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13 julio agosto Carlos Gil Zamora

Aumentar la capacidad de resiliencia para transitar de la entropía a la distropía

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xperimentamos un desgaste las producciones teatrales, las salas de nuestras reservas de reestán ahogadas, descapitalizadas y siliencia aplicada al devenir los públicos empiezan a mostrarse consuetudinario. Se hace dimás esquivos, debido a la crisis, al fícil asumir una actividad consistente aumento del precio de las localidades simplemente en la resistencia, en la por culpa del criminal IVA, y un largo supervivencia. Quizás asumir la reaetcétera de probables causas que lidad histórica conlleve esta entrega no dejaremos de señalar porque nos y esta pérdida de energía. No estaaprisionan. mos hablando solamente de nosoEstamos hablando de un cuerpo, tros como medios de comunicación de un conglomerado de gremios y especializados y editores, sino en el actividades que se interrelacionan. ambiente se palpa un cansancio basNo se trata de curar un pólipo en tante remarcado. Un cansancio que una parte de él, sino de mirarlo gloCerrando esta edición recibimos la compartimos y que nos afecta porque balmente para intentar encontrar somala noticia del fallecimiento de creemos que es el momento de buscar luciones que ayuden a mantener con Miguel Narros, una referencia esenmayores reservas donde sea de una sus rasgos vitales suficientes al todo, cial para varias generaciones de actitud de lucha y resistencia ante lo al Teatro, a las Artes Escénicas, en teatristas. El Gran Maestro que hace que está sucediendo y lo que se nos todos su campos y graduaciones. De apenas unas semanas estrenó su últiavecina. eso estamos hablando.

La verdad es que en el Parnaso, Por eso reclamamos una búsqueda ma dirección de La Dama Duende. las cosas van. Hemos asistido a la en todos los reservorios de resilienNos solidarizamos con el dolor presentación de las temporadas del cia para encontrar las capacidades de sus familiares y amigos.

Centro Dramático Nacional, hasta junecesarias para que la entropía, ese nio del 2014, lo mismo que del Teatro saber que todo tiene su fin, que esta Arriaga de Bilbao, o del Teatre Lliure revista, aquella compañía, la otra sala de Barcelona. Es un buen síntoma, se lanza un mensaje en positivo. Al pueden ser pasado dentro de unos meses, un año, una década o siete menos esos coliseos, y otros que aquí no mencionamos, van a seguir quinquenios se revierta, que trabajemos para aumentar la distropía, programando, produciendo, coproduciendo. Pero ¿cuánto significan en la posibilidad de regenerar tejido, de que se pueden hallar vías de poel total de la actividad teatral estas instituciones de la primera división? tenciación de toda la actividad teatral, que los recursos existentes se La situación de la inmensa mayoría de los teatros de las redes, de utilicen de la mejor manera posible para intentar no tener que llegar a los festivales y ferias, de las compañías privadas o concertadas es de soluciones quirúrgicas traumáticas, en definitiva, convencernos de que incertidumbre absoluta; un porcentaje que roza el noventa por ciento es posible cambiar de manera modulada y a medio plazo la situación. de los actores y actrices, un porcentaje similar de técnicos, distribuidoClaro está, no es una solución inmediata. Tiene que ser un tratares, escenógrafos, diseñadores de vestuario, directores y una extensa miento que comience por cambiar los hábitos cotidianos para tener nómina, están sin trabajo. Sin expectativas. Las producciones televiuna vida más sana. Y esos hábitos que se pueden considerar nocivos sivas absorben un número cada vez más limitado de profesionales, para mantener una vida longeva, insisto, no solamente para este pe-

Número: 191 - año 17 · Julio / Agosto 2013 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artezblai | CIF: B95380168 | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Espectáculo Murga Madre ©Alejandro Persichetti

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Editorial

Esta revista recibió una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en 2012

Opinión 4 - 5 6 7 68 69 70-72 73 74 75 76 77 78

Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El lado oscuro – Jaume Colomer Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El método griego – María Chatziemmanoui Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Las lejanías – Carlos Be Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado

Estrenos 10-11 12

Tomás Moro, una utopía de VV.AA por UNIR Teatro Miscelánea de estrenos

Festivales

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

14-20 Festivales de teatro clásico: Almagro, Mérida,

Olite, Olmedo, Alcántara 22-26 Festivales de Miami, Brasilia, Almada 28-31 Festivales de Artes de Calle: Kalealdia, Lekeitio,

Kalerki, Aguilar de Campoo 32-33 FETAL 34 Feria de Teatro de Castilla y León 36 FITAG 37 Feria de Teatro en el Sur - Palma del Río 56 Miescelánea de festivales

índice

queño conglomerado de actividades periféricas en torno a las artes escénicas, sino para los que realmente cuentan que son los creadores y los públicos, y como intermediarios entre ellos, los gestores, que pueden ser de rango funcionarial o privado, pero que en todos los casos existen otras instancias donde se deben tomar decisiones que sirvan, en su conjunto para cambiar la polaridad de los acontecimientos.

Mientras tanto pasan los meses, se suceden los acontecimientos, estamos en tiempo de festivales al aire libre, de eventos alrededor de los clásicos convertidos en fuente cultural y turística, un tiempo en donde no se pasa frío, pero que es el preludio del otoño, que lleva al invierno. Disfrutemos de lo que todavía nos proporcionan estos festivales, estas actividades mantenidas con esfuerzo manifiesto, pero atentos a lo que está sucediendo. en paralelo de manera constante.

Se está entronizando el microteatro, las salas minúsculas, que son fuentes generadoras de expectativas, ilusiones y lugar de encuentro.

Pero andemos con mucho cuidado en fijar nuestro futuro en estas soluciones parciales. Bienvenidas sean, pero cuidado con su función distorsionadora de la profesión.

Sin lugar a dudas la situación está como está, y que se abran espacios nuevos, se debe celebrar, pero miremos su funcionalidad y viabilidad, su interrelación con otras salas ya existentes, con los teatros institucionales, los comerciales y la tercera vía. La falta de recursos para la difusión no contribuye a que aumenten los espectadores. Ni ayuda el precio de las entradas, ni la bajada de calidad. Sin olvidarnos de la presión ejercida sobre los profesionales, con una bajada de los emolumentos que empieza a ser estructural y no coyuntural. Los derechos ganados a pulso se están yendo por las rendijas de esta maldita crisis económica.

A nosotros nos llegan flujos para activar nuestra resiliencia a través de nuestro periódico digital, que crece en visitas, páginas servidas y nos da un sentimiento de estar haciendo un servicio público. Esta revista ARTEZ saldrá, seguro durante este año 2013. Nuestra voluntad es continuar siempre. Pero desgraciadamente no podemos presentar la programación hasta el 2014. En este año se nos han ido, porque sí, ayudas de una entidad de ahorro que desde nuestro nacimiento nos arropaba. La publicidad no crece, algunas ayudas han desaparecido y las que no han bajado cerca del cincuenta por ciento. Hemos tomado medidas drásticas, rebajado los costes, pero estamos contaminados por todo el ambiente. No somos autónomos de la realidad. Y si todo el sector está padeciendo, nosotros también. O más, porque estamos en las afueras. No formamos parte directa del tejido productivo.

Podemos pensar en que somos necesarios, que se nos echará a faltar cuando no estemos, pero son apreciaciones nostálgicas, que no se compadece con la actitud actual de muchos, que es la de ignorarnos y darnos por amortizados. Pelearemos hasta el final. Pero quizás desde otras trincheras. Hemos dado la vida, los conocimientos, la profesionalidad y bastantes recursos económicos propios a la causa.

Buscamos motivaciones, objetivos superiores para recargar los depósitos. Como tantos otros.

Suplemento 39-54

Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier

En gira 58-62

Programaciones varias de temporada estival

Zona abierta 64-66 Centeranio Institut del Teatre 80-81 Gente de palabra 82-83 Escaparate 85-90 Crónicas de: Festival Internacional de Clowns y Payasos de Arrigorriaga; Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra; Umore Azoka - Feria de Artistas Callejeros de Leioa; TAC - Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

13 julio agosto Rondas escénicas

María-José Ragué-Arias

Barcelona y “Barcelona”

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uando todo aboca al pesimismo, cuando llevamos una temporada entera sin un solo espectáculo extranjero, cuando se despide a once trabajadores del TNC, se cierra su Sala Tallers y se anunciaba un ERE temporal en el Lliure, de repente todo parece cambiar.

De entrada, una inyección monetaria institucional en el Lliure alejó el peligro del ERE, Belbel acaba su dirección del TNC con varios éxitos, entre ellos “Barcelona”.., Se presenta un Grec prometedor... ¿Podemos respirar con tranquilidad? Quizás...

Veamos el Grec. “Las tres hermanas” de Chejov en un pueblo japonés del futuro, siendo una de ellas un androide, será la primera visita internacional, el Toneelgroep de Amsterdam trae seis horas de una mezcla de tragedias de Shakespeare, Milo Rau mostrará “Hate Radio” sobre la masacre tutsi de Ruanda en 1994... no voy a hacer la lista pero a partir del Grec se abre la esperanza... Hay alicientes Y lo que todavía la abre todavía más es el anuncio de la próxima temporada del Lliure.

De hecho, en el Lliure ha aumentado la ocupación de los espectadores y de los abonados y en consecuencia también ha crecido la recaudación. Pero sobre todo es importante el espíritu de generosidad de Lluís Pasqual que programa un espectáculo de Roberto Bolaño dirigido por Àlex Rigola, un Beckett interpretado por Emma Vilarasau dirigido por Sergi Belbel, varios textos de Juan Marsé dirigidos por Oriol Broggi, la “repesca” “A la ville de Barcelone” dirigido por Joan Ollé y que reprograma dos grandes éxitos de esta temporada en el Lliure como “L’Onada”(la ola) que tuvo una ocupación del 100% o la actual “Els Ferèstecs” que la ha tenido de un 97’5%....Y nos va a traer al mismísimo Wajdi Mouawad en “Seuls” y a Ariane Mnouchkine con “La ronde de nuit”...¿Será el fin de la crisis? Porque claro, Xavier Albertí inaugurará su singladura en el TNC y no hay duda de que alguna sorpresa agradable nos dará también y... Focus, empresa privada, no será menos... digo yo...

Pero volveré a lo que era mi propósito al empezar este artículo, una intención que tenía también ciertamente visos de optimismo. Y es que quiero hablar de “Barcelona”, la obra de Pere Riera que cierra con importante éxito la Sala Gran del TNC en la etapa Belbel. Que aumente nuestro patrimonio teatral contemporáneo merece ciertamente su celebración.

Al parecer somos varios los que consideramos que “Barcelona” no es una obra menor sino que con todos sus defectos-que son pocos-, es una aportación significativa a la historia de nuestro teatro catalán contemporáneo y que como tal debe pasar a la historia de esta época.

El 6 de este mes de junio, Francesc Marc Álvaro titulaba su artículo

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de La Vanguardia “Muertos y bombas en el TNC” y en él dice haber asistido “a un montaje teatral catalán que habla de nuestro pasado reciente desde la conciencia adulta y madura de la complejidad” Ciertamente es importante que el teatro explore nuestra historia y lo haga con rigor y honestidad... y que nos emocione... y que nos transforme mediante la invitación a pensar...

En efecto, “Barcelona” nos cuenta lo Barcelona ©David Ruano que sucede el 17 de marzo de 1938 (una de las tres jornadas de sistemáticos bombardeos sobre la ciudad por parte de los aviones de la Italia fascista, que, al igual que la Alemania nazi, ayudaba al bando franquista durante la guerra civil). Pere Riera nos lo cuenta a partir de la historia de una familia, y se centra en la peripecia de dos mujeres amigas, opuestas de carácter y de ideas. Es una familia que se esfuerza en hacer una vida “normal” pese a todo y que celebra ese día, el cumpleaños de la hija adolescente de la familia. Y de hecho, la obra, es un día en la vida de esta familia, frágil y compleja, muy viva. Y lo importante de esta historia es que, como la vida, es un tango, el tango que bailan la hija de la familia Miriam Iscla con su gran amiga que se había marchado a Francia, Emma Vilarasau. Una amistad, dos posiciones que no son del todo contrapuestas, una danza teatral bellísima. Miriam Iscla, viuda del industrial asesinado, cabeza de la familia, es quien saca adelante la familia, su suegro, sus dos hijos, la empleada doméstica, el prometido de la hija, un pintor amigo... pero el meollo de la cuestión está en la contraposición de esta cabeza de familia con su gran amiga, actriz, que llega de Francia con la intención de rescatarla. La jornada es festiva en cuanto al intento de celebración del cumpleaños de la niña, pero es dramática cuando caen las bombas. Hay un collage en esta obra que le permite todos los éxitos. Por un lado tenemos una crónica de la vida cotidiana bajo las bombas fascistas, lo que posibilita un debate ideológico. Por otro tenemos unos fantásticos actores presididos por dos grandes actrices como la Vilarasau y Miram Iscle que formulan también el debate. Hay momentos de “fácil” efectismo, que incluso disminuyen la potencia del texto. Es demasiado efectista y vacío que tras un bombardeo que la familia aguanta inamovible, suene “La Santa Espina”, la sardana que es emocionante himno en Cataluña. La guerra separó a dos amigas que finalmente dicen lo que piensan y que acaban la obra bailando un tango, genialmente, largamente, aplaudidamente: “Por una cabeza”.

Hará unos diez años que en la UB en la clase de Historia del Arte Dramático yo le preguntaba a uno de los alumnos a qué iba a dedicarse, y me contestó que él escribía teatro. Era Pere Riera. Sabía lo que quería y lo ha conseguido. Así da gusto.

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Desde la caverna

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David Ladra

Pioneras de la ciencia en España

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n el endiablado tejemaneje que el entorno erudito del Caudillo tuvo que armar para reenganchar la Cruzada con el resto de la Historia de España, el primer tercio del pasado siglo se quedó en la estacada. A Él le habría gustado empalmar en directo con los Reyes Católicos, pero alguna mente más preclara de su séquito debió recomendarle “el 98” para aprovechar el contraste entre la ruina que sufría la Patria tras la pérdida de las colonias con el refulgente esplendor del Glorioso Movimiento Nacional. El caso es que aquella época de renovación intelectual y material del país que habría de llevar a la Segunda República desapareció de los libros de texto que, con mayor o menor ahínco, estudiábamos los españolitos en la postguerra. Lástima que así fuera porque hasta que no llegó la Transición no pudimos saber a ciencia cierta que fue precisamente en aquel tiempo cuando se creó la España moderna. Escuelas, institutos, universidades e incluso algún laboratorio o centro de investigación, aunque incipiente, se empezaron a recuperar de la modorra decimonónica al tiempo que, favorecida la economía por nuestra neutralidad en la primera guerra mundial, los conocimientos que generaron aquellos saberes tuvieron ocasión de prosperar en forma de obras públicas, comunicaciones, instalaciones energéticas e industrias. Que este progreso material no fuera acompañado de una regeneración ética de nuestra sociedad, manteniéndose ésta encorsetada en unos códigos trasnochados escritos al dictado del conservadurismo político, la acumulación capitalista y la moral católica, hizo que su expansión no fuera duradera y terminara al cabo de los años en una hecatombe nacional que, tal como está el patio, sería disparatado olvidar.

Pero la Historia de una nación determina todo un sinfín de historias de las instituciones que la forman y de los ciudadanos que la pueblan. La que aquí nos ocupa da cuenta de los avances de la ciencia en España en aquel primer tercio de siglo y, muy en particular, de los esfuerzos que hicieron unas pocas mujeres por salir de su secular sometimiento e incorporarse, contra viento y marea, a aquel movimiento emancipador del saber que prometía liberarlas por siempre de la represión ejercida por una sociedad patriarcal.

Una historia, la de estas adelantadas de la ciencia que pretendían abrir brecha en un dominio monopolizado por los hombres, que la doctora Carmen Magallón ha relatado puntualmente en su libro ‘Pioneras españolas en las ciencias: las mujeres del Instituto Nacional de Física y Química’ (CSIC, 2004) y que ha dado lugar a una singular experiencia pilotada por José Sanchis Sinisterra en el marco de los talleres de dramaturgia que se llevan a cabo en su Nuevo Teatro Fronterizo. El trabajo lo han realizado cinco galardonadas autoras de nuestro país – Blanca Doménech, Yolanda Pallín, Eva Redondo, María Velasco y Lucía Vilanova – quienes, a partir de la información contenida en el citado libro, han reconstruido las vidas y carreras científicas de cinco de estas pioneras y, bajo la coordinación dramatúrgica de Sanchis, las han fundido en un único

texto colectivo. Un texto que parece estar escrito sobre brasas, de la pasión que sus autoras han puesto en él al constatar que las biografías de aquellas mujeres, truncadas por la Guerra Civil y la dictadura franquista, y ya impactantes de por sí, nos revelan, al ponerlas juntas, un panorama prácticamente completo de la Historia de España de aquel tiempo. Y es que, como se ha dicho, la Historia determina nuestras vidas pero son nuestras historias personales las que la acaban de dar forma.

Ninguna de aquellas pioneras resultó ser Marie Curie, ni la modesta infraestructura científica del país daba para ello. Muchas se vieron en la obligación de batallar, para poder estudiar, o contra su familia o contra sus colegas masculinos, que se reían de las “mujeres sabias”; todas obtuvieron espléndidos resultados académicos; la mayoría salió fuera de España para completar sus estudios e iniciarse en la investigación; todas ocuparon cargos de responsabilidad en las instituciones de su tiempo; y todas, salvo una, tuvieron que morir en el exilio. Que la zaragozana Amparo Poch, que estudió Medicina y pretendió ejercerla, muriera trasterrada en Toulouse, era, por decirlo así, de cajón, dado que a su brillante historial académico unía otras cualidades como ser feminista, partidaria del amor libre, pacifista y miembro de la CNT. Trabajó con Federica Montseny en el Ministerio de Sanidad durante la República y luchó como miliciana en el frente antes de pasar la frontera en febrero de 1939. También a María Teresa Toral, que estudió Ciencias Químicas, su compromiso con la causa republicana la llevó a la cárcel en dos ocasiones, lo que la incitó a exiliarse en Ciudad de México en 1956. Allí impartió clases de Química y Bioquímica en el Instituto Politécnico y retomó una brillante carrera como pintora y grabadora que había iniciado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. Margarita Coma y Regina Lago, ambas pedagogas en la rama de Ciencias y cuñadas, terminaron sus vidas fuera de España, la primera en Exeter (Reino Unido) y la segunda en la Ciudad de México. La única que permaneció en España fue la doctora en físicas Felisa Martín Bravo quien, a pesar de ser alumna de Julio Palacios y Blas Cabrera, nunca pudo dedicarse a la investigación debido a su trabajo como meteoróloga y sus deberes como ama de casa. Y es que, en alguna manera, había que pagar el ser afecto al Régimen plegándose a su condición machista.

Con igual entusiasmo y sabiduría que las dramaturgas citadas, y dirigidas por Laura Ortega, seis intérpretes – Carmen Soler, Mamen Camacho, Nahia Laiz, María Besant, Nerea Rojo, Georgina Deyebra y Rafael Ortiz – procedieron el pasado 3 de junio en La Casa Encendida a una lectura dramatizada del texto - producida por Le Monde Diplomatique en español, la Fundación Autor de la SGAE y el Nuevo Teatro Fronterizo - que obtuvo una clamorosa recepción del público.

En estos momentos y acuciado por los recortes en cultura, el Nuevo Teatro Fronterizo de Sanchis Sinisterra lucha por su supervivencia.

De perecer en el intento, como ya han perecido tantos otros, todo este trabajo se perdería y, con él, parte de la memoria del país. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto UNIR Teatro estrena ‘Tomás moro, una utopía’ en Almagro

Un erudito que ilumina una trascendental época histórica UNIR Teatro se implica en la producción de espectáculos teatrales con esta obra que dirige Tamzin Townsend

Obra: TOMÁS MORO, UNA UTOPÍA. Autores: WILLlAM SHAKESPEARE , Anthony Munday, Herny Chettle, Thomas Dekker y Tomas Heywood. Versión: Ignacio García

May. Intérpretes: José Luis Patiño, Richard Collins-Moore, Lola Velacoracho, Silvia de Pé, Sara Moraleda, Manu Hernández, César Sánchez, Paco Déniz, Chema Rodríguez-Calderón, Jordi AguilaR, Ricardo Cristóbal. Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda. Vestuario: Gabriela Salaverri. ILUMINACIÓN: Felipe Ramos. SONIDO: Sandra Vicente. Ayudante de dirección: Ricardo Cristóbal. Dirección: TAMZIN TOWNSEND. Producción: Fundación UNIR (Universidad Internacional de La Rioja), Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Es.ArteX. Duración: 1 hora 40 minutos. Lugar: Plaza de Santo Domingo Almagro. Fecha: 5 al 7 de julio (22.45 horas).

L

a Fundación UNIR de la Universidad Internacional de La Rioja, inicia sus actividades como empresa teatral con el estreno del espectáculo Tomás Moro, una utopía, que produce junto al Festival de Teatro Clásico de Almagro en el que se exhibirá por primera vez y de Es.Arte y que se basa en el texto de William Shakespeare y otros autores isabelinos nunca antes representados en España como Anthony Munday, Henry Chettle, Thomas Dekker y Tomas Heywood. Esta apuesta por involucrarse en la producción escénica está precedida por el patrocinio de la gira de ‘Enrique VIII’ que la compañía Rakatá estrenó en el Nuevo Globe de Londres y que, gracias a UNIR, pudo verse por más de una 10

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decena de ciudades españolas. “Con estas dos obras del Bardo de Avon UNIR busca establecer un puente en su discurso teatral y arrojar luz sobre un momento histórico de Inglaterra, importante para todo Occidente”, señala el director de UNIR Teatro, Ignacio Amestoy.

El propio dramaturgo bilbaíno apunta además que este drama con prólogo y tres partes que transcurre durante el reinado de Enrique VIII en Inglaterra incluye “fragmentos de Shakespeare que igualan o superan a lo mejor de su teatro. Unos centenares de versos que dan idea no sólo de la magnitud sabida de su grandeza literaria sino también de su recio compromiso moral”. Se trata de una obra que ha per-

maneció oculta durante casi cuatro siglos y que era desconocida incluso para la propia directora Tamzin Townsend, que reconoce que el texto “no se conocía” cuando ella estudiaba teatro en Inglaterra, aunque en el mismo momento en el que le propusieron dirigir la obra “empecé a investigar” en torno a la obra y la figura de Tomás Moro, un hombre “realmente fascinante” y que estaba “dispuesto a morir por defender lo que realmente creía, dispuesto a ir en contra de la voluntad de su querido rey, de decir que no a un hombre al que había servido fielmente con ganas y amor tantos años”.

La puesta en escena, sin embargo, toma como base el texto de Ignacio García May que ha sido el responsable de “dotar de

uniformidad” la disparidad de estilos de la obra original porque estaba escrita “por cinco autores diferentes y un censor”. Además ha reducido hasta la media docena los 60 personajes que aparecen en el original, pero incorpora a un historiador inglés que encanará Richard Collins-Moore y que, a diferencia del resto de los personajes que visten ropajes propios del siglo XVI, aparecerá en escena vestido al modo actual. Este personaje que hará las veces de narrador para “dar coherencia a las tres partes muy diferentes que se incluyen en la historia” tendrá unas características totalmente brechtianas y realizará presentaciones y ofrecerá explicaciones, comentarios y apuntes de la obra “con la finalidad de darle un estilo homogéneo”, señala Townsend.

Con la puesta en escena de Tomás Moro, una utopía se muestra un recorrido retrospectivo del ascenso, gloria y caída del erudito inglés, a través de una representación que aborda cuestiones referentes a su condición de político que se valió de su condición de abogado “que intentaba apaciguar la revolución”, al tiempo que “aparece disfrutando del mundo académico y de sus escritos”. La pieza muestra también su

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©Sergio Enriquez-Nistal

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faceta doméstica “en su entorno, aunque el foco es más bien intelectual y doméstico”, apunta Townsend y alude también a los aspectos más emocionales de Tomás Moro “porque expone lo que le va a suceder”, ya que la pieza comienza y concluye en el mismo momento, es decir, en las horas previas a su ejecución en La Torre, el 6 de Julio de 1535. Aunque cada una de esas partes tiene “un aire especial no se presentan como partes estancas ya que todas ellas integran la historia de su vida”.

Townsend quiere contar la vida de Tomás Moro a través de una propuesta eminentemente coral que requiere la presencia en escena de los once actores de forma casi

permanente. El protagonista se entrecruza con otros personajes históricos como Erasmo de Rotterdam o el Obispo de Rochester, en los que quedará de manifiesto su elevada categoría intelectual y moral.

Tras el estreno en Almagro, el espectáculo recalará en el Festival de Teatro de Olite (27 de julio), el Festival de Barbastro-Somontano (16 y 17 de agosto) para continuar las representaciones en Cáceres (13 de septiembre) y Sevilla (20 al 22 de septiembre) y en Soria (25 de octubre), Logroño (12 de diciembre) y Valladolid (20 y 21 de diciembre)

Joseba Gorostiza

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desclasificados El próximo 9 de agosto en el Palacio Valdés de Avilésse estrenará Desclasificados de Pere Riera producido por Pentación con un reparto encabezado por Alicia Borrachero, Jordi Rebellón y Joaquín Clement. La primera encarna a una periodista ambiciosa, mientras que Rebellón será el presidente del gobierno y Clement su maquiavélico jefe de prensa. En palabras del autor de la obra, Pere Riera, “esto no es una obra sobre política. Tampoco es una historia sobre periodistas, ni una reflexión sobre las siempre convulsas relaciones entre el poder mediático y la administración.

Más bien se muestra el encuentro de tres personajes con puntos de vista muy opuestos sobre la ética, la integridad profesional y la dignidad del individuo.

Todos presumimos de tener una escala de valores, de unos principios rectores que nos hacen juzgar las actitudes y los comportamientos de los otros desde un punto de vista determinado”.

La escalera La madrileña Sala Kubik acogerá del 4 al 7 de julio el estreno de La escalera de Teatro sin red, adaptación de la obra de Charles Dyer, dirigido por Jesús Sarmiento.

Klaus y José Cobrana dan vida a Harry y Charlie, una pareja de homosexuales maduros, que lleva mucho tiempo junta, y como describe la compañía tiene un punto añejo, cuando uno habla el otro podría acabar la frase sin equivocarse un ápice, en definitiva, lo bueno y lo malo de conocerse muy bien. La acción transcurre durante una larga noche de crisis donde se dedican a pelearse y a reconciliarse. Este pasaje más bien se podría hacer extensivo a la relación que llevan desde hace tiempo. Tanto uno como otro amenazan con romper su unión, pero esa relación es el elemento que enriquece sus patéticas vidas. Si no se tuvieran, tanto Harry como Charlie estarían aún más perdidos de lo que están. Deben ser valientes y seguir juntos, brindándose el uno al otro efímeros momentos de ternura y amor. La escalera, conjunto de peldaños que sirven para alcanzar alturas difíciles, representa en este caso ese hombre de mediana edad pisando a otro, en una pequeña barbería de un pequeño barrio de Londres.

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La otra voz La productora y distribuidora de artes escénicas y visuales extremeña Saraghina de Stalker creada en 2007 que destaca por su carácter multidisciplinar, estrenará el próximo 4 de julio en la Sala Tú de Madri ‘La otra voz’. La obra está inspirada en el texto ‘La voz humana’ de Jean Cocteau, autor del que se cumple este año el cincuenta aniversario de su fallecimiento, ahonda en las dificultades para afrontar una ruptura sentimental y propone una dialéctica entre realidad y el proceso de creación artística. En esta versión la propuesta está protagonizada por dos personajes, Antonio, un artista de treinta y pocos años y César, que después de una larga relación, le confiesa que ha dejado de quererle. Sin más motivo rompe con él y promete un último encuentro para recoger sus cosas y despedirse.

Antonio no sabe como enfrentarse a la situación pero agradecido a la sinceridad de su compañero, e intentando superar la desesperación que le produce, intenta ensayar la despedida perfecta.

Maribel y la extraña familia Gerardo Vera, escenógrafo, figurinista, actor y director de cine y de teatro, dirige la comedia escrita por Miguel Mihura y producida en esta ocasión por Grey Garden Maribel y la extraña famialia que se estrenará el próximo 17 de julio y estará en cartel hasta el 18 de agosto en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. El elenco está compuesto por Lucía Quintana, Markos Marín, Alicia Hermida, Sonsoles Benedicto, Elisabet Gelabert, Chiqui Fernández, Macarena Sanz, Javier Lara y Abel Vitón, que dan vida a esta historia que se desarrolla entre Madrid y un pueblo de la provincia de Cuenca y gira entorno al entrañable personaje de Maribel, una prostituta de barra americana que aterriza en una casa familiar de la calle Hortaleza donde dos viejas encantadoras la reciben como la prometida de su hijo Marcelino, un chico provinciano, dueño de la fábrica de chocolatinas Terrón e Hijos. El joven y tímido Marcelino llega a Madrid con el único objetivo de conseguir una esposa que le haga olvidar un trágico episodio acaecido recientemente en su pueblo y que ha movilizado a toda la familia. Mihura estrenó esta obra en septiembre de 1959 y ese mismo año obtuvo el Premio Nacional de Teatro.

13 julio agosto FesTIVales De TeaTRo ClásICo

Escenarios inigualables para la gran literatura dramática Las obras más clásicas del repertorio universal florecen durante los meses de julio y agosto en los innumerables festivales de teatro clásico que se suceden a lo largo y ancho de toda la geografía peninsular, en la que tienen cabida tanto los títulos más habituales de este tipo de programaciones como las piezas menos conocidas. Presentadas en producciones que muestran fidelidad a los textos orginales o adaptadas a espectáculos que mantienen el contenido o la esencia que el autor imprimió a la obra, las programaciones que acogen

esas representaciones son una invitación tanto a los aficionados más fieles como a los amantes del teatro en general ya que en muchos de los casos el atractivo radica tanto en la propuesta en sí como el marco en el que se exhiben. Las citas que se anuncian en enclaves como Alcántara, Almagro, Mérida, Niebla, Olite y Olmedo se han consolidado como opciones destacadas y especializadas en ofrecer un tipo de espectáculos que cuentan con un público interesado en llenar su ocio de contenidos culturales.

36 FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO ‘El color de los clásicos’ será el lema de esta cita que abrirá la temporada de festivales, y que por tercera edición consecutiva estará dirigido por Natalia Menéndez para ofrecer una programación integrada por casi un centenar de representaciones ofrecidas por 44 compañías en una quincena de espacios diferentes.

La inclusión en la presente edición de 17 estrenos absolutos, entre ellos Tomás Moro, una utopía, del que informamos en páginas precedentes, será uno de los aspectos destacados de una programación en la que también tienen cabida otras primicias como La verdad sospechosa que presenta la Compañía Nacional de Teatro Clásico con dirección de Helena Pimenta.

Esta comedia moralizante gira en torno a dos ingredientes fundamentales como son un enredo amoroso y el didactismo que se articulan en torno a la figura de su protagonista, el mentiroso D. García, cuya desbordante imaginación le lleva a creerse las fábulas que él mismo construye.

Otra de las novedades que se presenta en Almagro será Lear, pieza dirigida por Pepa Gamboa en torno a una historia de 14

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La mujer por fuerza

del 4 al 28 de julio

soledad que pone la lupa en las relaciones familiares y expone la existencia de “demasiadas familias destrozadas por repartirse el cuidado de sus progenitores, por repartirse su herencia, antes o después de su fallecimiento”, señala la propia directora.

Gran parte de los estrenos que se anuncian en la presente edición integran la programación del Certamen Internacional Almagro Off que se celebrará en el Teatro La Veleta y donde se presentan creaciones

como La confusión de un jardín, El examen de los ingenios, La española inglesa, Fuenteovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas, Mucho ruido y pocas nueces o Tempestory.

Además de las representaciones programadas, este año se incluyen como novedad cinco espectáculos de microteatro, la celebración de nuevas ediciones del Certamen Internacional Barroco Infantil, de las jornadas de Teatro Clásico o de las Jornadas de crítica teatral, Almagro contempla diferentes actividades complementarias como el XIII Premio Corral de Comedias que será concedido a la Schaubühne, “una de las compañías pilar del teatro occidental, referente y guía de la dramaturgia contemporánea”, en opinión de los organizadores y el homenaje que se rendirá al “maestro en la dirección escénica” Ángel Fernández Montesinos.

59 FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA del 5 de julio al 25 de agosto

Durante los casi dos meses que se prolongará una de las citas por antonomasia de los veranos culturales, el Festival de Mérida, la capital extremeña volverá a ofrecer

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La dama duende Miguel Narros dirige la comedia de capa y espada de Pedro Calderón de la Barca en la que se abordan argumentos que mantienen plena vigencia como la decisión de doña Ángela de escaparse a las obligaciones de su viudedad para frecuentar la compañía de los hombres o el ánimo corrupto del criado Cosme que lo lleva a cometer pequeños latrocinios aparentemente disculpables. En la obra que presenta Producciones Faraute se muestra un mundo de moral dudosa y libertaria enfrentado a la cómica rigidez del tercer hermano, don Luis, vigía del decoro y la corrección y frustrado en sus deseos vitales y amorosos.

El Caballero de Olmedo Dirigida por Mariano de Paco Serrano y producida por Secuencia 3 se presenta una de las versiones de esta obra de Lope de Vega que es “una formidable historia de un amor inmenso destinado al fracaso por un destino o un azar trágicos”, según señala el autor de la versión, Eduardo Galán.

En la obra Javier Veiga da vida a un Don Alonso marcado por el destino que acepta su sino fatal, como los grandes héroes de la tragedia griega, y que le llevará irremisiblemente a la muerte antes de poder disfrutar de la compañía de su amada Inés. El destino trágico del héroe se impone a la voluntad del hombre.

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El nombre de la rosa A partir de la novela homónima del ensayista y semiólogo italiano Umberto Eco Ados Teatroa, Al Revés Producciones, Tres Tristes Tigres y La Nave Teatro coproducen esta pieza que mezcla el relato detectivesco a lo Agatha Christie y la novela culta, en una aventura laberíntica con elementos de novela policíaca, crónica medieval, o alegoría narrativa. Dirigido por Garbi Losada, Karra Elejalde en el papel de Guillermo de Baskerville y Juan José Ballesta como Adso de Melk encabezan un elenco de una docena de intérpretes, en un espectáculo articulado en torno a un misterioso libro que causa la muerte de varios monjes.

Otro gran teatro...

Olga Margallo dirige la coproducción realizada por Uroc Teatro y la Compañía Nacional de Teatro Clásico de la comedia musical Otro gran teatro del mundo que está basada en la obra ‘El gran teatro del mundo’ de Calderón de la Barca, en la que el autor plantea que al final de nuestra vida solo podremos llevarnos en el equipaje las cosas buenas que hayamos hecho.

Pero el espectáculo se pregunta “¿qué ocurre con las cosas negativas?” al tiempo que muestra los intentos de una niña de siete años por hacerle al Mundo el mejor regalo de cumpleaños que se pueda imaginar.

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una selecta programación de textos clásicos que “resucitarán en la milenaria arena del Teatro Romano y fuera de ella para recordar un pasado clásico y teatral que se hace más presente que nunca en toda la ciudad en verano”, según señalan desde Pentación Espectáculos, empresa que desde el pasado año gestiona y dirige el festival. Además de las obras Fuegos y Julio César, de los que damos cumplida información en las páginas del suplemento dedicado al Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, el teatro romano emeritense acogerá otros cinco espectáculos más entre los que destaca el estreno absoluto de El asno de oro de Lucio Apuleyo que protagoniza y dirige Rafael Álvarez ‘El Brujo’ que define la pieza como “un relato sorprendente” ya que el protagonista de la pieza, Lucio, aparece “convertido en asno para mostrar la corrupción y la crueldad, la superstición y las tensiones del mundo mediterráneo de la época a través de un viaje que recuerda al Lazarillo de Tormes pasando calamidades”.

El espectáculo que presenta El Brujo está basado en una novela que es considerada como “un antecedente clarísimo de la picaresca” pero que se enmarca entre los “grandes textos de la cultura mediterránea que vienen de la tradición oral y paseando por la literatura vuelven otra vez a esa misma tradición a través del teatro” señala el propio artista.

Aunque se trata de un festival de teatro, Mérida arrancará la presente edición con un espectáculo de danza, Medea, presentado por el Ballet Nacional de España y la Orquesta de Extremadura, con dirección de Antonio Najarro y protagonizado por Maribel Gallardo, Esther Jurado, Francisco Velasco, Mariano Bernal, Currillo y Guadalupe Gómez. La obra de Séneca narra a través de la danza la venganza por despecho de Medea que termina matando a sus propios hijos.

Concha Velasco y José Pedro Carrión encabezan el reparto de Hécuba de Eurípides que cuenta con la dirección de José Carlos Plaza a partir de la versión de Juan Mayorga que define la obra, con más derecho que cualquier otra, como “la tragedia de la venganza”. La anciana protagonista que da nombre a la pieza se erige en acusador, juez y verdugo que entre el sufrimiento es arrastrada al exilio aunque se revuelva para devolver “un golpe tan irreparable como el que ella recibió”.

Las compañías extremeñas Samarkanda Teatro y Triclinium Teatro presentan en coproducción Las Tesmoforias de Aristófanes, con dirección de Esteve Ferrer una pieza que toma como punto de partida el males16

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Medea ©Stanislav Belyaevsky

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tar de las mujeres de Atenas porque son retratadas en las tragedias de la época como locas, asesinas, ninfómanas y suicidas.

Las representaciones en el teatro romano se completan con la producción entre Verbo Producciones y Oscuro Total de la hilarante obra Los gemelos de Plauto que dirige Paco Carrillo a partir de la versión de Florián Recio y que tiene como tema las confusiones provocadas por el extraordinario parecido de dos hermanos gemelos y de los continuos efectos cómicos como si se tratase de una comedia de equívocos.

El programa de actividades se completa en Mérida con los pasacalles Viriathus e Iberix contra Roma que protagonizará la compañía Teatrapo, los talleres formativos sobre la tragedia o la comedia clásicas, con la Programación Off en torno al tema ‘Augusto en Mérida’ o el ciclo ‘Templo del teatro’ que anuncia las representaciones de obras como Rudens, Troya o Electra en el Templo de Diana y el ciclo de cine.

FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE OLITE del 18 de julio al 3 de agosto

Las diferentes dependencias del Palacio Real de Olite acogerán durante dos semanas un intenso programa de representaciones en el que tienen cabida las obras Siglo de Oro, siglo de Ahora (Folía), El nombre de la rosa, La dama duende,

Otro gran teatro del mundo, Tomás Moro, una utopía y Julio César, además de Coloquio de los perros de Miguel de Cervantes que presentan Els Joglars y la Compañía Nacional de Teatro Clásico con dirección de Ramon Fontserè. En esta última pieza dos viejos perros, Cipión y Berganza, observan desde su mudez, toda la condición humana, la miseria y lo ridículo de los bípedos y como señala el propio Fontserè ambos “contemplan con asombro cómo los insensatos humanos de esta sociedad se emperran en ascenderlos de su cargo de simples y dignos perros, para así poderlos tratar y tutear como si fueran personas”.

El listado de compañías profesionales se completa con es.arte que realiza con Clásicos a la carta una evocación de los corrales de comedia con la finalidad de suprimir la distancia entre el público y el escenario y, por lo tanto, eliminando la idea de que las obras clásicas están alejadas de los usos culturales actuales, y con El Espejo Negro que pone en escena La venganza de don Mendo, una adaptación que Ángel Calvente ha realizado de la obra de Pedro Muñoz Seca y en la que los títeres son los encargados de dar vida a los personajes que intervienen en esta historia en la que el protagonista pretende resarcirse de la traición de su amada.

La programación se completa con las representaciones que ofrecerán compañías amateur de Navarra como Zarrapastra que pondrá en escena El marido prudente; La Cigüeña con El castigo de penseque; Los Cadalzos con El médico a

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El coloquio de los perros ©David Ruano

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palos y El Bardo con Bodas de sangre y con actividades como el Taller de creación dramática en la escena que dirigirá Alfredo Sanzol, las II Jornadas navarras de Teatro Clásico o las Jornadas sobre los personajes del Palacio, entre otras.

VIII OLMEDO CLÁSICO del 19 al 28 de julio

La segunda quincena de julio se desarrollará la octava edición del Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero-Olmedo Clásico, donde no faltará la versión que Secuencia 3 ha realizado del clásico de Lope de Vega que toma su título de la propia localidad vallisoletana y del que informamos en la página precedente, al igual que de La dama duende dirigida por Miguel Narros,

Siglo de Oro, siglo de Ahora (Folía) o El rey Lear que dirige Ximo Flores y que también forman parte de una programación integrada por una docena de espectáculos que se exhibirán en nueve días.

La programación reúne propuestas como El rey Perico y la dama tuerta de Diego Velázquez del Puerco, adaptada y dirigida por Juan Dolores Caballero y presentada por La Cantera Producciones Teatrales es la historia de personajes olvidados en la memoria, donde viven como humanos recluidos y alejados de lo ‘normal’ o ‘convencional’ o A secreto agravio secreta venganza de Calderón de la Barca que presenta El Óbolo Producciones con dirección de Lino Ferreira, y que muestra la historia de don Lope de Almeida que primero mata a un antiguo amante de su mujer que creía muerto y luego quema su propia casa con su mujer dentro.

Micomicón presentará una adaptación de La dama boba de Lope de Vega con dirección de Laila Ripoll una pieza protagonizada por Liseo que cuando conoce a su prometida descubre horrorizado que es una salvaje a medio camino entre un animal y una persona, aunque queda prendado de su culta e ilustrada hermana.

‘El Brujo’ también estará en Olmedo, en este caso con El Lazarillo, una obra en torno a “la ambición y el poder” que trata además de “la marginación, el hambre y la vivencia dura de la infancia”, según el propio artista que indica además que el mundo imaginario en el que se desarrolla la obra “podría cambiar el mundo real porque hace del hambre y la necesidad un arte, la recicla en sabiduría”.

La mujer por fuerza de Tirso de Molina que presenta la Compañía de José Maya es una comedia de enredo protagonizada por

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La Celestina ©Luis Castilla

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Finea, una mujer que se disfraza de hombre para conquistar al Conde Federico, del que está perdidamente enamorada a pesar de no haberlo visto jamás.

La programación se completa con Claussic Teatro que pone en escena El Quijote, la historia secreta para acerca la obra de Cervantes a los más pequeños y con Julia, un viaje teatrásico de la Compañía Teatro Clásico de Sevilla, que presenta una obra en la que conjuga las obras de capa y espada, de desmesuras, de canciones y de aventuras.

Olmedo Clásico acogerá además el congreso internacional ‘El patrimonio del teatro clásico español: actualidad y perspectivas’ que reunirá a unos 150 expertos; las VIII Jornadas sobre Teatro Clásico organizadas conjuntamente con la Universidad de Valladolid o el VIII Curso de Análisis e Interpretación ‘Fernando Urdiales’.

29 FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALCÁNTARA del 9 al 13 de agosto

El auditorio del Conventual de San Benito de la localidad cacereña de Alcántara reeditará durante cinco días de agosto 18

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un evento “milagroso” capaz de llenar cada noche de función las mil ochocientas localidades de aforo en una localidad en la que están censados mil doscientos habitantes. Esta cita que estrena dirección con la llega de Olga Estecha pretende “promover la internacionalización del certamen y crear un foro académico sobre el siglo de oro”.

María José Goyanes, dirige y protagoniza la puesta en escena de De amor y lujuria, en la que también intervienen Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa y Cristina Goyanes y que tiene el erotismo como hilo conductor de una función en la que “maestros de la poesía como Lope, Calderón, Cervantes o Quevedo, nos deslumbran con piezas que son sin duda auténticas joyas de la literatura universal”, señala la propia directora.

La compañía sevillana Atalaya regresa dos años después a Alcántara, donde puso en escena ‘Ricardo III’, para mostrar en esta ocasión La Cestina, la tragicomedia, a partir de la adaptación realizada por Ricardo Iniesta de la obra de Fernando de Rojas. En la obra destaca la tremenda modernidad de una Melibea rebelde, insumisa y lúcida, presa de una pasión arrolladora que nada tiene que ver con las doctrinas del amor cortés o de las buenas costumbres feudales o burguesas.

La programación continuará con Romeo, de Teatro Meridional y con El auto de la Sibula Casandra de Nao d’Amores, una obra de Gil Vicente en la que el autor toma como punto de partida el drama de Navidad, para presentar una pieza que mezcla la sátira moral, las escenas cómicas, la intriga doméstica y las escenas religiosas. La pieza que dirige Ana Zamora a partir de una versión realizada por ella misma, está considerada como la primera obra peninsular en tratar un tema abiertamente feminista, al hablar del derecho de la mujer a elegir su destino al margen de los convencionalismos sociales.

La clausura de la cita alcantarina llegará con la presencia de Teatro Corsario que pondrá en escena con El médico de su honra de Calderón de la Barca, una pieza en torno a la obsesión de don Gutierre por la sospecha del amor entre su esposa Mencía y el hermano del rey, el infante don Enrique. Para evitar que el supuesto adulterio se haga público, don Gutierre decide llevar a cabo un diabólico plan con una receta sangrienta con la que podrá curar sus celos: el asesinato premeditado y consentido por la autoridad. La puesta en escena que dirige Jesús Peña aborda un tema tan actual como el de la violencia machista a partir de la asombrosa historia construida por Calderón.

ALCÁNTARA

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Romeo Teatro Meridional presenta una versión escrita por Julio Salvatierra y dirigida por Álvaro Lavín que ponen en escena Alex Barahona, Bernabé Fernández y Javier Hernández y en la que se muestra un juego de ilusiones en el que los personajes femeninos están aunque no se les ve porque son los personajes masculinos los que se convierten en el hilo conductor de la trama. En esta atrevida adaptación de ‘Romeo y Julieta’ de Shakespeare se presenta a tres jóvenes amigos, Mercutio, Benvolio y Romeo, que hacen revivir la gran tragedia romántica del teatro isabelino que tiene como temas principales el amor y la amistad.

CNTC Entre las numerosas representaciones veraniegas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico se incluyen las funciones que ofrecerá de los espectáculos La verdad sospechosa de Juan Ruiz de Alarcón, un enredo amoroso en el que el mentiroso D. García se cree sus propias fábulas; La noche toledana de Lope de Vega, una comedia de amor en la que todos los personajes que participan en la representación se ven atrapados por ese sentimiento; y El lindo don Diego de Agustín Moreto, protagonizada por un figurón víctima de su propia vanidad y presuntuosidad.

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Rey Lear Ximo Flores dirige la puesta en escena que la Compañía Teatral CulturArts Generalitat ha realizado de la obra de William Shakespeare, uno de los mayores tratados jamás escritos sobre el binomio cultura-naturaleza, y que presenta una reflexión sobre la vejez y la soledad, pero también sobre el sentido fundamental de la existencia.

Rey Lear es una tragedia que relata la historia de un viejo rey tiránico y orgulloso que comete fatales errores políticos y personales. Abdica de su poder, divide el reino entre sus hijas, es traicionado por dos de ellas y condenado a vagar a la intemperie, anciano, solo y enloquecido.

Siglo de Oro...

Ron Lalá presenta con Siglo de Oro, siglo de ahora (Folía) un espectáculo dirigido por Yayo Cáceres. La pieza es una evocación de un género teatral denominando folla o folía, modalidad que se caracterizaba por aglutinar géneros como loa, jácara, mojiganga, baile o entremeses, para entablar un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo. Los protagonistas de la pieza dan vida a una compañía de cómicos de la legua que desembarca en el escenario para ofrecer su folía: una fiesta de ‘nuevos entremeses’, para presentar un espectáculo aderezado con numerosos sketches.

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13 julio agosto 29 FESTIVAL DE TEATRO Y DANZA CASTILLO DE NIEBLA del 13 de julio al 17 de agosto

El estreno de La Estrella de Sevilla, obra atribuida a Lope de Vega pero de la que existen dudas sobre la autoría según señalan los integrantes de la compañía Teatro Clásico de Sevilla que producen la puesta en escena junto al Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla, será una de las citas destacadas de esta edición que se celebrará en la localidad onubense de Niebla entre el 13 de julio y el 17 de agosto.

La obra que se pone en escena a partir de la versión y dirección de Alfonso Zurro es “una obra dramática contundente” y “una de las tragedias referenciales de nuestro teatro del Siglo de Oro” en la que se describen unos supuestos sucesos históricos acaecidos en Sevilla.

La obra se sitúa en el siglo XIII y tiene como tema central el abuso de poder por parte del rey, aunque los personajes no se rebelan contra el monarca, al contrario de lo que ocurre en Fuenteovejuna. En este caso Lope coloca al vasallo ante los límites de lealtad y honor a la autoridad real para cuestionar la legitimidad del poder cuando deja de ser justo. Sin embargo “los personajes se encuentran como perdidos” y “los súbditos han resistido sin enfrentarse directamente con el Rey”, apuntan desde la compañía sevillana, “aunque la obra sea muy crítica con el soberano”.

El argumento de esta pieza que expone la concepción moderna del ciudadano frente al poder absoluto medieval muestra a unos súbditos que empiezan a exigir sus derechos ante las arbitrariedades despóticas de sus monarcas, tiene su origen en la llegada a Sevilla del rey Sancho el Bravo, donde queda prendado por la belleza de Estrella Tavera y su pretensión es la de pasar por encima de quien se tercie para conseguirla.

Aunque el autor se remonta en la pieza hasta el siglo XIII, la obra tiene paralelismos con la época en la que fue escrita, en torno a 1730, y unos hechos ocurridos seis años antes cuando el Rey Felipe IV y su valido Olivares visitaron Sevilla. Por eso destacan desde la compañía que La Estre20

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OBRA: LA ESTRELLA DE SEVILLA. AUTOR: LOPE DE VEGA. VERSIÓN: ALFONSO ZURRO. INTÉRPRETES: REBECA TORRES, MANUEL MONTEAGUDO, MONCHO SÁNCHEZ-DIEZMA, PABLO GÓMEZ-PANDO, ANTONIO CAMPOS, ALICIA MORUNO, MANUEL RODRÍGUEZ. ESCENOGRAFÍA, VESTUARIO: CURT ALLEN WILMER. ILUMINACIÓN: FLORENCIO ORTIZ. MÚSICA: JASIO VELASCO. DIRECCIÓN ESCÉNICA: ALFONSO ZURRO. PRODUCCIÓN: TEATRO CLÁSICO DE SEVILLA. LUGAR: CASTILLO DE NIEBLA. FECHA: 27 DE JULIO (22.30 HORAS).

lla de Sevilla “tiene una clara intencionalidad política para su momento. Es evidente

Soto y Almudena Ramos y por el violonchelista José Luis López. La obra quiere volver a mostrar la esencia del personaje y sus momentos más significativos por lo que don Quijote aparece en compañía de Sancho y de su hija Sanchica, dos personas sin maldad, capaces de ver tanto la locura como la bondad del protagonista y de entender el mundo que necesita el hidalgo caballero.

El espectáculo de danza integrado por las coreografías Rango y Suite flamenca que presentará la Compañía Antonio Gades con dirección artísYo soy Don Quijote de la Mancha ©PepeH tica de Stella Arauzo completa el programa de actuaciones. La primera que traslada una serie de consejos sobre coreografía se inspira en ‘La casa de los problemas de una monarquía absoluBernarda Alba’ de Federico García Lorca, tista y caprichosa”. mientras que en la segunda muestra se HIStorIaS SINGUlarES presentan coreografías creadas en su mayor parte por el propio Gades.

Aunque la programación del Castillo El festival se completa con actividades de Niebla se completa con espectáculos como la sección ‘A Escena!’ que anuncia como la coproducción Otro gran teatro del para el 6 de julio el estreno de la pieza mundo y las novedosas creaciones Julio de teatro musical Romeo y Julieta que César y El nombre de la rosa, de los que presentará Amitea y en la que la obra informamos en estas mismas páginas, el de Shakespeare se transmite a través de festival también será el marco en el que se canciones interpretadas por los propios exhibirán Yo soy don Quijote de la Mancha, actores o el curso ‘Gestión Cultural Uniproducida por Metrópolis Teatro y protaversitaria: Herramientas y peculiaridades’ gonizada por José Sacristán, Fernando previsto para los días 26 y 27 de julio.

13 julio agosto XXVIII Festival Internacional de Teatro Hispánico de Miami - 2013

Donde hallar los montajes más actuales y singulares Textos contemporáneos de autores y dramaturgos destacados comparte protagonismo con obras clásicas de Shakespeare o Rostand

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Nidia Telles y Alejandro Martínez ofrecen en El país de las Maravillas un retrato singular de Alicia al presentar a la protagonista a la espera del regreso de su hijo de Nueva York donde ha estudiado gracias a una beca. En esta propuesta de Omar Varela y dirigida por Mario Morgan, Alicia piensa en marchar con su hijo al ‘país de las maravillas’ cuando él regrese, pero el hijo piensa quedarse en su país, Uruguay.

El dramaturgo Juan Mayorga estará representado en Miami por su pieza La paz perpetua que presentará la Compañía Nacional de Teatro de México con dirección de Mariana Giménez. A partir de la idea de Emmanuel Kant sobre la paz como una posibilidad real y no como una utopía, se muestra una metáfora de las políticas de estado contemporáneas, materializadas a través de tres perros que compiten en una habitación cerrada por obtener el codiciado puesto de buscador antiterrorista de élite.

Además de Ron Lalá, que presentará la pieza Siglo de oro, Siglo de ahora (Folía) de la que informamos en la página 19 de este número de ARTEZ, otra compañía llegada del Estado español, Uroc Teatro, presentará con dirección de Olga Margallo textos de Darío Fo y Franca Rame y de los propios intérpretes Petra Martínez y Juan Margallo.

En La madre pasota una madre sigue los pasos de su hijo rebelde para introducirse en un mundo totalmente diferente al conservador del que proviene, mientras que Cosas nuestras de nosotros mismos es un texto de los propios protagonistas que evocan lo mucho que ambos han vivido en cincuenta años de profesión.

La paz perpetua ©Sergio Carreón Ireta

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na quincena de propuestas artísticas llegadas de Perú, Chile, México, Brasil, Argentina, Uruguay, Estado español y de Estados Unidos integran el XXVIII Festival Internacional de Teatro Hispánico de Miami que se desarrollará entre el 11 y el 28 de julio. La cita que además de la exhibición de espectáculos contempla conferencias y otras actividades reconocerá la labor artística desarrollada “durante toda una vida en las artes escénicas” por el actor, director, dramaturgo, investigador, promotor y profesor peruano Ernesto Ráez Mendiola.

Las dos compañías anfitrionas del evento, Teatro Prometeo y Teatro Avante, estarán presentes con obras basadas en textos de autores como Edmond Rostand y Mario Vargas Llosa. Teatro Prometeo presentan con Cyrano mío una pieza de Cristina Rebull e Iliana Prieto que dirigen la propia Rebull y Joann Yarrow, y que se sitúa un año después de la muerte de Cyrano, y cuando Roxana está en el convento.

A través de ella se suceden los momentos cruciales que definen al Cyrano de Rostand, aunque en ese recorrido confiesa que se siente en deuda con Cyrano, con Cristian y con Dios: amó a un Cristian con el alma prestada, buscó a Dios con el afán de encontrar consuelo, pero fue Cyrano quien la mantuvo viva, casi feliz, con su ingenio y su protección.

Teatro Avante, por su parte, presenta Al pie del Támesis de Mario Vargas Llosa, con dirección de Mario Ernesto Sánchez. El autor asegura que en esta obra pretendía abordar cuestiones como la amistad, la forja de una identidad como un acto vital

creativo y rebelde, los rituales y maleficios del sexo en la secreta vida de las personas, aunque finalmente se centró en la ficción y la vida y en el papel que la primera tiene en la segunda, “un asunto que me ha apasionado de manera recurrente en varias de mis novelas”.

Juan Cristóbal, casi al llegar a zapadores de Ítalo Gallardo que además dirige la obra, es un biodrama que llega desde Chile y cuyo origen está en los relatos y documentos de dos vecinas septuagenarias del barrio Recoleta, que son las abuelas del director. Trabajando con la idea de ‘museo vivo’ y alejándose de la construcción dramática convencional, las dos mujeres protagonizan sus propios relatos con la ayuda de dos actores y un cineasta en escena.

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Salmo 91 ©Bob Nunes

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Djalma Thurler dirige la puesta en escena del anti-espectáculo Salmo 91 de Dib Carneiro Neto que presenta Atelier Voador Companhia de Teatro y en la que se narra la masacre de Carandiru, donde 111 presos fueron asesinados por las autoridades y diez fueron detenidos. La pieza no realiza un retrato realista de los hechos que describe ya que se centra en narrar la vida del prisionero marginal.

Dos actores inmersos en el proceso de creación de la historia de amor entre dos jóvenes gays, Rodrigo y Fabino, es el argumento de la obra Entre nos que presentan los también brasileño Tribo Companhia de Artes Cênicas con dirección de João Sanche.

Los dos personajes afrontan su sexualidad de forma natural pero los actores que los interpretan se sienten avergonzados, se confrontan y se confunden debido a sus propios prejuicios.

Güepajé es un trabajo de la Asociación Cultural Hilos Mágicos de Colombia con dirección de Ciro Gómez Acevedo que invita a vivir una aventura fantástica en medio de manglares junto al abuelo Makú y a Concho el pescador que buscan la legendaria ‘Flor del Agua’.

A partir de una idea del director Pepe Cibrián Campoy en torno a la supuesta relación de Federico García Lorca y su asesino poco antes de su muerte, El Vasco Producciones llega desde Buenos Aires con la pieza Marica, una creación que habla de la ‘muerte’ de todo aquel que a través de un pensamiento diferente mereció y merece ser castigado.

Un clásico de Shakespere, Otelo, interpretado por Jaime Lorca y Teresita Iacobelli de la compañía chilena Viajeinmóvil, mostrará en Miami una singular adaptación del drama, en el que los protagonistas de la acción, Yago y Emilia, son interpretados por actores, y Otelo y Desdémona, por marionetas. Con ello se sugiere que los sirvientes son los que están manejando física y emocionalmente a sus amos.

Los peruanos Teatro del Milenio con dirección de Luis Sandoval abren las representaciones con Kimba Fá ‘La ciudad suena’ una propuestas que recrea historias típicas de Lima y de los personajes populares que en ella vive, para lo que se vale de la percusión y de la utilización de instrumentos no convencionales y hacer una parodia de la vida cotidiana.

La música jazz también tendrá cabida en el Festival con el concierto de jazz que ofrecerá Jaume Vilaseca Trio, formación barcelonesa que presenta con Coming home la continuación de ‘Mumbai’ disco grabado en la India que constituye un encuentro entre la música tradicional hindú y el jazz.

El grupo de música barroca madrileño La Folía completará las actuaciones con el programa Las fuentes de Bimini en torno al descubrimiento de Norteamérica y con obras de compositores de entre los siglos XV y XVIII. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto Cena Contemporânea 2013 - Brasilia

La actualidad y la novedad como señas de identidad Brasilia acoge casi una treintena de propuestas de teatro, danza y música llegadas desde los cinco continentes

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On the Road of Howl ©Stéphane Pauvret

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l Festival Internacional de Teatro de Brasilia-Cena Contemporânea 2013 celebra su décima cuarta edición entre el 20 de agosto y el 1 de septiembre con una programación de casi una treintena de propuestas de teatro, danza y música de los cinco continentes para reflexionar “sobre la representación política y la identidad cultural”, al tiempo que cuestionan “la realidad contemporánea”.

Pendiente de voto y Dominio público son creaciones de Roger Bernat que se mostrarán en Brasilia y si en la primera el teatro se transforma en un Parlamento en el que cada espectador puede votar valiéndose de un mando a distancia para gobernar un espacio en el que los colores están por definir, en la segunda los espectadores son actores que forman parte de la ficción sin necesidad de exponerse.

La compañía La Tristura presentará Materia prima, que culmina un proceso iniciado en 2004 en torno a la herencia, la educación y el futuro y que está integrada por escenas, textos y acciones que son atravesados, contaminados y transformados por cuatro pequeños intérpretes.

66 Gallery se acerca desde Francia con On the Road of Howl. Dirigida por Bérangère Jannelle reúne al actor y performer estadounidense Doug Rand y al músico Jean Damien Ratel para acercar el legendario poema ‘Howl’ de Allen Ginsberg respetando su unidad rítmica.

Bruno Bayen dirige La Femme qui tua les poissons, una propuesta ideada a partir de la obra de Clarice Lispector, máxima figura de la literatura brasileña del siglo XX, que es un cuento infantil en torno a una madre que e va de vacaciones y se olvida de dar de comer a los peces de su hijo.

Desde Corea del Sur llega Bereishit Dan-

ce Company para presentar Pattern & Variable y Balance & Imbalance, un espectáculo de Park Soon-ho inspirado en el judo, que incorpora el significado simbólico de la imagen del deporte al ritmo aproximado, el movimiento y el espacio.

Desde Mozambique llega Panaibra Gabriel para presentar con la performance Os Solos Marrabenta una pieza que cuenta con la presencia del guitarrista Jorge Domingos para explorar la crisis de identidad a partir de una idea que explora el cuerpo africano actual, postcolonial, que absorbió ideas de nacionalismo, modernidad, socialismo y libertad de expresión.

Edú ‘Pitufo’ Lombardo y Pablo ‘Pinocho’ Routin llegan desde Uruguay con Murga madre dirigida por Fernando Toja para evocar el concepto del carnaval original de ese país que en el plazo de una década se convirtió en un clásico del teatro popular.

La presencia de espectáculos brasileños como Cine Monstro-Versão 1.0 del actor y director Enrique Diaz que da vida a una serie de personajes diferentes en esta creación cierra la trilogía ‘Montro’, mientras que en A primera vista que también dirige Diaz y protagonizan Drica Moraes y Mariana Lima es un rompecabezas en torno a la diversión y la amistad conmovedora entre dos mujeres.

Cortejo Cia e Teatro presenta con Antes da chuva una pieza escrita y dirigida por Rodrigo Portella e inspirada en la obra ‘El amor en los tiempos del cólera’ de Gabriel García Márquez, en la que los actores Bruna Portella y Luan Vieira evocan una historia de amor extraña entre un niño de doce años y una joven nativa unos años mayor y Antônio Januzelli dirige Fogo fátuo de Companhia Teatral Arnesto nos Convidou que muestra un encuentro de un escritor obse-

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místico estático con lo divino.

Rodrigo Fisher presenta en Sexton la vida de la poetisa americana Anne Sexton entrelazada por la vida y el arte; Teatro do Instante muesta con À deriva que dirige Giselle Rodrigues una serie de recuerdos que se mueven entre lo personal y lo ficticio, lo cotidiano y lo fantástico; Thierry Tremouroux y GoosMeeuwsen dirigen Uma odisseia de Cia Instrumento de Ver en el que cada artista observa su vida cotidiana a partir del concepto de trayectoria en la obra de Homero y Ópera Brasília muestra con O empresário que dirige Manuela Castelo Branco a un empresario de las artes arruinado que tiene que superar sus escrúpulos para regresar a la profesión.

Cena Contemporânea 2013 se completa con el músico de jazz francés Guillaume Perret, los polacos Pinke Freud, el grupo coreano Jambinai, el australiano Omar Musa y del combo Baby do Brasil.

A primeira vista ©Enrique Diaz

sionado que se percata de que no tiene espacio en el mundo contemporáneo.

Paula de Renor y Sandra Possani dan vida a dos antiguas amigas que rivalizan por un mismo hombre en un relato lleno de referencias a las películas de Fellini y a la música de Nino Rota en la obra Duas mulheres em preto e branco que dirige Moacir Chaves y produce Remo Produções; y Antonio Salvador y Eduardo Okamoto de la Cia. Balagan presentan Recusa, que toma como punto de partida una noticia en torno a la aparición de dos indios piripkura, etnia considerada extinta desde hace más de veinte años.

El bailarín Marcelo Braga es el creador e intérprete de O homem vermelho, una pieza ideada a partir de la observación de los espacios privados para recrear hechos e historias de su vida; la Agrupação Teatral Amacaca-A.T.A. que dirige Hugo Rodas presenta Ensario geral, obra que recuerda con nostalgia el pasado del propio director, en

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un montaje ideado como un gran ensayo de teatro musical; Teatro de açúcar ofrece con A vida impresa em Xerox, una pieza dirigida por Marco Michelângelo y Gabriel F. que muestra la batalla final entre los caprichos del arte y la obsesión en una ciudad donde cada día es una fotocopia de otro y Teatro de Dança presenta con Imagens do Sagrado una creación de Eliana Carneiro interpretada por ella misma en torno al sufrimiento, la desesperación y el encuentro

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13 julio agosto Festival de Almada 2013

La mejor producción escénica europea desemboca en el Tajo

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A última gravação de Krapp

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a producción teatral europea más actual será la base del 30 Festival de Almada que permitirá disfrutar entre el 4 y el 18 de julio con casi una treintena de producciones llegadas desde una docena de países del Viejo Continente a los que se suma la producción argentina de El viento en un violín que presenta Timbre 4. Esta de 2013 será la primera edición sin la presencia de Joaquim Benite, fundador y director del evento hasta su fallecimiento en diciembre del pasado año.

El escenario de Palco Grande volverá a ser uno de los espacios principales del festival y acogerá propuestas como Maldito seja o traidor da sua pátria que acerca desde Eslovenia Slovensko Mladinsko Gledališče; la producción O Sr. Ibrahim e as flores do Corão de los portugueses Teatro Merdional; País natal de los griegos Théâtre Liberté; la pieza de Samuel Beckett A última gravação de Krapp protagonizada por Klaus Maria Brandauer; la versión que Teatro de la Abadía ha realizado de El Principito con José Luis Gómez como protagonista; A linha amarela de los croatas Zagrebačko Kazalište Mladih y el Sonho de uma noite de Verão de Felix MendelssohnBartholdy ofrecerá la Orquestra Gulbenkian y Candide de Leonard Bernstein producida por el Teatro Nacional São Carlos.

La presente edición reunirá a un nutrido número de compañías escandinavas que ofrecerán sus espectáculos en Fórum Romeu Correia, entre ellas, las finlandesas Kansallisteatteri, que pone en escena Cortar a meta y Q-Teatteri, con História de um coração partido; las noruegas Mungo Park con Mulher, conhece o teu corpo, Visjoner Teater con Mulheres de Ibsen, Engaiolar uma águia, Verk produksjoner con O sorriso eterno; y la sueca Anna Pettersson Productions que presentará A menina Júlia. Los italianos Ricci/Forte también actuarán en ese espacio con Macadamia nut brittle.

Cuatro serán las producciones que se

exhibirán en el Teatro Muncipal Joquim Beneite, dos de ellas provenientes de Francia y las otras dos producidas por compañías portuguesas. El Théâtre de la Ville presentará la pieza Victor, ou as crianças ao poder con dirección de Emmanuel Demarcy-Mota y sus paisanos de Compagnie Deux Temps Trois Mouvements pondrán en escena O Papalagui de Eric Scheuermann con dirección de Hassane Kassi Kouyaté. Ai amor sem pés nem cabeça de los portugueses Teatro da Cornucópia que se basan en entremeses lisboetas; O pelicano de August Strindberg por la Companhia de Teatro de Almada con dirección de Rogério de Carvalho.

La programación incluye además otras atractivas propuestas como los estrenos de varios espectáculos producidos por compañías portuguesas. Entre las primicias se incluyen i.b.s.e.n. de Miguel Castro Caldas que cuenta con la dirección de Cristina Carvalhal y produce el Teatro da Trindade; Sala VIP Jorge Silva Melo que

dirige Pedro Gil y presenta Culturgest; Noites brancas de Mónica Calle, Paula Diogo y Sofia Dinger producido por Maria Matos Teatro Municipal; Cada sopro de Benedict Andrews que presentan Colectivo84 | Stone Castro con dirección de John Romão y Paulo Castro; y A laugh to cry, una creación con música y libreto de Miguel Azguime dirigida por Paula Azguime que produce São Luiz Teatro Municipal.

La programación de esta edición se completa con los espectáculos franceses E se nos metêssemos ao barulho?! A arte de fazer da verdade uma arma manejável una creación colectiva de François Chattot, Jean-Louis Hourdin, Christian Jehanin y Martine Schambacher que produce el Théâtre Dijon Bourgogne-CDN y con O prémio Martin de Eugène Labiche que cuenta con la dirección de Peter Stein y presenta OdéonThéâtre de l’Europe, mientras que desde Irlanda llega la obra Heroin de Grace Dyas que presenta la compañía THEATREclub.

13 julio agosto FestIVales de artes de calle

La calle vibra con el arte escénico de Norte a Sur

Hortzmuga ©Gerardo Sanz

Durante la época estival las Artes de Calles recuperan su protagonismo y a lo largo de toda la península ibérica tendrán lugar numerosos festivales, algunos de los cuales han rebasado la veintena como el Festival de Teatro de Calle de Lekeitio que cumple su 24 edición al igual que el Festival de Teatre i Animaciò al Carrer de Viladecans. Kalealdia de Bilbao será quien inicie este largo paseillo,

KALEALDIA de BILBAO Una de la primeras citas callejeras será la decimocuarta edición de Kalealdia de Bilbao, que se celebrará del 2 al 6 de julio, con la participación de un total de 20 compañías que actuarán entorno de la Gran Vía y varias plazas del Casco Viejo y aledaños. Dentro de las 39 propuestas previstas se podrá disfrutar de espectáculos de música itinerante, break dance, junto con el más puro teatro de calle, circo contemporáneo, clown, acrobacias aéreas y marionetas.

El montaje estrella de la presente edición lo han reservado para el cierre del festival: la compañía natural de Vila-Real, Xarxa Teatre se encargará de ello con su último trabajo Papers estrenado el pasado mes de mayo. Se caracteriza por la utilización de imágenes impactantes, y efectos 28

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para dejar paso a los ya citados festivales de Viladecans y Lekeitio, así como el Kalerki de Zarautz. En agosto la atención recaerá en ARCA-Encuentro Internacional de Artistas Callejeros del municipio palentino de Aguilar de Campoo y en el festival de carácter circense Más difícil todavía que cada año tiene lugar en varias localidades navarras.

lumínicos y pirotécnicos, dando paso a un espectáculo sin texto oral que transmite ilusiones, esperanzas, fracasos y frustraciones de un amplio espectro de personas enrabietadas que no encuentran solución económica a sus problema.

Por su parte la compañía francesa Subliminati Corporation con su Cabaret subliminal será la que dé el pistoletazo de salida a Kalealdia el 2, un proyecto que propone un cruce de cuatro disciplinas: malabares, sombreros, beatbox y acrobacia, que además incluye un número a cargo del artista vizcaíno Mikel Ayala, artista que además impartirá un curso de malabares, iniciativa novedosa de este año que se completará con un segundo taller sobre la manipulación de cuerpos y objetos de manos de Koblakari, ambos dirigidos a profesionales de circo.

Entre tanto, se podrá disfrutar de los trabajos de las compañías locales como Gnosia de Atx Teatroa, propuesta que ha-

bla del sinsentido del poder, de nuestra actitud de sumisión y de la revolución inevitable, Deabru Beltzak y Drumbreak montaje que fusiona el break dance y percusión, Hortzmuga con el ambicioso montaje Yo estuve allí y … no lo contaron como yo lo vi espectáculo que reflexiona sobre la relación entre el poder, la política y los medios de comunicación, así como Rezikletas de Turukutupá. Desde Bélgica y Francia acudirán un total de 9 compañías, entre ellas se encuentran, Système Páprika con el musical itinerante Cocottes zé Bagatelle, o Ouch entertainment et zirk théâtre coproduction, con una divertida performance visual musical y cómica. También cabe destacar Capas de los catalanes Compañía de Circo EIA que en esta ocasión proponen un espectáculo lleno de poesía y humor, donde se mezclan el circo, la danza y la música, o Zanguango Teatro que ofrecerá un montaje cómico-poético para todos los públicos a través de Aquí va a pasar algo.

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FESTIVAL DE TEATRO DE CALLE de LEKEITIO Lekeitio, una de las localidades costeras vizcaínas más atractivas, tiene desde hace 24 años un compromiso ineludible con el teatro de calle. Durante tres intensas jornadas, del 12 al 14 de julio, se desarrollará un programa variado que cuenta con propuestas de danza, teatro o marionetas. Quienes no hayan podido ver en Bilbao el espectáculo nocturno Yo estuve allí y … no lo contaron como yo lo vi de Hortzmuga y el montaje Drumbreak de Deabru Beltzak, el día 12 tendrán una nueva oportunidad así como de ver Papers de Xarxa Teatre el día 13. Una de las pocas compañías que actuará los tres días será Rue Barre que iniciará las actuaciones con Mario, un montaje en el que el protagonista es una marioneta hecha a la medida de los humanos. Dos manipuladores, tres cabezas y un montón de historias divertidas. Los dos primeros días también se podrá ver Las aventuras de Sacu y Mica. Episodio 1 Giro 2 de Sacude, compañía catalana, formada por Samuel Delgado actor, bailarín y coreógrafo que ha trabajado con La Fura del Baus y Mamen Alcazar, para los que la danza vertical es su pasión fusionándola con teatro, circo, música, vídeo y poesía.

El 13 de julio, los franceses Picto Facto acudirán a Lekeitio, siendo esta la tercera vez que visitan el festival, para representar Coruscants, propuesta itinerante que se caracteriza por la presencia de esculturas inflables que las llevan de pasacalles. Por su parte Markeliñe mostrará ZooZoom, un espectáculo interactivo entre niños y mayores donde se comparten experiencias mediante el juego. A partir de una concha marina ofrecen ecos de fauna e historias fantásticas, que conjugando con la participación del público intentarán recrear una gran fiesta de animales.

El espectáculo a destacar el día 14 será el que ofrecerá la veterana compañía vasca Trapu Zaharra que viene a escenificar ¡Vive Soñando!, en el que sus intérpretes son dos cómicos parados de larga duración que están preparando un musical. Para financiarlo piden por las calles mientras representan parte del espectáculo como avanzadilla. Ante la crisis existente no les queda otra que buscar formas innovadoras de trabajar y sacarse las castañas del fuego, aunque tienen un gran problema de convivencia ya que no se soportan.

KALERKI de ZARAUTZ Entre la primera y segunda semana de julio tendrá lugar el Kalerki de Zarautz en el que se podrá disfrutar de cerca de una docena de propuestas, en gran medida de manos de compañías vascas como Organik y Carneros, Ameztu Produkzioak y Anplag, Deabru Beltzak y Drumbreak, Pez Limbo y Lana, Trapu Zaharra y Gezurtiak así como Hortzmuga con Ni han izan nintzen eta... ez zuten nik ikusitako kontatu. Desde otros lugares de la Península Ibércia acudirán Xip Xap Teatre con Rum rum trastokarts, Vaivén Circo con Do no disturb o Nacho Vilar Producciones con Typical.

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13 julio agosto AL CARRER DE VILADECANS En Viladecans, ciudad ubicada en la zona sur del Área Metropolitana de Barcelona, se llevará a cabo del 5 al 7 de julio la 24 edición del Festival Internacional de Teatre i Animaciò al Carrer de Viladecans. En esta ocasión cerca de cuarenta compañías participarán a lo largo de tres intensos días que concentrarán las funciones en horario de tarde y noche. La presencia de compañías estatales será predominante dentro de la programación, aunque acorde a su carácter internacional también contarán con compañías de otros países como los franceses Les Commandos Percu, que la propia organización considera como agrupación destacada de la presente edición, que actuarán la madrugada del 6 de julio con el montaje de percusión y pirotecnia Le concert de feu. La organización también considera destacada la propuesta de la compañía vasca Hortzmuga Teatro, Yo estuve allí... y no lo contaron como yo lo ví, montaje nocturno que reflexiona sobre la relación entre el poder, la política y los medios de comunicación y que analiza además cómo los medios construyen las grandes verdades oficiales, cómo tratan los datos, cómo hacen sus interpretaciones, contando con una compleja y espectacular puesta en escena.

ARCA-ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ARTISTAS CALLEJEROS DE AGUILAR DE CAMPOO En Aguilar de Campoo se celebrará del 16 al 18 de Agosto, ARCA que cumple su décima novena edición y contará con un total de once compañías provenientes de Israel, Australia, Portugal, Euskadi, Murcia, Francia, Japón e Italia.

A lo largo de tres días la Plaza España, La compasión y la Plaza Cascajera acogerán la programación prevista que se centrará sobre todo en horario de tarde y noche. La jornada inaugural será la menos concentrada con la presencia del dúo circense australiano-israelita, Circo Pitangas y Rêves d`Été (Sueños de verano) que combina acrobacias y portés aéreos en cuerda lisa y telas con portés acrobáticos y teatro, un melodrama intenso que mezcla 30

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con sutileza el circo con el teatro, técnicas sorprendentes y poesía. Al cierre de esta edición todavía no se sabe si Borja ytuquepintas actuará con el espectáculo multidisciplinar que combina, arte con arena, circo,

modelo el rostro humano al natural, sin intervención de sombras proyectadas.

Yoyo, es una pieza corta, de manos de un virtuoso del yoyo, el joven Shinji Saito, de origen japonés que hace virgerias con

Rêves d`Été

música en directo, títeres de gran formato y pintura rápida Sueños de Arena el 16 o el domingo 18.

Durante el sábado y domingo se condensarán el resto de actuaciones que contarán con una primera función a las 13:30. Mister Siluoettes será el protagonista el sábado y Yoyo el domingo. En ambos casos la función se repetirá también por la tarde. Alejandro Rived, artísticamente conocido como Mrs Siluoettes en su propuesta Siluetas acerca la curiosa técnica artística de dibujar siluetas, un retrato que se hace en papel negro, dibujando con el propio corte de la tijera y son otro dibujo previo. El artista ha seguido las enseñanzas del francés Ettienne de Sil-

Typical

houette, el cual se hizo famoso por esta curiosa manera de dibujar retratos en el siglo XVIII, tomando como punto de referencia o

este pequeño objeto y no dejará indiferentes a los espectadores.

ItINEraNtE

Volviendo a la segunda jornada de ARCA, la primera de las propuestas de la tarde es la portuguesa Dulce Duca con Un belo día un trabajo de investigación coreográfica con mazas que, sin ser exactamente un espectáculo de malabares, consigue mantener en tensión al público de todas las edades.

No faltará a su cita el segundo día Trapu Zaharra con Vive soñando!!! otra de las parodias de carácter itinerante de la compañía vasca protagonizada por dos parados de larga duración que quieren montar un musical. Por su parte Nacho Vilar Producciones, tras el éxito de Habitus Mundi, vuelve a Aguilar de Campoo con Typical, otro montaje itinerante en el que recrean una familia de los 70 del siglo pasado tiempo en el que el turismo empezaba a hacer furor en un país que estaba despertando...

Les Krilati cerrarán el día con Racime, crónica aérea y acrobática, que tiene su origen en un sueño, es un canto sobre el exilio, una alegoría de toda forma de tránsito.

En la jornada de clausura, el domingo

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Irakurtzen

18 de agosto, además del citado Yoyo se podrá disfrutar de la particular agrupación musical Chez Nuneta, apasionada por las posibilidades sonoras de la voz y la polifonía, creando sus propios arreglos musicales de las canciones recogidas en sus viajes por diversos países o mediante una laboriosa investigación de documentos musicales, sonoros y gráficos. Finalmente Cie Sterenn compuesto por el clown Jean Lucas, conocido como Mr. Wilson, y el músico y marionetista Anthony Gorius presentarán The little big men, montaje basado en una serie de sketches mezcla de acrobacias imposibles, de pasos de danza aleatorios y de rivalidad cómplice de dos personajes grillados. Una combinación del aspecto irrisorio de las marionetas, su gestualidad torpe y desfasada y el juego de personajes clownescos.

MÁS DIFÍCIL TODAVÍA Del 28 de agosto al 1 de septiembre se llevará a cabo el Festival de Circo ‘Más difícil todavía’ que actualmente forma parte del proyecto transpirenaico de Pirineos de Circo, de ahí la participación de artistas de los territorios socios del proyecto. Cada jornada del festival tendrá lugar en una localidad navarra distinta que acogerán el mismo programa. La primera será Tudela el 28, el 29 se llevará a cabo en Huarte, el 30 en Viana, el 31 en Alsasua y el 1 en San Adrián. Las funciones serán por la tarde comenzando con Pista joven, que contará con Sergio de Andrés y Ramón Marco como presentadores, y los artistas que participan en ella pertenecen a la iniciativa Caminos Emergentes del citado proyecto. En esta pista se podrán ver tres piezas u obras, la primera Irakurtzen de Shakti Olaizola, Entropía de la Compañía Estropicio y Notre vie... de Colas Rouanet. Después se dará paso a Exhibición work shop, una acción que se enmarca también en el proyecto Pirineos de circo, que permitirá a 14 artistas profesionales del circo y la danza crear un trabajo dirigido por la compañía francesa Bistaki y por último se podrá ver Rien n´est moins sur de Collectif de la Bascule, que forma parte de la iniciativa Circo en Trashumancia, al que acceden las compañías consolidadas. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto XVII FestIVal de teatro alternatIVo - Fetal

Una rica oferta escénica en una pequeña localidad El teatro se adueña de Urones de Castroponce con FETAL

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PIZarNIK Y QUIJotE

El Teatro Corral de Anuncia también acogerá Se prohíbe mirar el césped un montaje que se adentra en la vida y obra de la poetisa argentina Alejandra Pizarnik. La propuesta de Ghetto 1326 es una autopsia psicológica con la que conocer la enfermedad de Pizarnik que murió por una sobredosis con tan solo 36 años, en 1972. La obra reconstruye su vida a través de infor32

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Quijote

a localidad vallisoletana de Urones de Castroponce acogerá de 24 al 31 de agosto la XVII edición de FETAL - Festival de Teatro Alternativo que este año se presenta con el lema “TÚ das color a las artes escénicas” y presenta una programación con espectáculos para todos los públicos. El Teatro Corral de Anuncia acogerá los espectáculos de sala mientras que la plaza y diversas calles de la localidad serán los escenarios de las propuestas callejeras. La extensión del festival llega además a la vecina localidad de Mayorga de Campos.

Esta edición arranca con fuerza con Otros rastros un espectáculo de danza de la Cía. Daniel Abreu sobre la metáfora del camino y las maneras de afrontarlo. Una pieza protagonizada por Daniel Abreu, Anuska Alonso y Álvaro Esteban y dirigida porel propio Abreu en la que muestra un marco de acción en el que “los cuerpos viajan distorsionando el espacio con una extrema tensión muscular interna, resignados en el gesto y en la danza”. La obra se sirve de los movimientos de los cuerpos, los tics de los rostros, los gestos y el maquillaje tienen como esencia la satisfacción. Son representaciones del pensamiento, de la idea sobre el mundo, de lo que es o debería ser. mación obtenida de entrevistas realizadas con personas allegadas de la poetisa, sus diarios y la revisión de su poesía y documentos.

“Al principio sólo queríamos darle a Quijote la oportunidad de salir, ofrecerle un espacio distinto, un tiempo nuestro. Pero al tender la mano para subirle al escenario, tiró fuerte, nos metió dentro del libro y cerró la tapa”. Así presentan Quijote los valencianos Bambalina, una obra protago-

nizada por un Quijote-Títere que subirá al escenario del Teatro Corral de la Anuncia.

Un espectáculo sobre la locura de Quijote, del teatro, de la vida... una locura creativa que despierta pasión por este universal personaje. Un bello espectáculo dirigido por Carles Alfaro que ha sido representado por todo Europa, África, Asia y América.

El mismo espacio acogerá Pulgarcito, un espectáculo dirigido a todos los públicos de la compañía vasca Teatro Paraíso recono-

cida con el Premio Nacional a las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2012. Este conocido cuento clásico de Perrault sube a escena en una versión nueva y actual con la que reflexionar sobre temas tan importantes como el abandono. Un trabajo ideado para que sea visto tanto por los más pequeños como por sus progenitores, un espectáculo divertido y conmovedor al mismo tiempo.

Un año más las calles y plazas de la localidad se convertirán en escenario donde disfrutar con propuestas como la que ofrecerá la media noche del día 24 de agosto Chüito Fuelle Orquesta, un hombre-orquesta que con mucho humor y algo de mala leche ofrece un repaso por la música del siglo XX. Rítmos dispares se para bailar sin descanso.

También en la calle encontrará el público el espectáculo de clown Medio Pelo que presenta Cia. Ganso. Aníbal Maldonado es un pobre hombre que está pasando un difícilsituación económica pero tiene algo muy claro: está decidido a seguir adelante. No tiene ideas ni medios, ni siquiera tiene talento pero el está convencido que va a ser

Entre lombrices

julio agosto

una nueva estrella. Un auténtico ejercicio de supervivencia en tiempos de crisis.

La oferta de calle se completa con otra obra que llega de Euskadi, Entre lombrices de Kolectivo Monstrenko. Un historia llena de humor que narra las vicisitudes de José-Ja y Alfredo Bonaparte. El primero lleva toda una vida dedicada al espectáculo, sobre todo a cumpleaños infantiles

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y fiestas fin de curso. Pero ésta da un giro cuando el cazatalentos Bonaparte le ofrece una oportunidad: enterrarse vivo para un programa de televisión on-line. Un espectáculo “terriblemente” cómico que ofrece la posibilidad de seguir conociendo las vicisitudes de su protagonista a través de vídeos en internet. Una oportunidad única para conocer las experiencias extremas de José-Ja que narrará su muerte en directo ¡y sin cortes!

Esta edición de FETAL se completa con el espectáculo que dentro de la extensión del festival tendrá lugar en la vecina Mayorga de Campos. La puesta en escena de la obra Panaderas de pan duro de El Trobadr Montaraz tendrá lugar el día 26 en el Museo del pan de la localidad. Dirigida a todos los públicos el creador musical y cantante Carlos Herrero Pérez ofrecerá un viaje musical a través del tiempo. Un repaso de la historia mediante la interpretación de melodías y canciones que han entonado las abuelas de las abuelas.

Ecos del Al-Andalus , cantos sefardíes, canciones de trabajo y de fiesta con el objeto de reivindicar el folclore.

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13 julio agosto Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo

Nuevas alianzas europeas para consolidar oferta transfonteriza

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ntre el 20 y el 24 de agosto se celebrará la decimosexta edición de la Feria de Teatro de Castilla y León, un mercado de las artes escénicas en el que confluyen tanto los intereses de los profesionales del sector, como los del público que respalda masivamente, organizado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León.

Cerca de 40 trabajos han sido seleccionados de entre 825 propuestas recibidas de compañías de las diferentes comunidades autónomas del Estado español y de otros países, dando paso a una programación en la que confluyen multiples formatos, géneros e intereses escénicos.

Dentro del avance de programación facilitado por la organización al cierre de esta edición, se encuentran algunos de los últimos montajes de las compañías castellanoleonesas como el estreno absoluto de Pom Pom primer espectáculo para bebés de Teatro de la Sonrisa, el musical Lovers-amantes de Rayuela con especial protagonismo de las canciones de Cole Porter. Bruno XXI inspirado en la figura de Giordano Bruno, tachado de hereje impertinente, pertinaz y obstinado, fue convertido por obra y gracia de la inquisición romana, en el primer mártir de la libertad de pensamiento que presentará Azar Teatro o el montaje multidisciplinar Pielescallar del Ballet Contemporáneo de Burgos dirigido por Alberto Estébanez, creado a partir de los textos de Sara R. Gallardo y con el apoyo en la dirección teatral de Cándido de Castro.

En el avance también se detallan la adaptación de La Dama Boba de Lope de Vega de manos de Micomicón Teatro dirigido por 34

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bre o la de los extremeños Teatrapo con su propuesta de calle Sfera. La comedia también estará servida con los trabajos de Bramant Teatre Eva´s Show (el Show de Eva) o el de la compañía Síndrome Clown con su recién estrenado trabajo Prematura muerte de un viajante.

Plataforma

A partir del mes de julio de 2013, se inicia una nueva etapa fundamentada en la alianza de colaboración La dama boba ©Lessy de tres ferias y festivales de Artes Escénicas del Laila Ripoll, en que cuenta la historia de una occidente europeo, que unen sus esfuerharapienta compañía de cómicos de la poszos para crear una plataforma de comerguerra española que va a representar uno cialización de las artes escénicas y para la de los grandes textos del citado autor. Así creación de nuevos públicos.

De éste modo como El sueño de la razón de Ferroviaria surge la Red ESMARK (European Scene MarTeatro coproducida junto con el Teatro Cirket), una confluencia de intereses entre el co de Murcia, cuya acción se desarrolla en Festival Internacional de Expresión Ibérica las últimas semanas de residencia de Goya de Oporto (FITEI), el Festival Don Quijote de en Madrid, justo antes de autoexiliarse en París y la Feria de Teatro de Castilla y León, Francia, Burdeos, en diciembre de 1823. a través de la cual la Junta de Castilla y León Son tiempos sombríos para el pintor, viejo lidera esta iniciativa financiada por la Unión y pesimista acosado por sus miedos y fanEuropea dentro del Programa Cultura, y que tasías grotescas. También se podrá ver el se desarrollará en el periodo 2013-2015. espectáculo infantil adaptado por Alfonso Los ejes centrales de las acciones enZurro para el Teatro Clásico de Sevilla Julia, marcadas en ESMARK estarán destinados el viaje treatástico. que a modo de travesía a promover la globalización del conocimienllevará al espectador a introducirse en el to y contratación de las propuestas de las Teatro Clásico de Lope de Rueda. compañías de artes escénicas y la contribuGracias a su cercanía y conexión con el ción al desarrollo del mercado mediante la país vecino, en la Feria no faltará una recreación de un mercado virtual de las artes presentación de compañías portuguesas. escénicas; el conocimiento y contratación de Marionetas do Mandrágora mostrará Adorproducción europea mediante la circulación mecida para público infantil y la agrupación e intercambio de profesionales de las artes de danza Quórum Ballet con A cidade verde escénicas; y la creación de demanda de e a cidade azul. Entre los estrenos absolutos productos escénicos mediante la formación, estará el de la compañía andaluza The fufomento y educación de nuevos públicos. namviolistas con un trabajo del mismo nom-

13 julio agosto FiTaG - FeSTiVal inTernaCional de TeaTro amaTeur de Girona 2013

Tots soms Hamlet

Su majestad el teatro amateur

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a Diputación de Girona organiza desde hace trece años una de las citas de teatro amateur más consolidadas de la península ibérica, nos referimos al FITAG-Festival Internacional de Teatro Amateur, que este año se celebrará del 27 al 31 de agosto. La presente edición estará dedicada nuevamente a la ‘Casa de Cultura de Girona’, sede del festival desde sus inicios, y para festejarlo, se llevarán a cabo actividades especiales potenciando la historia de amor ya existente entre el edificio y el festival.

La decimotercera también supondrá una edición de cambios ya que se abre una nueva etapa internamente con nuevo equipo de producción y la incorporación de Teatre de Contacte al trabajo y la gestión interna de la organización del festival.

La programación contará con una amplia muestra de propuestas de manos de grupos de teatro amateur de la provincia de Girona, empezando por el espectáculo inaugural de manos de la compañía de Cassà de la Selva Cràdula Teatre y seguido por L’improvizzo de Girona, Som Teiatru de Vilablareix, La Gespa de Palamós, Crash

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Teatre de Fornells de la Selva, H6 Teatre de Arbúcies y dos compañías de Figueres: Tequatre y A Mossegades. Asimismo, durante las cinco jornadas se podrá disfrutar de la presencia de compañías de Barcelona, Vilanova i la Geltrú, de la localidad madrileña de Alcalá de Henares o incluso del municipio valenciano de Alaquàs. Asimismo, fiel a su carácter internacional el FITAG acogerá propuestas de compañías venidas desde México, Argentina, Israel, Rumanía, Rusia, Cuba, Túnez, Francia, Italia y Bélgica.

Dentro de la programación continuarán un año más con la propuesta matinal de ‘Microteatro’, gracias a la colaboración existente con el Ayuntamiento de Girona, dando paso a las actuaciones en diversos edificios municipales. En este programa se podrán ver pequeñas obras originales interpretadas por actores y actrices de la casa. En las tardes del FITAG los alumnos del Centre de formación teatral d’El Galliner, podrán mostrar en la Casa de Cultura los trabajos realizados a lo largo de todo el año.

Y las noches del FITAG seguirán vivas

a partir de 00.30 horas, de miércoles a sábado, con el espacio más divertido, popular y participativo que denominan como ‘Cabaret Fitag de Nits’, aunque la actividad estrella de la presente edición del festival será la incorporación de un espacio y una franja de programación para los más pequeños. Por primera vez se pondrá en marcha el escenario del Petit FITAG, de jueves a sábado.

Asimismo, otro de los proyectos que continúa es el ‘FITAG al Municipis’, contando con localidades como Palamós, Lloret de Mar, La Jonquera, Palafrugell i Maçanet de la Selva. Durante los días del festival los citados municipios acogerán grupos internacionales seleccionados por los organizadores del FITAG. Se organizará todo un día de convivencia entre el grupo local y el foráneo, aparte de poder ver la representación teatral de la compañía invitada.

Destacar por último que está prevista una exposición de fotos retrospectiva de los últimos cinco años del festival con imágenes captadas por la fotógrafo oficial del FITAG, Irene Roé.

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Feria de Teatro en el Sur - Palma del Río

Treintena, feria, teatro, Sur

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a veterana Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río que se celebrará del 2 al 5 de julio cumple este año su treintena con un completo y variado programa que incluye teatro, danza, flamenco, cabaret, circo, teatro de calle y propuestas para público infantil, con funciones repartidas entre el Teatro Coliseo, la Casa de la Cultura, la Casa de la Juventud, la Caseta Municipal, el Centro Municipal de Congresos y diferentes espacios al aire libre de la localidad cordobesa, como los Jardines de Reina Victoria, la Plaza del Centro Municipal de Congresos o el Paseo Alfonso XIII, espacios que acogerán las propuestas de calle.

Cerca de 35 propuestas muy variadas se preven dentro un programa que además contempla una serie de actividades profesionales y presentaciones. Fiel a su vocación de escaparate de las artes escénicas de Andalucía, de entre las 35 obras, acogerá nada menos que ocho estrenos de compañías andaluzas. El primero se llevará a cabo el mismo día de la apertura a

Por Casualidad ©Luis Castilla

cargo de La Calabaza & Juan D. Mateos, que pondrá en escena el montaje de danza Respira, que nace a partir de la música de Juan Diego Mateos y Antonio Soteldo ‘Musiquita’. Ese mismo día, el Cuarteto Maravilla estrenará la acción callejera Moc Moc. La jornada del miércoles 3 de julio se iniciará

con el estreno de Una niña, adaptación del libro de Grassa Toro que aborda el tema del abandono de niños y de la adopción de manos de la compañía granadina La Rous, y por la noche se sucederán otros tres estrenos consecutivos. Por un lado está la pieza creada para escenificase al aire libre Por casualidad de Marco Vargas & Chloé Brûlé, que desde la fusión de la danza contemporánea y el flamenco, está dedicada al recuerdo de todas las personas que amamos durante unos instantes secretos. Por su parte Teatro El Velador llevará a cabo Patrimonio de Teatro y Vagalume Teatro la propuesta de calle Agitación senil.

Los dos estrenos restantes se podrán ver el jueves 4 de julio. Por un lado, Gloria López Producciones pondrá en escena Cena con amigos, trabajo que habla sobre las relaciones de pareja a través de las idas y venidas de dos parejas, dirigido por Daniel Veronese, mientras que La Fundición de Sevilla en colaboración con Focus presentará Tomar partido, basada en la obra de Ronald Harwood.

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SAN JAVIER 2013

44 Festival Internacional de TEATRO, MÚSICA y DANZA

03 | Presentación Festival

Concierto de grillos

04 | Entrevista con Inmaculada

Cada año, al enfrentarme a escribir este saluda de presentación de la edición del Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, se me repite la misma imagen de una noche de estreno en el año 1981, con una obra de Francisco Nieva. La representación comenzaba con un sonido ambiente grabado de grillos en sus delirios cantarines. Cuando el técnico cortó ese efecto, siguió el concierto de grillos, pero de los auténticos, de los que allí moraban. Y se mantuvo toda la función. En San Javier hasta los grillos quieren participar en su festival.

Un festival que sigue acudiendo puntual a su cita, otra vez con una programación auténticamente pensada para todos los públicos, en donde se mantienen las constantes que le han dotado de singularidad y que le han ayudado a ser uno de los de mayor trayectoria, estamos en su cuadragésima cuarta edición, debido a saber conjugar géneros, estilos, y convocar a nombres de artistas muy conocidos, junto a las compañías murcianas más importantes. Tragedia, comedia, clásico, contemporáneo, musical, música pop, flamenco. Autores actuales, junto a históricos. Todo al alcance de todos.

Esta es su identidad, su garantía de continuidad, su enganche con los públicos locales, regionales, nacionales o internacionales, porque se enmarca dentro de una oferta que hace que para muchos el verano murciano sea una oportunidad cultural de primera magnitud. Durante el mes de Agosto en San Javier se puede disfrutar de las Artes Escénicas más actuales, lo que le convierte en imprescindible.

06 | Obras:

Carlos Gil Zamora

García, directora del Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier

La vida resuelta · Fuegos · Lúcido · Julio César · Hombres de 40 · Desclasificados · La Pepa · El libro de la selva · Pulgarcita · Los Pelópidas · Paloma San Basilio · Locus de Roma

15 | Cursos ESAD de Murcia

Patrocinadores:

Colaboradores:

Es t e s u p le m e n t o a c o m p a ñ a a la re v is ta Artez 191 de Julio / Agosto 2013 Produce: Publiartez Aretxaga, 8 bajo - 48003 Bilbao tel. 944 795 288 · artez@artezblai.com www.artezblai.com

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Portada: Fotografía de la obra “Julio César” tomada por David Ruano

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M. Lax y Sonia Murcia Molina, impartirán los dos cursos de dramaturgia y danza que forman parte de la programación.

El 44 Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier contempla novedosos espectáculos teatrales como Julio César de Shakespeare, una producción de Metaproducciones, Teatro Circo Murcia y 59 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, que cuenta en su elenco con Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta y Tristán Ulloa que protagonizan la obra dirigida por Paco Azorín. Fuegos, por su parte, reúne a Carmen Machi, Cayetana Guillén Cuervo, Nathalie Poza y Ana Torrent en una obra de la novelista Marguerite Yourcenar que se reúne en el escenario con María Magdalena, Clitemnestra y Safo y que se presenta tras haber sido estrenada unos días antes en Mérida.

La Ruta Teatro estrenará en San Javier La vida resuelta, una comedia escrita por David Sánchez Olivas y Marta Sánchez a partir de una idea del director Juan Pedro Campoy. La pieza presenta el desencanto de dos parejas cercanas a la cuarentena que no están satisfechos con sus vidas a pesar de haber alcanzado las metas soñadas.

De esa edad son también los protagonistas de Hombres de 40, una pieza que invita a reírse de las neuras, de los complejos, errores y miedos, de las fanfarronadas y de las fobias propias de los hombres que llegan a los cuarenta, mientras que Desclasificados, escrita y dirigida por Pere Riera y protagonizada por Jordi Rebellón, Alicia Borrachero y Joaquín Climent es una obra que pone en cuestión la propia escala de valores.

Lúcido del actor, director y dramaturgo bonaerense Rafael Spregelburd y dirigida por Amelia Ochandiano, por su parte, gira en torno al consuelo que producen los sueños y del poder curativo del arte.

Además de las novedades propuestas para el público familiar El libro de la selva y Pulgarcita, en San Javier se darán cita dos grandes artistas femeninas de la danza y de la canción como Sara Baras y Paloma San Basilio. La primera presenta con La Pepa, un espectáculo inspirado en la Constitución de Cádiz de 1812, mientras que la cantante recala en el marco de la gira Hasta siempre, tras la que abordará nuevos proyectos.

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Tras 44 ediciones en las que el público del municipio de San Javier, de la comarca del Mar Menor y de toda la región de Murcia ha respondido con entusiasmo a las propuestas artísticas programadas por el Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, la cita que volverá a desarrollarse del 3 al 24 de agosto en el auditorio del Parque Almansa llega a su 44 edición con una diversidad de propuestas capaces de satisfacer los gustos más dispares de los aficionados a las Artes Escénicas. Con la premisa de atraer y contentar al mayor número de espectadores y de aficionados a las diferentes vertientes de las Artes Escénicas, el festival que dirige Inmaculada García afronta “con una mayor creatividad e ingenio” los obligados recortes presupuestarios porque a pesar de programarse dos espectáculos menos que el pasado año la calidad de las propuestas seleccionadas está sobradamente contrastada.

El veterano festival se decanta por una programación en la que artistas de renombre como Sara Baras, Mario Gas o Paloma San Basilio, productoras como Pentación, Focus o Secuencia 3 y compañías de prestigio como La Ruta Teatro comparten espacio escénico con alguna creación de marcado cariz local pero de gran aceptación, como la que ofrecerá el Grupo de Teatro de San Javier que, fiel a su cita anual, estrenará Los Pelópidas, con dirección de Leonor Benítez Sepúlveda.

Otra compañía con actores jóvenes que buscan hacerse un hueco en la profesión, la ESAD-Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia estará presente para presentar el espectáculo Locus romanus, al tiempo que dos de los docentes del centro, Fulgencio

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Un mismo escenario para acoger las propuestas más cautivadoras

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©Pepe H

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La Directora del 44 Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, Inmaculada García, estará por segundo año al frente de este evento referencial en la comarca del Mar Menor que presenta una programación caracterizada por el eclecticismo. Aunque los espectáculos dirigidos a públicos mayoritarios son la columna vertebral de la cita que se celebra entre el 3 y el 24 de agosto, incluido el estreno de ‘La vida resuelta’ de La Ruta Teatro, también se exhibirán propuesta de actores en ciernes o la última creación del Grupo de Teatro de San Javier. Aunque los recortes presupuestarios han acarreado una reducción de las propuestas que integran la programación, la directora subraya que ese hecho “no supone una merma en la calidad, solo en la cantidad”.

En 2012 asumió la dirección del Festival. ¿Qué balance hace de aquella edición?

El balance es positivo, tuvimos un ligero aumento de público en general y también de abonados, desde diciembre forma parte de la Red de Teatros y Auditorios. En lo profesional ha significado para mi un reto muy importante, pero mi balance personal también es muy positivo. ¿Qué cambios (estructurales, organizativos,....) ha incorporado respecto a ediciones precedentes?

El festival mantiene la misma estructura en cuanto a equipo y forma organizativa que en ediciones anteriores. Continúan el convenio con Murciaaescena que posibilita una coproducción en cada edición con una compañía de esta asociación profesional y este año como novedad incluimos un convenio con la ESAD en virtud del cual la oferta formati-

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“Es importante que nuestro teatro tenga una ventana al exterior”

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va la proponen desde la escuela, representarán un espectáculo de producción propia en el festival y contaremos con la presencia de alumnos en prácticas. ¿Cuáles son las entidades públicas y privadas que sostienen económicamente el Festival?

Sin duda el Ayuntamiento es el pilar económico, se trata de un festival de titularidad pública pero tenemos patrocinadores y colaboradores que siguen confiando como el INAEM o empresas como La Verdad, Estrella de Levante, Aquagest o Cajamurcia.

Le ha tocado afrontar una época de recesión económica que sin duda afecta a la organización del Festival. ¿De qué manera?

El año pasado el recorte fue del 40% y algún patrocinador se retiró porque la situación estaba siendo bastante dura. Esto supone un mayor esfuerzo, más trabajo y una mayor creatividad e ingenio por parte de la organización, además del enorme esfuerzo que supone para muchas compañías que asumen muchos riesgos que no podemos dejar de reconocer.

El Festival parece caracterizarse por el eclecticismo de la programación. ¿Cómo acogen los espectadores esa disparidad de propuestas artísticas?

En general muy bien, tenemos un público muy fiel, muchos son abonados de muchos años que admiten y valoran todo tipo de propuestas. Tenemos además en esas fechas muchos visitantes que se acercan a toda la comarca del Mar Menor de vacaciones y se convierten en espectadores esporádicos de determinadas propuestas.

Este año participan en la producción de ‘La vida resuelta’ de La Ruta Teatro. ¿Con qué finalidad se involucra el Festival en esa coproducción?

Este es el quinto año que coproducimos, ya va camino de convertirse en tradición en la historia del

En la programación tienen cabida un espectáculo de la ESAD de Murcia y otro del Grupo de Teatro San Javier. ¿Es una apuesta por el teatro de cantera?

Si, desde luego, en el caso de la ESAD, brindar la posibilidad a actores y otros profesionales de trabajar en el festival supone un escaparate para ellos y una de sus primeras experiencias profesionales de la que todos salimos beneficiados.

En el caso del histórico Grupo de Inmaculada García Teatro de San Javier, el hecho de que participe en el festival, si que supone toda una tradición y es además una de las obras más esperadas ya que cuentan además con un público fiel que, por supuesto, siempre responde a las expectativas. No podemos olvidar que muchos de sus integrantes son fundadores del festival hace ya 44 años.

En cuanto a la ESAD, se trata de una apuesta personal, ya participó años atrás en el festival y hacía años que no pisaban nuestro escenario pero creo que es importante el apoyo del festival a los nuevos actores y directores que se forman. De ahí han salido grandes profesionales como Juan Pedro Campoy, Cristina Alcázar, Carlos Santos, Daniel Albaladejo o incluso el propio director de la ESAD Juan Ángel Masegoso…

Además, la formación actoral también tiene cabida en la programación ¿con qué finalidad?

Cualquier actividad paralela ayuda a enriquecer un festival. Creemos que debe haber un entramado de actividades que acompañen la programación, en esta edición tendremos una exposición sobre vestuario, cartelería teatral, etc. y tendremos los dos cursos, crítica teatral y dramaturgia y el de danza en el Teatro. En otras ediciones han habido otras actividades como los encuentros con el público o exposiciones de fotografía.

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¿Cuáles son la directrices que ha seguido para establecer la programación de esta edición?

El festival sigue la línea que ha llevado en ediciones anteriores, la trayectoria y características del festival atiende a un amplio espectro de público, procuramos en líneas generales no programar nada que se haya visto en la región y el número máximo de estrenos siempre atendiendo a criterios de calidad.

Seleccionar para el Festival espectáculos como ‘Julio César’, ‘Fuegos’ o ‘La vida resuelta’ antes de ser estrenados puede resultar arriesgado. Sin embargo, los elencos artísticos con los que cuentan ofrecen garantías de éxito, ¿no le parece?

Por supuesto, al menos sus trayectorias así lo atestiguan, también sabemos que el elenco no siempre es garantía de éxito; en ocasiones el público busca caras conocidas a la hora de comprar la entrada pero si la obra no cubre las expectativas generadas ese mismo público pondrá la función en su lugar. Estoy de acuerdo que el elenco ayuda a vender la obra pero en este caso detrás del elenco hay unos muy buenos directores y unos textos que merecen la pena trabajar.

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Una consecuencia de la disminución de recursos económicos es la reducción de la programación que ofrecerá dos espectáculos menos.

Si, contratar y exhibir un espectáculo no solo supone abonar el caché o garantizar una taquilla sino muchos más gastos como el personal de carga y descarga, equipo técnico, material, personal auxiliar, etc. El hecho de que se programen dos espectáculos menos no supone una merma en la calidad, solo en la cantidad.

festival, incluso está conveniado con Murciaaescena. Creo que es fundamental que los festivales y teatros en la medida de sus posibilidades apoyen y colaboren en la producción de nuevos montajes. En nuestro caso es importante para que el teatro que se hace en la región tenga una ventana al exterior, de la misma manera que nuestro “sello” se exporta fuera, sobre todo con aquellas compañías que apuestan por arriesgar y traspasar las fronteras regionales.

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A ese recorte del 40% hay que añadirle los recortes de ediciones anteriores. ¿Es posible mantener el Festival en esas condiciones?

Es complicado pero, de momento, gracias al equipo de organización que trabaja para hacer posible cada edición, a los patrocinadores, colaboradores y a las compañías, finalmente se consigue. Este año el equipo de gobierno aportó un poco más en el presupuesto de esta edición debido a la subida del I.V.A.

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LA VIDA RESUELTA VIERNES 16 DE AGOSTO

Crónica de una generación marcada por la insatisfacción

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En torno a ese grupo humano gira la puesta en escena de esta comedia que tiene por título La vida resuelta, un espectáculo escrito por David Sánchez Olivas y Marta Sánchez, guionistas de series como ‘7 vidas’ o ‘Aída’ pero que no habían escrito ningún texto teatral. Han desarrollado una idea inicial del propio Campoy con la que llevar al escenario “la historia de una generación muy cercana a la nuestra, de gente que ronda los 40 años, aunque no se trata de realizar el retrato de un fracaso”.

A partir de una idea inicial del propio director,“David y Marta crearon toda una historia que, sin pretender reflejar el fracaso de toda una generación, muestra a seres incapaces de conseguir una satisfacción personal a pesar de que su vida se ha desarrollado por donde ellos mismos deseaban. Sin embargo, tampoco se trata de decir “qué mala suerte he tenido” o de “quejarse de la

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OBRA: LA VIDA RESUELTA. AUTORES: DAVID SÁNCHEZ OLIVAS, MARTA SÁNCHEZ.

JAVIER MORA, CRISTINA ALCÁZAR, CARLOS SANTOS, LAURA DOMÍNGUEZ, ADRIANA TORREBEJANO. DIRECCIÓN TÉCNICA: PEDRO ANTONIO BERMEJO. DISEÑO DE VESTUARIO: CRISTINA RODRÍGUEZ. ESCENOGRAFÍA: FEDE. DISEÑO GRÁFICO: SRMENTEKITCHEN. MÚSICA: LEANDRO MARTÍNEZ. JEFE DE PRODUCCIÓN Y PRENSA: PEPE H. DIRECCIÓN ESCÉNICA: JUAN PEDRO CAMPOY. PRODUCCIÓN: LA RUTA TEATRO. DURACIÓN: 1 HORA 20 MINUTOS. LUGAR: AUDITORIO PARQUE ALMANSA -SAN JAVIER. FECHA: 16 DE AGOSTO. INTÉRPRETES:

reúne a cinco personajes “cada uno de ellos con su historia personal pero cuyas vidas se entrelazan”, porque el grupo está integrado por “dos parejas y un quinto individuo que tiene relación con una de las parejas”. Campoy explica que una de las parejas expone de forma

’La vida resuelta’ es el retrato en clave de comedia de una generación que ha llegado a un punto en su vida en la que no terminan de estar satisfechos consigo mismos y mucho menos felices. Todos ellos han buscado el éxito, cada uno en la forma en que creían, pero queda un halo de frustración bien porque no lo han conseguido bien porque la consecución de lo que buscaban en realidad no es lo que esperaban.

mala suerte” añade Campoy La puesta en escena de este espectáculo que arranca de forma graciosa y simpática para tornarse más amarga y agria a medida que avanza,

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Cuando siguen teniendo plena vigencia los conceptos e ideas que sirvieron para definir a un gran número de jóvenes como ‘Generación Ni-Ni’, La Ruta Teatro estrena en coproducción con el Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier un espectáculo protagonizado por un grupo de personas que podrían pertenecer a la ‘Generación In In’. En ese grupo se podrían incluir todas aquellas “personas insatisfechas e infelices que rondan los cuarenta años y que a pesar de haber alcanzado las metas que se habían propuesto cuando eran más jóvenes para conseguir unos estudios, un empleo determinado, una oposición o unas metas concretas para tener su vida resuelta en un momento dado, no han logrado ver cumplidas sus expectativas”, según destaca el director Juan Pedro Campoy.

meridianamente clara la idea de la obra porque se trata de “una pareja que en un momento determinado decide casarse y tener un hijo. Eso que se supone que es una muestra de felicidad y que constituye un exponente de enriquecimiento personal, no acarrea de ningún modo una situación de felicidad. Y eso que son ellos quienes han tomado libremente esa decisión”.

La segunda pareja que aparece en la puesta en escena está integrada por un hombre que está cerca de cumplir los 40 años, separado y con un hijo, y que mantiene una relación con una chica de unos veinte años de edad. El personaje masculino de esta pareja “representa la insatisfacción porque es quien quiere recuperar su juventud, volver a coger la moto, echarse una novia joven y hacer todo aquello que estuvo perdiéndose en la época que tenía entre veinte y treinta años. Mientras el hombre quiere quitarse las responsabilidades y regresar a su juventud, la chica es ajena a esa generación y no entiende cuáles son los problemas que afectan a esa gente. Sin embargo, es quien más claro lo tiene todo y mostrará la forma de evitar los errores que han cometido el resto de los personajes”.

El ‘dramatis personae’ de la función se completa con la presencia en escena de una mujer joven, madre soltera, que está embarazada, posiblemente del hombre que está casado y al que le viene encima un segundo hijo.

La vida resuelta se desarrolla en un espacio singular, una guardería, en la que queda vacante una plaza para acoger el próximo curso a un niño. Campoy señala que el espacio en el que se va a materializar la pieza “va a ser lo más realista posible”, lo que les permite ubicar a

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y por eso les pido a los actores que entiendan la historia que queremos contar y que realicen una labor muy personal de sus personajes desde el punto de vista emocional”, en este caso encarnando en cuatro seres que están frustrados e insatisfechos y que tienen algo en su interior que no les permite lograr la felicidad. Tras realizar la primera lectura del texto, Javier Mora, Cristina Alcázar, Carlos Santos, Laura Domínguez y Adriana Torrebejano, los actores que intervienen en la representación “veían muy cercanos a sus personajes y, en algunas ocasiones, se veían reflejados en ellos”, indica el director.

Con la puesta en escena de La vida resuelta la compañía La Ruta Teatro y el Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier vuelven a involucrarse en una producción conjunta, tras una primera experiencia en 2010 cuando estrenaron en el propio festival ‘La comedia de los errores’. Tras ese espectáculo la compañía regresó al festival el pasado año con ‘Perversiones sexuales en Chicago’, obra que precedió a ‘Pernod’, el otro espectáculo que estrenaron en 2012. La puesta en escena de La vida resuelta ha estado precedida este año por el estreno de ‘Cada camino’ una obra interpretada por actores recién salidos de la ESAD y por miembros de la Asociación Alfa con algún tipo de minusvalía bajo la dirección de Silvia Montesinos y Javier Martínez.

La intensa actividad productiva desarrollada por la compañía murciana ha llevado a Campoy a reconocer que se siente parte de “un equipo privilegiado” a pesar de ser “políticamente incorrectos” por llevar la contraria al ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, que aseguró que el descenso de espectadores en las artes escénicas se debía a la “dramática” disminución de la oferta.

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los personajes durante su infancia para hablar de sus sueños cuando tenían cinco años de edad y uno de ellos quería ser explorador, otro Spiderman o una chica que quiere ser jefa.

En ese ambiente, los personajes hablan, discuten, reflexionan y reviven lo que eran sus vidas cuando ellos pasaron por el jardín de infancia y lo que se han convertido. Ese espacio servirá para evocar un periodo vital en el que las personas carecen de preocupaciones y “se sienten libres de hipotecas y de cambiar los pañales al niño, cuando no existía la prima de riego y lo único que preocupa es quién va a aportar el balón para jugar por la tarde”.

Campoy señala que su primera intención al dirigir un espectáculo basado en un buen texto se centra en “poner todo el trabajo al servicio de esa historia

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©Enrique Cidoncha

FUEGOS SÁBADO 3 DE AGOSTO

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Tres personajes clásicos o míticos, María Magdalena, Clitemnestra y Safo, a las que dan vida Cayetana Guillén Cuervo, Nathalie Poza y Ana Torrent, así como la novelista Marguerite Yourcenar, a quien encarna Carmen Machi, se reúnen en Fuegos, una de las novedades de la presente edición del festival que llega a San Javier tras su estreno en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La puesta en escena dirigida por José María Pou se basa en un texto de Yourcenar que retoma temas clásicos y eternos en el que “su voz íntima se revela de manera más clara y sin pudor”, según destaca Marc Rosich, autor de la dramaturgia, quien afirma además que la timidez y el carácter reservado de la autora quedan a un lado “para mostrar sin ninguna vergüenza la herida abierta de su decepcionante historia de amor con el joven editor y autor André Fraigneau”.

Yourcenar vertió todo el dolor de su corazón en la escritura y el resultado fue una obra que agrupa en prosas poéticas diversos monólogos proferidos por figuras inspiradas en el mundo clásico que tienen como elemento unificador una serie de interludios en primera persona. Los monólogos de figuras femeninas clásicas y la palabra íntima de Yourcenar se intercalan y parecen pedir a gritos la adaptación para la escena, la exorcización de esas voces en actrices de carne y hueso. Con su puesta en escena se materializa un juego teatral intenso y lleno de pasión, que tiene como telón de fondo el mundo clásico que siempre fascinó a la autora.

A partir de los interludios en primera persona y los

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Apasionado diálogo entre Yourcenar y sus personajes

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FUEGOS. AUTOR: MARGUERITE YOURCENAR. DRAMATURGIA: MARC ROSICH. CARMEN MACHI, CAYETANA GUILLÉN CUERVO, NATHALIE POZ, ANA TORRENT. ESCENOGRAFÍA: SEBASTIÀ BROSA. ILUMINACIÓN: MIGUEL ÁNGEL CAMACHO. VESTUARIO: LORENZO CAPRILLE. CARACTERIZACIÓN: TONI SANTOS. ESPACIO SONORO: JORDI BALLBÉ. AYUDANTE DE DIRECCIÓN: JOSÉ LUÍS MASSÓ. DIRECCIÓN: JOSÉ MARÍA POU. PRODUCCIÓN: ROMEA, FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDAX. LUGAR: AUDITORIO PARQUE ALMANSA - SAN JAVIER. FECHA: 3 DE AGOSTO. OBRA:

INTÉRPRETES:

monólogos de Clitemnestra, María Magdalena y Safo incluidos en la obra Feux (Fuegos) y en Les charités d’Alcippe (Las caridades de Alcipo), Rosich ha elaborado una estructura en la que quedan en evidencia las pasiones de su yo íntimo, dejando de lado y reduciendo la opacidad de “las máscaras de la ficción detrás de las que normalmente se esconde en su obra más canónica”.

Rosich ha querido saber “seguir intuitivamente” la división marcada por la autora en su obra, y a la hora de poner en escena la obra las voces se muestran divididas. Por un lado, una de las actrices interpreta la voz de la propia Yourcenar, adoptando su palabra intemporal y poética a partir de los materiales extraídos de los interludios en primera persona y, por otro lado, “las tres actrices restantes, serán las creaciones de su imaginación, instrumentos para su camuflaje emocional, que se incorporarán a las máscaras clásicas de las que se sirve la autora para ahondar en las mil facetas de su melancolía amorosa”. La tensión dramática de la propuesta se encuentra en el diálogo entre Yourcenar y sus creaciones literarias, entre la fachada inexpugnable de sobriedad y reserva que siempre transmitió la autora y las irrefrenables pasiones que quemaban en su interior.

LÚCIDO LUNES 5 DE AGOSTO

©Jesús Vallinas

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Vallinas

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©Jesús

juega con las apariencias, el resultado es muy honesto en su planteamiento y en ningún momento ‘engaña’ al espectador aunque, en cambio, aporta pistas para que el mismo vaya situándose en los distintos planos de realidad que maneja. Por ello, la pieza que protagonizan Isabel Ordaz, Alberto Amarilla, Itziar Miranda y Tomás del Estal camina fiel y paralelamente a ese planteamiento, insinuando sin mostrar y llevando de la mano al espectador con dulzura y agilidad y divirtiendo hasta dejar solo al espectador ante un duro, emocionante y sorprendente final.

La materialización de la pieza supuso un verdadero reto para Ochandiano debido a que “el cambio de lugares donde se realiza la acción, la diferencia entre lo que es un sueño y lo que se supone que es realidad y el sorprendente giro final de la obra, exigen una puesta en escena de filigrana”.

Ochandiano, que además de dirigir la puesta en escena es la productora del espectáculo, reconoce que descubrió a Rafael Spregelburd “rebuscando en una librería”. Tras comprar un libro suyo “quedé atrapada por la inteligencia, compromiso, originalidad y carpintería teatral de sus textos y a partir de ahí he leído todos los libros de su autoría que he podido conseguir”. Cuando leyó Lúcido, sin embargo, “no pude sacármelo de la cabeza” y decidió “trasladar al escenario toda la emoción que yo misma y mi equipo más cercano hemos sentido al leer esta función”.

La directora sostiene además que el texto de Spregelburd “que es la partitura que marca toda la travesía”, constituye “un motor con gasolina y reserva” con la que se ha decidido a levantar un proyecto que le exige al menos dos años de implicación. Además la obra debe repartir juego “entre todos los creadores”, para conseguir que no agote su “búsqueda y resista hasta el final. Y si es de un autor contemporáneo mejor que mejor”.

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La obra del actor, director y dramaturgo bonaerense Rafael Spregelburd, que en opinión de la directora Amelia Ochandiano “debería estar más a menudo en nuestros escenarios”, porque considera que “el flechazo con la escritura de este autor ha sido definitivo”, estará presente en San Javier con una historia “divertida, sorprendente, emocionante y comprometida” en torno a una familia disfuncional. Lúcido, la obra que presenta Teatro de la Danza de Madrid, es una comedia que habla de la pérdida, del sacrificio, del arrepentimiento, del consuelo que producen los sueños y del poder curativo del arte, elementos que son mezclados en la pieza para dotar a la representación del tono adecuado que sepa conjugar lágrimas con carcajadas, valiéndose para ello de una trama casi policiaca que se convierte en melodrama.

La obra del autor bonaerense es un juego entre sueños y realidades donde nada es lo que parece. La pieza pone en escena la historia de Lucrecia, una joven que regresa a casa de su madre, Teté, en la que también vive su hermano Lucas. Tras quince años de ausencia y silencio, Lucrecia viene a buscar “lo que es suyo”, es decir, que le devuelva el riñón que le trans-

plantó a Lucas cuando eran niños. Esa exigencia despertará en Teté las peores pesadillas y hará aflorar todos los secretos y las mentiras del pasado.

Aunque la puesta en escena de Lúcido

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Spregelburd presenta la historia de una familia disfuncional

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©David Ruano

JULIO CÉSAR LUNES 12 DE AGOSTO

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Mario Gas, Sergio Peris Mencheta y Tristán Ulloa dan vida a Julio César, Marco Antonio y Bruto en la puesta en escena de la obra Julio César que llega a San Javier con dirección de Paco Azorín, para quien decir que la obra muestra una gran actualidad “resulta una obviedad” porque las obras de Shakespeare lo son por definición, aunque en este caso su oportunidad radica en cuestiones como la masculinidad y el carácter castrense que se materializa a través de “los hombres y la guerra, los hombres y el poder que cambia de manos a través de la guerra y del golpe de estado”.

Shakespeare se vale para esta pieza de un lenguaje tosco y directo que se aleja de la riqueza estilística propia del dramaturgo inglés, lo que dota a la obra de “una fuerza y una violencia poco común sobre el escenario”, según destaca Azorín que señala además la utilización de la manipulación verbal casi siempre “por parte del más fuerte, de quien ostenta el poder y casi nunca por parte del pueblo”.

Por ello ha optado por dar realce a “las palabras, en su fuerza poética y evocadora y, de manera muy especial, en su capacidad provocadora, en su capacidad potencial para modificar el ánimo y alterar la conducta de los que las escuchan”.

Otra de las particularidades de esta coproducción entre el Festival de Teatro Clásico de Mérida, Metaproducciones y el Teatro Circo de Murcia que acogió su estreno el pasado mes de mayo, radi-

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La palabra y el obelisco como elementos simbólicos del poder

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ca en el hecho de presentar como eje un obelisco como elemento vertical de gran importancia simbólica y que resulta especialmente significativo “no sólo como símbolo del poder, sino también como metáfora reveladora del poder y la hegemonía que cambia de manos a lo largo de los tiempos”, señala Azorín. Si al inicio de la representación el obelisco cobra la función referencial de verticalidad e inmovilismo, “en una clara alusión al reinado de Julio César”, la pieza cae despedazada en los dos últimos actos “para ser un símbolo más de la guerra civil que enfrenta a los romanos tras la muerte del protagonista”.

A partir de ese monumento arquitectónico que simbolizaba un rayo del Sol, la estabilidad y fuerza creadora que poseía el dios solar Ra y que fue hallado por los romanos en Egipto, a orillas del Nilo y llevaron hasta Roma como tesoros exóticos que representaban la sumisión del pueblo conquistado, el autor parece reconocer tanto la fuerza militar del Imperio romano para someter a la mayor parte del mundo conocido hasta ese momento, pero que “culturalmente, supo reconocer y valorar la cultura griega, así como la de todos los pueblos vencidos, entre ellos, Egipto”, apunta Azorin. Aunque la obra de Shakespeare se nutre de los profundos cambios estructurales y sociales de la época en la que le tocó vivir, su teatro se mantienen vivo por el dinamismo y fascinación de lo narrado y “porque sus temas morales, filosóficos y espirituales están profundamente arraigados en la realidad cotidiana”. El director señala, además, otro elemento omnipresente que dota a la pieza de un elemento añadido de actualidad: la guerra, por haber servido para que las dictaduras militares se adueñaran de toda América Latina a lo largo del siglo XX “como reacción al periodo colonial, en busca de la libertad del pueblo frente al invasor imperialista de siglos atrás”.

©Pedro Gato

HOMBRES DE 40 MIÉRCOLES 7 DE AGOSTO

Reírse de las crisis personales es esencial para soportarnos a nosotros mismos, la pieza presenta a cuatro personajes que luchan por un gimnasio de barrio, de los de toda la vida (en peligro de extinción). Ellos son los protagonistas que con sus manías, sus inseguridades, sus filias, sus fobias, sus egoísmos, su ternura y su desgracia provocarán la risa pero, también, la reflexión porque como señalan Virtudes Serrano y Mariano de Paco en la presentación de este espectáculo “la catarsis que todo drama debe trasladar al receptor, se endulza aquí con el humor, con el despropósito de algunas situaciones, con el juego escénico, el dinamismo y la diversión”.

Dudas para provocar inestabilidad Los puntos de vista opuestos que sobre la ética, la integridad profesional y la dignidad del individuo tienen los tres personajes que protagonizan la puesta en escena de Desclasificados es el punto de partida del autor y director Pere Riera para poner en cuestión la escala de valores de la que todos nos jactamos y que son los principios rectores que nos hacen ser de un modo u otro; los mismos que nos hacen juzgar las actitudes y las conductas de los demás desde un determinado punto de vista.

La pieza que protagonizan Jordi Rebellón, Alicia Borrachero y Joaquín Climent muestra a la periodista más prestigiosa del país que afronta la entrevista más difícil de su carrera: un cara a cara con el Presidente del Gobierno. El mandatario está, pre-

suntamente, implicado en un delito aberrante, por lo que el astuto secretario de prensa del Presidente hará todo lo posible para que la entrevistadora dude incluso de sí misma.

Ese contexto de propiciar las dudas lleva a poner en cuestión los valores y los principios más sólidos de las personas, que son sacudidos y cuestionados, incluso, contra nosotros mismos. Con este espectáculo Riera lanza además otras preguntas como “Qué sucede cuando tomamos consciencia de que no somos tan íntegros, tan dignos, ni tan coherentes?” o “¿Cómo asumimos la ruptura entre nuestras convicciones y nuestra voluntad más íntima?”. El director de este espectáculo producido por Pentación Espectáculos y La Villarroel parte de la certeza de que las personas “somos frágiles. Por fuera y por dentro” y se muestra convencido de que el ser humano sólo se siente valiente y capaz de opinar, de criticar y de demonizar “cuando se trata

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DESCLASIFICADOS DOMINGO 18 DE AGOSTO

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Con este texto Galán persevera en su afán de llevar al escenario temas contemporáneos y socialmente cercanos a la realidad y que ya han sido abordados en anteriores creaciones como ‘La curva de la felicidad’ o ‘Felices 30’, aunque en sus obras también tienen cabida cuestiones tan dramáticas como la violencia o el abuso ejercido sobre la mujer de los que dejó constancia en ‘Maniobras’.

de juzgar al otro”. Pero tampoco es esa una certeza absoluta porque nunca debe decirse “de este agua no beberé”.

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Reírse de las neuras, de los complejos, errores y miedos, de las fanfarronadas y de las fobias propias de los hombres que llegan a los cuarenta, es la invitación que lanza el autor Eduardo Galán en la comedia fresca y divertida Hombres de 40 que ponen en escena Roberto Álvarez, Diana Lázaro, Santiago Nogués y Frances Galceran con dirección de Mariano de Paco Serrano y producción de Secuencia 3. A partir de las crisis individuales, la de los 40, la de fe, la de identidad, la de valores, y crisis colectivas y sociales Galán aborda con humor las pequeñas preocupaciones cotidianas como la base de los grandes y verdaderos problemas de los hombres.

Con la intención de llenar de ilusión vital a los espectadores y con el convencimiento de que la risa

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©Santana de Yepes

LA PEPA SÁBADO 24 DE AGOSTO

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Con motivo del segundo centenario de la promulgación de la primera Constitución española, que se proclamó en Cádiz el 19 de marzo de 1812, la bailaora Sara Baras estrenó el pasado año La Pepa, un espectáculo en el que la artista está acompañada en el escenario por José Serrano, que es el coreógrafo de sus intervenciones, así como de un gran elenco artístico que integra un cuerpo de baile formado por dieciséis bailaores gaditanos de San Fernando,

co mediante el que explica la situación de Cádiz durante la Guerra de la Independencia y cuando España estaba tomada por las tropas napoleónicas. Para ello toma como punto de partida los sucesos de 1810 en la Isla de León (donde se crió la bailaora) para, después, “trasladarnos a Cádiz en 1812”, cuya bahía era el único reducto libre de las tropas napoleónicas, y “concluir con lo que hoy en día podría ser una Pepa”.

El espectáculo ofrece un programa integrado por once bailes diferentes, El martinete ‘El horror’ abre la función que continúa con el vals ‘El mar de la libertad’ y con ‘El puerto de Cádiz’ integrado por guajira, zapateado, fandango y seguirilla. Tras una transición la función continúa con una soleá por bulería ‘Las Cortes de Cádiz’, con la malagueña ‘Misa de acción de gracias’ y el tanguillo ‘El pueblo gaditano’ y con la farruca ‘La promulgación’. Tras una nueva transición el espectáculo afronta su recta final con la alegría ‘La Pepa 2012’ y concluye con una bulería que sirve de ‘Fin de fiesta’.

En la puesta en escena destaca la grandeza musical apartado en el que Baras ha contado con las composiciones de Keko Baldomero que además es, junto con Miguel Iglesias, uno de los guitarristas del espectáculo, así como con los cantaores Saúl Quirós, Emilio Florido y Miguel Rosendo y con los percusionistas Antonio Suárez y Manuel Muñoz ‘El Pájaro’. Además de dar realce al espectáculo, el espacial diseño de la escenografía y el exquisito y elaborado vestuario contribuyen a situar al espectador en una época excepcional.

La función que ofrecerá Sara Baras en el 43 Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier se enmarca en la gira que arrancó en 2012 y continuará en 2013 y 2014 y que llevará a la artista gaditana a escenarios de España y de América,

“Dicen que la Pepa no es sólo un símbolo, dicen que la Pepa es un sentimiento, es una actitud, una manera de sentir, una forma de ser, un carácter, una esperanza...”

Sara Baras

Sanlúcar, El Puerto de Santa María y Chiclana. Este homenaje con dirección escénica y coreografía de la propia Sara Baras aborda cuestiones como “el horror de la guerra, la belleza de su tierra, la importancia de crear una Constitución histórica en el mundo; la influencia, la esperanza, la alegría, las ganas de vivir y la libertad”, según la descripción de la propia artista.

A través de seis estampas diferentes que cuentan con una dramaturgia flamenca basada en imágenes que representan el Cádiz de la época de las Cortes (1810-1812), La Pepa realiza un recorrido cronológi-

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Sara Baras une la Cádiz actual con la de hace 200 años en ‘La Pepa’

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©Vicente A. Jiménez

EL LIBRO DE LA SELVA DOMINGO 4 DE AGOSTO

Una selva que se llena de música Esta emocionante y tierna aventura que han adaptado Neus Alborch e Isabel Martí, que forman parte del elenco actoral junto a Ramón Ródenas, José Denia y Frank Alonso, es un viaje lleno de música, juegos, risa y aventuras que arranca con la historia del malvado temible tigre Shere Khan que robó el bebé de unos campesinos pobres. A partir de ese hecho ideado por Kipling y ambientado en la selva de la India, Alborch y Martí han optado por incorporar algunas modificaciones como la de mostrar un Mowgli algo más travieso; un Baloo un poco torpe; una Bagheera llena de ternura y unos malvados de lo más cómico. Todos ellos cantarán, bailarán y vivirán un sinfín de aventuras que desafiarán la imaginación de los más pequeños y despertarán la de los mayores.

Esta adaptación de El libro de la selva, se envuelve de un vestuario y

La odisea de sonidos evocadores Otra de las propuestas dirigidas al público familiar que se exhibirá en San Javier será presentada por Carver Espectáculos y Gloria Muñoz, que han tomado como punto de partida el cuento de hadas clásico Pulgarcita de Hans Christian Andersen publicado en 1835 y la versión cinematográfica de esa misma obra estrenada en 1994, que han sido libremente adaptados por la propia Gloria Muñoz.

La puesta en escena de este espectáculo musical reúne en escena a un elenco de cantantes, bailarines y artistas que dan vida a los personajes que intervienen en esta historia que se desarrolla en un espacio escénico basado en la idea de la papiroflexia.

La adaptación es una divertida reinvención del entra-

ñable y diminuto cuento que recoge la historia de una mujer deseosa de tener un hijo que recurre a una bruja que le entrega una semilla de cebada. De la semilla nació una flor que al abrirse dejó ver una joven no más grande que un dedo pulgar por lo que fue llamada Pulgarcita.

Pero una noche que la muchachita estaba dormida fue raptada por un sapo que quería casarla con su feo y torpe hijo, aunque logró escaparse de él sujetándose a una mariposa. Tras afrontar su lucha diaria con la grandes cosas y participar en numerosas odiseas, Pulgarcita conoce al príncipe Cornelius con quien se casa y vive feliz para siempre.

El espectáculo que cuenta con la dirección de Alfredo Ávila, incluye composiciones musicales originales que han sido creadas por Eugenio Fernández, mientras que Víctor Campos ha ideado las coreografías que se exhiben a lo largo de la representación.

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PULGARCITA DOMINGO 11 DE AGOSTO

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una escenografía llena de color y volúmenes que escapa a los planteamientos tradicionales y que se acompaña de canciones inolvidables.

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El teatro familiar también tiene cabida en la programación del Festival de San Javier con la exhibición de espectáculos como El libro de la selva, una adaptación de la obra del Premio Nobel de Literatura Joseph Rudyard Kipling, que constituye además el espectáculo de presentación de la nueva productora Eventime. Valiéndose de los más recientes recursos escénicos y de transformaciones, proyecciones, marionetas e ilusionismo, el espectáculo que cuenta con la dirección Musical de Neus Alborch y la dirección de actores de Isabel Martí, sumerge al espectador en la historia un niño que crece en la selva rodeado de animales, aprendiendo a distinguir el bien del mal mientras intenta descubrir quién es y qué lugar ocupa en el mundo.

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LOS PELÓPIDAS MIÉRCOLES 14 DE AGOSTO

Astracanada en la Grecia clásica El Grupo de Teatro San Javier que ha participado desde su creación en 1989 en todas las ediciones del Festival Internacional de Teatro, Música y Danza y ha representado gran parte de los espectáculos que ha estrenado a lo largo de su trayectoria. Este año vuelve a estar presente en esa cita para presentar en esta ocasión Los Pelópidas, una pieza de la que es autor Jorge Llopis. Esta obra es, en realidad, una parodia en verso de la tragedia griega, dentro del subgénero teatral cómico del astracán (o astracanada).

Los Pelópidas es una obra que dirige Leonor Benítez Sepúlveda, quien está al frente de la compañía desde que presentó en 1989 su primer espectáculo, ‘El Auto de Navidad’ escrito y dirigido por ella misma. La obra es una caricatura de la tragedia griega

que el Grupo de Teatro San Javier ofrece a modo de espectáculo divertido con situaciones disparatadas.

A partir de la obra de Llopis, el espectador podrá disfrutar con la historia de Antrax, rey de Tebas. Tras su regreso de la guerra de Troya Antrax comprobará que tanto su mujer, Elektra, como su trono han sido usurpados por Phideos. Este ha engañado al pueblo con falsas promesas y lo que era una hermosa ciudad se ve ahora hundida en un profundo abandono.

Para representar esta historia la directora ha contado con un elenco de actores aficionados encabezado por José Sánchez, Dori Buendía y José Antonio Navas que dan vida a Antrax, Elektra y Phideos, respectivamente, y que se completa con la presencia de Mª Ángeles Martínez, Javier López, Maribel Zapata, Laura Pérez, José Teodoro Martínez, José Manuel Sáez, Valentín Sánchez, Margari Torál, Loli Pérez, José Pujante, Sergio Hurtado, Ricardo Aguilar, Mariano Meroño, Francisco Hernández y Mª Jesús Marín.

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Una despedida sin adiós San Javier acogerá uno de los conciertos de despedida de la cantante Paloma San Basilio que está inmersa en la gira Hasta siempre con la que, asegura, “no quisiera decir adiós, porque no me gustan las despedidas, prefiero decir... hasta siempre”. Con esta gira la artistas confirma sus intenciones de abordar una nueva etapa de su vida como un cambio de ciclo vital.

En esta gira de actuaciones por escenarios de América y de España que arrancó el pasado 9 de mayo en el City Center de la ciudad argentina de Rosario, Paloma San Basilio pretende rendir un homenaje al público que tantos momentos emocionantes e inolvidables le han dado sobre los escenarios.

Con esta gira la artista reitera su intención de “seguir volando, cambiando el rumbo hacia donde al viento y mis alas me lleven, libre, sin olvidar todo el impulso

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PALOMA SAN BASILIO MIÉRCOLES 21 DE AGOSTO

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que me habéis dado durante tanto tiempo”. En sus recitales contará “cómo empezó todo” y realizará un recorrido a través de su dilatada carrera artística que se ha prolongado durante casi cuarenta años y en la que han visto la luz más de un treintena de trabajos discográficos desde que debutó en 1975 con ‘Sombras’, además de protagonizar los exitosos musicales ‘Evita’, ‘El hombre de La Mancha’, ‘Víctor o Victoria’ y ‘My Fair Lady’. Tras concluir en 2011 su gira con ‘Tour PSB’, la cantante presentó en 2012 su último trabajo discográfico Amolap en el que tuvo como productora a su hija Ivana Gómez.

La puesta en escena que presenta en la gira Hasta siempre combina las actuaciones musicales con las aportaciones casi teatrales ya que en los recitales ofrecidos hasta el momento participan también un narrador y un periodista que va interrogando a la cantante que va evocando los momentos más significativos de su trayectoria. San Basilio va desgranando tanto los buenos momentos como los momentos menos brillantes, pero rodeando todos ellos de gran emotividad.

LOCUS ROMANUS VIERNES 9 DE AGOSTO

Cursos de dramaturgia y danza Además de protagonizar la puesta en escena de Locus romanus, la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia tendrá una presencia activa en el Festival con la organización de dos cursos abiertos en los que “se podrán tomar parte bien en el nivel de iniciación como en el de perfeccionamiento”, según señala el director de la ESAD, Juan Ángel Masegoso, que destaca además que los dos docentes seleccionados son catedráticos y doctores del propio centro formativo.

El profesor titular de Dramaturgia y Literatura dramática, Fulgencio M. Lax, será el encargado de impartir el curso de ‘Dramaturgia y crítica teatral’ en el que se abordarán los principios básicos de la escritura dramática hasta conformar un texto teatral breve, con especial atención a las nuevas técnicas de escritura dramática.

Sonia Murcia Molina, Doctora en Derecho y Titulada Superior en Danza en la especialidad de Pedagogía de la Danza, modalidad Danza Española y profesora de Expresión Corporal y de Danza Aplicada al Arte Dramático será la responsable del curso ‘La danza en el teatro’ que está dirigido a actores, bailarines, profesionales de la educación y a todo aquel que desee experimentar las posibilidades plástico-expresivas del cuerpo. A través de diversas técnicas o estilos de danza, el curso se centrará en la interpretación musical y dramaturgias corporales de aplicación al teatro físico.

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pretación y mediante la caracterización”.

Este espectáculo que se ubica en Roma 200 años antes de Cristo es una loca farsa musical repleta de malentendidos y plagada de anacronismos. La obra arranca en una calle romana, frente a las casas de Erronius, Senex y Laica, tres de los personajes que intervienen en la representación.

Senex y Domina se preparan para irse al campo a visitar a la madre de esta, dejando a su esclavo Histerium a cargo de su hijo, Hero, que está enamorado de una cortesana de la casa de Laica, Philia, que es en realidad una virgen cretense. La bella joven, sin embargo, está prometida al gran Capitán Miles Gloriosus, con lo que los enredos empiezan a sucederse porque los esclavos de Hero pretenden ayudar a su señor y, con ello, obtener la libertad.

Este espectáculo que contiene numerosos elementos farsescos procedentes de los géneros de la comedia latina y de la comedia del arte, así como otros melodramáticos propios del musical americano y del humor del absurdo de mitad del siglo XX constituye, por lo tanto, una excelente práctica para los diez alumnos que concluyen su periodo formativo. El grupo principal ha contado con la participación de otros actores y músicos para completar el elenco artístico, pero ha asumido las tareas de producción, de modo que han sido ellos mismos quienes se han responsabilizado de aportar ideas para el diseño de la producción y han acometido la totalidad del proceso, desde su realización hasta el mantenimiento.

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Con el estreno del espectáculo musical Locus romanus presentado por los estudiantes que terminan sus estudios de Interpretación Musical en la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia y con la colaboración del Conservatorio Superior de Música de Murcia, se traslada al escenario un divertido libreto de Burt Shevelove y Larry Gelbart con música de Stephen Sondheim titulado en los escenarios americanos como ‘A Funny Thing Happened on the Way to the Forum’. Dirigido y adaptado por César Oliva Bernal, el espectáculo cuyo original fue estrenado en los años sesenta, está basado en diversas obras de Plauto, con una trama disparatada “que conecta con la comedia latina y con el género de la comedia del arte, ofrece un juego que permite a los actores integrar distintas disciplinas de su formación, desde la creación de personajes dramáticos con el movimiento y el gesto hasta la ejecución del maquillaje” aseguran los propios participantes en este montaje.

Locus romanus es, además de un musical en el que se suceden hermosas voces y coreografías, “una obra de actores: actores que cantan y bailan, pero también actores que crean tipos mediante la inter-

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Farsa musical en Roma

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mIT de Ribadavia Del 19 al 27 de julio se llevará a cabo la Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia que bajo esa denominación este año cumple su 29 edición, aunque realmente cuenta con 40 años de vida teatral, desde que en 1973 se pusiese en marcha la 1ª Mostra Abrente de Teatro, un movimiento renovador e impulsor de la cultura escénica en Galicia, conectado con el teatro independiente y la ilusión y compromiso. Las principales líneas de la presente programación serán el humor, la frescura crítica e irónica en torno a los conflictos laborales, económicos y sociales, la mirada escénica entorno a la obra de Roberto Vidal Bolaño, uno de los dramaturgos y directores gallegos más destacados que ha contribuido en la renovación del teatro contemporáneo en lengua gallega. El festival compagina la creación gallega con la internacional, apostando por la diversificación de lenguajes. Cabe destacar, entre otros, el estreno absoluto de As do peix escrita por Cándido Pazó, The old King de los belgas Ballets C de la B, El régimen del pienso de La Zaranda o El viento en un violín de Claudio Tolcachir.

Festival Grec Barcelona Ente el 1 y el 31 de julio se celebra el Grec Festival de Barcelona con una extensa programación compuesta por 79 propuestas de teatro, danza, música y circo que se exparde por toda la ciudad. El espectáculo inaugural tendrá lugar en el Teatre Grec, Opus, una propuesta de circo de la compañía australiana Circa y música en directo de Quatuor Debussy. Entre los espectáculos internacionales más esperados están la versión libre la gran obra de Chéjov Tres hermanas, versión androide del japonés Ozira Hirata, las Tragedias romanas de Shakespeare por Toneelgroep Amsterdam, un montaje dirigido por Ivo van Hove de más de cinco horas de duración, Rhinocéros de Ionesco en una propuesta de Théâtre de la Ville o Hate Radio, una obra sobre la masacre en Ruanda de la compañía International Institute of Political Murdrer bajo la dirección de Milo Rau. De la escena teatral catalana destacan los montajes El veneno del teatro de Mario Gas o La banqueta de Paco Mir y los espectáculos de danza Capricis de Àngels Margarit y Cia Mudances o Memòries d`una puça de Sol Picó.

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Fringe Madrid Tras el éxito de su primera edición el pasado año, Fringe Madrid, denominado este año como Fringe13 tendrá lugar del 5 al 27 de julio en el Matadero de Madrid y en diversas salas de la ciudad con una programación compuesta por teatro, música, performance, danza, poesía y muchas cosas más de una selección de las 490 propuestas artísticas recibidas de todo el mundo. De teatro destacan espectáculos llegados de América como Las julietas de Teatro La Morena, Lo único que necesita una actriz es una gran obra y ganas de triunfar de Vaca 35 Teatro en Grupo u Otelo de Viajeinmóvil. De diversos puntos del Estado español son las propuestas Happy end de Voadora, Stockmann de Les Antonietes, Besos de Teloncillo, El feo de D-Lumen y Draft. inn, o Archipiélago DROM de Nuevo Teatro Fronterizo. De danza se podrán conocer los espectáculos de SomoSQuien, Taiat Dansa o ändradanza entre otros. Esto es sólo un pequeño bocado; habrá música, encuentros y mucho más. http://www.fringemadrid.com

Festival Porta Ferrada En el corazón de la Costa Brava, en la localidad de Sant Feliu de Guíxols, del 19 de julio al 17 de agosto se celebrará el Festival Porta Ferrada que este año cumple su 51 edición. A lo largo de casi un mes se podrá disfrutar de una programación variada de música, que va desde la clásica, el jazz, el pop o el flamenco, y de artes escénicas pensadas para todos los públicos, contemplando un total de 21 propuestas que se desarrollarán en ocho espacios distintos. Las propuestas teatrales serán tres, la primera de ellas es la comedia T’estimo, ets perfecte, ja et canviaré, una obra dirigida por Elisenda Roca que se podrá ver en el Espai Port el 20 de julio. El montaje es uno de los musicales de más éxito en Broadway, en cartelera durante once años, y la revelación de la temporada en Barcelona.

El 28 de julio llega al Teatre Auditori Narcís Masferrer la comedia existencial Non Solum, de Sergi López y, por último, el 9 de agosto, la actriz Vicky Peña junto al pianista Jordi Camell presentan en el mismo teatro Al llarg del Kurt, un pequeño esbozo de la vida un artista comprometido con el arte de su tiempo, Kurt Weill.

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El humor como contrapunto al estío y el bullicio festivo Bilbao y Barakaldo anuncian para la temporada estival una programación basada en la comedia

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Campanadas de Boda ©Josep Aznar

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os teatros de Bizkaia desarrollarán una intensa programación durante los meses de julio y agosto con motivo de las numerosas fiestas que se celebrarán durante esas fechas y que han animado a sus programadores por presentar una oferta escénica basada en el humor como ingrediente principal.

Una de las propuestas que abrirá la programación, sin embargo, será un trabajo unipersonal de Rafael Álvarez ‘El Brujo’ que presentará La Odisea en el Teatro Barakaldo los días 13 y 14 de julio. La pieza sigue la línea elegida para sus últimas creaciones artísticas que el propio actor y director cordobés define como “actor solista” y que ya ha tenido como protagonista a personajes y obras como el Lazarillo de Tormes, El Quijote o El evangelio de San Juan de los que ofrece una lectura renovada. En La Odisea se presenta un mundo fantástico en el que asoma la transformación del instinto primario que lleva a Ulises a la violencia, en una fuerza positiva y civilizadora que conduce a la paz.

El humor será el protagonista de la segunda función prevista en Barakaldo con la puesta en escena los días 19 y 20 julio de la comedia Hombres de 40 que producen Secuencia 3 y Arteatro con dirección de Mariano de Paco Serrano. Protagonizada por Roberto Álvarez, Diana Lázaro, Santiago Nogués y Francesc Galcerán, la pieza anima a reírse de las propias neuras, los propios errores, complejos y miedos, de las fanfarronadas o de las fobias.

Otro de los escenarios que tendrá una programación exclusiva será el Teatro Arriaga de Bilbao que ofrecerá antes, durante y después de las fiestas de Aste Nagusia, entre el 15 de agosto y el 15 de septiembre, un único espectáculo definido como “un parodia de una gran parodia” por sus creadores, La Cubana. La comedia-vodevil-

costumbrista sobre bodorrios Campanadas de boda, está protagonizada por la familia Rius, catalanes de origen pero afincados en Bilbao, cuya hija Violeta se casa con Vickram Sodhi, un conocido actor en la India, del cual quedó prendada viéndolo actuar en el Teatro Arriaga.

Parodia nupcial

Tras haber creado con anterioridad espectáculos como ‘Cegada de amor’, ‘Mamá quiero ser famoso’ o ‘Cómeme el coco, negro’, La Cubana hace ahora una parodia del “espectáculo teatral” que se monta cada uno en el momento de casarse porque esa es la temática sobre la que gira la representación.

El Teatro Campos Elíseos propone cuatro espectáculos para Aste Nagusia que arrancan con el estreno del espectáculo del cómico o monologuista Goyo Jiménez que lleva el título de Evoluzion y que se representa del 16 al 22 de agosto, mientras que Jamming presenta con Veraning Tour un espectáculo de improvisación teatral, en

creación pura en el momento. La propuesta que se exhibirá del 16 al 25 de agosto se construye totalmente ante los ojos del público que se convierte en parte activa del show al ser quien se encarga de escribir los títulos que sirven a los actores para idear e interpretar las improvisaciones.

Fernando Tejero y Pepón Nieto presentarán del 22 al 30 de agosto la comedia Mitad y mitad, en la que dan vida a dos hermanos ansiosos por ‘dar un empujoncito’ a su anciana madre con la finalidad de ‘ayudarle’ a pasar a una vida mejor, mientras que el último día de agosto y el primero de septiembre Lolita Flores, Loles León, Fabiola Toledo y Alicia Orozco estrenarán la comedia musical Sofocos, una obra sobre los cambios psico-bio-neuro… lógicos que toda mujer experimenta al llegar a ciertas edades.

Unos de los espacios que desarrollará una programación más intensa en agosto será Euskalduna Jauregia, que acogerá tanto propuestas musicales como otras creaciones con la risa como denominador común. Entre el 15 y el 18 de agosto Bertín

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Para lo que hay que vivir ©Koldo Basurco

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Osborne y Arévalo presentan Dos caras duras en crisis, en el que dan vida a dos divertidos ‘mellizos’ en crisis que hilan un sinfín de historias con canciones en directo. Ángel Garó ofrecerá con En esencia, del 19 al 25 de agosto, un recorrido por su propia trayectoria artística que se prolonga durante 25 años. En escena el actor gaditano, se muestra agridulce, divertido y emotivo al recuperar sus personajes más queridos como Maruja Jarrón, Marutxi, Juan de la Cosa o Chiquito Nakatone.

Gaupasa Producciones recalará en Euskalduna del 20 al 25 de agosto con la comedia Para lo que hay que vivir... mejor no morirse nunca protagonizada por Gorka Otxoa y Carla Hidalgo y dirigida por José Bornás. La obra de la que es autor el bilbaino Borja Fano muestra a una pareja que hace cobrar todo su sentido a la frase “hasta que la muerte nos separe”. En ella se muestra a un hombre que acaba de quedarse en paro y que cada día sale de casa asegurando a su mujer que va a buscar trabajo, hasta que un día ella descubre que es otra cosa lo que hace cuando abandona el hogar.

La comedia también es el género que define la obra Hermanas, una pieza escrita y dirigida por Carol López que protagonizan Amparo Larrañaga, María Pujalte y Marina San José, quienes comparten escenario con Amparo Fernández, Chisco Amado y Adrián Lamana. Del 20 de agosto al 1 de septiembre se ofrece un trabajo basado en un entramado de sentimientos ocultos de tres hermanas y su madre, Isabel, tras la muerte del padre y marido. Inés, la mayor, es cuarentona, neurótica y creída, Irene es madre soltera con un hijo que intenta reconstruir su vida e Ivonne, la hermana pequeña, es

alocada y cuenta con un desordenado historial de bisexualidad y drogas.

José Luís Gil y Mauro Muñiz de Urquiza protagonizan un encuentro absurdo al estilo de Mihura o de los hermanos Marx en la puesta en escena del 28 al 31 de agosto de Una más y nos vamos, de la que son autores Carolina Noriega y el propio Muñiz de Urquiza y que presenta Iraya Producciones.

La obra se desarrolla en el bar de copas de Charlie, a donde llega un extraño hombre que, vestido de nazareno y sin respetar que el bar ya está cerrado, pide pan para torrijas desesperado por no poder cumplir el antojo de embarazo de su esposa.

La programación de Euskalduna se completa con dos espectáculos de marcado corte musical como la zarzuela Katiuska con representaciones del 17 al 19 de agosto y el musical La bella y la bestia que se presenta del 23 de agosto al 8 de septiembre. La zarzuela de Pablo Sorozabal reúne a figuras de la lírica como la soprano María Ruiz, el barítono José Julián Frontal y el tenor Francisco Sánchez, en una puesta en escena que cuenta con dirección escénica de Humberto Fernández y musical de Tulio Gagliardo. La Orquesta Lírica de Bilbao, el Ballet de Cristina Guadaño, y el Coro ‘Tempus Ensemble’, en colaboración con el Coro Sasibil de Donostia completan el elenco interpretativo.

La Bella y la Bestia. El Musical de Broadway, por su parte, evoca toda la magia de la historia que Disney popularizó a través del cine. En esta adaptación los principales papeles están interpretados por Ignasi Vidal, que da vida a la Bestia, Talia del Val, encarnando a Bella, mientras que Raúl Peña da vida a Lefou y el eurovisivo Daniel Diges interpreta a Gastón. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Diversidad de propuestas para el verano donostiarra Más de cien funciones en los escenarios de la capital guipuzcoana

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Conversaciones con mamá

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a programación escénica de la temporada estival de Donostia presenta 102 funciones de un total de 22 espectáculos de los que la mayoría tendrán lugar durante los meses de julio y agosto aunque dio comienzo en junio y concluirá a finales de septiembre. Con el humor como común denominador este año desde Donostia Kultura presenta como novedad un Taller Infantil que tendrá lugar en el Teatro Victoria Eugenia mientras se desarrollen las funciones, un lugar en el que los más pequeños tendrán actividades mientras sus padres y madres disfrutan de los espectáculos.

Las propuestas escénicas de julio darán comienzo con Futbolisto baten konfidentziak (Las confidencias de un futbolisto) un unipersonal protagonizado por Zuhaitz Gurrutxaga, ex-jugador de la Real Sociedad, que subirá al escenario de la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia para contar anécdotas y experiencias vividas a lo largo de su carrera deportiva. Su objetivo es decir la verdad y hablará de goles, expulsiones, entrenadores, amistades, amores, desamores, éxitos y fracasos.

Además se podrá disfrutar con cuatro obras más en euskera. El Teatro Principal acogerá los espectáculos Goenkale, Kondesaren erretratua e Hiru. Con la primera Pausoka & Glu Glu Producciones llevan a escena la conocida serie de EITB para celebrar su 18 aniversario y está protagonizada por varios de los actores de la teleserie.

Hiru por su parte es la traducción a euskera de la obra ‘Tres’ de Juan Carlos Rubio.

De la mano de Txalo Produkzioak y bajo la dirección de Begoña Bilbao, las actrices Loli Astoreka, Miren Gojenola y Ana Elordi dan vida a tres amigas que tras tres décadas sin verse y tras diferentes vicisitudes se encuentran cerca de los cincuenta sin haber cumplido el sueño de ser madre... Las tres comienzan la búsqueda de ese hombre ideal (encarnado por el actor Zuhaitz Gurrutxaga) para realizarle la propuesta siguiente: “¿Te importaría prestarnos tres

espermatozoides?”.

La pareja formada por Mikel Martinez y Patxo Telleria o lo que es lo mismo Tartean Teatroa & E Dok Hiru Bikoteatroa escenificarán en la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia Lingua nabajorum, Premio Max 2013 a la mejor obra en euskera con la que sus dos protagonistas, a través de diálogos absurdos y llenos de ironía realizan un paseo por el origen y la historia del euskera. Las propuestas en euskera se completan con Zu ere On Kixote? un trabajo de Agerre Teatroa que tendrá lugar en la plaza Lotsari del barrio de Loiola con la participación de los trikitilaris Imuntzo eta Beloki y varios grupos populares.

Humor y caras conocidas

El Teatro Victoria Eugenia acogerá el groso de la programación en castellano de

julio y agosto. Arranca con Veraning Tour un espectáculo de improvisación teatral en la que el público es parte activa. En las funciones de Donostia la compañía, Jamming contará con la presencia del actor Gorka Otxoa que participará junto a los cuatro actores. Desde Barcelona, La Cubana pondrá en escena Campanas de Boda “una parodia de la gran parodia que hacemos al casarnos” tal y como apuntas desde la conocida compañía. Una comedia, un vodevil sobre los que popularmente se conoce como bodorrio.

Pepón Nieto y Fernando Tejero dan vida a los dos hermanos que protagonizan Mitad y Mitad, una obra escrita por Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez –encargado de su dirección– de Pentación. La trama gira en torno a la madre de ambos, una señora mayor aquejada de varias dolencias a la que cuida una de los hermanos. Pero

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La lengua madre

ya está harto y tras confesarle esto a su hermano deciden ayudar a su madre a que pase a mejor vida... Le sigue a esta obra un espectáculo protagonizado en este caso por tres actrices, Amparo Larrañaga, María Pujalte y Marina San José a las que acompañan Amparo Fernández, Chisco Amado y Adrián Lamana Hermanas. Escrita y dirigida por Carol López esta obra fue estrenada en catalán como ‘Germanes’ en 2008 y obtuvo un gran éxito de crítica y público además de diversos premios. Este trabajo, tal y como apunta su autora, tiene “la intención de hablar de la muerte a través de la vida” y pone sobre el escenario a una familia ante el entierro del padre. Un años después vuelven a reunirse todos en el mismo lugar, la casa familiar, con la cocina como centro.

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la familia como Tema

La familia también es el tema central de Conversaciones con mamá, una versión firmada por Jordi Galcerán de la obra escrita por Santiago Carlos Oves y dirigida por Juan Echanove que es a su vez el protagonista junto a María Galiana.

Esta propuesta de Pentación está llena de humor y sensibilidad y pone en escena a una madre de más de ochenta años que lleva una vida sencilla y su hijo, de algo más de cincuenta y hasta perder su trabajo, con una vida muy acomodada. “Creo firmemente en la ternura y el sentido del humor como factores decisivos para conseguir ese ansiado reverdecer tan necesario en esta nuestra sociedad que cada día debe más a la gente mayor” apunta Echanove.

Fisterra está protagonizada por Antonia y Paz –Ángeles Martín y Eva Hache–.

La primera tiene que esparcir las cenizas de su marido en Finisterre y toma un taxi conducido por Paz. Ambas mujeres van entamblando una conversación a lo largo del viaje y poco a poco las verdades y las mentiras van saliendo a la luz... Completa la programación de este espacio El castellano es un idioma loable, lo hable quien lo hable

por su parte es un espectáculo compuesto por varios monólogos interpretados por Luis Piedrahita, conocido como el rey de las cosas pequeñas.

Se infiel y no mires con quien abre la progración de julio del Teatro Principal; una comedia de enredos amorosos en la que el engaño y el humor son los grandes protagonistas. Escrita por John Roy Chapman y Ray Cooney esta producción esta dirigida por Pilar Massa y fue llevada al cine en 1985 por Fernando Trueba.

Una más y nos vamos presenta a los actores José Luis Gil y Mauro Muñiz de Urquiza en un bar de copas cualquiera. Es Semana Santa y el bar está ya cerrado pero entra un nazareno en busca de pan para torrijas.

Está desesperado porque no puede cumplir con el antojo de su mujer embarazada.

Este casual y absurdo encuentro dará lugar a una conversación llena de confidencias entre dos hombres aparentemente dispares. También dos caras conocidas, en este caso Miriam Díaz-Aroca y Belinda Washington protagonizan Ni para ti, ni para mi una

comedia negra en la que un muerto y su herencia harán que las dos mujeres, Marta y Bea vayan desgranando su doble vida.

Porque nada es lo que parece pero ambas están condenadas a entenderse.

Con La lengua madre se completa la programación del Teatro Principal de agosto.

Protagonizada por Juan Diego, este monólogo escrito por Juan José Millás nace de la experiencia de su infancia por las curiosidades lingüísticas. Un monólogo que trata de lo raro que es hablar o ser hablado.

Además los días 5, 6 y 7 de julio el Kursaal acoge la gran producción La bella y la bestia de Stage Entertainment, realizada a partir de la producción de Broadway de esta conocida historia de amor esta basada en la primera película de Disney.

Pero la oferta cultural de Donostia es mucho mayor. Se prevén espectáculos de calle dirigidos a todos los públicos a lo largo de todo el verano y conciertos dentro de la Aste Nagusia. Una basta programación para aprovechar al máximo de la ciudad durante el periodo estival.

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San Fermín Las programación teatral de los sanfermines de Pamplona en el periodo entendido entre el 7 y 14 de julio contempla propuestas de calle y sala. En el primer apartado, se encuentran las funciones diarias que ofrecerá a partir de las 20.00 horas, la compañía de Marionetas Maese Villrejo, dirigidas al público infantil. La Avenida Carlos III a los 21:00 de manos de Scura, la Compañía Almonzandia, Tempo Teatro o la Compañía Brotons. En dos de los emplazamientos escénicos por excelencia de la capital navarra, en el Teatro Gayarre y en el Auditorio Baluarte, se podrá disfrutar de tres propuestas durante esta semana. El primer espacio acogerá el último montaje de La Cubana Campanadas de boda, una comediavodevil-costumista sobre bodorrios. En el Auditorio Baluarte, se han previsto dos obras, Moncho Borrajo actuará con Golfus hispanicus los días 9 y 10 de julio, donde veremos al humorista gallego en la piel del César para denunciar la corrupción económica, política y social, y los días 11 y 12 será el turno de la comedia La cena de los idiotas de Francis Veber dirigida por Juan José Alfonso y protagonizado, en esta ocasión, por Josema Yuste, David Fernández y Félix Álvares ‘Felisuco’. En ella se narra la historia de un ejecutivo que, en compañía de sus amigos, acostumbra a cenar cada semana con un invitado muy particular; se trata siempre de presentar en este pequeño comité a un desconocido que ha sido seleccionado por el hecho de tener alguna afición estúpida.

La familia irreal Del 10 al 14 de julio en el Teatre Auditorium de Palma de Mallorca y del 31 de agosto al 1 de septiembre en el Teatre Kursaal de Manresa, se podrá disfrutar del musical La familia irreal coproducida por la compañía Dagoll Dagom y la productora audiovisual Minoría absoluta, una comedia satírica que caricaturiza a los miembros de la Familia Real en una época de mucha polémica en torno a sus actividades. El espectáculo está escrito por Jordi Ventura y Joan Lluís Bozzo con la colaboración de Joan Rufas, Pau Escribano y Jaume Buixó. La dirección de Joan Lluís Bozzo y Joan Rufas y la dirección musical de los hermanos Toni y Xasqui Ten, quienes ya trabajaron con Dagoll Dagom en su anterior musical, ‘Cop De Rock’.

El elenco, famoso entre el público catalán gracias al exitoso programa de TV3 ‘Polònia’, está integrado por Toni Albà que encarna al Rey Don Juan Carlos, Mireia Portas como la Reina Sofía, Queco Novell en el papel del Príncipe Felipe, Agnès Busquets como la Princesa Letizia, Anna Bertran en la piel de la Infanta Doña Elena, Xavier Serrano como Don Jaime de Marichalar, Mònica Pérez como Infanta Doña Cristina y por último David Olivares como Iñaki Urdangarin. La familia real es presentada como si se tratara de una familia cualquiera enfrentándola a problemas como la crisis, la amenaza del paro o los abusos de quienes gobiernan, entre tanto, dejan paso a divertidos números musicales para todos los públicos.

13 julio agosto Institut del Teatre

Institut del Teatre: un centenario en plena forma Cada año cientos de jóvenes ansían nerviosos cumplir el sueño de iniciarse en una profesión, que nace de la vocación, vinculada a las diferentes disciplinas de las ar tes escénicas. En Catalunya las pruebas para acceder a uno de los 4 centros del Institut del Teatre (IT) son ya un clásico, la cantidad de aspirantes en interpretación descar tados por la alta demanda,

también. Esta institución de la educación y la cultura cumple un siglo este curso. Para celebrarlo, un amplio programa de actividades coordinado por Jordi Coca, director del IT entre 1988 y 1992, en el que se han implicado personas de diferentes disciplinas en una apuesta sugerente que mezcla divulgación e investigación.

Teresa Ferré

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ctualmente el Institut del Teatre cuenta con más de mil alumnos en sus centros. Tras una reclamación que ha durado años, “hemos conseguido un hito, formar parte del Espacio

Europeo de Educación implantado los estudios de grado hasta tercero. A la práctica ya funciona, pero administrativamente el Ministerio de Educación ha detenido una enmienda a la LOE aprobada por unanimidad y que debía aplicarse “inmediatamente”. Estamos a la espera que el ministro

Wert resuelva. Mientras seguimos trabajando y el reto ahora para nosotros es ampliar el postgrado en solitario, independientemente de otras universidades como hasta el momento”, explica Jordi Font, director del IT. Ante la situación de recortes de los centros de estudios superiores Font se muestra tranquilo porque existe una de-

Classe dels orígen

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del Teatre

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manda elevada en el caso del IT “siempre se queda gente fuera.

Además la Diputación, de quien dependemos casi en exclusiva, ha procurado que el incremento de tasas de matriculación no supere los 2.000 euros. Lo que sí que hay que tener en cuenta es que en un futuro próximo no se produzca una selección social, por ello ya disponemos de políticas de apoyo según la renta de los alumnos y la intención es seguir en la misma línea”.

Los recortes sí que han afectado a la confección de la programación del centenario y de un presupuesto inicial de hace cinco años destinando casi dos millones de euros, se ha pasado a los actuales 420.000. Prueba de ello es el acto de inauguración. Alejado de fastos y espectacularidad, Petits moments de vida, que combinó presentación institucional y montaje íntimo, dirigido por Joan Ollé, iniciaba la conmemoración reuniendo a diferentes artistas de varias generaciones de las artes escénicas en toda su extensión. Directores, actores y actrices, dramaturgos, bailarines o músicos protagonizaron una velada repleta de anécdotas, recuerdos individuales y también colectivos, unidos por una manera de entender la vida a través de sus trabajos respectivos y por la huella que dejó el paso de los años en este centro, momento clave en sus carreras porque significó la base de su formación y primeras experiencias. La fecha del evento, 4 de febrero, coincidía con la primera clase que impartió su fundador, Adrià Gual (1872-1943) hace cien años en l’Escola Catalana d’Art Dramàtic, antecedente inequívoco del IT. Este sencillo y multitudinario acto fue el inicio de una programación en un contexto en que el ámbito cultural no está para fiestas sino para plantar cara a un presente de estrecheces y malestar en todos los sectores, así que “la parte artística, más lúdica, tiene poco peso, sí que a final de curso en junio haremos un pequeño acto que lo llamamos 100 anys d’amics, para celebrar y comer pastel, pero lo que se ha potenciado son aquellas actividades de investigación y divulgación que el Institut realiza habitualmente concentrándolas, dándoles más proyección y mirando al futuro” explica Jordi Coca. También se han programado actividades mezclando las dos vertientes, por ejemplo recientemente la clase magistral de Juan Mayorga en el IT y dos representaciones de su obra El chico de la última fila, el segundo día con coloquio entre el autor, el director Ignacio Amestoy y el público.

Recordar y redescubrir a Adrià Gual, el fundador

Una institución de esta trayectoria forma parte ya del patrimonio colectivo gracias al impulso de un visionario, Adrià Gual, para Coca “figura clave en el paso del Modernisme al Noucentisme en las artes escénicas catalanas, que entendió que se debía cambiar el modelo de teatro existente, por eso idea una escuela que huye de la mentalidad de conservatorio. Imagina, la primera semana de clase impartieron docencia Gual sobre teatro, Pompeu Fabra de prosodia, Ambrosi Carrión de historia, que también rompía con la tradición y Joan Llongueras, músico y pedagogo que introdujo el innovador sistema de Delcroze en el aprendizaje musical”.

Este centenario es la oportunidad para reivindicar la figura de Gual con dos objetivos muy claros: por un lado la divulgación a nivel general, por eso se organizarán dos exposiciones, la primera Adrià Gual, l’escenògraf de la modernitat, centrada en su tarea de escenógrafo que itinerará por bibliotecas y diferentes espacios y Adrià Gual (1872-1943), el perfum d’una època en w w w. a r t e z b l a i . c o m

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1923-1924 se amplió la formación en escenografía y recitación para no profesionales. Esta concepción multidisciplinar se ha mantenido y ampliado hasta la actualidad, ya que además de interpretación se pueden cursar estudios de danza, de dirección y dramaturgia y también de los diversos aspectos técnicos de la escena.

Precisamente además de este primer siglo de vida, este año el IT celebra también el 15 aniversario de la compañía IT Dansa.

Pero el inquieto fundador volaba alto y su idea era que la institución fuese patrimonio de toda la sociedad, gracias a conferencias públicas, publicaciones y también con infraestructuras como biblioteca, archivo o museo. El contexto histórico y político de un siglo han condicionado y marcado evidentemente la historia del IT pero la voluntad de su fundador se ha materializado en muchos aspectos, uno de los más interesantes el actual Centre de Documentació i Museu de les Arts Escèniques, fuente de incalculable valor con miles de objetos, documentos y bibliografía que lo han convertido en uno de los más importantes de Europa. Una herramienta indispensable para curiosos en general e investigadores de distintas disciplinas, especialmente de las artes escénicas.

La actividad académica es básicamente la protagonista del centenario con simposios y encuentros, como el dedicado a las artes escénicas como elemento terapéutico y pedagógico. Entre todos destaca el con-

greso Re-routing Performance de la International Federation for Theatre Research (IFTR) que este año acoge el Institut del Teatre a finales de julio. Una cita que reúne a participantes de 45 países y que cuenta con 750 comunicaciones enviadas. En esta ocasión la IFRT se fija especialmente en la temática de la escena mediterránea.

Si este es sin duda uno de los encuentros más importantes a nivel internacional, desde el Institut ya se empezó el año pasado a dar un salto en la investigación con la creación del proyecto PRAEC centrado en las artes escénicas catalanas “junto con 13 universidades para producir una Historia en cinco volúmenes y una Enciclopedia de las artes escénicas catalanas on line” explica el actual director del IT, Jordi Font.

Una apuesta firme por el conocimiento para mirar hacia el futuro que cuenta con un reto añadido. Según Jordi Coca “es momento de reubicarse porque durante la década de los 70 el Institut fue la columna vertebral de la escena catalana. Afortunadamente, han surgido muchas iniciativas, empezando por el Lliure, las salas alternativas, el TNC o festivales como el Temporada Alta entre otros, hay que redefinirse, ver qué papel juega y cómo se relaciona con el resto”.

Petits moments de vida ©Oscar Giralt

la sala de exposiciones del Metro de Barcelona, para dar a conocer a la ciudadanía este polifacético personaje: pintor, poeta, figurinista, autor, director, activista cultural que introdujo las nuevas tendencias escénicas europeas, fundador del Teatre Íntim o productor cinematográfico, en definitiva alguien que era fiel a la concepción global del Arte. Por otro lado, unas jornadas académicas específicas para abordarlo desde diferentes disciplinas en las que participarán, entre otros, escenógrafos, dramaturgos o musicólogos. Además se publicarán sus obras teatrales y una antología de textos teóricos.

Al mismo tiempo se trata de hacer visible y recuperar en cierta medida el ideario que tenía Gual, que entendía que no se trataba de una o varias escuelas sino de un eje institucional del país en materia de artes dramáticas. En la primera década la formación interpretativa fue la base fundamental de la escuela, con un programa académico que abarcaba desde la teoría, con asignaturas de historia o gramática, y sobre todo la práctica (gimnasia, prosodia, declamación o nociones musicales, entre otras). A parte de la pedagogía ya desde el inicio se propuso que los alumnos tuvieran contacto con el escenario para ofrecer y contrastar su trabajo con el público. El curso

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13 julio agosto Josu Montero

Luz negra

Drama cósmico valenciano

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sta obra es una fiesta por varios motivos. Uno. Porque Tres. Porque este libro está hecho con un mimo y un cariño y está gozosamente escrita a cuatro manos por dos de los una dedicación desacostumbrados para un libro de teatro. Y es que dramaturgos más fascinantes que conozco; pero más que ha sido publicado por la editorial valenciana Media Vaca, conducida dramaturgos cuando leo a Paco Zarzoso o a Lluísa Cunillé pienso en por Vicente Ferrer y Begoña Lobo. Media Vaca se dedica al libro prestidigitadores, malabaristas o funambulistas. Cunillé (Badalona, ilustrado, y es todo un síntoma el hecho de que sus libros, siempre 1961) y Zarzoso (Sagunto, 1966) son autores de un buen montón cuidados con esmero, sean tan difíciles, por no decir imposibles, de de espléndidas obras; los últimos éxitos de Cunillé son la escalofrianhallar en nuestras cada vez más bestselléricas librerías (y de esta te “Barcelona, mapa de sombras” y “Aquel aire Infiniuniformización va también esta obra). Con tapa dura to”, con el que obtuvo el Premio Nacional de Literatura y pequeño formato, ha sido ilustrada por Marta Pina Dramática en 2010; la penúltima obra de Zarzoso es con una serie de gozosos collages teatrales realizaesa maravilla titulada “El mal de Holanda”, una obra dos con diversos materiales y los rostros de los tres incendiaria acerca de esta España de estafa y saqueo. personajes de la función El libro es un objeto planeado Desde 1994 Cunillé y Zarzoso comparten la Companpara apoyar el texto: detalles, tipografías, programa ya Hongaresa de Teatre; la primera como dramaturga de la función, guardas, postales de regalo…Tras la ocasional y el segundo como dramaturgo, director y obra, el libro nos ofrece “Ay, Valencia mía. (Tres cartas actor habitual. “Sólo en las fronteras magníficas del de don Leonardo Perales, espectador)” a cargo de vino / en la ausencia verdadera / atracan en el duerSergio Tarín, periodista valenciano comprometido con mevela / las tribus tristes de los húngaros”; de este las causas imposibles, como la de El Cabanyal. Durante viejo poema de Zarzoso salió el nombre de la compauna representación de “El alma se serena” Tarín conoEL ALMA SE SERENA LLUÏSA CUNILLÉ Y PACO ñía, y es que ese gran ilusionista que es Zarzoso es ció a don Leonardo Perales Grau; acabaron acodados ZARZOSO dueño de toda una melancolía húngara. “Los húngadurante horas sobre la barra de una vieja tasca del Editorial Media Vaca ros sólo son felices cuando están en el extranjero”, barrio. A partir de esa noche mantuvieron una fluida ha afirmado; siendo valenciano y dado el desolador panorama de relación epistolar; las dos primeras cartas las envía don Leonardo aquellas levantinas –que no levantiscas- tierras, nos lo explicamos. Y desde El Cabayal, la tercera desde Budapest (Hungría) –“Aterrado de eso va esta obra. Zarzoso afirma que es dramaturgo “para sanar por el devenir incierto de nuestra oscura patria.¡Ay Valencia mía!”.

Y cuatro. Por los entrañables personajes de esta función, a los la rabia que, a dentelladas, le contagia esta ciudad”.

Dos. Porque esta obra va de saqueo inmobiliario y vital. De desque echas en falta en cuanto baja el telón: Carmen, Grao y Malvapojo institucionalizado. De vidas que resisten en medio de la ruina rrosa -¡emblemáticos nombres!-. Tres ballenas varadas que pelean en que han convertido nuestra casa. Y es que nos quieren echar contra la tiranía del sinsentido institucionalizado atrincherados en un de nuestras propias vidas, deshabitar nuestras existencias. Darnos edificio cada vez más ruinoso y cercado. La obra se desarrolla en la el cambiazo y despojarnos de nuestros lugares condenándonos a casa de Carmen; Malvarrosa suele ir allí a ducharse porque el agua no lugares, a esos espacios clónicos y deshumanizados en que con ya no sale por el grifo de la suya; Grao le lleva los relojes que se le nuestro satisfecho beneplácito -¡y eso es lo peor!- están convirtiendo van estropeando para que se los arregle. Malvarrosa es una joven nuestras ciudades. En este caso Valencia; en concreto, El Cabanyal, azafata de la compañía Aires de Cáceres siempre pendiente de que la ese viejo barrio de pescadores situado entre la playa de la Malvarrollamen para un vuelo. Grao, un viejo tiburón de las finanzas arruinado sa y el fastuoso puerto deportivo construido para mayor gloria de y venido a menos, y arrepentido; vive en el piso de arriba con su yates y veleros de la Copa América. Mal sitio para un viejo barrio que anciano padre progresivamente aficionado a la pornografía, y cuya la alegre señora Barberá y sus asoladoras huestes quieren borrar presencia se hace patente a través de los rítmicos golpes de bastón del mapa para bien, claro, de los valencianos todos, amantes del procontra el suelo. Carmen es una vieja activista de causas perdidas greso. Ante la oposición de muchos vecinos dejaron el barrio fuera que ha optado por la resistencia solitaria. Función a medio camino de ordenación urbana; esto es, le condenaron a que se vaya cayendo entre el absurdo valenciano, el sainete surrealista, el alegato feroz y sólo poco a poco con la ayuda de la piqueta municipal que acude el más corrosivo humor poético. El contenido de un gran armario cerauda ante cada peligro de derrumbamiento. Pero muchos vecinos rrado a cal y canto durante años es finalmente descubierto: un gran siguen resistiendo. Y de eso va esta obra, de tres insensatos que reloj de campanario que Carmen opta por desempolvar, engrasar y tratan de seguir haciendo sus vidas pese al cerco que se estrecha; colgar; fundida en el metal lleva una inscripción: “Este reloj cuenta dos náufragos de otros naufragios y una náufraga de este naufragio los días, las horas y minutos que le restan a la tiranía”. La función de ahora mismo. Teatres de la Generalitat Valenciana ha negado a termina con el amenazador sonido de los monoplazas de la Fórmula esta función cualquier espacio público.

1 acercándose. Pero la cuenta atrás ha comenzado.

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

En busca del fuego de las historias

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a edición número 22 de la Maratón de los cuentos de Guadalajara planteó el proyecto “Historias de Cueva en cueva”, que financiado por la Unión Europea ha sido realizado por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara en partenariado con la Biblioteca de Cologno Monzese (Italia), el Centre des Arts du Récit (Francia), el Living Landscape Project (Sudáfrica), la Fundación Atapuerca, el Sistema Atapuerca de la Cultura de la Evolución, la Universidad Jaume I y las Asociaciones Amigos del Museo de Guadalajara, Apremia y Sedic. Todos ellos se han unido para tratar de imaginar cómo se contaron los primeros cuentos, cuando nuestros antepasados más remotos empezaron a articular la palabra.

Para acercarse a esta reflexión, el SLIJ y sus compañeros iniciaron en abril un viaje al pasado que comenzó en Sudáfrica, probable cuna de la humanidad. Durante una semana, seis narradores y cuenteras de Sudáfrica y otras seis personas de palabra, europeas, seleccionaron in situ historias en torno a seis temas que siempre han preocupado a los seres humanos: la creación del mundo, la muerte, el universo, los elementos, los animales y las relaciones entre los sexos.

Las historias se narraron en un abrigo policromado de las Montañas del Cederberg, ante unas antiquísimas pinturas que también cuentan a su manera, sobre las rocas. También lo hicieron en Atapuerca, el asentamiento humano más antiguo de Europa, y en el transcurso de la Maratón en la Cueva de los Casares de Guadalajara.

La invitación de la Maratón a viajar al pasado, a los orígenes de lo simbólico, a reflexionar sobre cómo pudieron ser los comienzos de la narración oral, ha sido extraordinariamente sugerente. De entrada se organizó un taller previo a la Maratón, los días 12 y 13 de junio “en busca del fuego de las historias” con varias de las personas que narraron en Sudáfrica y otras tantas expertas en distintas disciplinas que podrían arrojar algo de luz sobre las diversas especulaciones.

Participaron: Ben Haggarty, (narrador británico y autor del cómic Mezolith), Bohdan Ulasin (profesor de lingüística en la Universidad Comenius de Bratislava), Estrella Ortiz y Helena Cuesta (narradoras españolas), John Parkington (arqueólogo), José Manuel de PradaSamper (etnólogo y recopilador de tradiciones orales), Kapilolo Mario Mahongo (narrador sudafricano), Lelia Serra (narradora italiana), Luis C. Carmelo (narrador portugués), Madosini (música y narradora sudafricana), Michelle Petit (antropóloga especializada en temas de lectura) y Xabier Puente Docampo (escritor galego) El sábado 15 se realizó una mesa redonda con el título “En busca del fuego de las Historias” y el domingo 16 pudimos disfrutar de la extraordinaria conferencia de Ben Haggarty “arqueología de la imaginación”, que amerita ella sola una crónica entera y también de una aproximación a nuestros ancestros, de la mano de Juan Luis Arsuaga, uno de los directores de los yacimientos de Atapuerca.

La mesa redonda del sábado dió comienzo con la exposición de Blanca Calvo, directora de la biblioteca municipal de Guadalajara y una de las almas maters de la Maratón, que habló en su estilo cla-

ro y afectivo sobre la génesis y el proyecto “Historias de cueva en cueva”. Después la antropóloga Michelle Petit disertó sobre que la función del lenguaje sería sobre todo en sus orígenes, comunicar cosas en el aquí y en el ahora. De hecho la ficción, representaría cierta “perversión” del lenguaje y sin embargo, pudiera ser que la supervivencia de los homo sapiens sapiens estuviera vinculada al desarrollo de un lenguaje narrativo, que les hubiera permitido “recordar” las consecuencias de ciertos actos destructivos.

Xabier Puente Docampo, por su parte, confesó que el mismo venía del paleolítico, de una época sin televisión, de una infancia como debió ser la de la propia humanidad: de tiempo y palabra. Reflexión sobre los porqués del hecho de narrar, convencido de que siempre se ha narrado para algo y que probablemente fuera así también en los orígenes donde se contaba para comunicar, para recordar, para cohesionar el grupo, para dar sentido, para desarrollar la conciencia del nosotros, para entretener, para sanar, para atacar o defenderse… para vivir, en suma, porque vivir es hacer de la vida un relato.

Por último Estrella Ortiz hizo una brillante exposición, con la que resoné profundamente. Ella entró en el tema a través del cuerpo.

Negó venir en calidad de la voz del resto de los narradores y de las cuenteras, porque cada persona que narra tiene su propia voz, pero llenó la sala de sugerencias poéticas al asociar la idea de cueva al cuerpo y a las historias.

Nos contó como al estar dentro de una de esas cuevas podemos sentir el silencio, el frío, la oscuridad y la humedad y desarrolló cada una de estas sensaciones en relación al arte y al oficio de narrar.

Cuando narramos buscamos el silencio para contar. En el interior de la cueva el silencio se impone. El silencio de los vivos y de los muertos. Un silencio habitado por la respiración y los latidos del corazón.

El fenómeno del eco dentro de las cuevas. Y en el silencio antes del gesto y de los sonidos, esa voluntad de querer comunicarse y en la capacidad de re-presentar, de traer al presente, mediante historias o dibujos, la memoria del pasado.

El frío del interior de la cueva invitaría a estar juntos, entrar en contacto físico. Lo cual daría la sensación de pertenencia, de comunidad, de re-unión. Esta agrupación daría lugar a la agrupación de sonidos e imágenes repetidas. La repetición lleva al ritmo, fundamental tanto en el hecho narrativo como en el ritual. Contar es cuidar las condiciones y aspirar al trance, para salir de lo cotidiano. La oscuridad del interior de las cuevas, convocaría todos nuestros miedos, cuando no podemos ver nada fuera no nos queda más remedio que realizar un ejercicio de profunda introversión. Narrar es mirarse por dentro.

Por último, la humedad de las cuevas estaría ligada a la fertilidad, a la fecundidad. El agua es ya mágica en sí. Es sagrada. Fuente de vida, de alimento, de apariciones sobrenaturales. El agua canta y baila. Se mueve. Contar es todo eso también o puede serlo. Algo sagrado, profundamente nutritivo y al mismo tiempo puro juego. La risa y el llanto fueron quizás los primeros cantos y cuentos. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto Jorge Dubatti

Nuevas creaciones de Lola Arias y Claudio Tolcachir

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de su canto final. Vaya a saber qué está haciendo, y dónde está, mientras artistas y espectadores permanecen reunidos en el acontecimiento de Melancolía... Por el contrario, Lola concreta “re-presentación”, “presentación” y “sentación”: asienta ese mundo como acontecimiento presente.

Arias compone un biodrama, entonces, sobre su madre y sobre sí misma, sometido como tal a un dinamismo viviente sobre el que el espectáculo reflexiona: ¿qué pasaría -se pregunta Lola- si un día el mal de mi madre, hereditario, me toma? Y el espectador se pregunta: ¿cómo cambiaría el espectáculo si Lola tuviera un hijo? Como todo biodrama, Melancolía... radicaliza la percepción de la cultura viviente y del tiempo en su inmediatez presente. Pura singularidad del acontecer teatral, multiplicada por la poética documental.

En tanto nuevo teatro documental (lo de “nuevo” vale para oponerlo al “viejo” teatro documental, el de Peter Weiss y sus continuadores, con el que guarda profundas diferencias), Melancolía... genera una tensión fascinante entre realidad y poesía. Poesía en el sentido etimológico griego, que desarrolla Aristóteles: construcción.

Aclaremos: una construcción con reglas propias, un mundo paralelo al mundo. El problema, entonces, no es tanto la relación entre ficción y no-ficción, en la medida en que el espectador asume un pacto biográfico por el que acepta que lo que se cuenta posee verdad histórica, está vinculado a la vida cotidiana, y además el espectáculo ofrece recursos internos de verificación (por ejemplo, entre lo dicho y lo visto). El problema principal no es ese, sino que radica en cómo los materiales de la realidad, de lo acontecido en nuestro común mundo compartido (así llama a la realidad cierta corriente de la Filosofía contemporánea), se transforman en una construcción poética. Una construcción poética liminal, mutante, múltiple, de muchos planos, entre la realidad y la poesía. Si todo documental es, de por sí, una construcción (de registro, procedimientos de relato, edición y montaje, etc.), el teatro documental multiplica esa dimensión con sus juegos ancestrales de artificio, con su convención consciente, que Arias explota con creatividad notable, con ingenio, humor y en algunos momentos con extremada sensibilidad. Baste nombrar la caja teatral dentro del teatro, la instalación de los objetos robados, Melancolía y manifestaciones

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ntre los renovadores de la escena argentina que hoy tienen menos de cuarenta años y cuentan con reconocimiento internacional, sobresalen Lola Arias y Claudio Tolcachir, quienes acaban de presentar en Buenos Aires sendos nuevos espectáculos.

En Melancolía y manifestaciones Lola Arias propone una variación de su concepto del nuevo teatro documental: concreta un biodrama sobre Amelia, su madre, y en particular sobre su enfermedad, la depresión, manifestada luego del nacimiento de Lola, en 1976, primero como depresión post-parto y luego transformada en mal crónico, irreversible, en el contexto de la dictadura. “Cuando yo nací, el útero de mi madre explotó y todo se cubrió de sangre: la cama, el piso del hospital, la ropa de las enfermeras. Era 1976 y el país también había explotado bajo un golpe militar. Por suerte, mi madre y yo sobrevivimos a la explosión”, dice el texto que lee Lola desde un atril.

Si bien el centro de atención convocado es su madre, Lola comparte absolutamente con ella el protagonismo: madre e hija son inseparables en esta construcción. A través de su madre, Arias escribe al sesgo, sutilmente, su propio biodrama. Lola reformula la pregunta hamletiana con toda su generación: “ser o no ser (hijo)”, y responde, con todas las consecuencias que esto acarrea, que no puede no ser hija de su madre. Y acaso el protagonismo de Arias es mayor, porque asume el espectáculo como acto de presencia: narradora y actriz en escena, asiste al convivio con los espectadores (¿qué mayor contundencia simbólica que ese cuerpo viviendo con los otros Melancolía... en un territorio compartido?), habla en primera persona, confiesa con elaborada distancia de “libro ilustrado” qué difícil debe ser vivir con una madre como Amelia. Se deja afectar por el acontecimiento de reunión con el público. Su madre, por el contrario, sustrae su cuerpo tecnológicamente, se hace presente en ausencia a través del relato, de la mediación de la actriz Elvira Onetto y de sus “alumnos de teatro” (Mario Aitel, Vicente Fiorillo, Ernestina Ruggero, Noelia Sixto), de la mediación tecnológica de su voz grabada en entrevista, de las fotografías o de las imágenes registradas en video de su habitación, su clase de coro y gimnasia,

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Postales argentinas la reelaboración actoral del grabado de Durero sobre una montaña de cajas de psicofármacos, la caminata sobre los libros –también un campo heredado- y la transformación de Lola en su propia madre cuando le saca la ropa a Onetto y la viste. Lola se pone en el lugar de la madre. Abandona el atril e ingresa en la caja. Pero además en la construcción poética, como dijo Arthur Rimbaud, “yo es otro”: Lola y su madre devienen una metáfora de resonancias incalculables, que va mucho más allá de sus personas, sus biografías y sus contextos.

Melancolía... constituye un eslabón teatral especial en el corpus de la tragedia contemporánea: es un Filoctetes del siglo XXI, centrado en la enfermedad del capitalismo, la depresión, Arias es a la vez Filoctetes y los compañeros griegos que vuelven a recuperarlo. Como en toda tragedia de nuestro tiempo, el dolor irreductible, insalvable, está entretejido con elementos cómicos y dramáticos, y vuelve a poner en primer plano la capacidad sublimante y terapéutica del arte.

Si en la vida cotidiana la enfermedad suele ser tabú, al que hay que referirse con eufemismos y ocultamientos, Lola se vale del teatro para mirar la enfermedad de frente y decirla. El teatro opera como mediación catártica: permite enfrentar lo que preferiríamos no ver o nos cuesta muchísimo ver en la cotidianeidad. En su función catártica y sublimante, en su productividad poética, Melancolía... es un ejercicio de resiliencia, capacidad de construcción en la adversidad, de obtención de fuerza de la debilidad. Arte robado al dolor.

Pero tal vez el aspecto más conmovedor del espectáculo esté en su referencia al quiebre producido en la Argentina por el horror de la dictadura. Después de la dictadura, ya nada puede ser igual. La

enfermedad de la madre de Lola y el vínculo madre-hija son metáforas del trauma y de la continuidad de la dictadura en el presente.

Melancolía... ratifica que vivimos en la post-dictadura, en el doble sentido de “post”: lo que viene después y lo que es consecuencia de la dictadura. Sin duda uno de los momentos más significativos de Melancolía... es aquel en el que Lola se pregunta cuántos habrán sido los habitantes de la Argentina (y los exiliados) que padecieron depresión (y acaso la siguen padeciendo) desde el golpe de 1976: 30.000, 50.000, 100.000... La depresión como otra forma de desaparición.

Con la rigurosidad que la caracteriza, Arias ha reunido un equipo de artistas de primer nivel, entre los que hay que mencionar especialmente a Elvira Onetto (en un excelente, extraño y difícil trabajo actoral de “medium”), LuciaEmilia ©Gustavo Andres Pascaner na Acuña (coreografía y co-dirección), Sofia Medici (dramaturgia y producción), Ulises Conti (música e interpretación en vivo), Fernando Pereyra (músico), Mariana Tirantte (escenografía) y Matías Sendón (luces).

Recientemente estrenada en Timbre 4, Emilia, de Claudio Tolcachir, manifiesta evidentes rasgos de conexión con la poética de La omisión de la familia Coleman (2005), Tercer cuerpo (2008) y El viento en un violín (2011), espectáculos con los que su autor se ha convertido en uno de los grandes referentes de la renovación del teatro argentino en el siglo XXI, en nuestro país y en el mundo. Conexiones, pero también diferencias. Teniendo en cuenta las constantes, podemos afirmar que Tolcachir investiga con variaciones en un universo temático y estético recurrente, obsesivo, muy personal, propio, un universo de teatro “íntimo”, en el sentido que otorga a este término Jean-Pierre Sarrazac (para oponerlo a un

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13 julio agosto Jorge Dubatti teatro industrial de “género”). Con Emilia Tolcachir vuelve a decir: “Mi teatro soy yo”. Y Tolcachir está plenamente en su teatro: su creación es un acto ético que lo define, en el imaginario, la poética, el equipo, la producción, en una biopolítica, que también se expresa en su sala independiente.

Por un lado, regresa en Emilia el tópico de la familia disfuncional, que en este caso –como ya en El viento en un violín- se multiplica: Tolcachir cruza en Emilia al menos cuatro familias (la de Emilia, la de Walter, la de Gabriel-Leo-Caro, la de Walter-Leo-Caro) y acentúa marcadamente su carácter bizarro, contrario al modelo de la “comedia blanca” y los estereotipos de la sociedad tradicionalista.

Multiplica además, ampliando la noveMelancolía y manifestaciones dad de El viento en un violín, la presencia escénica de los padres, que ahora son dos (Walter, Gabriel) y que, cuando se juntan, encarnan un duelo de intensidad actoral notable, protagonizado por Carlos Portaluppi y Gabo Correa. Por otro, constituye constante el interés de Tolcachir por las personas comunes, por las vidas aparentemente sin atributos excepcionales, sobre las que despliega una mirada compasiva.

Emilia se parece en este sentido a Tercer cuerpo, y Tolcachir ratifica su voluntad minimalista, de raíz chejoviana, de escenificar existencias que parecen no haber empezado aún o estar reiniciando sus rumbos una y otra vez. En Emilia Tolcachir vuelve a apostar a un teatro emocional, centrado en los vínculos humanos, sin pretensión intelectual o política que no esté corporizada, hecha carne, en la realidad inmediata de esas vidas “menores”. Esa condensación hace que lo intelectual y lo político no operen como prótesis, sino que fluyan orgánicamente desprendiéndose de las acciones y las situaciones de los personajes. Tolcachir reivindica nuevamente el contar una historia sencilla, un cuento construido para el final, que encierra un misterio (no sólo un secreto, sino un misterio en el sentido más amplio, en aquel en que puede comprenderse la metáfora de “el viento en un violín” como imagen del misterio del arte).

Para concretizar ese teatro emocional, recurre, como siempre, a grandes actores: los mencionados Portaluppi y Correa, junto a Elena Boggan (Emilia), Adriana Ferrer (Caro) y Francisco Lumerman (Leo), elenco excepcional, y pone todo su esfuerzo en una magistral dirección de actores. Además de un dramaturgo fascinante, Tolcachir es un notable director de actores. Uno de sus secretos al respecto es atender profundamente el mundo personal de sus actores –no sólo el de sus personajes- y sembrar en el espectáculo trazos, componentes, huellas de autorreferencia de los actores, que no son meros vehículos de la obra: la hacen propia.

Pero Emilia trae también relevantes novedades a la poética de su teatro, novedades que evidencian que Tolcachir investiga activamente en la ampliación de su universo, en la búsqueda de nuevas formas y resoluciones que le permiten mantener vivo su teatro íntimo y transformar esa deriva existencial en un campo de atrac72

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Postales argentinas ción metafórica. El de Tolcachir es un mismo mundo en expansión, un universo único cuyo tejido se extiende con el estallido de una nueva constelación. Entre las novedades, Emilia incorpora procedimientos de teatro del relato. No sólo el personaje de Emilia cuenta al público su historia dentro del “corral”, y su relato opera como marco, apertura y cierre del recuerdo escenificado; también Gabriel, fuera del “corral”, cuenta más fragmentariamente, cruzado con el relato de Emilia, parte de su historia. Emilia es una narradora “generadora” de la escena, la historia que se despliega ante los ojos del espectador es más una proeza expresionista de la memoria de Emilia que un flash-back realista. El expresionismo –otra gran novedad, acaso recuperada de los primeros trabajos de Tolcachir, como Jamón del diablo-, entendido como objetivación escénica de los contenidos de la conciencia de Emilia, hace que en esta obra “los muertos estén más presentes que los vivos” y contagia otros niveles, derrama en el espacio escénico.

Con la colaboración de Gonzalo Córdoba Estevez y Néstor Martignago, Tolcachir diseña una escenografía desrealizante, múltiple en su dimensión simbólica, que es a la vez corral, férrea estructura de cárcel, falsa pared de almohadones, cornisa por la que se camina peligrosamente. Tolcachir mezcla los planos temporales y los espaciales, las representaciones objetivas y subjetivas, y adereza ese universo entre la realidad y la reelaboración de la memoria con marcas de ambigüedad. Si bien finalmente hay una historia clara y la poética incluye algunos símbolos evidentes –como el de la mesa que no pasa por la puerta–, sin duda es ésta la pieza más ambigua de las que hasta hoy ha escrito Tolcachir, y esto produce en el espectador un cierto desconcierto inicial, que colabora con el misterio mencionado y que obliga felizmente al espectador a regresar y regresar sobre el recuerdo de la obra después de la función.

Familias disfuncionales, vidas grises que despiertan una visión compasiva, teatro emocional de relaciones humanas, relato y expresionismo, memoria y ambigüedad están puestos al servicio de lo que –creemos- más le interesa a Tolcachir: hablar del misterio del amor, el gran tema de la pieza. El amor que, como dice Dante, “mueve el Sol y las demás estrellas”, y que en una realidad dolorosa, de desamparo, sin garantías ni leyes estables, es una de las formas de ennoblecimiento del mundo, una vía de espiritualización y mejora. Para Tolcachir el gran misterio del hombre no es la muerte, ni la vida, sino el amor. El amor imposible y el desencontrado, el amor equilibrado y el destructivo, el amor inconcebible en términos racionales, pero que aprende a convivir con la razón, el amor que atraviesa misteriosa y complejamente a todos los personajes y que, por sobre todo, mueve a Emilia a hacer lo que hace por Walter. Que, por supuesto, no vamos a revelar. Emilia, un espectáculo imperdible, una nueva gran contribución de Claudio Tolcachir a la escena nacional.

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El lado oscuro

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Jaume Colomer

Metodologías CRM 2.0 para implicar a los espectadores

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e escrito este artículo a las pocas horas de saber que el Ministro Montoro ha anunciado en la Seu d’Urgell, en un simposium de empresarios, que está contemplando la bajada del IVA de los espectáculos. Ha tardado nueve meses en darse cuenta de que no había tomado el camino adecuado y, por primera vez, ha manifiestado que está dispuesto a enmendar el error. No sé qué pasará en las semanas siguientes pero las declaraciones en sí ya son una noticia esperanzadora.

La actitud de Montoro contrasta con la de Andreu Mas-Colell, Conseller de de la Generalitat de Catalunya, que el 7 de mayo, ante una audiencia convocada por el Cercle de Cultura, reflexión en torno al binomio “Cultura y Economía” y se hizo dos preguntas: ¿quién debe financiar la cultura? ¿cuáles son las prioridades del momento actual? Mas-Colell consideró que la financiación pública de la cultura era legítima y necesaria pero en el actual contexto de austeridad del gasto público los recursos disponibles estaban por debajo de las necesidades y habría que adoptar un sistema mixto fomentando la financiación privada a imagen y semejanza de Francia, nuestro modelo de referencia, que ha mantenido la inversión pública al mismo tiempo que ha desarrollado una ley de mecenazgo más generosa que las de los países anglosajones de larga tradición filantrópica. Aprovechó para mostrarse contrario a la subida del IVA cultural porque si actualmente el Estado no puede financiar la cultura en los términos que sería necesario por lo menos que no la ahogue fiscalmente. Luego reflexionó sobre si la prioridad del momento actual es el consumo o la producción. Consideró que las políticas de fomento del consumo son de largo recorrido y que pueden tener paréntesis coyunturales que no afecten a su desarrollo. Consideró que ahora la prioridad es proteger a las industrias escénicas para evitar que se debiliten o desaparezcan y que el vacío de oferta lo ocupen industrias extranjeras.

A pesar de estar de acuerdo en la lógica argumental del Conseller considero que sólo se podría realizar un paréntesis en las políticas de fomento de demanda si estas se hubiesen desarrollado.

La presión financiera ha potenciado la visión de los espectadores sólo como clientes que aportan recursos para el sostenimiento del sistema.

Pero también podemos mirar a los espectadores, en una sociedad cada vez más 2.0, como partícipes de los proyectos que desarrollan los espacios escénicos. Un modelo de relación 2.0 se basa en el diálogo y la interactividad. Bajo el paradigma de la democracia cultural los espectadores se comprometen a aportar sus activos (tiempo y crowdfunding) para colaborar al desarrollo del proyecto escénico. Los objetivos de un modelo basado en la participación de los espectadores son dos: • por un lado, fomentar la sostenibilidad del sistema de exhibición, a través del incremento de la masa crítica de espectadores, la

frecuencia de consumo y los ingresos de taquilla como factor clave para conseguir la estabilidad e independencia de la programación.

• por otro lado, transitar hacia modelos 2.0 que sintonicen mejor con los públicos actuales dando más importancia a los procesos (diálogo, interacción, implicación) que a los contenidos aislados.

La metodología CRM (Customer Relationship Management) surgió como modelo de gestión basado en el marketing relacional y propició el desarrollo de varias herramientas de software (plataformas CRM para gestión inteligente de bases de datos y aplicaciones para la autogestión del ticketing, entre otras). Sin embargo, el desarrollo de las redes sociales y una mayor disposición de los clientes a la interactividad ha llevado a un modelo 2.0 de metodología CRM llamada Social CRM. Un informe de la consultoría Deloitte argumenta la necesidad de que las empresas sustituyan el CRM “tradicional” por otro mucho más “social”. Considera que el paradigma de CRM tradicional se basa en una comunicación unidireccional de mensajes estructurados para una audiencia pasiva y, en cambio, el paradigma de CRM 2.0 le suma al enfoque tradicional “la construcción de la relación y el conocimiento del cliente a partir del análisis de las interacciones bidireccionales de arriba hacia abajo y viceversa, y en las laterales colaborativas orientadas a comunidades, donde los componentes clave son las experiencias y las emociones de los usuarios y las comunidades”. El informe argumenta que “los clientes esperan poder involucrarse con la empresa en forma online, y los sitios web sociales generan un nuevo escenario completamente distinto de conexión con las personas. Uno de los factores de este cambio es que la generación Y (nacidos entre 1982 y 1995) prefieren comunicarse a través de medios sociales y dentro de 10 años estará integrada en su totalidad a la fuerza global de trabajo.

Sus miembros responden mejor a las organizaciones más interconectadas y menos jerárquicas, por lo cual es fundamental articular la interacción de comunidades dentro de la empresa (internas a internas), las de la empresa con sus clientes (internas a externas), las de la empresa con otras empresas y las que suceden fuera de la empresa entre los clientes (externas a externas). Bajo el nuevo enfoque “social” de CRM, las relaciones entre los clientes y la marca comienzan prematuramente y nunca terminan sino que se retroalimentan permanentemente”.

Si el mundo empresarial se plantea la necesidad de aplicar modelos CRM 2.0, con mayor motivo debería hacerlo el sector de las artes en vivo porque el hecho escénico, entendido como experiencia simbólica compartida, requiere la participación de los públicos como agentes interactivos. La aplicación singular de las metodologías CRM 2.0 en el sector cultural bajo el paradigma de la democracia cultural, que podemos denominar Cultural CRM, debe llevar a los espacios escénicos públicos y privados a concebir las programaciones como el resultado del diálogo entre el equipo de gestión y la comunidad de espectadores. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

La narrativa de un Joglar

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o es la primera vez que el gran actor Ramón Fontseré, se asoma a la literatura. Pero siempre lo ha hecho para centrar su idea del teatro o la historia de Els Ioglars que ahora dirige, tras la abdicación de Boadella. ‘La rocambolesca historia del transportista Pere Bitxo’ es su primera novela y por su ironía y desenfado podría afirmarse que no será la última. En la narración de los grandes talentos del escenario hay siempre un substrato teatral en el sentido esencial del término: una visión del mundo como un gran escenario, una asignación de papeles que forman un entramado teatral. Lo que al Quijote o al Ulises de James Joyce les da cierta naturaleza escénica es una estructura narrativa que podría ocurrir en un escenario abierto y dentro de una teoría abierta de la escena.

‘La rocambolesca historia del transportista Pere Bitxo’ tiene algo de un Ulises menestral: la concreción cronológica de una serie de peripecias en el transcurso de un dia, 24 horas de madrugada a madrugada. Pere Bitxo es el conductor de una camioneta que transporta rameras somnolientas de un puticlub, una orquesta de mala muerte para amenizar fiestas y reparte huevos en cajas de cartón.

Pese a esa familiaridad con mujeres de alterne, Pere Bitxo no es un follador compulsivo, como el Maturano, que reparte patatas y, a pesar de ser poco agraciado, se las arregla como puede. Es la técnica del “rapidillo”, del aquí te pillo aquí te mato. A fin de cuentas, un polvo se le echa a un pobre. Y Maturano es feo, guarro y ni siquiera sentimental. En algo de esto coincide con Pere Bitxo que vive de la caridad de un cura en un cuartucho miserable de la iglesia. Los exhibicionismos matutinos del cipote de Pere Bitxo ante Aurora, el ama del cura, la sobrina que decíamos pudorosamente en las aldeas de Castilla y que aquí llaman mayordoma, son descuidos sin intención.

Pese a cierto humor con raíces en la picaresca, la novela es poco amable y el friso de putas, mujeres descolocadas, menestrales, guardias civiles, mossos d’esquadra y muertos de hambre sin presente y sin futuro, es desolador. Todos se ponen hasta arriba de ratafía y de coca. La escena del muerto en la camioneta confiscada tiene algo del mejor Berlanga; y la riada que se lleva por delante el puticlub añade el desastre de la naturaleza a la incertidumbre moral y laboral del puterío. Con el muerto a la puerta del ambulatorio se vuelve a la inspiración de Azcona y de Berlanga.

En este paisaje y con este paisanaje que roza en ocasiones las fronteras del lumpen, no podía faltar la crítica social en la que Ramón Fontseré se mueve con soltura y sin dogmatismos; las cosas son como son y de poco valen preferencias ideológicas pues la corrupción se ha instalado como forma de gobierno; y la rapiña es una práctica social y una praxis política. Entre la mierda y la miseria hay también lucha de clases: unos son más miserables que otros, aunque la solidaridad con un emigrante negro aporte cierto toque de humanidad en el transcurso de la acción. El descontento, la constatación de un mundo sin alternativa, es una fatalidad y una condena. No hay un activismo, como el del pícaro histórico que lleve a la confron-

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tación y la demolición de una forma de vida; un contrapoder, por frágil que sea. De ahí el sabor ácido de ‘La rocambolesca historia de Pere Bitxo’: el dia que empieza será con toda seguridad como el que acaba de concluir; es decir, “la luz del alba tiembla de frio, no tiene ni energía para iluminar la inmensa panorámica”.

Ramón Fontseré maneja un lenguaje fluido y plástico de gran fuerza expresionista; un lenguaje a veces canalla y a veces lírico; lastrado a veces por ciertos catalanismos que el traductor no se ha molestado en adaptar al castellano. Y hablando de plástica y de visualización no podía faltar un trallazo al arte moderno, consustancial a Boadella y Els Ioglars: el crítico imbécil que no distingue la nada de una obra bien hecha, la mierda y la mala artesanía del arte verdadero. Como en algunas piezas de Ioglars, la parodia del lenguaje críptico del arte satiriza una falsa modernidad. Un ejemplo de algo que se presenta como escultura modernísima y no es sino una huevera: “una pieza rompedora e inquietante, dos materias juntas resultado del azar, a medio camino entre el volumen puro y la superficie bidimensional que mantienen siempre una impecable congruencia, produciendo un sentimiento que conmueve el espíritu, pero siempre con un protagonismo impregnado de fisicidad. La obra se aparta de las obviedades y se nos presenta cargada de ternura y escrutadora de las fisuras físicas y espirituales del hombre y sus ritmos. También encontramos una atención matérica indudable, dentro del concepto mágico en que se inscriben las coordenadas perceptibles libres de condicionantes y la pulsión conceptual de la mente”. ¿Parodia o realismo periodístico? En cualquier caso la obra de arte tan sagazmente analizada por el crítico, son unas cajas de cartón empapadas de agua y huevos rotos, que Pere Bitxo se dejó olvidadas en una galería de arte.

Lluis Llach y la guerra.

Espléndida novela sobre la guerra en Barcelona, ‘Historia de unos ojos pintados’, con fondo cinematográfico y rasgos de estética feliniana: la liquidación del Poum, por parte del PCE los duros enfrentamientos con la CNT; guerra civil dentro de una guerra civil. Hacer la revolución o ganar la guerra; el viejo dilema que esconde un viejo sofisma. ¿La revolución no necesitaba ganar antes la guerra? O la victoria ¿suponía el aplazamiento de la revolución?. La cuestión no es tan simple y, al fondo, late la geoestrategia de Stalin, la sumisión del PCE al PCUS. El tema se ha estudiado lo suficiente; pero de vez en cuando cobra fuerza para los historiadores y para la gente nueva que quiere conoce mejor la historia. Jerónimo López Mozo, en el escribió Anarchia 36; señalar la responsabilidad del Partido Comunista contra poumistas y cenetistas, le valió la reprobación. El rigor histórico de López Mozo reconocía el sacrificio del PCE durante la dictadura, pero señalaba sus culpas en la Guerra del 36. En ‘Historia de unos ojos pintados’, entre las bombas, la carnicería, el salvajismo de la tortura y los fusilamientos, una historia de amor conmovedora; y la corrupción de la inocencia. Extraordinaria novela de un cantautor catalán que fue icono de la transición: Lluis Llach.

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El método griego

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María Chatziemmanouil

Ilíada: la gran apuesta

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n una fábrica concedida por el Banco Nacional de Grecia al Festival de Atenas, se estrenó el 4 de junio y después de 9 meses de ensayos, la Ilíada de Homero, dirigida por el director griego Stacis Livacinós. En un espacio inmenso, que “se divide” en varios espacios escénicos más pequeños (el mar de donde emerge Tetis, la madre de Aquiles, y en donde están las naves de los aqueos, el campamento de los mismos, la ciudad de Troya, la escalera que representa el Olimpo etc.), los 15 actores-rapsodas, cuentan durante casi 5 horas (los tres descansos incluidos) las 24 rapsodias de la epopeya homérica: la cólera de Aquiles contra Agamenón y la abstención del primero de la guerra, “que causó infinitos males a los aqueos”, durante el décimo año del asedio de Troya, que fue también el último. Cabe destacar que nunca antes en la historia del teatro mundial, se habían representado en escena las 24 rapsodias de la Ilíada.

El poema escrito más antiguo de la literatura occidental, compuesto en hexámetros dactílicos, consta de 15.693 versos. Su premiada traducción al griego moderno es también una epopeya a cargo del catedrático Dimitris Maronitis, quien consigue, al utilizar palabras de todas las épocas de la lengua griega (desde palabras originales homéricas hasta palabras del argot neogriego), no solo contar la historia de los últimos 29 siglos de la lengua misma sino crear también un gran poema de la literatura neogriega, permaneciendo a la vez fiel al original homérico. Una hazaña de lengua y de traducción.

Stacis Livacinós, que estudió dirección en el Instituto Estatal de Teatro de Moscú, se dedica desde 2001 a la dirección de obras narrativas, trabajando con un grupo de actores estable. Sus montajes de obras maestras tanto de la literatura griega (La asesina, de Aléxandros Papadiamantis, 2011-13 y Erotókritos, de Vitsentzos Kornaros, 2011) como de la literatura mundial (estrenó dos veces El idiota de Dostoyevski, en 2007 y en 2012 con diferentes actores) han sido multipremiadas y alabadas por el conjunto de la crítica, y han llenado las grandes salas donde se han representado.

La idea de estrenar la Ilíada le persigue desde hace casi 6 años.

En ella se encuentran los núcleos de muchas tragedias (de Las Troyanas, de Hécuba, de Andrómaca, para mencionar solo algunas), o, según Maronitis, es “una tragedia-precursora”. Pero sobretodo, la Ilíada es la historia de la guerra más grande del mundo antiguo. “El poeta”, dice Livacinós, “ve la guerra como un fenómeno natural muy fuerte, con la grandeza, el dolor y el horror que un tal fenómeno conlleva. Además, no divide los adversarios en vencedores y vencidos; enseña qué significa no exterminar a tu enemigo, sino respetarlo y

honrarlo. Así, en la dimensión política de la epopeya, se añade también la dimensión ética y humanística de la misma, de allí el final tan filántropo, sentimental, modesto. A pesar de todo lo que ha ocurrido, a pesar de las millones de víctimas, el poeta llega a la grandeza de la comprensión y del perdón. Pero el perdón vale solo cuando está precedido por una pérdida. La pérdida puede ablandar la cólera más cruel, lo que demuestra contundentemente que la gente y sus sentimientos no han cambiado a lo largo de los siglos. Al montar la Ilíada quiero examinar cómo entiende el hombre contemporáneo la guerra y cuál es su posición respecto a la guerra civil. ¿Qué es el heroísmo hoy en día y a quién se le considera un héroe? ¿Cómo defendemos el poder y cómo aguantamos la pérdida? ¿Cómo manejamos la cólera, el amor?

En una época insoportablemente rápida que idolatra la imagen, no es fácil transformar una obra literaria basada en la palabra en un espectáculo teatral interesante. La dirección de Livacinós aportó a la epopeya humor, hallazgos ingeniosos, comentarios burlones o irónicos, manteniendo a la vez irreducible su tensión dramática. El monje Shaolín Si Miao Tsié entrenó a los actores en artes marciales. En el escenario-campamento/campo de batalla creado por Eleni Manolopúlu a base de neumáticos, escaleras y mesas metálicas, se presentaron los grandes acontecimientos dramáticos de los últimos 51 días del asedio de Troya, por unos actores que fueron a la vez rapsodas y personajes. La contribución de la música (grabada y en vivo a cargo de Lampros Pigúnis) y su combinación con la iluminación de Alekos Anastasíu, fueron decisivas a la hora de crear cada vez el ambiente adecuado. Destaca también el papel comentarista de los figurines de los hombres, que mezclaban épocas y estilos, formando así una comunidad de guerreros y líderes, y creando una de las imágenes más fuertes de la función: el momento en el que tales figurines se extienden a lo largo del escenario, colgados de garfios metálicos, como un desfile de abrigos de muertos. La función cierra con el poema de C. Cavafis Troyanos, un comentario amargo sobre el destino del ser humano.

La ovación del público, que aplaudió a los actores y al director de pie durante más de 10 minutos, fue la recompensa más grande para todos los que trabajaron para que esta función fuera digna del poema de Homero.

En la entrevista que le concedió hace 2 meses al periódico Elefcerotypía, Livacinós dijo: “Las cosas que parecen imposibles tienen que hacerse realidad. La Ilíada es mi “Odisea”. Es mi apuesta más grande como director.” Una apuesta, que según el resultado, está más que ganada. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto Jaime Chabaud

Piedra de sacrificio

Baños Roma y 20 años de Teatro Línea de Sombra

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n la anterior entrega hablábamos de que la agrupación TLS es ya una de las propuestas más contundentes de la escena mexicana actual, con una identidad artística innegable y con una calidad casi a prueba de balas y que ha contribuido a cambiar el rostro de parte de lo que es hoy la diversa escena mexicana. En septiembre su nueva creación, Baños Roma, llegará a la Fira Tàrrega. Esta es una entrevista con su fundador, Jorge Vargas.

Jaime Chabaud.- ¿Qué significa este recorrido de dos décadas para el grupo y su fundador?

Jorge Vargas.- En principio, la permanencia. Son dos décadas que han significado largas batallas frente a las políticas culturales que hostigan toda actividad que busque conformarse como espacios independientes. Luego, una serie de tránsitos artísticos donde nuestro concepto de escena y creación ha ido transformándose y que ahora desemboca en un interés definitivo por procesos que nos involucren con la realidad como principio fundamental para plantearnos cualquier proyecto artístico. En el medio, hemos producido algunas generaciones de actores en colaboración con artistas contemporáneos de la escena y de las artes visuales y un encuentro internacional de escena contemporánea que este año va por su edición dieciséis.

Entonces podríamos decir que TLS es más que una compañía teatral y se acerca a lo que consideramos como un proyecto teatral que abarca la formación, la producción artística y la gestoría de espacios de encuentro e intercambio.

J. Ch.- ¿TLS nació como una reacción alérgica al teatro realista y convencional todavía imperante en la escena mexicana de fines de los 80 y principios de los 90 del siglo XX? J. V.- No necesariamente, en el principio -años 80’s-, nos interesamos por el teatro físico y por la concepción del actor como centro de la creación y el cuerpo de este como su materia poética y partimos de las enseñanzas de Etienne Decroux para crear nuestras piezas.

Más tarde, ensayamos en piezas dramatúrgicas que si bien pertenecían a los dominios de lo que podríamos calificar como realismo, sus estructuras nos permitían alcanzar lo que denominábamos como un “realismo alterado”. Estas creaciones siempre corrieron paralelas a nuestras producciones de teatro visual y físico. Hace diez años iniciamos procesos que nos acercaron a lo performático y al uso de objetos tomados de la realidad, transformándolos en objetos poéticos sin traicionar su naturaleza real y ahí iniciamos una búsqueda que nos condujo a materiales documentales y a procedimientos transversales de creación. De tal manera que nuestra práctica ha seguido una lógica un poco ambigua que nos ha arrojado a una forma de abordaje que se aleja cada vez más de los caminos convencionales que aún imperan en el teatro mexicano y por supuesto que también nos ha conducido a un pensamiento crítico sobre las maneras de producir el teatro y sobre la vigencia de sus procedimientos. La reacción alérgica a ciertas formas de pensar el teatro es un resultado tardío e irreversible.

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J. Ch.- ¿Cuáles han sido los principios estéticos de TLS y cómo se han ido modificando en estas dos décadas?

J. V.- Hemos transitados por varias estancias; de un teatro fundamentalmente físico a experiencias ligadas al teatro de texto, y finalmente a proyectos que buscan en la realidad sus materiales para la creación y en sus posibles traducciones para la escena con los menos intermediarios posibles. Así intentamos renunciar a ciertos aparatos convencionales como la escenografía, las dramaturgias elaboradas fuera de los procesos, los paradigmas de la actuación representacional y buscamos formatos documentales y testimoniales sin cancelar elaboraciones poéticas o metafóricas de estos materiales. Finalmente, intentamos partir de contextos específicos y comprometer la acción artística con proyectos de intervención social a largo plazo y Baños Roma es nuestro primer ensayo de esta intencionalidad.

J. Ch.- Haber acompañado el trabajo grupal con el de una escuela (Diplomado Teatro del Cuerpo) y un Festival (Transversales), ¿cómo ha determinado el trabajo de TLS y qué cambios de paradigmas crees que ha planteado para la escena mexicana?

J. V.- En Transversales y en el Diplomado lo que se ha puesto en cuestión son los distintos formatos de la escena convencional y sus modos de producir. Y esto puede haber colaborado a cierta evolución en el pensamiento de algunos creadores y artistas escénicos interesados en una mirada más contemporánea de la escena viva y en otras respuestas que problematicen la realidad desde lo escénico. En 15 años Transversales ha intentado hacer un mapeo de la escena contemporánea y ha provocado un espacio de diálogo e intercambio entre los creadores que invitamos y los artistas escénicos mexicanos. Creo que otro rasgo importante fue que el formato de encuentro y no de festival permitió inaugurar territorios de concurrencia y reflexión que los festivales no se pueden permitir, como estancias largas o residencias de creación. La huella es difícil de rastrear pero sí puedo pensar que ha contribuido a cultivar un pensamiento transversal y a repensar la vigencia de los formatos y modos de producción tradicionales.

J. Ch.- Amarillo internacionalizó a TLS, ¿qué esperas de tu reciente montaje, Baños Roma, que visitará España en septiembre próximo?

J. V.- Baños Roma toca la realidad de Juárez, su actualidad. Una ciudad devastada, durante muchos años considerada la ciudad más peligrosa del mundo. Una larga noche que duró varios años se extendió sobre la ciudad y sobre la población y transformó la vida colectiva y pública. La pieza no es la ilustración de esa violencia. La historia de un ex-campeón mundial de box que vive en Juárez es la fuerza centrífuga que nos permite abordar periféricamente el tema de la ciudad y su actualidad. Pesa sobre esta creación el cúmulo de subjetividades que reunimos en nuestras residencias en aquel lugar.

Esta es la historia. Esto es lo que nos interesa poner enfrente de un espectador extranjero que solo conoce generalidades sobre la violencia en México y en particular de Juárez.

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Las lejanías

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Carlos Be

El sol poniéndose por el Este

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Praga, 5 de junio de 2013

e abren las lejanías por las tierras que deseo.

Del corazón de Praga ha emergido un mar. La ciudad permanece anegada por las inundaciones. Todavía no he podido cruzar el Puente de Carlos, una de mis primeras visitas siempre que llego a la ciudad. El agua golpea los pilares del puente con fuerza inusitada y desafía a quienes se asomen al pretil. La policía ha decidido cerrar el paso a los transeúntes.

En apenas una semana he acudido en un par de ocasiones al Teatro de Vinohrady: para el estreno de Les (El bosque) de Aleksandr Ostrovski y para la primera función de junio de Jak udělat kariéru snadno a rychle (Cómo hacer carrera fácil y rápido), versión à la checa del musical de Broadway How to succeed in business without really trying de Frank Loesser con libreto de Abe Burrows, Willie Gilbert y Jack Weinstock. Encabezan el reparto la siempre espléndida Daniela Kolářová y mi querido Pavel Batĕk. Después del estreno de Les tuve la oportunidad de conversar con Pavel Rímský. Las noches en este teatro concluyen irremediablemente en su club, y entre nubes de humo de tabaco y espejos a los que nadie presta atención, un actor de 64 años comparte contigo una historia tan real como trágica que anteriormente, me cuenta, compartió con Miloš Forman.

Algo está pasando.

Praga, 9 de junio de 2013 En la mesita de noche, las lecturas de Aire de Dylan de Enrique Vila-Matas y Un beso de Dick de Fernando Molano se alternan con el visionado de antiguas grabaciones de teatro español. En Der Besuch der alten Dame (La visita de la vieja dama) de Friedrich Dürrenmatt, una cuadragenaria Irene Gutiérrez Cava, en el papel de Claire Zachanassian, proclama: “Si el mundo hizo de mí una ramera, yo lo convertiré en un burdel”. Y Antonio Ferrandis en el papel de Alfred Ill muere feliz, no sin antes reservarse otra gran cita: “Cuando te mueres es el único momento en el que puedes confiar en la autoridad”. Estas palabras me traen a la memoria un chiste que oí en una consulta médica en Madrid, reflejo crítico de la patética situación que está viviéndose por esos lares. No me extrañaría que procediera de una de las viñetas del Roto:

El paciente.- Estoy muriéndome.

El médico.- Tendrá que esperar, hay otros muriéndose antes

que usted.

Vila-Matas no se queda a la zaga del Roto ni de Dürrenmatt y me pone los pelos de punta con una sentencia en la que plantea que el fracaso más profundo de un artista, “el más auténtico”, consiste en traicionarse a uno mismo.

Afuera, llueve. Las inundaciones remiten y los cerca de veinte mil evacuados regresan a sus hogares mientras yo sigo sin poder rehuir la evocación del mar. Nunca he visto el mar, o ya no me acuerdo.

Praga, 18 de junio de 2013 Hace días que han reabierto el Puente de Carlos y los turistas se hacinan en él. A este puente no lo hundirá el agua, lo hundirán los turistas.

Esta vez, es la imagen de Francisco de Borja la que no está.

Este español oriundo de Gandía fue condecorado santo un siglo después de su muerte, ese cargo que dispensa el Estado de la Ciudad del Vaticano a quienes merecen un puesto superior al de su presidente pero llevan suficiente tiempo muertos como para no tocar las pelotas a nadie. Pone en un cartel en su pedestal que lo están restaurando. No entiendo qué sentido tiene restaurar una réplica. Las estatuas originales del Puente de Carlos se encuentran a buen recaudo en el Lapidarium, junto con muchas otras de la ciudad capitalina. Recuerdo que en uno de mis paseos con Petr Gojda, me contó que un profesor de DAMU, la academia de artes escénicas de Praga, pidió a sus alumnos que acudieran al puente y se fijaran en las expresiones de las estatuas para, a continuación, dirigirse al Lapidarium y contemplar las expresiones originales. El objetivo del ejercicio era ver si notaban la diferencia entre unas y otras, una diferencia muy real, la conocida “mano del artista”.

Cualquier academia que promueva la sensibilidad entre su alumnado se merece el cielo, dejemos que en el Vaticano crean que tienen la potestad sobre lo incógnito, qué equivocados están los que no hacen más que trabajar sobre el miedo y la muerte (y sí, soy más ateo que la propia muerte, quien no cree en nadie más que en sí misma, y razones le sobran).

Escribo desde el piano bar del Teatro Karlín –el pianista aporrea el teclado con una energía inusitada a estas horas de la tarde–, donde voy a ver como público 32 rue Vandenbranden. Vengo del escenario nevado de esta producción de Peeping Tom, que ya lleva cuatro años de gira por cuatro continentes, nos ha contado Jos Baker, uno de sus intérpretes. Tiene algo de sacrílego entrar por primera vez en un teatro por el escenario. Sacrílego y terriblemente amoral, como un desafío artístico. La sala principal del teatro es una maravilla. El edificio, de arquitectura nouveau baroque, se construyó en 1881 para acoger espectáculos circenses. En la actualidad, los musicales de toda la vida como Aída o Jesucristo Superstar constituyen el grueso de su programación habitual.

Por cierto, hoy he soñado que viajaba al sur, tan al sur que superaba el ecuador y franqueaba el hemisferio sur, donde nunca he estado, y he amanecido con muchas ganas de viajar al sur y, como en el sueño, contemplar el sol poniéndose por el Este. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto Víctor Criado

Noticias desde los fiordos

Carrington / Aiztondo

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e nombre Leonora. Alguien desconocido para mi hasta hace un par de años y que, sin embargo, va a ocupar un buen trozo de mi vida profesional durante, por lo menos, los 18 meses próximos.

Pintora surrealista de origen inglés con raíces irlandesas pero que vivió la mayor parte de su vida en México, tras pasar un corto y traumático periodo en un psiquiátrico de Santander en la posguerra franquista, con sus dosis de Cardiozol e intransigencia. Una vida más que interesante, una obra artística enorme y variada; pintora, escultora, escritora, dramaturga… Una creadora.

Y es esto último, la creación, el núcleo vertebrador del nuevo proyecto que Unga Klara, en estos momentos a punto de comenzar los ensayos está preparando y consta de dos producciones, además de una posible exposición de su obra. Dos espectáculos que no dejan de ser dos vértices de un mismo proyecto: • Un primer espectáculo con cuatro actores titulado Carrington que, utilizando partes de la biografía de esta creadora, va a ser representado en diez espacios dedicados al arte repartidos por todo Estocolmo; museos y salas de exposición principalmente, a donde acudirá el público (que en esta ocasión se situará entre los 16 y 25 años). No serán más de 40 espectadores por representación (marca de la casa). Este primer proyecto está concebido como un ejercicio de documentación. A través de la interacción constante con el público investigaremos sobre la naturaleza del acto creador y sobre el concepto “artista”. ¿Quién es realmente un creador?, ¿Qué es crear? ¿Podemos ser todos artistas?, ¿De dónde surge la naturaleza creadora? Suzanne Osten, directora del proyecto, plantea como tesis la idea de que todos estamos capacitados para crear pero que solo unos pocos sienten eso, el acto creador, como una necesidad vital sin la cual la vida carece de sentido. Pero como os comento todo esto será cuestionado frente al público que acuda a la representación y las conclusiones obtenidas servirán para dar forma a la segunda parte.

• El segundo espectáculo será la puesta en escena de uno de los textos teatrales de Leonora Carrington, “La fiesta de los corderos”.

Un texto teatral surrealista casi imposible de representar, con unos personajes extraños, que va a tomar la forma escénica de un sui generis musical. Diez actores, entre los cuales estará César Sarachu, y algún que otro músico todavía por concretar. Si Lorca tiene sus “piezas imposibles” digamos que Leonora escribió sólo este tipo de piezas. Las imposibles. Pero si en algo estamos de acuerdo todos los que formamos parte del equipo es que Suzanne es de las pocas personas que pueden llevar el proyecto a buen puerto. He de añadir que si de pálpitos se trata, el mío desde el primer día que escuché el nombre Carrington (pensando que era un escritor romántico, erudito que es uno), ha sido bueno. Mi intuición me dice que va a ser un gran trabajo. Además debo añadir que con este proyecto, que se

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prolongará hasta finales del 2014, Suzanne finalizará su labor como directora artística de Unga Klara. Continuará vinculada al teatro que ella creó pero dejará de ser el timón, que será recogido por dos personas vinculadas desde hace años a la compañía; Gustav Deinoff (actor y director) y Farnaz Arbabi (directora).

Si alguno de vosotros estáis interesados en indagar en la vida y obra de Leonora os recomiendo, además del socorrido google, un documental sobre su persona que se estrenó hace aproximadamente dos años y que viaja de festival en festival mostrando a esta creadora; Leonora Carrington, la última pintora surrealista, dirigido por Javier Martín Domínguez. Muy recomendable.

Dejo aquí este tema, que será abordado con mayor profundidad en posteriores artículos para finalizar con una curiosa aventura.

A finales del pasado mes de Abril nos visitó en Estocolmo el Aiztondo Abesbatza, coro de Astigarraga que ofreció dos conciertos, uno en el teatro donde trabajo y el otro en Allhelgons Kyrkan, una de las iglesias mas curiosas de toda la ciudad, con su cuota de lesbianas, homosexuales, ex drogadictos, heavys... creyentes. Con un cura alcohólico al frente de la misma, pero que se ha ganado un gran respeto y admiración por parte de la iglesia sueca. A esto hay que añadir una pequeña muestra que ofrecieron de su trabajo durante el servicio religioso en Katarina Kyrkan, hermosa iglesia situada en uno de los barrios más populares de la ciudad, Södermalm y dirigida también por el cura antes nombrado. Todo esto ha sido fruto de las ganas de viajar y mostrar su trabajo, por parte del coro, y por parte de nosotros del esfuerzo en la producción y los contactos de mi mujer, Oyana. Una pequeña muestra de la cultura vasca que llamó mucho la atención a las personas que acudieron a verlo. Un bello recuerdo que finalizó con una degustación de productos del país, para gusto especialmente mío (sidra, txakoli, gazta, piperrak…).

Oihaneko fue la pieza con la que comenzaron la representación, precedida por los ecos de una txalaparta. Un tema de no se sabe cuando que, cantado por uno de los miembros del coro, me puso la piel de gallina (y eso que no soy de piel suave), acompañado por las voces y nervios del resto de hombres, mientras las mujeres esperaron su turno para acabar con un irrintzi que levantó aplausos. Mi respeto y cariño para todos ellos.

Viéndoles, sabiendo el esfuerzo económico que habían hecho, la generosidad que habían mostrado tanto por parte de los vascos como de los suecos, reflexioné sobre la naturaleza del término amateur y del término creador antes descrito. Y de para qué sirve todo esto de encontrarnos los seres humanos en torno a una historia que contar o frente a una canción que escuchar. Todavía no he llegado a ninguna conclusión, supongo que nunca llegaré pero el solo hecho de reflexionar hace que las piezas del puzzle con el que conformamos nuestra idea del mundo se agiten un poco. Seguiremos buscando cómo encajarlas de nuevo y a ver qué sale.

13 julio agosto Gente de Palabra: Inés Bengoa

“Cuanto más cuento más me desnudo, más expuesta estoy” Inés Bengoa es actriz y narradora oral profesional. Terminó la carrera de Periodismo en la UPV en 1996 y estudió interpretación en la ENT (Escuela Navarra de Teatro) hasta 2004. Es en esta época de formación actoral cuando tuvo ocasión de contar cuentos por primera vez. Desde entonces no ha parado de contar historias. ¿Qué es contar para ti?

Contar para mí es una forma de supervivencia emocional.

Me explico: a través de los cuentos he recuperado partes de mí que había ido perdiendo por el camino de “hacerme mayor”; la capacidad de juego, por ejemplo. Contar para niños y niñas me ha dado oportunidad de estar cerca de unas edades que hacía tiempo no tenía cerca, que había olvidado, con las que ya no sabía relacionarme y, mediante los cuentos, he redescubierto el mundo de la fantasía, del juego y de las posibilidades infinitas de creación, que ya daba por perdidos. Recuperar la capacidad de juego me ha proporcionado una sensación de libertad y de energía interior impresionantes y me ha permitido conectar, más y mejor, conmigo misma y con el público.

Después de muchos años contando para chavales ahora me pide el cuerpo dirigirme también a público adulto. No hay costumbre de escuchar cuentos entre adultos, pensamos que son cosas de niños, que son invenciones para tenerlos entretenidos, para dormirlos por la noche… pero los cuentos tienen mucha más verdad de lo que nos podamos imaginar. Además de hacernos pasar un rato entretenidos los cuen80

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tos nos muestran caminos nuevos por los que avanzar, nuevas formas de hacer las cosas, nos reconcilian con nosotros mismos y nos acercan a los demás. Los cuentos son mágicos.

Contar es como desnudarse.

Cuanto más cuento más me desnudo, más expuesta estoy, más me muestro. Pensar en desnudarse da un poco de miedo, una piensa que se va a sentir más indefensa pero, curiosamente, me hace ser más libre. ¿Cuánto tiempo llevas contando profesionalmente? ¿Cómo fue que comenzaste?

En 2000 entré en el grupo de teatro Kilkarrak de EstellaLizarra y en 2002 la biblioteca nos propuso hacer una sesión de cuentos infantil. Así que una compañera y yo nos animamos a prepararla. La cosa funcionó y seguimos haciendo sesiones los viernes durante un tiempo. Así me vi entre cuentos, lee que te lee, busca que te busca, prueba que te prueba, ya que es contando cuando una se da cuenta de qué funciona y qué no. Se corrió la voz por la merindad y nos fueron llamando de más bibliotecas. Así tuve ocasión de ir probando cuentos, formas de hacer, de contar, de hacer participar a los chavales,…fui

aprendiendo y creando mi propio estilo. Y así hasta hoy día, que he contado en Nafarroa, Araba, Buskaia, Gipuzkoa, La Rioja, Huesca y León. ¿Una narradora nace o se hace?

En mi caso se hace, nunca hubiera imaginado que me iba a dedicar a contar historias. Aunque sea algo que me gusta y que me hace sentir bien, nunca hubiera pensado que yo había nacido para ello. En el fondo creo que a todos nos gusta contar historias, todo el mundo

lo hace en su día a día. Pero de manera profesional ha sido algo que se me ha aparecido en el camino, que se ha ido adaptando a mí y que se ha convertido en mi forma de vida. ¿Es posible formarse para contar? ¿Cómo debería ser esa formación?

Creo que es muy necesario formarse para contar y tener unas nociones básicas sobre teoría de los cuentos (qué cuentos se pueden contar, estructura de los cuentos, función, valores,…) y técnica (voz, ex-

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presión…). El narrador profesional tiene una responsabilidad hacia los cuentos y hacia el púbico, de la que tiene que ser consciente. Los cuentos tienen una parte de juego, pero no son juegos de niños. ¿Para quién prefieres contar?

Me gusta mucho contar para chavales de entre 5 y 8 años, me lo paso muy bien, me río, juego, busco su participación… Esa ha sido la franja que más he disfrutado hasta ahora pero, como he dicho antes, cada vez me apetece más contar a mayores, adolescentes, adultos, cada vez los busco más. Además, cuento en castellano y en euskera. ¿Qué tipo de historias prefieres contar?

Me gustan las historias que saben tratar los temas con humor, aunque cuando cuento para adultos trato de mezclar un poco de todo: relatos poéticos, anécdotas, humor… De momento cuento historias populares o de otros autores, aunque no descarto algún día llegar a contar mis propias historias. ¿Cuál es la “cocina“ de tus historias? ¿Cómo te preparas o preparas la historia para contarla?

Leo muchísimo hasta encontrar historias que me toquen, que me digan algo, que me muevan. Cuando por fin encuentro algo que me gusta, lo leo y lo releo, lo interiorizo, lo visualizo y le voy dando la forma que me hace sentir cómoda, como si fuera una parte más de mí. Me llevo las historias de paseo, las cuento en voz alta cuando voy sola en el coche, me las cuento en la ducha, cuando voy por el campo con el perro,… y así es como me surgen cosas que en un principio no había visto. Y cuando las contrasto con el público siguen cambiando, siguen creciendo.

Hasta que no las cuento con público no sé cómo van a funcionar, es el público el que me aporta el sentido final de la historia. ¿Cuáles son para ti las condiciones ideales para contar?

Lo ideal es contar en una sala que esté dispuesta para ello, es decir, que no sea un sitio de paso, a puerta cerrada, para que no haya sonidos del exterior que puedan molestar la escucha, con un número de personas acorde al espacio, que puedan estar cómodos, vean y oigan bien al narrador, de una edad similar entre sí, con cierta cercanía al narrador (me gusta tener al público cerca) para poder hablar directamente con él. En cuanto a la luz me gusta que, además del narrador, se pueda distinguir bien al público para poder mirarlo a la cara.

Contar ¿arte, tradición, terapia, instrumento pedagógico...?

Los cuentos llevan implícitos valores, enseñanzas, puntos de vista, tradiciones…y el narrador ha de elegir qué contar de entre todas las posibilidades pero, además de esto, contar es un arte: el arte de contar historias. ¿Cómo ves este oficio de vivir del cuento en la actualidad?

El oficio de contar todavía hay quien no lo ve como un oficio, todavía hay quien no lo valora en su justa medida y es, en este sentido, donde creo que queda mucha labor por hacer. Contar historias es una arte que necesita el reconocimiento de una sociedad en crisis de valores y de esperanza. Todavía nos queda mucho camino por hacer en la consecución de unas condiciones de trabajo dignas como narradores.

Virginia Imaz w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto Texto Teatral La editorial asturiana KRK ha publicado recientemente ‘Cielos’ de Wajdi Mouawad obra con la que el autor cierra la tetralogía ‘La sangre de las promesas’ junto con ‘Litoral’, ‘Incendios’ y ‘Bosques’.

Traducida por Eladio de Pablo al igual que las tres obras que le preceden, ‘Cielos’ arranca “con una voz, captada y decodificada entre los millones de voces que pueblan el cielo virtual de los mensajes online. Esa voz, que habla en nombre de los hijos devorados por todas las guerras del siglo xx, culpa a los padres de la sangre derramada de generaciones y amenaza con una venganza devastadora: un atentado terrorista de insólitas dimensiones...”.

Mouawad continúa tratando temas de candente actualidad y es que en esta obra, como en el mito de Casandra, “esa voz que habla de la sangre derramada por los hijos por mandato de los padres, no puede ser entendida por quienes han sido precisamente comisionados por los más altos poderes del Estado para descifrarla”.

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La editorial Fundamentos acaba de publicar dos obras de José Villacís González: ‘La virtud del señor Rosebaud’, reflexión sobre la corrupción de las fuerzas políticas y empresariales con guiños a Orson Welles y Shakespeare y ‘Juicio a un grafólogo’, una obra policíaca cercana a la amoralidad que parte de la experiencia como grafólogo del autor.

Paloma Pedrero acaba de publicar en la editorial Cátedra ‘Pájaros en la cabeza’ un volumen que recoge seis piezas escritas por la dramaturga entre 1994 y 2011, todas ellas llevadas a escena a partir del año 2000: ‘Cachorros de negro mirar’, ‘Los ojos de la noche’, ‘En el túnel un pájaro’, ‘En la otra habitación’, ‘Ana el once de marzo’ y ‘El secuestro’.

Manuel Martínez Azaña es el autor de ‘Barataria’, adaptación teatral de El Quijote que presenta en forma dramática el episodio de Sancho en la ínsula. Esta obra destaca tanto por su fidelidad al modelo cervantino como por su arranque final experimental. Texto inédito hasta su publicación por la editorial Renacimiento a primeros de 2013.

Teoría Teatral

Teoría Teatral

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Luis Puelles Romero es el autor de ‘Mirar al que mira’ publicación de la editorial Abada que ofrece un análisis de los espectadores del arte.

Una realidad que ha permanecido invisibles a lo largo del trayecto moderno (de los siglos XVI a XIX) frente a los innumerables estudios realizados tanto sobre los creadores artísticos como las propias obras de arte.

ASSITEJ ha publicado ‘Teoría y práctica del taller de teatro’, un método de ejercicios destinado a provocar la creatividad del niño. Escrito por el artista de origen guineano Guillem D´Efak, este trabajo contiene sugerencias de títulos para la confección de guiones, prácticas de taller y ejercicios psicofísicos.

Además, a toda la parte práctica le precede una teórica

George Bernard Shaw desentraña el conflicto humano que atraviesa la obra de Henrik Ibsen en ‘La quintaesencia del ibsenismo”. Publicado por vez primera en castellano por la Editorial Cinca, cien años después de su publicación original en inglés, este meticuloso ensayo constituye el más lúcido e incisivo examen de la dramaturgia del dramaturgo noruego.

Estantería Teoría Teatral Xarxa Teatre ha publicado dentro de la colección Fiestacultura, ‘Teatre de Carrer a Vilareal. 25 festivals’ un recorrido por la historia de este festival escrito por Óscar Luna. Esta cuidada edición arranca con la presentación de Leandre Escamilla a la que le sigue la introducción realizada por Luna para dar paso a 6 capítulos que ofrecen una descripción detallada de la programación de cada festival que incluyen las reflexiones y las anécdotas de los que han sido sus directores, coordinadores o programadores. Todo ello acompañado de bellas imágenes de muchos de los espectáculos que han pasado por el festival “un trabajo de incuestionable valor histórico con el que nos adentramos en los mares de la memoria que nos han dejado las 25 ediciones” afirma Escamilla. Un libro que esconde en sus más de doscientas páginas una profunda labor de búsqueda, investigación y documentación ofreciendo un viaje por la emoción y la memoria de estos 25 años.

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Bajo el título ‘Ubú Rey’ y ‘Ubú cornudo’ la editorial Losada ha publicado la denominada “Gesta Úbica” de Alfred Jarry.

La primera parte de este volumen incluye junto a ‘Ubú Rey’, textos incidentales y los artículos publicados por Jarry antes de su estreno entre otros. La segunda parte incluye, precediendo a ‘Ubú cornudo’ los denominados ‘Paralipómenos’ entre otros.

Luis Cano es el autor de ‘Ropa negra’, una reflexión sobre Hamlet que opera desdoblando el texto clásico de Shakespeare y volviéndolo a escribir muchas veces y de distintas formas. Publicada por la editorial argentina Leviatán, esta obra permite pensar de otra manera los misterios del mito hamletiano y habla al corazón de la tragedia argentina.

Teoría Teatral

Teoría Teatral

Con el título de ‘Volatín. Ases y figuras estelares del alambre’ se ofrece la posibilidad de conocer la biografía del artista de circo José Francisco Platas, Volatín, y una imagen real de lo que es su oficio. Duros entrenamientos y ensayos, sueños, ilusiones, penurias, éxitos y fracasos de los artistas de circo. Una publicación de Javier Sainz Ediciones.

‘RieloTerapia’ tiene un objetivo claro: es un libro para aprender a cuidarnos recuperando la fe, el amor y la sonrisa. Sus autores, Ángel Rielo y Javier Pilar a través de los talleres que imparte el primero buscan hacer reír y en definitiva buscar la mayor felicidad posible. Un libro autoeditado en el que cuentan de modo sabio y divertido lo necesario para ser felices.

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Aflera ha publicado dentro de sus Pliegos de Teatro y Danza ‘Protegedme de lo que deseo’ de Rodrigo García, una obra estrenada en 1997 en la madrileña Cuarta Pared con dirección, dramaturgia y escenografía del propio García. Una obra en la que García incluye todos los ingredientes que caracterizan a su fructífera obra dramática.

Danza

Tras la publicación del primer volumen, Mª José Alemany Lázaro ha publicado recientemente en la editorial Piles ‘Historia de la danza II’. En el primer volumen la autora realizaba un recorrido por la evolución de la danza desde los orígenes hasta el siglo XIX. En este segundo volumen aborda la danza moderna hasta la segunda guerra mundial.

Texto Teatral Tras publicar ‘En la luna’ de Alfredo Sanzol la editorial Artezblai ha editado la trilogía del autor formada por las obras ‘Risas y Destrucción’, ‘Sí, pero no lo soy’ y ‘Días Estupendos’. En palabras del propio Sanzol esta trilogía “es el resultado de cinco años de escritura y de dirección de escena. He intentado crear una forma de contar historias como un cazador intenta crear la trampa perfecta para cazar bichos. Mis bichos son la realidad, las emociones y los recuerdos. Puntos de luz en la oscuridad. Nunca logro cazarlos. Puede que sea imposible, pero un impulso que no domino, que surge de un desequilibrio profundo me empuja a seguir escribiedo con la esperanza de inventar un día un sueño perfecto”.

Las tres obras han sido llevadas a escena bajo la dirección del propio Sanzol. ‘Risas y destrucción’ fue estrenada en la Cuarta Pared de Madrid en 2008; ‘Sí, pero no lo soy’ en el CDN en 2009 y ‘Días estupendos’ también en el CDN un año despúes.

Danza Vicente Gregori es el autor de su autobiografía que acaba de publicar Mahali con el título ‘Memorias de un bailarín. Autobiografía de Vicente Gregori’.

La editorial valenciana continúa con su labor de difundir el arte de la danza y en esta ocasión ofrece la biografía de un paisano, Gregori, maestro y bailarín que comenzó en el mundo de la danza en 1957. En este libro su autor traza un mapa íntimo de la ciudad de Valencia en su niñez y juventud, junto con las peripecias de un joven que se forma, casi a escondidas, en la danza. Completó su formación en Madrid y París y formó parte del Ballet de Antonio Ruiz Soler. Tras veintidós años como primer bailarin y primer arlequín del Tivoli Pantomime-Teatret, sus experiencias hacen de esta autobiografia un relato de los ballets en los que bailó durante este periodo en los países nórdicos. Se formó como maestro por la Royal Academy of Dancing en Londres y volvió a Valencia en 1988 para ejercer de maestro y coreógrafo. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Para el reciclaje y la iniciación

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stas son fechas para que los profesionales, aficionados y todas aquellas personas interesadas en las artes escénicas amplíen sus conocimientos. La oferta es tan amplia como diversa y va desde los cursos de verano de las universidades hasta los organizados por las escuelas, las salas de teatro, las compañías, las asociaciones sin olvidar que es época también para inscribirse en los estudios profesionales o regulares. Un abanico inabarcable desde estas líneas motivo por el cual destacamos solamente unas pocas posibilidades.

La Escuela Navarra de Teatro de Pamplona ofrece durante los meses de agosto y septiembre cuatro talleres a los que precede un ‘Campamento urbano de teatro’ que se desarrollará primero en euskera (del 19 al 23 de agosto) y en castellano o inglés del 26 al 30 impartido por el equipo de los talleres de Juego Dramático de la ENT. Los talleres organizados para esta edición son: ‘Expresión corporal’ a cargo de Amelia Gurutxarri, ‘Técnica vocal’ con Assumpta Bragalut, ‘El discurso creativo’ (técnicas teatrales aplicadas a la comunicación) impartido por Alfredo Mantovani y ‘Teatro, movimiento y voz: elementos, materias y animales’ por Mar Navarro y A. Hernández.

Además está abierto el plazo de inscripción para los estudios profesionales de arte dramático.

Capitaneada por Virginia Imaz, la compañía Oihulari Clown ofrece diversos cursos y talleres durante este verano. En Bergara, Gipuzkoa impartirá el Curso Internacional de Clown del 3 al 21 de julio compuesto por tres bloques: ‘Clown y cuerpo habitado’, ‘Clown y voz’ y ‘Estructuras de juego’.

En agosto, del 23 al 31 se desarrollarán

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los bloques ‘Clown y mitomanías’ y ‘(Re) creación de números’. La compañía viaja además a Menorca del 31 de julio al 8 de agosto para impartir los cursos de ‘Clown y objetos’ y ‘Clown y cuerpo habitado. En Donostia Imaz dará el Taller de escritura creativa de 25 horas de duración del 22 al 26 de julio.

Harrobia-Centro de Innovación en Producción Escénica de Bilbao ha organizado colonias artísticas para que los más pequeños se inicien en teatro, danza, acrobacia y malabares. Los monitores serán miembros de las compañías asociadas en Eskena.

Tendrán lugar del 15 y el 19 y del 22 al 26 de julio. También en Bilbao, Kabia Teatro ha organizado la Workshop Kabia Teatro que tendrá lugar en el espacio Punto de Fuga del 8 al 13 de julio.

La sala Cuarta Pared es sólo un ejemplo de las posibilidades formativas que se pueden encontrar en Madrid durante el verano. Ofrece varias propuestas como un ‘Taller para padres: El teatro ayuda’ en el que se va a trabajar técnicas teatrales para mejorar la comunicación familiar; ‘Taller de iniciación al teatro’ de dos días de duración tanto en julio como en agosto; campamen-

tos de verano para niños y jóvenes en los que la diversión, el teatro y la cultura son los ejes principales. Se llevarán a cabo dos talleres: en julio el de ‘Técnicas teatrales para la enseñanza’ impartido por el departamento pedagógico de Cuarta Pared y en agosto ‘Dirección escénica en teatro contemporáneo’ a cargo de Marcelo Díaz.

Además se abre el plazo para solicitar el Programa de becas Cuarta Pared para el primer año del Curso Regular de Interpretación; hasta el 6 u 8 de septiembre si la solicitud se realiza on-line o presencial.

360º culturas organiza dos cursos en Draft inn-Sumidero de creadores de Madrid. ‘Regiduría’ del 15 al 19 de julio impartido por María José Hernández Sánchez regidora en el Teatro Real de Madrid desde su reapertura. Del 23 al 27 de septiembre Julio Bao Sarmiento y Ezequiel Nobili serán los encargados de desarrollar el curso ‘Diseño de iluminación escénica’.

A partir del 19 de agosto la compañía que dirige Eugenio Barba, Odin Teatret abrirá las puertas en Holstebro, Dinamarca a la Odin Week, diez días de introducción a los métodos de trabajo, a la estructura organizativa, a las actividades locales, a la red internacional y a los proyectos interculturales del Odin con la presentación de 24 espectáculos diferentes para 60 participantes de todo el mundo.

Para terminar con este pequeño paseo por la formación, el dramaturgo argentino Santiago Serrano, autor de obras como ‘Lluvia de ángeles’ o ‘Tras las paredes’ publicadas por Artezblai impartirá un Taller de Dramaturgia denominado ‘El espacio escénico como espacio de Frontera’ los sábados de agosto en el Taller de Teatro Ventanas de Buenos Aires.

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Festival Internacional de Clowns y Payasos de Arrigorriaga

Un gran programa artístico para sacurdise la crisis

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unque el Festival Internacional de Clown y Payasos de Arrigorriaga se vio afectado por la recesión económica en lo que al número de espectáculos programados se refiere, la faceta artística mantuvo un excelente nivel que es perfectamente equiparable a cualquier edición precedente. La edición celebrada entre el 10 y el 12 de mayo contó con once espectáculos, incluida la incorporación a última hora del grupo The Fun Troup que sustituyó a Cía. Estropicio, pero la reducción de propuestas exhibidas se compensó con un incremento cualitativo que supo concitar la atención de públicos de todas las edades y que en número superior a los 6.000 espectadores asistieron para disfrutar de los espectáculos programados.

Y bien que gozaron los asistentes con propuestas como Carrousel des moutons una deliciosa combinación de música, teatro y circo presentada por los belgas D’Irque & Fien que supieron meterse al público en el bolsillo con una creación ideada en torno a un piano que gira y se transforma. Dos artistas y una idea en tor-

Carrousel des moutons ©Luisan García

no a los sueños son suficientes para que la imaginación vuele y el público asista encantado a una tierna creación sin palabras pero llena de intimidad.

Otra de las grandes propuestas programadas que logró una mejor acogida de los espectadores fue Rêves d’été-Sueños de verano de Circo Pitanga que puso el colofón al Festival con una brillante combinación de circo y otras disciplinas artísticas. Loïse Haenni y Oren Schreiber, sus protagonistas, son dos almas gemelas que despliegan un preciso repertorio de acrobacias y portés aéreos con telas con los que lograron entusiasmar a un público que se rindió ante sus arriesgadas evoluciones.

La cita de Arrigorriaga ha trascendido desde hace varios años su propia denominación que alude a clowns y payasos y un ejemplo de ello se evidenció con la puesta en escena de Aquí va a pasar algo, una propuesta alejada de las técnicas circenses y de características netamente teatrales presentada por Zanguango Teatro y que resulta llena de emotividad y que llevó a espectadores jóvenes y adultos a

dejarse llevar por el buen hacer interpretativo de Txubio Fernández de Jáuregi y Miguel Garcés.

Curioso resultó disfrutar con Tiritirantes y su versión en euskera de Patas arriba en el que desplegaron una entretenida combinación de números de clown, equilibrio, malabares y ejercicios aéreos en trapecio y tela o presenciar dos conceptos totalmente diferentes de interpretar los malabares con pelotas presentados por Colas Rouanet y por David Batlló.

El público de Arrigorriaga también agradeció otras propuestas singulares como la divertida The little big men de la compañía belga Sterenn que muestra una hilarante creación basada en una singular técnica de manipulación de marionetas denominada pupazzi, o el aparentemente simple Orsai de Malas Compañías que resulta un preciso ejercicio de equilibrios realizados a partir de elementos simples que a manos de tres artistas se transforman en sorprendentes recursos artísticos.

Joseba Gorostiza w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto IX Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra

Encuentro directo con el teatro boliviano más actual

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autismo boliviano. Mis conocimientos de la realidad teatral boliviana son mínimos, desubicados de su lugar de origen, vistos siempre en festivales internacionales con públicos distintos. Por lo tanto, lo que sigue a continuación son impresiones de este primer viaje, del visionado de algo más de media docena de trabajos de grupos y compañías de muy diversa entidad. Un primer contacto, además, en una ciudad como Santa Cruz de la Sierra con su características socio-culturales específicas y tan diferenciadas de otros puntos de Bolivia dentro de un Festival bienal, que tenía como marco de referencia programática, la memoria.

Un Festival que no solamente comprende su amplia oferta de exhibición para todos los públicos, prestando muchísima atención al dedicado a niños y niñas con una programación específica con funciones siem-

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o la Compañía Nacional de Teatro de México y su celebrada Una vez más por favor, los ecuatorianos de Malayerba y su magnífica La razón blindada, y los uruguayos de Complot de la que volvimos a ver EX-Que revienten los actores en una espléndida función celebrada de manera generosa por el público boliviano. Además se pudieron ver obras argentinas, cubanas, chilenas, peruanas y belgas.

El festival se plantea como un auténtico hervidero de nuevas idas, contactos, debates y foros. El Romeo y Julieta ©Souza Infantas que centró algunas mañanas que llevaba como nombre “El rol de la crítica en la transmisión de la creación”, pre concurridas por escolares, con una con invitados de prestigio internacional, amplia sección dedicada a la denominada entre los que se contó con Juan Antonio plataforma boliviana, la que sirve para ese Hormigón que insistió en su mirada crítica encuentro en directo con el teatro actual sobre el ejercicio de la crítica de manera boliviano, también con la presencia de comsuperficial y aplaudidora y no al análisis en pañías extranjeras, algunas de las cuales ya profundidad de los espectáculos. Una clíniconocíamos de antemano, como los espaca, sobre dramaturgia a cargo del argenñoles de Teatro Perigallo y su La Mudanza,

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tino Lautaro Vilo y un taller sobre Comedia del Arte impartido por el austriaco Markus Kupferblum completaban las actividades organizadas alrededor de la Escuela Nacional de Teatro, que tiene su sede en Santa Cruz. El teatro boliviano tuvo sus foros, y, sobre todo, su conversatorio en donde se dialogaba con los creadores de los diferentes espectáculos que se iban visionando.

Este año el artista homenajeado era Diego Aramburo, y pudimos ver dos de sus trabajos recientes; dos versiones de obras de William Shakespeare, el Hamlet en los Andes codirigido junto a Teatro de los Andes, y del que tuvimos la oportunidad de ver sus estreno en Santos hace unos meses, un trabajo en crecimiento, redondo, en donde se refleja la experiencia acumulada por el legendario grupo para ofrecer en un lenguaje actual esa mirada al personaje universal, y un trabajo presentado con su propio grupo Kiknteartr, titulado Romeo y Julieta de Aramburo, en el que también actúa junto a Camila Rocha y que se nos antojó la propuesta más discutible por sus riesgos, por su atrevimiento, pero que se instalaba en la más absoluta contemporaneidad por el tratamiento dramatúrgico, la manera de plantear el espacio escénico y la ubicación de los espectadores, la fragmentación y la corporalidad de todas las acciones, que, sin embargo perdían fuerza en el momento en el que aparecía el texto, no tratado con la misma solvencia. Sin duda lo más interesante de lo visionado por primera vez. Y nos ayuda a entender

que Aramburo tiene una buena formación y trabaja con unos materiales actuales, que lo instalan en la más rabiosa modernidad, quizás en otra dimensión.

Nos interesaron dos coreógrafas y bailarinas que presentaron sendos unipersonales de buena factura los dos. María Eugenia Pereyra, logra con ImPacífico concretar toda una formulación de la utilización de la técnica en una puesta en escena minimalista, muy enraizada en su propia trayectoria, que en ocasiones se ensimisma, pero que cuando rompe esa mirada interior llega a lomos de su sensibilidad.

La otra es Carmen Collazos que con su compañía La Lupa plantea en el espectáculo Avanza, un muestrario de sensaciones expresadas con técnicas dancísticas que alumbran su capacidad para transmitir y que merodean en planteamientos performáticos que le dotan de otra entidad escénica más relevante.

Títeres creados con elementos sencillos es la propuesta de Paralamano, que en Historias simples, consigue interesar, narrar, sin apenas elementos, consiguiendo

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el interés general de niños y adultos a base de un ejercicio técnico especialmente capaz de alcanzar niveles comunicativos desde lo minúsculo de una mesa y unas manos ejercitadas para los movimientos y transformaciones a velocidades inusitadas para las transformaciones imaginativas.

Tiene un buen planteamiento la propuesta escénica de Lorenzo Ariel Muñoz al colocar la obra presentada por Chakana Teatro, Las Tres viejas de Alejandro Jodorowsky intentando envolver al público en las acciones de esas dos hermanas que viven en una suerte de mundo cerrado y atrapado en el tiempo junto a una madre alucinada. El texto parece prometer mucho más de lo que en la función presenciada desprendieron las actrices, esforzadas, pero muy a contraestilo, y quizás la frontalidad nos privó de la sensación de encierro pretendida desde la dirección. Pero la intención se debe apuntar como algo muy positivo ya que huye de lo convencional.

Vimos otros trabajos en diferentes espacios y situaciones, como al grupo La cueva que presentó Usted, una cama y mis intenciones, o la obra Tu nombre en Palo escrito de la compañía de la Casa del Teatro, un trabajo sobre un texto de corte convencional. Con ello traemos una aproximación a una parte de la creación actual boliviana a la que sentimos muy viva y en plena ebullición, buscando su consolidación.

Carlos Gil Zamora

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13 julio agosto uMore azoKa-Feria de artistas calleJeros de leioa

La cuisine Macabre

La pertinaz lluvia quiso ser la maldita protagonista

L

a madurez de las organizaciones de los eventos en donde la calle es el escenario natural, no se destaca únicamente por el programa, ni la selección de espectáculos, sino por la capacidad de solucionar los problemas que se plantean de la mejor manera. Y en este sentido, Leioa nos dio una muestra de su musculatura solventando con un alto porcentaje la ubicación de los espectáculos que se vieron afectados por la maldita lluvia que entorpeció el normal desarrollo.

Como se confirma en cada feria o festival, el circo en todas sus variables ha ocupado la calle, la ha transformado en otros asuntos, en otros géneros, por lo que los que intentamos mantener de alguna manera las esencias, al menos teóricas, de lo que puede ser el teatro de calle, sufrimos grandes contradicciones, porque lo que vemos, de manera bastante general es teatro, circo,

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danza en la calle, frontal, sin apenas una interlocución espacial, gestual, con lo que se encuentran, con su entorno, sea urbano, sea bucólico, sea mixto. Y en esta Umore Azoka tuvimos una prueba general que nos confirma en esta apreciación al tener que hacerse muchos espectáculos en los frontones, no se debieron cambiar para nada los trabajos, sino que casi se realizaron de una manera más serena, sin vientos, ni ruidos, y con el público bien ubicado frontalmente y en Sakoneta, hasta con asientos. Un detalle.

Y como hay que hacer de la necesidad virtud se nos antoja que en previsión de alteraciones climatológicas frecuentes en esas fechas, hacer del mencionado polideportivo un magnífico lugar para un show case continuo, con tres escenarios que no paren de funcionar. Un estrés técnico, pero una solución práctica.

De lo visto, nos quedamos de manera

muy especial con un espectáculo de teatro más o menos puro, sin aditamentos, ni tecnología. Un carromato transformado en un artificio teatral majestuoso. Tres actores entregados a una ceremonia teatral que a veces parece bufonesca, en otras de una crueldad hiriente para la sensibilidad de algunos espectadores pero que levanta carcajadas. Nos referimos a los holandeses de la Compagnie Daad que nos deleitaron con La cuisine macabre, un trabajo teatral de primera, divertido, chocante, agresivo en ocasiones, que nos muestra un restaurante ambulante con una gastronomía fresca, es decir antropófaga. Tiene muchos matices, pero es artísticamente muy potente, muy buena. Y se llevó el premio del jurado.

En otra línea, pero también con la calidad como carta de identidad, los catalanes de Fet a mà, con un fragmento de Swap!, donde la fusión de danza y circo se realiza

julio agosto a partir de una estilización de movimientos, de una constante búsqueda de una relación corporal extenuante entre la pareja que lo ejecuta que adquiere otra dimensión al incorporar una poética que le dota de categoría comunicativa. Muy buenos. Recibieron una mención del jurado.

Junto a ellos un trabajo fugaz pero de una gran intensidad física y de una pulsión interpersonal de atracción casi animal entre los dos bailarines, en Te odiero con Candelaria Antelo y Arthur Bernard Nazin, creando potentes imágenes, transmitiendo mucha verdad artística.

Cuerpo, movimiento, danza, teatro físico, aparece en 4 x 4 ofrecido por Ertza, una creación artística con cuatro bailarines de hip hop dirigidos por Asier Zabaleta, para narrarnos una historia muy reconocible, muy juvenil, un enfrentamiento de dos grupos a base de alardes de danza. Buen pulso escénico, tono dramatúrgico, planteamiento estético, resolución técnica y cuatro cuerpos creando arte rudo, coreografiado.

Emociona. Y así lo entendió el jurado que le dio el premio al mejor espectáculo vasco.

Buena energía la que transmiten el trío vasco de Anakrusa. En su InSitu están muy conjuntados los elementos. La selección musical que les sirve de base forma parte esencial de su desarrollo. Los personajes se van descubriendo con la historia. Hay motivación, llegan, son identificables sus soledades.

Repaso a los espectáculos más singulares, quizás mejor llamarlos experiencias, como es el caso de los polacos de Teatr Delikates y su Head in the clouds. Dreamers, en donde un grupo reducido de espectadores-actores, tras colocarse en la cabeza unas curiosas nubes, y con unos auriculares en los que se reciben instrucciones, realizan una suerte de viaje por un paraíso del buen rollo. Te mueven, te mandan jugar con los otros miembros de la experiencia. Se acaba en un estado de ánimo diferente.

De ese viaje por las nubes con un aterrizaje forzoso a una realidad de lluvia gorda, de espacio sugerente, El Molino, y del planteamiento de un payaso, Toti Toronell, y su Esto aún no es un espectáculo, una suerte de ensayo con público, con improvisaciones a partir de sugerencias del respetable. A la hora de empezar, éramos muy pocos. Muy pocos. Y todos hablando catalán, como el artista. Una situación paradójica que entró por circunstancias coyunturales en el campo de lo surrealista.

Un bailarín, Elías Aguirre, de Madrid, se apodera de un espacio no señalado, lo marca con sus gestos para que el público cree

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las fronteras y se deja llevar por movimientos convulsos, de poseso. Exacerbado. Electrificado, fuera de norma. Un proceso corto llamado Longfade. Un aviso. Una alarma.

De la misma matriz son Entre lombrices del Kolectivo Monstrenko & Zanguango, con un tema tragicómico, ya que asistimos al momento en que a un viejo actor que ha dedicado su vida al espectáculo le ofrecen participar en un reality televisivo que según el cazatalentos que se lo propone puede relanzar su carrera y para ello debe dejarse enterrar para que se vea on-line como se descompone su cuerpo. Metáfora terrible, denuncia que puede considerarse desde su perspectiva social, como por lo que tiene de meta-teatral, y que lleva el marchamo de sus creadores, Espe López, Jasón Guerra y Miguel Muñoz, y muy especialmente el de Txubio Fernández de Jáuregui, un actor ya de largo recorrido que logra ser en sí mismo un estilo, un género, y que siempre aporta esa comunicación directa y potente con los públicos.

Como lo demuestra en la obra estrenada este año por Trapu Zaharra, La vida en B, la interpretan Santi Ugalde y el propio Txubio Fernández de Jáuregui, es decir un clásico.

Ellos, como los buenos cómicos callejeros, ensayan con los públicos. Miden con las actuaciones. Ajustan en cada encuentro con los públicos y las circunstancias espaciales, los gags. Por lo tanto, lo que podemos decir es que se cumple con lo esperado, es un espectáculo marca de la casa que no renuncia a ninguna de sus señas de identidad, sus esquemas, sus formas y sus resoluciones imaginativas, textuales, paradójicas y que funcionan de manera espléndida con los públicos.

De calle, lo que se dice auténticamente de calle, es la coproducción vasco-murciana de Gaupasa y Nacho Vilar titulada Typical que recupera la estética del desarrollismo de los años setenta, con Seat 600 incluido, jugando con las canciones de la época, los vestuarios y peinados, los anuncios de la tele, que se va cargando de actitud social.

Manejan perfectamente las claves de calle, mueven al personal, acumulan públicos y hacen teatro, sin más, teatralmente. Lo que es de agradecer ver una obra itinerante en la que en todos los tramos se crean y destruyen situaciones dramatúrgicas que aportan datos al discurso final.

Hubo más, mucho más. Obras en tránsito, estrenos sin la suficiente maduración, una radiografía general de la situación que aquí saldría velada.

Carlos Gil Zamora w w w. a r t e z b l a i . c o m

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13 julio agosto XIV Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

Cruzando las tenues líneas

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s tarea difícil explicar que lo que está bien da síntomas de empezar a ir mal. O lo que parece un poco mal es lo que se asienta como lo mejor. Son impresiones que dejan los hechos, pero que se matizan con las sensaciones y las reflexiones posteriores.

La evolución del TAC de Valladolid no necesita de exégetas voluntariosos que la canten, sino de apreciaciones que la contextualicen y añadan puntos de vista que puedan corregir algunas tendencias. Un festival de calle, en la calle, necesita de un diálogo de los espectáculos con los espacios públicos. La realidad es que en el mercado existen pocas alternativas con estas características debido a la coyuntura económica que ha ejercido un presión desmedida sobre las producciones y en las de calle con mayor incidencia. Por lo tanto, que cada vez se programen espectáculos en espacios cerrados, teatros, salas, patios o carpas que convierten al festival en mucho más abierto me parece una manera de procurar su sostenibilidad.

Algunos de los puntos neurálgicos del TAC, como es el Pati Free de la Plaza Mayor con programación continua ha llegado a un punto en que la respuesta ciudadana es inmejorable, popular, abierta, pero ha funcionado pese una manifiesta bajada de la calidad de lo allí ofrecido que nos parece adecuado señalarlo como un síntoma de decadencia La idea sigue siendo magnífica, pero hay que solucionar su contenido, la calidad de lo allí ofertado, porque está claro que los públicos son muy (yo diría que demasiado) agradecidos y muy poco exigentes.

La distribución de los otros espacios por géneros, o por formatos, nos parece adecuada. En Campo Grande, la parte interior necesitaría producciones adecuadas para sacarle mayor partido. Los demás, con sus peculiaridades, ya forman parte del imaginario ciudadano, y son aceptados por los públicos, al igual que por los artistas. Pero 90

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Bakélite ©Olivier Rannou

todo es mejorable. Absolutamente todo.

Nos pareció emocionante el homenaje al Circo Price de Madrid y nos encontramos con un entrañable amigo de muchos frentes teatrales, Pere Piñol, herido pero con una disposición sin parangón para seguir. imaginando mundos teatrales nuevos En el espectáculo inaugural, a cargo de Ilka Schöenbein, con su obra La Vieille y la Bête, una gran muestra de un teatro de objetos muy elaborado, con una simbiosis perfecta entre el cuerpo de la actriz y los elementos, una cosmogonía particular, barroca, pero muy atractiva visual y emocionalmente.

Nos provocó una debate interno, como una lucha entre la razón, la memoria, lo visual y la comparsa musical, la nueva propuesta de Producciones Imperdibles y su Viaje a la luna, con Federico García Lorca en el fondo, en el costado, a veces en primera persona. No acabó de convencernos, pero mantiene una línea de trabajo reconocible.

Curioso lo propuesto por la compañía francesa La Rotative, que con una rueda de la muerte ofrecen La Trilogie du temps, en la que sus acróbatas y actores van haciendo sus números, pero cada vez contando una intra-historia que va desde el pasado, atravesando el presente y desembocando en el futuro. Tres espectáculos diferenciados. El aparato circense es espectacular,

pero las posibilidades de contar cosas, limitadas.

La actriz Marta Ruiz de Viñaspre es brava, afronta un gran reto en Se prohíbe mirar el césped que presentó la compañía Ghetto 13-26, porque es una magnífica idea contar una autopsia desde el propio cadáver, pero el texto se nos va desvaneciendo por la impericia de la dirección que no proporciona el apoyo de la puesta en escena para que la actriz pueda crecer en su interpretación.

Espectáculo para dúo aéreo y músico es La vie tendre et cruel des animaux sauvages, presentado por Azein, novísimo circo francés, con buenas ideas y resoluciones mejorables. Impresionante, lírico, emocionante el trabajo Um belo dia de Dulce Duca. Malabares sin manos.

Con la lengua, la barbilla, los hombros. Figuras surrealistas. Una deliciosa joya para paladares exigentes.

Como lo es Braquage de Bakélite, un trabajo de interior, meticuloso, preciosista, con un fino humor, pero con unos dispositivos mecánicos que van narrando una delirante historia de ladrones, atracos, contada de manera magistral por Olivier Ranaou, que firma la puesta en escena, los juegos y el bricolage, además de interpretar a todos los personajes. Es teatro de objetos, pero sobre todo teatro de imaginación, de sensibilidad. De lo mejor en muchos años.

Revisamos algunos trabajos ya vistos en fechas recientes. Los tres vascos, con Trapu Zaharra en su formación dual clásica mostrando su capacidad de alterar la vida urbana a base de teatro de palabra en Vive soñando. Pez Limbo proponen un trabajo sin texto, con mucho ritmo, para hablarnos del trabajo casero, de otros mundos y tiempos en Lana. Gustó. Lo mismo que atrapó la energía desbordante, la presencia escénica, la lucha de Carneros de Organik.

O Karakasa Circus, un producto de ocasión, muy mal resuelto Carlos Gil Zamora