Artez201

14 octubre Carlos Gil Zamora

Recuento de las sensaciones de un año que termina y otro que no comienza

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adie hubiera pensado hace dieciomuy deteriorado como para que existan micho años que llegaría esta aventulagros a corto plazo. ra hasta el número 201. Aquí estaRecordaremos una vez más que hay que mos. La vida teatral ha cambiado establecer planes de largo alcance, que demucho, demasiado en estos años. Hemos ben empezar por la educación, pero no solo pasado de unos tiempos de inquietud, a a base de campañas escolares, sino de introotros de crecimiento desordenado, hasta ducción de las artes escénicas como asignacaer en una patética tierra de nadie. Insistituras en todo el curriculum académico, proremos en una idea básica: no es una cuespiciando auténticos bachilleratos artísticos tión de crisis económica. No solo. En estos especializados, dotando a las Escuelas Suasuntos de las artes escénicas, son otros periores de unos programas que tengan que problemas tan importantes como el IVA o las ver con el mundo escénico actual, y no con ayudas a gira las que nos han dejado tan el siglo diecinueve. Los públicos se trabajan desamparados. desde la base, no con campañas, anuncios o En los momentos donde se pagaban los esporádicas acciones. Las escuelas de especcachets sin rechistar, en donde se constadores, que se han puesto, desgraciadamentruían espacios sin consultar ni hacer estute, de moda, son células de convencidos. De The unreality of time ©Robert Benschop dios de idoneidad, cuando crecían en todas espectadores existentes que quieren saber las autonomías las compañías, empresas, núcleos que producían algo más. No crean ni uno, ni medio espectador nuevo. miles de espectáculos que abastecían un mercado sin criterios, ni Sería bueno no seguir mintiendo, creando falsas expectativas, enplanes estratégicos, ni proyección de futuro, las voces que reclamagañando y auto-engañándose. Las revistas que han ido naciendo y ban un poco de sosiego, una necesidad de establecer las bases de muriendo en estos años ha sido por la desidia de los profesionales. algo que estabilizase el futuro eran acalladas con talonarios, estaNo llegamos a los públicos. Ni por asomo. Ni esa barbaridad de dísticas y mucha ignorancia. tener kilos de papel de colores en las entradas de los teatros de Sería imbécil recurrir a esa frase derrotista de “ya lo decía yo”, Madrid con la misma programación y cartelera, esas revistas graporque ni sé si lo decía, aunque hemos dicho tantas cosas en estuitas, que viven de la publicidad oficial, y que son catálogos de un tas páginas que han recibido el reproche explícito, que es el mejor, supermercado. Y se entregan en la entrada de los teatros, o sea, de pero sobre todo el reproche vengativo de los personajes que se nuevo para los ya convencidos, los que van a esos teatros. han ido enquistando en los organigramas colectivos, institucionales, Las estadísticas de los ciudadanos que aseguran que no van funcionariales. Lo que ahora sucede es consecuencia de la falta de nunca al teatro crecen. Ni van, ni piensan ir. Y por pura estadístiprevisión de los años anteriores. Lo que nos pasará mañana será ca es muy posible que un porcentaje de esos ciudadanos adultos, consecuencia de lo que ahora hagamos. O no hagamos. Es una cosa fueron niños y niñas que vieron en su escuela teatro. ¿Qué pasó? sencilla, obvia, pero no está mal recordarlo, porque todavía existen ¿Qué pasa? Es ahí donde debemos incidir, debemos averiguar qué los que creen que de repente vendrá un decreto ley, una reducción sucede, por qué hay tantos ciudadanos que dicen que el teatro es de IVA, una inyección de dinero para producir lo que arreglará en aburrido, que no les gusta el teatro, que nunca van. ¿Es culpa de dos noches y diez mil horas de pasillos su vida. Pues no. Esto está la programación? ¿Es culpa de la noción que se difunde del teatro?

Número: 201 - año 18 · Noviembre / Diciembre 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com

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Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

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Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El método griego – María Chatziemmanoui Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Las lejanías – Carlos Be Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El lado oscuro – Jaume Colomer Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado

Estrenos 10 11 12 13 14 15 16

Arizona de Juan Carlos Rubio por Histrión Teatro El grito en el cielo de Eusebio Calonge por La Zaranda Gilipollas sin fronteras de Santiago Nogués y Adolfo Pastor por Morfeo Teatro Hacia la alegría de Olivier Py y Entremeses de Cervantes por Teatro de La Abadía Arrastoak (Rastros) por Dejabu panpin laborategia Fausto de Goethe por el CDN Miscelánea de estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Festivales

índice

Son todas esas causas y muchas más. No existe una vida cultural apropiada, no hay programas, ni acciones que intenten remediar esta falta de amor a la Cultura y mucho menos al Teatro. Y los medios de comunicación de masas se dedican a propiciar una cultura de baratija, que no interceda en su negocio televisivo.

Se despilfarra dinero a espuertas para seguir con proyectos, instituciones que no tienen encaje constitucional ya, ni operatividad efectiva. Pongamos que dudo del INAEM. ¿Cómo es posible que este organismo mantenga unidades de producción que solamente afectan a los ciudadanos de Madrid si se pagan con los presupuestos generales que salen de todos los impositores del Estado español? Esto no se resuelve con un cabreo, ni unas frases incendiarias, pero es un lugar que huele a podrido. Y los nombramientos de los últimos directores de esas unidades de producción, aquello que proclamaron se hizo con un manual de buenas prácticas, lo fue todo, menos buenas prácticas. Un escándalo mayúsculo. Mucho peor que lo sucedido en el Teatro Español.

Se entiende la urgencia y la necesidad de los profesionales, lo que cuesta entender menos es la falta de escrúpulos, el menudeo en corruptelas, en falta de solidaridad. Se está mirando al hoy y se acepta todo, absolutamente todo, sin rechistar. Los que se creen acomodados porque con un poco se conforman, los que nada tienen, por si acaso con su silencio o servilismo pueden pillar algunas migajas. Mientras tanto siguen estrenándose obras, produciéndose espectáculos, se magnifica lo micro, se especula con lo comercial, se van perdiendo espectadores y los de siempre, los que están metidos hasta en tramas de corrupción política, se mantienen en la gran mentira de echarle la culpa al IVA. El discurso interiorizado es que la culpa no es de que no gestionemos bien las salas, que no sepamos proponer obras que interesen a unos públicos nuevos, que nuestro nivel artístico se mantenga bajo mínimos, que los espacios públicos de las redes sean unos contenedores vacíos, no, la culpa es siempre de los otros, del gobierno, del ministro, de la lluvia o del calor.

Si se quiere cambiar algo se deberá empezar por una autocrítica real, analítica, no emocional ni sentimental, no convirtiendo nuestros problemas en el problema, sino yendo al problema general, el que nos afecta a todos. En teoría, programadores, distribuidores, productores y creadores van en el mismo barco. En la práctica eso es una falacia. No existen ya programadores, los distribuidores y los programadores se confunden por la noche, los productores solamente atienden a los gustos de los programadores nocturnos y los artistas se colocan a campo abierto para ver por dónde sopla el aire. Esta descripción es en negativo. Esperpéntica, exagerada, pero si la ponen en positivo, verán que todavía es peor, que no hemos avanzado, que se está empobreciendo la profesión hasta niveles insoportables, que el teatro no tiene consideración cultural.

Ni social, más allá que el entretenimiento. Y esto se propicia desde las instituciones, que es lo más descorazonador.

Por si acaso no tenemos oportunidad, que tenga buen año nuevo.

El Teatro no lo acaba ni el INAEM, ni cien mil críticos amargados.

Opinión

18 - 19 XXIX Festival Internacional Madrid en Danza 20 - 21 XXII Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos - Alicante 22 - 23 XXIII Festival Don Quijote de Teatro Hispánico de París 24 - 25 XXXII Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia 26 - 28 Festivales de títeres 30 Festival Iberoamericano de Teatro par niños y niás - Zaragoza 32 VI CENIT - Sevilla 34 - 38 Otros festivales (RECLAM, Temporada Alta, Santurtzi, Vitoria-Gasteiz...)

En gira 42 - 48 Programaciones varias

Zona abierta 60 - 61 Escaparate 62 - 66 Crónicas de: Fira Illescena, Feria de Huesca, FIT de Cádiz, Festival Iberoamericano de Almagro, Premi Born

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14 noviembre diciembre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

Los inicios de la temporada teatral en Barcelona

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iría yo que los inicios de la temporada teatral en Barcelona, son estimulantes. Tanto el Teatre Lliure como el TNC, marcan tendencias que protagonizan los espectáculos. El Lliure se apunta a Shakespeare, algo que en principio es siempre atractivo, el TNC, pretende reivindicar la zarzuela, algo ya más difícil. Según Xavier Albertí, –que el año pasado reivindicaba el cabaret del Paralelo– hoy dice que de no ser por la zarzuela de los años 60 y 70 del pasado siglo XIX, la cultura moderna catalana quizá no hablaría catalán... El espectáculo inaugural fue muy meritorio pero duro para el público.

Fue un recital de arias de zarzuela nuevas para el público. Seis excelentes cantantes acompañados por La Orquesta de las Glorias Catalanas –formada por músicos de la SMUC– y dirigida por Wanda Pitrowska, una exótica directora de los países del Este de Europa y que en realidad era Xavier Albertí, interpretaron con virtuosismo treinta y seis arias de zarzuelas catalanas desconocidas hasta ahora y que Albertí redescubrió en viejos archivos y bibliotecas. Fue un muy meritorio concierto que sorprendió al público ante esa música desconocida. Y prolongando la tradición del año anterior que quería recuperar la memoria de Pitarra, lo que fue hace un año una magnífica lectura dramatizada, “Liceístas y cruzados” se ha convertido ahora en un espectáculo divertidísimo y muy bien interpretado que tiene un gran éxito de público. Albertí, en su concepción de un Teatro Nacional, trata de dedicar la programación a un tema importante cada temporada. El año pasado era “la frontera” y lo que vimos al respecto no nos interesó demasiado. Esta temporada ha elegido como lema a “la familia” y para ello ha hecho algunos encargos, uno de ellos, como siempre, a la gran autora Lluïsa Cunillé. Albertí establece unas líneas, lo que en principio parece coherente para un teatro nacional.

Menos compleja es la excelente y atractiva programación del Lliure, institución en la que Lluís Pasqual ha sido reelegido como director para el próximo cuatrienio, cosa que celebramos. La inauguración, en el Lliure de Gràcia, ha sido con la Kompanyia, formada por jóvenes actores en sus inicios y dirigida por Pau Carrió. “Victòria d’Enrique V” es un espectáculo desigual pero coherente, con bella coreografía y música en directo con gran interpretación de Pol López, un joven actor claramente en alza.

En el espacio de Montjuic, las mejores actrices catalanas y alguna cantante, (mujeres, no hombres para Shakespeare), leyeron una selección de poemas de Shakespeare, dirigido todo por Lluís Pasqual y, junto a un cúmulo de espectáculos no shakespearianos pero de aparente gran interés (Veronese, Tolcachir), el grandísimo espectáculo de la temporada será el de Lluís Pasqual dirigiendo “El rey Lear” interpretado por la gran Nuria Espert.

Entre las grandes inauguraciones, no podía faltar el Mercat

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de les Flors, teatro público dedicado a la danza. Fue con “ Torobaka”, un juego intercultural de dos maestros, sin más aditamento que el diálogo oriente-occidente de la danza, música de un baile que tiene orígenes opuestos en su concepción profunda. Toro, vaca, Israel Galván, el virtuosismo de la percusión, Abraham Kahn, sonido de origen hindú. Tacón y punta es Galván, movimientos de fiera Kahn, fusión armónica de ambos en un purísimo espectáculo de danza. ¿Dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos?

Aunque no sea teatro público, la empresa Focus tiene una entidad importante por los teatros que gestiona. Aquí el objetivo esta en la taquilla pero cierta aureola de prestigio rodea la acción empresarial. “La extraña pareja” sigue en el Condal, “El crédit” de Galceran, tan exitoso, ha vuelto a la Villarroel, en el Goya que dirige Josep María Pou van a estrenar María Galiana y Juan Echanove... El Romea, el teatro de más solera de Barcelona, está ahora bajo la dirección artística de Borja Sitjà que inauguró la temporada con “Lou Reed. Berlin” basado en el lp del gran músico fallecido en 2013 a quien Sitjà cuenta haber conocido con un texto a tres de Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró, dirigido todo por Andrés Lima e interpretado magníficamente por Pablo Derqui y Natalie Poza. Y a continuación: Abel Folk y Rosa Novell en un texto de Milan Kundera.

No debería olvidar el gran musical nacido hace más de veinte años y revitalizado tres veces, la última este pasado mes de septiembre en el Victoria. Es Dagoll-Dagom, es un enorme “Mar i cel”, un excelente musical modernísimo y muy al día en su literaria e histórica temática.

Hay más pero las alternativas de varios órdenes, características y tamaño, no inauguran temporada, sólo algunas cierran en agosto por el calor. ¿Les parece estimulante lo arriba escrito? ¿Les anima a visitar Barcelona donde casi todos los espectáculos son en catalán pero es fácil entender el significado de lo que ocurre en el escenario?

Les he hablado sólo de la cartelera barcelonesa pero yo, cuando llega otoño, estoy muy atenta a la programación de Temporada Alta en Girona, desde hace años un festival internacional importante que además de reunir varios espectáculos del estado español, nos ofrece buena parte del mejor teatro extranjero. En Girona hemos podido ver en los últimos años, el mejor teatro extranjero que hoy repite: estrenos de Marthaler, Lupa, Peter Brook, Castelucci, Ian Fabre, Alain Platel, Oskuras Korsunovas, Jatahy o Brett Bailey con un apabullante “Macbeth” africano.

Cuando estas líneas vean la luz, la XXX edición de Temporada Alta vivirá todavía en Girona bajo la dirección de Ramon Sunyer. ¿Quien se viene al teatro a Barcelona y Girona?

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Desde la caverna

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David Ladra

La gente no debe hablar en el teatro

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leccionado por Amador González, de la Cuarta Pared, por donde ya pasó en junio de hace un año, veo ahora La gente, del grupo valenciano Pérez&Disla, en la Mirador de Doctor Fourquet. Bueno, más que “verla”, allí estoy, sentado en una de las sillas que hacen círculo, para participar, por lo que algunos dicen, en una asamblea o una junta –no se sabe muy bien– a la que hemos sido convocados para tratar asuntos importantes y tomar decisiones que, de cuajar en un futuro próximo, serán cruciales para los asistentes. Algún problema ha habido con la convocatoria, murmuran otros, porque entre los concurrentes al encuentro de hoy faltan varios colegas de los que suelen venir siempre. Sobre la confusión se alzan las voces de los dos compañeros que dirigen el cónclave: un adulto con gafas a quien nadie hace caso, tal vez por su apariencia de teórico orgánico, y una mujer más joven que atufa a militante y es quien lidera la reunión. Al final, consiguen entre ambos encauzar el cotarro y empiezan a leer –ardua tarea– el acta del encuentro anterior…

Del contenido, significado y originalidad de La gente en el momento de crisis actual ya nos habló a Manuel Sesma en su crítica de artezblai. com (ver en la sección de Opinión con fecha 10 de junio de 2013). A su totalidad les remito. Si insisto hoy en el tema no es para repetir un análisis ya impecablemente realizado sino para intentar transmitirles –y explicarme a mí mismo– lo que “sentí” a lo largo de toda la función, mi sensación de irse diluyendo poco a poco mi conciencia para confundirse con la de mis compañeros de corro y las ganas que tuve –finalmente frustradas– de intervenir en el debate.

Finalista en la categoría de Mejor Autoría Revelación en los últimos Premios Max y premio al Espectáculo más Innovador y Original en el Festival de Teatro y Artes de Calle (TAC) de Valladolid también este año, La gente, exclusivamente contemplada como un dispositivo teatral más, sería un destacado sainete costumbrista a la manera de don Carlos Arniches o los Quintero, puro “género chico” en el sentido de que sus personajes se expresan, psicológica y lingüísticamente, con una propiedad inmisericorde que da fe de su autenticidad. Parece mentira hasta qué extremo ha llegado el autor del texto, Juli Disla, a la hora de retratar con una precisión milimétrica la manera de hablar, sentir y razonar de nuestra juventud actual, esa mezcla de pasotismo e inteligencia emocional que le permite resistir a pie firme la inclemencia de los tiempos presentes y la desfachatez de sus mayores. Si a esa calidad de lo escrito se añade el ingenio y talento de la puesta en escena de Jaume Pérez, en sí muy enrevesada a pesar de su aparente sencillez, se obtiene un espectáculo que ya por sus virtudes estrictamente escénicas no tarda en atraerse el reconocimiento del público.

Pero el montaje cobra su verdadera dimensión cuando se enmarca en ese anhelo de participación que exige la sociedad de nuestra época, cansada de unos representantes que, cuando no la engañan o se mofan de ella, la decepcionan de continuo. Allí, en medio de la sala Mirador, como un participante más en la reunión y pasada la sorpresa inicial, el espectador pronto comprende la naturaleza del juego: a

pesar de su espontaneidad, esa chica que habla junto a él tomándose su intervención tan a pecho, por muy bien que lo finja –y lo finge muy bien– es sin duda una actriz interpretando su papel (la misma que, más tarde, compartirá sus magdalenas con nosotros). Y ese otro muchacho que se ha equivocado de sala pero que, acalorado por el fragor de la disputa, propone que se inicie una huelga de hambre de inmediato, también es un actor. La presencia de estos intérpretes entreverados con la audiencia crea un clima de convivialidad, y estamos tan juntos y parejos los unos de los otros que, en ciertas ocasiones, nos apetecería intervenir como uno más de ellos. Lo hacemos cuando la lideresa nos pide tomar parte en una votación, pero una cosa es levantar el brazo y otra muy diferente ponerse de pie y lanzar una arenga. Máxime cuando no sabríamos muy bien lo que decir en cuanto, sagazmente, Pérez&Disla han llevado su obra al terreno de la abstracción más pura, inmersa como está en todo un embrollo burocrático que corta de raíz cualquier deseo de emancipación.

Pero es tal el convencimiento con el que discuten los actores y la sensación de libertad tan plena que incluso estaríamos dispuestos a estudiar si ese concierto que hay que rubricar por narices debería elevarse a la secretaría provincial, al grupo paritario o al comité central. Hasta ese grado de enajenación seríamos capaces de llegar con tal de integrarnos en el grupo. Aunque no ocurriera en mi función, me dicen que es frecuente que un espontáneo se tire al ruedo y quiera intervenir pero que, en este caso, el grupo lo tiene todo preparado para devolverle mansamente al redil y continuar la faena. O sea que hay un límite, que las cosas son como son y que aquel afán de participación que nos impulsaba a tomar la palabra y cooperar con los demás era tan sólo una ilusión, una Quimera imaginaria que muda el fuego fascinante de sus fauces por melancolía y frustración.

El propio arte escénico es, por naturaleza, reticente a que el espectador participe directamente. Benevolente, la tragedia griega le abre un espacio en el edificio teatral para que el Coro actúe como portavoz suyo y pueda dirigirse a los protagonistas. El teatro clásico acaba con dicha configuración arquitectónica y limita la representación de la audiencia a los bufones, graciosos o villanos que con su grotesca presencia en el tablado dan fe de su existencia en el corral. Con el concepto de la cuarta pared, el drama moderno pretende cancelar cualquier intento de conexión física entre el escenario y la sala. Rompiendo esta tendencia al aislamiento, la historia del teatro contemporáneo es una larga lucha por recuperar al espectador y establecer una relación directa con él poniendo en juego toda clase de elementos formales: la arquitectura y disposición del local, el dispositivo escénico, la forma de actuar de los intérpretes, la puesta en escena… todo pensado para que el respetable pueda participar en el montaje. Hasta algunos se atreven a subirlo a la escena… pero mudo. Todos se detienen en el momento justo de dar un paso más y precipitarse en el abismo.

Al teatro le va la vida en ello. Porque, de hacerlo así, allí abajo, en el fondo, lo único que le espera es el reality show. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre Histrión Teatro estrena Arizona

Las fronteras, la intolerancia, la estupidez humana

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entro de la programación del Festival RECLAM de Castellón Histrión Teatro estrena el 27 de noviembre, con una función más el día 28, Arizona, una tragedia musical americana del dramaturgo Juan Carlos Rubio, encargado también de su dirección. El texto versa sobre las fronteras, la migración, la estupidez humana y los límites de su manipulación, además de ser un tragicómico retrato del alma de dos seres humanos perdidos en el desierto de la vida.

Gema Matarranz y David Garcia Intriago encarnan a Margaret y George, los protagonistas de este montaje, una pareja pertenecientes al controvertido movimiento minute men que aglutina gente con ideas antiinmigrante, nativista y fascista.

En resumidas cuentas paramilitares obsesionados por cazar inmigrantes a lo largo de las fronteras. Esta es la primera vez que el autor trabaja con Histrión y reconoce sentirse encantado de poder hacerlo, “nos conocíamos de hace tiempo y la admiración es mutua. Me gusta el trabajo que realiza Histrión y la trayectoria que lleva ”.

En los últimos años Arizona ha sido escenificada en varias ocasiones; uno de las montajes más recientes lo dirigió Nacho García contando con un elenco totalmente mexicano pero en coproducción con el Centro Dramático Nacional, de hecho, la propuesta se escenificó en la Sala Princesa del Teatro María Guerrero en junio de 2013. Mutis Producciones también llevó a escena esta obra en 2008 dirigida por el propio Rubio.

En la parte estética de la puesta en escena el autor ha querido ser fiel a si mismo y mantiene el mismo planteamiento que con Mustis; sobre el escenario veremos a sus dos intérpretes en medio del desierto 10

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©Sergio Parra

pendientes de preservar su espacio sin “ocupas” acompañados por la inmensidad del desierto y del sofocante calor.

Tratándose de una tragicomedia musical, esta visión dulcificada de los musicales americanos soporta la historia en un inicio, donde todo parece ser positivo y estar en su sitio, pero poco a poco según va avanzando la historia esta visión se resquebraja y sale a relucir todo.

Rubio escribió esta obra tras leer en 2005 una noticia en el periódico acerca de unas patrullas armadas de ciudadanos norteamericanos que vigilaban la frontera con México para reflexionar sobre sus vecinos del sur, o dicho de una forma más clara, para impedir por la fuerza el paso al norte. En aquel entonces España era la novena potencia mundial y, al igual que Estados Unidos, soportaba una constante invasión de extranjeros, por el estrecho de Gibraltar y constantes naufragios de pateras como punta de lanza.

Ocho años después España está sumida en una profunda crisis económica que no solo ha detenido en parte esa entrada, sino que ha provocado que sean muchos españoles los que ahora invaden otros países en busca de una vida mejor, curiosa paradoja. Y la demostración de que la vida no es más que un círculo, que vuelta a vuelta, te lleva arriba o abajo, dependiendo de factores que nadie puede controlar. O al menos no los ciudadanos de a pie sin secretas cuentas en Suiza.

En palabras de Rubio “lo que está al alcance de nuestra conciencia es comprender que las fronteras no son más que unos diques de contención artificiales creados para vergüenza de los seres humanos. Este es un problema mundial y quien no lo vea está ciego. ¿De qué nos protegemos? ¿Qué tierras son nuestras y cuáles no? ¿Quien decidió eso y en qué momento? ¿Gracias a qué guerra y a cuántas muertes?” concluyendo que el dinero y el poder son los verdaderos colores de las banderas y el motor de los nacionalismos mal entendidos.

El autor reflexiona a viva voz deseando que algún día todas estas historias de vecinos vigilando a otros vecinos no sean más que un lejano y cruel recuerdo de tiempos en los que el hombre pensaba que para reflexionar no había nada más adecuado que tener una pistola en la mano. “Fronteras malditas, aquí y allá, malditas, en cada rincón del planeta, malditas, invisibles o sólidas, malditas, diques de contención de gentes que huyen desesperadamente, malditas, espejo de nuestra vergüenza, malditas... Pero Arizona no está tan lejos.

Arizona está aquí, en Ceuta, en Melilla, en cada una de nuestras ciudades, en cada muro que se levanta para impedir que un ser humano acceda a una vida mejor” aclara Rubio

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La Zaranda estrena El Grito en el Cielo

Un grito por la humanidad desahuciada

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a compañía jerezana La Zaranda vuelve a estrenar espectáculo en el Festival Temporada Alta de Girona –como ya lo hiciera con sus dos obras anteriores, ‘Nadie lo quiere creer. La patria de los espectros’ (2010) y ‘El régimen del pienso’ (2012)–, el 8 de noviembre, en el Teatre de Salt, El grito en el cielo con texto de Eusebio Calonge y dirección de Paco de La Zaranda.

La impactante teatralidad y el expresionismo visual que caracteriza a los trabajos de la compañía, teñidos a su vez de humor y melancolía tiene una vez más como protagonista a la humanidad desahuciada, en este caso, encarnada por unos seres depositados en un geriátrico aséptico que no tienen más esperanza que la sedación paliativa.

Esta nueva propuesta coproducida junto a Temporada Alta y la Biennale di Teatro de Venezia –donde la compañía, invitada por su director, Àlex Rigola ha realizado en agosto pasado una residencia artística– llega al estreno en el festival gerundense, tras la presentación en la ciudad italiana de un ensayo público tras finalizar la citada residencia y meses de trabajo posterior en su nave jerezana.

Celia Bermejo, Iosune Onraita, Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez dan vida a estos seres que a pesar de tener ocupados el ocaso de sus días por una rutina de tratamientos, sesiones de

rehabilitación y terapias, aún guardan la capacidad de soñar. Son seres que han decidido “desertar de la defunción médicamente certificada (...) emprendiendo un arriesgado viaje hacia la liberta perdida, que les hace recuperar la fe como dimensión del alma.

Vivir en la intemperie del alma”.

Tal y como apuntan los miembros de La Zaranda El grito en el cielo conforma, junto con su obra anterior, ‘El régimen del pienso’, una “ácida crítica a un mundo deshumanizado y sin trascendencia, donde los historias clínicos suplantan toda biografía y el arte, mutilado de su sentido espiritual, es un engranaje más de esa maquinaria de aniquilamiento”. Una obra sobre unos cuerpos desahuciados que

reivindican la capacidad de soñar como clave para la libertad. Una visión sobre la dimensión humana del dolor que invita a una reflexión sobre la vejez y la muerte desde la perspectiva del humor negro y tierno que caracteriza a la compañía.

En este nuevo espectáculo Calonge vuelve a encargarse, una vez más de las luces, tan sugerentes, personales e imprescindibles en todos los trabajos de la compañía.

La música que acompaña a esta nueva obra son los mambos de Pérez Prado y la ópera ‘Tannhaüser’ de Richard Wagner.

Inmediatamente después del estreno se podrá ver la obra entre otros lugares en Santander (día 14) y la Escuela Navarra de Teatro de Pamplona (día16).

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Bienvenidos de nuevo al encuentro con la gilipollez

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a compañía Morfeo Teatro, habitual agrupación dedicada a escenificar textos clásicos, se adentra en una nueva aventura donde su labor en este caso será la de producir la reposición de Gilipollas sin fronteras propuesta que Santiago Nogués y Adolfo Pastor estrenaron por primera vez hace veinte años y que volverán a hacerlo el 27 de diciembre en el Teatro Principal de Burgos.

Este show esta estructurado en formato de dúo cómico, con un trepidante repertorio de sketches burlescos, donde la “gilipollez” es terapia, y la carcajada remedio ante cualquiera que sufra la triste enfermedad de “tomarse la vida en serio”. La obra se basa en reflexiones existenciales de sus dos creadores e intérpretes, merced a las cuales recabaron la suficiente información como para darse cuenta que, tras casi diez años de profesión, ahora treintena, nunca llegan a fin de mes (dado que no han cambiado). Tal descubrimiento les llevó a una cruel conclusión que dejaba claro que si insistían en dedicarse a esta profesión sufriendo tales penalidades, es que deberían ser, cuando menos, “medio gilipollas” (hoy en día, visto lo visto, “gilipollas enteros”).

El cántico “Soy gilipollas, lo soy por donde quiera que voy, soy gilipollas, y me he

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dado cuenta hoy. Gilipollas sin fronteras es tu organización: habría muchos más gilipollas, con tu participación” nos introduce en el show de este dúo de ases del humor que forman en escena esta organización no-gubernamental sin ánimo de lucro (aunque últimamente se ha animado y cobra) y ofrecen un espectáculo que sirve para la captación de nuevos adeptos a la causa, mostrar la gilipollez al desnudo, con la clara intención de que los gilipollas del mundo se puedan reconocer mutuamente.

El objetivo de la obra, revelar el absurdo de situaciones cotidianas para demostrar el grado máximo de gilipollez al que hemos llegado en nuestros días ¿Cómo realizamos tal proeza? Por medio de la deformante observación histórica, el patetismo musical, el atontamiento profundo, y el envilecimiento cultural, (y aunque parezca mentira, sin encender la televisión) “¿Nuestro fin?” se preguntan “¡Despertemos al gilipollas que llevamos dentro!”

ESCUELA DE LOS VICIOS

Morfeo Teatro, por su parte, continúa su gira por España con su último montaje La escuela de los vicios, tras su estreno el pasado mes de febrero y haberlo pre-

sentado en varias ciudades de Estados Unidos y México. El 13 de noviembre actuarán en Peñaranda de Bracamonte, el 20 y 21 en el Teatro Rojas de Toledo y el 22 y 23 de noviembre en el Teatro Musical de Valencia. La pieza está basada en sátiras y discursos políticos del genio del Siglo de Oro, Quevedo. Un concentrado de su mejor irreverencia, escritos que en su momento lograron gran éxito, provocando diversas polémicas, entre las que no faltaron acusaciones por una obra subversiva.

La obra presenta a un extravagante diablo esperando a dos necios a los que espera cautivar con su “escuela de los vicios”, la única en que los alumnos cobran por aprender. Las titulaciones serán: bachiller en mentir, licenciado en engañar, doctor en robar y catedrático en medrar. Los dos necios, tras una inicial reticencia al ver que es el diablo quien imparte las clases, se meten de lleno en el aprendizaje por el generoso acuerdo propuesto, consiguiendo excelentes resultados, y mucho más allá de sus expectativas, al ser nombrados Ministro y Magistrado respectivamente, aunque el diablo tiene una última y sorprendente enseñanza... que probablemente pueda sorprender no solo a los dos necios sino a alguno más.

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La Abadía de celebración con estrenos y reestrenos

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urante la temporada 2014-2015 Teatro de la Abadía de Madrid esta celebrando su veinte aniversario con una programación especial compuesta por trabajos de algunos de los nombres más destacados del momento, producciones propias y coproducciones; durante noviembre y diciembre estrena dos producciones propias, Hacia la alegría y Entremeses.

“Un hombre se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística”. Así comienza Hacia la alegría, nuevo texto de Olivier Py, director del Festival d’Avignon. que además se ha de su dirección.

Esta obra es una coproducción del Teatro de la Abadía lugar donde se estrena el 12 de noviembre (estará en cartel hasta el 7 de diciembre), junto con el Théâtre National de la Communauté Française, el Festival d´Avignon y cuenta con la colaboración del Teatrul National

©Ros Ribas

Radu Stanca. Durante 2015 la obra será presentada en el Festival International de Teatru Sibiu de Rumanía en junio, en el propio Festival d´Avignon en julio y en el Théâtre National de Communauté Française de Bruselas en octubre.

Esta iniciativa se enmarca dentro de Cities on Stage/Ciudades en Escena, ambiciosa colaboración internacional que centra la mirada teatral sobre la ciudad

“como fenómeno y síntoma de la modernidad, con un viaje iniciático, hasta convertir la obra en un objeto de meditación pura”.

Hacia la alegría es un lúcido monólogo interior interpretado por Pedro Casablanc va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras y la música en directo de Fernando Velázquez.

El 17 de diciembre (y hasta el 15 de febrero), se repone Entremeses de Miguel de Cervantes bajo la dirección de José Luis Gómez. El montaje es una coproducción entre Teatro de la Abadía con el Festival Clásicos en Alcalá, Teatro Calderón de Valladolid y el Teatro Principal de Zaragoza.

Con ocasión del veinte aniversario La Abadía se reencuentra con los Entremeses –La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas–, uno de sus primeros espectáculos, y llegan ahora interpretados por un grupo de actores que incluye a varios miembros del reparto original, con escenografía del recién fallecido pintor José Hernández, las luces de Juan Gómez Cornejo, la música de Luis Delgado.

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14 noviembre diciembre Dejabu Panpin Laborategia estrena ‘Arrastoak (Rastros)’

Los secretos, nudos a resolver de la memoria

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a compañía Dejabu panpin laborategia estrena el 1 de noviembre en Harri Xuri, Luhuso, Arrastoak (Rastros) una obra de creación colectiva de todo el equipo artístico junto con el escritor Oier Guillán que tiene a los secretos, los silencios y la memoria como protagonistas.

Miren Alkala, Iñigo Aranbarri, Ainara Gurrutxaga y Urko Redondo son los intérpretes de esta obra que “pretende reflexionar sobre las ataduras invisibles que existen entre diferentes generaciones, hablar de la herencia que deja cada generación y de los nudos que perduran sin ser resueltos” afirman desde la compañía.

En el proceso creativo llevado a cabo han intentado descubrir nuevos lenguajes teatrales, dando continuidad a la labor de investigación en el terreno del teatro físico y los títeres que caracteriza a la compañía, pero que en esta ocasión ha querido dar un paso más en el planteamiento estético de la obra con el objetivo de que la realidad y la fantasía se vean entremezcladas en escena. “Es una obra narrativa, que se retroalimenta igualmente de la tragedia y de la comedia, prestando especial atención al diseño de los personajes como al tratamiento poético en el trabajo con objetos” aclaran los miembros de la compañía de Errenteria.

Sobre el escenario la historia de Lur, una joven que ha crecido sin su madre, desaparecida sin dejar ningún rastro cuando ella era pequeña. Lur nunca ha preguntado nada sobre ella, se ha enfrentado a la vida sola con un padre que vive encerrado, atrapado en su casa sin tiempo para buscar respuestas. Pero de un día para otro todo ha cambiado. Ha aparecido el cuerpo sin vida de la madre de Lur, y con el cadáver han vuelto todas esas preguntas que nunca se habían formulado, cuestiones que se han silenciado.

Ha llegado el momento en el que Lur tiene que enfrentarse a sus sentimientos, a los 14

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monstruos del pasado, y por muy difícil que sea, debe conocer lo sucedido.

Tras el estreno en Luhuso, durante el mes de noviembre Arrastoak (Rastros) se presenta en Azpeitia (15), Orereta (16), Donostia (22 y 23), Elorrio (28), Leioa (29) y el 3 de diciembre en Bilbao para dar paso a una extensa gira por Euskal Herria a partir de enero de 2015.

Con este nuevo espectáculo, Dejabu panpin laborategia, vuelve a abordar una obra de teatro de actores tras ‘Gure bide galduak’ (2011), con la que obtuvieron el Premio Donostia en 2012 y cuyo texto fue publicado por la editorial Artezblai ese mismo año. La compañía, formada en 2001

por Ainara Gurrutxaga y Urko Redondo, ha creado también los espectáculos ‘Gizona ez da txoria’ y ‘Azken portua’ –ambos de teatro de actores y títeres–; con la segunda, dirigida al público infantil, se podrá disfrutar en Donostia el 8 de noviembre, del 10 al 13 de diciembre en Tolosa y del 19 al 21 en el Teatro Valle-Inclán de Madrid.

La compañía ha creado también en colaboración con Le Petit Theatre de Pain y Artedrama los espectáculos ‘Errautsak’ (Premio Donostia 2011 y publicada también por Artezblai) y ‘Hamlet’, obras con las que han recorrido toda la geografía vasca y con las que han obtenido una calurosa acogida por parte del público.

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Pandur vuelve al CDN con Fausto

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l 21 de noviembre se estrena en el Teatro Valle-Inclán de Madrid la nueva producción del Centro Dramático Nacional Fausto basada en la obra del poeta, novelista, científico y dramaturgo alemán Johann Wolfgang von Goethe, figura determinante que ayudó a fundar el romanticismo. Para dirigir esta obra, que se mantendrá en cartel hasta el 11 de enero de 2015, contarán una vez más con Tomâz Pandur y el elenco de actores estará compuesto por Manuel Castillo, Víctor Clavijo, Roberto Enríquez, Alberto Frías, Emilio Gaviria, Antonio Gil, Aarón Lobato, Rubén Mascato, Pablo Rivero, Marina Salas y Ana Wagener.

La confrontación con uno de los más grandes mitos europeos inspira al director esloveno para revivir y reinterpretar la leyenda de Fausto, con la creación de un espectáculo en el que se disecciona la psicología de este personaje: sus temores y su soledad, su amor y su pasión. Al comienzo, Heinrich Faust, en la cima de su fortaleza intelectual pero también en la cima de su desesperación, se encuentra al borde del suicidio, se siente completamente perdido.

Y querría sentir un momento en el que pudiera decir: “¡Detente pues, eres tan bello!.

Pero ¿cómo y dónde encontrarlo, y sentirlo, dónde se esconde?” En este momento desesperado y suicida, entramos en el paisaje

interior de Fausto en un abrir y cerrar de ojos, en las partículas de su mundo real e imaginario, en su búsqueda de un momento perpetuo de alegría y realización. Su búsqueda es nuestra búsqueda. Una búsqueda que nunca termina.

Esta es la segunda vez que Pandur trabaja para el Centro Dramático Nacional. El idilio comenzó con Infierno, montaje estrenado en 2005, la primera parte de su trilogía ‘La divina comedia’ que ha puesto en escena en varias ocasiones. La propuesta es una inmersión, a modo de viaje iniciático, que Pandur hace a lo más profundo del ser humano. Para ello se basó en ‘La divina comedia’ de Dante, en ‘Dantes Divinus’ de Nenac Prokic, en obras de Francesco de Sanctis, en textos de Artaud, en el Libro de los muertos de los egipcios, el Libro tibetano de los muertos y en los mundos subterráneos descritos en algunos textos mitológicos griegos. Un montaje que lo adaptó Luis García Montero y contó dentro del reparto con Charo López, Asier Etxeandia y Roberto Enríquez. Este montaje es un claro ejemplo de una de sus principales características, la superposición de mito y modernidad, así como de la ya mencionada multiculturalidad y de la relación de múltiples lenguajes incluso en el sentido literal, por el uso de diferentes lenguas, creando un espectáculo de luz, sonido, movimiento y palabra. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Malas Durante los próximos meses estará gira la obra Malas de La Zona Producciones estreanda el 30 de octubre en el Teatro Marquina de Madrid. Yolanda García Serrano que ha desarrollado la mayor parte de su vida profesional en el campo del guión de televisión y cine, dirige esta comedia con gotas de cabaret, concierto, karaoke, improvisación, baile y mucha guasa, de la que destaca que “está más cerca de una despedida de soltera que de un montaje teatral convencional”.

En este espectáculo el público podrá dejar encendido el móvil y tomar fotos con él, incluso colgarlas en las redes. Y si alguien les llama tendrá que subir al escenario a contar qué eso tan importante que le tenían que decir justo en ese momento. Buscan una audiencia activa, partícipe, que opine, coree o baile.

Los textos que conforman la obra están escritos por siete reconocidos autores y autoras entre los que se encuentran Ignacio del Moral, Eduardo Galán, Juan Carlos Rubio, Felix Sabroso, Antonia San Juan, José Ignacion Valencia así como la propia Yolanda Serrano, que intentan responden a preguntas como: ¿Qué opinan realmente las mujeres de la mujeres?, ¿Cómo se ven?, ¿Cómo se relacionan?, ¿Cómo se comportan cuando no hay hombres delante? Malas está protagonizada por dos actrices, Mari Carmen Sánchez y Mercedes Lur, dando vida a un buen puñado de variopintos personajes (madres, hijas, suegras, nueras, cuñadas, amigas, compañeras de trabajo...) recorriendo diferentes situaciones (familiares, laborales, sexuales, vitales...) a las que las mujeres se enfrentan día a día. Además cada actuación contará con la colaboración de reconocidas actrices invitadas que añadirán un toque de su ‘maldad’ particular.

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El Teatro Circo de Murcia acoge el día 27 de noviembre el estreno de Equus de la compañía Ferroviaria del que también es coproductor. Las funciones de esta adaptación del texto de Peter Shaffer se harán extensivas los días 28 y 29. La obra versa sobre la historia de un psiquiatra que intenta tratar a un joven adolescente que padece una patológica fascinación sexual y religiosa por los caballos.

Para escribir esta obra Shaffer se inspiró en un hecho real sobre un crimen que involucraba a un adolescente que cegó a seis equinos. Construyó un relato ficticio sobre lo que pudo haber causado el incidente, sin conocer ningún detalle del crimen. En Equus Shaffer presenta un reflejo de una violencia aparentemente sin sentido en nuestro tiempo. El drama vive del misterio detectivesco y del thriller psicológico en el cual el psiquiatra deberá oficiar de policía para averiguar las causas de semejante episodio.

Paco Macià dirige esta propuesta que cuentan entre sus intérpretes con César Oliva Bernal, Jaime Lorente, Eloísa Azorín, Toni Medina, Anaïs Duperreinanais, Antonio Mateos y Lorenza Di Calogero.

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Soirée Malandain

Los días 8 y 9 de noviembre Malandain Ballet Biarritz presenta en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia el espectáculo Soirée Malandain que incluye el estreno de dos creaciones del propio Thierry Malandain encuadradas en el proyecto euroregional Ballet T. La primera de las piezas es ‘Estro’ y esta basada en la música “supervitaminada” del Estro armónico Op. 3 y en el Stabat Mater de Antonio Vivaldi y trata sobre el deseo de elevación. La segunda, basada en los ‘Nocturnos’ de Fréderic Chopin, se inspira en las representaciones de la Danza macabra. Malandain es un coreógrafo que desarrolla una visión rigurosamente personal de la danza, profundamente ligada al “Ballet”; autor de un repertorio de ochenta coreografías, ha sido galardonado recientemente “mejor coreógrafo” por ‘Cenicienta’ en los Premios Taglioni - Premios Europeos de Ballet de Berlín.

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14 noviembre diciembre XXIX Festival Internacional Madrid en Danza

Diversas visiones de la danza concurren en Madrid 23 espectáculos conforman la programación de una edición en la que destaca la danza española desde la perspectiva contemporánea

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spectáculos de danza contemporánea, urbana y experimental, ballet, danza española, flamenco, contactimprovisación, performance y danza teatro conforman la programación de la vigésima novena edición del Festival Internacional Madrid en Danza que organiza la Comunidad de Madrid y se desarrollará entre el 6 y el 30 de noviembre.

Dieciocho espacios de la capital y de diversos municipios acogen los 23 espectáculos de esta edición, definida en cuatro ejes principales: ‘Creadores internacionales emblemáticos del mundo de la escena’; ‘Innovación y apuesta por los nuevos talentos’; ‘Madrid y sus creadores coreográficos’ y ‘Renovación de la tradición’.

Dentro del primer eje se encuentran los trabajos de creadoras como Susanne Linke que junto a la compañía Renegade revistia la legendaria pieza de la coreógrafa alemana, Ruhr-Ort que adquiere otro lenguaje sobre la vida masculina, su trabajo, su pasado... La compañía Última Vez presenta What the Body Does not Remember primera pieza coreográfica de Wim Vandekeybus que veinticinco años después de su estreno y con un nuevo elenco se convierte en un manifiesto acerca de una danza animal realizada en los límites del peligro y el riesgo corporal.

LAC es una versión diferente y personal de Jean-Christophe Maillot del emblemático ballet ‘El lago de los cisnes’ para Les Ballets de Monte-Carlo con la que el reconocido coreógrafo revitaliza el repertorio balletístico. Marie Brassard y Sarah Williams por su parte reúnen sus fuerzas para crear Moving in this World un híbrido entre la danza y el teatro que parte de ob18

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Bosque Ardora de Rocio Molina

servar como actúan las personas bajo la influencia de sustancias psicotrópicas. Un acercamiento al mundo de las alucinaciones con imágenes creadas por Sabrina Ratté y la música de Jackie Gallan.

Además de los artistas consagrados el festival también hace un hueco a la innovación y apuesta por el trabajo de nuevos creadores como Marina Mascarell que presenta The Unreality of Time con Korzo Productions, pieza creada en colaboración con el compositor neoyorquino Chris Lancaster quien interpreta su música en directo junto con cinco bailarines y 150 kilos de lentejas. El alemán Vicent Bozek presenta la performance Maquillaje basada en la repetición de estructuras de movimiento y

sonido para explorar las distintas formas en la que las personas se hacen perceptibles en el espacio. Javier Martín por su parte pone ante el público un espectáculo de danza experimental planteando un solo-improvisación con debate posterior como una experiencia compartida titulada Control.

Tamako Akiyama y Dimo Kirilov proponen en Entre mareas una reflexión sobre las relaciones humanas y el comportamiento a pequeña escala y Ai Do Project del creador Iker Arrue presenta dos piezas, 119.104, un ejercicio de reflexión sobre los valores propios que se imponen a la desesperanza o el sufrimiento e Invisible Beauty en la que se visibiliza la relación de un padre con Alzheimer y su hijo.

Los espectáculos de raíz flamenca o española tienen un importante protagonismo en esta edición. Es el caso de Bosque Ardora de la Compañía Rocío Molina, un baile flamenco que se abraza a lo inesperado y se asoma al borde de la conmoción para encarnar la belleza y su reverso inevitable: la tragedia. La Compañía Daniel Doña presenta una nueva forma de concebir la danza española exprimiendo su esencia con el fin de actualizarla con la pieza Black Box y en Nómada la Compañía Manuel Liñán enmarca el flamenco en diversos momentos y circunstancias y ofrece un homenaje al movimiento y una oda particular a la migración creativa responsable de la supervivencia personal y artística mientras que con BPM Dualidad Cruceta Flamenco indaga en el alma desnuda del flamenco para tejerle nuevas costuras a través de la música de José Luis Montón y el baile de Mariano Cruceta.

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DANTZALDIA

Ruhr-Ort de Renegade

El cuarto eje del festival, ‘Madrid y sus creadores coreográficos’ incluye el estreno de Mónica Runde, Episodios (Temporada 25) una obra conmemorativa de los 25 años de su compañía, 10 & 10 Danza en la que la creadora pone en escena las piezas de Daniel Abreu, Pedro Berdäyes, Claudia Faci, Luis Luque y Carmen Werner.

Estrenos son también Bailarina de fondo en concierto de Tania Arias Winogradow una pieza definida por su creadora como “danza degenerada”, el solo ¡Valgo? de Nicolas Rambaud, un ejercicio intencionado de ironía, auto-empleo, supervivencia, con gotas de alegría, amargura, crítica social y preocupación por el futuro y Free fall*, una metáfora sobre la supervivencia, la guerra y la reconstrucción que a través del contact presenta la Compañía Sharon Fridman.

Los estrenos se completan con Haablk! una pieza de danza urbana y poesía en la que Dani Pannullo Dancetheatre Co. reúne

a una comunidad de bailarines de origen árabe residentes en Madrid.

Fabián Thomé lidera la Compañía FT, un proyecto de jóvenes creadores que ponen en escena las piezas Entre Sombras, fETCH y Las tormentas no duran toda la noche y tras Compañía caraBdanza se encuentran los jóvenes coreógrafos Gonzalo Díaz, Carolina Márquez y Ana Catalina Román que presentan Tres caminos una pieza.

La coreógrafa, bailarina y actriz Mey-Ling Bisogno conjuga en Tokio Dream danza contemporánea, teatro físico y tecnología multimedia.

La programación de este año se completa con la nueva obra de Elephant in the Black Box Company, Las 4 estaciones de Victoria, del coreógrafo y director Jean Philippe Dury y con One-hit wonders espectáculo en el que Sol Picó ha reunido piezas emblemáticas de las obras más representativas de sus 20 años de trayectoria.

La XV edición de Dantzaldia, festival de danza contemporánea de Bilbao que organiza La Fundición y que comenzó a finales de septiembre continúa el 9 de noviembre con la presentación de Afectos, obra que nace del encuentro entre Rocío Molina y Rosario ‘La Tremendita’ que ofrece una reflexión basada en la lucha del ser humano y la capacidad de hallar la sencillez, la naturalidad y la confianza a través de la existencia. El día 13 Societat Doctor Alonso y Moaré ponen sobre el escenario La naturaleza y su temblor, un site-specific tras el que se encuentran creadores como Idoia Zabaleta, Tomàs Araga y Sofia Asencio y el artista visual Chus Domínguez. Un conocido del festival, Daniel Abreu, llega a Bilbao el día 20 con Animal, una coreografía que envuelta en una atmósfera onírica y acompañada de los textos de Marina Wainer habla de la necesidad y del deseo. El plato fuerte de esta edición de Dantzaldia llega el 14 diciembre con Carolyn Carlson que presentará ante el público bilbaíno Short Stories compuesta por los solos ‘Mandala’ e ‘Inmersión’ y el dúo ‘Li’. Las tres piezas, creadas por la reconocida coreógrafa están inspiradas en las filosofías orientales. Destaca además que el solo ‘Inmersión’ es interpretado por la propia Carlson como una gran Dama del Agua. El sonido que hacen los cuerpos en quietud, una pieza en proceso de creación de Iratxe Ansa (19 de diciembre) completa esta edición en la que también se ha previsto un taller que impartirá la propia Ansa, talleres de mediación con nuevos públicos y un ciclo de cine sobre grandes coreógrafas del siglo XX.

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14 noviembre diciembre XXII Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos Inauguración

Veintidós obras en la vigésima segunda edición

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a Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante reúne en su programación obras escritas por autores vivos, característica principal de la muestra cuya vigésima segunda edición tendrá lugar del 7 al 15 de noviembre con una programación de 22 espectáculos que serán puestos en escena en diversos espacios de la ciudad como los teatros Principal y Arniches, el Paraninfo de la Universidad y el Centro Cultural ‘Las Cigarreras’ entre otros.

Además de las representaciones, un año 20

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más se han organizado diversas actividades como los encuentros ‘Palabras’ y ‘Palabra de traductor’ con la presencia de ocho traductores, ambas moderadas por el director de la Muestra, Guillermo Heras, el homenaje a Carles Alberola – por su versatilidad y trayectoria como dramaturgo tanto en la Comunidad Valenciana como en el resto de España– y la entrega del Premio Palma de Alicante que se hará público el mismo día 7 amén del taller de dramaturgia impartido por Sergi Belbel y las tradicionales presentaciones de publicaciones.

El estreno de Ulisses in Berlin del alicantino Francesc Sanguino será la encargada de inaugurar esta edición, una producción de Culturarts Generalitat dirigida por Pau Durà y el propio Sanguino, una historia “de gente embarcada en busca de una felicidad a donde ningún viento conduce, a cuya costa parece imposible arribar. Gente cualquiera, vaya” explica su autor.

Carlos Álvarez-Nóvas es el autor de Adúlteros, una comedia sobre la infidelidad diridiga por Pedro Álverez-Ossorio que pone en escena La Fundición de Sevilla y con la que su autor no pretende “dar testimonio de nada, ni tampoco hacer apologías y, mucho menos, tratar de moralizar o denunciar. Simplemente mostrar sus historias”. Otra comedia sobre los sentimientos y las parejas es la propuesta del autor homenajeado esta edición, Carles Alberola, que también dirige junto a Carles Sanjaime ¿Me esperarás? de Albena Teatre. Una obra llena de humor sobre “gente sin miedo a amar convencida de que solamente el amor puede salvarnos de lo absurdo de nuestra existencia” explica Alberola.

Lander Iglesias dirige la propuesta que Laurentzi Producciones ha realizado de Cuarteto del Alba de Carlos Gil, una obra que en palabras de su autor “habla de una generación, de unos individuos, de un país, de una situación política, social y que se va mostrando de una manera teatral abrasiva por lo que convierte cualquier rasgo de desencanto, en una acción optimista por la celebración de la vida y lo que está por venir en un canto por la libertad”.

Temas de actualidad como el poder de los medios de comunicación o los intereses de grandes grupos de presión se intercalan en el espectáculo que presenta Teatro del Astillero dirigido por Luis Miguel González, El procedimiento, “dos hombres enfrentados en un espacio cerrado. Dos hombres y el espectador.

Y la crudeza del drama y la fuerza de la ironía” explica su autor, Raúl Hernández Garrido. De un hecho real parte La punta del iceberg de Antonio Tabares, una producción de Teatro de La Abadía dirigida por Sergi Belbel, se aborda una realidad innegable “hasta qué punto las relaciones humanas en el ámbito laboral pueden condicionar nuestra manera de afrontar la existencia”. También real es el punto de partida de El antidisturbios de Teatro de Acción Candente, una obra dirigida por Lucía

noviembre diciembre Benedicto sobre la brutalidad policial a partir de la figura de un antidisturbios que lanza preguntas como “¿Qué piensa? ¿Qué defiende? ¿Cuántas preguntas se hace a cerca de su propio trabajo? escribo para entender y entendernos, para conocer y conocernos...” afirma su autor, Félix Estaire.

Ignacio Amestoy, autor de Dionisio Ridruejo.

Una pasión española afirma que la obra – dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente y coproducida por el CDN y Pérez de la Fuente Producciones– “discurre por dos vías, la ritual y el teatro documento” ya que pone sobre las tablas la historia de un hombre que pasó “de ser la referencia emblemática del fascismo franquista, a encabezar un partido socialdemócrata, la Unión Social Demócrata Española, la USDE, en plena dictadura”.

Lejos del teatro documento se encuentra El somriure del crim de Manuel Molins, “una farsa urbana que trata humildemente de recoger, por una parte, la larga tradición de la comedia y la farsa directa y vital, desde Aristófanes a la sátira política de algunas revistas de humor. En consecuencia, se inscribe en el mundo de la actualidad” que pone en escena Rodolant Teatre.

Tiempo de dramaturgas

Es importante la presencia de obras de autoras contemporáneas como Ana Zamora encargada también de la dirección de Penal de Ocaña que pone en escena Nao D´Amores, una obra que en palabras de Zamora “se trata de un ejercicio de justicia literaria y sobre todo histórica” pues pone en escena la historia de su propia abuela, voz de una generación “que, sin esperar nada a cambio, decidió

ser fiel a unos principios morales que hoy se nos antojan casi imposibles”.

Teatro Círculo pone en escena El matrimonio Palavrakis de Angélica Liddell, la historia de dos hermanos víctimas de malos tratos durante su infancia y unidos por el rencor hacia sus progenitores que llevan una vida monótona e insustancial. Y la familia es también el tema central de Verano en Diciembre de Carolina África, una obra que tras el desarrollo de sus personajes se ha convertido en “una muestra de esos roles familiares, que en este caso adoptan cuatro generaciones de mujeres muy distintas a pesar de una educación común” que pone en escena La Belloch bajo la dirección de la propia África. Hazme una perdida de Mercè Sarrias es una “comedia enloquecida dirigida por Joan Miquel Reig para Jácara Teatro que “retrata/pervierte/exagera o minimizael día a día de muchas mujeres que intentan conseguir el cien por cien, el salto mortal que supone cuidar dos hijos pequeños y seguir persiguiendo sus otros sueños”.

También las mujeres son protagonistas de Femenino singular una tragicomedia llena de humor ácido en la que se ponen en escena “nuestras vidas como mujeres, madres, actrices y amigas” escritas por Carolina Solas, Jorge Muñoz, María Vázquez, Marta Belenguer, Rosa Manteiga y Emilio del Valle encargado de la dirección de este espectáculo de [in] constantes teatro.

Todos los públicos

Pikor Teatro presenta Triple salto de María Velasco con dirección de Miguel Olmeda.

Una obra para el público adolescente sobre la muerte y “todas las pequeñas muertes que

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acontecen en la vida, tales como el desamor, la separación de seres queridos, la migración, el fin de la infancia… “.

Aprendiendo a vivir (o de cómo Pinotxa encontró a Dogot) es la propuesta para público familiar escrita por María Reiz y con puesta en escena de AMAEM Marías Guerreras, una obra que “trabaja el concepto de aprendizaje a través de la duda. Infancia y adolescencia como lugares de inseguridad”. Para el público familiar son también las obras Pulgarcito y En un lugar de la galaxia. La primera, de Teatro Paraíso es una adaptación muy libre del cuento de Perrault escrita y dirigida por Iñaki Rikarte con el abandono como tema principal mientras que la obra de Teatro del Cuervo, escrita y dirigida por Sergio Gayol, es un viaje por los planetas del sistema solar con el objetivo de recuperar los valores de la tierra.

Completan las representaciones de esta edición dos espectáculos de calle. Nola de Hortzmuga Teatroa –escrita y dirigida por Arantza Goikoetxea– que “habla de la diferencia partiendo de la base que todos somos diferentes, busca en el interior de cada persona para descubrir aquello que les hace únicas e irrepetibles”. La Conga de Santi Ugalde vuelve al lenguaje escénico de Trapu Zaharra y a través de un tema de actualidad juega con la realidad y la ficción siempre con el humor como protagonista.

Y además, dos espectáculos de cabaret en los que el humor esta servido: Sol@ ante el peligro, siete monólogos de los autores Marisol Moreno “La Roja”, Paco Vinal, Josi Alvarado, Emi Díaz, Nando Arroyo, Mohamed Amine y Sandra Sánchez y Enemigo público de Juan Carlos Librado ‘Nene’.

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14 noviembre diciembre Festival Don Quijote de París

El régimen del pienso de La Zaranda

Acentos iberoamericanos se entremezclan en París

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omo cada otoño llega la cita más esperada con el teatro iberoamericano en París: el Festival de Teatro Quijote. De nuevo la asociación Zorongo con la colaboración del Instituto Cervantes propone una variada programación con motivo de su vigésimo tercera edición que se llevará a cabo del 22 de noviembre al 20 de diciembre.

La apertura del festival tendrá lugar en el Café de la Danse con la actuación a cargo de la artista aragonesa Carmen París. La cantante presentará los temas de su último disco Ejazz con Jota donde fusiona la jota y el jazz y combina algunas canciones interpretadas en inglés con otras en castellano con el deseo de internacionalizar la jota y acercar este ritmo popular a todos los públicos.

A pesar de que el teatro será la disciplina protagonista de este encuentro en el que se vislumbrarán un total de catorce obras a cargo de compañías provenientes de España, Portugal, Bolivia y Francia, el baile flamenco también estará presente en una representación a cargo de Guadalupe Torres y José Maldonado. Flamenco puro cargado de emo22

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ción en Roble, título que da nombre al espectáculo elegido para esta ocasión en el que junto a esta pareja de bailarines participan Ismael Fernández Bolita y Matías López al cante, acompañados por Francisco Vinuesa a la guitarra.

Amplia presencia estatal

Una amplia selección de obras teatrales tendrán lugar en los espacios habituales del festival como son Théâtre 13, Espace Beaujon, Théâtre de Belleville, Casa de España y Café de la Danse.

Entre todas ellas es significativa la presencia mayoritaria de creaciones españolas, todas recientemente estrenadas o en gira, por eso incidimos especialmente en algunas. Uno de los artistas que cobra mayor protagonismo es Alberto San Juan ya que irrumpirá con dos de sus trabajos, Todo dice que sí… y Autorretrato de un joven capitalista. En el primero de ellos San Juan interpreta un recital musicalizado, irónico, filosófico, cargado de humor en el que cuenta con el músico argentino Fernando Egozcue

en escena para interpretar momentos llenos de complicidad. Para ello el artista se sirve de diversos poemas de conocidos autores españoles del S. XX como Juan Ramón Jiménez, Luis Cernuda, José Agustin Goytisolo o Gabriel Celaya entre otros. La segunda propuesta Autorretrato de un joven capitalista como bien indica su nombre, es un viaje autobiográfico en el que este madrileño se desnuda ante su público desvelando aspectos privados de su vida y recorrido profesional donde relata y describe con humor los motivos que le han llevado a lo largo de su carrera a forjar un pensamiento más crítico y comprometido con la situación política que vive la sociedad española actual. Desgrana momentos de la historia claves para comprender dónde y porqué se encuentra hoy así España. Este trabajo escrito y dirigido por él mismo ofrece una visión muy crítica con la que persigue reactivar un debate público hacia el sistema dominante.

A continuación, otra de las obras con acento español que se presentará es ‘Fuenteovejuna’, uno de los textos más versionados de Lope de Vega que en esta

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Édipo de Comphania do Chapitô

cita llega de la mano de la joven compañía Obskené. La formación catalana propone Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas una adaptación contemporánea diseñada para la calle con siete actores en escena dirigidos por Anna Maria Ricart. Actores que mientras sucede la acción, comentan y opinan sobre este hecho, la historia del famoso pueblo que cansado de su opresor decide unirse para combartirlo, basándose así en una situación real.

Siguiendo los pasos de La Barraca de Lorca consiguen acercar a la gente este clásico de una manera diferente. La compañía Nao d’Amores por su parte con Penal de Ocaña basado en el diario de Maria Josefa Canellada, trasladará a los espectadores hasta la contienda de la guerra civil española, de la mano de la directora y dramaturga Ana Zamora. Relatada en primera persona cuenta la historia de Canellada, entregada en cuerpo y alma a ayudar a las víctimas del conflicto enrolándose como enfermera y siendo fiel a sus principios morales por en-

cima de intereses de carácter político. Eva Rufo e Isabel Zamora son las actrices de Nao d’Amores que encarnarán esta dolorosa vivencia. Además, una habitual en esta cita, ya que ha participado en varias ediciones del Quijote, es la agrupación jerezana La Zaranda que vuelve a la capital gala con El régimen del pienso un fantástico trabajo que ahonda en el deshumanizado mundo desde el plano laboral en un tono de humor que a su vez es desgarrador. Para finalizar rescatamos también la presencia de Teatro Corsario con Clásicos cómicos, entremeses de burlas y el teatro de objetos a cargo de Teatro La Chana gracias al espectáculo Del Lazarillo de Tormes.

Invitado especial

Como no podía ser de otra manera además de ejercer como anfitrión de este encuentro el Grupo Zorongo acompañado por Cavaluna también saldrá a escena con una propuesta clownesca denominada Voisinzines. Trabajo

que será interpretado en español y en francés de la mano de la actriz Silvia Moreno.

En francés exclusivamente se presentarán otros tres trabajos, en primer lugar Parole d’acteur de Maurice Durozier de la mano de Théâtre du Soleil & Compagnie Marche la Route, Heures de nuit la lectura dramatizada a cargo de Jean-Claude Dreyfus y La Mouche Marguerite Duras obra de Eduardo Pavlosky escenificada por la Cie du Pas sage.

Para favorecer la compresión a todos los asistentes del festival algunas de estas obras también serán sobretituladas como Édipo de la formación lusa Comphania do Chapitô, que no acude sola desde Portugal, gracias a la Peregrinaçao de Teatro La Fontana.

Para finalizar un último apunte, Bolivia es el país elegido como invitado especial en el festival y por eso han brindado la oportunidad de asistir a la presente edición a la compañía Ditirambo que será la encargada del cierre del festival con varios pases del espectáculo El retablillo de Don Cristóbal y El corral de Bernarda.

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14 noviembre diciembre XXXII Euskal antzerki Topaketak - Azpeitia

La mejor manera de conocer todo el teatro en euskera Un año más y ya van 32, Azpeitia organiza Euskal Antzerki Topaketak (encuentros con el teatro en euskera) que tendrán lugar del 31 de octubre al 23 de noviembre. Este festival que se caracteriza por ofrecer una programación compuesta íntegramente por espectáculos en euskera, incluye este año dos estrenos y como novedad un ciclo especial dedicado al teatro alternativo que se va a desarrollar en el Gaztetxe mientras que el resto de funciones tendrán lugar en el Teatro Soreasu. Tras la buena experiencia del año anterior, EHAZE vuelve a or-

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a XXXII edición de Euskal Antzerki Topaketak de Azpeitia se inauguran con el estreno de Euli-giro un especáculo basado en los cuentos escritos por Uxue Albardi y publicados en el libro del mismo título que lleva a escena Kamikaz Kolektiboa, historias desconcertantes y turbadoras protagonizadas por mujeres. También estrena en Azpeitia Lakrikun, compañía que pondrá en escena una nueva obra de Alaitz Olaizola, Non gaude? (¿Dónde estamos?) tercera parte de la trilogía de la autora azpeitiarra que se podrá disfrutar con una nueva propuesta del taller de mujeres de Azpeitia, Orekaren desoreka.

Tras su reciente estreno en Luhuso llega a Azpeitia Arrastoak (Rastros) de Dejabu panpin laborategia espectáculo del que se informa en la sección estrenos de este número, y también se presenta pocos días después de su estreno en el Teatro Arriaga de Bilbao Arikimedesen Printzipioa (El principio de Arqímedes) obra del dramaturgo y director catalán Josep Maria Miró que ha llevado a escena Maskarada. Esta obra, galardonada con el Premi Born de Teatre 2011 está dirigida por Carlos Panera y se basa en la traducción realizada por Iñaki Ziarrusta.

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ganizar Antzerki Eskolen Eguna y un año más el festival acoge Eskola Antzerki Topaketak (encuentro de escuelas de teatro) que organizado junto con el Departamento de Educación del Gobierno Vasco, escolares de Araba, Bizkaia y Gipuzkoa pondrán en escena sus trabajos ante sus compañeros. Otra de las características a destacar de esta cita es el premio que el público otorga al mejor espectáculo con los votos emitidos voluntariamente tras finalizar cada función y que conlleva además del reconocimiento, un premio en metálico.

uno de sus compañeros. ¿Se trata de un beso inocente en la mejilla, como no se cansa de repetir el entrenador, o había realmente una intención morbosa?” tal y como resume Laurent Gallardo la obra en el prólogo de la edición de Artezblai.

Y tres son también los personajes que protagonizan Pankreas de Tar tean Teatroa. Joseba Apaolaza, Mikel Martínez y Patxo Telleria ponen sobre el escenario esta comedia contemporánea en verso escrita por el propio Telleria y dirigida por Jokin Oregi en la que el humor está asegurado. Tres amigos, uno de ellos necesitado de un trasplante urgente de páncreas, otro con la idea de suicidarse nada más cumpla 60 años para evitar un Alzheimer hereditario y un tercero que llega para convencer a este que adelante la fecha de su suicidio y done el páncreas al primero de ellos.

Erpurutxo de Teatro Paraíso ©Aitor Audicana Como es habitual en esta cita, el público infantil y familiar podrá Tessa Andonegi, Xabier Ortuzar y Eneko disfrutar con varias propuestas escénicas.

Teatro Paraíso mostrará Erpurutxo, una Sagardoy dan vida a los tres personajes de versión libre del cuento de Perrault escriuna historia que acontece en una piscina ta y dirigida por Iñaki Rikarte en la que se municipal. Una historia “a partir de un hecho que no sabemos si es real o no: una aborda especialmente el tema de abandoniña cuenta a sus padres que ha visto cómo no contextualizándolo en una situación que un entrenador le daba un beso en la boca a no deja de reclamar paralelismos con la

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Konpota de Dxusturi Teatroa

sociedad actual. Una obra divertida y conmovedora presentada a través de la relación de un hijo con su padre.

En Egun berri bat de Eidabe su protagonista, la pequeña Eli comenzará un viaje con el objeto de entender la muerte ya que acaba de perder a su hermano Manex y se encuentra algo confundida. Poco a poco la protagonista irá viendo, conociendo y comprendiendo lo ocurrido hasta aceptar que Manex siempre viajará guardado en su corazón. Txalo presenta con Mollie Malonen ipuin sinestezina una historia emocionante y divertida que transmite un mensaje vital para pequeños y mayores: la importancia de vivir el día a día con total intensidad, una obra sobre el paso del tiempo que alerta a su vez sobre la gravedad del cambio climático y la necesidad de cuidar la naturaleza. Las obras para el público familiar se completan con Barbatxo de Logela multimedia. La compañía ha seleccionado, adaptado y actualizado pasajes de los cuentos que Barandiaran recogió y que tienen en común el diminuto tamaño de sus personajes: Baratxuri, Ukabiltxo, Kukubiltxo y Barbantxo.

Teatro Alternativo

Este año el festival ha organizado un ciclo especial denominado ‘Antzerki Alternatiboa’ (Teatro Alternativo) compuesto por un programa de tres espectáculos que tendrá lugar en el Gaztetxe de Azpeitia los días 20, 21 y 22 de noviembre.

Abre el ciclo la obra Konpota de Dxusturi Teatroa, un monólogo interpretado por Enertiz Artetxe y dirigido por Pablo Ibarluzea que tiene como punto de partida un texto de Philippe Gaulier que pone patas arriba el mito de Eva. Zertarako hegoak? de Metrokoadroka es un proyecto desarrollado por iniciativa del periódico Berria y pone sobre el escenario una historia que tiene como punto de partida un hecho absurdo: todas las personas tienen superpoderes pero todos ellos carecen de utilidad. Cierra este ciclo la obra Espazio hutsak de Higa Antzerkia una obra basada en el universo poético de Amaia Lasa que trata de escenificar una serie de partituras teatrales. Sobre el escenario tres actrices, poemas, movimiento y voces para ofrecer al espectador un universo de sensaciones. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre XXXII Titirijai - Festival Internacional de Títeres de Tolosa

Las marionetas y los objetos recobran vida en Tolosa

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el 22 al 30 de noviembre se llevará a cabo en Tolosa Titirijai uno de los festivales especializados en títeres más veteranos del panorama estatal que este año celebra su trigesimosegunda edición. Aunque su programación no se enmarca en ninguna temática en concreto contará con novedades interesantes como una nueva sección denominada ‘Escena abierta’ en la que se dará la oportunidad a compañías noveles de mostrar su trabajo, asimismo, se han previsto por primera vez algunos montajes que se llevarán a cabo en la calle, además del resto de funciones que tendrán lugar entre el Topic, Centro Internacional del Títere de Tolosa, y el Leidor Antzokia.

Desde el pasado 18 de octubre y hasta el próximo 15 de marzo de 2015 el público podrá disfrutar de la exposición ‘Akhyan: máscaras, marionetas y scrolls en las tradiciones orales de la India’, que además será una de la actividades paralelas destacadas de este año, ubicada en el Topic, epicentro de Titirijai. La muestra está orientada a la cultura de la marioneta, no como objeto artístico, sino como manifestación cultural general del patrimonio oral e intangible de un pueblo, de hecho varias manifestaciones titiriteras están protegidas ya por la UNESCO. El título de la exposición ‘Akhyan’, significa narración, por lo que explora y celebra esas tradiciones narrativas de la India que cuentan una historia a través del uso de objetos que hablan, como máscaras, títeres y scrolls (romances de ciego o cuentos ilustrados).

Escena abierta

Dentro de la nueva sección ‘Escena abierta’ participan cuatro compañías que en orden cronológico la primera en actuar será la agrupación vasca Aura Tea26

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Marionetas de salón de Hermanos Arana

tro con El bolso amarillo, propuesta para niños pero con guiños para los adultos, en la que se habla de los sueños, del miedo, de la familia, de la amistad e incluso de la muerte. Por su parte Pilpira Teatro de Madrid mostrará la adaptación del cuento tradicional ruso recogido por Aleksandr Nikolaevich Afanasiev La liebre y la zorra dirigida al público familiar. La compañía granadina Nosetheatre con Ser o... ¡no sé!, se preguntan ¿qué pasaría si los espectadores de teatro hubiesen sido los protagonistas sin saberlo, desde siempre y para siempre? o ¿si, como espectador, pudiera verse reflejado en escena por delante de un espejo? ¿es usted un títeres de su propia existencia? Guillermo Pascual y Ricardo Ventura lo son y están “atrapados” literalmente en Hamlet de Shakespeare.

El titiritero catalán Nestor Navarro llevará a escena La sombra de Pinocho, un montaje de pequeño formato para público familiar que combina títeres de guante, marionetas y sombras en el mismo escenario. Se trata de una revisión del clásico de Collodi desde la perspectiva del personaje principal Pinocho. ambientada a finales del

siglo XIX y principios del XX. El mismo día inaugural se podrá disfrutar del primer espectáculo en la calle, se trata de Torta y leche del titiritero manchego Juan Catalina. El espectáculo es parte de nuestra historia, contada de boca a boca, en las plazas de los pueblos, en las bodegas y en las chimeneas junto al fuego. La Picara locuela será otra de las compañías que actuará al aire libre con El faldón de los títeres, un espectáculo representado al estilo de un bululú o comediante solista que antiguamente escenificaba su repertorio sobre si mismo en un retablo ambulante. En este caso la titiritera, en el teatrito construido por ella misma, realizará el juego de títeres de guante.

Teniendo en cuenta las hasta ahora mencionadas compañías la programación contará con la participación de un total de 12 agrupaciones venidas desde Argentina, Australia, Chile y Bulgaria así como diversos lugares de la península ibérica.

Sueños 1 da nombre al espectáculo del argentino Roberto White, un trabajo fruto de una de las residencias de creación que el Topic ofrece a los profesionales de los títeres. Niños y adultos podrán asistir a un espectáculo que se desarrolla en clave de clown utilizando el teatro de figuras y un poco de pantomima, donde no faltará el humor. La compañía chilena-navarra La llave maestra, mostrará Delirios de papel, espectáculo lúdico y plástico que se sumerge en las infinitas posibilidades expresivas del papel, para dar vida a diferentes micro historias cómicas, poéticas y sugerentes, que plasman en escena un universo excéntrico, surrealista y delirante.

Tradicional y moderno

Desde Australia llega Per th Company para mostrar Las aventuras de Alvyn Sput-

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Torta y leche de Juan Catalina

nik, montaje en el que se fusiona animación, títeres, proyecciones y música en vivo. Fundada en 2003 por Alan Becher la compañía se esfuerza por apoyar y desarrollar a los artistas más innovadores y prometedores de Perth. La compañía murciana Mimaia por su parte escenificará Adios Bienvenida, propuesta coproducida por el Topic con el apoyo del programa Generaccion y el Instituto de la Juventud de la región de Murcia, que hablan de los ciclos de la vida, de la necesidad de que las cosas se acaben para que algo nuevo pueda comenzar.

En la sección oficial también participará la compañía catalana Farres Brothers con La maleta de Agustí, inspirada en un pequeño fragmento de la vida del fotógrafo Agustí Centelles o el espectáculo escenificado en euskera Danborraren ahotsa de la compañía veterana Txotxongilo, en el que no se recrea un cuento sino que la historia o pasajes sucedidos hace 200 años en Euskadi, en concreto en Donostia, retratando la destrucción provocada por la guerra aunque siempre ofreciendo una visión esperanzadora.

Otra compañía que lleva muchos años en activo, Bihar qpresenta con Pantzar t el estreno de Txan fantasma, un montaje lúdico para niños a partir de cinco años. Los madrileños Titiriguri mostrarán Hay un gallo en tu tejado, propuesta creada en clave de humor en el que se va desmadejando una historia de amistad y superación entre unos y otros personajes. Marionetas de salón de nombre al espectáculo de los argentinos Hermanos Arana; cuatro obras cortas componen esta pieza que dejará patente la magistral manipulación de títeres de hilo por parte de sus creadores. Cabaret de mans de los gallegos El retrato de Dorian Gray también es una mezcla y recopilación de varios de sus números cortos creados a lo largo de sus nueve años de trayectoria en los que se han especializado en la manipulación de globos. El punto final de la presente edición del Titirijai lo pondrá la compañía búlgara State Puppet Theatre Burgas con Tumba Lumba un espectáculo moderno realizado por maestros titiriteros búlgaros en el que combinan distintos elementos folklóricos. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Títeres en muchos puntos de la península ibérica

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toño vuelve a ser una época en la que se concentran numerosos festivales de artes escénicas, y en especial de títeres, en diversos puntos de la península ibérica. Comenzamos con Titerescena que más que una cita anual se trata de una programación que se extiende desde el pasado mes de septiembre hasta junio de 2015. El Centro Dramático Nacional en colaboración con el Topic, Centro Internacional de Títeres de Tolosa, crean esta cuidada programación dedicada a la exhibición y realización de actividades relacionadas con el mundo del títere y la marioneta que tiene lugar en la Sala El Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán de Madrid y en la Plaza de Lavapiés, por ser esta última la calle de ámbito natural del teatro de títeres tradicional y popular.

Tras Ulises de la compañía valenciana Bambalina, Hay un gallo en mi tejado de los madrileños Titiriguri, Lágrimas junto al río de Krystall Puppeteers de Kenia y About Ram de los indios Katkatha, en los próximos meses se podrá disfrutar de 8 propuestas más. El argentino Rober to White aterrizará en el Teatro Valle-Inclán del 14 al 16 de noviembre con Sueño I, título de su segundo espectáculo en solitario en clave de teatro gestual, clown y manipulación de objetos narra en pequeños fragmentos lo que sucede dentro de una casa muy especial.

En diciembre, del 19 al 21, contarán con la visita de la compañía vasca Dejabu con Azken portua o El último puerto en castellano, obra que fusiona el trabajo actoral y los títeres donde se da paso a una entrañable historia con el mar de fondo. La programación continuará hasta junio con la participación de compañías más como La Rous que escenificará La casa del abuelo, la compañía italiana Dromosofistas que mostrará en la calle El cubo libre, así como los griegos Merlin Puppet Theatre con la propuesta para jóvenes Clown´s Houses, El patio que acu28

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Azken portua de Dejabu

dirá con su ópera prima A mano, así como la italiana Quadri con Girovago e Rondella y Tutatis Producciones Teatrales que llevará a cabo Caballos de Menorca dando por concluida la programación. cOINCIDENCIA

Prácticamente coinciden en fechas Titeremurcia que tendrá lugar del 2 al 9 de noviembre y la Mostra de Titelles del Vall d´Albaida que se celebrará del 6 al 9 de noviembre. La primera celbra su décima tercera edición ligada al lema “vuela la imaginación” contando con la participación de un total de 13 compañías, así como actividades paralelas que incluyen proyecciones de cine, exposiciones y talleres. Las funciones se llevarán a cabo en Murcia capital, San Pedro del Pinatar, Jumilla y las pedanías de Algezares, Beniaján, Cabezo de Torres, La Alberca y El Palmar.

La programación contempla tanto funciones abiertas al público como escolares. En el primer grupo está el espectáculo Trípula de Farrés Brothers que convertirá el Teatro Circo de Murcia en un globo aerostático, El circo de los más pequeños teatro de

sombras creado por Mercé Framis o el espectáculo de teatro de objetos Animales de la compañía madrileña El Retablo. Asimismo, se podrá disfrutar del innovador espectáculo Bang! de la compañía francesa Volpinex que destaca por su humor y la original fusión del teatro de objetos y el cine, o el ciclo Microescena dedicado al teatro de títeres y objetos con los espectáculos Naúfragos, Hambre come y 59. Por su parte, la titiritera murciana con sede en Catalunya Dori Cantero ofrecerá una versión para público adulto de su espectáculo Adiós Bienvenida en el Centro Párraga.

La Mostra del Vall d´Albaida celebra del 6 al 9 de noviembre nada menos que sus treinta años con funciones que se llevarán a cabo en las localidades de Aguillent, Aielo de Malferit, Alfarrasí, Atzeneta d´Albaida, Benigànm, Benissoda, Bocairent, Castelló de Rugat, Fontanars dels Alforins, Guadasséquies, Montitxelvo, L´Olleria, Ontinyent, Otos, El Palomar y La Pobla del Duc. A lo largo de tres intensas jornadas actuarán doce compañías que llevarán a cabo trece propuestas siendo Lluerna Teatre quien inaugurará la mostra con una animación callejera. Compañías extranjeras como la francesa Volpinex escenificará Bang! o el italiano Gianni Franceschini, pintor, actor y director teatral llevará a cabo Petruska, el aliento de un muñeco. Por su parte las compañías valencianas Bambalina Teatre y Arden Producciones presentan Mr Kid y El ruiseñor emperador, respectivamente.

Tampoco faltarán a su cita Los titiriteros de Binéfar con Maricastaña o La Tar tana Teatro que escenificará Hansel y Gretel. La también madrileña Eugenia Manzanares ofrecerá Historias de Candela y Teatre Buffo dará a conocer Green planet y La meva Blancanieves. La programación de la presente edición se completa con Astokilo de Panta Rhei, La cigala i la formiga de Xip Xap y la obra Rebelión en el circo de Titiritrán.

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14 noviembre diciembre II Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas - Zaragoza

El mundo titiritero cubano protagonista en Zaragoza El festival rinde homenaje a los titiriteros cubanos René Fernández Santana y Armando Morales

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l Teatro Arbolé de Zaragoza organiza por segundo año consecutivo el Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas que se llevará a cabo del 28 de noviembre al 8 de diciembre con la mayoría de actuaciones previstas para escenificarse en el propio Teatro Arbolé aunque algunas se llevarán a cabo en la calle.

Esta segunda edición estará dedicada a los títeres de Cuba, de hecho rendirán un homenaje a los reconocidos titiriteros Rene Fernández Santana y Armando Morales, quienes además ofrecerán una conferencia e impartirán sendos talleres –¡Arriba los brazos! títere en mano como queriendo tocar el cielo con Rene Fernández Santana y ‘Dramaturgia espectacular en el teatro de figuras animadas’ con Armando Morales– y escenificarán varias propuestas que forman parte programación. Una de las piezas será El panadero y el diablo de Morales y la adaptación del cuento clásico Caperucita roja de la compañía Guiñol Nacional de Cuba. En la exposición ‘Carteles viajeros’ se mostrarán 52 carteles de grupos y compañías cubanas además de libros y documentos del quehacer titiritero en Cuba.

La Rous será de comienzo a la programación compuesta por cerca de una docena de propuesta con su último montaje Una niña, una mirada a través de los ojos inocentes de una niña, interpretada sin palabras y fusionando el trabajo actoral y los títeres. También sin palabras es el mítico espectáculo Animales para niños de entre 3 y 6 años de la compañía El Retablo donde un actor juega a teatralizar 30

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historias de animales utilizando muñecos, objetos animados, marionetas realizadas con material reciclado y otros utensilios cotidianos. Atalaya Teatro pondrá en escena la adaptación de la obra de Dario Fo Misterio Buffo, donde la actriz Silvia Garzón ofrece una pieza unipersonal nacida de la fusión de diversas tradiciones teatrales, utilizando para ello distintas disciplinas artísticas: danza, máscara, música y parlamento.

Tampoco faltará a su cita La Canela Teatro con Basilisa la sabia, basada en el cuento ruso que tiene el mismo nombre, cuenta la historia de una niña que tras morir su madre, el padre se casa con una viuda que tiene dos hijas. En esta ocasión la compañía argentina ha creado un montaje de sombras y proyecciones dando paso a

una versión dinámica y divertida del cuento. La mar de marionetas mostrará Habla, no estas sola, espectáculo multidisciplinar en el que se interpreta en directo música de raíces barrocas y africanas y se muestran diferentes técnicas de marionetas, danza y efectos audiovisuales que completan una narración en la que se habla de una niña que no puede comunicarse, pero busca una salida entre dos culturas.

La programación también contempla la participación de la veterana Tyl Tyl con Musicantes, un montaje en el que un tangram gigante es el único elemento escénico donde se presentan situaciones y personajes posibles dentro de un espacio familiar y cotidiano. Canciones en vivo con instrumentos singulares sirven de apoyo para brindar melodías y sugerentes sonidos e imágenes elaboradas especialmente para la puesta en escena. El programa también incluye A mano de El Patio Teatro un trabajo de teatro de objetos hechos con barro, a través del cual cuentan una historia entrañable a la vez de singular que dio a conocer a esta joven compañía. Los anfitriones Teatro Arbolé escenificarán El viejo y el mar en sala y Las aventuras de Pelegrín dentro de las actuaciones previstas en la calle en el espacio del Puerto de Venecia. En este lugar también se han programado A todo trapo de Teatro Pizzicato espectáculo participativo donde predomina el juego y el carácter caricaturesco basado en obras de Javier Villafañe, que también actuarán en el Parque del agua con la misma obra en diferentes días.

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14 noviembre diciembre VI CENIT - Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales

Donde se demuestra que otro teatro es posible y necesario

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ras la celebración de la Muestra Internacional de Investigación Teatral, MITIN durante el mes de octubre, TNT se embarca del 30 de octubre al 2 de noviembre en la celebración de la sexta edición del CENIT- Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales que organizado junto con el CICUS (Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla) se desarrollará en el Centro Internacional de Investigación Teatral de Sevilla. Tal y como explican desde la organización, el programación del CENIT “parte de una convocatoria anual internacional dirigida a nuevos creadores teatrales que desarrollan un lenguaje experimental y de investigación.

Su objetivo es promover el teatro como indagación artística. Su lema ‘Otro teatro es posible’ significa una alternativa frente al teatro que apuesta por los nombres televisivos y el mercado como referente primordial”. La programación será inaugurada con el trabajo de marionetas Ovidia de

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Flores en las cunetas de Maite Tarazona

La Société de La Mouffette a la que seguirá Sekvantaro, una serie de piezas independientes de duración relativa en las que las actrices intentarán no hacer teatro de El Pollo Campero. Comidas para llevar.

Mujeres son también las tres intérpretes de

30e tantos osos de Aporía mientras que la bilbaina Maite Tarazona presenta el unipersonal Flores en las cunetas, un proyecto sobre la opresión y el silencio que sufrieron las mujeres en la posguerra española.

Estigma Teatro llega con Entre todas la mataron y ella sola se murió en la que se desarrolla una vida completa desde el espacio escénico: nacer, vivir y morir, con todo lo que ello conlleva y Fholia Teatro habla sobre el amor y el desamor en Naturaleza muerta con fondo blanco. La colaboración del público es indispensable para el desarrollo escénico de Viaje a ninguna parte, único espectáculo de danza de esta edición que llega de la mano de Cía. Catalina Carrasco & Gaspar Morey. La programación del CENIT se completa con el trabajo de los mexicanos Teatro El Ghetto, La habitación y el tiempo de Botho Strauss, un texto dramático que cuestiona la condición del hombre y del mundo, a partir de una visión poética estremecedora.

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Temporada Alta La programación del Festival Temporada Alta de Girona y Salt continua hasta el 18 de diciembre con una programación en la que caben destacar los estrenos teatrales Llibràlegs de O Tempo Voa Teatre, El pillo de Marcel Tomàs, El grito ©Nicki Newman en el cielo de La Zaranda, Prendre partit de Josep Maria Pou, Los esqueiters de Nao Albert y Marcel Borràs y Watching Peeping Tom de Alícia y Álex Gorina. También son estrenos el concierto para bebés Suite Núm. 1 Els batecs del cargol producción propia del festival, y las propuestas de danza Estampades de Enfila S.A., Saba de Lali Ayguadé, Óyeme con los ojos de María Pagés e IMPRO- Concerto for a dancer de Shantala Shivalingappa. También se podrá disfrutar con espectáculos de grandes creadores de nivel internacional como Tandy de Angélica Liddell, Juli Cèsar. Trossos de Romeo Castellucci o Attends, Attends, Attends... pour mon père de Jan Fabre y tras varias sesiones, en diciembre tendrá lugar además la gran final del IV Torneig de dramatúrgia catalana.

Festival de Vitoria-Gasteiz Varias propuestas de danza darán comienzo a las funciones de noviembre previstas en el Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz.

El día 1 el Ballet Nacional Sodre de Uruguay, actualmente dirigido por el coreógrafo y bailarín Julio Bocca, presenta El Mesías, el 2 Krego Martín Danza interpretará Spazeko zarama y el 8 Víctor Ullate Ballet llevará a cabo El arte de la danza, todas ellas en el Teatro Principal. Las propuestas teatrales que tendrán lugar en este mismo espacio serán La venus en las pieles coproducción de Vaca Estudio y el Teatro Español el 8, las versiones en castellano el día 12 y en euskera el 13 de La calma mágica- Barealdi magikoa coproducción entre Tanttaka Teatroa y el CDN, así como la adaptación del texto de Mario Vargas Llosa Kathie y el hipopótamo de manos de Pentación el 14. La Maquiné representará La casa flotante el 16, Noviembre Teatro Otelo el 21 y Traspasos Los huerfanitos el 28. En el Teatro Jesús Ibañez de Matauco el 6 se podrá disfrutar de En construcción de Luis Caballero Producciones y el 14 Las Grothesqué escenificará Mucho ruido y pocas nueces en el Teatro Félix Petite.

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D e otoño a primavera Organizado por la Comunidad de Madrid el Festival de Otoño a primavera celebra su 32 edición desde el pasado mes de octubre con un programa multidisciplinar en el que tienen cabida propuestas de teatro, danza contemporánea, música, flamenco, títeres y monólogos a cargo de grandes nombres de las artes escénicas de nivel mundial. En noviembre se podrá ver una única propuesta, se trata el montaje de teatro musical An Old Monk de Josse De Pauw y Kris Defoort coproducido por LOD music theatre y Théâtre Vidy-Lausanne que se escenificará los días 30 de octubre y 1 de noviembre en la Sala Verde de los Teatros del Canal inspirada en Thelonious Monk, el genio del jazz estadounidense conocido por su estilo único de improvisación. El 10 de diciembre, en la Sala Roja, está previsto el concierto de Marianne Faithfull, que forma parte de la gira por su 50 Aniversario sobre los escenarios y del 11 al 13 de diciembre la pieza de danza contemporánea Vaivén con Antonio Ruz y Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola en la Sala Cuarta Pared.

F estival de Santurtzi El Serantes Aretoa acoge la 35 edición del Festival de Teatro de Santurtzi que desarrollará el grueso de su programación a lo largo del mes de noviembre. El día 1 se presenta La venus de las pieles interpretado por Clara Lago y Diego Martín para después dar paso el día 8 al la adaptación del Edipo de Sófocles bajo la dirección de John Mowat de manos de Cia Do Chapitô.

Una de las únicas funciones en euskera de la presente edición llega con Tartean el día 13 y su obra Pankreas interpretada por Patxo Tellería, Mikel Martínez y Joseba Apaolaza. El día 14 será el turno de la obra Emilia dirigida por Claudio Tolcachir y el 15 de la ópera Don Giovanni que cuenta con la dirección musical de Martin Mázik y la dirección de escena de Ricardo Canessa.

El 21 continuarán las funciones con Cuarteto del Alba basada en el texto de Carlos Gil Zamora y dirigida por Lander Iglesias de Laurentzi Producciones así como Verano en diciembre el día 22 de manos de la compañía La Belloch Teatro. El programa se completará con la comedia interpretada por Yllana The Gagfather el día 28 y Hoy, última función coproducida por Pabellón Nº 6 y Makiescénica el 29.

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R ECLAM en Castellón

Además de la capital, localidades como Amassora, Benicarló, Benicàssim, Betxí, Burriana, Castellón de la Plana, la Vall d´Uixó, Morella, Nules, Onda, Vilafranca, Vila-Real y Vinarós acogen la 22 edición de la Muestra de Teatro RECLAM que se celebra del 7 al 30 de noviembre. Esta cita mantiene un sello propio de programación teatral, diferenciada, y comprometida con la escena contemporánea, que intenta impregnar tanto el ámbito universitario como la población general. La conferencia sobre ‘Las Artes Escénicas en tiempos de crisis’ impartida por Carlos Gil Zamora crítico teatral y director de la Revista ARTEZ inaugurará una eidicón con una amplia programación que incluye propuestas como El Rei Borni de Marc Crehuet, André y Dorine de Kulunka, Latung La La diu... de Imaginart, Contes del cel de Xirriquiteula, Remor de Res de res & Blanc, Islàndia de La Veronal y Arizona de Histrión Teatro, entre otras.

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Muestra de Santander

El pasado 24 de octubre comenzó la Muestra Internacional de Teatro Contemporáneo de Santander que se hará extensiva al 28 de noviembre y que este año cumple su 25 aniversario. La Facultad de Medicina de la Universidad de Cantábria es quien acoge y promueve esta cita en la que se podrá disfrutar de un total de cuatro representaciones de manos de las compañías que participaron en su primera edición, dos de ellas Premios Nacionales de Teatro. Madre coraje de Atalaya Teatro inició la programación en octubre y la siguiente representación tendrá lugar el 14 de noviembre de manos de La Zaranda y su último montaje

El grito en el cielo de Eusebio Calonge y dirigido por Paco de La Zaranda. La programación se completa con la adaptación de la obra de Ibsen Casa de muñecas de Teatro del Norte el 22 de noviembre y la obra de Itziar Pascual Variaciones sobre Rosa Parks escenificada por Cambaleo Teatro el día 28.

Galicia Escena Pro La Agencia Gallega de Industrias Culturales AGADIC de la Consejería de Cultura, Educación e Ordenación Universitaria organiza una nueva edición de Galicia Escena Pro, que comenzó su andadura bajo este nuevo nombre el año pasado, y se llevará a cabo del 3 al 5 de noviembre con funciones que tendrán lugar en cinco escenarios de Santiago de Compostela, a saber, el Auditorio Abanca, las Salas 1 y 2 de la Fundación SGAE, el Salón Teatro y el Teatro Principal. Este encuentro busca dinamizar la contratación de montajes así como dotar de mayor visibilidad la producción escénica más reciente. Serán un total de 23 compañías las que participarán en la presente edición once de las cuales ofrecerán espectáculos completos y las restantes doce lo harán en formato de showcase. Entre los espectáculos completos se encuentran Ra Ra Ra de Abrapalabra Creación Escénica creado y dirigido por Cándido Pazo y dirigido a niños de entre 3 y 12 años. A Panadería, por su parte, presenta la comedia musical PAN! PAN! en la que se cuenta la historia de Harry, un cowboy americano que viaja de Missisippi a Arkansas persiguiendo a un indio que robó a su mujer de la que estaba profundamente enamorado. Berrobambán en Avestruz en terra allea reflexiona sobre la madurez y Il Maquinario Teatro en Perplexo se pregunta hasta que punto es real lo que ingenuamente llamamos ‘realidad’, cuando toda realidad se derrumba a nuestro alrededor, ¿a qué nos podemos aferrar? La danza también estará presente con piezas como Que volvan as flores de Pisando ovos, una práctica sobre la creación de imágenes al momento por lo que la pieza se reconstruye cada vez que se lleva a cabo por lo que el cambio es constante. Desperta! de Pistacatro Productora de Soños es un montaje de nuevo circo que ahonda en al identidad individual y Bobas & Galegas (Mofa & Befa no Século D´Ouro) de Produccións Teatráis Excéntricas con dramaturgia de Quico Cadaval es un espectáculo de humor con tintes clásicos. Pequenas certezas de Sarabela Teatro explora en la presencia de alguien a través de su ausencia y Talía Teatro acercará la pieza fusión de drama y comedia Demolición. Por último, en esta sección de obras completas también se incluyen A casa do avó de Tanxarina y Rumpelstikin, o anano saltarín de Trompicallo & Kalina Teatro.

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e ncuentros TE VEO

Por segundo año consecutivo el Teatro Calderón de Valladolid acogerá los Encuentros TE VEO que este año cumplen su décimosexta edición y se llevarán a cabo del 20 al 25 de noviembre. Como bien señala su promotora, la Asociación TE VEO de teatro para Niños y Jóvenes, han previsto un programa que “posibilitará todo un viaje por las ideas, por la escena, por las emociones, por el pensamiento incluso por el mismo Teatro Calderón”. Como es habitual en los Encuentros el programa consta de un apartado importante dirigido a la reflexión donde participan expertos que hacen volar y llegar a los presentes a mundos diferentes, a mundos pasados y futuros. La conferencia inaugural correrá a cargo del payaso Tortell Poltrona que acompañado del también payaso Javier Rey de La Sonrisa Teatro hablará de los viajes y la infancia desfavorecida. Los días contiguos se dará paso a mesas que girarán en torno al viaje por experiencias nacionales e internacionales o a realizar una mirada a los proyectos artísticos con y para los jóvenes. Los Encuentros se complementan con el programa de funciones donde contarán con la participación de compañías de distintas disciplinas artísticas tales como El niño erizo de La machina teatro, Nora propuesta de títeres de Factoría Norte, ¿Cuál es mi nombre? de DA.TE Danza, el espectáculo multidisciplinar Heian de Zen del Sur, la pieza ¿Bailas? de Mons Dansa, la adaptación del cuento clásico de Los tres cerditos de Teatro de la luna, Miau de Teatro del andamio, Los viajes de Gulliver de Escenoteca, Bleu! de la compañía italiana TPO, Gaudeamus de La Chana Teatro, Un cuento diferente de Sol y Tierra Teatro y La máquina de los vientos coproducción entre Calamar Teatro y Tuba & Tones.

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e l mes petit de tots

El Festival Internacional de las Artes Escénicas para los más pequeños El més petit de tots, donde se programan propuestas y se realizan actividades dirigidas a niños de entre 0 y 5 años que inició su andadura en el 2005 impulsado por la Sala Miguel Hernández de Sabadell, cumple este año su décimo aniversario y se encuentra en pleno crecimiento. A los ocho teatros que participaron ya en la anterior edición se suman este año dos más, Teatres de Tarragona y el Teatre-Auditori de Granollers, asimismo, coincidiendo con el último fin de semana (del 21 al 23 de noviembre) se llevará a cabo ‘Txiki Txiki Txikia’ una extensión del festival que tendrá lugar en diferentes ciudades del País Vasco. Del 8 al 23 de noviembre se desarrollará la programación que será más internacional que nunca. Entre otros, se mostrarán montajes de compañías como Edredón de la agrupación Les Incomplètes de Quebec, Mi jardín de los brasileños Grupo Sotovento, Entre dos lluvias de la compañía francesa Compagnie ak entrepôt, Color de los holandeses Dansmakers o Primo de los alemanes Alfredo Zinola y Felipe González. Con motivo del décimo aniversario el festival junto con Imaginart y Unicorn Theatre de Londres, produce un espectáculo de creación propia, Little night, que además será el espectáculo inaugural previsto el 8 de noviembre en la Sala Miguel Hernández de Sabadell. El montaje se trata de una intensa experiencia audiovisual interactiva, donde el suelo será una gran pantalla donde se proyectarán una explosión de imágenes y sonidos estimulantes que harán que la propuesta sea muy participativa. Asimismo, a los niños se les vestirá de blanco para poder proyectar las imágenes en la ropa y que puedan experimentar en su propio cuerpo.

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Escaparate de la creación escénica aragonesa actual

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os días 13, 14 y 15 de noviembre se desarrollará la segunda edición del Mercado de las Artes Escénicas organizado por el Ayuntamiento de Zaragoza, a través de la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural, en el que participan grupos aragoneses de música, teatro y danza que hayan presentando sus últimos trabajos durante los años 2013 y 2014. La programación tendrá lugar en distintos espacios de la ciudad como Teatro de Las Esquinas, Teatro de la Estación, Teatro Arbolé, Teatro del Mercado, El Sótano Mágico, Centro Cívico Teodoro Sánchez Punter, Almozara y Delicias. Asimismo, al igual que en la primera edición contarán con la colaboración de las salas de música en vivo de Zaragoza.

Con esta muestra Zaragoza Cultural

tiene como fin ayudar al sector cultural a hacer frente a la desfavorable coyuntura que padece el sector con el aumento del IVA cultural, el descenso del consumo y de ventas, los recorte de ayudas públicas, las dificultadas en la captación de créditos...

Los objetivos del Mercado son la difusión

de los grupos aragoneses de teatro, música y danza, dando a conocer fuera de la ciudad nuevas creaciones. También la puesta en valor de los teatros de la ciudad que ejercen con gran esfuerzo su trabajo desde la iniciativa privada y la público-privada, dando a conocer en el exterior y sirviendo de escaparate para compañías, grupos y distribuidores de otras ciudades españolas y extranjeras.

De igual manera el Mercado de las Artes Escénicas se perfila, durante tres días como un lugar de encuentro e intercambio de artistas, promotores, distribuidores, programadores y directores de festivales de música, teatro y danza que ayuden a generar sinergias de trabajo.

Mercartes en Valladolid

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ras haber celebrado sus anteriores cuatro ediciones en Sevilla Mercartes, convocada por la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (FAETEDA), por la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública y la Asociación de Autores de Teatro, tendrá lugar del 5 al 7 de noviembre en Valladolid.

Este cambio de ubicación debe entenderse en palabras de sus organizadores “como una oportunidad cargada de ventajas”, por un lado al haber acercado la cita al norte, facilitando los desplazamientos dada su proximidad a Madrid y porque para esta nueva etapa el Comité Ejecutivo de Mercartes ha configurado una serie de reducciones de tarifas que facilita la participación de los profesionales.

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Mercartes continúa con su objetivo de intentar dinamizar el mercado de las artes escénicas, aún más, en un momento de crisis como el que se está viviendo en la actualidad que ha afectando de manera clara al sector. Y con el objetivo básico de identificar las claves tecnológicas, económicas e institucionales que permitan impulsar las artes escénicas tanto a nivel cualitativo como cuantitativo, para esta quinta edición han creado el primer Foro de reflexión bajo el título de ‘Claves para el impulso de las Artes Escénicas en el nuevo contexto económico y social’.

Esta iniciativa también servirá de marco para analizar proyectos que están en marcha en la actualidad y que se pueden considerar como modelos de buenas prácticas.

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La Fundición de Bilbao

Además de la programación del Dantzaldia La Fundición de Bilbao será el escenario donde conocer la propuesta del gallego Diego Anido que escenificará Symon Pédícri los días 7 y 8 así como los montajes que pertenecen al Circuito de la Red de Teatros Alternativos Salón Otto, de la compañía Teresa Navarrete que se llevará a cabo los días 22 y 23 de noviembre, una pieza que recrea esos espacios de sosiego y los días 29 y 30 Who will save me today? de Janet Novas, obra que nace de las vivencias de la coreógrafa en al actualidad. Los días 15 y 16 se llevará a cabo el estreno de La importancia de ser Simone de Beauvoir fruto de la residencia artística de Miguel Bonneville y los días 13 y 14 de diciembre Teatro Xtremo de Jaén mostrará Liberación mediante la compresión en el estado intermedio performance de expresión física y audiovisual.

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Gernika-Lumo

La programación de noviembre de Lizeo Antzokia de Gernika-Lumo comenzará con el estreno de Glu Glu Producciones De cuerpo presente obra que trata sobre lo más profundo de la generosidad y de la avaricia, de la dádiva y de la mezquindad creada y dirigida por Galder Pérez. El día 14 se dará paso a Not never on time de Khea Ziater que cavila sobre el suicidio y el 22 tendrá lugar el concierto pop de manos de Javier Corcobado & Euskal Band. Para el 28 de noviembre está previsto Traganarru de Bada Teatroa y el 30 la propuesta circense gestual para público familiar Orsai, jokoz kanpo jolasean de Malas Compañías. En diciembre Tartean escenificará Pankreas el día 19, una tragicomedia protagonizada por Patxo Tellería, Mikel Martínez y Joseba Apaolaza, Kalika Teatroa hará lo propio con Olentzero eta saku magikoa para niños y niñas el 21 y Gontzal Mendibil ofrecerá un concierto el 27 de diciembre.

Kultur Leioa Distancia 7 minutos último montaje de Titzina Teatro que habla de la felicidad, de las distancias entre seres humanos, de curiosos paralelismos y destinos interconectados que escapan a nuestro control y nos impiden saber cuándo o cómo empiezan a definirnos inicia la programación de noviembre de Kultur Leioa (día 1), que continuará el 14 con el concierto del quinteto franco-español de jazz Gabacho Maroconnection formación vistosa, potente y versátil que entonan composiciones que se inspiran en la herencia gnawa, la tradición marroquí y el jazz. El 21 se podrá disfrutar con Staying Alive de Matarile Teatro propuesta con la que han vuelto a los escenarios, un grito creativo como cantaban los Bee Gees. El público infantil también podrá disfrutar en noviembre con la propuesta musical Babaol de Enámbar Danza el día 9, H2 O de la compañía alemana Helios Theater el 22 o Kleur de Dansmaker el 23. Para el último fin de semana de noviembre se han programado varias propuestas interpretadas en euskera Amaren alabak de Zuberoa ofrecerá un concierto bajo el título Plazandere y Dejabu Panpin Laborategia escenificará su último montaje Arrastoak. La programación de diciembre comenzará con Txapelduna de la compañía Organik un solo de danza con el movimiento, la música original, la palabra y el humor como motores principales. Cabe destacar también el concierto que ofrecerá Solis String Quartet quarteto de cuerda napolitano que mezcla jazz, world music, pop y música contemporánea el día 19. Del 26 al 30 de diciembre se dará paso a una programación especial de navidad ‘Gabonetan antzerkira’ dirigida al público familiar con propuestas teatrales que incluyen la adaptación del cuento clásico de los tres cerditos Hiru txerritxoak de Glu Glu producciones el mismo día 26, Engruna Teatre por su parte el 27 escenificará Código postal, otra compañía catalana, Zum Zum Teatre ofrecerá el día 28 la adaptación de Gretel & Hansel, La Güasa Circo Teatro presentará Móbil el 29 y la compañía francesa Monkey Style Cie. propondrá Babyloon el 30.

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Coproducción del Teatro Arriaga e Igor Yebra El coliseo bilbaíno estrena el espectáculo de danza ‘Pipi la bailarina’ junto con Ametsa Producciones

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el 26 al 28 de diciembre el Teatro Arriaga acoge el estreno de Pipi la bainarina una coproducción del propio teatro junto con Ametsa Producciones interpretada por Igor Yebra, Oxana Kucheruk y cuarenta bailarinas y bailarines de la Escuela de Igor Yebra. Con coreografía del prestigioso coreógrafo ucraniano Georgii Kovtun y música de Gaetano Donizetti. Las dos bailarines estrellas de la Ópera de Burdeos ponen en escena la historia de Pipi, una niña alegre, extrovertida y con infinitas ganas de jugar. El día de la celebración de su 12 cumpleaños, los padres de Pipi le hacen un regalo muy especial, unas zapatillas de ballet, para ver si así puede canalizar esa energía desbordante en una escuela de danza. La niña, entusiasmada con su regalo, inicia sus clases con alegría, pero las cosas no salen como a ella le gustaría: no se adapta ni con sus compañeras y compañeros, ni con su maestro… Un espectáculo dirigido a todos los públicos para disfrutar durante las fiestas navideñas.

La extensa programación que para los dos últimos meses del año ha preparado el Teatro Arriaga incluye además varios espectáculos teatrales como El nombre en la que caras conocidas de la escena como Amparo Larrañaga, Kira Miró, Jorge Bosch, Antonio Molero y César Camino dan vida a los personajes de esta obra de los franceses Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patellière y que con el título de ‘Le Prenom’ fue estrenada en 2010 en el Teatro Edouard VII de Paris con gran éxito de público.

Esta versión realizada por Jordi Galcerán y producida por Carlos Larrañaga, narra el divertido debate que se generará en la cena de unos amigos, reunidos para la celebrar la próxima llegada del bebé de una de las parejas, tras anunciar el padre el nombre escogido para su futuro hijo.

Ana Belén da vida a la protagonista de

Pipi la bainarina de Ametsa Producciones y Teatro Arriaga

Kathie y el hipopótamo una mujer de la alta sociedad limeña que contrata a un profesor universitario para que escriba un libro sobre el viaje que ha realizado por África y Asia.

Una reflexión sobre el origen de los relatos y la imaginación con la que creamos historias que en realidad no han ocurrido escrita por Mario Vargas Llosa y dirigida por Magüi Mira en una producción del Teatro Español.

Laila Ripoll, dirige Así es, si así fue espectáculo interpretado por Juan Fernández, Verónica Forqué, Joaquín Notario, José Manuel Seda y producido por Andrea D`Orico que la directora presenta como “mucho más que un paseo por la historia” para añadir que este texto de Juan Asperilla “rico y complejo, aúna lo mejor de lo culto y de lo popular, suculento juego de espejos en el que no se le hace ascos a nada, lírico y épico, tierno y duro, serio y grotesco, formal y cómico. Como la vida misma. Y como la muerte también”.

Completa la programación teatral dirigida al público adulto Zazpi aldiz elur (Mikel Laboa elurretan) de Tanttaka Teatroa, un recuerdo y homenaje al gran cantautor vasco dirigido por Iñaki Salvador en la que cinco intérpretes ponen sobre el escenario “un es-

pectáculo que es un encuentro, como en un salón de casa, como cuando de repente cae una nevada espectacular, el tiempo adquiere otro tiempo, y al caer la noche (...) dentro de casa, (o sea, en el escenario) encendemos una luz cálida íntima y… se sienten las ganas de estar juntos, de compartir… de reír…y entonamos una canción, de Mikel por supuesto…”.

Se completa la programación teatral con V.I.P. de Els Joglars obra dirigido por Ramón Fontseré que habla de los niños y las niñas de hoy con el humor corrosivo y el descaro que caracteriza a la compañía catalana. Con dramaturgia del propio Fontserè y Martina Cabanas la obra se centra en la relación del mundo adulto con los más pequeños en la actualidad y es que tal y como apuntan desde la compañía “en nuestra moderna sociedad actual nos parece que el niño ha alcanzado el máximo privilegio que lo hace equiparable al trato que recibe una Very Important Person (VIP). Paradójicamente la actitud bien intencionada de los padres cerca peligrosamente al niño a un ser intratable con delirios de pequeño tiranuelo”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Excelente actividad escénica en Barakaldo Nutrida programación para terminar el 2014 en la que Karteldegian cumple dieciocho años

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a recta final de la programación escénica de 2014 del Teatro Barakaldo contempla una gran variedad de propuestas aunque en gran medida serán teatrales. El payaso catalán Tortell Poltrona será quien inicie las funciones de noviembre con Grimègies el día 1, un viaje hecho desde la madurez del payaso que desmonta muchos de los prejuicios ante la muerte. Por su parte El día 2 Roberto White dará paso a Sueño 1 propuesta unipersonal en la que plantea un juego continúo manipulando objetos creando un sinfín de personajes y situaciones, mientras que el 3 de noviembre Fuertedeleje llevará a cabo 4 estaciones con una puesta en escena vanguardista para una partitura clásica, en la que los más pequeños y no tan pequeños se introducen en el mundo de la danza contemporánea.

Una de las propuestas claves del mes será la adaptación del texto de Shakespeare Los Mácbez protagonizada por Carmen Machi y Javier Gutiérrez que cuenta con la dirección de Andrés Lima (día 8). Al día siguiente se podrá disfrutar con un montaje de circo de manos de Cabaret elegance que dará paso a Self, pieza de danza contemporánea que explora el encuentro con el otro, de Matxalen Bilbao. En noviembre también se podrá disfrutar de La función por hacer producida por Kamikaze el 15 con texto de Miguel del Arco y Aitor Tejada, Aire de Zarzuela el 16, así como Nada tras la puerta coproducción entre Traspasos y el Centro Dramático Nacional (22) que se presenta como un reflexión artística sobre los derechos humanos y la adaptación de la comedia de Miguel Mihura Maribel y la extraña pareja el 29. Un día antes Eñaut Elorrieta ofrecerá el concierto Deserriko kantak.

En diciembre la programación se limitará a tres actuaciones. La primera es montaje multimedia, Jainko txiki eta jostalari hura, 44

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Los Mácbez ©Luis Castilla

que combina la poesía del escritor Kirmen Uribe con la música de Rafa Rueda, Mikel Urdangarin y Bingen Mendizabal, y las ilustraciones del artista plástico Mikel Valverde Quasar Teatro escenificará la adaptación del monólogo de Angélica Liddell El año de Ricardo interpretado y dirigido por Mónica González Megolla. Se trata de un correlato de rotundidad ideológi­ca, ética, estética y política. Todos los tics totalitarios, todas las dejaciones, todo aquello que va en contra de la libertad del ser humano es denunciado, colocando cada pensamiento en su casilla, en su tono, en su grosera rotundidad. La programación concluirá con el concierto de gospel de manos de Mississippi Mass Choir.

KARTELDEGIA

Este año el Teatro Barakaldo celebra 18 años desde que comenzara con sus campañas de teatro para escolares, programación que desde 2009 han denominado como ‘Karteldegia’. Con funciones de lunes a viernes, con horarios que varían aunque siempre en función de los escolares, alumnos de toda

Bizkaia han pasado por el Teatro Barakaldo para vivir posiblemente una des sus primeras experiencias con la escena.

Las campañas están dirigidas a niños y jóvenes, desde los 3 a los 18, por tanto, las propuestas programadas se ajustan a las edades aunque intentan que haya una variedad contemplando montajes de teatro, danza y circo, ya que cada alumno puede acudir al teatro tres veces por curso. En todos estos años se han representado 201 obras que suman un total de 812 funciones y han contando con la participación de 197.279 alumnos.

Dentro de este curso los más pequeños podrán disfrutar de Dot de Maduixa Teatre, una propuesta multidisciplinar que aúna danza contemporánea, teatro, música y nuevas tecnologías para ofrecer un rompecabezas mágico donde todo es posible. La compañía vasca Dejabu panpin laborategia escenificará Azken portua, una entrañable historia de dos personajes que viven en un lejano puerto fusionando el trabajo actoral con los títeres y también está previsto el espectáculo musical Hiru txerritxoak.

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Sin excusas para disfrutar con la creación escénica Ballets y danza contemporánea junto con una rica propuesta de teatro para todo tipo de públicos en los escenarios de Donostia

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demás de los estrenos de ‘Arrastoak’ de Dejabu panpin laborategia y ‘Soirée Malandain’, Malandain Ballet Biarritz (ver sección estrenos de este número), los teatros de Donostia acogen en noviembre, entre otros, tres espectáculos escritos por autores como Claudio Tolcachir o Carlos Gil. Del primero es Emilia, espectáculo de Producciones Teatrales Contemporáneas dirigido por el propio Tolcachir que tiene como tema central a la familia y esta interpretado por Malena Alterio, Alfonso Lara, Gloria Muñoz, Daniel Grao y David Castillo. Cuarteto del alba de Carlos Gil ha subido a los escenarios de la mano de Laurentzi Producciones en una propuesta dirigida por Lander Iglesias. Presentada en dFeria de este año, cuatro entes escénicos se convierten en una voz coral que va describiendo una generación que se proyecta en el presente como una plataforma hacia el futuro.

Ados Teatroa presenta la adaptación de la obra ‘Stones in his pockets’, de Marie Jones, Figurantes, comedia dirigida por Carlos Zabala en la que se habla de como afecta la necesidad de sobrevivir a la dignidad y a los sueños de la gente. Y comedia es también Potologuak de Txintxeta Produkzioak, una obra en euskera formada por monólogos, diálogos y demás sorpresas, en el más puro estilo Stand-Up Comedy. La Joven Peking Ópera Troupe de Tianjin presenta en Donostia Los tres combates de Tao Sanchun, una pieza contemporánea del dramaturgo Wu Zuguang basada en una historia clásica que figura en el repertorio de las grandes compañías de ópera de Pekín.

Además del mencionado estreno del Malandain Ballet Biarritz dos espectáculos de danza conforman la programación del mes de noviembre: Heian, de Compañía Zen del Sur, propuesta multidisciplinar donde circo, danza acrobática y música en directo se fusionan para ofrecer al espectador una propuesta cargada de fuerza y sensibilidad y Post-Humos de la coreógrafa Idoia Zabale46

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Heian de Compañía Zen del Sur

ta, una pieza de danza contemporánea que tiene la clásica composición circular ABA, es decir un ciclo de vida como diría Franco Battiato o el principio del fin como diría Eskorbuto. Un ciclo de teatro amateur o la lectura dramatizada de ‘Bahía de La Concha’ de Patxi Barco completan la programación escénica dirigida al público adulto.

Diciembre y navidad

Comienza el mes con la radio-performance Mikel Laboaz: Marisolekin bakarrizketan en el que el plato fuerte es Cascanueces de Usmanov Classical Russian Ballet, un espectáculo de danza clásica de alto nivel técnico y artístico con las características y estética de los grandes ballets rusos en la que se fusionan las coreografías de grandes bailarines con las de los patinadores rusos más premiados. Una especial puesta en escena del clásico de Tchaikovski.

En Construcción de Adentro Teatro combina el humor, la crónica crítica, la alegría y una melancolía creciente a través de la historia de una pareja que dirige Tristán Ulloa mientras que Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio habla de las profundas heridas

que el amor mal entendido y la incomunicación pueden dejar en nuestra vida a través de una obra llena de ironía y emoción. Dos monólogos, aunque muy diferentes entre si, los filosófico-surrealistas de Ultrashow de Miguel Noguera y A vueltas con la vida en el que Beatriz Carvajal interpreta a MariCarmen una solitaria mujer que encerrada en su piso conversa con cuatro grandes mujeres: Marilyn Monroe, Chavela Vargas, Santa Teresa de Jesús y Cleopatra.

Son muchos los espectáculos dirigidos al público infantil con los que se podrá disfrutar en los espacios de exhibición de la capital gipuzcoana entre los que caben destacar DOT de Maduixa, Mollie Mallone de Txalo o Barbantxo de Logela Multimedia además de las propuestas de teatro de títeres y objetos Azken portua de Dejabu panpin laborategia e Inaugurazioa de Gus Marionetas a las que acompañarán varias funciones que llegan a Donostia como extensión del festival Titirijai de Tolosa. Y en torno a las fiestas navideñas son varias las propuestas de protagonizadas por payasos o con Olentzero como protagonista, todas ellas con el objetivo de hacer disfrutar a los más pequeños de cada casa.

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Festejando la imaginación sobre el escenario

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l Teatro Circo de Murcia acoge en noviembre el estreno de dos coproducciones, ‘Equus’ de la Cia. Ferroviaria (más información en la página 16 de este número) y el día 16 de Vuela Pluma, de Periferia Teatro una obra dirigida al público familiar que a través de la historia de un pájaro habla sobre la libertad y el respeto a la verdadera naturaleza de los seres vivos. Un cuento que ofrece al pájaro protagonista la posibilidad de vivir su sueño y a los espectadores la oportunidad de acompañarlo en su vuelo. Porque tal y como afirman los miembros de esta compañía de teatro de títeres “a veces, las personas somos capaces de encerrar a lo que amamos en una jaula, para que no se escape y se quede a nuestro lado…”.

También para el público familiar son el espectáculo de danza, música y nuevas tecnologías DOT de Maduixa Teatre, La Asombrosa Historia de Mr.Snow, un mockumentary (falso documental) que narra la historia de un personaje entrañable e irrepetible, un espectáculo de ilusionismo de Cia. Antonio Díaz, más conocido como El Mago Pop o la versión musical de un clásico de la literatura universal, Alicia en el país de las maravillas de Actividades Culturales Riga en coproducción también con el teatro murciano. Los bebés también

Retalls de La Central del Circ

tendrán la oportunidad de disfrutar con las artes escénicas con Animalia je t´aime de Mar telache Espectáculos.

Como es habitual, el Teatro Circo de Murcia ofrece una amplia programación para los públicos adultos que este final de año incluye dos espectáculos de danza. Avalanche con la que Dani Pannullo Dancetheatre Co. lleva al espectador al un mundo de confrontaciones dancísticas a través del football free-style y la danza contempòránea de Enclave Arts del Moviment que ponen en escena una coreografía de Roberto Olivan, A place to bury strangers.

El humor está presente con Monty Python, Los Mejores Sketches en una coproducción

‘De Madrid a Buenos Aires’ es un ciclo que tendrá lugar del 4 al 12 de diciembre en los Teatros del Canal de Madrid y en el que se podrá disfrutar, tal y como lo definen sus organizadores, con “lo mejor de la escena porteña”. Cuatro espectáculos llegados desde la capital argentina de cuatro míticas figuras de la escena capitalina.

Pinti Recargado es un un monólogo de Enrique Pinti, siempre irónico, a veces melancólico, otras mal hablado, trata de hablar de las crisis económicas, las sociales y las de nervios. En Rememorando a Julio (homenaje a Cortázar) la cantante y actriz Susana Rinaldi recuerda una tarde lluviosa en París vivida junto con el gran escritor. La música es la protagonista de Lo Prohibido, Concierto en llamas un show musical de Griselda Siciliani y Carlos Casella rea-

de L´Om Imprebis e Yllana al igual que con las obras Toda la verdad sobre el oso hormiguero un show de Julián López y Raúl Cimas y los monólogos de JJ Vaquero, Toni Rodríguez y Pepe Céspedes en La Farmacia.

Obras de autores de renombre internacional como Roberto Bolaño, que en El policía de las ratas, propuesta dirigida por Àlex Rigola para el Teatre Lliure y Hear tbreak Hotel imagina una comunidad de ratas en las que una rata mata a las ratas... o Kathie y el hipopótamo de Mario Vargas Llosa interpretada por Ana Belén en una producción de Pentación y Hoy, el diario de Adan y Eva, una adaptación de la conocida obra de Mark Twain dirigida por Miguel Ángel Solá y protagonizada por Fernando Gullén Cuervo y Ana Milán.

También hay lugar para los clásicos, esta vez un Lope de Vega de la mano de Factoria Escénica Internacional y la CNTC, Las dos bandoleras dirigida por Carme Portaceli y un espectáculo perteneciente al género negro que fusiona sobre el escenario el teatro y el cine, La perrera de Trama Teatro. Completa Retalls, un espectáculo de circo que surge de la complicidad entre La Central del Circ y el Festival GREC de Barcelona para dar visibilidad y difusión a jóvenes talentosas compañías de circo.

lizan un viaje por las canciones de Isabel Pantoja, Pink Martini, Agustín Lara, La Lupe y Roberto Carlos ofreciendo un concierto muy particular.

La cantante, bailarina y actriz Elena Roger además de presentar su último trabajo ‘Tiempo Mariposa’ recorre los temas más emblemáticos de las comedias musicales, con un repertorio que va desde la famosa Evita de Weber y Rice, hasta Los Miserables o Fiebre de sábado por la noche entre otros hasta llegar a Édith Piaf.

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Lliure y TNC convierten a Barcelona en destino teatral

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ras el estreno en el Festival Temporada Alta de Girona llega al Teatre Nacional de Catalunya El president de Thomas Bernhard coproducción entre el teatro y el festival que dirige Carme Portaceli. La producción propia de la comedia más popular de William Shakespeare El somni d´una nit d´estiu dirigida por Joan Ollé, la coproducción del TNC con Centaure Produccions, Sala de Miralls espectáculo creado por Esteve Miralles y Albert Arribas a partir de los últimos dietarios de Feliu Formosa dirigida por el propio Arribas y el espectáculo para público familiar El Príncep feliç de Oscar Wilde en una propuesta de La Baldufa y Jorge Picó conforman la programación de final de año del Teatre Nacional de Catalunya. También en Barcelona, en este caso en el Teatro Lliure, se podrá

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El president ©JoanTomás

disfrutar con dos obras dirigidas por los argentinos Claudio Tolcachir y Daniel Veronese, Emilia y Sonata de otoño de Ingmar Bergman respectivamente. Dos obras de compañías llegadas desde Gran Bretaña e Italia; Told by an idiot pondrá en escena My perfect mind con Edward Petherbridge, uno de los actores shakesperianos más re-

conocidos y Paul Hunter y Piccolo Teatro di Milano-Teatro d’Europa, Teatro di Roma y Teatri Uniti presentan Le voci di dentro de Eduardo de Filippo con dirección de Toni Servillo. La versión libre de Miguel del Arco del Misántropo de Molière por Kamikaze Producciones, Ruz-Bárcenas, espectáculo de candente actualidad escrito por Jordi Casanovas y dirigida por Alberto San Juan, Krum (El Crosta) del dramaturgo israelí Hanoch Levin dirigio por Carme Portaceli y coproducido por el Teatre Lliure y Factoria Escènica Internacional junto con Grec 2014, la ópera líquida de cámara Dido reloaded/ Go, Aeneas, Go! a partir del mito clásico de Dido y Eneas de OBNC y Rhum proyecto de clown que los compañeros de Joan Montanyès ‘Monti’ han completado conforman las propuestas del Lliure.

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Luz negra

Los escritores son gilipollas

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recisamente este año que ya va tocando a su fin se ha en este combate –el que detenta el poder– lleva su postura a un celebrado el 150 aniversario del nacimiento de Don Mipasional extremo. Estrenada en su versión original, en catalán, en guel de Unamuno. El desasosiego existencial provocó que 1978 con Carles Velat y Ovidi Monitor, J.M.Rodríguez Méndez adaptó este agónico escritor vasco fuera uno de los primeros creadores en al castellano y estrenó la obra en 1983 con J.M.Rodero y M.Galiana; intentar fundir creación y vida, ficción y realidad. Anonadado por las en 2006 volvió a reponerse en catalán, recibiendo el Max al mejor desgracias que acontecen en su vida y habiendo tomado la drástica texto teatral en catalán (¡¡¡casi 30 años después de escrita y estredecisión de suicidarse, Augusto Pérez, el protagonista de “Niebla”, nada!!!); y hace nada, en 2013, Mario Gas volvió a reponerla con decide ni corto ni perezoso visitar a su creador, a su Dios, esto es, M.A.Solá y D.Freire. al escritor Miguel de Unamuno, para cantarle las cuarenta y pedirle Desde 1995 la ocupación principal del dramaturgo Rodolf Sirera explicaciones por su desventurada vida. Y para ello acude al domicilio es la televisión, los guiones de las teleseries, algunas bien popusalmantino del autor en donde tiene lugar uno de esos lares como “Amar en tiempos revueltos”. Desde esa diálogos que han pasado a la historia de la literatura fecha sólo ha escrito un drama, “Raccord”, en 2005, hispana. Unamuno se anticipó incluso unos añitos (los obra que como otras suyas anteriores giran en torno que van de 1914 a 1921) a la ya legendaria rebelión de del propio hecho teatral. Así sucede también con la aquellos seis personajes contra su autor que el siciliano obra que ha supuesto su regreso al teatro “y a volver Luigi Pirandello colocó sobre el escenario. No sólo con a mirar con cariño un oficio que durante un tiempo, esa conocida obra, sino también con alguna más adquidemasiado tiempo, pensaba que había dejado de interió carta de naturaleza teatral ese empeño, tan lógico resarme”, según él mismo afirma en el preámbulo. En por otra parte, de empujar la realidad dentro del esce“Trío” dos actores que se buscan la vida como buena nario, de intentar cargarse la representación en favor de o no tan buenamente pueden, Oscar y David, le sirla vida. Digo que lógico porque es en el arte teatral en ven a Sirera para dar un buen y humorístico repaso el que más palpable resulta el hecho paradójico de que al presente y penoso estado de la profesión, sobre querer reflejar la vida no consigue sino alejar el escena- EL VENENO DEL todo para esos sufridos actores del montón. Castings, papelitos, televisión, pequeñas salas, principios, corio de la vida, hacer patente el artificio. En cierto modo, TEATRO. TRÍO merse los principios, pequeñas y grandes traiciones, esa dialéctica ha marcado el devenir del teatro del siglo RODOLF SIRERA miserias, angustias, deseos, temores… Pero todo ello XX; aunque hay, claro, casos muy anteriores, muy ob- TeatroAutor. SGAE en clave de comedia y con una tercera en discordia vios, por ejemplo, en el teatro barroco. Pero es en el –nunca mejor dicho–, Micaela, Micky. Demuestra Sirera su dominio pasado siglo cuando el teatro ha hecho -y sigue haciéndolos- ímprode la carpintería teatral y de la economía de medios: luces, oscuros, bos esfuerzos por sacudirse el yugo de la representación. Pero claro, voces en off, mínimos elementos escenográficos… pero en función en Pirandello y en tantos otros, esa rebelión, esa irrupción de la vida, de una trama y de unos personajes algo estereotipados y deudores de la realidad, sobre el escenario, está perfecta –y magistralmente– sin duda de las comedias televisivas de situación. A “Trío” la redime planificada, escrita, y por tanto sigue siendo representación; es una posiblemente su autoironía, la autoparodia, porque Sirera se desvoladura controlada: coloca en primerísimo plano esta cuestión, pero pacha a gusto consigo mismo y con su obra, ya que los personajes lo hace a través de la representación misma. Crítica y crisis de la retrabajan en varios momentos de la función con textos del autor vapresentación pero a través de la representación. La vanguardia y el lenciano. De hecho uno de los personajes afirma haber conocido experimentalismo siguen felizmente empeñados en la demolición, en presentar y no representar, pero con resultados abstrusos. al tal Sirera y que éste le ha cedido los derechos de su obra más La cuestión de fondo que plantea la primera obra de las dos que reconocida: “El veneno del teatro”, ¡como no! Si bien el otro no está se recogen en este volumen es precisamente ésta, el roce entre muy por la labor: “¿En exclusiva? ¡Y tan exclusiva! ¿Quién cojones, representación y realidad. La pieza no es otra que la ya famosa “El que no esté como una puta cabra, querría estrenar esto? Si yo gaveneno del teatro”, que Rodolf Sirera (Valencia, 1948) estrenara en nara lo que gana él haciendo tele…”. Finalmente resulta que “ese el ya lejano 1978. Nos hallamos en un palacete parisino en 1784, dramaturgo está hasta los cojones de la obra, que parece que no en puertas pues de la Revolución; un innominado, pero bastante sáhaya escrito otra en toda su vida, sólo le piden esa para represendico, Marqués recibe a un afamado actor al que ha mandado llamar tar”. Y mientras los dos personajes se agarran a la obra como a su para pedirle un misterioso encargo. Thriller psicológico con forma tabla de salvación ante un incierto futuro, resulta que el dramaturgo, de diálogo diderotiano con el propio teatro como materia. El teatro Sirera, que les ha cedido los derechos, lo ha hecho con la secreta entendido a la manera de Diderot en “La paradoja del comedianesperanza que actores tan mediocres se carguen definitivamente el te”, esto es, que el actor permanezca lo más alejado posible del drama, y así ya nadie nunca se la volverá a pedir. “Los escritores son personaje para poder desarrollar su capacidad de imitación y de así. Gilipollas. Sí. Unos creídos. Pero no somos tan malos actores. reflexión, frente a un teatro que propugna la máxima identificación, No, no lo somos. Vamos a hacer un montaje que ese cabrón hijo de la fusión psicológica entre actor y personaje. Exteriorización conputa del autor se va a cagar encima. Sí”. Pero las cosas se tuercen. tra Identificación. Un dilema aún vigente. Uno de los contendientes Siempre se tuercen.

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

Tomo la palabra (I)

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os días 20 y 21 de octubre se han celebrado en la UNED de Madrid las I Jornadas Internacionales sobre Mujeres, Voz y Narración Oral, “Tomo la palabra”, un verdadero y fructífero encuentro entre la investigación académica y algunas mujeres que narramos de viva voz.

En palabras de Marina Sanfilippo, directora de estas jornadas junto con Helena Guzmán, “cuando se habla de narración de historias y cuentos, los tópicos que inmediatamente acuden a la mente oscilan entre la abuelita entrañable que cuenta cuentos a sus nietos al amor de la lumbre para entretenerles y enseñarles como es la vida, y la seductora Sherezade que con sus palabras encandila al califa, intentando desactivar la sed de venganza de un paranoico.”

El punto de partida de estas jornadas era pues esta impresión de que la cuenteria sería una actividad fundamentalmente femenina, aunque, cuando menos en el contexto folklórico donde se reconocía el oficio de narrar como una actividad profesional, las personas que se dedicaban a narrar son (o eran) eminentemente hombres.

Hoy en día, continuando la tradición de la abuelita y a Sherezade, aunque las narradoras son legión, las mujeres seguimos a menudo susurrando en los espacios domésticos o en ámbitos públicos menos prestigiados como las escuelas o las bibliotecas, mientras que en los programas de los festivales de narración oral, la mayoría de los nombres que aparecen son masculinos. Y es que, tal y como comparto con Marina Sanfilippo, narrar una historia de viva voz en público significa tomar la palabra, levantar la voz, ocupar el centro, ponerse bajo los focos para atraer la atención e invitar a la escucha en un acto de comunicación tremendamente íntimo con quien escucha. Todo un acto de empoderamiento.

El objetivo de este encuentro era desentrañar, si las había, algunas características de este “narrar en femenino”, si en una performance de narración oral, se podían detectar diferencias significativas en cuanto a la construcción de sexo-género, a nivel de estilo, temática, género narrativo, lenguaje, vocalidad, gestualidad, interacción con el público, etc... Y para ello se contó con abordajes al tema desde enfoques múltiples: la oralidad, la literatura, la antropología, la narratología, la lingüística, la etnolingüística, los estudios de cultura popular, el psicoanálisis, la fonética… a cada cual más sugerente. Se tuvo particularmente en cuenta diferentes contextos de la narración, desde los claramente artísticos y formales hasta los más familiares e informales. Se contó con la presencia y el testimonio de varias narradoras que invitadas a repensarnos, dimos cuenta de nuestros procesos expresivos y creativos en el ejercicio de nuestra actividad artística. Estuvimos representantes de MANO, la Asociación de Narradores Orales de Madrid, de AEDA, la Asociación de Profesionales de la Narración Oral en España y también con personas estudiosas del Instituto Vasco Etxepare y de distintas universidades y centros de investigación europeos así como recopiladoras de cuentos orales. Todo un lujo de programa. Podéis acceder a través del link http://tomolapalabra.weebly.com/ jornadas y aunque no sea lo mismo que haber estado allí, es posible acceder a las grabaciones de las ponencias, mesas redondas e incluso a las

clownclusiones y a la contada final a través de https://canal.uned. es/serial/index/id/1390.

El primer día de las Jornadas congregó a Cristina Lavinio (Università di Cagliari) y Carme Oriol (Universitat Rovira i Virgili). Lavinio nos presentó su ponencia magistral “Narrazioni orali al femminile”.

Un primer hecho destacable: el sesgo de género extraído de un dato sociológico. Se sabe que había narradores profesionales en las sociedades campesinas y no sólo en las de Italia, que iban de aldea en aldea ofreciendo sus cuentos a cambio de distintas formas de retribución y todos eran hombres. La de las mujeres era una narración no profesional, que se ejercía más bien dentro de los límites del ambiente social y familiar propio. Por lo demás se refiere con mucha cautela a las diferencias en razón de género que se pueden extraer de algunos de los estudios en torno a los textos narrativos orales y tradicionales grabados y recopilados y/o transcritos en forma fiel. Se vislumbran especificidades en los temas y géneros textuales propios de los repertorios narrativos tradicionales femeninos. Con frecuencia eran distintos los lugares de producción del cuento y eso influía en el tipo de cuentos. Historias “verdes” creadas por los hombres en las tabernas e historias maravillosas, aptas también para la infancia, inventadas por las mujeres en entornos domésticos. Analizando algunas grabaciones en vídeo, a nivel general se vislumbra una mayor “teatralidad” en las narraciones de las mujeres, más dadas que los hombres a poner voces para reproducir las palabras del discurso directo de los personajes. Tambiun se muestran en las historias de vida, más atentas a desarrollar con exactitud la tarea y satisfacer las expectativas de quien recoge su voz. Esto es, la construcción de sexo-género parece afectar también en la recopilación de la información. Si el investigador es un hombre y la informante es una mujer, podemos sospechar de que no lo cuenta todo o no lo cuenta con la misma libertad que en su espacio y con su auditorio habitual. La mirada del investigador influye siempre sobre lo investigado y probablemente la mirada de un recopilador hombre afecta a la performance narrativa de la mujer investigada.

Por su parte, Carme Oriol (Universitat Rovira i Virgili) nos sedujo vivamente con su exposición: “Cuentos populares con protagonistas activas: la cara más desconocida de la tradición”. Carme Oriol nos hizo conocer o recordar a Jeana Jorgensen, en su artículo “Gender”, publicado en The Grenwood Encyclopedia of Folktales & Fairy Tales (2008)donde la autora sistematiza las relaciones entre los cuentos populares y los estudios de género en tres niveles de interacción: el textual, el contextual y el metatextual. Estos tres niveles orientan en su opinión, diferentes líneas de investigación, a cada cual más fascinante, como desarrolló a lo largo de su ponencia. Una de las aportaciones a mi juicio más interesantes de Carme Oriol fue la de centrar nuestra atención en las múltiples y variadas versiones que existen de un mismo cuento oral y como en ocasiones se ha privilegiado una principal sobre otras en la actualidad desconocidas o peor consideradas. ¿Qué privilegia una versión sobre las otras? ¿En qué medida afecta la construcción de sexo-género a la hora de rescatar o transcribir una u otra versión de una misma historia? w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre Jorge Dubatti

Spam, la “Sprechoper” de Spregelburd y Federico Zypce

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n el contexto de la cartelera porteña actual, Spam, la “ópera hablada” de Rafael Spregelburd y Zypce, constituye un acontecimiento excepcional. Sobresale en cada uno de sus componentes: la dramaturgia, la actuación, la música, la hibridación de lo teatral con recursos tecnológicos. Si bien en el teatro argentino contemporáneo la experiencia de lo nuevo, en un sentido radicalizado, se ha adelgazado y relativizado, con Spam se siente estar otra vez ante la manifestación rotunda de lo nuevo, se cree atestiguar un teatro que se proyecta hacia el futuro de la escena nacional en el cruce y síntesis de tendencias de última generación, y que resuelve de otra manera sus relaciones con el pasado teatral argentino. Un teatro experimental, en el sentido más cabal que Umberto Eco otorga a este término en su ensayo sobre el Grupo 63, diferenciándolo de la vanguardia. ¿Cuáles son algunas de esas tendencias inscriptas en la obra?

Primero: su relación con la internacionalidad, la globalización y la planetarización. Esta obra argentina traza una cartografía compleja de territorialidades y supraterritorialidades, ya que fue compuesta en nuestro país pero para ser estrenada en Italia por un actor italiano.

Por otra parte, en su imaginario ficcional –la historia de un profesor napolitano perseguido por la mafia supuestamente china que se esconde en Malta y por un accidente pierde la memoria– establece conexiones con Asia, Europa, Estados Unidos, y especialmente con las ubicuas redes del capitalismo mundial, el “globish”, el Google Translator, los “spam” y el internet. La poética de Spam genera, por su relación con las Ciencias de la Totalidad o Ciencias del Caos, la ilusión de que “todo está conectado con todo”, el espectador intuye la existencia de un entramado único tras la apariencia de diversidad, un entretejido de causas-efectos no racionalistas, alterados, que se resuelven recursivamente (como observa la Teoría de la Complejidad, no se sabe muy bien dónde está la causa y dónde el efecto) y por las que el mundo es uno y todo está próximo y enlazado. Mérito gigante lograr esta deriva de sentido con las herramientas compositivas del drama.

Al respecto, nos cuenta Spregelburd: “El impulso definitivo de Spam lo dio un actor italiano, Lorenzo Gleijeses, que luego de ver

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Apátrida me pidió un texto que él pudiera representar en Nápoles.

Al principio pensamos en adaptar al formato de monólogo alguna obra mayor (como La terquedad) pero luego me di cuenta de que era más fácil y más sensato escribir una obra nueva, sobre todo porque yo ya tenía –como suele suceder- bocetos sueltos y cosas acumuladas sin destino exacto (la lengua de los eblaítas, la traducción de Google y la anécdota real de la muñeca que insulta a una nena fueron los primeros elementos de este rompecabezas que es Spam). Así que me propuse escribir un texto nuevo que pudiéramos estrenar con él en Italia pero siempre pensando en hacerlo aquí con Zypce. De hecho, los primeros ensayos –en los que escribí la obra- fueron en Buenos Aires, y Zypce comenzó a componer la música, los instrumentos y sus ideas de montaje sonoro mientras ensayábamos con Lorenzo. Fue una escritura muy atípica, porque para poder ensayar y corregir, debíamos escribir casi en italiano al mismo tiempo que en castellano. Resultó vital la inclusión de Manuela Cherubini, mi traductora y habitual directora italiana, en el primer proceso de ensayos. La obra fue escrita con una enorme apertura para permitir ambos montajes (que son muy distintos). Lorenzo es un actor muy físico, formado en el Odin Teatret, con una mayor tendencia al teatro corporal que al texto. La obra tiene 31 escenas de las que sólo se ven por noche 25 ó 26: la elección de estas escenas ‘comodines’ (como en Rayuela, la novela de Julio Cortázar) varía mucho entre mi montaje italiano y el de Buenos Aires; si bien compartimos videos e ideas comunes en ambos montajes, los resultados no podrían ser más disímiles. Y el montaje italiano cuenta con la música de Alessandro Olla, un músico con más inclinación hacia la electrónica que Zypce, que siempre opta por la música concreta en versión low fi”.

Segundo: De la misma manera que con el espacio, Spregelburd juega con las conexiones en el tiempo, entre el pasado remoto y el más cercano, en un contrapunto que vincula a los mayas mesoamericanos y los eblaítas mesopotámicos con la pintura La decapitación de San Juan Bautista de Caravaggio y una recreación de ese cuadro en la toma fotográfica de un supermercado chino actual.

Tanto por el eje territorial-espacial como por el histórico-temporal,

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Postales argentinas Spregelburd evidencia su fascinación por Borges, y puede reivindicar como propias las ideas expuestas por el autor de El Aleph en el ensayo “El escritor argentino y la tradición”. Allí Borges afirma que todo el universo es el auténtico legado de la tradición cultural argentina, y así lo practica Spam. De esta manera Spregelburd recoloca el teatro argentino y latinoamericano en la cartografía simbólica del teatro mundial: nuestro teatro también puede pensar los grandes temas filosóficos y los grandes mitos, no requiere limitarse obligadamente a las representaciones realistas de las crisis sociales, económicas y políticas locales.

Dice Spregelburd: “El relato borgiano ha causado siempre una gran impresión en mí. Y es constitutivo de mi afición por la lectura, por la escritura. De Borges se pueden aprender muchas lecciones, no sólo en aquello que podríamos llamar ‘lo borgiano’ (según Piglia: el momento privilegiado en que en las acciones de un hombre confluyen todos las líneas de su destino, el Aleph, el vértice de todas las cosas que nos determina) sino también esa maravillosa felicidad en prescindir del ‘espíritu del lugar’ y trasladar sus acciones –en perfecto castellano porteño- a Arabia, a ciudades inventadas o a donde fuera. La cuota de localismo la aportará de todas maneras la pertenencia de una lectura (o de una función teatral) que es hecha por un público en un momento determinado.

Cuando me refiero a los eblaítas y digo: ‘Si se borra el disco duro de mi laptop se borrará por segunda vez, definitiva, la lengua desgarrada de este pueblo’, ¿qué quiere decir la palabra ‘este’ en esa frase? Es un permanente juego de deícticos que el teatro hace posible: no importa si son eblaítas, acadios o suizos, siempre estamos hablando de aquí y ahora. El público no puedo sino ser interpelado. La extinción de esa lengua remota, de esa cultura desconocida, sepultada antes incluso del mito de Babel, es la historia de nuestra extinción. No hay ‘ellos’ que valga en el teatro: todo es ‘nosotros’”.

Tercero: los cinco temas principales de Spam despliegan, a manera de tesis expuestas más o menos explícitamente, una lúcida indagación del presente y un dictamen negativo sobre el destino de la humanidad, en palabras de Spregelburd esos temas son: “El futuro (o la pérdida de memoria de la Historia, junto son su Sentido); la basura como bastión de la agonía del capitalismo; la virtualización de las relaciones interpersonales; la globalización de las experiencias singulares de las culturas, y la fantasía apocalíptica como nuevo cuco con que mantener las cosas como están para espantar la idea de cualquier revolución profunda”. El espectro de temas evidencia la preocupación de Spregelburd por cómo estarán el planeta y la especie dentro de unas décadas. Spam es en este sentido una parábola futurista y una utopía negativa: si las cosas siguen así, sólo quedará como recuerdo de las civilizaciones que habitaron la Tierra “la isla flotante de nylon y botellas de plástico que se arremolina alegremente en el Pacífico Norte”.

Cuarto: Spregelburd busca una poética escénica original, tanto por las relaciones entre texto en verso y música (singularidad de la “Sprechoper”, u ópera hablada) como por las tensiones entre actor y personaje, que multiplican el espesor del sistema de representación. Vuelve a trabajar en Spam con procedimientos clásicos de su teatro, de los que es plenamente consciente y que cada vez domina mejor: la huida del símbolo, la imaginación técnica, el atentado al racionalismo, la multiplicación de sentido, la desolemnización y la “reflectáfora” (uso singular de las estructuras fractales). Sin duda el espectáculo es doblemente barroco en su

dimensión experimental, por la intrincada dramaturgia que despliega un apabullante torrente de signos e ideas perfectamente organizados y que humillan la capacidad de atención del espectador más avezado con la duración de más de dos horas, y por la música de Zypce, que sorprende por su diversidad y su invención.

Spregelburd y Zypce han trabajado juntos en varias oportunidades, y venían de hacer juntos la primera Sprechoper del binomio, Apátrida (2010, hasta hace no mucho en cartel). La organicidad que consiguen dramaturgia y música en Spam se sostiene en el desarrollo de lo descubierto en las experiencias anteriores, pero también en la creciente apuesta hacia una mayor experimentación.

Spregelburd y Zypce cada vez van por más, redoblan la jugada en un gesto creativo que los honra. Reflexiona Spregelburd: “La idea de escribir Spam como ópera hablada fue inmediata: yo no me llevo bien con el monólogo, con esa idea según la cual el espectador se acomoda mansamente a la certeza de que ya nadie más aparecerá en escena para interactuar con el relato. Así que cuando Lorenzo insistió en que fuera un monólogo, yo contrapropuse que se hiciera acompañar de un músico, y que el texto estuviera organizado como una partitura musical. Al igual que Apátrida, la obra está escrita en verso libre, con tendencia a los endecasílabos y los alejandrinos, pero siempre tratando de que ni la métrica ni la rima se presenten con demasiada fuerza, para favorecer la oralidad del relato más que su artificiosidad. En ese sentido, Apátrida asumía una retórica anticuada, llena de anacronismos divertidos. Spam debe recurrir en cambio a otro uso de ‘texto como música’: el cambio violento de registro, la aparición abrupta de lo rimbombante, la mezcla de géneros y –sobre todo– la inclusión del elemento azaroso: las imprevisibilidades en la historia son producto de los huecos en el desorden del relato y no de la manipulación esquiva de la información que se le da al espectador.

Es decir, como las escenas se sortean a la vista del público, a éste se le hace claro que lo que no comprende inmediatamente se le hará prístino más adelante. El antecedente de Apátrida es naturalmente muy fuerte en el trabajo conjunto con Zypce: todas las energías del montaje están puestas en diferenciar ambas obras más que en hacerlas asimilables: el despliegue escenográfico de Santiago Badillo, los videos e infografías de Alessandro Olla, Nico Levín, Alejo Moguillansky, el inusitado devenir del relato, la combinación múltiple de formas narrativas incompatibles (traducciones simultáneas, karaokes intervenidos, textos cultos en formato de hip-hop), en fin, una batería de recursos para hacer de Spam –aun en el mismo género de Sprechoper de Apátrida– una obra radicalmente distinta”.

Quinto (y último): lo nuevo también se hace presente en Spam en el desafío al espectador, al que no se le ofrece lo que ya conoce, y se le pide que aumenta su disponibilidad, su apertura, su amigabilidad con la experimentación. Teatro de goce, en el sentido que Roland Barthes otorga a este término para confrontarlo con el teatro de placer: si éste último implica la identificación con lo ya transitado y convencionalizado, el teatro de goce exige descubrimientos, nuevas preguntas, más trabajo, incluso rechazo, enojo, fatiga, mayor exigencia que por momentos el espectador no está seguro de poder acompañar. Un teatro anticonformista, contra la costumbre, contra la doxa, contra la autosuficiencia de los espectadores que se creen “metroteatrales” y salen de Spam desencajados. En suma, una experiencia teatral única, hito en la historia del teatro argentino. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre María Chatziemmanouil

El método griego

Panorama de la temporada en Atenas-Las tendencias

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i alguien quisiera investigar sólo en el terreno teatral para buscar información y estadísticas sobre la crisis económica de los últimos 6 años en Grecia, se volvería loco. ¡Y es que los datos son inverosímiles! Cada año el número de las funciones va creciendo con un ritmo vertiginoso.

Según Acinórama, la revista de ocio más consultada de Atenas, el número de los estrenos programados de cara a la temporada actual va a llegar a los 1000, celebrados en más de 300 salas tradicionales o espacios alternativos (en la temporada de 2012-13 se estrenaron 626 espectáculos en 216 espacios, y en 2013-14 las funciones alcanzaron las 855). Matina Kaltaki, quien escribe la crítica de teatro en el periódico LIFO, apunta lo siguiente: “por lo que parece, dentro de este colapso general provocado por esta dura crisis económica, no hay nada más fácil que hacer teatro. Los alquileres de las salas han bajado y no hay ningún tipo de requisito en cuanto a la cotización (seguridad social) y los cachés de los integrantes de un espectáculo.

Es más, la gran mayoría de ellos acepta ser remunerada por “porcentaje sobre los ingresos de taquilla.” Sucede, quizás, lo que ha dicho (la gran actriz griega) Maya Limperopúlu: “se trata de una “desprofesionalización” del teatro.” Los estudiosos del teatro en el futuro, van a dedicar mucho tiempo para analizar en profundidad este fenómeno de nuestra época.

Entre 1000 estrenos anunciados no es fácil destacar las principales tendencias. A continuación vamos a hablar de los tres grandes ejes que saltan a la vista fácilmente, alrededor de los cuales giran dichas tendencias: los éxitos de la temporada pasada que se reestrenan; los montajes de obras de Antón Chejov (este año se cumplen 110 años de su muerte); y los montajes de obras del teatro griego contemporáneo.

La temporada actual ya ha empezado con más de 20 reestrenos de obras alabadas por la crítica y el público durante el año pasado. Entre ellas, destacan dos del teatro español: “Dos mujeres que bailan” de Josep María Benet i Jornet, dirigida por Tasos Iordanidis (en cartelera desde el 23 de octubre del año pasado, con 5 funciones a la semana) que en las dos primeras semanas de esta temporada las entradas estuvieron agotadas; y Cartas de amor a Stalin de Juan Mayorga, dirigida por Dimitris Mylonás, que se estrenó en marzo pasado en Atenas, y que esta temporada se estrenó primero en Tesalónica con mucho éxito, y seguirá a partir del 18 de octubre y hasta Navidad en Atenas, en el Teatro Epi Kolonó (donde los últimos años se estrenaron con mucho éxito por la compañía NAMA obras del teatro iberoamericano, como “Rottweiler” de Guillermo Heras, “La Chunga” de Mario Vargas Llosa y “Kiev” del franco-uruguayo Sergio Blanco.). En total, se calculan unos 100 reestrenos hasta el mes de mayo, número que bate todos los récords .

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De los estrenos de obras de Chejov o de obras basadas o/e inspiradas en su dramaturgia, la más esperada es la que se celebrará en el Teatro de Arte a cargo de la compañía Blitz, que celebra con este montaje sus diez años de presencia en la escena griega. La obra se llama “Vanya, 10 años después” y es una adaptación de la obra chejoviana. Vanya, Sonia, Elena, Astróf, aislados en un espacio indefinido, recuerdan y reviven acontecimientos del pasado, los representan, los corrigen. Escenas de “Tío Vanya” y textos nuevos (que se proyectan como si fueran sobretítulos) distorsionan la trama original de la obra, creando una nueva historia «a caballo entre teatro y documental, entre autobiografía y ficción» sobre el deseo erótico, la memoria, la ira, la vida como triunfo y derrota, sobre como uno crece y envejece y también sobre el arte del teatro y los intelectuales.

La dramaturgia es de Nikos Flessas y la dirección es fruto del trabajo colectivo de la compañía.

Entre los otros estrenos de obras del gran clásico ruso, destacamos entre otros “El oso”, la pequeña ópera de William Walton, (con libreto de Paul Den), “una extravagancia en un acto”, basada en la obra homónima de Chejov; y una gran producción del “Tío Vanya” original, dirigida por Lilly Meleme, con un gran elenco de protagonistas griegos, encabezado por Yianis Fertis.

El tercer eje de la temporada actual es, a mi modo de ver la más importante, ya que constituye el pilar mismo del teatro griego contemporáneo. Este año son tantas las salas que incluyen en su repertorio obras de autores griegos vivos, que casi se podría hablar de una revolución. El teatro “Anguelon Vima” por ejemplo, organiza por primera vez un “festival permanente de obras neogriegas” bajo la dirección artística de la autora Lia Vitali, en el marco del cual se llevarán a cabo seis lecturas dramatizadas; el teatro Vault, uno de los espacios alternativos más vanguardistas de Atenas, dedica gran parte de su repertorio a dramaturgos griegos vivos, mientras que el Teatro de Arte, que durante la temporada pasada dedicó gran parte de su repertorio a la dramaturgia griega contemporánea, sigue en la línea del año pasado reestrenando este año dos de los éxitos de la temporada pasada: “Ejercicios para rodillas fuertes”, de Andreas Flurakis y “Almanaque” de Mariana Kálbari. Por otra parte, se espera con mucho interés la nueva obra de Lena Kitsopulu, un encargo del Teatro de Arte que se estrena a finales de enero, mientras que se organizan en el mismo teatro 6 lecturas dramatizadas y otras actividades paralelas sobre la dramaturgia griega. Aparte de las ya mencionadas, al público griego se le brindarán más oportunidades de ver teatro griego contemporáneo, ya que otras tantas salas incluyen puntualmente obras griegas en su cartelera actual. ¿La dramaturgia griega llega a su maduración. ¡Ojalá!

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Piedra de sacrificio

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Jaime Chabaud

Ayotzinapa

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abía prometido a Carlos Gil escribir algo relativo a las reción y las decisiones cupulares imperan. Y nuevamente, en fechas vistas de teatro y su oscilante vida financiera, a su imporecientes, el presidente de la República anuncia una reducción brusibilidad como proyecto, a lo difícil que es la solidaridad tal al presupuesto de cultura para el 2015. de los gremios a los que atendemos y la apatía gubernamental ante La noticia que le ha dado la vuelta al mundo sobre el secuestro de 43 productos culturales tan incómodos. estudiantes de la Escuela Normal Rural Llevo 13 años con Paso de Gato, Rede Ayotzinapa, Guerrero, nos tiene atevista Mexicana de Teatro, que por ahorrados. Al temor cotidiano por los enfrenra va más o menos bien, en equilibrio tamientos entre fuerzas del gobierno y el precario pero bien, aunque siempre ejército mejor armado del crimen organicon el temor de que los encargados de zado, se suma un discreto terrorismo de comunicación social de las instituciones estado que a veces –como ahora– se les nos quiten la publicidad porque causan ha salido de las manos. La desaparición mucha comezón tanto algunas páginas forzada de 43 estudiantes a manos de de la publicación como mis comentala policía que los entregó a gatilleros de rios cotidianos en prensa respecto a grupos criminales es el botón de muestra las políticas culturales en un país que de lo que se nos viene. La renuncia del se cae a pedazos (tengo una columna Gobernador de Guerrero, Ángel Aguirre, los viernes en el diario Milenio). Había ocurrida el 22 de octubre pasado no va prometido, ante el peligro de que Artez a disminuir la indignación general que Teatro línea de sombra @BlendaImages desaparezca del imaginario de los tease vive en México. Una amarilla rabia se tristas españoles, citar un hermosísimo texto de una de las primeras apodera de todos nosotros. A pesar de que el gobierno de Peña Nieto revistas teatrales que existieron en México que se publicó en 1841 intenta cargarle los desaparecidos a una izquierda impresentable que y llevó por nombre El Apuntador. El texto es un testamento en donde gobierna Guerrero, la situación no es muy diferente en muchas otras dicho Apuntador declara por qué ha decidido morirse. Lo dejaré regiones del país donde la ingobernabilidad reina. para enero, si es que hay un enero…

Y la pregunta obligada es ¿qué papel deben cumplir los profesioEn estas páginas he consignado el asesinato artero de algunos comnales del teatro en un estado de cosas tan deteriorado? Hace no pañeros de gremio en esa guerra que lleva ya más de 170 mil muertos más de seis años yo escuchaba a algunos compañeros decir que en mi país y nadie quiere ver. Las Naciones Unidas, por ejemplo, se han estaban hartos de que los dramaturgos insistieran en los temas negado a emitir una declaratoria. He consignado las urgencias mismas del narco, de la tragedia humanitaria que implica la migración (que del teatro en cuanto a espacios para la creciente demografía de profeen nuestro caso es doble: la de los mexicanos que van a Estados sionales urgidos por decirse sobre las tablas. He consignado algunos Unidos y la de los centroamericanos que atraviesan nuestro territofenómenos de teatro social que hablan de la necesidad apremiante de rio con el mismo destino y que son objeto de desprecio y violencia repensar nuestro rol en el seno de la sociedad, de una sociedad abierta atroz), la corrupción, etcétera. La convivencia de un teatro light y a veces falsamente inteligente y divertido con otro de contenido soen canal como una res en el matadero. Porque no sólo son los muertos, cial es lo que impera en nuestros escenarios. También los formatos son los desaparecidos que suman en cifras siempre maquilladas más de fronterizos, “posdramáticos”, hoy procuran exponer las heridas de 30 mil, más las viudas, huérfanos y padres velando entre hospitales y este México con propuestas teatrales tan entrañables como las de morgues buscando a sus seres queridos.

Lagartijas Tiradas al Sol o Teatro Línea de Sombra, por mencionar He consignado asuntos de las políticas culturales mexicanas que sólo dos compañías que han girado por festivales españoles. no sólo no acaban por entenderse sino que tienden a demostrar La escasez de presupuestos y espacios escénicos, la poca capaque no hay un plan. El propio presidente Peña Nieto propuso, al cidad institucional para responder a las demandas de los artistas, y presentar su Plan Nacional de Desarrollo, que la cultura debía conla realidad social y política, debiera arrojarnos a nuevas estrategias. vertirse en un agente para la reconstrucción del dañado tejido soDe hecho las hay y operan, pero de manera aislada, poco organizacial. Ni en esa línea se entienden las políticas culturales de este país da y solidaria, como suele ser el gremio teatral. Hace unos días, un devastado por una clase política podrida, coludida con el crimen contingente importante de colegas marchó en protesta por Ayotziorganizado desde hace décadas. Salvo las iniciativas de algunos napa, el ambiente fue de comunión gremial. Nos hace falta hacernos (pocos) funcionarios comprometidos, la mayoría de las “políticas” muchas preguntas. son ocurrencias. Los artistas no suelen ser integrados a la planeaw w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre Carlos Be

Las Lejanías

Locuras cotidianas: en capilla

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levo no sé cuántas horas escuchando en bucle Novosvětská symfonie, la novena sinfonía de Antonín Dvořák. Intento desarrollar el esbozo de una coreografía para la obra que estamos montando con la compañía, Locuras cotidianas de Petr Zelenka, y no deja de sorprendente lo bien que encajan las imágenes que evocan por un lado esta música, sublime, de finales del siglo XIX, y por el otro, el texto teatral de Zelenka, del 2001. El arte es increíble, cómo se libera del tiempo. No hay más que ver cualquier adaptación contemporánea de William Shakespeare, Johann Wolfgang von Goethe o Antón Chéjov. Qué bien se adaptan a cualquier propuesta creativa, cómo siguen transmitiendo más allá de todos esos factores que, lastimosamente, consideramos tan relevantes en nuestro día a día. El arte no tiene bandera, para bien y para mal. También cualquier régimen puede apropiarse del arte. Si no pudieran apropiarse de éste, ya no sería arte. El arte no tiene bandera. No tiene esas inseguridades que promueven el posicionamiento. Por desgracia, ya se encargan otros de ponerle, entre otras muchos, una de las etiquetas más hipertrofiadas por la humanidad: la de la patria.

Dvořák, uno de los compositores checos más conocidos en el ámbito de la música, compuso su sinfonía en Estados Unidos, donde dirigía el Conservatorio de Nueva York desde 1892. Tres años después y con la sinfonía bajo el brazo, regresaría a Praga para dirigir el conservatorio de la ciudad austrohúngara hasta su fallecimiento, el 1 de mayo de 1904, día de los enamorados en Bohemia gracias a un poema de Karel Hynek Mácha escrito en 1836: Máj (Mayo).

Si viajáis a la República Checa y tenéis la oportunidad de traspasar un poco esa pátina a la Walt Disney que el capitalismo está insuflando a la ciudad desde la caída del Muro, descubriréis que cuentan con un fondo cultural inabarcable y que su población la asimila y la mantiene. Un poeta del siglo XIX escribe un poema y ese poema establece una celebración nacional. ¿Alguna referencia parecida en España? También juega a favor de ellos que son un pueblo de mayoría atea, así que no han sido castrados por el populismo de la dictadura vaticana. Así pues, mientras nosotros aún luchamos contra ángeles y diablos, los checos ya están en otras cuestiones gracias al medio cultural que habitan. El jueves pasado participé junto con Paco Bezerra en una mesa redonda en Ámbito Cultural de El Corte Inglés de Callao. Tras analizar el tejido teatral madrileño en estos últimos años, surgió la pregunta que nadie puede responder: ¿qué pasará con este tejido en los próximos años? Nos encogimos de hombros. En un país donde no está arraigada una cultura, ya no teatral sino de cualquier tipo, donde la mediocridad gana adeptos a marchas forzadas y campa a sus anchas, surgen este tipo de preguntas. No me imagino a un teatrero checo planteándose la misma cuestión con el vértigo que sentimos nosotros el pasado jueves.

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Regreso a Locuras cotidianas. En julio de 2011 presentamos una lectura dramatizada de esta obra en el Teatro Lara. Fue el primer proyecto que dirigía y presentaba en Madrid, de hecho en aquella época aún vivía en Barcelona. Formaban el elenco Fran Arráez, Juan Alberto de Burgos, Tusti de las Heras, Esperanza Elipe, Raúl Jiménez, Pepa Rus, Alfonso Torregrosa e Iván Ugalde.

La presentación tuvo muy buena acogida, aunque ese fenómeno conocido como crisis se hallaba en pleno auge y en los círculos teatrales no había más que palabras en torno al vértigo y la congoja. Más de tres años después, y siete montajes presentados en este tiempo a pesar de esa subjetiva crisis (Exhumación; Peceras; Muere, Numancia, muere; Elepé; Autostop; Dorian y La Toñi Unplugged), la compañía ha decidido embarcarse en ese proyecto que no sólo consiste en montar un texto más, sino que nos responsabiliza de acercar al público madrileño la cultura de un país aún muy desconocido y cuyos referentes no podemos omitir. Zelenka es el dramaturgo vivo más reconocido de su país, además de guionista, director de teatro y de cine, y sospecho que el tiempo no le da para más, aunque no me sorprendería que algún día se demostrara lo contrario.

El 4 de noviembre estrenaremos el montaje de Zelenka en el Teatro Lara. Personalmente, este estreno simboliza la conclusión de algo que empezó tres años atrás, cuando el Teatro Lara nos abrió sus puertas. La dramaturgia se ha centrado en reducir el elenco de catorce personajes a diez, los cuales serán interpretados en esta ocasión por siete actores: Fran Arráez, Esperanza Elipe, David González, Carmen Mayordomo, Pepa Rus, Alfonso Torregrosa y José Ángel Trigo, quien asume con un coraje y un talento maravillosos el protagonismo de esta obra, su debut teatral. En el estreno contaremos también con la presencia del autor gracias a la gestión de Centro Checo Madrid y la agencia de representación que comparto con Zelenka, Aura-Pont.

Lo que quiero contaros con todo esto es que existe un aura checa en torno a todo el proyecto. No se trata un aura patria, sino de un aura cultural. Podría haber adaptado la obra al Madrid actual porque la obra se presta a ello y más, pero he preferido mantener el transcurso de la historia en la Praga de 2001. Desde escenografía y vestuario también se ha partido de esta época y lugar concretos, y claro, también desde la música. Hemos sumado lo que sabemos hacer a unos artistas y unas referencias bohemios de órdago. Por eso llevo no sé cuántas horas escuchando en bucle la novena sinfonía de Dvořák y seguiré muchas horas más, porque el conocimiento es un placer que no conoce límites y, aunque no sea tan inmediato ni anestésico como otros placeres, a la larga te convierte en alguien mejor, cosa que no pasa con muchos otros placeres.

Nos vemos en el teatro. Da igual que sea en el Lara o en cualquier otro teatro, pero veámonos en el teatro.

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Cronicón de Villán... y corte

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Javier Villán

El teatro asediado. Iva y cierre de salas

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olaborar en Artez es un gozo, pero se está convirtiendo en un sinvivir intelectual; este mes salimos, veremos a ver el próximo. No hay que alarmarse porque la alarma no conduce a nada y porque, en definitiva, Artez sufre el mismo cerco que el resto de la cultura. Un gobierno ágrafo y una oposición tal para cual, salpicados todos por la corrupción, sólo se acuerdan de la cultura para dificultar su desarrollo. Dejemos aparte los grandes fastos y el teatro institucional que, de momento, parece escapar a las insidias de la privatización.

El liberalismo, como conciencia moral de tolerancia, es un buen mecanismo de entendimiento. Como sistema económico nos ha llevado al desastre, a no ser que lo vivido no haya sido liberalismo. El llamado socialismo real tampoco fue marxismo o comunismo, sino una impostura estaliniana. La historia da muchas vueltas y el júbilo prematuro de la caída del Muro de Berlín, sus cascotes liberadores, ha golpeado Europa. Nos queda el gran teatro que veíamos en la Alemania de detrás, antes de la unificación, en esporádicos viajes clandestinos o el que llegaba, o sigue llegando a veces, a los escenarios de España.

A las dificultades consustanciales al teatro, se añade la insensibilidad recaudatoria del Gobierno con el 21% de IVA, que si ya es una barbaridad en sí mismo, lo es más aplicado al teatro, una necesidad ética y estética para el buen desarrollo de una sociedad. Nadie da respuesta a este atropello que es una forma de censura solapada.

La obligación de todo ciudadano es cotizar, contribuir al sostenimiento del Estado. En contrapartida, debiéramos adquirir ciertos derechos sobre el uso de nuestro dinero. El teatro es un artículo de primera necesidad en una sociedad civilizada, si no queremos acabar en la barbarie absoluta, porque en la barbarie democrática y corrupta ya estamos. Las salas alternativas, por ejemplo, están haciendo una labor no solo artística sino subversiva contra unos políticos ladrones. En consecuencia, estas pequeñas salas van cayendo por insuficiencia económica, por falta de apoyos. Está a punto de cerrar la Guindalera de Juan Pastor, un pequeño santuario donde en los últimos años hemos visto liturgias memorables. Condolencias para Teresa Valentín, Juan Pastor, María Pastor y compañeros mártires; y pésame para todo el teatro de Madrid. El Sol de York, de Javier Ortiz, ha cerrado. Y no ha sido por falta de calidad teatral y de asistencia; ha sido porque salas de estas características puede que ni siquiera a aforo completo, y mucho menos con el IVA asesino del 21%, puedan cubrir gastos. En estas circunstancia no parece descabellada la insumisión contra hacienda que algunos predican, Podemos entre ellos, el nuevo partido que está convulsionando el panorama político español. En definitiva los fieles y leales contribuyente ya hemos visto dónde van a parar nuestros dineros: a las Visas Oro y Plata de unos mamarrachos ladrones que, probablemente, no han pisado una sala de teatro en su vida.

No conozco en detalle el programa de Podemos, sólo sé que res-

ponde a un estado de necesidad ante el paro y la corrupción del bipartidismo. Cualquier sociedad menos pastueña que la española ya habría ardido por todos los costados. Podemos se ha posicionado en contra de los toros. Acaso no le falte razón, dado el estado cancerígeno de la Fiesta; pero electoralmente es un error. Los aficionados taurinos, entre los que hay muchos de derechas y muchos de izquierdas, son pueblo; y al pueblo le gustan los toros. Cuando la Oprobiosa, conocí a amigos que salían de Carabanchel y, a la primera ocasión, antes de que los enchiqueraran de nuevo, se iban al 7 de las Ventas.

Supongo que la posición de Podemos respecto al teatro, y la cultura en general, es menos precipitada y más favorable. Y beligerante.

Izquierda Unida se ha reunido con empresarios teatrales y les ha prometido incorporar a su programa una rebaja del 21% de IVA, al 5%. Eso está muy bien y hay que apoyarlo. Pero no sé en qué condiciones está IU de prometer nada en tiempos de desguace. Lo digo con dolor en el alma pues, ante el temor de que se convirtiera en un apéndice del Psoe, como así ha sido, fui uno de los fundadores del Grupo Independiente. Entre otros que he olvidado, recuerdo a gente primordial de la cultura de aquellos tiempos, como Lourdes Ortiz, Javier Alfaya, Gonzalo Puente Ojea, Jaime Sartorius… La labor de zapa en este grupo la inició López Garrido que luego fue alguien en el Psoe y ahora creo que no es nada. Aún recuerdo la felonía que, en las listas electorales de Madrid, se perpetró contra Lourdes Ortiz, más conocida por sus novelas que por su excelente teatro. En consecuencia, una noche que con Jaime Sartorius concretábamos un encuentro con Achille Ocheto, devolví los billetes de avión y me borré. Formulo un deseo casi imposible: que IU se regenere y, desde la cuota de poder que le otorgue la ciudadanía, proteja el teatro.

En el programa de mano que se reparte a la entrada, Irina Kourbeskaya escribe que “la humanidad ha estado durante siglos construyendo un wáter; ya es hora de tirar de la cadena”. Quizá por eso la Kourbeskaya sitúa el arranque de Retorno al hogar con los personajes leyendo el periódico mientras defecan. Calixto Bieito hizo algo parecido con una Ópera famosa en el Liceo de las Ramblas y el exquisito público barcelonés por poco incendia el teatro. Aquí, en Tribueñe, no pasó nada, probablemente porque muchos desconocen Retorno al hogar. Esto nos plantea los límites de las adaptaciones.

Irina Kouberkaya cumple uno de sus principios irrevocables: no tocar el texto, ser fiel a la palabra del autor. Pero en lo referente al sexo en Retorno al hogar, es menos fiel. Cierto que la carga erótica de Ruth es incontestable y más en un entorno de animalidad; pero ni folla con su marido Teddy, el filósofo, cuando llegan de viaje, en el suelo del vestíbulo, ni se folla instantes después a su cuñado Lenny, un chuloputas arrogante. Irina sustituye las sugerencias por evidencias. Otra licencia, una vez aceptada la prostitución de Ruth y el uso comunal de su cuerpo por la familia: la procesión de hombres desnudos hacia su cuarto. Es una escena muy bella, pero ajena al texto sugeridor de Pinter, bestial por sí mismo. Y turbador. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre Jaume Colomer

El lado oscuro

La pérdida de espectadores y posibles líneas de solución

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egún algunos informes en los últimos tres años hemos tenido una pérdida radical de espectadores: un 30% en las grandes ciudades y un 50% en el resto. Ningún otro sector productivo soportaría una pérdida de mercado de esta dimensión, pero nuestro sector está acostumbrado a sortear dificultades o a resistir esperando vientos más favorables. Algunas administraciones públicas han lanzado operaciones como Platea o Escena25 para inyectar espectadores a los espacios escénicos, aunque habrá que analizar críticamente los resultados.

Más allá de la capacidad de resistencia hay que analizar los factores que han llevado a la pérdida de espectadores. Nadie negará que la crisis económica ha tenido mucho que ver, pero ¿cuáles han sido los principales impactos negativos? El más obvio ha sido la pérdida de capacidad adquisitiva que ha llevado a la reducción del gasto optativo y, en nuestra sociedad, el consumo escénico es una necesidad relativa que se puede posponer o aminorar. La pérdida de demanda (que no de interés) por las prácticas escénicas ha ido acompañada por una reducción de la oferta en cantidad, calidad y diversidad. La reducción de oferta ha comportado también la pérdida de capacidad competitiva respecto a otras ofertas de ocio, especialmente de ocio digital que, en términos económicos, está ganando la partida al ocio presencial y ocupan el tiempo que antes se dedicaba al consumo escénico y otras prácticas presenciales.

Estos tres factores ya explicarían sobradamente la reducción de espectadores, pero hay un cuarto factor que considero determinante en consumo de artes escénicas: los efectos del modelo transaccional dominante en la gestión de los espacios escénicos.

Para recuperar a los espectadores perdidos y seguir desarrollando demanda seguramente hay que actuar en varios frentes de forma simultánea. Considero necesario intensificar la inversión pública para mantener la oferta, al estilo de programas como Platea y Escena25 revisando sus condiciones de aplicación. También considero necesario incrementar la capacidad competitiva de las prácticas escénicas presenciales respecto al ocio digital generando economías de escala para reducir los costes, priorizando la inversión en públicos familiares para desarrollar nueva demanda a medio plazo, incrementando el uso de las tecnologías digitales en la producción y explotación y fomentando la incorporación de especialistas en marketing y gestión de públicos, tal como Eskena está haciendo a través del programa piloto “Nodos”. Pero la acción más importante que podemos hacer es cambiar el modelo de gestión de públicos y de comunicación.

El modelo transaccional de gestión de públicos tiene como objetivo la venta de entradas a través de técnicas de márketing de impacto masivo, preferentemente a través de proveedores especializados en ticketing. En este modelo no importa el conocimiento personalizado de los espectadores ni la gestión directa de la relación con ellos, a

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diferencia del marketing relacional que quiere construir relaciones satisfactorias de largo recorrido en las que las transacciones son los nutrientes pero no el objetivo. Según algunos estudios el modelo transacción no genera en los espectadores vínculos emotivos con sus proveedores, a diferencia del marketing relacional que facilita el desarrollo de una relación a través de tres estadios: el consumo basado en la satisfacción, el consumo basado en la confianza y el consumo basado en la implicación y el compromiso. En el primer estadio (similar al del marketing transaccional) la continuidad del consumo depende de la satisfacción obtenida en cada experiencia y, por o tanto, depende de factores contextuales. En el estadio de confianza y, aún más, en el estadio de implicación y compromiso, la continuidad no depende de factores contextuales como la crisis económica. Estoy convencido que si hubiéramos aplicado un modelo relacional en la gestión de los espacios escénicos, el impacto de la crisis económica hubiera sido mucho menor. El marketing relacional ha ido evolucionando hacia un nuevo modelo centrado en el tercer estadio, llamado marketing colaborativo que se basa en el concepto de comunidad de intereses.

Todos sabemos que el concepto de comunidad cultural surgió en las políticas culturales basadas en el paradigma de la democracia cultural, y que la Animación Sociocultural tiene como finalidad el desarrollo comunitario, o sea, la progresiva capacidad de una comunidad de intereses de satisfacer de forma autónoma sus necesidades individuales y colectivas. El marketing colaborativo considera que en una comunidad de intereses todas las partes son agentes activos que interaccionan y aportan valor, un concepto similar al de comunidad cultural participativa. Estas similitudes permiten archivar, en la gestión escénica, los modelos basados en la relación unidireccional entre los promotores o proveedores escénicos y los públicos concebidos como destinatarios pasivos. También quiero reforzar, con los argumentos del marketing colaborativo, la propuesta de que los programadores dejen de ser solamente especialistas en producto escénico y sean conscientes de que, desde el surgimiento de la sociedad 2.0, deben gestionar una comunidad de espectadores, en la que una parte de ellos están dispuestos a convertirse en prosumidores y aportar valor. La nueva tarea es más compleja, exige mayores competencias profesionales y puede incomodar a algunos, pero es una oportunidad de oro para su desarrollo profesional.

Los nuevos comunity manager deben beber de varias fuentes: la comunicación, el marketing, la pedagogía, la emprendeduría, las ciencias sociales, la gestión cultural, etc. Su papel es clave en el desarrollo social de las artes escénicas. En décadas anteriores impulsamos ya la profesionalización de los creadores y de los técnicos. En la década actual debemos completar la profesionalización de los gestores escénicos para poder salir del bloqueo que ha generado la crisis.

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Noticias desde los fiordos

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Víctor Criado

Sobre distancias

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ntes de llegar a Suecia tenía mi propia imagen sobre la distancia que separa estas dos sociedades, estas dos culturas: la sueca y en la que crecí. Creada a partir de fragmentos, suposiciones, prejuicios, sueños... Imagen que se hizo añicos conforme pasaba el tiempo tras mi llegada aquí, para poco a poco ir recomponiéndose, hasta llegar a la que hoy es, que seguro volverá a romperse un poco, según siga transcurriendo el tiempo (aunque espero que no tanto).

Los teatros están, por lo que yo he visto, dotados más o menos igual, un foco más moderno aquí, una mesa de luces de última generación allí. De hecho, en los camerinos de Unga Klara no hay duchas, lo cual allí es algo poco habitual. Y muchos teatros no son tan nuevos, ni lucen tanto. Una reforma no les vendría mal a algunos de ellos.

La diferencia, la enorme distancia que las separa está en otro lugar, en el interior, alrededor del cerebro, en el lugar donde se siembran las ideas, conceptos, análisis... Además de en el hecho histórico de que la democracia aquí lleva el suficiente tiempo ejerciéndose como para haber dejado poso en las personas. Hace unas cuantas semanas, en la sección de cultura de un periódico estatal leí una noticia sobre un estreno teatral (la cabra tira al monte) y me tuve que frotar los ojos de incredulidad. Necesite releer el artículo de nuevo para constatar mi primera impresión.

Uno de los mas prestigiosos grupos de teatro del país, con una trayectoria tan extensa como meritoria, plagada de éxitos, premios y respeto (incluido el mío) se disponía a estrenar su último espectáculo. No voy a dar nombres porque lo considero innecesario y poco elegante, además realmente pienso que mi opinión poco les puede interesar. El tema escogido para su propuesta es, no cito literal pero casi, la posición de poder que los niños han llegado a ocupar hoy día en la sociedad española, convertidos en tiranos que someten, con sus infinitos caprichos y deseos, casi siempre de índole consumista, a sus progenitores. Y cuál es el desolador futuro que nos depara a la sociedad gobernada por esos monstruos. Ahí es nada. En una entrevista el director del montaje ilustraba esta idea con un ejemplo; la llegada de una manada, compuesta (claro) por niños, a la casa de campo de uno de los familiares (o amigos) del director. Entrando en estampida por toda la casa arramblando con todo, sin reparar apenas en los adultos, sin apiadarse del piano de cola que allí, impotente, sufría los embates de esos seres incontrolados, etc, etc...

El espectáculo va a ser programado en uno de los mejores, y públicos, teatros de la capital, e imagino que iniciará una gira por toda la península, con mayor o menor éxito, que de eso depende la suerte, el oficio, y algún secreto que ningún mago ha podido todavía desvelar.

No entro a juzgar la calidad artística del espectáculo, ya que en primer lugar no lo voy a poder ver, y en segundo lugar, aunque lo hiciera, mi gusto u opinión es tan válido como el de cualquier lector de este artículo. Lo que si hago, y ahí si me asiste algo de conocimiento por la experiencia acumulada en estos últimos años, es criticar, y de forma contundente, el tema y la frivolidad con la que ha sido enfocado.

Afirmar, como lo hace este director, que los niños hoy día en la sociedad española disponen de una parcela de poder desmesurada y escandalosa (la suficiente como para hacer de este tema un espectáculo teatral) resulta ser excesivamente superficial y alimentada por

tópicos de ascensor, solo justificable por el hecho de que toda nuestra generación y las anteriores (y las un poco posteriores) han sido educadas bajo el sistema educativo franquista. En el cual un niño no era más que un estorbo, un problema, un pequeño ser revoltoso al que había que ”educar” (generalmente a base de castigo, en muchas ocasiones con contacto físico incluido) para convertirlo en un ciudadano, en un ser adulto como todos nosotros somos. Si bien la nostalgia tiñe nuestra infancia de colores pastel, yo no puedo menos que reconocer que la mía fue un lugar del que quería escapar, donde no tenía ninguna capacidad de decisión y donde la indisciplina y rebeldía eran severamente castigadas. De eso dan pruebas mis mejillas, manos, orejas, cuero cabelludo... Sin embargo el director del montaje parece no haberlo vivido de este modo, y supongo que los pequeños deslices físicos antes aludidos no supusieron, en su caso, nada grave.

Es verdad que las condiciones de nuestros hijos han mejorado, y mucho. Ya no se permite el castigo físico (menos mal) y el sistema educativo comienza a comprender que los niños son seres humanos que deben ser tratados con el mismo respeto y atención que los adultos. Pero siguen siendo impotentes frente al poder de los mayores, esto es así allí, y aquí en Suecia. Estoy traduciendo en estos momentos un libro de Suzanne Osten en el que explica con mucho detalle, años de experiencia y la ayuda de diversos especialistas y estudios, este hecho; la de que los niños son impotentes ante la realidad, la de que su capacidad creativa, inmensa (y de la que deberíamos aprender) va siendo reducida sensiblemente, a medida que el sistema educativo va haciendo su trabajo. La de que el sentimiento de abandono y exclusión es algo que todos, de un modo mas o menos intenso, hemos sentido.

Aún hoy día. La de una doble moral, que nos permite ocultarles partes (dolorosas) de la realidad (en forma de actos culturales, entre otros, obras de teatro con final feliz en las que todo está bien), mientras en nuestras casas les mostramos nuestra cara mas oscura (llena de gritos, enfado, malas palabras, violencia...). Y desliza sutilmente una constatación; la de que a los adultos muchas veces nos mueve un no del todo definido sentimiento de revancha, por lo que no pudimos vivir, por la libertad arrebatada, frente a la siguiente generación, frente a nuestros hijos. No sigo ya que el catálogo es extenso y quien quiera ampliar datos podrá leer el libro, que lo cuenta de un modo mucho mas elegante y extenso que este corto artículo.

Si hablaba, al comienzo de este artículo, de la distancia que separa estas dos culturas es porque aquí, en Suecia, a nadie se le ocurriría hacer un espectáculo partiendo de esa premisa. Y menos aún con dinero público. Este país, gracias, entre otros, al trabajo de Suzanne, ha logrado asimilar algo que, a nada que nos paremos a reflexionar un poco, resulta evidente; los niños dependen completamente de los adultos, y esta relación de dependencia lleva implícita una total ausencia de poder. Por más que algunos caprichos, de índole material, sean concedidos para que los niños dejen de dar la tabarra, como imagino pensará el director. Lo que creo habría que preguntarse es porqué dan tanto la tabarra esos niños, cuál es su origen. ¿Quizás una falta de atención, recubierta en papel de regalo? ¿Una auténtica falta de interés? Esta es la verdadera distancia que separa a estas dos culturas.

El hacer esas preguntas, discutir, investigar y analizarlas antes de dar una respuesta. Una distancia que no se resuelve con cheques. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre Estantería Texto Teatral La editorial Artezblai ha publicado, ‘Cádiz en mi corazón’ del dramaturgo cubano Abel González Melo edición que se acompaña del prólogo de Eberto B. García Abreu. La obra ha sido llevada a escena por vez primera por la Compañía Albanta Teatro –estrenada en marzo de 2014 en Cádiz–, bajo la dirección de Pepe Bablé, quien afirma que “con esta obra jugamos para divertirnos entre los pliegues de una vida, en los recovecos del alma y del recuerdo. Indagamos en las turbaciones familiares, los descosidos del corazón por amores imposibles, las insatisfacciones profesionales y los traumas auto-infligidos. En clave de sonrisa y en un espacio acogedor nos enfrentamos, con los fantasmas de la ensoñación compartida, a la desdicha del desánimo y a la última oportunidad que a todo el mundo le pertenece.

Es un regalo que nos ha enseñado a ver nuestro territorio, y el de los otros, de una manera diferente (...)Las ciudades son pasajeras, quedan las almas”.

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Tomás Afán Muñoz es el autor de ‘En casa de muñecas’ obra galardonada con el XII Premio de Teatro Martín Recuerda de la Diputación de Granada. La obra parte de una noticia que leyó el autor jienense hace años, una modalidad de contrato o acuerdo de arrendamiento: sexo a cambio de alojamiento. A partir de esta idea Afán ha creado una obra teatral.

La grandeza y la bajeza del género humano todo ello salpicado de un tierno humor es lo que encontramos tras ‘¿Si comerán?’ de Victor Hugo. Publicada por ADE Teatro, esta comedia es una denuncia de los abusos del poder y forma parte del Teatro en libertad que el autor escribió durante su forzado exilio durante el gobierno de Napoleón.

La justicia corrupta es la protagonista de ‘Reparación’ obra de Carmen Resino publicada por la editorial Huerga y Fierro. La historia se ubica en un viejo y destartalado salón de baile en el que se va a celebrar un juicio aunque no está claro si es más una ceremonia o una pantomima... y es que la obra según Resino no es más que un juego un tanto ácido.

Estantería Texto Teatral La dramaturga alemana Rebekka Kticheldorf parte del mito del héroe moderno en ‘Testosterona. Una parábola negra’ obra cuya traducción al español ha publicado la editorial mexicana Paso de Gato. Kticheldorf toma como punto de partida de esta historia el cuento de los hermanos Grimm ‘Juan sin miedo’ para abordar una historia en la que compiten dos hermanos, o dicho en otras palabras, dos esbozos masculinos. Por un lado un exitoso médico que encarna la imagen del hombre moderno perseguido por el temor a los aditivos nocivos en los alimentos y a la devaluación de sus inmuebles; por otro quien fue durante mucho tiempo parte de un grupo criminal vive en el barrio malo de la ciudad y no se acobarda ante la violencia.

Además Kticheldorf retoma también la constelación de personajes y temas de los cuentos de hadas e investiga como repercute en una sociedad aparentemente segura el miedo, o la ausencia del mismo preguntándose si la ausencia del miedo es valentía o estupidez.

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Texto Teatral

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Texto Teatral

Blanca Domenech es la autora de ‘Boomerang’ una obra en la que tras una aparente normalidad festiva, propone un intenso juego de ida y vuelta, donde la sospecha y la paranoia toman las riendas de un universo emocional simulado. Una galería de personajes inquietantes que subirán a los escenarios en una producción del CDN, encargado de su publicación.

Los cuatro personajes de ‘Disertaciones sobre un charco’ del dramaturgo mexicano Edgar Chías, son socios de una editorial que se enfrentan a un grave problema por una errata cometida en una publicación de carácter religioso. La desesperación les llevará a culpar a un hacker inexistente y de ahí...

Una obra publicada por Los Textos de la Capilla .

Tras el título ‘Teatro en el Templo de Salomón’ de Ilia Galán se esconden un conjunto de obras teatrales especiales, para poder vivir o ejercer el papel del ser humano en el Gran Teatro del Mundo. Publicada por la editorial Masónica en estas páginas se recoge un teatro simbólico escrito en diversas épocas que sorprenderá a quien lo lea.

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Estantería Teoría Teatral

La editorial El Cuenco de Plata ha publicado recientemente un clásico universal, ‘El teatro y su doble’ de Antonin Artaud obra en la que se recoge el pensamiento de uno de los creadores e investigadores teatrales más importantes del siglo pasado.

Una obra indispensable sobre “teatro de la crueldad” que en palabras de su autor significa “teatro difícil”.

Teoría Teatral

Teoría Teatral

‘Diez años paginados (2003-2013)’ de la editorial mexicana Teatro Sin Paredes se compone de ensayos literarios, reseñas, prólogos y programas de mano, que abarcan la creación de Alberto Villarreal en la mencionada década. Un libro que se presenta en forma de tren de pensamiento, cierta irreverencia incendiaria y de una tremenda osadía.

En ‘La sabiduría de la improvisación’ su autora, Patricia Ryan Madson ofrece además de la sabiduría de sus cincuenta años de maestra y de las13 máximas que expone, los principios básicos de la acción creativa repentina como forma de vida y sugiere aprovechar la sustancia cotidiana para vivir cada momento plenamente con imaginación y entusiasmo.

Teoría Teatral

Teoría Teatral

Teoría Teatral El trabajo ‘La razón pertinaz’ de José Luis García Barrientos fue galardonado con el VI Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas de cuya edición un año más se ha encargado la editorial Artezblai. Este trabajo es el último publicado por el reputado investigados y profesor del que dice lo siguiente: “Vista la imposibilidad de separar la mirada del objeto, la teoría del teatro, he conseguido ordenar, más o menos, los capítulos del libro de mayor a menor predominio de lo teórico sobre lo crítico. El último se declara expresamente ejercicio de crítica y el primero es teoría a palo seco, mejor dicho, metateoría y de ámbito literario para colmo, como una deliberada “puerta estrecha”, sobre todo para los lectores de interés teatral, que son los destinatarios predilectos del volumen (...) El libro queda, en fin, dividido en tres partes: la más teórica, I, la de cariz más teórico que crítico, II y la más crítica, III”.

Estantería Teoría Teatral

En ‘La voz del lenguaje: Fonética y fonología del español’ de Antonio Hidalgo y Mercedes Quilis, de la editorial Prosopopeya, se abordan los principales problemas que afectan a estas disciplinas desde una óptica crítica, asumiendo además aportaciones bibliográficas actuales y se incluyen también otras teorías próximas en el tiempo para su análisis.

Tal y como se aclara en el subtítulo de ‘Ya te llamaremos’ de Maite Buenafuente, este es un libro en el que se ofrecen “todas las claves para presentarte a un casting y obtener con éxito tu primer trabajo”. Un libro en el que su autora afirma que el casting, lejos de ser un castigo, es la oportunidad del mundo de la interpretación. Una publicación de Conecta.

Cincuenta personalidades del teatro clásico español debaten su estado actual en ‘Diálogos en las tablas’, un libro colectivo coordinado por María Bastianes, Esther Fernández y Purificació Mascarell publicado por Reichenberger.

En esta edición se repasan las adaptaciones más recientes y se incluyen entrevistas con autores, directores, adaptadores, críticos, etc.

Teoría Teatral Con ‘Unipersonales teatrales. Herramientas para la propia creación y montaje’ de Jorge Holovatuck la editorial argentina Atuel comienza una nueva colección denominada ‘Idearios Teatrales’.

Con prólogo de Raúl Serrano, autor de libros como ‘Lo que no se dice’ de reciente publicación por la propia editorial y en la misma colección, este libro “no es solo una ayuda para la construcción de un unipersonal, sino que va más allá y propone ejercicios que pueden ser incorporados a la formación de futuros actores. Todo lo que ayude a profundizar el complejo trayecto que va desde la conciencia y el proyecto hacia el logro de una expresión más profunda y sorpresiva, tiene lugar en la pedagogía actoral cosa que no ocurre con cualquier método creativo cerrado que parte de proyecciones demasiado fijas, este último para enriquecerse deberá recurrir a trabajos que ayuden al creador mismo a encontrar sus posibilidades”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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14 noviembre diciembre I Fira Illescena 2014

Encuentro en Mallorca con las producciones escénicas recientes

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a última semana de septiembre se ha celebrado la primera edición de Fira Illescena en Palma de Mallorca, aparador de las compañías escénicas de las Baleares.

Esta primera edición, con más aciertos que novatadas, no obstante ha vivido con más entusiasmo que realidad su inicio. A falta de estrenos en su cartelera, ha ofrecido un ecléctico programa donde se echó en falta la complicidad del público haciendo presencia en la platea y quizás de los canales de comunicación.

Aprovechar tal encuentro para acercarnos a las políticas culturales baleáricas, a su historia teatral y/o al intercambio de realidades en alguna mesa redonda, hubiera sido otro buen comienzo.

Pero aplaudamos tal iniciativa, que en los tiempos que corren, cualquier abertura de caminos que signifiquen coordinar, encontrar, comunicar compañías y programadores, agentes educativos y públicos posibles, es una heroicidad económica y anímica.

Jueves estrenó feria y estrenó espectáculo Diabéticas Aceleradas con ¡Y lo que no noós cuentan, chica!, una parodia del telediario actual entre personajes y acciones varias al estilo de la compañía, el gag del cocinero –el último– me resultó largo e incluso sobrero, por lo demás entusiasmaron a sus seguidores. Destacó una platea con muchas butacas por ocupar.

Viernes empezó todo con AMC-Tres voltes rebel, en primer lugar ¿¿¿cómo es posible un pase con ocho personas en platea??? Inconcebible. No es fructífero hablar de culpas pero sí de responsabilidades.

Una obra para jóvenes de la ESO y Bachillerato, mayores y público en general, ¿dóde estuvieron la comunicación, administración, gestión de públicos, servicio educativo, etc, etc? No pude encontrar el apoyo que merecía la compañía. Desconcierta hablarvalorar un espectáculo en estas circunstancias. Un espectáculo sensible que le faltó 62

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(remor) de Res de Res/Artigues

atrevimiento con la luz y destacó al violín Clara Joan, si bien Àngels Martínez estuvo a la altura... recordemos: ocho personas en platea... snifff.

Después La Fornal d’Espectacles nos regaló El gust és nostre!, una muy buena apuesta de texto y selección de textos, los músicos apoyaron con excelencia el espectáculo, y el tono fue fantásticamente entregado, a pesar de las, aquí ocho no sino, aproximadamente veinte personas.

Joan Gomila estuvo con peso y presencia, sin censura para permanecer extravagante ante la palabra. La propuesta escenográfica acompañó al espíritu de Joan, si bien la iluminación podría haber sido más atrevida.

Quizás el espacio no era el ideal por la lejanía al resto de espacios de la feria, pero el propio espectáculo compensaba –a pesar de la hora de programación– donde Kiko Berranengoa y Cesc Montané estuvieron atentos y con fuerza. Claramente podemos hablar de algunos momentos de culminación físico-literaria y emocional.

Circ Bover nos acompañó con Circ Transhumant, que quizá en sala hubiera aportado la calidez necesaria para cubrir con otro

tipo de manto la estética de la obra. Esta vez sí hubo platea-plaza llena de niños y padres.

Después fuimos hasta Teatre Sans, (interesante y peculiar sala que me recuerda la del Círcol Maldà en Barcelona, dirigida por Pep Tosar, que encontré a faltar en la muestra de este elenco balear), y allí estaba Estudi Zero Teatre y su La cantant calba.

Un divertimento clásico que podría haber lucido otro ritmo más contemporáneo.

Ya por la noche tocó el turno a Teatrix/ Pometes Teatre con Frashka. Esta vez no ocho ni veinte personas, sino unas doce (.......). El dúo formado por el catalán Josuè Guasch –de la saga de una gran familia teatral– y Toni Fullana les faltó cancha para crecerse y compartir con ganas sus gags, que quedaron tras un pequeño telón de soledad y trabajo lleno de interrogantes. Todo ese empache de color naranja escenográfico y esfuerzos truncados creo que hubieran fluido y a mí me habrían llegado de otra manera con el feed-back de un público inexistente. Un viernes por la noche, teatro de humor, ¿dónde estaba la gente? ¿dónde estaban los compañeros de

noviembre diciembre profesión? ¿dónde estaba todo el elenco organizador de esta primera feria?

Sábado empezó la jornada de feria con Disset Teatre y su La vertadera història d’en Pere Pocapor lleno de ternura (hoy sí platea llena en este Teatre Mar i Terra), lleno de canales abiertos de comunicación entre la compañia y su pequeño y atento público.

Y corriendo hacia la presentación de Fira Litteratum con un magnífico Albert Pujol acercando su feria a programadores y demás agentes culturales (... sí, sí, “platea” del hall vacía), una presentación cálida, breve y eficaz que se intuye con ganas de hacer puentes entre el sector.

Y vino uno de los mejores regalos de la Feria, un regalo de lección de vida y de trabajo, os hablo de Vivir soñando, os hablo de Paquita Ferragut, os hablo de Tshock Cultura Emocional. Vivir soñando trata sobre el fuerzo autobiográfico de una mujer con parálisis cerebral infantil para llegar a moverse por sí misma. Una carpa acogedora, un vídeo, una pequeña pieza de diez minutos de danza y una charla-debate. Un ritmo adecuado para una temática tan intensa. Un espacio impresionante a corazón abierto que no deja a nadie indiferente.

Una propuesta cuidada en los colores y en el ambiente positivo. La interpretación está cuidada sin despertar compasión sino admiración. Jóvenes y mayores beben respeto y se trastocan en la diferentes lindes de la emoción. Una lección para empujar hacia adelante con nuestra vida, y para retomar las auto-responsabilidades, cada uno desde su lugar, para que este espectáculo lo vea el mayor número posible de personas.

La presentación de Xarxa Alcover fue justa y agradable. Y ya después hizo su aparición la Cia de Mariantònia Oliver con Malmenats (... sábado, ese pase tampoco estuvo lleno a rebosar...). Tres hombres y una mujer se enfrentan al público con su rol de bailarines asumiendo su cuerpo y sus relaciones, un ejercicio físico y filosófico. Una propuesta

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de la amargura en la prisión de la emoción.

En el Teatre del Mar, bonito descubrimiento para los que no somos de Palma, vimos el Woyzeck que nos propuso Iguana Teatre i Produccions del Mar. Otra vez platea para limosnas, acorde al ambiente degradado y oscuro que nos propuso Pere Fullana a través de la entrega actoral de Carles Molinet y Aina Cortès. En algún momento resultó confuso y estéticamente La cantant calba de Estudi Zero Teatre desordenado, la espesura de la acción envolvió al público, los siarriesgada por trabajar con no-bailarines, lencios eran tensos, Fullana no se relamió una coreografía que explora el espacio y las en las escenas dramáticas pero aún así todo posibilidades de gesto de cada uno de ellos. quedó en una oscuridad, quizás la que preInteresante. Digno, entregado y atrevido, tendía el director, que rozó la exageración. despierta un continuo interés para conocer Necesito ver esta versión fuera de un conla evolución del individuo en la sociedad. texto de feria. Sí se cató un gran esfuerzo Resultó una propuesta de estilo contemfísico por parte de los actores, y todo ese poráneo en su vertiente más clásica –cosa esfuerzo revuelve trabajo e ilusión. agradecida y cara de ver con tanto inventos Acabó la noche en el Prinicipal con La impaciència i Iguana Teatre que nos recoreográficos que se pretenden en otras galaron Z i l’habitació 113, un vodevil al escompañías–. Interesante por su apuesta de tilo escena del camarote de los Hermanos foro: ¿la danza profesional sólo la pueden inMarx en ‘Una Noche en la Ópera’. Contrasterpretar bailarines?, ...aprovechemos aquí te de profesionalidad y el apreciado teatro el foro para hablar de prejuicios, etc. amateur, pero qué importa ello si el público Y tercer regalo del gesto en Illescena: Res de Res/Artigues con (remor). Claroscuros, se divierte y desconectas por un rato de luces y sombras, recuerdos y realidades, noticias y telediarios que inundan platea y sueños y olvidos, de dos prisioneros, homescenarios de todo el mundo, ¡¿no?! bre y mujer, que comparten una misma Domingo me despedí de la Feria acudiencelda. Una puesta en escena impactante do a Goldilocks de Elàstic Nou Produccions, una sencilla propuesta que versionó no sólo por su proximidad, no-só-lo-por-suel cuento de Rizitos de oro. Mary Ramírez pro-xi-mi-dad, que hay quién abusando de supo estar atenta al pequeño público y coello cree tocar una obra cercana. (remor) es cercana porque te acoge desde su piel, gió de la mano a los más pequeños para desde su olor, y pasa por tu cuerpo que viajar hacia la casa de los tres ositos. no baila, para ver bailar, de dentro a fuera.

La feria concluyó en una sala del PrinProximidad por la gran fuerza del gesto y cipal proponiendo un vermú teatral entre de la danza-teatro físico en mayúsculas. 11 compañías y programadores, lástima que la minutos densos. Densidad quieta ante tanto ocasión se perdió para iniciar las primeras movimiento. Presencia, detalle y contrastes, conclusiones (asistimos cuatro gatos y un y una litera original de la prisión donde se ratón)... bueno, dicen que está bien dejar creó la obra. Densidad e intensidad. Interecosas pendientes. Nos vemos en la segunsante y necesario el espectáculo para hacer da edición. Felicidades por la iniciativa. un debate sobre las libertades, las emocioAnna Jarque nes, las relaciones... Los olores del rencor y

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14 noviembre diciembre 28 Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca

Huesca va configurando de manera clara su personalidad

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a sido en Huesca, como siempre.

La vigésimo octava Feria Internacional de Teatro y Danza, de Aragón, ha sido en Huesca, del 29 de septiembre al 2 de octubre y, fiel a su trayectoria y marcada personalidad, ha sido un escaparate privilegiado para producciones aragonesas y de otras procedencias, tanto españolas como internacionales.

La dotación de espacios de que dispone Huesca ha propiciado que cada espectáculo fuese presentado en el espacio más adecuado de los que dispone el Palacio de Festivales, el Teatro Olimpia, el Centro Cultural Matadero, la Sala Bendita Ruina y

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las calles de la ciudad, que recientemente, ha establecido una gran zona peatonal.

La amplia programación de la Feria, ofreció seis espectáculos en su primera jornada, procedentes de Aragón, Andalucía, Cataluña, Madrid y País Vasco y de ellos despertaron especialmente la atención del público la pieza de danza Hooked, de los vascos de la compañía Lasala y El abrigo de Yorik, teatro gestual de la compañía aragonesa Caleidoscopio que celebra su trigésimo aniversario. Con este motivo y en un acto a parte celebrado en el Palacio de Festivales recibió un homenaje entrañable por parte de la Feria y del Teatro de Aragón.

La segunda jornada se inició con la inauguración oficial en la que participaron autoridades regionales y municipales presentadas por el director de la Feria y en la que la compañía franco-aragonesa de Amanda Righetti ofreció unos minutos de circo de su espectáculo Els, y los catalanes de Love4phis unas coreografías de A dos metros bajo tierra. Tras este acto, programadores y público en general pudieron asistir a siete funciones de otros tantos espectáculos de circo, danza, música y teatro ofrecidas por compañías de las procedencias ya mencionadas y de Castilla la Mancha, Chile, Francia y Suecia.

El amplio espectro de las diferentes dis-

noviembre diciembre ciplinas mereció el aplauso de todo tipo de públicos, desde los asistentes a Lover de la compañía manchega de Andrés Beladiez y Marta Marco, mayoritariamente programadores y profesionales del teatro que disfrutamos de un interesante espectáculo de pequeño formato, a los suecos de Magmanus Compañía que, con su espectáculo de circo Attached, sencillo, pero innovador y sorprendente, llenaron y entusiasmaron el Teatro Olimpia. Por su parte la compañía chilena Viajeinmóvil ofreció su versión de Otelo de Shakespeare, en la que los dos intérpretes fueron, además, virtuosos manipuladores de trajes, máscaras y objetos para dar vida a los numerosos personajes de la obra, sorprendiendo y entusiasmando al público asistente.

En la tercera jornada se repitieron algunas funciones del día anterior, a fin de propiciar la asistencia, principalmente de los profesionales inscritos en la Feria, toda vez que se presentaban para un reducido aforo. Junto a ellos, seis nuevas propuestas, cinco de danza y una de teatro.

Variada, muy variada, la propuesta de danza. Un auténtico caleidoscopio en el que cada propuesta aportaba algo a tan apasionado mundo y sería merecedora de puntual reseña. Si acaso resaltar por su virtual ejecución y atractivas coreografías, la propuesta Gelajauziak de los vascos de Kukai Danza Konpainia. Igualmente, y dentro de los espectáculos de danza, el público disfrutó ostensiblemente con Caída libre de la compañía madrileña Sharon Fridman. En el capítulo teatral de la jornada, la compañía madrileña Nada en la Nevera ofreció Confesiones a Alá, versión de Arturo Turón de la novela de Saphia Azzeddine. Una sobrecogedora reflexión sobre la situación de la mujer en el mundo musulmán, en la que la actriz María Hervás hizo gala de su versatilidad interpretativa.

Completando la programación, en la cuarta jornada se ofrecieron siete espectáculos y una fiesta de clausura que incluía al madrileño Rafa Maza con su Solo Fabiolo y a los músicos aragoneses de Chanela-Rumba.

Es de justicia decir que el día resultó laborioso para los inscritos en la Feria y muy atractivo para el público de Huesca que, como es lógico no estaba sujeto a la disciplina del “feriante”.

A las tempranas once de la mañana se presentó la primera ocasión de sorprenderse con el espectáculo del catalán David Espinosa que, con su Much Ado About Nothing, no sólo pretendió introducir al espectador en el shakespeariano texto, sino, incluso mostrar, nada menos que, a “todo Shakespeare”. Posteriormente, en un espectáculo que responde, como anillo al dedo, al epígrafe de “teatro musical”.

Inma La Bruja vino, desde Andalucía, a ofrecer su Dando el cante, una rotunda muestra de lo que puede conseguir una gran actriz, que canta, o una gran cantante que interpreta, y una guitarra bien tocada.

Por su parte, la reconocida compañía aragonesa Teatro del Temple, estrenó Dacota, de Jordi Galcerán, llenando el Teatro Olimpia, provocando carcajada tras carcajada y siendo aplaudida entusiasmadamente. Cerrando el capítulo de teatro de la Feria la compañía Kendosan Producciones, de Madrid, presentó Constelaciones de Nick Payne, interesando e inquietando al público no sólo por el contenido de la pieza, sino también por la forma de presentarla estética e interpretativamente.

En cuanto a la fiesta de Clausura, ya mencionada, es de resaltar que el público disfrutó de forma unánime, a pesar de las altas horas de la madrugada en que tuvo lugar, con la actuación de Rafa Maza, que había sido invitado a participar ofreciendo veinte minutos de los noventa de su espectáculo Solo Fabiolo. Pero la cosa se fue casi a la hora sin sentir, bises incluidos.

Un monólogo trepidante, ingenioso, en el que el actor hizo gala de su capacidad interpretativa, de sus dotes de imitador e, incluso, de sus posibilidades como malabarista. Para muchos un auténtico descubrimiento.

Pero la Feria de Teatro y Danza de Huesca, no fue sólo eso. Hay que añadir

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que se apreció gran actividad en los stand de numerosas compañías y entidades, con varias presentaciones de actividades y espectáculos, entre las que interesó especialmente Circo La Raspa, y que las comunidades Andaluza, Balear y del País Vasco fueron portavoces de su industria teatral y ofrecieron a los asistentes la oportunidad de “hablar de teatro” con el txakoli, el vino y las viandas de por medio.

COFAE, Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado Español, se reunió en asamblea, así como la Red Aragonesa de Espacios Escénicos, en su plenario. También se realizaron las Jornadas Vidas Paralelas con la participación de varias entidades.

Y, como es tradición, terminada la Feria, un jurado compuesto por Alicia Fernández, Ayuntamiento de Ribamontán al Mar (Cantabria); Rafa Romero, Festival Internacional de Benicasim (Castellón); Ángel Asensio, Teatro de Barakaldo (Bizkaia); Jordi Roura, Festival Internacional de Teatro Infantil y Juvenil de Cerdañola (Barcelona) y Javier Cebrián, Ayuntamiento de Rivas (Madrid), concedió los siguientes premios: • Mejor espectáculo de danza Cía Sharon Fridman por Caída libre.

• Mención especial en danza Cía Lasala por Hooked.

• Espectáculo más innovador Cía Kukai por Gelajauziak.

• Mejor espectáculo de teatro Cía Kendosan por Constelaciones.

• Mención especial en teatro Cía Nada en la Nevera por Confesiones a Alá.

• Premio del Público Cía Nada en la Nevera por Confesiones a Alá.

Si a cuanto antecede, y hubo mucho más, añadimos que la eficacia de la organización fue patente y la asistencia del público de Huesca muy numerosa, se puede concluir reconociendo que la Feria de Teatro y Danza de Huesca ha sido un éxito.

Juan Ortega

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14 noviembre diciembre

Cuando puede lo emocional sobre lo analítico

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e parece tarea imposible resumir mis estancias en algunos eventos de gran importancia sin apenas espacio para contar tanto lo que representa para la memoria como para la imaginación. Especialmente porque se da la circunstancia de que hay una implicación personal más allá de toda relación contractual o analítica.

Así debo señalar que hemos estado, un año más, visionando en Zaragoza las piezas presentadas en el Off de calle, y por un lado hay que señalar que aumenta el nivel, pero que ese aumento nos muestra una realidad: existe una crisis que hace que cualquier oportunidad es buena para mostrar los trabajos. Ganaron unas mujeres, gemelas, que nos ofrecieron un trabajo de circo con una buena dramaturgia: Capicúa con su Entredos.

Directamente de Zaragoza a Almagro, a su Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo que organiza heroicamente el CELCIT. La Veleta se ha convertido para muchos, en un lugar de peregrinación, uno de esos santuarios pensados para la práctica teatral en donde cualquier trabajo adquiere otra dimensión. Vimos cosas ya vistas, los dos montajes presentados por los peruanos de Cuatrotablas, a los que homenajeaban por su cuarenta y tres años de existencia.

No vino, por un incidente de salud, Mario Alejandro Delgado, su fundador, con el que tanto hemos soñado, cantado, pergeñado.

Sus cuatro actores mostraron su alto nivel artístico, su categoría y compromiso.

Convivimos con los chilenos de Tryo Banda, que han estado mostrando sus magníficos trabajos por diferentes puntos de la geografía ibérica y también en Londres. Y más chilenos, los de Viajeinmóvil, que nos deleitaron con su espléndida versión del Othelo, que es un rosario de aciertos escénicos, que se ha quedado en la parte más emotiva de la pieza, pero no engañan, empiezan dejando claro que se trata de un culebrón televisivo. Lo hacen tan bien, tan excelente es su trabajo, que uno no se cansa en celebrar y recomendar manos de aplaudir.

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Entredos de Capicúa

Nos dejamos siempre a alguien, no se tome como un agravio, simplemente estamos de urgencia, escribiendo esta crónica en los asientos de un avión, de un tren. Fuimos a Cádiz, a su FIT, en una versión que ha vivido un ambiente muy especial, amigable, creativo. Han ayudado los espectáculos, muy bien seleccionados, las sesiones de estudio, debate, presentación de libros. Siempre nos sentimos mejor en un festival convivencial con un espacio de encuentro tan apropiado, tan definido y bien utilizado, pero esta vez, algo ha sucedido, que en la memoria quedan sensaciones, emociones y no queremos ni dejar una mácula en este panorama. Los espectáculos que presenciamos nos satisfacieron de madera modular. Unos poco, otros mucho, pero tenemos argumentaciones para entender las circunstancias de cada país, de cada propuesta, las que cuajaron sin duda y las que despertaron un debate. Para eso sirve un festival. Y algunas obras y cuerpos se repiten. No se trata de otra cosa que de dejar constancia de que los festivales no son solamente espectáculos, audiencias, porcentajes, sino que cuando se hacen con un objetivo superior, superan esas cuestiones para convertirse en lugar de encuentro, de confrontación de ideas, de advocación de la memoria

histórica y de sus ejemplos más significativos y el diseño de propuestas de futuro. Y eso, puede ser muy fructífero a la larga.

Un festival entre debates, sesiones críticas, presentación de libros, una extensión de una librería especializada para que los compañeros iberoamericanos y algunos nativos despistados vean que existe un mundo a descubrir en la lectura. Las mujeres iberoamericanas dejando constancia de su auge, de su entidad propia, de su apuesta de futuro.

Y la calle, y la danza, y los textos adaptados, con especial incidencia en Shakespeare, y los originales que escapan de lo establecido. Vivir un FIT de Cádiz es descubrir el teatro americano, la fuerza de sus pensadores, las novedades y su emparejamiento, muchas veces fecundo con los ibéricos más pata negra.

Escribimos estas líneas saliendo de Ciutadella de Menorca del acto de proclamación del ganador del Premi Born de 2014, dotado con 14.000 euros y la publicación de la obra ganadora en los cuatro idiomas del Estado español, catalán, español, euskera y gallego. La obra ganadora, ‘Un peu gegant els axafa a tots’ del jovencísimo Xavier Morató, llega en un momento a señalar: otro premio Born, El principio de Arquímedes, que se estrenó en catalán hace dos temporadas, que actualmente está en La Abadía con la misma compañía, pero en su versión en español, que tuvo sus montajes en México, Argentina y Uruguay, se hará en euskera en este mes y se prepara en gallego un montaje dirigido por Xulio Lago. ¿No les parece una maravilla? Es una iniciativa del Cercle Artístic de Ciutadella, una entidad privada. Más que un milagro. Hemos estado en un ambiente creativo, de debate, de intercambio de experiencias, de desacuerdos aleccionadores.

Acabo semana con la visión de Mendoza una versión del ‘Macbeth’ de Antonio Zuñiga con dirección de Juan Carrillo con Los Colochos. Simplemente magnífica. Por cierto ganó Almagro-Off, estuvo en Cádiz y lo vi en la Kubik Fabrik de Madrid.

Carlos Gil