Número 113 Febrero 2025
Precio: $69 mxn
El poder de las obras maestras TIEMPO DE EXCELENCIA
ESPECIAL ARTE
N ORMAN F OSTER
EL TALENTO
CREATIVO
EL VALOR DE LA ELEGANCIA
EL TALENTO CREATIVO
““EL ARTE ES EL ALMA DE LA GENTE”, así lo define el creador afroamericano Romare Bearden. Sin duda es un privilegio desde la revista Gentleman poder realizar una edición donde recorremos la creatividad en sus múltiples formas. Este número es una ventana a la diversidad, al talento humano y también a las emociones.
Como dice Jorge Pérez, fundador del museo del mismo nombre, con sede en Miami, y coleccionista, “el arte nos hace mejores personas”. Las obras contemporáneas nos ayudan a desafiar convicciones y nos hacen más tolerantes.
Así, a nuestra portada llega uno de los grandes talentos del siglo, el arquitecto Norman Foster, sin duda uno de los grandes nombres de la cultura. Con sus obras ha cambiado la silueta de ciudades como Londres, Berlín o Madrid. No se le limita a crear grandes edificios, aeropuertos o museos, también es curador de exposiciones y su propia casa es un templo de arte. Su compañera de vida, la española Elena Ochoa, creó la editorial Ivorypress, con la elaboración de libros de artistas. El arte rodea su vida. “
En esta edición recorremos algunas de las grandes exposiciones y citas que los amantes del arte tienen. Zazil Barba, artista y una de las fundadoras del Salón ACME, nos cuenta con motivo de su 12 aniversario la propuesta de esta plataforma.
Pero Salón ACME ha logrado romper con esa idea y “construir un espacio en que cualquiera puede sentirse bienvenidx”, y añade: “Desde su primera edición, Salón ACME se planteó como algo más que una feria; quería ser una plataforma. Y no cualquier plataforma, sino una que le diera voz y espacio a artistas emergentes que muchas veces quedan fuera de los circuitos tradicionales”. Este año, más de 1, 600 artistas enviaron su trabajo. Una prueba de la vitalidad creativa de México. En otro sentido, pero sobre el mismo tema, ZsonaMaco en su 21 edición confirma que
ya es la plataforma de arte, diseño y fotografía más importante de América Latina, se presentan 132 galerías de arte de 27 países. Durante una semana, México será la capital mundial del arte y lo celebramos. Gentleman estará presente en este evento tan destacado. La ciudad además de ZsonaMaco vivirá numerosas inauguraciones y eventos paralelos, entre los que destacamos en esta edición la apertura de la exposición del artista Gabriel Orozco que reaparece después de casi veinte años en el Jumex con una muestra de más de 300 obras. Una nueva mirada sobre objetos cotidianos es la propuesta de Orozco, que también es un artista de espacios públicos como acabamos de ver en el Bosque de Chapultepec, donde cultura y naturaleza se dan la mano.
Asturiano, pero crecido en México, Juan Antonio Pérez Simón ha creado una de las mejores colecciones de arte del mundo, donde se reflejan diversos siglos de la pintura. Acaba de exponer en Madrid casi un centenar de sus obras, pero su colección la componen más de 4000 piezas una verdadera antología del arte que pronto albergarán un museo nuevo en Madrid. Aquí va un avance de la colección.
Otra gran ciudad, Nueva York, ha sido el escenario de la semana de alta relojería del grupo LVMH, con novedades de firmas como Hublot, Bulgari, Louis Vuitton o Tiffany&Co. Una semana antes asistimos también en Manhattan al lanzamiento del nuevo modelo de Vacheron Constantin Historiques222 de acero y carátula azul. Con esta pieza la marca inicia los fastos de la celebración de su 270 aniversario, cerca de tres siglos de búsqueda de la excelencia. Terminamos lcon un homenaje a otro genio, David Lynch, que como los grandes talentos creativos nos cambia la mirada. Nos invita a no mirar el agujero sino el borde de la dona, el lado tentador de la vida. Bienvenidos a Gentleman.
Javier Fernández de Angulo director editorial
Norman Foster el visionario arquitecto promueve el pensamiento interdisciplinario a través de Norman FosterFoundation.
EL TALENTO CREATIVO
““EL ARTE ES EL ALMA DE LA GENTE”, así lo define el creador afroamericano Romare Bearden. Sin duda es un privilegio desde la revista Gentleman poder realizar una edición donde recorremos la creatividad en sus múltiples formas. Este número es una ventana a la diversidad, al talento humano y también a las emociones.
Como dice Jorge Pérez, fundador del museo del mismo nombre, con sede en Miami, y coleccionista, “el arte nos hace mejores personas”. Las obras contemporáneas nos ayudan a desafiar convicciones y nos hacen más tolerantes.
Así, a nuestra portada llega uno de los grandes talentos del siglo, el arquitecto Norman Foster, sin duda uno de los grandes nombres de la cultura. Con sus obras ha cambiado la silueta de ciudades como Londres, Berlín o Madrid. No se le limita a crear grandes edificios, aeropuertos o museos, también es curador de exposiciones y su propia casa es un templo de arte. Su compañera de vida, la española Elena Ochoa, creó la editorial Ivorypress, con la elaboración de libros de artistas. El arte rodea su vida.
En esta edición recorremos algunas de las grandes exposiciones y citas que los amantes del arte tienen. Zazil Barba, artista y una de las fundadoras del Salón ACME, nos cuenta con motivo de su 12 aniversario la propuesta de esta plataforma.
Pero Salón ACME ha logrado romper con esa idea y “construir un espacio en que cualquiera puede sentirse bienvenidx”, y añade: “Desde su primera edición, Salón ACME se planteó como algo más que una feria; quería ser una plataforma. Y no cualquier plataforma, sino una que le diera voz y espacio a artistas emergentes que muchas veces quedan fuera de los circuitos tradicionales”. Este año, más de 1, 600 artistas enviaron su trabajo. Una prueba de la vitalidad creativa de México. En otro sentido, pero sobre el mismo tema, ZsonaMaco en su 21 edición confirma que
ya es la plataforma de arte, diseño y fotografía más importante de América Latina, se presentan 132 galerías de arte de 27 países. Durante una semana, México será la capital mundial del arte y lo celebramos. Gentleman estará presente en este evento tan destacado. La ciudad además de ZsonaMaco vivirá numerosas inauguraciones y eventos paralelos, entre los que destacamos en esta edición la apertura de la exposición del artista Gabriel Orozco que reaparece después de casi veinte años en el Jumex con una muestra de más de 300 obras. Una nueva mirada sobre objetos cotidianos es la propuesta de Orozco, que también es un artista de espacios públicos como acabamos de ver en el Bosque de Chapultepec, donde cultura y naturaleza se dan la mano.
Asturiano, pero crecido en México, Juan Antonio Pérez Simón ha creado una de las mejores colecciones de arte del mundo, donde se reflejan diversos siglos de la pintura. Acaba de exponer en Madrid casi un centenar de sus obras, pero su colección la componen más de 4000 piezas una verdadera antología del arte que pronto albergarán un museo nuevo en Madrid. Aquí va un avance de la colección.
Otra gran ciudad, Nueva York, ha sido el escenario de la semana de alta relojería del grupo LVMH, con novedades de firmas como Hublot, Bulgari, Louis Vuitton o Tiffany&Co. Una semana antes asistimos también en Manhattan al lanzamiento del nuevo modelo de Vacheron Constantin Historiques222 de acero y carátula azul. Con esta pieza la marca inicia los fastos de la celebración de su 270 aniversario, cerca de tres siglos de búsqueda de la excelencia. Terminamos lcon un homenaje a otro genio, David Lynch, que como los grandes talentos creativos nos cambia la mirada. Nos invita a no mirar el agujero sino el borde de la dona, el lado tentador de la vida. Bienvenidos a Gentleman.
Javier Fernández de Angulo director editorial
Norman Foster el visionario arquitecto promueve el pensamiento interdisciplinario a través de la Norman Foster Foundation.
PORTADA MX
3 GABRIEL RICO
Objetos de reflexión
Texto Javier Fernández de Angulo
G-MANÍA
12 Lo que debes tener
NOMBRES PROPIOS
24 GABRIEL OROZCO
El arte, el juego y el objeto
Texto Javier Fernández de Angulo
26 SEBASTIAN MUÑOZ
Del green a la Luna
Texto Javier Fernández de Angulo
28 IVAN ESPINOZA
Del green a la Luna
Texto Javier Fernández de Angulo
30 GUILLERMO NOGAL
Tiempo de experiencias únicas
Texto Javier Fernández de Angulo
32 JUAN ANTONIO PÉREZ SIMÓN
Antología de obras únicas
Texto Javier Fernández de Angulo
PORTADAS
36 El genio sensato NORMAN FOSTER
Texto Mario Canal
40 Una estrella azul VACHERON CONSTANTIN
HISTORIQUES 222
Texto Javier Fernéndez de Ángulo
ESPECIAL ARTE
44 Constelaciones del arte
Texto Roberta Olcese
48 La creatividad de Elsa
Texto Cristina Cimato
52 A la italiana
Texto Roberta Olcese
56 Siluetas en movimiento
Texto Cristina Cimato
58 La gran cita del arte
Texto Javier Fernández de Angulo
MOTOR
60 Regresa la leyenda
Texto Juan Carlos Gutiérrez MODA
62 Iconos de la elegancia
Texto Gioia Carozzi
70 Cocktail á porter
Texto Stefano Spinetta
RELOJES
74 Los clásicos se reinventan
Texto Ricardo Balbontín
76 La transparencia del tiempo
Texto Izaskun Esquinca
VIAJES
78 Una tribuna en el Bósforo
Texto Javier Fernández de Ángulo LA ÚLTIMA…
80 David Lynch
Texto Javier Fernández de Angulo
PRESIDENTE
Juan Carlos Revuelta
DIRECTOR EDITORIAL
Javier Fernández de Angulo jangulo@gentleman -mx.com
DIRECTOR DE ARTE
Rubén Bruque rbruque@gentleman-mx.com
EDITOR ADJUNTO
Izaskun Esquinca Hernández iesquinca@gentleman-mx.com
EDITORA DE FOTOGRAFÍA
Julie Turcas
COORDINADOR WEB Y COMMUNITY MANAGER
Juan Carlos Gutiérrez jcgutierrez@gentleman-mx.com
DIRECTOR DE ADMINISTRACIÓN
Jaime Alberto Briseño jbriseno@gentleman-mx.com
| COLABORADORES |
Zazil Barba, Mario Canal, Gioia Carozzi, Cristina Cimato, Manuela D´ Andrea, Paola Lazcano, Roberta Olcese, Stefano Spinetta.
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GERENTE COMERCIAL
Magaly Martínez 55 22 99 48 79 mmartinez@gentleman-mx.com
| EDITA LAR MEDIA | PRESIDENTE
Santiago Rodríguez
OFICINAS
Lago Andrómaco 53. Torre Neuchatel D-501. Col. Granada 11529 CDMX
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COLABORADORES
Zazil Barba
Estudió medios audiovisuales en el Centro de Arte Audiovisual de Guadalajara. Forma parte del equipo de ACME y su trabajo ofrece una reflexión sobre lo cotidiano. Promotora del arte y su propia obra, desde espacios culturales, su trabajo de divulgación ayuda a impulsar el arte contemporáneo. Nos ofrece su punto de vista sobre la Feria de Arte ACME.
Obra: La mirada de la artista, Julieta Gil.
Gabriel Orozco
Su exposición en el museo Jumex es todo un acontecimiento. Una antología. En “Politécnico Nacional”, los espacios del Museo Jumex muestran cómo las primeras obras del artista se relacionan con sus proyectos más recientes y explora el vínculo entre el arte y el mundo de los objetos cotidianos que habita. El artista comparte este recorrido único por su creación.
Obra: Auto tiburón.
Gabriel Rico
Artista de Guadalajara cuya obra ya es universal. Emplea diferentes técnicas, muchas relacionadas con la artesanía, como los telares o la cerámica, en esta edición nos comparte sus exposiciones más recientes en la Ciudad de México con OMR y en Guadalajara. Las metáforas y el humor forman parte de su mirada artística que une creación y filosofía.
Obra: Salchichas de cerámica.
Juan Antonio Pérez Simón
Nos ha mostrado 70 de sus más de 4 mil obras, y no deja de asombrar su criterio para elegir obras que permiten un recorrido completo por la historia de la pintura. Desde el Greco hasta el arte contemporáneo la colección que Pérez Simón ha presentado en Madrid es solo el aperitivo de un museo que se unirá a instituciones como el Prado o el Reina Sofía para hacer de Madrid la mejor pinacoteca del mundo. Nos contagia su pasión por el arte.
Obra: Julio Romero de Torres.
ITALIA
Todo lo mejor de las tendencias para ellas.
ESPAÑA
Javier Rey Revela sus nuevos proyectos para 2025.
FRENCH GRAFFITI
LA EDICIÓN ESPECIAL DE LA AÑADA 2015 DE DOM PÉRIGNON RINDE HOMENAJE A JEAN-MICHEL BASQUIAT, EL GENIO REBELDE DEL ARTE DEL GRAFFITI, QUE MEZCLÓ DIFERENTES MEDIOS Y CÓDIGOS COMO EN CUALQUIER ENSAMBLAJE PERFECTO
TEXTO GIULIANA DI PAOLA
Uno de los champagnes más nobles tiene una debilidad por la cultura pop. De hecho, desde hace tres décadas, Dom Pérignon ha dialogado con los iconos culturales más mainstream. Comenzó con la añada 2000, dedicada al káiser de la moda Karl Lagerfeld, y siguió con estrellas de la música como Lenny Kravitz y Lady Gaga. Sin embargo, lo que siempre ha funcionado mejor ha sido la combinación con las artes visuales, que empezó, como no podría ser de otra manera, con el homenaje al padre del pop art, Andy Warhol. Luego vino la colaboración con Jeff Koons, el artista que otorgó estatus de museo al kitsch, y ahora le toca el turno al genio rebelde del graffiti.
Este año, el escudo de Dom Pérignon se superpone a la corona estilizada de
Jean-Michel Basquiat, dos poderosos símbolos que se unen para una edición limitada que hace un guiño a los coleccionistas italianos. La serie que alberga la añada 2015 está formada por tres cajas, las cuales representan, cada una, un semento de uno de los cuadros más famosos y enigmáticos del artista: In Italian (1983). La pintura, realizada en el apogeo de su carrera, poco antes de su
Dom Pérignon 2015, homenaje a JeanMichel Basquiat con una serie de tres botellas: amarilla (en la foto), verde y azul, inspiradas en el lienzo In Italian (1983).
muerte a los 27 años, en 1988, tiene muchos escritos, algunos en latín, pero ninguno en italiano. Aquí se encuentran muchos de los rasgos estilísticos clásicos del artista, como la expresión “corona de espinas” y los campos de color típicos del graffiti, dominados aquí por el amarillo, azul y verde, los mismos colores que luego aparecen en las tres etiquetas. La combinación de medios muy diferentes es la firma estilística de Basquiat, cuyos lienzos están cubiertos de escritos, tachaduras, números y letras, fechas y símbolos, logotipos y códigos, todo ello mezclado de manera tan armoniosa como críptica. Obras caracterizadas por una complejidad cuyo secreto reside enteramente en el ensamblaje, al igual que en el arte del chef de los caves, Vincent Chaperon.
FRAGANCIAS
ABRAZOS OLFATIVOS
PARA COMBATIR LA TRISTEZA INVERNAL, OCHO FRAGANCIAS SENSUALES, CON NOTAS ORIENTALES, PARA DAR CALOR INVERNAL.
TEXTO MARZIA NICOLINI
“CADA PALABRA TIENE SU PROPIO OLOR: HAY
Y UNA DESARMONÍA DE LOS OLORES Y, POR LO TANTO, DE LAS PALABRAS”.
FRIEDRICH NIETZSCHE
1. Bois Corsé by Diptyque: café negro y haba tonka (100 ml). 2. Izia La Nuit de Sisley Paris: amaderada y chipre (100 ml). 3. Dormir Al Sol di Frassai: cítricos y pimienta (50 ml). 4. Orquídea blanca para Chloé’s Orchidée de Minuit (150 ml). 5. Golden Amber de Floris con pachulí (100 ml). 6. Petitgrain para XXI Art Deco de Clive Christian (50 ml). 7. Myrrh & Tonka de Jo Malone (100 ml).
A medida que los días se vuelven más oscuros y fríos, es el momento perfecto para sumergirse en fragancias que reconfortan y calientan los sentidos, proporcionando un efecto inmediato de confort. Los aromas de la temporada otoño-invierno evocan momentos de intimidad e indulgencia transformándose en auténticos abrazos olfativos.
Este efecto tranquilizador suele ser provocado por las notas amaderadas, desde el cedro hasta el sándalo, capaces de hacer evocar el calor de una chimenea. Cuando las notas almizcladas y empolvadas se suman, se crea una sensación de suavidad, como si de repente la piel se abrigara con un cálido suéter de cashmere.
No es raro que los perfumes de “abrazo” incluyan ingredientes orientales como el ámbar, la mirra y el incienso, que aportan misterio y sensualidad a la fragancia. Aquellos que busquen un toque de dulzura extra encontrarán consuelo en las notas golosas, como la vainilla, el caramelo y el cacao. Cuando se trata de elegir un perfume que brinde ese calor especial, es ideal optar por un eau de parfum, colonias intensas o extraits, ya que tienen una fuerte persistencia y un corazón rico y sensual. El consejo es aplicar el perfume en los puntos de pulso, como las muñecas y el cuello, donde el calor corporal intensifica las notas de la fragancia. Así, la tristeza invernal se combate con el abrazo de un aroma envolvente.
Capa de cahmere y bolso Fiamma.
de sol. Dolce&Gabbana.
Pulsera Blossoms en plata. Buccellati.
TONO BURDEOS
SOFISTICADO Y SENSACIONAL: NUESTRA PROPUESTA A COLOR DEL LUJO PARA 2025.
TEXTO GIOIA CAROZZI
Símbolo de empoderamiento femenino. Pero también de elegancia atemporal. Es el color de la región vinícola francesa, el inevitable en los uniformes de los colegios suizos, el favorito de los señores adinerados durante generaciones. Y, esta temporada, también está en los hit-bags de Gucci y Ferragamo, en los vestidos tubo de Saint Laurent y Valentino, en los labiales de Hermès, las joyas de Buccellati e incluso en el nuevo Aston Martin Vanquish. Úsalo como te plazca.
Blazer con botón lateral. The Row. Cruzado con seis botones de terciopelo. Etro.
Gafas
Ferragamo.
Sombrero de fieltro. Borsalino.
Vestido capa de cady en seda. Valentino Garavani.
Rouge Hermès, edición limitada, Hermès.
Vestido de tubo con bordados y lazos de raso. Prada.
Vestido de seda. Saint Laurent.
Pump BB 90 en fieltro de lana. Manolo Blahnik.
Bolso bandolera de piel Jackie. Gucci.
El nuevo Aston Martin Vanquish, con motor V-12.
, F r e d e r i q u e C o n s t a n t s o n m a r c a s r e g i s t r a d a s . 2 0 2 5 F r e d e r i q u e C o n s t a n t , F C3 9 1 S G R 4 N H 6
NO PERDER EL TIEMPO
LAS SUBASTAS DE RELOJES SE HAN VUELTO EL TERMÓMETRO PARA AUMENTAR EL VALOR DE UN RELOJ. AQUÍ ALGUNOS EJEMPLOS.
TEXTO ROBERTA OLCESE
El tic-tac de las manecillas es una atracción irresistible para los entusiastas, y las subastas especializadas en relojes continúan ganando popularidad. A continuación, presentamos las mejores citas para regalarte a ti mismo o a alguien más. El pasado diciembre, la sede monegasca de Wannenes ofreció una selección de 120 relojes provenientes de colecciones privadas. Entre los lotes más destacados, se encontraba el Audemars Piguet Royal Oak Jumbo de acero de 1993, conocido como Jubilee, creado para conmemorar el 20º aniversario del modelo en una edición limitada de mil piezas y que logró un precio final de 279,400 euros, algo así como seis millones de pesos. Otra casa de subastas, Il Ponte Casa d’Aste, organizó una subasta en Milán
Patek Philippe Ref. 5270P001 cronógrafo con calendario perpetuo, de 2018.
ES HORA DE GANARLOS
A la izquierda, el Rolex 6239 Paul Newman. Un modelo de este reloj se subastó en la casa Cambi por alrededor de 600 mil pesos.
De subasta en subasta, propuestas para todas las muñecas
Esfera Patek Philippe Nautilus oro amarillo dorado, Ref 3700.
En Montecarlo, Audemars Piguet Royal Oak en alta mar Fly Back, 2013.
Patek Philippe Tegolino Ref. 425 Tile, con esfera bitono.
Omega Speedmaster Professional Albino, n.º 2 de la serie, con esfera blanca.
con más de 130 piezas, entre las cuales destacó el Omega Speedmaster Professional Albino, número 2 de 500 unidades fabricadas para el mercado italiano en 1997, con carátula blanca, un detalle altamente buscado por los coleccionistas. Su precio de salida fue de 15/20 mil euros, unos 300/400 mil pesos. Por otro lado, la casa de subastas Pandolfini, bajo la Madonnina del Duomo de Milán, presentó lo mejor de colecciones privadas. Entre los lotes más interesantes se encontraba un Rolex Daytona de acero de 1999 con carátula negra, cuyo rango de estimación era de 14/25 mil euros (280/500 mil pesos), y un Patek Philippe con caja de platino, cronógrafo y calendario perpetuo de 2018, con una estimación entre 120 y 180 mil euros (entre 2.4 y 3.6 millones de pesos). Por otro lado. Finarte subastó 200 modelos de grandes marcas de alta relojería, junto con una propuesta de piezas vintage, neo-vintage y modernas. Finalmente mencionar a la casa Cambi, que presentó entre sus mejores lotes una edición especial del Rolex Explorer A.C. Milan 2007, limitada a 150 piezas encargadas por Silvio Berlusconi (estimación de 30 mil euros, unos 600 mil pesos), un Rolex 6239 Paul Newman y un raro Patek Philippe 5065 con carátula Prototype blanca (40 mil euros, unos 800 mil pesos).
EL SALÓN DE LOS EMERGENTES
DESDE HACE DOCE AÑOS, SALÓN ACME HA TENIDO COMO MISIÓN DAR VISIBILIDAD A NUEVOS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS. EN ESTA RECIENTE EDICIÓN, VERACRUZ ES EL ESTADO INVITADO.
TEXTO ZAZIL BARBA*
Hoy en día, Salón ACME es una de las ferias de arte contemporáneo más relevantes a nivel nacional e internacional. Se celebra anualmente en la Ciudad de México durante la semana del arte (6 al 9 de Febrero 2025), atrayendo a más de 17 mil visitantes y exhibiendo el trabajo de más de 300 artistas de diversos contextos y trayectorias. ACME se ha convertido en una plataforma clave para artistas emergentes y el desarrollo del coleccionismo.
Desde su creación, el Salón buscó innovar en la promoción de artistas jóvenes, que no necesariamente contaban con los contactos o los recursos para acceder a las grandes ferias de arte. Así surgió la Convocatoria Abierta, eje central del proyecto, donde un Consejo Curatorial que cambia cada año, selecciona obras de entre cientos de postulantes nacionales e internacionales. Además, se creó la sección de estado Invitado, que explora el trabajo de artistas
y curadores de regiones específicas de México, contribuyendo a descentralizar los contenidos de la feria. Con el tiempo, Salón ACME se ha consolidado y transformado en un evento multidisciplinario con diversas secciones, conformado por exposiciones curadas, obras de gran formato, galerías jóvenes, proyectos autogestivos, programas de charlas y performances, selecciones editoriales, muestras culinarias y propuestas musicales.
En su 12ª edición, que se celebrará este 2025, Salón ACME destaca varias iniciativas: La Convocatoria Abierta, de entre 1 600 aplicaciones recibidas, exhibirá la obra de más de 70 artistas de todo el mundo. Veracruz será el estado Invitado, con la curaduría de Rafael Toriz, quien presenta “Contornos de una barca alucinada”, una muestra articulada como un fandango que busca dar cuenta de la riqueza y pluralidad de la escena artística de la región.
Salón ACME se realiza del 6 al 9 de Febrero en Gral. Prim núm. 30, col. Juárez. y reunirá a alrededor de 300 artistas contemporáneos.
La sección de Proyectos contará con la participación de más de 25 galerías internacionales, mientras que Bodega, curada por Enrique Giner de los Ríos, explorará la vida cotidiana y la poética del hogar con la muestra “Yendo de la cama al living”. Por su parte, la sección de Patio presenta una propuesta de Julieta Gil, artista que aborda cómo las estructuras de poder se manifiestan en el espacio público. Usando técnicas digitales y analógicas, Gil analiza monumentos y arquitecturas públicas, creando piezas que cuestionan las narrativas hegemónicas, incorporando temas de feminismo, memoria y tecnología. Salón ACME sigue siendo una referencia para la diversidad y la innovación en las formas de mostrar, promover y comercializar el arte contemporáneo.
*Co-fundadora de Salón ACME y artista. Su trabajo se desarrolla alrededor de la exploración y resignificación de lo cotidiano.
GENTLEMAN SE DISTRIBUYE A NIVEL NACIONAL: EN LOS PRINCIPALES PUNTOS DE VENTA GRACIAS A NUESTRA ALIANZA CON EL DIARIO EXCELSIOR. ENCUÉNTRANOS EN LOCALES CERRADOS, AEROPUERTOS, QUIOSCOS, ÁREAS VIP Y ZONAS DE ALTO NIVEL ADQUISITIVO.
gentleman.com.mx
CAMPANAS DE LUZ. Lámparas colgantes Chime, de Alexander Lamont
ASIENTO SINUOSO. Continuum, de Gio Ponti para Heritage Molteni&C.
AÑOS 20. Melvil, de Désirée, es el homenaje de Marc Sadler al estilo Bauhaus.
HECHO A MANO. La alfombra degradada Stripes Party, de G.T. Design.
MENOS ES MÁS
TEXTURAS SUAVES Y FORMAS ACOGEDORAS PARA ACCESORIOS DE DECORACIÓN CON UN ESTILO ESENCIAL Y ATEMPORAL, DONDE LA COMODIDAD Y EL ESTILO SE DESPOJAN DE TODO LO SUPERFLUO
TEXTO ALESSANDRA ORISTANO
A LA MEDIDA. Florius, de Antonio Citterio para Maxalto, con chasis de madera y acabado en goma laca y cojines de tela.
MATERIAL. El Banco Brera, de Poltrona Frau, en piel Frau, es una mezcla de tonos cálidos y fríos.
HORSE SHOW Porcelana de temática ecuestre de Hermès
SONIDO ESCULTÓRICO. Altavoz Beosound Balance con base de mármol, de Bang & Olufsen Atelier.
ÍCONO POP. Morphologica, de Misha Kah para Meritalia
MODULAR. Albarese, de Piero Lissoni para De Padua
RELOJ DE ARENA. Serie Floyd en vidrio soplado, de Henge con Venini.
JUEGO DE VOLÚMENES. El mueble de almacenaje de Alessandro Mendini para Porro
FOLLAJE. Tonos quemados para el papel pintado, de Spaghetti Wall.
TABLEWARE. Bandeja de mármol y metal Irish Green, de Antolini
SURREALISTA. Broken Mirror Almost White, de Gufram
INVIERNO CÁLIDO. Sillón pico de roble y lana de cordero, de Carl Hansen & Søn.
INTERIOR. Escritorio Lorenzo en madera y mimbre, de Francis Sultana para Bonacina
ESPECTADORES. En cristal impreso con retroiluminación LED, de Mimmo Paladino.
REVOLUCIONARIO. Cavour CM con patas de nogal y tapa de cristal, de Carlo Mollino para Zanotta
NOMBRES PROPIOS
GABRIEL OROZCO ARTISTA
El arte, el juego y el objeto
DESDE EL 2006 ESTA ES LA PRIMERA EXPOSICIÓN DEL AUTOR EN UN MUSEO DE MÉXICO. SE PRESENTA
BAJO EL TÍTULO “POLITÉCNICO NACIONAL”. Y ESTARÁ EXPUESTA HASTA EL MES DE AGOSTO.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO RETRATO ANA HOP
LA LLEGADA de la exposicion de Gabriel Orozco al Museo Jumex es todo un acontecimiento cultural, tanto por el tiempo transcurrido en que el creador mexicano no exponía de manera monográfica como por la envergadura de la muestra que se une a sus creaciones en el parque de Chapultepec. Es el artista más internacional de México.
Gabriel Orozco (Xalapa, Veracruz, 1962) es sin duda una figura clave del arte contemporáneo mexicano y universal. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1981-1984) y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1986-1987). Ha realizado numerosas exposiciones individuales en todo el mundo, incluida su gran retrospectiva en el Museo del Palacio de Bellas Artes de México (2006). La exposición Politécnico Nacional mostrará la versatilidad de un artista que trabaja en diferentes terrenos y reinterpreta objetos cotidianos a los que da una lectura única y genuina.
La muestra presenta obras de escultura, pintura, fotografía, dibujo e instalación, además de sus proyectos de arquitectura y sus diseños para jardines, parques y puentes. En total podremos ver una auténtica antología del autor con más de 300 obras. Algunas muy icónicas del autor como Cuatro Bicicletas, Dark Wave, o la DS. Para la exposición, se presentará una nueva versión al aire libre de su obra Ping Pong Table (1998), en la plaza del Museo Jumex. Un versión lúdica y creativa del tradicional juego. El público podrá jugar con esta pieza que presenta dos mesas de pingpong cortadas y dispuestas alrededor de un
estanque artificial. Esta es una de las muchas obras basadas en juegos que se exhibirán en esta muestra, y da cuenta del prolongado interés del artista en la idea de la escultura en el ámbito público. El plan maestro de Orozco para el Bosque de Chapultepec, incluyendo su Calzada flotante (2023), es hasta la fecha su proyecto público más ambicioso, transformando el uso de un paisaje en el corazón de la Ciudad de México. Recientemente el artista invita a colegas, curadores y galeristas a atravesar la calzada flotante que diseño para unir dos de las secciones del bosque urbano.
GABRIEL
La obra pública siempre ha sido parte del interés de Gabriel Orozco y veremos algunas de sus creaciones y proyectos monumentales. Orozco es un artista que se adapta a su entorno y propone ideas nuevas en diferentes espacios. La curaduría de esta exposición corre a cargo de uno de los mejores especialistas en su obra, Briony Fer, quien durante más de dos décadas ha sido una de las principales interlocutoras e investigadoras de la obra de Orozco. Fer es profesora de Historia del arte en la University College London y miembro
de la British Academy. Las obras expuestas comprenden varias piezas de la Colección Jumex, así como préstamos de 36 instituciones y colecciones privadas de América, Europa y Asia, al igual que las del propio artista. En la exposición se verá cómo el artista ha desarrollado múltiples técnicas y estrategias a lo largo de una importante carrera que comenzó a principios de la década de 1990. El museo destaca de esta exposición que “al observar toda su obra, se puede notar cómo muchos de los intereses que desarrolló como joven artista siguen motivando su práctica hoy en día. Por ejemplo, desde sus comienzos se interesó en los juegos, tanto reales como imaginarios, especialmente en la relación precaria entre las reglas del juego y los efectos del azar. La importancia de hacer un movimiento en un juego –e imaginar el arte como una serie de movimientos o jugadas que llevarán en direcciones impredecibles” continúa impulsando su trabajo. Orozco también ha interrogado siempre la relación del arte con la naturaleza y el planeta. En su vocabulario, las “constelaciones” no sólo son parte de un sistema planetario, sino que se aplican a agrupaciones de objetos reales en el tiempo y el espacio”. El Museo Centro Pompidou le dedicó una gran exposición y así definió su obra, “Gabriel Orozco se impuso a partir del comienzo de la década de 1990 como uno de los artistas más importantes de su generación. En desplazamiento constante, sin taller fijo, rechaza las identificaciones nacionales o regionales, y extrae su inspiración de los diferentes lugares en los que vive o viaja. Su trabajo se caracteriza por un profundo interés por los elementos del paisaje urbano y del
Willy Bárcenas y Antón Carreño, miembros del grupo
cuerpo humano. Los incidentes del día a día y de lo habitual, cuya poesía es la del azar y de la paradoja, nutren su trabajo”.
En “Politécnico Nacional” los espacios del Museo Jumex ofrecen múltiples miradas y se puede apreciar de manera global las diferentes etapas del creador, vemos la unión entre el arte y el mundo de los objetos cotidianos. Aire, tierra y agua también participan de su obra e inspiración. “Esta esperada exposición de Gabriel Orozco nos recuerda
el profundo impacto que ha tenido el artista, no sólo en México, sino en la escena artística mundial”, dijo Eugenio López, presidente de la Fundación Jumex. “Su capacidad para desafiar nuestra comprensión del arte “ya sea a través de esculturas sutiles o proyectos monumentales” no deja de sorprendernos y mantenernos cautivados. La obra de Orozco trasciende fronteras y es un honor compartir con el público este variado conjunto de obras”.
Gabriel Orozco, no exponia en un museo desde 2006. La reciente muestra en el Museo Jumex reúne alrededor de 300 piezas.
NOMBRES PROPIOS
SEBASTIÁN MUÑOZ
GOLFISTA
Del green a la Luna
EN EL MARCO DE LA PRIMERA EDICIÓN DEL OMEGA TROPHY EN MÉXICO, PLATICAMOS CON UNA DE LAS GRANDES ESTRELLAS DE GOLF INTERNACIONAL, AMIGO DE OMEGA.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO FOTOGRAFÍA CORTESÍA DE LA MARCA
LA RELACIÓN entre Omega y el golf es un recorrido de éxito, con la precisión como protagonista. La firma da un nuevo impulso a este deporte con la primera edición de Omega Trophy que se realizó en la Ciudad de México con la participación de 70 jugadores. Alto nivel y deportividad. Antes del inicio del torneo tuvimos el honor de recorrer el campo del Club de Golf Chapultepec y recibir una clínica de golf del maestro Sebastián Muñoz, amigo de la marca, quien comparte de manera contagiosa su pasión por este deporte.
“Muy feliz con mi alianza y mi respaldo con Omega, estoy contento de poder compartir mis conocimientos y fundamentos de golf, que puede ser un deporte complejo, pero a medida que te acercas y ves las posturas, cómo se sujetar el palo, lo practicas… te va seduciendo”.
Un día soleado acompañó a las lecciones de Sebastián, quien se siente contento en nuestro país, “México ha hecho grandes avances golfísticos en los últimos años, de no tener a nadie en el PGA Tour a tener cuatro representantes, también en el mundo amateur, tienen un programa muy estimulante y están dando ejemplo a toda Latinoamérica, en mi experiencia me encanta México, el picante, los taquitos, la vida social, pasear por Reforma, me gusta pasar tiempo en este país”, se sincera.
Como se suele decir, se inició a temprana edad en el deporte. Empezó a jugar al golf desde los dos años, “sí, yo arranqué desde muy pequeño, tengo videos jugando ya con bastones de plástico, y bolas de papel, jugando en pañales. Al principio jugaba para
acompañar a mi papá. Con el tiempo vi que tenía identidad competitiva, que era bueno, se me daba bien y quería llegar a algo grande. A los 18 años me voy a Texas, estudio administración de empresas, me graduó y me hago profesional del golf. El mexicano Carlos Ortiz me animó mucho a dar ese paso y al final he conseguido cosas más allá de lo que soñé”, nos relata agradecido.
Ahora está haciendo cambios en su swing, con un mínimo de dos horas al día de entrenamiento, y quiere seguir empujando su técnica “para ver cuál es límite”, subraya.
“SABER QUE
ESTE RELOJ
ESTUVO
EN
LA LUNA ME INSPIRA, E INVITA A LO QUE SÉ HACER Y ASÍ LLEGAR MUY LEJOS”.
Nos relata su gran relación con la firma relojera como amigo de Omega, “llevo cinco años con ellos muy contento, me siento muy identificado con su profesionalismo, su equipo, sus relojes, sus productos, su valor por la excelencia y la precisión”.
Mientras hablamos, ha dejado por unos momentos los hierros y las maderas, me muestra su reloj, un Speedmaster Moonwatch en cristal acrílico, en lugar de
zafiro, “tiene aire vintage, es muy elegante y me gusta mucho”. Señala muy orgulloso con el llamado reloj eterno. Y destaca, “el reloj y el golf tienen muchos elementos comunes, un reloj son muchos componentes que deben estar sincronizados, a la hora de un trabajo de precisión. En el golf igual, si hay algo que está fuera de orden en el movimiento, va a dar error. Todos tus gestos corporales deben estar sincronizados, cuándo moverse para generar el impacto deseado”.
Nos habla de los dos tours de competición que vive el deporte, “el golf profesional está dividido en este momento, está el PGA Tour que era el clásico, pero nació una nueva liga, LIV Golf, en el que todas las estrellas van a jugar todas las semanas. A la mayoría de profesionales nos benefició, porque tuvimos el doble de actividad. Torneos de equipo y eventos más cortos. El aficionado al golf disfruta del espectáculo, son tiempos de cambio, y yo estoy feliz, en el calendario tengo al año unos 17 torneos, unas 20 semanas. Ahora somos un grupo latino que buscamos más prestigio, hay una hermandad, de crecimiento humano y deportivo, es un trabajo en equipo”.
Cuando cita amigos del circuito y compañeros que aprecia, destaca a Abraham Ancer, David Puig, Jon Rahm, “ahora se hace más trabajo de equipo no tanto de jugadores individuales”. Vive de cerca los cambios del deporte.
Cuando no hay golf le gusta pasear, por ejemplo, durante su paso por Ciudad de México visitó el castillo de Chapultepec. También acaba de recorrer Europa Central, y su agenda le permite grandes viajes.
Hace compatible golf y familia, “ en casa es sencillo, es mi trabajo y mi señora me lo respeta, sabe que es importante el golf para la familia y en algunos torneos me acompañan a destinos como Australia, España China. Nos gusta conocer”. Y confiesa, “mi campo favorito es Shadow Creek en Las Vegas, algo ficticio, es un oasis en el desierto, es una locura, pero es maravilloso y se mantiene muy bien, el nivel de perfección de cada hoyo es asombroso”. Cerca de 40 millones dólares
costó este sueño. Uno de los campos más caros del mundo. La tecnología también llega al deporte de los 18 hoyos, “la inteligencia artificial llega al golf, puede ser interesante, y no me sorprende que me den consejos como una especie de caddy GPT, y que me diga “ tu ángulo no es el adecuado con la mano derecha”, fantasea y se ríe. Su pasión por los relojes le lleva a coleccionar, “tengo el modelo de James Bond 007 el color café, también varios de la línea
Speedmaster, me gusta mucho esa gama, ahora quiero comprar el Speedmaster dorado, para eventos de alto standing”. Sonríe.
La línea Speedmaster Moonwatch le causa mucho respeto, “ la historia de este reloj es muy grande e importante, saber que una copia de este reloj estuvo en la Luna me inspira, y me invita a hacer lo que sé hacer y así puedo llegar muy lejos, con precisión, estilo y excelencia, y eso te da confianza interna”.
NOMBRES PROPIOS
IVÁN ESPINOSA CHIEF PLANNING OFFICER DE INFINITI
Elegir lo extraordinario
CON AUTORIDAD, TECNOLOGÍA, DISEÑO Y POTENCIA LLEGA EL TOTALMENTE NUEVO INFINTI QX80. EL DIRECTOR DE PLANEACIÓN DEL GRUPO NOS CUENTA TODO LO QUE DEBEMOS SABER.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO FOTOGRAFÍA D.R.
ES TODA UNA NOVEDAD en el segmento de las SUV de lujo de gran tamaño, con muchos detalles de diseño y tecnología que asombran. Conversamos con el director de planificación de la firma, Iván Espinosa, quien ha vivido de cerca este lanzamiento y cuenta con más de veinte años de experiencia en el ámbito del motor.
Diseño, potencia, hospitalidad, extraordinario, estas son algunas de las palabras que escuchamos en la presentación de este auto de impacto. Iván destaca la poderosa tecnología, “el sistema de audio, por ejemplo, tiene la burbuja de sonido y si entra alguna llamada puedes elegir que se escuche en todo el auto o que solo tú la escuches. Mientras los asistentes siguen escuchando la música”, y añade, “el nuevo sistema audio Klipsh Reference Premier cuenta con 24 bocinas”, continua con detalles de gran tecnología, por ejemplo, si “llegas a un cruce ciego, la camioneta prende la cámara para que veas el ángulo frontal de 170 grados, Front Wide View”. Iván ha vivido este lanzamiento y nos cuenta cómo siente esta etapa: “Es una nueva era, como hemos señalado, hace un año lanzamos una nueva identidad de marca, y este auto como vehículo insignia ya venía en preparación. Nos dice a dónde queremos llegar, lleno de innovación, atención al detalle, utilizando nuevas tecnologías que anticipan lo que desea el cliente. Hay una palabra que dicen en Japón: omotenashi, que significa hospitalidad, es decir, te adelantas a lo que desea la persona que recibes”. Y ese cordial recibimiento está en
el auto, como explica Espinosa, “las manillas de apertura de puerta, los detalles de confort y temperatura, la luz. Dos valores fundamentales de INFINITI son la hospitalidad, para dar soluciones que se alineen a ese valor, y la otra es la tecnología centrada en lo humano, todo está pensado en la función y utilidad tanto en beneficio del conductor como de los que viajan en el auto, el hombre como centro de la tecnología”, afirma rotundo.
“DOS VALORES FUNDAMENTALES DE INFINITI SON LA HOSPITALIDAD Y LA TECNOLOGÍA CENTRADA EN LO HUMANO”
También destaca la fuerza de su motor, “la potencia es importante, ahora tenemos un motor de 450 caballos, 50 más que en versiones anteriores, y mejoramos el consumo de combustible, con tracción en las cuatro ruedas, seis modos de manejo, desde arena hasta nieve, la dirección, la firmeza de la aceleración que te permite controlar el vehículo según las condiciones”.
El diseño es otra de las cualidades, como los cercos de madera, detalles de ga-
muza, piel de calidad, parrilla inspirada en los bosques de bambú, detalles de diseño, sofisticación y elegancia, la luz Led es de diseño impactante y la que se refleja en el suelo tiene valores culturales con iluminación indirecta que te da la bienvenida. Concluye: “Es el estandarte, quizá el más avanzado que ha creado INFINITI, estamos en la vanguardia de la tecnología, con muchos elementos nuevos como el sensor biométrico de la temperatura y la burbuja de sonido, nos sentimos muy satisfechos, va dirigido a un consumidor muy especial, es para un cliente que sabe lo que compra y busca lo extraordinario, lo único”.
La experiencia al volante es otro de sus valores, “la sensación de manejarlo ofrece muchas posibilidades, a baja velocidad la sensación es muy refinada, muy suave. Con una nueva caja de nueve cambios permite que cuando le exiges al motor muestra su potencia, para los pasajeros es muy cómoda, la piel de los asientos con calefacción, el control de temperatura, el sistema de audio para consentir a los pasajeros, mientras tú disfrutas de la conducción y la suspensión neumática”. Dice orgulloso.
Y finaliza, “es urbano y para trayectos largos; otra cosa importante fue reacomodar la cabina del conductor y como en la tercera fila había poco espacio, buscamos una mayor capacidad de carga y asientos más amplios atrás, es un espacio para adultos en trayectos largos, los ingenieros hicieron un buen trabajo. Muchas asistencias electrónicas como el frenado de emergencia, la tecnología más humana, que te ofrece seguridad y máximo confort”.
Willy Bárcenas y Antón Carreño, miembros del grupo
NOMBRES PROPIOS
GUILLERMO
NOGAL DIRECTOR GLOBAL DE VENTAS PANERAI
Tiempo de experiencias únicas
ES EL RESPONSABLE DE VENTAS PARA LA FIRMA PANERAI, QUE NACIÓ MIRANDO EL MAR Y NO
CESA DE INNOVAR BAJO EL AGUA CON SUS PIEZAS DE BUCEO.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
FOTOGRAFÍA CORTESÍA DE LA MARCA
NOS ENCONTRAMOS en el Salón Internacional Alta Relojería y nos muestra en la penumbra la luz del Luminor Quaranta Carbotech PAM 01526 verde, una de las estrellas del salón. Un reloj de 40 milímetros que lo hace atractivo en nuevos mercados, efecto luminiscente. Con la silueta de la corona protectora tan característica de la firma relojera. Viene de Barcelona de vivir una experiencia Panerai como tripulante del Luna Rossa, para vivir la regata de Copa América, en primera fila. Con naves a 50 nudos volando sobre el mar. Como Patrociandor oficial del Luna Rossa, Panerai creó el Submersible Quaranta Cuatro Luna Rossa de inspiración naútica y el casco de la nave grabado. Muy satisfecho por lo vivido en Barcelona. “Tuve la oportunidad de estar en la experiencia del Luna Rossa Tourbillon con veinte piezas y veinte clientes de todo el mundo para convivir, esta aventura en el mar, coincidió con la inauguración de una boutique en Barcelona con Joyerías Rabat, y disfrutamos de la regatas, hablar con los ingenieros, ver la sede del Luna Rossa, conocer de cerca los barcos y al equipo de Luna Rossa, también a los pilotos, porque no es vela, es un avión, que apenas toca el agua, fue increíble” . Y añade “todo este universo genera mucha inspiración también en materiales y relojes de esta temporada”.
Un día antes se presentó el modelo Submersible Elux LAB ID, que para muchos es el reloj más Panerai, porque habla de las raíces de la firma, “si es una gran pieza, es un reloj con ocho años de desarrollo, cuatro patentes, edición limitada, la luminiscencia que es el ADN de la marca, ahora este reloj la ofrece de manera mecánica durante 30 minutos. Es
un guardatiempos increíble creado de titanio que lo hace muy ligero. El reloj de 49 milímetros para buzos, es grande pero ligero de peso, es un reloj de utilidad. Así nació Panerai como instrumento de navegación y de buceo. Esa vocación no se ha perdido”. Afirma.
Señala con optimismo el éxito de nuestro país en consumo de relojes, “el mercado mexicano está en un momento muy interesante es el mercado número uno de nuestros mercados que más crece, como direc-
“MÉXICO ESTÁ EN CONSTANTE CRECIMIENTO Y POR ESO VAMOS A ABRIR
DOS TIENDAS
ESTE 2025, UNA EN CIUDAD DE MÉXICO Y CANCÚN”.
tor comercial global de Panerai, veo todo lo que se vende en el mundo cada día, para ver cómo funciona cada tienda, se ve que México está en constante crecimiento y por eso vamos a abrir dos tiendas este 2025, una en Masaryk CDMX, y otra en Cancún, un síntoma de que creemos muchísimo en este mercado y su futuro”.
“Tenemos el respaldo, nuestros distribuidores en México conocen el mercado muy bien y eso nos ayuda. Queremos dar el mejor producto y servicio”, dice con orgullo.
Mirando el futuro, reconoce las nuevas tecnologías que se avecinan, como la inteligencia artificial, pero con prudencia, no quiere entrar en riesgo con demasiados datos, pero buscan afinar cada vez más con los gustos del cliente. Nos devela cuál será el nuevo lugar elegido por Panerai para vivir un momento único,
“El próximo destino de experiencia será Bután, un país muy interesante al sur del Tibet, en el borde oriental del Himalaya, es famoso por sus monasterios y fortalezas. No dejan de pasar extranjeros, es un país muy protegido sobre todo en materia de medioambiente, no crean polución y protegen la naturaleza, tienen una huella de carbón positiva, muy comprometidos contra el tabaco y el plástico, y será un privilegio poder ir con un reloj muy interesante, vamos a ir con 30 clientes, nuevos y tradicionales, muchos coleccionistas de Panerai, una oportunidad para que convivan. Siempre estamos buscando innovaciones con patentes y es parte de nuestra identidad, seguiremos con piezas históricas y con grandes novedades con lo último del mercado, en materiales y diseños. ”
Además, subraya la vocación de sostenibilidad de la firma, “siendo una marca que viene del mar, tenemos que proteger el medioambiente y el mar. No deseamos dar a conocer todo lo que hacemos por la sostenibilidad, pero forma parte de nuestra vida cotidiana, desde el transporte, el combustible de nuestros coches, los proveedores que deben ser los más sostenibles, el reciclaje se busca de manera prioritaria. Es el futuro de todos”.
NOMBRES PROPIOS
JUAN ANTONIO PÉREZ SIMÓN
EMPRESARIO Y COLECCIONISTA DE ARTE
Antología de obras maestras
LA COLECCIÓN PÉREZ SIMÓN TENDRÁ MUSEO EN MADRID Y COMO APERITIVO 60 OBRAS DE ARTE SE EXHIBEN Y PREPARAN EL CAMINO PARA LO QUE SE VISLUMBRA COMO UN ACONTECIMIENTO CULTURAL.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO FOTOGRAFÍA D.R.
Este 2025 está previsto que alrededor de 4 mil obras que van desde la edad media al siglo XX, con autores como El Greco, Rubens, Van Dyck, Canaleto, Goya, Monet, Renoir, Cézanne, Pisarro, Frida Kahlo, Diego Rivera, Dalí o Andy Warhol se alojen en la antigua Serrería Belga. Un nuevo museo creado por Juan Antonio Pérez Simón un acontecimiento cultural de gran dimensión que podemos equiparar con Equiparable a la llegada del Museo Thyssen a la capital española.
Pérez Simón de origen asturiano pero residente en México desde su infancia, ha recopilado con pasión innumarables obras de arte. El mismo explica sus razones sobre está nueva sede: “Me propongo poner las obras de la Colección al alcance del mayor número de personas posibles” y añade “mi pasión por el arte surge desde muy niño, el recuerdo de las imágenes de la geografía de mi tierra natal, como también se grabó la convivencia con las obras de grandes maestros durante mis visitas a los distintos muesos que nos dan acceso a contemplarlas”. En esta exposición de avance de lo que será el museo por cuestiones de espacio no se incluyeron esculturas, un arte que apasiona a Juan Antonio, pero se promete mostrarlas en el museo. “Ahora toca a ustedes el turno de reflexionar de dialogar con las obras y entender el alma de los artistas” señala el coleccionista.
La colección reconocida mundialmente por su valor, su rigor, la amplitud de su perspectiva histórica y la calidad estética de su obra y tiene la admiración
de directores del Museo del Prado o del Louvre entre otros.
Dentro de su vasto universo estético, está la belleza femenina con obras de Diderot o Picasso, Munch, solo por mencionar algunas. Sorprende, también, el conjunto de pintura victoriana es la mayor colección de esta escuela fuera de Gran Bretaña. Es un universo en sí mismo.
La mitología ocupa también un lugar privilegiado en la colección. El barroco flamenco tiene obras de los grandes maestros como Rubens, y su Madonna con el niño. El barroco español de Murillo de
“ME PROPONGO PONER LAS OBRAS DE LA COLECCIÓN AL ALCANCE DEL MAYOR NÚMERO DE PERSONAS POSIBLES”
José de Ribera “el Españoleto”. El orientalismo del siglo XIX también está en la colección , escenas de campos de los impresionistas, Pisarro, Monet, Renoir, Van Gogh, ofrecen un abanico de obras admirables. La pintura española con nombres como Zuloaga y Sorolla se incluyen.
Las vanguardias artísticas del siglo XX están presentes con obras del surrealismo, con autores como Remedios Varo,
Leonora Carrington, Max Ernst, Frida Kahlo, más contemporáneo vemos obras de Miquel Barceló, Murakami y Miguel Cabrera, autor de una obra de impacto sobre la imagen de la Virgen de Guadalupe. Confiesa Pérez Simón que una colección siempre es un autorretrato simbólico de sus dueños, de sus pasiones y aficiones más íntimas”.
En el recorrido de la exposición vemos una pequeña obra del Greco hecha con grana cochinilla, el rojo mexicano. Después nos encontramos con Rubens, con la obra de Canaleto sobre Venecia, un retrato de Teresa de Vallabriga, pintada por Goya. Le siguen obras de Cézanne y Monet. Encontramos una obra emblemática de Julio Romero de Torres, un Cristo de Dalí que resucita la obra cubista de Picasso. Un cuadro de Rothko y una biblioteca de Miquel Barceló o Menina de Valdez, los dos figuran entre los grandes autores vivos del siglo XXI.
En 1964 Juan Antonio Pérez Simón realiza un viaje a Europa que le provocó un vínculo intenso e indisoluble con las artes plásticas. París, Arlés, Granada, Sevilla, Toledo y Roma trazan su primer itinerario y también su acercamiento a la arquitectura, la pintura y la historia de Occidente. Tras años de sostenido esfuerzo e inagotable pasión por el Arte y siempre con el claro objetivo de contribuir a su estudio, conservación y difusión. Sin duda la colección de Pérez Simón constituye uno de los acervos privados más importantes del mundo. Con miles de obras entre esculturas, pinturas, dibujos y obra gráfica. Una
turas, pinturas, dibujos y obra gráfica. Una verdadera recopilación enciclopédica que permite recorrer la historia del Arte. Se puede apreciar en su recopilación de obras maestras, seiscientos años de creación de Europa, Asía y América. Pérez Simón siente una colaboración activa con préstamos con algunos de los mejores museos del mundo como el Victoria & Albert Museum, Centre Pompidou o Museo Thyssen-Bornemisza.
El creador de este nuevo museo llegó a México en 1942 con siete años y con el tiempo se convirtió en un próspero empresario. Siempre quiso reunir obras de arte y del saber, como sus libros que suman más de 75 mil. Hoy presenta en España una colección de valor mundial que en 2025 será parte de los grandes museos de la capital, junto al Thyssen, el Reina Sofía o el Museo del Prado, unas obras que disfrutarán millones de aficio-
nados al arte, como a él le gusta, compartir toda esa sabiduría.
Escribe Pérez Simón “Desde mi juventud me sentí atraído por la belleza y las obras de arte. Como no podía colgarlas colgaba en mi recámara reproducciones de obras maestras. Satisfacía así me deseo de disfrutar la forma en que cada artista plasmaba en su lienzo lo sublime. lo poético, lo bello hasta lo terrible”.
GABRIEL RICO ARTISTA
Objetos de reflexión
CELEBRAMOS QUE EN MÉXICO SE PRESENTAN 30 OBRAS EN LA GALERÍA OMR Y EN SALA DE ARTE PLATAFORMA EN GUADALAJARA
DONDE EXPONE 400 SALCHICHAS-ESCULTURA.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO FOTOGRAFÍA D.R.
LA GALERÍA OMR presenta este invierno la segunda exposición individual de Gabriel Rico: “Monos del Espacio”. Compuesta por más de 30 obras nuevas y existentes, la exposición reúne esculturas, obras de pared y una instalación escultórica. El artista muestra su preocupación y su interés por los objetos y materiales encontrados, las obras invitan al espectador a reflexionar sobre la relación entre los seres humanos y su entorno natural, a través del uso de neón, cerámica, taxidermia, ramas de árboles e incluso objetos más personales de su propio pasado. Con una riqueza creativa asombrosa, Gabriel crea su propio universo y utiliza los soportes que sean necesarios para expresarse, con riqueza y versatilidad.
Conversamos con el artista que nos habla de la tarea de crear 400 salchichas de cerámica de múltiples formas, una metáfora sobre una sociedad que se aísla. Se exponen en la sala de arte Plataforma, y representan la vuelta del artista a exponer en su ciudad natal, Guadalajara, nueve años después.
Tenemos el privilegio de visitar la exposición con el director del Museo del Barrio, Patrick Charpenel, también tapatío y gran conocedor de su obra. Gabriel utiliza el humor y la ironía para retratar a una humanidad con ausencia de conciencia. Está feliz de exponer en su tierra. “Tenía muchos años, fue una decisión propia, no hay tantos espacios expositivos. Y la Sala de Arte Plataforma es un gran lugar para poder expresarlo acompañado de un proyecto con estas piezas. Se dieron las condiciones, curaduría, la producción y la complejidad, piezas de 60 cm, 6 modelos que tienen como idea evidenciar
las diferencias entre las salchichas, pero al mismo tiempo habla de la inclusión”.
Rico siempre añade una reflexión en su obra, un análisis profundo, “encuentro la practica artística como una variante de la filosofía, la diferencia entre sí es escrita o visual, depende del cerebro de quien lo aprecia”. Y confiesa:
“COMO ARTISTA NO ESTOY CASADO CON NINGUNA TÉCNICA
SIEMPRE BUSCO
LA IDEA Y LA MATERIA, LO QUE MEJOR LO REFLEJE”.
“El arte me dio la posibilidad de entender que más allá de arte contemporáneo podía presentar mi filosofía”.
Al mismo tiempo, pero en Ciudad de México, la Galería OMR inauguró la exposición “Monos del Espacio”. El artista se siente muy cómodo con esa galería, “llevo trabajando casi diez años con ellos, me siento como en casa, y muy apoyado. Ellos saben leer muy bien mi trabajo y mis tiempos”.
Gabriel Rico, retoma el tema de su exposición en Guadalajara, “hay conexión en el tema social, me importa, el sincretismo al hablar de la carne de salchicha, como un referente a la humana”. Y subraya: “ La materia, no
es tan diferente entre el cerdo y el hombre, humor negro, la sociedad tiende a convertirnos en salchichas sin sentido”. Le interesa el humor que cuestiona a la sociedad. También la exploración visual con vínculos con el arte pop, Lichtenstein, Warhol, Basquiat …
“Lo que yo busco en ocasiones con el humor, es que mi trabajo lo pueda apreciar cada persona y que un niño o un adulto sin relación con el arte, lo valoren. Mi responsabilidad es que la digestión de la filosofía esté en mi obra. Que tienen una carga compleja, pero sencilla de entender y amigable, manteniendo el significado
y la crítica”. Hablamos de los diferentes soportes que utiliza con su obra, escultura, pintura, cerámica, plástico, animales disecados, bordados.
“Justamente como artista contemporáneo no estoy casado con ninguna técnica, siempre busco la idea y la materia, lo que mejor lo refleje. La estética viene de la selección del material, el mensaje puede que llegue, en impresión 3D o la App Gabriel Rico, con realidad aumentada”. Pero también emplea la cerámica que está en la historia de la humanidad desde hace miles de años. También aparecen trabajos bordados en su
obra. “ Yo no puedo dividir mi vida con mi trabajo, me gusta descubrir culturas originales, en esa búsqueda celebro la Pascua con la comunidad huichol, durante años en San Andrés a unas diez horas en auto. Después de peregrinar, ahí quería trabajar con ellos. Son una comunidad exitosa, bien organizados, con una gran proyección. Ellos no me necesitan, pero es un privilegio que accedan a trabajar conmigo con su cosmovisión y la mía, ambas se unían en un canal. Telares de fuego, del sol, de venado, es su iconografía, en su cosmovisión. La idea que les proponía era hacer algo cercano a su cultura y admiro
su capacidad plástica, y tridimensionalidad que parecen hologramas, trabajan con cera de abeja e hilo.
Su obra invita a lecturas nuevas, como la pluma aparentemente inocente culpable de firmar guerras, el venado que nos une a la naturaleza, el aguacate como símbolo de un platillo estrella en un evento internacional como el Superbowl que detrás esconde un mundo violento, cultura de narcotráfico y monocultivo abusivo”. Sin duda con Rico también aprendemos a leer la sociedad, con humor y filosofía. “Mi trabajo tiene que ver con una lectura de la realidad”.
Norman Foster
EL GENIO SENSATO
QUIZÁS SU OBRA NO ES LA MÁS POÉTICA, PERO ES EL ARQUITECTO MÁS INFLUYENTE DEL MUNDO. LA CONVICCIÓN DE AVANZAR HACIA EL FUTURO IMPULSADO POR LA TECNOLOGÍA HACEN DE NORMAN FOSTER UN INTELECTUAL CAPAZ DE TRANSFORMAR NUESTRO TIEMPO.
TEXTO MARIO CANAL FOTOGRAFÍAS PABLO GÓMEZ-OGANDO (CORTESÍA DE LA NORMAN FOSTER FOUNDATION)
EL RETRATO QUE LORD FOSTER (1935) deje para la posteridad podría titularse: “Hombre sobre fondo verde”. Ese espacio monocromo sería el reconocible mármol de vetas color jade de la Asamblea General de las Naciones Unidas, donde el arquitecto explica con su impecable acento inglés las líneas maestras que pueden mejorar las condiciones de vida de sus semejantes. Pero también sería pertinente que su figura se recortase sobre un paisaje frondoso, en el que la naturaleza finalmente ha podido convivir con las necesidades humanas y los avances industriales. “A pesar de los muchos desafíos, las ciudades ofrecen más oportunidades de riqueza, innovación, libertad y educación. Ahora mismo el cambio climático es uno de esos grandes desafíos, por lo que los planes maestros para las urbes deben ser la anticipación de un futuro sostenible”.
Como Representante del Foro de Alcaldes, Norman Foster resumió hace dos años en el estrado de la ONU su pasión por la arquitectura, su potencial para mejorar el avenir. Se mostró como lo que es, un hombre de acción que plantea soluciones concretas. Un visionario cuyos edificios son un manifiesto de buenas prácticas que ponen a las personas en el centro de su preocupación y apuestan por impulsar el progreso desde el riesgo, la audacia y la innovación. Alguien capaz de dar lecciones a los más poderosos porque el inmenso conocimiento que acumula tuvo que aprenderlo desde cero.
El chico de los recados
Su padre era obrero industrial y su madre, camarera. Con solo 16 años, Norman se colocó de “chico para todo” en el Ayuntamiento de Manchester. Recorrer aquel edificio fue su primera experiencia con la gran arquitectura, aunque desde pequeño le gustó dibujar edificios, también aviones y coches, dos pasiones que se han perpetuado en el tiempo –pilota los primeros y colecciona los segundos–. “Corría arriba y debajo de los pasillos, llevando documentos”.
“Aún recuerdo los detalles de aquel noble edificio, una obra maestra de Alfred Waterhouse construida en 1877. Subir las escaleras era una experiencia grandiosa, con la luz cenital, sus vidrieras, los bancos donde sentarse; doblabas una esquina y de repente había un techo altísimo”. El arquitecto recordaba incluso, durante una entrevista concedida al recibir un premio por su trayectoria, el sistema de tuberías de los baños. “Todo aquello me marcó profundamente”.
Tras pasar dos años por la Royal Air Force, se colocó de asistente en una promotora inmobiliaria. Para entonces, ya había devorado libros de arquitectura por su cuenta en la biblioteca pública. “Un día le pregunté a un joven arquitecto qué opinaba de Frank LloydWright: él se me quedó mirando y respondió preguntando a su vez si estudiaba con él en la universidad. Me di cuenta de que sabía más de historia de la arquitectura que aquellos profesionales”.
Cúpula de cristal del edificio Reichstag en Berlín (izquierda) y la sede del ayuntamiento en Lóndres (abajo). Fotos: Nigel Young / FOSTER & PARTNERS
Por entonces, bastaba con presentar un dosier atractivo con propuestas y dibujos para entrar en la escuela de arquitectura local, así que el joven Foster “que en ese momento contaba con 21 años, se montó un portafolio y, tras finalizar sus estudios en Manchester, incluso consiguió una beca en Yale, donde se hizo amigo de otro estudiante británico con el que se acabaría asociando y cuya carrera arquitectónica también es legendaria: Richard Rogers.
En los años sesenta Foster se especializa en construir edificios industriales y de oficinas tras separarse de Rogers y pasar por Team 4, la oficina de las arquitectas Georgie Cheesman y su hermana Wendy, que se convertiría en su esposa y con la que tendría cuatro hijos. Después colaboró intensamente con el visionario de la construcción y la sostenibilidad, Buckminster Fuller. “Para mí fue la esencia de la conciencia moral”, diría de su mentor en una entrevista en 2015 con The Observer. “Siempre nos alertaba de la fragilidad del planeta y de la responsabilidad del ser humano para preservarlo”.
En 1971, la empresa IBM le encarga un edificio temporal. El arquitecto ya había levantado las oficinas de una compañía naviera en los muelles de Londres, rompiendo sus esquemas internos con la intención de democratizarlos. Unificó los espacios de trabajadores manuales y administrativos, habitualmente segregados, generando grandes volúmenes, así como espacios comunes y recreativos que contendrían obras de arte.
Este ejercicio lo replicó en la sencilla construcción de IBM, que puso en el mapa a Foster tanto por su poética sencillez —una sola planta de cristal que reflejaba la naturaleza circundante— como por su capacidad interior de articular las necesidades humanas y productivas de la empresa. Lo que iba a ser una solución temporal sigue existiendo y se ha convertido en un icono que aún se estudia como
caso de éxito, igual que otra obra de la época: las formas curvas del edificio de la aseguradora Willis, Faber & Dumas (1974).
Modificar completamente el paradigma asignado a un tipo de construcción es uno de los grandes logros de Foster. El centro de arte Sainsbury’s, construido en 1978, era más parecido a un hangar aeronáutico que a un museo clásico. Pero dar la vuelta a lo que se espera de un edificio funcional se convirtió en una literalidad de cristal y acero en la gran obra que le consolidó como uno de los genios de la arquitectura contemporánea, la sede del HSBC en Hong Kong, cuyo concurso ganó en 1979. Foster tuvo la idea de invertir los términos del edificio. Sacó afuera los pilares que lo sostenían, así como los conductos eléctricos, tuberías, escaleras y ascensores para liberar su interior, creando un atrio central que ocupa las 43 plantas del edificio, concediendo todo el aire y la luz posibles a quienes trabajan en el edificio, levantando una estructura que en gran parte fue modular. “No se trataba solo de inventar un tipo particular de torre que no se había hecho antes —dijo Foster en una entrevista en 2020 recordando aquella hazaña, sino también de reimaginar la práctica arquitectónica como una nueva forma de organizar el diseño”.
Igualmente remarcable fue la concepción del la sede central de Apple en Cupertino, California —cuyas tiendas más singulares también son del británico— y que desarrolló junto al fundador de la marca, Steve Jobs. Su forma circular redibujó las necesidades que una empresa puntera tiene en el siglo XXI. La accesibilidad del campus, la jerarquía interna que ya no es vertical sino multinodal, la convivencia con el medio ambiente o el bienestar de los trabajadores son las preocupaciones que dan forma a este edificio y también construyen una forma de entender el trabajo arquitectónico que Foster es capaz de capturar de manera extraordinaria.
Izquierda arriba, Apple Park (Foto: Steve Proehl) y el rascacielos St. Mary Axe (Foto: Nigel Young / FOSTER & PARTNERS). Derecha, interiores de la Norman Foster Foundation, localizada en Madrid.
España, segunda residencia
Convertido en un arquitecto estrella, en uno de los más grandes e influyentes de la historia, Foster —su oficina se llama Foster + Partners— es responsable de 360 grandes obras, algunas de ellas de una trascendencia insuperable. Aeropuertos, museos, edificios residenciales y de oficinas, incluso una estación en la Luna; también la rehabilitación de obras patrimoniales como el Reichstag de Berlín o la obra que lleva a cabo en Madrid, recuperando el Salón de Reinos para incorporarlo al complejo del Museo del Prado. O en Bilbao, cuyas estaciones de metro diseñó y donde está realizando la ampliación del Museo de Bellas Artes de la ciudad.
España, tras su matrimonio con Elena Ochoa, se ha convertido en la segunda casa del arquitecto. En Madrid desarrolla sus actividades la Norman Foster Foundation, una iniciativa que busca compartir su legado y también fomentar la investigación tecnológica capaz de reducir la brecha entre crecimiento humano y sostenibilidad. Desde esta plataforma educativa y de cooperación se plantean un gran número de proyectos con perfil humanista. El problema de la energía —Norman Foster cree firmemente en la energía nuclear de última generación— o el diseño de soluciones habitacionales para dar respuesta a las migraciones forzosas, son algunas de ellas. Respuestas de un genio cuya sensatez puede cambiar el mundo.
Las tres piezas de la nueva colección Cubitus de Patek Philippe.
UNA ESTRELLA AZUL
EL NUEVO MODELO HISTORIQUES 222 NACE PARA SER UN ÍCONO EN EL 270 ANIVERSARIO DE VACHERON CONSTANTIN.
NUEVA YORK ha sido el escenario del lanzamiento del nuevo modelo de Vacheron Constantin Historiques 222 de acero y carátula azul. Una pieza que nace con vocación de ser ícono de la marca. Con esta presentación, Vacheron Constantin inicia la celebración de su 270 aniversario, cerca de tres siglos perfeccionando la excelencia en relojería. La firma ya tenía una versión del modelo Historiques que nació a finales de los años 70 y se relanzó en 2022 un modelo de oro y carátula amarillos. Esta nueva versión en acero responde a un deseo de los amantes de la firma y se ha convertido ya en un objeto de deseo. Este modelo es también un homenaje a una creación legendaria presentada por primera vez en 1977 con motivo del 222 aniversario de la Maison, fue concebido por el visionario diseñador Jorg Hysek que rompió moldes en la creación de modelos deportivos de la época. Es, sin duda, la pieza perfecta para inaugurar un año repleto de eventos para la marca. El Historiques 222 con caja de acero es todo un acontecimiento.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO FOTOS: D.R.
En 1755, en Ginebra, Jean-Marc Vacheron comenzó a escribir el primer capítulo de una historia que se ha convertido en una extraordinaria epopeya humana: una búsqueda de la excelencia transmitida de generación en generación. La pasión, la pericia y la creatividad de los hombres y mujeres de la Manufactura han forjado la identidad de Vacheron Constantin a través de un delicado equilibrio entre la maestría técnica y la sensibilidad artística. Estos valores, hondamente arraigados en los ateliers, explican en gran medida la longevidad de la Maison. El nuevo modelo de 2025 que Vacheron Constantin presenta dentro de la línea Historiques 222 presenta destacadas variaciones, la mencionada carátula azul con la caja de acero de
Destaca en su caja de acero la cruz de Malta en oro amarillo, mientras que sus índices se han tratado con Super LumiNova®.
37 milímetros. El fondo de la caja, que lleva una firma que representa el 270 aniversario de Vacheron Constantin, está provisto de un cristal de zafiro transparente que deja ver el Calibre 2455/2 de manufactura. Con un diámetro ligeramente inferior al de su predecesor, su grosor sigue siendo de sólo 3.6 milímetros. El movimiento ofrece una mayor precisión y está dotado de una reserva de marcha de 40 horas. Destaca también el revestimiento Super LumiNova™ en sus índices para una lectura perfecta. Este guardatiempos conserva el encanto de su versión original y deja en claro, en esta reedición, el sofisticado refinamiento que ha ofrecido Vacheron Constantin desde su fundación en 1755. Que comiencen las celebraciones.
cruz de Malta es el símbolo innegable de Vacheron Constantin y se deja ver en forma de media cruz a lo largo de su brazalete integrado de acero.
La
CONSTELACIONES DEL ARTE
DE VENECIA A NUEVA YORK, DE BILBAO A ABU DABI, EN 2025, EL SISTEMA DE FUNDACIONES Y MUSEOS CREADO POR PEGGY GUGGENHEIM MIRA AL FUTURO CON UNA MUJER AL FRENTE POR PRIMERA VEZ.
La residencia veneciana de Peggy Guggenheim, el Palazzo Venier dei Leoni, alberga ahora la colección de la mecenas estadounidense. A la izquierda, la escultura Arco de pétalos (1941) de Alexander Calder.
“EL PROYECTO ADECUADO, en el momento adecuado y con los ingredientes adecuados. El Guggenheim debe hablar al mundo”. Juan Ignacio Vidarte lleva más de treinta años al frente del museo bilbaíno y dejará el cargo a finales de año porque, explica, “es el momento de escribir un nuevo capítulo y dar espacio a las ideas y perspectivas de las próximas generaciones”. Sin embargo, continuará trabajando para la Fundación Solomon R. Guggenheim, ocupándose de estrategias para proyectos internacionales. Vidarte ha estado en Bilbao desde que el arquitecto Frank Gehry transformó, bajo las instrucciones de la Fundación, una ciudad industrial en la capital del arte, con una facturación de 1.3 millones de visitantes (entre los últimos récords, la exposición de Yayoi Kusama, que recibió 586 mil entradas en solo tres meses) y un impacto en el territorio de 760 millones de euros en 2023. Su experencia resume los lineamientos de una marca internacional que se define como una “Constelación” de museos, que van desde Nueva York a Venecia, Bilbao y, próximamente, Abu Dabi. Este sistema anticipa las tendencias mundiales y premia a los artistas históricamente valorados con prestigiosas retrospectivas que aumentan su valor en el mercado.
El nuevo gigante en Emiratos, previsto para finales de 2025, también contará con la firma de Gehry. Los directores y comisarios de los cuatro museos se reunieron durante la Bienal de Venecia en la terraza de la Colección Peggy Guggenheim, recibidos por la directora Karole P.B. Vail, nieta de la mecenas, quien, según confiesa, considera el parentes-
TEXTO ROBERTA OLCESE
Peggy Guggenheim, (izquierda), en su residencia junto al Gran Canal convertida en museo (arriba). Abajo, los directores de la constelación Guggenheim; de izquierda a derecha: Juan Ignacio Vidarte (Bilbao); Karole P. B. Vail, nieta de la mecenas (Venecia); Mariët Westermann, primera mujer directora y consejera delegada de la Fundación y Museo Solomon R. Guggenheim; Stephanie Rosenthal (Abu Dhabi); Naomi Beckwith (Directora Adjunta y Comisaria Jefe, Nueva York).
co como un plus: “Conocer y familiarizarme con la colección desde una edad temprana, cuando venía a visitar a mi abuela Peggy, fue un incentivo para dedicarme al arte moderno y contemporáneo de adulta”. Con el Gran Canal como telón de fondo, se anunció el nombramiento de Mariët Westermann, la primera mujer en ocupar el cargo de directora y consejera delegada de la Fundación y Museo Solomon R. Guggenheim, la nueva estrella de la constelación, que gestionará las relaciones en el macroámbito del sistema, cada vez más engorroso debido a la competencia. “Mi objetivo”, anunció Westermann, “es asegurarnos de que utilizamos nuestro alcance global para ampliar el impacto como una constelación unificada de museos”. “Estamos en contacto constante con las otras ubicaciones”,
A la izquierda, la escalera del Museo Guggenheim de Nueva York, obra de Frank Lloyd Wright. Arriba, el recinto bilbaíno, diseñado por Frank Gehry,
confirma Vail, “especialmente con la empresa matriz en Nueva York. El intercambio sinérgico enriquece la oferta y fortalece la posición de cada museo en la escena global, ayudando a crear una experiencia cultural de alto nivel para el público internacional. Aquí, en Venecia, la atención se centra en los artistas del siglo XX, que nunca han sido realmente valorados”, como Marina Apollonio, protagonista de Arte óptico y cinético, que se inaugura el 12 de octubre.
La apertura en Emiratos busca repetir el éxito de la catedral en el desierto español, aunque la isla de Sa’diyatt, donde se encuentra el distrito cultural de Abu Dabi, ya es bastante concurrida, incluido el Louvre. El nuevo Guggenheim tendrá una superficie interior de 35 mil metros cuadrados, 28 salas de exposición para una colección de 1,200 obras. “La
Arriba, el Proyecto Guggenheim Abu Dabi de Frank Gehry, previsto para finales de 2025, y una de las exposiciones ya programadas: Yayoi Kusama (izquierda, Infinity Mirrored Room, 2011)
conectividad permite que la organización del arte sea vertical, horizontal o una combinación de estas”, explica Gehry sobre su proyecto. Los curadores de la fundación participaron solo como consultores para la selección, ya que la propiedad de las obras permanece en el lugar. “Es una colaboración visionaria con el Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi (DCT)”, anticipa Stephanie Rosenthal, directora del Proyecto Guggenheim Abu Dabi, “para crear un museo que celebre el arte desde los años 60 hasta hoy, con un enfoque en Asia Occidental y la región en general, con una perspectiva global única”. El enfoque será amplio e incluirá también el norte de África. Las adquisiciones comenzaron hace veinte años e incluyen artistas apreciados por el mercado. Sin embargo, el enfoque siempre está en el visitante, como recuerda Naomi Beckwith, subdirectora y comisaria en jefe de la oficina de Nueva York: “El arte es cada vez más una experiencia y su calidad es importante”. “El turismo cultural es un activo”, reitera Vidarte, “pero hay que ponerle límites, hay que abordarlo. Nuestra responsabilidad es dar a cada uno su propia experiencia. Al igual que en la playa, puedes aprovecharla de diferentes maneras. No somos un museo de élite”.
LA CREATIVIDAD DE ELSA
SABER TRANSFORMAR UN FRIJOL, UN HUESO O UN ÁNFORA EN ALGUNAS DE LAS JOYAS DE COLECCIÓN MÁS RECONOCIBLES DEL MUNDO. ESTE ES EL GENIO ESTÉTICO DE ELSA PERETTI, LA INOLVIDABLE DISEÑADORA DE TIFFANY & CO.
En la página izquierda, una fotografía captura toda la esencia de Elsa Peretti (1940-2021): modelo, intelectual, filántropa, coleccionista y diseñadora visionaria de Tiffany & Co. Para celebrar el 50 aniversario del inicio de su colaboración, la marca de joyería ha reeditado algunos modelos icónicos, como el brazalete Bone y el colgante Bottle, que se presentan en esta imagen.
IMPETUOSA, REVOLUCIONARIA y, sobre todo, libre. Así se describe a Elsa Peretti en un pasaje del libro Estilo Tiffany. 170 años de diseño (2008), escrito por John Loring, director de diseño emérito de Tiffany & Co. Peretti es recordada como una figura “tempestuosa” y como la creativa que tuvo el mayor impacto en la moda de cualquier diseñador de joyas del siglo XX. Sus piezas marcaron un cambio de época en la historia de la joyería. Podría ser suficiente, pero no lo es.
La trayectoria mundial de Elsa Peretti (1940-2021) comenzó en Florencia, donde nació; pasó por Suiza, donde estudió; hizo una parada crucial en España; y finalmente llegó a Nueva York a finales de los años 60, donde comenzó a trabajar como modelo. En esta ciudad se convirtió en la musa del diseñador Halston, amiga del fotógrafo Hiro y, desde septiembre de 1974, diseñadora de la icónica casa de joyería Tiffany & Co., fundada por Charles Lewis Tiffany y actualmente parte del grupo LVMH. Para conmemorar medio siglo de colaboración con Peretti, Tiffany ha decidido relanzar a principios de 2025 varios de sus diseños más icónicos, elaborados con gemas excepcionales y en tamaños más grandes. Entre estas piezas destacan los anillos Bone y Split, inspirados en su icónico brazalete, además de brazaletes con engastes artesanales de pavé de diamantes, rubíes y piedras cabujón. La colección incluye también joyas de la línea Mesh, adornadas con tanzanitas, rubelitas, esmeraldas y diamantes, así como piezas de las colecciones Scorpion y Amapola, y los pendientes Snake y High Tide, con longitudes llamativas y espectaculares.
William Chaney, presidente del consejo de administración de Tiffany entre 1984 y 2003, describió a Peretti como una “genio estético” con la capacidad de observar los detalles más sutiles de la naturaleza y transformarlos en obras maestras. Ejemplo de ello son
Algunos bocetos históricos de la colección Bean, el frijol clásico que nació de la pasión por la naturaleza, las formas orgánicas y la extraordinaria sensibilidad de Elsa Peretti. Este año, Tiffany & Co. también lo ha reeditado en su versión con pavé de diamantes.
TEXTO CRISTINA CIMATO
Para el brazalete Bone, Elsa Peretti se inspiró en sus visitas de niña a la Cripta de los Capuchinos en Roma y la Casa Milà de Antoni Gaudí, en Barcelona. La diseñadora dio forma al brazalete para que se ajustara a la anatomía de la muñeca, convirtiéndose en una extensión del cuerpo. Disponible en oro, plata, con acabado negro sobre cobre, liso o con piedras.
sus diseños inspirados en una piedra pulida, el diminuto esqueleto de una serpiente o un ramo de flores en manos de una mujer de Portofino. “Elsa Peretti fue capaz de crear un universo extraordinario de joyas revolucionarias que cambiaron el curso de la historia de Tiffany y que siguen siendo exitosas hoy en día”, señaló Anthony Ledru, presidente y CEO de Tiffany & Co. Sus diseños representan el 10% de las ventas globales de la firma y forman parte de las colecciones permanentes de instituciones como el British Museum de Londres, el Museum of Fine Arts de Boston y el Met de Nueva York.
Aunque su trayectoria como diseñadora ya era destacada, la vida de Elsa Peretti se transformó en un cuento de hadas contemporáneo con un lugar mágico en el centro, gracias a su amiga y fotógrafa catalana Colita, quien la llevó a visitar el pequeño pueblo de Sant Martí Vell, cerca de Barcelona. Allí se enamoró del lugar y en 1972 adquirió su primera propiedad, conocida como Pequena, ubicada en el centro del pueblo. Este rincón se convirtió en su refugio, un espacio donde la naturaleza y la vida sencilla se entrelazaron con la creatividad y el arte.
En la década de 1970, Elsa Peretti descubrió el pueblo de Sant Martí Vell, cerca de Barcelona, y lo transformó en una residencia ampliada. Aquí se encuentran los interiores de Casa Pequena, la primera propiedad que compró, ahora convertida en un museo privado que alberga sus colecciones de arte.
A lo largo de los años, Peretti compró cinco residencias en Sant Martí Vell, cada una de ellas cargada de historia y significado. En ellas albergó objetos agrícolas, amuletos y recuerdos de su relación creativa con Salvador Dalí y otros artistas de la época. También conservó una impresionante colección de obras de artistas catalanes como Robert Llimós —de quien posee la colección privada más grande—, así como piezas de Marcel Duchamp, Henri Matisse, Andy Warhol y Pablo Picasso. Estas residencias, ricas en arte y cultura, han mantenido su carácter íntimo y privado, aunque Gentleman tuvo el privilegio de visi-
tarlas en exclusiva, incluyendo un museo dedicado a su creatividad disruptiva. “Sant Martí Vell era su casa, su lugar elegido, el espacio donde leía, escuchaba música y coleccionaba libros. Era un entorno que reflejaba su personalidad y que, junto con artistas, artesanos y amigos, ayudó a revivir y a convertir en lo que es hoy”, comentó Stefano Palumbo, miembro del patronato de la Fundación Nando y Elsa Peretti. Esta fundación, creada en el año 2000 en honor a su padre, ha financiado proyectos benéficos en 83 países con un monto total que supera los 75 millones de euros.
A LA ITALIANA
EL DIRECTOR MICHELE COPPOLA PRESENTA EL INNOVADOR PROYECTO MUSEÍSTICO DE BANCA
INTESA SANPAOLO, QUE SE POSICIONA COMO UNA RED CULTURAL Y ARTÍSTICA PRIVADA ÚNICA EN SU TIPO EN ITALIA.
TEXTO ROBERTA OLCESE
ESTÁ PROHIBIDO llamarlo monopolio cultural; en todo caso, es liderazgo. Michele Coppola, nacido en Turín en 1973 y ex consejero de Cultura de la Región de Piamonte, es el director de las Gallerie d’Italia, el proyecto museístico de Banca Intesa Sanpaolo ideado por el presidente emérito Giovanni Bazoli. Con sedes en Milán, Turín, Nápoles y Vicenza, este proyecto ha registrado un impresionante flujo de visitantes: unas 500 mil personas en los primeros nueve meses de 2024. Para hablar en términos de cifras, el valor de las colecciones, sumado al de los edificios que las albergan —todas antiguas sedes bancarias reinterpretadas por el arquitecto Michele De Lucchi—, alcanza un patrimonio cercano a los mil millones de euros, de los cuales alrededor de 300 millones corresponden a bienes raíces.
El grupo bancario, además, es el principal patrocinador de actividades socioculturales en Italia. Desde las ferias
Coppola, director de las Gallerie d’Italia, posa en su oficina de Milán. A su izquierda, se encuentra El Vesubio en erupción con vistas a las islas del golfo de Nápoles de Joseph Wright of Derby, una de las obras incluidas en la exposición Sir William y Lady Hamilton en Nápoles, que estará disponible a partir del 24 de octubre en la sede de Nápoles.
de arte contemporáneo como Miart, Artissima y Arte Fiera, hasta el centro de fotografía Camera y el legendario Teatro La Scala de Milán, su apoyo abarca una amplia gama de iniciativas. Y esta es solo una breve lista. El proyecto cultural de Intesa Sanpaolo trasciende las visitas guiadas por las salas de las Gallerie d’Italia. Ofrece exposiciones de alcance internacional, con la participación de destacados comisarios de museos, como Arturo Galansino, director del Palazzo Strozzi en Florencia; Luca Beatrice, vinculado a la Cuadrienal de Roma; y Luca Massimo Barbero, de la Fundación Cini, por mencionar algunos. Bajo el liderazgo de Carlo Messina, el grupo bancario no es simplemente un patrocinador, sino un verdadero protagonista del sistema cultural italiano, compitiendo con el sector público o colaborando con él. Gentleman conversó con Michele Coppola para profundizar en los proyectos de esta red cultural y artística privada, única en su clase, que abarca todas las ramas del arte. Un ejemplo claro de esta visión es el variado y rico calendario de actividades de otoño.
Michele
Las Gallerie d’Italia en Nápoles acoge, hasta el 16 de febrero de 2025, la exposición Andy Warhol. Triple Elvis. Entre las obras exhibidas se encuentran Mao Tse Tung (1972) y, abajo a la izquierda, Andy Warhol (1973); a la derecha, Vesuvius (rojo), 1985.
¿Cómo seleccionan a los curadores?
Michele Coppola: Todo el mundo ya estaba allí. Vengo del barrio de Sanpaolo de Turín, estoy acostumbrado a jugar con los talentos en el campo. Con el profesor Bazoli trabajamos con todos aquellos que tienen proyectos sólidos y bien estructurados.
¿Qué proyectos tienes en marcha actualmente?
Hemos inaugurado la exposición de Andy Warhol en Nápoles, así como una muestra instantánea curada por Mario Calabresi y Aldo Grasso sobre las elecciones estadounidenses. Además, lanzamos un podcast diario que publica una fotografía relacionada con la campaña presidencial, capturando momentos clave con relevancia histórica. Por ejemplo, desde los gritos de “¡Lucha!” de Trump hasta la retirada de Biden de las elecciones. Otro proyecto significativo es el bosque urbano en Piazza San Carlo, un acto de amor hacia Turín: 15 árboles de 15 metros de altura, incluyendo alcornoques. Este proyecto sigue la lección de Michele De Lucchi sobre desarrollo sostenible y respeto por el planeta.
“VIVIMOS
EN ITALIA, UN PAÍS QUE A MENUDO
CONSIDERA QUE LO
QUE ES GRATIS NO VALE NADA”
¿Qué papel desempeña el grupo Intesa Sanpaolo en la gestión cultural?
Partiría de la observación de que no existe un proyecto cultural tan completo como el nuestro, ni en Europa ni en Occidente (incluyendo Estados Unidos). Esto hace que nuestro diálogo con el sistema público sea aún más interesante. Al entrar en una de las Gallerie d’Italia, puedes caminar entre obras de Felice Casorati, Piero Manzoni, Alighiero Boetti, el ‘Concetto Spaziale’ de Venecia de Lucio Fontana o los moldes de yeso de Canova. La experiencia busca trasladarte a un Museo Nacional Italiano, no a una institución privada. De hecho, como lo describió Carlo Messina en Brescia al presentar el compromiso social del Banco: ‘La institución más grande de Italia al servicio del país’.
¿Cómo definiría la posición de grupo Intesa Sanpaolo?
Si me lo pregunta, diría que hablamos de liderazgo cultural. Si mañana otra empresa decidiera transfor-
La sede de Milán presenta la exposición El genio de Milán. Encrucijada de las artes: de la Fabbrica del Duomo al ‘900 Entre las obras destacadas: en la parte superior, Hércules y Neso de Sebastiano Ricci (c. 1696); y a la izquierda, El tribunal de Lodovico el Moro, de Giuseppe Diotti (1823).
mar un edificio y utilizarlo para exposiciones, nadie se lo impediría. Monopolio sería si la legislación lo impusiera, pero en Italia tenemos una condición de libre mercado extremo, que permite iniciativas culturales privadas o públicas sin restricciones.
¿Por qué se paga la entrada a las exposiciones?
El costo de las entradas no ha aumentado en años y es simbólico. Sirve para transmitir la idea de la excepcionalidad de los contenidos. En Italia, muchas veces lo gratuito se percibe como algo que no tiene valor, y queremos contrarrestar esa percepción.
El profesor Bazoli concibió el proyecto cultural. ¿Qué rol desempeña hoy en día?
La idea de las Gallerie d’Italia nació de una feliz intuición suya, siempre en diálogo con Carlo Messina, y
Tres fotografías de Mitch Epstein expuestas en las Gallerie d’Italia de Turín. Abajo, desde la izquierda, El Juicio Final de Giambattista Tiepolo (antes de 1747), y Júpiter fulminando a los gigantes de la Manifattura Antonibon (1762-1785), en la exposición de Vicenza que se inaugura el 11 de octubre, La caída de los ángeles rebeldes Francesco Bertos.
sigue creciendo constantemente. Nos reunimos al menos una vez por semana, y cada encuentro es una oportunidad para aprender algo nuevo
¿Cuánto dura cada ciclo de gestión?
Es un mandato de cuatro años, y el próximo finaliza en 2026. Sin embargo, el proyecto es un organismo vivo, por lo que se realizan ajustes a mitad del cami no para adaptarse a nuevas oportunidades.
¿Qué sigue para las galerías?
Queremos que cada visita sea una experiencia única, que invite a ver desde nuevas perspectivas. Además, las galerías se complementan con espacios creativos como el café Voce en Milán, el restaurante de Iannotti en Nápoles o la reapertura del histórico Caffè San Carlo en Turín.
¿Planes para el futuro?
Si tuviera que hacer una comparación, diría que somos como un tren de alta velocidad que avanza por dos vías. En Italia, aún queda mucho por hacer: pienso en la Toscana, entre Prato, Pistoia y Arezzo, donde hay lugares menos frecuentados con tesoros por descubrir y valorizar. Podemos desarrollar proyectos específicos que también beneficien a otras ciudades, siempre con la visión nacional de un banco de los territorios. En la otra vía, la internacional, el mercado italiano está saturado y parece que las adquisiciones han terminado aquí, por lo que el Banco se está moviendo hacia Europa. Ya hemos comenzado: por ejemplo, la National Gallery celebró su 200 aniversario con la exposición de nuestro Caravaggio, El martirio de Santa Úrsula. El viaje en Europa ya está en marcha.
SILUETAS EN MOVIMIENTO
UNO DE LOS NOMBRES MÁS CONOCIDOS DE LA NUEVA ESCULTURA BRITÁNICA, EL ARTISTA LONDINENSE JULIAN OPIE, HABLA DE SUS PASIONES, DESDE SUS PRIMEROS PASOS DE NIÑO HASTA EL ARTE DEL ANTIGUO EGIPTO.
UN MUNDO EN MOVI-
MIENTO . Para el artista británico Julian Opie, el acto de caminar restaura el sentido dinámico de la existencia. Y no solo eso. Reúne a las personas, define un lugar de paso, captura un momento de la vida. Sus siluetas, plasmadas de perfil mientras caminan y luego tridimensionalizadas, simplifican las formas, evocando tanto la pintura rupestre egipcia como la iconografía de la estatuaria clásica. En 2024, Opie fue el protagonista de la instalación Walking in Milan en la Piazza del Quadrilatero del Portrait Milano, el último proyecto del grupo hotelero Lungarno Collection. Allí, presentó ocho esculturas monumentales bicolor de su serie de figuras andantes, situadas sobre grandes bases y creadas especialmente para este espacio. Ahora, su enfoque creativo se dirige hacia los rostros de Charles, Jiwon, Nethaneel y Elena, sujetos de su última exposición en Londres, titulada Elena, que forma parte de la 13ª edición de Sculpture in The City y estará en cartelera hasta la primavera de 2025. En esta
muestra, el artista llevó al arte los rostros de algunos comensales presentes en una cena formal en China. “Elegí dar a los retratos la apariencia de un monumento público, una barrera de carretera y tal vez incluso una lápida”, comentó Opie, cuyo universo de inspiración abarca desde el arte antiguo hasta Shakespeare, pasando por la infancia y las conexiones entre el ser humano y la naturaleza.
1. El arte del antiguo Egipto. Todo lo relacionado con las pinturas rupestres y las esculturas de barro es una fuente de gran interés para mí. Me atrae la forma primordial de relación con la imagen y el proceso que hay detrás, es decir, la traducción de las experiencias internas y de lo que nos rodea en un dibujo o en un objeto estático. El resultado es un alto nivel de belleza perfectamente integrado en el mundo “ordinario”. Una combinación que expresa una profunda humanidad, vitalidad y una inventiva asombrosa. El arte egipcio retrataba a las personas en el acto de caminar: mis esculturas son un homenaje a ello, porque parecen dibujos bidimensionales, pero dinámicos.
TEXTO CRISTINA CIMATO
2. Una cita de Cuento de invierno de Shakespeare. “No soy honesto por naturaleza. A veces por casualidad”. El personaje de Autólico reconoce su deshonestidad y su incapacidad para ser siempre auténtico. Rechazo esta frase de manera un poco diferente al decir que no soy un hombre inteligente, pero a veces logro serlo por casualidad. No es falsa modestia. Trabajo duro, me mantengo concentrado, observo incesantemente y juego con mi imaginación. A menudo no sé las respuestas, pero sigo jugando y a veces logro hacer algo que funciona bien.
El artista británico
Julian Opie, de 66 años, en un autorretrato con su icónico estilo pop y unas líneas simplificadas.
3. El movimiento. La dimensión dinámica forma parte de mi “caja de herramientas” creativa. Uno de los momentos más importantes para mí fue cuando vi los primeros protectores de pantalla en movimiento en las pantallas de los ordenadores. Estaban pintados y se movían. Esto cambió mi enfoque del arte y la figura.
4. Las decisiones inevitables. Andy Warhol dijo: “Si tengo que pensar en ello, entonces sé que la pintura está mal. Mi instinto dice: ‘Si no tienes que pensar en ello, así es. Si tienes que decidir y elegir, está mal’”. Creo que toda decisión debe ser lógica e inevitable. Por ejemplo, para cada una de mis representaciones, la elección del
color se extrae de las personas, de cómo son y de los tonos que usan. No soy yo quien elige, son ellos los que se representan en el mundo con una paleta de colores.
5. Mis cuatro hijos. Tienen entre 32 y 18 años y los veo como un grupo de amigos. Son el centro de mi vida y haberlos visto crecer fue como observar el mundo desde una perspectiva siempre nueva. Me sentaba en la alfombra con ellos y jugábamos con muchos objetos, recreando mundos enteros.
6. Niños. Ahora estoy abordando un proyecto de arte que surge de observar a 20 niños caminando. Los observo, los filmo, los dibujo. Y es una experiencia completamente diferente a la de los adultos, porque interactúan con el espacio de una manera diferente. Los niños son puro instinto y por eso intento dar vida a un lenguaje que les involucre.
7. Las conexiones. Cuando tengo tiempo me voy de vacaciones a lugares que conozco, a menudo en medio de la naturaleza. Aquí puedo detenerme y conectarme con lo que me rodea. Me encanta la sensación de estar en un lugar, sentirlo. No importa dónde esté, lo importante es registrar profundamente la propia existencia.
LA GRAN CITA DEL ARTE
DESPUÉS DE MÁS DE VEINTE AÑOS DE ÉXITO, CONVOCANDO A LAS MEJORES
GALERÍAS Y ARTISTAS, Z ONAMACO SE HA CONVERTIDO EN LA GRAN PLATAFORMA DE ARTE CONTEMPORANEO DEL CONTINENTE.
UN EVENTO que se celebra este año del 5 al 9 de febrero en el centro Banamex de la Ciudad de México y contará con 200 galerías procedentes de 29 países. Ya es el evento de arte contemporáneo más influyente de América Latina. En esta edición presenta un programa muy completo no solo de creación contemporáneoa, también de diseño, fotografía y anitgüedades. Una unión de disciplinas que conviven bajo el mismo techo en el centro Banamex.
La celebración de este encuentro cuenta con la visión de Zélika García, su fundadora desde hace 21 años y la dirección artística de Direlia Lazo (La Habana, 1984). El evento que atrae a artistas, coleccionistas, galeristas y amantes del arte contemporáneo de todo el
mundo ofrece cuatro secciones que reunen expositores de talla internacional. El eje principal de la feria está dedicado al arte contemporáneo en sus múltiples expresiones, pintura, escultura, instalaciones, vídeo y nuevas tecnologías. Entre los curadores del equipo de Z ONAMACO figura Teófilo Cohen, de Proyectos Monclova, Karen Huber de la galería Karen Huber.Lauren Kelly de Sean Kelly Gallery en Nueva York y Los Angeles, Ben Loveless, de la galería Nordenhake en Berlin y CDMX y Guilherme Simöes de Sao Paulo.
Z ONAMACO Sur se centra en una mirada diferente, lejos de la percepción eurocéntrica del arte y es una ventana para exhibir proyectos de otras latitudes, con
otros lenguajes y otras expresiones. No solo es una percepción geografíca también es un desafio a las normas establecidas del arte con valores centristas lejos de la creación de la periferia. La curadora es Manuela Moscoso de Ecuador, investigadora y productora crítica. Actualmente es directora del Center for Art Research and Alliances, CARA de Nueva York. Asesora de la Bienal de Helsinki 2023 y de la Bienal de Liverpool, fue también curadora senior del museo Tamayo de CDMX.
La feria también tiene un espacio para el arte moderno donde veremos obras destacadas del arte del siglo XX y las vanguardias. El mexicano Esteban King es el curador de este espacio, investigador y especialista en arte moderno. Z ONAMACO ofrece también el
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
espacio llamado “Ejes”, para poner en primer plano obras que investigan las conexiones entre arte y libertad. Son propuestas innovadoras, experimentales. Un arte contestatario que tiene en la libertad y la reflexion sobre ella su eje principal. Un voz que se alza contra la servidumbre. Un arte comprometido que busca un mundo mejor. El curador: Bernardo Mosqueira (Río de Janeiro, 1988) es curador, escritor e investigador residente en Nueva York. Es curador en jefe del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA), Nueva York (desde 2023). Durante la feria se celebrarán conferencias, conversatorios y actividades paralelas, en galerias, museos y espacios nuevos que hacen que Z ONAMACO se extienda más allá de sus paredes.
Z ONAMACO diseño presenta una curaduría compuesta por muebles, joyería, textiles, objetos de uso cotidiano y decorativo, así como ediciones limitadas y piezas históricas. Directora: Cecilia León de la Barra (Ciudad de México, 1975), diseñadora y curadora independiente. El área de diseño tambien cuenta con un espacio para los emergentes, una sección que busca promover el trabajo de las nuevas generaciones de jóvenes diseñadores.
Z ONAMACO Foto es una feria dedicada a la fotografía contemporánea y vintage Curada en su décima edición por Luis Graham Castillo, la feria busca abordar el hecho fotográfico desde sus múltiples dimensiones creativas y tecnológicas. La muestra invita a reflexionar si la fotografía es en la actualidad un
Los curadores de Z ONAMACO encabezados por Zélika García, fundadora de la prestigiada feria.
registro testimonial de los tiempos convulsos que vivimos. Una colección de relatos visuales de impacto. Y por úlitmo el Salón del Anticuario que muestra exhibición , difusión y venta de antigûedades, un diálogo entre artesanía, tradición, artes decorativas y plásticas creadas antes de 1960. Durante el evento artístico se darán algunos premios destacados Erarta Foundation y Z ONAMACO presentan, por segunda ocasión el premio de arte 2025, una oportunidad extraordinaria valorada en $100 mil USD –el mayor premio concedido en una feria de arte– . El ganador será elegido por los asistentes de la feria de una lista cuidadosamente seleccionada por Erarta Foundation y Z ONAMACO. Por una semana México será capital mundial del arte.
REGRESA LA LEYENDA
GMC HUMMER EV LLEGARÁ A MÉXICO CON UN ATRACTIVO DISEÑO, UN GRAN EQUIPAMIENTO TECNOLÓGICO Y CAPACIDADES TODO TERRENO ÚNICAS, QUIERE VOLVER A REINAR EN NUESTRO PAÍS PARA CONVERTIRSE EN EL VEHÍCULO ELÉCTRICO MÁS PODEROSO.
DE 2005 A 2010 reinó en el mercado mexicano y fue el segundo país con mayores ventas a nivel mundial. Hummer fue, es y será siempre un icono en el mundo automotriz. Su regreso es el sueño de los amantes de este vehículo que nació para dominar su segmento.
La nueva GMC Hummer EV aterriza en México a finales de este año. Y llega en dos versiones, Pickup y SUV. Ambas cuentan con tres motores eléctricos que se basan en la plataforma de baterías modular
TEXTO JUAN CARLOS GUTIÉRREZ
de GM; esto ofrece una autonomía aproximada de 578 y 505 kms respectivamente con una carga llena. En síntesis podemos decir que ofrece kilómetros de adrenalina para disfrutar, pero hay más.
Si hablamos de Hummer, tenemos que hablar de máxima potencia. En este caso, Hummer EV cuenta con 1000 y 830 caballos de fuerza, para Pickup y SUV respectivamente. Y la pregunta del millón ¿De 0 a 100 km/h? En tan sólo de 3 a 3.5 segundos, y todo esto gracias al sistema
Watts to Freedom, que desciende el vehículo 5 cms gracias a la suspensión adaptativa Air Ride para mejorar el centro de gravedad. Lo más innovador del Hummer EV son sus dos sistemas únicos de manejo para todo terreno: Por un lado, Crabwalk, que al girar en un ángulo de 10° las llantas traseras se podrán manejar en diagonal en caso de tener un obstáculo. Por su parte, el sistema Extract Mode permitirá elevar la suspensión de aire adaptativa hasta 15 cm (6 ”) para superar obstáculos difíciles en el
camino. Está versión mantiene los modos de manejo Normal, Off-Road, Terrain, Remolque y el personalizado. Cabe destacar que se integra el frenado regenerativo con One Pedal Driving y la paleta Regen On Demand en el volante.
En cuestión de diseño, Hummer mantiene su ADN, pero con toques innovadores.
Lo más destacado de este modelo único es su techo infinito, formado por cuatro paneles removibles transparentes que, cuando se retiran, pueden resguardarse en la cajuela
delantera del vehículo. Algo espectacular cuando ves al nuevo Hummer por primera vez es su iluminación frontal LED con barra de luces y animación de ida y vuelta diseñada específicamente para este modelo. Además, realzan los rines de aluminio de 18” pintado acabado premium mecanizado para la versión Pickup y rines de aluminio de 22” para la versión SUV.
Y en el interior, si hablamos del sistema de infoentretenimiento, destacamos su completo equipamiento, con un panel de instrumen-
Hummer innova con el sistema Crabwalk que permite rotar las llantas traseras 10 para evitar obstáculos.
tos en diagonal de 12.3” y una pantalla de infoentretenimiento de 13.4”, ambas con tecnología HD personalizables y Google Integrado, incluyendo aplicaciones de navegación y asistencia de voz. También integra un sistema de sonido premium Bose de 14 bocinas. Finalmente, no podemos olvidarnos mencionar el sistema Ultravision, que ofrece varias vistas de cámara para ayudar al conductor a maniobrar en todo tipo de caminos y situaciones, este sistema incluye hasta 18 vistas en la versión Pickup y hasta 17 en la SUV.
ICONOS DE LA ELEGANCIA
COMBINAN TRADICIÓN, SAVOIR-FAIRE, VERSATILIDAD, PASIÓN POR EL DEPORTE Y ATEMPORALIDAD: LAS PRENDAS Y LOS ACCESORIOS LORO PIANA SON IMPRESCINDIBLES EN EL ARMARIO DE CUALQUIER GENTLEMAN O GENTLEWOMAN
GIOIA CAROZZI
HAY ALGO MISTERIOSO y mágico en la esencia más pura del adjetivo “icónico”. Es un reflejo de lo atemporal, que actúa en el presente, pero mantiene una ventana abierta al pasado y otra, completamente desplegada, hacia el futuro. Un icono puede ser una obra de arte, un refrán, un personaje, una prenda o un objeto. En resumen, cualquier cosa que haya logrado entrar en el imaginario colectivo, o que simplemente espera ser redescubierta. Como la enigmática sonrisa de la Mona Lisa; la universalidad de las obras de Shakespeare; el rostro de Greta Garbo, citado por Roland Barthes en su ensayo Mitos de hoy (también un icono); o la aparente sencillez de los cortes de Lucio Fontana (levante la mano quién no ha pensado al menos una vez :“Eso podría haberlo hecho yo mismo”).
La moda también puede ser icónica cuando no abusa del término, sino que lo reserva para aquello que verdaderamente lo merece: piezas capaces de hablar un lenguaje universal, de despertar emociones y de activar los cinco sentidos (o incluso un sexto). No es, sin duda, una tarea sencilla, y pocas marcas pueden presumir ser auténticos Iconic Purists. Entre ellas destaca Loro Piana, una firma que se ha convertido en el emblema de un estilo de vida elegante y sobrio, definido por prendas y objetos atemporales que, temporada tras temporada, son reinterpretados y perfeccionados con maestría. Una marca embajadora de un modo de ser, no
ICER
de aparentar, valorado por hombres y mujeres que no son simples clientes, sino auténticos amantes de materias primas excepcionales y de un savoir-faire impecable.
No es casualidad que, a lo largo de los años, Loro Piana haya creado una selección de prendas y accesorios que lleva por nombre: Los Iconos de Loro Piana. Cada pieza tiene un nombre y una historia propia, fruto de una profunda reflexión sobre la forma y la función, la fuerza y la belleza, el espíritu y la materia. Diseñados para conjugarse tanto en clave masculina como femenina, estos iconos representan respuestas concretas a necesidades y actividades específicas, muchos de ellos inspirados en la pasión de la familia Loro Piana por el deporte: vela, equitación, automóviles clásicos y esquí. Sin embargo, su grandeza radica en su capacidad de trascender esas costumbres y convenciones, convirtiéndose en esenciales del guardarropa para la vida cotidiana.
Lanzado por Loro Piana en 1996, este icono, nacido como una chamarra de esquí, se ha convertido en un imprescindible en la ciudad. En cashmere, impermeable y resistente al viento, ha sido diseñado para ofrecer la máxima libertad de movimiento.
Este fue el caso, por ejemplo, de las White Soles, quizás el icono más famoso de la maison hasta hoy: esos zapatos con la inconfundible suela blanca, una fórmula exclusiva de Loro Piana. Nacidos de la pasión por la navegación, desde su creación han acompañado a hombres y mujeres tanto en el mar como en tierra firme. O del Horsey®, la primera prenda icónica de Loro Piana, diseñada en 1992 para vestir al equipo ecuestre italiano en los Juegos
TEXTO
CADA ICONO DE LORO PIANA ES UNA REFLEXIÓN FILOSÓFICA SOBRE LA FORMA Y LA FUNCIÓN, LA FUERZA Y LA BELLEZA, SOBRE EL ESPÍRITU Y LA MATERIA
LIFESTYLE
CONVERTIDOS EN AUTÉNTICOS CLÁSICOS, LOS ICONOS DE LORO PIANA TRASCIENDEN
LAS COSTUMBRES Y LOS CONVENCIONALISMOS Y HAN ENTRADO EN LOS ARMARIOS DE TODOS
HORSEY®
Con la característica mentonera de piel de ciervo, esta chamarra creada en 1992 para el equipo italiano en los Juegos Olímpicos de Barcelona se considera la primera prenda icónica de Loro Piana. Su solapa cortavientos con cremallera con muescas permite que la prenda se pliegue perfectamente cuando se está sentado.
WHITE SOLES
Estos zapatos artesanales con una inconfundible suela blanca son el icono absoluto de Loro Piana. Nacieron en 2003 en la versión Summer Walk, y en 2005 en la versión Open Walk. Inspiradas en el mundo de la vela, han sido especialmente diseñadas para no dejar marcas en las cubiertas de madera de los barcos.
LIFESTYLE
CADA PRENDA, CADA
ACCESORIO, ES EL SÍMBOLO DE UNA
FORMA DE SER Y NO DE PARECER, QUE SE PUEDE COMBINAR TANTO CON LO MASCULINO COMO CON LO FEMENINO
Olímpicos de Barcelona. Con su diseño clásico y sofisticado, el Horsey® ha conquistado incluso a quienes nunca han practicado este noble deporte, animándolos a superar cualquier obstáculo.
Otros iconos han sido dedicados al arte del viaje, como la chaqueta Traveller, una prenda de abrigo con innumerables bolsillos, concebida para satisfacer a los trotamundos más exigentes y perfecta también para quienes se quedan en la ciudad, llevándola quizás arriba de un traje formal. Asimismo, está la Roadster Jacket, una chaqueta emblemática creada para celebrar otra gran pasión de los caballeros y
ROADSTER
Diseñada para conducir, esta es la chamarra lanzada en 2004 para celebrar el 75º aniversario del Concorso d’Eleganza Villa d’Este. Versátil y ligero, combina velocidad, estilo y máxima libertad de movimientos.
las damas: los automóviles clásicos, y su máxima expresión de elegancia, el Concorso d’Eleganza Villa d’Este en el Lago de Como.
Otro ejemplo destacado es el inconfundible modelo Icer: una chamarra de esquí de cashmere impermeable y cortavientos que, gracias al tratamiento innovador Storm System®, protege del frío tanto en las altas cumbres como a baja altura. Este es un ejemplo perfecto de cómo un icono logra trascender su función inicial para convertirse en un objeto universal. De algo práctico a algo mágico. Siempre permaneciendo fiel a su esencia, pero en constante evolución.
SPAGNA
Vibrante, poderosa, desestructurada, esta chaqueta nació en 1998 y está inspirada en el uniforme de los oficiales españoles.
¿Su peculiaridad? El cuello alto, los puños sin botones y los bolsillos de parche dobles.
TRAVELLER
Lanzado en 2007, con su cintura con cordón y bolsillos multiusos, es ideal para aquellos que viajan a menudo por negocios o placer. La capucha oculta en el cuello y el cierre de doble cremallera y botón lo convierten en el emblema de un estilo easy-casual.
LIFESTYLE
UN ÍCONO HABLA UN LENGUAJE UNIVERSAL
QUE HA TRASCENDIDO
EL ESPACIO, EL TIEMPO Y LAS MODAS, CONVIRTIÉNDOSE EN UN SÍMBOLO DE UN ESTILO DE VIDA
BOMBER
Esta prenda se lanzó en 2003 y, en continuidad con la tradición de la maison, nació del amor de la marca por la navegación. Ligera, lineal, refinada, confeccionada en microfibra Windmate® y cachemira, su versatilidad la hace ideal, para este deporte pero también perfecta para el día a día.
VOYAGER
Impermeable y de corte recto, fue diseñado en 2006 durante un vuelo Milán-Nueva York. Una martingala con lengüetas y botones en la parte trasera te permite modular los volúmenes según el peso y la forma de lo que llevas debajo. Su nombre se debe a su función original: viajar.
COCKTAIL À-PORTER
UNA MEZCLA DE OBJETOS PARA ELLA Y PARA ÉL. DESDE MINIBOLSOS DE CUERO HASTA PORTADOCUMENTOS DE COCODRILO, PASANDO POR LAS MEJORES BAILARINAS Y LOS NUEVOS RELOJES.
POR STEFANO SPINETTA FOTOGRAFÍA H2O STUDIO
Bolso blanco Milano
Mini, Valextra; bolso negro Capucines
Mini, Louis Vuitton; bailarinas de cuero napa, Dolce&Gabbana; gafas de sol, Max&Co. Eyewear; vaso Timeless y copa Nick & Nora, colección Joy, ambos de Pasabahce
Bolsa para documentos con estampado de cocodrilo Meisterstück Selection, Montblanc; Sombrero Umberto charlait de fieltro afeitado, Borsalino; corbata de seda H en Mouvement, Hermès; vaso para whisky Elysia y vaso Timeless, ambos de Pasabahce
ACCESORIOS
Bolso pequeño rosa Top Handle 30 Montaigne Avenue, de charol con bandolera extraíble, Dior; bolso Extra Bag en piel de becerro, Loro Piana; twilly parade de seda, Hermès; reloj Oyster Perpetual Datejust 31 de acero Oystersteel y oro Everose, Rolex; copa Martini Elysia y vaso para long drink Joy, ambos de Pasabahce
Mocasín de cuero, Doucal’s; porta pasaporte en piel de ciervo azul y juego de dados, Larusmiani; eau de Parfum H24 Herbes Vives, Hermès; reloj Oyster Perpetual Datejust 36, Rolex; copa Martini de la colección Joy y vaso Timeless, ambos de Pasabahce
(Para las imágenes de fondo se agradece a Freepik)
Philippe.
LOS CLÁSICOS SE REINVENTAN
EL OYSTER PERPETUAL DAY-DATE DE ROLEX, EN SUS VERSIONES DE 36 Y 40 MM, INTERPRETA SU INDUDABLE ELEGANCIA CON NUEVAS CARÁTULAS Y SU ESTILO INCONFUNDIBLE.
CON ESA RARA HABILIDAD PARA
ADAPTARSE A TODOS los públicos, y no solo por sus diámetros, el Oyster Perpetual DayDate se ha ganado a pulso su papel de clásico, con alternativas que cautivan a sus seguidores. En este ejercicio hemos visto cómo en su diámetro de 40 mm se estrenaban las carátulas sombreadas. Por ejemplo, en oro Everose presenta una inédita ecarátula de color pizarra sombreado, tanto por la tonalidad que va haciéndose cada vez más negra mientras avanza al exterior de la esfera como por los números romanos independientes y los índices facetados en oro rosa. Hasta ahora, estas carátulas eran exclusivas del Day-Date 36,
y da continuidad a un diseño presentado por la marca en la década de 1980 y relanzado en 2019. Hay otra creación llamativa del Day-Date 40 en oro blanco con esfera de nácar blanco perlado. Es la primera vez que este modelo luce este material natural, que además se ve realzado por los diamantes en los índices.
Si acudimos al Day-Date 36, llama la atención una pieza en oro amarillo con números romanos independientes e índices facetados que hasta ahora solo estaban disponibles en el Day-Date 40. Todos ellos llevan en su interior el calibre 3255; de cuerda automática, muestra el día de la semana y la fecha, además de las indicaciones horarias.
En la página anterior, arriba, Day-Date 40 en Everose y carátula pizarra. Abajo, la versión de 36 mm en caja de oro amarillo.
En esta página, el Rolex Oyster Date-Date 40 con carátula de madre perla blanco perlado en caja. de oro blanco.
TEXTO RICARDO BALBONTÍN
LA TRANSPARENCIA DEL TIEMPO
BAJO LA SILUETA DE RÉCITAL 21, BOVET NOS TRAE SU PROPIA INTERPRETACIÓN DEL CALENDARIO PERPETUO, TERMINADO CON CRISTALES DE ZAFIRO.
TEXTO IZASKUN ESQUINCA
BAJO EL LIDERAZGO de Pascal Raffy, quien es el dueño de Bovet desde hace 22 años, la firma se ha destacado por ofrecer a los más puristas amantes de la alta relojería los más refinados guardatiempos donde los artesanos y relojeros dan rienda suelta a su imaginación, así como de su experiencia artesanal que le han permitido a la casa suiza crear piezas como el Récital 22 Grand Recital, que fue reconocido en 2018 con el premio Aiguille d´ Or, en los Grand Prix Horlogerie y que destaca por poseer un telurio astronómico, una complicación que muestra la posición de la Tierra con respecto a la Luna y el Sol, y que es sumamente compleja, además de sumar un calendario perpetuo, así como un tourbillon. Es quizás este antecedente que lo permitió a Bovet, especializarse en la difícil tarea de los calendarios perpetuos, que recientemente añade un nuevo espécimen para Bovet. Hablo del Récital 21 que cobra una nueva dimensión como calendario perpetuo al dejarse ver por primera vez con cristales de zafiro, lo que, sin duda, le da un giro contemporáneo a esta tradicional complicación.
El nuevo Récital 21 se ha editado en colores: azul, verde y café. Hay que destacar que los cristales de zafiro, como lo decíamos anteriormente, le otorgan un nuevo aire, sin alterar en nada la lectura de las horas y minutos, esto se logra gracias a que la distribución de las mismas se han mantenido en el centro de la pieza y así darle espacio en la periferia de la caja para la información necesaria para el calendario perpetuo. Es importante notar que los días del mes se indican mediante una manecilla retrógrada, localizada entre las horas y los minutos, mientras que el día de la semana y el mes, se despliegan de manera vertical. Otro detalle, el año bisiesto se ha colocado de manera muy discreta a las 3 horas.
El uso de cristales de zafiro en este nuevo Récital 21 permite a los orgullosos poseedores de la pieza, ser testigos de todo un espectáculo; es decir, el completo funcionamiento del calibre 13DM05-QPR con un módulo de 16” de carga manual, lo que sin duda le otorga toda una experiencia al momento de remontarlo. Aunque,será ocasionalmente, ya que la pieza ofrece una reserva de marcha extre-
madamente generosa, cinco días de energía, alrededor de 140 horas. Un detalle que vale la pena resaltar es la complicación retrógrada para los días del mes, y es que los relojeros para subrayar el cambio de día entre el 31 y el 1 del mes siguiente, bajaron la velocidad en el trayecto de la manecilla que lo indica, es decir, el paso entre un día y otro se puede apreciar de manera lenta y suave, sin duda un guiño a la percepción del tiempo que solo los relojeros de Bovet son capaces de ofrecer.
A TRAVÉS DEL COLOR
•CAJA: Titanio pulido de tipo
Dimier “Writing desk”
•DIMENSIÓN: 40.40 mm
•MOVIMIENTO: 13DM05-QPR con módulo de 16”
•RESISTENCIA AL AGUA: 30 metros
•CORREA: Piel de aligátor en verde, azul o café brillante
Cada reloj es una edición limitada de 60 piezas.
The Península Estambul
UNA TRIBUNA EN EL BÓSFORO
EL NOMBRADO HOTEL DEL AÑO OFRECE UNAS VISTAS PRIVILEGIADAS AL BÓSFORO, ENTRE ASIA Y EUROPA, UN RINCÓN ÚNICO PARA DISFRUTAR UNA DE LAS GRANDES CAPITALES CULTURALES DEL MUNDO EN UN AMBIENTE DE LUJO.
LA LLEGADA SORPRENDE por su espectacular ubicación en primera línea del llamado cuerno de oro, por donde día y noche navegan barcos con un destino entre Asia y Europa o por el delicioso arte de contemplar este Estrecho de Estambul que fue capital cultural del mundo y por donde litigaron otomanos, persas, romanos, griegos y otomanos. Toda esa riqueza histórica está presente la bahía del Bósforo con una luz asombrosa al atardecer y con una mezcla de edificios, mezquitas, hoteles, universidades, viviendas de lujo, arquitectura de vanguardia y museos que hacen que navegarlo sea uno de los mejores espectáculos del mundo. El edificio modernista del hotel impone en el corazón de esta ciudad Turca, que permite ir caminando a algunos de los monumentos más importantes de la ciudad. En su interior un salón imponente de elegancia y buen gusto, con grandes espacios y una terraza donde desayunar junto a las aguas del Estrecho. No muy lejos está el Palacio de Topkapi, construido por los otomanos en la década de 1460 tras la conquista de Constantinopla. Y más allá, los seis altísimos minaretes de la Mezquita Azul, de 400 años de antigüedad. Un ejemplo de lujo y arquitectura al más alto nivel. Al lado, una obra maestra, Santa Sofía, uno de los logros arquitectónicos más destacados de la antigüedad, encargado por el emperador bizantino Justiniano I en el siglo VI. Todo
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
se siente cerca desde las vistas del hotel
The Peninsula. Nombrado por el grupo Virtuoso, Mejor nuevo hotel del mundo, cuando se inauguró, hace poco más de un año. El servicio, meticuloso, atento permite disfrutar de este lado Europeo de Estambul, que desemboca en el Bósforo. La arquitectura de los años 30 de la escuela Bauhaus y se le ha añadido con acierto un edificio de vidrio contemporáneo.
El interior ha respetado el techo Bauhaus que destaca gracias a la labor de la diseñadora turca Zeynep Fadıllıoğlu. Las habitaciones unen el confort tradicional con novedades tecnológicas, lujosas alfombras, grandes puertas lacadas, cortinas de damasco que hablan de lujo asiático. La inspiración de la mezquita de Anatolia en los cabeceros y las vistas al Bósforo, algunas con terraza como la suite 550 con alberca y hammam.
Mención especial merece la tecnología de la habitación, que es impecable. Cargadores inalámbricos ocultos en los cajones de la mesilla de noche; paneles de control a prueba de tontos que admiten 11 idiomas; y paneles de pared con pantalla táctil para temperatura, luz, privacidad que se oscurecen por completo 30 segundos después de pulsar el botón Master. Sin olvidar, opción para llamar al Valet.
La oferta gastronómica tiene estrella Michelin. Al frente del magnífico restaurante en la azotea de The Peninsula Estambul,
Gallada, se encuentra el chef Fatih Tutak, cuyo propio restaurante, TURK, recibió dos estrellas Michelin. El menú ha sido diseñado para llevar a los comensales por la Ruta de la Seda por la antigua Constantinopla que fue uno de los puntos finales occidentales de la ruta.
Las sorpresas continúan, el Spa es sin duda un punto diferencial y ofrece una de las mejores instalaciones del mundo. La alberca cubierta de 25 metros sorprende por su espectacular dimensión. Es una atracción estrella. Además de ocho salas de tratamiento, un hammam blanco como el glaciar con incrustaciones de nácar, así como suites separadas para hombres y mujeres con saunas, baños de vapor y duchas de sensaciones. Los ascensores en cada ala permiten a los huéspedes acceder discretamente al spa subterráneo con sus albornoces de lino turco.
Al atardecer los minaretes iluminados ofrecen una vista sin igual. Fuera nos espera el barrio de Karaköy. Con su puerto bizantino, la cercana torre de Gálta y no muy lejos el museo de arte moderno de Estambul, obra de Renzo Piano.
Termina el día mientras se ve navegar por las orillas a ferris, barco-taxis, veleros, en una agitado ir y venir. Pronto los clientes del The Península tendrá a su disposición un yate a medida para cruceros por el Bósforo con champán mientras se disfruta la silueta inmortal de una ciudad legendaria.
The Peninsula Estambul ofrece 138 habitaciones y 39 suites a lo largo de cuatro edificios, tres de ellos históricos.
David Lynch
LA MIRADA PIONERA
por Javier Fernández de Angulo
REVOLUCIONÓ el cine, con películas como El hombre elefante, Blue Velvet, Mulholland Drive y la televisión con Twin Peaks, la serie de culto que fue un avance de la pasión por las series que vive el mundo. Creó el arte de lo extraño.
Con su fallecimiento a los 78 años, el mundo pierde a uno de sus grandes talentos. Creía en el lenguaje audiovisual por eso no entendía que después de una película se quisiera reducir su trabajo a palabras.
En Europa tuvo un gran reconocimiento, ganó en 1990 La Palma de oro por Salvaje de Corazón, en el festival de Cannes y el premio a la mejor dirección en 2001 por Mulholland Drive. Para algunos una de las mejores películas del siglo. Con El hombre Elefante tuvo un éxito mundial y su mensaje inclusivo hoy está más vigente que nunca. Twin Peaks adelantó todo el universo apasionante de las series donde se generan muchos objetos de culto, desde la música hasta la localidad, los protagonistas o la estética. Millones de personas fueron seducidas por el misterio de ¿Quién mató a Laura Palmer? Además de cineasta era músico y compositor, grabó un total de ocho discos, el verano pasado lanzó Cellophane Memories en colaboración con la artista y compañera creativa, Chrystabell. Fue un personaje incómodo para Hollywood, decían que sus obras eran veneno en taquilla. Se inició en los años 70 con el estreno de la obra Eraserhead, (Cabeza borradora), la historia de una chica que tiene un bebé monstruoso; años después el Hombre Elefante se convierte en un gran éxito en taquilla y casi consigue el Oscar. “Un artista”, comentó David Lynch en una visita a Madrid en 2013, “no sufre al mostrar el sufrimiento. Cuando te enamoras de una idea, por muy turbia que sea, es siempre un proceso placentero, libera-
dor, creativo. Puedes rodar una escena horrorosa, pero eres dentro de ti feliz. Esa es la clave”.
Tras algunos fracasos como su versión de Dune, con Una historia verdadera, consigue lo que para muchos es su mejor película. El filme cuenta la aventura real de un anciano que recorrió 500 kilómetros en un cortacesped, algo surrealista, para visitar a su hermano moribundo con el que llevaba años sin hablarse. En 2019, la Academia del cine le entregó un Oscar honorario.
“El mundo va a echar de menos una voz tan original y única como la suya”, aseguró Steven Spielberg. Lynch tuvo un cameo en Los Fabelmans, la cinta biográfica del creador de Tiburón, donde David hace el papel de John Ford. “Sus películas ya han soportado el paso del tiempo y lo seguirán haciendo”, señaló Spielberg en su comunicado.
Recientemente había confesado que tenía un enfisema pulmonar, pero se negaba a
dejar de fumar, aficionado a la meditación trascendental que afirmaba practicar todos los días, llevaba con sabiduría sus éxitos y fracasos. David Keith Lynch, nacido en Missoula, Montana, el 20 de enero de 1946 hijo de una profesora de lengua y de un científico del Ministerio de Agricultura estadounidense, su creatividad le ofreció múltiples actividades como carpintería, música, pintura, fotografía, guiones no tardó en interesarse por las artes plásticas y asistió a la Pennsylvania Academy of Fine Arts. Ahí comienza sus primeros cortos, tras coquetear en Europa con la pintura. Artistas como Stanley Kubrick, Franz Kafka, Federico Fellini, Oskar Kokoschka o Francis Bacon también forman parte de sus influencias confesadas. Sin duda como muchos han señalado, su marcha deja un agujero negro en el mundo del cine, pero escuchamos también su consejo: “Mantén la vista en la dona y no en el agujero”.
