EL DUENDE 147. "EL LIBRO AZUL DEL ARTE EMERGENTE"

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DA CAPO AL CODA Un brochazo negro, qué tristeza.

La mañana nos eclipsa con la sombra, la noticia de la muerte, Don Fernando, como te llamábamos, Esteve.

Comunicar es un arte y tu voz, siempre libro en mano, es parte de las viejas glorias.

Para no pintar nada, lo has dicho todo. Nos dejas, tan joven en una ciudad tan vieja… Siempre se van primero los mejores.

El lienzo se nos raja por la izquierda, se para un corazón de cultura tan repleto, que la música enmudece en homenaje al papel cardinal del secundario.

Adalid de lo emergente, te recordarán los tiempos sin cita previa, los segundos más intensos de la vida, la expresión más humana de todo aquello que nos rodea…

Si hay personas que son obras de arte, nos dejas un cuadro de belleza y de verdad para colgar frente al alma.

Han perdido a ‘la voz’ tus compañeros, pero con su eco deseamos que sea aún mayor nuestro grito sempiterno de crear cultura en esta ciudad de sordas entendederas.

Como decía Picasso respecto a la calidad de un

pintor, también la calidad de una ciudad no es más que la cantidad de pasado que lleve consigo. En las ramas del árbol del mañana, cuelgan ya todas tus notas de prensa.

Esto no es un obituario, es una coda.

Un brochazo negro, qué tristeza, Don Fernando.

Por Rubén Arribas.

Ilustración: Cocolia

Fernando Esteve fue promotor y dinamizador cultural de diversos proyectos, entre otros Festimad, Universimad o el Festival Internacional Madrid Sur de teatro.

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TRANSPARENT WAYFARER Claridad ante todo.

presenta

EL LIBRO AZUL DEL ARTE EMERGENTE Una mirada privilegiada al mundo del Arte, formato libro, tapa dura ******************************************************************************************************************* Editado, ideado y producido por: Grupo Duende · Encuadernación rústica con cartoncillo · Primera edición en castellano 2015 · Impreso y encuadernado en Madrid *******************************************************************************************************************

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Otros títulos de la colección: El Libro Rojo de las Artes Escénicas 2010, 2011 y 2012, El Libro Dorado de la Ilustración, El Libro Blanco de la Creación, El Libro Azul de los Videojuegos, El Libro Naranja de la Gastrocultura y El Libro Ámbar de la Arquitectura 2014. ******************************************************************************************************************* FACEBOOK.COM/DUENDEREVISTA @ELDUENDEREVISTA

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EXPOSICIÓN. PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO 26 MAR — 4 OCT 2015

cocolia LOS PORTADISTAS

Cocolia son Raúl Ramos y Mireia Ruiz, el estudio creativo responsable de la portada de esta edición de nuestra Colección de “El Duende Books”, que tienes entre tus manos y que hemos realizado junto a Absolut, marca que lleva tres décadas apoyando el arte de forma incondicional.

Por Inma Flor · Foto: Cocolia ©Marc Bordons

Identidad corporativa, dirección de arte, pattern design, comunicación gráfica, editorial, escenografía, ilustración o proyectos artísticos, han asumido un desenfreno colorista empapado hasta las trancas de artistas y estudios como Akatre, Synchrodogs, Erwin Wurn y Henri Matisse. Pero Cocolia (palabra que significa “darle vueltas al coco”) también es experimentación: materiales como la plastelina, la purpurina, el confeti o la arena de colores roban habitualmente el protagonismo al ordenador a la hora de dar forma a sus proyectos. “Hay mucho trabajo de ma10 EL DUENDE

nualidades. A veces, nos reímos porque el estudio parece el programa Art Attack”, afirman. No obstante, cada uno de ellos guarda su propia parcela: Raúl con su alter ego gamberro, Pink Morro, y su trabajo al frente del festival de diseño gráfico Blanc; Mireia con sus ilustraciones, su creación de estampados o pintando piezas textiles. ¿Por qué un bodegón hipercolorista como portada? En este caso, la elección de los colores viene dada por la marca Absolut y su paleta cromática. El azul eléctrico es el color principal y luego los secundarios como el rosa, el naranja y el turquesa.

Adoráis el color. El color transmite por sí solo, tiene fuerza. Es energía que entra por los ojos. No hace falta usar palabras. ¿Hay alguna combinación de colores que no usaríais nunca? Nos encantan todos los colores, no tenemos problemas con ninguno. Están todos, no hay discriminación, aunque las combinaciones entre colores complementarios nos atraen más. ¿Qué papel juega la experimentación? La experimentación empezó en los proyectos personales, donde existe una libertad real. Básicamente, porque los clientes son poco temerarios, algo comprensible. Luego, al observar

los resultados de la experimentaciones, surge “el milagro”: la confianza por parte del cliente. ¿Hay diferencias entre el trabajo de encargo y el personal? Intentamos marcar siempre con nuestro sello personal cada proyecto, pero cada cliente reclama un lenguaje y nos amoldamos a sus necesidades. Por suerte, cada vez hay más clientes que buscan un resultado artístico para marcar la diferencia. ¿Qué tipo de proyectos os interesan? Proyectos con libertad y confianza. No importa tanto el formato del proyecto, sino que confíen en el resultado. Otra cosa importante es que esté bien remunerado, cuesta mucho que se aprecie nuestro trabajo. ¿Cómo os influye el arte al trabajar? Envidiamos del artista esa libertad de la que goza.

Puede lanzar el mensaje que quiera, cómo y dónde quiera. Esa fue la razón para apostar por nuestros autoproyectos, donde podemos decidir el mensaje, sin ningún brief, sin limitaciones, ni pensamientos subjetivos.

Entonces, entiendo que os gustará coleccionar arte... Claro que sí. Pero arte de amigos ilustradores y artesanos. Tenemos que ayudarnos unos a otros, porque el panorama económico es desolador. www.cocolia.cat

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DAVID PUJOL EN LA CIMA DE LA LIBERTAD

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‘LA LIBERTAD ES

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PODER VIVIR MI SUEÑO CADA DÍA’

DAVID DEJÓ DE PERSEGUIR EL DESCENSO PERFECTO COMO SNOWBOARDER PARA COMENZAR UNA ASCENSIÓN CON RUMBO A LA LIBERTAD COMO GUÍA DE MONTAÑA. DESCUBRE SU HISTORIA Y CUÉNTANOS LA TUYA EN SOLESPIRITULIBRE.ES #solespiritulibre

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Alc. 4,5º Vol. Sol recomienda el consumo responsable. ®

EL DUENDE PRESENTA

EL LIBRO AZUL DEL ARTE EMERGENTE Ortega y Gasset, opinando sobre Velázquez, se llamaba a sí mismo “un transeúnte de la pintura”. Algo así nos sentimos el común de los mortales cuando tratamos de recorrer el casi inabarcable territorio del arte contemporáneo que, por definición, según el historiador canadiense Alexander Alberro, es “emergente, y no histórico. Todavía”.

Hemos intentado abarcar todos sus ámbitos recabando opiniones de quienes lo crean, lo seleccionan para exponerlo, gestionan su tránsito, lo venden, lo coleccionan, lo divulgan, hacen crítica sobre su esencia o, tan solo, lo observan.

Imagen: Emilio Gomariz, 4C_RGB_G, Marzo 2015. Gif. 1920 x 1080 (Dimensiones Variables / pantalla). Bucle.

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ARTE HOY

DANOS TU DEFINICIÓN EN #ARTE_ES CC @ELDUENDEREVISTA Andy Warhol hizo suya, para definir el arte, la cita del teórico de la comunicación Marshall McLuhan “Art is anything you can get away with”, algo así como “Arte es lo que te permite salirte con la tuya” o, en su contexto “que sirve para que expreses lo que desees”. Hemos querido pedir a algunos artistas, críticos o gestores del mundo del arte que nos den su propia definición de arte, hoy.

“Mercado. Para bien o para mal es un mercado que nos permite vivir, y del que somos parte aunque a veces no nos guste, y del que yo acepto ser parte porque es lo que me da de comer. Mientras tu arte sea sincero lo demás da igual”.

3TTMAN (Lille, 1978). Artista. Entrevista en página 30 “Cualquier definición del arte, por sincera y completa que uno la pretenda, termina pareciendo una simpleza. Quizá es un forma bastante solitaria y esforzada de acercarse a comprender el mundo que me rodea, mirando con sencillez desde un punto de vista propio a las personas que lo conforman, su pensamiento, su sensibilidad”. Alberto Pina (Atenas, 1971). Artista. Entrevista en página 87 “El Arte es un espejo en el que vemos un rostro que arde, el nuestro. Es ese instante coagulado que desmorona todas nuestras seguridades y donde nuestra mirada nos es devuelta, craquelada y fragmentada, para llevarnos a lugares que nunca habríamos imaginado. Construye soledad, la centrifuga y la escupe para que se haga mil pedazos. El arte es deseo y el deseo es arrogante, por ello desacredita a la muerte y la espanta. El artista es el que merodea el enigma”. Bernardí Roig (Palma de Mallorca, 1965). Entrevista en página 89 “El Arte es una forma de comunicación, con un lenguaje propio y un mensaje desarrollado y profundo. Si el mensaje no se entiende, para mí no hay arte. No me gusta esa corriente conceptual del arte contemporáneo de mostrar cualquier cosa, como un palo apoyado en una pared, y pretender hacer creer que se está diciendo algo impresionante aunque no lo entienda nadie”. Cristina De Middel (1975, Alicante).

Artista. Entrevista en página 16 14 EL DUENDE

Arriba: Muletas equinas. Escultura de apoyo ortopédico.

Técnica mixta © 2014 Santiago Morilla.

En página izquierda, arriba: Olafur Eliasson © Max Mbakop 2014 Little Sun Debajo, Bernardí Roig, Fauno in love, 2014

“Ampliar el espectro de lo posible”. Daniel Silvo (Cádiz, 1982). Artista y comisario. Expone (sitespecific) Bunker, en el Pavillon Le Corbusier de la Fondation Suiss de París, hasta el 3 de junio.

“El arte es una búsqueda. Una búsqueda de belleza.

Donde sea que esté”. David Bowen (1975 Indianapolis, EEUU). Artista. Entrevista en pág. 54 “Mucho arte de hoy existe por desconocimiento del arte de ayer. Y hay mucho arte de hoy que no es visible ni valorado tambien por ese desconocimiento. Por suerte aun quedan comisarios con curiosidad y conocimiento, pero están en vías de extinción”. Glenda León (La Habana, 1976). Exposición Cada respiro (videoinstalación). Matadero Madrid. Nave 16. Hasta el 26 de abril “El arte es una síntesis, siempre en el filo de lo contradictorio, entre el amor por la tradición y la pasión por la novedad. Una exploración de islas sumergidas y un descubrimiento de nuevas tierras. Es –¡siempre!– una necesaria forma de comunicación”.

Joan Magrañé (Reus, 1988). Compositor.

“El Arte es un concepto abstracto que el ser humano se empeña absurdamente en concretar; normalmente por desconfianza hacia los artistas, por ese motivo nos suele repeler la pregunta”.

Josechu Dávila (Madrid, 1966). Artista

“El Arte es un concepto abstracto que el ser humano se empeña absurdamente en concretar” Josechu Dávila “Ver el mundo con otros ojos”. José Jurado (Córdoba, 1984). Artista. Expone en Cuerpo y poder, Pasaje de Fuencarral, 77, hasta el 17 de mayo; y en el CAAC de Sevilla, en No ver, no oír y callar, hasta el 13 de septiembre.

“Arte-estética-ética-política”. Miguel (Lima, 1973). Entrevista en página 91

Aguirre

“Es lo que conecta las ideas con la creación y transformación de realidades”. Olafur Eliasson (Copenhague, 1967). Entrevista en página 18 “Es miseria para la mayoría de los artistas, blanqueo de dinero para muchos empresarios y justificación ejemplar de su propio status quo para instituciones y mercados. La pregunta para mi es ¿qué debería de ser Arte? > Resistencia activa - no ejemplarizante para HACER sostenible y “atractiva” la integración REAL del hombre en el medio cultural y medioambiental, sin JODER irreversiblemente el planeta”.

Santiago Morilla (Madrid, 1973). Artista.

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Cristina De middel

Realidad-Ficción

Quiere usar la fotografía “para enviar un mensaje que pueda cambiar las cosas que están mal, o al menos abrir los ojos”

Cristina De Middel (Alicante, 1975) reinventa el concepto de fotografía social con imágenes de contenido reivindicativo pero estética onírica y divertida. Estará en Photoespaña 2015 con This is What Hatred Did, una serie hecha en una paupérrima zona de África.

¿La fotografía ha de tener un contenido social? El arte es una forma de comunicación, por tanto cada persona dirá lo que le dé la gana y como le dé la gana. Para mí, el canal que me abre la fotografía, que además se comprende sin demasiada intelectualización, prefiero utilizarlo para enviar un mensaje que pueda cambiar las cosas que están mal o al menos abrir los ojos.

Por Paloma F. Fidalgo

Afronautas tuvo algunas reacciones en contra. La verdad es que esperaba más.

Solo recibí dos críticas fuertes. Es un proyecto que habla del racismo, de la manera como vemos África y de nuestros clichés.

Y todo nació de querer alejarme de la fotografía documental, porque creo que se basa en hacernos sentir culpable. Yo he dejado de creer en ese tipo de mensaje, y quiero crear una especie de Caballo de Troya, lanzar un mensaje escondido en imágenes que atraen por su estética y pueden resultar divertidas.

Esta frase es suya: “Creo que hacer buenas fotos ya no basta”. No estoy diciendo que las fotos tengan que estar mal hechas, pero en el momento social en el que nos encontramos, con la tecnología de la que disponemos, tenemos que dejar de prestar atención al medio. Hasta ahora, la técnica, la herramienta todavía podía sorprendernos. Pero ya no tiene sentido hacer algo puramente documental, realista. Es una evolución que la industria del cine asimiló hace mucho tiempo. En los orígenes del cine, al principio, la gente escapaba corriendo de la sala al pensar que el tren que salía en pantalla la iba a atropellar. Hoy la técnica se ha ido refinando, y hasta hacemos cine en 3D. En fotografía, el proceso ha sido mucho más lento. Pero ha llegado el momento de fijarnos en qué queremos contar, y no en cómo lo contamos.

Mezclas texto y foto en Poly-spam; en Afronautas, recreas cómo un país africano intentó viajar a la Luna en 1964; en Antipodes contrapones paisajes…

La mezcla de realidad y ficción es una constante en tu trabajo? Sí. Cuando hice Poly-spam en 2009, aún trabajando en un periódico antes de marcharme de España, quería explorar hasta dónde se creía la gente las fotos, a la vista de lo mucho que 16 EL DUENDE

se manipulan las imágenes, ya incluso con el subjetivo encuadre que toma el fotógrafo de una escena real. La serie resultó muy divertida, porque ilustraba con imágenes esos mensajes spam que recibes de lugares remotos. Son mensajes que en principio no te crees, pero al tener la foto al lado, los espectadores dudaban o directamente se los tragaban. Hasta alguien tan cercano como mi jefe me preguntó cuándo había estado en Togo. En cuanto comprobé que podía jugar a tantos niveles con la realidad y la ficción gracias a la fotografía, me froté las manos. No obstante, en cuanto al estilo, no creo que el mío esté tan definido. Escojo un lenguaje diferente en función de la historia que vaya a contar. Sí me identifica una paleta de colores habitual, porque no combino bien los colores y siempre intento mantenerlos en mi zona de control, en tonos desaturados. Incluso busco localizaciones que no me provoquen el estrés que siento cuando veo muchos colores juntos.

Hay un ejemplar de Afronautas que se vende en Internet por más de 2.000 euros… Eso es algo que está fuera de mi control. Posiblemente sea un libro bueno, pero no creo que cueste ese dinero, y a mí jamás se me ocurriría ponérselo. Fue un libro autoeditado y tenía una tirada limitada, y como lo destacaron en varios medios como el mejor libro de fotografía de 2012, se agotó muy rápido. De ahí que alcance ese valor que no creo que tenga per se.

Martin Parr es muy fan de ese libro. Seguramente sea el responsable de que cueste tanto (risas). Habló muy bien de él, de ahí que llamara la atención. Le debo todo, posiblemente no me estarías entrevistando de no ser por él. www.lademiddel.com

En esta página: Olodi. En página anterior: Oyere. Ambas, de la serie This is what hatred did © Cristina De Middel EL DUENDE 17

Olafur Eliasson el Artista que todo lo ilumina

El astro rey vuelve a inspirar un proyecto de Eliasson (Copenhague, 1967). Después de sorprendernos con Weather Project, un gigantesco sol que iluminó la sala de turbinas de la Tate Modern, ha creado “Little Sun”, lámparas alimentadas con energía solar para lugares sin acceso a luz eléctrica.

Por Paloma F. Fidalgo · Foto: M. Mersha

¿Cómo surgió la idea? Un día, a última hora de la tarde, cuando ya quedaba muy poca luz natural, Frederik Ottesen y yo bromeábamos sobre el imposible de crear antorchas de luz solar, para no echarla de menos nunca. Terminamos hablando de la posibilidad de capturar la energía del sol a través de un panel solar, y luego emitirla mediante una luz LED. Hoy, Little Sun lleva la luz a lugares donde la energía eléctrica no es de fácil acceso. Muchos dependen de lámparas de queroseno, pero son caras y un peligro para la salud. Con Little Sun reducen el coste en energía en un 90% en 18 EL DUENDE

dos años, y gozan de una iluminación diez veces más fuerte y de mejor calidad.

Conectas arte, ciencia y servicios sociales. Creo que es fundamental darse cuenta del potencial que tiene el arte como elemento comunicador. Posibilita entender mejor el mundo al tiempo que sirve para crear cosas útiles. Con mi arte, siempre intento llamar a la acción. Tradicionalmente nos hemos acercado a los problemas del tercer mundo siempre perdiendo el tiempo hablando y discutiendo, y muy pocas veces haciendo algo útil. Para mí, el arte es lo que conecta las ideas con la creación y transformación de realidades. Little Sun, además de ofrecer una solución al problema de la energía solar, crea un precedente en la manera como la aprovechamos.

Piénsalo: necesito energía, recargo la lámpara con el sol, y ya lo tengo. Tengo poder.

Dar poder a los países de África es luchar contra el paternalismo de Occidente. Sí, por eso era tan importante convertir las lámparas en objetos llamativos, de deseo,

estéticos. Muchas de las ideas que se tienen para ayudar al tercer mundo no tienen en cuenta la estética de los proyectos. Yo creo que el diseño ayuda en todos los aspectos de la vida. Little Sun llama la atención de niños y mayores, de europeos y etíopes. No solo permite llevar electricidad, sino también belleza a las vidas de la gente. También consiste en hacernos iguales unos a otros.

Tradicionalmente, desde Occidente, con la ayuda al desarrollo, le transmitimos a los países el mensaje de que nosotros somos fuerte y ellos son débiles. Eso no es bueno. ¿Cómo están reaccionando los usuarios?

Desde que lo lanzamos en 2012 ha ido creciendo y 2014 fue un gran año porque recibimos la inversión de Bloomberg Philanthropies. Hemos vendido ya unos 200.000 Little Suns, y trabajamos con 200 empresas africanas en diez países distintos.

Hemos recibido muy buenas impresiones de la gente, quienes nos ha alertado de la necesidad de tener un cargador de teléfono. En eso consistirá nuestro próximo proyecto. www.littlesun.com

Exposici贸n

Jim Campbell Ritmos de luz 1 de abril 28 de junio de 2015 espacio.fundaciontelefonica.com Despertando ideas se despierta el futuro

Espacio Fundaci贸n Telef贸nica Fuencarral 3, Madrid Entrada libre.

FOTO: Jim Campbell. Church on Fifth Avenue, 2001 漏 Sarah Christianson.

WILL GOMPERTZ GURÚ AL HABLA Will Gompertz (Reino Unido, 1965) es un verso suelto de la Crítica de arte. Colaborador de la BBC y ex director de la Tate Gallery, su explosiva combinación de profundo conocimiento y métodos insólitos, como ofrecer un monólogo sobre las vanguardias en el Festival de Edimburgo, atrae por igual a eruditos y profanos. Tiene tanto arte en esto de la divulgación que ha convertido en best seller su libro ‘¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno’ (Taurus). Defiende que solo el paso del tiempo nos permitirá decidir hasta qué punto es buena una obra.

Por Paloma F. Fidalgo · Ilustración: Nuria Cuesta

No puedo evitar hablar del dichoso vaso de agua medio lleno de 20.000 € presentado en ARCOMadrid por Wilfredo Prieto.

“Si el artista ha declarado que lo suyo es una obra de arte, pues lo es. Porque, si delegamos en nosotros esa responsabilidad, también tendremos la responsabilidad de decidir si la obra en cuestión resiste una comparación con otras, y tendremos que responsabilizarnos de emitir un juicio sobre si es una obra maestra o un fracaso”.

Esto lo completa comentando que otro artista, Michael Craig-Martin, en 1973 se adelantó a Prieto y nadie se queja: “An Oak Three, consistía en un vaso de agua colocado en un pequeño estante de cristal”. Hoy forma parte de la colección permanente de la Tate Gallery de Londres, que el mismo dirigió. “Por lo tanto”, concluye, “existe ya un precedente de un vaso de agua al que se ha considerado arte. Ahí tienes tu norma. Está bien ser escéptico, pero no hay que ser cínico”. ¿Qué es el arte y quién decide qué es artístico? Creo que la denominación “arte”, y, englobados en ella, los objetos que se clasifican como artísticos, se refieren a conceptos que se justifican con su mera existencia. En el siglo XXI nos obsesionamos con darle un sentido finalis20 EL DUENDE

ta al arte, pero éste no cumple ninguna función práctica. No ocurre como con un coche, por ejemplo, que, más allá de ser bonito, debe ser útil. Soy de los que suscribo la opinión de Marcel Duchamp, que decía que el arte es lo que un artista dice que lo es. De cada uno depende decidir si le gusta, si le pone, porque el gusto es algo totalmente personal, aunque no puedes manifestarte sin informarte previamente. Esto es como el fútbol: una vez que conoces las reglas, en este caso las normas y las referencias del arte moderno, podrás disfrutarlo.

por Europa vendiendo sus obras a las Casas Reales mientras dejaba a acólitos trabajando en el estudio. Pero la escalada actual son palabras mayores, porque, para muchos, el arte se ha convertido en un bien de consumo. Mucha gente compra arte sin motivaciones estéticas, solo como inversión. Y así nacen artistas como Koons, a los que solo mueve el capitalismo y el afán de enriquecerse. ¿Cómo va a surgir un Guernica contemporáneo, que se oponga a los males del capitalismo, si los capitalistas son quienes compran las obras?

Uno de sus favoritos es Cézanne. ¿Hay algún Cézanne hoy? Hay muchos grandes pintores en ejercicio actualmente.

Marlene Dumas, Cecily Brown, Peter Doig o Kerry James Marshall, por ejemplo. ¿Son de la talla de Cézanne o Picasso? Probablemente no, pero tenemos que mantenernos alerta, con la mente abierta, por si cae alguno. Hay mucho arte contemporáneo anodino, pero en todas las etapas del arte lo ha habido. Lo que es exclusivo de esta era es la gran cantidad de arte que se produce y se vende. En la historia, muchos artistas han tenido mentalidad mercantilista, de factoría. Rubens, por ejemplo, viajaba

Hablando de arte social, a usted le gustan los artistas de ese corte: Marina Abramović, Cildo Meireles o Ai Weiwei. Une a los cuatro la profunda sinceridad de su trabajo, que les da una legitimidad inmediata y duradera a la vez.

No pretenden complacer a nadie, creen apasionadamente en lo que tienen que decir, y lo dicen de una manera elegante, inteligente. También me gustan artistas menos introspectivos y más divertidos, como Gerhard Richter. Tiene que haber de todo.

En su libro ¿Qué estás mirando?, habla de la importancia del entretenimiento

“Hay mucho arte contemporáneo anodino, pero en todas las etapas del arte lo ha habido”

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“En el siglo XXI nos obsesionamos con darle un sentido finalista al arte, pero éste no cumple ninguna función práctica”.

en el arte. Lo llama artentretenimiento ¿Los Simpsons tienen cabida ahí? Sólo si un artista los incorpora en alguna de sus obras, como hizo Roy Lichtenstein con Micky Mouse en la década de los 60. Cuando hablo de entretenimiento en el arte, me refiero a tiene que exigirse ingenio, tiene que retar y divertir al intelecto del espectador y ser capaz de conectar con el público. Solo así resultará realmente eficaz. Vale la pena recordar que el arte, reducido a su esencia, es simplemente un ser humano tratando de comunicarse con otro. ¿Qué papel juegan los coleccionistas, mecenas e incluso las marcas comerciales en el apoyo al arte contemporáneo? Es fácil subestimar su papel, por eso lo hace tanta gente. Pero recordemos que no habría habido Impresionismo sin el coleccionista Paul Durand-Ruel, ni expresio-

nismo abstracto sin la coleccionista Peggy Guggenheim, y con toda probabilidad no habría habido Damien Hirst sin el publicista Charles Saatchi. Cada uno de ellos tuvo la valentía y la capacidad visionaria de adquirir obras de artistas cuando todo el mundo los ignoraba. Su labor es, en cierto modo, heroica. Otra cosa es que el mercado actual del arte, que sufre una burbuja en muchos sentidos, sea el que decida qué obras de arte tienen más valor, porque a menudo lo reducen a precio monetario, y quienes hacen la compra solo quieren una firma o algo llamativo de lo que fardar.

Se ha metido alguna vez con los críticos de arte, que a menudo se ponen demasiado estupendos. ¿Cómo afronta usted su trabajo en la BBC? Obviamente no soy mejor que nadie.

“Cuando hablo de entretenimiento en el arte, me refiero a tiene que exigirse ingenio, tiene que retar y divertir al intelecto del espectador y ser capaz de conectar con el público” Yo también cometo errores, pero intento ser abierto y honesto, y hablar de manera informal.

El arte es algo hermoso, con el que algunos talentosos seres humanos expresan de manera profunda y memorable la grandeza de estar vivos. No hay nada complicado en ello, ¿por qué travestirlo con esnobismo? Volvemos a la pregunta que me hacías al principio: que te guste o no una obra de arte depende solo de ti, pero mi obligación es darte toda la información que necesites para hacer esa valoración. Y hacerlo de manera amena, para que te apetezca escucharme.

Portada de ‘¿Qué estás mirando?’

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La mitad de los museos y galerías ya son online. ¿Cuál es el futuro de los “de toda la vida”?

En mi opinión, la labor de las galerías y museos es retrospectiva, han de especializarse en seleccionar aquellas obras que merecen incluirse en el canon de arte histórico. Pero creo que fallan demasiado cuando intentan comisariar lo nuevo, porque a menudo los resultados son decepcionantes y hasta embarazosos, porque representan un gusto muy determinado, corporativista y esnob. Los artistas persiguen capturar el espíritu de una época. Las instituciones han de dejarlos tranquilos.

ABSOLUT & ART EN LA VANGUARDIA DEL ARTE

Tres décadas de apoyo incondicional al arte y a los creadores, los consagrados y sus discípulos, de diálogo entre artistas y espectadores, entre aquellos que plantean preguntas y los que buscan respuestas, de acercar los nuevos talentos a galeristas y comisarios, y mostrar al mundo el potencial artístico de nuestro país. Tres décadas de relación apasionada, que sigue apostando por la experimentación y el riesgo.

Por Beatriz G. Corredera

Cuentan que Andy Warhol dijo: “quiero pintarla”. Se refería a la icónica botella de Absolut. Corría el año 1986, en Nueva York. Fue en un encuentro entre el artista y el francés Michael Roux, representante en aquel momento de Absolut Vodka en EEUU, en la pista del mítico Studio 54.

Warhol presumía de que le gustaba ponerse unas gotas de Absolut Vodka como perfume, y Roux le lanzó la invitación a interpretar artísticamente la botella. Un reto que aceptó al instante. Aquella frase significó el nacimiento del ambicioso proyecto de Absolut de apoyo al mundo del arte y a los artistas más jóvenes.

Después llegarían otros grandes artistas y creadores que se atreverían a reinterpretar la botella de la marca, creando una impresionante colección de arte contemporáneo, la Absolut Art Collection, como Keith Haring, Jean-Michael Basquiat, Louise Bourgeois, Helmut Newton, Nam June Paik, Jean-Paul Gaultier, Tom Ford o Spike Lee. Una lista de más de 800 artistas y creadores internacionales en la que no faltan españoles, como Miquel Barceló, Oscar Mariné y Javier Mariscal.

Apoyando el arte emergente, hoy Durante el pasado mes del arte, en febrero, Madrid se convirtió en el epicentro del arte contemporáneo nacional e internacional, gracias a las diferentes ferias artísticas y exposiciones que atrajeron a multitud de público. Art Madrid y JustMad. Absolut estuvo presente en ambas.

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Pero, además, transformó un bar tan mítico como el Cock en el Absolut Art Bar, donde pudimos asistir a charlas, debates y performances, bajo la atenta mirada de cuatro proyectos transgresores instalados en el espacio del bar que corrieron a cargo de 3TTMAN, Luis Urculo, David Bestué y Lolo y Sosaku.

En Just Curated Bar, situado en la zona vip de JustMad, se mezcló para la ocasión lo mejor del arte, música y gastronomía, diseñado todo por y para artistas. Además de lo que ocurría por la noche, durante el día, ferias alternativas y exposiciones de arte urbano, ocuparon la agenda de los más atrevidos.

En su segunda edición, La New Fair, comisariada por la bloguera Semiramis González en la New Gallery, mostró lo más emergente del panorama. Allí pudimos ver el trabajo de 25 jóvenes que no cuentan con galería ni están en el circuito comercial, pero que mostraron proyectos de gran calidad, y más cerca de la realidad artística emergente nacional e internacional. Con más de 400 propuestas presentadas este año, la feria se ha convertido en un punto de encuentro lleno de posibilidades para los jóvenes artistas, que pueden entrar en contacto directo con sus compradores, sin intermediarios.

El toque más urbano lo pusieron los chicos de Iam Gallery en la exposición Theriomorphism, también por segunda vez, en el malasañero espacio de Ciento y Pico, donde se dieron cita las obras

de Okuda San Miguel, José Luis Serzo, Charlie Immer y Smithe. Un recorrido en torno al salvajismo del hombre y la bestialidad de su condición, visto por los ojos de estos cuatro artistas de excepción.

Sin embargo, la vinculación de Absolut con el arte emergente va mucho más allá, y para este 2015 aún nos tienen reservadas citas ineludibles para los amantes del arte en Madrid.

La quinta edición de a3bandas, tendrá lugar entre el 11 de abril y el 23 de mayo.

Un proyecto ideado para conectar los tres frentes del mercado artístico: galeristas, comisarios y artistas. Cada galería seleccionada para participar ha invitado a un comisario para que programe una exposición en su espacio, dándole a la galería la posibilidad de trabajar con nuevos artistas y experimentar con nuevos conceptos expositivos dentro de su espacio habitual.

Absolut ha estado y estará presente en las más importantes citas del arte emergente en España, lo que le convierte en una empresa diferente. Convencidos de que las sociedades que apoyan y promueven el arte y la creatividad, están construyendo una base sólida para su próspero desarrollo, contribuyendo así a crear mejores ciudades en las que vivir. www.absolut.com/es

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ELOY MARTINEZ DE LA PERA ART AMBASSADOR DE ABSOLUT

Gestor cultural, comisario de exposiciones y coleccionista de arte, su relación con la marca comienza cuando la Absolut Art Collection recala en Madrid en 2011.

“Tuve el honor y el placer de ser la persona a la que Absolut eligió para comisariar esa primera exposición en España.

Desde ese momento comienzo mi trabajo como embajador de arte para esta marca. La colección volvió a Suecia para quedar instalada en el SpritMuseum de Estocolmo, donde se exhibe de forma permanente”, señala.

para que sus trabajos puedan ser más ambiciosos y tener una mayor repercusión en la sociedad española”, argumenta.

Su tarea como Art Ambassador de Absolut es “intentar posicionar y crear un vínculo de la marca con la comunidad artística en todos los niveles, con artistas, galerías, comisarios, coleccionistas o críticos. Que perciban a Absolut como un socio o compañero de viaje fiable para cualquier iniciativa en la que estimen que podemos entrar como marca facilitadora del proyecto en sí. Que el sector pueda encontrar un pequeño apoyo en nosotros,

En su faceta de comisario, algunas de sus mayores satisfacciones profesionales las encuentra en el diseño de exposiciones.

“Haber comisariado, por ejemplo, las exposiciones de Mariano Fortuny y Madrazo en el Museo del Traje o la reciente antológica de Hubert de Givenchy en el Museo Thyssen-Bornemisza, o diseñar exposiciones de artistas como Joaquín Sorolla o Walter Benjamin, es una gran responsabilidad y un enorme placer

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Los proyectos que más les interesa apoyar a los responsables de la marca son aquellos que “apoyan o están protagonizados por artistas jóvenes vinculados a la creación contemporánea española y que aportan una carga de innovación y transgresión. Y más que en artistas individuales, preferimos centrarnos en propuestas colectivas”.

porque te obliga a ser tremendamente permeable con lo que ha sido el proceso creativo de todos estos grandes personajes que han marcado la estética contemporánea, nuestra manera de mirar el mundo que nos rodea”, confiesa.

Como coleccionista, “me gusta apoyar a jóvenes artistas emergentes que realizan obras que reflejan distintos aspectos de la época que estamos viviendo. Me interesan sus reflexiones estéticas y esa parte visionaria que tienen algunos artistas con los que puedo identificarme de una manera directa”. Le preguntamos por el nombre de algunos artistas actuales que le gustaría poder tener obra en su colección e incluye en la lista, “por tener una narrativa muy sólida conceptualmente y muy bella plásticamente”, a Pablo Valbuena (Madrid, 1978), Chiharu Shiota (Osaka, 1972), al fotógrafo Martín Blázquez (Madrid, 1973), Manuel Caeiro (Évora, 1975) y Nacho Martín Silva (Madrid, 1977).

ABSOLUT ARTBAR Cuatro fueron los proyectos seleccionados por Absolut para convertir la mítica coctelería madrileña Bar Cock en el Absolut Art Bar. Un punto de encuentro para todos los amantes del arte en el que, además de las obras de estos cuatro artistas transgresores, pudimos disfrutar de buenas dosis de música, charlas, performances y un montón de actividades más. Hablamos con los cuatro artistas seleccionados.

Por Beatriz G. Corredera EL DUENDE 27

3TTMAN (Lille, 1978) “El hombre de tres cabezas” 3TTMAN, nombre que mezcla francés e inglés, alter ego de Louis Lambert, empezó a pintar en las calles de Lille, Francia en 1999. “Es una entidad con tres cabezas: cada una de ellas piensa una cosa y la tercera hace de mediadora”, dice.

Además de en las calles de grandes urbes, incluida Madrid, expone en galerías internacionales. Para el Absolut Art Bar creó Firewall. “Me propusieron que utilizara la chimenea del bar. Me gustó porque me dieron un objeto y un contexto en el que trabajar.

La chimenea, para mí, hacía re28 EL DUENDE

ferencia al bienestar, a sentarse alrededor del fuego; y creé un muro compuesto por leña, que distorsionaba la realidad de la propia chimenea, además de aludir a la naturaleza que dibuja su propia muerte, la leña apilada que va a ser quemada”.

Comenzó desde muy pequeño a interesarse por el arte, y aunque estudió publicidad, no le gustaba “esa idea de tener que meterte en la cabeza del cliente para venderle algo”. Entre sus referentes se encuentran Picasso, Miró, Fernand Léger o Matisse, pero también iconos del siglo XX como Basquiat o Keith Haring “porque trabaja-

ban en la calle y en el estudio.

No les llamaban street artist, artist eran artistas y punto, no había esa dualidad y yo me considero como ellos”, afirma.

Nos confiesa su reciente flechazo por el uso de un material poco usual, el cemento: ”Cuando entramos en el local de Noviciado9 (estudio que comparte con otros artistas como Nano 4814 o Remed) tuvimos que hacer obras en el edificio y ahí fue donde decidí empezar a usarlo. Me pareció muy natural dibujar sobre él, además es una técnica que permanece, por lo que empecé a adaptarla al arte.

Además, me encanta poder traspasar la barrera entre obre-

ro y artista”.

Su consolidada carrera le ha llevado a las galerías de arte, pero mantiene muy viva su experiencia callejera: “Cuando trabajas en la calle no debe ser tu propósito el dar el salto a la galería, si no tener un mensaje y comunicarlo. Si tienes un discurso inteligente, las galerías te van a ver. Hay gente que usa la calle como trampolín hacia la galería, pero para mí es un lugar totalmente salvaje en el que dejo mis obras gratuitamente, no espero nada a cambio más que el feedback directo de la gente. Mi discurso se adapta tanto a la calle como a la galería o a un museo”.

espacio del baño la manera en que el espectador recibía la obra también era diferente, tenía otra disposición”.

“Creo que hay que apoyar no solo a los circuitos digamos oficiales, sino todas esas actividades y exposiciones que se hacen de forma casi clandestina” (Luis Urculo)

LUIS URCULO (Madrid, 1978) Desde su estudio madrileño nos cuenta que se formó como arquitecto, pero acabó desembocando en el mundo del arte: “Todo lo que he hecho es una traslación o una evolución directa de la arquitectura. Cuando estaba estudiando tuve interés por hacer Bellas Artes, pero hice una labor de autoformación a la vez que terminaba arquitectura. Y apliqué lo que aprendí de la arquitectura, que puede ser la técnica, el rigor, y también una manera de desarrollar los proyectos muy organizada, y luego lo he volcado hacia unos intereses que muchas veces tienen que ver con la representación del espacio pero de una manera mucho más indirecta”.

En Absolut Art Bar llevó a cabo el proyecto La Posibilidad: “Desde Absolut me propusieron que hiciera una pieza que estuviera muy marcada por el contexto del lugar y que no fuera de mi producción actual. Por un lado, coloqué una pieza en el espacio general del bar, un díptico de vidrio que habla de la propia posibilidad en sí misma, de piezas que podrían haber ocurrido, en ese concepto de atlas con el que yo trabajo, con una narración de objetos y elementos que están intentando hacer gráfica una realidad. Y por otro lado, quise ocupar el espacio del baño con una pieza de audio. Lo elegí por ser lugar de intimidad en el que generalmente estás solo y que aprovechas para pensar en lo que ha pasado y empiezas a proyectar lo que pasará. Por eso, es como un listado que se repite siempre con un ritmo marcado en el que también se narran las posibilidades. En el

Urculo aborda sus proyectos con una actitud de investigación, en la que “hay una idea, un desarrollo, una narración de a lo que me esté enfrentando en ese momento. Casi todo tiene que ver con obsesiones, y luego el soporte que uso es una respuesta a esa idea. Pero siempre parten de un atlas de intereses. Desde hace dos años he trabajado el tema de la ruina, la autoconstrucción, también muy marcado por el lugar donde estoy viviendo ahora.

Reconoce haber vivido una gran revolución personal al haber dejado “su espacio de confort”: “Te obliga a estar mucho más despierto, más activo. Me fui a México, donde no conocía a nadie, y su cultura me dejó absolutamente fascinado. Sigo sintiéndome como un eterno turista con esa mirada de que todo te estimula. Son experiencias fundamentales para cualquier creador”.

Es fuera de España donde está experimentando un mayor crecimiento personal: “he tenido mi primera exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago en Chile y también en Tokio, y ha sido un salto de responsabilidad, y como artista te sube el nivel de exigencia y de peso”.

Sobre la difícil situación de la escena emergente española confiesa sentir que “hay un cierto drama porque hay un altísimo nivel pero los creadores están muy poco apoyados por las instituciones y eso hace que la gente se busque la vida para desarrollar los proyectos. Eso siempre es de admirar, la gente que vive de lo que quiere hacer. Por eso creo que hay que apoyar no solo a los circuitos digamos oficiales, sino todas esas actividades y exposiciones que se hacen de forma casi clandestina”.

DAVID BESTUÉ (Barcelona, 1980) Es uno de nuestros artistas emergentes con mayor proyección.

Se define como escultor: “Puedo trabajar con diferentes formatos pero su origen es siempre escultórico. Lo que más me gusta es trazar vínculos entre los ámbitos de la arquitectura, la escritura o la acción, buscando la relación entre sí”. Precisamente, en el bar Cock realizó una instalación en madera que jugaba con la mirada del espectador -para él, lo más importante-, “a partir de motivos decorativos como balaustradas, molduras, escudos... Al mismo tiempo, cada uno de estos motivos que, habitualmente se usan para decorar tascas o locales ‘castizos’, se encuentran en un proceso de disolución o descongelamiento, un guiño a la calidez del local y a la percepción etílica”.

Bestué no tenía claro el camino profesional a seguir cuando estaba en el instituto, pero tras comenzar la carrera de Bellas Artes vio “la luz” poco al leer un catálogo de la artista Sophie Calle: “me resultó fundamental para escoger un tipo de trabajo muy ligado a lo real y a la inclusión de elementos ficcionales en ella”.

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“Hay gente que usa la calle como trampolín hacia la galería, pero para mi es un lugar totalmente salvaje en el que dejo mis obras gratuitamente” (3TTMAN)

En sus inicios consiguió avanzar en el mundo del arte gracias a certámenes, como el premi Miquel Casablancas, o en 2006 el premio Generaciones de Caja Madrid con un vídeo realizado junto a Marc Vives. Este último, un premio “fundamental para decidir dejar mi trabajo ‘alimenticio’ y dedicarme exclusivamente al arte”. ¿Lo más duro de empezar? “La precariedad económica que va asociada al hecho de ser artista, lo que requiere cierta fortaleza mental y un voto de pobreza que resulta bastante angustiante porque no hemos sido educados para ser ermitaños”.

Pero los sacrificios tienen su recompensa: “Lo más gratificante es haber podido llevar a la realidad proyectos que se inician en un proceso mental y que se produzca una “conexión” con los receptores de las obras”. Próximamente expondrá en La Capella de Barcelona y en el espacio Combo en Córdoba. ¿Un proyecto deseado? Poder trabajar sobre Mario Montalbetti, un poeta peruano que me fascina”.

LOLO Y SOSAKU

(Tokio, 1976 y Buenos Aires, 1977) Sosaku es de Japón y Lolo de Argentina. Se conocieron en Barcelona en 2004, pintando: “teníamos una adicción al dibujo. Al conocernos empezamos compartiendo un papel y luego una pared”. Poco después vinieron el vídeo y la música, grabando dos álbumes, uno desde Barcelona y el otro desde Tokio: “vía mail y skype”.

Destacan al artista James Turrell y su proyecto Roden Crater, iniciado en 1972 y aún inacabado, “El más comprometido en la relación hombre-arte-cosmos…” Aseguran que en al arte “está todo por hacer” y lo ven como algo muy amplio. “No nos gusta limitarnos en estilos y técnicas. En cada proyecto nos volcamos hasta obsesionarnos. Cuando hacemos instalaciones y hay cosas que resolver, a veces encontramos las soluciones en un sueño. Cada vez es diferente, aunque hay siempre un patrón que se repite y es no hablar mucho y ponernos a trabajar”.

Para Absolut Art Bar crearon una original instalación: “Buscamos inspiración en el frío y en las personas, puesto que nos interesaba 30 EL DUENDE

que la obra estuviera ligada al público y a la marca. Es un monolito de metal espejado de 3 x 2 metros, el cual tiene en su interior un sistema de refrigeración que lo mantiene a temperaturas bajo cero y condensa la humedad ambiente. Cuantas más personas haya en el lugar, más condensará la obra. También pueden interactuar con la obra escribiendo mensajes, los cuales desaparecerán en unos minutos”. Dada su capacidad para sorprender, no hay duda de que lo suyo es investigar y reinventarse: “Nos interesa crear obras innovadoras con materiales básicos, desde crear sonidos nuevos y combinarlos con formas y movimientos y que el público interactúe a veces y otras, que contemplen las obras y que encuentren en ellas algo que nunca habían visto”.

De sus próximos proyectos destacan la inminente aparición de su primer álbum bailable super hard techno, con el sello Classic Works en formato cassette, que saldrá a mediados de abril. “Una colaboración con el compositor canadiense Dimitar Pentchev, quien nos ha invitado a formar parte de su nueva ópera de la cual no podemos hablar (pero será increíble) y también planeando nuestra próxima instalación sonora. Este año recibimos la invitación del director del Power Station of Art de Shanghai para participar en la exposición que tendrá lugar entre noviembre 2015 y marzo del 2016. Estamos muy ilusionados”. www.absolut.com/es

MEZCLAR CON ARTE TONI TRUEBA Brand Ambassador de Absolut en España No duda en afirmar que la coctelería es también un arte, “una forma de expresión donde con nuestra experiencia, conocimientos y talento plasmamos nuestra creatividad en ese ritual, dando como resultado cócteles para todos los gustos”.

Como embajador de la marca, su tarea consiste, en “dar a conocer el producto, transmitir la historia de Absolut y representar a la marca defendiendo su imagen de cara a la hostelería y a los clientes. Tengo que ser los ojos y oídos sobre el terreno, estar enterado de las tendencias y opiniones que puedan ayudar a desarrollar las acciones de marketing de Absolut”.

Pone mucho empeño en que se deje de ver al vodka como una bebida fuerte, “y que se le reconozca como un destilado de gran pureza que no difiere mucho de la ginebra, que es a día de hoy su gran rival en España.

El vodka es uno de los mejores aliados para la coctelería”.

Estuviste en la Absolut Akademi, en Suecia. ¿Qué nos puedes destacar de la experiencia? La mejor forma de conocer un buen producto es “meterse hasta la cocina” y en el Akademi pude conocer de primera mano cómo es la ela-

boración del vodka Absolut y así poder contarle a la gente todo el proceso. Lo que más me impresionó fue el gran volumen de producción, unas 600.000 botellas diarias que salen de la fábrica del pequeño pueblo de Ahüs para su distribución mundial. ¿Quiénes serían los mejores “artistas” de la coctelería que has visto en acción? Hace poco tuve el placer de conocer en persona al multipremiado Alex Kratena, del bar Artesian (Hotel The Langham, Londres). Ha sido premiado por tercera vez consecutiva como mejor bar del mundo. Probé su cóctel estrella, el Digidiva.

Es espectacular, sorprende tan-

to por su sabor, como por su presentación. Y, por supuesto, Frank Lola, mi mentor en este mundo de los Brand Ambassadors. ¿Qué momento recomiendas para tomar Absolut? Para abrir apetito, en cóctel; antes de una comida, solo o con una piedra de hielo, y, en la cena nada mejor que un vodka tonic para una agradable charla de sobremesa. ¿Un “consejo de coctelero” para presumir? No descuidar los pequeños detalles, a veces nos centramos en el alcohol y el refresco pero unos buenos hielos, un adecuado garnish, incluso un buen vaso pueden

hacer que el trago sea mucho más agradable. También invito a experimentar con la coctelería. Si tienes visita en casa, puedes jugar con múltiples sabores y combinaciones y sorprender positivamente a tus invitados. www.absolut.com/es

Vodka Tonic: ritual de consumo Para celebrar el 30 aniversario de la

relación entre Absolut y el arte, la mar-

ca ha lanzado una Edición Limitada

inspirada en el cuadro que pintó Andy Warhol reinterpretando la botella.

El vaso-frasca que representa el bote

de pinceles tan icónico de los estudios de artistas, añade un toque muy arty

para disfrutar de su propuesta de consumo: Absolut con tónica y

una rodaja de pomelo.

A 3 BAN D A S JUGADA MAESTRA

Arranca la quinta edición de a3bandas, un programa anual que durante dos meses une comisarios, galerías y artistas en Madrid. Organizado por tercer año consecutivo por la asociación hablarenarte:, hablamos con Javier Martín-Jiménez (Madrid, 1978), director de la asociación y este proyecto, uno por los que Absolut apuesta en su apoyo al arte contemporáneo.

Por Ana Berruguete

¿Qué tipo de jugada es a3bandas? a3bandas invita a galerías de arte contemporáneo de Madrid a que incluyan en su programación primaveral una propuesta expositiva pensada e ideada por un comisario independiente. Las exposiciones [más de 20], colectivas o individuales, con artistas no necesariamente representados por la galería, siempre se diseñan ad hoc para el espacio que las acoge. ¿Cómo nace la iniciativa? Fue la comisaria bilbaína Virginia Torrente quien inició el proyecto en 2011 tomando como referencia “Curated by Vienna”. Ya en su quinta edición, se ha convertido en una cita fija en el calendario del arte contemporáneo.

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En la página izquierda: Arriba, Juan Francisco Casas. Debajo, Alberto Baraya, Orquídea corta amarilla.

En esta página: Autorretrato / Me vi envuelta en algo que no busqué y que nunca quise..., 2012 © Vanessa Martins Cortesía MONDO GALERIA.

¿Sólo tiene cabida el arte contemporáneo? No sólo, pero es el más proclive a estas propuestas, que dependen de forma exclusiva de los comisarios y las galerías al diseñar las exposiciones. Lo positivo es que permite incentivar la proyección de artistas actuales, que en muchos casos todavía no han expuesto en espacios comerciales.

Por este motivo, ¿podríamos considerar el festival como caldo de cultivo para nuevas propuestas y nuevos valores? Por la experiencia de a3bandas, vemos que el proyecto genera unas conexiones excelentes. A la galería le permite abrir su radio de acción para trabajar con nuevos creadores y comisarios, siempre dentro de su línea artística. Los comisarios, por su parte, trabajan en un contexto diferente y, normalmente por primera vez, en un espacio comercial, de unas dimensiones reducidas. Y por último, los artistas tienen una buena oportunidad de acceder a galerías de arte, participar en una propuesta comisariada, vender su obra, y ser vistos y valorados por críticos de arte, coleccionistas, otros comisarios y galeristas, etc.

En este momento actual, ¿es necesario reivindicar la figura de comisario? ¿Qué aporta éste a la galería? ¿Y qué valor adquiere de cara al público y frente a los artistas? Es momento de reivindicar las tres figuras. La primera y fundamental, la del artis-

“Es el momento de reivindicar las tres figuras: el artista, el galerista y el comisario” ta, cuyo trabajo es la base de todo lo que hacemos; la del galerista, que hace una labor constante de promoción del arte actual; y la de los comisarios, que generan discurso crítico. Efectivamente, a3bandas pone en valor el trabajo curatorial per se. ¿El visitante no comprador es igualmente bien recibido? Siempre decimos con orgullo que la mayoría de las galerías que participan en a3bandas duplican o triplican el número de visitantes habituales que tienen a lo largo del año. Uno de nuestros objetivos prioritarios es abrir a un visitante más heterogéneo las puertas de las galerías de arte, para que sean consideradas como espacios expositivos a visitar al igual que los museos y los centros de arte. Las visitas que proponemos, guiadas o no, rompen ese muro que todavía puede quedar en la mente del público al considerar las galerías como espacios fríos y donde sólo son bien recibidos los compradores. a3bandas. Del 11 de abril al 23 de mayo de 2015. www.a3bandas.org EL DUENDE 33

monomania pablo s. herrero Su estilo se mueve dentro de la biología, las ramas, las conexiones de los árboles con los bosques.

Le gusta integrarse con el paisaje. “Es una constante que quiero reflejar, sobre todo en lugares donde la naturaleza es protagonista, pero también lo quiero reflejar en sitios donde ésta ha desaparecido, con lo cual es una ficción: ¿Qué habría ocurrido aquí si nosotros hubiéramos metido la mano?”

Por Andrés Castaño · Imagen: Coordenada mural en Sicilia.

Este artista salmantino experimenta y aprende de sus múltiples colaboraciones: “Es casi mejor que trabajar sólo.

Disfrutas mucho más”. No se 34 EL DUENDE

define como artista urbano “porque toca muchos palos y trabaja en pueblos pequeños”.

Su obra tiene una poética particular, algo de primordial, va a la raíz de los sentimientos. Por eso encaja a la perfección con la música y la poesía: ha ilustrado varias revistas de poesía, un poemario del ruso Andrey Lykisow y un disco de Dolphin. Y no se queda ahí, también ha colaborado con el ceramista Fernando Fonticoba.

Buscador en potencia Capta la esencia de las ramificaciones. En su muestra Monomanía (Urdimbre), “pretendía hacerme pasar por mi propio personaje: un tipo que sólo pinta árboles desde hace tiempo, alguien con monomanía. Y la urdimbre, las guías de los tejidos, que representan el tejido social y el arbóreo”.

Temáticas “Me gusta pasar de lo uno a lo múltiple. La pareja, la familia, la comunidad, el individuo dentro de la comunidad. Me parece que el árbol y el bosque, lo uno dentro de lo múltiple, es un tema que da mucho para presionar. ¿Somos uno, varios?”

Mercantilización del arte urbano “El arte urbano está en un punto de explosión. Ya se está viendo una mercantilización excesiva. Y ahí es donde pierde la esencia. Empieza a haber una burbuja” y cita las parafernalias montadas delante de la obra de Shepard Fairey en Wynwood Walls, Miami.

El paso del tiempo En su estilo camina “más hacia el volumen, hacia lo escultórico dentro de lo pictórico, pero intentando quitar lo matérico”.

Al intervenir en la naturaleza, en espacios rurales abandonados forma parte “de un nuevo proceso de degradación junto con el soporte. Y eso me encanta: registrar con el paso de los años cómo van desapareciendo las cosas”.

Materiales “Me ciño a los que domino, aunque experimente. Intento hablar con un vocabulario muy reducido, a ver qué surge con esas tres palabras, en vez de ampliar ese vocabulario. El espray lo utilizo poco. No me va bien el hecho de no tener un contacto directo con la pared.

Prefiero el contacto directo con un palo, un pincel o un rodillo”.

Monomanía (Urdimbre) hasta el 4 de abril en Swinton & Grant (Miguel Servet, 21) . www.swintonandgrant.com/ lasogaalcielo.blogspot.com

ElDuendeLibroAzul_exposMatadero'15_19x27.pdf

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24/03/15

16:52

El Rey de la Ruina Mensajes incómodos

Ruina, Selfdestructionmasters. En la Cava Alta, Madrid. Foto: Guillermo de la Madrid

“Actitud punk con intención”.

La frase sintetiza con bastante honestidad su trabajo. Tiene los niveles de alergia disparados, así que el menú es antihistamínico y café americano. Razona con modestia, pero su trazo ha transformado el paisaje urbano de Madrid. La mano derecha de El Rey de la Ruina ha perfilado cada uno de los corazones esparcidos por el asfalto la ciudad.

Cavidades torácicas de líneas gruesas, músculos huecos en tonos cálidos, venas sin destino, ventrículos ensangrentados y un toque cínico en cada obra.

Por Rebeca Queimaliños

La idea surge en un hospital hace más de diez años. Un dolor insoportable en el brazo izquierdo termina con el diagnóstico de cardiomegalia -malformación que se caracteriza por el agrandamiento anormal del corazón- y El Ruina empieza a jugar con esa idea de la desproporción y lo deforme. Los primeros corazones cuelgan 36 EL DUENDE

en una galería de arte, en la exposición La política de tener corazón y solo después se lanzan a la calle. El proceso inverso a la lógica artística. “Quería lanzar mensajes políticos y sociales sin pretensiones. Y era muy sugerente la metáfora del corazón como el recipiente de lo emocional conjugado con lo racional - y alejado de los sentimientos- de la política”.

Su hábitat natural es el cemento, el aluminio y los productos Montana. Durante la carrera de Bellas Artes flirtea con otro tipo de expresiones artísticas como la serigrafía, la instalación o el arte conceptual. Pero regresa al asfalto y todavía recorre las arterias -principales y secundarias- de la ciudad. “La balanza giró de forma natural. Me interesa la interacción con el público, el impacto, la democratización de las expresiones artísticas”. E, influenciado por artistas de la contracultura americana como Barbara Kruger o las Guerrilla Girls, disemina corazones al por mayor a partir de 2011. Es su marca registrada aderezada (siempre) con una pincelada sutil de mordacidad.

No le seducen las etiquetas y mantiene

una actitud intransigente con el star system que rodea a la industria. Su trabajo se nutre del graffiti, pero su estilo -interactivo- nunca pasaría los filtros más puristas.

No le seducen los ‘tags’ -la expresión más primaria del grafitti- porque cree la gente no entiende esa forma de arte, pero defiende esa expresión artística. “La gente define como ‘cerdada’ las firmas. Y a mi me parecen una guarrada los vehículos a motor o lo que dejan los perros, pero entiendo que forman parte del paisaje urbano. La ciudad es eso: ruido, suciedad, oportunidades…”

Es más inflexible con el business que rodea a la industria. Cree que es un microcosmos que se sustenta en la escasez para especular hasta el infinito. “Todas las industrias se han democratizado excepto la del arte, que mantiene el sistema primitivo de piezas únicas a precios prohibitivos.

Ningún artista es tan precioso como para crear obras imposibles de reproducir”.

Amén. El Ruina ha hibernado en invierno. Volverá en primavera. Con la misma acidez. Trazos imperfectos. Y mensajes incómodos.

LA SOFISTICACIÓN TIENE UN NOMBRE.

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¿Has descubierto cuál es tu verdadera pasión y lo has dado todo por ella, arriesgando y superando todos los obstáculos? La libertad no es cosa de héroes. Tú decides qué quieres ser.

Todos tenemos aptitudes para reinventarnos. Pero no siempre lo hacemos. Si crees que eres un ‘Espíritu Libre’, ¡ anímate a participar! Sol y El Duende te ayudarán a perseguir tu sueño. Los proyectos vitales que protagonizan la campaña de la cerveza Sol son una oda al Espíritu Libre. ¿Te sirven de inspiración?

Por Rebeca Queimaliños · Fotos: Debajo: Andrés Arregui, en la página derecha, arriba: Gastón y Priscilla, debajo: Kepa Acero.

Andrés Arregui

Es un artesano de las dos ruedas. Comenzó de forma autodidacta pero es uno de los profesionales más reputados y solicitados en Madrid por los amantes de la bicicleta. Mientras terminaba el doctorado de Químicas, buscó un local para empezar a hacer reparaciones, y lo que era un hobby, se convirtió en profesión.

Localizó a dos constructores retirados que le enseñaron conceptos básicos, buceó en Internet, leyó manuales, devoró libros… “Me he gastado una pasta en cometer errores. Compraba herramientas innecesarias, sopletes que no servían para nada, gastos en cosas absurdas…Hasta que empecé a depurar la técnica y conocer la profesión”. En la zona inferior del taller está Ciclos La Universal (anteriormente Ciclos Noviciado), una tienda que regenta con sus dos socios Sergio Ávila y Eduardo Gasca. “No sé si mi historia resulta inspiradora, pero solo se me ocurre una fórmula para ser feliz: dedicarte a las cosas que te motivan, aunque el arranque sea complicado”, confiesa.

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Kepa Acero Gastón y Priscilla

Érase una vez un diseñador gráfico y una profesora de inglés. Pero fue ver la foto de una antigua furgoneta Citröen HY, y a los dos se les ocurrió la misma idea: convertirla en su Food Truck de aires vintage, un proyecto gastronómico sobre ruedas que significaba un giro radical a sus vidas.

Su nombre Eureka Street Food. El street food es una tendencia extendida en Estados Unidos y Europa. En España no hay tradición y la ley es restrictiva. Pero la idea funcionaba en la cabeza de Priscilla y Gastón.

“Vi esa furgoneta y lo tuve claro: Lo vamos a conseguir.

Nos lanzamos sin conocer el negocio y dimos el 100% desde el minuto cero. Creo que cuando pones tanta energía, consigues que las cosas salgan”. Ambos dejaron sus respectivos trabajos y el proyecto empezó a rodar… Con el viento en contra y la fuerza a favor. “El éxito es la libertad. Poder elegir dónde estar y cuándo.

Y cocinar cada día en un lugar diferente”, coinciden.

¿Quieres formar parte del proyecto ESPÍRITU LIBRE junto a Kepa, Andrés y Gastón y Priscilla?

Si eres el/la elegido/a, recibirás apoyo en las acciones de comunicación de Sol, lo que incluye la elaboración de un vídeo similar al de los protagonistas de la campaña, realizados por Esteban Crespo -Premio Goya 2013 a Mejor Cortome-

traje de Ficción y nominado a los Óscar 2013- y Jorge Dorado -nominado a los Goya 2014 como mejor director novel con su primer largometraje Mindscape. Además, serás protagonistas de una portada de la revista El Duende.

Kepa era surfista profesional. De los de dorsal en el neopreno. Hasta que un día, inspirado por los exploradores estadounidenses de la década de los setenta, decidió abandonar la competición y surfear “fuera de pista”.

Desde entonces recorre el mundo en modo lowcost. Él.

Su tabla. El océano. La idea original era tan outsider que sus patrocinadores dejaron de serlo. Pero Kepa no modificó un centímetro de su hoja de ruta. “Quería explorar lugares donde el surfista no hubiese llegado. No para colocar banderas, sino para hacer algo de lo que me sintiese realmente orgulloso, encontrar zonas desconocidas, experimentar sensaciones y compartirlas”. Abandonó la comodidad de tener las olas casi amaestradas a sus pies por la aventura de descubrir olas indómitas en los confines del mundo.

Viaja ligero de equipaje y narra sus viajes a través de su página web, que se ha convertido en punto de encuentro para apasionados de surf, aventureros 2.0, soñadores y exploradores de historias.

“No se me ocurre otra forma de vivir que viajando y contando historias”.

cerveza Sol y la revista El Duende buscan “espíritus libres” ¿Cómo participar?

Envíanos información y algunas imágenes a espiritulibre@duendemad. com contándonos en unas breves líneas cómo y porqué has dado un giro a tu vida

para seguir tu pasión. La cerveza Sol y la revista el Duende elegirán al finalista. Hemos renovado la convocatoria, ¡ tienes hasta el 15 de mayo!

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DAVID G. TORRES

“Hay que destrozar los libros de historia del arte para establecer otra genealogía que viene hecha de la radicalidad”

La necesidad de lo incómodo

Crítico de arte de El Cultural de El Mundo, comisario de exposiciones, profesor de master de ambas facetas, David G. Torres se mueve por todos los terrenos para descubrir artistas. Entre sus últimos proyectos de comisariado está el de la exposición “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo”, que podrá verse hasta el 4 de octubre en el CA2M de la Comunidad de Madrid.

Por Andrés Castaño

¿Más crítico que comisario?

Por formación me considero más crítico de arte. No me gusta llamarme escritor por una cuestión de pudor. Practico una escritura tullida, que es una escritura incapaz de ser imaginativa, que habla por boca de otros y que, en el fondo es muy contemporánea. Utiliza la citación, el corta y pega y se relacionaría, salvando las distancias, con autores como VilaMatas o Javier Cercas. ¿La crítica de arte es muy academicista? La crítica de arte no existe. Tal como se entendía antes. Está comida por el periodismo, está usurpada por las necesidades publicitarias, es servicial. Michael Fry, cuando 40 EL DUENDE

escribió Arte y Objetualidad en el año 58, empezaba el prólogo diciendo, “la crítica de arte cómo yo la entendía, ya no existe”. No existe en un formato tradicional que esperamos. Sí como talante, de una manera más híbrida. ¿Cuál ha sido la premisa para esta exposición? Lo que he hecho es buscar si en la producción artística contemporánea era posible oír ese sonido punk. Venía de la intuición de que el background común de los artistas está hecho de ruido, de incomodidad. Tiene que ver con eso, con que hay algo molesto. De que el ruido sigue ahí. ¿El rupturismo que supuso el punk está presente en el arte actual? Cuanto más distancia tomamos, más razón le damos a William Burroughs cuando decía que las más importante del siglo XX son la bomba atómica y el rock and roll. La bomba atómica como la configuración de un mundo globalizado hecho a base de tensiones, y el rock and roll como la externalización de la cultura entendida como conflicto o como momentos de radicalidad. Si algo nos ha enseñado el s. XX es del fracaso de la idea de libertad. Formamos parte de un mundo muy codificado en el que la disidencia está per-

mitida. Es la entropía necesaria para que el sistema siga funcionando, lo cual no quita el intento. La proclama de Malcolm McLaren era “fracasa otra vez, fracasa mejor”. ¿El artista maldito y rompedor no existe? Trabajamos con conceptos falsos. El artista maldito nunca ha existido y la idea de lo rompedor nunca ha existido. Nos gusta imaginar la historia de manera heroica. ¿Qué crees que le aportará al visitante esta exposición? “Yo no entiendo la cultura desde otro lugar que no sea la disidencia, la incomodidad”, como dice Greil Marcus. Intentar poner en marcha cierta radicalidad y un pensamiento crítico.

Toda exposición es una trinchera que establece confrontaciones. Pienso mucho en un público joven y en la efectividad que pueda tener como referencia. Hay que destrozar los libros de historia del arte para establecer otra genealogía que viene hecha de la radicalidad. ¿El punk puede seguir tocando a los jóvenes de hoy en día?

Sí. Hay tres elementos que hacen surgir el punk. La idea del terror, la idea de la crisis y del no futuro: no tengo trabajo y no sé que voy a hacer con mi vida. Y la idea del conservadu-

rismo político. Estamos en un panorama muy similar. ¿Qué aconsejas a tus alumnos? La necesidad de tener un conflicto y saber identificarlo.

Es crucial saber qué es aquello que no te deja dormir. Casi es psicoanalítico. Te puede llevar muchos años identificarlo.

El artista Iván Argote, que expuso en el CA2M, en una de sus performances planteaba un concurso (Born to curate) en el que un comisario debía organizar mentalmente una exposición en pocos minutos. Te retamos: ¡elige cinco obras de todos los tiempos para una exposición sobre… “el tiempo”! Las meninas de Velázquez. A su lado, El gran vidrio de Marcel Duchamp; uno de los bodegones de Valdés Leal, que son tempus fugit; una performance de Yoko Ono (¿o es de Esther Ferrer?) de una silla, donde pone algo así como “siéntese aquí hasta morir” o “siéntese aquí y espere a morir”. Lo del tiempo todo tiene que ver con la muerte. Es muy poco alegre. Y en medio de esa secuencia pondría uno de los grabados de Andy Warhol de la silla eléctrica. Sales de un reconfortado de esa exposición..

Dónde está la soga (risas). www.ca2m.org / www.davidgtorres.net

VAlie eXPORT Action Pants, Genital Panic, 1969. 6 serigrafĂ­as. Foto: Peter Hassman. IFEMA EL DUENDE 41

Crea c ion colectiva Bendita independencia

Algunos los llaman alternativos, cuando otros se preguntan ¿alternativos a qué? Lo cierto es que son espacios independientes detrás de los cuales se encuentran colectivos o asociaciones, pero sobre todo gente con ganas de hacer muchas cosas y muy diferentes.

Por Ana Berruguete

Forman parte del tejido cultural de la ciudad y están abiertos a todos. Cuentan con poquísimos recursos, pero se caracterizan por la profusión de actividades, su capacidad de adaptarse a espacios insospecha42 EL DUENDE

dos, su flexibilidad, su poder de convocatoria y por mostrar, experimentar, dar cabida, promocionar, establecer diálogos y encuentros, de manera autogestionada, para el arte más emergente.

Estos agentes culturales hacen de Madrid una ciudad abierta y atenta al arte emergente en un momento caracterizado por la excesiva institucionalización del arte y la precariedad. Promueven una aproximación cotidiana a las prácticas artísticas más actuales sin intermediarios y sin ánimo de lucro, tan sólo como un fin en sí mismo. Ya que, en palabras de uno de los fundadores de La Neomudejar, son los propios artistas los que lo mantienen vivo.

Por su historia han pasado los hoy desaparecidos colectivos DOMÉSTICO, HAMBRE, Liquidación Total, los29enchufes y los que aún siguen activando el tejido cultural como los ya míticos OffLimits, Espacio Menosuno (en proceso de reiniciarse) y OTR. Lo mismo da un escaparate de un antiguo comercio (Alimentación 30, en Doctor Fourquet 30) o un local en un mercado (Espacio Trapezio); como un destartalado edifico en pleno centro de operaciones ferroviarias (la Neomudejar) o una nave industrial en Usera (Espacio Oculto), espacios estos dos últimos que, además, ofrecen residencias artísticas.

Pero también son el resultado de iniciati-

Fotos; a la izquierda: Rafa Sendín, El Salon In & Out / Up & Down. A la derecha: Idilio en apartamento de la serie Idilios por Marta Soul. Expuesta en Una historia Vintage.

vas individuales en lugares insospechados como un salón particular (saloncito.tumblr.com) que celebra exposiciones y encuentros literalmente en el salón de la artista Ángela Cuadra. En otros entornos domésticos, el artista y también comisario Daniel Silvo invitó en 2012 a una serie de artistas a desarrollar una obra específica en diálogo en la que había sido la residencia hasta hace dos meses antes de una anciana de avanzada edad, y cuyo resultado fue la exposición “Una historia vintage” que reunió a muchos de los mejores artistas actuales: Juan Ugalde, Carlos Martiel, Kristoffer Ardeña, Nuria Fuster, Maria Anwander, Antoine Renard, Maria Kracikova, Yoshida Shigeki, Marta Soul, Marco Godoy, Julio Falagán y la propia Ángela Cuadra.

Dos años más tarde, repetiría la experiencia junto con Sara García, en “Dúplex”, un nuevo proyecto comisariado en un chalet del Viso madrileño en la que participaron por parejas a Momu y NoEs + Jordi Ribes; Karlos Gil + Belén Zahera, Kilo Pérez + Albert Corbí; Clara Montoya + Almudena Lobera; Luís Úrculo + Maíllo.

Proyectos comisariados es lo que hacen otras asociaciones para centros institucionales como es el caso de Pensart o hablarenarte, muy activos hoy y que sirven de puente para muchos artistas que de otra forma serían invisibles.

BANCO DE ESPAÑA

SEVILLA

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Fundacion Coca-Cola

Desde 2007, las obras que conforman la colección están depositadas en el DA2 de Salamanca.

Más de dos décadas de apoyo al arte La Fundación Coca-Cola lleva apoyando y promocionando el arte español desde 1993, cuando creó su Colección de Arte Contemporáneo, uno de los grandes fondos artísticos privados de nuestro país y de la que, hasta el 16 de abril, puedes ver una selección por primera vez en Valencia.

Por Beatriz G. Corredera · En esta página: Manolo Bautista, Meeting Point II. A la izda: la exposición en Valencia.

Esta Colección, que cuenta con más de 360 obras de 250 artistas visuales, nació con el propósito de mostrar de manera más cercana el amplio panorama de la creación artística española y portuguesa de los últimos 20 años.

Ejemplo de la diversidad del arte en España y Portugal, entre los artistas de la colección, encontramos nombres tan señalados del panorama actual como José Manuel Ballester, José María Sicilia, Gordillo, Cristina Iglesias, Juan Uslé o Eva Lootz; artistas muy dispares, de diversas tendencias, edades y estilos, como consecuencia del carácter plural y complejo de nuestra sociedad, de la que la colección quiere ser reflejo.

Fiel a su compromiso con el arte, la Fundación Coca-Cola, también está presente en la mayoría de las ediciones de la feria ARCOMadrid, uno de los mejores escaparates del arte contemporáneo mundial, donde suele adquirir las piezas nuevas que incorpora a su fondo.

Desde 2007, las obras que conforman la colección están depositadas en el DA2 de Sa-

lamanca, en una exposición permanente, además la Fundación Coca-Cola y el centro cultural salmantino organizan diversas exposiciones temporales e itinerantes en las que muestran lo mejor del arte de la Península Ibérica en las dos últimas décadas.

La colección se ha expuesto hasta ahora en diferentes ciudades de Canarias, Extremadura, o Andalucía, con gran éxito de visitantes, y desde el mes de diciembre se puede ver una selección en La Nau de Valencia, en la muestra “Itinera-

rios de una colección. Obras escogidas de la colección Fundación Coca-Cola”, en la que se exhiben unas 30 obras del mejor arte contemporáneo español y portugués desde los años 90 hasta la actualidad, y con las que se puede trazar el mapa de la creación contemporánea de las artes visuales de la Península.

Itinerarios de una colección. Obras escogidas de la colección Fundación Coca-Cola. La Nau Valencia. Hasta el 13 de abril.

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YZERMANS-AIRES La intimidad a la palestra

A la coreógrafa y bailarina belga Chantal Yzermans le gusta traspasar los límites, le estimulan los retos: que un espacio condicione su creación, actuar en iglesias “para romper los muros sagrados”, trabajar con músicos, videocreadores. Bailó en la compañía de Merce Cunningham y prepara una colaboración con el neurocientífico del sueño Joelle Adrien para su próximo proyecto Black Out. Por Andrés Castaño · Foto: partner/you, Laetitia Bica 46 EL DUENDE

“Para mí no hay diferencia entre la performance y la danza contemporánea”.

Chantal Yzermans esos dos continentes y disciplinas. Algo que me encanta”.

Carlos Aires: “Para mí la performance es algo que pasa en un momento concreto en un tiempo concreto y que si no estás allí no existe. Hay una caducidad. Me gusta ese momento efímero. Lo veo como una extensión de cualquier tipo de arte”.

Chatroulette Carlos: “El que entra en un chat de este tipo acepta las reglas del juego. Muestra toda su intimidad sin ningún tipo de pudor ni de vergüenza. Es como encontrarse con un amigo en un burdel. Eso crea automáticamente una conexión, esto es entre nosotros”.

“La sensación que causa en el espectador es tremenda. El hecho de que la conexión es tan inmediata. La reacción general más común es de incomodidad”.

“Una parte importante del trabajo no lo controlamos. El 50%. Esas personas que aparecen en el chat, cambian, cada vez son diferentes”.

Recientemente puso en escena en Madrid Partner / You con la colaboración del artista malagueño Carlos Aires (fotografía, instalaciones, escultura) y aprovechamos para entrevistarles. La performance muestra la interacción entre los usuarios de la comunidad virtual Chatroulette (en la que en la pantalla aparece la imagen de un desconocido con el que puedes interactuar -o no- o pasar al siguiente). Aires chatea con los usuarios en directo, y luego está el público y Chantal bailando, que parece que está semi desnuda.

Sobre la performance Chantal Yzermans: “Para mí no hay diferencia entre la performance y la danza contemporánea. Me muevo en lo interdisciplinario porque te proporciona más oportunidades y herramientas, a través de diferentes lenguajes y medios. Me gusta trabajar con gente que admiro porque me inspira, me cuestiona mucho, me enriquece. No pienso tanto en el formato del trabajo sino sobre la idea o la motivación. A veces es difícil poner una etiqueta a mi mundo, a mi percepción, así que nado entre

La soledad Chantal: “Hemos creado una falsa ilusión de que vivimos en una comunidad. Pero estamos solos. Y buscar compañía a través de, por ejemplo, un chatroulette, es duro y triste”.

Carlos: “Todo el mundo se ríe al principio de la performance porque hay comentarios chistosos. En un momento empieza a aparecer algo muy amargo, también por la música. Y tienes una sensación de incomodidad, mezclada con tristeza”.

Chantal: “La audiencia real, el público que lo está viendo en directo se da cuenta que son voyeurs. Que están viendo la vida privada de otras personas”.

Carlos: “Es cercano a los reality shows de televisión. Cuánto más se acerca a una reflexión del yo, más lejos te encuentras de empatizar y de conectar con los usuarios”. radical-low.blogspot.com.es / www.carlosaires.com EL DUENDE 47

sten lex murales paradójicos

Este dúo artístico italiano (Sten; Roma, 1982 y Lex; Taranto, 1982), ha llevado al extremo la técnica del stencil, logrando murales sorprendentes y estilizados en fachadas de edificios singulares.

Por Andrés Castaño · Foto: Sten Lex, Stencil poster l’industria, Outdoor Festival, 2013

¡FOTO INTERACTIVA! BÁJATE LA APP “EL DUENDE” Y PON LA CÁMARA DEL MÓVIL SOBRE LA FOTO Y MIRA EL VÍDEO DE STEN LEX Utilizan la técnica del stencil (pintar usando plantillas con un dibujo recortado que se aplica a los muros o paredes). Sus obras están a lo largo de varios continentes. De Shanghái a México DF, en donde en breve van a realizar una intervención en Celaya Brothers Gallery. ¿Quiénes son Sten Lex? Comenzamos en 2001, cada uno por nuestra cuenta, trabajando la técnica del stencil. En 2005 hicimos nuestra primera colaboración juntos y desde entonces no lo hemos dejado. No te48 EL DUENDE

nemos un bagaje previo con el graffiti ni una formación académica. Hemos desarrollado esta técnica hasta la paradoja. ¿Que buscáis con vuestras creaciones? El principal objetivo es experimentar, día a día, sobre el signo. Es una de las razones por las que ahora estamos trabajando en la abstracción. ¿En qué basáis la elección de los espacios que intervenís?

Nos gustan los edificios decadentes, con muchas ventanas, y las estructuras arquitectónicas.

¿Cómo es vuestra experiencia en exposiciones y galerías de arte? El problema no es la galería sino el galerista. Es un trabajo complejo el del mercado del arte. Una cosa es clara: ¡Nunca pagan a tiempo! ¡Ninguno en el mundo! ¿El arte urbano ocupa el lugar que le correponde en el mundo del arte contemporáneo? El problema es esto, hablar del “arte urbano” y no sobre trabajos individuales de artistas concretos. Por ejemplo, ¿qué es La Gioconda? una obra maestra. Pero frecuentemente

es tratada por los medios como un fenómeno y no cómo como una pieza de arte. Es importante que la prensa centre su atención en obras concretas, no en el concepto de “arte urbano” y en todas esas horrorosas pintadas, solo porque estén en cada edificio de la ciudad.

Nos gustaría ver mejores trabajos artísticos en la calle, muy pocos artistas hacen de las paredes y muros obras de arte. Es un descontrol. Y es “aburrido”, como diría Banksy. Ya no tiene el atractivo que tenía en sus orígenes. stenlex.net

ESTE ABRIL, DESCUBRE OTRA ESCENA

II MUESTRA DE CREACIÓN ESCÉNICA DEL 8 AL 26 DE ABRIL DE 2015

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EL LAZO AMERICANO AGUSTÍN PÉREZ RUBIO Es uno de los comisarios independientes más respetados en España y, desde hace unos meses, director artístico del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).

Por Benjamín G. Rosado

Tras la muestra de Carlos Garaicoa en el CA2M, Agustín Pérez Rubio (Valencia, 1972) acaba de inaugurar en el Centre d’Art la Virreina en Barcelona Modus Vivendi, una amplia retrospectiva de la obra de la artista francesa Sophie Calle. En octubre de 2015 participará, además, en la programación paralela de los Juegos Panamericanos de Toronto 2015 con un proyecto, Nuevas coordenadas para las Américas, en el que colaboran Michael Snow, Tania Bruguera, Alfredo Jaar, Amalia Pica y el colectivo Tercerunquinto, entre otros artistas. ¿Cómo han sido estos primeros meses en Argentina?

Buenos Aires es una ciudad con una oferta cultural apabullante. Aquí siempre hay algo diferente que hacer. Desde su fundación en 2001, el MALBA se ha venido consolidando como un centro de referencia. Pero no quiere vivir de las rentas y, en ese sentido, mi primer año aquí está planteado como un periodo de transición que nos permita mirar al futuro para hacer frente a los problemas y desafíos del siglo XXI. ¿Cuáles son esos retos? Muchos y de muy diversa índole. La pregunta sigue estando en el aire: ¿qué es el arte y para qué sirve? La responsabilidad de instituciones como el MALBA no consiste en ofrecer respuestas sino en permitir que las preguntas sigan formulándose una y otra vez. Porque al final serán los artistas los que aborden, desde temáticas y estéticas diferentes, los problemas de este mundo. No creo, como se dice en ocasiones, que el arte haya muerto. Cada época tiene un lenguaje acorde a determinadas preocupaciones. Lo que sí es cierto, es que cuanto más adverso es el panorama sociopolítico, más necesitamos a los artistas. ¿Faltan lazos de hispanidad entre instituciones culturales de España y América Latina? Por alguna razón la 50 EL DUENDE

palabra hispanidad me produce urticaria. Quizá porque lo que en España se llama Día de la Hispanidad en Argentina se conoce como el Día de la Raza.

Dicho lo cual, más que puentes o lazos, que nunca vienen mal, lo que hace falta es un verdadero interés y respeto por las idiosincrasias del lugar donde se programa. El contexto de una exposición es importantísimo, porque de ello depende el porqué, el cómo, el cuándo… Lamentablemente España sigue apostando por los grandes nombres y ofreciendo sus tradicionales paquetes ministeriales de itinerancia por el mundo. Da igual si el museo está en América, Asia o Europa. En cambio, los programas que se hacen desde los Centros Culturales de aquí están más

imbricados con la realidad del lugar. Doy fe de ello. ¿Cuánto ha afectado la dichosa crisis al mundo del arte?

Mucho y a todos los niveles.

Yo mismo me he visto obligado a emigrar para encontrar una salida laboral coherente con mi trayectoria. Me era imposible vivir en España como comisario independiente con un par de proyectos al año. Y como yo, muchísima otra gente. Conozco a artistas que, tras pasar por el Reina Sofía, han tenido que volver a su pueblo, a casa de sus padres, porque no podían pagar el alquiler.

Los recortes criminales, el IVA abusivo, las gestiones ineficaces, las injerencias políticas…

Todo eso ha pasado factura.

Prometieron, además, una Ley

“Cuanto más adverso es el panorama sociopolítico más necesitamos a los artistas” de Mecenazgo que al final ha quedado en agua de borrajas.

Muchas de estas cuestiones se abordaron en los Encuentros de ARCO… En efecto. Natalia Majluf, directora del MALI [Museo de Arte de Lima] me invitó a una mesa de trabajo titulada Compartir colecciones, adquisiciones conjuntas y redes de circulación. Hablamos sobre las ventajas de compartir colecciones, no como préstamos para una exhibición temporal, sino como propiedades participadas por varios museos.

Es algo que se está intentado hacer desde hace mucho tiempo, entre la Tate Modern, por

ejemplo, y el MoMA, y que permite a los museos hacer frente a los precios inasumibles del mercado. ¿Sigue siendo el arte una buena inversión? Carezco de esa perspectiva económica. Porque para mí un cuadro, una escultura o una videoinstalación es una inversión intelectual que nos hace pensar, conocer y nos emociona. Su valor reside en su capacidad para cambiar a la gente, que ya no es la misma después de esa experiencia.

Lo que no impide que, además, pueda resultar una buena inversión en términos estrictamente económicos.

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galerias de papel En los últimos años roliferan en España editoriales independientes de arte que tratan sus libros como un objeto artístico en sí mismo.

Por Sheila R. Melhem · Imágenes izda. y drcha: E. Artillo, Proyecto Curador. Centro: S. Themlitz para Nocapaper

Basta darse un paseo por librerías como Panta Rhei o La Central del Reina Sofía para darse cuenta de que algo está cambiando en la edición de arte en España. Junto a monografías o libros de artista de grandes editoriales y sellos de los propios museos conviven hoy pequeñas joyas como Aparato maravilloso, el sol de la bandera de Assaf Iglesias, Atlas de Israel Ariño o Vacant Lot de Juan Palomares. Hay que agradecérselo a algunas pequeñas editoriales independientes que han decidido lanzarse a editar arte desde un punto de vista personal, delicado y cuidadísimo, convirtiendo los propios sellos en espacios expositivos y los libros en objetos artísticos. Cubiertas de tela, estampados en oro, páginas desplegables, encuadernado japonés... cada libro es diferente y casi siempre forma parte de una tirada reducida o numerada.

No en vano algunos de los responsables de estos nuevos sellos son artistas, como Alberto García-Álix y Frédérique Bangerter, responsables de Cabeza de Chorlito: “Al igual que este pájaro, la Editorial Cabeza 52 EL DUENDE

de Chorlito nace saltarina y despistada.

Nuestro errático paso no posee ni desea una línea definida. Vamos hacia delante con la única voluntad de incubar huevos de creación”. Tienen ya trece títulos, todos diferentes en formato, materiales y estética.

Podemos destacar, además del de Asaf Iglesias una recopilación de cuadernillos de dibujo del ilustrador británico Maxwell Paternoster o una caja con material audiovisual inédito del propio García-Alix.

De la mano de Noemí Méndez, profesional con amplia trayectoria como redactora en Arte y Parte, nace Nocapaper, una editorial con la intención de “difundir el trabajo de artistas, críticos y galerías por medio de libros de cuidado diseño y contenido”. Se trata de monográficos de artistas contemporáneos con prólogo, ensayo y entrevista, además de ilustraciones exclusivas y fajín diseñado por el artista. De momento han publicado tres: Nico Munuera, Susanne Themlitz y Jose Luis Serzo.

Otros sellos artísticos emergentes a los que merece la pena seguirles la pista son The Klein Press, que ha publicado tres títulos con su respectiva “edición de artista”; La dominación mundial, un “art-zine por entregas” que pretende difundir el trabajo de artistas emergentes; Ediciones Anómalas, especializada en fotografía y con once títulos en su catálogo, o el proyecto Curador, que, en formato de revista cuatrimestral y una edición muy cuidada y elegante, propone convertirse en una sala de exposiciones de papel, eligiendo para cada número a un artista/comisario que, además de dar a conocer su obra, es el encargado de comisariar el número.

Una característica importante relativa a todos estos nuevos sellos es que, además de cuidar y personalizar para cada proyecto la edición y la producción de los libros, se trata de productos que se ponen a la venta a precios asequibles, permitiendo así una mayor difusión de la obra de estos artistas. Hoy, más que nunca, merece la pena el paseo.

Instalación Pello Irazu. El muro incierto. Sala Alcalá 31. ©Paco Gómez / NOPHOTO

CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

SALA ALCALÁ 31

CANAL DE ISABEL II

SALA DE ARTE JOVEN

JEREMY DELLER EL IDEAL INFINITAMENTE VARIABLE DE LO POPULAR 13 DE FEBRERO 7 DE JUNIO

PELLO IRAZU EL MURO INCIERTO 12 DE FEBRERO 19 DE ABRIL

ENRIQUE MENESES LA VIDA DE UN REPORTERO 16 DE ABRIL 26 DE JULIO

SE BUSCA COMISARIO VI C.I.T.I. 16 DE ABRIL 22 DE JULIO

Avda. de la Constitución, 23, Móstoles www.ca2m.org

PUNK SUS RASTROS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO 26 DE MARZO SEPTIEMBRE

c/ Alcalá, 31 www.madrid.org

CHEMA MADOZ 2008-2014 13 DE MAYO 2 DE AGOSTO

c/ Santa Engracia, 125 www.madrid.org

Avda de América, 13 www.madrid.org

david bowen El poeta cinĂŠtico

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Página izquierda: Tele Present water 2008, David Bowen © Knechtel Photography. En esta página: Exposición Big Bang Data.

“Me interesa la intersección entre la mecánica y la naturaleza, porque creo que el funcionamiento de ésta puede ser más predecible de lo que pensamos”

El escultor cinético David Bowen (Indianápolis, 1975) ha vuelto a España con su instalación Tele – Present Water, uno de los mayores reclamos de la exposición Big Bang Data de Espacio Fundación Telefónica, que analiza la importancia de los datos en la sociedad actual.

Por Paloma F. Fidalgo

Aunque se formó como artista “tradicional”, Bowen lleva diez años trabajando “la escultura de metal, cinética y analógica y la ingeniería mecánica”. Pero las herramientas no importan.

No cree que debamos fijarnos en los aspectos tecnológicos de las obras, sino “verlos como lo que ayuda al artista a conseguir lo que quiere”.

La exposición Big Bang Data (coproducida junto al CCCB de Barcelona, en donde se mostró en 2014) incluye piezas de artistas, investigadores o comunicadores, como Christopher Baker, Chris Jordan, Ingo Gunther, Erik Kessels o el propio David Bowen, entre otros, siempre con la tecnología y el uso masivo de datos como herramientas.

La pieza de Bowen, con quien hablamos gracias a la tecnología, por Skype, refleja el movimiento del mar en un lugar remoto, constatando su obsesión por encontrar poesía en la confluencia de tecnología y naturaleza. A este respecto, señala que le gusta pensar que ayuda al público “a comprender un poco mejor los movimientos de la naturaleza, lo que luego les permite tener más capacidad crítica”.

Para idear esta pieza se inspiró en el lago más grande del mundo, el Lago Superior, cercano a su casa: “Para mí el agua es una representación fundamental de la naturaleza. Me pareció un reto emular su movimiento a partir de la ingeniería,

porque es un dinamismo fluido muy complejo.

Me interesa, además, estudiar las distancias y los controles remotos, tan presentes en nuestra sociedad. Hace poco, expuse esta obra y recibió unas ondas tan fuertes que hicieron pensar al público que se avecinaba un tsunami, y les causó pánico algo que no les iba a afectar. Es curioso”.

Le interesa “la intersección entre la mecánica y la naturaleza, porque creo que el funcionamiento de ésta puede ser más sistémica y predecible de lo que pensamos, y que a menudo sobrevaloramos a las máquinas. Me atraen los puntos en los que ambas pueden encontrarse y retroalimentarse. Me parece pura poesía”, afirma.

La naturaleza está muy presente en su trabajo.

Ha realizado, desde “una instalación robótica que se alimentaba de energía solar y perseguía focos de luz buscando su propio alimento”; ha utilizado impresoras 3D y drones “para recopilar información sobre la superficie del mar”; ideó un experimento “con moscas que lanzaban tweets” e, incluso hizo un proyecto, @one_voyager, “donde una cuenta de Twitter iba diciendo la distancia en tiempo real a la que se encontraba el Voyager 1, un satélite que se lanzó en 1978 y es el objeto de construcción humana que más lejos ha llegado”.

Y tanta tecnología, ¿cambia la manera de consumir arte? “Seguramente, pero quiero pensar que de una manera positiva, que facilita la expresividad del artista, expande los posibles lenguajes y abre caminos a la interacción con el espectador, que además consume muchos datos y está abierto a experiencias cada vez más complejas técnicamente”. www.dwbowen.com · espacio.fundaciontelefonica.com. Big Bang Data. Espacio Fundación Telefónica. Fuencarral, 3. Hasta el 24 de mayo.

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Eug e nio Ampudia Manual de instrucciones

Eugenio Ampudia (Melgar, Valladolid, 1958) es uno de nuestros artistas más importantes hoy. Hemos hablado con él a caballo de tres inauguraciones de exposiciones en las que participa: en el espacio Abierto por Obras en Matadero Madrid (hasta el 17 de mayo), en una colectiva en la Fundación Joan Miró (hasta el 7 de junio) y una retrospectiva que engloba trabajos de los últimos siete años que podemos ver en el MAC de A Coruña (hasta el 21 de junio).

Por Javier Agustí · Foto: Paco Gómez © Matadero Madrid

Sus obras han sido expuestas en medio mundo y forman parte de las colecciones de algunos de los centros de arte más importantes. Su modestia, por tanto, le engrandece. Trabaja en equipo; para el que todo son elogios. Se confiesa pluridisciplinar, aunque siente debilidad por lo audiovisual. Una de sus grandes virtudes es que sus obras no son exclusivas, tratan de llegar a todas las mentes. Y a pesar de que no persigue la belleza, pues no cree en ella como fin del arte, con su última obra expuesta en Madrid también la consigue. ¿Cómo te tomas los piropos hacia tus obras? Fatal, no encuentro la forma de entablar un diálogo cuando te dicen algunas cosas...

Pues estás recibiendo muchos por tu obra Cada palabra es como una innecesaria mancha en el silencio y en la nada (en Matadero). ¿Qué quieres contar?

Estoy hablando de la transformación de la información en la sociedad, de cómo se produce y controla la comunicación en la actualidad y cómo nos movemos como “cyborgs” en ella. Es una pieza experiencial, para que la gente la disfrute. Es el reflejo de algo que existe en la realidad que se interrumpe y desdibuja con las ondas de las llamadas telefónicas que le llegan [el 56 EL DUENDE

visitante puede interactuar con la pieza llamando a un número de teléfono].

Algunos de tus trabajos, como éste, son efímeros. Entablo conversación con la gente que vive a la vez que yo. Soy de los que piensan que las estrategias de los artistas son para el tiempo en el que viven.

Si permanece algo de eso y puede servir para repensar el tiempo en el que estuvimos es posible ser que sea útil, pero yo hago las estrategias para acercarme a las personas que me interesan. No me imagino haciéndolas para tipos que van a vivir dentro de 200 años. Si dentro de 20 funcionan, espero que alguien las restaure. ¿Cuál debe ser la postura del artista?

La de no ser complacientes, ser molestos con el poder y con el resto de la sociedad.

No creo que su postura tenga que ver con agradar. Eso mismo me pasa un poco con la belleza. No creo que haya que hacer cosas bonitas. Hay que gestionar ideas potentes.

Desde tus inicios “emergentes” hasta tu actual etapa de consagración, ¿ha cambiado tu manera de pensar y trabajar?

Me ido haciendo un artista absolutamente pluridisciplinar. Uso los materiales para aportar concepto a las piezas, creo que

La postura del artista: “la de no ser complacientes, ser molestos con el poder y con el resto de la sociedad. No creo que su postura tenga que ver con agradar. Eso mismo me pasa un poco con la belleza. No creo que haya que hacer cosas bonitas”

cambiar materiales y cambiar de formato le viene bien a las obras, porque puedo contar las cosas de una manera más clara.

Dentro de mi cabeza soy el mismo tipo. Mi posición sobre lo que quiero contar no ha cambiado. ¿Cómo te enfrentas a un posible fracaso en la concepción de una obra? Cada vez que hay un fracaso hacemos una fiesta, porque de ellos se aprende muchísimo.

Pero es evidente que hay piezas que “no salen” después que hemos gastado una pasta en producción. Y eso no se ve hasta que no terminas la pieza. Algunas veces pasa y logramos solucionarlo un año después, otras no se vuelve a trabajar con esa pieza y damos por perdida esa investigación. Lo que hago es contar cosas. Si las cuentas mal, o eres un pesado, o no funciona la comunicación, es porque lo estás haciendo mal.

Trabajas en gran medida con vídeo.

Vivimos inmersos en una cultura predominantemente audiovisual y tecnológica; sin embargo, más allá de la mirada especializada, si uno piensa en los artistas más conocidos de hoy, los de este campo no están los primeros en la lista. ¿Por qué? El vídeo es una estrategia muy sólida y reconocida. Pero sí es cierto que para la sociedad en general son más complejas de ver como “arte” las estrategias de los artistas actuales, pero sobre todo por las ideas preconcebidas que hay sobre los productos que tienen que generar los artistas. Pero lo que veo habitualmente es que los artistas se atreven con cualquier formato y arriesgan bastante a la hora de elegirlos.

Hemos podido hablar estando a caballo de tres inauguraciones, en Madrid,

A Coruña y Barcelona. ¿Tienes tiempo para ponerte a trabajar? En mi estudio trabajamos varias personas, todos excelentes en su campo, artistas o técnicos: María Platero, Julia Latasa, Julia Llerena, Pedro Albornoz o Juan Manuel Garcedo, entre otros. Estamos muy comunicados, trabajamos en la misma dirección. El estudio está donde están nuestros ordenadores. Yo planteo las ideas, y gestiono la producción con la gente mas adecuada, en función de los materiales y los formatos más adecuados.

Has prendido simbólicamente fuego, desde a librerías, hasta a galerías de arte, pero ¿qué te gustaría hacer arder en la realidad? Arrasaría con bastantes cosas, pero no sé si tengo derecho. Prefiero hacer que quemar. Yo lo que hago son manuales de instrucciones.

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4X4 [ +1 ] MIRADAS EMERGENTES

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Fotos: Gabriel Galíndez / lawebdemadagascar Maquillaje y peluquería: Carminia Albornoz N.Y.C. Art-Lab Aveda Agradecimientos: Ernesto Artillo

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Obra de Aitor Saraiba (Arriba) Unicornio. 21 x 28,5cm. Cerámica. Producción artesanal. Edición de 100 unidades numeradas y pintadas a mano en colaboración con el Centro Cerámico Talavera.

Camiseta y zapatillas CONVERSE. Obra de Amaya Hernández (Página Derecha) Memoria de un espacio. Calle Oña 115. Vídeo HD. 3.08 min. Año 2014.

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Esther Echearandio (Pรกgina Izquierda) Obra de Erre Gรกlvez (Arriba) Bailando en otro planeta. Collage sobre papel. 25 x 25 cm. Erre Gรกlvez EL DUENDE 63

4 ARTISTAS X 4 OBRAS Por Inma Flor

ESTHER ECHEARANDIO (Madrid, 1982) No le interesan las carreras artísticas, sino las prácticas artísticas. De ahí que su trabajo sea multidisciplinar e inconstante, afirma, realizando también proyectos de gestión sostenible, estrategia e innovación en empresas. ¿Por qué has elegido esta pieza? Es un icono de nuestro tiempo, aquello que idolatramos: el dinero y la opulencia. El dinero representa la punta visible de un iceberg irreal que hemos tomado por economía. Lo que no se puede ver en este caso no es porque se halle oculto es porque ni siquiera existe. ¿Qué rol tienen el contrasentido en tu trabajo? Lo es todo. Me interesa trabajar con conceptos y realidades contrapuestas, absurdas, que generan una especie de “campo magnético” donde las interpretaciones fluyen libremente y permiten un campo de expresión que resulta placentero. ¿Hacia dónde va la creación audiovisual? ¿Y tu trabajo? Mi trabajo va directo a mi disco duro. Vivimos en la época del sharing, parece que si no compartimos no existimos. Yo estoy reclamando introspección y calma en mi vida y práctica actual.

Obra: Money Affirmations, 2010. Money mask.

AITOR SARAIBA (Talavera de la Reina, 1986) Artista multidisciplinar cuyo trabajo se extiende como la pólvora a través de la cerámica, la narrativa, la fotografía, el video, el dibujo, la joyería o el teatro. “Soy un intruso en casi todo lo que hago, pero me gustan los retos”, proclama. ¿Por qué has elegido la pieza que vemos en tu foto? Es una de mis piezas favoritas; uno de los personajes de mis dibujos que me apetecía mucho llevar al mundo de mis piezas de cerámica. El Unicornio es el animal fantástico por excelencia, y me fascinaba la idea de anularle el rostro y ponerle el símbolo de la calavera en su cara, como una especie de máscara. Como si fuera el símbolo de veneno, de peligro. ¿Qué te aporta la interacción de diferentes disciplinas? Por ejemplo, con el desarrollo de la obra de teatro La maquina del tiempo, basada en mis novelas gráficas, estoy viendo cómo se mezcla todo (texto, dibujo, escultura ). El teatro aporta opciones que desconocía. Me fascina el arte de acción. ¿Qué sorpresas nos depara el futuro de Aitor Saraiba como artista? Este 2015 lo tengo completo: firmas de libros, una exposición de fotografía “The Black Mark” para Twin Gallery en junio dentro de PHotoEspaña, una acción que estoy preparan64 EL DUENDE

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De izquierda a derecha y de arriba hacia abajo, las piezas de: Esther Echearandio, Aitor Saraiba, Amaya Hernández y Erre Gálvez.

do para el CCCB en Barcelona, talleres, charlas, workshops y un nuevo libro, “Retratos y Paisajes”, editado por Lindo&Espinosa.

Y el 25 de julio estreno en el auditorio de La Casa del Lector (Matadero) la obra de teatro La máquina del tiempo, dentro del Festival Ilustratour 2015.

Obra: Unicornio. 21x28,5 cm. Cerámica. Producción artesanal de 100 unidades numeradas y pintadas a mano en colaboración con el Centro Cerámico Talavera. www.aitorsaraiba.com

AMAYA HERNÁNDEZ (Madrid, 1980) El vídeo, la fotografía y la instalación dan forma a la obsesión por el espacio -siempre vinculado a la memoria- de esta artista madrileña.

Cuéntanos una anécdota asociada a la pieza de vídeo que aparece integrada en tu retrato. Muchas veces pienso en un solar que hay en la calle San Bernardo. Hace años había un hospital. Una de sus habitaciones tenía un significado muy especial para mí. La construcción fue derribada y ahora hay un enorme hueco vacío. Pero, cuando paso por allí, no encuentro nada más inquietante que observar ese pequeño espacio flotante en el vacío. Desde entonces, me obsesiona el espacio, la arquitectura que lo delimita y nos sirve de contenedor de experiencias. ¿Qué significan para ti los espacios y la luz? Me gustaría citar a Isaac Newton porque creo que es desde esta concepción filosófica del espacio es desde donde parte toda mi obra: “El espacio absoluto, por su naturaleza y sin relación a cualquier cosa externa, siempre permanece inmóvil; el relativo es cualquier cantidad o dimensión variable de este espacio, que se define por nuestros sentidos según su situación respecto a los cuerpos [...]”, Principios matemáticos de la filosofía natural.

“Vivimos en la época del sharing, parece que si no compartimos no existimos” Esther Echearandio ¿Te gusta colaborar con artistas o interactuar con distintas disciplinas? Me parece imprescindible. Soy cofundadora de Espacio Oculto Madrid (Nicolás Usera, 27), centro que sirve de reunión y espacio de trabajo para artistas multidisciplinares.

Obra: Memoria de un espacio. Calle Oña 115.

Vídeo HD. 3.08’, 2014. www.amayahernandez.es

ERRE GÁLVEZ (Alicante, 1988) Diseñador gráfico y collagista apasionado de la tipografía, de la tinta impresa y del papel, compagina a la perfección su trabajo personal con su trabajo para clientes, considerando el primero un entrenamiento para el segundo. ¿Por qué has elegido esta pieza? Identifica muy bien mi trabajo: contar historias -en muchos casos- surrealistas partiendo de imágenes de otro contexto. La chica que aparece es de un anuncio de lavadoras de los ‘50, yo estaba escuchando música americana de esos años y al recortar la lavadora creí verla bailando. ¿Cómo es tu trabajo y qué soportes usas? Experimental, pero enfocado a un final muy pensado.

Papeles antiguos, maderas y objetos encontrados en la calle. Eso aporta mucho a mi obra. Me gusta pensar que lo que ahora es un fondo en uno de mis collages llegó a servir de hoja de cálculo de un impresor en los años 60, por ejemplo. ¿Te gusta colaborar con otros artistas? Me encanta aprender de la gente con la que me rodeo, aportar y que me aporten. Eso enriquece tanto a la persona como a la obra. Obra: Bailando en otro planeta. Collage sobre papel. 25 x 25 cm.

Lee las entrevistas completas en nuestra web: www.duendemad.com/4x4masuno EL DUENDE 65

PELLO IRAZU

La línea del tiempo

El escultor bilbaino Pello Irazu ha creado en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid un laberinto por el que discurrimos por trabajos creados entre 1991 y 2004. Una instalación que es, al mismo tiempo, una obra nueva y una retrospectiva de su trayectoria.

Por Beatriz G. Corredera

¿Cómo concibió la exposición? Cuando los responsables de la sala Alcalá 31 me la propusieron, después de ver la complejidad de la arquitectura de la sala, llena de pilares, con un doble piso y una altura en la bóveda de doce metros, tomé la decisión de asumirla tal cual, respetando su identidad; también pensé que debía presentar un trabajo que dialogase de una manera especifica con el espacio. Opté por reunir algunas de las pinturas murales que vengo haciendo desde 1989 por su heterogéneo comportamiento espacial. De ahí el título de la exposición El muro incierto, ya que toda ella es como un muro mutante, que cambia según la percepción del espectador. La muestra se desarrolla como una especie de laberinto que recoge diez obras hechas entre 1989 y 2011 y otra NMT realizada ex profeso para el proyecto. Esta última, invita y obliga al espectador a recorrer el espacio del edificio, ya que solo pude verse desde la planta superior de la sala. Son once obras que orgánicamente conforman lo que podría percibirse como una gran escultura.

Cuando uno va a un centro de arte, sabe “a lo que va”. ¿Quizá se rompe la capacidad de sorprender con respecto, por ejemplo, a una obra situada en

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un espacio común al aire libre, como también ha llevado a cabo? No creo que el arte se base en la sorpresa, sino en la curiosidad que puede generar, en el sentido amplio de la palabra, y en el efecto que produzca en ti. El que va a un centro de arte sabe “a lo que va” pero no necesariamente con qué se va a encontrar, la experiencia con el arte se renueva constantemente. Pienso en El Prado; las obras permanecen en el museo, siguen allí desde la primera visita, pero aunque vuelves buscando la misma experiencia, tú ya no eres el mismo, y posiblemente el encuentro con las mismas obras generen cosas diferentes.

A veces sentimos el deseo de tocar una escultura con nuestras manos, algo que suele estar prohibido, a no ser que vayamos al Museo Tiflológico. ¿Qué nos perdemos? Creo que la idea de escultura hoy no es la misma que con Miguel Ángel o Rodin. Hay obras que en su naturaleza integran lo táctil, pero otras a pesar de su evidente condición material su disfrute o consumo tiene un carácter sinestésico, pero se produce principalmente a través de la mirada, de lo escópico. ¿No hay pinturas que quisieras tocar o sonidos que quisieras ver? ¿Ha cambiado mucho su manera de mirar y crear respecto a sus inicios? Mi mirada es producto de la curiosidad por lo que me rodea, tanto ahora como antes. El arte es un instrumento que me permite relacionarme con esa realidad en unos términos que se renuevan constantemente siendo yo, un factor fundamental. Como persona, soy ahora más consciente de mi propia complejidad que en mi juventud y pienso que esa complejidad relacionada con la experiencia, es lo que ha cambiado mi mirada.

“Me duele la injusticia social, pero me duele igualmente la desidia alrededor de lo cultural que es parte de la misma injusticia” ¿Qué importancia tiene el lugar en que crea en la propia concepción de su obra? A mi me gusta la idea de estudio, de taller, de un lugar al que vas con continuidad y donde se deposita la experiencia diaria. Aparte de esta premisa, el ideal del “lugar perfecto” casi nunca se cumple y la vida te enseña que tu capacidad de adaptación es muy grande.

Si le dejasen intervenir cualquier arquitectura o lugar del mundo, ¿cuál escogería? No tengo ningún lugar fetiche para proyectar mi trabajo, la intervención sería de otro tipo, más en la arquitectura social. Me duele la injusticia social, pero me duele igualmente la desidia alrededor de lo cultural que es parte de la misma injusticia.

Creo que el arte tiene un gran valor para la sociedad, más allá del económico, y si desde los responsables políticos, tal y como ocurre ahora, no se sensibiliza sobre ello, no se forma y educa a la gente en ese sentido, lo que suceda en Mérida con su pista de pádel, en Afganistán con sus Budas, o en Irak, acabara por no dolerle a nadie.

Pello Irazu. El muro incierto. Sala Alcalá 31 de la CAM. Hasta el 16 de abril.

Instalación El muro incierto. Sala Alcalá 31 ©Paco Gómez / NOPHOTO

EL DUENDE 67

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DANIEL G. ANDUJAR

“Su obra ‘Democraticemos las democracia’, surgió de casualidad, surgió dos semanas antes de que la gente se instalara en las plazas durante el 15M”

REFLEXIÓN EN RED

Es uno de los mayores referentes del ‘net-art’ de nuestro país.

Hablamos con él con motivo de la presentación de Sistema Operativo, su primera exposición en el Museo Reina Sofía. Una exhibición en la que reflexiona, con ayuda de las nuevas tecnologías, sobre el acceso a la información en la sociedad contemporánea.

Por Beatriz G. Corredera · Imagen: Not found, 2014. Impresión digital. Cortesía del artista.

Podemos leer sobre Daniel García Andújar (Almoradí, Alicante; 1966) que es “artista visual”, “activista” “teórico del arte”, además de ser “uno de los principales exponentes del Net art”. Pero se desmarca de las etiquetas. “Yo digo que activista es un participante de la política, del contexto político, y no me gusta que por ser artista me pongan esa etiqueta porque luego hay gente, por ejemplo mi hermano, que es realmente activista, que le dedica muchísimo tiempo. También me molesta mucho cuando hay artistas o actores culturales que de alguna forma la utilizan para ganar visibilidad o reconocimiento social.

Además, creo que la actividad política y social comunitaria debería tener algo de anonimato, es decir, tú participas porque te lo estás creyendo, porque formas parte

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de un proceso colectivo político en el que tú crees que la manera de transformar la sociedad es participar o generar esa idea activista contra el sistema”.

Se da el caso, por ejemplo, de que su obra Democraticemos la democracia, “de casualidad, surgió dos semanas antes de que la gente se instalara en las plazas durante el 15M, aunque el proceso ya llevaba tiempo desarrollándose. Y me decían, “parece que tienes una bola de cristal y que te has adelantado y has creado el eslogan”, y eso no me gustó del todo, y no he vuelto a realizar los vuelos que hacía durante ese proyecto porque no me gusta ser oportunista”.

A propósito de su actual exposición en el Reina Sofía opina que lo complicado de su conceptualización fue “encontrar el hilo”, para mostrar tantos trabajos. No todos están en las salas: “Hay proyectos que son páginas web, que van a estar abiertos al público, que no hace falta ni venir al museo para verlas, de hecho son páginas que se dinamizan con Twitter o Facebook y que mucha gente no sabe ni que son de un artista. Son proyectos que están en proceso y hago una instalación diferente en cada lugar”. Lugar, que influye a la hora de plantear cómo mostrar su trabajo: “En Corea la misma palabra que se utiliza para rojo se usa para enemigo, porque el rojo hace referencia al norte de Corea, entonces allí no puedes poner la pared roja que pones es otros lugares porque la gente se desmaya”.

Trata de acceder a nuevos públicos, incluido el más joven, a través de nuevas herramientas: “estoy bastante en contra de que las escuelas de Bellas Artes incidan demasiado en las disciplinas del siglo XVIII, cuando realmente con cualquiera de las

herramientas de nuestra caja de artista puedes expresar lo que quieres. Cada trabajo tiene una manera de formalizarse. Si tratas, como yo he hecho, por ejemplo, el lenguaje de los videojuegos, hay generaciones que lo ven super accesible, incluso no lo identifican como un objeto de arte si no más bien como algo que pertenece a la industria del entretenimiento y se identifican más, incluso les hace pensarlo como algo más al estar fuera de su contexto, y ven cosas que no se han parado a pensar”.

A propósito de las posibilidades de los artistas jóvenes es claro: “Es una vida de sacrificios”, y el momento actual no ayuda: “que no haya leyes de mecenazgo que fomenten directamente los procesos culturales lo hace más difícil”.

Su opinión sobre el estado actual del arte contemporáneo español y de las industrias culturales pone el énfasis en dos aspectos, el primero el modelo del que partimos: “Hay mucho intervencionismo político, hay muchísima falta de libertad sobre determinadas cosas, hay censura, pero no una censura impuesta como se entendía en el franquismo, si no que es más bien censura en el hecho de conceder subvenciones o quitarlas en el momento en que se va a hablar de temas que pueden ser polémicos”. El segundo, el sistema educativo: “Un sistema que está cambiando porque sus modelos lo están haciendo y el acceso a la información y a la documentación pedagógica es diferente, y también porque se generan problemas desde la propia crisis general a la hora de no entender que el futuro de una sociedad tiene que pasar por los procesos culturales y sobre todo por la educación.

Sin educación no tenemos futuro”.

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GUERRILLA GIRLS Heroínas anónimas

En 1984 el MoMA de Nueva York inaugura “An International Survey of Painting and Sculpture”, una exposición colectiva que intentaba presentar lo más significativo del arte contemporáneo del momento.

De los 169 artistas participantes sólo 13 eran mujeres, algo que activó las alarmas de un grupo de mujeres que se manifestaron a las puertas del museo y que, poco después, fundaron el colectivo artístico feminista Guerrilla Girls.

Por Luisa Espino · Foto de grupo para NY Times, 1990. Cortesía Guerrilla Girls.

Comenzaron su andadura diseñando pósters cargados de reivindicaciones que pegaban por las calle de manera clandestina. De eso hace ya treinta años, hoy pasean sus proclamas por el mundo entero y Matadero Madrid les dedica una exposición retrospectiva. ¿Ha cambiado mucho el panorama desde 1985? La cosa está ahora mejor para las mujeres y los artistas de color pero tampoco te vayas a creer que es la panacea. A día de hoy no queda nada bien que en una exposición de una galería o de un museo estos colectivos no estemos representados, pero sigue existiendo un techo de cristal invisible que frena el ascenso, sin olvidarnos de las diferencias salariales. ¿Cómo ha sido la evolución de vuestro colectivo? A lo largo de estos años hemos formado parte de las Guerrilla Girls más de sesenta mujeres. Una veces más y otras menos. Pero siempre ha reinado la diversidad de edad, etnia, orientación sexual y grado de éxito dentro del mundo del arte. Al principio teníamos a mucha gente en nuestra contra y ahora casi todos nos aceptan (y muchos hasta nos idolatran).

Definitivamente la vida da muchas vueltas y nosotras nos hemos encargado de mantener nuestras críticas bien afiladas.

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¿Y qué cambios ha habido en vuestro trabajo? Ahora utilizamos Internet para estar en contacto con miles de artistas, feministas y activistas de todos los rincones del planeta. Ellos son nuestro verdadero público, y no ese pequeño grupo de galeristas y coleccionistas que controlan los museos. Lo más curioso es que muchas instituciones a las que previamente hemos criticado nos invitan después a hacer proyectos. Esto resulta complicado a veces pero normalmente encontramos la manera de hacerlo sin perder nuestra posición crítica. El anonimato ayuda, así como toda esa buena gente que trabaja desde dentro de las propias instituciones para cambiarlas. Conectamos con ellos.

Y esa libertad la conseguís, en parte, gracias a las máscaras de gorila con las que siempre os mostráis en público…

Trabajamos con las limitaciones propias de nuestros contextos pero las máscaras nos dan la libertad de decir lo que pensamos sin miedo a posibles represalias.

Nuestras identidades individuales son desconocidas. Las máscaras son un ingrediente fundamental de nuestro éxito. ¡Y son tan bonitas!

En el ultimo año habéis hecho dos exposiciones retrospectivas en Espa-

“Muchas instituciones a las que previamente hemos criticado nos invitan después a hacer proyectos”

ña, una en AlhóndigaBilbao y ahora en Madrid, ¿Qué diferencias encontráis entre la escena artística española y la norteamericana? En España está regulado que los programas culturales reflejen la igualdad de género. En Estados Unidos no tenemos nada parecido.

Aquí tenéis el reto de conseguir que se cumpla, mientras que en Estados Unidos sólo nos queda volvernos activistas para presionar a las instituciones, una por una, para que diversifiquen.

Muchos de vuestros trabajos parten de estadísticas que elaboráis a partir de investigaciones, como por ejemplo cuando contasteis el número de

mujeres artistas que estaban expuestas en la sección de arte contemporáneo del Metropolitan Museum en contraste con el número de desnudos femenino. ¿Cómo es vuestro proceso creativo? Le damos muchas vueltas a algo hasta que encontramos una manera especial de verlo. Nos encanta cambiar el punto de vista de personas que normalmente no estarían de acuerdo con nosotras. Uno de nuestros trucos es hacerles reír. ¡Eso es como un gancho de derecha que va directo a sus cerebros! Suele funcionarnos muy bien hacer preguntas y declaraciones escandalosas que van respaldadas con datos reales.

¿En qué proyectos estáis trabajando ahora mismo? Estamos planeando varios eventos para nuestro treinta cumpleaños y una exposición pop-up en algún lugar de Nueva York. También tenemos en marcha un conjunto de proyectos en Minneapolis para 2015-2016 y queremos crear una red internacional online de activistas feministas de todo el mundo donde intercambiar ideas, estrategias y darnos apoyo. ¿Y después? Pues nos encantaría que nuestra expo retrospectiva siguiera viajando y se pudiera visitar cada vez en algún lugar nuevo del mundo. ¡Andamos siempre planeando más cosas… más humor, más pieles falsas, más problemas!

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ARTESANIA TRANSGENERO nuevas ANTIGUAS prácticas artísticas

“¡ Porcelana china!”, exclamó ante la obra de Cristóbal Tabares (Tenerife, 1984). Pero al acercarme, sorpresa: “¡ Es plástico!”

Por Ignacio Vleming

Ante sus platos de picnic pintados en azul cobalto, me pregunto si la recuperación de un proceso artesanal me hubiera sorprendido del mismo modo que esta falsedad irónica. Al igual que en otros ejemplos del arte contemporáneo, su belleza parte de su ambivalencia: la admiración por un virtuosismo del pasado en perfecto equilibrio con la cultura pop.

Mucho antes, las cerámicas de Picasso y de Miró sirvieron para reivindicar la artesanía como una de las Bellas Artes, entre la pintura, la escultura y la arquitectura.

Fue entonces cuando los galeristas empezaron a vender sin complejos la que tal vez sea la forma de expresión más universal y antigua de la Humanidad. Hoy son varios los creadores que recurren al barro para dar forma a sus ideas. Por ejemplo Nuria Blanco (Madrid, 1980) desarrolla distintos proyectos que integran cerámica, fotografía y dibujo. En habita(ac)ción la porcelana parece petrificar las notas de papel que se dejan olvidadas en un escritorio o sobre la puerta del frigorífico, y en Lullaby, las ilustraciones distorsionan la sosegada apariencia de la cerámica, como si la línea fuera un cuerpo extraño. También al artista Nauzet Mayor Díaz (Gran 74 EL DUENDE

En la página izquierda: Libros de tela, de Estudio Crudo.

En esta página: Te pienso, de Berta Salinas.

Canaria, 1980) le interesa la relación de este arte milenario con las prácticas contemporáneas. En monumE-ntis versiona con loza blanca escenas de vídeo capturadas de Internet. Son extraordinarias ciertas figuras pornográficas cuya procacidad pasa inadvertida debido a la belleza kitsch del material, que podría evocar un falso Lladró.

“Las cerámicas de Picasso y de Miró sirvieron para reivindicar la artesanía como una de las Bellas Artes”

Pero no sólo la cerámica, algo parecido sucedió con arte textil en el siglo XX. Autoras tan singulares como Hannah Ryggen o Louise Bourgeois descubrieron las metáforas que pueden conjugarse con los verbos tejer y coser. Y En los últimos años, la joven artista portuguesa Joana Vasconcelos ha alcanzado un enorme éxito internacional cubriendo con fundas de ganchillo todo tipo de objetos, desde una escultura a un piano. El trabajo de Berta Salinas (Madrid, 1982) podría ubicarse en esta vanguardia textil.

Sus bordados dibujan con crudeza y gran detallismo imágenes viscerales como las de la Serie caníbal: un corazón coronado por dos cabezas o una boca que absorbe el cuerpo de una mujer. Incluso los libros en tela de Estudio Crudo, fundado en 2010 por Carol Galiñanes (Madrid, 1973) y Bengoa Vázquez (Pamplona, 1981), vuelven a demostrar que los tejidos, tal vez porque nos visten a diario, a veces nos desvelan el lado más oculto de nuestra intimidad. Me refiero a títulos de series limitadas como Cuarto y ½, ¿Quién soy? o Hibridaciones: Desnudo, donde las costuras son sinónimo de límite. Que la aguja es capaz de describir con enorme precisión nuestra emociones lo ha experimentado en su propia carne el artista David Catá (Lugo, 1988). A flor de piel es una performance en la que descose los retratos que ha bordado, literalmente, en la palma de su mano. El resultado son unas espectaculares fotografías y vídeos de gran fuerza poética.

Sin embargo sería un gran error limitar el uso de una técnica determinada a un sólo género. A través del arte textil pueden tratarse los temas más diversos, como propone la diseñadora Afroditi Psarra (Atenas, 1982), muy interesada por las distopías del cyberpunk. El proyecto Oiko-nomic threads, desarrollado en colaboración con María Varela (Atenas, 1984) y Marinos Koutsomichalis (Atenas, 1981), consiste en una tricotosa hackeada que, a través de un algoritmo, interpreta las bases de datos de las oficinas de desempleo y las visualiza de manera generativa en un tejido decorado con patrones propios de la tradición griega.

Por su parte las peinetas de acetato realizadas por Piss2mil (Toledo, 1976), que se comercializan bajo la marca DelAmorYlaBelleza en la tienda del estudio de arquitectura Casa Leganitos, son la prueba de que un material tan frío puede ser dominado para contar los recuerdos más personales. Con una segueta el artista va calando en cada una de las peinetas de la serie los momentos álgidos de su adolescencia.

Habrá que seguir atentos a estos autores. Sería absurdo medir su talento sólo por el virtuosismo de su técnica, debemos hacerlo también por la inteligencia con la que se sirven de la tradición y de las nuevas prácticas artísticas para iluminarnos.

Ignacio Vleming es autor del libro de arte Inspiración instantánea (Modernito Books, 2013).

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ARTE SONORO PASEANDO CON LOS OÍDOS BIEN ABIERTOS Imaginemos cómo sería una manifestación sin sonidos. No sólo sin las voces y las proclamas, sino también sin los pasos, sin las palmas, sin los silbidos o sin el tenue bisbisear de las pancartas ondeando en el aire y resonando en la arquitectura de la ciudad. En completo silencio.

Por María Andueza

Estaríamos sumergidos en algo cuanto menos fantasmagórico. ¿Qué nos aporta entonces el sonido en la ciudad? ¿Un síntoma vital, un medio de comunicación, información sobre el contexto, una forma de expresión…? Sí, todo esto, pero 74 EL DUENDE

además una vía para procesar nuestra experiencia y responder a la misma de forma crítica y creativa. Esto es lo que ha hecho la creación sonora cuando ha trabajado en el espacio de la ciudad. En 1913 el músico futurista Luigi Russolo escribió L’Arte dei rumori, un manifiesto en el que recuperaba, entre otras, las sonoridades de la ciudad para el auditorio de conciertos. Desde entonces los acercamientos al arte sonoro en la ciudad han sido múltiples y muy variados.

Intervención paradigmática en este territorio es Times Square (1977) de Max Neuhaus, una instalación en el centro de Manhattan (NY) en la que una gran bocina de altavoz situada bajo una rejilla de ventilación emite una frecuencia

constante cuyas variaciones provocadas por las corrientes de aire las podemos apreciar desde la calle. El resultado es un zumbido que se infiltra en el tumulto del lugar y que, al ser descubierto, reorganiza la escucha del espacio a través de las preguntas de extrañeza que la pieza suscita en los ciudadanos. Casi sepultado por la actividad de este espacio, el sonido se convierte para el ciudadano en motivo de exploración del territorio urbano, del que puede apropiarse e interpretar libremente. Reinventarlo incluso.

En Madrid, Bill Fontana trabajó en 2008 el ámbito de la memoria y el simulacro en el Templo de Debod. Allí recreó una experiencia sensorial que remitía sonoramente al mar. La pieza, lejos de que-

Let the tide in. Instalación de Nilo Gallego. Orquestina de Pigmeos en Penryn, Gran Bretaña. Foto: Annelise Partington/Cartel

darse en la anécdota sonora del agua, las gaviotas o el oleaje del mar se conjugaba con las vistas de la Casa de Campo que se aprecian desde la explanada en que se ubica el templo, remitiendo por tanto el sonido a lo visual y de forma inversa el espacio de lo visual a lo sonoro. Esta instalación tendía así un puente entre el espacio físico-temporal y el de la ciudad imaginada. Vinculando también lo visual y lo sonoro, aunque de un modo más festivo y ficcional la intervención Apocalipsis Ahora (2010) de Nilo Gallego, que realizó en la céntrica plaza de Lavapiés, buscaba crear un cine sin pantalla. Intercalando diferentes recursos sonoros de amplificación o ambientación que provenían de la calle, balcones y aledaños conjugaba en su acción colectiva la actividad de la plaza con la dimensión sonora en directo.

Si algo resulta particularmente interesante del arte sonoro en la ciudad es esta forma de vincular el espacio físico, con otro –vital para construir un arte público– que es el espacio social. En esta línea trabajaron Alfonso Gil y Francis Gomila en 2007 en la instalación Guantanamera,

“La intervención que Nilo Gallego realizó en la plaza de Lavapiés,‘ Apocalipsis Ahora’ , buscaba crear un cine sin pantalla” que denunciaba el uso de la música como herramienta de tortura en la cárcel de Guantánamo. Ésta ocultaba un equipo de reproducción bajo un respiradero del metro situado en la confluencia de las calles Alcalá y Gran Vía. Desde allí emitía a un elevado volumen las distintas versiones de la canción cubana buscando generar así un reconocimiento de la acción denunciada y una respuesta u opinión pública sobre este hecho. La obra suponía una forma de intimidación en el espacio público, al sacudir al viandante de forma brusca lo subordinaba inesperadamente a la acción del sonido. Desafiar al ciudadano, aunque de forma más sutil, es también el recurso que emplea Anna Raimondo en la serie de acciones en las que juega a hacer pública lo que se supone es una escucha privada. En How to make your day exciting (2014) se desplazó por el transporte público de Londres con unos

cascos mientras escuchaba, muy alto, una composición creada a base de gemidos de orgasmo de actores y actrices porno.

Estos sonidos, procedentes de sus cascos, pero audibles para aquellos que la rodeaban provocaban en última instancia una escucha forzada de lo privado provocando risa, intimidación y rompiendo así los espacios de confort en el entorno público.

Las obras de estos artistas abordan la creación sonora en la ciudad como una forma de afrontar la construcción de lo público. Igual que el sonido en una manifestación es expresivo del mensaje que ésta transmite, la creación sonora es una invitación al ciudadano para crear tiempos y lugares en la ciudad al tiempo que los vive, los piensa e inevitablemente los transforma. María Andueza es artista e investigadora especializada en el Arte Sonoro en espacios públicos.

EL DUENDE 75

GPS DEL ARTE 5

1

CUATRO RUTAS POR LOS ESPACIOS DEL 11 ARTE CONTEMPORÁNEO EN MADRID

13

Noviciado

7

10

16 6

Santo Domingo

2

15 8

Callao

Gran Vía

12

313). H: X-V 17-21 h; S 11-14:30 h y 1720:30 h. a3bandas. “El paisaje revisitado”.

Comisarios: Rosina Gz. Baeza y Martim Dias / Espacio #2: Luis Vioque. Del 11 de abril al 28 de mayo.

2 CASA DE LAS ALHAJAS. FUNDACIÓN MONTEMADRID Plaza de San

Martín, 1 (913 685 934) H: M-D 10-14 y 16-20 h. José Guerrero. “The Presence of Black”. Hasta el 26 de abril.

3 CENTRO CENTRO Plaza de Cibeles, 1 (914 800 008) “La Colección”. Hasta el 26 de abril / La ciudad en viñetas. Hasta el 1 de septiembre / Colección Barrié de la Maza. Hasta el 26 de abril / Distrito Fotográfico. Lanzadera. Ciclo expositivo comisariado por Iñaki Domingo. Hasta marzo de 2016.

4 CÍRCULO DE BELLAS ARTES Marqués de Casa Riera, 3 (91 360 54 00) H: M- S 11-14 y 17-21 h; D 11-14 h. “Molder.

Rico Pobre Mendigo Ladrón”. Hasta 17 de mayo / Pierre Alechinsky. Hasta 17 de mayo.

5 CONDE DUQUE Conde Duque, 11 (91 480 04 01) H: M-S 10:30-14 y 17:30-21 h; 76 EL DUENDE

3 4 12 9

ZONA GRAN VÍA 1 BLANCA BERLÍN Limón, 28 (915 429

14 9

D y fest 10:30-14 h. Ouka Leele. “A donde la luz me lleve”. Hasta el 29 de abril.

6 ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA

Fuencarral, 3 (91 580 87 00) H: M a D 1020 h. “Big Bang Data”. Hasta el 2 de mayo / “Historia de las telecomunicaciones” Exposición permanente / “Instagramers Gallery Madrid” Exposición permanente / Jim Campbell. “Ritmos de luz”. Del 1 de abril al 28 de junio. Planta 3. “La Enciclopedia Mecánica de Doña Angelita”. Planta 2. Hasta el 28 de junio./ www. espacio.fundaciontelefonica.com 7 ESPACIO VALVERDE Valverde, 30 - Bajo 1 (915 226 668). H: L-V 11-14 h y 17-20:30 h / S 12-14 h. a3Bandas.

“Album Buzzati”, colectiva. Comisario: Pablo Angulo. Del 11 de abril al 23 de mayo.

8 GALERÍA LOEWE Gran Vía, 8. H: L-S 10-20:30 / D 11-20 h. Exposición permanente.

9 JOSÉ DE LA MANO Zorrilla, 21 (914 350 1 74) L-V 10-14 y 17-20:30 h; S 1114 h. “Geometrías afines. Videoinstalaciones con base matemática”. Del 11 de abril al 23 de mayo.

10 LA FIAMBRERA Pez, 7 (917 046

030). Sergio Mora “KABOOOOM”.

Hasta el 3 de mayo.

11 MUSEO ABC DE LA ILUSTRACIÓN

Amaniel, 29-31 (917 5883 79). Narciso Méndez Bringa. “El espectáculo de la ilustración”. Hasta el 3 mayo / “Caperucitas al rojo vivo”. Hasta el 31 de mayo / Fernando Vicente Universos. Hasta el 10 de mayo.

12 MUSEO ICO Zorrilla, 3 (91 420 12 42) H: M-S 11-20 h; D y fest:10-14 h.

“EXPORT: Arquitectura española en el extranjero”. Hasta el 17 de mayo.

13 SABRINA AMRANI Madera, 23. H: M-V 11-19 h / S 11-14:30 h. Colectiva. a3bandas. Comisaria: Iciar Sagarminaga. Del 11 de abril al 30 mayo.

14 SALA ALCALÁ 31 Alcalá, 31 (917 208 251). Pello Irazu. “El muro incierto”.

Hasta el 19 abril / Chema Madoz. Del 13 de mayo al 2 de agosto.

15 UTOPIA PARKWAY Reina, 11 (915 328 844). H: M-V 12-14 h y 17-20:30 / S 11-14 h. “Los últimos veranos”. Federico Granell. Del 10 abril al 15 mayo.

16 BERNAL ESPACIO Libertad, 22.

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Bilbao

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Tribunal

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Colón

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ZONA ALONSO MARTÍNEZ 1 ASTARTÉ Monte Esquinza, 8 (913 194 290) H: L 16-20 h; M-V 10-14 y 16-20 h; S 11-14 h. a3bandas. “Tampoco el mar duerme”. Pamen Pereira. Hasta el 4 de junio.

2 CASADO SAN TAPAU Piamonte, 10 (915 320 678) H: M-V 11-14 y 16:30-20:30 h; S 11-14 h y previa cita. Andreas Fogarasi. Del 11 de abril al 30 de mayo.

3 LA CAJA NEGRA Fernando VI, 17 2º Izda (913 104 360) H: L- V 11-19 h; S 1114 h. Jonathan y Philippe Hernández.

Hasta el 20 de abril.

4 CAYÓN Blanca de Navarra, 7 (913 106 289) H: L-V 11-19:30 h / S 11-14 h y cita previa. Marco Maggi. Hasta el 18 abril.

5 ELBA BENÍTEZ San Lorenzo, 11 (913 080 468) H: L-V 10:30-19:30 h; S 11-14 h. Carlos Bunga. Del 18 de abril al 6 de junio / Paul Graham. Del 23 de junio al 31 de julio.

6 ELVIRA GONZÁLEZ General Castaños, 3 (913 195 900) H: L-V 10:30-19:30 h; S 11-14 h. Rober Ackling / Richard Long / Afolgo Schlosser. Hasta el 16 de junio.

7 ESPACIO TRAPÉZIO Augusto Figueroa, 24 (Mercado de San Antón) (91 330 02 83) H: L-J 12-20 h; V: 14-22 h; S 12-19 h. ”Todo está muy caro. Declaraciones de mercado” Exposición deAntonio Caro e intervención de Ángela Cuadra.

8 FREIJO GALLERY General Castaños, 7 (913 103 070) H: M-V 11-14 y 16-20 h; S

11-14 h. Felipe Ehrenberg. Hasta el 23 de mayo.

9 FUNDACIÓN MAPFRE Barbara Braganza, 13. H: L 14-20 h; M-S 10-20 h; D y festivos 11-19 h. Garry Winogrand. Hasta el 3 de mayo.

10 FUNDACIÓN MAPFRE Pº Recoletos, 23. H: L 14-20 h ; M-S 10-20 h; D y festivos 11-19 h. “El canto del cisne”. Hasta el 3 de mayo.

11 HEINRICH EHRHARDT San Lorenzo, 11 (913 104 415) H: M-V 11-19 h; S 11-14 h. Gonçalo Sena. Abril- mayo.

12 JUANA DE AIZPURU Barquillo, 44 1º (913 105 561)H: M-S 10:30-14 y 16:3020:30 h; L 16:30-20:30 h. Jiří Dokoupil.

Hasta el 25 de abril.

13 MARLBOROUGH Orfila, 5 (913 191 414) H: L- S 11-19 h. Blanca Muñoz. Pelayo Ortega (Acuarela/cartón). Hasta el 30 de abril.

14 MAX ESTRELLA Santo Tomé, 6 - Patio (913 195 517) Adrián Esparza. Del 26 de marzo al 23 de mayo / Bernardí Roig “Sin título”. Del 30 de mayo al 25 de julio.

15 MONDO GALERÍA San Lucas, 9 (913 08 23 25) H: M-V 11-14 y 17-20:30 h; S: 1114 h; L: 17-20:30 h. ‘“Yo, la peor de todas”.

Hasta el 1 de mayo.

16 MUSEO DEL ROMANTICISMO San Mateo, 13 (914 48 10 45) H: M-S 9:30-18:30 h. D y fest: 10-15 h. PHotoEspaña 2015.

Desde junio.

17 MUSEO SOROLLA . Gral. Martí-

nez Campos, 37 (91 310 1584) H: M-S 9:30-20 h; D y fest. 10-15 h. Exposición temporal.“Trazos en la arena”. PRORROGADA hasta el 28 de junio.

18 LA NEW GALLERY Carranza, 6 (91 445 65 57) H: M-S 11-14 y 17-20 h. “Itinerancias Espirituales”, Simón Arrebola. Del 17 de abril al 30 de mayo.

19 NF GALERÍA. Monte Esquinza, 25.

(913 085 986) H: M-V 11-14; 16-20/ S 11-14 h. “Nadie te extrañará en la manada”. Moris. Hasta el 17 de abril.

20 PASAJE DE FUENCARRAL, 77 H: J-V 18-22 h; S-D 12-14 y 18-22 h. Exp. Colectiva “Cuerpo y poder”. Hasta el 17 de mayo.

21 PILAR SERRA Santa Engracia, 6 - Bajo Ctro. (913 081 569/70) H: L-V 10-14 y 16:30-20:30 h / S 10-14 h. Colectiva. Del 11 de abril al 23 de mayo.

22 RAFAEL PÉREZ HERNANDO Orellana, 18. H: L-V 10-14 h y 17-20:30 h; S 11-14 h.

23 SALA CANAL DE ISABEL II Santa Engracia, 125 (915 451 000) M-S 11-14 y 17-20:30 h; D y fest 11-14 h. Enrique Meneses “Vida de un reportero”. Del 16 de abril al 26 de julio.

24 TRAVESÍA CUATRO San Mateo, 16 (913 100 098) H: M-V 11-19 h; S 11-14:30 h. Jose Dávila. Hasta el 30 de abril.

EL DUENDE 77

22 21

11 15

ZONA ATOCHA /PºDEL PRADO

10

415) H: L-V 10-19 h; S 11-14:30 h. Wendelien von Oldenborgh . Comisario: Manuel Segade. Del 11 de abril al 16 de mayo.

2 BLANCA SOTO ARTE Almadén, 13 (914 023 398) Previa cita. José Enguidanos “Teoría de la Seducción” Hasta el 6 de abril / A3 bandas. Comisario Adriano Casanova - Artistas: Santiago Reyes Villaveces) y Nazareno. Del 9 de abril al 12 de mayo / Jonathan Notario. Del 20 de mayo al 24 de junio.

3 CAIXAFORUM Pº del Prado, 36 (91 330 73 00) “Retratos de una huida”.

Hasta el 31 de mayo / 19º FotoPres “laCaixa”. Hasta el 7 de junio.

4 CÁMARA OSCURA Alameda, 16. 1ºB (91 429 17 34) H: M-V 11-14 y 16:3020:30 h; S 10-17 h. “12 ans après”, Elina Brotherus. Hasta el 23 de mayo.

5 LA CASA ENCENDIDA Ronda de Valencia, 2 (902 430 322 / 91 602 46 41) H: L-D 10-22 h. ARStronomy. Hasta el 30 de agosto.

6 ESPACIO MÍNIMO Doctor Fourquet, 17 (91 467 61 56) Nono Bandera. “Miel de abeja”. Hasta el 16 de mayo.

7 ESPACIO SIN TÍTULO Alameda, 3.

Nacho Canut, “Exteriores de Naves Espaciales Abandonadas”. Hasta el 29 de mayo.

8 F2 GALERÍA Doctor Fourquet, 28 (915 048 106) H: M-V 10-20 h; S 11-14.30 h.

José María Guijarro. Del 11 de abril al 14 de mayo.

9 GALERÍA ALEGRÍA Doctor Fourquet, 35. H: M-V 11-14 y de 16-20 h. S 11-14:30 h. Humberto Poblete-Bustamante. Hasta el 9 de mayo.

10 GALERÍA MATERNA Y HERENCIA

Ruiz de Alarcón, 27. H: M-V 18-21 h (1214 con cita previa); S-D 12-14 h. Clara Hirsch y Jake Hirsch-Allen. Del 9 al 26 de abril.

11 FORMATO CÓMODO Lope de Vega, 5 (676 723 819). Omar Mahfoudi. Hasta el 19 de mayo.

12 THE GOMA Fúcar, 12 (918 287 116) H: M-V 11-14 y 16:30-20:30 h; S 11-14 h.

“El buen caligrama” (a3bandas) Alain Arias-Misson, Detanico e Lain, Musa paradisiaca, Los Torreznos. Comisario: Bruno Leitão. Hasta el 16 de mayo.

13 HELGA DE ALVEAR Doctor Fourquet, 12 (914 680 506) H: M-S 11-14 y 16:30-20:30 h. “Playtime”. Isaac Julien.

Hasta el 16 de mayo.

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1 BACELOS Doctor Fourquet, 6 (915 272

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Antón Martín

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Lavapiés

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Atocha

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14 L21 Doctor Fourquet, 1 (915 395 398) H: M-V 11-20 h; S: 11-14 h. Paul Cowan, “Lágrimas de cocodrilo”. Hasta el 16 de mayo.

15 LEANDRO NAVARRO Amor de Dios, 1 (914 298 955) Previa cita. Vanguardia y Arte Internacional III: En torno a la Bauhaus. Hasta el 30 de abril.

16 MAGDA BELLOTI Fúcar, 22 (91 369 37 17) H: M-S 11-14 y 17-21 h. “Tándem”, Alexandra McCormick y Luz Ángela Lizarazo. Del 21 de febrero al 9 de mayo.

17 MAISTERRAVALBUENA Doctor Fourquet, 6 (911 733 034) H: L-V 10-19 h; S 11-14:30 h. Regina de Miguel. Hasta el 16 de mayo.

18 MARTA CERVERA Valencia, 28 (913 105 036) H: M-V 10:30-19:30 h; S 1114:30 h. “Progreso”. Patrick Hamilton.

Desde el 12 de febrero.

19 MOISÉS PÉREZ DE ALBÉNIZ Doctor Fourquet, 20 (912 193 283) H: M-V 10:30-19 h; S 11-14:30 h. Itziar Okariz.

Hasta el 16 mayo.

20 MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA Santa Isabel, 52

(917 741 000) H: L 10-21 h; M Cerrado; X-S 10-21 h; D 10-14:30 h. Dani Andújar. “Sistema operativo”. Hasta el 4 de mayo. Edificio Sabatini. “Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica del modernismo, 1968-69”. Hasta el 13 de julio. Edificio Nouvel: Kunstmuseum Basel. Hasta el 14 septiembre. Edificio Sabatini:“Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Staechelin y Im Obersteg”.

Hasta el 14 septiembre.

21 MUSEO DEL PRADO Pº Prado, s/n

(91 420 28 36). H: L-D y fest: 9-20 h; M-S 18-20 h; D 17-20 h. “10 Picassos del Kunstmuseum Basel”. Hasta el 14 de septiembre. (Edificio Villanueva).

22 MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

Pº del Prado, 8. (902 760 511) H: M-D 1019 h. Raoul Dufy. Hasta el 17 de mayo / Paul Delvaux: paseo por el amor y la muerte. Hasta el 7 junio.

23 MY NAME’S LOLITA ART Almadén, 12-bajo (91 530 72 37) H: M- S 10:30-14 y 17-20:30 h.

24 NOGUERAS BLANCHARD Doctor Fourquet, 4 (915 063 484) H: M-V 10-19 h; S 11-14.30 h. Anne-Lise Coste. Hasta el 16 de mayo.

25 PONCE+ROBLES Alameda, 5 (914 203 889) H: M-V 11-14 y 17-20 h; S 1114 h. “Nicely offensive”. a3bandas. Comisaria: Cristina Anglada. Hasta el 23 de mayo.

26 SWINTON GALLERY Miguel Servet, 21 (91 449 61 28). H: M-V 11-20; S-D 1222 h. Antonyo Marest “El Hundimiento”, Víctor Solana “Sublevados del sol”, Luis Pérez Calvo “Pipas, Chicles y caramelos”. Del 10 de abril al 16 de mayo.

27 TABACALERA PROMOCIÓN DEL ARTE Embajadores, 51. H: M-V 12-20

h; S-D y fest. 11-20 h. Marisa González.

“Registros domesticados”; Óscar Muñoz. “Atramentos”; “Acorazado Patacón”. Colectiva Comisariada por Juan Sebastián Cárdenas y Dani Silvo. Hasta el 12 de abril.

ZONA PRÍNCIPE DE VERGARA 1 ÁLVARO ALCÁZAR Castelló, 41 (917 816 039) H: M-V 10-14 h y 16-19:30 h; S 11-14 h y 16-19:30 h. Bingyi. Desde el 14 de marzo / Simon Zabell, Jesús Zurita, Ángeles Agrela y Paco Pomet. Desde el 30 de abril.

2 ARNES Y RÖPKE - ESPACIO ARTKUNSTARTE Juan

de Mena, 12 - 1º D (917 021 492) Previa cita. “The story of a bad boy - Obras seleccionadas de r/e collection”.

Artistas: Iñaki Bonillas, Anthony Goicolea... Del 27 febrero al 31 de julio.

3 CASA DE AMÉRICA Marqués del Duero, 2 (91 595 48 00) H: L-V 11-19:30 h; S y fest 11-15 h. Fernando Krahn, “El mundo ilustrado”. Hasta el 18 de abril.

4

FERNÁNDEZ-BRASO

Villanueva, 30 (915 750 427) H: L-V 10-14 y 17-20:30 h; S 11-14 h. 1983-2005. Obras inéditas. Torner. Del 12 de marzo al 30 de abril.

5 FERNANDO PRADILLA

Claudio Coello, 20 (915 754 804) H: L-V 10:30-20:30 h; S 11-20:30 h. Obras recientes.

Emilio Gañán. Abril-mayo.

6 FUNDACIÓN JUAN MARCH Castelló, 77 (91 435

42 40) H: L-S 11-20 h; D y fest.

10-14 h. “El gusto moderno.

Arte Déco en París, 19101935”. Hasta el 28 de junio.

7 GUILLERMO DE OSMA

Claudio Coello, 4 (914 355 936). Previa cita. Nicolás de Lekuona. Hasta el 9 de mayo.

8 KREISLER Hermosilla, 8 (915 761 664) Anoro “Maneras de contar”. Hasta el 10 de abril.

9 LA FRESH GALLERY Conde de Aranda, 5 (91 431 51 51) Benito Laren. Hasta el 30 de mayo.

10 LOEWE Serrano, 26. H: L-S 10-20:30 h; D 11-20 h. Ramón Puig. Hasta el 20 abril.

11 MICHEL SOSKINE INC.

Padilla, 38 - 1º dcha. (914 310 603) H: M-V 10:30-14:30 h y 16:30-20 h; S 10:30-14:30 h.

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12

“Escultura como lugar, 1958 - 2010”. Del 4 de mayo al 28 de septiembre. Palacio de Velázquez.

15 SALA DE ARTE JOVEN

6 11

Núñez de Balboa

Av. de América, 13 (915 642 129) VI Edición “Se busca comisario”. Del 29 de enero al 26 de julio.

16 DAVID BARDÍA Villanueva, 40 (917 810 759). H: L-V 10:30-14 y de 17-21 h; S-11 a 14:30 h. Ernesto Villanueva. “Summer in my garden”. Del 9 abril al 6 mayo.

1

8

12 MUSEO LÁZARO GALDIANO Serrano, 122 (915

616 084) H: L: 10-16:30 h; X-S: 10-16:30 h; D: 10-15 h.

“Video-régimen. Coleccionistas en la era de la condición audiovisual”. Hasta el 11 de mayo.

Serrano

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13 PARRA & ROMERO

Claudio Coello, 14 (915 762 813) H: L-V 10:30-19:30 h; S 11-14 h. Thomas Scheibitz.

Hasta el 18 abril / Robert Barry. Del 23 de abril al 20 de junio.

13

4

16 Príncipe de Vergara

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Retiro

14 PALACIOS DE VELÁZQUEZ Y CRISTAL H: de oc-

tubre a marzo 10-18 h / De abril a septiembre: 10-22 h.

Federico Gúzman “El pabellón saharaui”. Del 16 de abril al 30 de agosto. Palacio de Cristal / Carl André

Goya

10

2

14

OTRAS ZONAS ESPACIO ANANAS Toledo

49, Sótano (625 951 135) H: L-V de 17- 21 H. (910 061 565) H: L-V de 17- 21 h Ynfo, “Drive by”. Del 10 al 30 de abril.

MATADERO MADRID Pº de la Chopera, 12 (91 517 73 09) H: L-D 10-22 h. Abierto X obras: Eugenio Ampudia.

Hasta el 17 de mayo / Nave 16: Videoinstalación: “Cada respiro”, Glenda León. Has-

ta el 26 de abril / “Guerrilla Girls 1985-2015, 30 años de activismo feminista. Hasta el 26 de abril / Casa del Lector: El poder de las canciones. 60 momentos pop del siglo XX. Hasta el 4 de octubre / Archivo Bolaño 1977-2013. Desde el 12 de febrero.

ESPACIO OCULTO Nicolás Usera, 27 BAT ALBERTO CORNEJO

María de Guzmán, 61 (915 544 810) H: L-V 10-14 h y 17:3020:30 h; S 11-14 h.

FUNDACIÓN CANAL DE ISABEL II C/ Mateo Inurria,

2 (91 5451501) H lab: 11-20; X 11-15h. Entrada libre. Giacometti “El hombre que mira”.

Hasta el 3 de mayo.

CA2M. CENTRO DE ARTE 2 DE MAYO. Avda. Cons-

titución, 23. Móstoles (91

276 02 21) H: M-D 11-21 h.

“Naturaleza nominal. Arco Colombia 2015”. Alberto Baraya, Milena Bonilla, Adriana Salazar y Carlos Bonil. Hasta el 26 de abril / “El ideal infinitamente variable de lo popular”: Jeremy Deller. Hasta el 7 de junio / “Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo”.

Hasta el 4 de octubre.

EL DUENDE 79

matadero madrid Buque insignia cultural

Le interesa el arte “que dialoga con su contexto, y más aún, aquel que además de proponer una mirada crítica, promueve la transformación social”. Manuela Villa Acosta (1976) es responsable de contenidos artísticos de Matadero Madrid, además de productora cultural. Es responsable, por ejemplo, de la exposición de Eugenio Ampudia en Abierto x Obras (ver página 56).

Creo que a Madrid le hace falta un gran encuentro artístico de largo recorrido, capaz de potenciar su contexto creativo a la vez que promover proyectos educativos que permitan la participación y formación de nuevos públicos. Trabajando en colaboración el museo, la universidad, la sociedad civil… Y que, como consecuencia de este trabajo, Madrid se sitúe estratégicamente en el mapa del arte contemporáneo, beneficiandole económicamente. No se diferencia mucho de lo que ya hacemos muchas personas a diario, pero haría falta más que un “cheque en blanco”: un gran apoyo político y la coordinación entre administraciones, instituciones y sociedad civil.

Por Javier Agustí · En la foto: Manuela Villa ©Paco Gómez

Se formó como socióloga y periodista. Háganos un diagnóstico del sector del arte en España. Es una pregunta muy compleja. Si la entendemos referida al sector económico, es decir, al mercado del arte, creo que en comparación con otros países de nuestra órbita, está bastante mal. Sin embargo, si nos referimos al sector como contexto, creo que vive un buen momento, con iniciativas independientes, innovadoras, con agentes creativos explorando proyectos al servicio de la ciudadanía y con instituciones que, desde su precariedad, apoyan estas iniciativas. ¿Cómo llegó al mundo del arte? De una manera natural, no fue nada premeditado. Durante mi etapa formativa estaba 80 EL DUENDE

involucrada en iniciativas de índole social, y de una manera intuitiva fui descubriendo que el arte tiene un potencial de transformación personal y social único. Precisamente porque trabaja en un ámbito de excepcionalidad difícil de comprender y regular por el sistema económico, político o social.

Es autora del libro Arte Emergente en España. ¿Qué es lo que hace que se fije en un artista determinado? En el caso de Matadero Madrid, tengo en

cuenta el contexto tanto local como internacional además de los públicos que acuden a nuestra institución. Además, busco proyectos innovadores de creadores que no tengan miedo a la experimentación y estén dispuestos a aprender del fracaso. El resto es una cuestión meramente subjetiva con cierta dependencia del azar.

Si le diesen un “cheque en blanco”, ¿cuál sería su exposición soñada? ¿Se diferenciaría mucho de las que ya organiza?

¿Qué artistas a los que admira cree que están infravalorados? Principalmente son las artistas mujeres como Esther Ferrer, Cristina Lucas, Cabello/ Carceller, Sara Ramo, Regina de Miguel, Teresa Solar Abboud, Asunción Molinos Gordo… Y me dejo un montón de nombres en el tintero. ¿El Archivo de Creadores será ampliado? Sí, nació con mucha fuerza en el año 2009 y actualmente lo estamos repensando para poder relanzarlo con una nueva plataforma digital, una nueva selección y actividades. www.mataderomadrid.com

galerias online LA RESPUESTA AL COLECCIONISTA AMATEUR

La red es el aliado perfecto para las nuevas galerías de artistas emergentes. Con Internet, además, ha salido a la luz un nuevo perfil de coleccionista joven, con un presupuesto ajustado pero que valora el hecho de poseer una obra original, y que maneja con soltura el ‘e-commerce’.

Por Kety Carrasco · Foto: Irene Cruz, Blumen. Pomo Gallery

Gracias a Internet y a las redes sociales, las galerías han ampliado su público, ofreciendo mejores precios, evitando los altos costes que conlleva mantener un espacio físico, además de acceder fácilmente a una difusión internacional al instante. A los artistas, especialmente los emergentes, se les abren nuevas oportunidades para dar a conocer su obra y entrar directamente al mercado del arte, aprovechando la visibilidad de las propias galerías y de los otros artistas con los que comparten plataforma. No obstante, conscientes de la importancia de mirar cara a cara a la obra, estas galerías online suelen organizar exposiciones físicas, ferias y mercadillos.

Más allá de las grandes webs americanas, como Artspace. com, Saatchiart.com ó Amazon (que también vende arte), hay un puñado de galerías jóvenes con artistas interesantes que están en plena efervescencia: guntergallery.com Especializada en venta y edi-

ción de obra gráfica de artistas emergentes, en su mayor parte españoles. Puedes encontrar serigrafías desde Ricardo Cavolo, Boamistura, Paula Bonet o Santiago Morilla hasta cerámicas de Aitor Saraiba. Todo piezas originales, firmadas y numeradas, desde 50€. plasticmurs.com En su página se pueden adquirir obras de artistas urbanos y del surrealismo pop como Bakea o Gabi de la Merced. Pronto abrirán también un espacio físico en Valencia. pomogallery.com Piezas originales -Pintura, escultura, fotografía e ilus-

tración -de artistas muy jóvenes que empiezan a despuntar como Irene Cruz, Paulova o Ro.Ro.

iamgallerymadrid.com Al revés que el resto, dio el salto del espacio físico al online, creando una plataforma en la que venden obras de los mejores artistas urbanos del momento (3ttman, Nano4814, Remed y Okuda...), acompañada de multitud de exposiciones presenciales. atelierdesjeunes.com Funciona con un sistema de ediciones limitadas que van sumando a su catálogo, en el que todas las piezas produci-

das tienen un precio de 150€.

Bakea, José A. Roda, Gorka Olmo o Alfonso Casas son algunos de los artistas españoles que forman parte de ella, además de una sección de artistas internacionales.

180hilos.com Son editores de obra gráfica original en serigrafía de ilustradores españoles, en series exclusivas de 25 unidades, a precios muy asequibles. Artistas e ilustradores como Sergio Mora, Roberta Marrero o Sanz i Villa. También realizan ediciones de serigrafía en gran formato de creadores como Alex Trochut, Ceesepe, Óscar Mariné o Conrad Roset.

EL DUENDE 81

ARTE SOBRE LA MESA Po r E sth e r O rd a x

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ANA GONZÁLEZ en Kiln_Shop 82 EL DUENDE

MUSEO THYSSEN. Platos de porcelana, inspirados Caballos de carreras en un paisaje, 1894 de Edgar Degas, y el segundo, en El lago George, 1860 de John F. Kensett.

VAJILLAS DE ULTRAMAR

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Tres platos de VARIOS ARTISTAS. En Espacio Brut. C/ Pelayo, 68. Madrid. www.espaciobrut.com EL DUENDE 83

Tania Blanco vivir del arte

La obra de Tania Blanco (Valencia, 1978) se vale de una depurada técnica pictórica para poner el punto de mira sobre temas de actualidad que a menudo pasan inadvertidos. Ejemplifica el caso de algunos artistas jóvenes: el estar becado por alguna institución o residencia para artistas.

¿Cómo es tu proceso creativo? Depende mucho del periodo y de los proyectos en curso, aunque podríamos reducirlo a dos campos de acción. Por un lado experimento con los materiales, sin objetivos específicos. Por otro, esa gimnasia me sirve para aplicarla en la articulación formal de conceptos que quiero transmitir. ¿Con cuál de tus obras te sientes más satisfecha? Con Documentos Inesperados en una Sala de Espera, una instalación reciente que realicé para el proyecto Generaciones 2014 en La Casa Encendida.

Por Luisa Espino

En los últimos años, su carrera le ha llevado a varios puntos del globo como París, Génova o Madrid. Su última parada, como artista becada residente, es La Casa de Velázquez, en Madrid, un maravilloso palacio –desconocido para muchos– a escasos metros de Moncloa. Hasta allí nos desplazamos para que nos cuente en qué está trabajando. Y también, por qué no, para que nos dé un poco de envidia. ¿Qué importancia han tenido las residencias y becas en tu carrera? Me han permitido seguir viviendo y produciendo sin dedicar tiempo a trabajos paralelos alejados de mi actividad como artista. Han sido fundamentales para poder volcar al cien por cien y mi energía en el desarrollo de mi obra. La experiencia de La Casa de Velázquez está siendo muy enriquecedora debido a todo lo que facilita la Casa.

Tener un espacio de trabajo, contacto constante con artistas y profesionales del sector, 84 EL DUENDE

Tania Blanco, Documentos Inesperados en una Sala de Espera, 2013.

Instalación. Generaciones 2014, La Casa Encendida, Madrid.

y recibir unos honorarios por el periodo de duración de la beca suponen pilares fundamentales para la continuidad y supervivencia de lo/as artistas que dan sus primeros pasos. ¿Cómo definirías tu trabajo?

Creo que ha ido evolucionando hacia una posición cada vez más crítica y pedagógica.

Intento poner de relieve problemáticas actuales que me inquietan como la contaminación ambiental, la manipulación mediática, los excesos cometidos por las élites econó-

mico-militares, las tecnologías del control, el debilitamiento del pensamiento crítico… ¿Te consideras pintora? Muy al principio sí. La pintura ha vertebrado mi trabajo durante muchos años pero con el tiempo se ha ido hibridando de manera que otros medios han tomado también posición.

Actualmente los fusiono y supedito al concepto de cada proyecto, por lo que los procesos van tomando distinta forma en busca de una mayor riqueza formal y discursiva.

¿Qué proyectos tienes ahora mismo entre manos? Durante la residencia en la Casa de Velázquez estoy desarrollando dos líneas de trabajo. La primera consiste en la recreación de una serie pictórica de placas conmemorativas de logros y acciones de movimientos sociales que pasan desapercibidas en los canales oficiales de información. En la segunda, desarrollo una irónica campaña de publicidad ficticia cuya finalidad es la democratización del consumo del arte contemporáneo. Plantea un interrogante sobre el sistema del arte contemporáneo, su contexto, y la integración y construcción de un valor simbólico y social dentro de la sociedad. www.taniablanco.com · Casa de Velázquez. (C/Paul Guinard, 3.Ciudad Universitaria) www.casadevelazquez.org

dos directores artísticos y un crítico escogen a un a r t i s ta p a r a s e r e n t r e v i s ta d o

LA ENTREVISTA COMISARIADA el libro azul del arte emergente -el duende-

L A E N T R E V I S TA C O M I S A R I A D A

GUILLERMO SOLANA UN MUSEO EN 140 CARACTERES

¿Qué artistas actuales le gustan? Tres artistas que vi recientemente en la galería Utopia Parkway, los tres pintores y más o menos figurativos: Miguel Galano, Alberto Pina (me interesa muchísimo; ver página siguiente) y el Emilio González Sainz.

Como si de un artista se tratase, Guillermo Solana, Director Artístico del Museo Thyssen, desata pasiones. A un lado, los que aclaman por su iniciativa #Thyssen140, una guía del museo en Twitter que el propio director elabora semana a semana. Al otro, los que lo critican por la caída de visitantes a la colección general y por haber subido las entradas en plena crisis, al perder el apoyo económico de Bankia.

¿Cómo detectar a un artista emergente, que es bueno y promete? Es una apuesta de quien pueda hacerla. Y en los tiempos que corren, los artistas emergentes tienen, a menudo, un recorrido muy largo antes de ser reconocidos. La crisis tiene víctimas en ellos, porque el mercado no les da oportunidades y pierden años de desarrollo.

Por Paloma F. Fidalgo · Ilustración: Nuria Cuesta

Con la etiqueta de Twitter #Thyssen140, ¿ha percibido coherencia entre los gustos del público y la programación del museo? Creo que sí hay una sintonía básica, porque no planteamos una programación esotérica, sino de clásicos modernos conocidos. A mí lo que me sorprende es que el público, en general, salvando excepciones de gente más inquieta, siempre quiere ver a los mismos nombres, que encima no son muchos: Monet, Van Gogh, Picasso, Matisse, Gauguin…

Y, a menudo, no se mueve si no conoce a quien expone. A veces estás seguro de que una muestra le encantaría a la gente, como la de Dufy. Pero no le da una oportunidad.

86 EL DUENDE

¿Quién ha de ejercer de prescriptor? ¿Los críticos de arte? La crítica no la lee nadie, con perdón. Los prescriptores fundamentales son los medios de comunicación.

Su apoyo es decisivo. Pero esto no quiere decir que, cuando a los medios les interese algo, esto sea un éxito de público. Ni que la referencia sean los medios especializados. Hay casos curiosos como los de las revistas dirigidas a un público femenino, le dan especial importancia al arte, y eso tiene efecto.

¿Hemos perdido una oportunidad al no aprobar la Ley de Mecenazgo? Después de muchos años, cuando una persona, el Secretario de Estado de Cultura, Lassalle, ha apostado por el proyecto de Ley de Mecenazgo, se ha encontrado con el peor momento económico posible. Cuando mejore la situación económica, saldrá. La gente ignora que el micromecenazgo es una opción, permite alivios fiscales para las pequeñas aportaciones de la gente a los museos.

Otra iniciativa online del Thyssen es la creación de un canal de venta por Internet en el extranjero. Proliferan las galerías online. ¿Es el futuro? La mitad de la vida de los museos ya es online, lo que, para obtener información de la historia de las obras, está muy bien.

Pero yo creo que quien de verdad esté interesado en el arte, lo verá en persona.

Cuando organizamos aquí una exposición, a veces conocemos las obras por catálogo, y te pueden llamar la atención en papel y luego decepcionarte, y viceversa. www.museothyssen.org

GUILLERMO SOLANA PIDE QUE ENTREVISTEMOS A ALBERTO PINA

ALBERTO PINA EL PINTOR DE LA SOLEDAD Decía Rothko: “Si estás triste y solo, cuando veas mis cuadros, verás que no eres el único”. Algo así sucede con las obras de Alberto Pina (Atenas, 1971), que opone al ruido y la tecnología que parecen dominar gran parte del arte actual, pinturas realistas de lugares solitarios e inquietantes, donde se respira la huella de alguien ausente.

Por Paloma F. Fidalgo · Pintura: Gigante

Vivimos una época de eclecticismo artístico, y tal vez el arte más mediático sea el tecnológico. ¿Queda sitio para la pintura figurativa? Sí, no creo que un lenguaje artístico sustituya a otro y lo invalide. Ocupan espacios distintos, pero se enriquecen mutuamente.

Sus pinturas tienen algo de inquietante y melancólico. Sí. La mayor parte del tiempo, el mundo en el que vivimos es muy inquietante, hasta amenazador. Todo es bastante difícil de comprender, las personas y sus actos a menudo desconciertan.

Supongo que la melancolía es más difícil

de explicar. Creo que tiene que ver con el hecho cada vez más frecuente de recurrir al recuerdo para crear las imágenes, y con la sensación constante de percibir que en el arte algo falta, algo hemos perdido. ¿Qué falta? Un lenguaje compartido. Parece que el individualismo feroz en que hemos sido educados y en el que vivimos nos aísla cada vez más del otro. Y esto afecta al arte, que a menudo habla para sí mismo, y da la espalda a todos en un alarde de genio creador pseudorromántico alejado del mundo, que parece deberse sólo a sí mismo, y a un espectador pasivo que no puede o no sabe hacer el más mínimo esfuerzo de comprensión.

Los lugares que aparecen en sus cuadros, ¿son inventados? En general, son lugares tan recreados y transformados que, podría decirse que son inventados. Las imágenes surgen casi siempre de mi entorno más próximo: la sierra de Madrid, su periferia, zonas industriales o nuevos barrios, algunos paisajes rurales de Castilla.

Su luz es muy particular. La luz y el color

son determinantes para mí, construyen la imagen que persigo. En eso creo que estoy muy influido por el sentido teatral y dramático del arte barroco. Las luces, casi siempre laterales, actúan casi como un objeto más de la composición. ¿Qué significa para usted Francisco Cortijo? Es uno de los pintores españoles más importantes de la segunda mitad del siglo XX, y uno de los más injustamente olvidados. Fue mi maestro, me enfrentó a iniciar mi camino. Su ejemplo de honestidad, capacidad de trabajo y sentido autocrítico son una referencia constante para mí.

Con los tiempos que corren ¿los artistas son emergentes durante más tiempo? La pintura es una de las artes donde más determinante es el paso del tiempo. Los años de trabajo y experiencia en la pintura intensifican y desarrollan la construcción de un lenguaje propio. Son pocos los pintores que alcanzan su máximo momento creativo en la juventud. Quizá las vanguardias de primeros del XX, ese momento tan excepcional, han distorsionado esta realidad. www.galeriautopiaparkway.com EL DUENDE 87

L A E N T R E V I S TA C O M I S A R I A D A

FERNANDO CASTRO E L A RT E D E L A T E O R Í A E S T É T I C A

Es profesor de Teoría Estética en la Universidad Autónoma y uno de nuestros críticos de arte de referencia.

orden institucional y he cometido infinidad de errores curatoriales. No me puedo presentar como un francotirador ni como un visionario descontextualizado, estoy marcado (voluntariamente) por la impureza. He visto a demasiados “transgresores” apalancados en la vitrina museal, cebándose en el “pesebre” de esa misma “burocracía cultural” de la que se declaran “antagonistas”.

Por Israel Paredes · Ilustración: Nuria Cuesta

Ya sea desde su labor docente, comisario artístico o la de crítico en diversas publicaciones, Castro Flórez ha lanzado siempre una mirada de cuestionamiento, desafiante a lo establecido. Hablamos con él sobre el arte español actual.

Mierda y catástrofe es el título de su penúltimo libro. ¿Definen ambas palabras el paisaje del arte actual? No describen, ni mucho menos, la multiplicidad de un mundo “ultra-estetizado”. Más allá del panorama deprimente o escatológico hay toda clase de situaciones y fenómenos. Entre lo sublime y ridículo cobran vida toda clase de maravillas y engendros, incluso esas dos nociones pueden estar superpuestas de forma alarmante.

Tenía interés en describir algunos “síndromes contemporáneos”, convencido de que tenemos razones para el optimismo (una tonalidad vital, por otro lado, que no tiene nada que ver con mi nihilismo jovial): no podemos ir a peor. ¿Qué sobra y qué falta en el arte español actual? De todo y, valga la paradoja fácil, casi nada, como en aquel “resto” 88 EL DUENDE

Hay arte por todas partes, pero ¿cree que hay realmente interés? Me gustaría pensar que precisamente es aquello que no es ubicuo lo que puede suscitar emociones inteligentes. La misma categoría de “interés” carece de interés. sobre el que escribiera con su impar lucidez Ángel González García. Para no quedarme atrapado en el “poquismo” apuntaré que hemos tenido demasiado “postureo” y una falta completa de estrategias adecuadas para superar el “síndrome del ángel exterminador”. Una mezcla aberrante de esnobismo, complejo de inferioridad y nula actitud crítica ha llevado a una proliferación de esteticismo autocomplaciente o incluso a la imposición de una “escolástica (pseudo)radical. La “época del entusiasmo” queda tan lejos como la llamada “cultura de la transición”, afortunadamente de la “Movida” no queda nada

de nada pero lo malo es que lo que tenemos es una zona de merodeo zombi en la que experimentamos una atroz déja vù. Falta, en términos generales y con trazo grueso, intensidad, inteligencia e indignación (a pesar de tantas acampadas heróicas), sobra impostura, impertinencia e “imperialismo” institucional.

Nunca ha sido muy amigo de “lo institucionalizado”, ¿lo está cada vez más el arte, incluso el disfrazado de trasgresor? He tratado de seguir a Deleuze cuando pedía que no se levantara sobre cada instinto una institución. A pesar de todo, formo parte de un cierto

¿Tiene alguna función concreta o se ha convertido en simple espectáculo museológico? No me siento cómodo con el discurso “funcionalista” ni creo que el arte tenga que ser la ilustración de un concepto.

Muchas manifestaciones artísticas están más allá o más acá de la “cultura del espectáculo”, sobre todo si no se quiere hacer de los ácidos diagnósticos de Debord una pomada para todas las dolencias. ¿Tres artistas emergentes españoles? Cristina Garrido, Almudena Lobera y José Luis Serzo. Aunque ya son algo diferente a emergentes, por lo menos para mí, referentes.

FERNANDO CASTRO PIDE QUE ENTREVISTEMOS A BERNARDÍ ROIG

BERNARDÍ ROIG MERODEANDO EL ENIGMA Es uno de los artistas españoles más valorados del momento, tanto interna como internacionalmente, gracias a una trayectoria coherente en el que la figura humana ocupa un lugar prioritario.

Por Israel Paredes · Foto: Vox clamantis in deserto, 2014.

Cortesía_ Galería Kewenig, Berlín/Palma de Mallorca.

Escultura, dibujo y vídeo son los soportes y materiales con los que suele trabajar, por encima de otros más tradicionales. El dibujo es el origen porque incauta el instante, y la línea es el embrión de la obra. Así empieza todo. Los otros soportes dependen de la maceración de ese instante primero. A veces, lo conforman como una presencia en el espacio; entonces, es una escultura. Otras, lo ponen en movimiento; entonces, es una película. Y así, suce-

sivamente. Los materiales y los soportes van y vienen en función de la necesidad poética de las ideas. Las formas sólo son la imagen de las ideas, por eso una idea es una imagen encarnada, hecha carne; es decir visible.

Como el cuerpo de Cristo. ¿Qué lugar crees que ocupará en el futuro la pintura? No creo que uno tenga que preocuparse demasiado por el futuro, el pasado o el presente de la pintura. Por fortuna, la pintura ya no son colores líquidos o pastosos aplicados sobre una superficie plana. La pintura es una indicación de mirada que lo engloba todo. Una vez nos salimos del marco, todo es pintura. Un artista como Kounellis no ha dejado de pintar en su vida, y creo que hace más de cuarenta años que no usa pinceles. A los únicos que les interesa el obsoleto debate teológico de la muerte y resurrección de la pintura es a los pintores de

cuadros inseguros de su trabajo.

El cine ha tenido una influencia crucial en tu obra. El cine, más que producir imágenes, produce lugares. Y transitar esos lugares ha sido, para mí, el paraíso del depredador de imaginarios. He trabajado mucho con los elementos visuales del cine, como una suerte de desviación narrativa, en mis proyectos. Tan importantes como Masaccio o la literatura de Bernhard son Antonioni, Bergman, Lynch o Buñuel. ¿Por qué ese blanco tan intenso que empleas? Las esculturas son blancas para neutralizar su presencia, negar sus cualidades escultóricas y su carácter estatuario. Esa falta de presencia las convierte en imágenes que podrían funcionar como nuestros dobles fantasmáticos amenazantes; todos vamos camino de ser gordos y calvos. Claro que la luz potencia su blancura y acentúa el espesor de nuestra

ceguera. Se trata de evitar que la imagen se acomode al ojo. ¿Qué relación hay entre tu obra y la tradición del arte español? No dudo de que ver es haber visto. Eso implica un vínculo muy intenso entre el deseo y la memoria: recordamos porque deseamos y deseamos porque recordamos.

Mi trabajo forma parte de una cadena de imágenes de las que no puedo escapar, por ello intento asumir un linaje de preocupaciones que viene de lejos, como mi fascinación por el Barroco y sus dispositivos escenográficos. Pero a la vez que asumo esa herencia, la quiero quebrar. De esa tensión nacen mis imágenes. ¿Qué artistas actuales recomendarías? Los trabajos de Bela Tarr, Mark Manders, John Stezaker, Angela Lidell, los hermanos Quay, Jonathan Meese.

EL DUENDE 89

L A E N T R E V I S TA C O M I S A R I A D A

CHEMA DE FRANCISCO COLECCIONISMO RESPONSABLE

Chema de Francisco (Madrid, 1969) es director de la feria Estampa, una de las citas de coleccionismo más importantes de nuestro país, que este año llega a su edición XXIII. El artista y país invitados de este año serán Juan Uslé y Perú, respectivamente.

realidad y potencia de nuestro mercado del arte”, sostiene. “Las galerías que vienen a Estampa, promocionan a sus artistas en un rango de precios adecuado a un tipo de comprador de nivel medio y medio alto con compras de entre 300 y 25.000 euros –con picos que pueden llegar a los 50.000 o 70.000 euros- pero fundamentalmente tratando de crear una implicación no circunstancial del comprador, sino continuada y participativa. De esta forma tratamos de hacer una feria para un coleccionismo posible, realista y sostenible”.

Por Javier Agustí · Ilustración: N. Cuesta

En su quinto año hace balance de la gestión de su equipo, destacando dos logros: la consideración de la feria por parte de los coleccionistas y la redefinición de Estampa como cita interesante para la revitalización del mercado del arte español.

Y todo ello en unos años de gran dificultad para la cultura en nuestro país debido a la gestión de crisis económica.

En lo que se refiere al coleccionismo, la feria ha logrado, tal y como señala su director: “plantear como objetivo fundamental el impulso y atención del coleccionismo privado en España haciendo especial esfuerzo en la extensión social del coleccionismo, en la iniciación a la compra de arte contemporáneo y a la responsabilidad y compromiso del ciudadano con el arte a través de la compra y su implicación con la cultura”.

Estampa se propone redefinir la idea que la sociedad tiene del coleccionismo de arte: “Yo siempre digo que la inversión en arte contemporáneo es una inversión personal, incluso una inversión familiar, con un alcance social y personal muy rentable. Algo que te implica culturalmente, que te compromete en la participación con el arte y la creación artística de tu tiempo. Comprendiendo, interpretando y haciendo tuyo mediante

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el coleccionismo lo que está ocurriendo en los estudios de los artistas, en las galerías y en los museos. Algo que va incorporándose a tu formación personal y a tu manera de entender el mundo que nos toca vivir a través de la reflexión de nuestros artistas”.

La segunda de sus satisfacciones ha sido ver cómo “galerías que nunca habían participado en la feria están descubriendo en Estampa la posibilidad de contactar con nuevos coleccionistas. Nuestro trabajo se centra en propiciar estas posibilidades, siendo muy conscientes de la

Otro de los puntos fuertes de Estampa es su aspecto formativo, protagonizado por una interesante propuesta que lanzan por segundo año: Colecciona (del 14 de abril al 1 de junio) “Tratamos de estudiar todas las circunstancias que van conformando las decisiones de compra de un coleccionista, explicadas por especialistas con casos reales”. Y lo hacen en lugares privilegiados que les abren sus puertas, como la Fundación Juan March, o el Museo Lázaro Galdiano. Un lujo.

Pero, de nuevo, más allá del ‘comprar’, de Francisco insiste en la “gran riqueza que adquieres al entrar en contacto y participar activamente con galeristas, artistas, críticos y profesionales del mundo del arte, y sobre todo la relación que estableces con otros coleccionistas con quienes compartes un espacio social, cultural y económico gracias a un denominador común que es el interés y el aprendizaje a través de la creación artística y el coleccionismo”.

Estampa 2015. Matadero Madrid.

Del 24 al 27 de septiembre. www. estampa.org

CHEMA DE FRANCISCO PIDE QUE ENTREVISTEMOS A MIGUEL AGUIRRE

MIGUEL AGUIRRE P I N TA R L A H I S T O R I A

A este enamorado de Europa, de su historia y “sus culturas” le trajo a España el ganar en 2001 el V Concurso de Artes Plásticas Fundación Telefónica.

La beca era de un año de residencia artística en España, pero lleva viviendo aquí catorce.

años, y ante la ausencia de un museo de arte contemporáneo, el acudir a la Filmoteca de Lima, dos veces por semana, significó mi auténtica asignatura sobre la creación contemporánea. La facultad tenía enormes carencias y el cine, durante esos años que van de 1990 a 1996, las suplió.

Conocer a Lynch, los Coen, Cronenberg, Tim Burton o Kaurismäki reemplazó al poco conocimiento que tenía, en ese momento, del trabajo de Robert Gober o Félix González-Torres, por ejemplo”.

Por Marta G. Haro · Pintura: !? (Aliójina y Tolokónnikova, con pasamontañas, salen de comisaría), 2015.

La lentitud que le pide su trabajo como pintor va pareja con su modo de vida. Se ha trasladado de Barcelona a un pueblo de Tarragona. “El silencio que te envuelve por las noches es algo que valoro cada vez más”, afirma Miguel Aguirre (Lima,1973) quien conoció en nuestro país a su actual mujer y también a su galerista Pilar Serra: “ella se puso en contacto conmigo luego de leer una crítica sobre mi primera exposición en España que fue en la galería Espacio Líquido en Gijón, a finales de 2007. En ese momento no le importó que mi curriculum fuese más bien exiguo sino que se preocupó únicamente por la obra. […]

El diálogo constante, la sinceridad y la libertad de acción son aspectos de ella que valoro mucho. Junto a Daniel Cuevas, su actual mano de-

recha, y Chema de Francisco, en su momento, te cuidan y creen tanto en tu trabajo que hace que te sientas especial.

Con otros artistas de la galería hemos llegado a la conclusión que hace falta muchas Pilares en el mundo del arte.

de Napoleón –por citar un ejemplo- hoy nos parecen serviles y claudicantes. Los pintores de imágenes somos parte de esta rancia tradición pero debemos ser muy conscientes de su alcance limitado, ahora y siempre”.

Su apuesta es por el género de la pintura de Historia: “Cuando pintas te incorporas inevitablemente a una tradición de siglos. La Historia del Arte es un componente que ‘apadrina’ cada pincelada que ejecutas. Sin embargo, esta Historia ya no es, felizmente, una verdad pétrea. Aquellas pinturas sobre la heroicidad

Pero la obra de Aguirre, de rancia, no tiene nada. Sus temas son actuales y su forma de presentarlos, también, no hay más que ver el lienzo que ilustra este texto.

El cine es una referencia constante en su trayectoria y en su vida: “Cuando estudiaba Bellas Artes en Perú, con 17

Juega, precisamente, con la imagen de los actores de Hollywood, en su próxima serie de pinturas, que serán expuestas en abril en Lima en una colectiva de la galería que le representa en Perú, Lucía de la Puente. “Es una deriva de mi serie Biopic que desarrollé en 2009 y en la que retrataba a diversos personajes de la historia universal (Aldo Moro, Idi Amin o Franco) pero empleando únicamente fotogramas de películas. Esta vez los representados son pintores pero no sólo vemos a Picasso, Frida Kahlo o Jackson Pollock sino que reconocemos a Anthony Hopkins, Salma Hayek y Ed Harris. Esta dualidad de la representación es algo que me interesa sobremanera”.

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agenda

EXPOSICIONES 2

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big bang data

Los verdaderos modernos

La exposición “Big Bang Data” explora los efectos de la explosión de grandes datos desde un punto de vista social, cultural y político. A través de cerca de 70 piezas de diferentes creadores como Timo Arnall, artistas como David Bowen (ver entrevista en página 54) o Aaron Koblin, periodistas como Ingo Günther o arquitectos como Diller Scofidio+Renfro, entre otros. La muestra propone un acercamiento crítico y riguroso al ámbito del Big Data. La exposición, comisariada por la arquitecta Olga Subirós y el periodista José Luis de Vicente, combina instalaciones y proyectos artísticos, documentación histórica, entrevistas, documentos audiovisuales y prototipos tecnológicos. [Foto 1: Eric Kessels, 24h in photos, 2011]

El Art Déco vio la luz con la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925, aunque llevaba fraguándose ya algún tiempo, como reacción al art noveau. Su matriz decorativista, de inf luencias múltiples y orígenes aristocráticos, se popularizó rápidamente. La muestra que alberga la Fundación Juan March revisa sus orígenes, con el cubismo como una de sus fuentes, ofreciendo una panorámica del lujo de los años veinte y recorriendo la Exposición Internacional de 1925. Texto: Inés Granha [Foto 2: Man Ray, Simone Kahn, 1926 ©Galería Manuel Barbié-Nogares, Barcelona] “El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935”

ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA “Big Bang Data” Hasta el 24 de mayo Fuencarral, 3 (91 580 87 00) www.espacio. fundaciontelefonica.com 92 EL DUENDE

Fundación Juan March · Hasta el 28 de junio · www.march.es

Entrando en los despachos de otros Por primera vez en Madrid y tras su paso por Bilbao y Valladolid, la exposición “La piel translúcida” muestra parte de la colección de arte de Iberdrola. Considerado uno de los conjuntos artísticos privados más relevantes de nuestro país, está compuesto por más de 200 piezas que habitualmente se reparten por los despachos de la compañía hidroeléctrica. Un recorrido por el arte vasco de finales del XIX, el arte español desde principios del XX hasta nuestros días y, sobre todo, la fotografía internacional contemporánea, a través de obras de artistas tan relevantes y consolidados como Chillida, Oteiza, Saura, Antonio López, Gerhard Ritcher, Mapplethorpe, o Candida Höfer entre muchos otros. Texto: Beatriz G. Corredera [Foto 3: Robert Mapplethorpe] “La piel translúcida“ · Centro Centro. Palacio de Cibeles · Hasta el 7 de junio.

4

3 Videoarte en el Lázaro Galdiano

Más allá del cuerpo

El Museo Lázaro Galdiano se adentra en el videoarte de la mano de la exposición Vídeo-Régimen, en la que se muestra y analiza una selección de videoarte internacional, procedente de colecciones privadas de nuestro país. Dialogando con obras de la propia colección del museo, piezas de vídeo de artistas como Bruce Nauman, Douglas Gordon o Itziar Okariz. También se podrán ver conversaciones grabadas en las que grandes coleccionistas hablan sobre la experiencia de coleccionar videoarte. Texto: Beatriz G. Corredera “Ví-

30 imágenes. 30 cuerpos. 30 historias. “Yo, la peor de Todas” es el título de la exposición que acoge Mondo Galería (San Lucas, 9) en la que hace un recorrido fotográfico por la obra de 14 fotógrafas de diferentes países que utilizan su cuerpo para realizar fotografías que van de la exhibición de lo íntimo a la ironía, de la representación arquetípica al masoquismo del YO. La muestra, comisariada por Helena Santiago para Mondo Galería dentro del proyecto a3bandas, propone analizar la fragilidad humana a través de autorretratos sin pudor. Texto: Tomi Aguirre [Foto 4: Self Portrait as Bond Girl, 2008 © Natalia Mali / cortesía MONDO GALERÍA “Yo, la peor

deo-Régimen. Coleccionistas en la era audiovisual” · Museo Lázaro Galdiano · Hasta el 11 de mayo.

de Todas” Mondo Galería · Del 11 de abril al 1 de mayo.

Exportando arquitectura

Cultura y desarrollo urbano

El Museo ICO nos ofrece la oportunidad de conocer de primera mano las principales obras de los arquitectos españoles que han trabajado fuera de nuestras fronteras durante la última década. Tras analizar la figura de más de 300 arquitectos, la muestra hace repaso a la presencia de nuestro país no sólo en las grandes construcciones y los nuevos estudios de profesionales españoles, sino también en la docencia y otros campos tangentes a la arquitectura, intentado mostrar al completo el estado actual de una disciplina que ha sido tan relevante para la economía española. Texto: Beatriz G. Corredera “Export. Arquitectura española en el ex-

La Galería Casado Santapau (Piamonte, 10) presenta una exposición dedicada a Andreas Fogarasi (Viena, 1977) comisariada por Luisa Espino dentro de a3bandas. En ella podremos contemplar varios vídeos y otros trabajos. En la obra de Fogarasi, conviven dos líneas de trabajo: la que reflexiona sobre el papel de la arquitectura en nuestra sociedad y la que presta atención a la importancia de los materiales, las estructuras y el diseño, de corte más minimalista.El resultado son piezas de aspecto escultórico y contenido altamente documental en las que analiza cómo se nos presentan las cosas y la influencia que tiene la cultura en el desarrollo urbano.

Texto: Tomi Aguirre Andreas Fogarasi en Galería Casado

tranjero” Museo ICO · Hasta el 17 de mayo.

Santapau · Del 11 de abril al 30 de mayo.

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EXPOSICIONES

THE SUB®: La Exposición luz verde a la creatividad

Madrid y Barcelona se han teñido de neón y aires neoyorquinos con la segunda edición de THE SUB®: La Exposición.

Una intervención urbana creada por Grupo Duende junto a Heineken y SMG Group de impresionante fuerza visual que se sumerge en los escaparates de emblemáticos comercios y locales de diseño

para exponer como obra de arte a THE SUB®, la última innovación de Heineken para el consumo de cerveza de barril en casa. Además, como parte de la acción, el colectivo Travesías de Luz presenta en exclusiva la instalación ¿Qué estás mirando? en la Galería David Bardía de Madrid.

El dispensador THE SUB® de HEINEKEN diseñado por Marc Newson, se integra en los espacios, generando un diálogo con los viandantes, sorprendién-

dolos e invitándolos a elevar a la categoría gourmet su degustación doméstica de cerveza de barril.

La selección de locales se ha llevado a cabo por su contenido diferenciador y su apuesta por el diseño y la innovación que reflejan los valores de THE SUB®.

Súmate a #NavigateTheSub. Texto: Tomi Aguirre · Fotos: Juan Carlos Quindós

MADRID: BANNI Jorge Juan , 43 / DAVID BARDÍA Villanueva, 40 / AÑOS LUZ Castellana, 82 / bulthaup-Galera Santa Engracia, 115 / PILMA Serrano, 4 / VERDI María de Molina, 19 / STOW & SON Augusto Figueroa, 11 / XEY MADRID Juan Bravo, 45 / FÉLIX RAMIRO Claudio Coello, 19 BARCELONA: BANNI Av. Pau Casals, 6 / XEY Casanovas, 220 / PILMA Av. Diagonal, 403 / PUNTO DE LUZ Pau Claris, 146 / NINO ÁLVAREZ Muntaner, 339 / SILBÓN Av. Diagonal, 383 / THE OUT POST Rossellón, 281 / IGUAPOP Comercio, 15 / COOKING Provenza, 246

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CIRCO

Fernand Rainville equilibrio maestro

El Cirque du Soleil ha elegido Madrid para estrenar Amaluna en Europa. El último montaje de la compañía canadiense es una acrobacia de sentimientos.

Y es su director creativo. La pasión con la que describe el proceso de creación debería ser suficiente para ir a cada una de las funciones que se representen entre el 6 de mayo y el 21 de junio en la Puerta del Ángel. Pero es imposible reproducir su entusiasmo, así que sintetizamos -con él- las líneas maestras de este montaje.

Mujeres. El 70% del elenco con mujeres.

Heroínas que protagonizan historias inspiradas en la mitología griega y nórdica, La Tempestad de William Shakespeare o la La flauta mágica de Mozart.

Homenaje. Es una reflexión sobre el equilibrio desde la perspectiva de la mujer.

No desde un punto de vista político, sino como homenaje, reivindicación y justicia.

No es un relato ficticio inspirado en criaturas increíbles o universos fantásticos. Es una historia inspirada en la literatura del ser humano.

Circo, danza y sentimientos. La premisa era encontrar mujeres fuertes porque la parte circense es importante. Pero la emoción es la placenta de Amaluna, así que el casting se convirtió en un trabajo de precisión quirúrgica. Las actrices debían ser acróbatas físicas y emocionales.

Reto conseguido.

Artesanía tecnológica. El montaje es un espectáculo de emociones encadenadas.

Pero Rainville destaca una acrobacia sobre un móvil construido a partir de trece hojas de palmera. ‘Es el número más fuerte del show. Tardamos más de un año en fabricarlo y es una auténtica oda al equilibrio’.

Trabajar con mujeres. No es una exhibición de showgirls. No es una proyección de la mujer como ‘objeto sexual’. Es una historia sobre la familia, el amor, los valores… Y creo que, en ese sentido, las mujeres tienen más sentido común. Además, sus niveles de concentración, disciplina y principios éticos son más fuertes. Son más competitivas, más exigentes y trabajan a un ritmo frenético.

Sorprender. La tecnología y los estímulos visuales han revolucionado los sentidos y

sorprender visualmente es cada vez más complejo. Fernand Rainville ha sido director de espectáculos como la Super Bowl así que es consciente del ‘lado oscuro’ de los avances tecnológicos. Sin embargo, asegura que Amaluna es una experiencia sensorial completa. ‘La primera pregunta que nos hacemos antes de empezar a crear un espectáculo es: ¿Cómo podemos sorprender al público? Ese es nuestro punto de partida. Y la respuesta es: Buscar emociones y crear desde los sentimientos. La tecnología no reemplaza a las emociones.

Es una herramienta, pero lo importante es la honestidad. Si no, todo es fast food. Y Amaluna se ha cocinado a fuego lento. El público espera emocionarte y no podemos defraudar. Es nuestro leitmotiv’. ¿Por qué hay que ver Amaluna? Es un viaje alucinante. Una oda al amor. Un espectáculo brutal que activa los cinco sentidos. Una celebración de la vida, el amor y las relaciones que no te dejará indiferente. Texto: Rebeca Queimaliños [Foto: Uneven bars ©Laurence Labat] Amaluna · Desde el 6 de mayo hasta el 21 de junio · Entrada general: 30 a 95 euros · www.cirquedusoleil.com EL DUENDE 95

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+ PLANES 2

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esCeNa: eMerGenCia eSCÉniCa

CiNe: el arTe, COMO eXCUSa

El teatro emergente y alternativo se da cita, por segundo año consecutivo, en el festival Surge, que impulsa la Comunidad de Madrid. Cerca de 50 compañías de teatro, danza y perfomance nos ofrecen 199 espectáculos (49 estrenos), en 20 espacios que incluyen La Usina, Cuarta Pared o la Sala Mirador. Destacan las “Intervenciones Plásticas Aparentes” de varios artistas como Jorge de la Cruz; la Pepín Machine de Los Abajonistas, en la que se harán fotos al público asistente; y la propuesta de Regina Fiz, Tertulias Clandestinas. Texto: Inés Granha [Foto 4: Paula Quintana, Latente] Festi-

Mientras Johnny Depp soluciona sus problemas con el alcohol sus seguidores tienen la oportunidad de ver otra de sus excéntricas creaciones en Mortdecai, una mezcla de comedia disparatada con película de robos de corte clásico y acento british que adapta la trilogía literaria de Kyril Bonfiglioli. El actor -secundado por una despampanante Gwyneth Paltrow- interpreta a un marchante de arte con bigote daliniano que recorre el planeta buscando una pintura robada que podría contener el código de una cuenta bancaria llena de oro nazi. El director es David Koepp, uno de los guionistas más importantes de la industria, autor de los guiones de blockbusters tan perfectos y capitales como Jurassic Park o Misión Imposible. Texto: Nino Risueño [Foto 1] Mortdecai, de David Koepp · Comedia · Estreno: 10 de abril.

val Surge Madrid · Varios escenarios · Del 8 al 26 de abril · www.madrid.org/surgemadrid

DaNZa: CarMen Se HaCe la SUeCa

CiNe: el SenTidO de la vida

Se estrena el plato fuerte de la Compañía Nacional de Danza para esta temporada, donde ha hecho gala de una programación variada, combinando clásico y moderno, con ocasión de su 35 aniversario. Se trata de una versión de Carmen a cargo del multipremiado coreógrafo sueco Johan Inger, que reinterpreta el clásico de Georges Bizet focalizando su versión en la violencia, vista desde la mirada de un niño. El espectáculo se completa con una escenografía sobria y angulosa y vestuario de David Delfín. Texto: Inés Granha Carmen · Teatro de la

“¿Dígame?”, “Hola”, “¿Quién es?”, “Soy Dios”. Con semejante diálogo telefónico entre dos ancianos de una misma residencia arranca La fiesta de despedida, la película con título profético que triunfó en la pasada edición de la Seminci y que cabría colocar en la estantería de los dramas simpáticos bajo un plausible letrero que diga “ese tipo de cine de reír y de llorar intermitentemente”. Narra las peripecias de un grupo de abueletes que confabulan para que un amigo terminal reciba una muerte digna. Con algo de El quinteto de la muerte, la película de Granit y Maymon carga las tintas cómicas cuando a la pandilla le salen otros pretendientes en la residencia, pero se oscurece y amarga según va avanzando a su inevitable final. Texto: Andrea G. Bermejo La fiesta de despedida, de Tal Granit ·

Zarzuela · Del 9 al 19 de abril.

Drama · Estreno: 17 de abril.

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CoNCierto: eleCTrÓniCa Para GOUrMeTS

CoNCierto: reinvenTandO la invaSiÓn BriTÁniCa

Desde el acid techno hasta el free jazz, Holden ha sabido posicionarse como el mezclador más talentoso de su generación, con seguidores tanto en los clubbers más puristas como en las filas de indies subidos al carro rock dance. Esta actuación a varias manos, las de Holden a los platos y las de sus acompañantes en percusión y saxo acompañando sus bases, a cuenta de la publicación de su nuevo álbum The Inheritors, promete ser una de esas citas ineludibles para el que quiera disfrutar de algo nuevo, arriesgado y, sin duda, sobresaliente. Y, por cierto, con promoción especial en el precio de las 50 primeras entradas. Texto: Ángela Cantalejo [Foto 3] James Holden ·

Las referencias de Sala & The Strange Sounds son bastante evidentes: suena a Manchester, a Beatles acelerados, a una pincelada The Libertines, un poquito de los Kinks más pre-punk, bastante a de The Fratellis y, en fin, a ese gran sonido renovado de la Gran Bretaña que tan buenos momentos nos trajo el principio de este siglo. Presentan su segundo álbum, #Fotomatic, en la Sala Arena y, aunque inventar no inventan nada, prometen un buen espectáculo aunque sea solo por volver a saltarse las normas de lo corriente una vez más: tiene un novedoso método de distribución en el cual, el usuario, puede escuchar el disco on-line, descargar el disco gratuitamente y realizar una donación en la plataforma Patreon. Texto: Ángela Cantalejo Sala & The Strange Sounds · 24 de abril · Sala Arena.

17 de abril · Joy Eslava.

esCeNa: THriller COn MenSaJe

CiNe: aMOr GUiOniZadOr

El Centro Dramático Nacional nos acerca a una figura clave en la historia de la dramaturgia europea, a la altura de Stanivslaski, y sin embargo desconocido para el gran público. Hablamos de Maurice Maeterlinck, Nobel de Literatura, un poeta de la angustia del hombre contemporáneo. El Centro acierta presentándonos tres obras en una, la Trilogía de la ceguera. Tres piezas basadas en el suspense, cada una dirigida por un director diferente, entre ellos Raúl Fuertes, actualmente triunfando con Novecento. Texto: Inés Granha [Foto 2 © marcosGpunto] Trilogía de la ceguera · Del 22

Chico (Quim Gutiérrez) conoce a chica (Marta Etura), que darán algunos pasos clásicos de cualquier comedia romántica, con la diferencia de que, en este caso, el chico no es el protagonista de la historia sino un personaje creado por éste. Ernesto Alterio –en su mejor papel hasta la fecha– interpreta en la segunda película de Alejo Flah, guionista de Séptimo, a un escritor con bloqueo que escribe el guión de una comedia romántica mientras se separa de su mujer en la vida real. El humorístico pero lacónico contraste entre ambos planos narrativos emparenta a Sexo fácil, películas tristes con comedias románticas como (500) Días juntos o Ruby Sparks, revisiones irónicas del género pero igual de bonitas que aquéllas.

Texto: Andrea G. Bermejo [Foto 5] Sexo fácil, películas tristes,

de abril al 24 de mayo · Teatro Valle Inclán.

de Alejo Flah · Comedia · Estreno: 24 de abril.

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