Artez199 by montaje

14 septiembre Carlos Gil Zamora

Elogio y refutación del mito y la leyenda sobre la gestión teatral

veces parece más una indigestión que un razonamiento sobre la necesidad de gestionar lo ingestionable, o de convertir la responsabilidad de una dirección de un espacio público dedicado a la exhibición de cultura y artes en vivo en un asunto contable que se soluciona en el ámbito de las tablas de Excel y no en el conocimiento, indagación, riesgo y sensibilidad que acompañe a la aventura creativa poniendo en relación a los artistas con los públicos receptores. Nada es tan necesario como una personalidad influyente en el ámbito de la creación, al frente de las instituciones Solo2 de Brodas Bros y aparatos o edificios que conforman la representación de las acciones de gobierno de cada lugar y época. Se confunde, por ignorancia o mediocridad crónica, la gestión con la dirección. Viene de la nefasta situación política general en donde a falta de gobernantes con criterios y liderazgo político que intenten cambiar todas la situaciones, se busca un lugar común, impropio, que es el de la “buena gestión”. ¿Por qué no se presentan los contables a las elecciones? ¿Por qué no eligen a contables o economistas para los teatros públicos? Para ejercer la gobernanza se necesitan objetivos políticos y personas que los interpreten y los hagan ejecutar a los gestores. Por ello se deben elegir para los teatros de producción de espectáculos, personas que aporten creatividad, talento, capacidad de transformación. Y que respondan de estas cuestiones, porque para decirnos el porcentaje de ocupación o el porcentaje del presupuesto destinado a una cosa u otra, ya existen aplicaciones al alcance de cualquiera que lo pueden hacer. Las administraciones tienen legiones de contables, administrativos, programas informáticas que pueden hacer esta labor a las mil maravillas. Además existen los inspectores, los abogados y servicios jurídicos que ejercen el control o

constriñen la acción, pero la figura que marque el rumbo debe ser un creador. Yo diría más, deberían ser pensadores de nuevas situaciones, que aportaran prestigio y proyección a los teatros y lideren, de alguna manera, las iniciativas generales. No lo contrario, personas que ejercen sus funciones a medio camino de nada, que se hacen su currículum a costa de imponer sus criterios básicos, de baja intensidad, para que nada sobresalga por encima de los nombrados por el poco recomendable “código de buenas prácticas”, una de las mentiras más escandalosas de los últimos tiempos. Si esto debería ser incuestionable para los grandes espacios, para las unidades de producción de “bandera”, algo parecido debería suceder en los cientos de teatros de todas las redes. Con jerarquías, sin establecer un régimen único para todos, pero intentando buscar cada vez más lo apropiado para poder establecer con estos instrumentos una acción cultural real, no subsidiaria, para que desde la dirección se busquen sinergias, complicidades, se establezcan discursos activos que rompan con la nefasta tendencia actual a ser recipientes donde depositar los productores de la oligarquía sus negocios, sus productos de consumo. O al menos, que no fueran estos los únicos con derecho a utilizar esas salas construidas con dineros públicos y que funcionan, en lo básico, con los presupuestos generales de sus lugares. Obviamente, sin producción propia, varía el prototipo de dirección, pero debe tener sensibilidad cultural, arrojo y voluntad, no sumisión y contabilidad pegadiza. Llegan en breve elecciones municipales, y la titularidad de la inmensa mayoría de los espacios escénicos es de los ayuntamientos, es decir, es el momento para que las formaciones y plataformas políticas que vayan a presentarse se interesen por estos asuntos de manera seria, porque, además, seguimos en el limbo reglamentario,

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Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

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Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El lado oscuro – Jaume Colomer Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El método griego – María Chatziemmanoui Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Ber

Festivales 10 - 17 34 FiraTàrrega 18 - 20 28 Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca 22 - 23 I Fira Illescena 24 - 25 III Festival Mirada de Santos - Brasil 26 - 27 XXV Mostra Internacional de Mim de Sueca 28 - 29 Festival EnClave de Calle de Burgos 30 TNT - Terrassa Nuevas Tendencias 32 El Rioja y los 5 Sentidos 33 Miscelánea de Festivales

Suplemento 35 - 50 mercAdo de las aRTes EscénicaS de Zaragoza 2014

Estrenos El elefante ha ocupado la catedral de Juan Mayorga 53 Largo viaje del día hacia la noche de Eugene O´Neill 54 - 56 Misceláneas de estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

índice

el teatro, los teatros, sus contenidos, son competencias impropias de los ayuntamientos. Y se necesita voluntad para dotarlos de vida, de proyección, de utilidad práctica cultural democrática. O sea, menos gestores, más compromiso con la cultura y la creación. Menos producciones empresariales y más obras de teatro con ambición cultural. Menos trabas y más soluciones prácticas para que las artes escénicas se estudien, se creen, se exhiban y se disfruten por el mayor número posible de públicos. Lo demás son posturas y gestos vacíos, declaraciones de púlpito. Necesitamos hechos. Actos. La lamentaciones y los gritos en el más allá. Todos a una. Resulta ser que este ejemplar está marcado con el número 199; que en la colección de libros de Textos Teatrales estamos por el 97, que en la colección de Teoría y Práctica vamos por el número 20, que en lo que primero fue portal y ahora es periódico digital nos acercamos a los cuatro mil quinientos días de emisión. Cifras que se van redondeando, que nos producen una suerte de vértigo, de saber que hemos cumplido una misión, no lo tenemos claro, cuál exactamente, pero que eso significa una entrega, una lucha contra la desidia general, un desgaste acumulado que ante estas redondeces dan ganas, profundas y meditadas ganas, de plantarse. Sí de cerrar ahora que todavía parece que existimos. Un cierre voluntario antes de la plaga que puede llegar y convertirnos en zombies. Pero a pesar de los años transcurridos, de estar, como casi siempre en los últimos tiempos, sufriendo demasiado cada final de mes para pagar nóminas, impuestos, proveedores y seguridad social, cuando hemos reducido casi hasta lo risible nuestra estructura humana, lo que nos conduce a una mayor vulnerabilidad, a más posibilidades de errores, hemos decidido seguir con todo lo que podamos asumir porque la vida teatral, de las artes escénicas iberoamericanas sigue con mucha vitalidad y nos ha contagiado y además consideramos que estamos cumpliendo una modestísima función de puesta en conocimiento entre unos y otros, y si no hacemos más grande el agujero económico como lo estamos intentando, si podemos asegurar los mínimos imprescindibles con la solidaridad de tantos colaboradores, anunciantes y amigos, vamos a continuar con ARTEZ, con la editorial, con el periódico digital, probablemente ajustando todavía más la frecuencia, quizás con abandonos circunstanciales de algunos de nosotros por un tiempo. Incluso podríamos anunciar algunos proyectos a los que nos vayamos incorporando en el campo de los medios de comunicación en breve. Esto es, por lo tanto, una reflexión circunstancial inspirada en la falta de coherencia de muchas instituciones, en la manera de malgastar recursos que advertimos en tantos lugares, por el estancamiento en una situación que se enquista y que contagia a todos. Más que nunca es necesario un cambio. Revisar, reformar, revolucionar todo el sistema por el que se regula o se controla todo lo que se refiere en las artes escénicas. Nuestra postura es obvia: apostamos por la excepcionalidad cultural, creemos que se deben reforzar los valores de la cultura y de las artes escénicas en nuestra sociedad sin ambages. Con mayor decisión. Y presupuesto.

Opinión

En gira 58 59 60

Programaciones de Bizkaia Programación de Donostia Misceláneas de en gira

Zona abierta 72 73 74-75 76-81

Mercartes en Valladolid Feria del Libro Teatral de México Escaparate Crónicas de: Foro sobre comicidad femenina, Odin 50 años, Umore Azoka, TAC de Valladolid, FITEI...

14 septiembre Rondas escénicas

María-José Ragué-Arias

Dos perlas del Grec

n el Grec, Ramón Simó se esmeró en conseguir mucho ruido… y algunas nueces… entre éstas, dos grandes hits: el espectáculo de Toneelhead y el de Cheek by Jowl: “Fountainhead” y “Ubu, roi”. ¡”Ubu roi” reconvertido en la alucinación de un grupo de burgueses! Declan Donnellan dio la vuelta a ese precursor del absurdo. Fue el hijo de Papá Ubu y Mamá Ubu quien contemplará atónito el enredo familiar, el potencial de violencia y depravación que surgirá de esa cena de matrimonios, será él el narrador de esta extraña historia que Jarry estrenó en 1896 consagrándola como el primer paso del teatro del absurdo… suyo será el punto de vista… Jarry hace una caricatura del poder y Declan Donnellan lo revierte haciendo que sea el hijo quien nos ofrezca la caricatura. En diciembre de 1896, el público que se sentaba en el Théâtre de l´Oeuvre de Paris oyó la palabra “Merdre”,… es el inicio de una fábula sobre la ambición de poder, secuela de Macbeth en clave de teatro del absurdo. Declan Donnellan ha ambientado Ubu en una elegante cena burguesa por debajo de la cual corren instintos primitivos, ambición de poder, complejo de Edipo… e incluso una gran batidora que parece destinada a una lobotomía… Ubu quiere ser la parte más siniestra de nuestro interior humano, son los instintos primitivos que la civilización no puede tapar… claro está… Ubu sigue siendo una sátira sobre el poder. Pero para que nos subyugue tiene que tener esa perfección capaz de ofrecernos Declan Donnellan con sus actores de habla francesa… Han pasado años desde que en 1896, la palabra “Merdre”, provocación de Alfred Jarry (1873 – 1907), revolucionara la platea del teatro. Ahora, Donellan sitúa la acción en esa espera de una familia burguesa a sus invitados de la cena del sábado noche. Y mientras la familia espera, a los personajes les coge a menudo un frenesí que descontrola sus cuerpos… los fragmentos del Ubu roi de Jarry se presentan sincopadamente. Y todos los utensilios de la cocina burguesa se transforman en herramientas… Es un sin fin de guiños del absurdo con precisión absoluta para llevarnos hasta un final que si bien se prolonga demasiado, culmina totalmente el espectáculo. ¿Era este espectáculo la vedette del Grec 2014 o era “Fountainhead”? Mi apuesta era por el Toneelgroep de Amsterdam, dirigido por Ivo van Hove, por “Fountainhead” (1943) especáculo basado en la novela de Ayn Rand (1905-1982) que con enorme compleji-

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dad e inteligencia nos plantea una arquitectura humana, lejos del vedetismo de los arquitectos, con una filosofía de la autora que defiende la razón y el compromiso social. En su día, la obra fue leída por las elites del poder económico,… Ivo van Hove se interesó por el texto, por sus ideas… Y en su espectáculo, parece apostar por el dilema y la contradicción. Sobre el escenario vemos un cuento faústico, con arrogancia, delirio, masoquismo, patetismo, incoherencia, psicopatologías, sociopatías… La dirección del espectáculo lo lleva a la transversalidad de las artes… Todo es de una belleza pura y deslumbrante, todo es arte total. Una especie de gran loft acoge una tras otra las escenas que unen talleres de arquitectos, áticos de rascacielos, escenas de cama, y todo interactúa para unir fragmentos, danza, dibujos, bocetos, material fílmico… que muestran la arquitectura de Wright, Kahn, la del Partenon…, todo es como un gran workshop teatral, una obra de arte total, videoarte, enorme pantalla con proyecciones pero también artículos de periódico que nos conectan con realidades contemporáneas al espectáculo de obras capitales de la arquitectura de las últimas décadas,… Y la música, en un ambiente sonoro de órgano, percusión, instrumentos electrónicos, minimalismo musical nos lleva a la vanguardia de los años 20… a grandes explosiones, al sexo violento… Lo básico del tema o del argumento: dos arquitecturas enfrentadas, un arquitecto íntegro , otro pactista, más el contrapunto del magnate de la prensa, y todos asediando a un mujer bella e histérica, fría y sadomasoquista que pasa del uno al otro. Dos arquitecturas se enfrentan, Roark es genial, idealista y egoista, un artista íntegro. Para Keating el mundo se divide entre genios y parásitos, creadores y subordinados, elite y chusma… Roark afirma cosas como “las formas de la tierra no me gustan, quiero cambiarlas” o anuncia “viene una nueva era”… Mientras, Keating está dispuesto a pactar, a obedecer, a convivir. Es la división de los humanos que nos muestra la novela de Rand; en el mundo hay genios y parásitos, creadores y subordinados. Y éstos no dejan progresar a los primeros, un discurso plenamente actual… Keating vende su integridad, Dominique vende su cuerpo, Roark es un renacentista a quien no le importa el dinero… caprichoso y ególatra, es uno de esos aquitectos “estrella” en el polo opuesto de las arquitecturas subvensivas o marginales que de un modo brillante y barroco, el espectáculo defiende. Y si esto es lo que se nos ofrece durante casi cuatro horas de espectáculo… ¿qué más podemos querer?

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Desde la caverna

David Ladra

El arte del teatro

a temporada del Teatro Real se cerró este año con las representaciones de la ópera Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach, puesta en escena por Christoph Marthaler y con Anna Viebrock, su colaboradora habitual, como escenógrafa y figurinista. Ésta tuvo la genial idea de situar la obra en un espacio que figuraba la cafetería del Círculo de Bellas Artes de Madrid, aglutinando en él otros elementos decorativos de la misma entidad como lo son su mobiliario modernista, el estrado en el que posan las modelos durante las clases de dibujo o esa estatua yacente de una mujer desnuda que descansa, tumbada en una roca, a los pies de los consumidores del bar. Contemplar cómo Hoffmann, paradigma del poeta romántico, nos narra sus frustrados y apasionados amores con las tres mujeres con que sueña –la mecánica Olympia, la Antonia que sacrifica su vida por el arte y la casquivana Giulietta– en un ambiente tan frío y tan modern style como el plasmado aquí por la Viebrock no solo aporta su granito de arena a la tarea de deconstrucción de la ópera que se propone el director suizo sino que brinda al público una experiencia estética que se puede calificar de fascinante. Así, el final del primer acto que sirve de prólogo a la obra se convierte en una exhibición del por qué se dice de este arte que es el compendio de todas las demás: mientras la Musa y Hoffmann (Anne Sofie von Otter y Eric Cutler) cantan y actúan ensimismados, un cuerpo de ballet danza sincopadamente como si lo inspirase Béjart, los performers y los figurantes se mueven a la misma cadencia y se van alternando las modelos, sin ropa, sobre la plataforma de posar. Todo ello al ritmo de la música pergeñada por Offenbach y soberbiamente dirigida e interpretada por Sylvain Cambreling y la Orquesta y Coros del Real. Se crea así, en definitiva, uno de esos momentos que el espectador no olvidará jamás: las esferas celestes movidas por Marthaler parecen girar todas a la vez generando una melodía que nos lleva a acceder a lo que de bello y de sublime tiene el Arte. Viene lo anterior a colación sobre todo por dos razones. La primera es rendir homenaje a un creativo visionario, Gérard Mortier, que durante los escasos años que, hasta su muerte y pese a muchos, permaneció en la dirección artística del Real acordó a la parte escénica de la ópera igual de atención que a la musical. Con él, hemos tenido la ocasión de ver a los mejores directores de la escena mundial de este momento, desde el montaje del ya fallecido Klaus Michael Grüber con el que hizo su presentación a este Marthaler póstumo del que acabamos de hablar, pasando por Dmitri Tcherniakov, Peter Sellars, Ivo van Hove, Krzysztof Warlikowski, Michael Haneke o Robert Wilson. Y la segunda razón es recordarnos, en el momento de confusión actual en que todo se hace mercancía, que además de un producto cultural el teatro también puede ser arte. Hora es ya pues de abandonar los encumbrados coliseos en los que, a golpe de sabrosos subsidios del Estado y aportaciones de empresas y mecenas, se le brinda la ópera a la clase pudiente para sumergirnos de una vez en esa enrevesada urdimbre de grandes escenarios, pequeñas salas y mugrientos chiscones en los que se produce actualmente el teatro de la ciudad. Malqueridos o repu-

diados por la Administración los centros dramáticos oficiales; clausurados, mal arrendados o a punto de ser enajenados los de los municipios (cuando no elegidos arteramente sus directores por el método de las ternas franquistas como ha ocurrido en el de Madrid); y abandonado todo el resto a su suerte, no queda más que un solo camino que tomar al desaparecer la subvención: privatizar y abrirse al mercado. Pero el mercado no es la aldea apacible que nos anunciaba Adam Smith sino un nido de víboras en el que es obligado competir si se quiere sacar provecho. Claro que ahí está esa mano invisible que, en siendo productivo, todo lo regula y normaliza hasta convertirlo en algo igual, indistinto, homologado para consumir y ser objeto de comercio. En ésas está el llamado teatro alternativo: a la venta, enseñando las partes y contoneándose sobre la tarima de subastas por ver si un público insensato lo quiere comprar. Verdad es que no lo tiene fácil: el modelo que le ponen enfrente no es otro que el del teatro comercial, un entramado viejo que lleva años hundiéndose y no da para más. Como fue en sus inicios, hay que buscar una tercera vía que le permita subsistir entre los restos del naufragio. Pero hay que comer todos los días y aunque uno reviente de talento amoldarse a los gustos de la audiencia que va a la sala a entretenerse, echar unas risas o moquear un poco, y pasárselo bien. ¿Y qué hay de malo en ello? Así es el oficio. Y no es oficio lo que falta a nuestra gente de teatro, que lo desperdicia a manos llenas: dramaturgos que escriben sainetes costumbristas llenos de mala baba y segunda intención para que el respetable se tronche a carcajadas; autores que se entregan al drama realista o al libelo social removiendo conciencias y haciéndonos, por no prender un cóctel molotov, echarnos a llorar; comediógrafos finos que adoptan posturas más irónicas y nos invitan a la reflexión; e incluso algún osado que investiga y expone sus hallazgos en forma de teatro experimental. Pero, ¿de qué sirve esfuerzo tan titánico si todo lo anterior es triturado, hervido y machacado en esa olla a presión que es el mercado? Total, ¿para sacar dos duros –si es que se han de sacar– y dejarse la vida corriendo los caminos de un bolo a otro? ¿O para convertirte en un intermitente que hace de secundario en el cine, rueda una serie en televisión, locuta un anuncio en la radio o, ¡el no va más!, se cuela en un reparto del CDN? Habrá que decir aquí que por qué no, que ésa ha sido la carrera de mucha gente y que algunos incluso han llegado a triunfar y vivir una vida decente y regalada. Algunos, no los más. ¡Y llevarán razón! Al arte que le den por… si no hay condiciones para llevarlo a cabo ni, como sucede en otros países, una estructura institucional que lo sostenga, una red de teatros estables donde actuar, unas escuelas que no sean conservatorios, oportunidades para empezar a trabajar sin tener que poner dinero y, lo más importante, compañías, grupos que se mantengan en el tiempo y se vayan consolidando con él. Para corregir la situación y darle una oportunidad a la ambición artística hacen falta tres cosas, señor Wert: ganas, conocimientos y un poco de dinero. Si no, mejor seguir desmantelando como ahora. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre

Escaparate urbano multidisciplinar

La ira de los peces

Del 11 al 14 de septiembre la localidad catalana de Tàrrega experimenta una gran metamorfosis, convirtiéndose en uno de los mayores escaparates de la creación escénica que atrae un espectro de espectadores muy amplio, tal y como señala su director artístico, Jordi Durán.

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Esta 34 edición se presenta como una plataforma donde se entienden las artes de calle como un espacio multidisciplinar, mostrándolo como un catálogo de experiencias para todos aquellos que quieran dejarse sorprender.

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80 compañíasm conforman esta edición de las que 51 son parte de la programación oficial en la que se incluye la subsección ‘Plataforma’, así como los nuevos apartados ‘Urban Nation’ y ‘Ondara park’. Las 29 restantes corresponden al programa empresa que se desarrolla en los espacios gestionados por ADGAE, 23 Arts y La maleta dels espectacles, sin contar con todo lo previsto dentro de las actividades paralelas. Treinta y siete agrupaciones son catalanas, 22 del resto del Estado español y 12 del ámbito internacional llegas de Eslovaquia, República Checa, Hungría y Polonia además de los miembros de ‘ Focus Visegrad’. Por primera vez, en sus 34 años, FiraTàrrega se inaugura con una producción propia, dirigida por el chileno Ignacio Achurra, director artístico de la compañía La Patriótico Interesante y uno de los creadores latinos con mayor proyección internacional. La ira de los peces, espectáculo con música en vivo, se plantea como un canto a la diversidad cultural y a la resistencia de los pueblos, naciones y culturas

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septiembre

Chicken Legz de Animal religion

del mundo amenazadas que luchan por sobrevivir. FiraTàrrega lleva años contribuyendo a las artes escénicas como escaparate y como coproductor gracias al programa ‘Apoyo a la creación’, iniciativa que busca incitar la excelencia en el ámbito de la creación en el espacio público posibilitando que en la presente edición se muestren un total de once coproducciones fruto de la colaboración del equipo de la Fira con artistas con trabajos marcadamente personales y comprometidos, espectáculos que se podrán conocer en la sección ‘Plataforma’. Somos da nombre a la experiencia escénica interdisciplinar de Amantis con la entidad local Associació Alba de Tàrrega, que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas con discapacidad psíquica, física y mental. El movimiento, la acción y la imagen son los hilos conductores que acompañan la historia que se genera in situ. Por su parte, Animal religion, quien marcó un precedente con su propuesta anterior,, ‘Indomador’ que obtuvo muy buena acogida en la pasada edición de la Fira, dará a conocer Chicken Legz, una experiencia única de circo y movimiento que tiene lugar en una granja, veremos a los animales vibrar, volar y bailar en combinación con la música electrónica. Los también catalanes Foradelugar presentarán El Rey Gaspar inspirado en el libro homónimo de Gabriel Janer Manila, un espectáculo que explica la historia de un luchador que aspira a una vida mejor para él y su familia. Cuatro poderosos extravagantes y sin escrúpulos que se reúnen en secreto en una mansión para controlar el mundo son los protagonistas de la alocada propuesta C.O.C.A. de la Compañía

La Pulpe. Constructivo de Fundación Collado-Van Hoestenberghe y Piero Steiner es un manifiesto en el que dos paletas ilustrados invitan al público a repensar algunas cuestiones universales mientras buscan respuestas al vacío ético que nos rodea, con la ayuda de su humor delirante y una humanidad desbordante. Kamchàtka plantea su trabajo Fugit como una precuela que se ubica en el inicio de la trilogía integrada por Kamchàtka y Habitaculum; una aventura donde la geografía de la ciudad se convierte en un laberinto de experiencias. La supervivencia de las luciérnagas de LAminimAL con dramaturgia de Daniela De Vecchi a partir del texto breve ‘Legión’ de Juan Mayorga se inspirada en los últimos escritos de Pasolini, un ejercicio que invita a conocer diferentes perspectivas de una misma historia. La propuesta multidisciplinar de la compañía catalana Obskené y la mexicana Teatro Ojo, Gran rifa d´un fabulós viatge a Mèxic propone una reflexión sobre el exilio que, partiendo de un viaje imaginario, permite a los participantes entrar en el sorteo de un viaje para una persona a México que recreará la ruta de los exiliados de la Guerra Civil, de Veracruz a México DF. Otra agrupación mexicana, la Compañía de Teatro de Calle Monterrey, ofrecerá una coproducción internacional con el sello artístico de Los Galindos que presenta Ti-Tlan (lugar entre) un espectáculo itinerante y multidisciplinar que trata sobre la imposición y la violencia. Por último, los húngaros Stereo Akt con el site specific Close encounters of the Different kind, que trata sobre la distancia, la seguridad y la familiaridad y que involucra a un colectivo de inmigrantes locales. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre URBAN NATION.- Danza urbana, para las noches de la Plaça de les Nacions con tres horas intensas de la mejor danza hip hop del momento. La agrupación Brodas Bros presenta varias propuestas, por un aldo Solo2 de la mano de los hermanos Pol y Lluc Fruitós, un trabajo coreográfico mixto que utiliza las técnicas diversas como el popping, el locking, el break y la danza contemporánea. Asimismo, pondrán en escena Raindú contando en directo con el músico Motus de Circle of Trust

Jean Philippe Barrios y las hermanas Berta y Clara Pons. Los aragoneses Circle of Trust también particiaparán en esta sección con Motus, pieza de breakdance y circo para seis bailarines dirigida por Jordi Vilaseca, una propuesta que reflexiona sobre el esfuerzo, la superación y la colaboración para conseguir sueños. La programación especial de Urban Nation se completa con dos propuestas más, por un lado con la intervención del DJ Save the Cheerleader, proyecto integrado por dos jóvenes artistas de Barcelona, Will Fly (Willy Barleycom) y Supernails (Nil Fruitós), y por otro Sinestesia del joven grupo extremeño Iron Skulls co, pieza que transporta al público, desde la emociones y los sentidos, a un mundo postapocalíptico donde sus habitantes se expresan a través de las acrobacias y la danza.

ONDARA PARK.- Agrupa los espectáculos de carácter más lúdico y festivo y se .desarrollará en tres espacios específicos: la Fassina, el carrer Migdia y el Parc del Reguer. Entre los principales protagonistas se encuentran La Troba Kungu-fú, agrupación liderada por Joan Garriga que nace

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de tres reivindicaciones esenciales: la trova como actitud para componer canciones a la manera de los antiguos trovadores, buscando la inspiración de la vida cotidiana, el kung-fú como disciplina para llegar a la perfección y la rumba catalana. Guillem Albà & The All In Orchestra presentarán Marabunta, espectáculo de clown enérgico con música en directo con canciones propias, gags absurdos y cabaret. Otra propuesta clown será la que propondrá JAM en El Mêtre, dirigida a todos los públicos. Volviendo con la música, Sidral Brass Band que presentan la propuesta itinerante Red red wine o la pieza que conjuga música y danza Patinem-nos el món!!! de Dr Batonga! (Colectivo Cautivo dj set), proyecto que recupera el concepto de las míticas roller-disco de los años setenta. Efimer por su parte dará a conocer su más reciente creación, Traps, donde tres dragones gigantes de más de 4 metros de longitud, confeccionados con miles de recortes de tela, ocupan las calles mientras interactúan

con los paseantes. Wet Picnic, compañía que se inspira en la vida cotidiana y se deleita en el absurdo y en la excentricidad para crear espectáculos, también estará presente con The Lift al igual que Laïtrum con la instalación Micro-shakespeare, trabajo que cuenta con la producción del Royal National Theatre de Londres en el que condensan en 5 piezas de seis minutos cada una la obra de Shakespeare.

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14 septiembre sección oficial

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Jordi Durán: “es una apuesta por la creación de autor, comprometida y transnacional”.

Sala.-La programación de FiraTàrrega 2014 se fundamenta sobre dos líneas de acción, artes de calle, la disciplina mayoritaria y artes de movimiento y creación contemporánea en la programación de sala. En este último apartado se incluyen algo más de una decena de propuestas que se llevarán a cabo en los diversos espacios habilitados en el Polideportivo Municipal, el Teatre Ateneu así como en el Museu Comarcal de l´ Urgell y el Espai Saint Josep. Se podrán ver, Una casa de Asia de Agrupación Señor Serrano, un retrato pop de carácter multidisciplinar de la década que siguió al 11-S y dejó paso al siglo XXI. Arsènic Creació presenta La nit just abans dels boscos, un montaje intimista en el que su protagonista habla de su universo, un suburbio donde todo está oscuro. La obra se escenificará en el foyer del Teatre Ateneu. Los eslovacos Jaro Vinarsky llevarán a escena Animalinside espectáculo de danza para dos bailarines planteado como una serie de imágenes poéticas, partiendo de la animalidad inherente al ser humano. La adpatación de los solos de Claire Ducreux ‘La sonrisa del naúfrago’ y ‘Barco de Arena’ que se

Potted de La Trócola

recoge en este trabajo denominado Réfugiée poéthique; África del coreógrafo, bailarín, actor y director argentino Luis Biasotto, un montaje entre la performance, el teatro y la danza que gira entorno a 5 cuestiones organizadas en una estructura circular con saltos temporales; Me va gustando de Marco Vargas & Chloé Brûlé, donde los artistas se mueven en busca de los límites del flamenco a través de la palabra, la música y el baile. Dos compañías de la República Checa, Vertedance & Jirí Havelka & Clarinet Factory con Correction sobre la libertad y la falta de ella y Sergean Tejnorová & The Commando con Edge producción multidisciplinar que afronta temas relacionados con el envejecimiento, los cambios en la sexualidad o la percepción de la propia vida. Además, La velocidad del zoom del horizonte de los mexicanos Compañía Teatro de Arena, un espectáculo de ciencia-ficción construido desde la simplicidad escénica, repleto de diálogos que conducen a conclusiones paradójicas sobre el conocimiento y la condición humana. Titzina Teatre con Distancia siete minutos, con la que hablan de personas que buscan resolver conflictos con otras personas y la compañía madrileña Darft.inn con Los nadadores nocturnos, montaje que retrata un mundo enfermo y fragmentado que no deja espacio a la inocencia completan las propuestas de interior.

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Traveling de Catalina Carrasco

En la calle.- Los espacios en el exterior acogerán las propuestas circenses de La Trócola, que presentará Potted, proyecto que conjuga diversas disciplinas circenses, partiendo de la premisa de la innovación artística, cargada de gran impacto visual y creando una comunicación directa con el espectador. Un trabajo basado en la investigación del espacio, de los objetos, las estructuras y el ritmo. El colectivo compuesto por cuatro jóvenes artistas de diversas nacionalidades afincados en Bélgica, 15feet6, especializados en acrobacias con la barra rusa, el mástil chino, la báscula coreana y los saltos aéreos, proponen en Dynamite & Poetry una performance de calle explosiva donde la técnica y el riesgo se mezclan con el humor y la poesía. La tercera propuesta de circo viene de la mano de Manolo Alcántara y su último trabajo, Rudo, un homenaje al mundo arriesgado, rudo y efímero del circo clásico. Dentro de un

espacio circular acotado a un aforo limitado, se da paso a un espectáculo íntimo y próximo, aliñado con un acompañamiento musical y donde el público experimenta el riesgo de sentir el límite de los movimientos. La compañía polaca Teatr KTO escenificará The Blind espectáculo multidisciplinar de gran intensidad física que constituye una parábola sobre la decadencia de la civilización, adaptación de calle en gran formato de la novela ‘Ensayo sobre la ceguera’ de José Saramago. Les Filles Föllen amb Barbara Wysonczanska pondrá en escena la pieza de danza Thank you for dancing. Con un trasfondo muy lúdico, sus intérpretes buscan la participación del público y como un videojuego en vivo, los espectadores dirigen una secuencia narrativa de los acontecimientos protagonizados por cuatro bailarines y un músico. Continuando con las propuestas de danza cabe destacar

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14 septiembre

Yi-Ha de Los Moñekos

las piezas que presentan dos compañías baleares, Catalina Carrasco con la performance Travelling en la que se unen la danza y la tecnología interactiva. La bailarina/performer lleva incorporado un acelerómetro 3D inalámbrico y las señales registradas son procesadas a tiempo real para generar, modular y lanzar los sonidos que conforman la banda sonora. La Companya Maria Antònia Oliver llevará a escena Malmenats donde cuatro bailarines exploran el movimiento rudo, sucio e impreciso de este ir y venir, intentando mostrar este movimiento de forma limpia, desprovista de cualquier aditamento superfluo y con cierta crudeza. Col lectiu Big Bouncer por su parte mostrará una pieza que comparte el mismo nombre que la compañía, de carácter contemporánea, planteada como una performance centrada en el movimiento y la palabra, establecie un diálogo lúdico con el público a partir de la improvisación. Navegando entre el teatro y la danza se encuentra Yi-Ha de

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Los Moñekos, donde sus integrantes abren un camino polvoriento hacia el lejano y salvaje Oeste, al tiempo que Sit Back de los británicos Moxie Brawl, es una propuesta inspirada en el papel de la fuerza de trabajo y en la camaradería femenina en la década de los 40, y en especial durante la Segunda Gerra Mundial. Monòlit de Nats Nus Dansa está dirigida al público adulto; un solo dirigido e interpretado por Toni Mira que pretende compartir con el público un momento de poesía, magia, juego, ironía, imaginación y ritmo. La programación oficial se completa con varias propuestas teatrales tales como Fuenteovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas de Companya Obskené, adaptación contemporánea y de calle del clásico de Lope de Vega; La guillotina de Bohemia´s una propuesta a caballo entre la metáfora, la instalación y la performance, ideada por el credor y escenógrafo Pericot, así como Los Rodríguez: una familia en crisis de los madrileños La Rueda Teatro Social, donde desarrollan un montaje de teatro participativo que ofrece a los espectadores la posibilidad de intervenir en el transcurso de la historia para modificar su desenlace. Sin olvidarnos de Despistats que ofrecerán Toti Toronell y Pepa Plana, donde un payaso y una payasa explican, cada uno a su manera, lo que serán dos visiones complementarias de la vida, dos caras de la misma moneda.

Euskal Teatroa.- En la sección oficial de FiraTàrrega se podrá disfrutar de dos propuestas de compañías vascas. Kukai se acercará para presentar su último montaje, Gelajauziak, obra que se conforma dentro de las colaboraciones que la compañía viene realizando desde hace años con diversos artistas. Para este nuevo trabajo han contado con el coreógrafo catalán Cesc Gelabert uniendo por primera vez sus fuerzas para ofrecer una nueva mirada de la danza tradicional. Markeliñe, por su parte, en Andante... propone un espectáculo de calle itinerante en el que a partir de una colección de zapatos, desgrana las pequeñas grandes historias de distintos personajes, sus motivaciones, sus conflictos. Una narración poética que habla sobre los desplazados, sobre los que por uno u otro motivo se ven obligados a abandonar su hogar.

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programa empresa Cascanueces del Teatro del Temple

La programación de FiraTàrrega 2014 se complementa con la presencia compañías que actuarán en tres espacios denominados ‘Programa empresa’ que son gestionados, cada uno de ellos, por entidades independientes a la organización de la Fira que además de ofrecer una programación propia tienen en común que incluyen una área de ocio dentro del recinto destinado a la restauración, para que el público tengan la opción de tomarse algo o incluso comer y cenar. El espacio ADGAE, ubicado en las instalaciones del Instituto de Enseñanza Secundaria Manuel de Pedrolo, contará con una programación que se completa con una selección de sus mejores propuestas infantiles de artes de calle y animación entre los que se encuentra Cascanueces de Teatro del Temple, un montaje visual para público familiar de teatro, danza y títeres en el que su puesta en escena de respuesta al mundo de cuento que sugiere el texto. Propiamente como propuestas para público infantil también están previstas los secretos de Mr Stomboli de EQM Serveis Culturals, La aventura de Tarik y Sarah de Nacho Vilar Producciones o Petits Princeps de MiniMusic, propeustas que invitan a volar la imaginación. Outsizers llevarán a escena la pieza de danza Emotion, Ci-

vic Civiac el montaje de clown y magia Magic casting y El Gran Zampanó y Xa! Teatre la circense Cacos. El programa se completa con Desconcierto de Melomans espectáculo fusión de teatro, humor gestual y humor, y el Taller ambulante de inventos al instante de Click Clowns. En el parking de la Estación de Renfe de Tàrrega se ubica el conocido como Espai 23 Arts, gestionada por la agencia veterana especializada en artes de calle que este año contará con nueve propuestas de diversa índole desde clown, circo, humor musical, fanfarria o una intervención mural de manos del fotógrafo especializado en artes escénicas Gerardo Sanz denominado Escoba y cola, una acción callejera, participativa y festiva en la que el público es el encargado de diseñar y realizar el montaje de una exposición fotográfica en un espacio público. Por último en el espacio de La maleta dels espectacles, que un año más se situará en la Escuela de Artes de Ondara, se espera la participación de diez compañías tales como Elegants, Antonella D´Ascenzi, La Manofactoria, Ne Me titere Pas, Dudu & Cia., Camilo Clown, Loco Brusca, Produccions Essencials, Las Polis o Les Dessous de Barbara.

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14 septiembre XXVIII Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca

Encuentro y exhibición de otras propuestas escénicas Huesca es la mejor plataforma para descubrir otras propuestas contemporánras y fronterizas entre teatro/danza/circo

uelve una nueva edición de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, este año la número 28 que se celebrará del 29 de septiembre al 2 de octubre con una cuidada programación de aproximadamente 30 espectáculos aunque al cierre de esta edición la comisión organizadora se encuentra en pleno proceso de selección y solamente se han confirmado la mitad de las propuestas a exhibir. Conocida en el sector como “la feria de Huesca”, esta cita anual con las artes escénicas “no es un festival de nuevos lenguajes, o de nuevas tendencias, si ambas cosas existieran y si (alguien) fuera capaz de encerrarlas en la cajita de las definiciones” señala su director, Jesús Arbués, “Huesca es una plataforma, un lugar donde (intentar) demostrar y mostrar al programador medio, a los responsables de las redes de este país, que existen “otras propuestas”, más allá de los caminos trillados, más allá de los nombres famosos, hay otro teatro y (siempre en la cola) otra danza contemporánea, propuestas contemporáneas y fronterizas (teatro/circo/danza) propuestas que (a pesar de todo) si se les da visibilidad consiguen emocionar al público”, aclara Arbués y añade que “necesitamos al público, público de una ciudad media, público como el de su casa, necesitamos que muestre que la cosa funciona, que en los teatros de este país con tiempo (y una caña) puede establecerse un repertorio, para la gente que va al teatro a algo más que a hacer hora antes de la cena”. Por todo esto la feria presenta una programación “escogida con cuidado, con 18

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mimo” indica Arbués para añadir que “tenemos buenas infraestructuras, podemos asumir el medio, el gran formato pero también lo mínimo, lo pequeño. Eso es Huesca, un muestrario, pequeño pero cuidado, un sitio donde ver danza cómodamente en escenarios donde se puede bailar. Intentamos traer las novedades, los estrenos, las cosas que inician su vuelo, las cosas que no se han visto todavía”. Lo que Es y no es

Para comprender más si cabe el ideario de esta feria Arbués lo explica de forma muy clara: “Huesca no es la Feria más grande, tiene un tamaño donde todo puede verse; Huesca no es la Feria

con más espacios de exhibición pero sus espacios son óptimos técnicamente para ver y para hacer; Huesca no es la Feria con más programadores pero es la única que comienza su programación por la tarde dejando el día para la actividad profesional. Huesca es la feria donde los espacios de exhibición están más cerca, donde más se apuesta por la danza contemporánea, Huesca no es una Feria local aunque no olvida a la industria de la comunidad, Huesca plantea siempre que la mitad más uno de sus propuestas sean nacionales (de fuera de la comunidad). Huesca busca su espacio siendo diferente”. De las propuestas confirmadas al cierre de esta edición destacan los espectáculos

septiembre de danza tales como Hooked de Lasala, una pieza en la que su directora, coreógrafa e intérprete Judith Argomaniz junto a Jaiotz Osa reflejan la necesidad constante del ser humano en tener una vinculación afectiva con otro ser humano y los efectos que conlleva. Todo ello a través de un lenguaje coreográfico que investiga sobre el apego y la dependencia emocional al que estamos expuestos en las relaciones afectivas reflejado en tres escenas claramente diferenciadas por factores como la música, el tipo de movimiento y los diferentes estados de ánimo. Desde Euskadi llega también Victoria P. Miranda con la danza contemporánea como lenguaje en su pieza And that´s why I´m here today. El “contact” es la piedra angular de la Compañía Sharon Fridman, “es una filosofía existencial que implica una consciente relación no sólo con el otro sino con la materia y los elementos” explican desde la compañía y así se manifiesta en su última creación, Caída Libre en la que explora la supervivencia, rasgo esencial de la naturaleza humana, y más concretamente la cuestión vertical pues levantarse tras caer constituye un ciclo infinito que se repro-

desarrolladas en esta zona y profundizando en el origen y evolución del baile de la jota. Chevy Muraday es el coreógrafo y director de Losdedae compañía creada en 1997 que presenta En el desierto, un propuesta de danza y teatro con textos de Guillem Clúa y Pablo Messiez que pone sobre el escenario a un elenco formado por bailarines y actores para interpretar a siete personajes que escapan hacia un lugar incierto; huyen porque han sido expulsados de su lugar de origen; la sensación de exterminio y persecución les acecha constantemente, necesitan resistir, crear, aguantar, no transigir, descubrir que sosteniéndose los unos a los otros evitarán desaparecer. Otelo de la Compañía Viajeinmóvil ©Rafael Arenas

duce cada día. Además es necesaria la unión para sobrevivir. En otro registro de danza, la propuesta de la Compañía Miguel Ángel Berna, Mediterráneo, con coreografía y dirección del propio Berna en la que seis bailarines ofrecen un espectáculo impregnado de aires del mar Mediterráneo, creado a partir de un trabajo de investigación sobre los orígenes de algunas tradiciones

Visiones de Shakespeare

Una particular versión de El sueño de una noche de verano de William Shakespeare desde la visión de Víctor Jiménez, director de LaMov cía de Danza o Much ado about nothing (Mucho ruido y pocas nueces) de David Espinosa en la que su creador, director e intérprete se pregunta cuestiones como “¿por qué se siguen montando los clásicos?, ¿para arrancar

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14 septiembre con garantías de éxito?, ¿por qué preferimos recordar el pasado en vez de analizar el presente o mirar hacia el futuro?, ¿por qué no me interesan a mí esos textos?, ¿una pose snob?, ¿qué haría yo si me enfrentara a uno de esos autores?, ¿y al más grande de todos?” Éstas son algunas a las que intentará dar respuesta con este trabajo. Otro Shakespeare, Otelo en versión de Teresita Iacobelli, Christián Ortega y Jaime Lorca de la chilena Compañía Viajeinmóvil con el feminicidio como tema principal. Para los miembros de la compañía esta universal obra no habla de los celos, “el asesinato de Desdémona no se puede suavizar elevando el crimen a una dimensión romántica: la misma disculpa se puede apreciar en la mayoría de los diarios sensacionalistas de nuestra época, pero la verdad es que cuando un hombre mata a una mujer, es para ejercer poder sobre ella”. A partir de esta idea ofrecen una mirada al clásico a través de un montaje que mezcla seres humanos y marionetas, realidad con fantasía, el humor, lo antiguo y lo contemporáneo. Un personaje shakesperiano, un bufón, es el protagonista de la obra de Caleidoscopio Teatro, El abrigo de Yorick... y la Musa de Fuego espectáculo de marionetas para público familiar creado por Roberto Barra y dirigido por Azucena Gimeno. Los objetos también toman vida en Lover, un espectáculo de teatro de objetos de Marta Marco y Andrés Beladiez dirigido al público adulto con un tema universal, el amor y su otra cara, el desamor, porque ¿quién no ha deseado con todas su fuerzas dejar de amar?, ¿qué sucede en nuestras cabezas mien-

y Miguel Pardo, Sigue la tormenta, un espectáculo metateatral que habla de las grandes preguntas de la sociedad de hoy planteadas bajo dramáticos hechos históricos de la II Guerra Mundial. Y dos son también los personajes de Cuplés , dos anfitrionas que acompañadas por un pianista proponen un viaje por los cuplés de los años 20 y 30, son Las Sicalípticas que a través de las canciones de la época harán cantar, bailar y corear al público. Son varias las propuestas que tienen el circo y sus diversas y variadas posibilidades como lenguaje principal. Es el caso de Atempo Circ que tras una investigación circo-musical ha creado Invisibles , un espectáculo que combina circo, teatro físico y música en directo para hablar sobre la relación entre Constelaciones de Kendosan Producciones dos personajes en un espacio que ha cambiado y que puede volver a tras tanto?, ¿y en el corazón? cambiar. El mástil chino es el compañero Confesiones a Alá es un monólogo inde viaje de Amanda Righetti que en Els terpretado por María Hervás que narra, ofrece como ella misma expresa “ instantes de fragilidad sobre una técnica en primera persona la historia de Jbara acrobática demasiado rígida ”. una joven marroquí. Esta obra de Nada en la Nevera es un testimonio sobre Las propuestas circenses se complela opresión de las mujeres, una fábula tan con Attached y Cubo de la sueca Magmanus Company y la italiana Betti construida a par tir de la desesperación Combo respectivamente. Ambas compay la miseria que le ha tocado vivir a una ñías actuarán en la feria en colaboramujer, a muchas mujeres, es la confeción con ‘Autopistas: Circus Disseminasión de una joven a un único confidente, tion’, proyecto internacional que tiene Alá. Fran Calvo e Inma Cuevas por su como objetivo establecer y consolidar par te ponen sobre las tablas la historia las redes de circulación de espectáculos de Marianne y Roland los protagonisde circo en Europa y América del Nor te tas de Constelaciones una obra sobre la amistad y mucho más que presenta y potenciar el trabajo de colaboración Kendosan Producciones. y cooperación entre los programadoTranvía Teatro, compañía titular y reres. Este proyecto está coordinado por sidente de Teatro de la Estación de ZaLa Grainerie y los socios son Subtopia ragoza se acerca a Huesca con un texto (Estocolmo), La Tohu (Montreal) y el de Enzo Cormann dirigido por Cristina Instituto Ramon Llull (Cataluña) con la Yáñez e interpretado por Mariano Anós colaboración de la APCC.

La Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca sigue apostando por su zona de mercado con los stands y workpoints que un año más serán el lugar de encuentro de todos las partes del sector de las artes escénicas. Además será el lugar para la reunión de trabajo de todos los socios de ‘Pirineos de Circo/Pyrénées de cirque’ en la que evaluarán las diferentes acciones y valorarán las perspectivas de esta colaboración para futuros proyectos. También se llevarán a cabo las denominadas ‘Vidas paralelas / Vies parallèles’, un espacio de información y reflexión para profesionales de uno y otro lado de la frontera, un espacio que tiene como objetivo potenciar la vocación transfronteriza de una Feria que hace años se vuelca con el Sur de Francia como mercado. Para llevarlo a la práctica se llevarán a cabo presentaciones de programaciones singulares o interesantes, de festivales que arriesgando se han ido afianzando y de entidades privadas (compañías o agentes) que expliquen su manera particular de trabajar. Las presentaciones que se llevaron a cabo el pasado año fueron grabadas y pueden ser consultadas en el denominado ‘Canal Feria’. Este año se volverá a repetir la experiencia a la que se suma ‘Radio Feria’ un canal para descarga de podcasts donde intentaremos recoger iniciativas que retroalimenten el sistema de las artes escénicas.

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14 septiembre Fira Illescena 2014

Primer escaparate de las compañías de la escena balear Del 25 al 28 de septiembre se llevará a cabo por primera vez Fira Illescena, iniciativa impulsada por la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Illes Balears con el objetivo que este evento sea un instrumento para poder situar con más eficacia en todo el Estado y

en el ámbito internacional los espectáculos que generan las agrupaciones profesionales, al tiempo que los programadores de la tierra y del resto del Estado puedan ver lo que se hace en las Islas Baleares con voluntad de generar negocio.

res espacios públicos, el Teatro Xesc Forteza, el Teatro Mar y Terra y el Teatro Principal, así cómo el espacio privado, el Teatro Sans, además de algunos espacios en la calle acogerán los 14 espectáculos previstos durante las cuatro jornadas de Fira Illescena. La voluntad de esta cita es crear un evento cultural en el que participe toda la ciudad, por lo que además de la programación de los espectáculos, se programarán actividades paralelas a la Feria con la intención de darle un carácter festivo y de evento cultural que implique a otros sectores y agentes culturales, así como a toda la ciudadanía. Incidiendo en la idea de la participación están trabajando en un programa de inclusión en las artes escénicas al que se destinarán gratuitamente un 10% de las butacas de cada espectáculo a colectivos que no tengan acceso a la cultura. Como espectáculo inaugural contarán con el estreno de la obra ¡Y lo que no nos cuentan, chica’ de Las diabéticas aceleradas, compañía que combina los códigos expresivos del teatro popular con huidas hacia otras fórmulas que incluyen desde el cabaret hasta la interacción como forma de comunicación viva y espontánea con el público, buscando una lectura, desde el humor y un cierto punto de locura, de la sociedad que nos forma y conforma. Un segundo estreno vendrá de la mano de La Formal, con El guste es nostre trabajo hecho para escenificarse en espacios no convencionales dirigido por Joan Gomila, donde se reflexiona de forma profunda y divertida sobre la cultura balear, y donde la improvisación será la gran protagonista 22

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Malmenats de la Compañía Mariantònia Oliver

de la velada. En esta ocasión contará con la interpretación musical a cargo de Cesc Montané y Kiko Barrengoa. Al aire libre

La mayor parte de los espectáculos se llevarán a cabo en sala a excepción de tres. Entre ellos se encuentra Circ Trashumant de Circ Bover, montaje de circo moderno que cuenta la historia de una troupe de saltimbanquis que viajan por todo el mundo mientras muestran sus aventuras y gracias al cual en la pasada edición de la Feria Internacional de Teatro de Castilla y León fueron premiados como el Mejor Espectáculo de Calle. Remor coproducción entre Res de Res & Antigues, es un espectáculo de danza visual y físico creado por Marta Barcelo y Joan Miquel Antigues, que cuenta con una

duración de once minutos, y que se lleva a cabo dentro de un cubo de madera y hierro concebido como una instalación artística que potencia la relación entre el público y los dos intérpretes. El tercer espectáculo de calle también es una pieza de danza o mejor dicho de microdanza, se trata de Vivir soñando de Tshock Teatre, interpretado por Paquita Ferragut, una joven de 34 años con parálisis cerebral que pese a su alto grado de inmovilidad en las extremidades, lleva una vida muy activa. Continuando con las piezas de danza la Compañía Mariantònia Oliver presentará la versión de sala de Malmenats, trabajo de creación colectiva donde cuatro bailarines exploran en el movimiento rudo, sucio e impreciso de este ir y venir, intentando mostrar este movimiento de forma limpia, desprovista de cualquier

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Remor de Res de Res & Antigues

artificio y con cierta crudeza. El resto de propuestas serán de teatro y entre ellas hay dos de títeres dirigidas al público infantil, en concreto La verdadera historia de Juan Sinmiedo de Disset Teatre y Goldilocks de Elastic Nou Produccions. La primera bucea en la tradición de la rondalla mallorquina dando paso a un relato lleno de misterios, magia y sorpresas. Elastic Nou Produccions lleva a cabo teatro educativo interpretado en inglés y en esta ocasión presentará Goldiloscks conocido cuento de Ricitos de oro para la que hacen uso de marionetas. Varias compañías de sala ofrecerán sus propuestas en catalán y castellano. Una de las que ha optado por esta línea es la veterana agrupación Estudi Zero que presentan una renovada versión del irónico vodevil de Eugène Ionesco, La cantante calva, inspirada en las comedias inglesas de salón y en el método de idiomas Assimil, desplegando toda una crítica a la vida cotidiana. Además de en el idioma Z i l´ habitació 113 coproducción entre La Impaciència e Iguana Teatre, coincide con la anterior propuesta en su formato de vodevil aunque en esta ocasión en clave de comedia excéntrica que tiene lugar en una habitación de un hotel muy especial, donde la incertidumbre acompaña a un cliente solitario que puede dar por concluido un régimen totalitario. El cliente se llama Z, como la última letra del abecedeario o como la última oportunidad del cambio. Por su parte AMC Producciones, que nace con el objetivo de aportar profesionalidad al teatro de la isla de Ibiza, escenificará, solamente en castellano, Por amor a Lorca, un montaje que incluye escenas de algunas de las obras más importantes de García Lorca como ‘Bodas de sangre’, ‘Yerma’ y ‘La Casa de Bernarda Alba’. La programación se completa con tres propuestas teatrales de sala más, dos de ellas se escenificarán en catalán, Xuetes de Mallorca So, montaje dirigido por Rafael Brunet sobre los judíos mallorquines y la adaptación de Woyzeck, uno de los clásicos de la literatura alemana, tragedia atemporal sobre la explotación de los débiles, el amor, la compasión la celos y el fracaso coproducida entre Iguana Teatre y Produccions del Mar. Por último, Teatrix y Pometes Teatre escenificarán Frashka!!! espectáculo sin palabras donde sus dos protagonistas viven situaciones muy absurdas en las que se desenvuelven de una manera divertida y surrealista: El sueño del rodaje de un western, un jardín con flores, ecétera... w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre III Mirada - Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Santos

La escena iberoamericana se cita en Santos Chile será el país homenajeado en esta tercera edición contando con la participación de siete compañías dentro de la programación

ada dos años se lleva a cabo Mirada-Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Santos que este año celebra su tercera edición del 4 al 13 de septiembre, insistiendo nuevamente en reforzar e intensificar, a través del arte, el diálogo de Brasil con otros países que componen Iberoamérica, ya que como señala su director, Danilo Santos, “este festival viene provocando una agenda de encuentros para compartir experiencias y saberes, debatir ideas y procesos creativos, al tiempo que estrechar lazos de convivencia y estimular y romper barreras territoriales, lingüísticas y de otra naturaleza”. Además de en una amplia programación de actividades paralelas conformada por residencias, debates y mesas redondas, la atención de Mirada se centra en la extensa programación que contará con un total de cuarenta espectáculos de sala en su gran mayoría pero también de calle, 25 de los cuales serán escenificados por compañías brasileñas y 15 por agrupaciones internacionales, venidas desde Argentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, España, México, Paraguay, Perú, Portugal y Chile, siendo este último el país homenajeado en la presente edición contando en el programa con siete compañías. Entre ellas se encuentran Teatro la Memoria con Castigo, montaje que expone conflictos humanos que trascienden la biografía del autor de la obra y permitiendo al espectador mirarse en la escena y verse reflejado como en un recuerdo de infancia. Por su parte la Compañía Gran Reyneta mostrará El hombre venido de ninguna parte poética e innovadora propuesta sobre un personaje que ha conseguido ser un viajero a través del tiempo, Teatro en el blanco escenificará 24

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Fausto de la Compañía de Variedades St. George ©Cacâ Bernardes

La reunión donde tratan temas como las reivindicaciones de los pueblos originarios, el poder de la iglesia y la oligarquía y la lucha de clases, y Teatro Camino y la Compañía Viaje in móvil que llevarán a escena sendos clásicos, el primero la adaptación de El jardín de cerezos de Anton Chejov y el segundo Otelo de Shakespeare. Momentos históricos

Dentro de la pluralidad de lenguajes abarcados en esta edición hay una conexión temáticas en determinadas producciones, con espectáculos que revisitan momentos históricos, sobre todo vividos durante regímenes militares y sus consecuencias actuales. Entre ellos están dos de las compañías chilenas, se trata del Colectivo La Pato Gallina, El húsar de la muerte basado en la película homónima filmada en 1925 por el actor, director y

periodista Pedro Sienna donde se narran las hazañas de Manuel Rodríguez en su lucha por la independencia chilena así como Teatro La Resistencia y La imaginación del futuro, una ficción libre, desfachatada e insolente basada en hechos que han marcado la identidad política de Chile. Sobre esta perspectiva giran también otros cinco montajes. Walmor y Cacilda 64 - Robogolpe de los brasileños Teat(r)o o Oficina Uzyna es una propuesta que revela una relación de 50 años con la imaginería de la dictadura militar y sus efectos sobre el arte en Brasil y Puzzle A con escenificación de Felipe Hirsch de la compañía Ultralíricos reflexiona sobre dilemas nacionales de carácter político y social. El vientre de la ballena de los colombianos Teatro Petra da paso a un culebrón o thriller policial que investiga desapariciones de niños y un “reality show” televisivo que

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La imaginación del futuro de Teatro La Resistencia ©La Re-sentida

juzga a una empresa que concentra varios negocios: alquiler de vientres, prostitución, tráfico de bebés y de órganos, apariciones de la virgen y contrabandos diversos; en el juicio comparecen también sus cómplices, víctimas y el investigador del caso. Los cubanos El ciervo encantado elige como tema de Rapsodia para el mulo el asunto de la carga. La vida y la fe, la supervivencia de uno y el país entendidos como carga. Se enmarcan dentro de esta temática también los paraguayos En Borrador... teatro en construcción con Entre A y B al tiempo que los bolivianos Textos que migran llevarán a cabo el montaje Los B. Apolíticas Consdieraciones Sobre el Nacionalismo Vol.I, donde narran la historia social reciente de Bolivia encarnada en una familia en decadencia. La representación españolase compone con la participación de cuatro compañías. Albanta escenificará Cádiz en mi corazón: Postales de un viaje imposible, una pieza que el dramaturgo cubano Abel González Melo ha escrito expresamente para el grupo, una obra más cercana a la comedia que las anteriores del grupo, acostumbrado a una línea teatral más dramática. Por su parte, Insectotròpics, compañía creada en 2011 a raíz de la unión de artistas de diferentes ámbitos y lenguajes con ganas de experimentar en la creación colectiva, presentará su ópera prima La caputxeta galàctica, un espectáculo de arte multimedia que versiona el cuento clásico de ‘Caperucita roja’. La tristura llevará a escena Materia prima, un trabajo que es el resultado de un largo estudio sobre la herencia, la educación y el futuro que empezó en 2004 y. culmina con este espectáculo, dando fin a la llamada Trilogía de la Educación Sentimental. A estos tres montajes se une Utopía de María Pagés, una pieza sobre la solidaridad, el compromiso, el exilio, la fugacidad de la vida y sobre la necesidad de la imaginación y el idealismo como motores necesarios para el cambio. La programación se completará con propuestas de compañías venidas de Perú, Argentina, Costa Rica y Portugal aunque el grueso de la programación lo protagonizarán las compañías brasileñas, entre las cuales hay estrenos destacables como Fausto de la Compañía de Variedades St. George dirigido por Claudia Schapira y GeorgetteFaddel, pieza que conmemora los 15 años de la compañía y también intenta comprender las formas y las relaciones forjadas por las fuerzas propulsoras en el mundo contemporáneo. A esta primera se suman, Nossa Senhora dans nuvens del Grupo de Teatro Clowns de Shakespeare, última parte de la trilogía del exilio, donde investigan las relaciones de la memoria e identidad sumando también las experiencias provocadas por el golpe militar brasileño de 1964 y Stereo Franz de [pH2]: Estado do Teatro montaje que es el resultado de las investigaciones de la compañía sobre la obra ‘Woyzeck’ del alemán George Büchner. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre XXV Mostra Internacional de Mim de Sueca

Bombones escénicos para celebrar un cuarto de siglo La programación se compone de algunos de los mejores espectáculos que han pasado por el Mim durante sus veinticinco años

Ras! de Maduixa Teatre © Jordi Pla

ajo el lema “25 años de MIMs, 25 años de grandes recuerdos” la Mostra Internacional de Mim a Sueca celebrará su veinticinco aniversario del 17 al 21 de septiembre motivo por el que se presenta con una programación muy especial. “Es una edición conmemorativa y festiva que pretende ser un homenaje al público y a lo mejor del teatro del gesto. El público podrá revivir la emoción que en su día le produjo el descubrimiento de determinadas propuestas artísticas” apunta Abel Guarinos, director del MIM para añadir que “de igual manera que podemos escuchar varias veces un mismo CD que nos gusta, podemos, ver, a lo largo de nuestra vida, diversas veces el mismo espectáculo que nos haya emocionado o divertido de una manera especial, sobre todo si se tratara 26

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de espectáculos tan contrastados en todo el mundo como la mayoría de los que tendremos este año en el MIM”. Y es que esta nueva edición organizada por la concejalía de cultura del Ayuntamiento de Sueca volverá a acoger espectáculos que se han estrenado o programado en este cuarto de siglo del festival y que todavía están en cartel o se han repuesto o ampliado para la ocasión. Pese a la imposibilidad de reunir en cinco días todos los espectáculos imprescindibles que forman parte de la historia del festival, Guarinos afirma que “sí que son todos los que están”. Es el caso de Desafiando la gravedad del mítico clown Avner Eisenberg “The eccentric” que vuelve a Sueca con el espectáculo que estrenó hace treinta años en Broadway y tras haber cosechado éxitos por todo el mundo. Vuelve también

el 666 de Yllana, estrenado en su novena edición y que la compañía pondrá en escena además de su último trabajo, The Gagfather, un homenaje al mundo de los bajos fondos desde la perspectiva del humor que les caracteriza. Repite en el MIM Ras! espectáculo multidisciplinar para público familiar que conjuga teatro, danza y artes plásticas con el fin de poner las nuevas tecnologías al servicio de un juego escénico estimulante y mágico de la compañía suecana Maduixa Teatre. Vuelve también la propuesta de la catalana Cor de Teatre, Operetta, una divertida manera de adentrarse en el género operístico a través del humor y la música a cappella y cuyo germen se presentó en la 17 edición con el título de ‘Hop!’ aunque ahora vuelve con alguna que otra diferencia, entre otras: entonces eran 7 actores-cantantes, ahora son 22.

septiembre Otra de las obras que repite en sueca es Els Tornejats de Sueca de Los Bailes de escolta de la Mare de Déu, un espectáculo de danzas guerreras medievales teatralizadas que desde su presentación en el MIM de 2004, Sueca recuperó como parte de su tradición. Comediants por su parte presentarán 25 años de MIM, ven a soplar el pastel, una adaptación para la efeméride del espectáculo teatral y participativo ‘Pastís d’aniversari’ ‘que fue estrenado en 2002 con motivo del 50 aniversario del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Otro espectáculo de calle, en este caso de la joven compañía valenciana La Fam, La guillotina de Marat/Sade, Capocómico del italiano Marco Carolei y tres propuestas de la francesa Claire, Barco de arena, La sonrisa del náufrago y De paseo. También se podrá disfrutar con La Bella Tour y su espectáculo del mismo nombre, dos piezas de danza, Te odiero y Je te Haime de la compañía HURyCAN o la reposición de Rico, rico, rico un espectáculo gamberro y

Nacional de Circo de 2008. La programación de esta edición especial se completa con la exposición ‘25 años e MIMs, de caricias y recuerdos’ que durante el festival convertirá a la Sala Municipal de Exposiciones Els Porxets de Sueca en el lugar donde encontrar recuerdos, desechos y algunos pequeños detalles que han acompañado la historia del festival. Trípticos, catálogos y carteles del festiRico, rico, rico de Teatro Salitre val se exponen acompañados de cosas algo más curiosas “guarriclown’ de Teatro Salitre que vuelve como un MIMcolgante, xocoMims y todos al MIM veinte años después. aquellos objetos que a los espectadores Esta nueva edición del MIM continúa les traiga recuerdos del MIM y quiera también con el objetivo de servir de placolgar o ubicar en esta emotiva expositaforma de promoción a las compañías vación. Una atractiva programación “llena lencianas por lo que un año más, algunas de bombones escénicos” para celebrar de ellas estrenarán sus nuevos espectáel primer cuarto de siglo de una cita que, culos en Sueca. Es el caso de Habitación en su especialidad, está considerada 801 de Lucas Locus, evolución de la pieza como uno de los tres festivales de teacorta sobre la locura que la compañía estro gestual y corporal más importantes trenó hace tres años en el festival con el de Europa junto con el festival MIMOs título de ‘La mente de Vicente’ o La mòmia, de Periguéux, Francia y el London Mime último montaje del Circo Gran Fele, Premio Festival.

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14 septiembre XV Festival de las Artes Enclave de Calle de Burgos

Tres lustros de teatro en las calles de Burgos Organizado por el Ayuntamiendo de la ciudad, esta edición ofrecerá más de cien representaciones escénicas

spectáculos de los géneros más variados, teatro, danza, circo, teatro de objetos, magia, tiovivos y curiosidades conforman la programación de la decimoquinta edición del Festival de las Artes Enclave de Calle de Burgos que los días 19, 20 y 21 de septiembre convertirá la ciudad en una fiesta para los sentidos. El Parque del Parral volverá a convertirse en sede oficial del festival y lugar en el que este año se instalará la carpa de Cie. Rasposo que harán las delicias de todos los públicos con Morsure, un espectáculo de circo contemporáneo en el que el equilibrio en el cable y en la barra rusa y las acrobacias, acompañadas con música en directo capturan fragmentos de vida. En este espectáculo, la compañía francesa, con más de veinticinco años “en la carretera”, presenta a seis actores y tres músicos que agitan con delicadeza la ferocidad de las relaciones humanas en una carpa convertida en un espacio íntimo con guiños al cine asiático de Wong Kar Waï y a Fellini. También desde Francia llega Zampanos con una delicada propuesta, Le petit circle boiteaux de mon imaginaire, un homenaje al circo de Calder en el que el circo y el teatro de objetos se entrecruzan para ofrecer una velada llena de poesía y ternura en una pista de tan solo metro y medio. También en un espacio cerrado, en este caso una caravana, se presenta Clap de los también franceses Cie Le bruit sfumato, un espectáculo de cine sensorial a la vez que un concierto homenaje a los antiguos circos. Completa las propuestas ubicadas en el Paseo de Marceliano Santa María, todas ellas de aforo limitado, el Teatro de Autómatas en la que en el interior de una antigua car28

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Rudo de Manolo Alcántara

pa portátil 35 autómatas tallados en madera policromada ofrecen espectáculos de feria de principios del siglo XX. Los espectáculos realizados en un espacio de aforo limitado, en este caso ubicado en el Monasterio de San Juan, se completan con Rudo de Manolo Alcántara un homenaje al esfuerzo físico a través de equilibrios imposibles que se presentan acompañados de música en directo creando una atmósfera íntima que atrapa al público, que es invitado a compartir los peligros y anhelos de la vida. Un año más el festival convierte a la Plaza de la Libertad en ‘La Plaza de los Ingenios’ donde se instalarán varias compañías como Theatre de la Toupine con La Cabane de jardin, un tiovivo-teatro ecológico fabricado con cuero, alambre, madera y piedras en el que los más pequeños podrán realizar un viaje a través de un jardín imaginario cui-

dado por una actriz-jardinera. La Cie. des fourmis dans la lanterne presenta con Clic un gran CinéMarionnettoGraphe de las hormigas, el teatro itinerante más pequeño del mundo, un pequeño e íntimo homenaje a los grandes del cine mudo. Diversos pases diarios realizará también Miguelillo de La Señorita Lupierre una obra breve en la que a través de la historia más bella y trágica jamás contada el público viajará a otro tiempo, donde la cercanía y el misterio están presentes en todo momento, al igual que Tombs Creatius que a través de un teatro de feria el público podrá conocer El extraño viaje del Sr. Tonet, en el que a través de objetos, utensilios y materiales diversos reconstruirán algunas de sus historias. Encuentros y desencuentros con Errático Swing es un espectáculo de títeres de Errabundo Pelele compañía de Títeres Errantes, una obra que tiene

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Morsure de Cie. Rasposo ©Florence Delahaye

como protagonistas a una vieja maleta, algunas notas de swing y sentimientos atrapados en una época, la nuestra en la que lo virtual ha tomado tal vez demasiada relevancia. Estrenos y compañías burgalesas

Un año más el festival acoge varias producciones locales, algunas de ellas estrenos, de compañías que han ido creciendo junto al festival y se han convertido en una parte importante de la cita burgalesa. Destaca entre ellas el estreno de una producción del propio festival El BUS de la magia, en la que los magos de cerca Óscar Escalante, Martilda y Héctor Sansegundo harán desaparecer cartas, volar monedas, y muchas otras cosas en los autobuses de la línea 1 que unen el centro de la ciudad con Gamonal. También estrenan espectáculo Teatro Entre Escombros, Camila y Costas, 600 motivos, un cuento sobre la vida, la amistad y sobre estar en el lugar apropiado en el momento oportuno. Dos personajes, Costas y Camila y un coche, un Seat 600. Y un estreno más, el de la compañía Debla Danza cuya participación en el festival se remonta al año 2007 y se ha convertido en una cita ineludible; esta edición la compañía presentan la pieza de danza contemporánea Rewind en el Arco de Santa María. La presencia de compañías burgalesas se completa con otra habitual del festival, Cal y Canto que presentan Abyssal en la Plaza del Rey San Fernando. Inspirada en el cuadro ‘Muchacha en la ventana’ de Salvador Dalí, esta obra recrea las imágenes que esta enigmática mujer pudo ver en el horizonte azulado del lienzo que, se va modificado en tiempo real. Dos espectáculos más conforman la programación de esta decimoquinta edición. La Cia. La Tal pondrá ante el público asistente el espectáculo más grande del mundo convertido, por el paso de los años, en el espectáculo más estrafalario, ridículo, absurdo y extravagante de todos los tiempos. Humor a raudales con The Increíble Box. El arte del mimo y el clown llegan de la mano de Murmuyo que montado en una pequeña bicicleta se presenta acompañado de música, una tarta y champán en Cita a ciegas, elementos con los que el protagonista está dispuesto a jugar con el público ¡Prepárense! w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre TNT-Terrassa Nuevas Tendencias

El teatro de objetos toma protagonismo en Terrassa

NT-Terrassa Nuevas Tendencias adelanta sus fechas habituales con una intensa programación del 25 al 28 de septiembre, cuatro jornadas en las que está prevista la participación de un total de 23 compañías; una edición que será inaugurada con el estreno en el estado español de la última creación de James Thiérrée Tabac Rouge, donde traslada al público a un mundo apocalíptico y delirante. El teatro de objetos tendrá un protagonismo especial en la presente edición gracias a propuestas de compañías tales como Señor Serrano y su pieza A House in Asia western escénico donde la realidad y sus copias se mezclan, la colaboración entre Playground y Xabi Bobés Monstruos/Objetos de objetos, una búsqueda de la perfección, de la belleza cruda del superhombre. David Espinosa y Much Ado About Nothing (mucho ruido y pocas nueces) donde cuestiona el teatro y los textos

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Thank you for dancing un videojuego analógico en vivo que tendrá lugar en las calles de la ciudad y que proponen Les Filles Föllen, Domestica de Sleepwalk Collective o Crossfire una crime movie en que tres almas perdidas bailarán en la gasolinera de un desierto. Entre otros montajes la programación contempla tres site specifics, las Tabac Rouge de James Thiérrée ©Richard Haughton coproducciones La noche se agita de Constanza Brncic un proyecto con colectivos de gente mayor de Terrassa, de Shakespeare con su peculiar propuesta, N.E.V.E.R.B.E.N.E.U.T.R.A.L. propuesta de así como el estreno de la nueva obra de Oligor, La máquina de la soledad. Quien se la Cooperativa General Humana sobre diera a conocer con la propuesta ‘Las trila lucha obrera que propone una práctica bulaciones de Virginia’, ha creado su nueartística a diferentes colectivos de la ciudad va obra en colaboración con la compañía para expresar sus reivindicaciones sociales mexicana Microscopía con la que homenay La Naturaleza y su temblor de Societat Doctor Alonso, un paseo por Terrassa con jea al objeto-carta y al correo postal. paradas en diferentes espacios de la ciuOtras coproducciones que se podrán ver dad en los que los espectadores irán guiaen la presente edición serán Bailarina de Sònia Gómez, la pieza-peli-ensayo muldos por las instrucciones que oirán a través tigénero Agitador Vórtex de Cris Blanco, de unos auriculares.

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14 septiembre El Rioja y los Cinco Sentidos

Rioja propone un festín artístico para los sentidos

n año más y coincidiendo con el mes de la vendimia, del 4 al día 19 se desarrollará el programa especial El Rioja y los Cinco Sentidos, organizado por la Consejería de Agricultura, Ganadería y Medio Ambiente del Gobierno de La Rioja festival que tiene como objetivo la divulgación de la cultura del vino. Actividades de carácter cultural como conciertos, espectáculos teatrales, de danza y musicales, exposiciones y proyecciones de películas se intercalan con cursos de cata, catas teatralizadas, degustación de alimentos así como iniciativas para disfrutar en familia. Sin poder abarcarlo todo y centrándonos en el programa escénico propiamente dicho se llevarán a cabo tres conciertos únicos en el Estado. Los días 5 y 6 de septiembre tendrán lugar las actuaciones del cantautor Ismael Serrano y la banda de pop-rock Dover, respectivamente, ambos en Radioforum, mientras que el día 13 la banda sueca The Hives inaugurará el Palacio de los Deportes de La Rioja como escenario internacional para esta programación. El Rioja y los 5 Sentidos ofrece los días 6, 7, 13 y 14 una serie de espectáculos

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instalaciones de la bodega, o la propuesta flamenca Me va gustando interpretada por los bailaores Marcos Vargas, Chloé Brulé, el actor Fernando Mansilla y el cantaor Juan José Amador. El día 13 las Funamviolistas llevarán a cabo Vino, madera y cuerda, donde tres actrices emocionan a través de la combinación de un gran abanico de disciplinas artísticas, todo ello sirviéndose de sus instrumentos de Vino, madera y cuerda de Funamviolinistas cuerda, creando una fusión acrobática. En esta jornada íntimos ambientados en el marco único la cata temática cuenta con la agrupación Volpinex y el espectáculo ¡Bang! propio de e íntimo que son las diversas bodegas y los clásicos western, con la proyección de viñedos de La Rioja, asimismo, cada una los denominados ‘Celuloides rancios’ de de las jornadas citadas se llevará a cabo Jardiel Poncela. una cata temática. En orden cronológico Los títeres y la magia serán protagonisel día 6 tendrá lugar la cata ‘El vino en tas de la jornada del 14. Michèlle Nguyen el siglo de oro’ así como el espectáculo Sombras chinas de Valeria Giugletti. El día escenificará La vida de una marioneta espectáculo que ofrece un viaje sencillo 7 se podrá disfrutar con Tubos del mundo de Bufa & Sons formación que cueny hermoso que los espectadores vivirán ta con Xabier Lozano, Guillem Aguilar y como propio recordando sus sueños, sus Marc Vila, conocidos por su habilidad en miedos y sus anhelos. Las pompas de jala creación de instrumentos musicales a bón, los colores y la cata se convertirán partir de cualquier tipo de objeto y la cata en magia con David Vega y su Made in jabón un estético ejercicio de pureza createmática ‘Crimen entre barricas’ donde los tiva que acercará al espectador al mundo participantes deberán descubrir al aseside los sueños y la fantasía. no durante un intrigante recorrido por las

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d antzaldia

Dantza Hirian

©Diego Hernandez

El grueso de la programación de la decimoquinta edición del Dantzaldia se desarrollará entre los meses de octubre, noviembre y diciembre pero su inauguración tendrá lugar el 25 de septiembre con la propuesta Ho-

oked de la compañía vasca de danza contemporánea Lasala dirigida por judith Argomaniz y compuesta por artistas del ámbito de la danza y la fotografía. Esta pieza es un extracto de ‘Hooked (still)’, propuesta que ha obtenido sendos galardones en España y Francia. En ellas se refleja la necesidad constante del ser humano en tener una vinculación afectiva con otro ser humano y los efectos que conlleva dicha condición. El lenguaje coreográfico investiga sobre el apego y la dependencia emocional al que estamos expuestos en las relaciones afectivas. A través de esta propuesta intentan aprovechar y explotar la minuciosidad y la fuerza del movimiento, además de los diferentes estados de ánimo por los que pasan las diversas fases de las que constan tales conductas. Hooked se centra en el mecanismo de reproducción y representación de un concepto. Se estructura en tres escenas muy diferenciadas una de otra por varios factores, tales como la música, el tipo de movimiento, los diversos estados de ánimo y la actitud e interpretación.

Azala de Jordi Vilaseca

Donostia, Irun, Hondarribia, Pasaia, Errenteria, Hendaia, Azkaine, Biarritz, Donibane Lohitzune, Bidart y Baiona acogerán, del 11 al 28 de septiembre, la quinta edición de Dantza Hirian. El festival se lleva a cabo íntegramente en la calle relacionando la danza contemporánea con la arquitectura y explorando y acercando al ciudadano este arte en sus tendencias más diversas. Junto con las actuaciones también se llevarán a cabo varias masterclass, talleres, un certamen de breakdance, un concurso fotográfico así como un programa de participación ciudadana. Entre las actuaciones habrá dos estrenos, Azala de Jordi Vilaseca y Lauesku de Lasala, ambos proyectos seleccionados dentro del programa artistas en residencia ‘Aterpean’ creado por el propio festival hace 8 años. Entre los artistas participantes estarán las compañías Cielo Raso con Carnaval, Ertza con 4x4, Dantzaz con Chamaleon y Revolution, compañías todas ellas enmarcadas dentro del programa ‘Ibili’, creado también por el Festival para dar visibilidad a compañías y coreógrafos de Aquitania y Euskadi. Además, se podrá disfrutar con Hooked de Lasala, Retrato de Oscar Wilde de Proyecto Titoyaya y ¿Hasta Dónde? de Sharon Fridman entre otras, todas ellas seleccionadas por la red ‘Circuito Acieloabierto’.

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14 septiembre Zeena estrena El Elefante ha Ocupado la Catedral

La utopía es posible en el mundo de la imaginación

omo “una asociación de profesionales del teatro dedicados a la producción de espectáculos y a enriquecer el actual entramado cultural” se presenta Zeena Producciones Teatrales cuyo primer proyecto, El elefante ha ocupado la catedral de Juan Mayorga se estrena el 13 de septiembre en el Teatro Paco Rabal de Madrid. Dirigido por Juanfra Rodríguez, este montaje, el primero de Mayorga para público familiar, quiere desmarcarse de la “tendencia moralista y educativa propia del teatro infantil” apuntan desde la compañía, apostando para ello por un enfoque distinto al habitual y una puesta en escena que mezcla lenguajes escénicos como el teatro, la música y el audiovisual. La historia de El elefante ha ocupado la catedral viene de hace un par de años, cuando Mayorga escribió la obra para que fuera interpretada por niños y niñas de una comunidad de vecinos de un amigo del dramaturgo y desde entonces la obra se ha representado en algunos colegios, siempre con niños y niñas como actores. Después vino otra transformación; el texto teatral, 52

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acompañado de las ilustraciones de Daniel Montero Galán se convirtió en un bello libro publicado por la editorial 27 Letritas. Tras este viaje llega ahora el momento de la propuesta teatral profesional en la que Juanfra Rodríguez tiene la misión de aunar todas las disciplinas –el texto de Mayorga, la música de su amigo Pedro Sarmientos y las ilustraciones de Montero– sobre el escenario. Para la puesta en escena de esta historia, “una utopía, si se quiere hacer un símil con el mundo real, pero algo factible en el mundo de la imaginación” tal y como señala Mayorga, Rodríguez cuenta con Esther Acevedo como ayudante de dirección, Mónica Florensa para el diseño escenográfico y de vestuario y los intérpretes Cristina Gallego, Víctor Antona, Quique Fernández Villar, María Moral y Miguel Ángel Jiménez que darán vida a una serie de variopintos personajes dispuestos a solucionar un grave problema: un elefante ha llegado a la ciudad y... ¡ha ocupado la catedral! pero además... ¡la víspera de la llegada de los turistas noruegos! Es un desastre. La imagen de la ciudad está en riesgo y deben tomar medidas. Allí

aparecerá la alcaldesa que se pone manos a la obra y llama a un fontanero a punto de jubilarse para que junto a su ayudante, una joven aprendiz consigan sacar al elefante. Entre todo el embrollo también está el cura, el organista, un sargento... todos ellos emprenderán un fantástico viaje que desde la trompa, les llevará por el interior del gran mamífero hasta dar con la clave del misterio. El objetivo de este espectáculo, para cuyo montaje Zeena Producciones Teatrales ha recurrido al micromecenazgo a través de internet, es ofrecer un “juguete” escénico para los más pequeños y un rato de entretenimiento y humor para los adultos y es que tal y como apunta Rodríguez “lo que me apetece aportar es una forma de hacer teatro infantil que a mí me atrapa. Se trata de considerar la obra como si fuese un juguete. Esta metáfora me gustó mucho cuando la leí de un dramaturgo canadiense. Ellos están más avanzados que nosotros en la escena infantil. No se trata de educar, sino de divertir y pasárselo bien y que los niños vuelvan a querer que les cuenten una historia en el teatro”.

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Estreno de El Largo Viaje del Día Hacia la Noche

Un clásico universal sobre los demonios de la familia

l 4 de septiembre se estrena en el Teatro Marquina de Madrid El largo viaje del día hacia la noche de Eugene OŃeill en versión de Borja Ortiz de Gondra y bajo la dirección de Juan José Afonso con dos grandes de la escena en los papeles protagonistas, Mario Gas y Vicky Peña, acompañados por jóvenes veteranos con larga experiencia como Juan Díaz, Alberto Iglesias y Mamen Camacho. Los cinco intérpretes pondrán ante el público la historia de la familia Tyrone “que es un trasunto apenas velado de la propia familia de OŃeill, parece ser un caso especialmente agudo de padres e hijos incapaces de encontrar la manera de vivir juntos, pero igualmente imposibilitados para abandonarse” explica Ortiz de Gondra, encargado de esta versión “absolutamente fiel a la trama y con las mínimas libertades que exige un espectáculo hoy” tal y como afirma el director de la propuesta, Juan José Afonso. Y es que el equipo artístico se enfrenta a este clásico “tratando de ser fieles al espíritu del autor, a la esencia de su obra” apunta Afonso, quien recuerda una frase del dramaturgo norteamericano “la mirada piadosa, comprensiva y salvadora sobre cada uno de los personajes, tratando de no tomar partido y de defenderlos con la mirada atormentada y bañada de antiguo dolor, lágrimas y sangre”, frase con la que definió OŃeill su estado de ánimo al escribir la obra. “Deseamos potenciar esa palabra tan cuidada por O’Neill gracias a

un trabajo esencial con los actores; todo el montaje girará en torno a un trabajo con ellos para que, desde la sencillez y la humildad, con su trabajo desnudo, construyan el mundo de esa familia que son todas las familias. Deseamos contar esta historia porque creemos que nadie como O’Neill ha sabido relatarnos a partir de su mundo más íntimo y personal los grandes enigmas del ser humano y su relación con el mundo. Partiendo de un reencuentro familiar y en el transcurso de un anodino día de verano hasta la caída de la noche, O’Neill nos termina enfrentando a grandes retos de nuestra existencia. Y eso es lo que hace de esta obra un clásico universal” aclara Afonso. Según va avanzando la obra, “el espectador comprende, entre la fascinación y el horror, que los seres humanos que palpitan enfrente de él se parecen demasiado a nuestros propios hogares. ¿Quién no

reconocerá en una réplica, en un gesto, en un silencio de los Tyrone algo vivido en su propia carne, en algún momento de su vida familiar? Porque esa es la grandeza que hace de este texto un clásico: nos tiende un espejo para decirnos que nadie está a salvo, que bajo cualquier apariencia de armonía familiar siempre laten demonios que terminan por salir” aclara Ortiz de Gondra. El microcosmos que emana esta obra queda en manos de los intérpretes de la misma, Mario Gas y Vicky Peña como el señor y la señora Tyrone, Alberto Iglesias y Juan Díaz como los hijos de ambos y Mamen Camacho en el papel de la criada. Reunidos todos ellos en la casa que junto al mar tiene el matrimonio en una plácida jornada de verano de 1912, a lo largo del día y mientras cae la noche se irá desarrollando un combate descarnado en el que saldrán a la luz todos los demonios de la familia.

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c uerpos límites-GR10

Entre el 22 y el 25 de septiembre la Cia Paisaia realizará una residencia de creación en La Fundición de Bilbao del espectáculo cuerpos límites-GR10, una pieza de las bailarinas y coreógrafas Arantza Iglesias y Sofie Dubs cuya muestra en forma de work in progress tendrá lugar los días 26 y 27 en la sala bilbaina. Esta producción de Cia Paisaia y Maite Telleria es un trabajo de investigación sobre “el cuerpo/limite, consideramos el cuerpo como un todo que incluye tanto la materia física, como los pensamientos, las emociones, el presente, el pasado, la memoria, las expectativas, ...” afirman sus creadoras para señalar que “planteamos un proceso creativo anclado en la experiencia vivencial, la convivencia con pautas que nos llevan a nuestros límites personales”. “Buscamos entornos variados” aclaran, “tales como la naturaleza, la ciudad o zonas industriales para estimular nuestros cuerpos-mentes-espíritus en un rango de colores lo más amplio posible”. Para la creación del diseño de luces Cia Paisaia ha contado con Itziar Bote y Ander Fernández. Esta nueva residencia de creación se enmarca en el apartado de acción de la sala bilbaina que además de una sala de exhibición, se ofrece como Centro de Recursos ofreciendo un espacio para los procesos de investigación, creación y producción así como el equipamiento técnico necesario para su desarrollo. Además La Fundición, como espacio interesado en desarrollar la conexión con los públicos y otros profesionales plantea estas residencias como una herramienta de acercamiento entre los procesos creativos, los artistas invitados y los locales junto con todas aquellas personas interesadas en conocer, más de cerca todo el entramado que conlleva la puesta en marcha (el proceso creativo), y la puesta en escena de una nueva creación. En el primer semestre de 2014 han realizado su residencia artística o parte de ella compañías y creadores como Compañía Dinamo con ‘Flecha rota’, Natxo Montero_Danza con ‘Barbecho’, Amparo Badiola con las obras ‘Amalaba’ y ‘Palabras invisibles’, Ziomara Hormaetxe con ‘Symbiosis’ y Olatz de Andrés con ‘El cielo ahora’.

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Carne de Gallina

Javier Maqua y Maxi Rodríguez han re-escrito el guión cinematográfico de Carne de Gallina y lo han convertido en una obra teatral que llega a los escenarios en una coproducción entre Arteatro, La Estampa Teatro y Teatro del Cuervo. Dirigida por el propio Rodríguez, el estreno de este espectáculo tendrá lugar el 21 de septiembre en el Teatro Filarmónica de Oviedo para comenzar una gira que le llevará durante los próximos meses por una treintena de escenarios. La obra narra la historia de la familia de Luisón Quirós, un minero jubilado que el mismo día de casar a su hija mayor aparece muerto en un prostíbulo y... comienzan los problemas pues de la pensión del minero dependen nada más y nada menos que una hermana, su tres hijos, varios nieto y una nuera y por si fuera poco, están pendientes de un crédito que evite el desahucio de la casa familiar. Ante esta situación la familia decide dilatar la certificación del fallecimiento ocultando el cadáver pero las cosas no son tan fáciles, todo se va complicando y la familia tendrá que evitar, con la colaboración de lo vecinos del pueblo un proceso judicial resolviendo el “entuerto” con sentido común. “Carne de Gallina es una reflexión en clave de humor negro, sobre la situación de las cuencas mineras de Asturias, de su falta de futuro y de la dependencia de las pensiones de los jubilados para la subsistencia de familias completas” explican sus autores para añadir que cuando crearon el guión cinematográfico, hace más de una década “se podía entender como localista, pero ahora es de rotunda actualidad”. Porque esta versión teatral quiere “extrapolar el conflicto global. Todo pasa en Asturias pero... ¿por qué no podría pasar en otros muchos lugares de España e incluso del resto del mundo?” se preguntan los autores. “La crítica ya destacó la conciencia social del texto en su versión cinematográfica, y ese valor es el que se ha conservado en este trabajo teatral para transmitir a los espectadores” afirman, para añadir que la obra se presenta “bajo un planteamiento estético más cercano a las atmósferas de Valle-Inclán o Kusturika eliminando así el barniz localista de la trama”.

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L´Esbudellor El Teatre del Raval acogerá del 17 de septiembre al 30 de noviembre el estreno en catalán de la propuesta musical de pequeño formato L´Esbudellador de Whitechap (El destripador de Whitechap), producción del propio teatro, drigido por Marga Parrilla y Oriol Estefanell, con música de Josep Ollé y la dirección musical de Esteve Costa. La idea de crear esta obra se debe, en gran medida, al deseo de querer contar la historia sobre Jack el Destripador y resolver el misterio del asesino más mediático del XIX, que a día de hoy todavía sigue siendo es un personaje que permanece en la memoria colectiva. El espectáculo esta representado por sólo cinco actores que hacen las funciones de personajes principales, personajes secundarios y corazón, pasando con facilidad de un estado a otro. Un tono que tan pronto es cómico, como cabaretero o trágico. Uno de los puntos fuertes del espectáculo es que así como sólo hay cinco actores, también hay cinco músicos que permiten disfrutar de la riqueza y los matices que el compositor propone. Jack el Destripador es el nombre que se le dio a lo que se cree que fue el responsable de una serie de asesinatos que horrorizaron el barrio de Whitechapel entre agosto y noviembre de 1888. Los cuerpos de cinco prostitutas fueron encontrados durante estos meses en las calles del barrio, total o parcialmente destripadas. Este caso llevó de cabeza a la policía de Londres y puso de manifiesto su ineficiencia: el mundo no estaba preparado para lo que ahora mismo se considera el primer asesino en serie de la era moderna, lo que sentó las bases no sólo de la análisis de conducta actual de los asesinos y su clasificación, sino también la del proceso de investigación policial que todavía se utiliza hoy en día a la hora de abordar un crimen.

E l hijo de la novia Ados Teatroa en coproducción con Pentación estrena la adaptación teatral de la película de Fernando Castets y Juan J. Campanella, bajo la dirección de Garbi Losada, El hijo de la novia en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao manteniéndolo en cartel del 10 al 14 de septiembre, y después del 17 de septiembre al 2 de noviembre en el Teatro de Bellas Artes de Madrid. El elenco compuesto por Juanjo Alterio, Tina Sainz, Álvaro de Luna, Mikel Laskurain y Sara Cozar, dan vida a esta tragicomedia que se sostiene sobre dos líneas argumentales, la boda de los padres y la obligada venta del ruinoso restaurante familiar a una cadena internacional. Los personajes y situaciones llevarán al espectador de la carcajada al llanto, y es que como señala la propia Losada “gran parte de su acierto se basa en que, en casi todas sus escenas, en medio de unos diálogos dramáticos, se despliega el sentido del humor”. En definitiva la obra refleja fragmentos de la vida misma llevadas a la escena.

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Jugadores Durante todo el mes de septiembre y hasta el 5 de octubre se podrá disfrutar en la Sala Verde de Los Teatros del Canal de Madrid del estreno de Jugadores. Miguel Rellán, Ginés García Millán, Luis Bermejo y Jesús Castejón protagonizan esta comedia negra, escrita y dirigida por Pau Miró, que ya se estrenó con distintos elencos en el Teatro Salt de Girona, El Teatre Lliure de Barcelona y el Piccolo Teatro di Milano. Sus protagonistas son un profesor de matemáticas, un enterrador, un actor y un barbero, cuatro hombres que se sienten desplazados en un mundo que ha cambiado y que ya no entienden. Reunidos en la cocina de un viejo piso, juegan una partida de cartas. La mesa de juego es un refugio en el que se aceptan y permiten todos los fracasos. Porque para este cuarteto el fracaso es la regla, no la excepción. El dinero ha desaparecido, también cualquier posibilidad de éxito personal. A punto de tocar fondo, los cuatro personajes deciden arriesgarse. En este momento el juego se vuelve peligroso.

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Teatro Arriaga El Teatro Arriaga de Bilbao arranca su programación de septiembre con fuerza con las últimas funciones del cabaret The Hole que darán paso a algunas de las producciones teatrales estelares del segundo semestre del año tales como El Eunuco de Terencio que estará en cartel del 17 al 21 de septiembre, una versión divertida y trepidante, de Jordi Sánchez y Pep Gómez, que transita sin rubor por el teatro clásico grecolatino y el musical, la comedia de situación y el vaudeville, donde veremos a nueve personajes enloquecidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, lo celos y los equívocos. Otro de los montajes destacables será la producción del Centro Dramático Nacional, Los Mácbez, adaptación de Juan Cabestany del Macbetth de Shakespeare, obra que versa sobre la corrupción y la ambición, ambientada en la Galicia de la actualidad y sus costumbre, que se llevará a cabo del 25 al 27 de septiembre. Andrés Lima dirige este montaje en el que se puede ver con claridad cómo el deseo de poder y la superstición siguen siendo motores en el ser humano, cómo la codicia, la violencia y la falta de escrúpulos es universal, cómo hombres y mujeres se corrompen por conseguir el poder y una vez en sus manos siguen corrompiéndose para tener la seguridad de conservar ese poder, y de cómo una vez corruptos del todo sólo quedan la locura y el miedo. Carmen Machi y Javier Gutiérrez encabezan el reparto, como el matrimonio Mácbez. Una pareja que como detalla Lima “no son altivos y misteriosos sino un señor y una señora muy normales, que tienen las mismas ambiciones que el común de los mortales, lo que pasa es que el deseo hace que se desate en ellos una serie de mecanismos que le llevan hasta el crimen”. Ederlezi pastorala completará la programación del mes con su única función el día 28, en ella se cuenta la historia de una madre y sus siete hijas gitanas entre los siglos XVII y XXI en Euskal Herria.

La Fundición

La pieza de danza K-OTICA in progress de Ziomara Hormaetxe iniciará la programación de septiembre en la Sala La Fundición de Bilbao los días 18 y 19. Esta pieza está inspirada en la teoría del caos, desarrollada a partir del principio que defendía que todo, está interrelacionado en un sistema de reacciones. La obra aborda el tema de la tensión entre aleatoriedad y fatalidad; entre la imposibilidad de determinar el futuro y el hecho de que sólo uno de los futuros posibles tendrá lugar. A esta primera le seguirá la propuesta La máquina de dueño de PlataformaTirante los día 20 y 21, obra que denuncia que denuncia las limitaciones que viven las mujeres como consecuencia del rol tradicional y del sistema patriarcal en el que vivimos. El día 25 de septiembre se llevará a cabo la representación de Hoocked de Lasala, enmarcada dentro del Dantzaldia, y por último la pieza de danza Cuerpos límites-GR 10 de la Compañía Pasaia cerrará el programa los días 26 y 27.

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Teatro Barakaldo

Miguel del Arco dirige La violación de Lucrecia adaptación del poema dramático de Shakespeare producida por Juanjo Seoane prevista el 27 de septiembre en el Teatro Barakaldo. Nuria Espert protaoniza este poema dramático en forma de monólogo basado en la leyenda del origen de Roma, las luchas por el poder y el papel de la mujer en la época. La veterana actriz va mutando para dar vida a cada uno de los protagonistas, desde Tarquino, el violador, Lucrecia, la violada hasta pasar por el marido de ésta, dando forma a esta desgarradora obra, en la magnífica traducción de José Luis Rivas Vélez, que contiene todo el germen y esplendor de las obras posteriores del autor inglés. Un espectáculo de poderosa belleza, a pesar de su escalofriante violencia. Todo un mosaico de sentimientos, pasiones, arrebatos y delitos, en el que se recrea la extraordinaria y emocionante narración del hecho criminal que terminó con el reinado de los reyes en Roma y que propiciaron, por tanto la instauración de la república romana.

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La comedia en sus diversas manifestaciones en Donostia

el 4 al 7 Victoria Eugenia Antzokia acogerá Al final de la carretera, divertida y amarga comedia de Willy Russell, autor de obras aclamadas y representadas en todo el mundo como ‘Educando a Rita’ o ‘Shirley Valentine’, maestro en mostrar miserias del ser humano sin apenas darte cuenta, adaptada por Juan Carlos Rubio. La obra habla de las crisis que se padece o más bien la que se siente al darnos cuenta que la vida no es, ni por asomo, como lo habíamos soñado. A lo largo de una intensa y caótica noche los cuatro personajes, encarnados por Manu Baqueiro, Melanie Olivares, Marina San José y Raúl Peña, irán poniendo las cartas sobre la mesa hasta asumir, no sin resignación, que aunque no tengas la vida

que habías soñado quizás la que te ha tocado vivir no sea tan mala como creías. En el Antzoki Zaharra/Teatro Principal se han previsto dos comedias más. La primera, del 4 y 7 de septiembre, Un balcón con vistas producido por Manderlight, basado en el texto de Laura Molpeceres quien también se ha encargado de dirigirla, una comedia delirante sobre mujeres al borde de un ataque de nervios en busca del amor. Maggie Civantos, Rubén Martínez, Cristina Soria y David Tortosa protagonizan esta historia de mentiras, engaños, manipulaciones, enredos y verdades a medias. Una obra sobre las relaciones de pareja y las difusas fronteras entre el amor y el desamor. La segunda comedia prevista en el Antzoki Zaharra, entre el 11 y el 14 de

septiembre, será Hiru, la versión en euskara de la obra Tres de Juan Carlos Rubio, producida por Txalo. Loli Astoreka, Miren Gojenola y Ana Elordi se adentran en la piel de Adela, Nekane y Maite, tres amigas desde la etapa del colegio que no se han visto en tres décadas. Todas rondan los 50 y la oportunidad de tener descendencia se acaba. La idea de ser madres poco a poco va surgiendo en la conversación ya que ninguna ha visto cumplido su sueño. Se plantean encontrar en hombre ideal y es en ese momento cuando entra en escena Zuhaitz Gurrutxaga, ex futbolista actualmente dedicado a la interpretación, que será quien tendrá que contrarrestar los deseos de estas tres mujeres.

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Centro Dramático Nacional La nueva temporada comienza en el Centro Dramático Nacional con una nueva edición del ciclo ‘Una mirada al mundo’ que este año acercará hasta los Teatros María Guerrero y Valle Inclán cinco propuestas de compañías internacionales dos de ellas el mes de septiembre. Inaugura el mencionado ciclo una producción de la Compañía Nacional de Teatro de México (del 11 al 14 de septiembre) en colaboración con el Centro Dramático Nacional, La sangre de Antígona de José Bergamín en versión de Fernando Bergamín Arniches y dirigida por Ignacio García. La obra llevará al público a la ciudad de Tebas. Allí dos hermanos, caudillos y enemigos murieron matándose uno en manos del otro. Ahora la ciudad rinde homenaje a uno de ellos y repudia y castiga al otro mientras la sangre de ©Sergio Carreón Ireta ambos se hace llanto en el corazón de la tierna Ismena y se levanta como una llama ardiente en el alma luminosa de Antígona. La seguna obra del ciclo es un Shakespeare, Medida por medida que sube también al escenario del Teatro María Guerrero (del 18 al 21 de septiembre), en este caso bajo la dirección de Declan Donnellan de la prestigiosa compañía Cheek by Jowl y Teatro Pushkin de Moscú. “Es una de las más grandes obras de Shakespeare. Como muchos grandes thrillers, no es pura comedia ni pura tragedia, sus cambios dramáticos de tono nos mantienen en vilo. Un gobierno corrupto, una novicia sumida en un dilema espantoso… Una ciudad asfixiante e imprevisible, policía, conventos, cárceles y burdeles. La justicia, Dios, el sexo, la muerte son los temas que se combinan en una mezcla sorprendente hasta llegar a un final extraordinario. Pero, como en los grandes thrillers, la obra plantea cuestiones profundas e inquietantes sobre nuestra forma de vida. E incluye escenas que figuran sin duda entre las mejores que Shakespeare haya escrito” explica Donnellan. La programación del mes de septiembre se completa con un segundo ciclo, ‘Titerescena’, que incluye las obras de títeres para público familiar

Ulises de Bambalina (20 y 21), Hay un gallo en mi tejado de Titiriguiri (26, 27 y 28) y Lágrimas junto al río de Krystall Puppets de Kenia (4 y 5 de octubre).

T eatro Circo de Murcia

En septiembre hay previstas dos únicas obras en el Teatro Circo de Murcia aunque el disfrute del público adulto e infantil estará garantizado. El 26 y 27 Factoría Madre Constriktor ofrecerá dos funciones de El intérprete, donde una vez más el polifacético actor bilbaíno Asier Etxeandia desplegará todo poder interpretativo y musical acompañado de sus fieles músicos en esta propuesta con tintes autobiográficos en el que se reivindica lo diferente. El 28, por otro lado, Teatro de Malta representará la propuesta vitalista y rebosante de optimismo dirigida a niños y niñas Alegría, palabra de Gloria Fuertes, donde dos actores/clowns Doña Pitu Piturra y Señor Antropelli, trabajadores del antiguo Circo Cocodrilo, juegan con las palabras que escribió la poeta madrileña acercando a sus emociones y sus sentimientos, con canciones, el mar, un circo desaparecido, un bruja con sus hechizos...

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Teatro de la Abadía

David Espinosa iniciará la programación de septiembre, del 16 al día 21, con su propuesta Mi gran obra, un montaje en el que se plantea construir un espectáculo de gran formato, sin escatimar en gastos, pero con un ligero matiz: a escala, pensando en grande y haciendo en pequeño Asimismo, se cuestiona sobre los límites de lo teatral y ahonda en el interés de anteriores proyectos sobre la idea de representación. En definitiva, el resultado es un juego formal del que surgen diferentes narrativas no lineal que son el retrato de la sociedad en la que vivimos. La cartelera del mes lo completará Bambalina Teatre Practicable, del 17 al 28 de septiembre, con Petit Pierre, adaptación de la obra de la dramaturga canadiense Suzanne Lebeau, con una puesta en escena intimista y un cuidado dispositivo escenográfico, dando vida a este bello relato de supervivencia, de arte, de voluntad y de vida.

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14 septiembre Josu Montero

Luz negra

Insectos atrapados en ambar

i hay una institución en cuyo seno anidan los monstruos hay también un pretendiente, Camargo, un matemático que trabaja más terribles, esa es, sin duda, la intocable familia, sea con modelos de predicción y cuyo carácter, apocado y bonachón, ésta del tipo que sea, de la más patriarcal a la más hetees absolutamente la antípoda del de Hernán; “El lenguaje de las rodoxa. Desde esas familias catastróficas, sangrientas y freudianas de matemáticas es absolutamente lógico, complicado lo otro, la vida los trágicos griegos hasta por ejemplo las familias desestructuradas diaria”, afirma. Tan cortés y humilde es en apariencia Camargo y disfuncionales de Claudio Tolcachir -pasando por: Shakespeare (“El que raya lo pusilánime. Aunque es la actual pareja de Cecilia, ni Rey Lear” o “Hamlet”), Ibsen (“Casa de muñecas”), Strindberg (“El él ni ella han pretendido sustituir al esposo huido; ella ha conserpelícano”), Chejov (“La gaviota” o “Tres hermanas”), Miller (“Todos vado incluso vacío su lugar en la mesa, poniéndole plato y todo, eran mis hijos” o “Muerte de un viajante”), T. Williams (“El zoo de para que al menos simbólicamente siguiera presente. La desigual cristal” o “La gata sobre el tejado de zinc”), O´Neill (“Largo viaje hacia batalla entre ambos está servida. la noche”), Bernhardt (“Ritte, Dene, Vos” o “AlmuerY luego están los hijos, ambos airados y enfadados zo en casa de los Wittgenstein”), Lorca (“La casa de con el mundo pero de forma bien distinta. Muy mayor Bernarda Alba”), Buero (“El tragaluz” o “Historia de para sus 28 años, Ceci quiere entender por qué se fue una escalera”), Ionesco (”La cantante calva”), Berkoff su padre, pero aún más por qué diablos ha vuelto a es(“Como los griegos”), Vinaver (Disidente, claro”), Betas alturas, cuál es la causa del retorno. Un crío para sus lbel (“Caricias”), Pinter (El regreso a casa”), Sanzol 24 años, Nan está en constante actitud de cabreo monu(“Delicadas” o “Días estupendos”)… –la familia apamental con todo y con todos, es incapaz de pronunciar rece sobre el escenario como el ámbito terrible de las cuatro palabras sin soltar tres exabruptos y otros tantos pulsiones y las relaciones más turbias y turbulentas. insultos, lo que proporciona momentos regocijantes. El curtido dramaturgo y director mexicano Flavio Y por fin también cumplen una función esencial los González Mello (México, 1967) nos ofrece por tanto novios; el de ella es Jaime, la aguanta y obedece en su aquí el enésimo avatar de la encarnizada lucha entre rigidez y su mal humor constante, y, aparentemente, individuo/s y familia; y lo hace con un magnífico pulso es lo que llamaríamos un calzonazos. El de él, Laurita, EL PADRE PRÓDIGIO dramático para crear situaciones y personajes, y una tres cuartos de lo mismo, sobrelleva sumisa todos, o FLAVIO GONZÁLEZ MELLO Artezblai Editorial estructura que nos atrapa desde el arranque de la casi todos, los constantes desplantes de Nan; además obra y no nos suelta hasta el telón final. Como el título de ser una apasionada lectora, estudia restauración de la obra declara, aquí el pródigo no es el hijo sino el y aprovecha cualquier momento libre para cocinarles padre, Hernán, un profesor de Literatura prófugo de todo que salió amorosamente sus platos. A su bien diferente manera, los dos hijos a comprar tabaco hace veinte años, y un buen día regresa sin más, son por tanto despóticos tiranos con sus respectivos novios. Pero eso sí, acompañado además por una atractiva y silenciosa jovencita, siempre hay aquí gato encerrado. Analí. En el hogar quedaron la esposa, Cecilia, y los dos hijos, Ceci y Y por fin, ella, la madre de la familia, Cecilia, que se muestra en Nan, que ahora tienen 28 y 24 años; cuando el padre se esfumó eran todo momento sorprendentemente comprensiva y contemporizadounos críos. Como le recuerda Ceci a su padre, veinte son los años que ra, amén de absolutamente impertérrita ante semejante situación. estuvo Ulises fuera de Ítaca, diez en la guerra de Troya y otros diez Única pacificadora en esta batalla ya subterránea ya campal de casi vagando por el Mediterráneo, sorteando peligros y retozando con todos contra casi todos. Pero eso es, de nuevo, la superficie de las amorosas ninfas. Aprovechando la profesión del padre, y que Ceci, cosas. Es evidente que a pesar de la larga separación, los padres la hija mayor, de alguna forma ha heredado ya que anda haciendo el pertenecen a un mundo absolutamente distinto a éste de los hijos; doctorado en Filología –¡sobre las mujeres en la obra de Borges, adeel de aquellos más libre, hedonista y utópico; el de éstos más reglamás!– la función abunda en referencias literarias que le dan a la trama do y gris. Como siempre, de algún extraño modo, los hijos purgan un cierto espesor mítico y que también por momentos funcionan como los pecados de los padres. herramienta de humor. Y es que hay que decir de una vez que nos En el sutil desenlace –más desolador aún por el tono de comehallamos ante una comedia, y ya sabemos que es éste un género más dia de la obra– cumplen también su papel simbólico obras como “En que apropiado para contar las cosas más terribles. busca del tiempo perdido”, “Una habitación propia” o “El doble”, de Como todos sabemos, Penélope teje y desteje desesperando a Dostoievski; y sobre todo un viejo regalo: un colgante con un insecto sus pretendientes y ganando tiempo para ver si su amado marido atrapado en un pedazo de ámbar. Las apariencias, decíamos, casi se digna regresar; cuando Ulises vuelve, con la ayuda de su mujer siempre engañan, y en un inesperado giro –o no, más bien no es un y de su hijo Telémaco, perpetra la sangrienta escabechina de los giro, sino el sorprendente desarrollo de la lógica de los hechos– surpretendientes. Pero otro de los referentes clásicos que aparece ge una pequeña heroína y una gran y malvada bruja. La familia como en la función es el de “La Orestiada”, de Esquilo, el modelo paraun organismo enfermo que nos traga y nos paraliza, como el ámbar lelo y opuesto a Ulises. Aquí, cuando Agamenón regresa a Argos al insecto. Siempre hay en cada una de ellas una Medusa, una terrible desde Troya, harta ya de él, Clitemnestra, su mujer, con la colaGorgona. Antes de que baje el telón, reunidos todos en torno a la boración de su pretendiente Egisto, le da matarile. Y es que aquí mesa, dos sillas, dos platos, vacíos.

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Vivir para contarlo

Virginia Imaz

La formación profesional en la narración oral

ste verano en Ezkaray (Rioja) ha tenido lugar la primera edición de la Escuela de Verano sobre oralidad organizada por AEDA (Asociación de Profesionales de la Narración Oral en España) y ha sido todo un lujo, un placer y una fiesta. Desde los inicios de AEDA se había venido trabajando sobre tres objetivos prioritarios: hacer visible el oficio, defender la profesionalización y potenciar las acciones formativas. La propuesta de una Escuela abierta tanto a personas asociadas como a las que no, da cuerpo y voz a nuestros intereses en materia de formación. El proyecto despegó con todas las plazas cubiertas y comenzó así una nueva experiencia para las gentes de este oficio, cinco días para descubrir, aprender y compartir. Alrededor de treinta horas reales de formación, sesiones dialogadas y algunas otras actividades compusieron el programa de la 1ª Escuela de Verano bajo el título de “El cuento a escena”. El programa se configuró a partir del análisis de varios de los grupos de trabajo de Aeda que, entre otras cosas, elaboraron un primer documento invitando a la reflexión sobre las diversas líneas de formación que se estimaban recomendables para ser narrador o narradora oral: • CON LO QUE CONTAMOS: La importancia de adquirir nociones sobre la expresión corporal, la voz y la presencia escénica. • LA PROPIA VOZ: Toda formación y exploración para consolidar la propia voz será siempre muy útil. En esta búsqueda, conviene alimentar la originalidad, buscar la diferencia, consolidar el estilo propio, elaborar un repertorio personal… todo ello da color al desarrollo de la actividad y honestidad al trabajo. • LO QUE CONTAMOS (1): Es aconsejable tener conocimientos de textos de tradición oral, pues la lectura habitual de estos textos, así como la preparación e incorporación de los mismos al propio repertorio, permiten internalizar estructuras y estrategias “naturalmente” orales, imprescindibles para el habitual desarrollo de nuestro oficio. • LO QUE CONTAMOS (2): Es importante toda formación relativa a la ordenación, elaboración, tono, ritmo… de los espectáculos de narración oral. En este sentido siempre resulta bueno tener nociones sobre la duración, organización del repertorio, el uso de libros y objetos, etc., en los espectáculos de cuentos. Igualmente merece la pena reflexionar acerca de la diferencia entre sesión de cuentos (más abierta) y espectáculo de narración oral (con una estructura más fijada). • A QUIÉN CONTAMOS: Resulta esencial saber cómo es y qué interesa al público al que contamos, por lo que tener conocimientos de los centros de interés de los públicos diversos y de las peculiaridades y rasgos propios de cada edad es determinante. Conocer lo común y comprender lo diverso. • DÓNDE CONTAMOS: También resulta positivo tener conocimiento de los diversos espacios escénicos en los que se puede contar (teatro, café, biblioteca, escuela, plaza…) y las peculiares exigencias técnicas, recursos necesarios… de cada uno de ellos.

Es importante asumir la necesidad de la formación continua, ya sea mediante la recepción de cursos especializados, talleres creativos, laboratorios... ya sea mediante la reflexión crítica sobre el propio trabajo o el de otros compañeros. Y por último, desde AEDA creemos que es necesario ser conscientes de todas las cuestiones legales relacionadas con el oficio (obligaciones tributarias e impositivas, figuras legales, etc.). Igualmente pensamos que es fundamental reflexionar sobre la actitud ética y crítica en la profesión (legalidad, cachés, repertorio, etc.). Yo, por mi parte, siempre he creído en la formación. Hago lo que hago y como lo hago en gran medida gracias a las distintas formaciones que he recibido a lo largo de mi vida. Contar historias también. Por supuesto que entiendo la formación en sentido amplio. Una lengua por ejemplo, se puede aprender en una academia, de manera formal. O también de manera informal, viendo películas en ese idioma original. Y sobre todo, de manera no formal, por inmersión más o menos prolongada en ese entorno lingüístico. Cuando pregunto a alguien que narra profesionalmente cómo llegó a contar, todo el mundo responde que por una de estas tres vías o una combinación de ellas. Algunas personas nos criamos en oralidad. No había tele en nuestra infancia y teníamos personas en nuestra familia que eran charlatanas. Contar lo que fuera era una manera de pertenecer, de tener nuestro lugar en la tribu. Una forma de vivir. En otras familias a lo mejor había tele, pero los oficios que garantizaban la supervivencia estaban particularmente vinculados a la palabra como en el caso de comerciantes, las maestras o los publicitarios. Buscarse la vida dependía de tener una historia interesante que contar y de contarla con la mayor elocuencia posible. En otros casos la inmersión en la oralidad llegó más tarde, por amor a los cuentos, desde la literatura, el teatro, la etnografía, la sicología, etc… Cada quien llegaba al hecho de contar de viva voz por su propio camino pero todo el mundo hacía alusión a un momento particular de “deslumbramiento”. Esta revelación llegaba a menudo escuchando contar a alguien. En ocasiones, una sola experiencia de escucha, si la pasión de contar ya estaba dentro, había puesto todo en marcha. Por otro lado está el abordaje formal. Mediante cursos, talleres, lecturas sobre el arte y el oficio de contar y otros temas relacionados. En el caso de la oralidad no existe a nivel de Estado, unos estudios “reglados”, una titulación que te acredite como cuentera o como narrador oral. Tampoco sé si sería lo deseable. Yo de hecho, estoy más interesada en la fórmula del tú a tú, donde la persona con más oficio y experiencia comparte lo que sabe con quién desea iniciarse o habiéndose ya iniciado, desea probar otros caminos y desafiarse con otras maneras de contar. Porque a contar se aprende escuchando, leyendo, contando, haciendo cursos… y como la mayor parte de los aprendizajes significativos, se prolongan o pueden prolongarse a lo largo de toda la vida. Por eso, una escuela como la organizada por AEDA es una ocasión única para compartir búsquedas creativas propias y ajenas en este bucear incesante en lo profundo del imaginario colectivo. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre Jorge Dubatti

Abel y Caín según Mauricio Kartun

ialogamos con Mauricio Kartun sobre su nueva obra: Terrenal, que además dirige (Teatro del Pueblo). En continuidad con su pieza anterior, Salomé de chacra, regresa al intertexto de la Biblia, en esta ocasión al Génesis: los personajes de Terrenal son Abel, Caín y Dios. Nuevamente, teatro político. Luego del “tríptico patronal” –integrado por El Niño Argentino, Ala de criados, Salomé de chacra–, Kartun asegura que Terrenal “es tal vez la más ‘patronal’ de todas”. De acuerdo con los “momentos” del proceso creador sobre los que reflexionaste en tu seminario de desmontaje de Ala de criados, ¿de qué universo surge Terrenal y cuáles fueron las imágenes generadoras? Del universo de la Biblia, al que vengo trajinando desde hace tiempo, y una vez más el del varieté, los folcloristas, los recreos con tablado… Todo de la familia, bah. Hace muchos años, mis hijos eran chicos, andábamos un domingo de excursión por unos andurriales, unas lagunitas en Benavídez (Provincia de Buenos Aires) a las que solía ir a pescar. En un caminito de tierra, separados por un largo trecho, había dos tipos vendiendo carnada. Los carteles estaban escritos con la misma letra y pintura sobre sendas chapas viejas. Uno decía “Isoca” y el otro “Lumbrí”. Por su parecido físico imaginé que eran hermanos. Tal vez porque mis hijos vivían en esa época en disputa continua, los imaginé enfrentados. Y apareció el espacio: un terreno que habían heredado al que habían subdividido en dos mitades en la que uno criaba lombrices y el otro isoca, la larva del escarabajo, que es muy apreciada como carnada. Me los hacía como protohacendados en guerra. Una historia de rivalidades ganaderas pero en un lotecito choto con una casilla de chapa, me imaginé. Me pareció en ese momento que era una buena situación condensadora y que esa miseria disputada como propiedad contenía una parodia sustanciosa sobre algunas cosas del capitalismo que me agitan a veces. Quedó como tantos otros materiales generadores empollando en un archivo. Hace un par de años, releyendo el libro de mitos hebreos de [Robert] Graves, me reencontré con el de Caín y Abel con todas sus connotaciones sobre la propiedad en lucha contra el impulso nómade. Con Caín como el inventor de los pesos y las medidas, según sus exégetas, y condenado a los temblores, a las ciudades amuralladas y al trabajo inútil. Como suele suceder se sobreimprimieron las dos cosas, aquella imagen sin relato y estas ideas, y calzaban justo. Como siempre: a la herida que produce la imagen sólo la cauteriza la metáfora. La cierra, la sana. Y así toda obra es cicatriz. Terrenal es el costurón resultado de aquel tajo y esta sutura. ¿Cómo fueron en este caso el trabajo de campo y el acopio? Mucho Google al principio, como hacemos todos, buscando orienta-

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ción, bibliografía, referencias y mucha imagen. Lo extraordinario de los buscadores de internet es esa apertura interminable en la que cada término lleva a un autor y ese autor a otros términos, y esos términos traducidos a otros idiomas y nuevamente buscados vuelven a abrir y abrir. Es nuestra biblioteca de Babel contemporánea, no hay caso. Luego ya con ese marco, la búsqueda y acopio desde esos libros. Fue fundamental en este caso, además, un aporte que desde su biblioteca personal me hizo Eduardo Graham. Leí mucho y de todo. Y todo el despelote se empezó a ordenar, como de costumbre, durante la escritura. Le cuesta a veces a quien no lo practica, entender esta cosa de que la escritura es una forma analógica del pensamiento, que quienes lo hacemos no tenemos otra forma de encontrarnos con las ideas que plasmar un universo en palabras, recorrerlo y descubrirlas a su través. Parece raro y sin embargo es tan obvio. Hay una actividad menos conocida sobre la Biblia, la de los eiségetas. A diferencia de la exégesis, que extrae el significado de un texto dado de acuerdo a la necesidad de la iglesia, la eiségesis inserta en un texto dado las interpretaciones personales. Eso hice con este mito, mi propio -spinozista y marxista- laburo de eiségeta. ¿Qué esquema dinámico diseñaste y qué características fueron surgiendo en los personajes? Busqué situación analógica, pero seguí obediente en este caso cada uno de los pasos mencionados en la Biblia, con sus textos originales incluso. Esa fue aquí la clásica secuencia equilibrio-desequilibrioequilibrio con que solemos ordenarnos los relatos. Los personajes se fueron armando. Andando el carro se acomodan los melones, como siempre: Abel el escéptico indolente, el nómade, que en realidad vive en su interior angustiado por el abandono. Y que cuando regresa Tatita oscila entre la rabia, el amor, la necesidad de afecto y el fastidio por la chantada de aquel ser amado. Caín el Pastor Capitalista, culpador y plañidero. Victimizado siempre. En busca siempre del par que le da sentido, su victimario designado. Y Tatita, el payaso blanco, el inimputable. Sé que puede sonar a joda, pero laburé ese personaje con imágenes de Horacio Guaraní en una entrevista que le hizo en televisión Beto Casella. Le tomé de ahí incluso algún bocadillo notable. Durante el proceso de escritura si me preguntaban quién era Dios en mi obra sólo podía explicarlo así: Dios es Horacio Guaraní. Una vez más en mis obras la dialéctica del payaso blanco y el tony, que acá es Caín, claro; con el agregado en este caso del tercero posible en la serie: el pierrot, el arquetipo cómico del eterno enamorado, el intelectual sufriente, el poeta. Una vez plantada la materia a trabajar, cómo fueron los pasos más relevantes de escritura-reescritura que puedas destacar. Mucho acopio de fragmentos de diálogo buscando con empeño ese lenguaje. Cómo hablarían estos tipos solitarios, resultado del lenguaje bíblico original y el territorio conurbano de los ´50 o los ´60

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Postales argentinas donde imaginaba ubicarlos, algo así. Conseguido eso, fluyó. Se armó rápido un borrador. La reescritura la produjo el encontrar un día de sorpresa en ese borrador la punta del tópico del Theatrum Mundi, que antes no había percibido, y a su versión más cachuza: el varieté mundi. Desde ahí reescribí todo con ese nuevo contexto. Por qué definís tu laburo de eiségeta como “spinozista y marxista”? ¿Qué tiene de Spinoza y qué de Marx? A ver… Qué difícil es hablar de teatro y ponerse serio, donde te descuidás terminás personaje de [Diego] Capusotto… De Spinoza, a ver… Yo creo en Dios. Como relato, pero creo. Y en los hombres como espectadores comunes conmovidos por ese relato en un espacio común. Si creo en la validez de los grandes mitos, y vivo de un oficio que los ha desarrollado, cómo no iba a creer en ese supremo, el de Dios. Creo en el Dios Mito. En su metáfora perfecta. Y lo respeto como tal. Con toda la ambivalencia del verbo creer, creo en su relato perfecto, bello, útil, ansiolítico y ordenador. Qué sería de nosotros sin esos relatos que nos permiten pensarnos, explicarnos, ordenarnos a través de sus metáforas, de su poesía universal: ¿vivir esperando a Godot…? Lo único que nos concierta como humanidad son nuestros relatos en común. Acepto su cosmogonía, su metafísica, sus metáforas, que hablan sobre todo de nosotros, no de él, del hombre, su público, retorciéndolo, tironeándolo durante siglos para que diga siempre otra cosa. Para que sostenga un poder económico o tremendas matanzas. O para que pueda detenerlas y hacernos llorar a todos en éxtasis comunal. O para que te lleve a la meditación y te encuentres adentro tuyo gracias a él. Pero si voy a elegirlo como relato, busco el que me da, el que me construye, si la metáfora es multívoca escucho de ella la voz que me construye, ¡si ese es el valor del relato! Entonces digo como Einstein, raro ateo: “Creo en el Dios de Spinoza”. No me jodan con el represivo. Los mitos, metáforas ampliadas, tienen tantas eiségesis como eiségetas y yo elijo aquella que lo aleja de toda oscuridad, de todo carácter vengador. Ese habla del mundo con el que sueño. Me gusta esa idea spinoziana de un Dios que se burla de la imagen que el hombre culposo ha construido de él. Ese Dios al que Spinoza le hace decir: dejá de ir a esos templos lúgubres que construiste y que decís que son mi casa, mi casa está en la naturaleza, ahí es donde vivo y en donde expreso mi amor por vos. Un Dios anti represivo, libertario. Tatita en esta obra sostiene eso: te puse acá a que disfrutes. No me busques afuera, no me encontrarás, le hace decir Spinoza a Dios, buscame dentro, ahí estoy, latiendo en vos… Esta no es una obra atea aunque pudiese parecerlo. Aunque irreverente con el relato institucional y algo desesperanzada, es una parábola –medio chota, pero parábola– sobre el sentido del mundo desde su creación, su origen. Y no hay manera mejor de representar y entender esa creación que a través de ese Dios Mito, al menos para mí. Esta no es una obra que se burle de Él, al contrario, como autor lo celebro pero me permito construirlo, como han hecho otros hombres, a mi imagen y semejanza, mirá si me la iba a perder. A semejanza de mis ideas. Y mi imagen entonces, claro, no se parece tanto a la del prototipo judeocristiano. El mío es un Dios zurdo. Spinoziano, justamente. Me preguntabas además sobre el carácter marxista del enfoque, bueno eso está más expreso, ¿no? El sentido de propiedad y la

dialéctica entre esas dos grandes visiones distintas del mundo: la de quienes quiere habitarlo y disfrutarlo, y la de quienes quieren poseerlo. Venimos del “tríptico patronal” (El Niño Argentino, Ala de criados, Salomé de chacra) en el ciclo de textos que estrenaste en los últimos años, ¿cómo enlaza Terrenal con ese ciclo o es un giro en otra dirección, ya adelantado por el tema bíblico de Salomé? Es tal vez la más “patronal” de todas. Y la que abreva más allá, más atrás, que cualquiera de las otras. El non plus ultra patronal vendría a ser ésta. Su mito de origen. ¿Cómo fue aquella intervención de Horacio Guaraní que te llevó a relacionarlo con Dios? ¿Cómo es un Dios-Horacio Guaraní? Mientras armaba el acopio me venía aquella entrevista que me había divertido mucho. Un inimputable querible, Guaraní, una mezcla guasa de ideología, ingenuidad, ironía y vanidad. No sé, calzaba, lo probé y anduvo. Creo en aquello de la “forma formante”: dada una forma, ésta crea –como en un fractal– su propia condición compleja y después completa. Y con eso, luego claro, su sentido. Se fue armando esa idea del dios músico. Del universo como concierto. Partí azarosamente de aquella imagen de Guaraní, de quien tengo además otras imágenes medio jacarandosas, y la imagen en su hacer fue creando su sentido y su personaje, un dios irónico, libertario, fané y medio atorrante. ¿Por qué “pequeño misterio ácrata” como subtítulo? Siempre estoy escudriñando viejos géneros en busca de sus convenciones. Aprendo mucho observando convenciones. Esos acuerdos dinámicos entre artistas y espectadores que permiten construir mucho con poco, simbolizar. Cada género tiene las suyas y están en continuo cambio. Con esas convenciones, esos pactos, cada género construye a sus espectadores a su imagen y semejanza y es construido a la vez por ellos. Trabajé un tiempo para un proyecto que tengo en capilla sobre una vieja compañía de cómicos, la de Angulo el malo, que Cervantes menciona en el Quijote y en El coloquio de los perros. Aprendí sobre sus formas de representación, esos autos sacramentales toscos, con argumentos armados a hachazos y chistes tan groseros que los expulsaban de las iglesias y después de las plazas. Me entusiasmaba la idea de trabajar los códigos de esos dramas religiosos que ponían en escena pasajes de las Sagradas Escrituras. Leí algunos misterios medievales –antecedente de esos autos– durante el acopio, y vi videos de otros, ancestrales, que se siguen representando. Mi obra hace eso mismo, monta un pasaje del Antiguo Testamento así que lo es, es un misterio, un auto. Adopté de ahí varias cosas: esa zona grosera, esas convenciones ingenuas de la ilustración escénica, la estructura a los bifes, de retablo titiritero, las transiciones a cuchilla. Pero claro mi representación no tiene los mismos objetivos didácticos que los de la iglesia, el mío no es un misterio religioso. Ya se sabe: en un género, distintas especies. Lo de ácrata viene, entonces, por la mía. Género Misterio. Especie Ácrata. Lo de pequeño es por el formato. Es la pieza más condensada que he escrito en mucho tiempo. Pensaba incluso trabajarla en un espacio diminuto al que los personajes aludieran como “el universo”. Esa paradoja. Me imagino una puesta de movimientos mínimos, puesta en friso y con actores quietos como en el varieté, algo muy pequeño.

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14 septiembre Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

Operación Talía: Una sociedad sin teatro

iempre se dijo que una sociedad sin teatro estaba condenada a perecer. Y pereció. Al no tener conciencia de sí misma, carecía de identidad y, al no tener identidad, era una abstracción en manos de cuatro mercaderes del pensamiento. Nadie creyó que eso pudiera ocurrir. Y, sin embargo, ocurrió. No fue de golpe, sino que fueron apareciendo signos y profecías que nadie quiso interpretar o lo hizo correctamente. De pronto un dia las salas de la Metrópoli aparecieron cerradas, las taquillas precintadas y las pocas colas de despistados que no habían percibido la anomalía, desbaratadas a palos por la policía. Los ciudadanos se refugiaron en los bares próximos y acabaron todos borrachos, incluidos los policías que tomaron al asalto barra y despensa. La gente más joven pensó que la salvación estaba en las salas alternativas, mas cuando a ellas llegó las encontró convertidas en cenizas. Los teatreros prefirieron quemarlas y, en algunos casos, perecer entre las llamas. Ese mismo dia se reunió el Consejo de Ministros y se dio por concluida la Operación Talia que había empezado muchos años antes. Cuando llegó la democracia, los habitantes de Iberia creyeron, sin demasiados fundamentos para su raciocinio, que había llegado el tiempo de la libertad. Era tan desconocida, tras una larga Dictadura, que sólo nombrarla creaba un estado de euforia y, a la vez, de desconcierto. Se dieron a la molicie y se produjo un estado de ánimo que un intelectual de rara condición dio en llamar “desarme ideológico”. Se llenaron, transitoriamente, las salas de teatro, creció la producción de poesía sin ton ni son y, puesto que la gente se reía a carcajadas en los patios de butacas, muchos dieron por alcanzado ese estado en que el hombre empieza a ser semejante a los dioses sin necesidades ni deseos. Lo de la risa y el teatro estaba bien; ya Aristóteles había ensalzado su valor terapéutico y otros, en sintonía, elevado a los altares la comedia como forma de convivencia. La risa, sin duda, es el primer síntoma de la inteligencia humana, aquello por lo que el hombre se distingue, con suprema jerarquía, de los demás mortales. Y Bertolt Brecht destacó en su Pequeño Organon, canon y teoría de todas las virtudes de un teatro liberador, que la primera función de farándula es divertir. Iberia, pues, era una fiesta. Quienes más belicosos habían sido contra la Dictadura, divirtiéndose sin duda aunque no exentos de peligro, quienes más habían contribuido a cuartear los muros de la caverna, se tumbaron a la bartola, fiados en su ingenio y su sabiduría. Puesto que ha llegado la democracia, dejemos que la democracia solucione todos los problemas, que solo su nombre es garantía de libertad. Sobraba un teatro resistente, un teatro agitador que sacudiese las mentes; no había enemigo y apuntaba una Edad de Oro en el horizonte. Las cosas estaban claras: el Teatro Público e Institucional estaría al servicio de todas las ideologías tolerables por el sistema, repartiría dádivas y prebendas con una sola condición: talento y libertad creadora. Y el Teatro Privado, el de libre competitividad y comercio, se regiría por el patrón oro de la oferta y la demanda. Mas empezó a

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descubrirse algo que casi todos habían olvidado; que el Estado es un instrumento de clase y que, como tal, repartía prebendas conforme a simpatías y afinidades. El Teatro Público, por otra parte, se sentía postergado y maldecía la taquilla, suprema ley del liberalismo más exigente, como fuente de todos sus males. Venía a pedir, en consecuencia, quedarse con las ganancias si las hubiere y que el Estado, en sus distintas administraciones, asumiera los riesgos y las pérdidas. Pronto se confundieron los dos planos, el público y el privado, el institucional y el empresarial, y empezó a montarse el cirio. Lo que no había conseguido la dictadura, matar el pensamiento crítico, aunque lo había amordazado silenciando todo brote regenerador, lo consiguió la democracia por medios más refinados como la economía: libre pensamiento y libérrima libertad de creación, pero sin medios para ponerlos en práctica. Los gobiernos, daba igual el signo del que fueran, consideraron la cultura como despilfarro innecesario, restringieron apoyos y aumentaron impuestos; pero como siempre quedaban algunos privilegiados frente a la inmensa mayoría de los desfavorecidos, no pasaba nada A lo sumo, algunas algaradas de café; pero nada de aquel viejo teatro militante que obligaba a actuar a los guardias, nada de la subversión que desequilibraba y consumía las gastadas neuronas de los censores. La censura había sido abolida; pero autor o director de intenciones sesgadas o a otro partido, era abolido también. Fuera subvenciones, al enemigo ni agua. Se acentuaba el peligro de privatización del sector público teatral, como el de la sanidad o la educación. Pero pronto los más lerdos acabaron dándose cuenta de que no era tanto cuestión ideológica restrictiva como miedo a la cultura y, singularmente al teatro, como vivero de hombres libres. El teatro, fuente de agitación, como lejana amenaza de subversión. El golpe de gracia fue una brutal subida de impuestos, sin parangón en toda Europa, y aun en el mundo, que dejó a la farándula enfrentada al suicidio o al paro, o a ambas cosas a la vez. Se alzaron algunas voces discordantes, pero, en el fondo, todos admitieron que la democracia y la libertad tienen inconvenientes. Y los gobernantes siguieron alardeando de su naturaleza escrupulosamente democrática. Los más conspicuos o los más inocentes confiaban en una reacción del pueblo ante el cercenamiento solapado de sus derechos; pero no ocurrió. Los más avanzados empezaron a refugiarse en las pequeñas salas alternativas, en el teatro de barrio, más económico y más próximo. Pero esta solución es una solución restringida que no alarma a los poderes, por virulento que sea el mensaje de algunas obras. A la postre, pongamos veinte salas; cuatro días a la semana y unos treinta espectadores por sesión, no llega a los quinientos semanales. La onda expansiva es mínima y los periódicos ni caso. Además, tanto los grandes empresarios públicos como los jerifaltes oficiales consideran este teatro como una destrucción del tejido comercial debilitado ya por ellos y un enemigo en potencia. A partir de ahora les va a dar igual: todos al mismo saco. La operación Talia se ha consumado.

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El lado oscuro

Jaume Colomer

Una programación para la libertad de los públicos

eorge André Malraux, nacido el 1901 en París, autodidacta y escritor vanguardista y comprometido, que había militado durante unos años en el partido comunista, publicó en 1951 Las voces del silencio para defender la libertad del artista contra los determinismos de ciertos sistemas políticos. En el año 1959 Charles de Gaulle creó el primer Ministerio de Cultura de Francia para “favorecer el acceso a las obras capitales de la humanidad, y primeramente de Francia, a un número de franceses lo más grande posible; de asegurar la audiencia máxima del patrimonio cultural, y de favorecer la creación de obras de artes y del espíritu que la enriquecen” y le encargó la dirección a Malraux, quién definió y aplicó la primera política cultural: democratización; ldifusión y creación. La política cultural francesa, desde Malraux hasta nuestros días, se ha basado en la defensa del principio de que la cultura y las artes no deben ser reguladas por las leyes del mercado, sino más bien defendidas y estimuladas por los estados soberanos1 pero ha sido permanentemente contestada por movimientos de artistas y filósofos que consideran que es la estética burguesa institucional la que aleja a las nuevas generaciones de públicos. Hay dos posiciones enfrentadas: una que rechaza el poder de la institucionalidad en la relación entre la obra y el público, otra que proclama la necesidad de una “intermediación” de sensibilización y acercamiento de los públicos a las obras. Nuestras programaciones escénicas aplican el modelo surgido del paradigma de la democratización cultural desarrollado por las políticas culturales francesas, considerando que los poderes públicos deben “intermediar” para fomentar el acceso de los públicos al patrimonio escénico histórico y contemporáneo para conseguir la culturalización escénica de los ciudadanos. Este modelo plantea dos interrogantes: ¿quién selecciona el contenido de la programación y con qué criterios de valor? ¿Cómo garantizamos y fomentamos la libertad de elección de los públicos? Hay que distinguir entre el valor intrínseco o técnico de una programación (su excelencia) y el valor relativo (la percepción de los públicos de que les aportará un beneficio buscado). La programación basada en las políticas de democratización cultural busca el acceso de los ciudadanos a contenidos con valor intrínseco que, a veces, carecen de valor relativo para muchos ciudadanos y, en consecuencia, no participan. En contraposición, las programaciones comerciales se basan exclusivamente en el valor relativo sin preocuparse por el valor intrínseco de los contenidos. ¿Cómo se pueden articular ambos valores para incrementar los públicos y ofrecerles la oportunidad de que participen en propuestas

con valor intrínseco? El simple incremento de públicos no debe ser nunca un objetivo de las políticas públicas, debe ir siempre asociado a la calidad escénica de las experiencias programadas. Hay que buscar la solución en la participación de los espectadores en el proceso de programación, algo que incomoda a muchos programadores que consideran que los públicos no deben participar en la elección de contenidos debido a la falta de conocimiento del patrimonio escénico y de competencias para valorar su calidad. Las metodologías basadas en la participación no menosprecian el papel de los programadores como especialistas en contenidos sino que desarrollan un proceso de implicación de los espectadores en la elección de contenidos desde su condición de públicos. Si los públicos manifiestan sus intereses y necesidades los programadores podrán buscar contenidos con valor intrínseco que respondan a ellos, y si los espectadores validan la propuesta de programación que argumentan los programadores percibirán que es una programación con valor relativo y participarán en ella. Para que una programación articule el valor relativo con el intrínseco debe basarse en el diálogo con los públicos. Es evidente que desarrollar la participación de los espectadores en el proceso de programación es relativamente fácil con los públicos regulares. El problema está en los ocasionales o los interesados que no asisten nunca. En este caso hay que aplicar la metodología que propone Eugene Carr2 basada en una relación permanente e interactiva con los espectadores. La democratización cultural institucionalizada tiene el riesgo de ser una forma velada de dirigismo cultural porque la elección de contenidos la realizan los poderes públicos como titulares de los equipamientos. Por otro lado, es cierto que la elección crítica y autónoma de contenidos requiere conocimiento y capacidad de análisis de las propuestas del mercado, condición que no se da en la mayoría de espectadores reactivos que van a ver un espectáculo si previamente ha sido prescrito por su entorno social, por los medios de comunicación o por la publicidad integrada en el paisaje urbano. ¿Cómo se puede incrementar la capacidad de elección autónoma de los públicos? Parece lógico que el acceso a los contenidos escénicos de una programación debe ir acompañada del acceso a propuestas de formación como espectadores. Hay varias experiencias de escuelas de espectadores o talleres de formación de públicos que nos muestran cómo son instrumentos de gran valor para sacar más provecho a las experiencias escénicas e incrementar la capacidad de elección crítica de contenidos. Considero que este es el camino que puede garantizar la libertad de los públicos en la elección de contenidos y facilitar que pasen de reactivos a proactivos.

1.- Karin Elmore, El artista, el público, los mediadores y la ciudad. El impacto de la democratización y de la descentralización cultural en la región Languedoc-Roussillon. Tesina del Master en Gestión Cultural del ICCMU, febrero 2008, dirigida por el profesor Emmanuel Négrier. 2.- Eugène Carr y Michelle Paul (2012). Rompiendo la quinta pared. Marketing para las artes en la era digital. Fundación Autor, Madrid.

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14 septiembre Jaime Chabaud

Piedra de sacrificio

Proyecto Ruelas

l año pasado escribía, motivado por los discursos oficiales tanto de la Presidencia de México así como de Conaculta (nuestra instancia cultural rectora), que para verdaderamente emplear la cultura en la tan cacareada urgencia de la reconstrucción del tejido social en el contexto de guerra que vivimos existían experiencias formidables. Pedía yo que no empezaran de cero y que los funcionarios bajaran de sus torres de marfil para acercarse a quienes ya trabajaban en las zonas de conflicto. Existen muchos procesos creativos que artistas de diversas disciplinas han emprendido en comunidades urbanas y rurales. Las más son iniciativas personales y las menos de gobiernos que las apoyaron mientras el funcionario interesado estuvo en el cargo. De las institucionales tenemos ejemplos en el arte escénico como el teatro que se hacía con las Misiones Culturales durante el cardenismo en los años 30, el teatro del Centro Regional para la Educación Fundamental de América Latina (CREFAL, dependiente de la UNESCO) en los años 50 y 60, El Teatro CONASUPO (dependiente de la Compañía Nacional de Subsistencias Populares) en los años 70 del siglo pasado. También el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena primero en Tabasco y luego en Yucatán, encabezado por la directora María Alicia Martínez Medrano. El trabajo de teatro social emprendido por creadores ha tenido muchas ramificaciones como pueden ser el penitenciario que arrancara hace décadas Jorge Correa y muchos otros teatristas, el que se hace con niños de la calle o mujeres de las maquiladoras, con poblaciones vulnerables (discapacitados, adultos mayores, etc.) y con vecinos de barrio. Sus alcances son extraordinarios y verdaderamente le modifican la vida a los ciudadanos que viven el teatro desde la piel. Lo incorporan a sus vidas con intensidad y modifica su horizonte. Pero en un país como México las experiencias son pequeñísimas al lado de las necesidades espirituales (ya no digamos las materiales). El Festival Internacional Cervantino junto con el programa Cultura de la Armonía de la Secretaría de Gobernación, el DIF y gobierno de Guanajuato y otras instancias, echaron a andar para este año el Proyecto Ruelas. Se harán 4 adaptaciones de Shakespeare en 3 comunidades en pobreza extrema y 1 en un barrio depauperado de la capital del estado. Es un “proyecto piloto” cuyo proceso, que he podido atestiguar, se vuelve brutalmente conmovedor y nos habla del enorme poder sanador y constructor de sentido de pertenencia y comunidad que genera el teatro. San Juan de Abajo es una comunidad con cerca de 900 habitantes, considerada una de los más violentas y empobrecidas del municipio de León, en Guanajuato. No hay agua potable y los vecinos de vez en vez logran juntar dinero para contratar un camión con agua que los abastezca para lo más elemental. El baño diario no está incluido en sus expectativas y, en la visita que me tocó a esa comunidad, unos niños jugueteaban en un charco lodoso y con larvas de mosquito. Y es una jauja porque es temporada de lluvias. Es ahí donde Javier Sánchez Urbina, director de teatro con una larga trayectoria haciendo teatro profesional y comunitario, está montando un Shakespeare arrancando a las amas de casa de su telenovela diaria y a los niños de sus caricaturas para que ensayen. Javier es un viejo lobo de

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mar en el manejo de actores no profesionales en sus proyectos de teatro social y se arma de paciencia para seducir con el teatro a sus cómplices de la comunidad donde la pobreza, los malos olores y las enfermedades son un marco, un caldo de cultivo perfecto para la frustración y la violencia. El Proyecto Ruelas ha convocado a tres directores escénicos guanajuatenses: Luis Martín Solís (con enorme trayectoria nacional e internacional), Sara Pinedo (una de las jóvenes directoras y dramaturgas más prometedoras de su entidad) y el propio Javier. La cuarteta la cierra la yucateca Raquel Araujo, también con una trayectoria nacional e internacional reconocidísima. Durante cuatro meses estos directores realizarán una residencia en un barrio marginal de la ciudad de Guanajuato (Solís); en las comunidades de Puerto de Valle, Valtierrilla, en el municipio de Salamanca (Pinedo); La Escondida y Pozo Blanco del Capulín, en el municipio de San José Iturbide (Araujo); y en el ya citado San Juan de Abajo (Sánchez Urbina). Mientras para Javier el trabajo de seducción ha sido complicado, por ejemplo Sara cayó en blandito en la nopalerísima Valtierrilla pues un grupo de mujeres había ya –por iniciativa propia– arrancado con montajes teatrales sobre las fiestas patrias y con una pastorela el año pasado. Ningún hombre quiso participar en su incipiente grupo teatral en donde ellas hacen todo, desde los vestuarios hasta los personajes masculinos. La participación de los hombres suele ser baja, les da pena hacer teatro. Sueño de una noche de verano de Shakespeare resuena en voces niñas en un escenario de pasto y tierra que tiene por ciclorama un par de árboles de capulín muy bonitos y una cortina de cactus de los que conocemos como órganos. Son 23 niños y niñas de entre 6 y 13 años, 7 jóvenes entre 17 y 25 años, y dos ancianos, una mujer y un hombre. Ese es el elenco que la directora Raquel Araujo ha reunido para el montaje que en el poblado de Pozo Blanco del Capulín, en el municipio de San José Iturbide. “También hay 2 señoras que nos ayudan con el vestuario, un grupo de músicos ciegos de 6 personas… En fin… No hay hombres adultos en el grupo porque o han migrado o no se atreven a hacer teatro”, nos comenta Raquel Araujo en breve charla. El trabajo con esta obra se desarrolla en la comunidad ya citada y en La Escondida, donde ha sido muy difícil reclutar actores por las distancias y los problemas que encarna la pobreza extrema de las familias que suelen ser conformadas por entre 8 y 15 hijos. La planificación familiar es un concepto que no se conoce y casi todos los niños ayudan a sus papás en la ladrillera de la localidad, trabajo brutal para los niños a los que se les ha robado la infancia porque buena parte no estudia ni tienen un desarrollo como lo exige la Convención sobre los Derechos de los Niños que adoptó la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1989 y que ratificó México en 1990. Hay problemas de alcoholismo, violencia intrafamiliar y un alto índice de migración. Eso tanto en La Escondida y Pozo Blanco. No obstante, en esta última el trabajo infantil es en la milpa y se respira de otra manera. Ambas son poblaciones sin agua ni servicios. El Proyecto Ruelas, por lo pronto un programa piloto, quiere demostrar lo ya demostrado: el teatro construye tejido social.

septiembre

El método griego

María Chatziemmanouil

Lorca: una fuente inagotable de inspiración

a sala “Vault” es un espacio de arte que se fundó en Atenas hace 2 años, justo cuando Grecia atravesaba por la etapa más dura de la crisis económica. Está situada en el barrio de Keramikós (nombrado por el homónimo antiguo cementerio que está ahí) y tiene como objetivo principal acoger por un lado a compañías de teatro compuestas por artistas jóvenes que no tienen residencia artística, y por otro lado actividades culturales de otra índole: exposiciones de fotos y de pintura, conciertos musicales etc. Ocupa el espacio de un edificio de tres plantas y dispone de dos escenarios, de 60 y 45 butacas respectivamente. Desde el primer momento de su fundación, “Vault” ha sido una colmena de creación artística y sus espacios están siempre llenos de público. (Se podría decir que “Vault” es, guardando las distancias el equivalente ateniense de “La casa de la portera”). En ese resultado contribuye mucho la gestión del espacio por sus dos propietarios: el autor, director y actor Dimitris Karatziás, y el músico Manos Antoniadis. La cuidadosa selección de las producciones que se estrenan, la polifonía, la experimentación y la originalidad, en combinación con el ambiente acogedor del espacio, son los ingredientes que componen la receta del éxito. La temporada pasada, entre las 24 producciones que se estrenaron en “Vault”, destacó el homenaje a F. G. Lorca, con 3 obras: una original del autor granadino (Yerma), otra adaptada (Asfixia) y otra más, escrita en 2013 por Dimitris Karatziás (Basta ya con Adela), cuya trama es la continuación de la historia de La casa de Bernarda Alba. Lorca es, con diferencia, el autor extranjero más representado en Grecia. Cada año se estrenan en Atenas al menos 5 montajes de obras suyas, para mencionar sólo las de compañías profesionales. El homenaje a la obra lorquiana en “Vault” empezó el 24 de noviembre de 2013 con Yerma, dirigida por Lily Melemé, una de las directoras más destacadas de la nueva generación. Melemé dirigió un grupo de licenciados de la escuela dramática Arjí, quienes fueron sus alumnos durante los tres años de sus estudios. El montaje, alabado por la crítica por su estética, por la mirada de la directora sobre la obra y por su dinamismo, prorrogó sus funciones varias veces y seguirá en cartelera de cara a la temporada que viene, después de una gira estival por varias ciudades y festivales. Cinco días más tarde, el 29 de noviembre, se estrenó Asfixia, una obra inspirada en La casa de Bernarda Alba, adaptada y dirigida por Dimitris Karatziás (quien escribió tres nuevas escenas)

en otro contexto cultural, cronológico y geográfico. La acción no transcurre en Andalucía en 1936 sino en una provincia de Turquía oriental en 2013, y las heroínas no se llaman Bernarda, Adela, Poncia, etc., sino Jadisé, Nasma, Ulvillé, etc. Como declara Karatziás, su inspiración fue por una parte “el valor de esta obra maestra” y por otra el hecho de que casi 80 años después, la opresión sexual, el dominio de la religión, los prejuicios y la exclusión social de las mujeres siguen en pie, en países que buscan mostrar una cara más progresista en temas políticos, como es el caso de Turquía. “Los datos impactantes que aparecen en el programa de mano se han extraído de los registros oficiales de las Naciones Unidas y de la Unión Europea” sentencia Karatziás. La crítica acogió con entusiasmo la producción y el público llenaba la sala hasta el 15 de junio, fecha en la que se produjo la última función (en un principio, estaba previsto que durara hasta finales de enero). La tercera obra del homenaje fue Asfixia también escrita por Dimitris Karatziás y se estrenó en “Vault” el 24 de marzo de 2014, con dirección de Lily Melemé y música original de Manos Antoniadis (quien compuso también la espléndida música para las dos funciones anteriormente mencionadas). Se titula “Basta ya con Adela” y se trata de una continuación de La casa de Bernarda Alba (es obvio que se trata de la obra lorquiana preferida de Karatziás). Treinta años después del acontecimiento trágico que marcó el fin de la obra original, Bernarda está agonizando y Martirio, “la única descendiente de la “maldita” familia, guarda insomne de un secreto oscuro e instigadora de un suicidio fraterno, está condenada a vivir hundida en un mar de luto, donde el eco de las voces sigue sonando y la culpabilidad no permite a los párpados que cierren y al alma que se tranquilice. La “invasión” inesperada de una joven en la oscura casa de Bernarda, es el motivo para abrir la caja de Pandora sellada: por medio de un viaje doloroso a la memoria, que revela con violencia secretos y mentiras, instintos reprimidos y pasiones prohibidas, Martirio vuelve al lugar y al momento del crimen, representa paso a paso los hechos y busca la catarsis. La obra está escrita respetando profundamente la obra original y transmitiendo absolutamente el espíritu lorquiano, omnipresente en las tres funciones del homenaje. Un homenaje que fue un importante cruce de poéticas, de inspiraciones y de teatro de calidad.

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14 septiembre Noticias desde los fiordos

Víctor Criado

Parálisis permanente

n viaje a través de Europa para visitar familia y antiguos fantasmas. Uno más doméstico para, dentro de Euskal Herria, ver la representación que un amigo ha dirigido. El lugar es un pueblo “tipo”, industrializado en un principio, desindustrializado más tarde, lleno de bloques de apartamentos. La representación tiene lugar en la calle, un montón de niños en primera fila, expectantes. Una segunda fila compuesta por madres, padres, abuelos, y demás, acompañados de móviles y comentarios sobre todo lo habido y por haber. El espectáculo transcurre con problemas de sonido e indiferencia adulta. Los niños curiosos a veces, desconectados otras, expectantes al final por poder tocar y entrar en el espacio escénico. Al finalizar se recogen sillas e ilusiones más o menos cumplidas. Me acerco a los actores para saludar y me doy cuenta de que conozco al programador. Sigue siendo el mismo que 25 años. La compañía también tiene más o menos la misma edad. A ver si logro explicar bien la reflexión que esto me produjo. Inevitablemente aparece la comparación, en este caso Suecia es el espejo, con lo observado. Dejando a un lado las primeras impresiones de que en el Norte todo es mejor, o está mejor pensado (lo cual no es del todo cierto) si surge una conclusión inmediata: parálisis. Ese programador es un hombre, por lo que sé e intuyo, íntegro, que ama su trabajo y el teatro como forma de expresión artística. Me ha explicado los problemas, reducciones de presupuesto y demás penurias. Totalmente de acuerdo. Sin embargo pienso que después de 25 años ejerciendo una labor hay que… ¿variar?, ¿moverse?, ¿dejar sitio a otras personas con otras ideas y energía? Si salto la línea y me coloco en el lugar de la compañía, ¿no sucede lo mismo? Es evidente que hay muchos tipos de compañías, con edades y trayectorias diferentes, como también es verdad que muchas de las consolidadas llevan ya un largo camino recorrido, respetable y hasta admirable. Pero considero que hay consecuencias en esta “permanencia”, un anquilosamiento de ideas y formas. No de personas, ya que en eso somos cada uno de nuestra madre y nuestro padre, pero si de estructuras, tanto en la parte de la oferta (las compañías) como, sobretodo, en la de la demanda (los programadores). Ese anquilosamiento puede además dar lugar a clientelismos y “tics programáticos”, entre otros. No sé hasta que punto esto influye en la “forma” de los espectáculos producidos, para esto habría que hacer un estudio meticuloso de los porqués a la hora de decidir qué producir, pero si sé que una estructura influye muy mucho en el “resultado teatral”. En anteriores artículos he explicado un poco, muy poco y por encima, la forma de organización de las artes escénicas en Suecia. La figura del programador tal y como está entendida allí es inexistente aquí. Hay teatros públicos diseminados por todo el país que producen y exhiben sus espectáculos, con elencos estables (o casi), al frente de los cuales está un “director artístico” que, en contadas ocasiones (dado el limitado presupuesto empleado para ello) decide qué espectáculo puede ser contratado. Director artístico he dicho, no programador, o técnico de cultura o funcionario público al que se le encarga programar. Y estos directores artísticos tienen una duración limitada, no se eternizan en su puesto, son relevados con mas o menos asiduidad. Asimismo los grupos de teatro independientes suelen también

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elegir nuevos directores artísticos cada cierto tiempo (sus consejos de dirección son los encargados de ello). El caso de Suzanne Osten, que es a quien conozco más de cerca, es especial, nadie en Suecia ha estado al frente de un centro de producción tanto tiempo, algo atípico, pero también es verdad que la capacidad de transformarse, evolucionar y ser curiosa es muy peculiar en su caso. Volvamos al programador, de teatro, festival, evento… A veces me parece que es una prolongación del funcionario de turno del estado franquista; ordena y manda, decide y ejerce el poder de un modo soberano, casi omnímodo; le llaman, le vuelven a llamar, le envían dossiers, le doran la píldora, cena incluida, a veces hasta se lleva en el bolsillo un pequeño porcentaje del bolo (confío que no muy a menudo)… Enfín. Se que hay admirables personas, que pelean por mantener programaciones y compañías. Es la estructura la que, desde mi subjetivo punto de vista, está errada, la que hace que se perpetúen nombres y proyectos, algo que aquí sucede en mucha menor medida (ya he dicho que aquí también hay problemas). Somos humanos, vanidosos y sobornables en mayor o menor medida, sobre todo cuando de sobrevivir se trata. Los nobles y valientes escasean. Ya que esto es así pongamos los medios, las estructuras, para evitar males mayores, no lo contrario, abonar el terreno para que personajes ávidos de control y poder tomen las riendas, que es lo que creo ha sucedido, o sucede. Todo esto se me pasó, como un fogonazo, por la cabeza al hablar con aquel honesto y cansado (eso me pareció) programador de un pueblo medio de Euskal Herria. Ahora que se habla de la refundación del estado, de darle la vuelta al vestido de la transición, que no fue más que una farsa necesaria para contentar a todos los presentes (de los ausentes, solo silencio y olvido), no estaría de más romper la baraja y comenzar de nuevo. Claro que quien tiene la sartén por el mango no va ser fácil de convencer, pero algo habrá que hacer para salir de esta Paralisis Permmanente. Grupo de rock transgresor de culto con su autor, Eduardo Benavente al frente. Pocos años, muchas creatividad y luego… A la tumba, accidente de tráfico. Menos funcionarios y mas directores artísticos, de verdad, no de título a la puerta del despacho. PD1: El director artístico también tiene su tendencia a “ejercer poder”, la “debilidad” antes descrita, pero hay dos factores que delimitan esa “debilidad”; su amor por el teatro (motivo por el cual ha elegido esta profesión), y la presencia, a sus espaldas, del consejo de dirección, que analiza, con frecuencia, su labor, y da el visto bueno a sus proyectos (sin tener ninguna implicación directa en los mismos). PD2: Hace unos años un fotógrafo teatral comentó, como quien no quiere la cosa, que bajo administración socialista había sido testigo de mas corrupción que bajo administración conservadora (el era, creo yo, progresista). No es una cuestión de ideas o principios sino de cómo estas se llevan a la práctica, y como se controlan. PD3: Un día pude ver con mis propios ojos la carta de una productora que amablemente ofrecía al programador un % del bolo a contratar. Patético. Otra “empresaria teatral” pedía ser programada por la labor que “su padre” había realizado en el teatro español. Sin comentarios.

septiembre

Las Lejanías

Carlos Be

La sacristana

rimer borrador en torno al correspondiente personaje de “Její pastorkyňa” (“Su hijastra”), obra teatral de Gabriela Preisserová escrita en 1890 y en la cual Leoš Janáček se basó para escribir el libreto y la música de “Jenůfa”, ópera estrenada en Brno en 1904:

Con la irrupción de la primavera, la nieve se deshace alrededor de los troncos de los árboles y las faldas de las mujeres. Una marisma de colores se despliega en el cielo como un ala de mariposa abierta. Nunca me he sentido cómoda lejos del invierno. Soy una anciana sin nombre y nada se equipara más a la lucidez que el resplandor de la nieve en enero. Permanezco con los puños hundidos en la nieve para mantener el invierno prendido a la tierra. Retengo el frío con las manos clavadas en garra. Un cuerpo yace muerto con su tiempo congelado bajo la mortaja de mis lágrimas congeladas. Incluso la nieve más blanca es impura como el hombre que siempre confunde la pureza con la verdad. La pureza no existe. La pureza no es más que una nana para criaturas sin bautizo. La nieve siempre oculta un crimen como el hombre siempre confunde la pureza con la verdad. Esta noche he soñado que ayudaba a mi madre a hacer la cama. Las sábanas blancas en volandas y los rayos de sol bajos entraban por la ventana casi a ras de suelo entre los botines negros. El embozo se alisa a lado y lado bajo nuestras palmas blancas. Mi madre se sonríe y la luz se apaga. He vuelto a despertar antes del alba. A mi hija no la odio. Cuántas veces habré soñado con afilar de nuevo el cuchillo y marcarle la otra mejilla por poca mujer, por mancilla. Quedarse preñada de un borracho que no la casa. Parir el hijo en secreto y ser rechazada por su enamorado que se desenamora y le corta con cuchillo la mejilla. Cuántas veces habré soñado con saberte estéril como yo, aferrada a la tierra sin nada que plantar, sólo en los puños la muerte. La nieve canta que no es mi hija ni él nieto mío. No es mi hija, me canta, y no es amor mío sino desvarío. La nieve lúcida que reclama lo que le pertenece. Llegaste un once de noviembre a lomos del caballo blanco de San Martín y antes de la primavera el jinete te reclama de vuelta. Tu padre se entretenía jugando a las cartas y en el momento del parto cuatro doses en su baza. Cuatro doses abren las puertas del infierno. Cuántas abuelas con el chal cargado a sus espaldas habrá conducido con sus juegos perversos hasta donde se acaba la noche, hasta el pecho de la nieve de enero. Me siento multiplicada por su semen réprobo y agrio. Debiera ser su cuello el que apresara ahora entre mis manos y no el tuyo, su engendro, pero el horizonte donde tiene tu

madre la vista puesta tras la ventana parte en dos mis pies y tu cuello. ¡Calla, niño, calla ya bajo la nieve! En casa a tu madre prepara las faldas y en los labios un rescoldo encendido: al filo de medianoche San Martín se apareció en la ventana y sacó de su alforja izquierda un pequeño barco de madera. El pequeño barco de madera atracó bajo el ortigal del muro más apartado del cementerio. Yo bendije tu pequeño ataúd con mi saliva. La fiebre se pudre dentro como una mentira. El fuego siempre necesita de un hogar. El frío reina afuera. Nunca pintaras nubes en el vaho de la ventana. Nunca te jalearé y tú te reirás y brincarás de alegría. Nunca aprenderás a nadar en el lago ni a bucear con las carpas. Nunca soñarás con las alas de las libélulas ni te detendrás ante la noria del molino. Salvo morir. Morir sí morirás. Mueres en tu tiempo congelado. Y yo te bendigo. La llave del cementerio repiquetea en mi cinto. Soy la sacristana y durante el oficio permanezco a pie de altar inerte como una sombra. Soy la mujer más sola del mundo y no le deseo lo mismo a ninguna otra mujer. Nunca he hablado en voz alta hacia afuera. Siempre he hablado en voz baja hacia afuera si me lo han solicitado. Con cara de llorar. Con cara de despedirse. No me han permitido respetar mi propia vida. No lo hago por mí. Lo hago por ella. Nunca otra mujer debe sentirse más sola en el mundo que yo. El invierno lo mantengo yo y sólo yo y en su cementerio no hay nadie más que dios. Yo le danzo sobre la losa las noches de luna llena y el amanecer me sorprende abrazada al sepulcro vacío. El capellán observa con lascivia la hostia aplastada en la lengua húmeda de los niños y de las niñas y al cerrar la iglesia le suplico que no me toque, que no me toque, que no me toque y él asiente con la baba deslizándose por su estola cruzada sobre el pecho y dice que sólo quiere oír cómo su envite rasga mi ajadura de vieja decrépita, sólo ese crujido tan parecido al primer mordisco de los niños en el cuerpo de dios. Y se posa sobre mi vientre vuelto con su grajo negro de miserable tamaño sin importarte si es el saco de arpillera de una prostituta, el ano embreado de un militar o mi cuenco lustrado por el hielo. Se retira y de sus nalgas cae una flatulencia viscosa casi líquida y yo le maldigo en silencio. Usted y los suyos mataron a dios. No les basta. También quieren a las mujeres y a los hombres. En silencio grito el tiempo en que vuestro altar se quiebre por la mitad. Se arregla la sotana y me pide que sea honesta cuando me pregunta sin importarle si me ha gustado. No me hable de honestidad. La honestidad no existe. Nadie puede decir la verdad. Y le respondo que no. Dios murió en 1627. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre

Mercartes 2014 en Valladolid

a cita bienal del sector de las Artes Escénicas Mercar tes que se lleva realizando desde 2004 y que tiene como objetivo promover acuerdos comerciales entre distintos agentes públicos y privados (creadores, productores, distribuidores, programadores y gestores de espacios escénicos y festivales, empresas de servicios y equipamiento técnico e instituciones públicas) celebrará su próxima edición del 5 al 7 de noviembre y contará como una de las novedades más destacables su nueva ubicación, el recinto ferial de Valladolid, tras haber contado como única ubicación hasta 2012 con el Centro de Congresos y Convenciones de Sevilla. En esta nueva edición Mercartes ofrece un servicio personalizado de asesoramiento dirigido a profesionales y empresas. Apuestan por un formato de mercado eficiente, intentando ofrecer un incremento de la actividad comercial a través de los diferentes conceptos que conforman el evento: el pabellón de expositores, el foro de los negocios, itinerarios guiados, encuentros con autores y las presentaciones de proyectos. Los interesados en conocer las posibilidades que ofrece esta cita tienen la oportunidad de realizar ya la prescripción online, además los costes de participación se han visto reducidos una media del 42% respecto a la última edición, y los socios de las entidades convocantes y organizadores tendrán una bonificación del 25% sobre las tarifas oficiales. La tercera jornada de Mercartes estará dedicada a la celebración del primer Foro Mercartes, un espacio de reflexión y debate sobre las tendencias y oportunidades de los mercados internos y externos con un objetivo claro: identificar las claves tecnológicas, logísticas, económicas e institucionales que permitirán al sector dar un paso adelante a nivel cualitativo y cuantitativo.

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septiembre

México, cita con el libro teatral

a séptima edición de la Feria del Libro Teatral de México se adelanta un mes con respecto a años anteriores y se celebrará del 2 al 7 de septiembre en su sede habitual, el Centro Cultural del Bosque de México D.F. El Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordinación Nacional de Teatro con el apoyo de la Dirección General de Publicaciones de CONACULTA, el Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli, El Centro Cultural del Bosque, la Universidad Autónoma Metropolitana y PasodeGato Revista Mexicana de Teatro. En sus años de andadura la FeLiT se ha convertido en una cita para el mundo teatral mexicano y gran parte del sector editorial iberoamericano. Las carpas montadas expresamente para esta cita son el centro neurálgico en el que se ubican los aproximadamente cuarenta stands de otras tantas editoriales en las que mostrarán todas las novedades y fondo editorial. Pero bajo las dos carpas se ubican también los escenarios sobre los que se desarrollarán diversas actividades que enriquecen el evento y congregan, año tras año a un mayor número de público. Presentaciones con los autores de las novedades editoriales expuestas, conferencias, encuentros y mesas redondas sobre el hecho teatral entorno a los que se generan debates y una notable participación de los presentes. Además en los teatros que conforman el Centro Cultural del Bosque se celebrarán talleres formativos y otras actividades que se han convertido ya en tradición como el ‘Rally Teatral’ que organiza El Punto Teatro, o el ‘Jam de dramaturgia’ entre otros. Y como guinda a este encuentro con el teatro “escrito”, se dará a conocer el trabajo ganador del ‘Premio Internacional de Ensayo Teatral 2013’ que convoca el INBA, PasodeGato, CITRU y la revista de las artes escénicas ARTEZ. w w w. a r t e z b l a i . c o m

14 septiembre Estantería Texto Teatral Bajo el título ‘Juan Mayorga. Teatro 19892014’, la editorial La Uña Rota ha reunido en un mismo volumen casi la obra completa del reconocido dramaturgo. La selección de obras recogidas ha sido realizada por el propio Mayorga, un total de veinte textos que recorren las distintas líneas temáticas en las que se ha centrado el autor, ofreciendo, a su vez, las claves de su escritura dramática. Por un lado se encuentran las obras basadas en hechos o personajes reales como por ejemplo ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’; por otros textos de carácter histórico como ‘El traductor de Blummemberg’ o ‘Himmelweg’. Textos políticos como ‘La paz perpetua’ o ‘Hamelin’ y de temática social como ‘Animales nocturnos’ o ‘El chico de la última fila’. Además también se pueden encontrar otros textos en los que prima la ensoñación y la poesía como ‘Más ceniza’ o ‘El Gordo y el Flaco’ y textos de su primera época así como tres obras inéditas, algunas aún sin estrenar.

Texto Teatral

‘No deberíamos salir de aquí’ de Pedro Fresneda es el último número de la colección Pliegos de Teatro y Danza publicado recientemente por Aflera. Esta obra, fue estrenada en marzo pasado en el Teatro Ensalle de Vigo con la interpretación de los actores Artús Rei y Jorge Rúa y la actriz Raquel Hernández bajo la dirección del propio Fresneda.

Fundamentos ha publicado en un mismo volumen dos obras de Antonio César Morón, ‘Elipses’ y ‘El espejo más frío’. La primera obra es de ciencia ficción y el autor escribe haciendo uso de la narración especulativa. La segunda es un monólogo interior protagonizado por una voz femenina; de una mujer joven que decide suicidarse en el cumpleaños de su hija.

La editorial Teatro del Astillero ha publicado bajo el título ‘Teatro noruego contemporáneo’ las obras ‘Yo soy el viento’ de Jon Fosse y ‘La casa de hielo’ de Marit Tusvik. Fosse se acerca en esta obra a temas como la inestabilidad emocional, la despersonalización, el miedo al abismo y el dolor extremo y Tusvik realiza un viaje al pasado de una familia.

Estantería Texto Teatral El dramaturgo, director y profesor de arte dramático Alfonso Zurro es el autor de ‘Cien viajes en ascensor’, piezas de teatro breve o minipiezas que tienen en común “todos estos encuentros fortuitos, que constituyen los fragmentos de un puzzle, estructura coral que no se atiene a una mera relación sin objetivo, puesto que conforma una unidad muy bien urdida” tal y como apunta en el prólogo de esta edición María Jesús Orozco Vera, autora del mismo. Orozco aclara además que “las primeras minipiezas evocan más bien un clímax más distendido, iniciando la serie con uno de los tópico que más se asocian al ascensor, “hablar del tiempo”, continuando en su desarrollo con un repaso de las principales lacras del siglo XXI, y las últimas muestran un perfil más desolador -la decadencia, el castigo, la purgación de las faltas cometidas- que concluirá con el apocalipsis, la destrucción de ese “no lugar” y el extermino del ser humano. Así se revela en la última minipieza, “Espalda”.

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Texto Teatral

Ediciones Antígona ha publicado la versión que Miguel del Arco ha realizado sobre El Misántropo de Molière bajo el título ‘Misántropo’. Esta versión libre y contemporánea de la universal obra fue estrenada por Kamikaze Producciones el pasado mes de octubre en Oviedo bajo la dirección del propio autor y ha recibido elogios de crítica y público.

Juan Diego Botto es el autor de ‘Invisibles, Voces de un trozo invisible de este mundo’, obra galardonada con varios Premios Max este año. Publicada por Espasa Calpe, la obra narra la historia de diversos personajes unidos por la emigración: un policía xenófobo, una mujer africana llegada a Europa en patera, un exiliado argentino torturado en la dictadura...

‘Larrea Toujours’ de Daniel Sarasola es una aventura literaria en cuatro jornadas, convertidas en cuatro piezas distintas con solución de continuidad, sobre la vida del poeta y escritor Juan Larrea anterior a su primer exilio en México tras la Guerra Civil española. Editada por Abada Editores, la obra está marcada por el París de las últimas vanguardias.

septiembre

Estantería Texto Teatral

La editorial Fondo de Cultura Económica ha publicado ‘Estudios avanzados de performance’, una compilación de textos de 17 autores realizada por Diana Taylor y Marcela Fuentes en la que se trazan varias trayectorias en el estudio de la performance, no sólo en cuanto a prácticas artísticas sino a otros ámbitos como la política, el deporte, la religión, etc.

Texto Teatral

El escenógrafo portugués José Manuel Castanheira es el autor de ‘Desenhar Nuvens’ un volumen publicado por Edição Caleidoscopio en el que se recogen algunas reflexiones, historias, dudas e inquietudes resultado de la experiencia profesional del autor y que se presentan como pequeñas contribuciones para una reflexión sobre la creación escenográfica.

Texto Teatral

En ‘La Escuela Bolera Sevillana. Familia Pericet’ su autora, Marta Carrasco Benítez realiza en la primera parte del libro, una reconstrucción de la Escuela Bolera y de la familia Pericet mientras que en la segunda, y de forma más documental, ofrece un listado de bailes de la Escuela Bolera del siglo XVIII y los Cuadernillos de los tres cursos Pericet.

Teoría Teatral Dentro de la colección Cana Negra Ensayo, Amargord Ediciones acaba de publicar ‘Teatro de Calle actual’ de Pasqual Mas, hombre de amplia carrera en el mundo de la escena y director de la revista Fiestacultura. Este libro es fruto de la reelaboración de diversos artículos, conferencias y comunicaciones relacionadas con las Artes de Calle; algunos apartados del libro forman parte del currículum del curso sobre teatro de calle impartido por el propio autor dentro del Master de Gestión Cultural de la Universitat de València y la Universitat Politècnica de València. Todo el material recogido en el presente volumen ofrece un repaso por la visión de Mas sobre cómo se ha ido imponiendo esta expresión escénica que en las últimas décadas ha recuperado el espacio urbano para el disfrute y aprendizaje del ciudadano y es que Mas, ha recorrido decenas de festivales y eventos callejeros de todo el mundo de los que ha informado, puntualmente, en la revista Fiestacultura.

Kiosko Zirkolika

El número 41 de la Revista de las Artes Circenses ‘Zirkolika’ tiene como tema de portada la vuelta, cinco años después de su desaparición del Festival Internacional de Payasas que ha impulsado el Circ Cric y El Almazen y cuya crónica abre esta edición a la que le siguen otras como las de Trapezi o el Festival Circada o una entrevista con Eduardo Cardenal.

Estreno

La revista norteamericana ‘Estreno’ incluye en su último número correspondiente a primavera de 2014 los textos ganadores de Crono-Teatro de autores como Agustina Rimondi, Alba Pérez o Carlos Be entre otros. Cabe destacar también el artículo “Los muertos vivientes de la memoria histórica en el teatro español contemporáneo” de Alison Guzmán.

ADE

La Primera Guerra Mundial en el Teatro es el tema central del número 151 de ‘ADE Teatro’ que incluye además dos textos teatrales: ‘La sonata de Belcebú’ de Stanislaw Ignacy Witkiewicz, en el 75 aniversario de la muerte del autor y ‘El pasillo’ de Manuel Sacristán, que se acompaña de los artículos que sobre el autor han escrito Salvador López y J. A. Hormigón.

RGT El número 78 de la ‘Revista Galega de Teatro’ publica en su interior el texto dramático ‘Morte súbita” de Ricardo Cabaça. En lo que a las entrevistas se refiere, este número hace hincapié en el décimo aniversario del Teatro Ensalle de Vigo motivo por el que se incluye una entrevista con dos de sus fundadores, Raquel Hernández y Pedro Fresneda. Entre las secciones habituales de la publicación gallega destaca Escena Aberta con artículos de actualidad como la crónica de los XVIII Premios María Casares a cargo de Afonso Becerra, el Manifesto do Teatro Galego firmado por Camilo Franco y otras crónicas sobre el festival ALT, FETEN o Primavera en Danza en Carballo. En la sección Temas por su parte, encargada de abrir la revista, se puede encontrar los artículos ‘Notas sobre escenografía’ de Marta Pazos y ‘Días sen gloria e noites sen durmir’ de Baltasar Patiño. Este número se completa con las secciones Espectáculos y Ficheiro.

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14 septiembre

Foros sobre comicidad femenina

Virginia Imaz

finales de mayo y comienzos de junio, en menos de dos semanas, tuve el honor y el placer de tomar parte en tres foros de la comicidad femenina muy diferentes. Esta es la crónica de unas vivencias profundamente enriquecedoras tanto a nivel personal como profesional, con el único objetivo de visibilizar que estos hechos ocurrieron y que las payasas como dicen de las brujas, “no existen” pero haberlas haylas. Y es que en las programaciones oficiales, en los carteles de Ferias y Festivales, la presencia de las payasas y de las actrices cómicas sigue brillando por su ausencia. Fenómeno curioso éste de una especie que sin acabar de haber aparecido, se diría a veces en vías de extinción. En orden cronológico la primera cita fue en Sevilla, en las Jornadas Internacionales “Stupro: mitos antiguos y violencia moderna. Homenaje a Franca Rame.” Organizadas por el grupo de investigación Escritoras y Escrituras, y coincidiendo con el primer aniversario de la muerte de la actriz y dramaturga Franca Rame, el objetivo de estas jornadas era analizar textos relacionados con la violencia que se ejerce contra las mujeres, ahondando en las raíces culturales de este problema social de primera magnitud. “Lo que me gustaría seguir diciendo a las mujeres, también después de mi muerte, es que no pierdan nunca el respeto de sí mismas, tener dignidad. Siempre”. Con estas palabras Franca Rame había hablado a las personas reunidas en la celebración del 8 de marzo del 2013. “Estupro” es el título del monólogo que la autora había escrito en 1975, cuando aún nadie ni en Italia ni en el resto de Europa hablaba de violencia sexual. En él contaba el episodio de su violación por un grupo de neofascistas, que quiso darle un castigo ejemplar por ser militante de izquierdas. Los responsables nunca acabaron en la cárcel, a pesar de que años más tarde se descubrieron sus nombres. Franca Rame nunca aceptó el silencio, y decidió a través del teatro contrastar la violencia con la palabra. En estas jornadas alrededor de una treintena de personas estudiaron la vida y la obra de Franca Rama. Se leyeron, se representaron, se analizaron con vídeos, un buen número de sus espectáculos. Ella fue una de

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las pioneras. En nuestra genealogía de mujeres cómicas, que utilizaran el humor como estrategia para denunciar los estereotipos y los falsos mitos sexistas, Franca Rama tiene en mi opinión un lugar de honor. Me fui de Sevilla profundamente conectada con todas las mujeres creadoras de humor y creadoras de arte que nos han precedido y que fueron abriendo camino y con reflexiones en

torno a la urgencia de conectar mucho más la escena y la Universidad. Particularmente las mujeres creadoras precisamos de toda la ayuda que nos pueda proporcionar la investigación universitaria en cuanto al rescate de las dramaturgas olvidadas o silenciadas y a la reflexión desde la literatura, la filología, la antropología, la sicología, la sociología, etc… de la violencia simbólica incesante que supone haber sido educada como mujer. La segunda cita fue en el Montseny, en Cataluña, donde las carpas del CIRC CRIC acogieron un Festival Internacional de Payasas que nacía con toda la intención de dar continuidad a aquel Festival internacional de Payasas que bajo la dirección artística de Pepa Plana se celebró en Andorra entre los años 2001 y 2009. Como el ave Fénix este encuentro pudo renacer de sus cenizas, gracias al impulso y la colaboración entre Tortell Poltrona y Montserrat Trias del CIRC CRIC y Mar Ortega y Macarena Gonzalez de la Sala Almazen (El Raval - Barcelona), responsables entre otras magníficas iniciativas de la programación Very Important Women destinada a visibilidad el trabajo de las mujeres creadoras. Y por supuesto gracias a las sesenta payasas, algunas consagradas y de gran prestigio internacional, de trece nacionalidades diferentes, que aceptamos participar en el Festival para visibilizar nuestro trabajo como creadoras y reivindicar el humor en femenino.

El pistoletazo de salida tuvo lugar con una conferencia de la brasileña Alice Viveiros sobre los orígenes históricos de la profesión. A lo largo del Festival locas excéntricas hicieron las delicias de diferentes públicos: Merche Ochoa, deliró con una antivedette de cabaret, la veterana Nola Rae, maestra de maestras, presentó un número de poseía visual de técnica depurada y de conmovedora profundidad. La australiana Amelia Cadwallader, creó una gran complicidad con el público en un número de aros rebosante de comicidad. La inmensa Cristi Garbo mostró cómo el chocolate puede convertirse en la mejor amiga de una mujer, mientras que Lluna Albert seducía a un espectador en un delirante cortejo de escucha magistral. La brasileña Aline Moreno se puso de parto y la magnífica austriaca Anna de Lirium (Tanjia Simma) nos deleitó con un delirante número cómico musical. Ana Serzo, Tona y Xicana acompañaron con extraordinaria sensibilidad el número de magia del mago Macmon y Marta de Marte trajo su personal mirada sobre lo cómico. También tomaron parte entre otras Nuria Urioz (Valencia) y la italiana Francesca Martello. Esther Carrizo y Blanca Inés d´Uhartean y Cirquet Confetti animaron el espacio exterior como Las Polis (Marta Sitjà y Fanny Giraud) que hicieron las delicias fuera de la carpa de todo tipo de públicos en una parodia genial sobre la incompetencia de la autoridad competente. Mar y Maracarena de Almazen presentaron el Open clown y ¡Qué placer volver a disfrutar de Las Gallegas! (Lola y Coral), incombustibles, ácidas y cada vez más maduras en el desarrollo de su excentricidad. Hubo también propuestas mixtas como la desarrollada por el primer espectáculo conjunto de Pepa Plana y Toti Toronell. También el trío de Las Bellotas presentó un delicioso número coral de diálogos ingeniosos y trepidantes. La parte reflexiva se completó con la exposición de Caroline Dream, autora del libro ‘El payaso que hay en tí’. Y por supuesto la increíble Marceline Khan, de los Excéntricos, que intervino con una gran sensibilidad y palabras muy acertadas sobre el oficio desde una perspectiva de género. Las Folklóricas Anónimas animaron el festival con un desparpajo inagotable y las maquilladoras de la compañía Passerell pintaron los rostros a gente grande y menuda. Intervino Miss Dolly de Francia y Benjamien Eugene. La gala del

septiembre sábado a la noche fue presentada por la multitalentosa Alba Serraute y contó con la participación de Marta Carbayo, Fanny Giraud o una servidora, entre otras y fue una vivencia increíble. Incluso Tortell Poltrona se travistió de Mary Sempere e intervino en una deliciosa parodia. El sábado a la noche Karol Green de Sudafrica nos puso a vibrar a todas con su particular universo sonoro. Todo un trance. Y el domingo por la mañana tuvimos una gala magnífica para todas las edades presentada por las talentosas payasas de Decopivolta y tuvimos ocasión de disfrutar entre otras a la Cía Passerell o las Imperfectes clowns. La tercera cita fue en Valencia en el III Encuentro solidario de Payasas con la A. La Trobada solidaria de dones pallases, organizada por la Casa de la Dona, es ya una cita ineludible para el pensamiento y la acción crítica feminista en clave de humor; en la que las actuaciones de las payasas proponen “cuestionar roles y estereotipos y afirmar un espacio de denuncia de la violencia que se ejerce contra las mujeres y el retroceso de sus derechos”. Payasas con la A es una apuesta real por la creación de un humor feminista y transgresor para reivindicar los derechos de las mujeres y denunciar las violencias patriarcales que se agudizan en estos tiempos y que son denunciadas por el movimiento feminista. La tercera Trobada Solidaria, comenzó con el espectáculo de teatro de calle Una poción fantabulosa, de Las Clownrurales. La gran gala solidaria del encuentro estatal empezó una hora después con una decena de microespectáculos que tuve el placer de presentar con mi hermana de sangre y de narices, Rakel Imaz. Un honor y un placer. En la muestra participaron con un derroche de

talento, Decopivolta Teatre, Sandralia Clownmaleónica, Batamantis clown, el master class de flamenco de Esférica, Las Enclownadas, Kankaneo Teatro, Les Ovulines, Cía Madamdarina y Las Kapritxosas. Al día siguiente, se celebró una manifestación pasacalles que partió de la Casa de la Dona y disfrutamos también de una sesión golfa a cargo de Las XL, tan cómicas como transgresoras. Desde una perspectiva general puedo apreciar que no sólo cada vez hay más payasas. También creo que las que resistimos vamos salvando obstáculos internos y externos propios de nuestra construcción como mujeres. Nuestras voces son cada vez más propias. Nuestras búsquedas más genuinas. Ya no todas las payasas jugamos que buscamos al príncipe azul. Y cuando lo hacemos salimos cada vez más de los estereotipos. No hay límites para los temas ni para los tratamientos creativos, desde el cambio climático hasta la violencia en el parto, desde la muerte al culto al cuerpo, desde la orientación sexual hasta la denuncia de los estereotipos sexistas en los medios de comunicación… Estamos dispuestas a reírnos de nosotras mismas en cualquier ámbito y a través de habilidades y talentos muy diferentes. Ver y gozar de todas estas búsquedas me llena de emoción. Mil gracias hermanas. Mil gracias compañeras… Hasta ahora, hasta siempre. Que se oiga en todas partes: las payasas hemos llegado a los diferentes espacios públicos de lo estético y hemos venido para quedarnos. Esther Carrizo se ocupó de recoger durante dos días las opiniones de varias payasas asistentes al Festival Internacional y de redactar un manifiesto que suscribo con toda mi alma:

Yo soy mujer y manifiesto que hay una payasa que me habita. Lo manifiesto para hacerlo evidente, para que se vea y se perciba con claridad. Yo deseo que la payasa que me habita se exprese. Mi deseo conlleva responsabilidad. Así pues asumo la responsabilidad de ser visible. De crear espacios que permitan esa visibilidad. Espacios mentales, emocionales y físicos que me permitan desarrollarme y crecer. Este Festival Internacional de Payasas es una opción hecha realidad. Pone luz y nos permite brillar. En este camino estoy acompañada. Somos multitud. Así pues asumimos la responsabilidad de crear redes para el encuentro, la inspiración, la renovación, la confianza, el debate… Nos expresamos desde lo que somos y visualizamos lo que queremos conseguir con lo que estamos haciendo. Si el humor es referencial, nosotras queremos ser referente. Caminamos para seguir dignificando este bello oficio que transforma todo lo que toca. Amamos reír en femenino, gozamos del placer que nos mueve. Tenemos muchas herramientas para asumir estos retos: la paciencia, la capacidad de supervivencia, el cuidado, el coraje, la belleza, la capacidad de reírnos de nosotras mismas… Y sobre todo hay algo para lo que la naturaleza nos ha dotado y es la capacidad de dar a luz. Vamos pues a parir a las payasas que queremos ver en el mundo. Vamos pues a parir a las payasas que queremos sean visibles en el mundo.

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14 septiembre 50 Años de Odin Teatret

El día que un pueblo asistió al entierro de su propia historia

entenares de invitados, amigos, estudiosos, colaboradores, editores, periodistas, gestores, eso que en la mitología teatral se llama “el pueblo secreto del Odin”, nos concentramos en Holstebro durante cuarenta y ocho intensas horas para celebrar los primeros cincuenta años de vida de esta compañía que en medio siglo de existencia ha creado tanto pensamiento sobre el propio hecho teatral, la interpretación, la concepción del teatro, su relación con la sociedad, que por ese motivo ya tiene un lugar preeminente en la Historia de la Cultura Teatral Universal. Y lo importante es que esa investigación y trasvase de la misma a la escena, su difusión y diseminación, se ha basado en el análisis de la propia praxis, por lo que sus documentos, libros, tratados, manuales, diccionarios surgidos de Eugenio Barba o sus compañeros de vida teatral, son útiles, asimilables, ayudan a formar un modelo de organización de los materiales esenciales desde el que cada cual pueda emprender su camino hacia la creación. Muchos creen que el Odin Teatret es un modelo estético, una fórmula para hacer teatro, que se basa en el entrenamiento y en la reiteración de conceptos, y algunos estamos convencidos de que lo que han hecho en estos cincuenta años, es difundir unas dudas, compartir unos logros, buscar un poco más 78

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allá de lo obvio para comprender de manera integral qué es el teatro. Qué es el actor, el arte de actuar, los porqués de esa necesidad que anida en numerosos individuos por convertir su cuerpo en transmisor de voces, signos, discursos o sensaciones que intenten explicar la misma esencialidad de la vida, de la existencia, de lo que las artes escénicas tienen de elemento antropológico no unívoco, no perteneciente a ninguna corriente predominante, sino que abarca, a casi todas las culturas, a toda la humanidad. Otra cosa es lo que se ha hecho con todo ello, su codificación, su comercialización, convirtiendo el rito en un comercio. Uno viajó a Holstebro días después de tener el privilegio de hacer un acto de comunicación en el TAC de Valladolid donde se les homenajeaba por este cincuentenario, y en un foro de recién creación estuve de acompañante necesario de Eugenio Barba para hablar de su visión del teatro, de su idea del Odin Teatret. Por ello ver todo lo que se formó en la localidad danesa, como colofón al Festuche, una actividad que realiza el Odin, una fiesta cultural básica, se convirtió en una confirmación de la importancia de estas gentes, de estos fundadores unos y continuadores otros, de un proyecto de vida, cultural, teatral, que indudablemente ahora mismo transciende a cualquier anecdotario, a cualquier acto estadístico, por haber entra-

do en los anales de la historia de la cultura, siendo, probablemente el núcleo de creación teatral que más documentos, más trabajo de investigación, más profundo y más abierto haya legado a todos cuantos se interesen por este concepto de teatro laboratorio, de teatro más allá del sistema productivo al uso, que busca en la verdad de la actuación su vinculación, casi ancestral, con los otros, con los públicos, con la sociedad. Un compromiso ético, que deviene en una estética no dogmática, y que nos deja ver unas políticas, unos discursos que se retroalimentan con las realidades que viven y su posicionamiento ante ellas. Quizás no venga a cuento tanto discurso, que lo importante hubiera sido hacer un relato de los acontecimientos, de los pasacalles, de las actuaciones de varias orquestas de jóvenes músicos de varias culturas, de los espectáculos al aire libre en un parque de la ciudad, en uno de esos días mágicos del norte de Europa en donde el sol parece querer convertirse en un acompañamiento de esa fiesta, de esa celebración compartida por los invitados, pero sobre todo, por los conciudadanos de Holstebro. Comprobar cómo uno de los grupos más viajeros, que más días al año están por todo el mundo mostrando sus investigaciones, sus metodologías prácticas, sus ideas, sus espectáculos, se metaboliza y es admirado en su lugar de residencia,

septiembre adonde acudieron por el empecinamiento de un alcalde que comprendió del valor de la cultura para un pueblo agrícola e industrioso. Hace cincuenta años fue un acontecimiento local, con sus polémicas, incomprensiones y detractores. Cincuenta años después es un acontecimiento mundial, universal que refuerza la idea de asentamiento, de lugar de irradiación de una energía transformadora. Desde un punto geográfico, un punto de apoyo alcanzar el infinito. Pero decía que fue un reencuentro de algunos de los trashumantes miembros del pueblo secreto del Odin. Llegaron de todas las partes, venían con sus mochilas cargadas de vivencias, de recuerdos de hace décadas o con los ojos todavía llenos de imágenes de hace unos meses o acaso semanas. Un encuentro en una fase de conciencia de formar parte de algo más. Reconocimientos, vínculos entre unos y otros, descubrimientos. Unas horas intensas para algunos corazones que ya acumulan muchas emociones, que se contraponían a una savia nueva, a unos nuevos integrantes de ese pueblo secreto, refulgentes, energizantes, capaces de organizar movimientos de cien-

tos de artistas, o de capturar la voluntad de los cientos de invitados para despedirse en una cena campestre, inenarrable, musical, creativa, rompedora, que fue la culminación de un proceso, de un gran montaje, de un paseo por el amor y el recuerdo, por la muerte, por la memoria activa y activada. Todo cambia, todo se mueve, todo se transforma. Vimos un espectáculo recopilación en el jardín de la sede, mientras en un nuevo escenario, una familia india hacía sus ceremonias, sus trabajos iniciáticos para la danza, la mística de la representación, de la música, del movimiento. Eso quedó como figura de fondo, como música incidental,

mientras se hacían escenas de obras, se transformaban los elementos, y de repente apareció un enorme hueco en el suelo de donde había salido la tierra que sirvió de escenario a esas acciones, y de repente, como enloquecidos los miembros del Odin con sus colaboradores, empezaron a tirar dentro del agujero, la gran tumba, el sarcófago sagrado partes de escenografías, atrezzo, vestuario de obras. Los asistentes no sabíamos dónde mirar, nos entristecimos algunos, se soltaron lágrimas. Y en ese rito los obreros empezaron a remover la tierra y se empezó a enterrar esa historia, parte de esos cincuenta años de gloria, de trabajo, de sudores, de esperanzas de objetivos cumplidos. Y la rabia, las lágrimas se empezaron a convertir en pensamiento positivo, en complicidad con el acto. Allí, de la tierra, puede resurgir algo más, puede llegar una nueva epifanía. Y el futuro no debe ser solamente una recreación del pasado. Una lección más del Odin. Y se colocaron unos columpios y a los minutos dos niños se columpiaban. No se podía pedir mejor metáfora. Larga Vida al Odin Teatret.

Carlos Gil Zamora

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14 septiembre

Recuerdo en diferido del paso por importantes citas teatrales

as circunstancias obligan. La precariedad en la que nos movemos crea disfunciones que van acumulando olvidos. Nosotros acudimos a ferias, festivales y posteriormente hacemos crónicas de los eventos. No damos abasto, no tenemos espacio, debemos primar la información. Recuperamos algunas notas. La Fira de Titelles de Lleida cumplió veinticinco años. Han conseguido superar el duelo y mantienen un nivel espléndido en sus ofertas. La ciudad les sigue, los profesionales se encuentran y reconocen, el ambiente es productivo y amable. Estuvimos en el Festival Internacional de Teatro de Palco e Rua de Belo Horizonte, con nuevo equipo directivo que demostró las ganas de restaurar el valor de este encuentro, de su conexión con la realidad teatral local ya que es de titularidad municipal. Asistimos a dos inauguraciones de salas reformadas. Hubo un componente de debate y creación de un circuito, porque existe una necesidad en todos los lugares de saber qué se hace y por qué se hace. Vimos espectáculos en barrios y nos im-

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presionó la respuesta del público popular. Salimos con una grata impresión. En Leioa, nuestra querida Umore Azoka, la Feria de artes de calle que se ha consolidado de manera angular en el sistema de producción vasco, estatal y en gran parte del internacional. De sus programaciones salen muchos de los espectáculos que cubrirán las necesidades de festivales, fiestas patronales y programaciones ocasionales de los próximos meses. Este año el clima respetó el organigrama. Los espacios donde se ofrecen los trabajos van consolidándose. La distribución mejora. Los estrenos se suceden. Nos

quedamos siempre con dos o tres destellos, algunos premiados, otros simplemente celebrados por los profesionales o el público. Rudo de Manuel Alcántara, lo último de Kukai, el boceto de Marcos Vargas y Chloe Brulé. No se tome como acta notarial, sino como recuerdos expresados con el tamiz del tiempo. En Valladolid, además del ya mencionada encuentro con Eugenio Barba, de presenciar después de muchos años la creación de Roberta Carreri en Salt, nos queda muy grabado en nuestro álbum de momentos importantes del coraje teatral, la actuación de Teatro del Silencio de Mauricio Celedón, que cayendo una auténtica tormenta, tuvieron la gallardía profesional, de no suspender, simplemente eliminar alguna de las escenas circenses de máximo peligro, pero ofrecer la grandiosa mirada sobre Meyerhold de Doctor Dapertutto. Resaltar de la estructura del festival, la innovación de un Foro, una parte académica, que le dota de mayor enjundia, ya que lo que está claro es que el festival, sus espectáculos reciben el calor de la ciudadanía de manera masiva. De Valladolid al FITEI de Oporto, en la primera edición después de su crisis interna

septiembre

con la dimisión del presidente y director artístico, y la necesidad de ejecución de este año, de transición, con todos los problemas económicos que sufre este imprescindible festival, en su edición ordinaria número treinta y siete que solamente por respeto histórico debería ser protegido por las instituciones locales, regionales y estatales portuguesas. Se mantiene el espíritu, y participamos en una mesa-debate sobre el futuro de este festival. Se habló con cierta claridad. Los problemas internos se agudizan con la ignorancia externa. Deben refundarse y reinventarse. De nuevo en Almada, un festival internacional que parece justo lo contrario: la cohesión interna y el espíritu fundacional de Joaquim Benite está presente, aumentado. Saben buscar los resortes para hacer una programación colaborativa, y se puede considerar uno de los grandes festivales generalistas del verano europeo. Vimos el espectáculo inaugural, Orquídeas de Pipo Delbono. Mantiene su parte de debate, con un homenaje a Luis Miguel Cintra. Todo cuanto sucede está bien armado, parten de una idea que se defiende con una buenísima programación. Nuestro periplo acaba en Miami, en su XXIX edición del Festival Internacional de Teatro Hispano. Un lugar de referencia. Y de nuevo comprobamos como la fidelidad a la idea motora, que en ocasiones se puede parecer a una tozudez, hace que se solventen todos los problemas económicos estructurales o sobrevenidos. Tienen un esquema claro: un país invitado, en esta ocasión Argentina, y todo pivota sobre sus autores, directores, creaciones. El homenajeado era Eduardo Pavlovski, que debido a su delicada salud no pudo viajar, y fue Jorge Dubatti quien nos trajo un vídeo grabado con un mensaje del maestro. Festival con su componente educativo, cuya conferencia principal fue de Dubatti y nos explicó su actitud ante el hecho teatral desde la perspectiva de la investigación y la crítica. Una maravillosa y bien estructurada comunicación. Nos fuimos directamente de la sala a tomar el avión de vuelta con las imágenes de El loco y la camisa, escrita y dirigida por Nelson Valente, fantástico trabajo, de un pulso escénico gradual, denso, unas interpretaciones que van progresando hasta lo sublime, en ese naturalismo reformulado que tantas veces vemos en las propuestas argentinas. Una curiosidad fue un bello texto del dramaturgo argentino Santiago Serrano, en portugués, Dinossauros, a cargo de los brasilienses de Grupo Cena, un delicado ejercicio actoral, sutilmente dirigido por Guilherme Reis. Y a Albanta Teatro, con Cádiz en mi corazón, una historia que se explica en su subtítulo, ‘Postales de un viaje imposible’, del cubano Abel González Melo, dirigida por Pepe Bable, en un dispositivo emocional y espacial que requiere mucha carne interpretativa del equipo actoral. Abrió el festival una versión musical de Calígula, firmada por Pepe Cibrián Campoy, también director y Ángel Mahler, obra estrenada durante la última etapa de la dictadura militar argentina y que inauguró una manera propia de producir este género teatral. Barroca puesta en escena, con una indudable impronta de energía en todo el elenco que destaca por su capacidad para el musical. Nos encontramos de nuevo con Arizona de Juan Carlos Rubio a cargo de los mexicanos de Teatro de Babel con dirección de Ignacio García. Pudimos ver tres lecturas dramatizadas a cargo de los alumnos de Teatro Prometeo, La conducta de la vida de María Irene Fornés, Volvió una noche de Eduardo Rovner y Querido san Antonio de Patricia Suárez. Asistimos a un ensayo de Años difíciles de Roberto Cossa, la obra del grupo anfitrión, Teatro Avante dirigida por Mario Ernesto Sánchez. Nos cundió el tiempo. Muchas gracias.

Carlos Gil w w w. a r t e z b l a i . c o m