Artez203 by montaje

abril 15 marzo Carlos Gil Zamora

Bota la pelota mientras vota el pelota y en algunas esquinas la ilusión rebrota

i que decir tiene que acompañamos y nos acompañan acontecimientos teatrales que relucen más con la grasa que aporta la necesidad de no dejar agujeros por los que se cuelen votos indecisos. Aunque sea de manera leve, en dirección opuesta a lo previsto en ocasiones, la Cultura también entra en almoneda en tiempos electorales. Cuando menos nadie se atreve a manifestarse en contra, aunque tampoco se atrevan a reponer en las estanterías de las urgencias históricas los planes que ayuden a equipararnos en la materia con sociedades mucho más avanzadas culturalmente. La convergencia con Europa, en general, está menos cerca hoy que hace treinta años. Pero lo que hoy tenemos no es despreciable, aunque sí muy inseguro. Por lo que me declaro conservacionista. Está todo en manos de la voluntad de los equipos de gobierno, no hay reglamentación ni ley que obligue a ningún ayuntamiento, diputación, gobierno autonómico o estatal a hacer nada de lo hace respecto a las Artes Escénicas. Y eso no es saludable, eso provoca inestabilidad, propicia el escaqueo, lleva a que en unas épocas se construyan edificios y al día siguiente no se sepa qué hacer con ellos y en ellos, porque nadie, en ningún lugar se le ha ocurrido marcar un reglamento mínimo de usos y funciones de los teatros y salas de titularidad pública dedicados a la cultura de exhibición en vivo y en directo. Es un mal enquistado, que sería de agradecer se verbalizara y que alguna formación política de las concurrentes en los próximos comicios nos indicara si tiene alguna idea al respecto. Decía que acompañamos un paso a la primavera con muchas propuestas, llevamos como es habitual últimamente, un suplemento a modo de catálogo de lo que va a suceder en Donostia en su dFERIA, una cita que lleva unos años asentando una propuesta clara, unos

años que coinciden, curiosamente, con un equipo de gobierno en el ayuntamiento del que depende su organización, en manos de una opción política que no es la de siempre. Se apunta este detalle por si sirve de orientación para la responsabilidad que se nos viene a cada uno de nosotros al introducir una papeleta u otra en las urnas. En momentos de máxima vagancia intelectual uno piensa que cuestiones como la Cultura deberían estar fuera de la pelea política. Y si bien, sí sería oportuno sentar las bases mínimas, el marco obligatorio donde establecer los anclajes de edificios, presupuestos, producción, formación y exhibición de cercanía, parece más que recomendable que cada opción política quiera marcar algunas diferencias en sus acciones de gobierno en temas culturales. Hoy, por mucho que nos queramos engañar, es muy difícil discernir sobre el partido gobernante viendo las programaciones de los teatros públicos. Hay una sospechosa uniformidad, por eso cuando uno nota realidades tan exuberantes, tan bien pergeñadas como lo que sucede en el Teatro Circo de Murcia, le lleva a pensar que sí, que los políticos condicionan, y deben tomar decisiones, pero que son los gestores los que deben marcar el terreno, proponer los planes, los objetivos y, desde luego, que les dejen cumplirlos. En este caso murciano me parece que se deben fijar todos. Su programación es buena, exigente, rigurosa y está incardinada con la producción local de manera explícita y colaborativa. Y tiene publicos. No quiero compararla con el otro teatro público de la ciudad para no amargar a nadie. Puestos a señalar, yo voy a colocar mi obsesión actual en dos asuntos primordiales que pueden confluir: la necesidad de una ley de uso de los teatros públicos que deben convertirse en lugares de agitación cultural, de servicio a la ciudadanía en todo lo referente a las artes escénicas y visuales y comprometerse con la formación,

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Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

4 - 5 6 7 72 74 - 75 76 77 78 79 80 81 82

Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Postales argentinas – Jorge Dubatti Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El método griego – María Chatziemmanoui Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán Vivir para contarlo – Virginia Imaz El lado oscuro – Jaume Colomer Las lejanías – Carlos Be Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado

Estrenos 10 - 11 Antígona/ Medea/ Edipo Rey/ Entusiasmo por Teatro de la Ciudad 12 Bancarrota por Acrónioa Producciones 13 La Gaviota de Antón Chéjov por Teatro Arriaga 14 ¡Fiesta! por Morfeo Teatro 16 -18 Resto de estrenos

Festivales 20 - 21 Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería 22 - 23 XXVIII FitCarrer de Vila-real 24 - 25 ALT.15 - Fest. alternativo das Artes Escénicas de Vigo 26 XXV Festival Int. de Narración Oral Cuenta con Agüimes 27 XIX Teatralia 28 XXXVIII Jornadas Int. de Teatro de Eibar 29 - 30 Miscelánea de Festivales

Suplemento 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

31 - 62 dFeria 2015

índice

la producción y la exhibición no como una suerte de ofertas oportunistas sino con fórmulas bien ensayadas como son las compañías estables y ello nos llevaría a intentar pensar en cambiar el paradigma productivo actual, porque parece un atraso muy grande seguir con un modelo económico en donde las producciones se deben amortizar de bolo en bolo, haciendo muchos kilómetros para cada uno, lo que distorsiona el coste de cada representación encareciéndola porque cuestan más el transporte, las dietas, que el salario de los actuantes. Lo lógico sería, en términos económicos y de buen aprovechamiento de las inversiones, temporadas estables en cada teatro, compañías residentes y de repertorio y giras muy controladas y mejor organizadas. Eso cambiaría todo el modelo productivo, la distribución de ayudas y subvenciones y de verdad se podrían establecer programas de creación de públicos de manera más eficaz. Sí, es posible. El problema grave está en la ordenación territorial, en el famoso Estado de las Autonomías, en que estamos hablando de diecisiete consejerías de cultura, con sus equipos y sus normas y sus objetivos particulares. Pero quizás se entre en un periodo constituyente que tenga en cuenta también estos asuntos culturales básicos. Y para que nadie lo olvide, hay tres naciones sin estado pero con lengua propia, Galicia, Euskal herria y Catalunya, que deben diferenciarse, pero dentro de un marco de funcionamiento de similares características. Ya me he metido en la prosodia discursiva, en los deseos, pero uno ve como están organizados otros países y siente envidia. Y sorprende que habiendo visto otros funcionamientos nadie los ponga sobre la mesa para que los asuman los políticos, o algún partido. Nada de lo dicho anteriormente se logra en una legislatura, eso sería fruto de un Gran Pacto de Estado por la Cultura, pero tan necesario, benéfico e ilusionante como cualquier otro más tasado. El ser algo a medio y largo plazo es su gran dificultad, ya que no parece que los políticos tengan más aspiraciones que el hoy. Una mirada auténticamente generosa hacia las generaciones venideras sería muy importante para dejar apuntadas las claves del futuro. La vida teatral sigue, a trompicones, con cambios en lugares como Almería y sus Jornadas de teatro del Siglo de Oro, que plantean una edición de transición, pero que se apunta con voluntad de establecer otra proyección y un mayor asentamiento institucional. Siguen llegando estrenos, es decir siguen apareciendo brotes de ilusión, pero en paralelo crecen las desigualdades, las situaciones de empobrecimiento y de desclasamiento profesional y laboral. Que los políticos y sus asesores, nos expliquen qué quieren hacer con la Cultura y las Artes Escénicas. Lo del IVA es fácil, bajarlo al mínimo o al cero, sin dilación, pero ¿y qué más? Difusión, regeneración social de los valores culturales democráticos, revisión seria, profunda, sin demagogias ni apriorismos de las instituciones dedicadas al ramo actualmente. Por ejemplo. Y consenso. Sí mucho consenso para posicionar la cultura como un valor de uso importante y necesario por sus repercusiones sociales y hasta económicas.

Opinión

En gira 64 - 70 Programaciones varias

Zona abierta 84 - 85 86 - 90

Escaparate Crónicas de: - Temporada Nueva York - Festival Internacional Santiago a Mil - MADferia

15 marzo abril Rondas escénicas

María-José Ragué-Arias

El TNC y Xavier Albertí

duardo de Filippo (19001984) escribió en 1964 El arte de la comedia, obra en la que manifiesta su concepción del teatro, su verdad y su falsedad, y, muy especialmente, las relaciones del teatro, de sus miembros, con los estamentos políticos de cada ciudad en la que representan sus espectáculos. La anécdota que preside la obra es la visita de la compañía teatral Oreste Campese que ha sufrido un accidente y que se ve obligada a pedir ayuda a las autoridades del lugar (…)Y resulta darse la coincidencia de que el mismo día, ha tenido lugar un accidente de tren… L’art de la comèdia es una lección de De Filippo sobre lo que es en realidad el arte teatral. La obra es sencilla y no coinciden en el escenario, casi en ningún momento, más de tres personajes. Pero es una lección, didáctica y amena. (…) Todo es un engranaje fluido que provoca comicidad inteligente. El director de la compañía teatral visitará a la autoridad local para pedir ayuda. Y aquí asistiremos a una ingeniosa, lúcida e inteligente exposición sobre el arte del teatro entre el director de la compañía y la autoridad local. Tan convincente está el director de la compañía que deja atemorizado al prefecto, creyendo que cualquiera de los actores se puede hacer pasar por otra persona, le puede engañar. (…) El director, ha esgrimido tales argumentos que pueden ser capaces de engañar a cualquier político. Y ahí van las cinco escenas centrales. El director de la compañía se ha llevado por error la lista de visitas que el prefecto esperaba y a cada visita que recibe el prefecto se provoca la duda de si es la persona que debería recibir o es un actor que improvisa al personaje...” Este párrafo encabezaba mi crítica del “Art de la Comèdia” (El Mundo, 19.2.2015) que podemos ver en la Sala Gran del TNC. Y el siguiente es el párrafo final del comentario. “¿Realidad o teatro? Éste es el tema y aquí está el lucimiento de la comedia. L’art de la comèdia es un espectáculo inteligente y divertidísimo que nos habla de teatro en un tono jocoso que amaga una importante profundidad ¿Qué es más sincero, qué es mejor, la simulación de los actores o la verdad de quienes debían visitar a la autoridad local? ¿Y qué más da? La traducción es de Xavier Albertí, (…) quien parece estar en sintonía con (…) esta redefinición del teatro como verdad y como ficción. Además de mostrarnos las duplicidades de los personajes, De Filippo quiere mostrarnos también las tripas físicas del teatro su encubrimiento de la realidad. Y ahí tenemos un inicio y un final de la representación en las que vemos cómo surgen, cómo se abren, cómo se esconden, cómo se colocan, cómo desaparece toda la ingeniería teatral de un espacio escénico rico como el del TNC…” Estoy hablando de un espectáculo importante dirigido y protagonizado por Lluís Homar que me llevó a pensar en Xavier Albertí director del TNC y responsable de la traducción de este espectáculo. Y reflexioné en su concepción de lo que debe ser un Teatro Nacional. Albertí ha seguido una trayectoria coherente en relación a los propósitos que anunció al asumir la dirección del TNC, tras la también rica pero muy diferente etapa de Sergi Belbel. Aunque la coherencia no le ha evitado algún espectáculo fallido y lo que es peor, la falta de publicidad mediática ha provocado ausencias en actividades paralelas sobre todo, de un público interesado pero desinformado. Porque Albertí programa las temporadas con coherencia, queriendo cubrir

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una serie de aspectos y/o épocas importantes. La temporada 13-14 tenía el lema de la “Frontera”, con un monográfico teatral y teórico sobre el tema, el intento, con éxito, de recuperar el teatro de Pitarra, un homenaje a la Barcelona de Carmen Amaya, una promoción de un nuevo autor, Josep Maria Miró y algunas conferencias en torno a los espectáculos programados y espectáculos de peso en la Sala Gran como “La rosa tatuada” de Tenessee Williams y “Doña Rosita la Soltera” de Lorca o “Ocells i Llops” de Sagarra en la Sala Petita… Pero lo más asombroso, insisto, en esta etapa, son las actividades paralelas a todos los espectáculos, las lecturas, las conferencias, las exposiciones, las visitas… ¿Cuál es el lema de la actual temporada? Aunque agrupa sólo una parte de las actividades, es importante la muestra sobre “L’Origen de l’Oblit” La reflexión nos lleva al teatro catalán en el origen del franquismo, lecturas dramatizadas, exposición, conferencias… ¿Por qué el estreno de “L’Art de la Comèdia” me lleva a considerar el espectáculo como imagen de coherencia en la idea de teatro de Xavier Albertí? Xavier Albertí lleva el teatro en la sangre y nos lo demostró en sus inicios, cuando yo le veía actuar en Tàrrega– maravillosas, creativas e imaginativas performances sobre temas musicales, operísticos… Xavier Albertí es teatro en todas sus facetas. En el TNC, nos ha mostrado su faceta de actor en los dos espectáculos inaugurales, el primero sobre las variedades –parte y fuente del teatro que no hay que olvidar– “Taxi al TNC” y el de esta temporada “Per començar, sarsuela!” para reivindicar un género popular y arraigado entre nosotros y que Albertí ha estudiado y conoce a fondo. Porque la verdadera singularidad es la de ser músico y tener una formación no sólo teatral sino sobre todo musical, y ser un investigador en la música popular catalana de las últimas décadas. Su alter ego como director de orquesta, como Wanda Pitrowska, da muestras de su versatilidad teatral capaz de unir géneros de la frivolidad con el rigor de la música bien interpretada. Forma parte de su propósito de reivindicar un teatro musical con raíces propias que mostró en espectáculos como Crónica sentimental de España, De Manolo a Escobar, El dúo de la africana, La corte del Faraón, Pinsans i Caderneres… Y no me atrevo a remontarme a “Un Otel-lo per a Carmelo Bene” que presentó en Tàrrega y luego en Sitges, a principios de los años 90… No quiero “bajar el listón”, pero eran excelentes e inteligentes espectáculos de pequeño formato. Hoy, los proyectos o el gran proyecto de Albertí para el TNC, necesita seguramente subvenciones, pero sobre todo necesita publicidad para aprovechar todas las ideas que bullen y se materializan Y volviendo a lo que significa la poética de la concepción teatral para un ente de dimensiones físicas y globalizadoras como el TNC, diría yo que quizá con mi deformada visión que busca la profundidad en el espectáculo, cuando el gran escenario del TNC, al final de “L’Art de la Comèdia” nos muestra sus “tripas” estamos viendo algo totalizador y globalizador, algo que nos concierne y nos impresiona y que nos da una imagen de coherencia con una realidad profunda que podría ser un teatro nacional. Quizá por estas imágenes, me parece más significativa todavía esa prodigiosa síntesis teatral de “L’Art de la Comèdia”.

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Desde la caverna

David Ladra

Una conjunción teatral

on la fugacidad característica de todos los fenómenos siderales, hemos podido presenciar en enero, del 9 al 11, una conjunción teatral de ésas que rara vez se ven entre cuerpos celestes de tan gran magnitud. Por un lado, el Don Juan Tenorio de Zorrilla en el Teatro Pavón, sede provisional de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Y por otro, el Fausto de Johann Wolfgang Von Goethe en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional. La comparación, vista así, parece desigual: ¿cómo asimilar a don José, un poeta de vida disipada nacido en la salvaje España, con un genio de la Ilustración que alumbró con su luz a media Europa y tuvo tiempo incluso, tras el Sturm und Drang, de internarse en el mundo real? Pero no nos precipitemos y retrocedamos dos siglos atrás. Según el catedrático Rodríguez López-Vázquez, es con la representación en Córdoba de la comedia de Andrés de Claramonte Tan largo me lo fiáis cuando da comienzo, en agosto de 1617, la saga del Tenorio en Europa. Interpretada primero por la compañía de Jerónimo Sánchez, la montarán después otros grupos con todas las modificaciones y variantes que ello trae consigo. Pronto se la conocerá como El convidado de piedra, dado el asombro que produce la figura de la estatua parlante del Comendador en las funciones dadas en Nápoles por las compañías de Pedro Osorio (1625) y Hernández Galindo (1626). Luego, su primer editor, el sevillano Manuel de Sande, barre para su casa y le añade El Burlador de Sevilla al título anterior para terminar conociéndose la obra con ambos nombres, El Burlador de Sevilla y convidado de piedra, cuando la represente la compañía de Roque de Figueroa en la corte. El que Tirso de Molina, su atribuido autor, llevara para 1617 más de un año afincado en la isla de Santo Domingo por su orden y el que nunca incluyese la comedia en ninguna de sus cinco recopilaciones, abunda en la atribución a Claramonte. Procedente de dos fuentes temáticas, la escandalosa conducta de los libertinos cortesanos y su merecido castigo por la ira de Dios, la primera parte del Burlador se inspira en la licenciosa vida que por entonces se llevaba en Sevilla, recién conquistada a los árabes (la obra se desarrolla bajo el reinado de Alfonso XI, en el primer tercio del siglo XIV), mientras que la segunda, mucho más severa y rigurosa, nace de coplas y consejas de encuentros con los muertos procedentes del noroeste español. De modo que se enfrentan crudamente en la obra dos de los rasgos más propios de la raza: por un lado, su carácter depravado y lascivo, exento de moral cuando es posible; y por otro, cuando no hay más remedio, su total sometimiento al dogma de la Iglesia, que era por entonces en Castilla la Contrarreforma más brutal. Es ese contraste lujurioso entre disciplina y disfrute el que hará que el Burlador se propague en Europa con títulos como el Dom Juan ou le Festin de Pierre de Molière (1665), The Libertine de Thomas Chadwell (1676), No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague de Antonio de Zamora (1713), Don Giovanni Tenorio ossia Il dissoluto de Carlo Goldoni (1736), Don Giovanni, libreto de Lorenzo da Ponte para la ópera de Mozart (1787) o Don Juan und Faust del autor alemán Christian Dietrich Grabbe (1829) en donde queda claro que Fausto es

el arquetipo del hombre del norte europeo y don Juan del meridional. Volviendo a nuestro punto de referencia en 1600, el dramaturgo isabelino Christopher Marlowe escribe en 1592 The Tragical History of the Life and Death of Doctor Faustus, para lo que se inspira en un primer Faustbuch de autor anónimo editado por Johan Spies en Frankfurt en 1587. Asesinado el autor, los Admiral´s Men de Londres representan la obra desde 1594 hasta 1597. Tras una primera edición en 1604, aparece una versión ampliada del texto en 1616 que se imprimirá al menos cinco veces hasta 1663, que coincidirá con varias ediciones castellanas del Burlador: la de Manuel de Sande (1627-29), la recopilación hecha por Gerónimo Margarit en Barcelona en 1630 o la edición de Tan largo me lo fiáis de Simón Faxardo de 1634-35. Como don Juan, Fausto reta a Dios, pero su rebeldía no sólo se limita a disfrutar de placeres humanos, como lo hace el Burlador, sino que desea alcanzar un conocimiento total de todos los arcanos que asocian nuestro mundo mortal al más allá y gozar de este modo del consiguiente poder universal. Un ansia que proviene de sus estudios de astrología, medicina y demás “artes mágicas” que, practicadas por brujos del Medievo, quieren fundarse ahora, en el Renacimiento, en la lógica y en lo racional. Al fin y al cabo un intelectual en vez de un vividor, Fausto está sometido al mismo tipo de barreras que nuestro Burlador. Ateo como Marlowe, tiene que plegarse a la Reforma que es en ese momento, en Inglaterra, sinónimo de predestinación. Dado que firmó un pacto con Satán y ya no es dueño de sus actos, no se podrá retractar. De igual modo y aun permaneciendo católico, será la Justicia divina la que, de acuerdo con el dogma, acabe con don Juan. Luego, los dos sucumbirán. Y así será sin excepción con todos quienes les sucedan como protagonistas hasta bien entrado el XIX. El Fausto del pensante cristiano, aparecido en 1725 y Faustbuch más famoso del XVIII en Alemania, puso a Goethe (1749-1832) sobre la pista del personaje del doctor, que pronto se convirtió en su obsesión. Cuatro hitos, que le llevaron toda la vida, marcaron su creación: un manuscrito de 1773, el Urfaust; Un fragmento de Fausto, su primera publicación, de 1790; Fausto, una tragedia de Goethe (el Fausto I) publicada en 1808 y estrenada con gran éxito en Brunswick en 1829 aún en vida del autor; y el definitivo Fausto II, publicado en 1832, año de su muerte, y jamás representado en el XIX en toda su extensión. Ya en el Fausto I intervienen el crimen y el amor, como en Don Juan. Y el Fausto II se cierra –¡oh, maravilla!– con su ascenso a los cielos gracias a la intercesión de Margarita ante el trono de Dios. Igual que va a ocurrir, esta vez de la mano de Inés, con el Don Juan Tenorio de Zorrilla, popular heredero del Burlador estrenado en Madrid en 1844 no sin que el público y la crítica censuraran su “fácil” salvación. En un cielo plagado de astros de purpurina y estrellas de cartón, la insurrección romántica causa la conjunción de ambas galaxias, el Fausto y el Don Juan, convirtiendo en clemencia el fuego eterno. De aquella deflagración sideral nos quedan, hoy que todo ha pasado y no esperamos más, dos asteroides postmodernos que entrechocan muy de tarde en tarde, brillan por un momento, y caen al mar.*

*Pueden encontrarse las críticas del Fausto y del Don Juan Tenorio en la sección de Opinión de www-artezblai.com w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 marzo abril Teatro de la Ciudad Estrena ‘Antígona’, ‘Medea’ y ‘Edipo Rey’

Un proyecto que apuesta por la investigación teatral Tres espectáculos, una experiencia teatral y ocho talleres componen la primera temporada de Teatro de la Ciudad

l madrileño Teatro de la Abadía acogerá los estrenos de los tres espectáculos y la experiencia teatral que conforman esta primera temporada de Teatro de la Ciudad: Medea, bajo la dirección de Andrés Lima; Edipo Rey, con la dirección de Alfredo Sanzol; Antígona, con dirección de Miguel del Arco; y Entusiasmo, que cuenta con la dirección conjunta de los tres anteriores. Estas cuatro producciones, precedidas por una serie de talleres, se presentarán en alternancia en las dos salas de La Abadía durante los meses de abril, mayo y junio. Teatro de la Ciudad (TdlC) es un proyecto promovido por Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol, junto con sus tres productores habituales, Aitor Tejada, Joseba Gil y Gonzalo Salazar-Simpson. Está concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, producción y exhibición del teatro contemporáneo. El proyecto, además de mostrar sus propias producciones, abre sus puertas a otros creadores contemporáneos y a los nuevos valores de la escena teatral. El TdlC se plantea volver a las raíces del teatro occidental, la tragedia greco-latina, y desarrollar en paralelo un montaje de creación colectiva cuyo contenido irá variando. El planteamiento artístico centra su búsqueda en la mirada contemporánea del lenguaje de la tragedia griega, la investigación sobre los mecanismos del coro o las razones para el dolor y la furia de los mitos. El TdlC parte de una premisa: el deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos. La puesta en marcha del proyecto comenzó el año pasado con ocho talleres 10

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centrados en la investigación de la esencia y las maneras de la tragedia, la dramaturgia y la puesta en escena. Así, los directores han ido trabajando sobre algunos de los elementos fundamentales de la tradición teatral greco-latina con actores profesionales, investigadores, dramaturgos, escenógrafos, oyentes… Además, todo ese proceso de investigación y encuentro ha ido culminando en la producción y en la exhibición de diferentes montajes escénicos contemporáneos. El 21 de abril tendrá lugar el primero de los estrenos: Antígona. Esta versión libre de la obra de Sófocles, adaptada y dirigida por Miguel del Arco, se podrá ver en la Sala San Juan de la Cruz del Teatro de la Abadía hasta el 21 de junio. Con coreografía de Antonio Ruiz, el reparto lo conforman los siguientes actores: Carmen Machi, Manuela Paso, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez, Silvia Álvarez y Santi Marín. En palabras de Miguel del Arco, “ni Antígona ni Creonte

pueden ceder sin falsear su ser esencial. Ambos tienen razón... Ambos creen tenerla. Los dos obcecados en sus respectivos discursos. Sordos en los extremos... Los demás, sobrecogidos, al comprobar ‘cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fatales para su identidad y su progreso’”. Medea será el segundo de los montajes estrenados en la Sala San Juan de la Cruz, y estará en cartel del 23 de abril al 21 de junio. La obra cuenta con la dirección y adaptación de Andrés Lima, a partir de textos de la obra clásica de Séneca. El reparto cuenta con el propio Andrés Lima, además de Aitana Sánchez-Gijón, que interpretará a Medea, y las actrices Laura Galán y Joana Gomila. Para su director, Medea es atrevimiento, “Medea mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores, o mejor dicho a nuestros dolores, o mejor dicho: si

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el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y sin embargo no puedo dejar de mirar. Medea, tan contraria a la idea de virtud de Séneca y sin embargo tan atractiva para el autor”. El 24 de abril será el turno del estreno de Edipo Rey, que llegará al mismo escenario para ser representada también hasta el 21 de junio. El texto de Sófocles, con versión y dirección de Alfredo Sanzol, será defendido por Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón. Según Sanzol, “Edipo descubrirá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al descubrir la verdad decidió no volver a ver la luz”. Entusiasmo será el cuarto y último de los estrenos de Teatro de la Ciudad, una experiencia teatral que unirá a los tres directores mencionados anteriormente. El montaje se escenificará en la Sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía, del 30 de abril al 21 de junio. Entusiasmo propondrá un punto de encuentro donde reinará el factor sorpresa. Así, el espectador no sabrá de antemano cuándo o dónde se producirá el hecho teatral. El reparto de la obra está aún por confirmar. Talleres

La puesta en marcha de Teatro de la Ciudad comenzó el pasado mes de junio con la realización de un taller dedicado a Medea/ Edipo/Antígona, concebido y realizado de forma conjunta por los tres directores bajo el lema ‘Mito y Razón’ dentro del convenio de colaboración con el Teatro de la Abadía. El planteamiento del taller centró su búsqueda en la mirada contemporánea del lenguaje de la tragedia griega, la investigación sobre los mecanismos del coro o las razones para el dolor y la furia de los mitos. Los creadores invitaron a participar a una serie de artistas e intelectuales que aportaron su conocimiento en diferentes disciplinas relacionadas con el teatro griego, como el actor y director Mario Gas, la actriz Nuria Espert, el filólogo Andrés Pociña, el crítico Carlos

García Güal o el autor y traductor Alberto Conejero. Tras las charlas con los invitados se abordó el trabajo práctico y de investigación escénica, donde los directores invitaron a participar a nueve actores y nueve actrices con el objetivo de plantear una primera investigación sobre el trabajo del coro griego. Algunos de los intérpretes participantes en esta fase inicial fueron Carmen Machi, Bárbara Lennie, Nuria García, Israel Elejalde, Cristóbal Suárez, Aitana Sánchez Gijón, Irene Escolar y Rulo Pardo. Cada director eligió un pequeño fragmento de cada una de las tres funciones: coro y personaje. Miguel del Arco se centró en Antígona y Creonte, mientras que Andrés Lima abordó el mito de Medea, fijando su atención Alfredo Sanzol en Edipo Rey. En octubre se realizó un taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos, con la participación de el filólogo Bernardo Souvirón, la profesora de la Resad Ana Isabel Fernández y varios autores contemporáneos como Juan Mayorga, José Padilla, Juan Cavestany o José Sanchís Sinisterra. En su primera intervención, Mayorga expresó que ver a los tres directores juntos, trabajando simultáneamente en un proyecto conjunto, le producía un gran entusiasmo, sentimiento directamente proporcional a la insatisfacción que confesaba haber padecido con muchas traducciones de esas obras clásicas. Por otra parte, dos han sido los talleres dedicados a Medea, uno de ellos en torno a la investigación sobre la voz del personaje desde la perspectiva musical, que contó con la participación de las actrices Aitana Sánchez Gijón y Laura Galán Montijano, la cantante Joana Gomila, el músico Jaume Manresa, o el responsable de Coro de Jóvenes de Madrid, Juan Pablo De Juan Martín, entre otros. Uno de los talleres dirigido a Edipo contó con la presencia de Greg Hicks, actor de la Royal Shakespeare Company, que quiso compartir con los asistentes su experiencia en el trabajo actoral de los clásicos griegos. En el primer taller dedicado a Antígona participaron los colaboradores Arnau Vilà, en el apartado sonoro y musical, y el coreógrafo y bailarín Antonio Ruz. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 marzo abril Acrónica Producciones estrena ‘Bancarrota’

La pugna entre el dinero y la humanidad

a obra Bancarrota de Acrónica Producciones se estrena el 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, en el Teatro Gayarre de Pamplona. El montaje ha sido galardonado con el Primer Premio Gayarre al proyecto escénico, organizado por el Teatro Gayarre y el Gobierno de Navarra. El objetivo de este premio es impulsar el proceso de creación, producción, promoción y distribución de un proyecto escénico profesional de Navarra, así como favorecer su proyección en el mercado de las artes escénicas. Bancarrota, con texto original de Carlo Goldoni, es un texto inédito en España, que será representado por primera vez en castellano. Con dramaturgia de Álvaro Lizarrondo, la obra está dirigida por Fabio Mangolini, quien desde diciembre de 2011 hasta 2013 fue Presidente y Director Artístico de la Escuela de la Ópera Italiana. Bancarrota, texto escrito hace más de 200 años, sorprende por su actualidad. “Un empresario acusado de quebrar de forma fraudulenta que, abusando de la confianza del público, se deshonra a sí mismo, arruina a su familia, roba, traiciona a los amigos y hace tuerto al comercio en general”, expresó Goldoni sobre el texto. Así, este hombre de negocios pondrá en juego toda la economía de la que dispone para lograr su objetivo. Derroche, lujo y gastos sin control (mariscadas, viajes a las Rocosas a esquiar y tarjetas opacas sin límite de gasto). “¿Va a resultar que el genio de los negocios es tan

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ingenuo como para dejarse embaucar? Va a resultar que al final todos estamos regidos por las mismas estrellas”, comentan desde Acrónica. Para ellos, el panorama real al que Goldoni se refería explícitamente parece ser bastante próximo al de nuestra actualidad y, además, hoy en día este mismo escenario se hace universal o, si se prefiere, global. Ion Iraizoz, Naiara Carmona, Txema Martín, Txus Pellicer y Hugo Nieto son los encargados de representar este choque entre el dinero y la humanidad, mezclando Comedia del Arte y nuevas tecnologías audiovisuales. La música original está creada por David Guindano. Por otra parte, Bancarrota propone la

creación de una Escuela del Espectador, con el objetivo de conocer mejor al púbico, generar interés y curiosidad, abrir el proceso de creación del espectáculo y buscar nuevos públicos. Para sus creadores, “la Escuela del Espectador es una oportunidad para transitar en los puentes vivos que constituyen creadores y espectadores y con ello sumarse al proceso creativo: no consumir teatro, consumar conjuntamente la creación a través de la apropiación de sentidos”. Todo ello se realizará a través de varias acciones como presentaciones, una guía didáctica, un blog, redes sociales, encuentros, ensayos abiertos o un taller sobre la Comedia del Arte y Goldoni.

marzo abril

Teatro Arriaga estrena La Gaviota

Chéjov vuela en el Arriaga

ustavo Tambascio vuelve a ponerse al frente de la nueva producción del Teatro Arriaga, La Gaviota de Antón Chéjov y como ya lo hiciera la temporada pasada con ‘Los enamorados’ de Carlo Goldoni este nuevo espectáculo cuenta con un plantel de actores y actrices vascos. Con escenografía e iluminación de Daniel Bianco y vestuario de Jesús Ruiz, el reparto de esta producción lo componen Maribel Salas, Mikel Losada, Lander Otaola, Antonio Rupérez, Ylenia Baglietto, Jon Ariño, Helena Dueñas, Itziar Atienza, Gabriel Ocina, Felipe Loza, Josu Bilbao y Zorion Egileor. Todos ellos dan vida a los personajes de este clásico universal, un drama en cuatro

Gustavo Tambascio ©Javier Naval

actos estrenado en San Petersburgo en 1896 –con un rotundo fracaso que llevó a Chéjov a huir de la ciudad y afirmar que abandonaba la escritura teatral–, y en 1898 en Moscú, bajo la dirección de Konstantín Stanislavski con un gran éxito y tras la que nacería una estrecha relación entre

ambos que influiría en su desarrollo creativo y profesional que tanto bien ha hecho al desarrollo del teatro mundial. La gaviota es una de las cuatro obras consideradas por muchos las más importantes de Chéjov junto a ‘Tío Vania’, ‘Tres hermanas’ y ‘El jardín de los cerezos’ y de la literatura dramática universal. Tambascio, director escénico de ópera y teatro además de dramaturgo, escritor, traductor y pedagogo argentino exiliado de su país en 1976 ha dirigido obras de Shakespeare, Bernhard, Dumas, Lorca o Goldoni entre otros y óperas de Haendel, Rosini, Mozart o Verdi en diversas ciudades de Europa y América.

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15 marzo abril Morfeo Teatro estrena ‘¡Fiesta!’

Una ‘fiesta’ para homenajear al Siglo de Oro

n viaje al teatro, la poesía, la música y la danza del Siglo de Oro. Así se presenta el espectáculo ¡Fiesta!, que se realiza como encargo del 40º aniversario del Festival de Teatro del Siglo de Oro de El Paso (Texas). El montaje de Morfeo Teatro se estrenará en el Teatro Principal de Burgos el 6 de marzo, y viajará después a El Paso para representarse el 17 de marzo como fiesta de apertura del festival. El espectáculo se presenta como una recreación moderna de una fiesta barroca de época, y pretende ser un homenaje al Siglo de Oro, un recorrido por los más conocidos momentos del teatro, la poesía, la música y la danza de época. Dentro de un espacio visual contemporáneo y bajo un vestuario clásico, un singular juego de personajes enmascarados deambularán en un universo visual de transparencias y sombras. Dirigido por Francisco Negro, el montaje gira en torno a la figura del desamor, pasando por tres de las más famosas comedias del Siglo de Oro: ‘La vida es sueño’, de Calderón de la Barca, ‘El burlador de Sevilla’, de Tirso de Molina, y ‘El caballero de Olmedo’, de Lope de Vega. Completando la temática del amor en todas sus visiones ofrece un poemario selecto de Cervantes, sor Juana Inés y Quevedo, además de presentar un repertorio de piezas burlescas del Siglo de Oro, como una Jácara, una Loa erótica y un

Baile de palos. Para la creación de ¡Fiesta!, la compañía cuenta con la participación de Mariano Mangas, catedrático de guitarra clásica por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y de guitarra española por el Conservatorio de Rotterdam, que pone música a todo el evento, ofreciendo un repertorio clásico de música del barroco, como ‘Canarios’ y ‘La españoleta’ de Gaspar Sanz y el ‘Fandango’ de Santiago de Murcia. Mariano Mangas está acompañado

por Jorge Jiménez, cantante y percusionista con instrumentos de época que interpreta ‘Ojos claros, serenos’ de Gutierre de Cetina y Antonio de Cabezón, así como la canción ‘Que de noche le mataron’ del romance del Caballero de Olmedo. Junto a ellos, la bailarina de danza española Sandra Pinilla muestra ejemplos de la época, como la seguidilla, el fandango y el bolero. En cuanto a la interpretación, corre a cargo del propio Francisco Negro, Mayte Bona y Felipe Santiago.

Reestreno de El Buscón de Quevedo Morfeo Teatro es una compañía especializada en teatro clásico, con residencia en Burgos. Hasta la fecha ha realizado 11 puestas en escena. Este año y tras 10 años de su estreno en el Festival de Almagro 2005, vuelven a poner en escena la obra El Buscón de Quevedo. El montaje tuvo más de 200 representaciones y fue representado en una docena de festivales de clásico del estado y el extranjero. El espectáculo ha sido representado el 14 de febrero en el Teatro Zorrilla de Valladolid, y podrá verse también en Estados Unidos, tanto en el Festival de Siglo de Oro de El Paso como en el Festival de Teatro de San Antonio. El montaje presenta una puesta en escena en la que se ilustra la célebre novela de la picaresca, donde las peripecias de este truhán universal, príncipe de embustes y engaños, el buscón Pablos, recorre campos y ciudades de Castilla ofreciendo la más singular semblanza de la vida del siglo XVII en España. En la obra, el espectador podrá disfrutar de una panoplia de los más significativos autores del Siglo de Oro, como Cervantes, Lope de Vega y Calderón de la Barca, mostrando fragmentos de sus obras más emblemáticas. Francisco Negro y Mayte Bona conforman el elenco de este montaje basado en la novela “El Buscón” de Francisco de Quevedo.

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L a ciudad oscura La obra se presenta dentro del programa “Escritos en la escena” del Centro Dramático Nacional. El proyecto plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: el autor desarrolla su texto en el ámbito escénico, trabajando con un director y un grupo de intérpretes durante un tiempo determinado. En esta ocasión, Antonio Rojano es el creador del texto que dirige Paco Montes. En La ciudad oscura, el suicidio de un jockey reabre las viejas heridas de una nación. Un escritor en horas bajas, una inspectora de policía y una joven en busca de su origen cuentan esta historia sobre el pasado y el futuro de España. “Tras la Transición, cada vez estamos más seguros de que habitamos una casa encantada llena de presencias. El texto sólo pretende ser un receptor electrónico al que llegan estas psicofonías. Voces de los espectros políticos que habitan nuestro país y, sobre todo, de las cadenas emocionales que arrastran sus personajes”, cuenta Rojano. El espectáculo se podrá ver del 18 al 29 de marzo en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero de Madrid.

Trilogía de la ceguera Maurice Maeterlinck, Premio Nobel de Literatura en 1911, es el autor de los textos que componen la trilogía y que se presentan como un espectáculo producido por el Centro Dramático Nacional. Las obras, traducidas por Ana Rodríguez Partearroyo, son: La intrusa, dirigida por Vanessa Martínez, Interior con dirección de Antonio C. Guijosa y Los ciegos, con Raúl Fuertes como director. “En las tres obras hay un elemento dramatúrgico fundamental que las dota de un poder hipnótico para el espectador, llevándole a estar involucrado de principio a fin con lo que sucede, y que está íntimamente conectado con emociones profundas. Es el suspense. Y si a ese recurso dramatúrgico, le sumamos que el contenido y las temáticas de estas tres piezas atraviesan los miedos y terrores básicos del hombre contemporáneo, lo que Maeterlinck consigue son tres bombas de relojería”, afirman los directores. En su opinión, los textos no sólo poseen esa capacidad de sumergir al público en el espectáculo, sino que plantean preguntas radicales sobre la condición humana y su sentido. El montaje estará del 22 de abril al 24 de mayo en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid.

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A dentro Coproducción del CDN y Adentro Teatro, Adentro es la historia de una familia argentina de raíces españolas, formada por La Negra, El Negro y la madre de ambos, Marga. Tristán Ulloa dirige este texto de Carolina Román, quien también participa como intérprete junto con Nelson Dante, Araceli Dvoskin y Noelia Noto. En Adentro se maneja un continuo juego de contrastes: violencia y ternura, situaciones dramáticas pero con tintes de humor, tercer mundo versus primer mundo, América Latina versus Europa... Desde Adentro Teatro expresan que “el hermetismo y la endogamia en la que viven estos personajes los convierte en amorales. Los códigos que manejan son cuestionables pero no por ello dejarán de ser reconocibles para el espectador. Se trata de personajes tridimensionales, llenos de matices y claroscuros. En cualquier caso nunca se les juzga desde la autoría ni se les juzgará desde la puesta en escena”. La obra se estrena el 15 de abril y estará en cartel hasta el 17 de mayo en la Sala de la Princesa (Teatro María Guerrero).

Hedda Gabler Uno de los mayores éxitos del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, Hedda Gabler es un retrato realista y psicológico de la alta sociedad de finales del siglo XIX. Yolanda Pallín firma esta versión que dirige Eduardo Vasco. Ernesto Arias, Cayetana Guillén Cuervo, José Luis Alcobendas, Jacobo Dicenta y Verónika Moral conforman el reparto. “Desmonta el arma. La belleza no es siempre una garantía. Tu feminidad puede ser un arma de doble filo. Quizá ya no es suficiente. Aunque todos siguen aquí para que puedas jugar con su destino; ellos siempre en tu cuerda floja mientras te sientas capaz de controlar el futuro. Limpia cada pieza. Mal asunto cuando lo que tienes no es lo que deseabas, cuando lo que eres no es lo que soñabas. Mal asunto si no soñabas. Monta el arma de nuevo. Da lo mismo. Mantente fría. Vuelve a tus esquemas. Serena. No enseñes esa parte tuya tan oscura hasta que acabe todo. Sé libre al final. Tienes un arma”, expresa el director. El madrileño Teatro María Guerrero acogerá del 24 de abril al 14 de junio las representaciones del montaje coproducido por el Centro Dramático Nacional, Mucha Calma y Noviembre Teatro.

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Líbrate de las cosas... Coproducido por La Cantera Teatro y ETC (Espacio Teatro Contemporáneo) - Cuarta Pared, la obra Líbrate de las cosas hermosas que te deseo cierra la tetralogía ‘Del yo al nosotros’. Una joven española de treinta años emprende un viaje hacia su propia África. La relación con su pareja senegalesa la lleva, sorpresivamente, a su Burgos natal. Allí redescubre a su padre y su fauna pero sobre todo entenderá muchos de sus miedos y elecciones de vida. Un arriesgado texto de María Velasco que, partiendo de una experiencia personal, se hace poesía y reflexión. “¿Y si África empezara en los Pirineos?”, expresa su autora. Dirigida por el argentino Jorge Sánchez, el montaje incorpora proyecciones y música en directo, entrelazando sonidos de un lado y otro del Estrecho. Interpretado por Marta Cuenca, Babou Cham y Roberto Iglesias, el espectáculo estará en cartel del 26 de febrero a 14 de marzo en la Sala Cuarta Pared de Madrid.

Selecció Escrito y dirigido por Albert Arribas, Selecció cuenta la historia sobre el viaje del equipo de la selección de taiteitalija, un deporte minoritario parecido al hockey. La selección empezará el viaje con una cierta euforia justificada que irá modulando a medida que se acerque el día de la final. Un periplo un poco más largo de lo que hubiera sido estrictamente necesario, que el equipo aprovechará para fortalecerse, beneficiándose de unas pequeñas vacaciones conjuntas. Un viaje cargado de emociones colectivas, pero visto siempre desde la retaguardia por parte de cuatro jóvenes que pronto dejarán de serlo y que aún no se han dado cuenta de que su futuro cada vez tiene más que ver con un presente cada día más real. Interpretada por Albert Prat, Jordi Collet, Joan Solé y Alberto Díaz, esta coproducción de Centaure Produccions y La Ruta 40 podrá verse en la Sala Fregoli de La Seca de Barcelona del 18 de marzo al 5 de abril.

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Las calles corrían por... Con dramaturgia, dirección e iluminación de Pedro Fresneda, Las calles corrían por las calles es un espectáculo que pretende reconocer el genio en la multitud y mirar de frente al brillo de los lúcidos. Este montaje de la Compañía Teatro Ensalle cuenta con la participación de los actores María Costa, Raquel Hernández y Artús Rey para encarnar a los personajes. Desde la compañía gallega describen la pieza como “una provocación, una incitación, una llamada. Una maldita apología del margen. Un penúltimo intento. Salir para gritar, otra incoherencia. Darse la vuelta y dejar la mano atrás. ¿Para qué?, para nada, ‘por si acaso’, como dice Carlos Sarrió. Esto es un poco de miedo a quedarse solo. A que no te necesiten. A que no valga de nada lo que haces. A la parálisis mental. Esto es un lugar de resistencia. Una estúpida llamada de atención. Una isla. Otro fracaso asegurado”. Las calles corrían por las calles se estrenará el día 5 de marzo de 2015 en el Teatro Ensalle de Vigo. El espectáculo estará en cartel hasta el día 8 del mismo mes.

Camargate La sala Baixos22 del Teatre Tantarantana de Barcelona acogerá el estreno de la obra Camargate, de la compañía residente JorgeYamam / TeatrodeCERCA. El montaje forma parte de El Cicló, Ciclo de Compañías Independientes de Barcelona. Camargate es una recreación teatral basada en la famosa conversación en el restaurante La Camarga de la líder del PPC Alicia Sanchez Camacho y Victoria Álvarez (ex-amante de Jordi Pujol hijo) grabada por Método 3. A partir de la grabación real de la conversación de estos personajes se construye una “ficción teatral real” que va más allá. Se teatralizan otros documentos reales que muestran, casi de manera esperpéntica y cómica, como funciona la corrupción, nuestra política y sus pasillos. Con este proyecto quieren contribuir a la transparencia, a la libertad y a que el teatro vuelva a conectar con el público y la sociedad en la que vive. El arte y más concretamente el teatro puede tener sentido llegando allí donde el periodismo no puede llegar. El espectáculo, interpretado por Cristina Gàmiz, Anna Sabaté y Jorge-Yamam Serrano / Pep Duran se podrá ver del 11 al 29 de marzo.

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En familia Casa de Belén. Tres hermanos. Son las 20h del 24 de Diciembre. A las 21:30 llegan los padres para cenar. ¿Cuántas cosas pueden ocurrir en ese lapso de tiempo? ¿Cuántas verdades caben en una sola cena?. Así se presenta el montaje En familia, dirigido por la italiana Elena Olivieri, que cuenta con las labores de Carlos Puga como ayudante de dirección. La pieza es una creación colectiva, un striptease del alma, un viaje al interior de ese microcosmo que es la familia, de todo lo no dicho, de esas dinámicas únicas que unen y separan a la vez, de lo que inútilmente ocultamos, de la delgada línea entre amor y odio, entre comedia y drama. Tres hermanos, tres mundos completamente distintos que en su incomprensión se complementan. Las sevillanas Belén Ponce de León y Olga Rodríguez Vargas y el malagueño Ignacio Mateos son los intérpretes que se encargan de dar vida a los tres hermanos de En familia. El espectáculo estará en cartel en el espacio madrileño Nave 73 durante los miércoles del 4 al 25 de marzo.

Els veïns de dalt Cesc Gay debuta como autor y director teatral con la obra Els veïns de dalt (Los vecinos de arriba). El montaje es una comedia que reflexiona sobre la vida en pareja y la sexualidad a través de dos parejas que viven en un mismo edificio. Un texto que trata temas como la convivencia, la valentía, el sexo, el amor y la apariencia. La historia comienza cuando una noche Anna y Juli invitan a cenar a sus vecinos para enseñarles el piso y agradecerles la ayuda que les dieron cuando se instalaron a vivir en el edificio. A medida que pasa la noche, Anna y Juli van descubriendo las tendencias sexuales de sus vecinos, hecho que los lleva a replantearse su propia relación de pareja, que está llena de reproches e inmersa en una monotonía. La confrontación con los vecinos y entre ellos, los lleva al límite y les hace tomar decisiones definitivas sobre su relación. La obra es una dedicatoria a los vecinos de arriba del propio Casc Gay. Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico son los intérpretes de este espectáculo que estará en cartel del 19 de marzo al 17 de mayo en el Teatro Romea de Barcelona, y que después tiene prevista una gira por Cataluña durante el otoño de 2015.

15 marzo abril XXXII Jornadas de Teatro del Siglo de Oro - Almería

Edición de transición de las Jornadas de Almería El Teatro del Siglo de Oro toma la capital y parte de la provincia durante casi todo el mes de abril

el 9 al 26 de abril se celebra la trigésima segunda edición de las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería en las que se mantienen sus programas pero “con un diseño distinto”, tal y como explica su nuevo director, Carlos Góngora. “Este es un año de transición para las Jornadas, ya estamos proyectando las del año próximo, con cambio de fechas, ubicación etc. En 2016 habrá un cambio radical aún sabiendo que estamos en una transición” aclara Góngora, para añadir que continúa el formato hasta ahora conocido pero “la programación de espectáculos es más continuada, el fórum aumenta en número de días, las Jornaditas toman mayor relevancia y las exposiciones llegan a la calle”. Además esta edición se caracteriza porque las Jornadas “toman la calle con unas 75 actividades en la zona central de Almería durante dos semanas”, explica su director. Cervantes

La programación escénica de las Jornadas va a tener lugar en el Auditorio y el Teatro Apolo de la capital del 17 al 25, este año ininterrumpidamente, y comienza con En un lugar del Quijote, coproducción de Ron Lalá con la CNTC. Dirigida por Yayo Cáceres, sobre el escenario una versión libre y contemporánea de ‘Don Quijote de la Mancha’ en la que con humor, teatro 20

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ven pobre de ser el hombre más famoso de su tiempo por sus estudios y conocimientos. Y Cervantes es también el autor de El coloquio de los perros, en el que Morfeo Teatro ha convertido a sus dos protagonistas en un hidalgo depauperado y un mendigo harapiento, también “perros desheredados de la fortuna, que, con el mismo afán que Cervantes, narran sus experiencias entre lo amargo y la comedia, en una sutil, y a veces innegable, comparativa con nuestros tiempos”. El rey Perico y la dama tuerta de Diego Velázquez es una comedia burlesca dirigida por Juan Dolores Caballero que ponen en escena Teatro del Velador, La Cantera Producciones y Distrito Teatro. Un ejemplo de cómo la coMisterio del Cristo de los Gascones de Nao d´amores ©Pio Baruque media burlesca proponía un “mundo al revés” donde lo y música interpretada en directo se protrágico deja espacio a lo cómico, donde pone un canto a la imaginación, al libre se prescinde de las unidades de tiempo albedrío y a la rebeldía “tan necesaria en y lugar, y se construye una gran ficción el marco de una época que guarda sorlúdica cuyo principal objetivo es la provoprendentes parecidos con nuestra actual cación de la risa. Una propuesta donde lo crisis de principios de siglo”. grotesco reúne preciosos personajes que Otra versión de Cervantes, en este caso se muestran, bajo la batuta del feísmo y de ‘El Licenciado Vidriera’ que La Chana el lirismo visual, en toda su extraña y dispresenta como Gaudeamus, una adaptaparatada ternura. ción libre, cómica y satírica de esta noveDe Tirso de Molina es La mujer por fuerza de la Cía. José Maya, un obra protala ejemplar llevada al mágico mundo del gonizada por una mujer, “un personaje teatro de objetos; un unipersonal escrito, tremendamente transgresor que con su interpretado y dirigido por Jaime Santos comportamiento, va a poner patas arriba que centra la trama en el deseo de un jo-

marzo abril todas las leyes cortesanas a las que están sometidos todos los hombres de esta comedia por mor de su reputación”, explica su director, José Maya. Fernando Sansegundo es el encargado de la dramaturgia y la dirección de Barrocamiento de SioSi Teatro, obra que recrea la vida de María de Zayas y Sotomayor, sor Juana Inés de la Cruz y Feliciana Enríquez de Guzmán, tres autoras del Siglo de Oro. Misterio del Cristo de los Gascones, el espectáculo más emblemático de Nao d´amores, se sumerge en el teatro primitivo desde una visión contemporánea, una obra en la que Ana Zamora hace una recreación libre de la ceremonia litúrgica que debía representarse en la Iglesia de San Justo, en Segovia, en tiempos medievales. Teatro Corsario por su parte sube a los escenarios El médico de su honra de Calderón de la Barca, una tragedia de mujeres en un mundo dominado por hombres en la que asoma la violencia machista, y Teatro de la Danza El lenguaje de tus ojos o El príncipe travestido, una versión contemporánea escrita y dirigida por Amelia Ochandiano basada en el clásico de Pierre Marivaux. Y también son sedes de las Jornadas los Auditorios de Roquetas de Mar y El Ejido. En el primero se va a poder disfrutar de dos espectáculos, Lazarillo de Tormes de Teatro La Paca, una recreación libre y divertida que el dramaturgo Tomás Afán ha realizado de la universal obra, y La escuela de los vicios de Quevedo, con la que Morfeo Teatro repite en las Jornadas mostrando una obra en la que se representa la corrupción de ministros, magistrados y banqueros sin escrúpulos. A El Ejido Me-

El rey Perico y la dama tuerta

phisto Teatro llega con una obra de Moliére, El burgués gentilhombre. FÓrum, Jornaditas y más

Las mesas redondas, conferencias, comunicaciones, master class, presentaciones etc. del Fórum de las Jornadas se celebrarán este año en el Hotel AC durante los jueves, viernes y sábados hasta el día 25, donde profesores universitarios e investigadores disertarán sobre el teatro clásico desde diferentes perspectivas y disciplinas. Las denominadas Jornaditas repiten el esquema de las Jornadas –espectáculos y fórum– pero dirigido al público escolar, ya que además de los espectáculos que pondrán en escena los escolares, estos podrán disfrutar del espectáculo Una noche Blanca con los clásicos de la Cía. Blanca Marsillach, leer cartas de Santa Teresa en la actividad ‘Leer Almería’ que se desarrollará en el Convento Las Puras, el fórum

–también en el Hotel AC– ‘Es moderno ser clásico’ o la exposición ‘Ell@s también fueron pequeñ@s’ que tendrá lugar en los escaparates de diversos comercios del centro de la ciudad. A todo esto hay que añadir las exposiciones ‘31 años no es nada’, ‘Pasaron por aquí’ y ‘Vestuarios para una época’ entre otras, además de las presentaciones de los libros ‘Comedia famosa de la conquista de Almería’ de Antonio Serrano o ‘El Quijote en verso’ de Alexis Díaz Pimienta. La programación en la capital se completa con el programa ‘Barrokocalle’ que a partir del día 12 convertirá el centro de la ciudad en un teatro con recitales de versos, espectáculos de teatro, música barroca y pasacalles. Y a todo esto hay que añadir las extensiones de las Jornadas por toda la provincia que llevará de gira por gran parte del territorio los espectáculos Barrocamiento de SioSi Teatro, Mucho Shakespeare de Malaje Sólo y Quijote y Sancho de Los Claveles.

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15 marzo abril XXVIII FitCarrer Vila-real

Las artes de calle, un magma en expansión ciudadana Una treintena de compañías conforman esta edición en la que se presenta la coproducción del festival con A Tempo Dansa

os días 30 de abril y 1, 2 y 3 de mayo se celebra una nueva edición del FitCarrer de Vila-real, la vigésima octava, que con una programación con más de treinta espectáculos de otras tantas compañías continúa con la descentralización iniciada hace tres años, cuando Pau Ayet se hizo cargo de su dirección artística, una descentralización en términos de “itinerancia de la programación, pues queremos que el festival llegue a toda la ciudadanía de Vila-real, por lo que no se desarrolla únicamente en el centro de la localidad sino que las representaciones llegan a los barrios haciendo partícipe a todo el municipio”, explica Ayet. El 30 de abril comienza esta edición con la celebración de las ‘III Jornadas de Artes de Calle’, que este año versan sobre el tema de la ‘Construcción’ y en las que el debate girará “en torno a la manera que se ha de construir el tejido destruido los últimos años; la construcción o deconstrucción desde lo artístico y creativo, pero también desde todas las partes que conforman el sector”, afirma Ayet, para añadir que también tendrá lugar la presentación del proyecto del Centro de Creación de Artes de Calle de Vila-real. Coproducción

La edición anterior el FITCarrer coprodujo el espectáculo Marat/Sade con la compañía local La Fam, y dando continuidad a esta línea de trabajo con compañías del municipio para la creación de espectáculos que tal y como apunta Ayet “traten temas sensibles socialmente”, este año ha contado con A Tempo Dansa, que presenta Destroyanes, una versión libre de Las Troyanas de Eurípides “que no pretende ser otra cosa que la propia destrucción de este clásico, quiero 22

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Do Not Disturb de Vaivén Circo

decir, que no estamos trabajando con ‘Las Troyanas’ de Eurípides como guión sino como motor, como inspiración, pero hemos respetado algunos personajes y la esencia de la derrota como hace el autor, pero a nuestra manera y tratando el siglo que vivimos”, desvela Pepa Cases, directora artística de la compañía. La danza contemporánea, el teatro, el trabajo sobre zancos, el vídeo arte, la danza aérea, los efectos pirotécnicos y los escenarios móviles conforman este espectáculo de gran formato para el que la compañía ha contado entre otros con la colaboración de los actores Nel.lo Nebot y Cristina Llop en la pantalla, Sol Picó y Claire Decroix para la coreografía y el mago Yunke como asesor de efectos especiales. Se presentan también por vez primera espectáculos como No es cuchara la que va a la boca sino la boca la que va a la cuchara de Cia. Caí, obra de trapecio y la cuerda acompañada de videoproyecciones, Crudo Ingente de Nacho Vilar Producciones y de la que se harán varios pases diarios por desarrollarse la acción dentro de un coche, un

Encuentro de la coreógrafa y bailarina Alicia Soto o jugando con el título de la conocida novela de John Steinbeck, Factoría Los Sánchez presenta De cartones y hombres, una obra que parte de la situación social actual y en la que su protagonista se construye su espacio vital a partir de cartones. También se podrá disfrutar por vez primera de los espectáculos de circo Equilibrando ilusiones de Circovito, Broken Circus de El Gran Dimitri, o Enfila S.A. de Estampades, una obra circense ambientada en una fábrica de hilo con una estructura de cuerdas que narra la historia a través de números de acrobacia. Y tras la presentación de parte del proyecto Ara Piscis II en Francia y América, Xarxa Teatre lo hace ahora en casa, un espectáculo de gran formato que ahonda en el mensaje pacifista para lo que utiliza todas las técnicas escénicas habituales en sus montajes –itinerancia, grandes elementos móviles, uso escénico de la pirotecnia y de efectos lumínicos– y pone ante el público “la transformación de una sociedad agraria y

marzo abril festiva que termina por sucumbir al furor belicista”. Internacionales

Aunque con menor presencia que en ediciones anteriores, el festival cuenta con compañías llegadas de la escena internacional. Los británicos C-12 Dance Theatre presentan una coreografía muy especial creada por Shaun Parker, en la que bailarines y carros de supermercado se funden para ofrecer una propuesta intensa, física y anárquica, Trolleys. L’enterrement de Maman de los franceses Cacahuete es un espectáculo ambulante, humorístico y satírico donde el humor es el protagonista. También estará el humor negro en clave de clown de American Drim de los también franceses Les Bleus de Travaill, y también franceses son Barolosolo, que en Île O ofrecen un espectáculo incongruente donde sus dos personajes pasan de lo cómico a lo absurdo y la poesía y la música se vuelven acuáticas. Bram Graafland por su parte presenta De Gillende Keukenprins, un espectáculo rítmico y lleno de energía en el que el artista holandés cocina –o algo parecido– e interpreta música con un singular y excéntrico aparato musical.

La programación se completa con espectáculos de compañías del panorama artístico estatal, entre las que destacan los espectáculos que tienen los lenguajes del circo como método de expresión. Entre ellas encontramos La familia Romanesku, una familia acrobática, malabarista, voladora y muy payasa de La Finestra nou circ. Lávant première de DĆlick es un canto al riesgo, al placer, al ritmo y a la música con mucho humor y elegancia creada con aparente sencillez. Mundos de papel de Volé Temps lleva al público con humor, espontaneidad y técnicas de circo danza y música a un particular psiquiátrico, mientras que Do Not Disturb de Vaivén Circo es un espectáculo que con una potente escenografía trae a escena una fábrica de principios del siglo XX en la que cuatro intérpretes son llevados al límite del riesgo, de la absurdez y de la ternura. Joan Català propone una pieza de poesía corporal en Pelat, mientras que en clave de clown Jam –es decir Jaume Jové– ofrece Metre, y Ganso da vida a un showman gran experto en habilidades inútiles en Walkman. Música en vivo, danza acrobática y circo se fusionan en el montaje Heian de Zen del Sur, y la danza tradicional vasca es la base de Gelauziak, espectáculo de Kukai creado junto a Cesc Gelabert en el que la danza y la tradición popular son

actualizadas a la sociedad contemporánea. También hay cabida para espectáculos itinerantes como los coloridos animales de Traps de la compañía Efimer o Andante, espectáculo de Markeliñe encargado de clausurar esta edición, un teatro de máscara que “narra, de forma poética, sin palabras y con un cuidado sentido del humor, historias que no deberíamos olvidar. Historias de zapatos anónimos en época de guerra. Zapatos que podrían ser los nuestros”. Premi Ramon Batalla

En esta edición se otorgará además el 4º Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer, creado para el reconocimiento y puesta en valor de personas y/o entidades que destacan por su dedicación y defensa de las Artes de Calle, y que este año es para Roser Vilá, fundadora de 23 Arts, “por su implicación, apoyo, apuesta y constante búsqueda de nuevos talentos y por su dedicación a las artes de calle”, tal y como afirma Pau Ayet, para añadir además que es un “galardón de corazón”. Los anteriores Premios han sido, en orden cronológico, para Xarxa Teatre, el centro de creación FAI AR y para el festival TAC de Valladolid.

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15 marzo abril ALT.15 - Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo

Complicidad con la creación contemporánea arriesgada 19 compañías y artistas conforman la programación de la décimo cuarta edición del Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo ALT.15, que se celebra del 9 al 15 de marzo en diversos espacios de la ciudad y que tiene a la compañía Voadora como protagonista del ‘preALT’. Este festival, organizado por la entidad no lucrativa Noescafé-Teatro, tiene como objetivos el apoyo a la creación escénica contemporánea, tanto gallega como

foránea, facilitando para ello lugares de trabajo, recursos económicos y humanos a través de residencias, o el programa ALT.procrea en Femenino. Busca crear actividades singulares, este año por ejemplo la fiesta-maratón con Voadora, ser lugar de estreno de nuevas creaciones y crear complicidades con otras estructuras de la localidad buscando para ello, el apoyo de organismos públicos.

Hombres bisagra de Matarile ©Ruybén Vilanova

l Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo ALT.15 se celebra del 9 al 15 de marzo, pero esta edición, la 14, comienza fuera de fechas porque, tal y como apuntan desde NoescaféTeatro, “este año, con más miserias que nunca nos hemos permitido el lujo de un preALT”, que tendrá lugar el 1 de marzo, en forma de fiesta-maratón de 6 horas de duración dedicada a la compañía gallega Voadora. Se presentarán en una misma jornada los trabajos Waltz y Tokio3 junto a Quen goste de poesía que grite: “miseria”, propuesta creada especialmente para el festival en colaboración con el alumnado de la ESAD. Esta fiesta teatral finalizará con la presentación el día 20 en el Auditorio del Concello de Vigo de 24

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la última producción de Voadora, A Tempestade a modo de postALT. La programación propiamente dicha de festival comienza el día 9 con la emisión en colaboración con el cineclub Lumiere de Vigo de la película ‘Five days to dance’, con la presencia de los coreógrafos y protagonistas del film Amaya Lubeigt y Wilfried Van Poppel, que mantendrán una charla con el público. Para el 11 se ha organizado el programa ‘ALT.procrea en Femenino’ con el que se apoya y visibiliza el trabajo creativo femenino en colaboración con la Secretaría de cultura y el Área de Igualdade de la Universidade de Vigo. En complicidad con la Fundación Laxeiro y las bailarinas Mercé de Rande, Ánxela Blanco, Lez Cameselle, Kire-

nia C. Martínez y Beatriz Pérez se presenta una exposición de danza en la que cada bailarina ha creado una micropieza inspirada en las obras de la exposición permanente, piezas con las que se crea un itinerario singular de la citada exposición. Y dentro del mismo programa se presentan dos trabajos en proceso: el día 12 Cristina Balboa & Lúa Gándara de Funboa Escénica avanzarán su nuevo trabajo Sushi gratis y el 15 será el turno de In TIME, próximo trabajo de Ana Vallés y Sara Molina. La puesta en escena el día 12 en el Auditorio do Concello de Paus e petalas, una pieza íntima de danza contemporánea de la compañía portuguesa Circolando, da paso a los 5 trabajos que se podrán disfrutar el viernes

marzo abril y que darán comienzo con La máquina de la soledad, primer trabajo en colaboración de Microscopía & Oligor, una propuesta para aforo limitado donde descubrir la intimidad de unos amantes, las aventuras de un cohete o las desventuras de un emigrante a través de las cartas. Esta obra, que también se podrá ver el sábado y el domingo, dará paso al estreno en Casa das Artes del nuevo espectáculo de Karla Kracht & Andrés Beladíez, 2062, creada al igual que su anterior ‘Zoowooz’ en “live cinema”, que también repiten función el sábado. Otro estreno para el viernes, en este caso en el MARCO –Museo de Arte Contemporáneo– y de la mano de la compañía gallega Anómico Teatro es Preferiría non facelo, un poema político que parte de la conocida frase del escribiente Bartleby. En el Conservatorio Superior de Música estará la pieza de improvisación musical y de danza Iusisusu de Guillermo Wickert & Alejandro Rojas Marcos. Completa la programación del viernes Not never on time, un film escénico de Khea Ziater dirigido por Alex Gerediaga. Cinco son también las propuestas escénicas preparadas para el sábado. A las dos ya citadas se les une la compañía mexicana residente en Barcelona Physical Momentum

Not never on time de Guillermo Wickert & Alejandro Rojas Marcos

Project que presenta Postskriptum, una pieza de danza corta para espacios urbanos con grandes dosis de riesgo. Otro estreno, también en el MARCO, es STRPTS// Episodio 1 Mirlo & Rula, una historia de amor, intriga, sexo y corrupción en formato Live Cinema del colectivo Cinema Sticado. Y el reestreno, tras su presentación en el festival FITO de Ourense de Hombres bisagra de Matarile, “un delirio escénico de Baltasar Patiño y el músico Nacho Sanz, un concierto performativo danzado”.

El domingo, además de las dos funciones de Oligor & Microscopia se podrá disfrutar en el Auditorio do Concello con Bataille, una pieza de Pierr Rigal / Cie. Derniere Minute de Francia, donde un hombre de circo y un artista de circo dan rienda suelta a un encarnizado enfrentamiento lleno de humor y lucha. Con El agitador vortex de Cristina Blanco se cierra el ciclo dedicado al Live Cinema del MARCO y esta edición del ALT, una propuesta en la que la creadora se ve envuelta en un truculento asunto de asesinatos.

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15 marzo abril XXV Festival Internacional de Narración Oral - Cuenta con Agüimes

Contar cuentos sobre los escenarios canarios Este año se podrá disfrutar con las historias de narradores como Pablo Albo, Nicolás Buenaventura o Ana Sofía Pavía

a localidad canaria de Agüimes vuelve a ser el epicentro de la narración oral con la celebración del 13 al 17 de marzo de la vigésima quinta edición del Festival Internacional de Narración Oral Cuenta con Agüimes. El festival se inaugura la tarde del día trece en el Teatro Auditorio de Agüimes con Miserere mei de Antonio López, que dará paso a las historias de La verdad imaginada de Olegario García Monte y familia de Pablo Albo. Una sesión de cuentos sórdidos con humor, amor, pasión y un pellizquito de poesía. Olegario es el protagonista de estas historias, “un niño normal al que la vida regaló una prima pelirroja, una hermana yonqui, una abuela muerta, un abuelo sabio y licencioso, unos tíos y tías extraordinarios, una madre libertina y un padre que adoptaba distintas formas”, explica Albo. El sábado por la mañana Albo ofrecerá en el Teatro Cruce de Culturas una función dirigida al público infantil, al que narrará Cuentos de aire. Historias de papel acompañado de sus libros, que se abrirán a la vista

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Pablo Albo

Nicolás Buenaventura

de los asistentes para desplegar sus palabras, que saltarán del papel a la boca, de la boca al aire y del aire a las orejas. Al anochecer el Teatro Auditorio volverá a ser el lugar de encuentro donde disfrutar con la sesión compartida del colombiano Nicolás Buenaventura y la portuguesa Ana Sofía Pavía Cuentos, cantos y otros tantos, que dará paso al concierto narrado o cuentos musicalizados de Amancio Prada, CuentaCantos. Comienza el domingo con una nueva función para los más pequeños. Otra vez en el Teatro Cruce de Culturas pero a cargo de Nicolás Buenaventura que deleitará al público con Amaranta porqué, una adaptación de un cuento de tradición oral llamado ‘Boca, brazo y pie’ conocido por el autor en Costa de Marfil y en la costa pacífica colombiana. Por la noche y en el Teatro Auditorio tendrá lugar la Función colectiva de clausura con todos los narradores de esta edición. Además, para los días 16 y 17 se han organizado funciones para escolares, y el fin de semana Albo impartirá un taller de narración oral.

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Teatralia, Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Niñas

Obras de América, África y Europa se verán en Teatralia

ntre el 6 y 29 de marzo tendrá lugar la 19 edición del Teatralia, Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Niñas de la Comunidad de Madrid, en la que participarán un total de 19 compañías procedentes de diversos países de América, África y Europa, mostrando propuestas de teatro de actores, de objetos, de sombras, de títeres, de magia, de danza y música. La programación, que se desarrollará en 42 espacios escénicos repartidos por toda la Comunidad de Madrid, contempla cerca de una veintena de propuestas, dando paso a más de un centenar de funciones. La compañía legendaria procedente de la República Checa Drak Teatro escenificará Poslední trik Georgese Mélièse (El último truco de Georges Méliès), uno de sus míticos trabajos dirigido a niños y niñas de 7 años en adelante en el que fusionan teatro y magia con proyecciones de ritmo trepidante. Otra de las

Sueños de arena de Borja Ytuquepintas ©Marta G. Cardellac

propuestas destacadas de esta edición es Schlaf gut, süsser Mond (Duerme bien, dulce luna), fruto de la estrecha colaboración entre el Grupo Lyasa natural de Zimbaue y los austriacos Dschungel Wien, dirigido a niños de dos años en adelante que se distingue por la fuerza, energía y vigor de los ritmos africanos, las impresionantes voces de los jóvenes artistas y la puesta en esce-

na del reconocido director de escena austriaco Stephan Rabl. Teatralia se caracteriza por dar cabida en su programación a aquellas propuestas innovadoras, entre las que destaca la multidisciplinar Sueños de arena de Borja Ytuquepintas, la catalana L’Animé, creada en 2012, que deleitará al público de entre 6 a 12 años con Bhrava!, una pieza que tiene el humor como hilo conductor y cuyas protagonistas sorprenden con sus interpretaciones a través de la danza, el mimo, los títeres y los objetos, recreando un recorrido por pequeñas piezas exquisitas. Así como la compañía titiritera El Retablo, que ofrecerá una historia de amor ambientada en el circo: Giuseppe y Peppina. Una domadora, el hombre más fuerte del mundo, un faquir y el payaso de nariz roja son algunos de los personajes de esta obra que está interpretada por actores y títeres, con música en directo, recomendada para niños y niñas a partir de 4 años.

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Siguen las Jornadas de Eibar

urante el mes de marzo continúan las XXXVIII Jornadas Internacionales de Teatro de Eibar, que comenzaron el pasado 20 de febrero con la conferencia del dramaturgo y director Miguel del Arco titulada ‘¿Para qué sirve el teatro?’ y con la que se dio el pistoletazo de salida a esta edición. Este mes comienza con La mejor magia en la que Fábrica de Magos ha seleccionado a los magos Nuel Galán, Daniel Ka, Héctor Mancha y Mago Valen, que ofrecerán un espectáculo en forma de gala. Le sigue El reportaje, una obra sobre el pensamiento autoritario de Producciones del Ciclo “Nuestro Teatro” en la que Federico Luppi da vida a un general de la dictadura argentina preso en la cárcel, lugar donde va a ser entrevistado. La actualidad política es la protagonista de Ruz/Bárcenas de Teatro del Barrio, obra

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La calma mágica ©marcosGPunto

dirigida por Alberto San Juan a partir del texto que Jordi Casanovas ha escrito de la declaración que el juez Ruz tomó al tesorero del Partido Popular. El hombre almohada de Martin MacDonagh sube a los escenarios de la mano de la compañía Ilmaquinario teatro, una comedia negra que profundiza en el influjo que la violencia juega en el desarrollo humano, mientras que La puta enamorada de Chema Cardeña es un homenaje al teatro clásico español a cargo de Euroscena. Toni Acosta

e Iñaki Miramón dan vida a los dos personajes de De mutuo desacuerdo, una comedia sobre las nuevas familias del siglo XXI de Pentación. Comedia es también aunque en forma de monólogo ¿Por qué los mayores construyen los columpios encima de un charco?, protagonizada por Luis Piedrahita. Las versiones en euskera y castellano de la coproducción de Tanttaka Teatroa y el CDN, La calma mágica y Barealdi magikoa, escritas y dirigidas por Alfredo Sanzol, Makinista de Markeliñe y Erdibana de Txalo Produkzioak, ambas en euskera, y el espectáculo de danza dirigido por Cesc Gelabert, Gelauziak de Kukai completan la programación junto a El cascanueces, espectáculo para público infantil y familiar de Teatro del Temple y las dos obras de teatro universitario, Las Bellas de Easo de Musikomeria y III de Maricastaña.

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Feria Castilla-LaMancha Los días 14, 15 y 16 de abril Albacete vuelve a acoger una nueva edición de la Feria de Artes Escénicas de Castilla-La Mancha, la décima novena. Al cierre de esta edición aún no está cerrada la programación pero ya se conocen parte de las ©Borja Relaño propuestas que se van a dar a conocer sobre los escenarios del Auditorio Municipal y el Teatro Circo así como en la Filmoteca y en calles y plazas del centro de la ciudad. Equus de Cia. Ferroviaria , Arizona de Juan Carlos Rubio producida por Histrión Teatro , Los huerfanitos de Traspasos Kultur , El oscuro corazón de la noche de Falsaria de Indias , El show de Martin´s de Jes Matin´s Cia, la ópera L´elisir D´amore de Producciones el Telón , o el espectáculo de títeres para adultos Quijote de Bambalina Teatre Practicable . Y para el público infantil y familiar, las obras Libertia de Hor tzmuga Teatroa , La crónica del lobo de Elfo Teatro y El viaje de Martin de Titiriguiri además del show case Brea y Plumas de Babirusa Danza .

La Mostra d´Igualada La Mostra d´Igualada, Feria de teatro infantil y juvenil, celebra del 16 al 19 de abril su vigésimo sexta edición con más de sesenta compañías que pondrán en escena un centenar de representaciones de teatro, magia, circo, clown, títeres, danza, música, multidisciplinar... tanto de sala como de calle. La organización de la mostra, dirigida a partir de esta edición por Pep Farrés, ha seleccionado los espectáculos de entre las más de 300 propuestas para conformar una programación que este año hace especial énfasis en los montajes dirigidos al público juvenil. Aunque con especial presencia de compañías de habla catalana también acudirán a Igualada compañías del resto del estado y del panorama internacional, tanto compañías emergentes como consolidadas. Además, y como es habitual, La Mostra cuenta con un espacio de negocio e intercambio, denominado La Llotja, en la que se organizan actividades de toda índole dirigidas para todo el sector.

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15 marzo abril M

FITA - Alentejo La segunda edición del Festival Internacional de Teatro do Alentejo se celebra en las localidades portuguesas de Beja, Évora y Portalegre del 5 al 28 de marzo. Organizado por la compañía de teatro Lendias d’Encantar, esta edición comienza con la coproducción entre Colombia, Cuba y Portugal de Os cinco enterros de Pessoa. La compañía colombiana Teatro Tierra presenta Los ritos del retorno y la cubana Teatro D´Dos hará lo propio con El baile, mientras que de Cádiz llega Albanta Teatro para presentar Cádiz en mi corazón de Abel González Melo. El protagonismo de Pessoa es latente con la puesta en escena de su texto Inércia a cargo de UmColectivo y Teatro Turim. También se podrá disfrutar con Vêtoca de Animateatro, Três de-

dos abaixo do Joelho de Mundo Perfeito, A nova Aragem de Chão de Oliva o dos espectáculos de la trilogía dedicada a la literatura americana de Teatro Mosca, O Som e Fúria y Moby Dick, además de espectáculos de calle, música etc.

MIT - São Paulo Del 6 al 15 de marzo se celebra la 2ª MITsp - Mostra Internacional de Teatro de São Paulo con una exquisita programación. Inaugura la mostra la versión de Yuri Butusov de A Gaviota de Chéjov en una puesta en escena del Theatre “Satiricon” ruso. Los brasileños Cia Vértice presentan dos adaptaciones de Christiane Jatahy de Julia de Strindberg y E se elas fossem para Moscou? basada en ‘Tres hermanas’ de Chejov. Desde Ucrania Woyzeck a cargo de Andriy Zholdak con puesta en escena de Svoboda Zholdak Theatre y de Cherkasy Academic Musical and Drama Theatre, y desde Suiza Stifters Dinge de Heiner Goebbels por Theatre Vidy-Lausanne. Otra Senhorita Julia de la alemana Schaubühne am lehniner platz dirigida por Katie Mitchell y Leo Warner y los rusos Dmitry Krymov Laboratory at Moscow Theatre School of Dramatic Art presentan Opus N.7. Una obra sobre el conflicto palestino israelí, Ariquivo del israelí Arkadi Zaides y As irmãs macaluso de los italianos Compagnia Sud Costa Occidentale completan el programa junto a la coproducción del MITsp con Toneelgroep Amsterdam y Canção de muito longe dirigida por Ivo van Hove.

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Solo Dance - Stuttgart Con la participación de coreógrafos de todo el mundo se celebra del 12 al 15 de marzo el XIX International Solo Dance & Theatre Festival en Treffpunkt Rotebühlplatz, Stuttgart. De las más de 200 propuestas recibidas la organización ha seleccionado 18 piezas de las que la gran mayoría serán estrenos. Este festival que propone ser un encuentro entre diferentes culturas cuenta con creadores llegados desde diversos puntos de Europa y de Israel, Estados Unidos, Egipto, Brasil, Ecuador o la República Democrática del Congo. Un renovado jurado internacional se encargará de seleccionar las piezas galardonadas. Entre ellos se encuentra Roberto Scafati, director de ballet en el Teatro Ulm, la coreógrafa y bailarina suiza Anna Huber o el brasileño Jorge Eduardo Schneider, cofundador y vicepresidente de la ABABTG – Associação de Bailarinos e Apoiadores do Balé Teatro Guaíra en Brasil. El festival rinde homenaje a Tanja Liedtke, cuya fundación financia el festival, junto con más apoyos de la ciudad de Stuttgart.

FITCRUZ - Bolivia 46 compañías de 18 países de América y Europa conforman la programación de la décima edición del Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz, que tendrá lugar del 16 al 26 de abril. Organizado por la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC), este año el festival retoma el lema ‘Multiplicando Miradas’ y tiene como objetivo centrar su mirada en el teatro iberoamericano con 126 funciones que se desarrollarán en su gran mayoría en escenarios de las ciudades de Santa Cruz y Tarija, con extensiones por poblaciones más pequeñas de la zona. Esta décima edición reunirá a compañías llegadas de España, Portugal, Bélgica, Francia e Italia y Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, El Salvador, el teatro latino de Estados Unidos, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela. Además de la programación oficial, el festival contará con una serie de actividades paralelas como el Encuentro de Escuelas Superiores de Arte Dramático o el denominado ‘El Jardín o Encuentro con Programadores Internacionales’ que tiene como objetivo difundir el teatro boliviano y al mismo tiempo propiciar el encuentro entre artistas, críticos, programadores, periodistas y público.

PROGRAMAZIOA | PROGRAMACIÓN 09

TeatroSOLO (LONEtheater) Matías Umpierrez

Castellano / Euskara

Ordu eta leku desberdinetan Diversas localizaciones y horarios

In BEtween Helena Golab

Castellano / English / Polski

LA NOCHE ÁRABE Hika Teatroa - Kabia - Pabellón 6

Intxaurrondo K.E.