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EDITORIAL

SEPTIEMBRE | OCTUBRE | 2018

En concreto no hay mucho más que decir, quizás apuntar por si acaso

C Carlos Gil Zamora Director editorial

uatro patas tiene el gato, con un seis y un cuatro te hago Decíamos en el número anterior tu retrato. El tiempo pasa con una celeridad que asus- que confiábamos en la gestión del ta. Estamos dando información de lo que sucederá en nuevo ministro de Cultura. Nos inseptiembre y octubre. Y, como es habitual, en octubre teresa todo lo relativo al INAEM. Se se concentran los festivales, los estrenos, los inicios de ha anunciado una reunión con todos programación de una manera que necesitaríamos cuatro los responsables de los centros de veces más de espacio para dar cabida a todo lo que se va producción. Parece lógico que se a producir de manera un poco amontonada en fechas, conozcan, que se pongan al día, que pero que nos marcan una tendencia imposible de cam- intenten crear una hoja de ruta para biar, como es la estacionalidad. Algo que debería empe- ir resolviendo alguno de los problezar a estudiarse con las nuevas herramientas sociales que mas inmediatos y circunstanciales. tenemos a nuestro alcance, porque damos casi todo por Pero, insisto de nuevo, este Instihecho y probablemente se puede variar, porque cambian tuto necesita una reconversión, las las costumbres, los hábitos y casi todo. reformas parciales no nos llevarán Circunstancia que, por otro lado, nos alegra porque po- a soluciones prácticas, solo a tapar demos entender que la actividad se mantiene o crece, agujeros. Probablemente no sea el pese a que los presupuestos se han quedamomento, ni hay tiemdo estancados, en general, aunque se note po con lo que pueda El INAEM necesita una tendencia a consolidar y a dar mayoquedar de legislatura, una reconverres vuelos a las propuestas. Es posible que pero se debe empezar sión, las reformas al entrar en una previa campaña electoral a ir preparando una saparciales no nos que desembocará en varias convocatorias lida a esta situación. Lo ya fijadas en la primavera del año próximo, primero que recomenllevarán a soluciopero con alguna circunstancia cambiante nes prácticas, solo daría a todos es que se de por medio, se haya contribuido a esta leyeran la Constitua tapar agujeros alegría en estas programaciones. Nada ción y los Estatutos de que no suceda siempre, algo habitual, que Autonomía vigentes. todos decimos que no debería ser así, pero A partir de ahí tomar que lo es, un vicio muy arraigado. las decisiones pertinentes que reSi los estrenos se van diseminando a largo de los meses quieren de consenso y que necesitan durante toda una temporada, los festivales se concentran de un proceso de debate y discusión. de una manera que parece irremediable. Varios factores Lo escribo una vez más con el pleno han hecho que se considere la llegada del otoño un mo- convencimiento de que esto no intemento ideal para los festivales, empiezan los cursos uni- resa a casi nadie en el entramado acversitarios, se ha superado el primer choque económico tual institucional y de la producción. de la vuelta de las vacaciones y de los gastos de materiales Da igual. Algún día se darán cuenta escolares, hay una voluntad colectiva de cambiar de acti- del tiempo perdido. De la necesidad vidades y, además, al coincidir muchos de ellos, se pueden imperiosa de darle la vuelta a nuesabaratar los costes de los espectáculos que vienen de más tro sistema anquilosado, corrupto lejos. Se comprende todo, además no existe una movilidad por viejo y por no atender a la realide aficionados o de públicos suficiente como para luchar dad ni política, ni social, ni cultural por la exclusividad de una programación, porque el teatro existente. Y porque no es de recibo siempre es una propuesta local. Nadie se mueve demasia- que el INAEM se lleve unos presudo para ir al teatro. Lo quieren en su localidad y a la puerta puestos grandes pero insuficientes de su casa si es posible. Otro asunto a estudiar. a mi entender, pero exagerados en – 4 –

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índice

43º 15’ 19.417’’ N | 2º 55’ 34.997’’ E

Opinión Editorial Cronicón de Villán… y corte | Javier Villán Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti El lado oscuro | Jaume Colomer Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado comparación para atender solamente a la población de Madrid, capital. Eso es una error mantenido en el tiempo.

Una circunstancia enquistada que hace que sea un proyecto acabado, que sus unidades de producción no tengan apenas trascendencia y que los ciudadanos del resto del territorio se sientan discriminados y abandonados.

Por eso mi propuesta es una ruptura del actual INAEM y creación de algo nuevo. No una agencia sustitutoria, no la privatización encubierta, sino algo que sirva para los próximos diez o quince años.

Decía antes que van cayendo los años, para todos, y celebramos la edición cincuenta del Festival de Manizales, uno de los pioneros en entender la unidad del teatro latinoamericano que después llamamos con mayor precisión iberoamericano. De ahí venimos, vienen muchas otras iniciativas. Una vocación con claros signos de inclusión y que refleja una idea política de unidad. Algo que se mantiene en el tiempo con dificultades. Han cambiado mucho las cosas, la economía de mercado, los regímenes políticos, las democracias americanas consolidándose después de etapas oscuras de dictaduras. Pero el Teatro se ha mantenido ahí, en un lugar de especial compromiso.

Se habla mucho de la internacionalización de las artes escénicas, como si fuera un asunto de mercado, algo que se puede implementar de manera artificial. Mantengo que primero debe haber mata, para ver cómo sale la patata. Y se pueden implementar políticas de apoyo en cada paíspara ayudar a sus producciones, pero no confundamos las ayudas con el intercambio de cromos. El crear catálogos de obras protegidas es una manera de coartar la libertad de contratación y de movilidad. Leyes sencillas para que se puedan acoger quienes tengan una propuesta. En este sentido el Gobierno vasco tiene una reglamentación muy abierta y a la que se pueden acoger todos los que sean invitados a festivales internacionales. El límite, el presupuesto.

Como ven sigue el FIT de Cádiz siendo una cita imprescindible. Va su suplemento para que vean su oferta. Estamos orgullosos de poder dar tanta información en este número. Vamos al límite de nuestras posibilidades estructurales. Sobrevivimos con mucho esfuerzo. Sigue nuestro periódico digital www.artezblai.com como referencia, la línea editorial va creciendo poco a poco, pero esperamos acelerar el ritmo productivo en breve. Siempre seleccionando autoras y propuestas teóricas. — – 5 –

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Estrenos

9 - 18

Festivales

19 - 56

En

57 - 62

gira Zona abierta

Portada

Fotografía del espectáculo ‘Perra de Nadie’ de ‘Marta Carrasco’

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Suplemento

Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz

Número: 224 - año 22 | Septiembre / Octubre 2018 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

AmazonasAR

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Javier Villán

n el Festival de Mérida, que organiza y programa Jesús Cimarro con su habitual capacidad de desdoblamiento y de trabajo, Magüi Mira ha armado la de Dios es Cristo con las Amazonas.

Magüi Mira en tiempos fue mi actriz favorita y ahora, al abandonar de hecho la interpretación, se ha convertido en mi directora favorita. Ha incendiado Mérida con su diatriba y en el fondo con un canto de amor. Pentesilea enamorada.

Quizá no responda del todo a la mitología amazónica y Ulises el astuto quede un poco desdibujado. Pero entremos en el mito con todas sus consecuencias, el que nos ha llegado a través de la literatura y las historias.

Loles León y Silvia Abascal encabezan un reparto de lujo, donde despunta la carnalidad de su erotismo. Las Amazonas despechadas en el sentido temperamental del término, y en el sentido literal, carentes de un pecho el derecho a mi me plantea algunas dudas. Esta anomalía física provocada les permitía manejar con eficacia mortal el arco y las flechas. Y Magüi tensa el arco de su vida. Una vida fecunda que da su particular visión del mito. Por mucho que se trate de humanizar su condición de mujeres eran depredadoras. Magüi Mira se mueve en una actitud vital radicalizada en los últimos tiempos por un feminismo sin retóricas ornamentales. Hace tiempo que planteó contra la conciencia de una sociedad impúdicamente machista una actitud que resumió en una frase muy gráfica: “a partir de cierta edad las mujeres nos volvemos invisibles para los hombres”. Puede que no solo invisibles, sino ignoradas, ninguneadas. Tienen que imponerse, valga el símil estrictamente machista, “por cojones”. Los hombres solo nos rendimos, y no siempre, ante la evidencia irrevocable. Hay brecha, naturalmente que hay brecha, entre hombres y mujeres. España es un país de actrices, eminentes; y ¿cuántos autores españoles escriben para mujeres? España misma tiene corazón de actriz: generosa, entregada, pero independiente y con su propio carácter. O al menos, así debiera ser.

Magüi ha volcado su sentido escénico y su pensamiento, estética e ideología para completar un gran montaje.

LA RAMERA DE BABILONIA EN EL LARA En los domingos de este verano tórrido, en el – 6 –

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teatro Lara, Ramón Paso, bisnieto de Jardiel Poncela y nieto del prolífico Alfonso que copaba en tiempos la cartelera de Madrid y provincias. está poniendo un título atractivo y con gancho: La ramera de babilonia. Tiene más de Jardiel que de Paso. Me mira perplejo cuando le digo que me costó entrar en el teatro de su bisabuelo y que cuando entré fue estimulado por Alfonso Sastre que lo considera el fundamento del teatro español del siglo XX. Las cuatro actrices de la Ramera son Ana Azorín, Inés Kerzan, Angela Peyrat y Elisa Pelayo y se desdoblan en varios personajes.

Adan es un gilipollas engañado por Eva y la serpiente del paraíso. Reivindicación de la libertad de la mujer maltratada durante siglos especialmente por la Iglesia Católica. Memorable la escena y su madre. La feta es Ana Azorín, Jesusa más tarde en vez de Jesús el Cristo. Pero sería injusto destacarla a ella sola. Apuntes lésbicos, con el gozo de uno de los personajes al ingresar en un convento de monjas. De esposas del señor espera que pasen a ser esposas suyas. Memorable el diálogo entre la madre (Peyrat) y la feta (Azorin) que luego se transforma en Jesusa. Pero sería injusto señalar a alguien en especial.

VILLAS, TODO TEATRO Hay dos grandes festivales en el verano español con un denominador común: Almagro y Mérida. El difunto Pepe Monleón es un nombre indisociable de Mérida; como de Almagro lo son Adolfo Marsillach y César Oliva. Almagro todo teatro; Almagro y su corrala. Mérida todo teatro y el anfiteatro romano. Por encima de la prosaica materialidad de los números, se alza la historia.

Almagro, actualmente está dirigido por Ignacio García que llevó por México y el mundo, el teatro del exilio español, quizá en reconocimiento a la acogida que el presidente dio a los fugitivos de Franco. Ignoro los presupuestos, aunque los considero herederos de Natalia Menéndez. Mérida cuenta con dos millones y medio de presupuesto de los que la Junta de Extremadura aporta millón y medio. Otro millón sale de la taquilla.

Y si este supera esa cifra la cantidad se destina a cancelar el crédito que heredó la actual dirección.

Al año pasado se amortizaron 600.000 euros. Con ventajas y desventajas, con ayudas y programación más que aceptable Mérida se ha convertido en una referencia. Sus piedras, por encima de la prosaica realidad de los números, son las voces de Esquilo, Sófocles y Eurípides. Desde hace unos años, Alcalá de Henares, Olmedo, Olite, Sagunto o Alcántara, entre otras villas, se han incorporado al quehacer veraniego de ofrecer en sus espacios históricos singulares el teatro clásico. Las noches de Olmedo eran frías, las de Almagro y Mérida son simplemente frescas Y el anfiteatro con capacidad para unas 2.500 persona son un acto social multitudinario. —

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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Diplomado de escritura dramática dirigida a jóvenes

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Jaime Chabaud

n La Titería ha ocurrido algo milagroso y aunque en realidad es un resultado obvio de muchos procesos que se han ido dando en el teatro mexicano actual: el Diplomado de Escritura Dramática dirigida a Jóvenes Audiancias. Para el lector español es importante participarle (he escrito antes del “Nuevo Teatro para niños en México en estas páginas) que la gran producción en este rubro de la creación no sólo ha gozado de buena salud sino que es, por decirlo de alguna manera, una revolución importantísima en la forma (en la actuación, la dirección, la producción y la dramaturgia) y también en la relación con los públicos a quienes se ha dejado de tratar como subnormales para tratarles como seres pensantes con un imaginario maravilloso. Esta revolución pasa, pues, por la creación de un teatro inteligente para los niños pero también por la puesta en cuestión del mundo adulto. La Titería, comandada por Lucio Espíndola y Lourdes Pérez Gay, es el único teatro para jóvenes audiencias en la Ciudad de México y es un foro independiente. Ellos han luchado a brazo partido por esta renovación potente que, sin embargo, no deja de tener falencias y es por ello que se lanzan a la creación de este Diplomado, bajo la coordinación de a dramaturga Amaranta Leyva, hoy por hoy una de las mejores escritoras para estos públicos. Es ella la que da voz a este proyecto.

Jaime Chabaud: ¿En qué consiste el Diplomado Escritura Dramática dirigida a Jóvenes Audiencias?

Amaranta Leyva: Se trata de un Diplomado presencial y a distancia en el que los 90 alumnos inscritos y los 18 especialistas en la infancia que dictan las sesiones, cada uno formaciones y especialidades diferentes alrededor del estudio de la infancia, creen y fomenten un espacio propicio para la reflexión, el análisis, la discusión y la creación de textos dramáticos dirigidos a niños y jóvenes. El objetivo es que los alumnos conozcan y dominen la escritura del teatro para niños desde diferentes enfoques y teorías, que trabajen directamente con escritores de teatro para niños para recibir diferentes puntos de vista, diferentes formas de trabajo, que enriquezcan el propio y que generen textos dramáticos especializados en teatro para niños y con calidad, listos para ser presentados y/o publicados. El Diplo– 7 –

mado no pretendemos la creación rápida e instantánea de textos inmediatos. Desde su concepción, su espíritu fue sembrar en los participantes el hábito de dudar de sus propias creencias, volver la reflexión, el análisis y la crítica, herramientas propias para la creación de sus propias historias.

J.Ch.: ¿Cómo se armó el programa?

A.L.: El Diplomado se armó con un equipo de pedagogos del Instituto Nacional de Bellas Artes y de dramaturgos que han trabajado desde hace varios años para formalizar este proyecto, entre ellos Amaranta Leyva y Suzanne Lebeau. Dura 120 horas y está avalado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Fundación La Titería A.C. Está diseñado en 4 módulos y 40 sesiones impartidas por 18 especialistas. El primer módulo se llama Desacondicionamiento de la idea de infancia. Su objetivo es romper esquemas, moldes, ideas preconcebidas que todos llevamos consigo de la infancia. Este módulo es muy importante pues aquí ponemos en duda lo que hemos llevado como una verdad en la escritura para niños.

Aquí, se analiza, se observa y se piensa la infancia desde los diferentes pensamientos de la psicología, la historia, la filosofía, la pedagogía y la literatura.

El segundo módulo, Poéticas del teatro para niños, abarca temas como la ficción y la realidad; la creación del universo poético y la metáfora.

Aquí es donde se concibe una idea propia, un universos a contar, una poética propia. Ha sido interesante ver el desarrollo del trabajo y del pensamiento de los alumnos quienes van aprehendiendo las formas de concebir y comenzar a crear de diferentes escritores. Esto permite, en la práctica, saber que cada quien puede y debe construir sus propios caminos para llegar a contar una historia. El tercer módulo, Formas de contar, se concentrará en el estudio de la estructura dramática, del conflicto y del personaje.

Aquí destacará la forma de contar. Arte complejo, el de saber contar una historia. El cuarto módulo, Creación dramática pretende que lo alumnos apliquen lo aprendido en su propia historia.

Cada maestro podrá ser un asesor que acompañe a quienes lo necesiten. Además, hay dos sesiones especiales para escritura de teatro para jóvenes y para infantes. —

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ESTRENOS

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Novedades escénicas

Estrenos en las tablas vascas Llegan las últimas piezas de Organik, Vaivén y Tanttaka

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a Fundición de Bilbao vuelve a acoger las propuestas escénicas desarrolladas dentro de su programa de apoyo a las residencias de creación. Tres de estos trabajos se podrán disfrutar en el mes de septiembre. Los días 15 y 16 Adriana Bilbao presentará su pieza de flamenco contemporáneo ‘Hierro’. Denis Santacana, por su parte, estrenará los días 22 y 23 ‘Cristal, madera, ceniza’, espectáculo de danza que interpreta junto con Víctor Fernández y que está formado por tres piezas. Un tríptico en el que cada acto está inspirado en uno de estos elementos, y aparecen así representados en el escenario. Los tres actos muestran tres maneras de relacionarse entre dos intérpretes. Y para los días 28 y 29 de septiembre se espera la instalación performática ‘Éter’ del artista sonoro ecuatoriano Emilio Cordero Checa, que cuenta con la colaboración de la artista plástica y performática Leni Méndez.

El bilbaíno Teatro Arriaga ofrecerá los días 7 y 8 de octubre el estreno de ‘Ocaña’, obra de Pabellón 6 dirigida por María Goirizelaia. Unai Izquierdo, Itziar Lazkano, Mikel Losada y Diego Pérez encarnan a los personajes de este espectáculo que cuenta con la dramaturgia de Unai Izquierdo para narrar la historia de pintor sevillano José Pérez Ocaña, artista ligado a la lucha política y la reivindicación homosexual.

Kultur Leioa es el espacio escogido por Organik DantzaAntzerki para presentar ‘Sareak’. Natalia Monge dirige esta pieza que interpretarán el 21 y 22 de septiembre Pilar Andrés, Begoña Krego, Natalia de Miguel, Helena Golab y María Martín. En un trabajo realizado mayoritariamente por hombres como es la pesca en alta mar, en el puerto, son mujeres las que se dedican a reparar las redes, la herramienta más valiosa de esta profesión. Sin embargo, a pesar de llevar realizando esta tarea durante siglos, no es hasta el año 2012 cuando se reconoce la profesionalidad de las rederas de Euskadi. “En Sareak nos interesa la situación reivindicativa en la que se han encontrado desde su existencia y su actual peligro de extinción. Coreográficamente, nos centraremos en la fisicidad del trabajo de las rederas –una tarea precisa y reiterativa en una posición estática durante largas jornadas– y en la simbología de las redes y lo que éstas nos evocan, trayendo al imaginario la vida de estas mujeres bajo esa gran manta agujereada”, explican.

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El Teatro Principal de Donostia ofrecerá del 7 al 9 de septiembre el estreno en castellano de la comedia ‘El enjambre’ de Kepa Errasti por Vaivén Producciones, coproducción del Teatro Victoria Eugenia de Donostia, Teatro Principal de Gasteiz y Teatro Arriaga de Bilbao dentro del programa Antz3rkiz. El espectáculo está dirigido por Mireia Gabilondo e interpretado por Naiara Arnedo, Itziar Atienza, Sara Cozar, Getari Etxegarai, Aitziber Garmendia y Leire Ruiz.

En el también donostiarra Teatro Victoria Eugenia Tanttaka estrenará del 4 al 7 de octubre ‘Izoztutako haizea bezala/Como un viento helado’ de Rafael Herrero, con dirección de Fernando Bernués y a cargo de Nerea Elizalde, Tania Fornieles y Koldo Olabarri. En el mismo espacio se podrá ver el 20 de octubre lo nuevo de Ertza, ‘La teta de Janet’. Y Lasala estrena el 22 de septiembre en Gazteszena ‘Luz’, con coreografía y dirección de Judith Argomaniz. —

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ESTRENOS

‘Sareak’

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ESTRENOS

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La Fundación Teatro Nacional Sucre estrena Cruzar la cara de la luna

La primera ópera mariachi del mundo llega a Ecuador

El Teatro Nacional Sucre es uno de los más antiguos teatros de ópera de Sudamérica y de la ciudad de Quito, además del más prestigioso teatro de Ecuador. Fue construido entre 1879 y 1886.

El escenario del Sucre ha sido testigo de las más grandes obras teatrales y orquestales que han pasado por el país, además de servir como sede de sucesos de la vida política nacional.

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a Fundación Teatro Nacional Sucre (Quito, Ecuador) presenta ‘Cruzar la cara de la luna’, la primera ópera mariachi del mundo. Esta original producción, creada en 2010 para conmemorar el Bicentenario de Independencia de México, ha recorrido grandes ciudades como Houston, San Diego, París, Chicago y Nueva York. Las funciones tendrán lugar del 20 al 23 de septiembre.

‘Cruzar la cara de la luna’ narra la historia de una familia de inmigrantes divida por la frontera de Estados Unidos y México. En Quito, la ópera mariachi contará con la dirección escénica del escritor y dramaturgo norteamericano, ganador de tres Premios Tony, Leonard Foglia; la dirección musical de Chía Patiño; y el vestuario del célebre diseñador César Galindo. Además, el elenco estará integrado por artistas tanto nacionales como internacionales, como el premiado barítono mexicano Octavio Moreno, la mezzosoprano Cecilia Duarte y la cantante estadounidense de mariachi Vanessa Alonzo. —

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ESTRENOS

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Euroscena y Teatro Calderón estrenan Bombardeo de Marianella Morena

La dramaturgia uruguaya llega a la escena vallisoletana

Pablo Vignali

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os días 6 y 7 de octubre el Teatro Calderón de Valladolid presenta el estreno de ‘Bombardeo’, pieza escrita y dirigida por la uruguaya Marianella Morena. El espacio vallisoletano produce junto con Euroscena este montaje interpretado por Mané Sánchez y Alfonso Tort.

Cada persona es una bomba, alguien que puede explotar, ser explotado, usarse como misil para detonar en otros, o sobre sí mismo. Vivimos el bombardeo de información, posibilidades, vidas ideales, amores, belleza, objetos y sujetos a disposición. Sumergidos a presiones que nos obligan

a elegir, pero no a ser libres. El bombardeo es constante, para ser un buen hijo, una buena estudiante, un buen ciudadano, una buena usuaria, un buen consumidor.

MARIANELLA MORENA Desde hace 20 años, la directora y dramaturga Marianella Morena se ha convertido en una referencia del medio teatral, con obras que han puesto en cuestión los relatos de la identidad nacional y sus mitos fundadores (Las Julietas), la historia reciente (Elena Quinteros, presente y Antígona oriental) y la resignificación de figuras como Shakespeare o Florencio Sánchez (Los últimos Sánchez), o de personajes tan tradicionales como el de Don Juan (Don Juan o el lugar del beso); cuestionando el lugar del teatro y apostando a la generación de nuevos lenguajes escénicos. Algunas de sus últimas producciones son ‘No daré hijo, daré versos’ y ‘Rabiosa Melancolía’. —

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ESTRENOS

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Novedades catalanas

Barcelona, nido de estrenos

Kiku Piñol

FOTOGRAFÍAS

‘Àngels a Amèrica’ ‘Travy’

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Kiku Piñol

a Ciudad Condal acogerá nuevas propuestas escénicas en varios de sus espacios teatrales a lo largo de los meses de septiembre y octubre.

El Teatre Lliure presentará dos producciones. Del 3 al 28 de octubre se podrá ver ‘Travy’, montaje con dramaturgia de Pau Matas y dirección de Oriol Pla, quien es también parte del reparto junto con Diana Pla, Quimet Pla y Núria Solina. Además, del 25 de octubre al 25 de noviembre, La Kompanyia Lliure llevará a escena ‘Àngels a Amèrica’ de Tony Kushner, pieza que cumple 25 años y de la que se podrán ver las dos partes del díptico: ‘S’acosta el mil·lenni’ y ‘Perestroika’.

Se trata de una mirada actual a la peste del siglo XX en la era Reagan, con dirección de David Selvas.

El Teatre Nacional de Catalunya presenta ‘Els Jocs Florals de Canprosa’ de Santiago Rusiñol en forma de alocado musical, con adaptación y dirección de Jordi Prat i Coll. Las funciones se realizarán del 4 de octubre al 11 de noviembre. Y junto con Temporada Alta llegará del 24 de octubre al 11 de noviembre ‘Kassandra’ de Sergio Blanco.

A partir de la figura mítica de Casan-

dra, que tenía el don de adivinar el futuro y a la vez estaba condenada a no ser nunca comprendida, Sergio Blanco construye un juego de máscaras para adentrarse en el doloroso terreno de las violencias silenciadas. Sergi Belbel dirige esta pieza que interpreta Elisabet Casanovas.

Después de la producción argentina de Timbre 4, Claudio Tolcachir dirige ‘L’omissió de la família Coleman’, esta vez en versión catalana, traducida por Jordi Galceran. El espectáculo se estrenará en el marco de Temporada Alta, y se podrá ver más adelante en el Teatre Romea (26 de octubre al 9 de diciembre). Antes de esa fecha, en concreto del 12 al 28 de septiembre, se espera el estreno de ‘Croades’ en El Maldà. Se trata de una pieza escrita por Michel Azama y dirigida por Jordi Vilà que interpreta la Cia. La Ràtzia. Según explican, “es una obra contemporánea que habla de las guerras de hoy en día, un canto triste, bellísimo, a la estupidez de la guerra que cuestiona la épica bélica, el heroísmo y el patriotismo”.

Además, la compañía Blanco Roto estrenará el 28 de septiembre ‘C/Hospital amb St. Jeroni’. Blanco Roto, miembro del Col·lectiu (Asamblea de compañías independientes de Catalunya), reúne por primera vez a varios miembros de las diversas compañías del Col·lectiu en la creación de esta propuesta que cuenta con el texto de Jordi Prat i Coll y la dirección de Roberto Romei y Laia Ricart. Se trata de un montaje itinerante que permitirá vivir el barrio del Raval en una experiencia 360º. El espectáculo dura 2 horas y está dividido en 7 escenas que se representarán en 7 espacios diferentes. Éste será el inicio de la actividad del Teatre Arnau, un teatro que actualmente está en rehabilitación y cuya inauguración no se espera antes de 2020. —

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Centro Dramático Nacional

MISCELÁNEA

Virginia Rota

El Pavón Teatro Kamikaze

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Pablo Ramos

El CDN estrenará cuatro espectáculos entre los meses de septiembre y octubre. Junto con La Phármaco se presentará ‘Una gran emoción política’, una propuesta escénica inspirada en ‘Memoria de la melancolía’, autobiografía de María Teresa León, que aborda los años decisivos de la historia reciente del Estado español, los de la guerra civil y el exilio. El montaje, con dramaturgia y dirección de Luz Arcas y Abraham Gragera, se podrá ver del 26 al 30 de septiembre en el Teatro Valle-Inclán de Madrid. Y en el mismo espacio llegará del 16 al 28 de octubre ‘Rosario de Acuña: Ráfagas de huracán’ de Asunción Bernárdez, con dirección de Jana Pacheco. El también madrileño Teatro María Guerrero acogerá otras dos primicias: ‘Un bar bajo la arena’ de José Ramón Fernández dirigida por Ernesto Caballero del 28 de septiembre al 25 de noviembre, y ‘Luces de Bohemia’ de Valle-Inclán con dirección de Alfredo Sanzol del 4 de octubre al 25 de noviembre.

‘Un enemigo del pueblo’ de Ibsen es la nueva producción que presentará El Pavón Teatro Kamikaze del 5 de septiembre al 7 de octubre. Dirigida por Àlex Rigola, cuenta con un elenco formado por Nao Albet, Israel Elejalde, Irene Escolar, Óscar de la Fuente y Francisco Reyes. Además, el espacio madrileño acogerá otros tres estrenos de diferentes compañías. ‘Monta al toro blanco’, con texto y dirección de Iñigo Guardamino, es una propuesta de La Caja Negra Teatro que se podrá ver del 20 de septiembre al 6 de octubre. Bitò y Focus, por su parte, llegan del 12 de octubre al 6 de enero con ‘El precio’ de Arthur Miller, dirigida por Sílvia Munt. Y Carlos Tuñón dirigirá del 15 de octubre al 14 de noviembre ‘Un roble’ de Tim Crouch, a cargo de Bella Batalla Producciones y Esto podría Ser. Por otro lado, del 17 al 21 de octubre se presentará el proyecto de la I Residencia Artística El Pavón Teatro Kamikaze: ‘Una enloquecida aventura interior’ de la compañía Essere Colpito.

Teatros del Canal

Teatro Fernán Gómez

Los Teatros del Canal de Madrid ofrecerán dos estrenos en el mes de octubre. Daniel Veronese dirigirá del 4 de octubre al 4 de noviembre ‘7 años’ de José Cabeza, producida por VerTeatro y Producciones Teatrales Contemporáneas. Miguel Rellán, Carmen Ruiz, Eloy Azorín, Juan Carlos Vellido y Daniel Pérez Prada interpretan esta obra en la que cuatro personajes se reúnen en el ‘loft’ que ocupan sus oficinas en el centro de Madrid, fuera de su horario laboral. Aunque se conocen desde hace años, no es un encuentro ni festivo ni amistoso, ya que sus peores temores se han cumplido: el fisco les ha pillado y es cuestión de horas que la policía entre en la empresa a detenerlos. Y Spectare llegará del 19 al 21 de octubre con ‘Presente’ de Antonio Ruz, donde el coreógrafo aborda la resbaladiza noción de presente, que implica una indagación sobre el tiempo y los impulsos, el pasado y el futuro, sobre lo efímero y volátil del ahora, sobre lo que él mismo define como el regalo que significa el instante.

Las tablas del madrileño Teatro Fernán Gómez serán testigo de cuatro nuevas propuestas estos meses. ‘Otelo a juicio’ de Pasoazorín Teatro se presenta del 11 de septiembre al 14 de octubre con dirección de Ramón Paso.

La obra mezcla la historia contemporánea de un triunfador caído en desgracia por ser responsable de un caso de violencia de género, con la obra clásica de William Shakespeare. ‘Proyecto Edipo’, con texto y dirección de Gabriel Olivares e inspirado libremente en ‘Edipo Rey’ de Sófocles, será llevado a cabo por TeatroLAB Madrid del 13 de septiembre al 7 de octubre. Jaroslaw Bielski dirigirá para La Dalia Films ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ de Dale Wasserman, basada en la novela de Ken Kesey, que se podrá ver del 11 de octubre al 4 de noviembre. Y, por último, Spectare propone del 17 de octubre al 4 de noviembre la obra ‘Vientos que nos barrerán’ de Cristina Redondo, bajo la dirección de Laura Ortega.

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FESTIVALES

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XIX Festival Dantzaldia

Bilbao baila al ritmo de Dantzaldia Fabián Thomé y Jérôme Bel son los artistas que abren la presente edición

FOTOGRAFÍAS

‘Guerrero’ ‘Jérôme Bel’ ‘Amigoo’

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a Sala Rekalde es un año más el espacio elegido para inaugurar una nueva edición del Festival Dantzaldia, que tendrá lugar el día 27 de septiembre a cargo de Full Time Company, creada por el coreógrafo, intérprete y director Fabián Thomé, que pondrá en escena el solo ‘Entre dos sombras’, una pieza en la que se muestra el original lenguaje de la compañía, que tiene una manera propia de expresar la danza.

Durante el mes de octubre Dantzaldia incluye una única representación –tendrá lugar en Azkuna Zentroa el día 4–, eso sí, a cargo de Jérôme Bel,

artista que “trata el cuerpo, la luz y la música en su pura literalidad, como un manifiesto minimalista aplicado a la danza”. En Dantzaldia Bel presenta su obra homónima, la que fuera estrenada en Bruselas en 1995, con la que el coreógrafo e intérprete francés ha recorrido el mundo y la que ha sido considerada como un icono de los años 90; un espectáculo que “plantea una puesta en escena del cuerpo en su más absoluta simplicidad y en su funcionalidad objetiva”.

Es en noviembre cuando se concentra la programación del festival con la representación de seis espectáculos más. En la Sala BBK estarán ‘Enfoque’, un diálogo creado por Olga Pericet con Carmen Amaya y con el que recorren el camino invisible de sus silencios; y ‘Guerrero’, del bailaor Eduardo Guerrero. Se trata de dos piezas con el lenguaje del flamenco como protagonista y con las que disfrutar los días 10 y 22, respectivamente.

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En Bizkaia Aretoa de EHU-UPV Gelabert-Azzopardi presentan ‘Encuentros con Cesc Gelabert’, donde el coreógrafo e intérprete reinterpreta tres piezas de su repertorio: ‘Preludis’, ‘Al Capone’ y ‘Fandango’. Esto será el día 13, mientras que los días 24 y 25 la sala encargada de organizar Dantzaldia, La Fundición, acogerá el espectáculo ‘Perra de nadie’, unipersonal de la coreógrafa y bailarina Marta Carrasco con el que baja a lo más profundo de cada uno/a de nosotros/as, al submundo de la desprotección, de la locura, de la ternura, y la pura fragilidad. Y será la compañía Otra Danza - Asun Noales la encargada de representar el día 29 ‘Rito’, una instalación bailada que se podrá disfrutar en el Mercado del Ensanche.

Pero esta edición incluye más propuestas, como es el caso del espectáculo dirigido al público familiar que presenta Mumusic Circus, ‘Amigoo’, un circo entre dos lleno de gestualidad y musicalidad con un contrabajo como protagonista. La cita será el día 17 en el Museo Guggenheim. Y, a falta de alguna posible incorporación, habrá lugar también para la proyección de películas, diversos encuentros con los y las artistas participantes en esta edición e incluso para la formación, con la masterclass de flamenco a cargo de Olga Pericet o el taller de sensibilidación para adultos que impartirá Cesc Gelabert. — – 21 –

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XXXVIII FiraTàrrega

Una mirada al pasado, presente y futuro de las artes de calle

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‘Un món de cartró’ ‘IU’ ‘La Brisa’

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incuenta espectáculos conforman la programación de la 38ª edición de FiraTàrrega, que ofrecerá una mirada al pasado inmediato para entender el presente, y el presente para encarar el futuro. La cita, que tendrá lugar del 6 al 9 de septiembre, pondrá este año la mirada en el espacio público.

La Compagnie Lucamoros inaugura la Fira con el montaje ‘La Tortue de Gauguin’ en una edición en la que destacan las 12 producciones acompañadas por FiraTàrrega a través de su programa de Apoyo a la Creación.

Además, este año la Fira quiere rendir homenaje a los clásicos contemporáneos y el código teatral en el espacio público, para lo que ha contado en su programación con la presencia de grandes nombres como la compañía Adhok, que representrá su trilogía que reflexiona sobre la juventud y la vejez (‘Issue de Secours’, ‘L’envol’ y ‘Le Nid’); los polacos Teatr KTO con ‘Peregrinus’; la compañía inglesa Chameleon con dos de sus principales espectácu-

los (‘Of Man and Beast’ y ‘Witness This’); y otras destacadas compañías como Teatro do Mar, que debutará en FiraTàrrega con ‘Insomnio’; NoFIT State Circus & Motionhouse con ‘BLOCK’; y la ya mencionada Lucamoros.

Y de la mirada del pasado a la celebración del presente con las últimas creaciones de Les Impuxibles y su primer espectáculo de calle ‘Painball’, la propuesta de Toti Toronell y Pere Hosta, ‘Escargots’ –donde fusionan sus universos creativos–, Hui Basa con ‘Tha Tzpar’ y Humanhood y su breve pieza de danza ‘Orbis’. Desde Euskadi, la compañía de danza contemporánea LaSala presenta dos de sus espectáculos: ‘Female’ e ‘IU’. Vuelve a FiraTàrrega la compañía de circo Eia, y el límite entre escenario y público desaparece en la pieza de danza ‘Labranza’ del Colectivo Lamajara.

Por otra parte, la Fira reivindica el futuro de las artes de calle con propuestas como las de Silere, formado por el alumnado del Máster de Creación de FiraTàrrega; el Colectivo Ameno, que presentará la performance itinerante ‘Saunterer una performance’; la instalación artística ‘Blockchain’ de Calidos feat. Nølah; el solo de danza ‘Home’ de Akira Yoshida; la pieza escénica de la italiana Caterina Moroni ‘UN. HABITANTS_To make room for us’; o la apuesta de Becki Parker & Vero Cendoya ‘Hunting for the unicorn’.

De los 16 espectáculos internacionales programados destacan las propuestas mexicanas y chilenas. De México llegan cinco montajes como ‘Ohtli’, ópera prima de Claudia González; ‘La Brisa’ de Teatro Línea de Sombra; o ‘Prácticas de

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vuelo para acabar en el olvido’, encargo que FiraTàrrega hizo a Antonio Zúñiga y Melina Pereyra de Chroma Teatro para ofrecer una mirada externa y objetiva a la búsqueda y recuperación de la memoria histórica. Y de Chile llegan dos jóvenes directoras, Carolina Díaz con ‘Correo’ y Pilar Ronderos de la compañía La Laura Palmer, que con ‘Hija de Tigre’ presenta una producción de teatro documental.

Un año más, continúa la colaboración de FiraTàrrega con la Mostra d´Igualada y la Asociación de Teatro para todos los públicos presentando cuatro cuatro piezas pensadas para el mercado internacional: Mumusic Circus estará con ‘Flou Papagayo’, Zum zum Teatro y Quim Bigas con ‘Hippos’, se podrá ver la fusión de títeres y actores reales ‘Asteroid’ de Toti Toronell y ‘Un món de cartró’ de CreaMoviment. Además, se representará lo último de El Pont Flotant, ‘Les set diferencies’.

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‘Les set diferencies’ ‘Peregrinus’

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La programación de esta edición incluye además dos espectáculos que sin lugar ni horario anunciados, atraparán al público desprevenido: ‘Corporeïtats al límit’ de Diana Coca y ‘#moneyforfree’ de John Fisherman.

Destaca a su vez el proyecto ‘Bailar el agua’, espectáculo de estimulación sensorial dirigido a personas con diversidad funcional.

Concluirá así esta trigésima octava edición de FiraTàrrega, que se completa con más espectáculos y en la que volverán a realizarse jornadas y encuentros de profesionales de las artes escénicas, entre otras actividades. —

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II Festival Internacional ZGZ Escena

Teatro y danza comparten protagonismo en Zaragoza ZGZ Escena vertebra la ciudad en torno a las artes escénicas y sus diferentes espacios

Tristan Perez-Martin

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‘Here’ ‘Estoy pensando en tortugas’ ‘Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna’ ‘1971’

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RES Aragón Escena, ASEMTAR y el Ayuntamiento de Zaragoza organizan la segunda edición del Festival Internacional Zaragoza Escena, que se celebra del 14 al 30 de septiembre y se vertebra en torno a cinco escenarios principales: Teatro Principal, Teatro de las Esquinas, Teatro Arbolé, Teatro del Mercado y Teatro de la Estación, en los que se podrán en escena la mayoría de los 20 espectáculos que conforman la programación de esta edición, 7 de ellos, estrenos. Es el caso de la colaboración entre Lali Ayguadé y Guilhem Chatir, la pieza de danza ‘Here’, para cuya creación han contado con la soprano belga Astrid Stockman, la compositora Joana Gomila y la dramaturga y escenógrafa Aïda

Gabrïels; ‘Polvo, niebla, viento y sol’, un espectáculo de danza-teatro inclusivo dirigido y creado por Paricia Ruz para Compañía Pares Sueltos (ambas se presentan en el Teatro de las Esquinas). De danza son también dos estrenos más, ambos en el Teatro Principal, ‘1971’ de Teatro del Temple, un espectáculo de danza-teatro-concierto con canciones en directo del poeta y cantautor Rafael Berrio, con coreografía de Roberto Oliván y dirigida por Carlos Martín; y ‘Disolver’, pieza coreográfica de Shantí Vera de la mano de los mexicanos Cuatroxcuatro.

MÁS ESTRENOS Estrenos pero de teatro son los propuestos por NØCollective, ‘El jardín (proyecto 0.1)’, una fusión de artes escénicas y arte electrónico creado por el binomio artístico formado por el director Julián Fuentes Reta y el dramaturgo australiano Andrew Bovell (en el Teatro Principal), y ‘La hierba siempre volverá’, espectáculo de calle itinerante nacido del trabajo comunitario de IMaquinaria y Grupo de Teatro Comunitario del Gancho. Completa la oferta de estrenos

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‘Texas-Teruel (palabras en la carretera)’ espectáculo fronterizo de Teatro Imaginario, un western poético que aúna teatro, música en directo y textos poéticos (en el Teatro del Mercado). En este mismo espacio se pondrán en escena propuestas que vienen ya avaladas por el público y la crítica y que tienen a Federico García Lorca como protagonista: ‘Lorca, la correspondencia personal’, Premio al mejor espectáculo en la Feria de Teatro del Sur 2017 a cargo de Histrión Teatro, y ‘Amor oscuro [Sonetos]’ de Viridiana. Centro de Producción Teatral.

El teatro llega también al Teatro de la Estación con ‘Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna’ de Jean Luc Lagarce, monólogo interpretado por Cristina Yánez bajo la dirección de Aitana Galán a cargo de Tranvía Teatro, y ‘Contra la democracia’ del dramaturgo catalán Esteve Soler; horror y comedia en una producción de Teatro del Noctámbulo que junto con la road movie teatral ‘Donde el bosque se espesa’ dirigida por Laila Ripoll a cargo de Micomicón Teatro (en el Teatro Principal) completan la oferta de teatro de actores de esta edición. Y es que el teatro de títeres y objetos también tiene su espacio en la cita, concretamente en el Teatro Arbolé, donde se pondrán en escena el homenaje que los británios Blind Summit realizan al arte de la marioneta con ‘The table’, y la particular versión de ‘La Celestina’ de Bambalina Teatro Practicable.

DANZA, CALLE Y MÁS En el Teatro de la Estación se llevarán a cabo las representaciones de espectáculos de danza a cargo del francés Olivier Dubois y la canaria Mónica Valenciano; el sólo íntimo ‘My body of coming forth by day’ y el también solo ‘Imprenta acústica en (14 borrones de una) aparición’, respectivamente. Completan la programación de danza la multipremiada compañía vasca Kukai Dantza con ‘Oskara’ y ‘Estoy pensando en tortugas’ de Claudia Faci (ambos espectáculos, en el Teatro de las Esquinas), y el flamenco de Rocío Molina y Silvia Pérez Cruz, ‘Grito pelao’, en el Tearo Principal. ZGZ propone además el espectáculo de calle ‘Lost dog… Perro perdido’ de A Cal y Canto Teatro y una serie de actividades complementarias como charlas con los artistas participantes, lecturas dramatizadas y talleres, que al cierre de esta edición están aún por concretar. — – 25 –

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XXIX Mostra Internacional Mim a Sueca

Sueca es gesto, mimo, cuerpo y movimiento A la exhibición de espectáculos se suma una clase magistral y una exposición fotográfica

Andreas Bergmann FOTOGRAFÍAS

‘Antero’ ‘Dancing with frogs’ ‘Meeting point’ ‘¡Fuera!’

‘Pelat’

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Consuelo Bautista

l municipio valenciano de Sueca celebra una nueva edición de la Mostra Internacional de Mim a Sueca, una cita en la que el teatro gestual es el protagonista absoluto con la exhibición de espectáculos de teatro, tanto de sala como de calle, en los que el gesto, la gestualidad, el mimo, el cuerpo y el movimiento de los intérpretes son el principal elemento artístico del espectáculo, y el más importante canal comunicativo con el público.

Del 19 al 23 de septiembre una veintena de compañías pondrán en escena otros tantos espectáculos, tres de ellos estrenos. Entre ellos está ‘XX’, artilugio teatral de Escandall Teatral con el que Paula Escamilla reivindica la calle

como espacio teatral y de reflexión que cuestiona el lugar que el que el patriarcado reserva a las mujeres. Lluna Plena Teatre & Panderola Creacions presenta por vez primera ‘Genealògic’, un trabajo conceptual que representa el ciclo de la vida a través del árbol genealógico de una familia. Por último, Cia Maduixa ofrecerá un work in progress, ‘Look at me’, que invita al público a mirar en el interior de otra parsona más allá de su aspecto físico.

DANZA La presente edición ha programado un número considerable de espectáculos de danza como ‘Rito’ de Otradanza, en el que Asun Noales fusiona la danza con las artes plásticas. Sol Picó define su última propuesta, ‘Dancing with frogs’, como ácida, bruta, gamberra y tragicómica, mientras que Mou Dansa ofrece una visión ácida sobre el liderazgo y el borreguismo actual en ‘La siesta’. Colectivo Glovo, por su parte, ha partido de la realidad de los refugiados y del concepto de frontera para crear ‘Mapa’. Completan la

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selección de espectáculos de danza los premiados ‘Meeting point’ de Ertza Dantza –Premio MAX 2018 al mejor espectáculo de calle– y ‘En vano’ de la compañía Danza Mobile –Premio MAX de carácter social y Premi LORCA al Mejor Espectáculo, Bailarín y Coreografía–.

Las fronteras entre danza, teatro, performance y circo se difuminan en ‘Pelat’ de Joan Català, y el circo en toda su amplitud es otro de los protagonistas de la Mostra. Lurrak Antzerkia presenta ‘Lurrak’, todo un espectáculo musical de circo contemporáneo; La Finestra Nou Circ recuperan los números y la esencia de los viejos circos en ‘The Troupers’ y los protagonistas de ‘Cirque déjà vu’ de Companyia de Comediants La Baldufa recuerdan sus vidas como comediantes de circo para reflexionar sobre la solidaridad, la tolerancia y el respeto. El lenguaje del clown llega de la mano de Ganso & Cia. y su ‘Babo Royal’.

ESCENA INTERNACIONAL, OFF MIM Y MÁS La presente edición cuenta con compañías internacionales como las francesas Nomad Swing, que presentan ‘The batt mobile’, un espectáculo itinerante a ritmo de swing. L´Art Est Creation estará con su propuesta aérea ‘The Angels Dance’,

y se podrá ver la particular versión de Théâtre du Mouviment sobre del universal de Lorca, ‘Alba’, con el mimo corporal y la danza como único lenguaje escénico. El cuerpo es el único elemento comunicativo del chileno Murmuyo en su ‘¡Fuera!’. Los británicos Gandini Juggling realizan una exploración al tiempo que una celebración del malabarismo con ‘Smashed’, y desde Argentina, Un Poyo Rojo presenta su obra homónima; un duelo de precisión que aúna todas las técnicas circenses. Cierra el programa de esta edición un delicado y bello espectáculo, ‘Antero’, de la prestigiosa malabarista y realizadora noruega Frida Odden Brinkmann, directora de Oddmann Productions.

Dentro del programa Mim Off se incluyen cuatro espectáculos de otros tantos artistas. Disparatario presentará ‘El lladre de paraules’ y La Monda Lironda ‘La mar de vida’, ambos montajes dirigidos a todos los públicos. Y para público adulto están pensados el monólogo ‘Parlar per no callar’ de Purna Teatre y ‘Apocalispsis’ de Machirulos. A la exhibición de espectáculos hay que añadir la clase magistral que impartirá el francés Yves Marc, miembro fundador de Théâtre du Mouvement, y la exposición fotográfica ‘Rito la piel quebrada’ de Germán Antón. —

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XLIX Festival Internacional de Teatro de Molina de Segura

Veinte bocados teatrales La cita molinense ofrece 5 obras de sala y 15 de calle

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a 49ª edición del Festival Internacional de Teatro de Molina de Segura, organizada por el Ayuntamiento de Molina de Segura (Murcia), ofrecerá del 4 al 29 de septiembre veinte espectáculos -cinco de sala y quince de calle-, tres talleres y una exposición de fotografía. El lema de este año es “Abriendo boca”, en vistas a la edición número 50 del próximo año.

En cuanto a la programación, vuelve La Fura dels Baus con ‘Manes’, un espectáculo de la primera época potente y agresivo; y lo hace también Salvador Távora con La Cuadra de Sevilla y su ‘Quejío’, emblemático espectáculo con el que ya participó en la V edición del entonces Ciclo de Teatro Nuevo, en el año 1974. Estará también presente el actor argentino Héctor Alterio con ‘Como hace 3000 años’, un recital de música y poesía que interpretará junto con la guitarra de José Luis Merlín.

Se pone en valor también el universo de las mujeres a través de los espectáculos ‘Fémina, Las Mujeres mueven el Mundo’ de Maracaibo Teatro y ‘Las Muchas’ de la Cia. Mariantònia Oliver. Entre las propuestas internacionales están ‘Parada’ de los italianos Faber Teater, ‘Equilibrium’ de la argentina María Cavagnero y ‘Sol bemol’ de los belgas D’Irque & Fien. El circo será el protagonista de piezas como ‘Sinergia 3.0’ de Cía. Nueveuno y ‘El apartamento’ de Cirk About It. La danza llegará de la mano del proyecto comunitario ‘Dispositivo labranza’ del Colectivo Lamajara Danza, de las pericias aéreas de Nuc en ‘Aigua’, y de ‘Olea’ de Visitants.

La música estará presente en varios espectáculos, como es el caso de ‘Musicólogo’ de Fumanartist, ‘Residual gurus’ de DCollage, ‘El mundo por montera’ de Rodrigo Cuevas y ‘Un elefante en mi lavadora’ de La Chicacharcos & The Katisukas Band (Premio al Mejor Espectáculo Familiar Teatro de Rojas 2017). El humor llegará de la mano de los vascos Trapu Zaharra con ‘A cal y canto’, y también se podrá disfrutar de las propuestas itinerantes ‘#LaCampaña’ de La Cueva Teatro de Calle e ‘Infierno’ de Tragaleguas.

Además de lo ya mencionado, la cita presenta la novedosa experiencia ‘Maridajes Musicales’, una fusión entre enología y música para comprender el mundo del vino a través de una cata comentada con notas musicales en clave de jazz. —

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El Rioja y los 5 Sentidos

El Rioja quita el sentido

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ste septiembre vuelve la programación de El Rioja y los 5 Sentidos con un amplio abanico de actividades dedicadas al sentido del oído, que incluyen conciertos en bodegas, el Tren del vino, la Cata con Sentido, la Cata Capital y la habitual Conversación en torno al vino con Ismael Serrano.

Los conciertos, que combinan la calidad con diferentes estilos que van desde la música a capella, el rock, el jazz, el blues, el soul o la rumba rock, ocuparán los dos primeros fines de semana del mes contando el 1 de septiembre con el grupo de capella Golden Apple Quartet en Bodegas Aradón de Alcanadre, y el grupo de swing Saphie Wells & The Swing Cats en bodegas Juan Carlos Sancha de Baños de Río Tobía, ambos en doble pase a las 12.00 y a las 20.00 horas. El día 2, Muchachito Bombo Infierno ofrecerá un espectáculo de rumba rock en bodegas Isidro Milagro de Alfaro, en un espectáculo preparado expresamente para El Rioja y los 5 Sentidos. El fin de semana siguiente, el grupo de jazz Confluence actuará en bodegas Fin-

Ismael Serrano

ca La Emperatriz de Baños de Rioja, y el grupo de blues Flamingo Tour hará lo propio en bodegas Corral de Navarrete, también a las 12.00 y a las 20.30 horas.

El domingo 9 está previsto un concierto de Lichis y Jaime Urrutia en bodegas La Rioja Alta de Haro, a las 12.00 horas. El cantautor Ismael Serrano guíará la Conversación en torno al vino con el educador en Vinos José Ramón Jiménez Berger, en bodegas Conde de los Andes el día 8 a las 12.00 horas.

El programa se completa con el Tren del Vino, los días 1 y 2 de septiembre, que se desarrollará en las bodegas Beronia, CVNE, La Rioja Alta, Marqués de Terán, Martínez Lacuesta, Ramón Bilbao y Tobelos. La Cata con Sentido se celebrará el día 6 de septiembre en la Cofradía del Vino.

El programa se cierra el 13 de septiembre con La Cata Capital, en la que personas de la vida social, política y cultural de La Rioja miden sus conocimientos sobre el vino, a las 12.00 horas en el Hotel Gran Vía. —

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IV FIra B

La Fira Balear se abre a otras realidades escénicas Junto a producciones baleares, catalanas y valencianas, se verán y escucharán canarias y una sueca

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La nit de Catalina Homar Sentinel La classe

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el 27 al 30 de setiembre, mallorca vuelve a celebrar su Feria B!, el Mercado Profesional de Música y Artes Escénicas de las Illes Balears, impulsada por la Conselleria de Cultura, Participación y Deportes como el principal acontecimiento que organiza el Institut d’Estudis Baleàrics, para el que se han seleccionado 24 espectáculos de artes escénicas y 44 showcases de música, de un total de 459 propuestas recibidas, 202 de artes escénicas -Illes Balears 74, Cataluña 44, Comunidad Valenciana 28, resto del Estado 50, internacionales 6- y 257 de música -Illes Balears 149, Cataluña 67, Comunidad Valenciana 11, resto del Estado 24 y 6 internacionales -.

Fira B! inicia este año un intercambio con las Islas Canarias, tanto en música

como en artes escénicas, que se traduce en la presencia de dos formaciones canarias en su programación oficial, además de la presencia de profesionales del archipiélago canario y la participación de representantes del gobierno canario en las jornadas profesionales de la feria. Además, para la segunda parte del intercambio, los artistas de las Illes Balears actuarán en festivales con programa profesional en la comunidad canaria.

En música, también se estrena intercambio con la agencia de exportación Westside (Göteborg), mediante el cual en la edición de este año de la feria Live at Heart (Örebro, Suecia), a principio de septiembre, actuará Jansky y en Fira B! actuará Annelie.

La cita incorpora además la tecnología RFID, en la que los profesionales acreditados dispondrán de pulseras para acceder a los diferentes espacios de la feria.

La relación final de artistas y espectáculos en artes escénicas (AE) que actuarán en Fira B! 2018 se presenta a continuación. En teatro de texto, Abubukaka estará con ‘Cuneta deluxe’ (Canarias), Assun Planas con ‘La sorpresa del roscón’ (Mallorca), Concha Vidal con ‘Sur de sal’

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(Mallorca), El Somni Produccions con ‘La classe’ (Mallorca), Teatre Principal de Palma con ‘La nit de Catalina Hom’ (Mallorca), Wichita Co. con ‘Cuzco’ (Comunidad Valenciana), Mals papers con ‘Capaltard’ (Mallorca), Les Impuxibles con ‘AÜC-El so de les esquerdes’ (Catalunya), Xàfec Teatre con Recreo (Menorca) e Iguana Teatre con ‘Llum trencada’ (Mallorca). En teatro físico, La Mecànica representará ‘Dúo’ (Mallorca).

En circo, Atirofijo llegará con ‘A s’ombra’ (Mallorca), Atempo Circ con ‘Joc’ (Mallorca), Circ Bover con ‘Sentinel’ (Mallorca), Cia. Du’K’to con ‘In-confort’ (Mallorca) y La Trócola con ‘Emportats’ (País Valencià).

En danza, Raquel Klein estará con ‘1’28’ (Eivissa), Cia. Emilio Roig con ‘En construcción’ (Mallorca), Colectivo Lamajara con ‘Al voltant’ (Cataluña), Cia. UnaiUna con ‘Allinclusive ‘(Mallorca), Cia. Mariantònia Oliver con ‘Las muchísimas’ (Mallorca) y Nieves Portas & J. Jaime Hidalgo con ‘Evocación’ (Formentera).

En nuevas dramaturgias, Andrea Cruz presentará ‘Tales of the Body’ (Mallorca) y Diego Ingold hará lo propio con ‘Pariéntesis’ (Mallorca).

En cuanto a los artistas musicales (M), en canción de autor se espera a Lu Rois (Cataluña), Clara Peya (Cataluña),

Marcel Cranc (Mallorca) y Aucell Cantaire (Mallorca).

En folk/world, Jorge Da Rocha (Portugal-Cataluña), Tornaveus (Cataluña), Banda Zeitun (Formentera), Blai Vidal Trio (Mallorca), El Diluvi (Comunidad Valenciana) y Aurora (Cataluña).

En electrónica estarán Museless (Cataluña), Jansky (Mallorca), Júlia (Comunidad Valenciana), Medusa Odyssey (Ibiza) y Annelie (Suecia).

El jazz llegará de la mano de Carlos Sarduy (Cuba-Cataluña), Pere Bujosa Group (Mallorca), Glissando Big Band (Mallorca), Julian Vaughn (Mallorca), Pere Navarro Quinteto (Eivissa), Eva Fernandez (Cataluña-Mallorca), Yul Ballesteros (Canarias), K12 (Mallorca) y Romeo (Mallorca).

En el apartado de música clásica/contemporánea estarán Carlota Cáceres (Mallorca), Lina Tur (Eivissa), L’Aura Rilucente (Mallorca), Andreu Riera (Mallorca), Il Gesto Armonico (Menorca) y Psaiko Quartet (Mallorca).

El género del rock viene representado por Pavvla (Cataluña), Da Souza (Mallorca), Vaquer (Mallorca), Sequoia Tree (Eivissa), The Indian Summer (Mallorca), Papa Topo (Mallorca), Ice Crime (Mallorca), Maico (Mallorca), Nonasound (Menorca), Ombra (Mallorca), Zest (Mallorca) y Saïm (Mallorca). —

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XXI Fira Mediterrània de Manresa

Los rituales, punto de partida de la Fira Mediterrània

Carles Dénia

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a Fira Mediterrània de Manresa celebrará del 4 al 7 de octubre su 21ª edición con un eje temático que busca explorar la relación entre cultura popular, espiritualidad y comunidad como fuentes de inspiración para la creación escénica contemporánea.

El circo, la danza, el jazz o la performance se conectarán con lo tradicional a través de cinco proyectos de residencia artística. Todo ello teniendo como centro neurálgico la Seu de Manresa, que acogerá la inauguración con la obra ‘Erritu’ de los vascos Kukai Dantza y el coreógrafo israelí Sharon Fridman.

Los rituales tiñen los diversos formatos escénicos en propuestas como la performance ‘PAS per la PAU’ del artista Ada Vilar , en la que cruza caminando la comarca del Bages durante seis días en silencio absoluto; ‘Cuentos de azúcar’ de la bailaora y coreógrafa de flamenco Eva Yerbabuena; o ‘Estudi per a pandereta’ de Societat Doctor Alonso. La Feria contará con dos coproducciones con el Mercat de les Flors en forma de residencias de creación de una semana: ‘El moviment de les coses que prenen temps’ de la bailarina coreana Ji Hye Chung, y la creación ‘Máquinas Sagradas’ del bailarín y coreógrafo Juan Carlos Lérida.

Dani Alvarez

En el ámbito del circo se podrán ver a compañías como Animal Religion y ‘Fang’, basado en la transformación del cuerpo y el barro; el universo del hispanofrancés Yifan, cargado de poesía y humor en ‘Gritando sin acero mucho ruido’; o ‘Quixote’ de los hispanoargentinos Puja!

Teatro Aéreo, un montaje multidisciplinar a partir del mito de la Mancha. En danza estará ‘Sa mateixa’, propuesta de la cantante manacorina Joana Gomila y la coreógrafa y bailarina barcelonesa Lali Ayguadé, y la pieza ganadora de la última edición del Premio Delfí Colomé, ‘Pilar de dos’, con Claudia Gómez y Raquel Viñuelas. En cuanto al teatro, la Fira volverá a contar con la programación off propuesta por Xarxa Alcover, el circuito teatral en catalán que une las Islas Baleares, Cataluña, Andorra, la Franja y Valencia. La propuesta de Xarxa Alcover incluyen para público familiar piezas como ‘Kàtia’ de Teatre Nu y ‘En els núvols’ de La Negra. Y ‘Carinyo’ de la compañía Pérez-Disla y ‘La classe’ de El Somni Produccions se suman al programa para público adulto.

La Fira se completa con un rico programa musical que funde también lo contemporáneo con sonidos de raíz.

Entre otros, contarán con la presencia de Carles Dénia. —

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XXXII Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca

Huesca continúa trabajando por la circulación de creaciones

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‘Las Muchísimas’ ‘La capilla de los niños’

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mpliar el mercado propiciando la circulación de las creaciones escénicas e introducir propuestas que no tienen una cabida importante continúa siendo uno de los objetivos y el que ha marcado las señas de identidad de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, que en su 32 edición, a celebrarse del 24 al 27 de septiembre, “introduce la perspectiva de género en nuestra mirada”, explican desde la organización, añadiendo que “mucho queda por corregir, no solo en materia de paridad, sino en cuanto a los contenidos”. Cabe destacar además que otro compromiso de la Feria es introducir los procesos de participación de la comunidad en los procesos creativos, “de ahí que algunas propuestas que se incluyen este año busquen demostrar que la Feria es un lugar en el que no solo se venden productos artísticos, sino procesos artísticos inclusivos”.

Dicho esto, abordamos la programación de este año, aún por completarse al cierre de esta edición. La danza es una de las protagonistas con la puesta en escena de los últimos montajes de compañías como Kukai Dant-

za & Sharon Fridman, ‘Erritu’, ‘La maldición de los hombres Malboro’ de Excéntrica Producciones, el espectáculo de danza intergeneracional ‘El baile de los años’ de Ados Teatroa, las danzas percusivas y urbanas de Cambuyón o las propuestas de las aragonesas LaMov Cia. de Danza con ‘Terrenal’ y Los días de Penélope con la coreografía de Ingrid Magrinyà, ‘Penélope’.

Desde Dinamarca llegará Bâdteatre con ‘Kroppen’, danza y el teatro de muñecos. Como un espectáculo de danza, teatro-físico o teatro-danza se define la coproducción entre Fernando Hurtado y Factoría Echegaray, ‘37Guernika17’.

Y 17 mujeres de edades y nacionalidades diversas y exploran su vida en ‘Las Muchísimas’ de Cia Mariantònia Olivier.

Dirigida a niñas y niños está la coproducción de danza de Teatro Arbolé y Tarde o Temprano Danza, ‘ColorHadas’.

El circo llegará con ‘Iocari’ de Daniel Esteban, ‘Flou Papagayo’ de Mumusic Circus, ‘Koselig’ de Cia. Capicua o ‘Journal de nos corps’ de las francesas Aller-Retour, además del multidisciplinar ‘Genoma B’, personal visión de ‘La casa de Bernarda Alba’ de Cia. Albadulake. Y los versos desaparecidos de Lorca son llevados a escena por Viridiana Centro de Producción Teatral en ‘Amor Oscuro [sonetos]’. El tema de la Memoria Histórica impregna ‘La niña azul’ de Zazurca Artes Escénicas y ‘Margarita Nelken’ de Disfruten las molestias. De teatro de texto son también ‘Generación Why’ de Teatro Envilo, ‘La capilla de los niños’ de Perros daneses y ‘Un salto de gigante’ de PAI. Un espectáculo de danza-teatro-concierto es ‘1971 (El amor es una cosa rara)’ de Teatro del Temple, y conciertos son también los que ofrecerán Viki Lafuente y Los 3 Norteamericanos. —

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XLIII Festival de Teatro de Vitoria-Gasteiz

Gasteiz arranca con Wajdi Mouawad

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el 5 de octubre al 25 de noviembre se celebra la 43ª edición del Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz, que dará comienzo con un creador de reconocimiento internacional, Wajdi Mouawad, que presenta las obras ‘Inflammation du verbe vivre’ y ‘Les larmes d’Oedipe’ –ambas versiones de Filoctetes–. Las dos propuestas forman parte de ‘Des mourants’, proyecto con el que el autor, director e intérprete ha puesto en escena el conjunto de las tragedias de Sófocles.

Otra actriz de renombre internacional, Isabella Rosellini, presentará en el festival ‘Link Link Circus’, unipersonal escrito e interpretado por la propia Rosellini e inspirado en el mundo animal a partir de datos científicos pero con una visión cómica. Desde Canadá, Les 7 Doigts de la Main ofrecerán ‘Bosch Dreams’, espectáculo que aúna circo contemporáneo, danza moderna, acrobacias, teatro y elementos multidimensionales para llevar al público al fantástico y abigarrado mundo de El Bosco.

También durante el mes de octubre y en el Teatro Principal se podrá disfrutar de la última creación de Tanttaka Teatroa, ‘Izoztutako haizea’ y su versión en castellano, ‘Como un viento helado’, obra de Rafael Herrero dirigida por Fernando Bernúes con la que la compañía donostiarra cierra la trilogía sobre el abuso precedida por las obras ‘Muxua/Un beso’ y ‘Giltzadun etxea/La casa de la llave’.

Alfredo Sanzol es el autor y director de ‘La valentía’, una comedia coproducida por Lazona y El Pavón Teatro Kamikaze. Y una comedia parece al comienzo ‘¿Quién es el seños Schmitt?’ de Sébastien Thiéry en una versión que Sergio Peris-Mencheta ha realizado para Barco Pirata; humor absurdo, inteligente y rápido que va forjando un thriller de suspense que llega a tragedia. Y otra versión, en este caso del universal de Lorca bajo el título ‘Esto no es La casa de Bernarda Alba’, es la que firma José Manuel Mora y dirige Carlota Ferrer; un canto a la libertad desde la imaginación creadora donde se fusionan imagen, poesía, música y danza. La programación de octubre en el Teatro Principal se completa con una propuesta de danza de las coreógrafas Meritxell Barberá e Inma García, ’Man Ray’, a cargo de Taiat Dansa.

Pero el festival también llega a otras zonas de la ciudad du– 38 –

rante el mes de octubre. En el Teatro Félix Petite Antzokia Oscar L´Alakran presenta ‘La conquista de lo inútil’, y en el Teatro J. Ibáñez de Matauco se podrá ver ‘Grand Applause’ de Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.

También habrá lugar para el teatro dirigido al público familiar, con un total de cuatro propuestas, dos de ellas en octubre: ‘You and me’ de Mummenschanz y ‘Kaput’ de Ganso & Cía. Y dentro del ciclo Antzerkia zabaltzen/Teatro abierto, Kolectivo Monstrenko realizará cuatro representaciones de ‘Enredados: Calma chicha’.

Pero en noviembre habrá más. Entre otros montajes, lo último de La Zaranda, ‘Ahora todo es noche’, la versión de ‘Moby Dick’ protagonizada por Jose María Pou, o el espectáculo de danza ‘Erritu’ de Kukai Dantza. También tendrán lugar los ciclos ‘Proyecto bebés’ –con tres montajes– y Off Lokal, además de las Jornadas de Artes Escénicas y varias tertulias. —

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Inflammation du verbe vivre

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Pascal Gely

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XXVII FIOT de Carballo

Amplia y global propuesta del panorama teatral actual en FIOT

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‘Iphigenia en Vallecas’ ‘Playoff’ ‘La tristeza de los ogros’ ‘Future Lovers’

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reaciones de artistas consolidados y emergentes, teatro arriesgado y más convencional, de corte clásico o contemporáneo, de todos los formatos y en espacios de lo más diverso. Así se presenta un año más, y ya son 22, el Festival Internacional de Outono de Teatro, FIOT, que tendrá lugar del 28 de septiembre al 31 de octubre en Carballo, A Coruña. El Ayuntamiento de la localidad y la Asociación Cultural Telón e Aparte vuelven a encargarse de su organización en una edición que tiene como lema “Os millennials: o público futuro”, motivo por el que buena parte de los espectáculos seleccionados reflexionan sobre la juventud, sus peculiaridades, problemas y su situación en la sociedad asfixiante y competitiva que hemos construido.

Una edición por tanto que supone “un esfuerzo especial y comprometido con la juventud del futuro, con el público potencial, con lenguajes directos y rápidos (...) para motivar con inicia-

tivas especiales y contenidos acordes a las distintas formas de comunicarse con la sociedad”, explican desde FIOT. Muestra de todo esto son espectáculos como ‘Future Lovers’, con el que La Tristura ha querido hacer un ejercicio de imaginación del futuro y, trabajando con adolescentes, proponen una investigación sobre las nuevas formas de ver el mundo centrándose en los cambios constantes de las relaciones humanas. La Joven Compañía reflexiona sobre el papel de la mujer y del deporte femenino en ‘Playoff’, tragicomedia de Marta Buchaca que transcurre en el vestuario de un equipo de fútbol femenino. En la misma línea, ‘Iphigenia en Vallecas,’ obra que parte de ‘Iphigenia in Splott’ del galés Gary Owen, –premio al mejor texto en el Festival de Edimburgo 2015–, presenta una nueva versión del mito que traslada la acción a nuestros días y que María Hervás ha adaptado e interpreta para esta propuesta de la propia Hervás y Serena Producciones.

FIOT sigue apostando por directores y autores emergentes, es el caso de por Pablo Remón, autor y director de ‘El tratamiento’, una historia sobre cómo fueron, cómo querían haber sido y cómo son en realidad los personajes de esta coproducción de La Abducción y Buxman Producciones. El reconocido director catalán Àlex Rigola es el encargado de la versión y dirección del nuevo montaje de Kamikaze Producciones, ‘Un enemigo del pueblo’ de Ibsen, obra que intenta dar respuesta a la difícil pregunta de: “¿Hasta dónde prevale-

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ce nuestra ética si afecta al sustento de nuestras familias?”. Por otro lado, vuelve al festival Alfredo Sanzol como autor y director de ‘La Valentía’, una coproducción de La Zona y Pavón Teatro Kamikaze. También regresa otra compañía conocida en Carballo, Ron Lalá, con su último trabajo, ‘Crimén y telón’, montaje con el que ofrecen un homenaje al teatro universal con forma de thriller de género negro.

La presencia internacional llegará con la suiza Compagnia Baccalà, que propone una obra en clave de clown, ‘PssPss’. Además, y fuera de la temática protagonista de esta edición, la compañía galega Contrapoduccións revisita ‘COMMEDIA. Un soguete para Goldoni’ 25 años después de su estreno CICLO OTNI, METROCADRADO Y RÚA DOS CONTOS Dentro del Ciclo OTNI, formato creado para dar cabida a propuestas de carácter contemporáneo y una dimensión más experimental, se podrán ver tres montajes.

‘La tristeza de los ogros’ es un cuento negro para adolescentes elaborado y dirigido por Fabrice Murga a partir de la historia real de Bastian Bosse y Natascha Kampusch llevada a escena por Teatre Lliure, Théâtre National de Wallonie-Bruelles y Teatros del Canal. ‘Wasted’ sube a los escenarios el desencanto visto por la polifacética artista londinense Kate Tempest que ha llevado a escena Íntims Produccions y en la que se combina la interpretación al uso con interludios de spoken word y rap. Y Borja Fernández propone con ‘Salvador’ un proyecto escénico sobre los movimientos migratorios, las desapariciones y los encuentros.

En el marco del Ciclo Microteatro Metrocadrado se han programado seis espectáculos que se pondrán en escena en espacios escénicos no convencionales como una panadería o una vivienda privada. Entre ellos destacan tres estrenos: ‘Mi Bici’ de N+1, ‘Pan’ de Helena Salgueiro y ‘A historias das flores’ de Tukumpas Teatro. El Ciclo Rua dos Contos, por su parte, cumple su vigésima edición con un programa de espectáculos de pequeño formato de narración oral, monólogos y cabaret, obras que se pondrán en escena en diversos bares y cafeterías de Carballo y entre las que destaca ‘Somos Criminais’ de Carlos Blanco y Xosé A. Touriñán. Y, además, se podrá disfrutar de tres obras de teatro de calle: ‘Emportats’ de La Trócola, ‘Erori’ de Cair Circo y ‘Ekilibuá’ de Maitomano, sin olvidar la extensa programación de actividades complementarias como el XVI Premio “O Xograr do Outono”, con el que esta edición se reconocerá a un imprescindible del teatro galego, Manuel Lourenzo, así como diversas exposiciones o las actividades de la Escola do Espectador, entre otras. — – 41 –

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XX BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

La escena contemporánea toma los escenarios bilbaínos La nueva creación vasca y destacadas compañías internacionales caracterizan esta edición del BAD

Roman Brunner

Ronen Guter FOTOGRAFÍAS

‘Là’ ‘Flipper’ ‘Archive’ ‘Farci.e’ ‘MDLSX’

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l Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao celebra su 20ª edición del 17 al 28 de octubre con 22 funciones a cargo de 20 compañías (9 locales, 4 estatales y 7 internacionales).

Organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, el BAD ofrecerá una programación equilibrada entre la nueva creación vasca y una destacada presencia de compañías internacionales, que presentarán sus trabajos en espacios como La Fundición, Pabellón 6, BilbaoArte, la Sala Rekalde o el Teatro Campos.

En cuanto a las propuestas locales, destaca el apoyo del festival en la producción de espectáculos. Así, son coproducciones del BAD los estrenos de danza ‘DESPACIO, una seria de aproxi-

maciones sucesivas’ de Blanca Arrieta y ‘Two parallel studies of solitude’ de You & Me. Y dentro de las becas otorgadas por Bilbaoeszena se encuentran los también estrenos de danza ‘Masa’ de Isaac Erdoiza y ‘Sayonara Baby’ de Allue Danza. Como colaboración del festival se presenta por primera vez en Euskadi ‘¡Ay! ¡Ya!’ de Macarena Recuerda, espectáculo elegido para circulación en Pyrenart Danza Performance, proyecto europeo que coproduce además la pieza ‘Sareak’ de Organik Dantza-Teatro, con dirección de Natalia Monge. Completan la oferta de la casa la experiencia escénica ‘Poesía a la carta’ de Mama Crea, la pieza de danza de Eva Guerrero-Doos Colectivo ‘El fin de las cosas’, la primicia del concierto ‘100% Oion’ de Mursego e Ibon RG y el estreno de ‘V.E.S. (Videor, ergo sum)’ de Leire López del Pueyo y Naiel Ibarrola.

Y otro estreno será el que llegue de Valencia de la mano de Sandra Gómez con ‘Todo por los aires’ (Premio Circula 2018), un ejercicio que plantea la renuncia y el abandono de la centralidad de un cuerpo en escena mediante la exploración de las posibilidades narrativas y la crea-

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Simone Stanislai

ción de ambientes que ofrecen el sonido y la luz en un tránsito del sentido visual al auditivo y del auditivo al visual. Una primicia es también la pieza de teatro documental de la artista burgalesa Bárbara Bañuelos, ‘Mi padre no era un famoso escritor ruso’, coproducida por el BAD, al igual que lo está también la del madrileño Juan Dominguez, ‘Entre lo que ya no está y lo que todavía no está’, coreografía-performance que se podrá ver por vez primera en Euskadi, como ‘My Only Memory’, también a cargo del propio Dominguez.

INTERNACIONAL En el apartado internacional, destacan varios espectáculos que se representarán por primera vez en el Estado: el portugués Pablo Fidalgo ofrecerá su performance ‘Anarquismos’, la compañía suiza Unplush hará lo propio con su pieza con tintes audiovisuales ‘Flipper’, y también se podrá disfrutar de la danza de las francesas Sorour Darabi (‘Farci.e’) y Flora Detraz (‘Tutuguri’). Desde el país galo llegan también Arkadi Zaides para presentar ‘Archive’ y Baro d´evel para llevar a escena ‘Là’ (Coproducción Pyrenart).

Se trata de dos propuestas que nunca han sido representadas en Euskadi, al igual que ‘MDLSX’ de la italiana Motus, performance que tiende hacia el “desparramiento” de todas las categorías, incluso las artísticas. Se trata de un viaje teatral “escandaloso” que Silvia Calderoni realiza con un formato Dj/Vj set-like.

Otras actividades de esta vigésima edición del BAD incluyen la presentación del libro ‘Muelle 3, 30 años’, talleres sobre danza o realidad aumentada, propuestas del XXIII Certamen de Teatro Escolar y cortometrajes dentro del marco del festival Zinebi. — – 43 –

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XVIII Danza Xixón

La danza reina en Gijón Muestra de espectáculos y talleres formativos para todos los públicos en Danza Xixón

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Todo encaja

res talleres de formación en danza y una veintena de espectáculos conforman la propuesta programática de la edición décimo octava de Danza Xixón, festival de danza que se celebra del 9 al 28 de octubre en diversos espacios escénicos y calles del centro de la ciudad asturiana y con el que un año más el público amante de la danza podrá disfrutar de todos los estilos y propiciará la creación de nuevos públicos entorno a esta disciplina artística.

El Teatro Jovellanos acoge el montaje que inaugura esta edición el mismo día 9, ‘Sutra’, coproducción de Sidi Larbi Cherkaoui, Antony Gormley y Szymon Brzóska. Los tres artistas­ -coreógrafo, escultor y compositor, respectivamente- han creado una coreografía mística más allá del cuerpo, la tradición y la modernidad, en la que el poder de la meditación, la energía de las emociones, las artes marciales y el budismo se funden con la danza.

En el mismo espacio escénico La Veronal presenta ‘Voronia’, pieza que gira en torno a la idea del mal, el mal definido por la ausencia de bien, atentando contra la razón y las leyes de connivencia impuestas, la maldad como realidad exclusiva del actuar humano. En el Teatro Jovellanos tendrá lugar también la puesta en escena del espectáculo ‘Home 2.0’ de Corvice Dance Company, pieza con una plasticidad escénica contemporánea en la que a través de las técnicas multimedia sumergen al público en el futuro.

El CC Antiguo Instituto es otro de los espacios en los que se exhibirán los espectáculos de esta edición de Danza Xixón, como ‘Todo encaja’ técnica acrobática de alto nivel de la mano de – 44 –

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Deambulantes

UpArte, o ‘Acrometría’, donde Psirc juega a crear nue-

vas geometrías humanas. La danza urbana llega de la mano de Iron Skulls en su ‘No sin mis huesos’, y ‘Hariak’ es un espectáculo multidisciplinar de Ertza Dantza con el que Asier Zabaleta propone una coreografía que aúna danza contemporánea, manipulación de marionetas de tamaño real y textos de Harkaitz Cano para contar historias de verdad, de gente de verdad.

Desde Israel, Dana Raz Dance Projects reflexiona sobre los nuevos canales de relación de la condición humana en ‘Wolves’, su segundo montaje de gran formato, y también se podrá disfrutar en Gijón con la multipremiada ‘Mulïer’ de Maduixa, o con ‘Impromoves’, evento basado en la unión de la danza y la música a través de la improvisación libre a cargo de Improviso. El flamenco, por su parte, contará con Daniel Doña y su pieza ‘Retrospectiva 2.0’, una obra escénica estructurada desde un imaginario contemporáneo y nutrido por el conocimiento profundo de la danza española y el flamenco.

En los CMI Pumarín Gijón-Sur, Ateneo de La Calzada y El Llano se pondrán en escena montajes como ‘La levedad de la euforia’ de Proyecto Piloto, ‘Lo tengo todo’ de Ana Serna y ‘Mira Miró’, obra dirigida al público familiar de Compañía Baal. En el Museo Nicanor Piñole, Zig Zag Danza hará lo propio con su pieza ‘Disonancias’, mientras que en el Espacio Escénico El Huerto, Provisional Danza representará ‘De parte de ella’ –solo creado e interpretado por Carmen Werner– y la coproducción realizada por la propia Provisional Danza junto a Compañía Nómada, ‘Una vez más’, una coreografía creada e interpretada por Werner y Roberto Torres.

Completa la programación el espectáculo de calle ‘Deambulantes’ de Producciones Imperdibles y los tres talleres de danza que incluye esta edición, dos de ellos impartidos por la coreógrafa Dana Raz. — – 45 –

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XXXVI Jornadas de Teatro de Getxo

Getxo, leal al teatro vasco

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as Jornadas de Teatro de Getxo, una de las citas más comprometidas con la producción teatral vasca, cumplen 36 años de andadura con una programación que presentará una docena de propuestas, tanto para público infantil como para adulto, que se representarán entre el 5 y el 14 de octubre. La variedad seguirá siendo una de las premisas, y las obras se realizarán en la Plaza San Nicolás de Algorta y en la Escuela de Música Andrés Isasi de las Arenas, a excepción del montaje ‘Las muertes de los otros’ de Moon Produkzioak, que se llevará a cabo en la Romo Kultur Etxea.

Dirigido por Fer Montoya, se trata de un espectáculo que habla sobre la intransigencia, la guerra, las huidas y la emigración, pero sobre todo, es un encuentro entre personas a través de la literatura y las soledades.

Otra de las propuestas para público adulto vendrá de la mano de Javier Liñera y Ékoma Teatro con ‘Tendríamos que haber empezado de otra manera’, comedia negra con tintes de thriller dirigida por Pablo Molinero, así como ‘Enredo familiar’ de Txalo Producciones, y ‘Zazpi senideko’ de Artedrama, montaje que reúne siete historias que giran en torno al sentimiento de hermandad construído desde la infancia.

Cabe destacar también las propuestas de circo y de danza.

Rojo Telón presentará ‘Soy ellas-Haiek naiz’, donde proponen un viaje emocional, íntimo y divertido de tres mujeres. En ‘I U’, la compañía de danza Lasala evoca el camino que va desde la sombras al mundo de la luz. Y la propuesta de danza ‘El fin de las cosas’ de Doos Colectivo gira en torno a cómo nos relacionamos, las decisiones que tomamos y cómo éstas afectan a la persona que tenemos al lado. Es un espectáculo creado por Eva Guerrero que cuenta con la música de Ainara LeGardon y el ojo externo de Ana Vallés.

Para el público más joven las jornadas ofrecen trabajos como el espectáculo de payasos ‘Zoro gaitezen’ de Txirri, Mirri eta Txiribiton, que continúa con la línea iniciada en ‘Dantzan’ y ‘Erromirria’, obra que es un canto a la libertad y la imaginación y que combina teatro, música y vídeo. Además se podrá ver ‘Linbo planeta’ de Dejabu Panpin Laborategia, que combinando marionetas, teatro, música y vídeo, hace un canto a la diferencia, la libertad y la imaginación.

También estará ‘Chef Nature’, obra ambientada en un peculiar restaurante al aire libre y con huerta propia de Markeliñe, la verbena infantil de Xilipurdi ‘Bidaia ezezaguna’, y el montaje musical ‘Kontu kantari 2’ de La Enana Naranja.

En paralelo, los días 7 y 14 se llevará a cabo la programación de la 5ª edición del ciclo de Teatro Breve en la Kultur Etxea de Algorta. — – 46 –

El fin de las cosas

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IX Festival Internacional de Teatro de Feria

Tradición popular y nuevos lenguajes teatrales en el Parque de las Marionetas

FOTOGRAFÍAS

Periferia Producciones Viridiana

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aragoza celebra del 6 al 14 de octubre sus fiestas patronales, las Fiestas del Pilar, con numerosas actividades programadas. Desde el punto de vista de las artes escénicas, cabe destacar uno de los acontecimientos más emblemáticos, el Parque de las Marionetas, que este año cumple 20 años desde que celebró su primera edición y 9 desde que se incorporara en su diseño el Festival Internacional de Teatro de Feria.

Para avanzar en la línea internacional marcada para este año, desde la organización han tomado la decisión de trabajar en red con otros festivales e instituciones internacionales, permitiendo así programar proyectos como el italiano ‘Teatri Mobili’ a cargo de las compañías Girovago e Rondella y Dro-

mosofista, Les Contes d´Asphaldt de Bélgica con ‘Octaaph’, Noisy Oyster de Reino Unido con ‘The Da Silva Marionette Circus Troupe’, ‘Closetland’ de los Third Handers de Eslovenia, Sara Henriques de Red Cloud Teatro de Marionetas de Portugal con ‘Dom Roberto’, o el napolitano Gaspare Nasuto con ‘Pulcinella. Guarattelle napolitano’.

Además, seguirán apostando por la creatividad aragonesa con piezas de Títeres sin Cabeza, Producciones Viridiana, Teatro Che y Moche o Los Titiriteros de Binéfar. Tampoco se perderá de vista a compañías estatales de prestigio como Markeliñe, Cachivache Producciones o Periferia.

Se completa así un programa formado por más de 300 funciones a cargo de 25 formaciones artísticas que se podrán disfrutar del 10 al 14 de octubre, a las que se sumarán además puestos de artesanos y expositores que dan vida junto a solistas titiriteros al Quiosco de la Música, auténtico cuarto de estar del festival, donde la tradicional Orquesta Zingarozana de Teatro Che y Moche y sus mini conciertos de ‘Las cuatro estaciones’ abrirán y cerrarán el parque todos los días. —

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XI MITIN - Muestra Internacional de Teatro de Investigación

Dobles aniversarios y miradas de ayer y de hoy en el MITIN

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a 11ª edición del MITIN, Muestra Internacional de Teatro de Investigación, arrancará el 17 octubre, día en el que hace diez años se inauguró el Centro Internacional de Investigación Teatral TNT, espacio que organiza la cita y en el que se lleva a cabo la programación. Precisamente se eligió ese día para el inicio de su actividad por tratarse del Día Internacional de Lucha contra la Exclusión Social y la Pobreza, dado que TNT quería posicionarse en la doble vertiente de investigación teatral y de teatro comunitario y de inclusión social, por su proximidad al asentamiento chabolista más antiguo de Europa.

La programación, que se desarrollará hasta el 4 de noviembre, se inaugurará con ‘Así que pasen 5 años’ de Lorca, coproducción entre el CDN y Atalaya, que también representará su versión de ‘Marat/Sade’. Destaca la propuesta ‘Hermano muerto’ a cargo de la actriz Julia Varley de la compañía danesa Odin Teatret, capitaneada por Eugenio Barba, cuya presencia se espera también en la muestra sevillana. Des-

de Ecuador, Contraelviento Teatro llevará a cabo ‘La flor de Chukiraawa’ de Patricio Vallejo Aristizábal.

A continuación del MITIN, cada año se lleva a cabo el CENIT – Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales, cuyo espectáculo ganador se presenta en el MITIN. Este año el CENIT llega a su 10ª edición, motivo por el que el MITIN programa a varias de las compañías ganadoras de ediciones previas. Así, la chileno-catalana Teatro Laboratorio estará con ‘Así habló Zaratustra’, la vasca Juana Lor de Kabia Teatro con ‘Arquetipos de mujer’, El Pollo Campero, comidas para llevar llegará desde Barcelona para representar ‘Las actrices siempre mienten’, la sevillana Barataria ofrecerá ‘El viajecito’ y la madrileña Teatro Xtremo ‘Oblivion’. Además, participarán la coreógrafa barcelonesa Marta Carrasco con ‘Perra de Nadie’, los valencianos Dacsa Productions con ‘Bienvenido a casa’ y la mallorquina Cia. Mariantònia Oliver con ‘Volen, Volen’, pieza de teatro infantil de investigación.

Completan el MITIN tres espectáculos andaluces: ‘Las dependientas’ de La Ejecutora, ganador de la 2ª edición de la CINTA – Cita de Innovadores del Teatro Andaluz; el estreno de ‘El síndrome de la mujer mecánica’ de Círculo Teatro y TNT; y Teatro de la Inclusión con ‘El marinero’. Está prevista también una jornada de puertas abiertas a los habitantes del asentamiento chabolista de El Vacie, en la que destaca la representación de ‘4 Rosas’, primer montaje en España dirigido por una mujer de etnia gitana, sin alfabetizar: Rocío Montero. En el escenario, coincidirán además cuatro generaciones de mujeres: ella misma, varias de sus hijas, nieta y bisnieta. — – 49 –

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‘Perra de Nadie’ ‘El síndrome de la mujer mecánica’ ‘Así habló Zaratustra’

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V Mirada - Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas de Santos

Una mirada a la producción actual iberoamericana Colombia será el país homenajeado y, por primera vez, acude un espectáculo de Nicaragua

Juan Carlos Crespo

FOTOGRAFÍAS

‘C H A N C H O’ ‘Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse’ ‘A vida’ ‘Calibán. La tempestad de Augusto Boal’ ‘Guanabara Caníbal’ ‘Preto’

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Inés Correa

a quinta edición del MiradaFestival Ibero-Americano de Artes Cênicas, tendrá lugar en Santos del 5 al 15 de setiembre con 41 espectáculos de teatro y danza de trece países de América Latina, Portugal y España, trece de los cuales son de producción brasileña, destacando los estrenos de El Centro de Investigación Teatral del Sesc (CPT por su sigla en portugués), dirigido por Antunes Filho, y el trabajo colaborativo de Carolina Virgüez y Sara Antunes.

Además de Brasil, que participa con espectáculos oriundos de siete estados –Bahía (Salvador), Minas Gerais (Belo Horizonte y Barbacena), Paraná (Curitiba), Rio Grande do Norte (Natal), Rio Grande do Sul (Porto Alegre

y Canoas), Río de Janeiro (Río de Janeiro) y San Pablo (San Pablo)– integran la programación obras de Colombia –país homenajeado, con nueve propuestas inéditas en Brasil, de las cuales seis son obras de teatro y tres son espectáculos de danza y una instalación–, Argentina, Bolivia, Chile, Ecuador, España, México, Nicaragua, Paraguay, Perú, Portugal y Uruguay. Por primera vez, el festival se realiza en nueve ciudades de la Baixada Santista.

El homenaje a la producción colombiana se compone de la obra ‘Labio de liebre’ de Teatro Petra, que marcó el 30 aniversario de la consagrada compañía colombiana en 2015.

La obra más reciente del grupo, ‘Cuando estallan las paredes’, también integra la programación. Reconocida a nivel internacional por su cuidada investigación escénica, la compañía La Maldita Vanidad se presenta con el díptico Dramas neo-costumbristas de carácter fatal, compuesto de los montajes ‘Nos hemos olvidado de todo (drama 1)’ y ‘Promesa de fin de año (drama 2)’ –cuyo estreno mundial tendrá lugar en el festival y que se construye desde la perspectiva de un tema muy actual: la transexualidad–. Uno de

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Ligia Jardim

Isaías Lucas

Joao Julio Mello

Nana Moraes

los montajes más significativos de esta edición es ‘La despedida’ de Mapa Teatro, que, con un refinado lenguaje que mueve a la reflexión política, pone punto final al extenso estudio realizado por el grupo sobre la violencia en Colombia. Entre los espectáculos de danza colombianos, destaca ‘La ciudad de los otros’ del grupo Sankofa, que reúne a 20 bailarines que llevan a escena, de manera contundente, la presencia de lo negro en las artes.

Se pondrán en escena por primera vez las dos producciones brasileñas ‘Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse’, trabajo del Centro de Investigación Teatral del Sesc San Pablo, dirigido por Antunes Filho, basado en el texto del dramaturgo francés Jean-Luc Lagarce, y ‘Corpos opaco’, creación de la colombiana Carolina Virgüez (Aquela Cia. de Teatro) –ganadora del premio Shell por Caranguejo Overdrive, que se presentó en Mirada en el 2016– en colaboración con la brasileña Sara Antunes.

La primera participación de Nicaragua en el festival se dará con el drama urbano ‘La ciudad vacía’, cuyo telón de fondo es Managua en el marco de la Revolución Sandinista. Chela de Ferrari adaptó la célebre comedia de Shakespeare, Mucho ruido por nada (Much Ado About Nothing). Desde una peculiar lectura del texto original, la directora peruana coloca en la escena temas sociales contemporáneos.

Entre las obras que nunca se presentaron en Brasil, se encuentran ‘Nimby (Nosotros somos los buenos)’, del Colectivo Zoológico y Theather und Orchester Heidelberg, una producción chilena que cuenta la historia de una comunidad alternativa de clase media que se levanta en defensa de su territorio; ‘C H A N C H O’, de la boliviana Chakana Teatro, y ‘El Ritmo (Prueba 5)’, dirigida por Matías Feldman y puesta en escena por la compañía argentina Buenos Aires Escénica.

De Portugal, ‘Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas’, de la directora Joana Craveiro, recorre más de

80 años de la historia lusitana. ‘Amazónia’, obra también oriunda de Portugal, de la compañía Mala Voadora, proyecta sobre la selva amazónica la relación del hombre con la naturaleza, además de poner de relieve ciertos cuestionamientos sobre nuestra sociedad.

Algunos trabajos desarrollados en el sur del continente americano presentan la marca de las investigaciones sobre el lenguaje. El dramaturgo uruguayo Sergio Blanco presenta ‘El bramido de Düsseldorf’, su más reciente obra de autoficción. Del mismo país, Jimena Márquez investiga el lenguaje en la distancia entre una madre y sus hijos en ‘Lítost, la frustración’.

De Brasil, además de los estrenos mencionados anteriormente, se presentarán ‘Colônia’, monólogo del actor Renato Livera dirigido por Vinicius Arneiro, que remite al caso verídico; ‘Preto’, de la Compañía Brasileña de Teatro, que trata sobre el racismo y sus desdoblamientos subjetivos y objetivos en Brasil, y también ‘Guanabara Caníbal’, de Aquela Cia. de Teatro, que revisita la fundación de Río de Janeiro a partir de la masacre de las tribus indígenas. ‘Calibán. La tempestad de Augusto Boal’, de la Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz, con 40 años de actuación, pone en escena en la calle una adaptación del clásico de Shakespeare realizada por Boal en los años 70; ‘La invención del Nordeste’, del Grupo Carmin, lleva al escenario una importante crítica cultural. La ficción como procedimiento de la dramaturgia contemporánea aparece en el montaje de ‘A vida,’ de Nelson Baskerville con Antikatártika Cia. Teatral.

Entre los espectáculos para niños y niñas destaca ‘Euria’ de Markeliñe y ‘O circo de Soleinildo’, de la bahiana Cía. Operakata de Teatro, que se relaciona con una tradición: el circo mambembe.

Como es habitual habrán mesas de debate, workshops y residencias artísticas, entre otras actividades formativas y de encuentro con los espectadores. —

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L Festival Internacional de Manizales

Manizales: una edición histórica para un festival histórico Junto a los grupos que han crecido en paralelo al festival, se verán los emergentes más consolidados

Carlos Alvar

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n el año 1968 se creó en la colombiana ciudad de Manizales el evento escénico más antiguo de Latinoamérica: el Festival Internacional de Teatro.

Nació como un espacio de encuentro para los grupos de teatro universitarios de la región y para los más reconocidos intelectuales de la época, en medio de un creciente ambiente estudiantil y cultural. Aprovechando el teatro más moderno de América Latina, El Fundadores, el mismo lugar que hoy continúa siendo el escenario central del festival y gracias al interés de una serie de personalidades de la ciudad, que estaban interesadas en darle un carácter cultural y artístico, se puso en marcha por primera vez un encuentro de teatro en el país.

Al mismo tiempo que Manizales avan-

zaba en la consolidación de una idea de ciudad para la cultura, el mundo entero andaba en medio de un contexto motivado por los coletazos revolucionarios del 68. Si bien es cierto que estos coletazos llegaban tarde y con poco eco a ciudades intermedias como Manizales, sirvieron para que el universo teatral latinoamericano que logró convocar el festival fuera amplio, diverso y rico. El festival irrumpió entonces con fuerza y vitalidad, convocando grupos y personas del mundo de la cultura y la intelectualidad. Pronto fue apoyado por el Gobierno Nacional, en cabeza de Carlos Lleras Restrepo, por la ASCUN y por la Universidad de Caldas. Así, con el apoyo del sector público y privado, de instituciones como la Cámara de Comercio, el ICFES, el Ministerio de Relaciones Exteriores, la Universidad de Caldas, entre otros, se creó la Corporación Civil «Festival Latinoamericano de Teatro Universitario», con el fin de realizar el evento.

En el año 1968, entre el 4 y el 12 de octubre se celebró por primera vez el festival con el objetivo de “promover el desarrollo de la actividad teatral como medio de expresión estética de la juventud del continente y como instrumento

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Alex Bryce

de integración cultural latinoamericana”. En este festival participaron 8 universidades de Latinoamérica, además de intelectuales, poetas y escritores, como Pablo Neruda y Miguel-Ángel Asturias.

Más de 1.500 compañías de 40 países han pasado por Manizales y conforman la gran tradición teatral de este festival, pionero de algunos importantes festivales que hoy se realizan en toda América. Una tradición que ha sido reconocida por diversas organizaciones en el continente, con premios como el Chamán de México; el Ollanty, del Centro Latinoamericano de Investigación Teatral con sede en Venezuela; el Atahualpa de Cioppo, del Festival Iberoamericano de Cádiz, España; el García Lorca de Granada, España; el Premio de Turismo de El Colombiano, la distinción «Cruz de Boyacá», de Colombia, y la declaratoria de Patrimonio Cultural de la Nación.

Esta edición aniversario, valida el evento frente a la comunidad internacional: como homenaje a los 50 años del festival y por iniciativa del CELCIT (Centro Latinoamericano de Creación en Investigación Teatral) se declaró el 8 de octubre como el Día Internacional del Teatro Latinoamericano, declaración a la que adhirieron organizaciones artísticas, públicas y privadas, ligadas al teatro de todo el mundo, entre las que se destacan la Federación Internacional de Actores, la REDLAT (Red de productores de Latinoamérica) y REDELAE (Red eurolatinoamericana de Festivales de Artes Escénicas).

Cada año el festival varía sus ejes curaturiales y temáticos, de acuerdo con las diversas tendencias de la escena internacional. Para la edición 2018, por ejemplo, se ocupará de las escenas teatrales iberoamericanas, referenciadas a partir de los 50 años de historia del festival, teniendo como vertiente de programación fundamental: -Grupos históricos: Teatro Ictus de Chile, Teatro El Galpón de Montevideo, Yuyachkani de Perú, Malayerba de Ecuador, La Candelaria de Colombia, Teatro de la Llanura de Argentina; todos los cuales ejercen su protagonismo en la escena de Iberoamérica entre 45 y 60 años. Se realizarán eventos teóricos alrededor de esos procesos creativos con la dinámica del trabajo de grupos como forma creativa.

-Grupos consolidados alrededor de la historia del festival, generacionalmente correspondería a directores teatrales vigentes y que se ubican en una franja etaria de 50 años: Teatro Petra de Colombia, Cornamusa de México, Teatro Matacandelas (Colombia).

-Nueva generación: nuevos directores/dramaturgos consolidados en la escena internacional: Gabriel Calderón (Uruguay); David Gaitán (México); Jorge Hugo Marin (Colombia); Johan Velandia (Colombia). —

Medio siglo de brava porfía

C

on la presencia de agrupaciones emblemáticas del teatro latinoamericano, como Yuyachkani, del Perú, o Malayerba, de Ecuador; clásicos como ‘Electra’ y ‘Antígona’ y nuevos clásicos como ‘Los músicos ambulantes’, o ‘Incendios’, el Festival Internacional de Teatro de Manizales llega a sus 50 años de existencia y 40 ediciones.

Entre el 5 y el 14 de octubre el festival manizaleño recibirá agrupaciones de Argentina, Brasil, España, Ecuador, PorWILSON ESCOBAR tugal, Perú, Uruguay, México y ColomRAMÍREZ bia, en jornadas que transcurrirán por las principales salas y calles de la ciudad, y con los habituales diálogos y reflexiones académicas, que en esta edición oteará las visiones de importantes directores y creadores en torno a las formas, los lenguajes y temas que identifican el teatro del continente.

TEATRO DE BARRICADAS Enclavada en la cordillera central de Colombia, esta ciudad andina acoge desde 1968 la expresión más diversa del teatro latinoamericano. Si bien en sus primeras cinco ediciones (la última fue en 1973) el evento estuvo marcado por el teatro universitario y el incandescente foro político que nació en sus entrañas, la experiencia de lo que acontecía en Manizales fue reveladora para un continente, y aún para el teatro que comenzaba a dialogar entre las dos orillas del Atlántico. Así lo reconocieron los hombres de teatro que recalaron en aquellos años fundacionales.

“Gracias a Manizales el Teatro latinoamericano parece descubrirse a sí mismo; por primera vez en su historia política como pueblos independientes, los hombres de América Latina establecen puentes de comunicación, se asombran ante las diferencias estructurales de sus movimientos teatrales y se embarcan en la fascinante aventura de conocerse a sí mismos”, declaraba Carlos Gimenez, fundador y director del Teatro Rajatabla, uno de los refe-

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LUZ NEGRA

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se Denis Villenueve. Al prestigio de la obra, El Galpón suma la experiencia y la figura rotulante de Adelbal Freire Filho, director brasilero que desde los años 70 ha dejado su impronta en innumerables creaciones escénicas que deambulan entre lo épico y lo dramático, como se verá en esta historia del dramaturgo libanés Wajdi Mouawad.

El recorrido por los teatros de grupo lo completa la agrupación Malayerba de Ecuador, de la que se ha podido ver gran parte de su producción en distintas épocas del festival. El colectivo, dirigido por Arístides Vargas, presentará ‘El corazón de la cebolla’, un montaje de creación colectiva que parte de un pequeño fragmento, el bodegón de las cebollas, de la celebrada novela ‘El Tambor de hojalata’ de Günter Grass.

rentes del teatro de la región. Él, como tantos otros creadores allegados desde distintas latitudes del continente latinoamericano y de España, reconoce que el Festival de Manizales “no solo es el punto de partida desde el cual los hombres del teatro latinoamericano intentaron encontrar respuestas para una pregunta, sino también el comienzo de una relación con el teatro del mundo desarrollado…”.

En una suerte de borrón y cuenta nueva, en 1984 el festival se reinventa y de la mano de Octavio Arbeláez el evento comienza a transitar una línea fronteriza que privilegia la hibridez escénica, la vanguardia en el lenguaje, el diálogo con la tradición escénica y cultural y, cómo no, el diálogo inacabado entre los teatristas que dará el sello de identidad a este encuentro.

Esta edición promete seguir la estela que ha trazado el festival durante las últimas tres décadas y media: invitar al espectador a un recorrido entre la tradición y la vanguardia, acercarlo a las nuevas generaciones de creadores, y hacerle el seguimiento a aquellas agrupaciones que han dejado huella en su memoria.

Será la ocasión para constatar la vigencia poética de ‘Los músicos ambulantes’, un clásico del repertorio de creación colectiva del Teatro Yuyachkani del Perú, que recaló en la plaza de Bolívar de Manizales en 1985 y que ahora, en sala, mostrará en clave de comedia musical, la diversidad cultural del Perú profundo a través de un grupo de animales entresacados de “Los Saltimbanquis” de Luis Enríquez y Sergio Bardotti y “Los Músicos de Bremen” de los Hermanos Grim.

Vigencia poética que también se podrá constatar con ‘Ahora todo es noche’, la última creación de La Zaranda, aquella agrupación que recaló en el festival de 1988 con el quejío de ‘Mariameneo, Mariameneo’, obra que tatuó la memoria de un público absorto. Del colectivo español se pudo ver un par de obras en ediciones de final de siglo y ahora, 18 años después, subirá a escena, cómo no, la galería de personajes marginales, olvidados, que luchan por conservar su existencia mísera en un mundo herrumbroso, sin aparente luz al final del túnel.

El Teatro El Galpón de Uruguay, uno de los grupos que marcaron la historia del festival y del continente con su resistencia escénica a la dictadura de su país, regresa con ‘Incendios’, considerado uno de los nuevos clásicos del teatro mundial, con decenas de premios, con celebradas producciones, y con una película dirigida por el canadien-

CLÁSICOS RENOVADOS Luego de los Otelos que en clave de muñecos de velo y de clown se pudieron ver en ediciones recientes, el festival provocará al patio de butacas con sendos clásicos: ‘Electra’ y ‘Antígona’.

La debutante Companhia do Chapitô de Portugal subirá una Electra bastante irreverente: con decenas de cucharas como único recurso escénico y un par de actores que interpretan los incontables personajes de la tragedia griega, los portugueses darán cuenta de esta compleja trama de guerras familiares y luchas por el poder, en una desopilante puesta que recurre a la riqueza gestual y al pliegue físico de los actores.

A su turno, el Teatro de la UNAM México subirá una nueva versión de Antígona en la que el público es testigo de una discusión de mesa que trasciende los tiempos de la tragedia y llega con ecos profundos en la sociedad mexicana y latinoamericana actual. La justicia, la política, la vigencia de la relación con lo divino, el activismo social, la responsabilidad de quien gobierna, la obligación del ciudadano frente a la opresión, la democracia, la libertad de expresión, no se escapan a esta versión contemporánea de un clásico que, como bien lo advierte Brook, solo nos puede hablar hoy si nos abraza como el carbón.

Al lado de estos referentes del teatro Ibero-latinoamericano, a los que se suma El teatro La Llanura de Argentina con su último trabajo ‘Con el Agua al cuello’, la edición conmemorativa de los 50 años del festival manizaleño trae otras agrupaciones, con no menos recorrido, y que constatan el relevo generacional de la escena continental. Los colombianos Teatro Petra (‘Cuando estallan las paredes’), La Maldita Vanidad (‘Dramas neocostumbristas de carácter fatal’) ofrecerán otras visiones, tratamientos y poéticas a la densa realidad criolla, marcada por la violencia y otros temblores sociales. Los mexicanos Cornamusa Teatro, dirigidos por Mario Espinosa, proponen ‘Después del ensayo’, basada en una obra de Ingmar Bergman, mientras el Celcit de Argentina presenta ‘Jacinta en el umbral’, en complicidad con el grupo Malayerba. Éstos, entre otros colectivos, conforman este encuentro escénico que en su apartado académico reunirá a algunos creadores como Eusebio Calonge (La Zaranda), Arístides Vargas (Malayerba), Héctor Guido (El Galpón), Mario Espinosa (Cornamusa Teatro), Carlos Ianni (Celcit), Guillermo Heras (Iberescena) o Aimar Labaki (Brasil), que dejarán sus reflexiones en torno a los caminos recorridos, sus búsquedas y encuentros con las poéticas de un teatro inestable que sigue testimoniando la realidad de su tiempo. —

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MISCELÁNEA

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Andrés Pinilla

Escenarios del Mundo

Almagro Contemporáneo

Del 26 de setiembre al 8 de octubre se celebra en Cuenca (Ecuador) el Festival Internacional de las Artes Escénicas Escenarios del Mundo, que cuenta con programación en sala para público general, funciones al aire libre, otras para estudiantes, funciones en cantones aledaños a Cuenca, y talleres para estudiantes y profesionales de las artes escénicas. Diez grupos ecuatorianos, entre los que destacan Malayerba y Teatro del Cielo, compartirán esceanarios con una muestra internacional compuesta por los portugueses Teatro do Chapitó y su ‘Elektra’, los españoles Cuarta Pared con ‘Nada que perder’, y Senna Teatro Laboratorio con ‘Mujeres Eternas’. De Uruguay llegará Reverso con un delicioso unipersonal ‘Solo una actriz de teatro’. Los Weros Teatro son los mexicanos que pondrán en pie ‘De Miguel a Cervantes’. En la calle, habrá dos obras de Venezuela a cargo del Circo Nacional de Venezuela y Sarta de Cuentas y una de Argentina a cargo de Circo Eguap.

El Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro que organiza el CELCIT llega a su décima octava edición con la presencia de espectáculos de Argentina, Chile, Cuba y España. En esta edición, que se celebrará del 28 de setiembre al 14 de octubre, Pepe Bablé, director del FIT de Cádiz, será el homenajeado, y se podrá ver su última dirección escénica con el grupo gaditanio Albanta, ‘Bendita Gloria’ de Juan García Larrondo. Contará con la presencia deAmancio Prada, Micomicón, Imprebís, Doble sentido, Gloria López, Quimera y Método Madrid como representeación española. De Chile se podrá disfrutar del espectáculo de La Llave Maestra con ‘L@s niñ@s del Winnipeg’, La Mona Ilustre con ‘La niña de Canterville’ y Tryo Teatro, que llegará con dos obras: ‘La expulsión de los Jesuitas’ y ‘Parlamento’. Cuba está representada por Teatro El Público, Coralia Rodríguez y Galiano 108, y de Argentina llegará Títeres La Pareja.

Festival Cervantino

Cambio en Recife

La edición XLVI del Festival Internacional Cervantino (FIC) estará conformada por 195 espectáculos, con un total de 327 funciones distribuidas en ópera y música vocal, música, danza, teatro, espectáculos de calle, exposiciones y actividades académicas, lo que representará un despliegue de 110 grupos artísticos de 34 países, incluido México, a partir del 10 y hasta el 28 de octubre próximo en la ciudad de Guanajuato. En esta ocasión, el país y Estado invitados de honor serán la India y Aguascalientes, respectivamente, los cuales mostrarán un abanico artístico rico en tradiciones y modernidad, inserto en el eje temático del FIC: “El futuro es hoy”. De la India, sobresale la inauguración a cargo de la compañía The Danceworx, que llevará la propuesta ’Un pasaje a Bollywood’, y de Aguascalientes se exhibirá en la Plaza San Roque una animación video mapping con el título ‘Quizá mañana’. También se podrán ver espectáculos de Les Ballets de Monte-Carlo y Ex Machina de Robert Lepage.

Nace en Recife un nuevo Festival Internacional con el sugerente nombre de Cambio, que celebrará su primera edición entre el 4 y el 10 de septiembre. Llega con la intención de sumar a la vida teatral de Pernambuco no solo espectáculos, sino reflexión, debate, cruce de ideas sobre la propia actividad, estrechando lazos de convivencia para romper las barreras territoriales y linguísticas. Se funda en esta ocasión en un completo seminario sobre ‘Cooperación creativa en las Artes Escénicas’, que consta de diferentes mesas y ponencias sobre las formas de avanzar sobre la internacionalización. Además, contará con un taller impartido por Iva Horvat y una residencia artística con la polaca Anna Karasinska. En la parte de exhibición, se podrá ver la obra mexicana ‘Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar’, que cumpliendo con los objetivos del festival se representará en el Casarão das Artes, espacio alternativo de la Comunidade do Pilar.

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MISCELÁNEA

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Gorka Bravo

Festival Circ&Co

Dantza Hirian

La 6ª edición del Festival Internacional de Circo de Castilla y León, Circ&Co, que se celebrará en Ávila del 28 de agosto al 2 de septiembre, contará con la participación de 32 compañías, escuelas y artistas de 14 países. 20 compañías internacionales de las cuales 9 son de Francia, como Etienne Favré, Les Gentils Coquelicots, Compagnie de L’echelle, Cie du Grand Hôtel, Les Transformateurs Acoustiques, Zikatok, Le (doux) Suplicce de la Planche, Solfasirc y La Contrebande. A ellas se suman las compañías procedentes de Bélgica: Belcirque, Sur Mesure y Collectif à Sens Unique. Desde Italia participará la Cía el Cruce y desde Suiza la Compagnie Nicole&Martin. Amontonados por Azar, Rafael Dante, Marina Benites, Circonest, Chimichurri y Ruedan Clowns llegan en representación de las artes circenses argentinas. A nivel estatal, participarán las compañías (Cía)3, Lanördika circo y danza, Circ Pistolet, Sincronacidas, Lurrak, Asaco Producciones y La Troupe Malabó.

Del 15 al 30 de septiembre se celebra la 13ª edición de este festival, que convertirá plazas y calles de la Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebastián en punto de encuentro entre la ciudadanía y la danza contemporánea, con 17 compañías (6 de ellas vascas) en 18 espacios y 20 piezas de pequeño formato. La Red de Festivales en Espacios no Convencionales “Acieloabierto” presenta a través de su circuito a las compañías: Marco Flores (Madrid), Carmen Fumero (Tenerife), Lasala (Donostia), La Intrusa (Barcelona), Montón de Paja y Trigo (Barcelona) y Carla Diego (Madrid).

Dentro del programa de artistas en residencia Aterpean, se estrenarán ‘Akullu’ de Proyecto Larrua (Vitoria-Gasteiz), Myriam Pérez (Irun) y Colectivo Eflirkoa (Bayona). Además, Dantzaz/Proyecto Atalak 2.0 (Errenteria) presentará las coreografías de Eneko Alcaraz (Hondarribia) y Matxalen Bilbao (Bilbao). Destaca la compañía La Macana (A Coruña), que vuelve con ‘Ven’, tras de 10 años de gira.

Caroline Morel Fontaine

Muestra de Títeres para Adultos de Bergara

Festival ÍDEM de La Casa Encendida

Taun Taun Teatroa presenta del 25 al 28 de octubre la XIV Muestra Internacional de Títeres para Adultos de Bergara, donde habrá ocasión de disfrutar de una gran variedad de espectáculos en espacios tan distintos como la sala de teatro, el gaztetxe o la calle. Habrá también cursos especializados y exposiciones. Entre las propuestas programadas están las internacionales ‘El mejor y segundo más pequeño circo del mundo’ de los belgas Brunette Bros, ‘Sueños 1’ del argentino Roberto White y ‘Boris & Ingrid’ de la londinense 2Theatre, una pantomima absurda de teatro físico que cuenta la historia de una pareja de inmigrantes. La murciana Onírica Mecánica llevará a cabo ‘Alicia y las ciudades invisibles’ (Premio a la Propuesta más Innovadora en la Fira de Lleida 2018) y el guipuzcoano Iñaki Mata ‘Welcome!’, un trabajo itinerante de poesía visual en movimiento. También se espera el estreno de ‘Trabajos de interior’ de la compañía guipuzcoana Behibi´s.

La Casa Encendida de Madrid presenta la 6ª edición del ÍDEM, Festival internacional de artes escénicas comisariado por Paz Santa Cecilia. Con un perfil social y político, ofrecerá diferentes propuestas artísticas que giran en torno a la diversidad de lenguajes, formatos, disciplinas y cuerpos.

La cita arranca con el estreno en España de ‘Happy Island’ de La Ribot, realizada junto con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a Diferença. También del ámbito de los artistas con discapacidad llega la pieza de danza ‘No@menos’ y la película ‘L’artiste des mots’. La enfermedad mental estará presente gracias al documental de Javier Álvaro ‘¿Y si te dijeran que puedes?’. Dos propuestas hablarán de emigración y personas refugiadas: ‘Sous la plage’ y ‘Anguilas’. Louisa Merino presentará ‘The course of memory’ y El pollo campero, comida para llevar ‘La actrices siempre mienten’. La música estará presente en las voces de Diversity Youth Choir.

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Un otoño lleno de propuestas escénicas en Bizkaia

FOTOGRAFÍAS

‘Bosch dreams’ ‘Moby Dick’ ‘Circo de pulgas’ ‘Rhum’

L

a programación estival y festiva del Teatro Arriaga continúa durante el mes de septiembre con ‘Adiós Arturo’ de La Cubana hasta el día 9, dando paso a la comedia protagonizada por Concha Velasco y Antonio Resines, ‘El funeral’, del 12 al 16. El humor es también el protagonista de la tercera y última propuesta del mes, ‘Ben-Hur’, versión a cargo de Nancho Novo del mítico personaje en una coproducción de Yllana, Focus y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Días antes, del 19 al 23, el público podrá disfrutar con lo último de Sara Baras, ‘Sombras’, todo un viaje a través del tiempo.

Octubre comienza con el espectáculo teatral ‘La soledad del ángel de la guarda’ (días 2 y 3), texto de Raúl Guerra Garrido que lleva a escena K Producciones. Se trata de un monólogo de un guardaespaldas interpretado por Adolfo Fernández bajo la dirección de Fernando Bernués. Pabellón 6 estrena ‘Ocaña’ los días 7, 8 y 9, y tras su estreno en Donostia, estará en el Arriaga del 15 al 19 ‘Como un viento helado/ Izoztutako haizea bezala’ de Tanttaka Teatro (más información de ambos en la sección estrenos de este número).

Josep Maria Pou protagoniza junto con Jacob Torres y Oscar Kapoya

‘Moby Dick’ (del 11 al 14), un texto de Juan Cavestany – una metáfora de la lucha del hombre contra sí mismo y la naturaleza–, con dirección de Andrés Lima y producida por Focus. Los días 20 y 21 será el turno para ‘Lehman trilogy’ –texto y dirección Sergio Peris-Mencheta– en la que seis músicos-actores embarcan al público en un divertido relato sobre la deriva del capitalismo de la mano de Barco Pirata Producciones Teatrales. Kulunka Teatro, por su parte, pondrá en escena los días 29 y 30 ‘Edith Piaf. Taxidermia de un gorrión’, un viaje musical y emocional escrito Ozkar Galán.

En octubre (26 y 27) se podrá disfrutar también con un montaje de circo, ‘Bosch dreams’, un homenaje al Bosco y al movimiento surrealista que él inspiró coproducida por Les 7 Doigts y Theatre Republique. Y, además, habrá dos espectáculos de danza: ‘Sutra’, sobre la relación entre la tradición Shaolin y el Kung fu en una producción de Sadler’s Wells London (días 5 y 6), y ‘Erritu’ el nuevo trabajo de Kukai Dantza junto con el coreógrafo Sharon Fridman (31 de octubre).

LA FUNDICIÓN, KULTUR LEIOA Y TEATRO BARAKALDO Para los meses de septiembre y octubre La Fundición propone una programación en la que destacan las nuevas propuestas de tres artistas que han formado parte del Programa Residencias de Creación, Adriana Bilbao, Denis Santacana y Emilio Cordero Checa, y de las que se da cumplida información en la sección de estrenos de este número.

Además, los días 6 y 7 de octubre, Laura Marredo y Daniel Morales presentan la pieza de danza ‘La geografía del beso’, espectáculo que se incluye en el ‘Programa de movilidad para compañías de danza de Euskadi’.

La nueva temporada escénica de Kultur Leioa comienza los días 21 y 22 de septiembre con el estreno de ‘Sareak’,

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último trabajo de Organik Dantza-Antzerki que dirige Natalia Monge y del que también se informa en la sección estrenos de este número.

La danza y el teatro se funden y complementan en ‘Circo de pulgas’, montaje que Matarile Teatro –una de las compañías de referencia en teatro contemporáneo en el Estado español– pondrá en escena el 5 de octubre. El 26 la directora y actriz Elena Oliveri presentará ‘Wenses y Lala’, la adaptación que la artista italiana ha realizado del texto del dramaturgo mexicano Adrián Vázquez, una obra que habla directamente de la complejidad de la vida con humor y cercanía. El público familiar tendrá dos citas durante el mes de octubre. El día 7 llegan Las Tricotouses con el espectáculo de danza ‘Emoticores’ y el 28 Gorakada presenta su particular versión de ‘Ulises’ con la historia del viaje

como metáfora de la vida, de la lucha contra las dificultades y la forma de resolverlas.

El Teatro Barakaldo arranca la programación de otoño el 5 de octubre con el espectáculo de danza contemporánea ‘Man Ray’ de Taiat Dansa. Directamente de su estreno en septiembre en Madrid llega el día 6 ‘¿Quién es el Sr. Schmitt?’ de Sébastien Thiéry con versión y dirección de Sergio Peris-Mencheta a cargo de Barco Pirata Producciones Teatrales. ‘Rhum’ es un montaje circense homenaje a desaparecido Monti de Rhum y Cia (13) y Apata Teatro presenta el 20 ‘Malvados de oro’, texto de Jesús Laiz, protagonizado por Daniel Albadalejo bajo la dirección de José Borrás.

Cierra la programación el día 27 el espectáculo ‘Pss Pss’, una obra protagonizada por dos modernos clowns a cargo de la reconocida compañía suiza Compagnia Baccalá. —

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Cóctel escénico cargado de novedades en Donostia

Contra la democracia

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res son los estrenos que anuncia Donostia Kultura para los meses de septiembre y octubre. ‘El enjambre’ es la versión en castellano de ‘Erlauntza’, estrenada el pasado mes de julio, que Vaivén Producciones presenta los días 7, 8 y 9 de septiembre en el Teatro Principal. Se presenta además el nuevo trabajo de la compañía de danza contemporánea Lasala, ‘Luz’ el 22 en Gazteszena. Y el tercer estreno llegará en octubre de la mano de Ertza Dantza, ‘La teta de Janet’, en el Teatro Victoria Eugenia el día 20 (más información de los tres espectáculos en la sección de estrenos de este número).

Días antes, del 5 al 9 de septiembre y en el Teatro Victoria Eugenia se pondrá en escena ‘Las bicicletas son para el verano’ de Fernando Fernán Gómez, que vuelve a los escenarios cuando se cumplen 40 años de su estreno en el Teatro Español de Madrid, bajo la dirección de César Oliva y a cargo de

Maldita tú eres Producciones.

En el Teatro Principal y el día 12 de septiembre Afagi & Ai Dō Project presentan el proyecto social ‘Invisible Beauty’, varias coreografías creadas específicamente para los talleres y personas con Alzheimer. Y del 13 al 16 estará ‘Etxeko saltsak’, comedia de enredo de Alan Ayckbourn –con Aitziber Garmendia, Ane Gabarain, Mikel Laskurain y Aitor Fernandino– a cargo de Txalo Produkzioak.

La soledad entre las personas mayores es el tema central de la comedia de humor ‘La fiesta de la Madonna’ de Grupo de Teatro ONCE (día 27 en Imanol Larzabal Aretoa) y en el mismo espacio, pero del 29 al 30, será el momento de conconocer la puesta en escena que de la obra ‘Contra la democracia’ de Esteve Ferrer ha realizado Teatro del Noctámbulo. El público familiar tiene una cita el día 20 de octubre en Aiete K.E. con ‘2X4’ de El Lagarto baila y el público adulto tiene otra el 28 en Larratxo K.E., espacio en el que Atx Teatroa realizará un pre-estreno de su montaje,‘7ak bat’, nueva obra dirigida por Iñaki Ziarrusta a partir de los 7 pecados capitales. Además, están programadas una zarzuela y un espectáculo de radioteatro en Tomasene K.E. el 18 de septiembre y el 3 de octubre, respectivamente, además de una decena de obras de teatro de calle durante el mes de septiembre de compañías como Markeliñe, Ganso & Cia., Ertza Dantza o Zirika Zirkus.

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III Danzálava

Álava apuesta por la danza contemporánea

Jordi Bover

A

partir de septiembre dará comienzo la tercera edición de Danzálava, proyecto en el que a lo largo de once meses se llevarán a cabo diversas actividades de carácter formativo y encaminadas al apoyo profesional de la danza contemporánea en Euskadi.

En la presente edición, el proyecto continúa centrado en el apoyo a la creación en danza contemporánea y en la búsqueda y formación de nuevos lenguajes del movimiento, poniendo especial énfasis en la visibilización de la mujer creadora. Para ello, contarán con la presencia de creadores de gran relevancia en la escena actual de la danza contemporánea estatal e internacional, tales como la franco-italiana Federica Porello, el franco-estadounidense Mark Tompkins, la española Mónica Valenciano, la portuguesa Vera Mantero, la holandesa Katie Duck y la vasca Idoia Zabaleta.

En los talleres, que están dirigidos a profesionales de la danza y se desarrollarán en los meses de septiembre,

octubre, enero y julio, los intérpretes-creadores tendrán la oportunidad de llevar a cabo un intenso trabajo personal, donde podrán adquirir diferentes herramientas para profundizar en el desarrollo de un lenguaje propio de movimiento. La sensibilización del público será otro de los pilares importantes del proyecto. Junto a los talleres, se realizarán presentaciones públicas de las coreógrafas invitadas para acercar el lenguaje de la danza contemporánea al público.

Este año también se llevará a cabo un ‘Laboratorio de creación’ en colaboración con el Festival Bernaola. Así, un grupo de performers seleccionados por su gran capacidad para la improvisación trabajarán durante una semana de noviembre junto a la Premio Nacional de Danza Mónica Valenciano, con el objetivo final de realizar una presentación o muestra pública en el museo Artium. Asimismo, se apoyará el trabajo de una creadora a través de una residencia en Azala y con la asistencia coreográfica de Idoia Zabaleta, que acompañará y guiará su proceso creativo.

Altraste Danza es la responsable de la organización de Danzálava, que cuenta con el patrocinio del Gobierno Vasco, el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz, la Diputación Foral de Álava y la Fundación Vital, así como la colaboración de diferentes asociaciones e instituciones de Vitoria-Gasteiz, como el Conservatorio Municipal de Danza José Uruñuela, el Kolectivo Monstrenko, el Taller de Artes Escénicas y el colectivo Espacio Sinkro. — – 61 –

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ZONA ABIERTA

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Encuentros y desencuentros de unas jornadas siempre inquietantes TEATRO DESDE NUEVA YORK

The Band’s Visit

Angels in America

ALEJANDRO VARDERI

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a primera parte del año culminó con la ceremonia de los premios Tony, en su 72 entrega durante el mes de junio, recompensando las obras y musicales que hacen de Broadway el centro de las fastuosas producciones norteamericanas. ‘Harry Potter and the Cursed Child’, como mejor obra original, ‘Angels in America’, como mejor reposición, ‘The Band’s Visit’, como el mejor musical y ‘Once on this Island’, como la mejor reposición de un musical, se llevaron las preciadas estatuillas, en medio de las polémicas concernientes a la mercantilización del teatro que se presenta en esta zona de Manhattan.

De hecho, todos los nuevos musicales nominados se basaron en films y, menos el ganador, estos provenían de la fábrica hollywoodense, caracterizada por sus enormes presupuestos, la banalidad de los temas y su deseo de satisfacer al gran público. Ello se explica por el hecho de que los astronómicos precios de las entradas, solo se costean atrayendo a los multitudinarios contingentes de turistas, ávidos por ver sobre la escena lo que les entusiasmó en la gran pantalla.

‘The Band’s Visit’, sin embargo, se basó en una película poco conocida, manifestando la resistencia de Broadway a premiar el teatro exclusivamente comercial, donde una banda musical egipcia llega accidentalmente a un ficticio pueblo israelita y logra limar, las asperezas existentes entre ambas naciones. La mejora momentánea de las relaciones árabe-israelíes tuvo, en su versión musical, el añadido de una elegante producción que también resultó premiada y que, sin duda, sedujo a un público poco interesado en el film, logrando hacerse con 10 premios Tony.

El minimalismo de la puesta en escena enfatizó la intimidad de los caracteres, descubriendo y descubriéndose, más allá de los conceptos aprendidos y la presión social queriendo separar en lugar de unir. La relación amistosa entre Tony Shalhoub, Tony al mejor actor en un musical, como el director egipcio de la banda, y Katrina Lenk, Tony a la mejor actriz en un musical, como la dueña israelí del café donde llega la orquesta, permitió a la audiencia explorar la psicología de dos pueblos con una historia compartida, más allá de los odios y la violencia que desgarran hoy a Oriente Medio. En palabras de Itamar Mo-

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ZONA ABIERTA

Long Day’s Journey Into Night

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Harry Potter and the Cursed Child

ses, Tony al mejor libreto: “creo que no debemos temer a la diferencia. Y, a través de esta historia, observamos que paradójicamente podemos vernos reflejados en el otro, el extranjero. Evadir a ese extranjero que hay en nosotros implica darle la espalda al conocimiento y la aceptación de nosotros mismos”.

‘Harry Potter and the Cursed Child’, por su parte, fue coescrita por la autora de la popular saga y estrenada en el West End londinense, pasando luego a Nueva York donde ha obtenido 6 premios Tony. El costo de la ambiciosa producción fue de 68 millones de dólares, siendo hasta el momento la obra teatral más cara de la historia de Broadway. Los ingeniosos dispositivos ideados para reproducir el mágico mundo de las películas basadas en los libros de J.K. Rowling, fueron lo que, más allá de la actuación, atrapó definitivamente a la audiencia, en su mayoría compuesta por fans del imperio Potter. De hecho, para un espectador poco avezado en los laberintos de la épica del personaje, el guion puede parecer obtuso, pues contiene múltiples referencias a los textos y películas que han hecho multimillonaria a la escritora. Una capa más de sinsentido que sumar al género dramático, volviéndose repentinamente ininteligible para quienes no hayan visto previamente los films que, en el caso de este desarrollo específico de los libros de Rowling, está siendo ahora negociado con Hollywood, a fin de seguir explotando la jugosa mina de oro en la cual se ha convertido la serie sobre Harry Potter.

Estrenado en 1990, ‘Once on this Island’, puso la nota étnica de los premios Tony, al inspirarse en leyendas antillanas, sincretizando los cultos africanos e indígenas. Esta nueva versión, contó con una elaborada producción y la actuación de Lea Salonga, quien saltó a la fama con ‘Miss Saigon’ a fines de los años ochenta. El estilo realista del libreto sirvió de contrapunto a la poética puesta en escena que enfatizó el mestizaje racial y la construcción de una sociedad más inclusiva, donde el color de la piel no sea un hándicap sino un motivo de orgullo, a fin de desafiar la intolerancia creciente en nuestra contemporaneidad.

Un escenario deslastrado de efectos especiales, permitió apreciar la rica gama de matices histriónicos y rítmicos, aunando el calipso a los ritmos caribeños y africanos para crear un sensible tapiz de referencias, no exentas de actualidad, especialmente cuando la mayoría de los países

que componen el archipiélago siguen sometidos al neocolonialismo o a las interminables autocracias. Las supersticiones nativas y las brutales realidades de un mundo dividido por la intransigencia y el clasismo, constituyeron el sustrato de las mágicas leyendas, no al estilo de los mundos ocultos de ‘Harry Potter’, sino de los mitos fundacionales de donde emergió el mestizaje y la formación de las sociedades americanas.

‘Angels in America’, igualmente afrontó los cánones prestablecidos, mostrándonos el lado compasivo de la naturaleza humana. Escrita durante los años duros de la crisis del sida, esta obra alegoriza las distintas reacciones de la gente en momentos donde se pierde la esperanza por un mejor futuro. Crear conciencia y pelear contra el fanatismo de quienes controlan, deciden e imponen, se constituye en el fin último de la pieza. De acuerdo a Marianne Elliot, quien dirigió esta versión de la obra de Tony Kushner, “lo importante es mostrar la erosión del entorno y, en especial, de las ilusiones en tiempos difíciles”.

La producción enfatizó la brecha entre realidad y sueño, mediante un conjunto de compartimientos aislados, dentro de los cuales se desarrollaban las distintas tramas, y una iluminación puesta a resaltar la soledad de los personajes. El poderoso trabajo actoral, donde destacó Nathan Lane, Tony a la mejor actuación dramática, permitió a la audiencia adentrarse en la psicología de los caracteres, al tiempo que abrió una ventana hacia el entendimiento, el respeto y la aceptación del otro, ahora cuando la solidaridad escasea y los países tienden a cerrarse sobre sí mismos.

Glenda Jackson, la polémica y elusiva actriz británica y parlamentaria del Partido Laborista inglés, por más de tres décadas alejada de las tablas, volvió a la escena neoyorkina con la reposición de ‘Three Tall Women’ de Edward Albee, en una memorable actuación que le valió el Tony a la mejor actriz. El rol de una mujer amargada por el paso de los años, el recuerdo de la felicidad perdida, el fracaso matrimonial y la desilusión de tener un hijo gay, espejean a la madre adoptiva del dramaturgo, a quien Jackson logró retratar con toda la acidez y agudeza que la caracterizan.

El choque emocional entre Jackson y su cuidadora, interpretada con gusto por Laurie Metclaf, Tony a la mejor actriz secundaria, se creció en el segundo acto de la pieza,

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ZONA ABIERTA

cuando los restantes personajes se transforman en facetas de la gran dama, a la cual no quieren parecerse si les llega el turno de envejecer. Joe Mantello, dirigió con tino esta producción, rescatando el gran potencial de Jackson quien, sin embargo, no opacó los múltiples matices de las otras dos mujeres en esta perspicaz elegía a la vida y sus múltiples meandros. De hecho Glenda Jackson regresará el próximo año a Broadway, retomando el papel de ‘King Lear’, que le valió varios premios de actuación en el Old Vic de Bristol hace un par de años y, probablemente, vuelva a coronarla en la meca del teatro norteamericano.

Otra producción del atormentado personaje shakesperiano arribó a la estación teatral neoyorkina, en la producción del Royal Shakespeare dirigida por Gregory Doran. El laureado actor británico Antony Sher, realizó un extraordinario tour de force sobre las tablas del Harvey Theater de la Brooklyn Academy of Music (BAM), mostrando a la audiencia las diversas capas de sentido y lo poético del texto, además de rescatar para esta contemporaneidad lo intrincado del chantaje emocional de Lear hacia sus tres hijas. Probar la fortaleza de los afectos se constituye en el fin último de la obra, tejiendo el director un ambiente de gran intimidad entre Lear y los demás personajes, aún en medio de la violencia de las pasiones y la mortífera ambición de poder donde se sumergen.

Todo ello respaldado por una ajustada mise-en-scène y una iluminación que resaltó la riqueza de los ocres y dorados, dables de encuadrar sobriamente el estallido de rencores, luchas, asesinatos y componendas, que la locura del rey produce entre sus súbditos y allegados, haciéndole justicia al poder del bardo universal para sacudir a la audiencia. Según el director, “la relevancia de Shakespeare reside en su acertada visión de la naturaleza humana, vista en trescientos sesenta grados, utilizando el medio teatral para motivar la imaginación y desafiar el intelecto del espectador”.

Otra pieza que también profundiza en las inadecuaciones y miserias del ser individual y colectivo es ‘Long Day’s Journey Into Night’ de Eugene O’Neill. Esta subversiva obra llegó a BAM de la mano del Old Vic bajo la dirección de Richard Eyre, con Jeremy Irons (James) y Lesley Manville (Mary), como el matrimonio que se desintegra por culpa de las adicciones de Mary y el egoísmo de James. La excelente actuación de estos dos veteranos de la escena y la pantalla, se complementó con el atinado desempeño de Matthew Beard (Edmund), como el hijo afectado de tuberculosis, y Rory Keenan (James Jr.), el primogénito, cuya mediocridad a ojos del padre le lleva al alcoholismo.

La autodestrucción de los distintos caracteres, a lo largo de este largo viaje del día hacia la noche, contó igualmente con una acertada puesta en escena, puntuada por un enorme ventanal que aislaba y a la vez exponía las consecuencias de los males internos y los temores externos de los protagonistas, centrando el angustioso paso de las horas y el oscurecimiento de los anhelos por un mejor futuro.

El importante aspecto autobiográfico del texto quedó inscrito en el acertado manejo de los actores por parte del director quien buscó, en sus palabras, “mostrar los diferentes ángulos no solo de los personajes sino de las historias” que, como cajas concéntricas, se insertan una en la otra, revelando el amplio tapiz de trastornos, impresiones y des-

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Three Tall Women

conciertos propios de la existencia; especialmente cuando esta se percibe como un doloroso recorrido donde los obstáculos parecen insalvables.

El Mali Drama Theatre de San Petersburgo se hizo con esta premisa en su versión de ‘Love and Intrigue’ de Friedrich Schiller para el Harvey Theater de Brooklyn. Aquí el enfrentamiento entre padre e hijo, por el derecho de este a escoger a una pareja muy alejada de las intrigas del padre, calca la tragedia de los amantes shakesperianos y, como Romeo y Julieta, también ellos morirán por amor, aunque no sin antes denunciar los males de la sociedad de su tiempo.

Escrita durante la Ilustración, la obra se ajusta a los preceptos filosóficos del Siglo de las Luces, anteponiendo el conocimiento y la razón a las emociones, si bien los héroes de la pieza acabarán sucumbiendo al romanticismo, como reacción contra el racionalismo imperante. En la dirección de Lev Dodin, alterar el orden redundó en un canto a la libertad de las acciones y los sentimientos, llevando a los caracteres a parodiar, mediante la danza y la gestualidad exagerada, las imposiciones del aristocrático entorno a fin de salvar las diferencias de clase.

Un escenario que fue llenándose de mesas, manteles, candelabros, copas, cubiertos y viandas, en tanto iba desarrollándose la acción, alegorizó los pormenores del festín que, sin embargo, quedará frío, pues nadie disfrutará de sus excesos. Ello, igualmente, como una crítica a la contemporaneidad, donde el abismo entre riqueza y pobreza, conocimiento e ignorancia, tolerancia y fanatismo se abre cada vez más y amenaza con engullir a nuestras sociedades. De ahí que las palabras del mismo Schiller sigan teniendo eco en este difícil presente: “Nuestra era es la de la razón… ¿Por qué, entonces, todavía vivimos sumidos en la barbarie?”. —

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LUZ NEGRA

Silenciar el silencio

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Josu Montero

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dices, que no muestras, que aquello que sí. El silencio, dicen, es elocuente; sí, el silencio habla, incluso revela, pero también oculta y miente y traiciona. El silencio está hecho de palabras que no se han llegado a decir; pero lo opuesto a silencio no es palabra, sino palabrería, no sonido sino ruido.

Es evidente que vivimos bajo el imperio de la palabrería y del ruido. Dice el escritor Pablo D´Ors que cuando permanecemos en silencio y en quietud lo primero que descubrimos es que no nos gustamos; y añade que el silencio es la puerta de l sistema tecnológico se ha zampado el sentido acceso a un nuevo modo de vida, a una existencia crítico. Uno de los últimos sabios que nos quedan más plena y consciente, bálsamo contra el desasoen nuestra cultura occidental, el humanista Geor- siego de esta carrera sin meta que es nuestra vida ge Steiner habla de la “pesadilla” desencadenada en la noria sin fin del sistema capitalista. El silenpor la tecnología de la información, que devora la cio purifica y libera la mirada y nos permite hacermemoria –encargada de preservar lo que fuimos nos cargo de la realidad. “Biografía del silencio” es y lo que somos. “En nombre de la eficacia clínica, el librito en el que D´Ors, a través del silencio, dede la seguridad nacional, de la transparencia fis- fiende la razón poética de una realidad entendida cal, nuestra vida privada es escudriñada, grabada como misterio, frente a la razón y la técnica que y manipulada. Al mismo tiempo, las artes de la so- sustentan nuestra cultura. ledad, de la comedida discreción, de ese inviolado Cuentan que en una ocasión un conocido cantausilencio que Pascal sitúa en el centro de la verda- tor informó con satisfacción a un poeta amigo de dera civilización y de la edad adulta, ha sufrido que acababa de poner música a dos de los poemas una gran merma”. Es de una ingenuidad suicida de éste, a lo que el poeta, tras un leve silencio, rescreer que las redes sociales fomentan la democra- pondió: “Habría jurado que eso ya lo había hecho cia o nos hacen más libres. Estamos perdiendo la yo”. La poesía es sin duda música –y seguramente capacidad de comunicarnos de un modo comple- la poesía dramática aún más; en ella pesa tanto el jo, estamos perdiendo el peso de significado como el significante, esto las palabras. El escritor y experto es: el sonido, la prosodia, el ritmo, la musicólogo Ramón Andrés dice: respiración, el silencio, la música. Es “Cada vez aceptamos más las oppor esto que nunca he sido amigo de ciones generadas desde medios recitadores, rapsodas o musicadode comunicación y redes sociales. res varios, que lo que suelen hacer es Por eso es importante el silencio, echarle teatro –del antiguo– (sobreporque nos permite escuchar otras actuación pura) a la poesía y despocosas que no vienen de ese mundo jarla además de su música propia. Los atronador e impreciso. La socieaniversarios de los poetas más recodad no ha construido lugares de nocidos son siempre ocasión propicia silencio. Hemos olvidado que el para caer sobre ellos y plantear los silencio es un arma. Es mucho más más variopintos espectáculos escéniinquietante una manifestación cos a partir de sus poemas, amparánBIOGRAFÍA DEL multitudinaria en silencio que otra dose en la coartada recurrente: popuSILENCIO llena de tambores, gritos y megálarizar la poesía.

PABLO D´ORS fonos. No dar señales es el primer Hay también otros planteamientos Ediciones Siruela paso para no estar controlados, ni vincular teatro, poesía y música; el del localizados. Nada inquieta más al dramaturgo francés Enzo Cormann. poder, al sistema, que el silencio”. A sus 84 años, Fiel a su empeño por lograr un teatro que no se el director Salvador Távora está estudiando la in- deje encuadrar y que huya de toda simplificación tensidad del silencio. “Muchas veces, de madru- y de toda fórmula esterilizadora, por buscar un gada, he querido escuchar lo que nadie escucha, el teatro que “se convierta en prófugo, deshabituánsilencio del cementerio. Cuando estoy montando dose constantemente de sí mismo”, ha colaboraun espectáculo, yo quiero ese silencio”. do muchas veces con el jazman Jean Marc PadoCuando un novelista, poeta o dramaturgo se pone vani: “En el teatro el sentido tiene mucho que ver ante la página en blanco, una de las primeras de- con la musicalidad, hemos hallado entre la poesía cisiones a tomar es: qué callar, qué no contar, qué dramática y el jazz un cierto modo común de relasilenciar. Algunos poetas definen la poesía como ción con el instante: la escucha, la improvisación, un dar vueltas en torno a algo, un centro, que no la respiración, la pulsión: el júbilo rítmico”. En una tocas, porque si lo haces, lo matas. En muchísimas de sus obras escribe Cormann: “No hay mayor siocasiones en el arte tiene más peso aquello que no lencio que el silencio entre dos notas”. — – 68 –

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VIVIR PARA CONTARLO

Cuentos que tejen ciudades (I)

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Virginia Imaz

on el título “Cuentos que tejen ciudades: la narración oral como arte de relación” el Centro Asociado a la UNED de Guadalajara organizó un curso del 11 al 13 de este julio pasado. La iniciativa, dirigida por Marina Sanfilippo y coordinada por Pep Bruno Galán, nos congregó a casi medio centenar de personas, de diversas nacionalidades, interesadas en la narración oral como arte y como objeto de investigación desde diferentes ámbitos.

Probablemente la Maratón de los Cuentos de Guadalajara, un festival de narración oral que se realiza cada año en el palacio del Infantado durante el segundo o tercer fin de semana de junio y, que este verano ha celebrado su 27ª edición, fuera el detonante del título del curso y de buena parte de sus contenidos y referencias.

Capitaneados por Marina Sanfilippo y Pep Bruno, el curso contó con 8 ponencias y una mesa redonda con ponentes como, entre otras personas: Camiño Nola, Quico Cadaval, Jesús Sanz Abad, Blanca Calvo, Estrella Ortiz, Ignasi Potron, Martín Fons o yo misma.

Marina Sanfilippo, directora del curso, lo inauguró con su ponencia titulada ‘El hilo que teje la red: la narración oral entre la voz y la memoria’. Para esta excelente narradora y apasionada investigadora de la narración oral, las ciudades son lo que nos contamos. Todo mapa conceptual, todo lo que construyen las personas es un cuento. Las urbes y las aldeas cuentan cuentos sobre si mismos para tejer comunidad. La clave probablemente es el carácter festivo en sentido antropológico, de la narración oral, algo que el Maratón de Cuentos de Guadalajara encarna de manera referencial. La ponente citó a Corrado Bologna: “Beati color che al di la del velo de la parola rescon a udire lo spirito della voce” (benditos aquellos que tras el velo de la palabra consiguen oír el espíritu de la voz) y yo me quedé temblando. Tal cual.

La voz, que en el ámbito del teatro de máscara, yo escuché a gente del Roy Hart referirse a ella como el músculo del alma, es difícil de medir. Se teme su estudio, contiene variables poco controlables. Se presta a confusiones, ambigüedades y confusiones. Según Marina Sanfilippo no puede racionalizarse totalmente y tampoco puede reducirse a lo genérico en su estudio científico.

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“La voz siempre tiene algo más que decir”, pero fuera del ámbito de lo “místico”, se han ocupado de ella numerosos etnomusicólogos que han analizado la carga semántica en la voz y no en las palabras. En la cultura folklórica la voz que narra utiliza formas del habla, de entonación, de cantinela y de cantos. Es una música hablada. “La lengua dice, pero es la voz la que hace”.

En la curva melódica las cuerdas vocales pasan a un estado totalmente distinto, el cuento nos emociona, vamos más allá del habla común, pero para ello hemos de pasar por la memoria.

Si la voz es el hilo, la memoria es la red nos compartió Marina Sanfilippo. Para una sola persona, la memoria no es lo que es para una comunidad. Pero la memoria no es un depósito, sino que de ella brotan elementos empujados por la interacción con la realidad. La memoria autobiográfica es la actualización de la vida y esa misma actualización se produce con el cuento. Brota cuando necesita llegar al presente y une dos almas en el mismo tiempo.

La narración en sí misma despierta recuerdos.

Quien narra crea recuerdos autobiográficos ficticios, algo como la autoficción. Pero esa memoria es precisamente la que activa el interior de quien escucha. Existe una intersubjetividad y una experiencia estética. La vida interior se puede intuir, por ello el auditorio podemos empatizar.

Cuando hablamos u oímos a propósito de algo, movilizamos las conexiones neuronales, casi como cuando lo vivimos. Se producen catarsis, se tienen vivencias reales y encarnadas como si el cuerpo estuviera realmente dentro de la experiencia. Es una vivencia real. Lo que escuchamos nos influye profundamente. Los cuentos pueden hacernos mejores (y también peores, por supuesto). Magdalena Labarga en “y todo por nada” habla de la empatía generada en la narración oral en la que las emociones se tocan y se modifican.

Nuestras emociones se mueven y vamos empedrando los puentes que unen las almas. Vivimos en una sociedad en la que es difícil saber qué deseamos, y todos los cuentos abordan el tema de un gran deseo, qué se consigue y como se consigue. Quien escucha se conecta con el deseo de quien está narrando Dejamos atrás los deseos de una vida posmoderna y vivimos la experiencia estética. El arte puede incluso sugestionarnos a nivel físico, y más aún en los cuentos. La narración oral es la intersubjetividad humana, y por ello en la era de las comunicaciones, prevalece como “tecnología punta”.

El siguiente ponente fue Pep Bruno con “Una historia del cuento contado en España”. Se remontó a hace cerca de 80.000 años donde parece que el ser humano adquirió el lenguaje y con ello la ficción.—

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POSTALES ARGENTINAS

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Para una tipología de los espectadores de teatro

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Jorge Dubatti

stas reflexiones se encuadran en una Filosofía del Teatro. En la acepción más raigal del término, se trata de una Filosofía de la Praxis Teatral, un pensamiento producido desde una Razón de la Praxis, es decir, como ha señalado Mauricio Kartun, desde una reflexión sobre el “teatrar” del teatro a partir de la experiencia misma del teatrar. Buscamos una Razón Práctica. Esta Filosofía de la Praxis Teatral es pensamiento cartografiado en la realidad de la Escuela de Espectadores de Buenos Aires (EEBA).

La praxis teatral no sólo incluye el poner mundos poéticos a existir a través de la dramaturgia, la dirección, la actuación, la iluminación, etc.; también implica expectar esos mundos, cocrearlos desde el ejercicio del espectador como parte inseparable de la función ontológica del acontecimiento teatral. Ser espectador es praxis teatral, por lo que pensar la expectación es Filosofía de la Praxis Teatral. Una de las dimensiones menos estudiadas de la complejidad del teatrar es la dinámica del espectador real.

Podríamos construir a priori un sujeto espectador ideal, un modelo, consistente y riguroso desde el punto de vista lógico, que no entre en contradicción con los basamentos científicos racionalistas. Sin embargo, ¿ese modelo ideal cifraría las dinámicas del espectador real, histórico, en su encrucijada territorial, temporal, la contundencia del individuo que se sienta en la sala y crea/participa en la zona de experiencia convivial del acontecimiento desde la peculiaridad de su comportamiento, la contundencia de los individuos que construyen zonas de subjetivación plurales dentro del mismo acontecimiento, apropiándose de él? Si seguimos el enfoque de la Filosofía Analítica, no nos interesaría tanto “el” espectador como “este” espectador, “estos” espectadores que asumen conductas acaso únicas, impredecibles y que desafían la previsibilidad de la Lógica racionalista.

Justamente con este/estos últimos espectadores reales, concretos, particulares (“individuos”, según P. F. Strawson) venimos trabajando desde 2001 en el marco de la EEBA. A lo largo de 18 años de trabajo ininterrumpido, la EEBA se ha ido transformando en un espacio de (auto)observación de los comportamientos de los espectadores histórico-reales, así como en la platafor– 70 –

ma de una Filosofía de la Praxis Expectatorial.

En el teatro, en una encrucijada de espacio y tiempo, se reúnen los artistas, los técnicos y los espectadores. Si cambian los espectadores, cambia el convivio, y en consecuencia cambia el acontecimiento. La relevancia del espectador en el convivio lo llevó a Eduardo Pavlovsky a imaginar esta situación en Camello sin anteojos: “EL DELEGADO: Las demás personas del público tampoco lo oyen. (Pausa. Con voz fuerte) Yo soy el representante de todo el público. (Se para y se sienta) EL ORADOR: (Sumamente confundido.) ¿Ud. es el representante? ¿El representante del público?

EL DELEGADO: (Se para) He sido nombrado hace dos días en votación democrática en el Sindicato del Público de Teatro. ¿O no sabe Ud. que nosotros también tenemos nuestro sindicato? (Se sienta) EL ORADOR: (Confundidísimo) ¿Sindicato? ¿Representante del público?

EL DELEGADO: Sí, yo soy el delegado. He ganado en votación democrática el derecho de representar al público en todos los teatros de la ciudad. Tengo derecho (Saca un reglamento) por nuestro artículo 142 inciso 8 a interrumpir la obra cuando quiera y las veces que quiera.

(Guarda el reglamento. En voz fuerte) Un derecho social. El público teatral ha logrado también el derecho de tener su representante, su delegado. (Pausa) ¿Por qué? ¿Le parece mal?

EL ORADOR: (Muy nervioso) No, no. Digo. Sí.

Sí claro. Me parece correcto. Claro. Los derechos sociales.” (Eduardo Pavlovsky, 2010: 3536) .

Nadie va al teatro para estar solo. La reunión teatral consiste en vivir con los otros, sentir, mirar, emocionarse, interactuar, discutir con los otros.

Es una reunión de cuerpo presente, aurática, territorial y efímera, que no se deja intermediar tecnológicamente por la televisión, la radio, el cine, la red digital o cualquier otro mecanismo que permita la sustracción del cuerpo presente.

El convivio es necesario e irrenunciable en el acontecimiento teatral; el tecnovivio, sólo contingente. Si el convivio desaparece, se produce un cambio de paradigma, que reclama otra constelación categorial. En el teatro no se puede sus-

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POSTALES ARGENTINAS

traer la presencia de los cuerpos vivos del artista, del técnico y del espectador. El teatro no se deja enlatar ni capturar con máquinas, como no se puede detener el tiempo. Esta singularidad del teatro lo hace único y uno de los tesoros culturales más maravillosos de la Humanidad.

Distinguimos al menos cuatro tipos de espectadores. Uno histórico-real, que posee sus propias características únicas (su historia, su personalidad, su relación con el teatro, su ideología y su subjetividad, su memoria, su deseo y su proyecto, su pertenencia de clase, sus gustos, sus emociones cambiantes, su educación, su vínculo con la sexualidad y las prácticas de género, sus circunstancias, etc.). Es el individuo del que habla la Filosofía Analítica. Un espectador impredecible en vastas aristas, insondable, contradictorio, siempre en desvío o francamente desenmarcado de la convención esperada. Es el que asiste a los acontecimientos teatrales y se incorpora como alumno de las escuelas. Podemos agrupar a estos espectadores individuos en conjuntos (por ejemplo, el conjunto o grupo de espectadores que asisten a la EEBA).

En segundo lugar, un espectador imaginado y explicitado por el / los artistas y otros hacedores de la praxis teatral (productores, gestores, críticos, políticos culturales, educadores, etc.), generalmente para organizar sus prácticas o consecuencia de éstas. Incluso para negarlo, como en el caso de Eugene Ionesco: “Un productor me proponía cambiar todo en mis piezas y volverlas accesibles. Le pregunté con qué derecho se inmiscuía en los problemas de mis construcciones teatrales que sólo a mí me concernían y mi director de escena; pues me parecía que el hecho de dar dinero para producir el espectáculo no era una razón suficiente para dictar, para corregir mi obra. Me declaró que representaba al público.

Le contesté que nosotros, justamente, teníamos que luchar contra el público, es decir, contra él, el productor. Luchar en contra o no tenerlo en cuenta.” (Notas y contranotas).

Esos diseños de espectadores explícitos responden a diferentes concepciones teatrales, como parte de las poéticas con que trabajan los artistas. Espectadores imaginados o explícitos no necesitan coincidir necesariamente (y por lo general no coinciden) con los espectadores histórico-reales que asisten a los espectáculos. No sólo los artistas construyen espectadores explícitos: también lo hacen los mismos espectadores. En la EEBA escuchamos a los alumnos diseñar todo el tiempo espectadores imaginarios, ya sea para pensarse a sí mismos en sus propias prácticas, o para especular sobre posibles ejercicios de la expectación. Es frecuente oírlos hablar del espectador que pide Ibsen, o el que reclama Pina Bausch, o de cómo imaginan el espectador del teatro comercial.

En tercer lugar, un espectador abstracto, modelo ideal surgido de una construcción intelectual de los teatrólogos, autosuficiente, consistente, riguroso, fundamentado, dotado de previsibilidad, desprendido de una relación directa con los casos particulares, como muchos de los que ha diseñado la Teoría de la Recepción Teatral en tanto rama interna de la Semiótica del Teatro. Por ejemplo, el “espectador emancipado” del que habla Jacques Rancière. Estas construcciones teóricas de los espectadores, así como observamos antes respecto de los imaginados o

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explícitos, no necesitan coincidir necesariamente (por lo general no coinciden) con los espectadores histórico-reales que asisten a los espectáculos. Estos últimos son muchísimo más complejos, heterodoxos, producto de mezclas contrastantes, plenos de variables y en permanente metamorfosis.

Finalmente hablamos de un espectador “voluntario” o implícito, que es el que diseñan idealmente los espectáculos, correlato de la noción de espectador-modelo de Umberto Eco (Lector in fabula). ¿Qué espectador voluntario o implícito diseña esta obra, es decir, qué modelo de espectador está reclamando esta obra como máquina inteligente, más allá de lo que piensen los artistas?

Dadas estas cuatro diferencias, cabe preguntarse, ya que es la presencia real de las Escuelas de Espectadores: ¿quién es el espectador histórico-real, el que se sienta en la sala donde se reúne la escuela? Pregunta difícil de responder, porque se caracteriza por su inasibilidad. Las encuestas sociosemióticas, los estudios de mercado, el conocimiento que da la experiencia en el campo teatral durante años, no alcanzan para develar el misterio del funcionamiento del público en tanto suma de espectadores histórico-reales.

Alfredo Alcón reflexionó sobre los espectadores en la reunión de la EEBA: “Hay días que uno tiene la impresión de que no sabe para qué fueron al teatro esa noche. Hay funciones en que parece que se juntan los que no tienen ganas de jugar. Hay días que el público está pintado. Solemos decir: ‘Son de (Saulo) Benavente’, es decir, están dibujados, son de decorado”.

Y agregó: “Tengo la fantasía de, alguna vez que el público está así, adelantarme hasta candilejas y con una gillette cortarme las venas. Estoy seguro de que seguirían impávidos. Esas noches no hay manera... Así como otros días el público se ríe de cualquier mínima monería. Es tan difícil esa comunión”.

Pero tal vez el mayor misterio radica en qué pasa en su interior, cómo piensa los espectáculos, qué lo estimula, si se deja o no conducir por lo que la obra propone, por qué se aburre, por qué ríe, qué recuerda, y qué hace con los espectáculos cuando terminan. Alcón llamaba a esa experiencia interna el “viaje del espectador”. August Strindberg mostró su preocupación por la imprevisibilidad del público en el prólogo a La señorita Julia en 1888: “En la vida real, un acontecimiento –¡esto es, relativamente un descubrimiento!– es, generalmente, el resultado de una serie de motivos más o menos profundos; pero el espectador elige, en la mayoría de los casos, aquél que su mente entiende con mayor facilidad o el que enaltece su propia capacidad de discernimiento. Alguien se suicida. ¡Problemas de negocios!, dice el burgués. ¡Amor desgraciado!, dicen las mujeres. ¡Enfermedad!, dice el enfermo. ¡Esperanzas frustradas!, dice el fracasado. ¡Pero muy bien puede ocurrir que el motivo esté en todas partes, o en ninguna, y que el muerto haya ocultado el motivo fundamental de su acción destacando otro cualquiera que embellezca considerablemente su memoria!”.

Tempranamente Strindberg desestima la posibilidad de guiar al espectador en una única dirección de estímulo.

Temprana conciencia de la crisis de un modelo de teatro pedagógico. —

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EL LADO OSCURO

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Producción escénica pública: dudas, beneficios y estrategias

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Jaume Colomer

l ministro de cultura José Guirao se estrenó el 13 de julio en la Comisión de Cultura del Congreso de Diputados con una intervención en la que anunció que las unidades de producción el INAEM “son instrumento y embajadores de creación para todo el territorio” y que quiere “reformar el INAEM para potenciar en todo el sistema giras nacionales e internacionales y que las producciones recorran todo el territorio nacional”.

El INAEM, creado el 1985, tiene varias unidades de producción escénica. El 1978 se creó el CDN a iniciativa de Adolfo Marsillach aplicando un modelo de política teatral inspirada en los Centres Dramatiques Nationaux (CDN) de Francia creados a partir de 1946 “para la concepción, fabricación y producción de obras teatrales dirigidas por uno o más artistas comprometidos en el campo teatral”. En Catalunya, a partir del año 2005, empezaron a funcionar los CAE (Centres d’Arts Escèniques), estructuras de producción pública descentralizadas por el territorio con participación mayoritaria del gobierno autonómico.

El ministro no duda de la necesidad de que el INAEM siga produciendo espectáculos. ¿Qué argumentos sustentan la necesidad de producción pública en artes escénicas?

• Desde la perspectiva liberal no tiene sentido que el Estado produzca y explote espectáculos porque es una forma demasiado agresiva de intervención en el mercado de los bienes culturales, además de que los costes de producción son muy elevados y fagocitan los siempre escasos recursos financieros asignados a las artes escénicas. Desde esta perspectiva la producción escénica debería estar exclusivamente en manos de operadores de la sociedad civil, con ánimo de lucro o sin él.

• Desde otras perspectivas es necesario que se produzcan espectáculos concebidos como servicio público para evitar que los más de 700 espacios de exhibición públicos de España se vean obligados a contratar exclusivamente espectáculos pensados y producidos en lógica de mercado. Desde esta perspectiva la producción escénica debería ser el resultado de la concurrencia del sector público y el sector privado.

Dejando, de momento, aparcado el debate ideológico, podríamos considerar que lo que da sentido a la producción pública es que garantiza a – 72 –

los ciudadanos el acceso a producciones escénicas no supeditadas a su viabilidad de mercado: obras de autores o lenguajes innovadores, dramaturgias de autores poco conocidos, obras con intención y valor educativo, obras que refuerzan la memoria histórica y ayudan a construir la identidad de las comunidades territoriales, etc.

Aunque también se puedan conseguir estos objetivos incidiendo en la producción privada a través de políticas de fomento. Planteamos y valoramos cuatro opciones estratégicas: a. La producción en solitario. Requiere, en general, una notable inversión y consigue unos bajos ingresos de explotación. Normalmente se realiza de forma directa la producción ejecutiva. Es la opción más arriesgada y sólo está al alcance de algunas administraciones autonómicas y de organismos estatales. b. La coproducción con productoras y compañías privadas. Con una aportación del 51% o superior sobre la inversión necesaria, se tiene mayoría en la toma de decisiones sobre las obras a producir (para garantizar el interés público). La producción ejecutiva se puede dejar al coproductor privado para conseguir más agilidad y reducción de costes. La explotación del espectáculo, en manos del coproductor privado puede conseguir mayores ingresos de explotación que se destinan a aumentar el saldo de la partida de inversiones. Es la opción más eficiente. c. La coproducción con espacios escénicos municipales. La unidad de producción lidera una producción mancomunada con varios espacios escénicos municipales que aportan un capital proporcional a su capacidad financiera y que, a cambio, programan la obra sin coste en su espacio de exhibición. Es una fórmula de economía colaborativa entre municipios que refuerza los vínculos de cooperación local. d.

La coproducción con artistas y compañías residentes. Si la unidad de producción presta servicios de apoyo a la creación y acoge artistas o compañías en residencia, puede proponerles una coproducción, presentarla en el propio espacio de exhibición y distribuirla después a terceros. Es una fórmula muy eficaz de apoyo a la creación y producción escénica de operadores emergentes. —

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

La clave

H

Victor Criado

ace unas semanas asistí a la representación de la ópera Don Juan al aire libre. Dentro del programa Parkteatern, “Teatro en los parques”, eventos gratuitos dirigidos a todo tipo de público que se representan en diversos lugares. Nada nuevo bajo el sol, quizás el hecho de ser gratuito hace que el aforo se complete en casi todas las representaciones programadas.

El espectáculo resultó ser un fiasco. El libreto era el que es, la partitura era la que es. Los actorescantantes hacían lo que podían, pero aquello no enganchaba. Muchos espectadores se tumbaban en la hierba y cerraban los ojos, para concentrarse en la música. Yo hice lo propio.

Luego me pregunté qué era lo que fallaba. Es cierto que una ópera al aire libre no es lo mismo.

Pero lo realmente decisivo, aquello que, a mi juicio, lastraba el resultado final era algo que tenía que ver con la producción. La orquesta estaba compuesta por un piano, un contrabajo, y un instrumento de viento, además de un violín. Los altavoces permitían hacer audible la partitura, sin estridencias. Los cantantes-actores hacían lo que podían. Mucha gesticulación innecesaria (braceo incluido) con una dirección más bien académica (organizando la circulación), pero que no aportaba nada a la historia narrada.

Comprendí que aun siendo la ópera una mezcla de artes era la música “la principal protagonista”.

Sin una orquesta que interprete bien libreto, se diluye la grandeza de la composición.

Entonces me vino a la mente Grotowski, su reflexión sobre qué es lo verdaderamente esencial en el teatro. Aquello sin lo cual, del mismo modo que en esta ópera sin su orquesta, el teatro no podría alcanzar su plenitud. El actor. Lo demás es accesorio, complementario. Debo indicar que soy actor, por lo que es posible que mi análisis sea sesgado, o peque de corporativismo. Pero de Grotowski no se puede dudar.

Vivimos una época donde los escenarios están plagados de imágenes generadas por ordenador, de efectos sonoros computerizados, que pueden hacer volar la imaginación hacia lugares inverosímiles. Sin embargo nada puede eclipsar el trabajo del actor. Y cuando un director lo intenta, y hasta lo logra, el precio a pagar es un cierto efecto de distanciamiento, sin el beneficio con el que dicho efecto fue creado por Brecht. Hablo de un frío – 73 –

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aséptico, que te permite salir de la sala habiendo asistido a un “evento cultural” pero muy lejos del “entusiasmo”, de la “catarsis”, del “grito”…

Suzanne Osten me comentó en uno de los proyectos: “el texto es lo de menos”, “no me interesa demasiado”, “es una excusa”. Y su reflexión no era frívola. Suzanne trabaja, y ha trabajado con grandes dramaturgos, con los que colabora estrechamente. A quienes respeta y admira.

Pero en una sala de ensayos, hay una historia, una base, un lienzo más o menos preparado, sobre el que los actores “pintan” con sus emociones y su sensibilidad. Y el resultado, lo que el espectador observa y aplaude (o abuchea) es esa mezcla cromática que si bien el director ha esbozado, son los actores quienes dan el acabado final. Sin ellos no habría pintura. Lo demás es accesorio. Brillante si se quiere. Pero accesorio.

Por eso creo que no se puede olvidar esto que es tan evidente que hasta puede aburrir. Pero que es así.

Más allá de métodos, de escuelas, de estilos, de conceptos, de técnicas, de estéticas, de universos.

Actores con una historia, una idea, una intuición, un lo que sea. Pero actores.

La clave era un programa de TVE que se emitía los sábados durante la década de los 70. Comenzaba antes de cenar, con una breve presentación del tema a analizar y los invitados, para después emitir un film sobre el tema a debatir, y finalizar con el debate coloquio en el cual se buscaba la clave del tema expuesto.

He de confesar que el debate era lo que menos me atraía. Sin embargo en aquella mesa rodeada de focos, nicotina y un moderador de voz relajada se podía intuir la pasión de esos invitados.

Y eso, a pesar de la aburrida y monótona puesta en escena, enganchaba. Algo que echo de menos en las conferencias teatrales en las que se habla sobre el futuro, presente, carencias o proyectos sobre las artes escénicas. Quizás es que se necesitan actores dispuestos a jugar, a hacer teatro.

En breve asistiré a una representación de títeres para niños pequeños. En esos inanimados objetos movidos por la imaginación de los intérpretes también reside la esencia de la representación. Actores-intérpretes. No me resisto a finalizar el artículo sin mencionarlo.

Cuando leo revistas especializadas sobre artes escénicas y observo los artículos, análisis y críticas compruebo que hay una minoría (es una opinión subjetiva no sustentada en datos empíricos, que conste) de escritos firmados por actores. Directores, dramaturgos, escritores, críticos, investigadores y “especialistas” (que es una categoría muy particular) abundan. Pero los actores escasean. Sería interesante saber las causas de esta ausencia. Algo que creo se reproduce cuando se organizan conferencias, jornadas, cursos…

Dejo abierto el debate. —

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ESCAPARATE L

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La puesta en escena

Orientaciones en el desierto

Con este libro, Serguéi Eisestein –considerado como uno de los directores de teatro y cine más influyentes de todos los tiempos–, acerca al público lector muchas de las ideas que llevó a la práctica a partir del arte del teatro, donde incluía imágenes capaces de provocar emociones intensas en los espectadores y que, posteriormente, siguió desarrollando en sus films. Precursor en la forma de rodar sus films, sobre todo en lo que se refiere a la técnica del montaje y la composición de los planos, en este volumen va revelando sus pareceres, en donde propone la utilización de técnicas provenientes del circo y del music-hall para sus films; su teoría sobre el montaje a partir de los ideogramas japoneses; el análisis de la composición de los planos; el contrapunto entre imagen y sonido etc. Todo ello en esta publicación de la editorial La Pajarita de Papel.

Con esta ya son tres las edición que ha publicado Artezblai de ‘Orientaciones en el desierto’, volumen que recoge los “itinerarios para materializar lo invisible en la creación teatral” de Eusebio Calonge, dramaturgo y creador del espacio escénico de la emblemática compañía teatral La Zaranda.

El actor y la diana Fundamentos ha publicado la séptima edición de este manual, un texto imprescindible para profesionales y estudiantes de interpretación en el que el director de escena Declan Donnellan explica los motivos que conducen al actor al bloqueo y ofrece las claves para poder superarlo.

Lluïsa Cunillé 2007-2017

Abducciones

Con el nombre de la dramaturga como título, Arola Editors ha publicado un volumen en el que incluye una selección de sus obras, un total de 16 entre las que encontramos ‘Assajant Pitarra’, ‘Saló Primavera’, ‘El bordell’, ‘Islandia’, ‘El temps’, ‘Dictadura’, ‘Confessions’, ‘La vergonya’ o ‘Geografia’.

Bajo el título ‘Abducciones’, La Uña Rota ha publicado las cinco obras que hasta la fecha, ha escrito el dramaturgo Pablo Remón para la compañía La_Abducción: ‘La abducción de Luis Guzmán’, ‘40 años de paz’, ‘Barbados, etcétera’, ‘El tratamiento’ y ‘Los mariachis’. Las cinco obras combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramática y la Historia con las historias minúsculas, y todo ello, casi siempre y de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de ánimo cada vez más vacíos, símbolo de un éxodo hoy casi olvidado. Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsión de narrar lo que somos o podríamos ser; en palabras del autor, “la mejor manera de contarnos, de explicarnos dónde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias”.

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E

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Entreactos El número 65 de los Pliegos de Teatro y Danza corresponde a esta obra de Antonio Fernández Lera en la que reflexiona sobre “el tiempo pasado.

El tiempo que has vivido. Lo dices, «tiempo pasado», y eso significa que sigues vivo. Y te dices: Tu casa tiene las ventanas abiertas”.

S T A

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Fantoche

ADEteatro

En el número 12 de la revista que publica UNIMA Federación España destacan los reportajes obre el hallazgo en los archivos del Museo del Teatro Central de Títeres de Moscú de documentos de La Tarumba y un segundo sobre la historia de la ventriloquía en España.

El texto infantil El “Fantasma Anna” de la alemana Margarete Steffin, las entrevistas con Ignacio García –director del festival de Almagro y con el arquitecto y escenógrafo Joan-Guy Lecat o del dossier sobre el Teatro de Objetos y el Teatro Infantil son algunas de las propuestas de su número 171.

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