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14 mayo junio Carlos Gil Zamora

Añadamos unas gotas de optimismo racional: esto no tiene remedio

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ecididamente, lo nuestro no tiene remedio. Manejamos apenas cuatro conceptos viejos para intentar mantener esa maldita forma del conformismo que se conoce como esperanza, la que tantas frustraciones y ludópatas ha fabricado como una máquina de alienación consentida y refulgente. Ajenos a cualquier noción esperanzadora, operemos en el campo de la realidad, del posibilismo más extremo y rompedor y avancemos hacia la derrota final.

Estamos inmersos en una campaña electoral para el Parlamento Europeo.

Ya sabemos los candidatos, ya sabemos de que acusan a los contrarios, pero no tenemos ni idea de algún planteamiento renovador de conceptos que nos afecte como ciudadanos. Y la reglamentación europea nos afecta, y mucho, para el desarrollo de ciertos proyectos culturales. Existe un marco europeo en el que apenas mantenemos iniciativas ni privadas, ni públicas, ni institucionales. Quizás uno de los mayores signos de nuestra irrelevancia cultural y social sea que no nos importan las elecciones, que desconocemos de manera olímpica lo que es ser europeo más allá de la moneda única, y de algunas disposiciones sobre agricultura. Pero sobre la Cultura, sobre las posibilidades de desarrollar programas conjuntos, de integrarse en un ámbito de circulación de proyectos, nos queda lejos, es como si no fuera con nosotros.

Me temo que a Europa se mira para ver convocatorias de subvenciones y ayudas. Se crean asociaciones impuras con el único objetivo de buscar fondos, aunque posteriormente sea difícil cumplir con lo proyectado y se den disgustos muy grandes, porque la reglamentación europea es muy estricta. ¿Sería Europa una lugar apropiado para un desarrollo más compensado de las artes es-

cénicas estatales? La respuesta queda en el aire.

Pero no existen líneas claras. Sabemos que se cumplen ordenanzas comunitarias en las convocatorias de subvenciones y ayudas ya que cualquier ciudadano de la UE, puede acceder a las ayudas sea en el país que sea. La impresión es que la mayoría de gestores, instituciones, grupos, compañías o productoras, desconocen más que saben sobre las posibilidades de colaboración entre entidades europeas. Y existen. Y hay unos pocos que están disfrutando de esos programas.

Pero no hay una difusión suficiente, no se preocupan los responsables locales, regionales o estatales de hacer llegar esas convocatorias al común de los optantes. Se abre una posibilidad para explorar, no le demos más vueltas.

Porque es difícil poder buscar colaboración con Polonia, es un suponer, si en la práctica es casi imposible colaborar entre Calahorra y Puertollano. El sistema actual en el que las unidades referenciales son comunidades autónomas con las competencias de Cultura asumidas, junto a la intervención de un Ministerio de Cultura y sus unidades de producción para Madrid, sus subvenciones y ayudas que deben camuflarse para giras porque no es legal que sea para la producción, con el parche de Platea, que es una aspirina para curar una enfermedad grave, se ha agotado. No da más de sí. Por mucho que nos empeñemos.

Pero seguirá intacto, porque los optimistas nos hemos dado cuenta fehacientemente de que esto no tiene remedio. Y como no tiene remedio un día reventará, y todos los que ahora babean por las migajas, los que están muertos de miedo rindiendo pleitesías a inútiles y soberbios, los que se venden por un bolito mal pagado, se

Número: 197 - año 18 · Mayo / Junio 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Fotografía del espectáculo Indomador de Animal Religion

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Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

Opinión 4 - 5 6 7 60 61 62 - 63 64-65 66 67 68 69 70

Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El lado oscuro – Jaume Colomer Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be El método griego – María Chatziemmanoui

Festivales 10 - 13 14 - 16 18 - 19 20 - 21 22 - 23 24 - 25 26 28 30 32 34 36 40 41 42

XV Umore Azoka 2014 - Leioa XV Festival Int. de Teatro y Artes de Calle - Valladolid XIX Festival Int de Clowns y Payas@s - Arrigorriaga XII Fest. Int. Teatro de Palco y Rua - Belo Horizonte XXIV Mostra de Teatre d´Alcoi XXV Fira de Titelles de Lleida XXVII FITCarrer de Vila-real X Lekuz Leku - Fest. Int. danza en paisajes urbanos VII Circolmedo - Muestra de Artes Circenses XXX Muestra de Teatro escolar del Bajo Deba Trapezi - Fira del Circ de Catalunya XXXVII Festival de Teatro de El Ejido IX Haizetara - Certamen Int. de Bandas Callejeras XXVII Fest. Int. de Expressâo Ibérica de Oporto Miscelánea de festivales

Estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

44 - 45 Para morirse deprisa / Barre buruaz beste egiteko (HappyEnd) de Vaivén Producciones 46 Jauzi hirukoitza / Triple salto de Pikor Teatro 47 Barbecho de Natxo Montero_Danza 48- 50 Miscelánea de estrenos

índice

despertarán de repente ante el estruendo y como son muy buenos para el disfraz dirán que ya era hora, que eso es por lo que ellos estaban luchando. Y todos tan contentos.

Y seguramente tienen razón: estamos en el mejor mundo posible. Lo decimos con un optimismo casi radical. Todo puede ir a peor y como nadie ejerce resistencia alguna para impedir que los que toman las decisiones lo hagan con total impunidad, todo irá a peor.

Han triunfado las tesis de los comerciantes, se va despojado de cualquier sentido cultural a las artes escénicas. Con mucha afición.

No es un asunto de crisis económica, sino de lucha ideológica. Están desmontando lo construido con la complicidad de demasiados individuos que hacen ver que son de los nuestros y solamente son de ellos. Que hablan de sus asuntos y problemas como si fueran los del teatro, y no es cierto.

En este camino de destrucción total, llegaremos al punto cero desde el que habrá que volver a edificar un entramado legal, administrativo en donde prime lo cultural, lo artístico y desde maneras de gestión democráticas. Un día llegará, como llegan tantas cosas.

Mientras tanto suframos en silencio, no sea que nos quiten algo más. Somos unos miserables que nos vestimos pomposamente, que manejamos cuatro tópicos para figurar, pero la realidad nos atropella. Miren las programaciones, los festivales, vean como unos pocos, a lo que llamos el oligopolio, se está haciendo con todo.

TODO. Y nosotros a besarles las manos a esos farsantes.

Pero este número de la revista viene cargado de información sobre festivales, estrenos, giras, crónicas. Siguen existiendo. Hay una inercia imparable. Hasta hay voluntad de subsistencia. Se hace todo con menos presupuesto, en peores condiciones, pero se ha decidido que es mejor hacerlo así que parar y hacerlo cuando se pueda como desearíamos. Es una postura posibilista. La admitimos, la apoyamos. Es nuestra propia circunstancia. Hacemos la revista que podemos hacer, en las peores condiciones desde nuestros inicios.

Y la hacemos con la misma pasión que si estuviéramos en nuestro mejor momento. No podemos defraudar a nuestros compinches, a quienes siguen confiando en nosotros como canal de difusión de sus actos. Venimos de muchos festivales, de por aquí, del otro lado del Atlántico y allí volveremos gracias al interés de esos festivales. Nosotros no podemos contar con ayudas de estatales para movernos. Están para otras cosas, otros asuntos, otros intereses.

Lo aceptamos serenamente, pero nos parece que se trata de un castigo, de una actitud muy poco presentable.

Por lo tanto, sabiendo que esto no tiene remedio, crece nuestro optimismo. El Teatro no morirá nunca. El Teatro se extenderá de manera infecciosa por la sociedad, se transformará en sus formas, llegarán nuevos creadores, nuevos gestores que no tengan tanta carga nociva, ni rémoras paralizantes. Llegarán otros periodistas, otros críticos. Y si son tan dóciles como ahora, seguro que los sentarán en la mesa con los ricos y los que deciden. Son muy generosos con los tibios y aduladores. Les harán sentirse importantes siempre que no cuestionen absolutamente nada de lo que se hace y, sobre todo, de lo que no se hace, que es ahí dónde está el meollo de la cuestión.

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En gira 52 - 56 Programaciones varias

Zona abierta 58 - 59 Premios Max de las Artes Escénicas 2014 74 - 75 Escaparate 76 - 80 Crónicas de: dFERIA - Donostia, Festival Alt - Vigo, Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería, Festival de las Artes de Costa Rica

14 mayo junio Rondas escénicas

María-José Ragué-Arias

El teatro, los teatros de Barcelona

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l Tívoli se inauguró en 1848 con un aforo de 1.631 espectadores. En 1851 presentó un programa de ballet… En la década siguiente se inició una programación teatral estable… Pero el empresario tuvo que mejorar las instalaciones y se dio cuenta de la necesidad de buscar otro local. En septiembre de 1875, en la calle Caspe numero 6-10 se inauguró el actual teatro Tívoli. La programación adquiría mayor envergadura a cada temporada. La zarzuela era gran protagonista. Durante dos décadas, el director artístico fue el escenógrafo Francesc Soler i Rovirosa, la programación, además de la zarzuela incluía sesiones científicas a cargo del hipnotizador Onofroff, y a partir de 1897 también espectáculos de circo. El primer intento de llevar la gran revista a la ciudad de Barcelona fue un montaje con Margarita Xirgu como estrella en 1910. Pero en 1918, el Tívoli sería derruido y se construiría un nuevo Tívoli en 1919 que se abriría con un drama de Marquina representado por la compañía María Guerrero… pero un arte incipiente como el cine, se impuso. Durante la Guerra Civil, teatro y cine convivieron. En 1949 Pedro Balañá se hizo cargo de la sala y durante tres décadas fue una sala de cine.

Pero luego aparecieron grandes espectáculos como el musical “Evita” o Les Luthiers o como Ingmar Bergman con “Rei Lear”.

Saltaron alarmas hacia 1990 que amenazaban con derrumbar el edificio, pero el Ayuntamiento lo impidió, calificando el espacio como zona de equipamientos culturales. En 1992, Carles Sans, Ferran Mascarell, Albert Boadella, Josep Maria Benet i Jornet y Daniel Martíez, reclamaron un futuro exclusivamente teatral para la sala. Desde 1995 en que el espacio fue comprado por Balañá, la sala pasó a mostrar una programación teatral de modo estable. Desde entonces, el Tívoli, con un aforo de 1.653 espectadores, se ha consolidado definitivamente con espectáculos de gran formato.

La información procede del magnífico y documentadísimo libro publicado por Carme Tierz y Xavier Muniesa “Barcelona, ciutat de teatres (1597-2013)” (Viena Edicions, Ajuntament de Barcelona, 2013, pp 342-346) que recoge la historia de todos los teatros de Barcelona, con bella edición, fotos y una gran documentación. La oportunidad de este comentario me vino al hilo hace varias semanas cuando se estrenó la puesta en escena de “Yerma” de Miguel Narros en el Tívoli, en teoría un “gran” espectáculo. Sólo sentarme me dije, “este sí que es un gran teatro donde ver cosas importantes con la debida ceremonia”…, el entorno del Tívoli, predispone el ánimo para ver una gran función. No fue el caso.

Hace unas semanas asistí al estreno de “Magical History Club” en el Teatro Coliseum, el otro gran teatro emblemático, histórico y en funcionamiento hoy en Barcelona. La platea, convertida en

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un espacio de mesitas y sillas, de copas y refrescos, daba un aire de familiaridad entre los espectadores que acudían a ver a los famosos actores de la televisión catalana, los que han creado la productora “Minoría absoluta”, los responsables de series televisivas de tanto éxito como “Polónia” o “Cracóvia” o de obras de teatro como “La familia irreal”, los que han querido hacer ahora un gran espectáculo satírico a partir de los personajes de Magdalena, Cleopatra, Hitler, Freud y Gandhi, reunidos en nuestra época gracias a Stephen Hawking… El espectáculo , creado y dirigido por Marc Crehuet, tiene momentos de ingenio y buen humor, –es hilarante Magdalena tratando a Jesucristo como su novio– pero no es lo que esperaríamos ver en un gran teatro de tanta solera como es el Coliseum.

La magnífica sala, se inauguró en 1923 con un aforo para 1.689 espectadores. Josep Solà Guardiola, Victoriano Salaudes Soca y Carles Maristany, marqués de la Argentera constituyeron en 1919 la sociedad Metropolitana SA para edificar un gran teatro sólido novecentista con esculturas en la fachada y una estructura metálica esencial para su supervivencia… Se inauguró el 10 de octubre d 1923, con un escenario de 11 metros de profundidad, telón de agua por si se producía un incendio, salones para músicos de la orquesta y para reuniones, grandes camerinos… Lo que hoy es el cine Club Coliseum en Rbla. Cataluña era la entrada de artistas. El aforo inicial era de 1815 espectadores, con palcos y gallinero. El edificio estaba coronado por una cúpula en la que se instalaría el FAD y se convertiría en un teatro con vida propia y que de 1960 a 1971 sería sede de la Escola d’Art Dramàtic Adrià Gual.

El cine, con actuaciones durante los interludios, los conciertos, las representaciones teatrales fueron habituales. Pau Casals y su orquesta actuaron en 1925 y su historia le da una intensa vida lírica. La empresa Balañá llegó en 1959 y, como en el caso del Tívoli, es hasta hoy la responsable del teatro, que siempre ha sido cine pero que ha tenido épocas teatrales como la “Yerma” de Nuria Espert. En 2006 Balañá buscó alternativas a la empresa cinematográfica y en 2007 La Cubana resucitó el teatro con “Comeme el coco, negro”. Sara Baras, Angels Corella, Angel Pavlovsky… han visitado también el teatro. Hoy la programación vacila pero hay a menudo espectáculos que podríamos llamar de variedades.

Estos son los dos grandes edificios teatrales. Pero la gran e importante parte del teatro suele hacerse en otros espacios.

Sin referirme a los institucionales, al Lliure y al TNC, la programación de mayor interés está en locales como el Gaudí, la Beckett, el Tantarantana, el Akademia, el Almería… También de éstos, y de muchos más, nos habla el libro de Carme Tierz y Xavier Muniesa, “Barcelona, ciutat de teatres”.

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Desde la caverna

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David Ladra

Crisis, IVA y emprendedores

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l mercado lo inunda todo. Así no es de extrañar que nuestro panorama teatral se vea hoy afectado por consideraciones más cercanas a las doctrinas neoliberales que a los principios comerciales y artísticos que vinieron rigiendo hasta la Crisis. Un vuelco promovido por el poder financiero –¿acaso hay otro en la actualidad?– que consiste en aplicar a cualquier ámbito de la actividad humana un estrecho corsé de austeridad. De modo que nuestro esclarecido ejecutivo eligió el campo de la exhibición cultural como el “ecce homo” más idóneo para mostrar al resto del país que la cosa iba en serio con el IVA. Una brutal subida del 13% aplicada “manu militari” sobre el precio de las localidades del cine, el teatro y los conciertos vino a remachar varias cuestiones: la primera y más obvia, que el gobierno no consideraba la cultura como un producto de primera necesidad; la segunda y también evidente, que al ejecutivo se le daba una higa el nivel cultural de sus conciudadanos; y la tercera y más importante: que para qué ocuparse de un sector que le es manifiestamente hostil.

Los resultados de una decisión tan mostrenca no se hicieron mucho de esperar. Ya desde el año 2009 y por efecto de la propia crisis, las audiencias de las artes escénicas no hacían más que descender, una tendencia que la citada subida del impuesto llevó al límite: según un estudio preparado para la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza, en los cuatro primeros meses de la implantación del nuevo IVA, del 1 de septiembre al 31 de diciembre de 2012, y comparando las cifras con el mismo período del año anterior, el teatro perdió 1,8 millones de espectadores (el 31,43 %), la recaudación neta de taquilla disminuyó un 33 % y desaparecieron 600 puestos directos de trabajo.

Traducidas estas cifras a la vida ordinaria, su repercusión sobre la tríada –teatro comercial, teatro institucional, salas alternativas– que viene estructurando el mundo del teatro desde la Transición ha sido realmente devastadora. Por de pronto, a los problemas que normalmente acosan a la carcomida armazón del teatro privado, se ha añadido ahora un incremento en el precio de las entradas que le resta competitividad y que las salas dependientes del Ministerio de Cultura palian echando mano del presupuesto nacional. Ahogados por las deudas y las obligaciones que les impone el obligado cumplimiento con el déficit, los teatros municipales no pueden acogerse a este recurso, situación que redunda en la práctica desintegración de nuestro tejido teatral: un entramado de pequeñas compañías que, en base al arte y el sacrificio personal de sus gentes, se ha ido sustentando de actuaciones y giras con la ayuda, siempre cicatera, de ayuntamientos y diputaciones. Una “ayuda” que ahora se ha convertido en su envés: deudas impagadas, anulación de festivales, liquidación de subvenciones, eliminación de cachés y una permanente inquietud sobre el cómo y el cuándo se va a cobrar o no. Un desmantelamiento que no se limita a nuestras comunidades y provincias sino que alcanza también a las grandes ciudades aplastadas por el peso de una deuda impagable como es el caso de Madrid, en donde la municipalidad pone en almoneda sus teatros y,

mientras se alquilan o se venden, los programa a trancas y barrancas con tal de salvar la temporada.

A esta situación de emergencia, las que mejor responden, al menos en la capital, son las salas alternativas que, por su estructura más ligera, disponen de una mayor flexibilidad. Así, si la Cuarta Pared de Javier Yagüe sigue en sus trece haciendo buen teatro sin perder de vista la experimentación, otras salas como la Triángulo, regentada ahora por Alberto San Juan, muestra una decidida intención política bajo su nuevo nombre de Teatro del Barrio. Y el actual equipo del Teatro Pradillo, coordinado por Carlos Marqueríe, se orienta hacia la danza, la plástica, la performance, el dominio audiovisual y el nuevo teatro. Ahora bien, tal vez el fenómeno más significativo de los últimos meses esté siendo la proliferación de espacios singulares que, a la manera del pionero Microteatro por dinero, se instalan en los lugares más insólitos. Ya lo inusual de los nombres con los que se bautizan a sí mismas las pequeñas salas madrileñas –La Casa de la Portera, Kubik Fabrik, Nave 73, La pensión de las pulgas, Sala Tú, AZarte, El Sol de York…– viene a manifestar una idiosincrasia especial y un afán por diferenciarse.

Una diversidad que se concreta en un modo de producción que poco tiene que envidiar, a pequeña escala, al del teatro comercial: un grupo de emprendedores teatrales, hartos de no conseguir trabajo y permanecer inactivos, se decide a largar amarras y arrendar un espacio donde pueda actuar asumiendo el riesgo financiero y artístico de tal heroicidad. Los problemas comienzan cuando se hacen las cuentas. A la inversión inicial para adecuar la sala, hay que añadir su mantenimiento y alquiler, los gastos de publicidad y funcionamiento, los derechos de autor (cuando se pagan), el dichoso IVA… y claro está, lo que hay que abonar a los intérpretes. De modo que, si la entrada se pone a quince euros (algunas salas ya la tienen a veinte) ya es casi milagroso que la casa se quede con tres por cada espectador que cotiza. Y ni eso. Así que la situación no es nada boyante y hay que estar muy dispuesto a perder una gran cantidad de numerario hasta que se estabilice la sala y empiece a rendir algún dinero. Los paganos, como siempre, son los miembros de las compañías.

Bien es cierto que estos nuevos espacios han abierto puestos de trabajo en un panorama de paro general. Pero, ¿a cambio de qué? Los grupos que antes iban a caché ahora cobran un porcentaje de taquilla que no siempre llega a la mitad. Y considerando lo poco que se ingresa, ya se pueden ustedes figurar. Todo ello sin contar que, a cambio de encontrar empleo temporal, mucha gente trabaja prácticamente gratis y sin ninguna clase de protección social.

También se habrá apercibido el atento lector de que el capitalismo siempre sale a flote y que, tras darle a la crisis tantas vueltas, hemos terminado en el principio, el triunfo del mercado libre. En el fondo, se trataba de eso, de acabar con las subvenciones y dedicar nuestro saqueado erario público a otros fines que es mejor ignorar. Cada palo aguante su vela y ya se verá lo que pasa. Puede que alguno sobreviva –así lo deseamos– pero la mortandad será terrible. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio XV Umore Azoka - Leioa

Buscar, llegar y transformar cada rincón Los próximos días 15, 16, 17 y 18 de Mayo, Umore Azoka llenará otra vez las calles de Leioa de las más variadas propuestas de artes de calle. Han pasado 15 años desde que lo hiciera por primera vez, desde que leioztarras miraran con extrañeza las actuaciones de acróbatas, músicos o payasos. 10 años también desde que Kultur Leioa abriera sus puertas y se convirtiera

en el centro neurálgico alrededor del cual se organizara Umore Azoka, así como su complemento cultural durante el resto del año. Hoy Umore Azoka es una Feria consolidada que, como cada edición, busca superarse ofreciendo espectáculos de calidad, programando todo tipo de disciplinas y llegando a cada vez más espacios de Leioa.

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more Azoka, la Feria de Artistas Callejeros de Leioa ofrecerá este año más 100 representaciones de 45 espectáculos a cargo de 43 compañías de ámbito local, estatal e internacional. Muchas de ellas, un total de 18, han elegido el marco de Umore Azoka para hacer el estreno absoluto de sus nuevos espectáculos. La Feria será también el lugar donde los espectáculos de compañías de ámbito internacional se vean por primera vez en el Estado.

Así, Leioa acoge el estreno absoluto de los trabajos de compañías vascas y de ámbito estatal, procedentes de Andalucía, Cataluña, Aragón, Castilla y León, Comunidad Valenciana o Asturias, como son Compañía Maravilla Teatro y Música, Marco Vargas & Chloé Brûlé, Circo Delicia, Toti Toronell y Pepa Plana, Compañía D´Click de Artes Circenses, Factoría Norte y Gaupasa Producciones, Garrapete, Arden Producciones- Toni Aparisi, Visitants y Otradanza, que llegan a Umore Azoka con propuestas de todo tipo de disciplinas de arte callejero.

Espectáculos musicales, como los de los andaluces Compañía Maravilla Teatro y Música, que estrenan en Leioa Sub, el mundo de los ocultos, una comedia underground. Un recinto subterráneo bajo el espacio exterior que ha quedado totalmente desolado tras unas pruebas nucleares y tres personajes a los que no les queda más remedio que vivir allí.

Música como terapia o como diversión. Es el caso de El Clownciertazo, concierto a cargo de clowns, espectáculo de teatro musical 10

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en clave de humor de la compañía Garrapete en el que ha contado con la colaboración de la percusionista Diana Samprón.

Música como disciplina integrada y complementaria de otras, como sucede en L´avant première, la obra de teatro y música de Cía D´Click de Artes Circenses.

Teatro, música y también cine, porque es el encuentro entre Pingo, acomodador, y Olvido, misteriosa mujer que acude cada día a la sala. Es un guiño al soñador mundo del cine.

Entre los estrenos habrá además intervenciones urbanas y participativas como la que presenta Visitants. A partir de la visita de cuatro arqueólogos del futuro y su poco serio quehacer, Tempus pone en duda la fi-

delidad de los datos históricos que conocemos. O Llumeru de Factoría Norte y Gaupasa producciones es un espectáculo itinerante con música en vivo, luz y trabajo gestual que recrea el mundo onírico de cuatro personajes venidos del universo marino deseosos de adaptarse a nuestro entorno, totalmente nuevo para ellos.

Todas las disciplinas

La danza, ya sea con obras nuevas u otras ya en rodaje, ocupa también un importante lugar en la programación de Umore Azoka. Desde la Comunidad Valenciana Arden Producciones-Toni Aparisi presentan Obligacciones, pieza performativa nacida de

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L´effet escargot de Kadavresky Compagnie de Crique

la colaboración artística entre Claudio Zirotti y Toni Aparisi, en la que a partir de cinco esculturas integradas que representan cinco obligaciones (la sociedad, las relaciones personales, la economía, las cargas morales y la política) se crea una coreografía en interrelación con el espacio y las formas.

Otro estreno es Me va gustando, de Marcos Vargas & Chloé Brûlé, compañía que trabaja en la búsqueda de los límites del flamenco y que acude a la Feria con dos propuestas: Me va Gustando y Por casualidad.

Circo Delicia llega a Leioa con Cantare, volare, poesía visual, danza en vertical y música en directo en una pieza articulada para conseguir el acercamiento al público, llegar a él, emocionarle e invitarle a que vuele con ellos. También la valenciana Otradanza busca alterar la rutina. Vacío crea y recrea un paisaje mágico en el entorno urbano, un paisaje remoto, delicado y bello que se cuela en el día a día de la ciudad común.

Por partida doble

Así es como se cuelan los payasos en la programación de Umore Azoka. En este caso se trata de Toti Toronell y Pepa Plana, que acaba de recibir el Premi Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Toti y Pepa son dos payasos con muy distintas formas de trabajar pero muy similares de entender la poesía del payaso,

A ctividades paralelas Este año se han organizado el taller de dramaturgia teatral ‘Escribir para la calle’ con Pierre Berthelot, director de la compañía francesa Generik Vapeur y ‘Venderse en una ascensor’, taller de estrategias de venta a cargo de Mike Rivalta, jefe del área de profesionales de Fira Tàrrega. Como es habitual Kultur Leioa acoge la asamblea ordinaria de Sarea, Red Vasca de Teatro y este año también, por primera vez, la de la Red Española de Teatros. Habrá también reuniones más informales, como en la carpa de la Asociación Artekale, un lugar de “encuentro y rapto” de profesionales.

ADDE, Asociación de Profesionales de la Danza del Pais Vasco presentará en Kultur Leioa el catálogo de obras de danza del Pais Vasco y otra novedad de la presente edición será la presencia de Open Street, la presentación del showcase europeo que tendrá lugar en Milan del 9 al 12 de octubre, y al que las compañías podrán enviar sus propuestas.

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Nos vemos en la Umore

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ste año son catorce las compañías vascas de teatro, danza y circo que participan en Umore Azoka, y de ellas ocho hacen en la Feria el estreno absoluto de sus espectáculos.

Hortzmuga Teatroa, celebra este año sus 25 años y presentará un espectáculo Nola, dirigido al público familiar.

Ideado y escrito por Izpiñe Soto y Arantza Goikoetxea y dirigido por la propia Goikoetxea, Nola invita a buscar en el interior de cada persona aquello que nos hace únicas e irrepetibles, porque “no

a mano con coreógrafos de prestigio.

En este caso, Cesc Gelabert ha sido el encargado de fusionarse con la compañía para de nuevo reinventar la danza tradicional en su espectáculo, Gelajauziak, pieza creada física y emocionalmente alrededor de Akelarre, la escultura de Nestor Basterretxea.

En La Conga Trapu Zaharra vuelve a provocar el humor desde la sátira, desde los temas de actualidad llevados al extremo de lo imposible. En este caso, un sindicato que se llama ‘Virgen de

Privolta Landing de Olatz de Andrés

existe mayor grandeza e incomprensión que no ser como los demás”. Es una obra que sucede fuera y dentro de un espacio reducido para que un grupo transite entre los límites de la realidad y la fantasía.

Dirigida también a público familiar es Cenicienta, de Borobil Teatroa.

Fundamentalmente participativa, es el público quien debe escenificar el popular cuento, poniendo a prueba su capacidad de juego y diversión. Muestra de la variedad de propuestas se encuentran Malas Compañías que estrena en Leioa Txatarra, un mundo propio construido con barriles, tablas y cachivaches, rutinas, sueños y debilidades y Walkman, el nuevo trabajo de clown y teatro gestual de Ganso&Cía. en la que se presenta a un idiota dispuesto a convencernos de que lo que hace merece la pena, una exhibición de habilidades inútiles.

Kukai Konpainia continua en su trabajo de transformación de la danza tradicional. Más que de transformación, de reinterpretación, aunando para ello sus fuerzas, es decir, trabajando mano 12

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los desamparados’ y que está en horas bajas, quiere aumentar su prestigio, es decir, su número de afiliados montando un taller de formación al aire libre con el objetivo de revitalizar a parados de larga duración, objetivo que, por supuesto, no conseguirán.

también los trabajos de danza de compañías como Cielo Raso-Igor Calonge con Carnaval, la arrasadora fiesta callejera; Hooked de Lasala, fruto de la indagación de esta compañía formada por artistas del ámbito de la danza y la fotografía por generar un lenguaje físico y una estética actuales, o Privolta Landing, de Olatz de Andrés. Privolta es el otro lado de la luna, la cara que nunca podemos ver, y Privolta Landing es una pieza que, tomando como partida un fragmento de la película ‘Alphaville’ de Godard, se basa en el

Kukai Konpainia ©Gari Garaialde

imaginario de la ciencia ficción filosófica.

Así, a partir de dicho fragmento, la pieza construye y reinventa trasladando y traduciendo coreográficamente recursos fílmicos a la escena como son el cambio de plano, la repetición o la ruptura del hilo conductor.

En teatro, dos piezas breves de microteatro son las que nos propone Pez Limbo: Mama gallina, obra ganadora del concurso de teatro breve +teatro con diamante de Logroño y ¿Espinazo o callos?, una carnicería improvisada, una pieza de humor traidor para ser representada en cualquier espacio con el público cerca.

Completan el grupo de compañías vasca Dikhotomia con su obra Spazi...0, teatro físico , danza y equilibrio acrobático; Toti Toronell y Pepa Plana circo y malabares con sus infinitas posibilidades en 22:55 de Endika Salazar, seleccionado para Y Athra silex, de Kolektibo Mostrenko es un espectáculo de humor itinerante que el circuito Caminos Emergente del probusca la relación cuerpo a cuerpo. Dos yecto transfronterizo Pirineos 2014, o seres primitivos, nuestros tataraprimos, el contorsionismo de Shakti Olaizola en ...Irakurriz, donde acciones y elementos llegan a nuestras calles llenos de curiosicotidianos, como pueden ser una silla, dad e inocencia y, sobre todo, ganas de una almohada o un libro, se convierten comunicarse. en juego, desafío y deleite.

Más allá de los estrenos, podremos ver

mayo junio que estrenan en Leioa su primer espectáculo juntos. Despitats trata de dos vidas paralelas que nunca coinciden: la de un payaso que habitualmente se refleja en una cuchara de alpaca y la de una payasa a la que le gusta pintarse los labios de un rojo intenso.

Payasos por partida doble y payasos fuera de lo que se podría presuponer su lenguaje natural, porque Toti Toronell presenta en Kultur Leioa su primera exposición: ‘Totinades, garabatos de un payaso’ en la que mostrará los dibujos que ha ido haciendo a lo largo de su carrera, surgidos de aquello que le conmueve o le inspira. Toti es un payaso que dibuja, que cose, que compone, que entiende todo ello como parte de su oficio, como todas las facetas de un payaso y que hace porque “a veces se queda enganchado en el descubrir esos oficios que acompañan el mundo del payaso”.

También se podrán ver en Leioa, entre otros, espectáculos de danza como Indomador, de Animal Religión, que transforma el escenario en un animalario de cuerpos transgénicos, acrobacias con tacones o cucharas dentro de la nariz; Oniric, las ocho secuencias surrealistas a cargo de Factoría Mascaró creadas en su búsqueda de nuevas formas de expresión corporal o Sinestia, de

Iron Skulls, compañía que trabaja disciplinas como la danza contemporánea, hip hop, house danse, lundy pop o danza acrobática.

En teatro propuestas tan diferentes como Agitación senil, el primer trabajo de máscara de la compañía Vagalume Teatro, o Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas, de la compañía catalana Obskené. En ella los actores representan la historia del pueblo que decidió unirse para luchar contra su opresor al tiempo que comentan y opinan sobre los hechos queriendo contar la historia de una ‘Fuenteovejuna’ actual.

El circo en su sentido más amplio, el circo y las técnicas circenses integradas en otras disciplinas llega de la mano de compañías como La Trócola, Capicúa o Manolo Alcántara y Rudo, una delicada obra de equilibrios precarios y fragilidades coproducida por Grec2014 Festival de Barcelona.

Con acento francés

Umore Azoka es también el lugar en el que espectáculos de compañías de ámbito internacional se ven por primera vez en el Estado. Así, esta edición, 5 de las 6 compañías internacionales hacen en Leioa el estreno en el Estado de sus espectáculos. Es

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el caso de la argentino-española Duo Laos.

Upside down invita al público a viajar al universo argentino, donde aceptar la inestabilidad y la flexibilidad son fundamentales.

O The yelling Kitchenprince, la performance del holandés Bram Graafland, un artista que desde su pequeña cocina hace casi de todo ¡Hasta cocinar!

Desde Francia llegan las compañías Kadavresky Compagnie de Crique, que presenta L´effet escargot, el efecto caracol, guiado siempre por el azar. Acrobacias, equilibrios, malabares y música en esta performance a cargo de amantes del nuevo circo. Le Bruit du Sfumato presenta Clap, cine concierto en caravana para dos músicos y un maquinista.

Cabaret de bolsillo, sala oscura en miniatura donde los integrantes de la compañía son a turnos proyeccionistas, creadores de sus propias películas, actores, medio payasos y medio friquis.

La música es parte esencial de las propuestas o protagonista absoluta, como en el caso de Zou! la obra de la compañía Sons de Toile, una pieza de percusión corporal, una original manera de hacer música en la que el instrumento es el cuerpo, un concierto creado para 86 dedos de pie, 112 cuerdas vocales, bocas y gestos.

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14 mayo junio XV Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

Cita con las artes de calle y grandes creadores de hoy 58 compañías, el I Foro Internacional de las Artes de Calle y un homenaje a Eugenio Barba conforman el programa de TAC 2014

Dialogue with Rothko de Carolyn Carlson

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a décima quinta edición del TAC, Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid tendrá lugar del 21 al 25 de mayo con una programación que incluye alrededor de 200 representaciones que llevarán a cabo 58 compañías –entre ellos siete estrenos absolutos– en 25 espacios de la ciudad. Una edición que homenajeará a Eugenio Barba, autor, director e investigador de las artes escénicas y miembro fundador y director del Odin Teatret y que presenta como novedad el I Foro Interncional de las Artes de calle –con la presencia de figuras destacadas de las artes escénicas–.

Las artes escénicas en toda su amplitud –teatro de calle, de sala, circo, clown, danza, intervenciones urbanas, instalaciones, música, performances etc.– seran las protagonistas de esta nueva edición del TAC en la que 14

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el público volverá a ser su piedra angular ya que será un elemento muy importante en el desarrollo de algunos de los espectáculos en los que la improvisación es el hilo conductor.

C. Carlson y Odin Teatret

Los espectáculos que conforman la programación de este año se concentran en tres secciones: Sección oficial, Estación Norte y Sección Off. La primera cuenta con 35 montajes de los que seis serán la primera vez que se representan en el Estado español. Es el caso de Dialogue with Rothko de Carolyn Carlson una pieza en la que la bailarina y coreógrafa estadounidense profundiza en la vida y obra de Mark Rothko, homenajeando al pintor y grabador ruso con una pieza poética basada en la sencillez artística.

Carlson hace una lectura personal del artista

y su obra, tratando de descifrar sus secretos más íntimos.

También será el TAC el primer lugar del estado en el que se podrá ver Sens Dessus Dessous de los belgas Collectif Malunés; un juego de acrobacias y equilibrios; las acrobacias a ocho metros de altura en La Meute de la compañía del mismo nombre; un performer, suspendido con un cable a 90º es el protagonista de Flat de Rodrigo Pardo; los chilenos de Teatro del Silencio redescubren la vida y obra de Vsévolod Meyerhold en Doctor Dapertutto y los franceses Vaguement la Jungle presentan el espectáculo musical De Mozart Massive Attack.

Al igual que el espectáculo de Carlson el LAVA Teatro será el lugar en el que la compañía danesa Odin Teatret pondrá en escena Salt, una odisea femenina protagonizada por Roberta Carreri y Jan Ferslev basada en

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El Niu de Dudu & Cía

el relato ‘Carta al viento’ incluida en la novela ‘Se está haciendo cada vez más tarde’, de Antonio Tabucchi. Eugenio Barba dirige el espectáculo en el que una mujer viaja por las islas del Mediterráneo en busca de su amado, que ha desaparecido acompañada de un fantasma que hará las veces de guía. En el mismo espacio se podrá conocer MAZÙT, una propuesta de circo-danza de Baro d’evel Circ Cia que vuelve al TAC tras alzarse con el premio al Mejor Espectáculo en las ediciones de 2005 y 2010.

La danza también estará presente en los dos espectáculos de Kukai Dantza, Gelajauziak y la realizada en coproducción con Tanttaka Teatroa, Komunikazioa-inkomunikazioa ésta última a representarse en el LAVA Teatro. HURyCAN es un dúo formado por los bailarines y coreógrafos Candelaria Antelo y Arthur Bernard Bazin que presentan Je Te Haime y Por casualidad es la última propuesta de Marco Vargas y Chloé Brülé, en el que vuelven a hacer gala de su particular estilo que va desde el flamenco a la danza contemporánea. La danza y el teatro se funden en Wunschkonzert de la coreógrafa y bailarina cubana Maura Morales, una pieza que fue galardonada con el premio Kurt Jooss de Coreografía 2013 y la danza, el teatro, el humor, la música, el diseño y el vídeo-mapping son los elementos de Harket (protocolo) de PanicMap. Catalogados como nuevo circo son los espectáculos de los franceses La Meute – que ponen en práctica la teatralidad visual, sin palabra alguna–, Le chas du violín –dos mujeres deambulan sobre finos cables al ritmo del violín– de Les Colporteurs al igual que las dos mujeres de Crimen contra reloj, en este caso sobre un trapecio fijo de Les Capgirades. También son dos mujeres las intérpretes de Une aventure, espectáculo en clave de clown de La Boca Abierta y dos también los canadiense Les Vitaminés que repasarán sus números más divertidos.

La gente de Pérez Disla es un montaje teatral vinculado al momento político y social actual que se pondrá en escena en el Teatro Calderón; La Fam parte del teatro de la crueldad de Antonin Artaud en su primer espectáculo, Marat/Sade; Loco Brusca retrata la influencia del sistema capitalista por medio del teatro gestual en Mr. X y a través del teatro físico Maintomano representa Pin C la 2, obra vencedora en la sección Off en 2013.

Daad y su La cuisine macabre y Typical de Gaupasa y Nacho Vilar Producciones, proponen un viaje al pasado con mucho humor, en la primera a tiempos remotos y en la segunda a la década de los 70. Y el humor une los espectáculos del “superhéroe” Capitán Maravilla y del clown francés Barolosolo que w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio pasa de lo cómico a lo absurdo en Île O. Johan Lorbeer vuelve a Valladolid para sorprender al público con Tarzán standig leg mientras que el creador multidisciplinar Joan Catalá presenta su primer trabajo en solitatio Pelat. Las acrobacias son los ingredientes de Tango del gimnasta búlgaro Yordan Pudev y también las realizadas sobre un mástil chino acompañadas de la música del violonchelo de Invisibles de Atempo Circ. La sonoridad en este caso de la guitarra española en fusión con el claqué de Tap Olé, el espectáculo de magia Illusionarium de Aliskim Luna, las performances Heinz Baut y Hans Aff del suizo Georg Traber, El Síndrome de Stendhal de Varuma Teatro y Zoomwooz –espectáculo multidisciplinar que reflexiona sobre la posición del individuo en la sociedad– de Andrés Beladiez completan las propuestas de esta sección.

Estación Norte y Off

Seis de los siete estrenos absolutos del TAC 2014 se enmarcan dentro de la sección denominada Estación Norte, un espacio propio dentro del certamen dedicado a las compañías vallisoletanas. Alicia Soto - Hojarasca presenta por vez primera ante el público Cartografía del cuerpo en espa-

cio arquitectónico. Estudio 2: silencio un espectáculo de danza contemporánea que parte la definición arquitectónica del espacio y en el se explora la relación entre el cuerpo y el lugar en que se mueve. La danza pero combinada con técnicas multimedia como el vídeo-mapping son utilizadas por Lola Eiffel & Factoría del Mapófono para La Boîte mientras que el también estreno de Alicia Sanz, El desconcierto es una obra en clave de clown con la improvisación como hilo conductor.

Guetto 13-26, volverá a representar Se prohibe mirar el césped propuesta galardonada en este apartado el pasado año y estrena Carcoma en la silla pieza con la que conmemora su veinte aniversario. El quinto estreno llega de la mano de Azar Teatro, Whispers una intervención urbana en la que las aplicaciones para los teléfonos y tablets toman protagonismo y otra intervención urbana es Foto, escoba y cola un proyecto mural de acción callejera del fotógrafo Gerardo Sanz. Dirigida al público familiar Gnomi: jardines efímeros es el sexto estreno de esta edición, una instalación efímera de Calamar Teatro que promueve la ocupación del asfalto con vida vegetal.

Completa las propuestas de esta sección Welcome, un encuentro bajo la lluvia de dos clowns de Immaginario Teatro.

El apartado Off de la programación está formada por 15 espectáculos entre los que destaca el octavo estreno de esta edición, Dulce de Umami Dance Theatre Project con la que los bailarines Jerome Leperlier y Gustavo Hoyos recurren a la danza contemporánea, el teatro y el clown con el fin de motivar la participación del público; y danza contemporánea es también Scontro del coreógrafo y bailarín Joaquín Albella.

Pero es el circo el género predominante en esta sección con espectáculos como Indomador –sobre la profunda animalidad del ser humano– de Animal Religion y Coraje un homenaje a la valentía de los artistas circenses de Balusca. Pistacatro se adentra en la vida interior del circo con Impreuna, los alumnos de la Escuela de Circo Carampa ofrecerán Work in progress y Barré presenta a dos particulares vendedores de palomitas con Juan Palomo ya está aquí.

Las acrobacias de Circo Afilado en Crazy, la crisis de una pareja expresada a través del teatro físico y las acrobacias en Suazi de Dikothomia, el virtuosismo en la cama elástica de Max Calaf en Anyday. Un ser enigmático con alma de pájaro es el protagonista de El Niu de Dudu & Cía, un atípico showman el de Walkman de Ganso & Cía y Miguelillo hará las delicias del público con sus trucos mágicos en La Señorita Lupierre.

Homenaje a Eugenio Barba y I Foro Internacional de las Artes de Calle El TAC 2014 rinde homenaje a Eugenio Barba, autor, director e investigador de las artes escénicas y director del Odin Teatret de Dinamarca. El festival reconoce la larga y fructífera trayectoria de Barba en el homenaje que brinda cada año a “algunas de las más brillantes figuras nacionales e internacionales del ámbito de las artes escénicas”. Barba se suma a otras destacadas figuras de las artes escénicas que han sido reconocidas por el TAC como Tortell Poltrona, Marcel Marceau, Frank Wilson, André Benedetto o Albert Vidal y entidades como el Cirque du Soleil, el Teatro de los Sentidos o el Circo Price.

Además de fundar en 1964 la compañía Odin Teatret, con la que ha creado más de 70 espectáculos que han sido representados en todo el mundo, en 1979 fundó la International School of Theatre Antropology (ISTA), centro itinerante de estudios comparativos acerca de los principios de las técnicas del actor, un campo de estudio al que ha dado el nombre de Antropología Teatral, término acuñado junto a Nicola Savarese. Barba es uno de los artistas que han marcado la historia del teatro a partir de la segunda mitad del siglo

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XX y ha recogido su visión teórica y experiencia artística en una docena de libros traducidos a varios idiomas. Son numerosos los premios y galardones recibidos y su labor ha sido reconocida con los doctorados Honoris Causa de las universidades de Aarhus, Ayachucho, Bolonia, Habana, Varsovia, Plymouth, Hong Kong, Buenos Aires, Tallinn y Cluj-Napoca. Ha recibido también la “Reconnaissance de mérite scientifique” de la Universidad de Montreal y el Premio Sonning de la Universidad de Coopenhague.

Barba participará también en el I Foro Internacional de las Artes de Calle –que se celebrará la Casa Revilla los días 22 y 24 en el marco del TAC– junto a Carlos Gil, director de Artez, Claudio Lomnitz, Catedrático de la Universidad de Columbia, Enrique Gavilán, Profesor de Historia Medieval de la Universidad de Valladolid y Yohann Floch, coordinador de FACE (Fresh Arts Coalition Europe) que analizarán la situación actual de las artes escénicas y sus retos de futuro. Además, durante el foro se presentará el programa META, una iniciativa de la red IN SITU (Red Europea de Creación de Artes en Espacio Público).

14 mayo junio XIX Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga

El arte de reír y hacer reír Junto con los espectáculos, este año se podrá conocer la historia de la compañía Gorakada a través de una exposición

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rrigorriaga celebra los días 9,10 y 11 de mayo el XIX Festival Internacional de Clowns y Payas@s, en el que participarán un total de 13 compañías, de las que 5 son vascas, 5 de ámbito estatal y 2 compañías internacionales, provenientes de Francia y Argentina. Entre los espectáculos, 3 estrenos absolutos y 2 estrenos en Euskadi. Serán 3 días en los que el humor invada la Plaza del ayuntamiento, la Plaza Juan XIII y el polideportivo.

Una de las compañías vascas, la gasteiztarra Nalua, será la encargada de dar comienzo a la presente edición con el Gran fakir, una obra en euskara, un espectáculo de humor que mezcla el absurdo del clown con las desafiantes pruebas del fakir. Creado y dirigido por la propia Nalua, Ruth García Cordero y con Espe López y Legaleón Teatro como ayudantes de dirección, El Gran Fakir nos invita a un recorrido por las milenarias técnicas de faquirismo desde el punto de vista de un clown y con el toque elegante de una mente femenina.

Durante tres días los espectáculos se sucederán en Arrigorriaga. Así, terminado El gran fakir y en la misma plaza, esta vez en el escenario, se podrá ver Entredos, de la compañía catalano aragonesa Capicua, una fusión de teatro gestual, circo, danza y manipulación de objetos con la que presentan una historia a medio camino entre realidad e imaginario, en la que cada cosa puede de repente ser otra, por ejemplo una taza convertirse en un zapato. Los personajes despiertan como cada mañana, pero nada parece ser lo mismo. Armarios, mesas y camas enormes y personas que vuelan e invitan al público a adentrarse en un mundo mágico, absurdo, poético y cómico. Entredos recibió el premio del público al mejor espectáculo de teatro en la Feria de Teatro y Danza de Huesca.

El sábado Gari Monxo eta Joselontxo estre18

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Dans de Adrian Schvarzstein

El niu de Dudu I Cia

The puppet circus de Alauda Teatro

nan en el polideportivo su nuevo espectáculo Kontxo... kontxo, consecución de sketches creados a partir de la existencia de una nueva máquina que los payasos han inventado.

Podremos ver también por primera vez el último trabajo de Dikothomia, compañía vizcaina formada por Barbara Golan y Endika Salazar. Spazi...O es un brindis a la imaginación escrito con técnicas circenses, dibujado con malabares e insinuado con el cuerpo.

“Verticales para no perder el gusto de soñar y teatro físico para coser capítulos”.

Desde Andalucía llegan los Hnos Infoncundibles, que no inconfundibles, pero si hermanos. Son Daniel y José Alberto Foncubierta Campano y su espectáculo titulado ¿Qué raro, verdad?, en el que a través del humor, el circo y la música, cuestionan los límites de lo normal y lo verdaderamente raro. Música y artes circenses para una época de crisis, que, aunque suene raro, es según dicen, el mejor momento para el humor y el circo.

Al finalizar, un trabajo diferente de manipulación de globos: Babyllon, de la compañía francesa Monkey Style. Un trabajo con globos realizado por un hombre nacido precisamente de un globo, que vive en un universo donde el humano encuentra a su animal en un ambiente burlesco.

Y cuando empieza a caer la noche del sábado llega desde Cataluña Marabunta, la música en directo y el show de clown enérgico y energético a cargo de Guillem Albà & The All In Marching Band. Guillem Albà es ya conocido en nuestras calles y teatros, donde ha actuado por ejemplo como actor en ‘Follie à Deux: sueños de psiquiátrico’ de la compañía Titzina o como clown en la Always Drinking Marching Band. En este caso visita Arrigorriaga junto a la The All In Marching Band con su Marabunta, por primera vez en Euskadi, un descontrol con clase, un no querer despeinarse y acabar perdiendo los pantalones.

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Entredos de Capicua,

Última jornada

El domingo comienza con títeres, los de Alauda Teatro, que vienen al Festival a presentar el mayor espectáculo del mundo: The puppet circus. Exóticos faquires venidos directamente de India, lanzadores de fuego, encantadores de serpientes, voladores de alfombras, hadas y primas donnas transformistas, perritos amaestrados y funambulistas que harán las delicias de grandes y pequeños. Como también lo hará el argentino Adrian Schvarzstein en Dans, un espectáculo de baile para el que Juan, su protagonista, necesitará la participación del público.

A continuación, la invitación a un universo emocional: el de Endika Salazar con 22:55. El público verá cómo el protagonista se transforma y aquel chico temeroso que entra, se asusta y, tembloroso, se quita calcetines y zapatos, hace bailar a su abrigo y va cobrando fuerza acompañado por la música, la danza y las mazas.

Y Dudu I Cia, que acude a Arrigorriaga con una nueva versión de su obra El niu para la que han contado con la mirada externa de Leandre. En El Niu unos personajes con alma de pájaro cautivan por su ingenuidad y perspicacia y, con la ayuda de músicas y sonidos, transforman la calle es un escenario improvisado y lleno de vida.

Menos ingenuos son los protagonistas de Rico, rico, rico, un remake que la compañía Salitre hace del espectáculo más incorrecto y guarriclown que han hecho en 20 años, un montaje de clown, teatro gestual, casi sin texto en el que Vivo, Bobo y Malo se presentan a celebrar un cumpleaños; un espectáculo sin fundamento ninguno que cualquier madre decente prohibiría ver a sus hijos, una obra para todos los públicos.

Pasados tres días, llega el colofón final, la pieza que clausure esta edición del Festival. Se trata de Sfera, el espectáculo de danza multidisciplinar de la compañía Teatrapo. Acrobacia aérea, manipulación de objetos, audiovisuales, música y efectos especiales y pirotécnicos para advertir al hombre de su propia estupidez y de su relación caótica con la naturaleza.

Además de las actuaciones, el Festival acoge en Lonbo Aretoa la exposición de la compañía Gorakada en la que resume sus 25 años de experiencia a través de un repaso por las diferentes técnicas, estilos, géneros y puestas en escena que en estos años han utilizado: títeres, teatro de calle, obras de autor o adaptaciones de textos literarios por ejemplo. Se podrán ver allí los títeres y las escenografías de sus obras más representativas como ‘Titiricuentos’, ‘Jim en la Isla del Tesoro’, ‘La Ciudad Inventada’ o ’ Cyrano’, que nos invitan a entrar en un mundo fantástico de aventuras, magia e ilusiones. La exposición se podrá ver a partir del próximo 28 de mayo. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio XII Festival Internacional de Teatro de Palco y Rua de Belo Horizonte

Esta edición se inspira en la idea de la coexistencia La décima segunda edición del Festival Internacional de Teatro de Palco y Rua que organiza La Fundación Municipal de Cultura de Belo Horizonte se celebrará del 6 al 15 de mayo con un programa que consta de cincuenta y cinco espectáculos. Entre los objetivos que se marcan cuando se conmemoran los veinte años del evento teatral más importante de Minas Gerais, es el de la internacionalización del teatro mino a partir del proyecto Intercena que incluye el fomento de las coproducciones y la realización de una serie de reuniones con

productores y programadores de veinte festivales e instituciones culturales invitadas por el festival que ya han confirmado su asistencia. La presencia extranjera abarca a espectáculos de diez países diferentes, siendo en esta ocasión Alemania la que ofrecerá un mayor número de trabajos (4), entre ellos el mítico Berliner Ensemble que representará una versión de ‘Hamlet’ y vuelve al FIT la compañía francesa Generik Vapeur, esta vez con ‘Jamais 203’.

Como es habitual una serie de actividades paralelas completan la oferta total del festival.

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e podrán presenciar dieciocho espectáculos internacionales procedentes de diez países diferentes, se presentarán doce producciones brasileñas representando a cinco estados diferentes y se contará con veinticinco ofertas de grupos del estado de Minas Gerais. La curaduría realizada por Jefferson de Fonseca y Geraldo Peninha enfatiza en la diversidad de temas y formas de hacer teatro que propone la “coexistencia” de los diferentes puntos de vista como característica artística de este 12º FIT - BH. “Nos propusimos hacer un FIT de cara al ciudadano que fuese atrayente y privilegiase la diversidad en las artes escénicas. A partir de ahí ,se determinó el eje de la curaduría”, en palabras del coordinador del festival, Cassio Pinheiro.

Internacionalización

Con el festival consolidado en el calendario cultural de la capital del estado en su papel de formador de público y faro de las tendencias teatrales, se busca en esta edición ampliar el alcance de la acción del FIT, 20

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Rapsodia Para El Mulo de El Ciervo Encantado

res locales y veinte programadores de festivales e instituciones culturales invitadas por el festival.

En el capítulo internacional los países con más representantes en la programación son Alemania, con cuatro espectáculos, Francia, con tres producciones y Argentina, Cuba y Portugal con dos obras en cada uno. Los otros países invitados son Australia, Suiza, España, Italia y Uruguay (los dos últimos en coproducción con Brasil).

La compañía alemana Berliner Ensemble fundada por Bertolt Brecht (1898-1956) se presentará por primera vez al público brasileño con su versión del clásico de William Shakespeare Hamlet en la que participan cuarenta y dos profesionales para llevarlo a cabo.

Temas variados

Entre los temas tratados en las obras extranjeras seleccionadas por el FIT están, entre otros, la condición de la mujer en el mundo contemporáneo en The So-Called Exterior Has Nothing tu Say Me de los alemanes de Maxim Gorki Theater; la opresión política a cargo de los cubanos del grupo El Ciervo Encantado y su Rapsodia Para El Mulo; las nociones de

Hamlet de Berliner Ensemble ©Lucie Jansch

proporcionando las condiciones para que las producciones mineras puedan alcanzar una proyección internacional a partir de diversas acciones que sirvan para este objetivo como es el Proyecto Intercena que incluye el incentivo a la coproducción y la realización de encuentros entre producto-

mayo junio identidad y el crecimiento en Europa en crisis con el espectáculo Materia Prima de los españoles de La Tristura y los desafíos del amor y las relaciones familiares en Emilia de los argentinos de Timbre 4. Las propuestas escénicas se extienden desde el teatro de títeres para adultos como los argentinos de Marionetas Orsini hasta el escenario ultratecnológico con un vertiginoso juego de espejos mediados por un acelerador de partículas Augenblick Dream de la francesa Songe Aeolian Company .

El drama clásico en el espectáculo cubano Fíchenla si pueden, una adaptación de ‘La puta respetuosa’ de Jean-Paul Sartre, una relectura actual del cabaret de la australiana Glory Box, de la Finucane & Smith y un concierto teatralizado para bebés de los portugueses de Musicalmente dentro del nuevo espacio ‘Fitinho’ con programación para niños y niñas, una apuesta para formar público, dentro de la política de descentralización emprendida por la Fundación Municipal de Cultura.

Vuelve al Festival la compañía francesa Generik Vapeur uno de los acontecimientos de la primera edición de 1994, con la intervención urbana ‘Bivouac “ y que en esta ocasión llegan con Jamais 203 autodefinida como una “sátira agridulce en la sociedad” narrada sobre dos ruedas y un montón de agitación.

Para la sección brasileña de la programación han sido invitadas producciones de Paraná, Pernambuco, Río de Janeiro , Santa Catarina y São Paulo, una selección caracterizada una vez más por la diversidad de tendencias. El público puede ver en el FIT desde el aclamado monólogo Cine_Monstro

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Materia Prima de La Tristura

de Enrique Díaz, hasta el folklore fuminense Boi de Miracema del Grupo Sociocultural Cara da Rua, sin dejar de lado la experimentación de los catarinenses de Dearaque Cia de Teatro, con el díptico teatral A Distância: Lado A/Lado B. Representación local

La participación de grupos mineros más importante de todas las ediciones del festival cuenta con diecisiete espectáculos seleccionados en una competencia abierta y nueve invitados por los curadores.

Prazer, de la compañía Luna Lunera será

el espectáculo de apertura de la feria, una afirmación del relevo de la producción local en el conjunto de montajes presentados en este FIT. El cierre será responsabilidad del Grupo Galpâo, con Los Gigantes de la Montaña.

De los cincuenta y cinco espectáculos que conforman la edición 2014 de este Festival Internacional de Teatro de Palco y Calle de Belo Horizonte trece serán representados en la calle y el resto en diferentes salas de teatro tradicionales o alternativas. Talleres y clases magistrales son parte de eventos especiales, que se producen en paralelo a las presentaciones.

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14 mayo junio XXIV Mostra de teatre d´Alcoi

Continuar el camino ampliando perspectiva La localidad alicantina de Alcoi acogerá del 28 al 31 de mayo la 24 edición de la Mostra de Teatre-Feria Profesional de Artes Escénicas de la Comunitat Valenciana que continúa el camino retomado la edición anterior con una vuelta a su esencia manteniendo sus objetivos con la exhibición y oferta de espectáculos y novedades de temporada de todo género y formato, intentando atender las necesidades de gestores, educadores, programadores, distribuidores… en definitiva el entramado profesional, pero sin olvidar en ningún momento atender e intentar satisfacer las expectativas del público.

Produccions de Ferro Acorar

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na de las novedades más relevantes de la presente edición es la incorporación de una nueva sección, en la línea de búsqueda y consolidación de públicos, denominada ‘La Mostra més jove/La Mostra más joven’. El año pasado ya comenzaron a dispensar una mayor atención al público infantil y juvenil, y este año este objetivo se hace oficial repartiendo a lo largo de las jornadas en diferentes espacios propuestas de calle y sala para niños de todas las edades, desde bebés a adolescentes.

Dentro de los trabajos que se podrán ver está Dot de la compañía valenciana Maduixa Teatre, montaje que recientemente ha obtenido el galardón como Mejor Espectáculo de FETEN, una de las feria profesionales más importantes y prestigiosas a nivel estatal especializada en propuestas escénicas para niños y niñas. El montaje conjuga danza, teatro, música y nuevas tecnologías tomando como punto de partida el trabajo del artista norteamericano Sol Lewitt, en el que transforman una gigante pared blanca en un espacio lleno de color. Esta misma compañía presentará una de las dos propuestas de calle, de carácter itinerante, Tam Tam donde se fusiona teatro y danza en altura al ritmo de tambores y música en directo. El segundo espectáculo al aire libre lo protagonizará La Quinta Dolçainera con A medida, propuesta también itinerante donde esta banda musical compuesta por tres dulzainas, dos percusionistas, un trombón y un director payaso harán las delicias de los paseantes.

El público infantil también podrá disfrutar de las piezas que presentarán los vallisoletanos Teloncillo y los riojanos El patio. La Mostra aboga por la diversidad de procedencias de las compañías invitadas y tal y como destaca su director artístico, Miquel Santamaria, “de este modo se busca complementar factores de interés artístico, comercial y cultural, aumentando globalmente el atractivo para la asistencia de los gestores y programadores en w w w. a r t e z b l a i . c o m

general”. Nidos es el último trabajo de Teloncillo, compañía reconocida en el 2013 con el Premio Nacional de Teatro Infantil, montaje que musicaliza la poesía de Gloria Fuertes y Carlos Reviejo concebido para pequeños de edades comprendidas entre los seis meses y los cinco años. El patio se dio a conocer con la pieza de teatro de objetos A mano, un singular trabajo contado con objetos hechos con barro. Por su parte, Anem Anant acercará al público juvenil 1,2, 3 Macbeth su última aventura teatral que plasma el fascinante mundo de Shakespeare, de su esencia y de sus intrigas palaciegas y los murcianos Periferia Teatro presentarán Huellas, un divertido recorrido histórico sobre el vínculo entre los humanos y los perros.

Estrenos

Dentro de la presente edición también se han programado varios estrenos. Por un lado, Teatre Hongaresa escenificará Adén encara, montaje teatral galardonado con el Premi Teatre Ciutat d’ Alcoi de 2013. El año pasado el Ayuntamiento decidió reorientar el carácter de este galardón, haciendo que en vez de premiar un texto inédito se premiara un proyecto de producción teatral que estuviera en marcha o al menos definido. El cambio fue pensado para garantizar que finalmente se estrenaran los textos premiados. Por otro lado, como espectáculo de clausura contarán con One-hit wonders último montaje de Sol Picó, creado con motivo del 20 aniversario de la compañía que recoge algunas de las piezas o números en solitario más importantes realizados a lo largo todos estos años por la coreógrafa y bailarina natural de Alcoi.

La presencia de compañías y obras distinguidas dentro de la programación deja patente la importancia que la Mostra otorga a

mayo junio los montajes y textos que han obtenido y continúan recibiendo reconocimientos. Junto con las mencionadas anteriormente Albena Teatre con la comedia de enredos M´esperaràs?, en la que habrá amores cruzados e infidelidades no confesadas, galardonada con el Premi de Teatre Ciutat d´Alzira, o La mujer sin atributos de Ferroviaria de Artes Escénicas, un canto a la defensa de la sexualidad de la mujer, que se inspira en un texto que ha sido galardonado con el Premi de Literatura Erótica Vall d´Albaida. Cabe destacar también el monólogo de Produccions de Ferro Acorar, un trabajo visceral, una reflexión sobre la identidad colectiva de los pueblos, que transporta al público al corazón de Mallorca y sus tradiciones, Premi Serra d´ Or i Jaume II de 2013.

Este último montaje citado junto con Açò és pa cagar-se de Pot de Plom Teatre, monólogo que refleja la manera de indignarse de la compañía valenciana ante el momento político y social actual, la coproducción Lúcid a partir de la adaptación del texto del mismo nombre del autor argentino Rafael Spregelburd de manos de Teatrencompanya y Lupa Teatre y Trash! del cuarteto musical Jashgawronsky Brothers, donde representan un concierto actual utilizando objetos y reconstruyendo instrumentos que normalmente se tirarían al cubo de la basura, forman parte de los espectáculos que cerrarán cada jornada.

Cabe destacar también la presencia de La Dependent y su trabajo Sr Lletraferida 2.0 o el monólogo escrito, dirigido y protagonizado por Alberto San Juan Autorretrato de un joven capitalista español en el que su intérprete se abre ante al espectador, revisando su vida y, con ella la historia de España y la actualidad que se está viviendo.

La programación contempla propuestas dirigidas a un amplio público como pueden ser Conversaciones con mamá de Pentación protagonizada por Juan Echanove y María Galiana, historia de un hombre desorientado ante la adversidad que vuelve a necesitar de los consejos de su anciana madre, así como la coproducción del Teatre Romea e Intent Produccions Un aire de familia que permite al espectador, cual voyeur atrevido, ser testigo de un día, o más bien una noche, en la vida de una familia cualquiera.

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Dot de Maduixa Teatre

Las actividades paralelas tendrán un peso específico dentro de la programación. Se han previsto dos exposiciones, la primera titulada El teatre musical coproducida por el Centre Cultural Escalante de Valencia y Novembre Exposicions que propone un recorrido interactivo por los principales hitos del teatro musical. Otro alcoyano de renombre, Antoni Miro, llevará a cabo la exposición El vol del gat, compuesta de 27 pinturas sobre lienzo que plasman diferentes momentos de la danza protagonizadas por Sol Picó, Premio Nacional de Danza de Catalunya 2003. En esta exposición el artista plástico interpreta, a través de su creatividad pictórica, el sentido de cada uno de los capítulos de la novela de Abel Prieto.

También se llevarán a cabo actividades específicas para los profesionales como el taller de ‘Venderse en un ascensor-Estrategias de venta’ impartido por Mike Ribalta, la sesión de trabajo del Circuito CulturArts o las presentaciones previstas.

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14 mayo junio XXV Fira de Titelles de Lleida

25 años luchando en favor de los títeres y su progreso

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ste año se cumple un aniversario redondo, nada menos que 25 años desde que se iniciara la Fira de Titelles de Lleida, actualmente convertida en una plataforma de mercado para la profesión titiritera, al tiempo que de divulgación artística, sin perder de vista el valor festivo y participativo de la misma ya que la ciudad de Lleida se vuelca totalmente en su celebración. Del 2 al 4 de mayo algo más de una veintena de propuestas de calle y de sala completarán una programación diversa en cuanto a técnicas titiriteras, formatos y públicos a los que se dirigen. Paralelamente a la actividad dramática, se han organizado actividades culturales entre las que destacan la Feria del Libro de las Artes Escénicas, Ferias de Artesanos, exposiciones, reuniones, la conferencia de Marc Guillen sobre la ‘Excelencia en las relaciones humanas y de liderazgo’, así como la séptima edición de las Jornadas técnicas, que se refuerzan convocando una Master Class impartida por Philippe Genty y un taller sobre la ‘Poética de la manipulación’ dirigida a estudiantes de teatro y a profesionales del sector.

La propuesta multidisciplinar (Hullu) de la compañía francesa Blick Théâtre será la encargada de inaugurar la presente edición que se hará extensiva durante tres intensas jornadas, con un total de 76 funciones que tendrán lugar en 22 espacios de interior y exterior diferentes. Contarán con varios estrenos absolutos como Encuentros y desencuentros con Errático Swing un singular trabajo de Errabundo Pelele en el que desde una maleta surge un particular personaje que dará paso a un sinfín de sorpresas o como el de la compañía gallega El retrete de Dorian Gray Diorama animado, que además escenificará Ne me quitte pas, propuesta de 24

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cultura Que Mexe que mostrarán una breve e intensa historia de tan solo 15 minutos para público adulto en O quadro de uma familia, los holandeses Etienne Borgers que representarán Cool Frogs donde la música y los sapos tendrá un significado esencial o los franceses Théâtre du Rugissant con Tout seul dirigido al público juvenil en el que la acción transcurre en una caravana. Asimismo, los jóvenes podrán disfrutar de Adiós Bienvenida de Mimaia Teatro, obra que aborda el desapego y la relación sentimental con los pequeños objetos que pueblan nuestras vidas. A un público más familiar está dirigida Le ManipulopArc de los franceses Le Montreur, una propuesta en la que cada participante podrá convertirse en titiritero y llevarse un títere a casa.

Teatre Animal dará a conocer Com gat i gos en el que muestra la relación de un pintor y sus perHullu de la compañía Blick Théâtre sonajes y los madrileños Pelele mostrarán La muerte de Don Cristóbal y Los funestos esponsables de Don pequeño formato de la que surgió la técnica Cristóbal ambos montajes de gran comicide títeres con globos de la agrupación. Tamdad realizados con marionetas de guante bién estrenarán varias compañías oriundas tradicional. Teatro Paraíso acercará Kubik de Lleida, por un lado Efimer llevará a cabo Traps, un sencillo montaje de calle protagopropuesta realizada en coproducción con nizado por tres dragones hechos de trapo, la compañía belga Teatro de la Guimbarde, por su parte JAM dará a conocer El mêtre, en en la que se da paso a un juego de consla que unos metres, en una pequeña terraza, trucciones que se transforma en un bostrasladarán al público al mundo de la imaque de emociones, proyecciones que dan ginación, de la complicidad, la risa, el amor, vida a un pequeño museo de imágenes, y las emociones, el juego y la ternura. El Cenlos italocatalanes Trukitrek & Otto Panzer tre de Titelles de Lleida con Kissu ofrece la pondrán en escena Ab-normal life. Por su posibilidad de vivir una historia de aventuras parte, Baychimo Teatro escenificará Pinxit, una propuesta dirigida a niños de entre 6 con su principal personaje que se aleja de su meses y 2 años; la incorporación de un madriguera y de su madre, hasta perderse e montaje para esta franja de edad es toda ir a parar al mundo de los humanos. una novedad para la fira. También habrá La presencia de compañías provenientes oportunidad de disfrutar en familia con alde otros países será importante, entre ellas gunos trabajos ya citados y con BHRAVA! se encuentran los brasileños Pigmaliao Es-

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Cool Frogs de Etienne Borgers ©Carla Kogelman

de L’ Animé que introducirán al espectador dentro de unos paisajes visuales fantásticos.

Además del citado ‘O Quadro de uma familia’ de Pigmaliao Escultura Que Mexe entre las propuestas especialmente pensadas para adultos están La dulce Ingeborg de los baleares Au Ments, una historia basada en el caso real llamado El crimen de los títeres, así como Ârtica de Ponten Pie, Premio Moritz al mejor estreno de Artes de Calle y no convencionales en FiraTàrrega 2013. Por último, cabe destacar también la participación de Guillem Albà que junto con The All In Orchestra ofrecerá el espectáculo Marabunta, y el propio Albà, la noche de clausura, hará las veces de maestro de ceremonias en la entrega de los Premios Drac d´Ors.

Titirimundi

Del 14 al 18 de mayo tendrá lugar la 28 edición de Titirimundi, uno de los Festivales de Títeres más importantes y de más prestigio del Estado español con gran proyección internacional, que durante cinco jornadas intensas propone más de 300 funciones de títeres, 254 de las cuales se llevarán a cabo en Segovia capital, su epicentro, y el resto repartidas en las extensiones, que cada año que pasa se van sumando más lugares, y en la presente edición contarán con la participación de Ávila, Burgos, León, Salamanca, Valladolid, Madrid y la sierra o municipios como la navarra Barañain o la gallega Redondela. Una vez más la programación se caracteriza por su eclecticismo basada en lo más selecto del teatro vanguardista, con espectáculos que llevan al extremo el teatro de títeres y en lo más tradicional del folklore, con populares espectáculos de marionetas.

La presencia de compañías internacionales será relevante, en concreto desde Francia, uno de los especialistas más audaces del teatro de objetos, pero también actuarán compañías belgas, británicas, chilenas o rusas, sin que falten agrupaciones españolas.

Las propuestas de pequeño, mediano y gran formato se llevarán en el interior y exterior, en espacios convencionales pero muchos en espacios singulares. También el circo y el humor más irónico estarán presentes en la programación, con espectáculos que ahondan en la naturaleza del propio títere y en el ciclo de la vida. Tampoco faltarán actividades paralelas como varios talleres, por un lado el de creación de títeres para el público infantil y otro de talla de madera para profesionales, una exposición de cien muñecos de gomaespuma de uno de los mejores diseñadores de muñecos para TV, Muñecos Animados, y el museo dedicado al maestro marionetista gaditano Francisco Peralta.

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14 mayo junio XXVII FITCarrer Vila-real

Los espacios públicos como inspiración y reflexión

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as jornadas de artes de calle donde se reflexionará sobre la “Creación en espacios públicos” serán las encargadas de dar el pistoletazo de salida a la vigésima séptima edición del Festival Internacional de Teatre de Carrer de Vila-real “una convocatoria más internacional que nunca” como se apunta desde la organización y que se celebra los días 2, 3 y 4 de mayo.

Esta edición, que tiene como lema el título de las mencionadas jornadas, presenta una programación formada por 21 compañías que pondrán en escena 27 espectáculos en la que destacan novedades como dos coproducciones del FITCarrer. La primera realizada con La Fam, nueva compañía local que en palabras del director del festival, Pau Ayet “supone la creación de una nueva compañía local de la mano de actores procedentes de diferentes formaciones con ganas de llevar a cabo su propio espectáculo”, estrenará Marad Sade. Esta propuesta es una versión libre de la obra de Peter Weiss adaptada al teatro de calle y dirigida por Jordi Arús donde se reúnen 20 profesionales de las artes de calle y se trabaja el teatro de la crueldad desde una creación colectiva y el lenguaje corporal. La segunda coproducción ha sido realizada con la catalana CoLABse cia que presenta Mesa para dos, un espectáculo de calle donde la improvisación y la locura van de la mano a través de un ready-made restaurant montado en directo en el que 9 trabajadores de diferentes partes del mundo atenderán a sus clientes basándose en técnicas de teatro de calle, clown y danza.

Catalanas también son las compañías La Baldufa que presenta el espectáculo itinerante Zeppelin, Jam que pondrá en escena una particular partida de golf con Glof y Atempo Circ con Invisible, mezcla de circo, teatro físico y música en directo en la que el circo, el doble mástil chino, y el violonchelo son los 26

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construye el mito del amor romántico de Las XL y Star Farts, una versión muy particular de la guerra de las galaxias de Purna Teatre.

Amplia es también la presencia de compañías internacionales de esta edición: desde Francia Karnavires con Nuit de Lumière, un espectáculo lleno de magia y con la pirotecnia como principal protagonista y Cie. Mirador que en Okolo los artistas realizan acrobacias inverosímiles en una rueda gigante. De Italia Nando e Maila harán las delicias con Sconcerto d’amore, un conciertoespectáculo relleno de gags, acrobacias aéreas, malabarismos musicales, proezas sonoras y mucha comicidad y La Cuisine Macabre de los holandeses Daad ©Kultur Leioa el conocido bufón Leo Bassi sorprenderá al público con Patocaracia. La Cuisine Macabre de los holandeses Daad protagonistas. Desde Euskadi llega el es¿Espinazo o callos?

Una pieza de es un particular carromato convertido en pectáculo humor, acidez, ternura y poesía en forma de restaurante aparentemente de cocina canícarnicería improvisada que pone en escena bal; el británico Max Calaf Sevé se vale del Pez Limbo; la presencia vasca se completeatro físico y la cama elástica en Anyday y ta con dos compañías de larga trayectoria la compañía colombiana Chiminigagua será Markeliñe que llega con Carbón Club y Trapu la encargada de clausurar esta edición con Zaharra con Vive soñando, un trabajo en el Sueños encantados un montaje donde se que el humor ayuda a “digerir” la realidad combina la acrobacia teatral, la danza, la que se representa y 4x4 de Ertza, la compamúsica, y el folklore y cultura colombiana. ñía capitaneada por el coreógrafo y bailarín La programación de la presente edición Asier Zabaleta. De danza es también Bagadel FITCarrer se completa con Foto, escoba ge de A Tempo Dansa, una historia de siete y cola una acción callejera, participativa y pequeñas historias que llevan al público a festiva del fotógrafo especializado en arreflexionar sobre el valor de las cosas a trates escénicas Gerardo Sanz, el FITcarrer Ràdio-show, espectáculo radioAfónico con vés de un espectáculo de danza interactivo conexión en directo con “toda la informamientras que los cuatro componentes de la Cia. La Trócola ponen en ción oFITcial del festival” y guiado por unas también valenciana crisis el sentido del objeto por medio de las presentadoras “radioActivas” con el objetiPotted .

Con Bajo el vo de que todo el mundo pueda “FITonizardisciplinas circenses en andamio de los madrileños Teatro Percutor y se” y se otorgará el Premi Ramón Batalla, Aquí sobra uno que los andaluces Tresoerté que en su tercera edición ha sido concedise completa la representación de compañías do al TAC, Festival Internacional de Artes estatales sin olvidar los dos espectáculos de Calle de Valladolid, “por su trayectoria de programación coherente que apuesta que cerrarán en forma de sesión golfa las por dar a conocer los trabajos que se están jornadas del viernes y sábado, Abandónate mucho, espectáculo músico teatral que dedesarrollando en espacios públicos”.

14 mayo junio X Lekuz Leku - Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos

La danza se complementa con la arquitectura urbana

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cercar la gran variedad de lenguajes de la danza contemporánea a todos los públicos a través de la presentación de trabajos coreográficos en espacios urbanos es el objetivo de Lekuz Leku, el Festival Internacional de Danza en paisajes urbanos y muestra de video-danza que celebra su décima edición en el Paseo de Abandoibarra de Bilbao los días 27 y 28 de junio.

Organizado por la sala La Fundición, la programación de esta décima edición será inaugurada por 4X4 de Ertza Dantza, una coreografía creada por Asier Zabaleta con la colaboración de los intérpretes y galardonada con el Premio al mejor espectáculo en la Umore Azoka 2013. Capitaneada por Natalia Monge Organik presenta Carneros, una pieza inspirada en una modalidad de deporte rural vasco basada en el instinto de topar de los carneros con apuestas de por medio. Creada en 2013 por Judith Argomaniz y Diego Hernández, la compañía Lasala presenta HOOKED –extracto de la obra ‘HOOKED(still)’ que ha sido seleccionada y recompensada en distintos festivales y certámenes nacionales e internacionales– una pieza que refleja la necesidad constante del ser humano de tener una vinculación afectiva con otro ser humano y los efectos que conlleva dicha condición.

La propia Argomaniz es la coreógrafa y directora de la pieza además de interpretarla junto a Jaiotz Osa. Cielo Raso –compañía creada a partir de la unión de Teatro de Açucar y Cía. Igor Calonge– presenta Carnaval, una pieza que evoca a la fiesta callejera más contundente que altera la vida cotidiana que una vez finalizada queda un espacio calcinado, sucio... y alguna historia para ser contada.

Kukai Dantza Taldea completa el grupo de propuestas de compañías vascas y presenta Gelabert... eta hiru pieza inspirada en los Jauzis de Iparralde y creada en colaboración con el coreógrafo Cesc Gelabert.

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Incógnito de Lali Ayguade y Nicolas Ricchini

Los valencianos de Proyecto Titoyaya llegan con Retrato de Oscar Wilde-Duet en la que los fundadores de la compañía, Gustavo Ramírez y Verónica García se adentran en el universo del célebre dramaturgo realizando una defensa de la belleza, la tolerancia y la individualidad. Desde Madrid Daniel Doña presenta A pie de calle, un espectáculo didáctico e interactivo que tiene como objetivo acercar al público de la calle la danza española y el flamenco y desde Barcelona Lali Ayguade y Nicolas Ricchini harán lo propio con Incógnito. Motus es un fragmento de la última producción de Logela Multimedia y Circle of Trust compañía de Zaragoza cuyo estilo es el Bboying que impartirá también un taller de Hip/Hop - Break Dance.

Red Cieloabierto

Las representaciones se completan –además de con las proyecciones de vídeos que tendrán lugar en el Punto de Encuentro del festiva, la cafetería Kiosko junto al Museo Guggenheim– con Diagrama de la trayectoria del sistema de Lorenz una

coreografía de Noemí Sánchez Cárdenas que presenta la Compañía Pájaro Mosca, ganadora del Premio Gira por España del Certamen de Creación SóLODOS DANZA celebrado el pasado marzo en Barva, Costa Rica. Este premio consiste en participar además de en Lekuz Leku en otros festivales de la Red Cieloabierto, red de festivales de danza contemporánea para espacios abiertos y no convencionales que ha creado un circuito para la circulación de piezas de danza y funciona además como canal de información, mecanismo de encuentro y catalizador de proyectos.

Además Cieloabierto trabaja en proyectos de movilidad, intercambio y cooperación cultural a través de sus vínculos nacionales e internacionales. Junto con Lekuz Leku Cieloabierto reúne los festivales siguientes: Palma amb la Dansa de Palma de Mallorca, Cádiz en Danza, FAM de Tenerife, Trayectos de Zaragoza, Corpo a terra de Ourense, Huellas de Aracena, Huelva, Dantza Hirian de Donostia, Masdanza de Maspalomas, Gran Canaria y Mes de Danza de Sevilla.

14 mayo junio VII Circolmedo - Muestra de Artes Circenses

Fiesta circense en la localidad del Caballero de Olmedo

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a localidad vallisoletana de Olmedo acogerá del 9 al 11 de mayo la séptima edición de la Muestra de Artes Circenses Circolmedo, cita que durante todos estos años ha ido tomando cada vez más cuerpo, intentando visualizar tal y como indica su directora Montse Sánchez Ferrández “las posibilidades que ofrece lo que se denomina como nuevo circo, haciendo cada año la selección de artistas basándonos en las técnicas que trabajan, intentando variar para que el público pueda ir conociendo las diversas artes circenses”.

A excepción del pasacalles que tiene lugar el último día por la tarde donde los jóvenes de Olmedo muestran sus destrezas aprendidas y depuradas en la escuela de circo que se desarrolla cada jornada de la Muestra, el resto de actividades tienen lugar en diferentes espacios del Palacio del Caballero. Asimismo cabe destacar que durante estos tres días las calles del municipio se engalanan con todo tipo de motivos circenses acordes con la actividad del festival.

A lo largo de las tres jornadas Jean Philips Kikolas mostrará su Cabaret errante haciendo que bajo la carpa se fundan las artes musicales, teatrales y circenses en un espacio único, una atmósfera cercana cargada de poesía en funciones cortas de media hora.

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nacio Ricci formado en la escuela La Arena de Buenos Aires o el malabarista especializado en la manipulación de sombreros Lorenzo Mastroprieto. Asimismo, asistirán las acróbatas y equilibristas finlandesas Lotta&Stina, ambas estudiantes de la escuela de arte y circo de Bélgica, completándose el elenco de artistas de la Gran Gala con el artista Miguel Gigosos, malabarista, estudiante de la escuela de circo de Lido, que ha participado en la pasada edición del festival europeo de malabaristas.

El sábado por la tarde se podrá disfrutar de Do not disturb tercer espectáculo de la compañía andaluza Vaivén, un trabajo de circo contemporáneo que habla de emociones, que nace de la investigación del movimiento, solo, en grupo y con objetos y Willbur de Capitán Maravilla, espectáculo unipersonal de pequeño formato plagado de acrobacias, humor y riesgo.

Como broche de oro de esta séptima edición de Circolmedo contarán con la compañía Elegants que actuarán el doCabaret Elegance de Elegants mingo por la noche con la propuesta Cabaret Elegance, un show donde sus cuatro intérpretes darán a conocer una suCabaret de Circo, será como un calentacesión de números combinando diferentes miento de motores para la Gran Gala de técnicas de circo como el trapecio, equiliCirco del sábado, contando con el Gran Dimitri como maestro de ceremonias, donde brios, mástil chino, monociclo y malabares, y intentarán descubrir el más difícil todavía la comicidad como lenguaje conductor, culmicontando, entre otros con el acróbata Ignando con un número de trapecio triple.

Por las noches tanto el viernes 9 de mayo como el sábado día 10 diferentes artistas exhibirán, en pases cortos de alrededor de unos 8 minutos, sus números.

La primera noche, que la denominan como

14 mayo junio XXX Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba

Treinta años al servicio del público infantil

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a Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba posiblemente sea una de las citas anuales específicas para público infantil más veteranas del estado español, que este año cumple nada menos que treinta años, y en la línea marcada en la pasada edición su programa estará compuesto únicamente por espectáculos de compañías profesionales, a diferencia de ediciones anteriores que contemplaba las exhibición de montajes de agrupaciones amateurs y la de los grupos de las diferentes escuelas de las localidades pertenecientes a la comarca del Bajo Deba.

El Complejo Educativo de Eibar acogerá las seis funciones de las seis compañías provenientes de diversos puntos de la península ibérica entre el 14 y 29 de mayo. La compañía guipuzcoana Txalo será la primera en actuar con Mollie Malonen ipuin sinestezina montaje estrenado recientemente y protagonizado por Iraitz Lizarraga, Alfonso Díez y Aitor Fernandino en el que se cuenta la emocionante aventura de una chica en la

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Erpurutxo de Teatro Paraíso ©Aitor Audicana

que conocerá cuatro singulares personajes.

El día 17 será el turno de los vizcaínos La Papa Teatro que en coproducción con L´Atelier Danza escenificarán Con los pies en las nubes, una comedia musical que se basa en el testimonio de un sueño, donde anidan la esperanza y la pasión. Ana, su protagonista, es una niña de vida sencilla y recursos ajustados que sueña con ser bailarina de ballet.

La tercera de las propuestas, prevista para el 20 de mayo, es el último montaje de la compañía madrileña Titiriguiri Hay un gallo en el tejado. Este montaje fusiona el

arte titiritero y la animación desmadejando una historia de amistad y superación entre unos y otros personajes. El 22 de mayo actuará Teatro Paraíso con su particular versión del cuento clásico ‘Pulgarcito’ de Perrault que su versión en euskera lleva por título Erpurutxo. Dirigido al público familiar, esta obra tiene como objetivo garantizar el disfrute de los niños pero también de sus acompañantes, y como indica su director, Iñaki Rikarte “cada cual hará su lectura, dicen además que los cuentos son para dormir a los niños y despertar a los adultos”.

El programa se completa con el concierto lúdico que los incombustibles Titiriteros de Binéfar han adaptado para sala con nuevas canciones el día 27 y Aladín de Teatro Gorakada que se encargará de dar por concluida la Muestra el 29 de mayo, con este montaje que propone un viaje mágico en la alfombra de Aladino en el que se conjuga el trabajo de actores, la manipulación de títeres y una cuidada música, iluminación y escenografía.

14 mayo junio Trapezi - Fira del Circ a Catalunya - Reus

Una apuesta por la proyección del circo catalán actual

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rapezi 2014 se celebrará en Reus del 8 al 11 de mayo y en sus plazas, calles, teatros y carpas acogerá más de ochenta representaciones ofrecidas por treinta y seis compañías de Francia, Bélgica, Canadá, Suecia. Eslovaquia, Italia, Marruecos, Argentina, Brasil, Chile, España y Catalunya, con un total de once propuestas internacionales, veintiuna catalanas y tres del resto del Estado español.

La dirección artística de Jordi Gaspar, ha hecho una clara apuesta por los artistas emergentes, la nueva creación y la experimentación, donde prevalezca la transversalidad y la convivencia de lenguajes, junto a otras disciplinas como la danza o las artes plásticas, nuevas tendencias y estéticas en la puesta en escena así como la innovación y el riesgo, con el convencimiento de que las compañías emergentes, así como la calidad, la novedad y la variedad de formatos (carpa, sala, calle y cabaret) facilitan la proyección internacional y estatal del circo catalán.

Está edición se realiza con dos objetivos claros: la internacionalización del circo de creación catalana y el refuerzo del ámbito profesional de la propia Feria. Para cumplir con el primero se cuenta con la implicación de organismos institucionales y el acceso a las redes europeas como ‘CircusNext’, un proyecto del Programa Cultura de la Comisión europea (2013-2017) que busca descubrir, acompañar y dar soporte a una nueva generación de artistas de circo, que cuenta con quince países y cuarenta equipamientos y entidades colaboradoras.

Como socio del proyecto programará dos espectáculos de Jongloïc Company y Not Standing vzm ambos de Suiza.

‘Autopistas: Circus dissemination’ es un proyecto de cooperación para 2014-15 que busca estabilizar y consolidar redes de circulación de espectáculos en Europa 34

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Esquerdes de Hotel Iocandi

y América del Norte y potenciar el trabajo de colaboración entre festivales y teatros para conseguir una mejor difusión de las propuestas artísticas y para ello articulará un circuito de giras con una quincena de compañía de Quebec, USA, países nórdicos, Francia y Catalunya y realizará cuatro workshops y dos seminarios que se celebrarán en festivales de Montreal, Barcelona y Estocolmo. De este programa se presentan Cherepaka de Andreane Leclerc de Quebec y 1 y medio de Frida Odden Brinkmann de Noruega.

‘Caminos emergentes’, red transpirenaica para difundir números y piezas cortas de compañías emergentes que presentará los trabajos Rio por no llorar de Carola Aramburu, Lo quieto del movimiento de Juana Beltran y Upside down del Dúo Lagos los tres de Argentina; Esquerdes de Hotel Iocandi de Catalunya e Illes Balears y Els de Amanda Righetti de Francia.

Trapezi también colabora con La Central del Circ de Barcelona con el fin de dar los recursos para la creación y exhibición de

un número de circo que tenga un componente de investigación y que este año será Xavi Sánchez con Oyeblikk Alene; con la Fira de Tárrega compartirán la presencia de Animal Religion con Indomador y Violeta del Colectivo La Persiana y con el Mercat de les Flors de Barcelona que presentará el espectáculo Oximoron dentro del ciclo ‘Circ d‘ara mateix’.

Estrenarán sus últimas producciones en Reus la compañía catalano-chilena Atempo Circ con Invisibles, donde unen las técnicas de la percha china, la danza con música en directo. Una instalación para el juego y la experimentación sensorial de niños y niños de 0 a 3 años de nombre Apicirc a cargo de Pessic de circ.

Entre la amplia programación destacamos Cabaret petrificat a cargo de Escarlata Circus; Rudo de Manolo Alcántara; Potted de los valencianos de La Trócola; Heian de los andaluces de Zen del Sur; Fac nord de los franceses de Un loup pour l’homme o Walkmann de Gorka Ganso.

Entre las muchas actividades paralelas se ha convocado a programadores catalanes, españoles y extranjeros alrededor de un espacio de encuentro de profesionales que tendrá lugar el día 10 que facilitará el contacto entre compañías y posibles compradores o financiadores. En este espacio la Associació de Profesionals del Circ de Catalunya (APPC) gestionará un punto de información con todo el catálogo de las compañías de circo catalanas y se presentará la nueva web catcirc.cat.

También se realizará un taller de espectadores, así como encuentros con el director artístico de Trapezi y algunas compañías participantes moderados por el crítico y periodista Jordi Jané. Se ofrecerá a todos lo públicos un curso de acrobacia y una exposición fotografía de Marta Garcia Cardellach y talleres de GYNS, danza vertical y aérea y esgrima.

14 mayo junio XXXVII Festival de Teatro de El Ejido

Un gran abanico de ofertas para todos los públicos

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n primavera, la localidad almeriense de El Ejido se convierte en capital del teatro y es que del 22 de abril al 17 de mayo se celebra la XXV Muestra de Teatro Aficionado, con la participación de 23 grupos, todos ellos del municipio que serán el aperitivo ya que pocos días después dará comienzo la trigésima séptima edición del Festival de Teatro de El Ejido que se desarrollará del 30 de mayo al 21 de junio con una programación en la que alrededor de 50 compañías realizarán más de 95 funciones de todo tipo de artes escénicas –teatro de sala, calle, danza contemporánea, flamenca, clásica, circo, música– en 20 espacios diferentes.

El Auditorio de El Ejido acogerá a compañías como Sara Baras, encargada de inaugurar esta edición con La Pepa, espectáculo de baile flamenco en el que se representa el Cádiz de la Pepa, el horror de la guerra y la belleza de una tierra. La danza clásica llega con Russian Classical Ballet dirigido por Evgeniya Bespalova que pondrán en escena Romeo y Julieta el clásico de Shakespeare con música de Sergei Prokofiev y coreografía de Leonid Lavrovsky.

Particular es la propuesta de Da.Te Danza que en Taller/Espectáculo une pedagogía y danza haciendo que el público participe del proceso creativo para, finalizado el taller formar parte del público de una pieza en la que reconocerán los elementos trabajados en el taller.

Dos caras conocidas, Pepón Nieto y Paco Tous dan vida a los dos hermanos prota-

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Do not disturb. No molestar de Vaivén Circo Danza

gonistas de la comedia Mitad y Mitad de Pentación y dos reconocidos actores, Luis Merlo y Carlos Hipólito protagonizan El crédito, una obra de Jordi Galcerán sobre los préstamos bancarios de Trasgo Producciones. También son dos los intérpretes de Las heridas del viento, Kiti Mánver y Dani Muriel, que ponen en escena una desgarradora historia de amor escrita por Juan Carlos Rubio en una propuesta de Talycual Producciones. La Fura dels Baus por su parte presentan con Res una obra intimista de un único actor en la que se reflexiona de manera sencilla y contundente sobre el efímero mundo de las artes escénicas. En Bits se encuentra el característico humor de Tricicle; Do not disturb. No molestar, un espectáculo de circo de Vaivén Circo Danza dirigido por Rosa Díaz en la que se representa una jornada de trabajo en una fábrica

de principios del siglo XX y un clásico, El coloquio de los perros de Miguel de Cervantes en una coproducción de la CNTC y Els Joglars completan las propuestas del Auditorio junto con el musical para todos los públicos de Rodetacón, Tarzán.

El teatro municipal acogerá a las mañanas funciones escolares de las obras Monil de La Guasa, Alegría, palabra de Gloria Fuertes de Teatro de Malta y El secreto de Wenceslao de Cía. La Monda Lironda pero también espectáculos para el público adulto como la propuesta de títeres realizada por El espejo negro del clásico La venganza de Don Mendo. También parte de un texto clásico, en este caso de Shakespeare la obra protagonizada por Nuria Espert, La violación de Lucrecia de Producciones Juanjo Seoane y Esperando a Godot, de Samuel Beckett en una propuesta de Excéntrica Producciones dirigida por Joan Font, director de Comediants. La edición 2014 también preve espectáculos en espacios no convencionales como el concierto 1 piano & 200 velas de David Gómez que tendrá lugar en el Invernadero Crisol o una amplia programación de espectáculos de calle que el viandante encontrará en las plazas y calles como En busca del gran tesoro de Vagalume Teatro, Huellas de Periferia Teatro o el espectáculo de danza Trátame como me merezco on the Road de Losdedae entre otros. Conciertos de todos los estilos y la programación Noches golfas en varias cafeterías y pubs del municipio conforman las propuestas de este año.

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Escena Mobile en Sevilla

Mano a Mano de Primera Toma

La Asociación Te Veo, que reúne algunas de las principales compañías de artes escénicas para la infancia y la juventud y a diversas salas con programación exclusiva para esta franja de público, organiza sus séptimas Jornadas Te Veo con el título ‘Construyendo futuro’, iniciativa que continua trabajando y esforzándose en realizar jornadas importantes para el sector y seguir apostando para la continuidad, defensa y proyección de las artes escénicas para niños y jóvenes. Para la organización de las jornadas a celebrarse en Madrid el 9 y 10 de junio, centradas en estrategias para el desarrollo de públicos infantiles y juveniles en artes escénicas, han contando con la estrecha colaboración de la Fundación S.G.A.E. El objetivo principal en esta ocasión será debatir sobre los problemas de comunicación con el público y la taquilla para poner en marcha la búsqueda de soluciones y la forma adecuada que ayude a dibujar el camino para el éxito. Asimismo, proponen la necesidad de implantar nuevos métodos y desarrollos para captar audiencias. El programa previsto para la presente edición de las jornadas intentará cumplir tres objetivos primordiales consistentes en, primer lugar, aproximarse a los públicos infantiles y adolescentes desde la psicopedagogía para ver cómo se realiza el aprendizaje a partir de la experiencia y cómo se forman los valores y los intereses culturales, por otro lado, realizar un marco estratégico para el desarrollo de públicos infantiles y adolescentes y su aplicación en diversos contextos, y por último, proponer una metodología para la planificación operativa de prácticas escénicas para niños y adolescentes en un contexto concreto. Jaume Colomer, consultor especializado en gestión cultural y artes escénicas, director de Bissap, comisario de Mercartes 2014, secretario técnico del Cercle de Cultura y de la UAEICE, asesor de evaluación del programa CaixaEscena de la Obra Social de La Caixa, y del Gran Teatro Nacional de Perú y profesor asociado de la Universitat de Barcelona, será el encargado de la exposición de los contenidos junto a Pilar López, directora organizativa de Teatro Paraiso y KunArte y responsable de los programas de creación y formación de público y Jacinto Gómez, gerente y productor de la Compañía Rayuela, presentarán algunas de las ponencias.

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Se celebra la octava edición del Festival Internacional Escena Mobile de Sevilla, cita que ha hecho del arte integrado su bandera, y que este año viene con aires renovadas y con un espíritu cercano buscando la complicidad con el público. En 2014 el festival da un giro de 180 grados y se aleja del esquema de años anteriores y tras la particular edición del año pasado, en esta ocasión producciones de todo tipo tomarán las calles para generar nuevas sinergias, configurando un encuentro muy festivo y cercano entre artistas, con y sin discapacidad, y el público. Además, el festival se muda del Teatro Lope de Vega al Teatro Alameda, un espacio más adecuado para este planteamiento de cercanía y proyección social. La programación en el Alameda tendrá lugar los días 2, 3 y 4 de mayo y las actuaciones arrancarán con el trabajo 8×2, una producción propia del Festival que supone un homenaje a la danza inclusiva. Para su creación se ha contado con ocho de los principales coreógrafos que han trabajado durante los últimos años con Danza Mobile, compañía organizadora del Festival y proponen una muestra de duetos con varios de los bailarines de la compañía. El programa continuará el día 3 de mayo con la actuación de la compañía rusa Krug, que presentará el montaje Slash, recuerdos y reflexiones de los actores del estudio teatral integrador Krug. En ella sus intérpretes demostrarán en las improvisaciones el tema de la unidad y la división. Por último, el 4 de mayo se dará paso a la actuación de la compañía madrileña Primera Toma, que pone en escena Mano a Mano, una obra narrada por una actriz oyente y un actor sordo. Además de la programación escénica, el Festival cuenta con la presencia de dos artistas invitados que se encargarán de abrir la programación a otros ámbitos relacionados con el Arte Inclusivo, como es la cantante francesa Josette Kalifa acompañada por el pianista Eddine Elandaloussi y la Orquesta Argelina (30 de abril en la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo) y el maestro de la narración oral Pepepérez, junto con Trako de la Silko, en El Farol el 1 de mayo. Cabe destacar que el festival contempla una serie de actividades formativas y talleres relacionados con el Arte Inclusivo, además de diversos eventos de calle y exposiciones.

14 mayo junio IX Haizetara-Certamen Internacional de Bandas Callejeras

La calle convertida en un gran escenario musical

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a localidad vizcaína de AmorebietaEtxano acoge del 20 al 22 de junio la novena edición de Haizetara, Certamen Internacional de Bandas Callejeras organizado por Ametx, organismo autónomo municipal de cultura. Diez serán las agrupaciones musicales que participarán en la presente edición provenientes de Italia, Reino Unido, Rumania, Polonia, Portugal, Japón y Euskadi.

Una de las novedades destacadas de esta edición es la presencia de una banda venida de un país tan lejano como Japón, Tokyo Brass Style formada íntegramente por mujeres que interpretan un repertorio ecléctico que va desde el funk, el ska, el swing y melodías de dibujos animados japoneses.

Desde Italia llegan la banda siciliana Ottoni animati, que comenzó como una pequeña orquesta de instrumentos de viento que a día de hoy es más completa e interpreta

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sus propias composiciones, al tiempo que Archinossi conjunto de cámara de cuerdas clásico con una puesta en escena actual y enérgica. Fanfara Transilvania da nombre a la banda rumana formada por hermanos y primos que interpretan el legado musical de sus padres y abuelos, enmarcado dentro del folklore rumano y la música de los gitanos de los Balcanes. Con un estilo más contemporáneo y depurado vienen los polacos Krakow street band formación compuesta por ocho músicos profesionales que participan al mismo tiempo en otras bandas y proyectos y se están convirtiendo en el nuevo hito mu-

sical de la ciudad de Cracovia.

Desde Francia llega Imperial Kikiristan banda singular que proyecta gran comicidad en su actuaciones y desde Reino Unido se acercará Perhaps contraption una banda multivocal que funde elementos del pop art, oompah y postminimalismo dando paso a Tokyo Brass Style actuaciones enérgicas, llenas de armonías corales, coreografías y ritmos intrincados. Bizu Coolective se trata de una formación portuguesa creada en 2009 que actualmente se centra en la esencia de las bandas tradicionales pero abriéndose a una amplia gama de estilos como el ska, funk, hip hop, jazz o disco sound. La programación también contempla la participación de los madrileños Mastretta, liderado por Nacho Mastretta músico, compositor y productor discográfico, así como los vascos Sugarri que vuelven a Haizetara después de que el año pasado fueran distinguidos con el Premio del público.

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XXXVII Festival Internacional de Expressâo Ibérica - Oporto

Primera edición dentro del programa europeo ESMARK

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l FITEI se celebrará del 29 de mayo al 7 de junio y por primera vez se hará dentro del marco European Scena Market, un programa europeo que comparte con la Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo donde el pasado verano comenzó la itinerancia de este proyecto y el Festival Quijote de París que se realizó en noviembre de 2013.

Las actuaciones se abren con la Compañía Ferroviaria que con dirección de Paco Maciá pondrá en escena El Sueño de la Razón de Antonio Buero Vallejo, con la figura del gran pintor Goya como inspiración y se cerrarán con Passagem una performance/instalación producida por Porjectos de Intervenção Artística con dirección de Pedro Leal.

La producción portuguesa se inaugura con un espectáculo que es todo energía, sonido y movimiento, Crash Strett Show de los We Tum Tum con música de Bruno Estima. El Grupo de Acção Teatral A Barraca presentará D. Maria A Louca, propuesta del dramaturgo Antonio Cunha con dirección de José Costa Reis que cuenta un pasaje emblemático de la vida de Portugal. O Auto da India es un proyecto de cuatro compositores en formación de la Escuela Superior de Música, Artes y Espectáculo, a partir de obra de Gil Vicente. Worms es un proyecto, pensado, creado y realizado por Rui Neto, dando una visión apocalíptica de

ta de varios trabajos de danza, con la Companhia Paulo Ribeiro, que ofrecerá varias obras, Balleteatro con Landing, mientras la Companhia Clara Andermatt presentará Fica no Singelo.

En la colaboración habitual entre FITEI y el TNSJ se ofertan representaciones de Penal de Ocaña de María Josefa Canellada, en un montaje de Não D’ Amores dirigido por Ana Zamora, y por otro lado De bestias, criaturas Agitación senil de Vagalume Teatro y perras, del dramaturgo mexicano Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM) en una producción de las compañías francesas Le Miroir qui Fume y La Bolita Cie, una obra de humor inteligente y provocador.

Completan la programación oficial la española Vagalume Teatro con Agitación senil que bajo la dirección de Marta Sitjá nos lleva a mirar un parque con tres ancianos. De Cuba nos llega Teatro del Silencio que presentará El cerco, texto del autor y director Rubén Sicilia que se interroga sobre el papel del hombre de Grupo de Acção Teatral A Barraca de D. Maria A Louca hoy en la sociedad. La producción de la sociedad contemporánea. La compañía los GRRR - Croupe Rires, rage, RésistanLafontana-Formas Animadas presentará ce, titulada Nuit d’été loin des Andes ou Prometeu de José Cotinhas y la compañía dialogues avec mon dentiste, con texto y Chapitó cuestiona con su especial lenguadirección de Susana Lastreto Priet, una je escénico la realidad social a partir del pieza de humor impertinente.

Edipo de Sófocles.

Los alumnos de la ESAP - Escola Superior Bajo el epígrafe DANCEM!2014, se preArtística de Porto, harán un Acto Performativo para abrir el festival paralelo. sentará en los escenarios del TNSJ, la ofer-

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aCT Festival Del 2 al 7 de junio se celebrará el ACT Festival –organizado por BAI, Bizkaiko Antzerki Ikastegia– que este año cumple su undécima edición y pretende comenzar una nueva etapa aunque sin cambiar su esencia de continuar siendo una plataforma de dar a conocer las propuestas de jóvenes creadores. Con el añadido de Festival Internacional de Escena Corta, el ACT, como indican sus organizadores “será la disculpa perfecta para acercarse a la escena contemporánea en formato breve, disfrutando de espectáculos muy variados mientras te tomas una caña”. Además este año el festival presenta numerosas compañías premiadas a nivel estatal e internacional y un gran número de espectáculos de alta calidad. La programación, compuesta por 17 piezas escénicas de danza, teatro, performance o circo, se pondrán en escena en diversos espacios de Bilbao como el Zero espazioa del Museo Guggenheim, Pabellón 6 y Kafe Antzokia además de en el Teatro Barakaldo. Asimismo, como en anteriores ediciones también se han previsto charlas, encuentros y talleres.

Laboratorio Escuela TNT Tras diecisiete ediciones del Laboratorio Internacional del actor, el Centro TNT reinventa el laboratorio adaptándolo a las necesidades de las nuevas promociones de actores. Coincidiendo con el veinte aniversario de la TNT, han decidido convertir el Laboratorio Internacional en un Laboratorio Escuela. Por tanto, en vez de cuatro meses y medio tendrá una duración de dos años con casi 1400 horas de aprendizaje intensivo, así como un mayor vínculo con los actores de Atalaya y con el Centro TNT. El programa de este Laboratorio Escuela se constituye por un total de seis áreas: cuerpo, voz, música, creación, interpretación y cultura escénica. Se abarcarán todas las técnicas aprendidas y desarrolladas por el director y equipo estable de la compañía Atalaya a lo largo de los más de treinta años de trayectoria. Asimismo, dentro de cultura escénicas se impartirán otras técnicas escénicas específicas de culturas ancestrales como son el flamenco, la danza hindú y el teatro balinés. Como novedad, los actores-alumnos de la presente edición tomarán parte en la presentación en el Teatro Central de Sevilla, y posiblemente en algunas giras, del próximo espectáculo de Atalaya Marat-Sade.

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Mai du Théâtre d´Hendaye Treinta años cumple el festival Mai du Théâtre de Hendaia que alberga dentro de su programación, que se desarrollará del 21 al 25 de mayo, cerca de una treintena de propuestas de una gran variedad que van Publikoari gorroto desde el teatro, la danza o el circo. Théâtre des Chimères, en colaboración con la Association Médicale Hendayaise pour les Maladies Rares, ha creado un montaje especial bajo el título Tranches de vie como espectáculo inaugural. Esta obra está basada en textos escritos por residentes del Hospital Marino de Hendaya.

Dentro de la programación también actuarán compañías como Le petit théâtre de pain con Le regard de l´homme sombre, Huts Teatroa con Publikoari gorroto, la Compagnie Les Baineurs que ofrecerán varias funciones de Siège, Buffalo girls con Charrette, Anamorphose con Don Quichotte o Kukai con Gelajauziak, entre otros. El programa se completará con una gran variedad de actividades paralelas que incluye talleres, encuentros y charlas que estarán abiertas al público.

Surge Madrid La Comunidad de Madrid pone en marcha SURGE Madrid, Muestra de Creación Escénica Madrileña, del 7 al 31 de mayo, con el objetivo de promocionar la creación escénica en salas alternativas y de pequeño formato. La programación ofrece 93 estrenos de compañías y creadores madrileños que abarcan todos los géneros escénicos, de los que habrá un total de 444 funciones en 31 espacios diferentes pero todos ellos con un precio único de 12 euros. Dentro de la programación convivirán trabajos de creadores consagrados como los de Provisional Danza-Carmen Werner, El Canto de la Cabra, El Curro DT, Gichi – Gichi Do, Nuevo Teatro Fronterizo, Guindalera, Cristina Rota Producciones, Barco Pirata así como Tarambana Espectáculos, con trabajos de creadores con menos trayectoria, pero no por ello menos importantes, como Los Hedonistas, Colectivo Kong, Colectivo di<ë>resist, Sudhum Teatro, Omos Uno, Kendosan Producciones o Carne Viva entre otros muchos. En lo que a los espacios se refiere, Surge Madrid se desarrollará en salas como Cuarta Pared, La Puerta Estrecha, El Montacargas, Teatro del Barrio o La Nave de Cambaleo entre otras.

14 mayo junio Vaivén Producciones estrena Para morirse deprisa

Una comedia negra sobre la situación social actual La realidad llevada hasta el límite del absurdo y desde el humor negro, ingredientes del nuevo montaje de Vaivén Producciones

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a crisis económica y “sus derivados” así como el derecho a morir, a suicidarse son los temas centrales del nuevo espectáculo de Vaivén Producciones, Para morirse de prisa –título únicamente para el estreno ya que tras el proceso creativo la obra ha pasado a denominarse HappyEnd– cuyo estreno tendrá lugar el 8 de mayo en el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz y poco después, los días 20 y 21 de junio será el estreno de la versión en euskara titulada Barre buruaz beste egiteko en el Teatro Principal - Antzoki Zaharra de Donostia.

Creado a partir de un texto de Borja Ortiz de Gondra este montaje ha ido tomando forma a lo largo del proceso creativo de cuya dirección se encarga Iñaki Rikarte junto a los intérpretes Xabi Donosti, Garbiñe Insausti, Ana Pimenta e Iñake Irastorza –ambas actrices interpretarán el mismo personaje en las versiones de castellano y euskara respectivamente–. Y es que la compañía donostiarra quería abordar la situación presente de la crisis y sus consecuencias pero también “otros temas más existenciales como la honradez, la soledad y el derecho a desaparecer” aclara Ana Pimenta, directora de la compañía.

Para poder reflexionar sobre unos temas tan serios, Vaivén Producciones ha optado por el distanciamiento que ofrece el humor, en este caso el humor negro y poder tratar una dura realidad como la crisis y “abrir un debate moral sobre el suicidio”, señala Pimenta.

Comedia negra

Esta obra es pues una comedia negra sobre la situación actual, “no es una cró44

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nica de la realidad, la utilizamos de referencia para exagerarla hasta límites muy absurdos y plagados de humor, de humor muy negro” afirma Pimenta. Iñaki Rikarte, director del montaje explica que “sin duda el humor nos ayuda a exorcizar miedos y a aceptar reflexiones que tal vez en otro tono nos harían ponernos a la defensiva.

Por eso me parece que la del humor negro, es una opción absolutamente válida e, incluso, necesaria”. Enfrascado en pleno proceso creativo junto al resto del elenco añade que “lo más difícil ha sido encontrar el tono del espectáculo. ¿Cómo hacer

humor negro, sobre un tema tan espinoso como el suicidio sin frivolizar? Enfrentar la realidad de un modo directo hacía que no pudiésemos mirar a los personajes desde arriba, lo cual es fundamental para que aflore la comedia”.

Para llevar todas estas ideas a buen puerto Para morirse deprisa / Barre buruaz beste egiteko pone sobre el escenario a la asociación clandestina HappyEnd, encargada de proporcionar a los suicidas ayuda para llevar a cabo su propósito. En forma de cadena las personas que desean “desaparecer” se ayudan unas a otras; la

mayo junio que asiste a la suicida será después asistida en el momento definitivo... La Asociación ha crecido al amparo de la crisis, pero últimamente el mundo empieza a salir de ella y el optimismo está floreciendo en la sociedad por lo que empiezan a faltar suicidas... “optamos por echar mano de un juego clásico, el del mundo al revés, para acercarnos a la realidad de un modo oblicuo y que no fuese tan agresivo para el espectador” puntualiza Rikarte.

Y es que a HappyEnd acaba de llegar la crisis. El teléfono no suena y Ainhoa, que ya ha cumplido su parte del contrato está a la espera de que Gabriela, la coordinadora de la asociación –que se vanagloria de no tener tacha moral ya que los requisitos que han de cumplir los clientes son muy estrictos– le proporcione el asistente que le corresponde... pero la situación ha variado y dadas las circunstancias es probable que deban hacer una excepción con Martin...

Proceso creativo

En lo que al proceso creativo se refiere, Rikarte explica que “cualquier proceso da vértigo, pero los procesos en los que las letras bailan, dan mucho más porque no hay nada fijo a lo que agarrarse en momentos de incertidumbre. Aunque también brindan la posibilidad de hacer trabajos más auténticos con la impronta de las personas que participan en él” y añade que “sin lugar a dudas, lo que es fundamental en estos casos es tener una complicidad total con todo el equipo. Desde los actores que tienes que estudiar textos de un día para otro, a los escenógrafos que tienen

que diseñar y construir un espacio en el que aún no se sabe con certeza todo lo que va a ocurrir” para sentenciar que el proceso creativo de Para morirse deprisa / Barrez buruaz beste egiteko “está siendo una aventura fascinante”. Junto a Rikarte y el elenco de intérpretes, el equipo artístico de este montaje se completa con Alberto Huici como ayudante de dirección, Ikerne Gimenez, encargada de la escenografía y del vestuario, Xabier Lozano responsable del diseño de iluminación e Iñaki Salvador creador de la música y del espacio sonoro.

Desde que en 1998 estrenara ‘La Coraje’ a partir de ‘Madre Coraje y sus hijos’ de Bertolt Brecht bajo la dirección de Javier Sabadie, Vaivén Producciones ha llevado a escena versiones de otros clásicos universales como Sófocles, Chéjov, Wilde, o Marlow y textos contemporáneos inéditos de autores como Laila Ripoll, Garbi Losada,

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Juan Mayorga, Jordi Galcerán, Borja Ortiz de Gondra y Olga Margallo siempre “con la intención de ofrecer al espectador un teatro de calidad no ajeno a los conflictos que preocupan a la sociedad de nuestro tiempo” tal y como apuntan sus fundadores, Ana Pimenta e Iñaki Salvador. Entre otros han contado con directores como Fernando Bernues, Santiago Sánchez, Etelvino Vázquez o Esteve Ferrer. De entre los montajes realizados destacan ‘Sin Vergüenzas’, ‘A cuestas con Murphy’, ‘Eduardo II’, ‘Antígona’, ‘Las Inalámbricas’, ‘Nasdrovia Chéjov’, ‘El Club de las Mujeres invisibles’, ‘Duda Razonable’, ‘Purga’ o ‘Terapias’ y son varios los premios recibidos tales como el Premio Donostia por ‘Sin Vergüenzas’, el Premio Max al mejor espectáculo revelación y el Premio Ercilla al mejor espectáculo vasco por ‘Nasdrovia Chéjov’ o el Premio Txema Zubia a la trayectoria de la compañía.

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14 mayo junio Pikor Teatro estrena Jauzi Hirukoitza / Triple Salto

El duelo desde una mirada constructiva para los jóvenes

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a compañía Pikor Teatro vuelve ha acercar el teatro al público joven con Triple Salto espectáculo estrenado el pasado 4 de abril en el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz y cuya versión en euskara, Jauzi Hirukoitza se estrena el 8 de mayo en el Teatro Federico García Lorca de la capital alavesa. Dirigido por Miguel Olmeda esta obra se inspira en un hecho real, las consecuencias que la muerte de una adolescente al ser atropellada en extrañas circunstancias por un tren tiene entre sus compañeros de curso –indisciplina, abatimiento crónico, abandono escolar, etc.– y la impotencia del profesorado que por falta de recursos y estrategias se siente incapaz de gestionar la conmoción del alumnado.

A partir de este hecho María Velasco (la versión en euskara es de Julia Marín), ha escrito una obra en la que además de abordar el duelo por la pérdida de un ser querido se van planteando otras pérdidas con las que la juventud se va a ir encontrando según van avanzando hacia la edad adulta: los cambios físicos y emocionales propios

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de la adolescencia, los primeros fracasos amorosos, la separación de sus padres, el cambio de ciudad o país de origen... pérdidas significativas todas ellas cuyo transitar es un proceso de duelo.

Tres intérpretes –Iker Legarda, Eneritz García y Beñat Aristi– dan vida a los protagonistas de esta obra que al igual que los anteriores espectáculos que Pikor ha realizado dirigidos al público joven –’Pisa

la Raya’, QTMeto’, ‘EnREDad@s’ y ‘XL TOWN’–, se presenta con una puesta en escena fresca, desenfada y con un lenguaje directo, informal y sin prejuicios con el objetivo de captar la atención de este tipo de público y provocar una reflexión abierta y creativa de los conflictos planteados. Jauzi Hirukoitza/ Triple Salto se presenta acompañado de diverso material didáctico para facilitar el debate posterior en las aulas.

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Natxo Montero_Danza estrena Barbecho

El juego, barbecho del alma para lidiar con lo cotidiano

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egún la RAE barbechear (De barbecho) es “Arar o labrar la tierra disponiéndola para la siembra” y también “Arar la tierra para que se meteorice y descanse”. A partir de esta idea Natxo Montero_Danza presenta Barbecho espectáculo que se estrena en La Fundición de Bilbao los días 14 y 15 de junio tras la residencia artística llevada a cabo durante el mes de abril y la posterior residencia técnica que la compañía va a realizar del 2 al 13 de junio en la sala bilbaína.

Creada e interpretada por Natxo Montero y Laia Cabrera bajo la dirección artística del propio Montero, Barbecho hace un símil entre el significado de la palabra y el juego como si éste fuera el barbecho de la mente, un descanso para la mente del ser humano, “un respiro esencial de sus obligaciones tras el que vuelve renovado para enfrentarse a lo cotidiano” tal y como apuntan desde la compañía. Pero el juego, el hecho de jugar entendido como la persona adulta que juega, “no nos referimos a jugar con un trenecito” apuntan Montero y Cabrera “si nos da la gana de escuchar música, estamos jugando, si bailamos, estamos jugando, si queremos pasear, estamos jugando; ése es el sentido lúdico, todo lo que no significa trabajo, obligación o deber”.

Y es que tal y como apuntan sus creadores “al igual que el arado labra la tierra preparándola para dar fruto, el juego surca la mente del ser humano preparándola para afrontar la madurez, reemplazando amenazas reales por peligros imaginados”,

Natxo Montero y Laia Cabrera

jugar es por tanto “el barbecho del alma”.

Para la creación de Barbecho, Montero y Cabrera han contado con Gabo Punzo, quien se encarga del diseño de iluminación.

Tal y como ya se ha indicado la sala La Fundición será además del espacio en el que se estrene Barbecho, el lugar en el que la compañía llevará a cabo la parte final del proceso creativo de la pieza ya que anteriormente han realizado residencias artísticas en la sala TagantDansa –Barcelona–, AZALA espazioa –Lasierra, Araba– y L´animal a l´esquena –Celrà, Girona – “cuatro espacios que a su vez son como cuatro etapas de trabajo, espacios que además del apoyo económico son un gran apoyo a las ganas de crear, de investigar, de seguir creando sin presión” afirman

Montero y Cabrera.

Y es que en el caso de La Fundición la sala bilbaina tienen como objetivo ser además de un espacio de exhibición un Centro de Recursos ofreciendo a las compañías residentes equipamiento y espacio de trabajo en las fechas previas al estreno en la sala. Tal y como apuntan sus responsables, como espacio están interesados en “desarrollar la conexión con las audiencias y otros profesionales” motivo por el que plantean las residencias “como una herramienta de acercamiento que tienda puentes entre los procesos creativos, los artistas invitados y los locales, y todo aquel interesado en conocer más de cerca el entramado de la puesta en marcha y/o escena de una nueva creación y su dramaturgia”.

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Desorientadas

Virginia Imaz es la autora y directora de Desorientadas, nueva creación de la compañía de teatro Oihulari Klown dirigida al público adulto. Rakel Imaz y María Viadero dan vida a dos entrañables payasas viajeras en el tiempo que protagonizan esta obra en código clown. Ambas quieren “viajar” a la época de las sufragistas con el objetivo de empoderarse pública y colectivamente en aquella época que comenzó el movimiento de mujeres pero accidentalmente han aterrizado aquí y ahora y están muy desorientadas...

Con una lavadora a cuestas ambas payasas tratan temas como la solidaridad, la cooperación y el desarrollo desde una perspectiva de género, todo ello en clave de humor para abordar los grandes desafíos del planeta en el siglo XXI como el agua, la sostenibilidad o la feminización de la pobreza. Continuando con el estilo de la compañía, el sentido del humor vuelve a ser la herramienta para tomar conciencia de temas graves pero sin frivolizar “exorcizando algunos de nuestros miedos más nuestros” apunta Imaz para añadir que “como siempre, la idea es tomar distancia suficiente de nuestras propias autoimportancias como para reírnos de nosotras mismas y de nuestras contradicciones e intentar que el público se ría con nosotras”. Además Oihulari Klown se encuentra en pleno proceso de creación de la obra Trostan en coproducción con la compañía Tira ta Floja, un duelo interpretativo llevado a cabo por dos veteranos actores cómicos, Jose Carmelo Muñoz y Toni Iglesias en una propuesta de teatro de calle sin texto que nace de la pasión y el conocimiento que los protagonistas tienen de los caballos y de su interés por la doma natural; una obra protagonizada por dos hombres poseídos por el alma de dos caballos que reflexiona sobre la responsabilidad emocional y la no aceptación de la domesticación.

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Sardina freskue

Con el título de Sardina freskue (Sardina fresca) Eidabe presenta en Balmaseda un nuevo espectáculo de calle dirigido a los más pequeños cuyo estreno tendrá lugar en el 1 de junio o. Cinco actores son los protagonistas de este espectáculo lleno de color y alegría que tiene un formato de verbena en el que la participación del público es imprescindible. El espectáculo se basa en una leyenda contada por las abuelas según la cual hace muchos años, muchísimos, los habitantes de un pueblo se quedaron sin nada para comer. El hambre se apoderó de todos ellos y como consecuencia llegó el cansancio y empezaron a perder las ganas de vivir.

Cada día que pasaba la situación iba a peor hasta que una noche, pensando que iba a ser la última, todos los vecinos del pueblo se reunieron en la plaza para dormir juntos y así, acompañados afrontar la última noche... pero como si de un sueño se tratara, a media noche comenzaron a escuchar el sonido de los tambores y la noche empezó a iluminarse con la luz que llegaba de lo lejos, poco a poco comenzaron a darse cuenta que la luz, el brillo y el colorido provenía de... ¡una sardina gigante! La alegría de los vecinos fue inmediata, la sardina de colores había llegado y con ella, terminaban todas las penurias que habían sufrido hasta entonces.

Esta leyenda es la historia de la que parte el espectáculo de Eidabe ya que sus intérpretes harán las veces de guía de los niños y las niñas que tendrán que encontrar a la sardina de colores pero, ¿cómo hacerlo? A través de juegos, danzas, canciones y la alegría tendrán que crear un ambiente propicio para que la gran protagonista vuelva al pueblo ya que la sardina de colores trae con ella la alegría, la solidaridad pero necesita de un ambiente propicio que entre todo el público se conseguirá... cantando, bailando, jugando y disfrutando en un ambiente lleno de solidaridad.

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Don Juan El 7 de junio el Centre Dramàtic Vila-real estrena Don Juan una versión libre de ‘El Burlador de Sevilla’ de Tirso de Molina escrita y dirigida por Hadi Kurich e interpretada por el propio Kurich junto a Sergio Caballero, Miguel Seguí, Pep Ricart, Rebeca Artal-Dato y Ana Kurich en el Auditori de Vila-real. Esta es la tercera producción de la compañía tras ‘Hamlet’ de Shakespeare y ‘Tartuf’ de Molière –que se pondrá en escena del 1 al 4 de mayo el Teatre Micalet de Valencia–, un espectáculo con el que la compañía “prosigue con su línea de producir teatro clásico inmortal dando muestras inequívocas de que en nuestra ciudad podemos crear espectáculos teatrales de gran formato y altísimo nivel artístico” afirma su director. El Centre Dramàtic Vila-real nació en 2011 tras un acuerdo entre la Concejalía de Cultura de la ciudad y la compañía Teatro de la Resistencia con el objetivo de impulsar la producción de obras en espacios cerrados y de apoyar a la profesión que en Vila-real tiene una gran presencia como demuestra el número de compañías profesionales existentes.

Clásicos Cómicos El Teatro Calderón de Valladolid es el lugar elegido por Teatro Corsario para estrenar del 16 al 20 de mayo Clásicos Cómicos (Entremeses de burlas), un montaje con versión y dirección de Jesús Peña y salpicado de canciones en torno a divertidas situaciones de esposas desquiciadas, amantes intrépidos y maridos burlados. El espectáculo está constituido por los entremeses ‘El cuero’ y ‘Los locos’ ambos de autoría anónima, ‘Guardadme las espadas’ de Pedro Calderón de la Barca, ‘Los toros de Alcalá’ de Juan de la Hoz y Mota, ‘El niño de la rollona’ de Francisco de Avellaneda y ‘Los muertos vivos’ de Luis Quiñones de Benavente pero todos ellos son representados desde el punto de vista de las mujeres, sometidas durante siglos a los arbitrios de una sociedad machista. Una obra para reírse con las desventuras de los maridos y las estrategias de los amantes para encontrarse con las codiciadas esposas pero por una vez, las mujeres “se salen con la suya” y los graciosos conflictos y disparates se resuelven con todos los personajes cantando y bailando. Una vez más, la compañía vallisoletana se acerca al Siglo de Oro pero esta vez desde la perspectiva de la mujer.

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El tiempo inmóvil Silvia Delagneau y Alejo Levis son los autores de El tiempo inmóvil una obra protagonizada por Carla Torres que se estrena en la sala Leopoldo Fregoli de La Seca Espai Brossa de Barcelona el 15 de mayo y se podrá ver de miércoles a sábado hasta el 8 de junio.

La obra dirigida por Levis es un viaje sonoro y visual donde el tiempo no existe, es un viaje a través de la imaginación de su único personaje, una trabajadora de un peaje que espera en la cabina el cambio de turno que nunca llega; una experiencia teatral a través de su imaginación y no de la acción porque en este montaje no hay tiempo, solo una ilusión de presente en la que Beckett y Lynch se podrían encontrar. La peajista está acompañada solo por el murmullo y las luces de algunos coches distantes y se esforzará en hacer olvidar al público el final, que siempre es el mismo; un montaje que pone en escena el retrato de un personaje sin nadie con quien hablar, sin un presente en el que poder vivir una historia, pero con un refugio, y lo que no está fuera está dentro de ella.

Estrenos en el CDN El pasado 2 de abril comenzó en el Teatro María Guerrero de Madrid el Ciclo José Ricardo Morales, dramaturgo exiliado en Chile tras la Guerra Civil, con la puesta en escena de las obras ‘Las horas contadas’, ‘La corrup©MarcosGpunto ción al alcance de todos’, ambas dirigidas por Víctor Velasco, Sobre algunas especies en extinción, uno de sus últimos textos en los que denuncia la vida que se apaga, así como la del teatro que suele representarla, con dirección de Aitana Galán y que se podrá ver hasta el 4 de mayo y Oficio de tinieblas obra de teatro experimental escrita en 1966 y dirigida por Salva Bolta que estará en cartel del 14 al 25 de mayo. Los tres directores ha liderado este proyecto surgido en el Laboratorio Rivas Cherif que el CDN ha creado para la exploración teatral de textos. En el Teatro Valle-Inclán se podrá disfrutar con las producciones El triángulo azul, de Laila Ripoll y Mariano Llorente dirigida por la propia Ripoll, una obra sobre los españoles internados en Mauthausen (hasta el 25 de mayo) y la versión que de la obra de Shakespeare Como gustéis ha realizado María Fernández Ache y dirigido el italiano Marco Carniti (del 8 de mayo al 15 de junio).

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Citas ineludibles ante la llegada del periodo estival ’Emilia’ de Claudio Tolcachir y el Ballet National de Marseille, platos fuertes de mayo y junio en el Teatro Arriaga

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laudio Tolcachir es el autor y director de Emilia espectáculo de Producciones Teatrales Contemporáneas que llega al Teatro Arriaga de Bilbao en la gira que comenzó tras su estreno el pasado enero en los Teatros del Canal de Madrid. Esta obra, que el dramaturgo también ha llevado a escena con su grupo Timbre4 en Argentina, está interpretada por Gloria Muñoz, Malena Alterio, Alfonso Lara, Daniel Grao y David Castillo y pone sobre el escenario a una familia en “una historia sobre perdedores conscientes y asustados de su condición. Y de una estructura social que está chirriando. Que se alejó de su ser más simple. Y aun está aferrada, como puede, a una imagen de sí misma” explica Tolcachir para añadir que “es una historia poblada de mentiras, de esas mentiras que se justifican por la supervivencia familiar. A diferencia de otros personajes míos, abrumados por la negación, estos seres son conscientes y a la vez víctimas de sus mentiras, pero están demasiado aterrados como para romper la pequeña estructura que armaron”.

Otra familia, en este caso una madre y su hijo son los protagonistas de Conversaciones con mamá de Santiago Carlos Oves que Pentación ha llevado a escena en una versión de Jordi Galcerán interpretada por Juan Echanove y María Galiana. Las risas y las lágrimas se dan paso unas a otras en una historia conmovedora en la que una anciana debe abandonar la casa familiar para que su hijo pueda venderla y salir de la difícil situación económica en la que se encuentra debido a la crisis económica.

Y dos son también los protagonistas de ¡Cómo en casa ni hablar! los conocidos humoristas Faemino y Cansado que vuelven al Teatro Arriaga para hacer reír al público con sus parodias, hilarantes situaciones y sobre todo su inconfundible humor para un público inteligente.

La danza llega con el Ballet National de 52

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Emilia de Producciones Teatrales Contemporáneas

Marseille que dirige Frédéric Flamand y presenta en Bilbao la representación bailada de la ópera de C. W. Gluck versión de H. Berlioz Orphée & Eurydice, un espectáculo singular que ha sido definido como un diálogo permanente entre el canto y la danza. Tres bailarines interpretan a Orphée, Eurydice y Amour acompañados por la música en directo de la Oviedo Filarmonía y el Coro de la Fundación Príncipe de Asturias.

Cuartitos del arriaga

En la programación denominada Cuartitos en el escenario durante mayo y junio se podrá disfrutar con propuestas como Bagatelles, un recital escenificado sobre melodías de Poulenc, Satie y canciones populares francesas dirigido por Emilio Sagi, y con la soprano Carmen Romeu y Rubén Fernández Aguirre al piano. “Hay momentos en la vida en que uno tiene que

tomar decisiones importantes, yo de momento me doy el placer de no tomarlas.

También he oído que al miedo le encanta robar sueños, conmigo lo tiene claro”. Así presenta el coreógrafo y bailarín Nacho Montero la pieza de danza contemporánea Alone only with me. Jokin Oregi y Tartean Teatroa harán lo propio con Giza-Tximinoa (El mono hombre), una versión muy personal de ‘Informe para una academia’ de Franz Kafka escrita y dirigida por Oregi e interpretada por Borja Ruiz y Tomás Fernández Alonso. Ramón Barea, Premio Nacional de Teatro 2013 realiza un recorrido por el Siglo de Oro en forma de recitalespectáculo multimedia lleno de sátira, picardía, amor, humor e ironía en Enredando con los clásicos y con Mujercitas. The true history Las Txirenitas, es decir Loli Astoreka, Sol Maguna, Gemma Martínez, Yolanda Martínez, Vito Rogado y Maribel Salas se convierten en una compañía de teatro clásico llamada Paradise.

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Teatro Barakaldo En mayo finaliza la temporada de los primeros seis meses del año en el Teatro Barakaldo y para este mes ha previsto una programación variada en la que destaca el espectáculo multidisciplinar Zazpi aldiz elur (Mikel Laboa elurretan) que parte del texto de Bernardo Atxaga y que se articula como un encuentro, como si sus cinco intérpretes se juntaran en el salón de casa y se pusieran a hablar y a compartir, en una atmósfera distendida, sobre la figura singular que fue Mikel Laboa, intercalando alguna de sus canciones. La propuesta especial del Ballet de Carmen Roche con motivo de su quince aniversario es una mezcla de estilos y coreografías y la versión de sala de De paso de La industrial teatrera, un espectáculo sobre el ciclo de la vida en clave de clown dará paso a la coproducción de Ron Compañía Nacional de Teatro Clásico Lalá y la Compañía Nacional de Teatro Clásico, una versión libre de la célebre novela de Miguel de Cervantes, En un lugar del Quijote. Esta obra, ofrece una visión profunda, iconoclasta y viva de el Quijote cervantino y el Cervantes más quijotesco, una gran aventura del teatro, la palabra y la música en directo para experimentar en vivo y en directo toda la gracia, la magia, la rebeldía, la tristeza y la hondura de una obra inmortal. Completa la programación la Compañía El Barco pirata que pondrá en escena Incrementum, montaje que se sumerge en el vertiginoso periplo de un empleado en busca de un aumento de sueldo, un objetivo que se dilata a lo largo del tiempo en una circularidad repetitiva y disparatada.

L a Fundición Antes del parón de verano la sala La Fundición de Bilbao completará la programación del primer semestre con un total de cinco propuestas. En orden cronológico, el monólogo en euskara Konpota de Dxusturi Teatroa será el primero en escenificarse el 2 y 3 de mayo.

Eneritz Artetxe da vida a este texto escrito por Philippe Gaulier, un escrito aparentemente caótico, rebosante de ironía, humor negro, rebelión y un punto de tragedia en el que una mujer habla cara a cara de su historia. La programación continua con la proyección del vídeo titulado Distopias y derivas de Estibaliz Sádaba, para dar paso los días 24 y 25 a los mexicanos de la zona del Yucatán Créssida Danza Contemporánea con la creación coreográfica de Roberto Olivan dirigida por Lourdes Luna Represensitive people, pieza que contribuye a Créssida Danza Contemporánea la idea de un cambio de perspectiva, la de observar y dar importancia a la sensibilidad particular y bien personal de cada individuo en la escena. Los brasileños Teatro de açucar serán los encargados de iniciar el programa en junio, los días 7 y 8 con Adaptaçao, donde se apoyan en el humor para exponer de forma sutil, musical y divertida el miedo que todos tenemos al final: dejar de existir, morir, envejecer, o todavía peor, apenas sobrevivir mientras se vive. Como broche a la temporada de primavera, los días 14 y 15, contarán con el estreno de Barbecho de Nacho Montero de la que se ofrece amplía información en la sección de estrenos de esta misma edición.

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Cóctel escénico donostiarra en una primavera exuberante

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a programación primaveral en los diversos espacios escénicos de Donostia contará con un variado cóctel de propuestas para todos los gustos y edades, dando paso a montajes de danza, cabaret o de teatro clásico.

Dentro de esta última modalidad cabe destacar dos propuestas previstas en Victoria Eugenia Antzokia, ambas producidas por el Festival de Teatro Clásico de Mérida pero en distintos años, se trata de Antígona del siglo XXI de (In) constantes Teatro estrenada en el 2012 y Hécuba llevada a escena el pasado año.

La versión de ‘Antígona’ de Sófocles de Isidro Timón y Emilio del Valle con la dirección de éste último, ha sido creada en gran medida para la gente joven, ya que tanto las estrategias de puesta en escena como la propia versión beben de lenguajes actuales. Para contar la historia se despojan de la retórica de Sófocles, tan alejada de la época actual, centrándose en contar esta historia de enfrentamiento entre una cría y un adulto, una relación de clara desigualdad.

Concha Velasco lidera el reparto de la adaptación de Juan Mayorga de Hécuba de Eurípides con dirección de José Carlos Plaza. Esta es una terrible historia de venganza, de una madre anegada por el dolor de la pérdida, dispuesta a derramar el cáliz de la venganza sin compasión sobre quienes arrebataron la vida de sus hijos. Ella es la esposa de Príamo, la reina destronada de Troya, convertida en esclava y obligada a entregar a sus captores griegos a su hija Polixena, para que la degüellen, y a soportar en el mismo día la revelación de que Polidoro, hijo destinado a sucederla, ha sido asesinado por el rey 54

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y emotiva donde el silencio, la vibración, las texturas sonoras, la estética, el sonido, la voz, la danza o la escena recorren un camino de búsqueda hacia lo más profundo de cada cual; un espectáculo construido sobre una estructura de varias piezas, viñetas, todas con imágenes y registros muy diferentes.

Otras propuestas destacadas de estos meses en Donostia serán el estreno en Antzoki Zaharra, los días 20 y 21 de junio, de Barre buruaz beste egiteko de Vaivén Producciones, montaje de humor del que damos debida cuenta en las páginas 44 y 45 de esta misma edición, así como Inungane, sustraiak airean de Karrika Antzerki Taldea, un espectáculo que se acerca al mundo de la inmigración en la que los actores se convierten en inmigrantes en busca de su propia identidad. Además en el Victoria Eugenia Antzokia se podrá disfrutar Dos à deux, 2 énea de ©Xavier Cantat con Santi Millán live!, un monólogo protagonizado por el conocido actor lleno de humor fresco que de Tracia, bajo cuya protección lo puso.

Titanium de Rojas y Rodríguez fusiona el se presta a la interacción con el público, flamenco y el hip hop, dos estilos de danacompañado de buena música y muchas za que nacieron en la calle de la necesidad sorpresas. de transmitir verdad, esencia y vivencias.

Otro claro ejemplo de la diversidad del Ágata Tango ofrecerá Tangos brujos, pieza programa es el Micro-cabaré, Caligrafías torcidas de un niño perdido del creador de danza, música y canto que representa gallego Nelson Quinteiro, que se escenifitodos los estilos del tango, desde sus orícará en Imanol Lartzabal Aretoa de la Casa genes hasta el tango más evolucionado, de Cultura de Lugaritz enmarcado dentro creado por artistas argentinos e interpredel el Día Internacional contra la homofotado por un elenco internacional. bia, la lesbofobia y la transfobia, La obra En Gasteszena de Egia están prograes un ejercicio de cinismo, humor ácido y madas dos propuestas. Dos à deux, 2 éneade, un trabajo acerca de la falta y de sinceridad brutal que se convierte en una la soledad escenificada en un ambiente metáfora de la situación actual y por qué apocalíptico, de la compañía francesa del no… también personal. Una obra basamismo nombre y Afectos de Rocío Molina da en textos de Darío Fo, Franca Rame, y La Tremenda, una propuesta dinámica Eduardo Galeano y Félix Sabroso.

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Interesantes propuestas en el Lliure y el TNC de Barcelona

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l Teatre Lliure de Barcelona presenta una atractiva programación para los meses de mayo y junio en la que destaca la puesta en escena de dos de sus producciones, la vuelta al escenario de Montjuïc de Els Ferestécs de Carlo Goldoni con dirección de Lluís Pascual, espectáculo preferido por el público la temporada pasada y galardonado con 5 premios Butaca 2013 y Els dies feliços de Samuel Beckett con traducción y dirección de Sergi Belbel e interpretada por Emma Vilarasau y Òscar Molina en el espacio de Gràcia.

El conocido monólogo sobre la decadencia de la humanidad en la Europa del siglo XX de Franz Kafka, Informe per a una Acadèmia se presenta en el Lliure de Montjuïc dirigida e interpretada por Ivan Benet que da vida al simio Peter el Rojo en una coproducción de Gatcapat, Temporada Alta 2013, Julio Manrique y Sílvia Pérez Cruz. En el mismo espacio tendrá lugar la presentación de Conan una obra de Jan Vilanova Claudín que nace del interés por entender ciertas interioridades de las personas, de lo que piensan de nosotros los demás y de lo que pensamos cada uno de nosotros. Dirigida por

Lliure La ronde de nuit de Le Théâtre Aftaab, En Voyage

María Ache esta interpretada por Will Keen y Pau Roca.

Tras estrenarse en el Teatro Arriaga de Bilbao y representarse en los teatros de todas las capitales vascas además de en Madrid, llega al Lliure de Montjuïc la adaptación teatral realizada por Patxo Tellería de la novela de Bernardo Atxaga El hijo del acordeonista de la mano de Tanttaka Teatroa. Cierra la programación de junio del Lliure La ronde de nuit de Le Théâtre Aftaab, En Voyage compañía creada tras los talleres que Ariadne Mnouchkine ha realizado desde 2005 en Afganistán. Dirigida por Hélène Cinque, esta obra habla de la emigración en primera persona a través

de la historia de un inmigrante afgano que trabaja como vigilante en un teatro.

Dentro de la extensa programación del Teatre Nacional de Catalunya destaca una producción propia, Fronteres que surge del encargo realizado por el propio TNC a tres nombres destacados de la dramaturgia contemporánea como son el argentino Rafael Spregelburd, el alemán Falk Richter y la catalana Lluïsa Cunillé para que exploren el concepto de frontera desde sus respectivas poéticas. El resultado es una trilogía ‘Santa Cecília de Borja a Saragossa’ de Spregelburd, ‘Frontex’ de Richter y ‘Geografia’ de Cunillé reunida en un único espectáculo.

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Eclecticismo programático en su máxima expresión

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a programación de los meses de mayo y junio del Teatro Circo de Murcia se caracteriza por su diversidad contemplando un abanico de propuestas muy variado que va desde los clásicos, al circo, pasando por el teatro y el show musical. Abre la programación de mayo Julio Cesar de Shakespeare de manos de Metaproducciones y de la que el propio circo es coproductor.

Paco Azorín, su director, describe la obra como eminentemente masculina y castrense: los hombre y la guerra, los hombres y el poder que cambia de manos a través de la guerra y del golpe de estado. Otro clásico, La cortesía de España de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico con dirección de Josep Maria Mestre; una comedia de enredo de Lope de Vega en la que el amor, la fe y el honor son los motores de la acción de ésta.

Las artes circenses tendrán un espacio estelar con la compañía Popcorn machine (A domestic Apocalypse), que presenta My!laika, montaje de ritmo frenético, en el que además de circo de alta calidad técnica cuenta

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da por Alfredo Zamora, una obra que habla de amor y de recuerdos pero también del dolor con respeto, ternura y sin perder el humor.

Alejandro Jodorowsky, escritor, filósofo, poeta, ensayista, guionista de comics, dramaturgo, cineasta, psicomago, experto en el tarot y por encima de todo sanador llega a Murcia después de pasar por ciudades como Madrid, Bilbao, Málaga y Zaragoza para llevar a cabo su original Taller colectivo, basado en su anterior trabajo ‘Cabaret místico’, que más bien es una terapia colectiva de dos horas nacida de aplicar sus búsquedas teatrales. Además la programación de primavera incluye My!laika de Popcorn machine (A domestic Apocalypse) varios musicales como La llamada un musical sobre la fe con una banda de con una estética neofuturista. Personajes rock en directo y canciones originales, escrienfrentados a situaciones extremas utilizan ta por Javier Ambrossi y Javier Calvo y The hole coproducida por Yllana, Paco León y elaboradas técnicas de circo para expresar LetsGo, un show fresco y descarado, mezcla los conflictos que llevamos dentro. Teatro de la entrega pondrá en escena una adaptación de teatro y cabaret convertido en un club. de La cantante calva de Ionesco produciAdemás, se podrás tomar una copa o cenar da también por el Teatro Circo de Murcia, y mientras se disfruta del espectáculo en un Doble K Teatro hará lo propio con Hay que espacio diferente y neoyorquino en el centro deshacer la casa de Sebastián Junyent dirigide Murcia.

14 mayo junio XVII Premios Max de las Artes Escénicas

La Gala de los Max en el Teatro Circo Price de Madrid

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l 26 de mayo se celebrará en el Teatro Circo Price de Madrid la Gala de la décima séptima edición de los Premios Max de las Artes Escénicas que organiza la Fundación SGAE. 2014 es un punto de inflexión en la trayectoria de estos premios que comienzan una nueva etapa, con la adopción de un nuevo reglamento que conlleva una profunda renovación de su estructura, algo fundamental para adecuarse al contexto actual motivo por el que la selección de candidatos, en vez de ser por votación abierta como en ediciones anteriores, se ha realizado a través de diferentes jurados. El comité organizador de los Premios Max está integrado por los autores Ana Diosdado, Ramón Barea, Mariano Marín, Miguel Murillo, Carme Portaceli, Ricard Reguant, Juan Carlos Rubio, Rosángeles Valls, Eva Yerbabuena y Antonio Onetti, presidente de la Fundación SGAE. Un jurado, compuesto por el dramaturgo Guillermo Heras, en calidad de presidente; el crítico Carlos Gil; la productora Montse Prat Bruxola; Joan Muñoz, vicepresidente de la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (FAETEDA); y los presidentes de las comisiones de Madrid -Yolanda García Serrano-, Cataluña -Joan Maria Gual- y del resto de comunidades autónomas -Juan Vicente Martínez Luciano- ha sido el encargado de elegir a los finalistas de las 19 categorías que han sido seleccionados de un total de 95 espectáculos seleccionados para participar como candidatos tal y como lo han decidido, en una primera fase, las tres comisiones territoriales designadas por el comité organizador. La comisión de Madrid ha estado compuesta por: Yolanda García Serrano, como presidenta; Carmen Colino, Salvador Enríquez, Laura Kumin y Javier Vallejo, siendo representante del comité organizador, Ricard Reguant. La de Barcelona, por: Joan María Gual, como presidente; Antoni Barto58

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meus, Inés Boza, Miquel Curanta y Mar Gómez, con Carme Portaceli en calidad de representante del comité organizador. Y, por último, la comisión que representa las otras quince autonomías ha estado presidida por Juan Vicente Martínez Luciano e integrada por Gonzalo Centeno, Ánxeles Cuña, María Isabel Jiménez García, Ramón López López, Carmen Márquez y José María Viteri, con Ricard Reguant como representante del comité organizador.

La lista de candidatos es la siguiente: MEJOR ESPECTÁCULO DE TEATRO

Kukai-Tanttaka

Barcelona: Teatro Nacional de Catalunya.

Forests: Barcelona Internacional Teatre, S.L, Birmingham Repertory Theatre Company, Royal Shakespeare Company, Temporada Alta 2013 Festival de Tardor de Catalunya Girona/Salt y Centro Dramático Nacional.

Un trozo invisible de este mundo: Producciones Cristina Rota, S.A. y Teatro Español.

MEJOR ESPECTÁCULO DE TEATRO MUSICAL

Despertarás ayer: CulturArts Generalitat Teatro y Danza, El punt de la i, C.B y Tossal Producciones S.L. En un lugar del Quijote: Ron Lalá Teatro, S.L. y Compañía Nacional de Teatro Clásico La flauta màgica / variaciones dei Furbi: Compañía Dei Furbi / Baubo, S.C.C.L. MEJOR ESPECTÁCULO DE DANZA Una niña de La Rous

Lo real / Le réel / The real: Compañía Israel Galván Memòries d’una puça (Memorias de una pulga): Sol Picó cia de danza ¡Ay!: Eva Yerbabuena Ballet Flamenco.

MEJOR ESPECTÁCULO INFANTIL

Charlie: Compañía de Danza Fernando Hurtado El bosque de los Grimm: La Maquiné Una niña: La Rous.

MEJOR ESPECTÁCULO REVELACIÓN

Un trozo invisible de este mundo ©Javier Naval

Afectos: Compañía Rocío Molina y Rosario La Tremendita The Funamviolistas: 8co80 Gestión Cultural S.L. Que vaya bonito: TeatrodeCERCA.

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MEJOR AUTORÍA TEATRAL

Esteve Soler: Trilogía contra el progreso, contra el amor y contra la democracia Juan José Millás: La lengua madre Pere Riera: Barcelona.

MEJOR AUTORÍA REVELACIÓN

Juli Disla y Jaume Pérez: La gente Carolina África: Verano en diciembre Juan Diego Botto: Un trozo invisible de este mundo.

MEJOR ADAPTACIÓN O VERSIÓN TEATRAL

Carles Alfaro y Rodolf Sirera: L’Estranger Paco Azorín: Julio César Marc Rosich: Forests.

MEJOR COMPOSICIÓN MUSICAL PARA ESPECTÁCULO ESCÉNICO

Javier Coble: Montenegro (Comedias Bárbaras) Maika Makovsky: Forests Òscar Roig: Barcelona.

MEJOR COREOGRAFÍA

Israel Galván: Lo real / Le réel / The real Rocío Molina: Afectos Sol Picó: Memòries d’una puça (Memorias de una pulga).

MEJOR DIRECCIÓN DE ESCENA

Carles Alfaro: El lindo don Diego Sergio Peris-Mencheta: Un trozo invisible de este mundo Tristán Ulloa: En construcción.

MEJOR ESCENOGRAFÍA

Paco Azorín: El lindo don Diego Sergio Peris-Mencheta y Carlos Aparicio: Un trozo invisible de este mundo Rebecca Ringst: Forests.

MEJOR FIGURINISTA

Maria Araujo: El lindo don Diego Elisa Sanz: Constelaciones Georgina Viñolo: Barcelona.

MEJOR DISEÑO DE ILUMINACIÓN

Valentín Álvarez: Un trozo invisible de este mundo Kiko Planas: La bête Pedro Yagüe: El lindo don Diego.

MEJOR ACTRIZ

Kiti Mánver: Las heridas del viento Julieta Serrano: El malentendido Emma Vilarasau: Barcelona.

MEJOR ACTOR

Juan Diego Botto: Un trozo invisible de este mundo Pedro Casablanc: Tirano Banderas Francesc Orella: Un aire de família.

MEJOR INTÉRPRETE FEMENINA DE DANZA

Rocío Molina: Afectos Sol Picó: Memòries d’una puça (Memorias de una pulga) Eva Yerbabuena: ¡Ay! MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO DE DANZA

Israel Galván: Lo real / Le réel / The real Valentí Rocamora: Memòries d’una puça (Memorias de una pulga) Josué Ullate: Bolero.

MEJOR EMPRESA O PRODUCCIÓN PRIVADA DE ARTES ESCÉNICAS

Bitó Producciones, S.L.: Fum, El crèdit y Jo, Mai Teatre Romea (Serveis Escènics Romea, S.L.): Un aire de família, Oleanna, Roberto Zucco, Bona gent, Venus in fur, Fuegos y Conversaciones con Mamá Tanttaka Teatroa: Soinujolearen semea (El hijo del acordeonista) y Komunikazioa-Inkomunikazioa. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio Josu Montero

Luz negra

Panorama desde la portería

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o confieso. Soy del madrí, del Real Madrid. Vasco y del Álamo construye un espectáculo teatral ha de insuflar a éste la nemadrí. Y aunque en esto del fútbol no suele haber explicacesaria tensión dramática; opta por comenzar el espectáculo en el ciones lógicas para casi nada, mi pecado sí la tiene. Por una minuto 88 del partido, justo en el momento en que el estrépito de parte mi padre es madrileño y madridista, y aquí parece que el ADN la muchedumbre se acalla en un expectante silencio total y, bajo los y lo que uno mama en casa de crío sí que cuenta. Y por otra, siempre palos y en absoluta quietud, Josu mantiene los ojos fijos en el balón, me ha gustado llevar la contraria, ir a contracorriente, y todos mis detenido a once metros, en el punto de penalti. En ese instante etercompañeros de la escuela y del barrio eran, claro, del athleti club. no piensa en voz alta, “¿Derecha o izquierda? Esa es la cuestión”, y Pero ahora que lo pienso, tal vez fuera antes el huevo que la gallina, desgrana sus posibilidades y sus miedos y se mete en la cabeza del y quizá haya sido mi afición al madrí en tierra –futbolísticamente– jugador rival, pero sabe que en ese juego de espejos él está hacienhostil lo que en gran medida haya conducido mi carácter a ese raro do lo mismo. El silbato del árbitro suena y el rugido de la multitud placer de llevar casi siempre la contraria a lo establevuelve a estallar, el rival corre, chuta…y se hace el cido, de huir de todo gregarismo. oscuro. La segunda escena sucede en el minuto 32, Estoy a muerte con Agustín García Calvo o con Rala tercera durante el descanso con la bronca del enfael Sánchez Ferlosio cuando lanzan esas furibundas trenador que acaba de desmoralizar a la tropa, y las diatribas contra el deporte en general y contra el siguientes escenas tienen lugar en los minutos 47, 51, fútbol en particular. No entiendo que nadie defienda 57, 65, 71, 82; la escena diez retoma la primera volseriamente este engendro del fútbol hiperprofesioviendo al minuto 88. La obra se cierra con otras dos nal actual, culmen de nuestra antidemocrática soescenas: Josu en el vestuario y ante un periodista. ciedad del espectáculo y del entretenimiento, sueño El único personaje, y antihéroe, de este drama es de todo político que aspire a mantener al pueblo el guardameta; sin perder de vista el balón, errático distraído y alienado del mundo de pesadilla que nos unas veces, inmóvil otras oteando el universo. Pero están construyendo. también escuchamos sus pensamientos, su mente imPero también me conmueven las palabras que Alparable, vertiginosa, por mucho que por momentos PATADAS bert Camus dedicó a enaltecer el fútbol. Apasionado pretenda dejarla en blanco. El antagonista es aquí el Antonio Álamo jugador en un pequeño equipo de su Argel natal, Caequipo contrario, claro; pero aún lo es más el propio Paso de gato mus reflexionó sobre cómo el fútbol le había enseequipo, roto y desesperanzado y fantasmal; y aún lo ñado las cosas esenciales de la vida: la soledad, la es más la afición, la hinchada, la masa vociferante o importancia del otro y de lo colectivo, la necesidad de luchar o la silenciosa, la masa omnipresente en su estruendo atronador, los importancia de la ética. “Lo mejor que sé sobre la moral y las oblitambores y los cánticos y los gritos y los pitidos y los insultos, siemgaciones de los hombres se lo debo al fútbol”; es precisamente ésta pre en olas de amor o de odio. Pero aún lo es más él mismo, él de Camus una de las siete citas que encabezan este “Patadas” de mismo su peor antagonista.

Antonio Álamo. Tres futbolistas y cuatro escritores son los autores “Como en todos los oficios, en el fútbol también hay una ética que citados: Zubizarreta, Di Stéfano y Valdano por una parte, y Camus, consiste en aparentar que hay ética”. “Lo que me aterroriza es la Handke, Beckett y Villoro por la otra. “No hay partido de vuelta entre vida cotidiana, la vida doméstica, la suavidad: entonces mi mente se el hombre y su destino”, escribió Beckett. Pero son las de Handke llena de gusanos. Mejor entrenar y entrenar hasta la extenuación. y Valdano las que mejor le vienen a esta singular obra de Álamo. En Si no fuera por eso me volvería loco”. “¿Quién nos llama mercenasu novela “El miedo del portero ante el penalti”, el escritor austriaco rios? Un tipo que se arrastra diez horas al día cinco días a la seescribió: “Es un espectáculo muy cómico ver correr al portero de mana por 1.200 euros al mes. Ese nos llama mercenarios, menuda aquí para allá esperando la pelota, pero todavía sin ella”. Y ésta es desfachatez. Y pretenden que yo le rescate de su negro pozo, le precisamente la imagen dramatúrgica que el autor utiliza en “Pataredima o algo así”. “Un equipo es un sueño. Un equipo es una tribu das”, la del payaso/portero de acá para allá entre los 244 cm. de que representa la infancia perdida de un hombre. Hay que joderse. alto y los 732 cm. de largo de su portería, en el minúsculo reino Pero, ¿qué quieren? ¿Que nos sintamos orgullosos de representar de su área, bajo los potentes focos del campo y las miradas de la ese sueño colectivo, que nos mostremos como dioses del Olimpo?”. muchedumbre, oteando siempre un horizonte amenazador y sabien“Porque eso de que el buen fútbol… Mentiras, nada más que mendo además que sus diez compañeros pueden fallar pero que él no tiras. El fútbol son patadas. Patadas y azar. Patadas y escupitajos”. puede. El protagonista de esta obra es Josu Martínez, el portero de “Soy el primer hombre del equipo y también el último, el que está un equipo al borde del descenso durante el partido decisivo frente ahí cuando todo lo demás ha fallado, el que está ahí, incluso, cuana su rival directo. do soy yo mismo quien ha fallado”. Todos estos pensamientos de La cita de Valdano es la que establece un paralelismo más directo peso junto con muchos otros pasan por la mente sobreexcitada del entre fútbol y teatro, pero también marca diferencias: “El fútbol es guardameta en un monólogo arrollador. Ante una sorprendente e una representación teatral en la que nunca se sabe dónde está el inesperada jugada del propio equipo exclama: “La belleza no se nudo de la obra”. Algo así pasa aquí, aunque, claro, como Antonio fabrica: sucede”.

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

Escuela de verano de Aeda

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n enero de 2010 se constituyó legalmente AEDA, Asociación de Profesionales de la Narración Oral en España. Una asociación abierta a todos los narradores y narradoras que realizan su actividad profesional en España, no tiene carácter exclusivo y su objetivo principal es dignificar el oficio de la cuenteria. Del 30 de junio al 4 de julio estaremos en Ezcaray (La Rioja) en la primera edición de nuestra escuela de verano, “El cuento a escena”.

La mañana del martes – 5 horas – estará completa con tres cursos cortos, a cargo de Jose Manuel Garzón, Jose Campanari y Karla Sepulveda. Jose Manuel Garzón presentara el taller “Espacio para cuerpos desafinados” que pretende desarrollar diferentes ejercicios en los que trabajaremos las emociones y sensaciones que podemos transmitir al público con nuestras narraciones. Muchas veces nos encontramos historias muy bien narradas desde lo racional pero carentes de sensaciones. Un narrador no debe LUNES

MARTES

ricos y prácticos básicos de la improvisación teatral y sus aplicaciones para la narración oral. La propuesta metodológica es teórico-práctica.

Las mañanas del miércoles, jueves y viernes hasta completar un total de 15 horas tendrán lugar los cursos largos con Cándido Pazó, Alberto García y Mateo Belli. Cándido Pazó ofrecerá el curso “De lo oral a lo teatral: una fértil zona de intersección”, donde se especulará y experimentará con todos aquellos recursos escénicos (actorales, espaciales, físicos, técnicos, plásticos y dramatúrgicos) que, utilizados cualitativa y cuantitativamente según el criterio y el estilo de cada uno, pueden enriquecer los espectáculos de narración oral. Alberto García nos traerá “El cuento en movimiento” con la idea motor de que un cuento, cuando lo contamos, está rodeado de gestos, movimientos, ritmos y entonaciones y quien narra no tiene que jugar solamente con las palabras, tiene que contar con el aire y el espacio que le rodea. Nos propone un taller basado MIÉRCOLES

JUEVES

VIERNES

Mañana 9:00 - 14:30

Llegada y recepción

Cursos cortos

Primer día Cursos largos

Segundo día Cursos largos

Tercer día Cursos largos

Tarde 17:00 - 19:00

Bienvenida y talleres

Talleres

Excursión

Talleres

Conferencia y despedida

Noche 21:30 - 23:00

Sesión dialogada

Sesión dialogada

Fiesta

Sesión dialogada

convertirse sólo en un trasmisor de información, debe ser un constante provocador de emociones en quien lo escucha. Y todo esto se hace desde el cuerpo, nuestro cuerpo es el instrumento desde el cual tocaremos las fibras sensibles del público, y para ello debe estar muy bien afinado. Se trabajará la respiración, el manejo de la voz, el movimiento.

Jose Campanari por su parte llevará a cabo un laboratorio sobre la presencia escénica: Estar presente. La persona que cuenta historias de viva voz se acomoda ante el público en un estado de conciencia escénica, que le permite establecer la comunicación adecuada con el público para realizar un viaje placentero por los paisajes de la memoria. Esa conciencia escénica nos lleva a estar en el aquí y ahora para internarnos en el pasado de las historias.

Matteo Bello nos ofrecerá la propuesta formativa “sonar la voz” un curso dedicado al estudio de la vocalización oral en cuanto órgano expresivo orientado a potenciar las cualidades “sin-fónicas” del actor, sea en cuanto a la capacidad de relación entre el cuerpo y la voz, sea en cuanto al desarrollo de una “paleta” amplia, variada, “orquestal” de instrumentos sonoros. Las semillas del trabajo desarrollarán: el training de estiramiento y potenciamento muscular, de trabajo sobre la espalda, respiratorio y de calentamento vocal, y el conocimiento y la utilización de los resonadores entre otros aspectos.

Con Karla Sepulveda habrá ocasión de trabajar sobre la improvisación escénica en el taller “cuentería improvisada”, un curso que pretende brindar a los y las participantes los elementos teó-

en el análisis del movimiento y del gesto como prolongación y complemento de la palabra. Durante el curso se insistirá en detectar aquellos movimientos y gestos que entorpecen la narración llegando incluso a contradecir aquello que queremos decir.

El lunes, martes y jueves por la tarde habrá talleres. Propuestas practicas de dos horas. Cada tarde habrá una oferta de talleres diversos: algunos durarán las tres tardes y otros serán de una tarde. Estos talleres correrán a cargo de Carmen y Manuel de Légolas, con “contar para bebés”, con Virginia Imaz “ y que tenga de repente” , con Carles Zarandula “ Branding”. Tambien “voz” con Soledad Felloza, “Contar tradición” con Ana Griot, “Redes y web” con Pep Bruno. “Cantar y contar” con Charo Pita. Y un taller de juegos narrativos y experimentación con Pep Bruno.

El viernes por la tarde tendremos el placer de disfrutar de una conferencia de Ignacio Sanz: “Tradicion oral y narración oral”. Por ultimo las noches del lunes, martes y jueves se verá un espectáculo de narración oral que abrirá una sesión dialogada entre narrador y público. En estos espacios tendremos el placer de poder escuchar a José Manuel Garzón con su espectáculo “A quien corresponda”, a Mateo Belli con “ Señores, entiendan este sermón” (monólogos juglarescos medievales y modernos) y a Cándido Pazó con “Por cierto”, un hilado de tiradas e historias basadas en verdades que parecen mentira o en mentiras que parecen verdad.

Como podéis ver, un menú de gourmet. Una ocasión para el encuentro, el intercambio y el aprendizaje. Las plazas son limitadas.

Más información en escuela.aeda@narracionoral.es w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio Jorge Dubatti

Alejandro Urdapilleta, teatro y literatura

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l año pasado, el 1° de diciembre, llegó la noticia de la muerte de Alejandro Urdapilleta. La pérdida de un artista inconmensurable. El cierre de una época. La muerte de un actor prodigioso. También, la muerte de un escritor magnífico.

Como una forma de compensar esa ausencia radiante, en el Encuentro Federal de la Palabra de Tecnópolis (Villa Martelli), Pompeyo Audivert dirigió el espectáculo-homenaje Urdaestallido, con un amplio elenco de actores que trabajarán sobre diversos escritos de Urdapilleta. Pero además, muy pronto, se abrirá en Biblioteca Nacional un “Archivo Alejandro Urdapilleta”, que recogerá muchos de sus cuadernos manuscritos y sus dibujos.

“Mi casa es rara. / Soy un ser raro. / Despierto / por la mañana, / rezo plegarias, / me visto de persona normal, / al rato el sol / me resulta hartante”, escribe Urdapilleta en el poema “La Piedad”.

Todo el mundo sabe que Urdapilleta era argentino pero había nacido en Montevideo, en 1954, durante el exilio de sus padres en Uruguay. Todo el mundo sabe, por supuesto, que Alejandro fue el actor inolvidable de La Carancha, Hamlet o la guerra de los teatros, La moribunda, El relámpago, Mein Kampf farsa, Almuerzo en la casa de Ludwig W., Mamita querida, Atendiendo al Sr. Sloane... y también, en la televisión, el actor de El Palacio de la Risa, el programa de Antonio Gasalla.

Pero no muchos conocen al escritor Urdapilleta. Alejandro publicó tres libros: Vagones transportan humo (2000, Adriana Hidalgo), Legión Re-ligión. Las 13 oraciones (2007, Colihue) y La poséida (2008, así, con acento sobre la é, Adriana Hidalgo).

Poemas, teatro, novela corta, cuentos y un diario personal que lo transformaron inmediatamente en un referente esencial de la literatura argentina de Postdictadura, insoslayable para estudiar el período. Tampoco muchos tienen noticia de que Alejandro era un convencido seguidor del sufismo y que se pasó toda su vida leyendo y escribiendo, que dejó, además de los tres libros publicados, decenas de cuadernos manuscritos. El “Archivo Alejandro Urdapilleta” de Biblioteca Nacional será un acto de justicia, de reconocimiento, así como un honor para la prestigiosa institución: ¿dónde pueden estar mejor conservados los manuscritos de un gran escritor?; pero además: ¿no se enriquecerá, a ojos de todo el mundo, Biblioteca Nacional con este tesoro nacido directamente del corazón de Urdapilleta?

“Me voy al mar / a reconciliarme / con todos los que estén adentro / para que salgan afuera /y se vayan / tranquilos ellos / tranquilo yo / otra vez el cuenco de paz” (del poema “Me voy al mar para ser el mar”). Igualmente, Alejandro no se reconocía bajo el nombre de “escritor”. ¿Actor que escribe, escritor que actúa?, le preguntamos. La respuesta fue contundente: “No. Me da vergüenza la palabra literatura. O la considero muy alta o me

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considero muy poco. No me creo esa historia, y me parece bien, porque tengo más libertad así”.

En 2008, Alejandro nos dijo: “Mis escritos tienen que ver con el viaje mental. El viaje interno, mi mundo fantasioso, mi locura, la poesía, lo que sale solo porque debe salir, lo no dicho, lo que no puedo decir. Lo que no puedo hablar, lo incorrecto, lo que no se debe decir, lo largo ahí. Por ahí es una larga puteada contra una persona que detesto y que no se lo puedo decir...”.

“Conchas con olor a teatro / camarines con olor a concha / ¡conchas! ¡conchas! / Breteles de corpiños y caireles / copa va copa viene / y el bulto magno que me enceguece / desde tu entrepierna almibarada” (“Sombra de conchas”). Vagones transportan humo reúne muchos de los textos que Alejandro hacía en los escenarios del mal llamado “under”, textos poético-teatrales: “La Luna”, “Soy un espejo volador”, “La fabricantes de tortas”, “Bebeto”, “La llorona”, “La Mamaní”, “Sombra de conchas”, “Las pijas”...

Hubo que convencerlo para publicarlo, insistimos mucho tiempo.

Hasta que al fin, felizmente, aceptó. El segundo tomo, Legión Religión, es un cuaderno con monólogos, poemas, relatos y dibujos fechado en 1999, reproducido en forma facsimilar por la edición de Colihue. En ese cuaderno Alejandro registró una experiencia de recuperación, internado durante un tiempo en casa de sus padres. La poséida es una novela corta sobre una actriz a la que persigue la policía porque actúa mal, con abundantes referencias a Salomé de Oscar Wilde. El tomo de La poséida incluye también El Papa de Etiopía, un cuento al que bien le cabría la calificación de surrealista.

“Pueblo Argentino: / Se ha acabado el tiempo de las mentiras. ¡Caen como retazos secos las mentiras! / Y las lluvias / las deshacen / a las mentiras” (fragmento de monólogo de La Carancha).

En una extensa entrevista que le hicimos para la edición de La poséida, Alejandro nos contó que su vínculo con la escritura “se fue dando con el tiempo. Empecé a escribir de muy chico, con la Señora de Núñez, mi maestra de tercer grado. Hacía composiciones que a ella le encantaban y me las hacía leer delante de la gente. Yo leí desde muy chico. Mi viejo notó que me gustaba leer y empezó a comprarme libros. Me regaló una enciclopedia de doce volúmenes –todavía los tengo- con cuentos sufis, leyendas de la Biblia, mitología, con dibujos maravillosos. Desde muy chico supe quiénes eran David y Goliat, Prometeo, los personajes bíblicos. De ahí pasé a la colección Robin Hood. Me recuerdo de regreso de un viaje, en el coche, terminando La cabaña del Tío Tom. La lectura siempre me acompañó. A lo mejor por soledad. Escribo para conocerme, porque soy solitario. Escribir es un vicio. No escribo jamás para que se lea después. Escribo para mí. Necesito escribir para conocerme a mí. Me miro en lo que escribo. Parece una frase hecha, pero es verdad. Cuando me pongo a escribir cuentos pien-

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Postales argentinas so que alguno los va a leer, pero me lo saco de la cabeza, porque quiero ser libre. No quiero escribir para alguien. Mis escritos siempre tienen algo de mí. No hago ficción pura. El punto de partida suele ser algo que me está pasando en el momento”.

“Baño mis manos con agua / para enjugar el pecado / que me atormenta / que me tritura / Mirad / pueblos del futuro / un hombre que lava sus manos / al final del siglo XX / Un creyente de fe / que ve estropajos en los ojos / de los ministros”. Alejandro escribía a mano, en cuadernos. Nos reveló en aquella entrevista de La poséida: “Odio las máquinas de escribir, me parecen unos aparatos siniestros, me dan sensación de oficina. Las computadoras, las detesto. Tuve computadora, pero modificaba mi escritura, me molestó mucho, no me sirvió. Escribo en cuadernos Rivadavia, únicamente. Odio los anillados, los detesto, nunca escribí nada bueno en un anillado. Me gustan los Rivadavia más grandes, de 194 hojas rayadas, tapa dura. Cuando no encuentro compro más chicos, pero sé que en ésos no puedo escribir cosas buenas...”.

El cuaderno donde escribió Legión Re-ligión es una excepción: se trata de un cuaderno diminuto, de fabricación artesanal.

Cuaderno completo, cuaderno olvidado. “Los abandono. Por ahí vuelvo y los leo, pero no me gusta –nos dijo en aquella ocasión–.

No te creas que me obsesiono mucho. Por lo general me decepciono, porque me encuentro a mí. O me repito mucho, o me veo todo el tiempo diciendo lo mismo. La escritura me sirve como un psicoanálisis. No es psicoanálisis, lo odio, pero me sirve como una visión de mí mismo. Para verme. Escribo siempre muy lúcido, a la mañana, o cuando me despierto, tomo mucho café y escribo. Siempre. Lo tengo como disciplina, pero no me pesa, necesito hacerlo.

Necesito escribir, aunque hay épocas en las que no escribo”.

En 2000, cuando publicó Vagones transportan humo (libro elegido por Página/12 entre lo mejor editado ese año) Urdapilleta se negó rotundamente a presentar el libro y a dar entrevistas. Harto de los reclamos de los periodistas, escribió el texto “Mala onda”, en el que, enojadísimo, dice que está exhausto: “Acabo de terminar mi temporada, demasiado extenuante, agotadora, de Mein Kampf farsa en el San Martín. Estoy deprimido, cansado de vivir, con ganas de volarme de una vez de este cuerpo al que me ataron. Ganas de matarme”. Y entonces explica por qué escribe: “Aquí entra en juego el placer. Lo hice [Vagones transportan humo] por placer. Placer, otra vez. Pero ese placer, otra vez, se está convirtiendo en tortura, en un trabajo parecido al de un oficinista”. “¿Por qué escribe? Contesto: porque respiro. Porque tengo una mano que dibuja letras dictadas por una mente en conexión directa con mi corazón, el que a su vez responde a un ser, a un espíritu.

Qué escribo, con qué vigor o desgano, lo determina eso último, el espíritu. ¿Qué puedo decir de esa raíz, de ese misterio? Nada. En mi caso solamente he llegado al límite de considerarlo una zona de vacío. Si no escribo me siento miserable, solo, incompleto”.

Y en aquel bellísimo y enfurecido texto “Mala onda” (publicado en el volumen El nuevo teatro de Buenos Aires en la Postdictadura, 2002, Ediciones del CCC), Urdapilleta regresa a la misma pregunta: “¿Por qué escribe? Qué sé yo. ¿Por qué se mueven esas pelotas siderales en el espacio? No sé nada, señoras y señores. Si les gusta Vagones transportan humo, léanlo (...) No pretendan que yo explique por qué a veces me hundo en tales paisajes, reinos, catacumbas, universos o personajes que habitan en mí”. “Escribo cuando y porque se me da la gana, y con eso descubro muchos vericuetos de mi alma”, concluye Urdapilleta. “Los caminos que

conducen a los ataúdes / han sido bloqueados por erizos de mar / No soy nada... perdí todo”, dice un texto de Vagones... Nosotros perdimos a un actor único. Nos queda su mito y su literatura.

Pompeyo Audivert, el director del espectáculo Urdaestallido que se presentó en Tecnópolis en homenaje al gran actor, conoció a Urdapilleta en el teatro alternativo de los ochenta. “Conocí a Alejandro en el Parakultural –recuerda–. Con Carlos Viggiano hacíamos un número y una noche aparece Urda en el escenario con un monólogo de una Diosa que caga un pebete de jamón y queso [La Luna, recogido en el libro Vagones transportan humo]. Fue una revelación, me impactó de inmediato por su fuerza poética, también por su voz y su decir tan especial donde las palabras parecía que nacían de nuevo almibaradas por la saliva placentaria de su boca. Tiempo después compartimos escenario en el Hamlet que dirigió Ricardo Bartís, y también en el Rey Lear que dirigió Jorge Lavelli. Estar cerca suyo era hermoso, excitante y profundamente divertido”.

Audivert observa algunas características del Urdaestallido: “Tiene que ver con un procedimiento espacial que me interesa mucho y que ya experimenté en otras oportunidades. Se trata de estallar el escenario y el tema en un archipiélago escénico, muchos escenarios y escenas en un funcionamiento simultáneo que el público recorre aleatoriamente. Los actores eligieron sus textos e hicieron sus montajes, también definieron los vestuarios, cada trabajo representa una unidad de producción autónoma actoral y juntos constituyen una unidad de estructura inapresable desde las categorías del relato o la ficción, desde una visión lineal, quiero decir. Urdapilleta significa para nosotros un modelo de acción poética en todo sentido, textual, físico-expresivo, espacial, de una irreverencia y desparpajo extremos, sin concesión alguna a nada que no sea su libidinal voluptuosidad creativa, infantil y subversiva”.

Así define Pompeyo Audivert la literatura de Alejandro Urdapilleta: “Sus escritos son extraordinarios testimonios de su nivel poético, condensan infancia, historia, naturaleza, sexualidad, ser estallado en palabra, inquilinato donde entran todas las inmigraciones que quieran habitarlo, lenguaje enmilagrado, abierto al enfiestamiento poético de los cuerpos. Los actores eligieron sus textos de los libros que hay publicados: Vagones transportan humo, Legión Re-ligión y La poséida, también hay un trabajo que se hizo desgrabando un viejo VHS de una función con Humberto Tortonese y Batato Barea en la Fundación Banco Patricios a principios de los 80. Se tomaron textos teatrales y poéticos y hasta reportajes, en algunos casos se ensamblaron varios materiales”. ¿Por qué Alejandro era un actor prodigioso?, le preguntamos a Audivert, quien contesta: “Era prodigioso y pródigo, generoso y terrible, tenía eso que hace excepcionales a algunos actores, además de tener un instrumento extraordinario era un actor poetizante, y no me refiero a la poesía de la palabra en donde sobresalía, sino a la radiación de su presencia física, cuando actuaba convocaba con su cuerpo una vibración de otredad, suspendía la consistencia histórica y nos conectaba con esa conciencia ampliada que a veces el teatro ayuda a alcanzar, abría con su cuerpo en el escenario otra dimensión, desaforaba la presencia individual y colectiva, y nos permitía alcanzarnos, dar con nuestra propia facultad poética lapidada y con el niño que la custodia. Alejandro fue el más grande porque nunca olvidó que era un niño”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio Jaime Chabaud

Entrevista con Alberto Villarreal

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lberto Villarreal es hoy un creador escénico mexicano cuyo nombre cotiza fuerte en festivales internacionales gracias a un discurso teatral poderoso y original. Su teatro, define él mismo, está más cerca del ensayo que del drama y sus procedimientos escénicos siempre son apuestas a la inteligencia del espectador. Entre sus montajes más destacados están: Memorias de una máquina a vapor (2008), Ensayo sobre débiles (2011) y El “Lado B” de la materia (2013).

Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los rasgos que definen a tu generación dentro del teatro mexicano?

Alberto Villarreal: Es una generación que surge en un cruce privilegiado en el teatro mexicano. La generación que nos precede fue una generación de creadores de estupendo oficio y desarrolladores de infraestructura teatral.

Esta generación, integrada por creadores como Luis Mario Moncada, David Olguín, Mario Espinoza, Enrique Singer y tú mismo Jaime, entre otros, fueron una generación que cambió el panorama del teatro no sólo con su arte sino con mayores posibilidades materiales. Surgieron teatros, publicaciones, programas inclusivos de los nuevos autores y directores. Mi generación encontró un nuevo espacio material que no existía anteriormente.

Pero sobre todo heredó dos campos definitivos que le permitieron desarrollar su voz si necesidad de negociación estética o política: un reconocimiento como nueva voz que fue valorada y públicos en los teatros para estas propuestas. Gracias a ello, mi generación pudo retomar propuestas de riesgo de los maestros del teatro mexicano de los años 70 y 80 –nuestros abuelos escénicos– y ensayar un teatro de propuesta y complejidad. Además es la primera generación de creadores que puede desarrollarse a partir de los apoyos institucionales del FONCA y el CONACULTA en términos prácticos significó tiempo de dedicación total, visibilidad y un público atento. Ello permitió consolidar una tendencia pronta, que en algunos creadores de identidades fuertes, se ha vuelto ya una voz y un estilo reconocible, pero además, permitió dar el paso –que creo particular de mi generación y que es el que nos correspondía– para una internacionalización creativa. Si bien, no tan amplia como para dar en el extranjero una idea del teatro mexicano como movimiento, algunos de sus creadores dieron un contundente salto hacia otras teatra-

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lidades. La siguiente generación que hoy se gesta en el teatro mexicano se gesta en una escena internacional con naturalidad. En ese sentido, es una generación afortunada. En sus propuestas, es una generación típica de inicio de siglo, con diferentes miradas, poéticas diversas, inclasificable en el sentido de la crítica.

J.Ch.: Como escritor para teatro te has declarado más un ensayista que un dramaturgo, ¿por qué?

A.V.: Encontré en el ensayo mi territorio natural de prueba y movimiento continuo sin necesidad de los factores dramáticos: desenlace, clímax, progresión, y toda la tradición del drama. La esencia del ensayo es divagar, fluir, la no llegada, hallazgo sólo por accidente. Contiene menos planeación. En la tradición literaria me parece que el ensayo ha sido el género de los que creen en la incertidumbre, en lo impreciso y lo relativo como fuerza de lo vital. Además, no creo en la dramaturgia como literatura. Creo en ella como arte intermedia entre el teatro y la literatura, pero que no pertenece a ninguna de la dos. Lo pienso por el acto de la percepción misma, no por el del soporte material únicamente. No le es propio el acto del leer como lo hacemos en lo literario, ni el del teatro, por ello la pienso como una arte intermedia. Quizá al ver la dramaturgia así, ya la transformo en ensayo, en prueba, en indeterminación. La sensibilidad del ensayo me parece más en sintonía con la excepción, más en lo patafísico.

Además que contiene la afinidad lingüística con el acto de ensayar obras que es el espacio que más se habita en el teatro, por lo menos por cómo lo hacemos en América Latina. Ensayamos mucho más tiempo del que presentamos las obras. Para mí, poder hacer esto, es un privilegio, priorizar el salón de ensayos. Creo que en el teatro llevamos dos artes vinculadas y ninguna está al servicio de la otra: se ensaya y se presenta. No hay subordinación. El ensayar es un arte en sí, más cercano a la no finalidad, la no expectativa, la pérdida continua, es un arte íntimo. Lo mismo ocurre en la presentación sólo que como arte público. El ensayo es la revaloración del error, el atentado contra el proyecto civilizatorio.

J.Ch.: ¿Cuáles son las obsesiones estéticas que rondan tu teatro?

A.V.: La principal es poder ir más allá de la estética. Lo estético es el precio y el prejuicio que debemos pagar para tener

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Piedra de sacrificio teatralidad en la tradición de occidente. La cultura popular puede moverse mucho más libremente en los linderos de la estética. Pero lo que nosotros llamamos teatro es necesariamente un acto estético. A mí me interesa poder levantarlo desde ahí, desde su cerco estético. La mirada de la estética se encuentra para mí en exceso domesticada. El que la percibe sabe muy bien qué hacer con ella sea en sus formas de divertimento, arte o publicidad. Por ello la considero un estado a superar. Para mí, el teatro puede partir de ella y dejarla atrás en actos más radicales en cuanto nuestra conformación imaginaria de lo real. Porque cada vez valoro más lo imaginario y lo fantasioso del deseo sobre los actos estructurales y racionales. Creo que comienzo ese momento en que las certezas parecen meras estructuras funcionales y me apasiono por los actos de la percepción como asunto placentero y subjetivo. Ahí necesariamente se tocan los límites de la estética y se llega a procesos vitales, de supervivencia, de memoria, de vergüenza en nuestra imagen de los otros, de sentido de pertenencia, pero no como representación sino como la experiencia en sí. Estar en peligro en el teatro dentro del tejido de constitución de lo real. Desde que comencé a trabajar en el teatro, nunca lo he visto como un medio de representación, sino como un medio de compresión de lo real, en él la realidad es más densa, más cruda, más insoportable.

J.Ch.: ¿Cuáles son los procedimientos de la teatralidad contemporánea que te interesan?

A.V.: Me interesa no tanto el procedimiento sino de dónde surge. El impulso y su temperamento. Pero me interesan más las formas de la teatralidad anterior, las isabelinas, el romántico, las vanguardias y sus fenómenos límite como la fiesta, el carnaval, las iniciaciones en las culturas antiguas, los deportes. Más que el teatro, la teatralidad, que considero un suceso más expandido. Me lo formulo más desde el antiguo concepto de teatro como un espacio-tiempo para exponer algo. La palabra exposición es la que más siento afín a esta experiencia. Contiene riesgo, algo abierto, algo invisible en otras condiciones: revelación. Esto no

tiene que ver con estética sino con cortes, anatomía, y sobre todo, salir de las formas canónicas de orquestar la realidad.

Percibo el teatro como el punto en que se reinicia la experiencia de lo que consideramos real. Por ello me interesan por igual las tradiciones de pensamiento, los sistemas matemáticos, las teorías filosóficas y religiosas como los meros juegos de mesa, todos ellos ponen la realidad a exposición, o una versión de ella.

Sin embargo si hay un procedimiento al que me gustaría acercarme cada vez más, y es el teatro entendido como laboratorio de las posibilidades de lo humano. No para descubrir nuevas formas, sino para reintroducir las olvidadas. El teatro contiene un entorno de excepción de lo real que permite colapsar y reformular asuntos que damos por sentados. Lo humano como asunto a explorar, laboratorio del ser y estar en el mundo en sus facultades imaginarias y lógicas. Habitar en contradicción fuera de los proyectos ideológicos que conforman nuestra realidad.

Ahí sí el teatro se vuelve expansivo, peligroso.

J.Ch.: ¿Hacia dónde piensas que va la escena contemporánea?

A.V.: Hacia ningún rumbo preciso, creo que en vez de dirigirse en un sentido o en una búsqueda, fuera de todo sentido vanguardístico o proyecto filosóficos, entramos en una época clásica, por su interés revisionista, de reunión y recapitulación de antiguas tendencias y por ello es más una química que una producción de nuevos compuestos. Hay una inercia que sucede a nivel mundial, me parece práctica pero que cede a los valores de la moda y del mercado en su lógica de efectividad y distribución, que es ajustar constantemente la escena a los procedimientos de la vida cotidiana. Nuevas tecnologías, proyectos a distancia interculturales, modelos a partir de las redes sociales, son sólo introducción al escenario de lo convencional disfrazado bajo el esquema de innovación y nuevos sentidos. Práctico, bueno para festivales, pero poco perturbador, en el sentido del teatro como otro modo del ser y estar en el mundo. Como crear lateralidad a lo real son los experimentos que me apasionan. Por supuesto todo esto sólo revela la tensión de mi propia subjetividad.

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14 mayo junio Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

José Ricardo Morales: Palabra de un desterrado

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uchas cosas pasan en Madrid últimamente en lo que a teatro se refiere. Este viejo poblachón manchego es un inmenso teatro en sí mismo. España es un incendio de heterodoxos, comulgantes y fornicadores; borrachos y comulgantes, hermanos de la Santa Inquisición y monjes mendicantes y monjas de clausura que solo se rompe para dejar paso a confesores lascivos; la lujuria y el dogma, unidos, forman parte de este país que quiebra cañas, corre toros y se echa al sol de una reseca piel de toro donde los sueños se hacen pesadillas, las controversias, guerras civiles y por la que vaga errante la sombra de Caín. De ahí nace nuestra historia y nuestro Teatro; la guerrilla y los cómicos de la legua que, bajo la batuta de José Luis Gómez, se han convertido en cómicos de la lengua.

Cuando los españoles no tienen bastante con sus preces, sus corridas de toros, sus comuniones y sus procesiones organizan una guerra civil. Y de una guerra civil sale un exilio, y del exilio una tribu de españoles errantes, de payasos del éxodo y del llanto que se llevan todas las bofetadas. Para amar a este maldito país hay que soñarlo en vez de vivirlo; Nunca estamos en paz porque, como decía un personaje de Las bicicletas son para el verano, “Luisito, no ha llegado la paz; ha llegado la Victoria”. España es siempre una controversia política o literaria, el placer y el cilicio. Cervantes penaba porque el gran Lope se había quedado con el cetro de la monarquía cómica y si entras en el llamado Barrio de las Letras todo el Siglo de Oro, en tropel, te sale al paso. Gerardo Malla ha escenificado en el Español un Lope atormentado, conmovedor incluso; celoso y viejo, con miedo a quedarse solo, el gran seductor, y que su último gran amor, la abnegada Marta Nevares se vaya con otro más joven; ¡ah! la eterna controversia de la juventud y la ancianidad, cuando el corazón se cree eternamente joven y el vigor físico es eternamente caduco.

Pérez de la Fuente ha puesto en escena, con feliz acierto, uno de los mejores textos de Ignacio Amestoy: ‘Dionisio, una pasión española’, donde encuentra su mejor registro en el teatro histórico con una pulsión vivificante que anula toda tentación arqueológica. En el Español ‘El encuentro’, teatro político, sin apenas concesiones a la ficción: de cómo Santiago Carrillo y Adolfo Suárez arreglaron las cosas de la Transición y temieron ser fusilados como traidores por su propia gente.

Del teatro documento de Ignacio Amestoy son ejemplos, que resucitan al hilo de Dionisio Ridruejo, Pasionaria, Betizu toro rojo, Doña Elvira, imagínate Euskadi, Durango un sueño. Teatro documento que Pérez de la Fuente ha metido en la ética y la estética del teatro ceremonial, lo cual es difícil maridaje, pero le ha salido bien. Dionisio Ridruejo fue el desencanto de una Falange prostituida, según los falangistas auténticos, por un general cuartelero y pequeño burgués. Ridruejo se fue a la División Azul por lavar su fama de burócrata que no había pisado el frente de batalla; volvió, le escribió una carta de renuncia al Generalísmo al que le había dirigido la propaganda, y mandó al Régimen a hacer puñetas. Gran pieza de Ignacio Amestoy. Dionisio no llegó a ver la tierra prometida de la democracia, pero Amestoy le escribió esta obra

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magnífica. Una tragedia que llega después, pero no tarde.

Como llega después, pero tampoco tarde, el teatro de José Ricardo Morales con casi cien años de edad y más de setenta de exilio. Se instaló en Chile que no tenía el aura del México de Cárdenas, donde ancló la élite del exilio español. Acaso por eso, no le gusta llamarse exiliado, sino desterrado. Sobreviviente, cumplidamente estudiado, como todo el exilio, por Ricardo Domenech y Manuel Soler Aznar; el último de la incivil Guerra del 36; lo de Guerra Incivil fuera posiblemente acuñación bergaminiana, o acaso de Max Aub o quizá, por qué no, de cualquier transterrado sin nombre ni fama y que luego los demás hemos aceptado como propia pensando en la influencia de Unamuno que habló de la barbarie de “los hunos y los hotros”.

Palabra de un desterrado

Muchos años han tenido que pasar para que José Ricardo Morales haya estrenado en España con los honores del CDN de Ernesto Caballero. El último de la diáspora republicana; radicado en Chile donde instaló su nueva patria, consciente de que la vieja España donde luchó contra el fascismo, “con una impecable biografía antifascista”, era una realidad perdida e irrecuperable y era mejor olvidarla; o por lo menos no añorarla ni reivindicarla. El autor valenciano es un experto en subvertir los géneros teatrales, en dar apariencia de absurdo a la realidad y al absurdo un fundamento real. El hombre actual es el resultado de una tecnificación desorbitada: lo que al hombre liberó de la selva lo encierra en otra selva de más difícil superación. Es la tecnolatría universal, el artificio de conductas y cúmulo de acciones que genera más corrupción cuanto más trata de evitarla; retroalimentación. El hombre víctima de su propio progreso y ambiciones. Las cuatro obras que se estrenan en este ciclo son ‘Con las horas contadas’, ‘Corrupción al alcance de todos’,’ Sobre algunas especies en vías de extinción’ y ‘Oficio de tinieblas’. Ricardo Morales niega que el teatro sea un forma de divertimento que nos aparta de nuestro propio yo; es, por el contrario, una manera de reafirmarlo. Afirma o afirmaba que el destierro no ha influido en su teatro, sino para universalizarlo; y que no se nutre de la nostalgia. Pero algo debe haberle quedado de su condición de expatriado, pues el rasgo fundamental de su producción escénica es la anulación del hombre, la extinción de su verdadera humanidad por la deshumanización de la tecnología: irracionalidad científica frente a humanismo primario, un dios omnipotente frente a aprendices de hombres. José Ricardo Morales ha suscitado el interés de los estudiosos, pero no ha tenido tanto carisma de perseguido y está más cerca de Becket que de la tragedia española. Las posibilidades de quienes pierden una guerra las diversificó José Ricardo Morales en tres direcciones, convergentes en una misma causalidad: enterrado, como García Lorca o Miguel Hernández; aterrado y fugitivo, por lo que se le venía encima; y desterrado en una nueva tierra de adopción. La peripecia vital de José Ricardo Morales es hija de la guerra, mas su teatro no lo es tanto. Aunque también.

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El lado oscuro

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Jaume Colomer

Tacticismo o desarrollo estratégico

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on el tiempo sabremos si el Programa Platea ha sido una buena medida táctica por el hecho de inyectar dinero en un sector debilitado por los recortes y el IVA cultural. Su objetivo es asegurar el pan para hoy. Si lo consigue frenará la pérdida de mercado y la reducción de músculo empresarial. Parece una medida coyuntural de efecto inmediato que puede beneficiar, en primer lugar, a las compañías y empresas productoras y, en segundo lugar, a los espacios escénicos y a sus públicos.

En los años precedentes el sector se ha desarrollado practicando el tacticismo. No ha habido nunca un plan estratégico de sector sobre el que se construyeran las políticas escénicas. Los únicos intentos conocidos, el Plan General del Teatro y el Plan General de la Danza, se han quedado en un documento del que ya ni se acuerdan las entidades que participaron en su elaboración.

Durante estos años el sector ha tenido, en cambio, diversos líderes empresariales e institucionales que, en varias circunstancias, han sido capaces de consensuar las medidas tácticas que había que aplicar para resolver las necesidades más inmediatas. Este modelo de desarrollo ha aportado resultados satisfactorios, por lo que no se ha visto la necesidad de cambiar de modelo y planificar el futuro elaborando una estrategia colectiva a medio o largo plazo.

Las políticas escénicas vigentes, a pesar de los recortes, siguen dando pan a los operadores. Pero tal vez es urgente que las instituciones públicas abandonen el proteccionismo, que genera dependencias muy rentables, y empiecen a proporcionar tierras, semillas, agua y abono a un sector que hasta el momento se ha desarrollado recolectando fruta y ha consolidado un estilo de vida centrado en el presente.

Pasar de un modelo económico basado en la recolección de ayudas y contratos públicos para dedicarse al cultivo autónomo de productos escénicos y a la gestión de públicos le permitirá generar excedentes que aseguren el futuro. Para su elaboración propongo un proceso basado en cuatro fases: a. Analizar los factores que han sido determinantes en el desarrollo del sector durante las tres décadas anteriores. Apunto tres factores que han sido claves: la construcción de espacios escénicos y el sostenimiento de programaciones estables por parte de los municipios, el desarrollo de tecnologías de ticketing a distancia que aumentó la accesibilidad a las programaciones, y el desarrollo de tejido empresarial y de estructuras profesionales de producción. b. Analizar las tendencias de los mercados locales e internacionales para identificar oportunidades y facilitar el establecimiento de alianzas con otros operadores. c. Identificar los factores que pueden ser clave para construir un modelo de desarrollo satisfactorio en un contexto con menor protagonismo de las instituciones públicas y más vinculado al mercado. d. Ofrecer una plataforma de debate abierto a todos los agentes del sector para construir suficiente consenso sobre el marco de desarrollo y sobre la orientación que deben tener a partir de ahora las políticas escénicas de las instituciones públicas.

Se podría iniciar la reflexión a partir de las siguientes preguntas: 1. ¿El producto escénico concuerda con los gustos, estéticas y formatos de los espectadores actuales?

Las prácticas escénicas se construyen sobre estéticas y formatos

vigentes en una comunidad cultural. Si la revolución digital ha impactado en nuestro estilo de vida y está cambiando radicalmente nuestros intereses y formas de consumo, tal vez se produzca un desencuentro entre las propuestas de los creadores y los intereses de los públicos. ¿Los formatos, ritmos y estéticas siguen vigentes? ¿Los espacios escénicos a la italiana son ya extemporáneos? ¿Cuáles son los elementos en que se basa una experiencia escénica? ¿Puede haber experiencias escénicas no presenciales?

2. ¿Hay que cambiar radicalmente el modelo de gestión de públicos?

Los modelos de programación basados en el paradigma de la descentralización cultural consideran a los espectadores simplemente como consumidores culturales y los espacios escénicos se constituyen en proveedores de contenidos de excelencia.

La comunicación es unidireccional y la relación transaccional. Tal vez se debería considerar a los espectadores como una comunidad de intereses y concebir la programación como resultado del diálogo. Tal vez se debería entender que las prácticas escénicas son una gran ocasión de compartir los anhelos individuales para construir un alma colectiva.

3. ¿Qué oportunidades ofrecen las nuevas tecnologías en las experiencias escénicas y en su gestión?

El sector no tiene claro cómo debe usar las nuevas tecnologías en su quehacer diario. Si hace un par de décadas el ticketing electrónico permitió un incremento notable de espectadores y una mayor visibilidad social, ¿porqué no exploramos a fondo qué oportunidades nos ofrece internet y el desarrollo tecnológico en la creación, producción, distribución, comunicación, márketing y gestión de propuestas escénicas? ¿Porqué no inundamos el mercado con apps que hagan omnipresentes las propuestas escénicas en la cotidianidad de los ciudadanos? ¿Porqué no transformamos nuestros espectáculos en videojuegos para llegar a nuevos públicos? ¿Nos da miedo la digitalización?

4. ¿Cuál es el modelo óptimo de financiación de las artes escénicas en el nuevo contexto económico?

Durante tres décadas nuestros gobernantes nos han dicho que las instituciones públicas pagarían las propuestas escénicas que fuéramos capaces de producir o de programar si seguíamos ciertos rituales de solicitud y justificación. De repente nos dicen que se toman un descanso y que nos busquemos la vida. Estamos dispuestos a aceptar el reto sabiendo que debemos mirar al mercado.

Los anglosajones de esto saben un rato, pero no podemos aplicar miméticamente sus fórmulas en nuestras latitudes. Sin embargo podemos analizar lo que hacen y cómo lo hacen para construir un modelo de financiación acorde con nuestro cromosoma cultural. Lo que no podemos es no tener un modelo de financiación.

De la reflexión conjunta deben surgir estrategias sectoriales, y las políticas escénicas deberían construirse a partir de ellas para conseguir efectos sinérgicos y no de forma reactiva y espontaneista como la mayoría de las actuales. ¿Quién puede liderar el proceso? No soy capaz de imaginarlo.

Acepto que si los responsables del sector no están por planificar el futuro sus razones tendrán y acabaré comiéndome las semillas, una a una, mirando al mar y recitando mi soliloquio. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio Víctor Criado

Noticias desde los fiordos

Reflexiones en el vestuario

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udados: camiseta, pantalones, zapatillas. El maquillaje convertido en un indefinido color que se retuerce en la cara, cayendo al suelo con desgana. La respiración se recupera poco a poco, al mismo tiempo que la satisfacción va abrazándonos.

Dos horas y media antes, quedan cinco minutos para dar entrada al público en la sala y el ruido ha cesado, la tensión de todo un equipo de más de veinticinco personas que han dado forma al texto de Leonora Carrington durante doce semanas se desvanece. Solo silencio, los ocho actores, formando un pequeño círculo, nos agarramos las manos y nos miramos. Es un silencio intenso, como pocas veces sucede, de hecho a mi es la primera vez que me ocurre. Sabemos lo que hemos hecho, la entrega, el esfuerzo, la sensación extraña y difícil de alcanzar de que somos uno, los mosqueteros sin espada, un equipo que se dispone a mostrar el fruto de un apasionante proceso de investigación que ha durado doce semanas. Ahí estamos, en un silencio más cómplice que obligado, que no necesita palabras, un silencio lleno de ojos que generan sonrisas e imperceptibles gestos de afirmación ¡Vamos!

Se escuchan los sonidos de voces y zapatos acercándose. El público.

Dos horas y media más tarde aplausos, el sudor antes nombrado, público puesto en pie, abrazos relajados, felicitaciones…

La crítica, días después, impresionante y unánime, el trabajo es un éxito sin oropeles. Jóvenes, niños y mucho público adulto nos van a felicitar, ponerse en pie, agradecer. Algunos repetirán.

La sala se está llenando todos los días y Suzanne tiene la despedida artística que se merece. Un gran último trabajo teatral.

Leonora Carrington, desde la memoria, o el cielo, o el aire, estoy seguro de que sonríe satisfecha. Setenta y cuatro años después de su escritura el texto “Lammungarnas fest” ha sido estrenado como fue concebido. Como un sueño surrealista, sin nada que entender y con mucho que sentir, percibir, experimentar, disfrutar, gritar, reír, llorar…

Creo que Artaud, en alguna esquina del teatro también sonríe, guiñando un ojo a Leonora, y a Suzanne, afirmándose en su creencia de que el teatro debe transformar, golpear, hacer sentir.

La crema desmaquilladora se lleva los restos a la papelera.

Los actores hablamos de lo normal, anécdotas, el momento en el que tu, o yo, o cuando ella ha dicho, cómo el público ha reaccionado cuando… Risas, sonrisas, complicidad, olores mezclados…

“Lo que más me fascina de Suzanne, es la capacidad que tiene de dirigir sin que apenas se note” comenta Gustav. Es cierto, todos los actores tenemos la sensación de que hemos sido nosotros los que hemos construido los personajes, las escenas, los ritmos. Suzanne en muy pocas ocasiones dice no a una propuesta. Casi todo le parece bien. Nos deja crear y jugar en libertad, nosotros decidimos. Y sin embargo… hay un misterio sin resolver, una sensación de que hemos sido en todo momento guiados, acompañados más que dirigidos, ayudados. Pequeñas

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sugerencias, apenas perceptibles que dan forma a la escena.

Suaves soplos que te permiten coger vuelo. Ahí está el gran mérito, el arte de esta creadora única. Lo sutil al servicio del teatro. Cuántas horas de ensayos, de cavilaciones y errores para llegar a ese lugar donde la libertad fluye sin problemas, donde la ansiedad y el temor son sustituidos por la sonrisa, la intuición, el dejar hacer, la confianza en el material y, sobre todo, en los actores, músicos, iluminadores, escenógrafos.

Algo que yo puedo traducir como coherencia. Su discurso político y su “praxis” (vaya palabro) teatral van de la mano. No siempre fue así. Ella confiesa que, cuando comenzaba en esto, se obsesionaba con tener el control de lo que sucedía en escena: ordenar, marcar, dibujar… Hasta que se dio cuenta, o la experiencia se lo enseñó, que es un límite en su forma de crear.

Entonces se le abrieron las puertas del teatro de par en par, y ahí ha permanecido, galopando, volando, aullando…

El espectáculo va creciendo con el paso de los días, el dolor de nuestros músculos permanece inalterable, el público acude, disfruta, se mueve de un espacio de representación a otro inquieto, aplaude, charla con nosotros, grita (si quiere) en una de las salas, y se marcha. Lo hacen tanto jóvenes de 16-18 años, y personas adultas de hasta 80 años. Algunas niñas de 9-10 años también. Sin haber llegado a comprender del todo, con la bolsa de sensaciones repleta, bolsa que vaciarán en sus sueños para observar con cuidado el contenido, y ordenar sus objetos de azul plateado antes de almacenarlos en la memoria.

Un agradecimiento especial a uno de nuestros “patrocinadores”, Henning Mankell, que forma parte del consejo artístico de Unga Klara, viendo las “dificultades presupuestarias” decidió aportar aproximadamente 60.000 euros para su producción. Un gesto ante el cual no hay que añadir mucho más. Solo expresarle, en un idioma que no domina y que probablemente nunca pueda leer, mi respeto y agradecimiento. Más en estos momentos en los que lucha con un cáncer que amenaza su existencia.

Mila esker Henning.

Quizás alguien toma nota por aquellos lugares.

Lo único que me queda ahora es tratar de lograr que algún gestor teatral, programador o lo que sea, con capacidad de decisión, se acerque a Estocolmo a ver nuestro trabajo, y apueste por que se vea en algún festival del estado español. Para poder disfrutar de algo diferente, único, para que deje un poso y que del mismo crezcan otros sueños dibujados sobre un escenario.

Pero me temo que todos mis esfuerzos serán vanos. Que no habrá padrino al que acudir, que la falta de interés dejará para los libros de teoría teatral y para otras generaciones el legado de Suzanne. No obstante me lo debo, se lo debo al teatro.

Cierro la puerta metálica del camerino, me llevo las flores con una mezcla de aromas, el de su propia naturaleza y el de nuestro sudor mezclado con sonrisas. Miro la sala, vacía, exhausta pero tranquila. Apago el interruptor y me dirijo a la salida. Silencio.

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Las Lejanías

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Carlos Be

El embelese o síndrome de Stendhal de las letras

E

n ocasiones sufro un fulminante síndrome de Stendhal, también conocido como síndrome de Florencia o hiperculturemia, con la lectura.

Deviene de forma inesperada, la frase me asalta con su belleza e, incapaz de superar el punto que la cierra, la vista se aparta extasiada del papel y se pierde en algún punto inconcreto del firmamento mientras las manos, con suma cautela, cierran aquel libro que nunca más volveré a abrir.

Así ha ocurrido en la mayoría de los casos. Nunca más los he vuelto a abrir. Existe la excepción, claro está, una excepción titulada “El cuarteto de Alejandría” de Lawrence Durrell, aunque pagué las consecuencias. Más de tres meses, una estación completa del año, sin poder escribir una sola línea. ¿Para qué? Yo quería escribir como él pero, evidentemente, ya lo había hecho él antes que yo. Entonces, ¿para qué? Esa es la eterna pregunta que nos hacemos los escritores cuando la vida nos queda demasiado lejos.

No sólo he padecido estas crisis stendhalianas con libros, recuerdo la sobrecogedora irrupción en mitad de un bosque en Bohemia del Sur de un panteón de piedra negra o el instante de vahído frente a pinturas, muchas de ellas de barcos, se encuentren en alta mar o atracados en los muelles. No podré olvidar nunca el trato complaciente del galerista de la Sala Parés de Barcelona que me veía aparecer una tarde tras otra en la galería y me observaba con curiosidad y silencio mientras yo, a la vez, observaba con perfecto estupor aquella pintura al óleo de un muelle en llamas, las velas ardiendo, el cielo enmascarado de sangre e incendio.

De todas formas, tal como decía, han sido libros los que me han provocado este síndrome. Por citar algunos, tenemos a Gustav Meyrink quien me descalabró con “El ángel en la ventana de occidente”, Jan Neruda con sus “Cuentos de Malá Strana”, Gustave Flaubert con las descripciones iniciales de la Cartago histórica en “Salambó”. Cuánta belleza en sus frases.

El último episodio padecido ha resultado de lo más inopinado, con un libro de ensayo, minúsculo además, un libro tamaño cuartilla, ridículo, que apenas alcanza la setenta páginas. La frase de

marras es la siguiente: “El estilo es el hombre mismo”. La firma Georges-Louis Leclerc, conde de Buffon, abogado licenciado, matemático y botánico con algún que otro cadáver a sus espaldas para más inri. Y dice él: “El estilo es el hombre mismo”.

El libro en cuestión se trata de “Sobre el estilo”, una publicación de la Universidad Nacional Autónoma de México. Se cita en este mismo libro al poeta Henry Wotton, a quien no hay que confundir con otro Henry Wotton mucho más conocido internacionalmente que el poeta, aunque se trate de un personaje de ficción: ni más ni menos que Lord Henry Wotton de “El retrato de Dorian Gray” de Oscar Wilde.

Cuando leo, es lo que busco. El embeleso. O el embelese. Me suena mejor el embelese. Pero claro, cuando lo encuentro, duele. Como cuando escribo. Cuando escribo, busco descubrir. Descubrir y redescubrirme. Reaparece Wilde, le parafraseo: “Nuestra personalidad es múltiple”. Y tanto descubrir como redescubrirse duele. He empezado a escribir una nueva obra teatral, una pieza corta, y me acompañan en el camino del descubrimiento el “Vals” de Toru Takemitsu y las imágenes sobre la vanguardia rusa que están proyectándose en estas fechas en el Museo Manege de Moscú. También me acompaña la visión de la luna llena de mayo, presa en la verja del jardín que queda cerca de la glorieta de Embajadores, el Parque de la Reina creo que se llama. Saqué el móvil para fotografiarla y llevármela a casa pero había poca luz y sabía que no me saldría bien así que guardé el móvil, desistí, al fin y al cabo la fotografía no es lo mío, y de camino a casa se me ocurrió que Lorca, si hubiera vivido en el siglo XXI, sería un renovador en Instagram. Pero Lorca no es de este siglo e Instagram nunca lo echará de menos. Esa pérdida irreal sólo nos dolerá a unos pocos.

El embelese, ese síndrome de Stendhal de las letras, duele, sí, pero es un dolor que puede sobrellevarse gracias a la belleza, al arte. El dolor sin belleza, sin arte, es doler en vano. En cambio, el dolor con belleza, con arte, es lo que nos da la respuesta al eterno “¿Para qué?” de los escritores. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio El método griego

María Chatziemmanouil

Angélica Liddell: doble presencia en Atenas

A

pesar de la crisis que sigue golpeando a Grecia por sexto año consecutivo y de los grandes recortes en su presupuesto –y en el presupuesto público destinado a la Cultura en general– el Festival de Atenas-Epidauro (www.greekfestival.gr), sigue presentando al público un bouquet multicolor de espectáculos de Teatro y Danza, manteniéndose, bajo la dinámica dirección de Yiorgos Lukos (por noveno año consecutivo), fiel en sus principios fundamentales, que según las palabras de su director son: el arte de calidad para todos, la promoción de la creación artística griega contemporánea, la confianza en las propuestas de los artistas jóvenes y el diálogo abierto con el arte de otros países.

Este año, aparte de las 27 producciones griegas, la sección internacional del festival cuenta con la presencia de Isabela Rossellini (Green Porno-Live on stage), Fiona Shaw (La balada del viejo marinero), Emmnanuel Demarcy-Mota (Ionesco suite), Isabelle Huppert (Las confesiones falsas de Marivaux dirigida por Luc Bondy), La Opera Liyuan (El estudioso y la viuda) y la Compañía Atra Bilis de Angélica Liddell con su última obra de la Trilogía de China, Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy).

Es la primera vez que el Festival de Atenas invita a la prolífica artista española y a su compañía, pero Todo el cielo sobre la tierra no es la única obra de ella que se presentará este año en el festival griego. Una compañía griega (la Compañía Dot, en colaboración con el grupo Atonal) estrena otra obra suya más antigua, Y los peces salieron a combatir contra los hombres, dirigida por el joven director Cémelis Glynátsis. El estreno de la producción griega (13 y 14 de junio) precederá a la llegada de la compañía española (15-17 de junio), a través de este “oratorio antisocial” escrito en 2003, enfocado en el ahogamiento de los inmigrantes que cruzan el Mediterráneo desde el norte de África hasta la costa española. La revuelta de los peces que han devorado a los cadáveres de los inmigrantes ahogados, parece una parábola bíblica, pero no deja de ser al mismo tiempo un eco lejano de la Antígona de Sófocles; en Antígona, el vidente Tiresias, dice a Creonte, rey de Tebas, que las aves han devorado al cadáver de Polinices, el cual permanece insepulto por orden del mismo Creonte, y los dioses, enojados por la impiedad de los hombres, no aceptan el sacrificio de esas aves abominables que les ofrece el vidente (ἀνδροφθόρου βεβρῶτες αἵματος

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λίπος; Antígona, 1022). La obra de Liddell va más allá de la tragedia griega; las criaturas de la naturaleza (que en esa ocasión son los peces) se transforman en criaturas de pesadilla, en peces con ojos de hombres, y salen del mar para reclamar la vida que les han privado los políticos y la sociedad con sus leyes. “La defino como una obra antisocial porque hablo de la parte mezquina y vil de la sociedad. Ésta emplea toda su energía en reconocer al débil para aniquilarlo. También es una obra anti-política. Alguien dijo que las obras no pueden ser políticas, las obras deben hablar del sufrimiento que la política causa a los hombres”.

(Angélica Liddell. Diario El Mundo, magazine El Cultural online.

2.01.2004).

Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy), es la última obra escrita por Angélica Liddell y constituye su forma personal de entender la juventud, la vejez, la maternidad y el miedo al abandono. Partiendo del tiroteo sucedido el 22 de julio de 2011 en la isla noruega de Utoya, cuando Anders Breivick asesinó a 69 jóvenes que tenían entre 16 y 26 años, Liddell vincula la isla de Utoya con otra isla, Neverland –esta última de ficción–, donde la juventud también se veía interrumpida; la dramaturga se identifica con Wendy y su miedo de ser abandonada.

Un elemento interesante de este último montaje de Atra Bilis es la música, los maravillosos valses creados por el genial compositor surcoreano Cho Young Wuk, famoso por sus colaboraciones con el cineasta Park Chan-Wook (que ha dirigido, entre otras películas, Old Boy, Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes en 2004).

Angélica Liddell, una de las artistas imprescindibles del teatro europeo de vanguardia, a la que le gusta recordar que fue bautizada en la misma pila donde Salvador Dalí, cierra con Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy), la trilogía sobre China que comenzó en 2011 con Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’ alphabétisation y que continuó en 2013 con Ping Pang Qiu. A través de dos obras que se inscriben en dos etapas diferentes de su dramaturgia, al público del Festival de Atenas se le brindará, pues, la oportunidad de conocer a la artista galardonada con, entre otros premios, el Premio Nacional de Literatura Dramática (2012) y el León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia (2013), bajo su triple faceta de dramaturga, de directora y de actriz. ¡Ya era hora!

14 mayo junio Gente de Palabra: Héctor Urién

“Me divierte mucho cambiar de edades y espacios” Héctor Urién es cuentero porque no sabe mentir. Cree, por lo que le contaron, que nació en Madrid en diciembre de 1977 y desde bien pequeño compaginó su inquietud científica con un irrefrenable instinto para la divagación.

Llegado el caso, en 2006, tuvo que elegir entre dedicarse en cuerpo y alma a su doctorado en biología estructural o a la farándula. Héctor, que siempre fue muy sensato, eligió ganarse la vida contando cuentos. Y así hasta hoy.

¿Qué es contar para ti?

Conseguir que una historia te acompañe toda la vida, aunque tú cambies, aunque ella cambie.

Y esta es una diferencia notable con respecto al escritor, que escribe para deshacerse de la historia que lo abruma. Nosotros necesitamos reinventarla cada vez.

gún tipo de escuela, capaces de armar a partir de cualquier cosa una historia arrebatadora de principio a fin. Pero aún estos se forman y trabajan, indirectamente, contando una y otra vez.

Creo que el talento sin trabajo y sin entrenamiento raramente aflora. Así que, si hay que elegir: el narrador se hace.

¿Cuánto tiempo llevas contando profesionalmente?

La primera vez que me subí a un escenario con un cuento en las manos fue en 1997. En 2003 comencé a contar en solitario y en 2006 abandoné mi trabajo como científico para ser narrador de cuentos profesional.

¿Es posible formarse para contar? ¿Cómo debería ser esa formación?

Un narrador es un artista, y como tal, debe conocer las técnicas básicas de su disciplina y entrenarse cada día en ser veraz, honesto y fluido en su expresión; debe formarse cuestionándose continuamente y obligándose a sí mismo a abandonar los lugares confortables.

El cuentero, en concreto, debe entrenarse en expresar con finura a través de sus gestos y de su voz, debe buscar y perfeccionar las imágenes como el escritor busca los adjetivos.

Debe conseguir que la expresión poética o humorística o misteriosa le sea natural y no forzada. Debe ser capaz de armar una historia rápidamente, de ir unos segundos por delante su público y de su propia sensibilidad.

¿Cómo fué que comenzaste?

Estaba en Salamanca, en la Universidad, cuando me escapé de una clase y al pasar por la plaza mayor vi a Eugenia Manzanera.

Me quedé fascinado, como un niño más, y desde entonces me interesé por todo lo relacionado con la narración, hice un curso, me sumé a un grupo de narradores y me lancé a contar. ¿Un narrador nace o se hace?

Creo que somos una combinación de talento y trabajo. Hay narradores naturales sin nin72

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¿Para quién prefieres contar?

Me gusta alternar. Me divierte mucho variar de edades y espacios porque cada uno requiere una forma diferente de afrontarlo.

¿Qué tipo de historias prefieres contar?

El proyecto de contar las mil y una noches está siendo fascinante, y eso es todo material tradicional, aunque algunos cuentos parecieran sacados de la pluma de Dostoievski.

También me apoyo en algunos autores para algunos cuentos o “puentes” entre historias y,

cada vez más, en material propio. Creo que el narrador es un “traductor”, y no me parece importante que cuente su propio material, pero cada vez con más frecuencia descubro que muchas de las historias que encuentro tienen su alter ego en mi propia vida.

¿Cuál es la “cocina” de tus historias? ¿Cómo te preparas o preparas la historia para contarla?

Ahora mismo tengo dos tipos de historias. Los cuentos de las mil y una noches es un espectáculo semanal, eso hace que mi entrenamiento se dirija a encon-

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“si hay que elegir: el narrador se hace” trar rápidamente los resortes argumentales y expresivos en que se basa cada historia. Los cuentos que llamaría “de repertorio” son aquellos que he incorporado a lo largo de los años y que están siempre dispuestos para cualquier ambiente o lugar y conozco, aproximadamente, el efecto que provocan. Mi trabajo, en este sentido, consiste en mantenerlos en el mejor estado tratando de armonizarlos con cada momento de mi vida.

Contar ¿arte, tradición, terapia, instrumento pedagógico…?

Ante todo, arte.

¿Cuales son para tí las condiciones ideales para contar?

Disfruto de contar sin ver al público, tratando de sentirlo

¿Cómo ves este oficio de vivir del cuento en la actualidad?

Lo veo en proceso de cambio.

La narración profesional está

como colectivo y concentrándome mucho en las imágenes que genero. Me impresionaron las sensaciones que tuve en un teatro de Medellín cuando, sin ver apenas nada, sentía al público cada vez más cerca, como si fueran dos brazos invisibles que me sostenían. Fue muy impactante.

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inmersa en un replanteamiento de objetivos y viabilidad. Y se perciben iniciativas esperanzadoras con un planteamiento que se apoya más en el público que en la institución. También percibo ciclos que se mantienen contra viento y marea, y me parece impresionante que sus responsables sean aún capaces de defenderlos. Creo que ambas corrientes, la que aguanta y la que renueva, se alimentarán mutuamente y que de esta crisis emergerá un arte más potente y revitalizado.

de esta maravillosa ficción tal y como hacía Sheherezade: dejando cada cuento en suspenso y retomándolo en la sesión siguiente. Es este un proyecto de una profundidad infinita y que ha cumplido ya más de 50 sesiones, todas diferentes. El segundo es un trabajo de investigación teórico que relaciona la narración oral y la ciencia, desde un punto de vista bastante original. El tercero es el diseño del tercer festival Avila de Cuento, en fechas navideñas

¿Cómo gremio cuáles serían nuestras prioridades en tu opinión?

Recuperar al público adulto como nuestro y no de la institución. Definir el papel que puede desempeñar la narración oral profesional en la sociedad.

Seducir a las productoras teatrales. Observar, investigar y aprender cómo se trabaja en otros países.

Anécdotas de cuentero…

Cierta mañana, contando a niños de 2-3 años, estábamos todos inmersos en un cuento participativo donde había una estructura fija que se repetía y los niños iban proponiendo animales cada cual más grande que el anterior. Todo iba bien hasta llegar al elefante, donde las voces normalmente se acallan. Pues aquel día no.

Aquel día, al preguntar “¿hay acaso algún animal más grande que el elefante?” entre los murmullos se alzó la voz de un micurria que lo tenía clarísimo: ¡MI PAPA!

Proyectos en marcha...

Uno se refiere al espectáculo continuado sobre los cuentos de las mil y una noches que presento cada martes en una pequeña sala madrileña. Se trata de enlazar los cuentos

Virginia Imaz

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14 mayo junio Estantería Teoría Teatral La editorial Continta me tienes acaba de publicar dentro de su colección Escénicas ‘Manual de emergencia para prácticas escénicas’, un volumen coordinado por Óscar Cornago en el que una veintena de autores establecen un recorrido por las Artes Escénicas contemporáneas a partir de tres ejes: Juego, trabajo y economía. Ensayos, reflexiones, restos y huellas a partir de acontecimientos muy distintos entre si que han tenido lugar en forma de encuentros, obras, proyectos y relaciones conformando un abanico de puntos de vista diferentes que acercan al lector la realidad de las Artes Escénicas hoy. “La idea de comunidad y lo común, del público y lo público, ideas que no son solamente ideas sino formas de hacer: formas de hacer con los demás, de producir lo común, de ser y hacernos públicos, en una palabra, formas de gestionar y administrar lo inmaterial de las relaciones, economías de la escena”.

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Entre la extensa colección de textos teatrales publicados por la editorial mexicana Teatro de la Capilla se encuentra ‘La lista’ de Jennifer Tremblay.

La autora de Quebec presenta un monólogo de una mujer que siente horror ante todo aquello que no se siente capaz de controlar pero que como consecuencia de una mudanza deberá enfrentarse inevitablemente.

‘Nada del amor me produce envidia’ de Santiago Loza es uno de los once títulos que ha publicado desde 2012 hasta hoy la editorial argentina Libros Drama del autor y director Ariel Farace. Esta editorial tiene como objetivo publicar obras de la escena teatral independiente argentina con el fin de “refutar a aquellos que dicen que leer dramaturgia es engorroso”.

El Centro Dramático Nacional ha publicado ‘El viaje a ninguna parte’ de Fernando Ferán Gómez, cuya adaptación teatral ha realizado Ignacio del Moral para la producción que ha llevado a escena recientemente el propio CDN con el objeto de homenajear no sólo a su autor y al teatro, sino a una forma de vida asociada a él que a día de hoy ha desaparecido.

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Jaime Pujol es el autor de ‘Continuidad de los parques’ y ‘Tierra en los ojos’ dos obras publicas en un mismo volumen por la editorial Alupa. La primera esconde siete historias que transcurren en un parque público. La segunda, son nueve historias breves de terror que se desarrollan, todas ellas, en un cementerio.

Dos mujeres, una madre en torno a los 50 años y su hija de alrededor de 30 son las protagonistas de ‘Tanto nitrógeno no puede ser bueno’, obra escrita por Manuel Benito y publicada por el propio autor que fue llevada a escena por vez primera en la conocida sala El Montacargas de Madrid en junio de 2007.

De origen polaco, Ernest Toller fue uno de los autores más representativos del teatro expresionista alemán.

‘Los destructores de máquinas’ publicada recientemente por Alikornio ediciones es una de sus obras más conocidas y ambientada en las revueltas de los tejedores ingleses del siglo XIX, aborda la relación entre tecnología y trabajo.

Estantería Texto Teatral Dentro de la colección Textos Teatrales de la editorial Artezblai se encuentra ‘Trilogía de la memoria’ un volumen en el que se recogen las obras qu conforman esta trilogía escrita por Laila Ripoll en torno a la Guerra Civil española. En ‘Atra bilis (cuando estemos más tranquilas)’, ¡Los niños perdidos’ y Santa Perpetua’ la actriz, dramaturga y directora de escena representa en palabras de Eduardo Pérez-Rasilla, autor del prólogo de esta edición “la imagen de una España siniestra y oscura, heredera de la que mostraron acremente Goya, ValleInclán, Antonio Machado –a quién se rinde expreso homenaje en Santa Perpetua– o Lorca. Esa España intolerante, brutal, fanática y fratricida. Esa España obcecada y recalcitrante que ha lastrado la convivencia y la concordia, que ha obstaculizado el progreso. Que ha expulsado, reprimido y asesinado. Y que, de forma descorazonadora, parece seguir muy activa en la sociedad española”.

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Estantería Teoría Teatral

Con ‘El teatro en el cine’ Anxo Abuín compara desde distintos puntos de vista la presencia del teatro en el cine a lo largo de la historia.

La idea de esta publicación de la editorial Cátedra está en la pulsión que lleva al cine a ampararse en el teatro tal y como se comprueba en la multitud de films que abordan el mundo del teatro a partir del proceso de escenificación.

Teoría Teatral

En ‘Escenografía de la Danza en la edad de plata (19191936) su autora, Idoia Murga estudia la labor que los escenógrafos realizaron desde la llegada de los Ballets Rusos de Diaghilev al Estado español hasta el estallido de la Guerra Civil.

Esta investigación, publicada por el CSIC tiene una visión multidisciplinar en la que se incluye el ámbito escénico.

Teoría Teatral

José Romera Castillo es el editor de ‘Creadores jóvenes en el ámbito teatral (20+13=33)’ volumen de la editorial Verbum en el que se recogen las sesiones plenarias del XXIII Seminario Internacional del centro de Investigación de Semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías de la UNED celebrado en 2013 sobre la dramaturgia emergente.

Teoría Teatral Tras el sugerente título de ‘A mi pueblo no le gusta el teatro’ la editorial Artezblai ha publicado, dentro de su colección Teoría y Práctica una propuesta de Víctor García Ángel, “Otra forma de afrontar la gestión de los teatros municipales’ tal y como explica el propio subtítulo de esta edición. Publicado con el patrocinio de la Diputación de Huelva este trabajo está destinado a los responsables municipales y gestores de sus espacios escénicos proponiendo ideas y recursos prácticos destinados a hacer económicamente viables y socialmente rentables los objetivos culturales dentro de un teatro público. Su autor, Víctor García Ángel es desde 2007 Jefe del Departamento de Teatro de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. La presente edición se acompaña por un prólogo titulado ‘El teatro es un derecho de uso y disfrute de la ciudadanía’ a cargo de Pedro Àlvarez-Ossorio.

Kiosko Zirkolika

Con el titular “El circo amenazado” se presenta el número 39 de la Revista de las Artes Circenses ‘Zirkolika’ que en la editorial del mismo apela “contra las prohibiciones en los circos” por la posible prohibición de los circos con animales en Catalunya de la que se hace eco a través de varios artículos de opinión y la entrevista con Urs Pilz, presidente de la ECA.

Fiestacultura

‘Fiestacultura’, la revista especializada en teatro de calle y fiesta que edita Xarxa Teatre informa, entre otros en su número 58 del Festival Artístico Internacional Invasión de la Cultura Popular de Bogotá y de las experiencias de Payasos Sin Fronteras en el Líbano en las crónicas realizadas por Manuel V. Vilanova y Tortell Poltrona respectivamente.

RGT

El número 77 de la Revista Galega de Teatro ‘RGT’ publica el texto teatral ‘Bagos de uva no padal’ de Susana Hornos y Zaida Rico además de una entrevista con Marcos Abalde. El tema central del presente número, dentro del cual se incluyen artículos de opinión, ensayos y crónicas de diversos pensadores e investigadores es Teatro y Memoria Histórica.

Latin American Theatre Review La publicación trimestral ‘Latin American Theatre Review’ que edita el Center of Latin American Studies de la Universidad de Kansas recoge ensayos de investigación sobre el arte escénico principalmente latino de América así como artículos tanto del teatro universal como de eventos desarrollados en cualquier lugar del mundo. En el número 47 se presentan los ensayos de diversos investigadores tales como “Giro poético/político en la reconstrucción del sujeto en la escena de la post dictadura chilena: Ramón Grifero y Éxtasis o la senda de la santidad” de María de la Luz Hurtado de la Pontificia Universidad Católica de Chile; “Voz de la tierra que llama: o cuando el repertorio re-territorializa” de Jorge Luis Jangali Vargas de la Universidad Iberoamericana de México y “Teatro como acontecimiento en la América Latina de los años 50 y 60” de Magaly Muguercia de CONICET-Universidad de Buenos Aires entre otros. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 mayo junio dFERIA 2014 - Donostia

Ahora se abren todas las fronteras hacia el futuro

L

a programación de la edición de dFERIA del 2014 se basaba en el concepto de frontera como inspiración para dotarle de una idea madre sobre la que operar en la curadoría y en las actividades paralelas.

Nos tocó el privilegio de coordinar una mesa de debate sobre las que denominamos “aduanas invisibles” en las artes escénicas y allí se descubrió como todavía existen problemas por cuestión de sexo, color de piel, discapacidad o categoría social. Cuesta decirlo así, de manera cruda, pero las experiencias que nos contaron los especialistas nos dejan pensando en cómo es posible que en un ámbito tan aparentemente abierto como son las artes escénicas se pueda sentir todavía discriminación por ser mujer, o tener limitaciones por no ser indoeuropeo, es decir de piel blanca. Pero es así. Y especialmente doloroso es la exclusión social, o sea cultural, de las poblaciones más empobrecidas. Ni pueden ir, ni tienen acceso a una formación, salvo honrosas y magníficas excepciones.

Las artes escénicas no lo pueden curar todo, si acaso aliviar, pero parece innegable que lograr crear una compañía de teatro con personas con diversas discapacidades físicas o mentales es una labor encomiable.

O conseguir que unos jóvenes inmigrantes magrebíes con todos sus problemas de integración se dediquen durante meses a ensayar una obra de teatro del acerbo cultural clásico árabe es algo que merece todo el reconocimiento. Y así tantas otras experiencias que están abriendo fronteras para tantas personas excluidas del disfrute de hacer y/o ver teatro.

Nosotros vimos teatro, danza. Y mucho, Y bueno. Y debemos dejar constancia de ello a vuela pluma, de manera telegráfica.

Por orden de aparición. Nos interesó la propuesta de Casa de Muñecas de Henrik

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tora, Mireia Gabilondo se convierte en una joya teatral, en uno de esos remansos escénicos en donde el tiempo se sujeta en las emociones, en los detalles más inspirados.

Muy buena también la adaptación de Iñaki Rikarte, a su vez director y Tomás Fernández, actor, del cuento tradicional de Perrault, Pulgarcito, que ofreció en doble versión Teatro Paraíso y que en esta ocasión está contada desde la voz de un padre anciano que va perdiendo la memoria, haciendo de la metáfora central un manifiesto de solidaridad y un excelente Zazpi Aldiz Elur (Mikel Labor elurretan) de Tanttaka Teatroa espectáculo para niños y niñas lleno de imágenes y ejemplos de Ibsen, en la producción de CulturArts de la comportamiento..

Generalitat valenciana, una adaptación de Nos interesó la capacidad de crear munJerónimo Cornelles y Ximo Flores, también dos poéticos a partir de una casi anécdota director de la puesta en escena que acerpresencial del uruguayo Ivan Solarich con El Vuelo, un unipersonal con músico muy can el drama a nuestros días, y que tiene sugerente en cuanto tiene de acto metateaen la versatilidad de Rebeca Valls una Nora tral de contenido político. creíble y próxima y un soporte imprescindiVolvimos a ver, en otra ubicación, en otro ble para el desarrollo de este montaje. contexto la obra mexicana Béisbol de David Consideramos que el trabajo de adaptaGaitán que también la dirige a cargo de la ción, fusión, puesta en escena que realiza Compañía Titular de la Universidad VeraFrancisco Negro con los diversos textos de cruzana y de verdad volvió a parecernos un Francisco de Quevedo que dan forma a La escuela de los vicios que presentó Morfeo espectáculo mayúsculo por su capacidad Teatro, se instala en lo excelente debido de sorpresa en el juego planteado y por a su adecuación a los tiempos actuales, a dejar clara la valentía personal de todos los lograr un comprensión nítida por parte de miembros de esta institución para afrontar todo tipo de espectador de unos mensajes una situación tan paradójica y con un masobre los medradores y corruptos en el terial tan propio, íntimo y autocrítico que es ámbito de la administración o la política que digna del mayor aplauso porque es teatralbien perece un texto escrito hoy, reflejando mente muy atractivo, demostrando el alto situaciones bien reconocibles de nuestra nivel interpretativo de toda la compañía. vida común más de actualidad. Se trata de Un juego maravilloso, una unión perfecta una magnífica aproximación a los clásicos. entre texto, objetos, narración y espacio esTanttaka Teatroa presentó esa delicada piecénico en Petit Pierre un texto de Suzanne za, homenaje, recuerdo, abrazo a la memoria Lebeau que conmociona y que ha puesto en de Mikel Laboa titulada Zazpi Aldiz Elur (Mikel pie de Bambalina Teatre Practicable, con una Labor elurretan) que partiendo de textos de actuación memorable de Adriana Ozores.

Bernardo Atxaga, la conjunción plástica, muCarlos Gil Zamora sical e interpretativa de la mano de su direc-

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XIII Festival Alternativo das Artes Escénicas - Vigo

Cuando el arte provoca vértigo

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l Festival ALT de Vigo mantiene un rigor programático que ayuda a la convivencia con las nuevas formas escénicas de tal manera que uno se siente atravesando un espacio sideral a una velocidad de vértigo. Desde una conferencia danzada, hasta una actuación de un género incalificable, todo en un ordenamiento de las sensaciones para que tenga cabida desde lo más frágil por experimental a lo más sólido por investigación sostenida en el tiempo a base de logros dramatúrgicos y elaboración de un lenguaje propio.

Repasemos de memoria las propuestas presenciadas: Aimar Pérez Galí nos ofrece una curiosa charla, conferencia sobre el propio sentido de la danza, del cuerpo, del bailarín, de sus pensamientos en el proceso creativo. Una creación total, con su voz grabada y su cuerpo subrayando lo escrito. Una experiencia.

Diego Anido nos lleva a otra experiencia más mediatizada por los elementos, con Symon Pedigri para narrarnos una historia tan inverosímil como chocante que nos co-

colocado por delante de toda acción, el principio y el fin de la propuesta de una estética muy bizarra.

Nos interesó mucho la capacidad de revertir una situación de Lander Patrick y su Cascas d’ovo, que mantienen en vilo al espectador con un juego físico hasta que todo el escenario se convierte en una plaza pública atravesada por decenas de personajes cotidianos reales.

Staying Alive, la última creación de Matarile, se coloca en ese territorio de la libertad creadora, de la expresión artística sublimada, en donde la excelencia convive con la ruptura voluntaria de cualquier encanto que no sea la fascinación de texto, movimiento, luz o sonido.

Staying Alice de Matarile ©Ruben Vilanova El cuerpo de Sabinne Molenaar es un cúmulo de posibilidades de camloca ante el vacío existencial. biar la idea de las leyes de la naturaleza.

El Peso del Alma, un espectáculo híbrido En That’s it, logra confundir la perspectiva entre danza contemporánea, circo y hip-. del espectador y crea un mundo fantástico hop, muy dinámico, sin adentrarse en subsimplemente con las contorsiones de su jetividades conceptuales. Al igual que Félix propio cuerpo.

Fernández que estrenó una performance Yo vivo de mi cuerpo, en donde es el yo Carlos Gil Zamora

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14 mayo junio XXXI Jornadas de Teatro del Siglo de Oro - Almería

Los clásicos se reencuentran con la Universidad de Almería

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as Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería han retomado en este 2014 su carácter de encuentro docente, con la presencia de diversos profesores e investigadores en la materia que trufaron esta cita de rango universitario y de erudición para conocer algo más sobre los autores del los siglos dieciséis y diecisiete como de las circunstancias sociales, políticas y económicas en las que en aquellos tiempos se desarrollaba la vida teatral.

Esta vuelta a una de las actividades primigenias de estas Jornadas, completa la programación de espectáculos para los ciudadanos de diversas ciudades almerienses que se han incorporado de manera activa colaborando en la exhibición y el patrocinio para que no solamente subsistan, sino que avancen, diversifiquen los públicos y se mantenga en una categoría relevante el contexto de festivales especializados en el teatro clásico.

Este año La Jornadas rindieron homenaje al recientemente fallecido Miguel Narros, y se pudo ver la última obra dirigida por él, La dama duende de Calderón de la Barca, un trabajo dentro de las constantes del gran maestro Narros. En el acto de homenaje intervino Andrés Peláez en la presentación laudatoria y tanto Celestino Aranda, su productor de muchos años como Pedro Víllora el adaptador de esta obra que, además, dio una conferencia sobre los retos de la adaptación de los clásicos.

La Compañía Teatro Clásico de Sevilla ofreció una muy bien trabada versión de La Estrella de Sevilla de Lope de Vega, realizada por 78

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El Coloquio de los perros ©Lessy

La dama duende

La Estrella de Sevilla de La Compañía Teatro Clásico de Sevilla

Alfonso Zurro quien también dirige la puesta en escena que nos gustó por la utilización espacial, el uso de los elementos como pautas significantes de todas las acciones y la coralidad que le dotaba de un punto de vista bastante sugerente.

Decepción absoluta la causada por la versión que firman Albert Boadella, Martina Cabanas y Ramon Fontserè del cervantino El Coloquio de los perros, en una coproducción presentada por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Els Joglars, con dirección del propio Ramon Fontserè en donde el intento de hacerlo popular no logra otra cosa que vulgarizarlo, perderse en marasmos tópicos y privarnos de esa sabiduría que impregnó Cervantes a sus ‘Cipión’ y ‘Berganza’, dos perros magníficos.

Hubo muchas más representaciones en diferentes localidades almerienses a lo largo del mes que tuvieron de duración las Jornadas, lo mismo que varias actividades formativas prácticas, como el taller ‘Domesticando a los clásicos’ impartido por Alberto Iglesias, o la participativa clase magistral, sobre las máscaras de la Comedia Dell’Árte a cargo de Pablo Roregiani miembro de la compañía Teatro di Commedia. Así como varias exposiciones entre las que destaca ‘Picasso y Dalí en el teatro’ a cargo del Museo Nacional del Teatro, el ya tradicional Pasacalles barroco que realiza cada año La Duda Teatro y un ciclo de cine basado en textos del Siglo de Oro.

Carlos Gil Zamora

14 mayo junio XIV Festival Internacional de las Artes de Costa Rica

Una torrentera de actividad cultural inunda San José

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odrá medirse la intensidad de un festival por miles de parámetros, pero el recién terminado FIA de Costa Rica, está volcado sobre la población de su capital que responde de manera contundente en los espacios abiertos, las actividades más lúdicas y participativas y también llenando las salas de teatro, lo que viene a darnos una idea de su acierto en cuanto a concitar la atención de amplias masas populares de la población, como se demuestra en el parque de La Sabana con un fluir incesante de espectadores de todas las edades, durante todas las horas, pero también de unos públicos ávidos de asistir a los espectáculos teatrales de las más diversas formas y excelencias en sus lenguajes y con algo importante, públicos jóvenes, maduros, de todas las edades. Un detalle muy importante.

Son las impresiones de un visitante primerizo que descubrió una realidad teatral no solamente por las actuaciones, las exposiciones y las actividades abiertas a toda la ciudadanía, sino que participó en una mesa sobre la crítica teatral, en donde se plasmó las ganas de una parte de las fuerzas vivas del hacer teatral y la docencia, por crecer de manera ordenada en sus diferentes estamentos, y que reclaman como una manera de contrastar ese mismo avance, la necesidad de una crítica especializada. Un asunto complejo de resolver, pero que nos abrió los ojos ante la percepción de unos profesionales de las artes escénicas, unos docentes, estudiantes y gestores que consideraban importante la crítica como elemento que ayude a la consolidación de procesos.

Algo parecido se desprendía en la presentación de revistas teatrales, las que la universidad o los diferentes estamentos realizan, las privadas, sus ganas de ampliar

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hurgando en la memoria hasta regurgitarla y traerla a escena en formas corrosivas, delirantes, siempre inquietantes y tan cargadas de pertenencia, de personalidad. Una textura escénica en donde la palabra, el gesto, la manera de interpretar, vestuario, espacio, luces forman un todo único, indivisible, característico e identificador.

Presenciamos un bello trabajo de La Baldufa, magia escénica con diversos lenguajes para todos los públicos a partir de un cuento aleccionador de Oscar Wilde muy bien narrado. Podemos certificar la magnífica impresión causada por Kulunka y su exitoso y clásico contemporáneo André y Dorine, provocando emociones desbordadas en el público. Damos cuenta del paso de Ganso y Cía y su Babia; de las genAndré y Dorine de Kulunka tes de Zanguango y su celebrado Aquí va a pasar algo; de Titzina y su última producción Distancia, siete minutos, .

No hemos tenido oportunidad de ver mucho teatro costarricense. Una curiosidad, fuimos a ver un espectáculo presentado por el Colectivo Escénico Brecha, que cumple 25 años de existencia, titulado Papá era comunista, y nos encontramos con una obra del catalán David Desola que acabábamos de ver hace unos pocos meses en Santurtzi, pero con otro título.

Y estuvimos en el estreno oficial de Astokillo de Panta Rhei, teatro de calle, popular, en este caso presentado de ©Pablo Cambronero manera frontal, con estética circense.

Era un estreno, se le nota que se están ajustando diversas soluciones escénicas. capacidades y difusión y sus ansias por Este FIA acabó justo cuando se cambia confrontarse con otras experiencias, y ahí el gobierno de Costa Rica. El próximo lo entramos Jaime Chabaud, de la mexicana encabezará otro equipo ministerial. Quien Paso de Gato y un servidor con este ARTEZ, venga tiene mucho camino hecho. Lo misdos vidas paralelas que fuimos acogidos de mo que las estructuras institucionales para manera muy generosa por los presentes. consolidarse.

Nuestra ruta festivalera fue fragmentaria, reencontrándonos con La Zaranda y su peCarlos Gil Zamora núltimo espectáculo, Nadie lo quiere creer