Artez193 by montaje

13 octubre Carlos Gil Zamora

No confundir por interés lo público y lo privado, ni el tocino con la velocidad

omprensiblemente, el culturicidio se perpetra con muchas complicidades. En demasiadas ocasiones cuesta introducir sin matices a una parte de la producción de las artes escénicas en este rubro cultural. Cuando se intenta entretener, distraer, envilecer a la ciudadanía con banalidades y platos precocinados desde siglos, estamos ante una injuria, aunque se presente con lazos y bendiciones institucionales, empresariales, gremiales o periodísticas. En este último trimestre de dos mil trece, un año después de la criminal subida del IVA, las cuentas y las estadísticas nos colocan ante la más cruda realidad: bajada de recaudación, de espectadores, de actividad. Y la existente se realiza dentro de una precariedad que empieza a ser más que preocupante. Es posible que alguien se frote las manos y se diga: “objetivo cumplido”. Atendamos por favor a las alertas que se van encendiendo. Algunos andamos preocupados por una circunstancia que va creciendo en paralelo a lo anterior, quizás con alguna posibilidad de encadenamiento causa-efecto. La confusión entre lo público y lo privado es un síntoma del deterioro general. Estamos viendo resistencia generalizada, manifestaciones, acciones de protesta de profesionales, resoluciones judiciales, opciones sindicales frente a la privatización de la Educación y la Sanidad, pero en el ámbito de la Cultura, donde esta tendencia está claramente utilizada de manera bastarda y sin tapujos, está provocando una distorsión de todos los discursos que parecen asumir la situación sin más problema que el que pude derivarse de una interpretación coyuntural, personal, inmediata, no solidaria ni con visión de futuro. Empezar otra vez a cuestionarse lo público en las artes escénicas, frente a lo privado, parece algo viejo, pero está en plena efervescencia debido a decisiones que se van tomando constantemente. Ni la gestión pública es la única que puede canalizar todas las necesida-

Criaturas, Teatro do Aquí

des y la mejor, ni la privada aporta muchas más variantes. Supongamos que en un ataque de pragmatismo se apuesta por la co-gestión, una solución bastante recomendable, ¿en qué parámetros de responsabilidad, de intervención presupuestaria y de limpieza en la gestión y programación? Estamos todavía sin atisbos de la existencia de una ley que regule a los teatros de titularidad pública, ni unos reglamentos homologables para afrontar una de las posible soluciones

como son las compañías residentes. Más allá de unas consideraciones generales, los teatros de titularidad municipal están sufriendo cierres o entregas a empresas privadas, cuando no son festivales de marca estatal que se hacen desde la iniciativa privada, o se dan unos premios que aparentan ser públicos y de unificación profesional pero son casi de exclusividad para los negocios varios de la empresa o empresas que los convocan. Los organizan, además, gastándose una cantidad de dinero que no se compadece con lo gastado por la comunidad que los acoge con su dedicación a la artes escénicas en su gestión diaria. Me permito recordar que para algunos, las artes escénicas son siempre un bien común, un servicio público. Todo teatro, sea cual sea su modelo de titularidad de las paredes y de la gestión cumple una función pública y tienen unos reglamentos de policía de espectáculos y otros asuntos regulados en el ámbito de la seguridad. Cuando los edificios y la gestión son privados, sus contenidos no pueden tener ningún tipo de control. Pero la pregunta es ¿existe eso en puridad? ¿Existe un teatro o una danza, que se produzca y se exhiba sin intervención alguna de ninguna institución pública?

octubre

Opinión

Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

4 - 5 6 7 66 67 68 - 69 70 71 72 73 74

Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El método griego – María Chatziemmanoui Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El lado oscuro – Jaume Colomer Las lejanías – Carlos Be Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado

Estrenos 10 12 14 16

Madre Coraje de Bertolt Brecht por Atalaya ULTRAconciencia por loscorderos.sc Los enamorados de Carlo Goldoni por Teatro Arriaga Miscelánea de estrenos

Festivales

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

18 -19 Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca 20 - 21 Festiva de Teatro de Molina de Segura 22 - 23 Festival Internacional de Teatro de VitoriaGasteiz 24 - 25 Les Translatines - Festival de Thèâtre de Baiona-Biarritz 26 - 27 FIOT - Festival Internacional Outono de Teatro 28 - 29 BAD - Festival de Tearo y Danza Contemporánea de Bilbao 30 - 31 Jornadas de Teatro de Getxo 32 Proyecto Vamos! 33 Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro 34 Dantzaldia de Bilbao 36 Danza Xixon 37 - 38 Miscelánea de Festivales

indice

Seguramente existen, pero hay que buscar mucho. Partiendo de esta realidad, lo que de verdad necesita una actitud democrática, un control presupuestario y de contenidos son los que se hacen por cesión. Para poner una pregunta sencilla, ¿un festival de titularidad pública, que se hace con gestión privada no debería tener un comportamiento en sus contenidos ejemplar? No parece muy ejemplar que se ceda la dirección artística, la administrativa y de producción, y que un porcentaje elevado de la programación de ese Festival tenga que ver directamente con la empresa o empresas que han recibido la concesión? Sí, hablo de Mérida, claro está. Tanta producción propia, coproducción o distribución de la misma empresa que organiza el festival, roza el escándalo. Si fuese de gestión pública directa y se produjera esta situación de un único servidor de contenidos alguien alzaría la voz. El mismo que ahora calla por su privilegio. Es muy probable que al público, a los públicos, les importe muy poco el tipo de gestión de las salas, festivales y compañías pero podemos establecer una convención en que comparando con nuestro entorno natural, Portugal, Francia, Europa en general, vamos cada vez más atrasados en lo conceptual, lo estructural y lo artístico. Allí ha sido desde las instituciones públicas desde las que se han sustentado los proyectos de mayor valor y trascendencia. Con un espacio creativo amplio, en convivencia entre las producciones propias, las conveniadas y las coproducciones, parece una buena solución. En esos planes, se ha ido instaurando un estándar de producción, una implementación de impulsos de diferentes dramaturgias, lenguajes, repertorios e investigaciones que han fundamentado un ideario y unos públicos. ¿Este modelo está muerto? Miren, por favor a Europa y se darán cuenta de que no, que es justo lo contrario, que hay ajustes, pero se sigue con la excepcionalidad cultural, algo importante que aquí se ignora olímpicamente. En las artes escénicas está instaurado el copago desde siempre. El espectador que va a un teatro institucional o privado con ayuda al mantenimiento de la sala o la producción de la compañía, paga por su consumo, pero previamente ya se ha pagado vía impuestos una parte alícuota. ¿Estamos de acuerdo en esta situación y práctica? Porque contestando esto, se contestan muchas otras cosas, ya que muchos estamos convencidos de que no es una cuestión económica, sino ideológica, de decisión política. Y en el Estado español, las artes escénicas están, en términos generales, consentidas, pero bajo sospecha, como si se tratara de algo irrelevante, de segunda categoría. Un lujo, un anacronismo. Y lo malo es que parte de la profesión lo ha asumido y aceptado como irreversible. Ya no se lucha por la dignidad profesional, ni por la excelencia artística. Por eso recoge las migajas moviendo la cola, sin actitud crítica ninguna, lamiendo siempre la mano del que administra los recursos públicos, los de todos, pero que considera que son suyos, como su teatro, como su público. Deben coexistir los teatros institucionales, con los privados, pero desde el Estado, en todas sus reencarnaciones, se debe proteger a todos por igual porque ofrecen un servicio público a la ciudadanía. Pero lo público no es privado. Ni viceversa.

Suplemento 39 - 54 Festival Iberoamericano de Cádiz

En gira 56 - 60 Programaciones varias

Zona abierta 62 - 65 76 - 77 78 - 79 80 - 90

Fiestas de El Pilar de Zaragoza Gente de Palabra Escaparate Crónicas de: El teatro en español en Nueva York, Feria de Teatro de Castilla y León, Festival Internacional de Teatro de Manizales, FiraTàrrega, Cena Contemporânea de Brasilia

13 octubre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

Salvador Espriu

l Teatre Lliure inauguró la temporada el 7 de septiembre con un grandísimo y brillante homenaje a Salvador Espriu de quien este año se conmemora el centenario de su nacimiento. Y es cierto que continuamente se celebran actos y se hacen publicaciones como homenaje al gran poeta catalán. Su centenario no ha pasado desapercibido. A diario vemos anunciados pequeños actos en honor a Espriu. Pero, con seguridad, el celebrado en el Lliure ha sido el más brillante, interesante y emotivo, el que más nos ha acercado a Salvador Espriu, el que nos ha llevado a las esencias de un espectáculo muy significativo en los albores de nuestra democracia. El estreno de “Una altra Fedra si us plau” en Girona en 1978 y luego en el Teatro Barcelona, fue todo un evento plagado de pequeñas y grandes anécdotas y muchas de ellas las pudimos revivir ayer gracias a Lluís Pasqual, y también, por supuesto a Nuria Espert, la autora de la frase que, dirigida a Espriu, proporcionaría el título. Salvador Espriu había publicado en los años 50, un libro en cuya portada aparecía su nombre y debajo los títulos de “Antígona” y “Fedra”, y sólo cuando, tras leer “Antígona” llegábamos a “Fedra”, en la primera página se leía “Fedra” de Llorenç Villalonga, traducció de Salvador Espriu”. Y al parecer, al verdadero autor de Fedra no le gustó demasiado que así se presentara su obra. “Fedra” se convirtió en cierto modo en un tema tabú. Y por ello, cuando Nuria Espert quiso hacer una Fedra de Salvador Espriu, fue a pedírsela diciéndole que por favor, escribiera para ella “Una altra Fedra si us plau”, el título que finalmente adoptó el autor para su obra mítica. El pasado 7 de septiembre se inauguró la temporada del Teatre Lliure y lo hizo con una “Lectura d ‘una altre Fedra si us plau. Recordant la Fedra” Ha sido seguramente el mejor homenaje a Espriu de este año. Por desgracia, por el paso de los años, el elenco no podía ser el mismo del día del estreno, en 1978; algunos actores habían fallecido ya, otros no estaban en situación de actuar en un escenario. Tampoco podía estar Fabià Puigserver, alma del Lliure, creador del espacio escénico. Pero sí estaba Nuria Espert, nuestra enorme actriz a quien los años no le han quitado ni su belleza ni su inmenso poder escénico. Entre el reparto también estaba Abel Folk, jovencísimo en 1978 y que entonces tuvo que sustituir a Gabi Renom, detenido y encarcelado por el asunto de la censuradísima “La Torna” de Joglars. Pero el espectáculo no se limitó a una lectura sino que Lluís Pasqual, su director entonces y ahora, nos narró con esa naturalidad teatral de la que es maestro, la gestación y el desarrollo de la preparación y de los ensayos del espectáculo en 1978, con la participación de Nuria Espert y de su aventura en su encuentro y su trato con Salvador Espriu, de la incorporación de algunos elementos mágicos al texto teatral del autor... Y en un espacio en el que el suelo también era un desierto de arroz como lo fue en el espectáculo, y de los ensayos,

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de la aventura que les llevó hasta el estreno del espectáculo, de algunas divertidas anécdotas que sucedieron con algunos actores en el transcurso de los ensayos. En el fondo, en una pantalla, la proyección de imágenes de la puesta en escena de 1978. No fue una lectura dramatizada, fue revivir un momento histórico con sus anécdotas, con su magia, esa magia que –repito– Lluís Pasqual fue capaz de revivir y de comunicarnos. También nos transmitió las vivencias políticas de la Catalunya de 1978... La lectura contó con Montserrat Carulla en Enone, actriz que culmina y da fuerza a cualquier texto que dice sobre un escenario. Contó con un excelente reparto pero sobre todo tuvo la magia de revivir un gran momento teatral en una época significativa. Es la fuerza del teatro en la palabra y sobre todo fue revivir un mito, un espectáculo, una palabra poética, un autor, una época. El público aplaudió largamente en pie, el brillante gesto de Lluís Pasqual, el brillante inicio de temporada del Lliure, la excelente labor de los actores. Y aplaudió a Espriu, a su significado para Catalunya. Hubo comunicación y emoción. Hubo gran teatro. Fue sin duda un gran homenaje a Salvador Espriu pero tras salir del teatro con la emoción de haber vivido algo importante, me vino a la memoria el que para mí y para mi generación fue el descubrimiento de Salvador Espriu. Era el año1966 todavía en pleno franquismo y era “Ronda de mort a Sinera”, un espectáculo creado y dirigido por Ricard Salvat y que salía de la Escola Adrià Gual para representarse en el Teatro Romea de Barcelona. Para mí, y creo que puedo decir que también para el autor y director Alberto Miralles que me acompañaba, fue una fuerte impresión, la de haber descubierto otro teatro muy profundo y muy distinto al habitual. La impresión y el descubrimiento fueron generales. El éxito prolongó largamente la aventura teatral y llegó a llevarla incluso hasta el Teatro Nacional de Cámara de Madrid, siempre en catalán. Pero además, se volvió a poner en pie nuevamente en 2002, siempre de la mano de Ricard Salvat. Antes, en 1957, en sesión única, Jordi Sarsanedas había estrenado “Primera història d’Esther” en el Palau de la Música. En 1962, la Escola Adrià Gual, –con la dirección de Ricard Salvat– la llevaría al Teatro Romea. “Gent de Sinera” se estrenaría también en 1963. Y “Antígona”, en su versión del mito muy representativa de la situación de Catalunya también se estrenaría el mismo año, ambas dirigidas por Ricard Salvat. Sin restar ni un ápice de mérito e importancia al acto del Teatre Lliure, a la especialísima, e interesantísima lectura de “Una altra Fedra si us plau”, pienso que en el Año Espriu debería recordarse el teatro del autor que Ricard Salvat, desgraciadamente fallecido en 2009, “descubrió” y nos descubrió en sus brillantes puestas en escena.

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Desde la caverna

David Ladra

Haciendo el punto

on motivo de mi reciente participación en el jurado de un premio teatral he tenido la oportunidad de “hacer el punto”, como se dice en náutica, sobre lo que se está escribiendo ahora en el país. No es que una muestra, por muy grande que sea, nos ilumine todo el panorama, pero sí que ayuda decisivamente a proyectar luz sobre el conjunto y descubrir las grandes líneas o tendencias que lo estructuran. Y si hay alguno de estos rasgos que caracterice el teatro que se escribe hoy aquí es, sin duda, su querencia por tratar “lo real”, o sea, el mundo tal cual es (o tal como el autor piensa que es). Esta obsesión, en general benevolente y compasiva, por ver al personaje medio hundido en el turbulento caudal del día a día, sujeto a los sucesos cotidianos, generalmente adversos, y a las miserias de la vida, ha venido acaparando la atención de nuestros autores al menos desde la “generación realista” de posguerra, por no hablar de Arniches o Galdós. Pero ese realismo que, en su día, fue crítico y alcanzó la categoría de político, se ha convertido ahora en un retrato aséptico de la sociedad. Bien es cierto que los trazos son claros y están bien definidos, con sus protagonistas machacados bajo un alud de leyes represivas, reglamentos indignos y odiosas ordenanzas laborales contra las que se intentan rebelar, dándole así a la obra un carácter reivindicativo y social. Pero dicha protesta se queda así, sin más, como si fuera cumplido testimonio de estos tiempos oscuros con los que nos ha tocado bregar. Los temas son variados. En teoría, uno por cada autor. Pero la mayoría converge en la familia, la pareja y – cómo no – el amor. Un amor que queda bien lejos de aquel, circunstancial, de nuestros clásicos o del arrebato romántico sino que se convierte en un refugio, un búnker erigido contra ese “mal del siglo” que es ahora el trabajo asalariado (o la falta de él). Sin amor ni trabajo nuestro protagonista queda solo, aislado de la comunidad, pero no manteniendo una actitud heroica, como antaño, sino como un deshecho, un residuo más a eliminar. Y es que hemos aprendido la lección de la Historia y, a la manera expresionista de entreguerras, vemos la sociedad como una máquina, una incineradora de basuras a punto de volver a echar a andar y cargarse la Humanidad. Claro que, para guerra, ya tenemos la nuestra, durante tanto tiempo oculta en las cunetas por jueces, testigos y victimarios pero que en el teatro nos vuelve a rebrotar, si no con la pujanza de ¡Ay, Carmela!, sí integrada como una mala hierba – fondo, pretexto o asunto principal – en muchas de las obras en concurso. Y un tercer tema que prolifera en la muestra, éste sí novedoso aunque siempre latente, es el del amor homosexual, cuando no el del sexo puro y duro. Gays, lesbianas y transexuales siempre han aparecido en nuestras tablas para gran regocijo de curas, letrados y barberos que, una vez terminada la comedia, los quemaban en los descampados. Hoy se nos aparecen en ellas como seres humanos enfrentados al género que se les dio al nacer y a las relaciones sexuales que se supone que deben mantener. Y para terminar con el temario, lo que sí se echa en falta de verdad es la más palpitante actualidad. No es que no se hable de “la crisis”, a la que muchas de las obras se refieren, pero siempre un poco de pasada y sin entrar en

más disquisiciones. “Es lo que hay” parecen decir nuestros autores enfrascándose en su universo propio. Impulsada por los resultados de taquilla, la comedia, en sus diversas formas, es el género preponderante. En especial aquélla que, promocionada por la tele, tiene que ver con ese sainete costumbrista que, desde tiempos de don Ramón de la Cruz, tanto aprecia el público popular. Y es que no sólo se reconoce en él por su cercanía y su comicidad un tanto “cheli” sino porque también, de vez en cuando, le lanza un dardo envenenado al Poder (aunque sin llegar nunca a hacer sangre). Y luego está esa otra comedia de más porte que pretende plasmar la condición humana en escena, encomiable propósito que llevó, por ejemplo, a Poquelin a disecar la especie hasta los tuétanos, pero que siempre está a punto de caer en un humanismo trasnochado que transmite un mensaje didáctico, moral y reaccionario. Ni que decir tiene que, desde don Jacinto Benavente, éste es el género que priva a nuestras clases medias y las congrega con periodicidad en el Marquina, el Reina Victoria o el Infanta Isabel. Nuestra tragedia aún no ha superado a la Bernarda y el drama es un cajón de sastre dividido en compartimentos –histórico, poético, policiaco, de tesis…– en el que los autores meten mano con exquisita prevención. Se tiene como el teatro “serio”, el de las cosas importantes que decir, y hay que andarse con tiento, en estos tiempos “cool” y descreídos, para no cometer ningún desliz. Por eso nuestros dramaturgos, a pesar de ser su género emblemático, el que te convierte en “autor”, lo prenden con guantes y con pinzas para no terminar escaldados. Y sin embargo, ahí está el “quid”, el muro contra el cual hay que romperse la cabeza para hacer hueco e innovar. Porque lo que caracteriza hoy nuestro teatro, aparte de la escasez de obras que nos hablen de la situación actual, es su conservadurismo formal. Encerrada en sí misma, nuestra escena transita, con raras excepciones, por sendas alejadas de la estética que, desde los ochenta, se viene desarrollando en Europa. No quiere ello decir, dios me libre, que nuestros dramaturgos escriban mal. Al contrario, el esfuerzo que, en aulas y talleres, están llevando a cabo en los últimos años en lo que se refiere a su formación literaria y dramática está resultando actualmente en una “escritura teatral” de calidad. Pero en lo que se refiere a los estilos, ninguna de las borrascas que barren el continente de continuo termina llegando a la Península. Así ha ocurrido con el teatro documental y “verbatim” que hoy resulta esencial para expresar los temas sociales y políticos, el apareamiento del drama y la comedia con la “performance”, la música y la danza, la integración del texto con el resto de las artes escénicas, o esa galaxia del teatro llamado “postdramático” que cubre buena parte de la programación de los grandes teatros europeos. Ítem más y volviendo al principio, si se desea hablar de “lo real”, el dramaturgo tiene que disponer de una formación científica, económica y filosófica que le permita hablar con propiedad de lo que está ocurriendo en el mundo actual. Y no permanecer pegado a su escritorio envuelto en todo un torbellino de ideas, sentimientos y pasiones. Hay que abrir la ventana a la calle y subirse al escenario con los demás. w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre Atalaya estrena Madre coraje

La guerra como metáfora de la sociedad actual

n el año de su trigésimo aniversario Atalaya estrena Madre Coraje de Bertolt Brecht una de las obras cumbre del teatro del siglo XX y “la más importante del dramaturgo alemán” en palabras de Ricardo Iniesta autor de la adaptación y director de esta propuesta. No es la primera vez que la compañía sevillana se acerca al teatro de Brecht, ya lo hizo en 2006 con la puesta en escena de ‘La ópera de 3 centavos’ musical con el que obtuvo muy buenas críticas. “Llevar a escena este espectáculo era uno de mis sueños desde que en 1985 tomé parte en un laboratorio para directores de escena en el Berliner Ensemble, aprendiendo la técnica brechtiana de mano de sus más estrechos colaboradores” destaca Iniesta para añadir que “tres décadas después, este montaje supone la manera perfecta de conmemorar los 30 años de Atalaya”. Tras su estreno en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, Madre Coraje estará en el Festival Iberoamericano de Cádiz en octubre y en el Teatro Central de Sevilla en noviembre para representar una metáfora de la sociedad actual. Y es que aunque el texto de Brecht toma como referencia la guerra no sólo se pronuncia contra ella sino contra la actitud del ser humano que opta por un sistema de vida en el que la ganancia está por encima de todo, llegando a sacrificar la propia existencia y la de los seres cercanos. “En la obra se pregunta al espectador por las opciones que tomaría en una situación de extrema crisis, como la que vivimos. Resulta, por tanto, de 10

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Anna Fierling confunde la supervivencia de su familia con la de su negocio. Termina la obra sola, con su carreta de comerciante e inmersa en la miseria absoluta y es que tal y como dijera Bertolt Brecht “la guerra representa sólo la continuación de los negocios con otros medios, pero en la guerra los grandes negocios no los hace la gente humilde y en la guerra las virtudes humanas de convierten en mortales” a la que Iniesta añade que es “una cita aplicable a nuestro tiempo, en el que se está librando una auténtica batalla entre quienes detentan el control financiero y la mayor parte de la población, que sufrimos sus embates”. La actriz Carmen Gallardo, cofundadora de Atalaya en 1983 da vida a la protagoMadre Coraje ©Félix Vázquez nista de la obra. Junto a ella intervienen Lidia Mauduit, Raúl Vera, Jeróuna tremenda actualidad, más aplicable a nimo Arenal, Silvia Garzón, Manuel Asensio nuestro tiempo incluso, que a los días en y María Sanz, actores y actrices que parque fuera escrita” apunta Iniesta. Brecht se basó en la ‘Historia de la vida ticiparon en el montaje de ‘La ópera de 3 de la estafadora y aventurera Coraje’ de centavos’ y al igual que en aquel montaje, Grimmelhaussen para escribir esta obra el apartado musical tiene un gran peso en que se desarrolla en la conocida como GueMadre Coraje ya que el elenco de actores rra de los Treinta Años. Allí ubica a Anna interpreta en directo las canciones acomFierling, más conocida por Madre Coraje, pañadas en algunos casos de música en una vendedora de baratijas oportunista, vivo de la mano de los propios personajes cínica y segura de sí misma que tiene como y de cuya composición se ha encargado objetivo sobrevivir, lucrarse con la guerra Paul Desau. Con todos estos ingredieny proteger a sus tres hijos. Para ello no tes su director, Ricardo Iniesta concluye tiene reparo en ir de un territorio a otro afirmando que “a través de la fuerza de las imágenes, la crudeza del texto y la cacambiando de bandera. Pero esa defensa lidad musical el montaje se convierte en, de sus intereses comerciales le lleva en quizás, el más emotivo de los veinte que el entorno hostil de la guerra a no poder Atalaya ha llevado a cabo en estas tres defender a sus hijos; y es que en un mundécadas”. do dominado por la violencia y la crueldad

13 octubre Estreno de ULTRAconciencia de loscorderos.sc

El rebaño pone la carne al servicio del espíritu creativo

Sobre la obra

“La espiritualidad y el arte son decisiones humanas, ambos caminos han sido creados para alimentar lo más inmaterial de nuestro ser. Todos queremos creer en algo. Crear algo. Crear algo en lo que 12

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Ultraconciencia ©Rojobarcelona

a compañía loscorderos.sc presenta su nuevo espectáculo, ULTRAconciencia el 4 de octubre dentro del Festival TNT - Terrassa Noves Tendències, en coproducción con el citado festival y el Mercat de les Flors. Esta nueva propuesta del rebaño, como se denominan los miembros de la compañía, con creación, dirección e interpretación de David Climent y Pablo Molinero y con las partituras físicas de Juan Kruz Díaz de Garaio, se empezó a gestar en 2012 cuando loscorderos.sc fue seleccionada para el proyecto europeo modul-dance 2013-2014, un proyecto “de cooperación plurianual en el que participan 20 centros europeos de danza y artes del movimiento de 16 países que tiene como objetivo el desarrollo, la movilidad y el intercambio de artistas que trabajan con el cuerpo como herramienta y ha sido creado y estructurado para atender las necesidades de los artistas durante su proceso de creación y permitirles hacer itinerarios de creación y representación en toda Europa”. Tras una primera etapa de investigación, ULTRAconciencia se ha creado en diferentes residencias artísticas de la red modul-dance, en concreto en el Art Stations Foundation de Poznan, Polonia, el Centro per la Scena Contemporanea de Bassano del Grappa, Italia, CAPa - Centro de artes performativas do Algarve en Faro, Portugal, Hellerau - European Cener for the Arts Dresden, Alemania y en los centros de creación l´Animal a l´esquena, El Graner y La Fàbrica de Celrà de Catalunya.

creer. Creer que podemos crear algo que nos haga creer. Pero no es fácil, no sólo es cuestión de voluntad. Entre el sí y el no, entre el bien y el mal, allí nos encontraréis”. Esta es la carta de presentación de ULTRAconciencia, un trabajo que responde a su vez a una suerte de letanía en la que se afirma lo siguiente: “Hay que ser ultrainocente para creer en lo intangible, para crear lo inexistente. Hay que ser ultrainocente para seguir caminando, para no dejarse engullir, para no dejarse morir. Hay que ser ultrainocente. La inocencia ha muerto (...) La realidad esta vez no superará la ficción (...) Ultrainoencia, una fe empírica en la incertidumbre como puerta hacia todas las posibilidades. Equilibrismos del alma a ras de suelo. Carne al servicio del espíritu creativo que nos mueve”. Toda una serie de ideas que en esta nueva propuesta escénica volverán a desarrollarse a través del particular lenguaje que caracteriza a loscorderos.sc, un universo escénico que no obedece a las convenciones teatrales. En todos sus espectáculos la compañía combina técnicas y disciplinas diferentes, teatro textual, de objetos, danza, acrobacia, técnica de clown... rompiendo las fronteras entre unas y otras y creando

lo que han llamado un “teatro bastardo”, definición que radica en la dificultad de definir sus convenciones. Y es que la libertad es lo que define a las creaciones de loscorderos.sc, “nuestro teatro bastardo es contradictorio, como el ser humano” afirman sus miembros para añadir que “si una regla en común tiene nuestro trabajo es una implicación emocional, física y energética de una particular contundencia. Un compromiso con la intensidad. Un teatro en el que no valen las medias tintas ni la tibieza, ni siquiera por parte del público. Un teatro dirigido al instinto” tal y como apuntan en su “Manifiesto del cordero bastardo”. David Climent y Pablo Molinero crearon loscorderos.sc en 2003. Su primer trabajo fue ‘Crónica de José Agarrotado’ en cuyo proceso de creación se unió a la compañía Pilar López. Desde entonces han creado los espectáculos siguientes: la vídeo creación ‘Shakespeare Meeting-point’ (2005); ‘El hombre visible’ (2007); ‘Tocamos a dos balas por cabeza’ y ‘A la intemperie’ (2008); ‘El mal menor’ (2010); ‘El cielo de los tristes’ (2011) con los que han recorrido infinidad de escenarios y han obtenido además de premios, el reconocimiento del público y de la crítica.

13 octubre Teatro Arriaga estrena Los Enamorados de Goldoni

El amor desde el humor a partir de un clásico

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dos son puntillosos. Mi hermana es quisquillosa. Fulgencio es apasionado, intolerante, impulsivo. En resumen, se podría hacer con ellos la mejor comedia de este mundo” afirma Flaminia, hermana de Eugenia. Su tío, de nombre Fabricio está decidido a casar a Eugenia sin soltar la dote mientras los criados no paran de realizar corrosivos comentarios. Un desfile de personajes hiperbólicos que pone en escena el elenco de actores formado por Eneritz Artetxe, Ylenia Baglietto, Sandra Fernández Aguirre, Mikel Losada, Felipe Loza, Txema Pérez, Itxaso Quintana, Aritza Rodríguez, Mitxel Santamarina y Jorge Santos bajo la dirección de Marco Carniti. Nacido en Milán, Carniti se formó en teatro con Giorgio Strehler en el Piccolo Teatro de Milán y en la UCLA de Los Ángeles con J. Grotowsky y B. Wilson. Ha dirigido una veintena de espectáculos teatrales en Italia de obras de Shakespeare, Boccaccio o Tony Kushner entre otros además de más de una decena de óperas. Es responsable artístico del ‘Proyecto Jóvenes’ en el Teatro Eliseo de Roma donde ha dirigido tres espectáculos. Carlo Goldoni

ara su última producción el Teatro Arriaga de Bilbao viaja hasta el siglo XVIII y lleva a escena Los enamorados de Carlo Goldoni bajo la dirección del italiano Marco Carniti y con un elenco formado por actores y actrices vascas. Su estreno tendrá lugar en el coliseo bilbaíno del 24 al 27 de octubre. Carlo Goldoni nació en Venecia en 1707; esta considerado como uno de los reformadores del teatro italiano del siglo XVII y uno de los grandes comediógrafos del teatro universal. Es autor de libretos de ópera y obras de teatro como ‘Arlequino, servidor de dos patrones’, ‘La criada amorosa’ ‘El café’, ‘La posadera’ o ‘El abanico’. En sus textos Goldoni refleja a la sociedad del momento poniendo sobre el escenario las costumbres y formas de vida de su tiempo pero siempre con el humor como principal aliado. En Los enamorados se encuentran todos los ingredientes que caracterizan a Goldoni. Esta comedia, que alcanzó gran popularidad en la época, lleva la relación hombre-mujer al límite dónde los celos, las peleas y los caprichos protagonizan la tra-

ma pero siempre en un tono divertido. La historia tiene como protagonistas a Fulgencio y Eugenia, una pareja de enamorados que suspiran de amor a la distancia pero se crucifican a reproches cuando están juntos. “Están enamoradísimos; pero los

Tirano Banderas

Staying alive ©Manu Lago

S taying Alive

Tirano Banderas ©Javier Naval

13 octubre

Matarile Teatro vuelve a los escenarios con el espectáculo Staying Alive cuyo estreno tuvo lugar el pasado 27 septiembre en el antiguo Auditorio de la Universidad de Santiago de Compostela, en el Campus Sur y volverá a representarse los días y 4, 5 y 6 de octubre en el mismo escenario. Para la creación de esta obra Matarile Teatro ha reunido un elenco compuesto mayoritariamente por intérpretes que proceden del mundo de la danza. Mónica García, Rut Balbís y Nuria Sotelo son las bailarinas y actrices que comparten escena con las que Ana Vallés, que también se encarga de la dirección del espectáculo. El proceso de creación de Staying Alive ha transcurrido durante los meses de julio, agosto y septiembre dentro del Auditorio de la Universidad, un antiguo espacio de exhibición que se encuentra desmantelado, casi diáfano. Un lugar que ha perdido totalmente sus características de teatro/auditorio para convertirse en un espacio con un gran potencial escénico. Une espacio elegido como lugar de creación, de ensayo y de representación. El espectáculo cuenta con la iluminación y elementos escénicos de Baltasar Patiño, que propone una iluminación activa y dinámica, no pre-programada, realizada en tiempo real e integrada en este espacio tan peculiar lo que no significa que no pueda ser válida para cualquier otro espacio ya que el diseño de luces creado por Patiño es adaptable y modificable posteriormente a cada teatro o espacio durante la gira del espectáculo. Y es que la adaptación es una de las características de Staying Alive, que al ser creado en un espacio tan particular podía haberse quedado condicionado en sus futuras representaciones, motivo por el que ha sido concebido para realizarse en espacios no convencionales o teatros donde el público pueda compartir la caja escénica con la compañía. Es por tanto un espectáculo en constante evolución que tiene como objetivo propiciar el carácter de acontecimiento en cada una de las representaciones.

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A partir del 10 de octubre la Sala Principal del Teatro Español de Madrid pondrá en escena Tirano Banderas de Ramón María del Valle-Inclán. Este es el primer espectáculo del proyecto internacional ‘Dos Orillas’ que tiene como objeto la co-realización de espectáculos teatrales entre las instituciones públicas y privadas de ciudades latinoamericanas y la ciudad de Madrid desde el Teatro Español. En esta primera producción participan el Teatro Español junto al Teatro Mayor de Bogotá y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) de México. Tirano Banderas es uno de los primeros dictadores/ fantoche, temática en torno a la que girarán los espectáculos creados dentro del proyecto ‘dos Orillas’ protagonista de la novela ‘Tirano Banderas, Novela de Tierra Caliente’ una obra literaria fundamental en el imaginario teatral latinoamericano y español motivo por el que ha sido elegida para comenzar dicho proyecto. Oriol Broggi es el director de este espectáculo mientras que de la adaptación del texto se ha encargado el dramaturgo mexicano Flavio González Mello. En lo que al elenco de actores se refiere, el mexicano Emilio Echevarria dará vida a Tirano Banderas y estará acompañado en escena por los actores españoles Emilio Buale, Pedro Casablanc, Juli Mira y Susi Sánchez, el también mexicano Joaquín Cosío, los argentinos Mauricio Minetti y Vanesa Maja y el venezolano Rafa Cruz. “Este espectáculo se rige por el principio básico del patetismo, consistente en eliminar la vida interior y exagerar los movimientos exteriores al modo de un espejo de feria o un teatro de marionetas” afirman los encargados de su puesta en escena para añadir que “ValleInclán concibió una novela sin pensamientos, donde la carga emocional debía provenir de los diálogos y las acciones. Se trataba, asombrosamente, de una narración puesta en escena”. Tras su presentación en Madrid el espectáculo realizará una gira a partir de enero de 2014 por México y Argentina y finalizará en abril en Colombia.

13 octubre XXVII FeriA internAcionAl de teAtro y dAnZA de HUescA

Una feria donde compartir ideas y transmitir energías astilla

©Luis C

Pulgarcito, Teatro

Kameleoia ©José Usoz

Oye Yoe

Paraiso

stos primeros días de octubre, hasta el día 3, se celebra en Huesca la vigésima séptima edición de la Feria Internacional de Teatro y Danza, como probablemente sepa el lector de estas líneas, ya que avanzamos algunas de sus claves en el pasado número de la revista ARTEZ, y hasta es posible que allí se encuentre en el momentos de abrir estas páginas. Si es así, que lo disfrute, porque tiene ingredientes para ello: veinticinco compañías entre las que se intercalan viejos conocidos con creadores a descubrir, del ámbito internacional –Francia, Alemania, Suiza...– y de diversos puntos del Estado español –Andalucía, Euskal Herria, Madrid, Valencia, Catalunya...– y, por supuesto, también hay una significativa presencia del tejido aragonés. Atenta a la realidad de su entono, de los tiempos y las necesidades de su público objetivo –gestores culturales de localidades y ciudades medias–, la Feria de Huesca presenta una edición marcada por planteamientos innovadores en lo que a su espacio de mercado se refiere -dinamizándola en su aspecto de ágora o foro público donde compartir ideas y transmitir energías- mientras mantiene sus señas de identidad en lo que a la programación se refiere, con un protagonismo parejo entre las disciplinas artísticas a las 18

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que alude su nombre, teatro y danza, reservando un espacio destacado al teatro familiar. PreMIoS NaCIoNaleS

No en vano, dos formaciones galardonadas con el Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la juventud serán las encargadas de inaugurar y clausurar la actual cita. Se trata de Teatro Paraíso y Titiriteros de Binéfar, que presentan, respectivamente, sus obras Pulgarcito y El bandido Cucaracha, siendo la primera una revisión del clásico de Perrault a través de la mirada de Iñaki Rikarte, que trata de divertir a los pequeños y conmover a los mayores (o viceversa), y la segunda, una recreación de las andanzas, vida y muerte del bandolero monegrino, transmitidas oralmente de generación en generación y recogidas por Paco Paricio para su adaptación a la escena. Entremedias, habrá una intensa muestra de espectáculos entre los que se encuentran aquellos de los que dábamos cuenta en estas páginas en el número anterior a modo de avance de programación, a saber: el estreno de Madre Coraje por Atalaya, de Brecht que se inspiró en la de Grimme-

lhaussen; Ertza con Adiós a todos los que os habéis ido, una elegía danzada dedicada a todas las personas que han perdido su vida durante los 40 años del conflicto vasco e inspirada en el aurresku; Kameleoia de Dantzaz, compuesta por coreografías de Itzik Galili y Jacek Przybylowicz; la suiza Compagnie Linga con una reflexión en torno a la ruptura del equilibrio; la propuesta circense de Les Capgirades o los también catalanes Iron Skulls Co, con un trabajo que une, en un mismo punto, acrobacias, danza y sentimientos. Cerrada ya la programación definitiva, junto a la producción aragonesa que destacamos aparte, encontramos en ella a otras compañías llegadas de las citadas comunidades y países. Completa la importante presencia vasca Sleepwalk Collective con El entretenimiento, la nueva propuesta de la compañía y con la que inician una trilogía dedicada a los grandes placeres y las grandes decepciones en esta segunda década, adolescente, del siglo XXI. Andalucía aporta otros dos espectáculos: Oye Yoe de Perros en Danza, unipersonal de Manuel Cañadas en el que el personaje no quiere ser un hombre inmóvil y solitario golpeado por voces, y Tomar partido de La Fundición, una obra de teatro de texto que nos plantea un

octubre dilema, con el trasfondo del nazismo. Teatro es también lo que nos llega desde Valencia de la mano de Jaume Pérez y Juli Disla, que en La gente pretenden ofrecer una mirada positiva sobre los problemas de la sociedad actual y la reacción de las personas ante estos. Tampoco podía faltar reprerentación catalana, que llega con algunos conocidos en Huesca, como David Espinosa que llega con Mi gran obra, un proyecto que define como ambicioso, en el que cuestiona el arte megalómano, descontextualiza espacios reales e invita al espectador a intervenir en la propuesta, o Señor Serrano que en Brickman Brando Bubble Boom, un biopic escénico

sobre las vidas de Sir John Brickman, quien inspiró el primer sistema hipotecario en contraste con la de Marlos Brando, un actor salvaje en busca de un hogar. Conexiones sin fronteras

La programación se completa con dos propuestas madrileñas, una alemana y una francesa. Losdedae regresan a la feria con una nueva creación de Chevi Muraday, Return, que el propio coreógrafo protagoniza junto a la actriz Marta Etura, en escena dos personajes cuya complicidad va creando un universo en el que conviven, sueñan y respiran. Adentro Teatro, por su parte, escenifi-

omo no puede ser de otra forma las compañías aragonesas juegan un papel muy importante dentro de la Feria. Además de los Titiriteros de Binéfar, esta edición cuenta con una representativa selección con originales propuestas como la de Javier Aranda, que acude con Los miserables, una obra concentrada, de quince minutos de duración y que forma parte del cuadríptico de piezas que componen el espectáculo para títeres metafísicos “Parias”. Como parias escénicos son los Emonautas de Lagarto Lagarto, dos personajes sin mayor misión que la de entretener, por lo que pondrán el empeño, las emociones y el humor para conseguirlo. Luna de Arena, por su parte, presenta una pieza que nos sumerge en el conflicto palestino-israelí con Dile, una obra por Gaza, que nos narra desde la óptica del teatro-documento el polémico periplo de la pieza de microteatro: Siete niñas judías, una obra por Gaza

cará En Construcción, una obra dirigida por Tristán Ulloa en torno a las migraciones, al sentirse inmigrante, un viaje de ida y vuelta con parada –y fonda- en Argentina. Maura Morales es una bailarina y coreógrafa cubana afincada en Alemania que en Wunschkonzert da vida a una mujer pesimista y desesperanzada que sin embargo sueña y dibuja su vida como le gustaría que fuera, mientras que Hurycan es una formación creada por el francés Arthur Bernard Bazin y la argentina Candelaria Antelo, que en Je te haime tratan de de descubrir quiénes somos, favoreciendo la relación con el espectador en un espacio comunicativo, abierto a la imaginación y las emociones.

escrita por la dramaturga inglesa Caryl Churchill. Bajo el título de Otro Cubata para el Rey Arturo, Los Navegantes presentan una versión canalla de ‘Por el Camino de Santiago en busca del grial’, en el que transformados en los heavylones Los Alakranes, cantan y narran las andanzas por los caminos de peregrinos. En danza, La Mov acude a la cita con La bella durmiente, su nueva revisión de un cuento clásico tras La Cenicienta, mientras que D_ruses plantea una reflexión sobre el espacio en una pieza, 5 (cinco), que habla de parques escultóricos, de tierra, de los que se van, de los que se quedan. Completa la oferta de la feria el circo de Capicua. Entredos es un espectáculo visual, fresco e innovador y a la vez con cierta estética contemporánea, que acerca al espectador a la realidad del mundo de los sueños y lo imaginario.

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13 octubre XXXXIV Festival de Teatro de Molina de Segura

Desde el fondo y de todas las formas y géneros Tras los prolegómenos que durante los últimos días de septiembre han ido poniendo en situación al público y la villa, con la celebración del I Concurso de Acciones Artísticas Urbanas AD Festival en el que han concurrido diez compañías, y las actividades enmarcadas bajo la denominación de Nexo a modo de programa-puente, el primero de octubre arranca la 44. edición del Festival

Internacional de Teatro de Molina de Segura, organizado por el Ayuntamiento de Molina de Segura, con la colaboración de la Consejería de Cultura y Turismo de la Región de Murcia. Hasta el día 8 se sucederán propuestas de calle, teatro de sala, conciertos, exposiciones y talleres que nos darán una visión de las artes escénicas, tal y como reza el lema de esta edición, “desde el fondo”.

unque en octubre, sucede en Molina de Segura. De ahí que las Artes de Calle tengan un protagonismo destacado, sin olvidar que ha sido adquirido por derecho a lo largo de la trayectoria de este festival. Así, de los veinticinco espectáculos que conforman la programación del festival propiamente dicha -AD y Nexo aparte- , veintiuno serán al aire libre, principalmente en el Paseo Rosales, Plaza del Teatro y el Parque de la Compañía, mientras que los otros cuatro se repartirán equitativamente entre el Teatro Villa de Molina -ver destacado- y el Pub Guanábana Jam. Con el ánimo de fomentar el encuentro entre los espectadores, creando un ambiente de total complicidad en su carácter lúdico, están previstos espectáculos que interesen a todos los tipos de público. Así, podremos disfrutar de itinerantes que buscan la complicidad con los espectadores –o transeúntes despistados, que también valen–, como La Gran Familia de Fadunito, que llega sobre zancos y ruedas hasta Molina tras haber viajado por medio mundo; Typical, de Nacho Vilar Producciones y Gaupasa, que reincide en las ideas básicas de algunos celebrados trabajos previos como Business Class; la propuesta RR1 Animatic de Scura Splats en la que destacan nuevamente los zancos y la pirotecnia como señas de identidad; el de sus vecinos Visitants, Etnofoc, también con el fuego como elemento unificador; así como el que presenta la Compañía Barré, Juan Palomo ya está aquí, que tiene como protagonistas 20

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La Gran Familia de Fadunito ©Martin Javier

a unos peculiares vendedores ambulantes de palomitas. No podía faltar el circo, muy presente como cada edición, con su capacidad de sorprender y divertir a quien observa. A continuación algunos de sus exponentes: Chimichurri, con Cualquier verdura, una propuesta sobre el equilibrio físico, pero también el mental; Mr. Dyvinetz, con Vari, un vertiginoso ejercicio que aprovecha la versatilidad y espectacularidad de la rueda Cyr; Manolo Carambolas que presenta en dos propuestas, Electrickmim y Yesterday, una serie de juegos malabares con mimo y teatro gestual, y que junto a la compañía Rolabola participa en Cirkea; El Gran Dimitri con The Great Cicus Show, que conjuga diversas técnicas; y la compañía La Furtiva

con Zapatos en el aire, una propuesta muy visual que fusiona teatro, danza y acrobacias. El triángulo de la programación de calle se cierra con espectáculos cuyos protagonistas son objetos que obran vida. Es el caso de Zoozoom de Markeliñe, una propuesta en la que los niños y niñas participan activamente como manipuladores; Teatro Los Claveles con una versión muy particular de La Cenicienta; Justo Thaus y el Gran Carlini, protagonizada por un títere que a su vez es mago; y Laura Kibel con A pie de muro, una obra en la que la artista da vida a infinidad de títeres utilizando como elemento principal sus propios pies. Completan las representaciones gratuitas la oferta del Pub Guanábana Jam, donde se podrá disfrutar de la propuesta de teatro de títeres musical Smiles de la compañía Cachivache, un recital que nos lleva de Louis Armstrong a Joselito, de Ella Fitzgerald a Marisol, de El Mago de Oz, a Méliès, del cine a la radio y de la radio al teatro. También tendrá lugar un concierto a cargo de Analogic, banda de rock independiente. Además, esta edición del Festival cuenta con una actividad única y nunca vista, la exposición de divulgación científica Vive la magia, que se podrá ver en la Sala de Exposiciones El Jardín, con visitas guiadas en las que los asistentes podrán ser protagonistas. También, y en coordinación con la exposición, se pone en marcha un Curso-Taller de Magia, impartido por el especialista José Brontë, para alumnos de 10 a 12 años.

4-10-2013 Teatro Vil la de Moli na

El Vientre de la B a l l ena Teatro Pet ra (Co l o m b ia) 0

octubre

Siempre atento a las producciones más reseñables que se dan en el ámbito iberoamericano, el Festival de Molina de Segura nos acerca este año a la compañía colombiana Teatro Petra. Escrito y dirigido por Fabio Rubiano, recientemente galardonado con el Premio Nacional de Dirección Teatral de Colombia, El Vientre de la Ballena es una comedia negra en la que se entrecruzan organizaciones de vientres de alquiler, traficantes de textiles, vendedores de órganos, proxenetas... y todo ello en una sociedad en la que los veredictos judiciales se toman por votación entre los televidentes. En ella, el oficial Bruno Basquiat investiga el caso de la desaparición de niños y mujeres en la ciudad, y a la vez trata de desenmascarar una red de tráfico de órganos humanos y tráfico de poliester, georgette, algodón egipcio. En medio de la investigación su propia hija escapa.

Teatro par Histrión T a pájaros eatro

05-10-2013 Teatro Vil l

a de Molin a

Segunda experiencia conjunta entre la compañía granadina Histrión y el director argentino Daniel Veronese, en Teatro para pajaros dos personajes hablan de la libertad que debería existir en una pareja, el deseo de todos para lograr una vida mejor, y en el interin, de lo que hacemos y lo que no por miedo a perder. Pero también se habla de arte, que según recuerda Veronese, es conflicto, es trama y no la es, es exponerse como persona, es crear una obra, poner en duda el concepto de obra. Pero también es trabajo, vil metal, negociar. Teatro para pájaros es una pieza que gira alrededor del mundo del teatro desde la perspectiva de los creadores, de aquellos que necesitan del otro para generar un trabajo digno, de las imposibilidades, de las frustraciones, de la pérdida de la dignidad y también de cómo poder sentirse íntegro.

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13 octubre XXXVIII Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz

Es tiempo para que la escena reciba los nuevos aires

na de las citas teatrales más veteranas en Euskadi es la del Festival Internacional de Teatro de VitoriaGasteiz que este año celebrará su trigésimo octava edición del 9 de octubre hasta el 29 de noviembre. La variedad de estilos y artistas que se acercarán es una de sus características principales donde la danza cada vez adquiere más protagonismo, el teatro visto desde una panorámica internacional está presente y las grandes compañías estatales repiten, sin olvidarnos por supuesto de algunas propuestas vascas. Toda la ciudad se envuelve en teatro y por eso algunas sesiones se realizarán en los centros cívicos aunque como siempre el Teatro Principal es el escenario más importante en el que se llevarán a cabo la mayoría de exhibiciones y este año en primer lugar abrirá sus puertas a Ne m’oublie pas (No me olvides) a cargo de Philippe Genty. Se trata de una nueva versión obra del artista francés y la noruega Mary Underwood que llega por primera vez al Estado, una adaptación del espectáculo que fue creado en 1992 y que juega en la escena con la mezcla de diferentes disciplinas como suele ser habitual en todos los proyectos de Genty. La danza, los títeres o las marionetas de gran formato acompañados por el teatro de sombras y la música se funden para evocar a la reflexión sobre la importancia y la capacidad de la imagen. A continuación y siguiendo con la apuesta por artistas internacionales hay que destacar la presencia en el festival del holandés Jakop Ahlbom que llega para protagonizar Lebensraum, también a la compañía uruguaya Pequeño Teatro de Morondagara con su trabajo Bienvenido a casa, un espectáculo diseñado para ser visto de diferente modo al habitual y por último los Sueños de verano del Circo Pitanga, formación creada por artistas provenientes de Australia e Israel. Lebensraum es una pieza inspirada 22

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en la obra homónima de Buster Keaton y con la que Ahlbom propone un espectáculo sin texto, un trabajo mímico interpretado por cinco actores entre los cuales se encuentra él, y acompañado por la música en directo de la banda Alamo Race Track que en cada escena se convertirá en uno de los factores protagonistas. Una obra muy bien ambientada y con toques de humor y suspense al mismo tiempo. En segundo lugar Bienvenido a casa de la compañía Pequeño Teatro de Morondagara presenta una comedia negra, nos traslada a una obra dramática sobre la miseria humana donde se relatarán dos historias yuxtapuestas vistas por el espectador a lo largo de dos sesiones y que plasmarán una situación desde diferentes puntos de vista, una manera un tanto singular y arriesgada de ver el teatro que sin duda removerá al espectador, un trabajo de vanguardia dirigido por Roberto Suárez. Por último, Loïse Haenni y Oren Schreiber son los protagonistas de Circo Pitanga, este dúo circense combinará aé-

reos, acrobacias y portés con un gran nivel técnico para adentrarnos en lo poético. Clásicas, contemporáneas, vanguardias son múltiples los adjetivos o categorías con las que podemos referirnos a las obras realizadas por las compañías provenientes del Estado y es que son de los más variadas entre sí, algunas de ellas estrenos en Euskadi, nos centramos en algunas y enumeramos el resto. Pasa por aquí de nuevo la prestigiosa compañía andulaza La Zaranda con El régimen del pienso, un trabajo que ha sido coproducido por Temporada Alta de Girona. Fiel a su estilo la compañía nos relata una realidad dramática donde la lucha por el puesto, el reparto injusto de lo más necesario y una epidemia son algunos de los ingredientes de esta historia en la que no faltará el particular lenguaje de sus intérpretes, su espíritu crítico, la simbología en grandes dosis y su poética teatral. Maridos y mujeres de Teatro de la Abadía bajo la dirección de Alex Rigola, que

octubre esta vez se atreve con la adaptación de la famosa obra de Woody Allen en la que se relata la complejidad de las relaciones de pareja: enredos, inseguridades, sentimientos todo esto con pinceladas de humor. Luis Bermejo, Miranda Gas, Elisabet Gelabert, Nuría Mencía, Fernando Soto y José Luis Torrijos son los actores que están al frente de esta última producción de la compañía madrileña. Nao d’Amores llevará a cabo el trabajo multidisciplinar Farsas y Églogas, mientras en clave de comedia musical , se podrá ver Otro gran teatro del mundo una coproducción de La Compañía Nacional de Teatro Clásico al lado de Uroc Teatro. A señalar Emilia de Producciones Teatrales Contemporáneas, Misántropo de Kamikaze o La Tempestad del Barco Pirata., o ¿Quién teme a Virginia Wolf? dirigida por Daniel Veronesse . La escena vasca también dejará su estela en esta cita. Traspasos en coproducción con el Centro Dramático Nacional y Hernán Zin proponen Nada tras la puerta que nos adentra en el mundo de las fronteras y de los derechos humanos. Mikel Gómez de Segura se vale de diferentes textos de

dramaturgos contemporáneos Hitzak, besterik ez de Hika Teatroa nos envolverá en el mundo de la palabra, en el mal uso de la misma, en la utilización de la palabra como instrumento para ejercer la violencia. Agurtzane Intxaurraga dirige a Jabi Barandiaran, Klara Badiola, Ane Pikaza y Ainhoa Aierbe en este drama que refleja una realidad que desgraciadamente se da en muchas parejas. Con algo más de alegría Teatro Paraíso narrará para los niños un cuento contado de manera muy particular, de nuevo en escena el clásico Pulgarcito pero esta vez desde una visión menos clásica realizada por Iñaki Rikarte. Un guiño a la música se vislumbra con la actuación del intérprete vasco Kepa Junkera al lado de Ara Mailikian & La Orquesta del Tejado que amenizarán una de las sesiones del festival protagonizando un trabajo de fusión de estilos musicales y virtuosismo al que han llamado Un viaje en el tiempo. Como broche final, diferentes coreografías entremezcladas cierran el otoño teatral en Vitoria-Gasteiz, así Sol Picó bajo la mirada de Txiki Berraondo y acompañada por dos bailarines se atreve con Historias

de una pulga, una pieza, dinámica bailada a un ritmo trepidante que se adentra en la decadencia y la desolación en un momento de confusión. Danza contemporánea a ritmo de cabaret, electrónica o por qué no música clásica, una obra que te lleva de un extremo al otro. Otro estilo, más clásico y con música barroca de fondo, sin grandes contrastes es el Sueño de una noche de verano del Ballet de Carmen Roche que cuenta con el trabajo coreográfico de Tony Fabre. Y como no hay dos sin tres, finalizar con otras dos compañías Aracaladanza y Fernando Hurtado que rematan con propuestas dirigidas al público familiar, la primera Constelaciones una idea de Enrique Cabrera inspirada en el universo de Joan Miró y la segunda Charlie una pieza muy cuidada premiada en la anterior edición de Feten , que pone especial interés por los más pequeños, donde se trasladan un cúmulo de diferentes emociones y sensaciones para recordar la figura del emblemático Charles Chaplin y el cine mudo. En el reparto los bailarines Inma Montalvo, Nuria Estébanez, Sergio Moya, Pablo Lomba y el coreogáfo y director Fernando Hurtado, que se sube al escenario.

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13 octubre Les Translatines - Festival de Thèâtre de Baiona-Biarritz

Una puerta abierta al mejor teatro latinoamericano

es Translatines-Festival de Thèâtre se celebra del 12 al 19 de octubre en las localidades de Baiona, Anglet, Biarritz y Boucau con una programación centrada principalmente en propuestas de compañías ecuatorianas y colombianas, con alguna excepción importante como los bolivianos Teatro de los Andes o la coproducción franco-chilena de Burloco Theatre y la franco-cubana de Compagnie Songes. En palabras de Jean-Marie Broucaret, director artístico del festival, “estos dos países andinos en auge, no cuentan con las mismas facilidades que países vecinos como Chile o Argentina para dar a conocer sus propuestas en Europa” y resalta ”las cualidades y la gran fuerza que cuentan, a tal punto que algunos no tardarán en seducir a los circuitos europeos”. Teatro Petra, fundado en 1985, ofrecerá dos obras, ambas dirigidas por Fabio Rubiano Orjuela, Sara dice basada en escritos de Mako Saguru, escritor y piloto japonés desaparecido en la segunda guerra mundial. Saguru pregunta “¿Qué sucede cuando el asesinato desaparece en una sociedad?” Según su teoría el crimen no puede desaparecer por completo, se necesita un número mínimo de asesinatos cada cierto tiempo para racionalizar las muertes violentas, y evitar que se produzcan por intereses particulares. El vientre de la ballena es una comedia de crónica roja con personajes atípicos: una mujer que se cree la virgen, un dentista que atiende partos de vientre de alquiler, una niña que se cree adulta y una adulta que se cree niña, un electricista con dotes de Don Juan, entre otros… que muestran cómo opera el abuso de poder en distintos niveles. La maldita vanidad al igual que los anteriores representarán dos montajes, que en este caso pertenecen a su trilogía ‘Sobre algunos asuntos de familia’ , un reflejo costumbrista de la sociedad colombiana, que 24

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Sara dice

a su vez corresponde a la primera etapa creativa de la compañía. Las obras indagan en los problemas del núcleo familiar y encuentran contenidos suficientes para crear una trilogía que se monta en espacios reales. El 17 de octubre en los Découvertes de Biarritz se podrá ver, El autor intelectual, propuesta que se lleva a cabo en el espacio no convencional de una casa, el espectador se convierte en fisgón de la obra a través de una ventana. Nora, Jorge y Sergio son tres hermanos que se reúnen en casa de su madre para decidir quien se queda a vivir con ella. En el Chapiteau Baroja de Anglet representarán la segunda pieza de la trilogía, Los autores materiales’, inspirado en ‘La soga’ de Alfred Hitchcock, en la que mezclan comedia y suspense y dando paso a una historia que tiene lugar en el interior de la cocina de unos jóvenes estudiantes que no pueden pagar el alquiler al viejo que les arrienda. Una noche el viejo aparece borracho a exigirles el pago y en medio de la desesperación, lo golpean y causan su muerte. Las danzas privadas de Jorge Holguín

Uribe da nombre a propuesta que mostrará Teatro Matacandelas, la tercera de las compañías colombianas, un acercamiento desde el teatro a la danza. Los actores recrean el universo de Jorge Holguín Uribe, escritor, pintor, matemático, coreógrafo y bailarín que fundó su compañía de danza en Dinamarca, recorrió el mundo y murió en 1989, aún joven y poco conocido, en su Colombia natal. La incursión de la compañías ecuatorianas vendrá capitaneada por Malayerba que presentará Instrucciones para abrazar el aire escrita por Arístides Vargas, uno sus fundadores. En ella se cuenta la historia que empieza en La Plata, Argentina, el 24 de noviembre de 1976, cuando un grupo de militares irrumpió en la casa de los Mariani. La historia es como un cuento de ficción donde los personajes habitan temporalidades diferentes pero llegan, por distintos caminos, al espacio común de la tragedia. Los elementos en los que se basa la obra son la búsqueda de algo afectivo que restituya la pérdida de los niños robados tras el golpe militar y la búsqueda como ejemplo de dignidad.

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También desde Ecuador la joven compañía El Muégano Teatro, ofrecerá Karaoke orquesta vacía, trabajo que se podrá ver el 1en el Colisée de Biarritz. La propuesta es un rompecabezas que se pregunta dónde nace la realidad política, y cuál delirantes, contradicciones y entrañables resultan nuestras estrategias para hacer comunidad, en medio del poder sobre los afectos. Sin muchos artificios, dos actrices y un actor, encarnan a más de una decena de personajes, en un ejercicio intensamente lúdico. La tercera de las compañías ecuatorianas programadas será Teatro de la Vuelta que mostrará Barrio caleidoscopio en los Découvertes de Biarritz en francés, donde su personaje, Alfonsito, despierta con ganas de ir hasta la pulpería y comprar un pan, o dos. Para lograrlo deberá emprender un viaje universal de poco más de 1.400 pasos desde su casa hasta la pulpería. En este trayecto debe aparentar ser como los otros, como la gente ”‘normal” y abandonar su casa meticulosamente organizada y polvorienta. Deberá velozmente transitar por la calle vacía evitando las bromas de sus “amigotes”, la melancolía de los barrenderos y el encuentro con su comadre, la maquiavélica Magalita. Teatro de los Andes escenificará una versión libre de la original de Shakespeare presentándola bajo el título de Hamlet, de los Andes. Preguntas como ¿Quién es Hamlet?,¿Es un personaje bajo el umbral de una puerta, siempre a punto de atravesarla pero que jamás consigue decidirse a hacerlo? o ¿Es la esencia de cada uno de nosotros, que en realidad no sabemos si el siguiente paso es el correcto porque incluso nos cuestionamos sobre quienes somos en realidad? Son algunas de las cuestiones que se plantean en esta adaptación que al igual que en la veintena de sus espectáculos anteriores vuelven a tender puentes entre la técnica teatral de Occidente y la cultura andina expresada a través de músicas, fiestas y rituales. Burloco Théâtre fue fundada en 1987 por la actriz, directora y clown chilena residente en Francia Nadine Pérez y desde hace más de diez años desarrolla una relación artística con Luis Sepúlveda autor de ‘L’ ombre de ce que nous avons été’ (La sombra de lo que fuimos) una de las pocas obra que se escenificarán en francés. En un viejo almacén de un barrio popular de Santiago de Chile tres sexagenarios, antiguos militantes de izquierda, esperan la llegada de un hombre. Derrotados por el golpe de estado de Pinochet, condenados al exilio y al desarraigo, vuelven a reunirse treinta y cinco años después, convocados por Pedro Nolasco, un antiguo camarada al que esperan para ponerse a sus órdenes y ejecutar una temeraria acción revolucionaria. La programación de esta treinta y una edición de Les Translatines-Festival de Thèâtre también recoge las creaciones Donc, en résumé, je continue à rêver de la compañía franco-cubana Compagnie des songes, una adaptación de teatro-danza a partir de testimonios recogidos en Cuba, donde los cuerpos y las palabras se mezclan, intentando explorar la relación del individuo con el mundo que lo rodea. La mala clase de los franco-chilenos En parté, retrato de la primera generación nacida y educada en democracia, que aborda la educación como un lucro, un bien de cambio, marcando así el fin de los sueños colectivos de la generación anterior, representada por la profesora y Trinidad de la también agrupación franco-chilena Teatro Vent, donde Eloísa, una mujer de unos cincuenta años, Martín de sesenta e Isidoro con casi treinta y cinco, son tres personajes, que a priori nada predisponía para que se conocieran pero se encuentran reunidos en un decorado de fin del mundo, al día siguiente de una catástrofe cuya naturaleza ignoran. w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre XXII FIOT - Festival Internacional Outono de Teatro

Bienvenida al otoño con humor, poesía e ilusión

esde el 3 al 31 de octubre tendrá lugar el FIOT - Festival Internacional Outono de Teatro organizado por la Asociación Cultural Telón e Aparte y el Concello de la localidad coruñesa de Carballo, que este año cumple su vigésima segunda edición con la participación de una docena de compañías seleccionadas en su programación de sala que se escenificará en el Auditorio del Pazo de Cultura, tres de las cuales pertenecen al ‘Ciclo Otni’ un apartado que engloba proyectos escénicos de una dimensión más experimental. Asimismo, cabe destacar las numerosas actividades paralelas previstas tales como la ‘Rúa do contos’ que celebra su quince edición e incorpora un espacio particular, como es el Mercado de Abastos, que acogerá Ultranoite obra que también cuenta con formato muy particular de manos del Grupo Chévere, la incursión de la nueva iniciativa ‘Una noche de farándula’ dirigida a los más pequeños que tendrán la oportunidad de conocer los secretos del teatro en un horario muy atractivo, teatro y animación de calle, o entre otros, la exposición ‘Vida y obra de Roberto Vidal Bolaño’, promovida por las secretarias generales de cultura y política lingüística, dedicado a uno de los dramaturgos gallegos más importantes de la literatura gallega que este año está siendo homenajeado por las ‘Letras Gallegas 2013’. La igualdad o semejanza ante la diferencia o la diversidad que existe entre iguales, una dicotomía que en palabras de sus organizadores es un concepto fundamental relacionado con nuestra identidad, con la cultura y la capacidad de desenvolverse en la sociedad, será el hilo conductor de la mayor parte de las propuestas previstas den26

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tro de la programación, un argumento que se aborda o se vislumbra desde distintas perspectivas, bien desde su carácter más personal en las relaciones sentimentales o de carácter más político o social. Asimismo con la elección de este argumento el festival pretende subrayar su compromiso con las preocupaciones sociales más actuales. La compañía vasca Kulunka dará comienzo, el día 11 de octubre, al programa de sala con André y Dorine, un montaje que reflexiona sobre el alzheimer, una enfermedad que devora los recuerdos, la memoria y la identidad. Temas de carácter sentimental aunque en este caso con una dimensión de enredo familiar también se vislumbra en Emilia, propuesta recientemente estrenada por Producciones Teatrales Contemporáneas y dirigida por Claudio Tolcachir, que además se encargará de clausurar el festival el día 31. El director argentino nos acerca una historia plagada de mentiras, que solo se justifican por la supervivencia. Una historia sobre perdedores conscientes y asustados de su condición. Cuestiones de índole sentimental también se barajan de Maridos y mujeres de Teatro de la Abadía, prevista para el día 29, basado en el guión de Woody Allen y dirigido por Álex Rigola, que con mucho humor realiza un retrato obsceno

de las relaciones de pareja en los que mucha gente se verá reflejada. La compañía chilena La Mona Ilustre, l mostrará Las cosas también tienen mamá, montaje que se caracteriza por una puesta en escena cuidada y artesanal, que fusiona el trabajo actoral y la manipulación de objeto y marionetas desvelando el ser humano en sus diferentes dimensiones para narrar un enigmático y poéCriaturas tico relato marcado por los secretos. Titzina Teatro mostrará el 25 su último montaje Distancia siete minutos, que desde el humor y una escenografía minimalista, acompañado de un mundo sonoro y visual sugerente, plantean los entresijos de la relación de una padre y un hijo, que por circunstancias un tanto particulares, obligarán a que el hijo vuelva momentáneamente a la casa familiar. De la nueva convivencia diaria saldrán a la luz temas que se dejaron sin resolver, y surgirán confrontaciones en temas fundamentales como la justicia, la felicidad o el destino. El día 19 se podrá disfrutar de los montajes Siglo de Oro, Siglo de ahora (Folía) de Ron Lalá fusión flamenco, jazz, rock y música española con textos originales presentándose como una compañía de cómicos de la legua del siglo XXI que desembarcan para ofrecer su folía: una fiesta de nuevos entremeses, piezas cómicas breves que juegan con la tradición clásica para dar una visión crítica y mordaz de nuestro presente. Bajo la dirección de Sergio Peris-Mencheta Juan Diego Botto y Astrid Jones ofrecerán el 20, Un trozo invisible de este mundo, desde el humor, ironía y drama, dan vida a cinco personajes que buscan su lugar en el mundo. Muestran dos fenómenos que a veces se confunden, la emigración y el exilio, don-

octubre de se combinan múltiples caras como el desarraigo, el temor a la esperanza, e querer emprender, la solidaridad y la soledad. Dimensión experimental

La creación gallega consta de Teatro do Aquí que volverá escenificará la comedia sarcática Criaturas el día 26. Con esta pieza la compañía rinde homenaje a su fundador, Roberto Vidal Bolaños uno de los dramaturgos más importantes de Galicia. Esta obra busca sus referentes en los mitos y a pesar de ser un espectáculo clásico no ha perdido ni un ápice de actualidad. En él se utiliza el mito de Frankestein para ubicarlo en medio de una ciudad en la que sus habitantes no parecen ser menos monstruosos que el personaje de Mary Shelley. Chévere presentará Eurozone dentro del programa de sala, una obra coral con ocho intérpretes que dan paso a un thriller convertido en una farsa teatral sobre la crisis

Dentro del ‘Ciclo Otni’ creado hace cuatro años con el fin de dar cabida a proyectos escénicos que tengan una dimensión más experimental, que empleen nuevas dramaturgias, códigos o lenguajes menos convencionales, se podrá ver a Triatreros con Hámster el día 18, comedia a modo de metáfora sobre las contradicciones del ser humano y de sus decisiones, tratando temas como el sometimiento, la sexualidad o la esclavitud y la libertad, protagoniDiego Anido zado por una pareja de hamsters. del euro, sobre el fin de la idea de Europa Previamente el 13, se podrá ver Symon y sobre un sistema democrático deslegitiPédícrí, propuesta unipersonal de ventrilomado, recreando una aproximación a un quía, pero no al uso, de Diego Anido Co. que gran atraco especulativo al más puro estilo FIOT a coproducido y que además será la Tarantino estableciendo un diálogo entre la primera vez que se apoya a una compañía pieza teatral y Reservoir Dogs y paralelisde fuera de Galicia. El 24 de octubre Producciones Prisamata concluirá el ciclo con mos entre los personajes de la película y Sé de un lugar, tragicomedia de amor deslos principales líderes político-económicos pués del amor de una pareja que son las de Europa. Asimismo la compañía llevará a dos caras de la misma moneda, que entre cabo Ultranoite propuesta que escenificará contradicciones, se enfrentarán de distinta en el Mercado de abastos de Carballo denal desencanto. tro del programa paralelo ‘Rúa do contos’.

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13 octubre XV BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

Las últimas tendencias de todas las disciplinas escénicas 20 compañías y más de diez estrenos en el BAD 2013

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da acerca de la construcción de la identidad y la hegemonía social a través de un personaje a punto de tomar una inquietante decisión. El tercer estreno es Karaoke, un espectáculo “sobre el amor y la bomba atómica para dos intérpretes y un apuntador”. Sleepwalk Collective presentará también en el mismo espacio el working progress Doméstica, proyecto becado en Artista en Residencia de La Fundición y que es la continuación de ‘Karaoke’. Pero además de los estrenos en La Fundición se podrá conocer otra de las propuestas seleccionadas en la iniciativa ‘Artistas en Residendia’, el working progress #ElkarrekinBakarrik de Mauma Taldea que ahonda a través de una performance en una realidad que ha llegado para quedarse: internet. Las citas de La Fundición finalizan con Réquiem sin fin de los franceses Dans le sence oppose, un fragmento de una obra más extensa de la compañía denominada ‘La spectatrice de la vítese’. En escena una serie de muertes que se van reinventando y convirtiendo en nacimientos. La muerte como ritual que toma forma con materiales cotidianos y naturales que una vez mezclados acompañan al artista hacia el último salto. La coreógrafa Idoa Zabaleta será la encargada de abrir la programación de otro de los espacios habituales del BAD, el Colegio La Merced. En Posthumos –la tercera o cuarta entrega de una misma serie en palabras de su creadora– el personaje que yacía envenenado en la primera fisura y que resucitaba para salir volando en la tercera vuelve aquí, 20 años después demacrado

La Voz Humana

a decimoquinta edición del BAD, Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao que organiza el Área de Cultura y Educación del Ayuntamiento de la villa tendrá lugar del 23 de octubre al 3 de noviembre con la participación de veinte compañías y la presentación de doce estrenos, tres en coproducción con el festival. Como novedad esta edición cuenta con la colaboración de la productora de arte contemporáneo Consonni, de ZINEBI - Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao a través de una muestra titulada “¡Qué nos quiten lo bailao!”, Cuerpo, música y danza en el cine contemporáneo” y compuesta por obras singulares inscritas en su 54ª edición y del Teatro Arriaga, espacio donde finalizará este año el festival con la puesta en escena de Hamlet de las compañías Artedrama, Dejabu panpin laborategia y Le Petit Téatre de Pain (estreno que tendrá lugar en noviembre y del que informaremos en el próximo número de ARTEZ). Entre las propuestas originales de este año se encuentra la obra La Ruta de la compañía Blanco Roto que tendrá lugar en los asientos traseros de un coche (la pieza tiene una duración de 15 minutos y se realizarán 7 pases cada día) y otra con jugadores de baloncesto en un polideportivo, Observen como el cansancio derrota al aburrimiento de El Conde de Torrefiel. La mesa de trabajo ‘La mirada puesta en el circuito de danza’ organizada por ADDE –Asociación de Profesionales de la Danza del País Vasco– completa la programación

junto con La presentación del libro ‘Mis padres: Romeo y Julieta’ de Pablo Fidalgo de la compañía La Tristura que en compañía de Harkaitz Cano inaugurará el BAD. La Fundición

Un año más la sala de Deustu es uno de los centros neurálgicos del festival. Aquí tendrán lugar los estrenos de Igor & Moreno, La Ortiga y Sleepwalk Collective. IdiotSincrasia es un dueto de danza que los dos creadores vascos residentes en Londres han creado tras un proceso de investigación sobre las estrategias que un espectáculo tiene para empatizar con el espectador y generar un sentimiento de entusiasmo. La propuesta de La Ortiga es ^[aPnea] La belleza del fracaso una reflexión heri-

octubre y con una estructura mucho más seca. Este espacio también acogerá dos de los muchos estrenos del festival, la versión en euskara de La voz humana, de Moon Produkzioak, obra basada en ‘El abandono’ de Jean Cocteau y que viaja desde lo teatral a la performance para dibujar el viaje al infierno personal de su protagonista y Sombras de Gaitzerdi, obra basada en el texto ‘Sombras en la partida de naipes’ de Kepa Ibarra que también se encarga de su dirección. La compañía bilbaina que este año cumple su 25 aniversario también presenta Expediente 312, una muestra de lo que denominan células dramáticas, breves textos y acciones y una exposición de este proyecto. La Tristura vuelve al BAD con El sur de Europa. Días de amor difíciles, obra premiada con una residencia de BilbaoEscena el pasado año. Sobre el escenario ocho personajes en busca del movimiento frágil de la vida. Agrupación Señor Serrano, compañía de danza con sede en Barcelona presenta Brickman Brando Bubble Boom, un biopic sobre la vida de Sir John Brickman, el mayor constructor de Inglaterra en el siglo XIX que inspiró el primer sistema hipotecario de la historia y sobre Marlon Brando como un actor salvaje. Una reivindicación del hogar contra las reglas del mercado. El Conde de Torrefiel –compañía que forma parte del equipo

Artium de Vitoria-Gasteiz y una acción performativa que se presenta en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. La segunda tiene dos partes, una pieza escénica y una instalación creadas a partir de un trabajo sobre el texto ‘El autor como productor’ de Walter Benjamim. Como en ediciones anteriores la Sala Cúpula del Teatro Campos vuelve a ser escenario del BAD y allí tendrá lugar el estreno de Khea Ziater, Satisfaktion, unipersonal Juxtapose ©Sigel Eschkol dirigido por Alex Gerediaga y artístico de la compañía de danza La Veroprotagonizado por Maria Urzelai. Geredianal– por su parte La chica de la agencia de ga también presenta un working-Progress viajes nos dijo que había piscina en el apardel trabajo multidisciplinar NOT (Never on tamento una propuesta en clave de humor Time) en Bilboarte, espacio en el que se creada en coproducción con el BAD , AZALA llevarán a cabo el día 29 un itinerario de y el Festival TNT. Completa la programación piezas cortas como Tu! Di que quieres de Nuria Perez y Nélida Renero, Uranus, del de este espacio Juxtapose de los holandeses Dansmakers, una obra sarcástica y performer italiano Moreno Solinas y el esllena de humor sobre ser mujer femenina treno de la vídeo creación de Eva Guerrero Tu sombra bajo mis pies. y/o masculina. La programación del BAD 2013 se comCoproducciones y más pleta con Whose are those eyes?/ Norenak dira begi horiek? de Macarena Recuerda Además de la realizada con El Conde Sheperd, una obra creada a partir de la de Torrefiel el festival ha coproducido dos experiencia compartida entre un reducido creaciones más en colaboración con la grupo de espectadores basada en el jueproductora de arte contemporáneo Congo de mesa conocido como Cluedo que se sonni ambas serán estrenadas en el BAD, representará durante tres días en el Centro Performer de Cabello/Carceller y Again, Municipal Barrainkua y O estado salvaxe. again(st) de Pablo Marte. La primera es un Espanha 1984 performance inspirada en un vídeo grabado en los almacenes del Museo viaje de introspección personal de Pablo.

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13 octubre XXXI Jornadas de Teatro de Getxo 2013

Un buen plan en familia

a localidad vizcaína de Getxo se vuelca en las Jornadas de Teatro una vez más y como cada año centra su programación en las propuestas vascas realizadas en euskera, aunque no en su totalidad. Agrupando todo el programa durante dos fines de semana, esta edición se llevará a cabo los días 12 y 13 y 19 y 20 de octubre. Un gran número de los espectáculos están dirigidos al público familiar y se realizarán en la calle tomando como escenario la Plaza San Nicolás de Algorta. Clowns, títeres y teatro de humor completan esta cita referente para el teatro euskaldun.

Pequeñas historias

El primero con el que comenzarán las trigésimo primeras Jornadas se titula Hankapalu de la formación vasca Kalika Teatro compuesta por un grupo de jóvenes artistas que combina el trabajo de animación con creaciones teatrales dedicadas a los niños. Hankapulu narra la historia de un pirata contada de manera festiva, la música, el baile y el juego implicarán al público para hacerse partícipe de esta aventura pirata. Zirika Zirkus por su parte propone 30

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Txalestrup!, un trabajo de calle en el que los artistas se transforman en músicos a ritmo de charlestón, se convierten en una banda músico-circense de lo más extraña que lo mismo realiza un número acrobático que baila una coreografía de claqué. Tratarán de meterse al público al bolsillo y conquistarles con la alegría y el ritmo que llevan a cada paso. Piano, clarinete, contrabalde, washboard y circo de la mano de los cinco componentes de la compañía. También los payasos Potxin eta Patxin se acercan a Algorta, estarán presentes en esta cita con su último espectáculo, Txangoa, que es ya el décimo proyecto de esta pareja de clowns. Dejamos la calle por un momento y nos adentrarnos en el interior en la Escuela de Musica Andres Isasi donde otras dos sesiones de títeres tendrán lugar, por un lado Bueltaka de Behibi´s y por otro Katilukadak a cargo de Kontakatillu. Bueltaka dirigida por Lierni Fresnedo y protagonizada por Patricia Franco muestra un trabajo de teatro de sombras, títeres e interpretación que narra las aventuras y desventuras de la vida en un viaje lleno de derrotas y huidas. Cuentan con la música compues-

ta por Juan Zulaika y la construcción de las marionetas y la escenografía por parte de la artista Annie Ánchalo. A continuación el broche final para los niños llega de la mano de Katillukadak un espectáculo con Katillu como protagonista, un bertsolari retirado que irá descubriendo diferentes cuentos a los niños, cada uno de ellos con un mensaje a tener en cuenta, y cada uno de ellos además plasmado de diferente manera ya que ofrecerán una técnica diferente para cada historia : teatro de sombras, títeres de manopla, títeres de hilo, hasta cinco formas de manipulación. La compañía Kontakatillu formada recientemente por Aitor Ormaetxea, actor y Mikel Ibarzabal, constructor de marionetas ha logrado transmitir con esta propuesta una tierna historia con dosis de humor que además ha fusionado el mundo del bertsolarismo y los títeres. El humor ingrediente imprescindible

Los enredos sentimentales, las relaciones de pareja y las visitas al psicológo para superar un mal de amores y encontrar un amor ideal son el punto de partida de Terapias, un espectáculo divertido a cargo de

octubre Vaivén Producciones junto a La Pavana . En escena un gran número de actores se suma a este lío, Mikel Losada, Dorleta Urretabizkaia, Mikel Laskurain, Ana Pimenta, Miren Gabarain, Kepa Errasti y Asier Oruesagasti, son los encargados de protagonizar esta historia en la que cada uno de ellos tratará de encontrar al hombre de su vida pero en el camino se verá envuelto en líos y situaciones absurdas con tintes cómicos y surrealistas. Una adaptación de la obra de Christopher Durang sobre el amor y el sexo dirigido por Rafael Calatayud. Sin alejarnos del humor llega el turno de Ados Teatroa que presentará una versión de la famosa película argentina ‘El hijo de la novia’ adaptándola al teatro para además interpretarla en euskera Emaztegaiaren semea. Al frente de este trabajo está Garbi Losada como directora y guionista, acompañada por un elenco formado por Sara Cozar, Kandido

Uranga, Iñake Irastorza, Mikel Laskurain y Asier Hormaza. Interpretan una historia cargada de situaciones muy reales y cotidianas que se viven dentro de una familia, una tragicomedia que puede verse de manera dinámica y amena pero que juega con diálogos dramáticos al mismo tiempo. Todo comienza cuando dos acontecimientos revolucionan la familia de manera inesperada: la boda de los padres y la obligada venta del

restaurante familiar ruinoso a una cadena internacional. El toque final conjugando la espontaneidad de la calle y el humor, sin olvidar los momentos para la reflexión llega a cargo de Trapu Zaharra, compañía con una dilatada carrera que utiliza el humor como excusa para adentrarse en temas sociales y criticar actitudes ante injusticias actuales. En esta ocasión presentará Vive soñando!! un espectáculo dirigido por la actriz y directora Espe Lopez de Legaleón Teatro.Una tragedia contada con mucha gracia en la que dos cómicos veteranos con amplia trayectoria deben afrontar por un lado un futuro laboral incierto y por otro el posible desahucio de su local de ensayo, vamos un drama en toda regla si no fuera por la vuelta que le dan en escena sus dos protagonistas y actores principales Txubio Fernández de Jáuregui y Santi Ugalde encarnados en Anselmo y Ricardo.

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13 octubre VAMOS! Programa de Espectáculos y Talleres en Familia

Apuesta por la sensibilización cultural de niños y jóvenes

urante el último trimestre del 2013, Laboral Ciudad de la Cultura de Gijón, espacio abierto y dinámico para todos los públicos, donde conviven algunas de las expresiones artísticas más vanguardistas con actividades educativas y pedagógicas, pondrá en marcha el ‘Proyecto Vamos!’ un innovador programa de desarrollo y sensibilización cultural infantil y juvenil. Dicho programa tiene dos objetivos fundamentales, promover el multiculturalismo, el intercambio de ideas, la libertad de pensamiento y el respeto, y por otro, impulsar la participación ciudadana en la vida cultural y social de la comunidad a través de los niños, su entorno escolar y sus familias. El programa incluye ‘Vamos al teatro!’, ‘Vamos a la danza!’ ‘Vamos a la música!’ y ‘Vamos al cine!’ desde la vertiente artística, y ‘Vamos a imaginar!’ y ‘Vamos escolar!‘ desde la didáctica y pedagógica, siendo los dos pilares a través de los cuales se estructura un variado programa que integran un montón de propuestas que permiten la interacción, el desarrollo personal y aprendizaje mediante un formato original, atractivo y novedoso. En el primer bloque se exhibirán proyectos escénicos de teatro, danza, música y cine, con montajes teatrales tales como Nora, la historia de una niña especial de Factoría Norte, Malas palabras de Tras la puerta títeres sobre los niños adoptados, Pequeños deseos de Teatro Plus o El bos-

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que de Grimm de La Maquiné, una obra sin texto, contado a través de la pieza musical Ma mère l`Oye de Maurice Ravel y escenificada a través del movimiento corporal y gestual de actores, títeres, objetos y proyecciones. Dentro de las propuestas de danza se encuentran La ciudad encendida de Danza Mobile donde cada uno de los bailarines recrea diferentes paisajes que sirven de metáfora de nuestra existencia y de nuestras emociones y Amagatall de La coja dansa que narra la aventura de unos padres que buscan desesperadamente a su hija. Los montajes musicales a modo de concierto los protagonizarán Alondra Bentley con ‘Sings for children’ donde la cantante angloespañola presenta su trabajo basado en el álbum del mismo nombre editado por Gran Derby Records y se trata un show especialmente dirigido a los niños y niñas que combina las canciones del elepé con juegos, cuentos y la participación activa del público. Por su parte Trencadís Produccions representará el musical ‘Aladín un musical genial’. Por lo demás, en el apar-

tado de cine se proyectarán tres películas, la primera ‘Perez, el ratoncito de tus sueños’, después ‘Kerity’ y por último ‘Caroline’. “Aprender es divertido” es el lema que guía el programa de talleres ‘Vamos a imaginar!’ que ha sido pensado especialmente para que padres e hijos compartan su tiempo libre y se acerquen juntos al mundo del arte y la cultura. La actividad se divide en tres grandes grupos temáticos: Arte y palabra, Cuerpo y creatividad y Vida y ciencia, que se verá completado por otro, común para todos, llamado Sociedad y personas. La actividad estrella de este trimestre será el ‘Club de lectura’ con el que se pretende fomentar el hábito a la lectura entre el público joven de una forma amena. Para ello pondrán en marcha diferentes actividades complementarias participativas, a modo de talleres para intentar enganchar al mundo de la literatura y descubrir a través de interesantes historias el potencial de los recursos literarios. Asimismo, La Laboral Ciudad de la Cultura abre sus puertas al público escolar con el objetivo de que esta comunidad disfrute de la experiencia didáctica estrella de cada trimestre, con un programa de talleres y paralelamente otro artístico. En este primer trimestre, la apuesta de los talleres está vinculada al bloque o temática ‘Sociedad y Personas’ con propuestas relacionadas con la animación a la lectura y la literatura para niños y jóvenes. .

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XIII Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro

Los contemporáneos más actuales en tierra de clásicos

ese a todas las dificultades, el Festival Iberoamercinao de Teatro Contemporáneo de Almagro (FITCAL) que organiza el CELCIT, centrado en el intercambio y desarrollo del teatro iberoamericano, objetivo de la institución desde hace más de tres décadas, y se ha constituido en la puerta del teatro de los países de Iberoamérica desde Castilla La Mancha a toda España y Europa, a través de la creación del Circuito Español y Europeo de Teatro y Danza de Iberoamérica, llega a su edición décimotercera, que se celebrará del 4 al 19 de octubre con un programa que rinde homenaje a Federico García Lorca del que se ofrecerán Mariana Pineda y La Zapatera Prodigiosa, a cargo de Teatro del Norte un concierto especial de la Banda Municipal de Almagro, titulado “Recordando a Federico”, así como una exposición en la Galería Lorca del Parque Cultural Don Quijote. El cierre de esta edición será con Yerma a cargo del grupo almagreño El Taular Teatro. Como estreno absoluto se presentará una producción del CELCIT y Hernán Gené La Biblioteca Scardanelli, un espectáculo de Hernán Gené dirigido por Mario Barzaghi que según el propio autor-intérprete, “este espectáculo abierto, multidisciplinar, es el que elegí para celebrar mis cuarenta años en el teatro. Su creación fue un encuentro con mis maestros, mis sueños, mis fantasmas y mis limitaciones. Es un espectáculo sin palabras con inclusión de imágenes en vídeo y música en directo interpretada por el mismo actor.” La andaluza Gloria López Producciones ofrecerá Cena con amigos de Margulies con dirección del afamado director argentino Daniel Veronese, quien define la obra como un “texto bello e inteligente, con delicado humor en donde todo comienza con una simple cena entre amigos, como tantas, compartiendo anécdotas, recuerdos comunes y viajes.” y acaba siendo “un delicado

como un cerrojo... Muégano Teatro de Ecuador ofrecerá su última creación Ensayo sobre la soledad de Santiago Roldós, nacida del deseo de hacer un espectáculo anómalo que sería puramente infantil en el sentido más literal del término: algo frágil y siempre al borde de la orfandad y el silencio. El taller Método Madrid traerá una nueva muestra con alumnos del Estudio de Interpretación de La Biblioteca Scardanelli Bonnie Morín, Una noche con Chejov, centrado su trabajo en la dramaturgia aviso a la hipocresía familiar que mira hacia del Antón Chéjov, seleccionando cuatro de fuera y muy poco hacia dentro. ¿Comedia sus más reconocidas obras cortas: ‘El Aniromántica? Puede ser pero no esperemos versario’, ‘La Institutriz’, ‘La Audición’ y ‘El finales rosas o complacientes.” La compañía chilena, La Mona Ilustre Oso’. que ya estuvieron en 2011 llega con dos De Argentina llegan dos compañías, una espectáculos: Las cosas también tienen que produce la oportunidad de volver a mamá, el relato de una mujer que debe ver el espectáculo ganador de la primera enfrentarse a una verdad oculta durante edición de Almagroff del Festival de Teatro Clásico, Los Titiriteros de la UNSAM presentarán su particular y contemporánea versión de La Vida es sueño, en tanto que la compaía Doble Sentido presentará Las hermanas Rivas de Adriana Roffi y Mariano Rochman, inspirado en el cuento de Jorge Luís Borges “La Intrusa”. Para los niños se ofrecerán El Panadero y el Diablo∫ del grupo cubano Juglar Teatro; La Caperucita del grupo almagreño Ditirambo y El Solado y el Saco Mágico a cargo del madrileño grupo Morboria. La sección monográfica se dedicará a la trayectoria de más de tres décadas del grupo asturiano Teatro del Norte y su director, Etelvino Vásquez. Esta edición cuenta con un curioso entreCuarteto del Alba més, el pre-estreno de Cuarteto del Alba, muchos años: la misteriosa muerte de su un texto de Carlos Gil, que con dirección de padre y Juan Salvador Tramoya, que muesLander Iglesias y la actuación de Alberto tra el mundo de Juan Tramoya, que cuida Iglesias, Maiken Beitia, Valery Tellechea y un teatro desde que tiene recuerdo. Un Ricardo Moya se ha estado trabajando las hombre con una imaginación desbordante, últimas semanas en el propio Teatro-Labode la que nadie tiene noticia. Un ser invisiratorio La Veleta, lugar donde se presentable que quiere ser actor, pero nació torpe rá el día 3. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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XIV Dantzaldia - Bilbao

Miradas singulares y plurales al encuentro

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la CND que dirige José Carlos Martínez a partir de las propuestas del sociólogo polaco Zygmunt Bauman en su “modernidad líquida” (que basa su visión sobre la sociedad actual en el individualismo y la pérdida de sentido de pertenencia a un grupo social, “el otro” como elemento extraño, el consumo como salvación, la inestabilidad del amor....). A partir de esta idea, la CND ofrece su particular visión utilizando los elementos esenciales de su trabajo, la emoción y el movimiento y el espacio vanguardista creado por el arquitecto Frank Gehry. Y es que el especF or now, in liquid days ©Fernando Marcos

a edición XIV de Dantzaldia se celebrará entre el 11 de octubre y el 24 de noviembre con una programación compuesta por seis espectáculos (entre ellos el estreno de la CND), talleres de mediación artística coordinados por Artaziak (colectivo de mediación para la búsqueda y creación de nuevos públicos) con varios de los artistas participantes, clases abiertas y encuentros con profesionales. Un año más Dantzaldia se acerca al público en diversos espacios de Bilbao –Alhondiga Bilbao, Palacio Euskalduna, Museo Guggenheim, Sala BBK o la propia La Fundición, encargada de su organización–, con una programación de espectáculos en la que destacan la multiplicidad de los puntos de vista y que fue inaugurada el 25 de septiembre con la puesta en escena en la Sala Rekalde de la pieza breve Chamaleon de Dantzaz Konpainia. En esta cita anual con la danza en Bilbao no podía faltar la celebración del 100 aniversario de ‘La consagración de la primavera’ de Igor Stravinski. Dantzaldia rinde su particular homenaje a esta universal obra a través de un programa doble el día 11 en el que se podrá conocer la reconstrucción de la coreografía original de Nijinsky y una versión más actual de Sasha Waltz, ambas creaciones fueron llevadas a escena por el Ballet del Teatro Mariinsky. Tras las proyecciones Olivier Dubois presentará Prêt à baisser, una particular visión de la emblemática obra en la que este autor, coreógrafo, performer e investigador del movimiento parisino cuyas señas de identidad son la intensidad del gesto y la potencia de su compromiso en el escenario, indaga en

la universal obra en un “sagrado sacrificio de alimentar la posteridad del artista, ofreciendo su cuerpo al lobo solitario a partir de la primera nota del fagot...”. El 13 de octubre la compañía madrileña Aracaladanza pondrá en escena Constelaciones, un espectáculo dirigido a niños y niñas e inspirado en el universo de Joan Miró. Una explosión de color, un cóctel de sensaciones en el que el color, las formas y los juegos van creando un universo a partir de las imágenes de Miró. Esta obra cierra la trilogía inspirada

Prêt à baisser ©Boris Munger

en grandes pintores iniciada con ‘Pequeños paraísos’ sobre El Bosco y ‘Nubes’ acerca de Magritte, aunque esta última obra es más esencial, menos figurativa y más espacial. Constelaciones “nos ha supuesto todo un reto creativo, porque Miró siempre nos ha exigido un lenguaje muy preciso y muy diferente a nuestro registro natural” afirma su director, Enrique Cabrera. La Compañía Nacional de Danza estrena en Dantzaldia F or now, in liquid days una pieza creada por nueve miembros de

táculo del día 16 atendrá lugar en el Museo Guggenheim y arrancará con un pequeño itinerario por su interior y que llevará al público hasta el auditorium. La programación de Dantzaldia se completa con tres espectáculos más que tendrán lugar durante el mes de noviembre; Islandia de La Veronal, Carmen de Aída Gómez Compañía de Danza Española y Habitaciones de Belén Maya. De todos ellos, daremos cumplida información en el próximo número de ARTEZ.

13 octubre XIII DANZA XIXÓN

Cuando la danza se escancia en dosis compensadas

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Mar Gómez

el 17 al 31 de octubre se celebrará la décima trece edición de Danza Xixón, muestra de espectáculos en diversos espacios de la ciudad con la que se pretende transmitir el lenguaje contemporáneo de la danza. Junto con un nutrido programa de piezas de danza para todas las edades de manos de una veintena de compañías estatales, se podrá disfrutar del ciclo ‘La danza en el cine’ donde se proyectarán algunas películas de danza, la mayoría de carácter documental, tales como ‘La danse: Le ballet de l´Opéra de París’ de Frederick Wiseman el 22 de octubre, ‘Tournée en Chine’ de Arantxa Aguirre el 23 y ‘Dancing dreamas: aprendiendo con Pina Bausch de Anne Linsel y Rainer Hoffman el 24. Una vez más la formación será otro de los pilares de Danza Xixón con cuatro seminarios previstos que se llevarán a cabo entre el 19 y 20 de octubre. Entre tanto los interesados contarán con el seminario de ‘Danza Contemporánea iniciación e intermedio’ de manos de Sara Cano, ‘Danza contemporánea nivel avanzado’ con la coreógrafa y directora Teresa Nieto, así como otros dos seminarios de flamenco contemporáneo, el primero para un nivel inicial y otro para avanzado, ambos impartidos por el bailarín y coreógrafo Daniel Doña. Será la propia Teresa Nieto, el día 17 de octubre, quien se encargue de iniciar la programación con Petít comité seis piezas cortas independientes que se engloban dentro de la misma propuesta y concepto estético, donde destaca la importancia de la luz. Posteriormente, actuarán Antonio Ruz con Ojo espectáculo de danza muy teatral inspirado en una antigua tradición de la localidad gaditana de Vejer en la que las mujeres cubrían todo su cuerpo con un manto negro, dejando tan solo un ojo a la vista e invitando a abrir los ojos del alma, así como PanicMap con Harket (Protocolo), montaje que habla de la confianza y de la traición, fusionando arte y tecnología. Por su par-

te, Cienfuegos Danza representará Odeim, propuesta que analiza los miedos y LosDedae actuarán con Return, donde la danza y la palabra dialogan en un mismo plano sumergiéndose en las relaciones de pareja, mientras que Zen del Sur viene a presentar el espectáculo multidisciplinar Heian. Una de las compañías que mostrará dos trabajos será Mar Gómez que viene a presentar por un lado For ever and a day y por otro Heart wash, donde narra bailando, con gran ironía, la historia de un encuentro y un desencuentro, la peripecia de un amor incómodo. Julieta unplugged and Ofelia o la inteligencia de las flores de la compañía catalana SenZa TemPo desarrolla una temática muy parecida a la anterior pieza citada, que toma como fuente de inspiración a Federico García Lorca en ‘Poeta en New York’ y ‘El público’. Desde Asturias Mónica Cofiño viene a presentar Crowshow y Proyecto Piloto Mensaje a la piedra que parte de la propuesta alquímica del arte como oposición y resistencia a la violencia de Ciudad Juárez, una búsqueda inalterable de comunicar lo que se sabe, desterrando el odio, el miedo y la indiferencia además de cultivar la esperanza. Por lo demás Rabos de lagartija

escenificará Invierno, una pieza de movimiento y arte sonoro que utiliza lenguajes provenientes de la danza butoh, los cantos armónicos y la vibración sónica para trasladar al espectador a un lugar meditativo sin tiempo ni espacio, el origen y el fin, el wu chi de la filosofía china, mientras que Kulbik Dance Company, tendente a la fusión optan por el cruce del hip hop con la música electrónica, el blues, jazz, funk e incluso el reaggae en Cube, obra que transcurre en una enorme pieza imaginaria que se transforma en función de las emociones universales. Danza Xixón también contempla propuestas para los más pequeños, en esta ocasión se han previsto un total de cinco siendo Aupapa de Zigzag Danza uno de los primeros en escenificarse. Asimismo esta compañía propondrá la pieza intimista Portrait pero en este caso para público adulto. Continuando con los montajes para los niños y niñas destacamos La ciudad encendida de Danza Mobile, compañía que trabaja con personas con discapacidad intelectual en los circuitos normalizados de danza. La pieza sumerge al espectador en una ciudad cosmopolita donde todos estamos en la búsqueda de algo. Por su parte, el coreógrafo malagueño Fernando Hurtado representará una de las pocas piezas que se podrá ver a pie de calle, se trata de Visitando otros jardines que se inspira en la obra del artista plástico Ricardo Migliorisi. La Mandarina se acercará a Gijón con LaLolaBaila, montaje donde se combina la danza, el gesto y la participación por parte del público. Lola es un personaje virtual, hilo conductor del espectáculo que propone acciones cotidianas y juegos para ser bailados. Lola explica qué es lo que hace cada día y lo hace bailando. Y por último, Karlik Danza llevará a escena Princesas, basada en el libro ilustrado homónimo de Rebecca Dautremer y Philippe Lechermeier, donde se cuenta la historia de cuatro mujeres que disponen de poco tiempo para reunirse.

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Terrassa TNT TNT - Terrassa Noves Tendències 2013 se celebrará del 3 al 6 de octubre con la intención de explorar la relación hombre-máquina a través de una programación que cuenta con treinta espectáculos, dieciocho de los cuales son estrenos absolutos y catorce coproducciones del CAET (Centre d’Arts Escèniques de Terrassa). Inaugurará esta edición el espectáculo Robot! de Blanca Li y se presentarán las últimas creaciones de Carlos Santos & Rossy de Palma, Roger Bernat, Sonia Gómez & Lucy Suggate, La Veronal y Lali Ayguadé, loscorderos.sc, El conde de Torrefiel, Insectotròpics y Neil Harbisson entre otros. Toda la programación propuesta por el director artístico de TNT, Pep Plana, intentará reflexionar sobre cómo la llegada de Internet, los móviles de última generación, las tabletas o las no tan futuras gafas de Google han transformado nuestras vidas. El festival ofrecerá un total de ochenta y ocho actividades, de las cuales setenta y cuatro son representaciones y las catorce restantes talleres, exposiciones, instalaciones y charlas. Con la intención de poner al alcance de todos las nuevas tendencias escénicas, se han programado espectáculos familiares y para públicos juveniles y de las 88 actividades ofertadas, 65 son gratuitas y el resto a precios muy asequibles, ya que más de la mitad son a 3 euros la entrada.

Vuela si Puedes ©Quintas.

Eskena 2.0 Eskena, la asociación de Empresas de Producción Escénica de Euskadi esta desarrollando durante 2013 el proyecto denominado ESKENA 2.0 que tiene como objetivo el acercamiento de públicos al teatro creando relaciones entre la parte creativa y los públicos para fomentar las artes escénicas desde la participación ciudadana. Para ello a lo largo del año se han llevado a cabo varias experiencias en Bilbao (durante la Muestra de Teatro de Humor de Rekalde, el festival Kalealdea etc.) que se irán ampliando al resto de capitales vascas. Dentro de este proyecto del 10 al 13 octubre tendrá lugar en la Sala BBK de Bilbao el Festival Eskena 2.0 donde se pondrán escena cinco espectáculos de otras tantas compañías entre los que cabe destacar el estreno de Figurantes de Ados Teatroa. Una comedia de Marie Jones dirigida por Carlos Zabala e interpretada por Asier Hormaza y Oscar Terol que narra una divertida historia a partir de la llegada de una productora de cine a un pequeño pueblo con el objeto buscar figurantes locales para grabar una película. El público familiar podrá disfrutar con los espectáculos Pasado mañana de Dar-Dar Produkzioak, Vuela si puedes de Teatro Paraíso y Ilargiaren bi aldeak de Hika Teatroa. Ademas, los alumnos de secundaria tendrán la oportunidad de conocer en una función dirigida a ellos, S@rebegian de Pikor Teatro.

La vida crÓnica ©Tommy Bay

FIDAE3 - Montevideo El Ministerio de Educación y Cultura de Urugay organiza el Festival Internacional de Artes Escénicas FIDAE3 Otros Mundos en la Escena que tendrá lugar del 3 al 17 de octubre en Montevideo y en las ciudades de Maldonado, San José, Florida y Colonia . Dirigido por Iván Solarich, la tercera edición del festival cuenta con la participación de compañías de más de 15 países que presentarán más de cuarenta espectáculos en aproximadamente 150 funciones y entre las grandes compañías internacionales cabe destacar la participación de Odin Teatret (Dinamarca), Peeping Tom (Bélgica), Le Carrousel (Canadá), junto a loscorderos.sc y Sol Picó y propuestas uruguayas de compañías como Teatro La Morena y Complot o dirigidas por Fabián Zidan, Roberto Suárez o Lucía Naser entre otros . Además de las representaciones, el festival acoge el IX Cologio Internacional de Teatro, co-organiza junto a CUTEDIJ y ASSITEJ Internacional el III Taller de Temas Tabú y Nuevas Tendecias para el Teatro de Niños y Adolescentes e impulsa la Escuela de Espectadores que se desarrollará al finalizar algunas funciones con el fin de crear debate además de diversos talleres, charlas y actividades con la crítica especializada.

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13 octubre

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El 3 de octubre comienza Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya con una programación que contempla 88 espectáculos de teatro, danza, circo, música y nuevas tendencias teatrales en la que destacan las propuestas internacionales y de autoría catalana poniendo especial énfasis en la nueva creación y en la creación contemporánea del país y que se desarrollará hasta el 8 de diciembre en diversos espacios de Girona y Salt. Entre las propuestas internacionales destaca la presencia de creadores como Thomas Ostermeier que presenta Susn, una producción de la Münchner Kammerspiele o Edward Hall y su compañía Propeller y el teatro iberoamericano estará representado por cinco espectáculos de compañías como la mexicana Lagartijas al sol o Pequeño Teatro de Morondanga de Uruguay. Coproducciones del festival como las dirigidas por Joan Ollé, Àlex Rigola o Roger Bernat, el apoyo a la autoría catalana a través del Torneo de dramaturgia catalana y una novedad, el juego teatral Primera Plana son solo un bocado de Temporada Alta 2013.

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Este año el Festival Internacional de Teatro de Santurtzi cumple su trigésimo cuarta edición y tendrá lugar del 25 de octubre al 23 de noviembre. Varios espectáculos de calle serán los encargados de abrir el festival entre los que caben destacar Cabaret Elegance de los catalanes Elegants y Entre lombrices de Zanguango Teatro. En lo que a los espectáculos de sala se refiere destacan los estrenos de Titzina Teatro y una obra dirigida por Adolfo Fernández además de espectáculos como Maridos y Mujeres de Woody Allen y Hermanas de Carol López. Dirigido al público familiar, un espectáculo sobre el universo pictórico de Joan Miró, Constelaciones de Aracaladanza y en euskara, Hiru, traducción de la obra ‘Tres’ de Juan Carlos Rubio además de otros tantos espectáculos que están por concretar al cierre de esta edición. Este año el festival acogerá una exposición conmemorativa del 25 aniversario de Gorakada y homenajeará a Javi Tirado como miembro de la compañía creador de la mayoría de sus marionetas y un conocido y querido artista de Santurtzi.

Mercosur

Patos Salvajes

El rei borni

Fira de Teatre de Manacor La Fira de Teatre de Manacor cambia de formato y este año, en el que cumple su XVIII edición tendrá lugar del 12 de octubre al 30 de noviembre. La fira se desarrollará en torno a los fines de semana en los espacios escénicos siguientes: Auditori de Manacor, Molí d´en Fraret, Teatre de Manacor, Cases de Son Talent, Institució Antoni Maria Alcover y Torre dels Enegistes. La programación de esta edición esta caracterizada por los espectáculos de creación catalana y tras la Pre-Fira, iniciativa que se desarrollará los días 4, 5 y 6 con la puesta en escena de Marcel de Capsigranys, será inaugurada por Barcelona del Teatre Nacional de Catalunya a la que le seguirán 19 espectáculos más como Ivànov, ja no hi ha mosques de El Somni Produccions, Iaia! de Enresól Produccions, Panforeta de Noctàmbuls Productions, George Kaplan de Sala Beckett, La senyora de Cia. Can Desbuc, Nerium Park de Verins Escènics, El rei borni de FlyHard Produccions, Cosmètica de l´enemic de la Sala Muntaner-CAER, el espectáculo de danza Cube de Kulbik o Bona gent de Teatre Goya, espectáculo encargado de clausurar esta edición.

Festival de Santurtzi

Maridos y Mujeres

Susn

Temporada Alta

La Agencia Córdoba Cultura a través del Teatro Real organiza la novena edición del Festival Internacional de Teatro Mercosur que tendrá lugar en diferentes espacios de la ciudad argentina de Córdoba del 4 al 13 de octubre. De carácter bianual, la programación de este año contempla más de 200 funciones de compañías y creadores argentinos e internaciones llegados de Costa Rica, Nicaragua, Colombia, Perú, Uruguay, México, Ecuador, Brasil, Chile, Italia, España, Finlandia o Sudáfrica. Tendrán lugar varios estrenos de la mano de los elencos estables del Teatro Real como Hamlet. Entre la luz y la sombra adaptación de la obra de Shakespeare de la mano de Edmeé Arán y dos co-producciones, Perros que ladran por costumbre de Sergio Osses y La empresa perdona un momento de locura con dirección de Omar Viale. El teatro independiente de Córdoba estará representado por cinco obras como Número 8 de Organización Q y Ludovico de Episodio 11 y en los denominados Ciclos Especiales se podrá disfrutar entre otras con la obra El viento vestido de El Cuenco Teatro. Destacan además diversas actividades como conferencias, talleres, foros y encuentros.

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Nº 193 de octubre 2013

Siempre es una satisfacción y un orgullo tremendo poder llegar a este instante en que tengo que escribir las líneas de bienvenida a los participantes al Festival, porque se materializa y se hace patente como el esfuerzo y el tesón de instituciones y personas cristalizan en una realidad palpable y evidente; y en esta ocasión, adquiere una significación singular dado el momento actual por el que atravesamos. No son buenos tiempos para la cultura en general y mucho menos para el teatro en particular; pero, más allá de aumentar el capítulo de quejas y lamentaciones y sin olvidar que debemos seguir ojo a avizor, se me antoja que debemos estar contentos por poder seguir contando con estos espacios para la libertad creativa que nos ofrecen los festivales; porque sin ellos, todo por lo que nos quejamos perdería su sentido. Además, si el teatro sabe de algo es precisamente de la precariedad, en todos sus sentidos, y de lo efímero de los estadios, sean naturales o inventados; porque en definitiva, el teatro debe seguir siendo el lugar para, entre otras cosas, denunciar y combatir la sinrazón y la injusticia. Por ello, nuevamente, debemos congratularnos de que Cádiz siga abriendo sus brazos a las artes escénicas iberoamericanas y que siga ofreciendo un espacio para la reflexión, análisis e interacción de los verdaderos protagonistas y hacedores del arte teatral iberoamericano. Son menos días y menos grupos lo que este año Cádiz convoca, pero, es mucho más por lo que apela, desea y provoca. Parte de las artes escénicas iberoamericanas están servidas; degustémosla sencillamente.

Pepe Bablé

Portada: Fotografía de la obra “¡Ay!” de Eva Yerbabuena, Ballet Flamenco tomada por Cesar Moreno

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Director del FIT de Cádiz

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Bienvenidos al FIT 2013

Magia de la Danza (Don Quijote) del Ballet Nacional de Cuba © Jacques Moatti

22 compañías participan en esta edición El Gran Teatro Falla, la Sala Central Lechera, el Museo del Títere y el Teatro del Títere de la Tía Norica serán los recintos en los que se desarrollará entre el 18 y el 26 de octubre el XXVIII Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, aunque siguiendo su esquema habitual de programación también contempla la puesta en escena de casi una decena de espectáculos al aire libre que tendrán como marco emplazamientos como las plazas de la Catedral o de San Juan de Dios, entre otros. La cita de este año reunirá a un total de 22 compañías que pondrán en escena 24 espectáculos diferentes. Tal como recoge el nombre y el espíritu de este encuentro que dirige Pepe Bablé y que cada mes de octubre reúne a algunas de las más signiﬁcativas

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Cádiz prima las estéticas y temáticas de la creación actual iberoamericana

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compañías del espectro Iberoamericano, “el programa de espectáculos contempla manifestaciones teatrales heterogéneas, donde la dramaturgia actual y los nuevos lenguajes seguirán siendo el eje aglutinador, y las temáticas y estéticas en correspondencia con la actualidad de las artes escénicas iberoamericanas”. La presente edición contará con tres compañías llegadas desde Colombia que presentarán cinco espectáculos diferentes, México y Chile estarán representadas por dos compañías de cada país, mientras que Argentina, Costa Rica y Cuba estarán representados, cada uno, por una compañía. El programa se completa con una coproducción hispano-cubana y con la presencia de once compañías de diferentes puntos del Estado español. Compañías tan reconocidas como La Zaranda-Teatro Inestable de Andalucía la Baja o Atalaya-TNT, galardonadas ambas con el Premio Nacional de Teatro, compañías de prestigio como Laví e Bel o Histrión

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de títeres ‘El desván de las ilusiones mágicas’, de Francisco García del Águila presentado por Magerit-Cachivache. Además el FIT será el marco para la presentación de las novedades editoriales y de publicaciones teatrales.

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Esta cita gaditana que destaca además por acoger “espectáculos de dramaturgia propia, versiones de textos universales, ballet, danza ﬂamenca y de Teatro de Calle”, contará con un extenso programa de actividades complementarias en el que destaca otro reconocimiento a una gran artista, en este caso la coreógrafa cubana y directora del Ballet Nacional de Cuba, Alicia Alonso. La veterana artista que recibirá el XIV Premio FIT de Cádiz-Atahualpa del Cioppo. Reconocida como una de las personalidades más relevantes en la historia de la danza, Alicia Alonso comenzó su actividad profesional en 1938 en Broadway y una década después fundó en su ciudad natal, La Habana, el Ballet Alicia Alonso aunque también intervino en espectáculos del American Ballet Theatre y los Ballets Rusos de Montecarlo. Tras el triunfo de la Revolución Cubana, la compañía de Alonso pasó a denominarse Ballet Nacional de Cuba tras recibir del Gobierno Revolucionario de Cuba el apoyo que se le había denegado hasta ese momento. Su trayectoria ha sido reconocida por los más importantes galardones, tanto en su propio país como en el resto del mundo. El Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz acogerá además otras interesantes actividades como el XVII Encuentro de Mujeres de Iberoamérica en las Artes Escénicas, que en esta ocasión se desarrollara bajo la denominación de ’El Teatro como campo de fuerza y experimentación’ en una iniciativa que contará con la colaboración del Instituto de la Mujer del Ministerio de Asuntos Sociales, la Fundación Autor, de la SGAE y la Fundación Municipal de la Mujer de Cádiz. La cita acogerá además el VII Encuentro de Investigación Teatral ‘Cruce de criterios’, un Foro de Creadores FIT 2013 y la exposición

Premio a Alicia Alonso

La gran coreógrafa y directora cubana Alicia Alonso que recibirá el XIV Premio FIT de Cádiz-Atahualpa del Cioppo y la actriz, cantante y bailarina Concha Velasco, serán las dos artistas a las que la presente edición del festival gaditano reconococerá su actividad profesional

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Teatro, así como Pentación Producciones que presenta una coproducción realizada junto al Festival de Teatro de Mérida protagonizada por la Concha Velasco que será homenajeada por el propio Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz. Con este reconocimiento los organizadores pretenden destacar la labor artística desarrollada por la actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión que representará en Cádiz la obra Hécuba estrenada este mismo año en el Festival de Teatro Clásico de Mérida donde el año pasado representó ‘Hélade’, en la que también participó Concha Velasco junto a José María Pou y Maribel Verdú. Concha Velasco ha obtenido en los últimos años importante éxitos teatrales con obras como ‘Filomena Marturano’, ‘La vida por delante’ o ‘Concha, yo lo que quiero es bailar’, en estos dos últimos dirigida por José María Pou.

Concha Velasco ©Enrique Cidoncha

Alicia Alonso

Eva Yerbabuena

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Alicia Alonso y Eva Yerbabuena son los referentes coreográficos Dos grandes compañías de danza de estilos totalmente diferentes recalarán en Cádiz para presentar tanto una propuesta de ballet de corte clásico como un espectáculo que recorre algunos de los palos más significativos del flamenco. El Ballet Nacional de Cuba, primera compañía profesional de ballet creada en el país caribeño que adoptó esa denominación en 1955, recala en el Gran Teatro Falla para presentar en el marco del festival la coreografía Coppelia, creada por su legendaria directora Alicia Alonso a partir de la creación original de Arthur Saint-Léon y la versión de Marius Petipa. Esta pieza estrenada por la compañía el año de su fundación, en 1948 cuando se denominaba Ballet Alicia Alonso, fue una de las primeras seleccionadas para integrar su repertorio de esta formación caracterizada por el respeto a la tradición romántica y clásica pero que estimula al tiempo la labor creativa de coreógrafos que perseveran en lo nacional y contemporáneo. Aunque se basó en la Coppelia original, Alonso

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transformó la pieza de manera radical al desa-

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rrollar un minucioso trabajo con la coreografía, el estilo y la dramaturgia. La coreógrafa aplicó un riguroso criterio para establecer los conceptos del estilo clásico-demicaractère que corresponde a este ballet, y cuidó de la coherencia narrativa de la trama. Alonso volvió a presentar en 1957 en el Teatro Griego de Los Ángeles esta creación dividida en tres actos que narra el episodio del doctor Coppélius y su muñeca animada, de quien se ha enamorado el joven Franz. Aunque logró un notable éxito, una década después volvió a realizar una importante revisión de la obra para una nueva producción con el Ballet Nacional de Cuba. El Ballet Flamenco Eva Yerbabuena, por su parte, presentará en el mismo escenario del Gran Teatro Falla el espectáculo ¡Ay!, una creación estrenada en marzo de este mismo año en el Flamenco Festival Londres, que cuenta con la coreografía de la propia Yerbabuena y con música de Paco Jarana. Con esta pieza Eva Yerbabuena regresó a los escenarios tras haber sido madre para ahondar en sus miedos e inquietudes, en sus deseos y anhelos. ¡Ay! constituye una búsqueda que plantea en una propuesta minimalista en la que las luces y las sombras, el cante, una guitarra y un violín ponen las notas de color. El programa está integrado por las piezas ‘Susurro’, ‘De medio lado’, ‘Ni contigo ni sin ti’, ‘Nana y café’, ‘Barro’, ‘Entre cajas’ y ‘Alas negras’ y su origen está en las reﬂexiones de la coreógrafa en torno a

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otra vez a casa: a la Europa que luchaba por desintoxicarse de los fascismo que habían imperado. Valiéndose de multitud de lenguajes artísticos, los actores Piñaki Gómez, Larisa Ramos, Nerea Cordero y Antonio Ramos Leiva que dan vida a 37 personajes, y a quienes acompaña el músico Alejandro Cruz Benavides, presentan con La barraca del Zurdo un musical artesanal y sincero, cercano y poético. Sobre el escenario los vivos y los muertos se entremezclan durante la acción, mientras los actores se intercambian los papeles constantemente. En deﬁnitiva un espectáculo hecho desde las entrañas, que busca las entradas del espectador.

La programación del Festival de Cádiz también acogerá la puesta en escena del espectáculo-homenaje La barraca del Zurdo de la compañía granadina Laví e Bel, que a través de Daniel Buenaventura y su familia rinde tributo a los artistas de variedades que supieron mantener su compromiso político a lo largo de más de 90 años. El espectáculo habla de la resistencia en el oﬁcio, del compromiso social de estos artistas en el convulso siglo XX y lo que va del XXI, de una familia cuyos miembros siempre supieron respetarse y apoyarse y de su integridad artística a lo largo del tiempo. Dirigida por Emilio Goyanes, la obra está protagonizada por ‘El Zurdo’, anarquista y extraordinario lanzador de cuchillos, que en 1920 fundó su Barraca junto a su mujer Aurora y con la que sus hijos y nietos recorrieron el mundo manteniéndola viva durante 90 años. Tras haber participado en las Misiones Pedagógicas durante la República y haber realizado actuaciones en el frente durante la Guerra Civil, la troupe partió al exilio a las prometedoras tierras de América y luego

La barraca del Zurdo

Homenaje a un grupo de artistas que mantuvo el compromiso político

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reﬂexiones sobre las certezas y los sueños. “Me perderé una sombra, un sueño... quizás. La incierta sensación de haber vivido. El segundo siguiente sin ahora... Aprendí de un mendigo que en los huecos del sueño están los nombres que nadie bautizó por imposibles. Y, prestando atención, se pueden oír, tocar, sentir... Son sólo sílabas, palabras que una vez todos hemos pronunciado sin saber lo que nombraban, y buscan respirarnos sin remedio, sentir que en ese instante hay alguien en el mundo que las nombra, que las siente, que las vive... “.

En este espectáculo Yerbabuena deja constancia de su inquietud e interés por descubrir nuevos lenguajes comunicativos a través de la danza, una característica diferenciadora de esta bailaora y coreógrafa de formación autodidacta cuyos inicios están marcados por la experiencia de grandes maestros como Enrique ‘El Canastero’, Angustillas ‘La Mona’, Mariquilla y Mario Maya y que Coppelia simultaneó los estudios de danza con otras disciplinas como el arte dramático y la coreografía, esta última en La Habana de la mano de Johannes García. Con el Ballet Eva Yerbabuena, compañía creada en 1988, la artista crea a través del ﬂamenco y el concepto más amplio y profundo, un medio de lenguaje que comparten sus preocupaciones, deseos, miedos, sentimientos.

Misericordia.2 ©María Teresa Adalid

La Compañía Nacional de Teatro de México y Los Guggenheim serán las dos compañías mexicanas que recalarán en Cádiz para presentar dos piezas que además del país de origen tienen como característica haber sido escritas por dos autores contemporáneos como Hugo Alfredo Hinojosa y Alejandro Ricaño Rodríguez, respectivamente. Misericordia.2 que presenta la Compañía Nacional de Teatro de México con dirección de Daniel Jiménez Cacho, se inspira en textos de Esquilo, Eurípides, Cormac McCarthy, Javier Sicilia y en testimonios de víctimas de violencia en México para realizar una exploración escénica libre de lo que significa ser víctima, victimario y sus fronteras, es una obra que plantea preguntas complejas sobre el ser humano, el sufrimiento y lo que podría ser el infierno. Para ello se vale de un teatro que no es racionalista ni intelectual, sino un torrente de imágenes y situaciones a través de voces que no son abstractas y cuya pretensión es la de motivar la reflexión del espectador.

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Realidades latinoamericanas transformadas en creaciones artísticas contemporáneas

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En la pieza se entrecruzan los caminos de un grupo de mujeres que pide justicia por sus hijos, esposos y familiares desaparecidos con el de una joven secuestrada que padece los castigos extremos de sus ambiciosos victimarios y entre ambos crean un violento universo donde no queda lugar para la esperanza. La obra reﬂeja el absurdo que vive el México contemporáneo, aunque no pretende ser condescendiente con las victimas, sin olvidar su condición de seres violentados por el destino que necesitan encontrar una paz en la que ya no creen. La compañía Los Guggenheim que dirige Alejandro Ricaño Rodríguez presentará la obra El amor de las luciérnagas escrita por el propio Ricaño y por la que recibió el Premio Bellas Artes Mexicali de Dramaturgia 2011. La pieza constituye un viaje de la memoria del personaje a los reversos de su piel; desde su infancia, su iniciación sexual, la muerte de su padre, la pérdida del amor, hasta ese extraño encuentro con un duplicado de sí misma que se apropia de su vida. Esta “tragicomedia teatral escrita en el realismo mágico. Una obra que reﬂexiona sobre la necesidad de soltar para poder seguir adelante” según el propio autor, muestra la historia de María, una joven escritora de cuentos para niños que tras una decepción amorosa viaja a Noruega. Compra una máquina de escribir en un mercado de pulgas

Helen Brown

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La reunion ©Jorge Becker

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El amor de las luciérnagas ©Salvador Perches Galván

Chamaco

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con la que escribe un encuentro ficticio con su doble, a quien después le pide se haga cargo de su vida. María termina en búsqueda, literal, de sí misma. El amor de las luciérnagas es el espectáculo más reciente de esta compañía que ha representado en numerosos escenarios del Estado español su anterior creación ‘Más pequeños que el Guggenheim’. En esta ocasión, además de abordar un viaje a través de la identidad y los principios de la creación artística, el texto original es también una especie de novela de formación para el autor. Un viaje a otro país es también la base de la historia que acercan desde Chile Trinidad Piriz y Daniel Marabolí en el espectáculo Helen Brown que recrea y ficciona un suceso anecdótico autobiográfico, en este caso una estafa por internet. La pieza es también una reflexión sobre las problemáticas de la comunicación transcultural. Helen Brown muestra a una mujer que viaja a Berlín en busca de nuevas oportunidades laborales y en la capital alemana es víctima de un fraude millonario en el intento de arrendar un departamento. La investigación no descarta que la señorita Piriz, haya sido una de las miles de víctimas de una peligrosa mafia. Pero la protagonista se obsesiona por conocer el paradero y la identidad de su victimaria y a pesar de ser persuadida por la policía de no tomar la justicia por su mano, decide ir en búsqueda de Helen Brown. Las reivindicaciones de los pueblos originarios, el poder de la Iglesia y la oligarquía o la lucha de clases son los temas que abordan los chilenos de Teatro en el Blanco en el espectáculo La Reunión de Trinidad González. La pieza evoca un hecho histórico, el encarcelamiento de Cristóbal Colón por parte de los Reyes Católicos que le acusan de haber abusado de su poder en Las Indias y la audiencia que solicita Colón a la Reina Isabel la Católica para dar cuenta de sus actos y buscar la absolución. La Reunión es el tercer espectáculo de esta compañía que reflexiona fundamentalmente sobre el ser humano en situación de poder y que, como en anteriores trabajos se valen de un escenario despojado de exagerados elementos escenográficos para centrar la atención en las actuaciones y en un texto que habla al público del ser humano en su universalidad. La coproducción hispano-cubana Chamaco, en la que participan Argos Teatro, Artífice Escénico y Producciones Aquora, es un espectáculo creado a partir de un informe policial de Abel González Melo que se desarrolla durante la Navidad, cuando Miguel Depás aparece asesinado en una céntrica plaza. El crimen da origen a las pesquisas que inicia la policía y las pistas tienden a incriminar a Kárel Darín, un chico cubano que vaga por la ciudad en busca de dinero a cambio de placer. Sin saberlo, el padre y la hermana del muerto –un juez y una cirujana– se van involucrando en el caso de una manera obsesiva. Son los rostros de una ciudad que no duerme, que sobrevive a la intemperie entre el frío y la desolación.

La presencia de tres compañías invitadas que ofrecerán cinco espectáculos diferentes sitúa la realidad artística de Colombia en un lugar destacado en el programa del FIT 2013. Además de la Fundación Chiminigagua que presentará dos creaciones de calle y del que informamos en la página 15 de este suplemento, el país sudamericano estará representado además por Teatro Petra y por La Maldita Vanidad. Dos serán las creaciones que exhibirá en Cádiz la compañía Teatro Petra. El espectáculo Sara dice, está basado en un texto de Fabio Rubiano Orjuela, y en ideas, textos e imágenes de Ricardo Sarmiento, Javier Gutiérrez y del escritor y piloto japonés desaparecido en la Segunda Guerra Mundial Mako Saguru que se pregunta ¿Qué sucede cuando el asesinato desaparece en una sociedad? A partir de esta cuestión se desarrolla una pieza en torno a la imposibilidad de que el asesinato desaparezca por

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El vientre de la ballena ©Andrés C. Valencia

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Dramaturgias actuales y textos clásicos soportes de las nuevas propuestas

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completo porque la sociedad al menos necesita de un crimen cada cien días, lo que permite racionalizar las muertes violentas, y evita que se produzcan por la ira, el dolor, la enajenación, intereses particulares o ideales políticos. Es decir, que el asesinato se convierte en un procedimiento institucional. A partir de esa premisa la obra gira en torno a las familias seleccionadas para hacer cumplir la norma y su reacción ante el hecho de tener que ejercer como víctimas o verdugos, las votaciones para elegir a uno de los miembros, la inconformidad de los elegidos, los lutos previos y posteriores o la imposibilidad de matar fuera de la norma. Fabio Rubiano Orjuela es también el autor y director de la comedia negra El vientre de la ballena, el segundo espectáculo que presenta Teatro Petra, que se centra en este caso en la investigación policial en torno a la desaparición de niños y mujeres en la ciudad y que, al mismo tiempo, trata de desenmascarar una red de tráfico de órganos humanos y tráfico de poliéster, georgette, algodón egipcio, paños cheviot y otros textiles. Las pesquisas son realizadas por el oficial Bruno Basquiat cuya propia hija escapa y queda involucrada en la red. Basquiat descubre que existen conexiones entre universos delictivos

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los Ares que cuenta con la dirección de Leonor Benedetto, una obra protagonizada por un matrimonio que ve cómo se modiﬁcan su cotidianidad y sus aspiraciones de alcanzar una categoría social superior a la que aspiran pertenecer y de la que se sienten retrasados con relación a sus amistades. La realidad propia de sus círculo cerrado, de una clase, una educación, un ambiente que no deja de mirarse su propio ombligo, salta por los aires cuando irrumpe otra realidad, externa, extrema, dura, brutal, descarnada, de la que no estaban enterados y de la que siempre se sintieron ajenos, como es la instalación en su propia vereda de un campamento de refugiados negros. Se puede refugiar todo el tiempo a cualquier per-

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quieres que te quiera que presenta La Maldita Vanidad, pieza en torno a la celebración familiar que se les hace en Colombia a las niñas que cumplen los quince años de edad. La obra definida como un ensayo para pasar de niña a mujer, evoca el ritual de iniciación social consistente en la presentación a la familia de la nueva mujer en la que se tratan de falsificar los bailes de la sociedad inglesa y francesa del siglo XIX. Además de abrir una nueva etapa en la vida de la joven, la fiesta representada en Cómo quieres que te quiera es también un símbolo de poder y de capacidad económica dentro de un circulo social y está construida desde el entorno colombiano del narcotráfico, fenómeno que atravesó la sociedad y que se instaló como posibilidad de progreso y poder entre familias de escasos recursos. Desde Argentina llega la compañía Los Nosotros para presentar la obra Otro de nosotros de Car-

sona, en cualquier lugar y de inﬁnitas maneras. Aquel al que puedo refugiar está muy cerca, simplemente hay que saber aprender a mirar. Todos necesitamos ser vistos. La compañía MTM Teatro de Muñecos de Costa Rica recalará en Cádiz con la adaptación libre para marionetas de un clásico de la literatura universal, Odisea de Homero, realizada y dirigida por Juan Fernando Cerdas que evoca el mito popular que ha acuñado la idea de que Penélope teje y desteje, entre llanto y más llanto, esperando el regreso de Odiseo. Sin embargo, la compañía costarricense ha dado la vuelta a ese argumento para mostrar una lectura contemporánea del clásico, en el que Odiseo y Penélope son protagonistas activos en el devenir de los acontecimientos que culminan con el regreso de Odiseo a Ítaca, después de 20 años de ausencia. Durante ese tiempo Penélope asume el mando del reino de Itaca decidida a defenderlo y a no dejarse doblegar por las aspiraciones de los numerosos pretendientes que le exigían escoger un nuevo marido entre ellos. En este espectáculo la valiente Penélope aprende a hacer frente a diversas tareas vetadas a las mujeres de la época como hacer inventarios y custodiar los bienes y las riquezas del reino; supervisar las granjas y los rebaños o comprar y negociar provisiones. Además, con su inteligencia supo ir más allá de las exigencias familiares y sociales y con astucia logró frenar la ambición de los pretendientes y salvar el Reino de Itaca. Como quieres que te quiera ©Diego Jiménez Restrepo

tan diferentes pero que resultan muy cercanos a la realidad. De hecho, todas las historias y los universos que se entrecruzan surgen de la realidad en la que vive inmersa la compañía, que a veces parece menos verosímil y menos cruel que la ﬁcción. Jorge Hugo Marín es el autor de la obra de humor negro Cómo

El régimen del pienso ©Víctor Iglesias Entre las numerosas producciones que llevan el sello de haber sido realizadas en el Estado español, la cita de este año contará con la presencia de dos históricas compañía nacidas a unos pocos kilometros de la capital gaditana como son los jerezanos La Zaranda-Teatro Inestable de Andalucía La Baja y los sevillanos Atalaya-TNT que critican aspectos morales, sociales o económicos a los que debe hacer frente el ser humano, mientras que el espectáculo que la productora Pentación estrenó en la última edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida, muestra la historia de una gran vengadora que se erige en acusadora, juez y verdugo. La Zaranda-Teatro Inestable de Andalucía La Baja

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Entre la ética y la desesperación de una sociedad autodestructiva

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presenta con El régimen del pienso la última creación de Eusebio Calonge que cuenta con la dirección de Paco de La Zaranda y que ponen en escena Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez, Luis Enrique Bustos y Javier Semprún. En esta pieza se entrecruzan las vidas del cerdo y el hombre para mostrar al público “la necropsia de una sociedad”, tal y como la propia compañía deﬁne el espectáculo que propone además reﬂexionar en torno al sentido del arte. Para llevar a cabo la puesta en escena de El régimen del pienso, la compañía se vale de los elementos tragicómicos que han caracterizado su trayectoria artística a lo largo de más de tres décadas y que combina con una compleja dramaturgia que representa un gran paso adelante en la trayectoria poética y conceptual de la Zaranda. El resultado es un trabajo duro, negro y descarnado que aborda sin concesiones la visión del mundo como simulacro.

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Coraje, que está considerada como la obra más importante del dramaturgo alemán Bertolt Brecht y uno de los textos teatrales más emblemáticos del siglo XX. A partir de la versión de Ricardo Iniesta que

por Concha Velasco al frente de un elenco actoral en el que también intervienen José Pedro Carrión, Juan Gea, Pilar Bayona, Alberto Iglesias, Luis Rallo, Alberto Berzal, Denise Perdikidis, Marta de la Aldea, Zaira Montes y María Isasi. Esta obra se ubicada en el año 424 a. C. y en un espacio que representa una Troya arrasada tras la guerra con los griegos es, según Mayorga, “la tragedia de la venganza por antonomasia” y en ella se muestra el dolor y sufrimiento de una madre, la destronada reina Hécuba que nació en un palacio, fue esposa de rey y madre de hombres llamados a ser reyes, pero que ahora sólo espera la hora de ser arrastrada como esclava hacia tierra extranjera. Sin embargo, en ese momento en el que parece mas débil y vulnerable se revuelve con furia animal por la muerte de sus hijos asesinados y devuelve un golpe tan irreparable como el que ella recibió. La protagonista de esta obra que invita a reﬂexionar sobre las consecuencias de las guerras y la sed de violencia y venganza del ser humano es víctima de tan inmenso dolor que, según cuenta la leyenda, fue capaz de estremecer a los propios dioses con su sufrimiento, hasta tal punto que la convirtieron en una perra aullando su dolor durante la eternidad.

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Madre Coraje ©Félix Vázquez Hécuba La obra presenta al hombre como mero mecanismo en la producción, ajustándose a los principios de una sana economía y cuando el rendimiento cae por debajo de los gastos de mantenimiento comienza a ser una carga inasumible en la que ya no vale la pena la ‘reparación’ y lo lógico es suprimirlo. En ese contexto pasa de la servidumbre al envilecimiento. El régimen del pienso toma como punto de partida la idea de que el exceso de pienso ha desencadenado una epidemia en las pocilgas y los cerdos se devoran unos a otros. Con la bajada de ventas de la empresa, comienzan los despidos de personal y crecen la desesperación y la desconﬁanza entre los empleados. La lucha por el puesto, con el único horizonte de un horario rutinario y vacío, sin otra esperanza que una muerte indolora, hace que las vidas del cerdo y el hombre se crucen, se confundan. Otras consideraciones sociales como una desaforada carrera hacia el éxito, al culto al mercado y la propiedad y hacia el engaño y sometimiento con los más débiles son las que pone en escena la obra Madre

el mismo dirige, protagonizada por Carmen Gallardo, Lidia Mauduit, Raúl Vera, Jerónimo Arenal, Silvia Garzón, Manuel Asensio y María Sanz y producida por la compañía sevillana Atalaya, la pieza representa una metáfora de la sociedad en la que vivimos, embarcada en una desaforada carrera hacia el éxito, hacia el culto al mercado y la propiedad y hacia el engaño y sometimiento con los más débiles. Aunque Madre Coraje toma la guerra como referente, la pieza no se pronuncia contra ella sino contra la actitud del ser humano de apostar por un sistema de vida donde prime la ganancia, aún a costa de sacriﬁcar la propia existencia y la de los seres más queridos. De hecho, la protagonista que da nombre al espectáculo es una mujer oportunista, cínica, segura de sí misma, que va de un territorio a otro cambiando de bandera y cuya meta es sobrevivir, lucrarse con la guerra y proteger a sus tres hijos. En esa situación su único motivo de debate será la defensa de su familia a ultranza y de sus intereses comerciales. A partir de la adaptación realizada por Juan Mayorga, dirigida por José Carlos Plaza, producida por Pentación y el Festival de Teatro Clásico de Mérida, se presenta la obra Hécuba, de Eurípides, protagonizada

Teatro para pájaros

Tras haber obtenido un notable éxito con la puesta en escena de la obra ‘Del maravilloso mundo de los animales: los corderos’ del autor y director argentino Daniel Veronese, la compañía andaluza Histrión Teatro estrenó la pieza Teatro para pájaros que presentará en la presente edición del festival gaditano. La obra gira en torno a la ética con la que cada cual enfrenta su participación en el hecho artístico y toma como punto de partida a dos personajes que hablan de la libertad que debería existir en una pareja, el deseo de todos de una vida mejor. En la obra de Veronese Jerry y Emma forman una pareja que se ama y cuyo amor teje un laberinto de traiciones, civilizadamente aceptadas, que se extienden más allá de las relaciones conyugales y de amistad. Mientras Emma traiciona a su marido, Jerry hace lo propio con su mejor amigo y a su mujer, pero Robert también ha estado traicionando a su mujer Emma. La traición va más allá y Robert y Jerry, ﬁguras de éxito en el mundo de las publicaciones, traicionan sus carreras y la visión que tenían sobre su profesión en su juventud. Así la traición se extiende hasta convertirse en la del ser humano que se ve atrapado por

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Historias entrecruzas de sentimientos y de relaciones con el entorno

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unos impulsos contradictorios y unas normas sociales inventadas para no ser cumplidas, lo que le lleva a traicionarse a sí mismo. La vida de dos actores que repasan sus vidas artísticas a través de los números de humor, presentación de concursos radiofónicos o de cabaret que han protagonizado es el eje del espectáculo Smiles de Producciones Cachivache. La pareja que protagoniza la pieza estará acompañada por otros sorprendentes artistas como las Hermanas Vargas; los pequeños artistas Manolito y María del Carmen; Agustito, la joven promesa del baile; Nefertatiri, la inquietante, por su edad, cabaretera; la sin par Felicia, cantante de jazz y traductora en sus ratos libres, además de otros personajes que como ellos son manipulados por su creador Francisco García del Águila. En la puesta en escena intervienen además los músicos Carlos Pérez (piano) y Javier Botella (contrabajo), además de la cantante A cuentagotas Isabel H. Dimas. La Gotera de Lazotea presenta con A cuentagotas dos historias contadas con diferentes técnicas de manipulación de títeres. La primera gira en torno al hombre y el medio ambiente a través de la historia de Cristóbal y el Buen Atún Nadador de Bolonia, un poema-canción que habla de cómo Cristóbal salva al atún de un daño irreparable. La segunda pieza que presenta la compañía, Juanaca el de la vaca y la aventura del Chímpete Chámpata, es un juego sobre un niño que trata de superar su conﬂictos, para lo que se vale de la técnica del títere de guante donde la cachiporra se sustituye por el ingenio verbal.

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que, al ﬁnal, solo les quedó la calabaza. Se trata de una propuestas itinerante que se vale de la música, las coreografías y la pirotécnica y de un ‘seiscientos’ con el que pretenden acercarse a disfrutar de las ansiadas vacaciones. La compañía Scura Splats presentará con Disco Death un espectáculo de correfoc inspirado en ‘La Danza de la muerte’, en el que el fuego recorre las calles al tiempo que acerca una peculiar discoteca que invita a bailar, mientras la Dama de la Guadaña inicia la búsqueda de los ‘no presentados’ y de los ‘huidos’ como la Iglesia, el Capital, el Político y el Militar. La programación de calle contempla además cuatro espectáculos diferentes presentados por la Zia. La Moraíta. Con Rumanos a la moraíta a una troupe de rumanos pasean por las calles de Cádiz mostrando su arte de entretener a la paseantes, magia, malabares, bailes, compra y venta, sorteos, carterismos, extrem, apariciones o desapariciones; en Entierro moraíto muestra aunos familiares que andan perdidos por las calles de Cádiz con un ataúd, en busca del cementerio para enterrar a su difunto; en Exhibicionistas moraos presenta a cuatro personajes que muestran sus cuerpos lozanos como su madre los trajo al mundo y Ponte morao en el Falla es una propuesta en torno a algo inconfesable, íntimo y desconcertante, porque mostrarán unos auténticos moraos para conocer el lado oscuro del teatro de la vida.

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Disco Death ©Patxi Pitillas

Además de las representaciones de sala que se desarrollarán en el Festival gaditano, las calles de la ciudad acogerán casi una decena de espectáculos que se desarrollarán al aire libre y entre los que se incluyen dos propuestas que acerca desde Colombia la Fundación Chiminigagua. Con Futurismo galáctico a la colombiana una espectáculo en el que desarrolla una técnica de su propia creación consistente en la utilización de zancos sobre patines. Una docena de zanqueros se encargan de expone esta técnica a través de un montaje que se caracteriza por la agilidad, velocidad, y estética para presentan a un grupo de personajes futurista que aterrizan en este mundo, donde las imágenes y música en vivo recrearan el interés de salvar a nuestra humanidad de las diferentes fuentes de consumo. En Sueños encantados, por su parte, es un creación deﬁnida como “acrobacia teatral” en la que se combinan diferentes rituales primitivos y modernos con la danza y la música como hilo conductor de un puesta en escena que incide en el folklore y la cultura colombiana y en el que los actores conjugan el riesgo, la investigación circense, la teatralidad, la acrobacia teatral, los zancos y los zancos en patines para representar diferentes épocas del ritual el sol, la luna, el agua, los animales, arlequines y juglares. El espectáculo Typical de Nacho Vilar Producciones y Gaupasa, por su parte, se remonta a la década de los años 70, cuando el turismo empezaba a hacer furor, en una época en la que la única vía de escape era la televisión, la única que había y donde los protagonistas evocan los sueños de contar con un apartamento en Torrevieja, aun-

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Plazas y calles se convierten en escenarios para espectáculos singulares

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Temporadas regulares de los teatros de Bizkaia Múltiples propuestas escénicas para todos los públicos en Bilbao, Leioa y Barakaldo

demás del estreno de ‘Los enamorados’ de Goldoni, El Teatro Arriaga ofrece dos espectáculos muy diferentes entre sí, el primero a cargo de Gaitzerdi Teatro, compañía de Bilbao que este año cumple su 25 aniversario motivo por el que presentará el día 9 Expediente 312 , “una experiencia a base de la exhibición de los diferentes trabajos que se realizan dentro de este espacio. (breves textos, breves acciones, una célula teatral de 35 minutos, y una exposición oral de lo que se quiere conseguir creando estos espacios dentro de las compañías de teatro)”. ¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee con versión y dirección de Daniel Veronese es la propuesta para los días 10, 11 y 12. La obra tiene como protagonista a George, profesor de Historia y Martha, hija del rector de la universidad. Son pareja y se quieren, se odian y se necesitan. Ambos están frustrados y tienen problemas de alcoholismo. Un sábado, se reúnen con otro profesor y su esposa y lo que parecía una agradable velada estalla hasta destapar las emociones más íntimas de cada uno de ellos. Carmen Machi, Pere Arquillué, Mireia Aixalà y Ernest Villegas dan vida a los dos matrimonios en una historia que “trata de una compleja maquinaria sobre la vida humana en pareja, en compañía. Una máquina de coser hombres y mujeres” en palabras de Veronese.

intento teatral de emular a Fermín Jiménez, un artista plástico amigo de la compañía que sabe vivir mucho mejor que nosotros”. Una obra que responde a la siguiente declaración: “Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez. Quiero estar siempre contento y dar tan buen rollo como él. Quiero tomarme la vida como un juego. Ir tan mal de pasta y llevarlo tan bien como él. Relativizar como norma. Quitarle peso a todo. Que la vida no pese. El Pont Flotan ©José Ignacio de Juan Díaz Hay quien vive para trabajar. Hay quien trabaja para vivir. Y hay horas a trabajar que a cualquier otra activiquien vive, como Fermín Jiménez”. Sad dance therapy de Mopa Teatro y dad planteando, irónicamente, la necesidad Juan Luís Matilla es un solo de biodanza y del tiempo libre, en un momento en el que música de baile con dirección e interpretamucha gente es lo único que tiene. La obra ción de Fran Torres. Una pieza en la que el creada por los miembros de la compañía e personaje protagonista recorre una serie interpretada por Àlex Cantó y Jesús Muñoz de canciones con temática contemporánea es “una oda a los tiempos muertos, al aburrimiento, a vivir con tranquilidad y buen con las que busca su auto-terapia. Y es que humor... una oda a disfrutar de la vida... un la ausencia de felicidad es acumulativa y la música de baile y la danza son una vía de escape de los pesares sociales en general. Un espectáculo que redime la pena y el miedo a través de la empatía y la compasión al ritmo de las pistas de baile. Barakaldo

La Fundición

El Pont Flotant da comienzo a la programación de la sala con Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez, una obra que habla de la necesidad de trabajar en nuestra sociedad, de la imposición de dedicar más 56

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Tempus ©Dayana Zaldua

Tempus-I de Anakrusa Dantza Teatro Konpainia abre la programación de otoño de Barakaldo Antzokia. Una pieza en la que se mezclan tres lenguajes, el teatro, la danza y la música y se convierten en uno solo creada e interpretada por Noemí Viana, Eneko Gil e Iñigo Ortega. La historia parte de los altibajos de un escritor durante su proceso creativo; la relación de la máquina de escribir y su creación será representada a través de la danza y la música está presente a lo largo de todas las escenas. Es en definitiva un viaje emocional. La cita,

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Durang en versión de Rafael Calatayud. La obra pone en escena a Pruden que conoce a Óscar con el fin de encontrar al hombre perfecto. Pero Óscar quiere a Pruden para satisfacer su complicada bisexualidad aunque en medio esta Teo, el novio de Óscar y para enredar más aún detrás de los tres están sus estrambóticos psicoanalistas: la doctora Bornikoff y el doctor Martone. Una comedia de enredo “terapéutica” sobre el amor y el sexo. Dos serán los espectáculos de danza programados para este mes. Limits (24 de octubre) es un unipersonal creado e interpretado por Manuel Rodríguez que tiene por objeto responder a la pregunta siguiente: “¿Dónde empieza y acaba un movimiento/acción y cuando decido “yo” hacerlo?”. Una obra en la que se analiza los límites entre la mente y el cuerpo a través de un estilo muy particular, un lenguaje corporal basado en la precisión y lo extremo, en los contrastes de energias constantes. Aracaladanza por su parte pondrá en escena el día 6 Constelaciones, un espectáculo de danza dirigido al público familiar inspirado en la obra de Joan Miró. Esta obra completa la trilogía que la compañía madrileña ha realizado sobre pintores universales como El Bosco y Magritte. Un espectáculo caracterizado por el color en el que los cinco bailarines acercarán el universo del pintor mallorquín. Los más jóvenes también podrán disfrutar con Munduari itzulia el día 20. Un espectáculo de títeres y actores con el que Gorakada propone una versión de ‘La vuelta al mundo en 80 días’ de Julio Verne y desafía al propio Phileas Fogg contando la historia en tan solo 60 minutos.

el Auto de la Pasión. Y por encima de todo, un canto a ese Amor que siempre vence en Lucas Fernández (el sacro y el profano), metáfora del camino hacia la luz, del triunfo de la alegría de vivir” apuntan desde la compañía. La programación se completa con un espectáculo para público familiar el 20 de octubre, Payasos de madera de Marionetarium - Herta Frankel. Un espectáculo de teatro de títeres en el que se rinde un homenaje a los grandes payasos del siglo XX; Fratellini, Antonet, Grock, Rivel y Popov. Leioa

Kultur Leioa presenta para este mes una programación que comienza el día 4 con Terapias en una producción de Vaivén y La Pavana a partir del texto de Christopher

Constelaciones ©Pedro Arnay

¿Quién teme a Virginia Woolf? ©Enrique Cidoncha

el 4 de octubre. Al día siguiente será el turno de En alta mar del dramaturgo polaco Slawomir Mrozek en una puesta en escena de la compañía cántabra La Machina Teatro. Bajo la dirección de Francisco Valcarce los cuatro personajes de esta historia reflejan una visión crítica del mundo contemporáneo. La obra explora el comportamiento humano a partir de las vivencias de tres naúfragos que se ven obligados a tomar peculiares decisiones para poder sobrevivir. En un registro diferente se sitúa la obra del día 12, De amor y... lujuria una producción de Euroscena con un elenco formado por Maria José Goyanes, Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa y Cristina Goyanes. Dirigida por la propia Goyanes, la obra pone en escena poemas de grandes autores de la literatura como Francisco de Quevedo o Lope de Vega en los que el amor es el tema principal. Para el día 19 se ha programado Los iluminados de Derek Ahonen. Una sátira sobre la sociedad actual en la que la mayoría de los valores se han perdido y priman los ideales vacíos de sentimientos. La obra que dirige Julián Fuentes Reta esta protagonizada por cuatro idealistas que regentan un restaurante vegano. Pero el día a día hace muy difícil que puedan mantenerse en sus convicciones lo que da pie a una batalla tanto interna como externa. El día 26 llega Farsas y églogas de Lucas Fernández en versión y dirección de Ana Zamora, fundadora a su vez de Nao D´Amores. “Este espectáculo pretende ser una fiesta, un juego que integra recursos textuales, musicales y escénicos, basado en una dramaturgia construida con extractos de todas las obras conocidas de Lucas Fernández excepto

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Los teatros donostiarras tras el fundido al negro del cine Títulos, autores y compañías señeras en una oferta otoñal repleta de sugerencias de calidad

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autor de KomunikazioaInkomunikazioa, Mireia Gabilondo y Jon Maya dirigen esta pieza multidisciplinar llevada a cabo por nueve bailarines-interpretes que abordarán esta dicotomía. Además la compañía Antonio Ruz llega a Egia con su última pieza Ojo una apuesta por la danza contemporánea a cargo de este coreógrafo y bailarín independiente andaluz afincado en Madrid que desde 2009 dirige su propia compañía. Finalmente la música recorrerá toda la ciudad, proveniente desde iparralde el Victoria Eugenia reúne una propuesta musical a cargo de los más conocidos cantautores, Erramun Martikorena, Estitxu Pinatxo, Magali Zubillaga y Pier Paul Berzaitz presentan Egunsentiaren kantak, temas populares dirigidos al público euskaldun como también lo harán en Gabrielen lekua este espectáculo multidisciplinar que irrumpe este otoño en Euskadi gracias a la creación de una nueva asociación cultural que quiere dar a conocer todo el legado de Gabriel Aresti. En esta ocasión y con su primer trabajo tomarán parte el poeta Oier Guillám, el bertsolari Andoni Egaña, el músico Rafa Rueda, Alain Urrutia con un trabajo audiovisual y las actrices Iraia Elias y Ainhoa Alberdi sobre el escenario de Intxaurrondo. Otra fusión entre artistas se mostrará en el Teatro Principal, denominada GauBeranduan cuenta con Harkaitz Cano, Petti y Joxan Goikoetxea. Y el repertorio más clásico será interpretado por el pianista Alfonso Gómez, la soprano Amaya Arberas acompañada por Eduardo Baranzano y Ara Malikian & Kepa Junkera en Un viaje en el tiempo que mostrarán junto a todos ellos en el Victoria Eugenia. . Sexpearemente ©Gorka Bravo

onostia inaugura la temporada con programas especiales como Dantzan Bilaka con la muestra de las últimas piezas a cargo de jóvenes coreógrafos vascos que tendrá lugar el 12 de octubre en Gazteszena, o el Circuito de Música Contemporánea que celebra su cuarta edición y se llevará a cabo en la Sala Club del Victoria Eugenia los días 7 y 17. En el Teatro Victoria Eugenia, DIPC & Euskampus presentará La entrevista, un trabajo de Luisa Etxenike y Gustavo Ariel Schwartz que aborda los conflictos personales y morales en un debate sobre el valor y la responsabilidad en torno a la investigación científica. Dirigida por Pablo Viar e interpretada por Aitor Mazo y David Luque, rememora la conversación que tuvieron Niels Bohr y Werner Heisenberg, dos de los más importantes y laureados científicos del S.XX que terminó en Copenhague en 1941. Le seguirá Teatro de los Andes que representará Hamlet, de Los Andes, una obra que supone un nuevo ciclo para la compañía con la incursión de un nuevo director invitado, Diego Aramburo. Proponen una nueva búsqueda estética y a través del metalenguaje una reflexión sobre el trabajo del actor, del grupo teatral y del valor del artista en la sociedad contemporánea. En Gazteszena donde tendrá lugar Sara Dice de Teatro Petra, formación colombiana que presenta este trabajo con la colaboración del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Sara Dice es una pieza basada en los escritos de Mako Saguru, piloto japonés desaparecido en la segunda guerra mundial que plantea la necesidad y la respuesta en la sociedad ante el crímen o

asesinato. La necesidad del mismo, su desaparición, el comportamiento que adoptaríamos si dejara de existir. Este trabajo está dirigido por Fabio Rubiano e interpretado por un extenso elenco formado por nueve actores y con Marcela Valencia al frente como actriz protagonista. Otras dos citas cargadas de humor conforman la diversidad teatral, sin movernos de este espacio llegará el turno de Ramon Agirre e Inaxio Tolosa con Koka kola eta barea, un trabajo en la línea de Xentimorik gabe de la mano de esta pareja teatral que apuesta por la canción con toques teatrales y su complicidad con el público recuperando Urrutiko intxaurrak, según ellos un best seller que contiene sus memorias. El teatro más gamberro gracias a la compañía madrileña Sexpeare visitará Lugaritz con su Sexpearemente, y el pequeño formato en la Sala Club tendrá lugar con La boda de los pequeños burgueses interpretado por Marasmo Teatro. Fusionando teatro y danza vuelve al Victoria Eugenia de Donostia KomunikazioaInkomunikazioa trabajo de Kukai-Tanttaka que ha supuesto un nuevo aire en las producciones que desde hace años realizan conjuntamente ambas formaciones. Inspirado en textos de Chejov y Shakespeare y con la música principalmente de Mikel Laboa,

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Pequeña muestra del panorama escénico mundial El CDN organiza el ciclo ‘Una Mirada a Mundo’ con espectáculos y diversas actividades paralelas

La veritá ©Viviana Cangialosi

l ciclo ‘Una Mirada al Mundo’ que organiza el Centro Dramático Nacional es una programación formada por espectáculos de grandes creadores contemporáneos de diferentes partes del Mundo que dio comienzo en septiembre y continuará hasta el mes de noviembre en el Teatro Valle-Inclán de Madrid. Este programa incluye talleres y una clase magistral impartidas por los propios creadores. Del 4 al 6 de octubre Au Carré de l’Hypoténuse (Francia) y Abé Carré Cé Carré (Québec) ponen en escena Seuls, unipersonal escrito, dirigido e interpretado Wajdi Mouawad, autor entre otras obras de la tetralogía ‘La sangre de las promesas’ formada por ‘Litoral’, ‘incendios’, ‘Bosques’ y ‘Cielos. Este espectáculo pone en escena a Harwan, un estudiante de Montreal que a punto de presentar su tesis doctoral se encuentra tras de una serie de sucesos encerrado una noche en una de las salas del Museo del Hermitage de San Petersburgo. Una larga noche que durará más de dos mil años y le arrastrará hasta la cuna de su lengua materna. Le seguirá La pequeña habitación a final de la escalera de la dramaturga canadiense Carole Fréchette en una puesta en escena de Teatro del Farfullero (México) bajo la dirección de Mauricio García Lozano. Del 10 al 13 el público tendrá la oportunidad de estremecerse con la terrible historia de Gracia, una mujer que parece que lo tiene todo pero a la que han prohibido entrar a la pequeña habitación del final de la escalera de la casa en la que vive. La protagonista se encuentra en un laberinto emocional y se convertirá en la narradora de su propia historia, un thriller de gran tensión. Uno de los grandes clásicos del teatro universal, ‘La señorita Julia’ de August Strindberg llega del 17 al 20 en una versión y dirección de Christiane Jatahy (escritora y directora de teatro y cine) para la Cia. Vértice de Teatro de Brasil. Con Julia,

Jatahy continua su investigación con la integración de teatro y cine en escena –en sus dos montajes anteriores transformó el teatro en cine y reveló las estructuras teatrales– y convierte el teatro en cine en vivo exponiendo las estructuras cinematográficas. Además la adaptación del texto trae el conflicto a la actualidad y a través de la cámara y junto al público se construirá el encuentro, actual y urgente de Julia y Jean. Bienvenido a casa de los uruguayos Pequeño Teatro de Morondanga (del 24 al 27) son dos obras con dramaturgia y dirección de Roberto Suárez que se yuxtaponen y deben ser vistas en su orden natural. En la primera parte el público conocerá diversos acontecimientos de los que creará su propia visión subjetiva pero que tras la visión del segundo día, que conocerá la situación desde otro punto de vista, pasará de ser un ser subjetivo a uno objetivo ya que el espectáculo tiene como fin reflexionar sobre el engaño de la percepción y lo

incompleto que puede llegar a ser un punto de vista. Cierra este ciclo los días 8, 9 y 10 La Verità de Compagnia Finzi Pasca de Suiza una particular obra con texto y dirección de Daniele Finzi Pasca creada a partir de varias ideas como el telón abandonado y descubierto en un teatro por casualidad. Una pieza única ya que es uno de los telones que pintó Salvador Dalí en los años cuarenta en Nueva York para su versión de ‘Tristán e Isolda’. La frase de otra de las fundadoras de la compañía, Julie Hamelin: “la verdad es todo lo que soñamos, lo que experimentamos, lo que creamos; todo lo que forma parte de nuestra memoria”. Ambos elementos o ideas dan forma a un espectáculo acrobático en forma de viaje interior; escaleras suspendidas en el vacío; equilibrios imposibles; cuerpos que se dislocan; plumas y lentejuelas... un sin fin de elementos para crear un espectáculo mágico. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Danza a Escena

La Asociación Bilbao Ballet Elkartea vuelve a estar tras la organización de la Gala ‘Los vascos y la danza’ que este año será la novena y tendrá lugar en el Auditorio del Palacio Euskalduna el 18 de octubre. Este año la gran protagonista de la gala será Lucía Lacarra, la bailarina vasca más premiada y aclamada de todos los tiempos. Esta será la segunda ocasión que en la que la artista guipuzcoana participe en el evento tras su paso por la quinta edición. La bailarina de Zumaia interpretará en la gala junto a Marlon Dino (ambos son los bailarines principales del Ballet de la Ópera de Múnich) tres pasos a dos: el clásico Cisne Blanco, extraído del Acto 2º de ‘El lago de los cisnes’ de Marius Petipa y Lev Ivanov; la exigente pieza Light Rain de Gerald Arpino y La Dama de las Camelias de John Neumeier con el que ha sido galardonada con el Gran Premio “Dance Open” 2013 en San Petersburgo. “En mi opinión es una obra maestra. Es mi ballet favorito, tanto por su historia como por la coreografía, música y vestuario. Y éste es uno de los momentos más intensos del ballet: un último encuentro lleno de dolor y pasión antes de que ella muera” afirma Lacarra sobre esa pieza. En esta 9ª Gala participará también el grupo de música rock We Are Standard que interpretará canciones como ‘Something bigger –coregrafiada y danzada por Beatriz Pérez y Roberto Hernández– y ‘7.45 bring me back home’ –coreografiada por Edu Muruamendiaraz e interpretada por Aukeran Dantza Konpainia–. La compañía guipuzcoana ofrecerá una pieza más y el grupo Andoni Aresti Dantza llevará la pieza Aldapeko sagarren sobre música del grupo Iparralde Kalakan. En la gala también participará Paula Gómez, ganadora del 7º Premio Bilbao para Jóvenes Bailarines 2012 y los alumnos del Taller de Danza del Conservatorio Municipal José Uruñuela de Vitoria-Gasteiz presentarán la pieza Zure barnean, coreografía creada por Jon Ugarriza.

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Memorias de una pulga

Lucia Lacarra, La Bayadere ©Wilfried Hösl

Los vascos y la danza

Con el objetivo de incrementar la presencia y visibilidad de la danza en las programaciones el INAEM ha promovido el circuito Danza a Escena que lo desarrolla La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública en colaboración con los espacios escénicos asociados. Este circuito que en esta fase comenzó en septiembre prevé las actuaciones de las compañías siguientes durante el mes de octubre. Aracaladanza con Constelaciones un espectáculo para público familiar inspirado en el artista plástico Joan Miró. Dirigido a este mismo público, Charlie de Cia Danza Fernando Hurtado, una mirada al pasado para recordar a uno de los grandes, Charlie Chaplin. La danza contemporánea llega con Miniatura de Roser López Espinosa un engranaje de manipulaciones de los elementos que entran en escena: el cuerpo, el movimiento, el vídeo, la música y el espacio escénico. En el mismo registro Ojo de Compañía Antonio Ruz, una pieza creada con un particular lenguaje corporal que ofrece una mirada surrealista, frágil y cotidiana. Con música interpretada en directo, Cobosmika Company viaja al imaginario de Astor Piazzolla con Tango y en Odeim, La irrupción de lo posible en lo imposible Cienfuegos Danza analiza el miedo y como nos enfrentamos a él los seres humanos mientras que Mons (Cuando cierro los ojos) de Nats Nus Dansa presenta ese lugar en el mundo en el que cada cual se siente a gusto, ese espacio que se convierte en refugio momentáneo. Una Ciudad Encendida de Compañía Danza Mobile es una metáfora de nuestras existencias y emociones cargada de simbología y Limits de Manuel Rodríguez es un análisis de los límites entre la mente y el cuerpo y Memorias de una pulga de Sol Picó ofrece su visión de la decadencia, la desolación y plantea la opción de ver la pérdida como una oportunidad.

13 octubre Fiestas del Pilar de Zaragoza

Fiesta, Feria y Festival en torno a las Artes Escénicas en la Plaza del Pilar-Delegación del Gobierno, así como las actividades pensadas para el público familiar que se desarrollarán en el Parque de José Antonio Labordeta con el cuarto Festival de Teatro de Feria. Parque de las Marionetas y la del nuevo proyecto que se presenta bajo el nombre de ‘Colores de otoño’ ideado por el artista plástico y creador escénico catalán Joan Baixas en el Parque de las Delicias.

Nats Nuts ©Tristán Pérez-Martín

Las Artes Escénicas tendrán un protagonismo estelar dentro del sinfín de actividades organizadas por la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural dentro de las Fiestas de El Pilar entre el 6 y el 13 de octubre. La calle se ocupa de programaciones de diferente índole donde destacan el ‘Concurso OFF de calle’ con funciones en la Plaza San Felipe y el Anfiteatro náutico, la propuesta multidisciplinar Transformat-T y montajes de circo

na de las propuestas más atractivas y espectaculares de la programación tendrá lugar en la Plaza del Pilar-Delegación del Gobierno desde el 9 al día 11 a partir de las 20:30, se trata de Transforma-T, coproducción entre el Ayuntamiento de Zaragoza, FiraTàrrega y la compañía catalana Nats Nus, un espectáculo multidisciplinar de gran formato que utiliza distintos lenguajes escénicos como la acrobacia, la manipulación de objetos, la percusión, las sombras y los recursos audiovisuales ideado por Toni Mira proponiendo una reflexión sobre la transformación y sobre la lucha en el mundo actual, sobre la necesidad de reconducir y reinventar nuestra sociedad a lo largo de 35 minutos. En el se lleva a cabo un juego escénico y visual que plantea situaciones de cambio y de mutabilidad gracias al movimiento, la imagen y versatilidad de una gran estructura cúbica. En ese mismo espacio durante las jornadas festivas se podrá disfrutar de varias propuesta de circo de manos de Nando e Maila con Sconcerto d´amore el día 6, 62

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concierto-espectáculo compuesto de gags, acrobacias aéreas, malabarismos musicales y proezas sonoras, el 7 Carrousel des moutons de Dirque et Fien un trabajo de circo afín al tiempo que vivimos: una escoba por trapecio, un piano acróbata, corderos por doquier, una fragata singular, un cuerpo por montera y pensamientos tejidos de estrellas, y finalmente los días 12 y 13 ‘Las artes del cielo’ donde a lo largo de dos extensas horas tomarán parte varios artistas circenses tales como Jordi Gómez, Dayné Álvarez, David Sancho y Dèlia Batet. Décimo aniversario

Por décimo año consecutivo se ha convocado el ‘Concurso Off de Calle’, iniciativa impulsada por la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural, dirigido a todos los artistas individuales o compañías artísticas en las disciplinas de danza, música, teatro, clown y circo que utilicen espacios abiertos como escenario de expresión.La selección de este año se completa con la participación de una docena de compañías estatales e interna-

cionales durante las jornadas del 8, 9 y 10 de octubre en la Plaza San Felipe y en el Anfiteatro náutico, lugares que acogerán paralelamente otra serie de trabajos escénicos independientes al concurso. Un jurado compuesto por profesionales del ámbito de las Artes Escénicas concederá un único premio al mejor espectáculo consistente en actuar en las ediciones de 2014 de Fira Mediterrània de Manresa, Umore Azoka de Leioa, Fiestas de San Mateo de Logroño y FiraTàrrega. En la Plaza San Felipe participarán la compañía andaluza La calabaza danza con La postal, los catalanes Obskené con Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas y Desastronauts con Circo expreso, un día de playa. También se podrá disfrutar del show de los madrileños Model Breakers y de los belgas Compagnie with balls con Joint he parade y los italianos Il teatro viaggiante con La familia Mirabella. Fuera del ‘Concurso off de Calle’ en la Plaza San Felipe también se dará paso a Vaivén Circus con Do not disturb, propuesta de circo que escenifica un día de trabajo en cualquier fábrica de principios del siglo XX

octubre protagonizado por cuatro personajes el 8 de octubre y la propuesta itinerante Typical de Nacho Vilar Producciones, el día 11, trabajo itinerante que recrea las peripecias de una “típica” familia española (madre-padre-hijos y como no la abuela) de los años 60-70 que se disponen a salir de viaje hacia su destino de vacaciones de verano en su flamante seiscientos. Por lo demás, en el Anfiteatro náutico se llevarán a cabo otros seis montajes más de manos de los aragoneses Nostraxladamus que vienen a presentar Concu... concursando, Barcelona gipsy klezmer orchestra con Fiesta Balkánica, Amer i África Cía. Circ con 6:30h y los andaluces Compañía Tresperté con Aquí sobra uno. A los cuatro anteriores hay que añadir Todo confussión de los andaluces Cía. Yo misma y Yoyó & Tutú de Amoramar danza. En el Anfiteatro náutico al igual que en la Plaza San Felipe se han previsto varios espectáculos fuera de concurso, entre los que se encuentran Low cost del dúo de payasos Katraskra Cía. que presenta un montaje de circo con mucho humor donde veremos a sus protagonistas en serios apuros para sacar adelante su trabajo el día 6, Piano Scie Mots de Stromboli con la participación de dos músicos muy particulares que se disponen a ofrecer un concierto o más bien un desconcierto el 7, el clown Joseph Collard el 11 y Claire Ducreux con su última pieza de danza y clown La sonrisa del náufrago el 12 de octubre. Colores de otoño

Una de las novedades a destacar este año será el cambio de rumbo que tomarán las actividades previstas en el Parque de las Delicias, espacio por excelencia dirigido al público familiar dentro del programa festivo, que se presenta bajo el nombre de ‘Colores de Otoño’. Para su renovación han contado con Joan Baixas, prestigioso artista plástico y creador escénico que ha ideado una serie de juegos e iniciativas con objeto de celebrar la naturaleza pero en otoño jugando, compartiendo e inventando. Baixas se desmarca de los

parques de juegos con líneas limpias, colores planos y materiales resistentes, apostando por lo artesano, el reciclaje y el concepto de ‘hágalo usted mismo’, una filosofía tal como reseña que “está acorde a la época que vivimos”, y por supuesto, la posibilidad que ofrece de trabajar en conexión con la naturaleza que será una de las claves de este proyecto. No obstante, la transformación del nuevo parque se ira fraguando en dos años, integrando elementos heredados del anterior parque que se inspiraba en el mundo de los insectos que en palabras de Baixas “para que se van a ir si se encuentran bien y de esta manera el público también lo podrá ir asimilando de una forma más normalizada”. Asimismo, el artista catalán reconoce que los elementos de este parque son “más poéticos, más delicados, más frágiles y por ello más difíciles de hacerse y necesita otro tempo”. Este ideario artístico impregna una programación que cuenta con espacios nuevos ligados a la filosofía y otros en los que se llevará a cabo una programación más convencional donde disfrutar de propuestas escénicas muy variadas. En términos generales se esperan más de 60 representaciones, 21 juegosinstalaciones de manos de 22 formaciones artísticas venidas de todo el estado y de países como Italia, Francia, Argentina y Colombia. Entre el 6, 10, 11, 12 y 13 el Parque estará abierto solo por la mañana de 11:00 a 14:00, y los días 7, 8 y 9 por la tarde de 17:00 a 20:00. Los árboles y aquellos materiales culturales que ellos inspiraron a través del tiempo como cuentos, instrumentos, juegos, leyendas, oficios y bromas son el tema central de este parque en el que están previstas varias zonas en torno a árboles en las que los más

pequeños podrán interactuar. En el ‘Arbol 1: El Círculo de los Mentirosos’ el público encontrará numerosos árboles de los que cuelgan libros. En el centro, un particular sillón en el que sentarse y disfrutar de la lectura. Un lugar que invita a relajarse sobre la hierba y escuchar la lectura de un cuento. En el ‘Árbol 2: Las Naranjas del Amor’ un gran árbol estará decorado con diversas frutas de colores. A su alrededor, cajas y armarios llenos de ropa... ideal para vestirse con el y escenificar guiados por un narrador el cuento tradicional ‘Las Tres Naranajs del Amor’. ‘Árbol 3: El Árbol de los Caballeros’ es un árbol decorado con cuerdas y espadas de madera bajo el que se puede jugar a un particular tres-en-raya mientras que en ‘Árbol4: Geniecillos del Bosque’ los niños y las niñas tendrán la oportunidad de fabricar un pequeño geniecillo con diversos materiales. Una vez creado lo meterán en una pequeña caja que cuelga del árbol y recibirán la figura creada por otro compañero que llevará un papel con poesías de otoño. El ‘Árbol 5: El Mundo del Revés’ tiene un banco de peces a su alrededor; unos cubos donde se pescan animales de monte y un lugar donde se podrán fabricar animales con un material muy particular, chuches. Además de estos “árboles mágicos”, en el parque también habrá un ‘Mural Sonrisas de Otoño’ consistente en una gran fachada de una casa en la que los niños podrán colocar sus papeles pintados y así se irá modificando el mural aunque sin perder el dibujo original. La transformación del mismo se irá fotografiando y colgando a modo de animación en internet. ‘La Fragua de Vulcano’ por su parte es una instalación audiovisual en la que los más pequeños y a través de sensores a distancia podrán interactuar con las imágenes proyectadas como si fueran hojas del bosque pero virtuales. También es una instalación ‘Palacio del Ritmo’ pero esta es de traviesas de madera y otros elementos en la que un percusionista invita a todos aquellos que quieran participar en improvisaciones colectivas de ritmo y movimiento mientras que ‘Perdidos en el huerto’ es un laberinto de plantas en la que los curiosos encontrarán alguna sorpresa. Además en diferentes lugares del parque habrá pasacalles y espectáculos teatrales de compañías como Hortzmuga Teatroa, Titiriteros de Binefar, Zirika Zirkus, Tombs Creatius o Chiminiguagua junto a magos y narradores orales para todos los públicos.

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13 octubre

Parque de

Marionetas

omo no podría ser de otra manera las fiestas están pensadas para el disfrute del público de todas las edades y los niños contarán con dos áreas o parques específicos donde podrán explayarse en compañía de sus padres o de manera individual. Uno de los espacios más importantes será el Festival de Teatro de Feria. Parque de las Marionetas que cumple su cuarta edición. El Parque José Antonio Labordeta también conocido como Parque grande, albergará este conglomerado de instalaciones y actividades que emula las antiguas ferias de barracas y pretende revivir el ambiente festivo que era frecuente alrededor de las grandes ferias en países como Francia, Inglaterra o Alemania donde se formaba un ferial de barracas y casetas y en los que se exhibían pequeños teatros de marionetas. Este gran festival y feria –con más de 300 funciones de alrededor de 30 compañías procedentes de Italia, Francia, Argentina, Perú Chile, Argentina, Cataluña, País Vaco, Andalucía y Aragón– estará dividida en diversas zonas, y cada una de ellas dispone de un programa en el que en ocasiones se hace extensiva a todas las jornadas entendidas entre el 9 y 13 de octubre, y otras van variando a diario. En la ‘Zona Paseo de San Sebastián’ tendrá lugar el espectáculo encargado de inaugurar el parque, Vuelta y revuelta de los aragoneses Artea. Un pasacalles protagonizado por cuatro personajes venidos de los años veinte que sobre unos sorprendentes vehículos y al ritmo de la música dixie sorprenderán a los presentes con sus inventos, juegos y bailes. Los espacios de programación fija serán la de la ‘Zona del kiosko’, que será el espacio neurálgico del Parque, donde habrá un pequeño escenario en el que actua64

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objetos al más puro estilo de las barracas de ferias donde la mayor atracción será la exhibición de pulgas sabias. Los franceses Kabaret de Poche por su parte presentarán su Le Theatre Miniature que tiene lugar en una reproducción de una sala de cabaret en miniatura totalmente animada, y por último, los andaluces Ymedioteatro propondrán SIE7E, un teatro sobre ruedas, con un interior de siete metros cuadrados donde en cada función podrán entrar pequeños grupos de espectadores en funciones de 20 minutos de sketches cómicos basados en la manipulación de objetos cotidianos. Se mantienen a diario las propuestas previstas en la ‘Zona de Juegos’ con Civi Civiac y su Feria de los inventos donde proponen 400 metros cuadrados de ciencia, curiosidad e inventos interactivos para todas las Pinocho en bicicleta edades, al tiempo que la ‘Zona itinerantes’ con varios pases a lo largo del día, que vendrán de la mano de dos compañías francesas, la primera Daniel Raffel con La cabane de Pepe, un pequeño teatro que se mueve entre el público de donde emerge Pepe, un personaje curioso y tierno, y por otro Les decatalogues con Mister Blok, una sátira sobre la especulación inmobiliaria tan presente en nuestros días. En la ‘Zona Barracas’ se desaLio en la granja rrollará una programación durante cierre propuesta musical, en la que interactodos los días pero las propuestas irán túan con el público, dan paso a gags disvariando, al igual que en la ‘Zona del esparatados, improvisaciones y una música cenario infantil’. En la primera, abre las trepidante protagonizado por una pequeña propuestas en el ‘Salón de los Sueños’ la orquesta de cinco músicos que se enconobra Disparates del Teatro de Medianoche compañía aragonesa pionera en el teatro traban de gira cuando el país es desmantede sombras con casi treinta años de profelado. La ‘Zona de Teatro de Feria’ también sión. Este espectáculo traslada al espectaserá otra de las fijas que acogerá un total dor a un mundo loco en el que a través del de tres montajes que tendrán lugar en el teatro de sombras asistirá a una reacción interior de pequeñas carpas delimitando el en cadena que dará lugar a una galería de aforo por cada función. Dominique Queridan acercará su Circo de las pulgas, espectácupersonajes asombrosos que irán transforlo que mezcla humor y la manipulación de mándose y cautivando al público. En ‘Carán artistas solistas, tales como el italiano Nicola Veri, los catalanes Litus-Carles Cordina, Inés Alarcón y Vudú Teatro, la chilena Valentina Rasposo y los aragoneses Títeres sin cabeza ofreciendo un total de 100 funciones y talleres de construcción de títeres. En esta zona también se ubicarán los artesanos y la Orquesta Zingorama de Che y Moche dará paso a Liquidación por

octubre beza Parlante’ se podrá disfrutar de dos obras. La primera es la que presenta Pinocho en Bicicleta, Blau Mari un espectáculo de títeres de mesa protagonizado por un dragón azul que aburrido de vivir en el fondo del mar a decidido salir al mundo donde junto a un niño comenzarán a vivir muchas aventuras. Esta obra está inspirada en la canción popular ‘Pluff, el Dragón Mágico’ y gira en torno al valor de la imaginación y la amistad. Los títeres también son los protagonistas de la segunda, Los remedios de la abuela de Cía. La Yaya un espectáculo con fines educativos que explica de manera sencilla como curar enfermedades como el resfriado, la diarrea, el dolor de cabeza o las quemaduras con métodos naturales. En el ‘Palacio de los Prodigios’ Revoltosas Manobritas de Ana Santa Cruz hará las delicias de niños y niñas a través de pequeñas historias llenas de humor protagonizadas por personajes creados con las manos de la artista peruana mientras que en ‘Teatro Melodías’ Teatro del´Aggeggo & Los Títeres de la Tía Elena recrearán con El sueño de Pinocho –a través de unas preciosistas marionetas manipuladas con técnicas perdidas en España como marionetas a la ‘tavoletta’ o ‘títeres danzantes’– una sugerente y divertida historia con música en directo que profundiza en el afán del ser humano por superar los miedos y afrontar las dificultades de la vida.

La oferta programática del IV Festival de Teatro de Feria Parque de Las Marionetas se completa con la denominada como ‘Zona Escenario Infantil’ que abre sus propuestas el día 10 con Canciones de Titiriteros de los Titiriteros de Binefar. Un concierto en el que la legendaria compañía aragonesa interpretará conocidas canciones como “La Despelona”, “Un elefante se columpiaba”, o “Antón pirulero”. Al día siguiente La Baldufa llega con Lío en la granja, una sátira en forma de fábula en la que se escenifican los conflictos habituales de nuestra sociedad. La historia arranca con la desaparición de un huevo de la señora gallina, suceso que conllevará el aumento de la desconfianza entre los habitantes de la granja que culparán al Cuervo, un recién llegado desde el “extranjero”. También desde Cataluña Farres Brothers traen a escena a los grandes personajes de los cuentos tradicionales en Operación Avi, las aventuras de los viejos intrépidos. Caperucita, el Flautista, o Pulgarcito han envejecido de golpe como consecuencia de un secreto experimento y tendrán que emprender un largo viaje para recuperar su juventud. Los italianos I Burattini della Commedia y Compagnia Lirica di Milano pondrán la guinda a esta zona con Elixir d´amore, un espectáculo creado para acercar a los más pequeños al mundo de la ópera lírica. Para ello sus creadores se han basado en la trama de “Elisir d´Amore” de Gaetano Donizzentti ofreciendo una versión para los más pequeños.

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13 octubre Josu Montero

Luz negra

Víctimas y verdugos

ecuerdo tres obras recientes de dramaturgos españopaciones esenciales del dramaturgo vasco: la certeza de que estales que conjugan la estructura del thriller, de la pesquisa mos hechos de fragmentos provenientes de las vidas de los otros, y policial –sin policías– para tensar unas tramas que tienen consecuentemente la responsabilidad de cada uno en la vida de los más que ver con una denuncia de aspectos poco visibles y terribles otros, y los límites morales entre acción e inacción. de nuestra sociedad. En las tres obras el conflicto tiene que ver en Los comportamientos de todos los personajes comienzan siendo principio –aunque apuntan mucho más allá– con el abuaparentemente razonables, y el autor se encarga de so sexual sobre menores. Tres dramas bien diferentes sembrar poco a poco en los lectores dudas acerca de que si algo tienen en común es la audacia formal de los lo verdadero y lo falso, la realidad y la apariencia, la tres dramaturgos para plantear estructuras dramáticas verdad y la mentira, lo noble y lo hipócrita, lo geneque agarran al lector por las solapas y le involucran en roso y lo interesado, el favor y la extorsión, el amor y la historia y en el estado de cosas denunciado. Me estoy la violencia. Lucía se olvida un día el bolso en casa de refiriendo a “Grooming” del andaluz Paco Becerra, “El Olga y Javier; el móvil suena, Olga lo coge y escucha a principio de Arquímedes” del catalán Josep Maria Miró y un hombre que sin dejarla hablar la amenaza violende “Duda razonable” del vizcaíno Borja Ortiz de Gontamente; un poco después reciben incluso un mensaje dra. De las dos primeras ya nos hemos ocupado meses de imagen en el que un hombre golpea a una mujer, atrás en esta misma página, así que echaremos aquí un ambos inidentificables, mientras las amenazas vuelven vistazo a la tercera, estrenada por Vaivén a finales de a arreciar. El matrimonio avisa a la chica, le cuenta lo de 2010 en Donostia y publicada por la editorial Ñaque. los mensajes y se ofrecen a ayudarla, pero Lucía afirma DUDA RAZONABLE Leyendo “Duda razonable” me vienen a la mente un Borja Ortiz de Gondra que debe tratarse de una equivocación o de un bromispar de celebradas obras teatrales con las que comparte Ñaque Editora ta. Para recoger el bolso en lugar de Lucía aparece en importantes aspectos a pesar de la lejanía estética con casa del matrimonio un hombre de aspecto descuidado ambas. La primera de ellas es “El tragaluz”, de Buero Vallejo; en y algo violento de maneras que afirma ser su padre. A partir de ahí ella los protagonistas son dos hermanos netamente diferenciados: el los acontecimientos se disparan y entran en una dinámica kafkiana trepa, el que se ha subido al tren caiga quien caiga; y el sacrificado, que va agravando la situación; todos tienen una cara oculta y unos el que se ha quedado arrumbado, al margen, por tener que asumir intereses inconfesables o al menos inconfesados, y por tanto a nadie las responsabilidades de las que el otro se ha librado. Verdugo y le interesa que las cosas se aclaren. Todos son una amenaza para víctima. Eso mismo sucede en esta obra de Ortiz de Gondra, aunque todos, y los roles de acusado y acusador, agredido y agresor, víctien este caso no esté nada claro durante casi toda la obra quien es ma y verdugo se difuminan. Ortiz de Gondra consigue que al lector uno y quien otro; y de hecho ahí está la lectura moral del drama. se le mueva todo, logra colocarle sobre las arenas movedizas de Por un lado tenemos al matrimonio burgués: Javier es catedrático de lo incierto: las elipsis, la fragmentación, las transiciones rápidas, el lingüística y a la espera de ser nombrado Director de Departamento; empleo de diferentes perspectivas, las pistas falsas… contribuyen a Olga es periodista y escritora en ciernes que acabará publicando su la tensión del drama –también a su tensión moral- y a la necesidad primera novela al usar hipócritamente como argumento la historia de de que el lector se involucre en él. la que finalmente será su víctima. La víctima es la joven Lucía, que se Hay un buen número de personajes no materializados físicamente dedica a limpiar casas, entre ellas la de Javier y Olga, para pagarse en escena, y cuya invisibilidad les confiere una cualidad indefinidala carrera; de hecho es alumna de Javier, lo que Olga desconoce, mente amenazante; dos de ellos son centrales en la trama: el verpero también desconoce Javier ya que nunca han coincidido en la dugo material y el joven estudiante marroquí “amigo” de Lucía, y casa. La cuarta pata de este drama es Diego, el padre de Lucía, un que en una primera violenta escena, a oscuras, desvela las latentes hombre menos civilizado que el matrimonio o que su propia hija. pulsiones de su profesor, Javier; y así permanecen, latentes, a lo larLucía acabará siendo la víctima no sólo del hombre que abusa de ella go de todo el drama. Esta rápida primera escena –Prólogo- se comaprovechando las circunstancias y los lazos familiares sino de Olga y pleta con la imagen de Lucía llorando mientras habla por teléfono e de Javier, e incluso de su propio padre. intenta apaciguar a alguien. Ya ha sembrado aquí el dramaturgo las La segunda obra a la que de alguna manera “Duda razonable” semillas del equívoco y la confusión que desarrollará a lo largo de me recuerda es “Llama un inspector”, de J.B.Prestley, por el desvetrece escenas y un Epílogo tremendo a cuatro voces. lamiento que en ambas obras se produce de cómo todos han puesto Todos los personajes tienen un pasado traumático, más o mesu granito, o su saco, de arena para que la víctima acabe siéndolo. nos vedado que irá aflorando, arrinconándoles y determinando sus Desvelar la doble moral, la hipocresía social, la imposibilidad de ver comportamientos. Los equívocos, las omisiones, los engaños, las al otro, de ponerse en el pellejo del otro. Cada uno de los personasuposiciones erróneas, las falsas deducciones entre los personajes, jes de esta obra ignora aspectos cruciales relacionados con la vida y entre la escena y el público, crean una atmósfera llena de huecos, de sus seres más próximos. Nadie conoce a nadie, o mejor, nadie de amenaza latente, de sospecha general donde todo tiene doble quiere conocer realmente a nadie, ya que lo que prima es preservar filo. Las palabras de los personajes están siempre empañadas por lo propio a cualquier precio. Esto entronca con una de las preocusus intereses, sus miserias, sus flaquezas, sus miedos.

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octubre

Vivir para contarlo

Virginia Imaz

Recita a ciegas

n estos días, la ONCE revive en Salamanca las coplas de ciego y reúne copleros de toda España en el Festival “Recita a ciegas”, una iniciativa con la que la Organización trata de recuperar la antigua tradición de personas ciegas recitando historias y cantando coplas por las calles del lugar. La propuesta consiste en reunir, en el casco histórico de la ciudad del Lazarillo, a copleros ciegos de todos los rincones de España, durante la tarde del sábado 28 de septiembre y la mañana del domingo 29, para que reciten o canten sus relatos. O, dicho de otra forma, “hacer una quedada” de cronistas de otra época en el contexto actual.

“Hombres, mujeres y niños, Mendigos y caballeros, Paisanos y militares, Carcamales y mancebos. El que ya no peina canas Porque se quedó sin pelo, Y el que el tupé se compone Con bandolina y ungüento...” Para ello, se ha invitado a participar a todos los grupos de teatro integrados por actores y actrices con discapacidad visual de todo el estado para que, de forma individual o por parejas, produzcan un espectáculo de corta duración. Los montajes serían representados como coplas de ciego de forma sucesiva a lo largo de unas horas en cada jornada, implicando al público asistente. Así mismo, también están invitados a sumarse a esta cita teatral todos los integrantes de compañías profesionales de Castilla y León, como otros de reconocido prestigio del resto de España que tengan alguna vinculación con esta Comunidad; y folkloristas y cuenteras o narradores orales, que hayamos trabajado este tipo de escenas, en nuestro repertorio. Aparte del merecido homenaje que se realiza a tantas personas ciegas que, a lo largo de la historia, se han ganado la vida yendo de pueblo en pueblo como cronistas de los sucesos que iban acaeciendo, hay otra gran homenajeada por la que hay que felicitar a la organización de este evento: la tradición oral. Las Coplas de Ciego solían ser historias, reales o distorsionadas, recitadas y cantadas mayormente por personas ciegas o con alguna discapacidad, que iban acompañadas por algún instrumento y un lazarillo. Al finalizar la representación, se vendían las coplas impresas de forma sencilla y se invitaba al público a premiar la intervención del ciego con la voluntad. De esta forma ciego y lazarillo se procuraban el sustento, convirtiéndose en un modo de vida. Los textos, fueron despreciados por la literatura “culta” durante mucho tiempo, por breves y sencillos. Sobre todo por ser orales. Así, por ejemplo, en el siglo XIX y principios del XX, estos “cronistas” fueron objeto de críticas por la prensa escrita que les acusaba de manipular y exagerar la noticia que se cantaba, pero es comprensible entender que los autores de las coplas y quienes las cantaban se permitiesen ciertas licencias artísticas, como exageraciones o hipérbole, pues se ceñían generalmente a historias truculentas, pasionales, de engaños y desengaños. Sin embargo, la impagable labor, de estos artistas anónimos, ha permitido divulgar tradiciones populares, la identidad local y el folklore. Los relatos buscaban

provocar la risa de los oyentes y los lectores; pero sin obviar un fin moralizante. Esta cita Recita pretende acercar al público actual la importancia de la tradición de la cultura oral de los últimos quinientos años expresados en la “literatura de cordel” y ya sólo por eso cuenta con mi agradecimiento. Es además una ocasión para disfrutar del maravilloso patrimonio arquitectónico de la ciudad del Lazarillo, ya que el casco histórico de Salamanca, se convertirá en un escenario único durante la tarde del sábado 28 de septiembre y la mañana del domingo 29 de septiembre, llenándose de artistas ciegos de toda España acompañados por actores y actrices profesionales, folkloristas narradores y cuenteras, que recitarán o cantarán romances o coplas de cordel. Entre cada pieza habrá un breve descanso para facilitar al público el desplazamiento en busca de otro actor ciego en la esquina más cercana. Será una cita inolvidable o mejor, una gran cita: una REcita, por supuesto a ciegas... Una cita para todos los públicos que contará con actividades paralelas: Palacio de Garcigrande (Caja Duero): • Del 19 al 29 de septiembre: exposición “Pliegos de Cordel” (fondos de la Fundación Joaquín Díaz). • 20 de septiembre: lección inaugural a cargo de Joaquín Díaz: “Los pliegos de cordel: el cordel y sus coplas”. 20.30 horas. • 21 de septiembre: lectura dramatizada radiada “Ciego por la Plaza Mayor” de José María Manzano Jiménez. 19.00 horas • 22 de septiembre: teatro video proyección de la compañía “El Lazarillo de Tormes”. 19.00 horas. • 23 de septiembre: charla “La gastronomía en el Lazarillo de Tormes”, a cargo del director de Radio Salamanca, Santiago Juanes. 20.30 horas. • 24 de septiembre: charla “Los cronistas de hoy”, a cargo de Antonio Mayor (director de Comunicación e Imagen de la ONCE), Ignacio Fernández Sobrino (director regional de Onda Cero y Antena 3 Castilla y León) y Alejandro Salgado (director general de la Oficina del Portavoz y Relaciones con los Medios de la Junta). 20.30 horas. • 25 de septiembre: “A la Tentaruja (La oscuridad y la noche en la tradición popular)”, de Juan Francisco Blanco, director del Instituto de las Identidades de la Diputación. 20.30 horas. Todas las actividades son de entrada libre hasta completar aforo. Teatro Liceo • 26 de septiembre: concierto “La España que quedó y la sefarad que marchó”, a cargo de la cantante ciega Mónica Monasterio y el guitarrista Horacio Lovecchio. 21.00 horas. • 27 de septiembre: concierto “Romances de gamonita” a cargo de Mayalde. 21.00 horas. (Mayalde) “Antes de que nos dieran la corriente, la luz la servían casi por celemines, la cobraban a ojo y se iba cuando quería. Y más antes, la luz se olía, se escuchaba, se tocaba y hasta se comía. Noches de cera y aceite en la cocina, y gamona en la plaza. Y la fiesta de juntarse a cantar tomó el nombre de la luz: LA GAMONITA.” w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre Jorge Dubatti

Teatro e historia en Gonzalo Demaría

os o tres años atrás ya habíamos puesto el acento en la personalidad artística y el trabajo como investigador teatral de Gonzalo Demaría. Fue en ocasión del estreno de su obra El cordero de ojos azules (sobre la epidemia de “fiebre amarilla” en Buenos Aires en el siglo XIX) y de la publicación de su libro La revista porteña. Teatro El diario del Peludo Demaría efímero entre dos revoluciones 1890-1930 (premiado en 2011 por la Universidad de Buenos Aires). Celebramos entonces sus múltiples facetas creadoras de dramaturgo, director, historiador y músico para la escena y mencionamos en su valiosa trayectoria algunos títulos fundamentales: Nenucha, la envenenadora de Montserrat, Lo que habló el pescado, Novia con tulipanes, Cabo Verde y La Anticrista y las langostas contra los vírgenes encratitas, así como sus adaptaciones locales de los musicales Chicago, Cabaret y Zorba, su novela Las Pochoeaters y su colaboración con Alfredo Arias en Francia. Ineludiblemente la temporada 2013 exige volver sobre su producción: Demaría tiene en cartel tres espectáculos notables en espacios del teatro independiente, Conurbano I (escrito y dirigido por él, en Hasta Trilce, Maza 177); La maestra serial (pieza de Demaría, dirigida por Martín Blanco, en el Camarín de las Musas, Mario Bravo 960); El diario del Peludo (también El Camarín de las Musas), donde asume nuevamente el doble rol de dramaturgo-director. Conurbano I, La maestra serial y El diario del Peludo son obras muy diferentes, tanto temática como formalmente. Pero su dramaturgia tiene muchos componentes en común, magistralmente potenciados por Demaría y Blanco en las respectivas puestas: el trabajo con la convención teatral consciente, permanentemente puesta en evidencia con el claro objetivo de producir en el espectador un efecto recursivo de goce, juego y reflexión sobre la naturaleza de lo escénico; la refinada elaboración, en diferentes ángulos, de la presencia de lo musical (materia que Demaría domina en profundidad); la representación dramática como instrumento espiritual, de reglas específicas, para la indagación de la realidad social inmediata y de algunos núcleos históricos y transhistóricos de la sociabilidad argentina; la comicidad en un amplio espectro de registros, de la cita intelectual para unos pocos (la risa como un código casi privado entre entendidos que disfrutan, por ejemplo, de ciertas referencias musicales o al pasado histórico) al chiste grosero de revista porteña, entre la comedia brillante de salón y el varieté más negro y bizarro, entretejidos sabia y paroxísticamente con hebras de absurdo (en su línea social e histórica), farsa, sátira (al “papismo”, al discurso

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solemnizante sobre la educación y el periodismo) y pastiche (procedimiento que, a la vez que incita a la risa como distancia crítica, preserva el efecto de identificación: el reír “con”, no sólo “de”). Ese espesor de recursos es una de las grandes fuentes de disfrute del teatro de Demaría. Su riqueza poética sólo puede explotarse cabalmente en escena si se cuenta con muy buenos actores, quienes a su vez multiplican desde su propio campo propositivo, desde su capacidad de juego y de goce, las múltiples aristas de ese espesor. Es el caso de Conurbano I, con Daniel Campomenosi, Fanny Bianco y Fabián Minelli; de La maestra serial, con Lucila Gandolfo; de El diario del Peludo, con Fito Yanelli El diario del Peludo Demaría y Victorio D’Alessandro. El punto de partida de Conurbano I (que hay que leer “Conurbano Primero”, no “uno”) es la historia de un hombre que se cree Papa. Mezcla de loco y de delincuente, su “Santidad” vive con su Secretario (que se hace llamar “Eminencia”) en un departamento arruinado de Humboldt y Santa Fe, donde tienen encerrado un “castrato”, del que intenta apropiarse una espía del Vaticano que se hace pasar por empleada doméstica. (Con su monumentalidad física de vedette, Fanny Bianco extrema cómicamente la imagen clásica de las bellas espías del cine industrial). La disparatada intriga conecta con el tema de la “transteatralización” social, es decir, de la saturación del uso de los procedimientos teatrales en la vida cotidiana, hecho que se observa exacerbado en la actividad mediática de los políticos, de los pastores y los periodistas. Sin embargo, Demaría cruza la degradada realidad de los farsantes, el falso Papa y su Secretario, con lo absoluto. Si en el comienzo de la pieza se oye como clave de lenguaje una orquesta afinando y se juega con la alusión a la ópera, en el grotesco final la música de Scarlatti arranca a Conurbano I estas palabras: “A lo mejor la música nos redima. Es lo único. Al final no podrán redimirnos ni la rueda ni el alfabeto. La tecnología no va a elevarnos nunca hasta el cielo. La música puede ser. Porque fue la lengua creada para hablar con Dios. Y aquel

octubre

Postales argentinas que habla con Dios está salvado”. Apoteosis del pastiche, entre la comicidad negra y la metafísica. Contribuye un equipo de primer nivel: Gonzalo Córdova (luces), Julio Suárez (vestuario), Alberto Díaz Navarro (escenografía). La maestra serial es un unipersonal espléndido. Con toda su belleza, con su pleno dominio del inglés, con sus saberes musicales (que le permiten decir el texto de una manera singular, única), Lucila Gandolfo encarna la historia de una maestra descendiente de aquellas educadoras norteamericanas que Sarmiento trajo al país para generar “civilización” contra la “barbarie”, que vinieron “de Boston a la bosta”. “Adivine qué día llegó mi bisabuela –cuenta el personaje–. El 11 de septiembre del 88. Mire qué signo más siniestro. El mismo día en que el impulsor de su venida se moría. Y se moría en Paraguay. En la barbarie. Un rancho precario, sin agua potable, en medio de la selva. ¿Por qué se fue a morir ahí? PRECISAMENTE: porque su proyecto FRACASÓ”. Por sus métodos inadecuados, esta maestra ha sido con justicia dada de baja en su cargo y decide salir a educar a las calles, donde se topa con cartoneros, travestis, extranjeros, que delatan su violento clasismo, su desprecio por lo nacional, y su particular xenofobia. La maestra intentará “educar”, hará cátedra a cielo abierto. Impresentable cátedra callejera: de lengua, de moral y civismo, de historia, con todos los vicios del tradicionalismo. Sarmiento, dice la maestra, “fue muchas veces violento, pero nunca fue bárbaro”. Y ella también. De allí el calificativo que le pone Demaría: “serial”. ¿Puede un maestro ser un asesino serial? ¿Se puede matar con palabras y enseñanzas? Sí. ¿Compiten en su capacidad destructiva la violencia física y la violencia simbólica? Con inteligencia y muchísimo humor, Demaría pone en evidencia las profundas contradicciones y conflictos de la historia argentina en los planos político, educativo, social, así como el origen de una subjetividad del pasado que significó muchos males y que aún no ha desaparecido. Refutando a la maestra, Demaría le da la razón a Walter Benjamin: “Todo acto de civilización es al mismo tiempo un acto de barbarie”. Hay que destacar también la escenografia y la iluminación de Gonzalo Córdova, el vestuario de Sofía Di Nunzio. Conurbano I y La maestra serial, imperdibles, de lo mejor del nuevo teatro independiente. En El diario del Peludo Demaría retoma la leyenda según la que, en su segunda presidencia, a Hipólito Yrigoyen (1852-1933, máxima figura de los orígenes del radicalismo, movimiento de base popular surgido a fines del siglo XIX), ya muy decadente de salud, le escribían y le leían un diario que sólo incluía buenas noticias sobre su gestión. Muchas de esas noticias estaban escritas en verso, de allí la expresión popular: “hacer el verso”. La pieza enfrenta dos posiciones políticas y existenciales, a su vez enlazadas en lo público y en lo privado: la del periodista que confecciona dicho diario y la

del canillita que lo vende. Son, respectivamente, un fervoroso radical que cree en la causa yrigoyenista, y un joven idealista, hijo de inmigrantes rusos anarquistas, encarnados respectivamente por Yanelli y D’Alessandro. La obra registra el golpe militar de Uriburu que derriba a Yrigoyen (primer golpe que abre una serie que incluye la dictadura sangrienta de 1976-1983), apoyado por el ingenuo canillita y por vastos sectores populares, figuras de la falta de conciencia política de lo que vendrá, de la irresponsabilidad cívica o de la complicidad civil protofascista con los militares que inician la aberrante “Década Infame” (los años treinta). Irónicamente el radical le dice al canillita que se quede tranquilo, que “los milicos se van a ir cuando ustedes los inviten gentilmente a retirarse”. El diario del Peludo es nuestro Marat/Sade: coloca dilemáticamente al espectador ante la obligación de elegir entre la democracia llena de problemas del gobierno de Yrigoyen y la falsa “esperanza” de salida y cambio que genera el golpe. “¿Qué le pasa a la gente –dice el radical-, qué carajo le pasa que prefiere marchar en fila con un milico antes que tenerle paciencia al viejo demócrata, aunque entre decreto y decreto le tengamos que cambiar Lucila Gandolfo ©Claudio Larrea los pañales?”. La pieza analiza además el rol del periodismo en 1930, cuando en favor de sus negocios editoriales y políticos, los diarios no dudan en apoyar el movimiento antidemocrático. Un símbolo (tomado de la historia) sintetiza el destino de la Argentina a partir de 1930: la caída al Riachuelo de un tranvía de la Línea 105 con 60 personas, de las que sólo se salvan cuatro. Para la composición de este texto excelente, Demaría echa mano a sus profundos saberes de historiador. Sin duda 1930 fue un año muy significativo para los rumbos posteriores y no deseados del país en la “Década Infame”. Sin duda aquel golpe fue el germen de las dictaduras siguientes, hasta la monstruosa experiencia del “Proceso”. ¿Por qué volver entonces al golpe de Uriburu? Muchas razones habrá, entre ellas la de mantener viva la memoria del pasado para crear conciencia política en el presente y evitar que los errores puedan repetirse. Aunque no lo quiera, directa o indirectamente, el teatro siempre cumple una función cívica educadora. Demaría reflexiona sobre las relaciones entre teatro e investigación histórica en su dramaturgia, nos dice en una entrevista reciente: “Cuando empiezo a concebir una obra me nutro. Viajo. Me acompaña un inseparable cuaderno, metido dentro de un inseparable morral. Y varios libros de turno. Libros distintos: literatura, ensayos, obras visuales. Música también. Esto en particular con obras que me exigen la investigación, ya sea por temas históricos, de lenguaje u otros. Digamos que hago un viaje parecido al que me gustaría que hiciera el público a su turno”. Con Conurbano I, La maestra serial y El diario del Peludo, Demaría ratifica el lugar central que se ha ganado en la dramaturgia argentina. w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre María Chatziemmanouil

El método griego

La Casa del Actor en Atenas

ras veinticinco años, el sueño de una mujer por fin se hace realidad: un edificio de seis pisos y dieciocho habitaciones dobles con baño privado, elegantemente decorado con pinturas y figurines de la vida teatral griega, un café y un salón equipado con un piano, constituyen la Casa del Actor, una fundación que el 15 de junio de 2013 abrió sus puertas para acoger a gente de teatro que se enfrenta a serias dificultades financieras. El alma de esta empresa tan audaz, la mujer que concibió la idea y también dispuso del capital inicial para su realización, es la protagonista del teatro y cine griego Ana Fonsu. Su pasión convenció a muchos otros quienes compartieron su sueño y colaboraron para hacerlo realidad. Todo empezó en una conversación entre Fonsu y el actor Kostas Santorinéos, hace ya 25 años. Él le comentaba que su teléfono hacía mucho que no sonaba, que no recibía propuestas de trabajo y que se sentía solo, y le confesó su deseo de poder hablar con otros actores en un café solo para la gente del oficio. Ana expresó la idea a su querida hermana María (murió hace pocos años) y las dos decidieron poner manos a la obra. Y del “café de actores” llegaron a la Casa del Actor. “El objetivo de la Casa”, cuenta Fonsu, “es principalmente hospedar a los actores que necesitan ayuda, a los avanzados ya de edad que carecen de recursos económicos, y a los jóvenes que vienen de las provincias para estudiar teatro y no pueden enfrentarse al peso económico que eso supone. Adicionalmente el objetivo de la Casa es más allá la creación de espacios para la organización de actividades culturales”. Todos esos proyectos ya están en marcha: en tres de las habitaciones residen tres actores griegos, uno de ellos con su mujer y su hijo de 10 años que va al colegio de al lado, y en una cuarta habitación se hospedan dos jóvenes que han venido a Atenas desde el norte de Grecia para estudiar teatro. Al lado del edificio de seis pisos se ubica otra casa individual que pertenece a la Fundación; ahí se va a construir una sala de teatro y las oficinas administrativas de la Casa. En los planes para el futuro se incluye la creación de un consultorio médico (la Casa ya colabora con hospitales y médicos de varias especialidades), una biblioteca, un restaurante, una escuela dramática de alto nivel, salas para

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exposiciones de objetos teatrales etc. El Ministerio de Medio Ambiente y Planificación Espacial convirtió la calle delante de la Casa en peatonal, que funciona como una especie de teatro de calle (dedicado a la memoria de Nikos Kúrkulos, actor y ex director del Teatro Nacional de Atenas); de modo que es fácil para los vecinos del barrio asistir a las actividades culturales que se ofrecen gratis en la terraza frente a la Casa durante todo el verano: conciertos, funciones, exposiciones, lecturas dramatizadas, actividades para niños. En la Casa trabajan cinco funcionarios, bajo la supervisión de Ana Fonsu y de los demás miembros del consejo administrativo. Ninguno de los inquilinos (que son admitidos en base a su declaración de impuestos) paga por su estancia, que es totalmente gratis. Entonces, ¿quién cubre todos esos gastos? ¿Cómo se mantiene esa Casa? “La comida para los inquilinos la ofrece el arzobispo de Atenas” comenta Fonsu. “La gente de teatro nos apoya como puede, dando dinero, ofreciendo su trabajo etc. La casa está bajo los auspicios de cuatro Ministerios (de Cultura, de Educación y Religiones, de Salud y de Finanzas), y aparte hay varias fundaciones (entre ellas la de Onasis o la de Melina Mercúri) y empresas que dan su apoyo. Sin embargo, los gastos son muchos y seguimos buscando más patrocinadores.” La inauguración de la Casa es solo el principio. Su presidente y el consejo administrativo creen que quedan todavía muchas cosas por hacer. Sueñan no solo con terminar la construcción del segundo edificio, sino también con encontrar un lugar donde los inquilinos de la Casa puedan ir de vacaciones el verano. Están en contacto con otras Casas en Europa (en España y en Rumanía) y dentro de sus planes futuros es la colaboración y los intercambios culturales con ellas. Ana Fonsu, protagonista de varias producciones de teatro, fue también una de las protagonistas más destacadas de la Época de Oro del cine griego (las películas que protagonizó en las décadas de los ‘60 siguen emitiéndose por la tele). Hoy en día sigue activa en el teatro, colaborando con directores de reconocido prestigio, y en sindicalismo (fue presidenta de la Asociación de Actores Griegos); no obstante, la obra maestra de su vida es, según ella misma, La Casa del Actor: “es mi Epidáuro personal”, afirma, y el brillo en sus ojos cuando habla de ella, acredita que dice la verdad.

octubre

Cronicón de Villán... y corte

Javier Villán

El teatro y la realidad o la realidad del teatro

a realidad es lo que parece. La realidad existe y está delante de nuestros ojos. La realidad es lo que cada día ponen los periódicos, e incluso lo que no ponen por razones de Estado o por afanes partidistas; no existe la mordaza, pero existen las afinidades ideológicas. La partitocracia, palabra maldita desde que la dictadura la usó para demonizar el régimen de partidos, refuerza sus vínculos de tribu: todos los partidos se miran en los demás como un espejo. Y, mientras tanto, el teatro sigue. Más o menos vinculado a esa realidad, pero sigue: contra vientos y contra tormentas, eso sí. El 21% de Iva, sin ir más lejos. ¿Cuál es la misión del teatro en esta situación de crisis universal y particular, de paro, de descomposición social? El teatro puede llegar donde no llegan los jefes de prensa de los partidos y donde no pueden llegar los periódicos. Es decir, a la realidad profunda, a aquellas raíces negadas o sepultadas; el teatro, como contracultura, como contrapoder. Se dice que faltan autores, que al esplendor actoral del actual teatro español, le falta la savia de nuevos autores. No estoy muy seguro de ello. Y podría citar un buen número de ellos. El teatro no es sólo la escritura y su dimensión artística; es un engranaje empresarial, comercial, industrial en suma. Y este engranaje precisa de un dinero, un tejido que anula casi todas las individualidades. Se piden nuevos autores, cuando los viejos, entre comillas, siguen teniendo sus obras en el cajón de su escritorio. Buscamos autores que demanda la situación social; pero la situación social la define y controla la industria del teatro y a esta la apuntala la taquilla. Siempre se ha temido al teatro, como reinvención de la realidad, como crítica de los peores destellos de la realidad. Es un viejo dilema: realidad o evasión. El término realidad no se refiere aquí a la transcripción realista o naturalista de una historia; no se trata de un concepto estético. El término realidad es una aproximación crítica al momento que vive una sociedad, a los elementos más conflictivos de la misma. Todo teatro es político y toda poesía es política. Por acción o por omisión. La censura era un elemento zafio propio de una dictadura cuartelera, que hoy ha adoptado otras formas. Dificultades de estreno, capitalismo salvaje disfrazado de liberalismo. Los periódicos, no todos, denuncian la realidad; pero, aunque remuevan gobiernos y destapen corrupciones no hay en ellos un afán de cambiar la realidad, sino el compromiso de que el poder cambie de manos con la esperanza de que los nuevos gobernantes no lo hagan peor; es decir, que roben menos, que traicionen menos. Y vuelta a empezar. Los efectos del teatro son a más largo plazo. Incluso aunque no se estrene, que es la amenaza maldita, el abismo que se abre ante un autor dramático. Pero, aunque sea en un cajón, la obra permanece. Y quién nos dice que un día, pasados algunos años, algún loco abre esos cajones, alza el telón y un texto aparece como una denuncia de actualidad –porque la realidad no cambia demasiado–, como una voz silenciada que viene de ultratumba: el otro día cerca del Español, en una librería de viejo, me encontré con texto de Jerónimo López

Mozo, Anarchia 36, en un número perdido de Pipirijaina, la gran revista del tardofranquismo del mejor Pérez Coterillo, antes de que llegara la progresía de nuestros pecados; después se pasó a los sociatas y El público, otra cosa: como todos, una desactivación ideológica. Esa realidad nadie la ha contado todavía en los escenarios, que yo sepa, sin partidismos, sin sectarismos: como fundamento de una traición política, como exposición perversa de la corrupción del poder: y de la complicidad de una derecha que sigue tirando al monte, cuando no se pone a la sombra de un Psoe inócuo, y puede que incluso inícuo. Alguien dirá que esto es política y no un artículo sobre teatro, sobre el teatro y la realidad; pudiera ser, pero el caso es que el teatro es política. Todo el teatro es política. Cuenta Jerónimo López Mozo que escribió la citada Anarchia en 1970, irrepresentable en 1977, aunque ya no hubiera censura. El autor tenía ciertos pudores y recelos al contar algunos desmanes o errores de las izquierdas durante la guerra del 36: las luchas sangrientas entre el PCE y el Poum, los desmanes de los anarquistas en Aragón. No era cosa de acusar a los que todavía estaban en la trinchera y aportando muchas cosas a la democracia, ni airear en esos momentos la vieja disyuntiva entre ganar la guerra o hacer la revolución. Esa ha sido siempre un artificio de tactismo político y de impotencia revolucionaria. En 1978 estaba a punto de llegar al poder lo que muchos suponían izquierda; no era cosa de contribuir a frustrar una nueva oportunidad. Es un argumento ético, pero no es una argumentación teatral ni una razón histórica. Eso lo he discutido con Jerónimo y esos escrúpulos nunca los tuvo la derecha. Anarchia 36 es una obra compleja, de gran aparataje escénico, una obra de la realidad de aquellos tiempos del 36 brutalmente ideologizados y sangrientos que no son, por fortuna, los de ahora; ahora es la guerra por medio de la política y la economía; sin ideologías. Realidad o evasión ha sido siempre una vieja polémica; el teatro como testimonio o como divertimento. ¿Por qué no ambas cosas a la vez? ¿Tiene que ser aburrido el teatro de compromiso? Es más fácil hacer un teatro para las señoras que después o antes van a tomar su té con pastas. Pero no debe ser imposible que ambos teatros, el de mesa camilla y el de agitación, convivan en la cartelera. Ahí están Juan Diego Boto y Arturo Fernández, por ejemplo. Cada cual para un público. Los empresarios siempre se inclinarán por la mesa camilla y un vistazo a la cartelera atestigua esa mayoría. Sin embargo algo se mueve en Madrid y supongo que en el resto de España. La realidad interesa a buenos comediógrafos y se dan cuenta de que la realidad puede transformarse. Al hablar de realidad no hablo del realismo mostrenco que convierte la escena, sin mutaciones, en un trozo de realidad. Hablo de una conciencia, de una forma ética y estética de ver la vida. Acaso sea el momento de nuevos autores que piensen que la liberación está en la realidad sustanciada, reflejada. El momento para los nuevos y para los viejos a los que la censura les cortó las alas. w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre Jaume Colomer

El lado oscuro

La programación que debe o puede surgir del diálogo

os espacios escénicos de titularidad pública, de acuerdo con su misión, pueden tener varios objetivos. La programación de producciones escénicas, no es la única función de un teatro aunque sea la más visible y relevante, sobre todo porque el desarrollo de espacios escénicos concebidos como equipamientos culturales de proximidad es un elemento clave de las políticas culturales basadas en el paradigma de la democratización cultural que tiene como objetivo facilitar el acceso de los ciudadanos a prácticas culturales de excelencia. Tradicionalmente la programación es responsabilidad de un programador o director artístico con capacidad para seleccionar las mejores producciones del mercado. La elección se basa en criterios de calidad, aunque a veces debe tener en cuenta otras exigencias políticas y de gestión como llenar la sala o cubrir gastos. Todos sabemos que cuando hablamos de calidad debemos discernir entre calidad absoluta y relativa. La calidad absoluta se puede valorar a partir de los cánones vigentes en el sector profesional de una determinada realidad social. La calidad relativa es la percibida por los públicos en función de sus valores, estéticas y expectativas. El programador debe tener capacidad de análisis de calidad de las producciones del mercado pero también debe poder valorar la adecuación de las mismas a los intereses y necesidades de sus públicos. Vamos a suponer que la mayoría de programadores de los espacios escénicos tienen capacidad para analizar la calidad de los productos escénicos del mercado pero me atrevería a asegurar que pocos conocen los intereses y necesidades de sus públicos, entre otras razones porque muchas veces no saben ni quiénes son, sólo saben cuantas entradas han comprado y cuanto dinero han aportado. El desconocimiento de los públicos es una realidad en la mayoría de espacios escénicos. Seguramente es consecuencia de la generalización de los modelos de programación ilustrados importados de las políticas culturales de democratización junto con el desinterés histórico por los públicos. Hay que añadir también factores organizativos e instrumentales. Algunos responsables de espacios escénicos municipales comentan que sus responsables orgánicos no les autorizan a tener una estrategia comunicativa propia (sólo les conceden una pestaña en la web global del ayuntamiento y son necesarios varios clics para acceder a ella). Pero lo más sorprendente es que les obligan a vender sus entradas a través de sistemas de ticketing externalizado (muchas veces de entidades bancarias) que no les permiten tener ningún dato sobre los espectadores que acceden a la programación, sólo obtienen extractos de ventas. Un espacio escénico debe establecer un sistema cibernético de comunicación basado en tres funciones: la difusión de contenidos, la recepción de demandas y el análisis de flujos y resultados. Si una de estas funciones está mal resuelta la comunicación no es eficaz. Si no sembramos no recogemos, si no recogemos no tiene sentido sembrar, y sin un sistema de análisis andamos a ciegas.

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a) Para la difusión de contenidos podemos mantener algunos productos y canales de la comunicación convencional pero debemos apostar prioritariamente por las herramientas de comunicación digital porque en el momento actual la mayoría de ciudadanos (casi dos tercios en sociedades avanzadas) se informan y comunican por Internet y, además, comporta un coste menor. Los elementos digitales proyectivos más relevantes son los que propone el eMailMarketing (el correo electrónico en el momento actual es el canal de relación más eficiente, especialmente si se usan aplicaciones como MailChimp que simplifican su gestión y aumentan su impacto). En la difusión de contenidos son muy importantes las redes digitales como instrumentos que facilitan procesos virales informativos, prescriptivos y participativos que generan tráfico hacia la web corporativa. También son importantes los blogs como plataformas para compartir opiniones. b) Las acciones de difusión no tienen como objetivo inmediato vender sino generar tráfico hacia los dos elementos receptivos más importantes de nuestro sistema: la web y el punto de atención presencial. La web es el instrumento fundamental: debe estar bien construida para conseguir un buen posicionamiento en las búsquedas de los navegadores, y cuando se llegue a ella se debe poder satisfacer con un solo clic dos tipos de demanda: la de compra de entradas y la de más información (subscripción a la newsletter por ejemplo). El punto de atención presencial sigue siendo muy importante, pero hay que transformar la tradicional taquilla, con su agujero y megafonía hostil, en un espacio relacional amable y funcional para conseguir la atención a demandas de los espectadores, entre otras la compra de entradas, para generar confianza. El objetivo de los elementos receptivos es captar públicos interesados que quieran relacionarse con nosotros y nos faciliten sus datos de contacto y nos autoricen a enviarles propuestas. Según Seth Godin, autor del libro Marketing del permiso, esta es la base de la estrategia del marketing relacional. Una vez los espectadores nos han abierto sus puertas debemos dialogar con ellos. Las aplicaciones tecnológicas nos facilitarán la comunicación personalizada, pero debemos cuidar dos cosas: generar contenidos de valor y regular la frecuencia de los mensajes. La programación surgirá de este diálogo. No concebimos la participación de los espectadores en la confección de la programación como la atención mecánica a sus demandas porque es lógico que pidan contenidos y estéticas que conocen, y esto les impediría conocer nuevas propuestas y ampliar sus intereses y registros estéticos. El diálogo permanente dará muchas pistas al programador para proponer a sus públicos objetivo propuestas que satisfagan sus expectativas. Vuelvo al punto de inicio: el programador profesional debe tener capacidad de análisis de contenidos pero es indispensable que pueda poder valorar, a partir del diálogo permanente, si estos contenidos son adecuados para sus públicos.

octubre

Las Lejanías

Carlos Be

Inspiraciones Praga, 27 de julio de 2013

Praga, 5 de agosto de 2013

entxu Romero me avisa a través de Facebook de que se ha topado conmigo en la portada de Babelia. Pregunto a un par de amigos españoles que viven en Praga dónde puedo comprar el periódico y me envían a los quioscos del centro. Al llegar al pie de la estatua de San Venceslao, me asomo al interior del primer quiosco que encuentro y le pregunto en checo a la mujer: -¿Tiene prensa española? -¿Cuál? -pregunta ella amablemente. -El País. -¡Dos años hace ya que no recibimos nada de España! ¡Dos años, entérese bien! Podría haber empezado por ahí, señora, me entran ganas de decirle, pero la dejo mascullando sola y no tardo en perderla de vista entre la multitud de turistas que andan y tropiezan por Václavák. Bajo por la plaza y no tardo en encontrar a otro quiosquero mucho más amable, enfrente del mercado al aire libre de la calle Havel, que me cuenta que algo pasó entre España y Chequia hace dos años para que dejara de llegar la prensa española, aunque no sabe precisarme qué. De vuelta a casa, me esperan más felicitaciones de amigos y compañeros de profesión. Es un gran reportaje y agradezco de corazón a quien él ya sabe el haberme dado la oportunidad de aparecer en Babelia. A mediodía partimos hacia Lipnice nad Sázavou a visitar la casa natal de Jaroslav Hašek, el autor de El buen soldado Švejk. En la terraza de una taberna cercana a la casa, un grupo de hombres beben, y algunos ya duermen la borrachera estirados en los bancos, vestidos de soldados austrohúngaros. La tanqueta con la que recorren el país está aparcada enfrente de la terraza.

Acaban de encargarme desde Bogotá un relato breve en torno al sacrilegio en el arte. Citando a Oscar Wilde, “no hay libros morales ni libros amorales. No hay más que libros bien escritos o mal escritos. Eso es todo”. De Madrid llegan noticias del entusiasmo y la emoción con que se ha iniciado la segunda y última parte del rodaje de Llueven vacas. Qué lástima no estar allí con ese equipazo de más de treinta personas, pero no se puede estar en misa y repicando, aunque no se diga que un día lo intente y lo consiga.

Praga, 1 de agosto de 2013

Esta temporada no ha podido empezar con mejor pie. Ayer llegó el contrato de Colombia y hoy me han concedido el visado. Por otro lado, ya hemos superado el ecuador de los ensayos de Goodbye Barcelona, que se estrenará el día 26 en el Teatre del Raval, y los siguientes montajes que me esperan se sucederán sin pausa hasta finales de enero. Medio año por delante cerrado a cal y canto. No está mal para alguien que se dedica al teatro independiente.

En Praga todo tiene una historia. Para un escritor, es vivir un sueño. A veces hay que acostarse habiendo renunciado a cinco, diez o más historias. En la pantalla de ordenador centellea la primera versión de Autostop. Me ayuda a concentrarme mantener despejado el escritorio, ahora mismo sólo provisto del ordenador, una lámpara Ikea, un enigmático escorpión en ámbar, regalo de Fernando Bellver, y la imprescindible palmatoria. Quienes han asistido a mis cursos de dramaturgia saben que me gusta escribir con una palmatoria encendida, algo que adopté del maestro Yves Lebeau. El escritorio en sí también tiene su historia. Se trata de un escritorio Lexington, adquirido en una subasta organizada por la embajada estadounidense en Praga. A pesar de que ya esté acostumbrado al ordenador, no hay nada mejor para escribir que el contacto de la piel con la madera y el papel.

Barcelona, 15 de agosto de 2013 Me despierta una traca a las siete de la mañana. Me asomo a la terraza y, desde lo alto, la calle Verdi aparece revestida de colores. En el horizonte, el Mediterráneo permanece ajeno a nuestra existencia. Ya no me acordaba que anoche atravesé Europa con el cielo cruzado de perseidas. Barcelona, 28 de agosto de 2013 Me han denegado el visado para trabajar en Colombia. El consulado requiere el documento original del contrato que ahora mismo se encuentra en algún punto del espacio aéreo comprendido entre Bogotá, Praga y Barcelona. El cónsul me recomienda que aterrice a Bogotá como turista y, una vez instalado en el país, me contrate la universidad. No sirve de nada protestar, la burocracia colombiana se cruza de brazos. Por otra parte, no me sorprende nada su actitud, con lo imposible que les hacemos la vida a los colombianos que quieren venir a España (véase el caso de Gabriel García Márquez). Barcelona, 3 de septiembre de 2013

Barcelona, 9 de septiembre de 2013 Camino por Barcelona, no reconozco sus calles. Se superponen en mi mente con las calles de otras ciudades como Madrid y Praga, y muy pronto Bogotá. Hay noches en las que no sé en qué ciudad vivo; sólo reconozco los teatros. Puede parecer triste pero no lo es, lo que pasa es que mi vida no es tan fácil como la vida de otros, pero como escribió Sándor Márai, “quienes nunca lo tuvimos fácil, nos convertimos en mejores”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre Víctor Criado

Noticias desde los fiordos

Reflexiones surrealistas I “El trabajo de un director de escena consiste en que todos miren al mismo tiempo a lo mismo”.

e este modo se expresaba hace pocas semanas un reconocido director de escena de origen francés en una entrevista. O por lo menos esa era la traducción que el periodista hizo de sus palabras. Había mucho más, es evidente, pero esta afirmación tan rotunda e incuestionable me llamó mucho la atención. Vaya por delante el respeto que me merece dicho director y su trabajo, pero ante afirmaciones tan categóricas sobre el teatro me suele suceder que se me remueve algo por dentro, algo que me impide creerme que eso que, con tanta rotundidad, se afirma sea la verdad. Me quedo en que es una versión de la misma, un trozo del rompecabezas. Hace algunos años un profesor de voz con un CV de aúpa (con títulos, cursos y que había trabajado con el…) me explicó que una frase tiene “sólo” una forma correcta de ser entonada. Otra vez me saltó la chispa; que no, hombre que no, que esa frase se puede decir de muchas formas y todas pueden resultar igual de correctas, siempre que sean orgánicas le respondí convencido… La tuvimos. Se enfadó sobremanera, sobretodo porque mi CV no otorgaba el suficiente crédito a mi contrariada respuesta. Tuve, eso si, la posibilidad empírica de demostrárselo, lo cual, después de varias “formas” distintas de decirlo, con sentido y lógica todas ellas, le obligó (con su silencio) a darme la razón. Pero el gesto se le quedó torcido. Sucede que uno se está tomando un café por la mañana leyendo el periódico, ve la “verdad” de ese director francés arriba mostrada, y siente que ya sabe lo que hay que hacer para hacer teatro. O que ahora se me ha revelado una de las verdades importantes que hay que tener en cuenta si quiero dedicarme a esto. Pues no, afirmo yo desde este privilegiado balcón que Artezblai me ofrece. Como mucho el trabajo de “ese” director consiste en que todos miren al mismo tiempo al… pero de ahí a afirmar que esa es la forma de hacer teatro hay un abismo de posibilidades, algunas ya exploradas y otras por ser descubiertas. Suzanne Osten, con la que estoy terminando de ensayar mi segundo proyecto teatral me muestra cada día otra cosa, que está en las antípodas de lo arriba afirmado: pueden suceder (y a ello se dedica con esmero) varias cosas simultáneamente en el escenario, no en un solo instante sino de modo constante, y que ese es “otro” modo de hacer teatro. Ni mejor, ni peor. O mejor dicho a veces peor y a veces mejor, depende de muchas otras cosas. Sin embargo nunca he oído a Suzanne decir algo parecido a “el teatro consiste en crear imágenes simultáneas para que el espectador elija cómo construir su propia historia”, que es uno de sus objetivos como directora de escena. Si le he oído afirmar “esta es la única forma que sé de hacer teatro. El otro día, en uno de los ensayos, enlazando reflexiones sobre

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la creación nos dijo sin demasiado énfasis, “a veces pienso que el hecho de crear nos permite formar parte de algo más grande que nosotros mismos, creo que esa es una de las razones por las cuales el teatro es importante en nuestra sociedad, porque nos permite experimentar esa sensación de pertenencia a algo más grande del que todos, de un modo u otro, formamos parte.” Quedan menos de diez días para el estreno y hay algo que todavía se me escapa entre los dedos como espuma de baño. No se cómo hemos podido poner en escena un texto teatral sobre Leonora Carrington que, como su vida, es un intenso viaje sobre el surrealismo, la angustia psicótica, el desarraigo y la creación. Esta última palabra con mayúsculas, Creación, que le mantuvo viva hasta los 94 años. Un texto que es un híbrido entre el teatro y una performance, en el cual tres actrices interpretan un rol y un actor todos los hombres (o por lo menos muchos de ellos) que marcaron la vida de Leonora. En menos de una hora, para un máximo de 30 espectadores que compartirán con nosotros el escenario, el viaje que durante ocho semanas de ensayos hemos logrado crear. “El teatro, para mí, es una sucesión de imágenes emocionales” nos comentó Suzanne. Hace unos cuantos años, casi puedo afirmar que hace algunas semanas, me hubiera parecido imposible hacer lo que estamos a punto de estrenar. No tengo distancia ni argumentos para saber cuál es el resultado, cómo va a funcionar con el público. Las personas (muchas, en grupos heterogéneos), que han visto partes de la obra durante este periodo de montaje han disfrutado de la experiencia, de lo que han visto, oído y también formado parte. Más hemos disfrutado nosotros. Por momentos he podido acariciar lo que significa crear en el teatro, haciendo equilibrios ante el abismo de lo desconocido, con el vértigo del ridículo acechando en cada réplica, y al mismo tiempo trascendiendo. Está claro que sin una directora en la que todos confiamos y respetamos a partes iguales, con el prestigio a prueba de dudas y miedo, el viaje hubiera resultado, con casi toda probabilidad, un fracaso. En cambio hay algo que no puedo agarrar con palabras, algo que se escapa a la lógica, a la razón, algo que palpita en la frontera que separa lo conocido del territorio donde habitan los sueños, ese lugar en el que todos los seres humanos, durante las noches, somos creadores, artistas que construimos mundos indescifrables cargados de sentido. A ese lugar nos hemos acercado, para dibujarlo con los pinceles del teatro. El tiempo y el espacio se encogen para viajar del pasado al presente en un instante y viceversa, para mostrar la complejidad del alma humana, más allá del realismo, de la lógica del personaje y la situación. Por eso he decidido alejarme un poco más del país donde gobiernan las afirmaciones rotundas, ahora me adentro en el bosque de dudas entrelazadas, donde pululan hienas con zapatos de tacón, caballitos con alma de témpera y seres humanos que se preguntan si fueras un duende, cómo soñarías.

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El libro teatral toma su merecido protagonismo La FeLIT de México y el Salón del Libro Teatral de Madrid coinciden en octubre

l primero de octubre comienza la Feria del Libro Teatral de México, más conocida como FeLIT que este año celebra su sexta edición y se desarrollará hasta el día 6 en su lugar habitual, bajo las carpas ubicadas en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque. Un emplazamiento adecuado para un evento de estas características debido a que es un complejo en el que se ubican cinco teatros además de las oficinas centrales de la Coordinación Nacional de Teatro del INBA, Instituto Nacional de Bellas Artes, encargada de su organización junto con el Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli –CITRU–, La Universidad Autónoma Metropolitana –UAM– y La Revista Mexicana de Teatro Pasodegato. En el interior de las dos carpas montadas expresamente para esta cita se ubicarán 35 stands de otras tantas editoriales y librerías que mostrarán su fondo editorial. Pero además de la muestra y venta de libros sobre todo lo que acontece al hecho escénico, a lo largo de los seis días de feria se llevarán a cabo una serie de actividades que enriquecen el evento y congregan cada año a un número mayor de público. Tanto en los stands como en los dos escenarios habilitados para ello se irán presentando las novedades editoriales con presencia en muchos casos de sus autores. Cabe destacar que esta edición FELIT esta dedicada a la titiritera, escritora y dramaturga mexicana Mireya Cueto, fallecida el pasado abril. Como reconocimiento a su trayectoria se celebrarán dos mesas redondas en las que se repasará su trabajo artístico y la metodología de creación de sus obras y se presentará el libro ‘La magia de los títeres’, obras completas de títeres para niños y niñas escritas por Cueto. También se pondrá en escena una obra de teatro en miniatura escrita por la dramaturga digirida

por su hijo, Pablo Cueto y se presentará el documental ‘Los juegos y los días’ del cineasta Jorge Liebser. Habrá conferencias y los encuentros y mesas de trabajo que todos los años organiza el CITRU. Tampoco faltará la celebración del IV Ciclo de Dramaturgia para niños y jóvenes que reúne a un buen número de públicos en sus diversas actividades como lecturas teatrales y la puesta en escena de espectáculos teatrales. Otra de las actividades que repite, por cuarto año consecutivo, es el ‘JAM de dramaturga’ una sesión de improvisación libre basada en la interacción entre dramaturgos y público que van creando una dramaturgia a tiempo real. Sin olvidar el ‘IV Rally Teatral’ en el que los dramaturgos, directores y actores participantes realizarán un montaje (desde su concepción hasta su puesta en escena) en tan solo 12 horas. Esta actividad que organiza El Punto Teatro tiene una gran acogida tanto por parte de los creadores e intérpretes como del público. Tras el éxito del año anterior se realizará el segundo concurso ‘Palomazo teatral’ dirigido a estu-

diantes de teatro que participan mediante la presentación de un fragmento de monólogo o escena breve. Por último en el marco de la FeLIT se dará a conocer el trabajo ganador del ‘Premio Internacional de Ensayo Teatral 2013’ que convocan el INBA, la revista mexicana de teatro Paso de Gato, CITRU y la revista de las Artes Escénicas ARTEZ. Salón del Libro Teatral en Madrid

Del 17 al 20 de octubre tendrá lugar en la Nave 16 del Matadero de Madrid el XIV Salón Internacional del Libro Teatral que organiza la Asociación de Autores de Teatro, AAT. Al igual que en la feria mexicana, además de la exposición y venta de las editoriales y librerías presentes, se llevarán a cabo actividades como la presentación de novedades, lecturas dramatizadas y el Concurso ‘Teatro Exprés’ de escritura rápida. Además la AAT dará a conocer la editorial ganadora del ‘Premio a la mejor labor editorial’. w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre Gente de Palabra: Mario Caballero

“Desde hace ya unos años cuento desde mi yo verdadero” Mario Caballero nació en Alicante, vivió su infancia en una casa grande junto a sus cinco primos (a los que considera hermanos) y una hermana. El día que nació en su casa había perdices para cenar y si alguien le preguntaba ¿qué quieres hacer de mayor?, él contestaba “jugar con más niños”. Alguien que se cría con seis hermanos, que la noche de su llegada hay perdices para cenar y que siempre quiso jugar con más niños, tenía su destino escrito.

¿Qué es contar para ti? Ante todo un nirvana personal. Pero también; un “arma”, una forma de aportar, un espacio de encuentro de energías, una liturgia. Cuando se da la magia, es una sensación tan especial que engancha. ¿Cuántos años llevas contando como profesional? Comenzé a contar en octubre de 1993, siempre he cobrado por hacerlo. Pero desde hace ocho años estoy cotizando por la actividad. ¿Cómo fue que comenzaste? Me lo ofrecieron de una editorial de cuyo nombre no quiero acordarme. Aquel día me dieron más de cuarenta títulos y siete días para prepararlos. Opté por pasar ese tiempo trabajando en Tabarca (una isla frente a las costas de Alicante), fue allí, entre la paz de la isla y lo bello de las historias que quedé atra76

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pado por los cuentos. La relación con la editorial tuvo un final feliz, dejé aquel trabajo. Aunque he de reconocer que en aquellos cinco años, y cientos de sesiones, me aportaron mucha perspectiva y tablas. ¿Para qué edades prefieres contar? Sin dudarlo para público infantil y en horario escolar. Todos sabemos que es el público más sincero y complicado, así que no puede haber ningún fallo. Me encanta lo que tiene de reto diario nuestra profesión. ¿Cómo es la cocina de tus cuentos? Mi receta es bien sencilla: Primero compro el libro y lo dejo reposar en la estantería el tiempo necesario (medida a ojo, cada uno necesita su tiempo). Después lo leo desde mi niño, intento que sea una lectura libre, limpia e imaginativa. Lo cierro

y dejo reposar. Transcurridos un par de días lo reescribo sobre mis recuerdos. Por último lo desfogo en una sesión y aquí viene el trabajo de verdad, hay que; medirlo, ajustarlo, cogerle el tempo y lo más difícil, encontrarle un hueco en una sesión. Finalmente termino haciendo una versión del cuento original, no porque me crea mejor que el autor o autora, es simplemente porque las historias están vivas y se transforman con el paso del tiempo. ¿Qué tipo de historias prefieres contar? Pues en estos momentos cuento historias de autor y alguna propia. De lo que me he dado cuenta es que todas las historias que escojo para mi repertorio tienen ventanas. Me explico, tengo bastante querencia a hacer versiones (como he dicho antes) así que un relato que esté muy cerrado no lo incluiré

por muy bien escrito que esté. He reflexionado sobre esto y mi conclusión es que no me llama la atención contar algo tal cual está escrito, pienso que para eso tienen el libro. ¿Desde dónde cuentas? La trayectoria en la narración me ha llevado por etapas. He sido consciente de que lo eran y que debía superarlas aunque no supiera cuál era la siguiente ni dónde estaba la etapa final. Ahora, desde hace ya unos cuantos años, cuento desde mi yo verdadero. Me muestro al público tal como soy, nada de armaduras ni máscaras y me siento más cómodo que nunca, me es reconfortante, me produce una sensación de paz tras cada sesión que he decidido quedarme aquí durante un tiempo largo. Ojalá que para siempre. Al principio cada uno cuenta como puede y no como quiere. Lo importante es en-

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contrarte cada vez más cerca de contar como quieres. ¿Un narrador nace o se hace? Sinceramente no lo sé, he escuchado argumentos que defienden las dos posturas. Lo que tengo claro, en este momento a punto de cumplir mis primeros veinte años de oficio, es que contar te atrapa o no te atrapa y eso se nota encima de un escenario. Contar ¿arte, tradición, terapia, instrumento pedagógico? Pues todo eso y más, sin duda es una manifestación artística. Es tradidición. Es terapia, por ejemplo cuando te encuentras contando para peques en un hospital. Este es quizá uno de los retos más complicados de nuestro trabajo porque cuando un niño entra para una larga estancia en un hospital, entra en un mundo de mayores, sin juegos ni imaginación. Esto se les nota en la mirada y ahí el trabajo es llevarles de vuelta al su mundo de niño, encontrar la clave para sacarlo de todo aquello que le rodea. También es un instrumento pedagógico, pero con esto debemos tener mucho cuidado, podemos intentar transmitir nuestro placer por la lectura mediante la narración pero debe quedar ahí, no podemos después analizar lo que ha retenido el niño de la sesión. Eso pertenece a la comprensión, a lo “formal”, mientras que el placer en esencia pertenece a lo emocional, a lo que no podemos “medir”. Teatro y narración ¿un matrimonio de conveniencia? Depende que cuál sea el enfoque de la reflexión. Si se hace por “imperativos” del mercado, pues claro que sí. Pero si la creación te lleva hacia allí, se convierte en necesidad. Otra cosa es ¿qué has terminado produciendo teatro o cuentos? O incluso cosas más sutiles ¿una sesión de cuentos o un espectáculo de cuentos? ¿Cómo ves este oficio en la actualidad? Primero y principal la crisis actual no nos ha traído ninguna ventaja, eso de que “en las crisis nos reinventamos…etc” que se lo cuenten a su abuela, o que se reinventen ellos (los políticos) que falta les hace. Aunque por naturaleza soy optimista, lo veo jo… complicado. El momento actual les sirve en bandeja poder destruir tejido cultural, sin que nadie repare en ello, con las nefastas consecuencias a futuro. Pero nosotros aquí estamos y estaremos, dando guerra. Cómo gremio, ¿cuáles serían nuestras prioridades en tu opinión? Sin duda, aunar criterios y hablar de estrategias comunes frente a temas urgentes que tenemos encima de la mesa. Tengo la esperanza de que esto llegue pronto y hay que reconocer que, en este sentido, AEDA está haciendo una gran labor. Alguna anécdota de cuentero: Dos muy rápidas: Al acabar una sesión un niño se me acerca y me dice “ me ha encantao”, yo le pregunto ¿qué es lo que más te ha gustado? Y se queda un rato pensando y me dice… el tigre. Lo bueno es que no había tigre en la sesión… Pero qué más da, el lo vió. Otra, al acabar una niña se acerca y me dice “qué guapo eres detrás de los ojos”. Es de lo más bonito que me han dicho en mi vida.

Virginia Imaz w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre Teoría Teatral En ‘La representación de las pasiones. Perspectivas artísticas, filosóficas y científicas’ Guadalupe Soria Tomás, –Doctora en Humanidades por la Universidad UC3M y profesora de Literatura e investigadora de la Universidad Carlos III de Madrid–, parte de la premisa clásica de que existe una correspondencia entre el sentimiento de una emoción y su manifestación externa en el rostro. Entendido este como metáfora del cuerpo, desde la correspondencia emoción-acción física. Una monografía centrada en la búsqueda e indagación de las relaciones y dependencias entre distintos campos del saber con el fin de obtener una mayor comprensión del proceso creativo del arte escénico. Las contribuciones que Soria aporta en esta edición de Dykinson son fruto de diversos trabajos de investigación y las colaboraciones llevadas a cabo con especialistas de varias universidades y distintas áreas de conocimiento (filología, artes escénicas, filosofía y psicología) así como con artistas plásticos y escénicos.

Teoría Teatral

Ricardo Doménech ha publicado ‘El teatro del exilio’ en la editorial Cátedra, un volumen que nace con la intención de ofrecer al público una síntesis clarificadora donde se destaca lo más valioso del teatro del exilio. Para ello Doménech contempla el teatro del exilio desde una perspectiva amplia que tiene en cuenta el mejor teatro de la época de otros países.

‘El teatro como oportunidad’ es un enfoque del teatro terapéutico desde la Gestalt y otras corrientes humanistas. Sus autoras, Mª Laura Fernández e Isabel Montero presentan una investigación teórica de las enseñanzas de maestros como Stanislavski, Meyerhold, Brecht o Artaud y relacionan el teatro enfocado a lo personal. Una edición de Ridgen-Institut Gestalt.

“Del salto al vuelo” es un manual de impro escrito por Omar Argentino Galván y publicado por la editorial 1mprotur dirigido a las personas que comienzan en la improvisación teatral. El libro incluye ejercicios prácticos, experiencias personales y análisis técnico. Omar Argentino Galván es autor, docente y director de improvisación teatral.

Kiosko ADE Teatro Tras las consabidas editoriales firmadas para este número, el 146 de ‘ADE Teatro’, por Alberto Fernández, Torres, M.F. Vieites, Juan Antonio Hormigón y Laura Hormigón, el primer tema es “La contemporaneidad de Brecht” en la que se incluyen artículos del propio Brecht. Le sigue una entrevista con Eduardo Alonso, director de Teatro do Noroeste, un repaso por la vida y obra del creador congoleño Dieudinné Niangouna, que incluye una entrevista con el propio artista, o una serie de artículos sobre el teatro sufragista británico. Dentro de este dosier, se incluye una obra de teatro en un acto escrita por Cicely Hamilton y Christopher St. John, “Cómo se ganó el voto”. Este número incluye además un segundo texto teatral, “El buscón” de Alfonso Zurro, obra que el autor andaluz ha creado a partir del original de Francisco de Quevedo (a la sombra de Don Francisco de Quevedo en palabras de Zurro) y que presenta con el subtítulo de “Andanzas, ingenios y otras historias”.

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Latin American

El número 46 de ‘Latin American Theatre Review’ que publica la Universidad de Kansas, EE.UU. y dirige Jacqueline E. Bixler incluye entre otros artículos sobre las obras “El miedo” y “Decir sí” de Griselda Gambaro o sobre marginalidad y violencia en el teatro argentino actual además de diversas crónicas de festivales como el FIT de Cádiz o el FITEI.

Ataekaria

Ataekaria, la revista de la Asociación de técnicos de las Artes Escénicas informa en su número 57, correspondiente al verano de 2013 de la última asamblea general de la asociación en la que a pesar de la baja asistencia la implicación de los socios presentes propició que se tomarán las decisiones planteadas. El número incluye sus secciones habituales,

Entreacte

La publicación de la AADPC, ‘Entreacte’ ofrece en su número 182 una entrevista con Valère Novarina, un repaso por los festivales de verano como lugares en los que formarse y la segunda parte de la mesa redonda titulada “Nou horizó cultural”. Las secciones habituales y un reportaje sobre las titulaciones artísticas superiores completan este número.

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Estantería Teoría Teatral

Mariela Piedrabuena es la autora de ‘Adicciones: todos a escena’ de la editorial Artes Escénicas, un trabajo en el que el teatro es tratado como eje para prácticas pedagógicas. El teatro como recurso en la prevención en el ámbito comunitario, la promoción de la salud... Con un objetivo claro: despertar las ganas de crear nuevas alternativas.

RGT

La revista galega de teatro RGT ha publicado la traducción al gallego del texto ganador del Premi Born de Teatre 2012, ‘Unha corrente salvaxe, de Raúl Dans. Además en su número 75 se incluyen las entrevistas realizadas a Margarida Troguet, directora del Teatro Municipal Escorxaor de Lleida y a Brontis Jodorowssky junto a crónicas y reportajes.

Texto Teatral

Con ‘Las migas del tiempo’ su autor, Xabi Puerta realiza un viaje a través de la historia de Rusia, desde la revolución comunista y su conversión en la URSS hasta hoy día en la que la nueva Rusia rinde tributo a los despojos del zar y las mafias campan a sus anchas. Una obra publicada recientemente por la editorial Huerga & Fierro dentro de su colección “El teatro puede”.

Publicado por la editorial Ril Editores y la Universidad Finis Terrae de Chile, ‘Jan Fabre. Antología de obras teatrales’ presenta las siguientes obras: ‘Ella era, y es, incluso’, ‘El ángel de la muerte’, ‘El re del plagio’, ‘Dado que’, ‘Soy sangre’ y ‘La historia de las lágrimas’. El libro también incluye una entrevista titulada “Soy un servidor de la belleza”.

Fiestacultura

Por la Danza

Un reportaje sobre las artes de calle en Rusia arranca el número 56 de ‘Fiestacultura’ en el que destacan las crónicas de muchos festivales como el festival burkinabés Rendez vous chez nous, el Suwon Huanseong Fortress Festival de Corea del Sur, Kunsten op Straat de Holanda o más cercanos como Kalealdia de Bilbao, TAC de Valladolid o la Feria de Alcoi.

La revista ‘Por la Danza’ llega a su número 100 y en sus primeras páginas se hace eco de este hecho con las notas que sobre la efeméride escriben compañeros, artistas y creadores del mundo de la danza del panorama nacional e internacional. Entrevistas a Víctor Ullate o Fernando Hurtado además de varios reportajes completan este número.

Texto Teatral Artezblai amplia su colección Biblioteca Teatro Laboratorio con la publicación de ‘La canoa de papel’ de Eugenio Barba. Este tratado de antropología teatral ha sido traducido por Rina Skeel; un texto imprescindible para comprender el hecho escénico en toda su complejidad. Barba, fundador del Odin Teatret afirma que “La Antropología Teatral es el estudio del comportamiento escénico pre-expresivo que se encuentra en la base de los diferentes géneros, estilos y papeles, y de las tradiciones personales o colectivas”. Y es que fue definiendo la Antropología Teatral “observando la capacidad de mis actores de entrar en un determinado esqueleto/piel –es decir un determinado comportamiento escénico, una particular utilización del cuerpo, una técnica específica– y luego salir de este. Este desvestirse y vestirse de la técnica cotidiana a la técnica extra-cotidiana y de la personal a una técnica formalizada asiática, latinoamericana o europea me obligó a formularme preguntas que me llevaron a un nuevo territorio”.

La ratonera El número 38 de ‘La ratonera’ llega con una editorial que jamás deberíamos tener que llegar a leerla y es anuncia la dificultad de poder seguir editándose y lo dice así: “a partir de ahora el destino se presenta frágil y aflictivo, y lo que nos ocurra en adelante será un milagro o una malformación que puede afectar al contenido y formato (presumiblemente, y en el mejor de los casos. Y esperemos que no sea definitiva).” Muy malas noticias de un número en el que se publica el texto teatral ‘No se elige ser un héroe’ de David Desola y al que acompañan varias entrevistas como las realizadas con el propio Desola, la también dramaturga Diana de Paco o Carlos Rivera Díaz fundador del proyecto Teatro Tribueñe. Además entre las más de cien páginas de este número encontramos varias crónicas de diversos festivales y los reportajes sobre el espectáculo ‘El lamento de Blancanieves’ de Olga Mesa o sobre la performance en Asturias entre otros.

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13 octubre Teatro Hispano de Nueva York

El teatro en español gana espacio en las carteleras “Silencio. Silencio, he dicho. ¡Silencio!”. Y los aplausos invadieron el escenario y las actrices saludaron al público. Así termina La Casa de Bernarda Alba en la mayoría de las innumerables representaciones que de este clásico lorquiano se celebran. Sin embargo, dos son las características que traen esta representación en concreto a estas páginas. La primera es que, al salir del teatro y

epertorio Español es la compañía de teatro latino más veterana en Nueva York, fue fundada en el año 1968, y su producción de ‘La casa de Bernarda Alba’ lleva 33 años representándose. Sin embargo, el teatro latino neoyorquino no se limita a Repertorio, pues muchas son las compañías y los grupos teatrales que utilizan el español sobre los escenarios de la capital mundial del teatro. Si echamos un vistazo a los datos del censo del año 2010 conoceremos que, en el estado de Nueva York, el 15.1 por ciento de la población es hispana (2.867.583 habitantes frente una población total de 18.977.457). Y que ese porcentaje aumenta hasta un 27 por ciento si nos centramos en la ciudad de Nueva York (2.160.554 habitantes frente a los 8.008.278 totales). Ni que decir tiene que el número de españoles en estas cifras es muy pequeño, pues la mayoría de inmigrantes de habla hispana procede, en primer lugar, de Puerto Rico y, después, de México y Sudamérica. Una gran población que se expresa en lengua española y una de las ciudades del mundo en la que la actividad teatral es mayor: dos ingredientes perfectos que nos invitan a un apasionante paseo. Y paseando llegamos a nuestra primera parada: el número 65 de la 4th Street, en el Lower East Side. Allí nos espera José Cheo Oliveras, fundador y director artístico del Teatro Círculo, entidad que este año cumple 19 años desde su fundación. Lo primero que nos llama la atención es la cantidad de locales teatrales que hay en esta manzana de edificios. La Mama Theater, Teatro Círculo, IATI Theater, New York Theater

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dejar atrás las blancas paredes de la casa de Bernarda, nos chocamos con un sinfín de taxis amarillos y de rascacielos grises que nos sitúan, sin duda, en Manhattan. La segunda es que, aunque todas las actrices se expresaban en lengua española, cada una de ellas lo hacía con un acento totalmente distinto: mexicano, puertorriqueño, peruano, español…

Workshop… Estamos en el centro de Off Off Broadway, aquellos teatros que, lejos de los grandes musicales y presupuestos, experimentan y trabajan por la innovación del lenguaje escénico. “Nosotros entramos aquí cuando esto era un edificio abandonado, un nido de

La Mama Experimental Theatre

palomas… y, de manera ilegal, trajimos calefacción, iluminación… Luego le compramos por un precio simbólico el local al ayuntamiento y, si lo queremos vender, tendrá que ser a otra compañía de teatro y preferiblemente latina, de tal manera que la actividad cultural se perpetúe más allá de personas concretas”, explica emocionado José Cheo, tras mostrarnos unas refor-

madas instalaciones. La labor de esta compañía, más allá de lo estrictamente teatral, tiene una finalidad social muy determinada. El barrio Lower East Side, en Manhattan, era un barrio pobre, de una mayoría de población latina, que vio como con los planes urbanísticos de los alcaldes Rudolph Giuliani y de Michael Bloomberg encarecían la vivienda hasta precios desorbitados y le obligaba a desplazarse a otros barrios más baratos. La presencia de Teatro Círculo o IATI Theater hace de esta calle un punto de encuentro de la comunidad latina, que siempre regresa para ver teatro en su lengua y realizar otras actividades de carácter cultural. El fundador de esta compañía nos habla de la unión hispanohablante. “Aquí no hay acentos, aquí lo importante es la lengua. No te clasifican por el acento como puertorriqueño, español o mexicano, te clasifican como latino por la lengua que usas. Hay una unidad de la comunidad latina y el teatro tiene mucho que aportar en este sentido”, aclara. Aunque lo más conocido de Nueva York sea Manhattan, uno de los lugares de mayor concentración de población hispana es en el condado de Queens. Allí se encuentra Thalia Theater, dirigido por el español Ángel Gil Orrios desde el año 2000. Este zaragozano que, entre otras muchas cosas, ha sido director en el Teatro María Guerrero o uno de los responsables de la creación del Teatro Nacional de Guatemala y que llegó a Nueva York para investigar acerca del teatro musical comenta: “es importante que la gente que emigró a Estados Unidos no pierda sus raíces, y como la gente joven habla inglés, pues hacemos

octubre las obras bilingües, para que conozcan sus culturas en su lengua habitual”. Esa es la principal característica de Thalia Theater, todas las obras que se estrenan se hacen en las dos lenguas en distintas representaciones, llegando también a aquellos que se comunican en lengua inglesa, algo que en otros teatros, como en Repertorio Español, se soluciona con sobretítulos en inglés en las representaciones. “Muchas veces vienen familias, y algunos miembros son de habla inglesa y otros española, por eso entran todos a dos representaciones, una en cada lengua”, añade. Una alianza para ser más fuertes

En octubre del año 2010 se creó la Alianza de Teatros Latinos de Nueva York, de la que forman parte nueve teatros: Pregones (situado en el Bronx), Repertorio Español, Teatro Rodante Puertorriqueño, Teatro Círculo, INTAR (que presenta sus obras en inglés), Teatro Thalía, el Instituto de Arte Teatral Internacional (IATI), La Tea y la Sociedad Educativa de las Artes (SEA). José Antonio Cruz, productor asociado de Repertorio Español, explica que el principal objetivo de esta iniciativa es “representarnos mejor y que se escuche más al teatro latino y a la comunidad latina en general, unir fuerzas”. La Alianza, de esta manera, consigue

que estas nueve compañías, cada una con su sede propia, compartan los recursos con los que cuentan. José Cheo, desde Teatro Círculo, lanza la siguiente reflexión: “debemos crear una voz unificada ante las cámaras legislativas del estado y de la ciudad. En las próximas elecciones, la comunidad latina ocupará el mayor porcentaje del censo, sin embargo, obtiene muy poca atención por parte de las instituciones. Tenemos que organizarnos para lograr

dores de los principales teatros latinos han dejado paso a sus sucesores cuando, por fin, nos hemos puesto de acuerdo y hemos dejado atrás los sectarismos”. La crisis económica también ha tenido mucho que ver en esta unión, pues desde el año 2008 los estragos de la misma se han notado mucho y, con especial fuerza, en el sector cultural y teatral. “El alcalde Bloomberg, en su cualidad de empresario, se percató del gran volumen de ingresos que los espectáculos aportan, no sólo directamente, también indirectamente, en los comercios, establecimientos de hostelería y de otros servicios que están cercanos a las salas. Ante esto, el teatro latino no había obtenido un trato como se merece, con esta Alianza hemos dado una respuesta”, añade el zaragozano, que se muestra optimista de cara a que esta red se extienda. “Se está creando una alianza similar en California, en Los Ángeles, y también parece que en Lagrimas Negras: Tribulaciones De Una Negrita Acomplejá, Teatro Círculo Miami, en Florida… sería muy importante que se cerrara así las mismas oportunidades que el resto de el triángulo, desde la costa este a la oeste, ciudadanos, y en el teatro pasa lo mismo”. pues podríamos ejercer una mayor presión Un teatro latino que, como vemos, está en y participar en coproducciones”. plena ebullición en Estados Unidos, aunque Especialización en distinsus primeras manifestaciones en la ciudad tos ámbitos se desarrollaran hace ya unos 45 años. Ángel Gil Orrios explica que la Alianza es Si bien es cierto que a todos estos teauna gran noticia, pero que debería habertros y compañías les une su relación con se hecho antes: “ha sido cuando los funda-

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13 octubre la comunidad latina, también es digno de resaltar que cada uno de ellos tiene un ámbito de especialización y actuación determinado. Por un lado, cabe destacar la diferencia enorme de público que se puede encontrar en una ciudad tan grande como Nueva York. Por ejemplo, Thalia Theater se encuentra en Queens, un distrito que cuenta con una población de más de medio millón de habitantes de origen hispano y en el que no hay más teatros que representen en español. Esto les confiere una responsabilidad única que se ve reflejada en la diversidad de actividades culturales que organizan, como talleres de teatro infantiles bilingües o el festival al aire libre que celebran desde hace 19 años en el mes de junio, un referente para la comunidad hispana de Queens. Por otro lado, es llamativa la especialización de cada grupo en las obras que representan. En este sentido, Teatro Círculo se centra principalmente en obras del Siglo de Oro español. José Cheo lo explica así: “una gran parte del equipo somos investigadores, trabajamos en suplir el vacío que se da en la representación del Siglo de Oro desde el siglo XVIII hasta que, al final del XIX, los latinoamericanos nos interesáramos de nuevo por ellas. Se perdieron los modos de actuar de los actores, los ritmos y las estrofas, cómo se interpretaba dependiendo de que el texto estuviera escrito en sonetos, redondillas, décimas reales… Los jóvenes nos interesamos de nuevo por el valor arqueológico de recuperar estas formas”. En esta línea, dentro de su amplia oferta de talleres para actores profesionales, desarrollan uno para actores hispanohablantes llamado Ritmo y Estrofas, que estudia cómo interpretaban los actores áureos en los corrales de comedias españoles. Una de las obras clásicas con la que más éxito cosechó Teatro Círculo fue ‘El caballero del Milagro’, de Lope de Vega, una comedia que no fue representada desde el siglo XIX hasta que en la década de los 80 del siglo pasado se volviera a representar en Madrid. Y que permitió que en un teatro de unas escasas 100 localidades de Manhattan se recreara un corral de comedias español. “Hablaba de un buscón, un 82

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dad, se imparten en español. De esta manera, nuevos actores se forman en nuestra lengua para cubrir una demanda al alza. Para Galli, que además es miembro del importantísimo Actor´s Studio, los actores de habla hispana no se encuentran igual de valorados que los que desempeñan su labor en inglés, “todavía no hay un sindicato de actores y actrices latinos, ni tienen las mismas posibilidades de distribución y difusión de sus trabajos, se les sigue considerando como en un nivel inferior”. Sin embargo, el profesor es optimista, y cree que pronto, el teatro hispano y el anglosajón se unirán en esta ciudad, donde el volumen de hispanohablantes es cada vez mayor. Sobre este tema nos habla Elena Sanz, una actriz española que llegó a Nueva York hace dos años con una beca Fullbright del Ministerio de Cultura. “Tengo la suerte de haber vivido desde los seis años fuera de España, por lo que, a la hora Lagrimas Negras: Tribulaciones De Una Negrita Acomplejá, Teatro Círculo de buscar trabajo, no piensan que soy española y tengo más facilidades. El estereotipo tó la ópera Carmen de Bizet, con el tema español está muy marcado, alguien de piel de la trata de mujeres ilegales en el Lower morena, pelo oscuro y algo de acento”. A East Side y que obtuvo mucho éxito. pesar de ello, Sanz no ha dejado de trabaPor su parte, la compañía Repertorio Esjar. Ha trabajado con Repertorio Español pañol se centra en obras de corte clásico, en ‘El Coordinador’ y ‘La fuerza de la coscomo la ya citada La casa de Bernarda Alba tumbre’ y también ha actuado en lengua o ‘Fuenteovejuna’, así como en adaptacioinglesa en multitud de ocasiones. “En Nuenes de novelas latinoamericanas. “Hemos va York hay muchísimo teatro en español, adaptado bajo la dirección de René Busch pero creo que se debería producir más a grandes novelistas, como a Gabriel García teatro contemporáneo”, explica la actriz, Márquez, a Mario Vargas Llosa o a Isabel quien está en búsqueda de nuevos proyecAllende”, explica José Antonio Cruz, quien tos. “Estamos buscando una productora añade que también dan voz a dramaturgos que quiera producir ‘En la ardiente oscurique desde Nueva York u otras zonas de Esdad’, de Buero Vallejo, creemos que puede tados Unidos escriben en lengua española. tener mucho éxito aquí”. “Se está desarrollando una generación Y es que, sin duda, Nueva York es una muy interesante de dramaturgos jóvenes ciudad en continuo movimiento, una máque no hay que perder de vista”. quina de creación bestial que no deja de También en la universidad trabajar, la capital del teatro mundial. Y allí, bajo los grandes rascacielos, los reflejos de No sólo nuestra lengua ha llegado a los las pantallas de Times Square y frente a los escenarios neoyorkinos, también lo ha heenormes teatros que anuncian casi los mischo a la universidad. Luis Guillermo Galli es mos musicales que la Gran Vía madrileña, la Coordinador de Teatro y Movimiento de la lengua española crece, cambia, crea… La Universidad New School de Nueva York. En comunidad latinoamericana lucha por ser sus clases, enseña interpretación actoral escuchada también desde los escenarios. basándose en el método Stanislavski, sin Sato Díaz embargo, sus clases tienen una peculiaripersonaje que está muy relacionado con esta ciudad”, añade José Cheo. También se estrenó una adaptación de El Quijote, donde los molinos de viento eran las Torres Gemelas derrumbándose, o La Celestina, con música y canciones renacentistas en directo. La otra línea de trabajo principal de esta compañía es el teatro contemporáneo latinoamericano, y en este campo se centran más todavía en el puertorriqueño. Eva Vázquez es una dramaturga que adap-

13 octubre XVI Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo

Una heterogénea programación perfectamente estructurada

©Jose Vicente

na feria tiene clara connotación comercial. Quizá sea ésta la causa principal por la que la Asociación Cultural Civitas Animación, gestora del evento, agrupa las propuestas escénicas en unas tipologías tradicionalmente definidas: adultos, jóvenes, todos los públicos, infantil, publico familiar. Esta clasificación previa determina al espectador y orienta al programador, pero encorseta la labor del cronista. Vaya aquí el reconocimiento a la compañía balear Circ Bover que se alzó con la “Mención Especial al Mejor Espectáculo de Calle” con la obra Circ Trashumant concedida por la Asociación “Amigos del Teatro” de Ciudad Rodrigo, y a la compañía portuguesa We Tum Tum que ha conseguido, por votación popular a través de la Red, ser el mejor espectáculo de calle con el montaje Crassh Street. Asimismo, haya un recuerdo a Teatro Lafauna con De las manos, a Títeres de María Parrato con Caminos, a Hortzmuga Teatroa con Yo estuve allí y no lo contaron como yo lo ví, a Troula Animación con Pachamama, a Sobre Rodas con Sobre Rodas, a Cía. La Furtiva con Zapatos en el aire, a PIA (Proyectos de Intervención Artística) con Passagem, a Bambalúa Teatro con Frankestina, y a Teatrapo con Sfera. Adultos

Quizá, el espectáculo más sorprendente por su comprometido contenido y por una puesta en escena rigurosa lo encontramos en De bestias, criaturas y perras, de 84

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la compañía francesa Le Miroir qui Fume. El texto de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio presenta a dos seres perdedores que se enfrentan el uno al otro en un amor despectivo y sin piedad. Él, hombre-bestia, desprecia y humilla con la palabra a la mujer-perra que responde con crueldad. Fruto de ambos, el hijo-criatura es el “producto” de ese amor ocasional. Un camastro sobre el que pende un espejo con los cristales cuartelados sugiriendo una cruz, un sillón desvencijado y una puerta son los elementos escénicos para dibujar una chabola. Los personajes no se miran cuando hablan, tienen el horizonte perdido en una soledad infinita; se gritan, maltratan y gesticulan en extremo porque se necesitan. El trabajo, dirigido por Giovanni Ortega, posee una potencia dramática que estremece aunque se atisben deseos de ternura y algún hilo de humor. Con un planteamiento escénico clásico, pero de estética contemporánea Cía. Ferroviaria de Alicante propuso y resolvió con precisión El sueño de la razón de A. Buero Vallejo. El texto describe los últimos días de Francisco de Goya en Madrid antes de autoexiliarse a Francia. El tema desarrolla el enfrentamiento de un Goya liberal, partidario de la Ilustración, que es perseguido por el absolutismo del rey Fernando quien tiene la fuerza en el brazo armado de la Inquisición. El montaje da protagonismo al texto aunque está maravillosamente arropado con proyecciones cinéticas que se congelan cuando alcanzan la reproducción pictórica de algún cuadro del pintor. El director Paco

Maciá ha conseguido una fantástica puesta en escena llena de magia y de expresivas escenas. El elenco está a la altura de las circunstancias para mostrar un espectáculo de gran brillantez. La compañía vallisoletana Rayuela inauguró la Feria con Lowers de Carlos Nuevo. Bajo la dirección y dramaturgia de Nina Reglero, el espectáculo juega a ser espectacular en el sentido amplio de término. El escenario reproduce una sala de fiestas con un equipo de músicos en vivo interpretando, en mayor medida, melodías de Cole Porter. Los actores-cantantes participan de una fiesta que intenta sugerir la grandeza y decadencia de una sociedad que nadaba en la opulencia. Metáfora del mundo en crisis en el que vivimos, la obra se alarga, quizá en exceso, presentando sucesivamente varios posibles finales, desde uno que pudiera ser agrio o melancólico a otro caótico donde parece que todo se derrumba hasta el final feliz. En cualquier caso, tanto el trabajo de ambientación como el montaje en general muestran, una vez más, que la compañía posee elementos materiales, componentes personales y medios técnicos que sabe rentabilizar. El mundo de los cómicos, un homenaje a aquellos cómicos de la postguerra española que arrastraban sus grandezas y sus carencias por caminos inciertos, está presente en la representación que la compañía Micomicón hace de La Dama Boba de Lope de Vega. Sin duda, estamos ante un excelente montaje que más que plantear los enredos de la obra de Lope, utiliza la acción meta

octubre teatral para realizar un hermoso juego que describe la vida de aquellos cómicos llenos de hambre y necesitados de comprensión. Laila Ripoll, directora y autora de la versión, ha impuesto soltura a los cómicos para cantar e interpretar los dobles papeles que aportan un aire cercano y popular. En Anomia de Eugenio Amaya, la compañía pacense Aran Dramática baja a la arena de un ruedo ibérico marcado por la corrupción en la clase política. Todo el texto está plagado de frases, argumentos, personajes y situaciones que nos resultan tan evidentes que hasta seríamos capaces de ponerles nombres, apellidos y localizaciones. La puesta en escena se apoya en la palabra, bien resuelta, dentro de una desangelada escenografía que transmite cierto desencanto y soledad. Azar Teatro de Valladolid retomó el texto de Renzo Sicco La última noche de Giordano Bruno que ya hiciera en el año 2002. Ahora es Bruno XXI. Salvo la excelente interpretación del elenco, con garrafales fallos microfónicos, el montaje no aporta una significativa novedad. Garufa Teatro de Salamanca presentó una adaptación de Niebla de Miguel de Unamuno que pretende sintetizar tanto en estética como en contenido pero parece aportar vejez.

viaje a la Luna, y la presencia ante el juez son algunas de las escenas para sacar punta a la crítica social. Un excelente texto de Miguel Murillo, De vacaciones, plantea la crisis económica en una situación tragicómica de un matrimonio que afronta su mes de vacaciones encerrado en su vivienda. Metáfora de la autodestrucción, la obra proyecta una sociedad agobiada por lo material y decadente que vive de las apariencias ante los demás. La compañía extremeña Suripanta afrontó el proyecto escénico con menos resultado que interés. Bramant Teatre de Valencia presentó Eva´s Show en el que tres atractivas mujeres emprenden una especie de viaje urbano en búsqueda de diversión. Entre el juego del cabaret y la performance, el espectáculo da al público la capacidad de decidir entre dos posibles soluciones dramatúrgicas. El espectáculo consigue entretener. En esa misma línea de desenfado y del disparate, hay que ubicar el trabajo de los catalanes Trotam Teatre con James on the Rocks, y el de los madrileños Antropia Teatro con Latidos con H. En ambos casos, la parodia y el buen trabajo gestual son su mejor baza de presentación. Jóvenes y familiar

Trasnoches

La Feria ha institucionalizado una serie de espectáculos ligeros en los que el humor forma parte de su identidad. Son las funciones en el trasnoche que cierran cada jornada. Hay que subrayar que en la presente edición se han dado montajes que van más lejos que la mera frivolidad. Los sevillanos de Síndrome Clown dieron un repaso crítico a la actualidad cotidiana reproduciendo, con sarcasmo y sano humor, situaciones que, por conocidas, no dejan de sorprender. En La prematura muerte de un viajante se juega a hacer teatro dentro del teatro con un aire desenfadado y cierto compromiso ético. El viajante se transforma en emigrante, la funcionalidad del INEM, el

Las sevillanas The Funamviolistas consiguieron el premio “Mención Especial al Mejor Espectáculo de Sala” concedido por la Asociación “Amigos del Teatro” de Ciudad Rodrigo con el trabajo The Funamviolistas. Tres virtuosas del violín, viola y contrabajo, respectivamente, interpretan música en vivo aparte de la danza, el gesto y la canción. Las tres músicas debaten su soledad con la amistad y la constancia en el trabajo aportando dinamismo, ingenio y originalidad. Con idéntica línea multidisciplinar, pero con predominio de la danza y la interpretación actoral, el Ballet Contemporáneo de Burgos presentó Pielescallar. El espectáculo habla de ausencias y soledades en un marco de bellas imágenes. Bye, blue roses

de The Freak Cabaret Circus & Rayuela Lab también se apoya en la danza, en el circo y en la dramatización para hacer un paralelismo dramatúrgico con ‘El zoo de cristal’. En fin, completa esta sección circense multidisciplinar el trabajo de los santanderinos Café de las Artes Teatro con Tacham, la historia del circo ilustrada por la familia Musculini. En este apartado hay que destacar el original montaje de la compañía zamorana Miguelillo con La señorita Lupierre dentro de un pequeño carromato de feria. Una docena de espectadores apiñados en la oscuridad tienen el privilegio de sumergirse en el universo de una magia sencilla pero sublime que permite sensaciones de ingenuidad. Infantil

Los segovianos Teatro Mutis recrearon el mundo de la fantasía en El sótano encantado de Carlos Hernández Camacho, trabajo que obtuvo el premio “Mención Especial al Mejor Espectáculo Infantil” otorgado por la Asociación “Amigos del Teatro” de Ciudad Rodrigo. El espectáculo se convierte en una fiesta de sorpresas, de juegos y canciones con los niños que, cómplices, forman parte de la representación. La granadina La Rous puso en escena un trabajo sin texto, emotivo y lleno de creatividad. En Una niña se hace un canto optimista a la soledad y a la diversidad. El montaje, complejo por los elementos reciclados que entran en juego, está excelentemente resuelto invitando a desarrollar la imaginación a través del amor. Teloncillo Teatro de Valladolid propuso Azul, un espectáculo para los más pequeños jugando con las palabras, los números y las canciones en vivo. El montaje, basado en la sicología evolutiva es un tratado de sicomotricidad. En esta misma línea de juego, Teatro La Sonrisa de Burgos presentó Pompón, un trabajo de colores, música e imaginación.

Manuel Sesma Sanz

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13 octubre XXXV Festival Internacional de Teatro de Manizales

Manizales in the world

anizales situada en la Cordillera Central de los Andes, junto con Pereira y Armenia forman el eje cafetero colombiano, lo que ha hecho que sea una ciudad próspera y dinámica. Fue fundada en 1849 por colonos antioqueños que heroicamente fueron capaces de fundar una ciudad a 2.600 metros de altura sobre el nivel del mar. Los fundadores son considerados en Manizales personas aguerridas, admiradas y repetidamente homenajeadas. El teatro principal de la ciudad se llama, precisamente, Teatro Los Fundadores. El Festival Internacional de Teatro de Manizales nació en 1968, como un espacio para la libertad de expresión y para la revolución latinoamericana. Mientras las dictaduras sembraban el terror en Latinoamérica y en medio mundo, en Manizales los jóvenes se juntan, reflexionan, comparten y debaten en largas jornadas en las que van dibujando los caminos que llevarán a la renovación de las estéticas y sobre todo de los discursos y de los conceptos. Manizales fue el germen de un teatro popular que comenzó a dirigirse a un público distinto. Se alejó del público burgués acomodado y empezó a buscar al público obrero. Los lenguajes son claros y contundentes. Es un teatro de contestación y protesta que busca la creación de nuevos públicos más críticos y exigentes. En cuatro años Manizales ya era una referencia: Pablo Neruda, Grotowski, Vargas Llosa, José Mauleón intervienen en interminables coloquios que duraban días y noches. La Cuadra de Sevilla, Teatro de La Candelaria, Teatro Libre de Argentina,…l os grandes grupos creativos del momento, germen del teatro profesional posterior, fueron conforman-

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do un teatro político y comprometido que ciertamente incomodaba. El Festival fue cortado de cuajo con una suspensión que duró once años prolongándose hasta 1984. El Festival de Manizales es un compromiso con el desarrollo y evolución del teatro en Latinoamérica. El camino sigue abierto, existe una responsabilidad histórica. ¿Cómo responde el 35º festival cuarenta y dos años más tarde? Las claves de esta edición de 2013 nos hacen pensar sobre la importancia y la influencia de Manizales en las artes escénicas latinoamericanas cuatro décadas más tarde (se dice fácil). La primera clave: la programación ha propuesto nuevos nombres de la dramaturgia y del teatro latinoamericano. Una generación emergente, para intentar llegar a vislumbrar los nuevos caminos del teatro en este continente. Jóvenes creadores que no pasa ninguno de los 30 años. La segunda: el compromiso en el desarrollo de las artes de calle organizando el II Encuentro Iberoamericano en donde ha habido encuentros, debates, cursos y talleres y foros de negocios. Han participado más de 16 agrupaciones de calle manteniendo un buen nivel artístico. La tercera: el especial apoyo al circo supone un paso adelante en su modernización y en su profesionalización y desarrollo. En sintonía con las políticas de un departamento ministerial de teatro y circo que van a convertirse en un modelo de

intervención institucional en el Arte. Ya sabemos que con estos señores no se relaciona Wert porque él toma “relaxing cup of café con leche in Madrid of Austrias” con su amiga. ¡Qué pena!. La cuarta: el esfuerzo y la voluntad de investigar organizando el Encuentro de investigadores teatrales Transit con 18 ponentes internacionales y 6 ponentes colombianos y una asistencia de más de 200 estudiantes de teatro provenientes de todo Colombia. Y la quinta: un nivel de calidad artístico importante. Destacamos Bienvenido a casa de la compañía Pequeño Teatro de Morondanga (Uruguay), dirección de Roberto Suarez, La Mitad de Dios, estreno de la compañía Comedia Nacional de Uruguay, escrita y dirigida por Gabriel Calderón, Maleza de la compañía chilena Teatro Móvil bajo la dirección de Muriel Miranda, Morir de amor de Jorge Hugo Marín por la compañía La Maldita Vanidad (Colombia), Apesta de Exilia2 teatro de Colombia con dirección de Víctor Quesada, Romeo y Julieta de Diego Aramburo de Kikinteatr de Bolivia, Caleidoscopio de Carlos Gallego por Teatro de la Vuelta (Ecuador) y citaremos al final Transit de María Rovira que presentó una Carmen racial. No me quiero olvidar de nuestros queridísimos Miguel Olmeda y Txubio Fernández de Pinedo de Zanguango que presentaron con gran éxito su espectáculo titulado Aquí va a pasar algo. Las Artes de la Calle siempre han sido importantes en el Festival de Manizales. En la última década la apuesta ha sido más decidida. Las artes de la calle, un hecho extraordinario que invade lo cotidiano, capaces de crear espacios abiertos, libres de normas, y provocar el mestizaje artístico y multicultural. Capaces de crear nuevos pú-

octubre blicos y de acercar nuevos confidentes a lo escénico. Las calles son invadidas por los sueños. Las artes de la calle pueden realizar preguntas, ofrecer ideas, crear belleza o sorpresa. Las artes de la calle no tienen barreras con el espectador. El actor provoca, el público reacciona y la ciudad a modo de escenario los acoge creando siempre una mirada nueva y renovada. Manizales ha contribuido activamente en la renovación de los conceptos y de las estéticas en las Artes de la Calle confrontando artistas de aquí y de allá, promocionando el encuentro y el contacto entre ellos. Se han organizado distintos talleres sobre el tema: Gestión de Artes de la Calle, Producción escénica, Gestión de giras internacionales,… Ha ido proponiendo alejarse de la animación para entrar de lleno en nuevas dramaturgías y nuevas maneras de entenderlo. El circo ha tenido un status especial durante este festival. Se está trabajando seriamente en la renovación y desarrollo del circo colombiano. La superación de antiguos esquemas en el circo es uno de los retos del Ministerio de Cultura y es una de las aportaciones importantes de la edición de este año del festival: se han confrontado conceptos y estéticas a través de una exhibición bien seleccionada y a través de actividades formativas y educativas. El Encuentro Internacional de Investigación en Artes Escénicas organizado por el festival en colaboración con la Universidad de Caldas y con La Salle College ha aunado esfuerzos con el objeto de fortalecer el diálogo entre profesores, creadores e investigadores en Artes escénicas. El eje central ha sido estudiar el impacto del cuerpo y de las tecnologías en las artes escénicas de hoy día. Conferencias, experiencias, foros y debates han ido desgranando distintos aspectos planteados en el encuentro por más de una veintena de profesores e investigadores provenientes de todo América y Europa. En cuanto a la exhibición de espectáculos me permito realizar un pequeño resumen que sirva como apunte y muestra de lo que ha sucedido este año en el festival. Romeo y Julieta de Aramburo de la Compañía Kiknteatr (Bolivia). Diego Aramburo, Premio Nacional de Teatro en Bolivia, es el director de la compañía y director de este

espectáculo que plantea de una manera directa y muy contemporánea ¿cómo es el amor hoy día?, ¿cómo son los adolescentes?, ¿cómo se vive el romanticismo?. Todas estas preguntas son el punto de partida de un trabajo extremo y radical. La Mitad de Dios, dramaturgia y dirección de Gabriel Calderón por Comedia Nacional (Uruguay). La Comedia Nacional es el único elenco teatral público que existe en Uruguay y una de las compañías de actores más antiguas de América. Han confiado, en esta puesta en escena, en Gabriel Calderón,

además de actor, dramaturgo y director de escena. Morir de amor se representa en la casa familiar en la que se improvisa un velatorio ante la repentina muerte de uno de sus miembros. El público se convierte en asistente al velatorio en el que se evidencia la incomunicación, la evasión y los tabúes en el núcleo familiar. Se hacen visibles conductas y conflictos que en la sociedad se tiende a ocultar e ignorar. No por ello, dejan de existir o desaparecen. Han pasado más de cuarenta años y el Festival de Manizales ha ido adaptándose a la realidad sociocultural y política latinoamericana para seguir aportando y cuestionando lo que las Artes escénicas son y lo que deberían ser en la Sociedad. El compromiso, la colaboración y la honestidad son el camino marcado por un Festival fiel a su historia, consciente de su presente y autocrítico con el futuro. Consciente que puede aportar una luz desde el encuentro y la cooperación para incidir positivamente en los años venideros. Sin perder el Norte, un Norte colomAlmacenados ©Gerardo Ismael Garzón Calvo. biano, verde y puro que un revulsivo del teatro uruguayo, un fenóhay que preservar. Manizales y su festival meno latinoamericano llamado a marcar un ponen las pilas a los locos por las artes antes y un después en el teatro mundial. escénicas. Colombia ayuda a encontrarte Gabriel, que ronda los treinta, es integranuna y otra vez con Latinoamérica, con sus te y cofundador de la compañía uruguaya gentes, con su sentir, con la verdad de un COMPLOT. Ha creado espectáculos tan immundo que casi siempre nos lo cuentan de portantes como Muñequita o EX. Premio una manera muy distinta a como realmente Nacional de Teatro en Uruguay, Premio a Jóes. Dedico este artículo a Manizales, a esas venes talentos…Miembro del Lincoln Cengentes que han mirado a Latinoamérica con ter Theater y artista residente del Théâtre la admiración que merece, a los que son des Quartiersd’Ivry en París. En La Mitad capaces de contrastar sus ideas con otras de Dios se atreven a cuestionar el papel de sensibilidades y culturas para avanzar, para la Iglesia Católica en el mundo y su actitud mejorar y dedico este artículo a la manizaante los problemas reales que amenazan a leña de mi corazón. las personas hoy en día. Lo hacen con una Manizales, el festival más antiguo del conactitud crítica hacia la Institución no en lo tinente, sigue siendo una gran fiesta teatral coyuntural sino en lo estructural. Concepque ha celebrado por partida doble, sus 45 tualmente radical, formalmente impecable. años de existencia y su edición número 35 No exento de realidad, sensatez y valentía. tanto en sala como en las calles. Las salas Morir de amor, dramaturgia y dirección y teatros de la ciudad llenos de público y de Jorge Hugo Marín. Compañía: La Maldide público joven: España, Turquía, México, ta Vanidad (Colombia). La Maldita Vanidad República Dominicana, Brasil, Bolivia, Ecuafue creada como un laboratorio de artistas dor, Chile, Colombia, Euskadi y como ciudad jóvenes que presentan sus propuestas en invitada, Montevideo, declarada Capital Ibeespacios no convencionales. El espectador roamericana de la Cultura 2013. El año que se convierte en un voyeur. Jorge Hugo Maviene será la 36. ¡No se lo pierdan! rín, nacido en Medellín, es Maestro en Arte Norka Chiapusso Dramático de la Universidad de Antioquía w w w. a r t e z b l a i . c o m

13 octubre FiraTàrrega - 2013

Cada vez se parece más a una fiesta del teatro contemporáneo

alga la redundancia, Tàrrega es Fira, Festa y Festival. Y cada vez se asemeja más a lo que debe ser una plataforma de estas características instaurada en una opción descaradamente contemporánea. Es el mejor escaparate de los nuevos lenguajes, de las dramaturgias más avanzadas, de los riesgos estéticos, de las producciones más novedosas. Eso sí, sin olvidarse de lo más tradicional, de lo que necesita de la confrontación frente a públicos extensos, variados, más permeables a lo convencional. Estamos ante una elección programática que marca un discurso, que dialoga con unos programadores de festivales internacionales que buscan otros lenguajes más acordes con los nuevos públicos que existen, y los reconocemos porque los vemos en Tàrrega, disfrutando de lo actual. En esa orgía de ofertas donde prima la combinación de todos los lenguajes escénicos , todas las artes escénicas, todos los géneros, formatos y experiencias. Todas las artes escénicas y visuales se pusieron al servicio de Transforma-T, que la compañía de danza Nats Nuts ha creado de la mano de Toni Mira para la inauguración en una coproducción de la propia Fira junto al Ayuntamiento de Zaragoza. Una estructura metálica que se plantea para una visión de trescientos sesenta grados, en donde los intérpretes deben prolongar sus gestualidades, las coreografías son terrenales, para volverse aéreas y verticales, y llegar a una fusión con los vídeos y las músicas, que es cuando logra la máxima capacidad evocativa, sus momentos de alta tensión y con todo el aparato escenográ88

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instalación abierta, una propuesta para reflexionar y pensar. Hemos visto mucho teatro de acción, físico, con técnicas diversas, como la danza preciosita pero ‘hard’ de Marco Vargas & Chloé Brûlé y su Por casualidad donde siguen con su danza fusión siempre sorprendente por su profundidad y su belleza. O un montaje muy ‘soft’ de Teatrapo y su Sfera, muy formal, una sucesión de imágenes entre la gimnasia rítmica y el circo más primario. Y nos encontramos con dramaturgias narrativas, en este caso con dos propuestas provenientes de México, país invitado. Una con alumnos recién egresados de la Universidad, dirigidos por Ernesto Collado, en una creación colectiva, en que los supuestos datos biográficos de actores y actrices dan una estructura emocional. Teatro fragmentario, con unas dosis muy bien distriBaños Roma buidas de humor ácido, con un mensaje claro, una mirada a su fico desplegado. Media hora intensa, de México actual, en un montaje que divierte menos a más. Con imágenes bellas, de una por su frescura y en el que se apuntan muy gran potencia de comunicación. buenas maneras de varios de los jóvenes Esteve Soler es uno de los autores conactores. temporáneos catalanes más traducido y Uno de los platos fuertes de esta edirepresentado por toda Europa. En Tàrrega ción estuvo en Baños Roma, de los también mexicanos Teatro Línea de Sombra, que utiofreció un experimento casi secreto, su inlizan claves de la narraturgia, es decir nacalificable con palabras al uso propuesta rrar casi con detalle documental momentos se llama “Contra la ciudad”, y son instade la creación, anécdotas mezcladas con laciones, palabras, alteraciones de señales datos biográficos de un campeón de boxeo de tráfico, carteles distribuidos por todo de origen cubano nacionalizado mexicano, Tàrrega que forman un viaje imaginario José Ángel ‘Mantequilla’ Nápoles, y que vive pero tangible a partir de una dramaturgia en Ciudad Juárez. A través de documentos invisible, pero expresada de manera conperiodísticos, de entrevistas con el boxeatundente a base de signos de diferentes dor y su compañera, se hace un retrato de lenguajes repartidos por lugares emblela violencia en México que abruma por su máticos y simbólicos de la ciudad. Es una

octubre eficacia y por su don teatral. La lluvia, el viento, son dos elementos naturales que dañan la actividad teatral en la calle. Pero cuando se concentran tantas almas con ganas de disfrutar de sus artistas, crean una suerte de manto protector y hacen que si la lluvia no es tormentosa, y el viento huracanado, se aguanta a pie de puente que sostiene el trapecio o las telas. Y los artistas saben que con esa lluvia intermitente, pero suficiente para crear mayores dificultades en sus ejercicios, no puede bajarse de las alturas y dar por terminado su espectáculo, porque esos públicos los llevan con su presencia a apurar el riesgo. Sucedió con Lorrojo y su Static, un número de acrobacias musicales, muy bien conjuntado y en el pase presenciado, con el riesgo añadido de esa pertinaz agua, a modo de calabobos, pero que consiguió la comunión con un público de la hora de vermú compuesto, en general, por núcleos familiares. Y es que una de las características de Tàrrega es que conviven los cientos de profesionales, los feriantes, con públicos jóvenes y familiares. Es una cita cultural, estrictamente teatral, pero que es tomada a su vez como una fiesta, especialmente en los espacios dedicados al circo y en los espectáculos abiertos para todos los públi-

Por Casualidad

cos. Aglomeraciones, niños a hombros de sus padres, niñas siguiendo con atención casi mística la actuación de una bailarina o de unos payasos. O directamente para disfrutar de los mil y un juegos de los variados parques o de atracciones de tracción animal, es decir del esfuerzo de los humanos para que gire el carrusel. Espacios en donde se crean instrumentos, nuevos juguetes, como la compañía Guixot de 8 con el reciclaje de todo tipo de materiales. Para ejercitar la imaginación. La danza en todas sus expresiones ha ido ganando espacio en las calles y plazas, y el caso es que dos de la piezas del Euskal Teatroa, eran danza, dos estilos diferentes, muy urbano de la mano de Ertza con su 4x4, o con un lenguaje mucho más sofisticado con el Carnaval de la compañía Cielo Raso”. Pero el feriante debe zapatillear mucho, ir

de una punta a otra, en ocasiones para ver algo fugazmente, otras para impacientarse. Vemos a dos locos chiflados jugando al Golf, perdón en su lenguaje se llama Glof y del grupo JAM, dos clowns modernos, alterando el discurrir normal de la ciudad. O a los Jashgawronsky Brothers, con su Transh!, un teatro musical itinerante, en ocasiones delirante con una fantástica banda musical. O nos sigue conmoviendo las actuaciones de la Fundación Chimigagua, con su circo básico, una compañía colombiana que a sus valores artísticos se le debe añadir su valor como elemento de ayuda a jóvenes con problemas familiares estructurales que acaban formando parte de una familia circense, que encuentran una profesión y un futuro. Lo importante es lo que hacen, pero no está de más saber de dónde vienen y cómo lo hacen. Parco resumen de los espectáculos que consideramos más significativos de los presenciados, porque se dieron decenas más, algunos los vimos de reojo, otros unos minutos, pero en Tàrrega se mueven varias capas, varios espacios de interés coincidentes en el tiempo. Las relaciones o las transaciones comerciales. Las presentaciones, los saludos, los recuerdos, los encuentros y compromisos adquiridos previamente más los sobrevenidos. Esperamos que siga en esta línea programática. Organizativamente parece estabåilizada. Las apuestas por lo nuevo son siempre una buena inversión. Carlos Gil Zamora

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13 octubre XIV Cena Contemporânea - Brasilia

Reflexionar entre tanta acción ayuda a crecer y convencer(se)

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de Remo Produçoes nos habla en un lenguaje convencional, pero buscando una estructura diferente, sobre el amor, sobre la vida de dos mujeres, sobre sus relaciones. Una buena interpretación y una dirección medida en un espacio escénico atractivo. Nos sobrepasó el idioma empleado, la dureza léxica de Recusa de Teatro Balagan, aunque nos interesó mucho su planteamiento escénico, el trabajo actoral, la indagación textual e interpretativa. Un trabajo con ambición estética. Más lejano se nos quedó A primera vista dirigida por Enrique Díaz con dos actrices teatralmente sutiles, pero que se dedicaban a merodear por los sentimientos, las acciones físicas incompletas y una cierta retórica escénica. Quizás no tan excesiva como la planteada por Bruno Bayen, en una versión francesa de La femme que tua les poissons el clásico texto de Clarice Lispector, mostrado de manera muy infantil y superficial a nuestro entender, pese a la entidad actoral de Emmanuelle Lafon. Dos coreografías de la Berreishit Dance Company nos mostraron el buen nivel técnico en lo contemporáneo de los jóvenes coreógrafos y bailarines coreanos. Lo mismo que nos dejaron buen sabor de boca los dos jóvenes actores de Antes da juva, con una bella historia de amor inspirada en una narración de García Márquez. La Agrupaçao Teatral Amacaca de Brasilia ofreció un divertido espectáculo, Esaio Geral, basado en textos de varios autores expresados en clave de comedia musical bajo la batuta de Hugo Rodas. Un trabajo libertino, con estética setentera, muy vital y con gran capacidad comunicativa debido a la positiva energía que transmite. Esaio Geral

a visita anual al Festival Internacional de Teatro, Cena Contemporânea de Brasilia significa un baño en la realidad teatral brasiliense y brasileña, pero además, sirve para disfrutar de uno de los festivales en los que se mantienen señas de identidad como la convivencia, la implicación directa y activa de los profesionales y estudiantes locales de teatro en talleres y conferencias y el poder tener un espacio para la reflexión, planteada no como un encuentro para el autoconvencimiento, sino para la exploración de las relaciones entre la cultura, las artes escénicas y la sociedad. Un diálogo que siempre aporta al visitante nuevas perspectivas y que en esta ocasión al ser uno de los sujetos implicados la ciudad, la dialéctica entre arte, crecimiento sostenible, ciudad y acontecimiento, uno acabó convencido de que es la cultura uno de los elementos fundamentales para la cohesión de una ciudadanía aunque hay que entender sin engaños que estamos hablando de unas clases medias ilustradas que son quienes la hacen, la reciben, la provocan y la disfrutan. Un tema para seguir pensando ya que podemos estar ante una de las claves para entender los crecimientos de las urbes, los conceptos urbanísticos más modernos y la importancia que los edificios y las actividades culturales tienen para los desarrollos locales. Las actividades fundamentales son las programaciones, los espectáculos, de los que pudimos ver esa experiencia tan curiosa de participación, como es Dominio Público de Roger Bernat, en donde son los propios espectadores quienes actúan al distado de una voz que se recibe por cascos y van tomando partido siguiendo las instrucciones de esa voz que los conduce

a tomar decisiones estadísticas según van contestando una curiosa encuesta. Teatro participativo, que conforma una especial manera de entender la dramaturgia incompleta, y que se presentó en Brasilia con su otra obra de estructura similar, Pendiente de voto que en alguno de sus pases levantó encendidas polémicas entre los participantes. En otro registro, pero también en un territorio experimental, con la duda que prevalece tras semanas de verlo es Materia Prima de La Tristura, ese sueño escénico realizado por unos niños, en donde todo suena a juego, que hablan de asuntos de una importancia vital, que nos dejan siempre entrecomillados y que en su puesta en escena no encontramos más asidero que algunos momentos muy teatralizados. Nos sume en una profunda zozobra conceptual al no encontrar visos de desarrollo artístico más allá de lo tangible. Gozamos de Murga Madre de Fernando Toja, un espectáculo uruguayo basado en las murgas carnavalescas que nos plantea un ejercicio de estilo grotesco a partir de un lenguaje popular pero logrando, gracias a un buen trabajo actoral, un discurso escénico que sobrepasa este localismo para agrandarse y llevarnos a otros estamentos críticos. En otro registro mucho más teatral, más textual, Duas mulheres em preto e branco

Carlos Gil Zamora