A Little Beat #107

EDITORIAL A Little Beat... #107 INVIERNO 2012 WINTER 2012 Publicación trimestral Quarterly Publication Depósito Legal: V-1547-2001 Dirección: Gonzalo Pérez a.k.a. GNZ gnz@alittlebeat.com Portada: Mike Castelló & GNZ Diseño y maquetación: GNZ Publicidad/Advertising: Jose Serrano jose@alittlebeat.com +34 963 275 494 Contacto/Contact: +34 963 275 494 info@alittlebeat.com Colaboradores/Contributors: Circe, Fernando Gimeno, Fran Lopez Reyes, GNZ, Hector Pozuelo, Iziar Kuriaki, Jose Serrano, Lukasz Polowczyk, Sr. Calle (Mike Castelló & Jose Nieto), Pedro Anguila, Reto Camenisch, Sergi Palau, Thomas Blättler, ©zooom.at / bergermarkus.com (No nos responsabilizamos de las opiniones vertidas por nuestros colaboradores.) www.alittlebeat.com www.facebook.com/alittlebeat.mag Twitter: @a_little_beat www.mixcloud.com/alittlebeat

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Portada / Cover by Mike Castelló & GNZ Editorial Index DJ CHELIS presenta... AMBIPUR Entrevista / Interview JUPITER LION Entrevista / Interview BEAT DIARY Entrevista / Interview BUEY Entrevista / Interview PRO176 Reportaje / Report TOLCHA & POL PONSARNAU Reportaje / Report PHAT & ZKINNY Entrevista / Interview L’IMPÉRATRICE Entrevista / Interview SR. CALLE presenta...

THE GOOD, THE BAD & THE UGLY Reportaje / Report BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2012 Reportaje / Report TRAPITOS & GADGETS

entrevista

AMBIPUR DJ CHELIS

PRESENTA...

una entrevista de GNZ

Chelis es un viejo conocido de todos vosotros, que seguís fielmente esta publicación, y también de cualquier amante de la electrónica vanguardista que se preocupe un mínimo por lo que ocurre dentro de nuestras fronteras.

Con él sobran las presentaciones, decir que es uno de los dj’s más respetados del panorama nacional sería repetirse.

Para nosotros, Chelis es uno de nuestros gurús, una especie de Rey Midas de los giradiscos, ya que todo lo que toca se transforma en objeto de culto.

Seguimos sus pasos con atención, porque sus incursiones en estilos musicales que muchas veces pasan desapercibidos, los

fotos: Pedro Anguila / Fran Lopez Reyes / F.D.A.U. / Basstard

transforman en nuevas corrientes a explorar por sus seguidores.

Ahora, Chelis tiene entre manos un nuevo proyecto, Ambipur, con el que explora nuevos terrenos dentro de la experimentación y la electroacústica, y con un enfoque audiovisual para el que cuenta con el impecable trabajo del video artista Héctor de la Puente… y nos parece motivo más que suficiente para someterle a uno de nuestros cuestionarios…

Con todos ustedes, Chelis y su nuevo proyecto, Ambipur…

Es un placer tenerte de nuevo entre nuestras páginas… y más todavía cuando el principal objetivo de esta entrevista es presentar tu nuevo proyecto y ponernos al día de tus actividades...

El placer es mío, siempre habéis apoyado a la escena nacional y eso es de agradecer. ¿Qué demonios es Ambipur (aparte de una marca de ambientador…)? ¿Y cuál es la principal diferencia con tus sesiones bajo el alias de Dj Chelis?

Ambipur es un nuevo/viejo proyecto, ya que hace muchos años conocí la música contemporánea, la electro-acústica, el minimalismo y los primeros experimentos electrónicos de artistas como Karlheinz

DJ CHELIS PRESENTA... AMBIPUR

Stockhausen, John Cage, Luciano Berio, Phillip Glass o Pierre Schaeffer ; directamente me fascinaron y me dieron claves para entender que lo que en el momento nos parecía el colmo de la experimentación no le llegaba ni a la suela de los zapatos a estos genios locos, que con muy pocos medios técnicos creaban ambientes y piezas de un bizarrismo sin parangón, si a esto unimos mi pasión por los drones, el ambient, el free jazz, la protoeléctronica o el noise y ya tenemos un ADN aproximado de Ambipur.

Otro momento clave a la hora de concebir Ambipur han sido mis colaboraciones con el

grupo de percusión del CSMA o Nuevo Contemporáneo con los que he tenido la oportunidad de no sólo escuchar sino ver cómo se interpretan y con que algunas obras que ya conocía dándome una visión completamente distinta de ellas.

Los sets de Ambipur así como las visuales de Hector de la Puente (que me acompaña dadno imagen a mis sonidos siempre que las condiciones técnicas del espacio lo permiten) son 100% improvisados, solamente tengo claro cómo empiezo y cómo acabo, ya que siempre cierro con una composición de mi amigo Santiago Latorre,

que contiene una de las melodías más bellas que he escuchado. La principal diferencia de estos sets con los míos habituales reside en la casi total ausencia de beats, son sets para la escucha y para ello abandono los clubs para presentar el formato en Teatro, galerías o museos, ya que tienen más que ver con el “arte” que con el ocio hedonista.

Ambipur se podría definir cómo un collage de ambientes y sonidos que conforma una suerte de paisaje electrónico. ¿Por qué escogiste un nombre como este para tu proyecto?

Ya sabes que el sentido del humor también es clave en mi manera de entender la música y me pareció que el nombre de un ambientador era el perfecto pues es lo que soy en este proyecto. Espero tener éxito y que me hagan cambiarlo. Jajaja Hace muy poco que presentaste Ambipur en vivo… ¿cómo y dónde lo hiciste?

Mi primer set de Ambipur en vivo fue el

pasado 31 de Octubre en el Teatro de La Estación en Zaragoza, con un teatro casi lleno y con la inestimable colaboración de mi compañero en este viaje, Héctor de la Puente, uno de los más brillantes vj’s que conozco y que va lanzando su imaginería en tiempo real con unos resultados alucinantes. ¿Y qué tal la reacción del público?

Brutal, la gente salió feliz de la experiencia y eso es lo que más nos llena, cuando ves a todo el mundo salir con una sonrisa en la cara es que has acertado.

¿Cuál es la próxima actuación de Ambipur que tienes prevista? La verdad es que tenemos muchas ganas de ver cómo suena en primera persona.

La próxima es el 15 de Diciembre en La Coruña en el festival 981. Espero visitar Valencia con el proyecto.

Por cierto. Últimamente tu agenda de actuaciones está bastante animada… ¿Cuál ha sido el bolo que más has disfrutado en los últimos meses, y por qué?

Es verdad el mes de Octubre ha sido una locura y espero que el año que viene esté

muy animado aunque cada día esta todo más difícil en este sector.

El bolo que más he disfrutado y creo que la gente también fue el primer Rara Avis en Madrid, fue un domingo por la tarde y fue genial, con Luishock, Jacques Greene y el perfil de público ideal a mi forma de ver, gente muy interesada en la música y muy guapa, daba gusto verlos. Yo tampoco estuve mal. jajaja Impresionados nos dejaste con tu set de 12 horas non-stop en streaming para todo el mundo, que te marcaste a mediados de Noviembre desde el Bu! en Zaragoza… ¿Repetirás una experiencia tan maratoniana?

Muchas gracias, fue una experiencia alucinante que hacia muchos años que no hacía y de la cual salí muy satisfecho, tanto por la respuesta del público virtual y físico cómo por el reto que suponía. No se si volvería a repetirla porque casi me revientan

DJ CHELIS PRESENTA... AMBIPUR los oídos y el cerebro. 10 horas cuando queráis. ¿Cómo consigues organizarte la selección musical para pinchar con vinilos durante 12 horas sin enloquecer, ni repetir temas?

Lo primero cargando con siete maletas de vinilos y muchísimos cd’s, intenté compartimentar el set en bloques temáticos para intentar tocarlo todo si extenderme aunque al final se me olvidó alguno… El no repetir temas es fácil a poca memoria que tengas, además llevando tanta música sería un delito (sin tipificar).

Si no nos equivocamos tu próxima actuación será el 15 de Diciembre en el festival 981 Heritage, en su entrega gallega en A Coruña… ¿Cuáles son tus expectativas para esta sesión?

Si, la próxima es en La Coruña en el marco de uno de los festivales más selectos del panorama nacional, estaré rodeado de amigos y espero que guste tanto como gustó en Zaragoza.

Y bueno ponnos al día sobre Lo Fi Funk… recientemente tuvisteis a Melkeveien actuando por Zaragoza, y estáis realizando alguna fiesta esporádica en Barcelona… ¿Qué planes tenéis para el año que está a puntito de comenzar? ¿Tenéis prevista alguna nueva referencia?

Lo Fi Funk esta hibernando, no queremos

abandonar el formato físico y por eso hay que pensar muy bien lo que vas a hacer. En principio estamos a punto de iniciar una noche Lo Fi Funk en Madrid, que igual que lo será nuestra nueva andadura editorial, estará abierta a los sonidos que más nos ponen del momento sin restricciones estilísticas. Serán noches en las que podrá convivir el Boogie clásico con los últimos experimentos Juke o el basshouse con un espíritu afín a los primeros clubs Neoyorkinos pero actualizado a los sonidos que nos tocan vivir. Espero grandes noches en la capital.

Hace años que tenemos prevista una nueva referencia pero por una cosa o por otra se retrasa y se retrasa. Espero que volvamos

con fuerza en 2013 con la ya mítica recopilación que debería haber salido hace casi dos años… ¿Y para ir terminando, tienes algún proyecto entre manos que nos puedas adelantar?

Que me acuerde no, sólo un propósito: no ser tan exigente conmigo mismo a la hora de entregar podcast porque debo un montón y ya me miran mal.

Unas últimas palabras…

Salud, Música, Gastronomía y Amor

interview

english text /an interview by GNZ

DJ CHELIS

PRESENTS...

Chelis is very well known by all of you, faithful followers of this publication, but also by any other electronic music lovers, with a minimum interest of what’s happening inside our frontiers. Introductions are unnecessary, and to tell he is one of the most respected dj’s of Spanish panorama would be to repeat ourselves.

For us, Chelis is one of our gurus, a kind of Midas King of the turntables, because everything he touches turns in an object of worship. We follow his steps carefully, because his incursions into musical styles most of the times unnoticed to us, turns those styles into new currents to explore by his fans.

Right now, Chelis has a new project, called Ambipur; a project to explore new terrains into experimentation and electroacoustic, with an audiovisual approach with the help of the brilliant video-artist Héctor de la Puente…. And that’s sufficient grounds for us to submit to him one of our questionnaires… It’s a pleasure for us to introduce you to DJ Chelis and his new project… Ambipur…

AMBIPUR It’s a pleasure to have you here again… even more when the main purpose of this interview is to present your newest project, and to be up to date about your activities…

The pleasure is mine, you have always supported national scene, and this is something to be grateful for…

What the hell is Ambipur (besides the air freshener product…)? And what’s the main difference with your sessions under the DJ Chelis moniker?

Ambipur is a new/old project… a long time ago I discovered the contemporary music, electro-acoustic, minimalism, and the first electronic experiments of artists such as Karlheinz Stockhausen, John Cage, Luciano Berio, Phillip Glass or Pierre Schaeffer; they directly fascinated me, and gave me the keys to realize that what I thought was the summit of experimentation at that moment, was not even fit to tie their shoelaces, compared to those crazy genius. They were able to create incredible atmospheres and the most bizarre pieces I’ve ever seen,

almost without technical means. If we add to this my passion for drones, ambient, free jazz, proto-electronics, and noise, we get the blueprint of Ambipur.

Another key moment to conceive Ambipur were my collaborations with the percussion band from CSMA (Aragon’s Superior Musical Conservatory) or Nuevo Contemporáneo, with whom I had the chance to not only listen but to see how this pieces are played, giving to me a totally new perspective of some pieces I already knew.

The main difference with my normal sets is the total lack of beats, it’s about sets to listen, and that’s why I’m coming out of clubs to introduce the show in Theatres, Galleries or Museums, as it’s closer to “art” than to hedonist leisure.

Ambipur could be defined as a collage of atmospheres and sounds, building a kind of electronic landscape.

I’m not alone on this project, when the technical conditions of the venues make it possible, VJ Héctor de la Puente will be putting images to my sounds. I also may say Ambipur is all about improvisation, i just know

how i’m starting, and allways finish with the same track from Santiago Latorre with the most beautiful melody i’ve ever heard. ¿Why did you choose such a name for the project?

You already know sense of humor is very important in my approach of music and I thought the name of an air freshener would be perfect, as that’s exactly what I am with that project. I wish I’ll get huge success and they’ll force me to change it… hahahaha!

You presented Ambipur live very recently… where and how did you do this?

My first live show with Ambipur was last October, the 31st at La Estación Theatre in Zaragoza, with the venue almost full, and the incredible collaboration of my partner in this trip, Héctor de la Puente, one of the most brilliants VJ’s I know, launching his imagery on real time with awesome results.

And how was the audience reaction?

Enormous. People went out happy with the experience, and that’s the most important for us, when you see everybody going out of the show with a smile on their faces… this means you made it!

What’s the upcoming show from Ambipur?

We are looking forward to hear and see this by ourselves…

Next one is on December the 15th, at 981 Festival in La Coruña. I wish I’ll be in Valencia

DJ CHELIS PRESENTS... AMBIPUR with the project…

By the way, your agenda has been really animated lately… what show did you enjoy the most from the last months, and why?

It’s true… October has been crazy, and I wish next year I’ll also have the same movement, even though it’s getting harder each day on this field. The show I enjoyed the most, and I guess the audience did so, was the first Rara Avis night in Madrid, a Sunday afternoon, and it was great, alongside Luishock, Jacques Greene and the perfect audience profile under my point of view: people sincerely interested in music, and pretty handsome, glad seeing them. And I wasn’t so bad either… hahahaha!

We were impressed by your 12 hours’ streaming set for all the planet, you played mid-November from Bu! at Zaragoza… would you repeat such a marathon experience?

Thank you very much, it was an amazing experience I haven’t done in years, and I finished really satisfied, for the feedback of virtual (and physical) audience as for the challenge. I’m not sure if I would do it again, my brain and my ears were about to explode… but 10 hours? Whenever you want…

How do you manage to organize the musical selection to play with vinyl for 12 hours without repeating any track or

going crazy?

First, carrying seven vinyl bags and plenty of CD’s, I tried to compartmentalize my set in theme blocks, aiming to play different styles without going too long, but finally, I forgot some… Not repeating tracks is easy if you have a minimum memory, but furthermore, carrying so much music and repeating would be a crime (unclassed)…

So your next show is next December the 15th, at 981 Heritage festival, at the Galician city of La Coruña… what do you expect from this show?

Yes, it’s one of the most selected festivals from Spain, I’ll be surrounded by friends and I hope people will like as much as they did in Zaragoza.

Well… and what about Lo Fi Funk… recently you had Melkeveien playing in Zaragoza, and you’re doing parties, eventually, in Barcelona… Which are your plans for next year? Any upcoming release?

Lo Fi Funk is hibernating; we don’t want to stop releasing physical formats and that’s why we have to think very well what we are

going to do. We’re about to start a Lo Fi Funk night in Madrid, and just as our new editorial journey, it will be open to the sound we like the most at the moment, without style restrictions. There will be nights where you’ll be able to combine classic Boogie with the newest experiments regarding Juke or Basshouse, with the same spirit of early New York clubs, but updating the sounds we’re living. I’m looking forward memorable capital nights.

We are preparing a new release for years now… but we never get to release it, for different reasons. I hope we’ll strike back in 2013, with the almost mythical compilation we should have released two years ago…

And as we finish… do you have any project you could tell us?

As far as I can remember… no. Just a purpose: not being so self-demanding regarding podcasts… I owe a bunch, and people starts looking me bad…

Some last words.

Health, Music, Gastronomy and Love!

Thank you very much!

entrevista

una entrevista de GNZ Jupiter Lion son posiblemente una de las bandas revelación de este año que termina. Su primer trabajo de estudio, un álbum homónimo que ha visto la luz a través del sello BCore, les ha supuesto una lluvia de críticas, de las buenas, por parte de los medios más respetables de este país en el que vivimos. Y es que Jupiter Lion ha sacado un estilo como el Krautrock del baúl de los recuerdos y lo ha actualizado, arrancando el polvo y las telarañas con una electrónica poderosa, con un sonido actual y con una puesta en escena que combina lo mejor del mundo del rock y la escena de circuitos y condensadores. Y el más difícil todavía, han sabido mantener una actitud

fotos: Fernando Gimeno / Sergi Palau / Iziar Kuriaki / Hector Pozuelo underground llamando la atención del universo mainstream al mismo tiempo. Algo muy complicado de conseguir.

Nosotros los conocemos muy bien, vivimos en la misma ciudad, y hemos tenido la suerte de ver cómo crecía este proyecto, desde su estado embrionario hasta su transformación en una banda más que prometedora, que con su trabajo de presentación le ha dado una buena sacudida al panorama musical.

Es un placer tenerlos entre nuestras páginas, para que nos pongan al día de lo que está por venir...

Lo primero que me gustaría hacer, antes de empezar con la entrevista, es felicitaros por vuestro estreno discográfico… vuestro primer trabajo de estudio está teniendo una repercusión muy importante, y eso es señal de que el trabajo está bien hecho!

Muchísimas gracias! hasta el momento estamos muy contentos las críticas recibidas, tanto del disco como de los directos.

Habladme de vuestro nombre, Jupiter Lion. Al escuchar vuestra música, uno se puede imaginar teorías muy diversas sobre su origen, rollos cósmicos y demás… ¿pero cuál es el auténtico origen del nom-

JUPITER LION

bre Jupiter Lion? ¿Y por qué lo elegisteis?

Te podría contar el rollo de los campos magnéticos de Júpiter los cuales, parece ser, suenan como los rugidos de un león, pero no. La verdad, así entre nosotros, es que soy una de esas personas que ve, además de gore, vídeos de gatitos, animalitos y demás...

Pues bien, tropecé un día con un vídeo de un león colombiano rescatado de un circo en el cual la rescatadora se acerca a la verja, el león se acerca también y se funden entre besos y abrazos, me emocioné como un

chiquillo y en fin... De ahí sale el nombre y esta es la primera y última vez que digo la verdad.

Jupiter Lion ha conocido varias formaciones hasta encontrar la combinación perfecta… y además cada uno de vosotros tiene un bagaje musical tan importante como diverso… ¿el sonido de la banda está influenciado de algún modo por esos distintos orígenes de los miembros de Jupiter Lion?

Creo que sí. Tanto Gonzo como yo somos dj’s y a la hora de estructurar las canciones, me parece que si se nota bastante. Sobre todo en la repetición de patrones, subidas, intensidades... Y luego está Jose que tiene un nervio extraño/marciano a lo Betunizer con el bajo pero que casa muy bien con la electrónica.

Aunque nos parece injusto etiquetar vuestro estilo bajo una sola categoría, porque a nuestro entender en el sonido de

Jupiter Lion confluyen otras muchas estilos musicales, el Kraut Rock germano es una de vuestras principales influencias… ¿Qué os hizo apostar por un estilo como el Kraut?

Sí, yo también creo que hay más chicha debajo que solo Kraut. Desde luego que ha influido, por lo menos a mí, el escuchar a los clásicos en estos últimos años pero creo que el hacer canciones largas y repetitivas viene más influida por nuestra vía clubber y tendente al cuelgue que por los clásicos alemanes.

Me imagino que durante el proceso de formación del grupo, las primeras maquetas, montar los directos y la evolución hasta llegar a vuestro primer álbum, habréis ido perfilando y detallando el sonido del grupo… Pero me gustaría saber cómo es el proceso compositivo de Jupiter Lion… ¿Cómo os lo montáis para crear vuestra música?

Solemos partir de una secuencia simple de sintes, algunas veces de errores y a partir de ahí empezamos a construir capas y capas. Nos podemos tirar mucho rato, horas en bucle. Después nos llevamos la

grabación en casa y a partir de ahí, con la cabeza un poco más fría empezamos a estructurar los temas.

Y en relación el proceso de grabación del disco… ¿Dónde habéis grabado? ¿Ha sido una grabación muy complicada?

No, no, para nada complicada. Grabamos en Sountess, propiedad de Pablo Peiró, bajista de Betunizer. Tiene por norma grabar en directo, de una toma y todos en el mismo cuarto. Era un reto para todos grabar electrónica e instrumentos “reales” de esa manera y tenía pinta de complicarse, pero

JUPITER LION

la verdad es que hemos quedado todos muy contentos. Hemos aprendido todos muchísimo con esta grabación. ¿Y cómo entrasteis en contacto con BCore para que lanzaran vuestro estreno en vinilo? Teniendo en cuenta el panorama musical actual, es una apuesta muy seria…

Fue asunto de Jose que como imagino que sabéis es el guitarra y cantante de los nerviosos Betunizer que ya están en el sello des-

de su anterior disco. Él fue el que le enseñó la toma en directo de Bellicec que circula por Youtube a Jordi, el capo de BCore. Básicamente por ese vídeo nos ha acogido en su seno.

Vuestros directos son totalmente arrolladores. A medio camino entre la electrónica y el rock, vuestras actuaciones desprenden una energía muy potente (y hemos visto con nuestros propios ojos como el pú-

blico lo da todo). Para aquellos que todavía no han podido disfrutar de Jupiter Lion en directo puedan hacerse una idea de cómo es… ¿Cómo planteáis vuestros lives?

Fácil; batería, bajo y mi sección electrónica, que a su vez son 4 sintes, secuenciador, un par de pedales, vocoder, multiefectos y mesa de mezclas. Mi equipo permite dejar los temas bastante abiertos para poder estirar, acortar o subir o bajar intensidad según convenga. Eso nos permite una dinámica de

banda “convencional” nada cerrada como se podría esperar de un grupo con un peso tan importante de la electrónica como el nuestro.

todo confirmado por aquello de no estropearlo por hablar antes de tiempo.

¿Tenéis muchos conciertos previstos para lo que queda de año? ¿Y para 2013?

De aquí a final de año presentamos el disco en Madrid, Valencia, Castellón y en el Primavera Club en Barcelona. Para el 2013 estamos todavía trabajando...

Como os comentaba, la repercusión de vuestro primer trabajo homónimo está teniendo una increíble acogida por los medios de comunicación, además del público… ¿Esperabais una reacción así?

Aunque acabamos muy satisfechos con el disco, desde luego que no esperábamos tan unánime buena acogida.

¿Y os habéis planteado una gira por el extranjero? Estamos seguros de que vuestra música es totalmente exportable…

Si, si, por supuesto, estamos trabajando también en ello y de hecho hay algo visto, pero mejor lo dejamos para cuando esté

¿Estáis pensando ya en vuestro próximo trabajo de estudio? ¿Podéis darnos alguna pista?

Si, de hecho estamos empezando ya a cerrar canciones. ¿Alguna pista? Energía. Mucha.

¿Y video clips? ¿Tenéis alguna cosa en marcha?

Tenemos a punto el primero que es para “Silver Constellation”. El segundo, para “Bellicec”, que será animación 100% está acabadito de meter en el horno.

Muchas gracias por vuestro tiempo, ha sido un placer teneros entre nuestras páginas… ¿tenéis alguna cosa más que añadir? ¿Unas últimas palabras?

Muchísimas gracias a vosotros por darnos voz. Y como últimas palabras: Haz mucho el amor, mueve el culo del sofá, sal a la calle y pelea.

report

english text /a report by GNZ

Jupiter Lion are possibly one of the revelation bands of this ending year.

Their first studio album, a self-titled album released through BCore label, has supposed an avalanche of good reviews from the most respected media in Spain.

And that’s because Jupiter Lion has taken Krautrock out from the memories’ box, cleaning its dust and spider webs with a powerful electronic sound, a sound from today, and a powerful staging combining the best from rock and electric music scenes. And what’s even more difficult, they have kept an underground attitude, while calling mainstream’s attention. And that’s something really hard to achieve.

We are very lucky to know them very well, we live in the same city, and we’ve had the chance to see this project grow up, from its embryonic state to their transformation into a more than promising band, whose debut album has supposed a deep shake of music panorama in our country.

The first thing i would like to do, before starting this interview, is to cheer you for

is the real origin of Jupiter Lion’s name?

And why did you choose it?

I could tell you the story about the Jupiter magnetic fields, which seem to sound like a lion’s roar, but I won’t. The truth is, between you and me, I’m one of this persons watching -besides gore- kitten videos, puppies and so… Well, one day I stumbled upon a video of a Colombian lion, rescued from a circus, ant the rescuer, a woman, getting close to the fence; the lion approaches too, and they melt into hugs and kisses… it was so moving I felt like a child, and well… this is the real origin of our name, and that’s the first and the last time I’m telling the truth. your debut… your first album is having a great impact, and that means work is well done!

Thank you very much! Until now we’re very happy with the review’s we’ve had, of the record, but also of our live acts.

There’s something I want to know about your name. Listening to your music, we can imagine really diverse theories about its origin, cosmic stuff and so… but which

Jupiter Lion has known different formations until reaching the perfect combination… and each one of you has a very diverse and important musical background… is the sound of the band influenced in any ways by those different backgrounds of JL’s members?

I guess it is. Gonzo and I are both dj’s, and when structuring the songs, I believe you can feel it. Specially regarding pattern

do you build your music?

We use to start with a simple synth sequence, sometimes with errors, and from there we start building layers and layers. We can be in a loop for a long, maybe hours…

Then we take the recording at home, and then keeping a cool head, start again to make the song’s structure…

repetitions, lifts and intensities… And then there is Jose, who has a strange and alien nerve playing bass, Betunizer’ style, which perfectly matches with electronic music.

We believe it’s unfair to define your style under just one category, as we think JL sound converges many other different styles, but German Kraut Rock is one of your main influences… what made you bet for a style such as Kraut?

Yes, I agree with you there are more things underneath than just Kraut. Of course it has

been an influence, at least for me, listening to the classics over the last years, but I guess that making long and repetitive songs is more an influence of our clubbing side and our likes for getting high than for German classics.

I guess that during the band’s formation, the first demos, building the live acts and the evolution until your first record you’ll have defined and detailed the band’s sound… but I would like to know how is Jupiter Lion’s composition process… how

And regarding the recording process… where did you record the album? Was it complicated?

No, it was not complicated at all. We recorded at Pablo Peiro’s Sountess studios, he is Betunizer’s bass player.

He uses to do the takes live, one shot records, everybody playing in the same room. It was a challenge for us recording electronic music and real instruments in this way, and it was about to go crazy, but at the end we were really satisfied with the result.

We’ve learned a lot with this recording.

And how did you get in touch with BCore to release you debut on vinyl? It’s a serious bet if you think about how things are actually…

It was a Jose’s deal, as you might know he’s Betunizer’s guitar player & singer, and they already signed with BCore for their previous album. He showed Jordi (BCore’s capo) the Bellicec’s live video around Youtube. And basically thanks to that video we’re with BCore…

JUPITER LION JF CASAS exportable…

Yes, indeed, we’re also working in this, and we’ve already some negotiations, but I’d rather tell you when closed, not to jinx the story for speaking too soon…

As i told you at the beginning, you’re having a great impact with your debut album, with great reviews from media and a great audiences’ feedback… Did you expect such a reaction?

Even though we were very satisfied with the album, we didn’t expect such an unanimous welcome.

Are you already thinking in your upcoming album? Any clue?

Yes! We’re starting to close some songs actually. A clue? Energy. Plenty of energy.

Your live acts are absolutely overwhelming.

In the middle of electronic and rock music, your live shows are pure energy (and we’ve witnessed how the audience goes crazy). For those who still couldn’t enjoy of Jupiter Lion’ concerts… how do you set up your shows?

It’s easy; drums, bass and my electronic setup, composed by 4 synths, a sequencer, a couple of pedal effects, vocoder, multi-effects and mixer. My equipment allows me to let the songs open enough to stretch, cut, lift or slow the intensity as I like to. This al-

lows us to use a really open band dynamics, nothing you would attend of a band with such electronic contents as we are.

Do you have many concerts until the end of the year? And 2013?

Until the end of the year we’ll present the album in Madrid, Valencia, Castellón and Primavera Club in Barcelona. For 2013, work is still in progress …

And when are you going to play abroad?

We’re convinced your music is absolutely

And video clips? Is there something going on?

We’ve almost finished the first one, which will be “Silver Constellation”. The second one, for “Bellicec”, will be 100% motion graphics, and we’ve just started the cooking…

Thank you very much for your time, it’s been a huge pleasure to have you here...

Would you like to add something else?

Some last words?

Thank you for giving us voice. And some last words: make love, a lot, move your butt out of the sofa, get out to the streets and fight.

entrevista

JULIAN SARTORIUS’

BEAT DIARY una entrevista de GNZ

Julian Sartorius pertenece a ese tipo de personas que viven para tocar un instrumento, cada uno de sus poros rezuma percusión, y su larga carrera, repleta de premios, es la mejor prueba de ello.

Algunos lo llamarán virtuoso, pero nosotros lo vemos más como alguien que vive por y para la batería, no sólo para dominar la técnica, sino para ir mucho más allá, desarrollando y utilizando sus propias técnicas y herramientas.

Descubrimos su trabajo hace unos meses, con motivo de su colaboración con Dimlite, con el que tocaba la batería en vivo, pero ahora Julian Sartorius está a punto de publicar un proyecto alucinante a través

fotos: Reto Camenisch / Thomas Blättler

del sello Everest Records, un proyecto llamado “Beat Diary”.

“Beat Diary” es una recopilación de 365 ritmos que Julian grabó a lo largo de un año. Un ritmo al día. No importa dónde o lo que estuviera haciendo, Julian grabó un ritmo cada día, utilizando cosas y objetos de su entorno para cumplir su objetivo.

Sin usar samples, ni loops, ni ningún otro tipo de efecto electrónico fue utilizado durante todo el proceso… y el resultado de esta enorme tarea será publicada este mes de Diciembre, en un pack compuesto por 12 LP’s que incluyen los 365 beats, y un libro con 365 fotografías, un pack que cuenta la historia de un año en la vida de Julian.

Veamos qué puede contarnos Julian sobre “Beat Diary”…

Hola Julian, es un placer tenerte aquí…

Muchas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti.

Para presentarte un poco mejor a nuestros lectores… ¿Cómo empezaste en el mundo de la música? ¿Y porqué elegiste la batería como tu instrumento?

Realmente no lo sé. La necesidad de tocar la batería está ahí hasta donde llega mi memoria. Cuando tenía 2 años, tenía un tambor pequeñito. Solía andar con el tambor alrededor de la mesa donde comíamos, jugando con música de marcha. Incluso mi

BEAT DIARY madre me dijo que un día fui a casa de los vecinos con el tambor, llamé al timbre y les pregunté si les podía tocar un solo.

Cuando cumplí los 5 años, por fin me regalaron un kit de batería real. Me acuerdo perfectamente de aquel momento. Fue un sueño hecho realidad. ¿Qué tipo de formación has recibido? ¿O eres autodidacta?

Asistí a clases desde los 5 años, cuando me regalaron la batería, hasta que cumplí los 16. Luego pasé 3 años como autodidacta.

Tras este periodo fui a una escuela de música para estudiar batería pero también a tocar el piano.

Volviendo al tema que nos ocupa… nos ha encantado tu proyecto Beat Diary. Es un proyecto conceptualmente brillante, y el resultado es realmente asombroso. ¿Cómo surgió la idea?

A finales de 2012, recibí una promoción de una amiga mía, ilustradora, que se llama Paula Troxler. Hizo un proyecto que consistía en hacer un dibujo cada día. Ahí me vino la idea a la cabeza para hacer algo parecido pero con ritmos. Yo quería empezar a trabajar en un disco en solitario, así que todo señalaba que era el momento perfecto para un proyecto como ése. Además sentía mucha curiosidad por saber qué se siente grabando un ritmo cada día, y por cómo sería el resultado.

¿Y cuando empezaste grabaciones?

El 1 de Enero de 2011.

con

las

¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Seguías algunas reglas?

Sí, me impuse unas normas a mí mismo. A veces, el proceso es más interesante si hay limitaciones, porque en cierto modo profundizas más.

Seguía ciertas normas, como que no procesaría electrónicamente ningún sonido, quería conseguir un sonido natural, e

intentaría buscar sonidos especiales o nunca oídos siempre acústicamente, porque sentía muchísima curiosidad por todos aquellos materiales tan diferentes y qué acústica podría sacar de ellos. Otra regla era que no podía hacer loops de ningún tipo.

Quería que todos los ritmos fuesen interpretados, tocados. La única herramienta electrónica que he utilizado son los overdubs (que no es otra cosa que añadir nuevas capas de sonido sobre algo ya grabado). ¿Seleccionaste los lugares donde grabar

o simplemente los encontraste en tu camino?

Normalmente los encontraba en mi camino.

Muy raras veces escogí un lugar concreto y fui especialmente allí para grabar. Quería que el diario fuera algo que saliese de mi vida, y no que mi vida cambiase por estar haciendo el diario. ¿Dónde se encuentran las diferentes localizaciones donde grabaste? ¿Y hubo

alguna que fuese especial para ti?

La mayoría de los tracks están grabados en Berlín y en Bern, pero también en Reikiavik, Bruselas, Ámsterdam, Budapest, Vilnius, París, y muchos otros lugares, sitios en los que estuve de gira en 2011. También hay temas que hice en Sicilia, en el mar, o a 2.000 metros de altitud en los Alpes suizos, donde pasé unos días. En algunos temas puedes escuchar los cencerros de las vacas de fondo…

Berlín fue especial para mí, porque pasé allí medio año en 2011, y tuve la gran oportunidad de trabajar en un gran taller, donde cabía casi toda mi colección de instrumentos. Nunca había tenido tanto espacio hasta entonces. Fue muy bueno trabajar en un espacio tan grande. ¿Qué equipo utilizaste para las grabaciones de campo?

Utilicé una grabadora Zoom H4.

BEAT DIARY ¿Y qué puedes contarnos sobre el proceso de mezcla y post-producción de un trabajo tan voluminoso? ¿Lo hiciste sólo o tuviste alguna ayuda?

Hice todo el trabajo yo sólo. Sólo el mastering y el montaje lo hizo otra persona, Adi Flück en Centraldubs Bern.

Los primeros 6 meses del proyecto, publicaste algunas de las grabaciones en tu blog… ¿qué tipo de respuesta obtuviste?

Recibí algún feedback muy bueno: por ejemplo alguien me dijo que Beat Diary había abierto sus oídos a todos los sonidos y cosas que pasaban a su alrededor. Que había despertado su atención. Y eso es maravilloso.

El próximo mes de Diciembre, casi 2 años después de comenzar tu proyecto, Beat Diary estará disponible en formato físico…

12 LP’s que recopilan los 365 beats, y acompañados por 365 fotografías… todo publicado por Everest Recordings… qué puedes contarnos de esta publicación y de tu relación con la gente del sello?

Fue genial trabajar con Everest Records para esta referencia. Son gente alucinante.

Están metidos en el mundo de la publicación de discos con mucha pasión. Y eso es increíble. Estoy muy contento de contar con gente así en Bern.

¿Quién hizo las fotos y cómo están conectadas con los ritmos?

Yo hice todas las fotos. Me encanta hacer fotos, y también me gusta mucho dibujar.

He hecho ambas cosas toda mi vida: tocar la batería y dibujar / hacer fotografías. Así que decidí ilustrar los ritmos con fotos. La mayoría muestran el lugar donde se grabaron los beats, o los materiales que utilicé para grabar los ritmos. Siempre hay algún tipo de conexión con el beat y la foto, están hechas casi en el mismo momento en el que se hacía el beat.

Haré actuaciones en solitario con mi batería durante una parte las veladas. Para la otra parte de los eventos he invitado a un buen puñado de turntablists para que actúen también en solitario, trabajando únicamente con los 12 LP’s de Beat Diary. Tengo muchas ganas de ver eso. Tengo mucha curiosidad por ver lo que harán los dj’s con los vinilos, y por cómo sonará. ¿Y cómo piensas transferir los beats al escenario? ¿Qué tipo de montaje vas a utilizar en tus directos?

Tendré mi kit de batería y algunos de mis objetos para preparar el set. Pero también utilizaré cosas que encuentre por ahí, objetos que me encuentre ese día o cosas que estén por el backstage… me encanta improvisar y no saber realmente lo que me espera…

¿A qué tipo de público te diriges?

Nunca pienso en un público en concreto… jamás. Simplemente intento dar lo mejor de mí, y ver lo que sucede…

Conocíamos tus habilidades de tus colaboraciones previas con artistas como Dimlite, entre muchos otros… ¿Cómo enfocas tu carrera ahora mismo… quizás como un artista en solitario?

Hago mis shows en solitario, solos mi batería y yo. Me gusta mucho hacerlo así.

Pero también me encanta colaborar con otra gente; no quiero dejar de hacerlo.

Disfruto mucho de la variedad que te ofrece trabajar de las dos formas en paralelo; una forma de trabajar sirve de inspiración a la otra. ¿Cuáles son tus planes para presentar Beat Diary? ¿Tienes algún Tour

¿Y qué es lo siguiente? ¿Qué planes tienes para el futuro? ¿Algún nuevo proyecto que puedas adelantarnos?

Tengo muchas ideas en las que acabo de empezar a trabajar. Y algunas nuevas colaboraciones. Tendréis más noticias pronto.

organizado?

Sí, haré una gira de presentación en Diciembre, y habrá más fechas en 2013.

Es el momento de despedirse… eres libre de decir lo que quieras…

Abre tus oídos.

interview

english text /a report by GNZ

Julian Sartorius belongs to that kind of people who live to play an instrument, each one of his pores oozes percussion, and his long and awarded career is the most conclusive proof of it.

Some may call him a virtuoso, but we see him more like a person who lives for the drums, not just for mastering the drums technique, but to go far beyond, using and developing his own tools. We discovered his work a few months ago, when he made a collaboration with Dimlite, playing drums on his live acts, but now Julian Sartorius is about to release an amazing project through Everest Records, called “Beat Diary”.

Beat Diary is a compilation of 365 beats that Julian recorded all over a year. One beat per day. No matter where he was or what he was doing, Julian recorded a beat each day, using things and objects he found on his environment to accomplish his purpose. No samples or additional electronic effects where used during the

JULIAN SARTORIUS’

BEAT DIARY whole process, no samples, no loops… and the result of this huge task is going to be released on December the 12th in a pack consisting of 12 LP’s with the 365 beats, and a book including 365 photos, telling the story of a year in the life of Julian.

Let’s see what Julian can tell us about “Beat Diary”…

Hello Julian, it’s a real pleasure to have you here… Thank you very much for your time.

Thank you.

Just to introduce a little more to our readers… how did you get into music? And why did you choose the drums as your instrument?

I really don’t know. The need for drumming was just there as far as I can think back.

When I was 2 years old, I had a little drum.

I used to walk with this drum around our dining table, playing along with marching music. My mother even told me, that I went

to our neighbors’ door with a tambourine, rang the bell and asked to play a solo for them.

When I was 5, I finally received a real drum kit. I have such a strong memory of this moment. It was really a dream coming true.

What kind of formation did you receive, or are you autodidact?

I’ve had drum lessons right from 5 years old, when I received the drum kit, till I was 16. Then I went three years on as an autodidact. After this period I went to the music academy to study the drums, and playing the piano as well.

Getting back to the matter… We’ve loved your project Beat Diary. It’s a brilliant conceptual project, and the result is absolutely amazing. How did this idea came up to you?

End of 2010 I received some promotion of a friend of mine, an illustrator, called Paula Troxler. She did a project like doing a

BEAT DIARY drawing every day. There the idea came up to me to do so with beats. As I wanted to start working on a solo record, this seemed to be the perfect moment for a project like this. And I was so curious how it would feel recording a beat every day and what the result would be like.

in. A big playroom.

What kind of equipment did you use for the field recordings?

I used a Zoom H4 recorder.

And what can you tell us about the mixing and post-production tasks of this huge amount of beats? Did you make all the work by yourself or did you get any help?

I did all the work by myself. Just the mastering and cutting was someone else, Adi Flück at Centraldubs Bern.

When did you start the recordings?

On 1st of January 2011.

And how was this recording process? Did you follow any rules?

Yes, I made some rules for myself.

Sometimes the process is more interesting with limitations, because you somehow go deeper.

I had the rules, that I don’t process any sound electronically, I wanted to have the natural sound and try to find special and unheard sounds just acoustically, because I was curious about all these different materials and what I can get out of them acoustically. Another rule was that I’m not doing any loops. I wanted that every beat is actually played. The only electronic tool I used was doing overdubs.

Did you choose the spots to record, or you just found them on your way?

Normally I found them on my way. Just really seldom I’ve chosen a certain spot and specially went there to record. I wanted that the diary comes out of my life, and not that I change my life for the diary.

Where are the different locations where you recorded? And which one was special for you, and for what reason?

Most of the tracks where recorded in Berlin and Bern, but also in Reykjavik, Brussels, Amsterdam, Budapest, Vilnius, Paris, and many more, just where I was on tour in 2011.. there are also tracks that I did in Sicily at the sea, or up on 2000 meters on a small Swiss alp where I’ve spent some days.

On some tracks you can hear the cowbells in the background...

Berlin was special to me, because I spent half a year of 2011 there and had the opportunity of a big atelier, where almost my whole collection of instruments could finally take place in. I’ve never had a room like this before. That was so great to work

The first 6 months of the project, you released some of these recordings through your blog… what kind of feedback did you get?

I got some really nice feedback: Someone for example told me, that the Beat Diary opened her ears for all the sounds and things that are passing around her. It opened her attentiveness. That’s wonderful.

Next December, almost 2 years after you started the project, Beat Diary will be available in a physical format… 12 LP’s gathering the 365 beats, and accompanied by 365 photos… the full package released

by Everest Records… what can you tell us about that release and your relationship with the label?

It was so great to work with Everest Records on this release. They are just amazing people. They are into releasing records with

a big passion. That’s just incredible. I’m so glad to have such people in Bern.

Who made all the photos, and how are they connected to the beats?

I did all the pictures. I love taking pictures, as I also really love to draw. There was during all my life both: Playing drums and drawing / taking pictures.. so I decided to illustrate the beats with photos. Mostly they show the place where the beat was recorded, or some of the material that the beat was recorded with. There’s always some kind of a connection between the beat and its picture, mostly done at the same moment as the beat was done.

How are you going to transfer all this to a stage? What kind of setup are you going to use for your live acts?

I’ll just have my drum kit and my objects to prepare the drum-set. But I also might use stuff that’s just around, objects that I’ll find on that day or that will be in the backstage.. I just love to improvise and not really knowing what’s exactly attending me.

What kind of audiences are you aiming? I guess it’s not a mainstream release…

I’m not thinking about a certain audience… never. I just try to give my best, and see what happens..

We previously knew you and your skills due to your collaborations with artists like Dimlite, and many more… How do you focus your career now… maybe like a solo artist?

I’m playing solo shows, it’s just me and my drums. I love so much doing that. But I really love to collaborate with other people as well; I’ll not want to miss that. I really like the variety doing both forms of working parallel to each other; both forms are inspiring each other.

And what are your plans to present Beat Diary? Do you have any scheduled tour dates?

Yes, there will be release tour in December, and there might be more dates in 2013. I’ll be playing a solo set with drums on those evenings. For the other part of the evenings we invited a bunch of turntable artists to do a solo set, just working with the 12 LPs of the Beat Diary. I’m looking forward to that.

I’m so curious about what these turntablists will do with the vinyls, how it will sound.

And what’s next? What plans do you have for the future? Any upcoming project you would like to advance to us?

I have a lot of ideas that I just started working on. And some new collaborations.

More news will come soon.

It’s farewell time… feel free to say what you want…

Open your ears.

entrevista

BUEY una entrevista de GNZ

Buey, además de ser el nombre de un bovino, es también el nombre de una banda de Valencia. Con un brillante álbum de debut en descarga gratuita, titulado “Universe Bellowing”, Buey siguen la senda del Stoner Rock, es decir, la faceta más humeante del rock, a veces psicodélica, pero casi siempre lenta, poderosa y grave.

Cuando uno piensa en un buey, el animal, le vienen a la cabeza imágenes de un bicho muy grande… una tonelada de músculo y cuernos, que si se lo propusieran, te pasarían por encima sin ningún esfuerzo, del mismo modo que nosotros pisamos una hormiga al andar. Pero al mismo tiempo, y por muy contradictorio que

fotos: Mariu Flu

pueda parecer, un buey transmite cierta sensación de paz, de calma. Pues eso mismo pasa con el grupo Buey, así es su música, como un buey, contundente, densa y tremendamente poderosa.

Me gustaría que comenzáramos esta entrevista con una presentación de cada uno de los miembros de Buey. ¿Quién compone la banda? ¿Y cómo os conocisteis y decidisteis juntaros?

Wido: La banda se formó por ahí por 2009.

Por varios motivos confluimos en Valencia desde varios lugares: Guido bajo y voz (ahora prestado a la guitarra) de Italia, Rodrigo (voz y guitarra) de Chile y Jordi volviendo a su ciudad natal después de varios años fuera.

Ya comenzábamos a tener amigos comúnes y hablando poco a poco de nuestras influencias musicales (cómplice también un concierto de Brant Bjork en la sala Durango de Valencia ) decidimos juntarnos a ver que si éramos capaces de crear algo de música y aquí estamos unos años después.

Hasta hace bien poco, Buey era un trío formado por un batería, y un guitarrista y un bajista, que también se encargaban de las voces… pero ahora sois un cuarteto. ¿A qué se debe ese cambio en la formación?

Wido: Si al principio y hasta hace nada de hecho éramos un trío. La verdad es que muchísimos grupos míticos de rock le sacan

BUEY un jugo increíble a esta formación tan simple y directa. Nosotros también teníamos ese concepto pero viendo también las necesidades que íbamos teniendo bien a nivel musical y bien logísticas (la dura vida del trabajador viajero hace que no siempre sea fácil quedar…) decidimos incorporar otro miembro.Hace poco encontramos a David que toca el bajo con nosotros desde hace pocas semanas y a parte de bajista es un músico fantástico que ya está aportando un montón de ideas muy “bovinas”!!

Yo definiría vuestro sonido, para aquellos de nuestros lectores que no hayan escuchado nunca vuestra música, como Stoner Rock, puro y duro. Rock pesado, lento, y al mismo tiempo poderoso, como un canuto bien cargado que acabas de encender. Pero supongo que además del Stoner, habéis bebido de muchas influencias musicales diferentes a lo largo de vuestras vidas… ¿cuáles destacaríais? ¿Cuáles forman parte de Buey?

Wido: Desde luego el enfoque que tenemos al intentar hacer música es crear algo con pegada, denso y carnoso y a partir de allí la verdad es que las influencias son muy variadas. A parte de todo el movimiento stoner antiguo y más reciente desde Kyuss hasta los Red Fang nos gustan un montón de otras cosas, desde los setenta más psicodélicos hasta los noventa más “grungeros” pasando por una buena dosis de rock británico de todos los tiempos desde

Led Zeppelin pasando por los Smiths (los rockeros también amas los 80’s a veces hehe) hasta los Manic Street Preachers.

La temática de vuestras letras gira en torno al ideario de William Blake y su obra.

Además de ser un genio reconocido de la poesía y la bellas artes británicas, este artista del siglo XVIII y principios del XIX fue un romántico atormentado, que sufría de alucinaciones, y que murió en la más absoluta pobreza, siendo reconocido su trabajo muchos años después de su

muerte… desde luego que es un personaje que resulta interesante… ¿pero qué hizo que su obra fuera vuestra principal referencia? ¿Por qué William Blake?

Rodrigo: Sin duda William Blake, así como una gran cantidad de aquellos que hoy adoramos como iconos en sus disciplinas, lamentablemente han sufrido la falta de reconocimiento de su obra en vida. Y esto es muy triste, y tiene que ver con abrirse a las propuestas, que justamente es lo que un artista pretende: compartir su creación. En eso estamos, intentando compartir nuestro

primer disco llamado “UniverseBellowing”.

William Blakeera una persona muy intrigante, que poseía facultades quizás sobrenaturales, que alcanzaba niveles de conciencia capaces de crear obras pictórico-poéticas desde su poco agradecida situación de artesano que realizaba en un oficio bastante particular. Era capaz de armar su universo creativo, y en eso es en lo que estamos al dedicarnos a la música. Comencé a componer temas acústicos con letras de un poemario del personaje en cuestion, que conseguí por apenas 1 euro!... y lo que hemos llegado!!. A propósito de esto, hace 1 mes cuando vine de Chile me fui del aeropuerto al museo, subterráneamente! Directo a ver la expo de Blake que cerraba por esos días; dejé el link de nuestra página, escrito en un tríptico informativo para todos aquellos interesados en el rock + Blake, y durante los siguientes dos días el número de visitas claramente aumentó…

¿Y cómo surgió el binomio Blake + Stoner Rock? Porque se llevan muy bien…

Rodrigo: Ya lo decíamos antes, Morrison y Bruce Dickinson son reconocidos amantes de la obra de W. Blake, creo yo por ese misticismo que engendra cierta oscuridad, temas como la desesperanza, la paz/el castigo, en definitiva el gran peso que llevamos en nuestras vidas regidos por múltiples sistemas que nos hacen actuar de una manera tan dirigida, que de alguna manera puede atrofiar nuestros instintos. El Stoner así como muchos estilos musicales quizás, acepta estas temáticas de oscuridad y pesadez que aportan los ritmos y riffs sobre las que componemos nuestros temas. ¡Algo que me llama mucho la atención (aunque no pase de anécdota) es que todos los miembros de Buey sois médicos! ¿Os conocisteis en la Facultad o trabajando?

Wido: Si los tres miembros originales empezamos la formación especializada tras la Facultad en Valencia hace unos años y fue digamos el punto de conexión inicial. Ahora esperamos con David aumentar nuestro nivel de glamour…. ¿Y cómo compagináis vuestra profesión con vuestra pasión (que me imagino será la música, entre otras cosas…)?

Wido: Si no es la típica profesión del rockero verdad? Aunque por raro que parezca a veces en el hospital puedes llegar a tener un día con bastante “rock’n’roll” y no siempre del bueno….

Vuestro primer trabajo se titula “Universe Bellowing”… ¿podríais hablarnos un poco de él?

Wido: Si el disco ya tiene casi un añito y se compone de doce temas en los cuales hemos tratado de meter cuanta más pegada y ritmo pudimos y fuimos capaces.

BUEY

La idea era crear una bola enorme, una res mugiendo, corriendo y soltando coces.

Nuestra idea musical era hacer gustosa carnicería musical en el buen sentido de la palabra en la clásica senda Stoner aunque con un poco más de atención quizás a la forma canción intentando encontrar un punto intermedio entre riff y estribillo intentando no complicar demasiado las cosas. Eso es lo que intentamos en el disco.

Rodrigo: El diseño artístico del disco, se ha realizado en base a collages y grabados que

venía realizando por entonces. La idea era poder seguir con la relación “Blakeana” y de paso desarrollar las artes plásticas que siempre está bien cultivar. Podemos decir hemos “grabado” un disco con total propiedad… Cuando lo tengan en sus manos se cerciorarán. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Esta primera experiencia como grupo en el estudio ha satisfecho vuestras expectativas?

Rodrigo: El disco lo grabamos hace casi un

año en los estudios RPM de Roger García en Valencia. Fue una intensa semana en diciembre del 2011, bajo el alero y gran aporte del capitán Roger García, gran persona, gran rockero, con muy buen gusto musical y con un estudio extremadamente bien equipado y muy acogedor. Fue una gran experiencia trabajar con él y el resultado nos ha dejado muy satisfechos ya que refleja la contundencia que queremos mostrar con nuestra música, además de otras características que Roger supo leer y plasmar al “callo”.

Habéis presentado ya el disco en directo… ¿pero tenéis previstas más actuaciones próximamente?

Wido: Si hemos presentado hace unas semanas el disco en la FNAC de Valencia en

el marco de la serie “Disco autoproducido”, si os pica la curiosidad allí quedan unas copias en CD del Universe Bellowing, …sin ánimo de marketing hehehe..a 5€ !!

A parte de esto estamos pendientes de cerrar algún concierto antes del final de año o el invierno que se avecina. En cuanto concretemos publicaremos todo en nuestro facebook. ¿Y cuál es el futuro inminente de Buey?

Wido: El objetivo principal ahora es componer y disfrutar de la nueva formación tratar de asemblar nuevos temas y sacarle toda la chicha a las guitarras que para algo ahora tenemos dos!!!! Y por supuesto tocar en directo!!!

Rodrigo: Estamos en conversaciones con otras bandas de Valencia (LAHOOD, ION TIDES, DAZE OF DAWN, por nombrar algunas), ya que llevamos la idea de hacer un festival entre bandas del rollo. Creemos que es fundamental hacer “piña”… Creemos que es fundamental la cooperación entre bandas, se facilita todo mucho más, pero los esfuerzos no deben ser sólo nuestros, los locales de concierto deben abrir sus mentes y generar movimiento, crear cultura, hacer por ejemplo un listado de bandas desconocidas que puedan telonear a una banda gorda que traen todos los meses, y con los cuales seguros hacen bastante negocio ya… por otro lado hay cosas/estilos que estarán siempre “de moda” y quizás no tengan esa dificultad a la hora de difundir su

trabajo. Somos conscientes de lo “alternativo” que somos por decirlo de alguna manera. Nos aprovechamos de este medio para decir que si extiste alguien o grupo de personas, interesad@s en organizar algo con 4 o 5 bandas y hacer un encuentro rockanrolero, no duden en contactar con nosotros.

Muchas gracias por vuestro tiempo…

¿Unas últimas palabras?

Agradecer a gente como ustedes que dan la posibilidad de difundir el trabajo artístico en general y especialmente la música en este caso, y poder llegar así a curiosos oídos y sentidos que deambulan más allá de este puente cibernético.

Que disfruten de nuestra música, y sientan el mugido en lo más profundo de sus entrañas…

report

english text /a report by GNZ

In Spanish, “Buey” is the word for ox, but it’s also the name of a band from Valencia.

With a brilliant debut album released as a free download and called “Universe Bellowing”, Buey follow the ways of Stoner Rock, which means the most smoking side of Rock, sometimes psychedelic, but always slow, powerful and deep.

When you think about an ox, you think about a huge creature… a ton of muscle and two horns, and if an ox wished to, he would walk over us without any effort, just like we walk over an ant. But at the same time, and despite the contradiction, an ox transmits a certain feeling of quietness, of peace. And that’s exactly what happens to the music of Buey, this is how their music is, like an ox, heavy, dense and incredibly powerful.

Would you like to introduce yourselves?

Who’s behind Buey? How did you meet and decided to join?

BUEY

Guido: The band started back in 2009. For different reasons we met in Valencia from different places: Guido, bass and voice (now on loan to the guitar) came from Italy, Rodrigo (voice and guitar) from Chile, and Jordi who was coming back to his home town after several years abroad. We started having some friends in common, and speaking about our musical influences (a Brant Bjork’s show in Durango venue, Valencia, was also an accessory) we decided to meet and see if we were able to create some music, and here we are a few years later.

Until very recently, Buey was a trio, with one drummer, a guitarist and a bass player who also sang, but actually you’re a quartet. What’s the reason of this change?

Guido: Yes at the beginning and until very recently we were a trio. The truth is that a lot of great rock bands take the most of this formation, so simple and direct.

We also had this idea, but being aware of

the real needs we were having, regarding music but also regarding logistics (the travelling worker’s hard life makes it hard to meet…) we decided to add another member to the band. We found David, he’s playing bass with us for a few weeks, and besides a good bass player he’s a fantastic musician, and he’s already contributing with a lot of great ideas, really “bovine”!!

I would define your sound, to those of our readers who have never heard your music, as Stoner Rock, pure and harsh. Slow rock, heavy, and powerful at the same time, just like a good joint you just lit. But I guess you’ve had many other influences besides Stoner… which ones would you highlight?

Which ones make a part of Buey?

Guido: Of course, while we make music we try to stay focus and do something with punch, dense and meaty, and from that point the influences are really diverse. Besides the old school Stoner movement, and the most recent, from Kyuss to Red Fang, we love

many other stuff, from the most psychedelic 70’s until 90’s, more grunge, and in the middle a good dose of British rock from all times, from Led Zeppelin, The Smiths (yes, rockers sometimes love 80’s too) until Manic Street Preachers.

The lyrics of your songs are about William Blake’s ideas and works. Besides being a recognized genius of British poetry and fine arts, this artist from late XVIII and early XIX century was a tormented romantic, suffering from hallucinations,

who died plunged into poverty, and whose work was not recognized until years after his death… we won’t say it’s not an interesting figure… but what made him the main point of reference for you? Why William Blake?

Rodrigo: Without a doubt, William Blake, amongst many others we actually worship as icons of their own disciplines, sadly didn’t get any recognition of his work being alive.

And this is very sad, and deals with being open to proposals, exactly what an artist pretends: sharing his creation. And that’s

what we are doing right now, trying to share our first album, titled “Universe Bellowing”.

William Blake was an intriguing figure, who may had supernatural faculties, as he reached levels of conscience where he was able to create pictorial-poetics works from his ungrateful craftsman situation, carrying out a particular job. He was able to create his own creative universe, and that’s what we are doing working on music.

I began writing acoustic tracks with the lyrics taken from a collection of poems of the figure in question, which I brought for almost 1 Euro!... never thought it would be as much as that…

By the way, 1 when I came back from Chile 1 month ago I went from the airport to the museum, underground! I went directly to see the Blake’s exhibition which was on its last days; I let the link to our website, written on an informative triptych, for all those interested in Rock and Blake, and the following days our visits clearly rose…

And how did the couple Blake + Stoner Rock came up? They fit very well…

Rodrigo: As we were saying, Morrison and Bruce Dickinson are recognized lovers of W. Blake’s work, I guess due to this dark breeding mysticism, topics like despair, peace and punishment, in short the heavy load we carry on our lives, controlled by multiple systems making us act such in a conducted way, it may degenerate our senses in a certain way. Stoner Rock, as

BUEY many other styles, accepts this darkness topics and the heaviness of rhythms and riffs over which we use to build our songs.

There’s something calling my attention, even though it’s just an anecdote… but the original members of Buey are all Doctors!

Did you meet working or studying in the Faculty?

Guido: Yeah! The three original members we started specialized formation just after leaving the Faculty in Valencia a few years ago, and let’s say this was our first connection. Now we hope to increase our glamour level with David…

And how do you combine your work with your passion (music, allegedly, amongst other things…)

Guido: It’s not the typical rock artist profession, isn’t it? Even though it may sound weird, in a Hospital you can also have “rock & roll” days, and not always the good one…

Your first album is called “Universe Bellowing”… what can you tell us about?

Guido: The record is almost one year old now; it’s made of 12 tracks which we tried our best to make them have the maximum punch and rhythm. The idea was to make a huge ball, an animal bellowing, running and kicking. Our musical idea was also to make a nice musical butchery, following the ways of classical Stoner, perhaps paying more

attention to the shape of the song, trying to find the halfway between riff and chorus, trying not to complicate things too much.

That’s what we tried with this record.

Rodrigo: The artwork of the record has been made with collages and engravings that I was doing at the time. The idea was to maintain the relation with Blake, and by the way, to develop plastic arts, which is always good to encourage.

We can say we have recorded and engraved an album… once you’ll have it in your hands you’ll agree.

And how was the recording process? Did this first studio experience as a band fulfill your expectations?

Rodrigo: The album was recorded last year at RPM Studios, of Roger García, in Valencia.

It was an intense week of December, under the protection and contributions of the captain Roger García, a great person, great rock artist, with an incredible musical taste, and with a very warm and extremely full equipped studio. It was a great experience to work with him, and we’re very proud of the result, as it reflects the force we want

“Selfproduced Records” series, and if you feel curious there are still a few copies of the “Universe Bellowing” CD over there… 5€ cost… no marketing intended… hehehe…

Besides this we’re working to close some dates before the year ends, we’ll publish news in our Facebook profile soon… to show with our music, besides different characteristics Roger knew how to read and capture at once.

You’ve already presented the album live… do you have any upcoming shows soon?

Guido: Yes, we presented the album a few weeks ago in FNAC Valencia, within the

And what’s the impending future of Buey?

Guido: Our main target is to compose and enjoy of the new formation, trying to assemble new tracks, and get the maximum to guitars now we have two of them!! And of course, playing live!

Rodrigo: We’re talking with other bands from Valencia (Lahood, Ion Tides, Daze of Dawn, just to mention some…) as we have

the idea of making a festival with some bands on the same line. We believe it’s essential to stick together. We believe cooperation between bands is essential too, everything gets easier, but the effort must be collective, not just ours, the venues should open their minds and create movement, create culture; for example they could make a list with unknown bands they could contract as supporting artists for the big names they use to book monthly, and which will surely make their benefits enough… In the other side, there are things and styles which will always work and may not experience so many difficulties as we have to overcome to spread our work. We are conscious of how much “alternative” we are… We would like to take this opportunity to say if someone is interested in organizing something with 4 or 5 bands involved, and make a nice rock and roll meeting, don’t hesitate to contact us…

Thank you very much for your time… some last words?

We would like to thank people like you, who give us the chance to spread our artistic work in general, and specially with music in this case, to reach curious ears and senses, wandering around further away from this cybernetic bridge…

Enjoy our music, and feel the bellowing in your deeper bowels…

reportaje

PRO 176 un reportaje de GNZ

Pro 176 es un artista francés, nacido en París en 1976, y miembro de dos de las crews más potentes dentro del panorama del graffiti a nivel europeo. Por una parte pertenece a RTZ (Return To Zero), colectivo con base en Berlín, y por otra parte también es miembro de Ultra Boyz, de quienes os hemos hablado en repetidas ocasiones, a través de nuestros reportajes y colaboraciones con Sozy One, Jaba o el dúo valenciano D.O.C.S. …

La obra de Pro 176, por lo menos en su faceta más callejera, comienza a formar parte de la ciudad de Valencia, ciudad en la que reside actualmente este artista, habitual colaborador de Seen, una leyenda viva del graffiti. Aunque Pro 176 no sólo pinta sobre muros, sus lienzos son también

impresionantes, y también ha hecho lo suyo en el mundo de la música, principalmente del Rap… Superhéroes y villanos, cubismo, abstracción, colorido apabullante, futuro y pasado agarrados de la mano; todo esto forma parte de la obra de Pro 176, el resultado de una vida influenciada por los cómics, por el gran Jack Kirby, y cómo no, por las tipografías y el graffiti.

Poco a poco, su obra gráfica ha ido ganando en abstracción, pasando de un tiempo en el que trabajos los personajes de sus trabajos eran reconocibles, a deformaciones y distorsiones salvajes, donde Pro 176 genera unas geometrías alucinantes donde el arte figurativo queda relegado a un segundo plano.

En la actualidad, Pro 176 está exponiendo su obra en París, y sus trabajos son requeridos por galerías de toda Europa, mientras él sigue ampliando su trabajo, profundizando en el aprendizaje de nuevas técnicas, y preparando un extenso libro, su primera incursión en el mundo editorial, con más de 300 páginas, que verá la luz a principios del próximo año… Esperamos ansiosos el momento de poder ojear ese libro y explorar en profundidad el universo de Pro 176. De momento aquí os dejamos una selección de sus trabajos más recientes, en diversos formatos.

Y si quieres más información, te aconsejamos que hagas una visita a su página web www. pro176.com

PRO 176

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report

english text /a report by GNZ

PRO 176 Pro 176 is a French artist, born in Paris in 1976; he’s member of two of the most powerful crews from European graffiti panorama. In one hand he belongs to RTZ (Return To Zero), Berlin based collective, and in the other hand he’s a part of the Ultra Boyz, a crew we’ve told you about several times, through our reports and collaborations with Sozyone, Jaba or D.O.C.S., the duo from Valencia…

Pro 176’s work, at least on his street facet, is starting to become part of the Valencia streets, the city where he actually lives this artist, a usual collaborator of Seen, the living legend of graffiti. But Pro 176 doesn’t just paint on walls, his canvas are also awesome, and he has also made an incursion into music, mainly in Rap music….

Superheroes, villains, cubism, abstraction, overwhelming colors, future and past holding hands; all this is part of Pro 176’ work, a result of a lifetime influenced by comic books,

by Jack Kirby and also by typography and graffiti.

His graphic works have gained in abstraction gradually, passing from a time when the characters of his paintings were still recognizable, to deformations and brutal distortions, where Pro 176 builds amazing geometries, pushing figurative art to the background.

Actually he is showing his art in Paris, and his work is required by galleries all over Europe, while he keeps working, going deeper into new techniques, and preparing a huge book, his first adventure in the editorial world, with more than 300 pages, being released at early next year… We’re looking forward to have a look at this book, and explore in depth Pro 176’ universe. For the moment we bring you a selection of his most recent works, under different formats…

And if you want to know even more, just visit www.pro176.com

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reportaje

TOLCHA CONVERSACIONES SOBRE “NEUSTADT” CON POL PONSARNAU un reportaje de Lukasz Polowzyc y GNZ

Cuando nos enteramos del nuevo proyecto de Tolcha, gracias a nuestro contacto en el Este, el gran Lukasz Polowczyk aka RQM, no dudamos ni un instante que queríamos profundizar en el tema…

Primero porque nos flipa el trabajo de Tolcha, y segundo, porque el nuevo proyecto de la banda germana llevaba su último trabajo, “Neustadt”, un poco más lejos todavía, con un arriesgado tirabuzón estilístico que une la música de Tolcha con la realización de breves cortometrajes que acompañan cada una de las canciones de su nuevo álbum, que será publicado a

través del sello Neopren Records este mes de Diciembre.

El concepto y el formato audiovisual de “Neustadt” son innovadores y tremendamente originales, ya que no sólo supera los estándares de los videoclips musicales, sino que les abre un universo de posibilidades en sus shows en vivo.

Además el proyecto ha contado con la participación del colectivo audiovisual Polacos y de Pol Ponsarnau como director, lo que lo hacía todavía más interesante.

Nuestra intención original era presentaros una entrevista con los responsables del proyecto, pero como parece ser algo recurrente con todo lo relacionado con este proyecto, la idea inicial dio un giro inesperado, y en vez de una entrevista, tenemos el gusto de ofreceros una conversación mantenida entre el director, Pol Ponsarnau y Lars Kirchbach, batería y productor de Tolcha, en la que destripan “Neustadt” a fondo, respondiendo a todas las posibles preguntas que pudieran haber pasado por nuestras cabezas…

TOLCHA & POL PONSARNAU Pol: Quizá deberíamos explicar lo que es “Neustadt” realmente: ¿el nombre de una canción? ¿El nombre de un álbum? ¿Una película?

Lars: En realidad es todo eso. En 2009 hicimos una canción llamada Neustadt, que se convirtió en la canción que daba nombre a nuestro nuevo disco. Se suponía que era un homenaje a la banda alemana Neu! y al sonido Motorik de aquella época. Metafóricamente hablando, para nosotros también significa algo como “un comienzo fresco”, construyendo algo nuevo.

También me gusta mucho la palabra en sí y su significado: hay más de 40 ciudades llamadas Neustadt en Alemania, y creo que una de cada cinco ciudades, o algo así, tiene un barrio que se llama igual.

Tras la guerra, cuando la mayoría de ciudades del interior quedaron destruidas, los distritos Neustadt surgían por todas partes. Así que tiene algo de moderno pero al mismo tiempo es frío y muy anónimo.

Una ciudad que crece y crece, y cada vez se vuelve más anónima. Neustadt es algo genérico y funciona en todas partes. Creo que también hay un equivalente en España.

Pol: Creo que tiene un equivalente en cualquier lugar del mundo. Lo llaman Neustadt allí donde existe la posibilidad de construir un nuevo centro comercial. Creo que mi enfoque del concepto Neustadt viene de una perspectiva muy distinta. En

Barcelona y en España, donde el ladrillo ha roto todas las leyes de la naturaleza, la construcción de un Neustadt –una parte nueva de la ciudad– se transforma en algo forzado, artificial, raro, destructivo. Desde que estoy en Berlín tengo una visión diferente del Neustadt. Conectada de alguna forma a un atractivo futuro utópico racional. El nido de grandes y divertidos cracks creativos…

Lars: Hay una escena en “La Notte” de Antonioni en la que unas personas vuelven a casa una mañana, tras una noche fuera, llegando en un Cadillac a uno de esos distritos recién construidos. No hay calles, sólo unos bloques altos construidos en medio del campo. Una mujer vive en la planta baja, medio inundada… Para mí ése es el prototipo del Neustadt: edificios funcionales

de la post-guerra, para mucha gente, pero no te sientes en casa ahí.

Pol: No sentirse en casa es un gran motor creativo. Tú me contaste que hay una banda de la nueva ola alemana de los 80 llamada Palais Schaumburg que tienen una canción que se llama “Wir bauen eine neue Stadt” (“Construiremos una nueva ciudad”). ¿Te influenció?

Lars: Sí, correcto. Cantaban sobre construir una nueva ciudad juntos, uniendo fuerzas.

Sí, quizá eso también es otro aspecto para nosotros: Neustadt como un esfuerzo en grupo.

Pol: Hace poco escuché algunos discos antiguos de Tolcha y eran muy diferentes,

y muchos de ellos tenían voces… Escuché a RQM en algunos de los temas, y el rollo era muy distinto. Creo que hay un proceso de maduración en cierto modo. También quedé completamente impresionado por vuestros directos. Muy potentes.

Lars: En nuestro último disco contamos con un montón de colaboraciones, en casi todos los temas. Y no estaba planeado que fuera así, simplemente sucedió. Las canciones eran mucho más rítmicas y de bajos más gordos que en nuestro nuevo disco. Nunca produjimos temas orientados puramente a las pistas de baile, pero sí apuntábamos en esa dirección. También ha habido muchas remezclas cubriendo ese espacio.

Con el Nuevo disco queríamos romper con todo eso. Nos sentíamos muy limitados. Así

que en Nuestadt no hay colaboraciones, no hay remezclas, no hay nada. Sólo nosotros.

Originalmente empezamos como un grupo instrumental, y este disco es en cierto modo un retorno a las raíces.

Estéticamente es muy diverso. Tenemos canciones como “Tupukala” en las que predominan los sintes y los arpegios, otros cortes son improvisaciones en vivo que hemos editado, se puede sentir una fuerte influencia del Dub, y canciones como “Super Realism” o “Wrong kind of Jazz pt.1” son en cierto modo muy cinemáticas…

Pol: Estoy totalmente de acuerdo, tienen un enfoque narrativo atmosférico.

Lars: Estuvimos pensando, junto a Lukasz Polowczyk, en una forma de promocionar todo esto, y Lukasz vino con la idea de no hacer un único video para una canción,

sino una serie de pequeños trailers, uno para cada canción. Escribió el guión, y luego tú entraste en juego, y juntos, con Veronica Priefer acabamos trabajando en la grabación.

Pol: Sí, y tras la experiencia Neustadt, Lukasz y yo lanzamos el colectivo cinematográfico Polacos, que muy pronto conquistará el mundo… Estábamos muy emocionados con la idea de generar un nuevo formato.

Algo que se alejaría del vasto universo de los videos musicales. Lukasz trajo la idea y pensamos que era genial. De algún modo Neustadt pedía algo distinto por su porpia naturaleza: instrumental, atmosférico, rítmicamente complejo, sugestivo… todos esos elementos nos llevaban al género del Cine Negro. También vuestra pasión por las películas del género de los años 50, 60 y 70. Teníamos “Alphaville” de Jean-Luc

TOLCHA & POL PONSARNAU Godard como una referencia.

Lars: “All you need for a movie is a gun and a girl.” (“Todo lo que necesitas para una película es una pistola y una chica”) (Godard 1961) Pol: Así es… Mantuvimos una producción mínima: 3 personajes, un par de localizaciones, una trama muy fina… y una pistola…

Lars: Hablando de estética: tuvimos unas cuantas discusiones sobre qué imagen queríamos como resultado final. Yo voté por el blanco y negro desde el principio y convencí a todos, más o menos. Y luego tú dijiste algo muy gracioso sobre grabar con una 5D… Pol: Cierto, creo que nadie más, excepto tú, quería la película en blanco y negro, pero al final tiene mucho mejor resultado.

También jugamos con el color, aplicando un alto contraste y mucho grano, intentando acercarnos lo máximo posible a la sensación de las películas de cine negro de los años 50.

Sí, todo el mundo conoce la cámara Canon 5D. Es pequeña, práctica, y tiene un gran resultado visual si tienes los complementos correctos: lentes, un buen uso de la luz…

Algo bueno y bonito era que podríamos hacer una producción casera. Todos los miembros de Tolcha se involucraron en la

producción, como director de producción, asistente de cámara, producción, “making of”, catering, localizaciones… En el set contamos con la ayuda de amigos y familia.

Anja Ressmer, Daniel Frantisek Kamen y Markus Heinemann quedan simplemente geniales delante de la cámara.

Lars: ¿Porqué no terminó siendo un cortometraje completo?

Pol: A pesar de que sólo queríamos trabajar en clips de 1 minuto para cada canción, nos dimos cuenta de que podría haber una relación entre cada una de las escenas, así que consideramos la idea de terminar un cortometraje. Y así es como empezamos a editar la pieza. Además la idea de que yo hiciera de VideoJockey en los directos con Tolcha siempre estuvo ahí y me atraía muchísimo la idea de editar en vivo y la narrativa visual en directo. Así que retorcimos el concepto una vez más y terminamos creando la primera “Live Film Noir Experience”. Que significa, Tolcha toca en directo y yo edito la película también en directo.

Lars: Así que el concepto para los shows en vivo es combinar música y visuales al mismo tiempo. Generando la magia de la sugestión con el tiempo como el ritmo.

Pol: De hecho hay dos sets de directo distintos: uno en el que tocamos los temas

de “Neustadt” y los mejores temas de todos los álbumes previos, usando las imágenes de “Neustadt” como un simple apoyo estético.

Y el otro set es íntegramente “Neustadt” y “Live Film Noir Experience” donde las canciones y las visuales desarrollan un diálogo narrativo.

Lars: ¿Tú ya has sido VJ en el pasado, verdad?

Pol: Empecé como VJ hará unos 10 años,

creando colectivos visuales en Barcelona, participando en Telenoika, el tremendo festival de VJ, y trabajando en todos los lugares donde podíamos. Ahora dirijo vídeos musicales la mayor parte del tiempo, pero parece que ser VJ podría formar parte de mi vida de nuevo. ¿Vamos a tocar pronto en España?

Lars: Lo haremos.

report

english text /a report by Lukasz Polowzyc &

GNZ

TOLCHA

CONVERSATIONS ABOUT “NEUSTADT” WITH POL PONSARNAU When we heard about Tolcha’s new project, thanks to our contact in the East, the great Lukasz Polowzyc aka RQM, we knew at that same moment we would love to go deeper in the subject… First reason: because we love Tolcha’s work; and second reason: because their new project pushes their last album “Neustadt” further away, with a risky style screwball which combines Tolcha’s music with the shooting of short films for each one of the songs of their new album, released through Neopren Records now in December.

The audiovisual format and the concept are innovative and tremendously original, because it’s not just about breaking the established musical video standards; it also brings a new universe of possibilities for their live shows. Moreover, Polacos audiovisual collective were involved and Pol Ponsarnau was the director, what made this project even more interesting.

Our first aim was to offer you an interview with the responsible of this project, but as it seems to be a constant with everything regarding this project, the original idea made an unexpected turn, and instead of an interview, we’re pleased to bring you a conversation between the director, Pol Ponsarnau, and Lars Kirchbach, Tolcha’s drummer and producer, where they strip “Neustadt” entirely, answering to all the possible questions our heads could have thought…

Pol: Maybe we should explain what Neustadt really is: a song name, the name of the album, a movie?

Lars: Actually all of above. We did a song called Neustadt back in 2009 which became the title track of our new record. It was meant to be a homage to the German band NEU! and this whole Motorik sound of that era. Metaphorically speaking, for us it also means something like “a fresh start”,

building something new.

I also like the word itself and its meaning: there are about 40 cities called Neustadt in Germany, and I guess every fifth city or so has a district with that name. After the war when many of the inner cities were destroyed, Neustadt districts were popping up everywhere. So there is something modern to it, but at the same time it is faceless and cold. A city growing and growing, and becoming more anonymous. Neustadt is kind of generic and works everywhere.

I guess there is also an equivalent to it in Spain.

Pol: I guess there is an equivalent everywhere else in the world. They name it Neustadt wherever there is a possibility to build a new Shopping Mall. I guess my approach to the concept of Neustadt comes from a very different perspective. In Barcelona and Spain, where the brick has broken all the rules of nature, the building of a Neustadt a new part of the city- becomes something

basement which is half-flooded... For me this is the prototype of Neustadt: post-war functional buildings for lots of people, but you don’t feel at home there.

Pol: Not feeling home is a great creative engine. You (Lars) told me that there’s a German new wave band from the 80s called Palais Schaumburg that have a song called “Wir bauen eine neue Stadt” (We build a new city). Did it influence you?

Lars: Yeah, right. They sing about building a new city together, joining forces. Yes, maybe that’s also an aspect for us: Neustadt as a group effort.

Pol: I just recently listened to some older records of Tolcha, and they were quite different, and also most of them with vocals... I heard RQM on some of the tracks and the vibe was quite different. I feel there’s a mature process in a way. Also I was completely impressed by your live set.

So powerful.

forced, artificial, weird, destructive. I feel a new approach to Neustadt since I’m here in Berlin. Somehow attached to an attractive rational utopic future. The nest for funny creative cracks...

Lars: There was one scene in Antonioni’s “La Notte” where people get back home in the morning after a night out, arriving in a Cadillac in this newly built district. There are no real streets, just some high-risers built into the fields. A woman lives in the

Lars: On our last record we had lots of features, almost on every track. It wasn’t planned to be this way, it just happened.

Also sound wise the tunes were a lot more beat and bass-heavy than on our new album.

We were never producing pure tracks for the dancefloor, but we were heading into that direction. Also there has been a lot of remixes covering that ground.

TOLCHA & POL PONSARNAU

With the new album we totally wanted to steer away from that. It just felt too limiting.

So on Neustadt there are no features, no remixes, nothing. Just us. We started originally as an instrumental outfit, and this record is somehow like going back to your roots.

Aesthetically it is pretty diverse. We have songs like Tupukala which are pretty much synth and arpeggio driven, some tracks are edited live jams, you can hear a strong dub influence, and songs like super realism or wrong kind of jazz pt.1 are somehow “cinematic”...

Pol: I totally agree, they have an atmospheric narrative approach.

Lars: We and Lukasz Polowczyk were thinking of a way to promote this, and Lukasz came up with the idea not to do a single video for one song, but a series of

small trailers, one for each song. He wrote a script for it, and then you came into play, and together with Veronica Priefer we were working on the film..

Pol: Yes, and from this ‘Neustadt’ experience, Lukasz and I started a film collective Polacos, that will soon conquer the world... We were very excited about the idea of generating a new format. Something that would stick out from the vast music video universe.

Lukasz brought up the idea and we thought it was great. Somehow ‘Neustadt’ demands something different because of its nature: instrumental, atmospheric, rhythmically complex, suggestive… All these elements brought us to the Film Noir genre. Also due to your love of 50-60-70s film noir movies.

We had Jean-Luc Godard ‘Alphaville’ as one of the references.

Lars: “All you need for a movie is a gun and

a girl.” (Godard 1961) Pol: So it is… We kept the production really minimal: 3 characters, a couple of locations and a very thin plot… and a gun...

Lars: Talking about aesthetics: we had quite a few discussions about how we wanted it to look like in the end. I voted for black & white

of me VJing on set with Tolcha was always there and I’ve been very attracted to the idea of live editing and live visual narrativity.

So we twisted the concept once again and we ended up creating the first “Live Film Noir Experience”. That means, Tolcha plays live and I edit the movie live.

film noir experience. Yes, everybody knows the Canon 5D camera. It is small, practical and has a great visual result if you have the right complements: lenses, good use of light… A good and beautiful thing was that we could make it an in-house production.

All Tolcha members were involved in the production, as DoP, camera assistant, production, making of, catering, location…

On set we had the help of friends and family.

Anja Ressmer, Daniel Frantisek Kamen and Markus Heinemann are just great in front of the camera. right from the beginning and convinced everyone more or less. And then you said something funny about shooting with a 5D...

Lars: Why it didn’t end up a complete short movie?

Pol: Yes, I think no one else but you wanted the movie in b&w, but in the end it looks much better. We also played with the color grading with a higher contrast and grain, trying to get as close as possible to the 50’s

Pol: Although we just wanted to work on 1 minute clips for each song, we found out that there could be a link to each one of the scenes, so we considered the idea of finishing a short movie. And that’s the way we started editing the piece. Also the idea

Lars: So the concept for the live shows is to combine music and visuals at the same time. Generate the magic of suggesting with time as rhythm.

Pol: In fact there are two different live sets: one where we play songs from ‘Neustadt’ and the best from all our previous albums, using the ‘Neustadt’ images as a pure aesthetic support. And the other live set is a full ‘Neustadt’ and ‘Live Film Noir Experience’ where our songs and visuals develop a narrative dialogue.

Lars: You were already VJing in the past, right?

Pol: I started VJing 10 years ago, creating visual collectives in Barcelona, taking part of tremendous Telenoika VJ festival and VJing everywhere we could. Now I’m directing music videos most of the time, but looks like Vjing could be part of my life again. Are we playing in Spain soon?

Lars: We will.

entrevista

una entrevista de Circe Phat & Zkinny son el dúo compuesto por Jose Serrano y Gonzalo Pérez. Llevan varios años dando guerra, repartiendo bass music desde Valencia, la ciudad donde residen y desde la que llevan adelante esta humilde publicación que está leyendo (Gonzalo es el director de A Little Beat, y Jose es su fichaje más reciente…), y haciéndose un hueco en la escena, sin prisa, pero sin pausa.

Hace pocos meses anunciaron, con la publicación de su primer track propio, que se adentraban en el mundo de la producción musical, y 2013 será el año de su estreno discográfico oficial. Son una pareja artística con un bagaje musical que viene de lejos, y compartí una tarde con ellos en su estudio, entre cañas, humo y risas, para que nos pusieran al corriente de sus últimos movimientos y de lo que les depara el futuro…

Slug Presentaos ante nuestros lectores… ¿Quién compone Phat & Zkinny y cómo nace el proyecto?

Z: Yo soy Jose (Zkinny) y en solitario me hago llamar Noisome. Conocí a Phat por el año 94 y juntos compartimos andanzas en un grupo llamado SLUG, desde entonces hasta la actualidad hemos formado parte de Every No One. Entre medio co-dirigí

Kontakte Records con Chelis y David Ortolà con quien además formé Betelgeuse y colaboré estrechamente en Lontano.

P: Y yo soy Phat, también conocido como GNZ. Como comentaba Jose, llevamos casi 20 años colaborando en diferentes proyectos musicales, él es guitarrista y compositor, además de técnico de sonido, y yo soy bajista, así que ha sido un poco

PHAT & ZKINNY

una evolución lógica. Durante un tiempo, estuvimos pinchando como dj’s en solitario, cada uno por su lado, aunque coincidíamos casi siempre en nuestras sesiones, así que un día decidimos formar un tándem, porque nos conocemos muy bien, y nos complementamos muy bien musicalmente.

Oficialmente, Phat & Zkinny nació en 2008, aunque anteriormente ya habíamos hecho sesiones juntos como GNZ & Noisome. ¿Qué podéis contarnos sobre vuestro nombre… un homenaje al gordo y al flaco?

Z: Nuestro nombre fue una ocurrencia de Gonzalo (Phat) y tiene que ver un poco con nuestra filosofía y con la forma que nos

tomamos las cosas y a nosotros mismos.

Viendo las fotos creo que os podéis hacer una idea de quién es cada cual, no como con Andy y Lucas que nunca he sabido quién es quién de ellos.

P: La primera lectura es la evidente, sólo tienes que vernos… Pero hay más lecturas.

Nos gusta la música gorda, sin dudarlo, pero tenemos el morro muy fino. Intentamos transmitir eso en nuestras sesiones, y con el nombre teníamos que hacer lo mismo… a veces lo traemos gordo, y siempre lo traemos fino…

Hace poco sonó una sesión vuestra en Radio 3, en el programa Off Radio3, un set de 2 horas en el que dejáis bien claro que lo vuestro no es sólo Dubstep… ¿Cómo definiríais vuestro estilo en la actualidad?

Z: Es cierto que comenzamos un poco atraídos por los ritmos perezosos tanto del dubstep como de los beats más abstractos, pero hemos abierto el abanico de estilos mucho más hasta abarcar lo que podríamos agrupar en la denominada Bass Music, y es que en realidad lo que nos interesa ahora es cualquier estilo que potencie los graves

como filosofía.

P: Sí. Al principio éramos un poco más puristas estilísticamente hablando. El Dubstep original era el estilo que más nos gustaba pinchar juntos. Con el tiempo hemos ido abriendo nuestros oídos a sonidos relativamente nuevos como el Moombahton, el B-More o el Footwork, y a otros estilos como el House o el Techno… intentamos ajustar nuestras sesiones al público que va a escucharnos, queremos que bailen y que lo pasen bien, y si de paso podemos pinchar algo que les abre los oídos a cosas nuevas, pues mejor. ¿Qué opinión os merece los nuevos derroteros que está tomando el Dubstep, el estilo con el que comenzasteis?

Z: Bueno a mí personalmente no me acaban de convencer, salvando que siempre hay temas buenos como en todos los estilos, añoro un poco el dubstep originario con raíces ragga e incluso lo que ahora se conoce como deep dubstep que es más afín a mi gusto personal. Soy bastante crítico con el brostep y con Skrillex y los que vienen detrás. Los subgéneros que han surgido a partir de cierto momento se alejan bastante de lo que yo pincharía.

P: Estoy totalmente de acuerdo… Al Dubstep le ha pasado lo mismo que le pasó al Drum & Bass en su momento. Bajo mi punto de vista, algunos productores, como Skrillex y compañía, se han apropiado de la etiqueta de Dubstep, se lo han llevado a un terreno

comercial para adolescentes, y han hecho mucho daño a la escena con una música de mierda. Pero al mismo tiempo, esa distorsión, esa intrusión tan salvaje ha hecho que muchos de los productores pioneros se replantearan muchas cosas, y ahora mismo estamos viendo cierto resurgimiento del Dubstep, con claras influencias del Minimal, del Techno o el House, que nos gusta muchísimo. La sesión de Kode9 del año pasado en Sónar fue algo premonitorio, esta evolución era algo que tenía que pasar… el Dubstep todavía tiene mucho por decir…

Vosotros utilizáis Traktor en vuestras sesiones, y una controladora… como sabréis hay bastante controversia con

este tema ahora mismo… una auténtica batalla dialéctica entre los dj’s que usan vinilo y los que apuestan por las nuevas tecnologías… incluso una promotora de Barcelona anunció recientemente que tenía pensado vetar a los dj’s que usaran Traktor en sus sesiones ¿Cuál es vuestra opinión al respecto? ¿Cómo os posicionáis en este tema?

Z: No le doy mucha importancia a lo de la productora, creo que es algo aislado y que es un claro ejemplo de cómo a veces olvidamos que lo más importante es la música y no las formas.

Además muchas veces he oído comentarios de dj´s que se quejan del uso de este software y luego se aventuran a producir

PHAT & ZKINNY música sin ni siquiera haber aprendido a tocar un instrumento. El software está al alcance de todos y para una u otra cosa todos hacemos uso de él. Jamás se me ha ocurrido criticar a nadie por ello, pero me molesta que no se respete el trabajo de los demás, se haga como se haga.

P: Lo veo tan absurdo como echarle en cara a tu madre que utilice la lavadora y que no baje al río a hacer la colada encima de una piedra. O recriminarle a un ilustrador que utilice un ordenador y no unas acuarelas.

La tecnología está para utilizarla, que luego hagas un buen uso de ella o no depende ya del criterio, de la habilidad y de la conciencia de cada uno. Nosotros lo concebimos como una herramienta que nos resulta muchísimo más cómoda y bastante más económica que los vinilos o los CD’s.

Las controladoras y todos estos nuevos sistemas para mezclar (dígase Traktor o Serato…) han democratizado el universo del DJ, como también pasó en cierto modo en el mundo del diseño gráfico hace años, y como todo, tiene sus aspectos positivos y negativos… pero no creo que vaya a acabar con el mundo de la música. Simplemente hay que afinar mejor los filtros. ¿Vosotros sois de Valencia… cómo veis el panorama local y nacional?

Z: Creo que a nivel musical y de programación de clubs no hay ya ninguna distancia con otros países como lo había hace unos años.

Gracias a la red, todos tenemos acceso a

los mismos sonidos y estilos para conformar nuestra línea estilística y en cuanto a escenas se refiere, es un constante ir y venir de ideas y proyectos muy distintos entre sí que cohabitan a veces hasta en una misma escena.

P: El panorama artístico está en plena forma. Hay propuestas interesantísimas por toda la geografía, y también circuitos de difusión y medios de comunicación cada vez más importantes. Lo que no acompaña, por lo menos en nuestra ciudad, sigue siendo el panorama de los clubs. Se le sigue faltando el respeto a la música, obviando que un equipo de sonido decente es necesario e imprescindible en cualquier club que se precie. Los propietarios no es que no apuesten, es que le hacen la vida imposible a los promotores, que no consiguen unas condiciones dignas para trabajar con continuidad. Y el resultado final es que se ningunea a los artistas, que difícilmente pueden ganarse la vida pinchando o actuando. Menos mal que en ciudades como Madrid, Barcelona… se ha establecido una escena más que decente. Lo único que nos queda es intentar ahorrar para pillar un bus o un tren de vez en cuando y poder ver una buena sesión.

Este verano publicasteis vuestro primer tema como productores, un re-work de un clásico de Marvin Gaye… habladnos un poco de vuestra faceta como productores y de vuestros proyectos de futuro…

Z: Teníamos ganas de poner en marcha algunas ideas y un día decidimos ponernos a ello. Ahora mismo hay varios temas en proyecto y una referencia para Molts Records, un Ep en clave de Moonbahton con dos remezclas que van a sorprender a más de uno.

P: Para mí ha supuesto mi primera experiencia seria produciendo música electrónica. Como bajista siempre he tenido una relación con la música mucho más clásica, y he admirado de toda la vida la soltura que tiene Jose para producir temas con un ordenador, utilizando sintetizadores, samplers, y demás parafernalia, digital o no. Ahora he empezado a trastear con nuevas herramientas, a programar ritmos, y a explorar el universo de la producción electrónica y la verdad es que es algo que

rápidamente nos propuso que lo sacáramos a la luz a través de su sello Molts Records y nos pareció una idea genial.

P: Sí, Joan es un buen amigo desde hace muchos años. Me gusta muchísimo todo lo hace, ya sea con Debilorithmicos o sus propias producciones como El Chavo. Y todo lo que rodea al sello Molts Records me parece de una calidad acojonante…

Beatspoke, Check One, Strand… ufff, de lo mejorcito que se hace en nuestro país! Que nos ofrecieran publicar con ellos nada más escuchar las demos fue un puntazo.

engancha! El tema de Marvin Gaye es la punta del iceberg, tenemos mucho más material en proceso de trabajo, pero por algo teníamos que empezar, y qué mejor que con un artista que admiramos profundamente.

El Ep que estamos preparando para Molts Records es algo que nos hace mucha ilusión… ¿Molts Records? ¿El sello de El Chavo?

Z: Hay muy buena relación, especialmente de Gonzalo con El Chavo, y seguimos todo lo que han publicado desde que empezó con el sello. Cuando le enseñamos el material,

¿Podéis darnos más detalles sobre ese Ep? ¿He oído remezclas? ¿A cargo de quién?

Z: Bueno, el Ep consta de tres cortes, el original de Phat & Zkinny y dos remezclas a cargo de El Chavo y de Hybakusha (Lo Fi Funk), pero si te soy sincero desconozco si van a usar algún otro seudónimo para la ocasión. ¿Y cuáles son vuestros planes de futuro, más allá de los próximos lanzamientos previstos que nos habéis comentado? ¿Quizá un salto a los escenarios en formato Live?

Z: El directo nos atrae muchísimo, ya que somos músicos y solemos presentar nuestros proyectos sobre un escenario. El dilema que tenemos en estos momentos es el formato que nos gustaría presentar, ya que buscamos algo que nos divierta y sopesamos varias fórmulas. En todo

caso, lo que nos interesa más en este momento es seguir produciendo música y no precipitarnos. Las casas se construyen por los cimientos.

P: Si, ahora mismo estamos pensando en un set-up que nos convenza, que nos permita pasárnoslo bien y disfrutar en el escenario, pero que musicalmente sea serio. Algo que tenemos bastante claro es que nos gustaría utilizar las nuevas tecnologías al máximo, que están para algo… pero no tenemos ninguna prisa. Queremos hacer las cosas lo mejor posible. Y encontraremos la forma de hacerlo… 2013 es el año.

interview

english text /an interview by Circe

Phat & Zkinny is a duo composed of Jose Serrano and Gonzalo Pérez. They’ve been several years on the warpath, spreading Bass Music form Valencia, the city they live in and where they work on this humble magazine you’re reading (Gonzalo is A Little Beat’s director, and Jose, their latest recruit…), trying to find their place on the scene steadily without a break.

A few months ago they announced, with the release of their first track, they’re getting into musical production universe, and 2013 will be the year of their official premiere in a record label. They’re an artistic couple with a musical background coming from far, and I had the pleasure of sharing the afternoon with them, among pints, smoke and laughs, so they could keep us informed about their last moves and what the future will bring…

Introduce yourselves to our readers…

Who’s behind Phat & Zkinny and how did the project came up?

Z: I am Jose (Zkinny), and I also have the solo moniker of Noisome. I met Phat back in 1994, and we shared many adventures in a band called Slug. Since that moment until now we’ve been members of Every No One. In between I co-directed Kontakte Records with Chelis and David Ortolá, with whom I also founded the band Betelgeuse and closely collaborated with Lontano.

P: And I am Gonzalo (Phat), also known as GNZ. As Jose was telling, we’ve been collaborating almost for 20 years on different musical projects, he’s a guitarist and composer, besides sound engineer, and I play bass, so it’s been a logical evolution.

For a while, we were doing our dj shows separately, but we used to match up very often on our sets, so one day we decided to make a tandem, because we know each other pretty good, and we complement each other musically. Phat & Zkinny was officially

born in 2008, but before this we had already made sets together under the name of GNZ & Noisome.

And what can you tell us about your name… it’s maybe a tribute to Laurel & Hardy?

Z: Our name was an idea of Gonzalo, and deals with our philosophy and how we face things and ourselves. Taking a look to our pictures you’ll see who is who, not like Andy y Lucas… I never knew who’s who…

P: The first meaning is obvious, just take a look at us… But there are other meanings.

We love fat music, without a doubt, but we also have a refined taste. We try to transmit this in our sets, and the name had to follow… we bring the fat sounds to you but also the subtle quality.

We recently heard one of your dj sessions at Radio3, in the Off Radio 3 show, a 2 hours set where you tell clearly that you’re not just into Dubstep… How would you define your actual style?

Those sub-genres arising after a certain moment move away from what I would play.

P: I totally agree… Dubstep has experienced the same thing that Drum & Bass did at the time. In my point of view, some producers like Skrillex & co., have borrowed the Dubstep tag, and have taken it to a mainstream terrain for teenagers, severly harming the scene with shitty music. But at the same time, this kind of distortion, this brutal trespass has led the pioneer producers to rethink many things, and I guess we’re actually witness of a certain resurgence of Dubstep, clearly influenced by Minimal, Techno and House.

And we like it a lot. Kode9’s set at Sónar festival last year was almost premonitory.

Such evolution had to happen… and Dubstep has still a lot to tell…

Z: It’s true we were attracted by the lazy rhythms of dubstep and more abstract beats when we started, but we’ve truly opened our style range spanning the so called Bass Music; and that’s because what now interests us is any style boosting bass as a philosophy.

P: Yes. At the beginning we were more purists regarding style. The original Dubstep was what we liked the most to mix together.

But through time we’ve learned to open our ears to some new styles like Moombahton, B-More or Footwork, and also to House and Techno… we try to adjust our sets to

our audiences, we want them to dance and have fun, and if we also can play some music opening their ears to new things, so much the better.

And what do you think of the new course Dubstep is taking?

Z: Personally, it doesn’t convince me, even though there are good songs for almost any style. I miss somehow the original dubstep, with Ragga roots, and what we actually call Deep Dubstep is more into my personal tastes. I’m very critical with Brostep, and with Skrillex and all those coming after.

You usually play your shows with Traktor and a controller… as you might already know there’s a big controversy with this matter… a true dialectics war between vinyl dj’s and those going for the new technologies… even a Booking agency from Barcelona announced recently they were going to ban Traktor dj’s on their shows… What do you think about this?

What’s your position?

Z: I don’t pay too much attention to the agency thing… I believe it’s an isolated case and a clear example of how we use to forget music is the most important, not the ways.

Moreover, I often hear dj’s complaining about the use of this software and later on

PHAT & ZKINNY they dare to produce music without even learning how to play an instrument. The software is available for everybody and we all use it for diverse purposes. I would never in my right mind criticize nobody for using it, but what really upsets me is the lack of respect for the others’ work, no matter how it’s done.

P: It’s as ridiculous as telling to your mother not to use the washing machine, and ask her to go and wash your clothes to the river. Or to reproach an illustrator he uses a computer instead of watercolors.

Technology is there for us to use it; the good use depends of your criteria, your skills and your conscience. We conceive it as a tool, much more comfortable and cheaper than vinyl or CD. Controllers and all those new systems for mixing (like Traktor or Serato) have democratized the universe of Djying, the same happened to the graphic design world a few years ago, and just like the rest, it has positive and negative aspects… I don’t believe it will end with music. We might just adjust our filters.

You come from Valencia… how do you feel the local and national panorama?

Z: Regarding music and nightclub agendas I believe there’s not a distance with other countries, as we used to have. Thanks to the Internet we all have access to the same sounds and styles to build our style lines.

And regarding the different scenes, there’s an unstoppable movement of ideas and

diverse projects, very different all of them, which sometimes coexist in a same scene.

P: The artist panorama is very healthy.

There are very interesting projects all over our country, and there is also a growing circuit for diffusion, and some media are constantly gaining importance. But what’s not so good is, at least in our city, is the venue panorama. There’s still a total lack of respect for music, obviating a decent sound system is necessary and essential for any club pretending to be a club. The club owners don’t support, they are making promoters life’s impossible, as they can’t get good conditions to work with continuity.

And the final result is the artists are treated

like dirt, and they hardly reach to make a living mixing or acting. At least we have cities like Madrid, Barcelona… where there’s a cool scene set up. The only thing we can do is try to spare some money to pick a bus or a train and attend to some nice sessions once in a while.

Last summer you released your first track as producers, a re-work of Marvin Gaye’ classic song… what can you tell us about this facet and your future projects…

Z: We were looking forward to start some ideas we had, and one day we decided to do it. We actually have several songs in progress, and also an upcoming EP for

Chavo. And I believe everything surrounding Molts Records has an outstanding quality…

Beatspoke, Check One, Strand… damn… it’s Spain finest! Their offer to release with them was so great!

Can you gice us more details about this EP? You said remixes? Who’s in charge?

Z: Well, it’s a three track EP, including the original song by Phat & Zkinny and two remixes by El Chavo and Hybakusha (Lo Fi Funk), but to be sincere I’m not sure if they’ll use another names…

Molts Records, a Moombahton track and two remixes which will surely surprise quite a few.

P: For me it was my first serious experience producing electronic music. As a bass player my approach to music has always been more traditional. I’ve always admired Jose’s fluency to produce music with computers, playing synths, and all this stuff, digital or not.

Now I’ve started to move around with new tools, programming beats, and exploring the electronic music production universe, and to be sincere it’s really catchy! Marvin Gaye’s re-work is just the beginning, we have loads of new material on progress, but we had to start with something, and we thought

the best was to start with an artist we deeply admire. The EP we’re preparing for Molst Records is something we’re looking forward with big illusion.

Molts Records? El Chavo’s label?

Z: We have a very good relationship, especially Gonzalo with El Chavo, and we follow all their releases since the start of the label. When we sent them the demos, he quickly offered us the chance to release through his label, and we thought it was a great idea.

P: Yes. Joan is a very good friend of mine for years. I love all what he’s doing, with Debilorithmicos or his solo productions as El

And what are your plans for the future, further from incoming releases… maybe a jump into stages under a live format?

Z: Playing live is something that really attracts us, as we’re musicians and we use to present our projects live on a stage. Our dilemma actually is the set up we would like to present, we’re looking for something fun for us, and we have different possibilities.

However it will be, now we focus on keep producing music and not to rush. To build a house you may start with the foundations.

P: Yes, we’re actually thinking about a convincing live set up, allowing us to enjoy and to have fun on stage, but musically serious. One thing we know is that we’ll use new technologies as much as we can... but we’re not hurried at all. We want to do it the best we can. And we’ll find the right way to…

2013 is the year.

reportaje

L’IMPÉRATRICE una entrevista de GNZ

L’Impératrice fue uno de nuestros descubrimientos del pasado mes de Octubre, mes en el que publicaron su EP de presentación en el sello francés Cracki Records.

Se trata de un proyecto rodeado de misterio, en el que sus partícipes se mantienen en el anonimato, tras la imagen sexy de L’Impératrice (La Emperatriz), mientras facturan un sonido enigmático de aires vintage, cargado de groove y de buenas vibraciones.

Vienen pisando muy fuerte, y es lógico dado lo impecable de sus producciones. La edición francesa de Trax Magazine acaba de incluirlos en el sampler que acompaña a su revista, y las críticas que están recibiendo son más que positivas.

Nos pusimos en contacto con ellos para que nos respondieran algunas preguntas sobre su EP y sobre lo que tienen

¿Quién hay detrás de L’Impératrice?

Ante todo, alguien que intenta poner sus propias emociones en su creación…

L’Impératrice es una especie de símbolo, esta mujer “misteriosa” realmente no existe, excepto cuando sientes algo que no puedes describir. En ese punto necesitas ponerle un nombre o una imagen a lo que sientes, para no olvidarlo, para guardarlo preciosamente, a veces para rechazarlo. Puede ser esa felicidad innombrable, transmitida por el Groove, o puede ser la tristeza transmitida por el amor… L’Impératrice es esa identidad, el todo que materializa emociones. ¿Qué puede ser mejor que una mujer para representarlo? entre manos, y nos contestaron muy amablemente… pero seguimos sin tener la más mínima idea de quiénes son… con todos ustedes L’Impératrice….

¿Cómo rugió este proyecto? Hemos oído que el resultado final es muy distinto a cómo comenzó…

Totalmente diferente al principio, efectivamente. ¡Simplemente porque

L’IMPÉRATRICE empecé yo sólo en mi habitación, con algunos teclados y una caja de ritmos, sin voces ni instrumentos acústicos! Todo empezó con un tema que envié a Cracki Records, y les gustó; entonces empezamos a grabar baterías reales, violines, saxofón y guitarras… lo que resultó en algo obviamente distinto!

Nos encanta el rollo general de vuestro EP de debut y la forma en la que habéis combinado sonidos nuevos y viejos, la electrónica con los instrumentos acústicos… generando un sonido original… como mirar al pasado, a las décadas de los años 70, 80 y 90, desde la actualidad. ¡Gracias! El asunto era hacer algo coherente con todas esas influencias, desde el pasado hasta ahora, como un viaje de ida y vuelta de Miami a París, con una escala en Kourou…

También hay cierta melancolía en vuestra música… ¿Echáis de menos algo de esos tiempos pasados?

Realmente no echo nada de menos de los años setenta u ochenta, todavía existen en los discos! La melancolía sea posiblemente fruto de mi relación con la música… si siento algo muy intenso intento traducirlo musicalmente, y siempre es en el límite entre melancolía y felicidad. Como cuando quieres a alguien, te divides entre el deseo de poseer y de pertenecer (lo siento, eso es muy cursi)!

del House y de las influencias del hIp Hop… podría decirse que es un sonido que se encuentra en el medio de la música para escuchar y la música de baile… nos equivocamos? ¡No! Estás totalmente en lo cierto.

Algunos dirán que es Funk, otros que es Disco, pero cómo definirías tú el sonido de L’Impératrice? ¡Una especie de música “deep hop”! Muy profundo, utilizando el Moog y las cuerdas con los temas melancólicos, pero también hay Hip Hop en el ritmo, Funk en las líneas de bajo y Disco para todo el paquete de baile…

¿Y cómo fue el proceso de grabación del EP? ¿Cuánto tiempo costó grabarlo?

Fueron varios meses desde el inicio y la masterización, yo diría que 8 meses…

Primero grabamos las baterías y el saxofón, después guitarras, violines y las voces lo último, comenzando con los temas originales.

Es cierto, también sentimos la influencia

Habéis lanzado el Ep en formato digital con Cracki Records… ¿Cómo conocisteis

¡Estoy intentando hacer algo distinto!

Como una mezcla entre Hi NRG y el Disco propiamente dicho, próximo a Patrick Cowley y a una banda francesa de finales de los 70 que se llama Space… pero siempre habrá un pedacito escondido de Hip Hop escondido en los temas, no puedo hacerlo sin él! ¿Tienes un proyecto de directo con L’Impératrice? ¿Si es así.. cómo te organizas?

Claro… L’Impératrice ahora es una banda, y ahora mismo estamos trabajando en nuestro proyecto de directos. Incluye 5 músicos: un batería, guitarrista, bajista y dos teclistas. ¿Tenéis algún concierto previsto que quisierais mencionar?

Todavía no… estamos trabajando en ello. el sello? ¡Eran amigos de unos amigos, y luego se convirtieron en amigos! Yo estaba totalmente fascinado por la energía que ponen en organizar fiestas en lugares poco habituales, comencé a salir con ellos y hablábamos mucho de música. Un día decidí enviarles un tema titulado “L’Impératrice” y las cosas empezaron a surgir!

Realmente no fue una elección, simplemente era la forma más sencilla de publicar mis temas rápidamente! Me gustaría publicar algo en vinilo algún día, pero todavía tengo mucho trabajo por hacer para conseguirlo.

Lo hemos publicado también como CD para “coleccionista”, con un tema extra maravilloso que hice con Isaac Delusion… ¡Lo podéis comprar en la web de Cracki!

¿Y por qué elegiste el formato digital?

Tienes pensado publicar algo en vinilo o en CD en el futuro?

¿Y qué viene después de este EP? ¿Estás preparando nuevas referencias? ¿Quizás un LP?

Muchas gracias por vuestro tiempo y por vuestra atención, quizá quieres añadir algo, unas últimas palabras… siéntete libre! ¡Yo te doy las gracias a ti por tu atención, me alegro que te gustara el proyecto! Espero que disfrutéis de lo próximo…

interview

english text /an interview by GNZ

L’IMPÉRATRICE

L’Impératrice was one of our discoveries of last October, the month they released their debut EP with the french label Cracki Records.

It’s a project surrounded by mystery, where the involved remain anonymous, behind the sexy image of L’Impératrice (The Empress), while they make an enigmatic vintage sound, with a powerful groove and good vibes.

They’re making a big impact, and it’s logical due to their impeccable productions.

French magazine Trax has just included one of their tracks on the sample CD enclosed to each issue, and the reviews they’re having are more than positive.

We got in touch with them asking for some answers about their EP and what they’re up to, and they answered very kindly… but we still have no idea of who they are… it’s a pleasure to introduce you to L’Impératrice…

Who’s behind L’Impératrice?

First of all, someone who tries to put his own emotions in creation... L’Impératrice is a kind of symbol, this “mysterious” woman doesn’t really exist except when you feel something you can’t describe. At this point you need to put a word or an image on what you really feel, to not forget, to keep it preciously, sometimes to reject it. It can be this unspeakable happiness provided by groove, it can be sadness provided by love...

L’Impératrice is this identity, the whole thing that materializes emotions. What is better than a woman to represent it?

How this project came up? We’ve heard the final result is really different to how it began…

It is really different from the beginning, indeed. Just because I started alone in my room with some keyboards and a drum machine, without voices or acoustic instruments! It came up with a track I sent to Cracki Records, they liked it then we started

to record real drums, violins, saxophone and guitars... Which gave something obviously different!

We love the general groove of your debut EP and the way you’ve put together the old and the new sounds, the electronic and the acoustic instruments… creating a unique sound… like looking back to the past, to the 70’s-80’s-90’s decades from nowadays.

Thanks! The matter was to make something coherent with all these influences, from the past to now, like a round trip from Miami to Paris, with a stopover in Kourou...

There’s also a certain kind of melancholy on your music… Do you miss something from these past times?

I don’t really miss anything from seventies or eighties, they still exists on records!

Melancholy is probably due to my relationship with music... if I feel something strong I’ll try to translate it musically, and it has always

been at the border of melancholy and happiness. Like when you love someone, you are both shared by the desire to have and to belong (sorry that’s pretty cheesy) !

unusual places, then I started to hang out and we were talking a lot about music. One day I just decided to send them the track called “l’Impératrice”, and things came up!

Some may call it Funk, other may say it’s Disco, but how would you define the sound of L’Impératrice?

Kind of “deep hop” music! Pretty deep, using Moog with melancholic themes and strings, but also hip hop in the rhythm, funk in the bass line and disco for the whole dancing package...

What’s next after this EP? Are you preparing any upcoming release? Maybe an LP? I’m trying to do something different! Like a mix between Hi NRG and proper disco, closer to Patrick Cowley and a French band from late 70’s called Space... But there will always be some piece of hidden hip hop somewhere in the tracks, I can’t do without it!

And besides, this we can also feel some House and Hip Hop influences… we would say it’s a kind of sound right in the middle of listening music and dance floor music… are we wrong?

No, you’re absolutely right!

Do you have a live project with L’Impératrice? If so… how is it organized?

Sure... L’Impératrice is now a band, we are actually working on the live project. It includes 5 musicians: a drummer, a guitarist, a bassist and two keyboardists.

And how was the recording process of the EP? How long did it take to record it?

It took several months between the very beginning and the mastering, I’d say 8 months... We first recorded drums and saxophone, then guitars and violins and vocals at the end, starting from originals tracks.

You’ve released it as a digital EP via Cracki Records… how did you meet the label?

They were friends of friends, and then they became friends! I was kind of fascinated by the energy they put in organizing parties in

still have a lot of work to make it worth. We released it on “collector” CD though, with a marvelous hidden track I made with Isaac Delusion inside... You can buy it on Cracki’s website!

Do you have any upcoming live acts/shows you would like to mention?

Not yet... Work in progress!

And why did you choose the digital format? Do you plan to release any vinyl or CD format release in the future?

I didn’t really choose, it was just the easier way to release four tracks quickly! I’d like to release something on vinyl one day, but I

Thank you very much for your time and attention; maybe you have something else to add, some last words you would like to say… feel free…

I thank you for your attention, I’m really glad you liked the project! I hope you’ll enjoy the upcoming one...

reportaje

2012 BRAUN

fotos: ©zooom.at/bergermarkus.com

BATTLE OF THE YEAR una entrevista de GNZ

El pasado 17 de Noviembre se celebró en Montpellier (Francia) la final mundial del campeonato internacional por equipos Braun Battle of the Year. Un campeonato que a lo largo de todo el año ha enfrentado en diferentes rondas clasificatorias a crews de B-Boys de todo el mundo. Los países representados en la final eran España (con Supremos Crew dándolo todo y dejando el listón bien alto), Israel, Japón, Marruecos, Italia, Francia, Sud África, Alemania, Bielorrusia, Argelia, Grecia, Túnez, Taiwán, Bélgica, Austria, Corea, Nigeria y Singapur.

En un Park & Suites Arena abarrotado,

las mejores 19 crews del mundo se enfrentaron en una última noche épica, en la que los franceses Vagabonds volvieron a proclamarse campeones del Braun Battle of the Year 2012, ganando el título por segunda vez consecutiva tras un enfrentamiento electrizante con los japoneses Flooriorz.

Los franceses Vagabonds se aseguraron la victoria con una increíble demostración de power moves, un repertorio completo de footwork, rápido y feroz, y unas rutinas coreografiadas que dejaron al público en pie, gritando ante el espectáculo al que

estaban asistiendo.

Uno de los miembros del jurado, Niek Traa, afirmaba al final de la competición: “Ha sido una victoria merecida. Se notaba la diferencia en la calidad de sus shows.

Fue algo que realmente destacó. Y no cometieron ni un sólo error en la batalla final”. Un gran resultado para los franceses que no pudieron contener su alegría ante una segunda victoria en casa.

A continuación puedes ver un reportaje fotográfico con las mejores instantáneas de la gran final del Braun Battle of the Year 2012.

BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2012

BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2012

BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2012

BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2012

BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2012

TRAPITOS

GADGETS PARA UNA VIDA MEJOR

FOR A BETTER LIFE

S I Q U I E R ES O BT E N E R M ÁS I N FO R M AC I Ó N D E C UA LQ U I E R O B J E TO , H A Z C L I C K S O B R E É L .

I F YO U WA N T M O R E I N FO R M AT I O N A B O U T A N Y I T E M , J U ST C L I C K O N I T .

¿ Q U I E R ES Q U E T U P RO D U CTO A PA R E ZCA E N ESTA S ECC I Ó N? E N V I A N OS U N E - M A I L A I N FO@ A L I T T L E B E AT .CO M ¿ D O YO U WA N T YO U R P RO D U CT TO A P P E A R O N T H I S S ECT I O N? S E N D U S A N E - M A I L TO I N FO@ A L I T T L E B E AT .CO M

TRAPITOS&GADGETS

PARA UNA VIDA MEJOR

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