Chiara Mu. Exercise in Vanishing by Postmedia Books

Chiara Mu Esercizio di Fuga Exercise in Vanishing a cura di curated by Francesca Guerisoli

c/o Rossini Art Site Briosco, 27/09/2015

Pietro Rossini Foundation

Fondazione Pietro Rossini

Exercise in vanishing by Chiara mu Devices for wandering gazes Francesca Guerisoli

Esercizio di fuga di Chiara mu Dispositivi per uno sguardo errante Francesca Guerisoli EserciziO di Fuga

Exercise in Vanishing The Pavilion The Cherry Tree The Pond The Willow Tree Stähler: Untitled Ievolella: Segreta Consagra: Gate of Cremlin #10

14 18 22 26 30 34 38

Il padiglione Il ciliegio Lo stagno Il salice Stähler: senza titolo Ievolella: Segreta Consagra: Porta del Cremlino n.10

conversation between Alberto Rossini, Chiara Mu and Francesca Guerisoli

conversazione tra Alberto Rossini, Chiara Mu e Francesca Guerisoli

Fuksas: The House of Peace

Fuksas: Casa della Pace

the tunnel

Il tunnel

Chiara Mu – Biography

Chiara Mu – Biografia

Exercise in vanishing by Chiara mu Devices for wandering gazes Francesca Guerisoli

Chiara Mu has a penchant for working with the environment, the situation and people. Her whole production is based on dialoguing relationships: her performative installations, her relational performances and her environmental installations are all originated from a deep sharing of the context, from her quest for knowledge regarding each specific situation she works in. Not infrequently, she establishes an intimate relationship with the audience that becomes the centre of the work. The public is a dowel that interacts with her and the environment through devices that can be both performative and installative. Hence her need to eliminate the barrier that separates her area of action from the one of observation: the viewer is “acting” the work from the same level as the artist does. For her way to conceive art, Chiara Mu seemed the ideal artist to interpret the park as an organism in its whole. This involved considering its complexity made of artworks and environment but also made of all the personal and collective histories that the park is originated from and that contributed to make it what we see and we experience today. The artist permeates the physical space – besides the relational one – subverts its perception and gives back a sensitive reading of it, able to offer other visions of the same. Within the context of Rossini’s collection park, Chiara Mu hearkens and questions the space, the collection and Alberto as

collector. She tries to snatch little secrets and stories yet to be imagined. After some residencies in the park, she decides that her intervention for Pietro Rossini’s Foundation cannot be just one, it cannot be confined inside James Wines’ pavilion or in a specific area of the park. It will be, instead, fragmented into eight areas and that only from their recollection it will get a full meaning. So there are eight visual targets, maps, directions to reach them. It is up to the viewer now to decide what to do. Visitors can choose to follow that invitation to “escape” into the park’ space along specific vanishing lines, assimilating, while wandering to accomplish each chosen path, the specific condition of this place. A place, the Rossini’s collection park, in which Chiara Mu underlines the essential connection between the pavilion, the natural environment and the sculptures, updating the original intentions of James Wines the designer and his client, Alberto Rossini. At the heart of Exercise in vanishing, as in much of Chiara Mu’s work, there is an embrace, one towards the visual and physical space of the park and where visitors are invited to physically project themselves, following the vanishing points suggested. The first floor of Wines’ pavilion acts as the observatory of the entire park and it forgets, on this occasion, to be an exhibition space. It is empty, it is a viewing device that does not show anything materially. It forcefully affirms the sense of his central position and shows its personality as a space from which to reconnect the different identities that are intertwined in this place. Like a silent and watchful observer, through the artist’s intervention the pavilion becomes the launching pad for the gaze and the lead of the action. It is from here that the artist offers to the viewer the eight exercises in vanishing. They are eight, as the number of the glass surfaces framed by columns of the front semicircle of the pavilion; so eight frames as the threshold of the gaze between

Esercizio di fuga di Chiara mu Dispositivi per uno sguardo errante Francesca Guerisoli

Chiara Mu ha un debole per la relazione con l’ambiente, per la situazione, per le persone. L’intera sua opera si fonda su un rapporto dialogico: le sue installazioni performative, le performance relazionali e le installazioni ambientali nascono da una profonda condivisione del contesto, da una domanda di conoscenza rispetto alla particolare situazione su cui di volta in volta lavora. Non di rado, l’artista instaura un rapporto di intimità con il pubblico, che diviene focus dell’opera, tassello che interagisce con lei e l’ambiente attraverso dispositivi di tipo performativo e installativo. Da qui la necessità di eliminare la barriera che separa la zona dell’azione dell’artista da quella dell’osservazione: il pubblico è agente dell’opera e gravita sul suo stesso piano. Per questa modalità di lavoro, ho individuato Chiara Mu come l’artista capace di interpretare il parco della collezione Rossini come organismo, come elemento da considerare nella sua complessità di opera che comprende opere d’arte e ambiente, e per le storie personali e collettive che lo hanno generato e l’hanno reso ciò che oggi vediamo e percorriamo. L’artista penetra lo spazio fisico – oltre a quello relazionale – sovvertendone la percezione, ne restituisce un approccio di tipo emozionale, capace di fornire visioni altre da sé. All’interno del contesto del parco della collezione Rossini, Chiara Mu si pone in ascolto, interroga lo spazio, la collezione e il collezionista Alberto. Cerca di carpirne piccoli segreti e immagina

storie da sviluppare. Dopo alcune residenze presso il parco, l’artista decide che il suo intervento per Fondazione Pietro Rossini non può essere singolo, non può essere relegato al padiglione di James Wines né in una specifica area del parco: esso sarà, invece, un intervento complesso, suddiviso in otto aree, che solo dalla loro ricomposizione assumerà senso compiuto. Otto bersagli visivi, una mappa, istruzioni per raggiungerli. Sta al singolo la decisione su cosa fare. Al visitatore la scelta se mettere in pratica quell’invito rivoltogli da Chiara Mu a “fuggire” nello spazio lungo certe direttive, introiettando nell’attraversamento e nell’esperienza di portare a termine la fuga scelta la condizione specifica di questo spazio. Un luogo, il contesto del parco della collezione Rossini, di cui Chiara sottolinea l’imprescindibile connessione tra il padiglione, l’ambiente naturale e le opere scultoree, rinfrancando in questo modo quelli che furono gli intenti del progettista, James Wines, e del suo committente, Alberto Rossini. Al cuore di Esercizio di Fuga, come di gran parte dei lavori di Chiara Mu, vi è dunque un abbraccio. Un abbraccio rivolto allo spazio visivo e fisico del parco, ove il visitatore è invitato a proiettarsi, a percorrere le direttive suggerite. Il primo piano dell’architettura di James Wines funge da osservatorio sull’intera estensione del parco e dimentica, in questa occasione, il suo essere spazio espositivo. È vuoto, è un dispositivo di visione che non espone nulla, afferma prepotentemente il senso della sua posizione e mostra la propria personalità come spazio da cui riconnettere le diverse identità che si intrecciano in questo luogo. Osservatore vigile e silenzioso, attraverso l’intervento di Chiara Mu il padiglione diviene rampa di lancio dello sguardo e cervello dell’azione. È da qui che l’artista propone al visitatore gli otto esercizi di fuga. Otto, come le superfici di vetro delimitate dalle colonne del semicerchio anteriore del padiglione. Otto cornici,

two spaces. Eight points mark those surfaces and identify specific objects in the park, eight also is the infinite symbol, but this is just a coincidence. The pavilion’s curved glass wall that divides the inside from the outside thus becomes a map of points leading to an elsewhere; 180 degrees directions that visitors are invited to walk to, reconnecting the elsewhere on the run from being here. The themes of playing, discovering, the epiphany of the everyday are characteristics of many of Chiara Mu’s works. The artist acts as a relations facilitator with a specific place, often intervening with small physical or conceptual shifts to look at things from different perspectives, leading us to rediscover the everyday and the familiar elements that suddenly become narrating. It is about art works conceived for one person at a time, in which the viewer establishes a personal and intimate relationship with the place, actions that make the spectator be the real performer of the piece. The lines indicated by Chiara Mu within the pavilion invite to be used, to pursue this experience directly with the body. Choosing a vanishing point means getting a task: fulfil your own escape – vanishing from a perspective point of view or from a rational one or emotional – in order to realize the present condition and the desire to put oneself in another context. Where will it lead me? What will I find? The vanishing points, far from being objects for contemplation, become discovery devices, which work with and for the visitor. They correspond to individual elements that is other art pieces and natural elements. Chiara Mu articulates a narrative made of fragments, providing suggestions, pointing out particular features, stories and memories related to the park, condensed in individual objects and re-interpreted through site-specific installations. The eight interventions that are to be read as parts of a single body, are configured as a cohesive project. Like the elements of an organism, all essential for its working, Chiara Mu’s installations

show a different level of complexity, they are visible in different ways and they exercise different kinds of attraction. Each part participates of the same body and stems from a single brain that coincides with the pavilion of James Wines. The central perspective that Chiara Mu uses to indicate the vanishing points on the pavilion’s glass, traces a rational, infinite, constant and uniform space, which - wrote Erwin Panofsky in “Perspective as symbolic form” (1924-25) - assumes that we see from a motionless eye. The rigidity of the space mathematically defined as a relationship between height, width and depth, however, is subverted by the practice of the same vanishing points and leads to the fragmentation of the existent unity in the pavilion, moving towards a space that is also psychological, historical, related to memory and identity. Exercise in vanishing sets other ways of seeing things that are already present and that are usually recipients of these historical narratives. It is based on perspective plays, gaze’s perspectives and changes in vision. It expresses other ways to look, to listen, to interpret the stories that this place retains and whispers, from the pond to the underground tunnel, from the cherry tree to the willow one, to the chosen individual art pieces. The weaving of art and nature, in between curiosity and research and discovery, the sensitive enjoyment of the place together with the freshness of little epiphanies, all constitutes the vitality of the “vanishing” project that Chiara Mu invites each of us to experience, giving us on one side a guide made of clues and ordinary deviations and on the other the chance of not following it, or sabotaging it, or completing it by pursuing our own exercise in vanishing.

come soglia dello sguardo tra due spazi. Otto punti segnati su quelle superfici, che identificano precisi oggetti nel parco. Otto è anche la forma dell’infinito, ma questa è solo una coincidenza. La vetrata curva del padiglione che divide interno da esterno diviene così una mappa di punti che conducono in un altrove; direzioni a 180 gradi che il visitatore è invitato a percorrere, riallacciando gli altrove in fuga all’essere qui. Il tema del gioco, della scoperta, dell’epifania del quotidiano è caratteristica dell’intera opera di Chiara Mu. L’artista si pone come elemento facilitatore di relazioni con un luogo specifico, intervenendo spesso con piccoli spostamenti fisici o concettuali ed espedienti per guardare le cose da prospettive diverse, che portano a riscoprire il quotidiano e il familiare, elementi che d’un tratto si fanno narranti di storie altre o sommerse. Interventi per una persona alla volta, in cui si instaura una relazione personale e intima con il luogo. Azioni che fanno del singolo il performer del lavoro. Le tracce indicate da Chiara Mu all’interno del padiglione invitano all’uso, all’esperienza diretta del corpo. Scegliere un punto investe il visitatore di un compito: perseguire la propria fuga – prospettica, mentale, emotiva – come mezzo per una presa di coscienza di una condizione presente e il desiderio di collocare se stessi in un contesto altro. Dove mi porterà? Cosa troverò? Le fughe, lontane dall’essere oggetti da contemplare, si fanno dispositivi di scoperta che si attivano con e per il visitatore. Esse corrispondono a singoli elementi, tra opere d’arte ed elementi naturali; l’artista ne articola una narrazione per frammenti, fornendo suggestioni, sottolineando tratti peculiari, storie e memorie legate al parco condensate nei singoli oggetti, re-interpretati attraverso installazioni site-specific. Gli otto interventi sono da leggere come parti di un unico corpo, si configurano come un progetto unitario; come elementi di un organismo, tutti imprescindibili per il suo

funzionamento, essi presentano complessità differenti, sono variabilmente visibili, esercitano un’attrazione dotata di diversa forza. Ognuno concorre alla vita del corpo stesso e trae origine da un unico cervello, il padiglione di James Wines. La prospettiva centrale con cui Chiara Mu indica le fughe prospettiche sulle vetrate del padiglione traccia uno spazio razionale, infinito, costante, omogeneo, che – come scrisse Erwin Panofsky ne “La prospettiva come forma simbolica” (1924-25) – presuppone che noi vediamo con un occhio immobile. La rigidità dello spazio definito matematicamente come relazione tra altezza, larghezza e profondità viene però sovvertita nella pratica delle fughe stesse e porta alla frammentazione dell’unità esistente nel padiglione, riconducendo a uno spazio che si fa anche psicologico, storico, di memoria e di identità. Così Esercizio di Fuga stabilisce un altro modo di vedere le cose già presenti, normalmente destinatarie di narrazioni di tipo storico. Si fonda su giochi di prospettive, prospettive di sguardi, cambi di visione. Altri modi di vedere, di ascoltare, di interpretare le storie che questo luogo conserva e sussurra, dallo stagno al tunnel sotterraneo, dal ciliegio al salice, alle singole opere d’arte. L’intreccio tra arte e natura, tra curiosità-ricerca-scoperta, la fruizione emozionale del contesto, la freschezza di piccole scoperte costituiscono la vitalità del progetto di fuga a cui Chiara Mu invita ognuno di noi, fornendoci da un lato un manuale d’uso fatto di indizi e deviazioni dall’ordinario e dall’altro la possibilità di non seguirlo, di sabotarlo, o di completarlo seguendo il proprio esercizio di fuga.

Esercizio di Fuga Exercise in Vanishing

Esercizio di fuga: Il padiglione

Exercise in Vanishing: The Pavilion

Il padiglione progettato da James Wines è un vero e proprio osservatorio sul parco. Dalle sue vetrate luminose è possibile comprendere, in una visione a centottanta gradi, tutti gli elementi che articolano lo spazio: opere d’arte, piante, manto erboso, animali, stagno, tramonti e montagne in lontananza. All’interno del padiglione Chiara Mu identifica otto punti di osservazione, fughe prospettiche che corrono nel parco, offerte ai visitatori come percorsi da esplorare sia con lo sguardo sia con il corpo. L’ambiente architettonico del padiglione diviene così un dispositivo spaziale che accoglie le persone e consente di scegliere la propria “fuga”. La vetrata semicircolare del padiglione presenta segni grafici che rappresentano mirini da cui è possibile osservare ogni fuga identificata dall’artista; la mappa posta al suolo, in corrispondenza di ogni punto, invita il visitatore a scoprire, “volgendo in fuga”, che cosa quell’indicazione su quel singolo elemento ha in serbo per lui.

The pavilion designed by James Wines is a true observatory of the park. From its bright windows you can see, in a one hundred and eighty degrees vision, all the elements that articulate the valley: artworks, plants, grass, animals, the pond, sunsets and sharp mountains in the distance. Inside the pavilion Chiara Mu identifies eight vanishing points to admire the park from, offering visitors eight views to explore both with their eyes and bodies. The architectural environment thus becomes a spatial device that welcomes people and allows everyone to choose his or her own favourite “escape”. The semi-circular glass window of the pavilion hold graphic signs representing viewfinders from which you can observe every vanishing point that the artist identified. Then maps, placed on the ground next to each point, invite visitors to discover what that indication has in store for them.

Esercizio di fuga: lo stagno

Exercise in Vanishing: the Pond

Tra gli elementi naturali del parco oggetto degli interventi di Chiara Mu vi è lo stagno, situato in una porzione di terreno in declivio. La scelta di intervenire sullo stagno deriva dalla presa di coscienza dell’artista rispetto alla sua origine: il bacino raccoglie tutte le acque che spontaneamente “vanno in fuga” nella valle. L’intervento consiste in una dichiarazione testuale sul pelo dell’acqua, superficie resa solida dalle migliaia di alghe smeraldine che qui sostano, che raccontano questo fenomeno.

Among the natural elements chosen by Chiara Mu as objects of her interventions there is the pond, located in a portion of the sloping ground of the valley. The decision to work on the pond comes from the artist’s awareness of its origin: the basin in fact collects all the water which spontaneously “goes on the run” in the valley. Hence the intervention consists of a textual statement on the water’s surface, made solid by thousands of emerald algae that stop here, claiming this phenomenon.

Esercizio di fuga: il salice

Exercise in Vanishing: the Willow Tree

Il salice si trova al centro di una conca erbosa, in una delle estremità meno visitate del parco. La relazione di Chiara Mu con il salice è fatta di un continuo gioco di contrattazioni e compromessi. Dopo un primo sopralluogo, l’artista decise di prolungare i rami dell’albero fino a terra per creare una cupola verde dentro cui rintanarsi, osservando il passaggio del tempo e la modifica dello spazio circostante, un intimo luogo della stasi.

The willow stands at the center of a small grassy hollow, in one of the less visited parts of the park. The relationship Chiara Mu keeps with the willow is defined by a continuous game of negotiation and compromise. After a first visit, the artist decided to extend the branches of the tree to the ground to create a green dome inside which, while hiding, it could have been possible to perceive the passage of time and the changes of the surrounding space, like being inside an intimate place of stasis.

Giunta al parco per realizzare le installazioni, ho verificato che questa mia visione del salice non era più realizzabile: rami spezzati, vespe insidiose in gran numero sulla corteccia, difficoltà a reperire i materiali utili. Ho iniziato a percepire quell’albero come un buco nero che assorbiva ogni mio slancio. Ho poi realizzato che la chiave di volta risiedeva nel rovesciare l’impianto della mia immaginazione; l’albero non più come un buco ma come una goccia che muove intorno a sé la terra, in cerchi concentrici che si rompono contro le sculture e i recinti. Ho cercato dunque di realizzare questa mia visione proponendo un intervento specifico di scavi e modellamenti del terreno, ma non avevo né sufficiente tempo né giuste condizioni climatiche per realizzare questo ingente lavoro entro il giorno della mostra. Abbiamo deciso di posticipare la realizzazione del progetto in inverno per inaugurarlo nella primavera 2016; ciononostante volevo raccontare ai visitatori il processo di questo lungo lavoro sul salice. Ho dunque tracciato cerchi concentrici utilizzando polvere di gesso e ho chiesto a Barbara Uccelli, collega artista e performer, di accogliere i visitatori tra un cerchio e l’altro raccontando le mie traversie a riguardo. Barbara ha elaborato il mio racconto trasformandolo in una struggente storia d’amore, solo al termine del quale rivelava che il lui della sua storia era l’albero ed la lei fosse l’artista. Nel corso dell’inverno, Chiara Mu ha proceduto alla realizzazione del progetto di scavi e ri-modellamento della terra, arrivando così a dar vita alla prima installazione nel parco che riprende le modalità operative della land art.

Arriving at the park to realise the installations, I verified that my vision of the willow was no longer feasible: broken branches, insidious wasps in large numbers on the bark, too many problems in obtaining useful materials. I began to perceive that tree like a black hole that was absorbing all my inspiration. I then realized that I had to overthrow my imagination; considering the tree no longer as a hole but as a drop that was moving my thinking around “him” and so physically moving the soil, creating concentric circles that would break against other sculptures and fences. So I tried to make this vision of mine real, by proposing a specific intervention of excavations and shaping of the ground, but I had neither sufficient time nor the right climatic conditions to achieve this considerable work in time for the opening. We decided to postpone the realisation of the project to winter, to be able to inaugurate it in spring 2016; nevertheless I wanted to tell visitors the process of this long work on the willow. So I traced concentric circles using chalk dust and I asked Barbara Uccelli, fellow artist and performer, to welcome visitors in the circles and to talk about it. Barbara turned my creative process into a poignant love story; only after finishing this tale she was revealing that the ‘escaping, vanishing man’ was the tree and that the adamant, caring woman was indeed the artist. During the winter, Chiara Mu proceeded to the realization of the project of excavations and re-modeling of the soil as planned, bringing to life the first land-art installation in the Rossini’s park.

Esercizio di fuga: Stähler – Senza Titolo

Exercise in Vanishing: Stähler – Untitled

La scultura di Franz Stähler è collocata nell’ansa della valle del parco di fronte al padiglione. Chiara Mu individua in quest’opera l’unica “controfuga” possibile, ovvero l’unico punto da cui è possibile offrire uno sguardo sul dispositivo guida dei visitatori. A questo fine, l’artista abbina un cannocchiale alla scultura così da consentire al pubblico di leggere due citazioni di Frank Lloyd Wright da lei selezionate e poste tra il primo e il secondo piano del padiglione. Le citazioni provengono dal libro dell’architetto statunitense James Wines, Green Architecture (Taschen, 2000), che ha progettato il padiglione negli anni novanta, e riguardano il senso e la prassi dell’architettura organica, di cui lo stesso padiglione ne rappresenta un riconosciuto esempio. Chiara Mu con questo intervento ha voluto offrire una prospettica riflessiva e identitaria sull’edificio architettonico da cui ogni fuga prospettiva proviene.

Franz Stähler’s sculpture is located in the part of the valley that arises in front of the pavilion. Chiara Mu identified in this work the only possible “counter-view”, the only place where visitors can grasp a view of the “guide device”, that is the pavilion. For this purpose she matches a pair of binoculars to the sculpture in order to allow the public to read the two quotes from Frank Lloyd Wright she selected and placed between the first and second floor of the pavilion. The quotes come from the book written by James Wines, Green Architecture (Taschen, 2000), the American architect who designed the pavilion in the nineties, and concern the meaning and the practice of the organic architecture, of which the same pavilion is a recognized example. Chiara Mu with this intervention wanted to offer a reflexive perspective on the architectural identity of the building from which every vanishing point derives.

L’architettura moderna è semplicemente un’architettura costruita nella nostra epoca; ma l’architettura organica è un’architettura proveniente dall’interno e proiettata verso l’esterno. Organico significa intrinseco… un’entità in cui la natura dei materiali, la natura delle intenzioni e la natura dell’esecuzione si impongono come necessità.

Modern architecture it’s simply architecture built in our time; but the organic architecture is architecture from the inside that is projected outward. Organic means intrinsic…an inherent entity in which the nature of the materials, the nature of intention and the nature of execution impose themselves as needs.

Esercizio di fuga: Consagra – Porta del Cremlino n.10

Vanishing point: Consagra – Gate of Cremlin #10

La porta che divide l’area privata del parco da quella ad uso pubblico è il risultato della magnificazione di una delle sculture di porte presentate da Pietro Consagra a San Pietroburgo, nella sua celebre mostra avvenuta all’Hermitage nel 1991, prodotta da Alberto Rossini. Allo scopo di sottolineare il valore del passaggio e del forte legame che intercorreva tra l’artista e il suo collezionista, Chiara Mu ha omaggiato la memoria di Alberto Rossini proprio sotto quella porta. L’automobile di Alberto Rossini è parcheggiata qui, in quella zona di confine tra le due aree. L’artista ha accolto il suggerimento di Francesca Guerisoli di allestire all’interno del mezzo una sintesi audio di circa quindici minuti dell’ultima intervista rilasciata proprio all’artista e alla curatrice da Alberto Rossini nel gennaio 2015. I racconti di Rossini sono costellati di aneddoti che sviscerano la creazione del parco e la sua quarantennale esperienza di collezionista. La fruizione dell’opera avviene per due visitatori alla volta: salendo sull’auto di Rossini e chiudendo le portiere, il visitatore vive una sorta di attraversamento temporale e spaziale sotto la porta di Consagra.

The door that separates the private area from the public one in the park is the result of the magnification of one of the sculptures made by Pietro Consagra in St. Petersburg, for his famous exhibition that took place at the Hermitage in 1991 produced by Alberto Rossini. In order to emphasize the meaning of that passage and the strong ties that existed between the artist and his collector, Chiara Mu has honored the memory of Alberto Rossini by placing his car under that door, in that liminal space between the two areas. The artist has welcomed the suggestion by Francesca Guerisoli to install inside the car an audio synthesis of about fifteen minutes of Alberto Rossini’s last interview, released to the artist and the curator in January 2015. The interview is full of anecdotes which recall the creation of the park and his forty years of experience as a collector. The installation has been conceived for two visitors at a time: after getting in the car and closing its doors, the visitor would have experienced a kind of temporal and spatial crossing under Consagra’s door.

Summary of the conversation between Alberto Rossini, Chiara Mu and Francesca Guerisoli January 2015

In 1953 I lost my father, I was 19, I was the head of the family and I was the son of an innkeeper in the heart of rural Brianza, that Brianza that stayed the same until the Second World War: see, they call them the first and the second but in reality there was only one: it started in 1914 and ended in 1945. So when my father died I sold the tavern and I got a job but I had his memorial done in the cemetery before, I had there working at it one of Marino Marini’s assistants because I met him there, in the inn. He was a professor, Negri from Cabiate. Then I sold the inn and with my brother I entered the world of mechanics; my goal was always to work. I was only “lent” to the world of art collecting...however I started to know a lot of people, and I became passionate for it in time; until the sixties I was buying paintings and figurative sculptures, then I switched to abstraction and , as in everything, it was a maturation. Going forward, I felt more and more involved and in the nineties I also had the economic means, so came the Sironi’s paintings, the Fontana’s ... If I have to name a master, the one who taught me the most, I would say Andrea Cascella. His family is made of real artists and Andrea was also a close friend. One day he calls me and says: “Consagra just came back from the United States and he is not selling, buy something from him!”. So I went to Rome and I

bought one of his sculptures, he arrived at the airport to pick me up with his old car and we went to his studio and I chose a large sculpture; then I sponsored his work for exhibitions and as much as I could around. Not that I was aiming at a specific art movement or an artist, I focused more on the whole Italian sculpture and painting, but not like others... I once knew a collector, a bank employee, who had twelve Morandi’s pieces, in a living room of 5 x 4 meters and he had started taking two paintings at the time , then he was passionate and started to put them together, so much that he organized a show about ten years ago with his paintings, but I believe is now dead, he was very old. I never got passionate about Transavanguardia or for very successful artists in the Sixties and Seventies, such as Guttuso for example, who never interested me. I was interested in a didactic approach, my own... Wines’pavilion is inside the park and it represents the Foundation, named after Pietro Rossini, my second-born who died at 19 years old. I had spoken in ‘88-’89 with Frank Gehry and we agreed to do something together, but then things moved into another direction. I wanted to do something that could honor the family and that is, architecturally, a historical piece, also relevant for my collection given that I own two-thousand works, including sculptures, paintings, drawings. I have three-hundred and fifty drawings by Beuys and I have got this idea – something only few people can accomplish or perhaps just us -: we would like to make roaming exhibitions, going around with a container full of artworks and expose them for example in Viareggio during summer time: people will visit them by paying a ticket. Now I am dealing with both video and printed documentation of each artist; I finished Turcato’s one last week, I have here in the park the “Oceaniche” sculptures. He made very few sculptures,

Sintesi della conversazione tra Alberto Rossini, Chiara Mu e Francesca Guerisoli Gennaio 2015

Nel ‘53 ho perso il padre, avevo 19 anni, ero capo famiglia ed ero figlio di un oste nel cuore della Brianza contadina, quella stessa Brianza che è rimasta così fino alla Seconda Guerra Mondiale; cioè la chiamano la prima e poi la seconda ma in realtà fu una sola: iniziò nel ‘14 e finì nel ‘45. Insomma, quando morì mio padre vendetti l’osteria e mi misi nel mondo del lavoro, ma prima feci fare il suo monumento al cimitero, per il quale presi un assistente di Marino Marini perché lo conobbi lì, in osteria da noi. Era un professore, Negri da Cabiate. Poi, venduta l’osteria, con mio cognato sono entrato nel mondo della meccanica e l’obiettivo era sempre il lavoro. Mi sentivo solo prestato al mondo del collezionismo… tuttavia iniziai a conoscere un sacco di gente e nel tempo mi sono appassionato; fino agli anni Sessanta comperavo quadri e sculture figurative, poi sono passato all’astratto e come in tutte le cose è stata una maturazione. Andando avanti mi sono sentito sempre più coinvolto, e intorno agli anni Novanta avevo anche i mezzi economici, cosi sono arrivati i Sironi, i Fontana… Se devo nominare un maestro, quello che mi ha insegnato di più è stato Andrea Cascella. La sua è una vera famiglia di artisti e Andrea era anche un caro amico. Un giorno mi chiama e dice: “È tornato dagli Stati Uniti Consagra, che non riesce a vendere nulla, compragli qualcosa!”. Cosi andai a Roma e gli presi una scultura,

arrivò all’aeroporto a prendermi con la sua vecchia macchina e andammo nel suo studio e comperai una grande scultura; poi l’ho sponsorizzato nelle mostre ed in giro come ho potuto. Non è che puntassi su una corrente o su un artista, ho puntato di più su tutto il movimento dalla scultura e pittura italiana, ma non come altri… Una volta ho conosciuto un collezionista, un impiegato di banca, che aveva dodici Morandi, in un soggiorno di 5 metri x 4 e aveva iniziato prendendo due quadri, poi si era appassionato ed iniziò a metterli insieme, tanto che fece una mostra una decina di anni fa’ con i suoi quadri, ma credo ora sia morto, era molto anziano. (…) Della Transavanguardia non mi sono mai appassionato, come di artisti di grande successo negli anni Sessanta e Settanta, vedi Guttuso che non mi ha mai interessato. A me interessa un approccio didattico, mio... Il padiglione di Wines è dentro al parco e rappresenta la Fondazione intitolata a Pietro Rossini, il mio secondogenito deceduto a 19 anni. Avevo parlato nell’88-’89 con Frank O. Gehry ed eravamo d’accordo di fare qualcosa insieme, poi le cose, però, sono andate in un altro modo. Volevo fare una cosa che alla fine ricordasse la famiglia e quello è architettonicamente un pezzo storico, anche importante per la collezione visto che ho duemila opere tra sculture, quadri, disegni. Ho trecentocinquanta disegni di Beuys e mi e’ venuta un’idea – che possiamo realizzare in pochi se non, forse, solo noi –, vorremmo fare le mostre itineranti, arrivare con un container con dentro le opere ed esporle per esempio a Viareggio per un’estate: le persone vanno a visitarle pagando un biglietto. Al momento sto facendo la documentazione video e cartacea di ogni artista; la settimana scorsa ad esempio abbiamo finito Turcato perché ho qui le “Oceaniche”. Turcato ha fatto pochissime sculture, queste le aveva comperate Gardini e le aveva esposte a

Esercizio di fuga: il tunnel

Vanishing point: the Tunnel

Al fine di portare aria fredda nei piani bassi del padiglione, Alberto Rossini iniziò la costruzione di un tunnel che non fu, però, mai ultimato. Si tratta di condotte di cemento che procedono sotterranee, nel vuoto, restringendosi, senza giungere in alcun luogo. Chiara Mu dipinge di color oro ogni giuntura circolare delle condotte fino a trenta metri di estensione in orizzontale. L’idea dell’artista è di proporre ai visitatori una riflessione sulla perdita di profondità dello sguardo e sull’abisso del non finito che spesso accompagna creatori indomiti. Vi è un unico, preciso, momento in cui è consentita una visione completa, la più estesa possibile, del tunnel, nelle ore pomeridiane: i raggi del sole colpiscono con una particolare inclinazione l’antro del cunicolo permettendo di penetrare con lo sguardo ogni cerchio dorato, spingendo la visione più in là, verso l’abisso.

In order to bring cold air into the lower floors of the pavilion, Alberto Rossini ordered the construction of a tunnel that was, however, never completed. The tunnel is made of large concrete pipes that run underground, in the emptiness, shrinking without reaching any place. Chiara Mu paints gold each circular seam between pipes up to thirty meters of the tunnel’s extension. The artist’s intent is to provide visitors with a reflection on the loss of vision’s depth and on the abyss of the unfinished that often accompanies indomitable creators. There is a single, precise moment when a full view of the tunnel, to the maximum extent possible, is allowed: it is when during the afternoon the sun’s rays hit the cavern at a specific inclination, allowing people to see each golden circle and so pushing the vision further, towards the abyss.

Chiara Mu – BiograPHY

Born in Rome in 1974, lives between Rome and London. She graduated in 2001 in Stage Design at the Academy of Fine Arts in Rome and in photography in 2002 at the school E. Rolli of Rome. She lived in London for 10 years and she graduated Master in Fine Art at Chelsea College of Art and Design. Chiara Mu works exclusively within the site and/or situationspecific frame, employing installations and performances as her preferred media. She defines herself as a ‘time-based artist’ who creates relational strategies between places, objects and the presence of the body, hers and/or the visitors ones. She aims to intervene intimately and provocatively in the quality of the time of the viewers, constantly questioning their role and their approach to the art work. She collaborated over the years with various non-profit art organizations, both in U.K. and Italy, including “Cambridge Artworks Gallery” in Cambridge (UK), “Five Years Gallery” and Yinka Shonibare “Guest Projects Space” in London and “Condotto C” in Rome. She then collaborated with “Edieuropa” Gallery in Rome, “CIAC” Museum of Contemporary Art in Genazzano (Rome), Bibo’s Place in Todi and recently with Foundation Pietro e Alberto Rossini in Brianza and AlbumArte in Rome. She realised site-specific performances for the City of Venice and the Municipality of Milan, she has also been a resident artist in China (Yunnan Studio 493), exhibiting his work in Beijing and Kunming. She taught Installations & Performance workshops at the Academy of Fine Arts in Bologna for two years, she also led seminars and lectures on both her work and the phenomenology of Performance and Installation Art - both in Italian and English for universities and academies including: Royal College London, Yunnan Art University in China, John Cabot University, RUFA, Saci in Florence, Academies of Fine Arts in Bologna, Rome and Catania and Milan Bicocca University.

Chiara Mu – Biografia

Nata a Roma nel 1974, vive tra Roma e Londra. Diplomata nel 2001 in Scenografia all’Accademia di Belle Arti di Roma e in Fotografia nel 2002 alla scuola E. Rolli di Roma, ha vissuto a Londra per dieci anni, dove ha conseguito il diploma biennale di Master in Fine Art al Chelsea College of Art and Design. Chiara Mu opera esclusivamente nell’ambito di interventi specifici su luogo e/o situazione, utilizzando installazioni, performance e video come modalità preferenziali di lavoro. Si definisce una timebased artist che abita in modo specifico spazi e tematiche, creando strategie relazionali tra luogo, oggetti e presenza del corpo, sua e dei visitatori. Intende intervenire in modo intimo e provocatorio sulla qualità a del tempo di fruizione di chi esperisce il lavoro, mettendo in discussione il ruolo stesso del visitatore ed il suo posizionarsi rispetto all’opera. Ha collaborato negli anni con diverse realtà underground e no-profit inglesi ed italiane, tra cui Cambridge Artworks Gallery a Cambridge (UK), Five Years Gallery e Yinka Shonibare Guest Projects Space a Londra e Condotto C a Roma. Ha collaborato con la Galleria Edieuropa-Qui Arte Contemporanea a Roma, CIAC Museo di Arte Contemporanea di Genazzano (Roma), Bibo’s Place a Todi, Fondazione Pietro Rossini a Briosco (MB) e AlbumArte a Roma. Ha prodotto performance site-specific per il Comune di Venezia e il Comune di Milano ed è stata artist resident in Cina (Studio 493 Yunnan), esponendo il suo lavoro a Pechino e a Kunming. Titolare per due anni del workshop “Installazioni & Performance. Una pratica site-specific” presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, ha inoltre ha condotto lezioni seminariali sul suo lavoro, sulla Performance Art e Installation Art presso università e accademie tra cui: Royal College di Londra, Yunnan Art University in Cina, John Cabot University e RUFA a Roma, Saci a Firenze, Accademia di Belle Arti di Bologna, Roma e Catania e Università di Milano Bicocca.