A Little Beat #103

A Little Beat... #103 INVIERNO 2011 WINTER 2011 Publicación trimestral Quarterly Publication Depósito Legal: V-1547-2001 Dirección: Gonzalo Pérez a.k.a. GNZ gnz@alittlebeat.com Portada, Diseño y maquetación: GNZ Publicidad/Advertising: Amanda Gómez +34 963 275 494 alb.amanda@alittlebeat.com Contacto/Contact: +34 963 275 494 info@alittlebeat.com Colaboradores/Contributors: Amanda Gómez Antonio García Mora & MTN World Carlos Llorente “Blastto” & Bassjam David Broc Frankie Pizá & Concepto Radio Fernando Fernández Hevia GNZ Jose Nieto + Mike Castello & Sr. Calle Jose Serrano Martí Larry ACR Lukasz Polowczyk.

(No nos responsabilizamos de las opiniones vertidas por nuestros colaboradores.) www.alittlebeat.com

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Portada / Cover by GNZ Editorial Index BASSJAM: 2011 DRUM & BASS Reportaje / Report MATADOR ROCKERS Entrevista / Interview CONCEPTO RADIO: LOS MEJORES 12 DISCOS DE 2011 CONCEPTO RADIO: THE BEST 12 ALBUMS OF 2011 Reportaje / Report ERIK URANO & ZAR 1 Reportaje / Report GEBRÜDER TEICHMANN Entrevista / Interview ALBUM: ALOE BLACC (live) Reportaje / Report KLUDGE Entrevista / Interview SWEET VANDALS Reportaje / Report DROP 1410 Entrevista / Interview SR. CALLE: SIX vs SIX Reportaje / Report BITCODE Entrevista / Interview EME DE MATI Entrevista / Interview BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2011 Reportaje / Report ALBUM: TIKEN JAH FAKOLY (live) Reportaje / Report

reportaje

/ un reportaje de Carlos Llorente Blastto/Bassjam.net powered by

Comenzar esta colaboración realizando un repaso anual es una tarea algo complicada. Más aún si de lo que estamos haciendo el repaso es de un género como el drum and bass, estilo que ya dejó de ser algo minoritario y que todo el mundo conoce. Para bien o para mal. Porque la situación del drum & bass es buena, estable, su trabajo a costado la verdad. Pero eso también la hace previsible, la fórmula ya está entendida, estudiada, ahora hay que salir de ella. Dar una vuelta de tuerca, un paso adelante.

Por eso en este repaso anual vamos a intentar mostrar lo que verdaderamente destaca de este año, año en el que han salido muchos, muchos discos, aunque más de uno siga estancado en el pasado. El drum & bass sigue en pie, veamos como avanza.

Y la verdad es que el año no pudo empezar más fuerte. Así, nada más arrancar y antes de terminar el primer mes sale a la venta el álbum de Chase & Status. Un álbum del que ya se conocían algunos tracks que merodeaban por la red de redes y que marcó el cambio de discográfica, pasando de Ram Records a la multinacional Mercury, algo que se tradujo en que los de Londres eran un tanto “vendidos”, renunciando así al sello con el que realizaron su primer LP. Sus razones tendrían, en eso aquí no me meto, pero hay que reconocer que “No More Idols” es un discazo. Es darle al play, escuchar “No problem”, y venirte arriba como si esto fuera el fin del mundo. La introducción es un golpe en la mesa para esos que dijeron que eran unos vendidos “is not problem for me, but its a problem for you”.

Ya, ya lo sé, el álbum no es 100% drum and bass (y quizá sea esta la razón de cambio de sello, ya que es un disco mucho más, digamos, para todos los gustos) pero merece estar en este repaso. “Let you go”, “Blind Faith” o

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“Hypest hype” son temas con estilos totalmente diferentes, más enfocados al mainstream, y son la muestra del sonido, vendido o no, al que ha llegado Chase & Status.

chase & status

Con la llegada de el mes más corto del año también llega el tercer álbum del productor Nu:Tone, “Word and Pictures”.

Editado desde el sello Hospital Records es un álbum que no defrauda a los amantes del liquid drum and bass y el sello del hospital.

Las colaboraciones son cuanto menos destacables, y entre ellas encontramos a Ben Westbeech, Natalie Williams o 4hero.

Un disco lleno de color y calor, en algunos momentos con sabor añejo, desprende buen rollo y deja un buen sabor de boca si lo que quieres es animarte.

Llega Marzo y lo hace con un avance del que será el nuevo álbum de Loadstar, dúo formado por los productores Xample & Lomax. “Space between” se presentó con un explosivo video, literalmente, que dejaba escuchar un drum and bass puramente enfocado a la pista de baile y algo más quebrado de lo habitual. Aunque la introducción con un riff de guitarra pueda parecer lo contrario, es uno de los tracks más salvajes del año. De esos que te hacen decir “que cojones?!” y te vuelvas del revés como un calcetín.

nu:tone

Precisamente Ram Records es un sello al que hay que recordar este año, ya que han cumplido su referencia número 100, que en esto del drum and bass no es tarea fácil. Qué contarte que ya

no sepas. La referencia 100 es un LP creado con 14 smashers que no deben faltarte en tu maleta. Algunas piezas deseadas y buscadas por muchos dj’s como “Stomp” de Sub Focus, “Finders Keepers” del propio Andy C, un remix al clásico “No Reality” por Noisia del año 2007 o el clásico también “The Shadow knows” remezclado por Dirtyphonics.

Ya estás tardando en pillarlo si es que aún no lo tienes. No sé cómo pero Ram tiene la facilidad de encontrar grandes talentos en esto del drum & bass, y a los nombres me remito.

Delta Heavy es un dúo que va a dar mucho que hablar al que se le da muy bien el drumstep, es decir, mezclar drum and bass con dubstep. Si no sabes lo que es escúchate “Overkill” o “Hold me”.

delta heavy

Pero el que tengo que reconocer que me sorprendió fue lo nuevo de Dj Fresh, que por contra de un drum and bass jump-up ha optado por bajar los bpms y crear un drum and bass que recuerda mucho a los comienzos.

Muy recomendado.

Otro sello que debemos de recordar este año es Shogun Audio. Todos sabemos el buen gusto que tiene Dj Friction a la hora de pinchar, así que

su sello no iba a ser menos. La calidad rebosa por los 4 lados de cada disco y el eclecticismo de sus estilos es un punto a su favor.

Para muestra unos ejemplos. Comenzamos por el fantástico LP de Icicle, un trabajo que roza lo experimental, con toques technoides y alguna que otra perla con los mc´s como protagonistas.

Un álbum muy completo para los amantes del sonido tech-step, los sub profundos y los breaks bien marcados.

Como ya he dicho, este es también el año de Shogun Audio y es porque editan su referencia número 50. La verdad para el poco tiempo que llevan son muchas. “Way of the warrior” es el nombre del álbum y en él se dan cita los productores que han pasado por sus releases a lo largo de los años, todos de una calidad incuestionable: Alix Perez, D Bridge, Break o

alix perez

Distance son algunos de los productores que completan 12 tracks de drum and bass que parece traído de Tenchu. Un drum and bass minucioso pero no tranquilo, detallista pero completo, que progresa sin cesar hasta dar con el combate final.

Muy grande.

Si tenía ganas de un álbum este año era el de los hermanos Phill y Dan, Brookes Brothers .

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Pero si lo que buscas es un drum and bass atmosférico y abstracto debes hacerte con el último álbum del japonés Makoto, “Souled Out”, un viejo conocido en la escena que demuestra que el dnb es mucho más que bombo y bajos.

La verdad es que ha sido el año de los LP´s.

De entre todos podemos citar el de Marcus Intalex, titulado “21”, que son los años que lleva en la escena. Casi ná. Un álbum para escuchar de principio a fin.

brookes brothers

Después de mucho trabajo editan su primer álbum, llamado también “Brookes Brothers”, en el que nos repasan su drum and bass melódico, hecho con cabeza, todo bien medido y estructurado. En total son 14 tracks con clásicos del sonido liquid como “Beautiful”, “Tear you down” o “Last night”, pero también puedes encontrar pepinazos en formato dubstep como “In your eyes” con Johnny Osbourne.

Don´t Play Records es el nuevo sello creado por el productor TC, que si sabes de él, te darás cuenta de que lo que te vas a encontrar aquí es dnb de mover el culo. Drum and bass y dubstep de verbena es lo que te vas a encontrar, pura juerga sin contemplaciones. Y punto.

Otros de este estilo que no debemos pasar por alto son los hijos del bombo, o Son of Kick que parece que suena mejor en ingles. Si aun no has visto el video de “Playing the villain” es que has estado en otro planeta.

O el de tercer álbum de el dúo de Nueva Zelanda State of Mind llamado “Nil By Ear”, un álbum repleto de ese drum and bass rolling que mezcla tan bien y con algún que otro track de breaks y dubstep de por medio.

“365 days” es el álbum del trío Indivision, de Estonia, que tan pronto te salen con un dubstep pistero que con un track de dubstep de lo más profundo o uno de liquid para levantar el ánimo.

En Octubre nos llegó un tremendo álbum de Blu Mar Ten llamado “Love is the Devil”, un trabajo muy personal y profundo que sólo el dúo de Londres es capaz de transmitir.

son of kick

noisia

No vamos a olvidarnos de los que son imprescindibles año tras año. Noisia son lo más grande que ha parido la electrónica, y en especial el drum and bass, en la última década.

Si aún no lo has visto, busca ya el video de “Shellshock” y dime si no te dan ganas de levantarte y liarte a quemar zapatilla hasta que llegues al calcetín. Por cierto, no olvides descargártelo, que es gratis.

Esta gente está a otro nivel, no hay nada que se les ponga por delante, te pueden hacer un tema de drum & bass o uno de dubstep y siempre te dejan con el culo mirando a las antípodas.

El remix de “Earthquake” al track de “Labirinth” junto a Tinie Tempah es el mejor ejemplo, o su reciente “Tommy´s Theme”, cualquiera de los dos como te pille de imprevisto lo mismo luego no sabes ni quién eres. Avisado estás.

Salimos del mainstream para conocer a uno de los dúos revelación del año. Need for Mirrors es un dúo de productores británicos que dan una vuelta de tuerca a su sonido y sacan el excelente “Super Earth EP”.

dub phizix

Un drum and bass oscuro, profundo y sobre todo, creativo. Nos encontramos con un EP de drum and bass que busca una alternativa al dancefloor más facilón y que recuerda al drum and bass más underground y a los primeros pasos del techstep. Atmósferas panorámicas y breaks galopantes son los protagonistas de 4 tracks que te zambullen en un universo totalmente diferente al que conoces.

Tienes que dejarte llevar.

A destacar el álbum de Horizons Music “Dream Thief 2”, un regreso al pasado del sonido de finales de los 90 principios del 2000. Sin florituras, directo de la máquina y directo al cerebro.

Otros que celebran algo este año es Soul:R, el 10 aniversario, y para ello sale a la luz el EP “The Editor” de Dub Phizix, un productor afincado en la sombra con una larga trayectoria creando música para tv o series y que edita un EP de lo más destacado del año. 4 tracks inquietantes y minimalistas, oscuros como una cueva

donde retumban los amen breaks rotos en mil pedazos.

Continuando con un sonido más experimental, no podemos saltarnos el álbum “Mosaic - Volume One”. Editado en el sello Exit Recordings y capitaneado por D-Bridge, antiguo componente del mítico trío )EIB(, que, si no conoces aún, no puedes decir que te gusta el drum and bass.

Su sonido ha cambiado por completo, y aunque no lo parezca a primera vista esto es drum and bass. ¡Sorpresa! Nos encontramos ya en las profundidades más alejadas de la civilización que te puedas imaginar. Productores como Skream, Instra:mental, Scuba o Commix son los encargados de darte un paseo por su universo vacio y tenebroso.

Puede que no sea tu estilo, seguramente conozcas otro tipo de drum and bass totalmente opuesto, pero como ya hemos dicho, el drum and bass avanza y esto es una muestra.

ENGLISH VERSION report

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/a report by Carlos Llorente Blastto/Bassjam.net To start this collaboration making a one year review it’s not an easy task. Furthermore, it’s even harder if the review is about a whole genre like Drum & Bass, a style which is not for minorities anymore, a style everybody knows now. For better or worse. Because the drum & bass situation is good, stable, and it’s been really hard to reach this status. But this makes it also predictable, the formula has been understood, studied, and now it’s time to step out of it. It’s time to bring new perspectives, to go one step beyond.

That’s why in this annual review we’re trying to highlight the really interesting things from 2011, a year of massive new releases and new albums, even if there are still a few anchored to the past. Drum & Bass still stands up, let’s see how it moves forward.

The truth is the year couldn’t start stronger. So, just at the beginning of 2011, and before the end of its first month the album of Chase & Status was released.

Some of the tracks of the album were already known, as they were available on the internet, but this album supposed a change of label, moving from Ram Records to the multinational Mercury, something that has different interpretations, for example that Chase & Status were selling their souls, renouncing like that to the label where they published their first LP. We are sure they had their own reasons, and we don’t mess with it, but we have to recognize that “No More Idols” is a huge record. You just have to press the play button,

listen to “No Problem” and you’ll rise up as if it was the end of the world.

The introduction is like a punch on the table for those who said they had sold themselves, “It’s not a problem for me, but it’s a problem for you”.

Yeah, I know, this album is not 100% drum & bass (and maybe that’s the reason for the label change, as it’s an album… let’s say, to suit all tastes…), but it deserves to be included on this review. “Let you go”, “Blind Faith” or “Hypest hype” are tracks of absolutely different styles, more focused on mainstream, and are the sample of the sound, sold out or not, reached by Chase & Status.

With the shortest month of the year also arrived “Word and Pictures”, the third album of Nu:Tone.

Released through Hospital Records, it’s an album which will delight all the liquid drum & bass lovers.

Collaborations are, at least, remarkable, with names as Ben Westbeech, Natalie Williams or 4hero. It’s a colorful and warm album, with some mature flavour moments, detaching cool ambiances, and with a nice final taste in your mouth if you’re looking to cheer up.

March comes with an advance of the new Loadstar album, the duo made by the producers Xample & Lomax. “Space between” was presented with an explosive video, literally, giving us the chance to listen to dance floor focused drum & bass, more broken than

usually. Even if the intro is a guitar riff, don’t be wrong, it’s one of the wildest tracks of the year. One of these kind of tracks that make you think “WTF?”, and that will turn your inside out just like a sock.

Precisely Ram Records is one of the labels we might remember this year, as they have reached their release number 100, not an easy thing in Drum & Bass. We can’t tell you anything that you don’t already know.

Ram’s release 100 is an album built by 14 smashers you shouldn’t miss in your record-case.

Some tracks are very desired and searched by dj’s like SubFocus’ “Stomp”, Andy C’s “Finders Keepers”, a remix from the classic Noisia’s “No reality” from 2007, or another classic as “The Shadow Knows” remixed by Dirtyphonics. You’re being late if you still don’t have it.

I don’t know how but Ram finds huge Drum & Bass talents very easily, and I refer to the names.

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Delta Heavy are a promising duo and very good making Drumstep, the mix of Drum & Bass and Dubstep. If you don’t know what I am talking about, just take a listen to “Overkill” or “Hold Me”.

But if there’s someone I have to recognize for the big surprise his work has supposed to me, it’s Dj Fresh’ new album, that in the opposite side of Jump-Up D&B, has lowered the bpm’s, creating a kind of drum & bass which reminds me of the beginnings. Highly recommended.

Another label we have to remind this year is Shogun Audio. We all know the good taste of DJ Fresh for mixing, and his label couldn’t be least. The quality of each one of their releases is overflowing, and the eclecticism of its various styles is an advantage for the label. Just let’s see some examples. Starting with the awesome album from Icicle, a work in the boundaries of experimental, with techno touches, and a few gems with the mc’s as the main characters. A very complete album for the tech-step, deep sub bass and well-shaped breaks lovers.

As I already told you, 2011 is also the year of Shogun Audio, as they’ve reached their release number 50.

And that’s a lot considering their short life. “Way of the warrior” is the name of the release, and gathers the main producers releasing in the label over the last years, of an indisputable quality: Alix Perez, D Bridge, Break or Distance are some of the responsible of the 12 tracks of Tenchu’s style Drum & Bass. Detailed but not calm Drum & Bass, precise but complete, in a constant evolution until the final fight. Huge.

If I was looking forward for an album this year, this was the Phil & Dan bros one, the Brookes Brothers.

After a lot of work, they’ve released their first album, also called Brookes Brothers, a review to their melodic drum & bass, well built, measured and structured. 14 tracks including liquid classic sounds as “Beautiful”, “Tear You Down” or “Last Night”, but you will also find dubstep smashers as “In Your Side” featuring Johnny Osbourne.

dj fresh 2011 has been a year for LP’s. One of them has been Marcus Intalex’ “21”, which are the years he’s been involved with music. Amazing. An album to listen to entirely.

Or the New Zealand’s duo State OF Mind new album, called “Nil By Ear”, full of Rolling Drum & Bass so grateful to mix, and with some breaks and dubstep tracks in the middle.

“365 Days” is the album of Indivision, from Estonia. They move from dance floor dubstep to deep ambiances, or cheering liquid D&B. In October we received the astonishing Blu Mar Ten’s new album, called “Love is the Devil”, a very personal work, as intimate as only the London duo can make.

But if you’re looking for atmospheric and abstract drum & bass you might get the last release from Japanese producer Makoto, “Souled Out”, a familiar face from

the scene, who shows us that drum & bass is much more than just drum and bass.

Don’t Play Records is a new label built by the producer TC, and if you’ve heard about him, you will know what you can expect, uplifting drum & bass. Party Drum & Bass and Dubstep is what you’re gonna find, pure party without ceremonies. And that’s that.

Another ones close to this style are Son of Kick. If you still have not seen their video “Playing the villain”, you’ve been for sure in another planet.

We can’t forget about the essentials, year after year.

Noisia are the biggest thing seen in electronic music on the last decade. If you still have not seen them, look for the “Shellshock” video, and tell me if you didn’t feel the need to stand up and start dancing until you burn the soles of your shoes… until you reach the sock.

By the way, don’t forget to download it, it’s for free.

Those people are on another level, nothing can stop’em.

Even if they’re doing D&B or Dubstep, they’ll beat you up, always. From “Earthquake” remix, to the “Labirinth” one, besides Tinie Tempah is the best example. Or their recent “Tommy’s Theme”, any of them may turn you crazy if you’re not prepared. You’ve been warned.

d-bridge

need for mirrors

We might also highlight “Dream Thief 2”, the album of Horizons Music, a return to the sounds of the late 90’s and early 2000’s. No frills, direct to the machine and to the brain.

We’re leaving mainstream aside, to discover the most promising upcoming duo of the year. Need for Mirrors is a British producers duo, going beyond over their own sound, and releasing the excellent “Super Earth EP”.

Dark, deep and especially creative Drum & Bass. This is an album searching an alternative to easy dance floor styles, and reminds to underground drum & bass and to the first days of Techstep. Panoramic atmospheres and galloping breaks are the main characters of the 4 tracks that will dip you down to a universe absolutely different to what you know. You have to let you go.

The label Soul:R is also celebrating their 10th anniversary this year. And that’s why they’ve released “The Editor EP”, of Dub Phizix, a producer established in the shadows, with a long experience producing TV and series scores. He has released an album gathering the most remarkable productions of the year, 4 disturbing tracks, minimal, dark as a cove where broken amen breaks resounds.

It’s the turn of more experimental sounds, and we can’t pass by the album “Mosaic Volume One”. Released by Exit Recordings label, headed by D-Bridge, former member of the trio )EIB(. If you don’t know him, it means you don’t like D&B. His sound has completely changed, and even if it doesn’t look like this at the first sight, it’s Drum & Bass. Surprise!

We are now entering in the deepest zone aside from humanity we’re able to imagine. Producers as Skream, Instra:mental, Scuba or Commix are the chosen ones to make the tour of their deserted and gloomy universe.

Maybe this is not your style, and you probably know other styles totally opposite, but as I told you before Drum & Bass is moving forward, and this is just a sample.

entrevista

/una entrevista de GNZ “Esto tenía que pasar”. Ésa es la advertencia con la que Matador Rockers ha sorprendido a público y crítica. Su primer LP lleva como título toda una declaración de intenciones que sitúa al nuevo fichaje de DelPalo en lo más fresco e innovador del Hip Hop Made In Spain.

Puto Chen, Lío, Ra y DJ Gonne son cuatro chavales de Rubí y Terrassa, en los alrededores de Barcelona, que han puesto patas arriba el panorama desde que Griffi los acogiera bajo su ala, disponiéndose a echarles un cable para que su carrera despegara, imaginamos que en un intento de ahorrarles los quebraderos de cabeza que él ha padecido en sus propias carnes.

Y es que desde sus primeros pasos, Matador Rockers han seguido su propio compás, recorriendo su camino sin cortapisas, desbordantes de libertad y demostrando una creatividad sin complejos. Y sin miedos. “Esto tenía que pasar” es un LP arriesgado, que seguro habrá levantado ampollas entre los sectores más inmovilistas del panorama Hip Hop patrio (una nueva dosis de veneno para puristas, como dirían en DelPalo), pero que por otra parte ha levantado las pasiones de todas esas mentes inquietas sedientas de nuevas y originales propuestas, y que son mayoría.

Desde que oímos hablar de Matador Rockers por primera vez, hace ya unos cuantos años, les venimos siguiendo la pista, y la verdad es que sentimos debilidad por todo lo que hacen, y más teniendo el sello de garantía que supone pertenecer a la escudería Del Palo, así que no podíamos dejar pasar la oportunidad de entrevistarles para que nos contaran, en primera persona, sus sensaciones tras la publicación de su primer LP y sus proyectos para el futuro más próximo.

Ya está aquí, por fin, vuestro primer largo “Esto tenía que pasar”, publicado a través del sello Del Palo. Empezando por el título… ¿qué es lo que tenía que pasar?

Una propuesta como Matador Rockers tenía que pasar, un disco que refleja nuestra trayectoria y nuestras maneras de entender el hip hop.

“Esto tenía que pasar” es una presentación de eso, de nuestras ideas y nuestras técnicas a la hora de hacer música.

Ha sido una larga espera… ¿cuánto tiempo habéis estado trabajando en este disco, contando desde el día en que surgió la idea?

Desde que planteamos el proyecto, han pasado ya casi tres años, ha sido un trabajo largo y de orfebrería musical, cuidando mucho el detalle en la

producción de este, hay millones de trucos y técnicas de edición que los que entienden del tema sabrán apreciar.

Vuestra propuesta es original e innovadora, pero muy arriesgada al mismo tiempo… principalmente por las bases que empleáis, con mucha influencia de la electrónica más vanguardista… ¿qué respuesta habéis obtenido tras la publicación del disco? Me imagino que habréis tenido críticas muy positivas, pero también habrá habido gente que no haya entendido del todo vuestra propuesta… ¿qué les dirías a aquellos que no comparten vuestra visión del Hip Hop? En general la respuesta ha sido muy buena, el disco ha gustado y mucha gente ha pillado la idea que queremos comunicar. Sí que ha habido un sector algo desilusionado, enfadado incluso, eso también es bueno siempre que genere dialogo sobre la direccionalidad que toma el género, sabemos que la propuesta es arriesgada y puede resultar difícil de digerir, pero ya es la idea, nos gusta la música que empuja y no la que sigue la estela de algo, eso siempre es arriesgado.

Desde luego no os cortáis a la hora de criticar la “clonación” existente en el panorama nacional de Hip Hop… ¿por qué creéis que la gente se obsesiona tanto mirando hacia atrás, repitiendo fórmulas, en vez de mirar hacia el futuro e innovar?

Por miedo, a mi parecer se ha sembrado cierto miedo a la innovación ya que el rechazo dentro del hip hop en español puede ser muy frustrante. Al ser así, la gente no se arriesga, repite formulas y sigue las formas de otros artistas, lo jodido de eso es que no aporta nada nuevo y solo sirve para añadir mierda al problema.

Lo que más destacaríamos de vuestro disco, es el ambiente festivo en general, y el buen rollo que

desprendéis, haciendo de Matador Rockers una de las propuestas más “amables” del Hip Hop nacional… sin adoctrinamientos, con actitud, pero con un mensaje positivo y sentido del humor…

Consideramos el disco una exaltación del genero, una celebración de lo bonito y flexible que es. Es un disco positivo por que nosotros lo somos, no podemos fingir mala hostia o desencanto con lo que nos rodea porque estamos felices por ser quiénes somos y conseguir lo que estamos consiguiendo.

El peso de las producciones recae principalmente en Puto Chen, pero… ¿hacéis algún tipo de aportación el resto del grupo a la hora de producir las bases?

Por supuesto, nos gusta crear todos juntos, Chen es un crack y sabe dirigir ideas y convertirlas en basotes, pero nos gusta trabajar a los cuatro en todos los procesos de creación ya que eso hace que el resultado sea de todos.

No tenéis ningún reparo a la hora de explorar los límites de la electrónica más vanguardista… ¿qué estilos y qué productores os inspiran? Les dedicáis un tema en el disco si no nos equivocamos…

Estamos en la realidad de los productores porque se lo están ganando a pulso. Cada vez hay más productores y más buenos. Además creemos que siempre ha sido el productor el que ha hecho que el hip hop avance y tome formas nuevas, así que defendemos su figura a muerte. Ahora mismo nos gustan mucho Jamie XX, Hudson Mohawke, Lunice, LexLuger y un puñado más.

Y también habéis tenido la colaboración de Griffi, vuestro mentor… que aparte de producir dos de los cortes del disco… ¿os ha ayudado de alguna forma en la grabación de “Esto tenía que pasar”?

Bueno Griffi ha estado en el estudio durante todo el proceso de grabación, nos ha ayudado mucho en cuanto a conseguir ciertos sonidos, ciertas formas de comunicación y demás. El tío es un dios de la producción y poder tenerlo a nuestro lado durante la elaboración del disco no tiene precio.

Las colaboraciones cuentan con los grandes nombres del panorama… Eduardo Donvuelo (Gran Pueblo), Tremendo, Chacho Brodas, Anqui, M’Baka, Toteking… ¿se os ha quedado alguna colaboración en el tintero?

Pues para este disco no, es el disco que hubiéramos querido hacer de siempre, nos ha encantado trabajar con todos y ha sido una experiencia brutal. Para el próximo ya andamos pensando en quién nos gustaría que colaborara, pero aún no tenemos nada claro. ¿Y tenéis alguna anecdotilla curiosa que contar que os haya pasado con los colaboradores?

Bueno, Mbaka fue la risión, hicimos dos temas, pero el

primero lo tuvimos que descartar por una sobredosis de obscenidad que contenía, algún día lo sacaremos ;) ¿Cómo ha sido, y es, vuestra relación con Del Palo?

Delpalo funciona como una familia, es un sello pequeño y trabajamos todos a la vez. Eso hace que la relación con el sea muy cercana y amable aunque también hace que te pelees, te emociones y demás, como una familia.

Habéis fichado con Warner Music Group para la distribución del disco... me imagino que eso tendrá grandes ventajas, pero ¿tiene alguna desventaja?

Bueno, desventaja, sí, que la cosa esta muy jodida a todos los grados y no se ha podido trabajar el disco como nos hubiera gustado. ¿Qué planes tenéis para presentar el disco en directo?

Pues el día 16 de este mes presentamos el disco en la sala Faktoriad’Arts en Terrassa junto a los Chacho Brodas, eso va a ser la fiesta Delpalo por excelencia.

Además andamos preparando ya una pequeña gira por España para poder llevar el proyecto lo más lejos que podamos.

Ya que os tenemos a tiro queríamos preguntaros ¿qué tal fue la experiencia en el pasado Sónar?

La experiencia fue la bomba, Sonar es algo único y en

concreto el Sonar Day es un sitio precioso para actuar, el bolo estuvo guay pero tuvimos problemas de sonido como muchos artistas, creo que hubo problemas con los técnicos. Aun así fue una buena experiencia que nunca olvidaremos. ¿Ha supuesto algún cambio en vuestra carrera profesional actuar en un festival de tanto renombre?

Bueno, es una medallita que no todos se la pueden colgar, esto nos está llevando a actuar a sitios maravillosos y las experiencias, para nosotros que somos un grupo joven, no tienen precio.

¿Y algún proyecto de futuro que nos podáis contar?

Actualmente Ra esta currando en un trabajo como productor que va a ser la bomba, puro sonido de la jungla. Además tenemos algunos temas y mixtapes para ir lanzando además de todo los proyectos de video que estamos llevando a cabo.

Unas últimas palabras…

Muchas gracias de nuevo a A Little Beat, que se fijó en nosotros desde el día 0. La entrevista ha sido una gozada y os deseamos lo mejor. Al lector, que si no ha oído el disco que le pegue una escucha porque no lo dejará indiferente, ¡ESTO TENIA QUE PASAR!

ENGLISH VERSION interview

It’s been a long wait… How much time have you been working on this record, starting to count when the idea came up?

Since we had the idea, it’s been almost 3 years, a long goldsmithing music work, taking real care of its production details, there are millions of tricks and editing techniques that experts will appreciate.

Your proposal is original and innovative, but very risky at the same time… mainly because of the beats you use, with heavy avant-garde electronic influences…

What kind of feedback did you have after releasing the album? I guess you should have received a lot of positive reviews, but I’m almost sure there will be a few ones who did not understand your proposal…

What would you say to those not sharing your vision of Hip Hop? In general the answer has been awesome, people have loved the album and plenty of them did get the idea we’re trying to transmit. It’s true there’s a sector a little disappointed, even angry; this is also good always it’s a reason to dialogue about the paths the genre follows, we are conscious of the risk of the proposal and that it might be difficult to digest for someone, but that’s the idea, we love music that pushes, not music following some trails, and this is risky, always.

/an interview by GNZ “Esto tenía que pasar” (“This had to happen”). This is the warning title chosen by Matador Rockers to surprise critics and the crowd. Their first LP has an intentions will for title, reaching the new Del Palo band to the most fresh and innovator of Hip Hop made in Spain.

Puto Chen, Lío, Ra and DJ Gonne are Matador Rockers, four young guys from Rubí and Terrasa, very near Barcelona, whom turned upside down the scene since Griffi took them to launch and support their career, we can imagine in a try to avoid the headaches he may have suffered by his own.

Since their very first steps Matador Rockers have follown their own way, moving forward without any setbacks, bursting with freedom, and showing a total lack of complex about anything; and without any fear.

“Esto tenía que pasar” is a very risky LP, which may have infuriated the most conservative sectors of Spanish Hip Hop (a new dose of poison for purists, as they would say at Del Palo), but in the other hand, it has created an incredible excitement between those inquiring minds, thirsty of new and original proposals, and they are majority.

When we hear about Matador Rockers for the first time, a few years ago now, we started to follow them closely, and he have a certain weakness for everything they do, moreover being part of this awesome label Del Palo, so we couldn’t miss the opportunity to interview them, and ask them about their feelings after the release of their first LP, and about their future projects.

It’s finally here, your first long play “Esto tenía que pasar”, released through Del Palo. Let’s start by the title… what had to happen?

A proposal like Matador Rockers had to happen; it’s a record reflecting our trajectory and our ways to understand Hip Hop. “Esto tenía que pasar” is a kind of presentation of this, of our ideas and our techniques to make music.

Of course you don’t shut up and criticize the apparent clonation existing in the national Hip Hop panorama… why do you think people is so obsessed looking back in the past, repeating formulas, instead of looking to the future and innovating?

Because of fear, I believe a certain fear has been associated to innovation as rejection in the Spanish Hip Hop can be very frustrating. So, people doesn’t take risks, repeating formulas and following the ways of other artists, the really fucked thing of all this is that it doesn’t contribute with nothing new, and it just adds more shit to the real problem.

We would like to emphasize about your work the general festive ambiance, your good vibrations,

making of Matador Rockers one of the kindest proposals of Spanish Hip Hop… no indoctrinations, with attitude, but with a positive message and sense of humor…

We see our album as an exaltation of the genre, a celebration of how beautiful and flexible it is. It’s a positive album because we are positive, we can’t pretend to be angry or disappointed with our surrounding, because we’re happy being who we are and proud of what we are making.

The main productions are from Puto Chen… but do the other members of the band make any contribution when producing the beats?

Of course, we love producing all together, Chen is great producing and knows how to direct things and ideas and turn them into huge beats, but we love to get involved, the four of us, in all the creative processes, as this makes the result belongs to all of us.

You have no qualms about exploring the limits of avant-garde electronic music… which styles and producers inspire you? One of your songs is a dedication to their figure…

We believe in producers because they’re worth of it. There are more and better producers each day.

Furthermore we believe it’s always been the producer the charged to push things forward dealing with Hip Hop, advancing and taking new forms, so we defend their figure to death. We actually like a lot Jamie XX, Hudson Mohawke, Lunice, LexLuger and a bunch more…

You have also featured Griffi, your mentor… whom besides producing two tracks of the album… did he help you in any ways to record “Esto tenía que pasar”?

Well Griffi has been at the studio during all the recording process, he helped us a lot to reach determined sounds, some ways of communication and so… He’s a God of production, and having him besides us during the creative process was priceless.

distribution of your album.. I can imagine this would have many advantages, but is there any disadvantage?

Well, disadvantage… yes, the situation is so fucked up everywhere, we were not able to work with them as we would have loved to.

What plans do you have to present the album live?

16th of this month we present the album at Factoriad’Arts at Terrasa, besides Chacho Brodas, and it’s gonna be a wild Del Palo party for granted. We are also preparing a small tour around Spain to push the project as far as we are able to.

Big names of the panorama are amongst your collaborators… Eduardo Donvuelo (Gran Pueblo), Tremendo, Chacho Brodas, Anqui, M’Baka, Toteking… is there any collaboration remaining undone?

Not for this record, it’s the album we’ve always wanted to do, we’ve loved working with all of them and it has been an incredible experience. For the next album we are already thinking who we would love to collaborate with, but there’s nothing clear yet.

And do you have any funny anecdote involving collaborators?

Well, Mbaka was fun to death, we made two tracks, but the first one we had to let it aside because the obscenity overdose it contained, but maybe we’ll release it someday.

How is your relationship with Del Palo today?

DelPalo works as a big family, it’s a small label and we all work at once. This make the relationship very close and kind, but it also makes you quarrel, it often moves you, and so… just like a family.

You’ve signed to Warner Music Group for the

Now we have you here there’s something we would like to ask… how was the last Sónar festival experience?

It was the bomb, Sonar is unique and precisely Sonar Day is a beautiful place to play, the show was nice but he had some trouble with sound, just like many other bands, I guess there was a problem with the sound engineers. Despite this, it was an experience we will never forget.

Playing in such a well known festival has this supposed any change in your professional career?

Well, it’s a medal not everybody has received, this has brought us to play in wonderful places, and the experiences, for us as a young band, are priceless.

And is there any future project you can tell us about?

Actually Ra is working as a producer and it’s gonna be the bomb, pure sound from the jungle. Furthermore we have a few tracks and mixtapes to be released gradually besides all the video projects we’re carrying out.

Last words?

Thanks a lot again to A Little Beat, who noticed us since the day zero. We have really enjoyed the interview, and we wish you the best. To the readers, if you have not listened to the album yet go for it, it won’t let you unconcerned, this had to happen!!

reportaje

Con el último número del año llega el momento de repasar los acontecimientos más importantes, y teníamos muchas ganas de hacer un chart con los mejores discos del 2011.

Y para hablar de los mejores discos hemos pensado que nadie podía hacerlo mejor que nuestros colegas de Concepto Radio, una de las plataformas mediáticas más interesantes que ha parido madre en nuestro país y de la que nos confesamos fieles seguidores y admiradores.

El equipo de Concepto Radio tiene la pasmosa habilidad de descubrir y difundir las propuestas más novedosas antes que nadie, y no sólo eso, sino que distinguen lo bueno de lo mediocre con un criterio alucinante. Se nota que les gusta la música, y lo más importante, que saben de lo que hablan.

Por eso les hemos pedido a ellos que seleccionen los 12 mejores discos del año, sin barreras estilísticas, sin límites de ningún tipo, queríamos ofreceros las 12 mejores referencias de 2011, según Concepto Radio…

CLAMS CASINO “Instrumentals” (Self-released/Type) Mike Volpe aka Clams Casino, el bedroombeatmaker en nómina de Main Attrakionz, ASAP Rocky o Lil B, se auto-editaba a principios de 2011 esta majestuosa “Instrumental Mixtape”, un trabajo que ha actuado como punta de lanza del nuevo avant-garde Hip Hop venido de Estados Unidos y ha cambiado el paradigma de lo hasta ahora concebido como productor, algo a lo que Type y Tri Angle han contribuido, otorgándole categoría de artista único y genuino a través de esta referencia y su primer EP oficial, “Rainforest”.

Samples New Age, Ambient, tambores que oscilan y cambian su entonación, influencia R&B, lo-fi-sensibilidad y deconstrucción Pop afiliada a la etiqueta Cloud-Rap. Uno de los títulos esenciales y que más repercusión han tenido en este curso.

ROLY PORTER “Aftertime” (Subtext) Las dos partes de la formación Vex’d han debutado este año con sendos éxitos y diferencia de perspectivas.

A través del esperado largo de Kuedo y esta magistral obra de Roly Porter, nos hemos podido dar cuenta de quién aportaba qué a la sombría y Bass-influenciada pareja. Porter edita una tenebrosa, cinematográfica y puntiaguda pieza de Ambient lúgubre, Drone funerario,

aquel que se une con el Noise más corpulento y las composiciones de corte clásico para afectar de manera brillante al género Techno.

“Aftertime” y Subtext, un título y una marca de indiscutible importancia dentro de la regeneración del género gracias a la absorción de texturas y detalles venidos de escenas mucho más minoritarias.

Patten “GLAQJO XAACSSO” (No Pain In Pop) Imaginen la influencia sci-fi-ninja y tratamientos sonoros de Actress, conjuntados a través de capas de baja frecuencia con la carismática manera de manipular los sintetizadores que tienen la pareja Hype Williams.

El misterioso artista londinense Patten conecta la

influencia IDM y UK-Techno con la complejidad rítmica, texturas retorcidas y los procesamientos vocales y de guitarra, entrega una desquiciada, desorientada y congestionada obra donde las etiquetas sobran y lo que cuenta es la actitud; un mutante que descuartiza el Techno a su imagen y semejanza, manipulando landscapes del tipo Boards Of Canada, masticando líneas analógicas y centrifugando todo con agua bien caliente.

por recuperar el espíritu del Jazz-Funk de finales de los 70, aquel dominado por nombres como George Duke, Norman Connors o Roy Ayers, conjuntarlo con producción de tintes astrales y ayudar así a dar un buen soplo de aire fresco a la música negra en términos generales.

Thundercat “The Golden Age Of Apocalypse” (Brainfeeder)

La obra definitiva que esperaba el movimiento CloudRap está aquí. El que seguramente es el mejor disco de Hip Hop de este 2011, presenta de manera soberbia un proyecto, una escena, un grupo de jóvenes que llevan cambiando el futuro del género desde hace un par de años; Squadda Bambino y MondreM.A.N. recogen lo mejor del colectivo de Green Ova (Oakland) para entregar 15 tracks que dentro de un tiempo serán juzgadas como el punto de inflexión que necesitaban estas nuevas tesituras para implantarse y extenderse.

Producción fantástica, sensible y compleja de Clams

Tres factores por los que es uno de los discos del año; lo primero por presentar de la mejor manera posible a un virtuoso del bajo, un instrumento a priori difícil de encasillar en el mundo Brainfeeder. Segundo por la apertura de plano de la marca de FlyLo, que deja de ser el núcleo de la escena beat-abstracta angelina para convertirse en una seña de identidad, una forma en extensión hacia otros estilos y escenas. Y por último,

Main Attrakionz “808s & Dark Grapes II” (Mishka NYC)

Casino, AHYVE, Keyboard Kid 206 o Friendzone, lírica decadente y realista del dúo de la Bay Area.

Fácil y directo: un largo que creará escuela.

ASAP Rocky “LiveLoveASAP” (RCA / Polo Grounds Music) Rakim Meyers aka ASAP Rocky, jefe de ASAP Worldwide (Accumulate Status And Power) y reciente fichaje por valor de 3 millones de dólares de RCA / Polo Grounds Music es uno de los núcleos en los que se apoya la reciente resurrección estilística y escénica del Hip Hop venido de NYC. “LiveLoveASAP” ha cumplido las expectativas a pesar de ponerlas muy altas durante todo el año; el de Harlem entrega una mixtape casi sobresaliente, un álbum unificador que conecta el avant-garde de la Bay Area, la influencia de Houston y el pretty nigga de New York de manera brillante.

Temas como “Peso”, “Bass” o “Palace”, le señalan como uno de los reyes del nuevo Hip Hop 2.0, además de ser el protagonista de uno de los hypes más sonados de los últimos años en el espectro Hip Hop.

Oneohtrix Point Never “Replica” (Software) Daniel Lopatin completa un 2011 soberbio; el synthgurú residente en Brooklyn debuta en largo con Joel Ford como Ford & Lopatin, funda junto a él Software Label y presenta un nuevo joint de importante repercusión para su aka Oneohtrix Point Never.

Entrega “Replica”, una obra que ahonda en el subconsciente del artista, narrando de manera introspectiva y conjuntando basura televisiva y recortes publicitarios, con loops hipnóticos en forma de beat, motivos de piano minimalistas, acompañando todo de reflexivos, luminosos y algo decadentes trazos de sintetizador. OPN madura y fabrica una minuciosa radiografía retro-futurista en la que es capaz de hidratar nuestra memoria a base de recortes traídos del pasado.

Ekoplekz “Memowrekz” (Mordant Music) Es uno de los artistas más en forma de este 2011, toda una revelación creativa y un agujero negro

Hype Williams “One Nation” (Hippos In Tanks)

estilístico sin parangón en la actualidad. El de Bristol se presenta como un experimentador salvaje e incansable, un monstruo analógico que ocupa un punto en el radar que no contemplábamos hasta ahora; la de cómo recuperar la tensión Dub primitiva, las texturas analógicas procesadas, los delays feroces y, conjuntarlo con ambientes cargados de influencia Industrial, desarrollos Noise-afectados y ramalazos que lo conectan con la Bass Music.

Como si Richard H Kirk se diera la mano con Fennesz o Keith Fullerton Withman, como si Chris Carte ahora editara para Jahtari. “Memowrekz” es su obra cumbre, editada en uno de los sellos más importantes de los últimos años, Mordant Music.

La pareja más impredecible y creativamente más importante del año dentro de los términos electrónicos.

Inga Copeland y Dean Blunt, al principio envueltos por un cúmulo de humo, espuma de baño y surrealismo artificial, han demostrado como todavía es posible parir un discurso totalmente carismático; líneas sintéticas únicas, a medio camino entre el Synth Funk y la librería digital, complejidad rítmica y decadencia hypnagogic en la puesta en escena y tratamiento vocal, conexiones con el Techno lacónico, el Hip Hop, el Shoegaze y una descarada manera de tratar sus composiciones, desde un profundo estado narcotizado, drogado y mentalmente indefinible.

“One Nation” es su título más serio hasta la fecha, un punto para que Hippos In Tanks vuelva a ser uno de los sellos de este 2011...

Shabazz Palaces “Black Up” (Sub Pop)

Rustie “Glass Swords” (Warp)

El misterioso nuevo proyecto del clásico Ishmael “Butterfly” Butler aka Palaceer Lazaro, un ente sonoro de pocas palabras iniciales que ahondaba en la acentuación del nacionalismo religioso y la imaginería afrofuturista.

Lo que se podría definir como una extensión de Digable Planets, le ha devuelto a base de lírica radical y ambiente de ciencia ficción, una ramificación consciente y profundamente estricta, seria, que estaba en peligro de extinción dentro del género Hip Hop. Aunque su fichaje por Sub Pop aclaró todas las partes difuminadas que daban un halo más atractivo al proyecto, “Black Up” es un álbum redondo, una declaración de intenciones perfecta que es fiel a una ideología y se atreve a cruzar las líneas estilísticas, proponiendo composiciones enrevesadas, mutantes, marcianas.

Rustie, principal representante del sonido glaswegian junto a Hudson Mohawke consigue desmarcarse con un álbum debut que únicamente puede ser creado por él; refrito Trance, Boogie-influencia, Disco Music, Bass Music, mainstream y Pop masticado, R&B-masacrado, acelerado, manipulado por una sobredosis de MDMA, Rock, guitarras midi, pianos de juguete, Hip Hop, Techno, movimientos de slap y arpegios edulcorados, coloristas para dar y tomar.

“Glass Swords” es la bienvenida al mundo de este joven que posee un talento inigualable cimentado en una única cualidad; tener un discurso propio y saber absorver lo necesario de cada influencia, juntarlo, darle maquillaje y hacernos creer que el futuro de la música electrónica va a ser maravilloso.

Andy Stott “Passed Me By” + “We Stay Together” (Modern Love) La vuelta de Andy Stott, el giro de 180º a su sonido, es sin duda uno de los acontecimientos más importantes del 2011.

El que fuera la piedra angular del Dub-Techno en Manchester y por tanto en el Reino Unido, volvía para tomar las riendas de Modern Love actuando como un ser a caballo entre el oscurantismo de Demdike Stare y los influyentes conglomerados post-Actress, presentando una obra dividia en dos EPs que ha cambiado el transcurso del Techno en este curso; material de tensión cinematográfica, cavernosa, adaptando las métricas del Techno monótono y Dubinfluenciado a un catálogo de capas Drone funerarias, detalles Noise y pegada demoledora.

Un material que hizo que nos diéramos cuenta del camino que el Techno debía seguir en los próximos años.

ENGLISH VERSION report

With the last issue of the year comes the moment to remind its most important events, and we were looking forward to make a chart of the best albums of 2011. To talk about the best records of the year we thought nobody could do it better than our colleagues from Concepto Radio, one of the media platforms in our country, and we must confess we’re admirers and followers. The Concepto Radio team has the astonishing ability of being the first to find and spread the most interesting proposals, but even more, they always separate good stuff from mediocrity with an awesome criteria. You can feel they love music, and furthermore, they know what they are talking about. And that’s the reason why we asked them for a selection fothe 12 best albums from 2011, without style limits, nor any kind of limitations, our aim was to offer to you the best releases from 2011, according to Concepto Radio…

Clams Casino “Instrumentals” (Self-released / Type) Mike Volpe aka Clams Casino, the bedroom-beatmaker hired by Main Attrakionz, ASAP Rocky or Lil B, self released this majestic “Instrumental Mixtape” early in 2011. This album has been the spearhead of the new avant-garde Hip Hop from the United States, and has changed the paradigm of what we knew as a producer, with the help of Type and Tri Angle, giving him the category of a unique and genuine artist thanks to this release and his first official EP “Rainforest”.

New Age samples, Ambient, oscillating and modulating drums, R&B influences, lo-fi-sensibility, and Pop deconstruction according to the Cloud-Rap definition.

One of the essential titles, and of a great impact this promotion.

Roly Porter “Aftertime” (Subtext) The two halves of Vex’d have released their debuts this year, with both success and different perspectives.

Throught the long awaited LP from Kuedo and this majestic work of Roly Porter, we have been able to realize who was contributing what to the dark and bass-influenced duo. Porter releases a gloomy, cinematographic and pointed piece of lugubrious Ambient, funerary Drone, of the kind that gathers with stout Noise and the classic cut compositions to affect in a wonderful way the Techno genre.

“Aftertime” and Subtext; a title and a brand of undeniable importance for the genre regeneration thanks to the absorption of textures and details from minority scenes.

Thundercat “The Golden Age Of Apocalypse” (Brainfeeder) Three reasons why it’s one of the albums of the year; the first one for presenting as best as possible a bass virtuoso, an instrument not easy to fit in the Brainfeeder world. Number two is the drift apart of the FlyLo brand, not being anymore the core of the beat-abstract scene from LA and turning into a hallmark, a way of expansion towards different styles and scenes. And the last one, for getting back the spirit of Jazz-Funk from late 70’s, the one headed by George Duke, Norman Connors or Roy Ayers, combining it with astral productions and helping black music in general to take a breath of fresh air.

Patten “GLAQJO XAACSSO” (No Pain In Pop)

Main Attrakionz “808s & Dark Grapes II” (Mishka NYC)

Imagine the sci-fi-ninja influence and the sound treatment of Actress, combined through low frequencies layers with the charismatic way of manipulating synthesizers of the Hype Williams couple.

The mysterious artist from London, Patten, connects the IDM and UK Techno influence with the rhythm complexity, twisted textures and vocals and guitars processing, and offers a crazy, disoriented and congested piece of art where labels are not needed, and the important is the attitude; a mutant pulling Techno into pieces to his own image, handling landscapes as Boards of Canada, chewing analog lines and centrifuging the whole thing with really hot water.

The definitive work, awaited by the Cloud-Rap movement is here. Possibly the best Hip Hop album of 2011, presents in a magnificent way a project, a scene, a group of young men changing the future of the genre for a couple of years; Squadda Bambino and MondreM.A.N. pick up the best of the Oakland’s Green Ova collective to deliver 15 tracks which will be judged in the future as the turning point essential for this new attitudes to establish and expand.

Amazing, sensitive and complex productions by Claims Casino, AHYVE, Keyboard Kid 206 or Friendzone, and realistic and decadent poetry from the Bay Area’s duo.

Easy and direct: an album to be followed.

ASAP Rocky “LiveLoveASAP” (RCA / Polo Grounds Music) Rakim Meyers aka ASAP Rocky, the boss of ASAP Worldwide (Accumulate Status And Power) and the recent 3 million dollars new signing to RCA / Polo Grounds Music is one of the cores of the still fresh scenic and stylistic NY Hip Hop’s resurrection.

“LiveLoveASAP” meets the expectations despite they were high all over the year; the one from Harlem releases an almost outstanding mixtape, a unifying album connecting the Bay Area avant-garde, the Houston influence and the NY’s “pretty nigga” in a brilliant way.

Tracks like “Peso”, “Bass” or “Palace”, point to him as one othe kins of the new 2.0 Hip Hop, besides of being the main character of one of the more-talked-about hype of the last years in the Hip Hop spectrum.

Oneohtrix Point Never “Replica” (Software) Daniel Lopatin ends a magnificent 2011; the synthguru living in Brooklyn makes his long play debut besides Joeal Ford as Ford & Lopatin, they establish Software Label and he presents a new joint of great impact under his moniker Oneohtrix Point Never.

Releasing “Replica”, a work going deep into the artist’s subconscious, told in an introspective way, and combining TV rubbish and advertising clippings with hypnotic loops under the form of beats, minimalistic piano motifs, accompanied by reflexive, shiny and slightly decadent synthesizer strokes.

OPN matures and builds an exhaustive retro-futurist x-ray being able to hydrate our memories with cuttings from the past.

Ekoplekz “Memowrekz” (Mordant Music) He’s one of the healthiest artists of 2011, a whole creative revelation and a stylistic black hole like no other at the moment. He’s from Bristol, and he introduces himself as an analog monster filling a point of the

radar we didn’t knew yet; he knows how to get back the Dub primitive tension, processed analog textures, fierce delays, and combine it with ambiances charged by industrial influence, Noise afflicted developments and blasts linking him to Bass Music. Like Richard H Kirk shaking hands with Fennesz or Keith Fullerton Withman, like Chris Carter releasing for Jahtari.

“Memowrekz” is his most outstanding work, released by one of the most important labels of the last years, Mordant Music.

Hype Williams “One Nation” (Hippos In Tanks) The most unpredictable and creatively important couple of the year regarding electronic music. Inga Copeland and Dean Blunt, surrounded by smoke, bath foam and artificial surrealism at their beginnings, have shown how it’s still possible to have a charismatic speech; unique synthetic lines, half way between Synth Funk and the digital bookstore, rhythm complexity and hypnagogic decadence of the staging and vocal treatments, connections with laconic Techno, Hip Hop, Shoegaze and a shameless way to treat their compositions, from a deeply doped state, drugged and indefinable mind state.

“One Nation” is their most serious title so far, a new point to make again Hippos in Tanks a label for 2011…

Shabazz Palaces “Black Up” (Sub Pop) The mysterious new project of the classic Ishmael “Butterfly” Butler aka Palaceer Lazaro, a sonic entity of limited words at the start, going deeper into the accentuation of religious nationalism and afro-futurist imagery.

Something we could define as an extension of Digable Planets, has brought him back using radical lyrics and science fiction ambiance, a conscious ramification and deeply strict, serious, in real danger of extinction inside the Hip Hop genre. Even his signing to Sub Pop has clarified the blurry parts of the project, which gave her a more attractive halo, “Black Up” is a perfect album, a

perfect declaration of principles accurate to an ideology and daring to trespass stylistic lines, proposing difficult compositions, mutants, aliens.

Rustie “Glass Swords” (Warp) Rustie, the visible head of the Glasgow sound besides Hudson Mohawke, has lost his marker with a debut album nobody but he could do; refried Trance, Boogie influence, Disco Music, Bass Music, mainstream and chewed Pop, midi guitars, toy pianos, Hip Hop, Techno, slap movements and sweetened and colorful arpeggios.

“Glass Swords” is the welcome to the world of this highly talented young artist, with only one foundation: having his own speech, and the know-how to absorb just the necessary from every influence, bring it together, adding some make-up and making us believe the future of electronic music is going to be wonderful.

Andy Stott “Passed Me By” + “We Stay Together” (Modern Love) The return of Andy Stott, a u-turn into his sound, is with any doubt one of the most important events of 2011.

One of the cornerstones of Dub-Techno in Manchester, and so he was in the United Kingdom, came back to take control of Modern Love acting like a being between the darkness of Demdike Stare and the post- Actress influent conglomerates, presenting a work divided in two EP’s which has changed the course of Techno this year; cinematographic tension material, deep, adapting the monotonous Techno measures and Dub influenced to a catalogue of funerary Drone layers, Noise Details and devastating punch.

This material made us realize the paths Techno might follow in the future.

entrevista

/ una entrevista de GNZ “Energía Libre” es uno de los discos más comentados en las últimas semanas en medios especializados, redes sociales y blogs. Erik Urano y Zar 1, miembros de la familia de extraterrestres asentados en Valladolid que son Urano Players, acaban de publicar una obra maestra del Hip Hop avanzado que ha removido los cimientos de la escena española. Energía Libre es un disco muy arriesgado (tanto por el enfoque futurista y crudo de sus bases como por la original narrativa intergaláctica y la forma de expresar las cosas de sus letras, especial y espacial…) pero que a nuestro parecer sentará las bases de una nueva vía, como hicieron grupos como 7 Notas 7 Colores y Dive Diboso o Sólo Los Sólo y Griffi, gente que bajo nuestro punto de vista, ha supuesto un auténtico y profundo cambio en la creatividad del Rap en español.

Y “Energía Libre” es un disco de ésos.

Lo esperábamos con ganas después de ver el video aviso de “Génesis”, y la verdad es que el CD nos enganchó desde la primera vez que sonó en la redacción. Y ha ido ganando en matices y haciéndose más gordo con las sucesivas escuchas que le hemos dedicado, a la vez que surgían preguntas y más preguntas… Y Erik Urano y Zar 1 estaban preparados y dispuestos para respondernos desde el rincón más frío de Valladolid…

Queremos felicitaros por “Energía Libre”. A nuestro entender es un discazo. Creemos se trata de una obra maestra del hip hop underground hecho en nuestro país. Discos como “Energía Libre” nos devuelven la fe en el Rap hecho en español, como en su tiempo lo hicieron otros discos, ahora historia

del Hip Hop en España. No exageramos diciendo que “Energía Libre” está a la altura de muchos de esos discos, que cambiaron muchas mentes y la forma de hacer muchas cosas... Pero vamos a rebobinar un poco para ponernos en situación… ¿cómo surge la idea de un LP en solitario sin los Urano Players?... bueno, mejor dicho, en tándem con Zar1…

Erik Urano: Lo primero muchas gracias por esas palabras, nos alegra mucho que te haya parecido tan guapo (veo que el maletín llegó a su punto correctamente). Nosotros no lo catalogaríamos ni mucho menos como una obra maestra, aunque sí que es un trabajo hecho con mucho cariño e ilusión.

Dos años de trabajo y de darle vueltas a un concepto y creo que ambos hemos quedado muy contentos con el resultado.

El disco comenzó con una que tenía para un trabajo que se iba a llamar 8Bits, que dejé aparcado por la preparación del “Voyager Rock’s”. Cuando lo retomé seguí trabajando ese concepto que finalmente deseché, pero elegí algún tema que al final acabaría siendo el cimiento de lo que ha sido “Energía Libre”. Los temas estaban producidos por Zar y al final decidimos que él cargara con todo el peso del trabajo, excepto de un tema que estaba producido por Dj Porre y que entraba perfectamente en el concepto musical del disco.

Zar es la persona con la que más tiempo llevo

trabajando ya que nos conocemos desde hace muchos años y compartimos otro grupo antes de pasar a formar parte de Urano Players y creo que eso se nota bastante, además es la persona que mejor plasma musicalmente el concepto de lo que yo tengo en mente para hacer. Lleva respaldándome a los platos desde el primer momento.1, 2, 1, 2!

Zar1: Lo primero dar las gracias por vuestras palabras sobre Energía Libre, ojalá con el tiempo se vea como un disco tan importante para el panorama como decís, pero ufff... de momento me parece un imposible!! Jaja.

Ahora respondiendo a vuestra pregunta, la verdad es que Erik ya estaba planeando sacar una movida suya cuando empezamos a hacer el Voyager Rock’s con el resto de Urano Players, pero al empezar a trabajar en lo de Urano, dejó el proyecto en espera. Así que cuando lo terminamos retomó la historia, empezó a cogerme ritmos y a escribir los temas y así es como fue cogiendo forma el trabajo.

Hace muy poco que habéis puesto en circulación “Energía Libre”, y tanto la crítica como el público han recibido el disco con los brazos abiertos… ¿esperabais una acogida cómo ésta?

Erik Urano&Zar1: Viendo como respondió la gente ante el Voyager Rock’s, sí que esperábamos que Energía Libre fuese a tener una buena acogida, la normal, entre un reducido sector más fiel a nuestro rollo digamos. Pero la verdad es que nos hemos visto muy sorprendidos, incluso un poco “desbordados”, ante la tan buena respuesta que ha tenido el trabajo entre el público. No nos lo esperábamos sinceramente.

Nos gustaría destacar el enfoque que le dais a las letras. A pesar de lo abstracto de vuestras letras, otorgáis un peso primordial a la palabra y hacéis un uso sobresaliente del lenguaje, sin caer en los tópicos del Rap, ni en obviedades de barrio, y eso como ya hemos dicho en varias ocasiones, nosotros lo agradecemos muchísimo. Lo vuestro es literatura, poesía intergaláctica y humeante, con un trasfondo y una conciencia, sí, pero huyendo de los clichés.

Primero explícales a nuestros lectores de qué hablan tus letras, y lo segundo que queremos saber es cómo se plantea el proceso creativo de las letras… qué os inspira y cómo…

Zar1: En realidad las letras las escribo yo todas también…jajaja. Pasapalabra, esta pregunta es 100% para Erik.

Erik Urano: Las letras hablan básicamente de mí, de mi día a día, de mis situaciones personales. Es mi punto de vista con respecto a todo lo que me rodea, todo ello encriptado de alguna manera con un lenguaje Que la palabra sea esencial en tu trabajo no quiere decir que descuides la música, las producciones de “Energía Libre” son brillantes. Os nutrís de la electrónica más vanguardista, dígase Dubstep, incluso algún guiño al Drum & Bass, pero el resultado es Hip Hop electrónico del futuro… ¿Cómo

lo conseguís? ¿Son estos estilos musicales estilos que escucháis habitualmente?

Zar1: Gracias. Lo primero que me gustaría decir es que yo hago hip hop. A la hora de producir me influyen muchísimos estilos musicales, tanto electrónicos como no electrónicos, pero siempre bajo el prisma y la mentalidad del hip hop. Pero si, escuchamos esos estilos de los que hablas entre otros muchos.

Yo personalmente desde mi humilde posición, lo que intento es crear un sonido diferente. Me gusta experimentar y darle vueltas, intentar llevarlo mas allá, como en su día lo hicieron Marley Marl, The Bomb Squad, Dj Premier, Pete Rock, Diamond D o J Dilla entre otros tantos innovadores (que no voy a nombrar porque si no, no acabo, y que son mis verdaderas influencias), que a partir de unos cimientos básicos y primordiales dieron su propio enfoque y fueron llevando el hip hop a otro nivel.

para disfrutarlo con el frio, ir por tu barrio de noche volviendo casa escupiendo vaho y observando las luces esponjosas por la niebla. Este disco es Estado Mental Invierno, por eso este era el momento.

Por otra parte no podemos olvidar que el hip hop no deja de ser otro estilo de música electrónica. Se usan samplers, se usan tocadiscos, y otros instrumentos electrónicos, y si se analiza la historia correctamente, todos estos estilos vienen de un mismo sitio, de una misma raíz. ¿Cómo ha sido el proceso de grabación del disco? ¿Dónde habéis grabado?

Erik Urano&Zar1: El proceso ha sido lento. Desde la creación de los temas hasta la masterización, hemos estado dos años con ello. La grabación se ha hecho con K, de One Love, en su casa, y ha sido desde luego lo que menos tiempo ha llevado. La historia ha estado sobre todo en la mezcla y la postproducción. Todo está muy elaborado, medido al milímetro. Nos gusta hacerlo así, cuidando cada detalle. Y en ello tiene mucha mano metida K también, ya que él ha sido el encargado de

la mezcla y ha aportado muchos detalles e ideas a Energía Libre. Es nuestro amigo y tenemos un punto de vista bastante similar. Y luego del master se ha encargado Miguel Grimaldo que le ha dado el toque final perfecto, ha sido otra pieza clave. ¿Y ha costado mucho tiempo llegar al punto de decir… ya está listo?

Zar1: Bastante…mucho escuchar una y otra vez hasta dar con el punto de cada track Erik Urano: También como en todo proceso creativo de un disco ha habido problemas técnicos, retrasos de última hora y todos esos handicaps que nos manda el universo. Otra de las causas por las que el disco se ha retrasado un poco más aún es que ya estaba prácticamente finiquitado a principios de verano, pero era totalmente inconcebible sacar este disco con calor. Es un disco totalmente pensado y trabajado

Entre otras muchas citas literarias, musicales, a los videojuegos, incluso a las sneakers, hacéis muchas alusiones al mundo cannábico… ¿es una de vuestras fuentes de inspiración?

Erik Urano: Es algo con lo que convivo y lo nombro como tantas otras cosas con las que comparto mi día a día (Sneakers, películas...), no sé si podría catalogarlo como fuente de inspiración pero desde luego disfruto encendiéndome uno antes de escribir, meterme en esa burbuja de humo y música.

Zar1: Yo no fumo de nada, para mí no desde luego.

Y el diseño del disco también es destacable… ¿Es obra de El Hombre Viento, no?

Zar1: Si, el diseño es obra de El Hombre Viento, y es una pasada, es perfecto. A mí personalmente me ha sorprendido lo que ha hecho para Energía Libre ya que se ha salido bastante de su línea habitual de trabajo, que suele ser más de tipo ilustración, dibujo, acuarela… es un máquina, la verdad.

Erik Urano: Es un diseño que refleja perfectamente la temática y los estados mentales del disco, la armonía perfecta entre imágenes y colores, bastante minimalista, blanco y negro...

Le pasamos el disco a Jere y después de escucharlo

nos pasó varias pruebas que seguían la línea de sus anteriores trabajos como diseñador, finalmente desechó todas y nos mando ésta, nosotros flipamos ya que no representaba lo que él solía hacer y la verdad que tanto él como nosotros hemos quedado muy contentos con el diseño.

así que fue un placer por ambas partes. Hemos quedado muy satisfechos con el resultado aunque nos hubiera gustado acompañar el formato físico con un libreto que recogiese todo el concepto fotográfico del disco pero no ha podido ser por el cash money, panoja, líquido... FUCK

Además, acompañáis cada canción con una fotografía en blanco y negro, que ilustra perfectamente el espíritu de cada tema… ¿Quién es el autor de las fotos? ¿Y cómo surgió esta idea?

Erik Urano&Zar1: El autor de las fotos es Juan Carlos Quindós un colega nuestro perteneciente a los siempre molantes “Turtle Power Crew” que son un colectivo de jóvenes mutantes de Valladolid encargados de amenizar con muy buena música las gélidas noches en el Valle.

Se me ocurrió la idea de que cada tema fuera acompañado de una fotografía que plasmara el concepto del tema en una imagen, a nosotros nos flipaban sus fotografías y a él lo que nosotros hacemos

¿Y qué planes tenéis para presentar “Energía Libre” en directo? ¿Tenéis claro ya un calendario o algo previsto?

Erik Urano&Zar1: De momento no tenemos nada en la agenda. Alguna fecha posible si, pero nada fijo. Si alguien quiere contar con nosotros, que se ponga en contacto!!

Por cierto, cómo está el panorama en Valladolid, hablando de salas, movimiento… ¿Cómo está la escena? Si es que se puede hablar de una escena…

Zar1: El tema salas es mejor ni hablarlo. No hay nada al alcance de los grupos locales. Sólo hay un par de salas grandes donde se programan directos, pero

para un grupo como nosotros es prácticamente imposible acceder a ellas. Los precios por alquilarlas son abusivos. En cuanto a movimiento pues creo que con decirte algunos nombres bastaría (aunque algunos estén en el exilio).

Erik Urano: Hay un movimiento cultural underground bastante activo pero el caciquisimo imperante en las altas esferas de Valladolor corta las alas a práctica mente todas las alternativas que surgen en la ciudad, nadie dijo que esto fuera un cumpleaños .Lion of the river nu caudillo it’s on fire!!

Muchos vallisoletanos “ilustres” se están instalando en otras ciudades, como es el caso de Niño o El Hombre Viento por mentar algunos, que conocemos más en las mismas circunstancias… ¿Se os ha pasado por la cabeza emigrar en busca de esa oportunidad?

Erik Urano: En absoluto, tengo personas imprescindibles con las que quiero estar y compromisos que no puedo abandonar. Ya puede venir la montaña a Mahoma.

Zar1: A mí no, tengo cosas aquí que no podría dejar de lado. ¿Cómo vais a plantear los conciertos? ¿Qué formato vais a llevar sobre los escenarios?

Erik Urano&Zar1: Básicamente será el clásico formato de RAP de Me and my DJ. Aún no tenemos pensado exactamente como será pero eso os lo podemos asegurar. ¿Tenéis algún proyecto que nos podáis adelantar?

Zar1: Yo tengo en marcha un proyecto a medias con El$$o Rodríguez. La mayoría de los temas ya están escritos, con pruebas grabadas, etc y esperamos sacarlo a la luz el año que viene. Además estoy preparando un trabajo con Susana, que es una gran amiga con la que llevo haciendo cosas desde el principio, mucho antes de Urano Players también, y que puedo decir tranquilamente que es la mejor mc nacional de largo, aunque pueda sonar a típico autobombo, me da igual.

Hay otra movida con Jewel, uno de los veteranos de por aquí y al que ya he producido algún track de su disco “Veterano de guerra”. Haremos un disco mas clasicorro como dice él. Y luego hay ritmos para el resto de miembros de Urano que andan preparando cosas también, más alguna producción y scratches por ahí en plan colabo.

Erik Urano: Yo nada en concreto, hay cosas en el aire de futuros proyectos, alguna colaboración a la vista y poco mas, sobretodo estar atentos a lo que ha dicho Zar1. Dropin’ bombs! ¿Y por qué la autoedición? ¿Es una elección o es la última salida?

Zar1: Yo diría que era la única salida posible… Lo que queremos de verdad es editar en vinilo.

Erik Urano: Queríamos haber editado este disco en vinilo pero la inversión inicial era demasiado grande y no pudimos afrontarla,es la espinita que tenemos clavada y esperamos en un futuro poder editar cosas en vinilo. ¿Porqué la autoedición? No es que tuvieramos ninguna

oferta seria como para no plantearnos la autoedición pero aún asi personalmente prefiero tener el control total sobre mi producto.

Unas últimas palabras…

Zar1: Pues que muchas gracias de verdad, que nos alegramos mucho de que en ALB haya gustado tanto Energía Libre. Es una pena que ya solo sea en formato digital, porque me encanta tener revistas guapas y esas cosas en papel. Solo añadir que Don’t believe the hype!!!

Erik Urano: Muchas gracias a ALB por el soporte que siempre nos han dado y por disfrutar con nuestra shit.

Gracias por la entrevista. Space is the place! Wake UP! Energía Libre ya está en el cosmos pilla tu nave en www.uranoplayers.com Que no te engañen prim!! Solo mierda auténtica, basta ya de plásticos y derivados.1L

ENGLISH VERSION interview

/an interview by GNZ “Energía Libre” is one of the most commented albums of the last weeks in specialized media, social networks and blogs. Erik Urano & Zar 1, members of the aliens family established in Valladolid Urano Players, have just released a masterpiece of advanced Hip Hop, shaking the foundations of the Spanish scene.

Energía Libre is a very risked album (for the futurist and raw approach of the beats but also for the original intergalactic narrative and the way of expression of its lyrics, special and spatial…) but in our opinion it will set the foundations for a new way, just like bands like 7 Notas 7 Colores and Dive Diboso or Sólo Los Sólo and Griffi did, people we think have supposed a deep and real change for the creativity of Spanish rap. And “Energía Líbre” is one of those albums.

We were waiting for it after seeing the snippet of “Génesis”, and to be sincere, the CD hooked up since the first listen at our office. And it has gained in nuance getting bigger with every new listen, while more and more questions came to our minds… And Erik Urano and Zar 1 were ready and available to answer from the coldest corner of Valladolid…

Before starting, we want to congratulate you for “Energía Libre”. In our opinion, it’s a huge album.

We believe it’s a master piece of underground hip hop made in our country. Albums like “Energía Libre” give us back the confidence in Spanish rap, as many others did back in the day, now history of Hip Hop in Spain.

We don’t exaggerate saying “Energía Libre” has the same quality of many of those albums, which changed many minds and many ways… But let’s go back in time, how does the idea of a solo album came up? Well not a solo album, a duo, but without Urano Players…

Erik Urano: First of all, thank you very much for your words, we’re happy you liked so much the album (and I’m glad to see you received the briefcase correctly).

We would never say it’s a master piece, but it has been done with lots of love and hope. Two years of work and re-thinking the concept, and I believe we’re very happy with the result.

The album started with an idea I had for a work, 8Bits was going to be the name, but I let it aside for the recording of Urano Player’s “Voyager Rock’s”.

When I took it back I kept working the same concept that I finally rejected, but I kept some tracks which finally became the foundation of “Energía Libre”. Tracks were produced by Zar 1so we decided that he should produce the whole album, except one track produced

by DJ Porre, which fitted perfectly with the musical concept of the album.

Zar is the person whom I have worked most as we know each other for many years, and we shared another band before being part of Urano Players, and I think it’s

noticeable, furthermore he’s the best person to give expression to what I have in mind. He’s supporting me with his turntables from the beginning. 1, 2, 1, 2!

Zar1: I want to thank you too for your words about Energía Libre, I wish this album will be recognized with time as you say, but ufff… it seems impossible to me so far! Hehehe… Now answering your question, the truth is Erik had plans to release something by his own when we started with “Voyager Rock’s” besides the whole Urano Players crew, but when we started the Urano’s project, he paused it.

Then when we finished he took it up again, started to pick up beats and writing the songs, and that’s how the project begin to shape…

You’ve released “Energía Libre” very recently, and the critics and the audience have received it open arms… did you expect such a reception?

Erik Urano & Zar1: After the reception of Voyager Rock’s we expected a good reception for Energía Libre, something normal, in a reduced sector, more close to our scene. But the truth is we’ve been really surprised, even a little overwhelmed with the incredible acceptance the album had amongst the public.

We didn’t expect something like this, sincerely.

We would like to emphasize your approach to the lyrics. Despite the abstraction of your words, you give a heavy role to the word and you make an outstanding use of language, avoiding Rap clichés and neighborhood obvious speeches, and as we’ve said a lot of times, we’re really thankful for this.

What you do is literacy, intergalactic and smoking poetry, with background and conscience, of course, but running away of clichés. Start explaining to the readers what your lyrics talk about, and we would also like to know how is the creative process of the lyrics… what inspires you and how…

Zar1: The truth is I also wrote all the lyrics… hehehehe…

Next! This question is 100% for Erik.

Erik Urano: Lyrics talk about myself, my day by day, my personal situations. It’s my point of view towards what’s surrounding me, encrypted in a certain way by language.

The words are essential for your work but you don’t neglect the music; “Energía Libre” productions are brilliant. You feed yourself with avant-garde electronic music, like Dubstep, even some wink to Drum and Bass, but the final result is electronic Hip Hop from the future… How do you do this? What kind of styles do you listen to usually?

Zar1: Thank you. First thing I would lik to say is that I make Hip Hop. When I produce I’m influenced by many different music styles, electronic and not, but always under the same prism and Hip Hop mentality.

But it’s true, we listen to all these styles you say amongst many others. Personally, from my humble position, I try to make a different sound. I love experimenting and think things over and over, trying to take it further, as did, back in the days, Marley Marl, The Bomb Squad, Dj Premier, Pete Rock, Diamond D or J Dilla amogst many others innovators (that I’m not going to name, or I would never end, they are my real influence), whom starting from basic and primary foundations added their own point of view and took hip hop to another level.

In the other hand we can’t forget Hip Hop is another style of electronic music. We use samples, we use turntables and other electronic devices, and if you read

And did it take too much time to say… it’s ready?

Zar1: A lot… too much listening, time after time, until finding the point of each track.

Erik Urano: As in any other creative process of an album we’ve had to face technical problems, last minute delays, and all those handicaps sent to us by the universe. Another of the reasons of the album delay: it was almost ready in early summer, but releasing the album in such heat seemed inconceivable to us. This album is absolutely conceived and built to be enjoyed with cold, walking down your neighborhood at night, spitting steam and looking to the spongy lights under the fog. This album is mental state winter, and that’s why now it’s the moment.

the history correctly, all those styles come from the same place, from the same root.

And how was the recording process?

Where did you record?

Erik Urano&Zar1: It was a slow process. From the making of the songs until mastering, we’ve been 2 years working. We recorded with K, of One Love, at his home, and it’s been the shortest task. The matter was mainly mixing and post-production. Everything has an intricate design, measured to the millimeter. We like to do it like this, caring each detail. And K is also very involved, as he was in charge of the mix and has contributed with many details and ideas to “Energía Libre”. He’s our friend and we have a similar point of view. And then the mastering was done by Miguel Grimaldo, adding the final prefect touch, another key piece.

Amongst many literary, musical, video-games and even sneakers quotes, you make many references to cannabic world… is this one of your inspiration sources?

Erik Urano: It’s something I live with, and I name it as many other things I share my day by day with… (sneakers, films), I don’t know if I would call it m source of inspiration but of course I enjoy lighting one before writing, getting myself into this bubble of smoke and music.

Zar 1: I don’t smoke, nothing. So for me it’s not.

And the artwork of the album is also outstanding… was it made by El Hombre Viento, are we wrong?

Zar1: No you’re not. The design was made by El Hombre Viento and it’s amazing, it’s perfect. Personally it surprised me a lot what has done for Energia lIbre, as he has totally deviated from his usual work style, more like an illustration, drawing, watercolor… he’s the master, for real.

Erik Urano: It’s a design reflecting perfectly the subject matter and the mind states of the album, the perfect harmony between images and colors, very minimal, black and white…

We passed the album to Jere and after he listened, he showed us some sketches, but following his previous style as a designer, but finally he rejected all of them and send to us this one, we were mad about it as it was

and so… we hope we will be able to release it next year.

Besides this I’m preparing a work with Susana, a good friend of mine I’m collaborating since the early days, much before Urano Players also, and I can say without hesitating she’s the best national mc, even if it sounds like self-hype, I don’t care.

There’s another joint with Jewel, one of the veterans around here, I have already produced him some tracks from his album “Veterano de Guerra”. We’ll make a much-more-classic album as he says. And then I have beats for the other members of Urano who are also preparing a lot of things, and more productions and scratches over there as collaborations.

Erik Urano: I’m not preparing anything in particular. I have plans in the air, future projects, some collaboration within sight, but overall pay attention to what Zar1 said.

Dropin’ Bombs!

totally different to what he used to do and the truth is that we are all very happy with the result.

Furthermore, each son gis accompanied by a black and White picture, illustrating perfectly the spirit of each song… who’s the author of the pics? And how this idea came up?

The author is Juan Carlos Quindós, a friend of us of the always cool “Turtle Power Crew”, a collective of young mutants from Valladolid, they liven up cold nights at El Valle with very good music.

I thought each track should be accompanied by a picture expressing the matter subject of the song with one image, and we loved his pictures, and he loved what we do, so it was a pleasure for both working together.

We’re very happy with the result, but we would have loved to include in the hard copies of the CD a booklet with all the photographic concept of the album, but it was not possible… due to money, dough, cash… fuck!

And which are your plans to present Energia Libre live? Do you have any scheduled shows or something previewed?

Erik Urano & Zar1: He have nothing in our agendas so far. Some possible dates, but nothing closed. If somebody wants to count on us, just get in touch!

Regarding this, how is the panorama in Valladolid, dealing with venues, movement… How is the scene?

If we can call it scene…

Zar1: I’d rather not talk about the venues question.

There’s nothing available for local bands. There are a couple of big venues, to make live shows, but for a band like us it’s impossible to reach. Rental prices are too high, abusive. And about movement, I guess saying some names would be enough (even some of them are living in exile).

Erik Urano: There’s a pretty active underground cultural movement, but ruling tyranny of the highest circles of Valladolor (Valladolor is the mix of two words, “Valladolid”, the name of the city, and “dolor”: pain, ache.) clip all those alternatives wings as they emerge in the city, nobody said this was a birthday party. Lion of

the river nu caudillo it’s on fire!!

Many “illustrious” people from Valladolid are living in other cities, like Niño or El Hombre Viento, just to mention a few, because we know many others under the same circumstances… Did you ever think in emigration to find an opportunity?

Erik Urano: Never, here I have indispensable persons I want to be with, and commitments I can’t break. The mountain shall come to Mahomet.

Zar1: Neither. I have things here I couldn’t leave aside.

How do you focus your live shows? Which format are you going to take on stage?

Erik Urano&Zar1: Basically it’s going to be the classic Rap format, me and my DJ. We are still thinking about it but this is for granted.

And do you have any upcoming projects you could advance?

Zar1: I’m working on a project with El$$o Rodríguez.

Almost all the tracks are written, with recorded demos

And why self-publishing? Is this an election or the last exit?

Zar1: I would say it was the last possible exit… What we really want is publish some vinyl.

Erik Urano: We would have loved to release this work in vinyl, but the investment was too high and we couldn’t face it, we are still smarting from that problem, and we hope we will be able to release vinyl in the future. Why self-publishing? We didn’t have any offer as serious to reject self-publishing, but despite this I personally rather total control of my product.

Last words…

Zar1: Thank you very much, sincerely, we’re very happy A Little Beat enjoyed so much Energía Libre. It’s a pity that you’re only on a digital format now, because I love reading cool magazines on paper. And I would just add: Don’t believe the hype!

Erik Urano: Thank you very much A Little Beat for the support you’ve always given to us, and for enjoying our shit. Thanks for the interview. Space is the place!

Wake up! Energía Libre is now in the cosmos, pick your spaceship at www.uranoplayers.com Don’t let them wrong you bro! Just real shit, it’s enough with plastic and derivatives. 1L.

/ una entrevista de GNZ Tras su aclamadísimo proyecto BLNRB junto a artistas como Modeselektor, Jahcoozi, Ukoo Flani y Nazizi, y un increíble cd mix para el legendario sello alemán Staubgold, llega el segundo larga duración de Andi y Hannes Teichmann, más conocidos como Gebrüder Teichmann o Teichmann Brothers en su traducción al inglés.

Este dúo de hermanos lleva mucho tiempo azotando la escena electrónica europea, principalmente Techno y minimal, desde su centro de operaciones en Berlín, con las miras puestas mucho más allá de cualquier frontera política o estilística.

Su último disco “They made us do it” es buena muestra de que el camino de los hermanos Teichmann no sigue ningún patrón pre-concebido, es un auténtico crisol de estilos que incluye House y Techno, claro, pero también Dubstep, Skweee, además de muchos graves y nos pareció motivo más que suficiente para hacerles unas cuantas preguntas...

Descubrimos vuestro trabajo a través del proyecto BLNRB... una gran iniciativa por la que queremos daros la enhorabuena, ahora que tenemos la oportunidad. ¡Gracias!

Tras la experiencia de BLNRB habéis estado de viaje por diferentes países como India, Afganistán, Bangladesh o Sri Lanka, trabajando en un recopilatorio titulado “ Kraut und Rüben”. ¿Qué podéis contarnos de este CD mix?

Puede sonar extraño, pero después de 15 años pinchando intensamente éste es nuestro primer CDmix. El maravilloso sello Staubgold, que es la casa de bandas como Faust, To Rococo Rot o Kammerflimmer Kollektiv, nos pidió que colaborásemos en su serie de mixes. Tras Peter Grummich, Alec Empire y Markus Detmer, el propietario del sello, tuvimos la suerte de adentrarnos en su enorme catálogo y montamos una

sesión de DJ. A lo largo de los últimos 12 años han publicado más de 120 referencias, en un rango que va desde la electrónica a la música más experimental, desde el Krautrock, la electrónica, al Noise Up, el Hip Hop o el Dub. Queríamos ofrecer una visión general de todo el espectro musical así que nos llevó nuestro tiempo organizarlo todo. En lo que respecta al mundo del DJ somos bastante puristas, y sólo usamos vinilos y un puñado de CD’s, pero este mix decidimos hacerlo con el ordenador. Así que tuvimos la oportunidad de hacer muchas mezclas inesperadas y modificar los tempos dentro de un rango muy amplio. Aparte de esto también nos surgió la oportunidad de incluir un tema que hicimos para BLNRB y una de nuestras colaboraciones con el compositor clásico Leopold Hurt, como Teichmann Hurt.

Y ahora es el turno de vuestro álbum más reciente, llamado “They made us do it” (“Nos obligaron a

hacerlo”), publicado en el mes de Octubre a través de vuestro propio sello, Festplatten. ¿Quién os hizo hacer qué? ¿Cuál es el significado del título?

Sufrimos un accidente inesperado con un sintetizador: estábamos trabajando en el estudio como de costumbre, cuando de alguna forma las máquinas tomaron el control, y a partir de ese momento sucedieron cosas extrañas. Es como si desde entonces estuviésemos conectados a los controles de voltaje de nuestras máquinas, y no recordamos muy bien lo ocurrido. Además no son sólo nuestras máquinas, muchos artistas y diferentes personas nos obligaron a hacerlo... Échale un vistazo a la lista que aparece en el disco...

“They made us do it” supone un nuevo rumbo para el sonido de los hermanos Teichmann... os habéis adentrado en nuevos terrenos musicales, y adoptáis nuevas estructuras rítmicas... ¿hay algún motivo en particular para este cambio? ¿O se trata de una evolución natural de vuestros gustos?

Nos infiltramos música muy diferente: de lo experimental a lo clásico, rock y noise, hip hop experimental y por supuesto muchas movidas electrónicas. Todo lo que nos gusta tiene algo en común: es experimental y poco frecuente y quiere avanzar. En “They made us do it” no queríamos repetirnos, ni publicar otro disco de Techno o House. Así que experimentamos mucho y pusimos en conjunto todas esas visiones distintas.

Vuestro nuevo álbum es una compleja mezcla de géneros... pero sentimos el espíritu de la ciudad de Berlín en el sonido del disco... quiero decir, Techno y un ambiente de electrónica poderosa, de sonidos cristalinos y ritmos crudos. ¿Cuál es el motivo, según vosotros, para que una ciudad como Berlín deje casi siempre una huella en el arte hecho por sus residentes?

A nosotros nos influenció mucho la escena de clubs de los 90 en Berlín, los clubs clandestinos, con toda esa actitud del “hazlo tú mismo”, heredado de la época del punk. Por descontado que la ciudad cambia constantemente y Berlín no es el mismo que el de aquellos tiempos. Pero Berlín sigue siendo una ciudad única y tiene muchas y muy diferentes escenas para experimentar: si te gusta el Techno encuentras fácilmente desde grandes salas como Berghain a clubs realmente underground, pero aparte de esto hay espacios prácticamente para cualquier cosa.

Si te interesa la música más experimental, también encontrarás algo. Incluso nuestros colegas de Kenia del proyecto BLNRB suelen actuar en Berlín en lugares que parecen exactamente iguales que algunos clubs en Nairobi. Tan pronto empiezas a escarbar la superficie, y te sales de los lugares habituales, Berlín está repleto de frescura y creatividad.

¿Cómo habéis conseguido un sonido tan poderoso?

En la nota de prensa del álbum habláis de sonidos analógicos... ¿Qué equipo empleáis para producir música?

Principalmente empleamos equipo analógico clásico, como el TR-808 y otras cajas de ritmos antiguas, muchos sintes analógicos de Roland, Moog o Sequential Circuits, nuestro amado Dynacord FX-Rack. y también cosas raras como cajas de ritmos manipuladas con “circuit bending” y más cacharros modificados, por supuesto nuestro queridísimo delay de cinta, y Andi toca la guitarra. Para el disco también invitamos a músicos para que participaran con nosotros, grabamos un violoncello real, un omnichord, una sección de viento, incluso nuestro padre ha tocado el saxofón. Pero no se trata únicamente de las máquinas y los instrumentos...

Trabajamos del mismo modo que lo hacían los músicos de Kraut psicodélico en su tiempo: grabamos sesiones larguísimas en vivo, improvisando, que mezclamos y editamos posteriormente. Así mantenemos la sensación de directo, de vida en nuestra música. ¿Y cómo os habéis organizado para trabajar con un número tan grande de colaboradores como hay en este disco?

Toda la gente con la que hemos trabajado en el álbum son muy buenos amigos, incluso familia... Simplemente tocamos juntos. :)

¿Os sucedió alguna anécdota digna de mención durante el proceso de grabación?

Queríamos grabar con nuestro padre Uli Teichmann desde hace 5 años, pero nunca salió adelante. Él es músico de Jazz y vive en Regensburg, que está a unos 600 km de Berlín. Insistimos en que se uniera a nosotros, al menos que participara en este album, pero se nos acababa el tiempo y se acercaba la fecha de entrega. Finalmente todo cuadró y pudimos grabarle tocando el saxo, pero gracias a que la fecha de entrega se retrasó dos semanas. Y te preguntarás... ¿qué tiene de gracioso esta historia? Pues que hemos trabajado en este disco 4 años. Como verás, los ritmos de producción de la familia Teichmann son bastante lentos.

Es cierto, habéis hecho música juntos durante casi 20 años... muchísimo tiempo. Pero “They made us do it” es sólo vuestro segundo disco como Teichmann Brothers. ¿Cuál es el motivo? ¿Preferís los EP’s a los LP’s?

Cuando empezamos haciendo música electrónica, todo giraba en torno a publicar EP’s, es la razón por la que lanzamos nuestro propio sello, Festplatten, sobre el año 2000. Ésto ha cambiado radicalmente en los últimos 5 años, y ahora retomamos nuestro sello para publicar nuestro segundo álbum... Jejeje...

Pero hay otro motivo: siempre estamos trabajando en tantos proyectos diferentes que resulta muy difícil centrarse en sólo una cosa. Y también necesitábamos tiempo para crecer a otro nivel. Hemos experimentado mucho, ensayando, tocando en los escenarios y aprendiendo muchísimo de nuestras colaboraciones y de nuestros viajes en los últimos años.

Y si te interesan nuestros discos, deberías echarle un vistazo a nuestro proyecto de rock beigeGT, con el que hemos publicado dos álbumes, o al álbum en solitario de Andi, “Fades“, a su banda de noise rock llamada The Happy End y por supuesto al álbum de nuestro proyecto BLNRB. Estáis profundamente involucrados en la difusión artística y cultural. Incluso recibisteis un premio

de efectos de guitarra y dos micrófonos. Nos gusta el sonido duro y nos gusta trabajar a tiempo real. Nos permite tocar más como una banda, más como un directo.

de vuestra ciudad natal, Regensburg, por vuestras duraderas contribuciones en lo que respecta a la cultura juvenil local. Esto en España no es algo muy habitual y nos llama la atención... ¿Recibís algún tipo de ayuda del gobierno alemán para desarrollar vuestros proyectos?

El premio de nuestra ciudad natal fue una gran sorpresa, incluso para nosotros. Tenemos la suerte de que el Instituto Goethe colabore en nuestros proyectos, no es el gobierno directamente, pero reciben fondos del estado. El Instituto Goethe tiene sedes por todo el mundo y patrocinan muchos proyectos artísticos y culturales. Es la versión alemana de la Alliance

Française o del British Council (N.d.r.: en España lo más similar es el Instituto Cervantes). Por supuesto que estamos muy contentos de poder sacar partido de estas posibilidades, y creemos que vale la pena gastar una parte de los impuestos alemanes en ayudar a que grandes proyectos culturales puedan avanzar, alrededor del planeta, incluso en países donde los artistas no tienen libertad de expresión, como Algeria, Vietnam, etc...

Cambiando un poco de tema... ¿Cómo enfocáis vuestros directos? ¿También con un set analógico?

Debe de ser alucinante... ¡Sí! En nuestros directos no utilizamos ordenadores portátiles sobre el escenario. Montamos un set analógico basado en un montón de pequeñas máquinas: un sinte analógico Doepfer Dark Energy, el Nordlead Micro Modular, la caja de ritmos MFB-522, un Akai MPC 1000, loopeadores de directo, pedales

Actualmente estáis de gira, presentando el nuevo disco, una gira que durará hasta Febrero de 2012. ¿Qué respuesta habéis recibido en los primeros shows? ¿Cómo ha sido la respuesta del público?

Hasta ahora la respuesta ha sido genial. Notamos una gran conexión con el público, porque todo el mundo siente lo que te decíamos antes, la vida de nuestros shows. A mucha gente joven le ha sorprendido ver a dos freaks haciendo música electrónica enloquecida sólo con unas máquinas y un montón de cables. La fiesta de presentación en el Ritter Butzke de Berlín fue una noche muy especial, tocamos con Mathis Mayr en el cello, y Benni King con el omnichord (ambos colaboran el disco). Como es costumbre, no tuvimos tiempo de ensayar, sí que su colaboración se parecía más a una improvisación. Por suerte salió perfectamente y fue muy inspirador para nosotros y para el público también.

Así que estamos planeando que se unan a nosotros en más shows a partir de ahora. ¿Y qué planes tenéis para el futuro?

Queremos reactivar nuestro trío, Teichmann Hurt, junto al virtuoso de la cítara y compositor de música clásica Leopold Hurt. La cítara es un instrumento acústico de cuerdas, clásico de Austria y Alemania, y suena maravilloso combinado con música electrónica.

Lo usamos para ponerle banda sonora a películas de principios del siglo veinte y actuamos en directo en las proyecciones. Pero ha llegado el momento de que grabemos un disco juntos.

Y ya estamos trabajando en los siguientes proyectos inter-culturales, uno en el sur de Asia y otro en África.

Os seguiremos la pista. ¿Unas últimas palabras?

Muchas gracias por todo. ¡Esperamos veros pronto en alguno de nuestros conciertos! http://gebruederteichmann.net

ENGLISH VERSION interview

After their highly acclaimed international project BLNRB besides Modeselektor, Jahcoozi, Ukoo Flani or Nazizi, and an awesome CD mix for the legendary German label Staubglod, it’s time for the second album of Andi and Hannes Teichmann, also known as Gebrüder Teichmann or the Teichmann Brothers.

This brother’s duo has been battering the electronic European scene for a long time, from their base at Berlin, with their sight aiming further away than any politic or stylistic frontiers. And their latest album “They made us do it” is the evidence that proves the Teichmann brother’s way doesn’t follow any preestablished path, and these were enough reasons for us to ask them a few questions...

We discovered your work through the BLRNB project… this was a great initiative we would like to congratulate you for, now we have the chance…

Thank you!

After the BLRNB experience you’ve been on a trip around different countries as India, Afghanistan, Bangladesh or Sri Lanka, working on a compilation called “Kraut und Rüben”. What can you tell us about this mix CD? It might sound strange, but after 15 years of heavily Djing this was our first official Mix-CD. The wonderful Label “Staubgold”, which is home base of bands like Faust, To Rococo Rot or Kammerflimmer Kollektiv asked us to be part of their Mix-Series. After Peter Grummich, Alec Empire and label owner Markus Detmer, we had the chance to step through their enormous back catalogue and put everything together in a Dj-mix. They put out more than 120 releases, with a with range of electronic and experimental music over the last 12 years, that goes from Krautrock, over Electronica, Noise up to Hip Hop and Dub. We wanted to give an overview over the whole musical spectrum and so it took quite a while to get the things sorted.

Normally we are purists as it comes to Djing, and we only play vinyl and a handful of CDs, but on this Mix we decided to do it on the Computer. And so we had the

chance to do very unexpected Mixes and change the tempos in a very wide range. Beside that we also had the chance to include one track with did with BLNRB and one of our collaboration Teichmann Hurt, with the classical composer Leopold Hurt.

And now it’s time for your latest album, called “They Made Us Do It”, released back in October through you own label, Festplatten. Who made you do what?

What’s the meaning of the title?

There was a unexpected synthesizer accident: we were working in the studio as usual, when somehow the machines took over the power and from that moment strange things happened. It feels like we are now connected to the control voltages of our machines, but we don´t have much memories of this. But it´s not only our machines, also a lot of different people and artists who made us do this... Just check out the list on the record!

Your new album is a complex mix of different genres… but we feel the Berlin identity in the global sound of the album… I mean Techno, and electronic powerful vibes, clear sounds and raw beats. Why do you think a city like Berlin usually lets an imprint on the art made by people living there?

We are very influenced by the Berlin club scene of the 90ies, all the hidden clubs, with this DIY attitude that comes from the punk times.

Of course the city always changes and Berlin is not the same place like back in the days.

But Berlin is still a very unique city and it has many different underground scenes to experience: When you like techno music, you´ll find easily clubs from big players like Berghain up to very underground venues, but beside that there are spaces for almost everything: when you start to get interested in experimental music, you will find it. Even our BLNRB colleagues from Kenya use to play in Berlin in spaces that look exactly like the clubs in Nairobi. As soon as you dig a bit deeper and step out of the places you are used to Berlin is full of fresh creativity.

“They Made Us Do It” supposes a new direction on the Teichmann Brothers’ sound… you’ve entered new musical terrains, and new beat structures… is there any particular reason for this, or it’s just a natural evolution of your likes?

We are infiltrated with very different music: That goes from experimental classical stuff, over rock and noise, up to experimental hip hop and of course a lot of electronic stuff. All the stuff we like has something in common: it´s experimental and unusual and wants to step ahead. On “They Made Us Do It” we didn´t want to repeat ourselves or put out another techno or house record. So we experienced a lot and tried to bring together all that different visions.

How have you managed to get such a powerful sound? In the info sheet of the album you talk about analogue sounds… what kind of equipment do you use for making music?

We mainly used classical analogue equipment, like the

TR-808 and other old drum machines, a lot of analogue Synths from Roland, Moog or Sequential Circuits, our beloved Dynacord FX-Rack, also some weird stuff like circuit bended drum machines and modified stuff and of course our beloved tape delay and Andi on the guitar.

For the album we also invited musicians to join us, so we recorded a real cello, omnichord, a brass section and even our dad on the saxophone.

But it´s not only about the machines and instruments.

We work in a way similar than the psychedelic KrautMusicians did back in the days: We record long live jamsessions and edit and mix it later on. So there is always a live-feeling in our music.

And how have you managed to work with such a big number of collaborators on this album?

All the people we worked with on the album are very good friends or even family... We just jammed together :) Do you have any funny anecdote from the recording process?

We wanted to work with our dad Uli Teichmann for about 5 years, but it never worked out. He´s a jazz musician and lives in Regensburg, what is around 600km from Berlin. At least on this album we definitely wanted him to join us, but again time was running and deadline was close. In the end it worked out to record him on the saxophone, but only because, the deadline was switched two weeks later.

You might wonder, what is funny about that story?

Because we were working almost four years on the album. As you can see, the Teichmann families working process is quite slow.

You’ve been making music together for 20 years… and this is a long time. But “They Made Us Do It” is just your second album as the Teichmann Brothers… why? Do you prefer EP’s to LP’s?

When we started doing electronic music it was all about releasing EP´s, thats why we started our own label “Festplatten“ around 2000. This changed totally

in the last five years, now we restarted our label to release our second Album. He he...

But there is another reason: We always work on so many different projects that it´s quite hard to focus on one thing. And we also needed the time to grow to another level. We experimented a lot, we practiced live on stage and learned so much from our collaborations and all the travels we did in the last years.

But if you are interested in more of our Albums, you should also check out the two albums we did with our rock band beigeGT, Andi’s solo album “Fades”, the one with his noise rock band The Happy End and of course the Album from our BLNRB project.

You are deeply involved in spreading culture and art. You have even received a prize from the city of Regensburg for your long lasting contributions to youth culture… you know, this is not something usual here in Spain, and it calls our attention. Do you have the support of the German government to push forward your projects? This is something hard to imagine over here…

The prize from our hometown was a big surprise, even for us. For our projects we have the great chance to collaborate with the Goethe Institute, which is not directly the government, but it´s funded by them. The Goethe Institute has institutes all around the world and they support a lot of art and cultural projects. It´s the

German version of the Alliance Francaise or the British Council. Of course we are very happy to have these possibilities and we think it´s worth spending German taxes for pushing forward great cultural projects all around the world, even in countries where the artists have no freedom of expression (like Algeria, Vietnam, etc.)

How do you focus live acts? Also analogue setup?

This might be amazing…

Yes! For our live-acts we don´t use laptops on stage.

We have an analogue set-up based on a lot of small machines: the Doepfer Dark Energy analogue synth, the Nordlead Micro Modular, the MFB-522 drum machine, the Akai MPC 1000, live loopers, Guitar-FX-Pedals and 2 Microphones. We like the ruff sound and we like to work in real time. It allows us to play more like a band, than a “live act”.

You are actually on Tour, presenting your new album, a Tour that will last until February 2012. What’s the feedback you’ve received on the first shows? How was the crowd response?

So far the response was great. We are deeply connected to the people, because everyone feels the aliveness of our shows. A lot of younger people has been surprised to see two freaks making all this crazy electronic music only with cables and machines. A very

special night was our release party at Ritter Butzke in Berlin, where we played together with Mathis Mayr on the cello and Benni King on the omnichord (both are also heard on the Album). Like always we didn’t have time to rehearse, so the collab part was mainly a livejam. Luckily it worked out great and it was very inspiring for us and for the crowd. So we are planning to play with more shows together from now on.

And which are your plans for the future? Do you have any upcoming project you could advance us?

We want to get more active with our Trio Teichmann Hurt, with the Zither-Player and classical composer Leopold Hurt. The Zither is a acoustic classical stringinstrument from Austrian / Germany and it sounds wonderful together with electronics.

We use to score silent movies from the early 20th century and perform it live at the screenings. But now time has come to also work on an album together.

And we are already working on the next intercultural projects, one in South Asia and another one in Africa.

Last words / shout out to our readers…

Thank you very much for your time. Hope to see you soon on one of our shows!

album

07 NOV 2011 Joy Eslava - Madrid (SPAIN) fotos: FERNANDO FERNÁNDEZ HEVIA

entrevista

introducción David Broc / una entrevista de Jose Serrano Martí & GNZ El tándem barcelonés kludge ha encontrado la respuesta a una pregunta que muchos se han formulado a lo largo de los años: ¿es posible hacer un disco de guitarras sin guitarras? “i’m not shy, i just don’t like you”, uno de esos títulos de disco por los que muchos seríamos capaces de cualquier cosa, legal o ilegal, es la viva demostración de que es factible. La totalidad de los sonidos que escuchamos en este atrevido debut han sido generados con guitarras procesadas electrónicamente, una vía creativa y expresiva en las antípodas de la ortodoxia, de uso habitual en la escena musical experimental internacional, que aporta todo un soplo de aire fresco a la escena nacional, huérfana de propuestas capaces de generar tanta intensidad eléctrica con la única ayuda de un laptop.

Marc Piñero y Pablo G. Polite, responsables de este proyecto fascinante que da importancia y peso específico al formato audiovisual, saben muy bien de dónde vienen pero no tienen tan claro adónde van, y eso es uno de los aspectos más sorprendentes y atractivos de kludge: su capacidad para ampliar el horizonte estilístico y expresivo de su discurso partiendo de una premisa creativa tan acotada. Se diría que la fuente de inspiración de sus canciones y, sobre todo, de su metodología, tiene su origen en referentes como Fennesz o Tim Hecker, pero cuando ponen en práctica sus ideas la influencia de todos ellos es menos explícita de lo que se podía esperar o imaginar. Se percibe la huella de ambos autores, por ejemplo en la inicial “0.*” o en la tensa y emocionante “free enclycopedia”, pero el grupo sabe avanzar y progresar con su propia visión, no se conforma con emularles y restringir su actividad en un perímetro de comodidad muy delimitado.

En instantáneas como “akihabara creepshow”, sin ir más lejos, o en la más convulsa “sonex 180”, el tándem invoca el recuerdo de la escena shoegazer de finales de los 80, con My Bloody Valentine en la mente, para dejar claro que no es necesario aporrear las seis cuerdas, pisar decenas de pedales o disponer de voces lánguidas para capturar la esencia de ese sonido y ese fulgor volcánico. En cambio, en “brend for unlikely off-style” acercan posturas con el folk, y lo hacen a su aire, con una mirada fragmentada, compleja y siempre hiriente, la misma que en “4it4n4”, “not to mention” y “zero-g popcorns”, imponente pieza de despedida. Tres formas distintas pero complementarias de tratar y manipular el ambient más evocador. Ejemplos vivos todos ellos del amplio y variado repertorio de recursos emocionales, sonoros y estilísticos de un modus operandi tan atípico como radical. He aquí una de las revelaciones del año.

Los dos componentes de kludge sois músicos experimentados que vienen de otros proyectos y con una dilatada trayectoria. ¿Cuál es la finalidad de formar este proyecto y qué necesitabais expresar en él que no hubierais hecho antes?

Pablo G. Polite: Se agradecen los elogios pero aquí el músico experimentado es Marc; como también, el principio y el motor de toda esta aventura. De él salió la idea de tirar adelante algo juntos y mi aportación en su momento se redujo a sugerir que trabajáramos con guitarras procesadas. Decidido ese punto de partida, lo demás ha ido saliendo poco a poco con encuentros antológicos y muchas horas de dedicación.

Marc Piñero: El proyecto de kludge nace de la amistad, de la necesidad de compartir tiempo juntos después de haber intentado poner en marcha un proyecto musical con otros amigos, entre ellos Aleix Vergés (Sideral), cuya muerte lo deshizo todo. En aquella banda, que no pudo llegar a nacer, estábamos, entre otros, Pablo y yo.

Y tiempo después surgió el proyecto de kludge, como una excusa para seguir compartiendo tiempo juntos y para hacer posible algo que en su momento no pudo funcionar por fatales circunstancias.

Habladnos del concepto del grupo y de si tenéis una línea musical clara a seguir.

M.P.: Siempre hemos sido amantes del ruido armónico, de los sonidos fronterizos, de jugar con la diferencia entre lo musical y lo desagradable, y de explorar esos extremos. Si las canciones salen rápido, bien. Si no, mejor dejarlo para otro día y abrir una botella de vino.

Para mí, ese es el concepto detrás de kludge y en cierta manera eso marca nuestra línea a seguir. Nunca hay plan preconcebido más allá que el de disfrutar con lo que hacemos y sorprendernos forzando límites.

P.G.P.: kludge es un proyecto de guitarras procesadas a medio camino entre el ambient, la música electroacústica, el drone, el shoegaze y el ruido. Todos los sonidos proceden de una sola guitarra: desde las bases a las melodías pasando por todos los microsonidos.

Este nuevo disco se distribuyó antes en formato DVD. ¿Habéis realizado algún cambio con respecto

a la versión anterior de “I’m not shy…”?

M.P.: Los temas del disco están remezclados y remasterizados. El sonido del DVD estaba pensado para poder verlo el domingo por la tarde en el sofá de tu casa en la tele. El disco tiene un sonido mucho más pulido y explota más la vertiente ruidosa del proyecto.

P.G.P: También tiene dos temas menos. Han caído “there’s music -and eggs-” y “ten after ten”.

En la hoja promocional del disco se habla de la influencia de My Bloody Valentine y Fennesz, pero a la primera escucha también me han sugerido otras que van desde Joy Division, Cocteau Twins y The Cure, hasta Glenn Branca o incluso Explosions In The Sky. ¿Os reconocéis entre estos sonidos?

Todos los grupos mencionados nos gustan y muy probablemente sea cierto que puedan reconocerse detalles de unos u otros en kludge. Sin embargo, en el proceso de producción del disco jamás salió de ninguno de los dos imitar a fulanito o a menganito.

El planteamiento técnico del álbum es muy radical… es un disco de guitarras grabado sin guitarras… ¿Cómo se os pasó por la cabeza algo así?

Todos los sonidos del disco, aunque procesados y deconstruidos, proceden de una sola guitarra que utilizamos como un oscilador, un simple generador de sonido que procesamos y filtramos con multitud de trastos. La frase de “un disco de guitarras grabado sin guitarras” tiene su lírica, pero yo diría “un disco de guitarras grabado sin guitarristas” que, renunciando a las formas, describe de forma menos ambigua y mucho más cruda lo que hemos hecho.

¿Hasta qué punto vuestra música está ligada a los visuales?

M.P.: Yo considero nuestra música como algo que se puede disfrutar de forma totalmente independiente de las visuales que la acompañan, aunque nunca negaría que las filmaciones que preparó Héctor Castells en su día para el DVD son una obra de arte y una muestra indudable de su talento que le va a la música como anillo al dedo.

P.G.P: Toda música instrumental que sea intensa y evocadora se presta a encajar con los visuales. Y la música de kludge no es una excepción.

¿Y fue muy complicado el proceso de grabación?

Contadnos cómo es vuestro proceso compositivo.

El proceso de grabación fue largo en algunos casos e instantáneo en otros. Nuestra manera de hacer es tocar, grabar todo procesando a tiempo real y luego ir descartando trozos, regrabando otros, volviendo a pasar efectos, editando una vez más el bounce, doblando pistas..... Llamarlo un proceso es hacerlo sonar como algo premeditado, cuando en realidad no solemos pensar mucho en hacia dónde vamos, sino más bien en si lo pasaremos bien por el camino.

A la hora de experimentar con la guitarra, ¿os basáis en experiencias conocidas a través de otros productores? Si es así comentad cuáles y de quiénes.

M.P.: No intentamos replicar sonidos de otros autores, nos movemos más por sensaciones y por ganas

a principios de 2012. Hemos recibido ya varias propuestas y cerraremos en breve fechas. ¿Cómo enfocáis los conciertos, técnicamente hablando?

Es difícil llevar “i’m not shy...” al directo. Por esa razón, planteamos los conciertos como un formato más con el que experimentar. El setup que llevamos son una guitarra y un ukelele eléctrico conectados a dos cadenas de efectos variables más un sampler desde el que dispararemos sonidos que procesaremos a tiempo real con pedales analógicos principalmente.

Es probable que en algunos temas tengamos algunas secuencias de apoyo y no descartamos reforzar el set con una guitarra más, pero está aún por ver.

Desde luego que va a ser un directo donde el caos y la improvisación tengan mucho que decir, y va a haber ruido, mucho ruido. ¿Y qué le depara el futuro a kludge? ¿Algún proyecto confesable?

M. P.: Ahora mismo dejar pulido el directo y tal y como estemos girando iremos a por el segundo disco.

Tenemos un EP muy inconfesable casi acabado que quizás vea la luz antes de lo que pensamos, pero nos gusta vivir al día y disfrutar las cosas tal y como salen.

P.G.P.: Varios grupos, nacionales e internacionales, nos han propuesto ya tocar juntos. Otros quieren remezclarnos. Veremos cómo avanza todo durante los próximos meses y la hoja de ruta saldrá sola. de experimentar y hacer el gamberro. Me viene a la cabeza una tarde lanzando cojinetes contra la guitarra conectada a una cadena de efectos solo por ver lo que sacábamos. Te recomiendo que lo pruebes, si aciertas en la pastilla se imanta la bola de metal unos instantes y hace un sonido muy interesante.

P.G.P.: La lectura (o escucha) fácil de kludge sugiere nombres como Christian Fennesz o Stars of The Lid. Pero también se nos podría asociar, según el tema o momento y dicho con toda la modestia, con Giuseppe Ielasi, Tim Hecker, Gregg Kowalsky, Keith Fullerton

Whitman o Rafael Anton Irisarri.

Hay una poética implícita muy sugerente en vuestro trabajo, pero ¿nos podéis describir cual es la idea general en cuanto a la narrativa del álbum?

P.G.P.: No hay una narrativa preconcebida.

M.P.: No sé qué decir al respecto, sólo que todo está hecho con obsesión enfermiza por los detalles. ¿Tenéis preparada una agenda de conciertos?

Esperamos estar defendiendo el disco en directo

Unas últimas palabras…

Si disfrutas con lo que haces no te salvas del fracaso, pero si llega te importará una mierda. Gracias por darnos cancha en ALB.

ENGLISH VERSION interview

tense and emotive “free encyclopedia”, but the band knows how to move forward and progress with their own vision, they don’t content themselves emulating them and constraining their activity to a very defined perimeter of comfort.

/introduction by David Broc /interview by Jose Serrano Martí & GNZ The tandem from Barcelona kludge have found the answer to a question asked by many others over the years: is it possible to make a guitars album without guitars? “I’m not shy I just don’t like you” is one of this record titles that would push many of us to do anything, legal or illegal, and it’s the living demonstration that it’s feasible. The whole sounds we listen to in this adventurous debut have been created with electronically processed guitars, a creative way absolutely opposite to orthodoxy, of regular use in the international experimental music scene, bringing a blow of fresh air to the national scene, orphaned of proposals capable to generate so much electric intensity just with the help of a laptop.

Marc Piñero and Pablo G. Polite are responsible of this fascinating project, which gives relevance and a specific weight to the audiovisual format.

They know very well where they come from, but where they’re going is not so clear, and this is one of the most surprising and attractive aspects of kludge: their capacity to widen the style and the expressive horizon of their own speech, from such a delimited creative premise. It could be said the source of inspiration of their songs, and especially of their methodology, are referrals as Fennesz or Tim Hecker, but when they practice their ideas, the influence of all those is much less explicit than we could expect or imagine. We feel the imprint of both authors, for example at the first track “0*”, or at the

With snapshots like “akihabara creepshow”, or the more convulsed “sonex 180”, the tandem refers to the memories of the shoegaze scene of the late 80’s, with My Bloody Valentine in mind, to prove there’s no need to hammer on the six strings, to step dozens of pedals, or to have languid voices available to capture the essence of this sound, and this volcanic brilliance.

On the other hand “brend for unlikely off-style” gets closer to folk and adapt it to their own style, with a fragmented look, complex and always hurtful, the same as in “4it4n4”, “not to mention” and “zero-g popcorns”, impressive closing track. Three different but complementary ways to treat and handle the most evocative ambient. Living examples all them of the wide and diverse collection of emotional, sound and stylistic resources of a modus operandi as atypical as radical. Here is one of the revelations of the year.

Both members of kludge are experienced musicians, coming from different projects and with a long career. What’s the aim of this new project, and what did you wanted to express with kludge that you haven’t done before?

Pablo G. Polite: Thanks for the compliments, but here, the only experienced musician is Marc; he’s also the origin and the driving force of this adventure. The idea to push this forward together came from him, and my collaboration at that moment was to suggest working with processed guitars. Once decided this starting point, the rest came gradually through memorable meetings and plenty of hours of dedication.

Marc Piñero: Kludge, the project, was born from friendship; from the need to spend time together after we tried to set up a musical project with other friends, amongst them was Aleix Vergés (Sideral), whose death untied everything. In this band, not even born, we also

were amongst others Pablo and I. Later on the project of kludge came up, as an excuse to keep spending time together and to make possible something that could not work due to fatal circumstances.

What about the concept of the band and the musical path you want to follow?

MP: We’ve always been harmonic noise lovers, of borderline sounds, of playing with the difference between the musicality and the unpleasant, and of exploring those two extreme points. If the songs come up quickly, it’s fine. If not, we’d better to try another day and open a bottle of wine. For me, this is the concept behind kludge, and in a certain way, this establishes the guidelines to follow. There’s not a pre-conceived plan further away more than enjoying what we do and getting surprised pushing boundaries.

PGP: kludge is a project of processed guitars in the halfway between ambient and electro-acoustic music, drone, shoegaze and noise. All the sounds come from just one guitar: from the beats to the melodies, including micro-sounds.

This new album was previously released as a DVD. Did you make any change of this previous version of “I’m not shy…”?

MP: The songs have been remixed and remastered.

work, but could you tell us what’s the main idea of the album from a narrative view?

PGP: There’s not a pre-conceived narrative.

MP: I don’t know what to say to this matter, only that we have done it with a sick obsession for the details.

The DVD’s sound was thought to be screened a Sunday afternoon; in you couch, on your TV. The album has a brushed up sound, and exploits the noisier side of the project.

PGP: There are also two tracks less. “there’s music -and eggs-” and “ten after ten” were left behind.

To what point your music is linked to visuals?

MP: I think about our music as something you can enjoy independently of the visuals coming with it, even I would never say the shooting Héctor Castells made back in the days for the DVD are a master piece of art and the unquestionable proof of his huge talent, and it suits perfectly with music.

PGP: Any instrumental music being intense and evocative is suitable to fit with visuals. And kludge’s music is not an exception.

In the promo sheet you talk about the influence of My Bloody Valentine and Fennesz, but at the first listen I’ve also noticed another influences going from Joy Division, Cocteau Twins and The Cure, to Glenn Branca or even Explosions In The Sky. Do you recognize yourselves amongst this sounds?

We like all the bands you’ve told, and it’s probably true that you can recognize some details from all of them in kludge. Despite this, all over the production process of the album, we never thought to imitate every Tom, Dick and Harry.

The technical approach of the album is very radical… it’s a guitar album recorded without guitars. How did you have such an idea?

All the sounds from the album, even if they’re processed and de-constructed, proceed from just one guitar we used as an oscillator, a simple sound generator we processed and filtered with an enormous variety of stuff. The sentence “it’s a guitar album recorded without guitars” sounds very good but I would rather say “it’s a guitar album recorded without guitar players”, as despite of the form, describes what we’ve done in a raw and direct way.

Have you prepared a live show agenda?

We wish we’ll be upholding the album live at the beginning of 2012. We’ve already had some offers, and we’ll close the dates soon.

And the recording process… was it too difficult? Tell us how your composition process is…

The composition process was long in certain moments, but immediate in other ones. Our way is to play, record everything processing on real time, and then to let some pieces aside, recording again another pieces, adding effects one more time, editing bounce, dubbing tracks…

To call it “a process” makes it sounds like something premeditated, when we don’t really think about where we are going but about having fun in our way.

Do you have any grounds from any producer to experiment with guitar? If so, tell us whose?

MP: We don’t try to copy the sound of other authors, we’re more into feelings and the need of experimentation and why not, act like hooligans. I remember now one afternoon throwing bearings to the guitar connected to a chain of effects, just to try what we could get from.

You must try it, if you hit the pickup the small metal ball magnetizes for a moment and makes a really interesting sound.

PGP: The easy listening of kludge could remind names as Christian Fennesz or Stars of the Lid. But we can also be associated, depending of the song or the moment, and saying this with all the modesty as possible, to Giuseppe Ielasi, Tim Hecker, Gregg Kowalsky, Keith Fullerton Whitman or Rafael Anton Irisarri.

There’s an inner poetics very suggestive in your

And how do you focus live shows, on the technical level?

It’s very difficult to take “I’m not shy..:” to live. That’s the reason why we consider live shows just as another format of experimentation. The setup we use is a guitar and an electric ukulele, connected to two chains of variable effects, and a sampler to play some sounds we will process on real time with analogue pedals mainly. Maybe we’ll have some support sequences in some songs, and we don’t reject to reinforce the set with one more guitar, but it’s still unknown. If there’s something sure, it’s gonna be a live act where chaos and improvisation will have a lot to say, there’s gonna be noise, a lot of noise.

And what’s the kludge’s future? Any project to confess?

MP: Right now to polish the show and as soon as we start moving, we’ll go for the second album. We have an unmentionable EP almost finished, and which may be released sooner than we think, but we love living day by day and enjoy of things as they come.

PGP: Many national and international bands have offered to play together. Another ones want to remix us. We’ll see how the things goes on the upcoming months and the roadmap will come off.

Last words…

If you enjoy what you do you won’t be safe from failure, but if failure comes, you won’t give a shit. Thanks for allowing space for us in ALB.

reportaje + entrevista

una entrevista de GNZ / fotos: Sweet Vandals

¿Quiénes sois los responsables de este nuevo fanzine?

Somos un grupo de extraterrestres que nos hemos escapado de un neuropsiquiátrico interplanetario (eso es lo único que puede explicar sacar una publicación en papel nowadays)

Who are the responsible of this new fanzine?

We are a group of aliens escaped from an interplanetary neuro-psychiatric hospital (that’s the only explanation to release a paper publication nowadays).

¿Cómo surge la idea de publicar en papel un fanzine de graffiti en plena era digital?

Llegamos a la Tierra (nos quedamos sin gasolina, quedan pocos humanos en nuestro planeta) y vimos que todo era digital. Y quisimos hacer algo artesanal, numerado, especial y espacial. Algo que quieras poner en un lugar destacado y llevártelo a una isla perdida o salvar de una mudanza.

How does the idea of publishing a paper fanzine in the middle of the digital era came up?

We arrived to Earth (we ran out of fuel, there are a few humans left in our planet) and saw everything was digital. And we wanted to do something handcrafted, numbered, special and spatial. Something you would like to put on a prominent place, and take it to a desert island, or save it from a removal.

El primer número es un monográfico de fotografías realizadas por Miss Kaliansky… el/la misterioso/a fotógrafo/a… ¿porqué os habéis decidido por él/ella?

Somos un poco fans de Miss K. Sus fotos son geniales. Su visión, su misterio, sus vueltas por el mundo... Y creemos que es una forma genial de presentarnos. Ella/él tiene un espíritu muy Sweet Vandals.

Your first issue is a Miss Kaliansky -the mysterious photographer- pictures monographic. Why didi you choose him/her to start?

We’re a bit fans of Miss K. His/her pictures are brilliant. Her/his vision, the mystery, his/her travels around the world… And we think it’s a brilliant way to introduce ourselves. She/He has a spirit very Sweet Vandals.

¿Y por qué en blanco y negro?

Tenemos un presupuesto de mierda. Y nuestros órganos están tan cascados que no pudimos sacar un duro extra...

And why in black and white?

We have a shitty budget. And our organs are so worn out we couldn’t get any extra money…

¿Qué tirada y qué periodicidad va a tener?

Son 150 ejemplares numerados. La periodicidad está aún por definir (es difusa, por ahora) pero será todo lo espídica que podamos.

De hecho, la idea es que sea un BOOKZINE, mitad fanzine, mitad libro. Es decir, que tenga periodicidad y alma amateur (fanzine) y que no tenga publicidad y tenga toda la calidad de impresión posible (libro)

How many printed copies do you release? And periodicity?

It’s 150 numbered copies. Periodicity is still to define (it’s vague, so far) but it will be so fast as we can…

In fact, the idea is tu make a Bookzine, half fanzine and half book. I mean, to keep a periodicity and amateur soul (fanzine), with no ads and all the printing quality as possible (book).

¿Y cómo pensáis distribuirlo? ¿Dónde puede encontrarlo la gente interesada?

Sólo en internet. Sólo a través de nuestra web. Sin intermediarios. Una amalgama entre lo analógico y lo digital.

And how do you face the distribution? Where could the interested people find it?

Only at the Internet. Just through our website. No middlemen. A mixture between analogic and digital.

entrevista

/ una entrevista de GNZ Massimiliano Liberatore es Drop 1410, productor afincado en Barcelona, que acaba de publicar “Wild Loop”, un EP que nos cautivó desde la primera escucha que le dedicamos. Drop 1410 es un músico con formación, experimentado percusionista y baterista, que desde el ámbito de la música de 8 bits ha dado un paso adelante para explorar nuevos terrenos más próximos al hip hop electrónico de vanguardia.

Has nacido en Caracas, pero resides en Barcelona desde 2004… Es curioso, pero en Barcelona se ha establecido en los últimos años una comunidad de artistas venezolanos considerable… que nosotros conozcamos, eres el tercer artista venezolano junto a Jahbitat y Cardopusher que comparte Barcelona como ciudad de adopción (y seguro que hay más que nosotros desconocemos)… ¿es casualidad o tenéis algún plan oculto para adueñaros de la ciudad? ¿Por qué motivos elegiste Barcelona personalmente para vivir?

Ciertamente artistas como Jahbitat, Cardopusher y al menos unos 10 más que yo conozca y que permanecen aún en un cierto anonimato como yo, estamos desde hace varios años dando guerra con la música. En mi caso hay muchas razones de peso para estar aquí, ya que viviendo tantos años en una caótica ciudad como Caracas mi gran meta fue siempre vivir junto al mar o

al menos cerca de éste. Para mí Barcelona en muchos aspectos me recuerda a mis experiencias vividas en Nueva York o Los Ángeles, es ese tipo de ciudad que posee un ambiente y solera que atrae a artistas no sólo de Venezuela, sino de todas partes del el mundo.

La mezcla cultural es impresionante.

Por otro lado lo de la invasión o toma de Barcelona (risas) tal vez se deba a la falta de oportunidades de nuestro país... en mi visión personal hacer todo lo que hago a nivel de producción musical, diseño, contactos, etc. sería muy cuesta arriba en una ciudad como Caracas en estos momentos. El arte, la música o el diseño que quieres expresar se puede ver muy condicionado por la situación de vida en la que te encuentras y decidí partir. Un muy buen amigo siempre me decía “Tu vida será siempre mejor si te quedas en donde sientes que puedes ser tú mismo y desarrollarte como persona y artista”... para mí ese lugar es Barcelona.

También he creado una familia aquí que me apoya al máximo con el nuevo álbum y la agenda de trabajo para el 2012.

Has recibido una formación musical enfocada a la percusión desde muy joven, desde los 12 años, aprendiendo a tocar la batería y otros muchos instrumentos… pero nos llama la atención tu interés por los instrumentos folklóricos hindús, como la tabla o el udú… ¿Cómo y porqué pasaste del aprendizaje de

la batería a estos instrumentos tan exóticos?

Es realmente curioso estudiar percusiones del mundo muy aplicado al world music y desde un país como Venezuela (en pleno corazón del Caribe) con temperaturas veraniegas casi todo el año y donde la salsa, la rumba, o lo que llaman sabor latino está muy presente y muy marcado en la sociedad general de consumo. La mayoría de los bateristas de mi generación estudiamos con profesores expertos en jazz, fusión e improvisación como el Sr. José Matos o Andrés Briceño. Mis ídolos internacionales de aquella época y hasta la fecha eran músicos como Vinnie Colaiuta, Dave Weckl o el gran Steve Gadd, aunque llegó un momento en el que literalmente me cansé, me encontraba en esa espiral tan predecible de vivir a la sombra de la técnica de los demás, consumiendo muchas revistas como Moderndrummer y en definitiva según mi visión estaba estancado en un sector para mí saturado de mucha gente realmente buena. Para mí que alguien se crea tener una buena técnica ejecutando la batería es una estupidez, la batería es como un cuadro para Picasso, “infinito” “nunca estás realmente acabado/ formado y perfeccionado en un instrumento como la batería” sumado a una competencia abismal.

Un día y de casualidad encontré un CD de un artista cuyo nombre me hizo reír en su momento y que me cautivó de una manera impresionante, ese músico fue Trilok Gurtu. La rareza de la música de Trilok Gurtu y su

mítica manera de tocar la batería sentado en el suelo me abrió los ojos, y sencillamente seguí mi instinto al ver posteriormente a gente como Andy Narell que sin ser de Trinidad y Tobago poseía un feeling y una técnica excepcional ejecutando el steel pan, me formulé a mi mismo una pregunta ó apuesta personal... ¿Puede un hijo de italianos emigrantes y nacido en Venezuela aprender a tocar tablas de la India? - ¿Por qué no? y me metí de lleno a investigar sobre las tablas, el ghatam y el udú en un país como os digo marcado por aquello que llamamos sabor latino.

Entre los años 2002 y 2003 abandoné la forma de tocar la batería convencional y experimenté junto al maestro Yonder Rodriguez lo que era tocar tablas de la India, entender lo innovador y complicado que era tocar batería desde el suelo, con una posición de los tambores y percusiones adaptados a la naturaleza del instrumento y su ejecución nativa. Trilok Gurtu me inspiró a ver otro camino radicalmente distinto de tocar y de manera cercana al maestro Yonder Rodríguez le debo todo lo que sé en percusiones del mundo. Algo que mejoró en mí muchísimo de este aprendizaje de instrumentos tan complicados incluso de comprar para la época fue la sensibilidad y la humildad hacia el instrumento y la música... créanme es muy difícil creerse alguien o hacerse el chulo cuando tienes que conectar y estudiar con un instrumento tan complicado como la tabla de la India, este tipo de percusión te enseña a ser humilde y si a esto le sumas que tuve el honor y la posibilidad de conocer en Barcelona a el máximo exponente de la tabla como el Sr. Zakir Hussain la vida se torna casi perfecta... ¿Véis porqué valió la pena venirse a vivir a Barcelona? (risas). ¿Y cómo diste el salto de la batería y los instrumentos percusivos (tan físicos) a la producción de música electrónica? ¿No te parece el extremo opuesto a la música, digamos “orgánica”?

Mi transición de la batería, percusiones etc. hacia la música electrónica llegó de un flechazo al escuchar por primera vez el disco titulado “OK” de Talvin Singh.

Empecé desde entonces a escuchar más y más sobre este productor llegando por la misma dinámica de

la información a conocer la producción de Midival Punditz o Karsh Kale. Todo este mundo de mezcla electrónica e instrumentos exóticos conocido como el Asian Massive hizo que luego explorara en más terrenos desconocidos para mí en cuanto a la música electrónica. Aún recuerdo recién llegado a Barcelona cuando compré Ableton Live 1 (aún tengo el CD original en casa), y recuerdo a muchas revistas reverenciando lo innovador que llegaría a ser este software (cosa que pasó). Las herramientas tecnológicas para crear música electrónica hoy en día son extremadamente impresionantes... hay tanta variedad y riqueza que es imposible no engancharse a producir música electrónica. También me encuentro limitado de espacio como para tener una batería acústica en el estudio.

La batería es un instrumento que como el piano o te abocas a él al 100% ó estás frito. La versatilidad, variedad y facilidad en muchos casos que la tecnología te permite crear dentro de la música electrónica es lo que ha hecho que haya dejado a un lado lo orgánico pero no para siempre, en la música nada es para siempre y quién sabe, tal vez me veréis a futuro tocando batería sobre mis bases o volviendo a darle mayor presencia a la TABLA en mis sets. No dejo de tocar la tabla ó el udú aunque esté tan inmerso en el mundo de la electrónica en estos momentos.

Nosotros habíamos oído hablar de Drop 1410 hace ya algunos años. Nos llamó la atención que trabajaras en el campo de los 8 bits, armado de tus Gameboys… esto fue antes de que explotara el boom del circuit bending en nuestro país… ¿Cómo acabaste produciendo música chiptune? ¿Habíais oído hablar de mí antes?, pues que lujo (risas), ahora en serio... la primera vez que escuché a alguien en directo tocar con GAMEBOYS fue en una sesión donde casualmente se mezclo el set de Tablas y electrónica que llevaba trabajando hace unos 5 años atrás con un artista llamado Aleksei Hetch (alias el Brujo), el organizador de la sesión apostó por que Aleksei en modo improvisación total y sin conocernos pinchara con sus gameboys sobre mis bases. Aquello fue impresionante, sobre todo por la época y el

hardware que usó Aleksei, en esa época no existía ni LSDJ ni NANOLOOP o estaban en una etapa muy embrionaria, él tocaba únicamente usando el software

interno de la GAMEBOY camera (todo un reto crear música con ese software). Aleksei junto a otro artista de Barcelona llamado GAMEBOMBING eran los únicos que yo conocía que usaban GAMEBOYS para hacer música en Barcelona. A través de GAMEBOMBING conocí el disuelto y mítico duo llamado TEAMTENDO (fueron toda una novedad en el SONAR FESTIVAL del 2004) y por ahí me fui poco a poco investigando y preguntando... para mi sorpresa en Barcelona hay un hervidero de gente muy talentosa en el chiptune y participé en varios eventos de MICROBCN. Hablar de circuit bending en el año 2004 era aún más raro que ver a dos tíos disfrazados de ardilla tocando en el Sonar. A lo que voy es que el ingenio del ser humano no tiene límites. Pensar que todo empezó con el software de la GAMEBOY camera y hasta lo que hoy se puede ver, y consumir del género chiptune es toda

una hazaña. Por supuesto desde mi mujer hasta mis amigos el tópico de FREAKY estaba siempre ahí, pero en el fondo siempre terminaban extasiados o flipando de no poder entender como podías hacer música desde una GAMEBOY. Aunque en mi último álbum utilizo una sola GAMEBOY / DMG como un instrumento de efectos y apoyo en las bases de mi live set, sigo preparando material y temas 100% hechos con GAMEBOY. La complejidad de este género a nivel de producción es lo que más me motiva para hacer chiptune, aparte claro de todos los recuerdos que me llegan de la niñez cuando toco, y pensar que de pequeño arruiné la economía de mi casa comprando juegos y juegos para la gameboy y ahora esa misma gameboy la que me sirve como vehículo de expresión musical y artística.

Ahora acabas de publicar un nuevo trabajo, “Wild Loop”, y te adentras en nuevos terrenos, más propios del hip hop vanguardista y experimental de la escuela de Los Ángeles y la costa oeste norteamericana. Háblanos un poco de este nuevo disco y de cómo ha sido la gestación de esta nueva criatura de Drop 1410…

Wild Loop es el resultado de la desconexión que hice hace año y medio cuando nació mi hija. Durante el poco tiempo que me quedaba estando abocado al 100% a ella comencé a escuchar en profundidad el trabajo de artistas como Roots Manuva, Flying Lotus, Nosaj Thing y Teebs. Sabía que no tendría durante una temporada el tiempo y el descanso suficiente como para sentarme a crear temas nuevos, pero en paralelo busqué mantener la mente y los oídos bien atentos a la producción de estos artistas y a la tendencia en sí que hay con el hip hop vanguardista y experimental de Los Angeles. Wild Loop es un reto personal importante, venía de hacer música chiptune durante casi dos años y medio, tampoco había trabajado en profundidad las texturas sonoras y la versatilidad de este estilo/tipo de música.

Por primera vez me monto en el autobús del beat making y he reestructurado todo el set de directo para acompañarlo de una GameBoy, un Talking Teacher

(bending) un iPad y un MPD32. He apostado por el soporte y aplicaciones que empiezan a florecer para el iPad, de hecho en los nuevos tracks hay muchos arreglos ejecutados desde mi iPad. Es curioso y hasta chistoso ver una pieza de museo como una GameBoy mezclada con los sonidos provenientes de un iPad, es como estar en la máquina del tiempo de los gadgets ;-). Wild Loop ha sido producido íntegramente por mi persona durante un espacio de 4 meses. A nivel técnico debo agradecer la ayuda de amigos y críticos como DJ EGRES por sus consejos e inspiración y sobre todo a Bob “Macc” Macciochi por la masterización de los tracks.

Algo que nos gusta mucho de “Wild Loop” es cómo juegas con los arreglos melódicos. En las

canciones que lo componen, la melodía tiene una gran importancia, juegas con agradables arreglos armónicos, pero nunca dejas que tus temas caigan en el exceso sentimental y sueles generar cierta tensión, ya sea tensión rítmica o melódica, que te mantiene alerta a lo largo de todos los temas que componen el disco... nos gusta esa dureza discreta que has conseguido crear...

Gracias por apreciar estos detalles. Es precisamente lo que busco, en mucha de la producción actual de Los Angeles y resto del mundo se crean muchos temas donde el beat puede ser el mismo durante más de seis u ocho minutos a lo largo de un track y a mi particularmente eso me produce cansancio desde el punto de vista rítmico y melódico. Siempre me ha interesado que hayan muchos cambios en los temas y

que las transiciones de ritmo, armonía y melodía sean siempre los justos buscando que la gente se quede con buen sabor de boca y quiera oír más. No soy de los que cree que hay que sacar albums de 10 o 12 temas y cada uno por encima de los seis o siete minutos de duración.

Por otro lado la manera de crear tensión y en ocasiones despistar a la gente sobre lo que va a ocurrir en un tema se lo debo a la manera en que ven y sienten el ritmo los tablistas de la India. Buscar cualquier solo de tabla en Youtube de Zakir Hussain y veréis a lo que me refiero, donde crees que va a pasar algo, ocurre todo lo contrario y sin olvidarnos de la impresionante habilidad que tienen para doblar el ritmo sin previo aviso y sin desfase alguno. Mientras creaba los temas para Wild Loop me obligaba a pensar que estaba en una banda de JAZZ improvisando… muchas de las texturas y líneas de synthe de los tracks se hicieron por ensayo y error, buscando arreglar un fallo y obteniendo un resultado inesperado que mejorara aún más los temas.

Algunos títulos de esos temas, como “Traveling”, “Metro NYC” o “Barcelona Sleep”, sumados a la sonoridad de “canzone napoletana” de “Su Carcerato”, evocan el viaje como experiencia y como fuente de inspiración…

Yo soy de los que piensa que viajar por el mundo es una obligación sobre todo si eres un artista al que le gusta el diseño, la música, el teatro etc. Lo bueno de internet es que ha hecho que más de un artista que creía sentirse el mejor en algo (con dos dedos de frente) se replantee esta postura, vivimos en el mundo del exceso de información y creemos que con ver vídeos en Youtube podemos llegar a entender como es un lugar en otro país, pero hay que vivir las experiencias, para poder contar las mismas con el formato que quieras… en mi caso utilizo la música.

El viajar ayuda en mi visión a ver las cosas con otra perspectiva, se aprende a valorar lo que tienes, lo que haz hecho o lo que aún debes hacer. Por ejemplo la canción “Traveling” nació de un viaje que hicimos recientemente este verano a Sicilia. Era la primera vez que mi hija se montaba en un avión y ver como absorvía

El tema “Back to work” es el único que no está basado en un viaje ya que lo que busco con este tema es representar las ganas que tenía de volver y componer nuevos tracks.

tanta información al verse en otro lugar jugando, comiendo etc. me llevó a componerla.

Con “Metro NYC” reflejo los sonidos que se me quedaron en la cabeza la primera vez que visité el metro de New York, se que es un lugar mítico para muchos artistas, graffiteros y leyendas del pasado y del presente, este track es un tributo a esa gente que hace que el metro de new york sea tan especial, alocado, frío y alegre a la vez. “Barcelona Sleep” cumple con la misma premisa de “Metro NYC” pero planteada desde mi visión sobre una noche de verano en Barcelona, cada mes intento pasear por el barrio gótico y los suburbios de Barcelona para ver como se transforma y recicla a si misma cada día y lo contrastante que es hacer ese mismo recorrido de noche que de día.

La italianesca canción “Su Carcerato” (Estoy encarcelado en italiano) es un tributo a ese sentimiento de protesta y melancolía que tienen las tarantellas Napoletanas o Sicilianas, yo creo que los italianos (y porque tengo familia italiana doy fé) vienen al mundo con el chip pre-instalado de la melancolía, el pesimismo, la alegría, el romanticismo y la total contradicción, basta con conocer bien el norte y visitar luego el sur de Italia para ver la gran amalgama de contrastes que hay. Yo mismo peco de tener muchos de estos matices y he intentado reflejarlos en este track.

Antes nos hablabas de tu agenda de trabajo para 2012… ¿qué proyectos tienes preparados para el futuro?

A nivel inmediato tengo la primera presentación en directo de WILD LOOP en un lugar que es como un segundo hogar llamado NIU y ubicado en Barcelona, la presentación se hará el próximo 20 de Noviembre 2011. De hecho ese día todo el tema visual estará a cargo de las chicas de NIKAPS que crean unas visuales fantásticas y a quienes quiero llevarme para diversas presentaciones pre-programadas de cara al 2012.

Por mi propia cuenta e interés y con la ayuda y consejos de DJ EGRES he contactado con varios festivales por toda Europa y de momento hay buen feedback sobre la propuesta de WILD LOOP en directo. Estoy preparando todo para poder grabar en directo el video clip oficial de la canción “Back to works” el cual os haré llegar a ver si os gusta :D. En función de las agendas mías y de NIKAPS la idea es tocar en unos 6 a 8 festivales medianos y grandes dentro y fuera de España. Lo malo de la situación actual es que hay festivales que ni saben si podrán acometerse en el verano el 2012 por toda la incertidumbre y recortes que hay ahora mismo. En este caso no quiero limitarme, he hecho buenas migas con productores desconocidos como yo en Los Angeles para tener la posibilidad de llevar mi música allí.

Finalmente estoy trabajando desde ya para el próximo álbum, ya que tendrá algunos músicos invitados que por temas de agenda pueden sólo durante este invierno que recién empieza sentarse a grabar en un estudio.

Unas últimas palabras…

Sólo quiero decir GRACIAS!!, a todos los más cercanos al desarrollo de mi propuesta como Dj Egres, Bob Macc, Nikaps, Sergi y el equipo de Niu Barcelona, Antònia Folguera, a la inspiración y buena vibra de mi mujer y mi hija y por supuesto a vosotros por la entrevista y por escuchar y apoyar mi propuesta.

ENGLISH VERSION interview

/an interview by GNZ Massimiliano Liberatore is Drop 1410. A producer from Venezuela established in Barcelona, a musician with formation, experimented drummer and percussion player, whom has made a step forward from the 8 bits music scene to explore new musical terrains, closer to the avant-garde electronic Hip Hop. Drop 1410 has just released his new EP “Wild Loop”, and this EP captivated us from the first listen we gave to it, a morning of October, for his special genre combination, and for the big contribution it supposes for the beats scene made in Spain. We got in touch with Max to know the artist a little better, but also to discover the person behind Drop 1410, and here is the result.

You were born in Caracas, but you’re actually living in Barcelona since 2004… It’s strange, but Barcelona has been chosen by a considerable number of Venezuelan artists to get established…

You’re the third artist we know, besides Jahbitat and Cardopusher, sharing Barcelona as adoptive city (and we know there are many more we don’t know)…

Is it a coincidence or do you follow a hidden plan to take the city? Which personal reasons moved you to choose Barcelona as the city to live in?

It is true artists like Jahbitat and Cardopusher, and at least ten more that I know but still in remain anonymous have been living and being a pain with music for a few years now.

In my case there are many forceful reasons to be here, after living so many years in such a chaotic city as Caracas my main goal has always been living close to the sea, as near as possible. For me Barcelona reminds me in many ways to the experiences I’ve lived in New York or LA, it’s of these kind of cities with so much ambiance and character it attracts artists not just from Venezuela but from all over the world.

The cultural mix is awesome. On the other hand the invasion, the taking of Barcelona (laughs) may be the result of the lack of opportunities in our country… in my opinion doing all the things I do regarding music production, design, contacts, and so, would be very difficult, almost impossible to do in Caracas actually.

Art, music, or design you wish to express can be very conditioned by your life situation, so I decided to leave. A good friend of mine always told me “Your life will always be better if you stay where you feel you can be yourself and develop as a person and as an artist”... for me this place is Barcelona. I have also a family here, supporting me to the maximum with my new album, and my work schedule for 2012.

You have received a musical formation, focused on percussion, since you were very young, aged 12, learning to play drums and many other instruments… but we’re especially interested on your passion for the Indian folkloric instruments, like the Tabla or Udú… How and why did you get from learning drums to such exotic instruments?

It’s really odd to learn percussions from the world, applied to world music, in a country like Venezuela (in the

heart of Caribbean), with warm summer temperatures almost all over the year, and where salsa, rumba, or what they call Latin flavor is very present in the general consumer society. The majority of the drummers of my generation learn with improvisation, fusion and Jazz expert teachers like Mr. José Matos or Andrés Briceño. My international idols of these days until now were musicians like Vinnie Colaiuta, Dave Weckl or the big Steve Gadd, but it came a moment when I literally got tired of all this, I found myself into the predictable spiral of living in the shadow of the others technique, consuming many magazines like Modern Drummer, and I think I was stuck in a sector I considered saturated by a lot of brilliant people.

For me, thinking you have a good technique with drums is a nonsense. Drums are like a Picasso painting, “infinite”. You’re never enough trained and improved regarding an instrument like the drums. In addition to an abysmal rivalry.

One day I found a CD of an artist which name made me laugh in that moment, but it captivated me in an impressive way; this musician was called Trilok Gurtu.

The peculiarity of Trilok Gurtu’s music, and his mythical way of playing drums sitting on the floor opened my eyes.

And I simply followed my instincts after seeing people like Andy Narell, a steel pan player with an incredible feeling and outstanding technique, even if he’s not from Trinidad/Tobago. And I asked myself a question, or a personal bet… Is a son of Italian emigrants, born in Venezuela, able to learn to play Indian Tablas? Why not? And I headed towards Tablas, Gatham and Udú investigation in a country so marked by Latin Flavor as I have already told you.

Between 2002 and 2003 I left behind the traditional technique of playing drums and started to experiment besides the teacher Yonder Rodríguez, playing Indian tablas, understanding how innovator and complex it was to play drums sitting on the floor, adapting the position of drums and percussions to the instrument’s nature and its native execution. Trilok Gurtu inspired me to see a totally different way to play, and more closely, I owe to master Yonder Rodríguez everything I know about world percussions. Something that really improved my

more electronic music terrains unknown for me. I still remember when, just arrived in Barcelona, I bought Ableton Live 1 (I still have the original CD at home), and I also remember how many magazines venerated how innovative this software could be (exactly how it happened). Technologic tools for music production are actually highly impressive… there’s so much variety and richness it’s impossible not to get addicted to produce electronic music. Also, I have not enough space to have an acoustic drum set in my studio. Drum is an instrument like the piano, or you dedicate your whole life or you’re done. Versatility, variety and simplicity offered by technology to create electronic music is the main reason for me to let many organic stuff aside for a while, but not for ever. Dealing with music, nothing is forever, and who knows, maybe in the future you’ll see me playing drums over my beats, or getting back the tabla to my sets. I still keep playing tabla or udú, even if actually I’m so absorbed by electronic music.

person from learning so complex instruments (even difficult to buy in these days) was sensitivity and humility towards instruments and music… believe me when I tell you it’s very difficult to believe you’re somebody or to get cocky when you have to connect and study such a complex instrument as the Indian tabla, this type of percussion learns you to be humble. In addition to this I had the honor of meeting in Barcelona the greatest exponent of tabla, Mr. Zakir Hussain, life turns almost perfect… You see why coming to live in Barcelona was worth of it? (laughs)

And how did you make the jump from the drums and percussive instruments to the electronic music production? Don’t you think it’s the opposite of “organic” music?

My transition from drums, percussion and so was due to love at the first sight when I listened to the Talvin Singh’s album “OK” for the first time. Then I started to dig and listen more and more about this producer, and the same information dynamics led me to discover the productions of Midival Punditz or Karsh Kale. This electronic and exotic instruments mixture world, so called Assican Massive, made me explore

We heard of Drop 1410 a few years ago. It called our attention your work in the 8 bits music field; armed with your Gameboys… this was before the “circuit bending” boom exploded in our country… How did you get into chiptune music?

You really heard of me before? That’s great (laughs), let’s get serious… the first time I listened to somebody playing live with Gameboys was during a set where I mixed my work with Tabla and electronic music with the work of an artist called Aleksei Hecth (aka El Brujo), the organizer of the night bet for Aleksei making a jam session with his Gameboys in a total improvisation over my beats, with no previous preparation. I didn’t even knew him. And the result was amazing, especially for the hardware Alaksei used back in those days, when there was still no LSDJ nor Nanoloop (or at least they were at a very first age), he played just using the internal software of the Gameboy Camera (it’s a big challenge to make music with this software). Aleksei, besides another Barcelona artist called Gamebombing were the only two people I knew using Gamboys to make music in the city. Through Gamebombing I met the mythical and now dissolved duo Teamtendo (they were

the big revelation of Sonar festival in 2004), and so I started researching and asking… it was a surprise for me to discover how many talented artists of chiptune music there are in Barcelona, and I participated in some Microbcn events. To speak about circuit bending back in 2004 was as strange (even more) as seeing two guys disguised as squirrels playing at Sonar. What I mean is human inventiveness has no limits.

Thinking how everything started with the Gameboy Camera’s software, until what you can see today, even consume in the chiptune genre, is a heroic deed. Of course, from my wife to my friends, the freaky cliché has always been there, but they always ended captivated, crazy about not understanding how you could make music with a Gameboy.

Even if in my last album I just use one Gameboy / DMG as an effect instrument and reinforcement of the beats for my live sets, I still keep preparing new stuff and songs made entirely with Gameboy. The complexity of the genre in a production level is the reason why I make chiptune music, also because it reminds me of my childhood when I play. It’s strange to think that when I was a kid I ruined the familiar budgets buying games and games for Gameboy, and now this same Gameboy is the one I use as a the vehicle for my artistic and musical expression…

You have just released your latest work, “Wild Loop” and you step into new terrains, closer to avantgarde and experimental Hip Hop highly influenced by all the American West Coast and Los Angeles area movement. What can you tell us about this new record and about this new Drop 1410 creation?

Wild Loop is the result of the disconnection I made a year and a half ago, when my daughter was born.

Being devoted to her, I spent the rare free time I had listening to the work of artists like Roots Manuva, Flying Lotus, Nosaj Thing and Teebs. I knew I won’t have time or rest enough to make new tracks, at least for a while, so I tried to keep ears and mind alert and attentive to the productions of those artist and to the whole Los Angeles avant-garde and experimental hip hop wave.

Wild Loop is a big personal challenge, I came from

making chiptune music for two years and a half, and I didn’t had the chance to work a little deeper the sound textures and the versatility of this genre.

It’s the first time for making this kind of beats and I have re arranged all my live set to include a Gameboy, a Talking Teacher (bending), an iPad and an MPD32.

I’ve made a personal bet on new applications for iPad, in fact, in many of the tracks there are many arrangements played from the iPad. It’s funny even amusing to see an old piece of museum like a Gameboy mixed with the sounds coming from an iPad, it’s like being in a time machine for gadgets. Wild Loop has been produced entirely by myself in 4 months. In a technical level I must thank the help of critics and friends as Dj Egres for his suggestions and inspiration, and especially to Bob “Macc” Macciochi for mastering the tracks.

Something we really like from “Wild Loop” is the way you play with melodic arrangements. In your songs, melody is very important, you play with nice harmonic arrangements, but you never get into sentimental excess and you use to generate a certain kind of tension, rhythm or melodic tension, which keeps the listener alert over all the tracks from the album… we love this discreet toughness you’ve created…

Thank you for appreciating those details. That’s exactly what I look for; in many productions coming from the L.A. area, but also from all over the world, many tracks keep the same beat going on for 6 or 8 minutes, and this is boring to me, in a rhythm and melodic point of view. I’ve always been interested in introducing changes on the songs, and making enough melodic, rhythm and harmonic transitions aiming to please the listener, and make him want for more. I’m not into releasing albums of 10 or 12 tracks, 6 or 7 minutes long each.

But on the other hand my way to create tension and sometimes to confuse people about what’s coming next, I owe it to the particular vision or rhythm of Indian tabla players. Just check Youtube for Zakir Hussain and you’ll see what I’m talking about, when you think something is going to happen, it’s just the opposite, and I can’t forget their outstanding skills to double the

rhythms without prior warning and without getting out of phase at all.

While I was producing the songs for Wild Loop I forced myself to think I was in a Jazz band, jamming… many textures and synth lines of the tracks were made by trial and error, looking to fix fails and getting unexpected results which improved even more the songs.

Some of the songs, like “Travelling”, “Metro NYC” or “Barcelona Sleep”, in addition to the “canzone napoletana” sonority of “Su Carcerato”, evoke travel as an experience and source of inspiration…

I’m one of those people who think travelling is a must, even more if you’re an artist passionate by design, music, drama… A good thing from Internet is it has made many conceited artists (too narrow minded) to reconsider this position; we’re living in a world of excess of information, and we think that watching Youtube videos we can understand how things go in other countries, in other places, but we have to live experiences, to be able to tell the story as you want… personally I use music. Traveling helps me to see things from another perspective; you learn to appreciate what you have, what you’ve done or what you still have to do.

For example, the song “Travelling” came up in a trip we made this summer to Sicily. It was the first time my daughter went into a plane, seeing how she absorbed so much information, playing in new places, eating, and so, it led me to write it. In “Metro NYC” I reflect the sounds that got stuck in my head the first time I visited the NYC Subway, I know it’s a mythical place for many artists, graffiti artists and legends from past and present, this song is a tribute to all those making of the NYC Subway such a special place, crazy, cold and cheerful at the same time. “Barcelona Sleep” follows the same path than “Metro NYC”, but from the starting point of a summer night in Barcelona. Each month I try to make a walk at the Gothic district, and the Barcelona’s suburbs, to see how it transforms and recycles itself day by day, and how different it is to make the same walk by day or by night. The Italian song “Su Carcerato” (“I’m imprisoned” in Italian) is a tribute to this riot and protest feeling of the tarantellas from Napoli and Sicily;

I believe Italians (and I can swear as I have close Italian family) come to this world with a pre-installed chip for melancholy, pessimism, joy, romanticism, and total contradiction, when you know the north of the country and travel to the south you get the incredible amalgam of existing contrasts. I’ve got many of these shades on myself and I tried to reflect it on this song. “Back to work” is the only track not based in travels, it’s just the proof of how much I was looking forward to come back and make new music.

Before, you mentioned you agenda for 2012… which projects are you preparing for the future?

Last November the 20th I presented “Wild Loop” live at a place which is like my second home, it’s called NIU and it’s in Barcelona. All the visuals were made by the Nikaps girls, they make awesome visuals, and I want to take them with me to different shows in 2012.

Looking for myself, and with the help and suggestions of Dj Egres I’ve made some contacts with different European festivals to make a live set of Wild Loop and I’ve had a good feedback so far. I’m arranging everything to shoot live the official video of “Back to work”… I’ll send it to you to see if you like it. Depending of the agendas of Nikaps and mine, the idea is to play in 6 or 8 festivals inside and outside Spain. The problem of the actual situation, with all those budget cuts and the existing uncertainty, is making many festivals hesitate if they’re going to happen in 2012. In this case, I’ve made some contacts with unknown artists like me in Los Angeles to take my music there.

And finally, I’m already working on my next album, involving some guest musicians, and due to their busy agendas we’ll start to record this winter in studio.

Some last words…

I just want to say thank you! To all the people close to my proposal like Dj Egres, Bob Macc, Nikaps, Sergi and the Niu Barcelona Team, Antònia Folguera, and the inspiration and the good vibes of my wife and daughter, and of course to you for the interview and for listening and supporting my proposal.

reportaje

ENGLISH VERSION report

No matter what we’re dealing with, 2011 can be resumed in two words: more crisis. And cinema has not been an exception, and this leaded us to 3 ideas: 1. Big studios don’t risk a shit, and have made just safe movements: comics, remakes, reboots, prequels…

2. Result of point 1, many small and medium productions have won their space and have looked for one of the aspects of cinema we like the most: serious entertainment. And the majority of big productions of the last years have definitely not. and 3. If you want to have a good time, even a bad movie is not so bad sometimes, other times we’re not in the mood to punish ourselves any more.

That’s why we have selected, amongst all the movies we’ve watched all over the year, 6 movies you would recommend to a friend, and 6 movies you would recommend to an enemy. We’re not going to tell you not to go to The Smurfs 3D, or Twilight After Hours (1st part), you already know what you’ll find there.

We have made a special emphasis on some movies which could go unnoticed, even if they’re worth of it, and other stinking movies which don’t look like the shit they are. We also have included some movies giving the promised, what you see is what you get, so you won’t lose your time digging… we bring you…

6 SUITABLE MOVIES vs 6 AWFUL MOVIES (according to the humble opinion of Sr. Calle)

UNKNOWN Director: Jaume Collet-Serra | Actors: Liam Neeson, Diane Kruger, January Jones | UK, Germany, France, Canada, Japan, USA | 113min “Very amusing”, “what an enjoyable moment”, “I didn’t expect something like this”, “it’s like Frenzy”… these are the things you say after watching this movie. And it’s not a master piece of cinema, and it’s not inventing nothing new, but whatever it is it’s well done: a good story, good actors and very well directed. Action, mystery, nice turns of the screenplay… perfect to have a good time, nothing else, but this is not easy to find lately. A movie suitable for homemakers, pensioners and young enterprising: to suit all tastes.

------------------------------------------------- vs --------------------------------------------Hangover 2, ¡Now in Thailand!

Director: Todd Phillips | Actors: Bradley Cooper, Zach Galifianakis y Ed Helms | USA | 102 min Alright, under this name we couldn’t expect nothing good. What the previous film achieved, freshness, a funny screenplay, the characters perfectly fitting to the comedy, Mike Tyson… it’s all messed up by this sequel. The story takes place in Thailand, with the same characters, and a smoking monkey (just digitally, poor little monkey) with a beautiful Rolling Stones’ waistcoat, the only one who’s worth of it.. the rest, pure garbage.

I might also say, in this film to sniff some cocaine is not so bad, but smoking a cigarette is a crime. American’s business.

PHASE 7 Director: Nicolás Goldbart | Actors: Daniel Hendler, Jazmín Stuart, Yayo Guridi, Federico Luppi | Argentina | 95min Phase 7 was presented lately in 2010, but its international premiere was in 2011, that’s why we’ve included it. Also because it’s an amazing black comedy. Starting from such a fashionable subject as infections (like Rec) to build up a small comedy, with usual characters but at the same time a huge and original movie. Don’t be afraid, you’re not going to see any zombie / infected, you’re going to see the paranoia and conflicts coming up in a neighbor’s community under quarantine. Even if the end is a little long and questionable, it’s another big movie from Federico Luppi, and he’s not used to do imitation jewelry.

------------------------------------------------- vs --------------------------------------------Transformers 3 Dark of the Moon Director: Michael Bay| Actors: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, John Malkovich, Josh Duhamel, Patrick Dempsey, John Turturro, Frances McDormand, | USA | 157 min Trans-For-Mers!!! The same old stuff, loads of spatial garbage fighting to the rhythm of Michael Bay, sly as a fox entertaining parents and childrens, and selling tons of plastic under the form of merchandising. Just as in other franchises, like Harry Potter, the stars staff is granted. A wasted Frances McDormand, in a role written for Meryl Streep, John Turturro not looking anymore as his Jesús character on The Big Lebowski, and a repulsive boy called Shia LaBeouf messing all up, let me remind you he messed up the Indiana Jones trilogy, and we won’t pardon.

Drive Director: Nicolas Winding Refn | Actors: Ryan Gosling, Carey Mulligan y Bryan Cranston | USA | 100 min Drive premiere in our country is the upcoming December 28th. For those who don’t know a word about this film, you must know Drive is a movie stuntman by day and a private driver by night. With a 80’s pretty

ambiance for pursuits and dealing regarding the plot, just like a classic thieves and car races movie, very well built. The main character is for Ryan Gosling, besides the huge Bryan Cranston, very well known from his role in Breaking Bad, and for the brilliant Malcolm in the Middle. You’ll also find Christina Hendricks, the hot secretary from “Mad Men”.

------------------------------------------------- vs --------------------------------------------RED STATE Director: Kevin Smith | Actors: Michael Parks, Melissa Leo, John Goodman | USA | 88min Aaaay Kevin Smith... is someone still trusting him? I did not, but after receiving a prize in Sitges 2011 with this movie I decided to watch it… what a bad move! It’s been presented as a terror movie, but nothing more far from reality. Action? Not much, and not quite good.

We could resume it like seeing a chapter of Walker Texas Ranger up in smoke, and replacing Chuck Norris with a slim fit and flabby John Goodman.

The only thing to highlight, the preacher Michael Sparks, and his radical Christian speeches, the only thing we would rescue from its burn. If you want some Kevin Smith, watch again Clerks or Chasing Amy. X Men First Class Director: Matthew Vaughn | Actors: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, January Jones, Jason Flemyng, Rose Byrne,Oliver Platt | USA | 131 min At first, you might think it’s gonna be garbage, flashback refried, nothing related to the X-Men history, another marketing product. In a certain way it can be considered as a pop-corn product, but it’s built with style and a screenplay where fantasy and historic facts get melted, like in the X-Patrol comics. I believe this film it’s the beginning of a decent future for the mutant saga.

An outstanding Michael Fassbender’s performance, we already saw in Inglorious Bastards, and Kevin Bacon, as a son of a bitch, despite the passing of years he still looks like in Foot Loose.

------------------------------------------------- vs --------------------------------------------CAPTAIN AMERICA: THE FIRST AVENGER Director: Joe Johnston | Actors: Chris Evans, Tommy

Lee Jones, Hugo Weaving | USA | 124min You haven’t watched Captain America yet? We did, and in 3D. I still remember the day we let ourselves go and went to watch this movie… and this are our conclusions: If you enjoy watching Jumanji from time to time, this movie is for you, but if you’re looking for serious action, it’s not. That’s because Captain America is for kids, much more the X-Men: first generation (for example), which even having a lot of fantasy, keeps itself in a more serious and solid ambiance. The director Joe Johnston keeps doing his thing: The Wolf Man (with Benicio del Toro, poor little thing), Jurassic Park III, the mentioned before Jumanji… familiar cinema, maybe too familiar.

Just like Groucho Marx said; “I never go to movies where the heroe’s chest is bigger than the heroine’s”.

And that’s what we should have done.

HOBO WITH A SHOTGUN Director: Jason Eisener | Actors: Rutger Hauer, Pasha Ebrahimi, Robb Wells | Canada | 86min I’m in love with this movie… if you enjoyed Brainded and you don’t turn your back to any movie from Charles Bronson, just write down this title: Hobo With a Shotgun.

This movie was filmed thanks to the fake trailers competition won by their creators (a competition organized for the promotion of Tarantino’s Death Proof and Planet Terror). To summarize, this movie is what Machete should have been: more shots, more blood, more mythical sentences, a true Grindhouse’s tribute.

Rutger Hauer makes his best rounding the age of 70, and plays a role which will make history in the sick minds of late night movies lovers… Not suitable for softies!

I also recommend you watch Treevenge, a short film from the same creators, you’ll find it in Youtube.

------------------------------------------------- vs --------------------------------------------THE HUMAN CENTIPEDE II (FULL SEQUENCE) Director: Tom Six | Actors: Laurence R. Harvey, Ashlynn Yennie, Maddi Black | Netherlands, UK, USA | 88min Shit! That’s the only thing you will be able to say after watching this film, and the only thing you’re going to see: loads of shit (literally). All the suggested in the first part is too much shown here… The Human Centipede I (2009) was a good idea (at least I found it funny), a

little bit slowly developed, but not so bad, carried with much more elegance as possible regarding a subject like this. In this second part Tom Six (the director) has lost control, maybe on his own will, and when your only motivation is provocation, you can feel it and you end losing self-control… we’ll see how they end this trilogy.

Martin, the main character of the second part of the movie is not better than the charismatic Dr. Heiter from the first issue, well… he’s better being repugnant, much better.

Attack the Block Director: Joe Cornish | Actors: Nick Frost, John Boyega, Jodie Whittaker | UK | 80 min “Attack the Block” is the debut as filmmaker for the Englishman Jose Cornish. It’s a terror / science fiction movie shot in south London, counting with, amongst many others, with Nick Frost, the one from Paul, Hot Fuzz and the zombie-trend setter Shaun of the Dead. The film starts with some gang members on a street, watching fire-balls falling from the sky. The gang investigates and discovers an alien creature, meanwhile there’s a massive coming of alien creatures and the gang starts defending from alien invaders at the block they live in… a brilliant movie.

------------------------------------------------- vs --------------------------------------------Cowboys and Aliens Director: Jon Favreau | Actors: Daniel Craig, Olivia Wilde, Harrison Ford, Noah Ringer, Sam Rockwell, Paul Dano, Abigail Spencer, Keith Carradine | USA | 118 min In 1873 in the Wild West region, settlers and Indians battle for the control of the land. But when Earth is threatened by aliens, boths sides must collaborate to save humanity”. This is how they try to sell us the movie.

What seemed a step forward for the fantasy or western genre, gradually goes flat in a watered-down movie, lack of interest. Not even Harrison Ford or Daniel Craig can save this film from a resounding letdown.

entrevista

/ una entrevista de GNZ

Bitcode es Mario Nieto, un viejo conocido de todos los lectores de esta revista, ya que hace mucho tiempo que venimos hablando de él, y contamos con él para el festival de Hip Hop que organizamos en Valencia en 2007, cuando su nombre de batalla era Dj Code. Y desde entonces ha llovido mucho, tanto que Mario ha evolucionado su alias a Bitcode, ha diversificado su estilo musical, y ha seguido cosechando éxitos con los años, siendo su más reciente logro proclamarse ganador de la ronde española del concurso internacional de dj’s Red Bull Thre3style. En Diciembre se desplazará a Vancouver para la ronda final del campeonato, enfrentándose a los representantes de los diferentes países del mundo participantes, todo un reto por delante, del que os informaremos del resultado sea cual sea.

Pero volviendo al tema que nos ocupa, nos hemos puesto en contacto con Mario para felicitarle por su título, y para que nos ponga al corriente de sus actividades, proyectos y planes para el futuro.

Bueno Mario, lo primero que queremos es felicitarte por ganar la edición española del campeonato RedBull Thre3style… enhorabuena. ¿Cómo afrontas la final mundial, el próximo mes de Diciembre en Vancouver (Canadá)? ¡Muchas gracias! La final se divide en 4 clasificatorias de 4 dj’s. De estos 4 sólo pasa uno a la ronda final. A mí me ha tocado competir en la clasificatoria contra India, Canadá y Argentina. Entonces lo que he hecho ha sido prepararme 2 variaciones de un mismo set, por lo que pueda pasar. Por lo demás, me lo he preparado todo como las rondas anteriores, estudiándome muy bien el set y practicándolo mil veces. ¿Conoces a los dj’s con los que te vas a enfrentar?

A través de mixcloud he podido escuchar algunos sets de los ganadores. Personalmente no conozco a ninguno.

¿Y cómo has visto el nivel nacional durante el campeonato? ¿Qué contrincantes te han llamado más la atención y por qué motivos? ¡El nivel ha sido alto! En Barcelona destacaría a dj Tres, lo vi haciendo un set genial, variado y original. En la final

hacia sonidos más bailables, más electrónicos?

Es una evolución que me ha salido así simplemente.

Hago muchos estilos de música como downtempo, electro, hip hop, y canciones más inspiradas en bandas sonoras. Entonces, en un momento dado, vi la necesidad de crear un alias para poder editar todo mi trabajo y diferenciar entre distintas sonoridades.

Escucho mucha música, he intento tener los mínimos prejuicios. Creo que es compatible poder ser un productor de chill out o hiphop y a la vez poder hacer temas de música house o electro. A mí me gustan muchos estilos de música y creo que cada estilo tiene su momento, por ejemplo cuando pincho en clubs pongo temas de tempo más alto y más electro, pero cuando estoy en casa no suelo escuchar esa música, prefiero escuchar música más tranquila.

Creo que es importante tener una mentalidad abierta para crecer como músico.

de Madrid destacaría las sesiones de Dj Wilor con un set bien estudiado y creativo; a Dj Pimp hizo un set muy visual y con muchos trucos, con un desarrollo bien coherente y una buena selección; Dj Uve también me llamo la atención, es un dj con muchísima clase, quizá no era el más espectacular a nivel de trucos pero su selección fue de 10.

segundo lugar, el hecho de haber ganado ha sido un aliciente para que me llamen de más sitios para actuar.

También me están pidiendo más entrevistas y podcast.

Y a raíz de uno de estos bolos, concretamente el que hice en el Redbull Lounge (festival Sensations), conocí a unos promotores que son los que ahora me llevan el booking, llamados Alone With Everybody.

¿Qué ha supuesto para tu carrera resultar ganador del campeonato de RedBull en España? ¿Has notado algún cambio considerable?

El hecho de haber participado en el Thre3styles, en primer lugar, me ha supuesto desengrasarme, evolucionar y tener más seguridad en mí mismo. En

Digamos que te conocimos cuando eras un dj apasionado por el turntablism y productor de Hip Hop, pero ahora unos cuantos años después tu estilo ha evolucionado hacia las pistas de baile… incluso tu nombre ha mutado hacia esos derroteros… DJ Bitcode es tu nuevo alias… ¿Por qué esta evolución

¿Cómo enfocas tus sets? ¿Qué tipo de montaje técnico utilizas? ¿Tienes pensado hacer directos?

Cada set es diferente, siempre intento transmitir mucha energía y espectáculo en mis sets. Intento que el set sea visual y que todo pase con una cierta coherencia.

En directo uso 2 platos Technics, mi mesa Vestax 05 que lleva un delay incorporado (me encanta este mixer), Serato y un controlador midi Native Instruments X1.

Por ahora lo de los directos no lo tengo en mente. ¡Me divierto pinchando! ¿Qué experiencias, qué conocimientos y qué técnicas conservas en la actualidad de tu anterior faceta más orientada al Hip Hop? Pues el hiphop y dentro de él el turntablism es la mejor base para un dj. Aprendes a tocar los platos sin miedo y desarrollas una técnica que puedes aplicar en cualquier estilo. ¿Y sigues involucrado en proyectos de Hip Hop? Así es. Con el Gremio estamos preparando un LP, capitaneado por FEO1 que se llamará “Mundo aparte”.

Las bases musicales corren a cargo de Nerko y yo

y una estética bien cuidada. Y como te decía en la pregunta anterior el sello Disboot, es increíble lo que hace esta gente.

Del Palo, Arkestra y Tracy Recordings también son sellos a tener muy en cuenta este 2011.

Y qué tienes preparado para el futuro… ¿algún proyecto en particular que nos puedas desvelar?

Estoy a punto de sacar un EP como Bitcode llamado Some Bass EP con el sello Tracy Recordings, sonidos más de club y potentes, pero quizá no tan funky como mis anteriores temas.

También tengo a medias un EP que editare con Música Vermella que irá un poco en la línea de mi anterior trabajo Journey EP. Seguir estudiando música, seguir creando, actuando, que es lo que más me gusta.

me estoy ocupando de mezclar todo el disco, hacer arreglos con instrumentos y grabar scratches.

Además recientemente acabe un Remix para Marko Fonktana en el que aparecen Noult, Joanarman, Aniki y Marko.

Has colaborado recientemente con Galleta Records remezclando a Diploide… ¿cómo ha sido la experiencia?

Pues muy bien, parece que el remix está gustando. Me divertí mucho remezclándolos. ¿Qué artistas de la escena nacional actual te interesan?

Los que más me gustan son Griffi, Puto Chen, Mwëslee, Pisu, Delorean, Oriol, Noaipre, Sidechains, The Amplid, Wagon Cookin, Niño, Garbanzo (es el amo!) toda la gente del sello Disboot como Cauto, Downliners Sekt, etc… y seguro que me dejo alguno! en definitiva creo que en España hay gente con muchísimo talento y personalidad musical. ¿Qué destacarías del 2011 en el terreno musical a nivel nacional? Ya sea un artista, un disco, un sello…

Destacaría al sello Música Vermella con el que edité mi último EP bajo el nombre de DJ Code llamado Journey EP. Es un sello que está continuamente buscando a artistas emergentes y editándolos, con buen criterio

Por cierto, ya que hablamos de proyectos… ¿qué es Creatters Studio?

Creatters es la unión de una serie de creativos que abarcan una mayoría de ámbitos profesionales, la música, la animación, el diseño, el video, la fotografía, el dibujo, la pintura...

Su misión es crear en conjunto de proyectos específicos, en los que todos tenemos un papel diferente, cada uno aporta su especialidad.

Es un equipo de trabajo, básicamente que pretende sacar trabajo de calidad saliéndose un poco de la tiranía de las agencias, de la crisis....un estudio de gente con talento y ganas de hacer cosas diferentes, que promocionen su propio talento, y exploten sus posibilidades, pero intentando siempre ser fieles a ellos, sin que el dinero mande, manda el arte... ¿Unas últimas palabras? ¡Muchas gracias a ALB y a toda la gente que me sigue y apoya!

Podéis seguirme en http://www.facebook.com/Bitcodeistheshit

ENGLISH VERSION interview

What has supposed for your career winning the Spanish Redbull contest? Did you feel any considerable change?

To have participated in Thre3styles has supposed to me, first, to remove grease from myself, evolve and get more self confidence. Second, the fact of winning has been a motivation to get calls for more places to make shows. I’m also being asked for more interviews and podcasts. As a result of these shows, to be precise the one I played in the Redbull Lounge at the Sensations Festival, I met some promoters who are actually in charge of my bookings, called Alone With Everybody.

an interview by GNZ Bitcode is Mario Nieto, a well known figure to all the readers of this mag, as we’ve been talking about him for a long time, we even counted on him for the Hip Hop festival we organized in Valencia, back in 2007, when his alias still was DJ Code.

And it’s been a long time since that moment, Mario has even changed his name to Bitcode, he has diversified his style, and has achieved success within years.

His last achievement has been proclaiming himself as the winner of the Spanish edition of RedBull Thre3style dj competition. In December he¡ll go to Vancouver for the final round of the championship, to face and meet the winners of each different countries involved on the competition. It’s a big challenge and we’ll inform you about the result, whatever it is.

Well Mario, the first thing we want to do is to congratulate you for winning the Spanish edition of Red Bull Thre3style championship… How do you face the world finals, in December at Vancouver (Canada)?

Thank you so much! The final is divided in 4 rounds of 4 dj’s. Just one will reach the final. I have to compete against India, Canada and Argentina. So what I’ve done is to prepare 2 variations of the same set, just in case. Besides this, I prepared everything just like in the previous rounds, studying very well the set, and rehearsing a thousand times.

But back to the matter, we got in touch with Mario to congratulate him for his title, and to ask him about his activity, his projects and plans for the future.

And how did you see the national level during the championship? Which contenders called your attention and why?

The level was very high! In Barcelona I would emphasize DJ Tres, I saw him making a brilliant set, varied and original. At the finals in Madrid, I would emphasize the sets of Dj Wilor, a very studied and creative set; DJ Pimp made a highly visual set, with many tricks, and a coherent development and good selection; DJ Uve also called my attention, he has class as a dj, maybe not the most spectacular regarding tricks but his selection was perfect, A class.

Do you know any of the dj’s your going to face?

I’ve listened to some sets from other winners at Mixcloud. But I don’t know any of them in person.

Let’s say that when we met you, you were a dj passionate for turntablism and Hip Hop producer, but now a few years later your style has evolved into a dance floor oriented style… even your name has changed in the same direction… Dj Bitcode is your new alias… What’s the reason for this evolution towards electronic and dance sounds?

It’s a natural born evolution, simple as that. I play many different music styles, downtempo, electro, hip hop, and songs closer to film scores. So in a precise moment, I felt the need to create a new alias to release all of my work, and making a difference between the diverse sonorities. I listen to many different styles of music, and I try to have the least prejudices as possible. I believe it’s absolutely possible to be a chill out or hip hop producer and at the same time, to be capable to make house or electro music. I love many different styles of music, and I believe there’s a moment for each, for example when I play in a club I play higher tempo songs, more electro, but when I’m home I don’t use to listen to this kind of music, I’d rather listen to more quiet music. I believe you have to be very open minded to grow as a musician.

How do you face your sets? What kind of technical settings do you use? Do you have in mind playing live acts?

Each set is different; I always try to transmit a lot of energy and show. I try to make my shows visual, and make everything happen with certain coherence. I use

Sekt, and so… and I’m sure I forget some! All things considered, I believe there are a lot of highly talented people in Spain, with loads of musical personality.

What would you enhance from 2011 in national music panorama? It can be an artist, an album, a label…

I would enhance the label Musica Vermella, where I released my last EP under the DJ Code moniker, called Journey EP. It’s label in a constant search of emerging artists and releasing their works, with a good criteria, and impeccable aesthetics. And as I told you on the previous question, Disboot label, it’s amazing what these people are doing. Del Palo, Arkestra and Tracy Recordings are other labels to really bear in mind for 2011.

And what are you preparing for the future… any project you could tell?

I’m about to release an EP as Bitcode called Some Bass EP with Tracy Recordings, more powerful club sounds, maybe not as funky as my previous tracks. I’m also working on an EP I’ll release through Musica Vermella, more similar to my previous Journey EP. I want to keep studying music, keep creating, and performing, that’s what I like the most.

2 Technics turntables, mi mixer Vestax05 with built in delay (I love that mixer), Serato and a midi controller Native Instruments X1. I don’t have live shows in mind actually. I have fun being a dj!

on mixing the album, making arrangements with real instruments and recording scratches. I’ve also recently finished a remix for Marko Fontana featuring Noult, Joanarman, Aniki and Marko.

What experiences, knowledge and techniques do you keep from your previous Hip Hop oriented facet?

Well, Hip Hop and inside it, turntablism is the best foundation for a dj. You learn to touch the turntables with no fear, and you develop a technique you can use with any style.

You’ve recently made a collaboration with Galleta Records, remixing Diploide.. how this experience was?

Very well, it seems people like the remix. I had a lot of fun making their remix.

Are you still involved on Hip Hop projects?

That’s right. With “El Gremio” we are preparing a new album, headed by FEO1, and it will be called “Mundo Aparte”. The beats are from Nerko and i’m in charge

In what national artists are you actually interested?

The ones I like the most are Griffi, Putochen, Mwëslee, Pisu, Delorean, Oriol, Noaipre, Sidechains, The Amplid, Wagon Cookin, Niñi, Garbanzo (he’s the boss!), all the people from Disboot label like Cauto, Downliners

Now we’re talking about projects… what’s Creatters Studio?

Creatters is the union of a few creative minds, of different professional fields, music, animation, design, video, photography, drawing, painting… Their mission is to create specific projects in common, where each one of us plays a specific role, contributing with each one’s specialty. It’s a work team trying to make high quality jobs, escaping from agencies tiranny, to exploit their possibilities, but always keeping faithful to themselves, no money telling what to do, art tells what to do. ¿Last words?

Thank you very much to ALB and all my followers and supporters! You can follow me at http://www.facebook.com/Bitcodeistheshit

reportaje + entrevista

Fuente: www.mtn-world.com Fotos: cedidas por Eme de Mati Murciana, 28 años, cuadriculada, sensible y poco dada a la improvisación. Pasamos una tarde a su lado delante de un café, compartiendo un pedazo de sus experiencias. ¿Cómo llegaste a pintar en la calle?

Pues llegué después de mucho mirar. Soy curiosa, y a la vez muy tímida.

Me encantaba ver cómo la gente pintaba y el resultado de lo que hacía. Me llamaba mucho la atención. ¿Cómo era el ambiente en tu ciudad por aquél entonces?

En Murcia, en ese momento había bastante movimiento, había muchos muros pintados. Yo soy mitad de Murcia y la otra mitad de Águilas, un pueblo donde también hay bastante graffiti. Hay dos o tres grupos de gente que pinta.

Llama la atención porque a pesar de ser pequeño, hay mucha actividad. Se organizaban jams y yo iba a hacer fotos. Más tarde, ya un poco más mayor, empecé a viajar, y prácticamente lo hacía mirando a las paredes.

Tags, muros... Se convirtió en una obsesión. ¿Cómo y cuándo fue tu estreno en un muro?

La primera vez fue con una amiga, éramos unas niñas. Fuimos en su scooter a la autovía. Pintamos

a intervalos en la mediana pues el tráfico era denso.

Estábamos muertas de miedo. Mi amiga ahora vive en Italia, ya no pinta, tatúa.

La chispa creativa… ¿cómo se prende en tu caso?

Para mí empieza con los sentimientos. Soy muy ñoña.

Dependo de mis estados de ánimo. Una idea se me insinúa en la cabeza, y de ahí no sale hasta que la saco sobre papel. El desencadenante es mi mundo cercano, mi día a día, o el de mi gente. No hay pensamientos trascendentales como por ejemplo “salvar al mundo”.

Simplemente necesito expresar lo que me pasa mediante un dibujo, o unas letras. ¿Cuál es tu punto débil y tu punto fuerte a nivel creativo?

Mi punto débil es la técnica. Nunca he estudiado ni me ha enseñado nadie. No he tenido valor para hacerlo y me machaco con esa limitación. Conozco mis limitaciones. Sé hasta dónde pueden llegar mi mano y mi cabeza, y la verdad es que me gustaría mejorar eso.

Por otro lado mi punto fuerte es que tengo muy claro qué quiero y cómo lo quiero. El proceso es lento, pero sé cómo quiero que sea mi estilo, lo que quiero expresar y cómo hacerlo.

¿Funcionas en base a un plan?

No tengo un plan pero sí tengo un sueño. Sueño con poder dedicarme a la ilustración pero con mi estilo.

Que la gente me ofrezca trabajo porque le guste lo que hago. He vivido de cerca el mundo del arte y soy consciente de lo difícil que es vivir de él. Es apasionante pero difícil y yo soy muy realista. Sé que ese tipo de vida se puede mantener durante un año o dos, pero me tengo que ganar la vida y me gusta trabajar. Soy muy responsable, muy formal, así que la ilustración es un sueño más asequible.

Por otra parte no soy ambiciosa, y aprendo algo cada día, pero sin una dirección concreta. ¿Qué te quita el sueño?

Los problemas personales, mi familia. ¿Y qué te hace sentir invencible?

Pintar, es lo único que me llena. Para mí son momentos perfectos, se olvida todo lo demás. ¿Cuál ha sido la experiencia que más te ha marcado pintando?

Un muro en Francia, en un festival de música y graffiti.

Era enorme, yo no estaba en mi mejor momento y me lo tomé como un reto. Creí que no iba a conseguirlo, y cuando lo acabé se me saltaron las lagrimas. Me emocioné en plan loca (risas) pero lo acabé. Fue un sacrificio. ¿En quién te inspiras, o en qué te fijas?

Pues no me suelo fijar en nadie. Me lo han preguntado varias veces, y la verdad es que lo único que me inspira es la música. A veces, tengo recuerdos no sé si reales o inventados de mi infancia, a los que recurro cuando tengo que dibujar algo pero no soy de fijarme en otras personas. ¿Cómo es tu método de trabajo?

La mayoría de veces me creo una burbuja: me encierro con música y café y me pongo a dibujar. Otras, estoy haciendo cualquier cosa, o a punto de dormir y de pronto, viene una imagen y tengo que apuntarla para

que no se me olvide; cosa que me suele pasar si no lo apunto. Llevo en el bolso una libreta donde anoto todo eso.

En realidad mis bocetos son muy básicos. Dibujo porque quiero aprender a hacerlo mejor, pero sufro bastante porque lo que quiero es pintar.

De donde vienes, que no hay problema para pintar, a Barcelona donde resides actualmente, ciudad que tiene una ley cívica desquiciante, ¿cómo lo llevas?

Yo la verdad es que he llegado y ni he intentado pintar.

Todo el mundo me ha metido miedo con la situación que se vive. No lo llevo demasiado bien; echo de menos pintar a mi ritmo, porque estoy acostumbrada a pintar sola en cualquier sitio, en medio del campo, muy a gusto, las horas que quieras. ¿Cómo definirías tu estilo, lo que haces?

Yo hago lo que puedo. Dentro de mis limitaciones

técnicas doy lo máximo de mí.

Tengo mucha energía, y soy muy constante. Definiría mi trabajo como muy simple pero muy cargado de intenciones. Es la simplificación de un cúmulo de sentimientos en un dibujo o una frase.

Quizá parezca un poco infantil o inmaduro, pero es bastante más complejo que eso. Creo que es simple y profundo; pongo mucho de mí en lo que hago. ¿Qué te ha aportado el street art o el graffiti?

Desde que pinto he ganado mucha experiencia, he viajado, he conocido artistas, y he hecho amigos.

También he ido poco a poco perdiendo optimismo, pues soy consciente de lo difícil que es conseguir un trabajo que interese a la gente, que guste. Al final, me he dado cuenta de que tengo que crear para mí, aunque me sienta un poco incomprendida.

¿Qué te ha traído a Barcelona?

Siempre he soñado con vivir en Barcelona una época.

Pienso que he llegado un poco tarde, para mí y para la ciudad, o al menos eso parece. Antes, cuando venía aquí, era una alegría, con todo pintado, pero ahora…

La ciudad me encanta y pienso que aquí tendré unas oportunidades que en el sur no hay. Me va a venir bien estar una temporada. ¿En qué otro lugar te imaginas viviendo?

Me encantaría vivir un tiempo en Estados Unidos, en Los Ángeles, aunque hoy por hoy lo veo muy lejano.

Viví dos años en Italia, uno en Roma en el 2005 y el año pasado en Turín, pero mi relación con Italia es de amor-odio, porque por un lado la historia y el arte son increíbles, pero luego el día a día no me acababa… ¿Qué estás haciendo en Barcelona?

Estoy estudiando ilustración. Hace años acabé de estudiar en la universidad y nunca había estudiado nada que me gustara ni tuviera algo de creativo, así que decidí apuntarme a un postgrado de ilustración de un año.

Además de los estudios, ¿en qué andas metida?

Hago ilustraciones por encargo, diseño camisetas, participo en pequeñas exposiciones y estoy interesada en el mundo infantil: la ilustración, la decoración, la ropa de niños... He dado muchos talleres de graffiti para niños y es un mundo que me gusta bastante. ¿Preparas alguna exposición con tus trabajos?

No, la verdad es que no me gusta pintar en lienzo.

No me tira demasiado. Además el arte no es fácil de vender y al final acabas acumulando un montón de cuadros. Prefiero pintar en la calle. ¿Preparas de alguna forma especial tus muros?

Soy muy metódica. Un poco cuadriculada. Por norma, primero busco las localizaciones, les hago foto y más tarde en casa preparo un boceto para los muros que he visto antes. Cuido mucho el entorno, las luces. Me cuesta improvisar, por eso no soy muy amiga de las

exhibiciones. Te dan un espacio y tienes que hacer lo que puedes con él. A ver, tengo unos cuantos bocetos para muros “improvisados” pero no me entusiasman demasiado, no los disfruto tanto.

Espero pasar estas navidades en casa, y allí pintaré todos los días. Ya tengo unos cuantos muros esperando su boceto.

Con esta idea en mente, el deseo de que encuentre su lugar en la ciudad y las imágenes de su trabajo, la conversación se fue diluyendo hasta el momento de la despedida.

ENGLISH VERSION interview

On the other side, my strength is to know clearly what I want and how I want it. The process is slow, but I know how I want my style to be, what I want to express and how I should do it.

Do you work with a plan?

I don’t have a plan, I have a dream. I dream of being able to make illustrations for a living, but with my style.

I want the people gets me jobs because they like what I do. I’ve lived nearby the art world, and I’m conscious of how difficult it is to make a living with art. It’s full of passion but also very difficult, and I’m down-to-earth. I know what kind of life you can live for a year or two, but I have to earn my life, and I love to work. I’m very responsible, reliable, so illustration is a much more affordable dream.Besides this I’m not ambitious at all, I learn something every day, but I’m not heading a precise direction.

Source: www.mtn-world.com Pictures: Eme de Mati She’s from Murcia, 28 years old, inflexible, sensible and not given to improvisation. We spent an afternoon besides her, facing a coffee, sharing of piece of her experiences.

How did you come to paint on the street?

I did it after watching for a long time. I’m curious, but shy at the same time.

I loved watching how people painted, and the result of what they were doing. It really called my attention.

How was the atmosphere of your city then?

In Murcia, there was a lot of movement in these days; there were a lot of painted walls. I’m a half from Murcia, and half from Águilas, a small town where there’s also a lot of graffiti. There are two or three crews of people painting. It’s surprising, because despite it’s really small there’s a lot of activity. Jams were organized by the crews and I went to take pictures. Later on, when I was a bit older, I started travelling, and I almost travelled looking to walls. Tags, walls… It became an obsession.

How and when was your first time on a wall?

The first time was with a good friend of mine, we were both two little girls. We went in a scooter to the highway. We painted on intervals, as there was a lot of traffic. We were afraid to death. My friend she lives now in Italy, she’s not painting anymore, she is making tattoos.

The creativity sparkle… how does it start for you?

For me it starts with feelings. I’m a little rubbish. It depends of my state of mind. An idea insinuates in my head, and it doesn’t goes out until I draw it in a paper.

The trigger is my closest world, my day by day, or my people’s day by day. I have no transcendental thoughts, for example “save the world”. I just need to express what’s happening to me through a drawing, or letters.

What are your weaknesses and your strong points on a creative level?

My weakness is technique. I’ve neither studied nor told by nobody. I didn’t have the courage to do it, and it wears me out with this limitation. I know my limits.

I know how far I can reach with my hand and with my head, and for real, I would like to change this.

What makes you lose sleep?

Personal problems; family.

And what makes you feel invincible?

Painting, it’s the only thing that satisfies me. For me these are perfect moments, I forget about the rest.

What experience has marked the most you while painting?

Painting a wall in France at a music and graffiti festival.

It was huge, I wasn’t at my best, and I faced it as a challenge. I thought I wouldn’t make it, and when I finished it I started to cry. I was deeply touched, laughing like crazy, but I finished it. It was a sacrifice.

Who inspires you? Or what do you pay attention to?

I don’t use to pay attention to nobody. I’ve been asked several times, and really the only source of inspiration I have is music. Sometimes, I have memories, I’m not sure if real or inventions, of my child hood, and I appeal to this when I have to make a drawing, but I’m not too much in paying attention to other people.

How’s your work process?

Most of the times I build a bubble: I lock up myself with music and coffee, and start painting. Other times, I’m doing whatever else, or about to go to sleep and suddenly, an image comes to my mind, and I have to take notes not to forget; something very usual if I don’t take notes. I have a notebook in my bag where I write all those things.

My sketches are very basic. I make drawings because I want to learn to do it better, but It makes me suffer, as what I want to do is to paint.

From where you come from, without problems to paint, to Barcelona where you’re actually living and a city with maddening civic laws… how do you handle it?

To be sincere, I have arrived and I have not even tried to paint. Everybody scared me with the actual situation.

And I’m not handling it very good; I miss painting at my own pace, because I’m used to paint alone, anywhere, in the middle of the countryside, very eased, the hours I want to.

How would you define your style, what you do?

I do what I can. Under my technique limitations I try to make my best.

I have a lot of energy, and I’m very steadfast. I would define my work as simple, but charged with intentions.

It’s the simplification of a whole set of feelings into a drawing or a sentence.

It may seem childish or immature, but it’s something much complex than this. I believe it’s simple and deep; I put a lot of myself in what I do.

What has street art or graffiti provided you?

Since I’m painting I’ve gained a lot of experience, I’ve travelled, I’ve met artists and new friends. I’ve also lost optimism gradually, as I’m conscious of how difficult it is to get a job interesting for the people, to be enjoyed.

Finally I’ve realized I have to create for myself, even if I feel a little misunderstood.

What has brought you to Barcelona?

Besides the studies, what are you involved in?

I’m making illustrations on demand, I design t-shirts, I take part in some small exhibitions and I’m very interested in children: illustration, decoration, children clothes… I’ve made a lot of graffiti workshops for kids, and it’s a world I really love.

Are you preparing any exhibition of your works?

No, I really don’t like painting on canvas. I’m not very keen. Furthermore, art is not easy to sell, and you end piling up a bunch of paintings. I’d rather paint on the street.

I have always dreamed of living in Barcelona for a period of my life. I guess I’m a little late, for myself and for the city, or at least that’s what it seems. Before, when I came here, it was joy, everything was painted, but now… I love the city and I believe I will find here the opportunities I that don’t even exist in the south. It’s going to be good for me for a season.

Where else do you imagine yourself living?

I would love to live for a while in the United States, in Los Angeles, but it’s still very far for me today. I’ve been for two years in Italy, a year in Rome, back in 2005, and last year in Turin, but my relationship with Italy is Love and Hate, because in one hand history and art are awesome, but in the other I didn’t like at all day by day…

And what are you doing in Barcelona?

I’m studying illustration. I finished University a few years ago, and I had never studied neither something that I liked, nor something creative, so I decided to sign up to a postgraduate course of illustration, one year long.

Do you prepare your walls in any special way?

I’m very methodical. A little squared. I make it a rule, first i find the spot, I take a picture and later on at home I prepare a sketch for the walls I’ve seen before. I take care of the environment, the lights. Improvisation is hard for me, and that’s why i don’t like live exhibitions.

They offer you a space and you have to make your best with it. Well, I have a few sketches for improvised walls, but I’m not very enthusiastic about them, I don’t enjoy them so much.

I wish I’ll be at home for Christmas, and there I will paint every day. I have already some walls waiting their sketches.

With this idea in mind, the desire to find her place in the city and the images of her work, the conversation diluted until the moment of the farewell.

reportaje

/ un reportaje de GNZ / fotos: Braun Battle of the Year Los coreanos Jinjo Crew ganadores del año pasado y principales favoritos de la competición no consiguieron pasar de semifinales. Y fue especialmente decepcionante tras su actuación muy satisfactoria para el público que no pudo disfrutar de su continuación en el escenario. Es la primera vez que la crew coreana no llega a la final desde 2001.

Totalmente opuesto es el caso de Battle Born cuyo segundo puesto puso punto y final a una década sin clasificarse para la batalla final. “Estamos eufóricos” dijo Jasoul, miembro de Battle Born, “hemos entrenado muy duro para esto y al fin hemos llegado a la final.”

Pero la noche pertenecía a la crew francesa Vagabonds, que ganaron el premio al mejor show y la corona del Braun Battle of the Year.

“Para nosotros es un gran regreso desde 2006, el año que ganamos” comentaron. “Todos las miradas estaban puestas en nosotros pero hemos trabajado muy duro todo el año para esto. Hemos ganado el campeonato británico de B-Boys el mes pasado y es muy excitante ganar este título de nuevo”.

Vagabonds son los nuevos campeones del Braun Battle Of The Year tras una épica batalla contra los norteamericanos Battle Born.

La crew francesa selló su victoria en el campeonato del mundo de breakdance celebrado en el Park & Suites Arena de Montpellier el pasado Sábado 19 de Noviembre.

La victoria resultó todavía más dulce para los franceses que recibieron la corona frente a 12.000 espectadores frenéticos, compatriotas suyos, absolutamente entregados cuyos ánimos demostraron a lo largo de la velada que eran unos de los favoritos.

Vagabonds se proclamaron ganadores aquella noche tras un despliegue de virtuosismo b-boy, con giros coreografiados, acrobacias y movimientos provocativos que impresionaron a los jueces Poe One (Puerto Rico), Movie One (España), Lilou (Francia), Crazy (Suiza) y Taisuke (Japón).

Poe One afirmó: “Tenían energía, control y precisión.

Parecían relajados y sonreían. Muchas crews sienten la presión, despliegan todo su armamento y no funciona.

Pero a Vagabonds se les veía a gusto”.

Su primer round lo dedicaron a una rutina perfectamente coreografiada de 6 minutos. Luego noquearon sin piedad a los taiwaneses TPEC en las semifinales antes de asegurarse la victoria en los 20 minutos de la ronda final del campeonato Braun Battle Of The Year.

El organizador Thomas Hergenröther afirmó esa misma noche: “Somos el mayor evento de b-boying del mundo, contamos con b-boys participantes de 19 países. Ha sido una noche alucinante. Las crews han practicado mucho para hacerse un hueco en la final y ha habido grandes batallas. Mi enhorabuena a la crew Vagabonds que ya es oficialmente la mejor crew del mundo”.

La velada fue presentada por los MC’s franceses Maleek y Nasty, acompañados del alemán Spax y el británico Trix, mientras que la música fluyó gracias a Dj Lean Rock (EEUU) y Mar (Japon) que calentaron el ambiente con ritmazos funky y una gran versatilidad para animar los enfrentamientos entre las crews.

La gran final del Braun Battle of the Year 2011 ha sido el testimonio perfecto de una semana de acción y Hip Hop para b-boys y b-girls, talleres, actuaciones, charlas, espectáculos en teatros.

En la competición 1 contra 1, el b-boy holandés Niek se impuso al americano Vicious, mientras que en la competición femenina We B*Girlz, las japonesas LiL FeNeSiS y yuRie sacaron de la competición a las favoritas, las francesas Aliya y Marion.

Para más noticias e información sobre este evento, puedes visitar www.braunbattleoftheyear.com.

Y visita su fanpage de Facebook en: www.facebook.com/battleoftheyear

ENGLISH VERSION report

Vagabonds are the new Braun Battle of the Year champions after an epic battle against the USA’s Battle Born. The French crew sealed their victory in the world championship of breakdancing in Montpellier’s Park & Suites Arena on Saturday November 19.

But in a major upset, last year’s winners and hot favorites Jinjo Crew (Korea) did not make the semi finals. It will be especially disappointing for Jinjo after a crowd-pleasing performance that many tipped would see them through to the battle stages. It’s the first time a Korean crew has not made the final since 2001.

But it was the opposite story for Battle Born whose 2nd place ended ten years of America failing to qualify for the battle stage. “We are euphoric,” Battle Born crew member Jasoul said. “We trained so hard for this and we finally got to the finals.”

But the night belonged to French crew Vagabonds, who won both best show and the Battle of the Year. “This is for us a great comeback after last winning in 2006,” they said. “All eyes were on us but we worked so hard for this all year. We won the UK b-boy championships last month and it’s so exciting to win the title again.”

The victory was all the more sweet for the French crew who took the crown in front of a frenzied 12,000 strong home crowd whose cheers made it clear they were always the hot favorites. Vagabonds were named winners late on Saturday night after a virtuoso display of b-boy action, choreographed flips, acrobatics and provocative moves that impressed the judges Poe One (Puerto Rico), Movie One (Spain), Lilou (France), Crazy (Switzerland) and Taisuke (Japan).

Poe One said: “They had energy, control and precision.

They seemed relaxed and kept their smiles. A lot crews feel the pressure and pull out all the guns and it doesn’t work. But Vagabonds looked at ease.”

Their first round saw them put on a perfectly choreographed six minute routine. They then duked it out against TPEC (Taiwan) in the semis before securing victory in the 20 minute Braun Battle of the Year final.

Organizer Thomas Hergenröther said: “We’re the biggest b-boy event in the world with b-boys from 19 countries taking part. It was an amazing night. The crews practiced hard to win a spot in the final and there were some great battles. My congratulations to Vagabonds who are now officially the best crew in the world.”

The night was hosted by MCs Maleek and Nasty from France and Spax (GER) and Trix (GBR) while DJs Lean Rock (USA) and MAR (JAP) on the decks heated up the vibes with their funky breaks and hooks and versatility.

The BOTY finals witnessed a week of hip hop and b-boy/girl action, workshops, performances, lectures, dance theatre shows. In the 1 vs 1 competition, b-boy Niek (Holland) beat Vicious (USA), wearing him down and impressing the judges with an energetic display of power moves, freezes and flips. Meanwhile in the We B*Girlz, LiL FeNeSiS and yuRie of Japan out-battled the audience favorites, French b-girls Aliya and Marion with some impressive footwork and synchronicity.

For more news and background information on the event, visit www.braunbattleoftheyear.com.

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04 DECEMBER 2011 Arena - Madrid (SPAIN) fotos: FERNANDO FERNÁNDEZ HEVIA