GA Vision 2021_07.08 by Glamour Affair

n.16

2021/07.08 READ ON

glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN

Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019

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Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI

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SANTIAGO ÁLVAREZ JIMENEZ portrait GRACE EUNSHIN KIM art exhibition ALESSANDRO GRANDE interview M. CHÂTEAU CHAMPLAIN HOTEL hotel design CARLA SUTERA SARDO portfolio LAURA H. RUBIN graphic artist ZENITH NATURE project B. LANDSCAPE HOTEL ecotourism RALUCA BĂJENARU painter CONQUEST OF THE DAMNED editorial GENETEC HEAQUARTERS office design TONDO SERIES artworks STEFANO NOTARGIACOMO designer S. DI MATTEO & A. CRIMI publication LIDIA BAGNARA - IN ZIR photo exhibition DOSSIER 04/2021 community selection

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MODEL: @valeriazerepp | MAKE UP: @antomakeup9 | STYLING: @leanycal

Santiago Álvarez Jimenez

Questo progetto fotografico fa parte di una raccolta realizzata in collaborazione con la stylist Leany Calderon. La produzione è principalmente focalizzato sulla produzione di ritratti femminili di natura artistica ed editoriale, con una tecnica di produzione che mescola immagini reali con la pittura digitale. Il concetto di base che persiste sullo sfondo è il minimalismo, ossia l’uso del minor numero possibile di elementi visivi, generando forza e impatto su coloro che osservano la fotografia.

This photographic project is part of a collection created in collaboration with stylist Leany Calderon. The production is mainly focused on the production of female portraits of an artistic and editorial nature, with a production technique that mixes real images with digital painting. The basic concept that persists in the background is minimalism; In other words, the use of the fewest possible number of visual elements, obtaining with this, generating strength and impact on those who observe the photograph.

MODEL: @zaraczoe | MAKE UP: @antomakeup9 | STYLING: @leanycal

MODEL: @ratttrini | MAKE UP: @antomakeup9 | STYLING: @leanycal

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INSTAGRAM | @santiagoalvarez.ph

LET US SEE WHAT HE WOULD NAME THEM, 2020. 18 x 25,5 cm, oil on linen

GRACE EUNSHIN KIM

BOYAND GIRL, 2021. 25,5 x 19,7 cm, oil on linen

Moving Out III, 2021. 18,5 x 25,5 cm, oil on linen

La Dorothy Circus Gallery di Roma è orgogliosa di presentare al suo pubblico romano la personale della pittrice sud-coreana Grace Eunshin Kim, Arcane Concerto, che espone per la prima volta in Europa con la Dorothy Circus Gallery di Roma. La mostra inaugurerà in data 16 e 17 giugno 2021 con le giornate dedicate alle Private Views su invito e aprirà al pubblico il 18 giugno 2021 presso la sede di Via dei Pettinari 76, rimanendo visitabile fino al 30 luglio 2021. Con una serie inedita di 7 opere ad olio su lino ugualmente e profondamente ispirate alle storie dell’Antico Testamento e al Rinascimento italiano, Kim si distingue ancora una volta per il dinamismo e l’anima vibrante delle scene raffigurate. Sapientemente declinate dalla pittrice attraverso una combinazione di scenari giocosi e popolati, l’artista conferisce sacralità alle scene dall’effetto Still Image, nel quale cattura la molteplicità del movimento degli scenari rappresentati congelandoli all’apice dell’azione e restituendo il profondo contrasto tra il brusio rumoroso che ci si aspetterebbe nella realtà e il silenzio della tela. I personaggi rappresentati della pittrice con tratto caricaturale, rivelano un’estrema attenzione al dettaglio del sentimento che resta privato, a quel particolare che rimane segreto in una personale elaborazione del cuore di ciascuno di noi e così, mentre appaiono come acrobati di una complessa quotidianità familiare volta a rappresentare l’unicità e al tempo stesso la ciclicità del racconto umano, i protagonisti giocano su di un sofisticato equilibrio di forze regalandoci uno spettacolo caratterizzato dal dinamismo del sentimento, che essendo il polo concettuale delle opere, si muove per raccontarle. I personaggi rappresentati della pittrice con tratto

caricaturale, rivelano un’estrema attenzione al dettaglio del sentimento che resta privato, a quel particolare che rimane segreto in una personale elaborazione del cuore di ciascuno di noi e così, mentre appaiono come acrobati di una complessa quotidianità familiare volta a rappresentare l’unicità e al tempo stesso la ciclicità del racconto umano, i protagonisti giocano su di un sofisticato equilibrio di forze regalandoci uno spettacolo caratterizzato dal dinamismo del sentimento, che essendo il polo concettuale delle opere, si muove per raccontarle. Tensione e propensione rappresentano infatti una costante nelle storie di Grace Eunshin Kim, dove l’equilibrio della felicità si consuma tra il desiderio dell’azione e l’istante prima del raggiungimento della stessa, cosi come la mano di Eva tende alla mela nelle scene bibliche, così i personaggi di Kim vivono di intenzione e riportano lo sguardo del fruitore costantemente sul dettaglio del sentimento cristallizzato nella tela. Altrettanto è possibile evincere anche nella caleidoscopica rappresentazione emotiva di Celebration II. In tale occasione infatti, l’adorazione dei Magi viene da Kim immortalata attraverso il surrealismo dei suoi personaggi che, lungi dallo screditare la spiritualità della circostanza, celebra le più alte influenze di un irridente Magritte. Molto forte nei suoi dipinti anche l’influenza del genio polacco Balthus, informazione desumibile osservando Half Time, vicino per tensioni e palette a Patience o ritrovando in A boy and a Girl quella stessa posa ed espressione imperscrutabile di The King of Cats o ancora ammirando in Wrestle quella stessa plasticità che si era osservata in Children, in un costante tributo attuato magistralmente grazie anche al dettaglio originale e unico della pittrice, che denuncia l’anima asiatica in ogni tela.

WRESTLE, 2021. 25,5 x 19,7 cm, oil on linen

HALF TIME, 2021. 25,5 x 19,7 cm, oil on linen

CHOIR PRACTICE, 2021. 19,7 x 25,5 cm, oil on linen

Dorothy Circus Gallery in Rome is proud to present the double solo show by Grace Eunshin Kim and Alessia Iannetti, inaugurating on the 18th of June 2021, in Via Dei Pettinari 76, 00186, Rome. The private viewings will take place on 16th and 17th June 2021. To confirm once again the curatorial path of the gallery in exhibiting new talents from around the world, on this occasion, is the solo exhibition of South Korean artist: Grace Eunshin Kim. The artist is already established in Korea and Canada, where she has exhibited for several years and has been identified among the most interesting artists at the Toronto Outdoor Art Fair. With a brand new series of 7 oil paintings on linen, the artist is equally and profoundly inspired by the Old Testament and Italian Renaissance stories. Kim distinguishes her self once again across the dynamism and vibrant spirit of the represented scenes. Expertly declined across a combination of playful and populated scenarios, the artist bestows sacredness with the Still Image effect. She captures the diversity of the movement in the represented scenes, freezing them at the apex of the action and returning the profound contrast between the noisy buzz of reality and the silence of the canvas space. The artist represents the characters with caricature treats to reveal extreme attention to the intimate detail of emotion that remains private, to that particular sentiment which remains a secret in a personal elaboration in the heart of each of us. While they appear like acrobats in the complexity of family everyday life to represent the unity and at the same time the cyclicality of the human story, the protagonists play on the sophisticated equilibrium of forces. Gifting us a show characterised by the dynamism of the emotion, which being the conceptual pole of the artwork, needs to move to develop and unravel them. The artist represents the characters with caricature treats to

reveal extreme attention to the intimate detail of emotion that remains private, to that particular sentiment which remains a secret in a personal elaboration in the heart of each of us. While they appear like acrobats in the complexity of family everyday life to represent the unity and at the same time the cyclicality of the human story, the protagonists play on the sophisticated equilibrium of forces. Gifting us a show characterised by the dynamism of the emotion, which being the conceptual pole of the artwork, needs to move to develop and unravel them. The tension and the inclination of Grace Eunshin Kim’s populated scenarios represent the constant search for happiness. In the portrayal of Kim’s stories, the balance of happiness is consumed between the desire to act and the instant before. Recalling the moment in which Eve’s hand leans over to reach the forbidden fruit, in the hope of complete happiness and knowledge of all similarly, in the characters portrayed by Grace, happiness is displayed along with the hope for more but fear of losing the desired pursuit. As well, it’s possible to deduce even in the kaleidoscopic sentimental representation of Celebration II. On this occasion, the adoration of the Magi is represented across the surrealism of her characters which, far from discrediting the spirituality of the occasion, celebrates the greatest influences of a mocking Magritte. Grace Eunshin Kim’s painting is influenced by Polish genius Balthus. This can be particularly noticed by observing Half Time, close for tension and coloured palette. Furthermore, by reading into A Boy and a Girl, we find the same pose and inscrutable expression of The King of Cats admiring in Wrestle the same plasticity that we once observed in Children. All together resulting in a constant but subtle tribute, greatly executed to the uniqueness of Grace’s detailing, who doesn’t miss any chance to pervade every canvas of her Asian heritage.

INSTAGRAM | @geunsk12 GALLERY: dorothycircusgallery.it @dorothycircus Dorothy Circus Gallery Via dei Pettinari 76 Roma (Italy)

CELEBRATIONOLL, 2021. 25,5 x 19,7 cm, oil on linen

ALESSANDRO GRANDE INTERVISTA DI ELEONORA ANNA BOVE “Regina” è l’opera prima del regista Alessandro Grande. Dopo aver ricevuto un’ottima accoglienza da parte del pubblico e della critica al 38° Torino Film Festival, unico film italiano in concorso, vanta un’anteprima on demand su Sky Prima Fila e nelle principali piattaforme. Il film, inoltre, è stato in sala a partire dal 27 maggio, aggiudicandosi anche una candidatura ai Nastri D’Argento 2021. In estate girerà in diversi festival in tutta Italia, pronto ad affascinare le sale con un dramma e un racconto di formazione che lascia grande spazio a spunti di riflessione. “Regina” is the first work by director Alessandro Grande. After receiving an excellent reception from the public and critics at the 38th Torino Film Festival, the only Italian film in competition, it boasts an on demand preview on Sky Prima Fila and on the main platforms. Furthermore, the film was in theaters starting from May 27, also winning a nomination for the Nastri D’Argento 2021. In the summer will shoot in various festivals throughout Italy, ready to fascinate cinemas with a drama and a coming-of-age story. which leaves plenty of room for food for thought.

Eleonora Anna Bove: “Regina”, opera prima ispirata al saggio di Massimo Recalcati, “Il complesso di Telemaco”, contiene molti spunti di psicoanalisi. Cosa ti ha colpito, in particolare, e perché hai deciso di averlo come punto di partenza per il tuo primo lungometraggio? Alessandro Grande: Sentivo il bisogno e l’urgenza di raccontare una storia che affrontasse il conflitto generazionale e il senso di colpa visto dagli occhi di una adolescente e così ho cominciato un lungo lavoro di ricerca con lo sceneggiatore Mariano Di Nardo che mi ha accompagnato in questo viaggio. Durante gli studi ci siamo imbattuti in questo saggio di Recalcati e, leggendolo, ci siamo accorti di quanto fosse attuale e quanti aspetti avesse in comune con la nostra idea di film. Telemaco, così come Regina infatti, attende l’arrivo di suo padre per riportare l’autorità in casa. Un padre capace di educare assumendosi le proprie responsabilità. Inoltre, lo psicanalista Recalcati parla anche del bisogno di perdersi per poi ritrovarsi e della legge della parola, in quanto il dialogo è fondamentale in una famiglia. Tutti aspetti in comune con il mio film. “Regina”, è quindi oltre che un dramma familiare, anche un racconto di formazione, dove a crescere non è solo la giovane protagonista ma anche suo padre. Eleonora Anna Bove: “Regina”, a first work inspired by Massimo Recalcati’s essay, “The complex of Telemachus”, contains many ideas for psychoanalysis. What struck you, in particular, and why did you decide to have it as a starting point for your first feature film? Alessandro Grande: I felt the need and the urgency to tell a story that faced the generational conflict and the sense of guilt seen from the eyes of a teenager, and so I began a long research work with the screenwriter Mariano Di Nardo who accompanied me on this journey. . During our studies we came across this essay

by Recalcati and, reading it, we realized how current it was and how many aspects it had in common with our idea of film. Telemachus, like Regina in fact, awaits the arrival of his father to restore authority to the house. A father capable of educating while assuming his responsibilities. Furthermore, the psychoanalyst Recalcati also talks about the need to get lost in order to find oneself and the law of the word, as dialogue is fundamental in a family. All aspects in common with my film. “Regina” is therefore not only a family drama, but also a coming-of-age story, where it is not only the young protagonist who grows up but also her father. EAB: Com’è avvenuta la preparazione del film e quanto è durata? AG: Ho lavorato per più di un anno con Ginevra Francesconi, la giovane attrice talentuosa che interpreta il personaggio di “Regina”. Ha addirittura studiato canto e chitarra per poter affrontare questo ruolo. Il lavoro di prove è stato fondamentale per arrivare sul set più preparati possibile e affrontare tutti gli imprevisti e le difficoltà che un territorio montano nasconde. A volte abbiamo girato anche a temperature sotto lo zero, se non avessimo fatto tanta preparazione prima, il lavoro finale ne avrebbe risentito. Con tali accortezze abbiamo arginato anche un’altra difficoltà, quella dei piani sequenza. Non avendo poi la possibilità di scegliere in montaggio le riprese migliori dei vari take, ogni ciak doveva essere buono dall’inizio alla fine. La preparazione è alla base di un lavoro come questo. EAB: How did the preparation of the film take place and how long did it last? AG: I worked for more than a year with Ginevra Francesconi, the talented young actress who plays the character of “Regina”. She even studied singing and guitar to be able to face this role. The

rehearsal work was essential to arrive on the set as prepared as possible and face all the unforeseen and difficulties that a mountain area hides. Sometimes we shot even in sub-zero temperatures, if we hadn’t done a lot of preparation before, the final work would have suffered. With these precautions we have also stemmed another difficulty, that of sequence shots. Not having the possibility to choose the best shots of the various takes in editing, each take had to be good from start to finish. Preparation is the basis of a job like this. EAB: Ci sono delle scene che con il senno di poi avresti voluto girare diversamente? AG: No, al momento sento di aver dato il massimo rispetto a quelle che erano le possibilità e le condizioni. Non è mai facile girare un’opera prima in tranquillità: il tempo a disposizione è poco, le condizioni non sempre sono favorevoli, per cui non mi pento di nulla. Ho lavorato con dedizione cercando di ottenere sempre il massimo da ogni situazione. Di sicuro, se tornassi indietro pretenderei un po’ più di tempo e calore, visto il freddo. EAB: Are there any scenes that in hindsight you would have liked to have shot differently? AG: No, at the moment I feel I have given the maximum respect to what were the possibilities and conditions. It is never easy to shoot a first film in peace: the time available is short, the conditions are not always favorable, so I don’t regret anything. I worked with dedication trying to always get the most out of every situation. For sure, if I went back I would expect a little more time and heat, given the cold. EAB: Nel film, la docente di Regina sostiene: “I sogni sono molto belli ma non devono diventare l’unica ragione di vita”. Anche questa è una frase inerente all’educazione e al periodo della gioventù, quello in cui si è più inclini ai sogni e all’illusione. AG: Esatto, ma in “Regina” il sogno viene ben presto messo da parte senza alcuno scrupolo da parte della ragazza, perché sta affrontando il momento più drammatico e delicato della sua vita. La sua sensibilità le fa vivere l’episodio tragico che

avviene nel film e che non posso svelare, con totalità e ossessione. Perde la sua quotidianità e il suo punto di riferimento schizzando come una pallina impazzita senza direzione, con una sola speranza: trovare pace con se stessa. Una pace che però, molto probabilmente non avrà mai e una ragazza di quindici anni questo non può saperlo. EAB: In the film, Regina’s teacher says: “Dreams are very beautiful but they don’t have to become the only reason for living.” This too is a phrase inherent in education and the period of youth, the one in which one is more prone to dreams and illusion. AG: Exactly, but in “Regina” the dream is soon put aside without any scruple by the girl, because she is facing the most dramatic and delicate moment of her life. Her sensitivity makes her experience the tragic episode that takes place in the film and that I cannot reveal, with totality and obsession. She loses her everyday life and her point of reference by splashing like a crazy ball with no direction, with only one hope: to find peace with herself. A peace that, however, most likely she will never have and a fifteen-year-old girl cannot know this. EAB: Nelle primissime scene del film c’è ancora il sogno, con le esibizioni musicali e una conseguente esplosione di colori; successivamente ritroviamo la tragedia a partire dall’incidente. In quest’ultima spiccano frasi pesanti: “Quell’uomo si poteva salvare”. Anche i silenzi sono significativi. Essi accompagnano le emozioni della ragazza, spesso disorientata e fragile: rabbia, senso di colpa, inquietudine. AG: Sì, i silenzi sono fondamentali in questo film, perché contribuiscono a rendere ancora più evidente la rottura tra padre e figlia. Soltanto quando i personaggi devono crescere e trovano la forza per farlo, allora il dialogo diventa imprescindibile, per capirsi ed essere sicuri che si stia andando nella stessa direzione. Ho sempre amato calibrare le battute dei miei personaggi, non dilungarmi troppo, cogliere l’essenziale. Mi piace e fa parte della mia sensibilità raccontare una storia attraverso le immagini, il cinema poi non è che 24 fotografie al secondo che si susseguono velocemente rappresentando la realtà.

Francesco Montanari e Ginevra Francesconi

EAB: In the very first scenes of the film there is still the dream, with musical performances and a consequent explosion of colors; later, we find the tragedy, starting from the accident. In the latter, heavy sentences stand out: “That man could have been saved”. Silences are also significant. They accompany the emotions of the girl, who is often disoriented and fragile: anger, guilt, restlessness. AG: Yes, the silences are fundamental in this film, because they help to make the break between father and daughter even more evident. Only when the characters have to grow and find the strength to do so, then the dialogue becomes essential, to understand each other and be sure that we are going in the same direction. I have always loved to calibrate the lines of my characters, not to dwell too long, to grasp the essential. I like and part of my sensitivity to tell a story through images, cinema then it is only 24 photographs per second that follow one another quickly representing reality. EAB: Un’altra frase che risuona tra le poche battute, è quella del responsabile delle esibizioni di Regina, quando si rivolge al padre: “Ora sei ommo e padre!”. Ribadisce il suo ruolo. Non è ancora cresciuto completamente. AG: Questa frase è proprio l’esempio di come si può cogliere l’essenza senza dilungarsi troppo in inutili spiegazioni. Il personaggio di Luigi non è ancora cresciuto e, in più, si evince da queste poche parole, che molto probabilmente non è mai stato maturo in passato. Amo proprio fare un lavoro di ricerca, così anche per i dialoghi. Il suo percorso di crescita però avverrà ed egli dimostrerà, alla fine, di essere uomo e padre. EAB: Another phrase that resonates between the few lines, is that of the manager of Regina’s performances, when she turns to her father: “Now you are ommo and father!”. She reaffirms her role. He has not yet fully grown. AG: This sentence is an example of how you can grasp the essence without dwelling too much on useless explanations. Luigi’s character has not yet grown up and, moreover, it is clear from these few words, that most likely he has never been mature in the

past. I really love doing research work, so also for the dialogues. However, his growth path will take place and he will prove, in the end, that he is a man and a father. EAB: Come hai potuto affrontare una tematica così delicata, senza essere padre? Riporti le tue esperienze da figlio? AG: Sono stato molto facilitato dal fatto di non essere ancora padre, perché Luigi non è un padre fino alla fine del film, quindi ho raccontato la storia di un ragazzo padre che si comporta più che come genitore, come un amico per sua figlia, non sapendola educare. Mi sento sicuramente più vicino al dramma che vive sua figlia Regina, anche perché mi reputo sensibile come lei e l’adolescenza è un periodo della mia vita che conosco molto bene e posso raccontarlo con più facilità. EAB: How could you have faced such a delicate issue without being a father? Do you report your experiences as a child? AG: I was very facilitated by the fact that I am not a father yet, because Luigi is not a father until the end of the film, so I told the story of a father boy who acts more than as a parent, as a friend to his daughter, not knowing her. to educate. I certainly feel closer to the drama that lives in her daughter than her Regina, also because I consider myself as sensitive as she is and adolescence is a period of my life that I know very well and can tell about it more easily. EAB: Il padre prova ad accontentare le voglie di Regina: prova ad organizzare le esibizioni, le acquista le cose più intime come gli assorbenti. Si sostituisce ad una madre mancante. AG: Da quando sono rimasti soli, il loro rapporto si è fortificato: sono in simbiosi e sembrano conoscersi bene, almeno fino a quando un giorno un evento tragico li metterà a dura prova. Allora e solo in quel momento, verranno fuori i problemi di quel rapporto che è sempre stato unico e speciale. Siamo sicuri che mettersi sullo stesso piano di un figlio sia la cosa giusta? Oggi la nuova generazione ha bisogno di un faro che possa guidarli, educarli, indirizzarli quindi verso quello che è giusto fare.

Alessandro Grande

EAB: The father tries to satisfy Regina’s desires: he tries to organize the performances, he buys her most intimate things like sanitary pads. He takes the place of a missing mother. AG: Since they have been alone, their relationship has strengthened: they are in symbiosis and seem to know each other well, at least until one day a tragic event will put them to the test. Then and only in that moment, the problems of that relationship that has always been unique and special will emerge. Are we sure that putting yourself on the same level as a child is the right thing? Today the new generation needs a beacon that can guide them, educate them, and therefore direct them towards what is right to do. EAB: Si tratta di una tematica insolita rispetto alla famiglia stereotipata calabrese o comunque del Sud, dove vi sono figure decisamente più autoritarie. AG: Ho sempre combattuto contro i pregiudizi e i cliché. La Calabria oggi è una terra moderna, dove alcuni giovani decidono di stare in quel territorio e costruire lì la loro vita, evitando l’emigrazione. D’altronde, è una terra piena di giovani che restano e combattono per i propri sogni. Si tratta di un territorio che anche a livello paesaggistico offre molte possibilità, dal mare alla montagne, dalle colline alle pianure, dalle metropoli e centri urbani ai vicoli caratteristici. Era giusto nei confronti di una terra e di me stesso, dipingerla lontano da ogni stereotipo. EAB: This is an unusual theme compared to the stereotypical Calabrian family or in any case from the South, where there are decidedly more authoritarian figures. AG: I have always fought against prejudices and clichés. Calabria today is a modern land, where some young people decide to stay in that area and build their lives there, avoiding emigration. On the other hand, it is a land full of young people who stay and fight for their dreams. It is a territory that also offers many possibilities in terms of landscape, from the sea to the mountains, from the hills to the plains, from metropolises and urban centers to characteristic alleys. It was right towards a land and myself, to paint it far from any stereotype. EAB: Questa bellezza è sottolineata per tutto il film dall’utilizzo di colori prevalentemente freddi. AG: Con il direttore della fotografia Francesco Di Pierro, abbiamo lavorato per rendere il paesaggio parte integrante del racconto, come se fosse il terzo protagonista della storia e quindi avere un’atmosfera che potesse essere coerente con il percorso dei protagonisti. All’inizio del film, quando il dramma deve ancora accadere, i personaggi sono infatti illuminati da un leggero sole. Poi, man mano, arriva il freddo e aumenta nel momento in cui si allontanano e sono in pieno conflitto tra loro. Ho scelto quindi di ambientare un film in montagna perché si sposa bene con la storia e il dramma che vivono Regina e Luigi. EAB: This beauty is emphasized throughout the film by the use of predominantly cold colors. AG: With the director of photography Francesco Di Pierro, we worked to make the landscape an integral part of the story, as if it were the third protagonist of the story, and therefore have an atmosphere that could be consistent with the path of the protagonists. At the beginning of the film, when the drama has yet to happen, the characters are in fact illuminated by a light sun. Then, gradually, the cold arrives and increases as they move away and are in full conflict with each other. I therefore chose to set a film in the mountains because it goes well with the history and drama that Regina and Luigi live. EAB: Hai anche citato un cantautore calabrese contemporaneo ben noto al pubblico: Brunori Sas. Cosa ne pensa di questo cameo? AG: Dario ha letto la sceneggiatura e si è dimostrato da subito disponibile. Il cantante è un punto di riferimento

non solo per una regione, ma per tutti coloro che vogliono raggiungere i propri sogni. Egli è la dimostrazione che il talento e l’arte non potranno mai essere fermati. Nel film, si parla di musica in Calabria e il nome di Dario Brunori viene citato più volte all’interno di esso. Mi ha fatto un bel regalo partecipando, seppur con un cameo. EAB: You also mentioned a contemporary Calabrian singer-songwriter well known to the public: Brunori Sas. What do you think of this cameo? AG: Dario read the script and immediately proved available. The singer is a point of reference not only for a region, but for all those who want to achieve their dreams. He is the proof that talent and art can never be stopped. In the film, we talk about music in Calabria and the name of Dario Brunori is mentioned several times within it. He gave me a nice gift by participating, albeit with a cameo. EAB: L’elemento dell’acqua è presente dall’inizio alla fine del film. Nella parte conclusiva, assume un significato emblematico. AG: Sì, l’acqua e il lago sono degli elementi circolari, tornano spesso durante il percorso che fa Regina. Ed è proprio in quel lago dove tutto il dramma è cominciato che la ragazza prova a trovare sollievo. Dove tutto è cominciato, tutto potrebbe finire. Inoltre l’acqua del lago, specialmente a novembre è fredda, gelida, e quindi un altro elemento significativo che ritorna in questo racconto. EAB: The element of water is present from the beginning to the end of the film. In the concluding part, it takes on an emblematic meaning. AG: Yes, the water and the lake are circular elements, they often return during the journey that Regina takes. And it is precisely in that lake where all the drama began that the girl tries to find relief. Where it all began, it could all end. Furthermore, the water of the lake, especially in November, is cold, icy, and therefore another significant element that returns in this story. EAB: Come procederà la distribuzione di “Regina”? AG: Dopo una buona accoglienza di pubblico e critica al 38° Torino Film Festival, dove ho avuto l’onore di rappresentare l’Italia tra i film in concorso, abbiamo avuto un’anteprima on demand su Sky Prima Fila e nelle principali piattaforme, il film poi è stato in sala dal 27 maggio. Quindi direi che visto il periodo non avrei potuto avere di meglio. Adesso, in estate, il lungometraggio girerà in diversi festival in tutta Italia. EAB: How will the distribution of “Regina” proceed? AG: After a good reception from the public and critics at the 38th Turin Film Festival, where I had the honor of representing Italy among the films in competition, we had an on demand preview on Sky Prima Fila and on the main platforms, the film then it was in the hall from May 27th. So I would say that given the period I could not have had better. Now, in the summer, the feature film will shoot in various festivals throughout Italy. EAB: A che genere cinematografico ti piacerebbe dedicarti per il tuo secondo lungometraggio? AG: Mi faccio sempre influenzare dalla realtà e da quello che mi circonda. Mi piacerebbe continuare a portare avanti un percorso che sto facendo da diversi anni, raccontando storie intime e personali con le quali il pubblico può identificarsi. EAB: What kind of cinema would you like to dedicate yourself to for your second feature film? AG: I always let myself be influenced by reality and what surrounds me. I would like to continue to pursue a path that I have been following for several years, telling intimate and personal stories with which the public can identify.

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MARRIOTT CHÂTEAU CHAMPLAIN HOTEL 29

Originariamente progettato dagli architetti del Quebec Rogers D’Astous e Jean-Paul Pothier nel 1967 in occasione dell’Esposizione Universale, lo Château Champlain si distingue per la sua struttura iconica e le realizzazioni tecniche. Affacciato sulla città dall’alto dei suoi 128 metri e 38 piani, l’hotel era un tempo il più alto del Canada. Oggi continua a catturare l’attenzione dei passanti del centro con le sue ritmate finestre a mezzaluna e gli archi neoromani della stazione di Windsor. Guadagnandosi il soprannome di “grattugia del formaggio”, le cornici delle finestre che simulano l’aspetto dei balconi sono state messe al centro della narrativa del design creata da Sid Lee Architecture. Primo restauro Intrapreso inizialmente in seguito all’acquisizione dell’hotel da parte del Gruppo Tidan nel 2018, il progetto di restauro effettuato da Sid Lee Architecture rappresenta la prima grande ristrutturazione dell’edificio dalla sua costruzione. Simbolo del patrimonio architettonico del Quebec, nonché punto di riferimento visivo eccezionale nel cuore della città, lo Château Champlain oggi svela un design rinnovato che esalta il maestoso paesaggio urbano offerto dalla sua varietà di viste panoramiche. Rimaneggiato in uno stile elegante e senza tempo, il nuovo Château Champlain riafferma il suo posto tra gli hotel più importanti del Canada attraverso un rinnovamento del suo design degli interni che integra lo spirito del marchio Marriott. Come un giardino d’inverno Delimitato dai giardini di Place du Canada, Dorchester Square il Porto Vecchio e Mont-Royal, lo Château Champlain gode di una posizione eccezionale all’interno della città. Ispirato dalle viste ininterrotte offerte dai “balconi” interni dell’hotel, Sid Lee Architecture ha deciso di seguire un approccio concettuale originale che evidenziasse la bellezza del paesaggio circostante durante l’inverno. Il contrasto tra il caratteristico clima freddo e la calda ospitalità dell’hotel si materializza nell’esperienza spaziale attraverso l’uso di forme organiche, colori desaturati e finiture riflettenti, nonché dall’uso di materiali naturali come legno e pietra. Gli interni, splendidamente realizzati, includono anche molti cenni al fiume San Lorenzo e ai giardini vicini, come per estendere le loro tracce visive nel cuore dell’edificio. Lo Château Champlain è stato reinventato come un rifugio nel cuore della città, un ambiente confortevole e armonioso che incoraggia a godere della vista del paesaggio tutto l’anno. Spazi pubblici All’ingresso dell’hotel, porcellana e pietra bianca finemente venata con l’aspetto di superfici ghiacciate sono state accuratamente selezionate per rivestire gli archi e il pavimento. Sui corpi illuminanti e negli arredi integrati, accenti dorati che ricordano i rami spogli punteggiano lo spazio con tocchi caldi, evocando riflessi di luce sulla neve. Dietro il bancone della reception, un’opera d’arte progettata da Sid Lee Architecture, in collaborazione con MASSIVart ed eseguita dall’artista Pascale Girardin, si alza delicatamente e dà il tono all’esperienza dei visitatori dell’hotel. La Greatroom, aperta e multifunzionale, consente ai visitatori di girovagare come farebbero in città, scoprendo nei dettagli del design i riferimenti al mondo organico esterno. Schermi architettonici traforati in legno evocano l’atmosfera della montagna, lasciando il posto a spazi intimi senza limitare il flusso di luce all’interno dello spazio. Questi spazi fluidi sono stati concepiti per essere continui al fine di facilitare il passaggio o la sosta per mangiare, bere, lavorare o conversare durante la giornata. Conviviale oltre che avvolgente, il ristorante si distingue per il suo stile compositivo che ricorda le passeggiate interne. L’illuminazione soffusa che simula i lucernari segue la progressione del sole, passando dalla luce intensa del mattino a un’atmosfera crepuscolare sommessa alla fine della giornata.

L’esclusivo “M Club” accessibile dalla Greatroom è in contrasto con il design circostante con i suoi pannelli in legno di noce e le selezioni di colori più sobri. Apprezzata dai suoi membri, questa sezione comprende una lounge e spazi di lavoro, nonché una sala da pranzo dal design sofisticato e moderno che offre un’esperienza elevata in linea con i più alti standard di Marriott. Nelle aree comuni sono stati conservati alcuni elementi, come un’immagine dello stesso Samuel de Champlain, che ricorda il fascino dei designer originali per questa figura, al fine di sottolineare le fondamenta storiche della proprietà. Spazi privati In tutte le sue 614 stanze, il design è stato rinnovato per dare alla finestra la giusta importanza attraverso l’uso di forme morbide e colori complementari. La moquette, i rivestimenti murali e gli arredi integrati progettati da Sid Lee Architecture e prodotti dall’azienda locale Meubles Saint-Damase adornano le stanze, evocando un senso di comfort. La sfida nel ridisegnare le stanze consisteva nel preservare le loro partizioni esistenti. Il divisorio al centro di ogni stanza è stato ripensato per creare uno spogliatoio privato che fungesse da anticamera al bagno. Mantenendo lo skyline in vista e valorizzando le stanze con toni chiari e neutri, la tavolozza visiva mette ora l’accento sulla moltitudine di viste offerte dalle stanze, sia che si affacciano sul Mont-Royal, sul fiume, sul porto o sul centro. Il risultato è una versione rinnovata e aggiornata dell’hotel che resisterà alla prova del tempo garantendo un’esperienza riposante ma memorabile. Integrazione dell’arte MASSIVart ha collaborato con Sid Lee Architecture per l’integrazione di 59 opere in vari spazi del Marriott Montreal Château Champlain. Che si tratti di sculture, stampe, illustrazioni, fotografie o arazzi, tutti sono ispirati al tema del giardino d’inverno, dove ogni artista ha dato la propria interpretazione. Le opere assecondano la visione architettonica della ristrutturazione, creando storie diverse legate dallo stesso tema. I messaggi vengono trasmessi non solo attraverso le immagini ma anche attraverso i materiali e la scelta dei colori, permettendoci di apprezzare la bellezza di un inverno di Montreal dall’interno in tutte le stagioni. Le opere principali si trovano nella hall dell’hotel. Una di queste è una proiezione su un’immagine stampata dell’artista canadese Sabrina Ratté, evocando un paesaggio invernale dove un’entità fluttuante sembra essere fatta di carne e aria, gravità e leggerezza - una presenza ambigua che abbraccia il suo ambiente. I girasoli di Margot Klingender è un’imponente scultura basata sull’osservazione intima dei giardini nel quartiere dell’artista canadese. Imita l’irregolarità del mondo naturale, trasformandolo in qualcosa di ingenuo e pericoloso. Infine, la ceramista di Montreal Pascale Girardin, nota in particolare per le sue creazioni su larga scala in luoghi prestigiosi in tutto il mondo, ha creato Drifts, un bassorilievo di 59’ plus pensato per accogliere gli ospiti nella hall. Ogni curva è stata accuratamente modellata per emulare la natura generosa e morbida di una lama innevata.

SID LEE ARCHITECTURE Fondato nel 2009 attraverso l’integrazione dello studio di architettura Nomade, Sid Lee Architecture è il prodotto del talento e dell’abilità combinati degli architetti e urban designer Jean Pelland e Martin Leblanc, e dell’agenzia creativa Sid Lee. Lavorando in tutto il mondo dai suoi studi di Montreal, Sid Lee Architecture ha quasi 50 architetti, tecnici, designer, manager e altri professionisti. I progetti di Sid Lee Architecture si distinguono per la loro unicità e forte identità intrisa di storia, cultura e comunità. Dal 2015, Sid Lee Architecture fa parte di kyu, un nuovo collettivo di studi creativi fondato da Hakuhodo DY Hodlings, la seconda rete di agenzie dell’Asia.

Originally designed by Quebec architects Rogers D’Astous and Jean-Paul Pothier in 1967 at the time of the world’s fair, the Château Champlain is notable for its iconic structure and technical accomplishments. Overlooking the city from the top of its 128-meter, 38-story height, the hotel was once the tallest in Canada. Today, it continues to catch the eye of passers-by downtown with its rhythmic half-moon windows and the neo-Roman arches of Windsor station. Earning the nickname of “the cheese grater,” these window frames simulating the look of balconies were put at the core of the design narrative created by Sid Lee Architecture. First restoration Initially undertaken following the hotel’s acquisition by the Tidan Group in 2018, the restoration project effected by Sid Lee Architecture represents the first major renovation of the building since its construction. Symbolic of Quebec’s architectural heritage, not to mention being an exceptional visual landmark at the heart of the city, the Château Champlain today unveils an updated design that enhances the majestic urban landscape offered by its variety of panoramic views. Reimagined in an elegant, timeless style, the new Château Champlain reasserts its place amongst Canada’s most eminent hotels through a renewal of its interior design that integrates the spirit of the Marriott brand. Like a winter garden Bordered by the gardens of Place du Canada, Dorchester Square, the Old Port, and Mont-Royal, the Château Champlain enjoys an exceptional location within the city. Inspired by the uninterrupted views offered by the hotel’s interior “balconies,” Sid Lee Architecture decided to go with an original conceptual approach that highlighted the beauty of the surrounding landscape during winter. The contrast between the characteristic cold weather and the hotel’s warm hospitality is materialized in the spatial experience through the use of organic forms, desaturated colors, and reflective finishes as well as by the use of natural materials such as wood and stone. The beautifully crafted interiors also include many nods to the Saint Lawrence River as well as the neighboring gardens, as if to extend their visual traces into the heart of the building. The Château Champlain has been reimagined as a nearby refuge in the heart of the city—a comforting, harmonious environment that encourages taking in views of the city, all year long. Public spaces At the hotel’s entrance, porcelain and finely veined white stone with the appearance of icy surfaces were carefully selected to cover the arches and floor. On the lighting fixtures and in integrated furnishings, golden accents reminiscent of bare branches punctuate the space with warm touches, evoking reflections of light on the snow. Behind the reception counter, an art piece designed by Sid Lee Architecture, in collaboration with MASSIVart and executed by artist Pascale Girardin, rises delicately and sets the tone for visitors’ experience of the hotel. The open, multifunctional Greatroom permits visitors to wander around as they would in the city, discovering references to the organic world outside in its design details. Wooden openwork architectural screens evoke the ambiance of the mountain, giving way to spaces that are intimate without limiting the flow of light within the space. These fluid spaces were conceived to be continuous in order to facilitate wandering or pausing to eat, drink, work or have a conversation throughout the day. Convivial as well as enveloping, the restaurant is notable for its compositional style reminiscent of the interior promenades. The subdued lighting simulating skylights tracks the progression of the sun, changing from bright light in the morning to a subdued twilight ambiance at the end of the day. The exclusive “M Club” accessible from the Greatroom stands in contrast to the surrounding design with its walnut wood paneling and more somber color selections. Prized by its members, this section includes a lounge and workspaces, as well as a dining room featuring a sophisticated, modern design that offers an elevated experience in keeping with Marriott’s highest standards.

In the public areas, certain elements were preserved—such as a picture of Samuel de Champlain himself, recalling the original designers’ fascination with this figure—in order to underscore the property’s historic foundations. Private spaces Throughout its 614 rooms, the design was revamped to give the window the importance it deserves through the use of soft shapes and complementary colors. The carpeting, wall coverings, and integrating furnishings designed by Sid Lee Architecture and produced by local company Meubles Saint-Damase adorn the rooms, evoking a sense of comfort. The challenge in redesigning the rooms lay in preserving their existing partitions. The room divider in the center of each room was reconceived to create a private dressing area serving as an antechamber to the bathroom. By keeping the skyline within view and enhancing the rooms with light, neutral tones, the visual palette now puts the accent on the multitude of views offered by the rooms, whether they face Mont-Royal, the river, the port, or downtown. The result is a renewed, updated version of the hotel that will stand the test of time while guaranteeing a restful yet memorable experience. Integration of art MASSIVart collaborated with Sid Lee Architecture for the integration of 59 works in various spaces of the Marriott Montreal Château Champlain. Whether they are sculptures, prints, illustrations, photographs, or tapestries, all are inspired by the theme of a winter garden, each artist has made their own interpretation. The works support the architectural vision of the renovation, creating different stories linked by the same theme. The messages are conveyed not only through the visuals but also through the materials and the choice of colors, allowing us to appreciate the beauty of a Montreal winter from the inside throughout all seasons. The major works are located in the hotel lobby. One of them is a projection on a printed image by Canadian artist Sabrina Ratté. Evoking a winter landscape where a floating entity appears to be made of flesh and air, gravity and lightness - an ambiguous presence embracing its environment. Margot Klingender’s Sunflowers is an impressive sculpture based on the intimate observation of gardens in the Canadian artist’s neighborhood. She mimics the irregularity of the natural world, transforming it into something both naîve and dangerous. Finally, the Montreal ceramic artist Pascale Girardin, known notably for her large-scale creations in prestigious locations around the world, created Drifts, a 59’ plus bas-relief designed to greet guests in the lobby. Each curve was carefully shaped to emulate the generous and soft nature of a snowy blade.

SID LEE ARCHITECTURE Founded in 2009 through the integration of the Nomade architectural firm, Sid Lee Architecture is the product of the combined talent and skill of architects and urban designers Jean Pelland and Martin Leblanc, and the Sid Lee creative agency. Working around the world from its Montreal studios, Sid Lee Architecture has nearly 50 architects, technicians, designers, managers, and other professionals. Sid Lee Architecture’s projects stand out for their uniqueness and strong identity steeped in history, culture, and community. Since 2015, Sid Lee Architecture has been part of kyu, a new collective of creative firms established by Hakuhodo DY Hodlings, Asia’s second-largest network of agencies.

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Mi chiamo Carla Sutera Sardo e sono nata in Sicilia nel 1983. La mia passione per la Fotografia è iniziata a vent’anni e dopo la laurea in giurisprudenza ho deciso di dedicare la mia vita a questa meravigliosa arte. Il mio approccio alla fotografia è da autodidatta. Lavoro concentrandomi sulle donne, mi piace creare immagini oniriche che si fermano nel tempo. Mi concentro sulla comunicazione tra i corpi e i paesaggi.

My name is Carla Sutera Sardo and I was born in Sicily in 1983. My passion about Photography started at twenties and after my graduation in law, I decided to dedicate my life to this wonderful art. My approach to photography is self-taught. I work focusing on women, I like to create dreamlike images that stand still over time. I’m interested in the communication between bodies and landscapes.

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LAURA H. RUBIN

PHOBOS AND DEIMOS

BEHIND THE MASK

NOCTURNE

FLORA

VALHALLA

Laura H. Rubin è un’artista, illustratrice e graphic designer svizzera con sede a Thun/Berna. Disegna da quando è bambina, ispirata dai disegni realistici di suo padre. Ha successivamente studiato Cinema e VFX, per poi iniziare a lavorare nel settore pubblicitario per diversi anni. Laura cerca l’estetica nell’imperfezione e ama regalare alle sue figure forti emozioni. Vuole che le persone si chiedano cosa potrebbero sentire i suoi personaggi e cerchino di capire di cosa si tratta, non concentrandosi solo sulla superficie. Accompagnata dalla sua tavoletta grafica, Laura H. Rubin vaga attraverso un universo unico nel suo genere, riuscendo a catturarlo in creazioni originali ma inquietanti. I suoi ritratti hanno origine da un fascino per la mitologia e la psicologia, che fa luce su una riflessione poetica e profonda. Un gusto selvaggio e indomabile sfiora le labbra carnose dei suoi personaggi aggraziati, che trasmettono atmosfere intoccabili e tormentate. Come modelli senza tempo, sembrano congelati negli occhi di un osservatore che ammira le ferite impenetrabili delle emozioni. È con una notevole finezza e realismo tecnico che descrive i territori nascosti delle nostre sensibilità, grazie ai suoi personaggi sensuali ed enigmatici.

Laura H. Rubin is a Swiss artist, illustrator and graphic designer based in Thun/Bern. She has been drawing since she was a child, inspired by her father’s realistic drawings. Later she studied Film and VFX before she started working in the advertising industry for several years. Laura is searching for aesthetics in imperfection and loves to give her characters strong emotions. She wants people to wonder what her characters might feel and try to understand what the characters are all about, not just focusing on the surface. Escorted by her drawing tablet, Laura H. Rubin wanders through a one-of-a-kind universe that she manages to capture in original yet ominous creations. Her portraits emanate from a fascination for mythology and psychology, which shines a light on a both poetic and profound reflection. A wild and untamable taste brushes the plump lips of her graceful characters, who bear untouchable and tormented airs. As timeless models, they seem frozen in the eye of an observer who admires emotions’ impenetrable wound. It is with a remarkable fineness and technical realism that she depicts the hidden territories of our sensitivities, thanks to her sensual and enigmatic characters.

ALONE IN TRE CROWD

ZENITH NATURE MICHELE MOLINARI

Zenith Nature è un progetto nato dal mio amore per la natura e la tecnologia. Tutto è iniziato con l’acquisto di un drone, un paio di anni fa, ma si è sviluppato soprattutto a causa della pandemia quando, per lunghi periodi, è stato vietato alle persone di attraversare i confini della città, per non parlare di viaggiare. Sorvolando i parchi naturali che circondano i laghi della mia città natale era, ed è ancora, un modo per fuggire dall’ordinario. Ho usato il potere curativo della fotografia e la mia visione soggettiva della natura per controbilanciare la perdita di controllo che la pandemia ha gettato sulla mia vita. Su tutte le vite.

Mi piacciono le sorprese. Quindi mi concentro sulla produzione di un’immagine che non sia immediatamente riconoscibile per quello che è. La prospettiva zenitale aiuta molto, di solito guardiamo la natura dal basso o di lato, mentre l’editing si concentra su una zona colpita dalla luce radiante, sulle nuvole riflesse sull’acqua, sulle gemme che spuntano in primavera, sulle linee disegnate dai rami e le foglie; fondamentalmente sulle differenze di colori e forme, sullo scorrere del tempo. Cerco di evidenziare ciò che rende la natura così incredibilmente plurale, anche in un parco cittadino.

The Zenith Nature project was born from my fascination with nature and technology. It all began when I bought a drone, a couple of years ago, but I really got a kick out of it during the pandemic, when people were forbidden to cross city limits, not to mention go on trips, for long periods of time. Hovering above the natural parks and marshes that surround the lakes encircling my hometown was, and still is, a way to escape from the ordinary. I used the healing power of photography and my subjective view of nature to counterbalance the loss of control that the pandemic cast upon my life. Upon all lives.

I like surprises. That’s why I concentrate on producing an image that is not immediately recognizable for what it is. Zenith perspective surely helps in that, as we usually look at nature from below or from aside. The editing focuses on bright moments of the radiant light, on clouds reflected on water, on gems sprouting in spring time, on the lines drawn by branches and leaves; basically on differences of colors and forms, on time passing. I tried to highlight the features that make nature so incredibly plural, even in a city park.

Michele è un artista autodidatta, fotografo di lunga data, scrittore; vive a Mantova. Ha vissuto a Milano, New York e Buenos Aires, trasformando lentamente una frenetica carriera da giornalista e fotografo freelance in una routine più rilassata incentrata sull’arte e sulla natura. È un po’ concettuale. I suoi lavori si basano su esperienze di vita vissuta e semplici momenti mescolati alla fascinazione per la luce, la tecnologia e il passare del tempo. Michele ha un background in ingegneria civile e biologia. Alcuni delle sue opere appartengono a gallerie e collezioni private. La sua ispirazione risale alla Pop Art e all’Arte Povera, ma viene costantemente nutrita da visite a gallerie e musei, di persona e virtualmente.

Michele is a self-taught artist, longtime photographer, uncomplicated writer based in Mantua, Italy. He lived in Milan, Italy, New York City and Buenos Aires, Argentina, slowly shifting from a frantic freelance career in journalism and photography toward a more relaxed routine involving art and nature. He’s somewhat conceptual. All his works are based on life experience and ordinary moments mixed with a fascination with light, technology, and the passing of time. Michele has a background in Civil Engineering and Biology. Several of his works belong to galleries and private collections. His inspiration goes back to Pop Art and Arte Povera, but it’s constantly nurtured by visits to galleries and museums, in person and virtually.

WEBSITE | michelemolinari.info INSTAGRAM | @micmol.art

Reiulf Ramstad Arkitekter

BREITENBACH LANDSCAPE HOTEL

Il Breitenbach Landscape Hotel propone un’esperienza olistica e di vero eco-turismo in Alsazia, ispirato alle tradizioni scandinave e basato sulle opportunità culinarie, di benessere e naturali della regione. Arroccato sulle alture del villaggio alsaziano di Breitenbach, Landscape Hotel 48° Nord reinterpreta il tradizionale hytte scandinavo, un luogo di ritiro e di riconnessione con la natura selvaggia. Al centro di un sito protetto Natura 2000, il progetto è stato concepito per inserirsi in un ambiente preservato senza alterarlo. Il progetto nasce dall’incontro di due culture (Francia e Scandinavia), due passioni (natura e architettura), due uomini (Emil Leroy e Reiulf Ramstad) e la comunità locale entusiasta e molto solidale del villaggio di Breitenbach. Breitenbach è un villaggio unico, situato tra i Vosgi e l’Alsazia, con una comunità molto dinamica e fortemente impegnata politicamente in un approccio eco-responsabile, attraverso varie attività come un birrificio ecologico, alveari, latticini e produzione di formaggio per citarne alcuni. Lo stesso sindaco, vegetariano convinto, ha stimolato l’agricoltura ecologica nel villaggio, incoraggiando costantemente nuove attività sostenibili ed ecologiche. Un cliente franco-danese, un architetto norvegese, un’attrazione comune per il design e i materiali naturali. Fu da questo incontro eccezionale che nacque il progetto 48° Nord. Il Breitenbach landscape hotel racchiude un’architettura e un design audaci, uno spirito di benessere e una forte cultura culinaria. Unendo l’identità locale con il paesaggio attraverso forme ancora inedite nella regione, l’architetto ha dato a 48° Nord un’espressione architettonica unica. L’obiettivo del progetto non era quello di costruire un hotel in sé, ma creare un luogo in cui vivere, un habitat per accogliere le persone e accompagnarle in un viaggio accattivante sperimentando un nuovo universo in un ambiente naturale. Un luogo dove gli ospiti vengono per incontrare persone e trascorrere un momento, sia per condividere un pasto, un fine settimana di riposo, sia per fare un’escursione sulle colline e le valli dei Vosgi. L’approccio architettonico di 48° Nord fa eco a questa filosofia. Il design pulito e le linee distintive del progetto evocano inevitabilmente i paesi nordici. La visione è però anche quella di diffondere un’arte del vivere in armonia con il paesaggio. Nonostante la sua semplicità, l’hotel Breitenbach 48° Nord non passa inosservato, ma immerso nella natura, la sobrietà garantisce l’integrazione nel suo paesaggio. Tra gli alberi, le siepi naturali e le erbe selvatiche, ed eredi della “hytte” norvegese, 14 capanne punteggiano il fianco della collina come massi su un pendio, bilanciando privacy e prospettiva. Piccole, leggere, discrete, sono semplicemente posizionate sul fianco della collina. Costruiti su palafitte, sono persino smontabili, in modo che il paesaggio rimanga preservato e naturale, incontaminato. Il castagno non trattato e di provenienza locale (tagliato sulla collina di fronte all’hotel) riveste tutti i volumi, abbinato solo a grandi aperture vetrate. Quattro tipologie distinte compongono una famiglia di forme con qualità diverse. Le hytte “Grass”, su un unico livello universalmente accessibile, sono raggruppate vicino all’edificio principale. L’”Albero” e l’”Edera”, torreggianti sottili e slanciati, combinano verticalità e viste panoramiche. Infine, il “Fjell”, in cima alla collina, accoglie le famiglie con spazi esterni protetti. Gli interni sono minimali e rustici, qualificati dal legno chiaro, dai mobili incassati avvolgenti, dalle viste incorniciate e dai contrasti spaziali, che incarnano perfettamente il concetto nordico di “hygge”. Entrando nel sito, si incontra l’edificio principale dedicato all’ospitalità, alla ristorazione e al benessere. Il suo volume è avvolto in scandole di castagno alsaziano modellate in un laboratorio di integrazione a Saverne. Rispondendo all’etichetta di costruzione Passivhaus, questo ambiente intimo rivestito di legno tinto scuro e finemente curato nei dettagli, si apre ampiamente sul paesaggio e offre un luogo unico di incontro, scambio e contemplazione. L’esperienza culinaria, l’incontro tra l’ispirazione scandinava e le tecniche ancestrali locali, sono i gusti stagionali della natura, tutti provenienti da produttori biologici vicini e dall’orto dell’hotel. Al 48° Nord il lusso si ridefinisce. Spazio, privacy, calma, sobrietà, natura e aria fresca sono un nuovo lusso. Forse l’antitesi del lusso tradizionale; lo sfarzo, il superfluo. Da soli, di fronte al paesaggio, gli ospiti possono trovare un’altra essenza di bellezza e comfort nei colori cangianti della stagione, luci e ombre, l’essenza stessa delle qualità della natura.

Breitenbach Landscape Hotel proposes a holistic and a true ecotourism experience in Alsace, inspired by Scandinavian traditions and building on the region’s culinary, wellness, and nature opportunities. Perched on the heights of the Alsatian village of Breitenbach, the landscape hotel 48° Nord reinterprets the traditional Scandinavian hytte, a place of retreat and reconnection with wild nature. At the heart of a protected Natura 2000 site, the project was designed to fit into a preserved setting without ever disturbing it. The project is born from the meeting of two cultures (France and Scandinavia), two passions (nature and architecture), two men (Emil Leroy and Reiulf Ramstad), and an enthusiastic and very supportive local community from the village of Breitenbach. Breitenbach is a unique hamlet, located between Vosges and Alsace, with a very dynamic community and strongly politically committed to an eco-responsible approach, through various activities like an ecological brewery, beehives, dairy, and cheese production to name a few. The mayor himself, an enthusiastic vegetarian, initiated ecological farming in the village, constantly encouraging new sustainable and ecological business. A Franco-Danish client, a Norwegian architect, a common attraction for design and natural materials. It was from this exceptional meeting that the 48° Nord project was born. Breitenbach landscape hotel encapsulates daring architecture and design, a spirit of well-being, and a sharp culinary culture. By uniting local identity with the landscape through forms still unseen in the region, the architect gave 48° Nord a unique architectural expression. The project goal was not to build a hotel per se, but creating a place to live, a habitat to welcome people and take them on a sensual journey by experiencing a new universe in natural surroundings. A place where guests come to meet people and have a moment, whether to share a meal, a weekend of rest, or to hike the Vosges hills and valleys. The architectural approach of 48° Nord echoes this philosophy. The project’s clean design and signature lines inevitably evoke the Nordic countries. However, the vision is also to disseminate an art of living in harmony

with the landscape. Despite its simplicity, Breitenbach hotel 48° Nord does not go unnoticed, but surrounded by nature, sobriety guarantees integration within its landscape. Amidst the trees, natural hedges and wild grasses, and heirs to the Norwegian “hytte”, 14 cabins dot the hillside like boulders on a slope, balancing privacy and outlook. Small, light, discreet, they are simply placed on the hillside. Built on stilts, they are even removable, so that the landscape stays preserved and natural, untouched. The untreated and locally sourced chestnut tree (cut on the hill opposite the hotel) clads all volumes, combined only with large glass openings. Four distinct typologies compose a family of forms with diverse qualities. The ‘Grass’ hytte, on one level universally accessible, are grouped near the main building. The ‘Tree’ and ‘Ivy’, towering thin and slender, combine verticality and panoramic views. Lastly, the ‘Fjell’, atop the hill, welcomes families with protected outdoor spaces. Interiors are minimal and rustic, qualified by the light-colored wood, snug built-in furniture, framed views, and spatial contrasts—perfectly embodying the Nordic concept of “hygge”. When entering the site, you meet the main building dedicated to hospitality, catering, and wellness. Its volume is wrapped in Alsatian chestnut shingles fashioned in an integration workshop in Saverne. Responding to the Passivhaus construction label, this intimate setting padded with dark stained wood and finely detailed opens widely onto the landscape and offers a unique place of meeting, exchange, and contemplation. The culinary experience, a meeting between Scandinavian inspiration and local ancestral techniques are season-relevant tastes from nature — all sourced from nearby organic producers and the hotel’s own vegetable garden. At 48° Nord, luxury is redefined. Space, privacy, calm, sobriety, nature, and fresh air is a new luxury. Perhaps the antithesis of the traditional luxury; the pomp, the superfluous. Alone, facing the landscape, guests are enabled to find another essence of beauty and comfort in the shifting colors of the season, lights and shadows, the very essence of nature’s qualities.

REIULF RAMSTAD ARKITEKTER Reiulf Ramstad Arkitekter è uno studio di architettura indipendente con sede in Norvegia e Danimarca con un alto livello di competenza e un’ideologia distinta. L’azienda è focalizzata sull’intreccio di un forte approccio concettuale con l’esperienza di progetti realizzati in passato. Nel corso degli anni, Reiulf Ramstad Arkitekter ha prodotto una vasta gamma di progetti innovativi e rivoluzionari che comprendono variazioni eccezionali in scala e programma. Favoriscono il design che concettualizza il luogo. Reiulf Ramstad Arkitekter is an independent architectural firm based in Norway and Denmark with a high level of expertise and a distinct ideology. The firm is focused on interlacing a strong conceptual approach with experience from past accomplished projects. Over the years, Reiulf Ramstad Arkitekter has produced a wide range of innovative and groundbreaking projects encompassing exceptional variation in scale and program. They favor design that conceptualizes place.

TECHNICAL SHEET Location: Breitenbach, France Program: Landscape hotel with a main building for reception, restaurant, wellnessfacility and the director’s housing,as well as 14 hytte (cottagesof 4 distinct typologies) for hotel guests. Client: Private- Emil Leroy-Jönsson Size: 20.000mq total planning area - Hytte from 20m2 to 60m2 Commission type: Direct commission (2015) Status: Completed (2020) Design Team: Reiulf Ramstad Arkitekter& ASP Architecture Photo Credits: Florent Michel @11h45, Yvan Moreau, Reiulf Ramstad Arkitekter

Courtesy of v2com-newswire.com WEBSITE | reiulframstadarkitekter.com INSTAGRAM | @reiulframstadarkitekter FACEBOOK | Reiulf Ramstad Arkitekter

RALUCA

BĂJENARU

UNTITLED (Underwater project), 2018. Oil and tar on canvas, 100 x 140 cm

I miei lavori sono principalmente installazioni e performance che esplorano l’idea di memoria della materia, sia che utilizzi terra, chiodi arrugginiti recuperati da cantieri, capelli umani o parole inventate da bambini. Utilizzando un materiale che mette a nudo la propria storia, questo approccio pone il mio processo creativo all’interno della struttura della registrazione, dell’impronta del mondo, persino di un giocoso esperimento scientifico. Tra i miei interessi ci sono anche l’esplorazione di misteriosi spazi mentali, esistenti prima dell’essere organizzati attraverso codici, come quello della prima infanzia e dell’energia che esiste dentro di noi prima che diventi pensiero organizzato attraverso il linguaggio. Il tema della scrittura come gesto corporale, come segno visivo, non come significativo, è un altro esempio di ricerca della realtà oltre i codici, considerando la firma personale come un’impronta irripetibile, ma anche come finestra di non-letteralità in un mondo onnipresente, impossibile evitare messaggi scritti. My works are mainly installations and performances which explore the idea of memory of the material, whether I use earth, rusted nails recovered from construction sites, human hair or words invented by children. By using a material which bares its own history, this approach sets my creative process within the framework of recording, of imprinting the world, even of a playful scientific experiment. Exploring mysterious mental spaces, prior to the organisation through codes, such as the one of the early childhood and of the ”energy” which exists inside us before it becomes thought organised through language are also among my interests. The theme of writing as a corporal gesture, as a visual sign, not as a significant, is another example of researching the reality beyond the codes – considering the personal signature as an unrepeatable imprint, but also as a window of non-literality in a world of omnipresent, impossible to avoid written messages.

UNTITLED (Underwater project), 2018. Oil on canvas, 50 x 50 cm

UNTITLED (Underwater project), 2017. Oil and tar on canvas, 45 x 60 cm

UNTITLED (Underwater project), 2018. Oil and tar on canvas, 40 x 50 cm

UNTITLED (Underwater project), 2017. Oil and tar on canvas, 45 x 60 cm

UNTITLED (Underwater project), 2018. Mixed media on canvas, 100 x 100 cm Raluca Băjenaru crea installazioni, performance, interventi nello spazio pubblico, land art. Ha partecipato a residenze in Francia (Strasburgo - Haute Ecole des Arts du Rhin), Paesi Bassi (Amsterdam - Gerrit Ritveld Academie), Macedonia (Brashnar Creative Project), Indonesia (Institut Seni Yogyakarta) e Romania. Ha un B.A. e un M.A. in Belle Arti / Pittura presso UNARTE Bucarest. Raluca Băjenaru creates installations, performances, public space interventions, land art. She took part in residencies in France (Strasbourg – Haute Ecole des Arts du Rhin), the Netherlands (Amsterdam – Gerrit Ritveld Academie), Macedonia (Brashnar Creative Project), Indonesia (Institut Seni Yogyakarta) and Romania. She has a B.A. and a M.A. in Fine Arts/Painting from UNARTE Bucharest.

WEBSITE | ralucabajenaru.blogspot.com INSTAGRAM | @raluca.michaela.bajenaru FACEBOOK | Raluca Bajenaru Courtesy of ARTZ GALLERY, Shanghai www.artzspace.art | @artzgallerysh

CONQUEST OF THE DAMNED Michael Delacruz

CREDITS Photographer & Retoucher: Michael Delacruz @late.risers Assistant: Adolfo Guaba @dahflow Creative Director & Stylist: Tiffany Lizardi @project_color_pop Hair Artist: Michael Steven Gallegos @totallymiichael Makeup Artist: Selina Bautista @_blahblahlina_ Brunette model: Amanda Denton-Lusso @am.eresia Blonde model: Katelyn Ranee Ankrom @kankrom1 Studio Location: Ignite Studio @sandiegophotostudio

Genetec Inc. è una società con sede a Montreal specializzata in tecnologia di sicurezza fisica IP unificata per applicazioni di sicurezza aziendale e pubblica (aeroporti, stadi, città, ecc.). Attualmente opera in sei continenti. Nel 2015, la rapida espansione dell’azienda ha raggiunto un traguardo chiave quando il numero di dipendenti in Quebec ha superato i 600. Era quindi giunto il momento di ripensare alla gestione, all’uso e all’organizzazione degli spazi dell’azienda. Un’analisi aziendale prima di tutto Prima ancora di iniziare a cercare soluzioni razionali, FOR. ha eseguito un’analisi approfondita dell’azienda, lavorando con Genetec su una strategia per trasformare l’organizzazione e le sue operazioni, le pratiche di lavoro e l’approccio alla collaborazione. Il processo ha permesso di progettare più che semplici spazi, ossia di sviluppare un luogo davvero significativo per gli utenti. Insieme, Genetec e FOR. hanno saputo integrare il concetto di Innovation Circles – gruppi ultrafunzionali di 12 persone con adesione a rotazione a seconda del progetto – nella progettazione dei nuovi spazi. Di conseguenza, la creazione degli ambienti e dei suoi nuovi arredi sono stati direttamente influenzati da questi processi di lavoro. I prodotti dell’azienda influenzati dal design degli spazi di lavoro All’ingresso di ogni piano si trovano aree di accoglienza con uno spazio bar, lounge e videogiochi per incoraggiare la condivisione incrociata, la collaborazione informale e la rapida risoluzione dei problemi. Nello stesso spirito, FOR. ha aumentato il numero di sale riunioni con diverse configurazioni e trasformato il bistrot in uno spazio per eventi sociali di tutti i giorni. Il design degli interni e l’approccio preparatorio hanno portato direttamente a miglioramenti della produttività, dei processi e, secondo il presidente, del prodotto dell’azienda. Il prodotto viene presentato attraverso l’Experience Center, un modo raffinato per presentare la tecnologia e le innovazioni dell’azienda ai clienti, che sono invitati nella sede centrale per vivere in prima persona l’esperienza Genetec. L’Experience Center è stato realizzato in collaborazione con Francis Turgeon di Capricorne Studio. Il 4° piano: simbolico per essere i primi spazi di lavoro Genetec Al centro del quarto piano, è stata creata una biblioteca per ospitare i libri preferiti dei dipendenti Genetec di tutto il mondo, al fine di condividere gli interessi personali di tutti. Un modo per avvicinare le persone, nonostante la distanza e attraverso la conoscenza. Lo spazio è interconnesso con tre sale riunioni e una lounge che si ripete su ogni piano e comprende un angolo caffè, tavoli di discussione, videogiochi e spogliatoi. Insieme, formano un quintetto di centri creativi in cui ogni elemento di design stimola e facilita il flusso delle idee. Un’ampia sala riservata a presentazioni generiche, di ricerche e lanci di prodotti completa l’area pubblica di questo piano unificante. Occupando il resto del livello, i dipartimenti finanziari e legali sono cresciuti del 30-40% durante il processo, rappresentando una grande sfida di pianificazione. Per queste squadre, i cui compiti richiedono un alto livello di riservatezza e concentrazione, FOR. ha optato per un modello di layout più classico - uffici chiusi condivisi - e ha riservato loro diversi spazi di incontro intimi, come cabine telefoniche, alcove e camere d’albergo. Così il rapporto di densificazione della superficie è stato notevolmente ridotto, una tendenza in controtendenza negli ambienti di lavoro di oggi, che corrisponde sicuramente al loro funzionamento. Hi-tech in tutto il mondo... e in tutto il mondo Adottare la cultura di Genetec significa abbracciare il rapporto tra scienza, tecnologia e società. L’illuminazione lineare e le pareti angolari contribuiscono a dare energia a questo ambiente che immerge i visitatori nel cuore di una serie di fantascienza. Basato sul concetto di interior design formulato per la sede centrale dell’azienda a Montreal, FOR. ha adattato l’approccio artistico alle diverse città in cui l’azienda è presente, adattando gli standard per l’arredamento, l’illuminazione, le finiture e i materiali in base ai distributori locali e alle caratteristiche peculiari di ciascun sito. Ad oggi, Genetec conta più di 1.500 dipendenti e 130.000 piedi quadrati di uffici in tutto il mondo sono stati progettati con questo concetto: Parigi, Singapore, Secaucus, Londra, Bruges, Quebec City e Sherbrooke. Sebbene il team Genetec stia attualmente lavorando a distanza, non vede l’ora di tornare ai propri spazi progettati per la bellezza, l’ergonomia e il comfort.

Genetec Inc. is a Montreal-based company specializing in unified IP physical security technology for corporate and public safety applications (airports, stadiums, cities, etc.). It is currently doing business on six continents. In 2015, the company’s rapid expansion reached a key milestone when the number of employees in Quebec passed 600. The time had come to rethink the management, use and organization of the company’s spaces. A corporate analysis above all Before even starting to look for rational solutions, FOR. performed an in-depth analysis of the company, working with Genetec on a strategy to transform the organization and its operations, work practices and approach to collaboration. The process made it possible to design more than spaces, but to develop a truly meaningful place for users. Together, Genetec and FOR. were able to integrate the concept of Innovation Circles – ultra-functional 12-person groups with rotating membership depending on the project – into the design of the new spaces. As a result, the planning of the space and its new furniture were directly influenced by these work processes. Company’s products influenced by design of workspaces Reception areas with a café space, lounge and video games are found at the entrance to each floor to encourage cross pollination, informal collaboration and fast problem-solving. In the same spirit, FOR. increased the number of meeting rooms with different configurations, and transformed the bistro into an everyday social-event space. Interior design and the preparatory approach led directly to improvements in productivity, processes and, according to the president, the company’s product. The product is showcased through the Experience Center, a refined way to present the company’s technology and innovations to clients, who are invited to headquarters to live the Genetec experience first-hand. The Experience Center was created in collaboration with Francis Turgeon of Capricorne Studio. The 4th floor: symbolic by being Genetec first workspaces At the heart of the fourth floor, a library was created to house the favorite books of Genetec employees from around the world, in order to share the personal interests of all. A way to bring people together, despite distance and through knowledge. It is interconnected with three meeting rooms and a collaboration lounge which is repeated on every floor and includes a coffee corner, discussion tables, video games and changing rooms. Together, they form a quintet of creative hubs where every element of design stimulates and facilitates the flow of ideas. A large presentation room reserved for global all-hands presentations, research unveilings and product launches completes the public area of this unifying floor. Occupying the rest of the level, the finance and legal departments grew by 30-40% during the process, which was a major planning challenge. For these teams, whose tasks require a high level of confidentiality and concentration, FOR. opted for a more classic layout model - shared closed offices - and reserved them several intimate meeting spaces, such as telephone booths, alcove seating and hoteling rooms. Thus the densification ratio of the floor has been significantly reduced, a counter-trend in today’s work environments, that definitely corresponds with their functioning. Hi-tech all the way… and around the world Adopting Genetec’s culture means embracing the relationship between science, technology and society. Linear lighting and angular walls help energize this environment that plunges visitors into the heart of a science fiction series. But Genetec has all of the science and none of the fiction. Based on the interior design concept formulated for the company’s Montreal headquarters, FOR. adapted the artistic approach to the different cities where the company has a presence, adapting standards for furniture, lighting, finishes and materials based on local distributors and each site’s particular characteristics. To date, Genetec counts more than 1,500 employees and 130,000 sq. ft. of office space worldwide have been designed with this concept: Paris, Singapore, Secaucus, London, Bruges, Quebec City and Sherbrooke. Although the Genetec team is presently working remote, they are looking forward to getting back to their spaces designed for beauty, ergonomics and comfort.

FOR. design planning FOR. design planning è uno studio di interior design specializzato in progetti residenziali aziendali, commerciali e multiunità. Dal 1969, ha progettato più di 20 milioni di piedi quadrati di interni in Canada e a livello internazionale. FOR. design planning is an interior design firm specializing in corporate, commercial and multi-unit residential projects. Since 1969, it has designed more than 20 million square feet of interiors in Canada and internationally.

TECHNICAL SHEET Project Name: Genetec Montréal Interior Design Firm: FOR. design planning Project Address: Saint-Laurent, Québec Year of completion: 2020 Photo credits: Stéphane Brügger

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TONDO 066, diam. 40 cm

MAURO MORICONI

TONDO SERIES 93

TONDO 001, diam. 100 cm

Tondo’s, la serie di opere realizzata dall’artista lucchese Mauro Moriconi, ruota attorno al cruciale concetto di immagine e della sua rappresentabilità. Sebbene in questa nuova antologia di scatti il medium fotografico rappresenti in parte un elemento di continuità con le precedenti serie – d’altronde anche le foto-incisioni di Un-familiar sono frutto di manipolazioni su Polaroid – stavolta la sperimentazione si spinge oltre giungendo a modificare il supporto prima dello scatto, che di fatto non avviene. Dalle lucide superfici, quasi riflettenti, emergono paesaggi onirici non antropizzati, agglomerati di cromie che rimandano a fantasiose geografie di memoria ghirriana e a straordinari mondi interiori. La visione di tali scorci mette in crisi la percezione, sia dell’occhio umano che della macchina fotografica, confonde il senso di realtà e d’illusione, stimolando nell’osservatore surreali pareidolie che lo inducono a riconoscere nell’amorfismo qualcosa di riconducibile al piano del reale. Le macchie impressionistiche, frutto di un meticoloso lavoro che coniuga abilità manuale e casualità, affiorano come da un oblò e testimoniano un ritorno all’originario percorso formativo dell’artista nell’ambito della pittura e ad essa si ispira anche per la circolarità del formato, con l’evidente richiamo ad altri celebri Tondi, quali ad esempio il rinascimentale Tondo Doni. Da Michelangelo a Ingrès,

TONDO 076, diam. 50 cm

passando per Raffaello e Caravaggio, la forma circolare vanta in ambito artistico un passato glorioso e un altrettanto significativo valore simbolico. Emblema della perfezione, della totalità e del perenne rinnovamento come la ruota del fiammeggiante disco solare, il Tondo di Moriconi racchiude ambienti difficilmente collocabili in tempi e luoghi definiti. Gli affioramenti di isole, le desertificazioni, le glaciazioni e le derive dei continenti che s’intravedono verosimilmente in tali panorami accendono l’immaginazione e sollevano inquietanti dubbi sull’origine e, soprattutto, sul destino del nostro ecosistema. Invece di rifare la realtà, per usare le parole del filosofo statunitense Nelson Goodman, le opere di Moriconi contribuiscono alla realizzazione di un’esperienza estetica in cui la visione è personale e la percezione diventa intima. Lo sguardo di chi osserva, al di là di ogni parametro culturale, esperienziale e formativo, filtra e completa di senso opere che raccontano un presente che ha rinunciato ad ogni pretesa di oggettività, ove rappresentare diventa sempre più sinonimo di rivelare. Paola Martini

TONDO 089, diam. 40 cm

Tondo’s, the series of works created by the Lucca artist Mauro Moriconi, revolves around the crucial concept of image and its representability. Although in this new anthology of shots the photographic medium represents in part an element of continuity with the previous series - on the other hand, even the Un-familiar photo-engravings are the result of manipulations on Polaroid - this time the experimentation goes further and the support before shooting, which in fact does not happen. From the glossy surfaces, almost reflective, dreamlike landscapes emerge that are not anthropized, agglomerations of colors that refer to imaginative geographies of Ghirrian memory and to extraordinary inner worlds. The vision of such glimpses undermines the perception, both of the human eye and of the camera, confuses the sense of reality and illusion, stimulating in the observer surreal pareidolias that lead him to recognize in the morphism something attributable to the plane of the real. The impressionistic stains, the result of a meticulous work that combines manual skill and casualness, emerge as from a porthole and testify to a return to the artist’s original training path in the field of painting and is also inspired by it for the circularity of the format, with the obvious reference to other famous Tondi, such as the Renaissance Tondo Doni. From Michelangelo

TONDO 103, diam. 50 cm (detail)

to Ingrès, passing through Raphael and Caravaggio, the circular shape boasts a glorious past in the artistic field and an equally significant symbolic value. Emblem of perfection, totality and perennial renewal like the wheel of the flaming solar disc, the Tondo by Moriconi contains environments that are difficult to place in defined times and places. The outcrops of islands, the desertifications, the glaciations and the drifts of the continents that are likely to be glimpsed in these landscapes ignite the imagination and raise disturbing doubts about the origin and, above all, about the destiny of our ecosystem. Instead of remaking reality, in the words of the American philosopher Nelson Goodman, Moriconi’s works contribute to the realization of an aesthetic experience in which vision is personal and perception becomes intimate. The gaze of the observer, beyond any cultural, experiential and formative parameter, filters and completes the meaning of works that tell a present that has renounced any claim to objectivity, where representing becomes more and more synonymous with revealing. Paola Martini

Mauro Moriconi nasce a Lucca nel 1980. Dopo aver concluso gli studi al liceo artistico di Lucca, si trasferisce a Firenze dove frequenta l’Accademia di Belle Arti. Dal 2003 al 2004 vive e lavora a Lisbona, dove continua gli studi accademici e organizza la sua prima mostra personale. Tornato nel 2004 a Firenze, conduce uno studio approfondito sull’opera dell’artista Mimmo Rotella, conosciuto nel suo studio di Milano e dal quale impara la tecnica del décollage, confluita in seguito nel suo lavoro relativo alla tesi di laurea. Tra il 2004 e il 2007 espone le sue opere realizzate con la tecnica appresa da Rotella alla galleria Ken’s Art Gallery di Firenze. Nel 2007 Moriconi crea la sua prima lastra fotografica incisa su alluminio: questa tecnica innovativa segna per l’artista uno svolta espressiva e diventa la chiave del successo che lo porta a collaborare con la Galleria Catm Ny di New York e Soho Gallery di Beverly Hills negli USA. Nel 2008 ottiene il riconoscimento dal Comune di Prato come miglior artista emergente. Nel 2011 inizia la sua collaborazione con la Galleria di arte Contemporanea Die Mauer di Prato, e nel 2013 viene selezionato per la fiera Internazionale di Fotografia a Milano Mia Fair, dove la sua serie fotografica Le Cirque ottiene l’attenzione della stampa. Nel 2015 viene selezionato dal Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato per la mostra TU35. Nel 2017 partecipa nuovamente alla fiera Internazionale di Fotografia a Milano Mia Fair con la serie Unfamiliar e la sua rilettura in versione Polaroid. Nel 2017 Fondazione Banca del Monte di Lucca organizza la sua prima retrospettiva. Nel 2019 viene segnalato alla fiera di arte contemporanea Affordable Art Fair di Milano per l’utilizzo originale di un mix di arte e nuove tecnologie

Mauro Moriconi was born in Lucca in 1980. After completing his studies at the artistic high school in Lucca, he moved to Florence where he attended the Academy of Fine Arts. From 2003 to 2004 he lived and worked in Lisbon, where he continued his academic studies and organized the his first solo show. Returning to Florence in 2004, he conducted an in-depth study on the work of the artist Mimmo Rotella, known in his studio in Milan and from whom he learned the décollage technique, which later merged into his work on his degree thesis. Between 2004 and 2007 he exhibited his works made with the technique learned by Rotella at the Ken’s Art Gallery in Florence. In 2007 Moriconi created his first photographic plate engraved on aluminum: this innovative technique marked an expressive turning point for the artist and became the key to success that led him to collaborate with the Catm Ny Gallery in New York and Soho Gallery in Beverly Hills in the USA. In 2008 he obtained recognition from the Municipality of Prato as the best emerging artist. In 2011 he began his collaboration with the Die Mauer Contemporary Art Gallery in Prato, and in 2013 he was selected for the Mia Fair International Photography Fair in Milan, where his photographic series Le Cirque got the attention of the press. In 2015 he was selected by the Luigi Pecci Center for Contemporary Art in Prato for the TU35 exhibition. In 2017 he participates again in the International Photography Fair in Milan Mia Fair with the Un-familiar series and its reinterpretation in Polaroid version. In 2017 FBML organizes its first retrospective. In 2019 he was reported at the Affordable Art Fair in Milan for the original use of a mix of art and new technologies.

TONDO 090, diam. 50 cm

Stefano Notargiacomo Il nuovo design che nasce dai motori 100

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Nasce dal made in Italy per generare altro made in Italy: contaminato, artigianale, di lusso. È il design di Stefano Notargiacomo, creativo romano che, partendo da pezzi di auto e motocicli storici, soprattutto italiani, concepisce opere uniche destinate a impreziosire gli interni delle case di tutto il mondo. Lo specchietto di una Ferrari Testarossa e il pedale di una Ferrari 360 diventano una lampada da tavolo con l’aggiunta di una base in travertino. Un carburatore originale degli anni Sessanta per una Vespa è il punto di partenza per un’altra opera d’illuminazione a metà tra arte e design. Un fregio Porsche d’epoca dà anima e valore a un elegante portaoggetti da scrivania. E, ancora, il flessibile di una marmitta fa da stelo a un’altra lampada unica, raffinata. Tutte le creazioni, in questa seconda vita destinata all’interior design, mantengono vivo il rimando al mondo dei motori e dello stile industriale di marchi prestigiosi. “Ogni opera nasce da un pezzo d’auto o di un motociclo, non importa se ‘nobile’ o no”, spiega Stefano Notargiacomo, “e su quel pezzo viene modellata, assecondandone la conformazione. Trovo i ricambi da cui parto nei mercati specializzati, anche on line. Spesso sono gli stessi collezionisti a fornirmeli, per vedere che cosa può venir fuori da un pedale, da un carburatore, da uno specchietto”. Al pregio dei pezzi d’auto, Notargiacomo unisce un secondo livello di artigianalità, assemblando ogni parte con un lavoro di altissima precisione, per il quale si avvale anche delle mani sapienti dei migliori artigiani romani, a partire da Lar - Lavori Artigiani Romani, prestigiosa bottega nel cuore della capitale dove dal 1938 si confezionano in maniera totalmente sartoriale i migliori paralumi della città, e non solo. Nell’assemblaggio, i pezzi mantengono le loro caratteristiche originali e originarie, inclusi i segni del tempo che, in questo caso, rappresentano un valore aggiunto. Un lavoro e una dedizione speciali che rendono unica ciascuna opera, con una particolare attenzione al dettaglio e a tutta la fase creativa, dal recupero dei pezzi, alla presentazione e confezionamento dell’opera. “Le auto, d’epoca o no, sono sempre state la mia passione. Ho sempre pensato che da un pezzo di scarto di un prodotto così vivo, che tanto prestigio ha dato da sempre al made in Italy nel mondo, potesse

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venir fuori qualcosa di elegante e unico. Per questo ho iniziato per gioco a ridare nuova vita ai ricambi: volevo perpetuare una leggenda. E volevo farlo dandole un destino nuovo, mantenendo sempre in ogni pezzo il senso originario del prodotto”. Stefano Notargiacomo, che ha saputo coniugare un diploma in Arti Grafiche con una laurea in Scienze Politiche, è presente con successo da anni in alcune tra le principali rassegne di settore nel mondo. Ha partecipato alla collettiva di arte contemporanea Evolution in modern art, al Cultuur Centrum de Warf in Belgio nel 2016, al Fuorisalone di Milano e all’International Design Festival di Berlino nello stesso anno. Nel 2015 ha esposto allo Spectrum Art Show di Miami e al Museo Laboratorio di Arte Contemporanea dell’Università “La Sapienza” di Roma. Dello stesso anno la personale presso GALLERIA SPAZIO ’40 di Roma. A Maggio 2018 la personale all’interno dell’Ambasciatori Palace Hotel di Via Veneto in occasione della competizione “Mille Miglia” che, nella strada simbolo della Dolce Vita, vede annualmente sfilare gli equipaggi di passaggio a Roma. Giugno 2018 ha rappresentato invece il debutto nel settore trofei di eleganza per auto storiche con la realizzazione del trofeo “Best in Show” per la seconda edizione del Circuito Storico Santa Marinella, tributo

a Guglielmo Marconi, con la partecipazione straordinaria della principessa Elettra Marconi. Dal 7 all’11 Settembre ha esposto al Salone internazionale “Maison & Objet” di Parigi 2018 per cui Notargiacomo è stato selezionato per esporre nella Hall “Unique and Eclectic”. Sue opere sono oggi in prestigiose collezioni private in Italia, Germania, Spagna, Inghilterra, Svizzera, Kuwait e sono pubblicate su riviste internazionali e siti web di settore auto e interior design in Italia, Francia, Inghilterra, Corea, Spagna, Germania, Russia, Stati Uniti d’America, Olanda e Giappone. Recente la creazione, su commissione di HERO EVENTS, di due opere da assegnare come trofei al MIGLIOR PILOTA e MIGLIOR NAVIGATORE della competizione HERO CUP 2019, consegnate a Londra, presso il Royal Automobile Club, il 17 Gennaio 2020. Attualmente collabora stabilmente con il Circuito Storico Santa Marinella per la realizzazione del trofeo BEST IN SHOW, mentre sono in fase di sviluppo nuovi progetti per la realizzazione di opere da assegnare come trofei per concorsi di auto storiche in Italia, Germania e Svizzera. In fase di attuazione la collaborazione con CARBO BRAKE per l’allestimento di un proprio spazio espositivo presso il KLASSIKSTADT di Francoforte sul Meno in Germania.

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New Made in Italy, out of old Made in Italy: adulterated, handcrafted, luxurious. This is what Stefano Notargiacomo‘s creations are about. Roman designer who reinvents parts of vintage cars and motorbikes, mostly Italian vehicles, turning them into unique pieces suitable for the most sophisticated interiors all over the world. The rear view mirror of a Ferrari Testarossa or the brake pedal of a Ferrari 360 becomes a lamp with a travertine marble base. An original carburettor from a sixties Vespa gives Notargiacomo inspiration for a lamp which sets itself up both as an art and design piece at the same time. A vintage Porsche logo decorates a refined desk glove box. A sophisticated lamp base is made out of the flexible pipe of a silencer, unique and valuable as much as the car where it comes from. The handcrafts refer to the worlds of cars and to the industrial style of distinguished Italian brands. All the mechanical pieces used in the works are still visible and recognisable, their second life dedicated to high design interior. Notargiacomo says: “The point is not that the piece came from a noble car or motorcycle, the key point is that every single work came from a mechanical part and on that part I moulded its shape. I find the pieces in specialized markets and online. The collectors themselves often provide me with spare parts as they

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are curious to see which creation can come out of a pedal, carburettor or rear view mirror“. In his refined design works, Notargiacomo combines elements of prestigious cars with high level of handmade manufacturing; the skilful hands of the best Roman artisans assemble each part with the most rigorous precision. One over all: Lar - Lavori Artigianali Romani, a well known little workshop in the heart of Rome, that has been making exclusive tailor-made lampshades since 1938. When put together all the mechanical parts keep their original features, including signs of time, adding value to the final realisation. Commitment and dedication make a unique creation out of every piece. “I‘ve always been passionate about cars, not exclusively vintage ones. I believe that out of something so vibrant like a piece of waste of a prestigious car, which is what made Italy so renowned and appreciated all over the world, something very elegant is bound to be generated. This is how I started giving spare parts a second life, I aimed to keep that legend alive. I wanted to do that by giving them a new purpose in a way that you could keep hearing the engine roar at the same time“. Stefano Notargiacomo, who has managed to combine a diploma in Graphic Arts with a degree in Political Science,

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has successfully exhibited for years at some of the world’s leading trade fairs. In 2016 he took part in the contemporary art collective exhibition Evolution in Modern Art in modern art at Cultuur Centrum de Warf in Belgium, the Milan Design Week, the Milan Design Week and the International Design Festival Berlin. In 2015 he participated in the Spectrum Art Show in Miami. At the moment his works can be seen in Rome at Coronari 111, Spazio 40 and at EPM. On May 2018 the solo exhibition inside the Ambassadors Palace Hotel in Via Veneto during the competition“Mille Miglia” that, in the road symbol of the Dolce Vita, sees annually parade the crews passing through Rome. June 2018 was instead the debut in the sector trophies of elegance for historic cars with the realization of the trophy “Best in Show” for the second edition of the Historical Circuit Santa Marinella, tribute to Guglielmo Marconi, with the extraordinary participation of Princess Elettra Marconi. From 7th to 11th September he exhibited at the 2018 Paris International “Maison & objet”, where Notargiacomo was selected to exhibit in the Hall “Unique and eclectic”. His works are on display, currently, in the Galleria Spazio 40 in Rome and in the studio of EPM interiors, also in the capital, and published in international magazines in the automotive and interior design sector in Italy, France, England, Korea, Spain

and Russia. Recently He realized the creation, on commission of HERO EVENTS, two works to be awarded as trophies to the BEST DRIVER and BEST NAVIGATOR of the competition HERO CUP 2019. The award ceremony was held in London, at the Royal Automobile Club, on January 2020. His works are now in prestigious private collections in Italy, Germany, Spain, England, Switzerland, Kuwait and are published in international magazines and websites in Italy, France, England, Korea, Spain, Germany, Russia, USA, Holland and Japan. It currently collaborates on a permanent basis with the Santa Marinella Historic Circuit for the realisation of the BEST IN SHOW trophy, while new projects are being developed for the realisation of works to be awarded as trophies for historic car competitions in Italy, Germany and Switzerland. The collaboration with CARBO BRAKE for the setting up of its own exhibition space at the KLASSIKSTADT in Frankfurt am Main, Germany, is currently being implemented.

WEBSITE | stefanonotargiacomo.it INSTAGRAM: @stefanotargiacomo FACEBOOK: stefano notargiacomo designer

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PHOTO CREDITS: Modo Agency

Intervista doppia

SIMONE DI MATTEO ANDREA CRIMI di Monica Landro

Può un libro animarsi attraverso delle note musicali? Possono dei capitoli diventare canzoni che ne riassumano il significato? Sì, accade al romanzo L’amore dietro ogni cosa dello scrittore Simone Di Matteo, la cui opera letteraria è diventata un concept album, a cui ha dato voce il cantautore Andrea Crimi. Simone Di Matteo, opinionista atipico, personaggio televisivo e penna fumantina di rubriche sul mondo dei vip e della TV, torna a far parlare di sé, non tanto per via dei giudizi irriverenti che ama elargire su settimanali e sui social dove raccoglie un seguito di follower che lo apprezzano e stimano quanto per essere riuscito a dar vita al primo Concept Album musicale tradotto interamente da un’opera letteraria. Il romanzo “L’amore dietro ogni cosa”, dopo essere andata in scena a teatro per la regia di Guido Del Vento, è diventato un disco cantato da Andrea Crimi e realizzato dalla New Music International. Simone Di Matteo, insieme all’autore Simone Pozzati hanno scritto i testi e Andrea Crimi ha musicato e dato voce al progetto. Can a book come to life through musical notes? Can chapters become songs that summarize their meaning? Yes, it happens to the novel Love Behind Everything by the writer Simone Di Matteo, whose literary work has become a concept album, to which the singer-songwriter Andrea Crimi has given voice. Simone Di Matteo, atypical columnist, television personality and smoky pen of columns on the world of VIPs and TV, returns to be talked about, not so much because of the irreverent judgments he loves to bestow on weeklies and on social networks where he gathers a following of followers who appreciate and esteem it as much as for being able to give life to the first musical Concept Album translated entirely from a literary work. The novel “Love behind everything”, after being staged at the theater under the direction of Guido Del Vento, became a record sung by Andrea Crimi and made by New Music International. Simone Di Matteo, together with the author Simone Pozzati, wrote the lyrics and Andrea Crimi set music and gave voice to the project.

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PHOTO CREDITS: Daniele Pozzati

WEBSITE | simonedimatteo.com INSTAGRAM | @simonedimatteoofficial FACEBOOK | simone.d.matteo.3

Monica Landro: Come vi siete conosciuti, come vi siete scelti, come è nata questa collaborazione? Simone Di Matteo: È avvenuto per caso, io ero alla ricerca di una voce per il progetto musicale ispirato al mio libro e alla fine mi sono imbattuto in quella di Andrea Crimi. Non lo conoscevo, ma quando l’ho sentito cantare per la prima volta dal vivo, ho capito che era l’artista giusto per l’album. Le sue qualità canore si sposavano alla perfezione con il concept che volevo dare al disco. Così è nata la nostra collaborazione, una circostanza fortuita! Andrea Crimi: Mi piace pensare che sia stato il destino. Sembra assurdo perché io e Simone arriviamo da esperienze decisamente opposte! Ricordo che mi ero appena lasciato alle spalle un percorso discografico che non mi aveva dato modo di tirare fuori voce e personalità al 100% come avrei voluto. Sono stato notato da Simone Di Matteo grazie al mio brano “Nero asfalto”; lui aveva in cantiere da diversi anni questo grande progetto ed ha visto in me “la voce”. Da lì è nata una grande alchimia che ci ha portato a tirare su un lavoro di squadra incredibile quanto naturale e piacevole. Monica Landro: How did you meet, how did you choose, how did this collaboration start? Simone Di Matteo: It happened by chance, I was looking for a voice for the musical project inspired by my book and in the end I came across Andrea Crimi’s. I didn’t know him, but when I heard him sing live for the first time, I realized that he was the right artist

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for the album. His singing qualities matched perfectly with the concept I wanted to give to the record. This is how our collaboration was born, a fortuitous circumstance! Andrea Crimi: I like to think it was fate. It seems absurd because Simone and I come from decidedly opposite experiences! I remember that I had just left behind a recording path that had not given me the opportunity to bring out my voice and personality at 100% as I would have liked. I was noticed by Simone Di Matteo thanks to my song “Nero asfalto”; he had been working on this great project for several years and saw “the voice” in me. From there a great alchemy was born that led us to create an incredible, natural and pleasant teamwork. ML: Simone, cosa si prova a sentire la canzone di un tuo scritto? SDM: A dir la verità, mi fa un effetto stranissimo ascoltare in radio una canzone tratta da un mio scritto. Allo stesso tempo, però, mi commuove. L’Amore Dietro Ogni Cosa è un progetto al quale mi sento particolarmente legato e sono fiero dei risultati che stiamo ottenendo. I primi due singoli sono stati molto apprezzati dal pubblico, in particolare il secondo, “Abbi Cura Di Me”. Sono certo che l’album sarà all’altezza delle loro aspettative, siamo sulla strada giusta! ML: Simone, how does it feel to hear the song of one of your writings? SDM: To tell the truth, listening to a song from one of my writings on the radio has a very strange effect on me. At the same time, however, it moves me. Love Behind Everything is a project to

which I feel particularly attached and I am proud of the results we are achieving. The first two singles were very popular with the public, especially the second, “Abbi Cura Di Me”. I am sure the album will live up to their expectations, we are on the right track!

libro e viceversa, insomma quale modo migliore se non quello di mettere a confronto un bel capitolo con la canzone corrispondente! Penso che non ci sia cosa più bella e particolare!

ML: Andrea, how does it feel to read a book that “tells” your songs? AC: I must say that it has an effect !! If I take a step back and think back, for example, at the fast timing with which I had the samples of the various musical compositions, it makes an impression that they come from such particular texts! Reading “The love behind everything” you get excited, you get lost, and at the same time you become one with the characters.

MLD: Normally it is advisable to read the book and then watch the movie if necessary. Here, for the first time, an album was born from a book. Which approach would you recommend first? to the book or the album? SDM: Clearly the book consists of the mother work, from which he then saw the album. Nonetheless, I can say with certainty that they are the mirror of each other and, in particular, the album has given a new expressive force to the message of the original text. Both, albeit in different ways, tell a single great story, that of love! AC: Well usually, when you find yourself in front of a good song you listen to it, you read a book ... in this case the cards on the table change decisively! I think that to fully savor the concept album you must also read the book and vice versa, in short, what better way than to compare a good chapter with the corresponding song! I think there is nothing more beautiful and particular!

ML: Normalmente si consiglia di leggere il libro e poi guardarne eventualmente il film. Qui, per la prima volta, da un libro nasce un album. Quale approccio consigliereste prima? al libro o all’album? SDM: Chiaramente il libro consiste nell’opera madre, da cui poi ha avuto vista l’album. Ciò nonostante, posso affermare con certezza che sono uno lo specchio dell’altro e, in particolare, l’album ha dato una nuova forza espressiva al messaggio del testo originario. Entrambi, seppur attraverso modi differenti, raccontano un’unica grande storia, quella dell’amore! AC: Beh solitamente, quando ci si trova davanti una bella canzone l’ascolti, un libro lo leggi... in questo caso le carte in tavola cambiano decisamente! Credo che per assaporare completamente il concept album bisogna leggere anche il

ML: Ogni titolo di ogni capitolo è diventato il titolo di ogni canzone. Anche il titolo del libro “L’amore dietro ogni cosa” è lo stesso del titolo dell’album. Secondo voi le emozioni che induce il testo letterario, riescono a ripetersi uguali nell’ascolto musicale? SDM: Beh, credo proprio di sì. In fondo sia il testo che il disco ripercorrono i sentieri dell’amore e i luoghi della libertà che inizialmente avevo impresso nero su bianco. Un viaggio attraverso le varie sfaccettature di un sentimento universale in cui ognuno di noi può riconoscersi. Magari, come già accennavo poc’anzi, il modo di raccontare potrà anche essere diverso, ma la storia e le emozioni di cui si narra, e in cui chiunque potrebbe ritrovarsi, sono esattamente gli stessi!

ML: Andrea, cosa si prova a leggere un libro che “racconta” le tue canzoni? AC: Devo dire che fa effetto!! Se faccio un passo indietro e ripenso ad esempio alle tempistiche veloci con cui facevo avere i provini delle varie composizioni musicali fa impressione che arrivino da testi così particolari! Leggendo “L’amore dietro ogni cosa” ci si emoziona, ci si perde, e nel contempo diventi tutt’uno con i personaggi.

Andrea Candeo

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Sofia Carbonaro

AC: La dimensione musicale offre uno spunto di riflessione diverso da chi sceglie la lettura. Nel libro come nel progetto discografico c’è un’anima cristallina, ma in entrambi si percepisce l’impronta dell’autore. Il disco rispecchia perfettamente i capitoli del libro ma credo fermamente che la musica possa arrivare ai cuori con più immediatezza, da cantautore non posso che avere questa visione. ML: Each title of each chapter became the title of each song. The title of the book “The love behind everything” is also the same as the title of the album. Do you think the emotions induced by the literary text are able to repeat themselves in the same way in listening to music? SDM: Well, I think so. After all, both the text and the record retrace the paths of love and the places of freedom that I had initially imprinted in black and white. A journey through the various facets of a universal feeling in which each of us can recognize ourselves. Maybe, as I mentioned earlier, the way of telling may be different, but the story and the emotions it tells about, and in which anyone could find themselves, are exactly the same! AC: The musical dimension offers a food for thought different from those who choose to read. In the book as in the recording project there is a crystalline soul, but the author’s mark is perceived in both. The disc perfectly reflects the chapters of the book but I firmly believe that music can reach hearts with more immediacy, as a songwriter I can only have this vision. ML: Il videoclip del singolo ABBI CURA DI ME sta girando molto: dove è stato girato? cosa ci vogliono raccontare i protagonisti? SDM: Il videoclip ufficiale di “Abbi Cura Di Me” è stato girato in Villa Borzino a Busalla (GE) con il patrocinio del Comune e dell’Assessorato alla Cultura, per la regia di Nicola Marrapodi e Bruno Trombetta e la produzione di Modo Agency. I protagonisti, il modello Andrea Candeo e la ballerina Sophia Carbonaro,

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in una danza al di là del tempo che li avvicina, senza che però riescano mai a toccarsi, ci vogliono raccontare quello che è il senso del brano. Abbi Cura Di Me, infatti, è la storia di un amore finito e degli strascichi che questo può portarsi dietro, e a mio parere, i ragazzi hanno fatto davvero un buon lavoro! AC: …aggiungerei solo che è disponibile su youtube! ML: The videoclip of the single ABBI CURA DI ME is going around a lot: where was it filmed? what do the protagonists want to tell us? SDM: The official videoclip of “Abbi cura di me” was shot in Villa Borzino in Busalla (GE) with the patronage of the Municipality and the Department of Culture, directed by Nicola Marrapodi and Bruno Trombetta and produced by Modo Agency. The protagonists, the model Andrea Candeo and the dancer Sophia Carbonaro, in a dance beyond time that brings them closer, without them ever managing to touch each other, want to tell us what the meaning of the song is. In fact, take care of me is the story of a broken love and the aftermath that this can bring with it, and in my opinion, the guys did a really good job! AC: … I would just add that it is available on youtube! ML: Avete un’anticipazione che ci potreste dare in esclusiva? SDM: A dir la verità, la creatività non ci manca e le idee che bollono in pentola sono tante. L’amore dietro ogni cosa è stata un’antologia veramente fortunata e con orgoglio posso dire che si tratta di un’opera in continua evoluzione. Inizialmente aveva dato vita ad una trasposizione drammaturgica, ora ad un intero album, ma sono ancora molte le sorprese in arrivo. Prossimamente, infatti, me lo auguro davvero tanto, il regista Carlo Fenizi ne realizzerà un lungometraggio di cui le tracce del disco comporranno la colonna sonora! AC: Direi che con grande gioia mi sento di dire che all’interno dell’album ci saranno due featuring: uno con Laura

Bono (vincitrice Sanremo Giovani 2005 con il brano “Non credo nei miracoli, attualmente all’attivo con “Le Deva”) e l’altro con Sergio Sylvestre (reso noto al grande pubblico televisivo dal programma “Amici Di Maria De Filippi”). Dell’idea del film ha già detto Simone, quindi direi che invito i lettori a seguirci, perché questo progetto è destinato ad evolversi continuamente. ML: Do you have an anticipation that you could give us exclusively? SDM: To tell the truth, we are not lacking in creativity and there are many ideas that are boiling in the pot. The love behind everything was a truly lucky anthology and I can proudly say that it is a work in constant evolution. Initially it had given life to a dramaturgical transposition, now to an entire album, but there are still many surprises to come. Soon, in fact, I really hope so, the director Carlo Fenizi will make a feature film of which the tracks of the disc will make up the soundtrack! AC: I would say that with great joy I feel like saying that there will be two featuring within the album: one with Laura Bono (winner of Sanremo Giovani 2005 with the song “I don’t believe in miracles, currently active with” Le Deva “) and the other with Sergio Sylvestre (made known to the general television audience by the program” Amici Di Maria De Filippi “). Simone has already said about the idea of the film, so I would say that I invite readers to follow us, because this project is destined to evolve continuously

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LIDIA BAGNARA

IN ZIR - I MIEI VIAGGI VERSO GERUSALEMME

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Tamil Nadu, India, 2002 (analogic photo)

Dal 24 giugno 2021, fino al 19 settembre, gli spazi di Nonostante Marras a Milano ospitano la mostra In “Zir - I miei viaggi verso Gerusalemme”. Foto di Lidia Bagnara a cura di Francesca Alfano Miglietti. Esposta al pubblico una selezione di un centinaio di scatti che raccontano i viaggi di Lidia Bagnara tra il 1991 e il 2021. Un orizzonte luminoso e colorato di frammenti di luoghi, persone, distanze e prossimità, che unisce l’India la Cappadocia, il Libano, la Siria, la Giordania, Israele, l’Egitto, l’Italia. La fotografia di Bagnara non conosce filtri né inquadrature studiate o ritocchi. Le foto di Lidia Bagnara sono istintive e spontanee, uno sguardo imperniato su un attimo di luce, ma proprio questa immediatezza le rende evanescenti, oniriche, a metà tra fotografia e pittura. L’immagine ferma diventa una narrazione di stati d’animo, sensazioni, odori, percezioni tattili derivanti dalla polvere, dal deserto, dalla pietra, dalla sabbia, dal mare, dal cielo. Gli scatti si fondono con la sua storia personale: il titolo della mostra è già di per sé una suggestione che deriva dall’amore sconfinato della fotografa per il viaggio. Infatti In Zir in dialetto romagnolo significa girare, girovagare, senza meta. E in questi vent’anni ha continuato a muoversi e a riportare nelle immagini tutti i luoghi che ha sentito profondamente sino ad arrivare, appunto, a Gerusalemme. Come scrive Francesca Alfano Miglietti: “Le ‘riprese’ di Lidia sembrano avere origine dal suo mondo poetico e sembrano volersi caratterizzare come una forma di lotta per la sopravvivenza, sembrano voler trasformare la stessa esistenza in una sorta di liquida placenta attraverso la quale poter osservare, parlare, sentire… un pensiero, insieme, selvaggio e raffinato che tiene quasi la storia a distanza. Un pensiero che occorre ‘pensare’ d’un colpo o non pensarlo per nulla”. In occasione dell’inaugurazione sarà anche presentato il libro di Lidia Bagnara Jerusalem, edito da Danilo Montanari, con testi di Giovanna Calvenzi e Manuela Dviri.

From 24 June 2021, until 19 September, the spaces of Nonostante Marras in Milan will host the exhibition “Zir - I miei viaggi verso Gerusalemme”. Photo by Lidia Bagnara by Francesca Alfano Miglietti. On display to the public a selection of about a hundred shots that tell the travels of Lidia Bagnara between 1991 and 2021. A bright and colorful horizon of fragments of places, people, distances and proximity, which unites India, Cappadocia, Lebanon , Syria, Jordan, Israel, Egypt, Italy. Bagnara’s photography does not know filters or studied framing or retouching. Lidia Bagnara’s photos are instinctive and spontaneous, a gaze focused on a moment of light, but this immediacy makes them evanescent, dreamlike, halfway between photography and painting. The still image becomes a narration of moods, sensations, smells, tactile perceptions deriving from the dust, the desert, the stone, the sand, the sea, the sky. The shots blend with her personal story: the title of the exhibition is in itself a suggestion that comes from the photographer’s boundless love for travel. In fact, in Zir in the Romagna dialect it means wandering, wandering, aimlessly. And in these twenty years she has continued to move and to bring back in the images all the places that has deeply felt until she arrived, in fact, in Jerusalem. As Francesca Alfano Miglietti writes: “Lidia’s ‘shots’ seem to originate from her poetic world, and seem to want to characterize themselves as a form of struggle for survival, they seem to want to transform existence itself into a sort of liquid placenta through which observe, speak, feel… a thought, both wild and refined, that almost keeps history at a distance. A thought that needs to be ‘thought’ all at once or not at all. On the occasion of the inauguration, the book by Lidia Bagnara Jerusalem, published by Danilo Montanari, with texts by Giovanna Calvenzi and Manuela Dviri will also be presented.

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Valle di Qadisha, Libano, 2016 (digital photo)

LIDIA BAGNARA: LA STRADA E IL CIELO Un giorno, nel 1969, Bruce Chatwin disse a Tom Maschler, editore e amico: “La domanda cui cercherò di rispondere è la seguente: perché gli uomini invece di stare fermi se ne vanno da un posto all’altro?” ... Curioso interrogativo…. Vedendo le immagini di Lidia Bagnara, si intuisce perché non bisogna stare fermi, ma bisogna cercare una visione, una luce, un attimo. Immagini quasi astratte, a volte pittoriche, piene di vuoti e di silenzi, Lidia Bagnara sembra avere un rapporto tutto suo con il mezzo meccanico…come se fosse un diario intimo, uno specchio, una lente d’ingrandimento, un vocabolario, un mezzo attraverso cui vivere il mondo e la vita. Nelle sue immagini sembra scorrere la sua vita, il mondo che lei vede e attraversa, quello vicino così come quello lontano: i paesaggi, le città, i deserti, il mondo visto dal basso o visto dall’alto, la strada e il cielo. In ogni sua fotografia c’è la stessa anima e lo stesso sguardo: preciso sicuro, curioso, raffinato, di una che insegue la vita. In ogni foto c’è un rapporto e un confronto con la bellezza, con le leggi della natura e del mondo e le sue immagini risultano inscindibili dalla sua persona. Le foto di Lidia Bagnara hanno il dono di uno sguardo puro, di chi dal mezzo meccanico non si aspetta nulla, ma che al tempo stesso è l’unico inseparabile compagno di vita. La sua fotografia vuole raccontare luoghi e momenti, annullando la distanza dagli scenari ripresi. È amare il cammino evidenziandone il respiro, plasmando lo spazio e fissando il tempo. Nelle fotografie di Lidia gioca un elemento fondamentale la luce. Lidia cerca di dare un’autonomia alla luce rappresentandola non come riflesso sugli oggetti ma come autonoma entità atmosferica, le immagini che ne derivano danno un aspetto quasi

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astratto al paesaggio e costruiscono una visione che sembra attrarre chi guarda la foto per un messaggio suggerito in un orecchio. Una sorta di segreto svelato attraverso le sue emozioni. I dati delle immagini di Lidia Bagnara sembrano raccolti in vari ordini di catalogazione, e risultano essere complementari ad una raccolta di sguardi e di sensazioni: dolcezza, rabbia, paura, felicità, tristezza, quiete, sorpresa, sono restituite allo spettatore con la stessa intensità di una ‘prima visione’, tutto sembra una sorta di conquista cognitiva molto antica, assolutamente individuale eppure universale. Lidia Bagnara fotografa luoghi come fossero sentimenti e nelle sue immagini è evidente che è tutto il corpo che si mette in gioco, il proprio, mentre viaggia, incontra, fotografa; e quello dello spettatore, a cui viene richiesta una partecipazione sensoriale oltre che emotiva. In lei c’è una dualità costante fra mente razionale e istinto, fra parte sinistra e parte destra del cervello, momenti in cui si perde la testa e altri in cui la si ritrova. Immagini filtrate tra le luci e la nebbia, … tutto scorre intorno, come un orizzonte informe, nebulotico, infinito, un orizzonte da cui può emergere una storia, un racconto, un pensiero. Una visione contemporaneamente mitica e poetica, dove a volte sembra trasparire una vena di disperazione, come se fosse percepibile che le grandi forze della natura si generassero le une dalle altre a partire dallo spazio vuoto, informe, buio, lo spazio di una solitudine. E non è un caso che Lidia Bagnara abbia scelto il mezzo fotografico, dunque la luce, per raccogliere i pensieri, le sensazioni, gli incontri. Per comunicare. Una serie di fotografie come metafora del flusso. Nella metafora del flusso i frammenti del racconto sembrano legarsi all’intuizione di una irreversibilità del tempo in cui le cose sono coinvolte, una irreversibilità per la quale il divenire di tutte le cose, che sempre muta e si rinnova,

Pondicherry, India, 2004 (analogic photo)

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Quartiere Ebraico, Città Vecchia, Gerusalemme, 2018 (digital photo)

Piramide di Micerino, Egitto, 2010 (analogic photo)

è curvato in un ordine inevitabile di eventi. Eppure nel flusso di immagini di Lidia Bagnara vi è una costanza, un ritmo, delle permanenze: un flusso che sembra tornare su di sé, avvolgersi su se stesso. Come il tempo interiore, dove non c’è momento attuale che non sia compenetrato dalla memoria del passato. Per Lidia Bagnara che il tempo fluisca, che la sua stessa vita fluisca, significa che l’attività della coscienza non può essere ridotta allo schema di una successione numerica di gesti. Nel tempo vissuto della coscienza, diverso dal tempo spazializzato delle cose esteriori, omogeneo e misurabile, la successione è un flusso di elementi selezionati emotivamente che si fondono, che si compenetrano e in cui la percezione tende a sfumare nel ricordo e il passato si mantiene nel presente. Attraverso un processo di condensazione degno di un sogno freudiano, l’immaginazione ansiosa e silenziosa di Lidia ha incorporato gli aspetti principali di una vita che voleva alimentare il sogno. Le ‘riprese’ di Lidia sembrano avere origine dal suo mondo poetico e sembrano volersi caratterizzare come una forma di lotta per la sopravvivenza, sembrano voler trasformare la stessa esistenza in una sorta di liquida placenta attraverso la quale poter osservare, parlare, sentire… un pensiero, insieme, selvaggio e raffinato che tiene quasi la storia a distanza. Un pensiero che occorre ‘pensare’ d’un colpo o non pensarlo per nulla. Un tuffo nell’acqua. Il primo sogno dell’uomo riflettente è stato proprio un sogno d’acqua. Una riflessione che fu anche un riflesso: il sogno che l’universo intero fosse fatto di una materia la cui esistenza non può essere afferrata e posseduta da nessuno dei nostri sensi. Da qui il riflesso, appunto, che l’universo fosse della stessa sostanza dei sogni. Francesca Alfano Miglietti

LIDIA BAGNARA: THE ROAD AND THE SKY One day, in 1969, Bruce Chatwin said to Tom Maschler, editor and friend: “The question I will try to answer is the following: why do men go from one place to another instead of standing still?” ... Curious question…. Seeing the images of Lidia Bagnara, one senses why we must not stand still, but we must seek a vision, a light, a moment. Almost abstract images, sometimes pictorial, full of voids and silences, Lidia Bagnara seems to have a relationship of her own with the mechanical medium ... as if it were an intimate diary, a mirror, a magnifying glass, a dictionary, a medium through to live the world and life. In her images her life seems to flow, the world she sees and crosses, the near as well as the distant one: landscapes, cities, deserts, the world seen from below or seen from above, the road and the sky. In every photograph of her there is the same soul and the same gaze: precise, confident, curious, refined, of one who pursues life. In each photo of her there is a relationship and a comparison with beauty, with the laws of nature and the world, and her images are inseparable from her person. Lidia Bagnara’s photos have the gift of a pure gaze, of those who expect nothing from the mechanical means, but who at the same time are the only inseparable life partner. Her photography wants to tell about places and moments, eliminating the distance from the scenarios taken. It is loving the path by highlighting its breath, shaping space and fixing time. Light plays a fundamental element in Lidia’s photographs. Lidia tries to give light autonomy by representing it not as a reflection on objects but as an autonomous atmospheric entity, the resulting images give an almost abstract aspect to the landscape and build a vision that seems to attract the viewer to the photo for a message suggested in an ear. A sort of secret revealed through her emotions.

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The data of Lidia Bagnara’s images seem to be collected in various cataloging orders, and are complementary to a collection of looks and sensations: sweetness, anger, fear, happiness, sadness, quiet, surprise, are returned to the viewer with the same intensity. of a ‘first vision’, everything seems a kind of very ancient cognitive conquest, absolutely individual and yet universal. Lidia Bagnara photographs places as if they were feelings, and in her images of her it is evident that it is the whole body that is involved, her own, while she travels, meets, photographs; and that of the spectator, who is required to have a sensorial as well as an emotional participation. In her there is a constant duality between the rational mind and instinct, between the left and right sides of the brain, moments in which you lose your mind and others in which you find it. Images filtered between the lights and the fog,… everything flows around, like a shapeless, nebulotic, infinite horizon, a horizon from which a story, a tale, a thought can emerge. A vision at the same time mythical and poetic, where at times a vein of despair seems to shine through, as if it were perceptible that the great forces of nature were generated from each other starting from empty, shapeless, dark space, the space of solitude. And it is no coincidence that Lidia Bagnara has chosen the photographic medium, therefore the light, to collect thoughts, sensations, encounters. To communicate. A series of photographs as a metaphor for flow. In the metaphor of flow, the fragments of the story seem to be linked to the intuition of an irreversibility of the time in which things are involved, an irreversibility for which the becoming of all things, which always changes and renews itself, is curved in an inevitable order of events. Yet in

Lidia Bagnara’s flow of images there is a constancy, a rhythm, of permanence: a flow that seems to come back on itself, to wind itself up. Like inner time, where there is no current moment that is not permeated by the memory of the past. For Lidia Bagnara that time flows, that her own life flows, it means that the activity of consciousness cannot be reduced to the scheme of a numerical succession of gestures. In the lived time of consciousness, different from the spatialized time of external things, homogeneous and measurable, the succession is a flow of emotionally selected elements that merge, which interpenetrate, and in which perception tends to fade into memory and the past is maintained. in the present. Through a condensation process worthy of a Freudian dream, Lidia’s anxious and silent imagination incorporated the main aspects of a life that wanted to feed the dream. Lidia’s ‘shots’ seem to originate from her poetic world, and seem to want to characterize themselves as a form of struggle for survival, they seem to want to transform existence itself into a sort of liquid placenta through which one can observe, speak, feel ... a thought, at the same time, wild and refined that almost keeps history at a distance. A thought that needs to be ‘thought’ all at once or not at all. A dip in the water. The reflective man’s first dream was just a dream of water. A reflection that was also a reflection: the dream that the entire universe was made of a matter whose existence cannot be grasped and possessed by any of our senses. Hence the reflection, in fact, that the universe was of the same substance as dreams. Francesca Alfano Miglietti

WEBSITE | lidiabagnara.com INSTAGRAM | @lidia_bagnara_photographer FACEBOOK | Lidia Bagnara Photographer Special thanks to MARIA VITTORIA BARAVELLI

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Santo Sepolcro Gerusalemme, 2015 (analogic photo)

Petra, Giordania, 1997 (analogic photo) SCHEDA INFORMATIVA Mostra: In Zir - I miei Viaggi verso Gerusalemme Fotografie di Lidia Bagnara Curatrice: Francesca Alfano Miglietti Sede: Nonostante Marrasvia Cola di Rienzo 8, Milano Inaugurazione: mercoledì 23 giugno 2021, ore 19.00 Apertura al pubblico: 24 giugno - 19 settembre 2021 Ingresso gratuito www.antoniomarras.com

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FOLLINA (TV) | Proseccoland www.hoteldeichiostri.com

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Dossier 04/2021 125

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