Global Grisart Nº3 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBALGRISART

ABRIL DE 2019

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO EDITORIAL SWING Y POESÍA: Hacer fotos de bailes INTERVIEW DE ROSER VILAGRASSA: “La foto: un jardín de inagotables senderos”

EDITORIAL

LOS PROYECTOS DEL MES DESCUBRIR UNA DOCENTE: MARÍA ABENIA: «Ulises y el fotolibro» BREVES INTERVIEW DE VIOLETTE LETIENT «Poner tu arte al servicio de tus metas» EXPOSICIONES

¡FOTOLIBROS! LIBRE OPINIÓN DE DRAGAN LEKIC

Cover: ©María Abenia

¡EXCELENCIA!

De la misma manera que el futuro próximo será el de las nuevas imágenes, la tercera dimensión y lo virtual, la fotografía está estrechamente vinculada a las humanidades. Es por eso que este número de GlobalGrisart está dedicado a los enlaces a otras expresiones artísticas. Cuatro mujeres mágicas nos transportan a otros artes. - ROSER VILAGRASA nos abre a la literatura y a las imágenes poéticas y estilísticas, cuestiones de la traición o interpretación, fidelidad al texto, a través del arte de la traducción. ¿Casi igual que en fotografía? Vamos a ver. - VIOLETTE LETIENT, nos lleva por el camino de las artes visuales, el vídeo, la reflexión sobre la formación y el apoyo humanista y terapéutico. ¡Brutal!

- NÚRIA AGUADÉ nos conduce a los confines de la música, al dominio sublimado de los cuerpos, en el mundo de la danza. Ella nos recuerda lo que Pina Baush dijo: “Baila, de lo contrario estamos perdidos. “ - MARÍA ABENIA, publica por primera vez y nos cuenta la creación de un libro fotográfico y sobre un gran tema: ¡Ulises! Mirando su trabajo, pensamos en esta frase de la Odisea: “Dulce es la tierra cuando aparece a los náufragos”. Lo mismo ocurre cuando descubres todas las fotos de este número. A todos vosotros, continuad o empezad vuestros trabajos personales, como agradecimiento a la Humanidad que, en vuestras fotos, se revelará con gracia. Jean-Matthieu Gosselin

SWING Y POESÍA

HACER FOTOS DE BAILES

©Eugène Druet

Desde hace mucho tiempo el baile interesa a los fotógrafos. Sin tener que volver a los orígenes, recordamos que, en el año 1908, Stephanie Ludwig o bien el Barón de Meyer fotografían a Ruth St Denis (fotos conservadas en el Museo Rodin o en el Museo de Orsay) y más tarde Eugene Druet inmortalizaba a Loïe Fuller, una de las pioneras de la danza Moderna y famosa por las velas que giraba en sus coreografías. Con André Kertész, y su “bailarina satírica” en 1926 imitando en un sofá la posición de un busto masculino, había ya revolución en el género. En los años 30 Bárbara Morgan, gran

fotógrafa de bailes en los USA, tenía presente los gestos técnicos y estéticos de lo que suponía disparar el movimiento y la coreografía. Ella quería enseñar la danza y su fluidez. Se conoce su fotografía de Martha Graham, realizada en 1935, muy hermosa y escultural como una figura de mármol pero con movimientos. La misma Martha Graham fue fotografiada también con preciosidad por Edward Steichen. Doisneau realizó una serie completa, acerca de las pinturas de Degas, sobre bailarinas y bailes. Pierre Corratgé en 1976, intentó fotografiar a Carolin Carlson bailando, primero en el escenario y después en el estudio para controlar todo a la perfección. Annie Leibovitz ha captado la belleza, la autenticidad, pero también la superficialidad de los bailarines; su retrato en acción de Darci Kistler se ha convertido en el emblema de una generación. En 1987, Willian E. Ewing publicó “Gesto fugitivo: obras maestras de la fotografía de danza”. Y en 1991, la gran Sylvie Guilhem fue fotografiada por Avedon, con una gran geometría, más allá del poder de los cuerpos. ¡La imagen del baile se convirtió ahora en un género por derecho propio!

©Núria Aguadé

Dane Shitagi fue una de los precursores de la “popularización” de la fotografía de danza a través de su proyecto lanzado a finales de los años 90: “The Ballerina Project”. Alexander Yakolev, a través de su dominio de la velocidad y de la composición, da una idea del poder de los bailarines, más allá de lo escultural. Vadim Stein captura, a través de la imagen, la estética pura; al mismo momento que Uri Nevo transmite la gracia y la estética del baile, con un enfoque especial en el ballet clásico y contemporáneo. Darian Volkova, especialista de ballet ruso, de la composición así como de la emoción individual, demuestra que una persona puede ser conjuntamente fotógrafo y bailarín... Jordan Matter especialista indiscutible en bailarines de calle en Nueva York, Los Ángeles y Montreal trabaja la libertad de creación absoluta; en un otro proyecto, acompañado por Em Marie, joven bailarina, va a lugares inusuales y la filma y fotografía durante unos 10 minutos hasta que intervienen los agentes de seguridad. El proyecto de danza Lee NYC Danse Project formado por una pareja (Ken Broward y De©Núria Aguadé

borah Ory) se especializa en todas las compañías estadounidenses y realiza retratos de todas las estrellas actuales. Sin olvidar mencionar a Julien Benhamou quien, en un estilo aéreo donde todo gira, crea imágenes donde nunca nos aburrimos ... Gregory Batardon, estrella europea de la fotografía de la danza, ex bailarín, expresa así la imagen de baile: “Me encanta capturar movimientos con sus dinámicas infinitas, texturas, líneas formas. Me encantó la danza con todo lo que pueda expresar. Poder, sensualidad, belleza, libertad, fragilidad, misticismo y magia.” Todos estos fotógrafos, de bailes de salón, ballet, danza contemporánea, swing, jazz ..., ofrecen el ritmo de un leve movimiento de cabeza, la sacudida de un músculo sobresaliente que actúa, la mirada cómplice o la de ojos apasionados e incluso lascivos de una pareja... Capturan la poética de las curvas, la estética de la flexibilidad de los cuerpos, el movimiento que se deposita en un ritmo fijo por toda la eternidad. Algunos, como Julien Benhamou o Núria Aguadé, olvidan las posturas académicas, se liberan de las con-

venciones del género, reivindican las luces artificiales, la autonomía de los cuerpos, las sonrisas subrepticias, las nuevas elegancias. ¡La creación es total! Núria Aguadé, profesora de la escuela Grisart, fotógrafa de estudio y de publicidad, es también una fotógrafa de ballet y danza, que ha tenido dos exposiciones en Barcelona sobre este tema en el ultimo trimestre. Ella explica su pasión por la danza swing y la foto de baile: se encuentra “entre swing y poesía íntima”. « Cuando estudiaba sabía que me gustaba la fotografía, pero nada más. Al principio hice un poco de todo: bodas, retrato editorial, producto... y poco a poco fui especializándome en la fotografía de estudio y el retoque profesional. Se podría decir que el espectáculo me encontró a mí y no al revés. La primera vez que vi bailar lindy hop fue hace poco más de una década, en la sala Apolo, donde una vez al mes la Barcelona Jazz Orquestra da un concierto de swing para bailarines. Me enamoré muy rápido del

mucho fotografiar hacia el público cuando hay una actuación, aunque esto suponga no captar las coreografías de los artistas en sus mejores poses. Ver las expresiones de

©Núria Aguadé

baile, tomé clases, fui a muchas fiestas... y un día llevé la cámara. Al principio el resultado fue horroroso: había mucho movimiento rápido, oscuridad y contraste. Pero me fascinaba el reto, los bailarines y los músicos, su forma de vestir, sus saltos locos. Al cabo de poco empecé a sacar fotos profesionalmente en festivales y ya no he parado. El Lindy Hop es un tipo de baile social que nace de la música Swing en Estados Unidos en los años 30, si bien a Europa llega mucho más tarde y en Barcelona aparece a finales de la década de los 90. Hoy en día se ha popularizado muchísimo, hay gente que lo vive como un pasatiempo mientras que para otros representa toda una forma de vivir. Lo cierto es que bailar como expresión personal es emocionante y creativo; además el Swing tiene mucho de comunidad, se podría considerar una cultura urbana o tribu. Como comentaba antes, me supone un reto capturar algo que no tiene sentido sin el movimiento y el tiempo, como puede ser una coreografía, y me interesan las creaciones artísticas de músicos y bailarines. ¡Es un placer estar en un escenario participando de lo que pasa! Por mi forma de fotografiar me gusta que mis imágenes contengan una historia en sí mismas, con una narración casi más propia de la pintura. Intento no reencuadrar y jugar con la composición, explicar la acción y sobre todo crear fotos que sean técnicamente limpias. También doy mucha importancia a la comunidad que hay detrás. Me gusta

la gente me parece que es más interesante y profundo. Durante este año he expuesto en varias salas una muestra que recoge fotografías que van desde 2008 a 2018. Al poner en conjunto estas imágenes me he dado cuenta de que tienen una consistencia gráfica y que forma un cuerpo coherente que habla de comunidad y swing.» En la foto de baile, el pensamiento común a todos los fotógrafos es hacer sentir al espectador como si estuviera allí, en el momento. En consecuencia el tema es no iluminar todo el lugar como una fiesta y ju-

gar con las luces que hay en la escena... Obviamente es otra cosa en la foto de estudio, muy controlada. Núria Aguadé nos explica su práctica y sus desafíos técnicos: «Uso una Canon, tengo una 5D Mark III y ahora he comprado una Canon R. Me gustan los teles, aunque la lente que más uso es un 24-70 L. Tengo un 85 1,8 de Sigma que es una maravilla y un 70-200 2,8 para primeros planos. También uso a veces un 50 mm de plástico que enfoca muy lento, pero es divertido. En baile y en artes escénicas en general casi nunca he usado flash. Me gusta poder sacar la luz que hay en los ambientes así que casi siempre disparo con ISOS altas, diafragmas abiertos y velocidades que me permitan congelar.» Los bailarines de ballet pueden parecer ligeros como una pluma, cuando cruzan el escenario en pasos de baile, o saltan como unas comas u olas muriendo-ses en la playa; las parejas que bailan rock, en una armonía frenética, tienen cuerpos que pueden competir con los de los atletas más fuertes del mundo. Todos tienen algo en común con los deportistas: están inspirados, tratan de ocultar el esfuerzo, ofrecen un placer, dominan el espacio. Fotografiarlos es mostrar la profundidad del espíritu de los bailarines, su belleza, su fuerza física, su armonía con los elementos y /o entre sí, su sacrificio, su poder y su dolor. Núria Aguadé, fotógrafa, docente Jean-Matthieu Gosselin

INTERVIEW DE ROSER VILAGRASSA (PROMOCIÓN 2016-2018)

“La foto: un jardín de inagotables senderos”

1 - ¿Cuales son las calidades necesarias en el trabajo de traductora? Es cierto que hay que conocer bien la lengua de la que traduces y, sobre todo, a la que traduces para poder ejecutar bien el trabajo, pero más importante es indagar sobre aquello de lo que nos habla el texto; sospechar de lo evidente y tirar de la madeja para ir más allá de lo que nos dice el idioma, el diccionario. La lengua es un medio de acceso a una realidad sociocultural determinada y sus matices, que contiene una gran carga intuitiva. Por esto también la experiencia vital del traductor es de gran valor. El conocimiento acumulado con los años permite una asimilación más rápida y precisa del texto, ya que, en resumidas cuentas, la literatura habla del mundo, de la condición humana, en fin, de la vida.

©Núria Aguadé

2 - ¿Porque has estudiado fotografía, que querías descubrir y aprender? Empecé a estudiar fotografía para aprender técnica. La fotografía ha sido un elemento natural, presente en

Roser Vilagrassa (1975) vive en Barcelona. Es fotógrafa, madre de dos niñas y traductora de obras literarias para editoriales desde 1999. Ha traducido recién “El Mendigo y otros cuentos” de Fernando Pessoa.

la vida familiar desde niña. En 2015 entré en Grisart para probar con un curso básico de tres meses con la decidida intención de aprender a hacer «buenas fotos» de mis hijas. No fue suficiente. Así que me lancé a cursar el Itinerario Profesional de la escuela. Esta decisión ha repercutido en todos los planos de mi vida. No solo la ha enriquecido de muchas maneras, sino que ha revelado un jardín de inagotables senderos que se bifurcan. Pero creo que esta revelación se produce en todas las personas que han vivido un contacto similar con la fotografía. 3 - ¿Cuales son las calidades que necesita un fotógrafo profesional? Aparte del conocimiento técnico que se ajuste a la necesidad o intención fotográfica, creo que es fundamental la capacidad para observar el mundo con detenimiento y paciencia. Con esta base, creo que cada cual va encontrando sus inclinaciones y va superándose con la experiencia. Doy por hecho que quien coge una cámara para fotografiar por gusto ya lo hace con pasión, así que cuento esta cua-

lidad como un rasgo inherente a la fotógrafa o el fotógrafo, según el caso. 4 - ¿Cuales son los vínculos que existen entre traducción y fotografía? Considero que ambas son herramientas de interpretación o, más bien, de reinterpretación de la realidad. En ambas disciplinas es necesario que exista una intuición para captar la esencia del contexto que se está tratando, y encontrar un equilibrio entre cómo se percibe esa realidad y cómo se pretende plasmarla a partir de las herramientas técnicas y el conocimiento de los que se disponen. En ambos casos, el filtro que separa el origen (lo que se percibe) y el destino (lo que se trasmite) es intangible: es un acto, un proceso inescrutable que sucede en nuestro cerebro (el alma, la mente, el espíritu...), al que podríamos llamar «la transformación». Y cada transformación producirá en ambos casos un resultado diferente, incluso si se intenta repetir: porque ni las circunstancias del ambiente ni de la mente volverán a ser nunca las mismas. Entrevista realizada por J-M Gosselin

PROYECTOS

A QUESTION OF CHOICE TRABAJO DE CARINE MATHIEU (PROMOCIÓN 2011-2012)

«“A Question of Choice? es una serie de once imágenes que investiga los sentimientos que surgen en una mujer cuando ésta empieza a sentir el tictac de su reloj biológico. En los tiempos modernos, ser madre

ya no es sinónimo de ser mujer. Las fotos proponen una narración sobre el dilema de la maternidad»

NIIT TRABAJO DE MARINA RUIZ (PROMOCIÓN 2012-2013) «De noche nada aparenta lo que realmente es. Otra luz nos ilumina y con ella un ambiente distinto nos envuelve. Lo natural se vuelve artificial y lo artificial cobra vida. La ciudad se transforma, los espacios cotidianos pasan a ser extraños y lo conocido

PENSEES DE NUIT TRABAJO DE ULLIC NARDUCCI (PROMOCIÓN 2017-2018) «La serie “Pensée de nuit” consta de 25 fotografías en las cuales la visión arquitectónica, humana y abstracta

-desconocido.. El libro se divide en 4 capítulos relacionados con el título del proyecto NIIT, siglas de: Nocturn, Ilumintate, Ilusorial, Transformation.

trabajar de manera instintiva, igual, que las fotografías que perseguía, sorprendiéndome en muchas ocasiones del resultado.

El azar ha sido un elemento muy importante para la elaboración de este proyecto. El simple hecho de darle al disparador, des preocupándome de la parte más técnica de la toma fotográfica, me ha dado plena libertad para

Este proyecto ha sido una exploración sobre mí misma, durante un periodo de cambio personal en el que me he servido de la fotografía para conocerme, disfrutar y crear un imaginario personal.»

se entrelazan en un hipotético viaje de uno mismo en la noche donde nuestras visiones pueden permanecer condicionadas por imágenes que nos aparecen en nuestro mundo inconsciente. Como en una ficción, todo nuestro

pensamiento, miedos, nos pueden parecer tan reales como para confundirnos con la realidad. En estas fotografías se puede ver como soy atrapado por los cambio de luz intensa y las sombras que provocan emociones casi dramáticas...»

DESCUBRIR UNA DOCENTE DE GRISART ESTE MES: MARÍA ABENIA

«Ulises: Reconciliándome con el fotolibro»

za de mi nuevo proyecto fotográfico, Ulises, pues me permite experimentar y explorar un campo semántico con el que modernizar el pasado -el del mito homérico y su transcripción literaria-, en un sentido amplio y en diversos grados, así como reflexionar sobre el presente a partir de las imágenes tomadas. En vistas de sacar la segunda maqueta, me da alegría asimismo poder hablar de este nuevo proyecto, fruto de una selección de fotografías realizadas durante 2013 y 2018 en mis via-

NOTICIAS BREVES

interés por los conceptos de realidad, verdad y fantasía. Nos estuvo hablando sobre su proceso creativo, a través de un paseo por sus trabajos fotográficos: Everybody loves to ChaChaCha, Lady Winter, Butterfly days, The earth is only a little dust under our feet, y su work in progress, Haiek danak sorginak: una recreación visual sobre la persecución de las brujas en el País Vasco en la Edad Media, basado en el mundo que estas mujeres describieron a los inquisidores cuando las hicieron confesar con torturas y amenazas. Comunicación Grisart

BEGO ANTÓN EN GRISART Hace unas semanas, recibimos a Bego Antón en la escuela. Su visita estuvo enmarcada en una clase especial del curso de Creación de Proyectos, impartido por Enric Montes, en la que tuvimos la oportunidad de conocer en persona a quien fuera el Premio Revelación PhotoEspaña2017, entre otros muchos galardones. El trabajo de Bego disecciona el comportamiento humano mostrando especial

jes a México, Corea del Sur y España, y cuya primera maqueta tuvo el placer de ser custodiada por Román Yñán y los alumnos del Curso de Autoedición de Fotolibros de Grisart, así como ser seleccionada y exhibida en la última edición del Festival Docfield y en el Festival FFoco de la Coruña, donde además recibí un premio por la serie y la expuse -paradójicamente- con un Multimedia a dos pantallas dada la característica de la convocatoria. María Abenia

©Bego Anton

Siempre me he resistido a generar un Fotolibro, no por no querer participar del entusiasmo colectivo e ignorar la transformación gramatical, mediática, social y económica que ha supuesto para el medio fotográfico en los últimos años, sino por el canon lingüístico al que pareciera nos viésemos obligados a seguir como fotógrafxs. Sin embargo, superada ya la excesiva -en mi opinión- condescendencia del fenómeno, he decidido por fin dejarme llevar por su soporte dada la naturale-

LA MILICIA «La particularidad de La Milicia se basa en el concepto del “Fake” o del engaño... Se trata también de una crítica hacia el mundo de la Información y sus soportes en la sociedad actual.» Clase de Creación de Proyectos, trabajo de VIOLETTE LETIENT (2015-2017)

INTERVIEW DE VIOLETTE LETIENT (PROMOCIÓN 2015-2017)

¡Poner su arte al servicio de sus metas!

1 - ¿Cuáles son las cualidades necesarias en el trabajo de una artista plástico? Como el arte plástico abarca una cierta variedad de disciplinas y técnicas, las cualidades no pueden limitarse a una lista que implicaría que existe un perfil específico, que es esencial para un artista. Preferiría decir que la pregunta es: “¿Cuáles son las cualidades necesarias para una disciplina artística en el trabajo del artista plástico? “. Pongo mi arte al servicio de mi objetivo y me oriento, según las cualidades que me ofrecen las diversas técnicas artísticas, hacia este o aquel medio de expresión. Las formas de trabajar son tan diversas de uno a otro que las cualidades pueden ser aquí y las fallas allá, dependiendo del enfoque y la personalidad del artista. Una calidad en un artista puede convertirse

Violette es una fotógrafa / videasta independiente. Después de estudiar arte plástico y fotografía, u después teatro, continúa entrenando en cine. Su ambición es desarrollar una educación alternativa y luego fundar una escuela. También se forma con acompañamiento humano y terapéutico.

en un defecto en sí mismo en otro al momento de hacer un proyecto... 2 - ¿Por qué estudiaste fotografía? ¿Qué querías descubrir y aprender? La fotografía me hizo vibrar cuando empecé como autodidacta. Lo encontré aún más intenso, directo y espontáneo en su comunicación. Estas cualidades son muy similares a las mías. Lo que me engancha con mi fotografía es que reúne muchos elementos de los otras artes que practico. Mis estudios me ayudaron a centrarme, y serán beneficiosas para mí al comienzo de lo que también me atrae: ¡el cine! 3 - ¿Cuales son las cualidades de un fotógrafo de arte? Mi estilo fotográfico es principalmente artístico, me pide creatividad,

reflexión, disciplina (incluso no estructurada), obsesión... Creo que, básicamente, hacer un buen trabajo requiere poca cosa: un objetivo bien definido, esencial, y más allá de límites ... y la locura latente que exige. 4 - ¿Cuáles son los vínculos entre las artes visuales y la fotografía? Podemos encontrar muchos, recapacitándose todo lo que hemos aprendido. Por ejemplo, el trabajo del punto de vista de los volúmenes, los colores, el punto de vista personal del artista, las proporciones, la profundidad ... El vínculo más interesante para mí es la luz. Trabajando de maneras muy diferentes entre la plasticidad y la fotografía, ella sigue siendo la maestra absoluta. Entrevista realizada por Jmg

EXPOSICIONES

©Jmg

«ART UP 2919» GRISART EXPONE EN LILLE

Art Up 2019 en Lille, reunió el primer fin de semana de marzo, 122 galerías y 680 artistas con, este año, un enfoque particular en la foto. Grisart Escola Internacional de Fotografía estuvo presente con exposiciones de Irene Royo -su espontaneidad

y sus imágenes hechas de franquicia y precisión.-, Daniel Solsona -especialmente sus desnudos entre nostalgia, dolor, alegría de vivir y erotismo-, y Maria Munzi, quien reveló nuevas imágenes inusuales y no publicadas. ¡Incluyendo un tenedor que para mi haría una portada de novela excepcional! La muy exitosa elaboración del stand fue obra precisa y preciosa de Ivan Ferreres. La comunicación in situ fue realizada por Chiara Fabro. Durante tres días fue una oportunidad para descubrir el trabajo de muchos fotógrafos internacionales. ¡Una muestra que fue un gran éxito popular! J-M Gosselin

DESCRUBRIR BERMEJO

A ti, que te gusta la imagen, pero también mirar las exposiciones de pintura, hay lecciones reales de composiciones y armonías cromáticas en los pintores del Renacimiento. En este contexto, descubre hasta el 30 de mayo la exposición del MNAC de Barcelona sobre Bartolomeo Bermejo, gran pintor español de la segunda mitad del

siglo XV. Su vida itinerante de Córdoba hasta Barcelona, su virtuosismo técnico entre la minucia flamenca y el fondo dorado, entre los detalles botánicos y los cielos oscuros, para retablos ambiciosos que incluyen el extraordinario “Saint Michel”, el punto culminante de la Exposición, o la “Pietà Despla” de la catedral de Barcelona. El MNAC es la 2a etapa de la Expo después Madrid; la 3a será Londres. ¡Unos cuarenta paneles y retablos de este artista que cayó en el olvido, fueron redescubiertos en el siglo XIX gracias a los falsificadores! Cabe señalar que, lamentablemente, las fotos no están permitidas. De hecho, es un excelente ejercicio para memorizar y mirar a través de los detalles y hacer tomas mentales con planos amplios.

©Berenice Abbot

La Fundación Mapfre dedica una completa exposición a Berenice Abbot con su costumbre dedicación meticulosa. Abbot es la gran fotógrafa de Nueva York. Se instalaba a los 18 años en el Village neoyorquino, donde se ganó la vida como modelo de artistas hasta que el gran Man Ray -del que sería su ayudante entre 1923 y 1926- la convenció para que hiciera sus propias fotos. Su primera inspiración fue la arquitectura, pues retrataba a sujetos anónimos que detectaba en la calle. Después brilló en los retratos, generalmente de personajes conocidos a través de su vida social, que fue muy notable (retrató a Eward Hooper -¡genial! - Djuna Barnes, Edna St. Vincent Millay o Marcel Duchamp, o bien a “su querido” Eugene Atget...) Su eficaz mirada y su gran sensibilidad ayudan a hacer de ella una fotógrafa reconocida. Se convirtió rápidamente en la alternativa moderna

“La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiados, el sujeto se convierte en parte del pasado.” Berenice Abbott

y juvenil al canónico Alfred Stieglitz. Abbot sabía mirar con gran agudeza mas que todo, basando su mirada al alma de la gente que fotografíaba, sin olvidar su condición de artista y, su voluntad de ser libre, lo que a la época era muy novedoso para una mujer. La exposición va más allá de todo eso e incluye también muestras de su apuesta por la abstracción en los años sesenta, con unas piezas magníficas que juegan con la luz de una manera muy genial.

La Fundación Mapfre dedica a Berenice Abbot -cerca de 200 fotografías agrupadas en tres secciones temáticas, más 11 de su ídolo, el francés Eugene Atget, positivadas por ella misma en los años 50 tras haber adquirido los negativos de un montón de obras del gran retratista de París, ciudad en la que pasó una breve temporada a mediados de los años 20. La exposición esta comisariada por Estrella de Diego y publica un catálogo de preciosa calidad con una edición perfecta, de obligado adquisición (salvo el precio de 39,90 € para 263 paginas) si uno quiere repasar tranquilamente en casa las imágenes que le han fascinado en las paredes de la Mapfre. ¡Y vale la pena! ©Berenice Abbot

BERENICE ABBOTT RECORRIDO EN LA PIONERA FOTÓGRAFA AMERICANA

J-M Gosselin Fundación MAPFRE, Casa Garriga Nogués, Barcelona, 20/02/2019-19/05/2019

GRISART EN ARLES 2019

©Jmg

¡La ciudad de Arles es a la fotografía lo que Cannes es al cine! Este año 2019 Grisart estará presente en uno de los espacios más espectaculares del festival, la Bourse du Travail. Es tan importante estar presente porque esta edición el festival verá cumplir su 50° aniversario. Durante Los Rencontres de la photographie d’Arles, las exposiciones invaden la ciudad a lo largo de casi tres meses; los diez primeros

días son momentos fantásticos para el mundo de la fotografía. La primera semana de julio, gracias a varios acuerdos de colaboración, Grisart participará activamente en Los Rencontres, con una exposición espectacular de un trabajo de una gran calidad, con charlas, con encuentros internacionales, con visitas de exposiciones en el programa oficial y en el Off, y obviamente con sorpresas. *Sigue la información en la web y whatsapps de Grisart para las inscripciones.

RAFA BADIA EN LAS SENDAS DE LA FOTO CONTEMPORÁNEA

Es una aproximación a través de 62 autores (entre ellos 31 mujeres) que ejecutan proyectos sobre temas de interés de la sociedad actual, como la identidad, el género, la sexualidad, la familia, los territorios personales, lo vernacular, los paisajes alterados, los espacios metafóricos urbanos o el viaje como iniciación personal. En su presentación Rafa explica que es «un repaso ágil con una proyección de imágenes realmente atractivas, encuadradas tanto en el campo de la fotografía creativa como la documental.» Esta charla ha servido

Rafa Badia ha dado una conferencia/ proyección en Grisart sobre el paisaje internacional de la nueva fotografía contemporánea: “Plata y Píxel”.

al docente para reflexionar acerca de hacia dónde se dirige el trabajo con la cámara de fotógrafos/as nacidos entre los años 60 y 90 que rivalizan por hacerse un hueco en una época dominada por Internet. Una época en la que, paradójicamente, todavía

EL COLECTIVO VEO PREMIADO

Todos ellos se encontraron en Grisart Escola Internacional de Fotografia Barcelona en 2017 y 2018 y provienen de 5 países.

©VEO

El colectivo VEO ganador de la convocatoria Fest Fotograma Livre 2019 (Festival Internacional de Fotografía de Porto Alegre (Brasil)) con un trabajo titulado: “Veinte Pequeños Azulejos Grises” Los que pertenecen al colectivo son : Bruno Croccianelli, Flavio Edreira, Eleonora Ferri, Jean-Matthieu Gosselin, Maria Munzi, Ullic Narducci y Nathalie Vigini.

convive la toma fotográfica con cámaras analógicas y digitales, de aquí el título de “Plata y Píxel”. Esperamos que la escuela o el mismo Rafa, publiquen algún día, en un solo libro, todas sus charlas. ¡Valen la pena!

“Podéis arrancar al hombre de su país, pero no podéis arrancar el país del corazón del hombre.”, decía John Dos Passos. Es con esta idea que VEO ha empezado su trabajo sobre la “Diáspora”. Una exposición esta en marcha.

EL GRANERO 2019: UNA BURBUJA ATEMPORAL Un año más un grupo de alumnos del curso de Creación de Proyectos hemos tenido la suerte de vivir la experiencia de El Granero. ¿Cómo lo definiríamos? Imaginad un fin de semana dedicado enteramente a la fotografía, acompañado de amigos que comparten la misma afición,

entre los que están Enric Montes, Israel Ariño y Juanan Requena, dispuestos a guiarte de manera magistral en el proceso creativo de tu proyecto fotográfico. Todo esto enmarcado en el pueblo donde vive Juanan, donde pareciera que estuviéramos metidos en una burbuja atemporal. En el aire se respiraban partículas de sensibilidad creadora, esa que todos llevamos dentro. Hablamos de músi-

ca, de literatura, de nuestras propias historias. Hemos venido cambiados, revolucionados, siendo un poquito más nosotros. Sintiendo más que nunca. ¡Gracias por esta cuarta edición de El Granero! Selva Ramirez

Fotos de participantes de El Granero 2019

EXPOSICIONES El proyecto de Anna Galí te impacta profundamente. Pero también es de tan alta calidad que recibe honores y premios : Finalista / Menció d’Honor V DocField Dummy Award Fundación Banc de Sabadell; Exposición colectiva “Five Seconds » en la Biblioteca Esquerra de l’Eixample - Agustí Centelles en noviembre de 2018; Proyecto seleccionado a Plataforma stArt, Bilbao, marzo de 2019; Exposición individual a Grisart Escola Internacional de Fotografía en marzo 2019... Y otras cosas que están en marcha. ¡Seguiremos durante los meses y años que vienen la vida de este trabajo excepcional!

¡GRAN EXPO DE ANNA GALÍ! “TIME ON QUAALUDES AND RED WINE” Durante los tres últimos años Anna Galí ha hecho un trabajo memorial y de reconstrucción de identidad fantástico. Su proyecto fotográfico es un trabajo de búsqueda en el que la autora recompone la identidad de su hijo Tomeu, que murió inesperadamente a causa de una sobredosis a los dieciocho años. A partir de la búsqueda intima, de la herencia y huella digital que su hijo dejó, Anna reconstruye una parte de él que conocía y desconocía. Así descubre que tras la apariencia de los encuentros familiares, se hallaba una persona atormentada por el pasado que buscó una vía de escape a su día a día difícil en el mundo. Y, si este trabajo fue un proceso de duelo para Anna, sobre todo es una forma de dar voz a Tomeu y dejar que sea él quien se explique a sí mismo. A través de sus textos, sus objetos, sus cuadernos, sus realidades digitales e imágenes, madre e hijo nos hablan. Él nos cuenta sus experiencias, el porqué de sus decisiones y su particular historia; ella a través de su creatividad, su invención y su capacidad de superación habla de su amor maternal. En muchos aspectos puede que este trabajo refleje problemas de algunos jóvenes de la generación actual. Fotos: © Anna Galí - Clase de creación de Proyectos, impartida por Enric Montes

” Nunca los padres conocemos del todo a los hijos, y esa distancia crece con las nuevas tecnologías. Los materiales escritos y visuales que componen esa herencia se combinan con

imágenes de creación propia que, por una parte, reflejan el proceso analítico de re-composición de su identidad y, por otra, persiguen su ausencia buscando su rastro en sus espacios

vitales y sus objetos personales. Ha sido definitivamente mi terapia de duelo. Ha sido bueno para mi, porque ahora lo veo todo de manera distinta...” Anna Galí

THE LONG ROAD: YUSUF SEVINÇLI

Yusuf (nacido en 1981) estudió periodismo en Estambul. Su introducción a la fotografía llegó en esta época, cuando también estudió un breve curso de fotoperiodismo y, por primera vez, vio fotografías en National Geographic. Estaba interesado en la fotografía de calle y generalmente tomaba fotografías de lo que veía a su alrededor todos los días en Estambul. Se vio influenciado por la filosofía del fotógrafo estadounidense Garry Winogrand (1928 - 1984) que dijo “Yo fotografío solo para ver cómo se ve el mundo fotografiado” y simplemente quería seguir este concepto. A Yusuf le gusta tomar fotografías en blanco y negro, le gusta usar películas y nunca siente la necesidad de cambiar a color y/o digital. Dice que siente que tiene el poder de la magia cuando trabaja en blanco y negro como en cine, y que se siente afortunado de que en estos primeros años nunca trabajó para

para nadie, de manera que fue libre de desarrollar su propio estilo, métodos e ideas. En 2012 y 2013, Yusuf tuvo la oportunidad publicar su primer libro: una mezcla de imágenes de “Good Dog” y “Post”, de ello también se derivó una exposición que fue llevada a París, Londres, Arles y Estambul. Descubría entonces el poder de los fotolibros. Se dio cuenta de que sus fotos, de alguna manera, se habían convertido en propiedad pública. Yusuf dice que a él no le gusta trabajar con ideas. Le gusta ponerse en una situación en la que puede conocerse a sí mismo a través de sus fotografías. En 2013 y 2014, Yusuf fue invitado a trabajar en un proyecto en Estambul. El objetivo era explorar el arte público que había sufrido actos de vandalismo. Al parecer, este tipo de comportamiento antisocial se ha vuelto bastante común en los últimos años y posiblemente sea una forma de atacar al gobierno. Yusuf es consciente de que a veces se contradice. Yusuf adora el trabajo del fotógrafo francés, Man Ray (1896- 1976), -quien dijo que: “fotografiaría una idea

en lugar de un objeto, un sueño en lugar de una idea”. Su exposición “Dérive” contenía una mezcla de imágenes de diferentes series y se exhibió generalmente como parte de una exposición colectiva en Gronigen, Moscú, París, Toulouse, Berlín, Tblisi y Bruselas. Para Yusuf, lo importante es la oportunidad de seguir haciendo lo que está haciendo. Para él, lo importante no es producir una buena fotografía que obtenga reconocimiento, lo importante es el hecho de tomar fotografías y la capacidad de comunicarse con el mundo que nos rodea. Chris Hewitson (2017-2019) Para más información: http://www.yusufsevincli.com © Yusuf Sevinçli Resumen escrito por Chris Hewitson a partir de la charla ofrecida por Yusuf Sevinçli en Grisart el día 29 de enero, a la que asistieron unas 65 personas, entre alumnos, ex alumnos y amigos a la escuela.

EXCELENCIA

RAQUEL MOSULL (2016-2017)

TATIANA Una historia de la Unión Soviética

por Raquel M. del Campo con la colaboración de Tatiana A.

A history of SOVIET UNION BY Raquel M. del Campo in colLaboration with TATIANA A.

rAQUEL m. DEL cAMPO

tATIANA, UNA HISTORIA DE LA UNIÓN SOVIÉTICA / A HISTORY OF SOVIET UNION

Diálogos Desde La Memoria

Raquel M. del Campo es licenciada en economía, realizaba un máster en análisis político, estudiaba fotografía y adora la historia. Su principal foco de interés son las personas, su historia particular y su interacción con el entorno en el que viven; su manera de entender la vida y sus conflictos. Todo su trabajo gira en torno a la siguiente idea: «Nadie eligió nacer, nadie nos preguntó. Nadie escogió cómo, cuándo, dónde, porqué, ni de quién ser hijo. Simplemente, no funciona así.» El objeto principal de este trabajo muy completo no es otro que el de mostrar que la memoria personal sobre nuestra vida particular y única está inevitablemente conectada, en diversos puntos y en diferentes momentos del tiempo y del espacio, con la memoria personal de los demás. No solamente a través de la memoria histórica sino también por nuestra condición humana. Raquel trataba de dar a conocer la visión particular de Tatiana, una mujer rusa, sobre la era soviética. Nacida en Dnipropetrovsk en la República Socialista Soviética de Ucrania en 1966, se trasladó junto a sus padres a la región de Donetsk cuando apenas tenia tres años. A los seis años la familia se trasladó definitivamente a Yakutsk, a orillas del río Lena en Sibe-

ria, porque allí es donde realmente creció, vivió, estudió, se casó y tuvo a sus dos hijos. Sus reflexiones presentes sobre aquel entonces, en parte consumidas por el tiempo y por la distancia, nos brindan la posibilidad de comprender ciertos aspectos de la vida cotidiana durante esa época, así como de la psicología social vinculada a dicho momento histórico. El trabajo muy potente, mezcla elementos de archivos y fotos de viajes. La mayoría de las fotografías fueron tomadas en 2013, 2014 y 2017, años en los que Raquel transitaba por Rusia. Al final Raquel ha editado un libro debido a la cantidad de texto que acompañaba a las fotografías. Asimismo, se realizaba un vídeo breve destinado a acompañar la presentación pública de la obra y pretende cumplir la función de “tráiler” del libro. Después una exposición ha permitido añadir a las fotos y al vídeo, elementos de archivos. En este trabajo hay tres tipos de fotos: fotos-ventana, fotos-espejo, y fotos-regla. - Hay fotos ventana es decir una foto que representa una imagen que está abierta a la realidad. Al abrir una ventana se ve el exterior. - Encontramos fotos espejos que reflejan los sentimientos de la propia fotógrafa. !Y Raquel ofrece muchas emociones! - Por fin hay algunas fotos, que se producen desde el mundo de la irrealidad, de la fantasía o de la ideología pura y que se denominan «reglas» o «normas». Estas fotos suponen un sistema o estrategia de control social. Y en el caso de la URSS, era parangón perfecto. Este trabajo de Raquel nos enseña muy bien esta triple lectura.

Fotos de Raquel M. del Campo

©Lili Jin

FOTO DE ILUMINACIÓN & ESTUDIO « “Cada vida es una película, tenemos diferentes estrellas e historias” ¡Nuestra vida es una película divertida! En el mundo reflexi-

vo, el modelo muestra su verdad y su punto de vista lo más natural, describiendo su historia... Yo capturé esta escena.» LILI JIN - 2014-2015 (Fotógrafa de moda)

©IItsaso Arizkuren

FOTO DOCUMENTAL «Las grandes ciudades intentan mantener un mínimo de verde, de naturaleza, pero inevitablemente lo urbano acaba priorizando sobre todo lo demás. El simple hecho de que la

naturaleza y lo urbano co-habiten tiene un punto de irreal, de surrealista. Este proyecto explora esa imposibilidad» ITSASO ARIZKUREN- 2016-2018 (Fotógrafa)

FOTO DE MODA «Mi proyecto se llama “Nexus”. El estilismo refleja ese futuro imaginando, creando pequeños homenajes con el uso de la gabardina, las hombreras. La luz principal es dura, reflejando

la crudeza de la ciudad y la gelatina roja que tiñe los modelos como pequeño guiño a las luces de la ciudad.» MAR DOCAVO- 2016-2017(Fotógrafa)

FOTO DE DESNUDO «Viajo a través de mí mismo. Me busco. Me espío. Fracturo mis experiencias y cavo hondo en mi sinceridad. Descubro emociones que desconocía, desplazo los prejuicios, abrazo el

miedo. Pesa. Lo siento en mi estómago, en las piernas, en la garganta. Cuesta despedirse de uno mismo. Razones no me faltan.» DANI SOLSONA - 2014-2015 (Fotógrafo, docente)

FOTO DE REPORTAJE «Con desenfoques, planos cerrados, ambiente tenue, la serie “Cortina de humo” trata de dar una visión poco vista del mundo del porno con el blanco y negro. El ruido y los negros

lavados, refuerzan la idea de cambiar las reglas del porno, y presentar un mundo idílico e irreal..» CHRISTIAN MARTIN ROSILLO - 2012-2013 (Fotógrafo)

FOTO DE PAISAJE « He disparado este paisaje natural durante mi camino a Santiago. Me recuerda el poema de Walt Whitman «Carpe Diem»: ‘Aprende de quienes pueden enseñarte

No permitas que la vida Te pase por encima sin que la vivas!’» FLAVIO EDREIRA - 2017-2018 - (Fotógrafo)

©Pablo Arranz

FOTO DE PAISAJE URBANO «El barrio de Poblenou es hoy un paisaje inacabado, con fuertes contrastes... La vanidad urbanística, el abandono, la nostalgia y la alienación se entremezclan en un paisaje donde el

avance inexorable del progreso y las tecnologías de la información amenazan con olvidar un pasado que ha dejado de serle útil .» PABLO ARRANZ - 2013-2014 - (Fotógrafo)

STREETPHOTOGRAPHY «En la fotografía callejera busco momentos que puedan mostrar la cultura y la vida del lugar. A mi me gusta captar el momento espontaneo de la vida cotidiana para entenderla. Aquí

un momento que para mi representa la esencia de Colombia: una imagen colorida donde se puede entender como vive la gente.» NATHALIE VIGINI - 2017-2018 - (Fotógrafa)

FOTOLIBROS

IMÁGENES INTRIGANTES

MEMORIA Y EXPERIENCIA

DESCUBRELO DE URGENCIA

En “Aporia”, Andrew Waits profundiza la relación entre el hombre y el paisaje urbano, su capacidad para adaptarse al medio ambiente, la ansiedad por el cambio y la naturaleza de los territorios. ¿Cuál es la verdad de la metrópolis y su relación con el ser humano? Waits, en una entrevista, explica que en la ciudad: “La realidad existe en un continuo entre la construcción y la destrucción: el cambio en sí parece ser alfa y omega”. El fotógrafo estadounidense está interesado en la expansión del mundo moderno a través de imágenes intrigantes, espacios críticos, lo inusual ...

Fotos muy poéticas de viajes a Japón realizadas por dos artistas españoles: Angel Albarrán y Anna Cabrera. Las imágenes nos hablan sobre la memoria y la experiencia, en un par de escenas exquisitamente elaboradas. “Pensar en el pasado y en el futuro puede parecer actividades diferentes, pero cuando pensamos en el futuro, hacemos el mismo trabajo mental que cuando recordamos. Solo recordamos un futuro que aún no ha sucedido.” dicen los autores.

Esta monografía titulada “Contacto 72/18” publicada por “Ediciones Xavier Barral”, que acaba de morir (¡Gran editor!), cuenta los cuarenta años de fotografía de Alain Willaume y presenta sus imágenes enigmáticas y poéticas. Es una traducción del mundo, un tipo de conversación delicada que, a lo largo de su carrera, el fotógrafo ha creado, narrando un recuerdo del entorno encontrado. Willaume se unió al colectivo “Tendance Floue” en 2010 y continúa hablando sobre este importante paso en su vida, donde ha traducido la belleza del mundo. Alain Willaume es un fotógrafo reconocido internacionalmente, es curador independiente y profesor en la universidad.

“Aporia”, Ed. Dalpine, 112p., 35 €

“Remembering the future”, RM, 64 p., 55 €

“Contacto 72/18”, Ed Xav. Barral, 288 p., 49 €

¡DISTORSIONES!

¡EL REY DEL JAZZ!

Roser Vilagrassa ha traducido recién Fernando Pessoa en un libro que transmite una enorme posibilidad de ideas sugerentes e inesperadas, -tal como puede hacer algunos fotógrafos- que no pocas veces adquieren la fulgurante condición de la construcción idiomática, la sentencia poética y/o el aforismo. Los textos reunidos en “El Mendigo y otros cuentos” ofrecen la sensación siempre voluble y múltiple, entre la estupefacción y la familiaridad, el abismo y el vacío casi zen. ¡Aconsejo leer poesía o cuentos y más en este caso empezar descubrir a Pessoa. Libro traducido de manera preciosa y sutil por Roser Vilagrassa!

El fotógrafo francés Jean-Pierre Leloir fallecido en 2010 ha retratado toda la escena musical y jazz de los años 60 y 70. Ha hecho un “Ray Charles” espectacular con Olivier Gillisen en los años 80, referencias para los amantes de la foto jazz. Las edicGlenat han publicado ahora un álbum precioso con imágenes de Leloir: de escenas, momentos de entrenamientos, de intimidad... con hojas de contactos ensenando a Miles Davis. Todo eso demuestra la labor rigorosa de este fotógrafo que trabajaba mas de 25 años sobre un sujeto. ¡Un modelo para los fotógrafos de hoy! “Miles Davis”, J-P Leloir, Ed Glenat, 192 p., 40 €

“El Mendigo y otros cuentos”, Trad. Roser Vilagrassa, Acantilado, 2019, 112p., 14 €

OJOS EN OJOS

BERENICE ABBOT: ¡LA MODERNIDAD ABSOLUTA!

Un catálogo que incluye imágenes de las obras que forman parte de la exposición “Miradas paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo” celebrada en el Museo Palau Solterra (Girona) en 2019. ¿Cuales son las afinidades artísticas y culturales que existen entre creadoras contemporáneas?

Un catalogo fundamental para todos alumnos y amigos de la fotografía, el de la exposición “Berenice Abbott. Retratos de la modernidad” en la muestra montada en la Mapfre de Barcelona. Gran calidad de edición, y gran numeroso de fotografías para entender la heredera de la tradición documental de Eugène Atget, esta fotógrafa que ha retratado a

«Miradas paralelas. Irán-España», Fundación Vila Casas, 86 p., 15 €

numerosos personajes de la escena intelectual durante su estancia en París en los años 20, y en Nueva York de los años 30 hasta 60. Descubramos fotos de calle, de arquitecturas, de atmósferas callejas, etc. En pocos años, Berenice Abbot llegó a ocupar un lugar importante entre los retratistas de la fotografía y se convirtió en uno de los enlaces entre la vanguardia del viejo continente y la creciente escena artística estadounidense. Un catalogo que es una pieza importante para aprender la foto del siglo XX. “Berenice Abbott. Retratos de la modernidad”, Fundación Mapfre, 263, p., 39.90 €

HORMIGUEROS EN LA PLAYA: UN TELEOBJETIVO SOBRE LA VIDA La «Beach Therapy», como la práctica Martin Parr, es una forma de psicoterapia en la que la fotografía se utiliza para fines casi terapéuticos. La fototerapia de playas y entornos marinos puede abordar diversos problemas: trastornos de la autoimagen de una sociedad, enfermedades sociales, depresión económica y sociológica, cambios en los estilos de vida, trastornos humanos ... Martin Parr creó escenas llenas de detalles donde el hombre aparece como perteneciente a un mundo de hormigas. Él utilizaba el teleobjetivo para ampliar los efectos de llamamiento de gente. Con ironía él revela los hábitos y comportamientos humanos en un contexto especial como el área de baño de vacaciones. Además de algunas de las playas británicas más conocidas, en “Beach Therapy” se incluyen fotos de playas italianas, españolas y incluso argentinas. ¡Genial! «Beach Therapy», Thames&Hudson, 120 p., 40 €

“Lugares siginificantes” Ed. Ayuntamiento de Zaragoza, 2018 32 páginas, catálogo gratuito. “Ex”, de Marlene Freniche Ed. Kursala, Cádiz, 2018., 116 páginas, P.V.P. 25 euros.

SOBRE LOS ESPACIOS : REFLEXIONES, CONFRONTACIONES Y METÁFORAS Un fotolibro y un catálogo de exposición, con una temática común: los espacios físicos como indicios y a la vez metáforas de la condición humana. Si en “Ex” de Marlene Freniche, venezolana afincada en España, se sirve del Cabo de Gata almeriense para sugerir la fractura que supone la marcha forzosa del lugar de origen; en “Lugares significantes”, seis creadores visuales contemporáneos de nuestro país reflexionan sobre una certeza: todos los lugares significan algo, ya sea a nivel individual y/o colectivo. “LUGARES SIGINIFICANTES” una exposición colectiva en el zaragozano Torreón Fortea cuenta con

las fotografías y videoinstalaciones de Albert Gusi, Orencio Boix, Sara Álvarez, Bleda y Rosa, Ricardo Calero y Vicky Méndiz. Todas las propuestas reflexionan sobre la presencia de los seres humanos tanto en espacios reducidos, como la llamada “Casa Ena”(Boix y Álvarez), una ruta de montaña en el Pirineo de Huesca (“la senda amarilla” de Gusi), la insmensidad del Mediterráneo como frontera para los inmigrantes venidos de África (Calero) o lo que fueran campos de batalla, fotografiados por Bleda y Rosa. Incluso se considera el espacio mental, no siempre real, tal como propone Vicky Méndiz con “Le Syndrome de Paris”: sus fotos sugieren el shock que se produce entre los viajeros japoneses que vienen a vivir a la “Ciudad Luz”, lugar donde han de confrontar la azucarada ficción colectiva con la dura realidad de la gran urbe.

Foto de cover: ©Maria Abenia Foto de primera: ©Eleonora Ferri Foto de contraportada: ©Dragan Lekic Global Grisart es una publicacion de Grisart Escola Internacional de Fotografía, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos: Núria Aguadé ; Rafa Badia; Maria Abenia; Anna Galí; Chris Hewitson; Raquel Mosull; Mar Docavo; Dani Solsona; Flavio Edreira; Itsaso Arizkuren; Lili Jin; Carine Mathieu; Marine Ruiz; Nathalie Vigini; Pablo Arranz; Ullic Narducci; Christian Martin Rosillo; Dragan Lekic Entrevista: de Roser Vilagrassa y Violette Letient Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

EX” es, según Marlene Freniche, el estar “fuera o más allá en relación al espacio y el tiempo”. Editado por La Kursala, este delicado fotolibro adentra al lector en la fractura emocional del destierro. Mediante retratos y paisajes de playa en el Cabo de Gata, Freniche sugiere que son los propios (familia, pareja, amistades) los que hacen soportable el desgarro de la marcha del país de origen. Con una estética de clave alta, “Ex” resulta atractivo no solo por la calidad de las imágenes, sino también por una presentación física. En esta publicación con casi todas las fotos en formato vertical, cuenta con una intencional falta de guillotinado de los cuadernillos de imprenta. Esto crea páginas unidas que sirven de metáfora para hablar de la vida, un proyecto todavía en curso. Rafa Badia

Para contactar con los autores y fotógrafos: www.nuriaaguade.com ; www.ullicnarducci.com; www.jmgosselin.com; www.roservilagrassa.com; @flavioedreira; sramirez@grisart.com; www.marinaruizvallejo.com; violette.letient@hotmail.com; @veo.collective; @eleonora_ferri; www.mariaabenia.net ; www.rafabadia.net; www.annagali.cat; chrishewitson@me.com; www.yusufsevincli.com raquelmdelcampo.com; jlilyobio@gmail.com; @itsasoarizkuren; @mdocavo; www.danielsolsona.com; www.christianrosillo.com; www.nathalievigini.com; GlobalGrisart@grisart.com; www.draganlekic.com

EL CLÁSICO «La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón» Brassaï

“PARIS DE NUIT”, BRASSAÏ La ciudad sella la unión entre un territorio (urbs), una población (populatio), una comunidad (las civitas) y una atmósfera. La ciudad tiene un vínculo privilegiado con la fotografía desde sus inicios, ya que las primeras fotos fueron urbanas. Nos recordamos “Boulevard du Temple” en 1838 por Daguerre, o las imágenes que siguen por Hippolyte Fizeau, Charles Soulier, Gustave Gray, Charles Nègre... Más tarde, algunos autores hasta los años treinta, no distinguen la fotografía de la “calle” y la fotografía de “calle” y otros están ligados a los ambientes de la calle, como Brassaï. Él nació en 1899 en la región de Brasso, Transilvania, Hungría; descubre

París muy temprano. Es de una familia de artistas. En 1924 se instaló en París. Quiere pintar, pero las dificultades materiales lo llevan a convertirse en periodista, a trabajar para un periódico deportivo húngaro y varias revistas alemanas. Se hace amigo del pintor Lajos Tihanyi, el fotógrafo André Kertész, el poeta belga Henri Michaux, los escritores Henry Miller, Léon-Paul Fargue, Raymond Queneau, Robert Desnos o Jacques Prévert... Empieza a ilustrar sus textos. Él trabaja la foto para si misma. Comienza a restaurar una visión de la ciudad, a expresar una experiencia de la ciudad, lo que se llama su “observación participante”. A partir de 1930, Brassaï hace una investigación de París por la noche. Pasa noches enteras observando espacios, lugares, personas, escenas de género. Sus imágenes buscan una poesía de lo urbano; sus compañeros escritores traducen en palabras su estado de alma y su búsqueda íntima, lo que otros llaman “sus pensamientos nocturnos”. Él no quiere ser un cazador de imágenes o un creador artístico, y mucho menos un “fotógrafo de vanguardia”. En 1932, conoció a Charles Peignot, director de la prestigiosa revista “Arts et Métiers graphiques”, quien certifica el nacimiento del libro “Paris de nuit”, publicado en di-

ciembre. ¡Se seleccionan 62 imágenes! Peignot decide apelar a Paul Morand, autor muy de moda, para que escriba el prólogo, elección por la cual Brassaï lamenta no haber sido concertado. De hecho, él no es parte de su “grupo”. El texto aparece en un fondo blanco, las imágenes se imprimen en un fondo negro en huecograbado. Los negros de las fotos se desvanecen en el espacio de la página oscura en la oscuridad total. En estos años 30, Brassai crea una oda fotográfica a la electricidad, con sus luces de alumbrado a gas, luces artificiales, reflejos de ventanas, espejos. ¡Ellos son la luz! Es la luz artificial la heroína del libro. El dominio técnico es perfecto, pero la poética también es original. Brassaï usa el largo tiempo de exposición, de hecho, el tiempo para fumar un cigarrillo ... una Travis ... El paisaje urbano se transfigura por la batalla entre la sombra y la luz. La ciudad parece desierta, dejando imaginar habitantes (sugerido). El trabajo de Brassaï ha tenido en su momento un gran eco, probablemente también por su encuadernación en espiral Las 12,000 copias de la primera edición del libro encuentran inmediatamente una gran audiencia, un éxito que continúa hasta hoy. ¡Es el abuelo del fotolibro! “Paris de nuit, Brassai”, Art & MG, 1933

DRAGAN LEKIC nació en Belgrado. Desde décadas esta interesado y apasionado por el fotoperiodismo. Fue miembro de la agencia “Boomerang” ; luego formó parte del grupo de fotógrafos “Libre arbitre “. Fotógrafo independiente, es miembro del “Studio Hans Lucas” desde enero de 2017. Trabaja para Paris Match, Marianne, Le Point, Le Parisien, Le Nouvel Observateur, La Croix, Le Figaro, Le Monde, El Periodico, Interviu, Arte,... y también “Enviado especial” (France Télévision), Spiegel TV (Alemania)... Se interesa por las cuestiones sociales, de migraciones, y de territorios, en Europa y en el mundo.

LIBRE OPINION DE DRAGAN LEKIC “La gran riqueza es en lo humano” Mi vida no fue un río largo y tranquilo. En mi juventud, tuve algunos momentos difíciles y viví un tiempo al margen de la sociedad. Tan pronto como pude, pasé mi tiempo tratando de contar la vida cotidiana de los humanos que sufren. Desde final de los años 90, después de tomar un formación de fotoperiodismo en la escuela EMI-CFD en París, con Patrick Frilet, y trabajar en “Boomerang” con el editor Patrick Chauvel que me ha enseñado mucho, quería testificar y narrar la vida cotidiana de la gente. ¡Es importante para mí informar de la realidad de una parte de la población, a menudo despreciada y poco conocida! Inicialmente, lo que me pone en una pista puede ser un resumen que leo en un periódico o una información que escucho a la televisión, a la radio y que habla de temas que me interesan. Entonces me pregunto y me documento a saco. ¡Es un paso fundamental! Busco para ver si este trabajo no ha sido procesado por otro fotógrafo, otro medio de comunicación; si es así, ¿en qué ángulo? ¿Como? Reflexiono sobre qué enfoque diferente es posible lograr sobre este tema. Antes de ir al campo, trato de ponerme en contacto con organizaciones o asociaciones huma-

nitarias, o con grupos profesionales, con los que puedo abordar el tema. Traigo en mi mochila mini álbumes de fotos si es un tema que he realizado en el pasado sobre el mismo asunto ya. Luego, al llegar al terreno, me aseguro de “mostrarme” con una cámara pequeña, para demostrar que es mi trabajo. En algún caso, a veces no traigo la cámara. Se trata de tranquilizar a la gente, ser aceptado y de respetar a las personas. Muy a menudo, después de un tiempo, comienzo a explicar mi enfoque y buscar personas o grupos que me permitirán acompañarlos durante algún tiempo en la vida diaria, con el objetivo de contar su historia. ¡Siempre se debe ser claro! Por supuesto, hay muchas respuestas negativas, lo cual es normal. Pero con perseverancia siempre hay un grupo / individuo que acepta(n) mi presencia. Mi método de trabajo cuando hago un reportaje, es usar vídeo y / o sonido como fuentes complementarias. Todo esto enriquecerá mi fotoreportaje. Para la parte de vídeo, no intento nunca reproducir las mismas tomas que en la foto. A menudo, en vídeo, solo realizo entrevistas, que uso más adelante, además en mis exposicio-

nes fotográficas. Es obvio que al dividir la energía de uno en dos disciplinas -la foto y el vídeo- nos arriesgamos de ser incompletos, tanto en la foto como en el vídeo. En consecuencia en un lado, debed pensar en la complementariedad de ambos. Del otro lado, en la calle, pensad todo el tiempo usar ambas herramientas. Para realizar sus deseos en la fotografía, no escucha demasiado a las personas “negativas” antes de llevar a cabo un proyecto. Las preguntas fundamentales a formular son: ¿Por qué este tema? ¿Qué quiero mostrar? ¿Para quién (para qué soporte de difusión: web, papel, exposición...)? Pero no olvide que cuanto más tiempo pase con el sujeto más se completará su trabajo y tendrá la oportunidad de ser visto por un mayor número de lectores o clickeadores de sitios web. Creo que en estos momentos en que la profusión de información es máxima y producida en tiempo real, es más necesario pasar tiempo con su protagonista. ¡Una ética contra la corriente de la atmósfera actual 2.0 o más 3.0! No olvides que la riqueza es en lo humano, en su sufrimiento y en sus alegrías. Dragan Lekic

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