A LITTLE BEAT # 99

EDITORIAL A Little Beat... #99 INVIERNO 2010 WINTER 2010 Publicación trimestral Quarterly Publication Depósito Legal: V-1547-2001 Dirección: Gonzalo Pérez a.k.a. GNZ gnz@alittlebeat.com Coordinación Editorial: Amanda Gómez Portada / Cover:

by Velckro Artwork www.velckroartwork.com Diseño y maquetación: GNZ Publicidad/Advertising: Amanda Gómez +34 963 275 494 alb.amanda@alittlebeat.com Contacto/Contact: +34 963 275 494 info@alittlebeat.com Redactores & Colaboradores: Amanda, Hugo Miralles, GNZ, Larry ACR, Plan B. (No nos responsabilizamos de las opiniones vertidas por nuestros colaboradores.) www.alittlebeat.com

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Portada / Cover Editorial Index ALOE BLACC Entrevista / Interview EGADZ Entrevista / Interview VELCKRO ARTWORK Entrevista / Interview KANYE WEST Reportaje / Report MR. STARE GALLERY Reportaje / Report CARLOS MONTY Entrevista / Interview VISION Reportaje / Report FACE DOWN ASS UP Entrevista / Interview PEDRO “AIANAI” ESPINOSA Entrevista / Interview OLD SCHOOL BMX 80’S Entrevista / Interview Trapitos & Gadgets Rags & Gadgets La Receta de Amanda Amanda’s Recipe

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una entrevista de GNZ

ALOE blacc brand · new · old · soul

Aloe Blacc es uno de esos artistas que lleva años trabajando duro, pero que, por circunstancias de la vida, no ha saltado a la fama internacional hasta publicar su último disco, “Good Things”, en 2010.

Tal éxito se debe en gran parte a que uno de los temas incluidos en este último trabajo de Aloe Blacc, publicado por el sello Stones Throw, fuera elegido por un programa de televisión americano para ser utilizado como tema de cabecera. El tema es el archiconocido “I Need a Dollar”, y el programa no viene a cuento (se trata de otro reality más, de esos que tanto gustan por aquellas latitudes…).

tu imaginación (con la ayuda del estilazo vintage de Aloe) te transporta a la época de Marvin Gaye y de la Motown más gloriosa.

Pero Aloe es además, un artista íntegro. No se dedica simplemente a cantar y a vender una determinada imagen para agradar a su público.

Da un paso más y se implica personalmente en su mensaje, usando su música para realizar una llamada de atención sobre la sociedad que estamos creando, y sobre los aspectos de ésta que debemos intentar cambiar. Y esa sinceridad e integridad artística, a día de hoy, es de agradecer.

Como os decíamos al principio, el señor Blacc lleva un buen puñado de años, más de una década, dedicado a la música, como cantante, rapero y multi-instrumentista. “Good Things” se suma a sus dos referencias que ha publicado en solitario, un EP homónimo publicado en 2003 y “Shine Through” en 2006, además de a una extensa lista de publicaciones y diversas colaboraciones con lo más granado del panorama estadounidense más vanguardista, como por ejemplo Dj Exile con quien comparte su proyecto Emanon.

El pasado otoño, Aloe estuvo de gira por Europa de la mano de Carhartt, una gira que por desgracia no tuvo parada en España (habrá que esperar para poder disfrutar de uno de sus fabulosos directos junto a su backing band The Grand Scheme), pero de todos modos aprovechamos la oportunidad para pedirle que contestara algunas preguntas.

Su declarada pasión por el soul clásico y el R’n’B le han permitido crear un sonido personal e inconfundible, una reinterpretación actual de un estilo clásico. Sabes que estás escuchando música actual, pero

Y no ha resultado fácil, pero conseguimos que nos dedicara unos minutos de su solicitadísimo tiempo y finalmente podemos ofreceros esta entrevista.

Permitidme las presentaciones, con todos vosotros, Aloe Blacc.

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aloe blacc Háblanos de tus orígenes en la música. Tus padres son de Panamá… ¿te inspiraron de alguna forma para dedicarte a esto?

Las vibraciones latinas de mi música vienen de mis padres, que son panameños, y solían tocar mucha Salsa, Merengue, Soca y Calypso mientras yo crecía. Los elementos de la música caribeña están en mi música, especialmente en las canciones que componen “Shine Through”. Canciones como “Patria Mía” y mi versión Salsa de “Ordinary People” son sólo unos ejemplos de la expresión directa de mi influencia latina.

Eres un artista multi-instrumentista, sin temor a ningún género musical… cuál es tu instrumento favorito?

Disfruto haciendo música y no importa de qué genero.

He estado expuesto a todo así que mi inspiración se alimenta de cada estilo musical. Prefiero escribir los bocetos de las canciones, las ideas, al piano, pero mi instrumento favorito es la guitarra. ¿Y hay algún género, algún estilo que te haga sentir especialmente cómodo?

Ahora mismo me siento cómodo con la música Soul, pero mucho más con estándares clásicos como Nat King Cole y la época de Sinatra. ¿Porqué un artista como tú, con una dilatada experiencia y un gran bagaje musical desde mediados de los 90 como MC y cantante, no ha publicado más que un EP y un LP? ¿Te consideras más un artista de directo que de estudio?

He publicado muchísima música en los últimos 15 años, pero la gran mayoría era en ediciones muy limitadas de vinilo, CD’s, o cassettes. En el futuro todo estará disponible en formato digital.

Disfruto el estudio más que las actuaciones en vivo porque realmente adoro ser creativo y hacer algo nuevo. Los mejores momentos son cuando estoy haciendo música nueva con la banda en el escenario.

Publicaste tu primer LP, “Shine Through”, en 2006 con el sello Stones Throw. Cuatro años después regresas con “Good Things”, tu segundo larga

duración, publicado el pasado mes de Septiembre… ¿Has preparado el disco durante este tiempo, o ha sido un tiempo compartido entre estudios y escenario?

Dediqué un par de años de gira y promoción de “Shine Through” por todo el mundo. Luego estuve otro par de años trabajando en otros proyectos y grabando “Good Things”. He colaborado en la producción y en la composición del último disco de Maya Jupiter y también he terminado nuevas grabaciones de Emanon con DJ Exile. ¿Y qué vamos a encontrar en “Good Things”…? Hasta el momento de su publicación, su contenido ha sido un secreto celosamente guardado del que sólo pudimos escuchar tres cortes, el gran “I Need A Dollar”, tu alucinante versión del clásico de Velvet Underground “Femme Fatale”, y una actuación en directo en la televisión francesa donde nos deslumbraste con “Loving you is killing me”… todas las predicciones apuntaban hacia el Soul clásico…

Me gusta definir el disco como “Brand New Old Soul” porque suena como los clásicos de décadas pasadas.

Cuando elijes una canción para realizar una remezcla, como fue el caso del “A Change is Gonna Come” de Sam Cooke o las que comentábamos en la pregunta anterior, no sólo elijes un tema que te gusta musicalmente hablando, sino que profundizas un poco más ya sea por la importancia del personaje que la interpreta o por que te motiva la historia que cuentan… qué es lo que te ha llamado la atención de “Billie Jean”, para que hagas un homenaje a Michael Jackson revisitando su clásico en vivo con tu banda de directo The Grand Scheme…?

Creo que Michael Jackson es una de las figuras más importantes de la historia de la música. Empleó su popularidad y su poder para crear cambios positivos.

Algunas de sus canciones pop ofrecían soluciones directas a problemas sociales, mientras otras le ayudaron a conseguir fama y riqueza para poder ayudar a hacer posible cambios personales reales con su dinero, como filántropo.

Y hablando de colaboraciones… ¿con qué artistas has colaborado en la grabación de Good Things?¿Hay

alguna colaboración que te gustaría llevar a cabo durante tu carrera?

En Good Things no hay colaboraciones o participaciones de artistas invitados. Pero en el futuro me gustaría trabajar con artistas como Andre 3000, Raul Midon, Stevie Wonder, y Jay Z. En la página web de tu sello, Stones Throw, comparan “Good Life” con la gran joya “What’s Going On” de Marvin Gaye, más como una declaración de intenciones que define tu situación como artista en la industria de la música, que como una comparación meramente musical… ¿Era tu intención preparar un disco que dijera, “éste soy yo y esto es lo que hago”… o simplemente has hecho lo que realmente te gusta?

Good Things es un disco sobre luchas personales y experiencias, pero también sobre mis visiones políticas y soluciones a problemas sociales que creo que son importantes temas de discusión. Siento la

responsabilidad de ser una voz para el pueblo con mi música, y creo que este álbum es un paso que abre una vía hacia una música contemporánea más consciente, socialmente hablando.

Háblanos de tus proyectos de futuro, en solitario y junto a Exile en Emanon…

El próximo álbum de Emanon se llama “Birds Eye View“y aglutina la madurez que tanto Exile como yo hemos alcanzado como artistas solistas. Él se ha desarrollado como productor y yo he mejorado como letrista.

También tengo en marcha otros cuantos proyectos de diferentes estilos como Bossa Nova, Rock Alternativo y Hip Hop Soul, pero no estoy seguro de cuando serán publicados. www.aloeblacc.com www.stonesthrow.com 09

ENGLISH VERSION Interview

ALOE BLACC brand new old soul

Tell us about your origins in music. Your parents are from Panama, did they inspire you in any way for getting into music?

The Latin vibes in some of my music comes from my parents who are Panamanian and used to play a lot of salsa, merengue, soca, and calypso when I was growing up. The elements of Caribbean music are in my music and especially in the songs on Shine Through. Songs like “Patria Mia” and my salsa cover “Ordinary People” are just a few examples of the direct expression of Latin vibe.

by GNZ

Aloe Blacc belongs to this category of artists which after years of hard work, only get their deserved international recognition with their latest record, “Good Things”, released this year.

Such success is due in a certain way to the fact that one of the tracks of this record was chosen by a highly popular North American TV show to be used as their title song. The song we’re talking about is the famous “I Need a Dollar”, and the TV show’s name doesn’t matter (it’s just another reality show, so appreciated in this country…).

As we were saying, mister Blacc has been working for several years, more than a decade, devoted to music, as a singer, as a rapper and as a multiinstrumentalist. “Good Things” must be added to his first releases as a solo artist, an EP released in 2003, and “Shine Through”, his first LP, released in 2006. Besides this he has released plenty of music, with diverse collaborations, for example with DJ Exile and their project Emanon. His declared passion for classic soul and R&B has allowed him to build a personal and recognizable sound, an actual reinterpretation of a classic style. You know you are listening to actual music but your imagination (with the undeniable help of Aloe’s vintage look), brings you to the Marvin Gaye’s times, and Motown’s golden days.

But what’s more, Aloe is an upright artist. He’s not just singing and playing a role to please his audience.

He goes further getting personally involved in his message, using his music to make an attention call about the society we are creating, and some specific problems we must try to change. And nowadays, this sincerity and artistic integrity is something to be grateful for.

And you are also a multi-instrumentalist artist, not afraid of any musical genre… which is your favourite instrument? And a musical style which makes you feel specially comfortable?

I enjoy making music and it doesn’t matter which genre.

I have been exposed to everything so my inspiration comes from every style of music. I prefer to write the song ideas with a piano but my favourite instrument is guitar. Right now I feel comfortable with soul music but more comfortable with classic standards from the Nat King Cole and Sinatra era.

Last Autumn, Aloe made an European Tour sponsored

by Carhartt, a tour without any date in Spain (we’ll have to keep waiting to enjoy with the awesome Aloe Blacc & The Grand Scheme’s live shows), but anyway, we used the opportunity to ask him for an interview.

And it was not easy, but we managed to obtain his attention for a few minutes, despite of his hectic agenda, so we can finally offer to you this interview.

Let me introduce you, Mr. Aloe Blacc…

Why such an artist like you, with such a long experience and such a musical knowledge, why haven’t you released more than an EP and an LP? Do you consider yourself more a live artist or a studio artist?

I have released plenty of music over the past 15 years, but much of it was on limited edition vinyl, CD’s, or cassettes. In the future everything will be available digitally. I enjoy the studio more than performing live because I really love to be creative and make something new. The best times are when I am making up new music with the band on stage.

You released your first album back in 2006, at Stones Throw Records. Four years later, you come back with “Good Things”, your second LP, which was released back in September… have you prepared the album during this time, or was this a time shared between studios and stages?

aloe blacc

I spent a couple of years touring and promoting “Shine Through” around the world. Then I spent a couple of years working on other projects and recording “Good Things”. I co-wrote and co-produced Maya Jupiter’s new album as well as completed new Emanon recordings with DJ Exile.

And what are we going to find in “Good Things”?

Its content is a very well kept secret and we have only been able to preview three of the tracks, the huge “I Need a Dollar”, your awesome review of The Velvet Underground’s “Femme Fatale”, and a live act on French television where you sing “Loving you is killing me”… all the signs point to classic soul, are we wrong?

The album is what I like to call “Brand New Old Soul” because it sounds like classic music from decades past.

When you choose a song to make a remix, just as Sam Cooke’s “A change is gonna come”, or the songs we mentioned before, you don’t choose just a song you like, you go a little deeper depending the importance of the artist or the message of the song… what called your attention from “Billie Jean”, to make such a big tribute to Michael Jackson, playing his song live with The Grand Scheme, your live band?

I think Michael Jackson is one of the most important figures in music history. He used his popularity and

power to create positive changes. Some of his pop songs directly addressed social issues while others helped him become rich and famous so that he could make personal changes with his money as a philanthropist.

And about collaborations, did you count on any artist to record “Good Things”? Is there any collaboration you would like to do in your career?

“Good Things” doesn’t have any guest appearances or features. But in the future I would like to work with artists like Andre 3000, Raul Midon, Stevie Wonder, and Jay-Z. At the Stones Throw’s website they compare “Good Things” with Marvin Gaye’s “What’s Going On”, not only as a musical comparison, but as a statement about your position as an artist in today’s world and musical industry… were you trying to make a record saying “this is me and that’s what I do” or were you

just making what you really enjoy…?

“Good Things” is an album about personal struggles and experiences as well as my political views and social issues that I feel are important to discuss. I feel the responsibility to be a voice for the people with my music and I think that this album is a step in a more socially conscious direction for contemporary music.

Tell us about your future projects, alone, and with Dj Exile and Emanon…

The next Emanon album is called “Birds Eye View” and it embodies the growth that both Exile and I have achieved as solo artists. He has developed as a producer and I have improved as a lyricist. I also have a few other projects in different genres like Bossa Nova, Alternative Rock, and Hip Hop Soul, but I am not sure when they will be released. www.aloeblacc.com www.stonesthrow.com

egadz MÚSICA HECHA CON BOTONES una entrevista de GNZ Descubrimos el trabajo de Egadz gracias a un video en el que se veía a un chaval con barba, en un sótano húmedo y con desconchados, machacando con maestría los botones de una MPC. Sus dedos, ágiles como los de un pianista, se movían con rapidez y precisión, creando patrones rítmicos y jugando con melodías que, capa tras capa, iban formando una música que desbordaba sentimiento y emoción.

Desde ahí, empezamos a tirar del hilo, y descubrimos la historia de un joven pero experimentado artista, nacido con el nombre de Erik Nava en San Francisco (California) y que desde muy pequeño ha estado relacionado con la música.

Y es que tener un hermano dj y b-boy y una hermana b-girl, pues eso influye en cualquiera, y en el caso de Erik, le ayudó a saber desde su infancia que lo suyo era la música. Entre vinilos, monopatines, teclados, ordenadores y guitarras, Erik fue creciendo en el plano personal y profesional, hasta convertirse en el propietario de su propio sello, Kid Without Radio, y en un artista con firmes creencias y principios éticos.

Tanto con Egadz, como con sus proyectos paralelos, Erik es uno de esos artistas que todos deberíamos conocer, y por eso le pedimos que respondiera a uno de nuestros cuestionarios, para conocer un poco mejor a este crack.

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EGADZ Lo primero que nos sorprendió al descubrir tu trabajo fue tu soltura a los mandos de una MPC… ¿Cuánto tiempo llevas usando esos dispositivos?

Ocho años. ¿Empezaste como dj o como productor? ¿Cómo fueron tus primeros pasos en el universo musical, y cuando entraron el Hip Hop y la electrónica en tu vida?

Fui dj de batalla y de club entre los quince y los diecinueve años. Con veinte años me compré mi primera guitarra y mi primer teclado… y seis meses después de esto publiqué mi primer disco, “Monotony”. Mientras tanto, hurgaba en busca de viejos discos olvidados que usaba como fuente de inspiración para mis canciones.

Tu música tiene un sonido muy cálido. Quiero decir, que siendo obvio que tocas con equipo electrónico, portátiles, samples, y demás, has conseguido mantener un sonido orgánico en tu música, y eso es algo que me gusta mucho. ¿Por qué escogiste este tipo de sonido? ¿Quizá un pasado rockero…?

No, lo hice siguiendo mi propia teoría según la cual la mejor combinación de sonidos incluye los dos tipos, la electrónica de sonido analógico y los instrumentos reales. Como te comentaba, mucha de la inspiración proviene de los discos, pero raramente saco samples de ellos.

Tocas y grabas todos los instrumentos de tus canciones, pero… ¿usas algún tipo de sampleo? ¿Disfrutas con el digging?

Sí… el digging es genial porque te permite escuchar bandas no tan conocidas que influenciaron la evolución de la música. Discos que de otra forma habrían desaparecido por el mundo. Pero sí, raramente sampleo cosas que no sean percusiones. ¿Qué tipo de bandas crees que han influenciado tu sonido?

Diría que todo lo que he escuchado desde que era un niño pequeño ha influenciado mi sonido. Desde el Pop de los años 80, del Jazz de los 60 al Hip Hop de los

90, o el Psych Rock de los 70, incluso el Rock and Roll de los 50. ¿Y cómo construyes tus canciones… cómo es el proceso creativo de Egadz? ¿Trabajas sólo o tienes algún colaborador?

Me resulta muy difícil trabajar con otra gente.

Generalmente me siento en el estudio con una buena provisión de alcohol y me dejo llevar. Creo que dejarse llevar es la mejor parte. Realmente no creo que mi música tenga mucho que ver conmigo.

Tu último disco hasta el momento, “We Want Neutrinos”, fue publicado en 2009, y después de esto has estado viajando por el mundo haciendo directos, durante 2010. ¿Tienes planes para tu próximo trabajo? ¿Alguna fecha en mente?

Voy a hacer el disco este invierno, probablemente lo terminaré en primavera. No será un rollo muy experimental, simplemente un disco directo y honesto de Egadz.

Llevas tu propio sello, Kid Without Radio. ¿Por qué ese nombre?

Muchos artistas tienen “radio” en el sentido de ayuda, apoyo económico, y respeto de la industria.

Nosotros nunca hemos tenido ninguna de esas cosas, tenemos toneladas de seguidores y creyentes en nuestra música, y nunca hemos necesitado realmente ninguna de esas cosas. Somos adeptos al “Hazlo tú mismo (DIY)” al máximo, y creamos conversaciones y conexiones con la gente. Seguro que el nombre

suena muy autodestructivo, pero me gusta señalar el punto exacto en el que nos encontramos, artistas que prefieren mover fronteras antes que hacer música accesible que pueda gustarle a la industria.

Como propietario de un sello, pero también como artista… ¿qué te parecen los cambios que estamos viviendo en la industria musical?

Sólo hay que seguir en constante movimiento, hace que la vida sea interesante.

El año pasado entrevistamos a Mochipet. Él nos comentó lo siguiente: “[…]Pero últimamente me he dado cuenta de algo diferente. Me he dado cuenta de que cuanta más música regalo, más música compra la gente. Eso me lleva a pensar que hay dos tipos de

que participan muchas muchas bandas, y no sólo a las bandas que lo hacen perfecto. personas en este mundo, gente que compra música y gente que no. La gente que compra música siempre comprará tu música, aunque se la descarguen de forma gratuita. La gente que no lo hace, jamás la comprará, no importa lo que hagas. Así que no hay razón para intentar prevenir las descargas gratuitas.

Deberías alegrarte de que la gente disfrute tu música.” ¿Qué opinas de estas palabras y sobre la música gratuita? ¿Estás de acuerdo con Mochipet?

Creo que es muy difícil comparar artistas entre sí, y algunos sólo son músicos que atraen a un gran número de personas. Creo que siempre acabas metiéndote en problemas cuantificando las acciones humanas, porque los fans son diferentes.

Creo que la mentalidad debe cambiar del “consíguelo ahora, gratis y rápido” al “aprécialo, y apóyalo”.

No tenemos el poder para cambiarlo todo, pero podemos cambiar mucho de lo que no nos gusta en el mundo, y se empieza en nuestra propia mente. ¿Y qué tipo de industria musical te gustaría ver en un futuro?

Creo que está bien como está, pero quizá lo único, que deberíamos prestar más atención a la evolución en la

¿Qué tipo de artistas publicas en Kid Without Radio? ¿Alguna próxima referencia que mencionar?

Me gusta la música electrónica con alma. El nuevo disco de Edison saldrá publicado en Enero. Va a ser alucinante. ¿Qué estás escuchando ahora? ¿Alguna recomendación?

Silver Apples. ¿Tienes algún proyecto paralelo del que puedas hablarnos?

Matterhorn. Psicodélico. ¿Y unas últimas palabras para nuestros lectores?

Muchas gracias España.

edison

www.myspace.com/djegadz www.kidwithoutradio.com kidwithoutradio.blogspot.com

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ENGLISH VERSION Interview

EGADZ

MUSIC MADE WITH BUTTONS

by GNZ

We discovered Egadz’s work through a video where we saw a bearded guy, in a damp basement, crushing with mastery the buttons of an MPC. His fingers, as a pianist ones, moved fast but accurately, playing and creating rhythm patterns and melodies, which layer after layer, built overwhelming and soulful music.

We picked up the thread and discovered the history of a young but experienced artist, born under the name Erik Nava in San Francisco (California), related to music since his childhood. Having a dj and b-boy brother, and a b-girl sister, this kind of things may influence any of us, and this helped Erik knew when he was very young that music was going to be his life.

Erik grew up as a person but also as an artist, amongst vinyl records, skateboards, keyboards, computers and guitars, until he became the owner of his own label, Kid Without Radio, an artist of strong beliefs and firm code of ethics.

Under his Egadz moniker, or his other parallel projects, Erik is one of those artist everyone of us shall know, and that’s why we asked him to answer one of our questionnaire, to know a little better this top artist.

At first, when we discovered your work, we were really surprised with your skills playing the MPC’s… how much time have you been using this devices?

8 years.

Did you start as a dj or directly as a producer? How were your first steps into the music universe, and when did Hip Hop and Electronic Music get into your life?

I was a battle & club dj from ages 15 to 19. At age 20 I bought my first keyboard and guitar... Then I released

“Monotony” my first album 6 months later. Meanwhile a dug for old forgotten records and used these as inspiration for my songs.

Your music sounds very warm. I mean, it’s obvious you play electronic beats with electronic equipment, laptops, samples, and so… but you’ve reached to keep an organic sound into your music, and this is something we really appreciate. Why did you choose this kind of sound? Maybe a rock music related background?

No, it just comes from my own personal theory that the best combination of sounds includes both analog sounding electronics and real instruments. Like I said, a lot of inspiration came from records, but I very rarely pull samples from them.

What kind of bands do you think have influenced your sound?

I’d say that everything that I have listened to since I was a little kid has influenced my music. From 80’s Pop music to 60’s Jazz to 90’s Hip Hop to 70’s Psych Rock,

and even 50’s Rock and Roll.

You play (and record) the instruments from your songs, but do you use any kind of samples? Do you enjoy digging?

Yea… digging is great because you get to hear how so many not so famous bands influenced the evolution of music. Records that would be lost in the world otherwise.

But yea, I rarely sample outside of percussions.

And how do you build your songs? How is the Egadz’s creative process? Do you work all alone or do you have any collaborators?

It’s rather difficult for me to work with others. I generally sit in my studio with a good amount of alcohol and just let go. I think letting go is the biggest part. I don’t really think my music has much to do with me.

Your last record until now, “We Want Neutrinos”, was released back in 2009, and after this you’ve been travelling around the world, playing live shows during 2010. Do you have any plans for your next

EGADZ away the more music people buy. It leads me to believe there are two kinds of people in this world, people who buy music and people who don’t. The people who buy music will always buy your music, even if they download it for free. The people that don’t will never buy your music no matter what. So there is no point in trying to prevent people from downloading your music for free. Instead you should be happy they are enjoying your music.” What do you think about these words and about free music? Do you agree with Mochipet?

I think it’s difficult to compare artists to each other, and some are just musicians who appeal to a large group of people. I think you always get into trouble quantifying human action because fans are different. I do think that the mentality must change from the get it now, free and quick, to the appreciate it, and support it. We don’t have the power to change everything, but we can change a lot about what we don’t like with the world and it starts within the mind.

And what kind of musical industry would you like to see in the future?

I think it’s good the way it is, but perhaps if anything, we should take more note of the evolution that many many bands are taking part in, not just the band that makes it perfect.

record? Any date in mind?

I’m creating the new record this winter, probably finishing up by spring. Not much in the experimental way, just a straight forward Egadz album.

You run your own label, Kid Without Radio. Why such a name?

Many artists have “radio” meaning help, financial backing, and industry respect. We have never had any of those things, we have tons of fans and believers in our music and haven’t really ever needed any of those things. We are DIY to the fullest, and we create conversations and connections with people. Sure the name sounds self defeating, but I like to point out exactly who we are, artists who would rather push boundries than make accessible music that the industry could appreciate.

And what kind of artist do you release at Kid Without Radio? Any upcoming release to be mentioned?

I like the kind of electronic music with soul. Edison’s

new record is coming out in January. It’s going to be amazing.

Do you have any parallel projects you could tell us about?

MATTERHORN. Psychadelic.

What music do you listen actually?

Any recommendation?

Silver Apples.

Some last words for our readers?

Muchas gracias España.

As a label owner, but also as an artist, how do you feel the changes of the musical industry that we are living nowadays?

Just gotta constantly move, keeps life interesting.

Last year, we made an interview with Mochipet, who told us the next words: “[…] lately I’ve noticed something different. I noticed the more music I give

www.myspace.com/djegadz www.kidwithoutradio.com kidwithoutradio.blogspot.com

dale más gasolina Velckro Artwork nos hipnotiza con sus colores y sus estructuras geométricas, con sus atmósferas recargadas y sus cartas de tarot esotéricas. Éste diseñador madrileño también es director de arte, e ilustrador y es el responsable de la campaña gráfica del club Stardust entre otros muchos trabajos para revistas, sellos discográficos, y una larga lista de clientes satisfechos. Él es creador de la última portada de A Little Beat, que encabeza este número que estás leyendo, y además tiene un paladar inquieto en lo que a música se refiere, inquietud que difunde bajo el alias de Don Fuegote a través de su blog Sudando Graves (que gestiona con su compinche Check One), y pinchando en las cabinas más selectas del país.. Así que además de pedirle que se currara una portada para nosotros, le hicimos unas cuantas preguntas para conocer un poco mejor a este artista, tan polifacético como completo. Cuidado con Velckro, te quedarás enganchado…

Cuéntanos un poco quién eres, cuántos años tienes, dónde vives y desde cuando te dedicas al diseño gráfico…

Me llamo Velckro Artwork (juro que es mi nombre de verdad). Llevo muy bien mis 33 añazos y soy oriundo de Torrejón de Ardoz. Pero ya hace unos años que vivo en Madrid con mi mujer y mi perro. Llevo dedicándome profesionalmente al mundo del diseño unos 5 años aproximadamente, aunque antes de trabajar como tal ya cacharreaba un poco con los programas y hacia “cosas”. ¿Cómo te introdujiste en este mundo?

Es una historia muy aburrida. La verdad es que no soy

una entrevista de GNZ

de los que siempre han sabido lo que querían hacer en la vida, y de pequeños ya lo tenían claro y dibujaban a todas horas o se dedicaban al graffiti.

Digamos que me tomó más tiempo decidirme que a la mayoría. Después de un montón de curros de todos los colores y un intento fallido de convertirme en londinense decidí que tenía que hacer algo con mi vida y dejar de pasármelo tan bien.

Veía los flyers de los garitos y las portadas de discos y flipaba con eso. Así que hice un curso de diseño grafico bastante pobre que al menos me sirvió para darme cuenta que me gustaba esto del diseño.

Lo retomé al tiempo e ingrese en la Escola Massana de Barcelona para hacer un F.P de Grafica Publicitaria.

Me llevó como un par de años, muchos pantalones doblados en tiendas de ropa, curros gratis para amigos y horas delante del ordenador encontrar trabajo en un estudio. Era un sitio muy pequeño, pero al pie del cañón aprendes de verdad. Y chimpón. ¿No es muy emocionante, no? ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

Me he convertido en todo un profesional de la procrastinación, así que a lo largo del día debo de ver cerca de 3 millones de imágenes. De todo lo que veo al día hago una primera criba que guardo en una carpeta (y que luego es imposible encontrar nada). Y lo mejor de lo mejor va a parar a un Tumblr que tengo de inspiración colectiva http://damemasgasolina. tumblr.com Y más concretamente, como inspiración directa en mis proyectos diría que todo el mundo del tatuaje clásico, el diseño grafico y street art sudamericano y ahora estoy muy flipado con todo el rollo esotérico y simbolista,23a

veces voy tirando de la cuerda y acabo en sitios que dan un poco de cosica. ¿Y tus herramientas favoritas para realizar tu trabajo?

Como favorita cualquiera que suponga mancharte las manos. El 90% de los diseñadores te contestará eso. Pero lo cierto es que en el día a día no tienes el tiempo o las ganas para guarrear tanto como te gustaría. Así que la gran mayoría de mis proyectos son puramente digitales. Aunque siempre que puedo forro la mesa de papel de periódico y la lió un poco.

Y a nivel de programas sobretodo tiro de Photoshop y Freehand. Soy un defensor a muerte de Freehand. Es directo, simple e intuitivo, así que le doy todo mi amor y él me corresponde sobreviviendo a los embistes del progreso. ¿Qué sonaría si nos plantásemos un día cualquiera en tu estudio y le diéramos al play en tu reproductor de audio?

Ahora es cuando me regalo. Soy un poco enfermito con la música. Tengo un blog a medias con mi compinche Check One de Barcelona en el que firmo como Don Fuegote, que es mi alter ego de dj con el que pincho reggaeton del futuro.

Nos podéis seguir en http://sudandograves.wordpress. com No puedo trabajar sin música, así que escucho muuucha música a lo largo de día. Básicamente todo lo que escucho esta más o menos representado en Sudando Graves y va desde Dubstep apocalíptico a UK Bass pasando por mil estilos bastardos como el Moombahton o el Kuduro.

Ahora mismo estoy muy enganchado a toda la cantera de productores ingleses. Gente como Hyetal, Mosca o Ill Blu que son pura clase. También un chaval de Rótterdam que se llama Munchi y que me deja flipado. Es uno de los pioneros del Moombahton y me hago polvo con ese rollo sucio y sudoroso.Y en formato disco estoy quemando bastante el nuevo de Kanye West y un grupo de rednecks de EEUU llamado Salem que suenan a magia negra con muchas drogas. ¿Qué proyectos de futuro puedes contarnos?

Pues hasta el día en que venga el gran meteorito o detonemos la bomba H (yo soy más de meteorito). Espero seguir currando como hasta ahora, continuar pinchando y con un poco de suerte convertirme en mi propio jefe un día de estos. Todo se verá.

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www.velckroartwork.com

ENGLISH VERSION Interview

give him more gasoline

by GNZ

Velckro Artwork hypnotizes us with his colours and geometric structures, with his stuffy atmospheres and his esoteric tarot cards. This graphic designer from Madrid is also an art director and illustrator, and he’s the responsible of the graphic campaign from Stardust Club in Madrid, among many other works for magazines, labels, and a large list of satisfied clients.

He’s the author of the last cover for A Little Beat, opening this issue you’re reading, and furthermore, he has a restless musical taste, which he spreads under his Don Fuegote moniker through his blog Sudando Graves (blog he manages with mate Check One), and mixing at the most selected booths of our country…

So besides asking him to make a cover for us, we asked him some questions to know a little more this artist, as versatile as complete. Take care of Velckro, you’ll get hooked…

Tell us who you are, how old you are, where do you live, and since when do you work as a Graphic Designer…

My name is Velckro Artwork (I swear this is my real name). I’m very ease with my 33 years of life, and I was born in Torrejón de Ardoz. Now, I’m living for several years in Madrid, with my wife and my dog. I work as a professional Graphic Designer for about 5 years, but before working on it, I used to mess around with different programs, making “things”.

How did you got involved in this universe?

It’s a really boring story. I’m not one of those who always knew what they wanted to do with their lives, since their childhood, painting all day and doing graffiti.

It took me much more time to take a decision than the rest. After a bunch of totally different works, and a failed try to turn myself into a Londoner, I decided I had to do something with my life, and stop having so much fun.

I saw the flyers at the pubs and the record’s covers and I loved that shit. So I made a poor graphic design course, but at least it was good to realize that I really loved design.

I started over a few later, and I was admitted to the

Escola Massana in Barcelona to study a Publicity Graphics course. It took me a couple of years, a lot of folded trousers in many stores, free works for friends, and hours facing the computer, to find a job in a studio.

It was a very small place, but working hard is when you really learn. And that’s it. Not really exciting, isn’t it?

Which are your inspirational sources?

I’ve turned into a professional of procrastination, at the end of the day I might have seen 3 millions of pictures.

From all the things I see through the day I make a first selection that I save in a folder (and then it’s impossible to find anything). And the best of the best goes to a Tumblr I manage, for collective inspiration: http://

damemasgasolina.tumblr.com And more accurately, as a direct inspiration for my projects I would say the world of classic tattoo, graphic design and street art from South America, and now I’m gobsmacked with all the esoteric and symbolism stuff, sometimes I follow some paths that bring me to really shivering places.

And your favourite tools to achieve your projects?

My favourites are the ones getting your hands dirty.

90% of designers will answer the same. But the truth is that day by day you don’t have enough time or the will to mess up as much as you would like to. That’s the reason why the big majority of my works are strictly digitals. Even though, every time I can, I cover the table with some newspapers and mess up a little bit.

Regarding software, the most of the time I use Photoshop and Freehand. I’m a Freehand defender to death. It’s direct, simple and intuitive, so I give him all my love, and he returns surviving the progress attacks.

What would we listen to, if we appear in your studio any day and press play in your audio player?

Now it’s when I pamper myself. I’m crazy about music. I manage a blog with my mate Check One from Barcelona, where I sign as Don Fuegote, my moniker as deejay, I play Reggaeton from the future. You can follow us at http://sudandograves.wordpress.com I can’t work without music. So I listen to lots of music during the day.

Everything I listen to is featured at Sudando Graves and it goes from apocalyptic Dubstep to UK Bass, passing through thousands of bastard styles as Moombathon or Kuduro.

I’m actually addicted to all the new British producers.

Artists like Hyetal, Mosca or Ill Blu… pure class. Also a guy from Rotterdam called Munchi I really love. He’s one of the Moombathon’s pioneers, and this grimy and sweaty thing knacks me out.

Regarding the records, I’m listening a lot the new one from Kanye West and a band of rednecks from the United States called Salem, they sound like black magic with lots of drugs.

Any future project you can tell us?

Until the day the big meteorite arrives, or when we’ll blast the H bomb (I prefer the meteorite), I wish to keep working as I’m actually working, to keep deejaying, and being a little lucky, to turn into my own boss one of these days. We’ll see… www.velckroartwork.com

LA VUELTA DE

KANYE WEST un reportaje de Plan B

Llevaba un buen tiempo buscando una excusa para hablar del señor West. Ya sé que he tenido un sinfín de posibilidades pero la actualidad había dejado pendiente este artículo desde hace ya un par de años.

El motivo por el que me haya decidido a escribir finalmente es la salida de su quinto álbum “My Beautiful Dark Twisted Fantasy”. Un larga duración que ha despertado muchísima expectación y polémicas… pero de eso ya hablaremos más tarde.

Kanye West nació en Atlanta, Georgia, el 8 de junio de 1977. Se mudó a Chicago con tres años de edad.

Su infancia no es la típica de chaval afro-americano de barrio marginal. El humorista Dave Chappelle tiene un monólogo sobre este tema tremendo, cruel pero, por desgracia, parece ser que bastante real. Viene a decir que si naces en un Project solo hay tres maneras de escapar de la marginalidad: rapeando, bailando o jugando al baloncesto. O eso o acabas pasando crack… no hay más opciones.

Sus padres, Ray y Donda, gozaban de un estatus de clase media sin agobios económicos, lo que sin duda facilitó el acceso de Kanye a una educación de grado superior –llegó a la Universidad después de pasar por

Su padre era fotoperiodista y ahora es pastor en una iglesia.

Según cuentan, desde muy pequeño había mostrado talento para la faceta artística sobre todo en la poesía que fue el nexo por el que acabó interesándose por el hip-hop. Sus inicos están en la producción del álbum de Jermaine Dupri “Life in 1472”, que contiene hits como “Money Ain’t A Thing” (con Jay-Z), o el “The Party Continues” en 1998. A West le fue bien a partir de ahí ya que el disco de Dupri alcanzó el platino en ventas y le ayudó a consagrarse.

Su fama fue creciendo gracias a sus producciones para artistas de rap y de R&B como Alicia Keys, Jay-Z, Janet Jackson, Brandy, Talib Kweli, Dilated Peoples, Ludacris y John Legend. la Escuela de Arte de Chicago-, aunque la abandonó en pos de su carrera musical. De hecho su madre, Donda West, trabajaba como profesora de Inglés en la State Chicago University hasta el 2004, cargo que abandonó para encargarse de la representación de su hijo y en parte, de la empresa familiar Super G.O.O.D.

Kanye se convirtió en uno de los mejores productores de hip hop tras la grabación del aclamadísimo álbum de Jay-Z “The Blueprint”, en el que se destacaban cuatro temas producidos por Kanye, el más notable el single principal “Izzo (H.O.V.A.)”, y el ‘diss’ a Nas y a Prodigy y su “Takeover”.

Aquí llegamos a un punto muy sensible en la historia 31 33

kanye west de este hombre. Alcanza un status bastante alto en la producción pero el no solo se conformaba con eso.

El quería tener su propio trabajo, producido y rapeado por él. Tener el control absoluto del producto final como otros “grandes” como Dr.Dre. El propio West estuvo trabajando en su álbum en solitario durante un largo periodo, pero el lanzamiento del disco tuvo que ser retrasado en repetidas ocasiones. Jay-Z admitió que Roc-a-Fella Records, sello para el que trabajaba, estaba poco dispuesta a apoyar a West como rapero al principio, ya que le veían como un productor ante todo. No se dice con la voz muy alta, pero el que no hablase en sus letras de temas típicos y, por otro lado, que su forma de vestir no fuese la habitual frenó su carrera ya que muchos sellos le dieron la espalda. Sacrificar calidad por imagen ha sido algo que va ligado a la historia del hip-hop…. Por desgracia.

En 2004 lanza su álbum debut “The College Dropout” donde su música adopta la personalidad musical de Kanye tal y como la conocemos hoy en día. El 23 de octubre de 2002, sufrió un grave accidente de coche mientras se durmió cuando conducía dirección a su casa desde el estudio, le fracturó la mandíbula en tres partes y casi termina con su vida. Esto le abrió los ojos en el significado de la vida. Este accidente fue la inspiración de su primer single en solitario, “Through the Wire”, que grabó dos semanas después del choque, cuando aún tenía la boca cerrada con alambres.

“Through the Wire”, contiene un sampleado del clásico de Chaka Khan “Through the Fire”, y fue el single principal de The College Dropout. El uso de samplers de temas y artistas muy conocidos es una de los sellos de identidad de las producciones de West. Por su estudio han pasado muestras de Queen, Daft Punk, Al Green, Tears For Fears, A Tribe Called Quest, Prince, Public Enemy, Michael Jackson, Lauryn Hill, 2Pac, Curtis Mayfield, Marvin Gaye, Aretha Franklin, The Temptations, Common, Ottis Redding y un larguísimo etc.

El segundo single de su álbum debut fue “Jesus Walks”

que se colocó en el número 11 de los más vendidos. El fenómeno ya estaba creado.

El 30 de agosto de 2005 lanzó su segundo álbum, Late Registration, recibiendo brillantes críticas. Los dos primeros singles fueron “Diamonds from Sierra Leone” (que contiene samples del “Diamonds Are Forever” de Shirley Bassey) y “Gold Digger” con Jamie Foxx y el famoso sampler de “I Got a Woman” de Ray Charles, al que Foxx dio vida en la gran pantalla.

El álbum vendió unas 904.000 copias en su primera semana y recibió ocho nominaciones a los Premios Grammy incluyendo ‘Álbum del Año’ y ‘Canción del Año’ por “Gold Digger”. En ese preciso momento, hizo algo un poco inusual, como muchas cosas en su ya prolífica carrera…West anunció que su tercer y cuarto disco se titularán “Graduation” y “A Good Ass Job”, respectivamente. Como ya os habréis dado cuenta lo de su cuarto álbum ha sido un epic fail en toda regla.

Es en este año cuando nuestro homenajeado tuvo un momento estelar cuando en plena emisión en directo de un programa especial para recaudar fondos para las víctimas del huracán Katrina soltó aquella famosa frase de “A George Bush no le preocupa la gente negra” para espanto de Mike Myers, su acompañante en el programa. En serio, si tenéis un segundo ir a youtube

y buscarlo. El rapero se considera una persona de izquierdas (Con todos los matices que eso supone en USA) e incluso le compuso un tema a Barak Obama.

Otra de las polémicas de esta época ocurrió cuando 50 Cent afirmó que si Kanye vendía más discos de este trabajo que él no volvería a editar ningún álbum más. Las ventas lógicamente se dispararon.

Es bastante curioso que los dos estaban, por aquel entonces, en la misma compañía discográfica, para mas señas, Universal Music. Aunque West empezó muy fuerte la primera semana, al final el gato al agua se lo acabó llevando 50 Cent, por lo que, tendremos más entregas de este rapero… lo que no se si es muy bueno la verdad.

En mayo de 2006, West lanzó un álbum grabado en vivo en el Abbey Road Studio en el Reino Unido, en donde incluyó canciones de sus 2 previos materiales discográficos, acompañado de una orquesta de 17 piezas (todas femeninas) de cuerda, esta grabación incluye apariciones de John Legend, Lupe Fiasco, GLC y Consequence.

Un año después llego su tercer larga duración titulado, como el mismo había presagiado, “Graduation”. El primer single fue “Can’t Tell Me Nothing” y el segundo “Stronger” en cuyo videoclip participó el duo francés de electrónica Daft Punk. Esta última le catapultó

definitivamente hacia el estrellato ya que consiguió ser número uno en ventas en Canadá, Australia, Inglaterra y, como no, en los Estados Unidos. Otros dos temas muy conocidos incluidos en “Graduation” son “Homecoming” (feat. Chris Martin de los Coldplay)” y “Good Life” (feat. T-Pain).

El sábado 10 de noviembre de 2007, Donda West, su madre, falleció debido a complicaciones derivadas de una cirugía estética (mamoplastía y liposucción).

Se informó que otro médico de Beverly Hills le había aconsejado no hacerla. Jay-Z, Beyoncé, Pharrell Williams, Erykah Badu y otros vinieron a rendir tributo a Donda en su funeral. Él mismo ha reconocido que tanto el fallecimiento de su madre como la ruptura con su novia de siempre frenaron el proceso creativo de su nuevo disco y por eso pasaron dos años hasta la salida de su nuevo álbum titulado “808s & Heartbreak”, su cuarto álbum de estudio.

Y llegamos ya al 2010. El 24 de julio, en el blog oficial de West apareció un banner con la frase «My Dark Twisted Fantasy Trailer». Cuatro días después, Kanye anunció por Twitter que su nuevo álbum no se llamaría “Good Ass Job” y que estaba barajando un par de títulos. Finalmente, el nombre del álbum, que ha costado tres millones de dólares y será editado por

la omnipresente Def Jam, fue confirmado por West el 5 de Octubre de 2010, unos días después de ser anunciada la fecha de su lanzamiento. De momento, sus dos singles “Power” y “Runaway” no han alcanzado los éxitos de anteriores trabajos.

Cuando leas esto ya se podrá escuchar entero. De momento la polémica ha llegado, esta vez, con la portada. La ilustración muestra a un Kanye demoníaco manteniendo relaciones sexuales con una criatura alada y sin brazos. Las cadenas americanas Wal-Mart y Best Buy se han negado a vender el álbum, por lo que éste aparecerá con varias versiones alternativas creadas por el artista George Condo.

En sus directos Kanye suele tocar, además de sus temas, las producciones que ha hecho para otra gente.

Por eso no es raro verle versionar en directo el “Get By” de Talib Kweli por ejemplo. En los lives le acompaña el talentoso dj canadiense A-Trak. Este fue fichado personalmente por West en el 2004 y ha participado activamente en las producciones de su segundo y tercer disco.

Como cierre decir que es uno de los pocos artistas mainstream que me siguen interesando y creo que merecen, al menos, una escucha. Estaremos atentos a su nuevo trabajo.

Hasta el número que viene.

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ENGLISH VERSION

THE RETURN OF

KANYE WEST

by Plan B

I’ve been looking for a reason to talk about Mr. West for a while now. I know I’ve missed many opportunities to do it, but the current news were always delaying this article, at least for a couple of years.

The reason why I’m finally writing this is the release of his fifth album, “My Beautiful Dark Twisted Fantasy”, a long play causing a huge controversy and expectation… but we’ll talk about this later.

Kanye West was born in Atlanta, Georgia, on July the 8th of 1977. He moved to Chicago when he was 3 years old. His childhood is not the typical story about an afro-american boy from a deprived neighbourhood.

Comedian Dave Chapelle plays a stand-up show about this terrible question, cruel but apparently real. He says that if you have born in a Project, there are just three ways to escape from marginalization: rapping, dancing or playing basketball. This or you’ll end selling crack… no other issues.

Kanye’s parents, Ray and Donda, belong to an economically eased middle class, what helped Kanye reach a High Grade education – he went to the University, after studying at the Chicago School of Arts – even though he gave up looking forward his musical career. In fact, his mother, Donda West, worked as an English teacher at the Chicago State University until 2004, when she renounced in order to be the her son’s manager, and partially of the familiar company Super G.O.O.D. His father was a graphic journalist, and now he’s a minister in a church.

The story tells that since he was very young, he was very talented for arts, especially in poetry which was the reason why he finally got interested in Hip Hop. His first steps are in the production of Jermaine Dupri’s

album “Life in 1472”, which includes hits like “Money Ain’t A Thing” (with Jay Z) or “The Party Continues”, in 1998. West career started to blast off as Dupri’s album reached platinum record sells, helping to establish himself.

His fame grew up, due to his productions for Rap and R&B artists as Alicia Keys, Jay-Z, Janet Jackson, Brandy, Talib Kweli, Dilated Peoples, Ludacris and John Legend.

Kanye became one of the best Hip Hop producers after recording the acclaimed Jay-Z’s album “The Blueprint”, with 4 highlighted tracks produced by Kanye, including the most important and main single “Izzo (H.O.V.A.)”, and the “diss” to Nas and Prodigy and their “Takeover”.

We reach a high sensitive point in the history of this man. His production status had reached a partial relevance, but he wanted more. He wanted his own work, produced and rapped by himself. He wanted to have total control of the final product, as many other big artists as Dr. Dre. West had been working on his solo album for a long time, but the release was delayed many times. Jay-Z admitted Roc-a-Fella Records, the label he worked for, wasn’t really decided to support West as a rapper, because they saw him mainly as a producer. It’s not often said like this, but the fact that his lyrics didn’t speak about topic themes, or his different clothing style, slowed down his career and many labels gave him the back. To sacrifice quality for image is something deeply tied to Hip Hop history… unfortunately.

In 2004 he releases his debut album “The College Dropout”, and his music acquires the Kanye’s personality as we know him today. In 2002, October 23rd, he suffered a serious car accident when he slept while he was driving back home from the studio, broke his jaw in 3 pieces and almost lost his life. That accident opened his eyes to the meaning of life, and was the inspiration for his first solo single, “Through the

wire”, song recorded two weeks after the crash with his mouth still closed with wires.

“Through the wire” includes a sample from the Chaka Khan’s classic “Trough the fire”, and was the main single of “The College Dropout”. Using samples from famous tracks and artists is one of the hallmarks of West’s productions. He has used samples from Queen, Daft Punk, Al Green, Tears For Fears, A Tribe Called Quest, Prince, Public Enemy, Michael Jackson, Lauryn Hill, 2Pac, Curtis Mayfield, Marvin Gaye, Aretha Franklin, The Temptations, Common, Otis Redding, and many more.

The second single from his debut album, “Jesus Walks” reached number 11 at the Best Sellers lists. The phenomenon was already born.

His second album, released August 30th, 2005, was called “Late Registration” and received brilliant reviews. The first two singles were “Diamonds from Sierra Leone” (featuring a sample from Shirley Bassey’s “Diamonds are Forever”), and “Gold Digger” with Jamie Foxx and the famous sampler from Ray

kanye west Charles’ “I Got a Woman”. Foxx also played the Ray Charles character in a biopic.

The album sold 904.000 in just one week, and received 8 Grammy Award nominations, including “Album of the year” and “Song of the year” for “Gold Digger”. Right then, he did an unusual thing, as many other things in his career… West announced that his third and fourth albums would be called “Graduation” and “A Good Ass Job”. And as you might already have noticed, the fourth album title was an epic fail.

This year, our protagonist had a stellar moment in a TV show, when during a charity show for the Katrina hurricane victims, he said: “George Bush doesn’t care about black people”, freaking out Mike Myers, his partner during the show. For real. Search for the video in Youtube. The rapper considers himself a leftist (with all the nuances it supposes to be on the left in the Unites States), and he even wrote a song for Barak Obama.

Another controversy from the same time: 50 Cent said that if Kanye was able to sell more records than him with his last album, he wouldn’t release an album anymore. Sales, as natural, shoot up. And the most fun about this story is that both were in the same record company at this moment, Universal Music.

Even though West started very strong in the first week, 50 Cent finally won the bet, and we’ll have new releases from this rapper… not sure it’s such a good thing.

In May 2006, West released a live album recorded at the Abbey Road Studios in the United Kingdom, including songs from his previous two albums, accompanied by an orchestra composed by 17 chord players (all girls).

This record features collaborations with John Legend, Lupe Fiasco, GLC and Consequence.

One year later arrived his third long play called, as he predicted, “Graduation”. Its first single was “Can’t tell me nothing” and the second one was “Stronger”, which video clip was made in collaboration with the French electronic duo Daft Punk. This last single definitely raised his fame, reaching the number one on the top

sales list in Canada, Australia, United Kingdom, and the United States. Another two very well-known tracks from this “Graduation” album are “Homecoming” (featuring Chris Martin from Coldplay) and “Good Life” (feat. T-Pain) In 2007, November 10th, his mother, Donda West, died after suffering cosmetic surgery complications. A doctor from Beverly Hills had advised not to do it. Jay-Z, Beyoncé, Pharrell Williams, Erykah Badu and many others paid tribute to Donda at her funeral. The artist himself admitted the death of his mother and the split up with his girlfriend slew down the creative process of his new record, and that’s the reason why it took two years to release his next work, “808s & Heartbreak”, his fourth studio album.

And we arrive to year 2010. In July 24th, West’s official blog showed a banner with the sentence “My Dark Twisted Fantasy Trailer”. Four days later, Kanye announced via Twitter his new album won’t be called “Good Ass Job”, and he was considering two titles.

Finally, the name of the album, which has cost 3 million Dollars and released by Def Jam, was confirmed by West on October 5th, a few days after announcing the release date. At the moment, its two singles “Power”

and “Runaway” hadn’t reached the success of his previous works.

When you’ll read this words, the record might be already available. The controversy arrived this time with the cover artwork. The illustration shows and evil Kanye, having sex with a winged and arm-less creature. American corporations Wal-Mart and Best Buy denied to sell the album, so the record had to be released with different cover versions, all created by the artist George Condo.

In his live acts, Kanye uses to play his works for other artists, in addition to his own songs. It’s not strange to see him play live versions of Talib Kweli’s “Get By” just to give an example. He’s accompanied live by A-Trak, who was recruited by Kanye in 2004, and has collaborated directly in the production of his second and third albums.

I would finally say, he’s one of the few mainstream artists I’m still interested in, and I believe he deserves, at least, a listen. We’ll keep an eye out for his new album.

See you in our next issue.

5th, 2010 r e b m e v o n ) in valencia (spa

h c r o b l a a n a : s photo

mr. stare gallery

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CARLOS MONTY UN AFROACTIVISTA EN LA SOMBRA una entrevista de Larry ACR

Con Carlos “Monty” Montouto teníamos una deuda pendiente por partida doble. Por un lado, como activista de la música jamaicana al que se ha relegado al olvido público -en parte al abandonar, por voluntad propia, la primera línea del frente de batalla hace unos años-. Por otro, obviamente, el significativo hecho de que haya desarrollado su activismo en la ciudad desde la que se edita esta publicación, nos hace recurrir a él con la finalidad de intentar completar un puzle cuyas restantes piezas ya habíamos comenzado a atesorar en ejemplares previos -Sergio “Rebel Killer” Monleón, Alberto Tarín…- con la finalidad de reconstruir el desarrollo de la música jamaicana en Valencia y áreas circundantes.

A juzgar por la explicitud y precisión de sus respuestas, parece que Monty tenía -y tiene- muchas ideas y recuerdos que transmitir y apenas estaba deseando que alguien le tirara de la lengua para hacerlo con el máximo nivel de detalle.

Como activista de la música afroamericana y jamaicana en nuestro país, viviste los albores de la implantación del reggae en la ciudad del Turia, que a comienzos de los ochenta contaba con escasos referentes, como la banda local Jah Macetas (surgida en 1982). Me gustaría que aprovecharas

para recordar con todo lujo de detalles cómo era la escena valenciana de música jamaicana en aquellos tiempos en que comenzabas a interesarte por ella. ¿Qué actuaciones destacadas tuvieron lugar en aquella época y quiénes las promovían? ¿Cómo adquirías los discos, la cultura y la información en un contexto en el que era tan complicado hacerlo? ¿Cómo era la relación interpersonal entre los seguidores del reggae en Valencia en la década de los ochenta?

Bueno, yo soy nacido en Madrid, donde viví hasta 1984, cuando me trasladé a Valencia. Así que, antes de nada, tuve la suerte de vivir el choque planetario entre la energía rabiosa de los barrios del post-franquismo y las élites renegadas de las familias ricas del centro de la capital. Lo que luego se mal llamaría “movida madrileña” y yo siempre preferí llamar “nueva ola madrileña”, que es como verdaderamente se conocía entonces.

A finales de los ´70, Carlos Juan Casado se había convertido en el A&R de moda al conseguir, para la recién llegada Virgin española, la distribución de Island Records. Bob Marley -y, sobre todo, Peter Tosh- habían revolucionado el punk rock y la new wave inglesa y el reggae estaba de moda en las islas. Ordovás no paraba de hablar de ello en Disco Express, aunque en Popgrama, de TVE, la opinión estaba dividida. Pero

por esa rendija y el efecto llamada de Discoplay y de la difusión independiente de Onda2 FM, se colaban los lanzamientos del momento de Third World, Aswad o Steel Pulse que se publicaban en España. Todavía conservo los singles con sus portadas españolas.

Hasta se estrenó en cines “The Harder They Come”.

Luego, llegó UB-40 y la moda para “enterados” se convirtió en comercial para todos los públicos, con Jimmy Cliff y su “Reggae Nights” pasando por encima del ska de 2Tone, que sólo duró 2 o 3 años.

Cuando los pijos entraron en la “nueva ola madrileña” y montaron tiendas en Argüelles, con chapitas y chupas traídas de Londres con el dinero de papá, todo se convirtió en un enorme montaje comercial que se llamó post-modernidad o movida madrileña.

Llegó el momento de emigrar y me encontré en una Valencia con una élite mucho más avanzada que en Madrid, en mitad de una capital que, como mucho, todavía seguía anclada en la Velvet Underground y Bob Dylan, pero con unas nuevas generaciones dispuestas a ponerse al día a toda pastilla. La misma hambre que había visto en los barrios obreros de Madrid cinco años atrás. Además de Radio Klara, una de las tres radios piratas pioneras en España y un enorme semillero para la música de todo tipo, en la que me coloco gracias a Juan Vitoria en 1985 para hacer mi

CARLOS MONTY primer programa de radio llamado “Todo Negro” (ya imagináis sobre qué).

Tuve la suerte de conectar con la gente del pub Brillante en el barrio de Ruzafa (hoy el Lavapiés valenciano). El dj residente era Rafa Villalba (luego, durante muchos años, batería de Jah Macetas y Seguridad Social).

Al igual que yo, era un gran aficionado al soul digital de los ´80 y fue él quien me acabó pinchando en su casa los viejos discos de Studio One, King Tubby y Channel One. De ahí, el contacto con el núcleo duro de Jah Macetas fue sencillo. Sergio Monleón y Julio Far-I ya habían sacado en el ´85 su primera demo “Jah Veus” y aquello parecía el milagro. En Valencia, con la playita, la horchata y la “marieta” de los ´70 -que todavía se plantaba por todos los campos-, el reggae caló como algo consustancial y su ideología y naturalidad caían bien en todos los sectores de la música.

Pero, lo que más me llamaba la atención era no sólo su desparpajo para cantar “Granjeros de Ciudad” en la Plaza de la Virgen en plena “Operación Primavera” de la policía de Corcuera (1987), sino la increíble tonalidad negra de su vocalista, el legendario Pere Andrés, luego perdido en sus propios demonios interiores. Por Brillante se juntaban, además, todos los wannabes de la música moderna en general y por entonces el soul (también llamado r&b entre los anglosajones) estaba empezando a coexistir con el Go-Go de Washington (del que yo era fan) y el hip hop de Run DMC, Fat Boys y, sobre todo, Eric B & Rakim.

Así que era normal que, de vez en cuando, se dejara caer Diego Manrique (para ver qué cosas poníamos que no sonaban en Madrid) y que apareciera Michael Campbell y enseñara en directo qué era un sound system. Mickey era un jamaicano de Londres que hizo de profesor de inglés en Valencia por algunos años y que no tardó en convertirse en animador en los shows de Macetas. De su mano, llegó el guitarrista Steven “Marley” Wright, que había trabajado con I-Jahman Levi y Pablo Moses entre otros y por eso, este último vino a actuar a Valencia en 1988, cuando todavía no existían conciertos de jamaicanos en España. Aquello dio origen a una verdadera mystic revelation que duró hasta mitad de los ´90, con actuaciones casi

exclusivas de Israel Vibration con los Roots Radics o Culture, entre otros.

Se te conoce a nivel literario como el autor del segundo referente biográfico sobre Bob Marley en castellano, Positive Vibration (La Máscara, 1993), una obra poco ortodoxa en su planteamiento y con una excepcional acogida, de la que se despacharon la nada desdeñable cifra de 40.000 ejemplares en siete ediciones, siendo editado en portugués, francés e italiano. ¿Quién te propone editarlo y de qué modo te organizas para materializarlo? ¿En qué sentido supuso este trabajo un punto de inflexión en tu vida? ¿Crees que, por el momento en que fue editada y el tiempo transcurrido desde entonces, se ha mitificado o sobrevalorado el libro? ¿Tienes constancia de la repercusión que adquirió a nivel mundial?

Ese libro es una de esas obras literarias que cobran vida propia al margen del autor. Por entonces, yo escribía en Rock de Lux y luego me pasé a Ajoblanco. Pero Juan

Vitoria, que era asesor editorial de La Máscara, ya me había encargado previamente una biografía de R.E.M. y no debía conocer a nadie en la prensa que estuviera más relacionado con la cultura negra y jamaicana que yo cuando surgió el encargo editorial de la biografía de Bob. Al principio yo, que por entonces no paraba de viajar a Londres, Estados Unidos y Jamaica en el ´91, me negué a aceptar el encargo porque me daba miedo banalizar la cultura rastafari y la leyenda del mito en una colección, Imágenes del Rock, que parecía más pensada para hacer la Super Pop para adultos sobre los héroes del rock, con tanta fotito y tanto colorín.

Pero, al final, todo mi entorno me presionó tanto que acepté. Así que lo primero que pensé, es que había que salirse del guión clásico de biografía rock al uso.

Además, Ordovás ya había escrito su bío para Juglar, que no pasaba de una selección de textos adaptados para España del Melody Maker y el NME sobre el periodo estelar de los Wailers en Inglaterra (a partir del ´75). Así que eso ya estaba contado.

Lo que nadie había contado era lo que yo había vivido en mi contacto con los jamaicanos por el mundo. Y di en el clavo, porque eso era lo que la gente en Europa estaba ansiosa de saber y nadie le contaba. Para empezar, había que tratar de romper la visión eurocéntrica de que la única verdad es la que está escrita. En la tradición africana, más que los escritos, cuentan los ritos y leyendas, que son tradición oral. Toda transmisión intercultural debe hacerse respetando el contexto original. Lo contrario es manipular, que es lo que siempre ha pasado en España, tanto con la música, como con otras manifestaciones artísticas. Así nos va.

Así que, para que resultara más reconocible a los lectores blancos no anglosajones, me inventé un guión novelado sobre un crítico musical contratado por unos millonarios coleccionistas que, en una noche de borrachera, cruzan una apuesta sobre si existía o no enterrado en la isla una versión de “Exodus” prensada en oro macizo. Una auténtica contradicción, como es todo en Jamaica y, en general, en África. Mi babilónico becerro de oro me sirvió para vehicular tanto la biografía de Bob y sus orígenes, como la independencia

de Jamaica, la influencia de Selassie, Garvey, las 12 Tribus de Israel o el nyabinghi, para hablar de la picaresca, la marihuana y las costumbres de la Isla de los Piratas. Todo aderezado con multitud de imágenes que nunca antes se habían visto en España.

El impacto fue, desde el primer momento, descomunal.

Lo mejor es que, al cabalgar entre leyenda y realidad, ficción e historia real, obligaba al lector a soñar con un mundo desconocido e incierto, el de la realidad africana, que no tenía que nada que ver con los flashes de la prensa en Babilonia. Hubo gente que se fue a Jamaica llevándose mi libro como si fuera un mapa. Otros que se quejaron de no saber hasta donde llegaba la verdadera historia y donde empezaba la ficción. Muchos creyeron que era un relato autobiográfico mío.

Se presentó en Valencia con la visita de Culture en el ´93 y luego en Madrid, más humildemente, en el Siroco, con los Naturals y Desakato Dadá.

Pero mi sorpresa llegó al ver la reacción de los propios africanos que acudieron a esos eventos y se compraron el libro. Más aún, cuando al traducirse a otros idiomas -excepto al inglés, por licencias editoriales-, se convirtió en un fenómeno en Sudamérica y en Francia. Al otro lado del charco, me he encontrado gente con copias manoseadas y desvencijadas de tanto usarlo en Río, Buenos Aires o Lima. En Francia se convirtió en best seller de la FNAC, hasta el punto que la corresponsal francesa pidió licencia para sacar una edición resumida en formato revista de kiosko, que nunca llegué a ver y de la que nunca pagaron royalties, pese a los 40.000 ejemplares más que tiraron, dado que La Máscara España quebró a raíz de un incendio en sus almacenes.

Todavía hoy la gente lanza bulos y comentarios por Internet sobre mí y sobre un libro que, más que por su rigor didáctico o biográfico -que no cabía en el formato de la colección en la que se publicó-, sirvió para prender una llama internacional sobre el reggae y su cultura y, sobre todo, ofrecer otra mirada a la hora de aproximarse a la realidad africana en una isla tan perversa y renegada como Jamaica.

En palabras de José Miguel López, que me dedicó un Discópolis entero en Radio 3, “en este libro hay mucha, mucha Jamaica”.

Tú fuiste uno de los plumillas especializados -junto a Xavi y David de Sound System Fm o Iñaki B.D.F., entre otros- en los que Ragnampiza depositó su confianza para la realización de aquel libro sobre la historia de la música jamaicana que debía llevar por título “La Isla del Tesoro” y del que aún desconocemos si va a editarse finalmente. ¿Recuerdas cómo te plantearon tu colaboración y de qué modo os coordinasteis entre los distintos autores para llevarlo a cabo? ¿De qué forma intervienes en el libro y qué aspectos o capítulos cubres? ¿Crees que, en caso de que vea la luz definitivamente, se convertirá en un referente al estilo de obras inglesas como “The Rough Guide To Reggae” o “The Virgin Enciclopedia Of Reggae”?

No creo que hoy día haya ninguna edición enciclopédica que pueda competir con Internet. Al igual que hoy no tendría sentido mi bío sobre Marley. Y menos si se trata de inventariar referencias o datos históricos. Hay demasiada información en la red como para repetirla.

Otra cosa era cuando se escribió el libro o cuando surgió la idea de La Isla del Tesoro a finales de los ´90.

Ragna, que seguía colaborando en Rock de Lux y que tenía casi el monopolio del reggae en la revista (con permiso de Luis Lles), les había convencido para hacer un “Reggae de Lux” al estilo de aquel “Tecno de Lux” que tuvo muy buena acogida entre sus lectores. Pero el soon come style de Ragna y su pasión por el reggae, hizo que pronto se le fuera de las manos y aquello se

convirtiera en una obra de proporciones bíblicas. Quien más lo sufrí fui yo, porque a mí me encargaron el grueso de la actualidad: explicar cómo y por qué el reggae pasa de analógico a digital a mitades de los ´80, desde el sleng teng a los bobo dread y Xterminator, desde Cutty Ranks y Penthouse hasta los riddims terminales de Elephant Man y T.O.K. Además, tenía a mi cargo las biografías de algunos de los más grandes del momento (Sizzla, Capleton, Luciano, Anthony B). Así que cuanto más tiempo se retrasaba la edición final, más veces tenía que actualizar, lo que significaba un bucle sin fin del que no se salía. Al final, el parque de banda ancha en España se hizo adulto a partir del 2000 y aquello dejó tener sentido, salvo que Dr. Decker y Papa Dick consigan editarlo en 2011, en algo que supongo no será muy parecido al original. Guidance!

Al mando de tu programa de radio Onda Babylon FM, que emitiste cada Jueves por la noche en Radio L´Horta en el periodo 1995-1999, pudiste trasladar el concepto del dancehall y la música jamaicana de baile a través del dial de tu programa semanal y gracias a compañeros como Sito & Babylon Squad. ¿Recuerdas cuál era la respuesta de tus oyentes y cómo se percibía la música negra de baile entre la juventud de la época? ¿Las sesiones que organizabas en el bar Kingston eran un pretexto para conocerlos y estrechar el vínculo con ellos? ¿Por qué decidiste abandonar la radio en favor de los medios escritos?

En los primeros ´90 existía una clara división entre los ortodoxos del roots, entre los que se encontraba casi todo el clan de Jah Macetas y los más jóvenes de sus seguidores, como la gente de L’Horta Rasta de Aldaia y Alaquàs (y de los que, en 2000, surge todo lo del Festival de Aldajah y muchos sounds como Stereotone) y los que ya nos gustaba el hip hop, que no habíamos tenido problema alguno en aceptar y disfrutar el raggamuffin (¡¡si hasta lo cantaba Gregory Isaacs!!). Yo había tenido la suerte, además, de ver a Shinehead en el downtown de Manhattan en el ´89, a Ninjaman en el ´90 en Brixton y a Charlie Chaplin en Mo’Bay en el ´91, así que había podido empaparme de la emoción del dance en directo. Boo-ya-kaa!! Pero para los que no

CARLOS MONTY habían salido, la imagen gangster + slackness resultaba demasiado agresiva y contradictoria con el paz-y-amor del discurso jipi del reggae tradicional. Con todo, Pere Andrés había montado una tienda de discos llamada Negril que le hacía ser algo más permeable y, sobre todo, el batería de Macetas, Choni Mantarás, montó con un socio un bar llamado abiertamente Dancehall en la zona pija de la ciudad, tras un viaje a la residencia del cónsul español en Jamaica -que era valenciano- en pleno boom de Los Pericos y, sobre todo, del “Action” de Nadine Sutherland con Terror Fab. Además, conocía de Radio Klara a un dinamitero muy tímido llamado Fandos, que en el ´92, tras volver de un viaje a Miami, acaba de empezar a editar un fanzine de hip hop y dancehall llamado Rapapolvos -que entonces era casi una hoja parroquial, por lo artesanal y la poca tirada-.

El destino: resultó que Fandos era vecino, puerta con puerta, con Peter, un nigeriano de Londres al que yo ya conocía porque tenía un bar llamado Kingston justo al lado de mi casa, donde ponía los últimos vídeos negros de la MTV, que entonces no se captaba en España. Así que la conexión estaba servida. Empecé a colaborar en el fanzine y cuando Peter se cambió a un local más grande, yo ya hacía tiempo que había empezado Onda Babylon FM en una emisora comercial y a combinar sin complejos hip hop y dancehall. Para mi fortuna, coincidí en el momento con el lanzamiento de los singjays y la mezcla entre roots y dancehall resultó más natural (y más a mi gusto, por cierto). Peter “Kingston” junto a Txaloman Dj -que pinchaba jungle- y Xino-Xano -que pinchaba rocksteady y rockers-, además del Sr. Sito -que era residente conmigo en el programa-, pasaron a formar el Babylon Squad como equipo de mixtape en la última media hora del programa. Yo me reservaba el bashment con los últimos riddims y novedades jamaicanas. Al principio, nuestra audiencia mayoritaria venía del hip hop y no aceptaba muy bien el cruce con lo jamaicano. Querían escuchar a Dr.Dre, Wu-Tang, Das EFX o lo último de las maquetas y primeros cedés en español, pero yo me sentía reforzado por gente como la Opepé, con quienes conecté desde sus comienzos. Así que, tras varios Babylon Bashment de buena acogida en garitos populares de la ciudad, montamos uno

myspace. Toda la suerte que tuvimos con la radio, nos faltó con la televisión. Incluso intentamos hacer Rapapolvos TV, con el Chino y el Hermano Ele de la Opepé como copresentadores (hubiera sido la leche, con lo ocurrentes que son), cuando Canal+ reinaba en el fútbol y quería lanzarse a la producción propia de cadenas temáticas. Pero entonces llegó Álvarez Cascos con lo de la ley del interés general del fútbol y el mal negocio de Vía Digital y todo quedó paralizado en los despachos de Torre Picasso. gordo para presentar el estreno de la peli Dancehall Queen en la discoteca africana Ambians. Lo natural era terminar la fiesta en el Kingston de Peter, que ya era como nuestra segunda casa. Fue a partir de entonces, con la continua presencia añadida de los madrileños Jazz Two, cuando el garito empezó a ser verdaderamente el centro de reunión de todo el who’s who de la música negra actual en el área, hasta que la poli lo cerró por problemas con las drogas y los vecinos a mediados del 2000. Pero su huella (y la nuestra, jeje) aún permanece en casi todas las generaciones de veinteañeros y treintañeros actuales.

Casi en paralelo, Onda Babylon murió de éxito. El dueño de la emisora trató de convertirlo en show de televisión, pero no nos fiábamos y acabamos en la calle en el verano del ´99. Tratamos de seguir en Internet, pero la banda ancha aún no estaba suficientemente preparada en España. En cualquier caso, en breve podréis ver un video de un radio show en directo de aquella época, recuperado para mi

A finales de los noventa te embarcas en un proyecto que, aunque en la actualidad no lo parezca tanto, era ciertamente ambicioso: me refiero a la publicación de música afroamericana “AfroXpress”, de la que eras director y que ha servido como ejemplo y punto de partida para revistas posteriores como Hip Hop Nation, Hip Hop Life, Serie B o Hipflow. ¿Era viable un proyecto así con un enfoque más profesional cubriendo géneros musicales tan minoritarios entonces como el rap, el reggae, el jungle o el funk? ¿Cuál era la tirada y dónde se distribuía principalmente? ¿Cuánta gente se encontraba involucrada en este proyecto, de qué manera os coordinabais y cómo decidíais los contenidos de cada ejemplar?

La idea de AfroXpress sale de Víctor, el dueño del sello independiente Avoid. Víctor era un chico venido de Alzira que en 1999 estaba en la cresta de la ola de la naciente industria patria del hip-hop porque tenía en su catálogo los másters de los primeros discos de Jazz

Two, Violadores del Verso, Solo los Solo y Geronación y se había ido a Madrid para tontear con Boa, EMI y otros monstruos en busca de mayor fortuna. A su manera, había ido construyendo un circuito nacional que antes no existía, sobre todo gracias a la agencia de road management paralela Rapaz, de Furry y Nacho, a los que los artistas que ahora son súper reconocidos deberían hacerles un monumento. Así que habíamos colaborado juntos a través de Onda Babylon FM en su despegue y sé que era oyente del programa. A base de topar con las limitaciones promocionales de Mondo Sonoro y los elitistas catalanes de Rock de Lux, comprendió que necesitaba un instrumento especializado en prensa de kiosko al estilo de la revista francesa Radikal y decidió montar su propia revista.

Tuvimos un cónclave en Barcelona con Aurelio del Jamboree, Miguel Ángel Sutil del Enlace Funk y alguno más que no recuerdo. Al final, Víctor impuso su idea de que la revista no debía tratar sólo de hip hop y, por tanto, no debía llevar referencias explícitas al rap en la cabecera. Así que Aurelio abandonó el proyecto y me acabaron eligiendo a mí como director. A partir de que se eligió la cabecera de AfroXpress, nuestra vinculación a la cultura negra en el sentido más amplio estaba marcada. Y eso significó que no sólo habláramos de los estilos musicales que dices, sino también de jazz o r&b, de cultura y cine negro más allá de los tópicos (Chester Himes o Frantz Fannon pasaron por sus páginas), de Etiopía, del profeta Melchezedek, o incluso de videojuegos y deportes extremos en busca de la publicidad que nos negaban las discográficas españolas. En el año 2000, las majors en España no se atrevían ni a pagar un faldón de publicidad en artistazos ya mainstream como D’Angelo o Missy Elliott, aunque al mismo tiempo fueran Nº 1 en Estados Unidos. Por no hablar del underground. ¡A veces había que rogarles hasta las fotos promocionales! Eminem ni siquiera había triunfado en España todavía (y dudo que lo hubiera hecho si no hubiera llegado a las pantallas “8 Mile”). Así que nos encontramos con un problema financiero incomprensible, porque además Víctor quería profesionalizar del todo la imagen del hip hop en España y para eso quería superar definitivamente el concepto

de fanzine, con una edición a todo color y a todo lujo con tapa dura, que era carísima de producir sin apoyo publicitario suficiente. Teníamos los temas, el enfoque y prácticamente todo el who´s who español en la materia a la hora de escribir, desde Zock (Cookin’ Soul) y Sergio Kopa en hip hop, hasta Arse de Geronación en cine blaxploitation y muy buena gente en Madrid, además de Ragna, Dr. Decker y Papa Dick en Barcelona. Pero, sin recursos, su muerte prematura estaba anunciada.

Sólo pudimos sacar un Nº0 promocional y gratuito que se ventiló en días en garitos, fiestas y tiendas de discos en Noviembre del ´99 y cuatro números ya oficiales en kiosco, de Febrero a Junio de 2000. Los pioneros siempre pagan el precio. Además, las envidias y el recelo de una comunidad hip hop, todavía demasiado ignorante y cerrada en sí misma, hizo el resto. Otros trataron de dar el paso a revista para competir, pero tampoco perduraron. Recuerdo que el director inicial de Hip Hop Nation nos llamó desde Málaga cuando

íbamos por el Nº2 para decirnos que casi se caen de la silla cuando nos vieron aparecer, porque ellos iban a lanzar un proyecto parecido y nosotros nos habíamos adelantado. Incluso nos propusieron aliarnos, pero su calidad entonces dejaba mucho que desear y no encajaba con nuestro concepto más amplio de “menos niggas y más afros”. Después de cerrar, durante meses estuvimos tratando de vender la cabecera a distintos grupos editoriales europeos para poder resucitar, pero como los españoles siempre hemos tenido fama de musicalmente “retrasados” allende los Pirineos, no funcionó. El Vibe llegó incluso a sacar tres números por aquella época y también tuvo que cerrar.

Curiosamente, el único que quedó en pie fue Hip Hop Nation, gracias a que tenía detrás un grupo editorial más poderoso (que editaba como cuatro revistas a la vez) y que pudo asumir las pérdidas durante meses y meses y, todo hay que decirlo, gracias también a que en cuanto desaparecimos, nos copiaron prácticamente todas las secciones. Incluso llegaron a ofrecerme a mí la de ragga. Para colmo, Boa, que distribuía a Avoid, se las apañó para sacar a Víctor del mercado, en su afán por convertirse en la discográfica hegemónica del rap nacional, justo cuando empezábamos a despegar con AfroXpress y eso ya fue la puntilla definitiva. Para mí fue una experiencia conceptual estimulante, pero profesional tan frustrante, que me recordó que yo nunca me metí en esto de la música por la pasta, sino por el placer y, desde entonces, practico esta máxima a rajatabla.

Como viajero impenitente que eres, imagino que habrás tenido ocasión de visitar Jamaica de cara a documentarte para tus obras y conocer de primera mano el contexto social, político y cultural en que se desenvuelve la isla. ¿En qué momento viajaste allí y cómo planteaste dicha experiencia? ¿En qué estado se encontraba la isla en aquel tiempo, tanto en el aspecto musical, como a escala sociopolítica? ¿Coincidiste con artistas o integrantes de sound systems con los que tuvieras ocasión de intercambiar opiniones? ¿Qué fue lo que más te impactó a nivel personal y qué te hizo replantearte tus esquemas

CARLOS MONTY vitales?

Yo llegué a Jamaica en el ´91. Entonces no había casi españoles que hubieran visitado la isla. Acostumbrado al roots & culture de Londres, el choque cultural me pareció brutal, incluso aunque yo ya conocía, por NYC, muchos códigos del hip hop. Era la época álgida del slackness, con Shabba Ranks gobernando desde el camión de la CBS americana con “Trail Load A Girls”.

Casi ningún joven conocía nada anterior al sleng teng, más allá de los buscavidas tocando el “No Woman No Cry” con guitarras rotas para sacar algo de los turistas.

Como descubriría después en otros viajes, allí un blanco significaba un dólar. Y no me extrañaba viendo las manadas de comemocos yankees adolescentes y blancos descargando cada día en los principales destinos turísticos. Si no eras capaz de comunicarte y entender el sentido del humor bizarro y callejero de los jamaicanos, podías sentir el racismo al revés. Sin embargo, cuando escarbas más, te vas al campo o a las montañas y huyes de su propia Babilonia, sientes las verdades escondidas del reggae, más allá de las modas. Las verdades del Caribe africano y su fuerza espiritual. Yo tuve la suerte de conocer a Braggah en la casa-museo de Marley en Kingston, quien se prestó a acompañarnos por la capital. Gracias a eso, me presentó a Freddie McGregor, con el que coincidimos en la tienda de Coxsone y al que entrevistaría años después en Madrid. Me impresionó la fortaleza interior de Braggah y su dominio de la situación en Trenchtown o Channel One Studios, donde también recalamos. No pidió un dólar por acompañarnos. Por eso, se convirtió en un personaje fundamental de mi bío sobre Bob. Años más tarde, me enteré que no sólo era miembro de la Fundación Marley, sino que había sido, por mucho tiempo, su mano derecha para asuntos domésticos. Él fue quien me dijo: “ve y enseña a los otros” -“spread the holy word”- y aquello me quedó marcado. Pero también me impresionó, para colocarme en el punto de vista jamaicano, un concierto con Freddie, el fallecido Príncipe del Reggae, Dennis Brown y mi siempre admirado Beres Hammond. En medio de tanto talento, salió a animar Charlie Chaplin, que practicaba dancehall y slackness sin complejos, a

lo Yellowman. Yo, como cualquier blanco, no entendía por qué aquellos gestos obscenos en el escenario y aquel lenguaje procaz y machista alborotaban tanto a las chicas, así que me fui a bailar a las primeras filas. Cuando me echaron de allí a empujones (ellas), comprendí que detrás del frenesí del slackness y lo incorrecto, por primera vez ellas tenían el mando y se sentían protagonistas, aunque fuera a través del sexo.

Por eso triunfa tanto todavía hoy (incluso a través del “perreo” en la comunidad latina). ¿Y quién era aquel blanquito para llevarles la contraria en su propia casa?

Los foros del reggae en Internet en España han ardido durante años con esta cuestión, sobre la que nadie ha sabido nunca darme respuesta.

Freddie and Monty at Coxone’s shop

Como has tenido ocasión de dialogar en persona con Fredddie McGregor o de compartir desayuno con Alton Ellis o Dennis Alcapone, entre otras luminarias jamaicanas, me imagino que albergarás gratos recuerdos almacenados en tu memoria y anécdotas variopintas que merecen ser contadas. ¿Cómo conociste a estos -y otros artistas-, cómo era el trato humano con ellos y qué lección aprendiste de los momentos compartidos? ¿Algún jamaicano o americano cuyo comportamiento decepcionara tus expectativas iniciales o que, por el contrario, te sorprendiera gratamente? De los artistas ya fallecidos, ¿te ha quedado pendiente por conocer alguno en concreto que te apeteciera especialmente? ¡Claro que me he quedado sin ver a algunos grandes! La muerte reciente de Sugar Minott me afectó mucho. O Jacob Miller. O el mismísimo Marley, cuando me quedé con la entrada en la mano en 1980 y el Gobernador Civil de Madrid, Rosón, prohibió el concierto sólo porque 7 días antes habían asaltado el escenario y le habían quemado el equipo a Lou Reed en el mismo estadio del Moscardó. Y menos mal que pude ver a Augustus Pablo antes de que se fuera al valle de Zion.

En el escenario, me acuerdo que me impactó mucho la primera vez que vi a Yellowman en Nueva Orleáns en el ´93 (nada menos que en el Tipitina’s, chicos). Pero, en la corta distancia, quienes más me han impresionado

han sido Joseph Hill, con su ojo tuerto y su cara picada; Mr. Winston Rodney, por su sola presencia (cada vez que le recuerdo cantando a capella “Jah No Dead” para consolar a su amigo Leroy “Horsemouth” Wallace en la película “Rockers”, se me pone el vello de punta) y, muy especialmente, Frankie Paul. Verle ponerse a cantar góspel él solo y ciego, sentado en una mesa en mitad de un restaurante de Barcelona, para agradecer a Dios el almuerzo que se acababa de comer, fue escalofriante.

Dennis Alcapone es un estupendo tipo, que como todo el mundo que lo conoce sabe, es un libro abierto y una bicoca para cualquier curioso sobre Jamaica. Y de los nuevos, me impresionó mucho Anthony B. Cuando lo entrevisté en su primera visita a España en el ´99, me parecía increíble que una fuerza de la naturaleza tan joven, como acababa de demostrar en el escenario del Apolo, pudiera ser alguien tan pacífico, humilde y maduro sólo unos minutos después en el camerino.

Por el contrario, nunca olvidaré el rollito de estrellitas pedantes que se llevaban Chaka Demus & Pliers y su mánager en Mallorca en el ´96, vacilando con el momento de hacer la entrevista. Para entonces, yo ya hacía mucho que había dejado de ser un toy y acabé mandándolos a la mierda y yéndome a ver a Burning Spear. El gato Buju, en cambio, me demostró que no es, ni por asomo, lo que se dice de él en Babilonia. Who feels it, knows it.

Tras una buena cantidad de años involucrado en al primera línea del frente de batalla de la música jamaicana y afroamericana, sea a través de tu programa de radio, de la publicación de la revista o de libros, decides adoptar un rol digámoslo más secundario, al tiempo que tus miras musicales y culturales comienzan a virar hacia Sudamérica y África. ¿Necesitabas oxigenarte y recuperarte de tanto esfuerzo concentrado en diversas actividades? ¿Qué has descubierto en los citados territorios y culturas que no te aportara a nivel vivencial Jamaica? ¿Te planteas abordar una actividad militante a favor de la difusión de dicha culturas como la que desarrollaste en la música jamaicana y afroamericana?

Monty and Franvie Paul

Alton Ellis, Alcapone and Robotiks with Monty

No considero que actualmente haga falta ninguna militancia musical o cultural concreta y si resulta necesaria, se la dejé hace tiempo a gente más joven, como tú. Nunca quise convertirme en gurú de nadie ni de nada, sino sólo pasar el testigo de la información en una época en que la ignorancia era obligada por la falta de cauces y acceso de la mayoría. Hoy día tenemos otros problemas, porque con Internet y los portales, grupos, foros y redes sociales especializadas, quien quiera informarse, puede hacerlo de lo que quiera. Hoy el problema, además de la saturación de información manipulada y la falta absoluta de ética de los media dominantes, lo tenemos aquí dentro, con las fronteras interiores. Por eso, desde que me retiré del primer plano -como tú dices-, concentro mis esfuerzos en áreas de inmigración y extranjería, para seguir combatiendo la xenofobia y el imperialismo cultural, venga de donde venga. Eso no significa que no siga

en la brecha musical, pero sólo escribo para el Enlace Funk, por el respeto a todas las músicas y culturas de su infatigable editor M.A. Sutil y cuando encuentro una historia que trasciende al mero producto discográfico o artístico y representa a su comunidad, como hizo Marley cuando reclamaba la mayoría de edad para su pueblo y, por tanto, su derecho a equivocarse que los listos de la metrópoli siempre negaron (y siguen negando) a los “atrasados” de las colonias. Nunca volví a Jamaica. No lo necesitaba. Jamaica como tal es el punto negro de la diáspora africana, que es seguramente la mayor epopeya de la historia de la humanidad. Tan sólo un puerto de esclavos y de piratas resabiados entre el dólar americano y el abuso del mito africano, condenado a la explotación neocolonial como tantos otros pueblos del mundo. Y ahí está el caso de “Dudus” Coke -ver ALB 98- y los muertos de Kingston el pasado Junio para atestiguarlo. Aunque siga teniendo una producción musical imparable, como continentes musicales, me interesaba más descubrir otras raíces comunes. La vida es corta y el mundo grande, amigos.

En Brasil han seguido experimentando con la utopía de Bob y el panafricanismo revolucionario, pero su potencia histórica y creativa es tan inabarcable que unas raíces te llevan a otras irremediablemente. Estuve en África negra por primera vez en el ´96. Cuando llegué a Dakar, no daba crédito a que la música en los taxis se repartía a partes iguales entre Bob, Peter y Bunny y los cantos religiosos. Pese al natural estoicismo de los pueblos africanos, su alegría de vivir en medio de condiciones hostiles, siempre me emocionó, en contraste con lo muerta que está la vida plástica y ordenada que llevamos en Occidente. Cualquiera que haya volado de Dakar o Mali a Las Palmas sabe de qué hablo. Cuando estuve en el Callao en Lima, comprendí que no había grandes diferencias entre lo que significó Bob Marley para los sufferers negros del mundo y lo que significó Héctor Lavoe para las gentes criollas de los pueblos latinos. La importancia del impacto de un artista en su comunidad, como Youssou N’Dour en Dakar o los citados, deja en segundo plano, que ya no me interesa, el anecdotario discográfico de un artista en particular.

CARLOS MONTY Recientemente se te ha encargado, desde la organización del festival italiano Rototom Sunsplash, la coordinación de la Reggae University, en la que has accedido a programar las presentaciones en el marco de una actividad para la que te has complementado con el periodista y biógrafo oficial de Lee Perry, David Katz. ¿Has mantenido una relación de intercambio de información y material durante estos años con coleccionistas, críticos o periodistas foráneos como el mencionado David Katz o Steve Barrow? ¿Cómo valoras que se te haya escogido a ti para desempeñar la coordinación de esta actividad? ¿Se podría interpretar tu participación en este foro público como una invitación a retomar el papel esencial que tuviste en el panorama reggae estatal? ¿Te plantearás un retorno a la primera línea de fuego a corto o medio plazo?

Lo del Rototom no es ningún tipo de reconocimiento internacional. Las cosas no funcionan así. Es tan sencillo como que alguien del Departamento de Comunicación del festival, que me conocía por medio de amigos comunes, me contactó para proponerme algún tipo de encuentro sobre el reggae en español al hilo de la Reggae University que el Rototom organiza desde hace años. Empezamos a trabajar y me contactaron con David Katz, quien se quedó muy impresionado con la profundidad de mis propuestas. Creo que ni siquiera sabían que en España hubiera gente que supiera tanto de cultura jamaicana, pero están aprendiendo a conocernos, así que de momento, este primer año en España, esa propuesta la van a dejar madurar y no se va a realizar, porque van muy sobrepasados con la organización en sí misma y mis indicaciones les han generado una serie de contradicciones que no han podido resolver a tiempo. Esperemos que con más calma y conociéndonos todos un poco mejor, si el festival se asienta en Benicàssim, pueda organizarse debidamente el año que viene.

Se dice que aquellos que nos hemos dedicado, profesionalmente o no, al periodismo musical, a la investigación en esta materia y a la crítica

comprendí que lo mejor era ser yo mismo, le pesara a quien le pesara. Y más de una bronca pública y de un intento de censura de algún manager o algún promotor, he tenido que sufrir a consecuencia. Pero son gajes del oficio. Yo no sé música, pero tengo oído, así que más que producir o editar discos, algunos me han buscado como crítico experto para darles mi opinión antes de editar, sobre todo gente del hip hop, pero la industria discográfica (aunque fuera en autoediciones) nunca me ha interesado demasiado.

discográfica, se debe a que no hemos desarrollado el suficiente talento musical como para habernos dedicado a las labores creativas de componer e interpretar. ¿Estás de acuerdo con esta afirmación? ¿Has hecho tus pinitos en el mundo de la música? ¿Te han planteado o te has planteado en alguna ocasión la producción o edición de un álbum? ¿Cómo ha sido tu relación con aquellas bandas cercanas de las que luego has tenido que escribir? ¿Instrumentos? Cuando yo tenía 17 años, casi todos mis amigos eran artistas multidisciplinares y, por supuesto, tocaban algo. Tanto insistir, me propuse tocar(me) algo, así que dije que aprendería a tocar el saxo, que parecía que con eso se ligaba mucho en las pelís, jeje!

Cuando comprobé que por mucho que lo intentara, no le sacaría un triste ruido ni a una vuvuzela, preferí quedarme con las palabras. Lo cual era un problema, porque tenía (y sigo teniendo) muchos amigos que son músicos, pero no muchos de ellos tan buenos como se creen y, en cambio, hay otros buenísimos que en lo personal son impresentables. Cuando aprendí eso,

En tu página (www.myspace.com/carlosmonty_net) viertes una crítica sin miramientos hacia el lobby homosexual -tildándolo de “mafia rosa”-, motivada por la cancelación de la gira europea de Sizzla debido a la lírica abiertamente homófoba que éste -como tantos otros vocalistas de dancehall- vocifera. La firma del Reggae Compassionate Act parecía una eventual solución a este problema al comprometerse los artistas con los promotores a no incluir referencias homofóbicas en sus actuaciones europeas y, sin embargo, en la práctica no parece haberlo sido. ¿Cómo se conjuga el respeto a los derechos humanos de los homosexuales con la libertad de expresión de los vocalistas jamaicanos? ¿Será posible sentarse a dialogar ambas partes y abandonar las posturas intransigentes y enrocadas que mantienen? ¿Hay que apelar al relativismo cultural para comprender este fenómeno? ¿Cómo te posicionas tú respecto de la homofobia en la cultura jamaicana?

Sé que lo que voy a decir puede no ser comprendido aquí y puedo ser tildado de homófobo. Por eso, empezaré explicando que durante los ´80 y ´90 tuve muchos amigos homosexuales, alguno de ellos íntimo, tanto dentro como fuera de la música. En una época en que aún estaban perseguidos o rechazados en España, nunca encontré una posición intolerante por su parte.

Por el contrario, eran iconoclastas como yo, por eso pude visitar sitios de ambiente y otros lugares oscuros sin que nadie me faltara al respeto por mi condición heterosexual. Lo importante eran las personas y no su condición o forma de pensar. Sin embargo, conforme sus élites iban alcanzando cuotas de poder mayores,

éstas empezaron a mostrarse tan intransigentes y culturalmente imperialistas como las demás. Mucho antes del reciente escándalo por acoso sexual del Director de Canal 9, los propios gays valencianos ya denominaban a la tele autonómica “Anal Nou”, porque el acoso sexual al que eran sometidos los jóvenes efebos por algunos directivos gays, era un secreto a voces.

Eso hoy no se podría decir. De la misma manera, con el aumento progresivo de los resorts privados en las Playas de Ocho Ríos, Negril y Port Antonio desde los ´80, en Jamaica era un secreto a voces el turismo sexual de los “Johns” gays, lo cual no era más que otra forma de opresión del blanco sobre el negro, aprovechando la desigualdad económica y la privacidad de los jacuzzis y gyms de los hoteles para turistas. Cuando, a finales de los ´90, comienza en Jamaica la cruzada del “Fire A Bun Dem” y en Estados Unidos empiezan a venderse más discos que nunca de Buju Banton, Bounty Killer, Beenie Man y Capleton, los racistas etnocéntricos del Billboard ya se levantaron en pie de guerra, como antes habían hecho con el jazz y el rythm’n’blues utilizando la excusa de las drogas, cada vez que alguien sacaba la cabeza de las listas de los “discos de raza”. Recuerdo como desempolvaron la letra de “Boom Bye Bye” para cargar contra Buju y eso que había sido editada en el ´92. Nadie contaba en USA o Europa que las continuas referencias jamaicanas al “fuego” en la letra de las canciones de los ´90, no es más que una metáfora religiosa de purificación, como en Fallas o en Sant Joan se quema todo lo malo, todo lo viejo, para buscar un renacer. Millones de africanos en todo el mundo hacen una gran fogata para celebrar cada primavera. Más allá de los excesos verbales de más de uno (Capleton llegó a acusar a Frankie Paul de battyman en la letra de “Pure Sodom” para Fat Eyes) y de los descerebrados que en Jamaica llevan de vez en cuando la ficción a la realidad, los tan ilustrados gays euro-americanos, que se creen tan moral y culturalmente superiores, deberían saber que la intolerancia hacia su colectivo es general tanto en África, como en Latinoamérica y que no se combate prohibiendo expresiones artísticas, sino educando para transformar la sociedad. En ese sentido, la maniobra de la mafia rosa europea para

retirar a Sizzla el visado que ya tenía concedido en Alemania y que provocó la suspensión del resto de su gira europea, incluida España, que denunciaba su promotor local Julián de Roots & Vibes y de la que yo me hacía eco en mi myspace, o las continuas cargas en la prensa de Barcelona contra Beenie Man cada vez que viene, son un auténtico insulto a la inteligencia. Porque una cosa es promover reformas legales por la igualdad de derechos y otra muy distinta empezar a censurar expresiones artísticas, que siempre deberían tener un margen mucho más amplio de libertad creativa que la panoplia biempensante. Cuando se empieza a poner bozales a los artistas, a quemar públicamente libros o discos, aunque sea en aras de la corrección política (de algunos), no se está muy lejos del fanatismo que se dice combatir. Por razones parecidas me acabé yendo de Radio Klara en el ´92. Así que conmigo que no cuenten para eso.

Desde varios de tus escritos te has posicionado como un opositor al capitalismo, denunciando expresamente sus características prácticas productivistas/consumistas que degradan el medio y las relaciones interpersonales. ¿Qué otro sistema o sistemas de los que has conocido a lo largo de tus viajes por el mundo crees que sería/n conveniente/s y operativo/s para plantearse como alternativa creíble y realizable en este momento? ¿Cómo trasladas a la práctica y a la ética personal tu pensamiento altermundista? ¿Qué modos hay de burlar el capitalismo cuando prácticamente todo está impregnado de éste?

Tampoco he descubierto la pólvora. Suelo compartir el ideario anarquista y radical, en el sentido tolerante de la palabra y no en el sentido que manipuladamente se le ha dado desde la Guerra Civil española, como fanático y nihilista. Dicho esto, los medios autogestionarios y asamblearios de organización, como en el Rototom, suelen ser los más fiables, aunque siempre acaba haciendo falta un núcleo duro para garantizar la eficacia de la gestión, con el peligro de endogamia que eso comporta. Ese siempre ha sido el caballo de batalla en las organizaciones no capitalistas. Pero cuando tratas de aplicar esos esquemas a los medios de producción, por ejemplo con asociacionismo y cooperativas (en América Latina se ha intentado e intenta muchas veces), siempre te encuentras con la represión policial instigada por los lobbys de los poderosos. Que le pregunten a Zelaya en Honduras. Así que, aquí en Babilonia, hay que ser realistas. Como el área está súper controlada, tecnológica y policialmente, sólo cabe educar y rearmar moral y culturalmente a la sociedad civil todo lo que se pueda para impedir que los prohibicionistas de izquierdas y derechas se acaben haciendo con el control total del pensamiento.

En ello están. Situaciones de crisis -o, mejor dicho, de estafa- continuadas como ésta, deberían ser una gran oportunidad que no deberíamos dejar pasar. Y si la cultura del reggae y de otras latitudes nos trae algo de alimento para el espíritu y arroja un poco de vida a nuestras maltrechas neurosis, bienvenida sea.

Seen?

ENGLISH VERSION

carlos monty AN AFROACTIVIST IN THE SHADOW

by Larry ACR We had an outstanding debt with Carlos “Monty” Montouto in two ways. On the one hand, as an Jamaican music activist who has been relegated to public oblivion –partially as he left, willingly, the frontline of battle a few years ago-. On the other, obviously, the significant fact that has developed its activism in the city from which this publication is edited, makes us “use” him in order to try to complete a puzzle whose remaining pieces we had already begun to treasure in previous issues -Sergio “Rebel Killer” Monleón, Alberto Tarín…- in order to reconstruct the development of Jamaican music in Valencia and its surrounding areas. Judging the explicitness and precision of his answers, it seems that Monty had -and still has- many ideas and memories to transmit and that he was just wanting for someone to pull his tongue in order to express it with the highest level of detail.

As an activist for Afro American and Jamaican music in our country you lived the beginnings of the introduction of reggae in the city of river Turia, which in the early eighties had very little concerning, as the local band Jah Macetas (created in 1982). I would like you to use it to remember in great detail how Valencia Jamaican music scene was at that time you began to become interested on it. What outstanding performances took place at that time and promoted by whom? How did you get the albums, culture and information in a context in which it was so complicated to do so? What was the interpersonal relationship among reggae fans in Valencia in the eighties?

Well, I was born in Madrid, where I lived until 1984, when I moved to Valencia. So, first of all, I was lucky enough to live the global clash between the angry energy of the post-Franco regime districts and the renegade elites of the wealthy families of the center of

the capital. What was later bad named as the “movida madrileña” and I always preferred to call “nueva ola madrileña”, how it was truly known then. In the late 70s, Juan Carlos Casado had become the fashion A&R as he got for the newcomer Spanish branch of Virgin the distribution of Island Records. Bob Marley -and, above all, Peter Tosh- had revolutionized the punk rock and British new wave and reggae was popular in the islands. Ordovás did not stop talking about it in Disco Express, although at TVE´s Popgrama the opinion was divided. But due to this slit, to the Discoplay call effect and to the independent broadcast at Onda2 FM that the releases of Third World, Aswad and Steel Pulse would slip when they were published in Spain. I still have the singles with their Spanish cover. Even “The Harder They Come” was released at the cinemas. Then UB40 came and the fashion for “aware” became music for all ages, with Jimmy Cliff and his “Reggae Nights” bypassing the 2Tone ska, which only lasted for two or three years. Where the posh kids went into the “nueva ola madrileña” and set up shops in Argüelles, with badges and jackets bought in London with the money their dads gave them, everything became a huge commercial assembly so called post-modernity or “movida madrileña”. It came the time for me to emigrate and found myself in Valencia with a much more advanced elite than in Madrid, in the middle of a capital that, at its best, was still anchored in the Velvet Underground and Bob Dylan, but with new generations ready to get updated at full speed. The same hunger I had seen in the working class districts of Madrid five years ago. Besides Radio Klara, one of three pioneering pirate radios in Spain and a huge seedbed for all kinds of music, in which I got through Juan Vitoria in 1985 in order to make my first radio show, called “Todo Negro” (you will imagine what it was all about). I was fortunate to connect with the people of pub Brillante, placed in the neighborhood of Ruzafa (Valencian Lavapiés today). The resident DJ was Rafa Villalba (for many years drummer for Jah Macetas and Seguridad Social). Like me, he was very fond of the ‘80s digital soul and it was him who played for me at his home the old Studio One, King Tubby and Channel One albums.

Hence, the contact with the core of Jah Macetas was simple. Sergio Monleón and Julio Far-I had edited in ‘85 their first demo “Jah Veus” and it was like a miracle.

In Valencia, with the beach, the horchata and the “marieta” of the 70s -which was still being planted in the countryside-, the reggae permeate as something consubstantial and its ideology and naturality was liked in all sectors of the music scene. But what called my attention most was not only his self-confidence to sing “Granjeros de Ciudad” in the Virgen square in the middle of Corcuera´s police “Operación Primavera” (1987), but the incredible black tone of their vocalist, the legendary Pere Andrés, later lost in his own inner demons. All the “wannabes” of modern music gathered at Brillante and at the time soul (also called r&b among the whites) was beginning to coexist with the Washington Go-Go style (of which I was a fan) and the hip hop of Run DMC, Fat Boys and, above all, Eric B & Rakim. So it was natural that, from time to time, Diego Manrique dropped (to see how we play things that did not sound in Madrid) and Michael Campbell appeared to teach live what a sound system was. Mickey was a Jamaican from London who was an English teacher at Valencia for a few years and soon became an animator at the Macetas shows. Through him, the guitarist Steven “Marley” Wright, who had worked with I-Jahman Levi and Pablo Moses among others, came and due to him, the latter acted at Valencia in 1988 when there

CARLOS MONTY were no Jamaican concerts in Spain. That gave rise to a true mystic revelation that lasted until the mid-90s, with almost exclusive performances of Israel Vibration with Roots Radics and Culture, among others.

You are known at the literary field as the author of the second Spanish biography of Bob Marley, Positive Vibration (La Máscara, 1993), an unorthodox work in its approach and well received, selling the considerable amount of 40,000 copies in seven printed editions and being translated into Portuguese, French and Italian. Who proposed you to edit it and how did you organize yourself in order to materialize it? In which sense this work represented a turning point in your life? Do you think that, by the time it was edited and the time elapsed since then, the book has mythologized or overrated? Are you aware of the impact it acquired worldwide?

That book is one of those literary works that come alive apart from the author. At that time I wrote in Rock de Lux and then I moved to Ajoblanco. But Juan Vitoria, who was consultant editor at La Máscara, had previously ordered me a biography of REM and may not know anyone in the press field that was more related to black and Jamaican culture than me when the editorial suggested the biography of Bob. At the time I did not stop travelling to London, the United States and Jamaica in ‘91 and I refused to accept the assignment because I was afraid to trivialize the Rastafarian culture and the legend of a myth in a collection, Imágenes del Rock, that seemed more likely designed to make a Super Pop magazine for adults about the heroes of rock, with so many colors and pictures. But in the end, everyone around pushed me so much that I accepted.

So my first thought was that I had to get out of the usual script for a rock biography. In addition, Ordovás had written his bio for Juglar, who was just a selection of texts from Melody Maker and NME on the stellar period of the Wailers in England (since ‘75) adapted for Spain. Therefore that was already told. What nobody had told is what I had experienced in my contact with the Jamaicans throughout the world. And I was right, because that was what the people in Europe was

eager to know and nobody had told him. To begin, we had to try to break with the Eurocentric view that the only truth is what is written. In the African tradition, rather than written, they have the rites and legends, which are an oral tradition. Any intercultural transfer must respect the original context. The opposite is to manipulate, which is what has always happened in Spain, both with music as with other forms of art.

So it goes. So, to make it more recognizable to nonAnglo white readers, I made a dash novel about a music critic contracted by millionaire collectors that, after a night of drinking, cross a bet on the existence of a pressed into solid gold copy of “Exodus” on the island. A contradiction, as everything in Jamaica and in general in Africa, is. My Babylonian golden calf helped me to convey both the biography of Bob and its origins, including the independence of Jamaica, the influence of Selassie, Garvey, the 12 Tribes of Israel or nyabinghi and to talk about cheating, marijuana and the habits from the Pirate Island. All seasoned with plenty of images that had never seen the light before in Spain.

The impact was colossal from the very beginning. The best thing is that, as it rides between legend and reality, fiction and real history, it forces the reader to dream of an unknown and uncertain world, that of the African reality, and that had nothing to do with the flashes of the press in Babylon. There were people who went to Jamaica taking my book as a map. Others complained

of not knowing where the true history finishes and fiction begins. Many believed it was an autobiographical tale. It was presented in Valencia coinciding with the visit of Culture in ‘93 and then in Madrid, in a more humble way, at Siroco, with the presence of Naturals and Desakato Dada. But my surprise came when I saw the reaction of the Africans who attended these events and who bought the book. Moreover, when it was translated into other languages -except to English, due to editorial licensing-, it became a phenomenon in South America and France. Across the Atlantic, I found people with hackneyed and rickety used copies in Rio, Buenos Aires or Lima. In France it became a bestseller at the FNAC, to the point that the French branch of La Máscara asked for permission in order to edit an abridged edition in a magazine format, which I never got to see and for which they never paid me royalties despite the more than 40,000 copies they published, as La Máscara bankrupted after suffering a fire in their stores. Even today people make hoaxes and comments on Internet about me and about a book that, rather than its didactic or biographical rigor -that did not fit the format of the collection where it was published-, served to make an international call on reggae and its culture and, above all, to offer another view when approaching the African reality in a very perverse and renegade island as Jamaica. In the words of José Miguel Lopez, who devoted to me a whole Discopolis on Radio 3, “in this book there are lots and lots of Jamaica.”

You were one of the specialized penmen -along with Xavi and David from Sound System Fm and Iñaki from BDF, among others- in which Ragnampiza trust in order to carry out that book on the history of Jamaican music which was to be entitled “La Isla del Tesoro” and which we still do not know if you will be edited at last. Do you remember how they proposed you to contribute to it and how did you coordinate between the various authors in order to carry it out?

What was your intervention in the book and what aspects or chapters did you cover? Do you think, if it definitely sees the light, that it will become a reference in the style such as English works as “The

Rough Guide To Reggae” or “The Virgin Encyclopedia of Reggae”?

I think there is no encyclopedic issue that can compete with Internet nowadays. My Marley´s bio would not make sense today either. And even less if the matter is to inventory references or historical data. There is too much information in the net for us to repeat it.

Another thing was when the book “La Isla del Tesoro” was written or when the idea emerged in the late ‘90s.

Ragna, who continued to work for Rock de Lux and had nearly the monopoly of reggae in the magazine (with permission from Luis Lles), had convinced them to make a “Reggae de Lux” in the style of that “Tecno de Lux” which was well received by its readers. But the “soon come style” of Ragna and his passion for reggae, soon made it exceeding his control and it became a work of biblical proportions. I was the one who suffered it the most, as I was ordered the bulk of present music, explaining how and why reggae moves from analog to digital in the mid-’80s, from sleng teng to the bobo dread and Xterminator, from Cutty Ranks and Penthouse to the terminal riddims of Elephant Man and TOK. In addition, I was in charge of the biographies of some of the greatest artists at the moment (Sizzla, Capleton, Luciano, Anthony B). So the more the final edition was delayed, the more times I had to update it, which meant an endless loop which we could not get out of. At the end, the broadband Internet in Spain reached its adulthood in 2000 and it lost its sense, except if Dr. Decker and Papa Dick get to edit it in 2011, in a format that won´t be quite much like the original I guess. Guidance!

At the control of your radio show Onda Babylon FM, which broadcasted every Thursday night at Radio L’Horta in the period 1995-1999, you could transfer the concept of Jamaican dancehall music and dance through the dial of your weekly program and thanks to colleagues such as Sito & Babylon Squad. Do you remember what the response of your audience was and how black music was seen among the youth of the time? Were the sessions organized in the Kingston bar a pretext to meet and strengthen the

link with them? Why did you decide to leave the radio for the printed media?

In the early ‘90s there was a clear division between the orthodox followers of roots, among which was almost the whole clan of Jah Macetas and their younger fans, people of L’Horta Rasta in Aladaia and Alaquàs (from which, in 2000, the Aldajah Festival and many sounds as Stereotone emerge) and those of us who liked hip hop, we have not had any problems to accept and enjoy the raggamuffin (¡¡even Gregory Isaacs sang it!!). I had been fortunate enough to see Shinehead in downtown Manhattan in ‘89, Ninjaman in Brixton in ‘90 and Charlie Chaplin in Mo’Bay in ‘91, so I could get soaked in the excitement of the live dance. Boo-ya-kaa! But for those who had not left abroad, the image of gangster + slackness was too aggressive and contradictory to the peace-and-love hippie discourse of traditional reggae.

However, Pere Andrés had built up a record store called Negril that made him be a bit more permeable towards it and, above all, Jah Macetas drummer,

Choni Mantarás, opened with a partner a bar called Dancehall in the posh area of the city after a trip to the residence of the Spanish consul in Jamaica -who was from Valencia-, in the time of the full boom of Los Pericos and, above all, the song “Action” by Terror Fab and Nadine Sutherland. In addition, I knew from Radio Klara a very shy bomber called Fandos, who in ´92, after returning from a trip to Miami, had just started editing a hip hop and dancehall fanzine called Rapapolvos -it was almost like a parish bulletin, made up artisanal and with a small print run-. The destination: Fandos turned out to be the neighbor, door to door, with Peter, a Nigerian from London who I already knew because he had a bar called Kingston right next to my house, where blacks play the latest MTV videos, which were not captured in Spain at the time. So the connection was served. I started to help in the fanzine and when Peter was changed to a bigger place, I had already begun with Onda Babylon FM at a commercial station and to combine hip hop and dancehall without complexes. To my fortune, it coincided with the moment of the launch of the singjays and the mix of roots and dancehall was more natural (and more adjusted to my taste, by the way). Peter “Kingston” with Dj Txaloman -who was playing jungle- and Xino Xano who was playing rocksteady and rockers- in addition to Mr. Sito -who was resident in the program as well as me-, became the Babylon Squad mixtape team in the last half hour of the program. I reserved for myself the bashment, with the latest riddims and news from Jamaica. At first, our main audience came from hip hop and did not accept very well the junction with Jamaica. They wanted to hear Dr.Dre, Wu-Tang, Das EFX, or the latest tapes and first CDs in Spanish, but I felt strengthened by people like the Opepé, with whom I connected since the beginning. So, after several well received Babylon Bashments held at popular locals at the city, we assemble a big one in order to present the premiere of the film Dancehall Queen in the African nightclub, Ambians. The natural thing was to finish the party at Peter´s Kingston, which was like our second home. It was since then, with the continued added presence of the Jazz Two from Madrid, when the club 55

CARLOS MONTY started to be really the gathering of all the who’s who of black music in the area, until the cops shut it down due to problems with drugs and with the neighbors in mid2000. But his mark (and ours) still remains in almost every generation of twenty-and thirty something today.

Almost in parallel, Onda Babylon died out of success.

The owner of the station tried to make it a television show, but we did not trust and ended up in the street in the summer of ‘99. We tried to go on the internet but the broadband was still not sufficiently prepared in Spain. Anyway, you will soon see a video of a live radio show from the time, recovered for my myspace. All the luck we had with the radio, failed with the television.

We even tried to do Rapapolvos TV, with Chino and Hermano Ele from Opepé as co presenters (which would have been great, so witty they are), when Canal+ reigned in football and wanted to start producing its own thematic channels. But then Álvarez Cascos came with the law that considers football of general interest and the bad business of Via Digital and everything froze at the Torre Picasso´s offices.

In the late nineties you embark on a project which, although it does not seem much for us nowadays, it was certainly ambitious: I mean the Afro American music publishing “AfroXpress” you directed and that served as an example and a starting point for subsequent magazines like Hip Hop Nation, Hip Hop Life, Series B or Hipflow. Was a project like this, with a more professional approach, covering minority genres at the time such as rap, reggae, jungle and funk viable? What was the printing and where was it mainly distributed? How many people were involved in this project, how did you coordinate and how did you decide each issue´s contents?

The idea of AfroXpress came from Victor, the owner of independent label Avoid. Victor was a guy from Alzira who in 1999 was on the crest of the wave of the nascent hip hop national industry because he had in its catalog the masters of the early records of Jazz Two, Violadores del Verso, Solo los Solo and Geronación and had gone to Madrid to fool around with Boa, EMI and other monsters in the search of a greater

fortune. He had been building his own way a national circuit that did not previously exist, mainly due to the parallel road management agency Rapaz, of Furry and Nacho, to whom the artists who are now recognized should make a monument. We had worked together through Onda Babylon FM in its beginnings and I knew he was a listener of the program. After coming across the promotional limitations of Mondo Sonoro and the Catalan elitists of Rock de Lux, he realized he needed a kiosk press specialized instrument similar to the French magazine Radikal and decided to start his own magazine. We held a meeting in Barcelona involving Aurelio from Jamboree, Miguel Ángel Sutil from Enlace Funk and some others I can not remember. At the end, Victor set his idea that the magazine should not be only about hip hop and, therefore, should not carry explicit references to rap on the head. So Aurelio abandoned the project and they ended up choosing me as the director. Since the head of AfroXpress had been elected,

our commitment to black culture in its broadest sense was settled. And that meant that we did not only talked just about the musical styles you aforementioned, but also about jazz and r&b, black culture and black cinema beyond the clichés (Chester Himes or Frantz Fannon appeared at our pages), Ethiopia, the prophet Melchezedek, or even extreme sports and video games searching for the publicity the Spanish record labels refused to pay. In 2000, the major labels in Spain did not dare to pay skirt advertising for already mainstream artists such as D’Angelo or Missy Elliott, even if they were at the same time No. 1 in the U.S. Not to mention the underground. Sometimes you had to beg them for the promotional photos! Eminem hadn´t triumphed in Spain yet (and I doubt he would have done it if “8 Mile” had not been released on the screen). So we meet with an incomprehensible financial problem due to the fact that Victor wanted to professionalize the whole image of hip hop in Spain and wanted to finally overcome the concept of a fanzine, with a luxury full-color hard cover edition, which was so expensive to produce without the enough advertising support.

We had the themes, the approach and virtually all Spanish Who’s who in the matter at the time of writing, from Zock (Cookin’ Soul) and Sergio Kopa in hip hop, to Arse of Geronación in blaxploitation films and very good people in Madrid, in addition to Ragna, Dr. Decker and Papa Dick in Barcelona. But, without resources, his early death was announced. We could only get a promotional Nº0 for free that was dispatched on days at nightclubs, festivals and record stores in November of ‘99, and four official issues, from February to June 2000. The pioneers always pay the price. Moreover, envy and suspicion from the hip hop community, still too ignorant and closed on itself, did the rest. Others tried to make the switch to magazine to compete, but neither survived. I remember the initial director of Hip Hop Nation called us from Malaga when we were on the Nº2 to tell us that he almost fall off the chair when they saw us because they were launching a similar project and we had anticipated. They even suggested us to ally, but their quality was far away from the desirable and did not fit with our broader

concept of “less niggas and more afros”. After closing we tried for several months to sell the head to different European publishers in order to revive it, but as the Spanish have always had a reputation for musically “delayed” beyond the Pyrenees, it did not work. Even Vibe got to edit three numbers at that time and had to close. Interestingly, the only thing left standing was Hip Hop Nation, thanks to having a powerful editorial group behind (four magazines published at a time) that could assume the loss of money for months and months and, everything must be said, thanks to the fact that as we disappeared, they copied almost each and every section. They even offered me the ragga one.

To make circumstances worse, Boa, which distributed Avoid, managed to get Victor out of the market in its aim to become the hegemonic national rap label, just as we started off with AfroXpress and that really was the final lace. For me it was a stimulating conceptual experience, but so frustrating professionally that reminded me that I never got into this music for the money, but for the pleasure and since then I practice this maxim scrupulously.

As an inveterate traveler, I imagine you’ve had the chance to visit Jamaica in order to document your work and to see at first hand the social, political and cultural environment in which the island develops.

When did you travel there and how did you propose such experience? At which state, both concerning the musical and socio-political aspects, was the island at that time? Did you get to meet artists and members of sound systems to whom you had the opportunity to exchange views with? What was the experience that shocked you the most and that made you rethink your life patterns?

I came to Jamaica in ‘91. At the time there were almost no Spanish citizens who have visited the island. Used to London roots & culture, the cultural shock seemed brutal, even though I already knew many hip hop codes through NYC. It was the peak period of slackness, with Shabba Ranks ruling from the American CBS truck with “Trail Load A Girls”. Almost any young knew anything prior to sleng teng, excluding the hustlers

Monty at Coxsone Shop

playing “No Woman No Cry” with broken guitars to get some money from the tourists. As I discovered on later trips, a white skinned man meant a dollar. And it didn´t surprise me seeing the herds of teenagers and white yankees spending money everyday in the major tourist destinations. If you were not able to communicate and understand the bizarre humor of the Jamaican street, you could feel the racism in reverse. However, when you dig further, you go to the countryside or the mountains and run away from their own Babylon, you feel the hidden truths of reggae, beyond fashion. The truths of the African Caribbean and its spiritual strength. I was fortunate enough to meet Braggah in the Marley Museum house in Kingston, who guided us to the capital.

Thanks to that, he introduced me to Freddie McGregor, with which we coincide at Coxsone´s store and whom I interviewed years later in Madrid. I was impressed by Braggah´s inner strength and control of the situation in Trenchtown or Channel One Studios, where he also visited. He did not ask for a dollar to join us. So it became a central figure in my bio on Bob. Years later, I learned that he was not only a member of the Marley Foundation, but he had been for a long time his right hand for the domestic affairs. It was he who told me: “go and teach the other” -”spread the holy word”- and

that marked me. But I was also impressed, to be put in the Jamaican perspective, a concert with Freddie, the nowadays death Prince of Reggae, Dennis Brown and my always admired, Beres Hammond. In the midst of so much talent, Charlie Chaplin came to cheer, practicing dancehall and slackness without complexes, the same as Yellowman. I, as any white, did not understand why those obscene gestures and lewd and sexist language on stage rattled so much the girls, so I went to the front in order to dance. When they (the girls) drove me away in fits and starts, I realized that behind the frenzy of the slackness and the incorrect, for the first time they had the control and were the leading actresses, even if it was through sex. That´s why it still triumphs nowadays (even through the “perreo” in the Latino community).

And who was this white boy to contradict them at his home? Internet Reggae forums in Spain have burned for years with this topic, to which no answer has ever been given to me.

As you have been able to communicate in person with Fredddie McGregor or to share breakfast with Alton Ellis and Dennis Alcapone, among other Jamaican luminaries, I imagine that you store pleasurable memories and variegated stories that deserve to be told. How did you meet these and other artists, how was their humane treatment and what lesson did you learn from the shared moments? Any Jamaican or American whose behavior disappointed your expectations, or, on the contrary, I turn out to be a pleasant surprise? Of the deceased artists, is there still someone you did not get the chance to know and you were looking forward to do so?

Of course I did not get to see some of the big ones! The recent death of Sugar Minott really affected me. So did Jacob Miller. Even Marley himself, when I was with the ticket in my hand in 1980 and the Civil Governor of Madrid, Rosón, banned the concert only because seven days before the stage had been assaulted and the equipment of Lou Reed was burned at the same stadium of the Moscardó team. And luckily I could see Augustus Pablo before he left to the valley of Zion. On stage I remember I was very shocked the first time I saw

CARLOS MONTY

Freddie McGregor and Monty

Yellowman in New Orleans in ‘93 (nothing less than at the Tipitina’s). But in short, who have impressed me the most was Joseph Hill, with his blind eye and his minced face, Mr. Winston Rodney, by his mere presence (every time I remember him singing “Jah No Dead” a cappella to console his friend Leroy “Horsemouth” Wallace in the movie “Rockers”, it sets my hair on end) and, particularly, Frankie Paul. Seeing him blind singing gospel sitting at a table in the middle of a restaurant in Barcelona to thank God for the lunch he had just eaten, was chilling. Dennis Alcapone is a superb bloke and, as everyone who knows him will know, an open book and a bargain for anyone curious about Jamaica. And among the new ones, I was very impressed by Anthony B. When I interviewed him on his first visit to Spain in ‘99, it seemed incredible that such a young force of nature, as he had just shown on the stage at the Apolo,

could be someone so peaceful, humble and mature just a few minutes later at the backstage. On the contrary, I will never forget the pedantry of stars shown by Chaka Demus & Pliers and their manager in Mallorca in ‘96, hesitating with the time of the interview. By then, I had already ceased to be a toy and ended up sending them to hell and going to see Burning Spear. The cat Buju, however, showed me that he is not, even remotely, what is said of him in Babylon. Who feels it, knows it.

After a good number of years involved in the frontline of the battle of Jamaican and Afro American music, through your radio program, the publication of the magazine or book, let’s say you decided to adopt a more secondary role, while your musical and cultural views began to turn to South America and Africa.

You needed to oxygen and recover after so much

effort focused on various activities? What have you discovered on those territories and cultures that Jamaica did not bring you? Have you propose to tackle a militant activity for the diffusion of those cultures as the one developed for the Jamaican and Afro American music?

Nowadays I do not consider that any concrete musical or cultural activism is needed and if necessary, I left it long ago to younger people like you. I never wanted to become a guru for anyone or anything, but to pass the baton of information in a time when ignorance was forced by the lack of channels and access for the majority. Today we have other problems, because with Internet and the websites, groups, forums and specialized social networks, who want to learn, can do it of whatever he wants. Today the problem we have, besides the saturation of manipulated information and the complete lack of ethics of the dominant media, is inside, within the internal borders. So, since I retired from the frontline -as you say-, I concentrated my efforts in the immigration and foreigners areas, in order to continue fighting against xenophobia and cultural imperialism, wherever it comes from. That does not mean that I keep apart from the music gap, but I only write for Enlace Funk, due to the respect for all cultures of music of his tireless editor M.A. Sutil and when I find a story that transcends the mere label or artistic product and that represent its community, as Marley did when he claimed the age of majority for his people and therefore their right to make a mistake that the smart inhabitants of the metropolis always denied (and still deny) to the “backward” of the colonies. I never went back to Jamaica. I did not need it. Jamaica as such is the black point of the African diaspora, which is possibly the most epic of human history. Just a port for slaves and craftier pirates placed between the U.S. dollar and the abuse of African myth, condemned to the neo-colonial exploitation like so many others countries around the world. And there is the case of “Dudus” Coke -read about it at ALB 98- and the deaths in Kingston last June to testify it. Although it continues to have an unstoppable musical production as musical continents, I was more interested in discovering other common

roots. Life is short and the world big, folks. In Brazil I have continued experimenting with the utopia of Bob and the revolutionary pan-africanism, but its historic and creative power is so unfathomable that one root take you to another hopelessly. I was in black Africa for the first time in ‘96. When I arrived in Dakar, I could not believe that music played in the taxis was divided equally between Bob, Peter and Bunny and religious songs.

Despite the stoic nature of African people, their joy of life in the midst of hostile conditions always excited me, in contrast to the plastic and orderly dead life we live in the West. Anyone who has flown from Dakar and Mali to Las Palmas knows what I mean. When I was at Callao in Lima, I realized that there were no major differences between what Bob Marley meant for black sufferers in the world and what Hector Lavoe meant to native people in Latin countries. The major impact of an artist in his community, such as Youssou N’Dour in Dakar or the aforementioned, lead to a secondary level the anecdotic recordings of a particular artist, which does not interest me right now.

You have been recently requested by organizers of the Italian Festival Rototom Sunsplash, to coordinate the Reggae University, for which you have agreed to schedule the presentations in the context of an activity for which you’ve complemented with the journalist and official Lee Perry biographer, David Katz. Have you maintained a relationship of exchange of information and material over the years with collectors, critics and foreign reporters such as Steve Barrow or David Katz? How do you assess that they have chosen you to carry out the coordination of this activity? Could your participation in this public forum be interpreted as an invitation to resume the role you had in the national reggae scene? Will you propose a return to the frontline in the short or medium term?

The proposal of Rototom is not any kind of international recognition. Things do not work that way. It’s as simple as someone from the Department of Communication of the festival, who knew me through mutual friends, contacted me to offer some kind of meeting on the

reggae in Spanish connected to the Reggae University the festival has been organizing for years. We started working and I contacted David Katz, who was impressed with the depth of my proposals. I think they did not even know that in Spain there were people who knew so much of Jamaican culture, but they are learning to know us, therefore so far, in their first year in Spain, they are going to let this proposal maturate and it will not be done, because they are very overwhelmed with the organization itself and my suggestions have generated a series of contradictions that they have failed to resolve in time. Hopefully, with more calm and getting to know each other a little better, if the festival remains in Benicàssim, it can be organized properly next year.

It is said that those who we have been devoted, professionally or not, to music journalism, research in this area and to the record criticism, is because we have not developed enough musical talent to dedicate us to the creative work of composing and interpreting. Do you agree with this statement?

Have you made your first steps into the world of music? Have you ever proposed yourself or have your ever been proposed the production or edition of an album? How has your relationship with those nearby bands of which you then had to write about?

Musical instruments? When I was 17 almost all my friends were multidisciplinary artists and, of course, played something. As they insisted, I decided to play something, so I said I would learn to play the saxophone, it seemed that in the films flirting with it was quite successful, hehe! When I saw that no matter how hard I tried, I would not make a noise even from a vuvuzela, I preferred to keep to the words. Which was

a problem because I had (and still have) many friends who are musicians, but not many of them as good as they are believe and, instead, there are other real good that in the personal treatment are unpresentable.

When I learned that I realized that it was better to be myself, without caring about the rest. And as a result I had to suffer more than a public brawl and an attempt to censor myself from a manager or a promoter. But is a part of the job. I do not know music, but I have hears, so far from producing and releasing albums, I have been asked as an expert critic to give my opinion before editing, especially from people of hip hop, but the music industry (even in self-published productions) never interested me that much.

In your website (www.myspace.com/carlosmonty_ net) you pour a ruthlessly critical to the homosexual lobby -calling it “pink mafia”- prompted by the cancellation of Sizzla’s European tour due to the openly homophobic lyrics that him, as many other dancehall vocalists, rants. The signing of the Reggae Compassionate Act seemed to be a possible solution to this problem by engaging artists with the promoters not to include homophobic references in its European acts, and yet, in the practice it seems to have failed. How could the respect for homosexuals’ human rights and the freedom of expression for the Jamaican vocalists be combined? Would it be possible for both sides to sit down and talk leaving away their remaining intransigent and entrenched positions? Do we have to appeal to cultural relativism in order to understand this phenomenon? How you do you stand towards homophobia in the Jamaican culture?

I know what I am saying may not be understood here and I could be considered a homophobe. So I will begin by explaining that during the 80s and 90s I had many gay friends, some of them intimate, both inside and outside of music. At a time when they were still persecuted or rejected in Spain, I never found an intolerant position from them. On the contrary, they were iconoclasts like me, so I could visit gay clubs and other dark places without anyone disrespecting me

CARLOS MONTY because of my heterosexual condition. It was more about people and not about their status or way of thinking. However, as their elites were reaching larger shares of power, they began to be so intransigent and culturally imperialistic as the others. Long before the recent sexual harassment scandal of Canal 9´s Director, Valencia gays called the autonomic TV “Anal Nou” because of the sexual harassment young youths were suffering from some gay managers, it was an open secret. That could not be said today. Similarly, with the gradual increase of private resorts on the beaches of Ocho Rios, Negril and Port Antonio since the ‘80s in Jamaica the sexual tourism of the gay “Johns” was an open secret, which was nothing else but another form of oppression of the white over the black, taking advantage of the economic inequality and the privacy of Jacuzzis and gyms in the tourists hotels. When, in the late ‘90s, the “Fire A Bun Dem” crusade began in Jamaica and in the United States Buju Banton, Bounty Killer, Beenie Man and Capleton began to sell more records than ever, the racist and ethnocentric Billboard rose up in arms, as they had done before with jazz and rythm’n’blues using drugs as an excuse, every time someone reached the top of the lists of “race records”. I remember how they dust off the lyrics of “Boom Bye Bye” to charge Buju even if it was published in ‘92. Nobody in the U.S. or Europe realized that the Jamaican continuous references to “fire” in the lyrics of the songs of the 90s, is nothing but a religious metaphor of purification, as in Fallas or Sant Joan they burn all the bad, the old, looking for a rebirth. Millions of Africans around the world make a bonfire to celebrate each spring. Beyond the verbal excesses of more than one (Capleton came to accuse Frankie Paul of being a “battyman” in the lyrics of “Pure Sodom” for Fat Eyes) and the mindless that take fiction to fact occasionally in Jamaica, the illustrated EuroAmericans gays who think themselves as morally and culturally superior, should know that the intolerance towards their collective is widespread in Africa and Latin America and that it should not be combated by banning artistic expressions, but by educating to transform the society. In that sense, the move of

the European pink mafia to withdraw the passport Germany had already granted Sizzla and that caused the suspension of the remainder of his European tour, including Spain, denounced by the local promoter Julian from Roots & Vibes and which I echoed in my myspace, or the continuous press charges against Beenie Man every time he comes to Barcelona, are a real insult to intelligence. Because one thing is to promote legal reforms for equal rights and another is to start censoring artistic expressions, which should always have a much broader range of creative freedom that the good thinking panoply. When you start to put muzzles to artists, to burn books or records in public, even for the sake of political correctness (for some), you are not far from the fanaticism you said to fight. For similar reasons I ended up leaving Radio Klara in ‘92.

So do not count with me for that.

Through several of your writings you have placed yourself as an opponent to capitalism, explicitly denouncing its characteristically productivist / consumerist practices that degrade the environment and interpersonal relationships. What other system or systems that you have come across along your travels around the world you think may be convenient and operative to be considered as a credible and achievable alternative at this time? How do you put into practice and personal ethics your global justice thoughts? What are ways to circumvent capitalism when almost everything is imbued into it?

Nor have I discovered gunpowder. I usually share the radical and anarchist ideas within the tolerant meaning of the word and not in the sense that it has been given since the Spanish Civil War, considering it as fanatical and nihilistic. Set that, the self-management and assembly-organized media such as Rototom, are usually the most reliable, but always end up needing a hard core to ensure the effectiveness of its management, with the danger of inbreeding that it implies. That’s always been the hobbyhorse in the non-capitalists organizations. But when you try to apply these schemes to the means of production, such as with associations and cooperatives (in Latin America they have tried and tried it many times), you meet the police repression instigated by the powerful lobbies. You could ask Zelaya in Honduras about it. So, here in Babylon, we must be realistic. As the area is super controlled, both through police and technology, we can only educate and rearm morally and culturally the civil society in everything we can to prevent the left and right prohibitionists from gaining the total control of thought. They are into it.

Continued crisis -or, better said, of fraud-, situations as this should be a great opportunity that we should not miss. And if reggae culture or from others latitudes brings us some food for the soul and gives a little life into our battered neurosis, they are welcome. Seen?

vision texto: Hugo Miralles / fotos: Raúl Roig

Comienzan los días de poco sol y de bajada de temperatura una vez se esconde.

Algo tan simple como esto, nos obliga a cambiar nuestro reloj interno y a tener que acostumbrarse a patinar con las piernas 3 horas nada más despiertas. A ser puntual a la hora que todos quedamos, y a pensar, una vez reunidos, dónde vamos a ir y comentar que sitios serían curiosos y destacados para su peregrinaje. Esos días, las llegadas al spot (el lugar) suelen resultar notables, al ver una manada de viejunos aparecer juntos, y nada más llegar al spot, dispersarse cada uno con su locura debajo de su gorro. Es la hora de desvariar imaginando que se podría hacer por cada rincón, de si romperse la cabeza, o perder tiempo, fuera a merecer la pena. O que una vez puesto en la materia, algo pudiese cortarte fríamente el rollo. Bien sea un hombre con placa o el típico vecino con capa de superhéroe y sentido de la propiedad urbana pegado en la frente.

Un “¡Merece la pena!” aparece en escena con claridad en el rostro de uno de ellos, provocando un contagio de seguridad sin más, seguido de unos estiramientos.

Una vez metido en el tema, y después de un tiempo intentando grabar la hazaña con la duda cada vez más presente de si merecerá la pena o no, y de si las fuerzas nos acompañarán en el resto del trayecto, un sonido a truco planchado suena acompañado de unos aplausos y caras de satisfacción por parte de todos. ¡Hecho! Solo falta llegar a casa medio cojeando y dolorido de placer, para ver capturado en gran pantalla los momentos que en familia ocurrieron instantes atrás. Llenándote al máximo de alegría ante el acierto que tuviste un día por subirte a uno de ésos, y no equivocarte en la elección que cambió tu vida.

Grey days are coming and temperatures go down as the sun sets. Something as simple as that, forces us to change our inner clock, and to get used to skate with your legs for 3 hours just after awakening. To be punctual to the meeting we arranged, and once together to think about where we are going and discuss about curious places deserving to go on a pilgrimage. Those days, the arrival to the spot uses to be remarkable, as a pack of old fogeys appear together, and just arrived to the spot, disperse with their own insanity under their caps. It’s time to freak out imagining what to do on each corner, to decide if to brain yourself, or losing time, was going to be worth it. Or once you get straight to the matter, something could get you out. It could be a man with a badge, or the typical neighbour with his superhero cape and the urban propriety sense stuck in his front.

An “It’s worth it!” appears clearly on stage, in the face of one of them, spreading an infection of security, followed by some stretching. Once you’re set to, and after a time trying to film the heroic deed, with the doubt if it’s worth of it more and more present, and if the strength will accompany us through the rest of the journey, an accomplished trick noise sounds with applauses and a complete satisfaction face in all of them. Done! The only thing left to do is limp back home aching all over of pleasure, to see the family moments that happened a moment before, captured on the big screen. Being overjoyed to the maximum with the right decision you took one day, getting on one of those, and not making a mistake with the election that changed your life.

Where are we going tomorrow?

“¿Donde vamos mañana?”

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vision

Dani Maia y campamento base.

Hugo Miralles - ollie barrier

Chabi Us贸 - ollie

Jose Poveda - bs smith

Israel - bs five o to fakie

Victor Ă lvarez - fs bluntside

Julian Arellano - fs slide

Manuel Alvarez - kickflip to fakie

drinkin’ dancin’ fuckin’ una entrevista de GNZ / fotos The Night Bloomers & FDAU Que Zaragoza es el origen de un enorme porcentaje del total de la actividad artística y cultural más vanguardista de nuestro país es algo indiscutible a estas alturas. A pesar de las limitaciones intrínsecas de una ciudad española que no llega a los setecientos mil habitantes, el producto maño viene demostrando sobradamente su calidad.

La escena del ocio, tampoco se queda atrás. A pesar de que si preguntas a algún residente en la capital aragonesa, te dirá que en su ciudad tampoco pasan tantas cosas (todos tenemos tendencia a ensalzar lo que pasa fuera, y despreciar o en el mejor de los casos, ignorar lo que tenemos en casa…). Pero visto desde fuera, Zaragoza es una ciudad con una oferta nocturna muy variada. ¿Que podría ser mejor? Siempre. ¿Y que ya le gustaría a muchas otras ciudades españolas gozar de esa salud nocturna? También.

En esa escena nocturna las fiestas Face Down Ass Up son la muestra perfecta de hacia dónde se dirigen los gustos de las nuevas generaciones.

Y vienen pisando muy fuerte.

face down ass up

Sweet Sinners

¿Cómo y cuando surge la idea de organizar las fiestas Face Down Ass Up? Face Down Ass Up comienza por la unión de intereses comunes, todos conocíamos el trabajo de los otros, Lola Von Disko y Sweet Sinners habían coincidido pinchando en fiestas y con Mathias Craneo tenían afinidad gráfica, y el nexo de unión fue una noche de ciego, donde se propusieron crear una alternativa real a las noches en Zaragoza, y al tiempo, sin dar casi tiempo a cocinar el proyecto, surgió la sala, y se lanzaron a la piscina, y hasta el momento, con excelente resultado. ¿Y quiénes son las cabezas pensantes detrás de este proyecto?

Lola Von Disko y Sweet Sinners se encargan de la

residencia del club, y de programar dj’s y vj’s. Mathias Craneo del artwork, la publicidad y el marketing. Entre todos llevamos el blog, las redes sociales y el podcast, pero cada uno aporta ideas a los demás, y en realidad es un trabajo en equipo.

Supongo que el nombre de las fiestas es un homenaje al tema de 2 Live Crew, una de las bandas más sexuales que ha parido madre…

Si, es un homenaje a 2 Live Crew, a Dj Isaac y Bombaman (entre otros) que también han utilizado la frase para sus temas. Nos parecía además un nombre original y provocativo, que definía perfectamente como queríamos que fueran las fiestas.

Lola Von Disko

¿Habéis visto el vídeo de 2 Live Crew actuando en directo en la TV norte-americana cantando el “Face Down Ass Up” en el show de Phil Donahue, allá por 1990? Desde luego las reacciones y las caras del público, plagado de respetables abuelitas, ante tal espectáculo, no tienen desperdicio… ¿Es ese el espíritu de vuestras fiestas? ¿El descaro y la sinvergonzonería?

Si, ese video es brutal, y ese es el espíritu, la gente viene a desfasar. Nuestro lema es dancin’ drinkin’ fuckin’ así que imagínate la que se lía... Gente subida por el escenario bailando, tirando servilletas a la pista, bebidas, nosotros invitando a chupitos de tequila a la gente, incluso gente despelotándose mientras pinchamos. ¿Qué estilos musicales suenan en una fiesta FDAU? Nu Rave, Bassline, Fidget, Dubstep, Dirty Electro, Dirty House, Bmore, Favela Funk, Indie Dance, Nu Disco,

Dance Punk, Drum & Bass, Rock, Crunk, Metal, Hip Hop, UK Funk, Wonky... ¿Y cómo ha acogido el público de Zaragoza este tipo de fiestas, tan heterogéneas? Hasta nuestros oídos han llegado noticias de que cada vez son más las personas que acuden a las Face Down Ass Up… Lo ha acogido muy bien, mejor de lo que esperábamos, todas las personas que vienen acaban repitiendo.

Tenemos de todo, rockeros, punks, raveros, modernos, indies, hiphoperos, skateros, peluqueros vendegominas, ejecutivos, maderos, estudiantes, erasmus, breakers...

Lo que importa es que todos unidos por la fiesta crean un grupo heterogéneo pero que se lo pasan de lujo sin malos rollos entre ellos. ¿Puede que este éxito sea –además de porque se lo pasan de puta madre en vuestras fiestas- porque la gente está cansada de las sesiones temáticas donde

sólo suena un estilo musical?

Si, algo de eso ocurre, Zaragoza no tiene una alternativa real al house peluquero y al infierno pachanga, necesitaba algo como esto, un sitio donde disfrutar sin prejuicios, etiquetas y poder desfasar con géneros musicales que no se pueden escuchar en ningún otro sitio de la ciudad, y además, con un ambiente brutal.

Le dais mucha importancia al aspecto gráfico y a la imagen en vuestras sesiones… ¿Quién se encarga de este apartado, y cómo planteáis la realización de los flyers, las visuales y la imagen de FDAU en general?

De todo el tema se ocupa Mathias de Sr.Craneo Character, el tener una imagen propia con personalidad unido a la música es un factor determinante para desmarcarse de otros clubs y fiestas, con el apartado visual damos un valor añadido a las fiestas, hay que romper y llamar la atención en todos los aspectos, además en las fiestas contamos normalmente con

face down ass up

como Funkforward, La Musique D’Ordinateur, Yasmin Gate, Chelis, Emceemismado, The Night Bloomers DJs, Kosmos, Zora Jones, Dj Der, Audio Claudio, Fuck Norris y los residentes Lola Von Disko y Sweet Sinners. Próximamente nos gustaría colaborar con Dj Soak, Tony Karate, Ikki, Phat & Zkinny, Kaze, Rho Dj, Desparrame, Unable, Neonized... y otros nacionales e internacionales que no podemos desvelar todavía...

las visuales de Hache de la Pé (que es el mejor vj de España) y las fotos de The Night Bloomers, con todo esto hemos conseguido tener una imagen propia.

Habladnos un poco de los artistas con los que soléis colaborar y a quién tenéis en el punto de mira para vuestras próximas fiestas…

Aparte de la imagen de la que hemos hablado antes, en cuanto a la música hemos contado con artistas

¿Algo que añadir?

Hace poco hemos estrenado la web www. facedownassupclub.com donde se puede encontrar toda la info, charts, flyers, fotos, mixtapes y un podcast mensual donde iremos publicando sets de los dj’s que van pasando por el club.

www.facedownassupclub.com

ENGLISH VERSION

face down ass up drinkin’ dancin’ fuckin’

by GNZ Zaragoza is the source of a huge percentage of the total artistic and cultural activity from our country and this is something undeniable. Despite the inherent limitations of a city of less than 700.000 residents, the local product has perfectly proved its quality through the last years.

The leisure scene is not falling behind. Even though if you ask a Zaragoza resident he will answer there are not so much things going on in his city (we all tend to extol what’s happening abroad, and to reject, or in the best case, ignore what’s happening at our homes). But taking a look from the outside, Zaragoza is a city with a huge nocturnal scene.

Could it be better? Always. And may other Spanish cities desire to have the same night health?

Absolutely.

In this nocturnal scene, Face Down Ass Up parties are the perfect sign of the direction of the new generation likes. And they’re going to make a big impact…

When and how came up the idea of organizing Face Down Ass Up parties?

FDAU starts with the union of common interests, we all knew each other’s work, Lola Von Disko and Sweet Sinners had met mixing at parties, and they had a graphic affinity with Mathias Craneo, and the connection came up during a blind drunk night, when they proposed themselves to create a real alternative to the nights in Zaragoza. Later on, without having had time to “cook” the project, the venue came up, and they jumped into the void, with an excellent result to the moment.

Which are the thinking heads behind the project?

Lola Von Disko and Sweet Sinners are in charge of the club residence, and of programming dj’s and vj’s.

Mathias Craneo does the artwork, advertising and marketing. We all manage the blog, social networks

and the podcast, but each one provides ideas to the others, it’s a team work really.

I suppose the name of the parties is a tribute to the song of 2 Live Crew, one of the most sexual bands having existed…

Yes, it’s a tribute to the 2 Live Crew, to Dj Isaac and Bombaman (among others) who also used this sentence for their songs. We also thought it was an original and provocative name, defining to the perfection how we wanted our parties to be.

Have you seen the video of the 2 Live Crew playing live “Face Down Ass Up” at the Phil Donahue show back n 1990? The reactions to the show and the faces of the audience riddled with respectable grannies are priceless… is this the spirit of your parties?

Shameless and nerve?

Yeah, this video is tremendous, and that’s the spirit, people come here to freak out. Our motto is “dancin’ drinkin’ fuckin’”, so you can imagine how hot it gets…

People dancing on stage, throwing napkins to the dancefloor, drinks, us getting shots to the people, even people getting naked as we mix.

What kind of music do you play at FDAU parties?

Nu Rave, Bassline, Fidget, Dubstep, Dirty Electro, Dirty House, Bmore, Favela Funk, Indie Dance, Nu Disco, Dance Punk, Drum & Bass, Rock, Crunk, Metal, Hip Hop, UK Funk, Wonky...

And how has received the Zaragoza’s audience this kind of parties, so heterogenic? We’ve heard there are more and more people attending to Face Down Ass Up… They have received us very well, much better than we expected, everybody repeats. We have rockers, punks, ravers, trendies, indies, hip hopers, skaters, sugar pill hairdressers, executives, cops, students, Erasmus, breakers… the important is to gather all of them for a party, creating a heterogenic group, but really enjoying all together, with no drags between them.

Maybe this success is due to –besides the fact they

have a real good time at your parties- the fact people is getting tired of thematic sessions where you just listen to one style of music?

Yes, something like that is happening. Zaragoza doesn’t have a real alternative to the hairdressing salon House or to the mainstream hell, something like this was a need, a place to enjoy without prejudices nor labels, where to go crazy with musical styles you can’t hear anywhere else in the city, and moreover, with an awesome ambiance.

Graphics and images are very important for your sessions… Who is in charge of this section? And how do you set out the flyers, visuals, and FDAU image in general?

Mathias, from Sr. Craneo Character is in charge of all this. Having an own and personal image united to music is a determinant factor to dissociate oneself from other clubs and parties. With the visuals we give an added value to the parties, we have to break and call the attention with everything, furthermore we use to have the visuals of Hache de la Pé (the best vj in Spain) and the photos of The Night Bloomers, and with all this we have reached a personal image.

Tell us what kind of artists do you use to work with, and who’s in your target for your upcoming parties?

Regarding to music we have worked with artists as Funkforward, La Musique D’Ordinateur, Yasmin Gate, Chelis, Emceemismado, The Night Bloomers DJs, Kosmos, Zora Jones, Dj Der, Audio Claudio, Fuck Norris and the resident dj’s Lola Von Disko y Sweet Sinners. In the future we would love to collaborate with Dj Soak, Tony Karate, Ikki, Phat & Zkinny, Kaze, Rho Dj, Desparrame, Unable, Neonized... and other international and national artists we can’t reveal yet…

Something else?

We’ve just released our new website www. facedownassupclub.com, where you can find all the info, charts, flyers, photos, mixtapes and a monthly podcast where we will release sets from the dj’s coming to our club.

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PEDRO “AIANAI” ESPINOSA EL POETA DEL DUB VITORIANO una entrevista de Larry ACR Una vez respondida la entrevista, me pregunta Pedro si ha satisfecho las expectativas depositadas en ella.

Creo a la luz de sus respuestas, extensas y explícitas, no se puede añadir mucho más a lo ya expresado por él. Para poneros en antecedentes a quienes no lo conozcáis, os diré que Pedro Espinosa, conocido en panorama jamaicófilo como “Aianai” -castellanización de la popular expresión egocéntrica jamaicana “I and I”-, es cofundador -junto al cantante guineano Juan Borikó- de Potato, el veterano conjunto vitoriano de música jamaicana -en activo desde 1984-; pionero -y probablemente el único- en importar la poesía dub de Linton Kwesi Johnson o Mutabaruka al reggae patrio y un agitador nato de conciencias bajo el decrecentista lema “abajo el trabajo y viva la vida contemplativa”.

Potato fue, desde sus comienzos, un conjunto eminentemente iconoclasta, haciendo de una de sus señas de identidad el distanciamiento de aquellos grupos que se afiliaban en el entonces pujante

movimiento del “rock radical vasco” y desechando pronto la idea de idolatrar a un falso prócer como Haile Selassie I, tras el que, si escarbabas lo suficiente, se escondía un dictadorzuelo de tres al cuarto que había hecho fortuna a costar de exprimir al pueblo etíope. ¿Qué tipo de problemas os ocasionó el no comulgar con estas “ruedas de molino” y labraros vuestro propio sendero? ¿Crees que hubo gente que no os tomó jamás en cuenta por no responder a los clichés de este estilo musical o por no identificaros políticamente al entorno abertzale?

Lo malo de vivir en un ambiente tan nacionalista es que no puedes desarrollar ideas que se salgan de ese planteamiento. Todo tiene que estar supeditado al fin último y primordial, que es conseguir la independencia y lo demás no sirve, estorba, o es asimilado en falso por la ideología abertzale, por la vanguardia del movimiento de liberación nacional, que es quien dirige las acciones a seguir en cada momento. En Vitoria esto se vio muy claro. Había mucha gente, grupos, colectivos activos que editaban fanzines, comics, revistas, realizaban

teatro, cortos o seguían prácticas artísticas, además de grupos de música, que eran en realidad los que aglutinaban al resto. Toda esta ebullición de ideas se veía claramente en las calles y bares del casco viejo, que es donde se concentraba toda esta amalgama creativa, rebelde y antiautoritaria.

Muchas de estas personas, igual sin saberlo, seguían prácticas libertarias, aunque no niego que otros muchos fueran partidarios de la independencia del País Vasco, pero en cuanto a Potato se refería, o, mejor dicho, en cuanto a JB y a mí se refería, estaba claro que el nacionalismo era un concepto burgués y más el vasco, creado por Sabino Arana, que no dejaba de ser un racista. Y eso lo dejamos muy claro cuando empezamos a hablar de Vitoria como la capital de una Euskadi Tropical en la que íbamos a cambiar el clima y a hermanarnos con Jamaica para intercambiar patatas por marihuana. Potato quería ser un revulsivo.

Aprovechamos, además, una canción de uno de nuestros grupos favoritos, Hertzainak, con cuyos componentes poteábamos casi todos los días, “Arraultz

pedro “aianai” espinosa bat pinu batean” (un huevo en un pino), en la que se decía que por qué no cambiar el árbol de Gernika por una palmera, hacernos todos vagos, dedicarnos a la piratería y así tal vez algún día seríamos libres para cometer cualquier pecado, para desdramatizar y dejar de mirarnos el ombligo en un mundo que ya se adivinaba globalizado. Ciertamente, para la ortodoxia abertzale, no éramos más que un chiste. De hecho, años después, cuando Potato y el concepto de Euskadi Tropical se había popularizado, Hertzainak, para quienes a través de Babinton PIP produjimos su segundo disco y diseñamos la portada, hicieron otra canción titulada “Txantxetan” (en broma) como para decir que aquello sólo era un divertimento. Pero para nosotros era algo que tenía una profunda carga ideológica. En cualquier caso, para bien o para mal, el MLNV (Movimiento de Liberación Nacional Vasco) controlaba todo aquello que se oponía al sistema para intentar hacerlo suyo.

Así se crearon organizaciones ecologistas, de mujeres, juveniles, internacionalistas, de homosexuales que reivindicaban todos esos derechos pero bajo la directriz que emanaba de la vanguardia.

Y con la música, o, mejor dicho, con las fiestas populares que se organizaban en los pueblos, que empezaron a contratar, en lugar de a grupos de verbenas, a los grupos que hacían furor con sus proclamas político sociales, ocurrió lo mismo. Y Potato cayó en esa dinámica porque si no, no tocabas. Lo mismo nos llamaban para conciertos anti OTAN, a favor de Gaztetxes (edificios ocupados por jóvenes), radios libres, presos, carnavales que organizaban colectivos que se debían a la izquierda radical abertzale.

Muy representativo de todo esto es el programa que organizó Batasuna llamado “Martxa ta Borroka” (marcha y lucha), que propició una de las frases más significativas de la situación pronunciada por Natxo Etxebarrieta, cantante de Cicatriz, que renunció a formar parte del programa diciendo aquello de “antes éramos drogadictos y delincuentes y ahora nos hemos convertido en jóvenes revolucionarios”.

Creo que a parte de la labor inicial como ideólogo y fundador de la banda, tu rol en Potato siempre estuvo

JB y Pedro con Mutabaruka.

más o menos bien definido: el del poeta que rimaba con sarcasmo, acierto e ironía, pero sin miramientos, a imagen y semejanza de análogos jamaicanos del calibre de Linton Kwesi Johnson o Mutabaruka. ¿De dónde surge esta inquietud tuya por la poesía y qué temas te sirven de inspiración para componer poesías de indudable impronta político-social? ¿Qué te atrae singularmente de los poetas del dub para que los adoptes como modelo a emular? ¿Por qué crees que este género de la música jamaicana no se ha extendido más? Una vez cerrado el ciclo Potato, ¿sigues escribiendo poemas y alegatos o los quehaceres cotidianos te lo impiden?

Siempre me ha gustado leer, así que la poesía y la

literatura en general me son muy cercanas, más si tenemos en cuenta que soy periodista y forma parte de mi profesión. En cuanto a mi fuente de inspiración, siempre ha estado muy ligada a mi entorno personal y social. Los temas que he compuesto siempre tenían que ver con lo que pasaba a mi alrededor. Por otra parte, me considero un luchador. No soporto la injusticia y la explotación; y me rebelo. Está claro que este sistema está podrido, que quieren convertirnos en esclavos y que la única libertad que nos ofrecen es la de mercado, la de comprar en Eroski o en Carrefour.

Precisamente, si monté Potato, fue para denunciar todo esto. Lo que me atrajo de Mutabaruka o de Linton Kwesi Johnson, mis maestros en el arte de la poesía dub, fue principalmente su carácter revolucionario, su deseo de apelar a la conciencia de la gente y de denunciar los abusos políticos, sociales. Además, el recitado de las frases me permitía enmascarar mi analfabetismo musical y me evitaba el cantar al modo tradicional. Este género no se ha extendido más porque no interesa, no es comercial, hace pensar, y la gente es reacia a pensar, prefiere que piensen por ellos, y así nos va. Es mucho más fácil vender dancehall.

Lo último que compuse fue “Educad” y “Atónito y disperso”, dos temas que escribí en el año de la gira de despedida de Potato en 2007 y que incluimos en el mini cd que editamos bajo el título de “Gracias y Agur” para financiar el dvd “Potato en Fueros”, legado póstumo de la banda. Compuse un par de temas más, pero no

dio tiempo a incluirlos en la gira. También escribí unas estrofas para el pregón de carnaval, pero si no hay banda, no escribo canciones. Bueno, aunque escribí un tema conmemorativo para el 70º aniversario de Radio Vitoria, que es la emisora en la que trabajo, del que se hizo un video para la ETB (televisión autonómica vasca), ya que Radio Vitoria forma parte del ente público de radiotelevisión vasca.

En 1988 se producen dos deserciones fundamentales en la banda, la de Juan Borikó primero -lastrado por su salud- y la tuya tras la publicación del maxi “Rula” -del que además eres compositor de la letra-, pues en realidad y como tú mismo has reconocido, nadie era imprescindible en la banda y prevalecía ese concepto de verbena en la que los elementos que se perdían, se reemplazaban, siempre y cuando el concepto siguiera latente. ¿Cómo recuerdas tu despedida de la banda y la separación de los que habían sido compañeros de fatigas hasta entonces? ¿Crees que en la banda se era justo con aquellos compañeros que se apeaban del barco? ¿Cómo se adoptaban

Elena Lopez y Pedro Espinosa en Lekeitio

estas decisiones en el seno de la banda? ¿En qué momento te planteas la decisión de sumarte de nuevo al proyecto transcurridos unos años y qué te decidió a hacerlo?

Visto lo que ha sucedido con el paso del tiempo, lo mejor habría sido haber disuelto Potato en 1988 tras la marcha de JB, a la que no puede llamarse deserción, pues como queda muy bien explicado en el libro “Potato. La utopía de una Euskadi Tropikal”, JB acarreaba serios problemas de salud, agravados tras su visita a su pueblo natal en la isla de Malabo en Guinea Ecuatorial, que le impedían seguir el duro ritmo que imponía la carretera. Pero yo todavía sentía que tenía cosas que decir y, de hecho, “Rula” y “Para Calentar” las compongo en el momento en que JB se

va. Paradójicamente, meses después yo mismo me vi obligado a dejar la banda al entrar a trabajar como periodista en Radio Vitoria y no poder seguir ese mismo ritmo endiablado de tocar tres días a la semana hasta altas horas de la madrugada y, casi sin descanso, ir a hablar ante un micrófono profesionalmente en un medio de comunicación público, que realmente era el que me daba de comer, a mí y a mi familia.

Ahora, echando la vista atrás, lamento no haber disuelto la banda, pues tenía todo el derecho moral, pues yo había tenido la idea y la había desarrollado.

Máxime ante la falta de solidaridad del resto de mis compañeros y en concreto de Pako Pko. Recuerdo perfectamente el momento en que dije que abandonaba Potato y nadie dijo ni una sola palabra. Habíamos tocado

pedro “aianai” espinosa en un pueblo del País Vasco francés que estaba a unos 200 kilómetros de Vitoria. Eran las 5 de la madrugada y yo rogaba a mis compañeros que se metieran en la furgoneta para regresar a casa pues yo tenía que entrar a trabajar a las 8 de la mañana. Me costó muchísimo arrancar a la banda de las invitaciones a seguir bebiendo de borrachos aduladores. Ya de regreso hubo una violenta discusión al respecto y fue cuando dije que si después de cada concierto había que esperar a beberse hasta la última gota para emprender el camino de regreso, que lo dejaba. Se produjo un silencio que dio la callada por respuesta y abandoné el grupo ante la indiferencia de la mayoría y el regocijo de Pako, al que por algo apodamos Pko, que así se convertía en el único cantante del grupo.

Desde ese día no volví a formar parte de Potato, al igual que Elena, mi mujer, que era la guitarrista y dejé que siguieran utilizando el nombre que había creado JB y que ya era una marca consolidada en el panorama musical vasco y dentro del entorno reggae español.

Cierto es que yo también estaba cansado de tanto desparrame, tenía una hija de 7 años en ese momento y un trabajo, en el que todavía sigo, que realmente era mi oficio y tampoco quería dejar a Oki, Jalas y Potxo en la estacada después de que habían abandonado el grupo de verbena para apostar fuerte por Potato, más en un momento en el que “Rula” se había convertido en un hit y nos llamaban a tocar de todas partes. Así que, tras mi marcha y la de Elena, entraron Gabriel Gullián, el uruguayo, que digamos ocupó mi puesto en cuanto que cantaba el “Rula” y empezó a componer; y Arturo Blasco, magnífico guitarrista que también aportó mucho a la banda. En cualquier caso, nos seguíamos viendo en los mismos bares y tras un periodo algo tenso, la mediación de Jalas hizo que volviera a acompañarles a algunos conciertos para subir al escenario como artista invitado para cantar mis temas. Así que mi vinculación con Potato siguió por la amistad que mantenía con Jalas y por mi condición de periodista.

En este sentido, seguí apoyando a la banda informando de sus actividades y de los trabajos que iban sacando en alguno de los cuales, como en “Crónicas de puerto sin más”, metí voces en el tema “No Pensar”. Además,

como he dicho, no había temporada en la que no subiera al escenario para cantar “Miguelín El Casero” o “Rula”, temas que siempre han formado parte del repertorio de la banda. Más tarde, en 1995, con “Plántala” me ocupé de la producción y la promoción de la gira de verano que nos llevó a realizar 30 conciertos por toda España y en la que tenía mi propio set cantando varias canciones.

Diez años más tarde, en 1998, publicáis -Elena y túla biografía de la banda, “Potato Reggae Banda. La Utopía de una Euskadi Tropikal”, un libro cuyo valor estriba en enmarcar el contexto en que se desenvolvía y explicar los porqués de las decisiones tomadas por

la banda en cada momento. ¿No consideráis que quizá hubo una cierta precipitación en su publicación habida cuenta de que la banda aún se mantuvo en activo pese a la escisión de Arawak en 1996? ¿Esa utopía de la “Euskadi libre y tropikal” a la que aludían Hertzainak se materializó de alguna forma o quedó en mera hipótesis optimista e irrealizable? ¿Cuál era la receptividad de una ciudad tan aldeana y atípica en Euskadi como Vitoria, que siempre ha tenido bares especializados (El Majara, Parnaso, Ardo Ona…) y bandas (Potato, Kannabis, Little Feet & The Prenatals, Arawak, Green Valley, Siroko Ska…), hacia la cultura y la música jamaicana?

Elena y yo somos periodistas especializados en temas musicales. Ya habíamos editado con nuestra propia editorial, Ediciones Aianai, los libros “Hertzainak: la confesión radical” (1993) y “Del txistu a la telecaster: crónica del rock vasco” (1995), que tuvieron gran éxito, pues vendimos 3.000 ejemplares y agotamos la edición, así que decidimos contar la historia de Potato y de lo que supuso la Euskadi Tropical. En aquel momento, 1998, creíamos que la banda tenía poco recorrido más, pues ya ni siquiera estaban Oki, el gran arreglista y músico sin cuyo concurso hubiera sido imposible el sonido Potato y Timoteo Ozaeta, Jalas, el batería, todo impulso y generosidad. Oki y Julen Trepiana, cantante y compositor en la época de “Plántala”, abandonaron la banda tras la gira de verano de 1995 antes mencionada, hartos de repetir las mismas canciones que todo el mundo pedía y hartos también de Pako Pko, que se aferraba a los mismos esquemas de diez años atrás y querían formar su propia aventura, Arawak, en la que todavía siguen embarcados. Ahí también se perdió una buena oportunidad de disolver Potato, pero Pako se empeñó y reconozco que a mí me convenció, de que no se podía dejar morir así a la banda y que había que hacer un último disco y así surgió “Pko Original”, en el que también embarcó a Jalas y Potxo y que se editó gracias a la colaboración de la Asamblea de Parados.

De esta manera, se prolongó artificialmente la vida de Potato, que tuvo su continuación con la grabación del disco “Directo Directo” en la sala Bikini de Barcelona en 1999, en esta ocasión por el empeño de Jalas, que

se dedicada a la sonorización y grabación y que nos convenció de que había que hacer un disco en directo.

En la grabación intervinieron Oki, Gabriel, Arturo, Isi, yo mismo y hasta JB, que aunque no vino al directo sí que metió una frase durante las mezclas. Así que no sé si hubo o no precipitación a la hora de editar el libro, pero era lo que nos pedía el cuerpo en aquel momento y además queríamos ir más allá de la mera biografía de Potato y explicar el contexto social y político en el que surge la banda. E, insisto, no imaginaba que Pako Pko se iba a aferrar tanto a lo que, visto lo visto, es lo único que le da algo de reconocimiento. Con el concepto de la Euskadi Tropical, como actualmente con el de sostenibilidad, ocurre que de tanto usarlo, es algo manido y desprovisto de sentido. Evidentemente, no podemos cambiar el clima, o, bueno, de hecho lo estamos cambiando para mal por los gases de efecto invernadero y la contaminación, pero aquel eslogan utópico de transformar el árbol de Gernika en una palmera tropical, ha sido asimilado incluso por las instituciones, igual que ahora las eléctricas Endesa o incluso Repsol se califican de verdes, con lo que ha perdido su poder de flashear, de conmover las conciencias y de propiciar un cambio en los hábitos y formas de vida. Hoy día no sé si Vitoria-Gasteiz es la capital de la Euskadi Tropical, pero al menos es la green capital europea, título que le acaban de conceder por intentar devolver la ciudad al peatón en lugar de dejar que el coche sea el rey y esto al menos es un cambio positivo en el que se está involucrando toda la ciudad. Respecto a la receptividad de la ciudad hacia la cultura jamaicana, diría que el camino abierto por Potato y el viaje que hicimos a la isla caribeña, hizo que se creara un ambiente favorable a aceptar ese ritmo cadencioso típico de Jamaica, como es el reggae y actualmente son los grupos de hip hop y su cultura la que más aceptación tiene entre los jóvenes, algunos de los cuales samplean canciones como “Rula”.

Puesto que tú ejerces o has ejercido profesionalmente como periodista, me gustaría preguntarte acerca de la relación que Potato ha tenido con los medios y la repercusión mediática obtenida. ¿Cómo valoras el

Karra Elejalde y Pedro Espinosa

trato que desde prensa, radio y televisión se brindó a la banda a lo largo de su trayectoria? ¿Consideras que se ha sobredimensionado a la banda desde los medios, que se ha sido ecuánime en su tratamiento o que se le han infravalorado sus méritos? ¿Recuerdas cómo era el trato a nivel individual con los periodistas y cómo reaccionaban ante un concepto musical que hasta entonces apenas había sido tratado?

Ya he mencionado que soy periodista, con lo cual quiero decir que la relación de Potato con la prensa ha sido siempre muy estrecha. De hecho, el éxito de Potato se debe en gran parte a la labor de promoción realizada gracias a mi trabajo en diferentes medios de comunicación. Yo, cuando creamos Potato, ya sabía que iba a ser un bombazo, pues además de la peculiaridad

de los componentes de la banda, de las letras y música de las canciones y del mensaje utópico libertario que lanzamos, original en aquella época, controlaba la difusión. Y no me refiero sólo a las pintadas en bares y calles. El debut de Potato se produce el 31 de diciembre de 1984 dentro de un festival organizado por la emisora Radio Cadena en Álava, en la cual trabajábamos Elena y yo con dos y cuatro horas diarias de emisión, respectivamente. Fui yo el que tuvo la idea y convencí a mis jefes para ese último día del año hacer un programa de radio en directo desde el polideportivo de Landázuri desde las 9 de la mañana hasta las 7 de la tarde con entrevistas a gente del mundo del espectáculo y la cultura y actuaciones de grupos de música. Por allí pasaron más de 2.000 personas en el momento en que actuó Potato, alrededor de las seis de la tarde. Incluso dibujantes hoy día renombrados, como Mauro Entrialgo o Mikel Valverde, participaron dibujando cómics in situ en grandes paneles. Recuerdo, además, que comenzamos la emisión con la canción “Free Nelson Mandela” de The Special AKA. Al mismo tiempo que hacía el programa en Radio Cadena, empecé a trabajar en las páginas musicales del diario Egin tituladas “Bat, bi, hiru” (Un, dos, tres), que fueron imprescindibles en el desarrollo del rock vasco y que eran una referencia ineludible a la hora de informar de conciertos y de los grupos que iban saliendo. De hecho, en el primer número de “Bat, bi, hiru” aparece una referencia de Potato ilustrada con un dibujo realizado por Mikel Valverde en el que se da cuenta del concierto de fin de año antes mencionado. Cuando grabamos nuestra primera maqueta, yo me encargué de enviarla a Radio Euskadi para que la radiaran y más adelante estuvimos con Jesús Ordovás en su programa Diario Pop de Radio 3. Así que tal vez por mi influencia en los medios, se ha podido sobrevalorar a Potato, pero por parte de otros medios, digamos contrarios, se ha cargado las tintas contra la banda. También hemos de reconocer que, al habérsenos relacionado con el rock radical y con el mundo de la izquierda abertzale, nos ha abierto unas puertas en esos ambientes anti-sistemas y nos ha perjudicado en otros medios y ambientes, así que podemos decir que lo comido por lo servido.

pedro “aianai” espinosa Respecto a mi trato con los periodistas, pasa lo mismo que con la gente normal: hay periodistas buenos que se informan previamente y prestan atención y otros malos que llegan con prejuicios y sólo publican lo que les interesa a ellos, no a su público.

En 2007, tras 23 años de carretera y diversos álbumes en el mercado, Potato decidís poner fin a vuestra aventura y por ello os comprometéis con múltiples agentes (colectivos, promotoras, instituciones) a ofrecer vuestra gira definitiva, enmarcada por la edición del mini cd “Agur y Gracias” y el dvd “Potato en Fueros”, subvencionado gracias a un acuerdo contraído con el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz. Y sin embargo, en Octubre de 2009 leemos unas declaraciones tuyas en el diario Deia en las que, indignado, afirmas que Pako PKO ha usurpado el nombre de la banda y ha incumplido su palabra, desprestigiando a Potato e infundiendo confusión entre sus seguidores. ¿A raíz de qué se han producido esas desavenencias entre ambos que ocasionaron tu expulsión de la banda? ¿Cuál es el motivo o motivos por los que Pako se resiste a dar por zanjado el proyecto? ¿Cómo se han posicionado en este conflicto miembros tan relevantes de la banda como Jalas, Oki, los hermanos Arrieta o Julen Trepiana?

Ya he contado antes que Potato debería haber desaparecido hacía mucho tiempo, pues, como decía La Polla, iba arrastrando su decepción de un escenario a otro escenario. A Potato sólo la perseverancia de Pako Pko y la inercia le hacían seguir subsistiendo malamente, cambiando continuamente de componentes y volviendo a ensayar con los nuevos los temas que todos querían escuchar. De hecho, cuando anunciamos la gira de despedida, mucha gente creía que Potato ya había desaparecido, pues actuaba en contadas ocasiones.

Cierto es que en las nuevas remesas de componentes que entraban en Potato, siempre había alguno que se lo tomaba en serio y quería dar un nuevo impulso a la banda, comprometiéndose a fondo y componiendo nuevas canciones, como fue el caso de Javi Flores,

Potato

gracias al cual se edita el disco “Como en sueños”.

Pero Potato era, para mí, un muerto viviente que vivía de las rentas. Esto lo comprobé en un concierto que dieron en Vitoria y que me resultó lamentable y así se lo dije a Pako Pko, que se empeñaba en destrozar temas que yo había compuesto como “La Clase Obrera”, “Kuiti” o “Txop Zuei”, que iban recuperando para el repertorio además de los clásicos “Miguelín” o “Jamaica Ska”, que nunca dejaron de tocarse, al igual que “Rula”. Estoy hablando del año 2006, que coincide con la muerte de JB por un cáncer de páncreas. Es entonces cuando le hablo claramente a Pko de acabar definitivamente con Potato pero de una manera digna, con una gira de despedida que llamaríamos “Gracias

y Agur” en la que yo me integraría no sólo como cantante, sino como productor, promotor y manager.

La respuesta de Pako fue afirmativa, está grabada en el documental de “Potato en Fueros” y aún hay otras declaraciones frente a la cámara de Pako que no se incluyeron en las que dice textualmente que lo que le decidió definitivamente a aceptar el fin de Potato, fue el que yo me hiciera cargo de la gira. Así pues, hablamos con el resto de la banda, Jalas incluido, pues iba a ser el técnico, para explicarles el proyecto.

Yo aseguré a todo el mundo que íbamos a hacer al menos 30 conciertos, por el que cada uno iba a cobrar lo mismo (300 euros) y todos estuvieron de acuerdo.

Finalmente, fueron 40 los conciertos, con lo que cada

miembro de Potato, incluidos técnicos, se llevó 12.000 euros. La gira comenzó el 13 de febrero en Barcelona y finalizó el 5 de enero de 2008 en Logroño. Cierto es que dejamos abierta la posibilidad de seguir actuando durante 2008 si se nos ofrecía la posibilidad de realizar una gira por Latinoamérica o cualquier otra parte del mundo siempre que no fuera el estado español, para el que reservamos todo el año 2007, como así lo hicimos saber a agencias, ayuntamientos y colectivos de toda índole para que si querían, tuvieran la oportunidad de contratar a Potato por última vez. Cuando esto se hizo público, nos llegó la iniciativa de Soul Rebel de Palencia para sacar un disco con canciones de Potato interpretadas por diferentes grupos, que al final se concretó en “Tributo a Potato”, en el que participan 19 bandas de todo el estado. También quedaba claro, en ese compromiso verbal que adquirimos, que la desaparición de Potato no significaba que no se pudiera crear otro grupo y que Pako no siguiera adelante bajo cualquier otra denominación. Pero la “Potato punki reggae party banda” quedaría disuelta definitivamente, poniendo fin a una época que había comenzado en el siglo XX y que ya no tenía razón de ser en el XXI. La gira transcurrió más o menos bien, con los lógicos roces entre 10 personas que comparten muy poco espacio en una furgoneta durante mucho tiempo, pero según pasaba el tiempo, las discrepancias, sobre todo entre Pako y yo, fueron aumentando. Hubo un episodio que tal vez fuera determinante para explicar el posterior comportamiento de Pako. Ocurrió durante el mes de diciembre en una mini-gira que realizamos por Granada, Almería y Marinaleda. En Granada, Pko se quedó afónico y pensó en suspender la actuación.

Tanto el resto de la banda como yo, optamos por dar el concierto conmigo como único vocalista, lo que al final ocurrió sin mayor incidencia por parte del público, al que explicamos la ausencia de Pako. Fue éste el único concierto de la historia de Potato en el que no estuvo Pko presente. Por esas fechas recibí una llamada del Ayuntamiento de Vitoria para ofrecerme el pregón de los Carnavales 2008. Acepté con la premisa de que fuera en mi condición de miembro fundador de Potato y acompañado del resto de la banda como colofón a la

Juan y Pedro en escena

gira de despedida. Le dije a Pako que contaba con él para el pregón, en el que iríamos incluyendo fragmentos de canciones de Potato, aunque el discurso iba a ser cosa mía, pues resultaba imposible que lo hiciéramos entre los dos dadas las diferencias evidentes entre ambos y además, el creador de Potato había sido yo, así que resultaba lógico que fuera yo el que se responsabilizara del mensaje carnavalesco que no iba a tener nada de nacionalista. Aquí debo señalar que Pako hacía años que se había afiliado al sindicato abertzale LAB y durante un tiempo había estado liberado de su trabajo para dedicarse en exclusiva a tareas relacionadas con el sindicato. Entre las discusiones ideológicas que yo mantenía con Pako, estaban las relacionadas con las

justificaciones que LAB hacía de la lucha armada y del asesinato para conseguir la independencia. El caso es que Pako, que en primera instancia había aceptado compartir el escenario del carnaval conmigo y el resto de la banda, la noche anterior del pregón que habíamos quedado para ensayar, se retractó diciendo que no iba a participar en el Carnaval, acusándome de haber impedido que Potato siguiera tocando e intentando que el resto de la banda me dejara solo, algo que consiguió a medias. A mediados de febrero, cuando por curiosidad consulté la página web que habíamos creado durante un año para la gira de despedida para ver si seguía operativa, me encontré ante el comunicado de Pako lleno de insultos, descalificaciones y mentiras hacia mi persona, que me recordaron los métodos estalinistas.

Hasta había borrado mi figura de una de las fotos del grupo, en el que se me expulsaba de Potato, lo cual me hizo sonreír, pues nadie te puede echar de algo que no existe, tras una cena asamblea decidida por mayoría, lo cual también resultó mentira, pues la decisión fue suya en exclusiva, según me dijeron algunos miembros de la banda a los que pedí explicaciones y que aseguraron no saber de qué comunicado les estaba hablando. A Pako no he vuelto a dirigirle la palabra, pues no hay mayor desprecio que no hacer aprecio. Pero cuando empezó a hacer declaraciones públicas diciendo que la gira de despedida no significaba el fin de Potato y, sobre todo, cuando a mediados de 2009 llenó Vitoria de carteles anunciando un concierto en un barrio de la ciudad bajo el lema “Objetivo Japón” y harto de dar explicaciones a los que me interpelaban por la vuelta de Potato, fue cuando decidí sacar el comunicado denunciando la impostura de Potato, que se publicó en diferentes diarios del País Vasco, como El Correo, Deia o Diario de Noticias de Álava. Por qué Pako actuó como actuó, habría que preguntárselo a él. En cualquier caso, me remito a las declaraciones que efectuó en el documental incluido en el dvd “Potato en Fueros”. Respecto a lo que piensan los otros miembros relevantes de Potato, digo lo mismo: no soy yo quien debe hablar por su boca, preguntadles a ellos.

ENGLISH VERSION

pedro “aianai” espinosa THE VITORIAN POET OF DUB

by Larry ACR Once the interview is answered, Pedro asked me if he had met the expectations placed in it. I think that in the light of his answers, both extensive and explicit, you cannot add much to what has been said. To give you some background for those who do not know him, I must say that Pedro Espinosa, better known in the Jamaican scene as “Aianai”-translating into Spanish the popular egocentric Jamaican expression “I and I”- is co-founder -with Guinean singer Juan Borikóof Potato, the veteran Jamaican band from Vitoria -active since 1984 -; pioneer -and probably the only one- in importing the dub poetry of Linton Kwesi Johnson and Mutabaruka to the local reggae scene and a stirrer of consciences under the degrowth slogan “down with work and live the contemplative life”.

Since the beginning, Potato was eminently an iconoclastic project, making one of its hallmarks the distancing from those bands that joined the then burgeoning movement of “radical Basque rock” and quickly discarding the idea of worshiping a false hero such as Haile Selassie I, after which, if you dig enough, lays an insignificant dictator who made a fortune by squeezing the inhabitants of Ethiopia. What kind of problems did it cause to you not to commune with these “millstones” and to set your own path? Do you think there were people that did not ever take you into account as you did not respond to the clichés of this genre or as you did not identify politically within the Basque nationalist environment?

The downside of living in such a nationalist environment is that you cannot develop ideas apart from that approach. Everything must be focused to the ultimate and fundamental aim, which is to achieve independence

and otherwise has no use, hinders, or is treated as false by the nationalist ideology, the vanguard of the national liberation movement, which is the one who directs the actions to follow everytime. In Vitoria, this was very clear. There were many people, groups, active collectives editing fanzines, comics, magazines, performing theatre, doing shorts or artistic practices, as well as bands that were actually who agglutinated the rest. All these ideas boiling were seen clearly in the streets and bars of the old town, which is where all this creative, rebellious and anti-authoritarian amalgam focused. Many of these people, just unknowingly, followed libertarian practices, but I do not deny that many were supporters of Basque independence, but as concerned to Potato, or, rather, to JB and I, it was clear that nationalism was a bourgeois concept and even more the Basque, created by Sabino Arana, who never ceased to be a racist. And we set that very clear when we started talking about Vitoria as the capital of Tropical Euskadi where we were going to change the climate and twin with them in order to exchange potatoes for marijuana. Potato wanted to be a shock.

We took advantage of a song by one of our favorite bands, Hertzainak, with whose components we used to drink almost daily, “Arraultz bat pinu batean” (an egg in a pine tree), which asked why not to change the tree Guernica for a palm tree, to make us all lazy, dedicated to piracy and so maybe one day we would be free to commit any sin, to play down and stop navelgazing in a world that already seemed globalized.

Certainly, for nationalist orthodoxy, we were not more than a cracking joke. In fact, years later, when Potato and the Tropical Euskadi concept were popularized, Hertzainak, to whom through Babinton PIP we had produced their second album and designed its cover, did another song called “Txantxetan” (jokingly) as saying that this was just for fun. But for us it was something that had a profound ideological meaning. In any case, for better or for worse, the MLNV (Basque National Liberation Movement) controlled everything that was opposed to the system to try to make it his. It set up environmental, women, youth, internationalist and gay rights organizations that claimed for all that rights

but under the guidance emanating from the forefront.

And with music, or, rather, with festivities that were organized in villages, they began to hire, rather than verbena´s groups, bands that rage with their social political proclamations. And Potato fell into that dynamic because if not, we would not have played. They called us either for anti-NATO, pro-Gaztetxes (buildings occupied by young people), free radios, prisoners, carnivals that were due to the radical left wing nationalists. Very representative of this is the program organized by Batasuna called “Martxa ta Borroka” (get up and fight), which led to one of the most significant statements about the situation made by Natxo Etxebarrieta, lead singer of Cicatriz, who rejected to join the program by saying that “before we were drug addicts and criminals and now we have become young revolutionaries”.

I think that apart from the initial work as an ideologue and founder of the band, your role in Potato was always more or less well defined: the poet who rhymed with sarcasm, irony and wisdom, but unceremoniously, quite similar to Jamaican analogues such as Linton Kwesi Johnson or Mutabaruka. Where does this concern about poetry appeared on you and what do inspire you to compose poems of undoubted political and social imprint? What attracts you singularly from dub poets so as to adopt them as a model to emulate? Why do you think this genre of Jamaican music is not more widespread? Once you had closed the Potato cycle, are you still writing poems and allegations or the daily tasks impede you to do so?

I’ve always loved to read, so poetry and literature in general are very close to me, more if you consider that I am a journalist and it is a part of my profession. As for my inspiration, it has always been closely linked to my personal and social environment. The themes I have always made deal with what was happening around me. On the other hand, I consider myself a fighter. I cannot stand injustice and exploitation, and I rebel. This system is clearly rotten, they want us to become slaves and the only freedom they offer us is the market one, to buy either in Eroski or in Carrefour. Indeed, if we create Potato, it was to denounce all this. What attracted

the birth of Potato

me about Mutabaruka and Linton Kwesi Johnson, my masters in the art of dub poetry; was mainly its revolutionary character, their desire to appeal to the conscience of the people and to denounce the political, social abuses. Furthermore, the recitation of sentences allowed me to mask my musical illiteracy and prevented me from singing the traditional way. This music genre has not spread further because it does not matter, it is not commercial, it suggests, and people are reluctant to think, prefer to be thought for them, and so it goes.

It is much easier to sell dancehall. The last thing I wrote was “Educad” and “Atónito y Disperso”, two songs I wrote in the year of the Potato departure tour in 2007 and included in the mini cd that we publish under the title “Gracias y Agur” in order to finance the DVD “Potato in Fueros”, the band’s posthumous legacy.

I wrote a couple of tracks, but there was no time to include them in the tour. I also wrote some verses for

the proclamation of Carnival, but if there’s no band, I write no songs. Well, I even wrote a memorial song for the 70th anniversary of Radio Vitoria, which is the radio station where I work, for which a video for the ETB (Autonomous Basque Television) was made, as Radio Vitoria is part of Public Basque Radio TV Enterprise.

In 1988 there were two key desertions in the band, firstly Juan Borikó -burdened by his health- and then yours after the publication of the maxi “Rula”-for which you also composed the lyrics-, because, as you had already recognized, nobody was indispensable in the band and the concept of verbena prevailed, in which the items that are lost are replaced provided the concept remains latent. How do you remember your departure and the separation from those who had been fellow-sufferers until then? Do you think that the band was just with those colleagues who got

off the boat? How were these decisions taken within the band? At what point do you decided to rejoin the project after a few years elapsed and what made you decide to do so?

Provided what has happened over time, it would have been better to dissolve Potato in 1988 following the departure of JB, which cannot be called desertion, because, as is well explained in the book “Potato. La utopía de una Euskadi Tropikal”, JB carried serious health problems, aggravated after his visit to his hometown on the island of Malabo in Equatorial Guinea, that he could not follow the pace imposed by the hard road. But I still felt I had things to say and, indeed, “Rula” and “Para Calentar” were composed at the time JB depart. Ironically, months later I was forced to leave the band as I began working as a journalist for Radio Vitoria and was unable to follow the same frenzied pace to play three days a week until the wee hours of the morning and, almost without a break, go to speak through the microphone as a professional in a public media, that was really the one who fed me, me and my family. Now, looking back, I regret not having dissolved the band, I had every moral right, as I had had the idea and had developed it. Especially given the lack of solidarity from the rest of my colleagues and in particular from Pako Pko. I vividly remember the time when I was leaving Potato and nobody said a word. We had played in a village in the French Basque country that was about 200 km away from Vitoria. It was 5 am and I begged my colleagues to get them into the van so that we could return home because I had to start work at 8 am. I had great difficulty to persuade the band from the invitations to keep on drinking by drunken sycophants. Once in the way back there was a violent discussion about it and that was when I said that if, after each concert we had to wait to drink every last drop to hit the trail back, I left them. There was a silence that was left as an answer and I left the group with the indifference of the majority and the joy of Pako, who by something was nicknamed Pko (sin), who thus became the only singer on the band. Since that day I did not join Potato, like Elena, my wife, who was the guitarist and I let them continue using the name JB

pedro “aianai” espinosa and I had created and that was already an established brand in the Basque musical scene and in the Spanish reggae scene. It is true that I was tired of sprawl, I had a 7 year old daughter at the time and a job, which I still do, that was really my trade and did not want to leave Oki, Jalas and Potxo in the lurch after they had left the verbena group to make a strong commitment for Potato, more at a time when “Rula” had become a hit and we were called to play everywhere. So, after my departure and Elena´s, Gabriel Gullián, the Uruguayan, came, who let´s say replaced me as he sang “Rula” and began to compose, and Arturo Blasco, great guitarist who also contributed much to the band. In any case, we were still meeting at the same bars and after a somewhat tense period, through Jalas mediation I return to accompany them at some shows to go on stage as a guest artist in order to sing my songs. So my relationship with Potato followed due to the friendship I had with Jalas and my status as a journalist. In this sense, I continued to support the band by reporting its activities and the work they were releasing on some of which, as happened in “Crónicas de puerto sin más”, I was featured on vocals on “No Pensar”. Furthermore, as I have said, there was no season in which I took the stage to sing “Miguelín El Casero” or “Rula”, songs that have always been part of the repertoire of the band. Later, in 1995, with “Plántala” I dealt with the production and promotion of the summer tour that led us to perform 30 concerts throughout Spain, where I had my own set singing several songs.

Ten years later, in 1998, Elena and you published the biography of the band, “Potato Reggae Banda. La Utopía de una Euskadi Tropikal”, a book whose value lies in framing the context in which it developed and in explaining the reasons behind the decisions taken by the band at all times. Have you consider that perhaps there was some kind of haste in its publication since the band still remained active despite the spinoff of Arawak in 1996? Was that utopia of “free and tropical Euskadi” to which Hertzainak alluded materialized in any way or was just a mere optimistic and unrealistic hypothesis? What was the receptivity

of a city as village and atypical in Euskadi as Vitoria, which has always had specialized bars (El Majara, Parnaso, Ardo Ona...) and bands (Potato, Kannabis, Little Feet & The Prenatals, Arawak, Green Valley, Siroko Ska...), towards the Jamaican culture and music?

Elena and I are journalists specialized in music. We had published through our own publishing house, Editions Aianai, books like “Hertzainak: la confesión radical” (1993) and “Del txistu a la telecaster: crónica del rock vasco” (1995), which obtained great success since we sold 3,000 copies and exhausted the issues, so we decided to tell the story of Potato and what led to the Tropical Euskadi. At that time, 1998, we believed the band had not a larger way to go, as it did not featured Oki, the great arranger and musician without whom the sound of Potato would have been impossible and Timoteo Ozaeta, Jalas, the drummer, ever impulse and generosity. Oki and Julen Trepiana, singer and composer in the era of “Plántala”, left the band after the summer tour of 1995 mentioned above, tired of repeating the same songs that everybody asked for and also of Pko Pako, who got stuck to the same patterns of ten years ago and wanted to form their own adventure, Arawak, where they are still on. There was also a great opportunity to dissolve Potato we missed, but Pako insisted and I must acknowledge that he got to convince me, that the band could not be left to die and that it had to make a new album and so we did “Pko Original”, which also embarked Jalas and Potxo and it was published with the cooperation of the Assembly of Unemployed. In this way, the life of Potato was artificially prolonged, followed by the recording of “Directo Directo” on Bikini in Barcelona in 1999, this time due to Jalas determination, who was devoted to the sound and recording and persuaded us to record a live album. The recording featured Oki, Gabriel, Arturo, Isi, JB and myself, although JB did not appeared live itself, he included a sentence in the mixing. So I do not know whether there was precipitation or not when editing the book, but it was what the body called us to do at that time and we also wanted to go beyond a mere biography of Potato and to explain the social

and political context in which the band appeared. And, again, I did not figure that Pako Pko would grasp to something that seem to be the only thing that gives him some public recognition. With the concept of Tropical Euskadi happens the same as with sustainability, that as it is used so much, it has become something stale and meaningless. Obviously we cannot change the weather, or, well, we’re actually changing it for the worse with the greenhouse effect gases and pollution, but that utopian slogan of transforming the tree of Gernika in a tropical palm tree, has been assumed even by the institutions, as now companies like Endesa and Repsol even describe themselves as green, which has lost its power of flash, to stir the consciences and to bring about a change in habits and lifestyles. Today I do not know if Vitoria-Gasteiz is the capital of Euskadi Tropical, but at least is the green capital of Europe, a title that has just been granted for its attempts to return the city to pedestrians rather than letting the car reign and this at least is a positive change in which the whole city is involved. Regarding the city’s receptivity to the Jamaican culture, I would say that the path shown by Potato and the trip we made to the Caribbean island, lead to the enabling of a positive environment to accept this rhythmic cadence typical of Jamaica, such as reggae and now the hip hop groups and their culture has the most acceptance among young people, some of which sample songs like “Rula”.

As you exercise or have worked professionally as a journalist, I’d like to ask about the relationship Potato has had with the media and about the media coverage obtained. How do you assess the treatment the press, radio and television gave the band throughout its career? Do you think that the media has oversized the band, their treatment was fair or they have understated its merits? Do you remember what was the individual deal with journalists and how did they react towards a musical concept that until then had rarely been treated?

As I have mentioned before, I am a journalist, by which I mean that the relationship of Potato with the media has always been very close. In fact, the success of

Pedro and Juan at the 1st Jazz Festival of Vitoria.

Potato is in large part due to the advocacy work through my work in different media. When we created Potato, I knew I was going to be a hit, because apart from the uniqueness of the band members, lyrics, music and message that spread the libertarian utopia, original at the time, I controlled its diffusion. I refer not only to the graffiti painted in bars and streets. Potato debut happened on December 31th, 1984, in a festival organized by Radio Cadena in Álava, where Elena and I worked with two and four hours of daily broadcast, respectively. It was me who had the idea and persuaded my bosses for the last day of the year to do a radio

show live from the Landázuri sports center from 9 am to 7 pm interviewing people from the show business and broadcasting performances by bands. There were more than 2,000 people at the time Potato performed, about 6 pm. Even today renowned artists such as Mauro Entrialgo or Mikel Valverde took part by drawing comics in situ in large panels. I also remember we began the broadcast with the song “Free Nelson Mandela” by The Special AKA. At the same time I was broadcasting the program at Radio Cadena, I began working on the music page of the newspaper Egin entitled “Bat, bi, hiru” (One, two, three), which became essential in the development of Basque rock and was an unavoidable reference when reporting dates and the groups that were emerging. In fact, in the first issue of “Bat, bi, hiru” there was a reference to Potato illustrated with a drawing done by Mikel Valverde which reviews the year-end concert mentioned above. When we recorded our first demo, I sent it to Radio Euskadi and we later appeared on Jesus Ordovás program at Radio 3, Diario Pop. So perhaps due to my influence on the media, Potato could have been overstated, but by other means, let´s say opponents, the band have been attacked. We must also recognize that being related to radical rock and the leftwing nationalism has opened doors in those anti-systems environments and has damaged us in other media and environments, so we can say that I all turned out just. As for my dealings with journalists, it happens the same as with normal people, there are journalists who are well informed in advance and pay attention and others that come full of prejudices and publish only what interests them, not their readers.

In 2007, after 23 years of road and several albums released, Potato decided to end its adventure and so you compromise with multiple agents (collectives, promoters, institutions) to offer your definitive tour, marked by the edition of the mini cd “Agur y Gracias” and the DVD “Potato en Fueros”, thanks to an agreement signed with Vitoria-Gasteiz city council.

And yet, in October 2009 we read a statement from you in the newspaper Deia where, indignant, you said

that Pako Pko has usurped the name of the band and has violated his word, discrediting Potato and infusing confusion among its followers. What are the reasons behind those disagreements between the two that caused your expulsion from the band?

What is the reason or reasons why Pako is reluctant to dig the project? How have relevant members of the band such as Jalas, Oki, the Arrieta brothers or Julen Trepiana positioned them in this conflict?

As I have told before, Potato should have disappeared long ago, because, as La Polla said, it was dragging its disappointment from one stage to another. Only Pako Pko´s perseverance and inertia made Potato continue living badly, constantly changing components and rerehearsing with new ones the songs everyone wanted to hear. In fact, when we announced the departure tour, many people thought we had already disappeared as Potato rarely performed. It is true that from the new shipments of components entering Potato, there was always someone who took it seriously and wanted to give new impetus to the band, committing toughly and composing new songs, that was the case of Javier Flores, thanks to whom the album “Como en sueños” was released. But Potato was, for me, a living dead who lived on its inheritance. I checked this in a concert that took place in Vitoria and was pitiful and so I told Pako Pko, who insisted on destroying songs I had written as “La Clase Obrera”, “Kuiti” or “Txop Zuei”, that were recovered for the repertoire beyond the classical “Miguelín” or “Jamaica Ska”, which they never ceased to touch, like “Rula”. I’m talking of 2006, which coincides with the death of JB by a pancreas cancer. That is when I speak clearly to Pko to dig Potato definitively but in a dignified manner, with a departure tour that would be called “Gracias y Agur”, in which I would integrate not only as a singer but as a producer, promoter and manager. Pako´s answer was yes, as it is recorded in the documentary “Potato en Fueros” and there are still other statements of Pako in front of a camera that were not included in which he quoted that what finally decided him to accept the end of Potato, was the fact that I took over the tour. So, we talked to the rest of the band, Jalas included, as he would be the 87

pedro “aianai” espinosa technician, to explain the project. I assured everyone that we would get at least 30 concerts, which each would be paid the same (300 euros) and all agreed.

Finally, there were 40 concerts, with each member of Potato, including technicians, earning 12,000 euros.

The tour began February 13th in Barcelona and ended on January 5th, 2008 in Logroño. It is true that we left opened the possibility of further performances in 2008 if we were offered the chance to make a tour through Latin America or anywhere else in the world apart from Spain, for which we reserve the whole of 2007, as we made the agencies, municipalities and all kinds of collectives know, so that if they wanted, they had the opportunity to hire Potato for the last time. As this became public, we received the initiative from Palencia´s Soul Rebel to edit a disc with Potato songs performed by different groups, which eventually culminated in “Tribute to Potato”, involving 19 bands from across the nation. It was also clear in the verbal commitment that we acquire, that the disappearance of Potato did not mean that it could not be created another group or that Pako could not go ahead under any other name. But the “Potato punki reggae party banda” would be definitely dissolved, ending an era that began in the twentieth century and that had no longer reason to be active in the XXIth. The tour went more or less well, with the logical friction among ten people who share very little space in a van for a long time, but as time passed, differences, especially between Pako and I, were growing. There was an episode that might be decisive to explain the subsequent Pako´s conduct.

It occurred during the month of December in a minitour we did to Granada, Almería and Marinaleda. In Granada, Pko lost his voice and thought of suspending the performance. While the rest of the band and me decided to give the concert with me as the only vocalist, what eventually occurred without any incident by the public, to which we explained the absence of Pako.

This was the only concert in the history of Potato in which Pko was not present. At that time I received a call from Vitoria city hall offering the proclamation of the 2008 Carnival. I accepted with the premise that it was in my condition as founding member of Potato

and together with the rest of the band as a culmination for the departure tour. I told Pako that I counted with him for the proclamation, which would feature Potato lyrics fragments, although the speech would be up to me, because it was impossible to do it between the two given the obvious differences between us and as I was also Potato´s creator, it was logical that I was the one responsible for the Carnival message which would have nothing to do with nationalism. Here I should notice that Pako had joined the nationalist union trade LAB some time ago and for a time he had been released from his job to devote himself exclusively to tasks related to the union trade. Among the ideological discussions I had with Pako, were those related to the justifications that LAB

made for the armed struggle and murder to achieve independence. The fact is that Pako, which had initially agreed to share the stage at the Carnival with me and the rest of the band, the night before the proclamation that had been left for rehearsals, he recanted, saying he would not participate in the Carnival, accusing me of having stopped Potato from playing and trying to persuade the rest of the band to follow him to leave me alone, which he got halfway. In mid-February, when out of curiosity I consulted the website we created for one year to cover the departure tour to see if it was still operational, I found out the press release written

by Pako full of insults, disqualifications and lies of me, which reminded me of the Stalinist methods. He has even deleted my face of one of the group´s photos, in which I was expelled from Potato, which made me smile because no one can expulse you from something that does not exist, after a dinner meeting decided by a majority, which was also a lie, since the decision was his exclusively, as some members of the band who were asked by me for explanations and assurances told me they did not know which statement I was talking about. I have not talk to Pako since then because there is no greater contempt than making no appreciation.

But when he began making public statements saying the departure tour did not mean the end of Potato and, especially, when mid-2009 he filled up Vitoria with posters announcing a concert in a neighborhood of the city under the slogan “Objetivo Japón” and tired of giving explanations to those who interpellate me about the return of Potato, I decided to make a statement denouncing the fraud of Potato, published in various newspapers of the Basque Country, such as El Correo, Deia or Diario de Noticias de Álava. About why Pako acted the way he did, you should ask him. In any case, I refer to the statements made in the documentary included on the DVD “Potato en Fueros”. About what the other leading members of Potato think, I say just the same thing: I am not the one who speak for them, ask them.

old school bmx 80’s álbum de familia una entrevista de Amanda Gómez / fotos: Old School BMX 80s Manel Martínez es el responsable de Old School Bmx 80’s, una iniciativa que este rider catalán de 42 años ha puesto en marcha para rescatar del olvido los inicios de la cultura BMX en España, de la que fue testigo en primera persona.

Mientras revisábamos el material gráfico que Manel nos había hecho llegar para ilustrar esta entrevista, nos dábamos cuenta del tesoro que está recopilando, y sin tan siquiera echar un vistazo al material audiovisual, nos podemos hacer una idea de la magnitud y de lo arduo del ejercicio de memoria histórica que está llevando a cabo.

Todas esas fotos de los pioneros de este deporte de dos ruedas, muchas de ellas en blanco y negro, con ese regusto vintage y esos aspectos tan míticos, son dignas de ser conservadas, y merecen ser vistas y

admiradas por todas estas nuevas generaciones de bicivoladores que a día de hoy recorren las calles de cualquier ciudad de nuestro país. Para que sepan que no están solos, que ya hubo una generación que, hace 30 años, flipó igual que ellos flipan ahora saltando bordillos.

Manel… ¿podrías presentarte? ¿Cómo conociste el mundo BMX, y cómo te introdujiste en él?

Debía ser a finales de los 70’s. En España el concepto de bicicleta BMX era por aquel entonces completamente desconocido, y recuerdo perfectamente un anuncio de pantalones vaqueros, en el que los chicos grindaban sobre barandillas, saltaban escaleras y sobre cubos de basura en las calles de San Francisco (USA)... Más tarde mucha gente de mi generación hemos coincidido

en que las imágenes de aquellos chicos ataviados en “pataelefante” y camisetas con motivos setenteros “USA” nos envenenaron de BMX para siempre.

Sobre 1981 un fabricante Español sacaba el primer modelo con concepto BMX y difundía a bombo y platillo la llegada del BMX (por aquel entonces Bicicross).

Yo, y cientos de chavales más, abandonábamos las bicicletas de sillín tipo “banana” y nos iniciábamos en el lado más “racing” del BMX Viviste los primeros momentos del BMX en España. ¿Cómo y cuando se introdujo el BMX Race y BMX Freestyle en nuestro país?

Como os contaba, recién estrenada la década aparecían las primeras carreras organizadas por “Amics del Bicicross” (Amigos del Bicicross), que sería

old school bmx 80’s

1981

el estamento oficial y con carácter internacional para llevar acabo las carreras de BMX en España de forma más o menos oficial. Al poco tiempo la Federación Española de ciclismo se involucraba también en el tema. Aunque bien mirado… en realidad lo único que se estaba haciendo desde ambos estamentos era reglar y dar forma a un nuevo concepto de deporte, desconocido para la mayoría de nosotros como tal, que en Europa estaba causando furor…

Cabe recordar que existen enciclopedias donde se refiere al BMX como un fenómeno mediático propio y destacado entre la juventud de los 80’s. Films como “E.T.” o “BMX Bandits” (Los Bicivoladores) o más tarde “Rad”, hoy consideradas películas de culto de la década 80’s, se encargaron de dar un buen empujón a nuestro deporte de un sólo freno trasero…

Entre 1985 y 1990 se llevaron acabo en España carreras de reputación Internacional como el

Campeonato de Europa, en Palau de Plegamans (Barcelona), o el Campeonato del Mundo de BMX en Aranda de Duero (Burgos). Estos eventos solían acoger inscripciones cercanas al millar… En esa época el concepto de bicicleta con ruedas de 20 pulgadas, un solo freno, los cromados plateados en los cuadros de las bicis, los accesorios de plástico inundaban las calles. Los fabricantes incluían rápidamente como icono el macro-encefálico ET acompañado del acrónimo BMX (Bicycle Moto Cross), en sus catálogos como gancho comercial… Lo dicho un autentico “boom” del momento.

A mediados de década y bajo la influencia internacional, aparece de forma más o menos oficial lo que conoceríamos como Freestyle. La espectacularidad del mismo, reflejado en las revistas que nos llegaban desde el extranjero como “BMX Action” o “Freestyling”, así como sus “flirteos” más cercanos al Skate o con el Break-Dance, hacían del Freestyle BMX la última sensación.

Solíamos encargar este tipo de publicaciones a los

que salían más allá de nuestras fronteras… todavía guardo algunos ejemplares de BMX Action o Bi-Cross Magazine, con las páginas amarillentas y memorizadas de releerlas una y otra vez.....

A final de la década de los 80 el BMX, en general, tiene un acentuado bajón, como premonición de un relevo

Sergio Diaz

generacional con otras nuevas necesidades.

Casi 30 años después el BMX Race (carrera) entra por primera vez en el Olimpo de del Deporte (Olimpiadas de Pekín 08)… mientras el Freestyle BMX muy a pesar de doblar el numero de practicantes sobre éste, ha evolucionado bajo un concepto propio… más cercano a la subculturas urbanas, lo que ha hecho que en demasiadas ocasiones sea tildado como un “renglón torcido “del BMX... Desde Old School BMX 80’S vamos a trabajar fuerte para demostrar esa calumnia.... ¿Qué es Old School BMX 80´s? ¿Cómo surgió la idea de su creación y cuáles son sus objetivos?

OSBMX80’s nace como un proyecto personal, mío, que pretende mitificar y dignificar a toda esa generación “Cero” del BMX en todas sus variantes aquí, como se hace en la mayoría de países con cultura BMX mas allá de nuestras fronteras (Francia, Holanda, USA,

etc..). Siempre con un claro y acentuado guiño a la generación del los 80’s.

Desde Old School BMX80’S, se han llevado acabo todo tipo de eventos. Desde exposiciones temáticas, a la recuperación de carreras de renombre olvidadas (como la Startrack Series BMX 1983/2009) hasta la difusión en general de nuestro deporte en escuelas y este tipo de centros...

El BMX a muy a pesar de tratarse de un deporte todavía hoy considerado un tanto singular es uno de esos escasos deportes agradecidos con sus orígenes.

El movimiento Old School BMX 80’s ha generado interés y peso en el ámbito deportivo. Hoy algunos organizadores han adoptado el termino “Old School BMX” para las categorías superiores en edad.

Fuera del plano estrictamente deportivo ha generado una corriente entre la que mucha gente se ve reconocida, debido a su claro influencia generación

80’s. Dentro del BMX e incluso los más jóvenes han sabido respetar el movimiento OLD SCHOOL BMX. En estos últimos años, estamos asistiendo a un “nuevo renacer” del mundo del ciclismo urbano, tanto con la reaparición de las bicicletas de piñón fijo como por la cantidad de nuevos “Bici Voladores” que vemos por las calles montados en sus BMX de “nueva generación”. ¿Los que estáis vinculados a la cultura BMX, cómo veis este hecho? ¿Notáis una mayor atención y participación por parte de la gente, o se trata de un espejismo?

No, no es ningún espejismo… es un hecho consumado.

Sin duda vuelve el piñón fijo, como han vuelto los iconos de Bultaco, las zapatillas “All Star” o los grandes auriculares como los que utilizábamos con los Walkman…

Por un lado es normal una rebelión generacional

old school bmx 80’s

ciclópica, que reivindique los 80’s, esto ya paso antes en los 60 y los 70, aunque es en los 80 donde el BMX juega mayor ventaja por encontrar en esa década sus orígenes. Sin duda alguna Old School BMX 80’s ha aportado su grano de arena a este fenómeno.

Como creador del proyecto, entendí desde el primer momento que este debía ir acompañado de todo ese tipo de tics ochenteros...

Como me dijo una vez un importante colaborador de Old School BMX 80‘s: “Manel tío, date cuenta, si esto fuera música no estaríamos hablando de la música de los 60 ‘s o los 70’s... estaríamos hablando de los inicios de la música”….ahí me di cuenta del peso del proyecto y ese día realmente me acojone un poco.

¿Qué proyectos futuros tenéis en mente con OLD SCHOOL BMX 80´s?

Cabe recordar que en 2011 se cumplirá el 30 aniversario deportivo de la instauración del BMX aquí…. Para entonces me gustaría cerrar el proyecto como tal. Con algo grande, en lo que llevo trabajando desde hace algo más de un año…. Un exhaustivo trabajo de recopilación de datos inédito, sobre los orígenes del BMX aquí, en el que todos los que de una manera vivimos la década dorada del BH, nos veamos reflejados.

Entre esos proyectos futuros, destacaríamos uno que llevas entre manos desde hace años. Recopilar todo el material que te sea posible acerca de los inicios del BMX en España. Cuéntanos cómo ha sido ese largo proceso de búsqueda y recopilación de fotos, videos, prensa, bicicletas, etc…

Por un lado ha sido muy duro empezar desde cero. Hay que tener en cuenta que hace apenas seis años no existía información alguna sobre los orígenes del BMX en España y si había algún indicio en la “red” era muy escueto.

Por otro lado el camino del proyecto ha sido agradecido, por la ilusión que ha sabido contagiar. Han sido, muchas horas de carretera, trabajo en busca de cualquier indicio o testimonio sobre los primeros días del BMX aquí....y muchísimas horas delante de un scanner ante colecciones personales de fotos y documentos.

Por suerte como te decía, he tenido la suerte de saber implicar y rodearme de entusiasmados colaboradores, muchos de ellos, y a pesar de no pertenecer a la época 80’s que a pesar de no ser de la época 80’s han sabido ver y respetar el proyecto OLD SCHOOLBMX 80’s como algo suyo.

1982

¿Y qué piensas hacer con todo ese tesoro recopilado?

En primer lugar me gustaría destacar que todo ese “tesoro” acumulado pasa a formar parte del patrimonio de cada una de los cientos de culpables de OLD SCHOOL BMX 80 ‘s.

Para mi tiene el mismo valor un ejemplar de “BMX Action”, cinco minutos de película familiar en formato “super8”, o una equipación Haro de la época que el simple testimonio verbal de cualquier personaje anónimo, que estuvo “allí”. Por eso creo que el material debe ser expuesto para el regocijo de todos nosotros cuantas más veces mejor....

Puede que más tarde llegue un relevo generacional.... pero piensa que hay gente en Old School BMX 80’s, que lleva ya más de 25 años en esto de las bicis pequeñas... jejeje.

Este tipo de situación debe crear situaciones anecdóticas. Cuéntanos alguna…

Desde luego. Siempre es una aventura trabajar con material personal. En ocasiones me pasa con las colecciones personales de fotos o videos que me ceden para trabajar o escanear… cuando menos te lo esperas aparece la abuela, haciendo una paella familiar, en medio de la película “super8” al más puro estilo “Cuéntame como pasó” o las fotos de la cena de nochebuena del 82 (Naranjito incluido), entre las paginas del álbum que te han cedido. Esto siempre me impresiona mucho y no puedo evitar pensar en que el proyecto OLD SCHOOL BMX 80’s debe significar mucho para todos estos románticos del BMX 80’s que abren para ti una puerta a su intimidad.

ENGLISH VERSION

old school bmx 80’s family album

by A. Gomez / pictures by OSBMX80s Manel Martínez is the responsible of Old School BMX 80’s, an initiative from this Catalan rider, aged 42, to rescue from oblivion the first steps of BMX Spanish culture, he witnessed in first person.

While we looked through the graphic material he sent to us to illustrate this interview, we realized the treasure he was gathering, and without even seeing the audiovisual material, we can imagine how huge this work is, and the difficulty of such a historic memory exercise.

All those pictures from the pioneers of this twowheeled sport, a lot of them in black and white, with this kind of vintage feeling, and such stunning looks, deserve to be preserved and must be shared with all those BMX bandits actually riding the streets of any city in our country. So they will know they’re not alone, that there was a whole generation, 30 years ago, as crazy as they are about curb jumping.

Manel, could you introduce yourself? How did you discover the BMX world, and how you got involved on it?

It might be the end of the seventies. In Spain, the concept of the BMX bicycles was still completely unknown, and I perfectly remember a jeans TV commercial, where the kids grinded handrails, jumped over stairs and garbage cans in the streets of San Francisco… Later on, many people from my generation have agreed those images of such bell bottomed kids and those seventies motifs poisoned us with BMX forever. Around 1981 a Spanish manufacturer released the first model under the concept of BMX, and spread the word of BMX arrival (the so called “bicicross” at this time). Hundreds of kids, including myself, left behind the banana saddles and began exploring the racing side of BMX.

You’ve lived the first days of BMX in Spain. When, and how, Race BMX and freestyle got introduced in our country?

As I was telling you, at the beginning of the 80’s decade the first races appeared, organized by “Amics del Bicicross” (friends of “bicicross”), which would be the official and international estate organizing BMX races in Spain. Soon, the Spanish Cyclist Federation got also involved. But paying attention afterwards, what both organizations were doing was to regulate and give a form to a new concept of sport, still unknown for the big majority, but already a sensation in Europe.

I may say there are a few encyclopaedias defining BMX as a media phenomenon proper to the youth of the 80’s. Movies such as “E.T.” or “BMX Bandits”, or even “Rad” later on, actually cult movies from the 80’s, were responsible of a huge push forward for our single back brake sport…

Between 1985 and 1990 Spain hosted internationally recognized races as the European Championship at the Palau de Plegamans (Barcelona), or the BMX World Championship at Aranda de Duero (Burgos). Such events used to receive about a thousand inscriptions…

Those were the days of 20 inches wheels, single brakes, chromed and silver bodies, and plastic accessories flooding the streets.

Manufacturers included quickly in their catalogues

the icon of a macro-cephalic E.T. besides the BMX acronym (Bicycle Moto Cross) as a commercial hook… the “boom” of the moment.

Freestyle appears officially at the half of the decade, under the international influence. Its spectacularity, reflected on magazines coming from abroad, like “BMX Action” or “Freestyling”, and its flirts with Skate or Breakdance made of Freestyle BMX the last sensation.

We used to order this kind of publications to the people going outside our frontiers…. I still keep with me some issues of BMX Action or Bi-Cross Magazine, with its pages yellowed and memorized after so much reading.

At the end of the 80’s decade BMX in general suffers a sharp drop, as a premonition of a generational change, with new needs.

Almost 30 years after, BMX Race comes into the Olympus of Sports for the first time (Pekin Olympics 2008)… while Freestyle, even having more of the double of followers, evolved under its own concept, closer to the urban subcultures, and has been branded many times as the twisted side of BMX… and in Old School BMX 80’s we’re working hard to prove this defamation…

What’s Old School BMX? How the idea of its creation came and which are its objectives?

OSBMX80’s was born as a personal project of my own, trying to dignify all this “zero” BMX generation over here, as done outside our frontiers (France, Netherlands, USA, etc..). Always winking to the eighties generation.

From OSBMX80’s we’ve organized many different events. From thematic exhibitions and the recovery of forgotten races (as the Startrack Series BMX 1983/2009), to the spreading of our sport in schools, and this kind of centres…

Even if BMX is still considered as a singular sport, it’s one of the most grateful sports regarding its origins.

Old School BMX 80’s movement has generated a lot of interest and a huge weight in the sphere of sports.

Today, some organizers have adopted the term “Old School BMX” for their elder ages categories.

Outside the strictly sportive circle, it has generated a movement where many people see their selves reflected, due to the clear influence of the 80’s generation. Inside BMX, even the youngest ones have respected the Old School BMX movement.

The last years, we’ve assisted to a reborn of the urban cyclist world, with the appearance of the fixies and a whole new generation of BMX bandits we can see riding in the streets. How do you feel this fact, those of you involved in the BMX culture? Do you feel a bigger attention or people engagement, or is this just an illusion?

No, it’s not an illusion… it’s an accomplished fact.

There’s no doubt about the return of the fixed gear bicycles, the same for the return of Bultaco’s, All Stars shoes, or the big headphones we used with Walkmans.

It’s a logic cyclic generational rebellion, claiming the 80’s, as it already happened with the 60’s and the 70’s, but it’s in the 80’s decade where BMX has its origins, so it plays in advantage. Without a doubt OSBMX80’s has contributed in a certain way to this phenomenon.

As the creator of the project, I understood since the beginning that I should be accompanied with this kind of 80’s tics… As an important collaborator told me once: “Manel dude, you must realize that if we were talking about music, we won’t be talking about the music from the 60’s or the 70’s… we would be talking about the origins of music…”, and then I realized the real importance of the project, and this day I really got a little scared.

Which are your future projects?

In 2011 we’ll celebrate the 30 years of the BMX establishment here…

I would like to close the project then. With something big, something I’m working in about more than a year… an exhaustive compilation work of unreleased material, about the origins of BMX here, where all those who lived the golden decade of BMX here will see ourselves reflected.

It’s been many hours driving, looking for any sign or testimonial about the first days of BMX here… lots of hours facing the scanner with personal collections of pictures and documents…

I’ve been really lucky getting surrounded by engaged and enthusiastic people and collaborators, many of them even without belonging to the 80’s decade, have known to understand and respect the project of Old School Bmx 80’s as something of their own.

Manel Martinez

Among those projects we would like to highlight one you’ve been preparing for several years now.

Compiling all the material you can about Spanish BMX beginning. How has been this search process, the pictures, videos, press, bikes compilation…

In one hand, it’s been really hard starting from zero.

You must know that 6 years ago there was no existing information about the origins of BMX in Spain; even Internet was very succinct about it.

In the other hand, the path of the project has also been very grateful, because of the illusion it has transmitted.

And what are you going to do with this compiled treasure?

At first I would like to emphasize all this treasure goes directly to the personal assets of each one of the crew from Old School BMX 80’s.

For me, an issue of BMX Action has the same value than 5 minutes of family films in super 8 format, a Haro equipment from the time, than a verbal testimonial of an anonymous person who was “there”. That’s why I think this material should be exhibited as much times as possible, for our personal delight…

Maybe we’ll be replaced by a new generation relieve, but think there’s people at Old School BMX 80’s who are dealing with this small bikes for more than 25 years… hehehe.

These situations might be the source of many anecdotes… could you tell us any…

Of course. It’s always an adventure to work with personal materials. It happens to me often, with the personal photo collections, or videos people lent me to scan or work with… when you least expect it, a grandma appears, cooking a Paella for the family, in the middle of the super 8 film, just like in the TV Series “Cuéntame cómo pasó”, or the pictures of a Christmas Eve in 1982 (Naranjito included) among the pages of the album they lend me. These kinds of things really impress me and I can’t avoid thinking the Old School BMX 80’s project must be very important for all those BMX romantics to open their intimacy’s doors for me.

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la receta de amanda / amanda’s recipe

buñuelos de manzana / apple fritters Ingredientes (6 personas) 4 manzanas medianas “Reineta” o “Golden” 3 cucharadas soperas de azúcar 1 limón 4 cucharadas soperas de ron negro 1 y ½ cucharadas soperas de agua

Ingredients (6 serves) 4 middle sized “Golden” Apples 3 tablespoon sugar 1 lemon 4 tablespoon black rhum 1 ½ tablespoon water

Para el rebozado 300 gr. de harina Una pizca de sal 3 cucharadas soperas de vino blanco 1 cucharadita de las de café de levadura en sobre 1 y ½ cucharadas soperas de leche fría 3 cucharadas soperas de aceite de oliva (0,4º) 1 cucharada sopera de azúcar Aceite vegetal para freír 1 plato con azúcar

For the coat 300 gr. flour A pinch of salt 3 tablespoon white wine 1 teaspoon yeast 1 ½ tablespoon cold milk 3 tablespoon olive oil 1 tablespoon sugar Frying oil 1 plate with sugar

Elaboración En primer lugar pela las manzanas y quítales el corazón con todas las pepitas (existe un utensilio en forma de tubo con un diámetro aprox. de 1,5 cm perfecto para esto). Corta las manzanas en rodajas de unos 0,5 cm de grosor y frota las rodajas con ½ limón para que no se oscurezcan al oxidarse.

En un bol añade las 3 cucharadas de azúcar, la cucharada y media de agua y el ron, mezcla todo bien y sumerge las rodajas de manzana durante 30 minutos.

Para hacer el rebozado, pon en un bol grande la harina, la sal, el vino, el aceite y el azúcar.

Mezcla todo bien sin que queden grumos (puedes utilizar la batidora) y ves agregando poco a poco la leche fría, sin dejar de mezclarlo todo. Deja reposar la pasta durante unos 30 minutos (sin la levadura).

Pon aceite vegetal abundante en una sartén a fuego medio, y mientras el aceite se calienta bien, pon las rodajas de manzana a escurrir sobre papel de cocina (recuerda escurrir las 2 caras de las rodajas sobre el papel). Una vez hecho esto, añade la levadura a la masa del rebozado y mezcla bien. Mete las rodajas de manzana en la masa del rebozado, una por una, y fríelas a fuego medio. Saca los buñuelos de manzana de la sartén cuando el rebozado esté dorado, y déjalos que escurran el aceite sobrante sobre papel de cocina unos segundos. Aún calientes los buñuelos de manzana, pásalos ligeramente por el azúcar que reservamos en un plato, y sírvelos templados.

Un postre casero muy sabroso y contundente para estas navidades. Además, si lo prefieres, puedes aplicar esta misma receta con otras frutas como el plátano (maduro) o la piña (para el niño y la niña!!…lo siento, no he podido reprimirme ;) Que lo disfrutéis ¡¡¡ Y FELICES FIESTAS A TOD@s !!!!

Directions Peel the apples and take off the core and the seeds. Slice apples into 0,5 cm rings and rub them with half lemon, so they won’t get dark when they oxidize.

In a bowl, mix together 3 tablespoons of sugar, 1 ½ tablespoons of water and the black rhum, and dip the apple slices for 30 minutes.

For the coat, mix in a big bowl the flour, the salt, the wine, olive oil and sugar. Mix it up until you have no lumps (you can use a mixer) and stir cold milk into the mixture. Let the mix settle for 30 minutes (without adding the yeast).

Heat frying oil in a deep fryer or skillet, and meanwhile drain the two sides of the apple slices on paper towels. Once done, add the yeast to the coat mixture and mix it up. Dip the apple slices one by one in this mixture and fry them a few at a time, until golden. Take the fritters off the fryer and drain again in paper towels, to strain the oil excess. With the apple fritters still hot, dip them slightly in the plate of sugar, and serve warm.

This is a homemade tasty and heavy desert for this Christmas. Furthermore, if you want to, you can make this same recipe but with different fruits, as ripe bananas, or pineapple…

Hope you’ll like it… and Happy Holidays you all!