar, el lío gramatical con su nombre. Puede parecer una chorrada pero ¿eran Los/las flor de lis, Las flores de lis o La flor de lis? Yo creo que todo proviene de un error lingüístico por la apropiación algo tontorrona por parte de unos chavales angloparlantes de un vocablo extranjero, en este caso francés. Tal y como lo escribieron ellos originalmente, Les Fleur De Lys, sin la s final de plural

añadida al sustantivo “fleur”, significa en español “Las flor de lis”. “Les” del francés significa “las” en castellano. Si querían llamarse “las flores de lis”, en correcto francés normativo deberían haberlo escrito “Les Fleurs de Lys”, poniéndole la marca de plural s al sustantivo. Si querían llamarse “La flor de lis” les sobraba la s. Luego aparecieron, para más inri mareante, en las galletas de algunas ediciones inglesas de sus 7” y en artículos periodísticos como The Fleur De Lys, sic. Recordemos que el artículo en inglés (el famoso “The”) no prescribe ningún número, ni singular ni plural, en ese idioma; eso viene marcado por el sustantivo o el verbo al que acompaña; “the”, por tanto, podría significar igual el/la como los/las.

¿Qué demonios es eso llamado freakbeat? Ya ha salido en estas páginas en alguna otra ocasión para referirnos a la música de otras grupos modernistas. Como freakbeat la prensa musical, bueno en los 80 el periodista musical Phil Smee, designaba el rock practicado por una serie de bandas de mediados de los 60, especialmente mods británicas, que evolucionaron el sonido y la imagen hacia la psicodelia en primer lugar y luego hacia el rock progresivo y el hard. En la segunda mitad de la década de los 60, a partir del 65-66, en la escena mod empezó a haber signos de agotamiento de los sonidos anteriores, R&B negro, más o menos bailable, el mod jazz y el Beat pop omnipresentes. Entra con fuerza la fiebre de la psicodelia ácida en un proceso de evolución y experimentación sónica constante. Las ropas y el diseño dejan el rigor formal y la sobriedad anteriores; ahora pasaran a ser más vaporosas, sueltas, ondulantes y llenas de colorido; se pone de moda el estampado cachemir/paisley, los fulares, el terciopelo, los sueters de cuello, las camisas de colores chillones, con solapones o con chorreras, los pantalones hipster de rallas, con talón en minicampana y los míticos botines beatle con tacón cubano. El pelo se deja crecer, look capilar mushroom mod, a lo Brian Jones, Chris Dreja o Steve Marriot del 67, incluidas, a veces, largas patillas y bigotes. Y en lógica, acompañando a los cambios estéticos, el sonido se diversificará también: algunos grupos se adentraran a tope en el soul hecho por blancos o Blue eye-Soul, otros en el Folk más o menos hippy bajo el influjo Dylan-DonovanByrds, otras en el Blues rock con la mirada

puesta en Cream y Hendrix, otras en el pop de baile; otros, como los Lys, en cambio, continuan haciendo rock modernista, pero lo endurecen y ensucian a veces con el fuzz o el flanger, a veces le meten un extraño arreglo de órgano hammond, coros como de iglesia, en temas más largos. El sonido puede ser por momentos juguetón, por momentos repetitivo e hipnótico. Igual de mod y elegante que antes, pero más seco, duro, cortante, dislocado por momentos; con unas letras raras, entre surrealistas, provocadoras, alucinadas, místicas o naif. Seran los de la escena freakbeat. Bandas de rock-beat de garage que surgiran en esos años en Gran Bretaña las podriamos perfectamente considerar freakbeat. El formato de banda freakbeat era la clásica del rock: voz, bajo eléctrico, guitarras eléctricas (con el añadido de efectos de distorsión varios como el pedal fuzztone, flanger, wah wah... nuevos en esa época) y una batería fuerte, retumbante, como marca distintiva. La bases originarias del sonido freakbeat habría de buscarlas en las bandas británicas de los 60 ya consolidadas, como The Who, The Kinks, The Rolling Stones, The Beatles, Pretty Things o The Yardbirds. La influencia americana haría el resto: en 1965 tomaban protagonismo desde los EEUU toda una bandada de grupitos del garage-rock, folkpop y psicodelia que respondían a su manera a la invasión británica precedente. Las influencias entre un lado y otro del Atlántico eran y serían recíprocas y constantes. Los grupos más representativos del género freakbeat del Reino Unido serian The Creation, The Attack, The Sorrows, los primeros The Move, Wimple Winch, The Smoke o los que hoy nos ocupan, Les Fleur De Lys, mods evolucionados, aunque a nuestros chicos les gustara mucho también el soul americano.

Su historia: nebulosa mod floreada. Empezaron a finales de 1964 y se disolvieron en 1969. Provenian de la localidad inglesa de Southampton. Por el grupo, en casi 5 años de vida, pasarían un total de once componentes; fue un entrar y salir constante de gente. El único miembro estable que tuvieron fue Keith Guster, su batería. La primera formación la componían el susodicho Guster, Frank Smith a la guitarra y la voz cantante, Danny Churchill al bajo

y Alex Chamberlain (órgano). Grabaron entre el 65 y el 66 un par de 7” para Immediate Records, el sello británico más mod de mediados de los 60, con artistas de la talla de Small Faces o P.P. Arnold en su filas. El primero fue producido por Jimmy Page. Fue el tema Moondreams, bucólico cover de un tema de Buddy Holly, muy pop y pre-psicodélico, conducido por el órgano y en la cara b un tema de Page, donde muy seguramente también toca la guitarra, Wait For Me, que es una especie de remedo instrumental del Carol de Chuck Berry.

grupo llamado Sweet Feeling. Este se empeñó que el líder de este grupillo al que representaba Rod Lynton, autor del tema, guitarra y compositor de la banda, regrabara una de sus caras b llamada Charles Brown con arreglos orquestales, otra letra y se cambiara el nombre de Sweet Feeling a Rupert’s People para obtener éxito. Cuando este se negó contrató a Les Fleur De Lys para que regrabaran en estudio el tema. Charles Brown, ahora Reflections Of Charles Brown, (con arreglos que la convierten en una especie de versión libre del A Whiter Shade Of Pale de los grandiosos Procol Harum, padres del pop psicodélico progresivo) y un tema nuevo, Hold On en la cara b saldrían como 7” de Rupert’s People. Los Fleur no tardaron en enemistarse con Conder al que vieron un tiburón manipulador y rompieron con él despues de esta sesión de grabación. El 7” como os he dicho salió editado en 1967 en Columbia Rec. a nombre de Rupert’s People y se convirtió en una pequeña joya del momento con bastante éxito. Lo peor del caso, especialmente para Les Fleur De Lys, fue que todo este lío absurdo ocasionó que Chris Andrews abandonara el grupo definitivamente y se uniera a Rod Lynton de los Rupert’s People. Fue durante poco tiempo. Andrews abandonaría al poco tiempo los Rupert’s People.

El segundo 7”, (ya con un tal Gordon Haskell sustituyendo a Danny Churchill al bajo y con un segundo guitarra, principal, muy bueno, llamado Phil Sawyer), coproducido por Page con la ayuda de Glyn Jones salió en 1966 y es para mi su mejor single: en la cara a, Circles, un impecable cover del famoso tema proto-psicodélico de The Who, para demostrar que sabían de que iba la cosa y en la cara b, So, Come On, un temazo compuesto entre Sawyer y Frank Smith: puro Rhythm and Beat mod estiloso, bailable y muy pegadizo; para mi su mejor tema. Lamentablemente no tuvieron éxito comercial. En 2003 el sello español Munster Records editó un bonito Ep a 45 rpm. del grupo llamado Circles Ep que recogía estos dos primeros singles del grupo. Si lo encuentras todavía por ahí, y no excesivamente caro, no lo dudes, cómpralo, es una joya. A mediados del 66 rompen con Immediate y fichan por Polydor. Grabaran 3 singles con Polydor entre 1966 y 1968 sin poder hacer el deseado Lp por su constantes cambios de miembros. Entra en liza el que será nuevo cantante del grupo, el rubio Chris Andrews (tambien conocido como Tim Andrews) y que era un fan irredento del soul americano y llevaría al grupo a una linea más soulie. Los 7” seran: Mud In Your Eye (tema de Phil Sawyer y Andrews) y en la cara b, I’ve Been Trying (versión del tema de Curtis Mayfield y sus Impressions) en 1966. En 1967 se produce el obscuro y extraño suceso del cruce entre Les Fleur De Lys y otra banda inglesa de pop psicodelico mod llamada Rupert’s People en la grabación de un 7”, Reflections Of Charles Brown y de la canción Hold On en la cara b. Todo surgíó de Howard Conder, manager de un

Pasado el rollo con los Rupert’s People entró a finales del 67 a las voces de los Fleur un nuevo vocalista y guitarra, Bryn Haworth y reducidos a formato de trio con Haskell al bajo y el incansable Guster a las baquetas graban un nuevo sencillo para Polydor, I Can See The Light, bonita canción de pop psicodélico en una línea muy The Beatles del Sargent Peppers. En la cara b tenemos el tema Prodigal Son, en una línea más folkie que recuerda una mezcla entre The Byrds y la Creedence Clearwater Revival. En el periodo Polydor los Lys hicieron de todo, grupo de sesión para artistas del sello, participar en grabaciones para gente como Donnie Elbert y tocaron por primera vez con Sharon Tandy, antes de convertirse en su banda de acompañamiento. A Tandy le ceden el tema Hold On compuesto por Haskell y Lynton para el 7” fantasma de Rupert’s People. También editaron canciones suyas con otros nombres como Shyster o Chocolate Frog. Ya en 1968 grabaron su último 7” con Polydor, el de extraño título, Gong With The Luminous Nose compuesto y cantado por Haskell. Este es un típico ejemplo de proto-hard rockblues psicodélico cruce de Jimi Hendrix, Cream y los

últimos Yardbirds de Jimmy Page pre-Zeppelin. En la cara b un tema en la misma línea del Gong, pero esta vez breve e instrumental, Hammerhead. A finales del 68, hartos del trato que les dispensaba Polydor y animados por Sharon Tandy, que era la nueva novia en ese momento de Bryn Haworth, quemados con la industria deciden probar suerte en Atlantic Records con el nuevo manager Frank Fenter. Este les mantendrá en contacto otra vez con una de sus representadas, Sharon Tandy, la amiga de voz soul a lo Sandie Shaw afincada en ese momento en Inglaterra. Tandy necesitaba una banda de acompañamiento para sus giras y los Lys eran los ideales para ello. También colaboraron con artistas como Waygood Ellis o John Bromley. En el 68 el fichaje por Atlantic supone un giro estilístico hacia el soul: editan el sencillo Stop Crossing The Bridge/Brick By Brick (Stone By Stone) compuestas por los compositores a sueldo de Atlantic, Graham Dee del grupo The Storytellers y Brian Potter. Suenan muy pop, bailables y son temas cercanos al Blue eye soul de un modernismo tardío. El último single del grupo vendria en 1969 y se llamó Liar/One Girl City, dos temas compuestos para Atlantic entre Bryn Haworth y Brian Potter. Eran dos temas menores que parecen rememorar a los Beatles del Let It Be y a bandas de rock progresivo. Este fue el último single del grupo antes de disolverse ante la falta de éxito y el ninguneo de la industria musical. La constante memorabilia musical hizo que en los años 90 se editaran dos discos recopilatorios del grupo, Les Fleur De Lys, 1991 en el sello FDL y Relections, en 1997 en el sello Blueprint. Este último tambien salió en Cd con extras con tema cantado por Tandy, Daughter Of The Sun, una canción a nombre de Shyster, Tick Tock y dos a nombre de Chocolate Frog, I Forgive You y Butchers And Bakers, además de dos de Bromley y uno de Waygood Elli. Lo último editado del grupo nos llegó en 2009 y 2013 de la mano del sello británico Acid Jazz Records. En 2009 sacaron un Ep, The Two Sides Of The Fleur De Lys EP con 2 temas en demo en la cara a de la época del 68 con Tago Byers al bajo y Tandy y un tal Tony Head a las voces: Gotta Get Enough Time y Yeah, I Do Love You. En la cara b dos temas de la primera época, el Wait For Me y una toma del Circles de un directo del 66 en Southampton. Mientras que en 2013 editaron el recopilatorio You’ve Got To Earn It con 18 de sus mejores temas.

libros Seré Un Anciano Hermoso En Un Gran País (Ensayo Emocional) Manuel Astur Silex Ediciones, 2015 Julia Navas Moreno

Manuel Astur González (Grado, Asturias, 1980) es escritor, poeta, periodista y productor musical. Autor del poemario ‘Y Encima Es Mi Cumpleaños’ y de la novela ‘Quince Días Para Acabar Con El Mundo’, ha publicado relatos en varias antologías. Ha colaborado en distintos periódicos y revistas, como Tiempo, y BCN Mes, es uno de los fundadores del movimiento artístico Nuevo Drama. Su último libro ‘Seré Un Anciano Hermoso En Un Gran País’, acaba de ver la luz en una cuidada y bonita edición de Silex. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto de una lectura —cada vez me cuesta más encontrar “algo” bien escrito, evocadoramente bello y, además, divertido—, pero esta novela me ha resarcido; este viaje al pasado a través de una mirada que transforma lo intranscendente en épico; lo épico en algo cercano, tangible. Una autobiografía, un “ensayo emocional” donde el autor nos cuenta su vida a lo largo de tres décadas, casi la totalidad de sus años vividos. En principio uno puede pensar que una novela versada en temas tan particulares no es algo que resulte muy atractivo, pero esa es la magia y la esencia de la literatura: no es lo que se cuenta, sino cómo se cuenta. Y todo está ya contado; todo gira en torno a las vicisitudes sobre Eros, Tanatos y… poco más. El principio es un contundente esbozo del lirismo, el sentido crítico plagado de corrosivo sentido del humor que se despliega a través de las páginas de toda la novela: «Si tuviera que describir el purgatorio, no recurriría al imaginario católico». Tras una deliciosa declaración espiritual, nos desvela que el purgatorio sería bastante parecido a Villalpando, avistado desde una estación, una parada en un viaje continuo y vital; una escapada de la infancia y lo consabido hacia ese futuro incierto y excitante que siempre anhela. Manuel Astur logra, desde lo particular e íntimo, llegar a lo universal. Una mirada crítica de alguien que pertenece a la primera generación nacida en democracia; que esperaba que todo se le fuese dado y que ahora, con asombro, se encuentra en un limbo de estrepitoso fracaso, engullidos por un sistema al que no presentaron batalla. Una mirada hacia a tras sin ira, y hacia el futuro con esperanza capaz de hilar todas sus experiencias y sensaciones con acontecimientos tan importantes como la caída del muro de Berlín y acabar creando una bandera propia a través de elementos que son propios, que nos dicen algo— uno de los hilos más divertidos de la novela—. Porque, ¿qué significado tiene para nosotros un león rampante? «Yo nunca he visto un león más que en los Zoo o en los documentales». «Somos demasiado mayores y lo hemos visto demasiadas veces en la televisión durmiendo o lamiéndose las pelotas…». Fuera león. Yo también prefiero una golondrina o un vencejo para poseer, por fin, una bandera coherente y vistosa. El humor inteligente aparece a lo largo del recorrido vital con historias verdaderamente hilarantes que retratan la condición humana y también la historia de este país imposible ya que, a través de sus antepasados, hay una mirada a tiempos no vividos pero aprehendidos. La Historia más inmediata también es retratada a pesar— o gracias— a experiencias vividas desde la embriaguez del éxito—también etílicas— o la desolación del fracaso sin perder un ápice de lucidez. Otra de las satisfacciones que me ha aportado esta novela es el estilo narrativo que, en muchos momentos, roza lo poético. Párrafos que pueden ser leídos una y otra vez con deleite; descripciones sublimes de lo externo y lo sentido. Las anécdotas contadas contienen elementos comunes para cualquier lector que se asome; aunque la generación sea distinta, incluso lejana, sentiremos que sabemos de lo que habla como parte de este “gran país”. Dios, la religión, Franco, la bicicleta Orbea, la mejor disertación sobre cómo el dichoso C.D. triunfó a pesar de ser la estafa del siglo; la música, Kurt Cobain… «Cuando escuchaba música no estaba en esta casa, no estaba en Asturias, no en España, no a principios de los noventa, no estaba en ninguna parte; todas las partes eran yo». ‘Seré Un Anciano Hermoso En Un Gran País, novela, autobiografía o “ensayo emocional”, es una intensa y deliciosa lectura.

regreso al cine por Vicente Ribas

un amor de verano U

n Amor De Verano (Summer Lovers) es una película estadounidense escrita y dirigida por Randal Kleiser y estrenada en 1982. Fue filmada en las islas Griegas de Creta, Delos, Mikonos y Oia, esta última isla situada en el paradisiaco archipiélago de Santorini. El director Randal Kleiser, en cuyas películas los roles principales suelen ser interpretados por jóvenes (Grease, El Lago Azul) dirigió esta película que no llegó a tener un éxito taquillero importante y no recibió buenas críticas en general. Este era el cuarto largo de Kleiser, y muy lejos quedaban los éxitos adolescentes de las mencionadas Grease (1978) y El Lago Azul (1980). El otro filme de Randal Kleiser y el cual fue su debut tras las cámaras es Peege (Peege), en 1972.

a trama gira en torno a una pareja estadounidense, Cathy (Daryl Hannah) y Michael (Peter Gallaguer), que llegan al archipiélago de Santorini, en el Mar Egeo, durante sus vacaciones de verano. Pretenden quedarse un mes de vacaciones, pero aquí el joven conoce a una arqueóloga francesa, Lina (Valerie Quennessen), con la cual hará amistad su novia tras que Michael rebelase su infidelidad. Cathy, tras la confesión de su novio se enfada y amenaza con marcharse de la isla, pero finalmente termina aceptando a Lina formando un triángulo amoroso del cual los dos jóvenes estadounidenses no quieren romper, ya que encontrarán inconcebible la vida sin Lina.

a banda sonora de esta película cuenta con un extraordinario elenco de temas conocidos; Tina Turner con ‘Crazy In The Night’ o ‘Johnny And Mary’, versión de Robert Palmer, Elton John con ‘Take Me Down To The Ocean’ o la conocida canción ‘I’m So Excited’ de las californianas The Pointer Sister.

Pero también se cuelan otros clásicos ochentenos como ‘Just Can’t Get Enough’ de Depeche Mode, ‘Your Love’ de Lime, ‘Play To Win’ de Heaven 17 o ‘Summer Lovers’ de Michael Sembello. La banda sonora la completan ‘If Love Takes You Away’ de Stephen Bishop, ‘Sea Cave’ y ‘Search For Lina’ de Basil Poledouris, ‘Do What Ya Wanna Do’ de Noah Hendryx, y ‘Hard To day I’m Sorry’ de Chicago.

uizá lo mejor de este filme es ver a una esplendorosa “muñeca” llamada Daryl Hannah y ese trío amoroso que ofrece alguna que otra escena subidita de tono. Hannah, que empezaba a ser conocida gracias a su largo anterior, ‘Blade Runner’, haciendo de la mutante Pris, estaba en su década más popular gracias a otros filmes venideros como 1, 2, 3… Splash (1984), El Clan Del Oso Cavernario (1986), Roxanne (1987), Wall Street (1987) o Magnolias De Acero (1989). Mientras tanto Peter Gallaguer protagonizaba con Un Amor De Verano su segunda película tras de The Idolmaker (1980), pero en cambio tanto en cine como en teatro tenía una dilatada trayectoria. El trío amoroso lo completaba Valérie Quennessen, una actriz desconocida en Hollywood pero que en su país tenía una larga experiencia cinematográfica y una popularidad consagrada, tanto en cine como en películas hechas para televisión. Después de Un Amor De Verano, Valérie se retiró poco a poco de la actuación, eligiendo concentrarse en criar a su familia. Ella y François Manceaux tuvieron dos hijos, Antoine y Elsa. En 1989, murió en un accidente de tráfico a los 31 años de edad. Barbara Rush, Carole Cook, Hans Van Tongeren, Lydia Lenossi, Vladimiros Kiriakidis, Carlos Rodríguez Ramos, Rika Dialina o Peter Pye entre otros, completan el cartel del filme de Kleiser.

De entrada… ENTRADAS por Fernando Arellano

E l

n primer lugar, debo decir – sin que sirva de descargo a mi inexperiencia – que esta es mi primera colaboración con Future Magazine, espero que no la última… perdón… se me ocurrió sugerirle al director la posibilidad de escribir un artículo sobre el mundo de las entradas de conciertos, de las que soy coleccionista desde hace años, tantos como asistente asiduo a los mismos. Antes de profundizar en el tema, quiero puntualizar, diciendo, que la cosa pretende ser una reflexión divertida, algo así como un grito de protesta ante la globalización que nos alcanza en todos los aspectos de la vida diaria, que ningún ente se ofenda, por favor.

ace unos días me enteré por la prensa, que venían de gira The Cure, la última vez que visitaron España, asistí con un amigo a su concierto de Madrid, y debo decir que fue muy trabajado, cerca de tres horas tocando sin tregua, con un sonido potente y un impacto visual de lo mejor, contacté con él y le comenté la posibilidad de repetir, quedándome al cargo de informarme de los pormenores. Dicho y hecho, busco la información en internet, y lo primero que me sorprende es la anticipación de la venta, prácticamente un año entero, tocan el 20 de noviembre del 2016, otra sorpresa, el precio de las entradas, las de pista, de pie, casi 85 euros, bueno, el portal de venta lo llama 75 más 9 de gastos de gestión, y uno piensa… ¡pero si la gestión la estoy haciendo yo!… Yo busco la información en la red que yo pago, empleo mi tiempo en informarme de todo, uso mi propia impresora o la retiro en un punto de venta, ya que si pretendo recibirla en mi domicilio, debo pagar un plus, aparte de todo esto, también hay opciones de gastos de cancelación, de robo, etc, que, naturalmente, se pagan aparte, otra cosa, cuando miro la primera vez, se me informa de que la venta es en determinado día, pero ya hay “pre-venta“, y uno piensa, ¿pre-venta es venta o no es venta? ¿si dicen que la preventa da derechos de adquisición, entiendo que ya es una venta, y si no es así, ¿para qué me sirven entonces? ¿Puede alguien explicarme para qué sirve la pre-venta si no es para complicar lo sencillo?

no sé si tendrá algo que ver con la socorrida Ley de la Oferta y la Demanda, confieso que no he profundizado, por terror a lo desconocido, en el tema. Creéis que ya he terminado, pero no, nada de eso, paciencia, que aún hay más. Pese a que, visto el precio de las entradas, decidimos retirarnos, a la espera de otras giras, llevado por la curiosidad, el día en que empezaba la venta, simulé la compra de una entrada, más que nada, para ver, si a esos precios, se vendía todo en cuestión de horas, como yo había previsto. Al hacer la intentona de compra, el sistema te pone en una cola virtual, cuyo tiempo de espera fluctúa de un modo inquietante, lo que provoca en el hipotético comprador cierta congoja – no era mi caso esta vez – si se intenta la gestión por teléfono. Tres cuartos de lo mismo, comunica constantemente, y si por casualidad consigues contactar, te atiende una especie de humanoide que ha sido programado para no contestar ninguna pregunta no contemplada en las dudas de un ser humano de verdad, eso si, al final, te deja bien claro lo que has comprado y los euros que te has dejado, para que nadie se llame a engaño. No, hay más reproches todavía, en materia de precios, los hay diferentes, algunos escandalosamente altos, debe ser, por que aparte de pre-venta, debe haber ventas… josas, en ningún caso jocosas.

ntiendo que una gira internacional es, ante todo, un negocio, que lleva gastos, y que intenta optimizar sus beneficios, pero confieso que me molesta ver, como en algunos espectáculos se lleva el tema hasta extremos rocambolescos, las entradas VIP, con cifras de tres números, que a veces incluyen un paquete, si paquete, no pack, de memorabilia quiosquera, un cóctel, y una foto rápida con los músicos, algo que hicieron Kiss en su última visita, la verdad, me imagino el asunto, y no es que lo desacredite, pero me parece algo hortera y carente de espontaneidad ¿Dónde quedaron los tiempos dónde uno se lo curraba, intentando adivinar por que puerta saldrían los músicos, para conseguir un autógrafo o una foto con su ídolo?

ablando de más experiencias propias, ¿cómo es posible que te dejen colgado después de pasarte una mañana delante del ordenador, diciéndote que las entradas están totalmente agotadas, y que, pasada una semana, entres y las compres sin problemas? Llamé y nadie supo darme una explicación satisfactoria. Según tengo entendido, siempre se reservaba un porcentaje para la venta en taquilla el día del espectáculo, y otra cosa, meses después de agotarse las entradas, uno ve en prensa los anuncios de algunas empresas de viajes que ofrecen paquetes turísticos de hotel más entrada, lo que también cabrea un poco, la verdad.

P L

a historia no termina aquí, veo que hay una especie de entradas, de las que no recuerdo la denominación, pero que son una especie de entradas de valor variable, que depende de la demanda de las mismas,

ara cerrar este apartado, os voy a contar una anécdota personal, que dice mucho sobre los problemas que puede generar la automatización de la venta. Debo decir que vivo en un pueblo de La Mancha profunda, y eso, pese a disponer de conexión a internet, móvil y demás, complica un poco las cosas. Paso a referir los hechos: Me entero de que Patti Smith va a tocar en Madrid, compro una entrada por internet con un par de meses de antelación, hago la transferencia virtual, me da como opciones recoger la entrada en taquilla el día del concierto o imprimirla yo

mismo, cosa que hago, pasadas unas semanas, recibo un mensaje en el móvil a horas intempestivas diciendo que me devuelven el dinero que había pagado a tal empresa virtual por el mismo conducto. Miro en la red, y veo que el concierto ha sido cambiado de fecha y de lugar, motivo; la huelga general que hay ese día en toda España que hace que Patti se niegue, por solidaridad a que nadie trabaje por su culpa. De hecho, fue a la manifestación donde la gente le cantó en masa, “people have the power”. Vuelvo a comprar la entrada, pero esta vez no la imprimo, ya que me acojo a la opción de recogerla en taquilla cuando vaya al concierto, cosa que hago. Para mi sorpresa, me dicen en la taquilla de la sala La Riviera, que ellos no tienen terminal allí para darme la entrada, que eso era en el anterior local, El Price, el solícito taquillero me dice que la puedo recoger en un cajero de Cajamadrid, y me indica el más cercano, en Google Maps, corro como una bala, y cuando introduzco la tarjeta, directamente me da un papelito de esos donde te viene el saldo: El concierto, maravilloso.

especto a las entradas, sé que no hablo solo de mi perspectiva, muchos echamos de menos el viejo sistema, me refiero a aquellos tiempos donde uno iba a Discoplay o Madrid Rock (agradezco a mi hermana Encarna y a mi gran amigo Crisanto, sus desplazamientos a estos sitios a comprármelas). Considero aquello una época heroica, el madrugar un sábado para ser de los primeros en la cola, donde uno inevitablemente entablaba conversación con los otros compradores intercambiando opiniones y anécdotas de corte musical. Cuando uno asiste a uno de esos conciertos que dejan huella, artistas clásicos que desaparecen del mapa aparte del recuerdo interior que te queda, el único testimonio

material del mismo, es la entrada, uno, aparte de el ritual de la compra, iba con una expectativa de ver como iba a ser esa entrada, su tamaño, la textura del papel, el cuño que la autentificaba, la foto del grupo o el solista, la combinación de colores, en fin, puede parecer fetichista, pero la mayoría de nosotros las guardamos con mimo para nuestros hijos como un trofeo de caza mayor. Ahora, las entradas más decentes, por decir algo, son las de una conocida empresa de distribución, que, al menos, aunque en blanco y negro, llevan la imagen del artista, de ahí, ya todo empeora, desde entradas de cajero con tinta que se desvanece con el tiempo a un simple ticket de papel que parece de la caja del súper, me da la razón, el hecho, de que he visto, en alguno de esos paquetes de memorabilia VIP, que incluía una “entrada de colección” del concierto a celebrar, a veces, más es menos. Pienso, que igual que en el cine se ha pasado del blanco y negro al color, aquí, hemos ido al revés. A veces para ir en grupo hemos tenido que montar una verdadera operación logística, del tipo “tú te vas al cajero”, yo me pongo en la cola física, y el que primero las compre llama a los otros… “

ara terminar, no voy a decir aquello de “cualquiera tiempo pasado fue mejor”, hay cosas que han mejorado. Por ejemplo que alguien se acuerde de los minusválidos, entre los que me imagino, habrá grandes rockeros melómanos, o que se regule el aforo de los locales de forma seria de cara a la seguridad, y evidentemente la no necesidad de desplazarse desde el medio rural para adquirir una entrada sin tener que dar la brasa a los amigos y familiares. Ahora, donde esté un reventa a pie de calle, que se quite un frío anuncio con su mechero o su bolígrafo… vuelva usted mañana...

deconcierto brighton 64

lata de zinc (oviedo, 19-12-2015) Texto: Odiseo Voltaire / Fotos: Riot Press

o era ni mucho menos la primera actuación del legendario grupo barcelonés en Asturias, pero sí la primera en la capital del Principado en sus casi 35 años de historia. Brighton 64 siempre había ofrecido sus conciertos en Gijón, mientras que en Oviedo y Avilés los hermanos Gil habían tocado en su etapa como Matamala (en febrero de 1998). Así pues, el recital ovetense puede definirse como histórico en todos los aspectos: por su capacidad de convocatoria “intergeneracional” (desde viejos mods del primer contingente del ‘82 hasta la nueva generación, pasando por mucha audiencia de los años 90), debido a los múltiples atractivos de su show y por el mentado “debut” en la ciudad en Lata De Zinc.

tivo local que recoge la herencia de la desaparecida y añorada Caverna ovetense. Allí, un pionero como Mr. Anello pinchó junto a Rude Wolf y Adobo Coral- haciendo bailar de nuevo a la concurrencia de todas las generaciones y a los miembros del grupo catalán con una exquisita selección de soul, rhythm and blues y otras delicias sixties. Una noche memorable. Enormes Brighton 64.

CANCIONES CON SABOR El concierto fue apoteósico y la emoción fue in crescendo, con un tracklist perfectamente ordenado para no dar tregua ni a las emociones ni a los pies del público. Abrieron fuego con potentes clásicos ochenteros como ‘La Calle 46’ y ‘La Próxima Vez’, intercalando novísimos hits como ‘Los Puntos Sobre Las Ies’ y el revitalizado ‘Modernista’ entre sones imprescindibles como ‘Fotos Del Ayer’ y ‘Ponte En Marcha Para Mí’ o la celebrada y emotiva ‘Caminos Por Recorrer’. Asimismo, la comunicación con el público estalló durante el bloque dedicado a los temas más señeros: ‘El Mejor Coktail’, ‘Palabras Con Sabor’ o ‘Barcelona Blues’, logrando que se moviesen hasta los más tímidos, e incluso provocando más de una lágrima incontenida; emocionante. EMOCIONES DESATADAS Finalmente -tras dar por “finiquitado” el show oficial-, tras unos minutos de espera ante un público entregado y vociferante, llegaron los bises: ‘Igual Nos Da Igual’ y ‘La Casa De La Bomba’; el estallido de la ídem, el paroxismo, con Ricky y Albert subiendo y bajando del escenario, recibiendo un baño de ovaciones realmente entrañable, prolongando el final de su mayor hit por la insistencia y participación vocal de la concurrencia. La banda (con el teclista Jordi Fontich y el baterista (y efectivo corista) Eric Herrera sonó compacta y fresca, como una máquina perfectamente engrasada; un recital soberbio y generoso en energía. MOD PARTY EN LA CERVECERÍA GONG Tras el concierto, el colectivo Oviedo Mods (formado por jóvenes modernistas de la ciudad) organizó una fiesta post concierto en la cervecería Gong, un atrac-

rage

paberse matao (sedaví, valencia, 18-12-2015) José Zamora Linares

legamos al lugar, en nombre de Future Magazine, sobre las cinco de la tarde y, cómo no, éramos los primeros. Los que iniciábamos la cola que, luego, se formaría. Pues, no en vano, el X-Mas Metal Fest es uno de los mejores festivales de metal en la ciudad y esta vez se efectuaba en la sala Paberse Matao. Ese viernes íbamos a ver en acción a Prometheus, Centinela, Black Hawk y Rage. Yo me voy a centrar en el concierto de Rage, ya que, este fue el único concierto que la formación alemana dio en toda España en 2015. Pues bien. Hay que decir que las puertas del local se abrían, inicialmente, a las ocho de la tarde y pudimos acceder al interior sobre las 20:30 horas. Pero antes de seguir contando lo que fue el concierto, he de aclarar una cosa: Hablo de «nosotros», en plural, porque al concierto vino mi hermano, que es una fan loca de Rage. Por eso llegamos ligeramente pronto: «3 Horas antes». Una vez aclarado esto, tengo que decir que ese rato nos sirvió para que, al ver la furgoneta de Rage llegar, mi hermano fuera a recibirlos y acompañarlos hasta la puerta del local, donde Peavy, el cantante, nos firmó todos los discos que llevamos y se fotografió con nosotros. Primera fila. Centinela, gran grupo de Albacete, terminó su concierto y, después de infinitos aplausos, se hizo el silencio y la luz se atenuó. Era la hora de ¡Rage! Y su presentación del ‘Black In Mind (20th. Anniversary)’. Entre penumbras, el guitarra, Marcos Rodríguez, colocó su pedalera, enchufó su guitarra, probó el bajo de Peavy (cantante y bajista del grupo) y testeó los micros haciendo bromas con el público, (en español, ya que es latino), mientras Lucky

(batería), terminaba de montar sus platos y ajustarse el instrumento. Sin más, empezó a sonar el intro del concierto. Las luces se encendieron, el público aplaudió, el calor y la emoción me invadió (con que imagínate lo que debió sentir Dani, mi hermano, cuando salió Peavy, el cantante, entre vítores y aplausos. A pesar de que, como Peavy nos contó en cierto momento del concierto, en el avión, la compañía aérea les extravió el bajo y el hecho de que no habían comido. A pesar de esta anécdota fue un concierto brutal de hora y media de duración en el que repasaron buena parte de sus temas más emblemáticos, mientras el público desbocado y totalmente entregado coreábamos todas y cada una de las canciones que tocaron. Al terminar, Peavy le dio una púa en mano a Dani y luego lanzó las demás. Un gran éxito este concierto que pertenecía a la gira “Black In Mind 20th Anniversary Tour”. El día que Rage vuelva a la ciudad, yo estaré allí, sin duda.

varry brava

wah-wah (valencia, 07-122015) Texto y fotos: Rosa Ruiz

a plataforma de venta de entradas on-line Atrápalo, organizó una serie de conciertos gratuitos, contando con la colaboración de la banda murciana Varry Brava y que mediante invitaciones que se agotaron rápidamente, fueron recorriendo distintos puntos de la geografía española presentando la gira “≠benditoruido”. En total fueron 13 conciertos, pasando por distintas ciudades y en Valencia le tocó el turno la noche del pasado 7 de Diciembre en la Sala Wah Wah. En primer lugar actuó la banda valenciana invitada Linqae, dando una buena muestra rock alternativo, para a continuación hacer su aparición Varry Brava, grupo que no deja indiferente a nadie, ya que juega mucho con la puesta en escena, tanto del vestuario como la forma de comunicarse con el público, y en esta gira han querido cuidar esa escenografía. Su cantante Óscar Ferrer, que es pura energía en el escenario y consigue que baile hasta el más estático del lugar, aunque bien es cierto que eché en falta un poco más de “chispa” y su entrega hacia el público, aunque supongo por ser la recta final de la gira y llevar muchos kilómetros a cuestas agota bastante. La sala se convirtió en una “fiesta” de pop y música disco, sonidos que nos recuerdan a la música disco italiana y pop ochentero, con su sonido inconfundible a los teclados cuyo artífice es Aaron Sáez, y con Vicente Illescas a la guitarra, en la que fueron repasando temas de sus dos discos publicados hasta la fecha, el último hace algo más de un año, ‘Arriva’, con muy buena acogida. Canciones como ‘Playa’, ‘Fantasmas’, ‘Oh, Oui Oui’ o ‘Fan’, continuando con ya clásicos de la formación murciana como ‘Fiesta’ ‘Radiactivo’ o ‘No Gires’, que puso el colofón final a una divertida noche.

por Commandant DJ Cada nuevo año la lista de ediciones discográficas sigue siendo inabarcable y evidentemente solo llegas a un número mínimo de discos, aún centrándote en estilos y artistas que ya conocías o haciéndote eco de los siempre excitantes nuevos valores que te recomiendan. 2015 no ha sido para mi una de las mejores cosechas de los últimos tiempos pero, siempre encuentras cosas excitantes entre los varios cientos de grabaciones que llegas a escuchar. Los álbumes que me han llamado la atención y recomiendo los siguientes:

1.MATTHEW E. WHITE Fresh Blood

El productor de moda nos entrega un segundo trabajo homónimo. Una colección de temas en los que suenan todas las vertientes estilísticas de América del Norte bajo su mirada personal y el remate maestro de unos arreglos diferentes y arrebatadores.

2.THE DECEMBERISTS What A Terrible World, What A Beautiful World

La banda de Colin Maloy sube un peldaño más en su búsqueda de la canción pop perfecta. Elegancia e inteligencia comercial en el nuevo disco de los herederos del sonido que patentara REM.

3.MINI MANSIONS The Great Pretenders

El proyecto paralelo de Michael Shuman (Bajista en Queen Of The Stone Age) alcanza la mayoría de edad bajo la producción de T. Bone Burnett. Rock de bases sintéticas con poso ochentero y luminosos arreglos que remiten a la California dorada y a la psicodelia de la ELO.

4.FATHER JOHN MISTY I Love You, Honeybear

El antiguo batería de Fleet Foxes, también conocido como Josh Tillman nos ha entregado uno de los mejores discos del año. Bonitas melodías y cuidados arreglos que esconden una declaración en toda regla de sus obsesiones, a veces en clave humorística y otras llenas amarga acidez.

5.NATALIE PRASS Natalie Prass

Debut de esta joven de voz aniñada, versátil y dulce que flota con cadencia sensual entre los mágicos desarrollos de cuerdas y vientos que adornan unos temas que supuran el calor melodioso del soul clásico de los 70 con un toque Burt Bacharach. Delicioso.

6.THE WATERBOYS Modern Blues

La resurrección de Mike Scott y su banda se ve confirmada en este nuevo disco grabado en Nashville. El protagonismo folk de acústicas y violín de antaño ahora es relevado por un sonido más rugoso de eléctricas y Hammond. Puro Waterboys no obstante.

7.COURTNEY BARNETT Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit

Primer largo de esta rockera australiana que sin grandes alardes estilísticos y con unas bases mínimas ha sabido plasmar en los surcos su espíritu guerrero y juvenil con un pie en el Indie femenino de los 90 y el otro en la escuela Punk neoyorkina de los 70.

8.LEON BRIDGES Coming Home

Leon es un tipo de Texas, cantante, compositor y guitarrista que practica una suerte de retro-soul anclado en los años 60. Cada elemento de su disco bebe en aquellas fuentes en estructura, producción e instrumentación. Una lección de puro soul carnal, sin aditivos mecánicos.

9.GUSTER Evermotion

Casi todos los años caigo rendido ante un disco que pasa desapercibido para la mayoría. Esta vez el mérito se lo llevan los norteamericanos Guster con un álbum ameno de PopRock atemporal de sonido casi transparente, donde brillan subyugantes y pegadizas melodías rematadas con acertadas armonías vocales.

10.BLUR The Magic Whip

La vuelta de uno de los grupos fundamentales del Brit-Pop de los 90 ha constituido uno de los acontecimientos del año. Que Damon Albarn y Brian Cox vuelvan a trabajar juntos y nos regalen unos temas de construcción barroca y adulta alejados de aquellos himnos juveniles demuestra honestidad y madurez.

11.SUFJAN STEVENS Carrie & Lowell

Un disco parido desde el dolor de la pérdida, la melancolía y la añoranza de una familia que perdió siendo casi un niño. Stevens se desnuda tanto en las letras como en los sencillos arreglos que arropan unas melodías frágiles como la porcelana que le han servido para hacer las paces consigo mismo.

12.LINDI ORTEGA Faded Gloryville

Gotas de Blues, Rock and Roll de la escuela de Tennessee y lecciones de Country. Lindi Ortega se convierte en la heredera indisputable de Roy Orbison y Patsy Cline.

13.GRAHAM PARKER AND THE RUMOUR Mistery Glue

Desde que volvió a reunir a su banda de siempre Graham Parker ha recuperado prestigio y notoriedad. Las esencias de este pionero del Pub-Rock siguen presentes en esta nueva entrega que contiene más blues que rock alocado. Cada vez más cerca de Van Morrison.

14.RICKIE LEE JONES The Other Side Of Desire

Vecina actualmente de Nueva Orleans, esta mítica y arisca outsider ha grabado junto a músicos locales un disco repleto de referencias al sonido único de esta ciudad, crisol de culturas y estilos, desde el blues pantanoso al Cajun. Otra meritoria vuelta tras años de sequía.

15.NEW ORDER Music Complete

Peter Hook les dejó hace tiempo y parecía que New Order entonaban el canto del cisne, pero mira por donde, vuelven con la reincorporación de Gillian Gilbert a los teclados y un puñado de productores para devolver el sonido marca de la casa de estos míticos asiduos a las pistas de baile.

16.JULIA HOLTER Have You In My Wilderness

Frágil y etérea, Julia Holter va depurando su estilo disco a disco y ya van cuatro. En esta ocasión se aleja de la música experimental que la emparentaban con Björk o Kate Bush para acercarse a un formato Pop más asequible, aunque sin renunciar a su arriesgado estilo.

17.EZRA FURMAN Perpetual Motion People

Otra de las perlas de la temporada es este músico de Chicago, sobrado de actitud y descaro se ha convertido en el fenómeno Indie del momento. Canciones de base acústica acelerada en las que mezcla Blues, Rock’n’roll y Country en una conjunción que suena tan fresca como natural.

18.BEST COAST California Nights

Siguen manteniendo su estilo que cabalga entre Indie-Surf californiano y el Power-Pop resultón, pero cada nuevo disco suenan más brillantes e imaginativos. Bettany Consentino canta cada veza mejor y los arreglos son limpios y están llenos de estribillos pegadizos.

19.KURT VILE B’lieve I’m Goin Down

Maestro del fingerpicking, Kurt Vile nos entrega su quinto disco en solitario en el que sigue destacando su dominio de acústicas, bajos y dobros para adornar unas melodías de raíz americana que muestran que hay un camino intermedio entre Dylan y el Country.

20.BENJAMIN CLEMENTINE At Least For Now

Otro debut sonado del año ha sido el de Bejamin Clementine, cantautor británico que al abrigo de tan solo un piano nos ha puesto los pelos de punta con sus desgarradoras canciones autobiográficas plenas de referencias a la miserable vida como homeless que había sufrido hasta ser descubierto como nuevo talento.

BONUS: TRACEY THORN Solo Songs And Collaborations 1982-2015

No entra en la lista de destacados por ser un recopilatorio, pero no puedo dejar de hacer mención de este excelente disco doble que reúne 34 canciones dispersas de una de las mejores voces que ha dado el Reino Unido. Aquí están los trabajos en solitario de Tracey fuera de la disciplina que le marcaba su banda Everything But The Girl, tanto en solitario como colaborando con otros artistas. Un derroche de buen gusto y un regalo para los oídos.

YO ESTUVE ALLÍ texto y fotos de Vicente Ribas

scooters la edad de oro, Valencia, 14-6-2008)

n plena forma. Este podría ser el slogan que acredita a Scooters como referente a la vuelta a los escenarios. El 14 de junio del 2008 desplegaron su power-pop tradicional desde la sala La Edad De Oro de Valencia, dando ejemplo que su saber quehacer encima del tablado no ha pasado de moda, y mucho menos que sus apetencias hacia la música no es cosa únicamente para savia nueva. La estampa de Scooters esa noche fue novedosa, todos con camisa negra y corbata, una imagen que sustituyó, al menos por aquella vez, a las camisetas negras con una foto del cuarteto impregnada sobre ella; un acierto, sin duda. Como suele ser habitual, se desenvolvieron como pez en el agua y dilataron gran parte de su remodelado y retocado repertorio como solo lo saben hacer ellos, a ritmo de levantar los vítores de todos los congregados allí, seguidores que suplantaron la parka verde y los símbolos mods por una vestimenta más acorde con el siglo XXI, amén de una retahíla de jóvenes seguidores que los acompañaban allí donde actuaban.

Hay En Tu Corazón’ o ‘Generación 80’, otra de sus tradicionales obras la cual “Willy” siempre le daba un principio contagioso con la armónica y con la cual terminaron su actuación, evidentemente antes de sus esperados y casi obligados bises, norma general para todos los grupos. El citado primer bis estaba más que cantado, ‘Toma Anfetas’, versión del ‘Too Much Pressure’ de los Selekter, y, ‘Vamos Al Bar’, exposición del ‘Hey Ho, Let’s Go’ de Ramones, ambas con la firma incondicional de Scooters y prácticamente hechas suyas. La sorpresa llegó en el segundo bis, que a petición popular no tuvieron más remedio que subirse de nuevo al escenario (sin estar previsto), improvisando otra vez el ‘Toma Anfetas’, aunque esta vez alargándola y con la notable sorpresa que fue cantada por Joan F. Toledo, el que fuera bajista y voz de Las Máquinas y que por allí se encontraba. Finiquitaron el asunto con otra sorpresa, la tradicional versión que hicieron de ‘La Vaca Lechera’ y que hacía muchos años que ya no formaba parte de su repertorio, tocándola además como era de esperar al compás del mejor rock and roll.

La hora y media de concierto dio para mucho, “Bolo”, “Wiily”, “Budi” y “Metralla” arañaron segundos al tiempo y correspondieron con piezas como ‘Chicas y Power Pop’, ‘Decídete’, ‘Vida Salvaje’, ‘Tiempos Lejanos’ o ‘El Hombre Lobo’, en un homenaje al que fuera su primer baterista, el malogrado “Cipri”. Por su puesto no se olvidaron de algunas de sus joyas, como ‘Dime Que Eres Tú’, ‘El Pirata’ o ‘Los Chicos Están Bien’, adaptación del clásico de los Who, ‘The Kids Aren’t Alright’, así como ‘Vilani Brown’, cantada magistralmente por Guillermo Fuster “Willy”, ‘Que

de mayor quiero ser… por José Luis Hoyos

stephen street P

robablemente no sepas quién es. A lo mejor su nombre no te suena absolutamente de nada. Sin embargo, muy pocos productores musicales en el mundo pueden presumir de un currículum como el suyo. Stephen Street (Londres, 1960) ha demostrado un innegable instinto para crear sonidos identificables en nuevas bandas que él mismo saca del anonimato. Su capacidad para descubrir nuevos talentos es ya legendaria, a la altura de los premios y multiplatinos que jalonan sus más de 30 años de carrera. i bien comenzó en la música relacionado con la escena ska londinense de finales de los 70, el destino de Street se situaba en el pop. En las décadas siguientes, se encargaría de revitalizarlo y llevarlo a nuevas cotas de refinamiento y sofisticación. Su primera y mejor escuela fueron The Smiths, con quienes trabajó como ingeniero

de sonido en tres de sus álbumes, incluyendo el mítico ‘The Queen Is Dead’ y compaginando su trabajo de técnico con las labores de producción en ‘Strangeways Here We Come’. Tras un corto pero fructífero periodo de colaboración con Morrissey, (componiendo y produciendo el primer trabajo en solitario del ex cantante del grupo de Manchester), Street decidió impulsar

al tiempo que realizaba puntuala carrera de cuatro prometedores les colaboraciones con artistas músicos británicos: Blur. Tras esconsagrados como New Order, cuchar sus primeros singles, dePretenders o Lloyd Cole. Ya en el cidió que la banda necesitaba un nuevo milenio, Stephen Street nuevo estilo y, a partir de entonha descuces, probierto y dujo sus m odelado discos más el estilo populares: de grupos ‘Modern como KaiLife Is Rubser Chiefs, bish’, ‘ParBabyshamklife’ o ‘The bles, The Great EscaC o u r t epe’. Además neers o Life de ejerIn Film. cer como Podemos, “ q u i n Stephen Street y Matt Hodson sin duda, to Blur”, hablar de un “sonido Street”, reStephen Street continuaba busconocible en todas las bandas y cando nuevos talentos con los que artistas mencionados anteriorpoder desarrollar sus sólidos conmente. Una apuesta por las bases ceptos musicales. En 1992 aceptó rítmicas sólidas y la sutileza de llevar las riendas del primer trabajo algunos de los arreglos de cuerde The Cranberries, un cuarteto irdas más logrados de la historia landés que había captado la atendel pop. La cuidada selección de ción de los críticos de la industria potentes efectos y distorsiones, gracias a sus primeras maen contraste con la limpieza de quetas. Street sacó partilas voces y la perfecta simetría do de aquel insólito sonido de las estructuras. Confiemos en pseudofolk en su primer Lp, que el olfato de Stephen Street ‘Everybody Else Is Doing It’, nos siga proporcionando, por mu‘So Why Can’t We?’, prechos años, el descubrimiento de parando el terreno para el nuevas cimas musicales que poincreíblemente exitoso sedamos sumar a su impresionante gundo trabajo ‘No Need To nómina de éxitos. Argue’, que se convirtió en uno de los discos más vendidos del año en Reino Unido y Europa continental. Nuestro protagonista, con apenas 35 años, había sido el responsable de algunos de los temas más famosos de los 90. Y decidió continuar por la senda del Britpop, produciendo a nuevas bandas como Catatonia, Sleeper o Shed Seven, Stephen Street y Morrissey

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el rincón del loco por Salvador Pérez Cuñat

Un adelanto de lo que será una próxima entrega dedicada a los distintos clubs de fans que Loquillo ha tenido a lo largo de su carrera. En este caso, podemos disfrutar de una verdadera pieza de coleccionista, el número cero la revista oficial de EL CLAN DEL LOCO..

la mirada de chuck Reflejo (Valencia 2013)

fotografías de Ana Sánchez

A Los Pies Del Mundo (Valencia 2013)

Charles (Valencia 2011)

Abstracto (Madrid 2014) Líneas En El Agua (Palmar, Valencia 2014)

La Llamada (Valencia 2007)

Vinila Von Bismarc (Valencia 2012)

Sobêr (Valencia 2014)