Artez200

14 octubre Carlos Gil Zamora

Esta es nuestra más clara demagogia: hemos llegado a al número 200

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a verdad es que asusta. Poder confeccionar el número 200 de ARTEZ tiene su miga. Se puede ver desde la parte euforizante, la del deber cumplido, también la de las ilusiones convertidas en realidades, pero en estos momento simplemente me viene a la cabeza que son doscientas facturas de imprenta. Doscientas facturas de envíos. Como ven me sale mi parte más poética.

Porque ver en la hemeroteca los doscientos números, de los cuales soy directamente responsable de ciento noventa y dos, aunque desde el primero apareciera mi firma informando u opinando sobre teatro, provoca un cúmulo de sensaciones, las imágenes de aquellos primeros meses, en Elorrio, en un lugar inverosímil para que existiera una redacción, donde no podíamos, literalmente, ni ponernos de pie por su escasa altura hasta nuestro actual local de Bilbao, en donde, por desgracia, hoy en día, sobra espacio porque como todo ente vivo nació, creció, se desarrolló, se peleó, dio un estirón, se estabilizó y empezó su adelgazamiento que parece haberse parado. Parece. Esto no es ciencia.

Desde los que la iniciaron con unas intenciones localistas hasta hoy, muchas personas han dejado parte de su vida en ella. Podríamos hacer hasta una cuenta de cuantos directores generales hemos sufrido.

ARTEZ es todavía una realidad, pero además de esta revista, todo lo que se ha generado a su alrededor, desde su misma existencia, como gran madraza de una editorial de textos dramáticos, de un periódico digital sobre las Artes Escénicas, que nació como Portal y fue pionero, hasta la Librería Yorick, sin olvidarnos de un premio Internacional de Investigación que es una de nuestras actividades más queridas y, por cierto, prestigiada internacionalmente porque hemos tenido la suerte

de premiar y editar libros en estas siete ediciones que con el paso de los años se han hecho imprescindibles.

No nos vamos a quejar, pero tampoco estamos para muchas celebraciones. Lo hecho, hecho está. Lo que nos queda por hacer depende tanto de las pocas ilusiones que nos han dejado estos años de trabajar bajo mínimos, como de los impulsos externos y la conciencia y compromiso internos que no nos dejan irnos del todo, como cualquier asesor financiero o sicólogo nos recomendaría. El cuerpo pide tregua, pero la coyuntura nos dice que debemos aguantar hasta el último suspiro. Y el último suspiro quizás no sea solamente otro frenazo económico, sino un nuevo gesto despreciativo de alguna entidad, institución o asociación. De las personas esperamos lo que esperamos. Nada más.

No podemos malgastar doscientas editoriales, en cosas menores.

No vamos a estar pelando doscientos pagos de la seguridad social más contra una situación estancada, empobrecida, en la que parecemos estorbar o que se nos consiente vivir como una especie a conservar en un zoológico. No, no será el ahogo económico el que nos impida seguir, sino el cansancio, la falta de motivación, la sensación de formar pare de un pasado que nunca volverá.

Lo hemos dicho varias veces, pero si mañana decidimos cerrar, algunos lo celebrarán. Brindarán con su propia hiel, su envidia y su incapacidad para aceptar que algunos intenten ser independientes, libres, por encima de todo para poder ejercer mejor su función. Tenemos enemigos propios, sobrevenidos y quienes se dan importancia intentando ser nuestros enemigos. A esos los despreciamos olímpicamente. Nos cuesta mucho alimentar a nuestros enemigos de cabecera, a

Número: 200 - año 18 · Octubre 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com

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Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

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Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El lado oscuro – Jaume Colomer Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be El método griego – María Chatziemmanoui

Estrenos 10 - 11 El principio de Arquímedes de Josep Maroa Miró i Corominas por Maskarada 12 Arren ganbara eta Emeen sotoa de Luis Riaza por Atx Teatroa 14 La calma mágica de Alfredo Sanzol por Tanttaka Teatroa - CDN

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Festivales

índice

los que merece enfrentarse, como para atender a los oportunistas.

Lo peor de todo no serán los amigos tibios que nos darán palmadas en la espalda mientras lamentan en las redes la desaparición de una revista de teatro, que harán sus manifiestos sentidos con rango de obituario. Lo peor son los indiferentes, los que ni siquiera saben que hemos realizado doscientas portadas, con información puntual, con crónicas universales y opiniones solventes de intelectuales de las artes escénicas del mundo entero. Esos, que probablemente sustentarán cargos o serán directoras famosas o actores premiados, son los que hacen daño a toda la profesión. Los que viven solamente en su mundo, infectados hasta la médula del “virus del égola”, siempre manteniendo sus relaciones peligrosas y oportunistas con los poderosos circunstanciales.

Asumimos sin tapujos nuestra realidad. Somos un milagro en este contexto. Nos creemos útiles, sabemos que debemos mejorar. Bueno, quizás con no empeorar más, ya valdría de momento. Y mientras tengamos un poco de aliento, motivaciones y compromisos adquiridos, seguiremos. Seguro que cambiaremos algo, debemos cambiar. Y a fecha de hoy si esta maravillosa rutina de los doscientos números de ARTEZ nos parece tan importante como terminal, la edición de libros empieza a darnos satisfacciones y la del periódico digital www.artezblai.com, funciona con una repercusión suficientemente considerable en toda la Comunidad Iberoamericana de las Artes Escénicas.

Las cifras son importantes, pero es necesario mantener cada día abiertos todos lo canales de información, la redacción, maquetación, administración, distribución y el mundo ha cambiado. Y mucho. Y no siempre para mejor. Vemos que han nacido decenas de revistas digitales. ¿Es el futuro o ya el pasado? ARTEZ se puede consultar desde el año 2011 en la web, pero si no apareciera en papel, ¿no sería la renuncia final? No seamos agoreros.

Lo que más se ha deteriorado en estos años es el concepto de periodismo, de información. Hoy copiamos y pegamos, reproducimos, no elaboramos. Servimos de canal pero hay demasiados canales superpuestos. No quedan nada claras la delimitaciones. Las redes sociales en las que estamos, utilizamos y de las que nos nutrimos son un cambio sustancial, pero puede que nos sea para mejor, sino para mayor confusión.

Celebramos con todos cuantos han pasado por ARTEZ desde el número uno hasta este doscientos y les agradecemos a todos su colaboración, desempeño de funciones, inspiración, apoyo y solidaridad.

Sin los que arrancaron el número uno, no hubiéramos llegado hasta aquí. Sin aquellos que apostaron en los momentos más incipientes tampoco. Ha cambiado mucho el panorama, pero aquí seguimos, intentando encontrar la menor excusa para seguir pagando facturas de imprenta, nóminas. Sin más aspiraciones que la de seguir sirviendo a las artes escénicas. Con ellas hemos crecido. A algunos les habremos ayudado en su caminar, a otros les habremos dado nuevas pistas.

No creemos que hayamos sido decisivos para que nadie abandone, no hemos frecuentado lo negativo. La crítica sí. En ocasiones feroz contras las instituciones y en ocasiones, las personas al frente de las mismas. Esta es nuestra demagogia: 200 números.

Opinión

16 - 19 XVI BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao 20 - 21 XV Dantzaldia 22 - 23 XXXIX Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz 24 - 25 XXXII Jornadas de Teatro de Getxo 26 - 27 XIV Danza Xixón 28 - 29 XXXIII Festival Internacional de Títeres de Bilbao / Muestra Int. de Títeres de Bergara 30 XXII FIOT - Fest. Int. de Outono de Teatro de Carballo 32 XXV Festival de Teatro de Santurtzi 34 II iber_ae 51 17a Fira Mediterrània de Manresa 52 XIV Fest. Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro / Les Translatines 54 Miscelánea de festivales

Suplemento 35 - 50 Festival Iberoamericano de Cádiz

En gira 56 - 58 Teatro de Calle en las fiestas del Pilar de Zaragoza 60 - 64 Resto de programaciones

Zona abierta 66 - 67 78 79 80 - 81

Mercartes FeLiT - Salón del Libro Teatral Escaparate Crónicas de: - Cena Contemporânea de Brasila - FiraTàrrega

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14 octubre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

Juan Mayorga.

Obras completas (hasta ayer)

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n octubre de 1996 publiqué “El teatro de fin de milenio en España (de 1975 hasta hoy)” libro en el que dedicaba el último capítulo a “La generación que nace en torno al premio Marqués de Bradomín”. El 6º apartado de este capítulo se titulaba “Las imágenes dialécticas y las estatuas de ceniza de Juan Mayorga”. Su obra “Siete hombres buenos” –sobre el exilio– había sido accésit al Premio Marqués de Bradomín de 1989; había publicado y estrenado “Más ceniza” en 1990… Su gran obra “Jardín quemado”, una de sus grandes obras, todavía hoy sin estrenar, había sido programada para la temporada 1996-1997 en el María Guerrero, pero la programación se alteró tras las elecciones de 1996.

Luego, un mes más tarde, en Alicante, varios compañeros me dijeron con sorpresa para mí, frases como “o sea que tú apuestas por Mayorga”… Afortunadamente, el tiempo me ha dado la razón y Juan Mayorga triunfa en nuestros escenarios y en muchos escenarios del mundo y está traducido a muchísimos idiomas. Aunque nunca ha llegado a estrenarse “Jardín Quemado”.

Hablo de Mayorga porque lo más estimulante desde el punto de vista del teatro que me ha sucedido este pasado mes de agosto, ha sido mirar, admirar y releer algunos fragmentos y algunas obras recientes que no conocía todavía, del volumen muy bien editado el pasado mayo por Ediciones La uÑa RoTa en su colección Libros Robados “Juan Mayorga. Teatro 1989-2014”, con ilustraciones de Daniel Montero y un prólogo de Claire Spooner que vale la pena leer. Nos recuerda, entre tantas cosas, que es licenciado en Matemáticas y doctor en Filosofía, la importancia que da a la imaginación del espectador/lector, sus combates dialécticos escenificados, sus mapas contra el olvido… Y un consejo encubierto firmado por Mayorga en el que cuenta cómo su padre leía en voz alta, “lo que puede impulsar la afición a la escritura y a la lectura”.

En una entrevista reciente afirmaba “Los textos que más aprecio son Camino del cielo (que acaba de estrenarse en Londres, en el Royal Court), Hamelin y El jardín quemado” (que nunca ha llegado a escena). De “El jardín quemado” Mayorga dice que nace de una noticia que leyó en un periódico hace muchos años en el que se decía que se encontraron fichas de un psiquiátrico en una isla española pero que además esos archivos mostraban que había habido un número sorprendentemente alto de ingresos en la Guerra Civil y yo pensé: “para qué se ingresa a alguien durante una guerra, ¿para salvarle de la cárcel o para castigarle con algo peor que la muerte?” Para él, el teatro es siempre político pero no

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quiere que sus obras se conviertan en sermones, quiere formular preguntas que el espectador pueda responder.

Mayorga cree que antes de entregar una palabra a la comunidad teatral, un autor debería preguntarse si esa palabra no es redundante. Si contribuye a la representación del mundo. Si sirve para que los hombres amplíen su experiencia del mundo.

En este magnífico libro, de la obras que no habían sido publicadas todavía, tenemos “Angelus Novus”, sobre la enfermedad, la infancia… Entre sus últimas obras está “La lengua en pedazos”, Premio Nacional de Literatura Dramática 2013, fascinante texto protagonizado por Teresa y el Inquisidor… ¿Qué elementos aparecen con constancia en Mayorga? Entre otros diría yo que el mapa, los niños, las relaciones entre arte y poder… Entre los temas que más frecuenta hay un misticismo que le lleva a la historia reciente de los países del Este, el exterminio judío, los ghettos, la ideología y la religión que nos pueden dominar. Entre sus constantes está el mapa, en “El cartógrafo” referida a Varsovia donde “los cartógrafos pagaban sus errores con la vida (…) No somos polacos no somos judíos, no somos alemanes… ¿Qué ciudad no tiene sus heridas, sus sombras?” (pag 613) dice en “Los yugoslavos”, estrenada en Belgrado en 2013.

La última obra que aparece en este rico volumen es ”Reijavik” inédita hoy. Es una partida de ajedrez entre Waterloo y el Muchacho. Es una obra críptica y compleja pero muy teatral en la que el ajedrez es imagen de la vida y de la guerra Las jugadas son la metáfora que lucha entre dos mundos, desde Reijavik, a la misma distancia de la URSS y de los EEUU. Para Mayorga, el teatro, la filosofía y la política son mundos superpuestos. “La filosofía y el arte tienen como misión decir la verdad. Lo que no significa que posean la verdad y sepan expresarla, sino que la verdad es su horizonte”. Como la filosofía, el arte desvela la realidad, la hace visible. “Sófocles en Antígona o Calderón en La vida es sueño fueron capaces de mostrar las contradicciones de su tiempo gracias a la escena”.

“Antes de entregar una palabra a la comunidad teatral, un autor debería preguntarse si esa palabra no es redundante. Si contribuye a la representación del mundo. Si sirve para que los hombres amplíen su experiencia del mundo. El teatro es, junto a las otras artes, el gran archivo.(…). Un arca de Noé de la experiencia humana. Más allá de cualquier diferencia temática o formal, lo que tiene en común el gran teatro de todos los tiempos es que, de él, el espectador ha salido siempre más rico en experiencia.“

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Desde la caverna

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David Ladra

Sé de un lugar

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i inicio de temporada teatral no ha podido ser más estimulante. Convocado a primeros de septiembre por la Cuarta Pared, tuve la grata oportunidad de asistir a la reposición de Sé de un lugar, la pieza escrita y dirigida por Iván Morales (Barcelona, 1979) que, tras un paseo triunfal por todos los escenarios en los que viene dándose desde hace tres años, volvió por tres semanas a la programación de dicha sala. Por de pronto habrá que convenir que, aunque proceda de esa capital del teatro español que es Barcelona, el montaje se adapta a las mil maravillas a la entidad del marco en el que se presentó en Madrid en el pasado mes de abril, como si fuera una muestra más –en este caso, deslumbrante– de ese teatro de la ciudad que estamos acostumbrados a ver en la sala de la calle Ercilla: dos humanos contemporáneos nuestros, varón el uno y la otra mujer, se debaten en un mar de dudas y de sentimientos abortados buscando inútilmente un punto de encuentro que, navegando al pairo de las vicisitudes de la época, no hace más que cambiar de lugar. La vigencia de este tema eterno en el tiempo actual viene oportunamente subrayada por la proximidad del argumento a nuestras preocupaciones de hoy en día y el ingenio y la modernidad de la puesta en escena de Morales. Y es que parte del público asistente, delegado como en un coro griego por el que se acomoda en la grada, comparte el escenario con los protagonistas y a veces –idea estupendísima– toma parte en la acción como para darnos a entender que, a su vez, los actores ejercen de portavoces suyos y no hacen más que interpretar sus propios dilemas y temores.

Así, Bérénice y Simó se convierten en representantes acreditados de esa joven audiencia que ha de llenar la sala tras la presentación.

Como le ocurre a un nutrido porcentaje de sus miembros, ambos fueron pareja pero ya no lo son. Y no saben qué hacer con su futuro.

Béré podría seguir estudiando, trabajar en la tienda de su familia o convertirse en pinchadiscos “punk”, pero prefiere dilapidar su tiempo en encuentros y viajes de alta tensión erótica. Simó, a medio camino entre el cómic y la filosofía, pretende hacerse cargo de toda la miseria de este mundo y se encierra en su casa, penitente, conectado tan solo con la calle por un hindú que le hace los recados.

Como no podría ser de otra manera –si no, no habría ni un apunte de drama en la comedia para despertar nuestra empatía– no pueden vivir el uno sin el otro y la trama se va construyendo poco a poco a partir del relato de las visitas que efectúa Béré de cuando en cuando a la casa-refugio de Simó. Resumiendo, dos ovejas perdidas que vagan sin rumbo por el mundo y tan solo se reconocen al conjuro de una vieja canción, Sé de un lugar del grupo Triana, que puso fondo musical a su primer encuentro. Con la aparición de la lírica, la comedia se vuelve pelín sentimental –sobre todo, cuando la canción suena a tope al final– pero el autor consigue mantener ese delicado equilibrio que es necesario para no caer en la sensiblería y perder ese contacto privilegiado con el público que, a pesar del calor que hace en la sala, sigue la peripecia fascinado. A esa comunión de las almas contribuye determinantemente el trabajo de los actores, Anna Alarcón y Xavi Sáez, que se funden con sus personajes hasta identificarse con ellos en una simbiosis total: Anna es Béré y Béré es Anna; Simó es Xavi y Xavi es Simó. Así perdurarán en el recuerdo.

Tras pasar tan buen rato en el teatro, lo que, visto lo visto, ya es muy de agradecer, viene aquello que tanto nos gusta señalar a los críticos para rematar una reseña cuando no tenemos gran cosa que decir, y que consiste en resaltar, con cierto tonillo trascendente, que “el público abandona la sala pensando en lo que acaba de presenciar”. Y sin embargo, en el caso de Sé de un lugar, daría la impresión de que esta reflexión al salir no cuaja plenamente del todo. Aquí, el tratamiento se aplica de inmediato en la sala y se pincha directamente en vena. O por decirlo más brutalmente todavía, no habría nada que pensar a posteriori porque, al igual que la vida alienada que vivimos, todo se queda en puro síntoma y carece de contenido alguno del que hablar. Una característica, o más bien epidemia que, según la leyenda centralista, afectaría muy notablemente a la llamada “escuela de Barcelona”, ese teatro “del hueco y del vacío” que inicia su arremetida inaugural con las primeras piezas de Sergi Belbel, se implanta allí definitivamente con la obra completa de Lluïsa Cunillé y hoy se propaga sin control con esa nueva generación de autores que incluye nombres tan notables como los de Jordi Casanovas, Pau Miró, Pere Riera, Albert Espinosa, Marc Rosich, Marta Buchaca, Helena Tornero y tantos más… Recogiendo papeles, me encontré el otro día con unas declaraciones de un autor tan ligado a la escena de la ciudad condal como el argentino Javier Daulte que parecían avalar tal diagnóstico: “Los contenidos rara vez me han importado. Me importan los géneros y llegar al público, emocionarle, divertirle, sacudirle. En una palabra: entretenerle”. Y proseguía: “Durante demasiado tiempo, la gente del teatro no ha tenido en cuenta al público y se ha amparado en lo que llamaban, pomposamente, teatro de ideas. Yo creo que el teatro no debe transmitir ideas, sino inventarlas”.

De tomar dichas declaraciones al pie de la letra, el teatro se convertiría en un “constructo” autoportante que no haría más que entretener al público como un juego de malabares indiferente a la realidad y a los pensamientos que nos inspira ésta. Pero despojadas las palabras de Daulte de esa connotación un tanto de boutade o de provocación que tienen, se habrían de leer, no como una vuelta a la ya manida cuestión sobre la obsolescencia y falta de eficacia del teatro “de tesis”, la obra expresamente “comprometida” o el drama social en nuestros tiempos posmodernos arrasados por un capitalismo salvaje que todo lo adultera e invade, sino como la aparición de una nueva tendencia del teatro actual que evita el comentario explícito sobre la coyuntura, desconfía de “lo real” entendiendo que se manipula de continuo y se retrotrae en sí mismo creando un universo propio mediante la imaginación y la elipsis. Una tendencia que nace en la Gran Bretaña con Pinter y su sucesor Martin Crimp y se continúa en el continente con autores como el alemán Falk Richter, el sueco Lars Norén, el noruego Jon Fosse, nuestro Alfredo Sanzol o los componentes de la Escuela de Barcelona de los que acabamos de hablar. Pero que no por intentar encontrar un lugar al sol lejos de las tinieblas que nos rodean es menos reivindicativa ni deja de emanar de la propia experiencia de los autores en su lucha diaria por la vida su compromiso con la realidad. Y es que, ¿si no hubiese un barrio del Raval en Barcelona o de Lavapiés en Madrid, cómo podrían existir Béré y Simó? w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre Maskarada estrena ‘El principio de Arquímedes’

Hecho o rumor y su difusión en las redes sociales Esta obra de Josep Maria Miró i Coromina obtuvo el Premi Born de Teatre 2011

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l Teatro Arriaga de Bilbao acoge el estreno tanto en euskara (los días 29 y 30 de octubre) como en castellano (31 de octubre y 1 y 2 de noviembre) de Arkimedesen printzipioa / El principio de Arquímides obra del dramaturgo y director catalán Josep Maria Miró i Coromina que subirá a los escenarios bajo la dirección de Carlos Panera en una producción de Maskarada.

Galardonada con el Premi Born de Teatre 2011, premio convocado por el Cercle Artistic de Ciutadella, Menorca, este certamen tiene como característica que además del premio en metálico la obra ganadora es publicada en las cuatro lenguas oficiales del estado que en el caso de la traducción a 10

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euskara y de su publicación se ha encargado la editorial Artezblai desde 2007 y de la de castellano desde 2011. Esta producción que se estrena en el teatro bilbaino, se ha servido de ambas traducciones realizada al castellano por Eva Vallines y a euskara por Iñaki Ziarrusta ya que el original está escrito en catalán y ya fue estrenado bajo la dirección del propio Miró en una coproducción del Festival Grec, la Sala Beckett y Verins Escènics en julio de 2012 en la sala Beckett de Barcelona en el marco del Festival Grec.

Hecho real, o no

“Josep Maria Miró construye en esta obra dentro del ámbito clorado de una piscina

municipal –parábola perfecta de nuestra sociedad aséptica hasta el exceso–, una historia a partir de un hecho que no sabemos si es real o no: una niña cuenta a sus padres que ha visto cómo un entrenador le daba un beso en la boca a uno de sus compañeros. ¿Se trata de un beso inocente en la mejilla, como no se cansa de repetir el entrenador, o había realmente una intención morbosa?”. Así presenta Laurent Gallardo, encargado del prólogo de la edición de Artezblai esta obra que será interpretada en castellano por Javier Pereira, Lola Baldrich, Álvar Gordejuela y Gorka Minguez y en euskara por Eneko Sagardoy, Tessa Andonegi, Xabier Ortuzar y Aitor Fernandino. Y es que en la producción que dirige Carlos Panera

octubre el punto de partida de la obra “es un hecho que no sabemos si es real o falso” lo que es cierto es que a partir del hecho detallado por Gallardo “las redes sociales hierven y se convierten en el elemento ineludible para la propagación de una noticia que se torna en escándalo y que, por otro lado, nadie puede constatar”.

En la obra de Miró, “los hechos son presentados bajo dos lecturas completamente antinómicas entre sí, que permanecen inmutables a lo largo de toda la obra, de manera que es el espectador quien ha de resolver en última instancia el difícil dilema (...) una constante creativa de Josep Maria Miró: el espectador es empujado a tomar una posición, se le solicita que participe en el debate social que plantea la obra” apunta Gallardo.

A partir de esta posibilidad que explica Gallardo, la propuesta de Maskarada “proporciona la oportunidad de percibir el suceso desde la perspectiva y el ángulo de cada personaje: su protagonista, la directora del centro, compañeros, padres… ¿Pero cuál es nuestra opinión? ¿Es cierto el comentario o se está fraguando una auténtica calumnia? La psicosis social que nos rodea nos conduce a dejar nuestra elección al aire mostrando también cómo el temor y la violencia pueden desatarse a partir un simple rumor. En este sentido, el papel actual de las redes sociales siempre omnipresente y que vienen propiciando un sinfín de situaciones problemáticas, es abordado de forma crítica” señalan desde Maskarada.

Gallardo va más allá si cabe y afirma que “el problema planteado por la obra no es

tan sólo saber si el entrenador es culpable o inocente, ya que no hay ningún indicio textual objetivo (...); se trata también, y sobre todo, de preguntarse qué modelo de sociedad se está imponiendo en Occidente. ¿Preferimos vivir en un mundo donde todavía se permita un gesto de ternura hacia un niño, aunque así quede margen para los abusos, o preferimos una sociedad con seguridad blindada que imponga el control de los individuos para prevenir cualquier riesgo? Éste es el verdadero dilema al que

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se enfrentan las sociedades occidentales”, para añadir que en El principio de Arquímedes “la opinión pública acaba condenando al entrenado no por lo que ha hecho, sino por lo que habría podido hacer”.

Tras el estreno en Bilbao, Maskarada presentará la versión en euskara el 7 de noviembre en Azpeitia y el 23 en Durango mientras que la versión en castellano viajará hasta Sevilla, para subir al escenario del Teatro Quintero los días 12, 13 y 14 de diciembre.

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14 octubre Atx Teatroa estrena ‘Arren ganbara eta Emeen sotoa’

La espiral del poder sin esperanza ni fin

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a compañía vasca Atx Teatroa estrenará el próximo 17 de octubre en Errekalde Udal Aretoa de Bilbao el que será su tercer trabajo tras ‘Gabriel Gabrielle’ y ‘Gnosia’ bajo el título Arren ganbara eta Emeen sotoa, adaptación en euskera del texto ‘El desván de los machos y el sótano de las hembras’ de Luis Riaza, uno de los autores emblemáticos del nuevo teatro español, y en especial del período de fines del régimen franquista y la transición democrática, vinculado con el movimiento simbolista aunque nunca ha figurado entre los iniciadores.

Iñaki Ziarrusta, uno de los fundadores de la compañía y responsable de la adaptación y dirección de esta pieza, destaca el barroquismo del texto que hace muy difícil su comprensión y precisamente por ello, han optado por una adaptación severa, buscando salvaguardar la esencia del texto y haciendo que llegue directamente a las tripas del espectador, prescindiendo de todo elemento superfluo. Ziarrusta señala que “el trabajo físico de los actores, y no el texto, será el que soporta ese barroquismo, trabajando en una línea de extra coti12

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dianidad, es decir, de expresividad forzada, rozando lo grotesco”. Para la construcción de los personajes hacen uso del símil del dibujo animado, sus movimientos, sonidos, elasticidad, formas de andar etcétera. Y en consonancia con la idea de aligerar y facilitar su puesta en escena, han optado por un planteamiento dramático fundamentalmente visual. tragicómico

La distopía, o lo que viene a significar una sociedad ficticia indeseable en si misma, término antónimo de utopía o una utopía negativa, es uno de los ejes o puntos de partida del trabajo de Atx Teatroa.

Se apoyan en este término para crear un mundo feo, asqueroso y cruel como a los que han dando forma en las dos anteriores propuestas al igual que en Arren ganbara eta Emeen sotoa, aunque en palabras de Ziarrusta, “en este último montaje la comicidad está ganando terreno a toda esa decadencia” que bien podrían decir que están dando forma a una propuesta tragicómica.

El elenco está compuesto por Iosu Flo-

rentino, Eñaut Gantxegi, Marina Aparicio y Eneko Sagardoy, equipo artístico que da vida a los machos que habitan el desván, un mundo de machos creado por machos, por otro lado la hembra, un error, concebido en un desdichado día. Por tanto, Arriba dueños y señores, abajo cadenas y revolución. Ambas habitaciones se encuentran incomunicadas. La temática entorno a la que se va desarrollando esta historia de extremos tiene que ver con lo mecanismos que tiene el poder para mantenerse en el poder. No se vislumbra ninguna esperanza, actúa como una fuerza mayor, un ser supremo que todo lo controla y dirige. Ese abuso de poder reflejado en la educación machista recibida por generaciones provocando una fuerte discriminación entre los géneros, como el que se percibe en la historia que tiene de trasfondo este montaje en el que el depravado hijo educado con mentiras de macho y machismo extremo, ahogará de un modo fortuito cualquier esperanza de cambio. Todos caerán en la trampa del teatro y el poder dejará al descubierto cuales son sus mecanismos para su propia perpetuación.

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14 octubre Tanttaka Teatroa estrena ‘La calma mágica / Barealdi magikoa’

Búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida

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lfredo Sanzol es el autor y director de La calma mágica nuevo espectáculo de Tanttaka Teatroa que en coproducción con el Centro Dramático Nacional se estrena el 23 de octubre en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid y estará en cartel hasta el 9 de noviembre. En la misma sala y los días 1 y 2 de noviembre tendrá lugar también el estreno de la versión en euskara, Barealdi magikoa de cuya traducción se ha encargado el reconocido escritor Harkaitz Cano; ambas funciones se realizarán en colaboración con el Instituto Vasco Etxepare y con sobretítulos en castellano.

Oliver, un hombre que quiere cambiar de vida es invitado –durante una entrevista de trabajo– por su futura jefa a unos hongos alucinógenos que le llevan a ver que en el futuro un cliente le grabará con el teléfono móvil dando cabezadas, dormido delante de su ordenador y a pesar de que le rogará que borre ese vídeo el cliente se negará... Así comienza La calma mágica / Barealdi magikoa un espectáculo que en palabras de su autor y director habla “de la búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida”.

La historia de este espectáculo es “un viaje iniciático que nos va a llevar a África,

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a los elefantes rosas, al amor, a la obsesión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los manantiales

de los que surge el agua de la vida” explica Alfredo Sanzol para añadir que La calma mágica “está dedicada a mi padre, al deseo de poder volver a hablar con él, y al rechazo de que las personas se vayan para siempre. También al placer de recordar historias como esta: Cuando mi padre vivió en Tejas se hizo amigo de una pareja de rancheros que habían perdido a un hijo recientemente. El chico tenía más o menos la misma edad de mi padre y se le parecía muchísimo. Se le parecía tanto que los rancheros le hicieron la siguiente oferta: Si

se quedaba a vivir con ellos, le dejarían el rancho en herencia”.

Emociones y recuerdos se cruzan con la imaginación y los sueños en esta nueva obra del autor de espectáculos como la trilogía formada por ‘Risas y destrucción’, ‘Sí, pero no lo soy’, ‘Días estupendos’ o ‘Delicadas’, ‘En la luna’ y ‘Aventura!’ Sobre su último trabajo Sanzol afirma además: “Creo que a mis personajes les pasa lo mismo que al personaje de Mishima y “a medida que transcurre el tiempo, los sueños y la realidad llegan a tener el mismo valor entre los recuerdos. Todo lo que ha sucedido en la realidad se mezcla con lo que pudo suceder. Y, como la realidad deja rápidamente el espacio a los sueños, el pasado se parece cada vez más al futuro”.

En lo que al equipo artístico se refiere Tanttaka Teatroa ha contado con Iñaki Salvador –música–, Alejandro Andújar –escenografía y atrezzo–, Xabier Lozano –iluminación– y Ana Turrillas –vestuario–.

El elenco de intérpretes está formado por Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia en ambas versiones y Sandra Ferrús, Iñaki Rikarte y Aitor Mazo en castellano e Itziar Ituño, Jose Kruz Gurrutxaga y Martxelo Rubio en euskara.

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14 octubre BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

Protagonismo del teatro documento y la creación vasca Del 22 de octubre al 4 de noviembre se celebra una nueva edición del BAD, Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao que organiza el Área de Cultura y Educación del Ayuntamiento de la ciudad con una programación en la que destaca la nueva creación vasca y una mayor presencia de compañías internacionales. Este año, a los escenarios habituales del festival, La Fundición, La Merced, Bilborock, BilbaoArte, la Sala Rekalde, Muelle 3, el auditorio del Museo Guggenheim, el Polideportivo de Deusto y el Teatro Arriaga se suma la plaza del Arriaga, donde tendrá lugar la inauguración

con la pieza de calle de danza contemporánea Carnaval de la Cia. Cielo Raso que dirige Igor Calonge. Una veintena de espectáculos conforman la programación, siete de ellos estrenos absolutos, algunos, coproducciones del festival. Espectáculos de compañías internaciones presentados por vez primera en Euskadi con la colaboración de Pablo Fidalgo, una master classs con Pippo Delbono, el taller intensivo de Macarena Recuerda, una mesa redonda organizada por ADDE, y la proyección de video creaciones en colaboración con el festival ZINEBI conforman la amplia y variada oferta de este año.

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a compañía Khea Ziater estrena en el BAD su tercer trabajo Not never on time, que al igual que los anteriores, ‘La canción de Gloria’ y ‘Satisfaktion’ –galardonado con el premio para la creación de teatro de pequeño formato de Donostia Kultura en 2013–, esta obra que dirige Alex Gerediaga se basa en la búsqueda de códigos de relación entre el teatro y el arte cinematográfico, tanto en el plano estético como en el narrativo y comparten a su vez una temática común, lo que las personas piensan y sienten. “La base argumental de esta nueva obra cavila entorno al que según Albert Camus en su libro ‘El mito de Sísifo’ sería el único problema filosófico realmente serio: el suicidio” explica Gerediaga. A partir de esta premisa Khea Ziater va tejiendo un trabajo que reflexiona sobre esta cuestión tan existencial ¿La vida vale o no vale la pena de ser vivida?, ¿Cuáles son las razones por las que queremos vivir? el diálogo del personaje que encarna la actriz Arrate Etxebarria intenta buscar esas razones que son el motor del proyecto. En escena un dormitorio, un espacio para la soledad y último rincón para la vida. Tras su estreno, el espectáculo estará el 31 de octubre en Durango, y los días 7 y 14 de noviembre en Amorebieta-Etxano y Gernika-Lumo respectivamente.

Salto es la nueva propuesta escénica de Metrokoadroka creada junto con J.B. Pe16

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Not never on time de Khea Ziater

dradas, con texto de Oier Guillan, dirigida por Pako Revueltas, interpretada por Javi Barandiaran y de cuya estética se ha encargado Idoia Beratarbide. En un espacio cerrado un personaje conversa con seis cabezas de maniquíes y tiene una única obsesión: saltar es lo único que me diferencia de los muertos. Un monólogo poético lleno de humor en el que se percibe a ratos al actor que está tras el personaje pues entra y sale continuamente del mismo para interaccionar con el público. Humor absurdo, un juego entre diversos códigos escénicos,

una extraña forma de impresionar, de emocionarse. Una invitación a que el público busque su propio salto.

Horman Poster presenta el espectáculo de danza-performance Magia sinpatikoa, un encuentro entre seres humanos, semihumanos y super-humanos en la historia.

La idea de esta creación escénica surgió de las “conversaciones sobre la semejanza, diferencia, la migración, el postcolonialismo y todas las historias que nos han contado” entre Mbaye Sene y los miembros de la compañía. De ahí llegan a los escenarios una si-

octubre mio convertida en guerrilla girl, un chaman que cruzó Melilla en avión y un Pierrot en busca de su sensibilidad romántica en la pintura del s. XIX. “¿Descendemos del mono o ascendemos de los ángeles? Pierrot, arquetipo europeo de sensibilidad desmesurada e ilusa ¿no fue su mano la que prendió el fuego del gran colonialismo europeo?”

Bi-hots es el título de la pieza de danza que estrenan Naiara Mendioroz y Javier Murugarren, un estudio de traducción, una investigación de danza y sonido a través de la txalaparta (instrumento de madera y patrimonio vasco) y el hang (mecanismo de metal que se utiliza como un instrumento solista definido por sus creadores suizos como una revolución silenciosa). Esta obra es también “un estudio que yuxtapone la tradición sonora de diferentes géneros y épocas en busca de nuevas armonías y nuevos espacios de creación; es una escucha al espacio que hay entre un golpe y el siguiente, es un estudio sobre la atención del cuerpo en la escucha del vacío, es una sucesión de intervalos sonoros, una orquesta afinando los instru-

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der mejor y explicarse porqué está donde está. Pero el Cielo, que nunca desaparece y que nos sobrevive a todos, observa sorprendido, desde arriba, nuestra saturación de modelos y referencias. Y, aún creyendo elegir lo mejor, las mismas historias se repiten una y otra vez. Ya sea montados a caballo con una túnica blanca, o con un chándal viajando en un avión de RyanAir. Y el Cielo ríe, Salto de Metrokoadroka porque, de alguna forma, esta es la historia trágica de las personas”.

Estreno y coproducción es también Algo mentos antes de empezar, una opera, un valioso se agota espectáculo integrado en irrintzi, silencio, un sonido, un cuerpo, dos el proyecto de formación/creación ‘En esta sonidos, dos cuerpos”. parte esquinada de la península’ que ha conCOPRODUCCIONES sistido en aprender a crear un objeto creándolo. Cláudia Dias cuenta con la participación Estrenos son también las coproducciode Sofía Asencio, Laida Azkona, Idurre Azkue, nes del festival con las coreógrafas y baiGiulia Ferrato, Sandra Gómez, Loida Gómez, larinas Olatz de Andrés y Cláudia Dias.

Itsaso Iribarren, Ángela Millano, Matxalen de La primera presenta con la colaboración de Pedro, Idoia Zabaleta, Carolina Campos, DaEl conde de Torrefiel El cielo ahora en la niel Pizamiglio y Luciana Chieregati para esta que indaga en la poca importancia que la obra en la que se ha trabajado, a lo largo Historia provoca y que conlleva que el padel proceso creativo, con las fechas, el acto sado importe anecdóticamente. “Según el de fechar o fechado y todo aquello que las siglo, cada uno de nosotros se ha contado fechas transportan consigo: inscripción, evoa sí mismo su propia historia para entencación, pasado, presente, futuro, números,

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14 octubre historias individuales, acontecimientos colectivos, memoria.

Y por vez primera en Bizkaia se podrá ver Cuarteto del Alba, obra escrita por Carlos Gil que sube a los escenarios a cargo de Laurentzi Producciones, en coproducción con el BAD y bajo la dirección de Lander Iglesias. Cuatro entes escénicos interpretados por Valery Tellechea, Maiken Beitia, Ricardo Moya y Gotzon Sanchez se convierten en una voz coral que va describiendo una generación que se proyecta en el presente como una plataforma hacia el futuro.

Otra coproducción del festival, Domestica de Sleepwalk Collective es la culminación de ‘Lost In The Funhouse’, una trilogía de piezas escénicas acerca de “el placer y el aburrimiento en esta adolescente década del siglo 21”.

Esta tercera obra centra su atención en dos conceptos, el “arte elevado” y la “obra maestra”, acercándose a estas formas con la misma irreverencia desenfadada con la que han explorado los conceptos de cultura popular y entretenimiento masivo – ‘El Entretenimiento’ (2012) y ‘Karaoke ‘(2013).

En palabras de sus creadores Sammy Metcalfe y las intérpretes Iara Solano, Malla Sofia Pessi y Gloria March esta obra es en realidad “un proyecto acerca de cómo podemos encontrar un sentido de gracia e intimidad en un mundo altamente tecnológico que escapa cada vez más rápido de nuestro control, una pieza semi-autobiográfica y semi-fantástica que trata de reimaginar el mundo como algo fresco y nuevo y brillante y extraño”.

Gabino Rodríguez ©Natxo Ponce

INTERNACIONAL

Dentro del programa internacional del BAD se estrena El futuro empezó ayer de del argentino Marco Canale espectáculo de teatro autobiográfico con el que se completan las coproducciones del festival. Canale parte del viaje que le ha llevado por motivos familiares a su Buenos Aires natal “donde tantas cosas volaron por el aire y creo es también una obra sobre el amor, algo en lo que casi no había pensado”. En la carta titulada “Sin amor nada tiene sentido”, la primera de una correspondencia que ha mantenido junto a Gabino Rodríguez (director del grupo mexicano de teatro Lagartijas tiradas al sol), sobre los procesos creativos que ambos presentarán en BAD, el creador 18

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Racconti di Giugno de Pippo Delbono

argentino habla de su relación con su familia, sus vivencias en Guatemala, su activismo político y social... y las consecuencias que han tenido en su vida y afirma que “Hay que ir más atrás, más hacia adentro. Es lo que nos queda y no es poco. Es la vida, a fin de cuentas. La vida frente a nuestro ego, la dificultad de todo lo que implica mirarnos sin el refugio de las grandes palabras. La posibilidad de encontrarnos sin certezas, las preguntas que no se responden en blanco y negro. La muerte que no aparece como algo lejano sino como algo que está ahí. El amor, que como me dijo un día Fer, es un acto de desnudez. Y sin amor nada vale la pena.

No es que me haya hecho un hippie que piense que el amor todo lo cambia. Pero sin amor, nada tiene sentido. La destrucción y la construcción no son lo mismo”.

Y es que el espectáculo que estrena Canale se enmarca dentro de una programación internacional centrada en el teatro documental y biográfico seleccionado por la organización del festival junto con Pablo Fidalgo. Es el caso de Racconti di Giugno de Pippo Delbono, una de las figuras más importantes del teatro contemporáneo italiano. Delbono –que también impartirá una master class–, una obra a medio camino entre la confidencia y la conferencia en la que repasa su vida –personal y profesional– y comparte con el público su búsqueda existencial y teatral ofreciendo un testimonio excepcional sobre el arte de vivir. Una obra apasionada e intensa contada en primera persona.

Otra figura internacional, el coreógrafo y bailarín francés Jérôme Bel, uno de los representantes más destacados e influyentes de la renovación de la danza contemporánea presenta Cedric Andrieux un solo para el bailarín que da nombre a la obra. Andrieux hace un repaso a su propia trayectoria; su formación como bailarín en Brest y París, como miembro de la compañía de danza de Merce Cunningham en Nueva York y en el ballet de la Ópera de Lyon.

Un cuarto unipersonal, la obra que presenta la compañía mexicana Lagartijas tiradas al sol, Montserrat, creada e interpretada por Gabino Rodríguez. “Este proyecto parte de la inquietud de saber quién fue la mujer que me dio la vida. Hoy, de ella, no

tengo más que algunos destellos que no logran formar un recuerdo” explica Rodríguez y añade que “Sé que se llamaba Maria Montserrat Gerardina Lines Molina. Sé que nació en Costa Rica, de padre Catalán y madre costarricense. Sé que tuvo una sola hermana: Nuria. Sé que vino a vivir a México.

Sé que fue antropóloga. Sé que tuvo un solo hijo. Sé que desapareció hace más de 20 años. No sé mucho más”.

Con la performance documental Tras las huellas de La mesa verde: Una introducción de la coreógrafa, bailarina e investigadora en danza Olga Soto, considerada una de las precursoras de un movimiento de investigación y recuperación de la memoria de la danza del siglo XX completa el programa internacional.

RESTO DE PROGRAMACIÓN

El último espectáculo de Playground, Monstruos /objeto de objeto es una creación de Xavier Bobés que también se en-

belleza cruda del superhombre. Y a medida que la misión transforma el ser en monstruo, el eco de los actos también cambia la mirada de los que presencian el experimento, creando una complicidad de la que todos son partícipes, espectadores y manipulador.

Dos espectáculos de aforo limitado, Sergei de Ruemaniak, una instalación coreográfica que sumerge al público en un viaje, entendido éste desde múltiples aspectos y That´s the story of my life de Macarena Recuerda Sheperd, una autobiografía audiovisual narrada con la técnica stop-motion de animación de objetos. Recuerda impartirá además un taller intensivo titulado ‘Cuéntame en imágenes’.

La pieza de danza Can´t de Igor Monstruos /objeto de objeto de Playground ©Jordi Bover Urzelai, la performance Échale la culpa I-II-III de Maria Villot y la percarga de su dirección e interpretación. La formance audiovisual Carmen Shakespeare: maquinaria dramatúrgica de la obra parte Acto 1 de Olga Mesa y Francisco Ruiz de del hipnotismo y la magia, la rutina y el Infante completan la programación de esta adiestramiento, la voluntad y la ambición. edición junto con la proyección de video A partir de esta mezcla el poder se nutre creaciones en colaboración con el festival paso a paso en busca de la perfección, de la ZINEBI.

14 octubre XV Dantzaldia

Tiempo de la mejor danza Carolyn Carlson, Tomàs Aragay, Idoia Zabaleta, Rocío Molina y Daniel Abreu, ilustres invitados al 15 aniversario de Dantzaldia

ASMED-Balleto di Sardegna

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stamos en tiempo de la danza, tiempo de Dantzaldia, el festival que organiza anualmente La Fundición y que permite trasladar a otros espacios y posibilidades el bagaje de la sala situada en el barrio de Deusto, salpicando a la ciudad de Bilbao con esa sensibilidad por la danza contemporánea.

No en vano, este año la Sala Rekalde, el Palacio Euskalduna, el Atrio del Museo Guggenheim y Alhóndiga Bilbao componen, junto a la propia Fundición, los puntos de interés geográfico de esta cartografía de “miradas singulares, miradas plurales”, usando las mismas palabras con las que la organización describe esta edición y que se refieren a la multiplicidad de los puntos de vista: las vueltas de tuerca (en el estilo), las raíces (en la técnica), la investigación (en 20

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el espacio), el clasicismo (en la forma), la deconstrucción (en el vocabulario físico), la ironía (en el lenguaje oral), la provocación (en el tema)...

Inaugurada durante los últimos días de septiembre con la representación de ‘Hooked’ a cargo de la formación vasca Lasala que dirige Judith Argomaniz, Dantzaldia se extenderá hasta finales de año, hasta el 19 de diciembre concretamente, y con una mayor concentración de actividades en los meses de noviembre y diciembre. De hecho, octubre acogerá una única representación, el día 5 en La Fundición, a cargo de ASMED-Balleto di Sardegna, compañía comandada por el sardo –formado y afincado en Londres– Moreno Solinas, a quien las personas más aficionadas a la danza contemporánea conocerán por proyectos como

Bloom Dance Collective o Igor&Moreno, compartido con el vasco Igor Urzelai con quien ya estuvo presente en la sala bilbaína con motivo del estreno de ‘diot-sincrasy’.

Su propuesta, Aragosta se inspira en la figura de Elsa Schiaparelli, pionera genial y anticonformista de la moda de los años 30, reflexionando de manera simbólica sobre la forma original en que la diseñadora se acercaba a las artes figurativas y a la vida misma, siempre revolucionando esquemas.

Ya en noviembre, el 9, regresa también a Bilbao y a un festival en el que ya ha participado en anteriores ediciones, Rocío Molina, en esta ocasión cargada de Afectos y en compañía de Rosario ‘La Tremendita’ al cante y a la guitarra y Pablo Martín al contrabajo y loops. Del encuentro entre Rocío Molina y La Tremendita nace una reflexión

octubre basada en la lucha del ser y en la capacidad de hallar la sencillez, la naturalidad y la confianza a través de la existencia.

La obra expone su propia investigación para llegar a conceptos como la imperfección, que de algún modo puede llegar a ser perfecta. Ahondar en la dureza de la emoción, en la fragilidad del dolor y en el placer hallado.

De la unión nace también la siguiente propuesta que podrá verse a los pocos días de la anterior, el 13. Titulado La naturaleza y su temblor, es un trabajo conjunto entre la formación catalana Societat Doctor Alonso y Moaré, en torno al cual se reúnen nombres como Tomàs Aragay, Sofia Asencio, Idoia Zabaleta y el artista visual Chus Domínguez con el objetivo de cuestionar y reflexionar sobre las veladuras a través de las cuales se reproduce y multiplica la visibilidad, la representación y se consumen la información y la experiencia hoy en día. El resultado es un site-specific, un paseo por la ciudad que nos invita a sentir que de alguna forma el temblor que palpita debajo de las apariencias es aquel que da sentido a nuestra existencia, la llena de matices y permite que la vida no sea solo un rasguño superficial.

El Animal de Daniel Abreu acude nuevamente a la llamada de La Fundición para

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sencia nada menos que de Carolyn Carlson y recientemente emancipada del CCN de Roubaix Nord-Pas de Calais, al que ha estado ligada durante casi una década.

En Bilbao se podrá ver una triple propuesta compuesta por un dúo y dos solos, tres historias cortas Short Stories, impregnadas por su idea de la danza y el gesto poético. Se trata de piezas en las que fluye la inspiración de las filosofías orientales, el Tao en “Li”, el budismo zen en “Mandala” y un elemento como el agua en “Inmersión”, el solo en Animal de Daniel Abreu el que podremos ver a la propia coreógrafa como presentar el día 20 esta obra creada al amuna Dama del Agua ofreciendo al público paro del programa europeo Modul Dance. una fascinante visión de danza arrastrada ‘Animal’ es un trabajo coreográfico para por la fuerza de este elemento de la nacinco intérpretes, que se presenta en una turaleza. atmósfera onírica para hablar de la neceY así se llega al cierre de esta edición, un sidad y el deseo; un discurrir de cuadros final abierto al tratarse de la presentación y escenas superpuestas de las respuestas de una obra en la que se encuentra actualfísicas emocionales, de las situaciones límimente trabajando Iratxe Ansa, El sonido que hacen los cuerpos en la quietud, una tes y el instinto en el lado más cotidiano de investigación a partir de la máscara más los días. Danza en la que, una vez más en pequeña del mundo: la nariz roja. Se podrá la obra del coreógrafo tinerfeño, la palabra ver en La Fundición el día 19 de diciembre, tiene gran presencia, en esta ocasión en al día siguiente del taller que la propia Iratxe los textos escritor por Marina Wainer.

Ansa ofrecerá como parte de las actividades Plato fuerte paralelas a esta edición de Dantzaldia y que incluyen, también talleres de mediación con Diciembre acogerá el plato fuerte de nuevos públicos o un ciclo de cine sobre las esta edición de Dantzaldia con la precoreógrafas del siglo XX.

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14 octubre XXXIX Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz

De todo el mundo para todo el mundo La nueva edición del Festival de Vitoria-Gasteiz comienza a andar de la mano Wajdi Mouawad, Andrés Lima, Aurelia y Victoria ThierréeChaplin, Marcel Gros y Marta Carrasco

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on un ojo ya puesto en el año que viene, cuando se cumplan cuarenta ediciones, el Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz que organiza el Ayuntamiento de la ciudad afronta sus treinta y todos con veterana lozanía, de esa que da tablas suficientes para conectar con personas de diferentes edades, gustos e intereses. Desde el 4 de octubre al 30 de noviembre desplegará en la capital alavesa, en su Teatro Principal y los auditorios de los Centros Cívicos –Teatro Félix Petite, Federico García Lorca e Jesús Ibáñez de Matauco- además de la Sala Baratza y espacios no convencionales, toda una batería de actividades a partir del pistoletazo de salida; sonoro, a buen seguro por su protagonista: Wajdi Mouawad.

El reconocido autor de ‘Incendies’ –cuya versión cinematográfica ganó un Oscar–, ‘Ciels’ y ‘Litoral’ será el encargado de abrir el programa de representaciones con Seuls, un trabajo que ha escrito, dirigido e interpreta él mismo y que, en una pirueta aún mayor, presta parte de su biografía al personaje al que encarna en escena. Porque Herwan es también un hombre libanés exiliado en Québec, que prepara una tesis sobre esa figura tutelar llamada Robert Lepage (a quien sin duda homenajea en su teatro siempre) encerrado durante una noche en una de las salas del Museo del Hermitage de San Petersburgo. Pero además de protagonizar el espectáculo inaugural, la presencia de Mouawad se completará con un encuentro en el que el dramaturgo ofrecerá su particular visión del universo escénico, una clase maestra para creadores y artistas que contará, asimismo, con 22

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Seuls de Ciels y Litoral ©Thibaut Baron

dos maestros de ceremonias de excepción: el periodista y crítico Javier Vallejo y el también autor y director Alfredo Sanzol, quien en noviembre presenta dentro del festival un trabajo coproducido por el Centro Dramático Nacional y Tanttaka Teatroa, bajo el título de La calma mágica (13 de noviembre) o, en su versión en euskera, Barealdi Magikoa (12 de noviembre).

Sin embargo, a lo largo de mes de octubre que nos ocupa estas líneas, el Festival Internacional de Vitoria-Gasteiz tendrá otros platos fuertes, como sendas versiones de un clásico entre los clásicos: Macbeth de Shakespeare. La compañía La casa de la Por tera (9 y 10 de octubre) saldrá por vez primera del espacio donde ha hecho crecer MBIG –la madrileña pensión de las Pulgas- para instalarse en diversos ambientes del Teatro Principal,

donde se mezclarán con el público para integrarlo en esta propuesta que lleva esta historia de ambición desmedida al mundo empresarial. Otra visión particular de Macbeth es la que ha reescrito Juan Cavestany y que dirige Andrés Lima para que Carmen Machi y Javier Gutiérrez se metan en la piel de la despiadada pareja, Los Mácbez (18 de octubre), ámbito íntimo donde han puesto el acento de la propuesta.

Teatro universal

Grandes títulos del teatro universal se suman a esta fiesta, como Sonata de Otoño (30 de octubre) de Ingmar Bergman, dirigido por el argentino Daniel Veronese, que es ya un clásico en el festival al gustar su estilo despojado de artificios más allá de un

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Murmures des murs

buen texto y una gran interpretación. También se podrá ver El Eunuco de Terencio (11 de octubre) en el montaje creado para su representación en el Festival de Mérida con Pepón Nieto como protagonista, o De profundis, un trabajo en el que la compañía gasteiztarra Or tzai lleva a escena la obra de Oscar Wilde (15 de octubre). También hay lugar para la autoría contemporánea.

Pankreas (15 de octubre) es un nuevo encuentro en las trayectorias de Patxo Telleria, Mikel Martínez, Joseba Apaolaza y Jokin Oregi en torno al teatro concebido y, creado y representado en euskera, hasta el punto que en esta ocasión se han lanzado a la aventura de representarlo en bertsos. Pero la obra es más que eso: es una tragicomedia contemporánea sobre la amistad, la muerte...

Y por si lo narrado hasta ahora fuera poco, este primer mes coinciden en el programa creadoras como la dupla Victoria y Aurelia Thierrée-Chaplin y Mar ta Carrasco. Las primeras regresan tras el buen sabor de boca dejado por ‘El oratorio de

Aurelia’ y lo hacen con Murmures des murs (24 de octubre) que refleja el huir de una mujer por las calles una ciudad, llevado a escena a modo de rompecabezas que poco a poco se ensambla, gracias a la mezcla de ilusión, manipulación, circo y danza. Marta Carrasco, por su parte, se presenta en con B. Flowers (23 de octubre) una personal mirada a las flores, a su ciclo vital, que está irremediablemente ligado al nuestro.

Otras propuestas que también se pueden ver en octubre son la “dramedia romántica” Los miércoles no existen de Producciones Off (17 de octubre), un puzzle escénico que une cine y teatro y, sobre las tablas, a un elenco de jóvenes consagrados como Gorka Otxoa o Daniel Muriel; y en el ámbito del teatro familiar Pantin c’est l’heure del mimo y titiritero Jean-Michel Debarbat (19 de octubre), la propuesta, también de títeres, de Etcétera El sastrecillo valiente (26 de octubre) y Minutos (12 de octubre), una obra del clown y manipulador Marcel Gros y las propuestas de Off Local. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre XXXII Jornadas de Teatro de Getxo

Para todos los públicos pero en especial para el infantil Las Jornadas de Teatro de Getxo presentan como novedad un programa de teatro breve en el que participan diez montajes

Zoozoom de Markeliñe

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a trigésima segunda edición de las Jornadas de Teatro de Getxo se celebra los días 11, 12 y 18 y 19 de octubre con un programa de espectáculos “muy variado y especialmente dirigido a despertar el interés de los más pequeños” tal y como destacan desde el ayuntamiento de la localidad, encargados de su organización, ya que de los nueve montajes programados cinco están dirigidos al público infantil, dos al público familiar o de todas las edades y dos más al público adulto. Como novedad, este año las Jornadas acogen una programación de teatro breve con 10 montajes de una duración máxima de vente minutos que serán representados los días 12 y 19 en los locales del Aula de Cultura de Algorta.

Las Jornadas darán comienzo en la Plaza San Nicolás de Algorta, enclave de los espectáculos de calle de esta edición, con 24

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Carneros de Organik. La compañía dirigida por Natalia Monge se ha inspirado en el enfrentamiento de los machos ovinos –una de las modalidades del deporte rural vasco–, para reflexionar en torno a la diversión que genera la afición a este tipo de exhibiciones.

Helena Golab por su parte también ofrece un espectáculo sin texto en el que se fusiona el teatro y la danza, Pa.Tí.N, en el que se narra el encuentro en el skate park, tras varios años sin verse, de unos amigos que recordarán las palabras de los raps que crearon en su adolescencia siempre pero sin perder en ningún momento el sentido del humor. Dirigidas al público infantil son el resto de propuestas de calle, todas ellas representadas en euskara.

Kiliklon presentan en Getxo la verbena Dj Porru con la que los más pequeños podrán participar en sus divertidas coreografías.

Tomaxen abenturak ofrecen esta vez una

excursión al monte, Mendizaleak, en la que Tomax y Muxugorri contarán y cantarán historias acompañados de los más pequeños.

La veterana compañía Markeliñe propone con Zoozoom un recorrido “bestial” por cuentos populares, referentes del cine y fábulas del inconsciente colectivo. El sonido de una concha marina despierta la magia y los tubos se transforman en gusanos, las planchas en cangrejos y las telas en elefantes. Una historia onírica en la que x puede comer al lobo y los caperucita alimentados por carne humana... Las propuestas dirigidas al público familiar se completan con dos espectáculos de sala que se representarán en la Escuela de Música Andrés Isasi de Las Arenas. Se trata de Sutondoan espectáculo de A-Teatral que parte de la mitología vasca para crear una obra de sombras, color, títeres y música protagonizada por Amalur, los gentiles, las brujas, los duendes... Deabru

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Beltzak por su parte han partido del cuento de August Strindberg ‘Los secretos del secadero de tabaco’ para crear Opera abeslaria, un espectáculo que fusiona la música y teatro y en la que Hannah va narrando la gloria y el ocaso de una gran cantante de ópera; una lúdica propuesta que acerca al público familiar al mundo de la ópera y propone una reflexión sobre la vanidad.

Público adulto

La Escuela de Música Andrés Isasi será también el espacio en el que se pondrán en escena los dos espectáculos dirigidos al público adulto de esta edición, ambos con el humor como protagonista pero en diferentes registros y uno en euskara y otro en castellano. Tras el éxito de ‘Bodologuak’ Mikel Pagadi, Egoitz Lasa y Nagore Aranburu han vuelto a unir sus fuerzas creativas para poner en escena Potologuak que al igual que el anterior se presenta en formato de monólogo en el que los tres intérpretes realizarán un análisis de nuestra sociedad y nuestras relaciones. La propuesta de Txintxeta intentará dar respuesta a preguntas como ¿En qué reunión del Parlamento se decidió que la batucada era vasca? ¿Se encarga el tercer hijo para reciclar la ropa de los dos anteriores? ¿Qué sucede si no vas al médico con la ropa interior limpia? ¿Qué premio Nobel inventó la escobilla del wáter? ¿En lugar de recibir algunos regalos, no es preferible recibir una bofetada? ¿Por qué al cerrar todas las tabernas ponen “Benitoren Erribera”? o ¿Qué culpa tiene el pobre? Esto si, todas ellas tendrán respuesta desde el humor.

El humor es también protagonista en Cabaret Chihuahua “el musical vasco zom-

Cabaret Chihuahua de Pabellón nº6

bi mexicano para tiempos de crisis” tal y como lo presentan desde el Laboratorio teatral Pabellón nº6, encargado de su producción. Con texto y dirección de Felipe Loza e interpretado por Enriqueta Vega, Ylenia Baglietto/Itxaso Quintana, Iñaki Maruri, Quique Gago, Diego Pérez, Irene Bau, Mitxel Santamarina y Ugaitz Alegria, esta propuesta divertida y gamberra es “un grito de alegría jalapeña; una enchilada de risas, baile y canción a pecho partido; un corrido de alegría de vivir que acaba con el aullido feliz del entusiasmo. Es una fiesta para el cerebro sombrío de los días de crisis, y un alivio de rabias contra los estafadores de la macroeconomía y sus

trampas tenebrosas. Celebremos que seguimos vivitos y coleando”.

La historia de este particular cabaret comienza cuando un chico de Durango, pero del Durango de este lado del Atlántico muere en un accidente de coche y al llegar ala vida de ultratumba se encuentra con que ha sido destinado al Cabaret Chihuahua, un local de esparcimiento del inframundo. Y allí dará comienzo el proceso de “catrinización” o esqueletización, la música, el teatro y la fiesta. Humor y diversión con ciertas dosis de crítica de la realidad social... una propuesta gamberra y seria con la que podrá disfrutar el público adulto que se acerque hasta Getxo.

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14 octubre XIV Danza Xixón

La danza actual vista desde muchas perspectivas

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on el claro objetivo de fomentar la creación, producción y la difusión de la danza contemporánea y el espectáculo gestual darán paso a la décimo cuarta edición de Danza Xixón que tendrá lugar entre el 17 y el 30 de octubre.

Al igual que en ediciones anteriores, junto con la exhibición de propuestas, se realizará un programa de seminarios y talleres dirigidos a profesionales que se llevarán a cabo del 18 al 20 de octubre de manos de algunos de los artistas participantes, tales como Asunción Pérez ‘Choni’ que impartirá los dos primeros seminarios ‘Flamenco iniciación’ y ‘Flamenco avanzado’ así como Cesc Gelabert con ‘El enigma del movimiento. Acercamiento a la danza’.

Por último, Mike Ribalta, productor, gestor de proyectos y jefe del área de promoción internacional de FiraTàrrega, impartirá un seminario sobre una de las estrategias más conocidas de presentación de proyectos y modelo de ventas, una herramienta útil y un plus en la formación de los profesionales.

Espacios de interior como alguno de exterior repartidos por toda la ciudad de Gijón serán los escenarios escogidos para acoger las quince propuestas previstas en la presente edición. Uno de los lugares en los que mayor número de montajes se podrán ver será el Centro Cultural Antiguo Instituto donde está prevista la primera de las actuaciones de manos de Choni Cia. Flamenca que dará a conocer Por la gloria de mi mare, su segundo montaje después de ‘Tejidos al Tiempo’, con el que ya mostró un estilo y un universo muy particular, en esta ocasión inspirado en la cultura del café-cantante y el teatro de variedades, mezclando humor, el cante y el baile flamenco más tradicional, la copla, la ironía y grandes dosis de improvisación, compartiendo escenario con el actor Juanjo Macías, la cantaora Alicia Acuña y 26

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El público infantil también podrá disfrutar de montajes idóneos para ellos. Estrellados de Fernando Hurtado, que además se podrá ver su versión de calle y sala. La pieza mezcla la danza contemporánea con las artes circenses, acrobacias y saltimbanquis. En este espectáculo vivimos el resurgir de sus cenizas de un circo que desde la nostalgia y las nieblas del pesimismo alumbra con vertiginoso ritmo una aventura circense en la que una caída abre la posibilidad de una nueva pirueta.

Dirigido a niños y niñas también es el montaje Wangari - La niña árbol de Karlik Danza, montaje que permite al público viajar al corazón de África y que transmite el mensaje que dejó Wangari Maathai, primera mujer africana que obtuvo el Premio Nobel de la Paz en 2004 por su mensaje de Cesc Gelabert V.O. + 3 de Cesc Gelabert perseverancia y entrega al proteger los árboles para garantizar el agua y el alimento para su población. En defiel guitarra Raúl Cantizano. nitiva, esta propuesta se convierte en un La esencia flamenca también la ofrecedulce y mágico mensaje necesario para rán Marcos Vargas y Chloé Brûle a través de dos de sus últimas piezas. Por casualila humanidad. Teatro, danza, educación, dad, obra creada para dos bailarines para medioambiente, cultura, sensibilización. ser representada en lugares singulares, Todo en un solo espectáculo. se escenificará en el Paseo de Begoña y Por su parte la compañía valenciana MaColección privada, montaje de interior, se duixa Teatre llevará a escena la propuesta presenta como una invitación especial para para público familiar Dot, pieza que conjuga la danza, el teatro, la música y las nuevas visitar la galería de baile de la compañía, tecnologías para ofrecer un rompecabezas donde se podrán ver las piezas más preciamágico tomando como punto de partida das de su colección, desde la minimalista a el trabajo del norteamericano Sol Lewitt, la costumbrista, de la clásica a la contemtransformando una pared blanca en un esporánea. pacio lleno de color.

Danza Xixón conjuga un programa ecléctico donde también tendrán cabida veteranos en la escena propuestas de hip hop/break dance como Divenire de Circle of trust y Logela, una Cesc Gelabert además de ofrecer un senueva coproducción escénica dirigida por minario visitará Gijón para presentar Cesc Jordi Vilaseca, con el corazón, centro de las Gelabert V.O. + 3 que incluye el estreno de emociones, como punto de partida para el tres solos que cuentan con la música oridesarrollo metafórico de obra.

octubre ginal de Borja Ramos, vestuario diseñado por Lidia Azzopardi y la interpretación de piezas antiguas revisadas. Un vistazo al pasado desde un presente que mira hacia el futuro. Con esta propuesta Gelabert regresa al núcleo de su creatividad, a la esencia de su movimiento y su presencia Otra compañía de danza contemporánea es Thomas Noone que mostrará su última creación Brutal Love Poems, que se ofrece en un mismo programa junto al duo Watch Me, también de Noone, y SIN de Joan Clevillé. Las tres coreografías comparten como hilo conductor el amor y las relaciones personales, aunque cada una desde una perspectiva distinta. Todo el espectáculo se acompaña de la música creada especialmente por Jim Pinchen.

Dentro de la línea más contemporánea también se encuentra Mónica Cofiño que tras su paso por Danza Xixón el año pasado vuelve con una evolución de la misma propuesta en el que se conjuga danza, música, performance y vídeo, de la que incluso ha variado el título presentándola como CowShow de la XaTa la rifa. La artista asturiana lleva varios años trabajando en esta pieza que califica como “una romería postmoderna” en la que reivindica lo rural con la vaca como leitmotiv. En el proceso creativo ha ido incorporando la colaboración de músicos y artistas plásticos, adaptando la pieza esta ocasión para ser representada en el Museo del Ferrocarril de Gijón.

Por su parte Vortice Dance Company en Your Majesties welcome to the anthropocene propone despertar las conciencias y mover nuestros cuerpos. Sitúan al público ante una crisis de conciencia y ante la im-

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Silencio de Daniel Abreu

potencia humana para borrar las marcas indelebles de los excesos del pasado. Toman como punto de partida el discurso de Barak Obama en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz: “Nuestras acciones importan, y pueden redirigir la historia en la dirección de la justicia”.

Dentro de las piezas de danza contemporánea cabe destacar también la presencia de Daniel Abreu que escenificará Silencio, uno de sus trabajos más maduros y contundentes donde realiza un discurso personal que bebe de sus creaciones anteriores para ir más allá, abriendo puertas a universos secretos de intimidad y soledad.

Desde el otro lado del Atlántico, Uruguay, llega Ballet Nacional SODRE, agrupación instalada en la vertiente neoclásica dirigida por Julio Bocca que escenificará El mesías, creación de Mauricio Wainrot una obra de largo aliento que se desenvuelve

a lo largo de 32 escenas. El coreógrafo ha dotado de un gran dinamismo a su puesta en escena, y lo ha hecho sin renunciar a lo que la música sacra le inspira: momentos de gran exaltación y elevación, junto con momentos de reposo, recogimiento y lirismo. El enfoque plástico se corresponde plenamente con la nitidez y la pureza que la danza exige.

Y por último Proyecto Piloto mostrará Danza para niños kinkis y Zig Zag Danza se encargará de cerrar la programación con Danza al desnudo. La primera, está compuesta por cuatro microhistorias coloristas y surrealistas abordadas desde la música, la danza y las artes visuales. La segunda intenta descubrir al espectador qué es lo que mueve la mente y el cuerpo de un bailarín, cuáles son sus herramientas de trabajo, qué resortes se accionan para construir desde el cuerpo del personaje.

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14 octubre XXXIII Festival Internacional de Títeres de Bilbao

Llegan sus majestades los títeres

L

a vigésima tercera edición del Festival Internacional de Títeres de Bilbao comienza el 16 de octubre con la exposición dedicada a las Técnicas de las marionetas ‘Evolución a través de los tiempos’ que se podrá ver hasta el 14 de noviembre en la Casa de Cultura de Barrainkua. Pero la inauguración oficial del festival tendrá lugar el 17 de octubre con Llumero, coproducción de Factoría Norte y Gaupasa, una propuesta de teatro de calle protagonizada por seres llegados del fondo del mar que se pondrá en escena en el Muelle campa de los ingleses, junto al museo Guggenheim.

El resto de los espectáculos que conforman la programación de esta edición son de sala y dirigidos al público familiar y se pondrán en escena en la Casa de Cultura Barrainkua, Sala Carmen, Pabellón nº6, Harrobia, Biblioteca Bidebarrieta y la sala del Museo Marítimo. Es el caso de El abrigo de Yorick de la compañía Caleidoscopio, un espectáculo de clown, máscaras, muñecos y objetos que narran la historia de dos intrépidos personajes, Yorick y Tubitos.

La compañía Títeres Cascanueces pondrá en escena Ikú y Elegguá una obra basada en una leyenda afrocubana sobre la eterna controversia entre la vida (Elegguá) y la muerte (Ikú), una parábola mitológica y fuente inagotable de reflexión y esperanza y la sabiduría del otro lado del Atlántico llega también de la mano de Zanguango Teatro con Quetzalcoat y el origen del Cacao espectáculo que combina las técnicas de cuenta-cuentos con los títeres de sombra, las marionetas y la música al igual que la obra Max, nor den aurkituko duen herensugea.

Marimba marionetas se ha inspirado 28

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rren bidaia / El viaje de Mur de Behibi´s, el espectáculo eco-galáctico de luz negra Green Planet de Teatre Buffo, Payaso mío, las pequeñas de la compañía argentina Cuatro Vientos, y la versión del cuento clásico Pinocho a cargo de Ultramarinos de Lucas.

Homenajes y más

Como es habitual todos los años el festival homenajea a personas relevantes relacionadas bien con el propio festival bien con el mundo del teatro de títeres y objetos. Este año el festival rinde homenaje al actor bilbaino Álex Angulo, recientemente fallecido con la presentación del cortometraje ‘El huevo de Tristán Boj’ dirigido por Paula Ortiz y producido por el Centro de Documentación de Títeres de Bilbao. El fesEl abrigo de Yorick de la compañía Caleidoscopio tival homenajeará también en ‘El Quijote’ para crear Qui y Jote en la a la titiritera cubana Xiomara Palacios a isla de los piratas, un espectáculo lleno la que otorga el Premio Internacional del de imaginación protagonizado por unos Foro Títeres en Femenino Mariona Maspingüinos piratas con ansia de aventugrau. Palacios inició su trayectoria proferas y la compañía Baran Puppet presensional con el Teatro Nacional de Guiñol en tan Ropa Vieja una obra protagonizada 1963 compañía con la que estrenó más por títeres construidos con ropa vieja y de cien obras y ha actuado como artista objetos reciclados. Los manipuladores invitada en colectivos e instituciones como forman además parte del espectáculo Teatro Pál­pito, Teatro de la Luna, Teatro y construyen los títeres ante el público El Pú­bli­co, El Espacio Teatral Aldaba y el convirtiendo un calcetín en director de Centro Promotor del Humor. orquesta o un colador de cocina en una Además en el marco del festival se van a exótica bailarina árabe. proyectar diversos documentales como ‘El Además de los espectáculos mencioarraigo popular del arte titeril en México’, nados, todos ellos abiertos al público, el ‘Tras el retablo’ de Alina Morante y ‘El titefestival ha organizado una programación llaire’ de Edu Borja. A su vez se ha orgadirigida exclusivamente para escolares cunizado un curso de formación denominado yas funciones tendrán lugar en horario de ‘De la idea al escenario’ impartido por el mañana. Es el caso de los espectáculos Muiraní Hossein Zeinali.

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Títeres para adultos en Bergara

Clown´s Houses de Merlin Puppet Theatre

Del 23 al 26 de octubre tendrá lugar la Muestra Internacional de Títeres de Bergara una cita bienal que cumple su duodécima edición con la participación de nueve compañías venidas desde Italia, Grecia, Catalunya, España y Euskal Herria que propondrán montajes para sala y calle así como la instalación Zenbaki gabe (sin número) que Taun Taun, agrupación que se encarga de la organización de la Muestra, llevará a cabo a lo largo de las

cuatro jornadas. En esa dirección sin número van a crear un espacio, un mundo de recuerdos, de sonidos e imágenes.

Una instalación para recordar y evocar momentos, donde el sonido y la luz juegan con el visitante que además acciona, modifica e interactúa con el espacio creando momentos únicos.

A excepción del sábado 25 que Kontakatilu ofrecerá su propuesta Katilukada al mediodía, el resto de los días las actuaciones comenzarán al anochecer a partir de las siete. La citada compañía vizcaína propone una divertida y entrañable historia protagonizada por un bertsolari frustrado que decide emprender su carrera como titiritero. En la pieza utilizan cinco técnicas diferentes de manipulación que relacionarán con cinco historias distintas.

El día 23 MG Producciones presenta Granujas a todo ritmo, orquesta callejera que se mueve al ritmo de rhythm´n Blues acompañada de dos títeres gigantes. La jornada del 24 comenzará con Cubo libre de los italianos Dromosofista, un delicado caos alrededor de un neutro cubo negro en el que cuatro curiosos personajes dan vida a una espiral de transformismos surreales y poéticos, acompañados por música en vivo. La compañía griega Merlin Puppet Theatre llevará a escena Clown´s Houses, un edificio de cinco pisos con seis personajes centrales. Todos ellos son personajes grotescos comicotrágicos que arrastran la existencia de sus vidas miserables, sin miedo a morir pero con miedo a vivir. El público observa des-

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de un entorno oscuro y claustrofóbico su vida convencional cotidiana. Sus miedos y obsesiones, su soledad. El grupo juega con esas obsesiones para demonizarlas y, finalmente, de la manera más violenta, los castiga, pero también los redime.

Además de Kontakatilu el 25 actuarán Borja Ytuquepintas y Zero en conducta.

Los primeros presentan Arte con arena donde solo con las manos y arena en un cristal el ilustrador Borja González realiza sobre el escenario y proyectadas en una gran pantalla, historias que provocarán todo tipo de emociones en el espectador.

Pasará por diferentes atmósferas solo con un movimiento de sus manos. Allegro ma non troppo de Zero en conducta es un montaje en el que se cobijan varias historias de amor, la de una caricia, las dos caras de un brazo, las peripecias de un flexo para escribirle a su amor iluminado por su propia luz, las vivencias de un misterioso ser que no se ve pero que se deja sentir…

El día 26 contarán con un final de lujo con Pez Limbo que mostrará su pieza Lana, espectáculo de calle sin texto en el que la acción, las imágenes y el espacio sonoro crean la atmósfera que envuelve al espectador en una experiencia que va de la realidad a lo onírico, con una puesta en escena que combina teatro físico y elementos de danza, títeres y trabajo de máscara. Por su parte, Guillem Albá vuelve por segunda vez al festival con Trau espectáculo de humor visual que viaja de la comedia a la poética, pasando por el absurdo y el teatro de títeres.

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14 octubre XXIII FIOT- Festival Internacional de Outono de Teatro en Carballo

Apuesta por la revisión de clásicos y figuras universales

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n esta su 23 edición el FIOT, Festival Internacional de Outono de Teatro de la ciudad coruñesa de Carballo, que tendrá lugar entre el 3 de octubre y el 2 de noviembre, parte de la inspiración del teatro clásico y sus revisiones como leitmotiv o argumento central que da sentido a la programación.

Por tanto, se podrá disfrutar de la visión particular, curiosa e innovadora de los creadores actuales sobre obras de clásicos universales como Cervantes, Lope de Vega o Shakespeare. En esta ocasión el ‘Premio Xograr de Outono’, que la organización otorga cada año a una persona o entidad que destaque por su trayectoria en la promoción del teatro en Galicia ha sido concedido a Eduardo Rodríguez Cunha ‘Tatán’ fundador de la compañía Tanxarina Títeres hace más de treinta años.

El programa se completará con la quinta edición del Ciclo OTNI, Objeto Teatral No Identificado, apartado que engloba proyectos escénicos de un carácter más experimental con Los brillantes empeños de Grumelot, Harket (Protocolo) de Panicmap y Greenwich art show de Macarena recuerda Sheperd. La ‘Rúa do contos’, programación nocturna e irreverente que este año cumple su decimosexta edición y que tiene lugar en tascas, bares, cafeterías, pubs así como en el Mercado Municipal las noches del viernes, sábado y domingo de las dos primeras semanas de octubre, así como un sinfín de actividades tales como el ‘Teatro de rúa’ o ‘Café con…’ espacio que permite el encuentro entre compañías, actores, directores y público completan la programación.

Este año se cumple el 450 Aniversario del nacimiento de Shakespeare y el programa recoge esta celebración contemplando varias propuestas tales como A Tempestade de la gallega Voadora, pieza que habla del perdón, de la familia, del final del trabajo, del final de la energía con una puesta en escena muy plástica y fresca y con música y actua30

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A Tempestade de Voadora

ciones en directo. Las Grotesqués llevarán a escena la adaptación de Mucho ruido y pocas nueces, en la que tres intérpretes darán vida a los más de veinte personajes de la obra apoyándose en técnicas como el clown o la manipulación de objetos, dando paso a diálogos de ritmo vertiginoso y mucho humor.

La compañía chilena Viajeinmóvil ofrecerá su versión de Otelo, fusionando el trabajo actoral con la manipulación de marionetas y objetos, despojándose de tramas y personajes secundarios y mostrando con crudeza y realismo la violencia contra la mujer.

El estreno de Mofa y Befa Bodas & Galegas (Mofa & Befa no século de ouro), coproducción junto con el Festival de Teatro Clásico, arrancará, el 10 de octubre, las actuaciones de la programación oficial que tendrán lugar todas ellas en el Auditorio del Pazo de Cultura. Quico Cadaval dirige esta singular propuesta que realiza una aproximación a obras de Calderón o Lope desde el humor y la sátira.

Ron Lalá, compañía que obtuvo el Premio del público en el FIOT de la pasada edición, vuelve a Carballo con En un lugar del Quijote, una versión libre y contemporánea de la novela de Cervantes. coproducida junto con la Compañía Nacional de Teatro Clásico en la que realizan una mirada moderna, profunda

e iconoclasta de un mito siempre vivo. Asimismo, la agrupación catalana Obkené dará a conocer Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas, una adaptación actualizada del clásico de Lope de Vega que explica la historia del famoso pueblo del comendador corrupto y violador, realizando una profunda reflexión sobre el poder a través de un espectáculo enérgico y trepidante concebido para espacios no convencionales.

Rafael Álvarez ‘El Brujo’ en El asno de oro, se presenta en la piel de un juglar contemporáneo que conatruye una narración que resume muchas aventuras humorísticas y una acción trepidante desde el relato fantástico.

El programa incluye dos trabajos que no responden estrictamente a revisiones de clásicos pero si son revisiones de mitos, estereotipos o un clásico contemporáneo como la mafia en The Gagfather de Yllana, un viaje a los bajos fondos y a los más bajos instintos con personajes disparatados y situaciones delirantes retratados desde el humor pero también desde la reflexión y el sarcasmo.

Setze Fetges Associats en 30/40 Livingstone, con Sergi López y Jorge Picó, realizan una particular revisión sobre el explorador en permanente búsqueda, dando paso a un espectáculo de humor, tenis y antropología.

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14 octubre XXV Festival de Teatro de Santurtzi

Puesta al día de uno de los festivales más veteranos Se podrá disfrutar de 16 propuestas teatrales que se llevarán a cabo entre octubre y noviembre

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el 24 de octubre al 29 de noviembre se hará extensiva la programación del Festival de Teatro de Santurtzi, una de las citas anuales más veteranas del panorama estatal, que este año cumple su 35 edición, donde participarán un total de 17 compañías que tendrán lugar en el Teatro Serantes.

Centrados en la programación prevista para el mes de octubre, el festival se inaugura con Jugadores de Producciones Teatrales Contemporáneas, que también pondrá en escena Sonata de otoño, función que cerrará las actuaciones del mes. La primera obra realiza una radiografía de las relaciones humanas, de la parte oscura e inaccesible que esconde todo el mundo, salpicada de humor y de un espíritu lúdico. La segunda se trata de un drama desgarrador, donde las palabras duelen y los silencios también. Sus protagonistas son Charlotte, una famosa pianista, madre ausente de su hogar por su trabajo y su frialdad y desapego que marca a sus dos abandonadas hijas.

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dirección de Felipe Loza traslada al público a un local de noches alegres, un tugurio con música en directo, canciones y ambiente mexicano, en el que artistas de varietés presentan números clásicos de cultura pop, excelentes imitadores todos de Liza Minelly, Marilyn Monroe, Amy Winehouse, Cantinflas o Sabino Arana (afamado txouman bertsolarístico). Noches de fiesta, sexo y glamour.

Marcel Gros escenificará un espectáculo para el público Jugadores de Producciones Teatrales Contemporáneas familiar, creado, dirigido e interpretado por él mismo. Se trata de Minutos, donde en clave de clown Toni Acosta e Iñaki Miramón encarnan cada escena es tratada como un pequeño a Sandra e Ignacio, protagonistas De mutuo acuerdo. En común tienen doce años cuento en el que los objetos recobran vida de matrimonio que no funcionó y un hijo a y cada detalle adquiere la importancia que punto de cumplir nueve que no acepta la debe darse a las pequeñas cosas. Y en nueva situación de sus padres. Ni a Sandra noviembre continúa el festival con más le apetece aguantar a Ignacio ni Ignacio teatro como las obras ‘Emilia’ de Claudio está por la labor de fingir cordialidad ante Tolcachir, ‘Cuarteto del Alba’ de Carlos Gil, Sandra, pero ciertos episodios escolares ‘Pankreas’ de ‘Patxo Telleria’, ‘Verano en les obligan a verse más de lo deseado. diciembre’ de Carolina África, ‘La venus de Cabaret Chihuahua coproducido por Palas pieles’ de David Ives, ‘El eunuco’ de bellón Nº 6 y Teatro Mutante con texto y Terencio... y más.

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14 octubre II iber_ae - Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Madrid

La escena contemporánea iberoamericana en Madrid

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on una programación compuesta por espectáculos de vanguardia, texto, títeres, visuales y danza se presenta iber_ae, la segunda edición del festival iberoamericano de artes escénicas de Madrid (anteriormente FITMadrid) que se celebra del 23 al 26 de octubre en el Centro Cultural Conde Duque.

Seis compañías conforman la programación de iber_ae.

Desde Argentina, Cía Teatro del Perro ofrecerá Un Poyo Rojo, espectáculo de teatro físico en el que a partir del lenguaje corporal se explora los límites del lenguaje contemporáneo respecto al movimiento y sus interpretaciones. La danza, el deporte y la sexualidad se cruzan y ofrecen una obra que se convierte en una provocación mezcla de acrobacia y comicidad.

Los chilenos de la Cía. Nuestra presentan Mª Teresa & Danilo, obra ganadora del 1er Festival Teatro Joven de Las Condes que reflexiona sobre la problemática que viven los docentes en este país (malas condiciones laborales y salariales que repercuten en el desarrollo del gremio) a través de la relación de una profesora y un aspirante a profesor que son además madre e hijo. Ambos comparten la pasión por la pedagogía pero tienen puntos de vista diferentes que se van revelando a través de un diálogo fresco, crudo y no exento de humor entre un hijo con ganas de cambiar la realidad y una madre desencantada.

Aunque residente en Madrid la compañía Teatro en el Aire está formada por actores y actrices de diversas nacionalidades, latinoamericanas en su mayoría, 34

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ser humano mientras que Hamlet Party, una adaptación libre del la universal obra de Shakespeare se acerca desde Baleares en una producción del Festival Jardí Desolat, que con un lenguaje ágil y música en directo se representa la conocida tragedia pero a partir de la realidad política y social actual. Y desde Galicia, Licenciada Sotelo e Compañía y el solo de danza contemporánea Métanse en nos seus asuntos, un trabajo que se mueve entre la evocación de lugares comunes y la exposición de la privacidad planteado la implicación o desentendimiento del que mira o asiste a un acto público y cuestionando la pasividad ante los acontecimientos ajenos.

Pero además de las representaciones iber_ae ha organizado una serie de actividades paralelas como el galardón Reconocimiento iber_ae a la trayectoria que el año pasado fue para la bailarina cubana Alicia Alonso y este año para el bailarín Julio Bocca; la exposición titulada ‘En el escenario del tiempo’ del fotógrafo de esceMétanse en nos seus asuntos de Licenciada Sotelo e Compañía na Gerardo Sanz, la presentación del sistema de taquilla inversa bajo el impulso creador de Lidia Rodríguez ‘Pay after show’ y las denominadas ‘SeCorrea y en iber_ae presentan Bailando sión montajes’, actividades específicas tus huesos una cena-musical de aforo liorientadas al público adolescente para mitado donde el público-comensal podrá conocer sus demandas en el campo de degustar manjares en una peculiar cantilas artes escénicas. na de sabor mexicano con unas anfitrionas Organizado por la empresa de gestión muy especiales las Catrinas Flaca, Pelona cultural, distribución y producción de Ary Llorona. tes Escénicas laClac arts management, El festival se completa con las comiber_ae “aspira a consolidarse como un pañías llegadas desde Aragón, Baleaespacio imprescindible de exhibición, prores y Galicia. Paria es un micro-teatro yección nacional, intercambio y negocio de títeres que presenta el aragonés Cía. para las Artes Escénicas Iberoamericanas Javier Aranda en la que se pone en esen Madrid, con especial interés en los cena la marginación y la degradación del nuevos lenguajes escénicos.

04-05 | Presentación general 06 |

Teatro de movimiento

07 |

En la calle

08 |

Chile y Uruguay

09 |

Centroamérica

10 | Colombia y Bolivia 11 |

EE.UU. y México

12-13 |

Teatro español

14-15 |

Encuentro y foro

Elegir y acertar Este es el saludo de un forofo. Estamos en la edición vigésima novena del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz. El famoso FIT de Cádiz. Y llevo años señalando la importancia de la cita, el esfuerzo que se realiza desde la organización para que pese a los recortes presupuestarios, la programación mantenga la dignidad necesaria para seguir siendo un marco de referencia. El equilibrio entre las propuestas, tanto en su formato o de entidad escénica, como de descubrimiento de dramaturgias nuevas o la reafirmación de las más consolidadas de ambos lados, en igualdad de condiciones, le dotan de una singularidad inequívoca. Se ha abierto a la calle, a otros lenguajes, a otras experiencias de comunicación teatral.

Pueden sonar retóricas estas consideraciones, porque está claro que en su misma existencia y nombre tiene condicionado su contenido, pero hay muchas maneras de bailar el tango o de cantar un blues. Y es en el histórico de este FIT donde están las claves para entender su discurso. No con los titulares y las poéticas de la mercadotecnia, sino repasando sus programaciones, los grupos y compañías que han traído por primera vez, o que han insistido en su presencia hasta hacerlos habituales y visibles para ese mundo oscuro de los responsables de programación de teatros, salas o festivales que no se quieren enterar de la fertilidad creativa actual iberoamericana.

Este es otro tema, pero, perdonen, es parte del tema. Me parece que por ignorancia, negligencia, complejo o desconsideración se pierden posibilidades programáticas de gran significación e importancia. No digo más, porque esto es una Fiesta, y vamos a celebrarlo, de verdad. Miren lo que se ofrece y elijan bien.

No quiero intervenir en sus gustos, pero hay tanto y tan variado que seguro que aciertan.

Carlos Gil Zamora Est e suplem e n t o a c om pa ñ a a l a re vi st a Artez 200 de Octubre 2014

www.artezblai.com

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Portada: Fotografía de la obra ‘B.Flowers’ de la Compañía de Marta Carrasco

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La cuadratura del círculo programático

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Del 17 al 25 de octubre se celebrará la vigésima novena edición del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, que una vez más reunirá tal y como destaca su director artístico Pepe Bable “algunas de las compañías más significativas del espectro Iberoamericano actual” con agrupaciones venidas desde once países distintos tales como Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Chile, El Salvador, EE.UU, México, República Dominicana y diversos puntos de las península Ibérica. Una vez más, El Gran Teatro Falla, Teatro del Títere La Tía Norica, la Central Lechera, ECCO Espacio de Creación Contemporánea de Cádiz así como diversos espacios al aire libre de la ciudad acogerán a las 23 compañías participantes que ofrecerán un total de veinticuatro propuestas y treintaisiete actuaciones.

Bable señala que “el FIT fiel a su carácter y siguiendo su esquema habitual, la presente edición aglutinará manifestaciones heterogéneas y espectáculos donde la dramaturgia actual y los nuevos lenguajes son su eje principal, y temáticas y estéticas en co-

rrespondencia con las actuales artes escénicas iberoamericanas”. El programa incluye propuestas de ballet clásico, danza flamenca y contemporánea, montajes de títeres, performances, trabajos de teatro contemporáneo, teatro para público infantil, teatro musical, teatrocirco y teatro de calle.

Asimismo, como uno de los ejes temáticos de la programación y con motivo de la celebración del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare, se podrá disfrutar de adaptaciones, a través de lenguajes contemporáneos, de varias de sus obras. Entre las que se encuentran, Otelo de los chilenos Viajeinmóvil, Romeo y Julieta de Aramburo de los bolivianos Kiknteatr, y dos del Macbeth, Mendoza de los mexicanos Los Colochos o la versión de Juan Cavestany dirigida por Andrés Lima. El programa también acoge espectáculos que adaptan otros textos universales como Miss Julia versión bilingüe de J. Adaraiza sobre la original ‘La señorita Julia’ de Strimberg, Tebesland de Sergio Blanco, adaptación de Edipo o En un lugar del Quijote versión de teatro musical de Yayo Cáceres a partir del texto de Cervantes de manos de la compañía Ron Lalá.

Y por supuesto, también se da cabida a obras que cuentan con dramaturgias originalmente propias como la de la compañía chilena

Haciendo referencia a los nuevos lenguajes la performance estará presente con la presencia de agrupaciones como Teatro Abya Yala de Costa Rica y su pieza El Patio o Pez Limbo que mostrará varios trabajos, ¿Espinazo o callos? propuesta de microteatro y Lana espectáculo de calle sin texto. Otros montaje de calle vendrán de la mano de El Espejo Negro que representará su mítico montaje La cabra, Try Teatro Banda que mostrará Afrochileno, la compañía brasileña Primeiro Acto que dará a co-

nocer Pequenos atos de rua así como Big dancers y El Carromato o Compañía Teatrapo y Sfera.

La danza tendrá una amplia representación en esta edición del FIT con la participación de la Compañía de Antonio Canales y su Moneda de dos caras un trabajo, la coreógrafa y bailarina catalana Marta Carrasco y su b.flowers, la Compañía Nacional de Danza de la República Dominicana y su Caribe deluxe y la coproducción A+A de el violinista Ara Malikian y Ángel Corella.

Cada edición el FIT distingue la labor de proyectos o figura de creadores o personalidades pertenecientes a las Artes Escénicas, y este año rendirá un homenaje al citado coreógrafo y bailarín Ángel Corella, figura destacada y con proyección internacional de la danza clásica moderna.

Asimismo, este año se hará entrega del XV Premio FIT de CádizAtahualpa del Cioppo al Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá (FITB), uno de los mas grandes y espectaculares festivales que cada dos años convierte a la capital colombiana en un punto de referencia de las artes escénicas iberoamericanas y mundiales.

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Nuestra y su María Teresa y Danilo escrita por Catherinne Bossans quien también dirige y actúa en la obra, Al pie del Támesis de Mario Vargas Llosa escenificado por la compañía estadounidense afincada en Miami, Teatro Avante, Cuarteto del Alba texto teatral original de Carlos Gil Zamora puesto en escena por Laurentzi Producciones, Los más solos de Egly Larreinaga y Luis Felpeto de manos de Teatro del Azoro y Nidos de Ana Gallego y Ángel Sánchez de la compañía vallisoletana Teloncillo.

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Antonio Canales, una moneda de dos caras

Pequenos atos de rua

B.flowers

Variedad de lenguajes del movimiento Se podrá disfrutar de un mayor números de propuestas de danza que en la pasada edición siendo la variedad otro de las características a destacar.

El Gran Teatro de Falla acogerá casi todas ellas a excepción de Pequenos atos de rua, coreografía de Suely Machado, de los brasileños Grupo de Dança Primeiro Ato que se inspira en los cuentos y en el realidad de la magia de lo cotidiano. El trabajo de los bailarines se centra en la creación de los actos y en el desarrollo del trabajo, buscando acercar al público la identificación y trascendencia de los movimientos.

La compañía de Antonio Canales además de ser el primero de los grupos de danza en actuar se encargará de inaugurar el propio FIT, el día 17 de octubre, con su nuevo montaje Antonio Canales, una moneda de dos caras, un espectáculo puramente flamenco en sus conceptos y maneras, un descarnado y sincero autorretrato, donde se mezcla su faceta más genuina como intérprete con la del bailaor que siempre le acompaña. Se podría describir como un monólogo sobre los desencantos de la vida, sobre el que se asienta esta arriesgada y novedosa propuesta, donde el actor/bailaor se explaya sobre los hermosos versos y canciones del maestro Quiroga y León.

Desde la República Dominicana acudirá la Compañía Nacional de Danza para escenificar Caribe De-

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luxe. Marianela Boan ha creado esta coreografía que

fusiona la danza, el teatro, el canto con la violencia, el lirismo, el humor y una relación directa con el espectador, dando vida a esta propuesta que muestra que el Caribe es víctima de su belleza. La pobreza como un arma letal hace de este paraíso un paraíso saqueado. Y a pesar de esta situación la alegría, el afecto, el sentido común, el disfrute verdadero de la vida y la relación visceral con el cuerpo sobreviven en el filo del paisaje.

A+A da nombre a la la pieza creada por el coreógrafo y bailarín Ángel Corella y el célebre violinista Ara Malikian, para la que también cuentan con los primeros bailarines de Barcelona Ballet, Dayron Vera, Carmen Corella, Kazuko Omoi y Russell Ducker, y la participación de miembros de la orquesta de cuerda La Orquesta del Tejado. El espectáculo consta de dos partes, la primera está dedicada a Tchaikovsky; todos los artistas, bailarines y músicos, desgranan a través de la pieza “Souvenir de Florencia”, la belleza plástica del movimiento clásico en perfecta comunión con la música intemporal. Las piezas elegidas para la segunda parte reúnen el atractivo de ser muy dispares entre si, pero todas ellas pertenecen a compositores contemporáneos. Ambos tienen la base de su existencia en un objetivo común; el de acercar y popularizar tanto el ballet, como la música, y demostrar que tanto ésta como la danza, son intemporales y pertenecen a la cultura universal.

El riesgo y la contemporaneidad siempre acompañan las piezas de la coreógrafa catalana Marta Carrasco que en esta ocasión propone B.flowers, su décimo trabajo, en el que la propia Carrasco además de crear y dirigir interpreta junto a Anna Coll, Majo Cordonet.

Un montaje de danza-teatro que rebosa ironía, precisión y sarcasmo que incide en la idea de la resistencia, siempre con el inconfundible estética desbordante de la creadora catalana, uno de los exponente renovadores de la danza actual.

La cabra ©Jorge López Vital

La Plaza de la Catedral, la del Palillero, de Falla, la Central, San Antonio o el Mercado Central serán los escenarios exteriores elegidos para acoger las propuestas de calles previstas dentro de la programación. Una de ellas será La Cabra de El espejo negro todo un clásico de la compañía malagueña en la que interpretan una troupe de marionetistas gitanos que irrumpen en medio de la calle entre palmas y música de raza, abocados al arte de la calle buscándose la vida pidiendo con desparpajo a la gente.Cantes flamencos, discotequeros, y auténticos zapateados sobre cajas de cartón realizados por ‘la cabra’ y la abuela de la familia, auténtica bailaora de goma-espuma, pegamento y fieltro, en un sigular cuadro flamenco.

Por su parte los chilenos Try Teatro Banda presentan Afrochileno.propuesta de carácter juglaresco dirigida a toda la familia. Un montaje que conjuga teatro, música en vivo, baile, dinamismo e investigación histórica. Cinco actores músicos en escena

Big dancers

Sfera

cuentan el relato de Bebelumba, un joven africano que es capturado en Angola, su país de origen, y trasladado a América donde es vendido y llevado como esclavo a una hacienda de la zona central de Chile.

Allí tendrá que luchar en la independencia de Chile para ganar su libertad y luego trabajará en la ciudad para poder comprar la libertad de su amada, una esclava africana.

Entre las propuestas de calles también se podrá disfrurtar de Big dancers de la compañía gaditana El Carromato.performance itinerante con marionetas gigantes danzando e inundando las calles de música en la que durante la noche destacan impactantes efectos de iluminación que dan vida a las marionetas y por el día se visten de colorido.

Por último, Teatrapo escenificará Sfera, un montaje multidisciplinar con acrobacias aéreas, teatro visual, danza contemporánea, manipulación de elementos acompañado de técnica visual y efectos especiales. El lenguaje poético aborda la relación insostenible de Hombres y la Biosfera con un claro mensaje ecologista y naturalista y lanza un mensaje contundente hacia el hombre víctima de su propia estupidez mostrando la relación caótica y desequilibrada entre éstte y la Madre Naturaleza.

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Propuestas abiertas que dan vida a las calles

Afrochileno

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Otelo

María Teresa y Danilo

Tebas Land

Dos de Chile; una de Uruguay

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Dos de las compañías chilenas más destacadas de la actualidad acudirán a Cádiz para mostrar sus últimos trabajos. Se trata de Viaje Inmóvil y Nuestra. La primera, capitaneada por Jaime Lorca quien fuera miembro de la veterana agrupación La Tropa durante 18 años hasta crear esta nueva compañía en el 2006 que funciona como colectivo conformado por actores, músicos, escenógrafos, diseñadores, productores y técnicos, viene a presentar una versión de Otelo de Shakespeare. En este su quinto montaje utilizan nuevas configuraciones, fusionando el trabajo actoral y la manipulación de marionetas y objetos, combinan realidad con fantasía, el humor y la tragedia, lo antiguo y lo contemporáneo dando cuerpo a su propio lenguaje escénico. Esta adaptación pone el acento en el carácter ‘popular’ que caracterizó a la obra desde sus primeras presentaciones en 1604 y que con el paso del tiempo fue perdiendo. Para ello, utilizan combinaciones y nuevas configuraciones: seres humanos y marionetas, realidad con fantasía, el humor y la tragedia, lo antiguo y lo contemporáneo y elementos mínimos.

La compañía Nuestra, creada en 2008, presenta su cuarto montaje María Teresa y Danilo basado en el texto de Catherine Bossans donde pone de manifiesto los problemas de la educación desde la mirada de los profesores. Dirigida por Sofía García Oportot y protagonizada por Andrea Munizaga

Ramírez, Etienne Jean Marc Vandoorne y la propia autora la obra refleja la cruda realidad en la que se desenvuelven los profesores en Chile, dejando en evidencia las paupérrimas condiciones laborales y salariales a las que se ve sometido el gremio. Desde esta visión se narra la historia de una maestra con un hijo que desea seguir sus pasos. Con humor se va desvelando como los sueños de un joven se con el desencanto de su madre tras ejercer la pedagogía durante dos décadas. En resumidas cuentas María Teresa y Danilo es una obra que busca reivindicar la necesaria y criticada labor de los profesores, demostrando la ironía entre lo que significa ser formador de personas e hijos de un país, pero que no cuenta con la retribución monetaria necesaria para poder financiar una adecuada educación para su familia sin tener que endeudarse.

El parricidio en escena Otra realidad incomprendida, en este caso el parricidio es el tema central de Tebas Land obra escrita y dirigida por Sergio Blanco y llevada a escena por la Compañía Complot de Uruguay. Escrita y creada especialmente para ser representada en el Teatro San Martín de Buenos Aires, la obra de Blanco revisita algunos de los textos clásicos más destacados que abordan el tema del parricidio como ‘Edipo Rey’ de Sófocles, ‘Los hermanos Karamazov’ de Dostoievski y ‘ Un parricida’ de Maupassant y Dostoievski aunque no con el fin realizar un homenaje literario sino con el objetivo de proponer un verdadero desafío de “parricidio escénico”. Y para llevar a buen puerto toda esta idea, Blanco parte de los encuentros que tienen lugar en una prisión entre un joven parricida y un dramaturgo que busca escribir la historia de ese parricidio aunque poco a poco, la obra irá tomando otro rumbo y tomará protagonismo la representación escénica de los mencionados encuentros lo que generará a su vez un cambio en la cuestión inicial de la obra “¿cómo es posible matar a alguien?” para reemplazarla por otra no menos difícil: “¿cómo es posible representar a alguien? De esta manera Tebas Land se aleja de la dimensión ética del parricidio para concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y poder finalmente ofrecer una tesis sobre el acontecer teatral.

El patio

Los más solos

Víctimas del sistema desde la realidad centroamericana en el espacio por una vida breve y luego desaparece. De esta manera y sin afirmar ningún punto de vista como único, ni siquiera el género, vamos agujereando eso que llamamos “hombre”.

La cárcel, reflejo de la sociedad Egly Larreynaga y Luis Felpeto son los autores de Los más solos, una especial propuesta escénica llegada desde El Salvador en la que se utiliza la locura de cuatro condenados a prisión, enfermos mentales y abandonados, como metáfora para hablar de una sociedad violenta y desquiciada. El punto de partida de la obra que presenta Teatro del Azoro está en un artículo publicado en el periódico digital El Faro con el titular ‘La Caverna de Choreja’ y la posterior investigación de nueve meses de duración en el interior del ala penitenciaria del hospital psiquiátrico por parte del grupo de actrices de la compañía. La historia de Víctor, Cerebro, Choreja y Levy, cuatro condenados enfermos mentales, pertenecientes todos a la generación que sufrió en su juventud una guerra civil en El Salvador es el “pretexto” para hablar de una realidad oculta.. El sistema que los empujó hasta esa situación es quien olvida ese lugar siniestro donde hacinados comparten el día a día que para algunos serán los próximos treinta años. Un espectáculo que convierte al público en visitante de esta cárcel-manicomio, que ofrece un viaje al horror de una realidad siempre oculta; una oportunidad de conocer las terribles condiciones en las que viven estas personas, sus miedos, ilusiones y sobre todo su soledad.

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La propuesta escénica de los costarricenses Teatro Abya Yala, El Patio es el resultado de una exploración escénica sobre lo qué es ser hombre, sobre la masculinidad aunque lejos de pretender contestar a preguntas como ¿Cuán encerrados estamos dentro del sistema patriarcal que nos ha criado para ser proveedores, autoritarios, agresivos? ¿Cuántos papeles distintos actuamos durante el transcurso de un día, de una vida? ¿La masculinidad misma –o el género del todo– existe o es un resultado de una serie de actos repetidos que hemos asimilado desde la juventud? tiene como objeto colocarlas juntas para que “desde la energía de su conjugación, surjan otras inquietudes más frescas” detallan los miembros de la compañía.

Con dramaturgia de Oscar González, David Korish y Janko Navarro, dirigida por el propio Korish e interpretada por González y Navarro, en El Patio los miembros de la compañía afirman experimentar “un proceso de flujo entre lo personal, lo teórico y lo práctico (...) dónde a través de estrategias de improvisación se dejamos perder con la pregunta ¿qué es ser hombre?. La forma que abrazamos es una especie de “espejismo caótico”, en el cual, algún aspecto de la relación entre dos hombres se refracta

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Miss Julia

Rolmeo & Julieta de Aramburo

Visión colombiana de Strindberg y boliviana de Shakespeare

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El dramaturgo y actor de la SITI Company J. Ed Araiza se ha encargado de la adaptación de Miss Julia de August Strindberg junto al colombiano Jhon Alex Toro, la Artista Internacional de Teatro Tina Mitchell, la actriz colombiana Gina Jaimes, la violinista estadounidense Helen Yee y el director de escena Italiano Lorenzo Montanini. Llevada a escena por los colombianos Vueltas Bravas Producciones, esta adaptación ubica la historia en la noche de San Juan en una Colombia rural, una noche en la que Miss Julia y el sirviente Juan tienen un encuentro que cambiará sus vidas para siempre. Y es que a partir de ese encuentro Juan tratará de levantarse de las profundidades de su existencia servil mientras que Miss Julia intentará escapar, por todos los medios que están a su alcance, de las ataduras y constricciones de la vida de la clase alta a la que pertenece y a la que no encuentra ningún sentido. Todo este conglomerado de luchas y sentimientos tienen como resultado una obra de aproximadamente una hora de duración en la que el amor, la lujuria y la lucha de clases se convierten en protagonistas y llegado el momento la historia se torna violenta hasta llegar el caso de parecer que tanto sus personajes como la propia situación se encuentran fuera de todo control.

El turno de Shakespeare La compañía boliviana Kiknteatr ofrecerá su particular visión de ‘Romeo y Julieta’ quizá la obra de amor romántico más conocida de todos los tiempos bajo el título Romeo & Julieta de Aramburo.

No es la primera ocasión que Diego Aramburo adapta una obra de Shakespeare, ya lo hizo con un Hamlet boliviano-andino ubicado en las áreas periféricas de las grandes ciudades.

Ahora este ‘Romeo y Julieta’ se sitúa en un área boliviana sumamente urbana, y aguarda una tercera obra que cierre el círculo. En esta particular versión de la obra de Shakespeare Aramburo trabaja la intimidad del conflicto de los jóvenes amantes, desde el relativismo y hasta nihilismo de nuestros tiempos y se cuestiona preguntas de la índole de “¿Cómo es el amor actualmente? ¿Cómo son los adolescentes de nuestros días? ¿La “insalvable rivalidad” de esa historia, o de cualquier otra, es el conflicto detrás de historias como éste y otras, o es apenas una cortina de humo que no nos deja ver el verdadero trasfondo detrás de tantas tragedias sobre todo de la juventud?

Estas dudas planteadas por Aramburo son el eje central de su propuesta escénica en la que el propio Aramburo junto a la actriz Camila Rocha dan vida a los dos jóvenes enamorados que protagonizan esta versión radical y extrema que va mucho más allá que “una “simple

ambientación de la obra a nuestro tiempo”, aclara Aramburo, quien asume las labores de adaptador, director y actor en este montaje

Los Colochos

Al pié del Támesis

Obras de un premio nobel y del gran autor universal

Macbeth “a la mexicana” Desde México llega un Shakespeare, la adaptación

que de ‘Macbeth’ han realizado los dramaturgos Antonio Zúñiga y Juan Carrillo, Mendoza y que llega a los escenarios de la mano de Los Colochos Teatro bajo la dirección de Juan Carrillo de quien partió la idea de esta adaptación.

Mendoza es un ‘Macbeth’ “a la mexicana”, es una obra que traslada la acción de todos sus pasajes hasta la época de la Revolución Mexicana colocando ante el público a Mendoza, un importante guerrillero que se encuentra con una bruja tras una decisiva batalla y esta le vaticina que ascenderá a puestos de mando muhco más importantes.

Las predicciones de la bruja se cumplen más rápido de lo que Mendoza pudiera imaginar lo que hace que desee el cargo de Gobernador, ostentado por su amigo Montaño. Rosario, la esposa de Mendoza incita de manera constante y persuade a su marido para que no ceje en sus propósitos de logarra sus ascensos y tras asesinar a Montaño comienza una serie de matanzas con el fin de librarse de todo el que teme, puede estar en su contra.

Pero Mendoza vuelve a encontrar a la bruja de antaño que le asegura que no debe temer a la muerte a no ser que se cumplan tres profecías que parecen improbables... Mendoza seguro de su suerte decide continuar con sus crímenes ejecutando incluso a toda la familia de Esparza –un antiguo compañero de batalla– tras enterarse que éste ha decidido darle la espalda. Tras este hecho, Esparza decide vengarse de jna manera brutal con lo que las circunstancias cambian y las profecías que según la bruja difícilmente podían suceder... se cumplen y llevan a Mendoza a la derrota más absoluta.

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Mario Ernesto Sánchez dirige Al pié del Támesis obra de Mario Vargas Llosa que ha llevado a escena la compañía Teatro Avante de Miami. Julio Rodríguez y Marilyn Romero dan vida a los personajes Chispas Bellatín y Raquel Saavedra que sobre el escenario serán los responsables de narrar los que en principio debían ser los temas centrales de la historia, la amistad, la forja de una identidad como un acto vital creativo y rebelde, los rituales y maleficios del sexo en la secreta vida de las personas aunque al escribirla a su autor se le fue imponiendo un asunto que le ha apasionado de manera recurrente, “la ficción y la vida, el papel que aquella juega en ésta, la manera como una y otra se alimentan, confunden, rechazan y complementan en cada destino individual” explica Vargas Llosa para añadir que “sin duda, el escenario es el espacio privilegiado para representar aquella magia de que está hecha también la vida de la gente: esa otra vida que inventamos porque no podemos vivirla de verdad, solo soñarla, gracias a las esplendorosas mentiras de la ficción”.

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En un lugar del Quijote

Una amplia mirada a la escena española más actual y contemporánea

Espinazo o callos

Nidos

Seis espectáulos de otras tantas compañías llegadas desde diversos puntos del Estado presentarán sus últimas propuestas escénicas, dos de ellas adaptaciones de clásicos universales como ‘Los Macbez’ y ‘ En un lugar del Quijote’, la obra teatral de Carlos Gil ‘Cuarteto del alba’, una escalofriante historia, ‘Espinazo o callos’ y espectáculo dirigido al público infantil y familiar ‘Nidos’.

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Juan Cabestany se ha encargado de la adaptación de ‘Mácbeth’ de William Shakespeare que se presenta bajo el título de Los Mácbez y que dirige Andrés Lima para la coproducción de Siamesas, Carallada Show, Mama Floriana y Asuntos Culturales.

Esta versión libre del clásico de Shakespeare aborda al igual que el original temas como la codicia y la ambición de poder pero ubica la historia en la Galicia de hoy día. Carmen Machi y Javier Gutiérrez dan vida al matrimonio protagonista de esta adaptación que ha tratado de conservar la retórica de Shakespeare, y los temas de la sangre, el tiempo, la oscuridad o la animalización que se reflejan en el original para intentar dar respuesta a una pregunta como ¿hasta dónde es capaz de llegar un ser humano para conseguir lo que ambiciona?

Otra adaptación de un clásico, en este caso de la obra más universal escrita en español, ‘El Quijote’ de Cervantes sube a los escenarios como En un lugar del Quijote, una coproducción de Ron Lalá y la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Yayo Cáceres dirige este espectáculo en el que el teatro, la música interpretada en directo y el humor son las principales herramientas para experimentar con “toda la gracia, la magia la rebeldía, la tristeza y la hondura de esta obra inmortal” y ofrecer “una visión profunda, iconoclasta y viva del Quijote más cervantino y el Cervantes más quijotesco”. Y todo ello en una biblioteca imaginaria en la que el hidalgo Alonso Quijano recrea sus maravillosas hazañas como caballero andante mientras Miguel de Cervantes escribe su obra maestra...

Laurentzi Producciones se presenta ante el público con una obra escrita por Carlos Gil, Cuarteto del alba, una propuesta escénica dirigida por Lander Iglesias en la que Maiken Beitia, Ricardo Moya, Gotzon Sánchez y Valery Tellechea dan vida a “cuatro entes escénicos como

Cuerteto del alba

Los Mácbez

acudir a su carnicero de confianza para pedirle un favor poco corriente. La situación se convierte más comprometida si cabe por la presencia de otras personas que pasarán a convertirse en testigos de lo que puede convertirse en una carnicería improvisada... una historia de humor traidor, con mucha acidez pero también llena de ternura y poesía.

Las propuestas de sala de compañías estatales se completan con una obra dirigida a niños y niñas de hasta tres años, Nidos un espectáculo-árbol cargado de objetos y magia de Telloncillo Teatro compañia reconocida con el Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2013 Esta obra, galardonada con el Premio al Mejor Espectáculo de primera infancia FETEN 2014. es un espectáculo musical con poemas, canciones, sonidos, trinos y ruidos de alas; los sonidos del bosque invaden el espacio y envuelven el ambiente para que este público tan especial pueda pasar un buen rato bajo ese árbol en el que habitan seres y enseres igual de especiales. Olerán a tomillo, comerán frutos del bosque, viajarán con la cigüeña, soñarán con el mirlo... una delicada y divertida propuesta para jugar, volar y soñar entre telas y arañas, hebras y culebras... imaginarias. Una obra creada e interpretada por Ana Gallego y Ángel Sánchez sobre poemas de Carlos Reviejo y Gloria Fuertes.

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denomina el autor de la obra a los actores que deben ir incorporando una gran cantidad de personajes no siempre definidos por sus rasgos psicológicos, sino por su simbolismo o significado más allá de lo obvio, se convierten en una voz coral que va describiendo una generación que se proyecta en el presente como una plataforma hacia el futuro”. Esta es una obra de una textualidad de gran carga poética “que la coloca en una órbita que escapa a estructuras convencionales, pero que posee una innegable fuerza en sus imágenes. El montaje propone con un lenguaje escénico moderno, multidisciplinar, muy físico, un paseo emocional por las cenizas de algunas de las utopías vivenciales de una generación, expresado de tal manera que tiende un puente en el tiempo para declararse universalmente como discurso actual, vivo, de futuro”.

Raúl Camino y Begoña Matín Treviño dan vida a los personajes de Espinazo o callos de la también compañía vasca Pez Limbo. Ante el público una mujer en aprietos. Esta angustiada y decide

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Ese lugar donde se empodera el análisis y la crítica

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En paralelo al programa de exhibición, el FIT organiza todos los años actos complementarios, muchos de ellos con años de andadura y un importante hueco en el panorama de las artes escénicas iberoamericanas. Es el caso del Encuentro de Mujeres de Iberoamérica que se desarrollará del 17 al 19 de octubre y que este año cumple su mayoría de edad, su décima octava edición y se presenta con novedades ya que pasa a ser coordinado por Mariana González Roberts y este año gira en torno al tema denominado ‘La piel de la serpiente. Poéticas de transformación’ Estos encuentros, surgidos a propuesta de la dramaturga Margarita Borja hace diecisiete años y que en un principio acogían ponencias en las que las creadoras invitadas compartían sus experiencias de trabajo en diversos ámbitos y distintos países fueron ampliándose con talleres, demostración de trabajos, piezas de pequeño formato, exposiciones, reconocimientos y la inclusión de creaciones de mujeres dentro del programa del FIT además de la publicación de las Actas, donde se recogen las ponencias y demás contenidos e intervenciones artísticas de cada Encuentro y que constituyen una herramienta de divulgación, visibilidad y memoria.

Tras la inauguración oficial con la presencia de los

representantes de las entidades organizadoras de los Encuentros comenzarán con la inauguración de la exposición ‘Transformaciones’ por Daniela Mazorlo que dará paso al ‘Taller Cos Art - Pedagogía transformadora en el artista-persona’ que impartirá durante los tres días la pedagoga, creadora y performer Belle Alzamora. En este taller se trabajarán desde el método Cos-Art, algunas dinámicas del Body Wedher, se estudiarán a su vez algunas performances en espacios urbanos y cada participante se preparará para sentir, a través del trabajo de la escucha que brinda el cuerpo, ya que experimentando la escucha hacia una misma, hacia los demás y hacia el espacio se disminuye la resistencia y se da paso a crear, a construir, a expresar.

Serán muchas y variadas las conferencias que tendrán lugar, todas ellas desde la experiencia o la investigación de mujeres tanto en el proceso creativo insitu, como en la gestión de festivales o el estudio de diversos eventos o experiencias. Verónica Moraga, Amaranta Osorio y Diana Civila, Rocío Solís y Egly Larreynaga, Mariana Araoz y Marcela Obregón, Lola Proaño, Lola García Espigares y May Serrano, Suely Machado, Nieves Rosales y Camille Hanson, Vivian Martínez Tabares, Ana Albadaleko e Inma Díaz Gavira serán las ponentes de las diversas mesas programadas tres de ellas moderadas por Nerina Carmona, Alejandra Prieto y Rocío Solís.

Se llevará a cabo también una demostración de ‘El Cuerpo Ausente.

Invisibilidad de las mujeres represaliadas durante el franquismo’ de The Winged Cranes y el programa denominado ‘La cuarta pata del taburete: Igualdad de Género y Artes Escénicas, coloquio sobre la paridad cultural’ donde productoras, gestoras, directoras y directo-

Otras actividades de singular relevancia También tendrá lugar el octavo Encuentro de Investigación Teatral ‘Cruce de criterios’ y el Foro de Creadores FIT 2014, con la participación de personalidades relevantes de la formación, la investigación, la crítica y la práctica de todo Iberoamérica.

Estos encuentros dirigidos y coordinados por el profesor e investigador cubano Eberto B. García.

Abreu forman parte de la actividad más académica durante el festival así como la que provoca en ocasiones los mayores debates. La octava edición del Encuentro de Creadores se presenta con el leitmotiv ‘Plataforma Teatral de creadores Clásicos y

Contemporáneos: Escrituras, intervenciones, apropiaciones y reescrituras escénicas en Iberoamérica’, y “en consonancia con la riqueza de las propuestas presentadas en el FIT, nuestros diálogos escénicos, tendrán los siguientes ejes temáticos fundamentales: Clásicos y Contemporáneos: variantes y posibilidades de intervenciones, escrituras, reescrituras y apropiaciones textuales y escénicas; Juegos y subversiones de las textualidades y las teatralidades en el encuentro de las poéticas clásicas y contemporáneas. ¿Nuevos teatros? ¿Nuevos públicos? ¿Nuevos modos de producción? y Gestionar, producir y circular las creaciones escénicas. Estrategias profesionales en la construcción de múltiples variantes para los escenarios culturales y sociales contemporáneos” tal y como explica el propio García Abreu. Los Foros de Creadores contarán “con la presencia de los grupos programados en la muestra del festival, para el análisis y desmontaje de sus propuestas, así como para dialogar respecto a los procesos de creación y a los proyectos culturales, los contextos y las contingencias sociales que les sirven de referentes” puntualiza también García Abreu.

Tampoco faltarán las habituales presentaciones de publicaciones de diversas editoriales y la presentación ante la audiencia iberoamericana de los Encuentros TeVeo, en su décima sexta edición del reconocido encuentro de teatro para niños y jóvenes a celebrarse este año del 20 al 25 de noviembre en el Teatro Calderón de Valladolid. Y como si todo esto fuera poco, se podrá disfrutar de la intervención urbana en forma de mural fotográfico ‘Foto, escoba y cola’ del fotógrafo de escena Gerardo Sanz y del proyecto fotográfico ¡El festival día a día. Fotografiando lo efímero’ de la colombiana Sandra Zea.

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res de Festivales y Encuentros e investigadoras del hecho diferencial de la desigualdad entre hombres y mujeres en la cultura en los distintos países, analizan datos cuantitativos y realidades cualitativas e intercambian experiencias de distintos lugares. Este año se desarrollarán dos ponencias, una denominada ‘Temporadas de igualdad’, y otra con el título ‘Análisis de género de la programación del Centro Dramático Nacional’ con las que se clausurarán los Encuentros de esta edición.

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Manresa fiel a sus tradiciones

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a 17a Fira Mediterrània de Manresa se presenta con diversas novedades como el cambio de fechas, que de noviembre pasa a celebrarse del 9 al 12 de octubre, y una visión renovada, abierta e inclusiva de la cultura popular y para ello intentará dar respuesta a la pregunta ¿qué es la cultura popular hoy día? “Videojuegos y raíz; artes urbanas y circo; nuevos formatos escénicos, calle y tradición festiva... Todo esto es la cultura popular de nuestro tiempo, sin olvidar aquellos proyectos escénicos comunitarios que muestran la alta capacidad de transformación colectiva de la cultura, y que la conectan con la inclusión social, la salud o la pedagogía” apuntan desde la organización.

107 compañías y treinta y cinco estrenos conforman la programación de esta edición que está dedicada a la memoria de Peret, quien iba a encargarse de su inauguración y que correrá a cargo de Revetlla Mediterrània liderada per la Troba Kung-Fú y la participación de la banda valenciana Unió Musical d’Alaquàs, concierto que incorporará una acción especial de recuerdo hacia el padre de la rumba catalana. Un año más la Fira apuesta por las músicas del Mediterráneo con una gran programación de espectáculos musicales imposible de abarcar desde estas páginas.

En las artes escénicas destacan espectáculos como Tauromàquina de Animal Religion, la fusión de videojuego y danza vertical de los italianos Venti Verticali, el bailarín tunecino Hafiz Dhaou (artísticamente Cha-

tha) convertido en un derviche contemporáneo de calle, el funambulista francés Pierre Déaux, el monólogo de fuerte trasfondo social La noche justo antes de los bosques que presenta Arsènic Creació además de una importante muestra de las principales expresiones de la cultura tradicional y de raíz de Catalunya como la Banda Unió Musical de Tarragona, los castellers Minyons de Terrassa y Tirallongues de Manresa y los Falcons de Vilafranca.

La Feria incorpora una mirada a la capacidad de transformación social de las artes escénicas con la presentación de propuestas producidas por varios proyectos comunitarios como la versión de La Caverna de Platón a cargo de la compañía teatroDentro formada por presos de la Cárcel Cuatro Caminos entre otros. Un año más el Off de la Fira complementa la oferta oficial musical con las programaciones Humus Mediterrani –propuestas de música y cultura de raíz frescas de artistas emergentes– y el VII Concurs Sons de la Mediterrània –para grupos amateurs de música tradicional catalana–.

Cabe destacar también el carácter de mercado de la fira con las actividades profesionales que este año incluyen unas jornadas profesionales con la presencia de más de 30 ponentes y que girarán en torno a la premisa “¿Para quien trabajamos? Comunidad, participación y nuevos públicos”, la presentación de 25 proyectos culturales además del Plan de Acción Internacional que desarrolla la Feria. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Almagro iberoamericano y contemporáneo

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a Veleta y el Teatro Municipal de Almagro serán los escenarios del XIV Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro que organizado por CELCIT se celebra del 3 al 19 de octubre. Esta edición, que servirá de pórtico para las celebraciones de los 40 años del CELCIT que se cumplen en 2015, homenajeará al grupo Cuatrotablas de Perú en su 40 aniversario que pondrá en escena dos espectáculos, Los ríos profundos y La nave de la memoria. La primera es la versión teatral de la novela homónima del escritor peruano José María Arguedas, “el típico romance de iniciación instaurado por Goethe, le sirve a José María Arguedas para contarnos la historia de un niño peruano que tiene que pasar de su adolescencia a la adultez, en un proceso de mestizaje con ternura, infinita ternura. Es quizás el más lindo trabajo realizado por el grupo, a decir de muchos espectadores peruanos...” explica su director Mario Delgado Vásques. Delgado es también el encargado de la dramaturgia y la dirección de La nave de la memoria de Ricardo Oré, una síntesis de todas las obras realizadas por Cuatrotablas en la última década.

También son dos los espectáculos que presenta la chilena Tryo Teatro Banda, La

araucana y La tirana, ambas son espectáculos de teatro-musical protagonizados por juglares que narran la aventura de Alonso de Ercilla y Zúñiga en Chile, durante la Guerra de Arauco, en 1558 en la primera y la Leyenda de La Tirana la segunda, ambas escritas y dirigidas por Francisco Sánchez.

Chilena es también Viajeinmóvil que presenta una versión realizada por Teresita Iacobelli, Jaime Lorca y Christian Ortega del Otelo de Shakespeare en la que dos actores, marionetas y objetos para ofrecer una obra con el carácter “popular” –que la caracterizó en sus primeras presentaciones y que fue perdiendo a lo largo de los siglos– a través de lenguajes escénicos que propician una nueva mirada del universal texto. Desde El Salvador Teatro del

Azoro con Los más solos de Egly Larreynaga y Luis Felpeto, una escenificación de la realidad de cuatro internos en el pabellón psiquiátrico del penal de Soyapango de San Salvador creada tras meses de investigación que habla sobre una sociedad enferma y violenta. Una obra creada en Navarra con actores vascos y chilenos Delirios de papel, de La Cuatrotablas llave inglesa Teatro, “un espectáculo sorprendente, un viaje escénico gestual que salta las barreras del lo racional, para estimular el imaginario y el espíritu lúdico del espectador”.

Y de este lado del Atlántico son la compañía Micomicón que presenta en Almagro Santa Perpetua de Laila Ripoll y Cuarteto del alba, obra escrita por Carlos Gil con dirección de Lander Iglesias y producción de Laurentzi. Además la compañía almagreña El Taular estrena A house is a home, una versión libre de la obra ‘Agosto’ de Tracy Letts; la programación dirigida al público infantil incluye los espectáculos Loca ciencia loca de Los Hermanos Flores y El camarón encantado de Juglar Teatro y al igual que en ediciones anteriores, el festival bajará el telón por este año con la Fiesta de los Juglares del Siglo XXI.

Versión transitoria de Les Translatines El Festival de Teatro Les Translatines de Baiona y Biarritz tiene una periodicidad bienal por lo que en los años pares organiza una versión reducida y recordatoria que esta año tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de octubre en las dos localidades labortanas y en Anglet.

La cita comienza con el unipersonal Quela de la mexicana Odille Lauría que pone en escena las cartas que novelista mejicana Elena Poniatowska imaginó escribió la pintora Angelina Beloff y envió desde París a su marido Diego Rivera Mi muñequita de la compañía chilena La Mala Nueva es fruto del encuentro entre el director francés Adel Hakim, jóvenes actores chilenos y el autor más notable del Uruguay actual, Gabriel Calderón; un sorprendente diálogo entre una niña y su muñeca que destapa los aspectos violentos e inmorales de una aparente familia normal.

La programación de este año se completa con la propuesta de los alumnos de la escuela de teatro de Burdeos que realizarán una lectura dramatizada de la obra Pedro Páramo del autor mexicano Juan Rulfo bajo la dirección de Catherine Marnas y Gérard Laurent y Théâtre des Chimères que realizará un taller de lectura de la obra ‘Dos hermanas’ de Fabio Rubiano.

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Festival Temporada Alta Del 3 de octubre al 8 de diciembre tendrá lugar en Girona y Salt la vigésima tercera edición de Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya, una edición que destaca por los estrenos del país, la creación contemporánea y la programación extranjera más relevante. 90 espectáculos, con 26 estrenos absolutos y 27 coproducciones, se podrán ver en los 23 espacios de exhibición de Salt, Girona y otras ciudades. Espectáculos de grandes creadores como Peter Brook, Krystian Lupa, Alain Platel, Christoph Marthaler, Brett Bailey, Romeo Castellucci, Jan Fabre o Christiane Jatahy junto a algunos nombres de artistas emergentes europeos e iberoamericanos se intercalan con diversas actividades que convierten al festival en una cita ©Mats Bäcker indispensable con las Artes Escénicas.

La bailarina y coreógrafa Sol Picó es la encargada de dar el pistoletazo de salida con el estreno de su nuevo espectáculo One-hit wonders y estreno es también El president de Thomas Bernhard con dirección de Carme Portacelli y coproducido por el Teatre Nacional de Catalunya, ambos estrenos coproducidos por el festival. El resto de estrenos tendrán lugar a lo largo del mes de noviembre y diciembre pero el 6 de octubre se celebrará el ‘IV Torneo de dramaturgia catalana’ en el que se enfrenan algunas de las mejores voces de la escena catalana como Carles Mallo, Àlex Mañas, Toni Gomila, Iván Morales, Daniela Feixas, Rodolf Sirera, Manel Dueso y Roger Peña. Y durante este primer mes de festival se podrá disfrutar con los espectáculos de grandes de la escena internacional como I si elles marxessin a Moscou? de Christiane Jatahy, a partir de ‘Las tres hermanas’ de Anton Chéjov, La carta el clown Paolo Nani, el Macbeth en forma de ópera y con el conflicto del Congo de fondo de Brett Bailey, El vestit (The suit) de Peter Brook, Tala (Wycinka) una revisión del texto de Thomas Bernhard por Krystian Lupa o El intérprete que protagoniza Asier Etxeandia y La máquina de la soledad de Jomy Oligor y Shaday Larios. Els dies feliços de Sammuel Beckett dirigida por Sergi Belbel, Tebasland de Sergio Blanco y el espectáculo de circo Teixint la pau de compañía sueca de circo Cirkus Cirkör completa el primer mes del festival.

Festival de Pallassos Tortell Poltrona, Leo Bassi, Peter Shub, Housch Ma Housch y Licedei encabezan la programación del Festival Internacional de Pallassos ‘Memorial Charlie Rivel’, que organiza el Ajuntament de Cornellà y que Housch Ma Housch ©Igor Kulinski tendrá lugar entre el 13 y el 19 de octubre en diversos espacios del municipio. Este festival, dedicado exclusivamente al género clown convertirá el día 19 el Parc de Can Mercader en el Parc dels Pallassos con propuestas de calle de humor durante todo el día y para todos los públicos y un años más ofrece una programación infantil y escolar con espectáculos escogidos con mucho mimo y para cada una de las franjas de edad se elige el mejor espacio para ofrecer las obras en las condiciones idóneas de visibilidad. Este año, el festival rinde homenaje al recientemente desaparecido payaso Joan Montanyès ‘Monti’ a quien concederá a título póstumo el Premio Nas d’Or (galardón que distingue aquellas personalidades que en su trabajo se han erigido como divulgadores reconocidos del mundo del payaso), y se presentará el espectáculo Rhum en el cual estaba trabajando cuando murió en 2013, una reflexión sobre el oficio de hacer reír que parte del payaso de principios del siglo XX.

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M ITIN en Sevilla Por séptimo año AtalayaTNT organiza la Muestra Internacional de Investigación Teatral, MITIN que tendrá lugar en el Centro de Investigación Teatral de Sevilla del 17 al 26 de octubre. El estreno absoluto Atalaya de La Espera de Teatro de la Inclusión inaugura esta edición en la que el teatro social también estará representado por la Escuela Municipal de Teatro de Úbeda con una versión de El principito. Este año el Odin Teatret cumple cincuenta años y Atalaya-TNT homenajea a la actriz y fundadora de la compañía danesa Else Marie Laukvik que pondrá en escena el emotivo espectáculo Memoria. Madrecoraje, de Atalaya, las dos obras de la legendaria Cuatrotablas de Perú, Los ríos profundos y La nave de la memoria y la coproducción chileno-balear La dulce Ingeborg completan la programación que dará paso a la sexta edición de CENIT-Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales que tendrá lugar del 30 de octubre al 2 de noviembre con espectáculos como 30e tantos osos de Aporia Teatro, Flores en la cuneta de Maite Tarazona y Entre todos la mataron y ella sola se murió de Estigma Teatro entre otros.

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14 octubre Fiestas del Pilar 2014

Las Artes de Calle se hacen imprescindibles en Zaragoza Dentro del amplio programa de actividades que la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural organiza con motivo de las fiestas de El Pilar que este año 2014 se celebrarán entre el 4 y el 13 de octubre, la presencia de diferentes programaciones dedicadas a las artes escénicas realizadas en espacios abiertos o habilitados destaca de manera contundente por su importancia. Se podrá disfrutar de la décima primera edición del Concurso de Teatro Off de Calle que se realizará los días 7-8 y 9 de octubre

con actuaciones en la plaza de San Bruno y el Anfiteatro, lugar donde también se ofrecerán otros espectáculos de artes de calle a lo largo de todas las fiestas, al igual que en la Plaza del Pilar-Delegación de Gobierno. El Festival de Teatro de Feria. Parque de Marionetas que se realizará en el Parque José Antonio Labordeta, conocido popularmente como Parque Grande, y por segundo año se podrá disfrutar del proyecto titulado Colores de Otoño en el Parque de las Delicias.

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e debe ir provisto de un buen organizador y guía para poder acudir a todos los eventos, espectáculos, performances artísticos, teatrales, de danza, circo o variedades que se pueden encontrar por las calles, plazas y parques de Zaragoza durante las fiestas de El Pilar. Algunas están acotadas, incluso con rango competitivo como es el Concurso de Off de Calle que ya ha llegado a la décima primera edición, y que se trata de una muestra de espectáculos seleccionados tras una amplia convocatoria que concursan por ganarse un único premio que les da vía libre para actuar en otros festivales, fiestas o ferias de teatro de calle de diferentes puntos del Estado español. Así, los días 7, 8 y 9 de octubre se podrán ver en la Plaza de San Bruno y el escenario del Anfiteatro las actuaciones de La Calabaza (Danza-Clown-Música); Capicúa (Circo); Antonella D`Ascenzi; Professore Karoli (Circo); Errabundo Pelele (Teatro títeres); Xa! Teatre (Circo-Teatro); Nostraxladamus (Teatro comedia); JAM (Clown); Pea Green Boa (Títeres); La Clandestina (Circo); Margarito (Clown-Circo) y Puntmoc 40´ (Clown-Circo).

Abiertas las actuaciones a todos los públicos, un jurado decidirá la obra que se llevará el premio consistente en la participación en la Fira Mediterránia de Manresa 2015 (Cataluña), la Umore Azoka, Feria de Artistas Callejeros de Leioa 2015 (Euskadi), en las Fiestas de San Mateo de

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The best off de Leo Bassi

Logroño 2015 (La Rioja) y la FiraTàrrega 2015 (Cataluña).

Teatro de Feria

Por quinto año consecutivo se celebrará el Festival Internacional de Teatro de Feria. Parque de las Marionetas, que tendrá lugar en el parque José Antonio Labordeta del 9 (sólo tarde) al 13 de octubre. La inauguración será una Batukada a cargo de Samba Da Braça (Aragón). Divido en diversos apartados y secciones, en la Zona del Kiosko, en su Cúpula musical, Che y

Moche (Aragón) presentará su Orquesta y espectáculo Liquidación por cierre con mini conciertos de 15 minutos y la participación de los solistas Olga Churchich (Bulgaria); Tracalet Teatro (Galicia); Marta Cortel (Aragón); Luis Zornoza (Andalucía) junto a los artesanos Adriana Mazuryzyn (Argentina); Títeres la Tiendita (Extremadura): Etcétera Marionetas (Castilla León); Grupo Zaragozano de Papiroflexia (talleres) (Aragón); Librería Antígona (Aragón); Arbolé Editorial (Aragón).

En La Zona Barracas, el Salón de los Sueños donde estará Jordi Bertrán (Cata-

octubre lunya) con No clinc clinc y El vuelo del Moscardón, títeres corporales y de objetos. La Carpa Bagdag, acogerá a La Rous (Andalucía) con La Casa del Abuelo, títeres.

En Melodías, Hop! (Comunidad Valenciana) con Molinereta, títeres y marionetas. En el Palacio de los Prodigios estarán Los Títeres de la Tía Elena (Aragón), con Millán Zirkus, a base de marionetas de hilo. En Cabeza Parlante, Títeres sin Cabeza (Aragón) presentarán Diminutivo. Estos espectáculos con pases a diferentes horas son para niños y niñas de tres a cinco años.

La Zona Escenario Infantil la inaugurará Teatro_Arbolé (Aragón) con El Poeta y Platero el jueves 9 de octubre a las seis de la tarde que se enmarca en los actos de conmemoración del centenario de ”Platero y yo” de Juan Ramón Jiménez.

Teatro Mutis de Segovia presentará El Espantapájaros el viernes 10, mientras que Producciones Viridiana (Aragón) con Pienso Mesa y digo silla lo hará el día 11.

Los Titiriteros de Binéfar (Aragón) se presentarán con su clásico Maricastaña, el domingo 12 y Teatro Plus (Serbia. Bél-

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En la Zona de Juegos la Cía. Le Montreur de Francia con Le Manipuloparc - Parc de attractions pour marionnettes. Juegos para todos los públicos a partir de 3 años.

Y la Cie. L’Arbassonge de Francia con La Galéjade ofrecerá un itinerante con varios pases a lo largo del día. Espectáculo de calle para todos los públicos que cuenta con el añadido de apariciones sorpresa.

Gelajauziak de Kukai Dantza © Gari Garaialde

gica. Asturias) con ¡Quiero ser Guapa! el lunes 13 cerrarán las actuaciones en este espacio.

En la Zona Teatro de Feria, se podrán ver a El que mal queda de teatre y L’Avalot Teatre de Cataluña con Los secretos de Mr. Stromboli, con varias sesiones de veinte minutos. Periferia Teatro de Murcia con Huellas, en sesiones de veinte minutos.

Civi Civiac (Aragón) con El Chistera, magia para todos los públicos en sesiones de veinte minutos y Teatro Diadres de Castilla y León con La Cabeza Parlante también en sesiones de veinte minutos completan la oferta en este espacio

Parque de las Delicias

El denominado ‘Colores de otoño’ vuelve en su segundo año para completar su oferta de diferentes espacios creativos y de participación diseminados por el Parque de las Delicias, Siguiendo la línea de la edición anterior se propone la invención y producción de nuevas actividades convenientemente remodeladas y adaptadas a un nuevo marco conceptual, rentabilizando al máximo elementos y materiales propiedad de Zaragoza Cultural. Para mantener y acrecentar el interés y la curiosidad del público asistente, en este proyecto se actúa sobre tres ejes fundamentales:

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14 octubre Partiendo de la evidencia de que la excepcionalidad de una fiesta invita en primer lugar a la diversión y el ocio, no está de más considerar que esa misma excepcionalidad es la ocasión para promover unas actitudes ciudadanas y unas experiencias colectivas que apunten en la dirección de una convivencia sensible a las diferencias y al entorno y de una actitud creativa y afable y sobre todo concienciando sobre la necesidad del reciclaje.

Para ello todas las actividades son pensadas y realizadas para que los participantes puedan interactuar, observar y disfrutar de los elementos naturales del parque y que sean sensibles también a la estación del año, el otoño, con sus cambios cromáticos y atmosféricos. El espacio del parque y el tiempo del otoño no están ahí únicamente como marco y decorado de la fiesta sino que observarlos y jugar con ellos puede resultar un ejercicio lúdico paralelo a una experiencia estética. No se trata de ocupar el parque sino de vivirlo.

En este sentido es muy importante que las actividades no queden aisladas en los amplios espacios del parque sino que, por medio de una decoración especial, dan la sensación de continuidad al conjunto de la instalación.

Se pretende conseguir un espacio unitario y global, condensando las actividades e interconectadas, evitando espacios vacíos entre ellas. Se proponen actividades de muy diversa índole, desde talleres artísticos a juegos divertidos, desde actividades físicas a pruebas de habilidad y espectáculos para público infantil y familiar de todas las edades.

Todas las actividades se proponen en áreas de experiencia especialmente interesantes para la educación y el ocio infantil: sensibilidad y creatividad, encuentro con la naturaleza, coordinación corporal, concienciación con la necesidad del reciclaje y de sus múltiples usos colaboración en grupo.

Una programación de actuaciones de teatro, danza, narración oral y otras manifestaciones escénicas en diversos partes del parque, más los espacios habilitados para las experiencia completan esta oferta lúdica.

Otros Espacios Relevantes

Durante todos los días festivos diversas actuaciones de artistas de primer orden 58

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difundir un mensaje positivo frente a las amenazas actuales en el mundo y hacerlo con coherencia filosófica y una inusitada facilidad de generar discursos a través del humor.

Seguirá en este espacio el día 11 la actuación de otro gran payaso, el catalán Marcel Gros, que encandilará a pequeños y grandes con su delicado y emocionante espectáculo titulado Fenomenal.

Otro clown italiano Matteo Galbuera presentará The Loser, un espectáculo denominado por el propio artista como cómico, demencial y surrealista, el día 12 y cerrará este ciclo de actuaciones los franceses de La boca abierta un dúo compuesto por Anne Kaempf & Lior Shoov Capicúa con Une aventure un trabajo de una gran sensibilidad, musical y lleno de improvisaciones a cargo de dos artistas clowns que crean un mundo delicado y acogedor para todos los públicos.

En paralelo, en la Plaza del PilarDelegación de Gobierno un programa popular también de alta calidad que se abre con las actuaciones de la pareja de payasos catalanes formada por Toti Toronell y Pepa Plana con su obra de fusión titulada Despistados el día 5, un ejercicio en donde lo espacial y lo íntimo se unen para crear un espacio particular de actuación y comunicación con los espectadores de todas las edades.

Los andaluces de Vaivén Circo con su celebrado dinámico y divertido Despistados de Toti Toronell y Pepa Plana espectáculo de nuevo circo titulado Do not disturb el día 9. Espectáculo de gran formato, de alto contenido social, en las artes callejeras se podrán disfrula propuesta de los valencianos de Xarxa tar tanto en el Anfiteatro como en la PlaTeatre, uno de los grupos más relevantes za del Pilar- Delegación del Gobierno. En del teatro de calle europeo, con su obra el Anfiteatro se podrá ver a la compañía Papers el día 10, al que seguirá al día sivasca de larga tradición en la calle y el guiente el grupo de vasco Kukai Dantza humor, muy conocida por los públicos de Taldea que ofrecería una representación Zaragoza, Trapu Zaharra, el domingo 5, presentando su obra Vive Soñando que se de su majestuoso espectáculo titulado Gelajauziak, donde la fusión entre las técinscribe en su más puro estilo paradójico, nicas y lenguajes de la danza tradicional de un lenguaje sencillo para ser entendivasca encuentra un punto de evolución y do por todos los públicos, y el lunes 6 se síntesis universalista con las coreografías podrá ver a los vitorianos de Pez Limbo con Lana, un trabajo de comedia con conde Cesc Gelabert. tenido social.

Cerrarán las actuaciones en este espaLos días 7,8 y 9 en este espacio del cio los también valencianos de La Trocola, con Potted, espectáculo de nuevo circo en Anfiteatro tendrán lugar las actuaciones el que sus cuatro componentes se unen señalas del Off de Calle y será el día 10 con la intención de crear un espectáculo cuando se presente el espectáculo resuúnico y original basado en la investigación men del genial clown italiano, Leo Bassi titulado The best off donde se puede ver la del espacio, los objetos, las estructuras y capacidad de este payaso universal para el ritmo.

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La temporada empieza con fuerza en Bizkaia

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demás del estreno de las versiones en castellano y euskara de El principio de Arquímedes de Josep Maria Miró i Corominas a cargo de Maskarada, y del que se da cumplida información en las páginas 10 y 11 de este número, y de Cuarteto del alba obra escrita por Carlos Gil y llevada a escena por Laurentzi Producciones que se presenta en Bizkaia en el marco del festival BAD, el Teatro Arriaga de Bilbao ha programado un espectáculo de teatro más para el mes de octubre, ÓperaAcción Arriaga a cargo de dos compañías bilbainas, Las Txirenitas y Las Fellini, una obra en clave de cabaret protagonizada por unas insólitas “okupas” que han llegado para instalarse en el escenario del propio Arriaga.

La ópera bufa llega al coliseo bilbaino en una producción del propio Teatro Arriaga con original del Rossini Opera Festival de Pesaro, L’equivoco stravagante de Gioacchino Rossini y libreto de Gaetano Gasbarri. Emilio Sagi, es el director de escena de esta producción que se presenta ante el público con la intervención de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa BOS y el Coro Rossini dirigidos por Speranza Scapucci. Y otro espectáculo con el compositor de Pésaro como protagonista, En tono’s Rossini, “una gala despampanante, deslumbrante, espeluznante, descacharrante y lírica” en la que el tenor Enrique Viana descubrirá los secretos de las grandes óperas de Rossini.

La música es también la protagonista prin60

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La sombra del Tenorio de Morfeo Teatro

cipal de Allegro Vivace de Comediants, un espectáculo de iniciación a la ópera dirigido por Joan Font que se presenta en el Teatro Arriaga en su versión en euskara. A través de los fragmentos de grandes óperas como Monteverdi, Purcell, Mozart, Rossini, Donizetti, Berlioz, Verdi, Bizet y Puccini y unidas por un hilo argumental con el humor como protagonista, la obra cuenta la historia de una joven apasionada de la música moderna que termina descubriendo los tesoros de la ópera de la mano de un singular personaje.

La Fundición

Junto a la programación dedicada a los festivales Dantzaldia y BAD, La Fundición ofrece dos espectáculos de dos compañías señeras de la denominada escena alternativa estatal Cambaleo Teatro y Teatro Ensalle. La compañía que capitanea la sala La Nave de Cambaleo en Aranjuez, Madrid presenta en Bilbao una obra escrita y dirigida por Carlos Sarrió, intérprete a su vez junto a Begoña Crespo, Eva Blanco, Julio C. García y Antonio Sarrió de Nunca debimos empezar por ahí.

“Siempre tienes la necesidad de hacer algo.

De que pase algo. De construir algo que sirva para algo. Siempre tienes algo que resolver.

Algo que decir sobre algo. Construir. Alguna cosa que perviva. Para siempre. Te levantas cada día a ver que pasa. Reconstruyes cada día el mito de Sísifo”. Así se presenta la obra de Cambaleo Teatro, una obra sobre el pre-

sente, con el golpe de estado financiero y sus consecuencias en nuestra sociedad.

Teatro Ensalle, encargados a su vez de gestionar la sala del mismo nombre en Vigo, Pontevedra, presentan No deberíamos salir de aquí escrita y dirigida por Pedro Fresneda, una obra interpretada por Raquel Hernández, Artús Rei, Jorge Rúa que “celebra lo pequeño, a los héroes derrotados, las leyendas no leídas, la historia olvidada, las sucesivas capas de pelo piel carne sangre y hueso, piedra sobre piedra, la empatía la necesidad de aproximarnos unos a otros, la necesidad de celebrarnos, la violencia, la comida, la bebida, el teatro, la danza, la música, el hombre salvaje, el hombre bruto, la imaginación, la capacidad de invocar convocar conjurar, el animal, el ciclo de nacimiento y muerte…”.

TEATRO BARAKALDO

Dos obras de reconocidos autores suben al escenario del Teatro Barakaldo en sendas producciones. Las amistades peligrosas de Pierre Choderlos de Laclos en una puesta en escena de Metatarso Producciones dirigida por Dario Facal y en la que Carmen Conesa, Cristóbal Suárez, Iria del Río, Lucía Díez, Mariano Estudillo y Lola Manzano dan vida a los personajes de la célebre historia. La adaptación de la novela de Humberto Eco, El nombre de la rosa realizada por Garbi Losada, quien también se encarga de su

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Cambaleo Teatro

dirección para La Nave Teatro y Ados Teatroa, las peripecias de Fray Guillermo de Baskerville y Adso de Melk entre los frailes de la abadía benedictina del siglo XIV. Tres obras más en este caso de dramaturgos contemporáneos, Palabras, de Agurtzane Intxaurraga, una obra de Hika Teatroa acerca violencia ejercida sobre las mujeres; tres mujeres y una sola mujer. Tres voces de una sola vida; Continuidad en los parques de Jaime Puyol dirigida por Sergio Peris-Mencheta; una obra que disecciona la verdad a través de la veintena de personajes que se encuentran en el banco de un parque. Y por último la propuesta de Morfeo Teatro, La sombra del Tenorio de José Luis Alonso de Santos en la que bajo la dirección de Francisco Negro se recrean los mejores pasajes del Tenorio de Zorrilla, de la mano de un viejo cómico moribundo.

El espectáculo de danza Babel en el que la compañía LaMov ofrece un programa que agrupa tres de las coreografías más espectaculares de su repertorio ‘Consecuencias’, ‘Futile’ y ‘The Grammar of Silence’ y las dos obras dirigidas al público familiar, Enamorirse en la que la payasa Hula y el payaso Piojo intentarán recrear la trágica historia de amor de Píramo y Tisbe a partir de ‘El sueño de una noche de verano’ de Shakespeare de PTV Clown y About Ram, una obra de teatro experimental que se apoya en la animación, imágenes proyectadas, danza, máscaras y marionetas de la compañía india Kat-Katha puppets completa la programación.

KULTUR LEIOA

El público familiar podrá disfrutar con dos espectáculos en Kultur Leioa, DOT nuevo espectáculo de Maduixa Teatre inspirado en el artista norteamericano Sol Lewit y en el que la danza, la música y las nuevas tecnologías se combinan para ofrecer un mundo en el que todo es posible y Opera abeslaria de Deabru Beltzak & Tin Pan Alley, una oportunidad de acercarse al mundo de la ópera de manera lúdica. Una soprano, una actriz y una cantante de ópera cuentan y cantan esta historia basada en el cuento ‘Los secretos del secadero de tabaco’ de August Strindberg. Y dos son también los espectáculos escénicos dirigidos al público adulto, uno de teatro, Feelgood y otro de danza, Cesc Gelabert V.O.+.

El primero, de Teatro Español, Producciones Off y enTRAMAdos es una obra escurridiza escrita por Alistair Beaton en la que se apela a la realidad más cruda y más profunda del ser humano: la relación del hombre y el poder. Gelaber t Azzopardi Companyia de Dansa presenta tres solos y varias piezas antiguas del prestigioso coreógrafo y bailarín catalán miembro fundador a su vez de la compañía. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Bocca, Lorca y Marivaux

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a obra en euskara Pankreas abre la temporada teatral de Donostia.

Escrita por Patxo Telleria y dirigida por Jokin Oregi, esta tragicomediacontemporánea en verso que sube al escenario del Teatro Principal está interpretada por el propio Telleria junto a Mikel Martinez y Joseba Apaolaza y producida por Tar tean.

Otra propuesta en euskara en este caso presentada en Imanol Larzabal Aretoa, Salto de Metrokoadroka &. J. B. Pedradas pone sobre el escenario a un personaje encerrado en una sala en conversación con seis cabezas de maniquies y una sola frase convertida en obsesión: “saltar es lo que me diferencia de los muertos”; un espectáculo de humor absurdo, un extraño juego entre códigos escénicos dirigido por Paco Revueltas.

En el mismo espacio Histrión Teatro presenta una obra de tintes históricos, Juana, la reina que no quiso reinar de Jesús Carazo. Gema Matarranz da vida a esta mujer que sobrevivió a todos los que la repudiaron dejándola morir lentamente.

Sobre escena una mezcla explosiva de amor y desamor, ternura, crudeza, dolor

que habla sobre todo de la esencia del ser humano; en palabras de su directora “una crítica feroz y devertida llena de comprensión hacia nosotros mismos”. Y en la sala Club del Victoria Eugenia El espantapájaros de Tabutopía, presenta La casa de Bernarda Alba, una orma diferente de presentar a Bernarda y a sus hijas como marionetas dentro de un cuadro de meninas mezclando elementos de teatro de máscara y clown pero fiel al texto de García Lorca.

El uruguayo Ballet de Sodre que dirige Julio Bocca llega al Teatro Victoria Eugenia con El Mesías, una nueva versión de la coreografía de Mauricio Wainrot basada en la música de Georg Friedrich Häendel para la que se han seleccionado 32 temas del oratorio y el célebre ‘Aleluya’. Dantzaz Konpainia retoma esta temporada El Mesías de Ballet de Sodre ©Santiago Barreiro sus actuaciones en la sala Club de Victoria Eugenia y presenta Atalak y pasión. También histórica es El lenguaje XXII mientras que en Gazteszena se ofrede tus ojos o El príncipe travestido de Mace la posibilidad de disfrutar con la danza rivaux que pone en escena en el Victoria contemporánea con En el aire de la Cia. Cielo Raso. Igor Calonge ha creado esta Eugenia Teatro de la Danza bajo la dirección de Amelia Ochandiano. Un espectáculo pieza basa de la metáfora de un árbol y contemporáneo basado en un texto clásico el fruto maduro que cuelga de una rama, situado en un hipotético reino de España dispuesto ya a caer.

Continúa Dantza Zirkuitoa La X edición del Circuito de Danza Contemporánea impulsado por el Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco y coordinado por la red de teatros públicos Sarea entra en su trimestre final y en octubre son varias las funciones previstas. El último espectáculo de la Cia. Marta Carrasco, B. Flowers llega a Vitora-Gasteiz ciudad que también acogerá el espectáculo dirigido al público infantil y familiar realizado con materiales reciclados Basura Space de Krego Martin Danza al igual que Errenterioa y Alegría-Dulantzi.

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La Cia. Daniel Abreu pondrá en escena Silencio, un poema a la vida como una sucesión de contrastes, en Lasarte -Oria y la compañía capitaneada por Igor Calonge, Cielo Raso hará lo propio con En el aire en Donostia. NAN de Ertza dirigida e interpretada por Asier Zabaleta acompañado por la música en directo interpretada por Iñar Sastre llega a los escenarios de Elorrio y Eibar mientras que el último espectáculo de Aukeran Dantza Taldea, Geltokia metáfora de la vida como si de un viaje de tren se tratara estará en Tolosa y Gernika-Lumo.

NAN de Ertza ©Gorka Bravo

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Excelencias para todos

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a programación teatral del mes de octubre del Teatro Circo Murcia está compuesta por espectáculos como La estrella de Sevilla de Teatro Clásico de Sevilla con versión y dirección de Alfonso Zurro. Versión de otro clásico es también Mendoza, en este caso del ‘Macbeth’ de Shakespeare de Los Colochos Teatro de México. Juan Carrillo dirige esta obra con una dramaturgia alterna inspirada en autores como Juan Rulfo y Elena Garro que ubica la trama en un contexto mexicano. Y otra versión, Amantes, obra teatral de del guión cinematográfico del mismo nombre de Carlos Pérez Merinero, Vicente Aranda y Álvaro del Amo. Álvaro del Amo se ha encargado de la dramaturgia y dirección de esta coproducción de Sandra Toral Producciones y el CDN interpretada por Marta Belaustegui, Marc Clotet y Natalia Sánchez.

Carolina África es la autora y directora de Verano en diciembre una historia de las mujeres de una familia, una reflexión sobre la decrepitud y la toma de decisiones vitales que llega a los escenarios en una puesta en escena de La Belloch Teatro.

La compañía catalana T de Teatre vuelve con una obra que habla del miedo y la

protagonista de La ópera del Malandro de Chico Buarte, una propuesta de Teatro Defondo dirigida por Vanessa Martínez mientras que el humor lo inunda todo en Los Mejores Sketches de Monty Python, coproducción de L´Om Imprebís e Yllana.

Dos espectáculos de danza, En la memoria del cante: 1922 inspirada en el trabajo que Federico García Lorca desarrolla Pulgarcito de Teatro Paraíso ©Aitor Audicana sobre el Cante Jondo y el desarrollo del flamenco en el siglo valentía escrita y dirigida por Alfredo SanXX a cargo del Ballet Flamenco de Andalucía y Heritages de la compañía fundada por zol, Aventura!, y Soeurs es una propuesta dirigida también por su autor, pero en este Jean-Philippe Dury Elephant in the Black Box. caso el creador es Wajdi Mouawad. La comTres piezas conforman el programa: ‘Cel pañía Au Carré de L´Hipoténuse presenBlack Days’ y ‘Mémoires Oubliées’ del propio ta por primera vez en el Estado esta obra Dury y ‘Remansos’ de Nacho Duato. que junto con ‘Seuls’ forman el denominado La programación escénica se completa ‘Ciclo doméstico’ con el que Mouawad incon cuatro espectáculos dirigidos al público daga en sus figuras familiares. La lengua infantil enmarcados en el ‘Ciclo al teatro en materna, la identidad de cada uno, el dolor familia’. 100% Burbujas, unipersonal del maestro de las pompas Made in Jabón; La y la humillación de no poder hablar con liaventura de Tarik y Salah, una obra escrita bertad, son los puntos de partida de esta por Juan Montoro Lara sobre la inmigración obra interpretada por Annick Bergeron.

The Funamviolistas da nombre a la de Nacho Vilar Producciones; la adapcompañía y al espectáculo teatro-musical tación que Iñaki Rikarte ha realizado del que ponen en escena sus tres intérpretes/ cuento Pulgarcito y en la que se aborda el tema del abandono de Teatro Paraíso y el músicos/cantantes/bailarinas, Lila Horovitz, espectáculo de circo Cabaret Elegance de contrabajista, Ana Maou, violinista y Mayte Elegants.

Olmedilla, violista. Y la música es también

La danza en circuito Tras el descanso veraniego, el Circuito de danza ‘Danza a escena’ de La Red Española de Teatros regresa con fuerza en octubre con una docena de actuaciones en otros tantos teatros asociados. Entre los espectáculos que se pondrán en escena se encuentran Heritages danza neoclásica de Elephant in the black box company en San Sebastián de los Reyes y Murcia; la pieza de movimiento (remor) de Res de Res & en Blanc en Villena.

De danza moderna y contemporánea son las propuestas Babaol de Enámbar 64

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Danza (en A Coruña, Casteldefels y Rubí), Tatto de OtraDanza (en Villena y A Coruña) y en Leioa se podrá disfrutar con el solo Cesc Gelabert V. O. +, de Gelabert Azzopardi companyia de dansa. Maduixa Teatre pondrá en esccena en Leioa y Málaga Dot montaje inspirado en el artista Sol Lewitt y dirigido al público infantil y familiar y de otro género, en este caso el flamenco es En la memoria del cante: 1922 espectáculo dirigido por Rafaela Carrasco del Ballet Flamenco de Andalucía que llega a Vilanova i la Geltrú.

(remor) de Res de Res & en Blanc

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14 octubre Mercartes - 2014

El sector de las artes escénicas se reunirá en Valladolid Entrevista a Xosé Paulo Rodríguez, actual Presidente de la Red de Teatros, Auditorios, Ciircuitos y Festivales de titularidad pública

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ercartes está convocada por La Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (FAETEDA), por La Red Española de Teatros Auditorios, Circuitos y festivales de Titularidad Pública y la Asociación de Autores de Teatro. Además de las entidades convocantes, Mercartes 2014 que se celebrará los días 5, 6 y 7 de noviembre cuenta con la colaboración de la Feria de Valladolid, la Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado Español (COFAE), la Asociación de Empresas de Distribución y Gestión de las Artes Escénicas (ADGAE), La Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED), la Federación Estatal de Gestores Culturales, la Junta de Castilla y León, el Ayuntamiento de Valladolid y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

Como una de las partes convocantes de este encuentro entre profesionales, entrevistamos a Xosé Paulo Rodríguez, Presidente de la Red.

El nuevo equipo directivo de la Red dará continuidad a los proyectos que han marcado la hoja de ruta de la Asociación en los últimos años. Una de ellas es la cita bianual MERCARTES que este año celebra su 5ª edición y se vislumbran diversas novedades empezando por su nueva ubicación en Valladolid tras haber sido su sede las cuatro ediciones anteriores Sevilla. ¿A qué se debe este cambio? ¿Qué ventajas puede aportar?

-Debemos formular el cambio de 66

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ubicación de Mercartes en 2014 como una oportunidad cargada de ventajas para la mayoría de los participantes, por una parte, nos hemos acercado al norte, lo cual facilita los desplazamientos dada su proximidad a Madrid. Hemos contado con el apoyo de la Junta de Castilla y León y del Ayuntamiento de Valladolid que han apostado por Mercartes en su afán por promover las artes escénicas. La iniciativa nace por el ofreci-

miento del Ayuntamiento de Valladolid, a través de su institución ferial, de celebrar esta edición en sus instalaciones, esto supone una serie de ventajas para todo los participantes. La propuesta de la nueva ubicación fue bien acogida por el Comité Ejecutivo de Mercartes que tomó la decisión de cerrar la etapa de Mercartes en Sevilla y abrir una nueva en Valladolid con ventajas para los expositores y visitantes que participan en esta cita, entre otras las facilidades logísticas así como la reducción de tarifas, que calculamos en un 43% de media más baja que en las últimas ediciones. Entendemos que esto podrá estimular una mayor participación de todos los profesionales de la cadena de valor de las artes escénicas y ayudará a concluir Mercartes 2014 con un buen resultado.

-¿Qué claves de presente y futuro aporta un evento como Mercartes para los profesionales de los diversos ámbitos de las Artes Escénicas? ¿A qué retos se enfrenta Mercartes?

-Pienso que el objetivo matriz de Mercartes es el mismo que en las ediciones anteriores, dinamizar el mercado de las artes escénicas. Estamos hablando del mercado bienal del sector e las artes escénicas de España, en el participan buena parte de los agentes de este sector: creadores, productores y distribuidores, programadores y gestores de espacios escénicos, festivales y circuitos, empresas de equipamientos y servicios técnicos, ticketing, logística espectacular, comunicación y otros muchos servicios auxiliares.

El encuentro presencial ofrece una

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Xosé Paulo Rodríguez

relación más fluida e intensa y propicia nuevos contactos de los cuales podrán salir proyectos de colaboración entre los distintos agentes tanto públicos como privados.

Es obvio que el gran reto es superar las circunstancias de crisis que llevamos sufriendo los últimos años e impulsar el sector de las artes escénicas en clave económica y social.

-Mercartes se presenta como un mercado de formato eficiente, ¿cómo propicia esta cita la actividad comercial?

-En Mercartes creamos un ecosistema natural para el encuentro y para la canalización de sinergias que provoquen el nacimiento de nuevos proyectos creativos, es la plataforma perfecta para establecer contactos, para exponer y hablar de proyectos, para llegar a acuerdos comerciales y alianzas que marcarán el futuro de las artes escénicas y crearán el contexto que queramos construir entre todos los agentes del sector.

Cuando hablamos de mercado eficiente debemos hacer hincapié en la estructuración del mismo, la coexistencia en un mismo espacio de: Foro de los negocios, Itinerarios guiados, Encuentros con autores, presentación de proyectos y la celebraciones de asambleas generales de FAETEDA y La Red Española de Teatros, imprimen el carácter de encuentro real que podrá servir para impulsar las artes escénicas en el contexto económico y social en el que actuamos.

-Una de las novedades a destacar es que se celebrará el primer Foro de reflexión, háblanos de ello.

Se trata de una experiencia piloto, que tendrá lugar la mañana del día 7 de noviembre. Este I Foro de Mercartes, bajo el título Claves para el impulso de las Artes Escénicas en el nuevo contexto económico y social, ha de ser un espacio para la reflexión y el debate sobre la realidad del momento y para formular entre todos cuales deben ser las claves para el futuro de nuestro sector.

Debemos saber cuáles son las oportunidades de mercado, tanto interno como externo, debemos conocer como se estructuran las redes formales e informales, a veces ocasionales.

El objetivo básico será la identificación de las claves tecnológicas, logísticas, económicas e institucionales que permitan impulsar el sector tanto a nivel cualitativo como cuantitativo. Conocer la tendencias actuales de los mercados de las artes escénicas y las oportunidades con las que podemos contar nos permitirá trazar las estrategia a medio y largo plazo. El foro también servirá de marco para analizar proyectos que están en marcha en la actualidad y que podemos considerar como modelos de buenas prácticas. De este modo, el INAEM hará una valoración del Programa Platea, y La Red Española de Teatros valorará el programa Danza a Escena que se realiza con la financiación del lNAEM, así mismo La Red presentará su Mapa de Programación mostrando la evolución con datos comparativos desde 2012 hasta el primer semestre de 2014. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre Luz negra

Josu Montero

... y doscientos. Confesiones

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i se han fijado ustedes, aquí arriba, a su izquierda, hay una pequeña foto de servidor; les confieso, en honor a la verdad, que no me hace justicia… pero no iba a eso. Cuando hace ya tantísimo, el director de esta revista, Carlos Gil, me invitó a participar en ella, la fotito que empezó a aparecer aquí arriba era otra bien distinta; años después fue sustituida por ésta, y va siendo ya también hora de cambiar ésta por otra más actual.

Creo que fue Barthes quien escribió sobre cómo en el fondo las fotografías nos hablan siempre del paso del tiempo, más aún cuando esas fotos nos muestran a nosotros mismos, o a esos extraños seres que éramos. El caso es que mes a mes, página a página, me he ido haciendo más viejo; y también seguramente menos ingenuo y entusiasta, más resabiao y hasta, confesémoslo, un poquito amargao. Les reconozco que en este tiempo, en todos estos años, el teatro –arte colectivo y solidario– me ha ido apasionando cada vez menos, y que la literatura –arte individual, íntimo, solitario– me ha ido atrapando cada vez más. Es terrible, también, comprobar cómo me da cada vez más pereza ir al teatro. Cuando empecé con esta página, sin ir más lejos, me lanzaba aquí o a acullá a ver obras, y era capaz de tragarme la función más indigesta y de salir encantado ponderando lo que de bueno había en ella; y siempre, siempre había algo bueno. Ahora casi me arrastro resignado cuando finalmente me decido –y puedo– a ir al teatro; y casi siempre durante el espectáculo, me remuevo en mi butaca, refunfuño y resoplo para padecimiento de quien me acompaña; así que prefiero ir solo para no dar la brasa sino a mí mismo, aunque lo cierto es que yo también me aguanto cada vez menos. Y además cuando luego dan premios y parabienes a algunas de esas obras que he conseguido aguantar a duras penas, entonces confirmo, con indefensa perplejidad, que bien el mundo está loco, o bien que soy yo quien no entiende nada de nada. A veces pienso últimamente que lo que sucede es que no me gusta el teatro, que me ha dejado de gustar o que quizá no me ha gustado realmente nunca.

Y me sucede también algo parecido con los textos teatrales: que cada vez me cuesta más hallar uno ante el que rendirme sin remisión. Si ustedes son tan inexplicablemente gentiles con servidor, con el trabajo de servidor, y leen aunque sea de cuando en vez esta página, se habrán dado seguramente cuenta de que mi tendencia natural es la de hacer críticas, digamos, positivas, ponderar la obra señalando sus virtudes para animar al lector, o sea a usted, a su lectura. No soy nada amigo de elegir para reseñar obras que no me gusten para meter el dedo en la llaga, cebarme, mostrar lo listo que soy colocándome por encima de la obra; intento más bien –otra cosa es que lo consiga– colocarme al ras del texto comentado; y casi siempre para ello he de ponerme de puntillas o subirme a algún sitio. Siempre intento elegir obras que me exijan; y también esas son las que me gustan sobre el escenario. Y esas son las que cada vez me cuesta más encontrar, tanto en un sitio como en el otro. Aunque les prometo que en lo que a mí respecta al menos seguiré buscándolas y comentándoselas, como si ustedes fueran unos viejos conocidos con los que me encuentro de vez en cuando y a los que quisiera animar a leer eso que a mi

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me ha hecho vibrar o gozar o me ha dado vuelta a las tripas.

Ya puestos permítanme otra confesión: cada vez me cuesta más escribir; entiéndanme, cada vez me resulta más fácil hacerlo –debe de ser eso del oficio que dan los años–, pero cada vez me interesa menos hacerlo, me da –otra vez– más pereza. Siempre he pensado que cuando a uno le empieza a resultar fácil hacer algo, mala señal, mejor dejarlo y buscar otra cosa donde no te sirva el piloto automático. O hacerlo de otra forma, buscar otra manera de hacerlo. El caso es que cada vez disfruto menos escribiendo y más leyendo.

He reflexionado algo al respecto y no me parece absurdo asociar escribir con hablar y leer con escuchar; es por eso que vinculo mi desgana para escribir con ese proceso de misantropía general al que tiendo. Por otra parte, la gente se divide claramente en dos: los que hablan y los que escuchan. El arte teatral se basa de hecho en esa dicotomía: el escenario y el patio de butacas –aunque crean los optimistas bienpensantes que eso es un diálogo–. Es por eso que en el teatro abundan tanto los que hablan, aunque sean escasos los que saben hablar; y es por eso que es tan raro en el teatro eso de escuchar, y más aún lo de saber escuchar, si bien lo cierto es que esto último es raro entre el común de los mortales.

Otra cosa que, abusando de la ocasión ésta del aniversario y de su paciencia, no quería dejar de contarles algo que tiene que ver con el origen del título genérico de esta ya demasiado veterana página de crítica de textos teatrales. Eso de “Luz negra”, claro, no es mío; es de un poeta francés, uno de los padres de la poesía moderna, Stèphane Mallarmè, y lo tomó de él un poeta y crítico español, Andrés Sánchez Robayna. Esa “Luz negra” no es sino el poder de iluminación y de conocimiento que propicia el proceso creativo a través de la escritura, de las palabras: manchas negras sobre el blanco papel. Y de ahí podríamos pasar a cómo el lenguaje nos hace pensar, o cómo pensamos a través del lenguaje, o como escribió Wittgenstein: “Los límites de nuestro lenguaje son los límites de nuestro mundo”.

Y he dejado para el final mi profundo agradecimiento y mi reconocimiento para todos aquellos que han hecho y los que siguen haciendo posible esta revista de artes escénicas, de información y de reflexión; toda una verdadera empresa, y no en el sentido económico del término, claro, sino en su acepción más heroica, épica, quijotesca (lo malo es que en este caso no son realmente molinos sino gigantes, aunque eso sí, de enanos cerebros). Y agradecer cómo no la confianza en mí depositada y la libertad más plena de la que he disfrutado, que aunque se da por supuesta, uno ha comprobado que casi siempre tiene sus límites; y al menos yo en Artez no los he encontrado.

Les juro a ustedes que había comenzado a escribir con la intención de acercarme críticamente a un texto teatral, en este caso a dos textos teatrales contenidos en un volumen; y que había elegido para esta ocasión del número 200 de Artez porque son dos obras que hablan del teatro, de la naturaleza del teatro y de los sinsabores y miserias de esta profesión. Se trataba de la ya clásica “El veneno del teatro” y de la recientísima “Trío”, ambas del dramaturgo valenciano Rodolf Sirera. Pero eso será ya para el número 201.

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

Cuenca se llena de cuentos

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a Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Cuenca recupera el festival D´Palabra, que se venía realizando desde hace once años, en la desaparecida Feria Regional del Libro, la Lectura y las Industrias Culturales, y que en esta ocasión se enmarca dentro de la programación de Otoño en las Hoces. Es un motivo de celebración. En esta edición 2014, el festival se desarrollará en el Teatro Auditorio, el Centro Cultural Aguirre y un espacio aún por determinar para la sesión golfa, los días 2, 3 y 4 de octubre.

El Festival D’Palabra presenta el arte de la palabra dicha sin artificios, sin arterías ni engaños. La palabra desnuda llega a la persona que escucha como una intensa historia vivida desde el arte más antiguo que se conoce. Ojalá sirva también para la difusión y divulgación de este oficio de viento, que a tantas personas hace estremecer, reír, detener, disfrutar.

El Festival tendrá lugar entre el 2 y el 4 de octubre en el Teatro Auditorio de Cuenca y el Centro Cultural Aguirre. Los espectáculos de narración oral se han diseñado teniendo en cuenta la edad de los espectadores. Así, habrá uno para niños de uno a cuatro años el día 4 a las 12 horas, dos dirigidos a menores de entre cuatro y diez años los días 3 y 4 a las seis de la tarde, y tres para mayores de 16 años los días 2, 3 y 4 a las ocho y media de la tarde. Todos ellos tendrán lugar en la Sala 2 del Teatro Auditorio. Dentro del Festival habrá además dos funciones de narración oral gratuitas en el Centro Cultural Aguirre (días 2 y 3 a partir de las diez de la mañana) dirigidas a estudiantes de Secundaria; y una sesión golfa, para público adulto, que tendrá lugar el día 3.

Tres son los contadores de historias que participarán en esta edición del Festival. Su solvencia es reconocida en el mundo de las bibliotecas, la educación y los teatros: Félix Albo (Alicante), que además dirige este festival, abre y cierra el calendario; se hará cargo de la charla informativa, de un espectáculo para Secundaria, uno para público adulto y participará en la función colectiva. Sus propuestas combinan de manera sorprendente el humor y la ternura. Sus historias son cercanas, cotidianas. Y su manera de mirar, el lugar desde donde las narra, las hace únicas, excitantes e intensas.

Eugenia Manzanera (Toledo) es una “cuentista” que combina distintas artes escénicas para potenciar la narración. Su trabajo, siempre con una cuidada puesta en escena, está lleno de peculiaridades únicas. Hay momentos en los que habla a velocidades vertiginosas.

Si Félix Albo nos mece con su manera de contar, ella puede hacernos bailar con giros humorísticos ahí donde menos lo esperas y ostenta un asombroso dominio de la expresión gestual. Además de contar en la función colectiva, actuará en un espectáculo familiar, otro para bebés y otro para público adulto.

Por su parte, Pepe Maestro (Cádiz) embelesa tanto a las personas adultas tanto como a las jóvenes y al público infantil con historias la mar de cotidianas. Combina la narración tradicional, la gestualidad, la emoción y ciertas trazas del mundo mágico, con el dinamismo y el ritmo más contemporáneos. Le escucharemos en una narración familiar, otra para Secundaria, una para público adulto y en la sesión

golfa, donde se unirán estos tres grandes cuentistas.

Habrá dos actividades de carácter especial destinadas al público adulto. Por un lado, la posibilidad de, al concluir cada función, poder conversar con los protagonistas e intercambiar opiniones, aportando interlocuciones críticas y enriquecedoras. Del mismo modo, la segunda de las actividades, bajo el nombre El cuento en casa, tratará de explicar la importancia y trascendencia del cuento en la comunicación y desarrollo de las capacidades individuales del ser humano, especialmente en los más pequeños. El público destinatario serán padres, madres y profesionales de la enseñanza y la intervención social. 90 minutos que tratarán de integrar la palabra y la oralidad en el imaginario individual y colectivo del ser humano.

Por otra parte, La Bienal Internacional de Teatro de Autor (BITA) también sobrevive un año más y celebrará del 19 al 26 de octubre una nueva edición en la capital conquense, la número nueve, apostando por el otoño -tradicionalmente se venía celebrando a finales de la primavera- y por el microteatro. Junto a los espectáculos de teatro de sala, de calle y de improvisación, los espectáculos de narración oral tendrán su lugar sobre los escenarios.

Por lo que se refiere al Teatro de calle, BITA prevé dos actuaciones infantiles y dos leyendas en el Casco Antiguo y cuatro representaciones de calle; mientras que bajo la sección Teatro de la escuela, se programarán cinco sesiones de narración oral en la Sala Theo Alcántara del Auditorio. El festival incluye, por otro lado, actividades paralelas como cinco teatros radiofónicos, dos actuaciones de títeres y seis actuaciones nocturnas por parte de cuentistas llegados desde diferentes puntos de la geografía española, que tendrán lugar en la iglesia de San Miguel.

Según Ángel Suárez de la Asociación Amigos del Teatro de Cuenca, promotora de esta Bienal, se trata de un programa de gran calidad, pese a que los problemas económicos, por la falta de colaboración, siguen ahí. “Pese a contar con casi 20 años de trayectoria con BITA hemos dejado de estar en esa vía de ayudas directas por cuestiones de no se sabe qué”. La supresión de las ayudas de la Junta y la drástica reducción de Diputación obligaron a la Asociación de Amigos del Teatro de Cuenca a buscar una recaudación de 3000 euros entre la ciudadanía conquense. “Se puede hacer un buen festival, pero para ello hay que sacar un rendimiento máximo al dinero, que pone los límites. De dos fines de semana pasamos a programar solo uno, y la semana empezará el martes en vez del lunes. Cuadrar las cuentas dependerá mucho de la taquilla, porque se nos ha ido un el dinero en hacer una buena programación”, señala Ángel Suárez. Entre las noticias positivas, destaca la colaboración con el festival de la Organización Internacional de Teatro Iberoamericano, que les ha dejado tres de sus grandes grupos al 50% del cachet. También otros autores, como la narradora profesional Paula Carbonell, donan a BITA una de sus actuaciones.

Así que pese a los peses, habrá Bienal de Teatro y dentro de este prestigioso marco habrá cuentos. Yo en octubre quiero vivir en Cuenca. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre Jorge Dubatti

Teatro de los ausentes, teatro de los muertos

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os nuevas creaciones del teatro argentino se vinculan con la invocación de ausencias: Cartas de la ausente y Para mí sos hermosa.

Tras su aclamada presentación en la Sala Orestes Caviglia del Teatro Nacional Cervantes, el valioso espectáculo Cartas de la ausente, dramaturgia de Ariel Barchilón y dirección de Mónica Viñao, está realizando una gira nacional por las provincias argentinas. Hay que celebrar que el Teatro Nacional Cervantes diseñe estas giras, verdadera concreción de una política teatral federal, ya que permiten la proyección del teatro de Buenos Aires y forman parte de un plan mayor de conexiones dentro de un país teatral de cartografía multipolar tan rica.

En Cartas de la ausente, el texto de Barchilón despliega la situación del primer encuentro cara a cara, convivial, hacia 1930, de doña Elvirita –una viuda ya entrada en años- y Rufino –quien ha pasado su juventud encerrado en el Penal de Ushuaia, durante dos décadas, cumpliendo su condena de asesino a sueldo-. El vínculo entre ambos ha sido hasta entonces a través de cartas, forma de comunicación que les ha permitido la multiplicación de identidades imaginarias y la confluencia de, al menos, tres esquemas de relaciones triangulares (Elvirita-Luli-Rufino, Libertario-Luli-Rufino, Libertario-Rufino-Elvirita), en los que se combinan subterráneamente las referencias literarias al drama Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand, a la nouvelle Aura de Carlos Fuentes y al cuento Emma Zunz de Jorge Luis Borges.

El principio estructurante de Cartas de la ausente es un largo encuentro personal (retomando el término del crítico británico Eric Bentley en La vida del drama) en la galería y el patio de una antigua casa de barrio (sutilmente des-realizada por la escenografía de Graciela Galán y la iluminación de Jorge Pastorino). Por dicho encuentro -que va construyendo la gradación de conflicto de la relación en casi una única situación in crescendo, pero a través de diversos estados y acciones internas-, Elvirita y Rufino acabarán transformados: en él podrán confesarse ciertas verdades, que la escritura de las cartas permitía ocultar y postergar. El final, parcialmente abierto, se complementa y prolonga sugerentemente en la imagen del programa de mano (diseñado por Verónica Duh y Ana Dulce Collados), que evoca ambiguamente las antiguas fotos de casamiento. Hay en el universo de Cartas de la ausente un deliberado trabajo con los matices de lo “retro”, con el encanto “vintage”, una poesía de lo viejo que contrasta deliberadamente con el vértigo y el estrépito del mundo actual.

En esta trama de aparente sencillez se encarnan diversas problemáticas de fuerte interés, cuya potencia la puesta de Mónica Viñao multiplica. Con un trabajo actoral memorable, Daniel Fanego está a cargo del personaje de Elvirita, y esto dispara la situación hacia direcciones diversas. Fanego evita sutilmente el peligro de derrapar en la caricatura o de producir una comicidad involuntaria, segura-

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mente lo guía internamente el homenaje a algún “modelo vivo” que conoció en el pasado y hacia el que guarda entrañable respeto.

Por un lado, siguiendo la tradición ancestral del cross-acting y el cross-dressing (como a l0as mujeres les estaba prohibido actuar, los personajes femeninos eran asumidos por varones), obliga al espectador a recordar todo el tiempo la convención teatral, talla nuevos planos de representación dentro de la representación y llama la atención sobre el trabajo del actor (insistimos, realmente magnífico en el caso de Fanego), recuerda el rechazo que producía en la iglesia y los sectores más conservadores la “feminización” del hombre vestido de mujer (hoy tan frecuente, como en Muñeca y El corazón del incauto, en cartel). Por otro, cruza tiempos históricos y culturales para contrastarlos y así revelarlos en su diferencia: estalla el personaje de otra época (la mujer “decorosa” anterior a la popularización del psicoanálisis y a la modernización sexual de los sesenta) con la múltiple diversidad de género del presente (donde en facebook se puede optar entre 53 alternativas de género). Hace, literalmente, más “fea” a Elvirita (el dato es importante, porque esa fealdad se opondrá al retrato idealizado de la Luli de las cartas en la imaginación de Rufino y Libertario). Además, otorga al personaje mayor complejidad, extrañamiento (por ejemplo, cuando lee los versos de Libertario, Elvirita lo hace con la voz plenamente masculina de Fanego) y, a la par, universalidad.

El otro gran tema es el de la relación entre escritura y cuerpo.

En las cartas, la escritura es una tecnología que, más allá de la dimensión aurática inscripta en el trazo de la grafía manuscrita, permite sustraer el cuerpo material, ocultarlo en la sustitución de la letra. En la escritura de las cartas, el cuerpo de Elvirita puede ser el de Luli. En el encuentro territorial en la casa, cuerpo a cuerpo, no. En las cartas la grafía manuscrita de Libertario puede ocultar el analfabetismo de Rufino (personaje muy bien elaborado, aunque de menor lucimiento, por Vando Villamil). En el convivio, cuando hay que leer frente al otro, no. Si la experiencia tecnovivial de las cartas le permite a Elvirita ocultar su cuerpo, en el convivio que narra la obra el cuerpo material es el que habla, justamente el cuerpo que se abraza al otro cuerpo en el baile final, como adelanto de otros roces y contactos. El tecnovivio de la escritura favorece la idealización, el soñar despierto, el “amor al amor”, como lo llama Barchilón en el programa; el convivio cara a cara sólo admite un amor de cuerpos presentes. Pura manifestación tanto de la realidad como de lo real.

La pieza celebra los cuerpos presentes, y vuelve así a referir al teatro: justamente el convivio, la reunión de cuerpos presentes de artistas, técnicos y espectadores, es el fundamento del teatro.

Una última inscripción: la de la ausencia que el título nombra. ¿Quién es “la ausente”? Sin duda, en un primer plano, es Luli, la supuesta joven muerta. Pero también la ausente es, por necesidad, cualquier figura lo suficientemente lejana como para favorecer la en-

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Postales argentinas soñación y el idealismo del “amor al amor”. Pero volvemos, nuevamente, a la naturaleza del teatro, sobre el que parece hablar todo el tiempo Cartas de la ausente: acontecimiento de presencia de los actores y ausencia de los personajes. ¿Qué mejor manera de expresar la ausencia de Elvirita que poner en presencia el cuerpo de Fanego?

Lo dice el gran director mexicano Luis de Tavira de manera precisa: “El escenario es el lugar donde todo lo que es, siempre es otra cosa.

El teatro es un mirador donde todo lo que es puede aparecer, pero sólo se reconoce cuando desaparece”. La ausente es Elvirita, y por extensión todo personaje, y en círculo aún más amplio la ficción, que acontece no en la escena sino en nuestra imaginación. Por todo esto, Cartas de la ausente es un espectáculo imperdible.

Vayamos a Para mí sos hermosa. En la Hungría de 1940, en un acto de escapismo en una feria de variedades, desaparece el mago Harry Vansky, estrella de la compañía. Nunca regresa de su acto y nadie sabe si murió, se desvaneció en el aire, pasó a otra dimensión o si aprovechó el acto para escapar -literalmente- de sus muchas mujeres. Son éstas las que asumirán, de diversas maneras, su invocación: sus asistentes personales Trixie y Lizzi, hermanas siamesas; Bess Vansky, su esposa y “viuda”; “Ether, la femme dul air” (escrito así por la autora), artista de feria cuyo número consiste en desaparecer y reaparecer; “La Magnética”, bailarina y mujer fatal con poderes de imán humano; Erna Cochovsky, perfumista. Finalmente, Gabriela Radicci, abogada mediadora y pariente de Harry (cuya identidad, por razones dramáticas, ficcionales, preferimos no develar, para que ojalá el lector de esta nota se entere directamente viendo este espectáculo imperdible en Timbre 4, México 3554).

Para mí sos hermosa despliega una fascinante galería de personajes femeninos, llenos de sugestión, inteligencia y comicidad, que le permiten a la actriz y dramaturga Paula Ransenberg componer uno de los mejores espectáculos unipersonales del teatro independiente actual, sin duda entre lo mejor de la cartelera hoy. Baste decir que el espectador identificará en el trabajo de Ransenberg, teatrista excepcional, la más auténtica tradición de Niní Marshall, también actriz y dramaturga creadora de sus personajes, y podrá pensar Para mí sos hermosa como una suerte de variación (acaso involuntaria) de Y se nos fue redepente. Dirige Marcelo Nacci (quien también se hace cargo de la voz grabada de Harry).

Terminado el trabajo en escena, a la salida de la sala, el espectador recibe un hermoso programa de mano, diminuto y desplegable, que prolonga el espectáculo como parte de la dramaturgia, pequeño objeto de arte (diseñado por Miguel Israilevich) en el que se reproducen fotografías intervenidas de los personajes (fotografías de Alejandro Ojeda) y un texto donde se revela su destino tras la desaparición de Harry. El programa no es un detalle menor (no hay que irse del teatro, de ninguna manera, sin el programa en mano), sino parte fundamental de la obra, especie de epílogo dramático que desambigua la trama cómicamente, recurso poco frecuente en el teatro de Buenos Aires, resuelto aquí con suma originalidad.

Son múltiples los atractivos del mundo dramático de Para mí sos hermosa. Uno de ellos es su relación con el “teatro de los muertos”, tendencia simbólica que regresa y regresa en el teatro argentino de Postdictadura, cuyos elementos constitutivos desarrollamos en nuestro libro Filosofía del Teatro III. Se trata de la multiplicidad de recursos teatrales para la representación de los muertos en la escena nacional. El teatro argentino está lleno de muertos, o como dice Arístides Vargas en Instrucciones para abrazar el aire, “el aire está lleno de muertos”. En el caso de Para mí sos hermosa, el tó-

pico del teatro de los muertos asume durante las escenas de la obra (excluida la final de la abogada Gabriela) una vuelta de tuerca singularísima, impactantemente fecunda, por ejemplo, en la presencia escénica del “baúl de magia” en el que fue sumergido Harry y que sólo se puede abrir desde adentro. Un misterioso embalaje, en términos de Tadeusz Kantor, del que no sabemos si está vacío o contiene el cuerpo sin vida de Harry o es la puerta de pasaje a otra dimensión, metafísica o existencial. También la sesión de “fotos inmortales” en el gabinete de la “fotógrafa de espíritus”, que hay que completar con la bella foto intervenida realizada por Ojeda en el programa de mano. La sugestión se multiplica (antes del anticlímax final) cuando se oye la voz de Harry en off, ¿hablando desde dónde? “Escapar –dice Harry- es poner la muerte en suspenso. La fuga es una resurrección”, palabras que se cruzan luego con las de Ether: “Desaparecer es ir a ninguna parte”, “Este lugar horrible todo gris, agrisado”. Más allá de la anécdota que se desambigua al final, todo el texto de Para mí sos hermosa trabaja con golpes a la conciencia del espectador que reviven su memoria y su conexión con las muertes argentinas, públicas y personales.

Otro atractivo radica en la construcción de Harry como ausencia y en la producción de discursos femeninos sobre el hombre ausente, sobre la promesa defraudada. Para mí sos hermosa no sólo evoca la popularizada canción iddish (“Bei Mir Bistu Shein”), sino también la palabra de Harry seductor: “Él me cantaba eso…”, recuerda emocionada la siamesa Trixie. “Él le cantaba eso a todas”, la corrige indignada la siamesa Lizzi. De esta manera la obra de Ransenberg es una variación sobre el mito ancestral de Don Juan, que reafirma que Don Juan es una invención femenina, y el hombre objeto de deseo probablemente un fantasma. “El olvido es la mejor condición del ser humano”, dice en off Harry. La fascinación femenina por el varón queda sutilmente expuesta en los componentes del perfume con que Erna trata de evocar el “propio olor, único” del ausente: habano, sudor, mar, ámbar gris de cachalote, chocolate, vainilla, secreciones glandulares traseras de los conejos…

Finalmente destaquemos la vinculación entre magia y teatro, entre magia y deseo, entre magia y muerte, con una mirada temática y de artificios muy diferente a la de El centésimo mono de Osqui Guzmán. Para mí sos hermosa cuenta con asesoramiento de magia de Daniel Garber, y Ransenberg multiplica en escena con su talento verdadera magia teatral (por ejemplo, en la composición de las siamesas como actriz “demediada” o en los rápidos cambios de vestuario), hace incluso algún truco de magia profesional y con su parade de personajes femeninos materializa y desmaterializa la magia viril del seductor ausente y traidor. “Un tipo de mierda”, se dirá en algún momento.

Hay que destacar muy especialmente la escenografía y el vestuario de Alejandro Mateo, otro artista excepcional que sorprende una y otra vez con la inteligencia de sus diseños. El dispositivo escenográfico es un homenaje a los artistas de barraca a la vez que resulta absolutamente funcional a las necesidades narrativas y espaciales del espectáculo. La ropa y accesorios evocan los diseños de la moda pretérita y presente en dos momentos de la historia, pero incluye además algunas marcas de estilización desrealizante y colorida, el trazo de la magia encarnado en los cuerpos de estas mujeres. En suma, junto a La máquina idiota de Ricardo Bartís, Spam de Rafael Spregelburd, Terrenal de Mauricio Kartun y otros más, Para mí sos hermosa puede figurar a juicio de este crítico entre los espectáculos insoslayables del teatro porteño en esta temporada que ya va tomando la recta final. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

Acuerdo en el Español: no a la privatización

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e pronto se nos ha echado encima el otoño con una cascada de estrenos y no como revuelo de hojas secas, que es la metáfora y la poética del otoño. Septiembre se muere se muere dulcemente con su luz amarilla y sus racimos verdes, dice la canción… Y sigue aquella canción de una vieja juventud: “yo esperaba septiembre para volver a verte”. Todos esperamos ver teatro en septiembre, pero tanto desborda todas las previsiones. Hay días de dos o tres estrenos; ello sin tener en cuentas las salas alternativas y el teatro de barrio que es destilación de aquellas. Madrid ¿capital mundial del teatro?. Me parece excesivo, pero todo se andará.

Entre la marabunta de estrenos, reposiciones y lo muy llamativo pero difícil de atender como son representaciones de un día a la semana, lo primero es señalar la agitación que han producido las declaraciones de Juan Carlos Pérez de la Fuente a Esther Alvarado en el Mundo: “mientras yo esté aquí no se hablará de privatización”. El aquí y el ahora es el teatro Español.

Esto tranquiliza, pero a la vez sugiere que los fantasmas de la privatización no han desaparecido. Y si he ser sincero no creo que un temperamento vigoroso y beligerante como el del nuevo director del Español, se preste a ello.

En esto el nuevo y el cesante están básicamente de acuerdo.

Natalio Grueso envolvió su destitución o dimisión más bien, en sombras de sospecha. Sugirió en su despedida que no querría ver cómo el coliseo de la calle Príncipe podía rendir su larga historia de 400 años en manos privadas. Ni él ni ninguno de los teatros municipales; “me voy y los intentos de privatización se han paralizado, dijo más o menos. Natalio Grueso maneja bien los tiempos narrativos. Y cuando se daba por inminente, al menos la privatización del Fernando Fernán Gómez, la primera ficha del dominó, afirmó rotundo: “No conmigo”. Y poco después, algo así como “por encima de cadáver”. Al marcharse se sospechó que su cadáver ya no era necesario. Por lo cual se temió que su sucesor podría dar más facilidades a la operación Pero yo no me creo que eso vaya a ocurrir con Pérez de la Fuente.

Por si acaso hubiera alguna duda éste ha declarado lo mismo que su antecesor. No a la privatización del Español. Estando de acuerdo en lo básico, no lo están sin embargo en las formas con que se ha producido el traspaso de poderes; en realidad no ha habido traspaso, sino ocupación de lugar vacío. De esa falta de formas y de cortesía ambos se acusan recíprocamente.

Es de suponer que el cierre de programación hasta diciembre, consumado por Grueso antes de irse, no ha agradado a Pérez de la Fuente, aunque lo acepta y respeta. Todo ello ha desatado una serie de reproches que no tienen más importancia que la se les quiera dar.

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Vargas, la palabra y el teatro

En el estreno de El loco de los balcones, de Vargas Llosa, José Sacristán y Gustavo Tambascio, espectáculo estrella, junto con Ricardo III (Juan Diego) programado por Grueso, estaba todo Madrid. Nunca supe exactamente qué significa ese todo englobador que designa 500 personas como representación de una comunidad de tres millones de habitantes. Supongo que es una representación cualitativa de las excelencias políticas y culturales de la urbe. Sin entrar en detalles aceptemos, pues, que estaba todo Madrid y que el estreno de El loco de los balcones supuso la presentación en sociedad de Juan Carlos Pérez de la Fuente como nuevo director del Español sobre el soporte de un espectáculo programado por su predecesor. Porque El loco de los balcones, a nivel social, fue un éxito grande. Y si al éxito social se corresponde de forma directamente proporcional el éxito artístico y cultural este debe ser abrumador. Lo indiscutible es el triunfo personal de José Sacristán. Lo demás, como todo lo referido al teatro de Mario Vargas Llosa, admite diversas matizaciones.

El ciclo sobre Vargas a mí me parece un acierto cultural y una jugada política de altura; pero creo también que, por el momento, obedece más a su condición de novelista y de ensayista insigne que a sus valores teatrales que habrá de reafirmar con una nueva obra desligada de todo lo anterior. La primera vocación de Vargas Llosa fue el teatro; eso es sabido. Y las vocaciones reprimidas rebrotan con virulencia cuando se ha consolidado otra vocación que se creía subsidiaria y, finalmente, resultó esencial y primigenia. Gustavo Tambascio ha hecho un excelente montaje, superando el peso literario, la grandeza literaria podría decirse, de El loco de los balcones. Otra enseñanza de este estreno, extensible a todos los demás estrenos es que no debe leerse para nada la literatura previa de los programas y en cierta medida los reportajes, aunque cualquier productor prefiera éstos a una crítica aunque sea una crítica elogiosa, y con gran despliegue tipográfico.

En declaraciones previas tanto Sacristán como Vargas Llosa se han empeñado en comparar a Brunelli, salvador de balcones coloniales, con don Quijote: “los balcones son molinos y los molinos balcones”. Cierto que la capacidad metafórica y simbólica de un escritor y de un actor es necesaria y esencial para el desarrollo de su arte; pero en este aspecto parece un poco exagerada.

Los espectadores encuentran lo que hay: balcones. Y se hallan a José Sacristán, Bruneli, no a don Quijote, aunque Sacristán tenga una encomiable experiencia quijotesca y siga peleando por todas las causas más o menos perdidas. Ileana, la hija del profesor tampoco es Dulcinea; pero permite augurarle a Candela Serrat un buen porvenir.

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El lado oscuro

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Jaume Colomer

Públicos prosumidores y marketing colaborativo (I)

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aría José Quero, prestigiosa investigadora de mercados escénicos, publicó en el Observatorio Cultural de Atalaya (nº 55, año 2013) la monografía “El marketing colaborativo en las organizaciones culturales”.

Las tesis que expone me parecen un excelente punto de partida para la reflexión que propongo. En la primera parte del artículo haré un pequeño “digest” de su contenido y luego expondré mi concepción de los públicos escénicos como comunidad de intereses.

A partir de las aportaciones de Brandenburguer y Nalebuff (1997) y Gummeson (2004) Quero presenta la propuesta del marketing colaborativo como el último paradigma de la disciplina del marketing aplicado a las organizaciones culturales. La disciplina del marketing, en su fase inicial, se centró en el producto y luego fue evolucionando al concepto de servicio. Más adelante desarrollo el modelo de marketing relacional centrado en los clientes y recientemente ha apostado por el marketing colaborativo centrado en la satisfacción equilibrada de los intereses de las partes o stakeholders.

Considera que el marketing colaborativo es el más adecuado para las organizaciones culturales porque les permite una mayor rentabilidad económica o social.

El MC considera a los públicos como agentes de un sistema promovido por una organización cultural. Ya no los considera receptores pasivos de unos servicios (a los que hay que segmentar y conocer para satisfacer su demanda) como en el marketing tradicional. En el sistema operan diversos agentes como la organización promotora, la competencia, los proveedores de productos y de servicios, las instituciones colaboradoras y reguladoras, y los públicos.

Del marketing “one to one” promovido por el marketing relacional se pasa al “de muchos para muchos”, considerando que todas las partes aportan valor y reciben un beneficio de los intercambios generados. Unas partes aportan el producto escénico, otras lo exhiben en condiciones óptimas, otras aportan información y recursos económicos, otras servicios auxiliares como comunicación, ticketing o financiación. El equilibrio de los beneficios obtenidos por las partes asegura la continuidad y desarrollo del sistema.

En el sistema siguen habiendo públicos que no tienen otro interés que consumir un producto o experiencia escénica (llamados consumidores en el argot económico), pero hay otros públicos que están dispuestos a participar en el desarrollo del sistema y que, si el marco organizativo lo permite, son llamados prosumidores.

Los prosumidores desarrollan con los promotores una relación distinta a la tradicional de proveedores-clientes. Es una relación colaborativa. Las partes del sistema escénico se transforman en

comunidad de intereses, y los programadores en “comunity manager” en sentido pleno. Ya no tienen que gestionar ni un universo anónimo de espectadores ni las relaciones personalizadas con ellos, sino las relaciones entre las partes que, con las nuevas tecnologías digitales, se multiplican y diversifican.

Los espectadores prosumidores desarrollan el DIY o “do ityourself” (“hágalo usted mismo”) con lo que el ajuste entre intereses y propuesta de valor se produce de forma natural y plena, evitando el desencuentro entre una programación y sus públicos objetivo.

El espectador, desde la perspectiva del marketing colaborativo, se convierte en un creador de valor y deja de ser un consumidor o destructor de valor. Tal vez nos preguntemos qué valor aporta a una organización escénica un espectador proactivo o prosumidor. Quero argumenta en su monografía los múltiplos beneficios que aportan los prosumidores a una organización cultural, tales como información y financiación, transformándose en un recurso clave del sistema. Los espectadores colaborativos o prosumidores son, además, los principales difusores y prescriptores de las propuestas escénicas de los promotores.

Además, un proceso colaborativo permite desarrollar el círculo virtuoso que describimos a continuación: • La participación de los espectadores en una o varias experiencias escénicas satisfactorias genera ganas de repetir y confianza en el promotor o proveedor.

• La confianza garantiza la continuidad del consumo, a pesar de los “tropiezos” que pueda haber ocasionalmente debido a experiencias poco satisfactorias y desarrolla, además, una actitud de implicación en el proyecto.

• La confianza y la implicación son los motores del incremento y diversificación del consumo, teniendo en cuenta que, como mostró Bourdieu, el mayor consumo cultural no satura la necesidad cultural sinó que la alimenta.

Los argumentos aportados por Quero y demás autores que recomiendan desarrollar un modelo colaborativo en la gestión de públicos culturales son múltiples y no tienen efectos secundarios negativos. Esto es lógico cuando se intenta introducir un nuevo paradigma, aunque nadie niega las dificultades que surgen en la práctica cuando se quiere desarrollar. Además, los que procedemos de disciplinas distintas a la del marketing, en mi caso la pedagogía, no podemos dejar de mirar críticamente estos argumentos. De hecho, lo que los especialista del marketing platean como un nuevo paradigma no es más que la apropiación, digestión y reelaboración de otros modelos de gestión surgidos de las políticas sociales y culturales como la animación sociocultural y el desarrollo comunitario. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre Jaime Chabaud

Piedra de sacrificio

Dinamitar los teatros para sacar al espectador del sistema

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e familia de teatreros, David Gaitán es un joven dramaturgo, director y actor mexicano que este año escribió y dirigió La ceguera no es un trampolín (Blindheit ist kein Sprungbrett) con la Ernst Busch de Berlín, Alemania y hasta hace unas semanas se encontraba presentando en FiraTàrrega, en Cataluña con La velocidad del zoom del horizonte bajo la dirección de escena de Martín Acosta. Cuenta con cerca de una veintena de textos de su autoría, entre los que ha dirigido Ricardo III, Beisbol, Escurrimiento y anticoagulantes, Simulacro de idilio y, entre otros, Romeos. Algunos de sus textos se pueden encontrar en la Librería Yorick bajo los sellos editoriales de Libros de la Capilla y Paso de Gato. En 2010 fue seleccionado como parte del grupo internacional de dramaturgos de la Royal Court Theatre de Londres y en 2012 por el Lark Play Development Center de Nueva York.

Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los rasgos que definen a tu generación dentro del teatro mexicano?

David Gaitán: Gracias a las generaciones anteriores hay un campo de exploración abierto a priori. En asuntos estéticos no hemos tenido que tirar ninguna muralla, llegamos ya al paraíso del caos y la permisibilidad escénica. Esto permite la experimentación como primer gesto; de la mano viene el riesgo de la arbitrariedad.

Siempre es una tranquilidad saber a quién hay que lanzarle piedras; nosotros no hemos tenido que montar en armas contra nadie, hemos usado los fusiles para hacer malabares o matar algún espectador. De entrada, la respuesta que hemos recibido siempre ha sido “sí.”

J. Ch.: ¿Qué diferencias encuentras con tus compañeros de generación?

D.G.: Buscando identidad escénica, casi todos quieren colocarse, cuanto antes, como defensores de un tipo de teatralidad (y por lo tanto, enemigos de otro). Después de padecer mucho esa obligatoriedad por abrazar una bandera (alguna), yo he optado

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por abordar, incluso simultáneamente, posibilidades que de entrada pintan hasta antagónicas.

Como creador, tanto como espectador, puedo disfrutar de un espectáculo fascinante en su performatividad o una historia digna del Aristóteles más terco. La fascinación por estéticas “peleadas” es una que comparto con muchos actores, pero pocos dramaturgos y directores de mi generación.

J. Ch.: ¿Como escritor para teatro te sientes más un ensayista que un dramaturgo?

D.G.: Aún cuando no ratificaría dicha declaración... Encuentro en el fenómeno de convivencia que el teatro implica una oportunidad de comunicación única, por su peculiaridad. Si bien sé (y disfruto) de una posibilidad “ligera” en cuanto a la experiencia del espectador se refiere, la tentación por decir algo relevante, que detone reflexiones trascendentales, hablar de filosofía, muerte, sociedad, del mundo, los planetas, el futuro, ética, arte, comportamientos diseñados, del alma, el suicidio, la identidad... es demasiada. ¿Por qué desaprovecharla habiendo tan pocas ventanas para expresar con belleza temas interesantes?

J.Ch.: ¿Hacia dónde piensas que va la escena contemporánea?

D.G.: Se está buscando modificar la convención. La escena contemporánea está explorando formas de dinamitar los teatros para sacar al espectador del sistema de comodidad que las salas han impuesto como única vía para acceder a una experiencia estética significativa en el marco de una representación teatral. Para esto, el gesto más contundente es la inmersión (mezcla, conjugación, sexo) de la realidad en la ficción y viceversa. Aquí se trastoca, por ejemplo, la necesidad de un marco anecdótico. Si el público se convence de que el teatro puede ser experimentado de un modo distinto al que se dictaminó hace algunos siglos, si inundamos el teatro de realidad, a la realidad de artificio, si borramos los muros... entonces las posibilidades son infinitas. La persecución de ese abstracto es uno de los rasgos más claros de la escena contemporánea.

octubre

Noticias desde los fiordos

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Víctor Criado

Frente a la derrota

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l espectáculo, como ya os comenté hace un par de artículos, ha sido un gran éxito. Crítica, público y sala llena prácticamente todos los días así lo atestiguan. No obstante...

Uno de los primeros días, después de la resaca de magníficas críticas y champgane llegó a la sala uno de los grupos de jóvenes que habían reservado plaza. La función, ese día, resultó mas fría de lo normal. Mirando a los ojos a esos adolescentes de hasta 18 años me daba cuenta de que algo no había ido bien.. Demasiado frío y distancia. No entienden nada, pensé con esa irritación que se alimenta de la derrota, de la conquista fallida, del público esquivo. No es para ese público, añadí convencido. El veredicto por otro lado, ha sido unánime, el espectáculo es cojo... ellos se lo pierden, venga a desmaquillarme.

Y a otra cosa.

Días mas tarde, en unos encuentros organizados con el público, lejos del entorno de representación, en una búsqueda de otro tipo de contacto con el público joven, a través de algo que “denominan” en la oficina “talleres creativos” nos tocó, a una de las actrices y a mí, recibir un grupo de alumnos que habían apostado por ser “creativos”, o por ver un poco qué es lo que pasa con los actores, o simplemente por pasar de ir a clase. De todo hay. Al entrar el grupo de veinte alumnos en el vestíbulo me di cuenta de que me sonaban, y el sonido no era precisamente el de unos pájaros aleteando gráciles entre ramas. Era otra cosa. Ese frío, esa distancia...

Sí, eran ellos. ahí estaban, con la misma fría pasividad adolescente que irrita sobremanera, con esa autosuficiencia que tan bien recordaba de mis años en el insti. Con frío y distancia hacia el teatro... Hola (en sueco, claro), silencio y un hola (en sueco mejor pronunciado) cansino es devuelto sin demasiado interés. ¿Habéis visto el espectáculo? (pregunta tan obligada como estúpida), sí (cansino otra vez). ¿Os ha gustado?

Un tímido giro a derecha e izquierda de la cabeza de algunos de ellos, y un no a volumen susurrante lo dejan claro. No, pero con timidez. Insisto un poco en preguntar y poco a poco el no se va reafirmando. La falta de enfado o disgusto por nuestra parte abona el terreno a la verdad, al cabo de un rato nos damos perfecta cuenta de que no les ha gustado, para nada. ¿Por qué están aquí?, pregunto. Todos miran al profesor. Está claro, él es el culpable. Le pregunto ¿Por qué? Encoge sus hombros agrietados y sonríe a medio pelo. “creo que les viene bien”, pontifica. Aquí estamos, dos actores enfrentados a su propio fracaso, y un grupo de alumnos que deciden cambiar la rutina escolar por un a ver que pasa en el teatro ese que no nos gustó.

Poco a poco entramos en detalles, demasiados gritos para su gusto, demasiado volumen y sorpresas, nunca saber qué es lo que sucede exactamente, dónde están los actores, cuando termina realmente la pieza. Bien, son opiniones, tan válidas como las nuestras, cuestión de gustos. Es verdad que a Suzanne le gusta provocar a través de las sensaciones, lejos de las convenciones, y con un pie al borde del precipicio, tratando de agarrar al público de la mano antes de amenazar con saltar al vacío. Por otro lado estos chicos han elegido una línea de estudios que les va a llevar directamente a un taller de carpintería o mecánico. Las artes y el teatro en particular no entran dentro de sus prioridades, ni siquiera como segunda opción, o tercera...

Lo que va sucediendo de manera gradual en nuestro encuentro es que ya hay un par de ellos que confiesan cierta simpatía hacia nuestra propuesta, eso ocurre ante la mirada incrédula de sus compañeros. Vaya. Se abre una pequeña grieta en la unanimidad, el grupo con su “idea predominante” se resquebraja. Es entonces cuando aparece el cuestionamiento crítico, el mismo que Malin (la actriz) y yo nos hemos hecho sobre nuestro propio trabajo; ¿Quizás el espectáculo no es tan bueno? ¿Quizás no es tan malo?, comienzan a preguntarse ellos. Si al resto de grupos de jóvenes les ha gustado tanto (y eso es cierto, me juego un dedo de la mano) ¿por qué a nosotros no? parecen preguntarse. A lo mejor es que no queríamos que nos gustase, parecen cuestionarse. Yo voy comprendiendo cómo funcionan las dinámicas en un grupo, algo que he experimentado tanto como parte implicada como siendo testigo indirecto. Lo que opina el grupo, o los “generadores de opinión del grupo” va a misa. A no ser que sea cuestionado, puesto en duda. Pero eso ha de hacerse con mucho mimo, cuidado, respeto y mucha, sinceridad. Lo cual sucede en ese “taller creativo” (que por un momento destila verdad).

Esto que sucede con este grupo de alumnos, que salen del teatro un poco más confundidos de lo que entraron, pero también, quiero creer, un poco más libres y críticos, se puede aplicar a todos nosotros.

Como público, en el cual muchas veces los gustos nos vienen dados, lo mismo da si son comerciales, como los más refinados vanguardistas, y como profesionales de las artes escénicas, donde no nos vendría mal ser capaces de mirar cara a cara a un no me ha gustado nada, o a un me he aburrido, en vez de defendernos (la mayoría de las veces de modo patético) con un a ver si aprendéis un poco más, o un nadie es capaz de comprender la grandeza de nuestra propuesta.

Cosa que a veces, tristemente sucede, ya que grandes trabajos son ninguneados, aunque creo que aquí intervienen otros factores, más complejos y difíciles de analizar.

Creo, para terminar, que es sano, aunque agotador (de eso doy fe) ponerse delante del fracaso, mirarle a los ojos directamente, con calma, y aprender de ese diálogo difícil de establecer. El fracaso, con tanta mala fama, y sin embargo bastante más útil de lo que parece.

Para terminar, un pequeño comentario para el profesor de hombros agrietados. Me pone, esta vez si, de muy mala leche, que lo que esa persona es incapaz de hacer con su grupo de alumnos, que es ganarse su respeto y provocar su interés (lo cual se que es muy difícil) lo deje en manos del teatro. A ver si estos actores les sirven como estímulo, les provoca un poco, etc... parece querer pensar, y hasta lo dice, “quería provocarles un shock”.

No, señor profesor de hombros agrietados, el teatro no tiene como función sacudir las conciencias de sus alumnos a modo de terapia de choque (en cuanto alumnos), para que la apatía deje de reinar en sus clases. No es este nuestro cometido. Nosotros ofrecemos otra cosa, queremos que se conmuevan, que asistan, si es posible, a una representación teatral con la lógica mezcla de desconfianza y curiosidad, del resto nos encargamos nosotros. Pero no tenemos la obligación de despertarles de su letargo, eso es cosa de sus padres, o de usted. ¿O si tenemos esa obligación? w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre Las Lejanías

Carlos Be

Quiero hablar de The Zombie Company

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esde The Zombie Company tenemos que estar agradecidos por poder emprender esta nueva temporada 2014-2015 con cuatro obras en cartel y en vísperas de una quinta, “Locuras cotidianas” de Petr Zelenka, la cual hemos comenzado a ensayar el mismo día en que escribo este artículo.

“Locuras cotidianas” es la primera obra de The Zombie Company cuya autoría no firma un servidor. Nunca existe una única razón para nada y entre los múltiples motivos para embarcarnos con este texto del autor vivo más importante de la República Checa, además de tratarse de la comedia que algún día me hubiera gustado escribir a mí, lo cual se traduce en mi más profunda admiración hacia su creador, también se halla el no contar con más tiempo para escribir nuevas obras. ¿Por qué? Porque estamos a full.

Entre las cuatro producciones en activo contamos en total con un elenco de doce actores, a los que cabe sumar las nuevas incorporaciones de “Locuras cotidianas”. Ellos son Esperanza Elipe, Pepa Rus y José Ángel Trigo, quienes junto a Fran Arráez, David González, Carmen Mayordomo y Alfonso Torregrosa, presentes también en otros montajes, saldrán al escenario el martes 4 de noviembre para presentar por primera vez ante el público español esta gran comedia checa.

Cuando Fran y yo presentamos en Madrid nuestro primer espectáculo, hace seis años ya, aún no sabíamos que un día nos instalaríamos en la ciudad y llegaríamos a tener tantos proyectos entre manos, y además no cualquier proyecto, sino nuestros propios proyectos, los proyectos en los que nos gusta laborar a diario y sin horario, apostándolo todo en los escenarios, dejándonos la piel y parte del alma y el corazón y, por supuesto, ¿para qué si no?, siendo muy felices. Si se me permite la licencia poética, es en el escenario donde prendemos nuestros sueños.

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The Zombie Company nació hace más de diez años en Barcelona.

Llegamos a Madrid por primera vez con “Achicorias”, un jueves 13 de noviembre de 2008. Actuamos en el desaparecido Teatro de las Aguas, regentado por Carmen Mayordomo, allí la conoceríamos, aún recuerdo el momento, en la esquina de la calle de las Aguas con la carrera de San Francisco, a escasos metros de la Real Basílica del santo.

Desde entonces, la sucesión de teatreros y teatreras (qué gracia que estas palabras tengan cariz despectivo en Latinoamérica, donde recurren al término “teatrista” para referirse a lo que para nosotros es un “teatrero”) no se ha detenido y ha ido creciendo así como, por encima de todos nosotros, o mejor dicho en otro plano, casi intangibles para el teatrero (o teatrista), los insoslayables ojos de los espectadores que se abren cada noche y como un cielo estrellado guían el barco de la representación por las aguas de sus conciencias. Hay teatreros que navegan para hacer fortuna. Otros para admirar el cielo bajo el que navegan. Fran y yo nos consideramos de estos últimos y nuestro astrolabio es el soñar.

En mayo de este año presentamos el manifiesto de la compañía en el Matadero de Madrid. Fue en el marco del festival Zink Shower y allí nos plantamos con la intención de dar voz al esfuerzo de tantos y tantos profesionales que nos han acompañado con una entrega sin igual durante una docena de espectáculos hasta la fecha, ahí es nada, sobre todo con los tiempos que corren.

Con la voz alentada por el esfuerzo y la vista clavada en el horizonte, confesamos que nos sentimos muy felices. Y satisfechos y orgullosos por pertenecer a algo en lo que creemos y que consideramos importante, y en lo que seguiremos invirtiendo todo lo que haga falta aunque tengamos que subir a los escenarios con las manos sudadas, y el corazón y el alma resollando. Viva el teatro.

octubre

El método griego

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María Chatziemmanouil

The greek play project: Una web para la dramaturgia griega

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stoy segura de que es muy difícil que la gente del teatro español entienda cómo en el país que fue la cuna del teatro mundial, no hay actualmente una Escuela de Dramaturgia (ni pública, tampoco privada.) Que no hay en las Universidades o en las dos escuelas dramáticas públicas (la de Atenas y la de Tesalónica) departamento donde uno pueda aprender a escribir teatro. Que casi no se convocan premios para la dramaturgia (una o dos excepciones sirven sólo para confirmar la norma). A pesar de esa falta de motivación y de educación teatral, a pesar de la indiferencia por parte de las instituciones públicas, hay todavía en Grecia gente que escribe teatro. Y a menudo, este teatro es muy interesante.

Este teatro griego contemporáneo de autores vivos, a partir de septiembre de 2014, tiene su propia página web: http://www.greek-theatre.gr/, fruto del interés y de la pasión de la teatróloga Irini Mundraki y de su equipo de colaboradores especializados. Mundraki estudió teatrología en Atenas y en Milán, es crítica de teatro y trabaja desde hace 15 años en el departamento de relaciones internacionales del Teatro Nacional de Grecia en Atenas. Es también traductora de obras de teatro italiano. “Empecé a pensar en el proyecto hace muchos años”, dice Mundraki, que a partir de los años 90 se puso a leer “por vicio” casi todas las obras escritas por autores griegos contemporáneos. “Era algo que quería hacer desde siempre, pero no tenía tiempo. Cuando me quedé embarazada, tuve bastante tiempo libre para dedicarme a eso y a partir de aquel momento, empecé a planteármelo seriamente. Durante todo el último año yo y mis colaboradores hemos trabajado muy duro para poder lanzar el sitio web.”

El proyecto no cuenta con subvenciones de ningún tipo y está totalmente basado en el trabajo voluntario y entusiasta de sus integrantes. “No se trata de una agencia de autores” explica Mundraki.

“Nosotros llegamos hasta el punto de poner en contacto al autor con la gente que quiere estrenar o estudiar su obra, sea en Grecia o en el extranjero.”

En su primera fase, el proyecto incluye 275 obras de 42 autores, algunos de los cuales ya gozan de reconocimiento internacional, como es el caso de Yianis Mavritsakis, o son emergentes y han escrito sólo una obra, como por ejemplo Artemis Mustaklidu. “Mi intención fue que en esta primera fase participaran autores de ambos

sexos representativos de todas las tendencias y tipos de teatro, incluyendo hasta el teatro infantil”, dice la fundadora. “La selección no fue fácil. El criterio ha sido sobre todo personal, pero he tenido también en cuenta unos parámetros objetivos, como es el recorrido profesional del autor hasta ahora, su aporte renovador a la dramaturgia griega contemporánea etc. Iremos añadiendo aproximadamente un dramaturgo cada dos meses.”

El sitio web ya está traducido al inglés. La obra de cada autor se presenta por medio de un estudio breve escrito por un académico o un teatrólogo. Hay una sección especial para las obras que están en cartel en Grecia o en el extranjero, los CVs de los dramaturgos y una ficha para cada obra, de manera que el interesado pueda ver rápido cuantos personajes tiene cada obra, su sexo, la posibilidad de doblar alguno etc. Otra sección es dedicada a entrevistas de personas importantes del teatro griego, mientras que contamos también con las noticias teatrales más destacadas. “Más adelante vamos a incorporar las traducciones de las obras que forman parte del proyecto a otros idiomas, para que uno pueda pedir y leer la obra en su lengua si está traducida.

Por ahora eso nos lo pueden pedir por mail.”

El proyecto tiene como objetivo contribuir a la difusión del teatro griego moderno tanto en Grecia, como en el extranjero, en cooperación con otros organismos, como por ejemplo la Fundación Onassis.

“Dramaturgos o artistas griegos de otras disciplinas son invitados a Festivales internacionales y no pueden acudir porque no hay ninguna institución que pueda hacerse cargo por lo menos de los gastos de su viaje, mientras que en otros países los artistas se ven subvencionados por medio de mecanismos establecidos por los Ministerios de Cultura y de Relaciones exteriores y de mecenazgos privados”, dice Katia Arfará, la gestora del departamento de teatro en la Fundación Onassis.

“Si eso no cambia, el teatro griego va a perder una única oportunidad que se le brinda, visto que actualmente está viviendo uno de los momentos más prolíficos de su historia.”

Esperemos que “The greek play project” constituya un puente susceptible de contribuir a la comunicación entre el teatro griego y el teatro mundial y que ayude a la dramaturgia griega a salir de su aislamiento y a encontrar su hueco en el panorama teatral contemporáneo. ¡Más vale tarde que nunca! w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 octubre

De la Feria del Libro Teatral de México al Salón de Madrid

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omo si se hubieran puesto de acuerdo, las dos citas más importantes en el campo del libro teatral, la Feria Internacional de México y el Salón de Madrid, han decidido adelantar sus fechas de celebración. Llegamos de México el pasado 9 de setiembre, después de estar en la edición de este año, adelantada un mes exactamente para hacerla coincidir con el primer Festival Iberoamericano de Teatro Infantil.

El Salón de Madrid, aunque más cercano en fechas a lo habitual, también adelanta, y nos veremos todos en la nueva sede de El Matadero madrileño del 31 de octubre al 3 de noviembre.

Dos ideas parecidas, nacidas de la misma necesidad, dos situaciones diferentes debido a las diversas intensidades con las que se producen las implicaciones institucionales en la organización y patrocinio, dos posibilidades para profesionales, estudiosos, alumnos e investigadores de encontrar novedades editoriales recientes.

Conocemos las dos y no es cuestión de hacer comparaciones. La de México ha crecido en los últimos años de manera visible a primera vista. El Salón de Madrid ha sufrido el mal de la trashumancia involuntaria, recorriendo sedes no apropiadas por todo el Estado español. Por segundo año consecutivo se celebra en El Matadero, seguro que recuperará el pulso y cumplirá sus objetivos principales, como es poner en contacto a autores, editores, lectores, productores. Algo digno de intentar cuantas veces sea necesario.

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Nuestra implicación con la de México es bastante más profunda, versátil y fecunda, ya que con el INBA, el CITRU, CONACULTA, y Paso de Gato, patrocinamos un premio internacional de ensayo teatral que cada año se conoce al ganador en el acto final de la FeLiT. Eso nos implica de manera directa porque editamos el ensayo ganador y dos accesits. El diseño es diferente, más abierto, más de cara al público, con actividades constantes en el propio ámbito de exhibición.

Lo cierto es que en los años que vamos acudiendo hemos visto una evolución de las actividades, pero sobre todo del volumen de libros editados en el campo de las artes escénicas. Editoriales recién creadas, otras vinculadas a salas o grupos, junto a las institucionales y ya clásicas, con Escenología a la cabeza de todas, la pionera, la que un día se inventó Edgar Ceballos que sigue al mando de la misma con energías renovadas, junto a otras con historia, especialmente Paso de Gato, con los que

mantenemos una sociedad que nos va a llevar a editar en breve un libro conjuntamente y algunas tan importantes por atender a los autores contemporáneos, como El Milagro o La Capilla.

A Madrid vamos con las misma ilusiones. Sabemos que el Salón ha invitado a Edgar Ceballos de lo cual nos alegramos. El año pasado se vio claramente que han irrumpido en el panorama otras editoriales que van creando su fondo y que se dedican a la escritura dramática contemporánea. Nosotros acudiremos con las novedades de nuestra editorial Artezblai, y con todo lo nuevo que podamos ofrecer del ya importante fondo de nuestra Librería Yorick, cada día más aposentada, cada días más implicada en numerosos proyectos teatrales emergentes.

No hace falta ser un lince, en México tenemos colaboración, diálogo, ayuda, complicidad con las autoridades nacionales en la materia. Aquí, en Madrid, para resumir, ni caso nos hacen. Ellos van a lo que van, a lo suyo. Nosotros a lo nuestro. A veces coincidimos. Convivencia pacífica. Y nos referimos a las instituciones, no a los organizadores del Salón con los que mantenemos cordiales y fructíferas relaciones.

Sabemos de sus problemas y desvelos y nos solidarizamos con ellos.

El teatro, el pensamiento teatral, las obras se escriben, se editan y se pueden leer. No es una amenaza es una realidad, una posibilidad de disfrutar, de crecer, de ampliar conocimientos. Hasta pronto México. Hasta ahora mismo Madrid.

octubre

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Estantería Teoría Teatral

Publicado por Ediciones Cumbres ‘El ballet una devoción’ reúne un conjunto de ensayos, artículos, crónicas, entrevistas y otros acercamientos al mundo de la danza-escénica, en los que historia, estética, crítica y teoría se entrelazan con una voluntad de exaltación al arte de la danza y sus creadores a través de un lenguaje sintético, sencillo y elegante.

Teoría Teatral

Octaedro ha publicado ‘El teatro joven de 13 a 16 años’ un volumen con el que su autor, Alfredo Mantovani concluye su trilogía pedagógica teatral y completa su sistema de teatro evolutivo por etapas. El libro se presenta lleno de sugerencias, estructuras y elementos probados para llevar a cabo prácticas artísticas con jóvenes e incluye dos obras.

Teoría Teatral

Lorena Verzero es la autora de ‘Teatro militante. Radicalización artística y política en los años 70’ una publicación de la editorial argentina Biblos en la que su autora, y partiendo de la concepción del teatro militante como manifestación de un comportamiento cultural, plantea una serie de reflexiones en torno a la construcción de las identidades en este período.

Teoría Teatral La editorial mexicana Paso de Gato ha publicado dentro de su colección Serie Teoría y Técnica ‘Semiótica del teatro, del texto a la puesta en escena’ de Fernando de Toro. Junto a los estudios de Ubersfeld, Pavis, De Marinis y Helbo, los de Fernando de Toro forman parte de los cimientos del edificio epistemológico que en su día se denominó semiología teatral. La particularidad de este trabajo de De Toro es que fue escrito en español por un latinoamericano, lo que sumó al campo dimensiones sociales, políticas e históricas que hasta entonces estaban ausentes en trabajos de corte más bien formalista.

Con este trabajo, reconocido ya como un clásico, su autor busca distanciarse de los códigos encriptados disponiendo unas síntesis teóricas y ejemplos concretos a lo largo de cada capítulo. De toro habla profusamente del paso de la modernidad a la posmodernidad y propone categorías heurísticas y metodológicas para comprender el texto teatral posmoderno.

Estantería Texto Teatral

Con ‘El Michael Jackson de la News Divine’ el mexicano Alejandro Román homenajea a todos los caídos en la tarde del 20 de Junio de 2008, cuando según afirma, “se rompió algo más que la cordura”. Una pieza de ficción con muchos datos verdaderos acerca de los fatídicos hechos ocurridos en el Antro “La News Divine” editada por Teatro de la Capilla.

Texto Teatral

Los mexicanos Ediciones TeatroSinParedes han publicado los textos finalistas del Primer Premio Independiente Joven Dramaturgia 2012 impulsado por la propia editorial. Se trata de tres obras de tres jóvenes dramaturgas mexicanas ‘Los invertebrados’ de Sara Pinedo, ‘El último arrecife en su tercera dimensión’ de Mariana Gándara y ‘Crayolas rosas’ de Laura Muñoz.

Texto Teatral

La editorial argentina Gauderio Editor ha publicado, recientemente ‘Arlequín, servidor de dos patrones’ de Carlo Goldoni, un clásico imprescindible del teatro que basa su peripecia en la ambigüedad, conducta tan apreciada por el público de todos los tiempos. Esta edición cuenta con la traducción de Carlos Sampayo y prólogo de Hernán Gené.

Texto Teatral El libro ‘Voces impúdicas, vicios políticos y confesiones públicas’ esconde en sus páginas cuatro monólogos escritos por los dramaturgos, Efraín Franco Frías, Alejandro Ostoa, José Ruiz Mercado y Hugo Salcedo. En esta nueva publicación de la editorial mexicana Escenología los cuatro monólogos son de personajes femeninos quienes desde su interior transmiten sus vivencias emocionales, conflictos y situaciones en que se encuentran. No es la queja melodramática por los aprietos de su destino, sino la maduración de los antecedentes que las ha llevado a sus marcadas circunstancias. Cuatro voces de mujeres, resonancia de otras voces que no han podido, querido o atrevido a revelar sus situaciones y enfrentarse, de cara a la problemática. Cuatro protagonistas de nuestro tiempo, de diversos ámbitos y distintos temperamentos pero que no responden a estereotipos. Cuatro piezas con la particularidad estilística de sus autores.

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14 octubre XXV Festival Internacional de Teatro de Brasilia - Cena contemporânea

Las dificultades son anécdotas cuando hay ideas y voluntad

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reo que es la primera vez que estoy en Cena Contemporânea de Brasilia desde el día inaugural hasta el día justo antes de terminar. Estoy autorizado, más que nunca, para que mis opiniones se basen en mis propias experiencias presenciales, entre ellas, la de que se exhiba una obra, Cuarteto del Alba, escrita por mí y que presentó Laurentzi Producciones. Esta circunstancia provoca una cierta distorsión, un añadido de tensión y una clara incomodidad, no tanto por el resultado del montaje y su recibimiento por el público o la crítica, asunto en el que uno no tiene más posibilidades que ser un sujeto pasivo, sino en la que es la primera vez que asisto como invitado, ponente, cronista y además, dramaturgo con obra programada.

Es más que cierto que con los años se van creando corrientes de amistad, de compañerismo que en ocasiones se convierten hasta en corrientes de opinión. En esta ocasión uno ha tenido la oportunidad de retomar las conversaciones con un antiguo amigo, Carlos Laredo ocupado de organizar en esta edición varios encuentros y debates, y resulta que este madrileño que fue director de Teatralia, ha decidido poco menos que exiliarse en Brasil debido a los desafectos que ha sufrido en su ciudad, Madrid, y en España en general. Un tema a hablar en otro espacio.

Los festivales de este rango tienen más o menos unos esquemas organizativos similares, la diferencia se encuentra en los matices. Quizás la primera distinción venga de si se trata de uno organizado por una entidad privada con ayudas públicas o por una institución pública con gestión funcionarial. Ello influye en la manera

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confortables se sienten los actuantes, los invitados y me imagino que eso se transmite de manera directa a los públicos.

Cena Contemporânea de 2014 tuvo unos magníficos resultados de ocupación de salas. En una edición que sufrió recortes inusitados de última hora desde algunas instituciones locales de primer nivel y en donde la organización, de índole privado, arriesgaba de Conselho de Classe de la Cía de Ators manera casi suicida, obtuvo esa respuesta de los públicos que se tienen de afrontar no solamente los que, cuando menos, reconforta y les da la grandes momentos, que existen, y muchos, razón, porque después de todos los evensino la dificultades. Está claro que los equitos deportivos desquiciados, de todos pos se parecen siempre a sus directores, y los gastos incontrolados, la cultura está cuanto más vinculados están estos al hesufriendo hachazos, pero existen públicos cho teatral, a la práctica teatral, a la lucha ávidos de asistir a las representaciones, con los elementos del cada día teatral, más por lo que las autoridades deben darse cuenta de esa realidad sino quieren verse apartadas del devenir histórico de las necesidades culturales y democráticas de sus ciudadanos.

Y otro dato, esta vez más subjetivo, que creemos importante señalar.

Este festival tiene tres niveles de programación: internacional, nacional y local, y en esta ocasión hemos visto espectáculos, propuestas de grupos brasilienses que nos han sorprendido muy gratamente ya que han elevado, en su conjunto, su nivel de calidad. Y eso que faltaban, por circunstancias de producción, algunas de las compañías y creadores que más nos gustan y que siempre hemos defendido. Las nuevas y más emergentes, o las de siempre, avanzan, arriesgan, aciertan, y eso es meritorio y algo a señalar.

Porque, ¿para qué sirve un festival si no es para conocer otras realidades escénicas y para ver cómo están Ottelo ©Gianni Mesticheli las propias? Sobre la utilidad de los

octubre festivales se debatió. Supimos cómo funcionan los Centros Dramáticos franceses.

Y de todos aprendimos. Escuchamos un mensaje importante, la necesidad de que los profesionales del teatro se hagan cargo de los medios de producción, teatros, salas, presupuestos y no dejarlos en manos de funcionarios o mercaderes. Un mensaje que hay que ir recalcando para que no se olvide. Eso y que cada vez hay que tender a programaciones, gestiones, proyectos colaborativos. Unidos se logran más cosas.

Un repaso ligero. Conselho de Classe por los cariocas de la Cía de Ators, una divertida y controvertida mirada a la docencia y sus problemas. Muy celebrada por el público. Un reparto muy solvente de actores dando vida a mujeres sin ninguna afectación. La compañía brasiliense, Novos candangos, con Perdoame por me Traíres, un texto de Nelson Rodríguez tratado en su primera parte con estética casi barroca y acabando en melodrama. Falta claridad.

Nos encandiló, nos pareció de una calidad suprema, de una capacidad de comunicación fuera de serie, Suzana Nascimento, con su Calango deu! Os causos de dona Zaninha, donde actúa, cuenta, canta, baila,

Calango deu! Os causos de dona Zaninha ©Sergio Santoain

se relaciona con los espectadores y produce un espléndido mundo propio, teatral, de alta intensidad.

Otra compañía brasiliense, Dois tempos, presentó un montaje en claves de modernidad de la obra de Plinio Marcos, Mundaréu. Buen escenario, buen reparto, música en directo, con una interesante puesta en escena. El Grupo Desvío de Brasilia presentó uno de los montajes más atrevidos en cuanto a su riesgo formal y conceptual, Misanthrofreak, con actuación, dirección, luz y sonido de Rodrigo Fischer, con un uso bastante operativo del vídeo y del espacio.

Bastante más que una performance.

Desde otro punto de vista, formalmen-

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te más asumible, pero con una situación y unos personajes que la dotan de una singularidad que causa verdaderos conmociones, Noctiluzes, escrita por Santiago Serrano y presentada por la compañía brasiliense Plagio de Teatro, con dirección de Sergio Satório. Sorprende la frescura, el mundo en el que todo parece verosímil pese a ser un absurdo total.

Jérôme Bel y Pichet Klunchun, ofrecieron una suerte de conversación bailada. Además del mencionado Cuarteto del Alba, estuvieron presentes los espectáculos españoles: La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento de la compañía El Conde de Terrefiel, y Kamikaze Teatro con su La función por hacer. La compañía escocesa Vanishing Point Theatre Company, presentó Tomorrow, un trabajo muy alicatado, muy frío, cerebral, oscuro sobre el paso del tiempo. Y finalizando el apartado internacional la deslumbrante versión del Ottelo de Shakespeare de la mano de Gabriel Chame y sus excelentes actores argentinos.

Larga vida a Cena Contemporânea de Brasilia.

Carlos Gil Zamora

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FiraTàrrega tiende su mirada hacia el exterior

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el 11 al 14 de septiembre ha tenido lugar la 34 edición FiraTàrrega cita, que en su ámbito más profesional, en los últimos años está apostando por convertirse en una de las plataformas de exhibición, conexión y intercambio cara al exterior. Actúa como avanzadilla en buscar nuevos mercados, nuevas conexiones, nuevas esperanzas, todo ello se ve reflejado, de forma clara en la programación, en la selección de propuestas, al igual que en la manera de plantear nuevos apartados dentro de ella intentando atender las necesidades de los profesionales que acuden a ella, y en la Llotja, su espacio de mercado, saber idiomas, más que un plus se está convirtiendo en una necesidad.

Una acude a FiraTàrrega con diferentes misiones y resulta prácticamente imposible poder ver todos los espectáculos. Dentro de la selección consciente y fortuita realizada ha resultado que el computo ha sido positivo y enriquecedor. En esta 34 edición han contado con la presencia de compañías venidas de países centroeuropeos como la agrupación polaca Teatr KTO que ha escenificado The Blind adaptación del ‘Ensayo de la ceguera’ de Saramago, dando vida a un

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se rodea de intérpretes excepcionales.

En el espacio habilitado en la Plaza de Les Comedians pudimos ver dos propuestas de danza-teatro de gran potencial. Col-lectiu Big Bouncers escenificó Big Bounce montaje que se centra en la palabra y el movimiento que se adapta al lugar y momento al que se interpreta y Yi-Ha, pieza loca, Animal Religion ©Irune Larruzea divertida pero muy armónica de Los Moñekos. De sala los montajes vistos no cumplieron las expectativas, los mexicamontaje de gran formato de carácter multinos Teatro de la Arena en La velocidad del disciplinar, donde prima su potencia visual, zoom del horizonte realizan un arduo trabacon unos intérpretes entregados. Cabe desjo de interpretación pero la historia resulta tacar la singularidad de los trabajos Fugit de Kamchàtka y Chicken legz de Animal Religion. pesada, algo parecido ocurre con África del En el primero el espectador se convierte en argentino Luis Biasotto.

Destacable Andante de Markeliñe, de las un fugitivo más junto con los intérpretes, que pocas propuestas itinerantes de la presente por su estética se deduce que pueden ser edición, la fusión del concepto de contempoparte de la resistencia en la Segunda Guerra raneidad y tecnología de la pieza de danza Mundial. Te dan la oportunidad de experiTravelling interpretada por Catalina Carrasco mentar esa huida, entrando y saliendo de y Gaspar Morey, el esfuerzo de La Trócola lonjas, casas, montarte en una camioneta... por crear un montaje circense con una puesuna propuesta compleja en su realización, ta en escena más actual en Potted así como con unas localizaciones excepcionales, una la irreverencia y el humor tan necesarios de experiencia inolvidable, al igual que la segunLas XL con su concierto Abandónate mucho da creación de Animal religion que te hace en el Espai 23 Arts. vibrar en este show animal-circense creado para llevarse a cabo en una granja o picadeIrune Larruzea ro, como en esta ocasión, donde Quim Girón