GA Vision N.13 - 2021_01.02 by Glamour Affair

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n.13

2021/01.02 READ ON

glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN

Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019

Cover Credits © Gian Paolo Barbieri - Courtesy of Fondazione Gian Paolo Barbieri

Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI

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AUTOMNE COLLECTION furniture design GIAN PAOLO BARBIERI interview DELTA N.A. artists duo CONRAD VALONE fine art THE RANCH interior architecture MILTON MONTENEGRO portfolio GREY EST artist FABIO VITTORELLI street photographer AGRELA HOUSE residential architecture LANZAROTE publication MARY A. JOHNSON collages IRENE ANTONUCCI actress PRATIC 2.0 industrial architecture NICOLAS BRUNO project NATURE gallery selection #GADDICTED Instagram selection

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2021: DALLA CRISI UNA NUOVA OCCASIONE DI RI-PROGETTO Lettera della Redazione

Con la fine del 2020 si chiude un anno in cui, al suo inizio, per molti di noi risiedeva speranza e molte aspettative. Nella verità dei fatti l’umanità si è trovata, e si troverà negli anni avvenire, ad affrontare una sfida come poche nella storia. Un momento che, al pari dei conflitti bellici del ‘900, è capace di rimettere in discussione la validità di un intero sistema di valori sociali, umani ed economici. Come diceva Thomas S. Eliot, “Ciò che diciamo principio spesso è la fine, e finire è cominciare”. Dalla crisi si può solo cogliere una grande occasione per intraprendere una nuova via, sperando di aver imparato dagli sbagli pregressi. Lo dice l’origine stessa della parola, dal latino crisis, a sua volta dal greco krísis, ovvero “scelta, decisione”, che riconduce a krino, cioè “separare, ordinare”. È infatti rinata, come per magia, in parte di noi italiani la consapevolezza di vivere in un paese ricco e stupendo, forse oltre le nostre aspettative. Gli affascinanti video delle piazze deserte hanno evidenziato un ecosistema che fa dell’italiano “l’homo faber” per eccellenza che, a differenza di tutti gli altri, non solo ha saputo creare, ma altresì conservare e consegnare alle generazioni avvenire. Crearlo, viverlo, conservarlo. È questo il leitmotiv che dovrebbe tornare ad essere parte di noi e del nostro modo di vivere, insieme ad una più solida consapevolezza di noi stessi. Come individui, come società... Come uomini! Già, perché la tangibile perdita della dimensione umana ha, nel 2020, definitivamente aperto la nostra nuova crisi, svelando le crepe dentro e fuori la nostra persona. GlamourAffair ha quindi colto questo momento di crisi per ri-progettare e ri-progettarsi, attraverso “l’Odi et amo” dello smartworking, affiancato alla continua ricerca estetica che ha sempre contraddistinto il nostro lavoro. L’obiettivo sarà portare il messaggio che ci sarà sempre qualcosa di più forte e di più elevato: la bellezza forse non salverà il mondo, ma sicuramente lo incoraggerà! Come ad inizio 2020, in questo primo numero del nuovo anno abbiamo voluto ospitare un illustre maestro della fotografia: Gian Paolo Barbieri. Una personalità che ha dominato la scena internazionale con scatti memorabili, uniti da un forte stile, una solida narrazione e rara padronanza tecnica. Gianfranco Ferré diceva: “le immagini di Gian Paolo sono, nell’ordine, occhio, cuore e mente”. Una veste grafica rinnovata, sempre in evoluzione, accompagnerà il nostro messaggio e porterà i lettori nel nostro mondo, pochi o tanti che siano. Noi siamo ancora qui e, in questo augurio per un 2021 di rinascita, vogliamo ricordare tutte quelle personalità della cultura, nelle sue varie forme, che non sono più tra noi. Tra i tanti: Philippe Daverio, Christo, Vittorio Gregotti, Ezio Bosso, Ennio Morricone, Sean Connery, Kirk Duglas, Lucia Bosé, Gigi Proietti, Pierre Cardin e Giulia Maria Crespi. Finally 2020 is over. It ends a year in which, at its beginning, for many of us there was hope and many expectations. In fact, humanity found itself, and will find itself in the years to come, facing a challenge like few in history. A moment that, like the war conflicts of the 1900s, is capable of calling into question the validity of an entire system of social, human and economic values. As Thomas S. Eliot said, “What we call the beginning is often the end. And to make an end is to make a beginning. The end is where we start from.” From the crisis we can only take a great opportunity to embrace a new path, hoping to have learned from past mistakes. The origin of the word itself says so, from the Latin crisis, in turn from the Greek krísis, or “choice, decision”, which leads back to krino, that is “to separate, to order”. For example, the awareness of living in a rich and beautiful country, perhaps beyond our expectations, has been reborn as if by magic in us Italians. The fascinating videos of the deserted squares have highlighted an ecosystem that makes the Italian “homo faber” par excellence which, unlike all the others, has not only been able to create, but also to preserve and hand over to future generations. Create it, live it, keep it. This is the leitmotiv that should become part of us and of our way of life, together with a more solid awareness of ourselves. As individuals, as a society... as men! Yes, because the tangible loss of the human dimension has, in 2020, definitively opened our new crisis, revealing the cracks inside and outside our person. GlamourAffair has therefore seized this moment of crisis to re-design and re-design itself, through the “Odi et amo” of smartworking, alongside the continuous aesthetic research that has always characterized our work. The goal will be to convey the message that there will always be something stronger and higher: beauty may not save the world, but it will certainly encourage it! As at the beginning of 2020, in this first issue of the new year we wanted to host an illustrious master of photography: Gian Paolo Barbieri. A personality who dominated the international scene with memorable shots, united by a strong style, a solid narrative and rare technical mastery. Gianfranco Ferré said: “Gian Paolo’s images are, in order, eye, heart and mind”. A renewed graphic design, always in evolution, will accompany our message and will bring readers into our world, whether they are few or many. We are still here and, in this wish for a 2021 of rebirth, we want to remember all those personalities of culture, in its various forms, who are no longer with us. Among the many: Philippe Daverio, Christo, Vittorio Gregotti, Ezio Bosso, Ennio Morricone, Sean Connery, Kirk Duglas, Lucia Bosé, Gigi Proietti, Pierre Cardin and Giulia Maria Crespi. La redazione di GlamourAffair | The GlamourAffair Editorial Team

Larose Guyon

AUTOMNE COLLECTION 6

Una squisita celebrazione della natura in tutto il suo splendore e delle sue inimitabili meraviglie, Automne è una collezione in edizione limitata che mette in risalto le intricate composizioni di forme elementari. Con questa collezione eterea, design, natura e abilità si scontrano per creare tre esclusive opere scultoree di sedici pezzi in edizione limitata che fondono arte e funzione, evocando la delicata forma d’arte dei gioielli sublimi. Meticolosamente realizzato a mano, ogni design viene portato in vita con maestria e ingegnosità senza precedenti, per un risultato ipnotizzante mozzafiato. Il delicato e l’audace, intrisi di visione artistica ed elevati con materiali nobili, colpiscono una corda di lusso e raffinatezza senza tempo. Verchères (Canada), dipinta in modo affascinante con i colori delle stagioni che passano, è una fonte infinita di ispirazione e immagini abbaglianti. Attingendo a preziosi riferimenti naturali, Larose Guyon crea un linguaggio unico che si traduce in silhouette di notevole eleganza. Alla ricerca dell’espressione più pura della natura, i raccoglitori vagano presi da un senso di mistero e dalla promessa del non-pareil. Camminano con leggerezza guidati dalle loro percezioni sensoriali accresciute, alla ricerca di uno scorcio estremamente raro e allettante di forme preziose, vibranti di colore e squisitamente sagomate. Alimentati dalla passione, intraprendono audacemente il lungo e arduo viaggio, riservato agli esteti esperti e altamente qualificati dotati di anni di conoscenza, esperienza e capacità di recupero. In poco tempo, tesori nascosti vengono rivelati su un sentiero inaspettato, scintillando su uno sfondo naturale mistico ammantato di raffinatezze autunnali. Catene d’oro, foglie di ottone e conchiglie lucenti proiettano un’aura magica e attirano i raccoglitori in modo seducente. Attirati dalla presente accattivante bellezza, usano gli strumenti realizzati esclusivamente per raccogliere con cura e con il massimo rispetto le delicate forme scintillanti che la natura maestosa ha creato. An exquisite celebration of nature in all its splendour and its inimitable wonders, Automne is a limited edition collection that highlights the intricate compositions of elemental forms. With this ethereal collection, design, nature and skill collide to create three exclusive sculptural works of 16 limited-edition pieces that fuse art with function and evoke the delicate art form of sublime jewelry. ‘‘Meticulously handcrafted, each design is painstakingly brought to life with unparalleled mastery and ingenuity for a breathtaking mesmeric result. The delicate and the bold, imbued with artistic vision and elevated with noble materials, strike a chord of timeless luxury and refinement.’’ Verchères, charmingly painted in the colourways of the passing seasons, is an infinite source of inspiration and dazzling imagery. Pulling on treasured natural references, Larose Guyon creates a unique language that translates into silhouettes of notable elegance In search of the purest expression of nature, foragers roam gripped by a sense of mystery and the promise of the non-pareil. They tread lightly directed by their heightened sensory perceptions seeking the supremely rare and a tantalizing glimpse of precious forms, vibrant in colour and exquisitely shaped. Fuelled by passion, they daringly take on the long arduous journey, reserved for the highly-skilled, savvy aesthetes who are equipped with years of knowledge, experience and resilience. Before long, hidden treasures are revealed on an unexpected bypath, gleaming against a mystical natural backdrop cloaked in autumnal finery. Gold chains, brass leaves and lustrous shells cast a magical aura and lure the foragers seductively. Drawn by the present captivating beauty, they use the tools solely made for their quest to carefully harvest with the utmost respect the delicate glistening shapes the majestic nature created.

VALSE AU CRÉPUSCULE

Catturare l’incantesimo e la bellezza di un momento sospeso nel tempo è una proposta tranquilla e mozzafiato, che attira come un incantevole valzer e con un magico richiamo. Sprezzante ma discreta, quest’opera d’arte con le sue sottili idiosincrasie allude alle forme sensuali della natura, ma abbraccia la nitida opulenza dei gioielli. Parte di una collezione in edizione limitata di 16 pezzi unici, ogni sorprendente installazione vanta centinaia di foglie in fibra di ottone appese a una rete tessuta a mano di catene dorate, illuminate caldamente da frutti in vetro soffiato a mano traslucido e ornamenti placcati in oro 24K. Esperti artigiani lavorano meticolosamente e minuziosamente per più di 120 ore su ogni pezzo. Realizzato con materiali preziosi e assemblato a mano con grande cura e precisione.

Capturing the spell and beauty of a suspended moment in time is a quiet breathtaking proposition that lures like an enchanting waltz and entices with a magical pull. Defiant yet discreet, this artwork with its subtle idiosyncrasies alludes to the sensuous shapes of nature yet embraces the sharp opulence of jewellery. Part of a limited-edition collection of 16 unique pieces, each striking installation boasts hundreds of brass fibre leaves hanging from a handwoven net of golden chains, warmly lit by translucent hand-blown glass fruitage and 24K goldplated adornments. Expert artisans work meticulously and minutely for more than 120 hours on each piece. Handcrafted from precious materials and hand-assembled with great care and precision.

Catturando la fragilitĂ e lâ&#x20AC;&#x2122;essenza effimera di un cardo, questo lavoro sensuale mette un lucido sulla forma organica e la reinventa utilizzando materiali nobili in 16 pezzi in edizione limitata. Dotato di un impressionante diametro di 6 piedi, ma con una leggerezza inaspettata, la sua silhouette scintillante sospesa contiene 350 metri di strette catene color oro, delicatamente legate insieme da un nucleo strutturale in ottone massiccio placcato oro 24k. Sistemi di illuminazione su misura, racchiusi nella base cilindrica e nel globo centrale in vetro soffiato a mano, illuminano dolcemente le catene radianti in modo intermittente e consentono con grazia giochi di ombre e luci. Un pezzo celeste, che evoca la poesia in una forma superlativa, interamente realizzato e assemblato a mano con la massima cura e attenzione ai dettagli. Richiedendo le mani esperte di maestri artigiani per circa 80 ore, ogni pezzo unico viene infine completato con una luce caratterizzata da un grado kelvin caldo, simile a una candela.

DUVET DES CHARDONS

Capturing the fragility and ephemeral essence of a thistledown, this sensuous work puts a polish on the organic form and reimagines it using noble materials in 16 limited-edition pieces. Boasting an impressive 6â&#x20AC;&#x2122; diameter, yet lent an unexpected lightness, its suspended scintillating silhouette holds 350 meters of narrow golden-hued chains delicately bound together by a 24k gold-plated solid brass structural core. Bespoke lighting mechanics, encased in the cylidrical base and the centred hand-blown glass globe, sofly illuminate the radiant chains intermittently and gracefully allow subtle plays in shadow and light. A celestial piece evoking poetry in a superlative form, it is entirely handcrafted and handassembled with the utmost care and attention to detail. Requiring the expert hands of master artisans exhaustively for around 80 hours, each unique piece is ultimately completed with a light featuring a warm, candle-like kelvin degree.

FLEUR DE VELOURS

Esplorando la natura e il colore in 16 affascinanti pezzi in edizione limitata, quest’opera d’arte richiama i colori cangianti e le forme affascinanti dell’albero esotico della typhina. Con foglie di un rosso brunito durante l’intermezzo autunnale e rami vellutati simili a corna, evoca immagini beate e vibranti che hanno permeato i nostri ricordi e colorato la nostra giovinezza. Rende omaggio al suo illustre fogliame che offre un raro scorcio ammaliante del tempo in movimento, un’opera armoniosa realizzata con i migliori materiali. Caratterizzato da una solida struttura in ottone, delicate foglie in fibra di ottone meticolosamente lavorate a mano e globi di vetro soffiato a mano adornati con pezzi ornamentali placcati in oro 24k, unisce senza sforzo lavorazione eccezionale con raffinatezza. Ci vogliono circa 60 ore per realizzare e assemblarlo interamente a mano con la massima cura e un’eccezionale attenzione ai dettagli.

Exploring nature and colour in 16 covetable lmited-edition pieces, this artwork recalls the changing hues and the fascinating shapes of the exotic typhina tree. With leaves burnished red during the autumnal interlude and velvet-smooth antler-like branches, it conjures blissful vibrant images that have permeated our memories and coloured our youth. Paying homage to its illustrious foliage that extends a rare bewitching glimpse of time in motion is a harmonious work crafted from the finest materials. Featuring a solid brass structure, meticulously handcrafted delicate brass-fibre leaves, and hand-blown glass globes adorned with ornamental 24k gold-plated pieces, it effortlessly blends exceptional workmanship with refinement. Taking around 60 hours to entirely craft and assemble by hand with the utmost care and exceptional attention to detail.

TECHNICAL SHEETS Duvet des Chardons 72’’ x 72’’ x 45 1/2’’ H 2200K Brushed Gold (24k) plated Solid brass Gold plated solid brass chains Handblown glass ball Fleur de Velours 44’’ x 18’’ x 42’’ H 2200K Brushed Gold (24k) plated Solid brass Brass fiber leaves Handblown glass ball Valse au Crepuscule 108’’ x 54’’ x 48’’ H 2200K Brushed Gold (24k) plated Solid brass Gold plated solid brass chains Brass fiber leaves Handblown glass ball

Fondata nel 2015 come fusione della creatività artistica tra Audrée L. Larose e Félix Guyon, Larose Guyon progetta e produce apparecchi di illuminazione e oggetti d’arredo originali ed eccezionali che si distinguono per i loro materiali di alta qualità e l’impeccabile maestria. I progetti di illuminazione unici di Larose Guyon, i materiali preziosi e l’ineguagliabile maestria artigianale oscillano tra arte e funzione, all’interno del patrimonio e della modernità. Lo studio di design fonde ispirazioni derivate da meraviglie naturali, risultando in una combinazione di interpretazioni contraddistinte da finezza ed eleganza. L’esclusiva galleria di Larose Guyon, solo su appuntamento, aprirà quest’estate e presenterà una selezione curata delle creazioni dei designer, fornendo ai visitatori una visione più approfondita del loro mondo di materiali, finiture, trame e tonalità. Tutti i prodotti sono realizzati a mano da artigiani locali del Quebec e Larose Guyon è molto orgoglioso del suo approccio riconoscibile alla raffinatezza e alla distinzione. Founded in 2015 as a fusion of artistic creativity between Audrée L. Larose and Félix Guyon, Larose Guyon designs and manufactures original and exceptional lighting fixtures and home furnishing objects distinguished by their high-quality materials and impeccable craftsmanship. Larose Guyon’s unique lighting designs, precious materials, and unparalleled craftsmanship sway between art and function, and within heritage and modernity. The design studio blends inspirations derived from natural wonders, resulting in a combination of interpretations distinguished by finesse and elegance. Larose Guyon’s exclusive, by-appointment-only gallery, will open this summer and will feature a curated selection of the designers’ creations, providing visitors with deeper insight into their world of materials, finishes, textures, and tones. All products are handcrafted by local Quebec artisans, and Larose Guyon takes great pride in its discernible approach to refinement and distinction.

WEBSITE | laroseguyon.com INSTAGRAM | @laroseguyon FACEBOOK | Larose Guyon Courtesy of v2com-newswire.com

Neith Hunter in Valentino, Atene 1983 Â© Gian Paolo Barbieri Courtesy of Fondazione Gian Paolo Barbieri

GIAN PAOLO BARBIERI

Vivienne Westwood, Londra 1997 Â© Gian Paolo Barbieri Courtesy of Fondazione Gian Paolo Barbieri

ELEONORA ANNA BOVE: Lei nasce nel 1938 in una famiglia di grossisti di tessuti, nel cuore di Milano. Scopre ben presto la passione per il teatro e il cinema. A 16 anni inizia a muovere i primi passi nel teatro come attore e poi scenografo a Roma e successivamente a Parigi. Ha dichiarato di essere stato ispirato dal cinema italiano con il Neorealismo di Visconti, Pasolini, Rossellini, ma anche dal cinema noir americano degli anni ‘40 e ‘50. Cosa l’affascinava di più della settima arte e quali sono gli aspetti che ha trasferito nella fotografia di moda? GIAN PAOLO BARBIERI: Senza ombra di dubbio la luce. È sempre stata la cosa che più ha attirato la mia attenzione, così da cercare di imitarla con gli strumenti che avevo a disposizione. Utilizzavo una lampadina infilata all’interno di tubi che trovavo nella cantina della casa dove ho trascorso la mia infanzia. Insieme al “Trio”, il mio gruppo di amici, rimettevamo in scena le piece teatrali e i film noir che vedevamo al cinema. Poi quando iniziai a lavorare come fotografo, quelle immagini erano perfettamente disegnate nella mia mente e non riuscivo a far altro che ispirarmi alla loro luce, alla composizione di quelle… ogni volta nasceva una storia diversa solo in base alla luce che sceglievo. ELEONORA ANNA BOVE: You born in 1938 in a family of fabric wholesalers, in the heart of Milan. Soon you discover a passion for theater and cinema. At 16 you began to take your first steps in the theater as an actor and then set designer in Rome and then in Paris. You declared that you were inspired by Italian cinema with the Neorealism of Visconti, Pasolini, Rossellini, but also by the American film noir of the 40s and 50s. What fascinated you the most about the seventh art and what are the aspects that he has transferred to fashion photography? GIAN PAOLO BARBIERI: Without a doubt the light. It has always been the thing that most caught my attention, so as to try to imitate it with the tools I had at my disposal. I used a light bulb inserted inside tubes that I found in the cellar of the house where I spent my childhood. Together with the “Trio”, my group of friends, we re-enacted the plays and film noir that we saw at the cinema. Then when I started working as a photographer those images were perfectly drawn in my mind and I could not help but inspire me by their light, by the composition of those... each time a different story was born only based on the light I chose. EB: A Parigi fa da assistente al fotografo di Harper’s Bazaar, Tom Kublin. Può raccontarci qualche aneddoto relativo a quest’esperienza? GPB: Trascorsi a Parigi i 20 giorni più duri della mia vita. Si finiva di lavorare alle 4 del mattino. Io, da ultimo arrivato, prendevo i vestiti la mattina presto, andavo in giro per Parigi a suonare agli atelier degli stilisti, Dior, Saint Lauren etc. Poi mi recavo al laboratorio colori per fare i test. Dopo prendevo un taxi per andare da Ms Gramela che stampava il bianco e nero per Kublin e da lì tornavo al laboratorio colore per vedere i test. Arrivate le 12, consegnavo i test colore e avevo un paio di ore libere per fare tutto: mangiare, dormire, lavarmi… Entravo in vasca con una mela e le vitamine e così tutti i giorni. Però un giorno ho avuto una bella soddisfazione. Kublin mi chiese uno sfondo che ricordasse i dipinti di Chagall, perché quell’anno Dior si ispirò, per le sue collezioni, ai colori dell’artista; Chagall era tra i miei autori preferiti. Il suo studio era perfettamente dipinto nella mia testa, lo conoscevo a memoria. Comprai mimose e gladioli, una cinquantina di boccettine e bicchieri, uno diverso dall’altro e colorai il pavimento con i suoi colori, cercando di rendere lo spazio il più simile possibile allo studio di Chagall. Quando finii di realizzarlo, sentii il passo di Tom scendere dalle scale e a un certo punto bloccarsi. Mi girai e lo vedi lì attonito. Mi guardò e mi disse “ma io non ti avevo mica chiesto tanto!” EB: In Paris, you were assistant to the photographer of Harper’s Bazaar Tom Kublin. Can you tell us some anecdotes related to this experience? GPB: I spent the hardest 20 days of my life in Paris. We finished work at 4 in the morning. I, recently arrived, took my clothes early in the morning, went around Paris to play at the ateliers of designers, Dior, Saint Lauren etc. Then I went to the color lab to do the tests. Then I took a taxi to go to Ms Gramela who printed the black and white for Kublin and then from there I went back to the color laboratory to see the tests. When I arrived at 12 I would deliver the color tests and then I had a couple of hours free to do everything: eat, sleep, wash... I would enter the tub with an apple and vitamins and so every day. But one day I had a great satisfaction. Kublin asked me for a background that recalled Chagall’s paintings, because that year Dior was inspired by the artist’s colors for his collection; Chagall was one of my favorite authors. His study was perfectly painted in my head, I knew it by heart. I bought mimosas and gladioli, about fifty bottles and glasses, each one different from the other and colored the floor with its colors, trying to make the space as similar as possible to Chagall’s studio. When I finished making it, I heard Tom’s footstep come down from the stairs and at some point freeze. I turned and you see him there astonished. He looked at me and said “but I didn’t ask you so much!” EB: Nel 1964 lei ritorna a Milano, aprendo il suo primo studio fotografico. Quale sono le difficoltà (se ovviamente ci son state) che ha riscontrato agli inizi della sua carriera? GPB: Tornai a Milano, e mi chiesi: “e ora che faccio? Il fotografo?!” Così presi un abbaino e iniziai questa “attività”. Inizialmente fu difficile perché la mia famiglia, in particolare mio padre, non era d’accordo con la mia scelta: lui avrebbe voluto per me un futuro da contabile. Non avendo il sostengo né morale né economico, dovevo sostentarmi da solo. Questo non mi ha permesso di vivere una giovinezza come gli altri ragazzi, perché avevo scelto quella strada e se volevo davvero raggiungere quell’obiettivo, avrei dovuto fare dei sacrifici.

Madagascar, 1994 © Gian Paolo Barbieri Courtesy of Fondazione Gian Paolo Barbieri

EB: In 1964 you returned to Milan, opening your first photographic studio. What are the difficulties (if obviously there have been) that he encountered at the beginning of your career? GPB: I went back to Milan, and I asked myself: “What do I do now? The photographer?!” So I took a dormer window and started this “business”. Initially it was difficult because my family, especially my father, did not agree with my choice: he would have wanted a future for me as an accountant. Not having the moral or economic support, I had to support myself. This did not allow me to live a youth like the other boys, because I had chosen that path and if I really wanted to achieve that goal, I would have had to make some sacrifices. EB: Pubblicato da Taschen nel 1997, ritrae l’isola del Madagascar, in tutta la sua bellezza: spiccano i ritratti vivaci di guerrieri, lavoratori, pescatori, donne e bambini. Ne vien fuori un mondo pieno di fascino ed esotismo. Cosa conserva di quell’esperienza e di quello studio antropologico?

Madagascar, 1994 © Gian Paolo Barbieri Courtesy of Fondazione Gian Paolo Barbieri

GPB: Ricordo il Madagascar come un luogo magico, un insieme di colori intensi e di odori forti in una cornice tropicale. La sabbia, la terra, la vegetazione, le squame dei camaleonti, il piumaggio degli ibis, gli artigli dei coccodrilli, i corpi degli uomini… è evidente che tutte queste espressioni della terra derivino da un’unica sostanza. Sono state create tutte nello stesso momento. Ho cercato di raccontare queste percezioni attraverso il bianco e il nero, riducendo, o meglio concentrando l’attenzione, sull’essenza di quel luogo. Ho creato una scala di grigi che fosse in grado di cogliere le sfumature di quel popolo, unite ai luoghi che lo accolgono. EB: Published by Taschen in 1997, you portray the island of Madagascar, in all its beauty: the lively portraits of warriors, workers, fishermen, women and children stand out. The result is a world full of charm and exoticism. What do you keep of that experience and that anthropological study?

GPB: I remember Madagascar as a magical place, a combination of intense colors and strong smells in a tropical setting. The sand, the earth, the vegetation, the scales of the chameleons, the plumage of the ibis, the claws of the crocodiles, the bodies of men... it is evident that all these expressions of the earth derive from a single substance. They were all created at the same time. I tried to tell these perceptions through black and white, reducing, or rather focusing attention, on the essence of that place. I created a gray scale that was able to capture the nuances of that people combined with the places that welcome them. EB: L’eleganza è il comun denominatore di tutte le sue foto, a partire dalla donna sino alla natura. Qual è la sua concezione di eleganza? Ha subito un’evoluzione nel corso degli anni? E quanto essa, invece, conta nella sua vita personale oggigiorno? GPB: Ho sempre concepito l’eleganza come un fattore essenziale per la fotografia. È un elemento che naturalmente ho sempre inserito nella creazione dei miei scatti. È uno dei passi per la mia ricerca della bellezza, un carattere imprescindibile per la cultura. Insieme alla luce, è quell’elemento che mi permette di dipingere ciò che la testa pensa. EB: Elegance is the common denominator of all your photos, starting from woman to nature. What is your conception of elegance? Has it evolved over the years? And how much does it matter in your personal life today? GPB: I have always conceived elegance as an essential factor for photography. It is an element that of course I have always included in the creation of my shots. It is one of the steps in my search for beauty, an essential character for culture. Together with light, it is that element that allows me to paint what the head thinks. EB: Gianfranco Ferré ha sostenuto: “le immagini di Gian Paolo sono – nell’ordine – occhio, cuore e mente”. Nel 2016, la rassegna “Occhio, cuore e mente: cinquant’anni di bellezza nella fotografia di moda”, curata da Nikolaos Velissiotis, propone 40 tra i suoi soggetti più conosciuti, stampe vintage ai sali d’argento e polaroid, oltre ad alcuni scatti inediti. Tra i soggetti più conosciuti, lei ha fotografato: Audrey Hepburn, Jerry Hall, Vivienne Westwood, Eva Malstrom, Aly Dunne, Mary Jonasson, Veruschka, Anjelica Huston, le italiane Isa Stoppi, Simonetta Gianfelici, Ivana Bastianello, Monica Bellucci. Come riesce a conciliare solennità e umanità in un solo scatto? GPB: Cerco sempre la semplicità dei soggetti che ho di fronte. Mi interessa far emergere dall’animo l’umiltà che appartiene loro, che si trasforma in bellezza attraverso i loro volti. È una continua scoperta, conoscenza, che nasce dall’unione dei loro sguardi con il mio, fino alla rivelazione della loro essenza. EB: Gianfranco Ferré argued: “Gian Paolo’s images are - in order - eye, heart and mind”. In 2016, the exhibition “Eye, heart and mind: fifty years of beauty in fashion photography”, curated by Nikolaos Velissiotis, offers 40 of his best known subjects, vintage silver and polaroid prints, as well as some unpublished shots. Among the best known subjects, you have photographed: Audrey Hepburn, Jerry Hall, Vivienne Westwood, Eva Malstrom, Aly Dunne, Mary Jonasson, Veruschka, Anjelica Huston, the Italian girls Isa Stoppi, Simonetta Gianfelici, Ivana Bastianello, Monica Bellucci. How do you manage to reconcile solemnity and humanity in a single shot? GPB: I always look for simplicity in the subjects in front of me. I am interested in bringing out the humility that belongs to them, which is transformed into beauty through their faces. It is a continuous discovery, knowledge, which comes from the union of their gazes with mine, up to the revelation of their essence. EB: Dopo lunghi anni di carriera, lei si occupa in prima persona di arte e cultura grazie all’attività della Fondazione Gian Paolo Barbieri. Alla luce di quello che sta vivendo Milano oggigiorno, quali sono gli impegni attuali della Fondazione? GPB: La Fondazione è sempre attenta alla promozione del mio lavoro, attraverso l’archivio che raccoglie la mia opera. Organizza visite guidate aperte agli studenti universitari e delle accademie e a chiunque sia interessato a conoscere e approfondire la storia dei miei scatti. Inoltre sta lavorando alla realizzazione di un archivio online che sarà disponibile gratuitamente al pubblico per studi, approfondimenti o semplicemente per visione. Ogni anno c’è un programma mostre; purtroppo quest’anno, si sono dovuti rimandare i prossimi appuntamenti ma siamo certi che nel 2021 potremmo nuovamente riaprire il mondo dell’arte alla sensibilità di chi lo ama. EB: After long years of career, you deal personally with art and culture thanks to the activity of the Gian Paolo Barbieri Foundation. In light of what Milan is experiencing today, what are the Foundation’s current commitments? GPB: The Foundation is always attentive to the promotion of my work, through the archive that collects my work. It organizes guided tours open to university and academy students and to anyone interested in learning about and learning more about the history of my shots. It is also working on the creation of an online archive that will be available free to the public for studies, insights or simply for viewing. Each year there is an exhibition program; Unfortunately, this year, the next appointments had to be postponed but we are sure that in 2021 we could reopen the world of art to the sensitivity of those who love it.

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Interview by ELONORA ANNA BOVE INSTAGRAM | @eleonoraannabove

Felicitas, Singapore 1982 Â© Gian Paolo Barbieri Courtesy of Fondazione Gian Paolo Barbieri

TRA DUE MONDI, 2020 - Olio su tela, 60 x 80 cm (detail)

CALIFORNIA BLUE, 2020 - Olio su tela, 80 x 60 cm

Gli artisti Neva Epoque e Alessandro Vignola, in arte Delta N.A., nascono come duo condividendo la realizzazione di ritratti, ma incontrano la loro unicità solo dopo aver iniziato a lavorare in due simultaneamente sulla stessa tela. Questo percorso di unione artistica ha permesso alla coppia di sviluppare un linguaggio espressivo comune attraverso il quale esplorare e descrivere la loro visione. Dal 2008 si dedicano a numerose esibizioni personali e di gruppo tra l’Italia e il Sud America, approdando nel 2010 in U.S.A. dove introducono la loro arte sulla scena contemporanea prendendo parte a molteplici esibizioni con Norbertellen Gallery e Boa Art Gallery entrambe con sede a Los Angeles, California. Dopo questo iniziale confronto con il mondo artistico americano gli artisti scelgono di dedicarsi esclusivamente alla ricerca di nuove forme espressive sino a sviluppare un’innovativa tecnica di pittura a mani nude che viene definita “Espressionismo Istintivo“ (Galleria El Lunario, San Jose del Cabo, Mexico 2012). Le opere create dal 2012 al 2014 raccontano la leggerezza di un universo armonioso dove l’umanità dei sentimenti e l’immensità dello spirito emergono in una danza di colori e linee raccolti in composizioni floreali. Questa serie di opere, esposta prima in U.S.A. presso Soho Gallery Beverly Hills in collaborazione con l’Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles, California e CATM New York Agency, approda in seguito in Italia, presso Die Mauer Contemporary e viene successivamente premiata per Qualità ed Originalità alla V Biennale di Genova e con il Premio della Giuria al Satura Prize 2013. Nel 2014 gli artisti vengono invitati dalla rivista d’arte contemporanea Irreversible Art Magazine a rappresentare l’Italia durante l’esibizione a cielo aperto “Giants in the City”, Bayfront Park, Miami, Florida; ma è solo alla fine del 2014 che i Delta N.A. raggiungono una nuova forma espressiva presentando una serie di opere intitolate “Armonie”, in cui i soggetti, in

The artists Neva Epoque and Alessandro Vignola, in art Delta N.A., were born as a duo sharing the realization of portraits, but their uniqueness came out only after starting to work together simultaneously on the same canvas. This path of artistic union has allowed the couple to develop a common expressive language to explore and describe their vision. Since 2008 they have dedicated themselves to numerous solo and group exhibitions between Italy and South America, arriving in 2010 in the U.S.A. where they introduced their art on the contemporary scene taking part in multiple exhibitions with Norbertellen Gallery and Boa Art Gallery both based in Los Angeles, California. After this initial confrontation with the American art world the artists choose to devote themselves exclusively to the search for new forms of expression until developing an innovative technique of painting with bare hands defined “Instinctive Expressionism” (El Lunario Gallery, San Jose del Cabo, Mexico 2012). The works created from 2012 to 2014 tell about the lightness of an harmonious universe where the humanity of feelings and the immensity of spirit emerge in a dance of colors and lines collected in floral compositions. This serie of artworks, exhibited first in U.S.A. at Soho Gallery Beverly Hills in collaboration with the Italian Institute of Culture of Los Angeles, California and CATM New York Agency, then in Italy, at Die Mauer Contemporary have been awarded later on for Quality and Originality at the V Biennale of Genoa and with the Jury Award at the Satura Prize 2013.In 2014 the artists are invited by the contemporary art magazine Irreversible Art Magazine to represent Italy during the open-air exhibition “Giants in the City”, Bayfront Park, Miami, Florida; but it is only at the end of 2014 that Delta N.A. reach a new expressive form by presenting a series of works entitled “Harmonies”, in which the subjects, previously

TREE OF LIFE, 2019 - Olio su tela, 80 x 120 cm

FAITHFUL, 2018 - Olio su tela, 100 x 120 cm

precedenza ben delineati, perdono i loro confini, dissolvendosi nella luce diffusa di uno spazio infinito, in una continua ricerca di unione perfetta tra l’immensità del destino e la frammentata vita quotidiana. Nel 2015 la galleria francese Beddington Fine Art in collaborazione con CATM New York, organizza una mostra personale intitolata “Rivelazioni” dedicata ai Delta N.A. ed è proprio con la scultura da cui prende il nome quest’esibizione che gli artisti iniziano ad esplorare la relazione tra uomo e Universo, attraverso un linguaggio astratto essenziale i cui tratti rigorosi delineano una più complessa teoria sulla percezione della realtà denominata “Meccanica Esistenziale”. Tra il 2016 e il 2017 le opere del duo artistico vengono mostrate in un progetto itinerante intitolato “In viaggio col cuore”; l’ esibizione affronta il tema del “Viaggio” inteso sia in senso fisico che spirituale, e descritto attraverso le lenti astratte della Meccanica Esistenziale. Alcune delle opere sono ispirate al rapporto tra uomo e universo, mentre altre ad una nuova prospettiva sul mondo, in cui i luoghi visitati dai Delta N.A. durante i loro viaggi vengono reinterpretati. “In viaggio col cuore” viene esposta in numerose gallerie d’arte e musei in Italia e all’estero, tra i quali l’Istituto

well defined, lose their boundaries, dissolving themselves in the diffused light of an infinite space, in a continuous search for a perfect union between the immensity of destiny and the fragmented daily life. In 2015 the french gallery Beddington Fine Art in collaboration with CATM New York Agency, organizes a solo exhibition entitled “Revelations” dedicated to Delta N.A. and it is precisely with the sculpture from which this exhibition takes its name that the artists begin to explore the relationship between man and the Universe, through an essential abstract language whose rigorous features describe a more complex theory on the perception of reality called “Existential Mechanics“. Between 2016 and 2017 the works of the artistic duo are shown in an itinerant project titled “Travelling with heart”; the exhibition deals with the theme of “Travel” in both a physical and spiritual sense, and described through the abstract lenses of Existential Mechanics. Some of the artworks are inspired by the relationship between man and universe, while others are inspired by a new perspective on the world, in which the places visited by the Delta N.A. during their travels are reinterpreted. “Travelling with heart” is exhibited in numerous art galleries and museums in Italy and abroad, including the Italian

Italiano di Cultura di Jakarta, Indonesia e a Palazzo Ottolenghi-Museo del Risorgimento, Asti, Italia. Nello stesso anno gli artisti creano anche “La vigna di Francesco”, l’opera ad inchiostro su carta scelta per diventare l’ etichetta del “Laudato”, il vino proveniente dalla Vigna di Papa Francesco. L’opera originale è esibita in permanenza nella collezione pubblica di Portacomaro, il villaggio della famiglia di Papa Francesco. L’inarrestabile desiderio dei Delta N.A. di approfondire la propria visione artistica li porta ad esasperare il loro linguaggio creativo sino a dar vita ad nuova serie di opere focalizzate sulla capacità dell’uomo di raggiungere e realizzare i propri sogni solo attraverso un ampliamento necessario nella percezione della realtà. Con questa serie intitolata “La vita nell’ombra” i Delta N.A. esplorano una nuova dimensione della loro anima, dando vita a opere dalle tematiche fortemente esistenziali che vengono presentate nel 2019 alla Ex-Chiesa del Gesù, Museo Paleontologico, Asti, in una mostra personale intitolata “Alla luce del Destino”, a cura di Liconi Arte Galleria ed in collaborazione con MM18 Associazione, Ars Magistris Magazine e Museo Paleontologico. La mostra viene realizzata con il patrocinio di Regione Piemonte, Provincia di Asti e Città di Asti.

Institute of Culture Jakarta, Indonesia and Palazzo Ottolenghi-Museo del Risorgimento, Asti, Italy. In the same year the artists also created “La vigna di Francesco”, an ink-on-paper work chosen to become the label of “Laudato”, the wine from the Vineyard of Pope Francis. The original work is permanently exhibited in the public collection of Portacomaro, the village of the family of Pope Francis. The unstoppable desire of the Delta N.A. to deepen their artistic vision leads them to exasperate their creative language to create a new series of works focused on the tension between dreams and reality, redefining the borders of reality and offering a new approach to interpretate our life and showing that dreams are a hidden part of our present that con be revelead only following heart’s voice. With this series titled “Life in the Shadow” the Delta N.A. explore a new dimension of their soul, giving life to artworks with strongly existential themes that are presented in 2019 at the Ex-chiesa del Gesù, Paleontological Museum, Asti, in a solo exhibition entitled “Under the light of destiny”, curated by Liconi Arte Galleria and in collaboration with MM18 Association, Ars Magistris Magazine and Paleontological Museum. The exhibition is held under the patronage of Regione Piemonte, Provincia di Asti and Città di Asti.

JOYFUL, 2018 - Olio su tela, 100 x 120 cm

Ancora nel 2019 le opere del duo vengono scelte da Outskirt Art - Los Angeles, galleria americana specializzata nell’inserimento di Arte Contemporanea in Film e serie TV; mentre la scultura “Alla luce del destino” viene inserita nella mostra internazionale “La Porta Nuova” presso Teatro Paesana a Torino, curata da Ermanno Tedeschi e sponsorizzata da Giubileo per l’Arte. Nello stesso anno l’opera “Con la luce nel cuore - omaggio al Duomo di S.Martino in Lucca e a S.Teresa d’Avila” regala agli artisti il primo posto nel Certamen Artistico Internazionale sulle Grandi Cattedrali D’Occidente indetto dalla critica d’arte Melinda Miceli e il loro inserimento nell’Enciclopedia d’arte italiana, nella sezione dal ‘900 ad oggi. Nel 2020 il duo artistico approda in Giappone, grazie alla collaborazione con Arti Services e Tricera Art Gallery, entrambi con sede a Tokyo; le loro opere vengono inoltre scelte per il progetto DNP Print, che prevede la creazione di un numero limitato di stampe di altissima qualità di opere di artisti internazionali destinate al mercato giapponese. Sempre nel 2020, a seguito della diffusione del contagio da Covid-19, i Delta N.A. partecipano al progetto internazionale “Covid-19 Artist Stories” a cura di Marisa Caichiolo presso la Building Bridges Art Exchange Foundation di Los Angeles ed in collaborazione con il Museo La Neomudejar di Madrid. A questo progetto sono seguite innumerevoli esibizioni virtuali internazionali in: Pakistan con la Oyster Art Galleries di Lahore, India con Malfarin Gallery di Bangalore, Ecuador presso Bellas Artes Foundation di Guayaquil, New York con Artpot Virtual Gallery e Londra con Ancel Gallery. Il duo artistico ha concluso il 2020 inaugurando la mostra personale intitolata “Voice of the heart, dipinti e sculture dei Delta N.A.” a cura di Carlotta Canton presso il Punto 65 Art Space di Torino.

Still in 2019 the works of the duo are chosen by Outskirt Art Los Angeles, american gallery specialized in the inclusion of Contemporary Art in Film and TV series; while the sculpture “Under the light of destiny” is included in the international exhibition “La Porta Nuova” at Teatro Paesana in Turin, curated by Ermanno Tedeschi and sponsored by Giubileo per l’Arte. In the same year the work “Enlighted heart - homage to the Cathedral of S.Martino in Lucca and S.Teresa d’Avila” gives artists the first place in the International Artistic Certamen on the Great Western Cathedrals organized by the art critic Melinda Miceli and their inclusion in the Italian Encyclopedia of Art, in the section from the ‘900 to today. In 2020 the artistic duo arrives in Japan, thanks to the collaboration with Arti Services and Tricera Art Gallery, both based in Tokyo; their works are also chosen for the project DNP Print, which provides for the creation of a limited number of high-quality prints of artworks by international artists for the Japanese market. Also in 2020, following the spread of infection from Covid-19, Delta N.A. participate in the international project “Covid-19 Artist Stories” curated by Marisa Caichiolo at the Building Bridges Art Exchange Foundation in Los Angeles and in collaboration with the Museum La Neomudejar in Madrid. This project was followed by countless virtual international exhibitions in: Pakistan with the Oyster Art Galleries in Lahore, India with Malfarin Gallery in Bangalore, Ecuador at the Bellas Artes Foundation in Guayaquil, New York with Artpot Virtual Gallery and London with Ancel Gallery. The artistic duo concluded 2020 by inaugurating the solo exhibition entitled “Voice of the heart, paintings and sculptures by Delta N.A.” curated by Carlotta Canton at the Art space Punto 65 in Turin.

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OUT OF THE BOTTLE, 2018 - Olio su tela, 100 x 140 cm

OLTRE IL DOMANI, 2019 - Olio su tela, 50 x 40 cm

CONRAD VALONE

Conrad Valone è una fotografa concettuale fine-art di ventitré anni. È nata nelle zone rurali del Montana e da allora si sposta di frequente, ma in questo periodo trascorre la maggior parte del suo tempo a San Francisco, in California. Il suo lavoro stilizzato racchiude sia il trauma personale che il dolore condiviso dell’esperienza umana, rappresentata attraverso immagini fredde e spogliate che spesso impiegano solo poche tonalità di colore e singole figure. Questi soggetti tendono ad essere allo stesso tempo ultraterreni ma familiari. Esplorando studi precisi e sorprendenti di luce e forma, il lavoro di Valone collega fili tematici di vulnerabilità e resilienza attraverso un panorama cinematografico diversificato. L’affascinante fotografia di Valone è stata presentata e pubblicata a livello internazionale, da New York a Londra. Conrad Valone is a twenty-three year old fine art conceptual photographer. She was born in rural Montana and has been an itinerant ever since, but spends most of her time these days in San Francisco, California. Her stylized work encapsulates both personal trauma and the shared pain of the human experience as depicted through cold, stripped back images often only employing a few color tones and single figures. These subjects tend to be at the same time otherworldly yet familiar. By exploring stark and striking studies of light and form, Valone’s work connects thematic threads of vulnerability and resilience through a diverse cinematic landscape. Valone’s alluring photography has been featured and published internationally, from New York to London.

CONRAD VALONE WEBSITE | Conradvalone.com INSTAGRAM | @conrad_valone

VSHD Design

THE RANCH

Fondato a Dubai nel 2007 dall’architetto d’interni Rania Hamed, VSHD Design è uno studio di architettura d’interni pluripremiato rinomato per lo stile, la funzionalità, la qualità e l’attenzione ai dettagli dei suoi progetti a Dubai, Abu Dhabi, Il Cairo, Londra, Amman e Florida. L’azienda combina talento straordinario ed esperienze globali per creare spazi eccezionali che sono “all’avanguardia” o “senza tempo” come la visione di ogni cliente. La missione di VSHD è sviluppare esperienze di architettura e interior design distintive, avvincenti e di qualità eccellente. Infondendo modestia ed eleganza nella trasformazione e nel riutilizzo degli spazi, l’azienda ha ottenuto riconoscimenti internazionali per la bellezza e il lusso sottile dei suoi progetti. Founded in Dubai in 2007 by interior architect, Rania Hamed, VSHD Design is a multiple award-winning interior architecture firm renowned for the style, functionality, quality, and attention to detail of its projects in Dubai, Abu Dhabi, Cairo, London, Amman, and Florida. The firm combines extraordinary talent and global experiences to create exceptional spaces that are as “cutting edge” or “timeless” as each client’s vision. VSHD’s mission is to develop architectural and interior design experiences that are distinctive, compelling, and of superb quality. Infusing modesty and elegance into the transformation and repurposing of spaces, the firm has garnered international recognition for the beauty and subtle luxury of its projects.

VSHD Design, studio di architettura d’interni con sede a Dubai specializzato in progetti residenziali e commerciali, è orgoglioso di presentare il lussuoso design del Four Seasons Orlando Resort in Florida. Osserva Rania Hamed, architetto di interni e fondatrice di VSHD Design: “Unendo elementi tradizionali con un mix moderno e contemporaneo, siamo riusciti ad ottenere un contrasto che funziona bene. Non volevamo che fosse troppo morbido utilizzando quindi il bianco e nero, con pavimenti in marmo di Carrara, conferendo alla casa un forte aspetto moderno-vintage.” Nell’affrontare il “tema toscano” esterno proprio delle unità residenziali all’interno dell’esclusivo complesso, la sfida era mantenere alcuni elementi strutturali esistenti, fornendo al contempo la visione del cliente di una casa moderna lussuosa, ma calda, confortevole e ideale per intrattenere gli ospiti. Il cliente avrebbe immaginato una sorta di ambiente alberghiero in stile boutique che avrebbe fornito alla famiglia e agli amici privacy e servizi di lusso, anche in assenza dei proprietari. Per raggiungere questo stimolante equilibrio, Hamed ha intrapreso la mission di modernizzare la facciata toscana, infondendo al contempo il lusso contemporaneo all’interno della casa per allinearsi alla visione del cliente. Mentre l’architettura toscana nella sua forma più pura abbraccia elementi naturali e rustici, VSHD Design ha evitato l’uso abbondante di materiali come mattoni e ferro battuto in alternativa ad un’interpretazione moderna. Le sporgenze in mattoni grigi posizionate sopra le finestre e i passaggi della facciata esterna rendono omaggio alle influenze toscane. Le cornici nere delle ampie porte finestre, certificate secondo gli standard degli uragani, forniscono contrasti contemporanei alle pareti bianche della facciata, culminando in uno stile mediterraneo moderno che aderisce ai requisiti estetici del Four Seasons. Per completare il design strutturale, VSHD Design ha sviluppato tutti gli spazi esterni della casa, a cominciare dalla piscina. Piastrelle in pietra calcarea europea, fioriere in stile e lettini lussuosi della casa di design italiana Gervasoni conferiscono agli spazi esterni un autentico aspetto mediterraneo. Mentre l’esterno trasuda interpretazioni moderne di stili e standard obbligatori, VSHD Design si è avvicinato agli interni della casa come una sorta di tela bianca. Lavorare con una struttura in legno, al contrario di colonne e travi in cemento, è stata una nuova esperienza. Le travi in legno a vista che riflettono l’integrità della struttura originale sono state mantenute, con strati di macchie scure e finiture in metallo nero aggiunti per fornire un’atmosfera più industriale. Hamed si è anche concentrato sull’assicurare una continuità senza interruzione tra gli spazi interni ed esterni della casa. Entrando nell’abitazione, il pavimento in marmo di Carrara porta le influenze verso l’interno, dove archi in stile toscano definiscono la separazione degli spazi interni della casa, rinforzati da architravi

puliti, moderni e leggermente sporgenti. Gli architravi, composti da rovere tinto nero opaco, contrastano con le pareti bianche degli interni e il pavimento in marmo grigio chiaro, conferendo alle aree comuni della casa un aspetto molto contemporaneo. Negli spazi abitativi pensati per esperienze più intime, il pavimento in marmo di Carrara lascia il posto a pavimenti in legno. Il piano principale ospita la camera da letto principale, caratterizzata da un lussuoso arredamento contemporaneo e dall’accesso diretto all’adiacente area della piscina e alla doccia esterna, progettata nella visione di VSHD di uno stile di vita indoor/outdoor. Gli spazi adiacenti della camera da letto principale, ispirati alla spa, includono una vasca da bagno indipendente come elemento centrale di un ampio bagno che dispone anche di servizi igienici individuali e box doccia. La vasca è affiancata da una parete di portefinestre a tutta altezza da un lato e da doppi lavabi con specchi progettati su misura dall’altro. Completando il tema della spa, una piccola scala a chiocciola conduce a una zona palestra al livello superiore con bagno turco e doccia a getto d’acqua. L’atmosfera e i servizi da spa si estendono alle 6 suite per gli ospiti al livello superiore della casa, metà delle quali offre un accesso esterno privato per i soggiorni degli ospiti mentre i proprietari sono assenti. Ogni suite per gli ospiti autosufficiente presenta uno stile decorativo unico ed è dotata di una mini cucina, una piccola dispensa e un bagno di ispirazione spa. La visione del cliente di un hotel in stile boutique si estende alla sala da pranzo principale della casa, ispirata all’architetto italiano Ettore Sottsass. Una console italiana in bianco e nero “moderno-retrò” contrasta con un pannello murale di carta da parati foglia oro, bordato di marmo. Le pareti adiacenti del pannello sono caratterizzate da pannelli bianchi a coste con una base in legno tinto, mentre un corpo illuminante a nuvola dell’Apparatus Studio di New York aggiunge un tocco celestiale alla stanza. Al fine di legare insieme gli spazi interni, VSHD Design ha intrapreso un piano ambizioso per sviluppare un nuovo spazio-patio al centro della casa per creare collegamenti visivi interessanti tra più aree della casa. Per separare l’area della piscina dal patio e per collegare la camera da letto principale agli spazi abitativi, il team di progettazione ha costruito un lanai chiuso con quattro ampie porte finestre su ciascun lato, che infondono luce naturale all’ambiente. Il corridoio, abbondantemente illuminato, è fiancheggiato da sedie di vimini, creando una favolosa sala di lettura, con la sensazione di uno spazio aperto grazie alla vista sulla piscina a sinistra e alla vista sul patio e sulla vegetazione sulla destra. Alla fine del passaggio, una scala a sinistra sale al secondo livello della casa accanto a finestre dal pavimento al soffitto che si affacciano sul patio e offrono una vista sul lanai e altri spazi esterni.

VSHD Design, a Dubai-based interior architecture firm specializing in residential and commercial projects, is proud to unveil a luxurious residential design within the Four Seasons Orlando Resort in Florida. Notes Rania Hamed, interior architect and founder of VSHD Design. “By blending traditional elements with a modern contemporary mix, we succeeded in achieving a contrast that works well. We didn’t want that contrast to be too soft, so the use of black and white, with Carrara marble flooring, provides the home with a strong modern-vintage look.” In approaching the external Tuscan theme exhibited by homes within the exclusive development, the challenge was to maintain some existing structural elements, while delivering on the client’s vision of a modern home that would be luxurious, yet warm, comfortable, and ideal for entertaining guests. The client envisioned a sort of boutique-style hotel environment that would provide family and friends with privacy and luxurious amenities, even in the absence of its owners. To achieve that challenging balance, Hamed embarked on a mission to modernize the external Tuscan façade, while infusing contemporary luxury into the home’s interior to align with the client’s vision. While Tuscan architecture in its purest form embraces natural, rustic elements, VSHD Design avoided abundant use of materials such as brick and wrought iron in lieu of a modern interpretation. Gray brick overhangs positioned above the external façade’s windows and passages pay homage to Tuscan influences. Black frames of expansive French windows, certified to hurricane standards, provide contemporary contrasts to the façade’s white walls, culminating in a modern Mediterranean style that adheres to the Four Seasons aesthetic requirements. To complement the structural design, VSHD Design developed all of the home’s outdoor spaces, beginning with its swimming pool. European limestone tiles, stylistic planters, and luxurious sunbeds from the Italian design house, Gervasoni, provide the exterior spaces with an authentic Mediterranean look and feel. While the exterior exudes modern interpretations of mandated styles and standards, VSHD Design approached the interior of the house as somewhat of a blank canvas. Working with a timber structure, as opposed to concrete columns and beams, was a new experience. Exposed wooden beams reflecting the original structure’s integrity were maintained, with layers of dark stain and black metal trim added to provide a more industrial feel. Hamed also focused on ensuring seamless continuity between the home’s interior and exterior spaces. Upon entering the house, Carrara marble flooring carries the influences inward, where Tuscan-style arches define the separation of

the home’s interior spaces, reinforced by clean, modern, and slightly protruding architraves. The architraves, composed of black matte stained oak, contrast with the interior’s white walls and light gray marble flooring, providing the home’s public areas with a very contemporary look and feel. In living spaces designed for more intimate experiences, Carrara marble flooring gives way to hardwood floors. The main floor houses the master bedroom, highlighted by a luxurious contemporary décor and direct access to the adjacent pool area and outdoor shower, designed as part of VSHD’s vision of an indoor/outdoor lifestyle. The master bedroom’s spa-inspired adjoining spaces include a freestanding bathtub as the centerpiece of a spacious bathroom that also features an individual toilet and shower cubicles. The bathtub is flanked by a wall of floor-to-ceiling French windows on one side and dual washbasins with custom-designed mirrors on the other. Completing the spa-like theme, a small spiral staircase leads to an upper-level gym area featuring a steam room and waterjet shower. The spa-like feel and amenities extend to the home’s 6 upper-level guest suites, half of which offer private external access for guest stays while the owners are away. Each self-sufficient guest suite features a unique decorative style and is equipped with a mini kitchen, a small pantry, and a spa-inspired bathroom. The client’s vision of a boutique-style hotel extends to the home’s main dining room, inspired by Italian architect Ettore Sottsass. A ‘modern-retro’ black and white console from Italy contrasts against a wall panel of gold leaf wallpaper, bordered by marble. The panel’s adjacent walls are characterized by ribbed white paneling with a stained wood base, while a cloud lighting fixture from New York’s Apparatus Studio provides adds a celestial touch to the room. In order to tie the interior spaces together, VSHD Design embarked on an ambitious plan to develop a new patio space at the center of the house to create stimulating visual links between multiple areas of the house. To separate the pool area from the patio, and to connect the master bedroom to the living spaces, the design team built an enclosed lanai with four expansive French windows on each side, which infuse the passage with natural light. The abundantly lit corridor is lined with wicker chairs, creating a fabulous reading room with the feel of an open space courtesy of pool views to the left, and patio views and greenery to the right. At the end of the passageway, a staircase to the left ascends to the second level of the home alongside floor-to-ceiling windows that overlook the patio and offer views of the lanai and other external spaces.

WEBSITE | vshd.net INSTAGRAM | @vshddesign FACEBOOK | VSHD Design Courtesy of v2com-newswie.com PROJECT DATA Location: Orlando, FL, USA Area: 2200 m2 Lead Designer: Rania M Hamed Photographer: Koen Van Damme

MILTON MONTENEGRO

Milton Montenegro è nato a Rio de Janeiro, Brasile, nel 1954 e ha realizzato fotografie sin dall’infanzia, da quando ha ricevuto una macchina fotografica come regalo di compleanno. A metà degli anni ottanta, è stato un pioniere delle tecniche di fotografia digitale partecipando alle prime fasi della computer grafica. Le sue foto appartengono a diverse collezioni, come Collezione Pirelli / MASP, Harvard University Fogg Art Museum e Fondazione Italiana per la Fotografia. Oltre all’impegno nel suo lavoro fotografico, attualmente sviluppa The Cool Cam, un’app di fotoritocco iOS. Milton Montenegro was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1954 and has been making images since his childhood, when he won a box camera as a birthday gift.In the mid-eighties, he pioneered digital photography techniques by taking part on the early stages of computer graphics. His photos belong to several collections, such as Coleção Pirelli/MASP, Harvard University Fogg Art Museum, and Fondazione Italiana per la Fotografia.Besides the commitment to his photographic work, he currently develops The Cool Cam, an iOS photo editing app.

WEBSITE | cameraobscura.com INSTAGRAM | @miltonmontenegro FACEBOOK | Milton Montenegro

Grey Estela Adames, in arte Grey Est, nasce nella Repubblica Dominicana nel segno del Leone, dove trascorre in campagna la sua prima infanzia con i nonni materni: “sono cresciuta tra cavalli, capre e riti magici, ho trascorso una infanzia nella sobrietà degli aspetti materiali, ma molto ricca a livello spirituale; credo che quel vissuto oggi popoli le mie tele”. La nonna di Grey è una strega bianca, cioè colei che aiutava le persone a guarire dai piccoli malanni. L’arte arriva per caso. Un giorno durante un viaggio per visitare i parenti a Caracas, la sorella minore le regala una seduta per predire il futuro con un Babalawo, ossia una persona con la capacità di comunicare con i morti e con esseri ultraterreni. Questo incontro è uno spartiacque nella vita di Grey, chiudendo un ciclo e aprendo un nuovo capitolo. Lo “stregone”, rivolgendosi a lei, dice: “Vedo che lei ha molti talenti inascoltati, vedo che può scrivere, dipingere e realizzare molte attività artistiche”. A questa rivelazione lei non dà peso non essendoci artisti nella sua famiglia. Grey Estela Adames, aka Grey Est, was born in the Dominican Republic under the sign of Leo, where she spent her early childhood in the countryside with her maternal grandparents: “I grew up among horses, goats and magical rituals, I spent a childhood in the sobriety of material aspects, but very rich on a spiritual level; I believe that people experience my canvases today ”. Grey’s grandmother is a white witch, that is, the one who helped people heal from small ailments. Art comes by chance. One day during a trip to visit her relatives in Caracas, her younger sister gives her a session to predict the future with a Babalawo, a person with the ability to communicate with the dead and with otherworldly beings. This meeting is a watershed in Grey’s life, closing a cycle and opening a new chapter. The “sorcerer”, turning to her, says: “I see that you have many unheard talents, I see that you can write, paint, and carry out many artistic activities”. She does not give weight to this revelation since there are no artists in her family.

WEBSITE | grey-est.com INSTAGRAM | @grey_est_art_official_ FACEBOOK | Grey Est

LA BELLA RAFFAELLA - Acrillico su carta da pacco (omaggio a Tamara Lempicka), 50 x 65 cm

Arrivata in Italia, scopre il tradimento del suo compagno e la pittura si affaccia alla sua vita per caso. Inizia a interessarsi alla pittura e sperimentare con i primi disegni su carta da pacco. Un giorno trova per caso, in biblioteca, un libro sulla pittura di Tamara di Lempicka, rimanendone affascinata e dedicandole i suoi primi disegni. Poi è la volta di Gauguin, iniziando quindi a produrre quindici quadri di diverse dimensioni con nudi autobiografici e nature morte. Sotto la spinta di amici e conoscenti, realizza la sua prima mostra ottenendo molte critiche positive. A seguito del successo di questa esposizione, è invitata a realizzare una mostra a Reggio Emilia. Nonostante le difficoltà di essere madre e divorziata, Grey non demorde e le critiche positive alimentano la sua tenacia. Da lì a poco inizia ad ottenere riscontro anche sulle colonne culturali delle testate giornalistiche locali. Nel 2013, durante un’esposizione pittorica realizzata dalla Regione Umbria presso la città di Assisi nella dimora storica di Palazzo Bernabei, Grey decide di fingersi custode della sua mostra. Questo le avrebbe permesso di essere più vicina alle persone e sentire cosa realmente pensavano della sua pittura. Cosi, si pone una domanda: come posso continuare a dare emozioni alle persone? Inizia quindi a lavorare con la grafica attraverso le immagini delle sue opere realizzando complementi di arredo per locali commerciali e abitazioni private, con la creazione di carta da parati e altri elementi. Arriva anche l’idea di creare una collezione di foulard con alcune delle sue coloratissime opere. Crea il marchio “Tropical Sweet Colors by Grey Est”, ricevendo successivamente inviti ad eventi e sfilate, nonché il riconoscimento da “New Model Today” a Milano per la bellezza della sua collezione. Successivamente, per un evento molto esclusivo realizzato a Roma presso l’Istituto Italo-Latinoamericano, cuce a mano la sera prima quindici vestiti, dando così vita ai caftani di Grey Est. Nel 2014 arriva la proposta della direttrice scolastica di un istituto comprensivo di Frosinone per affidarle un progetto didattico. Grey, cogliendo una grande opportunità, propone il progetto multiculturale ART’Inclusion, portando la sua esperienza di immigrata per sensibilizzare i ragazzi su questa tematica. Il progetto ha molto successo e viene pubblicato da diverse testate online nazionali e internazionali. Nelle tre edizioni del progetto, patrocinato dalla Regione Lazio, si realizzano più di 30mt di superficie, tra tela, e diversi supporti, con la partecipazione di oltre novecento ragazzi, Da questa forte esperienza nasce un’opera concettuale chiamata “Madre Fratellanza. Come in una visione metafisica, l’artista rappresenta la madre del genere umano con due carnagioni, metà nera e meta bianca. Due bambini adagiati tra le braccia rappresentano il genere umano, uno con pelle chiara e uno di carnagione scura, collegati tra loro attraverso i cordoni ombelicali, Le gambe della madre sono divaricate e le caviglie segnate di rosso, simbolo di sofferenza, i suoi capelli sono lunghi e diventano rami e foglie, simboleggiando che l’unione e la fratellanza sono insiste nella natura delle cose. Questa immagine diventa successivamente una t-shirt, utilizzata come immagine simbolo della campagna #NOTORACISM dell’artista, indossata da Fiorella Mannoia, Dacia Maraini e altri artisti. A distanza di sei anni Grey viene contattata dalla madre di un ragazzo che ha partecipato al progetto ART’Inclusion. Il ragazzo aveva dedicato la tesina, per l’esame di terza media, al progetto di Grey Est e ciò che aveva imparato durante quella esperienza. Nella tesina ha parlato di diritti umani e di persone che si sono battute per fare la differenza e perciò aveva scelto di citare Grey. Della pittura di Grey Est hanno parlato in molti, da Vittorio Sgarbi, a diversi critici di spicco, ma la recensione più sentita dall’artista è quella del Direttore dell’Accademia di Belle Arti di Frosinone, creando malumore nel mondo accademico vista la sua formazione da autodidatta. Dal 2014 al 2016 le sono state conferite i riconoscimenti accademici di merito delle accademie: Bonifaciana di Anagni (FR), Costantina, e Norman Accademy di Roma, quest’ultima conferendole anche la Medaglia Aureata al merito artistico. Lo Spoleto Festival Art l’ha invece premiata per i meriti artistici e l’impegno nel sociale 2015. Oggi Grey Est vive e lavora a Milano nella direzione artistica di Arte Design by Decor Lab.

LA MADRE FRATELLANZA - Acrilico su tela, 120 x 100 cm

THE GREAT MOTHER - Tecnica mista su tela, 100 x 80 cm

“Per Grey Est la pittura non può che essere interpretata come trionfo del colore, steso con pennellate di grande intensità, cariche di emozioni e di tracce del proprio vissuto, per raccontare storie coinvolgenti, che sembrano nate in una dimensione immaginifica e sognante, in cui la realtà della vita quotidiana si mescola a una fantasia senza limiti. Un colore caratterizzato da una voluttà quasi carnale, scelto dall’artista per dare vita a una figurazione volutamente primitiva, che strascina con sé le eco inconfondibile delle esperienze delle prime avanguardie, dai Fauves di Matisse ai tedeschi della Brùcke, fino ad arrivare alle icone misticheggianti di Alexej Von Jawlensky, e di certa pittura degli anni 80’ dalla Transavanguardia ai Nuovi Selvaggi. Eppure il risultato è un’intrigante mescolanza di forza e di grazia, come se la Est cercasse continuamente di trovare un equilibrio tra polarità differenti: maschile e femminile, spontaneità e ricercatezza, decorazione e volontà espressive, con l’intento di definire un linguaggio originale, pronto a spaziare dalla favola alla spiritualità. E in questo inevitabilmente è possibile rintracciare una caratteristica specifica della pittura di Grey Est, che affonda le sue radici nella cultura caraibica, anche se il suo percorso creativo è giunto a maturazione a contatto con le sperimentazioni artistiche europee. Ha la capacità di oscillare tra il sacro e il profano, elementi che l’artista è capace di riconoscere in ogni istante dell’esistenza di ogni essere umano.“ Prof. Luigi Fiorletta - Direttore Accademia Di Belle Arti di Frosinone

M° Ennio Calabria con Grey durante il Festival Internazionale dei Popoli e delle Religioni. Roma, 2014 (Foto © Claudio Mercuri)

DECISIONE DEFINITIVA - Acrilico su tela, 50 x 70 cm

RINASCITA - Tecnica mista, acrilico su tela, 80 x 100 cm

CARACAS Lâ&#x20AC;&#x2122;ATTESA - Tecnica mista collage, acriclico su tela, 100 x 60 cm

LA FORMA DEL PENSIERO - Tecnica mista collage, acrilico su tela, 70 x 100 cm

Arriving in Italy, she discovers her partner’s betrayal and her painting comes to her life by chance. She begins to take an interest in painting and experiment with the first drawings on wrapping paper. One day she accidentally finds, in the library, a book on Tamara di Lempicka’s painting, being fascinated by it and dedicating her first drawings to her. Then it was Gauguin’s turn, thus starting to produce fifteen paintings of different sizes with autobiographical nudes and still lifes. Under the pressure of friends and acquaintances, she made the first exhibition of her obtaining a lot of positive reviews. Following the success of this exhibition, she is invited to organize an exhibition in Reggio Emilia. Despite the hardships of being a mother and divorced, Grey doesn’t give up and her positive reviews fuel her tenacity. Shortly thereafter she began to get feedback also on the cultural columns of local newspapers. In 2013, during a pictorial exhibition created by the Umbria Region in the city of Assisi in the historic residence of Palazzo Bernabei, Grey decided to pretend to be the guardian of her exhibition. This would allow her to be closer to people and feel what they really thought of her about her painting of her. So, you ask yourself a question: How can I continue to give people emotions? She then begins to work with graphics through the images of her works by creating furnishing accessories for commercial premises and private homes, with the creation of wallpaper and other elements. She also comes up with the idea of creating a collection of scarves with some of her colorful works by her. She creates the “Tropical Sweet Colors by Grey Est” brand, subsequently receiving invitations to events and fashion shows, as well as recognition from “New Model Today” in Milan for the beauty of her collection. Subsequently, for a very exclusive event held in Rome at the Latin American Institute, she sews fifteen dresses by hand the night before, thus giving life to the caftans of Grey Est. In 2014 comes the proposal of the school director of a comprehensive school in Frosinone to entrust her with an educational project. Grey, seizing a great opportunity, proposes the multicultural project ART’Inclusion, bringing her experience as an immigrant to raise awareness among young people on this issue. The project is very successful and is published by several national and international online newspapers. In the three editions of the project, sponsored by the Lazio Region, more than 30 meters of surface are created, including canvas, and various supports, with the participation of over nine hundred young people, From this strong experience comes a conceptual work called “Mother Brotherhood. As in a metaphysical vision, the artist represents the mother of mankind with two complexions, half black and half white. Two children lying in their arms represent the human race, one with light skin and one with dark complexion, connected to each other through the umbilical cords, The legs of the mother are spread apart and the ankles marked in red, a symbol of suffering, her hair is long and become branches, and leaves, symbolizing that union and brotherhood are insists in the nature of things. This image later becomes a t-shirt, used as a symbolic image of the artist’s #NOTORACISM campaign, worn by Fiorella Mannoia, Dacia Maraini and other artists. Six years later, Grey is contacted by the mother of a boy who participated in the ART’Inclusion project. The boy had dedicated his thesis, for the eighth grade exam, to the Grey Est project and what he had learned during that experience. In the essay he talked about human rights and people who fought to make a difference and therefore he had chosen to quote Grey. Many have talked about Grey Est’s painting, from Vittorio Sgarbi, to various prominent critics, but the most heartfelt review by the artist is that of the Director of the Academy of Fine Arts in Frosinone, creating discontent in the academic world due to his self-taught training. From 2014 to 2016 she was awarded the academic merit awards of the academies: Bonifaciana of Anagni (FR), Costantina, and Norman Academy of Rome, the latter also conferring the Golden Medal for artistic merit. The Spoleto Festival Art instead awarded her for her artistic merits and social commitment in 2015. Today Grey Est lives and works in Milan in the artistic direction of Arte Design by Decor Lab.

FABIO VITTORELLI ELEONORA ANNA BOVE: Come nasce la tua passione per la fotografia? FABIO VITTORELLI: Ho iniziato a fotografare molto presto, da adolescente, con l’analogico. Con gli anni, la passione è andata un po’ diluendosi: l’avvento del digitale, però, mi ha fatto riscoprire questa passione. Quindi, posso affermare di averla sempre avuta. ELEONORA ANNA BOVE: How did your passion for photography start? FABIO VITTORELLI: I started photographing very early, as a teenager, with analog. Over the years, the passion has been diluted a little: the advent of digital, however, made me rediscover this passion. So, I can say I’ve always had it.

EB: Qualcuno, in casa, praticava tale passione? FV: No, assolutamente nessuno. Veniva praticata semplicemente a livello amatoriale, come accadeva spesso in quegli anni per gli album di famiglia o delle vacanze. Il mio è stato un amore a prima vista; avevo capito che la fotografia poteva essere una modalità espressiva interessante per me. Avevo all’incirca 14 anni. A quell’epoca si giocava a palla all’oratorio, si andava in bicicletta, non eravamo immersi in un mondo di foto e di immagini come oggigiorno, anche grazie ai social come Instagram ad esempio. Era un contesto completamente differente. Se volevo imparare qualcosa sulla fotografia, dovevo cercare in edicola delle riviste del settore. C’erano solo le riviste o i circoli fotografici. EB: Did anyone in the house practice this passion? FV: No, absolutely none. It was practiced simply as an amateur, as was often the case in those years for family or holiday albums. Mine was love at first sight; I understood that photography could be an interesting mode of expression for me. I was about 14 years old. At that time we played ball in the oratory, we rode a bicycle, we weren’t immersed in a world of photos and images like today, also thanks to social networks such as Instagram for example. It was a completely different context. If I wanted to learn something about photography, I had to look for magazines in the sector on newsstands. There were only magazines or photographic circles. EB: Come mai avevi ridimensionato questa tua passione? FV: Non c’era il digitale, ma solo l’analogico. Mentre frequentavo l’Università avevo il tempo sufficiente per dedicarmi alla camera oscura ma successivamente questo tempo è venuto a mancare. Era un procedimento molto laborioso, sviluppavo e stampavo tutto da me e non riuscivo a conciliare questa attività con il lavoro. Quando avevo 25 anni, portai i miei scatti in bianco e nero da un critico molto rinomato, Lanfranco Colombo, per farmeli valutare: una mia amica mi obbligò a fare ciò ed io ero veramente terrorizzato. Con mia grande sorpresa, mi suggerì di fotografare come professionista, ma non lo feci: volevo semplicemente mantenere questa passione come mio divertimento. EB: Why did you downsize this passion of yours? FV: There was no digital, only analog. While I was attending the University I had enough time to devote myself to the darkroom but subsequently this time was lacking. It was a very laborious process, I developed and printed everything myself, and I could not reconcile this activity with work. When I was 25, I took my black and white shots to a very renowned critic, Lanfranco Colombo, to have them evaluate: a friend of mine forced me to do this and I was really terrified. To my surprise, he suggested that I photograph as a professional, but I didn’t: I just wanted to keep this passion as my entertainment. EB: Sei stato fortunato a nascere e crescere in un contesto fervido, vero? FV: “Fervido” è eccessivo: i miei genitori non si occupavano di arte ma vollero che i loro figli seguissero studi classici. Questi studi ti orientano anche all’arte. EB: You were lucky to be born and raised in a fervent context, right? FV: “Fervid” is excessive: my parents were not involved in art but they wanted their children to follow classical studies. These studies also orient you to art. EB: Hai poi, però, studiato Ingegneria. Vero? FV: Leonardo Da Vinci era sia scienziato sia umanista. Credo che sia la parte umanistica che quella scientifica facciano semplicemente parte di noi: è la nostra cultura che le ha poi separate, ma nell’uomo del Rinascimento erano un tutt’uno. Esisteva dunque una visione integrata delle scienze e delle arti: penso che la parte artistica e quella scientifica possano essere vicine. Forse, avrei dovuto studiare Architettura.

EB: You then, however, studied Engineering. True? FV: Leonardo Da Vinci was both a scientist and a humanist. I believe that both the humanistic and the scientific parts are simply part of us: it is our culture that then separated them, but in the man of the Renaissance they were one. There was therefore an integrated vision of the sciences and the arts: I think that the artistic and scientific part can be close. Maybe, I should have studied architecture.

EB: Then, growing up, you delved into Street photography, mainly in urban contexts. FV: Exact.

EB: So what did you photograph initially? FV: I photographed what I had on hand, sometimes I went out with friends just to take pictures: once we went to Venice for three days just for this. I then started to devote myself more and more to photography, and here I started my style in black and white.

EB: Ti è capitato di fotografare in più parti del mondo. Hai fotografato molto viaggiando per lavoro? FV: No, per lo più in vacanza. I contesti urbani mi attraggono tantissimo, perché è la gente ad interessarmi. Le foto di architettura mi son servite per allenare l’occhio alla composizione. La città mi ha sempre interessato molto più degli altri generi fotografici: in città mi sento coinvolto perché trovo la gente molto stimolante. Durante una vacanza in crociera mi sono trovato immerso in un mondo fantastico: la crociera è una piccola città! Mia moglie leggeva i libri, io non riuscivo a stare seduto, andavo in giro per la nave con la macchina fotografica ad osservare le persone. Sono affascinato dalla gente quando è in solitudine, quando riesce ad estraniarsi. Mi sono abituato con il tempo a scattare in modo molto veloce, quasi istantaneo: un determinato istante va colto immediatamente, pochi secondi dopo è già alterato. Se esiti a scattare per troppo tempo, prima di catturare la foto, contamini con la tua presenza il contesto.

EB: Poi, crescendo, hai approfondito la fotografia Street, prevalentemente in contesti urbani. FV: Esatto.

EB: You have happened to photograph in multiple parts of the world. Have you photographed a lot while traveling for work? FV: No, mostly on vacation. Urban contexts attract me a lot,

EB: Cosa fotografavi dunque inizialmente? FV: Fotografavo quello che avevo sotto mano, alcune volte uscivo con gli amici solo per fare fotografia: una volta siamo andati a Venezia per tre giorni solo per questo. Ho poi iniziato a dedicarmi sempre di più alla fotografia e qui ho iniziato il mio stile in bianco e nero.

because people are interested in me. I used architectural photos to train my eye for composition. The city has always interested me much more than other photographic genres: in the city I feel very involved because I find people very stimulating. During a cruise vacation I found myself immersed in a fantastic world: the cruise is a small town! My wife read books, I couldn’t sit up, I went around the ship with my camera to observe people. I am fascinated by people when they are alone, when they manage to estrange themselves. Over time I got used to shooting very quickly, almost instantaneously: a certain moment must be captured immediately, a few seconds later it is already altered. If you hesitate to shoot for too long, before capturing the photo, you contaminate the context with your presence. EB: Guardi molte foto? FV: Studio molto le foto di altri autori, noti e meno noti, cerco sempre di imparare, cerco di capire quali emozioni volevano trasmettere. Studio molto anche le mie foto, cerco di imparare molto dagli errori che faccio: sono molto secchione da questo punto di vista. Considero che lo studio sia parte imprescindibile di qualsiasi lavoro artistico. EB: Do you look at a lot of photos? FV: I study a lot the photos of other authors, known and less known, I always try to learn, I try to understand what emotions they wanted to convey. I also study my photos a lot, I try to learn a lot from the mistakes I make: I am very nerd from this point of view. I consider that the studio is an essential part of any artistic work.

EB: Hai mai realizzato delle esposizioni in questi anni? FV: Ho partecipato solo a esposizioni collettive, varie volte nell’ambito di Photovogue: in particolare per ben due volte in Corso Como 10, a Milano. EB: Have you ever made exhibitions in recent years? FV: I have only participated in group exhibitions, several times in the context of Photovogue: in particular twice in Corso Como 10, in Milan. EB: Com’è cambiata Milano nel corso degli anni? FV: Tanti anni fa Milano era una città prevalentemente lavorativa, un po’ grigia e seria. Negli ultimi anni è cambiata tantissimo, ha valorizzato il suo patrimonio artistico e culturale: è riuscita a valorizzare le tante cose belle che già aveva ed è stata capace di attrarre tanti visitatori con gli eventi, la moda, le fiere, le mostre…. È diventata una città più turistica e vive sicuramente in maniera anche più rilassata: alcune zone di Milano si sono letteralmente trasformate. EB: How has Milan changed over the years? FV: Many years ago Milan was a predominantly working city, a little gray and serious. In recent years it has changed a lot, it has enhanced its artistic and cultural heritage: it has managed to enhance the many beautiful things it already had and has been able to attract many visitors with events, fashion, fairs, exhibitions…. It has become a more touristic city and certainly lives in an even more relaxed way: some areas of Milan have literally transformed.

EB: Se compariamo gli ultimi tuoi progetti (i nudi di ragazze o dei tuoi amici messi a nudo) alle fotografie Street, mi verrebbe da pensare che nelle seconde prevale una proiezione di te stesso. FV: Quando interpreti qualcosa, sovrapponi sempre la tua cultura e la tua esperienza a quello che vedi: quindi, certo, è cosi. Nelle mie fotografie, comunque, cerco sempre di non alterare troppo quello che catturo in uno scatto, la situazione in cui mi sono trovato, soprattutto nel suo significato più profondo: voglio rispettare la Verità di quel particolare momento. Lo interpreto in base alle mie emozioni del momento, in base alla mia cultura fotografica e personale, magari cambiando la focale o scegliendo un’angolazione differente. Dopotutto è quello che fa il fotografo: cercare di capire come rendere al meglio una certa situazione. “La fotografia non mostra la realtà, ma l’idea che se ne ha.”, disse Neil Leifer. E io sono totalmente d’accordo. Dunque, il fotografo deve capire come e dove porsi, ma la realtà raccontata è quella, deve essere quella. Se fosse un racconto puramente oggettivo, sarebbe semplicemente una fotografia documentaristica: quindi cerco sempre di inserire le mie emozioni. Il filo conduttore dei miei scatti è quasi sempre la gente, spesso nella sua solitudine. Ma mi piace anche uscire dalla mia comfort zone. Quando mi son accostato al nudo e al ritratto, avevo bisogno di nuovi stimoli. Paradossalmente poi, facendo nudo e ritratto, ho acquisito delle chiavi di lettura che hanno modificato il mio approccio anche nella Street. EB: If we compare your latest projects (the nudes of girls or of your friends stripped naked) to Street photographs, I would think that in the latter a projection of yourself prevails. FV: When you interpret something, you always superimpose your culture and your experience on what you see: so, of course, that’s it. In my photographs, however, I always try not to alter too much what I capture in a shot, the situation in which I found myself, especially in its deepest meaning: I want to respect the Truth of that particular moment. I interpret it based on my emotions of the moment, based on my photographic and personal culture, perhaps changing the focal length or choosing a different angle. After all, that’s what the photographer does: trying to figure out how to best render a certain situation. “The photograph does not show reality, but the idea that one has of it.”, Said Neil Leifer. And I totally agree. Therefore, the photographer must understand how and where to place himself, but the reality is that, it must be that. If it were a purely objective story, it would simply be a documentary photography: so I always try to insert my emotions. The common thread of my shots is almost always people, often in their solitude. But I also like to get out of my comfort zone. When I approached the nude and the portrait, I needed new stimuli. Paradoxically, then, by doing nude and portraits, I acquired some interpretations that changed my approach also in the Street.

WEBSITE | fabiovittorelli.com INSTAGRAM | @fabiovitto FACEBOOK | Fabio Vittorelli Fotografo

Interview by ELONORA ANNA BOVE INSTAGRAM | @eleonoraannabove

AGRELA HOUSE spaceworkers

Una casa per i libri. Questa sfida è iniziata con una premessa del cliente: uno spazio per molti libri. Immediatamente il nostro immaginario ci ha guidati verso le tante biblioteche rinascimentali classiche, con scale scorrevoli per raggiungere la montagne dei libri. Questo era il motto dell’intervento: uno spazio alto capace di generare la composizione e gerarchizzare gli spazi interni. L’idea stava crescendo e l’esperienza volumetrica ha portato alla differenziazione funzionale degli spazi interni, realizzando un tetto come una massa “irrequieta” con diverse altezze. Il tetto si figura quindi come una quinta facciata che influenza l’impostazione delle altre. Avevamo improvvisamente creato un tetto denso, pesante, dall’aspetto monolitico che volevamo sovvertire, dando l’idea di una massa che levita su elementi leggeri di legno e vetro, quasi schiacciando l’utilizzatore ricordandogli la sua scala e l’importanza ancestrale della casa come un rifugio. Il tempo, un fattore importante in architettura, è anche un agente di composizione fondamentale. Gli elementi costruiti, ovvero in cemento, cercano di registrare il passare del tempo attraverso la trama della sua variegata cassaforma, che, come il tetto, assume alti e bassi, proiezioni e recessi e permette di catturare il tempo attraverso il movimento delle ombre nelle diverse ore della giornata, dando alle facciate un aspetto drammatico. Il cemento invecchierà naturalmente, integrandosi nella dimensione rurale dell’ambiente circostante, così come il legno di base, che subirà le intemperie come materiale naturale, arricchendo la casa di tempo prezioso.

A house for books. This challenge started with a premise from the client: space for many books. Immediately our imaginary guided us to the many classical renaissance libraries, with sliding stairs that reach the book mountain. That was the motto of the intervention: a high space capable of generate the composition and hierarchize interior spaces. The ideia was growing and the volumetric experience led to the functional differentiation of the interior spaces, crating a roof as a restless mass with different heights. The roof also figures itself in a fifth facade and influences the idealization of the other ones. Suddenly we had created a dense, heavy, monolithic cover roof that needed to be subverted, giving an idea of levitating mass that is slightly lying on light wood and glass. The roof seems to crush the users, reminding them of their own scale as humans and the ancestral importance of the shelter. The time important architectural component, is also an essential agent of the composition. The built elements, specially in concrete, seek to register the passage of time through it formwork texture. This formwork, similar to the roof variations, assumes ups and downs, protrusions and recesses, allowing it to keep the time with the representation of the shadows during the different hours of the day, giving also a dramatic appearance to the facades. As the time passes the textured concrete will naturally age and will be more integrated in the rural surroundings. The same will happen to the wood base, which the older it gets the more magnificence will become, enriching the house.

PROJECT DATA Project: Private House Project Year: 2014-2018 Size: 365m2 Client: Private Author: spaceworkers® Team Principal architects: Henrique Marques, Rui Dinis Architects: Marco Santos, Marta Silva, Mónica Pacheco, Tiago Maciel Furniture Design: Bairro Design Finance Director: Carla Duarte - cfo Engineer: Simetria Vertical Phrotography: FG+SG®

CONTACTS WEBSITE | spaceworkers.pt INSTAGRAM | @spaceworkers FACEBOOK | spaceworkers

WILLY VECCHIATO

“La fotografia di Willy Vecchiato è bianco e nero. Viscerale, assoluto e per nulla rassicurante. Egli raschia la realtà in modo maledettamente poetico. Un intruso che si muove tra le pieghe del vedere per liberarne le scorie e i fastidiosi o scomodi significati.” “Willy Vecchiato’s photograph is black and white. Visceral, absolute and not at all reassuring. He scraps reality in a damnably poetic way. An intruder who moves between the folds of seeing to free all the slags and the annoying or uncomfortable meanings.’” Steve Bisson

Nato a Noale nell’entroterra Veneziano la vigilia di Natale del 1973. Fotografa in bianco e nero. Autodidatta. Nel 2019 è stato pubblicato il suo primo libro “Lanzarote” (edito da Penisola Edizioni). Lanzarote è un paesaggio delle origini. Qui la forza essenziale della natura domina suprema. La mano del sole dà forma e concretezza allo sguardo. L’assenza di luce è tenebra: una paura profonda. Lanzarote è un inno agli elementi che fondano la terra, la ragione d’essere dei sensi sui quali poggiano le fragili intenzioni umane. Come antiche volontà incise sulla pietra e destinate al tramonto. Lanzarote è un epistème e insieme la durata stessa della sostanza primordiale. La vita, in cui sacro e profano si mescolano in un sogno di eternità. Born in Noale in the Venetian hinterland, Italy on Christmas Eve of 1973. Black and white photographer. Self-taught. In December 2019 he published his first book, Lanzarote, for Penisola edizioni. Lanzarote is a landscape of origins. Here the essential force of nature dominates supreme. The hand of the sun gives shape and substance to the look. The absence of light is darkness: a profound fear. Lanzarote is a hymn to the founding elements of the earth, the raison d’être of the senses on which the fragile human intentions rest. Like ancient wills carved on stone. Lanzarote is an epistème and together it traces the same duration of the primordial substance. Life, in which sacred and profane mingle in a dream of eternity.

APPROFONDIMENTO DI VASCO ASCOLINI Guardando le fotografie di Willy Vecchiato ho avuto immediatamente la sensazione di stare scrivendo sul mio lavoro. Infatti entrambi siamo attratti dal nero e dal vuoto. Mi ritrovo nelle sue intelligenti immagini. E capisco, come lui mi ha detto, che entrambi abbiamo nutrito il nostro pensiero fotografico con molte letture e che siamo dell’idea che tutti i sistemi di comunicazione scritti o visivi, si integrano, formano le nostre idee e ci aiutano a creare. Il vuoto è uno dei capisaldi della filosofia Zen, perché il vuoto allena alla leggerezza ed al vincere la forza di gravità. I grandi maestri delle discipline marziali ritengono che creando il vuoto quando si viene attaccati da qualcuno, non è necessario ferirlo per difesa, ma semplicemente spostarsi di lato e lasciare cadere chi ci attacca. Vedo, in molte fotografie di Vecchiato, il vuoto condiviso con il nero. Ma il nero (ci sono mille sfumature di questo non colore) non ti opprime, cela il sublime, ricopre il bene e il male, tutto quello che noi vivremo. Il nero era prima degli universi. Noi eravamo già dentro di lui, in attesa e in esso noi possiamo solo immaginare e non vedere. Lì si formò la creatività di ogni essere futuro. L’immaginario. Le sue fotografie sono coperte da un nero che non nasconde totalmente e lascia intravedere molti soggetti, di singolare fantasia, spesso antropomorfi. E qui devo citare: Poe per la letteratura, Odilon Redon e Francisco Goya, senza dimenticare il grande pittore del fantastico James Ensor. Spesso Willy lo cita, forse inconsapevolmente. Infine, il grande grafico e pittore francese Pierre Soulages, che consiglio a molti di cercare. Nel mio caso, ho più spesso dei neri chiusi. Ma è bene così, differenziarsi, perché, quelli del nostro fotografo, sono comunque intensi, e veri e propri velari trasparenti. Il nero, tutti i neri, contengono il sublime e sicuramente Willy conosce i filosofi del sublime, per tutti Kant e Edmund Burke. Il nero stesso è sublime. Cito qualche aforisma sul nero, che ho scritto su richiesta dei “Centre des monuments nationaux”, per i quali ho molto lavorato. Il nero, come Il vaso di Pandora contiene tutto il bello ed il terrifico nel quale viviamo. Il nero assoluto di una fotografia o di un quadro ci avvicina alla pittura. Sto pensando allo strutturalismo russo e in particolare Kazimir Severinovič Malevič). Il nostro fotografo unisce, con grande capacità, nelle sue fotografie vuoto e nero ottenendo così un prezioso valore aggiunto. Trovo nei suoi lavori quello che il grande artista Yves Klein scriveva: «Trasportati dall’immaginazione raggiungiamo la vita, la vita stessa, la vita che è l’arte assoluta». Mi ha sorpreso come Vecchiato abbia lavorato sul tema dell’albero, in un modo tutto suo, lasciandoli in uno spazio senza tempo, di nero intenso, con leggerezza. Arbusti che vagano nell’immateriale. Poi quel fuoco, in un buio contesto, che ci ricorda quanto la vita possa essere dolorosa. Non scrivo testi lunghi perché penso che si debba lasciare al fruitore delle immagini il tempo ed il lavoro mentale per confrontare il pensiero del fotografo con il suo.

FOCUS BY VASCO ASCOLINI Looking at Willy Vecchiato’s photos, I immediately felt like I was writing about my own work. In fact, we are both attracted to black and emptiness. I recognise myself in his clever pictures. And I see, as he told me indeed, that we both have been nourishing our photographic thinking with many readings and that we also share the opinion that all written or visual communication systems integrate and form our ideas and help us create. Void is a cornerstone of Zen philosophy, since void gives lightness, overcoming force of gravity. Great masters of martial arts believe that, when someone attacks them, rather than hurting them back in defense, it is sufficient just to move sideways, thus creating a void, and let the attacker fall. In many of Vecchiato’s photos, there is emptiness together with blackness. But black (there are a thousand shades of this non-colour) does not oppress, it disguises the sublime, it covers good and evil alike, as well as all that we are going to live. Black existed before the universe. We were already inside it, waiting, and within it we can only but imagine and not see. There, the creativity of every being-to-come took shape. The imaginary. Vecchiato’s shots are imbued by a black that does not hide completely and still allows us to glimpse many subjects that are of singular fantasy, often anthropomorphic. And here I must name: Poe for literature, Odilon Redon and Francisco Goya, not to mention the great painter of the fantastic James Ensor (Willy often quotes him, perhaps unconsciously) and, finally, the great French graphic artist and painter Pierre Soulages, whom I recommend highly. In my case, I have darker blacks more often. But it is good to differ, since Vecchiato’s are nevertheless intense, authentic, transparent velarios. Black and all nuances of black contain the sublime and surely Willy is acquainted with the philosophers of the sublime, with Kant and Edmund Burke for all. Black itself is sublime. I would like to quote some aphorisms on black, that I wrote for the “Center des monuments nationaux”, with which I had an extensive cooperation. Black, like Pandora’s box, contains all the beauty and the terror we live in. The absolute black of a photograph or a painting brings us closer to the painting. I’m thinking of Russian structuralism and in particular of Kazimir Severinovič Malevič. Our photographer combines black and white with outstanding skills, thus obtaining an exceptional added value in his pictures. In his works, I come across what the great artist Yves Klein writes about: “Transported by the imagination, we attain life, life itself, which is absolute art”. I was surprised by the way Vecchiato developed the theme of trees, in his own way, leaving them in a timeless space, of intense black and light. Shrubs wandering in the immaterial. Then that fire, in a dark context, which reminds us of how painful life can be. I don’t write long texts because I think we should leave time and mental work for the viewer of the image to compare the photographer’s thinking with his own.

WEBSITE | www.willyvecchiato.com INSTAGRAM | @willyvecchiato FACEBOOK | Willy Vecchiato FLICKR | willy vecchiato

MARY A. JOHNSON

Fungal Fortune Sauce, 2016. 49 x 52 cm

Emperor rice dye, red wine, hibiscus tea, ink, inkjet prints, rice and metallic papers and rhinestones on paper

Uni Tethida, 2016. 80 x 48 cm

Red wine, black rice dye, purple sweet potato dye, digitally altered photographs, ink and colored pencil on rice paper.

Creo lavori utilizzando materiali organici e immagini digitali che ricordano piastre di Petri, frigoriferi dimenticati e nature morte olandesi. Il lavoro assume la forma di costruzioni a base di carta a strati spessi, piatte e sporgenti e si estende per indagare i “luoghi di tensione”. È costruito con stampe fotografiche a getto d’inchiostro, componenti sintetici e carta dipinta e imbevuta di materiali naturali. Accumulando i molteplici strati nel loro insieme, i pezzi vengono formati organicamente e pendono o sporgono dalla parete. I materiali organici si imbattono perfettamente nelle immagini stampate e le polarità distinte diventano il mio lavoro. I materiali naturali forniscono contenuto, poiché i cambiamenti alchemici che subiscono riflettono le indagini concettuali del lavoro negli spazi tra gli strati. Ad esempio, all’interno di “Seep In / Seep Out / Object / Image”, esposto all’Aotu Space di Pechino, la tintura di cavolo viola si trasforma rapidamente in un blu intenso con l’aggiunta di un mordente di ferro. All’interno di “Eyes & Roots”, il frutto del drago rosso mordenzato con Baijiu, un liquore cinese, cambia da un rosa gomma da masticare a un tono crema di latte ingiallito sulle silhouette botaniche di carta di riso. Gli oggetti organici possono trasformare ciò che è familiare in ciò che non è familiare e mettere in discussione ciò che è naturale. Ad esempio, integrate nei grandi pannelli posteriori di “Seep In / Seep Out” troviamo fotografie di broccoli romaneschi che rispecchiano lo stesso verde acido dei bicchieri di plastica traslucidi impilati in piccole montagne alla base degli strati di carta. Tradizionalmente, il sintetico assume la forma del naturale; qui capovolgo questo rapporto. Inoltre, i materiali naturali portano la propria storia nell’opera, come si vede nella tintura creata dall’Haematoxylum campechianum, un arbusto legnoso centroamericano chiamato “legno di sangue” o “legno di legno”, che crea tonalità che vanno dall’arancio al viola intenso. Uso questo colorante in “Mouths Wide Open” e altri lavori. Raccolto originariamente dagli indigeni per coloranti murali e tessili, fu cooptato dagli spagnoli che usarono il lavoro degli schiavi per procurarsi questa pianta che cresce in ambienti ostili, dove il rischio di infortunio o malattie è alto. Uso principalmente elementi di recupero incollandoli in contrasto. Le immagini digitali utilizzate nel mio lavoro sono tratte da nature morte che costruisco in studio e abbandono per settimane. Uso la fotografia basandomi sulla sua capacità di catturare fedelmente un’immagine o un’esperienza. La ricontestualizzazione di frammenti di immagini fotografiche in mezzo nel dipinto o nel disegno indebolisce questa capacità. Le nature morte che costruisco sono tangibilmente reali: creano odori, attirano insetti e si sciolgono lentamente. Fotografie del lussureggiante e del ripugnante mediano questa esperienza attraverso l’obiettivo. Le immagini di carne cruda mantengono la consistenza liscia e sanguinante, ma vengono appiattite durante il processo di stampa, diventando simili a pitture in opere come “Tubular Piscal Throbbing” una volta stampate su carta di riso. Scansionare e poi ristampare le immagini, come ho fatto per i pannelli del pavimento in vinile in “Seep In / Seep Out”, crea un divario più ampio tra l’esperienza e l’immagine. Il mio lavoro enfatizza l’instabile e l’inaffidabile. Le immagini raccolte, in combinazione con i coloranti naturali, creano uno spazio in cui è difficile determinare cosa sia. Sono le budella di un pesce o il morso di una pesca? Quella è vernice o succhi di riso nero cotti a fuoco lento, o sangue? La giustapposizione tra il fotografato e il dipinto pone lo spettatore in uno spazio intermedio. L’opera si colloca in un punto compreso tra ciò che ci attrae e ci respinge, ciò che è organico e sintetico e ciò che vediamo e ciò che pensiamo di vedere. Questo è lo spazio in cui le cose imitano, riflettono e simultaneamente si polarizzano. In questo luogo fai delle scelte: metti in discussione la tua percezione o il tuo ambiente?

I create work using organic materials and digital images reminiscent of Petri dishes, forgotten refrigerators, and Dutch still lives. The work takes the form of thickly-layered paper based constructions, flat and not flat, and stretches itself to investigate places of tension. It is constructed from inkjet photographic prints, synthetic components and paper painted and soaked with natural materials. By amassing the multiple layers as a whole, the pieces are organically formed and drip or protrude from the wall. Organic materials seamlessly run into printed images and distinct polarities become indistinct my work. I use natural materials because they provide content as the alchemic changes they undergo reflect the work’s conceptual inquiries into spaces between states. For example, within Seep In / Seep Out / Object / Image, exhibited at Aotu Space [Beijing], purple cabbage dye transforms quickly into an intense blue with the addition of an iron mordant. Within Eyes & Roots, red dragon fruit mordanted with Baijiu, a Chinese liquor, changes from a bubble-gum pink into a yellowed Creamsicle tone on the rice paper botanical silhouettes. Organic objects can change the familiar into the unfamiliar and call into question what is natural. For example, integrated into the large back panels of Seep In / Seep Out are photographs of fantastically horned Romanesco that mirror the same acidic green of the translucent, plastic party cups stacked in small mountains at the base of the layers of paper. Traditionally, the synthetic takes the form of the natural; here I invert this relationship. Additionally, natural materials bring their own histories into the work, as seen in the dye created by Haematoxylum campechianum, a Central American a woody shrub called ‘blood wood’ or ‘logwood’ that creates hues that range from orange to deep purple. I use this dye in Mouths Wide Open and other works. Originally harvested by indigenous people for mural and textile colorant, it was coopted by the Spanish who used slave labor to procure the plant which grows in harsh environments where the risk of injury or illness is high. I primarily use collaged elements that are created opposed to found. The digital images used in my work are taken from still lives I build in the studio and allow to sit for weeks. I use photography based on its presumption to capture an image or experience reliably. The recontextualization of fragments of photographic imagery in the midst of the painted or drawn weakens this presumption. The still lives I construct are tangibly real- they create odors, draw insects, and slowly melt. Photographs of the lush and the repulsive mediate this experience through the lens. Images of raw meat retain their slick, bloody texture, but are flattened in the printing process, becoming painting-like in works such as Tubular Piscal Throbbing once printed on rice paper. Scanning and then reprinting images, as I did for the vinyl floor panels in Seep In / Seep Out, creates a larger gap between the experience and the image. My work emphasizes the unstable and the unreliable. Collaged images, in conjunction with natural dyes, create a space in which it is difficult to determine which is which. Is that the guts of a fish or the bitten inside of a peach? Is that paint or the slowly cooked juices of black rice, or blood? The juxtaposition of the photographed and the painted places the viewer in a lace in-between. The work locates itself in a stretched spot in between what attracts and repulses us, what is organic and synthetic, and what we see and what we think we see. This is the space where things mimic, reflect, and simultaneously polarize. In this place you make choices: do you question your perception or your environment?

Eyes and roots, 2018. 157 x 150 cm

Dragon fruit dye, handmade paper with dragon fruit, black rice dye, turmeric dye, red madder dye, inkjet prints on rice paper, metallic paper, Mylar, marker, colored pencil on paper

Valentine III, 2020. 41 x 27 cm

Cochineal, inkjet prints, faux fur dyed with cochineal and rhinestones on rice paper

Mary A. Johnson ha ricevuto il suo MFA (Master of Fine Arts) dalla State University di New York nel 2013. Ha esposto il suo lavoro in tutto il mondo, tra cui la New York Hall of Science, la Nekrasov Library a Mosca e diversi centri d’arte e musei in Cina. Il suo lavoro è apparso in mostre collettive giurate da Jerry Saltz e Garth Johnson e raccolto dallo Shanghai Art Collections Museum. Inoltre, le sue opere sono state incluse in numerose pubblicazioni internazionali, tra cui il libro di Rebeka Elizegi “Collage by Women: 50 Essential Contemporary Artists”, venduto nelle librerie di tutto il mondo, come il Metropolitan Museum of Art di New York e il Museo Reina Sofia di Madrid. Ha insegnato presso l’Università del Nord del Texas. In precedenza, ha insegnato in diverse istituzioni in Cina, inclusa la Central Academy of Fine Art e, come critico, invitato alla Tsinghua University.

Mary A. Johnson received her MFA from the State University of New York in 2013. She has shown her work globally including the New York Hall of Science, the Nekrasov Library in Moscow, and multiple art centers and museums in China. Her work has been in group exhibitions juried by Jerry Saltz and Garth Johnson, and collected by the Shanghai Art Collections Museum. Additionally, her work has been included in multiple international publications, including Rebeka Elizegi’s book Collage by Women: 50 Essential Contemporary Artists, sold in bookstores globally such as the Metropolitan Museum of Art in New York and the Museo Reina Sofia in Madrid. She has been teaching at the University of North Texas. Previously, she taught at multiple institutions in China, including the Central Academy of Fine Art and as an invited critic to Tsinghua University.

WEBSITE | maryajohnson.com INSTAGRAM | @24_yellow_orchids GALLERY: www.artzspace.art | @artz_gallery_shanghai

Seep In / Seep Out / Object / Image (Installation), 2018. 450 x 350 cm

Purple cabbage dye, Bloodwood dye, turmeric dye, madder dye, dragon fruit dye, matcha, indigo, handmade paper with dragon fruit, inkjet prints on rice paper, metallic and rice papers on paper, synthetic pigment, acrylic medium; organza, faux fur, inkjet prints on vinyl, and plastic

Larval Wreath, 2017. 69,5 x 58,5 cm

Emperor rice dye, blue cabbage dye, colored pencil, rice paper, and inkjet prints on paper

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Photo: Davide Kevin Colasanto

IRENE ANTONUCCI Irene Antonucci è più forte della pandemia. L’entusiasmo della bella ed eclettica Attrice, ma anche regista, laureata in filosofia a pieni voti, ma in grado di esibire un master in marketing e comunicazione, non di meno volto del web, senza però essere uno di quei tormentoni mediatici a volte così tediosi, si divide tra i numerosi impegni attuali, che sono il miglior vaccino contro il delicato momento attraversato dal cinema e dal teatro italiano. La fantasia e l’intraprendenza, la tenacia e lo spirito innovativo nel ricorso alle nuove frontiere del web proiettano l’attrice pugliese verso la meritata popolarità del grande schermo. Canale 5, la rete ammiraglia Mediaset, l’ha scelta tra i cento giudici del poderoso muro umano di “All Together Now”, condotto dalla frizzante Michelle Hunziker. Lo show musicale dedicato ai cantanti emergenti, giunto alla terza edizione, in onda in prima serata a partire dal 4 novembre 2020 ogni mercoledì per sei puntate, quest’anno avrà anche una nuova giuria d’eccezione, quattro alfieri della nostra musica: J-Ax, Rita Pavone, Francesco Renga e Anna Tatangelo. “L’esperienza a ‘All Together Now’ nel ruolo di giudice è stata particolare – racconta Irene, perché di solito mi sono sempre trovata dall’altra parte. E’ stato tutto molto formativo, perché mi è stato possibile confrontarmi con artisti di provenienze diverse, con persone che arrivavano dalla musica, dal teatro e con tante altre specializzazioni, colleghi di ‘muro’ che, oltre a frequentare durante il programma, ho intervistato realizzando dei video sulle mie ‘piattaforme social’(Facebook e Youtube), in un Format ideato da me, che si chiama “Incontri straordinari”, in cui chiacchiero con loro sulle contaminazioni artistiche, sulle curiosità, sui percorsi personali. Insomma, questa presenza nel programma di Canale 5 è stata davvero una bella esperienza dal punto di vita personale e artistico”. È il premio per il lavoro generoso e meticoloso della giovane attrice, regista e show-girl, che sciorina numerosi talenti degni di Broadway.

Irene Antonucci ha conquistato da pochissimi giorni in qualità di regista il prestigioso riconoscimento di Miglior Cortometraggio Rivelazione al Castelli Romani Film Festival Internazionale, con “2020 Fuori Moda”, prodotto da Camaleo cinema. Ma il suo cortometraggio vede la luce di un sogno da sempre coltivato: Hollywood. Non a caso l’opera viene selezionata in finale al prestigioso IndieX Film Fest di Los Angeles. L’opera racconta con energia e poesia l’impegno civile e morale di un attore, con le parole mai dette di amore, speranza e sdegno, attraverso l’introspezione nata da un momento epocale di solitudine del mondo, soprattutto il mondo degli artisti. La giovane donna di Trani, nata sotto il segno dei Pesci, scrive le sue pièces con vivace ricchezza di argomenti, che la laurea in filosofia a pieni voti ed il master di marketing e comunicazione hanno nutrito. Anche la serie web “iLove”, che coinvolge l’attore Emanuele Ajello, ha ottenuto successo, come testimonia l’ingente numero di visualizzazioni pari a 7 milioni, tra facebook e YouTube, e vede Irene come attrice protagonista: è un affresco lieve e divertente di vita quotidiana, non disgiunto dall’attenzione ai temi più importanti, come la violenza sulle donne e l’abbandono degli animali. In questi mesi dal lockdown in poi Irene ha portato avanti la scrittura di nuovi personaggi comici, per poi approdare all’Aquafan di Riccione per tutta l’estate sia live che in diretta web dal palco della “Maxionda” con il programma dal titolo “Pvsummer”. In quel contenitore sono passati per un’intervista, una performance o un saluto oltre 300 artisti da youtubber come Favij a cantanti come Shade, da conduttori come Rudy Zerbi a performer come Marco Stabile a tanti altri. Irene non si è negata niente nel suo cammino di predestinata. Dopo i primi concorsi di bellezza, la stupenda ragazza pugliese ha cantato con maestria, ha condotto abilmente le serate di moda e Casa Sanremo, ha recitato in teatro le

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immortali commedie del grande Carlo Goldoni come “Gli innamorati” al Teatro Marconi di Roma, ha lavorato nel cinema con Federico Moccia e Giovanni Veronesi, è stata ospite dei grandi network radiofonici 105 e RTL, accanto a Pio e Amedeo. Irene ha esordito nell’emittenza regionale pugliese con la fortunata serie del “Mudù” di Telenorba, prima di spiccare il balzo nelle televisioni nazionali. “Parla con Lei” sulle frequenze di Real Time e le apparizioni alla trasmissione Karaoke su Canale 5 condotta da Angelo Pintus e nella sit-com “Camera Café” con Luca Bizzarri e Paolo Kessisoglu, sono tra i fiori all’occhiello del suo eterogeneo repertorio espressivo. E, appunto, una grande passione per il mondo dei ‘social’. “Per me sono molto importanti – conferma -, ma lo diventano nella misura in cui hai emozioni da poter condividere con la speranza di poter essere di esempio. Ogni giorno mi piace sviluppare connessioni con altri artisti sulle mie piattaforme Facebook e Youtube. Sul mio canale si possono trovare dei tutorial per attori, ma anche incontri con altri personaggi o mie performance e monologhi. Ogni giorno creo nuovi spunti. Mi ritengo più una ‘creator’ che una ‘influencer’”. Un’attività frenetica, quella di Irene, che non si ferma e si rinnova giorno dopo giorno. E l’orgoglio di realizzare ciò per cui si è lottato. Non nasce dal caso un lungo ‘post’, scritto sul suo profilo Facebook, che può considerarsi un po’ come il suo ‘manifesto’, una linea di pensiero e di condotta: “La vita è fatta di sacrifici, nessuno oggi viene a cercarti. Viviamo nell’era del DIGITALE. Datevi da fare, autoproducetevi; accendete un telefono e fate vedere la vostra stoffa. Passate nottate, siate curiosi, studiate, siate bramosi, abbiate urgenza, lavorate sodo, mostrate il cervello (e il carattere)”. Irene è convinta, ma cerca anche di frenare, non vuole apparire una ‘maestrina’. “Con quello che ho scritto non voglio assolutamente che passi la sensazione che io possa sentirmi superiore agli altri. Il fatto è che mi è capitato di ricevere alcune chiamate e messaggi in cui mi si chiedeva di dare consigli a giovani ragazzi che, cosa che non sapevo ma che mi fa molto piacere, mi vedono come un punto di riferimento. La mia risposta è stata che bisogna essere agenti di se stessi. E’ necessario fare un lavoro di ricerca, di formazione, imparare a proporsi, e anche per questo realizzo dei video sulle mie piattaforme, dove insegno anche come fare a prepararsi per un provino o un casting, o come creare nuove relazioni di lavoro, e allargare le proprie conoscenze, soprattutto oggi che abbiamo dei mezzi che ci permettono di far conoscere chi siamo e di che pasta siamo fatti”. Irene si sposta, sempre, Irene non si ferma. Ed è già pronto il suo prossimo progetto, questa volta cinematografico, con l’inizio delle riprese di “Generazione NEET”, “Sono molto felice, perché sono stata scelta per prendere parte a un film, “Generazione NEET”, che punta i fari proprio sul mondo ‘social’, in cui protagonisti sono i giovani che non hanno un lavoro ma che nemmeno lo cercano. Interpreterò il ruolo di una giornalista famosa, aprirò il film e lo chiuderò. La regia è di Andrea Biglione e la produzione è della Stemo Production, è stato bellissimo lavorare con loro. Sono soddisfatta, ma non mi fermo. Sono in continua elaborazione, mi piace pubblicare sempre nuovi contenuti, ed è anche per questo che viaggio, incontro sempre nuovi artisti e altri personaggi interessanti.” Vicina anche ad altri temi come quello del calcio, da poco Testimonial del Foligno Calcio e a breve in uscita due video campagne contro la violenza sulle donne e contro il bullismo, compreso quello social segnato dagli Haters. Corri, Irene, corri. E viaggia, attraverso la tua mente, lungo i tuoi progetti, pronta a rendere vivi i tuoi pensieri, cosa che in pochi sanno fare. In bocca al lupo!

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Photo: Augusto Buzzeo

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Photo: Filippo Bazzan, Studio BFH

Irene Antonucci is stronger than the pandemic. The enthusiasm of the beautiful and eclectic Actress, but also director, graduated in philosophy with full marks, but able to exhibit a master’s degree in marketing and communication, no less the face of the web, without however being one of those media catchphrases sometimes tedious, is divided between the numerous current commitments, which are the best vaccine against the delicate moment crossed by Italian cinema and theater. The imagination and resourcefulness, tenacity and innovative spirit in resorting to the new frontiers of the web project the Apulian actress towards the deserved popularity of the big screen. Canale 5, the flagship Mediaset network, chose her from among the hundred judges of the mighty human wall of “All Together Now”, hosted by the sparkling Michelle Hunziker. The musical show dedicated to emerging singers, now in its third edition, broadcast in prime time starting from 4 November 2020 every Wednesday for six episodes, this year will also have a new exceptional jury, four standard bearers of our music: J- Ax, Rita Pavone, Francesco Renga and Anna Tatangelo. “The experience at ‘All Together Now’ in the role of judge was particular - says Irene, because I have usually always been on the other side. It was all very formative, because it was possible for me to compare myself with artists of different origins, with people who came from music, from theater and with many other specializations, colleagues from the ‘wall’ who, in addition to attending during the program, I interviewed making videos on my ‘social platforms’ (Facebook and Youtube), in a Format created by me, called “Extraordinary meetings”, in which I chat with them about artistic contamination, curiosities, personal paths. In short, this presence in the Canale 5 program was a really nice experience from a personal and artistic point of life ”. It is the award for the generous and meticulous work of the young actress, director and show-girl, who unveils numerous Broadway-worthy talents. A few days ago Irene Antonucci won the prestigious award of Best Revelation Short Film at the Castelli Romani International Film Festival, with “2020 Fuori Moda”, produced by Camaleo cinema. But her short film sees the light of a dream that has always been cultivated: Hollywood. It is no coincidence that the work is selected in the final at the prestigious IndieX Film Fest in Los Angeles. The work recounts with energy and poetry the civil and moral commitment of an actor, with the unspoken words of love, hope and disdain, through introspection born from an epochal moment of solitude in the world, especially the world of artists. The young woman from Trani, born under the sign of Pisces, writes her pièces with a lively richness of topics, which her degree in philosophy with honors and the master of marketing and communication have nourished. Even the web series “iLove”, which involves the actor Emanuele Ajello, has achieved success, as evidenced by the huge number of views equal to 7 million, between facebook and YouTube, and sees Irene as the leading actress: it is a light and fun of everyday life, not separated from the attention to the most important issues, such as violence against women and the abandonment of animals. In these months from the lockdown onwards Irene has carried on the writing of new comic characters, and then landed at the Aquafan in Riccione for the whole summer both live and live on the web from the “Maxionda” stage with the program entitled “Pvsummer “. Over 300 artists from youtubber like Favij to singers like Shade, from conductors like Rudy Zerbi to performers like Marco Stabile and many others passed through that container for an interview, a performance or a greeting. Irene did not deny herself anything in her path of predes-

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tined. After the first beauty contests, the beautiful Apulian girl sang with skill, she skillfully led the fashion evenings and Casa Sanremo, she acted in the theater the immortal comedies of the great Carlo Goldoni such as “The lovers” at the Marconi Theater in Rome, she worked in the cinema with Federico Moccia and Giovanni Veronesi, she was a guest of the great radio networks 105 and RTL, alongside Pio and Amedeo. Irene made her debut in the Apulian regional broadcaster with the successful series of “Mudù” by Telenorba, before taking the leap into national television. “Parla con Lei” on Real Time frequencies and appearances on the Karaoke program on Canale 5 hosted by Angelo Pintus and in the sit-com “Camera Café” with Luca Bizzarri and Paolo Kessisoglu, are among the flagships of his heterogeneous repertoire expressive. And, in fact, a great passion for the world of ‘social’. “For me they are very important - she confirms, but they become so to the extent that you have emotions that you can share with the hope of being an example. Every day I like to develop connections with other artists on my Facebook platforms and Youtube. On my channel you can find tutorials for actors, but also meetings with other characters or my performances and monologues. Every day I create new ideas. I consider myself more of a ‘creator’ than an ‘influencer’“. A frenetic activity, that of Irene, which does not stop and is renewed day after day. And the pride of achieving what you fought for. A long ‘post’, written on his Facebook profile, does not arise by chance, which can be considered a bit like his ‘manifesto’, a line of thought and conduct: “Life is made up of sacrifices, no one comes looking for you today. . We live in the DIGITAL era. Get busy, self-produce; turn on a phone and show your fabric. Spend the night, be curious, study, be eager, have urgency, work hard, show your brain (and character) ”. Irene is convinced, but she also tries to slow down, she doesn’t want to look like a ‘teacher’. “With what I have written, I absolutely do not want to pass the feeling that I can feel superior to others. The fact is that I happened to receive some calls and messages asking me to give advice to young guys who, which I didn’t know but which makes me very happy, see me as a point of reference. My answer was that you have to be your own agent. It is necessary to do research, training, learn to propose, and also for this I make videos on my platforms, where I also teach how to prepare for an audition or a casting, or how to create new working relationships, and broaden their knowledge, especially today when we have the means that allow us to make known who we are and what we are made of “. Irene always moves, Irene doesn’t stop. And her next project is already ready, this time cinematic, with the start of filming for “Generation NEET”, “I am very happy, because I was chosen to take part in a film,” Generation NEET “, which focuses right on the ‘social’ world, in which the protagonists are young people who do not have a job but who are not even looking for it. I will play the role of a famous journalist, open the film and close it. The direction is by Andrea Biglione and the production is by Stemo Production, it was great to work with them. I am satisfied, but I do not stop. I’m constantly working on it, I always like to publish new contents, and that’s also why I travel, always meeting new artists and other interesting characters. Also close to other topics such as that of football, recently Testimonial of Foligno Calcio and soon to be released two video campaigns against violence against women and against bullying, including the social one marked by Haters. Run, Irene, run. And travel, through your mind, along your projects, ready to make your thoughts come alive, something that few can do. Good luck!

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Photo: Carbonelli e Seganti

WEBSITE | ireneantonucci.com INSTAGRAM | @ireneantonucci_official FACEBOOK | Irene Antonucci YOUTUBE | Irene Antonucci

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PRATIC 2.0 108

GEZA - Gri e Zucchi Architettura Srl

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Gli headquarters della Pratic dialogano con la terra e con il cielo, con la luce e con l’ombra. Le funzioni produttive e direzionali si relazionano con il paesaggio senza mimetismi. Gli spazi sono disegnati con l’obiettivo di instaurare un rapporto costante tra interno ed esterno. La Pratic diventa così il landmark del paesaggio. La sede della Pratic SpA, azienda produttrice di sistemi di schermatura solare, è un insediamento industriale in cui l’architettura per la produzione diventa un contributo al paesaggio e ne rafforza l’identità. L’intervento coinvolge e integra volumi industriali e vasti spazi aperti. Gli edifici si relazionano con la terra e con il cielo, con la luce e l’ombra. Le funzioni produttive e direzionali si relazionano con il paesaggio senza mimetismi, e gli spazi sono disegnati con l’obiettivo di instaurare un dialogo costante tra interno ed esterno. L’edificio si trasforma così in un landmark confortevole e funzionale. L’impianto tipologico comprende un edifico per uffici, uno showroom, laboratori di ricerca e innovazione, spazi per la produzione, verniciatura e magazzini, uno spazio wellness per i dipendenti. Tutte queste funzioni sono collegate dal disegno degli spazi aperti e dei parcheggi, definiti dagli argini modellati lungo le strade, dagli spazi dedicati al relax e all’incontro, dal controllo delle viste sul paesaggio. E’ un edificio industriale in continua relazione con il paesaggio naturale. Gli headquarters sono stati realizzati in due fasi: la prima nel 2011 (PRATIC 1) e il successivo ampliamento nel 2018 (PRATIC 2). Nel 2012 il progetto Pratic ha vinto il premio Speciale alla Committenza Privata – Medaglia d’Oro all’Architettura Italiana (Triennale di Milano). Nello stesso anno il progetto è stato presente alla XIII Biennale di Architettura di Venezia, nella mostra curata da Luca Zevi.

The Pratic Headquarters dialogue with the earth and the sky, with light and shadow. The productive and directional functions relate to the landscape without mimicry. The spaces are designed with the aim of establishing a constant relationship between interior and exterior. Thus Pratic becomes the landmark of the landscape. The Pratic Spa, a manufacturer of solar shading systems, is an industrial site where the architecture for production becomes a contribution to the landscape and reinforces its identity. The intervention involves and integrates industrial volumes and vast open spaces. The buildings are related to the earth and the sky, with light and shadow. The productive and directional functions relate to the landscape without mimicry, and the spaces are designed with the aim of establishing a constant dialogue between inside and outside. The building thus becomes a comfortable and functional landmark. The typological plant includes an office building, a showroom, research and innovation laboratories, spaces for production, painting and warehouses, a wellness area for employees. All these functions are linked by the design of open spaces and parking lots, defined by the embankments modeled along the roads, by the spaces dedicated to relaxation and meeting, by the control of the views on the landscape. It is an industrial building in constant relation with the natural landscape. The headquarters were built in two phases: the first in 2011 (PRATIC 1) and the subsequent expansion in 2018 (PRATIC 2). In 2012, the Pratic project won the Special Prize to Private Client - Gold Medal for Italian Architecture (Triennale di Milano). In the same year the project was present at the 13th Venice Architecture Biennale, in the exhibition curated by Luca Zevi.

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PRATIC 2. Ampliamento del reparto produttivo (2018) Pochi anni dopo la sua inaugurazione, la Pratic raddoppia. Stessi clienti e stessi architetti che credono negli stessi valori: semplicità ed efficienza. L’ampliamento della Pratic, costruito in aderenza all’edificio industriale del primo lotto, è un progetto complesso, nonostante dimostri all’apparenza un carattere essenziale. Si tratta di un edificio a pianta rettangolare di circa 9.000 mq che completa e migliora il reparto produttivo esistente costruito nel 2011. Le funzioni contenute sono una moltiplicazione omogenea dell’intero programma precedente: uffici, servizi, mensa, wellness area, produzione, magazzini, impianto di verniciatura, oltre a parcheggi e aree di servizio inseriti nel rigoroso disegno degli spazi aperti. Il nuovo edificio è costituito da due semplici elementi: il ritmo dato dalle finestre, che si ripete e dichiara la continuità con l’esistente, e la pelle riflettente, che dissolve il nuovo volume nel cielo. Il primo lotto della Pratic, di colore nero e materico, sembrava uscire dal terreno radicando l’edificio nel luogo; il secondo lotto, sempre di colore nero ma riflettente e cangiante, specchia il paesaggio e la luce restituendo immagini sempre differenti, legate alla variabilità atmosferica. L’una “pesante” e permanente, alla ricerca dell’eternità, l‘altra “leggera” e mutevole, pronta a dissolversi nel cielo: l’edificio ha completato la muta della sua pelle. Il rivestimento delle facciate è composto da un unico materiale, in un unico formato: un pannello in policarbonato di 4 cm di spessore e circa 10 m di altezza, applicato esternamente ai pannelli prefabbricati in calcestruzzo. Il rivestimento è di produzione industriale ma realizzato ad hoc per questo progetto. Al fine di ottenere una facciata riflettente se osservata da lontano e “profonda” se osservata da vicino, è stato realizzato un pannello con due diverse tipologie di policarbonato. Il lato posteriore presenta una mescola opaca, che non lascia passare la luce, mentre sulla parte frontale della facciata la mescola è “frozen” con colorazione nera in percentuale. Così facendo la struttura portante del rivestimento dell’edificio risulta essere completamente nascosta e la verticalità del nuovo prospetto in ampliamento costruisce un interessante dialogo con il rivestimento a pannelli in calcestruzzo nero dell’edificio esistente. Si ottiene così un passaggio di scala percettivo: da lontano l’edificio ha una misura che lo relaziona alla natura, riflette il cielo e sembra rivestito di enormi lastre di vetro, mentre da vicino i pannelli con trama verticale fitta e sottile, oltre alla loro lieve profondità, lo rendono più “leggero” mantenendo un dialogo con la preesistenza. La specchiatura dei pannelli inoltre assicura così una continua variazione cromatica delle facciate, che in base all’ora del giorno e al variare dell’intensità luminosa può apparire di colore nero, dorata, metallica, opaca, lucida. Infinitamente mutevole. L’intero insediamento è inserito nel disegno architettonico del paesaggio e degli spazi aperti. Luoghi pensati per il relax, percorsi di ingresso pedonale e parcheggi sono racchiusi nel disegno degli “argini modificati” che inseriscono sottili variazioni di pendenza rispetto alle strade di percorrenza e di accesso. In questo modo, utilizzando elementi che caratterizzano il paesaggio friulano, il progetto si inserisce nel terreno in modo chiaro, evidenziando la forma e la geometria del territorio. Questo edificio dimostra che l’architettura industriale può aggiungere valore al paesaggio e migliorare la qualità del luogo di lavoro ed è una grande occasione per ripensare al binomio architettura/natura, rimettendo l’uomo al centro.

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PRATIC 2 . Production complex enlargement (2018) A few years after its inauguration, the Pratic doubles. Same customers and same architects who believe in the same values: simplicity and efficiency. The enlargement of the Pratic, built in adherence to the industrial building of the first lot, is a complex project, despite apparently showing an essential character. This is a rectangular building of about 9.000 sqm that completes and improves the existing production department built in 2011. The functional program is almost the same of the previous building: offices, services, canteen, wellness area, production, warehouses, painting plant, as well as parking areas and service areas included in the rigorous design of the open spaces. The new building consists of two simple elements: the rhythm given by the windows, which repeats and declares continuity with the existing facade, and the reflecting skin, which dissolves the new volume in the sky. The first lot, black and grainy, seems to arise from the ground, settling the building in place; the second lot, always black but reflective and iridescent, mirrors the landscape and the light with images that are always different due to weather variability. The first one is “heavy” and permanent, in search of eternity, the second one is “light” and changeable, ready to dissolve in the sky: the building completed the molt of its skin. The facade consists of a single material, of a unique size: a 4 centimeters thick polycarbonate panel, about 10 meters high, fixed to prefabricated concrete structure. The polycarbonate panels are customized in order to obtain a reflecting facade when seen from afar and “deep” when observed closely. The panels consist of two different types of polycarbonate combined together: the rear side has an opaque compound which impedes the light to pass through, while the front is “frozen”. In this way the load-bearing structure is completely hidden behind the cladding system and the verticality of the new facade sets up an interesting dialogue with the black concrete panels of the existent building. From afar the building reflects the sky and appears cladded by huge glass plates, while close up it looks “lighter”, maintaining a dialogue with the pre-existence. The mirroring of the panels also ensures a continuous color variation of the facades: depending on the time of the day and varying in light intensity the building may appear black, golden, metallic, opaque, glossy, infinitely variable. The entire settlement is included in the architectural design of the landscape and open spaces. Places designed for relaxation, pedestrian paths and parking lots are enclosed in the design of the “modified embankments” that insert subtle variations of slope with respect to the roads and access roads. In this way, the project is inserted in the ground in a clear way, highlighting the shape and geometry of the territory. The building demonstrates that industrial architecture can add value to the landscape and improve the quality of the workplace. This is a great opportunity to rethink the relationship between architecture and nature, putting man back in the middle.

WEBSITE | geza.it INSTAGRAM | @gezaarchitetti FACEBOOK | GEZA Architettura Photographer: Javier Callejas (@_javiercallejas) Courtesy of v2com-newswire.com

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PROJECT DATA Location: Fagagna, Udine Client: Pratic F.lli Orioli Spa Chronology: Design phase: 2016 Construction: 02.2017 / 04.2018 Intervention area: 30.000 sqm Production: 7.520 sqm Offices and services: 730 sqm Loading area: 1.800 sqm Landscape: 22.000 sqm Parking lot: 70 places Architecture and landscape design: GEA Gri e Zucchi Architettura srl arch. Stefania Anzil (project manager) arch. Alessia Dorigo arch. Matteo Compri arch. Elisa Mansutti

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Stefano Gri (1963) si è laureato in architettura presso lo IUAV di Venezia nel 1988. Dopo diverse esperienze professionali in Italia, nel 1992 ha collaborato con Jordi Badia + Tonet Sunyer a Barcellona. Piero Zucchi (1965) si è laureato in architettura presso lo IUAV di Venezia nel 1992, ha frequentato l’ETSA di Siviglia e ha partecipato nel 1994 alla Masterclass al BIA di Amsterdam con Rem Koolhaas. Ha collaborato con lo Studio Valle Architetti Associati di Udine dal 1990 al 1998. Nel 1999 Stefano Gri e Piero Zucchi fondano a Udine lo studio di architettura GEZA Gri e Zucchi Architetti Associati, trasformatasi nel 2018 in GEZA Gri e Zucchi Architettura srl, con sede a Udine e Milano. Attualmente operano in partnership con lo studio CFK a Venezia. Nel 2017 lo studio GEZA è risultato vincitore all’American Architecture Prize (Categoria Architectural Design/Industrial Buildings) e dell’Architizer A+Awards Prize (Categoria Glazing Systems & Product). Nel 2015 hanno ottenuto il Premio Speciale della Giuria Architetto Italiano indetto dal Consiglio Nazionale degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori.

Stefano Gri (1963) graduated in architecture from the IUAV in Venice in 1988. After several professional experiences in Italy, in 1992 he collaborated with Jordi Badia + Tonet Sunyer in Barcelona. Piero Zucchi (1965) graduated in architecture from the IUAV in Venice in 1992, attended the ETSA in Seville and took part in the 1994 Masterclass at the BIA in Amsterdam with Rem Koolhaas. He collaborated with Studio Valle Architetti Associati of Udine from 1990 to 1998. In 1999 Stefano Gri and Piero Zucchi founded the GEZA Gri and Zucchi Architetti Associati architecture studio in Udine, which in 2018 became GEZA Gri and Zucchi Architettura srl, based in Udine and Milan. He currently works in partnership with the CFK studio in Venice. In 2017, the GEZA studio was the winner of the American Architecture Prize (Architectural Design / Industrial Buildings Category) and of the Architect A + Awards Prize (Glazing Systems & Product Category). In 2015 they obtained the Special Award of the Italian Architect Jury announced by the National Council of Architects, Planners, Landscape Architects and Conservators.

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WEBSITE | nicolasbrunophotography.com INSTAGRAM | @nicolasbruno FACEBOOK | Nicolas Bruno Photography

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Nicolas Bruno BRAMOSIA

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ATTESA

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La paralisi del sonno è un fenomeno comune che si verifica tra la veglia e il sonno, in cui il corpo diventa immobile. Questa consapevolezza di essere paralizzati a letto fa sì che l’individuo sia tormentato da allucinazioni terrorizzanti. Queste esperienze terrificanti invadono i sensi, ma l’abilità di muoversi o di scappare non è possibile poiché il corpo stesso rimane congelato durante l’avvenimento. Bruno trova un mezzo per soggiogare l’ossessione dei suoi terrori notturni attraverso l’espressione creativa. Ricreare scene dalle sue allucinazioni gli ha permesso di prendere il controllo del pericolo e affrontare i suoi antagonisti nel suo modo. I modelli di Bruno, per i molti personaggi all’interno di ogni opera, utilizzano una tecnica di stratificazione composita. Oggetti di scena e costumi fatti a mano danno una mano al simbolismo ritratto in ogni foto.

MALIZIA

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Sleep paralysis is a common phenomenon occurring in between wakefulness and sle ep, in which the body becomes immobile. This realization of being paralyzed in bed causes the individual to become plagued by terror laden hallucinations. These frightening experiences infect the senses yet the ability to move or escape is not possible as the body itself remains frozen throughout the episode. Bruno finds a means of subduing the haunting of his night terrors through creative expression. Recreating scenes from his hallucinations has allowed him to seize control of the danger and confront his antagonists on his own terms. Bruno models for multiple characters within each work by using a composite layering technique. Handmade props and costumes lend a hand to the symbolism portrayed within each piece.

SORGERE

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RECISO

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STORDITO

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Nicolas Bruno nasce nel 1993 a Northport, NY. Nicolas Bruno studia presso l’Purchase College di New York, dove riceve il suo BFA in fotografia nel 2015. Il suo studio ha sede a Northport, New York, dove fotografa e fabbrica oggetti di scena per le sue composizioni. Bruno intreccia le sue terrificanti esperienze di paralisi del sonno con un’autoritratto surreale in una traduzione terapeutica del terrore notturno da immagine. I suoi mondi costruiti di incertezza esistono sul piano tra la veglia e il sonno, dove è tormentato da un abbraccio fisico del subconscio e dei suoi pericoli, il tutto mentre è paralizzato nel letto. Le influenze dei romantici del XIX secolo, i testi storici dell’occultismo e il simbolismo dei sogni fanno da cornice a ogni composizione con vari dialoghi visivi del macabro.

TETRO

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Nicolas Bruno born in 1993 in Northport, NY. Nicolas Bruno studied at Purchase College of New York, where he received his BFA in Photography in 2015. His studio practice is based in Northport, New York, where he photographs and fabricates props for his compositions. Bruno weaves together his terrifying experiences of Sleep Paralysis with surreal self portraiture in a therapeutic translation of night terror to image. His constructed worlds of uncertainty exist on plane between waking and sleeping, where he is tormented by a physical embrace of the subconscious and its perils, all while being paralyzed in bed. Influences of 19th century Romanticists, historical texts of occultism, and dream symbolism lace each composition with various visual dialogues of the macabre.

SVENTURA

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PERDITA

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Photo Credits: NOEMI PROIETTI (@noemily_ph)

Dossier 01/2021 129

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gallery

Nature

NOEMI PROIETTI

Perdersi, perdere se stessi, una lotta interna per capire chi siamo, ma la natura che ci circonda e ci ricorda che facciamo parte di essa, parte della vitaâ&#x20AC;Ś possiamo decidere solo noi di ricominciare a respirare. Natura. 131

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Photographer: NOEMI PROIETTI (@noemily_ph) Model: VANESSA CORSO (@_vanessa_corso_) Make up: DEBORA VINCI (@deboravincimua) Hair Style: ANNA PROIETTI (@anna_proietti_hairstylist) Location: Cascate di Monte Gelato, Mazzano Romano (RM)

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Instagram selection

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#GAddicted 138

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