FROM THE ORGANIC TO THE METAPHYSICAL

Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

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Excmo. Ayuntamiento Santo Domingo de Silos

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FROM THE ORGANIC TO THE METAPHYSICAL Unprecedented CERAMICS by Cristobal Gabarron

Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

Unprecedented CERAMICS by Cristobal Gabarron

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DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

FROM THE ORGANIC TO THE METAPHYSICAL Unprecedented CERAMICS by CristObal GabarrOn

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

FROM THE ORGANIC TO THE METAPHYSICAL Unprecedented CERAMICS by CristObal GabarrOn

06.10.2017 - 20.12.2017 Sala Románica de Exposiciones del Monasterio de Santo Domingo de Silos

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Excmo. Ayuntamiento Santo Domingo de Silos

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Dom Lorenzo Maté Sadornil Abad del Monasterio Benedictino de Santo Domingo de Silos

Hace casi veinte años nuestra abadía de Santo Domingo de Silos decidió acondicionar un espacio, la llamada Sala Románica, como un lugar especial donde fuera exhibido el mejor arte contemporáneo. Se trataba de propiciar un encuentro virtual entre artistas que habían trabajado, nada más y nada menos, casi con un milenio de distancia. Desde los artesanos y artistas medievales que levantaron durante el románico este emocionante poema de piedra a Dios, hasta los creadores que, pese a trabajar ya en el s. XXI, se siguen planteando similares interrogantes sobre el ser humano, la naturaleza y el mundo de la espiritualidad.

La cultura se conservó, pero también recibió un enorme impulso, desde el interior de la abadía. Los sucesivos abades y monjes que la habitaron y que siguen haciéndolo han conseguido que los miles de volúmenes de su biblioteca, que su canto gregoriano y que la belleza inasible de su claustro constituyan un legado universal que sigue inspirando a quienes lo visitan cada año.

Durante los próximos meses, esos viajeros tendrán la oportunidad, además, de disfrutar el singular diálogo de fuerza y lirismo que supone la exposición de cerámicas inéditas de Cristóbal Gabarrón.

Seguramente pocos artistas como él se encuentren tan cómodos en un entorno espiritual, artístico y natural como éste. Y es que desde sus comienzos el arte de Cristóbal Gabarrón ha buscado la armonía entre todos esos términos, con el sueño de contribuir a mejorar la sociedad en muchos aspectos. Sin lugar a dudas, sus fuertes convicciones humanistas han inspirado su lenguaje de manera definitiva.

Son obras que reflejan la unión de lo material con lo espiritual, el tránsito de unos elementos tan humildes como el barro o las piedras hacia un orden más elevado de ideas. En ese elogio de la humildad, que tan bien ha entendido siempre nuestra Orden benedictina, encontramos otro elemento de sintonía con la obra de Cristóbal Gabarrón.

Durante estos próximos meses, el intenso mensaje que transmiten sus formas, signos y colores será el complemento perfecto del silencio y de la búsqueda interior que desde hace siglos confieren pleno sentido a los espacios, al aire y a luz de la abadía.

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Cris Gabarrón Cabero Presidente del Patronato de la Fundación Cristóbal Gabarrón

La exposición que hoy presentamos es muy especial por muchos y diversos motivos. En primer lugar, porque estamos de celebración: la Fundación Cristóbal Gabarrón cumple estos días 25 años desde su creación en Valladolid en 1992.

Se constituyó el 11 de agosto de aquel año y, sólo unos meses después, fue declarada de Utilidad Pública. A partir de entonces, iniciamos un gran proyecto cultural, artístico, educativo y de mecenazgo, al servicio de los ciudadanos, que ya ha generado más de medio millar de exposiciones y emprendimientos específicos. Un proyecto que ha llenado nuestras vidas y carreras y que, naturalmente, ha sido extraordinariamente enriquecedor para todos los que hemos estado involucrados en él. Por ello, me siento profundamente orgulloso, honrado, agradecido y –quiero subrayar– con la misma ilusión que en los comienzos.

En segundo lugar, esta exposición es también muy especial porque nos permite unirnos a este universal pueblo y Abadía de Santo Domingo de Silos. Su historia, su espiritualidad y su arte con mayúsculas conforman un marco excepcional para mostrar estas cerámicas inéditas. En muy pocos lugares del mundo se puede sentir la fuerza, la energía y la magia de esta puerta que conecta de forma casi metafísica el cielo y la tierra. Sobrecoge llegar a Silos tras atravesar el Parque Natural de la Yecla, los sabinares del Arlanza... Realmente, respiramos claridad y serenidad de espíritu.

En tercer lugar, porque mostramos por primera vez una obra verdaderamente singular en un material muy primitivo, creada con las manos, el corazón y el alma de mi padre, el artista Cristóbal Gabarrón, que se siente particularmente ligado al Monasterio de Silos, a la piedra de su milenario claustro, a su majestuoso ciprés, a su piramidal secuoya y al universo sencillo y ejemplar de los monjes benedictinos. Todos estos elementos están representados fielmente en la piel, en los tatuajes de estas veintisiete cerámicas.

Y para concluir, quiero expresar nuestro sentido agradecimiento, en nombre de nuestra familia y del Patronato de la Fundación, a todas aquellas personas e instituciones que han hecho posible esta exposición y que figuran, como justamente merecen y como corresponde, en los créditos de esta publicación.

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ÍNDICE

INDEX

Un mundo de barro y fuego . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11 Javier Pérez Segura

Catálogo / Catalogue . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 Proceso creativo / Creative process . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 131 Reseña biográfica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 139 English texts . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 149

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UN MUNDO DE BARRO Y FUEGO Javier Pérez Segura

Cristóbal Gabarrón Sobre él, sobre su arte, se han escrito centenares de hermosas y emotivas páginas. Poetas, escritores, críticos e historiadores del arte han iluminado con maestría los numerosos senderos de su creación –y, si se prefiere, de sus inagotables creaciones– para que el público fuera descubriendo a quien es desde hace décadas, sin duda, uno de los artistas españoles más destacados en la escena internacional.

Y sin embargo tengo la sensación de que, pese a hablar de un artista de biografía consolidada y exitosa desde hace tantos años, no nos encontramos sino al principio de la aventura. Podemos respirar aliviados. Con cada nuevo proyecto suyo, con cada nueva serie de obras, asistimos a los sucesivos nacimientos de un artista que nunca deja de asombrar.

Es un espectáculo tan singular, por infrecuente, que llega incluso a eclipsar el hecho de que estamos hablando de un creador que ya puede lucir una trayectoria que rebasa el medio siglo. Esta aparente contradicción biológica (la de un veterano con el ímpetu y la osadía de un joven) es un aspecto que conviene tener en cuenta, y que me gustaría mostrar ahora como una primera carta boca arriba sobre la mesa: su peculiar relación con lo que llamaríamos “los tiempos del artista”. Porque el pasado, el presente y el futuro aparecen en él íntimamente entreverados hasta parecer uno y lo mismo. No obstante, y como todo en la obra de Gabarrón, deberemos detenernos un instante para mirar con mucha atención cada detalle de sus piezas porque sólo así nos daremos cuenta de que esos tiempos adquieren una dimensión y un peso muy distintos.

Sin duda, el pasado juega un rol muy especial en su vida y en su carrera. Cuando uno tiene la suerte de compartir con Cristóbal unas cuantas horas de charla y se atreve a esbozar una mínima cartografía de sus intenciones, procesos y objetivos plásticos, se da cuenta de que nunca menciona –al contrario de lo que suele hacer la mayoría de sus colegas de profesión– a los ilustres referentes que le han precedido. Porque nunca ha querido “ser como” nadie. Por eso su arte “no se parece” a nada de lo que nos muestran los miles de libros que desde hace siglos la historia del arte se obstina en escribir. Es más, cuando en alguna rara ocasión ha confesado su admiración por algunos apellidos concretos (como los de Picasso, Lichtenstein, Rauschenberg, Christo) ha sido porque para él encarnan actitudes, formas de ser y de estar comprometido con el mundo con las que se identifica plenamente. Nunca como creadores de lenguajes específicos que él DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 11

pensara en seguir, emular o, como decía hace años todo el que quería presumir de ser un posmoderno, revisitar.

Nada de eso hay, como digo. Ni siquiera se remite de forma directa a sí mismo.

Por eso me atrevo a afirmar que ha entendido el pasado como una latencia de ciertos elementos, que no son explícitamente de lenguaje ni de forma, sino que surgen desde su interior con la naturalidad del habla o de la respiración. También con la necesidad del que sólo se sabe vivo cuando logra conectar en plenitud con la naturaleza y con la comunidad formada con los demás seres humanos. De hecho, ambos términos (la naturaleza, el ser humano) constituyen la sólida base desde la que Cristóbal Gabarrón pone en pie sus mundos artísticos.

Su fuerza, que surge siempre de la intuición y de la emoción, es la que por último le conducirá al hallazgo. Por eso podemos hablar en él de un pasado creativo personal que sigue siendo fértil, que sigue engendrando formas y colores con la misma originalidad que la primera vez. Esa cualidad convierte su producción en un discurso que resulta coherente y lleno de potencia. Nos lo confirma el hecho de que existen ciertos elementos de sus obras –también, por supuesto, en las que ahora presenta en este lugar único por su espiritualidad como es el monasterio de Santo Domingo de Silos– que son propios, y exclusivos, del artista. En consecuencia, aquí y allí podemos reconocer unos determinados colores, un juego de volúmenes, un perfil anguloso o el inseparable diálogo entre lo figurativo y lo abstracto… que afloran a la superficie desde su interior porque son la esencia de su arte, la que lo define y la que anuncie su producción aún por venir, quizás.

Entre medias, entre lo que sabemos que hizo y lo que ni siquiera alcanzamos a imaginar que hará a partir de ahora, está su presente en carne viva, como el que nos invita ahora a conocer paseando por el conjunto de 27 piezas al que me referiré más adelante.

Demos tiempo al tiempo, en cualquier caso. Mientras tanto, quiero desplazar el foco hacia otro aspecto que me parece que puede servir mucho para acercarnos a todo el arte de Cristóbal Gabarrón: me refiero a aquellos aspectos estrictamente físicos, orgánicos, que vienen determinados por los materiales empleados en cada ocasión. Como se puede comprender, se trata de algo especialmente necesario para descubrir una exposición como la actual, hecha de barro, pigmentos y fuego.

Cualquier lector –especialista, interesado o simplemente curioso– que haya hojeado alguno de sus catálogos previos se habrá asombrado de inmediato ante la enorme versatilidad que muestra al trabajar con los materiales más distintos.

Por sus manos han pasado fibra de vidrio, resina, hierro, acero, cobre, chapa, óleo, pigmento, carboncillo, papel, cartón, lienzo, madera, piedra, arena, arcilla, cristal, espejo, cuerda, oro, plata o alambre, por citar sólo los más habituales.

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De cada uno de ellos ha conseguido la expresión propia que buscaba, situando en primer plano la personalidad de los mismos. En paralelo, esos materiales se han plegado a lo que el artista tenía en mente pero, a menudo, han acabado también por insinuarle tratamientos, texturas o motivos de inspiración que fueron añadiendo matices relevantes a la idea de partida. Esa interacción de sus intuiciones con los materiales, las técnicas y las formas es la que ha acabado dando a sus obras el aspecto tan reconocible de plenitud.

Si los materiales son decisivos en su trabajo se debe también a que consiguen remontarse hacia lo alto y transmitir un orden superior de discurso. Exhiben, en consecuencia, una doble dimensión, que es material y metafísica a la par.

Respecto a la primera, me refiero también a ese concepto más ambicioso, por poético, de materia, en tanto en cuanto las arenas acaban siendo –a un mismo tiempo– metonimia y metáfora de la tierra, al igual que la madera lo es de la noción de bosque o el hierro lo es de la de interior, de la de fuerza que ha permanecido oculta a la mirada humana durante milenios. Por eso entiendo aquí la materia como la idea universal que todo material proyecta cuando es trabajado con plenitud y creatividad.

Como digo, la materia juega un papel determinante en la obra de Cristóbal Gabarrón, quien unas veces se deja llevar por lo que el material quiere transmitir y otras, en cambio, lo adapta y lo transforma para que refuerce el mensaje que quiere susurrar/contar/gritar al espectador. En sus manos cualquier material, aunque su procedencia sea humilde, se convierte en realmente muy valioso porque consigue reforzar ese acto de comunicación pura, sin intermediarios.

Faltaría, todavía, un momento decisivo final y es que esta utilización tan intensa de los materiales, ya elevados a condición de materia, reclama un compromiso del público, que debe activar varios de sus sentidos. Casi podríamos decir que no hay excusas posibles. No es suficiente permanecer en silencio, con los brazos cruzados, intentando avizorar nuevos horizontes tras una pincelada o tras un plano. El visitante tiene que aceptar el desafío que le lanza el artista, que es el de una máxima implicación sensorial. Porque las obras de Cristóbal parecen fluir desde lo óptico hasta lo háptico y en ocasiones, incluso, hacia lo acústico –con sonidos virtuales que son vibrantes en materiales como el cobre o el acero, y más atenuados cuando se trata de la madera o del barro– y lo olfativo, como fragmentos de lo orgánico que, en definitiva, no dejan de ser. Es el suyo, a modo de recapitulación, un arte que se inspira en la naturaleza y que acaba siendo naturaleza creada (y modelada, además, en el caso de las cerámicas) por el ser humano.

Siempre inquieto, de inmediato, o incluso simultáneamente, el artista se impulsa desde ese territorio de lo material –que no deja nunca de ser materia, no lo olvidemos– hasta el extremo más alejado, el de lo metafísico. En absoluto

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son lo orgánico y lo metafísico términos de antítesis, sino de distancia extremada. La etimología clásica nos recuerda que se trata de un “ir más allá” de lo físico pero siempre partiendo de éste. Lo metafísico es una esencia pero también es un camino y una distancia que se tienen que recorrer. Así es, o uno cree que así debería ser, todo artista, proyectando su sensibilidad al máximo hasta convertirla en puente que conecta dos orillas que en un principio parecían (aunque sólo era eso, una apariencia) tan abismadas.

Anterior a la ciencia, y siempre recelosa de las apariencias, esa filosofía nacida hace miles de años en Grecia aspiraba a explicar la esencia de la realidad. Lo que las cosas son para todos por igual. También podríamos entenderla, por qué no, como una luz que marca el camino, que guía a la Humanidad en medio de la oscuridad ruidosa de las opiniones individuales. O sea, todo eso a lo que el arte auténtico ha aspirado desde el comienzo de los tiempos: verdad y universalidad.

Así las cosas, el creador metafísico actúa como el portador de esa metafórica luz pero también como el crisol en donde se funde lo múltiple y lo diferente para producir metal nuevo.

En el caso de nuestro artista, esa aspiración a lo metafísico nace de una actitud humanista de la que siempre ha hecho gala en sus entrevistas y en todos sus proyectos. El gran objetivo de su arte, como él defiende con su humildad característica, es atreverse a soñar un mundo más justo, un ser humano más pleno, mediante una especie de ontología de lo real que él expresará mediante la materia, la forma y el color. La belleza –entendida como emoción y ya no como canon ni como sistema normativo– surge en todo caso después, cuando el espectador descubre que esa peculiar alquimia de elementos logra transmitir con claridad dicho mensaje universal.

El artista a la búsqueda de un código visual que pueda ser compartido y disfrutado por todos los seres humanos. Por todos nosotros.

Ese humanismo se halla en lo más profundo, en la raíz misma, de las grandes obras de arte de la Historia. Sin ir más lejos, lo encontramos en el lugar de esta exposición, en el monasterio benedictino de Santo Domingo de Silos. Cuando lógicamente quedamos extasiados ante los maravillosos capiteles románicos, con sus formas reales o fantásticas pero también con sus elementos decorativos geométricos, percibimos que, más allá de torpes etiquetas de estilo o época, estamos ante un arte que es sublime en su humanismo. Cuando nos ciegan momentáneamente los intensos colores de las figuras o de las franjas del fondo del Beato de Silos (ca. 1109, y que por desgracia se encuentra lejos, en la Biblioteca Británica de Londres), sabemos que sólo pudieron nacer de una esencia humanista, si bien –y por supuesto– inspirados y configurados por la religión cristiana, por sus temas y enseñanzas extraídos de las Sagradas Escrituras.

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Ésta es la única gran diferencia con las obras de Cristóbal Gabarrón, cuyo humanismo no necesita de unas referencias tan concretas y, por eso, puede volar libre por todos los cielos posibles. Los de la naturaleza y los del arte.

Hitos de un nuevo viaje iniciático: de Vallauris a Silos El proceso creativo de las 27 piezas que dan cuerpo a esta exposición fue culminado hace poco más de un año en la localidad francesa de Vallauris. pero tiene su origen tiempo atrás, en 2009. Ese año Frédéric Ballester, Director del Centro de Arte La Malmaison, en Cannes, le presentó a Marc Piano, quien se considera a sí mismo un “hombre de la tierra” y no sólo un ceramista. Los caminos de ambos se volvieron a encontrar durante la primavera y el verano de 2016, con motivo de la gran exposición del artista español en la ciudad de Cannes y en algunos de sus museos. Fue entonces cuando Gabarrón encontró la ocasión perfecta para llevar a cabo, en el taller de Piano, todo este conjunto de piezas.

Conviene recordar que para el arte contemporáneo Vallauris será siempre un enclave vinculado a la figura de Pablo Picasso, que trabajó allí entre 1947 y 1955. Recién concluida la segunda guerra mundial, el malagueño se entregó con pasión a la cerámica, fascinado por la magia del fuego y convencido de haber encontrado un medio que aunaba pintura, dibujo, incisión, escultura e incluso ensamblaje. En el taller Madoura produjo centenares de piezas que confirman que Proteo –en la mitología, el dios cambiante de forma– seguía en un excelente estado de forma. Uno de los dueños del taller, su gran amigo Georges Ramié, escribía en 1951 en la revista parisina Verve que la fantasía del andaluz y el poder del fuego del horno compartían “resonancias secretas, acordes

Marc Piano, Frédéric Ballester y Cristóbal Gabarrón en el taller de Vallauris

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Taller Madoura en Vallauris donde trabajó Pablo Picasso entre 1947 y 1955

insospechados” y que cada nueva pieza de cerámica era una solución que al mismo tiempo abría paso a un enigma.

Las obras que ejecutó Cristóbal Gabarrón hace poco más de un año comparten esa condición misteriosa de que hablara Ramié medio siglo antes. Aunque algunas de ellas podrían ser entendidas como algo parecido al concepto de serie, a la noción de variaciones sobre un modelo de partida, todas están fuertemente singularizadas. Proceden de diferentes recodos de su interior. Son universos independientes pero relacionados entre sí de forma sutil, y al ver esas obras podremos llegar a escuchar acordes similares. Una sinfonía a la que no le falta nada, ni siquiera una dosis importante de violencia expresiva.

La apreciamos, por ejemplo, en el conjunto de tres jarrones que de inmediato podrían sugerir la inminente metamorfosis en cabezas o en cactus, pero que se acaban imponiendo como una forma blanda genérica capaz de ser cualquier otra cosa. ¿Qué mejor homenaje a la propia naturaleza del barro, a su capacidad de devenir, de llegar a ser?

Sobre esa materia en ebullición el artista ha ido describiendo y descubriendo siluetas antropomórficas, pinceladas que se alargan, chorros de pigmento que parecen haber surgido al azar o superficies circulares que ya anuncian uno de los motivos destacados de esta exposición: la de las gotas de semen y los óvulos como inicio de la vida. Se trata del comienzo orgánico, natural, previo a cualquier consideración espiritual. Así entiende Gabarrón su arte, como un acto genésico, donde la pulsión vital surge como algo espontáneo e imparable.

Sobre esa materia que aún no es, materia blanda y cambiante, se añade, en realidad como algo complementario, la intrusión agresiva de otros materiales que se concentran en la parte superior. En ellos hay, diríamos, espejismos de pelo, de espinas o de púas que se han vuelto rígidas y amenazadoras. En uno de esos

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jarrones la ficción da paso a lo real: son auténticos clavos de hierro, doblados tras estrellarse contra la forma cónica que remata ese jarrón.

Me gustaría recordar que este ensamblaje de elementos metálicos es algo que el artista ha trabajado en ocasiones anteriores, principalmente en la serie titulada Altar (2008). A veces atraído por reflejar la violencia sobre el material, su fin es invocar la emoción del espectador, que reacciona con inquietud ante ese giro inesperado de la forma en su estado final.

Existe un elemento añadido a esa decisión de utilizar hierro, y que desde hace más de un siglo ha sido relevante para todos los artistas que lo han incluido en su producción. Es el del efecto que ejercerá el paso del tiempo sobre la obra.

Al contacto con el aire, el hierro inicia un proceso de oxidación –invisible al principio pero latente– que acabará por cambiar el aspecto final de toda la pieza. Incluir elementos de hierro significa, nada más y nada menos, que invitar al Tiempo a que complete la tarea del artista, que en ese sentido es quien dispone los materiales en un cierto momento pero que permanece en espera ante lo que pase en el futuro.

Una vez más, lo orgánico es el sustrato, el suelo fértil, de todo el planteamiento de nuestro artista.

Además, y ésta tampoco es una cuestión menor, esos clavos proyectan sombra, una sombra que será cambiante si se produjera variación en las condiciones de luz. Por eso su destino más natural para esas piezas de cerámica sería, quizás, vivir al aire libre, convertidos casi en un reloj solar que el artista hubiera plantado en la tierra para registrar el paso de las horas y de las estaciones.

Algo parecido sucede en los dos cuerpos fálicos, de dimensiones considerables, que comparten espacio en esta exposición. Con casi un metro de altura, esas formas alargadas y blandas han sido heridas por numerosos clavos que parecen indicar, además, las misteriosas coordenadas de un paisaje vertical. Pared de superficies sobrecargadas, donde vemos capas de lechada blanca, manchas azules, líneas –unas firmes, otras temblorosas– y esquemáticas siluetas que apenas han sido arañadas sobre pequeños campos de color. Las intuimos y también las reconocemos porque son uno de esos estilemas (término con el que pretendo indicar la unidad mínima de todo estilo, lo que define un lenguaje específico en su esencia) que hemos comentado al comienzo del ensayo. Entre lo anguloso y lo curvo, entre lo figurativo y lo geométrico, esos cuerpos transparentes pueblan desde hace décadas el universo de Cristóbal Gabarrón y reafirman, cómo no, su intención humanista.

Frente a la verticalidad dominante de estas dos construcciones fálicas sólo parece resistir una pirámide de dimensiones parecidas, y de caras y perfiles irregulares. De nuevo tenemos la impresión de un paisaje vertical, ascensional (hay

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incluso una poética “escalera de evasión”) pero en el que los clavos ya han desaparecido dejando paso en su lugar a orejones de barro, casi como pegotes aplicados al azar, que reafirman lo irregular de esa superficie.

Luego viene, claro, el minucioso trabajo de Cristóbal Gabarrón, que cubre todo cuidadosamente con lechadas, chorretones y manchas blancas y azules.

Incluso añade referencias explícitas a lo orgánico, como son las hormigas en fila hacia la cumbre. En el extremo opuesto, en la base de esa pirámide-montaña, el artista ha hundido los dedos en la arcilla para crear nuevas formas, como si fueran signos atemporales.

Surge de nuevo esa categoría de “lo imprevisto”, tan importante en toda su carrera y que parece retomar un concepto del que hablara en 1959 un ilustre predecesor como fue el catalán Joan Miró, en la entrevista que le realizara Yvon Taillandier para la revista XXè siècle, cuando se refería con estas palabras a su trabajo con la cerámica junto a Josep Llorens Artigas: “[…] ¡Y lo imprevisto! También eso es una seducción. Aun utilizando la misma fórmula, el mismo grado de cocción, nunca se obtiene el mismo resultado. Lo imprevisto provoca un choque y eso es una cosa que me atrae […]”.

En la exposición actual lo imprevisto, al menos así me lo parece, es por ejemplo el enigmático tríptico, donde se cumple con rigor y, al mismo tiempo, enorme fuerza poética ese tránsito de lo orgánico a lo metafísico que define toda esta producción reciente. Gabarrón nos invita a tocar lo que él tocó previamente, como anuncio inminente de la creación. A poder acariciar los agujeros, los breves montículos, la promesa de tierra arada del panel izquierdo. Rompe incluso ese lienzo de barro para comunicar con fluidez el espacio ideal del arte con el espacio real, el que habita el espectador. Todo ello sobre unos fondos salpicados de pigmento, del que emana una luz propia, misteriosa, y que en algún rincón evoca incluso los efectos del ácido cuando muerde una superficie de metal. Por si no fuera ya suficiente, sobre ese tríptico parece flotar una atmósfera cargada de misticismo y eternidad que armoniza a la perfección con el entorno monacal donde se exhibe.

Lo imprevisto es, también, el conjunto de cajas dibujadas que se suman a las piezas anteriores. En ellas se imponen, y lo decimos como excepción, la pintura a la materia y la silueta al volumen. Sería fácil buscar la analogía entre esas formas geométricas rotundas y los gruesos libros de siglos remotos pero me parece que su fuerza reside, sin embargo, en otras coordenadas: de una parte, en su propuesta de monumental diccionario de las formas y los símbolos tan queridos por el artista (el cuerpo, el pez, la nube, el pájaro, la estrella), siempre interpretados en continua metamorfosis angular; de otra, en la necesidad de que el público sienta esos paralelepípedos en conjunto, como una pequeña

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comunidad de formas de arte que se relacionaran entre sí. La distancia de unas a otras, los posibles agrupamientos y el aire que dejen pasar entre éstos condicionarán sin duda la percepción del público.

El momento más lírico de la exposición se halla seguramente en el conjunto de once pequeños escenarios circulares, en los que superpone diversas técnicas de trabajo sobre la arcilla. Aplica plantillas que dejan improntas regulares, de malla o de red; realiza incisiones de bajorrelieve que recuerdan asimismo el grattage (arañado); amontona pegotones que en unas ocasiones remiten a espermatozoides, en otras a pelos o a cuernos blandos; por último, combina el aspecto austero y casi monocromo de algunas de esas peculiares superficies con el mayor colorido de las piezas que han sido esmaltadas o sobre las que ha aplicado pigmentos con gran libertad.

Once escenarios que son, de hecho, once universos independientes, a modo de enclaves ancestrales que sólo hubieran sido descubiertas por el artista. La mayoría comparte, en consecuencia, esa impresión tan poderosa de terra incognita donde lo geológico parece haber erosionado unas partes para preservar milagrosamente otras. Esos monolitos en miniatura, tumbados o fieramente verticales, construyen lugares con su fuerte presencia, con sus diversas texturas, con algunas incisiones y, como sucede con otras piezas de la exposición, con la precisa sombra que dibujan sobre la superficie.

Son lugares sugeridos por el arte, que muestran su condición paradójica (término que sólo significa “lo contrario al saber común”) en tanto en cuanto podrían ser mapas nacidos de pares de conceptos tan distintos como primitivismo y refinamiento, rugosidad y sutileza, intuición y dominio técnico, descripción y lirismo. Éstas son las huellas más recientes del caminar de Cristóbal Gabarrón.

Una producción, inédita hasta ahora, que no se deja domesticar y que avanza con paso firme sobre las tierras de la creación plástica, apuntando hacia horizontes que todavía no han visto la luz.

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CATÁLOGO CATALOGUE

De lo orgánico a lo metafísico I From the organic to the metaphysical I Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

22 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

De lo orgánico a lo metafísico II From the organic to the metaphysical II Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 23

De lo orgánico a lo metafísico III From the organic to the metaphysical III Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

24 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

De lo orgánico a lo metafísico IV From the organic to the metaphysical IV Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 25

De lo orgánico a lo metafísico V From the organic to the metaphysical V Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

26 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

De lo orgánico a lo metafísico VI From the organic to the metaphysical VI Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 27

De lo orgánico a lo metafísico VII From the organic to the metaphysical VII Mixta / papel Mixed media / paper 101 x 72 cm

28 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

De lo orgánico a lo metafísico VIII From the organic to the metaphysical VIII Mixta / papel Mixed media / paper 101 x 72 cm

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 29

De lo orgánico a lo metafísico IX From the organic to the metaphysical IX Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

30 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

De lo orgánico a lo metafísico X From the organic to the metaphysical X Mixta / papel Mixed media / paper 72 x 101 cm

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 31

De lo orgánico a lo metafísico IX From the organic to the metaphysical IX Mixta / papel Mixed media / paper 101 x 216 cm

32 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 33

34 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

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36 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

Remotos los rumores del magma primigenio entre las tentativas que apuntan hacia el éxito surge sobre la tierra bárbara algún esfuerzo de criatura digna de animar en su cuerpo, barro entre las manos, una fuerza de fuego que labora confuso, discorde forcejeo, sin fin.

Es muy difícil vencer a los espectros, convertir en más luces tantos instantes ciegos mientras está flotando bajo el sol del océano la posibilidad de ser –ya más, ya menos– hombre, de veras hombre, libre, sí, todo incierto

“Homo” Aire nuestro. 1968 Jorge Guillén

Cerámica metafísica I Metaphysical ceramics I Engobe cerámico / barro negro africano Ceramic engobe / African black clay 57,5 x 24 cm

38 I DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón

DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO I Cerámica inédita de Cristóbal Gabarrón I 39

Cerámica metafísica II Metaphysical ceramics II Engobe cerámico / barro negro africano Ceramic engobe / African black clay 42 x 35 cm

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Cerámica metafísica III Metaphysical ceramics III Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 48 x 38 cm

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Cerámica metafísica IV Metaphysical ceramics IV Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro rojo y barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / red clay and African black clay 88 x 37 cm

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Cerámica metafísica V Metaphysical ceramics V Mixta / barro negro africano Mixed media / African black clay 83 x 34 cm

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Cerámica metafísica VI Metaphysical ceramics VI Mixta / barro negro africano Mixed media / African black clay 95 x 32 cm

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El increíble bullicioso movimiento de los escuetos hilos vegetales reptando, pugnando fieros hasta escalar la luz.

Y a ella, dueños los ambiciosos del aire, tanto amontonado florecer.

Desde un átomo del hombre, semillante, al de una mujer enamorada.

Así, la gestación de la plenitud: el ser.

Yo, ésta que se evoca a través de la arena y del agua espesa de la mar. ¡De gozo delirante, oh cóncavo fluir, a la larga travesía velocísima: un fugitivo instante cósmico!

En el viento, en el sol, bajo la lluvia cálida, la perfecta aparición del mundo.

“Raíces y flora” Enajenado mirar. 1962-1964 Carmen Conde

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Cerámica metafísica VIII Metaphysical ceramics VIII Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica IX Metaphysical ceramics IX Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica X Metaphysical ceramics X Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica XI Metaphysical ceramics XI Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica XII Metaphysical ceramics XII Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica XIII Metaphysical ceramics XIII Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica XIV Metaphysical ceramics XIV Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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Cerámica metafísica XV Metaphysical ceramics XV Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 37 x 26,5 x 10 cm

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La mano es la que recuerda.

Viaja a través de los años, desemboca en el presente siempre recordando.

Apunta, nerviosamente, lo que vivía olvidado, la mano de la memoria, siempre rescatándolo.

Las fantasmales imágenes se irán solidificando, irán diciendo quién eran, por qué regresaron.

Por qué eran carne de sueño, puro material nostálgico.

La mano va rescatándolas de su limbo mágico.

Fragmento de Cuaderno de Nueva York. 1998 José Hierro

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Cerámica metafísica XVI Metaphysical ceramics XVI Engobe cerámico / barro rojo Ceramic engobe / red clay 4 x 63 cm

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FOTO PO

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OR VENIR

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Cerámica metafísica XVII Metaphysical ceramics XVII Engobe cerámico / barro negro africano Ceramic engobe / African black clay 13 x 52 cm

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Cerámica metafísica XVIII Metaphysical ceramics XVIII Engobe cerámico / barro negro africano Ceramic engobe / African black clay 4 x 37 cm

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Cerámica metafísica XIX Metaphysical ceramics XIX Engobe cerámico / barro negro africano Ceramic engobe / African black clay 9 x 31 cm

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Cerámica metafísica XX Metaphysical ceramics XX Engobe cerámico / barro negro africano Ceramic engobe / African black clay 11 x 31 cm

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Cerámica metafísica XXI Metaphysical ceramics XXI Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro rojo Ceramic engobe and natural pigments / red clay 16 x 38 cm

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Cerámica metafísica XXII Metaphysical ceramics XXII Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro rojo y barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / red clay and African black clay 7,5 x 31 cm

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Cerámica metafísica XXIII Metaphysical ceramics XXIII Barro negro africano African black clay 24 x 58 cm

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Cerámica metafísica XXIV Metaphysical ceramics XXIV Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 4 x 21 x 31 cm

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Cerámica metafísica XXV Metaphysical ceramics XXV Barro rojo y barro negro africano Red clay and African black clay 8 x 34 x 37 cm

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Cerámica metafísica XXVI Metaphysical ceramics XXVI Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro rojo Ceramic engobe and natural pigments / red clay 4,8 x 32 cm

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Cerámica metafísica XXVII Metaphysical ceramics XXVII Engobe cerámico / barro rojo y barro negro africano Ceramic engobe / red clay and African black clay 19 x 47 cm

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Cuerpo, lo oculto, el encubierto, fondo de la germinación, la luz, delgados hilos líquidos, médulas, estambres con que el cuerpo alrededor de sí sostiene el aire, bóveda, pájaro tenue, terminal, tejido de luz corpórea al cabo el despertar.

“XV” El fulgor. 1983-1984 José Ángel Valente

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Cerámica metafísica VII Metaphysical ceramics VII Engobe cerámico y pigmentos naturales / barro negro africano Ceramic engobe and natural pigments / African black clay 64 x 47 x 5,5 cm (c/u) - (each)

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Me llamo barro aunque Miguel me llame.

Barro es mi profesión y mi destino que mancha con su lengua cuanto lame.

Soy un triste instrumento del camino.

Soy una lengua dulcemente infame a los pies que idolatro desplegada.

Como un nocturno buey de agua y barbecho que quiere ser criatura idolatrada, embisto a tus zapatos y a sus alrededores, y hecho de alfombras y de besos hecho tu talón que me injuria beso y siembro de flores.

Coloco relicarios de mi especie a tu talón mordiente, a tu pisada, y siempre a tu pisada me adelanto para que tu impasible pie desprecie todo el amor que hacia tu pie levanto.

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Más mojado que el rostro de mi llanto, cuando el vidrio lanar del hielo bala, cuando el invierno tu ventana cierra bajo a tus pies un gavilán de ala, de ala manchada y corazón de tierra.

Bajo a tus pies un ramo derretido de humilde miel pataleada y sola, un despreciado corazón caído en forma de alga y en figura de ola.

Barro en vano me invisto de amapola barro en vano vertiendo voy mis brazos, barro en vano te muerdo los talones, dándote a malheridos aletazos sapos como convulsos corazones.

Apenas si me pisas, si me pones la imagen de tu huella sobre encima, se despedaza y rompe la armadura de arrope bipartido que me ciñe la boca en carne viva y pura, pidiéndote a pedazos que la oprima siempre tu pie de liebre libre y loca.

Su taciturna nata se arracima, los sollozos agitan su arboleda de lana cerebral bajo tu paso.

Y pasas, y se queda incendiando su cera de invierno ante el ocaso, mártir, alhaja y pasto de la rueda.

Harto de someterse a los puñales circulantes del carro y la pezuña, teme del barro un parto de animales de corrosiva piel y vengativa uña.

Teme que el barro crezca en un momento, teme que crezca y suba y cubra tierna, tierna y celosamente tu tobillo de junco, mi tormento, teme que inunde el nardo de tu pierna y crezca más y ascienda hasta tu frente.

Teme que se levante huracanado del blando territorio del invierno y estalle y truene y caiga diluviado sobre tu sangre duramente tierno.

Teme un asalto de ofendida espuma y teme un amoroso cataclismo.

Antes que la sequía lo consuma el barro ha de volverte de lo mismo.

“Me llamo barro aunque Miguel me llame” El rayo que no cesa. 1934-1935 Miguel Hernández

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RESEÑA BIOGRÁFICA

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CRISTÓBAL GABARRÓN (1945, Mula, España)

Es un artista reconocido internacionalmente como creador de arte público, tanto pintura como escultura o montajes monumentales, cuya instalación en parques, calles y plazas han contribuido a redefinir la esencia de ciudades y comunidades por todo el mundo.

Nacido en Mula (Murcia), Gabarrón recibió su primera formación artística en Valladolid antes de seguir su carrera en Francia y en Italia. Actualmente, comparte su vida entre España, Estados Unidos y China. El trabajo de Gabarrón está centrado en su interés por el humanismo, por la vida de las personas en armonía con su entorno natural, por su convivencia en paz y el desarrollo de los valores humanos. A lo largo de sus más de 50 años de carrera, Gabarrón ha sido solicitado por organizaciones públicas y privadas de todo el mundo para crear notables obras de arte para ocasiones especiales, por ejemplo, el mural para los Juegos Olímpicos de Barcelona (1992) y el conjunto de murales para la Exposición Universal de Sevilla (1992) o el grupo escultórico Atlanta Star (1996). Su colaboración con las Naciones Unidas ha sido una constante en su carrera desde que en 1986 diseñara el sello conmemorativo del Año Internacional de la Paz a partir de su obra Our Hope for Peace. Le sigue su obra Dawn in the new Millennium, conmemorativa de la cumbre del Milenio de la ONU (2000), la Capilla del Milenio (2001) y más recientemente Enlightened Universe, inaugurado el 24 de octubre de 2015 en el célebre Central Park de New York, por el Secretario General de la ONU, el Sr. Ban Ki-moon con motivo del 70 Aniversario de la creación de la Organización. Su colaboración con organizaciones internacionales, como el Comité Internacional Olímpico o las Naciones Unidas, han dado lugar a un periodo muy fructífero que todavía perdura hoy, tras la exposición de Universo de Luz (Enlightened Universe) en la Rotonde du Mont-Blanc de Ginebra, para conmemorar el día de la ONU y el día Internacional de los Derechos Humanos en 2016.

Ciudades de todo el mundo han acogido la visión de Gabarrón exponiendo sus esculturas monumentales. Prominentes instituciones y museos europeos, americanos y asiáticos han exhibido sus obras en icónicas calles y plazas. Además, varias ciudades han incorporado de manera permanente y pública a su patrimonio grandes esculturas exteriores. Su obra ha sido de igual modo centro de análisis dentro de retrospectivas como las dedicadas por el Chelsea Art Museum, el IVAM, el Museo de Arte Moderno de Gdansk, en Polonia, o el Museo Nacional de Arte de China en Shanghai, para analizar sus creaciones. En todas ellas, críticos e historiadores de la talla de Donald Kuspit, comisario y profesor

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© Enrique Martínez Bueso

de la Universidad de Nueva York, han procedido a realizar cuidadosos análisis y estudios de su trayectoria profesional, recogidos en la abundante bibliografía aparecida durante los últimos años.

El año pasado, la ciudad y los museos de Cannes le han dedicado una gran retrospectiva de escultura, con más de 200 obras en diversos materiales y épocas, con obra inédita de escultura pública y privada, titulada Mille formes à la conquête de l’espace. Y este año, la ciudad de Ámsterdam, a través de la Fundación ARTZUID, muestra una selección de 28 obras monumentales situadas en enclaves emblemáticos de la ciudad, como la plaza Museum Plein, entre los museos Van Gogh y Stedelijk, o la Gershwin Plain.

Desde 1992, Gabarrón ha impulsado y participado en la creación progresiva de tres fundaciones en Valladolid, en Nueva York y en Mula. Su ánimo es el de devolver a la sociedad lo que ésta le ha dado a través de actuaciones artísticas y culturales, creando conciencia a través de las artes, la educación y la cultura. (www.gabarron.org).

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Selección de exposiciones 1964. Galería Castilla, Valladolid, España.

1970. École des Beaux-Arts, París, Francia.

1972. Galería Macarrón, Madrid, España.

1974. Galleria Fiamma Vigo, Roma, Italia.

1974. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, Chile.

1980. Galeria Rayuela, Madrid, España.

1985. Space and Cube, Londres, Inglaterra.

1986. United Nations, Nueva York, Estados Unidos.

1990. Palais de l’Europe, Estrasburgo, Francia.

1991. Galerie Bodenschatz, Basilea, Suiza.

1991. Tecla Sala Art Center L’Hospitalet, Barcelona, España.

1992. American Sports Art Museum and Archives (ASAMA) - Daphne, Alabama, Estados Unidos.

1992. Fundación Carlos de Amberes, Madrid, España.

1999. Musée Olympique, Lausana, Suiza.

2003. Museo Guggenheim, Bilbao, España.

2005. Museo del Barrio, Nueva York, Estados Unidos.

2006. Chelsea Art Museum, Nueva York, Estados Unidos.

2006. IVAM – Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia, España.

2006. Hugieia Art Gallery, Bélgica.

2006. Círculo de Bellas Artes, Madrid, España.

2006. Guy Pieters Gallery, Saint Paul de Vence, Francia.

2006. Palacio Almudí, Murcia, España.

2007. National Museum of Modern Art of Gdansk, Polonia.

2009. Mal Maison, Cannes, Francia.

2011. Centro Niemeyer, Avilés, España.

2012. Bokrijk Open Art Museum, Genk, Bélgica.

2012. American University Museum at the Katzen Arts Center, Washington DC, Estados Unidos.

2013. ARTZUID, Ámsterdam, Holanda.

2014. Shanghai Jing’an International Sculpture Park (JISP), Shanghai. China.

2015. China Art Museum of Shanghai, and Today Art Museum, Beijing, China.

2015. Enlightened Universe at Central Park, Nueva York, Estados Unidos.

2016. MoCA Chengdu, Sichuan, China.

2016. Mille formes à la conquête de l’espace. Cannes, Francia.

(Villa Domergue, Espace Miramar, Centre d´art La Malmaison, la Croisette, le port Canto, le port de Plaisance, le Suquet, …)

2016. Enlightened Universe at Rotonde du Mont-Blanc, Ginebra, Suiza.

2017. ARTZUID, Ámsterdam, Holanda.

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Selección de obras

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6

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9

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1. WT10

5. Serie Vietnam

9. Demonstrador

2. Geometrías II

6. Performance film shoot

10. Zem Art 10

3. La realidad no vista 2

7. New York 24

11. Flat Sculpture 3

4. Sao Paulo Film Shot

8. Eros 8

12. Puzzle 8

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13. Flying Installation Berkeley, San Francisco (USA) 14. 6 Pieces. Chicago sculptures installation 15. Cell 17

16. Versus 2

20. Wamba 6

17. México 1968

21. Sky Jumping in fly

18. Hawaii 11

22. Danza Macabra 4

19. Cuppers 1

23. Niña que no pudo alcanzar la luna 10

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24. Tondo Mar Azul I

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25. Mitologías 8

29. Frouida. Murcia

26. Empalados 2

30. La cúpula celeste. Arroyo de la Encomienda. Valladolid

27. Mullae. Mula. Murcia 28. La Corte de Felipe II. Nalvalcarnero.

Madrid

31. Kronos

32. Conjunto escultórico El Quijote

34. Conjunto escultórico Los silencios de Colón

33. Metamorfosis. Edificio Cortes de Castilla y León. Valladolidad

35. Conjunto escultórico Torres de la Alhambra

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36. Cartel Año Internacional de la Paz 37. Conjunto escultórico Doce musas.

Parlamento Europeo de Estrasburgo

38. Mural Historia del olimpismo.

L’Hospitalet, Barcelona. Juegos Olímpicos Barcelona 1992 39. Mural Encuentro de culturas.

Exposición Universal Sevilla’92

Today Art Museum, Beijing (China). 2014

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40. Conjunto escultórico Atlanta Star.

Juegos Olímpicos Atlanta 1996 41. Tribute to Human Spirit. American Sports Art Museum and Archives.

Daphne, Alabama (USA)

Yinchuan (China). 2014

42. Cartel oficial de Naciones Unidas conmemorativo de la entrada del nuevo milenio 43. El sueño de China. Hangzhou (China)

Shanghai Art Museum (China). 2014

Taller mural. Guanzhou Museum of Art. Guanzhou (China). 2015

Museum of Contemporary Arts. Chengdu (China). 2016

Shanghai Jing’an International Sculpture Park (JISP). Shanghai (China). 2014

Hong Kong PolyU University/Zaha Hadid. Hong Kong (China). 2016

Cannes (Francia). 2016

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Enlightened Universe. Ginebra (Suiza). 2016

Enlightened Universe. Central Park, Nueva York (USA). 2015

Museo Van Gogh. Ámsterdam (Holanda). 2017

Conjunto escultórico Corazón en boca. Bodega Avelino Vegas. Santiuste de San Juan Bautista, Segovia (España). 2017

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ENGLISH TEXTS

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Dom Lorenzo Maté Sadornil The Abbot of the Benedictine Abbey of Santo Domingo de Silos

Almost twenty years ago the Abbey of Santo Domingo de Silos decided to equip a space, called the Romanesque Room, as a special place for exhibiting the best of contemporary art. The point was simply to provide contemporary artists with an effective encounter with artists who had worked almost a millennium ago. From medieval craftsmen and artists who during the Romanesque period erected this moving poem in stone to God, even the artists who, despite already working in the twenty-first century, continue to consider similar questions about human beings, nature and the world of spirituality.

Culture was preserved, but it also received a major boost from within the abbey. The abbots and monks that successively lived and continue to live have managed to collect the thousands of volumes contained in their library and their Gregorian chant and elusive beauty are a universal legacy that continues to inspire those who visit it each year.

During the following months, these travelers can also enjoy the unique dialogue of strength and lyricism represented by the exhibition of original ceramics by Cristóbal Gabarrón.

Certainly, few artists like him would be so at ease in an environment that is as spiritual, artistic, and natural as this one. And it is from its very beginning that the art of Cristóbal Gabarrón has sought balance among all those terms, with the dream of making contributions for improving society in many respects. There is no doubt that his strong humanist convictions have inspired his artistic language.

These are works that reflect the uniting of the material with the spiritual, the transfer of such humble elements as clay or stones to the loftier level of ideas. In this praise for humility, which has always understood our Benedictine Order so well, we find another element that resonates with the work of Cristóbal Gabarrón.

During these next few months, the intense message that his forms, signs and colors transmit will be the perfect complement to the silence and the inner search that for years have bestowed full meaning upon the spaces, air, and light of the abbey.

150 I FROM THE ORGANIC TO THE METAPHYSICAL I Unprecedented ceramics by Cristóbal Gabarrón

Cris Gabarrón Cabero Director of the Board of the Cristóbal Gabarrón Foundation

The exhibition we present today is very special for many different reasons. First, because we are celebrating: Fundación Cristóbal Gabarrón is celebrating 25 years since its founding in Valladolid in 1992. It was built on August 11 of that year and only some months later was it declared to be of public interest. Ever since then we set out on a major cultural, artistic, educational, and patronage project to benefit citizens, which has already created over five hundred exhibitions and specific undertakings. It is a project that has filled our lives and careers and that, of course, has been extraordinarily enriching for those of us who have been involved in it. Therefore, I feel deeply proud, honored, grateful and - I would like to stress - with the same joy as we had at the beginning.

Secondly, this exhibition is also very special because it enables us to join this universal village and Abbey of Santo Domingo de Silos. Its history, spirituality, and art are tremendous and make up an exceptional framework for showing these pieces of original ceramics. In very few places in the world is it possible to feel the strength, energy

and magic of this door that connects heaven and earth in an almost metaphysical manner. It is striking to arrive at Silos after going through Yecla Nature Reserve, Sabinares del Arlanza... We really breathe with a clear and serene state of mind.

Thirdly, because this is the very first display of a truly new work in a very primitive material, shaped by the hands, heart and soul of my father, the artist, Cristóbal Gabarrón, who feels particularly connected to the Monastery of Silos, the stone of its thousand-year-old cloister, its majestic cypress, its pyramidal sequoia and the simple and exemplary universe of Benedictine monks. All these elements are faithfully represented in the skin, the tattoos of the 27 ceramic works displayed here.

And to conclude, on behalf of our family and the Board of the Foundation, I wish to express our heartfelt appreciation to each of the people and institutions who have made this exhibition possible and who duly appear in the credits of this publication.

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A WORLD OF CLAY AND FIRE Javier Pérez Segura

Cristóbal Gabarrón He and his art have been the subject of splendid and moving writing on hundreds of pages. Poets, writers, critics, and art historians have masterfully enlightened his creativity’s many paths –and, if you will, his endless creations– leading the public to discover the artist who for decades, for sure, has been one of the most prominent Spaniards on the international stage.

And yet I have the feeling that despite discussing an artist whose biography is well-established and successful, this is only the beginning of the adventure. We can breathe a sigh of relief. With each of his new projects, and every new series of works, we are witnessing the successive births of an artist who never ceases to amaze.

It is such a unique, indeed rare show that can even eclipse the fact that we are talking about an artist who already boasts a path that exceeds half a century. This apparent biological contradiction (that of a veteran with the momentum and daring of a youth) is an aspect that should be taken into consideration, and that I would like to expose now like an upward-facing card on the table: his peculiar relationship with what we would call “the time of the artist.” This is because the past, the present and the future are intimately intermingled in him to the point of seeming to be one and the same. However, and like everything in Gabarrón’s work, we must pause for an instant to carefully look at each detail of his pieces because it is the only way of realizing that each of those periods acquires a different weight and dimension.

There is no doubt that the past plays a very special role in his life and career. When anyone has the chance of chatting for a few hours with Cristóbal and dares to sketch the faintest map of his intentions, processes, and creative goals, they realize that what never get mentioned –unlike what so many of his colleagues tend to do– are the illustrious references that have come before him. This can be

attributed to the fact that he has never wanted “to be like” anyone. Therefore, his art “does not look like” anything we are showed in the thousands of books that art history has insisted on writing for centuries. Moreover, on the rare occasion when he confesses his admiration for some specific last names (such as that of Picasso, Rauschenberg, Lichtenstein, and Christo) it is because to him they embody attitudes, ways of being and engaging with the world to which he completely identifies. However, it is never as creators of specific languages that he considered following, emulating, or, as people who wanted to show off that they were postmodern used to say, revisiting.

There is none of that. He does not even refer to himself directly. Therefore, I dare to assert that he has understood the past as a latency of certain elements, which explicitly belong neither to language nor to form, but rather that emerge from his interior as easily as speaking or breathing. They do so with the need of a person who is only aware of being alive when he can fully connect with nature and with the community made up of everyone else. In fact, both terms, nature and human being, are the solid base on which Cristóbal Gabarrón erects his artistic worlds.

His strength, which always emerges from intuition and emotion, is what ultimately leads him to discovery. Therefore, we can say he has a personal creative past that remains fertile and continues to breed forms and colors that are as original as they were the first time. This quality turns his production into a discourse that is coherent and vibrant.

This is confirmed by the fact that there are certain elements in his works - and, of course, in the ones he now presents in this place that is unique for its spirituality, that is, the monastery of Santo Domingo de Silos – that are exclusively the artist’s. Accordingly, here and there we come to recognize certain colors, a set of volumes, an angular profile, or the inextricable dialogue between the figurative and the abstract, which rise to the surface from within him because

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they are the essence of his art, which define him and foretell what he has yet to produce, perhaps.

Meanwhile, between what we know he has made and what we cannot even fathom he will make from now on is his present in living flesh. It is what invites us now to get to know him by walking through the collection of the 27 pieces to which I will refer below.

Time will tell no matter what. Meanwhile, I want to shift the focus to another aspect that I think can be quite helpful to approach the art of Cristóbal Gabarrón: I am referring to those strictly physical, organic aspects that are determined by the very materials he uses in each piece. Understandably, this is especially necessary for discovering an exhibition such as this one, made of clay, pigments and fire.

Any reader, whether specialist, amateur or simply curious, who has flipped through any of his previous catalogs has certainly been immediately surprised by the huge versatility he shows in working with the most varied materials.

His hands have manipulated fiberglass, resin, iron, steel, copper, sheet metal, oils, pigments, charcoal, paper, cardboard, canvas, wood, stone, sand, clay, glass, mirror, rope, gold, silver, and wire, to name just a few of the most common materials.

From each of these he has succeeded in finding the suitable expression he sought and put their personalities in the foreground. At the same time, these materials yielded to what the artist had in mind, yet they often led him to treatments, textures or reasons for inspiration that have added relevant nuances on the original idea. This intuitive interaction with the materials, techniques and forms has resulted in providing his works with such a recognizably fulfilled look.

Although materials are critical to his work, this is also due to their ability to soar above and transmit a discourse of a higher nature. Consequently, they exhibit a dual dimension, which is both material and metaphysical. Regarding the former, I am also referring to that more ambitious, poetic concept of material to the extent that sand is simultaneously metaphor and metonymy for the earth, just as wood is for the idea of the forest, or iron is for the concept of interior, of the strength that has been hidden from the human eye for millennia. It is for this reason that here I un-

derstand matter as being a universal idea that all materials project when they are creatively worked to the fullest.

As I say, matter plays a decisive role in the work of Cristóbal Gabarrón, who at times gets carried away with what the material wants to convey. At others, on the other hand, he adapts and transforms it so that it can reinforce the message that he wants to whisper/tell/yell at the viewer. In his hands, any and even the simplest material becomes valuable because he can reinforce this act of pure communication without any intermediaries.

Yet what would still be missing is a final decisive moment, and it is that such an intense use of materials, already elevated to the status of matter, demands a commitment from the public, who must engage several of their senses.

We could almost go as far as to say that there is no room for excuses. We should not simply stand silently by with our arms crossed while trying to envision new horizons through a brush stroke, or an element in space. The viewer must rise to the challenge that the artist poses, which is that of maximum sensory engagement. This is because Cristobal’s works seem to flow from the optical to the haptic and on occasions even toward the acoustic - with virtual sounds that vibrate on materials like copper or steel, and that are duller when on wood or clay - and the olfactory, like fragments of the organic that do not stop being so. Again, his art is inspired by nature and ends up being nature that is created (and even molded, in the case of ceramics) by the human being.

Always restless, immediately, or even simultaneously, the artist drives himself from that territory of the material - which, lest we forget, never ceases to be matter - to the farthest extreme of the metaphysical. The organic and the metaphysical are antithetical, let alone extremely distant terms. Classical etymology reminds us that this means “going beyond” the physical, yet always starting from it.

The metaphysical is an essence yet also a path and a distance that must be covered. This is how, or at least this is what one thinks every artist ought to be like: the artist projects his sensitivity as much as possible until it becomes a bridge that connects two shores that in principle seemed (although it was just that, a semblance) so confusing.

Before science, and always wary of appearances, this ancient Greek philosophy aspired to explain the essence of

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reality. It aimed at determining what things are the same for everyone. We could also understand it, why not, as a light that shines the path, that guides humanity through the noisy darkness of individual opinions. In other words, everything that authentic art has strived for since the beginning of time: truth and universality.

Given the circumstances, the metaphysical artist is the bearer of this metaphorical light and the crucible where the multiple and different is melted down to produce a new alloy.

Regarding our artist, aspiring for the metaphysical is born from a humanist attitude he has always displayed in his interviews and in all his projects. The main goal of his art, as he maintains in his characteristic humility, is to dare to dream of a fairer world, to be a more fulfilled human being, by means of a kind of ontology of what is real that he will express by means of matter, form and color. Beauty, understood as emotion and not as a canon or normative system, always emerges afterward, when the viewer discovers that this peculiar alchemy of elements manages to transmit clearly the stated universal message.

The artist in search of a visual code that can be shared and enjoyed by all human beings. By all of us.

This humanism is found deep in the root of the greatest works of art ever made. We need not go any farther, as we will find it here at the venue of this exhibition, the Benedictine monastery of Santo Domingo de Silos. When we are naturally enthusiastic about the wonderful Romanesque capitals, with their real or fantastic forms and also with the decorative geometric elements, we realize that, beyond the clumsy labels of style or period, we are witnessing art that is sublime in its humanism. When we are momentarily blinded by the intense colors of the figures or the bands in the illuminated backgrounds of the Silos Beatus (ca. 1109, and which unfortunately is far away in the British Museum in London), we know that they could only be born of a humanist essence, even if, and of course, they were inspired and configured by Christianity, its themes and teachings glossed from the Holy Scriptures.

This is the only major difference with the works of Cristóbal Gabarrón, whose humanism does not need such concrete references and, therefore, can fly freely through all the heavens possible: those of nature and of art.

Milestones on a new journey of initiation: from Vallauris to Silos The creative process for the 27 pieces that make up this exhibition was completed just over a year ago in the French town of Vallauris, yet it started some time ago, in 2009.

That was the year when Frédéric Ballester, Director of the La Malmaison Art Center in Cannes introduced him to Marc Piano, who considered himself to be a “man of the earth” and not just a ceramic artist. Both of their paths met again during the spring and summer of 2016, because of the Spanish artist’s major exhibit in the public spaces and some of the museums of Cannes. That was when Gabarrón found the perfect opportunity to create this entire set of works in Piano’s workshop.

It should be recalled that to contemporary art, Vallauris will always be an enclave connected to the figure of Pablo Picasso, who worked there between 1947 and 1955. On the heels of the Second World War, the Malaga native dedicated himself to ceramics, fascinated by the magic of fire and convinced that he had found a medium that combined painting, drawing, engraving, sculpting, and even assembling. In the Madoura workshop he produced hundreds of pieces that confirmed that Proteus - in mythology, the god that changes forms - continued to be in great shape. One of the owners of the workshop, his great friend Georges Ramié, wrote in 1951 in the Parisian magazine, Verve, that the fantasy of the Andalusian and the power of the fire of the kiln shared “secret resonance, unexpected chords” and that each new work in ceramics was a solution that at the same time gave way to an enigma.

The works that Cristóbal Gabarrón made only just over a year ago share that mysterious condition that Ramié discussed half a century earlier. Even though a few of them could be understood as something like the concept of a series, to the notion of variations on a theme, they are all extremely unique. They come from different folds on its interior. They are independent universes, yet very subtly interrelated, and upon seeing these works we will be able to hear similar chords. A symphony that lacks nothing, not even a large dose of expressive violence.

We appreciate it, for example, in the ensemble of three vases that could immediately suggest their metamorphoses

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into heads or cacti, but that become established as a soft generic form capable of being anything. What better tribute could be made to the very nature of clay, its ability to evolve, to become?

Upon this agitated matter, the artist has been describing and discovering anthropomorphic silhouettes, brush strokes that lengthen, streams of color that seem to have flowed forth at random or circular surfaces that already announce one of the prominent reasons for this exhibition: the drops of semen and ova as the beginning of life. It is the organic, natural beginning prior to any spiritual consideration. This is how Gabarrón understands his art, as an act of reproduction, where the vital urge emerges as something spontaneous and unstoppable.

Upon this soft and changing matter that has yet to be, the aggressive intrusion of other materials that concentrate on the upper part is added as something complementary, in fact. We could say that they contain illusions of hair, thorns or quills that have become rigid and threatening. In one of those vases fiction gives way to what is real: they are true iron nails, bent after crashing against the conic form that tops that vase.

I would like to draw attention to the fact that this assembly of metallic elements is something the artist has addressed on previous occasions, namely in his series called Altar (2008). At times attracted to reflecting violence on material, his aim is to invoke the viewer’s emotion, which reacts with concern before this unexpected turn in the shape of its final state.

There is an element added to this decision of using iron, and that for over one century has been relevant to all artists who have included it in their production. It is the effect that the passage of time will exert on the work. In contact with air, iron begins an oxidation process - invisible at first but latent - which will end up changing the final appearance of the entire piece. Including iron elements means nothing other than inviting time to complete the artist’s work, who in this context is the one who has the materials at a certain point, but who keeps waiting for the future to occur.

Yet again, the organic is the substratum, the fertile soil of our artist’s entire approach.

Additionally, and this is not a minor issue, either, these nails cast a shadow, a shadow will change with variations in the light. Therefore, the most natural fate for these ceramic pieces would be, perhaps, living outdoors, almost like sundials that the artist would have set into the earth to record the passage of the hours and seasons.

Something similar occurs in the two phallic bodies of considerable size that share space in this exhibition.

Standing about one meter tall, these elongated and soft forms have been wounded by many nails that seem to indicate, moreover, the mysterious coordinates of a vertical landscape. A wall with overloaded surfaces, where we see layers of white grout, blue spots, lines - some firm, others wavy - and schematic silhouettes that have simply been scratched upon small fields of color. We sense them and we also recognize them because they are one of those stylemes (a term I use to point out the minimum unit of all style, what defines a specific language in its essence) that we mentioned at the beginning of this essay. Between the angular and the curved, the figurative and the geometric, those transparent bodies that have populated Cristóbal Gabarrón’s universe for decades and they refine, of course, his humanist intentions.

Given the dominant verticality of these two phallic constructions, there is only one pyramid of similar dimensions and irregular faces and profiles that seems to provide resistance. Again, we have the impression of a vertical landscape, ascending (there is even a poetic “ladder of escape”) but in which the nails have already disappeared and give way instead to ear-like depressions and protrusions in the clay that almost look like randomly applied lumps, which reassert the irregularity of this surface.

Then there is, of course, Cristóbal Gabarrón’s detailed work, which carefully covers everything with grout, splashes and white and blue spots. He even adds explicit references to the organic, such as the ants heading in a line toward the summit. At the far side, on the base of this pyramid-mountain, the artist has sunk his fingers into the clay to create new forms, as if they were timeless signs.

The category of “the unpredictable,” which has been so important in every part of his career so far and that seems to return to a concept discussed in 1959 by a distinguished

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predecessor as was the Catalan Joan Miró, in his interview conducted by Yvon Taillandier for the magazine, XXè siècle, where he uttered these words to refer to his work in ceramics with Josep Llorens Artigas: “...And it’s unpredictable! That too is very seductive.

Even when you use the same formula, the same kiln temperature, you do not get the same result. Unpredictability causes a shock, and that appeals to me now...”

In this exhibition the unpredictable, to me at least seems to be, for example, the enigmatic triptych, where this transition from the organic to the metaphysical that defines all this recent production is fulfilled rigorously and at the same time with tremendous poetic strength. Gabarrón invites us to touch what he has touched before, as an imminent announcement of creativity. Being able to stroke the holes, the short mounds, the promise of plowed land on the left panel. He even breaks this clay canvas to clearly to fluidly join art’s ideal space with that of reality, which is inhabited by the viewer inhabits. All of this upon some backgrounds splashed with pigment, from which emanates a light of its own, mysterious, and that in some corner evokes even the effects of mordant when it etches a metal surface. As if it were not already sufficient, there seems to be floating on this triptych an atmosphere loaded with mysticism and eternity that blends in perfectly with the monastic environment where it is displayed.

The unpredictable is also the set of illustrated boxes that joins the previous pieces. Imposed on them, and we state it as an exception, is paint on matter and silhouette on body.

It would be easy to find an analogy between these vigorous geometric shapes and thick books of far-off centuries, but it seems to me that its strength lies, nevertheless, at other coordinates: on the one hand, in its proposal as a monumental dictionary of forms and symbols so dear to the artist (the body, fish, cloud, bird, star) always interpreted in a continuous angular metamorphosis; on the other hand, in need for the public to feel those parallelepipeds as a set, as if they were a small community of forms of art that are connected with each other. The distance of some from others, the possible groupings and the air that they

let flow between them will certainly determine the public’s perception.

The most lyrical moment of the exhibition is most likely in the set of eleven small circular stages on which Gabarrón superimposes various work techniques on the clay.

He applies patterns that leave regular imprints as a mesh or net; he makes bas-relief incisions that also recall grattage (scratching); he piles up sticky clumps that on some occasions refer to spermatozoa, and on others soft horns; Finally, he matches the austere and almost monochrome look of some of these peculiar surfaces with the most colorful pieces that have been glazed or to which he has freely applied pigments.

Eleven scenarios that are, in fact, eleven separate universes, ancestral enclaves that only could have been discovered by the artist. Consequently, most of them share that powerful impression of terra incognita where the geologic seems to have eroded some parts to miraculously preserve others.

These miniature monoliths, either lying down or fiercely vertical, build places with their strong presence, with their various textures, with some incisions, and, as occurs with other pieces in the exhibition, with the very shadows they draw on the surface.

They are places suggested by the art, that show their paradoxical condition (a term that only means “the opposite of common knowledge”) to the extent that they could be maps made of pairs of such different concepts like primitivism and refinement, coarseness and subtlety, intuition and technical mastery, description and lyricism.

These are the most recent footprints left behind in Cristóbal Gabarrón’s path.

An unprecedented production, but that does not allow itself to be tamed and that moves forward at a steady pace over the land of visual creativity and makes its way toward horizons that have yet to see the light of day.

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CRISTÓBAL GABARRÓN (1945, Mula, Spain)

An internationally-recognized artist known for his production of public art, as much in paint as in sculpture or monumental staging, whose installations in parks, streets, and squares have contributed to redefining the essence of cities and communities all over the world.

Born in the town of Mula, Murcia, Spain, Gabarrón’s first educational experience in art was in Valladolid. Following this period of study, he continued his career in France and Italy. He currently lives between Spain, the United States, and China. Gabarrón’s work is focused on his interest in humanism, people who live in harmony with their natural surroundings, their peaceful coexistence, and the development of human values. During his career, which accounts for over 50 years of experience, Gabarrón has received commissions by public and private organizations from around the world to create notable works of art for special occasions, such as, the mural for the Barcelona Olympics (1992) and the set of murals for the Universal Exposition of Seville (1992), or the group of sculptures for Atlanta Star (1996). His collaboration with the United Nations has been a constant in his career ever since 1986, when he designed the commemorative stamp for the International Year of Peace based on his work, Our Hope for Peace. This work was followed by Dawn in the new Millennium (2000), which celebrated the UN Millennium Summit, the Millennium Chapel (2001) and most recently Enlightened Universe, which was inaugurated by the Secretary General of the United Nations, Ban Kimoon on October 24, 2015 in New York City’s Central Park to mark the organization’s 70th anniversary. Gabarrón’s collaboration with international organizations, such as the International Olympic Committee or the United Nations, has given rise to a very productive period that endures to this day through the Enlightened Universe exhibition in the Rotonde du Mont-Blanc, Geneva, which is meant to celebrate United Nations Day and Human Rights Day in 2016.

Cities around the world have embraced Gabarrón’s vision by exhibiting his monumental sculptures. Prominent institutions and museums in Europe, the Americas, and Asia have exhibited his works in iconic streets and squares.

Additionally, several cities have publicly and permanently incorporated his large outdoor sculptures as part of their material cultural heritage. His work has been the subject of analysis in retrospectives, such as those held by the Chelsea Art Museum, IVAM (Valencia Institute of Modern Art), the Gdansk Museum of Modern Art in Poland, or the China Art Museum in Shanghai. In each of these, critics and historians, of the prominence of Donald Kuspit, the curator and professor from the State University of New York at Stony Brook, have undertaken careful analysis and study of Gabarrón’s professional career, which can be found in the extensive bibliography that has emerged in recent years.

Last year the city and museums of Cannes dedicated a major retrospective to his sculpture with over 200 works in various materials and periods, with original public and private sculptures called Mille formes à la conquête de l’espace (One Thousand Forms Out to Gain Space). Moreover, this year, the city of Amsterdam, through the ARTZUID Foundation has a display of a selection of 28 monumental works placed in emblematic enclaves in the city, such as the Museumplein (Museum Square), located between the Van Gogh and Stedelijk museums, or the Gershwin Plain.

Since 1992, Gabarrón has promoted and participated in the on-going creation of three foundations in Valladolid, New York, and Mula. His intent is to give back to society what society has given him by means of artistic and cultural performances and awareness-building through the arts, education and culture (www.gabarron.org ).

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DE LO ORGÁNICO A LO METAFÍSICO CERÁMICA INÉDITA DE CRISTÓBAL GABARRÓN

FROM THE ORGANIC TO THE METAPHYSICAL UNPRECEDENTED CERAMICS OF CRISTOBAL GABARRON

Comisario / Curator

Javier Pérez Segura Coordinador / Coordinator

Cris Gabarrón © Textos / Text

Sus autores / Their authors Traducción al inglés / Translated by

John Ellis-Guardiola, AKA Translation Fotografía / Photography by

Gabriel Giordano Diseño / Designed by

Pepe Reina Imprime / Printed by

Pictografía. Murcia. Spain ISBN: 978-84-15107-77-4 Depósito Legal: MU 1087-2017

Agradecimientos El Patronato de la Fundación Cristóbal Gabarrón quiere transmitir su agradecimiento a todas aquellas personas e instituciones que han hecho posible esta exposición, especialmente a los colaboradores de la Costa Azul: Lieven de Buck, Marc Piano, Bernard Abril, Chico, Frédéric Ballester, la ciudad de Cannes, el pueblo de Vallauris. Y en España, al pueblo de Silos y a su alcalde, Emeterio Martín Brogeras, a la Abadía Benedictina de Santo Domingo y a su padre Abad, Lorenzo Maté, al comisario de la exposición, Javier Pérez Segura, al equipo del Estudio Gabarrón y en especial a Irene Cerrón, al traductor, John Ellis, al fotógrafo, Gabriel Giordano, al diseñador, Pepe Reina y a Pictografía.

Este libro se terminó de imprimir el 29 de septiembre de 2017 en los talleres de Pictografía en Murcia.

En este día de 1571 nació el pintor italiano Michelangelo da Caravaggio.

This book was printed on September 29th, 2017 in the Pictografía workshop in Murcia (Spain). On that same day in 1571, was born the Italian painter Michelangelo da Caravaggio.