Future Magazine - Nº 11 by FUTURE MAGAZINE

Nº 11 - Agosto - Septiembre 2015

Entrevistas

Doctor Snob

El Triunfo De La Continuidad

Jesús Ordovás Siempre En El Camino

Reportaje

Ruzafa

Un Barrio Histótico Con Color A Modernidad

Entrevistamos a S A I C I T O N DISCOS CINE N Ó I C C I F A CIENCI ... s á m o h y muc

Lichis El Trobador Del Siglo XXI Algo Más Que Música

Lady Gaga

Extravagancia, Provocación y Erotismo...¡Todo En Uno!

La Calle 46

The Lambrettas

Mods Sobre Ruedas 1

staff Edita:

Future Management

C/ Archiduque Carlos, 119-20 46014 Valencia (España) C.I.F. B-98084486 Teléfono: 655 900 232 movidavalenciana@gmail.com

Sumario Noticias Nacionales...............................................4 Noticias Internacionales.......................................9 Lichis..................................................................... 13 Discos Nacionales................................................ 19 ¿Te acuerdas? Nacional.......................................22

Web: www.revistafuturemagazine.com

Doctor Snob.........................................................25

Facebook: www.facebook.com/dinamitarockmagazine

¿Te acuerdas? Internacional...............................32

Twitter: @futuremg

Discos Internacionales........................................29 Algo más que música...........................................33 Jesús Ordovás......................................................35

Director: Vicente Ribas movidavalenciana@gmail.com

Balcony TV Valencia.............................................41

Coordinadora: Geles Piquer gelespiquer@gmail.com

Ruzafa................................................................... 45

Departamento de ventas: Elisabeth Barros futuremagazinepublicidad@gmail.com Telf.: 663 50 99 16

Solidarity..............................................................43 Pasen, oigan y vean..............................................51 Rock & Fashion....................................................53 La Calle 46.............................................................55 Libros....................................................................59

Redes Sociales: Tomás Alias tomas@imusicarock.com

Regreso Al Cine.................................................... 61

Diseño y maquetación: Theless theles.es@hotmail.com

Yo estuve allí........................................................65

Diseño web y webmaster: Ana Sánchez anasanchezabad@gmail.com Colaboradores: Manel Ramodne, A.M. (Riot Press), Rosa Ruiz, Pablo Martínez Vaquero, José Rodríguez, Irene Sánchez (Conciertos Solidarios), Carles Oliver, Silvia Carregal, Ricky Rodríguez, Salvador Pérez Cuñat, Juanjo “Jota Jota”, Lola Villajos Roldán, Juan Ruiz Allen, Chals Roig, Julia Navas Moreno, José Gálvez, Commandant DJ y José Zamora Linares.

De concierto........................................................62 El Rincón Del Loco................................................66 La Mirada de Chuck.............................................69 Los Muchos Mundos De Gálvez............................ 71 Foto Portada: Javier Salas

Terminal Sur

Dakidarría

l sello Picap acaba de reeditar en formato digital el disco de Terminal Sur, ‘Viajero’, lanzado por la discográfica PDI originalmente en 1988. Terminal Sur, que fusionaban el folk con el pop estaba compuesto por Miquel Gil (voz), que provenía de la mítica banda de folk valenciana Al Tall, más Vicente Sabater (teclados), Maribel Crespo (laúd y coros), Pepe Cantó (percusión), José Godofrdo (guitarra), Lucho Aguilar (bajo), Salva Ortiz (batería) y Fernando Garcín (letrista), al que se uniría también Josemi Alfonso tras la marcha de Lucho. Resumiendo, todo un elenco de músicos ya por entonces consagrados de la escena levantina. El grupo deambuló con más pena que gloria pero dejó este ‘Viajero’ para la posteridad, un trabajo realmente exquisito y digno de ser valorado al menos 27 años después.

l grup o gallego Dakidarría ha decidido reeditar íntegramente en gallego su último trabajo discográfico ‘Utopías Emergentes’ y donar lo recaudado con la venta a distintas asociaciones “que luchan por los derechos de las personas detenidas, presos y represaliados en Galicia”, explican. Dakidarría da salida a este proyecto tras superar un proceso de crowdfunding realizado en colaboración con la asociación Que Voltem Para A Casa. Los diez temas del disco en gallego son los siguientes: 01 Segue Ardendo, 02 A Mocidade Activa, 03 Violeta, 04 Linguas Ceives, 05 No Punto De Mira, 06 Polisario Vencerá, 07 Pai, 08 Lume E Gasolina, 09 Utopías, y 10 Terra.

She’s The Fest

l próximo mes de Noviembre, durante los días 27, 28 y 29, tendrá lugar She’s The Fest - Son Estrella Galicia, festival de música y creación artística que potencia y divulga el talento femenino en la escena musical nacional e internacional contemporánea, así como en otras disciplinas artísticas. Una única ubicación, Las Naves (C/ Juan Verdeguer, 16 – Valencia), y diferentes espacios donde se desarrollarán las diversas actividades. Durante esos días pasarán por el festival artistas nacionales e internacionales de contrastada calidad e interés artístico. She’s The Fest potencia el talento femenino y apoya con decisión propuestas fuera de los circuitos comerciales más convencionales. Apuesta por las nuevas creadoras tanto en música como en cine, moda, arquitectura, fotografía, video arte, danza, etc. De momento ya están confirmadas las bandas Les Sueques y Skinny Girl Diet.

Dry River

ras agotar la primera tirada de su segundo disco ‘Quien Tenga Algo Que Decir… Que Calle Para Siempre’, Dry River vuelven a la carga. La banda de rock progresivo reedita su última referencia y lo hace con una destacada novedad: un EP con versiones de Queen, exclusivo para los primeros veinticinco compradores del trabajo en la tienda de Rock Estatal Records. Dry River nacieron hace diez años como banda de versiones; y eso se nota. ‘Queen Medley’, ‘39’, ‘Spread Your Wings’ y ‘The Show Must Go On’ suenan en manos de estos castellonenses como si Freddie Mercury se levantara de su tumba para volver al frente de los suyos. Un homenaje a una de las grandes bandas de rock dentro de una exclusiva reedición. Búscalas en www.rockestatal.com.

Penélope Trip

Dusty Shoes

unster Records anuncia para octubre la reedición en vinilo del disco ‘Politomania’, de los gijoneses Penélope Trip (Cova De Silva, Tito Pintado, Pedro Vigil, David Guardado, Juan Carlos Fernández). Cantando en inglés e influenciados por bandas como The Jesus & Mary Chain, The Pastels y Sonic Youth, los miembros de Penélope Trip grabaron en 1993 ‘Politomania’, su primer larga duración, con el desaparecido Carlos Redondo (Los Locos y Felpeyu) como productor. Los temas que contendrán el disco son: Cara A: ‘Tigremoon’, ‘Helly’, ‘Spycho’ y ‘Demo’. Cara B: ‘Inside The Taxi’, ‘Sugar-Colt’, ‘Ingrid Superstar’ y ‘Overdriver’.

principios de agosto los valencianos Dusty Shoes se metieron en el estudio para grabar 10 temas y así editar a finales de año lo que será su primer trabajo. Dusty Shoes es una formación que nace en 2012 buscando un punto de unión de los diferentes gustos musicales de cada uno de los componentes. Parten de la base del Rock añadiendo matices de géneros como el blues, indie y rock sureño, donde convergen e intentan crear un sonido propio. Pero fue en febrero de 2014 cuando se forma la estructura actual del grupo y empiezan a trabajar mas intensamente para la creación de un primer trabajo de estudio, ‘Weird Theories, una maqueta compuesta por 5 temas propios. La formación actualmente está compuesta por Toni Martínez (voz y guitarra solista), Josele Bonmatí (guitarra rítmica), Xume Hernández (batería) y Salvador Martí (bajo).

Pau Donés

Javier Fernández

l cantante de Jarabe de Palo, Pau Donés, ha anunciado que hace unos días fue operado de un cáncer de colon, por lo que suspende la gira que, a partir del 15 de septiembre, iba a llevar a cabo por España y América. Según explica Donés en un vídeo grabado en el hospital, y que se puede ver en las redes sociales, “todo empezó con un dolor de barriga. En veinte días pasé de unas pequeñas molestias a operarme de cáncer de colon. Aunque casi por accidente, en mi caso llegamos a tiempo. Me han quitado el bicho y el médico me ha dicho que, de momento, a descansar”. Y añade: “El cáncer es como un fantasma que aparece sin avisar. Por eso, es importante estar atento. Con el cáncer lo de más vale prevenir que curar cobra todo sentido”.

avier Fernández, ex batería de la banda viguesa Los Piratas, falleció el pasado 26 de agosto en la localidad pontevedresa de Ponteareas, a consecuencia del disparo recibido por un agente de la Guardia Civil. Todo ocurrió después de un caso de malos tratos en el que el ahora fallecido presuntamente agredió a su mujer en presencia de su hijo de muy corta edad. Javier Fernández Fernández, era una persona muy conocida en la zona de Vigo porque había sido batería del grupo Los Piratas. Desde hace años, era profesor de música. Según informó el Tribunal Superior de Xustiza de Galicia (TSXG), por estos hechos ya se ha abierto una investigación en el Juzgado de Instrucción número 2 de Ponteareas. En un primer momento, el presunto maltratador resultó herido grave y fue trasladado al Hospital Meixoeiro de Vigo. A primera hora de la tarde del 26 de agosto, se confirmó su fallecimiento.

Madtown Days

Javier Krahe

adio Madrid (Cadena SER) celebra su 90 Aniversario y lo hace a lo grande, entre otras acciones, el proyecto Madtown Days. Se trata de un ciclo de conciertos que tendrá lugar en cada estación del año y que abarcará distintos estilos musicales. Su objetivo es conseguir afianzar definitivamente en Madrid estos sonidos que actualmente son tendencia dentro de nuestras fronteras, siendo la capital el núcleo mas representativo de los amantes de la música en vivo, el epicentro de un concepto único en España. En esta primera edición de otoño, Madrid tendrá espíritu negro y es que Madtown Days se centrará en las bandas mas destacadas del soul, el funk y el blues a través de 7 conciertos: 24 Oct. Aurora & The Betrayers (Arena), 29 Oct. Astrid Jones & The Blue Flaps (Arena), 5 Nov. Cosmosoul (Arena), 13 Nov. Freedonia (Arena), 19 Nov. Anaut (Arena), 20 Nov. Ikah & The Soul Commanders (Galileo Galilei) y 4 Dic. 10 Años de The Sweet Vandals (Arena).

l cantautor madrileño Javier Krahe falleció el pasado 13 de julio a los 71 años de edad, de un infarto en su casa de Zahara De Los Atunes (Cádiz), según han confirmaron algunos de sus amigos, como Pablo Carbonell. “No digáis se nos fue el mejor de todos, malogrose el cumplido cantautor, era bueno, tenía suaves modos...” D.E.P Javier Krahe. Gracias. Escribía el actor en su cuenta de Twitter a las pocas horas de su muerte. La famosa hoguera, la famosa muerte, a la que cantó Javier Krahe satíricamente allá por 1988 ha llamado a su puerta para llevárselo. “Los finales no se pueden prever, simplemente suceden”, dijo una vez el autor. Y así ha pillado a todos su fallecimiento. Por sorpresa y sin preverlo. El cantante ha pasado más de 35 años sobre los escenarios, con más de 1.500 conciertos, catorce discos editados y 150 canciones compuestas.

Suzio 13

Pablo Moro y Los Chicos Listos

a formación madrileña Suzio 13 ya tiene nuevo trabajo discográfico en estudio disponible: ‘Imparables’. Se encuentra a la venta en formato físico, también en vinilo y en descarga gratuita y consta de 13 cortes, que han sido grabados en Estudios Corleone y masterizado en Ultramarinos. Suzio 13 edita el disco a través de Potencial Hardcore y Bandworm Records. La maquetación ha corrido a cargo de Gaboni. Aunque no será propiamente el concierto de presentación, la banda actuará el 3 de octubre en la sala Penélope (Madrid) acompañando a Disidencia. ‘No Caminarás Solo’ es la canción elegida para promocionar ‘Imparables’, con un videoclip que ya e puede ver en distintas plataformas digitales y en redes sociales de la banda madrileña.

ablo Moro ya tienen nuevo disco (quinto) en la calle: ‘Una Forma Rara De Ser Tonto’. El músico asturiano, de nuevo acompañado de Los Chicos Listos, “vuelve a transitar por los terrenos del rock clásico desarrollando pequeñas grandes historias que reflexionan sobre la capacidad del ser humano de levantarse tras las caídas, el orgullo, la identidad, la insistencia, la perseverancia y el amor, ¡por fin el amor!, como pilar fundamental en la lucha diaria”. ‘Una Forma Rara De Ser Tonto’ ha sido producido por Hendrik Röver, líder de Los Deltonos, en sus estudios Guitar Town Recordings, de Muriedas, Cantabria. Con diseño e ilustración de Toño Velasco, está disponible ya en Cd y vinilo. Tras haber recurrido a una campaña de crowdfunding, en la que se superó con creces el mínimo requerido para la financiación del proyecto, llega por fin el fruto del esfuerzo de un montón de héroes anónimos que decidieron apostar por un estilo de hacer música y por un artista que siempre estará en deuda con ellos.

Hamlet

Kólico

l último trabajo de estudio de Hamlet, ‘La Ira’, ha sido acogido tanto por el público como por la crítica, como uno de los mejores discos de toda la carrera del grupo. Después del éxito cosechado por este álbum, Maldito Records, va a editar este trabajo en formato vinilo. Ya se puede reservar esta edición especial en vinilo, que saldrá a la venta el próximo 25 de septiembre. Todas las personas que realicen la reserva del disco antes de la fecha de salida, se llevarán de regalo una mochila exclusiva. Además, también están disponibles los packs que incluyen la edición de Vinilo + Camiseta o Vinilo + Sudadera. Todo ello disponible en la página de EL TRIDENTE. El grupo también acaba de lanzar un nuevo lyric video para la canción ‘Nadie Más’.

a formación valenciana del barrio de Benicalap, Kólico, ha publicado a principios de este mes su nuevo trabajo discográfico llamado ‘Pagando El Pato’, que se encuentra en descarga directa gratuita. Fue grabado, mezclado y masterizado en Fireworks Estudios (Massanassa, Valencia) durante mayo de 2015. Kólico se formó a principios del año 2000 y ya acumulan seis discos: ‘Me Pillas En Frío’, ‘Verdades A Gritos’, ‘Cosas Que Hacer En Benicalap’, ‘Hay Algo Grande En No Ser Nada’, ‘Recetas Para La Revolución’, y este último, ‘Pagando El Pato’, que se puede descargar desde su propio bandcamp. De nuevo 11 temas de rock enérgico desde Valencia, en donde se ubicarán los temas ‘Nunca Podrán’, Quince Años Para Esto’, ‘Borrachos De Gloria’, ‘Dueña De Su Voluntad’, ‘Cuentos De Hadas’, ‘Bebe Vino Para Olvidar’, ‘Somos Maniquís’, ‘Mi Propio País’, ‘Mi Escanciador’, ‘Miseria’ y ‘Jujujuán 2015’.

Los Brazos

l 11 de septiembre Rock Estatal Records lanza el tercer disco de Los Brazos; ‘Gas’. La banda vizcaína de rock and roll presentará 9 temas que beben del blues, country, swing y folk americano. ‘Not My Kind’ es el primer sencillo de un disco que se convertirá en referencia del género. “El disco contiene canciones más incendiarias, pero creemos que para empezar a conocernos está bien usar palabras amables”. Así presentan Los Brazos el single ‘Not My Kind’, un tema a ritmo country que la banda define como “una canción alegre y bailonga que sin duda se va a colar en cualquier oído fácilmente” El resto del trabajo saldrá a la venta el viernes 11 de septiembre. Tras el exitoso debut ‘Delay, 10 Classic Tracks’ (2012) y su aclamado ‘Welcome To Los Brazos’, los vizcaínos irán a mucho más con ‘Gas’.

Ratio

l grupo madrileño Ratio ha publicado su quinto disco de estudio, al que ha llamado ‘V’. En el álbum, distribuido por Santo Grial, el rock, el punk, el pop y la electrónica se mezclan a lo largo de 14 temas que destilan estribillos pegadizos y cierto aire ochentero. Un estilo ecléctico y de fusión que ha caracterizado a Ratio desde su nacimiento, en el año 2001. Catorce años en los que han publicado tres discos en inglés y otros dos en castellano y en los que, además, han puesto la música en cortometrajes, campañas de publicidad (como el Tour de Francia o Sol Música) y películas (Padres De Papel, Yo Puta). Si ya los conoces, te encantará su nuevo trabajo. Si no, ¡es el momento de conocerlos!

Duran Duran

Immaculate Fools

uran Duran han dado a conocer el título del que será su decimocuarto disco de estudio,’Paper Gods’, que publicarán este mes de septiembre. Para grabarlo han contado como productores con Nile Rodgers, Mark Ronson, Josh Blair y Mr. Hudson. Y en el apartado de invitados figuran Janelle Monáe, John Frusciante, Kiesza y la actriz norteamericana Lindsay Lohan. El primer single, ‘Pressure Off’, con Nile Rodgers y Janelle Monáe, ya fue lanzado a mediados del mes de junio, teniendo una aceptable acogida por parte del público. Con este disco, la banda inglesa liderada por Simon Le Bon dan un giro a su música y se decantan ligeramente hacia el sonido funk.

evin Weatherill ha vuelto al estudio de grabación y a los escenarios bajo el nombre de Inmaculate Fools, la banda que lideró entre 1985 y 1997. El primer trabajo discográfico de esta nueva etapa es ‘Turn The Whole World Down’, en el que Weatherill ha grabado de nuevo algunas de “sus canciones favoritas como siempre pretendió que sonasen, es decir, libres de las limitaciones que imponían las modas de los años ochenta”. La nueva formación de Inmaculate Fools la completan Adam Fuest, Linda Lamb y Phil Redfox O’Sullivan. ‘Turn The Whole World Down’ sale a al venta el 11 de septiembre. El primer adelanto es la nueva versión de la canción que da nombre a la banda. Un día después, el 12 de septiembre, darán el pistoletazo de salida a una gira que comienza en la sala Rock City de Almácera (Valencia).

Garbage

The Hollywood Vampires

arbage han anunciado la reedición de su álbum debut homónimo por su 20 aniversario, y una extensa gira, “20 Years Queer Tour”, que se inicia el domingo 6 de septiembre en San Diego. El grupo de Shirley Manson y Butch Vig, lanzó su Lp de debut en 1995 y eso es lo que van a hacer ahora, tocarlo en su integridad a lo largo de toda una serie de conciertos norteamericanos y europeos. El debut fue lanzado en agosto de 1995, y hasta la fecha ha vendido más de 700.000 copias en el Reino Unido, así como superando dos millones de ventas en los EE.UU. La nueva versión del disco remasterizado contará con remixes y versiones inéditas de las pistas del disco que Garbage han bautizado como ‘G Sides’. El Cd y los formatos digitales van a ser publicados el 9 de octubre, y una versión en doble vinilo el 30 de octubre. También habrá una edición especial ‘superdeluxe’, un triple Lp con una revista hecha por un fan, y una fotografía firmada de la banda.

lice Cooper, Johnny Depp y Joe Perry, guitarrista de Aerosmith, han formado un nuevo proyecto llamado The Hollywood Vampires. La superbanda dará un perfil más formal a la relación que ya tiene el legendario Cooper con el actor, sumando al héroe de la guitarra de Aerosmith, y su nombre alude al título que adoptaron un grupo de estrellas del rock, en los años setenta, cuando se reunían para beber y del que formaban el propio Alice Cooper, John Lennon, Ringo Starr, Bernie Taupin, Harry Nilsson, Micky Dolenz y Keith Moon. El primer concierto de The Hollywood Vampires será en grande, nada menos que en Rock In Río, que se realizará entre el 19 y el 27 de septiembre en Río De Janeiro (Brasil).

Iron Maiden

Tesco

os británicos Iron Maiden tienen nuevo disco, ‘The Book Of Souls’, el primero doble de su carrera y el primero desde The Final Frontier’, lanzado en 2010. Contiene once canciones y tiene una duración total de 92 minutos. La producción ha corrido a cargo de Kevin Shirley. ‘The Book Of Souls será publicado el 4 de septiembre. CD 1: ‘If Eternity Should Fail’, ‘Speed Of Light’, ‘The Great Unknown’, ‘The Red And The Black’, ‘When The River Runs Deep’ y ‘The Book Of Souls’. CD 2: ‘Death Or Glory’, ‘Shadows Of The Valley’, ‘Tears Of A Clown’, ‘The Man Of Sorrows’ y ‘Empire Of The Clouds’.

e anuncia que Tesco se va a convertir en el primer supermercado en el Reino Unido que va a vender discos de vinilo. Y se van a estrenar vendiendo el nuevo álbum de Iron Maiden, ‘The Book Of Souls’, que va a ponerse a la venta en 55 tiendas Tesco el jueves 4 de septiembre. El responsable de la parte musical, Michael Mulligan, le ha dicho a Engadget que la venta de vinilo es el “siguiente paso lógico” en la estrategia de la compañía. En enero, las ventas de vinilo en el Reino Unido superaron los 1,3 millones por primera vez desde 1995. Las cifras publicadas por la Industria Fonográfica Británica (BPI), mostraron que mientras las ventas de vinilo siguen siendo apenas el dos por ciento del total del mercado de la música del Reino Unido, sin embargo siguen creciendo, alcanzando el millón por primera vez desde los tiempos del Britpop.

John Fogerty

Supertramp

reedence Clearwater Revival fue la vuelta a las raíces y el rock and roll original tras el empacho psicodélico. Tuvieron la habilidad para hacer un repertorio variado, accesible a todo el mundo y perdurable, y todo ello en un visto y no visto, 1968-1972, años en los que publicaron 7 álbumes de estudio y tuvieron numerosos singles de éxito. Ahora se anuncia la edición de “Fortunate Son: My Life, My Music”, las memorias de su líder John Fogerty en las que cuenta, entre otras cosas, la rebelde historia de Creedende.Clearwater.Revival, su larga y penosa batalla legal con el productor Saul Zaentz, y explica por qué renunció a tocar con sus ex compañeros Stu Cook y Doug Clifford en el ingreso de la banda en el Rock And Roll Hall Of Fame en 1993. “Después de que Bill Clinton fue elegido, querían a Creedence para tocar en la toma de posesión en enero de 1993, y yo lo rechacé. Dije: “Yo no toco con esos chicos. Nunca vamos a tocar como una banda de nuevo”, dice Fogerty.

a prevista gira europea de Supertramp fue cancelada al diagnosticársele a Rick Davies, miembro fundador del grupo, un cáncer: un mieloma múltiple. “A Davies se le ha diagnosticado recientemente un mieloma múltiple y ha iniciado un tratamiento agresivo para combatirlo”, dice un comunicado de Supertramp. La gira “The Supertramp Forever”, con un total de 25 fechas, iba a arrancar el 3 de noviembre en Oporto para concluir el 11 de diciembre en Ámsterdam. El 6 de noviembre en el Barclaycard Center de Madrid y 7 en el Palau Sant Jordi de Barcelona eran las fechas de Supertramp en España. Live Nation anuncia que las personas que adquirieron entradas online les será reintegrado el importe de las mismas automáticamente. Quienes las adquirieron en puntos físicos de venta deberán acudir a los mismos para serles devuelto el dinero.

Jorge Álvarez

Suede

l editor y productor musical Jorge Álvarez murió el pasado 5 de julio en Buenos Aires, a los 83 años. Álvarez fundó en 1963 la editorial que llevaba su nombre y posteriormente Ediciones de la Flor, desde las que dio a conocer la obra de escritores como Rodolfo Walsh, Ricardo Piglia, Manuel Puig y Juan José Saer, así como las historietas de Mafalda del dibujante Quino. En 1968 creó el primer sello del rock argentino: el legendario Madioca, que luego pasó a denominarse Talent-Microfón. Desde esta plataforma discográfica, Álvarez produjo a Sui Géneris, Pappo’s Blues, Miguel Abuelo, Vox Dei, Almendra, Spinetta, y Moris, entre otros. Forzado por la situación política de su país, Jorge Álvarez se exilió en España en 1977, donde trabajó para CBS y BMG. Álvarez estuvo detrás de los lanzamientos de Mecano y Olé Olé. También produjo discos de Antonio Flores, Joaquín Sabina, Marta Sánchez o Manolo Tena, entre otros. Después de 34 años, en 2011 regresó a Argentina, donde en 2013 publicó sus memorias.

uede han comenzado a promocionar su nuevo Lp, que será el séptimo de su discografía en estudio, con un extraño, enigmático, casi incomprensible, teaser. El breve vídeo, que ha sido publicado en la página oficial del grupo, muestra drones atmosféricos, intrigantes imágenes del logo de la banda bajo el agua. Aunque Suede no ha confirmado exactamente a qué está conectado el teaser, el bajista de Suede, Mat Osman, ha posteado el clip en Twitter con el mensaje: “Comienza”. Y el teclista Neil Codling también ha subido el vídeo a Twitter con el siguiente texto: “Los primeros sonidos de 7º álbum de Suede. El último álbum de la banda, de 2013, ‘Bloodsports’, fue su sexto trabajo de estudio y el primero desde 2002, ‘A New Morning’. En febrero, Suede recogió el premio “Godlike Genius” en los premios NME with Austin, Texas, 2015.

Lemmy Kilmister

Prince

emmy Kilmister, bajista y líder de Motörhead, contaba recientemente que ha dejado el alcohol y que se mueve con la ayuda de un bastón debido a los problemas de salud que arrastra desde 2013. Y en los últimos días su maltrecha salud le ha obligado a dejar el escenario o a anular conciertos, en la actual gira americana de Motörhead: el 7 de agosto, cuando solo llevaba cuatro canciones en Salt Lake City, se retiró por problemas respiratorios causados por la altitud. La altura también fue la causa alegada cancelar el siguiente concierto, en Denver. Y a principios de este mes de septiembre, en Austin, tras interpretar tres canciones dijo al público que no podía continuar y abandonó el escenario.

rince ha sido bastante claro al decir que corren malos tiempos para la música. En su opinión, no hay mucha que realmente enganche o sobrecoja en el actual panorama sonoro. Se lo ha dicho al cuando le preguntaron por grupos actuales como Tame Impala, The Weeknd o Miguel, gente que está influenciada por su música, Prince, lejos de sentirse halagado, contestó ni corto ni perezoso: ”Puede haber música que suena como yo, ¿pero es eso bueno? Estamos básicamente en un “loop” de feedback”. Lo cual viene a querer decir, más o menos, que para Prince no hay nada nuevo bajo el sol, que la música pop se está repitiendo demasiado a sí misma. Y sentencia: “Es un mal momento para la música en general. No hay mucha música pop en el mainstream que te haga sentir miedo, que haga que te preguntes si está pasando algo”.

Avicii

Miley Cyrus

l 2 de octubre verá la luz el nuevo álbum de Avicii, ‘Stories’, trás el éxito de su debut ‘True’. Un mes antes de su lanzamiento el Dj sueco ha publicado un Ep con los temas ‘Pure Grinding’ y ‘For A Better Day’ que ya tienen sus correspondientes videoclips. Avicii se ha convertido en uno de los Dj’s más importantes de todo el mundo gracias a los éxitos incluidos en su álbum de debut ‘True’, como ‘Wake Me Up’, ‘Hey Brother’ o ‘Addicted To You’. A pesar de que sus problemas de salud impidieron que el Dj sueco disfrutara completamente de su éxito obligándole a cancelar numerosos conciertos, Avicii ha vuelto totalmente recuperado con un nuevo trabajo bajo el brazo, ‘Stories’. De este nuevo disco ya nos presentó algunos temas como ‘The Nights’, ‘The Days’ junto a Robbie Williams, o ‘Waiting For Love’.

provechando su protagonismo en los MTV Video Music Awards 2015, Miley Cyrus anunció que ya tenía listo su nuevo álbum titulado Miley Cyrus And Her Dead Petz y que todo el mundo podía descargarlo gratuitamente en su página web. Miley Cyrus se encargó de cerrar la pasada gala de los MTV Video Music Awards 2015 presentando por primera vez en directo su nuevo single ‘Dooo It!’ La presentadora de la ceremonia aprovechó el momento para explicar que su nuevo disco ya estaba disponible en descarga gratuita en su nuevo site. El motivo por el que Miley ha regalado este nuevo trabajo no es otro que compartir lo que realmente quería hacer, ya que no se trata de un estilo habitual en sus discos y su discográfica no aseguraba querer publicarlo y así fue como lo que dijo durante la gala: “Puedo hacer lo que quiero hacer, y hacer la música que realmente quiero hacer”.

Siouxsie Sioux & Brian Reitzell

Therion

iouxsie Sioux, uno de los iconos del post punk, ha publicado ‘Love Crime’, su primera canción en ocho años. Se trata de una grabación co escrita por Siouxsie con Brian Reitzell para el programa televisivo americano “Hannibal”. Es un tema sinuoso, barroco, con orquesta, misterioso. El productor ejecutivo Bryan Fuller explica como Siouxsie se involucró en la serie: “Brian Reitzell sabía que yo soy un gran fan Siouxsie Sioux y que la he visto en concierto más veces que cualquier otro artista en mi vida. Sabíamos que era una fan de la serie, y le dijimos si estaría interesada en escribir una canción. Básicamente, ella no había sacado un single en ocho años, y ella comentó que no había estado inspirada para escribir en mucho tiempo, pero que “Hannibal” la había inspirado y que ella podía escribir una nueva canción”.

a banda sueca de metal sinfónico Therion presenta a su nueva soprano, la italiana Chiara Malvestiti (Crysalys). Esta vocalista va a ocupar el puesto vacante que deja la española Isa García Navas, tras su salida de la formación debido a diferencias musicales, tan solo unos meses de entrar en ella. Chiara realizó su estreno con la banda en el festival 100% Metal Fest Headbangers’ Weekend, en Turquía, el pasado 30 de agosto. De acuerdo con Christofer Johnsson, la voz de Chiara es perfecta y fuerte, y encaja muy bien en los propósitos de la banda y en los patrones que los fans de la banda esperan. Además de conseguir el puesto de soprano, Chiara ha conseguido uno de los 3 papeles principales en la rock opera que la banda está grabando. Los otros dos papeles pertenecen a Thomas Vikström y Lori Lewis.

El Trovador Del Siglo XXI se llama

Lichis

Tiene marca propia en exclusiva de filósofo, de humanista, de escritor, de poeta del pentagrama… Inventó el único, genuino y novedoso gazpacho musical, que bautizó con el nombre de La Cabra Mecánica, una receta que otros intentaron copiar pero que es un secreto mejor guardado que las punzantes y afiladas greguerías de De la Serna. Así es él, Lichis, auténtica carne de Canción que guardó su anterior proyecto en el corazón y pasó seis años produciendo, buceando con avidez más y más en la tradición para poder seguir pariendo cosas nuevas. Si La Cabra Mecánica supuso un vademécum musical, ahora regresa dando un paso más, con el invento renovado, limpiando, fijando y dando esplendor al panorama musical. Ha dejado de de ser cronista social para contar su propia autobiografía en “Modo Avión”, regalándonos su corazón en forma de diez joyas que son el alma del artista; un álbum grabado, mezclado y producido en Nueva York por Joe Blaney con músicos de primer orden mundial. En él se confirma como uno de los mejores compositores de las últimas décadas. Sus honestas composiciones no dejan en un segundo plano sus cualidades vocales, que quedan demostradas con su sello: una pasión sublime y unos registros de gran intensidad. Así, “Modo Avión” es un electrocardiograma musical, con extraordinaria arquitectura verbal. Tiene el desamor y la traición como temática poética, un disco duro (que no triste) con música amable y un guiño a la lucha. En él priman reminiscencias al country, el blues y a la música americana en general, pero siempre con ese toque personal de prestigio que podríamos definir como “lichismo”, puro y duro. Hoy FUTURE MAGAZINE le hace el paseíllo a un maestro de culto que nació músico que poeta y que no hace canciones para el público sino público para sus canciones, música pura y sincera. Lola Villajos Roldán Fotografías: Javier Salas

s más analógico que digital y como buen tauro, sabe lo que es la perseverancia y la paciencia. Es de los que piensan, que la paciencia es un plato de raíz amarga, pero de frutos dulces. Estamos hablando ya con Miguel Ángel Hernando Trillo, Lichis: 13

que la gente le decía: “no me he vuelto loco gracias a tu literatura, tus libros a lo que él respondía: curioso yo escribo para no volverme loco”. No sé si soy un transmisor o un amplificador de mis propias emociones». Tú has sido como el fruto prohibido del rock, porque te vetaban y cuanto más te vetaban a los seguidores más nos gustabas. Yo nunca he entendido esos vetos… «Bueno, los vetos es lo que antes se llamaba censura, en su momento trataba de conducir el pensamiento de la personas y trataban de llevarlo a determinados sitios, que no se saliera del cauce. La censura acabó y empezó el veto o los perfiles; aquello de perfil bajo…Es la forma refinada de lo que antiguamente podríamos hablar de censura. Entonces todo aquello que no genera dinero (para generar dinero tiene que pasar por ciertos cauces) se controlan porque el que se saliera del mapa puede hacer perder dinero. La música y el arte cuando mueven a la gente genera riqueza y trabajo, eso no lo hace menos artístico. Es quizás lo más peligroso y lo más apasionante». ¿Piensas que el pato es feliz en su sucio charco porque no conoce el mar? Eres un músico y persona en constante evolución, has preferido rumbos nuevos y no pararte en la comodidad… «Pues sí, las canciones como cualquier obra artística que hagas va paralela a tú vida y a tú crecimiento personal y afortunadamente vamos cambiando». Modo Avión es como un “Guernica” musical, desprende un sufrimiento tan profundo que, a pesar de dulcificarlo con el blues y el country, hace que duela y es que ha dado más grandes obras maestras el dolor… ¿La pureza y el talento para el dolor es más importante para componer que la alegría. «Las canciones románticas tienen un poco el regodearse en el dolor, de una forma poética. Bueno en Modo Avión he querido afrontar emociones que normalmente no se suelen tratar en las canciones como: Las rupturas, los cambios, las traiciones… Que en género del blues y del country están muy presentes, además tratándolo desde una forma muy amable, aceptándolo como una parte de la vida. Tampoco es un disco triste, es un disco duro. Creo que también vivimos un poco de espaldas a esa otra parte de la vida». ¿Te sientes transmisor de emociones? «Cada uno se enfrenta al arte por diferentes necesidades, siempre recuerdo aquello de Bukoswki 14

«No lo sé, lo de la felicidad creo que vivimos un tiempo de literatura de autoayuda, influenciadas por el budismo y todo éste tipo de cosas. La Felicidad no existe como tal, pude haber momentos del día que te sientes bien por determinadas cosas. La vida no se compone solo de felicidad se trata de encontrar un equilibrio. Sí, uno tiene que intentar ser razonablemente feliz y luchar en un charco, en el mar, en el entorno que le toque. También puedes intentar salir de tu entorno, aunque eso no te garantiza la felicidad… Me “raya” bastante eso de la búsqueda de la felicidad; todo éste tema espantoso de “Mr Wonderful” Paulo Coelho… Vivimos en una sociedad que la gente que no es feliz se la considera gente tóxica; se alejan de tu entorno, porque eres el nuevo leproso. Vivimos en una sociedad de consumo, sexo libre… Y si no eres feliz es porque eres un apestado; te debes apartar del camino para no herir a los demás con tú dolor». ¿Conoces a Don Adriano Pérez? «No». Te cuento; es un tipo de Burgos que en una apuesta se comió cincuenta huevos duros. Los periodistas le preguntaron: ¿Qué siente Don Adriano? -«Qué estoy hasta los huevos de comer huevos, respondió… ¿Y tú de qué estás harto en el mundo de la música?

«Del efecto pernicioso que ha tenido en mucha gente que me rodeaba, amigos, gente cercana…peldaño que avanzas, tanto creativa como económicamente, como a nivel de público, paso adelante que das paso atrás que das. Perder amigos, ver como pierden la cabeza, empiezas en ocasiones a ser juzgado, sentenciado y condenado sin examinar todas las pruebas y sufrir traiciones de gente que no esperabas y que jamás pensabas que iban a ocurrir. Te sientes solo, pero he hablado con otros artista y suele pasar es algo habitual. Aquí ocurren más traiciones que en el imperio romano. Por otra parte estoy harto que no puedan los menores pasar a las salas de conciertos…». ¿Abrimos el archivo de las nostalgias? «Bueno, vale». Nos vamos a ir a “la Nave”, un invierno y tú tocando en siete grupos distintos. ¿Es cierto o leyenda urbana? «Sí, me fui a la Nave el año 86, era la movida madrileña y tal…Yo tenía unos 17 o 18 años, había una generación de músicos mayores que yo, gente que empezaba a morir del caballo, grupos que comenzaban el declive de su carrera. Llegué allí y estaba a rebosar de grupos. No había tantos locales como ahora. Estaba la Nave, la Factoría, la Isla de Gabi, Tablada. Para mí fue una experiencia cojonuda. Mientras que esperabas que llegaran el resto de grupos a ensayar todo el mundo estaba

con la guitarra y el bajo. Y cuando veías un batería solo le decías: ¿Tío puedo tocar contigo? Es decir todos estábamos ávidos por aprender, no existían academias de música moderna, ni de jazz, ni de rock, de nada. Al poco tiempo abrieron el Rockservatorio que fue la primera academia. No había internet, era como una tradición oral, casi como en las tribus. Ibas le decías: “hostias cómo haces éste acorde”. Yo sentía inquietud por todo tipo de música, la Nova Cançó Catalana, pero al llegar allí el rock. Además en la Nave tenían un auditorio de música, el mejor que yo he conocido en mi vida, con un aforo de 150 o 200 personas. Muy chulo». ¿Si te digo Maleza y Montana? «Montana fue mi mili a nivel musical. Era muy joven estaba trabajando de jardinero, limpiando escaleras, cavando zanjas, todo tipo de trabajos, para poder dedicarme a la música y comprar equipo. Entonces Montana estaba buscando alguien un bajo y Antonio Montana me llamó. Empecé a formar parte del reducido grupo de músicos que tocaba en todas las salas de Madrid casi a diario, incluso dobletes y tripletes, ahí me curtí como músico y hombre del espectáculo». Rousseau: La templanza y el trabajo las dos verdades médicas del hombre. Para Lichis. ¿Cuáles son las dos verdades médicas de la música? «La pasión y la constancia. Tocar y crear música es un proceso muy doloroso y muy coñazo. Cada vez que acabo un disco y tengo que componer otros es un dolor enorme. Es un oficio, duro, ingrato y a veces poco agradecido». Durante tu trayectoria artística has celebrado tu alegría, llorado tus penas, gritado tú descontento, susurrado al amor o desamor…y para ello te sirves de diversos registros musicales, respetando todos e innovando, siempre con denominación de origen de la casa. Nunca entendí por qué el ser libre y decir la verdad en tú caso lo han llamado “Canalla”, 15

(que lo dicen con toda la simpatía) pero debemos respetar RAE, canalla es: una persona despreciable y vil. Tú eres muy bueno. Ni tampoco entendí con tantos registros musicales que dominas, La Cabra la encasillaran en rumba (que me apasiona tú rumba). ¿Me debo tomar el medicamento o compartes mi opinión? «Odio lo de canalla por los motivos que has expuesto. Creo que escribía sobre gente inadaptada que, sin rencor al mundo, busca su sitio en el peleando por la alegría con el humor por bandera. Años después del éxito de la Cabra regresé a Madrid y descubrí auténticos canallas que me pisoteados sin piedad y sin estilo. Los auténticos canallas, vividores despiadados tienen una pinta muy distinta». ¿Qué está ocurriendo con los espacios musicales en las televisiones de madrugada? «Es un negocio en mi opinión ilícito, las televisiones no quieren programar música por un problema de derechos de autor. Entonces la única manera que tienes de ir a TV, a mí me la han propuesto varias veces es ir a tocar canciones de desecho, canciones de relleno, que no tengan en ninguna editorial ni nada, para firmar la editorial con ellos y luego la mitad del repertorio con autores que puedan parecerse “a lo que tú hagas” y que son autores que ellos tienen controlados derechos de autor. Es una máquina de negocio, una apisonadora terrible que se está cargando la música. Puedo entender que algunos músicos caigan en ello porque la situación está muy jodida, pero no creo que sea el camino para salvar esto. Afortunadamente creo que nos está enfrentando y es importante en cualquier colectivo el enfrentamiento. Hasta ahora en lo único que hemos estado los músicos de acuerdo es en callarnos, coger cada uno lo suyo, espero que éste enfrentamiento genere cosas nuevas». Ahora te pillo en plena gira, alternas los conciertos con banda, con los acústicos, que no te gustan mucho.... Si el disco suena de lujo, tú licenciatura de músico virtuoso hace que en directo sea brutal. Tanto con banda, como en acústico que parece que hay un regimiento ¿Qué tal va la gira? «Vamos descubriendo cosas nuevas. He cambiado alguno de mis músicos habituales y fidelizando ahorros ya habituales. Estoy mejor rodeado que nunca». Para Ramón Gómez de la Serna, en una de sus greguerías nos dice: Los aplausos son como las chuletas muchos hueso y poco que comer ¿Para ti qué son los aplausos? «Un alimento el espíritu, es motivación».

para una

Para terminar un test con la primera palabra que se te venga a la mente: -Corrupción: «Vicio». -Traición: «Dolor». -Amor: «Vida». -Hambre: «Necesidad». -Revolución: «Cambio». -Morbo: «Atracción». -Custodia: «Compartida». -Maltrato: «Lacra». -Libertad: «Viento». Los músicos que acompañan a Lichis en su nuevo álbum son: Marc Ribot y Jim Campilongo en las guitarras, Andy Hess (Gov’t Mule, Black Crowes) al bajo, PeteThomas (batería de The Attractions de Elvis Costello), el teclista Brian Mitchell y el percusionista y batería JerryMarotta (hermano de Rick, habitual junto a Peter Gabriel, Indigo Girls, Orleans o Hall & Oates). Y el gran David Mansfield que ha tocado violín, mandolina, guitarras o pedal steel para Dylan, Bruce Hornsby o Lucinda Williams. Él está feliz con la mujer de su vida, con su familia numerosa. Es un artista totalmente hogareño. Papá ahora con papillas, pañales… y por otro el dios pariendo nuevas canciones. Pronto podremos saborear un Ep y para finales de año se irá para tierras argentinas a repartir su arte, además de estar preparando su estudio de grabación, Felicidad Producciones, que verá próximamente su apertura. Salud y buena onda.

Candy Caramelo

Lola Villajos Roldán

Grupo - Candy Caramelo Disco - “El Hombre Orquesta” Warner Music, 2015 Candy Caramelo es uno de los bajistas más prestigiosos. Viene con carta de recomendación de las grandes figuras con los que ha trabajado: La Cabra Mecánica, Urrutia, Calamaro, Fito y Fitipaldis, Casal, Miguel Ríos. Presenta su segundo trabajo en solitario. El nombre habla solo, Candy se ha encargado de grabar todos y cada uno de los instrumentos del álbum. De ese fruto nace ‘El Hombre Orquesta’. Estilo con sabor a rock de los 50. Puede presumir de 11 geniales temas, en los que podemos escuchar muy buenas versiones de legendarios y grandes artistas como: ‘Felicidad’ de La Cabra Mecánica a golpe de rockabilly, ‘El Más Killer Quiero Ser Yo’, de Jerry Lee Lewis, o ‘La Cuerda Floja Te Quita La Ansiedad’, de Johnny Cash. Un apetitoso y suculento menú en el que Candy demuestra que es un artista completo. Buscando la esencia de lo analógico, por encima de lo digital. 40 minutos de clásicos nos descubren a una estrella del rock & roll.

Analogic

Rosa Ruiz

Grupo – Analogic Disco – “Instinto Animal” Riff Records, 2015

Se trata del segundo trabajo de uno de los grupos integrantes, de la ya extensa cantera que emerge en la escena musical murciana, Analogic. Han pasado cuatro años desde su anterior trabajo, en donde han podido meditar y darle una vuelta, cambiando totalmente de registro en cuanto a las letras, los temas de este disco son íntegramente en castellano, el anterior disco fue compuesto en inglés. Producido por los productores Ricky Falkner y Santos & Fluren, su sonido entre el pop y el rock, este último se puede apreciar mas en ‘Sideral’, ‘Diablo Invitado’ o ‘Ohh Ahh Ohh’, con ritmos más enérgicos y guitarras potentes. También incluyen la refrescante y divertida ‘Quemo Las Chanclas’ y la que da titulo al disco ‘Instinto Animal’ quizás la más sentimental y con ritmos más lentos. Un disco que vendrá lleno de directos, ya que acaban de ser elegidos como uno de los grupos para tocar dentro del ciclo girando por salas.

El Coleta

Pablo Martínez Vaquero

Grupo – El Coleta Disco – “M.O. Vida Madrileña” Autoproducido, 2015 Confieso que cuando me hablaron de este disco del rapero de Moratalaz (Madrid) recelé ipso facto de todo lo que podría deducirse de su burdo nombre artístico, de la portada aparentemente cutre y de los sospechosos títulos: ‘El Obus Va a Volver A Estallar’, ‘Las Kinkis Son Guerreras’, ‘El Piko 3’, ‘M.O. Vida Madrileña’… El tipo es un quinqui digno de una película de Eloy De La Iglesia, algo cuanto menos curioso, y ha creado un universo paralelo que merece la pena escuchar por su sonido alarmante y sus textos sorprendentes y… lúcidos. Hacer loops con clásicos de Obús, Los Chichos y La Unión y rapear por encima puede ser una barbaridad y de hecho lo es, pero precisamente deslumbra por ello. Escucha lo que hace y dice sobre el hit ochenteno de La Unión ‘Lobo Hombre En Paris’ e intenta aguantar sin contarle la experiencia inmediatamente a alguien. Imposible. Démosle una oportunidad. Underground sin postureos, del puro.

Crudo Pimiento

José Rodríguez

Grupo – Crudo Pimiento Disco – “Fania Helvete” Miel De Moscas, 2015

El dúo murciano nos entrega un nuevo trabajo en el que consolidan su mezcla de sonidos, arrebatos y ruidos primigenios. En esta colección de 17 canciones, Raúl Frutos e Inma Gómez reafirman su gusto por el simbolismo vudú aplicado a una orgía de sonidos y personalidades musicales de diversa procedencia estilística. Intentan tocar música portorriqueña como si fuera Doom metal, sí, pero con algo más, con una frescura y una orientación diferente. La búsqueda de esa magia lo encontramos, por destacar algunos, en ‘Cruza Diablo’, ‘Del Oso’ o ‘La Radio Os Hará Libres’ en los cuales podemos encontrar ramalazos de blues, dejes latinos o tintes de copla, muy bien escenificados en su versión de la popular ‘La Hija De Juan Simón’ que sólo aparece en la descarga digital del disco. Un grupo que no ha inventado nada nuevo, pero conjuga de manera muy personal todas las influencias que tienen y los diferentes gustos musicales que hoy se han puesto de moda en algunas bandas del sur de España, que han tomado la música de raíces como estímulo para sus proyectos. 19

Los Deltonos

Pablo Martínez Vaquero

Grupo – Los Deltonos Disco – “Salud” Guitor Town / Folc, 2015

Vicente Ribas

Grupo – Fulcanelli Disco – “Planes De Futuro” Autoeditado, 2015

La primera vez que los vi en directo, en 1989, fue en el marco de una Concentración Mod en Santander. No sabía bien qué hacían allí (tiempos confusos para el revival 60’s) pero inmediatamente supe que Hendrik Röver llegaría muy lejos y que no sería precisamente gracias al público allí congregado. Han pasado veintiséis años y la banda liderada por el citado cántabro de origen germano, superando todo tipo de vicisitudes, publica ahora su octavo álbum con una formación de cuarteto que se ha visto reforzada en el estudio con los metales de los asturianos hermanos Herrero, Miguel y Dani, y el Hammond de Íñigo Bregel. ‘Segunda Vez’, el primer single, confirma una vez más que su estado de gracia sigue incorrupto y que el rock americano puede sonar bien es castellano si se hace bien, como ocurre en el caso que nos ocupa. ‘Salud !’ incluye 12 buenos ejemplos que avalan esta afirmación. Tras ser publicado en Cd, recientemente, se han puesto a la venta 500 copias en vinilo.

Primer trabajo del trío catalán Fulcanelli. ‘Planes De Futuro’ esconde 5 canciones que instaura sonidos cercanos entre el Indie más comercial y el post-rock, con unos espléndidos broches instrumentales que recuerdan a los primeros pasos de la banda de Robert Smith, The Cure. La canción que da nombre al disco, ‘Planes De Futuro’, se antoja como una deslumbrante visión hacia los efectos sonoros de la década de los ochenta; sin duda el mejor tema del Ep. Completan el disco ‘Turistas’, ‘Imposible’, ‘Zugzwang’ y ‘Otras Cosas’, todas ellas con un margen de pop exquisito, una pausada melodía y sin florituras ni aderezos extras, pero con abundantes delays. Fulcanelli se aventuran con esta Ópera Prima hacia el rock denso, no inventan nada nuevo pero no es necesario para hacer buenas canciones, y en ‘Planes De Futuro’ está la muestra. Pedro J. Bernardo (voz y guitarras), Saúl Martínez (bajo y coros) y Sergio Cruz (batería) son Fulcanelli. Lamentablemente lo de siempre, trabajo autogestionado.

Los Marañones

Marta Plumilla

Ricky Rodríguez

Grupo – Los Marañones Disco – “A Contratiempo” Perdición, 2015 Nueva entrega de la banda murciana compuesta por Miguel Bañón, Román García, Pedrín Sánchez y Carlos Campoy. Para este nuevo trabajo tenían una premisa clara: todas las canciones de este disco se pudieran haber escrito antes de 1965 y una vez visto el resultado final damos fe de que lo consiguen. Aires de rock clásico (‘Francesca Salazari’) o pop británico (desde la más Who ‘Reír o Llorar’ a las habituales influencias de los Beatles que siempre tiene la banda). Además el disco nos va contando una historia, la de un hombre que consigue (para su sorpresa) a la chica de sus sueños de instituto y termina solo tocando con su banda de rock en cualquier club que les preste sus enchufes para ello. Un más que recomendable trabajo de un grupo que nunca falla, coherente, trabajador y luchador como pocos. Uno de los tesoros ocultos del rock nacional.

Fulcanelli

Lola Villajos Roldán

Grupo - Marta Plumilla Disco - “Sonata De Miedo Para Piano In-

terpretada En Guitarra Por Una Guitarrista Pésima E Interrumpida Constantemente Por Mi Voz Interior”.

En Mi Rincón, 2014 Me encontré en la vida con ésta gran artista responde al nombre de Marta Plumilla, me impresionó de la forma tan frágil y bella que trasciende lo real, a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional. Marta Plumilla, es algo más que la Santísima Trinidad artística, puesto que dentro de ella habitan más de tres personas: Cantante, poeta, actriz, humorista, librepensadora… Es la pluma de Oro de las artes renovadas. Es una de las mentes más inquietas y originales del siglo XXI. “Entre mis influencias están la lluvia, las gallinas de mi infancia, la mirada de Buster Keaton, las hienas de Leonora Carrington y la sombra de aquel árbol”. Disco atemporal. Este primer disco, de título largo y curioso, ha sido grabado, mezclado y masterizado en el estudio En Mi Rincón, por Antonio de Pinto.

Los Toreros Muertos

José Zamora Linares

Grupo – Los Toreros Muertos Disco – “En Vivo” Los Toreros Muertos Recordings, 2015

Rubia

Pablo Martínez Vaquero

Grupo – Rubia Disco – “Barman” (Nueva Edición) Autoeditado, 2015

Para regocijo de muchos y espanto de otros, vuelven Los Toreros Muertos. Lo hacen con un disco en directo, grabado en el Gran Teatro Falla el 28 de Febrero de 2015. El disco se compone de 22 temas, de los que tres son absolutamente nuevos e inéditos, entre los que se incluye un country llamado ‘La Naturaleza’. ¿Qué? ¿Que os extraña que Carbonell y sus chicos hagan un country? Eso es porque no habéis escuchado bien a Toreros Muertos, ya que es un grupo que bebe de diversidad de estilos musicales, a través de los cuales, sacan siempre la vena humorística que los caracteriza. A parte de los temas nuevos, lo que vais a encontrar en este disco son sus éxitos de siempre, entre los que no faltan ‘Yo No Me Llamo Javier’, ‘Mi Agüita Amarilla’ o ‘Manolito’. Eso sí, son versiones llenas de virtuosismo y totalmente adaptadas al rock de ahora. Recomendadísimo.

Por fin se ha editado en Lp de vinilo el ya comentado álbum de la songwriter de Getxo Sara Íñiguez. Llega con un tema extra, ‘Complicated’, en el que su certero pop da asombroso y atractivo giro hacia el glam (o el glitter). El resto sigue siendo el alarde de genialidad compositora e instrumental ya incluido en el Cd homónimo publicado el pasado año. En mi opinión se trata de uno de los mejores álbumes cantados en inglés de la historia del pop español, una joya imprescindible en la colección de cualquier melómano que se precie de admirar los sonidos sixties. Con un apoyo discográfico serio y la promoción adecuada temas de revitalizante pop soul 60’s como ‘Party’ podrían ser verdaderos hits a escala internacional. Las conmovedora ‘Like Before’ y ‘City Of Angels’ no suenan a revival sino que parecen grabadas en San Francisco o Londres en 1968, y el resto de álbum va ad hoc con lo afirmado; del Swinigin’ London al Flower Power pasando por el soul más elegante. Un disco esencial y magistral.

The Parrots

Sergio Sanz

Pablo Martínez Vaquero

Grupo – The Parrots Disco – “Weed For The Parrots” Sonido Muchacho, 2015

El trío madrileño regresa en un formato Ep de los verdaderamente “extended” y que no hace tanto definíamos como Mlp: Seis temas en vinilo con un denominador común, la energía, y con picos de euforia realmente estimulantes, tan vitales como víricos. Si cortes como ‘To The People Who Show Me Their Love While I Was Here’ sorprenden por su perfección (y en esta caso su arrastre pausado de envolventes aires lisérgicos), ‘I´m Not Alone’ lo hace como guiño certero a sus referentes más clásicos, mientras que la trepidante ‘Terror’ se confirma como un hit en potencia a la primera escucha. Sin duda este disco confirma su condición de paradigma del mejor garaje-rock peninsular. Que el disco esté distribuido por Luv Luv Records en el Reino Unido y Burgerama en Estados Unidos ya dice mucho de las cotas alcanzadas por estos chicos producidos por el gijonés Paco Loco. Asimismo la legendaria publicación británica NME les reverencia de forma entusiasta ¿Hacen falta más garantías?.

Commandant DJ

Grupo – Sergio Sanz Disco – “Ventajas E Inconvenientes Del Amor Libre” Comboi Records, 2015

Este disco confirma la vuelta a la escena del veterano Sergio Sanz, recordado fundamentalmente por haber formado parte de los conocidos La Caramba, banda disuelta a finales de los años 90 tras lanzar con discreto éxito su LP homónimo (RCA, 1996). Dos discos autoeditados, ‘Música De Carrusel’ (2005) y ‘Una Huída Hacia Delante’ (2009) formaban su bagaje en solitario, recuperado ahora con una nueva colección de temas bajo el sugerente título de ‘Ventajas E Inconvenientes Del Amor Libre’. Sergio practica un folk-rock atemporal clásico, escribe canciones cuyos textos recuerdan por momentos a Solera o Rodrigo García (CRAG) y mucho a Calamaro. La música y el ritmo, en general acústico, están más cerca del pop argentino que del español, acentuado por la omnipresente viola de Sylvie Berger y a la forma de frasear que tiene Sergio al cantar. Álbum amable y bien trabajado de un autor recuperado.

Chisum Cattle Co.

Vicente Ribas

The Diesel Dogs

Grupo – Chisum Cattle Co. Disco – “90 Miles” Rock Cd Records, 2015 Debut discográfico de Chisum Cattle Co. una banda madrileña de Truckin’ Country y con un estilo personal y dinámico, que retoma el genial sonido de los 70’s. ’90 Miles’ descarga una poderosa mutación hacia Buck Owens, Sleepy LaBeef, Waylon Jennings, Merle Haggard, Dwight Yoakam o Freddie “Fingers” Lee, con canciones como la instrumental ‘Gatherin’ Cattle’, o las más “comerciales” ’90 Miles’, ‘Never Sell Your Saddle’, ‘Road & Wife’, ‘Snake Boots’, ‘Rodeo Train’ o ‘Brand New Bike’. El líder de la banda, Chisum, proviene de formaciones de rockabilly y country como The Versátiles, True Grit o Gwen And The Boppin’ Rhythms, además de colaborar con un buen ramillete de artistas en el género del country y rockabilly, y eso es lo que hace que ’90 Miles’ despliegue una ironía musical haciendo de este trabajo una obra maestra en del género nacional del Truckin’ Country. Chisum, Robin Drake, Bea Sanz, Indo Mable, Charlee Drummer y Nano Topo Cohnen forman Chisum Cattle Co.

Vicente Ribas

Grupo – The Diesel Dogs Disco – “Everything” Ghost Highway Recordings, 2015 The Diesel Dogs regresan con el que es sin duda se mejor disco, ‘Everything’, tras su ‘Antihumanism’ (Ghost Highway Recordings, 2012), siendo este su quinto álbum. Un álbum luminoso y radicalmente honesto, en el que el pasado y el futuro se dan la mano, para facturar una contundente declaración rockista. Estribillos ganadores para terminar el mundo y volverlo a hacer comenzar y una sublime capacidad para fracasar. Rock con reminiscencias a The Clash, The Who, The Godfathers o Big Star. Despuntan piezas como ‘Everything’, ‘Before The Universe Explodes’, ‘Today Is The Future (You Were Promised Yesterday)’, ‘Restless’ o ‘Days Of Our Lives’. Producido de nuevo por Fernando Pardo (Sex Museum, Los Coronas, Corizonas…) y masterizado, ahí es nada, por Tom Baker (Nine Inch Nails, The Gaslight Anthem, Monster Magnet…). Disponible en Cd y vinilo, ‘Everything’ es un disco de rock total para tiempos salvajes. Muy aconsejable.

¿Te acuerdas?

Mecano

Disco del mes del programa Nacional Pop de Spektra FM

Grupo – Mecano Disco – Mecano CBS, 1982

l conocido como Álbum del Reloj es el primer trabajo largo de Mecano, y el que les elevó musicalmente a las alturas. Este LP se publicaría como continuación a los dos primeros y exitosos singles lanzados por el grupo: ‘Hoy No Me Puedo Levantar’, y ‘Perdido En Mi Habitación’, canciones con la cuales habían conseguido una alta cuota de ventas. El trío estaba compuesto por los hermanos Cano: Nacho y José María, que eran los que controlaban todas las composiciones e instrumentos, y por Ana Torroja encargada de la voz. El combo iba a llamarse en un principio Mecano Humano, jugando con el apellido de los hermanos e intentando a la vez crear ciertas reminiscencias con el grupo británico

José Gálvez

Human League, uno de los abanderados del movimiento Tecno Pop por aquellas fechas. Finalmente decidieron acortarlo y lo dejaron solamente en Mecano. En esa primera época, la imagen del grupo iba muy en concordancia con el movimiento New Romantic, encabezado por los británicos Duran Duran, Spandau Ballet o Visage. En realidad, como eran tan novatos, para la grabación de este antológico disco se buscó gente más reconocida en la industria musical. Así pues los músicos que realmente grabaron los instrumentos en todos los temas fueron: Luis Cobos (teclas y saxo), Carlos García Vaso (guitarras), Manolo Aguilar (bajo) y Javier De Juan (batería), y estaba producido por el recientemente fallecido Jorge Álvarez, dedicándose los componentes del grupo únicamente a grabar las voces. Por cierto, no busquéis en los créditos del disco porque no aparece ninguno de estos músicos. Sin comentarios…Sombra aquí y sombra allá…

Doctor Snob El Triunfo De La Continuidad

Cuando alguien dice eso de «es solo rock and roll, pero me gusta», está recurriendo a una frase que no por manida deja de ser una verdad como un templo. Y Doctor Snob es eso, y por eso tienen su público y siguen gozando sobre el escenario tras veinticinco años en los que tener o no éxito, es, francamente, lo de menos. Lo importante para estos cuatro gallegos -y los que les precedieron integrando esta formación coruñesa- es hacer sonar acordes que toquen la fibra y que le den cuerda a los relojes vitales propios y vecinos. Con ustedes, Doctor Snob: Rafa Colina (batería), Alberto Arjomil (guitarra y voces), Ángel González (guitarra y voces) y Ricky Rodríguez (voz y bajo). Silvia Carregal

Eso de festejar veinticinco años sin éxitos tiene su punto de retranca gallega ¿no? Ricky: «Es posible, sí (se ríe) Es sólo una forma de hablar; está claro que el público en general no nos

conoce demasiado, pero nuestros quince minutos de gloria los tuvimos alguna vez y esperamos que vuelvan». Pero obviamente no es cierto; algún éxito habréis tenido. Asimismo seguir sobre el escenario y componiendo nuevo material tras todos esos años quizá ya es un éxito en sí mismo ¿No lo veis así? Ricky: «Sí, sí, claro, seguir metidos en esto tantos años después ya es un logro. Cada uno tiene una noción del éxito muy distinta». Ángel: «Está claro que mantener un grupo activo durante veinticinco años y llegar hasta hoy y con ganas de seguir tocando es todo un éxito. Estamos orgullosos de haberlo conseguido». Alberto: «Son veinticinco años… Y editar nuevo material es una tarea tediosa; el hecho de sacar un disco al mercado ya es un éxito para nosotros. Por otra parte nos gusta lo que hacemos, con eso basta». ¿Cambiaríais estos veinticinco años de Doctor Snob (y los que vengan) por ser una banda de un solo éxito? ¿Tenéis madera de one-hit wonders? 25

Ricky: «No sé muy bien que decirte… Vivir de las rentas de una canción conocida está muy bien pero desluce todo el trabajo anterior o posterior y se “come” al grupo… Al final serán siempre: “lo que tocan tal canción”. De todos modos eso abre puertas para toda la vida; tiene sus ventajas y sus inconvenientes». Ángel: «Es una pregunta difícil. Como dice Ricky, todo tiene sus ventajas y sus inconvenientes, pero creo que lo más importante para nosotros es poder seguir tocando la música que nos gusta después de tantos años. De todas formas ese primer éxito todavía puede llegar, no perdemos la esperanza». Alberto: «Muchas bandas de un solo éxito tienen auténticas joyas que no conoce el público general. No veo mal ser un grupo de un solo éxito si el resto del material editado vale la pena. Todo depende de los oídos que lo escuchen». Le habéis puesto ese nombre a vuestro último trabajo discográfico, en el que revisáis tres temas dándoles una vuelta. Por ejemplo, alguna canción que nació como balada en él deja de serlo ¿Es una vuelta de tuerca lo de versionarse a uno mismo? Ricky: «Más que una vuelta de tuerca es una actualización. Dos de los tres temas que grabamos (“Mil millas y La Luna”) están en el repertorio de directo desde hace años y poco se parecen a sus grabaciones originales. “Niña marciana” llevaba jubilada muchos años y gana mucho con los nuevos arreglos y con menos minutaje. “Días de playa” era una balada que dejamos de tocar hace muchos años; le añadimos algo de letra, le dimos más velocidad y realmente parece otra». Ángel: «Yo también creo que se trata de una actualización. Siempre he pensado que a algunos

de nuestros temas clásicos no les hacen justicia sus grabaciones originales. La celebración del aniversario ha sido una ocasión perfecta para volver a grabar alguno de esos temas y darles así una forma más coherente con el sonido actual del grupo». Alberto: «Cuando grabas canciones y pasa un tiempo siempre se te ocurren arreglos diferentes, darle otra perspectiva a los mismos temas. Se trataba de temas antiguos que merecían adaptarse al estilo actual del grupo». Pero os gusta incorporar siempre a vuestro repertorio alguna versión. Hacer vuestros los temas de otros es otro tipo de reto musical ¿Eso tiene sus riesgos o es una tarea agradecida? Ricky: «Es otro tipo de reto. No nos gusta tocar las canciones de otros tal cual, así que procuramos darle nuestro toque. Muchas veces hacemos versiones de versiones como “Bola y cadena”, que es una adaptación que Brighton 64 habían hecho de “The Work Song”, a la que le dimos más velocidad y le añadimos un punteo a lo Chuck Berry en la introducción. “La Medianoche” tampoco la sacamos de la original de Wilson Pickett; está basada en las versiones de The Jam, Brighton 64 y Llámalo X. “El límite”, de Ramoncín, está más basada en la versión de Loquillo y Trogloditas que en la original. Lo que sí nos cuesta mucho es ponernos de acuerdo para elegir versiones». Ángel: «Es verdad, nos cuesta bastante elegir y preparar una versión. No nos gusta tocar canciones muy conocidas ni interpretarlas de forma muy fiel al original. Ahora bien, cuando escogemos un tema se queda en el repertorio durante años. Tenemos versiones que llevan con nosotros tanto tiempo y las hemos hecho tan nuestras que ya son como temas propios».

Alberto: «En nuestro caso tocar versiones es un arma de doble filo ya que no solemos escoger temas muy conocidos. El público en general agradece las versiones pero tocarlas a nuestra. De todas formas no soy amante del versioneo en general».

«La esencia de Doctor Snob son cuatro tipos que tocan para pasarlo bien y tratan de que los demás también lo hagan». Seguro que en este cuarto de siglo la banda ha ido evolucionando, pero ¿Cuál es la esencia de Doctor Snob? ¿Qué es eso que no ha cambiado en todo este tiempo? Ricky: «La esencia de Doctor Snob son cuatro tipos que tocan para pasarlo bien y tratan de que los demás también lo hagan». Ángel: «El grupo no habría durado tanto tiempo si no hubiese sido así». Alberto: «Es cierto que el sonido ha cambiado y se han ido cuidando más ciertos detalles con el paso del tiempo pero en el fondo sigue siendo rock’n’roll y lo seguimos pasando de miedo». Además de cuidar el sonido que registráis cuidáis

también la parte visual de vuestros álbumes. En esta ocasión la portada y contraportada llevan la firma de la diseñadora gráfica, Paula Mayor ¿La música también entra por la vista, como ocurre con las portadas de los libros? Ricky: «Sí. Yo ahora ya no lo hago tanto, pero me compré más de un disco por la portada y el nombre del grupo. Es la primera impresión que le va a causar al que lo vea y tiene que decir algo, debe ir introduciendo al oyente en lo que se va a encontrar cuando ponga el disco en el reproductor». Ángel: «Es importante vestir bien al disco; la portada y la contraportada tienen que ser una prolongación de la música, una forma decir que lo que hay dentro; merece la pena». Alberto: «Nos preocupamos bastante para hacer algo que sea agradable a la vista. Creo que el esfuerzo que supone hacer una grabación, bien se merece un buen envase. Cuando compras un disco primero entra por el ojo y luego por el oído». Estamos hablando de vuestro trabajo más reciente, aunque sin duda sois una de esas bandas cuyo leitmotiv es tocar en directo. ¿Corren buenos tiempos para ello? ¿Hay demanda entre el público y suficientes locales que programen? Ricky: «Siempre nos quejamos de que no hay donde tocar, pero sitios hay, y quizá más que nunca… Pero lo 27

Ángel: «Sin duda ése fue el momento más delicado». ¿Y el mejor…? Ricky: «El próximo concierto, sin duda». Ángel: «Lo mejor siempre está por llegar». ¿Cómo se compagina peinar canas y mantener la ilusión por tocar rock and roll? Ricky: «No lo tengo muy claro (se ríe) Debe ser complejo de Peter Pan». Ángel: «Lo tocar rock and roll se lleva muy bien y es una manera perfecta de seguir sintiéndote como un chaval. Lo que ya no se lleva tan bien, a veces, es lo de cargar, descargar, montar y desmontar el equipo. Es el precio que hay que pagar, aunque todavía compensa». Alberto: «En mi caso y aun siendo el más joven, ya no hay mucho que peinar (risas). Ahora en serio, sarna con gusto no pica». Habéis teloneado a bandas como los Trogloditas, tocado en salas míticas como la Siroco… ¿Con quién os gustaría compartir escenario y cuál elegiríais para ello? Ricky: «En mi caso con Status Quo… En cualquier sitio». que se lleva ahora son las bandas de versiones, las sesiones de vermú, y a los grupos que seguimos apostando por nuestros propios temas nos cuesta trabajo conseguir conciertos».

Ángel: «Hace un par de años compartimos escenario con Los Deltonos, a los que adoro desde que sacaron su primer disco. Por tanto, creo que en ese sentido mi sueño ya se ha cumplido».

Alberto: «Estoy de acuerdo con Ricky, cada vez se hace más difícil tocar en directo. Para los locales y desde el punto de vista económico tienen más tirada los grupos de versiones y se dejan un poco de lado aquellos grupos que hacen sus temas. Para mí, y siempre desde el respeto, éste es uno de los cánceres del panorama musical local».

Alberto: «Hay muchos grupos con los que me gustaría compartir escenario pero, concretando, me gustaría hacerlo con Bad Religion, incluso tocar un tema con ellos».

¿Cuál ha sido el peor momento sobre el escenario en estos 25 años? Ricky: «El siroco en el Siroco de nuestro batería, Javier, en 2009. Fuimos a tocar a Madrid, a la sala Siroco, era la primera vez que tocábamos en Madrid, teníamos que hacer ocho temas y entre el cuarto y el quinto se puso malo; le dio una “pájara”, se puso blanco, se quedó sin fuerzas y tuvimos que dejar de tocar». 28

Pete Ross And The Sapphire

Jimmy Barnes

Muy sorprendente el nuevo trabajo de Pete Ross And The Sapphire. Y sobre todo con una calidad enorme. Eso sí, lejos de los titulares de comercialidad, cosa que casi es mejor, para privilegiados al fin y al cabo. Y es que el nuevo trabajo del australiano Pete Ross junto a la neozelandesa Susy Sapphire, actualmente residentes en Milán, es un trabajo ajeno a modas, con un toque conceptual al girar en torno a la existencia humana. El estilo musical cabalga entre el folk-rock, la psicodelia y el rock progresivo, es capaz de recordar a nombres como Jethro Tull, Jefferson Airplane, la ELO o incluso nombres más alternativos como los Walkabouts o los Sadies. Además el enorme vozarrón de Pete Ross recuerda por momentos a Nick Cave o a Tom Waits por su intensidad y dramatismo.

The Jesus And Mary Chain

Grupo – Jimmy Barnes Disco – “30:30 Hindsight” Mushroom Promotions, 2014

Juanjo “Jota Jota”

Grupo - Pete Ross And The Sapphire Disco – “The Boundless Expanse” Beast Records, 2015

Recuerdo perfectamente como conocí a Jimmy Barnes, mi mujer (entonces mi novia) me recomendó que escuchara una cinta en la que le habían grabado ‘Two Fires’ durante su estancia en Australia, me la llevé al coche y quedé enganchado con los primeros acordes de ‘Lay Down Your Guns’ sin saber que lo mejor estaba por llegar en el momento en el que Jimmy abriese la boca; una voz fuerte y rasgada que todo cantante querría tener. Desde Australia me llega también el último trabajo del Sr. Barnes, con el que celebra sus 30 años de carrera como solista (antes prestaba sus servicios en Cold Chisel). En él graba de nuevo 17 de sus temas más conocidos acompañado por bandas como The Living End o Journey y solistas como su hija Mahalia Barnes, Diesel o el guitarrista Joe Bonamassa. Una gran oportunidad para acercase a la obra de este gran desconocido en nuestro país. No os arrepentiréis.

Muse José Rodríguez

Grupo – The Jesus And Mary Chain Disco – “Live At Barrowlands” Creation, 2015

Grabado durante el tour de noviembre del 2014 que conmemoraba el 30 aniversario de la edición del icónico ‘Psychocandy’ registrando, concretamente, la actuación desarrollada en el Barrowlands Ballroom de Glasgow realizada por el reputado ingeniero Noel Summerville. En su primera aparición en los escenarios desde el 2008, no ha encontrado mejor forma de celebrar este aniversario que regalándole a los fans la ejecución en un solo concierto de todas las canciones que integraban el legendario debut, además de tocar canciones emblemáticas de toda su trayectoria. Himnos como ‘Just Like Honey’, ‘April Skies’ ‘Head On’ o ‘Psycho Candy’. El directo se presenta en una edición de lujo de un 10”+CD+Vinilo con el set list del concierto, un libro, fotografías de la banda en el backstage, entrevistas y diversa memorabilia. Un disco disfrutable de principio a fin.

Ricky Rodríguez

José Rodríguez

Grupo – Muse Disco – “Drones” Warner Bros, 2015 Aburrido y repetitivo. Esto es lo primero que se me viene a la cabeza con el nuevo disco de Muse. Séptimo disco del grupo que nos habla de la tecnología y el peligro de utilizar a los humanos como armas y que éstos se rebelen. Lejano queda ya ese primer disco con el que sorprendieron, un ‘Showbiz’ en el cual su fórmula Radiohead-Buckley mostraba a un grupo en ciernes con mucho que contar. Pero su desarrollo ha sido una completa involución hacia un autocomplaciente estilo marcado por desarrollos instrumentales pseudo-operísticos y el cada vez más desgañitado Matt Bellamy. Ni siquiera la producción del aclamado productor Robert John “Mutt” Lange salva el producto de la quema. De todas maneras, no tienen nada que demostrar ya que tienen éxito y llenan estadios. Tal vez exigimos demasiado, si están en una posición envidiable dentro de la música popular, llenan recintos, venden discos, por qué esforzarse en sacar un trabajo bueno. Si la fórmula funciona, ¿porqué cambiar? 29

Los Discos de Commandant DJ

FFS (Frank Ferdinand & Sparks)

Commandant DJ

Grupo – FFS (Franz Ferdinand & Sparks) Disco – “FFS” Domino Records, 2015 La apriori improbable e inimaginable reunión de un cuarteto Indie guitarrero y chispeante como Franz Ferdinand con los difíciles, complejos, ariscos y viejos hermanos Mael, aquellos tipos raros del Glam bautizados como Sparks, ha sucedido ante la sorpresa general y no, no era broma y el rumor que corría entre los mentideros desde hace tiempo. La prueba ha sido una gira conjunta y un disco empastado, grabado a la antigua (todos juntos en la sala del estudio) donde ninguno parece estar demasiado por encima del otro. Brillan más las canciones de Alex Kapranos con su tono de suave barítono yuxtaponiéndose a la ingerencia teatral del falsete tenor de Russel Mael que al contrario, pero las aportaciones genuinamente Sparks como ‘Piss Off’ o ‘Dictator’s Son’ también tienen su miga. La reunión funciona bien porque el resultado no es una copia del reconocible sonido de ninguno de los dos grupos. Tanto unos como los otros han sabido encontrar un camino en el que confluyeran sus influencias musicales para dotar a los arreglos de un montón de referencias comunes saliendo indemnes: Pianos y teclados setenteros de Ron Mael, sacudidas de electro-pop, funk, guitarras punk y riffs nuevaoleros conviven con momentos descaradamente bizarros y teatrales. No era un álbum predecible y por eso nos sorprende la inteligencia con que se ha llevado a cabo. Ahora bien, no creo que esta colaboración puntual trans-generacional deba tener continuidad en el futuro, perdería toda su gracia.

Django Django

Commandant DJ

Grupo – Django Django Disco – “Born Under Saturn” Ribbon Music, 2015

Estos chicos que practican eso que llaman Art-Pop modernista son el prototipo clásico de banda surgida en una escuela de diseño bajo el paraguas de alumnos aventajados de la inteligente estética Indie. Para ello utilizan todos los recursos que pueden hacerles “cool” entre la muchachada universitaria acostumbrada a subirse al carro de nuevos sonidos innovadores, claro que estos jóvenes y nuevos fans seguramente carecerán de memoria histórica, pues esto mismo ocurrió en los primeros ochentas cuando grupos como Human League, Devo, Depeche Mode o Heaven 17 inundaron las ondas de un electro-pop subyugante. Los Django utilizan las mismas armas de artesanos de maquinaria electrónica alejada del rock clásico, como ya hicieran aquellos hermanos mayores aunque su propuesta parece más cerebralmente austera y adolece de aquel lúdico feeling, aunque si les reconozco cierta gracia juguetona. En éste, su segundo disco continúa el camino marcado en su debut y vuelven a ofrecernos otros trece temas, un coctel con ecos al surf, arreglos vocales sicodélicos y bases sintéticas, aunque más cálidas que las utilizadas por bandas del synth industrial. Hay momentos bailables e idóneos para las disco-hipsters como ‘First Light’ y ‘Pause Repeat’ pero el disco es excesivamente largo y acaba haciéndose un poco pesado debido a la incontinente extensión de algunos arreglos. Si se les hubieran fundido los plomos en el estudio a mitad de grabación habría quedado más molón.

Los Discos de Commandant DJ

Summer Fiction

Commandant DJ

Grupo – Summer Fiction Disco – “Himalaya” Burn Brightly Music BMI, 2015 Llega a nuestras manos el segundo álbum del neoyorkino Bill Ricchini al frente de un combo en el que destaca la labor del británico BC Camplight como arreglista, teclista y productor. Este joven músico es un avezado compositor de melodías impregnadas del imperecedero sabor pop de la época dorada (los años 60) que ya llamó la atención en su debut homónimo de 2011. Ricchini tiene una feliz capacidad para crear esas canciones de levedad melódica en apariencia sencillas que tintinean con dulce y evocadora melancolía dentro de un innegable gancho comercial que logra atraparte, ese tipo de temas que pueden alegrarte el día. Títulos como ‘Perfume Paper’, ‘Dirty Blonde’ o ‘Lauren Lorraine’ destacan por mérito propio y son singles certeros dentro de la calidad general que tiene todo el disco. Las bases, los arreglos de cuerda y sobre todo las armonías vocales nos recuerdan el método de trabajo de Brian Wilson, pero inevitablemente siempre suele ser así, fundamentalmente en Norteamérica, cada vez que un músico dotado de sensibilidad se acerca a este estilo clásico. Bill Ricchini factura esta rareza, un disco de Indie-pop inteligente, honesto y elegante, que gana enteros por su falta de pretensiones. Un gran hallazgo que hará las delicias de cualquier persona con buena oreja para reconocer el talento.

Calexico

Commandant DJ

Grupo – Calexico Disco – “Edge Of The Sun” Anti, 2015 El dúo multi-instrumentista formado por Joey Burns y John Conventino continúa predicando su credo musical y mostrando con espíritu de trotamundos su particular visión de la música de raíz norteamericana y en particular su querencia por el Tex-Mex, esa contaminación latina que impregna un estilo de denominación propia muy popular en el oeste fronterizo, de California a Nuevo México, pasando por Texas y Arizona. Estos músicos de Tucson, que en sus inicios formaron parte de Giant Sand, han saltado fronteras en su prolífica carrera llena claroscuros atinados, tras cada disco serio y sesudo vuelven con otro más festivo y alegre. En su anterior largo ‘Argiers’ editado en 2012, se imbuyeron con respeto y elegancia, sin abandonar sus parámetros habituales, en el pegajoso sonido de Nueva Orleans. La vuelta al estudio es una obra más liviana y comercial llena de guiños y colaboradores que comienza en clave de country-pop, ‘Falling From The Sky’, para ir poco a poco, derivando en la segunda parte del disco hacia el otro lado de la frontera. Así llega la resultona ‘Cumbia De Dónde’ en la que pone voz la española Amparo Sánchez, también escuchamos a la mexicana Carla Morrison y a la guatemalteca Gaby Moreno que aportan el contrapunto en castellano a los fraseos de Joey Burns en sendos temas y sin caer en el chabacano spanglish. Calexico siguen siendo deliciosamente folkies y su música suena tan cinematográfica como siempre, repleta de paisajes evocadores, a lo que contribuye la diversidad de palos que atacan con fortuna.

Rickie Lee Jones

Commandant DJ

Grupo - Rickie Lee Jones Disco – “The Other Side Of Desire” Thirty Tigers Concord, 2015 La carrera de Rickie Lee Jones siempre se ha mantenido al margen de la industria comercial con la excepción de su primera incursión discográfica en 1979, un disco homónimo del que trascendió el single ‘Chuck E Is In Love’. Su rebeldía con la industria la han convertido en una outsider incómoda en toda regla, pero su honestidad y credibilidad artística le ha ganado el respeto de crítica y publico a través de los años. Su discografía regular ha navegado entre obras adustas y severas de temas propios, a otras compartidas con imaginativas versiones de otros autores, del folk al jazz, pero siempre intentando cambiar de estilo o descubriendo nuevos cauces creativos, como culo de mal asiento. Su vida privada tampoco ha escapado al peculiar carácter de la dama, el affair mantenido con Tom Waits fue sonado en todos los sentidos. Hace dos años trasladó su residencia a Nueva Orleans y el ambiente especial que en lo musical atrapa a muchos autores se ha hecho notar en su nuevo disco. Para ello, el coproductor John Porter recibió el encargo de reclutar músicos locales que exudaran la sensualidad de la ciudad y supieran ser cómplices de las nuevas canciones de Rickie, inspiradas de forma sutil en los estilos autóctonos, desde el Cajun al blues pantanoso, que por fin había ido pariendo tras doce años de sequía. No hay afectación ni evidente homenaje en este álbum, un maduro producto de una mujer que parece haber encontrado por fin el sosiego y la inspiración que le habían abandonado, un catalizador que ha reabierto una caja de esencias que parecía estar bloqueada y le ha devuelto la luz y las ganas de escribir a esta bohemia de mirada pícara y felina.

¿Te acuerdas?

INXS

Commandant DJ

Grupo – INXS Disco – “Kick” Atlantic, 1987

comienzos de los 80 despuntó en su Australia natal una banda que se había pateado el país de pub en pub, un grupo liderado por los tres hermanos Farriss y fundamentalmente por el letrista y vocalista Michael Hutchence, una arrolladora y sexual bestia escénica comparable a Jim Morrison y Mick Jagger. Tres años después y convertidos en estrellas locales decidieron dar el salto a Estados Unidos aconsejados por su manager. El bautismo de fuego fue un tour como teloneros de Adam & The Ants, a los que se comieron en directo a medida que iba creciendo su fama y eran radiados por las emisoras universitarias. Lo que nadie predijo es que en 1987 alcanzarían la cumbre del éxito y que la edición de su disco ‘Kick’ se convertiría en multi-platino. En este álbum, grabado en estado de gracia, cristalizaron todas las influencias que su música había ido adoptando: Rock’n’roll, Pop, Funk y Dance-Pop, una mezcla de estilos que sa-

biamente administrados dieron como fruto un híbrido de Rock bailable fresco e innovador. Una obra compacta y consistente sin momentos de debilidad, un álbum impecablemente diseñado tema a tema que en crescendo incorpora tensos riffs de guitarra, teclados imaginativos y comerciales, estribillos memorables con vocación de himnos e incluso baladas pegadizas llenas de swing. Un pelotazo en toda regla convertido en uno de los mejores discos facturados en la década, cuyos singles (hasta 4 Top-Ten hits) se bailaron hasta desfallecer en todas las discotecas del mundo. A pesar de mantenerse en la cima durante los siguientes años, y convertirse en banda de estadio compitiendo con U2, los INXS no lograron superar el cenit alcanzado aquí y su estrella terminó por apagarse cuando el carismático y sex-symbol Michael Hutchence, front-man e imagen indiscutible del grupo apareció muerto en un hotel de Sidney en 1997 a causa de un accidente o suicidio que nunca terminó de aclararse. Como en tantos otros casos siempre nos quedará su música y un disco antológico e irrepetible para la historia como ‘Kick’.

Algo más que música

Vicente Ribas

Lady Gaga: Extravagancia, Provocación y Erotismo...¡Todo En Uno!

tefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida por el nombre artístico de Lady Gaga, es una popular cantante, compositora, actriz, productora, bailarina, activista y diseñadora de moda estadounidense. También ha dedicado parte de su vida a la actuación y la filantropía. Nacida y criada en la ciudad de Nueva York, estudió en la escuela Convent Of The Sacred Heart y asistió por un tiempo breve a la Tisch School Of The Arts, perteneciente a la Universidad de Nueva York, hasta que abandonó sus estudios para enfocarse en su carrera musical. Fue así como irrumpió en la escena del rock en el Lower East Side de Manhattan y firmó un contrato con Streamline Records hacia fines de 2007. En la época en que trabajaba como compositora para dicha discográfica, su voz llamó la atención del artista Akon, quien la hizo firmar un contrato con Kon Live Distribution. Lady Gaga adquirió fama como artista tras el lanzamiento de su álbum debut, ‘The Fame’ (2008), que incluye los sencillos ‘Just Dance’ y ‘Poker Face’. El disco tuvo éxito comercial (llegó al primer lugar en numerosas listas de éxitos) y buenas críticas. Tras comenzar su gira The Fame Ball Tour, lanzó el Ep ‘The Fame Monster’ (2009), que contiene las canciones ‘Bad Romance’, ‘Telephone’ y ‘Alejandro’. Su éxito permitió a la cantante realizar su gira de ocho meses de duración Monster Ball Tour, que se considera como una de las series de conciertos con mayores ingresos económicos generados en la historia de la industria musical. Su siguiente álbum, Born This Way (2011), llegó al primer lugar de varias listas de ventas y contiene sencillos como «Born This Way», ‘Judas’, ‘The Edge Of Glory’ y ‘Yoü And I’. Después de tomar un año sabá-

tico debido a una lesión en la cadera, fue lanzado su tercer álbum de estudio, ‘Artpop’ (2013), que se convirtió en su segundo álbum número uno en Estados Unidos y conteniendo las canciones ‘Applause’, ‘Do What U Want’ y ‘G.U.Y.’. Pero, amén de lo estrictamente musical, si de algo es conocida Lady Gaga, es reconocida por su sentido estético cambiante y extravagante con respecto a la música, la moda, las presentaciones en directo, los vídeos musicales… y la provocación. Sus interpretaciones son descritas como «altamente entretenidas e innovadoras». Por ejemplo, la interpretación de «Paparazzi» en la edición de 2009 de los MTV Video Music Awards, donde la cantante utilizó sangre, fue descrita como «alucinante» por MTV. Otro de las decenas de ejemplos que se podría decir fue simulando el acto sexual, rezando un Padre Nuestro e incluso velando un cadáver con mantilla negra. Así se presentó la estrafalaria Lady Gaga en el videoclip de su tema ‘Alejandro’. Hacia abril de 2015, había vendido 28 millones de álbumes y 140 millones de sencillos, de los cuales algunos figuran entre los más vendidos en el mundo. Los reconocimientos que recibió incluyen seis Grammys y trece MTV Video Music Awards. Figuró consecutivamente como «artista del año» en la revista Billboard y en el cuarto puesto de la lista de VH1 de las «Cien mujeres más grandes de la música», así como en otras listas elaboradas por la revista Forbes y Time, donde la consideran asimismo como una de las personas más influyentes del mundo. Ha lanzado sus propias fragancias comerciales, Fame y Eau De Gaga. Más allá de su carrera como artista, Gaga también se dedica a causas humanitarias y al activismo en favor de la comunidad LGBT. 33

Jesús Ordovás

Siempre En El Camino

¿Quién no le conoce? Jesús Ordovás, (El Ferrol, 1947) es uno de los periodistas musicales más relevantes de la historia de la música pop en España. Figura clave e impulsora de la nueva ola estatal y la denominada Movida, dirigió y presentó durante veinticinco años un programa mítico de la radio española, el Diario Pop [1979-2009] de Radio 3, plataforma para multitud de grupos y punto de confluencia de oyentes y artistas de diversas disciplinas con ganas de romper y abordar nuevos lenguajes. Siempre es un placer acercarse a este referente máximo del ejercicio periodístico musical; un hombre inteligente, lúcido y cercano. Future Magazine te ofrece una entrevista en exclusiva con el maestro de maestros. Sus respuestas, sinceras y llenas de información constituyen un trocito de la historia de la música de este país. En el planeta pop, su palabra sigue siendo la ley. Julia Navas Moreno

enías una página en Sal Común, una revista que se publicaba junto a Disco Exprés llamada “Movidas Poprockeras” ¿Vino de ahí el término “Movida” que muchos te adjudican? «Sí, cuando en 1975 regresé de mis viajes y estancias en París, Rotterdam, Estocolmo, Londres, San

Francisco y Los Ángeles de California, alquilé un piso en el barrio madrileño de La Elipa, justo encima de un local donde ensayaban los Burning. Fue entonces cuando me di cuenta de que estaba empezando a gestarse una movida rockera en Madrid y así lo conté en Disco Exprés, el semanario musical en el que colaboraba desde que envié una crónica desde Londres contando el regreso a la vida pública de Eric Clapton, en enero de 1973. Entrevisté a los Burning y les apoyé, al igual que a otros muchos grupos y artistas que iban apareciendo en las discotecas y Colegios Mayores, hasta que descubrí al grupo Tequila en un garaje de la Colonia San Vicente. Como Tequila era el primer grupo pop madrileño que se formaba en Madrid empecé a titular mi página de crónicas y entrevistas como “Movidas Poprockeras”. Y ahí ya hablé de Radio Futura, Kaka de Luxe, los Zombies y otros grupos que iban naciendo en los últimos años setenta. Pero no sería hasta bien entrados los ochenta cuando ya se habló en periódicos y revistas de la movida madrileña». ¿Cuándo llegas a Madrid y qué haces por entonces? «Nací en El Ferrol porque mi padre trabajaba de ingeniero en la empresa MZOV y hacía puentes y túneles, así que siguiendo las vías del ferrocarril desde allí llegamos a Madrid cuando yo ya tenía diez años. Aquí estudié en un colegio de curas mallorquines (el Obispo Perelló) y luego me matriculé en la Facultad de Ciencias Políticas. Eran días en los que había manifestaciones, 35

Madrid. Luego, con el nacimiento de Radio 3, a partir del verano de 1979, llegó a toda España».

La autora de la entrevista con Jesús Ordovás en la Feria del Libro de Madrid, 2015.

llegaba la policía y se llevaba unos cuantos detenidos. Uno de esos días me detuvieron, me llevaron a la DGS [La Dirección General de Seguridad, dependiente del Ministerio de Gobernación Franquista y responsable de la política de Orden Público]. Me hicieron un juicio y me impusieron una multa de 6.000 pesetas “por participar en una manifestación ilegal en la que se profirieron insultos contra las fuerzas del orden”. Así que decidí irme a vivir a Paris y volver sólo para examinarme. Luego me fui a vivir a Rotterdam, donde hice todo tipo de trabajos para pagarme la habitación y la comida. Y cuando volví a Madrid me pidieron que escribiera un libro sobre Bob Dylan, porque ya había enviado algunos artículos para las revistas Triunfo y Disco Exprés. El libro tuvo mucho éxito. Se vendieron cinco ediciones en pocos meses, y me pagaron lo suficiente para que pudiera irme a vivir a Londres. Luego escribí otro libro sobre Jimi Hendrix y más tarde, después de mi viaje a San Francisco el de “El Rock Ácido de California” y otro sobre Bob Marley” para la misma editorial, Júcar». Antes del Diario Pop ya tenías un pequeño recorrido como periodista musical. Escribiste tus primeros artículos en Disco Exprés y AU (Apuntes Universitarios), de la que saldría la revista Ozono. ¿Eras consciente de que estabas siendo un pionero? «Sí. El tipo de reportajes que hacía para Triunfo, Mundo Joven, Disco Exprés y otras revistas desde Londres o California, y los que luego continué realizando desde Madrid, Burgos, Barcelona, Marbella, y donde fuera que hubiese un festival o alguna movida me permitieron conocer el mundo del pop y del rock español e internacional. Así que me ofrecieron entrar en Onda Dos, donde desde 1975, además de programar discos, también entrevistaba a grupos y ponía sus maquetas. Era el momento en el que nos llegaban las primeras grabaciones de Kaka de Luxe, Mermelada, Cucharada, Burning, Nacha Pop, Mamá, Los Secretos, Radio Futura o Aviador DRO; se abrían clubs y bares como el Pentagrama y La Vía Láctea, salas como El Sol, El Escalón, El Jardín, Carolina o Rock-Ola… Y se organizaban festivales como el del homenaje a Canito en la Escuela de Caminos o el Festival de La Primavera. Ya éramos conscientes de que estábamos haciendo algo que iba a revolucionar el panorama musical en 36

En uno de tus libros más recientes, “El futuro ya está aquí”, una especie de diario personal y musical, cuentas tus viajes iniciáticos, siempre con trasfondo y motivación musical. ¿Qué sentías cuando viajabas a Holanda, Londres, California viniendo de un país tan árido musicalmente hablando, como era el nuestro? «Llegar a París en 1970, a Holanda en 1971, a Londres en 1972 y a California en 1974 era descubrir un mundo bien distinto del que teníamos en España, con una dictadura que todavía aplicaba la censura en los medios de comunicación, que prohibía festivales, artistas, grupos, canciones, películas y libros…». ¿Qué periodistas fueron tus referentes? «Yo había tenido la suerte de estudiar Ciencias Políticas en la Universidad Complutense y de contar con la ayuda de un hermano mayor que me recomendaba libros y me guardaba los apuntes que yo, al regreso de mis viajes, utilizaba para aprobar. Y también tuve de compañero de pupitre a Carlos Marichal, que viajaba a Estados Unidos y me traía discos, libros y revistas. De ese material, sobre todo de la revista Rolling Stone, sacaba información e ideas para mis libros, artículos y reportajes». Un hito en la radio fue cuando en 1974 un elenco de locutores de la Frecuencia Modulada de Radio Popular de Madrid a pasa a Onda 2, la FM de Radio España. En aquella legendaria frecuencia realizaste un programa, “Entre Frisco y Formentera” en el que ponías canciones prohibidas por el Régimen. ¿Alguna anécdota con las autoridades? «En esos años todavía existía la censura de artistas, grupos y canciones. Teníamos un listado de canciones prohibidas, casi todas las de Raimon, Serrat, Lluis Llach y demás cantautores, pero como se suponía que Onda 2 solamente la escuchaban cuatro estudiantes no tuvimos mayores problemas. Y sobre todo gracias a que nuestro director, Jorge de Antón, nos dejaba que hiciéramos nuestros programas con total libertad, siempre y cuando no nos metiéramos con el Gobierno. Por eso cuando nuestro compañero Luis Mario Quintana presentó el parte de noticias del mediodía diciendo “Ahora viene el rollo hablado” fue despedido». En mi opinión fue una época llena de estupendos comentaristas musicales, de modernos musicólogos como Jorge Muñoz, Rafael Abitbol, Diego A. Manrique, Ramón Trecet, José María Rey, Cifu, Patricia Godes, Julio Ruiz… ¿Había un ambiente de camaradería entre vosotros? «Al principio todos éramos buenos compañeros, e incluso amigos, pero desde el día en que las compañías discográficas empezaron a contratar a los grupos que habíamos apoyado cuando nos traían sus maquetas, hubo quien vio la oportunidad de sacar una buena tajada

de dinero de todo aquello: producciones, management, exclusivas, viajes, drogas, tantos por ciento, etcétera… En 1979 comienza a funcionar Radio 3 ¿Fue un paso de gigante respecto a Onda 2? «Sí, cuando en el verano de 1979 nos contrataron para hacer programas en Radio 3, muchos de los que habíamos trabajado en Onda Dos y solamente éramos conocidos en Madrid, nos dimos cuenta de que el hecho de que nos pudieran escuchar en todas las ciudades y pueblos de España era algo extraordinario. Era como si estuviéramos emitiendo desde la Luna a todo el planeta Tierra. Íbamos a Santa Cruz de Tenerife o Palma de Mallorca y nos reconocían por la voz cuando pedíamos un café en un bar. Nos convertimos en estrellas de la radio en cuestión de meses». El Diario Pop, donde estaba integrado el anterior “Esto no es Hawaii”, fue el detonante de que toda una generación ávida de música alternativa se levantase ojerosa pero exultante. Todo era tan novedoso… ¿Te daba tiempo a escuchar las grabaciones que te llegaban o, en ocasiones, casi lo hacías a la vez que tus oyentes? «“Esto no es Hawaii”, el programa que empecé a realizar cuando escuché esa canción de Loquillo y luego ya integrado como parte del Diario Pop, en 1982, tuvo un éxito indescriptible. Como programaba casetes, cintas y maquetas de grupos que estaban grabando sus primeras canciones de forma artesanal e independiente todos los que podían grabar en un radiocasete, en un garaje o en un estudio barato me enviaban esas dos o tres canciones con la esperanza de poder sonar en Radio 3. Y como muchos de ellos lo conseguían, como un chico llamado PP Tan Solo, de Elche, que grabó “Quiero ser guitarra de Siniestro Total” con una guitarra y una caja de galletas; no daba abasto de tantas y tantas cintas que recibía, muchas de ellas conteniendo canciones geniales».

Cooper, Una Sonrisa Terrible o Pull». Obviamente conociste bien a muchos de los grupos y artistas a los que promocionabas y entrevistabas… ¿Intentabas que hubiera una línea bien definida que separara el momento profesional como crítico musical del momento diversión y camaradería? «Cuando un grupo me gustaba o nos conocíamos, las entrevistas eran más relajadas y tanto ellos como yo nos sentíamos como amigos escuchando algo que nos era próximo, o comentando e incluso criticando tal o cual canción. Pero cuando no conocía al grupo y eran nuevos para mí siempre intentaba ser lo más amable y condescendiente posible. Incluso cuando algo no me gustaba intentaba no criticarlo porque muchas veces hubo canciones que no me han entrado a la primera escucha y luego fueron de mis favoritas. Y además hay mucha gente que ha empezado muy mal y luego han hecho cosas extraordinarias».

« Acabaron separándose por muchas y variadas circunstancias».

Derribos Arias, El Aviador DRO y Loquillo y los Intocables (en ese último caso para “Esto no es Hawaii”) compusieron sintonías para tus programas. ¿Era a petición tuya o las ofrecían los grupos? «La primera sintonía del Diario Pop fue idea del Aviador Dro. Creo que se la pedimos a Servando Carballar un día que vino a presentar uno de sus discos al programa. Y luego, casi todos los grupos que venían a grabar sesiones para “Esto no es Hawaii” aprovechaban que estaban en el estudio para hacernos una sintonía. Así lo hicieron Derribos Arias o Pleasure Fuckers. O nos daban la sorpresa cuando venían de grabar un nuevo disco, como hicieron Siniestro Total, Niños Mutantes, 37

¿Qué grupo o grupos tuviste claro desde el principio que llegarían a tener proyección en el futuro? «Ya siendo jurado del Primer Concurso de Rock Villa de Madrid tuve que elegir entre muchos grupos. Y creo que acerté al apostar por el Gran Wyoming y Kaka de Luxe, a pesar de que otros miembros del jurado me decían que no sabían tocar ni cantar… Y era cierto; el Gran Wyoming no es buen cantante, pero tiene ingenio y gracia, y eso es lo que yo voté. Y en Kaka de Luxe veía gente como a Alaska o a Carlos Berlanga, Fernando Márquez ‘el Zurdo’, Enrique Sierra, Nacho Canut y Manolo Campoamor, que tenían ideas e ingenio a pesar de que no supieran cantar o tocar en aquel momento. Luego lo demostrarían en Alaska y los Pegamoides, Radio Futura, Paraíso, La Mode, Dinarama o Fangoria. Y lo mismo me ocurrió con los Ejecutivos Agresivos; a mí me gustaban, pero los echaron de la compañía discográfica, y luego formarían Derribos Arias, Gabinete Caligari, Décima Víctima, Esclarecidos… Y así ocurrió con doscientos o trescientos casos más». ¿Hubo algún grupo que mereciera perdurar y se quedó en el camino? «Muchos grupos que prometían acabaron separándose por muchas y variadas circunstancias: Parálisis Permanente por la muerte de Eduardo Benavente, Paraíso porque su compañía discográfica no supo entenderlos y valorarlos. Derribos Arias, Ciudad Jardín, Alphaville, Desechables, PVP, O.X. Pow, Los Monaguillos y otros muchos. Las causas fueron diversas: trabajos, familias, drogas, muertes e imponderables». ¿Cómo fue tu experiencia televisiva? «Cuando la directora de La 2 de TVE me ofreció la posibilidad de dirigir un programa musical, le dije que quería hacer un “Diario Pop” en televisión. Me dio carta blanca y así nació “iPop”. Hicimos algo que nunca se había hecho en TVE, un informativo musical diario con noticias, entrevistas, reportajes, actuaciones, retransmisiones de festivales y novedades que poco a poco fue cuajando y ganando audiencia. Y cuando estábamos en el mejor momento nos lo quitaron. Hicimos más de cien programas; de lo mejor que se ha hecho en TVE. Los lectores de Rockdelux lo votaron como el mejor programa de televisión del año».

«Radio 3 ha perdido a sus oyentes más cultos. Quieren gente festivalera». Te acogiste al plan de prejubilaciones de RTVE y hasta cinco años después no pudiste volver a la radio. Lo hiciste con “Nuevas sensaciones” ¿Qué sentías cuando escuchabas nuevos grupos, eventos, conciertos y tú, forzosamente, estabas alejado de las ondas? «Después de treinta años de actividad ininterrumpida haciendo programas diarios de radio y televisión pensé que era hora de hacer las cosas con más calma, y así lo hice en “Nuevas Sensaciones” de Nanosónico, hasta 38

que la emisora cerró. Aunque la verdad es que cuando has visto tantos cientos de grupos y has conocido a tanta gente, mucho de lo que hay ahora ya no te sorprende». Has demostrado no anclarte en el pasado y te reinventas con nuevos retos, abierto a nuevos grupos. ¿Cuál de ellos te ha sorprendido más en los últimos años? «Los Planetas siguen siendo el grupo que más me sorprende. También Juanita y Los Feos, Los Punsetes, Chico y Chica, Vilma y Los Señores, Víctor Coyote, Pía Tedesco, Lapido, Señor Chinarro, La Bien Querida, Love of Lesbian… y muchos más». Radio 3 ha sido la emisora de radio que ha canalizado la música y la cultura alternativa; una isla frente a la radio fórmula y lo establecido. ¿Cómo ves su evolución en estos últimos años? «Radio 3 ha tenido la mala suerte de que su director es un servidor fiel de la política del Partido Popular y ha acabado con toda posible disidencia en una emisora que siempre se distinguió por ser crítica, heterodoxa y creativa. Y ahora parece una balsa de aceite donde no pasa nada y todo les resbala. Han perdido a sus oyentes más cultos y han acabado haciendo programas chabacanos y mentirosos. Quieren gente festivalera». Tienes en tu haber un numeroso elenco de libros de música editados, como el ya mítico “Historia de la música pop española”. El título “El Futuro ya está aquí” ¿Es solo un guiño irónico a la canción o una actitud vital y optimista propia de alguien que no se rinde?

«“El futuro ya está aquí” es una idea tomada de los primeros Radio Futura, a los que conocía personalmente, sobre todo a Herminio Molero, el ideólogo y teclista. Y en el libro intento hacer algo parecido a lo que consiguieron Jack Kerouac en “On the Road” y Bob Dylan en sus “Crónicas”. Contar mi vida desde que me fui de España hasta que regresé y me encontré con que el futuro ya estaba aquí…». El libro es un recorrido por la historia de la música de esos años, lleno de anécdotas vividas de primera mano. ¿Llegaste a imaginar en aquellos días que tu vida iba a ser tan especial e importante en la historia del periodismo musical? «Yo he ido viviendo el día a día sin pensar en que lo que hacía tuviera alguna relevancia en el futuro. Pero mucha gente me ha dicho que lo que escribí o los programas de radio y de televisión que he hecho les han ayudado en sus vidas y eso me alegra». Me ha gustado mucho tu último libro, la biografía de John Lennon con datos muy interesantes y lleno de jugosas anécdotas, aunque creo que es más bien una biografía de The Beatles… ¿Por qué has abordado a estas alturas a tan mítico grupo? «El libro de John Lennon es un encargo de la editorial Silex y no aporta gran cosa a todo lo que se ha dicho y escrito sobre él, pero es un buen resumen de lo que fue su vida y su obra junto a Los Beatles y luego con Yoko Ono. Se lee muy bien y es muy ameno».

Pasar de un programa diario en las ondas a esa especie de descanso forzoso ¿fue duro para ti? «Siempre había pensado que seguiría haciendo radio hasta el final de mis días, pero no ha sido así, de forma que he vuelto a algo que también me gusta mucho, escribir». Y las redes sociales te han ayudado para seguir activo… «Sí, Facebook te permite colgar canciones, comentar cualquier cosa, estar al día, y compartir conocimientos con mucha gente; menos mal». ¿Podrías elegir un concierto que recuerdes de manera especial? «El concierto de Arthur Lee en Madrid cantando todo el “Forever Changes” ha sido una de las mayores alegrías de mi vida». Para terminar, ¿crees que con un panorama político y social como el que tenemos actualmente hubiera sido posible la Movida? «La Movida, tal como fue no hubiera sido posible en estas circunstancias tan politizadas. En aquellos días parecía que todo iba a mejor. Y ahora, con la crisis de Grecia y Europa nos tememos lo peor. El capitalismo nos ha declarado la guerra».

La verdad, echo en falta que los textos fueran ilustrados con alguna que otra fotografía… «A mí me hubiera gustado que llevara fotografías, pero la editorial no lo consideró oportuno».

«La Movida, tal como fue no hubiera sido posible en estas circunstancias tan politizadas». A estas alturas y con tanto bagaje ¿qué biografía te gustaría escribir? «Aunque ya escribí una biografía de Bob Dylan me gustaría sentarme con él y charlar tranquilamente sobre su vida y sus canciones. Lo he intentado, pero nunca he podido hablar con él, aunque sí con su hijo Jacob, de los Wallflowers». Sé que te gusta hacer de DJ en festivales ¿Procuras adaptarte al ambiente que se respira en cada uno de ellos o prefieres sorprender? «Hago de DJ en festivales y clubs. Casi siempre he disfrutado porque a la gente le ha gustado la música que he puesto, aunque en un par de ocasiones la música que a mí me gustaba no fue del agrado del respetable; me ocurrió una vez en un bar de Pamplona lleno de heavies y radicales bastante bebidos que querían que les pusiese a La Polla Records, a Kortatu y a Barricada… Y otra en un lugar del que no me quiero acordar». 39

José Rodríguez

Balcony TV Valencia E

ste 2015 comenzó con una buena noticia para los músicos valencianos: Balcony TV llegó a Valencia para llenar de música los balcones y azoteas de la ciudad. Balcony TV Valencia se convierte así en una de las más de 50 ciudades que conforman esta plataforma musical. Balcony TV es un canal de música online a nivel internacional con un concepto claro, “Música desde un balcón, música con vistas”. De esta forma, los artistas salen de los estudios y salas de conciertos para mostrar sus propuestas musicales en los lugares más emblemáticos de la ciudad. Balcony TV Valencia pretende ser una plataforma de promoción musical en la ciudad. A través del fenómeno viral, puede ser una oportunidad para los grupos valencianos de abrir sus puertas a nuevas alternativas de promoción internacional. Por ello, se realiza una selección de los artistas, combinando bandas independientes con grupos de renombre. En Valencia, Balcony TV realiza dos vídeos mensuales en los que se verán a artistas locales haciendo su música en los lugares con mejores vistas de la ciudad. En primer lugar, se reali-

za una breve introducción del artista, después el grupo toca en directo y finalmente se realiza una pequeña entrevista a los protagonistas. Por último, el público puede votar los vídeos de las canciones que más les gusten, y los grupos aparecerán en el ránking internacional con los artistas de todas las demás ciudades. Para más info: Balcony TV Valencia: https://www.balconytv.com/valencia

solidarity

Irene Sánchez

Menudos Corazones, Ejemplo De Superación a Fundación Menudos Corazones es una entidad sin ánimo de lucro cuyo objetivo es mejorar la calidad de L vida de las personas con una cardiopatía congénita y de

curricular y actividad deportiva para que no se sientan discriminados.

Las cardiopatías congénitas se definen como “enfermedades congénitas del corazón”, los niños nacen con un corazón al que le falta alguna parte o tiene alguna incompleta, sus válvulas son más estrechas, presenta fugas e incluso tiene vasos sanguíneos angostos.

¿Qué tipo de actividades lleváis a cabo desde el departamento de ocio y tiempo libre?

sus familias.

Entrevista a Jesús Puente, coordinador del departamento de ocio y tiempo libre.

Para niños y adolescentes organizamos dos campamentos de integración en verano. También tenemos un Programa para jóvenes, que consta de un encuentro anual para recorrer el Camino a Santiago -en septiembre celebramos la segunda edición-, además de nuestra gran cita anual que son las Jornadas Nacionales sobre Cardiopatías Congénitas y otras actividades de diversa índole de forma puntual. Habéis recorrido el camino de Santiago junto a jóvenes con cardiopatías congénitas, ¿cómo fue esa experiencia?

En la actualidad, las cardiopatías son la patología congénita de mayor incidencia en España, afecta a un total del 8 por 1.000 de los niños nacidos al año. Supone, aproximadamente, 4.000 nuevos casos por año. De éstos, un 80% necesita tratamiento quirúrgico en el primer año de vida. Además, existen otro tipo de cardiopatías más graves que requieren sucesivas intervenciones acompañadas de largas hospitalizaciones, así como revisiones periódicas, prolongadas en muchas ocasiones hasta que los afectados son llegan a la edad adulta. La Fundación Menudos Corazones gestiona diferentes programas como son el apoyo psicológico dentro y fuera del hospital, la estimulación, acompañamiento y actividades lúdico-educativas en hospitales, jornadas anuales, publicaciones, actividades de ocio para niños y adolescentes con cardiopatías, campamentos de verano, entre otras. Una de las áreas dentro de la Fundación Menudos corazones es el departamento de ocio y tiempo libre del cual Jesús Puente es uno de los coordinadores. Es importante dar a conocer que cualquier niño con una cardiopatía congénita puede realizar actividades deportivas y de ocio de forma normal. Debe ser un cardiólogo quien determine qué tipo de deporte es el más adecuado según cada niño, pero en tal caso desde la Fundación Menudos Corazones se fomenta y potencia la adaptación

Muy bonita y emotiva. Rompimos todo tipo de barreras e hicimos que, no solo los mismos jóvenes se dieran cuenta de lo que pueden hacer si se lo proponen, sino que el mensaje llegó también a sus familiares y a todo su entorno. ¿Alguna anécdota que puedas compartir con nosotros sobre el camino de Santiago? Sin duda la llegada a Santiago, con la felicidad por bandera y con un grupo entero de 24 personas cantando y riendo por las calles de la ciudad, todos con la misma camiseta verde kiwi. Recuerdo cómo se giraba todo el mundo para vernos pasar. No dejamos a nadie indiferente: el que no aplaudía nos daba la enhorabuena, gente saliendo de los establecimientos para vernos pasar, terrazas enteras puestas en pie. Hubo calles en las que teníamos auténticos paseíllos de aplausos. Lo recuerdo y aún se me pone la piel de gallina. Lleváis a cabo campamentos de verano desde el 2003 para niños y adolescentes con cardiopatías congénitas, ¿cómo ayudan estos campamentos a los niños? Principalmente en la normalización de actividades y en que facilitamos que los niños con cardiopatías conozcan a otros con su mismo problema y que niños que no tienen problemas de corazón se relacionen con otros que sí los tienen. Todas nuestras actividades fomentan la

autonomía, la creatividad y el desarrollo personal. Y los materiales que utilizamos están adaptados a ellos, por lo que les liberamos una semana del habitual “no hagas eso”. Viajasteis a Tokio recientemente, ¿en qué consistió? Fue un reto solidario, la Marathon de Tokyo 2015, que decidió emprender Guillermo Rodríguez, optimista crónico y voluntario de la fundación en varios proyectos. Recorrimos 42 kilómetros y se recaudaron 4.200€ que fueron íntegramente a Menudos Corazones. Acompañamos a Guillermo, Miriam, médico y también voluntaria, y yo, como su entrenador personal, ya que le estuve ayudando a prepararse para la carrera los seis meses previos. ¿Qué podemos hacer para ayudar a estos niños y adolescentes? Apoyar los proyectos, las redes y las campañas que ponemos en marcha desde la Fundación y, sobre todo, haciéndote socio. Puedes serlo a partir de cinco euros al mes. Además se pueden hacer donaciones puntuales. También se puede colaborar como voluntario en cualquiera de nuestras actividades e incluso proponiéndonos una iniciativa a favor de nuestra causa. Si me hago socio… ¿Cómo estaría ayudando y colaborando? Nuestros socios son fundamentales para asegurar la viabilidad de nuestros proyectos en el futuro y que podamos seguir atendiendo a los niños y a sus familias y mejorando su calidad de vida. Las cuotas de los socios son nuestros únicos ingresos regulares y fijos. Sin ellas, es imposible garantizar nuestra sostenibilidad a medio y largo plazo. Con una cuota mínima de cinco euros al mes podemos seguir ofreciendo alojamiento gratuito a las familias de niños y jóvenes con cardiopatías que se desplazan a Madrid por motivos de hospitalización y revisiones médicas. También acompañarles y apoyarles durante las hospitalizaciones y en casa, orientarles y ayudarles cuando surgen problemáticas familiares, sociales y escolares. En definitiva, respaldándoles en las situaciones más adversas a las que se enfrentan los niños con problemas de corazón y sus familias. Puedes hacerte socio a través de nuestra web www.menudoscorazones.org o llamando al 91 373 67 46 o 91 386 61 22. ¿En qué consiste el grupo de padres en duelo de Menudos Corazones? El proyecto de apoyo al duelo está dirigido a familias que han perdido un hijo con cardiopatía congénita. Está coordinado por el equipo de apoyo psicológico de la fundación y ofrece reuniones mensuales y sesiones individuales en nuestro centro de atención a familias, así como una Jornada Anual de Duelo. De esta manera, podemos acompañarles a recorrer de forma activa el proceso de aceptación ante el fallecimiento de un hijo. Les ofrecemos una red de apoyo y creamos un espacio de intercambio. ¿Cómo surgió la idea de elaborar un vídeo y presentarlo a la campaña «Zombi, el vídeo de los padres en duelo»? El vídeo ¿Cómo ayudar a un zombi? surgió del grupo de padres en duelo de la Fundación. María, madre de Virginia, contó un relato donde se calificaba a sí misma como una zombi tras la pérdida de su hija, con una cardiopatía congénita. Enrique, padre de Marta, se identificó con esa imagen y, desde el cariño a su hija reciente-

mente fallecida, creó el vídeo. Desde la Fundación nos pareció una buena idea lanzar este mensaje positivo con el que el grupo de duelo quiere sensibilizar a la sociedad sobre cómo tratar a una persona cuando pierde a un ser querido. La campaña, además, lanza un reto en las redes sociales: conseguir 40.000 visualizaciones. Por cada 10.000 visualizaciones, las empresas Boston Scientific y Parcesa donarán 1.000 euros, respectivamente, para ofrecer ayuda psicológica a las familias que lo necesiten. Puedes apoyar esta campaña viendo el video en el canal de Youtube de Menudos Corazones. “Cada uno de esos “menudos” me tiene enamorado” ¿Qué planes u objetivos tenéis de aquí al próximo año? Somos una Fundación humilde pero con mente océano. Trabajamos a diario para que las familias de los 4.000 niños que nacen en España al año con una cardiopatía congénita sepan que cuentan con nuestra ayuda. ¿Quieres compartir alguna anécdota o algo que no hayamos tenido en cuenta y sea importante? Siempre que hablo de mi trabajo me gusta resaltar lo gratificante que es y lo que aprendo cada día. Todos estos niños y jóvenes tienen una filosofía de vida, una madurez y una sencillez para hablar contigo, para tratar ciertos temas que muchos adultos no se atreven ni a pronunciar, que me conmueve. Empecé hace ocho años como voluntario y monitor en campamentos y me enganchó. Cada uno de esos “menudos” me tiene enamorado. Fíjate que, sin pensarlo, sin habérmelo tan siquiera planteado, ha llegado a ser mi proyecto de vida. Y me encanta.

+información en:

www.menudoscorazones.org www.facebook.com/pages/FundaciHYPERLINK “http://www.facebook.com/pages/Fundación-Menudos-Corazones”óHYPERLINK “http:// www.facebook.com/pages/Fundación-Menudos-Corazones”n-Menudos-Corazones www.HYPERLINK “http://www.twitter.com/ menudosmenudos”twitter.com/menudosmenudos www.youtube.com/user/MenudosCorazones

Elizabeth Barros

Ruzafa Historia y Modernidad En El Centro De Valencia

Ruzafa (en valenciano, Russafa) es un barrio de la ciudad española de Valencia, perteneciente al distrito de Ensanche y fue un municipio independiente hasta 1877. Su población en 2009 era de 25.134 habitantes, según el ayuntamiento de Valencia. El topónimo Ruzafa es una castellanización de Russafa, a su vez derivado del árabe ‫( ةفاصر‬Ruṣāfa). En este idioma significa «jardín» y es un posible préstamo del acadio rasapa, “residencia de un gobernador”. “Hay constancia de hasta nueve lugares denominados Ruṣāfa en el mundo árabe, entre las que destacan las edificadas en las cercanías de Basora, Bagdad y Damasco.”

HISTORIA. El origen de Ruzafa se halla en una finca de recreo construida por Abd Allah al-Balansi en el siglo IX a unos 2 Km. de la ciudad de Valencia, a imitación de la que edificara su padre, Abderramán I, en las proximidades de Córdoba. “]Dicha finca debió desaparecer bastante pronto, ya que los hijos de Al-Balansi no continuaron residiendo en Valencia, pero la zona ajardinada de su alrededor se conservó y fue empleada como lugar de esparcimiento y parque público, como testimonian los poetas al-Russafi, al-Saqundi, Ibn Amira o Ibn al-Abbar, entre otros.”Alrededor de dichos jardines se originó una alquería, que es el núcleo del posterior poblado.” El llano de Ruzafa constituyó una de las posiciones claves para la toma de Valencia, como lo demuestra el he-

cho de que Álvar Fáñez acampara con sus mesnadas en él, cuando acompañó al destronado al-Qadir de Toledo hacia Valencia en el año 1085, o posteriormente las tropas de Jaime I en 1238, que sitiaron la ciudad desde este punto.”Consta que en este lugar residió el rey durante la campaña, y se celebró la capitulación de la ciudad entre Zayyan ibn Mardanish y Jaime I.” Tras la conquista cristiana los jardines fueron transformados en tierras de labor, y las edificaciones musulmanas transformadas en alquerías, ocupadas por los conquistadores o los vasallos de los mismos. El posterior ensanchamiento de la muralla de la ciudad de Valencia, efectuado en el siglo XIV, dejó extramuros a este núcleo rural, que no perdió su carácter agrícola pese a quedar convertido en arrabal. En las proximidades de la puerta de Ruzafa de la ciudad de Valencia se construyó alrededor de 1860 la Plaza de Toros de Valencia y cinco años después de su terminación se procedió al derribo de las murallas, lo que supondría el desbordamiento de la ciudad en dirección sur. Ruzafa constituyó un municipio independiente desde 1811 hasta 1877, en que pasó a formar parte del ayuntamiento de Valencia junto con todo su territorio, que comprendía la práctica totalidad de los actuales distritos de Ensanche, Quatre Carreres y Poblados del Sur. Durante mucho tiempo se la conoció como “la terra del ganxo” (la tierra del gancho), debido a que muchos de sus habitantes trabajaron en la recogida de los troncos de madera que llegaban a Valencia provenientes de los Serranos a través del río Turia, para lo cual usaban ganchos. Actualmente, esta denominación todavía está patente en muchos de los nombres de comercios y casales falleros del barrio. 45

PERSONAJES DESTACADOS.

PATRIMONIO RELIGIOSO. Iglesia Parroquial de San Valero y San Vicente Mártir: Destaca la Iglesia Parroquial de San Valero y San Vicente Mártir que se alza sobre otra anterior incendiada en 1415. Su trazado y la dirección de la primera etapa de su construcción se atribuye a Tomás Leonardo Esteve, mientras que a Juan Bautista Pérez y a su hijo Juan Pérez Castilla la decoración barroca, hoy casi desaparecida, del interior. Es de planta de cruz latina de una sola nave y 6 capillas laterales entre contrafuertes. El campanario, posible obra de José Mingues, se termina en 1740. Incendiada en 1936, se reconstruye en 1939 por Salvador y Manuel Pascual y José Luis Testor. Se la conoce con el sobrenombre de “Catedral de Ruzafa”. Convento Nuestra Señora de los Ángeles: Otro monumento religioso con matices históricos es el Convento Nuestra Señora de los Ángeles, que podemos encontrar en la calle General Prim. El 22 de abril de 1238, Jaime I de Aragón instaló su campamento en Ruzafa, para sitiar la ciudad de Valencia; el 14 de septiembre iniciaba conversaciones con Zayán, rey moro de Valencia, culminando con la rendición de Valencia el 29 del mismo mes, firmando dicha rendición en el lugar que ocupa hoy este convento. El rey Jaime I y su ejército hicieron su entrada en Valencia el 9 de octubre. Se puede ver en su fachada principal una placa conmemorativa de dicho acontecimiento histórico. Patrimonio civil. Mercado Municipal de Ruzafa: Otro de los monumentos más característicos de este barrio valenciano, es el Mercado Municipal de Ruzafa. Fue proyectado por Julio Bellot Senet, según acuerdo del Ayuntamiento de 1954 e iniciadas las obras a fines de mayo de 1957. Se encuentra situado en el núcleo de la barriada de Ruzafa, frente a la iglesia barroca de San Valero y San Vicente Mártir. Placa escultórica de Don Bernardino Landete Aragó: Relieve escultórico en perfil con los rasgos faciales del padre de la estomatología española instalada en la Plaza del Doctor Landete. Este relieve fue sufragado principalmente por el colectivo de odontólogos valencianos. 46

Poeta Al-Russafí (Abu Abd Allah Muhammad ben Gualib): Abu Abd Allah Muhammad ben Gualib nació a principios del siglo XII en Ruzafa. Parte de su vida la pasó en Granada, donde murió en 1177. Cantó con ternura y nostalgia a su tierra natal. Fue poeta cortesano y elogió al primer califa almohade Abd al-Munin. Fue uno de los poetas más apreciados por la dinastía almohade y su nombre forma parte de las antologías de poesía árabe. Las dos bibliotecas municipales que podemos encontrar en el barrio de Ruzafa llevan su nombre, Biblioteca Al-Russafí y la Biblioteca Nova Al-Russafí. Francisco Javier Aguilar Solaz, maestro de escuela, fallecido en 1863 salvando a sus alumnos durante el derrumbe de la escuela unitaria masculina de Ruzafa. La antigua calle del Cementerio de la población lleva su nombre (Maestro Aguilar). Julio Aparicio Pascual “Fabrilo”: Julio Aparicio nació en Ruzafa, el primero de noviembre de 1866. Desde muy joven destacó en su debut en esa plaza de Levante el 3 de octubre de 1885, cuando aún no cumplía los 19 años. Dejó patente en el ánimo de los asistentes su arrojo, su buena figura y el refinado gusto para elaborar con desparpajo las complicadas suertes del toreo. Murió de una cornada en la plaza de toros de Valencia. Su hermano Francisco Aparicio, torero de profesión, también murió por las mismas consecuencias dos años después. Enrique Castellón Vargas, “El Príncipe Gitano”: Nació en Ruzafa en 1928. Quiso ser torero pero pronto se dejó convencer de que con su voz y su planta era preferible que se dedicase a cantar coplas de toreros. Salvador Castro Prades: Pintor que nació en Ruzafa en el año 1866 y murió en Burjasot el 30 de mayo de 1932. Juan de Dios Montañés: Fue sacerdote y pedagogo. Fundó en el barrio de Ruzafa, en la calle Pintor Salvador Abril, un colegio que lleva su nombre. Dedicó sus bienes a la docencia para que sus alumnos lograsen destacar en sus propias aptitudes a la vez que recibieran una instrucción adecuada. Fue nombrado hijo adoptivo de la Villa de Ruzafa. Dicha institución educativa fue creada en la segunda mitad del siglo XIX. Diego Miró: Primer Rector del Colegio San Pablo de

Valencia de la Compañía de Jesús, fundado en 1544. Sus principales obras son Regulae communes o Constitutionum Societatis Jesu. Nicolás Pascual Roig: Fraile agustino nacido en Ruzafa, que murió en 1787 en el convento que tenía dicha orden en Alcoy. Músico y compositor, entre sus obras destaca Sonata de primer tono. Benito Pereira: Filósofo y escritor español. Nacido en Ruzafa en 1535. Muerto en Roma a 6 de marzo de 1610. Matías Perelló y Jáudenes: Filósofo y letrado, nacido en el barrio de Ruzafa en 1734, estudió Filosofía y Derecho en la Universidad de Valencia. Fue síndico procurador de Valencia, desde cuyo cargo intervino en la desacreditación de la Gramática de Gregorio Mayans. La calle que lleva su nombre fue proyectada en el primer plan del ensanche urbano de la ciudad, en 1777, presentando el proyecto el propio Matías Perelló. Murió en 1793. EN LA ACTUALIDAD. El barrio de Ruzafa perteneció al ensanche de Valencia de finales del siglo XIX, pero a una ensanche que podríamos llamar popular. Mientras la burguesía se establecía en la elegante Gran Vía del Marqués del Turia, a Ruzafa acudieron las clases más populares, oficiales, menestrales, obreros industriales alrededor de su popular mercado. Entre los años 1990-2008, el barrio fue degradándose con el auge de la inmigración a la sombra de la emergente coyuntura de la economía española. Si se sigue el nombre de algunos de sus bares, se verá cómo fue la población cubana y latinoamericana junto con la de origen árabe o magrebí las que fueron abriendo sus comercios, junto con otra oleada de origen chino. La crisis económica, con pesar de todos, obligó a estos moradores a regresar a sus países de origen, pero el barrio contra todo pronosticó renació de

sus cenizas. Se repintaron las fachadas, se hermosearon sus estrechas calles, se adornaron de plantas y negocios que dan vida a muchos de sus espacios vueltos peatonales, que perduran hasta el día de hoy. A su fama de alternativo no debe poco la presencia de numerosos talleres de pintores, diseñadores y artistas que mudaron allí sus talleres con un diseño parecido o igual al del Tribeca o Soho neoyorquino. Una jornada de puertas abiertas permite visitar cada año estos espacios, con conciertos de jazz y asistencia de la bohemia más selecta. La juventud de estudiantes locales y foráneos migró en manada hacia estos lares debido a la calidad de su oferta gastronómica, la amplitud de sus terrazas y los precios que son incomparablemente más acordes con sus bolsillos. En el barrio crece la presencia de una población flotante que acude atraída por la fama de la zona difundida en el boca a oreja. Desde el jueves al sábado es cuando la afluencia se hace más notoria, con cafés-teatro, cafés-biblioteca, terrazas con oferta de comida vegetariana, local, italiana, e internacional y la posibilidad de contactar con jóvenes de culturas diversas.

PASEN, OIGAN Y VEAN Elizabeht Barros

El Huerto, Un Poco De Historia

principios del siglo XIX, rodeado de hermosas y aromáticas huertas, y en pleno corazón de Ruzafa, se contempla el edificio donde se ubica el Restaurante El Huerto. Conocido durante años por “El Casinet”, fue lugar de encuentro y tertulias de la sociedad valenciana, hasta que el edificio fue adquirido por D. José Mocholí, conocido por “El Serenet”, por ser hijo del sereno del barrio y que, desde sus inicios profesionales como barbero y practicante, estudió posteriormente medicina y se convirtió en un eminente Oftalmólogo. Desde entonces la casa ha venido albergando a

cinco generaciones de la misma familia, siendo la actual, la que, en el año 2001, emprendió la tarea de fusionar en su cocina tradición y modernidad, confiriéndole carácter, creatividad y un toque internacional que le convierte así en un restaurante diferente en Valencia. PARA DISFRUTAR LA COMIDA CON TODOS LOS SENTIDOS

Una buena comida se ensalza si se disfruta en un ambiente relajado, en una atmósfera acogedora,

en un entorno único… En El Huerto se escuchan las historias y leyendas almacenadas en sus centenarias paredes, se siente el calor de los antiguos fogones de leña, y apoyadas en materias primas de primera calidad, transforman todo esto en platos para su disfrute. Aquí podrá elegir entre una comida o cena informal a base de picaditas, o bien deleitarse con algunos platos más elaborados y su escogida Bodega. Sus especialidades te dejarán un exquisito sabor de boca, tanto si pruebas por ejemplo un carpaccio de berenjena o un solomillo al oporto con foie y trufa, como si prefieres un arroz meloso de sepia de playa y buey de mar. Todo exquisito. DISTINTOS AMBIENTES CON ESTILO PROPIO

Entrar en El Huerto significa olvidarse de las prisas, es el reencuentro con la tranquilidad, con la tertulia, con el disfrute de las pequeñas cosas. El restaurante es un lugar privilegiado para sus reuniones: un cocktail en su terraza, la presentación de un nuevo producto, una cena para dos, una fiesta informal, una celebración intima para usted y los suyos, el aperitivo, una copa con los amigos…. todo lo que se le ocurra, y más, para convertirlo en un recuerdo imborrable. Y para ello disponen de una terraza exclusiva, y diferentes salones y reservados con capacidades desde 16 a 70 personas. También como atracción a sus cenas, todos los miércoles y jueves en la terraza se puede disfrutar de sus bautizadas “Cenas Musicales”, a partir de las 21.00 h, amenizando a los comensales con artistas en acústico. En resumidas cuentas, en el barrio de más de moda de Valencia, Ruzafa, encuentras un precioso 52

palacete, cuyas líneas clásicas y elegantes atraerán tu atención. Luego, al entrar, su decoración romántica y distinguida te llevará irresistiblemente a sentarte y probar su comida. Es El Huerto. Su servicio te conquistará y no podrás dejar de repetir. Si vives o vas de paseo por la región tienes que visitarlo y hacer una parada fija para deleitarte con su vista y probar sus manjares.

EL HUERTO Calle de Pedro III El Grande, 11 46005 Valencia Teléfono reservas: 963 33 47 49 www.elhuertorestaurante.es

ROCK & FASHION

Play & Men

Geles Piquer - Fotos: Ana Sánchez

lay & Men lanza su apertura de tienda en Valencia, en Enero de 2015 en situación céntrica, en el periférico de la zona de moda de la ciudad del Turia. Un concepto de tienda de últimas tendencias, con colecciones de diseñadores tanto valencianos, como firmas internacionales, fusionado con complementos desde pulseras, collares, a cinturones, bolsos, mochilas y todo tipo de equipación para el hombre de hoy, de ayer y de mañana, de ahí su estilo neutro que valida la combinación a todos los estilos; clásico, dandy, gentleman, fashion, urbano, sport casual, hipster, country, elegante... sobre todo buscando la comodidad y confort tanto en diseño y calidad como composiciones, y de ahí buscando siempre los tejidos y calidades de máxima calidad, haciendo hincapié en tejidos de algodón orgánico sin productos químicos ni pesticidas en la producción del algodón para camisetas. Como la demanda por clientela de estilo moderno, actual y exclusivo, trabajan en dar a sus clientes el mejor servicio. En el ámbito de deporte, la firma ASSUS SPORT en exclusiva en Valencia, con sus líneas de camisetas para la mujer, el hombre, así como niños, colecciones de sport, como tejidos técnicos, combinando el PBT en baño, además de los exclusivos originales diseños que forman sus prendas.

Dado la gran aceptación de artículos eróticos: desde líneas de lubricantes de las mejores marcas, hasta productos para fiestas, despedidas de solteros/as, velas de masajes, aceites de masaje, libros de temática erótica y juguetes para todos los gustos, por la tienda se acercan desde principiantes, novatos, expertos… hasta curiosos, no dejando indiferente a nadie. Con el primordial motivo de cuidar a los clientes, VISALUS, presente en Play & Men como novedad en el campo de nutrición, les gusta estar tanto saludables por dentro como por fuera, con productos energéticos vitamínicos. Con un trato personalizado al cliente en su seguimiento. El calzado lleva la marca VALD SHOES, que tanto gusta o todas y a todos, en modelos de tela, haciendo siempre un calzado transpirable, de diseño sport, casual, como urbano gracias a su amplia gama de colores y sus dos diseños: básico y con raya. En el diseño de la tienda la decoración y ambiente ha sido y sigue siendo gran participe del artista Pedro Santos, como sorprendente reflejo de su creatividad en fusionar al espacio del local y estilo de tienda, en una fachada de alegres colores en diversas formas geomé-

tricas, coordinando un equilibrio que no pasa desapercibido por todos aquellos que ven la fachada. En el interior de la tienda un árbol que sale del suelo causa admiración a todo aquel que entra en Play & Men, mientras las paredes siguen una coordinación en la fachada a un estilo muy peculiar como original y único. Los detalles forman parte de la decoración en la tienda desde los probadores hasta los creativos muebles que componen el visual merchandising. La artesanía destaca en sus pulseras y complementos realizados a mano y con mucha ilusión por cada uno de los artesanos de sus piezas. Clientes de todas partes España ya son fieles a Play & Men con sus adquisiciones mediante servicio online personalizado con envió a destinos nacionales como provinciales en 24 horas, y lo que es mejor aún que ENCICLE, transporte ecológico en bicicleta es el medio en el que llegan los pedidos. SELINAC como preferente en marca a pantalones de corte clásico en toda la gama de colores, en patrón de corte pitillo y corte recto, tres diseños en bermudas; clásicas, sport, urbanas… y trajes de chaqueta en gamas azules, grises, negras, de solapa ancha, normal, con dos aperturas traseras con una en los pantalones rectos y pitillos, y muchos mas detalles que aportan actualidad y calidad a todas sus prendas siguiendo las tendencias más actuales como las necesidades que reúne cada cliente.

Eventos de moda siempre ambientan la tienda en festividades, en fechas ocasionales, lanzamiento de productos nuevos, promociones, etc… que reúne a los clientes en un ambiente decorativo especial único con degustaciones, catering, música y un cúmulo de magia que lleva a transformar Play & Men a sus eventos de lo más cool.

PLAY & MEN C/ Romeu De Corberá, 17 46005 Valencia Teléfono: 96 156 05 59

LA CALLE 46 Manel Ramodne

The LAmbrettas

Mods Sobre Ruedas

anda de revival mod británica. Su carrera duró del 1979 al 1982, año de su disolución. A finales de los 90 se reunieron fugazmente y desde finales de la década de 2000 continúan como banda de directo. Se bautizaron con el nombre de una emblemática marca italiana de scooters que los mods originales de los 60 idolatraban como su fetiche particular. Fueron, junto con The Purple Hearts, The Crooks y Merton Parkas, la banda insignia de una especie de segunda división del movimiento. La primera división mod, lógicamente, sería la ocupada por tótems del género como The Jam, Secret affair, The Chords y Squire. Con todo, The Lambrettas eran y son un buen grupo. Músicos de talento con canciones con un gancho comercial tremendo. Lucían, además, una imagen cuidada, atractiva aunque sin demasiados excesos. Sus elegantes trajes entallados de tres botones en colores llamativos, rojo, blanco, crearon escuela. Entre 1979 y 1980, sus años dorados, hicieron tres buenos 7” y un gran primer Lp para el sello The Rocket Records Company del músico Elton John. Estos discos los popularizarían masivamente y definirian su estilo musical. Luego hicieron en un segundo Lp mucho más flojo, de ventas mediocres que ocasionó que se quemaran rápido y se disolvieran en 1982, justo cuando la moda del mod revival empezaba a dar señales claras de agotamiento. Practicaban un powerpop modernista, enérgico, adictivo, alegre y guitarrero, de ritmos acelerados y trotones, bailable, potente pero sin excesos. Temas pop cargados de buenas melodías, directas y sencillas, con coros tarareables, bastante parecidos al de otras bandas del revival. Ni tan pomposos y engreidos como Secret Affair, ni tan macarras como los Purple Hearts, ni tan beatleianos como Squire, ni tan duros o “punks” como The Chords o los primeros The Jam. Una mezcla de pop energético, beat de influencia 60 y algunas ligeras pinceladas de ska jamaicano. Popularmente son recordados positivamente por la parroquia mod, pero tambien por fans del ska, skinheads elegantes y la tropa escuterista. Aunque no llegaran a vender tanto como los Jam, sí consiguieron, en especial con su segundo y tercer 7”, vender mucho más que otros pesos pesados del género. Sin embargo la crítica musical británica, tan esnob y cambiante, nunca se los tomó muy en serio. Quizá por todo

ello no llegaron a sobresalir excesivamente del pelotón del revival del 79, aunque sí tuvieran sus momentos y bastantes fans. Con el paso del tiempo, mucha gente los ha ido descubriendo de nuevo o los ha valorado en su justa medida. Son unos clásicos de su estilo. Quizá por todo ello, por la nostalgia constante y las cosas del mercado son de los los pocos supervivientes de esta denostada escena musical del pasado que todavía ofrecen ciertas garantias de un bolo de calidad. Como además nos visitaran para tocar en directo en Valencia a finales del mes de septiembre he creido conveniente dedicarles el espacio mensual de La Calle 46, el rincón modernista de ésta, vuestra revista. Ahí va, pues, The Lambrettas.

Su historia. El grupo provenía de la pequeña localidad de Lewes, en East Sussex, comarca costera del sur de Londres, a pocos kilómetros de Brighton, ciudad de la que dicen ser dignos representantes. Nacieron en 1978 como un cuarteto de mods jovenzuelos flipados con la cultura musical inglesa de los 60 y con la fiebre neomod originada por la película Quadrophenia. La influencia de The Jam en sus primeras canciones es notoria. El hecho de bautizarse con el nombre de la icónica marca de ciclomotores italiana que en los años 60 llevaban los jovenes modernistas (la otra marca era Vespa), ya es una muestra clara de sus intenciones. La formación original de The Lambrettas estaba formada por Jez Bird, (voz y guitarra, el carismático can55

tante del traje rojo y el sueter de cuello alto), Dough Sanders (el guitarrista rubio del traje blanco), Mark Ellis (bajo) y Paul Wincer (batería). Los compositores y cerebros eran el duo Sanders/Bird. A partir de la publicación de sus primeros 7” y del primer Lp en 1981 (ojo, que llegó algo tarde para el revival, lo cual les hizo mucho daño), gozaron de cierto predicamento, breve, en los medios de la prensa musical inglesa y en la BBC. Como les pasó a Jam y Chords sus fans más fieles se encontraban entre la chavalería mod de la época (ojo, también tenían fans entre algunos punks y skins desprejuiciados). Ese era el grueso de su audiencia; nunca le faltaron bolos aunque sin llegar al nivel de Jam o las bandas del live at the Bridgehouse del disco Mods Mayday 79 (recordemos que Lambrettas eran mods de fuera de Londres, los de Mods Mayday eran casi todos de la capital inglesa, todos amigos o conocidos pues; eso tenía su importancia, ya que el modernismo inglés era eminentemente londinense). El grupo quería más y se sabía capaz de ello. A disgusto con la violencia y el sectarismo de muchos de los mods y por ser tipos de mente y gustos musicales abiertos, intentaron ir a la suya, sin hacer gremialismos de tribu ni lamerle el culo a nadie. Por eso buscarian separarse tímidamente del corsé mod para conseguir ampliar su audiencia y tener algo más de éxito. Esto,

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1980

todavía en 1981, a pocos meses de haber sacado el Beat Boys, les haría entrar otra vez en el estudio para grabar nuevo material, según mi opinión, con precipitación o mal aconsejados. En una cierta empanada estilística, rompieron con el productor Peter Collins y ficharon a Steve James quizá por imposición de la discográfica. Esto acabaría teniendo unos resultados lamentables. Editaran, desprisa y corriendo, un segundo Lp, Ambience, muy mediocre y de sonido blando. Para mí, excepto un par de temas regularcitos, es un disco a olvidar; suena sobreproducido, los temas son flojos, cargado de arreglos AOR, barrocos y ñoños que navegan entre unos ABC y, ¡horror!, Spandau Ballet. No hay que decir que supuso todo un fracaso comercial. El disco casi acabó por quemar a sus fans, mods o no, generó malestar interno en el grupo (el batería original se largó) y la falta de ventas, problemas con la casa de discos The Rocket Record Company que llevó a la ruptura del contrato discográfico y quedarse en la calle. La disolución del cuarteto estaba cantada. Como epitafio a su carrera el grupo se mete en el estudio y graba un último 7”, un cover del Somebody To Love del grupo americano de pop psicodélico de finales de los 60, Jefferson Airplane. El 7”, ñoño y con arreglos horribles, pasó sin pena ni gloria. Esta canción iría incluida en la edición en disco compacto del disco Am-

1980

bience. Eso era en 1982. Para ese año la movida y la escena del revival mod británico decaían. Para 1983 entraban en una crisis total. Otras modas musicales ocupaban el terreno. Así las cosas en la primavera del 83 anunciaron que lo dejaban definitivamente. En poco tiempo les seguirian todos lo demás grupos de la escena. En ese año abandonarian tambien The Jam y Secret Affair (otros como Purple Hearts o Chords ya lo habian dejado antes). En 1984, The Squire. Solo la edición de un rutinario disco recopilatorio a mediados de los 80, Kick Start! nos dejó señales de su presencia, aunque fuera fugaz y circunstancial. Los miembros originales principales del grupo, Bird y Sanders, se dedicarían a su vida privada hasta que a mediados de los 90, en plena moda britpop en UK, quizá por hacer dinero del pasado, volvieron con unos nuevos Lambrettas. Era más la banda de Jez Bird que otra cosa. Tocaron en algunas fechas por Gran Bretaña y grabaron unas maquetas para un Lp nuevo que nunca salió. Se sospecha que por presiones de Sanders. En 1997 esta formación regrabó su éxito más conocido, el Da-a-a-ance, para la edición de otro nuevo recopilatorio del combo, Generation To Generation, en el sello Dr. Martens Records (dedicado al público mod-punk-skin). Y aún le siguió una bobalicona, anecdótica e innecesaria versión del tema de la famosa serie de TV Starsky y Hutch que iría incluido en un disco llamado Cult Themes From The 70,Vol.1. El 27 de agosto del 2008 moría con apenas 50 años Jez Bird de un cáncer.

1980

1981

En 2008 muchos daban por muerto definitivamente al grupo. Pero, lo que son las cosas... hubo resurrección. Para agosto de 2009 el grupo, ahora en manos de Sanders, fue contratado para tocar en el festival Modrophenia 79 de Brighton. Dos de los miembros originales vivos, Doug Sanders, guitarra original, ahora pasado además a cantante en subtitución del fenecido Bird, y Paul Wincer, baterista, decidieron refundar la banda. Junto con las incorporaciones de un nuevo guitarra, Philip Edwards y un tal Chris Venzi-James al bajo, tocarian en ese evento. La buena acogida popular ocasionó que la cosa continuara. Giras más o menos constantes por Gran Bretaña y Europa han dado vida a estos nuevos Lambrettas. Los festivales mods les reclaman. Hasta se rumorea que van a editar material nuevo. En la actualidad los Lambrettas de 2015 son Sanders, Edwards, Wincer y el bajista nuevo Ant Wellman. Esta es la formación actual. Si teneis la posibilidad de verlos en directo no os los perdais. Son divertidos y son de lo poco que queda del puro y genuino mod revival. Indispensables de su discografía. 7” POISON IVY (1980-Rocket Records Cia). Su segundo 7” oficial, y el más conocido popularmente. Llegó al nº 7 de las listas de singles británicas y vendió medio millón de copias (disco de plata). Producido por Peter Collins, padre del sonido de los mejores tiempos del grupo. Aunque no es una canción muy representativa del estilo propio y prototípico del grupo ha quedado como su mayor éxito comercial. Es una versión muy libre, divertida y juguetona, en un estilo skapop-mod, de un tema clásico de R&B negro americano de los 50. La canción original fue compuesta en 1959 por el mítico duo de compositores Jerry Leiber y Mike Stoller (los que hicieron muchos temas a Elvis) para el grupo The Coasters. The Lambrettas consiguieron casi hacer olvidar el original llevándolo a su propio terreno, con sección de metales incluido. Es contagiosa, pegadiza y ultrabailable. La cara B del 7” Runaround, una típica canción de revival mod, calcada del estilo que mr. Paul Weller hizo en The Jam. El 7” salió con portadas

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norado en las reediciones de su cancionero. Single obligatorio. Lp- BEAT BOYS IN THE JET AGE (1980-Rocket Records Cia).

diferentes. En España con la del grupo posando cual equipo de futbol, vestido elegantemente de traje en imagen en blanco y negro. En UK salió en una subsidiaria de Rocket Records, Two-Stroke records con un nombre y portada que generó cierta polémica mediática al copiar a modo de parodia el de los singles del sello Two Tone subtituyendo el Rude Boy por un mod. Algunos no le pillaron la gracia. Mitico. 7” DA-A-A-ANCE (1980-Rocket Records Cia). El tercer single. Un tema compuesto por Jez Bird y tambien producidor por Peter Collins. Lo tenía todo para triunfar, pero por desgracía sólo alcanzó el nº 12 en listas de 7” en UK. Según muchos es el mejor tema. Dos minutos mágicos. Tambien salió editado con diversas portadas, según pais y época: una de las más bonitas, según mi opinión, fue la alemana, que venía con una imagen de la camisa blanca de un mod con la corbata negra y el nombre del grupo en ella, en pura iconografía mod. Otras son la muy patriotera y whodiana (en formato 7” picture-disc) con la bandera británica, la Union Jack, en la cara A y una foto del mítico “Pier” de Brighton en la contra. En EEUU salió con una triste y aséptica portada-funda de papel de color negro. Es la canción emblemática en el repertorio del grupo, cima en casi todos sus bolos en directo y maxima aportación al revival en forma de himno mod. Ritmo acelerado, melodía pegadiza, coros pegadizos. Letras que mueven a superar el rechazo amoroso por la via del baile hedonista. La cara B era el tema (Can’t You) Feel The Beat que muy buen tema que es una especie de cruce imposible entre The Jam, Dr. Feelgood y Madness. Injustamente ig-

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Gran álbum de los 80 formado por doce canciones estupendas que por desgracia no ha sido reconocidas como se merece. Portada con enigmática foto a color de tres miembros del grupo observando con gafas de sol a izquierda y derecha de lo que parece una pista de aterrizaje o una extensa llanura desértica mientras a la derecha un cuarto miembro está saliendo de un agujero subterraneo. En contraportada, la foto de los cuatro miembros con cascos y micros de controladores aéreos, de espaldas a un muro de 20 aparatos de TV apagados. En lo tocante a música cabe decir que la cara A es casi perfecta por su gran calidad compositiva. La cara B no mantuvo el nivel tan alto y flojea un poco. Empieza con el himno-single Da-a-a-ance , tiene temas en una linea muy Jam-Chords-Merton Parkas, como Cortina Mk II (versión regrabada de la cara B Cortinas de su primer single del 1979 Go Steady), Leap Before You Look, Another Day, Another Girl, tema donde ironizan sobre el vacío amoroso y existencial de los tipos que fantasean con las chicas en topless de la página 3 del tabloide diario británico The Sun. Los temas Living For Today, Face To Face y Beat Boys In The Jet Age son tres buenos temas en su línea habital de powerpop mod duro. Dos temas, Don’t Push Me y London Calling, son temas que basculan entre los Clash del London Calling y Elvis Costello del My Aim Is True. Hay dos temas de ska-pop el Poison Ivy, y (Watch Out) I’m Back. La reedición posterior del disco en Cd incluyó tres temas extras, las del primer 7” del grupo, Go Steady, con la homónima, el tema Cortinas (nombrada antes, que suena más sucia y maquetera que Cortina MK II) y Listen Listen Listen, las tres en una onda muy de revival enérgico a la Jam-Chords. 30 años después de ser grabado suena tan disfrutable y excitante como el primer dia, allá por 1980. Si todavía no tienes este disco, ya tardas. En vinilo quiza aún puedas encontralo por ahí en Ebay o en la reedición que la compañia italiana Earmark-Get Back hizo en 2002. Por suerte hay una buena edicion en Cd y algunos buenos recopilatorios donde se incluyen los mejores temas del disco. Disfrutad.

1985

Electric Réquiem:

José Zamora Linares

Biografía En Comic De Jimi Hendrix Electric Réquiem:

Biografía En Cómic De Jimi Hendrix

Autor - Gianluca Maconi y Mattia Colombara Ediciones La Cúpula, 2015

‘Electric Réquiem’ es una biografía apasionante que, cuarenta años después de su muerte, nos cuenta la infancia de Jimi Hendrix en Seattle, atrapada entre la segregación racial y la conflictiva relación de sus padres y el alcoholismo de la madre, la cima de su carrera y su muerte. ‘Electric Réquiem’ narra la búsqueda por parte de Hendrix de un sonido nuevo, la cual, a través de múltiples adversidades relatadas en una mezcla caleidoscópica de blanco y negro en el que se mezcla la cultura vudú, cherokee y negra, asume el carácter de un verdadero desafío que pone a prueba toda la vida de un hombre y músico que ha dejado una huella profunda en la cultura contemporánea. Un definitiva, una interesante y curiosa aportación más al legado que Hendrix dejó sobre su problemática vida, tanto musical como personal.

El Día Que Murió Sergio Algora

El Ritmo Perdido

El Ritmo Perdido Autor - Santiago Auserón Península, 2012 “Santiago Auserón recorre en este libro los sonidos de la vida y la cultura. Su conocimiento y concepción de la música nos permite no solo gozarla sino abrirnos a otros muchos campos del saber”. Un repaso a la historia de la música de la mano de Santiago Auserón. La música, para Auserón, es una de las formas de conocimiento del mundo. En este libro podemos encontrar sus influencias, así como estudios sobre temas musicales. Se podría definir como el pensamiento musical del compositor y artista así como un recorrido por las músicas, escuelas y ritmos que le han marcado en su carrera como Radio Futura, Juan Perro y más tarde con el grupo Zarabanda. Libro para fans para amantes de la música y para estudiosos, las investigaciones de Auserón toman cuerpo en una escritura limpia, clara, donde el pensamiento del artista se expone con nitidez. Y por que no, también para seguidores del músico maño en todas sus facetas musicales.

¿De Qué Me Suena Eso? Julia Navas Moreno

El Día Que Murió Sergio Algora Autor – José Liñán Navarro UNO Editorial, 2015 ‘El Día Que Murió Sergio Algora’ es el primer libro de José Liñán, poeta catalán nacido en Terrassa cuyas referencias culturales se nutren de la música, de lo cotidiano y de la trascendencia que es sobrevivir. De hecho, fue al recibir un e-mail que le anunciaba la muerte del cantante del grupo El Niño Gusano cuando necesitó detenerse y encontrarse con las palabras, muchas aguardando en un cajón para dar forma a versos directos, cargados de ironía, lirismo y filosofía. La muerte, el tiempo, son temas tratados sin derrotismo. Simplemente tomando consciencia para así, poder disfrutar de lo que queda por vivir: La vida es anhelar mujeres maduras que perviertan tu adolescencia y te hagan desear. La muerte es anhelar chicas jóvenes que reinventen tu madurez y te hagan desear.

José Zamora Linares

¿De Qué Me Suena Eso? Autor - Máximo Pradera Aguilar, 2015 Máximo Pradera, conocido presentador de televisión, ha escrito varios libros sobre música bajo el seudónimo Joseph Gelinek. Una vez descubierto quién se escondía detrás de él, y por consiguiente, también, fastidiado el misterio y la continuidad de sus libros, Máximo Pradera nos trae este ensayo no exento de curiosidad. ¿Cuantas veces habremos exclamado, al escuchar una melodía en el tono de un móvil o en la música de espera de una centralita; de que me suena eso? Este libro pretende acercar al lector, en un tono informal aunque no exento de rigor musical, esas piezas de música clásica que hemos oído decenas de veces en el cine, en la publicidad o incluso en el ascensor de una oficina y que no sabemos identificar con precisión. Por ejemplo, ¿sabe el lector que una de las sintonías de moda en los modernos móviles polifónicos no es otra que “EI acuario de eI carnaval de los animales” de Camille Saint Saëns, y que esta pieza fue empleada a su vez en la célebre película Días Del Cielo? 59

Vicente Ribas

Resplandor En La Oscuridad D

avid Seltzer es un famoso guionista, productor y director norteamericano, tal vez mejor conocido por escribir las célebres novelas La Profecía (1976) y Dos Pájaros A Tiro (1990). En su labor como escritor y director, incluyen la tragi-comedia adolescente Lucas (1986), protagonizada por Corey Haim, Charlie Sheen y Winona Ryder, la comedia de 1988 titulada Lo Que Cuenta Es El Final, protagonizada por Sally Field y Tom Hanks, y la de 1992 Resplandor En La Oscuridad (Shining Through), protagonizada por Melanie Griffith y Michael Douglas. Posteriormente solo dirigió y escribió un pequeño ramillete de filmes más, en la que quizá, la película más sobresaliente fuera Dragonfly (2002), que él co-escribió y protagonizó Kevin Costner. En 1940, Linda Voss (Melanie Griffith), una joven de ascendencia judía irlandesa-alemana, comienza un nuevo trabajo como secretaria en un bufete de abogados de Nueva York. Debido a que puede hablar alemán con fluidez, se convierte en asistente y traductor de Ed Leland (Michael Douglas), un abogado sin sentido del humor. Linda poco a poco llega a sospechar que Ed esconde secretos oscuros. Ella se dio la razón cuando, después de que Estados Unidos oficialmente se une a los aliados, que surge como un coronel de la OSS. Ella lo acompaña a las reuniones confidenciales en Nueva York y Washington DC, y en poco tiempo, se convierten en amantes. Cuando de repente se le envía lejos, ella se queda sola y devastada. Asignada a trabajar en el Departamento de Guerra, Linda no oye nada de Ed hasta que vuelve a aparecer

tan repentinamente como se fue. Reacio a reanudar su relación, lo hace volver a su empleo. Ed y sus colegas bruscamente necesitan sustituir a un agente asesinado en Berlín en un plazo muy corto. A pesar de saber poco sobre el trabajo de inteligencia - sólo lo que ella ha visto en las películas - Linda se ofrece y Ed se deja convencer por su pasión y su fluidez del alemán y contribuye al esfuerzo de guerra. Viajan a Suiza, donde Ed la presenta al maestro de espías Konrad Friedrichs, con nombre en código “Sunflower” (John Gielgud). A pesar de estar horrorizado por su dialecto (“el acento de la esposa de un carnicero de Berlín!”), instala a Linda en el sótano de su mansión de Berlín y le presenta a su sobrina, Margrete von Eberstein (Joely Richardson), una socialité hermosa que también trabaja como un agente de los Aliados. A pesar de que David Seltzer contara en este largo con dos de los actores más de moda en el momento, la película no fue un éxito comercial ni de crítica en los Estados Unidos. El jurado de los Premios Razzie en los EE.UU., de hecho, declaró que Resplandor En La Oscuridad fue la peor película de 1992. Melanie Griffith fue votada como la peor actriz y David Seltzer como peor director. También hubo nominaciones Razzie para Michael Douglas, como peor actor, y para Seltzer en la categoría de peor guión. Roger Ebert escribió en el Chicago Sun-Times, Sé que es sólo una película, por lo que tal vez debería estar dispuesto a bajar mi incredulidad, pero Resplandor En La Oscuridad es como un insulto a la inteligencia. Aquí hay una película en la que, escena tras escena, se muestran cosas tan inverosímiles, como para que la película hubiese logrado atrapar mi interés y dejar de preguntarme cómo las escenas clave podrían ser tomadas en serio. Janet Maslin también escribió en el New York Times que las primeras tres cuartas partes del libro de Susan Isaacs nunca llegaron a la pantalla, incluida la historia de amor de Linda Voss y el matrimonio con su nuevo jefe de la firma neoyorkina, John Berringer. La versión de David Seltzer para la película Resplandor En La Oscuridad, se las arregla para ocultar también el humor inteligente de la novela de Susan Isaacs, añade.

Airbag + Los Reactivos

Rosa Ruiz

El Loco Club (Valencia, 10 - 07- 2015)

l pasado 10 de Julio teníamos una cita con dos de los grupos más representativos del power-pop nacional. Por un lado el grupo castellonense Los Reactivos y por otro, el ya consolidado grupo malagueño Airbag, que llevan más de quince años en la escena musical. En primer lugar actuaron Los Reactivos presentando su disco homenaje a Los Vegetales, grupo madrileño de los ochenta donde militó Nacho Canut, y los que crearon la canción que en versión masculina mas tarde popularizara en su banda paralela Dinarama, ‘Mi Novia Es Una Zombie’, con la que los castellonenses cerraron su espléndida actuación. Y llegó Airbag, subidos a la ola surfera y nos trasladaron la playa al Loco Club, literalmente, ya que un pequeño pero animado grupo de fans llegaron con los deberes hechos, looks playeros y provistos de un arsenal de flotadores que volaban durante todo el concierto, incluso alguno que otro se animaba a subir al escenario y dejarse llevar en volandas. Divertido show por parte del público que hizo muy ameno y por desgracia corto, ya que si sus directos son rápidos en cuanto al ritmo de sus melodías y añadimos que no existe casi descanso entre canción y canción, supo a poco. El propio grupo publicó días después en las redes sociales que fue uno de los mejores directos de lo 62

que llevan de gira. Con un cartel inicial donde rezaba “Gotham os necesita“, propio de Batman, alusión al titulo de su último trabajo, con el que nos trasladan al mundo del cómic, a las películas de acción, a las playas, al espíritu juvenil, de hecho comenzaron el repertorio con la que refleja esa juventud perpetua en ‘Hijos De Hawai’, siguieron temas de éste y de su anterior trabajo ‘Manual De Montaña Rusa’ y su ya himno ‘Ola Perfecta’ y algunos hits de sus anteriores discos coreadas por todos los presentes como ‘Cómics y Pósters’ o ‘Películas De Miedo’, aunque faltaron otros muchos lo que en un repertorio de cerca de 90 canciones en poco mas de hora y media es difícil de seleccionar. Un concierto divertido y refrescante a pesar de la intensa ola de calor que nos acechaba.

Rubia

Carles Oliver

Apolo (La 2) Stash! R&R Club (Barcelona, 23-07-2015)

Rubia le quedan pocas cosas por demostrar, y una de ellas era poner una pica en una plaza tan importante como Barcelona, y a fe mía que lo consiguió. Que su “Barman” levanta pasiones ya me quedó claro a las puertas de la sala, escuchando a muchos de sus seguidores hablando maravillas del citado álbum de la bilbaína Sara Íñiguez, un éxito de ventas gracias a la garantía del “boca-orella”. De calentar al público se encargó la DJ residente Reyes Torío, relevada al final de la jornada por Eneida Fever. Confieso mi desconcierto cuando vi que en el escenario sólo había una batería, un teclado y poco más; ¿Dónde estaban los amplificadores de la guitarra, el bajo…? ¿Sonarían violines y metales como en el CD que no dejo de escuchar? Cuando vi que sólo salían al escenario dos chicas la decepción fue “in crescendo”, pero eso duró poco, lo que tardó en llegar el primer minuto del recital. ¡Qué maravilla! La emoción se convirtió en devoción cuando sonaron composiciones tan extraordinarias como “Like Before” (que ya la hubiese querido para sí Dusty Springfield), “City of Angels” (¡la carne de gallina!), “Time will be my Doctor”, “Party” o “Rain”. Si en el disco me habían transportado a los sonidos más elegantes de la América del 68 al 74, en concier-

to, despojados de los cuidados arreglos, me llevaron a imaginar que estaba ante un “umplugged” de la mismísima Carole King. Y así es como debe ser disfrutado su directo, como un complemento de su brillante “Barman”, no como una réplica. La desnudez de las sobresalientes voces perfectamente armonizadas de Sara Íñiguez y la experta batería femenina que la acompaña tienen un encanto vigorizado por el piano y órgano que maneja la líder. Son dos formas de seducción: la del sonido barroco del álbum y la del abrazo cercano que se siente oyendo esas mismas canciones de una forma diferente pero no por ello menos embelesadora. Había leído maravillas sobre Rubia y ya me encantaba el disco, pero en directo disfruté tanto o más que con mi copia en policarbonato, completada ahora con el vinilo que adquirí allí, sólo por el placer de llevarme conmigo la firma de Sara y poder decirle en persona que si el mundo fuera justo ella sería la Amy Winehouse española, con su mismo éxito, pero con un cerebro completamente sano, privilegiado y repleto de talento en estado puro. La elegancia y la clase se tienen, no se compran, y a ella le sobran. No se la pierdan, que talentos de su calibre hubo y hay muy pocos.

Betty Harris + The Excitements

Juan Ruiz Allen

Plaza Mayor (Gijón, Asturias, 31-08-2015)

l de Betty Harris se presentaba como uno de los conciertos estrella de esta edición del Euroyeyé, y no era para menos, puesto que la diva de Jubilee Records visitaba nuestro país por primera vez. Y es que Félix Domínguez, organizador principal del festival que nos ocupa, ya nos tiene acostumbrados a que este tipo de estrellas de la historia del Soul visite España, como si de algo fácil se tratase, aunque no debemos olvidar que es todo un acontecimiento y un lujo. En este caso venía precedida, y acompañada, de la banda barcelonesa The Excitements, con la portentosa voz –y el movimiento- de Koko Jean Davis al frente, que había calentado motores de una manera soberbia, y que en esta ocasión contaba con la colaboración de dos pesos pesados: el toledano Julián Maeso a los teclados, y el asturiano Miguel Herrero a la trompeta. Esta conjunción de estrellas musicales propició que la Plaza Mayor de Gijón estuviese absolutamente abarrotada. En este sentido es de justicia decir que parte de la expectación generada se debía a la banda catalana, que ya tiene un puñado de buenos 7” editados –entre ellos el espectacular “Ha, ha, Ha” (Pennyman Records)- y dos LP’s, entre los que destaca por su madurez el segundo, y que supone toda una delicia para mods y otros amantes de la música negra. No es de extrañar, por tanto, que con esta carta de presentación Koko Jean Davis se hubiese metido al público en el bolsillo cuando llegaba el turno de Betty Davis, el “plato fuerte” del concierto; aunque en la opinión de quien les escribe, se podría considerar éste un bolo sin teloneros ni principales, sino un mano a mano en toda regla. La diva de Orlando, ataviada con un look a la altura, salía al escenario entre la ovación de la plaza entera, que contaba con cientos de mods y amantes de la cul-

tura sixtie venidos de toda España, e incluso del resto de Europa. Así empezaron a sonar una serie de temas míticos, entre los que cabría destacar “Mean Man”, que ya de por si hacía del concierto un evento imprescindible. En el clímax de la actuación, Koko Jean Davis hacía acto de presencia de nuevo en el escenario para interpretar algunos temas a dúo con la estadounidense, como “Cry To Me” –tema versioneado incluso por los Rolling Stones- o “I Don’t Want To Hear It”. Para finalizar, los acordes de “What Did I Do Wrong” animaron a los allí presentes en su camino hacia la discoteca Dragón, donde se celebraba la allnighter correspondiente. Locura es la palabra que mejor define lo vivido por el público, en un concierto que no sólo cumplió las expectativas, sino que las superó con creces. Y aunque el suelo de la Plaza Mayor de Gijón no es el más idóneo para el baile, la gente no podía evitar dejarse llevar ante un chorro de energía, fuerza y vitalidad. Noche Soul en toda regla, que hizo a los allí presentes sumergirnos en las entrañas en la época dorada de la música negra por excelencia, haciéndonos sentir afortunados por vivir un pedacito de aquella época. Al final del espectáculo ambas damas se acercaron al público, al que concedieron algunos autógrafos y fotos, para poner el broche final a una velada digna de recordar. Betty Harris sigue, a sus 76 años, en plena forma, y eso es digno de mención y de respeto. Pero además, debemos enorgullecernos y alegrarnos de que el panorama musical español nos descubra maravillas como The Excitements, que vienen a fortalecer el apartado dedicado al Soul con mayúsculas en nuestro país.

Vicente Ribas

The Orchestra Heineken Greenspace (Valencia, 17-02-2006)

l 17 de febrero del 2006, el Heineken Greenspace de Valencia acogió a una de las formaciones legendarias a nivel mundial que han circulado en los últimos treinta años, y dos motivos invitaban a no perderse este evento por nada del mundo: El primero, es que durante prácticamente las dos últimas décadas la capital del Turia era excesivamente parca en conciertos, tanto nacionales como foráneos, y hasta me atrevería a decir que hacia combos locales también, y la segunda, que se trataba de una leyenda viva del Rock Sinfónico como era la Electric Light Orchestra, o The Orchestra, como explico a continuación. The Orchestra, llamada así desde el 2001, contaba con cinco miembros originarios de los primeros años setenta y donde se fraguaron los mayores éxitos de la banda, aunque no son los que dieron vida al grupo allá por 1972: Mick Kaminski, violín, Louis Clark, teclados, Kelly Groucutt, bajo y voz, Eric Troyer, teclados y voz, Partenón Huxley, guitarra y voz, más una nueva incorporación, la del batería Gordon Townsend. Los derechos del nombre del grupo en poder de Jeff Lynne, líder y miembro fundador de la banda de Birmingham, y tras la expulsión de éstos del grupo, se reagruparon e hicieron que continuara la leyenda firmando sus discos bajo el apodo de Electric Light Orchestra Part II o ELO 2, hasta que finalmente se quedaron como The Orchestra. Pero todo lo que envolvía a los conciertos ofrecidos, cartelería, posters publicitarios, anuncios en prensa y televisión, etc... la formación inglesa aprovechaba el todavía tirón que tenía el nombre de Electric Light Orchestra, y lo firman de esta manera. Jeff Lynne, en la actualidad activo como Electric Light Orchestra con unos nuevos músicos, solía emplear acciones lega-

les contra el sexteto cada vez que se enteraba de algún directo de éstos, lo que hacía peligrar en muchas ocasiones a que el concierto que ofrecía The Orchestra corriera el peligro de ser suspendido, como éste. Entrando ya en materia, calculo que entre cinco y siete mil personas acudieron al evento. Con unos veinte minutos de retraso, y como mandan los cánones, empezaron con ‘Overture/Evil Woman’, todo un lujo para comenzar, siguieron con ‘Allright’ y ‘Ma-Ma-Ma Belle’, tocadas espléndidamente. Continuaron con más éxitos, ‘Standing In The Rain’, ‘Can’t Get It Out Of My Head’, ‘Do Ya’, e intercalaban alguna pieza salida de su último trabajo ‘No Rewind’, como ‘Jewel & Johnny’, una obra maestra como si hubiera sido parida en el momento más álgido de la banda, o ‘No Rewind’, ‘Over London Skies’, o una excelente versión del ‘Twist & Shout muy al estilo E.L.O. Casi a las dos horas, y tras un correspondiente bis con ‘Don’t Bring Me Down’, donde alargaron el tema e hicieron partícipe a los allí presentes, The Orchestra se despedía de Valencia hasta un futuro regreso, no muy lejano, o al menos eso esperábamos todos. Se quedaron en el tintero otras piezas clásicas como ‘I’m Alive’, ‘Twilight’, ‘Shine A Little Love’, ‘Rock And Roll Is King’, ‘Ticket To The Moon’, ‘Here Is The News’, o ‘Roll Over Beethoven’, con la cual solían finalizar sus espectáculos en épocas pasadas, pero hay que entender que es imposible un grupo que tiene tantos éxitos acumulados, los puedan tocar todos en tan solo dos horas.

Salvador Pérez Cuñat

na pequeña muestra documental de letras originales compuestas por Sabino Méndez, Ricard Puigdomenech o Jordi Vila en la década de los 80´s para la formación Loquillo y Trogloditas. Podemos ver como algunas de estas composiciones fueron retocadas para su publicación, como es el caso del tema “Todo el mundo ama a Isabel” perteneciente al álbum “Morir en primavera” (Hispavox, 1988). Y como otras han estado tres décadas esperando para ser editadas, como el tema “Parque de la luna”, rebautizada como la canción “Luna sobre Montjuïc” en el álbum “La Nave de los Locos” (Dro East West, 2012). Otras varias son totalmente inéditas, letras que ven por primera vez la luz....

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LA MIRADA DE CHUCK

Eterna música (Elche, Alicante, Diciembre 2014)

Inquietud (Valencia, Mayo 2015)

Más Allá (Requena, Mayo 2014)

Trás la lluvia (Requena, Mayo 2015)

Fotografías Ana Sánchez

Fidelidad (Valencia, Junio 2015)

Libre (Requena, Mayo 2015)

Ondas (Valencia, Mayo 2015)

Vacío (Valencia, Mayo 2015)

LOS MUCHOS MUNDOS DE GÁLVEZ José Gálvez

El Orador (Parte 3/3) El pequeño grupo abandona el lugar. Mientras caminan, el Orador mira hacia atrás y descubre unas cuantas cabezas giradas hacia ellos entre los últimos edificios del poblado. Igual, con un poco de suerte, alguno de los jóvenes que estaban escuchando se decide y se va con ellos, ganando así un adepto colaborador más. Cuando el sol empieza a esconderse por las montañas del oeste, y el paisaje empieza a decolorarse a un tono entre rojizo y carmesí, la comitiva llega a un edificio solitario que se eleva en un pequeño bosque verde y frondoso. Junto al edificio, un arroyo de aguas claras y frescas discurre con un sordo ronroneo. Mientras la gente, comentando entre ellos los acontecimientos del día, se acerca al edificio para descansar, el Orador se queda retrasado esperando a un joven que ha tenido el atrevimiento de seguirlos, pero no se ha decidido a juntarse a ellos. Lo llama y cuando se acerca despacio, víctima de la vergüenza, lo calma y lo acompaña dentro del edificio donde se encuentra ya el resto. Juan – comenta el Orador cuando entra con el muchacho en el comedor – aquí tienes al joven Pablo que ha decidido venir con nosotros. Encárgate de enseñarle y dale acomodo. Bienvenido Pablo – dice Juan mientras le tiende la mano al muchacho Una vez ha dejado en buenas manos al muchacho, el Orador se acerca a la mesa que se encuentra en el centro de la estancia y conversa con alguno de los adeptos allí reunidos. Pasados unos minutos, decide ir a sus aposentos a descansar. Detrás de él camina con lentitud el anciano de la roída barba y la cadena al cuello. Cuando se acerca a su habitación, la puerta se desplaza y permite la entrada de los dos al interior. Una vez cruzado el umbral, se vuelve a cerrar de modo silencioso tras ellos. El Orador avanza unos pasos y se deja caer en un sillón que se amolda con inmediatez a su cuerpo; se

dispone a descansar después de una dura jornada. Una vez está acomodado, el anciano acerca con delicadeza sus manos a la cara del Orador y con un rápido movimiento presiona con suavidad el iris del ojo derecho con su pulgar izquierdo. El sensor interior instalado en la retina, detecta las huellas dactilares del anciano y pone al Orador en modo comunicación. Del brazo del sillón aparece una bandeja con un teclado y un cable acabado en un fino terminal. El anciano coge con cuidado el cable y lo introduce en el orificio nasal izquierdo del Orador hasta que oye un pequeño click. Acerca la vieja mano a la bandeja y teclea con determinación una serie de números. Preparado para comunicación – se oye una voz que sale de algún sitio cerca de la bandeja Aquí unidad DRY número 7443 pidiendo contacto con central – La voz del Orador suena ahora más metálica, y el cuerpo permanece rígido y tenso. El anciano, acabada de momento su intervención, se retira a una esquina de la alcoba y se deja caer en un destartalado catre que se queja con un metálico ruido de muelles cuando recibe el peso extra. Contacto iniciado. Adelante DRY número 7443 – vuelve a oírse la voz proveniente de la bandeja. Mensaje para el gobernador Seshat – contesta la voz del Orador -. Depositar en Bandeja de entrada del Orador zona Norte. Inicio resumen de actividad diaria…. FIN

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