Artez204 by montaje

junio 15 mayo Carlos Gil Zamora

Tiempo para distinguir entre las competencias impropias y los incompetentes propios

nsistiremos en señalar algo que viene muy bien recordar en esta campaña electoral para nombrar a quienes van dirigir los destinos de municipios y gobiernos locales. La inmensa mayoría de los edificios públicos destinados a las prácticas escénicas son de titularidad municipal, al igual que un porcentaje muy elevado de la gestión de los mismos. Es así, pero en ninguna ley ni reglamento les obliga a ello nada ni nadie. Se realizan estas inversiones en construcción, estos gastos presupuestarios en gestiones y programaciones dentro de una figura que se denomina “competencias impropias”. Las realizan por decisión propia, pero pueden dejarlas de hacer si el presupuesto, el talante o la mayoría política así lo decide, sin que nadie les pueda reclamar nada legalmente. Estamos, pues, ante una inseguridad, ante un vacío legal que no se resuelve solamente con una promesa electoral, sino que debe ser un compromiso político que vaya más allá de las próximas elecciones del 24 de mayo, al que se le añada presupuesto, porque de lo contrario seguiremos con lo que sucede con demasiada frecuencia actualmente. Tenemos edificio, cada vez en peor estado por su uso limitado y sus escasos recursos para el mantenimiento de las instalaciones, tenemos una gestión parcial, es decir a cargo de un funcionariado que se dedica a otras múltiples funciones, pero no se dota del presupuesto imprescindible para su funcionamiento, para su programación, ya sea a base del pago de cachets, o al menso para la difusión, publicidad y todas esas otras acciones que deberían acompañar de manera ordinaria al hecho de rellenar la hoja de programación con lo que se encuentre por ahí barato, en oferta o regalado. La inexistencia de ley alguna de cualquier ámbito en donde se regule el funcionamiento de estos edificos, nos lleva a una falta

absoluta de criterios, de organización, de planes, de objetivos y de obligaciones a las que se comprometan las instituciones que deberían intervenir en cualquier acción cultural medianamente panificada. Está claro que la constitución vigente, la España de las Autonomías, los diferentes estatutos, las leyes de régimen local, la existencia de unas diputaciones que no acaban de tener una función clara y, sobre todo, homogénea en cuanto a sus dedicaciones a lo cultural y lo teatral en concreto, nos coloca ante un laberinto sin escapatoria. Pero los partidos concurrentes a estas elecciones, los de viejo cuño, los emergentes, las coaliciones electorales, no acaban de fijar una postura adaptable a todas las circunstancias. Seguimos en se territorio de la vaga promesa generalista, sin concretar, con propuestas espumosas, sin un valor práctico previsible, lo que viene a instaurarnos en un pesimismo que se acrecienta ante esta vacuidad tan sideral. Se han escuchado las típicas bravatas delirantes, las promesas de difícil cumplimiento, las generalidades que a nada apuntan ni comprometen, y repasando algunos avances sinopsis de programas se pasa por encima de los cultural con tres tópicos y sobre la cultura en vivo, las artes escénicas, con un desconocimiento abisal. Por lo que seguiremos instalados en esa imposibilidad real de que los edificios, la infraestructura depende de unos, en cada lugar de unos diferentes, en la comunidad autónoma tienen sus propuestas clientelares en base a criterios contables y numéricos y conforme se asciende en la s instituciones todo se diluye en reglamentaciones oportunistas, puntuales y sin un sustento general de una ley o un proyecto integrador, que desde luego no se puede resolver en esa instancia tan abstracta que llamamos Europa

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Editorial

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

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Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El método griego – María Chatziemmanoui Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El lado oscuro – Jaume Colomer Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán Las lejanías – Carlos Be

Estrenos 10 11

Nómadas de La Llave Maestra La viuda alegre de Franz Lehár por Teatro Arriaga 12 Musua de Ivan Cotroneo por Tanttaka Teatroa 14 - 16 Resto de estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Festivales

índice

o Unión Europea donde sabemos que usan en algunos países nuestra misma moneda, pero que sus leyes son troncales, hay una conciencia social, política y cultural consolidada que durante décadas ha creado infraestructuras llenas de contenidos, y por lo tanto públicos, que no son de oleada, sino ciudadanos formados, que aman sus creaciones a las que apoyan desde la crítica. No por todas las deficiencias y vacíos vamos a dejar de hacer teatro, informar de lo que se hace, verlo, criticarlo, disfrutarlo o simplemente ignorarlo que es lo que hace la inmensa mayoría de nuestros paisanos. Porque la falta absoluta de políticas pensadas, elaboradas desde el pensamiento y no desde la coyuntura más adherido a su valor venal, nos tiene en una situación de insuficiencia creativa, de falta de riego, de públicos cuya pirámide de edad se corresponde con la general, es decir muy envejecida, pero que parece dar por perdida la incorporación de varias generaciones de ciudadanos como públicos habituales, entendiendo esta habitualidad con mucha generosidad, pongamos de una a seis veces al año como una medida razonable. Por lo tanto deberíamos empezar a hacer una autocrítica eficaz, no de golpes de pecho, ni de aspavientos, ni de negaciones globales, sino de añadir a la realidad de las competencias impropias, las incompetencias propias, es decir que todos los estamentos que concurren al hecho teatral, cada uno desde su relevancia decida analizar su realidad, su funcionalidad y ponerse a trabajar en común, no penando en salvar las elecciones, ni en que hay que llenar teatros, o hay que dar de comer a muchas familias que viven de esta actividad que además de cultural es, obviamente, económica, sino cambiando la mirada absolutamente, dignificando cada uno su profesión incardinándola dentro de una función mucho más ambiciosa en el ámbito de lo cultural, de lo ciudadano, de lo imprescindible, de lo intangible necesario, lo que nos hace felices más allá de lo posesivo: por ahí encontraríamos caminos de solución, pensando en mayúsculas, con un proyecto común de largo alcance, a desarrollar en varios años para lograr una regeneración cultural, muy específicamente en el campo de las Artes Escénicas que vaya en paralelo con la necesaria e imprescindible regeneración política que parece vislumbrarse. Desde Artezblai y desde todas sus actividades, edición de libros, de esta revista, del periódico digital www.artezblai.com, estamos dispuestos a colaborar en la medida de nuestras pocas fuerzas a ese cambio. Lo hemos propuesto por activa y por pasiva. Como es natural no nos hacen mucho caso. Lo cómodo es vivir cada uno en su mediocridad sin riesgos. Pero insistiremos hasta quedarnos sin voz. Por convencimiento ya que damos por agotado el sistema actual del que nos hemos ido dotando por superposición de parches y componendas y que impide un desarrollo adecuado acorde con las necesidades de nuestra sociedad. Lo decimos una vez más porque nada esperamos personalmente más allá de esperar mejoras para todos y de nuestra vinculación histórica con la realidad de las artes escénicas sin sectarismos.

Opinión

18 - 20 XX Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga 22 - 25 XVI Umore Azoka - Feria de Artistas Callejeros de Leioa 26 - 28 XVI Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid 30 - 31 X KALDeARTE - Muestra Internacional de Artes de Calle de Vitoria-Gasteiz 32 XI Lekuz Leku / Adelanto Bilboko Kalealdia 34 - 35 XXIX Titirimundi / Fira de Titelles de Lleida 36 Trapezi 2015 - Fira del Circ de Catalunya Reus 37 VIII Muestra de Artes Circenses Circolmedo 38 IX Festival Internacional Escena Mobile Sevilla 56 - 57 Mostra de Teatre d´Alcoi 58 XXXVIII Festival de Teatro de El Ejido 59 XXXI Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba 60 X Haizetara - Concurso Internacional de Música Callejera 62 Miscelánea de festivales

Suplemento 39 - 54 XXXII Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería

En gira 64 - 68 Programaciones varias

Zona abierta 84 - 85 83 84 86 - 87 88 - 90

Guía de Encuentros Tres premios Candidaturas Premios Max Escaparate Crónicas varias

15 mayo junio María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

Los estrenos del “Sábado de Gloria” en Barcelona

engo la suficiente edad como para poder acordarme de cuando existía un Sábado de Gloria cuando todos los niños hacíamos ruido con tapaderas y carracas. Los mayores, ese día, a menudo iban al teatro. Era el día de los estrenos, siguiendo posiblemente la tradición de la época clásica cuando la luz solar y el clima templado eran necesarios para el teatro. El avance de la técnica lo cambiaría todo, empezando por la iluminación eléctrica a finales del XIX y prosiguiendo hacia hacer de la técnica y la tecnología uno de los protagonistas. Esta primavera, en Barcelona han sido numerosos los estrenos que han coincidido con Pascua y algunos de gran interés. Especialmente los “grandes” espectáculos que, muy distintos y por distintas razones, me han seducido corresponden a los dos teatros públicos: el TNC y el Lliure y al emblemático e histórico Teatro Romea. No es más que una comedia contemporánea para todos los públicos pero llena hasta los topes el teatro Romea. Teatralmente, en “Els veïns de dalt” de Cesc Gay todo funciona. Nos muestra la cena de dos parejas de vecinos, aparentemente muy normal la vida de una pareja-la anfitriona-, muy provocadora la actitud de la pareja invitada a la cena en casa de los vecinos. Se desatan frustraciones sexuales , se destapan deseos ocultos. Es una trama ágil que sacude vivencias, un teatro inteligente que nos entretiene. Creo que éste es un teatro que debería darse siempre en varios teatros de una gran ciudad. En el polo opuesto estaría el espectáculo del Teatro Nacional de Catalunya, una obra densa y compleja que ha dirigido Ramon Simó y que, pese a algunas deficiencias, es un espectáculo poderoso. Es la convulsa historia del Este de Europa, de Estonia, de las mafias que explotan a las mujeres, hasta las deportaciones a Siberia, es la ocupación soviética y la ocupación nazi. Sofi Oksanen escribió la obra con anterioridad a la novela que le daría fama hace tres años, una impresionante “Purga”, avasalladora narración que te muerde las entrañas. 1992,1991, 1949, 1950...Oeste de Estonia, Berlín, Estonia Libre, Tallín, fechas y localizaciones se mezclan en la novela. Todo son situaciones bélicas y crueles contempladas por una muchacha que huye y una vieja que se esconde, el descubrimiento de la relación que las une, todo constituye un espejo de angustia y tortura, de miedo y de realidades que dan crédito al miedo... Ramon Simó es un excelente director capaz de asumir retos como éste y de superarlos. Es la historia de Estonia vivida desde el refugio oculto de una mujer mayor y fuerte y de una muchacha que huyendo de posibles violadores y torturadores llega a su casa, como a una isla de seguridad. La acción y el resto de los personajes nos sirven para darnos cuenta de la existencia de un mundo de miedo y violencia... En diferentes momentos de la historia, veremos la brutalidad de la policía, del marido, el horror de un joven permanentemente escondido en un zulo doméstico que es el armario... todo nos transmite la angustia, el miedo, la inseguridad de una lucha por la supervivencia

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de unos seres y de un país. Es un argumento complejo difícil de entender pero la puesta en escena lo clarifica suficientemente. El espacio escénico, muy expresivo y acompañado de filmaciones se fusiona con la acción de los personajes. Las principales interpretaciones son brillantes. Carmen Elías es capaz de olvidar su gran belleza para ponerse en la piel y la imagen de una anciana torturada que mantiene su cordura a pesar del miedo, la miseria y el horror. También Maria Molins -el mismo personaje en su juventud- ofrece una excelente interpretación. O Andrea Portella... no así algunos personajes masculinos quizá un tanto superficiales en su interpretación. Pero todo funciona con fluidez para emocionarnos y hacernos reflexionar sobre la violencia que en décadas no tan lejanas, ha imperado en Europa, en Estonia. Gran espectáculo. El mayor, mejor y más convincente estreno de esta pasada Pascua ha sido “El curiós incident del gos a mitjanit”(2003) novela de Mark Haddon que en 2012, Simon Stephens adaptó al teatro y que se estrenó en el National Theatre de Londres dirigido por Marianne Elliot obteniendo varios premios. Hoy, además de en el Lliure de Barcelona, se está representando en el Gielgud de Londres y en Broadway. En Barcelona la dirige Julio Manrique y la protagoniza Pol López quien por su físico menudo, encaja perfectamente en la figura del adolescente de quince años protagonista del espectáculo y por sus grandes cualidades interpretativas nos ofrece con gran riqueza de matices, la personalidad del chico autista, con síndrome de Asperger, que no se separa nunca de su ratita-fetiche, que es un genio en las matemáticas y la astronomía, que no cuenta por el orden habitual sino que lo hace a partir de los números primos y que, al hallar un perro asesinado en el parque vecino a su casa, emprende la aventura de una investigación. Él es siempre el centro de un espectáculo, acompañado de batería y piano, y también en ocasiones por el violoncelo que toca Marta Marco. Con un ritmo trepidante que va de los descubrimientos de la primera parte al viaje iniciático de la segunda que le llevará a situaciones nuevas y difíciles en busca de la madre, siempre convincente Cristina Genebat ,traductora también del espectáculo. Hay que señalar también de modo muy positivo, una escenografía-de Lluch Castells- sobria en la primera parte que alude sólo a la habitación del protagonista en casa de su padre -brillante Ivan Benet- pero que en la segunda sufre transformaciones, siendo la más vistosa la conversión del espacio en un vagón de tren en una estación londinense... Con las entradas agotadas, el Lliure ha prorrogado dos semanas. Este es mi resumen barcelonés de los estrenos de Pascua, de los tres teatros más emblemáticos. Se me ocurre sugerir que, alguno de estos espectáculos pudiera verse también en Madrid y en el resto del Estado Español, aunque fueran necesarios los subtítulos, como en tantas ocasiones se hace cuando la lengua del espectáculo difiere de la lengua hablada por el público.

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Desde la caverna

David Ladra

Lorca en el Real

l monarca entra en el palco real del coliseo de la plaza de Oriente acompañado por la reina. Todo el mundo se pone de pie y la orquesta interpreta la marcha real coronada por un nutrido aplauso. En cierta manera, es un día especial éste en el que los reyes asisten al teatro para mostrar en público su admiración y aprecio por el poeta cuya obra hoy se estrena y que, rodeado de amigos de la Residencia, está presente en la platea. Y es que esta tarde-noche de 1931 se va a representar la versión operística de El Público de Lorca, esa obra que el renombrado autor finalizó en La Habana el año pasado de vuelta de una estancia en Nueva York y cuya versión teatral, estrenada en el María Guerrero por la compañía de la Xirgu y Borrás dirigidos por Rivas, tanto ha dado que hablar: que si se trata de una obra de vanguardia de las más avanzadas, que su autor es un genio de la dramaturgia nacional, o bien, muy al contrario, que no se entiende nada y que el poeta es homosexual. En todo caso, la expectación hace vibrar la sala y se barrunta una memorable velada. Así debería de haber sido la presentación de la ópera El Público de ser éste un país sin la historia truncada. Por contra, la que acabamos de vivir en febrero de este 2015 se le asemeja tan solo en lo superfluo: el soberano es otro, aunque también Borbón; en efecto, la pieza se estrenó en el María Guerrero, pero mucho después; y tras estar cerrado unos decenios, el Real se inauguró otra vez. El público del patio de butacas se sigue levantando entusiasmado y ahora aplaude a rabiar cuando entra el rey y suena la marcha nacional – bastante mal, por cierto, habrá que ensayar más... Como la decoración del teatro, todo está restaurado en rojo y gualda pero de una manera que destaca, que no parece natural. Y es que, bajo las estructuras revocadas, relucientes, existen todavía las ruinas centenarias que, junto al suburbano, las sostienen: de la muralla árabe, del pueblo medieval, del alcázar quemado y sus conventos, y hasta las de los Caños del Peral. Ave Fénix a punto de expirar, la Patria se renueva cada día a base de consumir sus restos. Un sistema barato y eficaz aunque, de vez en cuando, no deje de cobrarse sus impuestos. Por ejemplo, esta vez, el poeta no se encuentra en la sala sino en algún lugar ignoto de Granada, ocupando una fosa común con dos banderilleros anarquistas y un maestro de escuela nacional… Un error lamentable que alguna de las Restauraciones que hoy se llevan habrá de reparar. La idea de convertir El Público en ópera se debe a ese artista y gestor tan genial que fue Gerard Mortier quien, en los cuatro años que programó el Real lo colocó – mal que les pese a algunos – a un nivel internacional. Convencido de que el canto y la partitura musical terminarían por iluminar las zonas oscuras de una obra que él veía de por sí muy compleja, confió en dos artistas del país, Mauricio Sotelo como compositor y Andrés Ibañez de libretista, con objeto de hacerla transparente para el espectador. De modo que fue Ibañez quien se enfrentó el primero con la máxima dificultad de la tarea al tener que integrar una interpretación unívoca y plausible del texto lorquiano original en ese maremágnum de diversos lenguajes expresivos que es el espectáculo operístico, reto que consiguió al final. También la composición musical de Sotelo, aunque un tanto irregular

en ocasiones en lo que se refiere al perfil melódico y el ritmo, busca la inteligibilidad del texto cuidando con un tacto exquisito su articulación y fraseo, esmero que permite que la letra y la música concuerden y se entienda el libreto, lo que no suele ocurrir en español. Ello unido a la perfecta ejecución del Klangforum Wien, la excelente dirección musical de Pablo Heras-Casado y la bondad de cantantes como Isabella Gaudí o Thomas Tatzl conforma una sólida base de carácter psico-conceptual sobre la cual edificar la obra. Lástima que dicha construcción quede viciada por dos desajustes de diseño que creo que provienen, al menos el primero, de un desacuerdo personal. Y es que la introducción del flamenco en sus modalidades de toque, cante y baile me parece bastante oportunista y supone una contradicción. No por el saber y buen hacer de sus ejecutantes, el “tocaor” Juan Manuel Cañizares y el percusionista Agustín Diassera, los “cantaores” Arcángel y Jesús Méndez o el “bailaor” Rubén Olmo, que descuellan por sus respectivas facultades, sino porque la estética surrealista de El Público quiere romper con todo lo existente y lo “jondo”, aunque maleable como el “jazz”, tiene existencia propia y muy particular. A la misma crítica responde la transmutación del Desnudo Rojo en el Cristo, aunque aquí la intención pudiera ser peor al poder deslizarse con gran facilidad la agonía del Desnudo en su camilla hacia lo folclórico y turístico de una Semana Santa en toda regla, con su cruz, sus damas y estudiantes penitentes y sus hachones encendidos en medio de la oscuridad. Se incrementa la comercialización del producto pero a base de perder veracidad. Y una segunda discrepancia, y ésta de más calado, es con la intervención del escenógrafo Alexander Polzin y el figurinista Wojciech Dziedzic en cuanto a su concepto de lo homosexual. Para ellos, el deseo del hombre por el hombre se traduce en una estética de “boudoir” repleto de máscaras, disfraces y tules transparentes con biombos pintados que suben y bajan sin cesar como intentando remedar lo voluble de un sexo afeminado, mientras que para Lorca es un amor de machos desnudos sin careta, una entrega y posesión bestial – de ahí los caballos. Partiendo de la base de que la ópera representada en el Real, aun con todos sus defectos de concepción y sus “traiciones” al poeta, es un gran espectáculo, vanguardista, brillante y profesional - lo que contribuirá sin duda a que fuera se le abran las puertas de par en par - el lector me dejará que opte, sacándole ventaja a mi provecta edad, por el montaje teatral de Lluís Pasqual en enero del 87 en el María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional. No solo porque dicho montaje corresponde al original del propio Lorca o, al menos, al que entregó a Rafael Martínez Nadal en la estación de Atocha y, por lo tanto, guarda su idea primigenia en toda su pureza, sino por ser también un posible punto de partida de nuestro teatro en democracia. Si el del final de la República y el comienzo de la guerra civil se plasma en el silencio que impone la Bernarda en su casa, El público (y Comedia sin título) constituye un ejemplo de ese nuevo teatro que aquí nos queda por hacer y aún rechazamos. Cuando la leía a sus amigos y todos le decían que no se podía representar todavía, le echaban por lo menos veinte años hasta su estreno. En realidad, fueron 56. Y es que las cosas van despacio en este país. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 mayo junio La Llave Maestra estrena Nómadas

Oda al acto valiente de viajar

a compañía La Llave Maestra estrena el 22 de mayo en el Teatro Gayarre de Pamplona Nómadas obra sin texto de autoría propia dirigida por el chileno Álvaro Morales Lifschitz. Al igual que en sus dos trabajos anteriores, ‘Bestiario’ y ‘Delirios de papel’, en este montaje “convergen una mixtura de lenguajes escénicos, teatro gestual, movimiento, teatro de objetos y muñecos, máscara y las artes plásticas, tras una investigación con materiales de embalaje y objetos cotidianos” explican desde la compañía afincada en Chile desde 2013. En Nómadas tres personajes –interpretados por Edurne Rankin, Patxi Larrea y Aintzane Baleztena tres de los cuatro miembros de la compañía junto a Morales– navegan en un universo poético, un viaje que se convierte en una metáfora de la vida, “es una oda al acto valiente de viajar” porque “bien sea por placer o por necesidad, todos nos convertimos en viajeros, en inmigrantes, en nómadas. Es un viaje onírico a la imaginación” afirman los miembros de la compañía para añadir que “los tres personajes nos llevan

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de la poesía a la comicidad, en un baile de emociones, en un deleite para los sentidos”. Para este tercer proyecto, La Llave Maestra ha contado con la colaboración de “dos artistas de lujo”, el ilustrador y diseñador Isidro Ferrer y el compositor Gorka Pastor y ha llevado a cabo cuatro residencias en las Casas de Cultura de Noain, Burlata, Mutilva

y Zizur donde han desarrollado diversas actividades como training físicos abiertos al público, charlas y talleres. Tras el estreno darán comienzo a una gira que les llevará a Taiwan, Argenina y Chile, donde realizarán un segundo estreno de Nómadas en agosto, en el Teatro Matucana 100 de Santiago.

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La opereta convertida en un gran musical

l bilbaíno Teatro Arriaga presenta el estreno de La Viuda Alegre, “la producción propia más importante de la temporada” que se podrá ver a partir del 13 de mayo. Natalia Millán encabeza el reparto del clásico de la opereta del compositor austro-húngaro Franz Lehár que el Teatro Arriaga convertirá en “un gran musical lleno de glamour”. La actriz, cantante y bailarina Natalia Millán interpretará a Hanna Glawari, “la viuda alegre” de la opereta en tres actos que se estrenó en Viena en 1905, con música de Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia ‘L’attaché d’ambassade’ (1861) de Henri Meilhac. Natalia Millán, que ha trabajado a las órdenes de directores como Mario Gas

o Adolfo Marsillach, ha protagonizado ya musicales tan reconocidos como ‘Cabaret’ o ‘Chicago’. En cuanto al resto del elenco,

Antonio Torres interpretará al Conde Danilo, Silvia Luchetti a Valencienne, Guido Balzaretti a Camille, Enrique Viana a Njegus y, por último, José Manuel Díaz será el Barón Mirko. Jordi López es el director musical de este espectáculo que se representará en castellano y ofrecerá 11 funciones entre el 13 y el 24 de mayo. Emilio Sagi es el director de escena del montaje que cuenta con la escenografía de Daniel Bianco y con Renata Schussheim como figurinista. La iluminación corre a cargo de Eduardo Bravo, siendo la coreógrafa Nuria Castejón. La pieza cuenta la historia de una rica viuda a la que intentarán seducir. Así, sus paisanos, en un intento de mantener su fortuna en el pequeño principado, intentarán encontrarle un buen marido.

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15 mayo junio Tanttaka Teatroa estrena ‘Musua’

Los besos confinados a la oscuridad de lo prohibido

n beso, el beso, Musua –en euskera–, es el nuevo espectáculo de Tanttaka Teatroa que se presenta del 23 al 27 de junio en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia dentro de las diversas actividades que se van a desarrollar en torno al Día Internacional del Orgullo LGBT. Fernando Bernués dirige esta obra basada en la novela ‘El beso’ del italiano Ivan Cotroneo, en la que tres voces, en forma de tres monólogos relatan un suceso violento ocurrido en el aula de una escuela en EE.UU. en 2008, en que un estudiante californiano llamado Larry King, fue asesinado por un compañero de clase de un tiro, pero lo que convirtió a este homicidio en un crimen distinto a los perpetrados en las aulas norteamericanas, fue que King había tratado de conquistar al chico que le asesinó. La adaptación que lleva a escena Tanttaka Teatroa contextualiza las tres voces mencionadas, la de dos alumnos y la profesora, y las mezcla en escena “el relato se va interponiendo con el punto del vista del otro” explica Bernués para añadir que “van narrando no solo el hecho en 12

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si sino el devenir de los sucesos que han acontecido los días anteriores y además expresan su punto de vista”. Sobre el escenario tres personajes, dos adolescentes encarnados por Ander Iruretagoiena y Haritz Morras y una profesora, Mireia Gabilondo. Ellos son los protagonistas de una obra que trata “asuntos tremendos y contemporáneos como los malos tratos, la homosexualidad no aceptada, el bulling, la homofobia, la moralidad de la escuela” explica su director para a continuación aclarar que “la obra tiene un contenido narrativo importante pero todo ello se aborda desde una perspectiva nada didáctica” y a través de “un teatro de proximidad” ya que el objetivo de esta propuesta es hacerla en las propias escuelas, con los adolescentes como público y con el objetivo de realizar un coloquio posterior o una puesta en común sobre los temas tratados. Musua, que se estrenará en castellano el próximo mes de octubre, es en definitiva una historia estremecedora que parte de un hecho real y que aborda “la incapacidad de gestionar los afectos y los prejuicios” de muchas personas. La sinopsis

de la obra acerca la historia de la manera siguiente: “Lorenzo tiene quince años, llega, desde el orfanato, a una familia de acogida en una pequeña ciudad de provincias italiana. Allí se enamora de Antonio, un joven que tiene dificultades para expresar lo que siente y no sabe cómo reaccionar ante el afecto de Lorenzo. Testigo de todo es Elena, una profesora deseosa de dar a sus alumnos el coraje del que ella carece. Estos son los protagonistas de esta obra a tres voces, un relato extraordinario de amor, odio y violencia. Y en el centro, un beso, un único y sencillo beso capaz de dar rienda suelta a la locura. . .” Los prejuicios, la homofobia, el bulling, la incapacidad de expresar los sentimientos, son temas de actualidad que necesitan ser abordados y la escuela, en la propia aula es un lugar privilegiado para ello. La temática de la obra es adecuada, especial, una oportunidad que diversos centros educativos de Donostia aprovecharán de cara al curso que viene y que Tanttaka Teatroa tiene previsto ampliar a otros lugares con la versión en castellano de esta obra.

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E l fabuloso mundo de...

El argentino Grupo Laboratorio de Teatro El Rayo Misterioso presenta el estreno de El fabuloso mundo de la tía Betty, con texto, dramaturgia y dirección de Aldo El-Jatib. La obra es la escenificación del inconsciente colectivo de una sociedad que construye su dinámica de comportamiento con la mentira, la crueldad y la muerte. Es un fantasma que nos recuerda, con su aparición, las leyes físicas de la naturaleza: que todos los hechos cometidos quedan impresos en un mecanismo de funcionamiento social repetitivo y de autodestrucción. “La Tía Betty se presenta como una secuencia vertiginosa de escalofriantes cuadros que presentan lo más miserable y lo más sublime de los hombres, y nos da la posibilidad de expresar esas energías violentas de nuestros antepasados que nos punzan y conducen sin darnos cuenta. Es una forma de presentar la repetición de generaciones y generaciones que sólo supieron canalizarla mediante guerras. Y de las víctimas indirectas que aún hoy siguen pagando las consecuencia de tanto desastre. Es la oportunidad para el espectador de vivir la escenificación del inconsciente”, afirman desde la compañía. La Tía Betty propone ser una nueva ruptura de lenguaje dentro de la estética de El Rayo Misterioso, grupo creado en 1994 que tiene como objetivo principal encontrar nuevas formas de expresión teatral. Para ello, desarrolla un Proyecto Cultural con diversas actividades como producción de Espectáculos, Talleres y Seminarios Internacionales de Teatro, Edición de Revistas y Libros Especializados, Sala de Teatro y la organización anual de “Experimenta Teatro”, un Encuentro Internacional de Grupos. En sus 21 años de vida, ha producido 13 espectáculos, con más de 1000 funciones realizadas. El año pasado el Teatro Nacional Cervantes le otorgó el Premio María Guerrero. Su nuevo espectáculo se estrena el 2 de mayo en el rosarino Teatro del Rayo, y se representará durante los viernes de todo el mes. María de los Ángeles Oliver, Catalina Balbi, Ada Cottu, Maywa Vargas, Sebastián Arriete y Exequiel Orteu son los intérpretes que conforman el reparto de la obra.

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2062

Después de haber girado con su anterior trabajo ‘zoomwooz’, el equipo multidisciplinar formado por la alemana Karla Kracht y el español Andrés Beladiez presenta su último espectáculo de cine en directo: 2062. Vídeo en directo, juegos de sombras, teatro, animación, música y multimedia. Así se presenta el montaje donde el espectador encontrará multitud de objetos en la escena, iluminados por pequeñas luces, proyectando así sombras en el espacio. Los actores se mueven en el escenario y dan vida a los diferentes personajes construidos a mano. Para ello usan una cámara, linternas, animación por ordenador, efectos especiales o sombras que interactúan con los personajes. Todo esto se proyecta en una gran pantalla con sonido envolvente. “No se trata de crear una película en directo, que lo hacemos. Buscamos un lenguaje, una forma de contar propia uniendo las artes visuales, la ilustración, el tratamiento del vídeo y del espacio sonoro así como la animación por ordenador con las artes escénicas”, expresan. En cuanto al contenido, la pieza apuesta, como su anterior montaje, por temas sociales donde la actualidad es el auténtico protagonista. Fronteras, muros, nuevas migraciones y los últimos cambios geopolíticos y económicos son los ingredientes con los que estos artistas construyen un mundo distópico para hablarnos de nuestra sociedad hoy en día. La creación del espectáculo se inició en Seoul Art Space (Corea del Sur) durante una residencia artística de tres meses, para posteriormente continuar su creación en Portugal acogidos por la compañía Joao García Miguel y el Festival ALT de Vigo. Andrés Beladiez y Karla Kracht han mostrado su trabajo en festivales de teatro, objetos, animación, danza, cine o performance repartidos por todo el mundo, como el Festival du Nouveau Cinema de Montreal, AnimanimaSerbia, TAC-Valladolid, Dfesta-Corea de Sur, Tact FestJapón, Future Everything-UK, Dferia-Donostia, Seoul International Cartoon & Animation Festival-Corea del Sur, etcétera. La representación de su último montaje será en el Figuren Theater Festival de Nürnberg (Alemania) los días 15 y 16 de mayo.

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E l Olimpo no es aquí

La Cumbre

©Diego Cabezas

El Punto! Danza Teatro presenta este espectáculo de danza contemporánea y danzas urbanas que cuenta con la dirección, idea original y coreografía de Fernando Lima. “La presencia del deporte en la sociedad contemporánea es sin duda cada vez mayor. Los deportistas son ídolos con una presencia cada vez más amplia. Son los nuevos dioses del Olimpo, pero muchas veces no por su conducta ejemplar. Son un espejo de una sociedad competitiva, en la que se premia el juego hediondo, siempre que el resultado final sea el triunfo... La descontextualización de las esencias del deporte se ha generalizado tanto que ya es otra cosa diferente, con reglas diferentes. Más cerca del espectáculo y del negocio que de una competición para mejorarse a uno mismo”. La compañía aborda este mundo a través de la danza y de los lenguajes urbanos, como el breakdance y el hip-hop, que han dejado de ser materiales exclusivamente urbanos para asociarse con otras expresiones creativas en el terreno del baile. El Punto! Danza Teatro se forma en Sevilla en 1997 dando continuidad al trabajo que el coreógrafo, actor y gestor cultural brasileño Fernando Lima venía desarrollando en España desde 1992. La compañía adopta un lenguaje personal que nace de la necesidad de mezclar distintas disciplinas artísticas. “Crear partituras coreográficas con nuestra propia cotidianeidad como telón de fondo para las discusiones y reflexiones que planteamos, pues lo que sugerimos no es más que la confrontación con una parte de nosotros mismos”, explica el coreógrafo. El diseño de sus piezas navega en una atmósfera onírica donde elementos muy cercanos a nosotros ganan una dimensión lírica, cargada de simbología. El trabajo dramatúrgico, como búsqueda de un diálogo que sirva para conectar y comunicar, es el punto de partida para la creación de sus espectáculos. Manuel Acuña, Daniel Gómez, Sergio Fuentes y Álvaro Silvag son los actores de esta última pieza que se podrá ver el 16 y 17 de mayo en el Teatro Central de Sevilla. El 23 y 24 de mayo estará en La Fundición de Bilbao y el 8 de junio en el Festival Internacional Cádiz.

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Fernando Sansegundo es el autor y el director de La Cumbre, ‘Las Conversaciones Secretas de María Fernández Estuardo e Isabel Sánchez Tudor’, una obra que habla de mujeres y de poder. “De mujeres en el poder, de cómo lo afrontan y cómo se les contempla de un modo especial por ejercerlo siendo mujeres. A partir de ello rondaba nuestra memoria aquel enfrentamiento entre grandes lobas que fue el conflicto entre Isabel de Inglaterra y María de Escocia. Robamos a Schiller, como hicieron otros, la invención de un encuentro que al parecer nunca llegó a producirse”. “A partir de este momento, no culpes a la suerte si algo te va de culo. Tu mala suerte se llama Isabel” (Isabel Sánchez Tudor). “Las zarzas ardiendo eran pistas falsas en desiertos empapados en petróleo. La respuesta es silencio” (María Fernández Estuardo). Noelia Benítez y Pepa Gracia serán las actrices encargadas de ponerse en la piel de estos dos personajes. En palabras de Fernando Sansegundo, “¿Ha de ‘igualar’, ‘emular’, la mujer a los varones, primordiales ejecutores del rol reservado a ellos durante siglos, o ha de conducirse de un modo diferente por estar dotada de una sensibilidad distinta, por haber accedido al poder después de tanto tiempo, por saber sufrir lo que es carecer de poder?”. Como explica el director madrileño, “para encontrar estos contrastes y también similitudes necesitábamos contar con dos personalidades distintas, fuertes cada una a su modo, ambas conocedoras y ejecutoras del poder, entendido de maneras diferentes. Buscábamos, como es esencial en la materia teatral, el conflicto. A ser posible, un conflicto prácticamente irresoluble”. Producido por La Catorce, el espectáculo mostrará la escenografía de Juan Francisco Pozo y la iluminación del inglés Michael Collis. El autor de la obra, junto con Diego Cabezas, es el encargado del espacio sonoro de esta pieza que cuenta con la participación de Alicia Lobo como voz en off. La fotografía y el vídeo llevan también la autoría de Diego Cabezas. La Cumbre estará en cartel del madrileño Teatro del Arte durante los jueves y viernes del mes de mayo.

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15 mayo junio XX Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga

Diversas disciplinas artísticas se mezclan en Arrigorriaga Entre las actividades paralelas, el festival organiza un curso de teatro de calle impartido por una de las compañías programadas

Dans tous ses états de Mathieu Moustache ©Christine Amat

rrigorriaga acogerá, del 8 al 10 de mayo, la XX edición de su Festival de Clowns y Payas@s, donde los asistentes podrán disfrutar de representaciones que mezclan diferentes disciplinas como teatro, danza, magia o circo. En total serán 12 las compañías que se den cita en el municipio vizcaíno. Brasil, Suiza y Francia serán algunos de los países representados en el festival, además de las agrupaciones vascas y las provenientes del resto del Estado. La Plaza del Ayuntamiento, la de Juan XXIII, el polideportivo y el frontón son los espacios que en los que se podrá disfrutar de las diferentes funciones. El espectáculo Dans tous ses états de Mathieu Moustache dará el pistoletazo 18

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de salida al Festival de Clowns de Arrigorriaga, que cumple 20 años en la presente edición. Este montaje visual mezcla malabares, contorsión, teatro, danza y música en directo. Un espectáculo para todos los públicos que propone descubrir un universo imaginario donde un tibetano baila con las sillas, un águila se convierte en tambor o la música hace malabares con el espacio. El otro espectáculo programado para el viernes y que se podrá ver también en la Plaza del Ayuntamiento es Dumbreak de Deabru Beltzak. Este montaje sin texto es una fusión de break dance y percusión, una lucha de ritmos y coreografías. El sábado comenzará con una propuesta de teatro-circo a cargo de El Gran Ru-

fus. Al fin y al cabo, una nueva forma de vida es un montaje de circo en el que se formulan los equilibrios y malabares que hay que hacer para tener una vivienda digna y con todo lujo de detalles. Su autor propone una diversión asegurada sin salir de su vivienda. Ya a la tarde, Or tzi Acosta presentará un espectáculo que busca sensibilizar al público a través de una historia narrada mediante la expresión corporal, la acrobacia, la comedia, el drama y su música en directo, todo ello dirigido por un lenguaje universal: las emociones. Con Ilusioa se quiere fomentar la importancia de la ilusión para afrontar la vida. Dos personajes vivirán una experiencia mágica que les ayudará en sus

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Ilusioa de Ortzi Acosta

respectivas vidas, presentes y futuras. La brasileña Jessica Arpin llegará a Arrigorriaga para ofrecer un conjunto de clown, circo y poesía. Kalabasi es la historia de una joven extranjera, a quien le gusta tanto el lugar donde se encuentra, que hace todo lo posible por aferrarse a él. Su permiso de residencia caduca pronto y sólo tiene una oportunidad de permanecer en el país, y es... casándose; pero no con cualquier hombre. Así, organizará un concurso para encontrar entre el público a quien podría convertirse en su marido. Los candidatos tendrán que participar en algunas pruebas. Las calles del municipio serán testigo del espectáculo ambulante que ofrecerá la francesa Cie Cacahuète, que también impartirá un curso de teatro de calle dentro del festival. Por su parte, L’enterrement

de Maman es un montaje satírico de calle en el que una familia busca desesperadamente el camino hacia el cementerio al que llevan el ataúd de la difunta madre. Los intérpretes improvisarán con la circulación, los comercios, la arquitectura, el público, las terrazas de las cafeterías, las obras, los transportes públicos, el río, las escaleras, los parques, las fuentes, la estación... convirtiendo a Arrigorriaga en el actor principal de su espectáculo. La última representación del sábado será El experimento del cuarteto vocal Primital Bros, que presentarán “un laboratorio demencial. Cuatro cobayas humanas. Una reacción en cadena de comedia, música y ciencia infusa”. La obra es una comedia musical sin palabras ni instrumentos, donde la música vocal es la principal protagonista. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Dumbreak de Deabru Beltzak

Último día: 5 espectáculos

Cinco serán las propuestas programadas para el domingo. El público conocerá la historia de Txo mikmak, un indio venido del otro lado del océano. Serán Pirritx, Porrotx eta Marimotots los encargados de representar esta pieza titulada Txo, Mikmak txikia, donde realizarán un plan con él y con el abuelo Roke: “nos hemos unido para cambiar el mundo, ya que Roke es carpintero y hace sueños de madera estando despierto”. La segunda propuesta del día llegará de la mano de la compañía Dikothomia. “En el letargo de la convivencia, la vida transcurre sin sorpresas; nos conocemos bien, parece que todo ya está escrito... rutina y con ella los choques de una relación claustrofóbica que perdió el gusto de lo imprevisto... aun así, todavía nos quedan cuentos por inventar”, expresan. Así, las técnicas de circo se convertirán en su máquina de escribir en Spazi…O : “dibujando con malabares, insinuando emociones con el cuerpo: verticales para no perder el gusto de soñar, danza y teatro físico para hilar capítulos, equilibrio acrobático para recordar que sin lectores no hay escritores”. Comenzando la tarde, la Plaza del Ayuntamiento se convertirá en el escenario donde se dará cita una troupe de marionetistas gitanos. El Espejo Negro representará allí su mítica La cabra, donde el grupo se 20

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buscará la vida irrumpiendo en medio de la calle entre palmas y música de raza para pedir con desparpajo a la gente. Cantes flamencos y discotequeros, auténticos zapateados sobre cajas de cartón... las marionetas harán poner a prueba la paciencia y la imaginación de todo el clan familiar y la sorpresa y admiración del público. Después de los andaluces, Circo Los mostrarán su Xaribari Blues, un espectáculo con el que, inspirados en la película ‘The Blues Brothers’, cuatro artistas de circo ofrecerán malabares, monociclos y una cama elástica con equilibrios imposibles y vertiginosas acrobacias. El Mago Sun, Premio Nacional 2011 de Grandes Ilusiones en el Congreso Nacional de Magia en Madrid, será el artista encargado de clausurar esta vigésima edición del Festival de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga. Spectacular Magic está dirigida al público infantil y juvenil, que podrá ver cómo los trucos se intercalan con el humor y la participación de los asistentes a la función. La actuación contará con diversas apariciones y desapariciones, y con trucos “increíbles”. Exposición y cursos

Además de las mencionadas representaciones, la organización del festival ha programado tres actividades paralelas: dos cursos y una exposición. En cuanto a la formación, el curso ‘L´enterrement de

Kalabasi de Jessica Arpin

Maman XXL’ será impartido por una de las compañías programadas en el festival: Cie Cacahuète. Durante el 7 y el 8 de mayo, los participantes trabajarán con Pascal Larderet, fundador de la compañía, en la creación de acciones urbanas. El taller se presenta como una experiencia fuera de lo común donde tendrán que aceptar el principio básico de transgresión de las normas y códigos en vigor. Por otro lado, la compañía Tiritirantes ofrecerá el taller infantil de circo ‘Cirkeando’. Cirqueamos es una carpa itinerante que acercará el mundo del circo a los niños y a los no tan niños, en la que demás de poner en práctica sus habilidades, desarrollarán su psicomotricidad. Los participantes podrán atreverse con tres talleres 100% circenses: Equilibrios, Zancos y Aéreos. El tercer y último acto educativo es la exposición de marionetas ‘La metamorfosis de las ranas’, que se puede visitar ya en la Sala de exposiciones del Ayuntamiento y que estará hasta el 13 de mayo. La muestra de Corrado Masacci está centrada en las ranas, y quiere demostrar que la marioneta, en sí, es una síntesis de la escultura, pintura y teatro. Los asistentes podrán ver diferentes dibujos, bocetos y marionetas construidas por su autor a lo largo de 30 años de trabajo. Uno de los objetivos de la exposición es activar en el público, prioritariamente infantil, el deseo de mover y construir marionetas.

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15 mayo junio XVI Umore Azoka - Feria de Artistas Callejeros de Leioa

Al encuentro de las Artes de Calle en estado puro Las calles, plazas y diversos rincones de Leioa se convierten un año más en el escenario de la Umore Azoka - Feria de Artistas Callejeros de Leioa que celebra su décimo sexta edición del 21 al 24 de mayo con una programación que reúne a 50 compañías –seleccionadas de las más de 400 solicitudes de participación recibidas por la organización, 100 más que en la edición anterior– que pondrán en escena otros tantos espectáculos –22 de ellos estrenos absolutos– con más de 170 representaciones. 14 espacios escénicos habilitados donde disfrutar de las propuestas de 17 compañías vascas, 24 estatales y 9 compañías internacionales que optarán a los Premios Umore Azoka en las categorías Premio al mejor espectáculo callejero, Premio al me-

jor espectáculo callejero de Euskadi y Premio Especial al Mejor espectáculo/artista emergente. Umore Azoka calienta motores cada año más pronto con actividades paralelas que se llevarán a cabo antes de su celebración –tales como el concurso de escaparates Umore Azoka, el taller COFAE: ‘Posicionamiento digital’ impartido por Pepe Zapata o una workshop de la Cie. Cacahuète– y durante la feria: Asamblea de Sarea, Encuentros COFAE, actividades de diversa índole en el Espacio Artekale, reunión de la Junta directiva de la Red o la entrega de los XV Premio Umore Azoka que recayeron en los espectáculos ‘Rudo’ de Manolo Alcántara, ‘Gelajauziak’ de Kukai Dantza Konpainia, ‘L’effet escargot’ de la Compagnie Kadavresky y ‘Sinestesia’ de Iron Skulls Co.

al y como afirman desde la organización “Umore Azoka se ha convertido en un escaparate para que las compañías que apuestan por la calle como espacio de creación presenten en Leioa sus nuevas producciones” –muestra de ello son los 22 estrenos que tendrán lugar esta edición– y destacan además que “el compromiso de para con las compañías vascas es cada vez más firme y trasciende los días de la feria plasmándose en acuerdos de colaboración que les permiten disponer de espacios para ensayos, realizar pases previos, etcétera”. Esta edición ese apoyo especial es para cuatro compañías que presentan por vez primera ante el público sus nuevos espectáculo. Dikhotomia Cía. estrena Spazi…O, propuesta de circo en la que Barbara Govan y Endika Salazar ofrecen malabares, acrobacias y verticales, gestualidad y movimiento más allá de la exhibición técnica; minimalismo en una composición escenográfica viva y dinámica. Wifi 22

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Sómente de Teatro Só

free de Ékoma Teatro es “una comedia que cuestiona el mal uso de las nuevas tecnologías a través del humor” mientras que Micro-Shakespeare de Laitrum Teatre-Toti Toronell es una instalación participativa de teatro de objetos en la que se condensan en cinco piezas de ocho minutos cada una toda la obra de Shakespeare y teatro-instalación es también Nola de Hortzmuga Teatroa con una puesta en escena viva y dinámica en la que conviven trabajo actoral, títeres y objetos, recursos tecnológicos, auditivos y lumínicos para ofrecer un tránsito entre los límites de la fantasía y la realidad. Estrenos de Danza y más

Zirkozaurre

Cuatro estrenos de danza. Cía. Cielo Raso - Igor Calonge presenta en Umore Azoka Bruto dúo basado en el triángulo cuerpo-límite-velocidad, en las acciones, reacciones e interacciones físicas de un

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Particular de Marcel Gros

cuerpo con otro, sin tacto, ni cuidado, en la velocidad de las frases coreográficas y en el ímpetu de la energía humana. El show del espectador de la compañía de Asier Zabaleta, Er tza Dantza es una coreografía para reflexionar sobre la posición que toma el espectador en una representación artística pública, desde el prejuicio inconsciente hasta la crítica consciente y Kukai DantzaTanttaka Teatroa revisan la trayectoria en común que comenzó en 2002 sacando a la calle, a espacios no convencionales Hazipenen pozak, en la que ofrecen una mirada a las producciones creadas conjuntamente. Barrock de Dantzaz Konpainia es una pieza que juega con el barroco y el rock reescribiendo el minué con un lenguaje con-

temporáneo. Una coreografía para doce bailarines del italiano Paolo Mohovich dirigida por Adriana Pous. El joven colectivo Etorkizuna Kontzeptuak presenta Leihotik, una coreografía para diez bailarines creada a partir de textos de Joseba Sarrionandia, sobre músicas de Alos Quartet, Mikel Laboa y Juan Mari Beltrán. La canaria Paula Quintana llega con Latente una propuesta que aúna danza contemporánea, flamenco, teatro y humor absurdo que se presentará en Leioa en la intimidad de la noche y desde Madrid danza contemporánea, acrobacia y contact en Solo juntos del director, coreógrafo, docente Lucio Baglivo. Colectivo Hiriko estrena La Gloïre-les bouffeurs d’ombres, una pieza de danza,

música, textos, acciones físicas y sonoras, creada in situ a través de la improvisación al igual que Urbanitas, de Muyuyay una creación única, espontánea y original, donde el espacio se rehace, el tiempo se recontextualiza y se resignifica lo conocido. El teatro físico, el humor y la danza se funden en Ka-Yi-Ha una historia que hace cabalgar al público entre cowboys, indios, escorpiones, fogatas, alcohol, duelos y mucho más de Cía Los Moñekos. Gaitzerdi Teatroa –Premio de Honor Umore Azoka 2013– vuelve a elegir Leioa para estrenar su nuevo espectáculo de teatro de calle, Out, en el que desde lo absurdo, lo chapliniano, lo delirante y lo participativo se cuestiona lo absurdo de los conflictos.

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Sulky M1 de Compagnie Mobil

Otra compañía conocida en Umore Azoka La Pez vuelve a estrenar en Umore Azoka su nuevo trabajo, Rotonda circus montaje en el que la fusión de lenguajes, la cercanía con el público y la improvisación se funden con su sello inconfundible que sorprenderá a gran parte del público y en una rotonda se presenta Crudo ingente, “una experiencia de inmersión, una road movie, o mejor, una rawmovie”, una pieza performativa de calle de Nacho Vilar Producciones en el que el público compartirá un espacio mínimo durante 15 minutos. Y más estrenos

Almacenes la Parisienne de Pez Limbo es un espectáculo sin palabras sobre gente que no se calla, un lugar antiguo y apacible con especialidades como osadía a granel, ingenio fresco y resistencia en lata. Teatro de humor mediante piezas breves con toques de chirigota, cajones y pitos, versos con ritmo sureño, humor femenino, frescura, irreverencia, verdad… son los ingredientes del nuevo trabajo de Chirigóticas, Tres monjas y una cabra y el humor y la sutileza del clown son los protagonistas de Fitness espectáculo de Ibuprofeno Teatro en el que la payasa Marian Bañobre ofrece un retrato crítico de absurdos clichés construidos socialmente en torno al universo femenino mientras que el también clown Marcel Gros da vida a un singular personaje que guarda la luna en una caja 24

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de cartón en Particular. También habrá estrenos de espectáculos que tienen las diferentes técnicas circenses como medio de expresión. Zirkozaurre, espacio y asociación destinada a la difusión de las Artes Circenses en Bilbao presenta su primer espectáculo, mOrse, un evento poético que dibuja el viaje de tres personajes. Los andaluces Vaivén Circo presentan su cuarto trabajo DES-hábitat en el que tratan el tema de la supervivencia y la necesidad de encontrar nuestro lugar vital a través del gesto, movimiento, fusión de lenguajes, coreografías circenses, acrobacias, danza, guiños al flamenco, humor, poesía y mucho circo. Los estrenos de esta edición se completan con Zuek espectáculo de aforo limitado a medio camino entre el concierto, el cine y el teatro de objetos de Rouge Eléa, Le Petit tudio Cinéma, una instalación de teatro de ingenios, títeres, cine de feria y juguetes ópticos de Compañía de Títeres Errantes/Producciones Cachivache y la propuesta itinerante de teatro y música con degustación de “pollo a l´ast” incluida, La vida es un milagro de Cía. Zootroupe. Itinerancia y mucho circo

Itinerantes son también aunque ya han sido estrenados los espectáculo de Markeliñe y Almozandía. Lo primeros se valen del teatro de máscaras para de forma poética y sin palabras poner en escena con Andante historia que no deberíamos olvidar mientras

que en Asmakizun asmatzaileak sus esperpénticos personajes y sus alocados inventos buscarán la participación del público. La teatralidad se fusiona con los portés acrobáticos, el lanzamiento de cuchillos, los equilibrios y la manipulación de objetos en Ekilibuá de Cía. Maintomano y el circo, la danza aérea, el teatro gestual y el humor son los lenguajes utilizados por Cía Estampades en Enfila S.A.. Los miembros de Circo Los por su parte realizan equilibrios imposibles, malabares con aros y mazas, saltan y bailan en minibicicletas a un ritmo musical frenético en Xarivari Blues. Trapecio fijo, mástil chino, escalera de equilibrios, rueda cyr, cuadro ruso y música en directo en el concierto-cabaret Violeta de Col·lectiu La Persiana y como una fiesta de la percusión puede definirse Evolution, espectáculo en proceso de transformación constante de Comañía Brincadeira. El mástil chino, las acrobacias y la danza de Iter, espectáculo dirigido por Claire Ducrueux e interpretado por Serena Vione, la mezcla de danza, teatro y clown en From lost to the river de XeviXaviXou, la danza performance de Tania Garrido Monreal en ETZEV[labor] o el espectáculo de danza Ánimo animal, creado a partir de la coreografía ‘Communication Breakdown’, premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid de Babirusa Danza son otras de las propuestas con las que se podrá disfrutar en Umore Azoka. Junto a estas aWish, espectáculo de humor gestual, la historia de dos

mayo junio payasos de Carlo-Mô & Mr. Di, los títeres, la música y el videomapping de TitiriBeatles Cabaret: nothing is real de Cía Periplo Marionetas y la instalación Apicirc, compuesta por cinco pequeñas cúpulas geodésicas en las que niños y niñas podrán descubrir un mundo de objetos, títeres y juguetes de Pessic de Circ. Internacionales

Nueve compañías internacionales llegadas de Alemania, Dinamarca, Francia, Holanda, Italia y Japón presentan en Leioa –la gran mayoría de ellas por primera vez en el Estado– sus espectáculos. Desde Dinamarca el clown italiano Paolo Nani ofrece poesía visual, teatro físico, enormes globos, helados y juego en Jekyll on ice, una versión loca de ‘Jekyll y Hyde’. El humor visual, los efectos especiales y el dinamismo en escena son las señas de identidad de los holandeses Compagnie Mobil que Sulky M1 presentan a un hombre poco convencional con un vehículo muy particular. Llegados de Japón, To R Mansion ofrecen humor al estilo de Buster Keaton, manga, series de televisión, películas de acción, ciencia ficción y westerns en 24 fotogramas por segundo en el montaje Cinema Paradise y los italianos Trío Trioche

mambo o boogie-woogie un espectáculo que lleva al público a un café con aire de los años 50; La Grosse B., compañía que reúne a artistas de grupos como Du moutons à 5 pattes, Galapiat Cirque, Cie Bam, y Cirque Inextrémiste, entre otras presenta Insert Coin, espectáculo circense inspirado en la técnica de la báscula coreana y Cie. Cacahuète crea confusión con L´enterrement de maman XXL protagonizada por una familia singular y en compañía de personas voluntarias que quieran participar en una experiencia muy particular. Ver, escuchar, sentir, pensar. Una historia soEnfila S.A de Cía Estampades bre la vejez y la soledad contada sin palabras, a interpretan de una manera extraña y llena través del gesto y la fisicalidad corporal. de humor las arias de ópera más famosas Así puede definirse Sómente de la compañía portuguesa afincada en Berlín Teatro acompañadas por un piano, una flauta y deSó. Por último, Umore Azoka acogerá la cenas de objetos en Troppe Arie. Pachamama Coronada de los franceses presentación del proyecto Twisting the baCompagnie La Belle Image es una fanfarria lance, montaje que aúna circo y nuevas tecperfecta que funde música, teatro y danza nologías de la de la creadora bilbaina Leire Mesa alumna en la actualidad de la escuela para contar la historia de un viaje a la Madre de danza y circo Doch de Estocolmo. Una Tierra. Y tres compañías francesas más. En Café Frappé! las dos bailarinas de Les Mopropuesta que se representará con aforo bilettes protagonizan con gesto seductor, limitado con acceso preferente para profeun toque de swing, un paso de chachachá, sionales acreditados.

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15 mayo junio XVI Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

La heterogeneidad escénica como identidad del TAC La décimo sexta edición del Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, TAC, se celebra del 27 al 31 de mayo y reunirá a 54 compañías de 12 países que pondrán en escena en torno a 170 representaciones de montajes de teatro de calle, circo, clown, teatro de máscaras, danza y música además de performances y experiencias sensoriales. El humor será además uno de los grandes protagonistas de esta edición en la que tendrá lugar el estreno absoluto de siete espectáculos –otros tantos se verán por vez primera en el Estado– y que

vuelve a agrupar su basta programación en tres apartados: la Sección Oficial –con 34 montajes–, Estación Norte, espacio dedicado a las compañías de Valladolid, y la Sección Off en la que predominan las artes circenses entre las propuestas de 15 compañías. El festival acogerá además el II Foro Internacional de las Artes de Calle y esta edición homenajeará a Mario Pérez Tápanes, director de programación de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid entre 1989 y 2014 y hombre clave en la historia del TAC.

on una programación heterogénea en la que se combinan “la tradición teatral y circense con los lenguajes y estilos más vanguardistas” se presenta la décima sexta edición del TAC, Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid que organiza un año más la Fundación Municipal de Cultura y en la que participan compañías procedentes de 12 países como Alemania, Argentina, Dinamarca, Holanda, Israel, Kenia, Perú o Suecia así como de diversas Comunidades Autónomas del Estado español. Siete estrenos absolutos

Un año más el TAC se convierte en escaparate de nuevas creaciones, siete serán los estrenos absolutos que tendrán lugar en esta edición repartidos en las tres secciones. La Sección Oficial acogerá dos estrenos absolutos Danza in blue de Producciones Imperdibles, una propuesta visual en la que a través del juego de dos bailarines en vivo –Lucía Vázquez y Juan Melchor, autores también de la coreografía– y en formato virtual a través de proyecciones audiovisuales, ofrecen otra forma de experimentar la danza y Go tell fire to the mountain de los portugueses FIAR, una obra de teatro de calle en la que dos actrices y un músico crean diversas instalaciones visuales y sonoras. El apartado Estación 26

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Raphaëlle Boitel de L´oublié(e)

Norte, dedicado a compañías de Valladolid incluye tres estrenos absolutos, la coproducción entre La Quimera de Plástico y el Colectivo Las Chamanas, Círculo viciado, espectáculo de danza teatro sobre los malos tratos a las mujeres, Autoestop de Teatro de la Arena, propuesta de teatro de calle creado y protagonizado por Miguel Jerez y Che si può fare, propuesta musicalperformativa a partir del barroco musical de Teatro Dran. La Sección Off por su parte acogerá dos estrenos más Crazy Safari Circus de Les Dessous de Barbara, una pieza de “happening feriante’ en la que dos personajes reflexionan sobre el maltrato

animal y la economía capitalista mundial y la propuesta circense Arquímedes de los hispano-argentinos A & D. Sección Oficial

34 montajes conforman la Sección Oficial de esa edición, eje central del festival que además de los estrenos absolutos ya indicados incluye entre otros el espectáculo inaugural, L´oublié(e) de la artista francesa Raphaëlle Boitel, una propuesta de danza, circo, teatro y cine, “un relato introspectivo y fantástico, un salto físico y metafórico en las profundidades del inconsciente, las heri-

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HOMENAJE A MARIO PÉREZ TÁPANES

El hombre que perdía los botones de Circ Panic

das del alma y la locura”. De sala es también Lebensraum inspirada en la obra de Buster Keaton en la que el sueco Jakop Ahlbom, acompañado de los actores Reiner Schimmel y Silke Hundertmark y de la banda Alamo Race Track ofrecen un espectáculo lleno de ingenio, dinamismo y humor. Julia Varley, actriz y fundadora del Odin Teatret dirige Anónimas de Nordisk Teaterlaboratorium & Jeito Producciones, en la que una actriz y una guitarrista,

acompañadas de una muñeca dan vida a tres personajes que repasan la vida de las mujeres que han marcado su existencia. De interior son también Hombres bisagra, de Matarile Teatro, una propuesta escénica híbrida en la que el espacio sonoro, las atmósferas de luz y las imágenes son sugieren, evocan y producen situaciones potenciadas por la plasticidad de los cuerpos y País de la ausencia un espectáculo que combina un concierto de música contempo-

Este año el TAC rinde homenaje a Mario Pérez Tápanes, (La Habana 1949) director de programación de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid entre 1989 y 2014, labor que ha compaginado con la de profesor de Pantomima y de Espacio Escénico en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid entre 1984 y 2006. Pérez Tápanes, “figura clave en el desarrollo del festival durante toda su historia”, ha sido además miembro del equipo de colaboradores de la Seminci en 24 ediciones, ha participado como jurado en diversos concursos literarios y certámenes teatrales además de ser presidente del jurado del TAC durante 10 ediciones. Destacan también sus trabajos como escenógrafo y diseñador de vestuario para más de 70 montajes y ha sido reconocido con diversos galardones como el Premio TeVeo a la trayectoria en 2014. Pérez Tápanes se suma a la lista de profesionales reconocidos por el TAC como Tortell Poltrona o Eugenio Barba y entidades como Circo Price o Cirque du Soleil.

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And that´s why I´m here today de Victoria P. Miranda

ránea con la proyección de obras de varios artistas plásticos de Esfera Ensemble. La calle será el escenario del resto de espectáculos de esta sección dos de ellos de artistas conocidos ya en el TAC Animal Religion con Indomador, pieza de circo contemporáneo ganador de la sección Off del año pasado y La cabra de El Espejo Negro, montaje galardonado con el premio al Mejor Espectáculo en la edición de 2001. También se podrá disfrutar con espectáculos que llegan por vez primera al Estado como The Black Blues Brothers de la compañía homónima keniata en la que cinco bailarines reviven el espíritu e la película del mismo título a través del circo; las artes circenses en Flaque de Compagnie Defracto; la fusión del hip-hop y las artes de calle en Magic box de Compagnie E.go; el show de circo-cabaret en clave cómica En éventail de Five Foot Fingers; Kori kori de Compagnie Oposito y L´Homme V del bailarín Vincent Warin. Más calle

Como en ediciones anteriores, el Gobierno Vasco colabora con el TAC con la presentación de varios espectáculos. Para esta edición han sido seleccionadas dos propuestas de danza, Hooked pieza de danza contemporánea de LaSala y And that´s why I´m here today de la bailarina Victoria P. Miranda y dos espectáculos de calle de dos compañías veteranas La conga de Trapu Zaharra, humor a flor de piel de la mano de un cura convertido en coach y Andante, espectáculo itinerante de Markeliñe sobre la guerra y otras situaciones 28

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similares en las que no se respetan los derechos humanos. Al igual que estos dos últimos espectáculos se podrá disfrutar con montajes “del más puro teatro de calle” como las tres piezas que presenta el clown Adrián Schvarzstein Dans, La cama y El hombre verde. También en clave de clown Cuentos, risas y rock & roll de Concedeclown, la particular versión de una de las obras más emblemáticas de Lope de Vega Fuenteovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas a cargo de Compañía Obskené o el itinerante tragicómico L´enterrement de maman de los franceses Compagnie Cacahuète. Las artes circenses tendrán un gran protagonismo también en la Sección Oficial con espectáculos como Racines de Les Krilati, Moves, de Battle Beast, El hombre que perdía los botones de Circ Panic o The loser de Matteo Galbusera. Además el show músico-circense Disparate de Cacophonic Pictures Orkestar, Body rhapsody, del mimo peruano Hugo o el particular dúo de danza formado por un bailarín y un caballo en Ma bête noire de Eclats de Rock junto con varias propuestas musicales conforman la basta programación de esta sección. De Valladolid y Off

El TAC vuelve a ofrecer un espacio a las compañías de Valladolid en la denominada sección Estación Norte que además de los estrenos de las tres compañías antes señaladas incluye dos espectáculos más ambos en clave de clown. Sofá de escai de Mercucho Producciones es un montaje de “humor tierno” en el que tres personajes recuerdan

el pasado, analizan el presente, imaginan un futuro incierto mientras que Welcome. En el cielo no hay fronteras de Immaginario Teatro es un montaje de teatro gestual y circo que pone ante el público una historia de amor entre un barrendero y una vagabunda. Las artes circenses son las grandes protagonistas de la Sección OFF de esta edición con la participación de 15 compañías entre las que cabe destacar A & D y Les Dessous de Barbara que estrenan espectáculos tal y como ya se ha informado o el “work in progress” que ofrecerán los alumnos de la Escuela de Circo Carampa con el que presentan ante el público los resultados de su formación. Nadine O´Garra pondrá en escena Amor en tiempos de Ikea, un montaje que combina teatro, circo y audiovisuales, mientras que el francés Yi Fan ofrece un espectáculo de danza, circo y teatro en Gritando sin hacer mucho ruido. Y las artes circenses en sus diversas manifestaciones son las grandes protagonistas de Spazi O de Dikothomia, No es la boca la que va a la cuchara sino la cuchara la que va a la boca de Cía CAí, Sidecar de Pessic de Circ, Las expertas de Cía Albadulake, El viaje de miércoles de Circobaya o Built de Circ.Do. La pieza de danza ¿Hay alguien ahí? de Lucio Baglivo, el espectáculo de danza inclusiva Sendas de Danza Mobile o el teatro de máscaras Hotel la rue de Tontoco Teatro junto con la música de la banda barcelonesa orquesta Gadjo completan esta sección y la programación del festival junto con el II Foro Internacional de las Artes de Calle, que reunirá entre los días 28 y 30 a profesionales del sector del panorama internacional.

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15 mayo junio X KALDeARTE - Muestra Internacional de Artes de Calle de Gasteiz

Diez años transformando las calles con las artes escénicas Se presentarán treinta y una compañías que realizarán cuarenta y seis representaciones entre ellas varias coproducciones del Festival

as artes de calle se adueñan de las calles y plazas de Vitoria-Gasteiz con la celebración del 14 al 16 de junio de la décima edición de KALDeARTE, Muestra Internacional de Artes de Calle que organiza el Departamento de Cultura del Ayuntamiento, una muestra en la que “han participado en esta década 275 compañías que han representado un total de 511 actuaciones” y destacan que esta edición mantiene sus señas de identidad “incorporando nuevos espacios de actuación y nuevo formatos” además de apoyar la creación con varios montajes coproducidos por KALDeARTE. Espectáculos de teatro, danza, clown y circo se “cuelan” en una programación que será inaugurada por Danbor talka / Le choc des tambours de las compañías Les Commandos Percu y Deabru Beltzak, propuesta itinerante y nocturna, música, tambores, percusión, diablos ocres y negros y fuego, mucho fuego con un claro objetivo: retomar la calle. Otro de los espectáculos especiales que festeja esta décima edición es Atera doa de Kukai y Logela Multimedia, espectáculo multimedia hecho a medida para la fachada del Ayuntamiento y que aúna la danza vasca contemporánea y el mapping que tuvo que ser suspendido hace dos años por la lluvia. Dos propuestas más de gran formato, el emotivo homenaje a través del lenguaje de la danza contemporánea al universo del cantautor Mikel Laboa, Txoriak, de Dantzaz Konpainia y Shake, shake, shake, espectáculo burlesco de cuadro aéreo y mástil chino a ritmo de música Disco de Cia. PakiPaya. 30

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Andante de Markeliñe

Circo a todas horas

El circo tendrá toma la calle y convertirá la Plaza de los Fueros en una pista con las propuestas Ekilibuá acrobacias, equilibrios, manipulación de objetos... de Maintomano, Despistados de Circor tito, los malabares, las acrobacias y los verticales de los dos miembros de Dikothomia en Spazi…O, Humanus comunicus, un “varieté” de humor y circo fresco y descarado donde se recopilan las personalidades más bufonescas de Niño Costrini y Dancing graffiti de Bandar t Productions o Iter de la italiana Serena Vione, espectáculo de circo y danza dirigido por Claire Ducrueux. La danza toma un importante protagonismo en esta décima edición en la que se ha organizado un monográfico de danza urbana para la tarde del sábado en la Plaza de la Provincia denominada ‘Hautsi ta Break’ en la que se podrá disfrutar con cuatro espectáculos que unen danza

contemporánea, breakdance, acrobacia y b-noying: Kemen de Soul Flavas, Entre copas de Oreka, LABarte de Bioshock y Motus de Circle of Trust. En la misma plaza se podrá disfrutar también con dos espectáculos de danza más, Hands down duo de la británica Company Chameleon y Hooked (still), una pieza de danza contemporánea inspirada en los vínculos y dependencias emocionales que se crean en las relaciones afectivas entre personas de Lasala. Y danza es también Gelauziak coreografía creada por Cesc Gelabert con la que Kukai ha conseguido varios premios. La también premiada Indomador en el que un personaje transforma el espacio a través de cuerpos transgénicos, verticales, acrobacias con tacones, bailes rituales.. y mucho más en un montaje de nuevísimo circo Animal Religion. Markeliñe presenta en KALDeARTE su último espectáculo de calle, Andante, tea-

mayo junio tro de máscara que narra, de forma poética, sin palabras y con un cuidado sentido del humor, historias que no deberíamos olvidar. Historias de zapatos anónimos en época de guerra. Zapatos que podrían ser los nuestros. Un delicado trabajo itinerante con el que disfrutarán grandes y pequeños. La producción local vuelve a tomar protagonismo en esta nueva edición con el estreno de Zanguango, Flujos, la presentación de la recién estrenada Almacenes La Parisienne de Pez Limbo además de las ya citadas Circortito, Oreka y Soul Flamas o el espectáculo para público infantil y familiar Skratx de Ameztu Produkzioak. Junto a este último los más pequeños podrán disfrutar de varias propuestas en los jardines de l os Palacios Echanove y Zulueta y en el Parque de la Florida. Malgosia Szkandera presenta The Bag Lady Theater espectáculo lleno de poesía y gran sensibilidad, delicioso y delicado teatro de objetos y marionetas. Delicadeza poética

Delicado es también El Nïu de Dudu &

Île O de Barolosolo

Cia, propuesta de clown con música de piano en la que sin reglas y a través del juego con el público se van dibujando nuevos caminos hacia la imaginación, un lugar donde la sorpresa y la risa cobran vida. Gaueko entziklopedia koxkorra de 2princesesbarbudes es un espectáculo musical con toques de clown, teatro de objetos y unas gotitas de poesía. Esta décima edición propone al público

experiencias escénicas o intervenciones en lugares no convencionales o ‘insospechados’. Cie Aquacoustique presenta en la fuente de la plaza Santa Bárbara Concert´eau en do Nageur, una experiencia musical atípica en la que los tubos de bucear son flautas, las regaderas saxofones y el agua, un instrumento de percusión sorprendente. Clown, circo, música y agua. Estos son los elementos principales de Île O de Barolosolo que convertirá el quiosco del parque de la Florida en un singular estanque. Juan Cantizzani, artista de origen andaluz afincado en Holanda, ofrecerá las mañanas de las tres jornadas de la muestra, muy temprano y en el parque de Salburua tres espectáculos sonoros muy especiales que es necesario vivirlos para poder... contarlos. La clausura del décimo KALDeARTE llegará el domingo al anochecer con el espectáculo circense de los belgas Colectif Malunes que pondrán en escena en la Plaza de Los Fueros, Sens dessus dessous, en el que cuatro artistas seducirán al público con números imposibles de trampolín, trapecio, rueda cyr y más.

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Lekuz Leku propone disfrutar de la danza a orillas de la ría

rganizado por la sala La FuNdicIOn, el Festival Internacional de danza en paisajes urbanos y muestra de Videodanza, Lekuz Leku, celebra los días 26 y 27 de junio su XI edición. El Paseo de Abandoibarra de Bilbao será el punto de encuentro entre la danza contemporánea y el público paseante, que podrá disfrutar de trabajos coreográficos en diferentes espacios urbanos. La Cía Matxalen Bilbao será la que dé comienzo al festival, mostrando su coreografía Gear, donde la línea dramatúrgica de la pieza estará marcada por los tipos de relación que se establezcan dentro del grupo. Begoña Quiñones & Mar Rodríguez interpretará PruebaTrinity 1.0 en la Pasarela Pedro Arrupe, donde la idea coreográfica se sustenta a partir del cuerpo como eje central. También para el viernes está programada la compañía andaluza Seitacate, con los coreógrafos e intérpretes Laura Morales y David Nóvoa escenificando Golpes de nada. El entorno del Museo Guggenheim será testigo de la pieza Lauesku de Lasala y con coreografía de Judith Argomaniz. A través de un partido

de pelota, expondrán diferentes situaciones donde las propias reglas del juego se cuestionan y lo establecido no es lo prioritario. En el mismo escenario pero ya el sábado, Physical Momentum Project mostrará la coreografía Postskriptum de Francisco Córdova Azuela, y la barcelonesa Lali Ayguadé interpretará Saba. En cuanto a las compañías internacionales, serán dos las que lleguen desde Corea: Company SIGA con Rest, donde LEE Jae-young quiere presentar la intensidad y por otro lado, el vacío de la relajación,

jugando con los movimientos flexibles y orgánicos del baloncesto; y Goblin Par ty con Landing Error, con coreografía e interpretación de LIM Jinh y JI Kyung-min. Por otra parte, estará también programada la Cía ganadora del Certamen SoloDos en Danza que se celebra en Costa Rica. Este año como novedad y en colaboración con la Red AcieloAbierto, se va a montar un #CaminoAcieloabierto, proyecto donde se vincula la memoria de la danza, el territorio y la comunidad artística. El enfoque está en la participación y en la búsqueda de un desarrollo abierto e inclusivo, y el proceso de creación está por encima del resultado. Este proyecto pone en relación a compañías y bailarines con distintas entidades y colectivos artísticos, educativos y sociales. Los dos días y después de las actuaciones habrá un Punto de Encuentro en La FuNdicIOn: momento para la conversación, con una copa en la mano, entre los artistas y los espectadores, donde se mostrarán vídeos de los distintos Festivales asociados a la Red AcieloAbierto.

Nuevos espacios para el Kalealdia

ilboko Kalealdia, el Festival de Teatro y de Artes de la Calle de Bilbao, presentará 71 funciones a cargo de 27 compañías entre los días 29 de junio y 4 de julio. Siete serán las compañías vascas, seis las del resto del estado y catorce las internacionales. Como novedad del Bilboko Kalealdia 2015, se presentarán tres espacios de actuación en el Parque de doña Casilda, donde se instalará una carpa de circo de la compañía francesa Bazar Forain para 32

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220 personas. Por otra parte, la compañía Éclats de Rock interpretará un dúo de danza entre un hombre y un caballo, para el que se necesitarán 15.000 kg. de arena que se esparcirán en el suelo de la Plaza Arriaga. Durante las noches del viernes y del sábado Deabru Beltzak & Commandos Percu mostrarán un espectáculo de gran formato de percusión y fuegos artificiales interpretado por 12 actores, que harán un pequeño pasacalles entre el puente del

Arenal y el muelle del Arenal, para acabar después el grueso del espectáculo en un gran escenario colocado en el muelle. Entre las compañías internacionales estará también la keniata Afro Jungle Jeegs, cuyas actuaciones sirven para juntar fondos para la construcción y mejora de su escuela Juhudi Urban Arts Centre, una escuela de artes y circo para niños y niñas en Nairobi, que pretende brindar un futuro mejor que el que ofrecen las calles de Jericho, su barrio.

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15 mayo junio XXIX Festival Internacional de Teatro de Títeres Titirimundi - Segovia

Las artes de la marioneta a la sombra del Acueducto Más de trescientas funciones de treinta y dos compañías dan idea de las majestuosas cifras que se manejan en Titirimundi 2015

omo “uno de los más reconocidos festivales de títeres y de mayor prestigio” se presenta Titirimundi “tal y como lo aseguran profesionales de diferentes países y público” en palabras de la organización que ha preparado una nueva edición, la 29 que se celebra del 13 al 17 de mayo con una programación que solamente en Segovia cuenta con más de 200 funciones a las que se deben sumar las que tendrán lugar en sus extensiones que este año llegan a diferentes ciudades de Castilla y León, a Madrid y la sierra a Toledo y a la localidad navarra de Barañain. Un año más Titirimundi se caracteriza “por ese equilibrio que intenta proteger entre la muestra de lo más contemporáneo y los valores emergentes en el arte del teatro de títeres, sin perder ni olvidar la referencia a su origen popular” destacan desde la organización, una multiplicidad artística añaden, “que convierte a Titirimundi en una ventana abierta a las culturas del mundo a través del teatro de marionetas”. Además y con el objetivo de difundir este arte más allá del ámbito infantil, esta edición destaca por ofrecer la mayor programación de teatro de títeres en interior para adultos de los últimos años. Entre otros el público adulto podrá disfrutar con espectáculos como Otelo de la compañía chilena Viajeinmóvil en la que se plasma desde un punto de vista critico el abuso de poder en la familia; Opéra Opaque de los franceses Plexus Polaire, un cabaret de imágenes con dos actores, una marioneta de tamaño humano y teatro de sombras; desde Italia Riserva Canini Teatro con Talita Kum, una obra hipnótica nacida de la experimentación. Experimen34

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Paper Cut de Yael Rasooly

tal es también la propuesta llegada desde Brasil, O quadro de uma familia de Pigmalião Escultura que Mexe con cerdos humanizados de tamaño natural como espejos de la psicología humana o el renovador espectáculo de la rusa Polina Borisova que en Go! introduce al público en un viaje al interior de la marioneta. Junto a estos dos montajes que sin ser de títeres “simbolizan titirimundi y todo lo que encierra, el teatro de la ilusión y la fiesta”, Leo de los germano canadienses Y2D Producciones y un concierto-teatro que deconstruye el amor romántico, Abandóname mucho de Las XL. Titirimundi 2015 homenajea esta edición al teatro de objetos que juega con la literatura con montajes como la personal visión de El Lazarillo de Tormes de La Chana, El avaro de Molière que tras 15 años

vuelve a los escenarios protagonizado por los inolvidables grifos y tubos de la mano de Pelmànec en colaboración con Tábola Rassa. También estarán en el festival Rocamora Teatro con Pequeños suicidios o el loco espectáculo de papel, cartón, lápices etc. Paper Cut de la israelí Yael Rasooly entre otros. En la calle

Este año los titiriteros más veteranos regresan a la calle en Titirimundi “el origen de su oficio y su medio natural”. Es el caso del peruano Hugo Suárez con Body Rhapsody, Jordi Bertrán con Strada en el que hace desfilar a un pequeño circo de hilos con marionetas y payasos y circo y marionetas son también lo protagonistas de Solista de Rocamora Teatro. Desde

mayo junio Taiwán llega Taiyuan Puppet Theatre con un espectáculo tradicional de títeres y desde Reino Unido, Rod Burnett, –uno de los grandes maestros del títere de guante– con Punch & Judi. No faltarán montajes que se pondrán en escena en espacios poco convencionales como Señorita Lupierre microteatro en la caravana de Miguelillo o el Conversatorio, medidas variables performance que Quico Cadaval presenta con la participación de los espectadores en los escaparates de los comercios o el particular Circo de las pulgas del francés Dominique Kerignard. Y además de todo esto espectáculos para los más pequeños como Nidos de la premiada Teloncillo, Cocorocó de PAI, El bosque de Grimm de La Maquiné, La crónica del lobo de Elfo Teatro o los veteranos Titiriteros de Binéfar con Maricastaña y Concierto de canciones titiriteras. Un año más el festival ofrece la posibilidad de experimentar con títeres a través de tres talleres dedicados a los niños, dos clases magistrales para adultos y un curso de talla de madera para profesionales. Esta edición ha preparado además tres exposiciones, ‘Hilos de Agua’ de Laura Ortega dedicada a las marionetas acuáticas de Vietnam, ‘Muñecos animados’, una muestra de cien personajes de gomaespuma y látex y la exposición permanente de casi 40 títeres del escultor y marionetista Paco Peralta. Y para completar esta cita anual con los títeres, el programa ‘El cine de Pigmalión’ con la emisión e tres películas ‘L´ultimo Pulcinella, ‘Dolls’ y ‘Magic’ presentadas por los expertos Sonia Zubiaga, Sergio Arter y Ramón Mayrata.

FIRA DE TITELLES DE LLEIDA

La 26 edición de la Fira de Titelles de Lleida se celebra del 1 al 3 de mayo con la participación de 23 compañías que llevarán a cabo 68 funciones y en la que además de la programación de espectáculos se llevarán a cabo las octavas Jornadas Técnicas que incluyen la master class ‘La marioneta, el actor total’ impartida por Ángel Calvente de la compañía El Espejo Negro, una conferencia titulada ‘¿Crisis? Una respuesta práctica e innovadora’ de la mano de Daniel Gabarró y el Taller COFAE ‘Posicionamiento digital para compañías de artes escénicas’ a cargo de Pepe Zapata, director de comunicación del Mercat de les Flors. Entre las representaciones destacan varios estrenos de espectáculos como En patufet de los anfitriones Centre de Titelles de Lleida, Mr. Brownie musical con títeres de tamaño humano de Teatre Nu, el carrusel Lo Carrofil de la compañía Efimer o El viatje de Tombs Creatius Cia. d´arts de carrer. El delicioso Pinocchio de La Baldufa, Giuseppe y Peppina de El Retablo, Vuela Pluma de Periferia Teatro o las divertidas vacas de La extraordinaria historia de la vaca Margarita de Títeres Caracartón se unen a los espectáculos de calle como el último trabajo de teatro de máscaras itinerante de Markeliñe, Andante o Astokillo Circus de Panta Rhei. Un año más la Fira apuesta por la internacionalización con 7 compañías, la belga Tof Théâtre que pondrá en escena Dans l’atelier, los canadienses Théâtre Qui Va Là con La Fugue y Magali Chouinard con La Femme blanche, la argentina Ines Pasic con Desde el Azul, Blind Summit Theatre de Reino Unido con The Table, Ma biche et mon lapin de los franceses Collectif aïe aïe aïe y El cuento del viejo lobo de los checos Teatro Koňmo.

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15 mayo junio Trapezi, Fira del Circ de Catalunya 2015 - Reus

Reus se convierte en la más grande carpa de circo Trapezi 2015 apuesta por la renovación artística y los espectáculos de calle con la participación de cuarenta y dos compañías

el 7 al 10 de mayo se celebra una nueva edición de Trapezi, Fira del Circ de Catalunya que se presenta “con el claro objetivo de continuar impulsando tanto la autoría catalana como la creación estatal e internacional” tal y como apuntan desde la organización, el Ajuntament de Reus y el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, para lo que ha preparado una programación variada en estilos, disciplinas y formatos con 42 espectáculos de otras tantas compañías procedentes de 10 países. Incert, Iter de Serena Vione Cia.

Creación catalana

Desde sus comienzos Trapezi además de apoyar y promocionar la creación y exhibición de las propuestas circenses catalanas ha impulsado su internacionalización y para dar continuidad a estos fines la programación de este año cuenta con 28 espectáculos tanto de compañías catalanas, tanto emergentes como las que se han convertido en un referente en el sector. Entre estas encontramos las propuestas Tauromàquina de Animal Religion, The Meleting Pot Pourri de Los Excéntricos o F.I.R.A. de Collectiu Tierra –espectáculo que se pudo ver durante la navidad pasada en el Ateneu Popular de 9 Barris de Barcelona–, y Xarivari Blues de Circo Los y Otros Aires de Dúo Laos. Las compañías emergentes también tendrán su espacio, es el caso de Companyia Pistolet que presenta Incert, Iter de Serena Vione Cia. y Esquerdes de Hotel iocandi –cuyo work in progress pudo verse en la pasada edición de Trapezi–. En esta edición Trapezi aumenta el número de compañías estatales en la programación 36

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“no sólo para propiciar el intercambio entre creaciones catalanas y del resto del estado sino con el fin de crear sinergias con otros festivales o ferias y ser más visibles como mercado circense del Estado español” apuntan desde la organización. Siguiendo esta idea se podrá disfrutar en Trapezi de los espectáculos de 9 compañías llegadas desde Andalucía, Euskadi, Galicia y Madrid, algunas de ellas de reconocida trayectoria como Vaiven Circo que pondrá en escena Des-hábitat, Minusmal y su Simplemente Clara, Encontros de Lusco e Fusco, la Cía. Barré o la Escuela de Circo Carampa junto con los trabajos de compañías emergentes como Tresperté que presenta Aquí sobra uno, Mundos de papel de Vol´e temps, Spazi…O de Dikothomia o No es la boca la que va a la cuchara sino la cuchara la que va a la boca de Cía CAí. Internacionalización

La apuesta por la internacionalización de Trapezi no es solo a nivel de programación sino también lo es por el intercambio ya que la Fira participa en las redes ‘Au-

topistas’, ‘Circusnext’ y ‘Camins Emergents’ que convierten a Trapezi en un lugar donde conocer espectáculos circenses internacionales y un escaparate para dar a conocer el trabajo de las compañías catalanas. Esta edición presenta 5 espectáculos dos de ellos llegados desde Bélgica Cordes de Alexis Rouvre, montaje basado en la manipulación de cuerdas y 8 years, 5 months, 4 weeks, 2 days en el que los miembros de la compañía Bert & Fred utilizan el trapecio Washington. Cie Du Poivre Rose, compañía formada por artistas de Canadá, Francia y Bélgica presenta un espectáculo con el mismo nombre que combina contorsionismo, telas, acrobacias y teatro mientras que Les P´tits Bras presentan L´Odeur de la Sciure, una propuesta muy visual con una gran estructura central y Cacophonic Pictures Orkestar juega con el clown, la música y diversas disciplinas teatrales en Disparate. Para finalizar, destacar que las actividades dedicadas a los profesionales serán los días, 8 y 9 en las que se presentará la nueva Plataforma Arts de Carrer, tendrán lugar varias work in progress ,etc.

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VIII Muestra de Artes Circenses Circolmedo - Olmedo

En la Villa del Caballero hay también lugar para el circo

a Corrala Palacio del Caballero se convierte en la pista central de la octava edición de la Muestra de Artes Circenses Circolmedo que se celebra del 8 al 10 de mayo en la localidad vallisoletana de Olmedo. Organizado por el ayuntamiento La programación dará comienzo con una animación circense en la Escuela Infantil Alborada que dará paso al primer espectáculo de esta edición, Greenkiriki, una propuesta con aire de cabaret ritmo trepidante en la que los miembros de la Cía. Greenchichon pondrán ante el público todas sus habilidades circenses con música en vivo y tal y como ellos mismos afirman, “mucha payasada”. Le seguirá Circo Mediterráneo, un espectáculo para todos los públicos que recoge lo mejor de la tradición circense incorporando las características del denominado nuevo circo o circo contemporáneo, y por la noche Cabaret de circo en el que diferentes artistas exhibirán sus números aderezados con mucho humor y bajo la dirección de un peculiar maestro de ceremonias. En la segunda jornada de Circolmedo se podrá disfrutar con Las Expertas, un montaje de circo y humor gestual de la Cía Albadulake en el que las cuatro mujeres protagonistas se enfrentarán a un casting muy particular en el que demostrarán su valentía, desparpajo, fuerza, técnica, humor... y mucho,

técnicas circenses como los equilibrios, los malabares, el mástil, la báscula, números aéreos, acrobacias etc. El último día de la muestra propone el espectáculo Que raro, verdad? Humor, circo y música para cuestionar los límites de lo normal y lo raro, porque... eso que llamamos raro “¿es cuestión de percepción o de punto de vista?” se preguntan los miembros de la Cía Hermanos Inconfundibles. Por la tarde los jóvenes de Olmedo mostrarán todo lo que han aprendido durante los talleres de circo realzados desde el Espacio Joven en un Gran Pasacalles “Jóvenes EJ” para continuar con Cabaret Pistolet, espectáculo fresco, variado e ilustrativo que se convierte en un recorrido por la historia del circo desde sus inicios hasta hoy día. Equilibrios acrobáticos, aro aéreo, diábolos, verticalismo etc. con los que Cía. Circ Pistolet sorprenderán Las Expertas de Cía Albadulake a grandes y pequeños y clausurarán una nueva edición de Circolmedo. mucho circo. La Cía Funes Troup aparcará Además de la exhibición de espectáculos, su singular caravana en los Patios de San el viernes por la tarde se llevará a cabo un Pedro de Olmedo para presentar Funes Van, Taller de Manualidades y Pintacaras y duuna divertida propuesta de clown, malabarante las mañanas del sábado y del dominres, acrobacia y... mucho más. Para la noche go una Escuela de Circo en la que vecinos y del sábado Circolmedo propone una fiesta, aficionados podrán practicar, ayudados de una nueva Gran Gala de Circo en la que profesionales, diferentes técnicas circenocho artistas vuelven a descubrir al público ses como los malabares, equilibrios sobre el “más difícil todavía” a través de diversas objetos, acrobacias...

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15 mayo junio IX Festival Internacional Escena Mobile - Sevilla

Arte escénico y discapacidad se muestran unidos en Sevilla El Teatro Alameda acoge tres estrenos de danza contemporánea, flamenco, magia y circo

a compañía Danza Mobile presenta la novena edición del Festival Internacional Escena Mobile, que ofrecerá sus funciones del 22 al 24 de mayo en Sevilla. El festival, que propone una unión entre el arte y la integración social, coincide en la presente edición con el vigésimo aniversario de la compañía andaluza. La programación presenta tres estrenos de cuatro disciplinas diferentes: danza contemporánea, flamenco, magia y circo. Brasil, Reino Unido y Argentina son los países invitados en esta edición. ‘Escena Mobile marca la diferencia’. Ese es el lema escogido para este 2015, que tiene como objetivo defender la diversidad como fuente de enriquecimiento cultural y social. Artistas con y sin discapacidad conviven a nivel creativo y de interpretación en los espectáculos que presenta el festival, mostrando cómo el arte integrado es una realidad social y cultural. El montaje de danza Abrigos inaugurará el festival en el Teatro Alameda. La obra se compone de cinco piezas cortas de cinco coreógrafos relacionados con la danza inclusiva, trabajando en colaboración con bailarines de Danza Mobile. Alexey Shcherbakov, Manuel Cañadas , Vanesa Aibar, Patricia Ruz y Neus Canalias son los coreógrafos invitados. El sábado será el turno de la pieza ...Del Flamenco, donde se podrá ver a dos artistas que utilizan el lenguaje flamenco en diferentes disciplinas artísticas: José Galán y Mª Ángeles Narváez “La Niña de los Cupones”. 38

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El último día estará reservado para la magia y el circo, con dos representaciones ofrecidas en el Teatro Alameda: Magia desde el silencio, a cargo del madrileño Domingo Pisón; y Même pas Malle, de la mano del belga Martin Gerard, quien mostrará diferentes malabarismos sacando de su maleta todos los elementos del espectáculo:

gentina) ofrecerá una pieza corta de danza el día 21 de mayo. Patitos es una pieza de clown creada por el coreógrafo Denni Dennis con la colaboración de Danza Mobile para el Festival Escena Mobile 2015. La representación, interpretada por Martin Vick, se podrá ver tanto el 22 como el 23 de mayo. Denni Dennis, que en 2012 creó la pieza ‘Ángeles’ en colaboración con Danza Mobile para el Festival Escena Mobile de ese año, ofrecerá formación en clown en la presente edición. El brasileño Lily Pita impartirá un taller de percusión, además de una batucada junto con los alumnos del Taller de Música de Danza Mobile, dirigidos por Antonio Roldán. Otros talleres programados son: Taller de Musicoterapia y Danza Même pas Malle de Martin Gerard de Ascensión González (Valladolid); Taller sonido, objetos de magia..., para mostrar de Escenografía ‘Diseña tu propia obra’ finalmente la realidad: su realidad. con Antonio Quiles (Sevilla); Taller Teatro y Escena Mobile quiere poner de manifiesAudiovisuales con Arturo Parrilla y Joel Loto que un bailarín de contemporáneo con zano (Sevilla); e Improvisation/Movement Síndrome de Down puede tener un nivel Comunication a cargo de Manuela Calleprofesional digno de los mejores escenaja (Sevilla) y Yali Rivlin (IL/USA). Además, rios, o que una bailaora con discapacidad Esther Román presentará una selección de auditiva no está en absoluto discapacitada cortometrajes de la videoteca Cinemobile para sentir y hacer sentir el flamenco. Para que por su temática encaje dentro del proello, además de los espectáculos, el festival grama. Tras una pequeña introducción del desarrollará un programa con exposiciones mismo, se proyectarán los trabajos dando de artes plásticas y diferentes talleres. El pie, tras su visualización, a comentarlos y Centro Cultural Cre-Arte de Bariloche (Ardebatirlos en un posterior coloquio.

XXXII JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO Del 9 al 26 de abril 2015

Jornadas de oro

03-04-05 | Entrevista a Carlos

Este es un caso atípico. Una Jornadas surgidas desde la base que han llegado hasta lo más lato y que por todas las razones que uno pueda imaginar se ha ido deshilachando, perdiendo sustento, cambiando de equipo de dirección, sin lograr el apoyo rotundo y sin fisuras de las instituciones para consolidar un proyecto cultural de primera magnitud a partir del Teatro del Siglo de Oro. Nada menos. Este año se hacen con una dirección nueva que apunta a cambios de futuro, que deben afectar como señala Antonio Serrano, uno de sus inventores y director de las mismas durante décadas, a una estabilidad organizativa, donde las instituciones se comprometan a su sustento y se nombre un equipo con dedicación plena durante todo el año además de tener una sede, un lugar adecuado donde fijar sus oficinas, sus archivos, su historia y panificar su futuro. Estas Jornadas, pese a sus cuitas internas, está aposentada en el imaginario de una parte de la ciudadanía almeriense y a ella se dirige. Lo importante es que fluya el carácter docente, su implicación con los institutos, con la parte académica de sus jornadas más especializadas y la programación abierta a todos los públicos con su extensión por diferente municipios de la provincia. Está todo listo para que funcione, solo falta decisión política, fijar presupuestos adecuados y trabajar con seguridad y perseverancia. Porque estamos hablando de un oro intangible pero que reluce mucho más porque anida en el alma de los ciudadanos y conduce a la felicidad. Además de proporcionar prestigo ancional e internacional a la ciudad que lo produce

06-07 | Antonio Serrano

artez

Carlos Gil Zamora

Góngora

08 | La Paca Ron Lalá

09 | Teatro Velador Mephisto Teatro

10 | José Maya Siosi

11 | Nao d´amores La Chana

12 |

Teatro Corsario Teatro de la danza

13 | Teatro Morfeo 14-15 | Resto actividades

E s t e s u p le m e n t o a c o m p a ñ a a la re v is ta Artez 204 de Mayo / Junio 2015 Portada: ‘El médico de su honra’ de Calderón de la Barca por Teatro Corsario tomada por maki

ENTREVISTA A CARLOS GÓNGORA

“El primer objetivo es aproximar las Jornadas a la ciudad y la ciudad a las Jornadas”

¿Cuánto tardaste en decidir que aceptabas? Yo hablé primero con Antonio Serrano, creador de las jornadas, con los miembros de la Asociación y de las tres instituciones que organizan y patrocinan, ayuntamientos de Almería y Roquetas y Diputación. Era la primera vez que se ofrecía la dirección a alguien que no pertenece a la Asociación, así que tras mostrarles mi predisposición y algunas ideas básicas porque estaba convencido de que se requerían modificaciones, puse en sus manos

¿Te contratan a ti o a Axioma? A mí, a Carlos Góngora, además por la compleja situación jurídica, yo firmo el contrato con la Asociación, a la que por cierto vuelve como presidente Antonio Serrano y se remodela todo porque además es la que puede solicitar ayudas a las instituciones para hacerlo. Otra cosa es que después yo me tenga que apoyar en Axioma porque tiene infraestructuras, experiencia, posibilidades de solucionar asuntos puntuales. ¿Qué condiciones y de qué índole pusiste para aceptar? Libertad de programación. Y no he tenido ninguna coacción. Porque lo demás son cuestiones del día a día que se han ido viendo sobre la marcha, ya que había muchos vacíos y disfunciones de todo tipo, en lo administrativo, se funciona con varios de números de identificación fiscal, hay un entramado que se debe ir solucionando sobre la marcha.

XXXII JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO Del 9 al 26 de abril 2015

¿Cómo te propusieron hacerte cargo de las Jornadas? Pues fue una llamada del concejal de cultura de Almería. Estaban preocupados porque no vieron adecuado el director elegido por la Asociación de las Jornadas del Siglo de Oro y me lo propuso directamente, sin rodeos.

la decisión a lo que ellos dijeran. Dijeron que sí, y aquí estoy.

¿Cuál fue el objetivo que os propusisteis para esta edición?

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Carlos Góngora, fundador de Axioma Teatro, asumió a finales del año 2014 la dirección de las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería. Un compromiso tomado con la “bendición” de las personas que se inventaron las Jornadas y los responsables políticos de las instituciones que la patrocinan en estos momentos.

Pero mantienes un esquema muy parecido al de las últimas ediciones. Pero con otro impulso, con otra perspectiva. Más participativo todo. Las jornaditas con la participación de los colegios e institutos, con secciones de forum pero también prácticas, como enseñar a los profesores a trabajar el verso, son parte esencial de esta transformación. Ha habido una representación con mil cien alumnos en el Auditorio. Las Jornadas más académicas, las hemos hecho durar más días, no concentradas, sino por tramos y hemos tenido cien inscritos. Es decir que sin renunciar a las cosas que le habían dado identidad las hemos dio transformando y añadiendo otras, más populares, más abiertas a

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Aproximar las Jornadas a la ciudad y la ciudad a las Jornadas. Habían perdido presencia en la vida de los almerienses y hemos diseñado una serie de acciones que han fructificado en una actividad constante en las calles, en los centros de enseñanza, convirtiendo cada rincón de Almería en un punto de acción teatral. Una larga lista de intervenciones que sirven para que la ciudadanía reconozca la existencia de las jornadas, que forman parte de su vida cotidiana.

todos los ciudadanos que es mi obsesión de siempre. ¿Como qué? Pues mira hemos planteado el BarrokoCalle con pasos, monólogos, conciertos, diariamente, homenaje al Quijote, con doce paneles de grafiteros inspirados en la obra de Cervantes. Recordar a la ciudadanía quiénes son los poetas que dan nombre a doce calles, y se han leído sus poemas. Hemos involucrado incluso a las monjas de clausura del convento de la Pura, que cumple 500 años leyendo cartas de Santa Teresa. Rescatar monumentos que ni los propios ciudadanos valoran. Y todo dentro de acciones teatrales. ¿De dónde sacas para tanto cómo destacas? Pues mira hemos conseguido involucrar a la empresa privada, a los comercios. Las exposiciones no se han cerrado en salas, sino que se han hecho en escaparates. Ha sido una labor ardua. Yo nunca había pedido dinero a empresarios para nada de Axioma, pero para las Jornadas he ido puerta a puerta a pedir colaboración y hemos conseguido la participación de veinte empresas que junto a otras colaboraciones han aportado un sesenta por ciento del presupuesto de la

¿Los resultados de las elecciones municipales puede condicionar este proyecto? Sí, pueden, pero no creo que ese sea el mayor problema. Cuando terminemos esta edición nos reuniremos los coordinadores de cada área y analizaremos lo hecho. Yo no quiero que las Jornadas dependan ni de un director ni de un político. Yo apesto por los equipos. Hay cosas imprescindibles y urgentes, como un oficina permanente, una revista digital que informe, un lugar donde recibir propuestas. Estoy esperando se constituyan las instituciones que aportan ayudas para tener reuniones con sus responsables, lo mismo que con la Junta de Andalucía y ver sus apuestas. Y quiero que salga algo que no sea de palabra, sino que haya un compromiso serio cuantificado. Y después de eso decidiré si continúo. Aprovechando la coyuntura, ¿qué le falta a Almería en el campo de las Artes Escénicas? Lo primero, porque es una vergüenza, que el Teatro Cervantes sea de dominio público y se rehabilite y se haga una programación coherente.

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Has comentado la intención es convertir estas Jornadas en el Gran Festival de Almería, trasladarlo más hacia el verano, darle otra proyección, ¿puedes adelantar algo sobre este proyecto de futuro? La diferencia entre Almagro y Almería es que Almagro es una apuesta directa del Ministerio, mientras Almería sale de las ganas de unos amigos, con su esfuerzo, sin que haya una clara apuesta de las administraciones. Me gustaría que la Junta de Andalucia sea el eje vertebrador de las Jornadas con una aportación económica importante (Al igual que el ministerio lo hace con Almagro) porque tenemos lugares emblemáticos como la Alcazaba, que es un marco importante y le podría dar otra dimensión. Y tenemos muchas posibilidades e ideas, se pueden hacer grandes espectáculos, aprovechar esos jardines, crear una auténtica fiesta teatral, engalanar las calles, el casco antiguo, traer autobús con gente

de la provincia, como hemos hecho en esta edición. Muchas posibilidades.

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iniciativa privada y eso nos ha permitido hacer muchas cosas, por la colaboración de muchos, porque es necesario no manejar solamente presupuestos económicos, sino que hay que utilizar los recursos imaginativos, colaborativos. Un modelo más permeable con la propia ciudadanía y los movimiento sociales y culturales.

BREVE HISTORIA DE LAS JORNADAS

Las JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO de Almería nacieron en 1984 en un I.E.S. y con unos motivos puramente pedagógicos. Un grupo de profesores creyeron inadecuado el método de enseñanza del teatro, y especialmente del teatro clásico, porque lo que en verdad se enseñaba era “literatura dramática”, pendiente siempre de cuestiones puramente literarias y ajena a la “puesta en escena” o el “hecho teatral”. Se quería que los alumnos no “leyeran” teatro, sino que “vieran” teatro. Por decirlo de otra manera: se sabían la métrica del monólogo de Laurencia, su rima, algunas de sus figuras literarias, pero no habían “visto” nunca “una Laurencia”. No conocían la magia del teatro. La mayoría de los alumnos no habían visto jamás una obra de teatro, y la totalidad de ellos no habían presenciado una puesta en escena de nuestros autores clásicos. A partir de entonces su estructura básica más repetida fue de representaciones, conferencias y mesas redondas, exposiciones, conciertos, y homenajes, a la que se sumaron a veces, lecturas dramatizadas, proyecciones cinematográficas, muestra de teatro escolar, cursos e incluso se llegó, con el tiempo, a logros tan significativos como producciones propias, tanto teatrales como musicales o coproducciones, con otros festivales, con el Aula de Teatro de la UAL o con Escuelas de Teatro. Inmediatamente surgió otro de los más obsesivos objetivos de las Jornadas: el acercamiento entre el mundo de los investigadores (los “académicos”) y los que trabajan en el escenario (los “teatreros”). Que ambos sintieran la necesidad de colaboración con el de enfrente para abordar con garantías los montajes o las investigaciones teatrales era absolutamente imprescindible. Y esto se consiguió, constituyendo uno de los mayores logros del festival y probablemente una de sus más apreciadas y evidentes señas de identidad. Muy pronto se contó con la colaboración de varias universidades y las de Navarra, La Rioja, Valladolid, Burgos, Complutense, Castilla-La Mancha, Murcia, Sevilla, Huelva, Granada y Almería becaron a sus alumnos para asistir a las Jornadas. La propia organización de las Jornadas concedía diez becas, generalmente destinadas a alumnos de escuelas de teatro o a estudiantes extranjeros. Así, durante los días de las Jornadas se reunían en nuestra ciudad unas 150 personas, muchas de ellas jóvenes, que hablaban y discutían en torno al teatro de nuestro Siglo de Oro, formando un foco de afición que, sin duda, dio sus frutos. Por Almería han pasado las mejores compañías del país: desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico hasta el Ballet Nacional de España; desde “Zampanó” y “Teatro Corsario” hasta “Micomicón” o “Nao d’Amores”. Puede que no haya ningún director de prestigio que no haya traído sus obras a Almería: Alberto González Vergel, Manuel Canseco, Miguel Narros, José Sanchis Sinisterra, Ernesto Caballero, José Luis Gómez, Ángel Facio y un larguísimo etcétera. Pero además se cuidó la condición internacional de las Jornadas, trayendo a las compañías, actores y directores que se enfrentaban a trabajos de clásico español. No obstante, y a pesar de todo lo que se lleva dicho, las Jornadas no tuvieron nunca la estabilidad que requerían, y esto era denunciado año a año por sus organizadores. Las razones eran muy variadas, pero sobre todo habría que centrarlas en: a) las Jornadas dependían de una Asociación Cultural y no de algún ente público. Este carácter “de abajo a arriba” ha sido determinante en la gestación, desarrollo y futuro del festival; b) sin bien la respuesta del público era numerosa, algunas instituciones no vieron en ellas un acontecimiento de verdadero interés para la ciudad y no apostaron nunca por fortalecerlas; c) no tuvieron nunca un equipo organizador profesionalizado, sino que dependían de profesionales, que, con más o buena voluntad, programaban e incluso llegaban a solicitar créditos personales para pagar puntualmente a las compañías contratadas; d) la falta de colaboración entre instituciones de distinto signo político era y es evidente e) algunos políticos no vieron en el festival un medio de dar a conocer su ciudad; la tan cacareada creación de un turismo cultural nunca ha sido sincera, y la prueba estaba en que el festival jamás fue presentado en plataformas tan decisivas como FITUR, mientras que sí lo hacían otros festivales; f) los apoyos de las instituciones (con excepción de la Diputación Provincial) dependían siempre de la personalidad del político de turno y no de la institución: a veces se conseguían promesas, que, al llegar otro político, se desvanecían sin más explicaciones; g) un ejemplo de la falta sincera de colaboración es que, tras ¡32 años! las Jornadas no tienen aún un despacho para trabajar o un local donde guardar todo su archivo, que ya es de cierta consideración”. Es cierto que se mantenía un nivel de programación; que la imaginación daba alas; que los objetivos se

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Casi parte de guerra esperanzado

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iban cumpliendo y que el reconocimiento del festival iba en aumento, y la prueba estaba en la concesión del Premio Max en el año 2012; pero las Jornadas no daban el salto definitivo que se ansiaba por parte de los organizadores. Las subvenciones del Ministerio y de la Junta perdieron su carácter nominativo, y esto significó un importante golpe para la buena marcha y organización del festival. Los préstamos personales adquirieron entonces una mayor necesidad, y el cansancio y la desmoralización de los organizadores fue en aumento. Para colmo, la Junta de Andalucía incomprensiblemente retiró su patrocinio: otro ejemplo de rivalidad política llevada a escenarios ajenos: “batallas de rateros en campos de pluma”, que diría don Luis de Góngora. Al día de hoy ha habido un cambio importante en las Jornadas con motivo de la nueva dirección asumida por Carlos Góngora y que ha aplicado lógicamente unos nuevos criterios, aunque asumiendo la estructura general mantenida durante años: se han programado muchos más espectáculos, sobre todo de calle; se ha abierto el abanico a otras actividades incluso no estrictamente relacionadas con el Siglo de Oro; se han incorporado nuevas secciones; se han ganado espacios y se ha implicado más a la ciudad en “vivir” y “sentir” las Jornadas. Lo conozco de cerca y sé que el esfuerzo de su actual director y del equipo del que se ha rodeado está siendo enorme. Sé que se está creciendo ante las dificultades y sé que está derrochando voluntad. Sé que tiene capacidad sobrada para esta empresa. Sé que su pasión por la profesión es a prueba de obstáculos y reveses. Pero sé también del oportunismo de algunas instituciones (¡estamos en campaña electoral!); de las veleidades de las personas y de la débil infraestructura que siguen ofreciendo las Jornadas después de 32 años. Confío en que Carlos Góngora sepa obtener de las instituciones el apoyo definitivo, conscientes al fin de que un festival como éste es un bien cultural, económico, propagandístico y de prestigio para una ciudad emergente como es Almería. Confío, espero y deseo de que con la dirección de Góngora ocurra el despegue definitivo de las Jornadas. Y ahí van una serie de opiniones, que, siempre bajo mi prisma, pueden ser importantes para esta revitalización. En primer lugar, es imprescindible la creación de un ente, llámese como se llame, en el que participen los Ayuntamientos de Almería y Roquetas, la Diputación Provincial, la Junta de Andalucía, el Ministerio de Cultura y la Universidad de Almería. Este ente debe tener personalidad jurídica para solicitar subvenciones, firmar contratos, etc. Pero para ello es necesario que estas instituciones crean en las Jornadas y apuesten por ellas. Una vez creado este ente, y con dinero para programar dignamente, las Jornadas, siempre a mi juicio y respetando la libertad y la independencia del director de turno, deberían seguir estas líneas: 1.- es muy conveniente profundizar en el acercamiento entre profesores y teatreros. Éste es un carácter casi exclusivo de las Jornadas de Almería y le da valor; 2.- mantener el carácter internacional; 3.- el presupuesto de las Jornadas no puede ser inferior a los 150 / 200.000 euros, si se quiere un festival digno; 4.- hay que hacer un estudio serio de los beneficios económicos, turísticos, culturales, etc. de las Jornadas. En el año 2010 un 72 % del presupuesto se quedó en Almería, sin contar la circulación de dinero que aportaron los participantes durante 5 días en nuestra ciudad; 5.- las Jornadas deben tener una sede durante todo el año; 6.- el equipo de apoyo a la dirección de las Jornadas debe trabajar tres meses antes y después de cada edición, y lo deben formar dos personas; 7.- el director de las Jornadas trabajará durante todo el año; 8.- hay que revitalizar el ciclo de conferencias, mesas redondas y coloquios, aunque probablemente con un formato nuevo y más dinámico; 9.- hay que reintentar la publicación de actas, que se transforman en un codiciado material para profesionales; 10.- se debería propiciar la colaboración con Escuelas de Teatro, Centros del Profesorado y Departamentos de universidades para conseguir las becas perdidas; 11.- hay que entablar conversaciones con la Universidad de Almería para fijar el marco de colaboración entre ella y el festival. Los objetivos deben ser los mismos y la confianza, mutua; 12.- se deberían continuar los homenajes a personas (vivas, por favor) que se distingan por sus aportaciones al teatro áureo desde cualquier estamento. Sea como sea, larga vida a las Jornadas en su nueva y esperanzada etapa.

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Antonio Serrano

15 de abril - teatro auditorio roquetas de mar

El Lazarillo de Tormes Como actividad concertada con los centros educativos del municipio, la compañía andaluza La Paca presenta su espectáculo El Lazarillo de Tormes, donde muestran una recreación del gran clásico de la literatura española del siglo XVI. Tomás Afán es el autor de libre y divertida dramaturgia de la obra. Él mismo se encarga junto con Mari Carmen Gámez de la dirección del espectáculo. “Pese a estar escrita hace 500 años, la obra mantiene intacta toda su frescura, su fuerza y su vigencia”, expresan desde La Paca. Joaquín Fuente o Antonio Serrano y Manuel Santervás o Sergio Pérez son los actores que se encargan de interpretar a

los personajes. Teatro La Paca es una compañía joven pero con una dilatada trayectoria profesional. Dirigida por Mari Carmen Gámez y Tomás Afán, se centra especialmente en la realización de espectáculos y montajes y en la puesta en marcha de programas teatrales, así como en el desarrollo de talleres didácticos. Entre sus producciones propias están ‘Don Juan Tenorio’, ‘Cenicienta’, ‘Cyrano de Bergerac’, ‘El Pequeño Quijote’, ‘El Fantasma de Canterville’ o ‘El Soldadito de Plomo’.

En un lugar del Quijote La compañía de humor, teatro y música Ron Lalá presenta su visión contemporánea de uno de los grandes mitos de la literatura universal: Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes. “Un canto a la imaginación, al libre albedrío y a la rebeldía necesaria en el marco de una época que guarda sorprendentes parecidos con nuestra actual crisis de principios de siglo. Un viaje del XVII al XXI a lomos de Rocinante”, expresan desde la compañía. En un lugar del Quijote es una gran aventura del teatro, la palabra y la música en directo para experimentar toda la gracia, la magia, la rebeldía, la tristeza y la hondura de una obra inmortal. Yayo Cáceres es el director del mon-

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17 de abril - auditorio municipal maestro padilla

taje, que cuenta también con la dirección literaria de Álvaro Tato y la dirección musical de Miguel Magdalena. Juan Cañas, Íñigo Echevarría, Daniel Rovalher, Álvaro Tato y Miguel Magdalena son los intérpretes que forman el elenco del espectáculo. Fundada en 1996, Ron Lalá es una compañía de teatro y humor con música en directo. Su propuesta, una combinación de música y textos originales con un lenguaje escénico propio, puesto al servicio del humor crítico y cítrico. Un trabajo de creación colectiva que da lugar al inconfundible estilo Lalá. La compañía fue ganadora de los XVI Premios MAX 2013 en la categoría de Mejor empresa artes escénicas. Ron Lalá ha producido, entre otros, los siguientes espectáculos: ‘Mi misterio del interior’ (2006), ‘Mundo y final’ (2008), ‘Ron Lalá Directo’ (2010), ‘TIME al tiempo’ (2011), ‘Siglo de Oro, siglo de ahora (folía)’ (2012), ‘Esos Locos Barrocos’ (2013).

18 de abril - auditorio municipal maestro padilla

El Rey Perico y la dama tuerta El rey Perico y la dama tuerta de Diego Velázquez es una comedia burlesca dirigida y adaptada por Juan Dolores Caballero que ponen en escena Teatro del Velador, La Cantera Producciones y Distrito Teatro. Un ejemplo de cómo la comedia burlesca proponía un “mundo al revés” donde lo trágico deja espacio a lo cómico, donde se prescinde de las unidades de tiempo y lugar, y se construye una gran ficción lúdica cuyo principal objetivo es la provocación de la risa. Una propuesta donde lo grotesco reúne preciosos personajes que se muestran, bajo la batuta del feísmo y el lirismo visual, en toda su extraña y disparatada ternura. El texto tiene todos los ingredientes para ser una aventura épica: una Princesa casadera y voluble, un Rey sin sucesor y caprichoso, un galán gallardo y honorable, un escudero fiel y astuto... pero, le-

jos de ser un cuento heroico, estos personajes se muestran, grotescos, como una burla del orden establecido, de lo esperable, y nos conducen, entre risas, a cuestionarnos el sentido de nuestras convicciones... en el XVII y en el XXI. Alfonso Naranjo, Eva Rubio, Manuel Solano, Abel Moral, Eduardo Tovar y Silvana Navas son los intérpretes de la obra que cuenta con la escenografía de Israel García. El Teatro del Velador se ha especializado en la puesta en escena de textos españoles del Siglo de Oro inéditos, como ya hicieron con ‘La Cárcel de Sevilla’. La Cantera Producciones, nacida de 2006, presenta un teatro que aúna tanto los aspectos más populares del teatro, como los más innovadores y vanguardistas. Destaca la nominación a los premios Max, en una compañía que ha realizado más de 200 representaciones en los 4 últimos años.

18 de abril - teatro auditorio de el ejido

Rey Montesinos, Arístides Naranjo y Justo Salas interpretan a los personajes masculinos y femeninos de la obra en un juego de roles que recuerda la ductibilidad interpretativa de aquellos actores del Siglo de Oro y sobre todo, la visión del universo femenino desde el imaginario masculino. La mirada femenina es una constante en los acentos dramáticos y cómicos de sus personajes, reivindicativa y mordaz, poniendo en tela de juicio el mundo machista asociado a las apariencias y a la falta de escrúpulos. En su interpretación, aparecen las tensiones explícitas entre el clasicismo, que es un arte racional, masculino y apolíneo, y el barroco; apasionado, femenino y dionisíaco. Estas criaturas escénicas tensan el eje del relato dramático de la comedia aflorando desde la esencia misma de sus máscaras. La compañía es un proyecto internacional que acoge actores y actrices de Cuba y España con gran experiencia en la escena, todos bajo la dirección de Liuba Cid.

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Con versión y dirección de Liuba Cid, la compañía Mephisto Teatro presenta esta irónica, irreverente, mordaz y divertida propuesta de la pieza de Molière en el que los límites de la comedia son transgredidos tanto en lo visual como en lo dramatúrgico. Jourdain, su protagonista, representa una máscara específica, un tipo humano que se ha ido reencarnando a lo largo de la historia hasta nuestro tiempo presente: el que prefiere aparentar antes que ser, aunque para ello caiga en las formas más ridículas de la impostura. El tema, como se ve, es de todas las épocas. Los actores Fidel Betancourt, Gabriel Buenaventura, Guillermo Dorda, Jorge Ferrera, Juan Antonio Molina,

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El burgués gentilhombre

19 DE ABRIL - auditorio municipal maestro padilla

La mujer por fuerza La mujer por fuerza de Tirso de Molina es una de las pocas comedias del Siglo de Oro donde las protagonistas femeninas no basan su comportamiento en salvar su honra o su honor mancillada por el galán de turno sino que su protagonista en un personaje transgresor que se adelanta a su tiempo actuando de una manera más inteligente y creativa de lo que se les permitía a las mujeres de su época. La versión que presenta la Compañía José Maya parte de una adaptación realizada por José María Ruano de la Haza y versión escenificada de Amaya Curieses bajo la dirección del propio José Maya. Sobre el escenario siete intérpretes –Alicia Rodríguez, Alex Tormo, José Bustos, José Carrasco, Alicia González Chiqui Maya y Ana Alonso/Iria Márquez dan vida a la historia que comienza cuando el Conde Federico, enviado por el Rey de Nápoles a una embajada a Hungría,

se hospeda en casa de Alberto. Finea, hermana de Alberto, que ha sido ocultada por éste para evitar así un encuentro con el Conde, se ha enamorado de éste al observarlo a escondidas. Cuando el Conde se marcha, Finea decide ir tras él y, disfrazándose de hombre, entra a su servicio como criado y comienza la verdadera historia. José Maya Cortes es director, actor y fundador de la compañía de teatro clásico Zampanó Teatro. Ha dirigido en total alrededor de una treintena de textos de Siglo de Oro, con los que ha recorrido durante 25 años gran parte de los pueblos perdidos del mundo. Ha completado trilogías sobre Calderón, Lope de Vega y Tirso de Molina. Es uno de los directores que más ha hecho porque resuenen las palabras de los clásicos.

20 DE ABRIL - teatro apolo

Alicia Lobo, Rocío Marín y Zaloa Zamarreño dan vida a Sor Juana Inés de la Cruz, María de Zayas y Feliciana Enriquez de Guzmán, tres escritoras del siglo XVII y protagonistas de Barrocamiento, espectáculo con dramaturgia y dirección de Fernando Sansegundo que pone en escena la compañía Siosi Teatro. Una historia interminada e interminable de tres mujeres cuya vida no acabó con la muerte porque siguieron vivas al transmitir por medio de sus escritos su ansia de libertad, de independencia, de dignidad por encima de todo. Y su medio, el

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Barrocamiento de Cía Siosi Teatro amor, los amores no solo a los seres y personas, pero siempre, eso sí, como llama precisa y eterna. Vivieron su siglo. Alguna alcanzó más notoriedad que otras. Varias fueron casi olvidadas pese a su prestigio. Estas tres mujeres representan a otras que intentaron un camino similar pero está no es una obra de biografías; la compañía ha intentando acertar, pero hablando más de un modo de ser y de un modo de vivir, soñar y perdurar. Taly como explican sus componentes, Siosi Teatro nace de la necesidad de “contar historias que de otro modo como actrices no tendríamos la oportunidad de abordar. Queremos recuperar el valor del lenguaje y rescatar voces que han sido olvidadas por la historia y cuyo valor artístico es incuestionable. Sin cuestionar la calidad indiscutible de sus obras, descartamos la posibilidad de revisitar a los clásicos. Esta decisión nos llevó a investigar textos menos populares, y nuestra inquietud nos hizo pasar de los autores... a las autoras (...) y quisimos no sólo recordar sus poemas y sus pensamientos, si no revivirlos” con la ayuda de un dramaturgo de la talla de Fernando Sansegundo.

21 DE ABRIL - auditorio municipal maestro padilla

Misterio del Cristo de los Gascones

La obra que presenta Nao d´amores, con dramaturgia y dirección de Ana Zamora es una recreación libre de la ceremonia litúrgica que debía representarse en la Iglesia de San Justo, en Segovia, en tiempos medievales, para la cual se talló el Cristo de los Gascones, una de las piezas más significativas del patrimonio románico español. A través de una dramaturgia realizada a partir de textos históricos de diversa procedencia, mediante la investigación e interpretación en

directo de piezas musicales que pudieron articular una ceremonia de este tipo, la compañía desarrolla una puesta en escena que combina el trabajo actoral con el teatro de títeres, y que supone un acercamiento a los orígenes del teatro moderno. Una reivindicación del peculiar Patrimonio vivo, abordada desde una perspectiva contemporánea. Gómez Manrique, Alonso del Capo, Diego de San Pedro Fray Iñigo de Mendoza son atores de los textos de los que a partido este espectáculo por el que Ana Zamora y la compañía han sido galardonados on el Premio Ojo Crítico de RNE por su “imprescindible viaje a los orígenes de nuestro teatro, guiados por una mirada respetuosa a la vez que imaginativa; culta al tiempo que popular”. Nao d´amores nace en 2001 de la mano de un colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la música antigua, que bajo la dirección de Ana Zamora, desarrolla una labor de investigación y formación para la puesta en escena del teatro medieval y renacentista. Su manera de escenificación articula técnicas escénicas muy primitivas desde una óptica contemporánea, para reivindicar el hecho teatral en su carácter específico, único e irrepetible.

22 DE ABRIL - teatro auditorio

Santos– encarna todos los personajes ejerciendo de narrador, actor, títere y objeto a la vez La Chana Teatro se funda en 1987 en Salamanca por Aurea Pérez y Jaime Santos. A lo largo de estos años han buscado una forma propia de contar sus historias, tocando muchos palos, pero teniendo siempre como protagonistas al objeto, la palabra, el espacio y la interpretación. “Nuestro trabajo está fundamentado en la metáfora, y en la persecución de ella ponemos todo nuestro empeño, en la sencillez escénica, la calidad de los textos, la inteligencia en la puesta en escena, el minucioso trabajo con los objetos y la calidad interpretativa” explican los fundadores de la compañía.

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La Chana Teatro presenta Gaudeamus, unipersonal interpretado por Jaime Santos, encargado a su vez de la dramaturgia y dirección de esta obra basada en ‘El licenciado Vidriera’ de Miguel de Cervantes. Los deseos de un joven pobre de hacerse famoso por sus conocimientos para salir de la miseria centran este divertido espectáculo de teatro de objetos. La magia del teatro de objetos cargado de metáforas y pequeños milagros junto a un texto con tono cervantino y vigencia atemporal. La crítica social que ‘El licenciado Vidriera’ ejerce sobre todo estamento y profesión en Gaudeamus, no es expresada explícitamente sino encarnada teatralmente en los personajes-objetos, y se aprovecha así el verbo cervantino para crear una pieza rica en registros. El único actor-manipulador –Jaime

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Gaudeamus de La Chana Teatro

23 DE ABRIL - auditorio municipal maestro padilla

El médico de su honra Con versión y dirección de Jesús Peña, la compañía Teatro Corsario presenta la obra El médico de su honra, uno de los dramas más conocidos de Calderón de la Barca que se estrenó en Madrid en 1635. Considerado un drama de honor, la obra describe los tratos de doña Mencía, esposa de don Gutierre, y don Enrique de Trastámara, hermano de Pedro I de Castilla. Aunque doña Mencía no llega a cometer adulterio, don Gutierre advierte sus amoríos y, celoso de dichos tratos y de su honor, busca un cirujano que desangre a su esposa, supuestamente enferma. Verónica Ronda, Carlos Pinedo, Julio Lázaro, Luis Miguel García, Rosa Manzano, Rubén Pérez, Borja Semprún y Teresa Lázaro forman el elenco de actores del espectáculo, que cuenta con la música original de Juan Carlos Martín. Teatro Corsario se forma en 1982. Su trayec-

toria se caracteriza por un especial tratamiento de los clásicos en lengua castellana. Por otro lado, pone en escena novedosos espectáculos de títeres para adultos de ámbito internacional. Actualmente coproduce sus espectáculos con la Junta de Castilla y León. Fernando Urdiales (Premio Castilla y León de las Artes) fue hasta su fallecimiento en diciembre de 2010 el director de los espectáculos de actores. Jesús Peña es el director de los nuevos espectáculos de teatro clásico: ‘El médico de su honra’ de Calderón —incluido en la programación de 2015 de la Compañía Nacional de Teatro Clásico— y ‘Clásicos Cómicos’ (Entremeses de burlas). La compañía realiza giras por toda España, Europa, Sudamérica, Centroamérica y Estados Unidos, habiendo recibido premios como el Max, Adolfo Marsillach, Festival Don Quijote, Castillo de Alcañiz o Garnacha.

25 DE ABRIL - auditorio municipal maestro padilla

La Princesa de Barcelona se ha enamorado de Lelio, un hombre misterioso, pero temerosa de no cumplir con su deber de casarse con un príncipe, insta a Hortensia (amiga suya y confidente) a que investigue los orígenes de su amado. Pero cuando Hortensia se encuentra con Lelio, reconoce en él al hombre que le había salvado de unos ladrones y del que no ha podido olvidarse. El sentimiento es mutuo, pero Hortensia no querrá traicionar a su amiga.

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El lenguaje de tus ojos Por otro lado, el príncipe de Castilla ha pedido la mano de la princesa para poder unir ambos reinos y así aliviar las tensiones entre ellos. Este conflicto querrá ser utilizado por Federico (cortesano al servicio de la Princesa) para trepar en la corte y eliminar a Lelio, al que considera su rival. La compañía Teatro de la Danza representa la obra El lenguaje de tus ojos de Pierre Marivaux, donde las intrigas, sobornos y pasiones de unos y de otros, buscando conseguir sus deseos más ocultos, se irán desarrollando en un juego escénico donde las miradas toman la palabra cuando las palabras son insuficientes. Amelia Ochandiano firma la versión y la dirección del montaje que cuenta con los actores Cristina Castaño, Iker Lastra, Rebeca Valls, Jacobo Dicenta, Beatriz Bergamín y Juan Gea. Teatro de la Danza nació en 1977 con dos retos importantes: la idea de colectivo de trabajo estable, alrededor de un estilo propio, y la investigación como principal aliciente creativo, en permanente contacto con la realidad social, empresarial y económica del sector. Ha recibido, entre otros, 12 Premios Max y 6 Premios de la Unión de actores.

24 DE ABRIL - auditorio municipal maestro padilla

El coloquio de los perros

El coloquio de los perros escenifica la conversación entre dos perros, llamados Cipión (Mayte Bona) y Berganza (Francisco Negro), que al comprobar que han adquirido la facultad de hablar deciden contar sus experiencias con distintos amos, y a esperas de que una profecía les convierta en hombres, el enigma se resuelve sorpresivamente tras una fantasmal aparición. El relato de Miguel de Cervantes está construido según los principios de la novela picaresca. Mediante el contrapunto de los comentarios de los perros, en la adaptación de Morfeo Teatro ya personas, un viejo y taciturno

Cervantes reflexiona sobre las relaciones entre la verosimilitud y la realidad, sobre la corrupción y egoísmo de la sociedad, y lo más importante, sobre la fraternidad del ser humano. En esta propuesta de Francisco Negro se han cambiado los papeles originales que protagonizaban dos perros (y de una evidente ambigüedad a la hora de plasmarlos con verismo) por el de un hidalgo depauperado y un mendigo harapiento, también “perros” desheredados de la fortuna, que, con el mismo afán que Cervantes, narran sus experiencias entre lo amargo y la comedia. Morfeo Teatro, compañía residente en Burgos, pretende acercar al espectador a la época en que las obras fueron concebidas y al disfrute del texto clásico. ‘De burladores y burlados’, ‘La lozana andaluza’, ‘El médico a palos’, ‘El sombrero de tres picos’ o ‘La sombre del Tenorio’ son algunos de los espectáculos puestos en escena por la compañía, que ha actuado en festivales de toda España y América y ha sido galardonada, entre otros, con premios como el Teatro de Rojas, Garnacha o El Paso.

26 DE ABRIL - teatro auditorio

un retablo de máscaras, sobre un suelo de charol negro proyectado al infinito por un gigantesco y viejo espejo de fondo. Para el final del espectáculo baja un gran telón que muestra a los grotescos personajes de las pinturas negras de Goya, fusionando los recién nombrados y conspicuos Ministro y Magistrado con la caricatura mordaz de la España de ese otro gran genio, y que sirve para resaltar la cáustica crítica de Quevedo a la corrupción de los gobernantes de su tiempo, evidente reflejo de nuestra historia reciente. ”El espectáculo es políticamente incorrecto, tiene una alta dosis de inquina, es hiriente, cáustico, y por ende provoca risa inteligente, por lo que puede desaconsejarse su ingesta a públicos con mentalidad ultraconservadora, o que vayan al teatro sólo a pasar un buen rato y no pensar”.

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Morfeo Teatro presenta esta pieza basada en las sátiras y discursos políticos de Quevedo. La obra presenta a un extravagante diablo esperando a dos necios a los que espera cautivar con su “escuela de los vicios”, la única en que los alumnos cobran por aprender. Las titulaciones serán: bachiller en mentir, licenciado en engañar, doctor en robar y catedrático en medrar. Los dos necios, tras una inicial reticencia al ver que es el diablo quien imparte las clases, se meten de lleno en el aprendizaje por el generoso acuerdo propuesto, consiguiendo excelentes resultados, y mucho más allá de sus expectativas, al ser nombrados Ministro y Magistrado respectivamente. Aunque el diablo tiene una última enseñanza... Dirigida por Francisco Negro, la obra muestra un decorado contemporáneo, en contraste con un vestuario de época, y presenta al diablo con

XXXII JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO Del 9 al 26 de abril 2015

La escuela de los vicios

Un año más las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro acogen una nueva edición de Fórum Paraninfo, nueve días en los que reconocidos académicos de diferentes universidades presentan sus ponencia, una cita ineludible para alumnos y estudiosos del teatro. Esta edición llevan por título ‘Historias y Prácticas del Arte Escénico’ El Fórum Jornaditas es una jornada literaria dirigida al profesorado que este año gira en torno al tema ‘Es moderno ser clásico’ mientras que el Fórum Roquetas es una conferencia con motivo del V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa a cargo de Asunción Valgañón. Todo esto sin olvidar las extensiones de las jornadas por diversos municipios de la provincia donde disfrutar con los espectáculos ‘Mucho Shakespeare’ de Malaje Sólo y ‘Don Quijote y Sancho Panza’ de Los Claveles y varios programas para público adulto y otros tantos para escolares y público familiar. El Fórum Paraninfo: Historias y Prácticas del Arte Escénico se inaugura el 9 de abril con tres ponencias a cargo de Mª José Sánchez, Lucía Romero y Diana de Paco que hablarán sobre ‘¿Qué es el teatro?’, ‘El teatro en la Grecia clásica’ y El teatro griego en el teatro español respectivamente. para dar paso al día siguiente a las conferencias de Manuel López Muñoz –’El teatro en Roma–, Milagro Martín –Espacios escénicos en la Italia Renacentis-

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XXXII JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO Del 9 al 26 de abril 2015

Fórum, Jornaditas y múltiples actividades para todos los públicos

ta, Juana Escabias –’Escritoras invisibles del Siglo de Oro– y Antonio Serrano –que presenta el libro ‘Siglo de Oro, siglo de ahora’–.. El día 17 será el turno de Antonio Orejudo –’El teatro del Siglo de Oro’– y Gregorio Cabello –’Homenaje a Francisco Ruiz Ramón’– mientras que el 18 participarán Alfonso Zurro –’Dirección escénica frente a literatura dramática’–, Julio Béjar y Pedro D. Yanguas ‘Obrar el misterio: teoría y práctica de la interpretación’– y Eva Moreno –’Poética escénica de la escenografía y el vestuario en el siglo XX’–. Para el 24 está prevista la conferencia de Concha Fernández –’Sedas y

Denominado como ‘En un lugar de la Mancha’, durante las jornadas, y con el objetivo de homenajear los 400 años de la publicación de la segunda parte de la universal novela de Cervantes, el grafitero Makiniko pintará XII ilustraciones del Quijote en la calle Zaragoza de la capital. Con el programa ‘Dulces Tardes Poéticas’ todas las tardes, de lunes a viernes, se podrá tomar té, café con pastas mientras se escucha y participa de recitales poéticos, música flamenca o rap. El programa ‘Flamenco’ es un ciclo municipal de Divulgación del Flamenco mientras que las denominadas como ‘Jornadas de Vino’ se desarrollarán los días 9, 10 y 11 en tres bodegas diferentes en las que se podrá disfrutar de una degustación de vino acompañada de la música de Diego Cruz Quartet. Completan estos programas ‘El off del Siglo de Oro’, una programación de pequeñas representaciones teatrales de 15 minutos de duración y ‘Palante a la Alcazaba’, elaborado especialmente por voluntarios de la Fundación Caixa que facilitarán el acceso a la Alcazaba a personas con movilidad reducida para que asistan a la representación de la obra Don Quijote una adaptación de Hadi Kurich dirigida por el mismo que pone en escena

jornaditas Del 13 al 19 de abril se desarrollan las Jornaditas que tiene como propósito segur manteniendo la vinculación de los centros educativo con el Teatro Clásico. En el ciclo o programa ‘Clásicos a escena’ participan ocho centros que pondrán en escena otros tantos espectáculos protagonizados por su alumnado que este año han contado, para su preparación con un asesor teatral profesional. ‘Rapeando el verso’ está dirigido a alumnos de secundaria, una propuesta que incluye el espectáculo Una noche blanca con los clásicos de la mano de la Compañía Blanca Marsillach / Varela Producciones con el que acercar los autores del Siglo de Oro a los más jóvenes. Y además Dirigido al mismo público ‘Leer Almería’, donde podrán leer los espacios del Barroco, la literatura y la música de la época en el convento de las Puras y ‘Somos clásicos’ una concentración y pasacalles de lectura en voz alta para toda la familia. Además, el Fórum Jornaditas jornada literaria el 18 de abril dirigida al profesorado bajo el título ‘Es moderno ser clásico’ de la mano de la escritora Rosa Navarro, los profesores José Cañas y Toni Solano y el escritor Fernando Lalana. Y si esto fuera poco, talleres cervantinos de improvisación teatral y visitas tematizadas cervantinas en el Castillo de Santa Ana. Este año se va a poder disfrutar con tres exposiciones que salen de los museos y acercan las imágenes de las jornadas a la ciudad y la ciudad a las jornadas. ‘Ellas también fueron Clásicas’ conformada por los pósters elaborados por los alumnos en torno a la infancia de los escritores del Siglo de Oro que serán expuestos en escaparates del centro de la ciudad; ‘31 Años de Jornadas’ en 7ART y Microteatro y ‘Fotografías, XXXII Jornadas del Siglo de Oro’ en Sala Makiniko.

XXXII JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO Del 9 al 26 de abril 2015

Varios programas

Teatro de la Resistencia. Entre el 12 y el 25 de abril las calles del centro de la ciudad viajan en el tiempo y se engalanan con banderolas y pendones, con árboles a lo que les cuelgan poesías que serán recitadas en el Jardín de las Palabras. En la Calle de Música suena música barroca y del renacimiento y en el Palacio de los Cómicos se representan Pasos y Entremeses además de pasacalles y espectáculos itinerantes como El paseo de las Meninas de Axioma Teatro, el Pasacalles Barroco de La Duda o los espectáculos Gangarilla y Gangarilla 2 de Escenalia.

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telones: La invisibilidad de las mujeres dramaturgas del siglo XIX–, y el día 25 harán lo propio Francisco Gutiérrez –’Dramaturgas del siglo XXI’– y Susana Nicolás –’El teatro inglés contemporáneo’– para dar paso a la sesión de clausura a cargo de Mª Elena Jaime, Manuel López y Lucía Romero. Además el 23 de abril y en la Escuela Municipal de Música de Roquetas se llevará a cabo el Fórum Roquetas con una conferencia a cargo de la escritora Asunción Valgañón titulada ‘V Centenario del nacimiento de Santa Teresa’.

15 mayo junio XXV Mostra de Teatre d´Alcoi

Un cuarto de siglo trabajando con y por el teatro valenciano Del 30 de mayo al 5 de junio tendrá lugar una nueva edición de la Mostra de Teatre d´Alcoi con la que celebra su 25 aniversario, motivo por el que se presenta bajo el lema ‘25 companyies x 25 anys de la Mostra’. 25 son por tanto los años de la Mostra y 25 las compañías que pondrán en escena sus montajes parte de ellos, un total de once, dirigidos al público infantil, escolar y familiar y que se enmarcan en la denominada como ‘La Mostra més Jove’. Tres estrenos absolutos, los de las compañías La Dependent, L´Horta y Angoixa Teatre, dos espectáculos creados expresamente para celebrar esta efeméride, los de Pot de Plom y Eugeni Alemany junto con el resto

de programación se mostrarán en los cuatro teatros habituales, Calderón, Principal, Salesianos y el Centre Cultural además de diversos espacios calle del centro de la localidad. Junto con la exhibición de espectáculos, durante la Mostrase se llevarán a cabo varias actividades profesionales como un taller organizado por COFAE denominado ‘Posicionamiento digital para compañías de Artes Escénicas’, los Encuentros COFAE con el Sector en los que se reflexionará sobre los festivales de pequeño formato y el Encuentro de la Xarxa Alcover de Teatres y la presentación de actividades de la Asociación de Gestores Culturales del País Valenciano.

a compañía gestora y residente del Teatro Principal del Ayuntamiento de Alcoi, La Dependet estrena en la Mostra Matant el temps un monólogo de Pasqual Alapont interpretado por Joan Gadea y dirigido por Pepa Miralles en el que su protagonista “emprende una travesía hacia la nostalgia y hacia la esperanza, pero también es una reivindicación de la comedia y las ganas de compartir con los amigos la fiesta de la vida”. Estreno es también Paraules majors obra escrita y dirigida por Roberto García que pone en escena L´Hor ta Teatre y habla sobre la situación política actual, concretamente sobre el año 2015, “el año del éxtasis electoral”. Angoixa Teatre presenta por vez primera ante el público Laura con texto de Marcos Cantó – quien también se encarga de su dirección junto a Pep Cortés– una obra sobre la incomunicación dentro del núcleo familiar que da continuidad a la línea de sus propuestas anteriores que versaban sobre problemas importantes de nuestro entorno social. Dos espectáculos especiales, 25 anys de romanços de Pot de Plom, un unipersonal de Xavi Castillo que fiel a su estilo desgrana la actualidad con su personal humor lleno de crítica política. En esta ocasión y debido 56

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a la vinculación de Castillo con la Mostra ofrecerá un “remix” de sus espectáculos en el que no faltarán las referencias a los 25 años de la Mostra. El segundo, En persona guanye llega de la mano de Eugeni Alemany monologuista “punzante y crítico” que actuará en la celebración especial que tendrá lugar con los profesionales acreditados esta edición. Relaciones humanas

Post-Clàssic de Tortell Poltrona ©Ros Ribas

Titzina llega a Alcoi con Distancia 7 minutos, una obra escrita dirigida e interpretada por Diego Lorca y Pako Merino en la que a través de la relación de un padre y un hijo se reflexiona sobre temas fundamentales como la justicia, la felicidad o el destino. Producciones Zero-Laiogur t presentan Pep Talk un monólogo dirigido por Iban Beltran en Pep Garcia-Pascual da vida a Pep Guardiola, dispuesto a dar una conferencia en la que explica a empresarios como aplicar su método. El espectáculo que presenta La Teta Calva, Penev toma su nombre del mítico jugador del valencia Lubo Penev, una obra de Xavo Giménez sobre la desidia y la esperanza frustrada, una obra en la que el fútbol y el teatro se dan la mano y se ponen la zancadilla. Arden por

mayo junio su parte pondrá en escena Matar al rey, un nuevo espectáculo con texto y dirección de Chema Cardeña sobre personajes y situaciones históricas, en este caso en el reinado de Enrique IV, también llamado ‘el Impotente’, “un tiempo tenso y complicado con unas ansias enormes de prosperar y abrirse paso hacia un Renacimiento aún lejano. Una sociedad convulsa y confusa con unos gobernantes desesperados por el poder…”. Caminando con Antonio Machado es un espectáculo íntimo con dramaturgia, dirección e interpretación de José Sacristán en el que, acompañado al violonchelo Aurora Martínez Piqué Nota e propone un viaje, verso a verso “de vuelta a la infancia de, no solo uno de los más grandes poetas, sino de uno de los más honrados, leales, sencillos, consecuentes, insobornables y lúcidos pensadores-testigos de su tiempo. De todos los tiempos” explica Sacristán. Completan la programación para adultos Temptacions “una vídeo-instalación sobre el éxito y el fracaso. Versión electrónica libre de la música de la Historia de un soldado de Igor Stravinsky, con textos de Charles Ferdinand Ramuz” de La Fura dels Baus y fiel a su estilo Joglars presentan VIP una obra llena de humor presentada en forma de ceremonial que reflexiona en palabras de sus autores sobre “nuestra sociedad que se comporta de esta manera tan condescendiente con sus retoños”. El Ballet de la Generalitat presenta Clássics compuesta por las coreografías Yoshua Cienfuegos, Rafa Darder y Paolo Mohovich desarrolladas sobre músicas de Bach, Haendel, Tchaikosky y Hildemint y de danza pero breakdance es Divenire espectáculo dirigido por Jordi Vilaseca de Circle of Trust & Logela.

Distancia 7 minutos de Titzina ©Raul Lorenzo

Penev de La Teta Calva

Mostra més Jove

Los espectáculos para el público infantil y familiar se engloban dentro del programa ‘La Mostra més Jove’; montajes de teatro de calle como Collaje de Bot-Project, InCompatibles de Des-Equilibrats o Pop´s Corn de Maduixa se darán cita en Alcoi junto a propuestas de danza como ¿Cuál es mi nombre? que dirige Rosa Díaz ‘La Rous’ para Da.Te Danza o el musical Aladín, un musical genial de Trencadís. Saga Produc-

ciones también sube al escenario un cuento clásico, Alicia de Lewis Carrol y el arte del clown toma protagonismo de la mano de dos grandes, PTV-Clown con Ya está! y Tortell Poltrona con Post-Clàssic. Los títeres también estarán presentes en Alcoi con los espectáculos Vuela Pluma de Periferia Teatro y M i les balenes de Lupa Teatre. Completa la programación Les histories de la senyora Cullereta una obra llena de humor del grupo de Alcoi Faula Teatre.

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15 mayo junio XXXVIII Festival de Teatro de El Ejido

Un gran festival generalista de referencia en Almería

ás de 70 funciones de 50 compañías conforman la programación de la 38 edición del Festival de Teatro de El Ejido que organiza el Área de Cultura del Ayuntamiento de la localidad y tendrá lugar del 16 de mayo al 13 de junio. Pero antes, del 18 de abril al 15 de mayo se celebra la XXVI Muestra de Teatro de El Ejido, antesala del festival en la que 26 grupos de teatro aficionado del municipio pondrán en escena sus trabajos. Con la Gala de Presentación del Festival que tendrá lugar en el Auditorio se inaugura esta edición en la que se podrá disfrutar con espectáculos como Sorolla del Ballet Nacional de España que dirige Antonio Najarro, montaje inspirado en la colección “Visión de España” del pintor Joaquín Sorolla, Mother África, circo contemporáneo con artistas de diversos lugares de África de Circus der Sinne –Circo de los sentidos– que dirige Winston Ruddle, o varias representaciones de The Hole, un show fresco y descarado mezcla de cabaret, teatro burlesque, circo, música y humor de Yllana, Lets Go y Paco León. Yllana llega también para poner en escena The Gagfather con la que realiza un homenaje al cine negro mediante delirantes situaciones de humor negro y el código gestual que caracteriza a la compañía y el humor es también el gran protagonista de la particular versión de El Eunuco de Pentación o Tamaño Familiar de Lazona, ambas propuestas protagonizadas por conocidos intérpretes de la escena como Anabel Alonso, Pepón Nieto o Llum Barrera entre otros. Dos unipersonales protagonizados por dos reconocios actores, Caminando con Antonio Machado de Metrópolis Teatro con dramaturgia, interpretación y dirección de José Sacristán, un viaje de vuelta a la infancia del gran escritor verso a verso en compañía de la música de violonchelo interpretada en directo por Aurora Martínez Piqué y El asno de oro de Rafael Álvarez El Brujo una obra sobre la vida y la muerte a 58

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El triángulo azul de Micomicón y el CDN ©marcosGpunto

partir del relato del mismo nombre escrito por Lucio Apuleyo, considerado como uno de los padres de la novela en Roma. Unipersonal es también Oh Vino! de la Cía. La Líquida, montaje escrito, dirigido e interpretado por David García-Intriago que pone en escena la mítica historia de Dionisos, dios del vino y del teatro, de la risa y de la libertad, un espectáculo lleno de humor en el que el público puede degustar vino. Y el humor es también uno de los protagonistas de M el Maravillador último trabajo de MagoMigue, Premio Mundial de Magia, una comedia de “Arte Dramágico” que combina teatro, cabaret, ilusionismo, música y mucha magia dirigida a todos los públicos. La coproducción de Micomicón y el CDN El triángulo azul, dirigida por Laila Ripoll narra la historia de los miles de españoles que estuvieron presos –muchos de ellos fueron asesinados– por los nazis en el campo de concentración de Mauthausen. Un reconocimiento a todas aquellas personas que “sesenta años después y todavía, a día de hoy, ni un triste monolito lor recuerda”. Como novedad esta edición presenta ‘Apuesta Raíces’ una línea de programación en la que tienen cabida espectáculos

de personas de El Ejido o vinculadas al festival entre las que se encuentran el estreno de Salvajes de Norbac, las obras Luz frágil de Limbo Teatro, La Morera de G&G, Microteatro de Antenotario, Pirratas de Cia. Botavara y dirigida al público familiar o la Gala Danza del Conservatorio Profesional de Danza de Almería entre otras. Además de los montajes de sala mencionados que tendrán lugar en el Auditorio y en el Teatro Principal el festival incluye espectáculos de calle como Me va gustando de Marcos Vargas & Chloé Brûle que vuelven a visitar el festival con un espectáculo de danza contemporánea y flamenco bailado sobre el agua en el parque municipal, Lucha de Rolabola o The puppet circus de Alauda Teatro. Y no hay que olvidar las programaciones Noches golfas y Off con 12 espectáculos que tendrán lugar ya entrada la noche en locales de copas de El Ejido además de actividades paralelas como la exposición vestuario ‘Andalucía viste su escena’ en el vestíbulo del Auditorio, la charla con Paquita Ferragut, una master class de improvisación a cargo de Impropatía y dos cursos de teatro entre otras.

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XXXI Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba

Arena, títeres, actores y música en el teatro familiar

a localidad guipuzcoana de Eibar vuelve a celebrar una nueva edición de la Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba, la trigésima primera, que tendrá lugar del 9 al 27 de mayo con la participación de cinco compañías que pondrán en escena otros tantos espectáculos dirigidos, todos ellos, al público familiar. Sueños de arena será el montaje que inaugurará esta nueva edición de la muestra, espectáculo que pondrá en escena la Cia. Borja Ytuquepintas, en el Coliseo, una obra de “arte con arena, marionetas y música”, una bella historia contada con la arena como medio y en un ambiente íntimo envuelto por una sugerente música. El resto de espectáculos se llevarán a cabo en el escenario de la Universidad. Por orden cronológico el primero será Código postal de Engruna Teatre, una experiencia única en el mundo de la comunicación. El público se encontrará con la oficina Código Postal

Código postal de Engruna Teatre

00, un lugar al que llegan cartas y paquetes de todo el mundo llenas de secretos, de historias de amor, de viajes... un lugar muy especial en el que sus dos protagonistas necesitarán de la participación público para poder llevar a cabo su labor... LaEnanaNaranja por su parte hará cantar al público con Kontukantari, espectáculo de marionetas en euskera con el que harán recordar a los mayores y enseñar a los más pequeños canciones del repertorio popular como ‘Itxasontzi baten’, ‘Tan Txibiri’, ‘Baga

biga higa’ o ‘Ixil ixilik’ entre otras y títeres son también los protagonistas de Bolaluma de Kixka Antzerki Taldea. En El sobrino de Méliès Producciones Cachivache combina teatro, magia, cine, globoflexia y sombras para llevar al escenario los comienzos del Cinematógrafo en una obra que protagoniza Jean Philippe Atchoum. Se completa la programación de esta edición con la obra Entre pícaros anda el juego de La Quimera de Plástico. Esta obra de Luis Matilla es un montaje de teatro de actores protagonizado por una antigua compañía de cómicos que llegará en su carromato de viaje, convertido en escenario para dar noticia al público de sus múltiples habilidades... unos personajes que son a su vez los pícaros, pillos y truhanes de una época pasada, famosos algunos, otros no tanto, pero protagonistas de una parte de la literatura como es “la picaresca”.

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15 mayo junio X Haizetara-Concurso Internacional de Música Callejera

Un torneo de campeones para celebrar el décimo aniversario Los ganadores de las ediciones previas de Haizetara serán los participantes del presente certamen de bandas callejeras

l Concurso Internacional de Música Callejera-Haizetara, organizado por Ametx, Organismo Autónomo municipal de cultura de la localidad vizcaína de Amorebieta-Etxano, cumple este año su décimo aniversario. Para celebrarlo, este año no se ha realizado una convocatoria al uso, sino que la organización ha invitado a las nueve bandas ganadoras de las ediciones precedentes. Serán ocho las que participen en el concurso, mientras que la ganadora de la cuarta edición realizará una actuación especial fuera del mismo. Banda de la María fue el grupo vencedor de la primera edición de Haizetara en 2006, y por tanto uno de los que estarán presentes en esta edición, que se celebrará los días 19, 20 y 21 de junio. La sevillana es la única banda española que se ha alzado con el primer premio hasta la fecha. Por otro lado, cuatro bandas serán las que lleguen desde Francia. La parisina No Water Please fue la ganadora del segundo concurso, una banda que trabaja estilos como el funk, la salsa o el punk. Funky Style Brass es una banda creada en 2005 donde 9 músicos combinan estilos pasando del hip-hop al rock o del zouk a la música electrónica. En 2011 ganaron tanto el primer premio del

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What Cheer? Brigade

concurso como el premio otorgado por el público. Le Bus Rouge, por su parte, es una fanfarria de Lyon que cuenta con 11 músicos de diferentes disciplinas (clowns, cómicos...). La cuarta banda francesa será La Fanfare en Pétard, que ofrecerá su representación fuera de concurso. Dos bandas serán las representantes del Reino Unido. Los londinenses Perhaps Contraption fueron los ganadores de la última edición, mostrándose “muy honrados de llevar nuestra música a este precioso lugar, y de tocar junto a increíbles bandas de todo el mundo. Calles, parques, avenidas, plazas... Todo el pueblo cobra vida duran-

te 4 días.” Los también ingleses Oompah Brass consiguieron un premio individual además del gran premio en el año 2012. Así, el trompetista de la banda fue nombrado el mejor instrumentista del certamen. Percusión, saxofones, trombones... componen la banda italiana Magica Boola, que propone fusiones de jazz, blues, hip hop o funk. Del otro lado del océano llegarán los estadounidenses What Cheer? Brigade, banda que desde 2005 ha tocado, además de en la calle, en discotecas, bibliotecas o cementerios incluso con la banda de rock Blondie, fue la ganadora de Haizetara en 2010.

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ACT

Mai du Théâtre La XXXI edición del Mai du Théâtre, festival organizado por el Théâtre des Chimères, se celebrará del 21 al 24 en Hendaia. 19 compañías realizarán 30 representaciones de disciplinas como teatro, danza, música o circo. Estas son algunas de las formaciones que estarán presentes en los diferentes espacios: J’adore ce que vous faites, Léandre, Les Arts Oseurs, Quartet Buccal, Alchymère, Monkey Style, Mystérieuses Coiffures, Karl Stets, Ertza Dantza y Teatro Golondrino.

FICE

El Festival Salvaje, organizado la compañía La Tristura, tendrá lugar los días 8, 9 y 10 de mayo en el barrio de San Cristóbal de Madrid. Desde la organización han abierto un blog con una duración determinada en el que cada día se contará un aspecto importante del festival. Tres montajes forman la programación: Dominio público de Roger Bernat; Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento de El Conde de Torrefiel; y Take a walk on the wild side de Emilio Rivas, con la participación de La Tristura, entre otros.

TERRORisms Un festival reunirá del 24 al 28 de junio en Stuttgart a las 5 producciones del TERRORisms project de la Union of Theatres of Europe, cerrando así los tres años de trabajo colaborativo entre el National Theatre of Oslo (Noruega), el Staatsschauspiel Stuttgart (Alemania), el Yugoslav Drama Theatre Belgrade (Serbia), el Habima - National Theatre of Israel (Tel Aviv) y el Comédie de Reims (Francia). Todos los montajes tratan el tema del terrorismo.

Circ Cric El Festival Iberoamericano de Cabaret España se realizará del 7 al 10 de mayo en Madrid. Se trata del primer festival de ámbito intercontinental que busca compartir con el público una entretenida parrilla de

espectáculos, cuyos comunes denominadores son el humor, la provocación, la seducción, la música en vivo y la celebración de la vida. Estarán presentes en el festival compañías como Pía Tedesco, Cabaret Invisible, Cabaret Flotante o Cabaret LeCOQ.

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Salvaje

La XII edición de ACT, Festival internacional de escena corta, se realizará del 3 al 6 de junio en diversos espacios de Bilbao y Barakaldo. El público podrá disfrutar de 14 piezas escénicas de danza, teatro o performance. Entre los grupos seleccionados están: Jamie Wood (Reino Unido), Krego-Martin Danza (Bilbao), YS Dance Project (Corea), J&A (Países Bajos), Cooperativa Maura Morales (Cuba- Alemania), María Ramos (Portugal), Grumelot (Madrid) o Mokhallad Rasem (Iran – Bélgica).

El Festival Circ Cric celebra hasta el 19 de julio su sexta edición en el Bosque del Montseny. Este año incluye la naturaleza en dos espectáculos: Circo y Natura y Un Bosque de Narices. Se podrá ver también el espectáculo ganador del Premio Zirkólika 2014 al Mejor Espectáculo de Circo en Carpa, Bemoll Sostingut. Se amplía también la variedad de disciplinas con un concierto de Sílvia Pérez Cruz, la Fiesta del Acordeón o la segunda edición del Festival de Payasas.

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15 mayo junio

El Teatro Arriaga celebra su 125 aniversario El estreno de una producción propia, la gala especial de aniversario y el Ballet de Sara Baras cierran esta temporada

l Teatro Arriaga de Bilbao despide la temporada 2014/2015 con varios espectáculos entre los que cabe destacar el estreno de su última producción, el musical La viuda alegre que dirige Emilio Sagi –más información en la página 11 de esta revista–, y la gala que tendrá lugar el 31 de mayo, día en el que se conmemora el 125 aniversario de la inauguración del coliseo bilbaíno. Numerosos artistas, cantantes, actrices y actores, figuras de la lírica, maestros de la danza, escritores etc. se reunirán sobre el escenario –en el que e público encontrará elementos que recordarán a algunas de las producciones del Teatro Arriaga– en un espectáculo muy especial en el que los artistas participantes ofrecerán actuaciones e interpretaciones en directo. En la gala, presentada por Emilio Sagi –director artístico del Teatro Arriaga– y las actrices Gurutze Beitia y Enriqueta Vega, la historia del teatro tendrá un peso importante y se recordará de diversas maneras como proyecciones de videos con felicitaciones y mensajes a modo de homenaje de personalidades de la cultura, estrellas de los escenarios etc. Una gala en definitiva para homenajear al Teatro Arriaga y un homenaje del Teatro al público y a Bilbao. Sigue el espectáculo

En junio, del 10 al 14 vuelve al Teatro Arriaga el Ballet Flamenco de Sara Baras esta vez con Voces, un espectáculo con el que la coreógrafa, directora e interprete quiere rendir homenaje a grandes artistas ya fallecidos que han tenido una gran influencia en ella como Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Antonio Gades, Enrique Morente, Moraíto y Carmen Amaya. Tal y como explica la creadora gaditana este espectáculo “se crea desde la libertad de los corazones flamencos que bailan al son 64

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de su propia música, con el único deseo de homenajear a las principales voces flamencas que influyeron e influyen de manera directa a nuestra generación, grandes genios que siempre estarán con nosotros”. Voces es espectáculo flamenco tipo concierto con un solo hilo argumental en el que se representan los diferentes palos flamencos –seguirilla, taranta, farruca, tiento, solea, tangos, solea por bulería, romance, bulería …– “salpicados” con detalles que los conectan con los artistas homenajeados. Antes, del 6 al 8 de junio el público infantil y familiar podrá disfrutar con El pájaro prodigioso, coproducción de ABAO-OLBE y La Maquiné con dirección de escena de Joaquín Casanova. Una narración musical

basada en el cuento popular ruso ‘El pájaro de fuego’ escenificada con de títeres, actores y proyecciones de vídeo acompañada al piano por la música de Igor Stravinsky. Completan la programación de esta temporada tres nuevas funciones de Hoy, última función obra interpretada por Itziar Lazkano y Ramón Barea que ponen en escena las vicisitudes de un matrimonio y pareja de actores entrada ya en años, producción de Pabellón Nº6 que vuelve dentro del programa ‘Cuartitos del Arriaga’ del 18 al 20 de junio y el concierto en colaboración entre el Teatro Arriaga y Bilbao Orkestra Sinfonikoa Bond & Beyond: 50 años del agente 007, con un programa que recoge la banda sonora de todas las películas del célebre agente.

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La Fundición

Tras la residencia de creación llevada a cabo del 11 al 17 de mayo en la sala La Fundición de Bilbao la compañía Teatro Xtremos presenta los días 16 y 17 Oblivion o Cisnes que se reflejan como Elefantes, montaje dirigido por Ricardo Campelo Parabavides que busca respuestas a preguntas como “¿Cuánto más podré vivir?, ¿cuánto más podré soportar?” y Teatro del Açúcar vuelve a la sala bilbaína para poner en escena los días 28 de mayo y 18 de junio el unipersonal Adaptação. La danza llega a La Fundición de la

mano de varias compañías como El punto! Danza Teatro que presenta la recién estrenada obra El olimpo no es aquí con coreografía y dirección de Fernando Lima. La coreógrafa Carmen Werner interpreta En blanco (30 y 31 de mayo) con su compañía Provisional Danza , una pieza en la que “no todo está escrito” y desde Santa Cruz de Tenerife llega los días 6 y 7 de junio la Cía. Nómada danza-teatro con Tabula rasa, idea y creación del coreógrafo y bailarín Daniel Abreu interpretada por Roberto Torres acompañado al piano por Milena Perisic. Por último y antes de dar paso al festival Lekuz Leku que organiza La Fundición y que tendrá lugar en los alrededores de Abandoibarra el 26 y el 27 de junio, los días 13 y 14 la bailarina Elena Córdoba pondrá en escena Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera.

Teatro Barakaldo

El Elefantito de La Canica Teatro

Carla Móra, Irene Ruiz y Marta Móra, soprano. mezzo soprano y contralto respectivamente son las intérpretes de Echanté! espectáculo de cabaret que la compañía Divinas pondrá en escena el 2 de mayo en el Teatro Barakaldo y los humoristas Leo Harlem y Sr. Corrales también harán reír al público con tres funciones –los días 16 y 17– de #Trending Tronching y un día antes, Minimal Teatro presenta Tú eres poesía, El público familiar podrá disfrutar con varios espectáculos antes de la llegada del periodo estival. El 3 de mayo La Canica Teatro pondrá en escena El Elefantito, un delicioso espectáculo de títeres de mesa protagonizado por un pequeño elefante lleno de una curiosidad insaciable que le llevará a emprender un viaje de búsqueda. Dentro del ciclo Titerescena los italianos Girovago e Rondella presentan Quadri, un espectáculo sin texto contado con los dedos de las manos y marionetas de hilo (17 de mayo) y la compañía madrileña Titiriguiri hará lo propio con Hay un gallo en tu tejado (7 de junio) títeres, teatro de actores y animación en clave de humor para escenificar los poemas del libro Ciudad Laberinto de Pedro Mañas. Y además dos espectáculos para los escolares de Barakaldo, en euskera, Tramankuluak interpretada por José Ramón Soroiz y en ambos idiomas 3 Txerritxoak eta otsoa de Glu Glu.

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15 mayo junio

Una gran ola escénica rompe en Donostia Además de la variada programación de teatro y danza a finales de mayo se celebra el festival Olatu Talka!!!

on el musical La fuerza del destino, compuesto por más de treinta temas del grupo Mecano que ha producido Vértigo Tours comienza la programación del mes de mayo de Victoria Eugenia Antzokia de Donostia cuyo escenario también acogerá el espectáculo Miguel Molina al desnudo (31 de mayo) en el que Ángel Ruiz encarna al autor de coplas tan conocidas como ‘Ojos verdes’ y ‘La bien pagá’ en un dialogo abierto con el público. El teatro donostiarra será el lugar para disfrutar el día 10 con Lluvia constante obra del dramaturgo norteamericano Keith Huff sobre la lealtad de dos amigos interpretados por Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta que dirige David Serrano en una coproducción de Producciones Abu, Milonga Producciones, Zoa PTC, Amantes Venia de Amar y Barco Pirata mientras que los días 5 y 6 de junio Trasgo Producciones pondrá en escena El nombre, una versión a cargo de Jordi Galcerán de la comedia de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliêre y del 23 al 27 de junio, el estreno de Mosu bat de Tanttaka Teatroa (ver página X). Espectáculos de diversos estilos de danza conforman la programación de Victoria Eugenia Antzokia. El 16 de mayo Agata, Asociación Gipuzkoana Amigos del Tango Argentino presenta Pasiones Tangueras en la que se relatan historias de amor a través del tango argentino. Blanca Li presenta el día 30 Robot, una coreografía para ocho bailarines cuyos movimientos activarán los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki para responder a la cuestión siguiente: “Si los robots se humanizan adoptando nuestra apariencia ¿Nos robotizaremos nosotros?”. El flamenco llega el 27 de junio con Fuego de la Compañía de Antonio Gades, coreografía original del propio Gades y Carlos Saura inspirada en la música de ‘El Amor Brujo” de Manuel de Falla. 66

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Robot de Blanca Li

Gazteszena por su parte es el lugar donde disfrutar con la danza contemporánea de Sol Picó que presenta One-hit Wonders (16 de mayo), montaje construido con piezas emblemáticas de las obras más representativas de los 20 años de trayectoria de la coreógrafa valenciana. Antes, el día 10 el escenario de la casa de cultura de Egia acogerá Almazuela (bajo las sábanas) propuesta de danza para público familiar de la Cía Roberto G. Alonso. Los más pequeños también podrán disfrutar con el último trabajo de Markeliñe, Kixote, una particular versión de la universal obra de Cervantes que la veterana compañía pondrá en escena el 9 de mayo en Antzoki Zaharra, escenario en el que se han programado dos obras en euskera para público adulto. Maskarada presenta Arkimedesen Printzipioa (16 y 17 de mayo) versión en euskera realizada por Iñaki Ziarrusta de la obra de Josep Maria Miro i Coromina que dirige Carlos Panera y Ados Teatroa Maitasunaren ostean, maitasuna, (19 y 20 de junio) la historia de una mujer con Alzheimer dirigida por Garbi Losada que el día 21 se escenificará en su versión en castellano, El

amor después del amor. En euskera es también la propuesta de Borobil Teatroa, Jokoz kanpo (13 y 14 de junio en Lugaritz K.E.) y en castellano con entrada sólo con invitación Barro Rojo, unipersonal de Javier Liñera en Antzoki Zaharra el 25 de junio organizado por Gehitu. Además se podrá disfrutar en los diferente espacios de la ciudad con diversas propuestas de teatro amateur y del 19 al 22 de mayo en Gaztezena se llevarán a cabo las representaciones, a puertas abiertas del Taller de Artes Escénicas de Donostia. Olatu Talka!!!

Los días 29, 30 y 31 de mayo se celebra la sexta edición de Olatu Talka!!! que se presenta con novedades como una mayor presencia de los barrios y en la que se repetirán actividades ya arraigadas en ediciones anteriores como Musika Parkean, Sukaldanitzak, Garbibai y distintas actividades ligadas al hacktivismo, etc. Al cierre de este número de ARTEZ aún no se conoce la programación exacta de esta edición en la que se prevén varias actividades relacionadas con las artes escénicas.

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Teatro, danza y ‘The Hole 2’ para finalizar la temporada La Compañía Pupaclown estrena ‘Los siete cabritillos’ en coproducción con el Teatro Circo de Murcia

a programación del Teatro Circo de Murcia comienza el primero de mayo con Lluvia constante de Producciones Teatrales Contemporáneas que protagonizan Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta dando vida a dos policías, amigos de la infancia que se verán envueltos en una serie de acontecimientos que cambiarán sus vidas. Una obra del norteamericano Keith Huff dirigida por David Serrano. Al día siguiente se podrá disfrutar con dos funciones de Rudo espectáculo en el que Manolo Alcántara crea torres y figuras con pesadas cajas de madera, equilibrios imposibles acompañados de la música de Laia Rius (violín) y María Bou (violonchelo). Antonio Saura dirige La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca (13 de mayo), una coproducción de Alquibla Teatro y el Teatro Circo Murcia con una puesta en escena sobria “acompañada del tañido de campanas a tempo fúnebre que seguirá la acción de principio a fin”, una obra “concebida a través de una visión existencialista de la tragedia que hace aflorar el angustioso anhelo de libertad escondido en lo más profundo de cada uno de nosotros”. Dos días después llega la versión de Emilio Hernández de Plauto de Aristófanes, producción de Pentación Espectáculos dirigida por Magüi Mira y el humor es también aunque en forma de sketchs protagonista

La casa de Bernarda Alba de Alquibla Teatro y el Teatro Circo Murcia

de Viejóvenes (23 de mayo), espectáculo con el que los humoristas Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla sus doce años de trayectoria artística. La programación de mayo incluye dos propuestas escénicas más. A corazón abierto de Saorín Danza (16 de mayo), –último espectáculo de danza de la temporada–, con coreografía de Juan Antonio Saorín inspirada en Ibn Arabí ( Murcia 1165-1240) y el estreno del montaje para público infantil y familiar Los siete cabritillos (20 y 21 de mayo). El conocido cuento sube a los escenarios en una coproducción del Teatro Circo Murcia y la Compañía Pupaclown en la que el final no es el conocido por el

público y en el que sus protagonistas son unos cabritillos muy especiales cantan, juegan, hacen travesuras y se suben a todos lados porque... ¡Están como cabras! Los conciertos de Pasión Vega y Zequi completan las propuestas del mes junto con The Hole 2 segunda parte del exitoso espectáculo en el que la música, los números de circo, el humor y el cabaret son los grandes protagonistas. En esta segunda parte la vida del Maestro de Ceremonias ha cambiado pero... “la diversión, la risa y la excitación aseguradas”. Del 28 de mayo al 21 de junio, una treintena de funciones para cerrar la temporada del Teatro Circo Murcia.

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15 mayo junio

Ciclo para reflexionar sobre la dramaturgia presente ’El lugar sin límites’ es un programa comisariado por Teatro Pradillo que tendrá lugar en el Teatro Valle Inclán y el Museo Reina Sofía

el 11 de junio al 5 de julio la dramaturgia contemporánea tendrá un lugar preferente en Madrid con la celebración del ciclo ‘El lugar sin límites’ un programa comisariado por el Teatro Pradillo en el que participan el Centro Dramático Nacional y el Museo Reina Sofía. El objetivo de este proyecto es “reflexionar abiertamente sobre la dramaturgia presente, entendida de una manera amplia, sin constricciones”. Este ciclo nace por tanto “con el deseo de cuestionar las formas y el lenguaje de la escena y para ello ofrece la posibilidad de acercarse a experiencias escénicas que amplíen este campo de acción de la dramaturgia” con un programa compuesto por propuestas escénicas de “compañías y autores que están preguntándose sobre ese lugar sin límites que entendemos por escena, un lugar cargado de posibilidades”. Siguiendo estas ideas los creadores que participan en el ciclo ofrecen al público “dramaturgias rotas, fragmentadas, hiperbólicas, silenciosas, autistas, violentas, irónicas, frágiles, luminosas o desesperadas” un ciclo en el que además de una programación escénica –que tendrá como sede principal el Teatro Valle Inclán del barrio de Lavapiés–, incluye espacios de pensamiento, trabajo y encuentro, “lugares de reflexión y acercamiento entre los artistas y de éstos con el público”. Rodrigo García inaugura el programa con el espectáculo Arrojad mis cenizas sobre Mickey coproducción de La Carnicería Tea-

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tro, Théâtre National de Bretagne/Rennes y Bonlieu/SN d’Annecy que “invita a pasear en un territorio futurista devastado, arrasado y desolador” explica García para añadir que “creemos leer en mi texto pasajes de ciencia ficción, pero si nos detenemos en las palabras, reparamos en que sólo habla del actual estado de las cosas”. Rodrigo García es también el autor y director de la producción de Humain trop Humain-CDN Montpellier Accidens un poema visual y una performance sobre el que afirma “me hace pensar en la agonía, en este caso de un bogavante, metáfora, para mí, de algunos de lo eres queridos que han muerto y no pude acompañar hasta la hora final”. El conde de Torrefiel presenta La posibilidad que desaparece frente al paisaje una

obra de carácter narrativo organizada en escena como una maqueta, como un juego inofensivo, bonito y frágil para avanzar por los terrenos más oscuros, perturbadores y violentos de la mente de las personas. Las ideas de Federico León “trabaja los límites entre realidad y ficción. Pone en escena la intimidad de un proceso de creación. Se trata de un proceso similar al que Federico León (autor y director) podría atravesar en sus obras junto a Julián Tello (actor y colaborador)”. La pieza El triunfo de la libertad es una creación de los coreógrafos La Ribot y Juan Domínguez y el actor Juan Loriente en la que se cuestionan la idea de que el arte pueda transformar el mundo, un “manifiesto poético y reivindicador, los artistas no denuncian, simplemente proponen”. Dos impromtus, dos piezas que se crearán a través de dos talleres de creación con convocatoria pública son las propuestas de Claudia Faci y Elena Córdoba, Los trabajos del amor y Bis du bei mir respectivamente. Hacía un ruido de María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca es una investigación, una pieza audiotextual, una plaquette y un recital heterogéneo en el que hay de todo. Y además una exposición denominada ‘Vía Lucis’ de Angélica Liddell, conferencias y los encuentros denominados ‘Vermú de los domingos’ conversaciones de los creadores participantes con especialistas de las artes escénicas y del 29 de junio al 4 de julio, ‘Encuentros sobre dramaturgia’ en el Teatro Pradillo.

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15 mayo junio Josu Montero

Luz negra

Una tragedia ligera

os interfonos están cruzados, si alguien llama desde abajo que se suma a esa constante comunicación defectuosa e interrumpida a la casa del protagonista, suena en la casa de la vecina, y –recuerden el interfono– que se establece entre los cinco personajes. viceversa. Es lo que está contándole Enric a Nuria cuando Algunas escenas se cierran por ejemplo con un personaje incapaz de comienza la obra. Mientras, Nuria sostiene en su mano un vaso y verbalizar algo o un personaje que no pone nada fácil que otro, por Enric se lo está llenando con una jarra; como se lía contándole lo del fin, hable de lo que quiere hablar. interfono, no se da cuenta y sigue llenando el vaso hasta Es bien patente la soledad de Bruno, entre una madre que desborda y el agua moja los pies de Nuria. Enric siempre ausente, liada con lo suyo, y un padre novelistrae un trapo y se lo entrega a Nuria, así que ésta ha ta que considera sus creaciones como único tema de de agacharse mientras sostiene el vaso rebosante para conversación. Eso sí, claro, ya no le parece un tema tan secarse los zapatos. Además Nuria no tiene sed y cuanapasionante cuando Nuria le planta delante las consedo, incómoda, intenta desprenderse del vaso dejándolo cuencias de su novela. Enric se ríe, que culpa tiene él sobre la mesa de la sala, Enric salta y le pide que no lo de que un loco… Pero la risa se le congela cuando su deje ahí porque a Laura no le gusta nada que queden hijo, por fin, le confiesa primero que ha pintado de verde marcas. Laura es la esposa de Enric, Enric Massagué, los cristales del coche de un profesor, y más tarde que novelista autor de cinco exitosas novelas, la última de ha ido a su casa, le ha golpeado y le ha amenazado ellas titulada “Y después métete un tiro en la cabeza”. delante de su familia. Exactamente lo mismo que sucede Pero Laura no aparece en la obra, no aparece porque en la novela de su padre antes de que el profesor cite al nunca está en casa ya que se apunta entusiasta a todo alumno cabrón que le está haciendo la vida imposible y tipo de cursos de lo más estrafalario. se lo cargue a raquetazos. La alarma salta. Nuria no conoce de nada al hombre que tiene enPor su parte Ferrán, el hijo de Nuria y del profesor frente, a Enric. Hace unos días Enric recibió un correo MATA A TU ALUMNO homicida –el real–, secunda a su madre, pero con la CARLES MALLOL de Nuria: “Estimado Señor Enric Massagué, necesito Editorial Artezblai radicalidad de la juventud, así que en algún momento hablar con usted de su última novela. Proponga lugar llega a golpear a Enric. Roger, el profesor, aparece en y hora. Muchas gracias”. Y aunque el novelista está tres escenas, flash-backs que explican muchas cosas; más que harto de sus molestos seguidores en las redes sociales, una, antes de salir de casa a la cita con el alumno cabrón, que comese necesito del mensaje de Nuria le animó a aceptar la cita; que parte con su esposa Nuria; otra, cuando regresa a casa de su cita y alguien necesite hablar de una novela con tanto apremio no puede de su crimen, lleno de sangre, que comparte con su hijo Ferrán; y la sino halagar el ego del autor. Y ego Enric tiene de sobra, ego e tercera, unos días antes del crimen, en su casa, con su mujer Nuria. inseguridad: peligrosa combinación. Esta última escena sucede también talmente en la novela de Enric. Así que ese encuentro que abre la obra está resultando un auténLas relaciones entre ficción y realidad, que aquí se presentan, o tico despropósito, pero se vuelve dramático cuando Nuria por fin se la cuestión de la violencia en el sistema educativo, que aquí también atreve a confesar la verdadera razón de su visita: su marido –profesor aparece, no son finalmente sino una excusa para plantear cómo las de instituto– está en la cárcel pues acaba de asesinar a raquetazos oscuridades, egoísmos, rivalidades, dependencias e irresponsabia un alumno cabrón. En la novela de Enric –que el asesino acaba de lidades en el seno de las felices familias puede arruinar vidas de leer– pasa exactamente lo mismo, así que tan perpleja como furiosa puertas adentro y también de puertas afuera. Las relaciones entre Nuria pide explicaciones a Enric. Por supuesto éste no digiere bien los esposos y las relaciones de éstos con los hijos, paganos casi el asunto, y a partir de ahí la obra se convierte en un toma y daca, siempre, suele cargarlas el diablo. exigencia de explicaciones y ruego de disculpas entre ambos; una deCarles Mallol (Figueres, 1981), dramaturgo y director experimensastrosa partida de ping-pong de la casa de uno a la casa de la otra. tado a pesar de su juventud, tiene la habilidad de plantear todo esto Pero hay más personajes. Está Bruno, el hijo de Enric y de la ausende una forma aparentemente ligera y cuajada con un humor que te, y está Ferrán, el hijo de Nuria y del profesor homicida; ambos jóvefunciona como una caricia a contrapelo. No podemos olvidar además nes han de estar interpretados por el mismo actor. También el mismo el título de la novela de Enric: “Y después métete un tiro en la cabeactor debe interpretar a Enric y a Roger –el profesor encarcelado–. za”, que es el consejo que en la novela –y en la realidad teatral- le Aunque ninguno de ellos, claro, comparte escenario, sí en algunas lanza el hijo al padre, y que a éste tal vez no le quede más remedio ocasiones el actor ha de encarnar al uno o al otro casi sin tiempo que aceptar. “Mata a tu alumno” recibió el prestigioso Premi Born alguno de transición; y en esta obra no hay oscuros. Este recurso de Teatre 2013. Escrita originalmente en catalán cuenta aquí con la de identificación adquiere peso específico en el sentido del drama, traducción de Nacho de Diego.

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mayo junio

Vivir para contarlo

Virginia Imaz

Insistir para existir: escuela de verano de AEDA 2015

oy privilegiada. Pertenezco a AEDA, Asociación de Profesionales de la Narración Oral en España, un espacio ilusionante de reflexión e investigación sobre el oficio y el arte de narrar que entre otros objetivos, se plantea favorecer la formación de los y las profesionales de la narración oral, por lo que el año pasado se optó por la creación de una Escuela de Verano. La experiencia fue muy enriquecedora y la semana del domingo 28 de junio al viernes 3 de julio tendrá lugar, nuevamente en el Albergue de la Real Fábrica de Ezcaray en la Rioja, la segunda edición “ El cuento a escena, insistiendo.” Y es que insistir para existir, porque sigue siendo necesario, porque nos lo creemos y porque estos encuentros nos nutren y nos inspiran. El objetivo de la asociación no es lucrativo, por lo tanto el coste de la matriculación en la Escuela de Verano se ajustará para cubrir, exclusivamente, los gastos previstos. Respecto a la primera convocatoria hay algunos cambios significativos. Para comenzar hemos ampliado un día más su duración y hemos abordado mejoras en los menús contratados. También hemos buscado nuevas aulas para la formación y hemos conseguido el uso del teatro para las sesiones dialogadas y las actividades asamblearias. En el apartado de formación, los cursos son más largos, han incrementado su tiempo lectivo a 21 horas y los grupos son reducidos, con un número máximo de 17 alumnos por curso. Además hemos incrementado el número de espectáculos de narración, de tres a cuatro sesiones dialogadas y se han añadido nuevas propuestas: dos conferencias, un conversatorio en el que estarán presentes todos los profesores de la mañana, y una mesa de debate. Estamos intentando así mismo organizar unas jornadas sobre “Animación a la lectura y narración oral” que se llevarían a cabo los días 27 (todo el día) y 28 (por la mañana) de junio en el mismo Ezcaray y cuya matrícula sería gratis para los asistentes a la escuela. Los talleres de formación correrán a cargo de un profesorado de excepción. He aquí la relación: Una historia está hecha de pequeños momentos con Estrella Ortiz. En la práctica oral es tan importante la elección del repertorio como las maneras en las que se produce su comunicación ante el público. En este proceso hay muchas tomas de conciencia, desde la forma de ver el propio mundo hasta las exigencias físicas que conlleva ponerse ante los otros. Para expresar con voz propia es necesario observar y observarse: cuidar los pequeños momentos para que todo cuente a favor de la historia. A lo largo del curso se pondrá la mirada en la memoria, el ritmo y la imaginación del cuentista frente a aquello que quiere contar. El narrador oral y su imaginario con Pepito Mateo. En este taller se pretende realizar un trabajo de sensibilización y de entrenamiento en las técnicas de las imágenes mentales. También habrá ocasión para reflexionar sobre cómo este imaginario se proyecta en el cuerpo, en los gestos y voz, en el espacio... y da forma al espectáculo. Para ello, se propondrán muchos ejercicios sobre la palabra y la escritura oral

(entre la sugerencia y el juego de escena). El trabajo estará planteado en distintos formatos: solos, por parejas y de modo colectivo para probar, investigar y narrar de varias formas. Habitar la escena con Merche Ochoa. Este trabajo nos llevará a recorrer diversos y cambiantes escenarios desde los que contar. Debemos invitar a quien nos ve y nos escucha a nuestro universo desde espacios que no conocemos, que no nos pertenecen hasta el instante de narrar. “Ser anfitrión en casa de otro“(Campa). Por eso es importante “Habitar la escena”. Habitar es la huella de la vida. Constancia de nuestro paso. La huella del recuerdo de nuestra presencia. Habitar un territorio es reconocerlo y recorrerlo, también es viajarlo, moverse, desplazarse, detenerse en él. Estar sin hacer nada: la pulsión de la inacción, la respiración. También es habitable el espacio más allá de nuestros umbrales, habitamos un territorio, la escena, cuando lo hacemos nuestro pero también cuando incorporamos al juego al otro. Habitar también es compartir. La palabra en movimiento con Alberto García.Un cuento, cuando lo contamos, está rodeado de gestos, movimientos, ritmos y entonaciones. El narrador no tiene que jugar solamente con las palabras, tiene que contar con el aire y el espacio que le rodea. Propongo un taller basado en el análisis del movimiento y del gesto como prolongación y complemento de la palabra. Durante el curso se insistirá en detectar aquellos movimientos y gestos que entorpecen la narración, llegando incluso a contradecir aquello que queremos decir. Y se realizarán ejercicios colectivos sobre las emociones para descifrar qué gestos van a ayudarnos a ponerlas en evidencia (el amor, la vanidad, el poder, los celos, el miedo, etc.) Otros ejercicios tendrán como objetivo la gestión del espacio y la presencia del narrador. Por las tardes tendremos las conferencias: “Iluminación, sonido y nuevas tecnologías en escena” a cargo de Julián Sáenz López, y “Crecer entre el sueño y la realidad” con Gigi Bigot. También habrá una mesa debate sobre el “caché” y conversatorios sobre el cuento a escena con los cuatro profesores de los cursos de las mañanas, que además protagonizarán sesiones dialogadas por las noches a partir de la muestra de sus espectáculos. El programa se completa con tres las actividades fuera del ámbito formativo de la escuela: una excursión, sesiones de cuentos en diversos puntos de Ezcaray y una cena-fiesta el miércoles por la noche amenizada con música. Todo un menú de gourmet. Una ocasión para encontrarnos, para compartir, para aprender y para gozar una vez más, ahora y siempre de la palabra. Si tenéis interés en participar, mi recomendación es que no lo dejéis para el último minuto, porque las plazas son inevitablemente muy limitadas. Venid y nos contáis. Venid y os contamos, porque nuestro oficio siempre viene a cuento. Más información e inscripciones en http://bit.ly/EscuelaAEDA2015. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 mayo junio Jorge Dubatti

La energía social en el teatro de Roberto Cossa

oberto “Tito” Cossa, una de las glorias del teatro argentino, demuestra a los ochenta años (nació en Buenos Aires, en 1934) estar más vigente que nunca. Acaba de dar el discurso inaugural de la XLI Feria Internacional del Libro de Buenos Aires y de publicar en tres gruesos tomos su teatro reunido (Ediciones de la Flor). Por otra parte, tiene dos obras en cartel de primer novel: La Nona, estrenada originariamente en 1977, y Final del juicio, su más reciente creación. Basta con recorrer las más de 1.200 páginas de su teatro reunido para reconocer uno de los monumentos literarios más descomunales de la Argentina, equivalente en su relevancia artística e histórica a los de Florencio Sánchez o Armando Discépolo. El tomo I cubre el arco que va de 1964 a 1979, e incluye clásicos como Nuestro fin de semana (de la que el año pasado se presentó una nueva puesta, con motivo del aniversario a medio siglo de su estreno) y La Nona. El tomo II abarca el período 1980-1991 y contiene obras maestras: El viejo criado, Gris de ausencia (estrenada en Teatro Abierto 1981), Ya nadie recuerda a Frederic Chopin y Los compadritos. El tomo III toma los últimos años, hasta 2006, incluye las piezas más polémicas y discutidas de Cossa (Viejos conocidos, Años difíciles, El saludador, Pingüinos, Cuestión de principios) y tres adaptaciones/reescrituras de textos de Molière, Pedro E. Pico y Friedrich Schiller. El teatro de Tito Cossa es una vasta red entre cuyos hilos, parafraseando a S. Greenblatt, circula la energía social de la vida argentina. Identificación, transmisión de memoria, agitación, estimulación, multiplicación de energía simbólica. Más allá de su valor artístico, este teatro encierra claves fundamentales para comprender la historia de la clase media argentina y sus imaginarios. También los procesos ideológicos que articulan la utopía revolucionaria de los sesenta/setenta, el genocidio de la dictadura, las búsquedas de la postdictadura y la resistencia contra el neoliberalismo desde los años noventa. Hay un espesor histórico de la escritura de Cossa en la investigación que ha realizado para hacer hablar a sus personajes. Un teatro localizado culturalmente en Buenos Aires, pero a la vez universal, como demuestra la cantidad

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de versiones de sus obras en las provincias y en el mundo, donde su pieza más estrenada –y resignificada– es La Nona. Otro aspecto destacable es su reelaboración de formas del pasado teatral argentino –el sainete, el grotesco, la comedia blanca, la teatralidad del tango–, y en particular su dominio de los códigos locales de la risa que, en términos antropológicos y sociológicos, definen más que nada el anclaje en una cultura. La Nona, actualmente en el Multiteatro (en pleno centro, a dos cuadras del Obelisco), es un “grotesco” absolutamente genial. Se presenta en el circuito del “teatro comercial de arte”, que combina alta calidad artística con producción y venta comerciales: un texto sobresaliente de autor argentino, sin duda uno de los clásicos del teatro nacional (que integra además el canon escolar), llevado a escena por un elenco y un equipo creativo de primer nivel. El resultado es una máquina de teatro en la que cada situación, cada detalle movilizan sin pausa al espectador entre la risa y el horror. Jorge Graciosi se ha transformado en el director “elegido” por Cossa para los estrenos y nuevas versiones de sus obras. Tiene en su trayectoria una decena de puestas de textos del dramaturgo. Graciosi comprende en profundidad el teatro de Cossa en sus más diversas expresiones. Para esta versión de La Nona Graciosi cuenta con un elenco de privilegio, ideal para esta poética: Pepe Soriano (que compone una Nona inolvidable, uno de sus mayores trabajos, digno de ser visto), Hugo Arana (un Chicho excepcional), Gino Renni, Mónica Villa (una tía con la esencia de la actuación del sainete), Patricia Durán, Miguel Jordán (notable trabajo cómico, en las antípodas de su personaje de La Tierra del Fuego de Mario Diament), Sabrina Carballo, cada uno en la singularidad del registro de su personaje con excelencia. Acompaña a Graciosi un equipo de profesionales: Héctor Calmet (escenografía, vestuario e iluminación) y Malena Graciosi (música, con producción de Martín Bianchedi). A casi cuarenta años del estreno (1977, Teatro Lasalle, dirección de Carlos Gorostiza y protagónico de Ulises Dumont), La Nona preserva toda su fuerza teatral y simbólica. Esta pieza, en la que la “abuelita” no para de comer y “mata” a toda la familia, se la “devo-

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Postales argentinas ra”, ha sido definida como un “neogrotesco” (es decir, un regreso al grotesco criollo de Armando y Enrique Santos Discépolo de los años veinte y treinta: Mateo, Stéfano, El organito, Cremona; dejamos al margen Relojero). Creemos que a esta altura puede reconocerse tal productividad, continuidad y variaciones al grotesco discepoliano en la escena argentina que se puede quitar el “neo”, en tanto hay expresiones anteriores y posteriores a La Nona que recuperan de diferentes maneras el grotesco criollo. El juego con el prefijo “neo” quiere marcar la diferencia de una “nueva” apropiación, pero ¿cómo llamar a las expresiones siguientes al “neo”? ¿Y las anteriores? La actual versión de La Nona es una incitación a repensar la presencia y la potencia del grotesco criollo en la historia del teatro nacional. El grotesco es, sin duda, una de las grandes contribuciones del teatro argentino a la cartografía del teatro mundial. La Nona, también, invita a redefinir el grotesco, a pensar su singularidad como poética teatral. Luis Ordaz y David Viñas fueron los primeros en advertir que el llamado grotesco criollo no era una reescritura local del “grotesco italiano” sino el resultado de un proceso de transformación e “interiorización” del sainete criollo de contenido dramático o tragicómico. El grotesco es identificado, entonces, como un nuevo tipo de sainete. El sainete puede definirse como una pieza breve (generalmente acto único, dividido en dos o tres cuadros), de carácter popular, eminentemente cómica, pero que también incluye componentes melodramáticos, dramáticos o trágicos según diferentes combinaciones, ya presentes en las prácticas españolas del género. Uno de sus artificios fundantes son los “tipos”, personajes hipercodificados en su caracterización y desempeño de acuerdo con una práctica regularizada, en los que se reelaboran figuras de la realidad inmediata, entre el costumbrismo y la caricatura cómica (estos dos últimos ingredientes, implementados también según diferentes combinaciones en cada caso). En el sainete grotesco o grotesco criollo predomina la fusión de lo cómico y lo trágico, extendida a las principales situaciones de su relato y a los componentes centrales de su poética, especialmente la composición del personaje grotesco. Armando Discépolo afirmó sobre el grotesco en La Nación el 22 de abril de 1934 que “en la vida, lo serio y lo cómico se suceden o se preceden recíprocamente como la sombra y el cuerpo”, por ello, “en su aspecto teatral, yo definiría el grotesco como el arte de llegar a lo cómico a través de lo dramático”. Alguna vez Cossa reflexionó sobre la singularidad del grotesco poniendo el acento en el contraste entre la “seriedad” de las situaciones y parlamentos de los personajes y la “comicidad” que lee el espectador. La Nona pone en evidencia la matriz trágica del grotesco, en tanto La Nona “mata” a su familia (según Jan Kott, el tragema o núcleo mínimo, esencial, de lo trágico, es un relato sobre el crimen dentro del clan de sangre). La Nona es una metáfora del filicidio argentino en todos sus ángulos. ¿Qué significa la muerte de La Nona en el presente? Su dimensión simbólica es incalculable, especialmente en el plano existencial. Pero creemos que hoy La Nona es la Argentina del pasado que convive trágicamente con el proyecto de una nueva vida nacional. La Nona es la Argentina desplazada, pero persistente, brutal obstáculo que regresa y regresa para dificultar las aspiraciones de las nuevas generaciones. Una metáfora de la subjetividad de la derecha. El principal enemigo adentro de la familia. El sentimiento trágico se expresa de manera desgarradora: ¿cómo asumir lo irreparable? ¿Cómo hacer que la Abuela asesina deje de serlo?

En su nueva pieza Final del juicio (también dirigida por Jorge Graciosi, en el Teatro del Pueblo, sala del circuito independiente también en pleno centro, a media cuadra del Obelisco), Cossa recupera del pasado teatral nacional la poética de la “farsátira” (que tuvo grandes cultores en el teatro argentino: Agustín Cuzzani, Aurelio Ferretti) para realizar una crítica a la institución judicial, crítica brillante por su inteligencia y su actualidad. En el Más Allá, Jalil (interpretado por Juan Manuel Romero) ha esperado 16 años (murió a los 56 y ahora tiene 72) para ser juzgado por los comportamientos de toda su vida –el Juicio Final– ante el Tribunal Supremo Divino. Todo lo que ha hecho y dicho ha quedado registrado en un “expediente”, hasta las puteadas del tipo “¡Me cago en Dios!”. En una secretaría del Juzgado, antesala del juicio, un “Letrado” (José María López), con la colaboración de un empleado (Federico Alí), instruye al hombre sobre cómo y qué le conviene contestar cuando sea interpelado por el Tribunal. Se trata de una nítida metáfora de la justicia terrenal argentina e internacional, en tiempos de “Partido Judicial”, cautelares, Juez Griesa y Fondos Buitre, Caso Nisman, gerontocracia versus jueces jóvenes, códigos obsoletos o anacrónicos, privilegios de clase y exención de impuestos, desprestigio y descrédito. Es evidente que para escribir Final del juicio Cossa ha realizado una profunda investigación sobre los funcionamientos institucionales de la justicia, su jerga, sus latinismos, y especialmente sobre la historia de la justicia en la Argentina. Nunca un espectáculo de Cossa ha sido más oportuno, y eso que el dramaturgo ha insistido en varias ocasiones sobre su dificultad para procesar teatralmente lo coyuntural, el presente más inmediato. Final del juicio es sátira –poética ancestral ya presente en Aristófanes y constante a través de los siglos, muy potente en la Modernidad– porque, a través de la risa, pone en evidencia los errores, vicios y deficiencias de la institución judicial argentina. Incluso su “odio a las metáforas”. Es farsa, porque pone en suspenso la llamada “justicia poética” del teatro, la distribución de premios y castigos: nadie castiga a los jueces. La risa, entonces, como instrumento de conocimiento y reflexión. Risa amarga, en este caso, sin duda. Metáfora del “mundo al revés”, como la inversión de Juicio Final en el título de la pieza: “final del juicio” propone que el juicio se ha perdido, es decir, se ha perdido la razón. No es la primera vez que Cossa expresa con su teatro un sentimiento que lo desazona: el mundo se ha vuelto loco. Como no podía esperarse de otra manera, la potente metáfora cossiana de Final del juicio excede lo coyuntural y se mete con perspectivas más universales, como una divertida revisión de la vigencia cultural de los Siete Pecados Capitales y los Diez Mandamientos del cristianismo. Cossa invita a revisar el legado del cristianismo en la cultura contemporánea, y en particular se pregunta por su vigencia y adaptación, como Northrop Frye en Poderosas palabras. Pero además llega a zonas perturbadoras, de raíz kafkiana, al colocar a los jueces en la extraescena (de la que llega información sólo por los sonidos o por los mensajes y objetos que trae y lleva el asistente), inaccesible al espectador, o al dejar esta pregunta sin respuesta: “JALIL: ¿Y quién condena? LETRADO: (Ríe) ¡Qué pregunta, señor Jalil! ¡Qué pregunta! ¿Nunca se lo dijeron? ¿Ni siquiera se lo imagina? JALIL: La verdad que no. LETRADO: (Ríe) ¡Hay, señor Jalil…! Ya se va a enterar. Los ignorantes me producen ternura”. López, Romero y Alí realizan muy buenos trabajos actorales. Con escenografía de Héctor Calmet y diseño de luces de Lautaro. Entre lo más valioso de la cartelera porteña actual. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 mayo junio María Chatziemmanouil

El método griego

El Festival de Atenas-Epidáuro cumple sesenta años

l Festival de Atenas-Epidáuro celebra este verano sus sesenta años de vida. Sesenta años creativos de un organismo cultural vivo que dialoga con la sociedad y acoge algunos de los espectáculos más importantes de teatro, danza, música y artes plásticas, provenientes tanto de Greciacomo del extranjero. El programa de la 60a edición que fue presentado por el director del Festival Yiorgos Lukos, junto con el nuevo viceministro de Cultura, Nikos Xydakis, la Prefecta de la Región de Attica, Rena Duru, y el Alcalde de Atenas Yiorgos Kaminis, levanta el telón el 31 de mayo, en la Sala Grande del Pireos 260, con la versión completa de la novela dramatizada La Papisa Juana del gran autor griego del siglo 19, Emmanuíl Roídis, dirigida por Dimitris Mavríkios. Una versión de la misma novela se había presentado en la edición anterior del Festival como trabajo en progreso. La parte griega del Festival incluye trabajos muy prometedores, entre los cuales cabe destacar proyectos, fruto de la colaboración de importantes artistas griegos con artistas de renombre internacional, como por ejemplo la tan esperada cooperación entre el director griego Mijaíl Marmarinós y la compañía de Teatro japonés No, en el montaje del Canto XI de la Odisea (Descenso a Hades). Por primera vez se incluye este año en los espacios del Festival el Liceo de Aristóteles. Allí, en uno de los tres gimnasios más antiguos de Atenas (los otros dos son los de la Academia de Platón y de Quinósarges) la joven directora Katerina Evangelátu estrenará una versión ambulante de una de las tragedias menos estrenadas, Reso de Eurípides. La directora acaba de volver de Rusia, donde, en colaboración con Theodoros Kurentzís, dirigió, Los cuentos de Hoffman, de Offenbach, en la famosa Opera de Perm, cosechando un éxito enorme. Este año el Festival está más vinculado con los problemas de la sociedad griega, tal como indican los cuatro montajes dirigidos por autores jóvenes: Yolanda Markopúlu, que durante estos últimos años dedica sus fuerzas al teatro documental, dirige un montaje titulado Somos los Persas. A partir de Los Persas de Esquilo, un grupo de refugiados de Afganistán, Pakistán y Bangladesh, forman un coro de guerreros para compartir su historia personal real. El 5 de febrero de 2015, el tribunal de la isla de Rodas, condenó a un refugiado sirio de 21 años a 145 años de prisión, imponiéndole además una multa de € 570.000, al considerarlo único responsable del trágico naufragio de inmigrantes en Farmakonisi (enero de 2014), en el que murieron 11 personas, la mayoría de ellos niños. A partir de esta decisión judicial, que transformó a la víctima en verdugo, y con las Euménides de Esquilo como vehículo (un texto emblemático para el establecimiento de la justicia en el mundo oc-

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cidental), Anestis Asás construye El caso de Farmakonísi o La justicia del agua, una representación documental para las personassin derechos. En una caravana, y bajo el título En la calle, Pródromos Tsinikoris, presenta a un grupo de personas sin techo que cuentan su historia: la pérdida de sus casas como consecuencia de la crisis económica de los últimos años y sus vidas en la calle a partir de entonces. Quiero un país es el título de la obra de Andreas Flurakis que se estrenó por primera vez en junio de 2013 en el Royal Court Theatre de Londres como parte del programa PIIGS, dirigida por Richard Twyman. Es una obra en la que los personajes y las escenas no se especifican, y además, no hay ni diálogos formales ni trama. Una obra sobre Grecia, protagonizada por la gente griega. En Quiero un país, Andreas Flourakis transcribe con humor y desesperación todas esas frases que oímos, decimos y repetimos cuando hablamos de la imagen que nos gustaría que tuviera nuestro país. En la obra habla principalmente la generación joven. Una generación que no sabe cómo afrontar la crisis general, siente la necesidad de definir cómo es el país con el qué está soñando. Pero ¿puede haber un país así? Y lo más importante: ¿ es esta generación capaz de luchar por él? Mariana Kálbari, la directora del Teatro de Arte de Atenas, dirige este montaje, en el que participan 65 estudiantes de la Escuela Dramática de dicho teatro. Entre los artistas invitados cabe destacar Sylvie Guillem (que empieza la última gira de su carrera por Atenas, celebrando sus 50 años), Romeo Castellucci , Thomas Ostermayer (Schaubühne), Nikita Milivogevitz, Cesaris Grausínis, Maguie Maren, Baxter Theatre (de África Sur), Young Jean Lee’s Theater (Nueva York), She She Pop (Berlin), New Riga Theatre (Letonia). Según el director del Festival, habrá más invitados, pero todavía su participación no es oficial, al no haber sido firmados los contratos correspondientes. Las tragedias y comedias que van a estrenarse este verano en el Teatro de Epidáuro (3 de julio-31 de agosto), será el tema que vamos a tratar en el artículo del siguiente número de la revista. Todo el programa del Festival se puede consultar en inglés, en la página web del mismo: http://www.greekfestival.gr/en

mayo junio

Piedra de sacrificio

Jaime Chabaud

Políticas públicas sobre teatro en México: Juan Meliá (2)

uan Meliá ha sido académico en la Escuela de Artes Plásticas de Guanajuato en la licenciatura de Artes Visuales y de la Universidad de León, en la licenciatura de Historia del Arte. Ha impartido además, múltiples conferencias sobre Gestión Cultural. En el ámbito cultural se ha desempeñado en cargos tanto públicos como privados entre los que destacan: Director de Difusión Cultural de la Universidad de Guanajuato, Director General del Instituto Cultural de León, Guanajuato, en el que participó como uno de los iniciadores del Festival Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC). Desde 2009 funge como Coordinador Nacional de Teatro y a partir de 2012 es Presidente del Comité Intergubernamental del Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas, IBERESCENA. Habla para Artez sobre la gestión pública y su visión sobre el teatro mexicano que en este 2015 se las verá negras por un recorte presupuestal superior al 50%. Jaime Chabaud.- Existe una efervescencia en el teatro mexicano en muchos de sus rubros: realizadores escénicos (que obtienen galardones internacionales importantes), dramaturgia, dirección… ¿En dónde vez sus puntos débiles? Juan Meliá.- Lo veo en la falta de circulación y presencia internacional, la mal entendida dependencia del recurso público. Y los espacios escénicos. La lenta lectura desde la institución y la comunidad, en que muchos de los conceptos de subsidio no se han extendido a nivel nacional, lo que aumenta el desbalance entre la capital y otras regiones. En la falta de espacios que programen específicamente temporadas, la franca desatención hacia el teatro de calle y el circo. Por último, la dificultad desde las propias convocatorias de comprender los nuevos modelos de creación. Debemos ser capaces de romper el hábito y posibilitar lo imposible a la fecha, encontrar lo necesario de manera consensuada. J.Ch.- Las provincias son siempre un tema complicado. ¿Cómo has visto el desarrollo del teatro regional en estos 8 años? J.M.- Es un tema que sigue sin resolverse. En ciertas regiones se ve claramente cómo han logrado modelos que combinan la academia y el impulso a la producción, pero la dinámica de contar con temporadas y espacios solamente dedicados a lo escénico no se ha logrado extender como se desea. Es claro que sigue existiendo una movilidad hacia la capital. El proceso de descentralización, iniciado desde hace más de dos décadas, ha apostado en muchos momentos por extender la toma de decisiones y la circulación del recurso económico hacia cada región, pero no ha logrado establecer un esquema en donde cada disciplina escénica construya su red de

necesidades y acciones para articularse. Es el momento que más recursos se distribuyen, pero la disciplina teatral no siempre encuentra la cobertura o estructura necesaria para ello. J.Ch.- ¿Qué le falta para despegar? J.M.- Si la pregunta se enfoca al teatro en los Estados, falta la correcta comprensión de las necesidades de la disciplina en muchos de ellos, el proceso de concepción, producción, ensayo, temporada y gira no ha logrado posicionarse en su totalidad. Si te refieres a lo nacional, ampliar el modelo, completar el sistema y ser capaz de reconstruirse cada vez que sea necesario. J.Ch.- Llevamos más de un lustro en el que la escena mexicana ha cobrado una visibilidad importante en los escenarios del mundo. Además de a los buenos oficios tuyos, ¿a qué otros factores lo atribuyes? J.M.- Mis buenos o malos oficios son lo que menos importa. Quienes han dado un paso indiscutible son las propias compañías y especialistas, pues han incluido en sus objetivos el tema de la internacionalización y lo han dimensionado desde la creación de las obras hasta la vida de las mismas. Todo ello sin renunciar a las temáticas y a sus discursos propios. El teatro mexicano actual cuenta con riquezas y potencias que deben ser conocidas y reconocidas más allá de nuestras fronteras, en todas las vías posibles, la dramaturgia, las compañías, los directores de escena y los escenógrafos, hasta los modelos de subsidio, y también algunos importantes Festivales y proyectos que se realizan en nuestro país y que poco a poco se van conociendo en el exterior. DramaFest, Transversales, el Festival Internacional de Teatro de Nuevo León, las Semanas Nacionales e Internacionales de la Dramaturgia, la FeLiT [Feria del Libro Teatral], el Festival de Teatro Universitario de la UNAM, la Muestra Nacional, entre muchos otros, son modelos de operación del teatro nacional que al ser conocidos por especialistas de alto nivel en el exterior, adquieren otra dimensión y posibilidades. J.Ch.- ¿De qué logros te sientes más satisfecho como gestor? J.M.- Pienso que el teatro mexicano no puede ser analizado desde la gestión de una u otra persona. Debe ser analizado desde sus programas y sus creaciones, desde los estímulos con los que cuenta y desde lo que echa en falta. Me reconozco con una forma de trabajo de puertas abiertas a consultas, consejos y reclamos, con el único afán de integrar. Me enorgullece poder trabajar en programas como Iberescena y el Estímulo Fiscal a la Producción Teatral Nacional (EFITEATRO). Este último que en los pasados cuatro años ha apoyado más de 100 temporadas y circuitos, a través de créditos fiscales. Y sin embargo, la realidad del día a día siempre marcará nuevas necesidades, modelos a cuestionar y formas de apoyo a redimensionar. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 mayo junio Jaume Colomer

El lado oscuro

Espacios de pequeño formato

os últimos años han entrado en funcionamiento algunos espacios de pequeño formato de iniciativa privada que ofrecen experiencias teatrales low-cost y han conseguido hacerse un lugar en la escena teatral de varias ciudades. ¿Son una alternativa a las salas de gran formato, de la misma manera que en el cine las multisalas sustituyeron en su momento a las grandes salas? El pequeño formato es su carta de presentación. También lo es su sistema de precios reducidos y, en algún caso, la taquilla inversa para evitar que el coste de acceso sea una barrera. En general ofrecen una programación de calidad que se diferencia de los espacios de gran formato sobre todo en unas puestas en escena que renuncian a todos los elementos prescindibles menos de la calidad en la que basan su apuesta. Esto es fruto de la necesidad de ajustar los costes para poder producir y reducir los precios de acceso. El concepto de calidad es subjetivo: cada espectador tiene sus cánones de calidad, pero las salas de pequeño formato entienden la calidad interpretativa como la capacidad de hacer vivir intensamente la historia que cuentan, activando las emociones y provocando la reflexión sobre el tema desarrollado. Esta calidad la buscan en autores emergentes o poco conocidos, lejos del start system teatral del momento, con la intención de descubrir nuevas propuestas teatrales con talento y darles visibilidad social. Varios autores e intérpretes que han conseguido notable reconocimiento en los espacios de gran formato han empezado a mostrar sus propuestas en salas de pequeño formato. Por esto consideran que prestan un servicio público y reclaman a las o administraciones que cubran parte de sus gastos para evitar que se vean obligadas a aumentar la comercialidad y reducir el riesgo. En general tienen públicos asiduos con los que se comunican a partir de su base de datos de espectadores, que en varios casos gestionan con aplicaciones CRM desde que han bajado sus costes de acceso. Muchas han sido pioneras en la gestión relacional de públicos de manera intuitiva porque no tenían recursos para invertir en publicidad. El low-cost les ha llevado a disponer de espacios reducidos donde la proximidad entre intérpretes y públicos está garantizada, en algunos casos han configurado espacios con escenario frontal y en otros espacios flexibles que se pueden configurar en cada caso a medida de las puestas en escena. A veces, como en el Teatre Akadèmia de Barcelona, han sido concebidos como salas de ensayo con públicos. La circunstancia del espacio reducido se ha convertido en uno de los principales activos ya que permite a los espectadores sentir que viven la obra “desde la cocina”, una sensación determinante para la satisfacción de muchos espectadores asiduos. ¿Cuáles son los públicos objetivo de las salas de pequeño formato? Muchas salas no han predefinido sus públicos porqué su punto de partida ha sido el producto. Pero con el tiempo han ido generando públicos asiduos entre los que encontraremos principalmente los adultos con alta frecuencia de consumo teatral y los jóvenes. Los adultos que tienen una alta frecuencia de consumo teatral buscan propuestas escénicas de calidad, la innovación y el riesgo para descubrir nuevas propuestas más allá del patrimonio teatral

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conocido. Los jóvenes son públicos complejos, pero una garantía de futuro. Según un estudio reciente, los jóvenes interesados por el teatro prefieren más las propuestas emergentes de autores y, sobre todo, de actores de su generación que las de creadores reconocidos que forman parte del start system local. Prefieren compartir la experiencia escénica con amigos que solos o en pareja. Buscan, más allá de la experiencia teatral, una experiencia relacional compartida con personas que tienen valores y estéticas similares, por lo que se sienten incómodos en funciones donde predominan los adultos de edades avanzadas. Buscan espacios informales, se informan preferentemente a través de las redes sociales y hacen bastante caso de las prescripciones de los que interactúan en ellas. Tienden a comprar las entradas el mismo día. El precio de las entradas siempre es para ellos un factor determinante, por lo que excluyen los espacios que no ofrecen precios reducidos. Todas estas características hacen que a los jóvenes no les atraigan demasiado las ofertas de muchos espacios de gran formato y que se muestren más interesados por los espacios de pequeño formato que ofrecen programaciones más alternativas. Las programaciones de los dos modelos de espacios no compiten por el mismo nicho de mercado, más bien son complementarias. Tampoco puede suceder que las de pequeño formato sustituyan progresivamente a las de gran formato, como pasó en el cine con las multisalas, porque los teatros pequeños no pueden cubrir la función económica y de acceso del gran público al patrimonio escénico que realizan las de gran formato, y no pueden generar economías de escala como los multicines porque son experiencias en vivo. Su función es más estratégica: ser la puerta de entrada al mercado escénico de las propuestas emergentes de calidad.. Entre los dos tipos de salas se pueden establecer lazos de cooperación que beneficien a ambas porque los teatros lowcost de pequeño formato lanzan al mercado propuestas escénicas que una vez validadas por sus públicos pueden ser de interés para incorporar en la programación de los espacios de gran formato. El consumo teatral no es un pastel fijo que hay que repartir, es un embrión que se puede desarrollar a través de redes de cooperación. También es posible que los espacios de gran formato, con programaciones de autores, directores e intérpretes reconocidos tengan interés en crear sus espacios de pequeño formato destinados a públicos que buscan la innovación y el riesgo. A veces se plantea la duda de si hay que financiar con fondos públicos las salas de pequeño formato, ya que la mayoría son de iniciativa privada. Creo que si está clara la función que desarrollan en el sistema escénico en los términos que hemos indicado (ser la puerta de entrada al sistema teatral de propuestas emergentes de calidad) no debe haber dudas sobre la necesidad de garantizar su viabilidad desde lo público, ya que el riesgo empresarial de sus propuestas puede hacer insostenible su actividad o transformar su función. Lo que hay que establecer es unos parámetros de calidad y un modelo de financiación que garantice dos objetivos que están en dialéctica permanente: la independencia artística y la rentabilidad de los recursos públicos.

mayo junio

Noticias desde los fiordos

Víctor Criado

Måns y las palabras

åns. Hace apenas tres semanas una llamada de teléfono nos comunicó que Måns (de quien desconozco el apellido) había muerto, tras una breve enfermedad que su frágil y enjuto cuerpo de mas de 80 años no había podido superar. Apenas me había cruzado con él en media docena de ocasiones, nuestras charlas habían sido breves e intrascendentes. Me hizo saber que Måns, aunque jubilado hace ya unos años, había sido actor, seguía siendo actor (¿se jubila un actor?). Muchos años de experiencia a sus espaldas, varios centros de producción habían formado parte de su CV. ¿Cuántos protagonistas y secundarios? Hace unos cuantos meses pude verle sobre un escenario. Interpretaba un pequeño pero importante papel en una puesta en escena de una obra de August Strindberg. Påsken (Pascua). Se representaba en un pequeño y hermoso teatro situado en un sótano, Alias Teatern. Era una coproducción entre instituciones suecas y argentinas, ya que el texto iba a ser representado por el mismo elenco en sueco y castellano, tanto en Stockholm como en Buenos Aires. Acudí a verlo porque conocía al actor principal y porque ese papel que interpretaba Måns, me fue ofrecido al comienzo del proyecto. El día que acudí al teatro lo interpretaban en castellano, lo cual hacía todo un poco más sencillo para mí. Un texto denso y frío, como el invierno que describe, una escenografía útil y sugestiva y unos actores de origen sueco luchando con las palabras, en una batalla que conozco, aunque desde la perspectiva opuesta. Måns entra a escena cuando apenas faltan quince minutos para finalizar la representación. Desde la primera réplica, desde el primer gesto, retirándose el sombrero en una presentación tensa y expectante, me doy cuenta de que estoy ante un gran actor. Su dicción es muy buena, superior a la mía en sueco, a pesar de que Måns apenas chapurrea el castellano, lo cual me llena de sana envidia y admiración. Manejando los tiempos, sabiendo qué está haciendo en cada momento, tanto consigo mismo a nivel emocional, como con aquello que provoca en el espectador. Con esa compleja virtud, tan difícil de alcanzar, de verse a sí mismo tanto desde dentro como desde fuera, esa cámara subjetiva en constante movimiento tan compleja de enfocar. El resto de actores palidece a su lado, y eso que no son actores malos, pero es difícil estar a la altura de este gran actor que con cada movimiento, preciso y directo, concentra toda la atención de los espectadores. Al finalizar la representación no puedo evitar, en un gesto que suelo ejercer muy poco, acercarme a él y felicitarle como lo que es, un gran actor, del que quisiera aprender, al que ha sido un disfrute ver trabajar. Su sonrisa agradece mi sincero cumplido. Todo esto lo hacemos en castellano, unos días antes de que viajen rumbo a Buenos Aires para presentarlo allí, y de paso asistir a unas milongas para practicar su otra pasión. Buen viaje y suerte, me despido. Eso mismo siento cuando me comunican su muerte. Buen viaje y suerte. Un cierto pinchazo en el alma me hacen permanecer en silencio algunos minutos, pensando en este gran actor que, parafraseando a Shakespeare, deja el escenario sin mucho ruido, después de una representación que nada significa. Quizás para mí, quizás para alguno de los lectores de este artículo. Un respeto para Måns.

Si hubiese algún monumento al actor desconocido sin duda me acercaría a ese lugar para rendir pleitesía a Måns, y a todos esos actores desconocidos que han sido grandes sobre la escena, sin que sus nombres permanezcan en la memoria. Y que han hecho de está profesión un sueño, del que a veces apenas queda rastro al despertar, pero que aún así merece la pena intentar. Las palabras. El Dramaten era, cuando Måns actuaba también, una especie de lata de conserva del idioma sueco. Digo era, porque afortunadamente las cosas están cambiando. Hasta hace 3 o 4 décadas un actor que perteneciese al elenco del teatro ”debía” declamar sus textos en un sueco ”limpio”, con su entonación y dicción correctas. Un museo del idioma hablado en vivo. Algo hoy día más que cuestionado. No solo por la procedencia de algunos de sus actores, hijos de emigrantes o pertenecientes a algunas regiones suecas con un marcado y distintivo acento, sino también porque la profundización del término democracia cuestiona algunos de estos supuestos, basados en una norma, impuesta desde un determinado centro de poder, en este caso idiomático. Y no me estoy refiriendo a la gramática, que viene a ser una especie de norma de tráfico de obligado cumplimiento para todo aquel que quiera conducir, sino del ”modelo” del coche en cuestión. En Madrid también hay, o por lo menos había hace unos años, un centro de producción en el cual se ”vela” por la correcta declamación del castellano. E imagino que algunos otros centros de producción pública mantienen una cierta ”vigilancia” ante el lenguaje que se habla en sus escenarios. ¿Calderón hablado con acento gallego, o catalán? Pues parece que no está, (o estaba) bien visto. La pregunta que me hago, y que imagino algunos suecos se han hecho hace ya bastantes años, es ¿quién decide cuál es la ”correcta forma de ”decir” en castellano, o en sueco, o en swahili? La ”r” esa hay que limpiarla, me dijeron en un montaje en el que participé. Algún compañero andaluz pasó horas ”mejorando” su acento. ¿Es acaso el castellano con acento andaluz, o gallego, o vasco, o… defectuoso? ¿Hay que corregir esos defectos, pulir esos tonos y consonantes ”mal colocadas” para poder subirse a un escenario? Si el teatro se subvenciona con dinero público de andaluces, gallegos o vascos (entre otros), ¿no tienen derecho sus habitantes a escuchar lo que se dice como ellos lo hablan? Y ¿no es más enriquecedor escuchar los diversos matices que estos ”defectos” añaden a las palabras escritas, limpias de acento e inocentes? En Estocolmo, entre las personas con las que me relaciono y los espectadores para los que actúo, el hecho de tener un marcado acento, como el que yo inevitablemente tengo, es considerado un plus, nunca un minus. A pesar de que alguna vez he escuchado el ”habla en sueco” que algún espectador, con problemas de oído, o de odio, ha soltado. Realmente solo ha sucedido en un par de ocasiones. El resto es respeto y curiosidad. Hace ya algún tiempo que no trabajo en Madrid, pero confío en que poco a poco las cosas vayan cambiando, y los espectadores puedan asistir a una representación con actores de diversa procedencia, con sus diversos matices y acentos, disfrutando de la riqueza en los modos de decir y hacer.. Como en la vida misma. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 mayo junio Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

La política del Teatro

l recibir de Antonio Garrigues Walker el cheque de 50.000 euros que apoquina Coca Cola, y que la acredita como ganadora del IX premio Valle Inclán, Concha Velasco preguntó al Ministro Wert que lo tenía al lado; ¿tengo que daros el 21%? Pregunta simple, aunque cargada de dinamita. Concha Velasco es una trágica, Hécuba, con injertos de Aristófanes. Este ministro, del que nadie en el teatro se acuerda sino para denigrarlo, se encogió de hombros sonriente y agitó las manos como diciendo a mí que me registren. No son bien venidos los ministros del PP al Premio Valle Inclán, acaso porque los teatreros no se sienten bien recibidos en los palacios ministeriales del PP; no son bienvenidos a la cena del Valle Inclán, quiero decir, en la que manda la farándula proletaria y cimarrona; el Premio como tal es muy cortesano y Coca Cola, la que paga, no admite desaires ni descortesías. Siempre les invitan y no solo por protocolo. Siempre, en los grandes salones del Teatro Real esa noche se levanta alguna voz preguntándoles a los ministros qué pasa con el IVA o cómo se invierten los dineros oficiales en el teatro institucional. Un año, una de las mejores actrices del panorama español, una de las mejorcísimas, Vicky Peña, alzó la voz: ¿qué pasa con el IVA? Y ni siquiera José María Lasalle, secretario de Estado, sector ilustrado y progre de un gobierno ignaro y de derechas acertó a decir nada. Callado como un muerto. Muchos nos hemos preguntado qué hace José María Lasalle en un gobierno como este. No hace nada; algunos como Pilar del Río o Juan Cruz decían que era el caballo de Troya en el Ministerio Wert. De ser así ha sido un caballo de madera sin nada dentro. Hasta el extremo que yo, y otros como yo, no sabemos si continúa en el gobierno o no. Wert, que no es una lumbrera, no le ha dejado ni respirar. De todas formas, gane quien gane las elecciones, a los dos les queda poco tiempo en el poder. Cuando un ministro de Cultura o de lo que sea oye la pregunta acusadora sobre el IVA teatricida no sabe qué decir. Nos sentimos europeos y europeizantes en todo, menos en cultura brutalmente penalizada por el gobierno. Así que la presencia de Wert el otro día en el Teatro Real sorprendió pues era como si le hubieran echado a los leones. No pasó nada. Entregó el premio y no dijo ni mú, ni siquiera cuando Concha Velasco con candor vallisoletano de una chica de la Cruz Roja, le preguntó si tenía que soltar el 21% del suculento premio. Entregó escultura de Víctor Moro y talón de Coca Cola convenientemente conformado, supongo, y no echó discurso. Fue una sabia decisión. Yo interpreté su presencia como una despedida.

El Iva en el menú electoral

Que habrá cambio de gobierno parece algo más que una profecía o que una encuesta, que es la degeneración estadística de la profecía. Pasaremos del centro derecha de la derechona rapaz del PP, a un centro derecha matizado por injertos de Ciudadanos; o a un centro izquierda, socialdemocracia Psoe, fustigado por Podemos, que empezó extremoso y radical y se ha metamorfoseado en socialdemócrata cauto. Ninguna de estas perspectivas augura nada bueno 78

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para el teatro. La única vez que Pablo Iglesias se pronunció sobre el teatro, que yo sepa, fue para decir que era una “mariconada de mierda”, aunque luego ha matizado. No se le ocurriría decir eso en la cena del Valle Inclán; estaría bien que el protocolo de Luis María Anson y el de Coca Cola le invitara al Teatro Real. A pesar del nombre, puede que encuentre allí más republicanos de los que cree. Me parece que Rajoy y algún partido más lleva o piensa llevar lo del IVA en el programa electoral. Que la diosa Talía les premie. Si así lo hicieran que sean coronados con el mirto y el acanto; si no que sean paseados con sambenito y mofa en el Carro de Tespis por los caminos de España. Dos semidiosas en la final

La finalísima del Valle Inclán, como ya es sabido, se dilucidó entre dos mujeres: Concha Velasco y Blanca Portillo. Hécuba, la perra, versus María la madre de Cristo. No era un conflicto de religiones, eran dos personajes frente a frente y si me apuran dos formas de interpretar, dos grandes trabajos: la técnica del monólogo con matices y voces, frente al protagonismo de un personaje eje; un personaje en un universo bélico, confrontado con un coro de personajes a cada cual mejor representado, Juan Gea, José Pedro Carrión, Pilar Bayona, Alberto Iglesias, María Isasi, Perdikidis… Quizá fuera esto lo que, a la postre, decidió las discusiones a favor de Hécuba-Concha Velasco. No desvelo nada de los secretos del Jurado de Valle Inclán, mejor guardados que las deliberaciones de los Consejos de Ministros. Un jurado no solo ha de ser honrado, que éste lo es; sino parecerlo, que también lo parece. Esta circunstancia me vale para definir la vida de Concha Velasco identificando su peripecia con la peripecia de Hécuba. La heroína de Eurípides tiene un tono trágico que la derrota, pero nunca la doblega. Una perdedora con grandeza. Esto marca la interpretación de una mujer en la plenitud de su arte; una especie de desgarrada Ana Magnani a la española. Y lejos de aquella alegría de una chica de Valladolid, hija de militar, que rompió el orden de una ciudad levítica para venir a la farándula de Madrid sin orden ni concierto. Concha Velasco, fue los ojos, la sonrisa, las piernas, la voz y el ritmo frenético del cine de aquellos años lastrados todavía por la dictadura. Conchita Velasco era la luz. Concha Velasco pasó del falangismo doctrinal de Sáenz de Heredia, que la trató como una reina, al comunismo selvático de Juan Diego, que no sé cómo la trató. En cualquier caso ambos la amaron, el primero con desesperación y generosidad; sobre ellos edificó Concha Velasco los fundamentos de su cine y su teatro. Luego vino Paco Marsó, un guaperas, golfo y ludópata que arruinó su vida en todos los sentidos. En cualquier caso, Concha Velasco ha sobrevivido a todo; a triunfos, a fracasos, a amores y a desamores, a enfermedades y contagios. Podíamos haberle dado el premio Valle por Olivia y Eugenio, madre de un hijo con síndrome de Down. Pero fue Hécuba, la perra aullándole a la luna, la que con su aullido alzó a Concha Velasco hasta las estrellas.

mayo junio

Las Lejanías

Carlos Be

El fatum teatral

legamos a tocar a los actores. Es su domicilio, una amplia sala –esta función se monta en el vestíbulo del Teatro Tis– en la que nos sentamos una veintena de amigos, unos en butacas y otros sobre cojines. Nos recuerda el nacimiento, en Nueva York, del teatro de casa, inventado a comienzo de los años ochenta, donde se hacían representaciones. Nos recibieron afectuosamente, casi uno a uno, los cuatro intérpretes. También lo relacionamos con el inicio de la ya prestigiosa Sala Cuarta Pared: era el año 1987, efectivamente como una casa, donde muy poquitos podíamos ver los montajes sobre autores naturalistas –sobre todo Chéjov–. Y así se denominó el proyecto de aquella compañía. Recordemos que fue André Antoine (siglos XIX-XX) quien determinó la ‘cuarta pared’, una supuesta interioridad que permitiera a los actores llegar hasta el olvido del público. Fue también el mito religioso de Stanislavski. La Sala Cuarta Pared pudo salir de esas iglesias. Todo lo que comentamos tiene mucha relación con este estreno de Steak tartare del interesante autor Carlos Be. Se interpretan al principio a los propios actores; crean después personajes fantásticos, con ruptura entre las varias escenas, entre argumentos y descansos. Nadie lo había utilizado antes de Brecht. No deberían pensar que esta llamativa función teatral no la pueden bautizar con el apellido de transformación, como se escribe en sus notas”. Estas palabras las escribía el periodista Enrique Centeno un 11 de julio de 2009. La crítica aún puede leerse en el blog que lleva por título su propio nombre, blog parado en seco un 9 de agosto de 2012. Seis días después se anunciaría su fallecimiento. La dirección de Steak tartare –publicado como El niño herido por la editorial Artezblai– corrió a cargo de Adolfo Simón, un activista inquieto y visionario de los nuevos lenguajes como pocos en la escénica española. Él me encargó escribir este texto nada agradable que proponía un desafío terrible: mostrar el dolor en la infancia desde todas las heridas posibles. El montaje se representó durante sólo cinco días, si no recuerdo mal, en la Sala Tis y fue un absoluto fiasco, si nos ceñimos a los resultados de la taquilla. El público que vino no recomendó la obra, tampoco quiso repetir, tal era la dureza que se mostraba en aquel vestíbulo. Perdón por mi mala memoria, tampoco recuerdo si vi la función dos o tres veces, lo que no olvidaré jamás fue aquella pareja del público, él llorando y ella abrazándole sin entender qué le pasaba a la persona que quería. Luego se fueron como se va el público, pero en esta ocasión no se iba ella con tan sólo su novio: se iba con un niño herido de la mano. Y aquí es cuando voy a saltarme el resto del artículo y voy a llegar a la frase final: cuando el teatro llega es teatro, independientemente de cualquier clasificación. Ser o no ser. El resto, debería ser silencio. Debería, porque no lo es. Hay tanto ruido en el teatro... esta vez entendiéndolo como el compendio del teatro que es y del que no lo es, el que transmite y el que no transmite. A más de nueve mil kilómetros de distancia y en el preciso instante en que escribo estas líneas, está estrenándose el último montaje de El niño herido. Bajo la dirección de Alfredo Durán, el grupo de tercer año de la licenciatura de Teatro de la Facultad Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo (More-

lia, México) presenta esta obra con una clara restricción de edades: sólo público adolescente y adulto. Leo la sinopsis que han redactado acerca del espectáculo y me recorre un ligero estremecimiento, ¿será que el teatro está vivo?, porque siento que el Reto –y lo escribo con mayúscula como si de un arquetipo se tratara, un arquetipo teatral– vuelve a ocupar el centro del escenario en esta propuesta. Dice así: “¿Qué pasa cuando descubres que todo lo aprendido junto a quienes tenían toda tu confianza no era amor? ¿Sabes entonces qué es amar? ¿Puedes volver a confiar? El niño herido nos habla de los mal amados desde el interior de ese infierno. Personas desgarradas, rotas por el maltrato sufrido en su infancia. Pero decir esto, leer aquello, enunciar un tema, no significa nada. La tarea es contarlo, presentarlo, pero ¿cómo hacerlo?”. El Reto. También sintieron el vértigo del Reto en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga en 2012. En esta ocasión, dirigía Blanca Vega. ¿Qué convierte un texto teatral en objeto de estudio académico? ¿Qué relación guarda este interés con su comercialidad? El primer montaje en un circuito comercial –y el último que tenga constancia– fue un fiasco económico. No obstante, ya son dos las universidades que han apostado por poner en escena esta obra con sus alumnos. “Entrar en un extraño territorio, un país donde todo lo que roza rasguña y hace daño. Entrar donde la ternura se oculta, a veces para aparecer más tarde, cuando menos te lo esperas (y más lo necesitas). Tennessee Williams lo llamaba El país del dragón. Lo solemos llamar infierno. Y de eso se trata. De asomarse al infierno. ¿Dónde está? ¿Quiénes son los condenados? ¿Cómo se vive la condena? ¿A qué tortura están sometidos? Iniciamos el descenso”, escribió Madga Labarga en la extinta revista La Ratonera. Ahora mismo los alumnos de tercer curso de la universidad de Morelia deben estar a medio camino en su descenso. Mi encomiable y queridísimo Santiago Martín Bermúdez se refirió a El niño herido como “metaliteratura”, como “relato-drama” y también “de una originalidad ‘que grita’, como decía Pirandello”. Postdramático, ¿quizás? Nunca he entendido bien de qué trata un texto postdramático y vuelvo a la necesidad de las etiquetas. ¿Acaso la Urgencia, el Reto y la Transmisión en un texto teatral no son suficientes coordenadas para definirlo? Como si fuera tan fácil alcanzar esta tríada, qué Parcas éstas, personificaciones del fatum teatral. Su destino no lo escribimos nosotros, todo lo contrario: él escribe nuestro destino a través de sus Parcas y su quehacer a través del tiempo. Nosotros podemos mudar de género, extensión, moda: la criba seguirá siendo terriblemente exigente y muchos se quedarán en el camino. Leo a Josu Montero que Heiner Müller escribía “contra el teatro, pues sus textos plantean todo un reto a la escena, una estupenda manera de que ésta crezca y se sacuda su acomodamiento. El texto como palanca para sacar al teatro de sus casillas”. Qué bonitas palabras. Por mi parte, contaros un pequeño secreto inconfesable, un guilty pleasure particular: me entusiasma ver cómo evolucionan, a veces unidas, otras por separado, la escritura y la dirección escénicas, porque mientras el teatro siga descubriendo y sorprendiéndonos, podremos seguir siendo espectadores de su magia, porque tan maravilloso es soñar como hacer soñar. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Puntos de encuentro para artistas de diversas disciplinas

el 27 al 30 de mayo, el bilbaíno Azkuna Zentroa (antigua Alhóndiga) acogerá la tercera y última edición del 3, 2, 1 Encuentro Internacional de Nuevas Formas Escénicas, donde participarán artistas contemporáneos en sus diferentes manifestaciones. Creadores, emergentes y consolidados, presentarán una concepción revisada de la performance, la danza y el teatro actual. Esta edición, en la que participarán artistas de países como Reino Unido, Países Bajos, Suiza, Francia, Italia, Portugal o Alemania, prestará especial atención al sonido y a las propuestas expandidas de participación social. Azkuna Zentroa será el escenario de espectáculos colectivos, obras de texto, planteamientos artísticos nuevos… Conceptos como performance, teatro, danza, instalaciones, intervención en espacios públicos o arquitectura efímera tendrán su espacio en este encuentro. Además, se ofrecerán tres talleres dirigidos a distintos públicos. Marc Rees impartirá con Guillermo Weickert Molina el workshop ‘ArchitectonicA’, abierto a artistas de todas las disciplinas interesados en la creación ‘site specific’. Keith Jarrett, por su parte, trabajará con alumnos de bachillerato artístico

que escribirán e interpretarán poemas de forma colectiva. Por último, la portuguesa Tânia Carvalho dará a los bailarines participantes la oportunidad de experimentar en su propio cuerpo movimientos creados por ella misma. Holstebro y Barcelona

La sede del Odin Teatret en Dinamarca será otro de los lugares de reunión para diferentes artistas en este mes de mayo. Allí se ofrecerá, entre los días 19 y 27, el seminario internacional Cohabitation on the Theatrical Structure, que se presenta como un taller para analizar y trabajar una estructura teatral con Eugenio Barba y los actores del Odin Teatret. Entre los participantes que se reúnan en Holstebro, los actores mostrarán una escena creada para la ocasión. Los directores, por su parte, deberán presentar un problema o solución concreta relativa a uno de sus espectáculos, mostrada mediante un discurso, un vídeo o diferentes fotografías. Eugenio Barba y los actores del Odin Teatret guiarán a cada participante hacia el descubrimiento de las distintas posibilidades de su propuesta. Además, durante el seminario, el

Odin Teatret ofrecerá varias funciones de los siguientes espectáculos: ‘The Chronic Life’, ‘Ave Maria’ y ‘Inside the Skeleton of the Whale’. La ciudad de Barcelona albergará otro de los eventos que, a modo de jornada profesional, debatirá sobre la organización de los espectáculos. Organització d’espectacles: Llei d’espectacles Públics i Plans d’Autoprotecció se celebrará el 14 de mayo en el Teatre de Sarrià, siendo parte del Cicle de Jornades sobre Cultura Popular i Associacionisme que organiza el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. En la jornada intervendrán Joana Ibáñez, subdirectora general d’Espectacles Públics i Activitats Recreatives de la Generalitat, y Jordi Aurich, director general de Protecció Civil de la Generalitat. Por otro lado, se planteará un debate en el que participarán diferentes expertos como Josep Reig (MUSICAT), Jordi Fosas (Esdansa), Jaume Antich (Plataforma Arts de Carrer), Josep Miquel Gámez (Associació Professional de Representants, Promotors i Mànagers de Catalunya-ARC), Lali Pujol (cap tècnic de Fira Mediterrània de Manresa) y un representante de l’Associació Tècnics de Protecció Civil.

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Se buscan autores de obras y pensamiento para premiar

stán abiertas las convocatorias de tres premios con los que esta revista colabora. Hasta el 15 de junio está abierto el plazo de admisión de textos teatrales del XL Premi Born de Teatre 2015 que convoca el Cercle Artístic de Ciutadella de Menorca dotado con 14.0000 euros y la edición en las cuatro lenguas oficiales del Estado español. Como novedad esta año, y en el marco del premio se convocan también las I Residencias de Creación Teatral Premi Born dirigidas a compañías teatrales y a proyectos y montajes teatrales de todo el Estado español. La residencia se realizará en Ciutadella del 6 al 20 de octubre y tras su finalización tendrá lugar su representación ante el público. La fecha de admisión finaliza también el 15 de junio.

El Premio internacional de Ensayo Teatral 2015 que convoca el Instituto Nacional de Bellas Artes a través del CITRU –Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Teatral Rodolfo Usigli– y la Coordinación Nacional de Teatro de México –en colaboración con la revista mexicana de Teatro Paso de Gato y Artez–. Dirigido a escritores de cualquier parte del mundo los ensayos presentados –hasta el 31 de julio–, deben ser inéditos y relacionados con el acontecer teatral contemporáneo. El premio consiste en el pago de cuarenta mil pesos mexicanos y la publicación del ensayo ganador en coedición con las instancias convocantes. El ensayo ganador se anunciará en la Feria del Libro Teatral 2015 en Ciudad de México y su entrega en la Muestra Nacional de Teatro de México 2015.

Por último, la Asociación Cultural Artez Blai Kultur Elkartea acaba de convocar el VIII Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas abierto a autores de cualquier nacionalidad con trabajos que investiguen, analicen, teoricen o propongan una práctica, en forma ensayística o crítica, fruto de una experiencia o de una tesis doctoral sobre cualquier disciplina de las Artes Escénicas –teatro, danza, circo, magia o cualquier otra arte performativa–. Los trabajos deberán ser originales, inéditos y no publicados en ningún soporte y podrán ser escritos en euskera o castellano. El premio consiste en la publicación del trabajo ganador en la colección ‘Teoría y Práctica’ de la editorial Artezblai. La fecha límite de recepción de los trabajos es el 28 de septiembre.

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Candidatos a los Premios Max

a gala de entrega de la XVIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas que organiza la Fundación SGAE tendrá lugar el 18 de mayo en la sala BARTS (Barcelona Artson Stage) de Barcelona. EL Jurado de Finalistas de esta edición presidido por Carlos Gil, y compuesto por Salvador Enríquez, Mar Gómez, Guillermo Heras, Susana Herreras, Joan Muñoz y Liz Perales dió a conocer el 22 de abril los finalistas de estos premios, que tienen como propósito reconocer el talento de los profesionales del Teatro y la Danza de nuestro país y la promoción de los espectáculos de la temporada. La lista de candidatos s la siguiente: Mejor espectáculo de teatro Cuando deje de llover: Madrid Destino Cultura Turismo y Negocio El President: Bitò Produccions, y Teatre Nacional de Catalunya El triángulo azul: Centro Dramático Nacional - Valle Inclán Mejor espectáculo de danza Bosque Ardora: Compañía Rocío Molina Cenizas o dame una razón para no desintegrarme: Losdedae Compañía de Danza Free fall (Caída libre): Compañía Sharon Fridman Mejor espectáculo musical L’Eclipsi: Grec 2014 Festival de Barcelona y Teatre Nacional de Catalunya El eunuco: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Mixtolobo, Labaska 64 y Ciclán La ópera del Malandro: Teatro Defondo Mejor espectáculo infantil o familiar DOT: Maduixa Teatre El señor de las moscas: Acción Sur / La joven compañía Nidos: Máquina Teatral Teloncillo Mejor espectáculo revelación Llibert (Liberto): Cia. Llibertàries Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas: Compañía Obskené Los nadadores nocturnos: Draft.inn Mejor producción privada de ar tes escénicas Carne de gallina: Arteatro, P.T, Teatro del Cuervo y La Estampa Teatro Duet for one: Guindalera T.C. Regreso al hogar: Tribueñe Mejor autoría teatral 84

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Francisco Nieva: El rayo colgado y peste del loco amor Antonio Tabares: La punta del iceberg Laila Ripoll y Mariano Llorente: El triángulo azul Mejor autoría revelación Gemma Brió: Llibert (Liberto) Iñigo Guardamino: Vacaciones en la inopia Miguel Ángel Sánchez: Ejecución hipotecaria Mejor adaptación o versión teatral Pau Miró y Lluís Homar: Terra baixa i Lluís Homar Ignacio del Moral: El viaje a ninguna parte. Anna Maria Ricart: Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas Mejor composición musical para espectáculo escénico Sabino Bikandi: Gelajauziak Alberto García Demestres: L’Eclipsi Iñaki Salvador: Zazpi aldiz elur, Mikel Laboa Elurretan Mejor coreografía Sharon Fridman: Free fall (Caída libre) Thomas Noone: Brutal love poems Rocío Molina: Bosque Ardora Mejor dirección de escena Oriol Broggi: Adiós a la infancia

Carme Portaceli: El President Julián Reta: Cuando deje de llover Mejor diseño de espacio escénico Llorenç Corbella: L’Eclipsi. Arturo Martín Burgos:El triángulo azul Baltasar Patiño: Bobas & Gallegas Mejor diseño de vestuario Míriam Compte: Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores Felype de Lima: Fausto Eva del Palacio y Fernando Aguado: El rayo colgado y peste de loco amor Mejor diseño de iluminación Xavier Albertí: Terra Baixa i Lluís Homar Carlos Marqueríe: Bosque Ardora Juan Gómez-Cornejo: Fausto Mejor actriz protagonista Gema Matarranz: Juana, la reina que no quiso reinar Rebeca Valls: Casa de muñecas Blanca Portillo: El testamento de María Mejor actor protagonista Lluís Homar: Terra baixa i Lluís Homar Sergi López: 30/40 Livingstone Francesc Orella: El President Mejor actriz de repar to Rosa Novell: L’Ultima trobada Marta Poveda: Donde hay agravios no hay celos Susi Sánchez: Cuando deje de llover Mejor actor de repar to Pau Durà: La punta del iceberg Pepón Nieto: El eunuco Fernando Sansegundo: Donde hay agravios no hay celos Mejor bailarina principal Alba Barral: Brutal love poems Rocío Molina: Bosque Ardora Olga Pericet: Pisadas Mejor bailarín principal Israel Galván: Fla.co.men Manuel Liñán: Nómada Chevi Muraday: Cenizas Mejor elenco o intérprete solista de danza Pau Cólera, Jonathan Foussadier, Maite Larrañeta, Alejandro Moya, Melania Olcina y Léonore Zurflüsh: Free fall (Caída libre) Kukai Dantza (Alain Maya, Eneko Gil, Ibon Huarte, Jon Maya y Urko Mitxelena): Gelajauziak Jonatan Miró, Adrián Santana, Inmaculada Aranda, Anabel Moreno y Águeda Saavedra: Nómada

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15 mayo junio Estantería Texto Teatral El CENDEAC y el Centro Párraga de Murcia han publicado, dentro de la renovada colección Infraleves ‘Esto es así y a mí no me jodáis’ del reconocido dramaturgo y director Rodrigo García. El texto es una obra profunda e irreverente concebida para un actor ciego, en la que Rodrigo García despliega su amor por las palabras pero también su recelo. Es un texto intenso y perturbador, una pieza de poesía que interroga la mirada y cuestiona los sentidos que dan acceso a lo real, pero que también lo deforman y nos engañan sobre su naturaleza profunda. El libro incluye como epílogo un texto crítico de Fernando Castro Flórez. Nacido en Buenos Aires, Rodrigo García residen en España desde 1986. Tras fundar en 1989 La Carnicería Teatro son muchas las obras que ha escrito y dirigido para su compañía con la que ha recorrido grandes festivales de todo el mundo. Galardonado con el Premio Europa Nueva Realidad Teatral 2009, en la actualidad dirige el Teatro Nacional de Montpellier.

Texto Teatral

‘Barealdi magikoa’ es la traducción en euskera de la última obra de Alfredo Sanzol, ‘La calma mágica’. Traducida por el escritor Harkaitz Cano, acaba de ser publicada por la editorial Artezblai dentro de su colección Textos Teatrales. Esta obra ha sido llevada a escena en una coproducción del CDN y Tanttaka Teatroa bajo la dirección del propio Sanzol.

Yoska Lázaro, director teatral, dramaturgo y actor argentino es el autor de ‘La escena de los nadies’ volumen publicado por la editorial Nueva Generación que reúne tres obras, ‘Los errores de Noé’, ‘ Una pieza menor (o se seca las lágrimas y continúa)’ y ‘Vago’. En todas ellas la teatralidad se impone sobre cualquier otro recurso retórico.

Ediciones de la Discreta ha publicado ‘Cruzar la raya’ de Carlos García Ruiz. Esta obra puede ser definida como “una comedia dramática con algún toque absurdo, con situaciones muy tensas, y sobre todo con mucho humor negro”. Estructurada en nueve secuencias, habla de lo que leemos en los periódicos, del miedo, de lo cotidiano transformado en pesadilla.

Kiosko Texto Teatral Dentro de la colección Pliegos de Teatro y Danza Aflera ha publicado ‘Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera’ de Elena Córdoba, un volumen que recoge dos textos que escritor por la creadora para acompañar su trabajo en torno al latido y su ausencia. Los citados textos son ‘Pensamientos de una bailarina que comprendió el ritmo cuando miró un cadáver’ y ‘Pensamientos de una bailarina que comprendió el movimiento después de mirar un cadáver’. La obra de Córdoba, artista residente en el Teatro Pradillo de Madrid es “una aproximación al latido y a su ausencia, a lo vivo y a lo muerto, que forma parte del ciclo [Anatomía Poética] iniciado en 2008, un proyecto de creación y estudio sobre el interior del cuerpo, la historia de la anatomía y sus posibles desarrollos poéticos y coreográficos”. El espectáculo fue estrenado por la propia Elena Córdoba en el Teatro Pradillo en octubre de 2014.

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Texto Teatral

En ‘El sunset limited’ su autor, Cormac McCarthy, presenta a dos personajes, un hombre blanco, que a pesar de disfrutar de una amplia cultura y de una posición acomodada, vive sumido en la desesperación y un hombre negro que aunque ha llevado una vida marcada por la violencia, mantiene una férrea esperanza gracias a su fe. Publicación de la editorial Mandadori.

Francisco Nieva resume ‘Salvator Rosa o el artista’ “como sátira sobre el poder, que sofoca al pueblo con nuevos impuestos, y es el motivo que levanta la memorable revolución de Nápoles en 1640; cuando el Virrey de España aplica un impuesto sobre la fruta”. Obra estrenada recientemente por el CDN quien también se ha encargado de su publicación.

Ediciones Irreverentes ha publicado ‘Antología de Comedia y humor’ en la que se recogen monólogos, diálogos, teatro breve y cuentacuentos de todos los estilos de autores como: José Luis Alonso de Santos, Carlos Álvarez, Jacinto Bobo, Mariam Budia, Jesús Campos, Gerard Clúa, Manuel Contés Blanco, Secun de la Rosa, Diana de Paco entre otros.

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Estantería Teoría

Con ‘101 ejercicios de danza contemporánea para niños y jóvenes’ su autora, Ainhoa Sarmiento ofrece una guía completa de enseñanza para cualquier nivel. Esta publicación de Ediciones Tutor incluye también además de los ejercicios, una introducción aclaratoria de conceptos, los beneficios de la práctica de la danza y la explicación de cómo utilizar el libro.

Teoría

Houston Stewart Chamberlain es el autor de ‘El drama wagneriano’, un trabajo en el que se analiza, profundiza, teoriza y debate sobre los pros y contras entre Drama y Ópera, entre Teatro y Drama. En palabras del Dr. Javier Nicolás Cintas “el trabajo definitivo sobre este tema, no superado en los miles de estudios que se han hecho sobre el wagnerismo”

Teoría

El servicio de Publicaciones de la Diputación de Castellón ha publicado ‘Xarxa Teatre 2008...2014’. Este bello volumen, coordinado por Sixto Barberá ofrece un repaso cronológico por las creaciones, giras etc. llevadas a cabo durante los citados años por la veterana compañía. Todo ello acompañado por magnificas ilustraciones.

Teoría ‘¿Qué es el performance? Entre la teatralidad y la performatividad’ es el número 30 de los Cuadernos de Teoría Teatral de la editorial Paso de Gato. Con la pregunta que da título a esta publicación su autor, Fernando de Toro, catedrático en la Universidad de Manitoba, en Canadá, esgrime una serie de argumentos contra los estudios del performance de Schechner que, en sus palabras “nos han llevado a un impasse epistémico, a una especie de moda diletante, mal informada e imperialista”. Con la intención de dotar al campo de la investigación teatral de una base conceptual sólida, De Toro va hacia los orígenes de las nociones de performance y performatividad, cuestiona la ligereza con que algunos actores, como Lehmann, han hablado de “paradigmas” en la práctica teatral e identifica las funciones centrales del performance teatral posmoderno en la obra de creadores como Tom Stoppard, Griselda Gambaro, Alberto Kurapel o Luis de Tavira.

Kiosko Zirkolika

Los payasos catalanes Oriol Boixader, Sergi Buka y Fulgenci Mestres son portada del número 43 de ‘Zirkolika’ que comienza con un reportaje sobre los mencionados payasos actualmente trabajando en el Circus Roncalli de Alemania. El presente número incluye además de reportajes y crónicas, una entrevista con Merche Ochoa, Premio Nacional de Circo 2014.

Fiestacultura

Las crónicas de festivales como Santiago a Mil o el Festival Internacional de Artes de Calle Spoffin en Holanda, el reportaje sobre el teatro de calle en Corea y sobre el FIT de Vila-real que incluye una entrevista con los creadores del proyecto Crudo Ingente a estrenarse en el citado festival son solo algunas de las propuestas del número 62 de ‘Fiestacultura’.

ADE

El número 154 de ‘ADE Teatro’ publica el texto teatral ‘Palabras malditas’ de Eduardo Alonso, Accésit del Premio Lope de Vega 2014. Además la publicación de la Asociación de Directores de escena incluye como tema ‘44 propuestas para la gobernación de los teatros en España’ y sendos reportajes y artículos sobre B. Britten y Sammuel Beckett.

Por la danza Belén Maya es portada del número 106 de la revista ‘Por la Danza’ que comienza tras la consabida editorial con una entrevista con la mencionada bailaora en la que aborda, entre otros temas, cómo se adentró en el mundo de la danza y de su momento actual. El presente número incluye más entrevistas como las llevadas a cabo con Víctor Ullate, Nazareth Panadero –bailarina que lleva más de treinta años en la compañía de Pina Bausch y último Premio Nacional de Danza de Interpretación–, Alberto Estébanez –director del Ballet Contemporáneo de Burgos y del Certamen Internacional de Danza Burgos-Nueva York–, Antonio Najarro, director artístico del Ballet Nacional de España y con Kevin McKenzie, actual director artístico del American Ballet Theater. Además reportajes sobre el consumo de sustancias y sus efectos en el bailarín y su danza, y las crónicas de eventos como el quinto Festival de La Habana conforman esta nueva publicación.

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15 mayo junio XXI dFERIA-Donostia

Formando la identidad desde la acción dramática

abe la tentación de pensar que la inspiración programática es un simple soplo referencial que se acompaña con un texto bien estructurado repleto de palabras mágicas que nos lleven a imaginar una coyuntura ideal para el desarrollo de cualquier actividad. Y uno entiende justo lo contrario: enunciar el objetivo es un compromiso solemne. Colocar la palabra “Identitatea” en el frontispicio de la cartelería, y el sustrato de las motivaciones para la selección de los espectáculos es una manera de pensar un evento de estas características y una obligación programática que debe empoderarse de todo canto se proponga. Claro que las identidades se conforman en diferentes modulaciones, no es una idea monolítica y se trata de ir descubriendo los rasgos propios y definitorios de cada cual, y en cada uno de los términos o rubros donde se puede diseccionar una acción dramática que tiene voluntad de incidencia más allá de los netamente profesional. Lo artístico considerado como un elemento que prefigura una concepción del mundo, que a través de una estética nos fija una visión política del ser humano relacionado con los otros. Es lo identitario algo que escapa a una simple definición previa, sino que debe corroborarse con su auténtica realidad frente a los espectadores que cierran el circuito de comunicación y de ensamblaje de los elementos artísticos y se sustancia en mensajes definitorios. Antes de repasar las obras vistas confirmar que existe, si se quiere descubrir, otro teatro, ora danza, otra actitud para programar, y que, además, tiene un valor extra por lo diferente para los profesionales de la contratación, pero como estamos ante una acción cultural que cuenta con una estupenda presencia de público local -hasta el cincuenta por ciento- lo que nos congratula.

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Solitudes de Kulunka Teatro

Asistimos al estreno de la nueva obra de Kulunka Teatro, Solitudes, que remarca un estilo, una concepción, un lenguaje. Diría que una indagación en continuidad, una fidelidad que se amplía y fija su manera de hacer a partir de sus hallazgos, sus logros. Sin texto, con temas reconocibles, socialmente importantes, y con esa profusión de personajes que se logran con unas máscaras que dotan de una estética que se aposenta en la atención del espectador hasta lograr una humanidad absoluta, una expresión variable pese a ser eso, un objeto inanimado, un rostro perpetuo que transmite de una manera volcánica emociones. Y seguiremos pensando en cómo son capaces de hacernos reír ante la tragedia que estamos contemplando, esa soledad mineral que atraviesa la bella historia. Y en su maestría para sentirnos mejores al ver su trabajo. Quedamos purificados por su arte y su dulce denuncia mostrada con la

poética del vuelo del moscardón. Contar grandes historias con elementos pequeños parece ser la máxima inspiradora de La máquina de la soledad, de Microscopia y Oligor, donde Shaday Larios y Jomi Oligor han juntado experiencias, vivencias, técnicas y teóricas y han conseguido un lenguaje propio, un instante de ensoñación, unos momentos de aprehensión del recuerdo de aquellas cartas que decía el poeta que algunas tienen sabor amargo. Un bello mini-espectáculo pero maxi en cuanto a intenciones, significaciones y logros de poética y narrativa escénica. En La Fiera escrita y dirigida por Mariano Tenconi Blanco, asistimos a una venganza que contiene los componentes de una leyenda; una mujer tigre que va cortando el cuello a aquellos hombres que previamente han ejercido violencia contra otras mujeres indefensas. La tigresa que decide tomarse la justicia por

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su cuchillo, que limpia un barrio o una ciudad de violentos y violadores, de abusadores, de quienes ejercen la violencia de género. Es ella, “yaguareté” que en guaraní significa la verdadera fiera, la que se nos muestra con toda su fuerza sobre el escenario, en una propuesta realmente impresionante debido a la fuerza del texto, a la composición del personaje que hace Iride Mockert, a toda la verdad que trasmite y a sus matices y registros, acompañada por un espacio sonoro auténticamente sugestivo creado en directo, para conducirnos a través de las canciones perfectamente escalonadas en el discurso por esos momentos de reflexión elíptica tras la tormenta constante que es la narración. Dan ganas de intentar hacer una teoría del teatro de Wadji Mouawad, o de este monólogo en concreto, Un obús en el corazón, presentado por L’Om imprebís con dirección de Santiago Sánchez, pero solamente somos capaces de atrapar esa verbalización de situaciones, emociones y discursos que nos dejan suspendidos ante un relato que comienza con una duda metodológica y termina con una confesión metateatral, pero que en el camino nos ha dibujado la vida de ese ser, Wahab, quizás el alter ego del autor, que aquí en una vuelta de tuerca, se unen lo circunstancial y lo fundamental, ya que el propio actor, un espléndido, rotundo Hovik Keuchkerian puede sentir como propio por tener las mismas ascendencias de origen libanés, pero de asentar su vida el autor en Canadá y el actor en España. Una excelente muestra de un teatro político actual, que revisa la propia historia de la sociedad chilena donde nace y a la que le espeta sobre su actitud durante los años oscuros es Yo maté a Pinochet presentado por Teatro Errante. Que un revolucionario se encuentre casualmente en los lavabos de un restaurante con Pinochet y no cumpla con su misión más alta, aunque sea de manera espontánea y casual, sería un pecado. Pero que lo haga y no le crean sus compañeros de militancia es una situación tragicómica que da para mucho si se utiliza con la soltura que lo hacen estos jóvenes teatristas chilenos, que lejos de entrar por la vía del desahucio intelectual y político, lo llevan, con sabiduría por colocar el espejo justamente en las circunstancias que propiciaron que Pinochet llegara a longevo y muriera en una cama limpia y habiendo robado esperanza, vidas, años de democracia y mucho dinero al pueblo chileno. Carmelo Segura Companhia ofreció Walkin City, una coreografía urbana, con lenguajes mixtos para realizar un muestrario d situaciones cotidianas que coloca la espectador ante una realidad conocida expresada de manera estilizada. El reportaje es una entrevista a un ex general condenado por su implicación en la dictadura argentina, especialmente en actos de censura cultural, llegando a provocar un incendio en un teatro donde se hacían obras de resistencia. Documento bien armado, con un Federico Luppi imponente y crepuscular. Ver tantos años después un nuevo montaje de Equus, de Peter Shaffer presentado por la Compañía Ferroviaria con dirección de Paco Macías nos abre un campo para la reflexión sobre el paso del tiempo, sobre la validez de ciertos temas en otros contextos a su escritura y su confrontación con la evolución de la sociedad en asuntos como la soledad, la violencia, el psicoanálisis, la homosexualidad. Maldito sea el Traidor a su patria!, estrofa del himno yugoslavo da título a un espectacular trabajo de Theate Mladinsko, sobre el odio, la guerra, la devastación del pensamiento ultra nacionalista, frente a las libertades civiles y artísticas.

Carlos Gil Zamora w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 mayo junio

Crónica emocional imaginaria

a rutina nos simplifica. Los hábitos se enquistan y se convierten en imprescindibles. Un circunstancia personal adversa nos desequilibra, nos angustia. Es mi caso. Llevo todo el este año 2015 entretenido entre cirugías, análisis y escaneos. Eso me ha impedido cumplir con muchas de mis rutinas, saludables generalmente; me ha dejado sin acudir a algunas de las citas que más me interesan de todo el calendario de ferias y festivales. Es una incomodidad, una especie de vacío que no tiene más sentido que el emocional, porque esos eventos siguieron celebrándose normalmente, los ciclos se repiten, y la ausencia de alguien no tiene mayor importancia que la de las leves variaciones que se van produciendo en el devenir del tiempo. Cuando coincidimos la inmensa mayoría reconocemos inmediatamente a los veteranos, a los eternos, a los de siempre, y nos cuesta ir aceptando a los recién llegados, o a quienes llevando tiempo no se han manifestado de manera rotunda para ser visualizados a la primera. De todos estos cambios, traspasos generacionales de responsabilidades se va tejiendo nuestra memoria profesional en ocasiones con demasiadas capas sentimentales, aunque es momento de propiciar la renovación, pero teniendo mucho cuidado en reconocer la labor realizada, no sea que empecemos

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todo desde una memoria perdida o puesta a cero, por negligencia o falta de rigor, entre otras cosas porque es una cuestión imposible y, sobre todo, injusta. Como injusto se debe considerar que en ocasiones pasemos por salas recién estrenadas, eventos que nacen sin apoyo institucional, que veamos propuestas incipientes, proyectos que apuntan buenas maneras y no tengamos un rato para hablar de ello, para señalarlos, incluso para informar, porque estamos todos limitados por unas leyes del mercado que deberíamos romper para que se inunde todo de las nuevas energías que vienen con fuerza y talento. Nuestra rutina ha sido en los últimos años acudir a grandes festivales internacionales, a todas o casi todas las ferias del Estado español, informar previamente y hacer crónicas posteriores. El deterioro estructural nos impide cumplir esta misión

de manera eficaz. Seleccionamos, decidimos inspirados por criterios que tienen que ver con la supervivencia. Nos gustaría poder dar cabida a todos, acudir a los lugares más recónditos donde intuimos se están produciendo signos de futuro para nuestros escenarios. Nos gusta hablar de teatro, vemos como se mantienen pese a tener todo en contra ferias como la de Albacete por la que pasamos fugazmente invitados a un Encuentro con Cofae para hablar de la función de los medios de comunicación. Vamos con intención de aprender, pero sentimos desazón porque parece que se esté empezando constantemente y no es así. No queremos contribuir más al desánimo, en nuestro peregrinaje queremos dejar constancia de que existimos, pero que para seguir es importante no olvidar el pasado, pero no repetir fórmulas sin hacerles una profunda inspección técnica y cultural de utilidad y eficacia. Los medios de comunicación especializados, cada vez menos influyentes y tendentes a la alabanza tasada, y los generalistas con sus particularidades también, debemos formar parte de la regeneración general de las Artes Escénicas. Atendiendo a lo nuevo, reconociendo lo hecho.

Carlos Gil