Artez198 by montaje

14 julio agosto Carlos Gil Zamora

Como siempre desde hace poco, no es el momento de hablar del futuro

stamos acumulando tics, gestualidades impostadas, convicciones delimitadas en la ausencia de pensamiento crítico, actitudes que van del oportunismo a la desidia con escala siempre en el por si acaso, que nos llevan a ir aplazando lo importante para ir resolviendo o enquistando, lo urgente. No se busca una solución, ni siquiera un placebo, pero el desarraigo y descontextualización de la cultura puede convertirse en un final de trayecto. No es necesario inmolarse, ni ponerse al frente de ninguna manifestación, simplemente atendiendo a la realidad de nuestras Artes Escénicas, en todos los territorios del Estado español, debemos convenir que este pasotismo nos lleva a la más grandiosa inoperancia. Pueden ser sensaciones de quienes vivimos al margen de las cuestiones oficiales y oficialistas, pero a nuestro entender no avanzamos ni un milímetro, y si se mira todo desde la atalaya de la experiencia, estamos peor que hace unos meses. Y sin atisbos de solución. Es más, los signos evidentes de descomposición en el INAEM debería poner en alerta a todos los palmeros e incrustados en sus rendijas, porque parece ser que no tiene mucho más recorrido. Por suerte hay más actividad que la que genera, protege, promociona, avala el INAEM. Pero no deja de ser un síntoma muy preocupante lo que está sucediendo con sus unidades de producción, la suspensión de giras, el malestar entre sus trabajadores que no nos anuncian nada bueno. Estos problemas internos inciden en la ya de por sí escasa energía puesta hacia el exterior, por lo que entre las muchas cosas que son necesarias plantearse, ahora que curiosamente desde el conservadurismo más monárquico se ha puesto de

moda hablar de reformas, la revisión de todo nuestro complicado sistema de reglamentos, instituciones, consejerías y ayuntamientos relacionados con la formación, difusión, producción y exhibición de las Artes Escénicas. Lo venimos reclamando tantas veces que esta obviedad empieza a convertirse en una retórica. Decimos que existe actividad fuera del amparo del INAEM, pero nuestro sistema productivo hace aguas porque todo estaba basado en una concepción de circuito cerrado en donde la circulación de las obras y espectáculos era por decisión graciosa de cada responsable de los centros de exhibición. ©Yannis Kalavrianos Y todos esos teatros públicos, enredados, eran los que generaban un alto porcentaje de la actividad fuera de las capitales con mayor capacidad demográfica, y en donde tenían cabida las producciones de medio formato de compañías no institucionales. Roto este circuito, roto el equilibrio, estamos todos con el culo al aire. No es posible cambiar de un sistema protegido, es decir de pago de un cachet, a uno basado solamente en los ingresos por taquilla. Esto es una conclusión simple, pero llevamos demasiados meses, quizás años, en los que se habla de ello, y no se toman soluciones. ¿Ha sido Platea una solución o un parche? Esta situación que se va haciendo normal, es decir que costará cambiar debido a la política de hechos consumados, está provocando efectos que consideramos perniciosos. Por un lado una tendencia a la banalidad, a espectáculos que no compliquen la vida a los pocos programadores que pueden abrir sus salas, y no solamente en los productores de siempre, con sus televisivos en el cartel, sino que muchos otros pequeños productores periféricos, compañías

julio agosto

Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

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Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado El lado oscuro – Jaume Colomer El método griego – María Chatziemmanoui Las lejanías – Carlos Be

Festivales 10 - 11 XV Bilboko Kalealdia 12 - 13 Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio 14 - 15 XX Encuentro Int. de Artistas Callejeros de Aguilar de Campoo 16 - 17 60 Festival Int. de Teatro Clásico de Mérida 18 - 19 XXX Festival de Teatro Clásico de Alcántara 20 - 21 XXX Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla 22 IX Fest. de Teatro Clásico en la Villa del Caballero 24 15 Festival de Teatro Clásico de Olite 26 - 27 XXIX Festival Int. de Teatro Hispano de Miami 28 - 29 XV Festival Int. de Teatro Cena Contemporânea de Brasilia 31 XIV Festival Int. de Teatro Amateur de Girona 32 - 33 XVII Feria de Teatro de Castilla y León 52 XIII Certamen Internacional de Coreografía Burgos - New York 54 XXX Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia 55 - 56 Miscelánea de festivales

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Suplemento

índice

con una trayectoria más cuidada, han debido buscar en el baúl de los recuerdos un repertorio mucho más asequible a estos tiempos confusos. Ello, en el mejor de los casos, conlleva programaciones que atienden a un segmento de la ciudadanía. Si se va a los teatros, tanto en Madrid como en otras capitales, se comprueba que la mayoría de los espectadores son de una edad que rebasa los cuarenta. Aseguran los que entienden del asunto que se trata del segmento que tiene poder adquisitivo para pagar las entradas, y hasta costumbre y hábito de consumo cultural, que es lo más importante. Pero esto es un síntoma más del estancamiento, de la inmediatez, de la falta de perspectivas. Los jóvenes no se siente concernidos por esas programaciones, por ese tipo de teatro, salvo excepciones coyunturales con un buen soporte publicitario detrás o un fenómeno social o mediático espontáneo. ¿Puede ser el teatro clásico el lugar común donde coincidan todas las generaciones? Podría ser, y en estos meses veraniegos, es lo que se ofrece de manera más constante. Los grandes festivales de teatro estacionales, Mérida, Almagro, Olmedo, Olite, Castillo de Niebla, entre otros, crean un sistema productivo propio, generan bienes culturales en lugares con patrimonio monumental, en muchas ocasiones fuera de los circuitos habituales y ofrecen posibilidades de disfrutar de las artes escénicas a amplios segmentos sociales. Es algo a considerar seriamente, primero para aprender de sus resortes y fundamentos y después para ver su evolución, la implicación de las instituciones para que sirva de modelo no solamente en verano. No todo es teatro clásico, obviamente, existen programaciones con opciones más contemporáneas, festivales que se celebran en esta época que recogen un espíritu especial y que se hacen con la colaboración presupuestaria casi total de las instituciones. Probablemente en muchas ocasiones añadiendo el festival como una parte de la oferta turística. Un mal menor. Estas acciones se entienden que son buenas para el pueblo, la villa, la ciudad o la comarca, ¿por qué no se extiende esta idea de importancia en planes más ambiciosos durante todo el año? Admitimos que el verano, las vacaciones, la movilidad, es temporada propicia para programaciones al aire libre, populares, que se cruzan en ocasiones con las fiestas patronales y una tendencia al teatro menos exigente culturalmente, para niños y niñas, en plazas y calles, con propuestas de entretenimiento demasiado básico o con comedietas de risas sin retorno. Sea todo bienvenido, bien disfrutado, pero reclamemos que se haga dentro de un proyecto más amplio, que no sea todo tan efímero, tan casual, tan desmadejado y sin mucho criterios más allá de lo cuantificable. Debería ser una exigencia jerárquica, pero en estos meses se mueven, como todo el año, muchos planos de la realidad contractual. Hay empresas que ofertan las totalidad de las fiestas y meten, lo más barato, sin escrúpulos. En otros lugares se rellena, literalmente, una plantilla de Excel. A cada cual según sus posibilidades. Pero que alguien marque bien el terreno de juego. Y con reglamento cultural, común.

Opinión

35 - 50 Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier

En gira 58 - 63 Programaciones varias

Zona abierta 78 - 79 Escaparate 80 - 81 Crónica de la temporada teatral neoyorkina de primavera

14 julio agosto María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

TNC, fin de temporada con Flotats y Pitarra

avier Albertí se ha tomado muy en serio lo que tiene que ser un Teatro Nacional, ha llenado la Sala Tallers –donde también se hacen espectáculos– de actividades culturales en torno a la programación de la temporada. Ha reivindicado el teatro catalán con estrenos importantes como “Ocells i llops” de Sagarra y en la Sala Tallers ha mostrado obras de Pitarra, un autor catalán olvidado y erróneamente menospreciado por su uso y abuso de lo popular. Y, como acto reivindicativo de muchas conciencias inquietas, ha conseguido que se restituya a Flotats en el lugar del que nunca tenía que haber salido del modo que las instituciones catalanas impusieron. Josep Maria Flotats (1939) tiene ya la categoría de mito. Tras años de formación en Francia, desde 1959, con una carrera fulgurante, en 1981 ingresó en La Comédie Française. Lo último que interpretó –y que tuve la suerte de poder ver– fue “La seconJosep Maria Flotats de surprise de l’amour” de Marivaux. Luego, en 1983 vino al Liceo de Barcelona con el “Don Juan” de Molière. Allí empezó una relación político teatral con la Generalitat. En 1984 se hacía cargo de la dirección del Teatro Poliorama donde pudimos ver fantásticos espectáculos, entre ellos su “Cyrano”. En 1997 sería nombrado primer director del futuro TNC… Empezó entonces una extraña historia que concluye con el Conseller de Cultura de la Generalitat, Pujols, obligándole a dimitir unas horas antes del primer gran estreno del TNC: “La gavina”, protagonizada por Flotats y Nuria Espert. Desde entonces Flotats, en teatros privados nos ha mostrado grandes espectáculos. Pero cuando Xavier Albertí llegó a la dirección del TNC decidió que Flotats volviera al TNC y, tras acordar una reparación política y pública con un acto, presidido por Artur Mas, le propuso que dirigiera un espectáculo esta temporada. Y eligió Marivaux, su último autor en la Comédie: “Les jeux de l’amour et de l’hasard”, según dijo es un ejercicio de estilo que intenta conectar con la tradición. Una obra en la que amos y criados intercambian sus papeles podría ser un tema transgresor sobre la libertad del amor de no estar tan condicionado por su marco del 1730 francés en que la escribió su autor. Y, por un resultado final en que todo vuelve a sus cauces.

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Flotats, sabiamente, ha marcado el estilo social de los personajes con independencia de su cambio de papeles pero Marivaux no es el autor más adecuado para atraer al público de Barcelona, aunque los aplausos del público de pie el día del estreno fueron memorables. El gran monográfico de la temporada ha sido Pitarra. Xavier Albertí ha tenido la idea de darlo a conocer, ha organizado alguna puesta en escena, conferencias y otros actos y lecturas dramatizadas. En la Sala Tallers del TNC vi un divertidísimo y muy profesional espectáculo: “Liceistas y cruzados”, la controversia entre partidarios del Liceo recién inaugurado y los del Teatro del Hospital de la Santa Creu y de Sant Pau, los antiguos y los modernos. El espectáculo es sencillo, claro, de gran perfección y fuerza, hilarante también en su estilo. Es una puesta en escena muy moderna en su forma y desarrollo, alejada Xavier Albertí de tópicos convencionales, clara en sus planteamientos escénicos. Y además, en un verso bien marcado, dicho con sorprendente naturalidad. Lo dirigió admirablemente Albert Prat… Es un enfrentamiento entre la tradición de los cruzados, los del teatro de siempre, los del Hospital de la Santa Creu y los nuevos liceístas, los del Liceo recién construido, los nuevos burgueses, fabricantes de poco prestigio… Es la Barcelona que está cambiando, una ciudad que empieza a amar la ópera. Y yo me digo ¿por qué no vemos más Pitarra? Todo comenzó con la conferencia del propio Xavier Albertí, “Fills de wifredo el pelut (això vol dir catalans)”. Frederic Soler “Pitarra” desmitifica el catalán y lo lleva a los escenarios, hablado como solía hablarse en la calle, en los ambientes populares. “Sin Pitarra el catalán sería una lengua alejada de la praxis” dijo Xavier Albertí el día en que presentó esta temporada que casi acaba ya. No, no ha sido una mala idea dedicar atención a Pitarra. No cabe duda que el teatro de Pitarra contribuyó grandemente a la estabilización de la lengua catalana y también al resurgir del teatro y a su normalización en medio de la popularidad. El inicio de Xavier Albertí como director del TNC, ha sido coherente. Es mucho.

julio agosto

Desde la caverna

David Ladra

El teatro en mi barrio

ste es mi barrio. Aquí nací. En la calle del Fúcar, en una casa de corrala que fue propiedad de Lope de Vega y que hoy ocupan unas instalaciones de Telefónica. Como hacen los grandes paquidermos al final de su vida, al cabo de los años volví aquí y me instalé en un edificio de apartamentos de la calle Cervantes, un poco más abajo, yendo hacia el Prado, de la que es hoy casa-museo del monstruo de las letras más arriba citado (¡qué gran revancha la de don Miguel, ganarle por la mano el nombre de la calle a su rival, al que viera pasar triunfante tantas veces desde el balcón de su modesto piso en la antigua calle de los Francos –hoy homónima suya– haciendo esquina con la del León!). Jueves, 12 de junio, por la tarde. Cae plomo fundido sobre la capital. El cielo está cubierto y se barrunta una de esas tormentas que luego no acaban de cuajar. Como estoy firmemente decidido a no abandonarme a la molicie que brinda el aire acondicionado, me lanzo sobre la Guía del Ocio a ver qué ponen por el barrio. Claro que podría pasarme por la Corsetería de Sanchis Sinisterra en Tirso de Molina, detrás del Nuevo Apolo, pero hoy no estoy para un taller por muy interesante que sea. Veo programada en La Puerta Estrecha una obra de Eva Redondo, Se vende. Siendo de Eva, una espléndida actriz y dramaturga, seguro que está bien, pero no la dan hasta el sábado ¡manque de pot! También Las plantas de Pablo Messiez, que la ponen en doctor Fourquet, no es más que sábados y domingos. Y la cartelera del Teatro del Arte puede conmigo. Se me cruzan los horarios con las fechas y los ojos me hacen chiribitas. Hasta que encuentro al fin algo que me apetece y que además está en la calle Huertas, justo aquí al lado, tomando San Agustín a la izquierda y bajando la cuesta de las Trinitarias. Allí se encuentra La pensión de las pulgas, el segundo espacio de teatro doméstico pergeñado por José Martret tras La casa de la portera. Y hoy se reestrena en él Mbig (Mc Beth International Group) tras el éxito que obtuvo en su presentación. Claro que a estas horas el aforo (35 personas) echa un poquito para atrás. Llamo al teléfono indicado pero nadie responde. Sin pensarlo dos veces, me echo a la calle y paso por allí: es como andar por Marte sin escafandra. Esta vez tengo suerte, un chico que hay a la puerta me pone en contacto con taquilla y consigo una entrada para las ocho y media. Hasta entonces, vuelvo a la base a todo correr. Al salir de la función me pregunto que tendrá Macbeth para estar tan de moda. Tanto el Mc Beth de Martret como el Mácbez de Cavestany en el CDN adaptan el drama a nuestro tiempo, haciendo la primera hincapié en la rapiña neoliberal a la que nos somete el capitalismo “avanzado” y la segunda en las instituciones y personalidades políticas que facilitan este expolio (en Mácbez, la acción ya no sucede en la brumosa Escocia del rey Duncan y sus facinerosos cortesanos sino en la no menos anublada comunidad gallega regida por sus caciques y la Xunta). Y es que el personaje de Macbeth es hoy un paradigma de la ambición, codicia y falta de escrúpulos de ese conjunto de psicópatas que domina el mundo financiero (una tesis que se enuncia sin mayor subterfugio en el Boomerang de Blanca Doménech que acaba de ponerse en el María Guerrero). En cualquier caso, no es su carga reivindicativa –un tanto fallida en ambos montajes– la que les confiere interés sino el hecho de ser, teatralmente, dos versiones

de Macbeth atractivas. La primera, dirigida por Andrés Lima y con una espléndida escenografía de Beatriz San Juan, destaca por la excelente interpretación de todo el elenco, que encabezan Carmen Machi y Javier Gutiérrez. Y la segunda, por la singularidad de su puesta en escena en una casa familiar del XIX que con su enrevesado entramado de estancias, pasillos, puertas y rincones bien podría albergar un drama de Galdós. Convenientemente guiados, los espectadores van pasando de recinto en recinto sentándose en las sillas que hay alrededor. Y los actores interpretan en el centro del corro que forma el respetable y poco menos que encima de él. Con esta disposición escénica, no hay “cuarta pared” ni “espejo reflectante” que resista. Cada miembro del público se ve reflejado no en las tablas sino en el espectador que tiene enfrente. Y puede comprobar sus reacciones al ser éste arrollado por los propios intérpretes cuando, de vuelta al castillo de Inverness tras las profecías de las brujas, un exultante Macbeth copula con su esposa con la lubricidad y el realismo que tal acto demanda. Lástima que la proximidad con el público solamente se explote en tan comprometido momento y no en el resto de la función, cuya impronta interpretativa está más cerca de la vehemencia romántica que de la posible performance que la prieta distribución de la audiencia alrededor de los actores pudiera sugerir. Francisco Boira y Rocío Muñoz-Cobo le echan arrestos a sus respectivos roles protagonistas e Inma Cuevas, además de encaminar nuestros pasos por los distintos aposentos, está sensacional en su papel de pedagoga de escuela de negocios en las breves piezas didácticas que fraccionan la acción. Y al día siguiente, viernes y trece, ídem de lienzo. El objetivo hoy es el Teatro del Barrio, la cooperativa que lidera Alberto San Juan y se ha instalado hace unos meses en el local de la antigua sala Triángulo. Llamo para reservar por teléfono y me explican que tengo que hacerlo en una dirección de Internet. Como no llevo un ordenador siempre encima y mi móvil es antediluviano, pregunto si hay entradas. Me dicen que no saben ¡me cago en…! Así que aquí me ven bajando por la inclinada cuesta de la calle Zurita mientras pienso cómo voy a subirla si no encuentro localidad. Pero sí que la hay y así puedo acceder al salón de la entrada oportunamente engalanado con una gran bandera republicana. En cartel Ruz-Bárcenas de Jordi Casanovas, dirigida por Alberto San Juan. “Teatro documental” dice el programa, y efectivamente lo es y del mejor, del que no viene contaminado por una trama superpuesta que lo dramatice innecesariamente y le reste valor testimonial. Tras su mesa de despacho, el juez Ruz (Manolo Solo) toma declaración a quien fuera tesorero y senador del PP, Luis Bárcenas (Pedro Casablanc), sentado frente a él con un micrófono de por medio. Unas escuetas proyecciones ponen al espectador en antecedentes. Al cabo de los cincuenta minutos que dura la función, el público sabe más del caso Gürtel que todos sus protagonistas. Sencillo, efectivo y verbatim como las tribunal plays que el periodista Richard Norton-Taylor y el director Nicolas Kent montaron hace un tiempo en el Tricycle de Londres sobre las causas públicas (public inquiries) que se llevan a cabo en el Reino Unido. Indispensable. Éste es el teatro que se hace en mi barrio. De acceso a veces un pelín tortuoso pero con los ojos bien abiertos y los pies plantados en el suelo. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 julio agosto XV Bilboko Kalealdia

Experiencias escénicas irrepetibles

n año más Bilbao hace un hueco a las artes de calle transformando el casco viejo y diferentes rincones de la villa en un escaparate teatral gracias a una nueva edición de Kalealdia que tendrá lugar del 1 al 5 de julio. Multitud de compañías profesionales provenientes de diversos países conforman la programación, cada año más intensa y variada tanto en estilos como en disciplinas, aportando así una mayor calidad y presencia del sector en esta cita que contará con agrupaciones artísticas procedentes de Francia, Euskadi y el resto del Estado en su mayoría, aunque no solamente, ya que países como Italia, Holanda o Japón también se han sumado a esta edición que ofrecerá un total de 59 funciones en los escenarios habituales situados en torno al Arenal, la Plaza Nueva, el Arriaga y el Palacio de la Diputación, tal y como viene siendo habitual. Poco a poco es cada vez más notable el compromiso y la labor que está realizando el festival en una apuesta clara por impulsar el circo contemporáneo y por eso a lo largo de este encuentro cabe destacar el peso específico de algunos espectáculos de esta índole que se caracterizan por su virtuosidad y excelente manejo de las técnicas circenses en su conjunto bien de la mano de artistas consagrados o emergentes. La Mini Compagnie vuelve a Bilbao esta

La Salamandre

vez con su delicada pieza Envirez-vous, destacada por la frescura y agilidad de sus jóvenes componentes en escena, Baptiste Abraham, Bernard Bonnet, Lise Cluzaud y Julien Vieillard proponen un poema acróbata y musical muy especial. Por su parte la formación galo portuguesa O Ultimo Momento presentará Ce qui reste, un trabajo que combina danza, música y vídeo a cargo de Joao Paulo Dos Santos y Guillaume Amaro que además de dar un significativo protagonismo al mástil chino como suelen hacer en todos sus espectáculos, han querido ir más allá y contarnos la historia de un hombre sin memoria, estancado en un momento en constante cambio y vacío de sentido con esta propuesta multidisciplinar contemporánea. Idéaux Beurre Noi –Le Ring da nombre a la pieza de la Cie 100 Issues, un combate de circo, danza, y beat box donde la cuerda y el acero serán los principales protagonistas. Mencionar también el taller whorksop

Nuevas oportunidades

experimental de 220 Vols Et toi c´est quoi ton genere que invita al público a visionar el resultado de un trabajo colectivo de circo en el que se abordarán temas como el género y la identidad, el disgusto y el fantasma de la diferencia o la norma y la libertad, un arriesgado espectáculo que parece interesante. Por último, no podemos olvidarnos del artista catalán Manolo Alcántara. Recientemente premiado en la Umore Azoka de Leioa, estará presente con dos de sus piezas, la galardonada Rudo, una delicada e íntima creación dotada de una escenografía elaborada con pesadas cajas de madera, con las que construye y destruye torres y figuras en precario equilibrio, en la que Alcántara aparecerá acompañado por dos instrumentistas actrices en directo con las que consigue dejar al público todavía más impresionado. Alcántara también pondrá en escena la pieza corta Paquita de plecs en la que muestra el empleo de la báscula con un juego de baile y equilibrio a cada paso. Citas ineludibles

Otra de las características de esta cita es la posibilidad de vislumbrar en espacios al aire libre propuestas más arriesgadas y de gran formato nada usuales durante el resto del año. Por eso son cuatro trabajos los que llaman particularmente la

Con un amplio recorrido profesional en el mundo del circo pero con vistas al futuro llegarán los artistas europeos protagonistas de las dos galas circenses que tendrán lugar el día 5 en el muelle del Arenal apostando El Kalealdia por este nuevo formato de exhibición. Seleccionados por el programa europeo transfronterizo de colaboración denominado Caminos emergentes, destinado a favorecer la presencia del nuevo circo y la creación de sinergias y experiencias profesionales entre jóvenes artistas, llegan hasta esta cita Barbara Govan, Juana Beltrán, el espectacular Dúo Laos y Tempo D’La Balle en la primera sesión, para a continuación dar paso a Nacho Ricci, la compañía Les Capgirades, Hotel Iocandi y Amanda Righetti en segundo lugar. Cada uno de ellos especializado en una técnica en concreto, como por ejemplo cuerda lisa, trapecio, escalera, mástil o verticales mostrarán al público un breve número que seguido uno de otro recordarán a un cabaret.

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julio agosto atención en este sentido. El primero de ellos es Marée basse de Saceckripa un ingenioso trabajo de gags clownescos en el que Benjamin De Matteïs y Mickael le Guen juegan con la manipulación de objetos y situaciones absurdas para hablar de temas graves y profundos. Adquiere también un protagonismo especial el Yo-Yo de Naoto Okada, proveniente de Japón este virtuoso maneja con perfecta sincronización, precisión absoluta y una velocidad de vértigo este juguete convirtiéndolo en el eje principal de su gran show. A continuación, colgados del Teatro Arriaga veremos a los miembros de compañía italiana de danza vertical Eventi Verticalli, que con la combinación de video proyecciones inspiradas en los cómics y los videojuegos de los años 80 y una coreografía aérea presentarán una animación virtual de lo más original. Y encargada de clausurar el festival, llega Essat cuyo significado en etíope es fuego, una propuesta de la compañía La Salamandre que habla de los flujos migratorios, la multiculturalidad y la identidad. El fuego, la pirotecnia y los instrumentos creados por ellos mismos se propagan por las diferentes escenas que

Envirez-vous de Mini Compagnie

conforman esta performance artística que nunca antes había visitado Bilbao. Gran espectacularidad y emoción aseguradas. Con acento propio

Acabamos teniendo siempre presentes cómo no podía ser de otra manera los profesionales vascos de la presente edición de esta cita estival. Ganso y su Walkman, la danza en diferentes estilos de la mano de Gelajauziak último proyecto de Kukai que ha contado con la colaboración del coreó-

grafo y bailarín Cesc Gelaber t, Er tza con 4x4 y Carneros de la compañía Organik junto a Malas Compañías y su Txatarra completan la programación. Especial es el caso de Hor tzmuga Teatroa que será la compañía encargada de presentar su estreno absoluto en el festival, Nola, un espectáculo que persigue envolver a los más pequeños en los límites de la fantasía y la realidad. Toma para ello como punto de partida la incomprensión ante la diferencia frente a los demás, tema elegido con el afán de crear una conciencia crítica entre los niños y niñas. Dirigido por Arantza Goikoetxea e interpretado por Izpiñe Soto, Estibaliz Villa, Iñaki Aginaga, Alex Antunez y David Otaegi presentan este espectáculo que apuesta por un nuevo formato de calle basado en la elaboración de una estructura cerrada que podrá ser visitada por grupos de 20 personas en sesiones de 15 minutos de duración. Tras una larga andadura y experiencia en propuestas de calle, casi una treintena de producciones a lo largo de su carrera profesional, la compañía bilbaína aseguran que vuelven a escena “para buscar en el interior de cada persona aquello que les hace única e irrepetible”.

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14 julio agosto XXV Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio

Aniversario de las artes de calle en Lekeitio

a presente edición del Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio se torna muy especial ya que cumple su 25 aniversario y como no podía ser de otra forma además de ofrecer una cuidada programación será complementada con diversas actividades paralelas. Del 11 al 13 de julio las calles, muelles y plazas de la localidad costera se verán envueltas en un ambiente festivo teatral. Cosecha propia

Entre todos los espectáculos previstos tendrán una destacada relevancia las coproducciones que el festival ha diseñado junto a tres compañías vascas en colaboración con otras citas como es el caso del espectáculo Danbor Talka-Les Choc des Tambours a cargo de Deabru Beltzak y la prestigiosa compañía gala Commandos Percu, en el que el Festival de las Artes de Libourne y el Instituto Francés entre otros muchos patrocinadores, también han tomado parte. Ambas formaciones, con años de experiencia en las artes de calle y vinculadas a un formato caracterizado por la combinación de percusión, pirotecnia y fuego, presentan esta propuesta de gran formato resultado de la fusión de sendas culturas. Garbitxu y Raymond Gabriel han sido los encargados de diseñar la música y puesta en escena de este espectáculo exterior nocturno itinerante cargado de espectacularidad. La segunda propuesta diseñada para la ocasión nace de la vinculación de Mikel Laboa al pueblo de Lekeitio, en el cual residió durante su infancia y que ha estado siempre presente en su creación musical. Basándose en los temas del músico donostiarra Dantzaz Konpania propone Itsaslaboa, Txoriak Zoroen Itsasoa, un espectáculo de danza contemporánea compuesto de diferentes coreografías que serán interpretadas sobre la playa, repitiendo así esta experien12

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Danbor Talka-Les Choc des Tambours de Deabru Beltzak y Commandos Percu

cia creativa tal y como hicieron hace dos ediciones con el espectáculo ‘Sarritsasoa’. El elenco de jóvenes bailarines de Dantzaz ofrecerá un trabajo dirigido por Josu Mugica y musicalizado gracias al asesoramiento del pianista Iñaki Salvador. Este homenaje cuenta con todos los ingredientes necesarios para emocionar al público visitante y lekeitiarra. La tercera de las sorpresas llegará de la mano de la veterana compañía de marionetas Kukubiltxo y la formación de txalapartaris Oreka TX. Se trata de un pasacalles que recordará la figura de los emblemáticos músicos del folklore vasco Maurizia, Leon y Fasio por un lado y los también txalapartaris Zuaznabar y Goikoetxea por otro. Titulado Gure musikari handiak, Aupa Maurizia! cinco grandes marionetas realizarán una acción de calle recuperando los ritmos vascos más tradicionales. Ideado por Josu Cámara, este

proyecto da sus primeros pasos en el valle de Arratia donde se llevó a cabo un taller de marionetas para convertirse finalmente en un gran espectáculo. Divertido y provocativo

El humor, imprescindible en cualquier encuentro o celebración de este tipo será el eje principal de varios montajes clownescos de teatro gestual. Espectáculos retomados de nuevo que vuelven a Lekeitio tras dejar en su día recuerdos inolvidables. Rico, rico, rico de la mano de la compañía bilbaína Salitre Teatro con Josu Bilbao al frente presenta un rimake del trabajo estrenado en 1993 que nació con ese aire provocativo, incorrecto y divertido consiguiendo un resultado de lo más impactante que ellos mismos denominan “guarriclown”. También el argentino Loco Brusca encarnará otra vez a un antihéroe deseado por todas las mu-

julio agosto jeres y admirado por los más pequeños que dejará al público boquiabierto y le obligará a participar muy activamente a lo largo de todo su espectáculo denominado Speerman. Este trabajo es uno de los espectáculos con los que más éxitos ha conseguido y más lugares ha visitado alrededor del mundo entero. Su estilo interactivo de clown y circo divierte y sorprende ofreciendo un resultado en el que puede fusionar en cualquier momento pantomima, bufón, monociclo, malabares, globoflexia, pirofagia o danza si así lo requiere. Por si no fuera poco además completan el programa Mr, Banana Show este artista norteamericano que ofrece un trabajo gestual acompañado de malabares y equilibrios, una toma de contacto con el nuevo circo que busca el humor naif. No lejos de este estilo se encuentra la formación Tout Samba’l cuatro actores locos, exiliados y poéticos interpretarán Exilod. Un recorrido que quiere recuperar la utopía y abrir una puerta a la imaginación. Sus maletas evocarán recuerdos y sueños del presente y el pasado. Tal y como Maite Agirre de Agerre Teatroa se ha propuesto en Izertia, Itsas Antzertiola fruto de la colaboración con la asociación Albaola,

Exilod de Tout Samba’l

un apasionado colectivo por el patrimonio marino que ha conseguido recuperar las leyendas de Blas de Lezo en un alegre pasacalle con el mar como telón de fondo que recorrerá diferentes puntos de Lekeitio. Para finalizar sólo queda destacar una animación muy marinera que amenizará a ritmo de verbena al público familiar, Eidabe propone Sardina freskue, palabra clave que dará pie al baile, la fiesta, el juego y la danza. Acciones paralelas

Speerman de Loco Brusca

El Festival ha querido en este 25 aniversario animar a la participación e involucrar a diferentes colectivos de la localidad costera y para ello ha propuesto dos actividades o acciones paralelas que ayudan y promueven la visibilidad de esta cita. Por un lado nos referimos al “Concurso de escaparates para tiendas, tabernas y hoteles” que reflejarán el ambiente de las artes de calle en multitud de establecimientos. Y por otro, la exposición titulada “25 años Faro de las artes de calle” que podrá visitarse del 1 al 13 de julio en la Sala Barandiaran.

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14 julio agosto XX Encuentro Int. de Artistas Callejeros de Aguilar de Campoo

Fiesta teatral para celebrar veinte años de festival

rganizado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Aguilar de Campoo, del 15 al 17 de agosto se celebra la vigésima edición de AR.CA, el Encuentro Internacional de Artistas Callejeros con una programación compuesta por diez compañías que pondrán en escena espectáculos para todo tipo de públicos y de diversas disciplinas escénicas como el circo, el teatro o la danza acompañadas en muchos casos por el humor. La Plaza España de la localidad palentina se convertirá durante tres días en un escenario al aire libre en el que poder disfrutar de espectáculos como Téte de Pioche de los franceses Heyoka Théâtre, una obra en clave de clown y humor burlesco protagonizada por un empresario de la construcción y su aprendiz, dispuestos a construir una “vivienda de alquiler moderado” aunque… todo se acelera y los dos personajes tendrán que enfrentarse a todo tipo de catástrofes. Dos son los protagonistas de Les demi frères Grumaux de los también franceses Carnage Productions; dos artistas que realizan asombrosas proezas en forma de

Racines de Les Krilati @stefanoborgui.com

gags a medio camino entre los hermanos Marx y Mad Max (un salto mortal en moto sobre una mesa de fuego, precisión con látigo en blanco humano…). La energía y el riesgo protagonizan la propuesta de los belgas Cirq´ulation Locale, Tampoline Mission 3, una combinación de saltos acrobáticos imposibles, impresionantes caídas sobre una cama elástica de grandes dimensiones, malabares y teatro de

calle. Los dos artistas se lanzan y vuelan por el aire cuyo único límite es el cielo. La acróbata Serena Vione presenta Iter, un espectáculo en el que funde la expresión corporal, la danza, el circo y el teatro para ofrecer una historia que su protagonista transforma en una gran aventura a través de un lenguaje artístico de gran emotividad que conecta a la artista con el público. El dúo de acrobacia y danza Cía. Jordi Vidal

El Festival Internacional de Teatre i Animació Al Carrer de Viladecans celebra su veinticinco aniversario los días 4, 5 y 6 de julio con una edición en la que destacan algunos espectáculos retrospectivos que se han podido ver en años anteriores tales como Carbón Club de Markeliñe, o el espectáculo de danza dentro del agua Ai, que me mullo! de Factoria Mascaró. También se podrá disfrutar con Papers! de Xarx a Teatre, compañía de Vila-real muy vinculada al festival y de espectáculos llegados de circuitos internacioanales como los franceses Cie. Isis o los canadienses Hand to Bike. El género del clown vuelve a estar presente en el festival de la mano de Pepa Plana y Toti Toronell que Papers! de Xarx a Teatre @Josep Gil presentan ante el público de Viladecans Despistats al igual que Ganso & Cia. La danza también tendrá su protagonismo con espectáculos como l´ombre de Coré de la compañía francesa Bakhus o Heart Wash de Cia. de Dansa Mar Gómez además de las propuestas de las compañías locales Le Danse, Dreambox y Caviga. Además, esta edición continúa en la línea iniciada el pasado año con la que el festival apuesta por la construcción de un espacio profesional de reflexión y debate a través de las jornadas profesionales que tendrán lugar el 4 de julio. Una edición especial por tanto la de este año con una extensa programación que esconde más de una sorpresa para todos los públicos que se acerquen hasta la localidad catalana.

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julio agosto expresa con Chrysalis la evolución de una pareja (el encuentro, la pasión, las discordias, el nacimiento de un bebé…) en un trabajo de gran suavidad y ternura que no dejará indiferente a nadie. Capicua por su parte fusiona el teatro gestual, el circo y la danza con la manipulación de objetos para narrar, en Entredos, la historia de un personaje atormentado que despierta en un mundo fantástico; una propuesta que acerca a los públicos la realidad del mundo de los sueños a través de una propuesta fresca y visual. Carroussel des moutons de los belgas D´Irque & Fien es un espectáculo impregnado de la espontaneidad del teatro callejero, la intimidad de una cajita de música y la fuerza del circo. Ante el público un hermoso piano de cola, elemento angular de una propuesta en la que se funde la música, los malabares y las acrobacias más increíbles. Y la música en vivo, junto con el teatro y el circo son los ingredientes principales de Cabaret errante, una obra presentada a modo de cabaret por Cia. Jean Philippe Kikolas, un espectáculo que ofrece una atmósfera cercana cargada de poética y nuevo circo. Y circo también, pero dramático y poético a

La cabra de El espejo negro

la vez que tierno y cruel es Racines de los franceses Les Krilati. La poesía se une a un relato sin palabras en una representación puramente física de mástil chino, equilibrios, trapecio, cuerda, mano a mano... todo ello acompañado de un fino humor. Completa la programación de esta edición la reposición de un clásico de la escena callejera, La cabra de El espejo negro. La compañía

andaluza vuelve con la divertida “troupe de marionetistas gitanos” irrumpiendo en la calle entre palmas y música de raza. Estos particulares artistas de la calle se buscan la vida pidiendo con desparpajo; música en directo y enlatada de cantes flamencos, discotequeros, zapatedos… marionetas y actores dan vida a un singular “clan familiar” que sorprenderán y divertirán a todos los públicos.

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14 julio agosto LX Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Dos mil más sesenta El Festival de Mérida alcanza este verano un nuevo hito. Con la que ya está preparada y a punto de comenzar van a ser sesenta las ediciones desde que nació en el año 1933 con la representación de Medea de Séneca de la mano de la actriz Margarita Xirgu y en versión de Miguel de Unamuno. El milenario Teatro Romano volverá a rebosar vida en escenario y gradas, ofreciendo nueve producciones que podrán verse del 2 de julio al 28 de agosto justo cuando se cumplen

dos mil años de la muerte de quien fundó la ciudad, el emperador Octavio Augusto. Es precisamente a él, además de a la Xirgu y a Unamuno, a quienes ha querido recordar el director del festival, Jesús Cimarro en la presentación de esta edición: “Fue deseo de Augusto, uno de los mejores estadistas de la antigüedad, que las ciudades fundadas bajo su gobierno, dispusieran de un teatro en pro de un nivel cultural conveniente para sus habitantes”.

eclarado recientemente Acontecimiento Excepcional de Interés Público por el Congreso de los Diputados a instancia del Gobierno de la Junta de Extremadura, a la postre organizador del festival junto al INAEM, las diputaciones de Cáceres y Badajoz, Ayuntamiento de Mérida y Caja de Badajoz, por tercer año consecutivo está gestionado por Pentación y dirigido por Jesús Cimarro, que se ha fijado el objetivo de que “la reflexión en colectividad que procura el teatro sea el legado que nos deje a todos esta edición”. El núcleo de la programación –las actividades que tienen lugar en el Teatro Romano– está compuesto por un total de nueve producciones de diferente corte: teatro –comedia y tragedia–, danza –ballet flamenco–, ópera –dos producciones– y este año también cine. Y es que se quiere conmemorar los citados hitos con la producción de una película documental que se proyectará el día 20 de julio bajo el título de ‘Mérida, el gran teatro del mundo’, y que parte del histórico teatro de Mérida para recorrer los escena-

rios de todo el Estado español, los edificios y todo lo que en ellos se ha representado en los últimos 80 años. Actores, autores, directores, productores, técnicos… todos tienen cabida en este documental dirigido por Manuel Palacios que no solo pretende hablar de teatro, sino que lo que busca es mostrarlo en todas sus facetas. Y bien lo haría con sus compañeras de cartel, si no fuera porque en su mayor parte son estrenos absolutos o, cuando menos, estrenos en España, al estar muchos de ellos coproducidos por el propio festival. Es el caso de la ópera que abre

la programación, Salomé (2-6 de julio) de Richard Strauss en libreto de Oscar Wilde con dirección musical de Álvaro Albiach, dirección escénica de Paco Azorín, quien ha optado por poner el acento de su propuesta sobre la nocturnidad y la influencia de la luna sobre los protagonistas, y coreografía de Víctor Ullate, encargado de crear el sensual baile de los siete velos que Salomé, la protagonista, interpreta ante la mirada de su padrastro. No en vano, junto a la ópera, la danza adquiere un protagonismo destacado en este arranque del festival, al tomar el relevo Sara Baras con Medusa, la guardiana (9-13 de julio). Ella misma dirige y protagoniza esta obra de ballet flamenco, encarnando al temido monstruo que convierte en piedra a todo aquel que ose mirarla a los ojos, pero que en su origen era una bella mujer. Porque Medusa era una joven que tras ser violada por Poseidón, hubo de pagar por la infamia sufrida, ya que Atenea decidió castigarla a ella. Junto a la gaditana, protagoniza la obra José Serrano, en la piel de Perseo.

Aun siendo el pilar sobre el que se asienta la cita estival, el Festival de Mérida se extiende por otros puntos de la ciudad, en los que ofrece muchos y variados alicientes. Algunas de ellas son de gran tradición, como el trabajo que desarrolla TAPTC? Teatro en diversos puntos y que este año se realiza bajo el lema “Augusto en Mérida”; otras más recientes, pero con una gran entidad, como es la celebración de los Premios Ceres de Teatro, cuya gala tendrá lugar el 28 de agosto; diversas representaciones en la calle, entre las que cabe señalar las representaciones circenses que ofrecerán este año Albadulake y Asaco producciones; la exposición con la que se conmemoran las 60 ediciones del Festival y los 75 años de la Agencia EFE, que se materializa en una muestra de fotografías de lo más destacado de las sesenta ediciones del festival; conferencias, encuentros...

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julio agosto pueden ver en El Eunuco (6-10 de agosto), de Terencio. Pepón Nieto, Anabel Alonso y Alejo Sauras son algunos de los intérpretes que dirige Pep Anton Gómez en una puesta en escena que cuenta con la composición musical de Factoría Madre Constriktor y Asier Etxeandia y coreografía de Chevy Muraday. Y es que su apuesta es partir del teatro clásico grecolatino para llegar al musical, la comedia de situación y el vaudeville.

La Ilíada al completo

La tercera de las producciones en ocupar el escenario del Teatro Romano esta edición es la ópera Dido y Eneas de Henry Purcell, a cargo del recién creado Taller de Ópera del Conservatorio Superior de Badajoz “Bonifacio Gil” (15 de julio). Con dirección musical de Santiago Pereira, dirección coral de Sara Gavín y dirección escénica de María Jesús Delgado, la apuesta combina los elementos propios característicos de esta pieza, como es la mezcla de elementos bucólicos, con grotescos y cómicos, que devienen en la inevitable tragedia. Uno de los hitos de la actual edición será sin duda la presencia de un espectáculo como la Ilíada que ha dirigido Stathis Livathinos. Y es que se ha enfrentado a la labor de dirigir los 24 libros del relato homérico. Reformulada como drama, se somete a una mirada artística moderna con la intención de reflexionar sobre una pregunta clave en nuestros días, como es el sentido del heroísmo. Esta producción podrá verse los días 18 y 19 de julio, y se representa en griego con subtítulos en castellano. Tiempo de comedias

Tras un contundente inicio, llegan días de distensión con la puesta en escena de varias comedias, entre las que no podía faltar alguna de Aristófanes. De hecho, no será una, sino dos, las que se puedan ver de forma consecutiva. Del 23 al 27 de julio el director Juan Dolores Caballero, el Chino, presenta su pro-

Producción extremeña

puesta sobre Las Ranas. Protagonizado por Pepe Viyuela y Miriam Díaz Aroca, se trata de una obra trufada de enredos, exageraciones grotescas, mitología burlesca y metateatro, en la que el autor envía a Baco a buscar a Eurípides dada la mala situación del teatro –cuando en realidad Aristófanes lo acusaba de ser responsable de su degradación–. A esta le seguirá Pluto, dirigida por Magüi Mira e interpretada, entre otros, por Javier Gurruchaga, Marisol Ayuso, Marcial Álvarez y Jorge Roelas. Situada la acción en Atenas hace 25 siglos, Pluto, es la historia de una utopía, del sueño del reparto justo de la riqueza, del dinero. Y es que como recuerda la directora de este montaje que podrá verse del 30 de julio al 3 de agosto, “a Aristófanes era un tema que le preocupaba en un país mediterráneo donde la democracia perdía pie, donde la corrupción de sus políticos era alta, alto el nivel de pobreza y baja, muy baja, la posibilidad de conseguir al menos un plato de lentejas”. También caras conocidas son las que se

El teatro isabelino también tiene lugar en esta cita con un Shakespeare, eso sí, con una de sus obras integradas en la trilogía romana. Fermín Cabal firma esta versión de Coriolano (13-17 de agosto) que dirige Eugenio Amaya para el festival, en coproducción con la extremeña Arán Dramática, y que según anuncian, aprovechará las características del Teatro Romano y respetará la base histórica de la obra sin actualizaciones ni anacronismos. Cierra la programación en el Teatro Romano otra producción extremeña, realizada en colaboración con Teatro del Noctámbulo. Dirigida por Denis Rafter y basada en la versión de Miguel Murillo, un elenco encabezado por José Vicente Moirón, Memé Tabares y Gabriel Moreno escenificarán Edipo Rey de Sófocles (20-24 de agosto), que al igual que lo hiciera Edipo, se han puesto en manos del destino para llevar a cabo esta desgarradora historia, con el objetivo de ofrecer al público una construcción del drama de Sófocles desde el más absoluto respeto y admiración.

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14 julio agosto XXX Festival de Teatro Clásico de Alcántara

Luces, sombras y algo más del Siglo de Oro

ste año se cumple la XXX edición del Festival de Teatro Clásico de Alcántara que tendrá lugar del 6 al 10 de agosto con una programación que se centrará en visualizar el valor escénico del Siglo de Oro. Los cinco montajes previstos se llevarán a cabo en el Conventual de San Benito de la localidad extremeña, así como las actividades paralelas consistentes en un taller de ‘Organización de materiales de creación para el actor’ y de ‘Esgrima escénica’. La Compañía Nacional de Teatro Clásico arrancará la programación , el día 6, con la obra Las bandoleras de Lope de Vega. Carmen Portaceli dirige esta propuesta que tiene a las dos bandoleras protagonistas como estandarte, en homenaje a todas las mujeres fuertes, heroínas ejemplares en sagacidad, fuerza y determinación, que transitan por toda la obra del dramaturgo del Siglo de Oro. Interpretadas por Carmen Ruiz y Macarena Gómez, ni son terribles, ni deformadas ni agresivas, solo tienen rabia de haber sido insultadas y engañadas, sin ninguna oportunidad de restablecer su “honor” que no sea la venganza, la única vía que su entorno les permite. Son listas, vitales y graciosas, pero sobre todo llenas de ilusiones frustradas, de las que se desquitan centrando toda su decepción en el escarnio contra el género masculino. Morfeo Teatro escenificará La escuela de los vicios, obra de Quevedo escrita a principios de 1600 en la que critica los abusos de ministros, magistrados, banqueros y mercaderes sin escrúpulos. Tal y como señala la propia compañía este espectáculo es “un concentrado de la mejor irreverencia del genio del Siglo de Oro, escritos que en su momento lograron el éxito, provocando diversas polémicas, entre las que no faltaron acusaciones de obra subversiva contra el gobierno”. Morfeo apuesta por una puesta en esce18

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La escuela de los vicios de Morfeo Teatro

na de fina comedia con tintes sardónicos, presenta a un extravagante diablo Cojuelo esperando a dos necios a los que espera cautivar con su “escuela de los vicios”, la única en que los alumnos cobran por aprender. Los tres acabarán recitando, en un cáustico baile de máscaras de carnaval, el “poderoso caballero es don dinero” con claros ecos a nuestro tiempo actual. Tragedias y comedias

Fernando Sansegundo es el autor y director de Barrocamiento de SioSi Teatro, en la que se recrea la vida de tres magníficas autoras del siglo de Oro: María de Zayas y Sotomayor, sor Juana Inés de la

Cruz y Feliciana Enríquez de Gúzman, que se atrevieron a competir sin complejos a la hora de tomar la pluma y la palabra. SioSi no pretende hacer un relato de biografías a través de esta obra aunque parta de ellas. Se trata más bien de una mirada sobre estas mujeres, representativas de otras que intentaron un camino similar, que vivieron su siglo, alcanzaron notoriedad y fueron casi olvidadas. En lugar de viajar en el tiempo han trasladado a estas tres mujeres, que constituyen los tres personajes de la obra, a la realidad de hoy. Pero para no asustarlas, han provocado a sus espectros, y para que no se despisten, les han hecho creer que cada vez que aparecen es la noche de las ánimas. La Compañía Teatro Clásico de Sevilla por su parte representará La estrella de Sevilla de López de Vega dirigida y adaptada por Alfonso Zurro. Esta obra es una de las tragedias referenciales del teatro del Siglo de Oro. Una pieza contundente que narra unos supuestos sucesos históricos acaecidos en Sevilla. En el siglo XIII, el rey Sancho el Bravo llega por primera vez a esta ciudad y queda prendado por la belleza de Estrella Tavera. La desea y hará todo lo posible para conseguirla. La obra no esconde su posición crítica con el soberano en subterfugios ni barroquismos. Es directa, clara, sin ambigüedades. Esta propuesta ofrece un planteamiento escénico donde frente al poder absoluto medieval aparece la concepción moderna del ciudadano. Porque los súbditos empiezan a exigir sus derechos ante las arbitrariedades despóticas de sus monarcas. La programación de esta trigésima edición finalizará con la pieza, en clave musical y de humor, Siglo de oro, siglo de ahora (foliá) de Ron Lalá. En esta ocasión la compañía presenta su revisión contemporánea de la folía, folla o fiesta barroca de piezas

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La estrella de Sevilla de Compañía de Teatro Clásico de Sevilla

breves; una colección de entremeses, jácaras, mojigangas, romances y canciones. Con espíritu dialéctico entre tradición y modernidad, recrean las estructuras, personajes, situaciones, metros y ritmos del entremés tradicional (desde los pasos de Lope de Rueda hasta los sainetes de Ramón de la Cruz, pasando por los grandes

entremesistas y dramaturgos áureos) para imprimirles un carácter contemporáneo, y a la vez homenajean numerosas obras, escenas, poemas y fragmentos de los grandes autores del Siglo de Oro, tanto españoles como europeos, dando paso a un espectáculo directo, burlesco y dinámico a la vez que culto y popular.

Festival de Teatro Clásico de Almagro La programación del trigésimo séptimo Festival de Teatro Clásico de Almagro se desarrollará entre el 3 y el 27 de julio, donde Shakespeare y Lope de Vega vuelven a ser protagonistas. Cada autor cuenta con 10 textos llevados a escena. Entre las comedias del madrileño se encuentran El castigo sin venganza o El perro del hortelano, ambas de la Fundación Siglo de Oro (Rakatá). Del inglés se representarán Los Mácbez, versión de Macbeth de Juan Cavestany dirigida por Andrés Lima, Amleto, sobre Hamlet, dirigido por Andrea Baracco, Otelo, dirigido por Eduardo Vasco o Un cuento de invierno, por Carlos Martínez-Abarca. Tras ellos, subirán a escena seis obras de Cervantes, como ¡Gaudeamus!, adaptación libre de El licenciado vidriera, cuatro de Calderón de la Barca y cuatro de Molière. Destacable también la presencia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que entre producciones propias, coproducciones y apoyados por la Joven Compañía, dentro de la programación oficial, llevará a escena cinco piezas: Donde hay agravios no hay celos de Rojas Zorrilla, El caballero de Olmedo (con el Teatre Lliure), La cortesía de España y Las dos bandoleras de Lope de Vega, y En un lugar del Quijote, una adaptación libre de la obra de Cervantes realizada junto a la compañía Ron Lalá. Entre todas suman 24 funciones, es decir, una cuarta parte de las 98 representaciones de la muestra de la presente edición. Además de las obras previstas, las actividades paralelas tendrán un peso específico dentro del programa del festival con nada menos que cuatro exposiciones, las jornadas formativas en el Palacio Valparaíso que acogerán el ‘2º Encuentro Internacional de Crítica y Gestión Teatral’ y la décima edición de la Escuela de verano de Almagro. El hábito de la lectura: un enfoque multidisciplinar así como las XXXVII Jornadas del Teatro Clásico de Almagro: el dinero y la comedia española. También hay que destacar los talleres y la tercera edición del Barroco infantil, una programación hecha a medida para los más pequeños. Asimismo, señalar que continúa adelante la cuarta edición del Certamen Internacional Almagro Off, iniciativa que la organización Fundación Festival de Almagro puso en marcha en 2011 enfocado a dar cabida a las compañías de teatro más jóvenes del panorama internacional, con el fin de propiciar y favorecer la creación contemporánea, nuevos lenguajes y propuestas innovadoras de la dirección escénica de teatro dramático sobre el Barroco.

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14 julio agosto XXX Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla

Los grandes clásicos llegan al castillo en versiones de hoy

l Castillo de los Guzmanes volverá a ser el epicentro del Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla cuya trigésima edición tendrá lugar del 12 de julio al 16 de agosto. Para celebrar los treinta años del festival Niebla acogerá tres exposiciones, ‘Miradas de escena’ con fotografías de María Clauss, ‘Poemario natural’ con obras del artista Sergio Cruz y una tercera de Antonio Pallero. La programación escénica de esta edición se compone de seis espectáculos y dará comienzo con Los Mácbez una versión libre del ‘Macbeth’ de Shakespeare escrita por Juan Cavestany y dirigida por Andrés Lima que traslada la historia de la Escocia Medieval a la Galicia de provincias de hoy. Carmen Machi y Javier Gutiérrez dan vida al matrimonio protagonista de esta coproducción de Siamesas, Carallada Show, Mama Floriana y Asuntos Culturales con el Centro Dramático Nacional y el Pazo da Cultura de Narón, lugar donde tuvo lugar su estreno el pasado 21 de marzo; una obra sobre la corrupción y la ambición. La hermosa Jarifa que lleva a escena GG Producciones, en coproducción con el

La hermosa Jarifa de GG Producciones

Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, ha sido seleccionada por los socios de Niebla 2.0. Borja Rodríguez es el autor y director de esta versión de ‘Historia del Abencerraje y de la hermosa Jarifa’, de Antonio de Villegas en una propuesta en la que una voz del siglo XVI es capaz de

hablar a los hombres y mujeres del siglo XXI, mediante una mecánica narrativa que invita a divertir maravillando. India. El sueño de Anantapur de la compañía Miguel Vargas Flamenco Dance Theater es un espectáculo a beneficio de la Fundación Vicente Ferrer en el que se funden

De Ruta por otros festivales Aunque comenzó el pasado 12 de junio hasta el 6 de julio se podrá disfrutar en el Festival Clásicos en Alcalá con los estrenos de dos obras de Shakespeare Un cuento de invierno de SioSi Teatro y Much ado about nothing de David Espinosa y el Local Espacio de Creación. Otro Shakespeare, Otelo, de Noviembre Teatro, Misántropo adaptación de la obra de Molière por Miguel del Arco para Kamikaze Producciones o el concierto de Ara Malikian y la Orquesta en el Tejado son algunas de las propuestas. Del 5 al 26 de julio tendrá lugar el XVII Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola que se inaugurará con el espectáculo itinerante El ciego del Lazarillo de la Compañía Ando Creando. Los clásicos cómicos de Teatro Corsario, Tartuf de Molière en versión del Centre Dramatic Vila-real, otra adaptación, en este caso a cargo de Ricardo Iniesta de la universal obra de Fernando de Rojas, Celestina, 20

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la tragicomedia, de Atalaya y de La flauta mágica de Mozart por la Compañía Dei Furbi completan la programación. El Teatro Romano será el centro de Sagunt a escena espacio en el que del 27 de julio al 24 de agosto se podrá disfrutar, al aire libre de una veintena de propuestas entre las que Misántropo ©Eduardo Moreno destacan Revolución de Arden Producciones, La metamorfosis de Proyecto Titoyaya o Anfitrión de Culturarts Teatre i Danza además de una programación off denominada ‘Off Romà’.

julio agosto cultura, religión, tradición, literatura, danza y música de la India con la fuerza del lenguaje del Flamenco. Seis piezas coreográficas conforman un espectáculo en el que se recorre la belleza de la cultura india. Uno de los textos fundamentales de la literatura universal se presenta en versión libre y musicalizada, nos referimos a En un lugar del Quijote, coproducción de Ron Lalá y la Compañía Nacional de Teatro Clásico que dirige Yayo Cáceres. En ella recrean una gran biblioteca imaginaria, el hidalgo de la triste figura vive sus hazañas mientras Cervantes va escribiendo su obra maestra. Una divertida adaptación con música interpretada en directo. Otra adaptación en este caso de Francisco de Quevedo con el título La escuela de los vicios es la propuesta de Morfeo Teatro realizada “in memorian a Javier Leoni, maestro y amigo, cráneo privilegiado” tal y como señalan los miembros de la compañía. Escrita y dirigida por Francisco Negro, esta obra esta basada en los discursos políticos y las sátiras de uno de los grandes autores del Siglo de Oro. Sobre el escenario dos necios y el diablo Cojuelo que espera cautivar con una “escuela de los vicios” en los que adentrarlos en los conocimientos

Los Mácbez de Siamesas, Carallada Show, Mama Floriana y Asuntos Culturales ©Luis Castilla

de mentir, engañar, robar y medrar. El eunuco de Terencio en una versión de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez, quien también se encarga de su dirección llega a Niebla tras su estreno en el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Caras conocidas como Anabel Alonso y Pepón Nieto encabezan un elenco formado por los nueve intérpretes de esta versión divertida y de enredo coproducida por Festival In-

ternacional de Teatro Clásico de Mérida, Mixtolobo, Labasca 64 y Ciclán. Sobre el escenario nueve personajes enloquecidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, los celos y los equívocos. Una propuesta en la que se entrecruzan el teatro clásico grecolatino con el musical, la comedia de situación y el vodevil. Humor y diversión sobre las tablas para poner la guinda a la trigésima edición del festival.

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14 julio agosto IX Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero

Lope de Vega siempre vuelve a Olmedo

ope de Vega vuelve a ser protagonista de la novena edición del Festival Olmedo Clásico que tendrá lugar del 18 al 27 de junio y se presenta con una programación con once espectáculos de otras tantas compañías y en la que también tienen cabida las novenas Jornadas sobre teatro clásico que este año tendrán como título ‘La fuerza del Fénix: últimas novedades y renovaciones de Lope de Vega’ que se centrarán en los montajes realizados de la obra ‘El caballero de Olmedo’ los últimos años y en otras obras menos conocidas del autor como la comedia ‘Mujeres y criados’ recuperada recientemente. Este año las Jornadas rinden homenaje a José Luis Alonso de Santos que incluye la presentación del último libro de la colección del festival, ‘El mundo, el demonio y mi carne’ del dramaturgo homenajeado. El Curso de Análisis e Interpretación “Fernando Urdiales” dirigido por Esther Pérez Arribas incluye en su novena edición clases de interpretación y técnica del verso a cargo de la propia Pérez Arribas y clases de Espacio Escénico e Indumentaria e introducción al contexto del teatro español del Siglo de Oro impartidas por Rosario Charro y Germán Vega respectivamente. Las actividades paralelas del festival se completan con dos exposiciones, ‘Sembrando a los Clásicos’, un recorrido fotográfico por la edición anterior

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dro González Puche. Desde Cuba llega a Olmedo Mephisto Teatro con El burgués gentilhombre de Molière bajo la dirección de Liuba Cid y desde Japón, uno de los platos fuertes de esta edición, la versión de Yoichi Tajiri de El caballero de Olmedo, dirigida por Kei Jinguji para la compañía Ksec-Act. Alfonso Zurro firma la versión y se encarga de la dirección de La estrella de Sevilla, obra atribuida a Lope de Vega que presenta Teatro El caballero de Olmedo de Ksec-Act Clásico de Sevilla y Rebeca Sanz hace lo propio con La boba para otros y discreta para sí, también de Lope de Pío Baruque Fotógrafos y ‘Entremeses y a cargo de La Finea Teatro. La hermosa áureos’ en colaboración con el Centro de Jarifa, en versión y dirección de Borja RoDocumentación Teatral y los festivales de dríguez de la novela morisca del siglo XVI Chinchilla y Getafe. que pone en escena La Morgue, Saga ProLa Corrala Palacio Caballero de Olmedo ducciones y GG Distribución; un clásico de será el espacio en el que tendrán lugar las Shakespeare, Otelo, en versión de Yolanonce representaciones de los espectáculos da Pallín y dirección de Eduardo Vasco de con los que se podrá disfrutar este año que Noviembre Teatro y el último espectáculo darán comienzo con La cortesía de España de la Joven Compañía Nacional de Teatro de Teatro Corsario, Clásicos Cómicos (EnClásico, con versión de Laila Ripoll de esta tremeses de burlas) a partir de obras de obra de Lope dirigida por Josep Maria Mesvarios autores del Siglo de Oro completan tres a la que le sigue una adaptación libre la programación de este año junto con el de la obra universal de Cervantes En un luespectáculo para público familiar Sonetos gar del Quijote, coproducción de la CNTC y entre todos de Pie Izquierdo Teatro y El Ron Lalá dirigida por Yayo Cáceres. amor enamorado a cargo del alumnado de Otra obra de Cervantes, en este caso la Escuela Superior de Arte Dramático de El coloquio de los perros de la compañía Valladolid (dentro del programa Clásicos colombiana Laboratorio Escénico Univalle en Víspera), y ambos escenificados en el con dirección de Ma Zhenghong y AlejanCentro de Artes Escénicas San Pedro.

14 julio agosto XV Festival de Teatro Clásico de Olite

Los clásicos desde la visión profesional y aficionada

a Cava vuelve a ser el escenario dirección de Pedro Casas y Las dos bandoleras coproducción de la Comprincipal del Festival de Teatro pañía Nacional de Teatro Clásico y Clásico de Olite cuya decimoFactoría Escénica Internacional. Con quinta edición se celebrará dramaturgia de Marc Rosich, esta entre el 18 de julio y el 2 de agospropuesta es un “homenaje a todas to. La programación de este año se las mujeres fuertes, heroínas ejemplapresenta dividida en dos tipos ‘Joyas res en sagacidad, fuerza y determinadel Palacio’ que incluye a las compación que transitan por toda la obra de ñías del ámbito estatal y ‘Clásicos de Lope” en palabras de Rosich y la diaquí’ con propuestas de compañías rectora del montaje, Carme Portaceli. de teatro de Navarra además de los Completa este programa Así es, si así espectáculos de teatro de calle, mapfue (España: de los Trastámara a los ping y dos talleres dirigidos a actores Austrias) una obra de Juan Asperilla, profesionales en colaboración con la sobre textos de Torres Naharro, MarUniversidad Pública de Navarra. qués de Santillana, Cervantes, Lope El programa Joyas del Palacio dará de Vega y Calderón que dirigida por comienzo con La Banda de Lázaro, espectáculo que recrea la historia del Laila Ripoll para Producciones Andrea D´Orico plantea un viaje por los Lazarillo de Tormes de La Cantera Producciones Teatrales junto con la reinados de Juan II, Enrique IV y los anda Municipal de Música de Olite y Reyes Católicos. que inaugurará el festival. El último El programa ‘Clásicos de aquí’ por En un lugar del Quijote de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Ron Lalá trabajo de Morfeo Teatro, La escuela su parte incluye las obras El pleito de de los vicios de Francisco de QueveAreúsa o gallina vieja hace buen caldo También es una adaptación libre en este do es una comedia ácida con dramaturgia y de Lope de Vega con versión y dirección caso del ‘Macbeth’ de William Shakespeare dirección de Francisco Negro en la que se de Miguel Munárriz de La Nave Producciola que firma Juan Cavestany y dirige Andrés nes Teatrales y Limboescena; una de las recrea una escuela con titulaciones como Lima, Los Mácbez. La ambición y el poder obras más conocidas y representadas de bachiller de mentir, licenciado en engañar, tan bien expresadas en la obra del dramaJosé Sanchis Sinisterra, Ñaque, o de piojos doctor en robar o catedrático en mediar. y actores a cargo de Iluna Producciones; turgo inglés es presentada en la Galicia Otra adaptación, en este caso de la unila shakesperiana Sueño de una noche de contemporánea con un elenco encabezado versal novela de Cervantes bajo el título En un lugar del Quijote, coproducción de la verano del Taller de Teatro Kilkarrak y una por Carmen Machi y Javier Gutiérrez. Compañía Nacional de Teatro Clásico y Ron adaptación contemporánea de El gran teaDos obras de Lope de Vega, FuenteoveLalá: una aventura que funde el teatro, la juna, a cargo de la Compañía José Estruchtro del mundo de Calderón de la Barca de RESAD en una versión de Rocío Bello y Puntido Teatro. palabra y la música en directo.

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14 julio agosto XXIX Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami

En honor a la contribución cultural de Argentina

Calígula © Nacho Lunadei

l Teatro Avante junto con el Adrienne Arsht Center for the Performing Arts, el Teatro Prometeo del Miami Dade College (socio en producción y gestión pedagógica) y el Miami-Dade County Auditorium presentan la vigésima novena edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami que tendrá lugar entre el 10 y el 27 de julio en diversos locales del condado de Miami-Dade. Dentro de su programación se han previsto catorce espectáculos de compañías procedentes de Brasil, Chile, España, Estados Unidos, México y Argentina, haciendo un especial hincapié en este último país, al que le dedican la presente edición con objeto de honrar y celebrar su contribución a la cultura iberoamericana. Por primera vez también el festival arrancará su programación con un musical y presentará un ‘café concert’ barroco, ambos llegados directamente de Buenos Aires. En el marco del festival también se incluye un programa educativa bajo la dirección de Beatriz J. Rizk, PhD, con la colaboración del Centro de Literatura y Teatro, y el Koubek Centre del Miami Dade College, dando paso a coloquios inmediatamente después de cada estreno, con conferencias, mesa redonda de directores, pre-

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Bromas y lamentos Teatro Musical Contemporáneo

sentación de libros de teatro, lecturas dramatizadas, exposiciones de fotografías y talleres. Asimismo, el Festival celebrará el popular ‘Día Internacional del Niño’ patrocinado por TARGET, en el InterAmerican Campus del Miami Dade College el domingo 20 de agosto. Premio honorífico

A colación con la especial atención que el festival dedicará a Argentina, en esta ocasión el ‘Premio a una vida dedicada a las Artes Escénicas’ será otorgado en la jornada inaugural, el 10 de julio, al maestro argentino Eduardo ‘Tato’ Pavlovsky, dramaturgo y médico orientado al psicodrama, justo después de la representación del musical Calígula de Pepe Cibrián Campoy y Ángel Malher, un trabajo que trata del poder sin límites, un absoluto canto a la libertad del hombre frente a la opresión del poder omnipotente, omnipresente y asesino. En la jornada inaugural también se presentará en el Carnival Studio Theater Lobby la exposición fotográfica ‘Argentina en el Festival’ donde se recogen instantáneas realizadas por Asela Torres contando con el diseño e instalación de Ernesto Padilla,

El loco y la camisa ©Leandro Allochis

que estará abierta hasta que finalice el festival el 27 de julio. Dos montajes más de manos de compañías argentinas. Por un lado, el Teatro Musical Contemporáneo escenificará Bromas y lamentos, escrita y dirigida por Marcelo Lombardero, en colaboración con Florida Grand Opera y Miami-Dade Country Auditorium, con una puesta en escena contemporánea, donde Lombardero propone el diálogo entre la música del Barroco temprano e ideas teatrales de vanguardia. Banfield Teatro Ensamble, por su parte, dará a conocer El loco y la camisa, escrita y dirigida por Nelson Valente donde se pregunta ¿Quiénes son los locos y quiénes los sanos? No existe mayor locura que la de vivir en la continua mentira. La irrealidad enloquece y pervierte. Las compañías locales Teatro Prometeo, Teatro Avante y Adriana Barraza Black Box & Nobarte de Miami, presentarán La conducta de la vida y Volvió una noche; Años difíciles y Federico... ¡Ay, clavel! respectivamente. La primera se centra en la política, el poder y los derechos humanos en una historia donde el conflicto doméstico refleja la violencia y Volvió una noche muestra la lucha entre los cambios que

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Arizona de Teatro de Babel ©José Jorge Carrera

los individuos se proponen y el mantenimiento de las tradiciones que imponen las generaciones anteriores. Mario Ernesto Sánchez con Teatro Avante escenifica una historia donde las alusiones y metáforas abundan, pasando por el absurdo y el humor negro, y a veces, cayendo en la hipocresía que oculta y por último, veremos como dos mujeres se reinventan en una lucha feroz por un espacio que a las dos les corresponde, en duelo eterno entre poesía y danza, entre personaje y música en Federico... ¡Ay, clavel!. Una o varias

Desde México DF acudirán dos compañías, la primera en actuar será Teatro de Babel que llevará a escena el texto de Juan Carlos Rubio Arizona, dirigida en esta ocasión por Ignacio García, sobre las fronteras, la migración, la estupidez humana y los límites de su manipulación. Un tragicómico retrato del alma de dos seres humanos perdidos en el desierto de la vida. Cacumen Teatro en El panfleto del rey y su lacayo, de Cutberto López, refleja en forma burlesca y desenfadada, el mundo de quienes nos gobiernan mostrando la lucha descarnada por el poder. Brasil también estará representada en esta vigésimo novena edición de manos de Teatro Cena que representará Dinossaurus de Santiago Serrano dirigida por Guillherme Reis, pieza que habla de la sensibilidad y la búsqueda de la felicidad, en un mundo que es cada vez más opresor, como dinosaurios que, para no desaparecer, necesitan inventar un futuro posible. Desde Chile acudirá también una única compañía, esta vez la seleccionada ha sido la Compañía de Teatro Viajeinmovil que presentará una versión libre de una de las tragedias de pasión más famosas de todos los tiempos, Otelo de Shakespeare, centrada en el asombroso y sincronizado trabajo corporal entre sus dos intérpretes. La programación se completará con tres trabajos de compañías españolas, la primera en representarse será Cádiz en mi corazón de Albanta, un viaje imposible hacia lugares desconocidos, a través de postales para retornar al pasado, a inventar lo que no fue y ser dueña de su destino. Por su parte la compañía murciana Periferia Teatro presenta Guyi Guyi, propuesta de títeres para niños y niñas, donde reflexionan sobre la búsqueda de identidad, el miedo a la diferencia y los prejuicios que arrojamos sobre aquellos que se comportan de manera distinta a lo que esperamos. Por último, los madrileños Uroc Teatro presentarán La visita propuesta que muestra lo grotesco de un encarnizado combate entre la moral y la codicia. Los principios éticos pasan a un segundo plano por la doctrina implacable del beneficio económico. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 julio agosto XV Festival Internacional de Teatro - Cena Contemporânea de Brasilia

Con la mirada crítica puesta en los sueños utópicos Veintitrés espectáculos teatrales, cuatro de ellos inspirados en la obra de Luigi Pirandello forman la programación de este 2014

l Festival Internacional de Teatro de Brasilia- Cena Contemporânea que se celebrará del 19 al 31 de agosto con la curadoría y dirección de Guilherme Reis, es una realización de Cena Promoções Culturais y Fundação Athos Bulcão, con el patrocinio de Petrobras, copatrocinio del Banco do Brasil y Funarte, y cuenta con la presencia de veintitrés espectáculos provenientes de España, Francia, Escocia, Argentina y Brasil. Para esta edición se apuesta por los jóvenes creadores y por el debate de temas que cuestionan la identidad, el envejecimiento y la utopía. Entres los espectáculos destacados se puede señalar la presencia del celebrado bailarín y coreógrafo francés Jérôme Bel, en dúo con el tailandés Pichet Klunchun, nombre destacado de la danza en su país, que ofrecerán Pichet Klunchun and myself un espectáculo que se asoma a temas como la interculturalidad, la globalización y el eurocentrismo. Llega por primera vez a Brasil el reconocido y premiado espectáculo La función por hacer, una especialísima versión de ‘Seis personajes en busca de autor’ de Luigi Pirandello realizada por Miguel del Arco y Aitor Tejada por la compañía española Producciones Kamikaze. También se podrá ver, de primera mano, la impresionante reflexión sobre el envejecimiento que se ofrece en Tomorrow, producción del grupo británico Vanishing Point, bajo la dirección del inglés Matthew Lenton, hecha en co-producción con el Festival de Brighton, el festival Cena Contemporânea y el Tramway, tradicional espacio de creación artístico de Escocia. El espectáculo es el resultado de un proceso de creación de cinco semanas entre diciembre de 2013 y enero de 2014 y da continuidad a un taller realizado por Matthew 28

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Othelo ©Gianni Mestichell

Lenton en el Festival brasiliense en 2013. Otra obra esperada es La Chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento, a cargo de la compañía española Conde de Torrefiel con texto y dirección de Pablo Gisbert que narra las peripecias de dos mujeres en unas vacaciones muy especiales en donde partiendo de una estética muy pop, se van introduciendo situaciones excepcionales que llevan a otros temas y discursos sobre el propio progreso. El argentino Gabriel Chamé Buendía es un clown especializado en William Shakespeare formado en la Compañía Argentina de Mimo y discípulo de Etienne Decroux, en París que ofrecerá una delirante versión de Othelo realizada y dirigida por él mismo con la actuación de Matías Bassi, Julieta Carrera, Hernán Franco y Martín López Carzolio, una auténtica investigación sobre el humor en este texto clásico que se ofrece íntegramente y que logra un espectáculo total. Cierra la programación extranjera Cuar-

teto del Alba, un texto de Carlos Gil, dirigido por Lander Iglesias, donde cuatro entes escénicos van describiendo una generación marcada por la lucha por las utopías revolucionarias, destruidas por las drogas, con un grito de esperanza final que se proyecta en el presente como una plataforma para el futuro. Como es habitual en Cena Contemporânea hay una amplia presencia del teatro brasileño. Es esta edición se podrán ver espectáculos como Conselho de Classe de Jô Bilac por la Cia dos Atores de Río de Janeiro y la dirección de Bel Garcia e Susana Ribeiro. Elefante por Probástica Cia de Teatro de Río de Janeiro, con dirección de Igor Angelkorte; De Sâo Paulo llega A Feia Lulu de Fause Haten, Fábio Retti, Gregory Slivar, Francisco Carlos, Marina Caron e Ondina Castilho con la actriz invitada Olivia Martins; Calango Deu! Os causos de Dona Zaninha a cargo de la compañía de Río de Janeiro,

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Caititu con dirección de Isaac Bernat, escrito e interpretado por Suzana Nascimento. De Sâo Paulo es el actor Cacá Cravalho que ofrecerá la Trilogía Pirandello con dirección de Roberto Bacá con dramaturgia de Stefano Geracciy que engloba O homem com a Flor na Boca, A Poltrona Escura e umnenhumcemmil. Un auténtico maratón teatral de uno de los más reconocidos autores brasileños. A bicicleta do poeta de Emmanuel Marinho es un espectáculo de intervención urbana resultado de una investigación con la palabra poética y el teatro de calle que convoca a todos los públicos para descubrir el placer de crear. El teatro brasiliense también tiene su lugar, y se podrán ver, Adaptaçao, con texto, dirección, escenografía, vestuario e interpretación de Gabriel F con el Teatro do Açúcar; Autópsia del Grupo Sutil Ato con dirección de Jonathan Andrade a partir de cinco textos de Plínio Marcos; Hipóteses para Shakespeare a éu aberto de BR S.A. Coletivo de Artistas, con dramaturgia de Lidiane Araújo y dirección de Denis Camargo; Carriola de Um Teatro do Riso na Rua - Celeiro das Antas Roteiro de Micheli Santini, Hyandra Lo e José Regino con dirección y actuación de José Regino; Misanthrofreak de Desvio Theatre Company dirección e interpretación de Rodrigo Fischer, estrenado en diciembre de 2013 en Nueva York e inédito en Brasil inspirado en ‘O inominável,’ de Samuel Bechett. También estarán Fios de histórias con concepción de Mariza Vargas y dirección de Miriam Virna; Mundareu de la Companhia Dois Tempos / Poéticas do Corpo con la adaptación de Alexandre Ribondi y la dirección de Alice Stefânia; Perdona-me por me traíres de Nelson Rodrigues de la Cia Novos Candangos y la dirección de Diego de León y Noctiluzes de Santiago Serrano por la Cia. Plágio de Teatro y la dirección de Sérgio Sartório. Además de estos espectáculos, se programan una serie de espectáculos musicales de primer orden, así como diversos talleres (como el del dramaturgo argentino Santiago Serrano), y conferencias y mesas de debate que confieren a Cena Contemporânea una entidad singular de primer nivel. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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XIV Festival Internacional de Teatro Amateur de Girona

El teatro sigue enganchando

el 26 al 30 de agosto, se celebrará en Girona y su comarca, la décima cuarta edición del Festival Internacional de Teatro Amateur, FITAG, que según su director Martí Peraferrer: “es una herramienta de promoción y dinamización del sector de las compañías de teatro amateur gerundenses a través de la convivencia y del intercambio global”. Además considera que “el amateurismo es un bien inmaterial que se debe cuidar, puesto que es la base de la cultura de los pueblos”. Concluyendo de manera rotunda: “un festival no debe ser un escaparate, sino un punto de encuentro de personas de todo el mundo”. Además de la amplia programación se realizan múltiples actividades, como un censo de los grupos amateurs de la comarca y se solicita que todas las compañías aporten un cuadro realizado sobre una tela de algodón de un metro cuadrado con sus características para formar el Gran Telón del teatro amateur gerundense. También se realizará el proyecto especial “Cápsulas de Miniteatres’, abierto a todos las grupos de la comarca de Girona y también se recibirá el sello de calidad de Escena Amateur, la asociación que agrupa a nivel estatal a festivales, certámenes, agrupaciones y compañías. Las representaciones se realizan en diversas salas y localidades gerundenses y entre sus apartados está el intercambio internacional en el que participan: la Cia.Maru-Jasp de Alcalá de Henares, (Madrid) Cia.Tquatre de Figueres, (Catalunya) con la obra Metro; La Cia. Grotesque de Surgut (Rusia) y Col.

lectiu teatral d’actors/ius de Lloret de Mar, (Catalunya) con La historia de una locura. Y con la dirección de Graziella Sureda (Argentina) la Cia Pedres i sospirs de Girona presentarán Una mujer inquietante. La inauguración oficial tendrá lugar el 26 de agosto en el Teatre Municipal de Girona con la compañía Afrogironis i Cor Akan, que ofrecerá Caricies de pedres y aigües que se hace en catalán, español, jula y japonés y tendrá otra actuación el día siguiente. Por diferentes salas se ofrecerán espectáculos del interés de For Freelanc Lover de la compañía checa Reversing Door que se hará en checo e inglés; la compañía de Slovenia Theatre Schoolprva Gimnazija

Maribor con la obra Relation According to Beckett que se hace en eslovenio e inglés. Los catalanes de Increixendo presentará Donessss, la altra cara del mirall en catalán y español, el grupo gerundense Grup de Gènere i Interculturalitat con Tres relats de vida, mientras la compañía mallorquina Vomar Teatre presentará Lokus. De Puebla, México, llega el Centro Cultural Jalil Gibran con dos obras, Otra vez Fausto y Llega el día en que el hombre. De Tel-Aviv, (Israel) Yoram Loewenstein Ating School con la obra Short Memory of Fish Balls. Los belgas de Compagnie Trioson con Les cerises Rouges. De Túnez, Theatre of youngers con Zouz; los croatas de Theatre Group Punjosipak ofrecerán Neckar. También estarán presentes los grupos: Dansa-Teatre Apsaràh con Cartes de Seda; Dosdedeu con Primera plana; Cia. PLUS65 con Sense Pietat; los andaluces de Gata Teatro con Cómicos sin rumbo; El Mirall con Parole, parole; La Gespa con Dues dones que ballen; Calamiclown con Extemporani; Primer Vol con Isabeau; Los andorranos de An-danda-ra con La Casa de Bernarda Alba; Els cantaires de Sarrià con Els maldecaps del Senyor Qualsevol; los asturianos de Teatro Kumen con Las Troyanas; Mésmèdia Cultural con El mètode Grönholm y Los getxotarras de Ékoma Teatro con Rosalinda sous le ciel. En el escenario Fitag de nits, se ofrecerán varios espectáculos en la trasnoche, entre ellos el de los chilenos de Maria la Culpa Boca de perlas. Muchos motivos para engancharse a esta propuesta teatral.

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14 julio agosto XVII Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo

Oxígeno teatral renovado para aliviar el calor estival 41 compañías participan en una edición que destaca por su diversidad y cuyo discurso de apertura correrá a cargo Alfonso Zurro

os datos de la décimo séptima edición de la Feria de Teatro de Castilla y León que se celebrará del 26 al 30 de agosto en Ciudad Rodrigo son claros: De las 948 propuestas recibidas han sido seleccionadas 41 compañías que mostrarán 42 de montajes en 50 representaciones y 12 de ellos serán estrenos absolutos. Destaca de esta nueva edición la diversidad de formatos teatrales y géneros escénicos así como la procedencia de las compañías participantes o los espacios en los que tendrán lugar las representaciones. Diverso es también el formato de las propuestas escénicas, de los públicos a los que se dirigen y las actividades paralelas organizadas como cursos, talleres y workshop además de jornadas de trabajo y reuniones técnicas de los profesionales del sector, o las programaciones específicas como el programa de animación infantil ‘Diverteatro’. El dramaturgo y director Alfonso Zurro será el encargado de ofrecer el discurso de apertura de esta edición que organiza un año más la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León y coordina la Asociación Civitas. Doce estrenos

De las 14 propuestas de compañías de Castilla y León seis serán estrenos absolutos. Es el caso de Equilibuá, espectáculo protagonizado por el equilibrio de sus artistas de Maintomano, Sofá de Escai, obra en clave de clown con tres estudiantes atrapados por su sofá de Mercucho Producciones, Cualquiera que nos viera de Zanguango Teatro, y dos obras dirigidas al público infantil A pelo de Baychimo Teatro y el reestreno 32

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Ligeros de equipaje. Crónica de la retirada de Producciones Viridiana

de La ramita de hierbabuena de Teloncillo, Premio Nacional de Teatro para la Infancia 2014. Destaca también un estreno singular, Del Lazarillo un trabajo de teatro de objetos de La Chana, una coproducción de la ‘Red Esmark’ formada por la propia feria junto con el Festival Internacional de Expresión Ibérica (FITEI) de Oporto, y el Festival Don Quijote de París red que también estrena la coproducción Vecindario de Candelita de las francesas Cavaluna y Zorongo. Un año más se reanuda la colaboración de la feria con el Gobierno de Extremadura con el estreno de El secuestro de la banquera de la veterana compañía Suripanta y Desafío en la jungla de Z Teatro y Zirkus Animación. También estrenan en Ciudad Rodrigo los catalanes Colabse Mesa para 2, y dos espectáculos llegados de Andalucía, Malgama 1.1. de Choni Cía. Flamenca y Varuma Teatro y Big Dancers de El Carromato.

Pero la programación de esta edición tiene en su haber propuestas contemporáneas de autores clásicos universales. Es el caso de Teatro Clásico de Sevilla que inaugurará la feria con La estrella de Sevilla de Lope de Vega en versión y dirección de Alfonso Zurro; Teatro Corsario y su particular versión de algunos entremeses del siglo de oro español con Clásicos Cómicos. Una obra de Shakespeare, Coriolano a cargo de Aran Dramática y Los Gemelos de Plauto de Verbo Producciones, obra ganadora del Premio Ceres del Público del Festival de Mérida del pasado año. Y mucho más

Dos espectáculos sobre la Guerra Civil, Penal de Ocaña, versión teatral de la novela del mismo título escrita por María Josefa Canellada, “un calco de su propio diario de

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Del Lazarillo de La Chana

la Guerra Civil” en palabras de Ana Zamora, directora de la obra y de Nao D´Amores, y Ligeros de equipaje. Crónica de la retirada de Jesús Arbués que narra la historia de dos miembros del ejercito republicano que huyen al final de la guerra en una propuesta de Producciones Viridiana. Avanti Teatro por su parte pone en escena en El encuentro a Alfonso Suárez y Santiago Carrillo 37 años después de la guerra del 36. La controvertida poetisa argentina Alejandra Pizarnik es la protagonista de Prohibido mirar el césped de Guetto 13-26 y mujeres son también las protagonistas de Verano en diciembre, espectáculo que pone sobre el escenario la historia de una saga matriarcal de La Belloch Teatro escrita por Carolina África. Maki Escénica por su parte presenta en Hoy, última función a Ramón Barea e Itziar Lazkano como Nicéforo y Semíramis, un matrimonio de veteranos actores que se encuentran preparados para representar su última función. Desde Francia llega a la feria una propuesta muy especial, Palabras de actor, un espectáculo conferencia de Maurice Durozier, actor del Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine desde 1980 con el que ofrece al público un paseo por su largo recorrido como actor. Y también especial es la propuesta que los portugueses Companhia do Châpito hacen del Edipo de Sófocles gestualizando la conocida tragedia griega de forma cómica para poder escapar de su trágico destino. El humor es también el ingrediente principal de Mix de Spasmo Teatro y de muchas de las propuestas de teatro de calle como A su servicio de Tiritirantes Circo Teatro y Los secretos de Mr. Estromboli de El que ma queda de Teatre y L´Avalot Teatre.

The Cross Border Project parten del clásico Peter Pan para reflexionar sobre el paro y futuro de la juventud de hoy en Perdidos en nunca jamás, una obra dirigida al público juvenil y abundantes serán también las propuestas dirigidas a los más pequeños y al público familiar. El Ballet Contemporáneo de Burgos ofrecerá el espectáculo de danza La Danza y su pequeño público; La Quimera de Plástico por su parte pondrá en escena un texto de Luis Matilla, Entre pícaros anda el juego y Teatro Gorakada llega con la versión de un clásico, Aladdin. Otro cuento clásico, El traje nuevo del emperador de Xip Xap Teatre y propuestas educativas como Pintamúsica de Unics Produccions o Pinta, pinto de Ruido Interno. Danza, música y multimedia se funden en Burbujas de papel de Bácum Artes Escénicas y Visuales y para los bebés o primera infancia, La mar de vida de La Monda Lironda Teatre, Chíos de Teatro da Semente y Tarará - Tchim! de Passos e Compassos. La programación se completa con Peregrinación y Cindy, ambas de la compañía portuguesa Lafontana y dos propuestas musicales, Canciones de Titiriteros de los veteranos Titiriteros de Binéfar y Peu Meurray Los Tambores de Neumáticos de los brasileños Favelacult. Además cabe destacar los ‘III Premios Rosa María García Cano’, creados en memoria y recuerdo de la que fuera directora de la feria y que tienen como objetivo poner en valor el trabajo de los profesionales del sector en tres modalidades: la promoción de las artes escénicas para la infancia y la juventud, en la gestión cultural y en la visibilidad y promoción del sector que serán entregados durante la feria. w w w. a r t e z b l a i . c o m

MIÉRCOLES 13 22.30 h. MIÉRCOLES 6 22,30 h.

SERGIO DALMA AUDITORIO PARQUE ALMANSA

GAGFATHER AUDITORIO PARQUE ALMANSA

VIERNES 15 22,30 h.

VIERNES 8 22,30 h.

AL FINAL DE LA CARRETERA

INSATISFECHAS

AUDITORIO PARQUE ALMANSA

SÁBADO 16 22,30 h.

DOMINGO 10 22.00 h.

RAPHAEL

PETER PAN EL MUSICAL

AUDITORIO PARQUE ALMANSA

DOMINGO 17 18.00 y 19.30 h.

LUNES 11 22.30 h.

LA MALQUERIDA AUDITORIO PARQUE ALMANSA

MIÉRCOLES 20 22.30 h.

EL ENFRENTAMIENTO AUDITORIO PARQUE ALMANSA

VIERNES 22 22.30 h.

EL EUNUCO AUDITORIO PARQUE ALMANSA

DOMINGO 24 22.30 h.

LA BELLA DURMIENTE AUDITORIO PARQUE ALMANSA

MINUTOS TEATRO DEL CENTRO CÍVICO DE SANTIAGO DE LA RIBERA

LUNES 18 22.30 h.

UBÚ REY AUDITORIO PARQUE ALMANSA

LUNES 25 22.30 h.

LOCAS DE AMAR AUDITORIO PARQUE ALMANSA

04-05 | Presentación general 06-07 | La Malquerida 08 | El eunuco 09 | I nsatisfechas

Al final de la carretera

10 | Enfrentados 11 | Gagfather Minutos

12 | La bella durmiente 13 | Peter Pan 14 | Ubú rey

Locas de amar

15 | Sergio Dalma Raphael

Cuarenta y cinco Llevamos varios años enfrentándonos a esta feliz labor de hacer un suplemento del Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, lo que nos coloca en el privilegio de saber con cierta anticipación lo que va a suceder en la canícula en esta bella localidad murciana. Cuando llegamos a este punto específico de escribir este saluda, sentimos un calambre interior porque tenemos acumuladas imágenes y anécdotas, pero en esta ocasión lo que nos ha vuelto a una realidad palpable y extraordinaria es que estamos ante la edición cuadragésima quinta. Cuarenta y cinco ediciones, una detrás de la otra, configuran en sí mismas una historia del teatro. Una revisión de sus contenidos nos aclararía de manera fehaciente el desarrollo, la evolución programática de este evento singular, y ello nos llevaría, no a la nostalgia, sino a entender que los tempos han ido cambiando a un paso no siempre parejo, no siempre sincronizado con otras realidades paralelas. Pero de nuevo San Javier se abre a las experiencias escénicas de toda índole, con un estreno de la compañía murciana Alquibla, con exponentes de la comedia refrescante, la presencia de un histórico de la escena, Arturo Fernández, propuestas de música pop, musicales, para toda la familia y talleres de formación. Una oferta variada, encaminada a buscar diferentes públicos para cada programación, pero que en su conjunto busca interesar al máximo número de conciudadanos que encuentren el tiempo para el entretenimiento y el disfrute de las actividades culturales.

Est e suplem e n t o a c om pa ñ a a l a re vi st a Artez 198 de Julio / Agosto 2014

Carlos Gil Zamora

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Portada: Fotografía de la obra: La malquerida de Jaciento Benavente de Alquibla Teatro tomada por: Pepe H

Una ventana abierta para que entren los mejores aires escénicos

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El Parque Almansa será el centro de la actividad teatral que del 1 al 25 de agosto convertirá a San Javier, en el Mar Menor, en una cita obligada para los amantes de todas las artes escénicas. Una nueva edición que llega a la cifra de cuarenta y cinco y lo hace enmarcada en el mismo criterio general que su directora Inmaculada García ha dado a este evento y que se debe atender a una población veraniega creciente, lo que le dota de una excepcionalidad programática, con el deseo de poder equilibrar la balanza de gastos ingresos. Una de las principales características de este evento murciano es la colaboración con las compañías locales para la coproducción de un espectáculo, que este año ha sido con Alquibla Teatro, que además cumple treinta años de existencia, y que se presentará con el estreno de La Malquerida de Jacinto Benavente, con dirección de Antonio Saura, que narra una tragedia familiar construida entorno a un triángulo amoroso de carácter incestuoso. Un teatro del acerbo cultural español,

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un clásico del siglo veinte, revisitado para llegar a los públicos actuales. Por otra parte, como es habitual la ESAD de Murcia presenta un espectáculo con los alumnos de tercero, Ubú Rey de Alfred Jarry con versión y dirección de Gelen Marín, y por último el Grupo de Teatro San Javier, presentarán Locas de Amar de Paloma Pedrero dirigida por Leonor Benítez. Una gran producción que recorrerá los escenarios de los grandes festivales, y que hace su presentación en San Javier, es El Eunuco de Terencio en versión de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez y dirección de este último y con un amplio reparto encabezado por Anabel Alonso y Pepón Nieto, donde parece garantizado el humor. Y directamente como propuestas de humor nos encontramos con Gagfather de Yllana, la compañía con un estilo y un lenguaje escénico donde la comicidad explota a un ritmo trepidante, en un homenaje al cine negro y los gánsters y dos comedias ligeras, como son Insatisfechas con Miriam Díaz-Aroca y Belinda Washington con dirección de José Luis Iborra y Al final de la carretera de Willy Rossell con dirección de Gabriel Olivares y versión de Juan Carlos Rubio con Melanie Olivares. Casi como un género propio, en esta ocasión asumiendo toda la responsabilidad, Arturo Fernández presentará El enfrentamiento de Bill C.

EL TRABAJO DEL ACTOR: ESCENARIO Y CÁMARA Este año se ofrecerá del 4 al 6 de agosto, un taller de interpretación de carácter fundamentalmente práctico dirigido a personas interesadas en las

artes escénicas en general y en la interpretación en particular, que en principio no tengan la posibilidad de asistir a enseñanzas más regladas de escuelas de arte dramático y que deseen formarse en el ámbito de la interpretación. En este curso pueden aprender directamente de profesionales que darán clases magistrales donde les hablarán del entrenamiento actoral así como del desarrollo de los personajes que realizan. Como Carlos Santos y Cristina Alcázar, que facilitarán conceptos básicos de la interpretación frente a la cámara y podrán conocer el proceso de preparación y presentación a un casting de audiovisual. Juan Meseguer y César Oliva Bernal introducirán a los alumnos al método de las acciones físicas de Stanislavski y las claves de la interpretación teatral que ha evolucionado hasta el modelo que actualmente se sigue en el Actor´s Studio. Mientras Fulgencio Martínez Lax y Juan Pedro Campoy, analizarán conceptos y procedimientos que afectan al actor desde la escritura dramática hasta la puesta en escena.

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Davis, como actor y director junto a David Boceta. Para todos los públicos hay varias ofertas, la única que no se hace en el Parque Almansa, que se realizará en el Teatro del Centro Cívico de Santiago de la Ribera, Minutos, un espléndido y delicado espectáculo del payaso catalán Marcel Gros. Un musical Peter Pan a cargo de Innova Music con dirección de Fiorenza Ippolito y un Ballet, La Bella Durmiente, que trae la compañía aragonesa LaMov con coreografía de su director artístico Víctor Jiménez, que junto a las actuaciones estelares de dos grandes iconos de la música pop española, Sergio Dalma y Raphael, completan un programa que en sus detalles podrán ver en las páginas siguientes y que cuenta como es habitual con otras actividades paralelas.

LA MALQUERIDALUNES 11 de agosto

Una gran tragedia para celebrar treinta años sobre los escenarios

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Tres décadas o treinta años son los que cumple Alquibla Teatro sobre los escenarios, en la carretera. Una efeméride que la compañía murciana celebra con el estreno de un nuevo espectáculo, el 32 en su larga y fructífera carrera. Tras poner en escena a autores como Brecht, Shakespeare, Lorca, Büchner o Beckett y más cercanos como Emilio Carballido, Francisco Nieva, Ernesto Caballero o Lorenzo PírizCarbonell sube a los escenarios La malquerida, de Jacinto Benavente en versión de Alba Saura y bajo la dirección de Antonio Saura. Coproducida junto con el Festival Internacional de Teatro de San Javier y el Teatro Circo Murcia, esta obra pone en escena una tragedia familiar construida en torno a un triángulo amoroso de carácter incestuoso (madre, hija y padrastro). El elenco formado por Esperanza Clares, Allende García, Lola Martínez, Manuel de Reyes, Julio Navarro, Luis Martínez Arasa

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y Óscar Albert además de un coro en off, interpretan a unos personajes extraídos del mundo rural y telúrico en una situación emocional límite que mostrarán la historia de una pasión y sus consecuencias. La mujer es la protagonista de la acción por la dimensión trágica de sus personajes femeninos aunque pertenezcan a “un mundo de hombres”. Y es que tal y como apuntan desde Alquibla Teatro “en su génesis trágica aparece la edípica búsqueda de la verdad de Sófocles, el amor incestuoso de la ‘Fedra’ de Eurípides o el amor fraternal de la ‘Electra’ de Esquilo, así como temas heredados de los dramas del siglo de oro español: la honra, la justicia, los celos, la infidelidad y el que dirán tan español”. La Malquerida es pues la historia de un enfrentamiento entre la pasión prohibida de un amor incestuoso y las convenciones sociales y morales de una época que hacen imposible satisfacer ese deseo. La obra escrita

Ahora, Benavente Los motivos de elegir esta obra son múltiples. Para Alquibla Teatro Benavente es uno de los más importantes dramaturgos españoles de la primera mitad del siglo XX, “alabado por unos y denostado por otros, creemos que, pasados ya sesenta años de su muerte es hora de desechar inaceptables prejuicios (...) Benavente ha sido uno de los dramaturgos más influyentes en el teatro contemporáneo. que como diría Buero Ballejo, fue maestro de los que le han seguido y de los que le han negado. La Malquerida habita cada una de las obras de la trilogía de la Tierra de Federico García Lorca” afirman desde la compañía para añadir que “desde nuestra mirada contemporánea, este clásico abre interrogantes a los que, de momento, somos incapaces de dar respuesta: ¿Dónde está el límite de lo aceptado/ permitido/ posible? Qué argumentación utilizaríamos en la respuesta, fuere cual fuere, y con relación a qué condicionantes sociales o éticos, en el caso de que fuésemos capaces de responder”. En lo que la puesta en escena se refiere, Alquibla Teatro ha mantenido las constantes escénicas que ha desarrollado a lo largo de sus treinta años de trayectoria como compañía y con Antonio Saura como director al frente que no son otras que “el equilibrio

entre la tradición y la innovación; gran ritmo y dina-

mismo escénico; arrebatadoras interpretaciones que sitúan al actor en una situación límite; primacía del “hacer” artaudiano sobre en “decir” benaventino; la energía invisible a través de la fisicidad; impactantes imágenes; tratamiento universal del conflicto alejándolo de localismos; búsqueda de la emoción que golpee al espectador; creación de un ritual de confrontación de ideas, emociones y sensaciones y primacía del teatro de la emoción sobre el teatro de la evasión”. El equipo artístico de La Malquerida esta formado por Salvador Martínez, encargado de la música, el vestuario es de Carola Vintage y la escenografía de Adrián Liza y Cristina Laleggia mientras que el diseño de iluminación ha sido creado por Antonio Saura, director de este espectáculo y de Alquibla Teatro desde su fundación en 1984.

Fructífera trayectoria Desde su fundación Alquibla Teatro ha demostrado su fiel compromiso con el hecho escénico y ha creado 32 espectáculos de autores y temáticas diversas. Sus dos primeras obras fueron de Luis Federico Viudes ‘En un café de la unión’ y ‘Los amantes de Beniel’. En 1988 volvieron a poner en escena una obra de Viudes, ‘Contra Lujuria’ tras ‘Yamilé’ de Lorenzo Píriz-Carbonell, ‘¡¡¡Ochentamanía!!!’ del propio Saura y ‘Fuera de quicio’ de José Luis Alonso de Santos. A partir de 1990 llega el turno de obras de autores universales como ‘Woyzeck’ de George Büchner, ‘Baal’ de Bertolt Brecht, ‘Estos fantasmas’ de Eduardo de Filippo, ‘Esperando a Godot’ de Samuel Beckett, ‘Cuento de invierno’ y ‘El sueño de una noche de verano’ de William Shakespeare, ‘El fantasma de Canterville’ de Oscar Wilde, ‘Las amistades peligrosas’ de Choderlos de Laclos, clásicos grecolatinos como ‘Orestíada. Cenizas de Troya’ de Esquilo, Sófocles y Eurípides o ‘Anfitrión’ de Plauto y de autores españoles como ‘Bodas de Sangre’ de Federico García Lorca. Los 32 espectáculos son, en definitiva una carta de presentación que no necesita mayor explicación. Treinta años sobre los escenarios y con muchos más por delante para poder ofrecer grandes espectáculos de autores contemporáneos y universales.

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por Benavente, comienza con el asesinato del novio de Acacia el día de la petición de mano. La madre de la novia, de nombre Raimunda, intenta esclarecer lo ocurrido y sus investigaciones le llevan a descubrir una verdad que se le hará insoportable.

El Eunuco Viernes 22 de agosto

Humor desenfadado desde la Atenas Clásica

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Clásico entre los clásicos El eunuco de Terencio llega al festival tras su estreno en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Coproducida por el propio festival extremeño junto a Mixtolobo, Labasca 64 y Ciclán y bajo la dirección de Pep Anton Gómez, pone sobre el escenario a actores y actrices de reconocida trayectoria como Anabel Alonso, Pepón Nieto, Alejo Sauras, Jorge Calvo, Antonio Pagudo, Marta Fernández Muro, Eduardo Mayo, Jordi Vidal y María Ordóñez. El cuadro artístico se completa con Chevy Muraday y Asier Etxeandia y Tao Gutiérrez encargado de la coreografía el primero y de la composición musical los dos restantes mientras que el diseño de iluminación, escenografía y vestuario ha sido realizado por Miguel Ángel Camacho, Eduardo Moreno y Sandra Espinosa respectivamente. Jordi Sánchez y el propio Gómez son los autores de esta versión, una adaptación que ha convertido el clásico griego en una comedia en la que el humor y el disparate empapan la historia, ubicada en Atenas, desde principio a fin. El protagonista es un joven fogoso con las hormonas a flor de piel que se enamora de una esclava... Hasta ahí todo es normal si no fuera porque la esclava pertenece a una cortesana que tiene un

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amante que no es otro que el hermano mayor de ese joven fogoso que a su vez quiere hacerle un regalo muy especial a su amada. Un regalo verdaderamente especial, tan especial que es un eunuco. He aquí el comienzo del enredo. Y es que el joven fogoso decide hacerse pasar por el eunuco “de regalo” para poder conquistar a la deseada esclava. Pero aún hay más. Porque a todo esto hay que añadirle un criado que no quiere, una criada que no se entera, un soldado enamorado de un general, el general que tampoco se entera “si quiere carne o pescado”... Conclusión: esta versión dista considerablemente de la obra original de Terencio y la convierte en una divertida comedia, trepidante y “felizmente libre” como destacan Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez. Sobre el escenario nueve personajes locos, más bien enloquecidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, los celos y sobre todo... los equívocos, muchos, tal vez demasiados equívocos que se convierten en la salsa y el perejil de la historia. Nueve personajes y otras tantas historias que se entrecruzan para conformar un espectáculo que transita, sin rubor ni complejo alguno, por el teatro clásico grecolatino y el musical. Porque este particular Eunuco está también a caballo entre la comedia de situación y el vaudeville. Nueve personajes, nueve historias paralelas y entrecruzadas; un ritmo vertiginoso y endiablado. Y sobre todo humor, mucho humor. Un cúmulo de factores que persiguen un único objetivo: convertir esta obra en una fiesta para el público desde el primer minuto, hasta el final de la misma. Una visión desenfadada de una época. Una versión disparada de un clásico. Una cita llena de diversión y risas a raudales.

Insatisfechas viernes 8 de agosto

Una amistad sobre ruedas El trío formado por Miriam Díaz Aroca, Belinda Washington y Rubén Sanz protagonizan Insatisfechas, una aventura cómica dirigida por José Luis Iborra en el que vemos como dos amigas íntimas y casadas hace años, sienten que la vida no es como ellas pensaban, la felicidad es una gran mentira, el matrimonio es un aburrimiento y el sexo una rutina. Se sienten atrapadas en un estado de ansiedad constante que les va destruyendo poco a poco y les hace tomar una decisión drástica.. Ante esta desesperada situación toman la decisión radical de cambiar sus vidas: hacer un viaje ellas solas al estilo ‘Telma y Louise’. Huir, darse un respiro, dejar atrás el pasado y su presente e intentar buscar un nuevo futuro. Y qué mejor que coger la autopista con destino a Benidorm, y poner en marcha allí todos sus planes para comenzar una nueva vida... aunque finalmente,

no llegan ni a Albacete. La aparición de un hombre, que se ha visto obligado a vender su cuerpo para sobrevivir a la crisis, hace tambalear la amistad entre las dos mujeres. De pronto, en lugar de tranquilizarlas, ya que podría ser un estupendo remedio para satisfacer sus “inquietudes” carnales, se convierte en el espejo donde ellas se ven reflejadas. Y el reflejo que ven no les gusta nada, absolutamente nada. El viaje será un desencuentro constante, toda una aventura donde no tienen cabida los sueños fantásticos sino la realidad, aunque esa realidad no tiene porque ser sinónimo de insatisfacción sino más bien todo lo contrario.

AL FINAL DE LA CARRETERA VIERNES 15 DE AGOSTO

Gabriel Olivares dirige Al final de la carretera a partir de la versión de Juan Carlos Rubio de la divertida y amarga comedia de Willy Russell, autor de obras aclamadas y representadas en todo el mundo como ‘Educando a Rita’ o ‘Shirley Valentine’, maestro en mostrar las miserias del ser humano sin apenas darte cuentas, con una ligereza que termina sacudiendo lo más profundo de nuestro ser. Esta obra nos habla de la crisis que padecemos o más bien la

que sentimos al darnos cuenta que la vida no es, ni por asomo, como la habíamos soñado. A lo largo de una intensa y caótica noche los cuatro personajes protagonistas encarnados por los actores Melanie Olivares, Marina San José, Manu Baqueiro y Raúl Peña, irán poniendo las cartas sobre la mesa hasta asumir, no sin resignación, que aunque no tengas la vida que habías soñado quizá la que te ha tocado vivir en suerte no sea tan mala como creías. Rafa cumple cuarenta años y su mundo se desmorona ¿cómo escapar de esa vida “perfecta” que has construido? Mujer, hijo y chalet adosado con jardín. Aparentemente la vida ideal. La vida perfecta en nuestra sociedad. Pero la visita de sus disparatados vecinos, maravillosamente integrados en la mentira de la sociedad, y la insistencia de su mujer en que cumpla con sus obligaciones serán la gota que colma un vaso ya a punto de rebosar desde hace tiempo. Rafa no puede más y se avecinan cambios insospechados.

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Sin rastro de la visa soñada

Enfrentados miércoles 20 de agosto

Duelo interpretativo entre la veteranía y la juventud

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La aparición de un joven seminarista en la vida de un sacerdote que trastocará su rutina. Este es el argumento de Enfrentados espectáculo que presenta la Compañía Arturo Fernández y que protagoniza y dirige el artista asturiano. Escrita por el norteamericano Bill C. Davis en 1980 con el título ‘Mass Appeal’, esta obra fue estrenada por vez primera ese mismo año en Broadway y galardonada con el Premio del Círculo de Críticos. Estrenada en Londres dos años después con Rupert Everett como protagonista, fue también llevada al cine por Gleen Jordan con Jack Lemmon en el papel principal. Ahora Arturo Fernández hace lo propio y da vida al Padre José María Fanjul, un sacerdote católico de una parroquia situada en un barrio acomodado, un cura de gran carisma admirado y querido por sus feligreses. Pero el Padre José María comparte sus tareas en la iglesia con un programa televisivo en que todas las semanas debate sobre temas de actualidad, temas que prepara a conciencia y a los que le siguen debates abiertos tras su exposición. Además el Padre José María tiene un gran sentido del humor y fina ironía y entre sus aficiones destaca su gusto por el buen vino del que está bien surtido gracias a los regalos que le hacen sus adinerados parroquianos. El Padre José María representa los valores tradicionales de la iglesia católica aunque dado su talante abierto y tolerante es permeable a las demandas de cambio de la sociedad o de los sectores más progresistas de la propia iglesia. Pero... hasta cierto

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punto claro. Y es que la llegada de Tomás de la Casa, un joven seminarista apasionado y rebelde pondrá “patas arriba” la Parroquia de Nuestra Señora llevando al Padre José María a enfrentarse con el joven en una divertida lucha impregnada de humor. El permanente duelo interpretativo entre Arturo Fernández y David Boceta permanece a largo de toda esta comedia en la que el humor y la ironía se entremezclan con mensajes profundos. Al término de la representación Arturo Fernández recibirá, de manos del alcalde el Premio del 45 Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier galardón con el que se pretende distinguir, el palabras de la concejala de Cultura y directora del Festival, Inmaculada García, “su calidad como actor, y reconocer su exitosa carrera profesional en cine, teatro y televisión”. Y es que Arturo Fernández , conocido sobre todo por sus papeles de galán, lleva en el mundo de la interpretación más de 60 años durante los cuales son innumerables sus trabajos tanto en teatro como en el cine o la televisión.

Gagfather miércoles 13 de agosto

Desde los bajos fondos con humor Yllana Producciones, compañía con más de 20 años en escena proponiendo montajes en los que han tratado diversidad de temas y situaciones pero con el humor como denominador común en todos ellos, presenta Gagfather, todo un homenaje al cine negro y de gangsters donde su protagonista, un honesto ciudadano, se verá envuelto de forma fortuita en una rocambolesca trama de corrupción, apuestas ilegales y dinero sucio. David Ottone y Francisco Ramos dirigen esta propuesta interpretada por Fidel Fernández, Juan Francisco Ramos, Luis Cao, Juan Fran Dorado y Jony Elías, un elenco que invitará al espectador a adentrarse en los bajos fondos de una urbe, llena de personajes disparatados y situaciones delirantes, que permiten retratar desde el humor, pero no exenta de reflexión y sarcasmo, valores como el dinero, el poder y el valor de la amistad. Un tema universal para un espectáculo que, a través de gags e skteches, pretende hacer reír sin descanso y contar una historia de mafia y corrupción realizando una severa crítica al sistema en el que vivimos.

MINUTOS DOMINGO 17 DE AGOSTO

Las pequeñas cosas de la vida esencia del payaso, que puede tener la ironía de un bufón y el contacto con el público de un showman. En Minutos, durante aproximadamente una hora, el artista catalán deleitará al público con un trabajo que fusiona el arte del clown con el teatro de objetos, dando paso a este viaje hacia un mundo minúsculo, diverso y divertido. En él juega a imaginar árboles, animales y curiosos personajes. Cada escena es tratada por el artista como si fuera un pequeño cuento, los objetos son manipulados para darles vida, cada detalle adquiere la importancia que debe darse a las pequeñas cosas. Un espectáculo para disfrutar en familia en la que la esencia del clown hará las delicias de pequeños y mayores.

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A diferencia del resto de la programación que se escenificará en el Auditorio Parque Almansa, el clown Marcel Gros presentará su montaje Minutos el 17 de agosto en el Teatro del Centro Cívico de Santiago de La Ribera ofreciendo dos funciones, a las 18:00 y 19:30. Después de vivir diversas experiencias en el mundo del espectáculo como cantante, incursiones en el teatro de calle o en la televisión, Marcel Gros inició su camino en solitario en 1991 lo que le ha permitido una gran libertad de creación, sin perder nunca de vista la

la bella durmiente domingo 24 de agosto

En busca del beso mágico a ritmo de Tchaikovsky

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La peculiar forma de acercarse a las historias clásicas vuelve a quedar patente en La bella durmiente de LaMov Compañía de Danza. Al igual que ya lo hiciera con ‘La cenicienta’, en la que se combinaban el ballet clásico con la danza neoclásica, en esta adaptación del cuento clásico de Perrault revisado por los hermanos Grimm el director artístico de la compañía aragonesa, Víctor Jiménez ha creado una coreografía acompañada por la música de Tchaikovsky. Un espectáculo en el que propone una nueva visión del universal cuento por todos conocido, en el que la bella joven se pincha con una aguja y cae en un profundo sueño que solo podrá despertarse con el beso mágico que le dará un príncipe, con un lenguaje clásico pero renovado. El cuento por excelencia para describir el amor romántico es abordado por Jiménez desde la calidad técnica y artística y desde el estilo neoclásico que caracteriza a la compañía. Tal y como señalan desde LaMov “el amor soñado y verdadero se reflejará en un beso, porque sólo un beso real hará que la bella atormentada y hechizada despierte. Pero, ¿cuántos besos le darán hasta que se despierte?, ¿cuántos besos falsos harán falta para que llegue el verdadero

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amor?” y es que desde la compañía afirman que aunque suene a copla en esta Bella Durmiente “pasará algo así: la española cuando besa...”. Durante los 60 minutos que dura la obra el elenco de bailarines (todos ellos con un alta base técnica enriquecida con la formación en otros estilos coreográficos) formado por Vinnie Prisbey, Mattía Furlán, Elena Gil, Antonio Ayesta, Lura Lopez, Bianca Alcocer, David Valls, Lucía Muñoz, Pere Bodi y Ángel Cubero bailaran este cuento clásico entre los clásicos conduciendo al público del mundo real al onírico y expresando alegría, miedo al mal, inquietud producida por la larga espera y por último, la búsqueda de la felicidad y sobre todo, la esperanza ante la vida. LaMov Compañía de Danza nació en Zaragoza en 2008 bajo la dirección artística de Víctor Jiménez, quien ha trabajado con Maurice Béjart y ha sido bailarín solista de la Ópera de Lyon y de la Compañía de Víctor Ullate. Desde sus comienzos la compañía ha consolidado una trayectoria basada en el trabajo intenso, el rigor, la innovación, la vocación de globalidad y una profunda creatividad que le han llevado a crear espectáculos como ‘El trovador’, ‘Payasos divinos’ (formada por las piezas, ‘Payasos divinos’, ‘Como o vento’ y ‘Forget-Forgot-Forgotten’), ‘La cenicienta’ y esta ‘Bella durmiente’, todos ellos coreografiados por el propio Jiménez además de ‘Con nuestro cuerpo’, piezas del propio Jiménez junto con las de Antonio Ruiz y Davy Brun, ‘Dos’ de Jiménez y Francisco Lorenzo, ‘Momenta’ con piezas de Anthony Missen y Kevin Edward e Itzik Galili y ‘Babel’ otra creación realizada mano a mano entre Jiménez y Francisco Lorenzo junto con una pieza de Itzik Galili.

Peter pan el musical domingo 10 de agosto

Un cuento clásico en formato musical para disfrutar en familia do ganamos, no es solo eso, lo que nos intriga más bien es la capacidad del trasporte total de la emoción, proporcionando a nuestra versión una extraordinaria energía”. Para poner estas ideas ante el público, esta propuesta utiliza elementos que cobran vida, algo muy característico en la imaginación de los más pequeños. Para los niños y las niñas, cualquier ser vivo no humano puede hablar o cantar, incluso todo elemento y objeto inanimado puede cobrar vida. Y al igual que en los juegos de la infancia, en este espectáculo todo es posible. Esta visión es la que proporciona a esta puesta en escena agilidad y dinamismo que hacen posible el desarrollo de todas las acciones en escena. El elenco formado por diez artistas –cinco sopranos, dos tenores, un barítono, un niño y una bailarina de danza clásica-, darán vida a los quince personajes de este Peter Pan, personajes conocidos por el público como los inolvidables Peter Pan, Wendy, Campanilla o el Capitán Garfio y los no por ser tan conocidos menos maravillosos como los hermanos pequeños de Wendy, Juan y Miguel, los niños perdidos, Lamparita, Spunka y muchos más. Destacan de este espectáculo también la música y las canciones que se convierten en el motor de la historia. Canciones como ‘Mama Wendy’, ‘Queridas lamparitas’, ‘Puedes volar’, ‘Somos niños olvidados’, ‘Los Piratas’, ‘Un niño quiero ser’ o ‘Conmigo puedes volar’, harán que la emoción brote en el ambiente. Un espectáculo para disfrutar en familia en el que las niñas y los niños podrán disfrutar de la imaginación de un mundo lleno de fantasía y los más mayores tendrán la oportunidad de sacar al niño que llevan dentro y hacer realidad, por un momento el mundo de los sueños.

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El universal clásico de James Matthew Barrie, Peter Pan, sube a los escenarios en formato de musical de la mano de Innova Music en una adaptación y dirección de Fiorenza Ippolito, directora de escena especialista en ópera lírica italiana. Dirigido al público familiar este musical es una versión libre del clásico de Barrie, un espectáculo en el que se recrean las aventuras del conocido personaje infantil y en la que confluyen, al igual que en el original, la fantasía y la realidad, una historia en la que es protagonista la inocencia infantil del niño que se resiste a entrar en la vida adulta. La historia de este Peter Pan comienza cuando Wendy y sus dos hermanos conocen a Peter Pan un niño que tiene la capacidad de volar y que nunca crece. Juntos volarán hasta la isla de Nunca Jamás donde vivirán apasionadas y divertidas aventuras con maravillosos personajes como los Niños Perdidos, Campanilla y los Piratas y tendrán que luchar contra las maldades del temido Capitán Garfio. Tal y como explica Ippolito, “todos los juegos, incluso sus normas, para poder disfrutarlos son muy serios, de no ser así no sería divertido. Saber creer con todo tu corazón es la especialidad que identifica y delata la autenticidad del niño que vive en nosotros. Sufrir cuando perdemos, gozar cuan-

UBÚ REY LUNES 18 DE AGOSTO

Corrupción y abuso de poder Los alumnos de interpretación y dirección de la ESAD, Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia, escenificarán una versión de la obra Ubú Rey de Alfred Jarry, montaje que muestra un mundo lleno de corrupción y abuso de poder, circunstancia que guarda gran paralelismo con la situación actual. Esta adaptación parte de la farsa, un género que permite jugar con la teatralidad, explorar lo grotesco, lo exagerado y las contradicciones desde el humor. Todo ello sin perder de vista la verdad teatral, buscando que tanto las acciones como los personajes, resulten creíbles. La obra cuenta la historia de Padre

Ubú que, empujado por su ambiciosa esposa, mata al rey de Ñapania para ocupar su lugar, con el claro objetivo de enriquecerse. El grupo de Poderosso ‘rescata’ el país y coloca al Príncipe Alelao en el trono. Esta pieza dirigida por la alumna del tercer curso de Dirección Escénica de la ESAD Gelen Marín está protagonizado por alumnos de la misma. La propuesta fue la ganadora del Creajoven 2014 de Murcia el pasado mes de mayo. ‘Ubú Rey’ fue estrenada por vez primera por el propio Jarry el 10 de diciembre de 1896 en el Théâtre de L’Oeuvre de París. A partir de este estreno, el teatro experimentó cambios definitivos, rompiendo así con una fuerte tradición al renovar tanto la escritura dramática como los conceptos de puesta en escena, desde la iluminación, el vestuarios, la utilización de máscaras y la gestualidad actoral.

Locas de amar Lunes 25 de agosto

Rupturas que abren caminos

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El Grupo de Teatro de San Javier se encargará de clausurar el Festival con la puesta en escena de la comedia Locas de amar de la dramaturga, directora y actriz madrileña Paloma Pedrero y bajo la dirección de Leonor Benítez. En ella se da paso a una historia de una venganza de mujer, uno de los grandes temas de la dramaturgia universal que se convierte aquí en un delirio cómico. Locas de amar cuenta la historia de Eulalia, una mujer de mediana edad, tradicional, que se ve abandonada por su marido, Paco. Dolida por esta situación planea la venganza dejando de comer. Rocío, hija del

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matrimonio, desesperada ante la actitud de su madre, decide contratar a un psicólogo llamado Carlos, para que ayude a su madre a superar la ruptura. Con la ayuda del doctor Eulalia descubrirá una nueva forma de ver el mundo y la vida. Conocerá rincones de su cuerpo y de su alma que hasta entonces desconocía descrubiendo su fortaleza interior. Las relaciones entre los propios personajes, junto con la figura del mayordomo filipino de nombre Leonilo, darán lugar a disparatadas situaciones que hacen que el humor esté presente a lo largo de toda la representación. El poderío de la mujer, convertida en una persona independiente, con seguridad adquirida y mucho más delgada, hará que Eulalia encuentre su propia fuerza como “señora de nadie”. Un mensaje positivo para reforzar la autoestima de las mujeres.

Miércoles 6 de agosto

Al amor en toda sus fases Es Festival Internacional de Teatro, Danza y Música de San Javier arrancará con el concierto de Sergio Dalma, intérprete musical inmerso en una gira en la que presenta al público su nuevo trabajo, Cadore 33 un disco reposado y dedicado por completo al amor (en todas sus fases) y que parte de esas canciones con las que a lo largo de sus 25 años de carrera ha ido conformando su viaje profesional. Para la creación de ‘Cadore 33’, el disco número 16 de su carrera, ha tenido que realizar mas kilómetros que nunca para dar con las 11 composiciones perfectas. Vía Dalma y Vía Dalma II han ocupado casi cuatro años de su vida, disfrutando de un éxito que le ha dado mucho tiempo para buscar, pero al mismo tiempo colocaron el listón muy alto. Este último disco también se ha gestado en Milán, donde ha grabado sus tres últimos disco con el productor italiano Claudio Guidetti. En ‘Cadore 33’, Sergio Dalma ha fabricado el disco que reúne todo lo que trae a la espalda, todo lo hecho hasta ahora, con lo aprendido en estos viajes recientes, lo que le ha llevado a vestir un ramillete de canciones entre las que se encuentran ‘Si te vas’, ‘Tu mi bella’, ‘Recuerdo crónico’, ‘Volar sin ti’ entre otras.

sábado 16 de agosto

Nueva gira con temas históricos y desamor. Arreglos actuales, sorprendentes, vibrantes, con marcadas diferencias entre sí (algunos de ellos grabados con la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española), que acompañan a Raphael en esta enésima aventura cuya producción ejecutiva corre a cargo de su hijo Manuel Martos. La gira continuará por innumerables teatros y auditorios, entre ellos cinco conciertos del 8 al 12 de octubre en el Teatro Falla de Cádiz, otros cinco del 15 al 19 en el Teatro Cervantes de Málaga, tres del 23 al 25 en el Auditorio Fibes de Sevilla, así como en el Palacio de Festivales de Cantabria de Santander, el Kursaal de Donostia o el Palacio Euskalduna de Bilbao. Y tras muchas otras fechas por confirmar, como broche final, entre el 26 de noviembre y el 20 de diciembre estará en el Teatro Compac Gran Vía de Madrid. Asimismo, en 2015 tiene previsto continuar con la gira por diversos países de América..

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la actuación en el festival será una de las citas esenciales de la gira de conciertos De amor y desamor de Raphael que comienza oficialmente el 10 de agosto. A punto de cumplir la cifra de 55 años sobre los escenarios, el veterano artista quiere volver a brindar al gran público con nuevas versiones de canciones imprescindibles o temas históricos de su larga carrera profesional. Son tres los músicos que se han encargado de los nuevos arreglos y producción: Jacobo Calderón (“Qué sabe nadie’, ‘Amor mío’, ‘Ámame’), Paco Salazar (‘Será mejor’, ‘Provocación’, ‘No puedo arrancarte de mí’), y Fernando Velázquez (‘En carne viva’, ‘Desde aquél día’, ‘Frente al espejo’), hasta completar los quince temas que componen De amor

14 julio agosto XIII Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York

Escaparate de tendencias coreográficas en Burgos

el 23 al 25 de julio se celebrará la XIII edición del Certamen Internacional de Coreografía BurgosNew York, organizado por el Ballet Contemporáneo de Burgos y el Instituto Municipal de Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Burgos, con la colaboración del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes de España y la Fundación Siglo para el Turismo y las Artes de Castilla y León. Esta iniciativa mantiene los rasgos y contenidos que han configurado sus señas de identidad en años anteriores, defendiendo un perfil de “creador de movimiento” que sea capaz de aportar a la danza del siglo XXI aquellas líneas de trabajo, investigación y desarrollo que permitirán el avance de este arte entre los coreógrafos del mundo. Esta cita también posibilita el encuentro entre profesionales, organizando mesas redondas y conferencias, así como talleres de iniciación a la danza, proyecciones de vídeo-danza, cursos, exposiciones y otra serie de actividades, dando forma a una cita consolidada en el circuito nacional y europeo de festivales. creadores noveles

Un porcentaje destacado de las piezas presentadas a concurso es obra de creadores noveles, muchos de los cua-

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les han encontrado en el Certamen una buena plataforma y escaparate para la exhibición de su trabajo. Distintos estilos y tendencias, y otras propuestas en clave

de vanguardia y experimentación se dan la mano en alguno de los tres apartados de la competición. De hecho, el Certamen mantiene una apuesta clara por la danza urbana y sus manifestaciones juveniles próximas como la danza vertical y el grafiti, exponentes que sirven para acercar el arte del movimiento a la juventud y permitiendo captar nuevos púbicos para la danza. El Teatro Principal, Teatro Clunia, Paseo del Espolón, Plaza Mayor, Sala de Exposiciones Caja-Circulo y Plaza Virgen

del Manzano serán los espacios donde se escenificarán y desarrollarán las diversas actividades contempladas en esta decimotercera edición. El Certamen otorga anualmente distintos galardones a las mejores obras presentadas en las diferentes categorías a concurso. Para la presente edición han tenido que rebajar la cuantía económica de los premios otorgados, de esta forma, el primero de los galardones pasa de los 9.000 a los 7.500€. La concesión de estas distinciones es realizada por un Jurado Internacional en el que participan destacadas personalidades del mundo de la danza. Presidido por José Carlos Martínez se encargan de darle la gran proyección nacional e internacional que tiene esta competición. La presencia en el festival de programadores, productores y gestores de artes escénicas permite a los coreógrafos participantes en el Certamen mostrar sus últimas creaciones. Asimismo, el espectáculo ‘Coreógrafos del XXI’ reúne desde hace años una selección de obras vencedoras en el Certamen para girar por la Red de Teatros de Castilla y León, fuera de circuitos y redes convencionales.

14 julio agosto XXX Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia

Tres décadas de un festival referencial en Galicia

a MIT de Ribadavia cumple su 30 aniversario del 19 al 26 de julio y se presenta con la musicalidad –de objetos, palabra, ritmos, coreografías etc.– como artefacto para generar nuevas formas escénicas y capturar la atención del espectador exigente, crítico e inconformista. Además esta edición quiere ahondar en la experiencia que supone el teatro de proximidad con tres espectáculos Que vaya bonito de la catalana Teatro de Cerca, Diante do espello de Fran Godón –Premio Abrente 2013– a cargo de Uttópico Teatro y A 20 de novembro de Lars Norén en una propuesta de la portuguesa Artistas Unidos. La compañía Voadora será la encargada de inaugurar el festival con el estreno de su particular versión -ecléctica y contemporánea– de La Tempestad de Shakespeare, una coproducción de la MIT con la que se une a las celebraciones del 450 aniversario

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Götenborg además de los espectáculos Sudado y Alemania de los jóvenes autores y directores argentinos Jorge Eiro y Nacho Ciatti respectivamente. Premio del Público MIR 2011, Jashgawronsky Brother vuelven a Ribadavia para presentar Trash! al igual que Chévere que pondrá en escena su último trabajo, Viaxe ao país dos ananos y Ron Lalá hará lo propio con su particular versión musicalizada de la universal obra de Cervantes, En un lugar del Quijote. Pero habrá mucho UBU ROI de Cheek by Jowl © Johan-Persson más con lo que disfrutar: espectáculos para el público infantil y familiar del nacimiento del bardo de Avon. Otros de como DOT de Maduixa Teatre o Una niña de La Rous, el programa de apoyo a nuevas los platos fuertes de la muestra son UBU ROI, adaptación del clásico de Jarry realizacompañías con las propuestas de Babaluva, Títeres Cascanueces y Títeres Alakrán y do por la compañía que dirige Declan DoneTriatreros, la entrega del Premio de Honra llan, Cheek by Jowl y Le sorelle Macaluso, de la reconocida directora italiana Emma Dan“Roberto Vidal Bolaño” al mérito a las artes te en una coproducción del Teatro Stabile escénicas y como guinda a esta edición, un Espectáculo musical de clausura do 30 anidi Napoli, Théâtre Nacioanl de Bruxelles y versario da MIT a cargo de Os da ría. los Festivales de Avignon y Folkteatren de

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Circo sin fronteras

on objeto de desarrollar el circo contemporáneo en el espacio pirenaico se creó Pirineos de Circo, proyecto europeo de cooperación transfronterizo que actualmente reúne diez socios del Estado francés y español: MidiPyrénées, Aragón, Aquitania, Euskadi y Nafarroa. Dentro del mismo se desarrollan un conjunto de acciones e iniciativas, que se están llevando a cabo desde 2012 y que finalizan en 2014, para la formación, la creación y la difusión destinados a los profesionales del circo. Para este último año el proyecto Pirineos de Circo ofrece un generoso programa que incluye ‘Trashumancia’ con tres espectáculos programados y diez eventos de circo, la ‘Gira Caminos Emergentes’ que recorre la red de festivales de ambos estados, ‘Masterclases y Workshops’ para los artistas emergentes y ‘Encuentros transfronterizos’ para profundizar la colaboración con un nuevo proyecto. Tres de los cuatro momentos claves de Pirineos de Circo tendrán lugar a lo largo de la época estival tras el L´Européen de Cirques que se ha llevado a cabo del 23 de mayo al 8 de junio en Balma y en la Toulouse Métropole. Hablamos de Kalealdia del 2 al 6 de julio donde participará Cabaret Caminos Emergentes y se dará paso al workshop con la compañía francesa 220 Vols. Diversos municipios navarros acogerán del 27 al 31 de agosto el programa del Festival Más difícil todavía donde contarán con números que corresponden a Caminos emergentes y por último cabe destacar Circus campus del 16 al 20 de septiembre en Montseny, Catalunya, en el que se dará paso a una universidad de verano original para los alumnos de las escuelas de circo en formación profesional. Pirineos de Circo prepara el terreno para nuevas colaboraciones para las artes circenses en el espacio transfronterizo y más allá. Una de ellas es el proyecto Autopistes: Circus dissemination (2013-2015) financiado por el programa cultural de la Unión donde reúne a La Granerie, el Institut Ramon Llull de Catalunya y Suptopia en Estocolmo además de La Tohu de Montreal con idea de reforzar las redes de difusión en estas capitales para el circo. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Feria en Palma del Río

Bajo el lema ‘31 años en el alambre’ se presenta la última edición de la Feria de Teatro en el Sur que una vez más tendrá lugar en Palma del Río, con la participación de un total de 29 compañías de teatro de calle, circo, cabaret, flamenco, danza y teatro de sala más vanguardista del 1 al 4 de julio. Las compañías andaluzas siguen apostando por la Feria para presentar sus producciones, es el caso de La calabaza teatro y El artefacto, Compañía Maravillas y

Sub, el mundo de los ocultos, Dos lunas teatro y La niña que riega las albahacas, Mago Migue y M, Escenoteca y Los viajes de Guilliver, Teatro del Velador y Natta, o La Phármaco y La voz de nunca entre otros. El programa se completa con actividades paralelas que incluyen, entre otras, las Jornadas Internacionales de Artes Escénicas o las exposiciones ‘Andalucía viste su escena’ y otra con los carteles de la compañía Los Ulen.

Festival de Teatro Almada

La localidad lusa de Almada, situada en la margen sur del río Tajo, pegada a Lisboa, acogerá nada menos que la XXXI edición del Festival de Teatro, una de las grandes citas de la escena portuguesa, que este se desarrollará entre el 4 y 18 de julio. El teatro argentino más contemporáneo, presentado de la mano de seis jóvenes creadores, será uno de los principales atractivos de este año. Ignacio de Santis, Sergio Calvo, Bernardo Cappa, Nacho Ciatti y Jorge Eiró mostrarán por primera vez sus espectáculos acompañados por Romina Paula, quien cuenta ya con experiencia en los escenarios europeos. Pero la cita en su conjunto reunirá cerca de una treintena de piezas de compañías de Alemania, Croacia, España, Francia, Italia, Portugal y Reino Unido. Coloquios, conciertos, sesiones de cine y exposiciones completan la programación.

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Fringe14 de Madrid

Fringe14 tendrá lugar del 4 al 27 de julio en las instalaciones de Matadero de Madrid. La tercera edicición de este festival, que busca ser escaparate de lo más arriesgado que se está creando en el panorama escénico, ha recibido más de 500 propuestas de 32 países diferentes de las que se han seleccionado 60, una programación en la que además de las puestas en escena de la programación oficial tienen cabida actividades paralelas y gratuitas como varios talleres y charlas, Fringe Palabra (ciclo dedicado a la palabra en sus diferentes formas), la emisión de audiovisuales, conciertos y espectáculos para los más pequeños en Fringe Kids. Esta edición refuerza además su interés por la creación dramatúrgica motivo por el que durante el festival actores, directores y dramaturgos crearán piezas en diversos talleres y algunas de ellas se representarán junto al resto de la programación.

Mostra Cangas de Morrazo

Desde el pasado 27 de junio y hasta el 6 de julio se llevará a cabo la XXXI edición de la Mostra Internacional de Teatro Cómico y Festivo de Cangas de Morrazo, cita anual que propone una programación con propuestas de sala en el Auditorio y en espacios alternativos, así como en la calle, al tiempo que actividades paralelas que incluyen talleres de interpretación actoral tales como el impartido por Andrés Lima, la exposición ‘Acordaros de nosotras’ o las diversas entregas de premios. En julio, dentro de las propuestas previstas en el Auditorio se podrá disfrutar de O ocrocho de Ningures Producción el día 2, el 3 se dará paso a Tempestad de Barco pirata y el 4 a One hit wonders de la Compañía de Danza Sol Picó. El 5 Companhía do Chapitô escenificará su adaptación del texto de Shakespeare Macbeth y Chévere clausurará el programa el día 6 con Ultranoite no pais dos ananos.

14 julio agosto

El humor toma protagonismo en escena durante las fiestas

omo es habitual durante las fiestas patronales son los espectáculos de humor o musicales o ambos a la vez los que protagonizan las programaciones teatrales. Como muestra de ello es The Hole que durante los meses de julio y agosto se podrá ver durante las fiestas de San Fermín (del 2 al 13 de julio) en el Teatro Gayarre de Pamplona, del 16 al 20 de julio viaja a Donostia, al Teatro Victoria Eugenia para trasladarse del 30 de julio al 2 de agosto al Teatro Principal de VitoriaGasteiz y llegar a Bilbao, al Teatro Arriaga como plato fuerte de la Aste Nagusia del 14 de agosto al 6 de septiembre. “Un show fresco y descarado, mezcla de cabaret, teatro, burlesque, circo, música y humor, en un tono divertido, canalla, provocador y muy sensual. Una experiencia inigualable, una gran fiesta que pondrá patas arriba las noches de más de una ciudad, subiendo la temperatura y el ánimo a sus espectadores”. Así presentan Yllana, Lets Go y el actor Paco León impulsores de este espectáculo, The Hole en el que la música impregna el ambiente mientras se van sucediendo sugerentes stripteases, números circenses y una

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historia de amor dinamizada por un peculiar maestro de ceremonias encargado a su vez de organizar toda esta fiesta en su mansión, a la que acudirán sus invitados que serán agasajados por la Madame, los mayordomos y el personal de servicio. Todo ello con un objetivo: hacer pública su relación amorosa que... es poco convencional. El maestro de ceremonias, la Generala Madame, Pony Loco, María del Mar, Las supernenas, los mayordomos, Almon, y

los camareros son los personajes que irán desfilando sobre el escenario junto con los artistas invitados, que varían según la ocasión para ofrecer una velada en la que disfrutar con un show total. Pero la escena bilbaína ofrece también otras propuestas para el público a partir de mediados de agosto, en torno a la Aste Nagusia. En auditorio Euskalduna se podrán ver espectáculos como Confesiones de mujeres de 30, una comedia protagonizada por Mónica Pérez, Meritxell Huertas y Ota Valdés compuesta por monólogos de humor hormonales políticamente incorrectos basados en el texto del brasileño Domingos Oliveira. Carlos Hipólito y Luis Merlo por su parte protagonizan El crédito, obra de Jordi Galcerán dirigida por Gerardo Vera y producida por Trasgo Producciones, que narra la historia de un encargado de una oficina bancaria y un cliente que acude a solicitar un crédito. Txalo Producciones presenta Al final de la carretera una comedia amarga de Willy Russel (autor de ‘Shirley Valentine’ o ‘Educando a Rita’) protagonizada por Melanie Olivares, Marina San José, Manu Baqueiro y Raúl Peña. Disparate y sentido

julio agosto común en una historia de un hombre que cumple 40 años y... su mundo se desmorona. La programación del auditorio Euskalduna se completa con el musical Los Miserables y la zarzuela Los Gavilanes. El Teatro Campos Elíseos también ha preparado una programación para el mes de agosto que dará comienzo el día 14 con el show By the way de Goyo Jiménez monólogos de humor con un único objetivo: hacer reír al público. Le seguirá la presentación de una comedia de Miguel Mihura, Maribel y la extraña familia bajo la dirección de Gerardo Vera y Misión Florimón de Sacha Danino y Sebastien Azzopardi que dirigida por Yllana cuenta la historia de el Rey Carlos 2 “El Hechizado” que necesita un heredero para asegurar su dinastía... pero solo le queda una esperanza, Florimón, el mejor de sus agentes o por lo menos el único que le queda. Barakaldo y Santurtzi

Localidades cercanas como Barakaldo y Santurtzi también celebran sus fiestas patronales, en ambos casos a mediados de julio y ofrecen una programación en la que la comedia vuelve a ser la principal protagonista. El plato fuerte del Teatro Barakaldo es Taintantos, un espectáculo unipersonal escrito por Olga Iglesias y dirigido por Coté Soler en el que se aborda la lucha constante en nuestra sociedad contra el paso del tiem-

los públicos de la Cía. Antonio Díaz. juegos de manos originales y jamás vistos serán el pretexto para contar una historia que viaja en el tiempo en la que no faltarán magia visual, grandes ilusiones, magia de cerca y la teletransportación. Además el Orfeón Baracaldés presentará la conocida zarzuela Katiuska con dirección escénica de Eduardo Domíguez y musical de Mónica González. En Santurtzi por su parte y en torno a la festividad de el Carmen se han previsto espectáculos tanto de calle como de sala. En Serantes KulLas amistades peligrosas de Metatarso Producciones ©Ana Himes tur Aretoa Metatarso Producciones presenta Las amistades peligrosas la conocida obra escrita por Pierre Chopo, el deseo de controlarlo de que pase más derlos de Lacios y que fue llevada al cine rápido, más despacio o incluso se detenga. con gran éxito sube a los escenarios en una La obra, una coproducción encabezada por versión de Javier L. Patiño y Dario Facal con el Teatro Lara, está interpretada por Nuria González que da vida a una mujer de medirección del propio Facal y con Carmen Codiana edad, una bloguera de éxito y madre nesa, Cristóbal Suárez e Iria del Río como en estado de estrés y nerviosismo casi principales protagonistas. Una historia de permanente. Y es que Susana ha cumplido seducción y sexo, manipulación, conspira“taintantos” años y se da cuenta que se está ciones y crueldad. El Rey del Merengue por su parte es una haciendo mayor. Le acaba de dejar su novio ópera rock de Teatro Encrucijada en el que y se da cuenta que le está pasando lo que la protagonista es la parte más oscura el ser ha criticado durante toda su vida ya que ha humano. Una tragicomedia en la que los prollegado el momento de enfrentarse a imtagonistas irán mostrando sus debilidades y portantes preguntas como ¿Quién soy?, ¿a miserias sin pudor alguno en un ambiente dónde voy? o ¿quién es esa señora que me descarnado y lleno de misterio aderezada mira desde el espejo? Una comedia divertida con una trama policial con 16 actores sobre y ácida por momentos en la que se cuestioel escenario y música en directo. Las calles na el hecho de vivir agradando a los demás de Santurtzi serán también escenario de las sin, en realidad, quererse a si misma. Otra obras Potted de Cía. La Trocola Circo y Ende las propuestas con las que disfrutar en La gran ilusión , un espectáculo tredós de Cía Capicúa. Circo y buen humor Barakaldo es de ilusionismo poco convencional para todos para todos los viandantes.

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14 julio agosto

Comedias para disfrutar de un marco incomparable El Teatro Victoria Eugenia y el Teatro Principal de Donostia acogen producciones de éxito entre las que destacan las comedias

La importancia de llamarse Ernesto de Fundación Teatro Gayarre

arios éxitos de la temporada teatral estatal se concentran en la programación veraniega de Donostia. En el Teatro Victoria Eugenia se podrá disfrutar de espectáculos como The Hole (del que se informa en páginas precedentes) o La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde en una producción de la Fundación Teatro Gayarre. Dirigida por Alfredo Sanzol, que también se ha encargado de la adaptación del texto, la obra se presenta en una atmósfera divertida y catastrófica en la que queda patente el fino humor de Wilde con el que parodia las normas y la moral de la época. ¿Qué pensarían Beethoven, Mozart o Rossini si escucharan a Queen, The Beatles o a Iron Maiden? ¿Qué pensarían los compositores barrocos si tuvieran la oportunidad de hacercarse al mundo del rock? Barrockeros responde a estas preguntas presentándose como “una premonición musical”, un espectáculo musical que funde 60

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el rock con la música clásica y barroca. El monologuista y cómico Goyo Jiménez pondrá en escena En verdad os digo yo, un espectáculo mordaz y con grandes dosis de humor que ofrecerá al público una visión de la realidad y de como nos engañan constantemente de forma muy personal. Tras ser estrenada en el Teatro Arriaga el pasado otoño y haber recorrido los teatros de muchas ciudades, llega a Donostia El crédito, una comedia escrita por Jordi Galcerán y producida por Trasgo Producciones en la que sus dos protagonistas, encarnados por Carlos Hipólito y Luis Merlo, se enfrentan a un duelo interpretativo con una historia de candente actualidad: la crisis económica, la necesidad de créditos bancarios y la dificultad de conseguirlos. Dos son también los protagonistas principales de El estanque dorado, interpretados por dos grandes de la escena teatral: Lola Herrera y Héctor Alterio bajo la dirección de Magüi Mira y producción de Pentación. Una

obra que habla de la edad, el amor, la soledad o la risa desde la perspectiva de dos personas de avanzada edad. Una valiosa reflexión sobre lo difícil que es conseguir relaciones positivas. Y el amor es el nexo de unión con el espectáculo Hoy: el diario de Adán y Eva. El Cuervo en Milán y Pentación Producciones han llevado a escena la versión de ‘El diario de Adán y Eva’ de Mark Twain en versión de Blanca Oteyza, Miguel Ángel Solá y Manuel González que sube a los escenarios protagonizada por Ana Milán y Fernando Guillén Cuervo bajo la dirección del propio Solá. La historia transcurre en dos estudios de radio a los que separa una cincuentena de años, diferentes agobios y esperanzas pero un único dilema: el amor. Con un gran éxito de público y crítica se presenta ante el público donostiarra El intérprete de Factoría Madre Constriktor. Al frente Asier Etxeandia, que ofrece un viaje musical interpretado en directo de canciones de músicos que han marcado una

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época como Lucho Gatica, Chavela Vargas, David Bowie, Rolling Stone... Además en el denominado Victoria Eugenia Club se podrá disfrutar de los unipersonales Oroitza-Penak y Futbolisto baten konfidentziak de los conocidos intérpretes vascos Joseba Usabiaga y Zuhaitz Gurrutxaga y de Nick Maritxu, Nick Bartolo con Ylenia Baglietto y Ugaitz Alegria. Teatro Principal

También llamado Antzoki Zaharra será el lugar en el que se podrán en escena espectáculos en los que el humor es el principal protagonista. Es el caso de Enfrentados, una comedia protagonizada por el veterano Arturo Fernández que da vida al Padre José María, un sacerdote de gran carisma y buen talante que se verá en más de un aprieto con la llegada de un joven, apasionado y rebelde seminarista. Enrique San Francisco, Denny Horror y Javier Navares protagonizan Pasen y Beban, adaptación de la comedia ‘Thinking drinkers’ que produce Santiago Segura. Una divertida reflexión sobre la influencia del alcohol en la historia, la literatura, el arte, el amor... y la vida.

Y gamberra es también Una boda feliz, en la que Roberto, un soltero empedernido que se enfrenta a una difícil situación: para recibir una jugosa herencia de una tía lejana debe casarse en el plazo de un año... por lo que decide dar el paso y concertar un matrimonio de conveniencia con su gran amigo Lolo. Agustín Jiménez y Txabi Franquesa son los protagonistas de esta comedia que se convertirá en una gran pesadilla. Completa la programación escénica de los meses de julio y agosto de Donostia la

versión en euskara de una obra de Juan Carlos Rubio, 100m. Karratu. Ramon Agirre, Iñake Irastorza y Ana Elordi dan vida a los tres protagonistas de esta comedia. Y es que Sara por fin ha encontrado la casa que lleva tanto tiempo buscando. Ha decidido comprarla pero en el contrato hay una cláusula especial: su dueña, de 65 años de edad, vivirá en ella hasta su fallecimiento. Una comedia llena de humor, situaciones divertidas, emoción y amistad.

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julio agosto

Teatro Morfeo en el Nuevo Apolo de Madrid

ras su paso prácticamente por todos los festivales de teatro clásico del panorama estatal Morfeo Teatro rematará el verano con una estancia durante algo más de un mes, desde el 26 de julio y hasta el 31 de agosto, en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid para representar su último montaje La escuela de los vicios, estrenado a primeros de este mismo año. La propuesta está basada en las ‘Sátiras y Discursos políticos’ del genio del Siglo de Oro Francisco de Quevedo, escritos que en su momento lograron gran éxito, provocando diversas polémicas, entre las que no faltaron acusaciones de obra subversiva. Los propios integrantes de la compañía destacan que “cuatro siglos después no hemos cambiado tanto. A él le llevaron a la cárcel por sus escritos... a nosotros, a hacer un espectáculo”. Tres personajes protagonizan esta ácida y mordaz comedia con tintes sardónicos, que presenta a un extravagante diablo cojuelo esperando a dos necios a los que cautivar con su “escuela de los vicios”, la única en la que los alumnos cobran por

aprender. Las titulaciones serán: bachiller en mentir, licenciado en engañar, doctor en robar y catedrático en medrar. Los dos necios se meten de lleno en el aprendizaje por el generoso acuerdo propuesto, con-

siguiendo excelentes resultados, y mucho más allá de sus expectativas lograrán ser nombrados ministro y magistrado respectivamente, aunque el diablo tiene una última y sorprendente enseñaza...

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14 julio agosto Luz negra

Josu Montero

Lecturas para el verano

o que me propongo hacer aquí, es proponerles una serie de libros con que disfrutar este veranito. “Niebla” y “Platero y yo”. Se cumple un siglo de la publicación de estos dos libros señeros. Del primero os animo a leer al menos esas páginas casi finales tan conocidas pero tan poco frecuentadas en las que el protagonista, Augusto Pérez, acude al domicilio de su creador, Don Miguel de Unamuno, buscando respuestas, pidiendo explicaciones por el fracaso de su existencia (ficticia). Del libro del burrito suave y peludo de Juan Ramón os reto a leer esos poemas en prosa intentando que su lirismo un tanto excesivo no tape la crítica a las instituciones establecidas, al borreguismo popular y a los desmanes de la industria en la tierra y en las gentes. De la dramática muerte de Antonio Machado se cumplen 75 años; más allá de su siempre poderosa poesía, os invito a echar un vistazo a su teatro, escrito al alimón con su franquista hermano Manuel: “La Lola se va a los puertos” o “La Duquesa de Benamejí”, con un encanto un tanto kitsch; o las más serias “Las adelfas” o “El hombre que murió en la guerra”. En 1904, hace 110 redondos años, murió Antón Chejov. No hace falta, espero, animar a nadie a leer su escueta producción teatral o sus magistrales relatos; os voy a animar, eso sí, a leer un relato de otro autor de cuyo nacimiento se cumplen 75 años, me refiero a Raymond Carver, uno de cuyos últimos y mejores cuentos narra con exquisita delicadeza las últimas horas de la vida de Chejov. “Tres rosas amarillas” es un relato de belleza sutil, lleno de detalles luminosos. También en 1904 publicó otro dramaturgo la que es seguramente su mejor novela: “El difunto Matías Pascual”, de Luigi Pirandello; la historia de un hombre, un triste bibliotecario, privado de identidad, que intenta volverse a construir desde cero, el muy iluso. También os recomiendo los tres tomazos de su obra cumbre narrativa: “Cuentos para un año”; intentó escribir 365, pero la muerte se lo impidió. El siciliano, proteico y multiforme, en estado puro. Hace también un siglo que Joyce publicó “Dublineses”, un libro de relatos que se cierra con el inolvidable y conmovedor “Los muertos”: háganme caso, léanlo. Jhon Huston dedicó sus últimos días de vida a convertir este cuento en un pedazo de película. “No tengo dinero ni recursos ni esperanzas. Soy el hombre más feliz del mundo. Hace un año pensaba que era un artista. Ya no lo pienso, lo soy. Esto no es un libro. Es un libelo, una calumnia, una difamación, un insulto prolongado. Voy a cantar para vosotros; desentonando un poco tal vez, pero voy a cantar”. En 1934, hace 80 años, Henry Miller publicó “Trópico de Cáncer”; más allá de los asuntos del sexo, es una novela plena de energía verbal y vital. A no perdérsela. Joseph Roth murió en 1939, hace 75 años; doblemente apátrida, exiliado de casi todo, salvo del alcohol y de la literatura, vagabundo terminal en aquel París de preguerra, aferrado a una mesa del Café Tournon, escribió esa miniatura maestra que es “La leyenda del santo bebedor”, y que Ermano Olmi llevó al cine con fortuna. “Érase una vez una patria, una patria verdadera, a saber: una patria para los apátridas, la única patria posible”. Brindemos por él. Os propongo ahora un reto difícil pero absolutamente gozoso. El mexicano Octavio Paz vino al mundo hace exactamente un siglo; más allá de sus brillantes y audaces ensayos, Paz es ante todo poeta: os invito a leer

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los 584 endecasílabos de uno de sus poemas más luminosos. “Piedra de sol” es el poema total, en busca de una plenitud existencial que atraviesa también las oscuridades; un desafío al lenguaje y a la razón porque sólo la poesía puede decir lo esencial: vislumbrar en el cambio la identidad. Y os propongo completar este viaje de Paz con el de otro poeta; se cumplen 70 años de la publicación de la obra cumbre de T.S.Eliot, “Cuatro Cuartetos”: “The Dry Salvages”, “Burnt Norton”, “East Coker” y “Little Gidding”; otro fascinante intento de atravesar y anular el tiempo. Volvemos a USA. Hace 75 años escandalizó Steinbeck a sus compatriotas al publicar ese tremendo alegato contra el capitalismo más explotador y abyecto, “Las uvas de la ira”, la gran novela sobre aquella otra Gran Depresión; en su condado californiano natal prohibieron y quemaron la novela. John Ford la llevó al cine, y hace nada Miguel del Arco triunfó con su versión teatral de otra novela del americano: “De ratones y hombres”. “Al principio escribir fue muy divertido. Dejó de serlo cuando descubrí la diferencia entre hacerlo bien y mal; luego hice otro descubrimiento más alarmante todavía: la diferencia entre escribir bien y el arte verdadero; es sutil, pero brutal”. Esto lo escribe Truman Capote, tan soberbio –en los dos sentidos del término- como genial. Capote nació hace 90 redondos años y murió hace justo 30. Lo escribe en el prólogo de un libro más que recomendable, una de las obras fundacionales del Nuevo Periodismo: “Música para camaleones”. En un accidente de tráfico cerca de Gasteiz falleció en 1964, hace 50 años, uno de los grandes transformadores de la narrativa española del siglo XX, Luis Martín Santos. Donostiarra de adopción y residencia, a este médico psiquiatra le bastó una novela, ese rupturista ejercicio de lujuria verbal y narrativa que es “Tiempo de silencio”. Un viaje rápido a Latinoamérica. Cortazar nació hace justo un siglo y murió hace 30 años. Leer a Julio es una fiesta de las palabras y de la imaginación. Les animo a hojear al menos alguna de esas obras audaces en las que llevó a la práctica eso de la crisis de los géneros: “La vuelta al día en 80 mundos”, “Último round” o “Los autonautas de la cosmopista”. Y uno sólo de sus relatos, no uno de los más conocidos, un prodigio titulado “La isla a mediodía”. Búsquenlo. Onetti murió en su legendaria cama hace 20 años; esa cama en la que casi sin abandonarla pasó sus últimos años. Leyendo, bebiendo y fumando. En su humilde piso de la Avenida de América de Madrid. Exiliado de todo y rodeado de un mundo hostil, en medio del deterioro; como tantos de sus personajes, el Brausen de esa joya titulada “La vida breve”, un fascinante y terrible juego de espejos, historias dentro de historias, personajes creados por otros personajes: al borde del abismo sólo nos salva buscarnos en el hondo y oscuro pozo de la creación. No se pierdan tampoco relatos como: “El infierno tan temido” o “Tan triste como ella” o “Justo el treintaiuno”. A esta poliédrica y aleatoria lista de libros para el asueto veraniego podría sumársele según gustos: “La insoportable levedad del ser”, de Kundera, que cumple 30 años; “Buenos días, tristeza”, de la Sagan, que cumple 60; “El sueño eterno”, de Chandler, 75; “La montaña mágica”, de Mann, 90 años. O cualquier obra de genios como Kafka, fallecido hace 90 años; o Marguerite Duras, nacida hace un siglo. Que les aproveche.

julio agosto

Vivir para contarlo

Virginia Imaz

La bertsolaritza en la Maratón de Cuentos de Guadalajara

l Maratón de los Cuentos de Guadalajara 2014 cerró su vigésimo tercera edición el pasado 15 de junio con un balance más que satisfactorio en afluencia de público. Durante 46 horas ininterrumpidas, miles de personas escuchamos cuentos. En esta edición se han contado casi 800 historias y alrededor de 1.300 personas, entre profesionales y aficionados, hemos pasado por el escenario del Palacio del Infantado para contar un cuento. Como en ocasiones anteriores la presencia internacional fue un verdadero lujo: Brasil, (Contacausos), Chile (Sandra Burmeister), Alemania (Mónica Klose), Reino Unido (Simón Talbot) e incluso una española afincada en Finlandia (María Seerano) llenaron el viernes en el ciclo «Narradores Inauditos» junto con nuestros Inés Bengoa, Ppepepérez, M. Ángel Montilla o Teresa Arnedo. El sábado durante el Festival de Narración Oral, se escogieron cuatro apuestas muy diferentes entre sí. El catalán Ignasi Potrony, en su faceta de artista interdisciplinar (teatro, títeres, coordinador de actividades culturales, ciclos de narración, entre otros), presentó en Guadalajara el espectáculo ‘Así fue’, donde recopila relatos de la tradición oral. Por su parte, el franco-costamarfileño Adama Adepoju, presentó su espectáculo ‘H2O Palabras de Agua’ lleno de vitalidad y alegría. Bajo el apodo de ‘Taxi-Conteur’ (contador de taxi), recitó, bailó y cantó en francés, traducido al castellano por el narrador Carles García. La conmovedora Michèle Nguyen nos presentó su espectáculo ‘Vy’ donde abriendo el gran libro del pasado “recordó” ficcionalizada sin duda, pero con una honestidad emocional más allá de las palabras, una infancia arrullada por la feroz presencia de su abuela. Y para acabar, el rapero Chojin puso el cierre al XVIII Festival Internacional de Narración Oral rapeando a propósito de la historia de esta peculiar forma de repentizar en verso. Mientras, el maratón de cuentos continuaba en el Palacio del Infantado y se sucedían los maratones paralelos, como el de fotografía, gracias a la Agrupación Fotográfica de Guadalajara; el radiofónico, con Radio Arrebato emitiendo el Maratón de los Cuentos a todo el mundo o el de la ilustración. Además de la muestra de cine con el ciclo de Requetecortos ofrecida por el Fescigu. Y también la palabra viajera, cuando los cuentos salen de su Palacio y van a hospitales, residencias… etc. El fin de semana del maratón cerró además el maratón viajero donde cuenteras y narradores como Eugenia Manzanera, Légolas, Carlos Alba, Ana García Castellano, Mercedes Carrión, Alicia Merino, Pablo Albo, Charo Jaular, Emma López o la Compañía del Saco fueron a contar cuentos a 13 pueblos de la provincia de Guadalajara. Y más, todavía hay más, los Monucuentos o dícese de algunos monumentos de la ciudad, que se convirtieron una vez más, en lugares encuentados. Charo Jaular, La Caperuza Roja, A. Hurtado. La Perla, Patty Yerovi, Aurora Maroto o Joxe Mari Carrere contaron en palacios, capillas y criptas. Y mientras espectáculos en la calle para chicos y grandes: música, pasacalles, libros, artesanía, talleres, magia… Y la Chimenea de los cuentos en los jardines del Palacio, para espontáneos.

Este año, el tema era el agua y la organización del Maratón destacaba cuánto se parecen los cuentos y el agua. Ambos han fluido y fluyen desde las raíces de la Tierra y desde el comienzo de los tiempos. Y los cuentos, como el agua, muestran muy diferentes formas según los lugares en los que se cuentan aunque esencialmente apelen en todos los rincones del Planeta a la misma necesidad que tenemos los seres humanos de contarnos al mundo y de contarnos el mundo. Tanto el agua como los cuentos están siempre cambiando, así que de la misma manera que Heráclito decía que nunca te puedes bañar dos veces en el mismo río, tampoco puedes volver a escuchar el mismo cuento dos veces. La segunda vez que escuchamos el cuento o el propio cuento ha cambiado o nuestra percepción lo ha hecho. Escuchar el cuento la primera vez ya nos ha cambiado. Especialmente hermosa y conmovedora, ligada con el tema de este Maratón fue la exposición Cuaderno de Olas: caracolas y palabras de la extraordinaria narradora Estrella Ortiz. Se trata de una colección de poemas visuales donde cada pieza guarda el rumor del poema que le ha servido de inspiración. La exposición estaba acompañada de forma intermitente por una “pieza oral”: la narración en directo de las historias y poemas por parte de la autora. Para mí lo que pasa en Guadalajara durante el Maratón de cuentos siempre tiene algo del orden de lo “milagroso”, de lo paranormal. La maravilla se sucede, se desarrolla, se multiplica… y a veces me parece que me voy a desmayar ante tanta belleza. Una intensidad poética tan alta y mantenida durante tanto rato me agita, me agota y al mismo tiempo me carga la pila. Como lo que ocurrió en la sección de conferencias, un espacio teórico para activar la reflexión en torno a la narración oral. El sábado 14 Blanca Calvo presentó la película documental Bertsolari de Asier Altuna. Yo ya la había visto, pero me emocioné hasta las lágrimas en varias ocasiones, especialmente por estar viéndola en el contexto de … ¡el Maratón de cuentos de Guadalajara! En mi opinión, este encuentro entre diferentes actividades emblemáticas de la oralidad fue histórico. El desconocimiento sobre el hacer de los y las bertsolaris es muy generalizado y claro, mucho más fuera de Euskal Herria, y sin embargo, narradores y cuenteras compartimos con la bertsolaritza el objetivo de emocionar tan solo con palabras y silencios. Miren Amuriza intervino en el coloquio posterior y también en el Palacio del Infantado realizando una pequeña muestra de repentización bertsolarística, traducida por Jose Mari Carrere. Estuvo regia. Fue uno de los momentos más emocionantes de este Maratón, cuando menos para mí. En los silencios antes de lanzar cada bertso, podía sentir el aliento del auditorio tan conmovido e impactado como yo misma, la piel de gallina, la mirada encendida y húmeda, la risa preparada, el aplauso entusiasta… y el latido del corazón a punto de salírseme del pecho. Mi corazón latía de orgullo y de intensa gratitud por este reconocimiento a una práctica de oralidad tan ancestral como desconocida. ¡Mil gracias Guadalajara! w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 julio agosto Jorge Dubatti

Literatura transformada en Teatro

n esta temporada 2014 dos espectáculos teatrales de Buenos Aires se apropian, de diversas y creativas maneras, de textos literarios: El viaje de Hervé, de Bruno Luciani, es una versión de la novela Seda de Alessandro Baricco; Café irlandés, de Eva Halac, reelabora de forma muy original la novela Santa Evita de Tomás Eloy Martínez y el cuento Esa mujer de Rodolfo Walsh. No sería preciso ni justo caracterizar El viaje de Hervé como una simple adaptación teatral de la novela Seda de Alessandro Baricco. En realidad se trata de un espectáculo nuevo y original “a partir” del texto del gran escritor italiano, cargado de diferencias. El viaje de Hervé se vale de los recursos del teatro del relato, del teatro de títeres y objetos y del teatro musical para contar a un puñado de veinte espectadores, de otra manera, la historia de Hervé Joncour, Baldabiou, Madame Blanche y “el camino de la seda” desde el pequeño pueblo francés de Lavilledieu. El teatro no es mero soporte o vehículo de la literatura: es un fin en sí mismo. Entonces El viaje de Hervé no es ni una puesta en escena ni una ilustración del texto de Baricco; es una inteligente ampliación, multiplicación y redimensionalización de su universo en direcciones inéditas, que lo hacen ciertamente insoslayable. No alcanza con leer la novela: hay que ver El viaje de Hervé e intervenir en la singular zona de experiencia que funda como acontecimiento teatral. El grupo Ladrones de Quinotos -integrado por el director Bruno Luciani, la actriz Rita González, el actor-titiritero Gerardo Porión y el músico Maximiliano Cánepa, junto al equipo creativo de Valeria Narváez (coreografía), Mariano Pirato Mazza (música original), Isabel Gual (vestuario y escenografía), Luli Fliess (caracterización) y Rocío Gómez Cantero (asistencia de dirección)- propone un acontecimiento teatral único en el que el espacio de Querida Elena, una antigua casa del barrio de La Boca intervenida artísticamente por el plástico Eduardo Spíndola, es otro gran protagonista. La primera diferencia destacable es la forma teatro del relato, es decir, el trabajo con la combinatoria de narración y escena, con una vuelta de tuerca singular: quienes cuentan la historia de Hervé son nada menos que los personajes de Baldabiou y Madame Blanche (que en el texto de Baricco, según recordamos de la lectura de la novela, no aparecen en contacto directo). Como si la novela Don Quijote nos fuera contada teatralmente –por ejemplo- por el bachiller Sansón Carrasco y Aldonza Lorenzo encarnados en personajes teatrales. La nueva estructura teatral genera en El viaje de Hervé un juego textual y de planos imaginarios de gran potencia, por el que el espectador puede desplegar especulativamente algunos interrogantes muy productivos para la ficción: ¿Baricco escuchó contar la historia de Hervé a sus otros personajes?, ¿es El viaje de Hervé una “continuación” o “segunda parte” de Seda con muchos elementos implícitos, en la que Baldabiou y Madame Blanche se han relaciona-

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do para homenajear a Hervé?, ¿han leído los personajes de Baricco la novela de Baricco y, encarnados, cuentan como juglares la historia gestada por su creador? El viaje de Hervé es una contundente constatación de que el espacio poético tiene la capacidad de multiplicarse infinitamente. Cuando se ingresa al primer patio de Querida Elena, traspuestos el zaguán y la boletería, se entra en Lavilledieu: desde el patio los espectadores ya pueden ver en una habitación a Baldabiou, el músico y a Madame Blanche maquillándose y preparándose para la actuación-narración. Otra vía sensorial, material, para el viaje a Lavilledieu es el delicioso vino especiado (raro “blend” en el que confluyen muchos sabores naturales, elaborado por el mismo Luciani) con el que se invita a los espectadores mientras esperan, bebida que –luego lo sabremos- toman los habitantes de Lavilledieu (y que asume en el teatro el lugar del Pernod de la novela de Baricco). La segunda diferencia fundamental es la transformación de Hervé en un títere de rostro neutro, manipulado por Porión (titiritero de avezada técnica, integrante de otro gran espectáculo titiritesco, Soy solito, y egresado de la Universidad Nacional de San Martín). El diseño del títere y su manejo son tan logrados que aparece, prodigiosamente, sobre su rostro casi liso, la esperada “mirada” del títere, la sensación de espiritualización de la materia inerte. Por otra parte, es un gran acierto transformar a Hervé en títere y ponerlo a interactuar con los actores, el músico y otros objetos, porque por su naturaleza el títere propone una “desmaterialización” del cuerpo orgánico del actor, es decir, contribuye con una mayor abstracción del cuerpo del personaje, rasgo que afianza la dimensión poética del viaje esencial del teatro. Animación de la materia muerta y desmaterialización del actor, procedimientos que fascinaron a Maeterlinck y a Kantor, operan aquí plenamente. Ojalá Alessandro Baricco pudiera viajar a Buenos Aires –o viajar la obra a Italia- para verlo. Además Baldabiou saca a Hervé de una valija, hecho que alude al trabajo trashumante del “teatro de valija”, como el de la misma compañía Ladrones de Quinotos. La música, compuesta por Pirato Mazza e interpretada por Cánepa, aporta la tercera entre las principales diferencias de El viaje de Hervé con la novela. La música instala un espesor de acontecimiento que no “acompaña” meramente las acciones, sino que las transporta al plano poético como si fuera una alfombra mágica. La música del espectáculo está plenamente integrada a la estructura rítmica de la obra, revela el carácter esencial del viaje de Hervé y contagia a los espectadores, es una metáfora central del espectáculo, mundo paralelo al mundo, en el sentido original de la palabra metáfora: transporte, mudanza a otro plano de realidad. Contribuye a fundar ese tiempo otro –propio de los buenos acontecimientos teatralesen el que el espectador siente que ingresa. Finalmente, como cuarta diferencia, hay que valorar el espacio de

julio agosto

Postales argentinas Querida Elena, en el que el espectáculo se integra a la dimensión doméstica de la vieja arquitectura apenas reciclada, el artificio del arte de Spíndola y la naturaleza de las plantas del jardín (que de pronto dejan caer sus hojas otoñales sobre la escena). A ese sistema complejo y tan significativo se suma una “dramaturgia del azar” que proviene del afuera (el barrio de La Boca): sirenas de ambulancias y bocinazos que llegan de la avenida Patricios, el ladrido de algún perro, la cumbia lejana de la radio de un vecino, que por contraste revelan más aún la acción poética del espectáculo, sin afectar la fortaleza de su tiempo propio. En suma, teatro de valor excepcional, excelente por donde se lo mire. Coherentemente con su planteo temático, la poética de Café irlandés, de Eva Halac (en el Centro Cultural San Martín), propone un juego de apariencias y realidad que atrapa al espectador con excelencia teatral y narrativa, y lo sumerge (y deja) en un revelador estado de reflexión. Porque tras su apariencia de “teatro histórico” (sobre el episodio-fuente del secuestro del cadáver de Eva Perón, que detona en 1961 la investigación periodística de los jóvenes Rodolfo Walsh y Tomás Eloy Martínez, quienes más tarde escribirán sobre el hecho el cuento “Esa mujer” y la novela Santa Evita), y tras su apariencia de “policial negro” (pregnante combinación de la historia de un crimen –político- con la historia de una investigación que busca, sin éxito, desentrañar ese crimen poniendo en peligro a los investigadores), Café irlandés es, en realidad, una obra filosófica. Pensamiento y política van aquí de la mano, porque la preocupación central que encarna Café irlandés radica en iluminar la tensión entre realidad y ficción, entre historia y mito, entre verdad mentirosa y mentira verdadera, como materias presentes en el espesor de nuestra existencia cotidiana y en la construcción de nuestras representaciones sobre el pasado. Metáfora de un problema sistémico del presente mundial, consecuencia del neoliberalismo: la realidad usurpada por la mediaticidad, la sociedad transteatralizada, los comportamientos humanos determinados por la consumición televisiva de la publicidad y los noticieros operadores de las corporaciones. Café irlandés funciona como un observatorio del ser o no ser de la realidad y de nuestras existencias. Hemos encontrado este mismo eje temático, con variaciones, en otros muchos espectáculos del teatro argentino actual: 4d óptico de Javier Daulte, Todo y Apátrida de Rafael Spregelburd, Fauna de Romina Paula, Mi vida después y Melancolía y manifestaciones de Lola Arias, Cineastas de Mariano Pensotti, también son miradores ontológicos. Lo invariante evidencia una preocupación recurrente y compartida, que ha transformado el teatro en un lugar de revelación del espesor complejo del ser: un teatro que problematiza y muestra la complejidad del acontecimiento de lo que llamamos “realidad”, amasada con rumores, creencias y adhesiones irracionales, ficciones y mitos, lagunas y ocultamientos, enorme desinformación, más cercana a la narración ficticia que a la supuesta “verdad” empírica comprobable. Materia híbrida que el buen periodismo desenmascara y que acaba coronándose en la verdad de la literatura, en un cuento magistral de Walsh y en una gran novela de Martínez. Parece que el teatro, y el arte en general, cumplen hoy una función política de reconstitución y comprensión de la realidad y nos relacionamos con el arte para confrontarlo con la existencia cotidiana y construir a través de él el sentido que la realidad mediatizada se empeña en disolver (Spregelburd dixit). Por eso, creemos, hoy abundan además los espectáculos que, como Café irlandés, tematizan las relaciones entre el arte y la vida, y en

particular la vida y las miradas de los artistas (escritores, músicos, plásticos, cineastas, teatristas). Algunos casos en la cartelera actual: Amadeus (sobre Mozart y Salieri), 33 variaciones (sobre Beethoven), Manzi, la vida en orsái (sobre el gran Homero), Red (sobre Mark Rothko), Al final del arco iris (sobre Judy Garland), Noches romanas (sobre Ana Magnani y Tennessee Williams), y muchos otros. En Café irlandés, a decir verdad, los artistas convocados son tres: la actriz Eva Perón (quien sin duda se valió de su dominio de la teatralidad como magnífica herramienta para multiplicar la potencia de su carrera política, tan breve como brillante, y para construir mito y épica) y los jóvenes periodistas-narradores Walsh y Martínez, de 34 y 27 años. Ambos buscan información sobre el destino del cadáver de Eva Perón para escribir una nota que esperan vender a buen precio a Paris Match. Acierta Eva Halac al desolemnizar a Walsh y Martínez, a quienes se muestra (especialmente al segundo) en la franqueza e informalidad de su relación de amistad, sin eufemismos y con rasgos “políticamente incorrectos”. Averiguar quién tiene el cadáver de Eva y dónde está escondido detona la observación del mencionado espesor complejo, las tensiones entre realidad y ficción, entre posibilidad e imposibilidad de conocer, entre datos certeros, falsos y carencia de información, entre acuerdos, presiones y violencia política. Así, la investigación se amasa entre la verdad de la historia y la verdad de la ficción, entre la verificación documental y la invención. “Te va a ir bien –le dice Walsh a Martínez cuando sale a la busca de información-. Y si te va mal siempre te queda la novela”. La expresión “novela” adquiere aquí un valor múltiple: proyecta hacia el futuro la escritura de Santa Evita; sintetiza el ejercicio del “novelar”, es decir, de ejercitar una crónica ficcionalizante, de invención fantasiosa. Justamente la década del sesenta se plantea como el momento de afirmación productiva del borramiento de límites entre periodismo y literatura, ya sea a través de la non-fiction (A sangre fría de Truman Capote) o del “nuevo periodismo” (en Estados Unidos, a lo Tom Wolfe y Gay Talese, y en la Argentina, a lo Walsh y a lo Jacobo Timerman en Primera Plana). “Novelar” es, finalmente, lo que hace la misma Eva Halac. Después de todo, su obra no es más, y nada menos que eso: literatura, teatro. La complejidad de la realidad llega a su ápice en una escena íntima entre el coronel y su esposa, acaso la situación más misteriosa de Café irlandés y que abre una línea de fuga potentísima: el coronel le pide a su esposa que vuelva a representar a Eva. Momento de síntesis de sentido, de multiplicación casi metafísica. Uno siente que quien logre interpretar todo lo que hay en esa escena podrá asomarse a una comprensión de la Argentina. Este “triunfo” final del arte sobre la realidad, esta capacidad del arte de transformarse en enunciación metafísica de la realidad, no podría sostenerse como tal sin los excelentes trabajos de los actores Guillermo Pfening (Walsh), Michel Noher (Martínez), Guillermo Aragonés (el Coronel) y María Ucedo (la esposa). De ese triunfo habla también la magnífica (como siempre) escenografía de Micaela Sleigh, que ubica la acción en una sala de cine estallada, con butacas de hileras rotas, escenario y pantalla de proyección, que componen, subliminalmente, una gran máquina de escribir, con teclas (las butacas), rodillo (el escenario elevado) y papel (la pantalla): la máquina de Walsh y Martínez, la de Eva Halac. Café irlandés es un trabajo inteligente que, como todo el mejor teatro, invita a pensar grandes cuestiones acuciantes, más allá de la superficie de su relato y sus personajes. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 julio agosto Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

Natalio Grueso deja el Español por la novela

provechando que Natalio Grueso programó Novecento, en el Español, quiero aprovechar este Cronicón para un desagravio a M. Carmen Fuertes, indignada porque, en mi crítica de El Mundo omití el nombre de Raúl Fuertes, director del montaje. Un error involuntario, palabra. Reconocidos quedan aquí sus méritos en la gran interpretación de Miguel Rellán. Mi crítica a éste no es generosa, sino justa. Natalio Grueso se va. Me dedica su novela Soledad y yo le dedico mis últimos libros. “Pon ex director”, me dice. Escribo: “A Natalio Grueso, una amistad reciente, ex director del Español; de Javier, ex de todo”. Hace unos días presentó la programación hasta el próximo año. Fue un acto de director póstumo. No estaba a gusto y tampoco las autoridades municipales estaban a gusto con él. Sin embargo yo creo que lo ha hecho bien; todo lo bien que puede hacerse en territorio comanche asediado. Por lo que deduzco, la experiencia en el aspecto personal también ha sido fecunda. La mayor satisfacción del cesante, haber paralizado los instintos liberales de privatización abrasiva. “No conmigo”, clamó en cierta ocasión. Un escrito reciente de Natalio me llama la atención, me intriga. Escribe que en el Español se inició la modernidad teatral hace unos cuatrocientos años. Que es un orgullo sentirse heredero de aquella modernidad y que ojalá los que vengan puedan decir lo mismo. En este deseo es evidente que Natalio Grueso teme por el futuro y que ese futuro es el que lo aleja del Teatro de la calle Príncipe. Que se vaya plantea la duda de si la privatización va a hacerse sin él, como respondió algún político a ese órdago. La programación que, al parecer deja atada, puede discutirse, pero el acierto o desacierto de un programa solo puede aquilatarse en el escenario. Vargas Llosa, iniciativa suya hace dos años, como autor dramático era y sigue siendo discutible. Pero internacional y municipalmente es un acierto: una baza segura. El compromiso de programar toda su obra teatral, apuntaló la autoridad de Natalio Grueso. ¿Quién iba a discutirle, y menos desde un gobierno del PP, la subida del Premio Nobel al escenario? Ha acreditado una inusual capacidad de maniobra, apoyado en la calidad de los montajes, de un riguroso eclecticismo. Si le exigen mayor rentabilidad no lo sé; pero eso llevaría a otra línea programática. Ignoro el balance económico de los años de Natalio Grueso, aunque supongo que no habrá sido más deficitario que anteriores mandatos. Algunas de sus producciones se las han quedado después, para su explotación empresarios que las maldecían como iniciativa pública y las aprovechan como mercado privado. No está escrito que el teatro público tenga que perder dinero, pero tampoco que haya de ser manantial de ingresos, sino fuente de cultura. Yo diría que es obligación suya llegar donde la iniciativa privada no quiere o no puede llegar. A la iniciativa privada, con frecuencia, le gusta repicar y estar en la procesión, meter cuchara en el caldo y en las tajadas. La Administración es perversa salvo si ayuda los intereses privados.

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Es preferible ayudar al teatro alternativo y emergente porque en parte ahí está el futuro. La sala Pequeña del Español ha dado a menudo acogida a espectáculos de pequeño formato que se inscriben en las proximidades alternativas, pero dentro de la economía institucional e industrial. La Argentinita, noche mágica

El día 26 de mayo, nunca estará en los anales del teatro, mas perdurará en la memoria de muchos aficionados como un suceso prodigioso: la lectura dramatizada de La Argentinita, de Diana de Paco Serrano y Javier Villán. Al ser parte interesada de la cuestión, no debiera pronunciarme sobre el evento, pero no voy a hablar del texto escrito en colaboración con Diana de Paco Serrano y publicado por la editorial Artezblai. La lectura dramatizada que dirigió Santiago Sánchez fue más que una lectura. Fue un montaje nacido de la mente del director de Imprebís al que semanas antes había sorprendido en el Café Gijón con una propuesta insólita y un reparto aún más insólito: Luis Francisco Esplá, Ignacio Sánchez Mejías; Enrique Ponce, Joselito el Gallo; María Toledo, Encarnación López Júlvez; María Távora, Pilar López Júlvez; Antorrín Heredia como Manuel Chacón y sombra de Belmonte. Santiago Sánchez empezó a darle vueltas al asunto y, al poco apareció un vídeo de David Bernués, el espacio escénico de David Loaysa y actrices y actores, vitales como apuntalamiento al entusiasta trabajo de toreros, doctores como Ángel Villamor, periodistas como Esther Alvarado: Isabel Prinz, José Manuel Seda, Isabel Stofell... El María Guerrero puso el escenario y muchas cosas más; el entramado de producción y burocracia corrió a cargo de Muro Producciones; y el viático para tan azarosa travesía, a Beneficio, lo puso Caixa Bank, Fundación Coca Cola, Hoteles Nh, Café de Gijón e Instituto Castellano y Leonés de la Lengua. Reventó el patio de butacas del María Guerrero y los bravos y los olés, quizá porque en escena había dos maestros de la torería, sonaban como en las Ventas o la Maestranza: Ponce y Esplá. La actuación de estas dos figuras fue de Puerta Grande, licencia taurómaca que me permito pues esta parte del artículo tiene más de crónica taurina que de reflexión teatral. Santiago Sánchez se inventó una muerte de Encarnación López Júlvez envuelta en el capote de Esplá y Ponce, Joselito el Gallo, con intención, cantó una ranchera portentosa: Pero sigo siendo el rey. La alusión iba, naturalmente, por Juan Belmonte, pero mucha gente, conocedora del mundo de los toros, la entendió por otro lado y otro nombre. Noche mágica en verdad en el María Guerrero, como esas faenas que nacen del fondo de la tierra, levitan, sueñan y ascienden hasta las nubes para derramarse luego por dehesas y tendidos: memoria de la tauromaquia, memoria de los toros, memoria de una mujer trágica: La Argentinita.

julio agosto

Piedra de sacrificio

Jaime Chabaud

“Concibo al texto como una partitura emocional.”

ugo Wirth Nava pertenece a la generación surgida en principios de este siglo en la escena mexicana. Podríamos decir que es un escritor que no ha conquistado con protagonismo sino con constancia y arduo trabajo un espacio. Entre sus obras se encuentran: La fe de los cerdos, El día de la intolerancia… y Constantina no estaba, Los ositos y el misterio del culo, Virgencitas, Fisting, Despojos para un lunes, Fotograma, Fragmentos de desastres personales, Tangram, Intervenciones, Precisiones para entender aquella tarde, entre otras. Quizá su obra más representada es La fe de los cerdos que aborda el tráfico de cocaína escondida en cadáveres de bebés, que fue una noticia que le dio la vuelta al mundo. Por su texto Precisiones para entender aquella tarde se hizo acreedor en 2013 del Premio Nacional de Dramaturgia UAM-UdeG-SCCM, que se llevará a escena en noviembre próximo. Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los rasgos que definen a tu generación dentro del teatro mexicano? Hugo Wirth: La gran variedad de estilos y la solidez de sus voces. Durante al menos diez años en los que he leído, visto puestas en escena y convivido con dramaturgos y dramaturgas mexicanas, he notado que todos tienen sus propias obsesiones, intereses y búsquedas. Y tal vez en algunos casos demasiadas pretensiones en cuanto a buscar la “vanguardia”, pero creo que es parte de esta necesidad de buscar nuevas formas de acercarse a otros creadores y a un público que cada vez se interesa más en el trabajo que realizan los autores nacionales. También creo que hemos absorbido mucho lo que nos han enseñado nuestros maestros y creo que eso nos ha ayudado a entender muchas cosas que generaciones anteriores tuvieron que buscar en la formación en el extranjero. J.Ch.: ¿Qué diferencias ves entre los autores de tu generación? H. W.: Todas. Y creo que eso es muy positivo. Y no me refiero a sentirme diferente respecto a que me siento único y que lo que hago nadie más lo hace. La diferencia radica en que cada dramaturgo tiene un universo muy particular en su trabajo creativo. Técnicamente podemos aplicar herramientas similares en cuanto a construcción de personajes, estructuras, formas de configurar la ficción, incluso podemos recurrir a los mismos temas porque nos interesan como generación. Pero el tratamiento de cada una es muy distinto, se enfoca de una forma particular y hay visiones más contundentes que otras o más superficiales pero efectivas. También hay diferencias en cuanto a cómo te involucras con el trabajo de los colegas. Me identifico mucho con algunos autores de mi generación en cuanto a cómo, para quién y para qué hacer teatro pero creo que cada uno tiene sus propios intereses por los que escriben drama. J.Ch.: Como escritor de teatro ¿qué crees que te define? H. W.: Siempre he dicho que mi obsesión es jugar con las estructuras y evito repetir fórmulas. Soy un autor difícil en cuanto a que mis textos pueden no agradarle a muchos creadores o espectadores, no

estoy hecho para la fama y no me interesa. Así que desde el principio he tratado de mantener una congruencia con mi forma de ver el mundo, de explorar los rincones más oscuros en la conducta de un personaje, de meter en problemas a los creadores, de inivtarlos a tomar riesgos artísticos, de meterme en problemas a mí mismo, reinventándome en cada texto y cuestionándome la forma en la que se produce teatro. Me interesa captar la atención de un espectador que tenga el criterio para ir a ver un teatro que no está hecho para “entretener”. Creo que mi teatro se entiende (no es para iniciados, tiene un lenguaje coloquial, no uso metáforas), pero no desde el lado intelectual, sino en lo emocional. J.Ch.: ¿Cuáles son las obsesiones estéticas que rondan tu teatro? H. W.: Concibo al texto como una partitura emocional. Tal vez suene muy anticuado pero la construcción del personaje desde el texto y la secuencia lógica de sus emociones relacionado con la estructura del texto es algo en lo que siempre pienso cuando escribo un texto dramático. Para mí sería complicadísimo escribir drama si no tuviera como base esta estructura mental. Si esa partitura emocional es bien entendida por el equipo creativo involucrado en la puesta en escena, es difícil que el proyecto naufrague. En mis recientes incursiones a la dirección para mí es fundamental trabajar un proceso de laboratorio antes de tener el texto de la obra. Trabajar con los actores para encontrar puntos en común. Desde este punto de partida me da la libertad de traicionarme a priori como autor y pensar más en el discurso estético de la puesta en escena. J.Ch.: ¿Cuáles son los procedimientos de la teatralidad contemporánea que te interesan? H.W.: Me interesa mucho el teatro que te confronta, el que crea un universo particular en la ficción aunque la obra sea de lo más realista o tradicional. Me gusta mucho la capacidad que hay en algunos creadores para entender la convención teatral y volverla atractiva para el espectador contemporáneo. La simpleza, la capacidad de síntesis, las imágenes poderosas y contundentes, el manejo de las emociones en los actores cuando logran transmitir verdad. Y sobre todo, la enorme satisfacción que da ver un espectáculo escénico en el que el discurso estético sea homogéneo en el concepto de puesta en escena. Aborrezco el teatro donde es evidente la pretensión por ser transgresor, lo carente de emoción, las metáforas escénicas que parecen adivinanzas, la palabra hueca, el afán complaciente, o la necesidad de reconocimiento. Y creo que cada vez soy un espectador más amargado. J.Ch.: ¿Hacia dónde piensas que va la escena contemporánea? H. W.: Creo que va en el camino de la búsqueda de opciones. Se enfrenta a un espectador cada vez más apático, alienado, que encuentra sus fugas en lo que comercialmente le ofrece lo digerible e inmediato. El espectador contemporáneo es exigente en el sentido de que debes mantenerlo interesado, con una mayor disposición cada vez de arriesgarse a asistir al teatro por gusto, no por compromiso. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 julio agosto Víctor Criado

Noticias desde los fiordos

En la tangente

a mujer aparenta unos 37 años, su rostro se muestra desfigurado por la angustia. Más que hablar balbucea con voz entrecortada, los ojos parecen querer salir de sus huecos y explotar. La gente que repara en ella poco a poco comienza a darse cuenta de que tiene intención de acabar con su vida. Alarmado por lo que ve uno de ellos se pone en contacto con las autoridades y una unidad del hospital psiquiátrico mas cercano se persona en el lugar rápidamente y se hace cargo de la situación. La vida continúa su curso normal, una anécdota que recordar para los pocos testigos del suceso. Sin embargo, días mas tarde aparece una noticia en los periódicos. El director del hospital psiquiátrico que recibió la llamada denuncia la falta de ética de una persona que, haciéndose pasar por enferma mental, ha desperdiciado recursos públicos de modo premeditado. Sucede que esa mujer de 37 años había escenificado un intento de suicidio para conocer de primera mano y mas tarde denunciar el trato que los pacientes mentales reciben por parte del sistema de salud sueco. El abuso de poder, la absoluta impotencia y el degradante modo de tratar a estas personas, quizás las más indefensas. No solo eso, todo este experimento forma parte del proyecto artístico de fin de carrera que esta mujer ha preparado para concluir sus estudios en la “Konsthögskola” (Academia de arte). Lo primero que pensé fue menuda tontería se le ha ocurrido a esa “artista”, estaba cerca de comprender al director del hospital. Otros pacientes habrá que necesiten el tiempo y presupuesto empleados en “ayudar” a esa aparente desequilibrada. Luego pude reflexionar un poco más, comprendiendo las razones que habían empujado a esa mujer a hacer lo que hizo. Valor no le había faltado. Riesgo tenía su propuesta, cercana a la performance, y los involuntarios espectadores seguro que podrían recordar ahora la anécdota con mayor intensidad. Los ojos desatados eran parte de su rostro natural, quizás un poco mas violentos, al igual que sus escupitajos y gritos provocadores al personal que la trató. Esto sucedió hace cinco años. El 15 de noviembre del año pasado tuvo lugar en Suecia el estreno de “Återträffen” (Reencuentro), primer film dirigido por una mujer de unos 42 años, Anna Odell, conocida sobre todo por la polémica que su proyecto de fin de carrera había generado años atrás. El film fue presentado en una sección paralela del festival de Venecia, Horizontes, y obtuvo el premio de la crítica. No solo esa mujer de ojos intensos había dirigido el film sino que también era la responsable del guión y la actriz principal. Después de 20 años un antiguo grupo de alumnos se reúnen para celebrar… algo. Un reencuentro después de tantos años, anécdotas, recuerdos y algo más. Nuestra protagonista se levanta en un momento dado y comienza a acusar, uno por uno, a todos sus ex-compañeros por los maltratos, tanto físicos como sobre todo psicológicos que había padecido durante sus años de estudios. Las caras de sus antiguos compañeros son un poema que rima con vergüenza y sorpresa. Este es el resumen de la primera parte del film. Ella, la directora-actriz-

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guionista, es la única persona que es real, que se interpreta a si misma, el resto son actores contratados que escenifican, según sus recuerdos, los desagradecidos papeles que representaron en el pasado. Pero en la segunda parte del film, Anna Odell se entrevista, uno por uno (no con todos evidentemente, solo con los que han accedido voluntariamente) con los verdaderos protagonistas de sus pesadillas. Cara a cara les muestra la primera parte del film y les pregunta sin rodeos qué opinan y sobre todo, porqué. Estos encuentros son grabados, montados y unidos a la primera parte ”actuada” del film. Juntos forman “Återträffen”. La crítica es unánime, obra maestra, el mejor film del año, sobrecogedor, provocador… Debates en tv, en periódicos, en la calle. Las fronteras de la ética artística de nuevo en cuestión. Se puede uno vengar de este modo, es venganza premeditada o necesidad de dar luz a algo que permanentemente ensombrece nuestro presente… Recibe los mas importantes premios de la Academia sueca de cine e imagino (ya que desconozco el resto) que se sentirá satisfecha de lo hecho. Quizás sus ojos brillen un poco mas, sigo imaginando. ¿Qué tiene esto que ver con el teatro? No lo se exactamente, algo tangencial quizás. El riesgo, el compromiso, los límites cuestionados al servicio de una denuncia; el de las cosas que no funcionan, que hacen de esta sociedad un lugar inhóspito, un sitio del que uno se plantea la huida a donde sea, un lugar en el cual los débiles (aparentemente) o los más sensibles sufren desprecio, maltrato, abuso. Decidir contar esto desde la esquina de tu calle, o tu hospital mas cercano, o tu clase, tiene mucho de político. A mi modo de ver mucho más de lo que discursos aparentemente comprometidos nos hacen creer. La fuerza de las palabras en conflicto con la fuerza de los actos, donde sin duda salen vencedores estos últimos. Y pienso en la naturaleza teatral, dramática de estas dos propuestas. Una, la fingida locura, como herramienta para ir directa a las sensaciones que padecen los “verdaderos protagonistas”. La otra, más compleja, en la cual los niveles de realidad se solapan, en el cual el juego de roles marcados que trata de denunciar se utiliza como medio de desnudar a los verdaderos intérpretes de la historia. Imagino que ahí fuera, en la tangente, se puede explorar, buscar nuevas formas de conectar con la realidad ya que a veces el centro del arte teatral rechina oxidado, caduco, lleno de vacíos discursos que nada cuentan, o peor aún que cuentan la nada. No me quiero poner estupendo, quizás solo sucede que comencé haciendo teatro en provincias, otra vez en la tangente, lejos de la capital de no sé muy bien qué. La cosa es que no solo sirve el plantearse querer hablar de la problemática social que nos rodea, lo cual en un principio está bien, pero es solo el principio del viaje, hay que llegar al límite de lo permitido para si es posible y necesario rebasarlo, aún cuando eso te lleve a salir directamente de la tangente y navegar por territorios inexplorados. A esta mujer de ojos ingrávidos le ha ido bien. Quizás decida hacer algún proyecto teatral.

julio agosto

El lado oscuro

Jaume Colomer

La “deseada” ley de mecenazgo, ¿espejismo o coartada?

l 15 de mayo del 2012, en Barcelona, el Secretario de Estado de Cultura Sr. José María Lasalle anunció que la comisión delegada de Asuntos Culturales tenía previsto aprobar el miércoles de aquella misma semana el borrador del proyecto de Ley de Mecenazgo. Justificó la propuesta con el argumento de que es urgente desarrollar estímulos adicionales que suplan las dificultades económicas que pesan en la financiación de la cultura. Añadió que el mecenazgo “no pretende competir con los poderes públicos ni sustituirlos en su labor de fomento cultural, sino complementar y apoyar esa actividad a través de una mentalidad benefactora que permita a la cultura andar más libremente. Concluyó que “con esta nueva Ley, queremos devolver a la sociedad su protagonismo”. Lassalle apuntó que “podría estar vigente en el próximo ejercicio fiscal”, dejando claro que se tratará de un instrumento “complementario y nunca sustitutorio de la labor de las administraciones públicas” porque el mecenazgo no persigue privatizar la Cultura. En este mismo acto declaró que el borrador se había elaborado “con la vista puesta en la legislación francesa que, entre 2004 y 2011 y gracias a incentivos fiscales de entre el 60% para personas jurídicas y el 70% para personas físicas, ha permitido que el mecenazgo en ese país pasara de 150 a 683 millones de euros”. En relación a la legislación francesa, un año más tarde, en mayo 2013, Robert Fohr, Jefe de la Misión de Mecenazgo del Ministerio de Cultura francés, en el marco del Encuentro Franco-español sobre el Mecenazgo Cultural organizado por la UNIA, hizo un balance de los primeros diez primeros años de vigencia de la ley (2003-2013). Dijo que en Francia todos los ministros de cultura, desde André Malraux, quisieron tener una ley de mecenazgo pero sólo se consiguió en 2003. Este retraso puede explicarse por el papel del Estado que siempre tuvo un cierto monopolio en el campo de la cultura. Antes de 2003 menos de 2.000 empresas hacían mecenazgo en Francia y ahora son ya más de 25.000 (lo que representa sólo el 1% de todas las empresas del país). El importe total del mecenazgo era de 150 millones de euros en 2003 y hoy en día alcanza cerca de 1,3 billónes de euros. El número de empresas mecenas se ha multiplicado por 10. En el momento actual, un 25-30% de la cultura francesa está financiada a través del mecenazgo. Hay que distinguir el mecenazgo filantrópico de las empresas del micromecenazgo social o crowdfunding. En el encuentro franco-español citado Olivier Schulbaum, cofundador de Platoniq y vicepresidente de la Fundación Fuentes Abiertas que opera la plataforma Goteo.org dijo que el 59% de las campañas de crowdfunding que tienen éxito se localizan en EE.UU. y el 35% en Europa. En la guía de empresas de crowdfunding que edita el medio digital Crowdacy hay inventariadas, en el momento actual, un total de 106 plataformas aunque la mitad no son activas. Según el portal InfoCrowdsourcing el año 2013 en España las 53 plataformas activas de crowdfunding recaudaron 19 millones de euros, duplicando la cifra del año anterior. En Latinoaméri-

ca el crecimiento es mucho mayor que en España y casi se cuatriplica el volumen de negocio de 2012 llegando a 16,6 millones de euros. Han pasado más de dos años y el proyecto de ley sigue a la espera. Mientras, el Parlamento de Navarra aprobó el pasado 8 de mayo la Ley Foral del Mecenazgo Cultural y de sus Incentivos Fiscales de la Comunidad Foral, impulsada por el Gobierno de Navarra y convertida en la primera norma de este tipo en España, llamada MECNA, que establece estímulos a la participación de la sociedad civil en el desarrollo de este sector. Otras CCAA, como Andalucía, están preparando propuestas parecidas. Los datos apuntados validan empíricamente las oportunidades del mecenazgo en la financiación de la cultura, pero los hechos muestran muchas contradicciones que me llevan a formular varias preguntas. La primera es sobre los objetivos de la ley. Apunto varias hipótesis: a. Impulsar el mecenazgo como complemento de los recursos públicos para dar más flexibilidad a la cultura y evitar su cautividad. b. Implicar a los ciudadanos en los proyectos culturales para impulsar la democracia cultural, su participación y empoderamiento. c. Sustituir la aportación de recursos públicos por fondos privados para privatizar la cultura considerando que no tiene valor público. d. Reducir la tensión provocada por la reducción drástica de recursos públicos, generando esperanza ante un futuro instrumento de financiación que se ha mostrado efectivo en otros países. Pero también me surgen algunas preguntas más: • ¿Realmente el Gobierno del Estado considera la futura ley como una medida urgente? ¿Hasta cuándo habrá que esperar? • ¿A pesar de los resultados conseguidos en Francia, cuál será el impacto de los incentivos fiscales que propone el proyecto de ley que impulsa el Secretario de Estado de Cultura? El mecenazgo filantrópico se impulsa sólo con incentivos fiscales o requiere una cierta actitud filantrópica de los ciudadanos hacia la cultura? ¿Qué valor tienen las prácticas culturales en nuestra sociedad? • ¿Qué prácticas culturales podrán beneficiarse de la futura ley? ¿Qué prácticas quedarán fuera? • ¿Los gestores culturales serán capaces de captar y gestionar aportaciones en forma de mecenazgo? ¿Los responsables de la gestión de entidades y proyectos culturales, acostumbrados a captar fondos públicos, tienen suficientes competencias profesionales para conseguir buenos resultados en esta nueva fuente de financiación? Una última pregunta: ¿cuál es la misión del Secretario de Estado de Cultura y el objetivo de su excelente retórica? ¿Tiene el encargo de convertir el mecenazgo en un espejismo para mantener el ánimo del sector y evitar conflictos o, lo que es peor, de utilizar el proyecto de ley como una coartada para seguir recortando la aportación de fondos públicos a la cultura? Creo que debemos reflexionar colectivamente sobre las cuestiones planteadas. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 julio agosto María Chatziemmanouil

El método griego

Abelardo y Eloisa: Te amaré hasta la última de las lluvias...

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uál es el vínculo que une una tumba en el cementerio de Père Lachaise de Paris, el poeta inglés Alexander Pope, la película Eterno resplandor de una mente sin recuery la función que inauguró el Festival de Atenas de este año? La dos respuesta es: todos están dedicados a o inspirados en el trágico amor medieval entre el gran filósofo Pedro Abelardo y su alumna Eloisa. Hace 4 años el director griego Yanis Kalavrianós visitó el cementerio de Père Lachaise en Paris y le llamó la atención una doble tumba cubierta con flores, cartas de amor, peluches y otras cosas dedicadas a los muertos enterrados en ella. Nunca antes había oído algo sobre Abelardo y Eloisa, pero a partir de entonces empezó a recoger información sobre su historia de amor que le cautivó. El director convirtió el material que encontró en la materia prima de una obra teatral estrenada el 1 de junio en la sala más emblemática del Festival de Atenas, la sala D de Piraiós 260 (fue ahí donde unos días más tarde se estrenaba Todo el cielo sobre la tierra de Angélica Liddell, el 15 de junio). Pedro Abelardo (1079-1142) fue un filósofo y teólogo francés, reconocido por la crítica moderna como uno de los grandes genios de la historia de la lógica. Es a la vez autor de numerosos poemas, y dedicó gran parte de su vida a la enseñanza y al debate. En 1116 conoció a Eloísa (1101-1164), sobrina de Fulberto, canónigo de la Catedral de París, quien le confió su educación. Eloísa y Abelardo se convirtieron en amantes manteniendo su relación en secreto hasta que en 1119, Eloísa tuvo un hijo, que sería llamado Astrolabio. Abelardo insistió en casarse con Eloísa, quien se oponía por considerar que un hombre de ciencia no podría dedicarse a una familia, y finalmente la boda se celebró en secreto. Sin embargo, Fulberto difundió la noticia y Abelardo envió a Eloísa al monasterio de Argenteuil. Fulberto consiguió entonces sobornando a un criado entrar con algunos servidores en el cuarto de Abelardo y lo castraron. Abelardo se escondió humillado como monje en Saint-Denis, y dispuso que Eloísa se hiciera monja en Argenteuil. Los dos ex amantes mantuvieron una correspondencia durante muchos años, hasta la muerte de Abelardo pero no se encontraron nunca más. El último deseo de Eloisa fue que la enterraran al lado de su amado, pero ese deseo no se realizó sino a finales del siglo

18, cuando Josefina Bonaparte se enteró de su historia y quiso unirles aunque muertos, enterrando sus reliquias juntas. Yianis Kalavrianós escribió su texto a partir de las cartas auténticas que intercambiaron los dos amantes y de otras fuentes históricas medievales. Tres espléndidos actores (Eleni Coquidu, Yiorgos Glastras, Cristina Maksuri) y un coro de 13 aficionados, han compuesto un poema escénico de alta calidad, bajo la dirección del autor, y acompañado de las maravillosas canciones –amorosas y tristes a la vez– de Ánguelos Triantafílu, escritas especialmente para la función. Yorgos Grastras y Cristina Maksuri interpretan los papeles de los dos amantes, mientras los 13 aficionados se transforman en las personas que desempeñaron un papel mayor o menor en su historia. Eleni Coquidu representa un ser poético, que empieza a contar la historia de Abelardo y Eloisa para recuperarse de una pérdida suya. Es ella la que une los 45 cuadros de la historia, interpretando incluso el papel de Eloisa al alcanzar su madurez. La escenografía de Eva Manidaki hace al público sentir como si mirara lateralmente y a escondidas el interior de una iglesia, aprovechando al mismo tiempo del “video-mapping” de Stacis Mítsios, que “interviene” a los elementos arquitectónicos del espacio, es decir de la escena; con los videos que se proyectan sobre ellos, se transforma totalmente su imagen (las puertas abren, los muros y las ventanas se derrumban, el techo tiembla etc.) dando lugar a un efecto visual sorprendente. No es la primera vez que la compañía Sforaris de Yanis Kalavrianós participa en el Festival de Atenas. Su montaje Hijos e hijas, una función sobre la búsqueda de la felicidad se estrenó precisamente en él el año pasado, antes de trasladarse a una de las salas alternativas más destacadas de Atenas, el Teatro de Néos Kósmos, con las entradas siempre agotadas a lo largo de toda la última temporada (octubre 2013-mayo 2014). La obra fue una dramaturgia de Yanis Kalavrianós a partir del material que la compañía había ido recogiendo por toda Grecia, preguntando a gente mayor “¿cuál fue el acontecimiento que marcó su vida?”. Como tela de fondo de las historias que cuentan los entrevistados, aparece un fresco de toda la historia de Grecia contemporánea, a partir de la segunda Guerra Mundial y hasta 2011.

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14 julio agosto Las Lejanías

Carlos Be

Orgullo y satisfacción por un país ridículo

se cielo tan alabado de Madrid parece hoy una charca infestada de sapos. Los helicópteros sobrevuelan la ciudad mientras croan sobre los ciudadanos de a pie en la víspera de la coronación de Felipe VI, ese rey que es rey, parafraseando a los dibujantes que dimitieron de El Jueves la semana pasada, “por cuestiones de semen”. Hoy, miércoles 18 de junio, se celebra en el Teatro del Barrio, antigua Sala Triángulo, la presentación de Orgullo y Satisfacción, un cómic digital editado por ¡Caramba! en el que los dibujantes antes citados le dicen adiós a Juan Carlos I y dan la bienvenida a Felipe VI porque, tal como reza en su página web www.orgulloysatisfaccion.com, “estas cosas si te las dejas dentro se acaban enquistando”. Estos artistas, y digo artistas no sólo por su profesión sino también por la posición adoptada, la de defender su trabajo, acaban de cerrar la edición del cómic a las 11 de la mañana y ahora, a las 6 de la tarde, irradian una extraña serenidad, suma sin duda del agotamiento y la satisfacción. En apenas siete horas, comenta la moderadora del acto, Olga Rodríguez, ya se han vendido cerca de 15.000 ejemplares, algo “histórico” en el mundo de la edición española. Paco Alcázar, Manuel Bartual y Luis Bustos acompañan en la mesa a Rodríguez y conversan a través de skype con Albert Monteys, Pepe Colubi, Manel Fontdevila y Bernardo Vergara. Eldiario. es emite el encuentro por streaming. Se trata de “un ejemplo a determinados sectores periodísticos” que permanecen bajo el yugo de la censura y los poderes fácticos de un país que ha demostrado, en esta ocasión gracias a internet, que se han quedado a la zaga de la libertad. Se retiraron de la circulación 60.000 ejemplares de El Jueves. Esa portada nunca existió en papel, pero corrió por internet a la velocidad de la pólvora. La censura tropezaba por segunda vez en la misma piedra de El Jueves. La primera vez fue hace unos años, en aquella portada mostraban a los príncipes en un intento de trabajar por conseguir 2.500 euros. La casa real quiso evitar su publicación y aquello colocó la portada en la palestra pública. En esta segunda ocasión, los dibujantes cuentan que recibieron la orden de los editores de RBA de no publicar esa portada en la que Juan Carlos I le transfiere una corona hedionda a su hijo;

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“una portada descriptiva”, apuntillan encogiéndose de hombros con ironía. La plantilla quedó muy sorprendida. Hasta ahora los problemas de censura en El Jueves siempre habían sido “pocos y externos”. Sabían que ellos eran un rara avis dentro de las colecciones que pertenecen a RBA, esa editorial que aconsejaba utilizar colores pastel en las portadas para vender más en los quioscos, pero nunca hasta ahora habían roto el pacto verbal de no entrometerse en el contenido de El Jueves. La semana pasada les pidieron a la redacción que la excepción a ese pacto verbal se hiciera efectiva sólo en el caso de esa portada, el interior del cómic podía permanecer intacto. Y empezaron las dimisiones. El primero fue Monteys y le siguieron muchos más, entre ellos Bartual, que no daba crédito ante las falsedades que estaban difundiéndose y cómo se intentaba poner en contra de ellos incluso a los lectores. Aquel Jueves no era el Jueves que estaba en sus mentes y se fueron. Vergara comenta que Felipe VI inicia su reinado “en un contexto de doble imposición”, por un lado el de la coronación y por el otro el de la censura. Para el día siguiente se han prohibido manifestaciones en defensa de la educación pública, contra la impunidad por crímenes franquistas, así como enarbolar banderas republicanas en el tramo por el que transitarán los monarcas, sin contar con los arcos de detección de metales y los francotiradores que han ocupado los espacios públicos todo ello, supuestamente, para proteger a las multitudes de asistentes que rezan los rótulos de los telediarios y que aparecen diezmados ante los ojos de la realidad. La censura sufrida en El Jueves es un precedente muy peligroso para seguir en esas condiciones, reflexiona Vergara. “No contemplo la posibilidad de volver.” Nadie sabe si Orgullo y Satisfacción será un número único o se convertirá en la nueva revista que acompañe a Mongolia en los quioscos, esta semana bastante desolada en las estanterías: El Jueves acaba de salir a la calle con una portada sobre fútbol. Para la gente de teatro que no lo sepa, el fútbol es un juego competitivo que consiste en correr tras un balón, aunque ahora no recuerdo si al balón se le dan patadas o tortazos. Cultura, vamos. En cualquier caso, esta tarde de miércoles, el escenario de un teatro ha vuelto a convertirse en un frente activo contra la censura y la mentira. Esto sí es motivo de orgullo y satisfacción.

julio agosto

Opciones para formarse

a Universidad Internacional de la Rioja UNIR, ofrece la oportunidad de obtener el título oficial de ‘Máster Universitario en Estudios Avanzados de Teatro UNIR (Dirección escénica y escritura dramática)’ de forma online durante todo un año académico. El máster está dirigido a todo tipo de licenciados en cualquier disciplina de arte y humanidades y la fecha de inicio prevista es el 4 de noviembre. El máster se divide en dos cuatrimestres con asignaturas que abarcan desde investigación en artes escénicas y espacio escénico hasta prácticas de escritura dramática o análisis dramatúrgico. ESART institución académica creada por el Grupo Montcau, se ha ido consolidando desde 1965 como una escuela que abarca de 0 a 18 años, distinguida por ofrecer una enseñanza líder y de calidad ha ido creciendo en la oferta de educación infantil además de ofrecer continuidad de estudios su-

periores, abriéndose a las Artes Escénicas, Música e Imagen. Actualmente ha asumido el reto de implementar la formación universitaria oficial en Artes Escénicas con el reconocimiento de Pearson Edexcel del Reino Unido, además trabaja en colaboración con Bath Spa University (United Kingdom), una de las universidades internacionales líderes en creatividad, cultura y empresa. Existe la posibilidad de cursar un Bachillerato creativo, Grados Universitarios, Formación Profesional Internacional o incluso asistir al Campus de verano donde se ofertan cursos de teatro, danza, imagen y música. La Universidad Carlos III ofrece desde octubre de 2014 a mayo de 2015 un ‘Máster de Creación Teatral’ capitaneado por el dramaturgo y director Juan Mayorga. Este máster está dirigido a profesionales de las artes escénicas, a creadores de otras artes y a graduados y licenciados que deseen desarrollar sus capacidades en este medio,

con el fin de dotar al estudiante de herramientas fundamentales en distintos ámbitos para la concepción y el desarrollo de proyectos escénicos personales, por lo cual todos los alumnos habrán de cursar la totalidad de las materias impartidas por Alfredo Sanzol, Andrés Lima, Sol Picó y Blanca Portillo o José Luis García Barrientos. Además habrán de realizar un proyecto personal de creación a partir de las propuestas del Taller de Composición del Espectáculo. Por su parte la Universidad del País Vasco UPV/EHU con la estrecha colaboración de ARTEBI, la Escuela de Música, Teatro, Danza y Cine de Bilbao, convoca el ‘Curso para la formación del actor’ contemplando las áreas de interpretación, creación y performance que comenzará en octubre de 2014 y finalizará en enero de 2015. Para poder cursarlo será necesario estar en posesión de las condiciones de acceso a la Universidad.

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14 julio agosto Teoría Teatral En ‘Texto en acción’, recientemente publicado por la editorial Fundamentos, su autora, Cicely Berry (directora vocal de la Royal Shakespeare Company) relata y transmite las investigaciones que ha realizado sobre la voz durante los 50 años de trabajo con actores, dramaturgos y directores. En este libro la autora ofrece una completa reflexión, de modo asequible, sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo; sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Y es que además, este volumen no solo es teórico, sino que incluye ejercicios en los que poner en práctica la carga teórica de Berry, una mujer “empecinada en romper con las convenciones del idioma y batallar contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral”.

Teoría Teatral

‘La sustancia de la voz’ de José Antonio Meca y publicado por la editorial Aljibe es una manual práctico de voz hablada para locutores, oradores y actores de doblaje. El autor parte de la necesidad de conocer la propia voz en toda su extensión como forma de conocerse a uno mismo y ofrece ejercicios que favorecen su desarrollo de forma integral.

El INAEM ha publicado ‘Escritos dispersos’, una recopilación de aproximadamente cien artículos y escritos de Guillermo Heras dispersos por programas, periódicos, revistas, libros que se convierten en reflejo de la actividad que llevó a cabo durante sus diez años de actividad el Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas bajo la dirección de Heras.

Luciano Sánchez del Águila es el autor y editor de ‘Mi pequeño Stanislavsky’ un libro que de forma novelada realiza un repaso sobre la teoría teatral del autor, director y teórico ruso. El libro comienza con un relato ficticio que muestra qué hubiera pasado si Stanislavsky hubiera viajado a España y trabajado junto a Federico García Lorca.

Teoría Teatral

El título de esta publicación de la editorial Pre-Textos es claro: ‘Cómo hacer teatro: apuntes de orientación profesional en las artes y oficios del teatro español’. La singularidad es que su autor es Cipriano Rivas Cherif que desarrolla todo el proceso del hecho escénico: técnicas del actor, teoría y práctica de la literatura dramática, escenografía, etc.

Esdeveniments Ludovit firma la autoría de ‘Curso de Teatro discontinuo’ publicado por la editorial Obvcuas. El presente volumen se presenta dividido en cuatro fases en un orden buscado y concreto: la Clase, las Anotaciones, la Bibliografía y los Deberes. El libro, eminentemente práctico contiene un CD que amplía la información que contiene en sus páginas.

En ‘Cómo montar un espectáculo teatral’ se encuentra toda la información necesaria para poner en marcha un espectáculo (cómo escoger el texto adecuado, la composición del equipo artístico y técnico y técnicas para trabajar a partir de la improvisación). Sus autores son Miguel Casamayor y Mercè Sarrias y ha sido publicado por la editorial Ma Non Troppo.

Estantería Teoría Teatral La Universidad de Murcia en colaboración con el ayuntamiento de la ciudad ha publicado dentro de su colección Editum ‘Ayer y hoy del Teatro Circo Murcia (1892-2011), un libro que trata de la recuperación de un teatro para el fin último que estos espacios deben tener. Pedro Soler, Vicente Pérez Albacete y Jaime y María Pérez Zulueta son los autores de los textos que recoge este volumen de cuya edición y coordinación se ha encargado César Oliva. En ellos se cuenta la historia del Teatro Circo Villar, inaugurado en 1892 y que dejó de funcionar cuando la crisis de las grandes salas cinematográficas llegó a Murcia. Pero además de la historia, los textos quieren ser testimonio “del proceso de su feliz recuperación, y de la manera como ha rejuvenecido gracias a la intervención de un grupo de personas que creyeron en su rescate”. Toda la historia, también la emocional de un edificio que es a día de hoy patrimonio cultural de la ciudad.

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julio agosto

Estantería Texto Teatral

La editorial Bellaterra ha publicado ‘El licenciado número uno, Zhang Xie’ la primera obra que queda del llamado Teatro del Sur, descubierta en 1921 por el coleccionista Ye Gongchuo en una librería de Londres. Regina Llamas se ha encargado de su traducción y del estudio preliminar que incluye esta cuidada edición de una importante obra de la historia del teatro chino.

Texto Teatral

Con ‘Dramaturgas del siglo XXI’ Cátedra ha publicado una antología con textos de algunas de las dramaturgas más representativas en la actualidad tales como Lola Blasco, Antonia Bueno, Diana de Paco Serrano, Juana Escabias, Beth Escudé i Gallès, Aizpea Goenaga, Diana I. Luque, Gracia Morales, Itziar Pascual, Carmen Resino y Vanesa Sotelo.

Texto Teatral

‘Trinidad’ y ‘Mary Monarca’ son dos obras sobre mujeres y fronteras de Ana Fernández Valbuena publicadas por Teatro del Astillero. Tres mujeres de opción sexual diferente en la España de los años sesenta son las protagonistas de la primera y la frontera entre México y EE.UU que las mariposas Monarca cruzan emigrando cada año es la excusa para la segunda.

Texto Teatral Javier Villán y Diana de Paco Serrano son los autores de ‘La Argentinita’, el número 92 de la colección Textos Teatrales de la editorial Artezblai. Villán es periodista, cronista de toros y crítico teatral y Diana de Paco es, además de profesora universitaria, dramaturga. “A Javier Villán le apasionaba la figura de la Argentinita, amiga de Lorca que le ayudaba a montar sus espectáculos, novia de Joselito el Gallo y compañera de Ignacio Sánchez Mejias (...) A Villán le fascinaba Encarnación López Júlvez y sabía mucho de su vida pero no sabía cómo escribir una tragedia sobre ella. Diana de Paco Serrano no conocía muy bien a Argentinita, pero sabía, en cambio, cómo escribir una tragedia”. Ante esta situación ambos se pusieron a trabajar juntos, y han creado una obra con ese personaje “la mujer más trágica del sigo XX español (...) Su amistad con Lorca, barrido por el huracán de la Guerra, y dos toros criminales, que se llevaron a sus grandes amores”.

Kiosko Por La Danza

El número 103 de ‘Por la Danza’ se ha convertido en un homenaje a grandes nombres de la danza fallecidos en los últimos meses como los bailarines Ivan Nagy y Jean Babilee, el guitarrista Paco de Lucía o Gerard Mortier y Maria de Ávila. También tienen cabida reportajes como el realizado sobre la Fundación Gades o la entrevista con Farruquito.

Fiestacultura

Las crónicas de lo acontecido en el FIT Carrer de Vila-real, Umore Azoka de Leioa, FETEN, Festival de Clown y payasos de Arrigorriaga y Trapezi ocupan las primeras páginas del número 59 de ‘Fiestacultura’. Le siguen varios reportajes y artículos de opinión como el realizado por Manuel V. Vilanova sobre los problemas de legislar en materia de las artes de calle.

Sipario

La legendaria revista italiana sobre artes escénicas ‘Sipario’ que dirige Mario Mattia Giorgetti incluye en su doble número 767-768 una crónica sobre un encuentro celebrado en Bucarest sobre el rol de la crítica teatral hoy a cargo del propia Mattia, el texto teatral Il Gioco de Davis Tagliaferro y varios artículos y reportajes sobre la realidad teatral italiana y europea,

Primer Acto El último número de ‘Primer Acto’, el 346, se presenta con dos temas centrales recogidos en los títulos “Los 50 años del Odin” y “Rodrigo García audacia y compromiso”. El primero arranca con una entrevista con el fundador y director de la compañía danesa, Eugenio Barba y le siguen artículos escritos por otros miembros del Odin Teatret como Julia Varley o el propio Barba además de los firmados por Osvaldo Dragún, Lluís Masgrau o Raquel Carrió entre otros y se completa con la publicación del texto teatral ‘Itsi Bitsi’ de Iben Nagel Rasmussen llevado a escena por el Odin Teatret en 1991. Para abordar el segundo tema Primer Acto recoge artículos que sobre el trabajo de Rodrigo García han escrito creadores y críticos como Óscar Cornago, Antonio Fernández Lera o Elena Córdoba y se completa con la publicación del texto ‘La selva es joven y está llena de vida’ un guión dedicado a Stegano Scodanibbio y cinco poemas escritos por García.

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14 julio agosto Temporada Teatral Neoyorkina de Primavera

Obras sobre las intolerancias de nuestras sociedades

a temporada teatral en esta primavera se ha caracterizado por la presentación de obras que marcaron época en su momento, al denunciar el racismo, la homofobia y el sexismo de la sociedad norteamericana. De este modo, la producción de A Raisin in the Sun dirigida por Kenny Leon, actualiza el lugar icónico que los protagonistas tienen dentro del imaginario norteamericano, no solo por ser la primera obra escrita por una mujer de color (Lorraine Hansberry) que se produjo en Broadway, sino porque los episodios reales, en los cuales se basa la pieza, llevaron a promulgar una ley contra la discriminación racial dentro de vecindarios considerados “blancos”. La intensa interpretación de Denzel Washington como Walter Lee Younger, el padre de familia buscando progresar en una sociedad hostil a las mejoras sociales de la gente de color, rompe las barreras históricas contra la asimilación de la población negra en los Estados Unidos, para denunciar formas de racismo más sutiles, pero no por ello menos dolorosas, en el país de hoy. De hecho, recientes estudios apuntan a la falta de movilidad social del contingente afroamericano y a la enorme proporción de hombres pertenecientes a este grupo que se encuentran encerrados en las cárceles. Una claustrofóbica puesta en escena, donde se buscó profundizar en las difíciles condiciones para la vida familiar dentro de espacios reducidos, además de justificar humanamente la mudanza a una casa en los suburbios de Chicago, contribuyó poderosamente a inclinar la balanza hacia el cambio de paisaje, pese a las presiones de los vecinos para comprarles la propiedad, a fin de mantener la homogeneidad racial del vecindario. La negativa de Lena (LaTanya Richardson Jackson), la matriarca, a aceptar el dinero de gente que considera que sus hijos no tienen el derecho de pisar la misma tierra 80

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cisión de darle una muerte más digna a su compañero para no dejar que los otros lo linchen, fue concebido como un escape misericordioso al laberinto de malos entendidos, presiones y accidentes multiplicándose en tanto se desarrollaba la acción. Lo poético del escenario, puesto a resaltar la belleza del paisaje del oeste americano, actuó como un diorama plástico contra el cual las pasiones y los excesos quedaron amortiguados, a fin de centrar la humanidad de unos Hedwig and the Angry Inch caracteres ampliamente reproducidos por el cine y la televisión, dado su poque ellos, energiza a Walter quien rechaza la der para compendiar la soledad del rebelde oferta y, al bajar el telón, dirige a sus seres y el inadaptado, es decir, el antihéroe. Es enqueridos hacia la incertidumbre de vivir en tonces el heroísmo de la debilidad lo que la una urbanización donde no se les quiere deobra capta en profundidad, pudiendo desde bido a su color de piel. él extraerse la fuerza para realizar grandes “–¿Por qué no te quieren? / –Porque soy hazañas. Esta ilusión, dable de alimentar el negro. Ellos están jugando cartas allí pero sueño americano, es sin embargo destruiyo no puedo jugar porque soy negro”. Este da aquí, cuando el entorno se devuelve de diálogo entre Lenny y Crooks en Of Mice and manera hostil y amenazante contra quienes Men de John Steinbeck, planeó como una luchan por sobrevivir en medio del horror. Un nube tormentosa sobre la producción del horror, que en aquel momento fue la Gran Longacre Theater de Broadway, dirigida por Depresión y el incremento de los nacionalisAnna D. Shapiro, con James Franco (Geormos desencadenantes de la Segunda Guerra ges) y Chris O’Dowd (Lennie) en los roles Mundial, y en nuestra contemporaneidad se estelares. Y si la novela de Steinbeck atacó a nutre del terrorismo, la violencia étnica y el quienes consideraban como inferior al homempobrecimiento material y humanístico de bre de color en los años treinta, la obra se las sociedades, a merced de quienes manivuelve mucho más urgente hoy, cuando su pulan, controlan e imponen. situación no ha mejorado cuantitativamente Y no otra producción en esta temporada en los Estados Unidos. ha logrado darle más agresivamente voz a La enérgica dirección de Anna D. Shapiro las incertidumbres y miedos contemporáneos logró que los protagonistas desafiaran, con como Hedwig and the Angry Inch, dirigida por Michael Mayer. Si John Cameron Mitchell, ausu complicidad y solidaridad hacia Crooks, tor, director e intérprete de la versión original, los estereotipos y crearan una zona de apoubicó al transexual Hedwig en el panteón del yo mutuo, donde el resto de los personajes rock duro, la interpretación de Neil Patrick entraba pero no podía romper los lazos que Harris aporta el glamur y un sentido de perunían al conjunto. Por otra parte, las difetenencia, apenas apuntando cuando la pieza rencias culturales entre Georges y Lenny debutó off-Broadway 20 años atrás. De heno fueron aquí un obstáculo, sino sirvieron cho, la reciente normalización para el público más bien para resaltar la importancia de la mayoritario de modelos, cantantes y actores amistad en situaciones límite. Aún el violento transexuales le resta a Hedwig el aura como desenlace, donde Georges debe tomar la de-

julio agosto personaje de culto que tuvo entonces, pero le añade una humanidad y sentido práctico del cual carecía. No extraña entonces que Broadway hiciera una inversión millonaria en vestuario, accesorios, decorados y proyecciones multimedia para consagrar al personaje ante el espectador medio, quien nunca se hubiera acercado a la sala de baile del dilapidado Jane Hotel, junto al West Side Highway neoyorkino, que 100 años atrás había alojado a la tripulación del Titanic, y en los años setenta fue un club de sexo. El cambio de locación al Belasco Theater de la calle 44, deslastró al personaje del lado desesperado pero contribuyó a su normalización, volviéndolo más accesible y, por ende, menos enojado con el mundo. Ello le permitió a Harris regodearse en el camp de la escena y resaltar lo biográfico del texto, estableciendo una conexión mucho más personal e íntima con la audiencia. Con esta translación, la actuación resultó más controlada y menos delirante que la de la versión original, si bien evocó, nostálgicamente, un momento cuando la impunidad y el exceso hicieron de Manhattan el centro de todas las experiencias, y el laboratorio donde obras como esta podían germinar sin ataduras. Algo que ni el teatro ni las restantes manifestaciones artísticas podrían alcanzar actualmente, cuando el comercialismo se ha apropiado de los espacios que fueron contestatarios entonces, y alojan ahora a las nuevas cadenas de comida rápida, supermercados y agencias bancarias. El regreso de Harvey Fierstein a la escena con Casa Valentina, dirigida por Joe Mantello, de cierto modo trae a un primer plano aquella época, recuperada asimismo en otras obras suyas como Torch Song Trilogy y Safe Sex, y en los libretos para La Cage aux Folles y Kinky Boots. Aquí Fierstein se devuelve al travestismo de sus inicios, en la historia verídica de una comunidad de veraneo en el estado de Nueva York, compuesta por padres de familia quienes, a fines de los cincuenta, se reunían los fines de semana para vestirse con ropas de mujer y actuar una feminidad deslastrada, según ellos, de connotaciones homosexuales. La agudeza de Fierstein para la sátira y los dobles entendidos, funciona muy bien en esta producción, que se nutre de una excelente puesta en escena y un acertado vestuario dable de acomodar las peculiaridades de la mujer que cada uno lleva dentro. Si bien no hay una elaboración profunda de la psicología de los personajes, el cambio de ropa trae consigo una alteración de la personalidad palpable en las actuaciones, además

ción con familiares y amigos de los desaparecidos, donde la homofobia, como ocurre con Katharyne, es consecuencia del dolor ante lo inevitable. El hecho de que recientemente se haya llevado a la pantalla la pieza de Larry Kramer, The Normal Heart, donde igualmente se documenta el miedo y la intolerancia de los años iniciales de la pandemia, pareciera que es parCasa Valentina te de un intento de los dramaturgos y cineastas por revisitar los comportamientos de entonces, y censurar la lentitud de revisitar la hipocresía, la homofobia y el de las instituciones gubernamentales nortetradicionalismo de la sociedad de la época, americanas para reconocer la crisis, en pleque pronto sería barrida por el liberalismo na época marcada por el conservadurismo de la generación siguiente. del presidente Ronald Reagan. Mothers and De hecho, los movimientos en pro de los Sons espejea estas preocupaciones, si bien derechos de las minorías quedan esbozano aporta soluciones ni permite el cierre de dos a través de Jonathon (Gabriel Ebert), ese doloroso período hoy, cuando los avanel joven entrando por primera vez a aquel ces de la ciencia y una mayor comprensión mundo, con un gusto y un ansia de libertad de las sociedades desarrolladas ha normalipara la cual los vestidos son solo el prólogo zado la existencia de quienes, de uno u otro a una manera de vivir distinta a la de sus modo, conviven con esta realidad. mayores. El placer por impostar lo femenino No extraña entonces que All the Way, dirise nutre en él de cierta distancia irónica para gida por Bill Rauch, haya centrado otro mocon la sociedad de su tiempo, ausente en el mento clave de la Historia norteamericana: resto del grupo; quizás porque las guerras y el año posterior al asesinato del presidente las intolerancias, con las cuales ellos habían John F. Kennedy, marcado por el ascenso de tenido que lidiar, no les dejó mucho espacio Lyndon B. Johnson al poder, y su cruzada para autoanalizarse. para pasar ante el Congreso la Ley de los Para los demás integrantes de la comuDerechos Civiles, donde se reconoció, por nidad, el travestismo es solo un escape a primera vez, la igualdad ante la justicia de tolas presiones sociales y personales, de las dos los ciudadanos, independientemente de que Charlotte (Reed Birney) resulta ser su su raza, credo, sexo u orientación sexual. mejor exponente, en la seriedad con la cual, El extraordinario tour de force de Bryan enfundada en un traje Chanel y perfectamenCranston como Johnson, permitió al público te maquillada y peinada, asume el papel de que no vivió aquella época, recobrar con gran abanderada de los derechos del grupo, pero veracidad el punto álgido del macartismo, la dejando afuera las “perversiones” propias guerra fría y los comienzos del conflicto en de otras minorías sexuales. Se hace presenVietnam, además de constatar la férrea oposite aquí la doble moral del colectivo, pero con ción de la derecha más radical a reconocer los una vuelta de tuerca, pues abrirse al otro, derechos de las minorías. El laberinto político, más allá de la coraza constituida por fajas, constituido por componendas, saboteos y pelucas, tacones y faldas, conlleva reconocer chantajes, quedó expuesto con gran tino, melas propias miserias, temores e indefiniciodiante una expansiva puesta en escena, dable nes. Una certeza para la cual los afeites no de acomodar tanto los monólogos de Johnson aportan solución alguna. como los movimientos de masas durante las Una sensación de impotencia similar momarchas de protesta en pro de la igualdad. viliza Mothers and Sons, dirigida por Sheryl Kaller, desde el personaje de Katharyne (Tyne Con ello la pieza de Schenkkan, quien ya haDaly), cuyo hijo murió de sida 20 años atrás. bía explorado la mitología del “American way” Cal (Frederick Weller), el amante de entonces, en The Kentucky Cycle, condensó parte del enorme legado del presidente Johnson, y nos ha rehecho felizmente su vida adoptando indescubrió su capacidad para manipular a los cluso a un niño con la pareja actual. Katharypolíticos, a fin de hacer realidad proyectos que ne, no obstante, lleva a Cal a revivir la crisis, habían parecido hasta entonces imposibles. espoleado por el odio de esta madre contra Una certeza que, a la vista de estas obras, nos la sociedad que le arrebató a su hijo. Como devuelve la esperanza y nos hace creer en la en otras de sus obras (Andre’s Mother, Lips Together. Teeth Apart, Love! Valour! Compasposibilidad de un mejor futuro para las demás sion!) Terrence McNally explora las relaciones naciones de nuestro convulsionado planeta. dentro de la comunidad gay, sacudida por las Alejandro Varderi pérdidas a causa del virus, y centra la interacw w w. a r t e z b l a i . c o m