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EDITORIAL

MAYO | JUNIO | 2019

Desde la memoria el homenaje debe instalarse en el compromiso

P Carlos Gil Zamora Director editorial

endientes de la próxima desilusión, la vida nos va despi- individuos, por costumbre. Si era un diendo de personas que han significado bastante y de ma- escrito, sin leerlo, si era un montanera imborrable en nuestro devenir. Juan Antonio Hormi- je sin verlo, si era un premio consigón es una de esas personas que acumulan en su biografía derando que no se lo merecía y que un compromiso claro en el ámbito de la cultura y de las todo era fruto de conspiraciones poartes escénicas. Lo miremos por donde lo miremos. Desde líticas o de colectivos de una tendenprincipios de los años setenta nos ha ido proporcionando cia sexual concreta. Muertos, todos estudios, reflexiones, el conocimiento de los grandes pen- alcanzan la gloria. Todos son magnísadores universales del teatro. Esa labor por sí misma ya lo ficos. Todos reciben el cínico aplauso coloca en nuestra propia formación en lugar privilegiado. de quienes les negaron el pan y la sal.

Su actividad fue incesante, fundó la ADE, donde logró Por eso en estos tiempos de transique se reconociera la actividad de dirección dentro de ción entre una desilusión y la siguienunos parámetros que escapasen de lo circunstancial del te, es decir, escribo en plena campaña sueldo, del tamaño de las letras en los carteles, y le dotó electoral para las elecciones generade entidad artística, de compromiso con el proceso crea- les, cuando ustedes lo lean, ya sabretivo hasta intentar, junto a otros, considerar que deberían mos si es posible formar gobierno y tener las directoras y directores derechos de qué forma, color de autor, porque intervienen de manera imo tendencia, y entraLos programas prescindible en lo que el espectador puede remos en la siguienelectorales de ver en los escenarios. te campaña electoral quienes pueden Algunos lo conocíamos personalmente para Europa, algunas gobernar no tiedesde hace mucho. En mi caso, llegamos a Comunidades Autonócoincidir en el mismo partido político cuanmicas y para los muninen intención de do todavía vivía el dictador, después fuimos hacer de la Cultura cipios. Advierto que coincidiendo en lugares y actividades, la incurriré en todas las algo importante. última vez fue hacerle entrega en Rosario contradicciones posidel premio de Guerrero Teatral de El Rayo bles, que caeré en el Misterioso dentro del festival Experimenta. cuñadismo más geneYa no teníamos una relación fluida. Los años desgastan. A ralizado, pero insistiré, e insisto, en todos. Por lo tanto, salvando todos los resquemores que que los programas electorales de pude tener por diversas circunstancias, hoy toca hacerle quienes pueden gobernar no tienen el más que merecido homenaje por habernos enseñado a ninguna intención en hacer de la Culmantener una postura ética y política en todo lo relacio- tura algo importante, que obvian lo nado con las artes escénicas. Y ha muerto el Secretario Ge- relacionado con las Artes Escénicas neral de la ADE, entidad que notará de manera importante y que solamente podemos esperar su ausencia. alguna pequeña satisfacción menor Nadie va a cambiar la historia, y en el teatro español, se si los nombramientos nos parecen han escrito muchas páginas de una entidad incomparable, cercanos a nosotros, es decir, que nos pero siempre en primera persona. Se puede camuflar, es- puedan facilitar nuestras actividades conder, utilizar siempre un mayestático nosotros, pero es personales, porque nadie, nunca, se la iniciativa personal la que ha encabezado los momentos plantea hacer algo en serio, sea con más brillantes. Y como es también habitual, en vida tu- leyes, estudios, debates serios, camvieron muchos enemigos que actuaban a campo abierto bios en las obsoletas estructuras que o camuflados en corporaciones o gremios que ejercían entienden de estos asuntos, sea en el esa actitud tan infantil de contravenir lo que salía de esos ámbito estatal o en las comunidades – 4 –

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índice

43º 15’ 19.417’’ N | 2º 55’ 34.997’’ E

Opinión Editorial Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti El lado oscuro | Jaume Colomer Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado Cronicón de Villán… y corte | Javier Villán autonómicas o en los municipios, ya que cuesta bastante comprender que en la Comunidad Europea, a la que mandaremos nuestros electos, tienen leyes, reglamentos y otros lugares donde poder proponer acciones conjuntas.

Lo más curioso es que Cultura está transferida a todas las autonomías, pero en cuatro estatutos pone explícitamente: “exclusividad de la autonomía”, y eso, perdonen la insistencia, es un problema político que aparece y desaparece según intereses partidistas, con los que no estoy de acuerdo, ni aliento, pero que tienen toda la fuerza de la legalidad vigente, por lo que la viabilidad actual del INAEM, se resquebraja por aquí, además de por su funcionamiento propio, con unidades de producción únicamente en Madrid, lo que es una centralización absoluta e incalificable.

Y que no pueden girar sus producciones por diversas razones, lo que no estaría mal plantearlo desde otra perspectiva política, porque existen otras maneras de organizar estos asuntos y lo podemos comprobar viajando unos pocos cientos de kilómetros.

Exactamente igual sucede con los teatros de titularidad pública existentes, que pertenecen en casi su totalidad a los municipios donde están, pero que estos asuntos de la cultura y las artes escénicas son competencias impropias, no están reguladas, no tienen obligación ni a que existan, ni a mantenerlos con actividad apropiada. La inmensa mayoría de los teatros de las redes, pueden dejar de programar teatro, danza, música, si así lo decide el alcalde. No existe en ningún reglamento ni ley, ni una línea que les obligue a mantener unos mínimos, como sí sucede en el campo de la bibliotecas, donde están tasados los metros cuadrados obligatorios por número de habitantes.

Vuelvo a Juan Antonio Hormigón. La ADE presentó hace unos años una Ley del Teatro, terminada, que se podía debatir, estudiar, cambiar, variar, hacerla más viable. Quedó ahí, como una anécdota. Pero el documento está. Y en él se detallan posibilidades de funcionamiento en todos los ámbitos, desde la educación hasta la exhibición, y aportando propuestas concretas para instaurar en algunos teatros ya existentes una compañía estable, que es algo que muchos reivindicamos, y sabemos dónde podemos fijarnos para que sea posible.

Por eso escribo desilusión y compromiso. O dicho de otro modo, la única esperanza es seguir trabajando con mayor esfuerzo sin prestar atención al ruido de los mediocres y los politicuchos de aluvión. — – 5 –

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Estrenos

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Festivales

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En

gira Zona abierta

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Nordisk Teaterlaboratorium Estampas zapatistas

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Portada

Fotografía del espectáculo ‘La Ménagerie’ de ‘CIE DeFo’

Número: 228 - año 23 | Mayo / Junio 2019 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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ESTRENOS

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Tres estrenos del Teatro Arriaga

Operación Ópera en el Teatro Arriaga

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l Teatro Arriaga de Bilbao presenta estos meses sus últimas producciones de la temporada, en las que la música jugará un papel destacado. El público podrá disfrutar de tres primicias: una pieza de teatro musical barroco y dos óperas.

‘Dido & Aeneas’ es una propuesta de teatro musical barroco que fusiona la ópera ‘Dido and Aeneas’ de Henry Purcell y la obra ‘Dido, queen of Carthage’ de Christopher Marlowe.

Por primera vez en la historia se van a interpretar los textos de Marlowe en euskera, combinados con la música de Purcell, que será interpretada en su inglés original. La joven directora checa Barbora Horáková Joly se encargará de la dirección escénica de este montaje, y el griego Petros Bakalakos será el responsable de la dirección musical. Nerea Berraondo y León de la Guardia serán las voces solistas que darán vida a Dido y Eneas, mientras que su interpretación actoral correrá a cargo de Miren Gaztañaga y Adrián García de los Ojos. También actúa la cantante Naroa Intxausti, además de actores y actrices como Joseba Apaolaza, Itziar Lazkano, Mikel Losada, Karmele Larrinaga, Idoia Merodio, Lucía Astigarraga y Koldo Olabarri. La orquesta Propitia Sydera Bilbao tocará la música de la conocida ópera de Henry Purcell. Ana Sagastizabal, Ainhoa Zuazua, Alicia Manceras, Josu Cabrero, Alesander Pérez y José Manuel Díaz forman el coro de voces solistas para este espectáculo que se podrá ver los días 3 y 4 de mayo. A excepción del cantante chileno León de la Guardia, todos los actores, actrices, cantantes y músicos del reparto son vascos.

Ya en junio, en concreto el día 1, llegará el estreno de la ópera ‘Waiting (La espera)’. Este proyecto es una coproducción internacional impulsada por instituciones artísticas europeas que colaboran en la financiación del espectáculo y albergan su representación. Hablamos, además del propio Teatro Arriaga, del Bergen International Festival (Noruega), el Tivoli Summer Classical (Dinamarca), la Gothenburg Symphony Orchestra (Suecia), la Iceland Symphony Orchestra (Islandia) y los Vilnius Festivals (Lituania). ‘Waiting’ es un concierto operístico escenificado con música de Edvard Grieg, compositor y pianista noruego que está considerado uno de los principales representantes del romanticismo musical. Solveig, personaje femenino del – 8 –

clásico de Henrik Ibsen ‘Peer Gynt’, se sitúa en el centro de la historia en esta propuesta creada por Calixto Bieito, conjuntamente con el autor noruego Karl Ove Knausgård. La dirección musical del espectáculo corre a cargo del Eivind Gullberg Jensen y el papel de Solveig está interpretado por la soprano noruega Mari Eriksmoen.

Junto a ella, en la cita del Teatro Arriaga, la Bilbao Orkestra Sinfonikoa (BOS) interpretará la partitura, y las voces correrán a cargo de 16 cantantes del coro Kea Ahots Taldea, dirigido por Enrique Azurza. Además, se presentarán en escena vídeos realizados por la artista suiza Sarah Derendinger.

Y del 20 al 22 de junio se llevará a cabo ‘Mendimendiyan’, ópera de José María Usandizaga bajo la dirección escénica de Calixto Bieito, la dirección musical de Erik Nielsen, y la participación de la Sociedad Coral de Bilbao y la Bilbao Orkestra Sinfonikoa (BOS). —

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Dido & Aeneas

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Dos estrenos de la Compañía Nacional de Teatro Clásico

La CNTC vuelve a Calderón Mario Gas dirige ‘La hija del aire’ y Xavier Albertí hace lo propio con ‘El gran mercado del mundo’

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a Compañía Nacional de Teatro Clásico estrena dos espectáculos en el mes de mayo, ambos, obras de Calderón de la Barca. El día 7, ‘La hija del aire’ se presentará en el Teatro de la Comedia de Madrid –en cartel hasta el 23 de junio para posteriormente viajar al Hospital de San Juan de Almagro del 19 al 28 de julio–, en una versión de Benjamín Prado. Una obra que “nos sigue hablando de lo inaudito y sorprendente del devenir humano”, en palabras de su director, Mario Gas, quien se acompaña de un equipo formado por Ezio Frigerio y Riccardo Massinori –escenografía–, Fiammetta Baldiserri –iluminación–, Franca Squarcipino –vestuario–, Álvaro Luna –video escena– y la composición musical de Orestes Gas. El segundo de los estrenos de la CNTC es una coproducción con el Teatre Nacional de Catalunya, El gran mercado del mundo’, una propuesta que se

estrena en el TNC de Barcelona el 15 de mayo y estará en cartel hasta el 22.

Con dramaturgia de Albert Arribas y dirección de Xavier Albertí, este auto sacramental fue escrito por Calderón “con una función explícitamente litúrgica en un contexto europeo de fuertes sacudidas ideológicas”, explica Albertí, para añadir que “a menudo los trastornos de nuestros tiempos actuales no quieren hablar con los preceptos morales de otras épocas, pero los personajes alegóricos que protagonizan ‘El gran mercado del mundo’ continúan poblando nuestras realidades.

Y nuestro mundo cada vez es un mercado más grande”.

El equipo de esta producción incluye a Max Glaenzel –escenografía–, Ignasi Camprodon –iluminación–, y María Araujo –vestuario–, mientras que el elenco está formado por los intérpretes Antoni Comas, Carlos Cuevas, Oriol Genís, Mont Plans, Silvia Marsó, Roberto G. Alonso y Aina Sánchez. —

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Mario Gas

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Dos estrenos en los Teatros del Canal

Shakespeare y Carmen Amaya, fuentes de inspiración actual [los números imaginarios] estrena ‘LEAR (desaparecer)’ y la coreógrafa y bailaora Olga Pericet ‘Un cuerpo infinito’

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ara el mes de mayo los Teatros del Canal de Madrid proponen el estreno de dos espectáculos. El 23 se presentará ‘Lear (desaparecer)’ de [los números imaginarios] y la productora Bella Batalla, que estará en cartel hasta el próximo 2 de junio. Además, habrá otro estreno, en este caso de danza, de la mano de Olga Pericet: ‘Un cuerpo infinito’, los días 25 y 26.

La compañía [los números imaginarios] ha partido de ‘El Rey Lear’ de William Shakespeare para realizar una pieza de creación colectiva inmersiva con la que explorar la memoria y la mente, a partir de las relaciones intergeneracionales entre familiares.

Para ello ha utilizado el “diálogo teatral” como medio y pretexto, y poder así reflexionar sobre cómo trazamos

puentes para llegar al otro. Para dar forma a la obra, la compañía ha llevado a cabo un trabajo previo de investigación en torno al deterioro cognitivo, y han realizado dos talleres de metodología teatral a partir del ‘Diálogo’ para personas con alzhéimer y sus familiares. El resultado es una pieza de teatro experiencial de tres horas de duración con un elenco de diez intérpretes, junto al público que quiera participar en las dinámicas en directo, con las que construirán una memoria colectiva sonora.

La coreógrafa y bailaora Olga Pericet, por su parte, ha creado con ‘Un cuerpo infinito’ un diálogo con Carmen Amaya para recorrer el camino invisible de sus silencios. Para Pericet, Amaya es un motor e inspiración, y para ello ha atravesado su relato en diagonal, haciendo de ella no sólo una imagen que venerar, sino una herramienta para la creación de nuevos gestos, nuevo espacio, nuevos sonidos cargados de tradición futura, a la vez que una nueva manera de reconocer su movimiento. La propia Pericet se encarga del baile, la coreografía y la dirección artística de este solo acompañada de Antonia Jiménez a la guitarra, Inma “La Carbonera” al cante y Kike Terron a la percusión. — – 12 –

Carlos Tuñón, junto a Gon Ramos, propone una reflexión sobre el diálogo intergeneracional y sus complejidades en Lear (desaparecer).

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ESTRENOS

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El CDN estrena Tres sombreros de copa

Natalia Menéndez versiona a Mihura

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l Centro Dramático Nacional presenta el estreno de su

nueva producción, la comedia ‘Tres sombreros de copa’ del escritor, periodista y dramaturgo Miguel Mihura, montaje que bajo la dirección de Natalia Menéndez ofrecerá sus funciones del 17 de mayo al 7 de julio en el Teatro María Guerrero de Madrid.

Escrita en 1932, ‘Tres sombreros de copa’ no fue estrenada hasta 1952, en concreto por el Teatro Español Universitario (TEU), con dirección de Gustavo Pérez Puig y en el Teatro Español de Madrid. La obra, que incorporaba elementos del teatro del absurdo, está considerada una de las más destacadas comedias del teatro español del siglo pasado.

La historia se sitúa en un hotel de provincias, donde Dionisio se hospeda a la espera de celebrar su boda al día siguiente. Esa noche conocerá a la joven bailarina Paula, que se encuentra de paso para actuar con su compañía. Este hecho hará que Dionisio se replantee su boda.

En palabras de Natalia Menéndez: “Cuidado con cerrar los ojos. Dioni-

sio, con el sombrero de copa puesto, se tumba en la cama y cierra los ojos, son las once y cuarto de la noche previa a su boda. El tiempo se corrompe, permite deseos y abre las compuertas también a los miedos. Jugar a ser otro, a enamorarse de otra, a encontrarse con otros. De pronto su vida es un circo absurdo, tierno y curioso. Debe estar alerta, así como nosotros, para que lo grotesco y lo esperpéntico no se apoderen de nuestras existencias”.

Para encarnar a los personajes, el espectáculo cuenta con el trabajo de 18 intérpretes: Óscar Alló, Roger Álvarez, María Besant, César Camino, Lucía Estévez, Cayetano Fernández, Pablo Gómez-Pando, Alba Gutiérrez, Tusti de las Heras, Mariano Llorente, Laia Manzanares, Rocío Marín Álvarez, Manuel Moya, Carmen Peña Viciana, Chema Pizarro, Arturo Querejeta, Fernando Sainz de la Maza y Malcolm T. Sitté. Completan el equipo artístico del montaje Alfonso Barajas (Escenografía), Juan Gómez-Cornejo (Iluminación), Mireia Llatge (Vestuario), Mariano Marín (Música y Espacio sonoro) y Mónica Runde (Coreografía). — – 13 –

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ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2019

Estrenos en Barcelona

Fructífera primavera de estrenos en Barcelona

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do en el libro homónimo de James Rhodes con dramaturgia y dirección de Iván Morales. Sobre el escenario Quim Ávila con “una denuncia de la pederastia y un canto a la esperanza ante el poder sanador de la música”.

Completa los estrenos del Teatre Lliure la coproducción con MeriYanes produccions de ‘Dolors’, una historia teatral en seis capítulos consecutivos creada a partir de una idea de Meritxell Yanes y con dramaturgia de Eulalia Carrillo, Sergi Belbel y Cristina Clemente, y dirección de los dos últimos que estará en cartel del 22 de mayo al 9 de junio en el Teatre Lliure de Gracia.

El Teatre Nacional de Catalunya acogerá el estreno de dos coproducciones y una producción propia. Del 2 al 26 de mayo estará ‘Orsini’ de Aleix Aguilà con dirección de Xicu Masó y en coproducción con Conpanyia Solitària. Le seguirá la también coproducción con la CNTC ‘El gran mercado del mundo’ de Calderón de la Barca del 15 de mayo al 22 de junio (más información en la página 11 de este número).

Completa los estrenos ‘El dolor’ de Marguerite Duras con versión y dirección de Lurdes Barba, y Ariadna Gil dando vida a este relato en clave autobiográfico. La cita, del 30 de mayo al 30 de junio en la Sala Petita del TNC. —

Trama

Alex Salcedo

os espacios escénicos más significativos de Barcelona presentan una amplia y rica programación, en la que destaca un importante número de estrenos.

Del 9 al 12 de mayo y en el Mercat de les Flors Roser López Espinosa estrena ‘Trama’, una pieza coreográfica creada en corproducción con el propio Mercat de les Flors en la que “traza una partitura física de interdependencias y confianza mutua (...) de cuerpos que se repliegan sobre sí mismos y cuerpos que se despliegan en movimientos colectivos.

Una partitura sobre el grupo, sus aristas y sus derivas”.

En el Teatre Romea se estrenan dos producciones propias, ambas en catalán: ‘La partida d´escacs’ de Stefan Zweig, en versión Anna Maria Ricart con dirección de Iván Morales y con Jordi Bosch como único intérprete, y ‘Casa de nines, 20 anys despres’, una obra de Lucas Hnath a partir de la obra de Henrik Ibsen con dirección de Silvia Munt. Munt dirige también ‘Dogville: un poble qualsevol’ y se encarga también de la versión de esta famosa película de Lars Von Trier junto con Pau Miró. Esta producción del Teatre Lliure se estrena en el propio teatro el 5 de mayo y estará en cartel hasta el 9 de junio, dando paso al estreno del 19 al 30 de junio de otra producción del Lliure, ‘Intrumental’, unipersonal basa-

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ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2019

Teatro Principal Zaragoza

Teatro Circo Murcia

El Teatro Principal de Zaragoza acogerá dos estrenos en el mes de mayo. Del día 3 al 5, Nasú Teatro llevará a cabo su versión de ‘Calígula’ de Albert Camus, bajo la dirección de Alfonso Pablo. “Nos fascina esta historia en la que se mezcla el poder, los asuntos de Estado, la traición, la amistad, y, por encima de todo, esa idea quimérica, casi ingenua, de que se puede cambiar el mundo”, explican.

Y del 16 al 26 de mayo se espera la nueva producción de Teatro Che y Moche, ‘El cielo sobre Berlín’, dirigida por Joaquín Murillo. Se trata, según explican, de un tributo al film de Wenders pero también a Europa, a su memoria común y al Berlín de 1987, paradigma y metáfora de nuestro continente, donde el antiguo Muro aún levantado nos alerta de los nuevos por levantar, un pasado reciente que tiernamente nos incita a repensar nuestro presente desde una de las ciudades más simbólicas de nuestro mundo. “La obra es un canto a la paz y a la utopía”, afirman.

Ayeklauwn Cía y Teatro Atómico presentan en coproducción con el Teatro Romea y el Teatro Circo Murcia su nueva creación ‘Periplo’, que se estrenará los días 27 y 28 de junio en el TCM. Se trata de un espectáculo de creación colectiva que plantea la primera vuelta al mundo, pero también los retos de las migraciones actuales. El intercambio, las diferencias, las contradicciones, los miedos, los sueños… son algunos de los ingredientes de todo viaje. Al fin y al cabo, cada desplazamiento supone una nueva transformación. La obra se presenta como un viaje lúdico y estético a través de atmósferas poéticas en movimiento que sitúan al público en su propio periplo emocional. El espectáculo es una actividad incluida en la programación oficial por la conmemoración del V centenario de la primera vuelta al mundo. “La primera vuelta al mundo es, en sí, una metáfora de todos los viajes: desde los grandes desafíos colectivos a los pequeños retos individuales”.

Sala Russafa - Valencia

Teatro Echegaray - Málaga

El género noir se adueña del escenario de la valenciana Sala Russafa durante el mes de mayo con la séptima edición de Valencia Negra, festival con el que colabora desde sus inicios. La cita será del 9 al 19 de mayo y, además de la programación escénica, el centro cultural de Ruzafa acogerá charlas, encuentros y otras actividades.

Por el momento, Sala Russafa avanza su propuesta escénica para este año, que se mantendrá en cartel durante todo el festival y se alargará hasta el 26 de mayo. Se trata del estreno de ‘Perdición’, adaptación teatral del clásico cinematográfico homónimo, dirigido por Billy Wilder en 1944.

La compañía valenciana Iguales Teatro firma este espectáculo en el que participan los intérpretes Mónica Zamora, Quique González, Gil Zorrilla, Begoña Salido, Fran de la Torre y Rebeca Artal-Dato. Mientras que la adaptación y dirección corresponde a Salva Ferriol, y co-dirige Begoña Salido.

Factoría Echegaray presenta las últimas producciones de su tercera temporada, que se llevarán a escena en el Teatro Echegaray de Málaga. Del 21 de mayo al 2 de junio estará ‘Múltiple’ de Marga Dorao, obra dirigida por Julio Fraga que narra una historia de poligamia a través de cinco personajes, interpretados por María Agudo, Antonio Navarro, Carmen Vega, Miguel Zurita y Encarni Migueles. Y del 11 al 23 de junio llegará ‘Inestables’, pieza con texto y dirección de Carlos Zamarriego e interpretación de Marina Sánchez Vílchez y Juan Antonio Hidalgo Granados. Se trata de un thriller que explora el lado más oculto de la violencia, el de la ejercida de manera cotidiana y soterrada con la mujer como diana, a través de la historia de una ejecutiva que quiere ascender en su empresa.

En junio se darán a conocer los proyectos escogidos para la cuarta temporada de Factoría Echegaray, que se montarán y exhibirán entre octubre de 2019 y junio de 2020.

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FESTIVALES

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XXIV Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga

Celebración clown en mayo en Arrigorriaga Durante los días 3, 4 y 5 once espectáculos serán los protagonistas junto con el público

FOTOGRAFÍAS

Encerrona Particular Babo Royal Memphis Rock & Circ

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l municipio vizcaíno de Arriagorriaga celebra del 3 al 5 de mayo la vigésima cuarta edición de su Festival Internacional de Clowns y Payas@s, todo un clásico que este año presenta una programación compuesta por once espectáculos de otras tantas compañías o artistas, junto con una exposición y un taller que englobado dentro de la actividad escolar se presenta con el nombre de ‘Carpa Mágica Saloon’.

El argentino Ale Risorio será el encargado de inaugurar esta edición con ‘La Kermesse de Ernestor’, unipersonal protagonizado por un fanático de los juegos y de las ferias que viaja con su carro de kermesse ambulante. El público asistente deberá estar preparado, pues será parte del delirio de este excéntrico personaje.

‘Ohlimpiadas!’ da nombre a la pro-

puesta de Las Sincronacidas, dos limpiadoras aburridas de su rutina que entrarán en un mundo de ensoñación en el que se verán protagonistas de unas Olimpiadas... Los protagonistas de ‘Arrived’, por su parte, ven el mundo de forma diferente a como lo vemos la mayoría de la población.

Adrian Schvarzstein está obsesionado con el orden, y se hará notar en Arrigorriaga.

La programación del sábado comienza con Circo Los y su ‘Vintage Brothers’, un espectáculo fresco, ligero y divertido donde la técnica circense y el humor se convierten en los elementos para recordar a grandes personajes del cine en blanco y negro como Charles Chaplin, Stan Laurel y Oliver Hardy o los Hermanos Marx. “Sensacional... fabuloso... irrepetible... único...” así ha sido definido ‘Particular’, personaje y nombre de la obra de Marcel Gros, un ser especial que se atreve a realizar pequeños desastres con el único fin de que el público le aplauda pero, ¿qué puede esperarse de ese ‘Particular’ personaje que guarda la luna en una caja de cartón?

The Funes Troupe se presenta en Arrigorriaga con ‘Aukerak’, un trabajo en el que a través de las diversas técnicas circenses, sus tres protagonistas intentarán dar respuesta a una difícil pregunta: ¿Qué parte de nuestras

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FESTIVALES

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Nerea Coll

elecciones son propias, y hasta dónde estamos condicionados por la rutina? Las funciones del sábado finalizan con ‘Memphis Rock & Circ’, con el que Cia. La Finestra llevará al público de viaje a Memphis, a un mítico y original bar de rock de los años cincuenta a través de la música en directo, los malabares, las acrobacias y el humor, sin perder en ningún momento el frenético ritmo del rock&roll.

La jornada del domingo comienza con ‘Babo Royal’, donde un rey lunático y un trovador singular nos llevarán a un territorio donde reina la excentricidad. Tras la propuesta de Ganso & Cia será el momento de Capitán Maravilla y su ‘El asombroso Dave Wonderthing’, magia y

escapismo, suspense y peligro pero sobre todo, mucho humor, mientras que Malas Compañías se sumergirán con ‘Prozak’ en un mundo lleno de situaciones disparatadas en las que la risa y la emoción están garantizadas. Pepe Viyuela reflexionará sobre lo cotidiano desde la perspectiva del payaso en ‘Encerrona’, y Cia. Capicua será la encargada de clausurar esta edición con ‘Koselig’, único espectáculo de interior de esta edición en el que se funden el circo, el teatro, el humor y la magia. La programación se completa con la exposición ‘Playmobil, el circo y otros escenarios’ de la asociación Euskoplay creada por aficionados y coleccionistas de Playmobil en el País Vasco. —

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FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2019

XXIII Trapezi - Reus

Todo el circo al alcance de todos en la Fira del Circ de Catalunya La cita catalana concita creaciones de 31 compañías que ofrecerán 22 espectáculos en cien representaciones

Christophe Raynaund de Lage

FOTOGRAFÍAS

Atirofijo Circ Contrebande Lanórdika

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el 9 al 12 de mayo se celebrará en Reus la vigésima tercera edición de la Fira del Circ de Catalunya, que bajo la dirección artística desde 2017 de Leandro Mendoza de Cíclicus Espectacles contará en su programación con dos coproducciones, ‘Dioptries’ con la compañía de Toti Toronell y ‘Dauvaii’ de Domichiovsky & Agranov, al igual que se podrá ver el estreno del nuevo espectáculo de Escarlata Circus ‘Cuand els crancs portin talons’, así como ‘Nu’, el último trabajo del Circ d’hiver de Nou Barris, dirigido por Quim Girón. Entre la oferta internacional destaca Circus Ronaldo, un histórico de gran calidad.

En esta edición, el Cabaret, espectáculo de gran formato consolidado en su

programación, se realizará en una pista redonda y contará con el estreno de un número de trapecio doble de La Fem Fatal y la presencia de las piezas de aro y lira de la brasileña Iara Gueller y de cuadro fijo del dúo francés Dues Filles, y números del malabarista Jimmy González, los franceses de Contrebande, las acrobacias de Leti y Fer, la rueda Cyr de Aimé Moralez, presentado por Alba Sarraute y con la banda musical de los Circonautas.

La presencia ctalana se complementa con La Inoxidable Marxing Band, las instalaciones de Itinerània, los clowns Mortelo & Manzani y Alvarito. Del Estado español se podrán ver los trabajos de Lanórdika, con su multipremiado ‘Rojo estándar’, que combina circo y danza, las acrobacias y trapecistas baleares de Atirofijo Circ, y el espectáculo de malabares con artefactos imposibles de Fedito.

Trapezi reserva un espacio a los centros de formación con El Covador, un punto de encuentro que acoge a la Escola de Circ Rogelio Rivel de Barcelona y la Escuela Carampa de Madrid, que presentarán los proyectos que están desarrollando actualmente.

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Cirque Exalté Strong Lady Circus Ronaldo

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Trapezi cuenta además con 12 compañías extranjeras. Desde Bélgica, la histórica Circus Ronaldo, que se remonta al siglo XIX, presentará ‘Fidelis Fortibus’, galardonado con el Premi Ciutat de Barcelona en 2017. Habrá cuatro propuestas francesas: el trío de acróbatas de Cirque Exalté presentará ‘Furieuse Tendresse’; Kaaos Kamos estará con ‘Babel Glöm’; participará el artista Christian Padilla, y Collectif Entre Nous mostrará su sorprendente técnica en percha china.

De Brasil los acróbatas de La Mala presentarán ‘Íntimo’, y Circo no Ato hará lo propio con ‘A salto alto’, en la plaza de la Llibertat. Por otro lado ,la compañía italiana Kolectiv Lapso Cirk presentará ‘Ovvio’, que combina diversas técnicas acrobáticas. De Inglaterra llega Strong Lady con un número en el que la artista demuestra su desmesurada fuerza levantando pesos de toda índole, incluyendo a espectadores.

El Área profesional de Trapezi es un espacio de encuentro y trabajo del sector para impulsar el negocio, la creación, la producción y la distribución, y se centrará de manera expresa en la internacionalización. Se acogerá el cierre del proyecto ‘De mar a mar, Pirineos de circo’, la mesa redonda “La cooperación internacional en el circo” y diversos talleres.

Como miembro de COFAE, Trapezi acogerá el ‘Debate Futuro’, que une a profesionales para reflexionar sobre el futuro de la fira. Y tendrá presencia la federación de asociaciones de circo CircoRed, además de una mesa redonda sobre ‘Circo y herencia’. — – 21 –

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FESTIVALES

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XX Umore Azoka Leioa

Celebración de dos décadas de arte callejero en Leioa La Feria de Artes de Calle de Leioa celebra su 20 cumpleaños con la presencia de 49 compañías

FOTOGRAFÍAS

Antón Cucheiro Garazi & Cia Kolektiv Lapso Cirk Nuc Sincronacidas El Fedito

U

more Azoka celebra este año una edición especial, ya que la Feria de Artistas Callejeros de Leioa cumple su vigésimo aniversario y quiere celebrarlo con el público y con las 49 compañías que, procedentes de diversos puntos del planeta, llevarán a cabo más de 120 representaciones en diferentes espacios de Leioa del 16 al 19 de mayo.

En este sentido, la comisión artística de Umore Azoka Leioa ha querido “reforzar la apuesta por la novedad y originalidad de las propuestas, de manera que el programa ofrezca al público, por un lado, lo mejor de la creación artística del momento y, por otro, un gran número de obras originales e inéditas”. Todo ello con un

único fin, “celebrar 20 años de vida con una programación muy especial, en la que el humor, el teatro, el circo, la danza, la música, la magia y el equilibrismo... serán los ingredientes principales de un menú muy variado pensado para todos los gustos”, remarcan desde el Área de Cultura del Ayuntamiento de Leioa, encargado de su organización.

COMPAÑÍAS VASCAS Con estas palabras se presenta Umore Azoka Leioa 2019, con una programación en la que participan 49 compañías –seleccionadas de las más de 600 propuestas recibidas procedentes de todo el mundo–, y en la que como es habitual, las compañías vascas tendrán un peso importante, con la participación de un total de 19. Cabe destacar además otro dato: de las propuestas que se llevarán a escena, 15 serán en condición de estreno absoluto. Es el caso de: ‘Cajita de música’ de Compañía Ana Capilla; ‘La máquina y yo’ de Circo Dabitxi; ‘Epa Txiki’ de Demode Quartet; ‘e.go’ de Dikothomia Cía.; ‘Yijaaa!!!’ de Goitibera; ‘Sacred’ de La Glo Zirko Dantza Konpainia;

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‘Prozak’ de Malas Compañías Zirko Taldea; ‘Sardina freskue!’ de Organik Dantza Antzerkia; ‘Reportero on Fire’ de Reportero on Fire; ‘Mr. Soft. Silence, dance o no!’ de Salitre Teatro; ‘Txontxongilo bertsolariak’ de Toni La Sal; ‘Turistreando’ de Trapu Zaharra y ‘Al otro lado’ de Zanguango Teatro, entre otros.

La representación de compañías y artistas de Euskal Herria se completa con los montajes que llevarán a escena Compañía Akelar, Garazi & Cia, Intujai Teatro, Malicia!

Circo y Trakamatraka.

Asimismo, se celebrará la iniciativa “Escena local”, en la que tendrán cabida tres representantes artísticos de Leioa, con la que la organización quiere seguir apostando por el talento del lugar.

LLEGADOS DE TODAS PARTES De diferentes puntos del Estado español llegarán a Leioa 19 compañías más, algunas, viejas conocidas del público, otras, novedades por descubrir. Entre las veteranas encontramos a Rolabola, Vaivén Circo o Jean Philippe Kikolas; también estarán en Umore Azoka Cia Capicúa, Cía Ytuquepintas, Sincronacidas, Le Guignol Orthopedique o Uparte, así como Nuc, El Fedito, Bucraá Circus, Cía Nom Provisional, Delrevés Danza, El que ma queda de Teatre, Antón Cucheiro Cía o Mariana Collado & Lucio A. Baglivo, entre otras.

Umore Azoka también reserva un espacio para compañías llegadas de otros puntos más lejanos, y para este año han sido seleccionadas ocho, como las francesas Collectif Eflirkoa, Collectif Kaboum, Kolektiv Lapso Cirk y Company Super Super. Italianas son Tobia Circus/Due Etti E Mezoo y Jashgawonsky Brothers; desde Bélgica llegará Jordi Vidal y franco-germana es la Cie. LMP. Como ya es conocido, Umore Azoka es desde sus inicios, además de un espacio de representación de espectáculos, un punto de encuentro para el intercambio y la reflexión sobre la situación del sector de las artes escénicas, por lo que se realizan diversas actividades profesionales en torno a ello. En esta vigésima edición, destacan la Asamblea General de Sarea - Euskadiko Antzoki Sarea /Red Vasca de Teatros, el III Encuentro Artekale-Sarea – que incluye la presentación de proyectos y procesos de creación de diversas compañías vascas–, y el Encuentro COFAE, donde se debatirá, entre otros temas, sobre el futuro del mercado de las artes escénicas. No debemos olvidar que en colaboración con Artekale - Asociación de las Artes de Calle de Euskadi tendrán lugar los denominados ‘Umore Meetings’ o reuniones rápidas de negocio; una reunión de las diferentes asociaciones de Circo que a día de hoy están trabajando en el norte de la península Ibérica, y el encuentro de responsables de los Festivales de Artes de Calle de Euskadi. —

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VI Surge Madrid

Madrid, escena alternativa

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a muestra de creación escénica alternativa Surge Madrid celebra su sexta edición del 8 de mayo al 2 de junio con la participación de 50 compañías que realizarán más de 150 funciones en 21 salas y teatros de la Comunidad de Madrid .

Tal y como destacan desde su organización, la propia Comunidad de Madrid, esta muestra pretende “resaltar el diverso panorama de la creación escénica que ofrecen las salas y teatros de la Comunidad de Madrid. Así, esta muestra sirve como plataforma a trabajos en distintos formatos y géneros, y a sus creadores”, para añadir que “a través de la colaboración entre las salas madrileñas y la Comunidad de Madrid, esta muestra propone una mirada heterogénea y singular a las compañías, creadores y artistas madrileños, tanto a los que están afincados en la región como a aquellos cuyas trayectorias están vinculadas a nuestra cultura”.

Entre las compañías y artistas que conforman la programación de esta sexta edición se encuentran Cambaleo Teatro, La Cantera Exploraciones Teatrales, José Manuel Carrasco, Kendosan Producciones, Alba González, Gorka Martín, Aúpa Teatro, El Curro DT, Rulo Pardo, Grumelot, Juan Pastor, Leyson Ponce y Colectivo Fango. La programación incluye también el estreno de la coreógrafa y bailarina Carmen Werner que estará presente con su compañía Provisional Danza, de Acciones Imaginarias con un texto de Nando López y de Luciana Pereyra Agoff junto con Óscar G. Villegas. Toda una amalgama de disciplinas y lenguajes que conforman una oferta escénica diversa y difícil de clasificar.

Entre los estrenos destaca a su vez ‘La balada de Caperucita’, un montaje de Teatro Tribueñe dirigido por Irina Kouberskaya e inspirado en el poema homónimo compuesto por Federico García Lorca, espectáculo con el que Surge Madrid se suma a las celebraciones del Año Lorca 2019, que conmemora el centenario de la llegada del poeta granadino a Madrid.

Dentro de la sección denominada ‘Actividades transversas’ se llevarán a cabo 14 propuestas multidisciplinares, algunas de ellas, paseos y recorridos concretos por lugares de la Comunidad tanto en la jornada de Apertura, con recorridos en varios espacios públicos de Madrid, como en la de Clausura, por diferentes lugares de Navalcarnero.

Cabe destacar que Surge Madrid continúa apoyando los espacios de investigación, y por este motivo la presente edición acogerá dos laboratorios de creación: ‘Las cosas que sé’, dirigido por Julián Fuentes Reta, y ‘Tocar con-mover’, dirigido por Guillermo Weickert. — – 24 –

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La balada de Caperucita

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Juan Carlos Toledo Tomás

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XX Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

El TAC llega a la veintena con récord de obras y compañías Valladolid acogerá 272 actuaciones de 84 compañías y artistas en 53 espacios de la ciudad

François Passerini FOTOGRAFÍAS

Baro d’Evel Claire Ducreux Zanguango Teatro Fiar16

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Dominique Jouxtel

el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC) cumple 20 años y lo celebra con una vasta programación que se prolongará del 18 a 26 de mayo. Compañías procedentes de una veintena de países participan en esta cita que mantiene el formato de las últimas ediciones, combinando espectáculos de sala con las actuaciones de calle. Además, el TAC innova con sus propuestas horarias e incorpora un espectáculo al amanecer en homenaje al río Esgueva, de la mano de la premiada banda celta Bagad Kemper. Y tendrá especial protagonismo el ciclo de Performance Arte-VA, cuya programación tiene lugar al mediodía.

En su 20 aniversario, el TAC presen-

tará de nuevo algunos espectáculos que ya pasaron por el certamen con gran éxito como ‘Mirando al cielo’ de Producciones Imperdibles, ‘Flux’ de Zanguango Teatro, ‘Sol Bemol’ de D’irque & Fien y ‘Silencis’ de Claire Ducreux. Asimismo, regresarán a Valladolid compañías premiadas como Varuma Teatro, El Coro Ausentes do Alentejo, Matarile, Mossoux Bonté, Baro d’Evel o Yukiko Nakamura.

La cita mantiene su apuesta internacional con compañías que llegan de once países europeos, seis americanos, uno asiático y otro de Oceanía. En total habrá once estrenos, de los que cinco están incluidos en la sección Estación Norte, que reúne a compañías de Valladolid. Así, Kull D’Sac presentará ‘Senda’, donde combina el clown con el videomaping, una disciplina en la que también Xtrañas Producciones estrenará ‘Piedra, papel o tijera’. A ellos se suma ‘Morlockland’, la propuesta de La Nave; el espectáculo de danza de Lola Eiffel y RAIO ‘Nun’, y ‘Memoria’ de Proyecto Tá-17 y Los Colochos. Otros siete estrenos corresponden a la Sección Oficial: Varuma Teatro presentará tres espectáculos: ‘De lo tradicional a la piedra’, ‘Decá-

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Alexandre Nobre

logo de Vicente Escudero’ y ‘Vigilia’, a los que se suma el espectáculo inaugural ‘El Comediante (En esencia)’ de David Moreno & Cía y Cristina Calleja en la Plaza Mayor; así como las performances de Isabel León (‘Sexto sentido’) y Diana Soria (‘Sobre dos piernas’).

Por otro lado, serán diez los montajes que se podrán ver por vez primera en el Estado español, siete de ellos dentro de la Sección Oficial y los tres restantes en la OFF. En la primera se enmarcan los espectáculos ‘No me despertéis’ de Association So, ‘Wire Do’ de Hanna Moisala; ‘We are not a couple’ de Tom & Ayala, ‘Gibbon’ de Patfield & Triguero, ‘Monta Tanto’ de La Cie de Ta Sœur, ‘The Great He-Goat’ de Cie Mossoux Bontè y ‘Baixos e Altos’ de Fiar16. A ellos se suman ‘In Vaggio’ de Duo Papie, ‘Circus Feria’ de Bambolea y ‘Totally Plucked’ de Simon Wright en la sección OFF. SECCIÓN OFICIAL, OFF Y ESTACIÓN NORTE Un total de 49 compañías darán forma con sus propuestas a la sección oficial del TAC 2019, que se dividirá en tres apartados: sala, calle y Arte VA, dedicada a la performance.

La danza gana peso dentro de la programación, tanto en la sala como en la calle, con un total de trece espectáculos.

El teatro y el circo en sus múltiples variantes serán los protagonistas un año más de la sección OFF, que en esta nueva edición contará con la participación de 15 compañías; aunque no faltará la danza, el clown o los espectáculos itinerantes, que completan la oferta de esta sección eminentemente de calle.

Las compañías de Valladolid tendrán un año más un espacio propio en la programación dentro de la sección Estación Norte, integrada por Kull D´Sac, La Nave, Nuevo Fielato, Xtrañas Producciones, Proyecto Tá-17 y Los Colochos, Lola Eiffel & RAIO y el Coro Lírico Calderón.

En el marco del TAC, se desarrollará también el III Encuentro Nacional de Improvisación impulsado por Improvalladolid, al que este año se incorporan compañías procedentes de Latinoamérica con dos estrenos nacionales. Además de los espectáculos que se podrán seguir en el Teatro Zorrilla y en el espacio 11 Filas, también se celebrarán talleres para investigar la disciplina de la improvisación. Además, tendrá lugar el primer Encuentro de Escuelas de Circo, promovido por la compañía vallisoletana Freak Cabaret Circus, en el que también participarán otras cuatro escuelas. —

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XXIX Mostra de Teatre de Alcoi

El lugar adecuado para revisar la creación teatral valenciana Se verán 16 espectáculos de la Comunitat Valenciana, 3 de Catalunya, 2 de Andalucía y 1 de Galicia

FOTOGRAFÍAS

L’Electe Escena 1: Floretes Celebraré mi muerte La dansa de la venjança

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el 3 al 6 de junio tendrá lugar la vigésima novena edición de la Mostra de Teatre de Alcoi, que se convierte en la capital de la escena valenciana presentando este año un total de seis estrenos. ‘Totolín-Entredos’ es un espectáculo de títeres de Enrique Lanz y Yanisbel V. Martínez con dirección del primero, a cargo de la compalía andaluza Títeres Etcétera. La compañía Wichita CO. estrenará la obra escrita y dirigida por Víctor Sánchez, ‘What is love?

Baby don’t hurt me’, que se realizará en castellano. La compañía local La Dependent ofrecerá el estreno de ‘El testament de Maria’ de Colm Tölbin con dirección de Jordi Ballester en el idioma valenciano.

Como estreno de obra de pequeño formato se presenta ‘El Muro’, un musical de La Teta Calva, escrito por María Cárdenas y Xavo Giménez y dirigido por éste último que se presentará en castellano. Las compañías Teatre de l’Abast y Zero en Conducta ofrecerán en valenciano el estreno de ‘Rob’ de Daniel Defoe con dirección de José Puchades dentro de la Mostra de Teatre Jove. También para público familiar es el espectáculo sin texto ‘Lú’ de Maduixa Teatre, una obra creada por Paula LLorens y Joan Santacreu y dirigida por éste último .

Serán varias las obras que se presenten por primera vez en la Comunitat Valenciana. En la Plaça de Dins, los andaluces de Alas Circo presentarán su espectáculo titulado ‘3 en 1’ con dirección de Lolo Fernández. En la misma plaza, la gallega De Vacas ofrecerá el denominado concierto teatral ‘Tour vacanal’, creado por Paula Romero, Inés Salvador y Rafa Díaz.

La companía de la barcelonesa sala La Villarroel ofrecerán en valenciano ‘La dansa de la venjança’ del dramaturgo catalán Jordi Casanovas, que tiene varias obras de éxito en cartel. Jordi Évole y Antonio Sanjuán Producciones ofrece-

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rán ‘Celebraré mi muerte’, una pieza de teatro documental escrita y dirigida por Alberto sanjuán y Víctor Morilla.

El Institut Valencià de Cultura estará presente en esta edición dentro del programa “Una visió de la nostra cultura” con el espectáculo de la bailarina y coreógrafa alcoiana Sol Picó, titulado ‘Animal de Séquia’. La compañía valenciana Ornitorrincs presentará la obra ‘Plagi’ de Rodolf Sirera, dirigida por Rebeca Valls y Edison Valls.

Se podrá ver también el trabajo de L’Últim Toc Teatre con ‘Federico, función sin título’ de Carles Montoliú y Emili Chaqués, con dirección de Joan Miquel Reig. Por su parte, L’Horta Teatre ofeecerá la obra de Ramón Madaula y Juli Disla, ‘L’Electe’, dirigida por Carles Sanjaime.

Cactus Teatre ofrecerá ‘Historia de una maestra’, que parte de un relato de Josefina Aldecoa adaptado para la escena por Paula Llorena, que se lleva a cabo con dirección de Gemma Miralles.

En el Passeig Cervantes se podrá ver el espectáculo de danza-teatro en la calle ‘Hippos’ de Zumn Zum Teatre, creado por Quim Bigas y Ramón Molins. Xip Xap ofecerá el espectáculo itinerante de títeres ‘Trashumancia’ de Óscar Ribes y Jordi y Oriol Granell. Escandall Teatral ofrecerá tres trabajos de calle en la Plaça de Dins: ‘Escena 1: Floretes’; ‘Escena

2: Florers’ y ‘Escena 3: Flower Less’ de Paula Escamilla y Vicent Martí, dirigidos por Leandre Escamilla.

Tian Gombau - L’Home Dibuixat hará dos funciones de ‘Sabates noves’, espectáculo de objetos escrito y dirigido por Jordi Palet, y se realizarán cuatro pases de un microteatro con títeres a cargo de la compañía Paraules d’Aire con su espectáculo ‘Natura’, escrito y dirigido por Diana Bernal.

Diversas actividades profesionales diseminadas por diferentes horarios a lo largo de todos los días de la Mostra conforman la agenda de los participantes, entre las que se encuentra el siempre esperado informe del Circuit Cultural Valencià, donde se conoce de manera pormenorizada las actividades realizadas en el circuito teatral que durante años estuvo suspendido o en baja intensidad.

Tendrá lugar también la tradicional presentación de publicaciones de toda índole dedicadas a las artes escénicas, así como la de los nuevos proyectos escénicos para las próximas temporadas. Uno de los momentos de distensión es la ya consolidada gala de los Premios Off, que sirve para mostrar el reconocimiento de la actividad de los gestores culturales. Estas propuestas culminan esta cita ineludible con la producción valenciana de las artes escénicas de este año 2019. —

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XII Circolmedo

Doce años con el circo a cuestas

El comediante

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a Muestra de Artes Circenses Circolmedo presenta en su 12ª edición una programación variada y participativa que se hará extensiva del 9 al 12 de mayo. El Centro de Artes Escénicas de San Pedro, el Parque de Lope de Vega y la Corrala del Palacio del Caballero de Olmedo serán los espacios que acogerán las propuestas que suman cerca de una decena de espectáculos.

El pistoletazo de salida lo dará la ‘Gala Nuevo Fielato’, en la que se llevará a cabo el montaje ‘Casting’, propuesta que tendrá lugar en el Centro de Artes Escénicas de San Pedro el jueves 9, y que se volverá a representar el viernes 10 y el domingo 12 de mayo. Sus protagonistas, los integrantes de la Escuela Nuevo Fielato, están buscando nuevos artistas de circo para formar parte de su plantilla el próximo año.

En orden cronológico, el siguiente espectáculo que está previsto es ‘Cuenta cuentos’ de Circo bebé, pieza para niños y niñas de 0 a 3 años, que se llevará a cabo en el Parque Lope de Vega el viernes 10 a las 11:00. Y ese mismo día, a las 12:30 en el Palacio de la Co-

rrala, está previsto ‘Piensa en Wilbur’ de la Compañía Wilbur, obra que está plagada de acrobacias, humor y riesgo.

Por la tarde, el público infantil podrá volver a disfrutar de un espectáculo repleto de cuentos, pompas y muchas sorpresas. Y por la noche, Cirk About it presentará ‘Cabaret’ en la Corrala, propuesta de circo para todos los públicos.

El sábado comenzará su actividad con la Escuela de circo, animación, pintacaras y tatuajes en la Corrala, para después dar paso a ‘Este circo no es normal’ de Margarito y Cia en el Centro de Artes Escénicas de San Pedro. Por su parte, Bambolea Producciones llevará a cabo en la Corrala ‘Gala Circo Feria’, un espectáculo para público familiar basado en el circo clásico, donde trasladarán al espectador a tiempos de circos legendarios con payasos, acróbatas, motociclistas y malabaristas. En los Patios de San Pedro, La Finestra Circ Nou presentará ‘Memphis Rock&Circ’, donde proponen un viaje al Memphis, un mítico y original bar de rock de los años 50. Por la noche, la ‘Gala de Circo’ mostrará números circenses donde se abordará la técnica de la báscula, los malabares, equilibrios, rueda alemana y aéreos.

El domingo 12 por la mañana habrá de nuevo un espacio de animación, pintacaras, etcétera, para después dar paso a ‘El comediante’ de la Cia. KiCirke, pieza donde combinan la espontaneidad de la calle con el gesto cómico del payaso.

El programa finalizará con el pasacalles, la animación y batucada de la tarde, y con la obra ‘3 en 1’ de Alas Circo, prevista a las 19:30 en la Corrala, donde se narran los últimos preparativos antes de la función y los conflictos entre los que participan en la misma. —

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XX Bilboko Kalealdia

Variedad y calidad para celebrar veinte años

Frank Houdoire

Txelu Angoitia

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Magik Fabrik Cie Solfasirc Markeliñe Barsanti Cia Los Moñekos

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rganizado por el Ayuntamiento de Bilbao, el Festival de Teatro y de las Artes de la Calle - Bilboko Kalealdia celebra del 1 al 7 de julio su 20ª edición, y lo hace con una programación formada por novedosas propuestas de algunas de las compañías más relevantes del panorama internacional de las artes de calle. Así, participarán en la cita 29 compañías, que realizarán 80 representaciones de 31 espectáculos en espacios como el Arenal, la Plaza Nueva, la Plaza del Arriaga o el Parque de Doña Casilda, lugar que se consolida como un gran escenario al aire libre.

Entre las propuestas de la presente edición destacan tres estrenos. Llegados desde Iparralde, la compañía Mystérieuses Coiffures convertirá el Parque de Doña Casilda en un gran decorado. Las otras dos primicias llegarán de la mano del proyecto eu-

ropeo de teatro de calle Mauerspringer: ‘Come crepe nei muri/Wall cracks’ del italiano Teatro Due Mondi y ‘Bidaia’ de Hortzmuga Teatroa, compañía bilbaína que también representará ‘Jule’.

Serán seis las piezas que se podrán ver por primera vez en el Estado dentro de Kalealdia, todas ellas francesas. Cirque Rouages presenta ‘Boate’, la adaptación de la obra ‘Bilal, por el camino de los clandestinos’ de Fabrizio Gatti, sobre las personas migrantes. Bivouac Cie estará en Bilbao con ‘Perceptions’, espectáculo de circo contemporáneo con música en directo. Y de género circense son también las obras ‘Saut’ de Collectif BigBinôme, ‘Les Butors’ de Cirque Hirsute y ‘Bankal’ de Puéril Péril. El clown estará representado por Magik Fabrik Cie en ‘Incognito’.

Además, el festival acogerá cinco espectáculos que se programan por primera vez en Euskadi. Desde Francia llegan Defracto Cie con ‘Flaque’, un montaje de malabares diferente, y Docteur Troll Cie con su propuesta de magia ‘Pépé’. De Francia-Cataluña son Solfasirc, que llevarán a cabo un espectáculo que combina música y las artes del circo, ‘Dékoncert’, ganador del Premio del Público del Festival Internacional Circ&Co 2018. Y de Cataluña llega también Mumusic Circus, que presentará la pieza de dan-

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za ‘Flou Papagayo’, Mejor Espectáculo de Calle de los IX Premis Zirkòlika de Circ de Catalunya. Por último y desde la Comunidad Valenciana se podrá ver ‘Salt’, una propuesta multidisciplinar de Fil D´Arena Dansa Teatre.

Entre otros montajes, destacan ‘Kale gorrian’ de Barsanti Cia (Mención Especial en la Umore Azoka Leioa 2018) y ‘Echos’ de Eflirkoa Collectif, proyecto ganador de la tercera convocatoria de ayudas de la Plataforma Karrikan. Entre los montajes internacionales se encuentran también ‘Circus’ de los daneses Brunette Bros (Dragón de oro a la Mejor interpretación en la Fira de Titelles de Lleida 2018) y la propuesta musical de los italianos Bandakadabra Marching Band. De Cataluña llegarán Los

Moñekos con ‘We-Ding’ y desde Andalucía Vaivén Circo

con ‘Esencial’.

La programación se completa con las siguientes propuestas vascas: ‘Symfeuny’, percusión y pirotecnia a cargo de Deabru Beltzak; la música de Manez eta kobreak a cargo de Thierry Biscary, ex componente del grupo Kalakan; la animación de calle de Boni y Juan Palomo; Markeliñe con su pieza de teatro de calle ‘Chef Natura’; Natxo Montero con el montaje de danza ‘Barbecho urbano’; las piezas de circo de The Funes Troup (‘Aukerak’), Dikothomia (‘[‘e.go]’) y Malas Compañías (‘Prozak’); y dos propuestas musicales de Trakamatraka (‘Matraka ma non tropo’ y ‘Talleres’). —

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Bilboko Kalealdia: 20 años en pro de las Artes de Calle

Eva Zubero

El festival BILBOKO KALEALDIA, que nació allá por el mes de julio del 2000 de la mano del Área de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao, se nos ha hecho mayor. Pero lo bonito es que lo hemos visto crecer de verdad y consolidarse como una de las grandes citas culturales de Bilbao y como uno de los festivales de referencia del Estado y de Europa. Desde aquella primera edición, que contó con compañías como Leandre & Claire o Els Comediants, han sido muchos los momentos especiales con los que ha podido disfrutar el público. Perduran en la memoria las actuaciones de Transe Express (2004), Royal De Luxe – La Gran Reyneta (2006), Génèric Vapeur (2011), Mystérieuses Coiffures (2012) o Lurrak y Nicole & Martin (2016), y un largo etcétera. Pero, sobre todo, es especialmente destacable el hecho de que hemos visto crecer y consolidarse o, en otros casos, nacer y hacerse un hueco, a muchísimas compañías locales y vascas.

BILBOKO KALEALDIA también ha impulsado producciones propias o coproducciones, todas las que sacamos adelante con la compañía bilbaína Gaitzerdi u otros artistas locales y otras como “Mortibus orgiac” (2003) y “Los reyes vagos” (2004) de Transe Express, “Malditas” (2008) de Organik Dantza y “Lurrak” (2016), espectáculo coproducido junto a la distribuidora Aire Aire y el festival Kaldearte de Vitoria-Gasteiz.

Asimismo, el Ayuntamiento de Bilbao, a través de BILBOKO KALEALDIA, también forma parte, desde su nacimiento, de Artekale – Asociación de Artes de Calle de Euskal Herria, en la que nos encontramos con compañías, distribuidoras y otros festivales para impulsar el sector, y de la Plataforma Karrikan, para apoyar la creación en el campo de las artes de calle en nuestro país. Es además destacable la participación del Ayuntamiento de Bilbao en el proyecto De Mar A Mar – Pirineos De Circo, que cuenta con financiación comunitaria vía convocatorias POCTEFA, junto a otras 13 entidades de ambos lados del Pirineo (escuelas, asociaciones, espacios de creación, administraciones, etc.).

Una de las prioridades del festival sigue siendo atender de la mejor manera posible a las compañías (facilitar las condiciones técnicas solicitadas, garantizar buenas condiciones de alojamiento y manutención, contar con las regidurías necesarias, abono puntual e inmediato de los cachés solicitados...), que son las verdaderas protagonistas, junto al público, del festival, lo que las y los artistas siempre agradecen.

Que BILBOKO KALEALDIA esté a punto de cumplir 20 años no hubiera sido posible sin la implicación personal y profesional de todo el personal municipal responsable de programación y producción y de todas las personas que han participado y participan en el festival desde diferentes ámbitos: diseño gráfico y comunicación, técnicos de iluminación y sonido, regidurías, brigadas… Muchas gracias a todas y todos y ¡larga vida a BILBOKO KALEALDIA! Para comenzar, ¡disfrutemos este año con la programación preparada para el 20 aniversario!

Pedro Ormazabal Artetxe Director de Bilboko Kalealdia Ayuntamiento de Bilbao

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VII Galicia Escena Pro

La escena galega tiene nombre de mujer

Idiota

Una amplia selección de espectáculos y un punto de encuentro profesional que busca estimular la dinámica comercial.

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l mercado de artes escénicas Galicia Escena PRO comienza en esta séptima edición –que tendrá lugar del 10 al 13 de junio– una nueva etapa, marcada por la organización compartida entre la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic), de la Consellería de Cultura e Turismo de la Xunta de Galicia, y la asociación empresarial Escena Galega. Comienza así “una nueva manera de funcionamiento y de gestión que mantendrá y reforzará las finalidades con las que nació este evento”, explican desde la organización.

Santiago de Compostela volverá a ser la ciudad que acoja toda la programación de Galicia Escena PRO, que presenta alrededor de una veintena de espectáculos, entre los que destacan, por número, las propuestas teatrales dirigidas al público adulto. Se trata de montajes como ‘Liberto’ de Amarelas Produccións, creado a partir del texto autobiográfico de Gemma Brió, en el que se mezcla música en directo, humor y drama; o ‘O empapelado amarelo’ de A Quinta do Cuadrante,

unipersonal basado en el relato autobiográfico homónimo publicado en el siglo XIX por la norteamericana Charlotte Perkins Gilman, un referente feminista de gran importancia en la historia de la literatura universal. Sutileza y comicidad se combinan en ‘A compañeira de piso’, adaptación a cargo de Lilian Portela del original de Jen Silverman que pone en escena Contraproduccións, y ‘Despois das ondas’ es un viaje teatral por la vida de María Casares en una coproducción de Butaca Zero y Deputación da Coruña. Una historia de mujeres es también ‘Bernarda’ de Malasombra Produccións, al igual que mujeres son las protagonistas de ‘Dúas donas que bailan’ de Josep M. Benet i Jornet, que lleva a escena Teatro do Atlántico. Redrum Teatro pondrá en escena una comedia negra, ‘Idiota’, y Compañía N+1 fusiona circo, danza y teatro en ‘Involución’.

Las nuevas dramaturgias o nuevos lenguajes escénicos tienen su espacio en Galicia Escena PRO con propuestas como las que presentan Avelina Pérez & Velpister, ‘Deixa de tocala, Sam’, La Makana y su ‘Pink unicorns’, ‘A gala’ de Licenciada Sotelo y ‘As vacacións máis longas’ de Diego M. Buceta.

Dirigidas al público infantil y familiar son las piezas que pondrán en escena A Xanela do Maxín, Aventro Producción Teatrais, Boanan Teatro y Odaiko. En la calle se podrá disfrutar con Compañía Sincronizadas y se podrán conocer diez trabajos en formato ‘pitching’. Cabe destacar a su vez que al cierre de esta edición quedan por confirmar tres espectáculos de fuera de tierras galegas. —

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XXXV Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba

Clásico escaparate del teatro escolar y familiar

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Jon Braun

ste año la Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba celebra nada menos que su vigésima quinta edición. Una cita de largo recorrido que ofrece a escolares de los municipios de Mutriku, Deba, Mendaro, Soraluze, Eibar, Ermua y Mallabia la posibilidad de disfrutar de un programa que engloba propuestas teatrales de compañías profesionales y alguna también de parte de agrupaciones escolares, en euskera y castellano, que se representarán en el Teatro Coliseo, la Universidad y varias localizaciones del exterior de Eibar.

Dramagia será una de las primeras en actuar con su propuesta ‘Mister Blancoren misterioak’. Como es habitual en sus trabajos, la compañía combina teatro y magia, y en esta ocasión quieren rendir un especial homenaje a las carpas de teatro de México del siglo XX, cuando se llegaba con el teatro a una sociedad que desconocía este arte.

La enana naranja escenificará ‘Kontukontari 2, mendian ibiltari’, montaje de títeres en el que se da vida a las

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canciones de siempre para que los más pequeños aprendan y los mayores no las olviden. También de títeres es el trabajo ‘Jon Braun’ de la Compañía Anita Maravillas, protagonizado por un joven indio que quiere mostrar las vivencias de su pueblo, el indio americano.

Asimismo, se podrá disfrutar de ‘Nere aita ogro bat da’ de La Baldufa, espectáculo que habla sobre la maldad de los buenos y la bondad de los malos, el castigo, la culpa, la solidaridad, la justicia, el bien y el mal.

La danza también tendrá cabida en la programación con ‘Bat’ de la compañía Dantzaz, una pieza de creación de carácter contemporáneo. Dejabu Panpin Laborategia representará ‘Linbo planeta’, un viaje lleno de fantasía y emotividad protagonizado por Numa, una niña que ha logrado erigir su hogar en medio de la destrucción. Por último, los escolares de BHI Eibar interpretarán ‘Beldurra’, propuesta que desgrana el sentimiento del miedo en todas sus expresiones. —

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XXXIX Feria Internacional del Títere de Sevilla

Títeres de guante, varilla, sombras e hilo en Sevilla Funciones escolares y familiares, teatro de calle y para todos los públicos con el títere como protagonista

Jon Braun

Antón Retaco

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a Feria Internacioanl del Títere de Sevilla celebra su 39ª edición del 14 al 26 de mayo, feria por la que desde el pasado mes de agosto y en una asamblea celebrada en Japón, la ciudad de Sevilla forma parte de la Asociación de Ciudades Amigas de las Marionetas - AVIAMA, ciudades que se reúnen en torno a la marioneta y tienen como objetivo promover y apoyar este arte milenario.

Espectáculos de sala y de calle dirigidos al público adulto y al infantil conforman la programación, que se inaugurará en el Teatro Alameda con el poema visual ‘Kiti kraft’ de Cía.

Bambalina. En el mismo espacio y el primer día del festival tendrá lugar una conferencia-homenaje titulada

‘20 años desde que nos dejó Alcides’, a cargo de Paco Cornejo.

Además del Teatro Alameda, donde los más pequeños disfrutarán también con ‘Jon Braun’ de Anita Maravillas, los montajes de sala tendrán lugar en Factoría Cultura y en diversos centros cívicos, espacios donde conocer los trabajos de compañías sevillanas como Búho Teatro, Atelana Teatro, A la sombrita, Colectivo la regadera, Clicolé Teatro o Títeres Caracartón. De sala son también las piezas de la uruguaya Coriolis, que presenta ‘Tropo’, y los italianos Di Filippo Marionette que llegan con un espectáculo lleno de simplicidad y poesía, ‘Colgando de un hilo’. Desde Granada estará Titiritrán Teatro con la deliciosa ‘Arturo y Clementina’, de Galicia App Creacions – 40 –

Historia de un calcetín

con ‘Timi contra el viento’, y de Madrid La Canica con ‘Historia de un calcetín’.

Las calles, parques y plazas del centro de Sevilla se convertirán en escenarios improvisados para los espectáculos de calle como ‘Astokillo Circus’ y ‘Organik’ de las compañías vascas Panta Rhei y Teatro Ameztu, respectivamente. De Chequía llega Teatro de Pavel Smid con ‘Una clase sobre el tiempo’ y de México Saltimbamquis con ‘Cuentos de México’. Producciones Cachivache y su mágico ‘Titiricine’, el itinerante ‘Hatchi’ de Centre de Titelles de Lleida o ‘Antón Retaco’ de Títiriteros de Binéfar –galardonado con el Premio Farolito en su segunda edición–, son algunas de las propuestas que junto a las tres exposiciones y las extensiones conforman el festival este año. —

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FESTIVALES

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XIV KaLDeARTE

Artes de calle en el centro La cita será del 7 al 9 de junio en Vitoria-Gasteiz

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a décima cuarta edición de KaLDeARTE, la Muestra Internacional de Artes de Calle de Vitoria-Gasteiz, se inaugura el 7 de junio con el espectáculo ‘Rumbo al cementerio’ de la compañía Teatro del Silencio, un relato surrealista, un viaje existencialista por el centro de la ciudad, un itinerante donde se entremezclan teatrografías en movimiento interpretadas en complicidad con los públicos. Itinerantes son también las propuestas que presentarán Deabru Beltzak, percusión y pirotecnia en su nuevo ‘Symfeuny’, y los franceses de Adhok-Immortels con ‘L´Envol’. De Francia llegan también Cie Créature con ‘Les irréels’, L´Arbre à Vache con ‘M & Mme Poiseau’, Bigbinome con ‘Saut’ y Entre Nous, que se encargarán de clausurar esta edición con su espectáculo homónimo de circo con el que ofrecen un encuentro donde el humor, la amistad y el amor se cuentan en el plano horizontal y en el vertical.

Pero antes habrá tiempo para mucho más con propuestas de danza como ‘Echos’ de Collectif Eflirkoa, ‘Moliendo café’ de Krego-Martín Danza, ‘Qué tienen las flores’ de Altraste Danza, ‘Agua’ de Chey Jurado, ‘Cualquier mañana’ de Alvaro Esteban & Laura Aris, ‘Painball’ de Les Impuxibles o ‘Of man and beast’ de la británica Company Chamaleón. La danza se funde con el teatro físico en ‘Conseqüències’ de Cia Moveo, mientras que la danza y el circo son el lenguaje utilizado por la premiada ‘Rojo estándar’ de Lanordika.

El circo en sus más amplios estilos tiene un gran protagonismo en esta edición con montajes como ‘Kale gorrian’ de Barsanti, ‘Begiradak’ de Sara Alvarez & Ortzi Acosta o ‘Futuro animal’ de Twisting The Balance. Como una performance circense con ritmos del sur se define ‘Mur’ de (Cia)3, y el circo es el lenguaje de ‘Prozak’ de Malas Compañías, ‘Erraia’ de Garazi Pascual, los malabares de El Fedito en ‘Oyun’ o la multipremiada ‘Vincles’ de Circ Bover.

Destacan a su vez lo nuevo de Zanguango Teatro, que presentará en KaLDeARTE su recién estrenado ‘Al otro lado’, ‘Amico on the beach’ de Amico y el espectáculo músicoteatral ‘Abandónate mucho’, con el que Las XL deconstruyen el mito del amor romántico. No podemos olvidar la música de 2Princesesbarbudes o los espectáculos que se representarán “a cubierto”, como ‘Benditas’ de El mono habitado, ‘Oxido’ de Pez Limbo y la carpa del esperado Gure Zirkua. — – 42 –

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Rumbo al cementerio

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Daniel Aimé

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FESTIVALES

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XLII Festival de Teatro de El Ejido

El Ejido se viste de gala para festejar el teatro

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on una Gran Fiesta del Teatro de Calle se inaugura la tarde del 17 de mayo la 42ª edición del Festival de Teatro de El Ejido, que dará paso esa misma noche al primer espectáculo en el Auditorio, ‘La golondrina’, texto de Guillem Clua interpretado por Félix Gómez y Carmen Maura en una producción de Lazona. Hasta el 15 de junio, fecha en la que concluirá el festival con el exitoso espectáculo ‘La llamada, el musical’ de Suma Latina, el Auditorio acogerá montajes como la adaptación que de la novela de Herman Melville, ‘Moby Dick’, que ha subido a los escenarios Focus con Josep Maria Pou en la piel del capitán Ahab, o ‘Todas las mujeres’ de Producciones (off) & Vania con versión y dirección de Daniel Veronese. También habrá lugar para el humor con espectáculos como ‘El sentido del humor’, que reúne

a los cómicos Santiago Segura, Florentino Fernández y José Mota o ‘Adiós, Arturo’ de La Cubana, además de ‘Mixolidias’ del Conservatorio Prof. de Danza “Kina Jiménez” de Almería, sin olvidar a los dirigidos al público infantil y familiar: ‘Geronimo Stilton’ a cargo de Saga Producciones y ‘Estrella’ de Marie de Jongh.

En el Teatro Principal se pondrán en escena obras como ‘El Asesino de la regañá’ de Sofía Aguilar Producciones de Arte y Sala Cero Teatro Producciones, ‘Las dependientas’ de Teatro a Pelo y La Ejecutora o la grotesca ‘Las princesas del Pacífico’ de La Estampida, además de propuestas para el público familiar como ‘El desván de los hermanos Grimm’ de Escenoteca o ‘Ludo Circus Show’ de Ludo Circus.

El festival se sentirá también en otro tipo de escenarios de El Ejido con montajes muy diversos, entre los que cabe destacar el unipersonal que presentará Juanjo Artero en Jardín botánico La Almunya del Sur, ‘El milagro de la tierra’, un trabajo muy personal dirigido al público adulto, o la propuesta ‘Teatro comestible’ a cargo de Restaurante La Costa en el Puerto deportivo de Almerimar, sin olvidarnos de los espectáculos de artes de calle dirigidos a todos los públicos en las calles, plazas y parques del centro de El Ejido. — – 44 –

FOTOGRAFÍA

‘Moby Dick’

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ACT Festival - Bilbao / Barakaldo

Lekuz Leku - Bilbao

Del 29 de mayo al 1 de junio se celebra la décimo quinta edición del ACT, Festival Internacional de Escena Emergente que, organizado por BAI - Bizkaiko Antzerki Ikastegia / Centro de Formación Escénica de Bizkaia, tendrá lugar en Barakaldo y Bilbao. Piezas de danza, performance, teatro físico y textual o música en vivo aglutinan una programación en la que las propuestas escénicas contemporáneas e innovadoras están garantizadas. Kafe Antzokia, Guggenheim Bilbao Museoa, Teatro Barakaldo y Zirko Domoa son los espacios en los que disfrutar de los montajes seleccionados de las más de 800 propuestas que llegadas de 65 países ha recibido la organización. ACT sigue apostando también por el formato breve con sesiones de tres o cuatro piezas de un máximo de 30 minutos de duración y variadas, para que los públicos puedan disfrutar de igual manera. Artistas de Corea, Israel, Suiza, Francia, Gran Bretaña, Suecia, Alemania, Italia, Bélgica, Eslovenia, lles Balears, Madrid y Euskal Herria ofrecerán sus creaciones a los públicos más exigentes.

El Paseo de Abandoibarra de Bilbao vuelve a ser el escenario del Lekuz Leku, Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos que organiza la bilbaína sala La Fundición y cuya 15ª edición se celebrará los días 28 y 29 de junio.

Inaugura el festival –asociado a la Red a Cielo Abierto– la chilena Pewma con ‘Danza en 360º’, y le seguirán piezas como ‘Meeting point’ de Ertza Dantza, ‘Relationships’ de la china Zhiren Dance Company –galardonada con diversos premios en el XXIII Masdanza–, ‘Out of the blue I’ de La Rutan, ‘Pedestre’ de Lina Valverde - Camilo Regueyra de Costa Rica, la pieza de flamenco ‘Burdina / Hierro’ de Adriana Bilbao - Beñat Axiari y ‘Don´t, Kiss’ del italiano Fabio Liberti. El sábado la programación dará comienzo con la propuesta ‘Topa’ de Kukai Dantza - Brodas Bros y le seguirán los montajes ‘Azzurro’ de Marcant Dance, ‘Convas of Bodies. Opus nº 1’ de Taiat Dansa y ‘B-Wild’ y ‘Danza en participación’ de B-Wild y Denis Martínez, respectivamente.

Jennifer Glass

FITEI - Porto El Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica FITEI, que celebra su 42ª edición del 15 al 25 de mayo, se presenta con una novedad este año, y es que la Ciudad de Oporto ha unido dos de sus principales festivales, el Festival Dias de Dança - DDD –celebrado entre el 24 de abril y el 7 de mayo–, y el propio FITEI por medio de Semana +, combinación que resulta del encuentro de ambos festivales y que se presenta con una programación dedicada a la creación artística portuguesa. Del 8 al 12 de mayo, cerca de 20 artistas nacionales integrarán un programa multidisciplinar enfocado a la danza y al teatro principalmente, con el objetivo de visibilizar y promover la circulación nacional e internacional de los proyectos presentados. Entre otros participan en Semana + artistas como Mala Voadora, Lígia

Soares, Ana Rita Teodoro, Estrutura, Hotel Europa, Circolando o Teatro Da Discalia. Por su parte, FITEI continúa en esta su 42ª edición persiguiendo el rejuvenecimiento por el que ha apostado en los últimos años y busca a su vez consolidar la madurez de sus 42 años de actividad ininterrumpida.

Como novedad, esta edición tiene como tema central “Brasil descolonizado” y propone “una programación que busca el encuentro con estos artistas que luchan por la descolonización del pensamiento”, tal y como afirma su director artístico, Gonçalo Amorim. Por tanto, en la Seleçao FITEI destacan las obras brasileñas o con dirección de brasileños como ‘Democracia’, dirigida por Felipe Hirsch a partir de la obra ‘Facsími’ del chileno Alejandro Zambra, y ‘Odisseia’, de Cia. Hiato, por el director y dramaturgo paulistano Leonardo Moreira. Destaca también la coproducción del propio FITEI con el dramaturgo y director argentino Federico León, ‘Yo Escribo. Vos Dibujás’, o lo nuevo de la compañía Estudio Lusco-Fusco ‘Tchekhov é um Cogumelo’ junto con las “voces de resistencia” de Marianella Morena o Renato Llvera, así como una fuerte representación del teatro portugués y múltiples actividades. No hay que olvidar que FITEI pretende ser “lugar de resistencia, de encuentro de artistas y públicos, de generaciones y de diversidad artística, pero también de innovación y reflexión. Con esta programación buscamos, asimismo, tender la mano a nuestro país hermano, en un diálogo que, estamos seguros, enaltecerá el medio artístico portugués e iberoamericano”, aclara Amorim.

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Titirimundi - Festival de Títeres de Segovia

Festival de Teresetes de Mallorca

El 33 Festival Internacional de Teatro de Títeres Titirimundi de Segovia ofrecerá del 14 al 19 de mayo 423 funciones -316 en Segovia capital y 52 funciones diarias en la Ciudad Patrimonio- de la mano de 35 compañías de 16 países que representarán sus obras en salas, patios históricos y calles (30 espacios). Así, estarán presentes algunos de los artistas más innovadores y comprometidos con el teatro de títeres contemporáneo, como el marionetista australiano afincado en Amsterdam Neville Tranter y su compañía Stuffed Puppet con su último montaje ‘Babylon’; la compañía finlandesa y sus ‘Invisible Lands’; los franceses Mano Libre con ‘Caffe Sola’; Zero en Conducta y su obra ‘Eh man hé!’ o Circ Pànic con ‘Mira’T’. Se podrán ver también piezas de Javier Aranda, Ultramarinos de Lucas, Xavier Bobés, Têtes de Mules, Di Filippo Marionettes, Teloncillo, La Canica, Titiriteros de Binéfar, Sofie Krög Teater o Teatro delle Briciole, entre otros.

El XXI Festival Internacional de Teresetes de Mallorca desarrollará su programación en 15 municipios mallorquines del 14 al 19 de mayo (Alcúdia, Algaida, Andratx, Bunyola, Colònia de Sant Pere, Costitx, Inca, Llucmajor, Muro, Palma, Pollença, Porreres, Sa Pobla, Ses Salines y Sineu). En la misma, se podrá disfrutar de espectáculos tanto de sala como de calle a cargo de 16 compañías llegadas de países como Argentina, Eslovaquia, Francia, Rusia y el Estado español. Se trata de Binixiflat, Teatro Matita, Julia Sigliano, Laurent Bigot, Trio Katastrofa, Zipit Company, Projecte Cases, Coloradas, Polina Borisova & Odradek, Disset Teatre, Itinerària, Pea Green Boat, Mimaia Teatro, Teresetes Migjorn, Trukitrek y Cie. de l’Echelle. El festival cuentatambién con numerosas actividades paralelas como jornadas profesionales, propuestas de formación o sesiones escolares, además de juegos y talleres para público infantil y familiar.

FITCarrer de Vila-real

Fira de Titelles de Lleida

El Festival Internacional de Teatre al Carrer de Vila-real celebra su 32ª edición del 3 al 5 de mayo. La programación incluye ‘Buenas Noches Europa’ de ANIMASUR, creada con la colaboración de las escuelas municipales de Teatro y Danza Contemporánea. Escandall Teatral presentará las tres acciones que conforman ‘XX’. La Temeraria llevará a cabo el unipersonal ‘Pasión por un tubo’, Compañía D´click ‘Isla’ y Trapu Zaharra la divertida ‘Sefiní’. Claire Ducreux deleitará al público con ‘Avec le temps...’. Adhok - Immorteles interpretará ‘L´envol’ y ‘Le Nid’, La Glüps Band ‘Black and Blue’ y UpArte ‘Áureo’. Les Impuxibles estarán con ‘Painball’ y El Carromato con ‘Big dancers’. John Fisherman presentará ‘#moneyforfree’, Acrobacia Mínima ‘Seu-te!’ y Asaco Producciones el espectáculo de clown itinerante ‘Tanque Gurugú’. Hortzmuga presentará ‘Jule’, Xa! Teatre ‘Vertical’ y OtraDanza ‘Vacío’. FitCarrer se clausurará con ‘A S´ombra’ de A tiro fijo y ‘Entre Mondos’ de PIA.

Del 3 al 5 de mayo se llevará a cabo la 30ª edición de la Fira de Teatre de Titelles de Lleida. Entre las compañías catalanas programadas se encuentra Zero en Conducta, que llevará a cabo ‘Eh Man Hé!’. Por su parte, Puppae Company presentará ‘Otto’, pieza de títere habitado y guitarra en vivo. Asimismo, la joven compañía Tercio incluso presentará ‘Normalmente o viceversa’. Entre el resto de compañías estatales seleccionadas se encuentra Nacho Diago con ‘El misterioso caso Houdini y la habitación cerrada’; la propuesta aventurera ‘El inolvidable viaje de Nana’ de Café de las Artes Teatro, y la compañía vasca Macarena Recuerda Shepherd con ‘¡Ay! ¡Ya!’. Del marco internacional contarán con la presencia de la canadiense Magali Chouinard y su ‘Nomad soul’, el francés Olivier de Sagazan con ‘Trasfiguración’, la compañía belga Pikz Palace y su espectáculo ‘Boucherie Bacul’, y ‘Ye gods’ de la compañía británica Whalley Range All Stars, entre otros muchos.

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Los escenarios de Bizkaia se preparan para el verano

Sergio Parra FOTOGRAFÍAS

La Strada Envá The Fools

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rriaga Antzokia acoge el estreno de tres espectáculos durante los meses de mayo y junio. El primero, ‘Dido & Aeneas’, es una producción propia de teatro musical barroco con dirección de Barbora Horáková Joly que se representará los días 3 y 4 de mayo; el primero de junio se estrena ‘Wating (La espera)’, con dirección de Calixto Bieito en una coproducción internacional en la que participan el Teatro Arriaga junto con Bergen International Festival, Tivoli Summer Classical, Gothenburg Symphony Orchestra, Iceland Symphony Orchestra y Vilnius Festivals. Del 20 al 22 de junio se estrenará ‘Mendi-Mendiyan’, una adaptación a cargo de Bieito de una de las grandes composiciones de José María Usandizaga. Junto a los tres estrenos, de los que se da cumplida información en la sección correspondiente de este número, el 8 de mayo sube al escenario del Arria-

ga ‘Los Aborígenes’, un collage de textos de varias obras de Federico García Lorca con dramaturgia y dirección de Felipe Loza en una producción de la Compañía Joven de Pabellón 6.

Del 9 al 12 el público podrá disfrutar con una versión de ‘La Strada’ de Federico Fellini en versión de Gerard Vázquez bajo la dirección de Mario Gas. Alfonso Lara, Mar Ulldemolins y Alberto Iglesias dan vida a los tres personajes de esta mítica historia que sube a los escenarios Concha Busto. La danza llega al Teatro Arriaga los días 24 y 25 de mayo de la mano de Ballett Theater Basel, una de las compañías de creación más importantes de Europa Central, que pondrá en escena un programa triple de danza contemporánea compuesto por las coreografías ‘The Fools’ de Hofesh Shechter, ‘This is everything’ de Bryan Arias y ‘Day without night’ de Jiří Pokorn. La programación del teatro bilbaíno se completa con ‘El científico de la ópera’ a cargo de Palau de les Arts Reina Sofía del 18 al 20 de mayo y el concierto dramatizado de la ópera de Philip Glass ‘Einstein On The Beach’ el día 26.

LA FUNDICIÓN Y SU TINTO DE VERANO David Espinosa - El Local vuelve a La Fundición en mayo,

días 4 y 5 con ‘Una historia universal’, con la que continúa con la experimentación con el objeto como elemento na-

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rrativo, pero en esta ocasión teatralizan la historia universal desde su propia perspectiva. Otra compañía cómplice de la sala bilbaína, Teatro Ensalle, presenta los días 11 y 12 ‘Arar’, creada en el marco de ‘Los Canchales – Encuentros de colaboración e investigación escénica’ que la compañía organizó en 2018 en su sala, con la que comparte nombre y se ubica en Vigo.

Los días 1 y 2 de junio Juancallate presenta ‘Meloncolía’, nuevo trabajo con el que Joan Estrader y tras la desternillante ‘Mr.Kebab’ irrumpe con su peculiar estilo. El día 14 Iñigo Iraultza capitaneará una creación colectiva denominada ‘Superhéroes de barrio’, una propuesta que se engloba dentro de “Te veo en la calle. Bizi eta hezi kalean”, unas jornadas celebradas en el barrio de Otxarkoaga de Bilbao con el fin de recuperar el espacio público a través del arte.

La Fundición organiza además, como es habitual en estas fechas, el programa ‘Tinto de Verano-Txotx Ekainean’, en el que se podrá disfrutar con seis montajes de otros tantos creadores. Los días 24, 25 y 26 de mayo se pondrán en escena la propuesta de humor ‘Aurorita, aurorita... hija’ de Chema Trujillo; ‘EXIT (la de emergencia)’ a cargo de Compañía la que tú me haces y la pieza de danza ‘Nosotros’ de Cía. Input, respectivamente. El 7 de junio será el turno de ‘Las amistades de Gertrudis’, una mezcla entre una visita a

tu museo favorito, un cuentacuentos y una performance musical a cargo de Pollo Rosa Produkzioak; el día 8, Parasite Kolektiboa presentará ‘Hot Water’, un solo de teatro que tiene un fuerte componente de movimiento y cuenta con tono satírico la transformación de un técnico de electrodomésticos en un monstruo. Completa el programa el día 9 ‘Manifestu bat’, unipersonal con texto de Gaizka Sarasola e interpretado y dirigido por Miren Tirapu Goikoetxea a cargo de Beheko Larraineak.

BARAKALDO Y LEIOA El mes de mayo comienza en el Teatro Barakaldo con un espectáculo de baile flamenco de Adriana Bilbao, que dará paso, el día 5, a una propuesta circense de la mano de Amer i África Circ Cía., ‘Envá’, galardonado con el Premio al Mejor Espectáculo en Umore Azoka 2018. Completa la programación escénica ‘Mundo obrero’, montaje de Teatro Español y Teatro del Barrio escrito y dirigido por Alberto San Juan.

Kultur Leioa, por su parte, propone un único espectáculo escénico programado el día 14 de junio. Se trata de ‘Gag Movie’ de Yllana Teatro, donde la diversión está asegurada para cerrar la temporada días después de celebrar Umore Azoka Leioa. —

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Todos los estilos y para todos los públicos en Donostia

Argiaren hautsa

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l Teatro Victoria Eugenia de Donostia acoge del 1 al 4 de mayo la segunda parte del espectáculo ‘Aiguantulivinamérica’ de Goyo Jiménez, 15 años después de su estreno. Tras el citado unipersonal, los días 17 y 18 el público podrá disfrutar con ‘Rojo’ del dramaturgo y guionista John Logan con Juan Echanove a la dirección y como intérprete protagonista junto a Ricardo Gómez. Del 15 al 18 llega a Donostia ‘Garai zekenak’, producción del Teatro Arriaga a partir de la obra de Henrik Ibsen dirigida por Raúl Cancelo. El mismo escenario acogerá los días 5 y 6 de junio ‘Lehman Trilogy’, divertido viaje que narra, a través del humor y del relato, las diferentes etapas de la construcción y deriva del capitalismo moderno dirigido por Sergio PerisMencheta a cargo de Barco Pirata Producciones Teatrales. Días antes, 5 y 6 de junio y en la Sala Club, Rogelio Gracia dará vida a ‘Tom Pain (Basado en nada)’, unipersonal escrito por Will

Eno, considerado por algunos especialistas como el Samuel Beckett de esta generación. Cabe destacar a su vez que el 25 de mayo y en el escenario principal ritmo y movimiento se conjugarán de la mano de Los Vivancos y su ‘Nacidos para bailar’.

La danza será también protagonista sobre el escenario del Kursaal, en este caso el 26 de mayo y de la mano del Ballet Nacional de Cuba, que llega a Donostia con un clásico entre los clásicos, ‘La Cenicienta’, con música de Johann Strauss y coreografía de Pedro Consuegra.

OTROS ESCENARIOS Los días 10 y 11 de mayo el Teatro Principal o Antzoki Zaharra presenta ‘Una habitación propia’, versión teatral del libro mítico de Virginia Woolf protagonizada por Clara Sanchis y dirigida por María Ruiz en una producción de Smedia que dará paso a la última creación de Vaivén Producciones en euskara, ‘Argiaren haut– 50 –

Malvados de oro

sa’, los días 24 y 25 y en castellano bajo el título ‘Partículas de luz’ el 26.

En junio la cita será con Borobil Teatroa y su ‘Román y Julieta’, estreno de la versión en castellena de esta obra escrita por Iñaki Rikarte y con dirección de Anartz Zuazua.

En Gasteszena la cita es el 11 de mayo con ‘Jose K, torturado’, obra con la que su autor, Javier Ortiz, abre el debate moral sobre la justificación de la tortura en una propuesta dirigida por Carles Alfaro y a cargo de Moma Teatre. El mismo escenario acoge el 28 de junio ‘Hozkailua’ de Huts Teatroa interpretada por Ander Lipus y Patricia Urrutia, y días antes se realizarán diversas muestras del Taller de Artes Escénicas de Donostia. Completan la programación de sala los montajes que se pondrán en escena en Lugaritz K.E., ‘Malvados de Oro’ de Apata Teatro los días 4 y 5 de mayo y el 11, ‘Encuentro’ de la Compañía Flamenca Kelian Jiménez, entre otros. —

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Daniel Alonso

Teatro Hoy - Chile

Ellas toman la palabra - Londres

La 9ª edición del ciclo chileno Teatro Hoy presentará del 4 de abril al 11 de agosto su programación más extensa desde su creación, compuesta por siete estrenos y dos reposiciones: ‘2118, Tragedia Futurista’ de La Patogallina; ‘Chaika’, creada y dirigida por Tita Iacobelli y Natacha Belova; ‘Tragicomedia del Ande’ de Tryo Teatro Banda; ‘El amarillo sol de tus cabellos largos’ de La Niña Horrible; ‘Lear, el Rey y su doble’ de Jesús Urqueta con dramaturgia de Flavia Radrigán; ‘Coro’ de MARABOLÍ+PIRIZ; ‘Plata Quemada’ de TeatroCinema; ‘Dragón’ de Guillermo Calderón y ‘Pedro y el Lobo’ de Teatro y Su Doble. Se trata de nueve obras que moverán las fronteras de lo tradicional a través de sus lenguajes y temáticas, de la mano de compañías jóvenes y grandes referentes de la escena actual. Teatro Hoy se posiciona así como una gran plataforma de exhibición y difusión, muestra de lo que está pasando con el teatro actual y de apuesta para desestacionalizar las temporadas teatrales.

Acción Cultural Española (AC/E) presenta junto al Cervantes Theatre de Londres y la Spanish Theatre Company una programación completamente femenina y bajo el título “Ellas toman la palabra”, que llenará el teatro londinense de creadoras españolas. Así, se desarrollará un tercer ciclo de “Nueva Dramaturgia Española”, un segundo ciclo de “Teatro Contemporáneo Español” y, como novedad este año, un tercer proyecto: “Aproximación al Siglo de Oro Español”. De esta manera, el tercer ciclo de “Nueva Dramaturgia Española” (mayo-junio) presentará la puesta en escena de la obra ‘La realidad’ de Denise Despeyroux (su lectura dramatizada se realizó en el segundo ciclo), y para las lecturas dramatizadas estarán ‘(Des)de los escombros’ de María Prado y ‘Los viejos maestros’ de Eva Hibernia. En total, se podrá disfrutar de 7 obras (2 producciones, 4 lecturas dramatizadas y 1 lectura) a cargo de 7 autoras, 20 actrices, 6 directoras y 5 traductoras.

El sueño de Federico - Madrid

Eszena Kalera - Bilbao

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan del 3 al 5 de mayo “El sueño de Federico (Homenaje continuado a la palabra de Lorca)”, un programa de actividades que abarcan todas las disciplinas artísticas en las que destacó Lorca y que se lleva a cabo como celebración del centenario de la llegada del poeta a Madrid. La cita contará con 12 obras desde el mediodía hasta la medianoche, que incluyen: Baraka Teatro (‘Sueño Lorca o El sueño de las manzanas’), Atalaya (‘Así que pasen cinco años’), Carlota Ferrer y José Manuel Mora - Draft.inn (‘Esto no es La casa de Bernarda Alba’), Viridiana Teatro (‘Amor oscuro [sonetos]’), Projecte Ingenu (‘Yerma’), Darío Facal - Metatarso (‘Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín’), Ballet Rafael Aguilar (‘Rango’), Carmelo Gómez (‘A vueltas con Lorca’), Histrión Teatro (‘Lorca, la correspondencia personal’), Irene Escolar (‘Leyendo Lorca’), Pep Tosar (‘Federico García’) y Carmen Linares (‘Carmen encuentra a Federico’).

El Ayuntamiento de Bilbao inaugura el 3 de mayo el programa Eszena Kalera, que hasta septiembre llevará a todos los distritos de la Villa el mayor circuito de Euskadi de artes de calle, en el que participarán 24 compañías vascas. La programación incluye 61 representaciones para todos los públicos, –en euskera, castellano y sin texto–, que incluyen circo, clown, danza contemporánea, acciones participativas, magia, espectáculos musicales o teatro de calle. Así, se podrá ver a: Ameztu Produkzioak, Erradikalak gara (Ane Labaka–Beatriz Egizabal), Eva Guerrero+Input Danza, Ganso&Cía, Garazi&Cía, Goitibera, Imaginaciones “Nai”, Kantu Kolore, Krego-Martín Danza, La Glo Zirko, Malicia Cía, Markeliñe, Panpotx Kultur Elkartea, Potxin eta Patxin, Puski, Txurruski eta Mariski, Sarini Zirko, Trapu Zaharra, Xilipurdi Antzerkia, Zanguango Teatro, y profesionales de la magia como Toni La Sal y Dramagia, Imanol Ituiño, Hodei Magoa, Tor Magoa y Txoborro Magoa.

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ZONA ABIERTA

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Eugenio Barba deja la dirección del Nordisk Teaterlaboratorium EUGENIO BARBA

Rina Skeel

El 31 de diciembre del 2020 dejaré definitivamente mi puesto de director del Nordisk Teaterlaboratorium en Holstebro. El cargo de coordinador artístico será asumido por Julia Varley y desde el 1 de enero del 2021 la responsabilidad general quedará en las manos de un nuevo director que será elegido por el consejo de administración.

En 1964 éramos cinco, cuatro jóvenes rechazados de la Escuela de teatro estatal de Oslo y yo, en Noruega.

Entre ellos Torgeir Wethal y Else Marie LaukviK que desde el inicio han permanecido junto a mí. Fundamos una sociedad y nos dividimos las acciones entre nosotros porque la tierra pertenece a quien la trabaja. Nos pusimos el nombre de un dios nórdico, Odin, que desata sus fuerzas oscuras para destruir o infundir conocimiento. Éramos un pequeño grupo de diletantes curiosos e ingenuos. Amábamos viajar en el reino de los muertos –la historia del teatro. Estábamos convencidos que debíamos pagar de nuestro bolsillo para realizar el teatro que deseábamos. En silencio, con un rigor como el de los trapestes, realizamos los primeros pasos de autodidactas hacia un conocimiento que también fue la conquista de nuestra diferencia.

En 1966 nuestro grupo se transfirió a Holstebro, Dinamarca. Sus políticos acogieron a estos jóvenes y desconocidos actores extranjeros y –como una excepción en la historia de Europa– lo siguieron apoyando generación tras generación, aun si en los primeros años la población se mostró hostil hacia nuestro extraño modo de realizar teatro. Holstebro se convirtió en nuestra patria; aquí nacieron nuestros hijos, aquí están sepultados algunos de nosotros, aquí crecieron nuestras alas.

Con los años nos transformamos en Nordisk Teaterlaboratorium, un ambiente internacional de iniciativas en el campo de la técnica actoral y del uso del oficio en la comunidad. El teatro no se puede reducir simplemente a un espectáculo que se compra con una entrada. Nuestro oficio posee una dimensión cuyo valor es imponderable, pero deja huellas profundas: la calidad de las relaciones, el desarrollo de una micro-cultura, una práctica de laboratorio social en continua búsqueda, una obstinación cotidiana que es empeño espiritual y político, la capacidad – 54 –

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ZONA ABIERTA

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Francesco Galli

Jan Rüsz

de nutrir una fuerza de ánimo contra la despiadada indiferencia de la rutina y de la época.

Nuestro laboratorio abrió camino a numerosas actividades: espectáculos en sitios no convencionales y en las calles, pedagogía alternativa e investigación pura, estudios sociológicos, publicaciones de revistas y libros, producción de films, encuentro e intercambios regulares con grupos teatrales de todo el mundo, colaboración con maestros de tradiciones asiáticas y latinoamericanas y de la cultura afrobrasileña. Nuestros actores se convirtieron en directores, guías de generaciones, forjadores de aventuras: “El puente de los vientos” de Iben Nagel Rasmussen, Transit Festival y el Magdalena Project de Julia Var-

ley y de las otras mujeres de la profesión, la Odin Week Festival de Roberta Carreri, el Aldea laboratorio de Kai Bredholt y Per Kap Jensen, la ISTA –International School of Theatre Anthropology– , los Archivos vivientes del Odin Teatret, la práctica del teatro como trueque cultural, la Festuge –semana de fiesta– que teatraliza y devela la variedad de las subculturas de Holstebro.

El Nordisk Teaterlaboratorium está hoy profundamente radicado en la historia y en los desafíos del presente de Holstebro. Su ambiente comprende numerosos núcleos independientes dirigidos por artistas de teatro, estudiosos y emprendedores que se encuadran en la mentalidad y modo de proceder del “laboratorio”: explorar, a través del arte del actor, nuevas relaciones y condiciones para lograr que suceda lo imprevisto Es hora de que entregue el comando, la responsabilidad y el peso de las 101 decisiones diarias, a quienes sabrán conservar en vida lo esencial, que mis compañeros y yo hemos destilado durante estos 56 años. He sido director de un teatro que quiso intervenir en la realidad que lo circundaba. He seguido la estrategia de los círculos en el agua. He arrojado una piedra que sabía cómo y dónde arrojarla. Los círculos se agrandan, desplazan las cosas cercanas, producen minúsculas corrientes invisibles.

Pero yo que arrojé la piedra, no puedo ni pretendo determinar su futuro.

Continuo como una nube mi viaje. Estoy ensayando dos espectáculos nuevos con mis actores del Odin. Continuaré encontrándome con grupos del Tercer Teatro. No interrumpiré mis estudios sobre la transición desde el espacio interior del actor a su primer gesto perceptible en el espacio compartido con el espectador.

No tengo herederos ni tengo una herencia que dejar. Mi enseñanza no se trasmite ni se extingue. Se evapora. Y cae como una lluvia sobre la cabeza de quien menos lo espera. —

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ZONA ABIERTA

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Estampas zapatistas ROSANA CURIEL DEFOSSÉ

Pasan de las ocho de la noche, en el exterior del atrio de la iglesia de Ticumán, poblado de la cabecera municipal de Tlaltizapán, Morelos, México, un público entusiasta, poco habituado al teatro pero ávido de oferta cultural que lo conecte con sus propias raíces, espera a que dé inicio la obra Estampas Zapatistas, escrita por el reconocido y multipremiado dramaturgo mexicano, Jaime Chabaud Magnus y dirigida por la talentosa Marisol Castillo, actriz y cabeza de Mulato Teatro A.C., compañía de artes escénicas fundada en 2005 para promover y visibilizar la diversidad racial indígena, africana y europea en México.

El eje alrededor del cual gira esta obra es el personaje de Emiliano Zapata, caudillo revolucionario y líder del Ejercito Libertador del Sur, que al día de hoy sigue moviendo conciencias y a quien se le conoce por haberle dado fuerza, sentido y poder a la famosa frase “Tierra y Libertad”, lema del extinto Partido Liberal Mexicano y título de una obra de teatro de Ricardo Flores Magón, político intelectual quien apoyaba las causas sociales y que escribió en 1916 durante su exilio en Los Angeles, California, Estados Unidos.

Ha terminado la misa en el otro extremo del atrio, sin embargo, el sacerdote alarga la homilía y la función no

puede empezar hasta que él libere al resto de los feligreses, ése fue el compromiso, pero los rezos continúan y el público hace acopio de paciencia, gente de la comunidad que ha estado al tanto durante cuatro meses, del esfuerzo y trabajo de los propios habitantes por formar parte activa de este espectáculo. Finalmente, después de poco más de media hora de retraso se escucha por fin tercera llamada, tercera. Nuestros anfitriones, oriundos del pueblo, dos niñas de unos 8 y 13 años y un chico de alrededor de 11, se acercan a la fila de espectadores y nos invitan a seguirlos mientras cantan a capela, “La Soldadera”, un popular corrido revolucionario.

Mujeres soldaderas, alegres, mitoteras eran como unas fieras enfrentando la ocasión.

Andaban si empachos cuidando a sus muchachos sin miedo a que una bala les partiera el corazón.

La obra representa en breves viñetas, momentos en la vida de los pobladores de Tlaltizapán durante la Revolución Mexicana, sitio que eligió Zapata para montar su cuartel general; pero el foco está puesto, sobre todo, en lo que fue la participación femenina y la importancia que tuvieron las mujeres para el movimien-

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ZONA ABIERTA

to armado; un acierto del creador y la directora, ya que ésa fue una de las principales preocupaciones del caudillo del sur, quien no concebía el cambio social y político sin considerar a la mujer y sus derechos. Reconocía y valoraba su fuerza como parte estratégica de cohesión comunitaria y de apoyo al movimiento armado, ya que miles de mujeres lucharon en el frente con los revolucionarios y muchas, incluso, ostentaron el grado de Coronelas. La obra denota una profunda investigación por parte de Chabaud, aunada al talento creativo que lo caracteriza.

Gracias a un divertido juego con el público, que obedecía sin chistar las órdenes malhumoradas y a gritos de un “soldado federal” de pésimo carácter, de cambiar de posición la silla, a uno y otro lado para ver las escenas representadas en los diversos escenarios montados en el atrio, no se perdió por un solo instante la atención y el interés. Hubo risas, momentos conmovedores, intensos, dramáticos y propios para la reflexión.

Su nombre y apellido, se fueron al olvido y en mi cantar les pido rendirles devoción. ¿Por qué Mulato Teatro apostó por crear y montar este espectáculo en una pequeña comunidad morelense, con actores amateurs, sin apoyo alguno por parte del municipio o del Estado, en vez de hacerlo dentro de un esquema oficial, con apoyos gubernamentales, en recintos urbanos y con profesionales? Porque una de las funciones básicas del teatro comunitario-campesino es justamente llevar las artes escénicas a espacios sin acceso a ellas para crear vínculos con las comunidades rurales y semi rurales con el fin de fortalecer y regenerar el tejido social, necesidad urgentísima en un país como México, ávido de restablecer sanidad emocional y psicológica en su gente y que no puede seguir esperando a que dicha respuesta llegue de “arriba”.

Esto lo tiene claro Mulato Teatro, que de su bolso y con el apoyo de otros grupos solidarios y gente del pueblo, se lanzó a esta aventura con la que además, intenta sensibilizar a las autoridades locales para que permitan y apoyen la apertura de un centro cultural que oferte otro tipo de actividades como talleres de lectura, actuación, pintura y diversas formas de arte.

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Al proyecto se sumó el grupo amateur Via Crucis Teatro Ticumán, compuesto por aficionados de entre 8 y 60 años.

Personas sencillas, amables, orgullosas de su origen, región e historia: albañiles, amas de casa, jardineros, campesinos, meseras, dependientes de farmacia y estudiantes; quienes cada año representan la Pasión de Cristo y pastorelas en su comunidad. Todos le entraron con la mejor de las energías e intenciones, al principio con temor y timidez al enfrentarse con la posibilidad de escalar su trabajo actoral a un nivel distinto del que conocían pero sin ningún entrenamiento profesional previo. Acostumbrados a usar micrófono en sus representaciones religiosas y escolares, sin idea del manejo escénico o sonoro. Fue un logro admirable de Marisol Castillo el convencerlos de abandonar el micrófono y entrenar la voz. El resultado fue un sorprendente empoderamiento y autodescubrimiento de sus potenciales que les levantó la mirada y les fortaleció la dignidad.

Otro equipo que “se puso la camiseta” fue La Luciérnaga, Teatro-Marionetas, de Armando De Macario, un grupo de morelenses profesionales de las artes escénicas quienes colaboraron con la iluminación y el sonido. Asimismo, Bárbara Gwen Barberi, realizó un trabajo impecable como asistente de dirección.

Conforman el elenco José Edgardo Montes de Oca Madrigal, Isidro Cuevas Romero (Pikas), Eleuteria Guadarrama Hernández, Armando Zamora Mora (Pellizquito), Alejandra Guadarrama Hernández, Onney Labra Brito, María de los Ángeles Martínez Martínez, Johana Arizai Castillo Valdivia, Odett Dayana Sánchez Montes de Oca, José Ángel Montes de Oca Martínez, Marisol Zamora Guadarrama, Arnol Rafael Ramírez y la actuación especial del actor colombiano Michael Celis. Armando Zamora apoyó con utilería y vestuario la Compañía Nacional de Teatro y la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Estampas Zapatistas se creó para conmemorar el centenario del asesinato de Zapata, el 10 de abril de 1919 en Chinameca, es una muestra de voluntades comunitarias que merecen todo el reconocimiento y apoyo del público. Se presentará en diferentes municipios del Estado de Morelos. Ojalá las autoridades culturales pusieran la mirada en este tipo de esfuerzos que dan un ejemplo de profesionalismo, solidaridad y, fundamentalmente, compromiso y conciencia social. —

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LUZ NEGRA

Una forma de alegría

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Josu Montero

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o Chus Lampreave, el cómico Carles Flaviá, la escritora Ana María Moix o nuestro Alex Angulo, cuya entrada acaba así: “Humilde, luminoso, divertido, humanísimo. Y con una gran melancolía. Y algo insólito: un actor que no hablaba de lo suyo. Su rostro volverá siempre con aquella sonrisa. Tímida, cálida, calmada, como una conversación de otro tiempo”.

Ordoñez escribe de libros y de los escritores que ama: Shakespeare, James Salter, Flaubert, Ennio Flaiano, Julien Gracq, Javier Tomeo, Capote, s un crítico despiadado. ¡Y lo dice con una sonri- Cheever, Cortazar, Pla, Chandler, Foster Wallasa de admiración!”. Sirva esta brevísima entrada ce, Auden, Chejov, Pasolini, Handke y muchos de este libro subtitulado “Cuadernos y diarios más; pero también están llenas de películas es(2011-2016)”, como tarjeta esencial de presen- tas páginas, y es que Ordoñez tiene la sencilla tación de su autor, el crítico teatral y escritor y sabiduría de una mirada lúcida que sabe enfocar muchas cosas más, Marcos Ordoñez. Barcelonés siempre la perspectiva distinta y personal, y sabe del 57, sigue siendo a sus 62 años un entusiasta, contagiar esa pasión al lector. “Mis poetas favoriun entusiasta del teatro, de la literatura, de la tos: los que echan sus laureles al estofado”. existencia toda. Y esto no es un mérito escaso Es también un escuchador privilegiado del lencon tantos kilómetros vividos y con tantísimas guaje y de las audacias expresivas coloquiales: horas en los patios de butacas. “El entusiasmo “Geraldine Chaplin llega a un plató. Un técnico siempre parece sospechoso, sole dice a otro: “Fíjate, esa es la hija bre todo en los encabronados del Gordo y el Flaco”. Adolfo Martiempos que corren… Subtexto sillach sale de su casa. Dos señoras del eterno arqueador de ceja: “Yo, comentan: “Ese es el padre de la hija de entrada no. A mí no me la dan. de Adolfo Marsillach”. Pero también: ¡Menudo soy yo! Y si al final re“Una gitana, en la consulta de la Sesulta que es que sí, tiempo habrá guridad Social: “La niña, que tiene esde apuntarse al carro”. A base de cocío el regocijo”. Delirantes hallazcantazos nos empujan hacia el gos lingüísticos populares, cazados lugar del No. ¿Cuántas veces duoído atento por Ordoñez. damos en proclamar un Sí rotunY, claro, el teatro ocupa en estas pádo por miedo a que se rieran de ginas un lugar central, en ocasiones nosotros? Y es que el Sí entusiasta está presente aunque no escriba requiere una cierta dosis de codirectamente de él. Eduardo de FiUNA CIERTA EDAD raje, y el No desdeñoso nos hace lippo, el dramaturgo napolitano que MARCOS ORDOÑEZ parecer más listos y más insobortanto admira Ordoñez; William LayAnagrama 2019 nables. Ya llegará el tiempo del ton, Rattigan, Veronese, los héroes y valiente No. Pero que tu primera los villanos de Shakespeare, comenrespuesta, tu tarjeta de presentatarios oídos en el patio de butacas o ción, sea un valiente Sí”. Y tras dedicar unas en- a la salida de la función, Pinter, Hare, Donellan tradas a la significativa tendencia de sus alumnos Anne Bogart, el gran Alfredo Landa, Pou, Pasa poner a caer de un burro la obra, peli o libro qual, Espert, Sanzol, Galcerán Toni Servillo, del que les pide que hagan una crítica –y es que Wajdi Mouawad; la bronca entre María Luisa asocian crítica a crítica negativa—, concluye Or- Ponte y María Asquerino con Agustín González doñez: “Estas últimas entradas podrían resumir- en medio; Julia Gutiérrez Caba recordando el sose así: “-¿Qué opina de los haters? –me pregunta. norísimo pedo que alguien se tiró en el momen–Prefiero a los lovers. –le digo”. Como prueba to menos adecuado de la función. No me resisto última de este contagioso entusiasmo que re- a citar dos breves entradas: “Sabiduría de Peter corre el libro de cabo a rabo, esta otra bellísima Brook: “Cualquier teatro que proporciona auténentrada: “La exhortación final de un napolitano tica delicia tiene bien ganado su nombre. Para mí borracho y furioso, tras lanzar una retahíla de el teatro no es un arte sino una forma de alegría. espumosas blasfemias, en una obra de Raffaele Mi único objetivo es que al acabar el espectáculo Viviani: “Gozad bajo el sol y la lluvia en los días el público se sienta mejor. El teatro es un fugitivo que os han sido concedidos. Todo lo demás no destello de vida”. Y la otra: “Me preguntan por tiene sentido”. Ese tono de pequeña celebración qué la gente va al teatro. Les digo: porque, cuanexistencial impregna incluso las entradas en las do es bueno, es uno de los pocos sitios donde nos que escribe sobre la muerte de personas queri- van a decir la verdad. Mejor, es un lugar cuyo das, como las actrices Anna Lizarán, Rosa Novell puro objetivo es la construcción de la verdad”. — – 58 –

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VIVIR PARA CONTARLO

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La censura de los cuentos tradicionales (I)

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Virginia Imaz

urante el curso pasado, el AMPA de la escuela Tàber analizó el catálogo de libros destinados a niños menores de seis años y detectaron que 200 de ellos (el 30% del fondo) contenían, al parecer, altos contenidos sexistas, así que decidieron eliminarlos, por considerarlos “tóxicos” . La polémica está servida una vez más, sobre el tipo de cuentos que llegan a la población infantil. Gente con una larga trayectoria en materia de igualdad y de coeducación, coincide en que se trata de un debate “complejo”, que en ningún caso se puede reducir a la prohibición de una serie de títulos.

Aplauden que se cuestione qué tipo de literatura infantil se lee, pero destacan que lo fundamental en materia pedagógica radica más en el acompañamiento que hacemos a una criatura, al educar, en el momento de la lectura y nuestro posicionamiento respecto a lo que leemos, que en el contenido mismo de la lectura, y rechazan mayoritariamente la retirada de libros. Yo también. Estoy radicalmente en contra de censuras como esta.

Creo que educar es acompañar amorosamente y que funciona siempre mejor el desarrollo del pensamiento crítico, y el ofrecimiento de cuantas más alternativas de modelos y de referentes, mejor, que cualquier tipo de fundamentalismo que nos lleve al pensamiento único.

Entre los libros eliminados en esta escuela, algunos de ellos son cuentos tradicionales, como él de la Caperucita Roja o la Cenicienta o leyendas, como la de Sant Jordi, aunque hay también libros destinados al aprendizaje de hábitos o relatos más modernos. Yo ya me he posicionado en relación a este tema con anterioridad de manera tajante: soy feminista y una defensora a ultranza de los cuentos tradicionales. Siguiendo a Clarissa Pínkola Estés, las historias de la tradición oral contienen instrucciones preciosas y precisas para la vida. Negárselas a las generaciones en construcción es una medida tan desproporcionada como amputar para quitar un dolor de cabeza.

Es cierto que las tradiciones precisan ser revisadas. Las tradiciones de todo tipo. Sin duda. En Antzuola (Gipuzkoa), el pueblo donde vivo, y por iniciativa de la comunidad escolar, la festividad denominada “ el alarde del moro “ fue motivo de reflexión y fue transformada. Un proceso pedagógico e inclusivo que involucró a todo el – 59 –

pueblo y que permitió llegar a consenso, pero sobre todo dio la posibilidad de ampliar la mirada, de desnaturalizar lo que hemos vivido como algo natural.

Sí, sin duda, hay tradiciones que deben ser cambiadas, como por ejemplo la quema de libros o la censura institucional sobre lo que debemos leer y lo que no.

Y más, cuando en algunos casos la tradición atenta contra los derechos humanos como en la amputación del clítoris, en el maltrato animal ( burros o cabras que se tiran desde lo alto del campanario de las iglesias de algunos pueblos) o aquellos que incitan al odio contra las personas extranjeras, contra las mujeres y en general contra lo que dentro de una tribu determinada se considera diferente.

Entonces ¿ qué hacemos con los cuentos tradicionales ? Están plagados de “ismos” ( sexismo, racismo, clasismo...) es cierto. Como cualquier producción humana de cualquier época.¿ Qué grandes obras del canon literario, pictórico, cinematográfico pasarían en la actualidad el test actual de lo políticamente correcto ? Por ejemplo,Twain y su estupenda creación Huckleberry Finn. Con esta novela la comunidad afroamericana ha censurado este libro por considerar que Jim recibe por parte de Huck un trato ofensivo y vejatorio (la palabra con connotaciones despectivas “nigger” se lee una y otra vez en esta obra), y que no deja de ser un personaje elaborado a base de los clichés racistas de la época. Yo soy fan acérrima de las creaciones de Twain, de su Tom Sayer y de su Huckleberry Finn. Estoy feliz de que esa censura no me atrapara y haber podido leer estos libros. Esta censura, quizás porque no soy negra, es cierto, me parece extremista y descabellada porque en mi caso no me hizo xenófoba o racista o más de lo que creo no ser. De hecho lo que más recuerdo, lo realmente interesante de un libro tan excepcional, era como Huck dejaba a un lado sus prejuicios de “blanco supremacista” ( huérfano, pobre...) y reconocía a Jim como un verdadero amigo, un compañero de viaje a pesar del color de su piel.

Creo que con el machismo en ellos cuentos de hadas corremos el riesgo de ser más papistas que el papa y de privar a las nuevas generaciones de un legado muy valioso... —

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POSTALES ARGENTINAS

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Dos estrenos teatrales en la restauración neoliberal

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Jorge Dubatti

ichosamente han regresado a la cartelera de Buenos Aires dos espectáculos estrenados en 2018, grandes acontecimientos teatrales del circuito independiente que se ofrecen como eficaces dispositivos artísticos para pensar la restauración neoliberal a la que ha sido sometida la Argentina con el gobierno actual: Pundonor, de Andrea Garrote y Rafael Spregelburd (Hasta Trilce), y Vientre (el hueco de donde venimos), dirección de Marcos Arano con el grupo Malvado Colibrí (La Carpintería).

Llamamos restauración neoliberal al período de la política y la cultura argentina que se instala desde diciembre de 2015 hasta hoy, tanto por su corte respecto del post-neoliberalismo en los años 2003-2015, como por la forma en que reconecta con las variables históricas neoliberales impuestas hasta la crisis entre 1989-2003. La herramienta teórica que nos permite subperiodizar de esta manera la Postdictadura es la distinción entre macropolítica y micropolítica (para la que seguimos a F. Guattari / S. Rolnik, y a Eduardo “Tato” Pavlovsky). En síntesis: la macropolítica como los discursos de representación de alto grado de institucionalización (por ejemplo, los que se imponen desde las políticas estatales y/o los grandes partidos); la micropolítica como la construcción de territorios de subjetividad alternativos a las macropolíticas. Cambia la macropolítica y se redefinen las micropolíticas en relación dialéctica. Es fundamentalmente la imposición de la macropolítica desde el poder la que establece ejes de cambio a esa interacción. Las micropolíticas reaccionan ante las macropolíticas, las friccionan y confrontan, las desenmascaran, se oponen a ellas o al menos las ponen en evidencia.

En la Argentina, a partir de diciembre de 2015, cambia profundamente la macropolítica respecto del gobierno anterior. Macri impone desde el Estado que “el problema de la Argentina son los argentinos” y propone un “cambio cultural” para revertir comportamientos de “siete décadas”. ¿En qué consiste ese “cambio cultural” para la macropolítica vigente? Redistribución de la riqueza, concentración de privilegios en un sector minoritario, desigualdad de clases; reducción del Estado e imposición de – 60 –

políticas de ajuste; apoyo a la iniciativa privada; financierización de la economía; tarifazos, caída del mercado interno, desindustrialización, exportación de materias primas e importación de productos de elaboración industrial, con las consecuentes inflación, recesión y aumento de la pobreza y de la pérdida de fuentes de trabajo; brutal endeudamiento (FMI); apagón mediático y blindaje de la información, auge de la posverdad y las fake news; control de las redes sociales y fuerte publicidad oficialista; profundización de la “grieta” social; creciente militarización y políticas represivas (basta un símbolo: la reja que divide la Plaza de Mayo); nuevas alianzas internacionales, entre otras variables.

Una vasta bibliografía académica y de investigación periodística desarrolla cada uno de estos aspectos del período.

El cambio de macropolítica ha afectado al campo teatral en todos sus niveles: producción, poéticas, imaginarios, circuitos, públicos, intercambios con el mundo, publicaciones, equipamiento, etc. Se advierte un crecimiento de las micropolíticas de la resistencia y la resiliencia (especialmente en el teatro independiente, como en los noventa neoliberales) y un sentimiento de malestar generalizado, tanto en quienes rechazan (gran mayoría) como en quienes apoyan (una minoría) la macropolítica vigente. Hay un marcado fenómeno de empobrecimiento, achicamiento y de reordenamiento de los agentes en los circuitos de producción: nuevos roles para el teatro independiente (cada vez más hundido en la preocupación y la adversidad), para el teatro comercial (reducido drásticamente en cantidad y en calidad) y para el teatro oficial (que en este contexto de empobrecimiento crece en visibilidad por la expectativa de contratos para los artistas y por el precio más accesible de las entradas para los espectadores).

Las poéticas teatrales dan una respuesta a la macropolítica. Pundonor es un unipersonal escrito e interpretado por la gran actriz Andrea Garrote, quien además lo dirige con la colaboración de Rafael Spregelburd (ambos integran la Compañía Patrón Vázquez desde 1994). La fusión de lo cómico (potentísimo) y lo trágico hacen de Pundonor un hito del nuevo grotesco,

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POSTALES ARGENTINAS

en la mejor tradición del expresionismo escénico. Tras una forzada licencia, una profesora de Filosofía vuelve a dar clase: el tema del día es una introducción a las ideas de Michel Foucault sobre el poder, la libertad y el lenguaje. Vemos en escena un aula (podría ser de la Facultad de Filosofía y Letras o de la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA, recreada espacial y lumínicamente por Santiago Badillo) y los espectadores toman el lugar de los alumnos que asisten a la clase. La profesora va explicando “cómo funciona en el sujeto la máquina del poder”, de qué manera “lo moldea convirtiéndolo en un engranaje que reproduce a su vez la maquinaria”. Se pone a sí misma como demostración de la vigencia de las ideas de Foucault y los espectadores conocen a qué se debió el apartamiento laboral de la profesora. “Ser rebelde no implica ser libre. El rebelde está en diálogo con la orden. Desobedece, ergo: está atascado en el sistema. ¿O acaso nosotros no luchamos solo las luchas que el sistema admite que luchemos? ¿Pero si renunciamos a todo y queremos armar la nuestra, una nueva forma de vivir entre nos? ¡Ah ahí nos quiero ver! Mi fase depresiva empezó cuando por fin encarné esa desesperanza en la rebeldía”. Si saber es educarse en la conciencia del fracaso, en la desilusión, en la confrontación con el límite, entonces se comprende por qué la profesora empezó su clase rogando a los alumnos que “¡Abandonen la materia!”. Es notable cómo la dramaturgia de Garrote maneja las principales ideas de Foucault (La arqueología del saber, Vigilar y castigar, Microfísica del poder, Historia de la sexualidad, entre sus libros fundamentales) y, al mismo tiempo, las encarna en efectiva teatralidad. Pundonor es mucho más que una “clase”: es la historia de un encierro, de un disciplinamiento, de una castración en feroz crescendo hacia la locura. Y, a la vez, una herramienta de conciencia sobre el funcionamiento de la macropolítica actual. “Pundonor” es una extraña palabra, que invoca el sentimiento de dignidad personal que exige a uno mismo atención y dedicación continua en una labor o profesión. Cuanto más sabemos, ¿más conscientes somos de los límites de la libertad? ¿O el hacer del teatro resuelve existencialmente la aporía, tanto en la actuación como en la expectación? La intensidad e inteligencia del acontecimiento teatral, que pone cuerpo a la filosofía, parece abrir la reflexión a nuevas esperanzas. En Pundonor la risa, vehículo de la tragedia, es una de las formas más plenas del conocimiento. ¿Por qué proliferan los personajes de científicos y profesores en el teatro argentino actual? Se trata de metáforas de la actual condición del teatro: producir conocimiento para la vida. Para otra vida.

En Vientre, con texto de Marcos Arano y Gabriel Graves, se propone una historia de las mujeres en la Argentina. A la manera del “teatro de los muertos” (magnífica la escena del baile de los esqueletos), la acción transcurre en un cementerio en el que se asiste a relevantes resurrecciones: desenterrar es desocultar las voces de la historia, el teatro como trabajo de la memoria (Elizabeth Jelin). Una sublevación: una historia de las micropolíticas que han enfrentado a la macropolítica del patriarcado y el machismo. ¿Acaso la gestación micropolítica de una macropolítica alternativa en el actual movimiento de mujeres? “Profesor: Se desente-

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rraron y… empezaron a contar cosas de otras mujeres.

Es como si el cementerio… como si la tierra estuviese conectada con toda la otra tierra… como si las raíces estuviesen sublevándose… como si el subsuelo de la patria se sublevara...”. Así, enmarcadas por la imagen de las tres sucesivas “trabajadoras” (la que cose, la que escribe, la prostituta, cuyas acciones son acechadas por el horror y se cierran en un grito), van reencarnando Micaela Bastidas, las huelguistas de los conventillos (1907), las primeras periodistas feministas, Mariquita Sánchez y Encarnación Ezcurra, las militantes del Consejo Nacional de Mujeres por la República (Alicia Moreau de Justo, Julieta Lantieri, Carolina Muzzili, Cecilia Grierson), las “rabonas”, Camila O’Gorman, las primeras enfermeras diplomadas, las prostitutas de San Julián, Eva Perón… También se da cuenta de los discursos contra la mujer, de los “enterradores”, y de las dificultades y resistencias que padecieron (y siguen padeciendo) las mujeres que pelean por una sociedad con igualdad de posibilidades y derechos. “Enterrador: ¿Para qué se quieren desenterrar estas mujeres? Profesor: ¿Será para que se conozcan sus historias? Enterrador: Qué obvio. Cantante: A veces también hay que explicar lo obvio. Enterrador: Igual, acá el problema no es ese. El problema es que cada desenterrada la tenemos que enterrar de vuelta”. Veintitrés actores-músicos en escena que dominan las técnicas del clown y el musical (la dirección musical está a cargo de Ian Shifres) se valen de la risa, en la vertiente cómico-dramática, como forma de conocimiento y afirmación de la historia femenina. Sobresale el ritmo escénico, verdadera máquina de teatralidad fundada en la mutabilidad permanente de los signos. También el cruce anacrónico de discursos, como cuando se sintetizan lúdicamente avances y retrocesos femeninos bajo la forma de pronóstico meteorológico televisivo: “Atunto: Calientes están las cosas así que vamos ahora con el reporte del clima de lucha. Contraindicado: Para 1810 el sol del 25 empezaba a asomar pero un fuerte frente de tormenta se presenta dejando 100% nublada la participación política femenina. Para 1852 algún despeje se puede observar con los primeros grupos activos femeninos y el comienzo de la primer temporada de prensa editada por y para la mujer. Pero esta sensación térmica se reduce a gran escala hasta recién a mediados de 1890 donde podemos ver un poquito de claridad con frentes de protestas de obreras, aunque parcialmente nubladas por la represión policial y una nueva temporada de prensa con temperaturas en ascenso que no hay ni marido ni patrón ni Dios que la aguante. Y ahora sí aires más despejados soplan para 1900 con la corriente del consejo nacional de mujeres con leves cambios hacia el acceso a la educación y la igualdad de salarios. Pero chicas no se saquen el abrigo todavía porque para 1912 una ola polar con nevadas y tormentas amenaza desde el congreso con la Ley Sáenz Peña congelando nuevamente las gestiones y decisiones políticas femeninas. Así están las cosas por ahora. Volvemos a estudios”. Notable espectáculo que el público acompaña llenando cada función.

Malvado Colibrí, gran revelación del teatro porteño. —

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EL LADO OSCURO

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Atomización y precariedad contractual

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Jaume Colomer

l día 9 de abril tuve la oportunidad de participar en las Xornadas sobre Mediación Cultural que se celebraron en Santiago de Compostela organizadas por el Consello da Cultura Galega y coordinadas por Marcos Lorenzo.

Después de las sesiones, organizadores y ponentes nos citamos en la Casa de Xantar O Dezaseis para seguir el debate en un tono informal en un contexto gastronómico. Con Alberto García, técnico de cultura de Boiro, empezamos a hablar sobre la atomización del sector cultural en Galicia y la nueva ley de contratos del sector público1.

La nueva ley tiene por objeto “regular la contratación del sector público [...] y asegurar [...] la salvaguarda de la libre competencia y la selección de la oferta económicamente más ventajosa”. El efecto más negativo, consideran algunos, es que en las convocatorias las grandes empresas tienen notables ventajas competitivas respecto a las pequeñas y, después de ganar la mayoría de concursos, subcontratan a pequeños operadores en condiciones próximas a la explotación para tener márgenes de negocio suculentos como intermediarios. Los pequeños operadores presionan a los poderes públicos para que fragmenten los servicios que externalizan y se ajusten más a las magnitudes económicas de los pequeños.

La idea, de entrada, parece buena. Pero tal vez es pan para hoy y hambre para mañana porque consolida la precariedad estructural del sector. Richard Florida, que el año 2002 publicó su propuesta de modelo de desarrollo local a partir de las Industrias Culturales y Creativas, quince años después reconoce que el modelo de las ICC ha fracasado y que ha generado atomización y monopolización de los beneficios y ha llevado a la precariedad de los emprendedores y a la debilidad estructural del sector.

Las estructuras operativas atomizadas tienen, proporcionalmente, mayor coste estructural por cada unidad de servicio o actividad producida que las grandes estructuras.

El mayor coste estructural las hace menos com-

petitivas y reduce su capacidad de inversión, obligándolas a la producción de servicios menos atractivos y competitivos.

La atomización del sector cultural es un handicap estructural grave. Para poder generar economías de escala considero que sólo hay dos opciones: la concentración empresarial o la asociación de pequeñas empresas y autónomos en forma de clúster.

La concentración empresarial lleva inevitablemente a la pérdida de biodiversidad cultural y, por lo tanto, es una opción negativa en el ámbito de la cultura. La asociación de pequeñas empresas y autónomos en forma de clúster territorial es una opción más interesante y adecuada a la naturaleza del sector cultural porque se basa en la diversidad, la complementariedad y el trabajo en red. Cada operador ocupa un nicho funcional especializado en un sistema autoregulado como comunidad de práctica que comparte las estructuras de producción y gestión, fomenta la cooperación y produce economías de escala.

Sobre el papel, la creación de clúster escénicos territoriales ofrecería interesantes oportunidades para reducir la precariedad del sector sin recurrir a la concentración empresarial. Sin embargo, en algunos intentos en los que he participado, los promotores han topado con una barrera infranqueable: los enormes egos de los responsables de muchas estructuras operativas que consideran que compartir un proyecto artístico con otros, aunque sólo sea en los medios de producción, es perder identidad y singularidad artística.

Tengo la impresión que las nuevas generaciones tienen mayor capacidad cooperativa y son más pragmáticas y que, por lo tanto, dentro de un tiempo, el sector de las artes escénicas podrá reducir los efectos negativos de la atomización a través de agrupaciones cooperativas que tengan capacidad de generar economías de escala y conseguir un buen posicionamiento en un mercado cada vez más globalizado. —

1- Ley 9/2017, de 8 de noviembre, de Contratos del Sector Público, por la que se transponen al ordenamiento jurídico español las Directivas del Parlamento Europeo y del Consejo 2014/23/UE y 2014/24/ UE, de 26 de febrero de 2014.

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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El Teatro Rural en México(2)

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Jaime Chabaud

n mi país, ante el triunfo de la izquierda y el presidente Andrés Manuel López Obrador en las urnas en julio de 2018, las nuevas autoridades culturales han declarado la necesaria democratización de los bienes y servicios culturales para la gente que nunca los ha tenido. Esto suena muy bien dados los índices paupérrimos de consumos culturales que se han estudiado en los últimos años. Los números de la cuenta satélite de cultura del INEGI (2012) sobre este tema son profundamente desalentadores e ilustran lo que acabo de sostener. Centrándome sólo en la disciplina del teatro, el 95% de mis conciudadanos nunca han pisado un recinto teatral. Las visitas a museos van por los mismos números y el promedio de lectura anual del mexicano es de 0,5 libros. Resulta, pues, aterrador que 9 de cada 10 personas de este país no conocen han asistido al teatro.

Por supuesto que ha habido un proceso de pauperización del nivel educativo de los mexicanos pero no sería descabellada la hipótesis de que los consumos culturales (y teatral en específico) no es muy diferente al de los años previos a la Revolución. Lo cual no demuestra un rechazo de la población, pues cuando se ponen a su alcance experiencias artísticas o se les estimula a desarrollarlas, son muy bien recibidas.

En todo caso lo que delata es que no han existido políticas públicas de largo aliento que sobrevivan a los vaivenes de los cambios políticos y partidistas de cada seis años.

El teatro rural o campesino, como mencionaba en la entrega anterior a Artezblai, ha tenido un desarrollo en ciertos momentos de la historia reciente, en buena medida, por iniciativas gubernamentales. Tanto el teatro del CREFAL de los años 50, como el auspiciado por la Compañía Nacional de Subsistencias Populares (CONASUPO) dos décadas más tarde en el siglo XX, tuvieron como diferencia enorme con las Misiones Culturales que aquellos que lo animaban eran egresados y maestros de la Escuela de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes.

En el segundo caso, además, se incorporaban a sus filas gente formada en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. El teatro CONASUPO, a cargo de un profesional, el director de escena Rodolfo Valencia (formado en el exbloque socialista), contemplaba dos líneas de trabajo: llevar puestas en escena a las comunidades, realizadas por profesionales; y la segunda era un trabajo de entrena– 63 –

miento teatral con personas de las comunidades que, entusiasmadas, realizaban sus propias puestas en escena. No obstante incluir una aspiración artística, el programa del teatro CONASUPO también exigía una serie de discursos propagandísticos o educativos que eran requisito para su financiación.

Al terminar el teatro CONASUPO surgió la iniciativa, con la Dirección de Culturas Populares de la SEP, del Taller de Arte Escénico Popular (AEP) que al igual que su antecedente inmediato, buscaba por medio de contenidos didácticos ayudar al campesinado a vender mejor sus cosechas o a mejorar su rendimiento (hubo otros temas: de salud, artes manuales, artesanales, el aprovechamiento de los recursos naturales, de sus tradiciones e historias de tradición oral, etc.).

En esta experiencia, liderada por Valencia mismo y un grupo de profesionales, crearon un sistema de pedagogía teatral muy estructurado dirigido al campesinado y a la gente de los pueblos.

No pretendían, de modo alguno (aunque no faltó el alumno que destacara y abrazara su vocación) formar actores profesionales sino comunicadores de un mensaje útil para su comunidad.

El teatro rural durante el siglo XX tuvo cinco momentos relevantes a partir de iniciativas gubernamentales: las Misiones Culturales (su esplendor de 1934 a 1940), con el CREFAL (1950 a 1964), el Teatro CONASUPO de Orientación Campesina (1970 a 1976), el Taller de Arte Escénico Popular (1977-1982) y el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de Tabasco (1983) aún vigente aunque con una sede en Yucatán. Han existido o existen esfuerzos desde las propias comunidades que hallan en líderes inquietos, con inclinaciones artísticas, el anhelo de realizar teatro. De cara a la puesta en marcha y afinación del ambicioso proyecto que la Secretaría de Cultura federal se ha propuesto de democratizar la cultura haciendo efectivo el derecho constitucional de acceso a los bienes y servicios culturales así como el reconocimiento, protección y fomento de las expresiones comunitarias y/u originarias, sigo pensando que se está ante una oportunidad histórica qué hay que cuidar para que no se desperdicie en cumplir expedientes políticos ni en golondrinas que no producen verano. Lo cierto es que las comunidades y municipios en México han estado históricamente tan abandonados de servicios culturales que no existe en la gran mayoría la costumbre del consumo cultural. —

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

MAYO | JUNIO | 2019

Quiéreme por quien yo soy / Las brujas de Salem

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Victor Criado

l documental Älska mig för den jag är (Quiéreme por quien yo soy) narra la trayectoria artística de una cantante sueca, Josefine Nilsson, fallecida hace 3 años. Cantante/actriz que había formado parte de la memoria colectiva sueca. Título que a su vez es el estribillo de una de las canciones más conocidas de la cantante junto a su grupo Ainbusk.

El documental es narrado por las tres componentes de dicho cuarteto que la acompañaron la mayor parte de su carrera, y que conocieron de cerca su vida. Contado con mucha nostalgia no dejaría de ser un documental más sobre un artista fallecido de no ser por…

De un modo más o menos sutil se desliza en los poco más de 59 minutos la influencia que los malos tratos sufridos por parte de su ex-marido influyeron en su declive, en su angustia y sufrimiento y que, de modo evidente, influyeron en su fatal desenlace. Amenazas, persecución, palizas, más en mayor que en menor grado, fueron marchitando el alma y aspecto de esta mujer.

Parte de ese oscuro periodo se nos muestra a través de amenazas en forma de carta, testimonios de la propia actriz, alguna interpretación en la que el dolor real se cuela en el alma de las canciones/personajes que compone. Pero el autor permanece en el anonimato. En un momento la propia actriz describe cómo es arrojada contra la pared de su casa que se resquebraja, al mismo tiempo que su alma.

Pocas semanas después de su emisión el diario de más tirada en Suecia se hace eco de cómo en el Dramaten algunos de los miembros del elenco estable se rebelan contra el hecho de que un actor ya veterano del mismo pueda protagonizar proyectos en la institución cuando, es evidente, que su pasado es impresentable. Un actor que en su momento fue acusado y condenado por los malos tratos que procuró a su mujer.

Sí, esa cantante actriz de la que habla el documental.

No son pocos los actores y actrices que denuncian el hecho de que este actor continúe su labor profesional cuando son conscientes del maltrato, vejaciones, insultos y secuelas físicas/ psíquicas que infligió a su esposa. Y cómo ese maltrato continuó cuando ella pidió su separación, tratando de huir de esa pesadilla, protago– 64 –

nizada por este actor en una de sus más lamentables “interpretaciones”.

Esa protesta individual, arropada por el eco del movimiento metoo, comienza a crecer y las críticas a la dirección artística del teatro aumentan de modo imparable. A los pocos días el consejo de dirección del Dramaten anuncia la dimisión de su director artístico. Dimisión que es acompañada por las alabanzas a su labor artística, no tanto a su capacidad de gestión para atajar esta corriente subterránea que atraviesa los camerinos, pasillos y ascensores de una institución tan alabada como anquilosada. No son pocos los testimonios que hablan de actores que, protegidos por un aura de “calidad teatral incuestionable” han hecho de la institución un campo minado por privilegios y manías que en muchos casos se convierten en maltrato y humillación. Actores con “prestigio” que humillan a jóvenes principiantes, ascensores de uso “exclusivo” por parte de unos elegidos. Humillaciones durante los ensayos. Nada nuevo para alguien que conozca las cloacas de esta profesión. Pero que en este caso, en Suecia 2019, comienzan a tener un precio.

El actor maltratador que formaba parte de un espectáculo del repertorio del Dramaten ve cómo las últimas funciones son suspendidas de modo inmediato, y en los medios el director artístico (ese que a los pocos días será destituido) anuncia que el actor no va a participar en ninguna producción en el futuro.

Marcado de por vida, ese actor de oscuro pasado, va a observar los estrenos desde la platea.

En el mejor de los casos.

El debate sobre el Dramaten sigue abierto. Primero fue el Stadsteatern (cuyo director tuvo que dimitir para suicidarse meses más tarde), después la academia sueca que elige los premios Nobel se ha visto envuelta en una crisis que ha obligado a suspender la entrega de los Nobel de literatura, y ahora el Dramaten. Suma y sigue. Todo esto afectado de un modo u otro por el movimiento metoo.

Hasta aquí los hechos. Ahora las preguntas. ¿Es lícito que una persona que ha sido condenada y ha cumplido su pena por unos hechos acaecidos en el pasado sea de nuevo “juzgada” ante la opinión pública?

Se abre un gran debate.—

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

MAYO | JUNIO | 2019

Farándula, indecisiones y elecciones

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Javier Villán

as elecciones a la vuelta de la esquina y por partida doble o triple, no sé muy bien, van a plantear a los españoles la resolución de su futuro, al menos a corto plazo. Tras la larga cuarentena del general furriel que convirtió España en un campo de concentración, descubrimos la mitología de la democracia. Tampoco fue lo que esperábamos, pero valió para incorporar al sistema a los apátridas. Y valió sobre todo para desterrar el término de Dictadura y para que el maestroescuela, Julio Anguita, inmortalizara aquello de “programa, programa, programa”.

Fue por entonces cuando algunos empezaron a usar el término sorpasso, que no sé si en estas circunstancias políticas viene al caso. En la revista Artez la verdadera democracia la encarna el director de forma inapelable, tal día a tal hora… quiero las colaboraciones.

Yo votaría al partido político que llevase en su programa la intención de protección al teatro como eje vertebral de una sociedad.

Pero el teatro es testimonio de una época y la huella que están dejando muchos elementos de la sociedad española no sé si merece la pena perdurar.

El PP nunca ha sido entusiasta del teatro y en el Español, de la plaza de Santa Ana, comprobé la hostilidad a Perez Galdós en una adaptación de Fortunata y Jacinta que escandalizó a la plana mayor del PP y a sus esposas. Todos menos Alvarez del Manzano, el alcalde de Madrid, un sevillano ilustrado al que gustaba discutir de toros.

Podemos, por boca de Pablo Iglesias, afirmó que el teatro era una mariconada, aunque luego lo desmintió. Lo desmintiera o no nunca lo he visto en un estreno de teatro, aunque a lo mejor va otro día.

Y la referencia de Ciudadanos es un actor metido a político llamado Toni Cantó. Le vi algunas obras cuyo título no recuerdo y era un galán razonablemente convincente.

En Madrid hay mucho teatro, teatro para todos los gustos, la capital del teatro y la capital de la gloria, que dijo en tiempos de la Incivil Guerra del 36, Paul Elouard.

Gente aficionada a la estadística considera que en Madrid ven teatro más gente que fútbol y más que toros. Yo también podría asegurarlo, – 65 –

aunque cada vez soy menos dado a estar seguro de las cosas.

Todos estos datos convierten a Madrid en una ciudad culta o, por lo menos, una ciudad consumidora de teatro. Naturalmente podríamos aplicar a esta afirmación el dicho de doña Gertrudis Gómez de Avellaneda que “no aprovecha todo lo que se come sino lo que se digiere”.

Pero esto nos llevaría a otros terrenos difíciles de dilucidar.

En casa hay aproximadamente unos 7.000 libros y lo primero que preguntan los visitantes es si los he leído todos. Yo no, aunque Ana puede que sí. Entre tantos libros los hay de consulta, de estudio, de simple divertimento. Hay mucha novela y montones de poesía. Unos están maltratados por el uso, con subrayados y anotaciones al margen.

Abundan los de ensayo político y de teatro, las ediciones de obras que probablemente nunca se representarán. Pero hace unos años tras una encendida polémica, Alfonso Sastre me convenció de que leer teatro es un ejercicio saludable. Sobre todo en un país en el que se representa poco teatro español y abundan las obras de éxito en el extranjero que atraen más al espectador medio español.

Con todo en los últimos tiempos tiene cierto protagonismo el teatro experimental para públicos más restringidos, muy fieles e incondicionales. ¿Llevarán a sus programas algo de esto los partidos políticos? Por lo visto y oído sospecho que no. Pero de todas formas hay que votar.

Al menos para darles a los políticos la oportunidad de incumplir sus promesas.

En esto podemos ser fieles a Franco el dictador infame que recomendaba: “hagan ustedes lo que yo; no se metan en política ni hagan caso a los políticos”.

El Generalísimo cuyas cenizas se resisten a abandonar Cuelgamuros, pese a las promesas de Pedro Sánchez, bien se merece una obra de teatro de protagonista.

Cine hay, sobre todo encarnado por dos rojos de pedigree, Juan Diego y Juan Echanove, Madre Gilda y Dragón Rapide. Mucho se ha escrito sobre él, a favor y en contra, pero que yo sepa o recuerde, nunca una obra de teatro, una tragedia (Eurípides, Sófocles, Esquilo). —

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MAYO | JUNIO | 2019

ESCAPARATE L

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A mí no me callan

Las mujeres y el Circo Social La Delegación de Igualdad y Juventud de la Diputación de Granada ha publicado las Actas Ponencias de la II Edición Festival CAU bajo el título ‘Las mujeres y el Circo Social’. En el citado festival, organizado por el CAU, Centro de Artes Urbanas los días 6, 7 y 8 de diciembre de 2017, “se abordaron como temas principales de reflexión la mujer y el circo social, cuya estructura de trabajo se organizó partiendo de un punto de vista general, la mujer, el género y las artes escénicas, para ir concretándolo hasta llegar al circo”, explica Miguel Ángel Tidor, coordinador de esta publicación.

El título de la primera sesión fue “Perspectiva de género en las artes escénicas. Género y circo”, la segunda se presentó como “El circo social como herramienta de transformación.

Perspectiva de género en el circo social”, y la tercera y última giró sobre “Circo social y género. Otras miradas”.

Alrevés ha publicado ‘A mí no me callan’ de Pepe Rubianes, una edición con prólogo de Andreu Buenafuente que se presenta con el subtítulo: Monólogos, compromiso y vida terrenal.

Un libro para conocer al Pepe pensador, al Pepe poeta, al cronista, escritor, director... de sus propias historias.

La Comedia del Arte (2ª edición) A petición de sus lectores, Fundamentos a reeditado ‘La Comedia del Arte: materiales escénicos’, una antología de textos a medio camino entre la literatura dramática y las simples anotaciones de acciones destinado a estudiosos, directores y escritores.

Pasarela Senegal

Josep. A Baixeras

“En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas”. A partir de esta idea César López Llera crea ‘Pasarela Senegal’, una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo. Artezblai ha publicado esta nueva obra del dramaturgo madrileño, quien, a raíz del mencionado suceso en la Pasarela de Barcelona, “siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo”, explica Francisco Gutiérrez Carbajo, encargado del prólogo de la presente edición.

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Cossetània Edicions ha publicado el 4º volumen de la Obra completa de Jospe A. Baixeras, donde se recoge el ‘Teatre original’ y las ‘Traduccions teatrals’ de este abogado, escritor y político catalán. El primer volumen recoge sus crónicas radiofónicas, el segundo la narrativa breve y las novelas el 3º.

Lo que vuelve a casa (y otros...)

Nives Rodríguez Rodríguez es la autora de ‘Lo que vuelve a casa (y otros árboles)’, obra teatral dirigida a jóvenes a partir de los 12 años inspirada en una noticia sobre el secuestro de niñas en un colegio de Nigeria. Una co-edición de Anaya y Fundación SGAE con ilustraciones de Teresa Novoa.

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Zirkolika nº 59

Fiestacultura nº 78

La noticia sobre la difícil situación en la que se encuentra el centro de creación Can Ribes de Palma abre este número que incluye una entrevista con Consuelo Reyes, Premio Nacional de Circo, realizada por Marcel Barrera, además de reportajes como el realizado sobre los IX Premios Zirkólika de Circo.

En el presente número de ‘Fiestacultura’ encontramos un artículo de Jorge Picó en el que reflexiona sobre la figura del director artístico, un reportaje titulado ‘Cultura y resistencia en las calles del centro de la ciudad de Chihuaua’, junto con crónicas y noticias de actualidad sobre las artes de calle.

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