Artez206 by montaje

octubre 15 septiembre Carlos Gil Zamora

Con los pies colgando en el muelle de la esperanza en los tiempos venideros

n el desiderátum del periodismo en estado puro se podría asegurar que si un día no hay noticias relevantes no debería aparecer el diario, o al menos sin noticia de portada relevante. Por suerte en el mundo de las Artes Escénicas, al menos en el acotado que nosotros atendemos, tenemos noticias hasta para duplicar o triplicar el número de páginas, porque lo que está claro es que entramos en Europa en la nueva temporada tras los festivales y ferias estacionales más significativas, mientras en América, dependiendo del hemisferio al que nos refiramos, están en temporada plena o en tránsito. Lo que debería pasar es que apareciéramos con más de una portada, pero como sucede en tantas ocasiones sin mucho o nada que decir, por lo que esta editorial que ustedes leerán de pasada puede ser sustituida por una convocatoria de subvenciones y tendría bastante más aceptación. Por todos los lugares que visitamos comprobamos que nos quedan todavía algunas elecciones transcendentales para el futuro inmediato de la Cultura. En España tenemos un nuevo Ministro del ramo que no le va a dar tiempo ni siquiera a pedir en serio que se reduzca el IVA. Todo se va a precipitar, todo va a suceder con esa tremenda nadería rutinaria a la que nos estamos acostumbrando por cansancio. Lo que sí es cierto es que en ayuntamientos relevantes, en comunidades autónomas, se están tomando decisiones en el ámbito cultural que, de entrada, nos suenan bastante mejor. Hacer recuentos de efectivos, poner al frente de las instituciones a personas sobradamente preparadas, consultar con los agentes activos para ir perfilando las posibles acciones de gobierno parecen, insisto, declaraciones de buenas intenciones que esperemos desemboquen en programas y decisiones favorecedoras de la mejora de toda la actividad general y la revalorización de la Cultura como un bien de-

mocrático al alcance de las mayorías. Y ahí, las Artes Escénicas como elemento enriquecedor por su inmediatez y especificidad de tener que hacerse en vivo y en directo, son primordiales. No es el único acto cultural simbólico, pero al ser convivencial, al tener tantas connotaciones de proximidad y de teórica concomitancia con la realidad social, pese a ser una actividad minoritaria cuantitativamente, es de una influencia mucho más profunda, lo que le da un mayor peso cualitativo. Detectamos una actitud de espera, de mirar los acontecimientos con una Iceberg de Leandre gran ilusión y excesivas expectativas que se puede volver en desencanto de una manera fulminante. Por eso, vamos a ir contando los efectivos que tenemos hoy, vamos a ir trabajando con todos los recursos a nuestro alcance para hoy, que es lo único tangible, ya que el pasado, es anterior y el futuro, posterior (permítaseme esta paráfrasis luthieriana), y no sabemos ni podemos valorarlo más allá de lo que tenemos apuntado en la agenda para los próximos tres meses, con mucha suerte. Y hoy lo que anunciamos en el contenido de este número es que sigue toda la actividad que no había fenecido en los años anteriores, que se renuevan esfuerzos, que, de momento, los cambios de gobiernos no han afectado (no ha habido tiempo) en los compromisos adquiridos y que visto desde una prudencial distancia emocional, el haber resistido es un magnífico síntoma que debe servir como plataforma para la reestructuración, el necesario cambio de todas las relaciones y los paradigmas para que se impulse de una manera inequívoca y con criterios la actividad en la Cultura y especialmente en las Artes Escénicas a las que nos dedicamos. En las instituciones donde se han incorporado responsables de larga trayectoria, ya se notan algunas decisiones importantes, aunque solamente sean todavía de restitución de programas y acciones

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Editorial

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Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El método griego – María Chatziemmanoui Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El lado oscuro – Jaume Colomer Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán

Festivales 10 - 13 14 - 15 16 - 18 20 - 21 22 - 24 26 -27 28 - 29 30 - 31 32 - 33 34 - 35 36 - 37 38 - 39 40 - 41 42 59 60 - 61 62

35 FiraTàrrega XVI Festival EnClave de Calle de Burgos 29 Feria Int. de Teatro y Danza de Huesca FIRAB! XVII BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao XVI Dantzaldia XXVI Mostra Internacional de Mim de Sueca XL Festival Int. de Teatro de Vitoria-Gasteiz XXXIII Jornadas de Teatro de Getxo Circ&Co XXXIV Festival Int. de Títeres de Bilbao XV Danza Xixón XXIV FIOT - Festival Int. Outono de Teatro El Rioja y los 5 Sentidos 18 Fira Mediterrània de Manresa XXXVII Festival Int. de Teatro de Manizales Miscelánea de festivales

Estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

64 - 65 Áureo de Dantzaz Konpainia 66 Moby Dick de Gorakada 68 Ninette y un señor de Murcia de La Ruta Teatro - Teatro Circo Murcia 70 El arquitecto y el emperador de Asiria de Teatro Español - CTBA

índice

básicas que los anteriores habían desechado. Se espera mucho más. Se espera que se planifique, que se atienda a los profesionales y sus gremios, pero que se piense en que estamos hablando de un bien común, donde es imprescindible la presencia de una ciudadanía mejor formada e informada. Sería suicida mantenernos en una actitud pasiva como es mirar los resultados atendiendo solamente a la taquilla, que es la gran falacia. Lo que se debe aposentar en los nuevos tiempos es una ciudadanía culturalmente participativa, y en el teatro y la danza, su inclusión en los currículums docentes desde el jardín de infancia hasta la universidad, y una constante actividad para el aprovechamiento de todos los recursos y edificios existentes. Se notan síntomas de regeneración en las carteleras. Hay programadores que defienden su oferta desde criterios globales, culturales, integradores y no solamente mercantiles. Vemos obras de dramaturgas nuevas, de directores jóvenes que alcanzan espacios de exhibición antes negados. El sistema productivo sigue estancado porque se parte de un modelo agotado, pero se mueven interiormente voces y propuestas nuevas. No todo lo alternativo trae algo alternativo, pero al menos busca nuevos públicos. Porque uno de los objetivos primordiales para no fallecer es renovar a los públicos, el envejecimiento de los que ocupan ahora nuestras butacas debe despertar ya una alarma general. Hay que cuidarlos, pero hay que buscar una manera de atraer a los jóvenes. Pongo un ejemplo, hace muy poco, un domingo gris de agosto en Buenos Aires, acudí a ver Terrenal de Mauricio Kartun al Teatro del Pueblo. Lleno total. Lo más importante para mí fue que al menos cuatro generaciones estábamos disfrutando del espectáculo. No acostumbra a pasar en nuestras salas y teatros europeos. Y eso hay que hacérselo mirar con urgencia. Tienen en su mano un ejemplar bimestral, que abarca setiembre y octubre para poder ajustarnos al atropello de quitarnos a mitad de año la mínima ayuda que recibíamos del Ministerio de Cultura. Nos quedará otro número en este 2015. Estamos sufriendo un poco más de lo debido y lo merecido. Nuestra voluntad es seguir combatiendo. No estamos fuertes, pero seguimos con casi toda la misma actividad pese a todo, aunque con muchas más dificultades y un desgaste agotador. El periódico digital www.artezblai.com mantiene un índice de actividad y de lectores que nos sigue colocando como el más influyente en español. Editamos libros de autores nunca leídos en España. Asistimos a encuentros y festivales por todo el mundo. Sabemos de la consideración y el respeto que se nos trasmite en tantos lugares. Intentamos crear vínculos, fusiones, colaboraciones con otras revistas y editoriales para ser más eficaces en nuestros esfuerzos. Pero debemos, una vez más, recordar que se hace todo a base de la auto-explotación, a colaboraciones desinteresadas y luchando contra los molinos institucionales que se unen a la desidia general de los profesionales tan pendientes de otras cosas, lo que en más de una ocasión nos hace dudar. De momento la duda se resuelve mirando lo positivo y resistiendo. Pero nunca se sabe.

Opinión

Suplemento 43 - 58 FIT 2015 - Festival Iberoamericano de Cádiz

En gira 72 - 76 Programaciones varias

Teatro amateur 78 - 79 Entrevista con José Ramón López 80 Noticias y convocatorias

Zona abierta 93 Escaparate 94 TTT - Territorios Teatrales Transitables 96 - 98 Crónica de Nueva York

15 septiembre octubre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

¿Últimas tendencias? La nueva sala “Hiroshima”

ecuerdo con interés aquellos monográficos que solía organizar Alex Rigola en el Lliure a finales de temporada, “Radicals Lliure” y creo que es en aquellas peregrinas muestras de investigación teatral donde está la riqueza que tantas veces en la historia ha significado la alternativa a las corrientes “oficiales”. No es casualidad que en la última Bienal de Venecia, los catalanes Agrupación Señor Serrano hayan recibido el León de Plata de esta Bienal por “A house in Asia”, un western épico y tecnológico que reflexiona sobre lo que es hoy real y qué es un simulacro a partir de la muerte de Bin Laden. Todo tiene que ver con la pervivencia de la aparición periódica en la historia del espectáculo de corrientes alternativas que investigan el hecho escénico y abren nuevas perspectivas que coexisten con las más habituales. En el siglo pasado Artaud, Brecht, Grotowsky nos mostraban realidades ocultas… y las minoritarias vanguardias de los años 30 podrían tener conexión, aunque sin tecnología, con las actuales corrientes que podemos ver en el Antic o el Hiroshima. En los 70 surgió el Teatro Radical (Living, el Open, el San Francisco Mime Troupe) un teatro que quería “envolver” al público… En la España franquista de los 70 apareció el Teatro Alternativo. Cada época tiene su corriente teatral oficial y su corriente alternativa. Hace ya más de una década que surgieron en España nombres significativos como Rodrigo García y Angelica Liddell, entre otros.. Quiero hablar aquí de dos teatros de muy distinta estructura pero dedicados ambos a la investigación: el Antic Teatre-al que dediqué hace años uno de estos artículos y al recién inaugurado Teatre Hiroshima. El Antic Teatre pone un importante interés en el “work in progress” mientras el Hiroshima muestra espectáculos ya acabados. L’Antic Teatre, tras años de trabajo y experimentación impulsados sobre todo por Semolinika Tomic, a partir de 2010 se constituye en espacio de creación reinaugurado en pleno barrio antiguo de Barcelona, en un edificio con un enorme bar-jardín, espacio teatral amplio, y la sensación de estar en un lugar moderno y confortable de creación contemporánea. L’Antic, además de la exhibición de espectáculos trata de consolidarse como centro de investigación multidisciplinar que busca lenguajes propios. El Hiroshima, inaugurado la pasada primavera es un cómodo y bello local multifuncional con un teatro para 130 espectadores, un local de conciertos para 230 personas y un bar-restaurante muy confortable, de 120 m2 situado en la esquina, justo detrás del Apolo. Hiroshima es una sala con una programación contemporánea que no “hace temporada” sino que pasa por la sala muy brevemente para hacer exhibiciones que se suceden unas a las otras de manera que los aficionados a la vanguardia teatral tengan siempre un estímulo para ir y ver artistas emergentes, exploración de nuevos lenguajes… pero siempre espectáculos ya acabados.

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Hace ya un par de meses hablé con Gaston Core, el director de la sala… Según me dijo, en sus propósitos está eludir lo local y exhibir teatro europeo autoreferenciado y promover la creación contemporánea, vivir el teatro como punto de encuentro y celebración entre personas que comparten y debaten. Para Gaston el teatro es diversidad estética. Las palabras y los cuerpos son equiparables. El teatro es algo físico y la tecnología se puede aplicar a la danza. En el proceso de creación radica el propio efecto de experimentación sobre la dramaturgia. Le interesa el futuro teatro en imagen, la descodificación que debe de ser fácil, el teatro visual. “Su” teatro es creación, riesgo, experimentación más performativa que teatral. Los referentes son proyectos acabados, no le interesa el “work in progress” que se ofrece en el Antic. Para Gaston, las imágenes deben sintetizar discursos que no tienen que proceder nunca de algo escrito al margen del espectáculo. De su labor como director del complejo, me dice: “cuando el trabajo forma parte de tu vida, tú te explotas a ti mismo”. Gaston nació en Uruguay en 1979 y desde 2012 tenía el proyecto de abrir una sala como es hoy “Hiroshima”. Ahora y aquí me habla de Mauricio González cuya obra es proyección del cuerpo desnudo o de otros artistas que le interesan o también de las ideas de Byun Chul Han, filósofo alemán que critica el mundo digital, en su obra “La ciudad del cansancio”. Inauguró la sala el singapurés Choy Ka Fai que explora la memoria muscular como forma digital de grabación y reproducción en tiempo real del movimiento y que ofrecerá además un workshop de danza y tecnología… Se acompaña de la bailarina Sonia Gómez y de las performances de visualidad sexual de Regina Fiz. En la primera temporada actuaron Andriane Leclerc, contorsionista canadiense, actuó Macarena Recuerda Shepherd que reconstruye con recortables y objetos pequeños su trayectoria vital en “That’s the store of my life”. Lola Arias, en “Mi vida después” revive con seis actores hijos de la dictadura las vidas de sus padres. “Bonanza” es un retrato desolado de un pequeño enclave minero que llegó a tener 6.000 habitantes, 36 bares… El lema era “ven, hazte rico y vete”. En la actualidad sólo hay siete residentes permanentes, que viven en medio del miedo y los asesinatos,… El espectáculo que cerró temporada fue “Indomador” de Animal Religion, un personaje que transforma el escenario en un animalarium intentando domar su instinto animal. La próxima temporada comenzará el 25 y 26 de septiembre con “I guess if the stage exploded” de la artista inglesa Sylvia Rimat, una propuesta sobre la memoria y la representación, entre el teatro y la performance… como de costumbre sólo durante dos días. Es el estilo de programación de Gaston Core y la Hiroshima, estimulante y desconcertante. Habrá que ir a menudo para ponernos al día de las nuevas tendencias de ¿la performance?

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Desde la caverna

David Ladra

El lugar sin límites

oncentrado como está en su producto más solicitado, el drama en sus diferentes acepciones de melodrama, drama trágico, comedia dramática o sainete costumbrista, el teatro español lleva años mirándose el ombligo y renegando de otras tendencias que suelen cultivarse por Europa como son el teatrodocumento o “verbatim”, que tanto se desarrolló en el Reino Unido, o todas las formas avanzadas de la escena continental que HansThies Lehmann agrupó bajo la denominación de “posdramáticas”. Al fin y al cabo, se dirá, son obras extranjeras, propias de otros confines o importadas de vez en cuando por alguno de nuestros “visitantes” o algún festival. Y ello hasta el punto de que llegamos a olvidar que nuestro propio país lleva produciendo “otro” teatro al menos desde la dictadura (antes, ya se sabe, no hubo nada, ni Valle ni Unamuno ni Lorca, si no es la comedia áurea del siglo XVII). Desde que, en 1952, el músico y compositor John Cage llevara a cabo en el Black Mountain College de Carolina del Norte el que ha venido a considerarse el primer “happening” de la historia, con el bailarín Merce Cunningham como coreógrafo y el pintor Robert Rauschenberg como figurinista y escenógrafo, el teatro “experimental” persiguió la fusión de todas las artes escénicas. Influenciados por aquella “nueva vanguardia” y tras su encuentro con Cage en Darmstadt, los compositores españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce, junto al italiano Walter Marchetti, fundan en 1964 un grupo legendario denominado ZAJ que, aunque clasificado como “teatro musical”, va a dar cabida, además de a compositores como Tomás Marco, a poetas como José Luis Castillejo, artistas plásticos como Martín Chirino o “performers” como Esther Ferrer. Ni que decir tiene que su presentación en una celebrada sesión mantenida en el Infanta Isabel en 1967 -en la que el público, asaeteado por las peladuras de manzana que se le lanzaban desde el escenario, tomaba parte activa en la batalla - será inmediatamente prohibida por la censura. Tras aquella primera manifestación vanguardista y algún que otro intento aislado, como lo sería el teatro de Joan Brossa, el “teatro contemporáneo”, entendiendo como tal aquél que no se sujetaba a los estándares comerciales al uso, se situaba en la vanguardia más extrema y no dejaba de experimentar sobre sus propios medios expresivos, quedó como congelado en nuestro país por un espacio de casi veinte años mientras se dirimía la contienda entre textualidad y teatralidad que mantuvieron hasta el fin del franquismo los epígonos de la generación realista y el “nuevo teatro”. Parecía que el “teatro independiente”, con su apuesta por el grito, el gesto y la acción corporal elaborados sobre la propia escena, se iba a llevar el gato al agua cuando el auge del fenómeno Koltès y de “l´écriture théâtrale” en el país vecino, nos devolvió a la preeminencia del texto dramático de hoy. El “teatro experimental” empieza a recobrar el pulso a finales de los setenta con la aparición de una serie de grupos cuya programación roza la frontera del teatro más avanzado de la época y la intenta sobrepasar. Así, Carlos Marqueríe crea La Tartana Teatro en 1977 y, tras dirigir varios encuentros contemporáneos, funda en 1990, junto con Juan Muñoz, el Teatro Pradillo cuyo fin es fundir lo dramático con la música, las artes plásticas y la danza en un espacio

interdisciplinar. Otro teatro que responderá a los mismos principios experimentales será El Canto de la Cabra que, inaugurado en 1993 y dirigido por Elisa Gálvez y Juan Úbeda, tendrá que cerrar en 2009. Todos estos intentos individuales de establecer una base sólida para el teatro experimental se ven acompañados por la celebración de festivales como “La Alternativa”, que surge en 1989 promovido por las principales salas de este género de la capital. De una escisión de dicha muestra nace en 2000 el Festival Escena Contemporánea que, tras trece años de existencia, fue dinamitado el pasado año por los agentes “culturales” de la Comunidad de Madrid. Y es que, aún con el refuerzo que han constituido el Museo Reina Sofía o La Casa Encendida para las artes experimentales, puede decirse que la lejanía del público y el desprecio de la administración han venido manteniendo al teatro contemporáneo como un subproducto, una corriente subterránea, del teatro “normal”. La nueva etapa del Teatro Pradillo comienza en 2012 con la vuelta a su equipo directivo de Carlos Marqueríe. Y la fuerza con la que ha propulsado su teatro en esta nueva etapa queda registrada en el ciclo, El lugar sin límites, que hoy nos ocupa. Comisariado por el propio Marqueríe, Getsemaní de San Marcos y Emilio Tomé y celebrado del 11 de junio al 5 de julio en el Teatro Valle-Inclán, el Museo Reina Sofía y el Teatro Pradillo, la muestra ha conseguido no solo reunir a una pléyade representativa de nuestros mejores artistas contemporáneos sino contar con la colaboración del CDN, cuyo director, Ernesto Caballero, viene a reconocer de esta manera que el teatro contemporáneo es una parte más de nuestro patrimonio teatral. El ciclo comenzó en el Valle-Inclán con dos obras de Rodrigo García, Arrojad mis cenizas sobre Mickey y Accidens, que presentadas poco después del estreno de Daisy en el Festival de Otoño a Primavera, permitieron comprobar su evolución. Siguió La posibilidad que desaparece frente al paisaje de uno de nuestros grupos contemporáneos más atractivos, El Conde de Torrefiel, dirigido por Pablo Gisbert y Tanya Beyeler. Le sucedió en el Teatro Pradillo: IMPROMPTUS: dos programas sobre el amor protagonizados por las bailarinas y coreógrafas Elena Córdoba y Claudia Faci. Volvimos al teatro Valle-Inclán con un programa doble constituido por El triunfo de la libertad, una pieza situada al límite de la creación experimental armada por La Ribot, Juan Domínguez y Juan Loriente, y Hacía un ruido, una absorbente acción audiotextual que componen la poesía de María Salgado y el compositor Fran MM Cabeza de Vaca. El ciclo terminó en el Valle-Inclán con la presentación de Las ideas, un constructo presentado por el creador argentino Federico León y su colaborador Julián Tello que, a mi modo de ver, recuerda en nuestros tiempos las ansias por saber de los personajes de Flaubert Bouvard y Pécuchet. Aparte de una exposición sobre Angélica Liddell en la sala El Mirlo Blanco del Valle-Inclán y una serie de conferencias impartidas en el Centro de Arte Reina Sofía, se llevaron a cabo en el auditorio de esta casa, los domingos por la mañana y rematados por un “vermú” final, cinco interesantísimos coloquios con los creadores de las obras exhibidas durante la semana. ¡Qué satisfacción el ver brotar de nuevo y en buenas condiciones la vena acuífera de nuestro teatro experimental! w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre XXXV FiraTàrrega

El arte visual marca la Fira en la que actúan 56 compañías Del 10 al 13 de septiembre Tàrrega volverá a ser el epicentro de las artes escénicas con una programación que aglutina a 56 compañías que representarán espectáculos de teatro, movimiento y circo. La Fira participa en la producción de 14 montajes en una edición en la que se pone especial atención a las artes visuales. La propuesta de live cinema Compra´m de la compañía Insectotròpics es la pieza escogida para inaugurar esta 35ª edición. Laboratorios, Producciones Transnaciona-

les y Residencias Artísticas componen el Programa de Apoyo a la Creación, proyecto que supone un 20% de la programación anual de FiraTàrrega y que da a ocho compañías la oportunidad tanto de preparar como de mostrar sus montajes en el municipio. Además, los alumnos del Máster de Creación en Artes de Calle participarán con el espectáculo colectivo Astillas, que nace del trabajo realizado con la directora y dramaturga alemana Sigrun Fritsch de la compañía Pan.Optikum.

res grandes espectáculos inaugurarán la primera jornada de FiraTàrrega: los mexicanos Vaca 35 ofrecerán Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido; el pabellón Sant Josep será el escenario para Sifonòfor, propuesta de la compañía Animal Religion; y ya por la noche, se podrá ver la pieza inaugural, Compra´m de Insectotròpics. Siendo esta una edición en la que se quiere poner el acento en los espectáculos que integran las artes visuales en su discurso, la Fira contará con profesionales como el arquitecto Xevi Bayona, que mostrará la instalación El bosque de Van Der Graff, un recinto de contemplación en medio de elementos de madera vinculados a los árboles fruteros. Estarán presentes también Quim Moya, Deriva Mussol, Nacho Vilar Producciones o Abast Elàstic. Entre las propuestas a destacar están los nuevos montajes de las compañías Vero Cendoya, Íntims Produccions o Auments. Otros espectáculos que se podrán disfrutar en la Fira serán Iceberg de Leandre, Purpusii onírico de En diciembre, y The Hole&Corner Travel Agency de Marga Socias. Desde más lejos llegarán los estadounidenses Dorrance Dance con la pieza de claqué E.T.M: The Initial Approach, interpretada por 8 bailarines y 3 músicos. Los italianos Teatro Necessario ofrecerán su Piano Suite, montaje que trabaja 10

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Cortez-Fontán

disciplinas como el clown, la acrobacia, la danza vertical y la música en directo. Representando a México estará Teatro Línea de Sombra y su instalación escénica Durango 66. Los duetos Chameleon Company y Cortez-Fontán ofrecerán también sus trabajos en la Fira. De los participantes en URBAN NATION 2015, espacio de la programación dedicado a la danza urbana, destacan Ousmane Wiles, Ephrat Asherie, Dani Pannullo Dancetheatre Co y Quim Moya.

PROGRAMA DE APOYO A LA CREACIÓN

El Programa de Apoyo a la Creación se presenta como uno de los pilares más importantes del festival, una iniciativa que tiene el objetivo de potenciar la creación escénica catalana. En esta 5ª edición, ocho compañías han trabajado desde el mes de marzo en Tàrrega para crear sus nuevos proyectos, que serán ahora presentados en la Fira. “Entendemos el Programa de Apoyo a la Creación

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Twisting the balance de Leire Mesa

como una manera de romper el hielo, un espacio que FiraTàrrega dedica a los autores que arriesgan en el ámbito de la creación en el espacio público, tan artísticamente como empresarialmente. Acompañamos su irrupción en el mercado desde sus inicios para que sea cómoda y efectiva: queremos que cada pieza se adecue al máximo a su espacio de representación y por este motivo testamos todos los trabajos en el lugar de presentación antes de los días de la Fira”, explica Jordi Duran, director artístico de la Fira. Para fomentar la creatividad escénica y la producción de espectáculos de calle y en espacios no convencionales, el programa propone un plan de residencias artísticas que contienen tres líneas de actuación: Laboratorios de Creación, Residencias Artísticas y Producciones Transnacionales. Estos proyectos dan a la ciudadanía la oportunidad de asistir a los procesos de creación de los espectáculos. “Presentamos en un ensayo abierto estas obras antes de su estreno en FiraTàrrega con el objetivo que los espectadores profesionales y público general tengan la oportunidad de participar de forma activa en estas producciones”, afirma Duran. Cuatro son los Laboratorios de Creación que se han ido gestando durante estos meses en Tàrrega. Abast Elàstic ha producido la pieza A.U.R.A. (Ahora Usted Recibirá Algo), un evento coreográfico basado en la grabación digital de todo lo que sucede en directo y que se manipulará a tiempo real. Carla Rovira de la compañía LAminimAL mostrará en Most of all, you’ve got to hide it from the chikcs un proyecto basado en el trabajo con un grupo de jóvenes de entre 9 y 16 años para descubrir la relación que establecen con el teatro, y presentar después una performance inspirada en la figura de Mrs. Robinson de la película “El graduado”. La Compañía Ignífuga, por su parte, ofrecerá A house is not a home, donde explorarán cómo se puede alterar el orden de las cosas y de qué manera nos protegimos de los contratiempos de la vida con la seguridad que proporciona un hogar. El objetivo de esta propuesta inspirada en la pieza “Interior” de Maeterkinck es que el público experimente una vivencia emocional y se integre activamente en la acción dramática. Por último, la artista vasca Leire Mesa llevará a escena Twisting the balance, una pieza transdisciplinar y participativa creada en colaboración con la artista visual Mireia Sallarès. En cuanto al Laboratorio de Movimiento, la Cía Vero Cendoya llevará a cabo La partida, una pieza coreográfica que a través de cinco bailarinas, cinco futbolistas y un árbitro mostrará las semejanzas w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre y diferencias entre la danza contemporánea y el fútbol. Por su parte, la Residencia Artística corresponde a Íntims Produccions, que presentará su segunda producción: Wasted. El espectáculo se basa en un texto de la poeta, rapera y dramaturga Kate Tempest y cuenta la historia de tres amigos que quieren cambiar el curso de sus vidas. Iván Morales dirige este site-specific que integra el público en una vivencia dramatúrgica muy intensa. Dos Producciones Transnacionales cierran el Programa de Apoyo a la Creación. La primera llegará de la mano de los franceses 1 Watt, compañía con quien participa el proyecto CARRER-Circuitos de las Artes de Calle Euroregionales, fomentado por la Euroregión Pirineos-Mediterránea. La compañía escenificará Free Watt, un espectáculo que invita al espectador a mirar su entorno cotidiano con otros ojos. “El proceso es sencillo: a partir de un lugar, un contexto, un deseo o una necesidad concreta se invita a la gente a poner toda su atención. El objetivo es profundizar, aprender, crear contradicciones... un trabajo que nos da pie a jugar, escuchar, escoger, a dejar-nos sorprender. Que nos interpela como público, como ciudadanos, como vecinos, como una comunidad que da la vuelta a su cotidianeidad, que aprende a poner en duda las evidencias y que, finalmente nos hace reflexionar sobre la verdad y obre el conocimiento”, explican. La segunda Producción Transnacional estará protagonizada por la mexicana Vaca 35, que estará en Tàrrega para mostrar Ahora me doy cuenta, “una experiencia de gastronomía escénica” creada con TeatredeCERCA y coproducida en el marco de IBERESCENA,

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Free Watt de 1 Watt

con la colaboración de la Naw Ivanow. “Un proyecto que quiere hermanar recuerdos, emociones, anécdotas y cosmovisiones a partir del diálogo entre dos mundos que se encuentran alrededor de una mesa. Una experiencia para los sentidos pero también una gran oportunidad para profundizar en el conocimiento de nuestra civilización”. COLABORACIONES

FiraTàrrega participa como socio en el programa euroregional CARRER, del que han nacido y se podrán ver dos coproducciones: Room Josef K de AuMents y Free Watt de 1 Watt. Los estudiantes del Más-

ter de Creación en Artes de Calle estarán también presentes en la programación con Astillas, un espectáculo colectivo que nace del resultado de una práctica creativa liderada por la directora y dramaturga alemana Sigrun Fritsch de la compañía Pan.Optikum. La propuesta desarrolla el concepto de participación, de trabajo en grupo, remarcando la importancia de las voces dentro del colectivo. Actualmente se está cursando la segunda edición de este Máster organizado por FiraTàrrega y la Universidad de Lérida, que cuenta con alumnos de más de 11 nacionalidades. Por otro lado, este año la Fira ha asignado dos grandes convenios para la coprogramación y el estímulo de nuevos circuitos, que permitirán el intercambio de artistas con Italia (red CULT) y Estados Unidos (SummerStage de NY). Además, La Fira ha estrechado vínculos con entidades como el Antiguo Teatro. Dos de las compañías que participan en el Programa de Apoyo a la Creación fueron seleccionadas por el Antiguo para formar parte de su nuevo programa de acompañamiento de artistas y producción de espectáculos. Las colaboraciones con IT Emergents (Instituto del Teatro, festival Grec y Temporada Alta), Greenwich & Docklands International Festival (Reino Unido), el Festival Cratère Surfaces (Francia), El Graner (Centre de Creació del Cos i el Moviment), el Escorxador de Lleida, Fira Trapezi de Reus, TNT de Terrassa, la Xarxa Alcover, las fiestas del Pilar de Zaragoza, el gobierno vasco y el gobierno balear continúan formando parte del proyecto. “Su presencia tiene que ver con la movilidad

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A house is not a home de Compañía Ignífuga

y con la promoción de artistas, así como con el ajustamiento y el estímulo de las relaciones entre artistas, mercado e instituciones”. FiraTàrrega está también presente en el Circus Arts and Street Arts Circuit (CASA), proyecto de cooperación liderado por MiramirO vzw (Bélgica) con FiraTàrrega, Circusinfo Finland (Finlandia), Upplev Botkyrka AB/Subtopia (Suecia), Zahrada y O.P.S. (República Checa). Se trata de un proyecto que se desarrolla entre el 1 de mayo de 2015 y el 30 de abril del 2017 y que apoya un grupo seleccionado de profesionales de los sectores de circo y las artes de calle. El programa busca potenciar nuevas oportunidades de trabajo que

les permitan desarrollar sus habilidades y competencias, el acceso al conocimiento de los diferentes contextos culturales y mercados de países socios del proyecto. ENCUENTROS

Del 9 al 11 de septiembre, Barcelona y Tàrrega acogerán a más de 200 agentes culturales (profesionales, artistas, gestores de políticas culturales, críticos y prensa) para participar en el primer Seminario Europeo para el Desarrollo de las Artes de Calle: FRESH STREET. Organizado por FiraTàrrega y la red Circostrada con el apoyo del Departamento de Cultura de la Generalidad de Cataluña, el

Instituto Ramon Llull y Acción Cultural Española, es un evento creado para dibujar un panorama general del sector de las artes de calle en Europa. El seminario incluirá coloquios, mesas de trabajo y un programa artístico para fomentar la reflexión y el intercambio de conocimientos entre los participantes. También el 11 de septiembre tendrá lugar la décima edición del Lunch Meeting, encuentro profesional que organiza la Fira junto con el área de Mercados del Instituto Catalán de las Empresas Culturales (ICEC) de la Generalidad de Cataluña, y que juntará a compañías catalanas con programadores internacionales acreditados.

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15 septiembre octubre XVI Festival Enclave de Calle de Burgos

Las artes escénicas cobran vida en las calles de Burgos

rganizado por el Ayuntamiento de Burgos, el Festival Enclave de Calle se celebrará del 18 al 20 de septiembre con una programación que incluye espectáculos de disciplinas como los títeres, el circo, la música o el clown. El teatro y la danza estarán también presentes en esta décima sexta edición que reunirá a un total de 18 compañías, que representarán sus montajes en diferentes espacios de la ciudad. El Paseo de Marceliano Santa María, la denominada Plaza de los Ingenios (Plaza de la Libertad), el Parque del Parral, la Plaza del Rey San Fernando, la Plaza Mayor, el Palacio de Castilfale y el Arco de Santa María serán testigo de las numerosas funciones que se realizarán en Burgos durante el Enclave de Calle. Cuatro serán las compañías que lleguen desde Francia para participar en el festival. Theatre de la Toupine ofrecerá su obra L’Orgarêve et ses Joyeux Nuages, dirigida a niños y niñas de 6 meses a 6 años y en la que se podrá disfrutar de tres máquinas en una: un órgano, un carrusel y una máquina cinética. Le Théâtre du Rugissant llegará con Tout Seul, pieza de títeres y música en directo que se ejecuta en una caravana-teatro transformada en faro. La obra, pensada para todos los públicos a partir 8 años, presenta un faro en medio de la nada, donde vive un hombre a quien nadie ha visto nunca. La música será la protagonista con Andropause Band, banda de música francesa en la que predominan los instrumentos de viento y que cuenta con un repertorio ecléctico de piezas clásicas, jazz, etc. De Francia y Portugal es la compañía O Último Momento, que llevará a Burgos su montaje de circo-danza Ce qui reste.... El espectáculo surge del encuentro entre dos acróbatas de percha china, João Paulo dos Santos y Guillaume Amaro, y del deseo de 14

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Cabaret Elegance de Elegants

confrontar los diferentes puntos de vista y de crear nuevas posibilidades a partir de la mirada renovada del director de escena, Olivier Antoine. El montaje se inspira en un relato de Oliver Sacks, “El marinero perdido”, extraído de la novela “El hombre que confundió a su mujer con un sombrero”. Desde Holanda llegarán Circus Drome con Bombardo, De Stijle Want con Bellevue y Mr. Image Theater con Big Bugs. Sobre la primera, “los caballeros de Bombardo han conseguido un cañón de verdad, posiblemente usado en la batalla de Waterloo en 1815. El cañón resulta ser lo suficientemente grande para disparar una persona pero habrá que ver si la carpa lo permite... pasen y vean...”. La segunda es “una experiencia íntima de teatro-circo de la abuela, listo para usar. Alrededor de la barraca el público se divierte. En el interior usted elige su propia estrella para salir enriquecido con recuerdos para toda la vida. No te lo pierdas...”. Por último, el tercer montaje es un espectáculo visual donde el público asistente podrá ver a un domador con cuatro enormes escarabajos. Los italianos Circolabile representarán su montaje ¡Oh como…un cachuete!, don-

de el clown Stoppino es el protagonista de “una sucesión de manifestaciones patafísicas únicas y fascinantes, un poeta de lo invisible, de la energía sorprendente, una mirada o un gesto capaz de desestabilizar a la audiencia”. En el escenario se verán objetos cotidianos como una silla de madera, una pequeña pantalla, un rollo de cinta o una caja de cartón, que se convertirán en instrumentos de azar. “El clown Stoppino se convierte en un arquitecto sensible que construye para su audiencia una visión irónica de lo común y de la naturaleza humana”. Por su parte, la compañía Elegants (España/ Brasil) escenificará una obra con cuatro artistas de circo: Cabaret Elegance. “Sí señoras y señores, la compañía Elegants, presenta un fabuloso espectáculo con una escenografía original, una cuidada puesta en escena y una sucesión de números de gran nivel, combinando diferentes técnicas de circo como el trapecio, los equilibrios, el mástil chino, el monociclo, los malabares, y la comicidad como lenguaje conductor, que culminará con un fantástico número de trapecio triple...”. Llegados desde Suiza, Cie. Nicole et Mar tin aprovechará su estancia en Burgos para mostrar tres piezas diferentes. La compañía combina técnicas de circo con teatro, música y poesía representando tres narraciones de los cuentos de los hermanos Grimm. Estas representaciones las llevan por diversos escenarios a lo largo de más de 9 meses de gira cada año en siete idiomas diferentes: español, inglés, francés, italiano, alemán y holandés. Así, el día 18 se podrá ver Los músicos de Bremen, donde un burro, un perro, un gato y un gallo huyen de las amenazas de sus amos para llegar a Bremen y convertirse en músicos de la banda de la ciudad. Para el día 19 está programada La doncella sin manos,

septiembre octubre que tendrá a un molinero como protagonista. La última representación será el día 20 con El pescador y su mujer, donde un pescador pescará un pez mágico que le promete realizar todos sus deseos a cambio de su vida. Además, el Enclave de Calle contará con las compañías catalanas Tombs Creatius (El extraño viaje del Sr. Tonet) y Dudu y Cia., que llevará a cabo El Nïu, espectáculo de clown “sin palabras, sin reglas, donde el juego constante con el público va dibujando nuevos caminos hacia la imaginación, donde la sorpresa y la risa cobran vida”. Los vascos Trapu Zaharra, por su parte, representarán La conga. artistas burgaleses

Cinco compañías de Burgos participarán en la presente edición del festival, ofreciendo montajes de diversos géneros. En cuanto a los títeres y el teatro de objetos, Cal y Canto Teatro mostrará Lost dog… perro perdido, una historia sin texto que se presenta en una amplia caseta de perro. En relación al clown, Margarito y Cia representará Tiempo, espectáculo que nos

Tout Seul de Le Théâtre du Rugissant ©Thdu Rugissant

invita a viajar al futuro y “reflexionar sobre cómo vivimos obsesionados con perder el tiempo... aprovechar el tiempo... llegar a tiempo... matar el tiempo... ganar tiempo... faltar tiempo... para en definitiva no estar nunca satisfechos con él”. La obra está inspirada en el libro “Los Papalagi” (Erich Scheurman 1920). El circo-teatro tendrá su representación a cargo de Innovar te Producciones y su Circo Marítimo. Ana i Roncero ofrecerá la obra teatral En clave de mujer. Teresa de Jesús, con el

objetivo de “rescatar a Teresa de Jesús, que ha quedado oculta tras Santa Teresa, icono de mujer y de religiosa y que ha sublimado la Iglesia Católica. En forma de Oratorio Teresa se enfrenta a sus reflexiones, dudas, a las imposiciones de la época, al papel reservado de la mujer... poniendo en valor a la mujer que llevaba dentro”. Completa la programación la pieza Mi otra piel de la compañía Debla Danza, cuya participación en el Festival Enclave de Calle se remonta al año 2007.

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15 septiembre octubre 29 Feria Inernacional de Teatro y Danza de Huesca

La creación contemporánea tiene una cita en Huesca Del 29 de septiembre al 1 de octubre se celebra la 29 edición de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca con una programación compuesta por casi una treintena de espectáculos de otras tantas compañías tanto aragonesas como llegadas desde diversos puntos del Estado, Francia y Portugal. Talleres, encuentros

a creación contemporánea sigue siendo la inspiración programática de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, una cita donde se presenta “lo que hacen ahora nuestros creadores: teatro y danza, con y sin texto. Creaciones hechas ahora para un público de ahora” explica su director, Jesús Arbués, quien añade categóricamente que “somos un mercado y no un festival”. “Sabemos que “este teatro” y “esta danza” tienen un público, que la creación contemporánea hecha aquí, no necesariamente desde y para las dos grandes capitales, no necesariamente con nombres y caras conocidas debe y puede tener un público. Diríamos comercial si con ese término pudiéramos entendernos todavía, o si pudiéramos decirlo sin insultarnos. Pero buscamos la comercialidad” aclara Arbués, quien 16

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y reuniones del sector escénico conforman esta nueva edición de la feria, una edición en la que la zona de mercado donde se instalan los stand cobra mayor importancia. Para ello un avión diseñado por el escultor Eduardo Cajal ejercerá de elemento vertebrador de todas las actividades que tendrán lugar en este espacio.

añade que “se trata de eso, de enseñarle a los mediadores (antes programadores) lo que se hace por aquí y por allá”. Sobre todo, una feria

Desde la organización de la feria se incide especialmente en el carácter de feria de este evento, Arbués es muy claro en esto: “creo firmemente en las Ferias. Creo en esta feria. Y creo en esta feria hecha aquí en la periferia de la periferia. En un país donde los teatros públicos (algunos pero siempre demasiados) actúan como privados donde faltan sitios donde mostrar, no lo “más” moderno, no lo más laureado internacionalmente sino la creación contemporánea”. Dice su director que existe un déficit con respecto a Europa en ese aspecto, a la creación contemporánea. “Los pro-

ductos del aquí y el ahora, esos productos que sabemos que tienen un público y que el público no solo los soporta sino que los aplaude (Huesca lo demuestra cada año). Esos productos, que no se ven porque no se programan y no se programan porque no ven (y a veces da miedo). Esos están aquí” afirma Arbués. Una treintena de esas creaciones a las que se refiere el director de la feria componen la programación de esta edición, quedan aún así algunos espectáculos por confirmar pues al cierre de esta número de ARTEZ la organización continúa trabajando por lo que es probable que queden sin mencionar algunas propuestas que participarán en la feria. K Producciones estrena en Huesca La flaqueza del Bolchevique versión teatral realizada por David Álvarez de la novela

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Svarupa-vyakta de Stefano Fardelli

de Lorenzo Silva de cuya dirección se encarga el propio Álvarez junto con Adolfo Fernández que da vida a su vez al protagonista de la historia junto a la actriz Susana Abaitua. Como “una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista”. cuestiones que remueven

Angélica Liddell es la autora de Mi relación con la comida que pone en escena El Buco Producciones, unipersonal interpretado por Esperanza Pedreño en el que se ofrece una amplia declaración de principios sobre el oficio del teatro y la cultura española. Otra obra de un controvertido autor, Prefiero que me quite el sueño Goya de Rodrigo García a cargo de Laura Tejada/Belladona Teatro o Las Guerras Correctas coproducción de Teatro del Temple, Teatro del Barrio, La Rambleta que dirige Gabriel Ochoa, autor también del texto de esta obra que “rememora la famosa entrevista entre Iñaki Gabilondo y Felipe González en el plató de TVE y como se gestó esta entrevista, reflexionando entre el periodismo y la política”. Teatro y futbol se unen en Penev, una historia llena de ironía y frustración que pone en escena La teta calva, una obra escrita por Xavo Giménez e interpretada junto a Toni Agustí que intenta dar respuesta a la pregunta siguiente: ¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar cuando te das cuenta de que todo lo que has hecho en esta vida no ha servido para nada? Otra difícil pregunta: ¿Qué vida quiero vivir, qué hace que merezca la pena vivir o qué vida merece ser vivida? a esta se enfrena El hombre menguante, obra de Juli Disla dirigida por Jaume Pérez Roldán que pone en escena Pérez&Disla. Otras propuestas teatrales con las que disfrutar son Le Locataire de los franceses Tide Company, Ratas de biblioteca de Producciones Calazanz y Producciones Yporah! y Tu vas tomber, w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre creación en teatro físico de Cia. Moveo que dirige Stéphane Lévy en la que se mezcla la ficción con la realidad y se transgrede la línea entre el que observa y el que es observado. La música será la protagonista de dos obras más, Cabaret Íntim, espectáculo de Pasquale Bavaro dirigido por Xavier Martínez y producido por Corcada Teatre en la que sus protagonistas comparten con el público sus experiencias más impuras y Bordeaux, Historias de Cabaret de Pia Tadesco Ensemble en la que la cantante y actriz hace un recorrido por los cabarets del mundo a través de canciones emblemáticas. En la frontera

Karla Kracht & Andrés Beladiez presentan su última creación de cine en directo, 2062, vídeo en directo, juegos de sombras, teatro, teatro de objetos, animación, música y multimedia para narrar temas sociales donde la actualidad es la protagonista. Cosas que se olvidan fácilmente por su parte es un espectáculo fotográfico de Xavier Bobés que transforma los recuerdos y, del mismo modo que lo hace la mente, inventa otros nuevos; un juego de cartas convertido en un montaje teatral para cinco espectadores y D´Click crea un universo de ensueño, poético y entrañable a través de una escritura de teatro físico con códigos de danza y circo en L´Avant Première. La danza vuelve a tener un gran protagonismo en esta edición. Ingrid Magrinyà presenta In Absentia, me gustaban los días de Penélope un solo que plantea la búsqueda de lo propio, del diálogo interior, una búsqueda creativa a partir de los textos de ocho reconocidos poetas aragoneses. Aragonesa es también Tarde o temprano danza que pondrá sobre el escenario la pieza La tiranía de la belleza con coreografía de Vanesa Pérez. Medea es la última creación de Thomas Noone Dance una coproducción con el Mercat de les Flors que parte de la obra de Eurípides y que Noone recrea en esta pieza en la que los intérpretes compiten entre ellos a través del uso de una danza, rica, 18

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ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en Your Majesties, welcome to the anthropocene, una obra que propone despertar las conciencias y mover nuestros cuerpos. Las propuestas de danza se completan con las piezas de Dúo Nexus y Solo Nousta. Encuentros y talleres Time Takes The Time Time Takes de Guy Nader y María Campos ©Alfred Mauve

La Feria organiza un año más diversas actividades paralelas como el ‘Encuentro de plataformas europeas dedicadas a la danza’, un encuentro en formato reunión para reflexionar sobre la circulación de espectáculos de danza en Europa e intercambiar y compartir experiencias y planificar posibles acciones futuras en la que participarán entre otros Anikó Rácz, de la Plataforma Húngara para artes escénicas, Elianna Lilova de One dance week Medea de Thomas Noone Dance o Alexander Tebenkov de Festival PaStforma-Minsk. compleja y muy física que ofrece un con‘Llamada a tres’ es un encuentro del sectraste entre un elevado dinamismo y motor escénico con los equipos directivos de mentos de exquisita fragilidad e intimidad. las Capitalidades Europeas de la Cultura y Time Takes The Time Time Takes de Guy tiene como finalidad facilitar el conocimienNader y María Campos es una conversación to y el acceso a estos eventos al sector de física y dinámica que se establece a través las artes escénicas. del movimiento y la repetición, con el pénTambién habrá tiempo para la formación dulo como leitmotiv y que incorpora mecacon el seminario ‘Posicionamiento digital nismos que miden el tiempo y el espacio. para compañías de artes escénicas’ coorSobre el escenario un quinteto que cuenta dinado por Pepe Zapata e impulsado por con la colaboración del músico Miguel MaCOFAE y con el ‘Taller de internacionalizarin que crea in situ el paisaje sonoro. En ción de las artes escénicas’ un taller prácconserva da nombre al dúo que presenta tico que aplicará la metodología “Rutas de Nadine Gerspacher mientras que Lauesku Internacionalización” a los proyectos artís22, de Lasala es una pieza con coreografía ticos y empresariales de los participantes. y dirección de Judith Argomaniz que invita Este año se celebra también la tercera a la reflexión interna sobre por qué acatar edición de ‘Acercar las artes escénicas’, una con total naturalidad y sumisión las noriniciativa de la Feria Internacional de Teatro mas, costumbres, reglas e imposiciones y Danza de Huesca y elaborada junto con establecidas y dar por hecho soluciones y las Áreas de Cultura, Juventud y Empleo del respuestas predeterminadas. Ayuntamiento de Huesca, el INAEM –InstituDesde Italia llega Stefano Fardelli con to Nacional de Empleo de Aragón– y con la Svarupa-vyakta pieza inspirada en un viaje colaboración de Multilateral, Asociación Ararealizado por el coreógrafo a India, ante el gonesa para la Cooperación Cultural, un propúblico un bailarín protagoniza la coreogragrama que tiene como objetivo favorecer el fía basada en la dialéctica entre el propio acceso de los jóvenes a la programación culbailarín y cinco globos acompañados de la tural y facilitar el conocimiento de la estrucmúsica de Ben Frost. La compañía portutura profesional y de empleo en el sector y guesa Vortice Dance toma como punto de que ha obtenido una muy buena acogida en partida el discurso de Barak Obama en la sus dos ediciones anteriores.

15 septiembre octubre FIRA B! - Feria de Artes Escénicas de las Islas Baleares

Un nuevo proyecto que busca potenciar la escena balear

rganizada por el Institut d’Estudis Baleàrics y la asociación Illescena, FIRA B! - Feria de Artes Escénicas de las Islas Baleares se celebrará en Palma del 16 al 19 de septiembre, con una programación que reunirá a 19 compañías. Se trata de una nueva propuesta que nace de la fusión de dos plataformas de promoción de las artes escénicas creadas recientemente: el encuentro internacional Sea Arts, promovido por el Institut d’Estudis Baleàrics, que se celebró en Palma en septiembre de 2013, y la Feria Illescena, que se desarrolló un año más tarde, impulsada por la asociación de profesionales del teatro y la danza de las Islas Baleares Illescena. Este año amplían el alcance de estas iniciativas uniéndolas en una única cita organizada conjuntamente. “FIRA B! es una plataforma de difusión de la escena balear para darla a conocer en el ámbito local, estatal e internacional y potenciar la contratación de espectáculos, al tiempo que se potenciarán las relaciones de colaboración bilaterales entre profesionales de este ámbito procedentes de diferentes territorios”. Con este objetivo, la red de equipamientos públicos y privados de la ciudad albergará espectáculos de diferentes disciplinas y formatos. La programación, que estará compuesta por actividades dirigidas únicamente al público profesional y espectáculos abiertos al público general, se desarrollará en diferentes lugares de la ciudad, como los teatros municipales Xesc Forteza y Mar i Terra, el Teatro Principal, la Escuela Superior de Arte Dramático, Can Alcover, Ses Voltes y el Teatre del Mar y el Teatre Sans, de titularidad privada. Tres son los estrenos que el público podrá ver en la FIRA B!, donde alrededor de la mitad de la programación está compuesta por espectáculos en catalán. Disset Teatre mostrará Quin embolic d’emocions!, 20

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Vincles de Circ Bover

montaje de teatro de objetos inspirado en el cuento de Anna Llena que contará una historia centrada en el lenguaje de las emociones. La compañía ha sido premiada recientemente con el premio especial de l’Associació de Teatres i Auditoris Públics de les Illes Balears. El segundo estreno llegará de la mano de Producciones del Mar con La Causa (premio Llorenç Moyà de textos dramáticos 2014), una obra que presenta a tres personajes en caída libre, dos cuarentones y una adolescente que solo ven una salida a sus sufrimientos: la violencia. “La obra también habla, usando el humor como un arma afilada, de una sociedad donde los únicos valores que quedan son los ‘bursátiles’ y la imposibilidad para unos individuos de encontrar soluciones que no pasen por el camino del odio”. Por último, Elàstic Nou interpretará De gegants (De gigantes), un montaje que, a partir de un trabajo de investigación basado en los cuentos tradicionales, conservando y respetando todos los elementos culturales, folklóricos y lingüísticos, y manteniendo la riqueza de personajes, temas

y valores que transmiten, utiliza el teatro de marionetas como un medio de comunicación y a la vez introduce la improvisación en la dramaturgia. El espectáculo incluye diferentes técnicas del teatro de marionetas, con dos intérpretes que se alternan en roles de actor-narrador-manipulador. Como pre-estreno se podrá ver la obra Infinir de Produccions de Ferro, descrita como “una combinación de divertimiento escénico con un trasfondo de pensamiento, de fina reflexión sobre la condición humana y la construcción social”. La compañía representará también otro montaje en Palma: Acorar. La pieza es una reflexión sobre la identidad colectiva de los pueblos. “El texto toma por excusa narrativa la descripción de una jornada de matanzas en Mallorca. Y de ahí el título del espectáculo. El de acorar era un trabajo reservado al más experto, porque no es nada sencillo, y hoy en día muy pocos saben. A partir de un minúsculo hecho casero, ofrecemos una visión universal que provoca una reflexión en al espectador sobre su mundo más íntimo. Llegaremos a la secreta intimidad de cada uno porque lo que ofrecemos es universal”, afirman.

septiembre octubre Varias obras teatrales forman parte de la programación de la Fira. La compañía La Fornal representará La cita, donde un músico narra la historia de una pareja que ha quedado, a través de una página de contactos, para verse en un parque. Narco es una obra de Jeroni Obrador, joven dramaturgo mallorquín especializado en teatroterapia. Se trata de un monólogo de autosuperación que presenta las dos caras de Coran, un narcoléptico que debe esconder su enfermedad para conseguir un trabajo. La pieza, interpretada por Serafín Quevedo, une la comedia negra y el drama. Noctàmbuls Teatre llevará a escena Dels llargs camins, obra de Jaume Miró que nace de una parte de la investigación de Jaume Morey. “Relata treinta años de un hombre comprometido con su sociedad, Gabriel Garau, que fue el último alcalde de Artà de la República, y la manera en que sobrevivió a los intentos de los falangistas para capturarlo. Dels llargs camins también narra, a partir de entrevistas originales, la supervivencia de un grupo de hombres que, durante aquel período, estuvieron ocultos cinco años tanto en las montañas como en diferentes escondites”. Estudi Zero Teatre, por su parte, representará L’augment, pieza escrita en 1970 que describe las diferentes etapas que un empleado subalterno tiene de recorrer para conseguir pedir a su jefe de servicio un aumento de sueldo. La danza también tendrá su protagonismo en la FIRA B!. Catalina Carrasco y Gaspar Morey reflexionarán sobre soñar despiertos, sobre la nostalgia y sobre cum-

plir o no los sueños en Travelling to Nowhere, espectáculo que ganó el VI certamen CENIT de investigación teatral en noviembre de 2014. La danza y el teatro llegarán de la mano de Théâtre du Mouvement

L’augment de Estudi Zero Teatre

con el espectáculo de teatro físico Encore une heure si courte, en el que de tres cajas surgirán tres hombres, primos lejanos de Beckett, Tati y Buster Keaton. Dos compañías llevarán la danza a las calles de Palma: Mariantònia Oliver propone con Malmenats una reflexión sobre los papeles que nos toca desempeñar en estos tiempos de crisis y transformación, y cuestiona la vigencia de los límites que nos imponemos y que se nos imponen; y auMents muestra con Room Josef K una pieza de danza con tres bailarines contemporáneos que combinan el movimiento de sus cuerpos con el movimiento de los objetos en una performance inspirada en el sutil sentido del humor de Kafka. “El espectáculo contiene elementos tanto coreográficos como cinematográficos que encuentran su punto de confluencia en el slapstick del cine mudo”.

Otros 5 montajes de variadas disciplinas cerrarán la programación de la Feria de Artes Escénicas de las Islas Baleares. Circ Bover ofrecerá Vincles, donde a partir de cañas de bambú “se construye un espectáculo con el objetivo de transmitir la elegancia y la técnica de las artes circenses. Los elementos escénicos primarios se transforman, junto con las emociones, y entre ellas surgen varios números de circo contemporáneo. Se muestra que, partiendo de lo esencial, de elementos sencillos, se llega a la sofisticación y a la calidad artística y técnica extrema”. Representando el género del cabaret estará la compañía Corcada con Cabaret Íntim, donde los números musicales se alternan con confesiones personales de los actores que lo interpretan. La dulce Ingeborg es un espectáculo de títeres para adultos en el que La Madre presenta a unas marionetas que se reúnen para revivir un cruel asesinato que se ha quedado sin resolver. Con un tratamiento entre la pesadilla y la performance, Andrea Cruz indaga en esta historia macabra inspirándose en el lenguaje del documental policial, sobre un fondo sonoro que alterna características clásicas y experimentales. Para un público familiar está dirigido el montaje de clown La Deixalleria de Té a tres, donde partiendo de la improvisación, la comicidad y las consignas donadas por el público, la obradora Aina creará en vivo juguetes a partir de objetos reciclados. Una adaptación libre de la obra de William Shakespeare llegará con Hamlet Party de Jardí desolat, y Marino e Marini mostrarán en pantalla su L’home més fascinant del món.

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15 septiembre octubre XVII BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

El BAD apuesta por acercarse a nuevos públicos

n total de 21 serán las compañías que participen este año en el BAD-Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao, organizado por el Área de Cultura y Educación del Ayuntamiento de la villa y que celebrará su décimo séptima edición del 22 de octubre al 1 de noviembre. Nueve estrenos y cuatro coproducciones destacan entre las propuestas de la actual edición en la que BilbaoArte, La Merced, Sala Rekalde, La Fundición y Bilborock serán los espacios que acogerán la mayoría de las representaciones. La directora del festival Alicia Otxandategi destaca que en la presente edición “las compañías intentan buscar nuevos públicos, llevar la escena contemporánea a públicos infantiles y juveniles”. En esta línea, la compañía portuguesa Casabranca presentará una pieza dirigida por Ana Borralho y João Galante y protagonizada por un grupo de jóvenes estudiantes de Bachiller Artístico en el Instituto Ibarrekolanda, que participarán en el taller dirigido por los artistas que se realizará del 25 al 30 octubre dentro del propio festival. Frente a frente con su público, los jóvenes se propondrán hablar de lo que significa, o de lo que creen significa, ser un “ser libre”. Só há uma vida e nila quero ter tempo para construir-me e destruir-me se presentará a partir de un texto original de Pablo Fidalgo Lareo. Por primera vez, la intervención sitespecific La naturaleza y su temblor estará dirigida a niños y niñas de 8 a 14 años. La coreógrafa Idoia Zabaleta presentará, en colaboración con la compañía Societat Doctor Alonso, un paseo sonoro por la ciudad. Así, la estación de metro de la Plaza Unamuno se convertirá en el punto de encuentro de donde partirán para disfrutar de “un juego de percepción de la realidad a través de su observación y de lo que escuchan por 22

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Barbecho de Natxo Montero Danza

unos cascos. En esta ocasión, el recorrido se adentrará por el interior y el exterior del parque Etxebarria y nos invitará a afinar los sentidos para descubrir el temblor que palpita debajo de las apariencias”. Por otra parte y dirigido a un público a partir de 7 años, el taller Collage de Macarena Recuerda pretende ser un trabajo intergeneracional con el objetivo de crear una obra escénica a través de la técnica plástica del collage. “Para extrapolar esta idea del collage a la escena pondremos en práctica acciones como la superposición o yuxtaposición de imágenes, sonidos, textos y acciones creando diferentes discursos con los mismo elementos tal y como ocurre en la práctica plástica”. coproducciones y estrenos

Entre los artistas vascos que estrenarán en el BAD está Beatriz Setién, que propone un Bombón Coreográfico que mostrará

un trabajo en tres frentes diferentes simultáneamente: hacer acuarelas de flores, escribir una danza y escribir un texto. Por su parte, Matxalen Bilbao ofrecerá el dúo L´autre / Bestea con la bailarina Johanna Etcheverry del Laboratoire Chorégraphique Sans Frontières. “La obra interroga el espacio intermedio ‘el entre’. Mira la distancia no sólo en términos físicos sino también de espacios menos concretos como el tiempo, las relaciones y las fronteras que separan todos esos huecos”. La compañía de Idurre Azkue estrenará, con música de Joseba Irazoki, la pieza Bailar por Bailar, “que gira entorno al propio acto de bailar y entorno al espacio de libertad que se abre cuando realmente nos entregamos al placer de bailar y movernos como nos da la gana”. Cielo Raso presentará en coproducción con el BAD la pieza Tormenta, dirigida por Igor Calonge e interpretada por Beñat Urretabizkaia, Gorka Gurrutxaga, y Nekane Mendizabal. Erbeste será otra de

septiembre octubre

Siete Lunas de Mal Pelo y Niño de Elche

las coproducciones del festival, esta vez junto con ErratekeL´especifica. El proyecto interpretado por Rakel Ezpeleta se presenta como un trabajo de investigación-creación en torno al sentido de pertenencia en la pluriculturalidad. Completando la lista de estrenos se encuentra la propuesta de las compañías Mal Pelo y Niño de Elche con su espectáculo Siete Lunas, que mostrará al público un diálogo improvisado. El proyecto nace del encuentro entre el cantaor Niño de Elche y la bailarina María Muñoz del programa Flamenco Empírico / Ciudad Flamenco de Barcelona en la edición de 2013, como propuesta de su director artístico Juan Carlos Lérida y en colaboración con el Mercat de les Flors de Barcelona. Patricia Caballero presentará un nuevo proyecto en colaboración con el Festival Escenas do Cambio, y Pablo Fidalgo mostrará, en colaboración con el Festival TNT Nuevas Tendencias de Terrassa, el biopic Habrás de ir a la guerra que empieza hoy, que se muestra como el inicio de un proceso de reconstrucción de la historia de su familia y de España, de la mano del intérprete Cláudio da Silva. Además de esta última pieza, otros dos serán los espectáculos que se podrán ver por primera vez en Euskadi. Performance Municipal llegará al BAD a cargo de la compañía Losquequedan. Hipólito Patón y Vicente Arlandis presentarán esta pieza en la que “el lenguaje constituye un código cerrado y con este proyecto queríamos abrirlo en la medida de nuestras posibilidades. Las palabras no son solo significados sino también sonido, materia. Con este trabajo queríamos hacer algo fácil, refácil y recontrafácil o también podríamos decir asequible. Hacer una performance sobre la cuestión de entender o no una perfomance. En definitiva, una pieza sobre el lenguaje y el sentido, o al revés”. La compañía de Federico León llevará a escena Las ideas, propuesta que ha sido estrenada este mismo año en el Festival Kunsten de Bélgica. En ella se muestra a un artista y su colaborador que trabajan en el estudio de este último desarrollando diferentes proyectos artísticos. Lo que parece ser el encuentro informal entre dos amigos se convierte paulatinaw w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre mente en una intensa jornada creativa. La obra trabaja “los límites entre realidad y ficción. Pone en escena la intimidad de un proceso de creación. Se trata de un proceso similar al que Federico León (autor y director) podría atravesar en sus obras junto a Julián Tello (actor y colaborador). Las ideas podrían ser sus ideas pero no son necesariamente sus ideas. Ellos son ellos pero al mismo tiempo hacen de sí mismos”. Por otra parte y por primera vez en el Estado, el público podrá ver la pieza Dub Love de Cecilia Bengolea y Francois Chaignaud. Las compañías vascas Ertza, Organik Dantza Antzerki, Natxo Montero Danza, Lauka Teatroa y Javier Liñera también estarán presentes en el festival. Ertza presentará un work-in-progress de la pieza Hariak, proyecto en residencia que se estrenará en 2016 y en el que construirán títeres y analizarán sus cualidades de movimiento para definir el lenguaje físico del bailarín. Se trata de “historias reales de gente real, escogidas, recogidas y adaptadas por el escritor Harkaitz Cano. Contadas en primera persona por títeres con forma humana y bailarines con forma de títere, con la ayuda de la música de Iñar Sastre”. Eneko Balerdi es el protagonista de Txapeldun de Organik Dantza Antzerki, obra que muestra las múltiples vivencias de un campeón. “Nos habla no sólo de los momentos de gloria y victoria sino también de los de soledad, presión, miedo y fragilidad. Se entrecruzan así instantes de gran ironía con otros de más sensibilidad”. La compañía parte de la figura de un campeón en el País Vasco para llevar a escena los herri kirolak o deportes rurales, siendo la protagonista la pelota vasca. “Esta figura la extrapolamos no sólo al deporte en general sino a cualquier evento en el que el fin sea ganar. Así, no nos referimos únicamente al campeón deportivo, sino que universalizamos el campeón. Nos cuestionamos por qué todos queremos destacar en algo, por qué es tan importante ser reconocido por los demás. Desde pequeños aprendemos haciendo pequeños logros que son alabados por los más mayores. ¿Será que el ganar (da igual en qué) hace que se produzca dopamina, esa hormona 24

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trar otra pieza teatral en el festival, en este caso en formato documental: La Máquina de la Soledad. Se trata de una propuesta creada como homenaje al objeto-carta y al correo postal, de la mano de Shaday Larios y Jomi Oligor. Un vasco (Ibon Salvador) y una brasileña (Luciana Chieregati) son los componentes de Coletivo Qualquer, compañía que mostrará la pieza coreográfica Gag, que es, según explican, “una pregunta, un intento de puesta de un problema en escena. Una invitación que tiene que ver con la atribución de significados a las cosas, en este caso a un cuerpo que se mueve”. Desde Chile llegará Cristian Flores con la obra Yo maté a Pinochet de la compañía Teatro Errante. La pieza pone en escena la historia de Manolo, un ex combatiente de un grupo revolucionario marginado Txapeldun de Organik Dantza Antzerki del relato oficial. El personaje cuenta el reencuentro con personas de su pasado a las que que nos aporta tanta felicidad? Y es que revela, empujado por la nostalgia y el ¿a quién no le gusta ganar (sigue dando deseo de darle sentido a sus pérdidas, a igual en qué)?”. Tanto danza como teatro conforman la sus decisiones y a su lucha, que él mató propuesta de Natxo Montero Danza: Bara Pinochet. Esta declaración desencadebecho. La pieza se presenta como una na diferentes reacciones que el personaje reflexión en torno al propio proceso de no espera, recordando momentos de su creación. En cuanto a Lauka Teatroa, prepraxis política, sus derrotas, el amor, la sentarán una obra de Xabier Mendiguren: amistad o la muerte. Según la compaAmodioaren ziega. Nazaret Froufe, Urki ñía, la obra “viene a profundizar sobre Muguruza, Joana Ocaña y Eneko Sagardoy el aspecto discursivo del sujeto popular, son los intérpretes de este montaje ganasu praxis política desde la cotidianeidad y dor de la 2ª edición de Zubi, iniciativa púdesde la militancia”. Este montaje pone en escena un texto (monólogo), que a través blicoprivada para el fomento del teatro en de un personaje “pondrá en relieve cómo euskara. La pieza se estrenó en el marco la memoria permite un ejercicio crítico de de la última edición de la Kultur Maratila evaluación del presente, no siempre grato de Leioa. Por otra parte, Barro rojo será el “viaje” narrado por Javier Liñera, que de aceptar y de escuchar”. contará “la historia de su tío que fue enAdemás de la programación de escerrado en un campo de concentración y pectáculos, el BAD y Zinebi ofrecerán luego en la cárcel de Franco. Por ser gay. en BilbaoArte durante los días 22 y 23 La historia de dos realidades del pasado. de octubre diversas proyecciones soLa Europa de Hitler, la España de Franco. bre cuerpos, música y danza en el cine Y su propia historia que se alimenta de contemporáneo bajo el lema “¡¡Que nos ese pasado”. quiten lo bailao!!”. El programa comenOtros tres serán los montajes que se zará con el francés “Corps à corps”, para podrán disfrutar en el Bilbao Antzerkia continuar al día siguiente con “CadenDantza. Las compañías Microscopía y cia”, “Fish Market”, “Hipopotamy”, “That Oligor serán las encargadas de mosDizzying Crest” y “Unfit”.

septiembre octubre

15 septiembre octubre XI Dantzaldia

Mirada anual a la danza contemporánea en Bilbao Esta edición cuenta con 8 espectáculos y diversas actividades como talleres, un ciclo de Cine-Vídeo y encuentros con los artistas

ras su inauguración el 23 de septiembre en la Sala Rekalde con la pieza Aimless de Tamako Akiyama & Dimo Kirilov, la décima sexta edición de Dantzaldia presenta los días 10 y 11 de octubre Persona, espectáculo de nuevo flamenco de Spin Off Danza. El coreógrafo y bailarín Daniel Hernández pondrá sobre el escenario de la sala La Fundición –encargada de la organización de Dantzaldia–, este solo de danza contemporánea con tintes de danza española que combina diferentes técnicas de expresión artística, como el videoarte o el propio escenario a modo de instalación. ‘Persona’ es un viaje interior a través del cuerpo del artista. Un periplo que situará al público en ‘La huida’, ‘La espiral’ y ‘El abismo’, las tres escenas que componen esta obra salpicada de la genialidad de Unamuno, Friedrich Nietzsche y Milan Kundera. El día 15 será el turno de Tania Arias Winogradow con Bailarina de fondo en concierto un proyecto en continua evolución que pondrá en escena en la Alhóndiga y que dará paso –el 6 de noviembre en la Sala BBK– a la propuesta de la coreógrafa belga Ayelen Parolin, Héréctiques. La pieza, una forma de ritual contemporáneo es interpretada por un dúo de bailarines acompañados por la música de un piano, una obra basada en la repetición y la acumulación incesante de un leit motiv, que se desarrolla y se modifica gradualmente, tejiendo una telaraña que se asemeja a la del trance. Una coreografía que crea “una compleja estructura en capas que se yuxtaponen y se disgregan al infinito”. 26

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Persona de Spin Off Danza ©Gastón Gabriel

Doble reencuentro

Jordi Cor tés y Damián Muñoz se han vuelto a unir para volver a deleitar al público con Ölelés , pieza creada en 2004 y retomada en 2014 cuyo estreno tuvo lugar a primeros de este año en el Mercat de les Flors de Barcelona. Basado en la novela ‘El último encuentro’ de Sándor Márai, este espectáculo creado e interpretado por Muñoz y Cor tés esta pieza y que se pondrá en escena en el Palacio Euskalduna el 15 de noviembre, habla del reencuentro de dos viejos amigos después de cuarenta años de distancia-

miento físico y espiritual. Ambos quieren solucionar un conflicto del pasado que los distanció y ahora se ven obligados a enfrentarse a sus fantasmas por última vez. Un duelo sin armas en el que los dos hombres son cazador y presa al mismo tiempo. El mismo espacio acogerá pero el 13 de diciembre el espectáculo que clausurará esta nueva edición de Dantzaldia. Se trata de Caída libre / Free fall de la Cía. Sharon Fridman una coreografía del propio Fridman en colaboración con los seis intérpretes en coproducida junto con el

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Mercat de les Flors y Theater im Pfalzbau Ludwigshafen en el que se explora un rasgo esencial de la naturaleza humana: la supervivencia. Una pieza en la que se reflexiona como desde los grupos “las personas intentamos encontrar el sentido y la libertad, levantarse después de caer en un ciclo infinito que se reproduce cada día” con la danza “contact” como piedra angular y entendida ésta como “una filosofía existencial que implica una consciente relación con el otro, con la materia y los elementos”. Nuevo flamenco

Pero antes, los días 21 y 22 de noviembre y otra vez en la Sala La Fundición, se podrá disfrutar con el segundo espectáculo de nuevo flamenco de esta edición de Dantzaldia, Bailografía de Juan Carlos Lérida. El coreógrafo, bailarín y pedagogo del flamenco “propone una pieza compuesta a partir de una retrospectiva a su trayectoria, con una revisión natural de la mano del propio paso del tiempo y de su experiencia y evolución como bailarín, coreógrafo y pedagogo. Grafía del baile. Trazo coreográfico de un cuerpo. O en el cuerpo. Un lugar de encuentro entre dos temporalidades: la del presente y la de la ausencia. Huella de la memoria, cicatriz o sendero”. Como nuevo flamenco es también denominado el trabajo que nace del encuentro entre Belén Maya y Niño de Elche, Ya! (Ensayos) que acompañados por Raúl Cantizano, muestran los caminos y recovecos que los tres artistas han

Ölelés de Jordi Cortés y Damián Muñoz ©Josep Aznar

explorado en conjunto, y que dejándose llevar por el otro han llegado a un lugar común donde conjugar el nuevo lenguaje germinado de este insólito encuentro. Un espectáculo que manipula a su antojo una antología que ejecuta Niño de Elche donde baile, cante y guitarra se van sofisticando en un “acto de absoluto malabarismo escénico”. Una propuesta en la que hay flamenco en estado puro, teatralidad, humor, excelencia y sobre todo “ganas de divertirse y divertir al público”. La cita, el 5 de diciembre en la Sala BBK. Además de los espectáculos esta edición de Dantzaldia ofrece diversas

actividades paralelas como el ciclo de Cine-Vídeo ‘Coreografías de la mirada’ dedicado a Anne Theresa de Keersmaeker y el movimiento minimalista y las proyecciones de Cine de Danza en colaboración con el Festival Choreoscope, todas ellas tendrán lugar en el Bizkaia Aretoa. Como colofón a la programación de este año, Dantzaldia ha organizado junto con Bizkaiko Dantza Etxea los Talleres DantzaBiz, dos talleres impartidos por Belén Maya y Sharon Fridman a celebrarse el mes de diciembre a los que hay que añadir una actividad más: los ya habituales Encuentros-Conversaciones con los artistas participantes en el festival.

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15 septiembre octubre XXVI Mostra Internacional de Mim a Sueca

Welcome to the check point de Joven Compañía Gerard Collins ©Jose Milán

Todas las tendencias del teatro gestual Quince compañías protagonizan esta edición que estrena director artístico y tiene como lema ‘Tendencias: Presente, pasado, futuro’

a vigésima sexta edición de la Mostra Internacional de Mim a Sueca se celebra del 16 al 20 de septiembre convirtiendo, un año más, a la localidad valenciana en el epicentro del teatro gestual y es que Sueca se transforma “en el mayor escenario de gesto para mostrar todo el abanico de posibilidades escénicas de esta disciplina” afirma Joan Santacreu –reconocido profesional y fundador de la Maduixa Teatre–, nuevo director del MIM tras coger el relevo de Abel Guarinos. Quince compañías tanto valencianas como llegadas desde diversos puntos del Estado, Australia, Dinamarca, Francia e Italia conforman la programación de esta nueva edición que se articula bajo el lema ‘Tendencias: Presente, pasado, futuro’, 28

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una propuesta programática en la que en palabras de Santacreu “confluirán, en 40 representaciones, diferentes generaciones actorales, disciplinas artísticas, formas de expresión, géneros e inquietudes”. En un presente lleno de cambios, esta edición del festival aglutina “con una clara vocación de llegar a todos los públicos, espectáculos innovadores y de creación contemporánea, presentando nuevas tendencias escénicas en el teatro gestual, la renovación y fusión de las mismas con oras disciplinas artísticas” añade Santacreu. Vol-Ras Magistral

La presente edición del MIM comenzará, como es ya tradicional, con una Clase

Magistral a cargo de la compañía catalana Vol-Ras, “la impartirán Joan Segalés y Joan Faneca, directores de Vol-Ras que dio sus primeros pasos en el MIM y que se ha convertido en uno de los clásicos de nuestro festival más queridos por el público en cada una de las ediciones que han participado” explica Santacreu quien añade que tres décadas después “sus directores regresan al MIM para cerrar el círculo de sus orígenes, su historia con el festival, y despedirse del público con esta Clase Magistral”. Durante el festival “el público podrá disfrutar y dejare llevar por la corrientes artísticas de nuevas propuestas teatrales” afirman desde la organización ejemplo de ello es el nuevo espectáculo de la compañía valenciana La Dependent que estrena en el MIM el

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Cuerdo de Karl Stets © Annemarie Tuin

espectáculo Réquiem dirigido por Amador Artiga y valencianos son también talentos emergentes como los bailarines de la Joven Compañía Gerard Collins que pondrán en escena Welcome to the check point. El espectáculo de circo S, de Yaron Lifschitz de la compañía australiana CIRCA ofrece un viaje inaudito a los límites físicos y emocionales del cuerpo humano a través del lenguaje del circo acrobático y de la danza. Y más circo como el de los catalanes Enfila S.A. y su Estampades, una propuesta renovada del circo inspirada en las fábricas textiles de los años 50 y Exúvia de los también catalanes Circ Teatre Modern, “una celebración íntima 100% circo pero sin circo”. Y en clave de clown y desde Italia Nuova Barberia Carloni, de Teatro Necessario, un espectáculo protagonizado por tres payasos que recrea la atmósfera de las antiguas barberías italianas. El gesto en la calle

Las calles y plazas de Sueca serán los escenarios de parte de la programación que acogerán en otros la presentación por primera vez en el Estado de los espectáculos Meurtre au Hotel y Funambus de las compañías francesas Cie Bris de Bananes y Cie Underclouds respectivamente. También se podrá disfrutar con la percusión, los malabares y las acrobacias de los valencianos Baraka Circ en su BatuClown y desde Galicia Ibuprofeno Teatro mostrará un retrato crítico de los absurdos clichés creados socialmente en torno al universo

femenino con el unipersonal Fitness interpretado por Marián Bañobre y dirigida por Santiago Cortegoso. El actor gestual, acróbata y funambulista danés Karl Stets combina habilidad y surrealismo experimentando con cuerdas ratoneras y títeres en Cuerdo y el chileno Murmuyo vuelve a Sueca esta vez sin su compañero Metrayeta para presentar Cita a ciegas. En el contexto de renovación del festival y dentro de las propuestas formativas, el MIM centra el curso que organiza cada edición en el público infantil con el taller MIM (Música y Movimiento) impartido por Mireia Banyoles y dirigido a niñas y niños de entre 3 y 6 años. Además se han programado también espectáculos para los más pequeños como Do not disturb de los andaluces Vaivén y The Incredible Box de la compañía catalana Cia La Tal. Por último cabe destacar la exposición que todos los años organiza el MIM, este año a cargo de Jaume Policarpo de la compañía Bambalina Teatre Practicable titulada ‘Títere de agua’, un proyecto expositivo diseñado para esta edición del festival que “propone una nueva mirada sobre el títere apoyándose en la dimensión más plástica y cinestésica del concepto” explican desde la organización. Y además de todo lo mencionado, el festival se amplifica con el denominado Off-MIM, programación alternativa y “no oficial” organizada por pubs, cafeterías y diversos colectivos y entidades de Sueca que cuenta con el soporte promocional y técnico del festival. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre XL Festival Internacional de Teatro de Vitoria - Gasteiz

Cuatro décadas convertidas en un homenaje al público La 40 edición del Festival Internacional de Teatro de Vitoria - Gasteiz se celebra del 9 de octubre al 26 de noviembre con una programación de 36 espectáculos, 5 de ellos estrenos además de ‘Soplando velas’, un espectáculo-gala de creación colectiva de las compañías Traspasos, Porpol, Teatro Paraíso, Pikor Teatro y Panta Rhei que se estrena el 3 de octubre como preámbulo del certamen y con el que se dará comienzo a la celebración de sus cuarenta ediciones. Directores de reconocimiento internacional como Peter Stein, Declan Donellan, Claudio Tolcachir o Finzi Pasca son algunos de los nombres que incluye esta edición en la que el Teatro Principal Antzokia vuelve a ser el escenario central

aunque acompañado por los teatros de la red municipal en los que se podrá disfrutar de diversas propuestas para el público adulto además de acoger la XI edición del ‘Proyecto Bebés’. Otras actividades como la sección Antzerkia Zabaltzen –con espacios para el debate en torno a la creación escénica–, tertulias, encuentros con el público y equipos artísticos, un taller impartido por el propio Tolcachir, la iniciativa ‘Off local’, la tercera edición del Concurso de Radio Teatro Carlos Pérez Uralde o las Jornadas de Artes Escénicas, a celebrarse los días 23 y 24 en el Palacio de Congresos Europa, conforman esta edición que tiene por lema ‘Ikuslea ikusgai / El escenario es vuestro’.

l Festival Internacional de Teatro de Vitoria - Gasteiz cumple cuarenta años y aprovecha esta edición para “poner en valor el pasado del festival y dar protagonismo al público que lo ha sustentado durante estas cuatro décadas, otorgándole una nueva dimensión”, explican desde la organización. De ahí el lema elegido, ‘Ikuslea ikusgai / El escenario es vuestro’ reflejo de que “aspira a ser un punto de inflexión a partir de la cual el protagonismo del público tenga un papel cualitativamente superior”. Krapp´s last tape es el espectáculo que inaugurará esta edición, un unipersonal del premio Nobel Samuel Beckett dirigido por Peter Stein, uno de los directores más destacados de la escena internacional e interpretado por Klaus Maria Brandauer en una producción de Wallenstein-Betriebs Gmbh y Klaus MariaBrandauer. El Teatro Principal Antzokia será también el escenario en el que se podrá disfruta con las tres obras creadas de la colaboración entre Teatro de la Ciudad y Teatro de la Abadía, un proyecto impulsado por Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Miguel del Arco, 30

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Krapp´s last tape de Wallenstein-Betriebs Gmbh y Klaus MariaBrandauer

encargados cada uno de ellos de las adaptaciones –todas ellas versiones libres– y de la dirección de Edipo Rey de Sófocles, Medea de Séneca y Antígona de Sófocles , respectivamente. El mismo escenario acoge también Mea-

sure for Measure (‘Medida por Medida’), obra de William Shakespeare adaptada y dirigida por Declan Donnellan que han llevado a escena Cheek by Jowl y Pushkin Theatre y en la que se ofrece un retrato devastador sobre la Rusia actual y Dinamo

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de la compañía argentina Timbre 4. Claudio Tolcachir dirige esta obra sobre tres mujeres perdidas en el camino, al igual que la casa rodante en la que cohabitan, un lugar donde estalla el delirio cotidiano, se vuelve absurdo y pierde el sentido. O quizá lo encuentra. En noviembre será el turno de dos espectáculos internacionales más: la obra en clave de clown Bianco su bianco de la italiana Compagnia Finzi Pasca y Hullu de los franceses Blick Théâtre. Estrenos y más

Además del estreno de la compañía vitoriana Or tzai, Cándido, una comedia punzante y llena de ironía de François Marie Arouet ‘Voltaire’, dirigida por Iker Ortiz de Zarate y en la que se ofrece un juego escénico embelesador en la que Cándido cree que el mundo es un paraíso, aunque la realidad se empeña en negarlo. En octubre también esta previsto el estreno de El beso, obra basada en la novela del mismo título del italiano Ivan Cotroneo dirigida por Fernando Bernués y que fue estrenada, en su versión en euskera, Muxua, también por Tanttaka Teatroa el pasado mes de junio y que se podrá volver a verse en el festival. Tanttaka Teatroa lleva también al festival, Kreditua, versión en euskera de ‘El crédito’ de Jordi Galcerán realizada por Patxo Telleria que dirige también Fernando Bernués e interpretan Joseba Apaolaza y Zuhaitz Gurrutxaga y en euskera es también Etxekoak último trabajo de Huts Teatroa dirigido por Ander Lipus que llega al festival pocos días después de su estreno. Recién estrenada es también Moby Dick de Gorakada –más información sobre el espectáculo en la página 66 de este número– obra para público familiar que se presenta en el festival en noviembre pocos días antes del estreno de El Circo Dorado nueva propuesta de Teatro Paraíso junto con la compañía belga Ateliers de la Colline. Pero antes, en octubre, Yllana hará reír a grandes y pequeños con su divertida mirada al mundo de la gastronomía en Chefs y Etcétera, en coproducción con El Liceu

La piedra oscura de Alberto Conejero ©marcosgpunto

pondrá en escena Soñando el carnaval de los animales, espectáculo musical basado en la obra de Camille Saint Saëns que tiene como objetivo que niñas y niños se asomen a la música clásica de forma divertida obra que dará paso a Sueños de arena de la compañía Ytuquepintas. También danza

La Intrusa presenta el espectáculo de música y danza Best of you en el que sus dos miembros fundadores, Damián Muñoz y Virginia García interpretan un viaje, junto a Clara Peya, “por una partitura de tensiones acumuladas, mientras buscan con buenas intenciones el alivio” . La segunda propuesta de danza llega en noviembre de la mano de La Veronal que pondrá en escena Siena. La programación del Teatro Principal se completa con la coproducción de Noviembre Teatro y el CDN, Hedda Gabler, Atchúuss!!!! de Antón Chéjov a cargo de Pentación y Desde Berlín, espectáculo que rinde Tributo a Lou Reed producido por

Teatre Romea todos ellos, previstos para noviembre. Los teatros J. Ibáñez de Matauco y Félix Petite también acogen parte de la programación del festival. En el primero se podrá disfrutar con una obra que ha sido reconocida por el público y la crítica, La piedra oscura de Alberto Conejero dirigida por Pablo Messsiez con Lorca como uno de sus dos protagonistas –coproducción de Lazona y CDN– y La plaza del diamante (en noviembre) de Mercè Rododera adaptada y dirigida por Joan Ollé. En segundo espacio Pabellón 6 presenta “el musical vasco zombi mexicano” Cabaret Chihuahua y en noviembre Kulunka Teatro hará lo propio con su segundo espectáculo, Solitudes. Además, el programa denominado ‘Teatro Abierto’ incluye el apartado ‘Off local” con los espectáculos El purgatorio de Carmen San Esteban y Foto de Parasite Kolektiboa o las VII Jornadas de Artes Escénicas, previstas para noviembre. Y también, en noviembre, pero en el Teatro Federico García Lorca, se desarrollará la programación de la XI edición del Proyecto Bebés.

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15 septiembre octubre XXXIII Jornadas de Teatro de Getxo

Getxo sirve de escaparate a la producción vasca Diez espectáculos conforman una programación a la que hay que añadir diez montajes de la sección Teatro Breve

Pulgarcito de Teatro Paraíso

anto el público adulto como el más joven tiene una cita con las producciones teatrales vascas en las Jornadas de Teatro de Getxo que este año celebran su trigésima tercera edición del 10 al 18 de octubre. Diez espectáculos de otras tantas compañías conforman la programación de esta edición que una vez más incluye la sección de Teatro Breve que acoge también diez montajes con la particularidad que todos ellos tienen una duración máxima de quince minutos. Para cada una de las cinco jornadas de esta edición se han programado dos

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espectáculos, uno de calle –en horario de mañana y en la Plaza San Nicolás– y otro de sala –en horario de tarde y en la Escuela de Música de Las Arenas– que comenzarán con Astokillo Circus de la compañía Panta Rhei, comedia callejera que recuerda al circo de variedades protagonizada por el burro Rigoletto, el feriante y domador maese Zambulón y madame Zorita. El trío de payasos Gari, Montxo eta Joselontxo harán disfrutar con las aventuras que vivirán entre canción y canción en Kolore el elegante y listo Gari, el gamberro Montxo y el inocente Joselontxo.

El espectáculo Gelauziak fusiona la danza tradicional vasca con la danza contemporánea. Este proyecto surgido de la unión entre Kukai Dantza y el reconocido coreógrafo catalán Cesc Gelabert ha obtenido diversos galardones como dos Premios Max. La calle será también el escenario para el espectáculo de magia El suceso en el que el mago Jon Zabal combina magia, sugestión y manipulación mental para crear una atmósfera llena de misterio e intriga mientras que el circo es el lenguaje de mOrse de la Cia. Zirkozaurre. En este su primer espectáculo, la compañía explo-

septiembre octubre ra lo emocional alejándose de la comunicación al uso jugando con la contorsión, la manipulación de objetos, la danza, la acrobacia y los equilibrios. Para público adulto

Barro Rojo es el primero de los espectáculos de sala programados para esta edición. Escrito e interpretado por Javier Liñera la obra muestra la represión sufrida por gays y lesbianas. “Un viaje que narra el protagonista del espectáculo. Su historia y la historia de su tío gay. Una historia dentro de otra. La historia de su tío que fue encerrado en un campo de concentración y luego en la cárcel. Por ser gay. La historia de dos realidades del pasado. La Europa de Hitler, la España de Franco. Y su propia historia que se alimenta del pasado”. Dirigido al público adulto es también el montaje que pondrá en escena Lalulú Teatro, Tipos de tipas. Sol Maguna, Gemma Martínez y Maribel Salas dan vida a los personajes de los seis sketches que conforman este espectáculo lleno de humor: dos azafatas que tienen pánico a volar; una mujer escéptica que pone en solfa la palabra de dios; tres soldados norteamericanas que tienen que desactivar una bomba; una pitonisa con mucha cara

la obra ‘El crédito’ de Jordi Galcerán en una versión realizada por Patxo Telleria. Zuhaitz Gurrutxaga y Joseba Apaolaza interpretan a los dos protagonistas de esta montaje dirigido por Fernando Bernués. La historia de dos hombres, uno trabajador de un banco y el otro, un cliente que se acerca hasta su oficina para pedir un crédito... Teatro Paraíso llega a Getxo para presentar Pulgarcito, una obra para el público familiar basada en el clásico cuento de Perrault pero a partir de una visión nueva y estimulante. Un montaje divertido para el público infantil y conmovedor para los adultos en el que se pone en escena, a través de la relación de un padre y su hijo el tema del abandono “contextualizándolo en una situación que no dejará de reclamar paralelismos con la sociedad actual”. El espectáculo Pinotxo txikia de Ópera Divertimento será el encargado de clausurar esta Barro Rojo de Javier Liñera edición. Un cuento vivo con actores a la vez que una ópera para todos lo públicos. Pinocho, Geppeto que está con-pinchada con su cliente; y Pepito Grillo junto al resto de persouna mujer que tiene fantasías con las najes del clásico cuento de Carlo Collodi tiendas de chuchees y tres dulces y castoman vida para narrar, acompañados de tas pastorcillas, que resultan ser presas una composición orquestal esta univerde muchos vicios. Kreditua completa las propuestas para sal historia con el objetivo añadido de público adulto, espectáculo que ha llevaacercar el mundo de la lírica a los más do a escena Tanttaka Teatroa a partir de pequeños.

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15 septiembre octubre III Circ&Co - Festival Internacional de Circo de Castilla y León

El circo como herramienta de inclusión social

a tercera edición del Festival Internacional de Circo de Castilla y León se celebrará en Ávila del 10 al 13 de septiembre, con una programación que presentará 15 espectáculos que se podrán ver por primera vez en España, y otros 7 que se representarán en primicia en la Comunidad. Más de 100 serán las funciones que se ofrecerán en esta edición que mostrará su lado más social con representaciones en residencias de ancianos y la celebración de un foro de especialistas que debatirá sobre la dimensión educativa del circo y su capacidad para luchar contra la exclusión. Ávila acogerá los montajes de 21 compañías que mostrarán las nuevas tendencias de las artes circenses en el panorama internacional. Francia, Bélgica, Holanda, Suiza, Gran Bretaña, Argentina, Canadá y España serán los países representados en este festival que organiza la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de la Comunidad. “La programación de Cir&Co se adentra en la vanguardia del género en una edición marcada por el humor y por la búsqueda del público familiar, sin olvidar nunca esa vertiente más social y educativa. El lema de Cir&Co de este año, ‘Paseen y vean’, expresa la invitación a disfrutar de una amplia variedad de trabajos dirigidos a todo tipo de espectadores y, al mismo tiempo, a conocer o redescubrir el patrimonio abulense”, afirman desde la Organización del festival. Cuatro serán las compañías francesas que participarán en el festival: TramwayFantaisie mostrará su espectáculo Le manège sans fil, Cirque Rouages estará 34

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con Sodade, Uncerclouds Cie interpretará Funambus y Acrobarouf Scratch. De Holanda llegarán Circusdrome y De Stijle Want para ofrecer Bombardo y Bellevue, respectivamente, y de Bélgica Cie du Mi-

a través de equilibrios realizados sobre un autobús en movimiento. Las disciplinas tradicionales del género tendrán su espacio en Cir&Co Clásico, que reunirá cuatro trabajos donde el componente lúdico será el protagonista. Tramway-Fantaisie invitará al público infantil a un singular viaje sobre ruedas en unos ingeniosos vehículos, los “animóviles”. Carrusel Ecológico llegará a Ávila con un tiovivo artesanal cuyo movimiento genera una bicicleta. El humor y la fusión entre circo y teatro son los componentes de Bombardo, donde Circusdrome reinventa el número del hombre-bala dentro de una carpa. El humor también tendrá su representación por parte de la compañía De Stijle Want, que invitará a los asistentes a transformarse en otra Scratch de Acrobarouf ©Daniel Ammann persona en la carpa en la que se desarrolla Bellevue. rador con Okolo. La compañía suiza Nicole La música y el clown son las disciplinas & Mar tin, por su parte, mostrará cuatro que se podrán disfrutar en los dos especespectáculos diferentes agrupados bajo el táculos itinerantes que ofrecerá la sección título común de Les frères Grimm. De León Cir&Co Sonidos. Gadjo paseará una mezcla llegará La Pequeña Victoria Cen con su de ritmos bailables y clown denominada Gadjistán, y el humor de Traüt Companyia espectáculo TríoDedós. Los estrenos en la Comunidad correrán a cargo de Manuel buscará la implicación del público con La Alcántara con Rudo, Carrusel Ecológico piccola orquestra. Cir&Co Lienzo, acrobay El caracol de paseo, Wilbur con Piensa en cias y música será otra de las secciones del Wilbur, El Retablo Títeres representando festival, donde Manuel Alcántara ofrecerá Giuseppe y Peppina, La Güasa con Móbil Rudo, obra recomendada para mayores de y las formaciones musicales Gadjo y Traüt 10 años que traslada la idea de un creador Companyia. de figuras con cajas pesadas. Los equiliLa programación del festival se divide en brios y la música forman este trabajo que varias secciones, entre las que se encuentra se ajusta a las líneas más innovadoras del Cir&Co Insólito, que ofrecerá el espectáculo circo contemporáneo. Por otra parte, las inaugural de la tercera edición del Festival plazas del Mercado Chico y de Santa Teresa Internacional de Circo de Castilla y León. acogerán las ocho funciones del apartado Se trata de Funambus de Uncerclouds, Cir&Co Acrobático. Uncerclouds Cie ofreque mostrará una metáfora sobre el viaje cerá una función añadida a la de inaugura-

septiembre octubre ción, y los también franceses Acrobarouf ejecutarán Scratch. Cie Mirador utilizará en Okolo una escenografía que se desarrolla en torno a una gran rueda, y Cirque Rouages interpretará sobre el alambre y con acompañamiento musical los equilibrios de Sodade. La música en directo tiene un papel esencial en el trabajo que cierra este apartado, con los catalanes Mumusic Circus y su Merci bien. En Cir&Co Selección, La Pequeña Victoria Cen ofrecerá sus malabares y acrobacias con TríoDedós, y Wilbur sus arriesgados números en Piensa en Wilbur. La Güasa ofrecerá con Móbil una mezcla de los géneros del circo y el teatro de objetos donde un ingenioso personaje mostrará sus inventos entre ritmo y malabares. El humor gestual y los recursos teatrales llegarán de la mano del burgalés Jean Philippe Kikolas y su Sin remite. El Retablo Títeres contará una historia de tema circense sobre sus singulares personajes y su vida nómada en Giuseppe y Peppina. Cierran este apartado la compañía Innovarte Creaciones con el circo y la música de Circo marítimo. Los suizos Nicole & Mar tin serán los protagonistas de Cir&Co Carpa

con cuatro trabajos sobre los cuentos de los Hermanos Grimm. Por otro lado, niños y jóvenes de 3 a 16 años participarán en la iniciativa Cir&Co Taller que impartirá la compañía abulense Tropiezo Teatro los días 12 y 13 de septiembre. Los participantes aprenderán las técnicas para ejecutar números circenses y descubrirán algunos de los secretos de equilibristas, malabaristas y zancudos, entre otros artistas del circo. Además, del 7 al 9 de septiembre se celebra el II Encuentro de Escuelas Europeas de Circo, en el que participan centros de formación de Francia (Le Lido de Toulouse y Balthazar de Montpellier), Gran Bretaña (Circus Space de Londres) y España (Carampa de Madrid). A ellos se suma el ENC de Montreal (Canadá), entidad invitada por la Federación Europea de Escuelas de Circo. novedades

Entre las novedades de esta edición se encuentra la categoría Cir&Co Social, donde los integrantes de la Escuela Carampa interpretarán La ruta del clown en distintos centros residenciales de la ciudad, pro-

ducción especialmente concebida para ser presentada en Ávila. Además, la dimensión social del circo será analizada en el encuentro de especialistas que se celebrará dentro del programa del festival. Profesionales del mundo de las artes escénicas y de las disciplinas circenses, educadores y representantes del tercer sector pondrán en común experiencias relacionadas con el carácter integrador y educativo del género. También como novedad, el festival rendirá homenaje a la Vuelta Ciclista a España, coincidiendo con llegada de la carrera a Ávila, donde tendrá lugar el final de etapa de la jornada del 11 de septiembre. La zona de meta albergará un espectáculo que recuerda la presencia de la bicicleta en los espectáculos circenses de siempre. Nebur Frick representará El mesías de la perfección, pieza que ofrecerá diferentes números de equilibrio y destreza sobre ruedas. Además, debido al V Centenario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús, su ciudad natal acogerá el estreno del espectáculo Camino de perfección, inspirado en su obra homónima y que nace como producción propia del II Encuentro de Escuelas Europeas de Circo.

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15 septiembre octubre XXXIV Festival Internacional de Títeres de Bilbao

Los títeres también tienen su espacio privilegiado en Bilbao

ilbao acogerá del 16 al 25 de octubre una nueva edición del Festival Internacional de Títeres de Bilbao, con una programación que incluye a numerosas compañías de sala y dos de teatro de calle, además de otras actividades como cursos o encuentros. La explanada del Museo Guggenheim, la Casa de Cultura Barrainkua, la Biblioteca Municipal de Bidebarrieta y las Salas del Museo Marítimo, Harrobia, El Carmen y Pabellón 6 son los escenarios escogidos para las representaciones. Varias serán las obras que se representen en euskera en esta XXXIV edición del festival. La compañía El Perro azul interpretará Superhéroe, obra en la que un joven soñador que vive con su abuela recibirá la visita del técnico de la luz, que les cortará el suministro de energía por falta de pago. La bilbaina Laenananaranja ofrecerá Kontukantari, pieza en la que se podrá disfrutar de canciones infantiles en euskera, pero interpretadas en ritmos diferentes como el reggae, el rap o el blues. A bebés de entre 6 meses y 4 años está dirigida A nada sabe de Aiola Teatroa, montaje de teatro de sombras interpretado por Ione Irazabal que “nos invita a viajar, a descubrir lugares remotos y a jugar”. Se trata de una sucesión de imágenes en blanco y negro que comienza con el divertido paseo en bicicleta de Baratxurri y su primo Bernardino. Las compañías internacionales también se acercarán a Bilbao para representar sus espectáculos de marionetas. Los portugueses Teatro e Marionetas de Mandrágora llevarán a escena Capucha vermelha, inspirados en el cuento clásico de los hermanos Grimm pero presentando una adaptación crítica con el mundo que nos rodea. Los rusos Kukla Theatre inter36

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pretarán Señora Salchicha, cuento italiano sobre las aventuras de una Señora Salchicha y su pequeño hijo Belluzino que llevará a cabo la actriz Olga Skidanova. Desde Holanda llegará Cartouche Theater, compañía creada en 1985 que mostrará una colección de nueve escenas breves sin texto denominada Sonata a cuatro manos. “El resultado es una extraña relación entre la apariencia y la realidad, y entre la marioneta y el marionetista”, explican. Agostino Cacciabue y Rita Xaxa actúan en FiloCristallo CuoreCorallo de la compañía italiana Teatro Tages, llevando a cabo “una historia simple, simple como los personajes que la interpretan, simple como los sentimientos que expresan, simple como su mensaje”. El espectáculo está

dirigido a niños y niñas de 5 años en adelante, y cuenta con música de Ludovico Einaudi, Sor Fernando, Igor Stravinsky y Francisco Tárrega. En inglés y desde Madrid llegará Hilando títeres con Animales. “Se cuenta la historia de un libro que habla de animales (castellano). Después se narra lo que sucede un día cualquiera en la granja (inglés), la historia de dos habitantes de una isla que pelean sin escucharse el uno al otro (inglés) y la aventura que sufrió un pequeño habitante del bosque cuando se levantó por la mañana”. La compañía murciana Onírica mecánica estará en Bilbao con su Circo submarino, un circo de autómatas, objetos y mecanismos de hilo donde el único animal es el ser humano. Jesús Nieto, bajo el nombre de Onírica Mecánica, construye mundos “poético-mecánicos-imaginarios”. La compañía catalana Titelles Naip mostrará Las aventuras de la familia ratón, “una historia singular escrita por Julio Verne que presenta una teoría evolutiva por la cual cada especie se encuentra en una escala de la creación. A la familia ratón le falta ya poco para adquirir la forma humana, pero una serie de fatalidades y aventuras les hace retroceder en la escala. De repente se convierten en ostras, después en peces... y todo por culpa de un príncipe que quiere conseguir el amor de la pequeña Ratolina y del cruel brujo Gardafour”. Las circunstancias por las que pasa esta curiosa familia de ratones son el principal argumento de este montaje de títeres de mesa, en el que unos animales humanizados son los protagonistas. teatro de calle y más

Dos obras serán las encargadas de animar las calles de Bilbao durante la

septiembre octubre celebración del Festival Internacional de Títeres. El marionetista titiritero Antton Bastero y el mago ilusionista David Blanco son los protagonistas de La Famiglia Toronbole, espectáculo en el que se trabajan disciplinas como los títeres y la magia. La compañía franco-argentina de teatro y títeres Alas Negras ofrecerá Lost Love, que presenta a un escritor que pierde la inspiración y el amor de su vida, al mismo tiempo. Además del cartel de espectáculos, el festival cuenta con otras actividades dentro de su programación. Entre ellas está la exposición y homenaje al ilustrador y profesor de Artes Plásticas madrileño Alberto Urdiales. Investigador en ilustración de libros infantiles y juveniles, Urdiales realizó en sus primeros años varios espectáculos de marionetas. En relación a la formación, Carlos Lopez (euskera) y Gonzalo Cardona (castellano) impartirán dos cursos para maestros. Dos serán también los encuentros que se realicen durante el festival. El Encuentro de los Jóvenes Europeos contará con la participación de diez representaciones de unos 5/10/15 minutos cada una. El Festi-

Superheroe de El Perro azul

val de Bilbao realiza esta iniciativa desde hace 5 años, con el objetivo de que los nuevos titiriteros puedan presentar sus obras en un teatro con todas sus condiciones, asumiendo todos los gastos de los participantes. “Es una iniciativa que por encima del concurso busca ser un punto

de encuentro, potenciación de la profesión y de aprendizaje para los participantes”, expresan. Por otro lado, ocho ponentes de distintos países tomarán parte en el Encuentro del Foro Femenino. Para finalizar, el premio de este año se concederá a Damiet Van Dalsum (Holanda).

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15 septiembre octubre XV Danza Xixón

Visiones contemporáneas de la danza más actual Gijón celebra la décima quinta edición de Danza Xixón con una veintena de espectáculos

ntre el 11 y el 30 de octubre se desarrollará la decimoquinta edición de Danza Xixón programa especial que comenzó y ha ido tomando cuerpo con la idea de fomentar la creación, producción y difusión de la danza contemporánea y el espectáculo gestual, donde se prevé la participación de una veintena de compañías que ofrecerán sus actuaciones en diversos espacios escénicos y urbanos de Gijón, entre las que se encuentran las previstas en el Espacioescénico El Huerto, además de la parte formativa que se completa con varios seminarios y un taller para disfrutar en familia. Tratándose de una cita de carácter internacional, en esta ocasión la cita cuenta con cuatro compañías extranjeras siendo la sudafricana, el Ballet de Johannesburgo, la encargada de inaugurar la presente edición con la pieza Don Quijote, una de las obras cumbre del repertorio clásico del siglo XIX basada en una recreación del original de Petipa y Gorsky con una sólida puesta en escena. Otra de las compañías extranjeras, Dana Raz Dance Project será la encargada de clausurar esta edición con su montaje Man_o con la que ofrece cuidados movimientos y la evolución de bailarines en estado puro. La intérprete israelí será también la encargada de llevar a cabo el Seminario de Danza Contemporáneo en su nivel básico y avanzado los días 17 y 18. En esas mismas dos jornadas Sara Cano, que también participa en la progra38

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Danza Xixón dos piezas. ¿Hasta dónde? es un dúo de danza basado en la técnica del contact que en realidad es un extracto de 20 minutos de duración de la pieza ‘Al menos dos caras’ y Caída libre, última creación de la compañía en la que se explora un rasgo esencial de la naturaleza humana: la supervivencia. La cuarta de las compañías venidas de otro país, en esta ocasión desde Francia, es Paul les Oi¿Cuál es mi nombre? de DA.TE Danza seaux capitaneada por la coreógrafa Valérie Rivière que a través de la pieza Toutes les filles devraient avoir une poème cede la palabra a poetas como Emily Dickinson, Richard Brautingan y Paul Eluard y destaca su esencia mediante los movimientos y el diálogo de un cuarteto de bailarines. En ‘El Huerto’, espacio escénico perteneciente a la Red de Teatros Alternativos, tendrán Toutes les filles devraient avoir une poème de Paul les Oiseaux lugar tres de las actuaciones concentradas en los fines de semación con A palo seco, su primer trabajo mana centrales del festival. La primera de en solitario y en el que la investigación y la mano de Compañía Nómada, creada por los coreógrafos Daniel Abreu y Roberto la experimentación son las bases usadas Torres, con Los zuecos van hacia buenos para reformular su danza, concebida entre hábitos que se fundamenta en el trabajo lo visceral de lo español y lo conceptual de de investigación del movimiento y en el lo contemporáneo, será quien imparta los cuerpo como motor de la acción y arguseminarios de flamenco: ‘Acercamiento al mento coreográfico. Ene ste mimo espacio compás flamenco’ y ‘El compás de doce… se podrá disfrutar con C.V. prima_vera de ¿por alegrías o por seguiriyas?’. Kaos Taller Danza y Zig Zag Danza repreDe Israel es también Sharon Fridman coreógrafo y bailarín que presentará en sentará Aupapa, obra para bebés (de 0 a

septiembre octubre 3 años) basada en una escenografía singular, una gran caja con las paredes de cristal en cuyo interior hay una bailarina, y en la participación de los pequeños espectadores. La diversidad de propuestas será la nota destacable de esta décimoquinta edición en la que también caben otros estilos más urbanos como el de Br 2 de Brodas Bros, espectáculo luminoso e itinerante de carácter futurista, así como la apuesta multidisciplinar de Varuma en Ns/Nc propuesta en la que se dan cita el flamenco, la música en directo y las técnicas de nuevo circo para trazar un viaje onírico y poético. También se podrán ver trabajos como los Natxo Montero, Barbecho, un recorrido de movimientos y coreografías que reflexiona n en torno a la creación; Tell me de Provisional Danza, pieza coral y de gran formato donde una vez más Carmen Werner se mantiene entre los márgenes de la danza-teatro grupal; Mix-en-scene de Amaranta Velarde proyecto que busca desarrollar una experiencia acústica-coreográfica para el espectador o Cenizas de Losdeade, donde dos personajes al límite dialogan con sus cuerpos apoyados en los textos de Pablo Messiez y Guillem Clua.

Caída libre de Sharon Fridman

¿Cuál es mi nombre? de los granadinos DA.TE Danza es una propuesta dirigida al público familiar donde se plantea entre otras cuestiones el crecimiento personal del niño, y en su visión infantil del futuro, la búsqueda de la identidad. Además la programación de esta edición incluye trabajos como MOV. ÁMATE UR.OX de La Infiltrada Compañía, la versión de la

La consagración de la primavera de Cienfuegos danza o Vacío de Seda, pieza que nace de la necesidad de proyectar y transmitir de manera directa y desnuda un sentimiento, una sensación de caos interno, íntimo y personal. Para el público familiar se han previsto montajes como Al hada Elvira todo se le olvida de Factoría Norte y Viento de mar de Higiénico Papel.

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15 septiembre octubre XXIV Festival Internacional Outono de Teatro -Carballo

Locus Amoenus de Atresbandes

Carballo tiene un festival por y para los públicos ‘Versión original’ es el tema que vertebra la programación de esta nueva edición del FIOT

a vigésima cuarta edición del Festival Internacional Outono de Teatro de Carballo que se celebra del 25 de septiembre al 31 de octubre “se asienta en la consideración del público como fundamento del festival y en una oferta con la calidad, diversidad, innovación y ambición precisas para mantener la complicidad de todos los agentes” explican desde la organización con el festival. El ciclo de teatro de sala le confiere la proyección pública al festival y es una de sus señas de identidad (tendrá lugar entre el 9 y el 31 de octubre e incluirá 9 espectáculos). Pero además, diversidad de ejes que conforman la identidad del festival permiten contemplar de manera específica la especialización con los ciclos ‘OTNI’ –con

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proyectos de carácter contemporáneo y con una dimensión más experimental o alternativa– y ‘Calle de los Cuentos’ con propuestas de espectáculos de pequeño formato para espacios no convencionales de narración oral, monólogos, variedades o nuevo circo. Cada edición FIOT selecciona un tema que, “a modo de clave o posible lectura, recorre, más o menos directamente las propuestas que constituyen la programación de sala. Con la elección de este “argumento” pretendemos unir el compromiso del festival con nuestro contexto y con las preocupaciones sociales más actuales, creando un elemento más de interés para los espectadores” indican desde la organización. ‘Versión original’ es el tema de

esta edición del festival que “pone el foco teatral sobre personajes que reclaman el protagonismo de su voz, de su propia versión sobre su vida. Más allá de la historia más visible u oficial, defienden su mirada personal e íntima y nos convierten en testigos y cómplices de “su” versión original” aclaran desde FIOT. Su versión original

Charo López interpreta una versión de la ‘Celestina’ en Ojos de agua, –con dramaturgia de Álvaro Tato y dirección de Yayo Cáceres– un soliloquio en el que se lamenta del tiempo despiadado y de las dificultades de luchar por la independencia una producción de Ron Lalá, Emilia Yagüe Pro-

septiembre octubre

Los Nadadores Nocturnos de Draft.Inn ©Sirai

ducciones, Seda Producciones y Galo Film. También desde el final de una vida es la revisión que presenta El testamento de María, unipersonal interpretado por Blanca Portillo que da vida a María, la madre de Jesús, coproducido por el CDN y el Festival Grec, entre otros. La compañía andaluza Chirigóticas llega al FIOT con su recién estrenada Juanita Calamidad una original versión satírica, musical y humorística sobre el instinto de ser madre de una mujer que pone en cuestión la noción de género. Los Nadadores Nocturnos, de Draft.Inn, es una propuesta contemporánea en la que personajes con múltiples capas ofrecen las claves que definen la versión íntima de unas vidas fáciles de reconocer en una sociedad fragmentada y cambiante como la que nos toca vivir. El lenguaje de clown del argentino Gabriel Chamé da forma a un Otelo en el que lo trágico adquiere un punto en el que se convenirte en cómico, y en el que mantienen su peso los mismos temas planteados por Shakespeare y otra visión de un clásico en este caso del mito griego de Edipo a cargo de los portugueses Companhia do Chapitô una salvaje versión original que convierte el mito en una comedia. Estreno y OTNI

Teatro Meridional estrena su nuevo espectáculo en FIOT, Los esclavos de mis esclavos obra en la que explora un problema de alcance universal a través de la versión de cuatro víctimas, tres rehenes y su carcelera. Y tras su estreno en septiembre llega al festival una comedia electoral de manipulación política, Presidente, que pone en escena la compañía gallega Teatro del Murciélago. Constelaciones de Kendosan Producciones presenta las variantes paralelas de una historia de amor mostrando las diferentes versiones y los infinitos mundos posibles. El Ciclo OTNI (Objeto Teatral no Identificado), da cabida a propuestas con un ca-

rácter contemporáneo que emplean nuevas dramaturgias y códigos y lenguajes menos convencionales. Este año reúne cuatro propuestas de lenguajes muy diferentes y en las que también se recorre el tema de las “versiones originales”. Paula Quintana presenta el espectáculo de teatro-danza Latente, Atresbandes pondrá en escena el novedoso trabajo Locus Amoenus, la nueva compañía gallega Cine Sticado combina las artes visuales y performativas con la creación de audio y vídeo en Strpts: Episodio 1 y Pez Limbo llega con la inquietante Mamá gallina. La programación escénica se completa con la XVII edición de la Calle de los Cuentos, un programa centrado en la narración oral aunque incorpora otros ejes como el nuevo circo, el teatro musical o el cabaret y los espectáculos de teatro de pequeño formato de humor más transgresor. Este ciclo se concentra entre el 2 y el 12 de octubre y está conformado por 14 espectáculos entre los que están propuestas de compañías gallegas como Mofa y Befa o Chévere y algunas otras como El pueblo de los mellados del alicantino Félix Albo. El programa de actividades complementarias es reflejo de la importancia que desde la organización se les da por ser un instrumento de creación y fidelización de públicos. El Concurso Escolar de Teatro Leído o el Fiotiño, un campamento de dos días y una noche en el propio teatro para que los más cautivos conozcan los intríngulis de este fascinante mundo; el XIII Xoglar de Outono con el que se reconoce el trabajo de creadores que este año ha recaído en la actriz gallega Susana Dans; ‘Dalle un bocado al Fiot’, en la que participan establecimientos de hostelería carballeses; exposiciones, la formación de los espectadores con la Escuela del Espectador o el acercamiento entre espectadores y creadores en el Café con ..., forman parte de esta extensa oferta de actividades haciendo del FIOT mucho más que un programa de espectáculos. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre El Rioja y los 5 Sentidos

Veinte años de maridaje con los sentidos en La Rioja

e cumple este año la vigésima dición del programa El Rioja y los 5 Sentidos, iniciativa que desde sus inicios ha tenido y continúa teniendo como objeto la divulgación de la cultura del vino, valiéndose de las diversas disciplinas artísticas contemplando actividades dirigidas a todos los públicos. Una vez más desde el 1 al 19 de septiembre se podrá disfrutar de espectáculos en bodegas, conciertos, exposiciones, concursos de fotografía, de cortometrajes y de tapas así como una gran variedad de catas. Dentro de esta extensa programación cabe destacar varias actuaciones que las iremos nombrando en orden cronológico y entre las que se encuentra el concierto el día 5 de septiembre de la cubana Yaima Orozco y el catalán Alfred Artigas en Bodegas Tobía ubicada en Cuzcurrita del Río Tirón y también eses mismo día de Juan Gómez ‘El Kanka’ en Bodegas Ontañón de Logroño. El domingo 6 de septiembre la canta-autora Rozalén deleitará a los presentes con un concierto en la Bodega Señorío de San Vicente y el día 11 los humoristas Dani Martínez, Julián López e Iñaki Urrutia actuarán en Riojaforum. Destacable también es la coproducción entre la compañía navarra Hermanos Oligor y los mexicanos Microscopía Teatro La máquina de la soledad, un trabajo intimista para una cincuentena de personas sentadas en unas gradas de madera, utilizadas ya en el anterior trabajo de

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La máquina de la soledad de Hermanos Oligor y Microscopía Teatro

los Hermanos Oligor ‘Las Tribulaciones de Viriginia’. Esta pieza que se podrá ver el sábado 12 en La Grajera, bodega institucional situada en Logroño, se trata de una obra de teatro mínimo, de teatro de objetos que muestra macro historias dentro de un micro mundo. A partir de una maleta llena de cartas de amor de 1900, encontrada en México, se desarrolla la historia de una pareja, dos personajes a caballo entre la ficción y la realidad, dos personajes desconocidos pero contundentes. El sábado 12 también están previstos varios conciertos, por un

lado Boogie & Wines. Wax & Boogie en las Bodegas Puelles de Ábalos y Memories and songs. Terela Springs and Songs en las Bodegas Paco García de Murillo del Río Leza. Al día siguiente, el 13 de septiembre, será el turno de Aurora y The Betrayers en las Bodegas Montecillo de Navarrete. En la jornada de clausura del programa, el día 19, se han previsto numerosas actividades entre la que está el concierto en Riojaforum donde actuará Vanesa Martín con los intérpretes Mikel Erentxun y Amaia Montero.

TEATRO FALLA

16 17

CHIRIGÓTICAS Juanita calamidad España 22:00

MEPHISTO El burgués gentilhombre Cuba 20:00

CHIRIGÓTICAS Juanita calamidad España 21:00

19 20

LA RE-SENTIDA La imaginación del futuro Chile 22:00

21 22

ATALAYA Marat-Sade España 22:00 LA ZARANDA El grito en el cielo España 22:00

23 24

EVA YERBABUENA Cuando yo era... España 22:00

TEATRO DEL TÍTERE LA TÍA NORICA

SALA LA LECHERA

ECCO

ESPECTÁCULOS DE CALLE FORANI TEATRE La banda foránea / Plaza Palillero a Plaza del Falla / España 20:30

TEATRO DE LA MORENA No daré hijos daré versos Uruguay 22:00

EL SISTEMA SOLAR El sistema solar Perú 20:00

VACA 35 Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido México 18:00

BABIRUSA DANZA Ánimo animal / Mercado Central / España / 12:30 y 13:30 NACHO VILAR P. Crudo ingente / Patio del Baluarte de la Candelaria / España / 18:00 a 21:00 THE WINGED CRANES Ifigenia. Peep Show /Baluarte de la Candelaria / España / 19:30 y 21:00

EL SISTEMA SOLAR El sistema solar Perú 18:00

VACA 35 Cuando todos pensaban que habíamos desaparecidos México 18:00

BABIRUSA DANZA Ánimo animal / Jardines Celestino Mutis / España 12:30 y 13:30 TRAÜT Y CÍA Il Cricetto / Pl. de S. Juan de Dios a Pl. de la Catedral / España 12:30 THE WINGED CRANES Ifigenia. Peep Show / Baluarte de la Candelaria España 19:00 y 20:00 CHIRIGÓTICAS Tres monjas y una cabra / Plaza de la Catedral / España / 13:45 NACHO VILAR P. Crudo ingente / Patio del Baluarte de la Candelaria / España / 18:00 a 21:00

COLECTIVO ARTE MATAMALA Algernón. La angustia del conocimiento Chile 21:30

MARCO VARGAS & CHLOÉ BRÛLÉ Libertino España 20:00

CHAPITÓ Édipo Portugal 20:30

MARCO VARGAS & CHLOÉ BRÛLÉ Libertino España 19:00 FEDERICO LEÓN Las ideas Argentina 20:00

TEATRO DE LOS ANDES TEATRO MALAYERBA Mar Bolivia - Ecuador 20:00

FEDERICO LEÓN Las ideas Argentina 18:30

CÍA. TÍTERES ERRANTES P. CACHIVACHE Le petit Studio Cinéma España 11:00-13:00

ROLABOLA CIRCO Circo Mediterráneo / Patio del Baluarte de la Candelaria España 19:00

GABRIEL CHAMÉ Othelo Argentina 22:00

BANFIELD TEATRO El loco y la camisa Argentina 20:00

CÍA. TÍTERES ERRANTES P. CACHIVACHE Le petit Studio Cinéma España 11:00-13:00

ROLABOLA CIRCO Circo Mediterráneo / Patio del Baluarte de la Candelaria España 19:00

BANFIELD TEATRO El loco y la camisa Argentina 18:00

CÍA. TÍTERES ERRANTESP. CACHIVACHE Le petit Studio Cinéma / Mercado Central / España 11:00-13:30 ROLABOLA CIRCO Circo Mediterráneo / Patio del Baluarte de la Candelaria España / 18:00 ANIMASUR El clan de la nube / Mercado Central / España / 13:00 DAVID MORENO Y CÍA Floten tecles / Pl. de la Catedral / España / 20:00 EFÍMER The dance of the death / Pl. de la Catedral / España / 20:45

treinta veces Las sociedades iberoamericanas han sufrido una transformación muy grande en las últimas tres décadas. Hemos pasado de un siglo a otro, hemos atravesado crisis económicas gravísimas, hemos vivido momentos de crecimiento que parecía imparable, y hoy, reunidos otra vez en el FIT debemos echar la vista atrás de estos treinta años, para intentar vislumbrar cómo puede ser el futuro inmediato. Y lo hacemos a través de las artes escénicas, porque el teatro siempre ha sido un espejo más o menos claro o velado de la realidad social donde nace y se reproduce. Sin entrar en mayores profundidades en estos treinta años se ha pasado de los grandes grupos a las grandes individualidades, de la creación colectiva a la dramaturgia de autor y director. Ha sido una evolución lógica, aunque en algunos aspectos se haya perdido consistencia ideológica, no solamente en el concepto político, sino en el estructural y estético. Cádiz ha sido uno de los lugares donde confrontar todos los discursos, donde ver los logros, donde llorar las desapariciones, donde aplaudir los descubrimientos. Y debe seguir siendo. Sus características lo hacen único, su vocación de festival convivencial, de encuentro más que de exhibición le confiere mayor enjundia y otro valor añadido. Para muchas compañías consolidadas, para grupos emergentes, para los que tienen más soporte institucional y para los que están desamparados, el FIT es una aspiración. Incluso para los artistas propios, Cádiz, puede ser la puerta a Iberoamérica. Con esto sería suficiente, pero tiene además algo importante: todavía mantiene una medida humana. Y eso es hoy en día un lujo.

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3 saluda y sumario

Est e supleme n t o a c om pa ñ a a l a re vi st a Artez 206 de Septiembre / Octubre 2015

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Carlos Gil Zamora 3

Tres décadas para la comprensión del mejor teatro hecho en las dos orillas

El director del FIT de Cádiz, Pepe Bablé, no ha pretendido hacer una edición conmemorativa, sino simplemente darle la continuidad requerida con una programación que remarque la vitalidad actual del teatro iberoamericano, “será una edición marcada por un carácter más festivo y donde nos acompañaremos de grupos, personas y países que han jugado un papel importante durante estos años. Por lo que habrá mayor atención a espectáculos lúdicos pero sin olvidar nuestro compromiso con las nuevas dramaturgias, teatralidades y los lenguajes contemporáneos.” Para ello se han programado espectáculos de dramaturgia propia como Las ideas de Federico León y El loco y la camisa de Nelson Valente de Argentina; Mar de Arístides Vargas, de Bolivia-Ecuador; Algernón. La angustia del conocimiento de Moisés Angulo y Nicolás Fernandois de Chile; El sistema solar de Mariana de Althaus de Perú; No daré hijos, daré versos de Marianella Morena de Uruguay y El grito en el cielo de Eusebio Calonge y Juanita calamidad de Antonio Álamo, de España.

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La programación de la trigésima edición del FIT que se celebrará del 16 al 24 de octubre queda configurada con grupos de 10 países: Argentina, Bolivia, Chile, Cuba, Ecuador, México, Perú, Portugal, Uruguay y España, con espectáculos de dramaturgia propia, creación colectiva o adaptación de textos de la literatura universal, con significativa presencia de la danza, tanto en sala como en calle y con las actividades paralelas habituales, destacando el Encuentro de Mujeres de Iberoamérica, así como los foros y debates y exposiciones que complementan una oferta que proporciona una amplia mirada al teatro iberoamericano. Son de creación colectiva La imaginación del futuro de La Re-sentida de Chile; Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido de Vaca 35 de México; y Edipo de la Compañía do Chapitó de Portugal. También se podrán ver versiones de textos universales como Othelo versión de Gabriel Chamé de Argentina, de la obra de Shakespeare; El burgués gentilhombre de Moliére en versión de Liuba Cid, de Cuba; y Marat Sade de Peter Weiss, en versión de Ricardo Iniesta, de España. La danza contemporánea estarán presentes con: Ánimo animal de Babirusa Danza, de España; y la danza flamenca a través de Cuando yo era… de Eva Yerbabuena; y Libertino de Marcos Vargas y Chloé Brûlé, de España. El teatro de calle contará con los espectáculos La banda foránea, Il Creceto, Tres monjas y una cabra., El clan de la nube, Floten tecles y The dance of the death de España; y el teatro-circo con Circo mediterráneo de Rolabola, de España; y la performance con: Ifigenia Peep Show de Alejandra Prieto, Paloma B. Bielicka, Almudena Rubiato, Lucía Mellado y Mariona Naudín; Crudo ingente de Juan Montoro Lara y Le petit Studio Cinéma de Eladio Sánchez y Roberto Alonso y Sí, me quiero de May Serrano de España. Programación que viene a resaltar la opinión de Bablé sobre el teatro iberoamericano actual: “Latinoamérica es tan extensa y tan heterogénea que se hace difícil hacer una evaluación

Parte fundamental del FIT es su Encuentro de Mujeres de Iberoamérica en las Artes Escénicas, que llega a la XIX edición llamado: ¨Planeta propio” Espacios transfronterizos del arte, en colaboración con el Instituto de la Mujer del Ministerio de Asuntos Sociales, la Fundación Autor, de la SGAE. y la Fundación Municipal de la Mujer, de Cádiz para lo se ofrecerán siete espectáculos que contienen temática de género o donde la presencia de la mujer juega un papel importante en la interpretación, autoría o dirección,

Otras actividades Se podrá disfrutar de dos exposiciones, “Tránsito por la escenografía española” de Acción Cultural Española (AC/E) y “Seres Invisibles” de la creadora RINAT IZHAK. Parte de las actividades pensadas para “Laten en nuestra piel”,

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Encuentro de mujeres

desarrollada en el marco del Proyecto “Arte y compromiso”Experiencias para el cambio social, Proyecto Atalaya, coordinado por la Universidad Pablo de Olavide, con el apoyo de la Dirección General de Universidades. Se completan las actividades con IX Encuentro de Investigación Teatral “Cruce de criterios”, el Foro de Creadores FIT 2015, el Muestrario de Proyectos, la entrega del XVI Premio FIT de Cádiz-Atahualpa del Cioppo y la Presentación de Ediciones y Publicaciones Teatrales. Redondea Pepe Bablé: “Creo que el festival cumple con creces con las funciones que, modestamente, pienso que debe tener un evento de estas características. El FIT de Cádiz nunca ha sido un mero festival de exhibición, ni ha correspondido a los cánones “festivaleros” de ser un espacio para ofrecer únicamente la proyección extraordinaria de determinados espectáculos exitosos; quiero creer que, además de ocuparse de esto que es también necesario, el festival se ha preocupado, y se ocupa, por ser algo más apostando por los discursos y propuestas emergentes, por lo novedoso, por los nuevos lenguajes, por la dramaturgia contemporánea, y por consolidar logros, provocar estrategias, y por cuestionar los paradigmas de esta bendita profesión. Este es el festival que intentamos hacer y defender. Si llega el día que se cambie sus estructuras ideológicas, pienso que puede convertirse en un festival más que solo tendrá la validez, prestancia e importancia que le otorgue los presupuestos económicos con los que goce. Desde la primera crisis económica de 1993, y hasta ahora, el FIT de Cádiz es uno de los de menos presupuestos económicos del conjunto de festivales importantes del marco iberoamericano; pero hacemos lo imposible para que no sea óbice para que crezca y consiga ser un referente por la calidad de sus propuestas y por las acciones estratégicas y fundamentales que provoca. Estimo que lo que realmente le hace falta es mayor dotación económica que nos permita seguir avanzando.”.

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rápida pero después de treinta años es evidente que hay países que han dado un cambio sustancial en su teatro más allá de los que la globalización ha provocado. Han sufrido el impacto del mimetismo de los lenguajes escénicos, como muchas partes del mundo occidental, pero lo han sabido tamizar con sus realidades propias y con sus valores artísticos autóctonos. Han conseguido conectar con los públicos con el ejercicio de un discurso mutuo, con el cuestionamiento ideológico y existencial, y por ir más allá de los cánones del simple divertimento”.

Marat/Sade ©Félix Vázquez

El espectáculo Juanita Calamidad (Todo el mundo tiene un pasado) será el encargado de inaugurar esta edición del festival, la quinta obra de Chirigóticas que llega al FIT pocos días después de su estreno, obra con la que cumplen diez años como compañía y que definen como “una especie de anti Yerma”. Antonio Álamo es el autor y director del espectáculo que ponen en escena las actrices Alejandra López, Ana López Segovia, Teresa Quintero, una historia “que además del referente de Yerma y de la propia Calamity Jaen, se inspira en el romancero de la Diosa Momá y en el repertorio de su chirigota callejera ‘Caravana de mujeres’” afirman desde la compañía. Esta obra es la historia de Juanita una eterna Campanilla que vive en el límite –de la edad para ser madre, entre otras cosas--, que pone en cuestión la noción de género y que no es casta ni abnegada ni sumisa. Vive el presente y nunca le hace ascos a una

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Muestra selecta del mejor teatro español en sala fiesta. Un día, resacosa, escucha una voz que le aconseja un poco de sensatez. Ya va teniendo unos añitos. ¿No es hora de cambiar? Se lo plantea durante un instante, pero esa misma noche cierra todos los bares, todos los saloons, es arrestada por la policía por escándalo público, y termina en el calabozo, donde su suerte cambiará para siempre. Junto a Juanita, sus amigas Loli y Rosi y algún personaje más son las protagonistas de esta obra cuya acción ”se desarrolla en el Madrid de la actualidad aunque los personajes son de Cádiz”.

Vivir en la intemperie del alma También de Cádiz, aunque de Jerez es la veterana La Zaranda conocida compañía del FIT que vuelve al festival para presentar su último trabajo, El grito en el cielo. Eusebio Calonge firma la autoría de esta obra estrenada a finales del pasado año en el Festival Temporada Alta de Girona tras realizar una residencia artística en la Biennale di Teatro de Venecia. Unos seres abandonados en un aséptico geriátrico; cuerpos deteriorados que subsisten en una monótona rutina de tratamientos, terapias y sesiones de rehabilitación. No tienen más

Nueva Marat/Sade Atalaya presenta en coproducción con el Festival Grec de Barcelona Marat/Sade, del dramaturgo alemán Peter Weiss, espectáculo estrenado el pasado mes de julio y con el que la compañía sevillana vuelve a poner en escena una obra de la dramaturgia alemana del siglo XX, la séptima en sus 25 años de trayectoria ya que anteriormente ha llevado a escena tres obras de Heiner Müller, dos de Bertolt Brecht y una de Hugo Von Hoffmansthal. Ricardo Iniesta es el autor de esta versión de la obra que Weiss, ‘Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat’, escribió en 1963 y de cuya dirección también se encarga. La obra se desarrolla en tres tiempos: 1793, año en

que fue asesinado Marat, que es la época en que sitúan la acción los internos del hospital; 1808, el momento en el que acontece la representación en Charenton, y la época actual en que los actores reales la llevan a cabo. En esta propuesta escénica, la compañía sevillana aúna la épica brechtiana y el teatro de la crueldad de Antonin Artaud y pone sobre el escenario a nueve intérpretes –Jerónimo Arenal, Manuel Asensio, Joaquín Galán, Carmen Gallardo, Silvia Garzón, Lidia Mauduit, María Sanz, Raúl Sirio y Raúl Vera– en un montaje en el que cobra especial importancia el carácter musical con la interpretación, en directo, de más de veinte temas. Juana Casado es la autora junto a los nueve intérpretes de la coreografía de este espectáculo cuyo cuidado vestuario ha sido diseñado por Carmen de Giles, encargada de esta labor en todos los montajes de la compañía. La composición y dirección musical son de Lus Navarro mientras que la escenografía es de Pepe Távora, artista con el que Atalaya trabaja desde hace años.

Para público familiar Pequeños y mayores disfrutarán con Le Petit Studio Cinéma una propuesta de Compañía de Títeres Errantes y Producciones Cachivache en la que contemplar una máquina capaz de atrapar el tiempo, y capturar la memoria en movimiento de una historia teatral. Un espacio donde dar rienda suelta a la imaginación para que esta viaje a un mundo de imágenes animadas donde hombres de goma, músicos de mil cabezas, sueños de un astrónomo, lunas, dirigibles y trenes fantásticos, mariposas, diablillos, carrozas infernales, astronaves inverosímiles… son los protagonistas. Este es el estudio de la familia Méliès, un lugar donde la fantasía y la magia se hacen realidad. Un lugar donde se burlan los límites físicos del mundo real. Esta propuesta escénica, de aforo limitado, es un teatro de ingenios, de títeres y a la vez un cine de feria pero es también una muestra de juguetes ópticos que el público, tanto infantil como adulto, puede manipular y disfrutar.

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esperanza que la sedación paliativa que los desintegre en la nada. Sin embargo esas vidas no han podido renunciar a soñar y algunos de ellos deciden desertar de la defunción médicamente certificada, intentando una escapada más allá del horizonte material que clausura su tiempo, emprendiendo un arriesgado viaje hacia la libertad perdida que les hace recuperar la fe como dimensión humana. Esta obra conforma junto con la anterior, ‘El régimen del pienso’, una ácida crítica a un mundo deshumanizado y sin trascendencia, donde los historiales clínicos suplantan toda biografía y el arte, mutilado de su sentido espiritual, es un engranaje más de esa maquinaria de aniquilamiento. Celia Bermejo, Enrique Bustos, Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Iosune Onraita dan vida a estos personajes bajo la dirección de Paco de La Zaranda.

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El grito en el cielo

Las ideas

Othelo

El loco y la camisa

Desde Argentina llegan tres propuestas escénicas muy diferentes entre sí. Cía. Gabriel Chamé presenta la particular versión de Othelo de William Shakespeare en la que cuatro intérpretes especialistas en teatro físico, clown y burlesco interpretan la universal tragedia del dramaturgo inglés. Esta versión escrita y dirigida por el propio Chamé propone una puesta en escena despojada de realismo cotidiano en la que “el juego físico y el verso blanco del maestro inglés se enfrenta y se complementa en un lenguaje lúdico, hilarante y absurdo” explica su autor quien añade que respetando el texto original “ahondo en las intenciones de los personajes a través del gag cómico, generando una ironía siniestra en la tragedia. Investigo, sin solemnidad, la relación entre lo trágico y lo cómico, como claves del teatro clásico y contemporáneo”. Nelson Valente es autor y director de El loco y la camisa, una obra naturalista de Banfield Teatro Ensemble que aborda de manera realista la locura, la convivencia familiar, la revelación

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Revisión de un clásico, de la locura, la familia y la creación de la verdad y la violencia doméstica. Sobre el escenario, una familia que “esconde a su loco de todas las maneras posibles. Lo esconde del afuera y del adentro. Suprimirlo sería el ideal. El loco se desarrolla amorfo y monstruoso como un cuerpo dentro de un corset. Su habilidad – condena es decir lo que ve sin filtros” explica Valente quien añade que en esta obra “lo subjetivo, cuando está unido al concepto de locura, se vuelve quizá objetivo. ¿Quienes son los locos y quienes los sanos? No existe mayor locura que la de vivir en la continua mentira. La irrealidad enloquece y pervierte. Y la maldad..., que se alimenta a sí misma sin descanso”. El tercer espectáculo llegado de Argentina es Las ideas de Federico León, una obra que trabaja los límites entre realidad y ficción poniendo en escena la intimidad de un proceso de creación. El público asiste a un proceso similar al que León (autor y director) puede o podría atravesar en sus obras junto a Julián Tello (actor y colaborador). Las ideas representadas podrían ser sus ideas pero no son necesariamente sus ideas; ellos son ellos, pero al mismo tiempo hacen de sí mismos. Esta propuesta escénica invita al espectador a seguir el proceso creativo desde dentro y permite poner en tela de juicio preconceptos sobre la ficción. Ante el público una mesa de ping-pong desordenada y el artista y el colaborar. En adelante, teatro.

El sistema solar

Teatro de los Andes

nos se va haciendo patente, tensiones que vienen de las diferencias en las relaciones con su madre. Pero además durante el viaje van encontrando –van apareciendo–, otros personajes e incluso fantasmas de personajes muertos en la guerra del Pacífico.

Reflejo de la familia limeña Mariana Althaus es la autora y directora de El sistema solar, espectáculo de la compañía homónima que pone en escena una obra con un reporte existencial de la familia limeña y particularmente de las familias de clase alta. La acción sitúa al espectador ante la familia Del Solar, una familia limeña acomodada que se reúne, después de mucho tiempo, una noche de Navidad. Los Del Solar están distanciados, los dos hijos, Edurne y Pavel están reñidos con su padre porque este dejó a su madre por otra mujer. En escena, “el último suspiro de un clan que está a punto de destruirse”, afirma su directora, “capta el último suspiro en el que una familia trata de pasar una noche junta cuando ya no hay nada que los una, más que el recuerdo del amor que hubo. Hay mucho dolor, resentimiento e incomunicación” explica Althaus quien añade que “la obra te invita a ser cómplice de una reunión familiar al que no has sido invitado. Te vuelves un voyerista”.

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Teatro de Los Andes presenta en coproducción con Teatro Malayerba Mar, la historia del viaje que emprenden tres hermanos, Juan, Miguel y Segundo, con el fin de cumplir el último deseo de su madre moribunda, ser abandonada en las olas del mar. Esta obra de creación colectiva de la propia compañía boliviana junto con Arístides Vargas, quien también se encarga de su dirección, es una alegoría poética de la pérdida del litoral partiendo de un hecho histórico, la Guerra del Pacífico. Es la puesta en escena de esa “ausencia-presencia de un mar” en el imaginario y en las aspiraciones, en el cobre de una deuda histórica y el carácter metafórico que de esa pérdida asume cada habitante de Bolivia. A partir de estas ideas, el viaje de estos tres hermanos y su madre es una historia simbólica en la que se reflexiona sobre la necesidad y la búsqueda de “un mar”, metáfora de un nuevo horizonte más amplio, de la esperanza de salir del encierro, de la recuperación de lo “perdido”, del hundirse en lo desconocido. Durante el viaje, la tensión entre los herma-

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La familia toma protagonismo en el teatro de la cordillera andina

Las mujeres, directoras y protagonistas El Burgués Gentilhombre

Marianella Morena es la autora y directora de No daré hijos, daré versos espectáculo sobre la poetisa uruguaya Delmira Agustini que pone en escena Teatro de La Morena de Uruguay y estrenado en Montevideo en el centenario de su muerte. Sobre el escenario los intérpretes Lucía Trentini, Sebastián Serantes, Laura Baez, Agustín Urrutia, Mané Pérez y Carlos Romapni rotan roles y géneros en un relato escénico musical contemporáneo –inspirado en Delmira Agustini– que transita por procedimientos sobre la Historia, el teatro, la academia, y devuelve un pasado estallado. ¿Qué sobrevive y cómo? Hay guerras que son de un hombre y una mujer, y hay guerras que son de una sola persona 90 minutos de espectáculo en el que cada uno pondrá su límite sobre lo real y la ficción. “Delmira irrumpe en el Novecientos con un pensamiento y una actitud frente al lenguaje completamente contemporáneos. Piensa su palabra, piensa su cuerpo”, explica Morena,

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No daré hijos, daré versos

sosteniendo que “en la poeta la palabra comporta un fuerte componente sexual. Pero esa mirada no descarta los aspectos sociales y políticos, dando pie a todo un conjunto de temas que hoy han cobrado gran presencia”. La editorial Artezblai ha publicado en un mismo volumen esta obra junto dos más de la propia Morena, ‘Trinidad Guevara’ y ‘Yo soy Fedra’.

Un clásico de Molière Como un Molière caribeño es definida la versión que ha realizado y dirige Liuba Cid de El Burgués Gentilhombre. Irónica, irreverente, mordaz y divertida, Mephisto Teatro acerca al público un Molière en el que los límites de la comedia son transgredidos tanto en lo visual como en lo dramatúrgico. Ocho actores interpretan los personajes masculinos y femeninos de la obra, en un juego de roles que recuerda la ductilidad interpretativa de aquellos actores del Siglo de Oro y sobre todo “la visión del universo femenino desde el imaginario masculino” apuntan desde la compañía de origen cubano. “En su interpretación, estas criaturas escénicas tensan el eje del relato dramático de la comedia aflorando desde la esencia misma de sus máscaras” explica Cid.

Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido

Édipo

re hermanar recuerdos, emociones, anécdotas y cosmovisiones a partir del diálogo entre dos mundos que se encuentran alrededor de una mesa. “Una experiencia para los sentidos pero también una gran oportunidad para profundizar en el conocimiento de nuestra civilización’” explican desde Vaca 35.

Portugal Desde Portugal Companhia Do Chapitô pondrá en escena Édipo, su particular versión del mito griego con tres intérpretes sobre el escenario que dan vida a un sinfín de personajes para contar, con humor, la universal historia plagada de desdichas, infortunios, confusiones, fatalidades y muerte. Esta creación colectiva dirigida por José Carlos García presenta, en palabras de los miembros de compañía, un Edipo “re-inventado y sin complejos” que intenta dar respuesta a preguntas como: “¿Es Edipo el marido de su madre o el hijo de su esposa?, ¿y sus hijos, son también sus hermanos? ¿Y los hijos son de su esposa o es esta su abuela?” y si todas estas preguntas no fueran suficientes, queda el dilema de Creonte, “¿será su tío o su cuñado?” todo ello con un fino humor que impregna toda la propuesta.

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La compañía mexicana Vaca 35 presenta su último espectáculo, Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido, una creación colectiva entre Vaca 35 y TeatroDeCerca con dramaturgia y dirección de Damián Cervantes. Como una experiencia de gastronomía escénica se presenta esta propuesta, “un proyecto de cruce cultural entre México y España que tiene por objetivo el viaje personal, social y social y gastronómico. De la muerte que ha construido nuestro bagaje personal que funda nuestra identidad y nos permite celebrar el presente” destacan los miembros de la compañía. “En México celebramos a nuestros muertos. Los pensamos, los invocamos y le cocinamos lo que más les gustaba, para que un día al año regresen, y se sienten a la mesa, convivan con nosotros, y nos digamos hasta luego” aclaran. Este proyecto, una Co-producción de la compañía mexicana junto con Fira Tàrrega, Nau Ivanow, Iberesenca y México En Escena, quie-

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La gastronomía como puente y una particular visión de Edipo

Algernón, la angustia del conocimiento

La imaginación del futuro

Marcos Layera dirige el espectáculo que presenta La Re-sentida, La imaginación del futuro, una obra que parte de un hecho ficticio que podría haber cambiado el devenir de la historia de Chile, “no es un fiel relato histórico ya conocido por todos, sino una ficción libre, desfachatada e insolente, basada en hechos que han marcado nuestra identidad política” explican los miembros de la compañía. Esta aclaración es importante ya que la obra pone en escena una situación que pudo ser pero no fue, y es la reunión de un grupo de Ministros de Estado que se reúnen para intentar asesorar al presidente Salvador Allende en sus últimos días y salvar su gobierno. “¿Podrán torcer la historia?, ¿podrán evitar los 17 años de dictadura que se avecinan y cuyas consecuencias arrastramos hasta hoy?” se preguntan sus creadores e intérpretes. “A partir de esta situación ficticia iremos revisando y confrontando diversos hitos que nos revelarán la clase política y la violencia que ha caracteri-

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Un futuro diferente en manos de dos compañías chilenas zado a nuestro país” afirman Carolina Palacios, Pedro Muñoz, Benjamín Westfall, Nicolás Herrera, Alejandro Goic, Carolina de la Maza, Benjamín Cortés, Diego Acuña –intérpretes de la obra– y su director, Marco Layera, co-autores de esta obra. La segunda propuesta chilena es de la Compañía Colectivo Arte Matamala, que llega a Cádiz para presentar Algernón, la angustia del conocimiento, obra ganadora del Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Chile que organiza la Municipalidad de Las Condes. Moisés Angulo y Nicolás Fernandois se han inspirado en el cuento ‘Flores para Algernón’ de Daniel Keyes para llevar a escena esta obra. Fernandois dirige esta obra interpretada por Angulo quien da vida a Charlie Gordon, un hombre de mediana edad con discapacidad mental que ha sido seleccionado para participar en un experimento científico con el que podrá triplicar su inteligencia. Los avances de Charlie se irán comparando con los de un ratón de laboratorio llamado Algernón, con el que ya se ha llevado a cabo el experimento. Según van avanzando los experimentos Charlie irá evolucionando hasta convertirse en un hombre brillante pero... al observar los efectos causados en Algernón tendrá que enfrentarse al atroz final que le espera.

Cuando yo era...

Libertino

innovador y claro referente en la senda del flamenco y Fernando Mansilla y su universo poético porque.. “Lo dijo el poeta: volando voy, volando muero…” Fernando Mansilla. Eva Yerbabuena llega al festival con Cuando yo era..., un espectáculo en el que la bailaora se encuentra a sí misma a través de un elemento tan simbólico como el barro. Para ello la intérprete escenifica la historia de su bisabuela, que perdió su marido durante la Guerra Civil española y rinde un homenaje “a las ausencias y a esas mujeres que tuvieron que armarse de mucha fuerza y voluntad”. La bailaora se adentra en el agua, el barro y el movimiento y los convierte en elementos para el cambio, ya que tal y como ella misma expresa “es la mejor forma de explicar cómo nos moldean el tiempo y la historia”. Porque nacemos en un lugar y un momento concreto y como barro que espera ser moldeado, “nos hacemos visibles ante el mundo para que él nos ayude a crearnos, con verdades, mentiras y silencio que exigen que existamos a su antojo, y en cuyos miedos al olvido y la omisión dejaremos de existir, porque entre sus unos y sus ceros acabaremos siendo historias hilvanadas como sueños, biografías narradas como anécdotas, simples ondas sonoras que algún viento lejano habrá de remover”.

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La programación de la presente edición del FIT incluye dos espectáculos de danza, ambos con el flamenco como lenguaje. Compañía Marco Vargas & Chloé Brûlé presenta Libertino, obra en la que hablan de la libertad. “La libertad del baile, del cante y de la poesía: tres senderos que se bifurcan y coinciden continuamente alrededor de una jaula vacía. Ilustran ese momento explosivo de la toma de una decisión sin marcha atrás, inapelable: volar de la jaula” afirman. Libertino es una propuesta en forma de ritual sobrio y desnudo, poético y evocador en el que se cuenta la vida que transcurre a lo largo y ancho de éstos tres senderos –baile, cante y poesía– en continúo diálogo, creando momentos mágicos y abriendo espacios para respirar, tomar aire y fuerza antes de saltar otra vez al vacío en busca de la propia e insobornable libertad personal. Para esta nueva creación el dúo formado por Vargas y Brulé vuelven a contar con el Juan José Amador, un

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El flamenco como un código de expresión universal

Crudo ingente ©Gerardo Sanz

The dance of the death

Tres monjas y una cabra

Diversas calles y plazas de la ciudad serán el escenario de la programación de calle que está edición la conforman una decena de compañías que pondrán en escena otros tantos espectáculos de diversas disciplinas dirigidos todos ellos, a todos los públicos. Forani Teatre será la encargada de dar comienzo a la programación de calle con el itinerante musical La banda forània; cinco músicos y un clown conforman una particular orquesta que transmitirán la energía de la música balcánica, el romanticismo de las fanfarrias francesas o el exotismo de la música árabe. Itinerante es también el espectáculo El clan de la nube de Animasur, cuatro zancudos, una estructura móvil y una gran nube para hacer disfrutar a grandes y pequeños. Seis intérpretes armados con sus instrumentos transforman el concepto de música en directo acompañados por un esqueleto de gran altura en The dance of the death, un espec-

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Las artes de calle se cuelan por la ciudad táculo de Efímer con un claro objetivo: mover el esqueleto a ritmos trepidantes. La música es también la protagonista de Floten tecles de David Moreno & Cía., un espectáculo musical-teatral-cinematográfico lleno de poesía y humor. Ante el público un pianista colgado a seis metros de altura y en posición vertical toca el piano, las percusiones y canta mientras la tapa del piano se convierte en una pantalla de cine... sorpresas en una propuesta en la que el cielo se convierte en escenario

Propuestas diferentes Particular es también el espectáculo Ifigenia. Peep Show un montaje colectivo de The Winged Cranes dirigido por Alejandra Prieto en el que se denuncia el ritual del sacrificio de la mujer ante una sociedad impasible y cómplice que contempla este sacrificio (maltrato físico, psicológico y social) sin poner medidas. El público es invitado a realizar un recorrido por unas instalaciones con forma de campamento militar prebélico y adentrarse en la intimidad de los personajes. Crudo ingente es un espectáculo de Nacho Vilar Produccio-

Circo Mediterráneo

Ifigenia. Peep Show

Danza y circo La danza llega con el espectáculo Ánimo animal de Babirusa Danza, una coreografía de Beatriz Palenzuela en la que se-

res orgánicos viven, sienten y se mueven por su propio impulso. Una pieza que plantea los pliegues que puede haber entre los pensamientos o las acciones de las personas. El circo por su parte es el lenguaje principal de los espectáculos que presentan Rolabola Circo y Traüt Companyia d´espectacles. Los primeros presentan Circo Mediterráneo, un circo “al uso” con carpa incluida que esconde la esencia de la tradición circense y los nuevos aires propios del circo contemporáneo. Los números de superación se intercalan con otras propuestas en las que la magia del circo impregna el ambiente. Los segundos llegan con Il Criceto. Ante el público un enorme artilugio cargado de sorpresas que desfilará por las calles de la ciudad mientras su inventor, un extravagante charlatán va explicando en que consiste acompañado de Criceto (un curioso personaje entre hombre y animal), un mañoso mecánico y dos músicos multiinstrumentistas. Humor, circo, música en directo y muchas sorpresas más.

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nes creado sobre un texto de Juan Montoro Lara dirigido por Sara Serrano. Un vehículo aparcado en la calle es convertido en un espacio escénico inusual e íntimo en el que dos interpretes dan vida a unos personajes que se encuentran y enfrentan a una historia de agresión y supervivencia. Una propuesta en la que el público se convierte en pasajero silencioso de un particular y estrambótico viaje. Alejandra López, Ana López Segovia, Teresa Quintero son Chirigóticas y pasan a convertirse en tres divertidas monjas en el espectáculo Tres monjas y una cabra. Las tres protagonistas se han fugado de sus respectivos conventos y siglos y han decidido tomar la calle para representar varias piezas -loas, entremeses, autos y hasta un drama- con las que viajan del rigor del pasado al caos del presente. Un triple deseo les mueve: evadirse de los rigores del enclaustramiento siquiera por unos horas, dar a conocer sus versos (relegados por los Lopes, los Calderones y los Tirsos) y batirse en justa poética entre ellas.

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El clan de la nube

septiembre octubre

XVIII Fira Mediterrània de Manresa

Todo confluye en Manresa

el 15 al 18 de octubre tendrá lugar una nueva edición de la Fira Mediterrània en Manresa, con una programación en la que destacan 35 estrenos y 9 coproducciones. Màrius Serra, Xavier Albertí y Carme Ruscalleda protagonizan “Pregons”, nuevo proyecto de esta edición marcada por la conexión entre tradición y modernidad. La 18ª Fira Mediterrània contará con más de cien compañías y alrededor de trescientas actividades enmarcadas en dos grandes pilares: la cultura popular y las músicas del mundo. “La Fira sigue apostando por la renovación del patrimonio cultural, la participación social y la internacionalización de los artistas catalanes”, afirman desde la Organización. Ucrania, Italia, Etiopía, Marruecos, Senegal, Portugal, Palestina, Israel y Argentina son algunos de los países que estarán representados en esta edición. “La Fira quiere reivindicar una cultura popular en transformación constante, un patrimonio inmaterial que nos rodea desde el pasado, que explica el presente y nos proyecta al futuro, y que en sus múltiples formas se adapta y evoluciona”. La cultura popular será la protagonista de los espectáculos encargados de la inauguración y la clausura de la presente edición. El montaje de hip hop y cobla In Somni de la compañía de danza urbana Kulbik y la Cobla Sant Jordi abrirá la Fira, mostrando la alianza entre cultura tradicional y cultura urbana. El proyecto nació como un laboratorio durante la Fira del año pasado, y se presenta como coproducción de la Fira Mediterrània con el Mercat de les Flors de Barcelona, que también inaugurará temporada con esta propuesta. En cuanto a la clausura, el espectáculo lírico La viola d’or, con dirección escénica de Jordi Prat i Coll y asesoramiento artístico de Xavier Albertí, conmemorará el 150 aniversario del nacimiento del compositor catalán Enric Morera, con un proyecto que

resa serán los protagonistas de 5 days to dance, la performer Ada Vilaró estará sentada durante 24 h seguidas interaccionando con el público para potenciar la calle como lugar de encuentro, y Farrés Brothers estrenará El silenci d’Hamelín, versión del cuento del flautista que introduce a los niños en el lenguaje de sordos. Varios artistas internacionales estarán presentes en el apartado dedicado a las músicas del mundo, que este año quiere destacar a las voces femeninas, como la de Ester Rada (Israel/Etiopía), Kamylia Jubran (Palestina), La Yegros (Argentina), o el encuentro entre la joven marroquí Nabyla Maan y la aragonesa Carmen París. En la sección de cultura tradicional y comenzando este año, la Fira dedicará una atenFive days to dance © Claudia Hoppens Kopie ción especial en cada edición a un evento destacado de cultura te Lunas, y Astrio, Sonia Gómez, Pau Puig y popular, que en este 2015 es para la FesPere Gumbau A vore!. La Fira propone tamta Major de Vilafranca. bién un laboratorio con Magí Serra (danPregons za) y Marçal Ramón (música). Dentro de la programación de danza estarán también Transformando su habitual proyecto las compañías vascas Er tza con El show del espectador y Organik con Txapeldun. de artista invitado, la Fira ha propuesEl teatro y el circo tendrán su espacio to a tres personalidades creativas de la con propuestas como Cosas que se olvidan vida social y cultural catalana que “nos fácilmente de Xavier Bobés, una pieza recuerden la potencia y la vigencia de la creada para sólo cinco espectadores en cultura popular”. Así, los invitados ofrecerán tres actuaciones de 15 minutos en cada función. Las francesas Les Mobilettes ofrecerán Café Frappé y la compañía tres momentos diferentes del certamen. de las Islas Baleares Circ Bover llegará a El periodista y escritor Màrius Serra mosManresa con Vincles. trará que el catalán es la lengua madre Por otro lado, los espectáculos familiade todas las lenguas en Pregón políglota bajo el paraguas de una única lengua. El res tendrán este año el cuento como eje músico y director de escena Xavier Albertí temático. Entre ellos, Ponten Pie mostrará Àrtica en un conte, adaptación para nicontará con Wanda Pitrowska, directora ños de su espectáculo Àrtica, y Teatre de de orquesta polaca, para representar un l’Aurora llevará a escena su Comte Arnau. “pregón anunciador” con Pregón a dos bandas y una sola voz con piano. Por últiTendrán también su hueco los proyectos mo, la cocinera Carme Ruscalleda hablará que vinculan las artes escénicas con la del origen catalán del tenedor en Pregón transformación social. Un centenar de de tenedor y servilleta. alumnos del IES Pius Font i Quer de Manrecupera la primera obra de zarzuela catalana escrita para cobla y voces de la mano de la Cobla Marinada de Badalona, el coro ArsInNova y la compañía de danza Factoría Mascaró. En cuanto a las artes escénicas, El Niño de Elche y María Muñoz presentarán Sie-

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15 septiembre octubre XXXVII Festival Internacional de Teatro de Manizales

Programación bifocal, para ver en sala y en calle En la edición de este año más de seiscientos artistas provenientes de quince países ofrecerán sus espectáculos

l lema elegido para esta trigésima séptima edición del Festival Internacional de Teatro de Manizales que tendrá lugar del 4 al 13 de setiembre es ”Puro teatro del bueno”, una declaración de intenciones que compromete y que prepara a todos para acercarse a espectáculos de quince países en sus dos vertientes preeminentes: la sala y la calle, además de proponer toda una suerte de actividades paralelas, debates, encuentros, talleres bajo el cartel de “Palabras a escena”, que debe servir como un componente educativo, entre los que cabe destacar el seminario titulado “Escenarios para el post conflicto” donde se analizará de manera profunda el papel que la cultura y las artes escénicas pueden tener en el momento que en Colombia se firme la paz. Este año el Festival tendrá como Invitado de Honor al Teatro Colón de Bogotá, considerado como el “teatro de los colombianos”, institución que traerá a la muestra oficial varias de sus producciones escénicas más recientes como la coproducción con La Maldita Vanidad del espectáculo titulado Hoy envejecí diez años y el montaje realizado junto a Teatro Petra, Labio de liebre. El Invitado Especial será la ciudad de Belo Horizonte (Minas Gerais, Brasil) del que se podrán ver espectáculos de sala y calle marcados por la tradición y la vanguardia de esta importante región que serán presentados al público en español, entre los que podemos destacar al Grupo Espanca con su obra Amores surdos, el Teatro Andante con Olympia, la Cia Luna Lunera con Aqueles Dois o Teatro Inver tido con Os ancestrais. Las representaciones en sala se celebrarán 60

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Rodaforio

en ocho espacios diferentes con una programación en la se podrá ver las últimas producciones del teatro colombiano, como Exilia2 Teatro y el FIT de Bogotá que ofrecerán, Voz; Los legendarios Teatro Matacandelas con El mediumuerto, y Teatro de La Candelaria con Si el río hablara. También estarán El colegio del cuerpo con Flowers for Kazuo Ohno (and Leonard Cohen; Teatro R-101 presentará El ausente, Teatro Azul comparecerá con En el escenario, Umbral Teatro con Donde se descomponen las colas de los burros, Teatro Punto de Partida con El Trotacalles mientras que el grupo Actores en Escena representará Como sos te quiero - Letra de tango. Entre la programación de otros países se da la curiosa circunstancia de que se podrá ver dos versiones del Otelo de Shakespeare, una realizada con objetos a cargo de los chilenos de Viajeinmóvil con la actuación y dirección de Jaime Lorca y otro realizado en clave de clown y teatro físico a cargo

de Teatro Buendía de Argentina en una delirante versión y dirección de Gabriel Chamé. Están programados en sala dos espectáculo uruguayos, Reversión Teatro con Blu y Gustavo Moraes Moraes Susaeta con Marx in Soho. Dos obras también llegan de la República Dominicana: El canta, yo cuento de Casa de Teatro y Como un Bolero una coproducción de la propia Casa de Teatro junto a Ministerio de Cultura de la República Dominicana. La representación de Venezuela será a cargo del Circo Nacional que ofrecerá Carmen. De México se podrá ver la representación de Bestias y Productos de Arreola por Arreola y se anuncia una coproducción entre los estadounidenses de Id Studio New York y la Compañía Nacional de las Artes de Bogotá que pondrán en escena Máxima Seguridad. De producción española se podrá ver a Titzina con su última y exitosa obra Dis-

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Máxima Seguridad de Id Studio New York y la Compañía Nacional de las Artes

tancia siete minutos, Producciones una hora menos con Me llamo Sulieman y una coproducción española-afgana, a cargo La conquesta del Pol Sud y su Nadia. La gran oferta de teatro de calle, se ofrecerán espectáculos de todos los formatos y para todos los públicos de grupos y compañías procedentes de Italia, Tony Clifton, Francia con Imperial Kikiristan o La Chouing, USA, Carpetbag Brigade, España Shakti Olaizola y en coproducción con Colombia, Rodaforio y una amplia representación colombina: Barrio Comparsa, Teatro Tierra, Caza Retasos, La Burbuja Producciones, Ensamblaje Teatro, Aainjaa, Teatro Inverso que ofrecerán un total de cuarenta y ocho representaciones por diferentes barrios de Manizales. Fiesta escénica en Quito

Del 10 al 27 de setiembre tendrá lugar en al ciudad de Quito (Ecuador) su primera Fiesta Escénica en Quito, organizada por la Fundación Teatro Nacional Sucre, diecisiete días en donde se podrán ver espectáculos nacionales e internacionales, además de existir un gran número de actividades paralelas, como foros, encuentro de curadores de festivales internacionales o show-cases. Entre los espectáculos destacados en estos días “para celebrar” señalamos la producción del musical Despertares a cargo de la Fundación Teatro Nacional Sucre, Un enemigo del pueblo en producción ecuatoriana dirigida por Christoph Baumann; Bianco su Bianco de la compañía suiza Finzi Pasca. Dos producciones chilenas, Historia de amor a cargo de Teatro Cinema y el Otelo dirigido por Jiame Lorca con Viajeinmóvil. De México se podrá ver una de la sobras que más gira, Más pequeños que el Guggenheim, a cargo de Los Guggenheim. De Bolivia, una especialísima versión de Romeo y Julieta a cargo de Kiknteatr. El bailarín vasco Natxo Montero con Barbecho es la única presencia sobre la escena de españoles. Se completa el programa con una amplia representación de teatro ecuatoriano a cargo de La Trinchera con Un pez solitario; Arawa Teatro con Soliloquio épico coral; Teatro del Cielo con Lautaro, Teatro Contraluz con Cletasinergia y Teatro de la Vuelta con Barrio Caleidoscopio, cerrando esta muestra el Colectivo Caída - Hemisferio cero que realizará una instalación teatral. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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TNT Terrasa El 1 de octubre Jan Lauwers & Needcompany dará comienzo al festival TNTTerrasa Nuevas Tendencias con su espectáculo de teatro-performance The Blind Poet, que se podrá ver por primera vez en el Estado. Como coproducción del TNT se presentará el site specific Una família balla de Los Detectives/Mariona Naudin. Otros montajes programados son: Caravana de tráileres de G.R.U.A., Monutafi. Monumento de erección popular de Marcel·lí Antúnez y Guerrilla (conferencia y concierto) de El Conde de Torrefiel.

Dantza Hirian Del 18 al 27 de septiembre Dantza Hirian recorrerá 10 ciudades en su 10ª edición, con propuestas de compañías y coreógrafos reconocidos en el mundo de la danza contemporánea. Entre ellos, destacan los estrenos del programa de artistas en residencia ATERPEAN: la coreógrafa Natalia Monge de la compañía Organik presentará Irrintzi, y Rouge Elea mostrará Bleu. Paula Quintana, Alberto Pardo y Marcos Pardo, Lali Ayguadé, Olatz de Andres y Daniel Abreu forman también parte de la programación, entre otros.

¡Vuelta 1! Del 9 al 18 de octubre la asociación Translatinas presenta ¡Vuelta 1!, proyecto que propondrá acciones puntuales con diferentes colaboradores. Así, se podrá disfrutar de lecturas “vagabundas” latinoamericanas en diversas librerías y bibliotecas, se organizará un Seminario con la Universidad de Pau y Pays de l’Adour, un espectáculo con Biarritz Cultura para el público joven, un montaje con el Festival Sens Interdits de Lyon en el Colisée en Biarritz y espectáculos en el Théâtre des Chimères.

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MITIN Organizada por el Centro TNT, la Muestra Internacional de Teatro de Investigación–MITIN celebra a partir del 23 de octubre su VIII edición, que estará dedicada a Tadeusz Kantor. La muestra cuenta con montajes como: Las guerras correctas de Teatro del Barrio, Mar de Teatro de los Andes, La exiliada, la negra, la puta, el caracol y la mística (Periferias) de Teatro de lo Inestable, Viaje a ninguna parte de Catalina Carrasco & Gaspar Morey o Entre todos la mataron y ella sola se murió de Estigma Teatro.

Festival Iberoamericano Organizado por Celcit España, el XV Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro se celebrará del 1 al 18 de octubre, con una programación formada por compañías como la chilena Viajeinmóvil, la venezolana Grupo Actoral 80, la boliviana Teatro de los Andes, la ecuatoriana Malayerba, la andaluza Tras el Trapo Teatro, las madrileñas CDN y Uroc Teatro o la albaceteña Arte Fusión. Representando a Almagro, El Taular Teatro ofrecerá Bodas de Sangre.

El Gallinero La localidad navarra de Cabanillas acoge del 4 al 6 de septiembre la 2ª edición del Festival de Teatro Contemporáneo El Gallinero, organizado por el ayuntamiento del municipio junto con Noemí Rodríguez Santos y Juan Yuste del Valle de la compañía Yo nunca jugué con Barbies. El programa incluye a Santi Senso con El descanso de Caronte, Lanau con Concertinas, Antonio de Cos con Flores, Biribó Teatro con El Pícaro de Tormes y Utopian Getxo con Expresso 2222, entre otros.

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15 septiembre octubre Dantzaz Konpainia estrena Áureo

Piezas de danza de artistas internacionales en el Arriaga

©Jose Usoz

ureo se presenta como una especial producción de danza contemporánea formada por cinco breves piezas coreográficas que serán estrenadas del 9 al 10 de octubre en el Teatro Arriaga de Bilbao. Para su creación Dantzaz Konpainia ha contado con el trabajo de varios creadores internacionales. Cinco son los coreógrafos que la compañía Dantzaz ha invitado para participar en esta producción formada por piezas de diferentes estilos y dirigida a todo tipo de público. Pretenden así combinar la excelencia a nivel internacional y la frescura de la juventud. Según explican, “Itzik Galili, Lukas Timulak y Jone San Martin representan la máxima calidad dentro de la danza contemporánea a nivel mundial”, cuyas piezas se combinan con las creaciones de “dos grandes y jóvenes coreógrafas: Judith Argoma64

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niz y Christine Hassid”. Bailarines llegados de todo Europa serán los encargados de interpretar dichas coreografías. El nombre de la nueva producción de Dantzaz proviene del “Número Aureo”, también llamado “divina proporción”, muy utilizado en la arquitectura y la escultura desde la antigua Grecia. Con el espectáculo, Dantzaz quiere continuar en su particular búsqueda de “esa proporción adecuada entre la creación y el público, calidad y cercanía, excelencia y espectacularidad, grandes autores y grandes creaciones frente a todo tipo de públicos y en diversidad de espacios”. coreógrafos

El israelí Itzik Galili es uno de los coreógrafos participantes en la creación de

Áureo. El artista, que reside en los Países Bajos, ha creado más de 60 piezas y ha trabajado con y para compañías internacionales como la Bale da Cidade de São Paulo, Les Ballets de Monte Carlo, Batsheva Dance Company, Cisne Negro, Dutch National Ballet, Les Grands Ballets Canadiens, Royal Finnish Ballet o el Stuttgart Ballet. El que fue director artístico de la NND/Galili Dance en Groningen (1997 –2009) se estableció después en Ámsterdam para dirigir junto a Krisztina de Chatel la Dansgroep Amsterdam (2009 y 2010). Ha recibido numerosos premios, entre los que se encuentra el “Final Selection Culture Award (Phillip Morris)”, por “su excepcional talento y su gran contribución a la danza y cultura en los Países Bajos”. Además, en 2006 fue nombrado caballero de la real orden holandesa “Oranje Nassau”. Para Dantzaz

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©Jose Usoz

Konpainia, Galili readaptó Earth Apples en 2008 y creó Flash deluxe en 2011. También en los Países Bajos reside Lukas Timulak, bailarín y coreógrafo eslovaco. Después de estudiar en el Dance Conservatory de Bratislava y en la Academie de Danse Classique Princesse Grace de Mónaco, Timulak formó parte de Les Ballets de Monte Carlo y de los Nederlands Dans Theater 2 y 1, donde trabajó en nuevas creaciones o ballets del repertorio, comenzando así a coreografiar. En 2011 creó A Place Between para Dantzaz Konpainia. La donostiarra Jone San Martín es otra de las coreógrafas creadoras de la producción que se mostrará en Bilbao. La bailarina ha trabajado con compañías como Archipel Sud, José Besprosvany, Jacopo Godani y el Ballet de Charleroi en Bélgica, y en el alemán Ulmer Theater de Phillippe Talard, además de con William Forsythe. En 2006 recibió el Premio Trayectoria Artística que otorga la Asociación de Profesionales de la Danza de Gipuzkoa. También de Donostia es Judith Argomaniz, directora de la compañía de danza contemporánea Lasala, que se compone de artistas del ámbito de la danza y la fotografía y que fue creada en 2013. Previamente, se formó en el Institut Del Teatre de Barcelona y en el madrileño Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, donde se licenció obteniendo la máxima calificación y el premio extraordinario. Argomaniz ha formado parte de las compañías Ballet Biarritz Junior y Amaury Dance Company y ha interpretado obras de Nacho Duato, La Macana y Shlomi Bitton, entre otros. Christine Hassid cierra la lista de los coreógrafos autores de Áureo, directora artística de la compañía Christine Hassid Project de Burdeos que presentará la pieza Momentum en el Teatro Arriaga. En 2010, su creación Urban Folklore fue finalista en el concurso de nuevos creadores de la Escuela Juilliards de Nueva York. Ya con su propia compañía Hassid ha creado las piezas Orphée.com, dúo basado en el mito de Orfeo y Eurídice, y Beldurra, última creación de esta compañía que se dedica a la investigación artística y a la creación de proyectos internacionales. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre Gorakada estrena Moby Dick

Una gran ballena merodea por la geografía vasca

l Festival Internacional de Teatro de Santurtzi acogerá el 25 de octubre el estreno de la obra Moby Dick de la compañía vasca Gorakada, que después de los montajes La vuelta al mundo y Aladdin, ambos en gira aún, vuelve a repetir equipo artístico. “No vamos a entrar en ello, pero lo que sí tenemos claro es que nos juntamos porque a todos nos gusta la magia que puede surgir en el escenario cuando objetos y pequeños seres inanimados cobran vida; y también la que surge cuando nos dejamos llevar por la buena literatura. Es evidente que la buena literatura (hablamos de la literatura no específicamente teatral) es un pozo sin fondo de historias, de ideas, de imágenes y matices que puede dar para llenar varios escenarios”. Julio Salvatierra es el autor de Moby Dick, espectáculo que se podrá ver el 1 de noviembre en el Festival Internacional de Teatro de Gasteiz y que cuenta con la música de Fran Lasuen. La pieza, dirigida por José Carlos García, está pensada para un público de entre 9 y 12 años, “aunque esperamos ampliarla brindando lecturas paralelas hasta los 6 años por abajo y los 106 por arriba, o más...”. Aritza Rodríguez, José Cruz Gurrutxaga y Eriz Alberdi son los intérpretes de Moby Dick. “En la novela hay una dialéctica fundamental entre la forma de ver la vida de Ismael, el narrador, y la del Capitán Acab. Ismael representa en cierto modo un aventurero filósofo al que la naturaleza le fascina, pero no le asusta. Y Acab representa un hombre atormentado que necesita vencer a la naturaleza (la suya incluida) para sentirse cómodo. No pensamos entrar en honduras psicológicas, pero esta dualidad resume muy bien la postura del Hombre frente a esa naturaleza que él mismo hoy comienza a poner en (cierto) 66

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peligro. Hoy día no es muy políticamente correcto escoger como protagonista a un cazador de ballenas. Pero Ismael, salvando las distancias temporales, en cierto modo representa la postura positiva y correcta frente a la naturaleza: curiosidad y fascinación. Mientras que Acab representa las tendencias (auto)destructivas que el hombre siente también ante la misma. No queremos transformar la novela en un cuento moralista, pero esos dos personajes y esa vieja lucha, en la raíz misma de la humanidad, entre el ecologismo y la necesidad de dominar el entorno, estará ahí también, para que el espectador decida”. Forman también parte de la creación de la obra

Nadia Santos (asistenta de dirección), Javi Tirado (escenografía y marionetas), Javi Ulla (iluminacion) y Alex Díaz (dirección artística y producción). En cuanto a la estructura de la historia, “nos parece que la de la novela original es perfectamente sólida, aunque evidentemente hay que bucear para dejar sólo lo fundamental: esa síntesis será uno de los trabajos fundamentales de la adaptación. Y el otro será trazar un punto de partida, junto con el resto del equipo, para intentar el trasvase de la emoción contenida en las palabra a la emoción escénica: qué acciones rescatar, cómo sugerir, cómo imaginar, cómo dialogar...”. En relación a los elementos narrativos y formales, la compañía pretende trabajar sobre elementos como la ballena, el mar, el barco y el tamaño. Gorakada se encuentra, al cierre de esta edición de ARTEZ, inmersa en pleno proceso de ensayos, y afirman: “Aún no sabemos si nos ceñiremos a los tres personajes principales (Ismael, Acab y la Ballena) o incorporaremos a la tripulación entera, pero sí sabemos que, al menos como punto de partida, nos interesa más un trabajo detallista y cuidado que intente integrar el máximo de elementos posibles de la historia, antes que una reducción drástica seleccionando sólo una aspecto de la novela original.” Después de representarse en Santurtzi y en Gasteiz, la compañía realizará una gira que recalará en lugares como: Berriz (6 nov), Donostia-Gasteszena (7 nov), Barakaldo (10-11 nov), Valladolid (1516 nov), Lasarte (21 nov), Gernika (22 nov), Errenteria (27 nov), Basauri (29 nov), Zumaia (13 dic), Durango (20 dic), Leioa (26 dic), Hondarribia (28 dic), Donostia-Lugaritz (30 dic), Iruñea (3 ene), Donostia-Teatro Principal (13 feb) y Eibar (20 feb).

15 septiembre octubre La Ruta Teatro estrena Ninette y un señor de Murcia

La aventura de un murciano que viaja a París

oproducción entre la compañía La Ruta Teatro y Teatro Circo Murcia, la obra teatral Ninette y un señor de Murcia de Miguel Mihura se representará del 8 al 10 de septiembre en el Teatro Calderón de Valladolid. El montaje cuenta con la dirección de César Oliva, director a su vez del TCM, donde la pieza se podrá ver del 26 al 28 de noviembre. El elenco está formado por los intérpretes Miguel Rellán, Julieta Serrano, Javier Mora, Jorge Basanta y Natalia Sánchez. “Con Ninette y un señor de Murcia, Miguel Mihura compuso una comedia casi perfecta”, afirma Oliva. La obra de Mihura fue estrenada el 3 de septiembre de 1964 en Teatro de la Comedia de Madrid, época en la que, en palabras de César Oliva, “el régimen de Franco alcanzaba los 25 años de paz, según eslogan que popularizó la dictadura. La España de entonces todavía vivía sumida en un sistema de valores en los que la sexualidad permanecía al margen de cualquier manifestación externa; en ese sistema de 68

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valores, la represión era moneda de uso corriente”. En el texto de Mihura se describen las peripecias de Andrés, un joven e ingenuo murciano que tras haber recibido una herencia decide viajar a París con el objetivo de vivir una aventura. A través de un amigo, se instala en un piso de un barrio popular, propiedad de Pedro y Bernarda, una pareja de españoles exiliados tras la Guerra Civil y padres de Ninette, una chica francesa con la que Andrés vive una relación erótica en su primera noche. “Ninette, como personaje dramático, basa su entidad en la contradicción de ser una chica de padres españoles exiliados, es decir, republicanos, y haber recibido una educación laica, propia de la cuna de la civilización europea. Sin embargo, apenas ha salido de su París natal, ciudad que pasa por ser origen del liberalismo. La chica, en vez de recoger lo mejor de ambas raíces, la de una España de ficción y la de una Francia real, recoge lo peor: es estrecha como las españolas

estrechas, y pazguata, como las francesas pazguatas, aunque su apariencia sea la de una mujer ligera”, explica Oliva. Así, Andrés se enamorará perdidamente de ella, hasta el punto de no abandonar la pensión en toda su estancia en París. Para su director, “Ninette nace como símbolo de todo lo que soñaba alcanzar el españolito de a pie y que nunca conseguiría. El españolito que, con mil duros en el bolsillo, salía al extranjero a fornicar. No a otra cosa: a fornicar; o sea, a pecar. Miguel Mihura, que era un escritor de comedias, no un filósofo ni un teórico de la literatura, inventó la historia de un provinciano que viaja ilusionado a París para pecar. Y eso, a pesar de sus convicciones morales. En ese sentido, la obra contiene una profunda y turbia raíz erótica” (...) “¡Cómo se reiría el pusilánime y convencional Mihura desde su mesa de escritura, imaginando héroes como este señor de Murcia, en situaciones conyugales en las que siempre temió en caer, y siempre huyó de ellas!”, finaliza César Oliva.

septiembre octubre

15 septiembre octubre Estreno de El arquitecto y el emperador de Asiria

Buenos Aires y Madrid se unen para producir teatro

l arquitecto y el emperador de Asiria es una obra de Fernando Arrabal dirigida por la argentina Corina Fiorillo, ganadora del Premio Ace a Mejor Dirección por su obra Kalvkött, carne de ternera. El espectáculo se podrá ver del 23 de septiembre al 1 de noviembre en las Naves del Español - Sala Max Aub de Madrid. “A través del humor, la poesía y el absurdo, Fernando Arrabal construyó un recorrido fantástico con una vigencia que, sinceramente, impacta. El texto fue creado hace casi 50 años y parece que fue escrito ayer”, afirma Fiorillo. La obra nace como una coproducción entre el Teatro Español y el Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA), a raíz del acuerdo de colaboración presentado el pasado diciembre entre el Ayuntamiento de Madrid y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que permitirá a los dos teatros desarrollar actividades culturales conjuntas que se presentarán en espacios de ambas ciudades.

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©Carlos Furman

Presentado bajo el lema “Buenos AiresMadrid, un puente teatral”, el proyecto comenzó su andadura el pasado 17 de junio en Buenos Aires, precisamente con el estreno de la obra de Arrabal en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín. El montaje, que protagonizan los actores Fernando Albizu y Alberto Jiménez, desembarca ahora en Madrid. En palabras de su directora, “El arquitecto y el emperador de Asiria es una gran metáfora de la sociedad que no busca los valores de la filosofía, la sabiduría o la jus-

ticia, sino que cae cíclica y repetidamente en sus propios errores y en la búsqueda de imitar y anhelar imperios ficticios. Es una obra que nos habla del comportamiento y los vínculos humanos que nos definen, de nuestra condición como seres marcados por la culpa, del universo sagrado que todos tenemos dentro. Habla de la lucha interior entre aquello que somos y lo que anhelamos ser; el hombre en la búsqueda de sí mismo”. En 2016 y con motivo del 400 Aniversario de la muerte de Cervantes, se llevará a cabo la producción de El cerco de Numancia. El director del montaje será Juan Carlos Pérez de la Fuente, que contará con un equipo artístico español y un reparto compuesto por actores argentinos, justamente a la inversa de lo realizado en El arquitecto y el emperador de Asiria. El estreno está previsto en el Teatro Español, a lo largo de la temporada 2016.

septiembre octubre

15 septiembre octubre

Comienzo de temporada en salas y teatros de Bizkaia

El discurso del rey de Zebra Producciones

asta el 13 de septiembre continúan en el Teatro Arriaga de Bilbao las funciones de Sister Act, El Musical que darán paso al primer espectáculo de teatro de la temporada 2015/2016, El discurso del rey de David Seidler, en una versión de Emilio Hernández. Magüi Mira dirige esta propuesta de Zebra Producciones que pone en escena esta conocida historia real que fue llevada al cine con un guión del propio Seidler y con la que también se podrá disfrutar, en octubre, en el Teatro Barakaldo. Una de las obras más premiadas y aclamadas por crítica y público en Broadway, Buena gente completa la programación del mes. Escrita por el ganador del Premio Pulitzer David Lindsay-Abaire la versión que firma y dirige David Serrano esta interpretada por Verónica Forqué, Juan Fernández, Pilar Castro, Susi Sánchez y Diego Paris; una obra con mucho humor, emoción y sensibilidad. Además del estreno del espectáculo de danza contemporánea Áureo de Dantzaz Konpainia (toda la información en las pági72

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nas 64-65 de éste número de Artez), para el mes de octubre el Teatro Arriaga ha programado Invernadero, obra de Harold Pinter en una versión de Eduardo Mendoza coproducida por Teatro del Invernadero y Teatro de La Abadía y dirigida por Mario Gas. Una “sátira del funcionamiento burocrático y el gobierno autoritario de un establecimiento cuya naturaleza exacta no se desvela” protagonizada por Gonzalo de Castro y Tristán Ulloa entre otros. El mito de Medea, abordado por autores como Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas en la antigüedad o Corneille e incluso Passolini, encargado de llevarlo al cine, visitará el Teatro Arriaga en una producción del Festival de Teatro Clásico de Mérida. Una obra escrita por Vicente Molina-Foix a partir de los clásicos dirigida por José Carlos Plaza y con Ana Belén y Adolfo Fernández como intérpretes protagonistas. Completa la programación teatral para público adulto Kreditua, versión en euskera de ‘El crédito’ de Jordi Galcerán llevada a escena por Tanttaka

Teatroa e interpretada por Joseba Apaolaza y Zuhaitz Gurrutxaga bajo la dirección de Fernando Bernués. El público familiar podrá disfrutar en octubre con Soñando el carnaval de los animales un concierto dramatizado con música de Debussy y Saint-Saëns interpretada en directo que dirige Enrique Lanz de la compañía Etcétera y varias propuestas musicales además de dos nuevos montajes teatrales del programa ‘Cuartitos en el escenario’ Reencuentro, un texto de Erik Leak protagonizado por Gurutze Beitia e Itziar Lazkano bajo la dirección de Daniel Bianco y Declaración de Guillermo, obra de Bernando Atxaga en una versión de José Cruz Gurrutxaga encargado también de su interpretación. La Fundición

El Colectivo Cualquer es el encargado de dar comienzo a la temporada de la Sala La Fundición con el estreno, los días 19 y 20 de septiembre de Over, tras la residencia

septiembre octubre

Las calles corrían por las calles de Teatro Ensalle

de creación llevada a cabo en la propia sala semanas antes. Esta pieza, creada por los investigadores y coreógrafos Ibon Salvador y Luciana Chieregati, es un proyecto que trata sobre el exceso, “el exceso de las vidas contemporáneas, el exceso de las exigencias que el mundo en que vivimos nos impone”. Teatro Ensalle por su parte vuelve a la sala bilbaína con Las calles corrían por las calles, obra teatral sobre conceptos como mediocridad, normalidad, vulgaridad, y exilio. Un espectáculo que se presenta dentro del programa ‘Intercambio con otros Espacios’ que se desarrolla desde La Fundición para facilitar la movilidad de las compañías y potenciar la difusión de creadores de Euskadi. Y dentro de este mismo programa, en octubre se podrá disfrutar del último espectáculo de la compañía Cambaleo Teatro 1 Día. La Fundición también acoge espectáculos del IV Circuito Iberoamericano de la Red de Salas Alternativa, en el mes de octubre dos espectáculo Dúplice de Rodrigo Cruz & Rodrigo Cunha y El significado del Caos de la mexicana Créssida Danza Contemporánea. La compañía brasileña presenta una obra “sustentada por la complicidad y el dialogo corporal en un juego físico, rítmico, escénico y sonoro, alternando sonidos y silencios, movimientos y pausas, todo sin interrupción” entre sus dos intérpretes; la mexicana por su parte presenta una pieza de danza llena de contrastes y riesgo, “una obra coreográfica de gran aliento que acerca los participantes a límites emocionales y de ejecución insospechados”. teatro barakaldo

La danza toma protagonismo en el comienzo de temporada del Teatro Barakaldo ya que para el mes de octubre se han programado cuatro espectáculos que comienzan con Walking City, obra de Carmelo Segura Companhia en la que se fusiona la

danza contemporánea, con el teatro, con el circo contemporáneo, el canto lírico interpretado en directo y los audiovisuales. Las tres obras restantes forman parte del programa Dantza Zirkuitua del Gobierno Vasco: Karaoke (Vacío de orquesta) de Cía. Cielo Raso, Barbecho de Natxo Montero_Danza y la propuesta de hip-hop Camins, de Kulbik Dance Company. La programación teatral dará comienzo el primer sábado de octubre con Dignidad, obra escrita e interpretada por Ignasi Vidal junto a Pablo Puyol de Iraya Producciones. Producciones Faraute llega con Insolación, de Emilia Pardo Bazán, una obra adelantada a u tiempo que pone sobre el escenario una historia de amor en la que se defiende el derecho a decidir de las mujeres. También se podrá disfrutar en este espacio con El discurso del rey y El triángulo azul, obra de Laila Ripoll y Mariano Llorente sobre los españoles apresados en Mauthausen que ha llevado a escena Micomicón en coproducción con el CDN. El público familiar tendrá una cita con dos espectáculos: Sueños de arena de Cia. Borja Ytuquepintas y la obra de títeres Las aventuras de Don Quijote de El Retablo. kultur leioa

Y la danza es también la protagonista indiscutible en el inicio de la temporada de Kultur Leioa que arranca con el espectáculo Réfugiée poétique de Claire Decroux, una obra en la que se funden y adaptan sus espectáculos anteriores ofreciendo momentos de magia teatral trazado el “camino más corto entre el alma y el gesto”. La danza contemporánea es el lenguaje de Sol Picó Companyia de Dansa que en One hit wonders reúne las piezas más emblemáticas de los20 años de carrera de la reconocida coreógrafa e interprete. Y también de danza pero dirigida al público familiar es la pieza Alicia de Thomas Noone Dance. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre

Calles y salas, citas con el teatro y la danza en Donostia

Ligeros de equipaje de Producciones Viridiana

no de los clásicos del género policíaco, 10 negritos de Agatha Christie bajo la dirección de Ricard Reguant es la obra con la que comienza el mes de septiembre el Teatro Victoria Eugenia de Donostia donde también se pondrá en escena Olivia y Eugenio, espectáculo protagonizado por Concha Velasco que da vida a Olivia, madre de Eugenio, un joven con síndrome de down que ante la situación de crisis en la que se encuentra lanza la pregunta siguiente: ¿quién es normal en esta vida? Zazpi aldiz elur, Mikel Laboa elurretan de Tanttaka Teatroa un encuentro entre amigos que en la intimidad de un salón de casa en una noche nevada rinden un sentido homenaje al querido y respetado cantautor vasco Mikel Laboa. La programación de octubre arranca con El discurso del rey de David Seidler en versión de Emilio Hernández que dirige Magüi Mira y que pone en escena el encuentro entre un logopeda australiano y el entonces príncipe Alberto que llegó a ser el rey Jorge VI de Inglaterra. El Teatro Victoria Eugenia acoge también en octubre dos espectáculos de danza, Don Quijote un clásico del ballet universal la mano del Ballet Nacional de San Petersburgo y Áureo, nuevo espectáculo de Dantzaz Konpainia y del que se da cumplida información en las páginas 74

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64 y 65 de este número de ARTEZ. El teatro donostiarra también ofrece diversos conciertos entre los que cabe destacar Adiskideak, una reunión entre amigos en formato concierto danza con el que Kukai Dantza Konpainia propone un viaje a través de los ritmos que le acompañan, melodía a melodía y paso a paso o un clásico de zarzuela, La rosa del azafrán a cargo de la Asociación Lírica Sasibil protagonizada por la soprano Amparo Navarro y el barítono Alberto Arrabal. Además en el espacio denominado Club se podrá disfrutar con el teatro de Khea Ziater y su Not never on time de y Tres de Emakume Ausartak. Otros escenarios

El Teatro Principal o Antzoki Zaharra acoge en septiembre Enfrentados, obra en la que Arturo Fernández encarna a un veterano cura “enfrentado” a un joven seminarista. La programación de este teatro se completa con Kreditua, versión en euskara de ‘El crédito’ de Jordi Galcerán y el nuevo espectáculo de Golden Apple Quartet, Mundo intrépido. En octubre se podrá disfrutar con Zergatik, Jamil nuevo espectáculo de Tartean Teatroa un thriller escrito por Patxo Telleria e interpretado por Eneko Sagardoy y Mikel Martinez bajo la dirección del propio

Telleria junto a Jokin Oregi. En el escenario de Gazteszena en la casa de cultura de Egia se presenta ante el público en septiembre Tormenta, último trabajo del coreógrafo Igor Calonge interpretada por el propio Calonge junto con Beñat Urretabizkaia. “Del cielo cae energía desatada, cólera encendida, ascuas inflamadas que al tocar nuestras cabezas se convierten en caricias de agua, puras bondades, que nos riegan como macetas. Perdidos en el desierto, sedientos de todo lo que cae del cielo. Mirar hacia arriba y no poder llegar”, estas es la idea de la que parte el nuevo espectáculo de Cía. Cielo Raso. En su búsqueda de un circo personal y singular Manolo Alcántara ha creado Rudo en la que un hombre crea torres y figuras con pesadas cajas de madera; como contrapunto, la música de un violín y un violoncelo interpretada en directo. Producciones Viridiana pondrá e escena en la casa de cultura de Lugaritz Ligeros de equipaje, una obra de Jesús Arbués sobre que narra una historia real, el éxodo de casi un millón de personas que cruzaron los Pirineos en 1939. Pero Donostia ofrece mucho más. En septiembre teatro en las calles y plazas de la ciudad además de obras de varias compañías de teatro aficionado y una extensa oferta de conciertos de todos los estilos musicales.

septiembre octubre

m i s c e l á n e a

Mucho humor Dos montajes que realizarán giras durante estos meses son Gilipollas sin fronteras y La escuela de los vicios de Morfeo Teatro. Santiago Nogués y Adolfo Pastor escriben, dirigen e interpretan Gilipollas sin fronteras, del que dicen es “un espectáculo que sirve para la captación de adeptos a nuestra causa, mostrar la gilipollez al desnudo, con la clara intención de que los gilipollas del mundo se puedan reconocer mutuamente, y se enrolen en este movimiento que nos llevará a asumir que ‘sentirse gilipollas’ no es tan malo”. La obra se podrá ver el 4 de septiembre en Aranjuez. La escuela de los vicios es una obra de Quevedo escrita a principios de 1600 y en la que criticó los abusos de ministros, magistrados, banqueros y mercaderes sin escrúpulos. Con dramaturgia y dirección de Francisco Negro e interpretada por el propio Negro junto a Mayte Bona y Felipe Santiago, la obra está basada en sátiras y premáticas políticas del autor, y se representará el 4 de septiembre en Andorra, el 10 de octubre en Gijón, el 14 en León y el 30 en Arrigorriaga.

teatro, danza y música Por tierras gallegas representará ilMaquinario Teatro su obra Perplexo de Mairus von Mayenburg, montaje que consiguió este año 5 premios María Casares y que estará el 16 de octubre en MilladoiroAmes, el 17 en Noia, el 22 ilMaquinario Teatro ©Aitor V en Pontevedra, el 24 en Redondela y el 30-31 en A Coruña. En Galicia estará también Limiar Teatro con su pieza Pangeia, que cuenta con 7 actores, bailarínes y músicos en escena. El espectáculo se podrá ver el 23 de octubre en Vigo, el 24 en A Coruña y el 31 en Gondomar. La artista Paula Quintana girará estos meses con dos montajes de danza-teatro. Amarga Dulce está basado en la figura de Dulcinea del Toboso y su papel como impulsora de las hazañas de Don Quijote de La Mancha. La obra se estrenó en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro el pasado julio y se llevará a escena el 18 de septiembre dentro del ciclo “Viaje al centro de la danza” en los Teatros del Canal de Madrid. Por otro lado, Latente, “cuyo anhelo es acercar el Ser Humano al Ser Humano”, fue premiado en la Umore Azoka 2015, y se podrá ver el 12 de octubre en el FIOT de Carballo y del 15 al 17 en el Teatro Galileo de Madrid.

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15 septiembre octubre

Alto voltaje escénico en el Teatro Circo Murcia

l Teatro Circo Murcia comienza la temporada con el espectáculo de calle Tandarica Circus que la Compañía Passabarret pondrá en escena el 24 de septiembre en la Plaza Santo Domingo de la ciudad; un excéntrico espectáculo circense, con un sabor zíngaro interpretado por una troupe de artistas bajo la dirección de Jango Edwards. La programación de sala comenzará el 1 de octubre con Romance de Curro El Palmo, musical flamenco de Jaime Villanueva basado en la canción de Joan Manuel Serrat y las novelas de Paco Candel de Octubre Teatral que dará paso a Los Demonio de Camille Claudel, una obra escrita y dirigida por Esther Ruiz de Laboratorio Tábatha Experimental. Desde Argentina llega Timbre 4 con su último trabajo, Dinamo, una nueva obra escrita y dirigida por Claudio Tolcachir Lautaro Perotti y Melisa Hermida e interpretada por tres actrices que dan vida a otras tantas mujeres cuyo pasado se refleja en la compleja realidad en la que se encuentran. Otro montaje teatral, en este caso El Triciclo de Fernando Arrabal que pone en escena ArtEfímera con dirección de Gelen Marin. Una obra que pertenece al denominado “Primer Teatro Ingenuo” del autor caracterizado “por emparentarse con el absurdo francés 76

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de principios de los cincuenta”. El último día del mes se podrá disfrutar con una obra de William Shakespeare, Measure for Measure es decir Medida por Medida dirigida por Declan Donnellan en una coproducción de dos grandes compañías, Cheek By Jowl y Teatro Pushkin de Moscú. Una espectacular puesta en escena para una obra que “plantea cuestiones profundas e inquietantes sobre nuestra forma de vida” afirma Donnellan. Humor y danza

El humor es el ingrediente principal de varios de los espectáculos que llegan a Murcia en octubre. Tamaño familiar, una comedia sobre la familia dirigida por Quino Falero de Lazona; Chefs, una nueva propuesta de teatro gestual de Yllana en la que se ofrece una divertida mirada al mundo de la gastronomía; los monólogos Morgadeces, el show de la televisiva Ana Morgade o el espectáculo musical Mundo intrépido de Golden Apple Quartet. El público aficionado a la danza podrá disfrutar con dos espectáculos. Muriel Romero y Pablo Palacio presentan Neural narratives1: Phantom Limb, una pieza de danza y nuevas tecnologías “basada en modelo matemáticos provenientes de las neurociencias cognitivas

para generar estructuras coreográficas y proponer nuevos enfoques creativos en las artes escénicas”. Thomas Noone Dance pone en escena Alicia, una obra para cuatro bailarines dirigida al público familiar que apela al poder de la imaginación y la fantasía a partir del conocido personaje de Carroll. Para los más pequeños es también el espectáculo Historia de una muñeca abandonada de Teatro Silfo en coproducción con TCM basado en el texto teatral de Alfonso Sastre en el que se habla a los más pequeños de la importancia de cuidar las cosas y dar valor a lo que tenemos y a todo lo que nos rodea. El Ciclo Teatro en Familia incluye este mes un particular concierto de Nacho Mastretta con el que muestra a los niños los fundamentos musicales de una manera participativa y divertida. Además esta temporada también se ha organizado el ciclo denominado Microscena –representaciones de obras cortas de las que se realizan diversos pases–, que en octubre incluye los espectáculos Morir en Oz de La Polilla de la Bombilla y Huellas, pieza de danza contemporánea de In-Motion Danza. A todo esto se debe añadir la programación musical que en octubre está protagonizada por los conciertos de Amancio Prada, Rozalén y John Pizzarelli Quartet.

septiembre octubre

15 septiembre octubre José Ramón López Menéndez

“Lo más importante es hacer trasparente a todos y cada uno de los grupos amateur” ¿Cómo nació esta asociación y con qué objetivos? Escenamateur se funda en la ciudad de Santander entre las Federaciones de Teatro Amateur de Cantabria, Madrid y Asturias. La iniciativa sale de Asturias y se suman estas dos Federaciones que hacían posible la creación de un ente a nivel nacional. Surge a consecuencia de la mala gestión realizada en otro intento de gestionar la coordinación de grupos amateur en el estado. Los objetivos que nos marcamos en Escenamateur desde su creación fueron dirigidos a dignificar el teatro amateur y que su presencia en el marco teatral español no fuera marginal. ¿Cuántos modelos de grupos “amateurs” recoge vuestra asociación? Escenamateur está formada por Federaciones de Teatro Amateur que representan territorialmente a una Comunidad autónoma (Doce en la actualidad), grupos de teatro amateur que no están en las Federaciones Territoriales y personas a título individual. Dentro de los grupos existen todos los modelos que se puedan reproducir en un movimiento asociativo: jóvenes, grupos de personas mayores, mujeres, etc... destacando los grupos intergeneracionales. 78

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mación teatral es otra cosa. La gran mayoría a participado en por lo menos dos o tres cursos de formación teatral.

¿De que estamentos sociales acostumbran a ser los integrantes de estos grupos? En Escenamateur no podemos hablar de un estamento social determinado, ya que podemos hablar de actores o actrices que son médicos, trabajadores de la mina, servicio de limpieza, maestros, amas de casa, gerentes de empresas, parados, estudiantes, jubilados, etc.... Defíneme el grupo prototipo. Un grupo tipo Escenamateur

es aquel compuesto por unos diez miembros donde las mujeres son mayoría y cuya edad está entre los treinta y los cincuenta y cinco años. ¿Qué porcentaje de componentes de estos grupos han tenido formación teatral previa o incluso cuántos han hecho antes teatro profesionalmente? Las personas que han hecho teatro profesional y han vuelto al teatro amateur son mínimas, aunque algunas existen. For-

¿Es norma general la formación constante en estos grupos a través de cursos, talleres y cursillos? No solo Escenamateur tiene un programa de formación, sino que las federaciones tienen también sus propios programas dirigidos a formar a sus asociados. Esto, sumado a que la gran mayoría de los grupos ,previo a la creación de un espectáculo, suelen tener un curso específico sobre lo que van a realizar. También existe el modelo de compañía amateur con director Profesional que a la vez que pone en pie el espectáculo, está formando al grupo. ¿Existe la figura del director que aglutina toda la responsabilidad o hay estructuras más asamblearias? Predomina el Director/a que coordina la puesta en escena de los espectáculos y coordina al grupo. Las estructuras asamblearias son menos frecuentes. ¿Hay grupos que trabajen sus propios textos, es decir con un dramaturgo incorporado o se dedican al repertorio univer-

septiembre octubre sal o funcionan a base de intuiciones, modas y reflejos de las carteleras comerciales? En los grupos amateur hay una tendencia a estar en la ilegalidad con relación a los derechos de autor. Desde la creación de Escenamateur, nuestra lucha más importante es hacer trasparente a todos y cada uno de los grupos amateur que se asociaban con nosotros y eso pasaba por cumplir todas y cada una de las reglas del juego, incluida la de solicitar los derechos de autor. Muchos grupos no están de acuerdo con esta legalidad y prefieren alejarse de este trámite creando sus propios espectáculos o buscando autores con textos libres de pago. Pero la mayoría buscamos autores consagrados e intentamos que se nos den los derechos que nos permitan hacer las funciones. ¿Se mantiene la norma como en otras actividades participativas de una mayor presencia de mujeres? Pues sí, entiendo que es una norma en todo movimiento asociativo. En Escenamateur las últimas estadísticas que tenemos son de 59 % mujeres y el 41% hombres. ¿De dónde sacan los recursos estas asociaciones para mantener su actividad? Principalmente de las funciones que realizan en sus localidades o a través de Muestras, Festivales o Certámenes de ámbito Nacional o autonómico y específicos para el teatro amateur. En el estado hay más de 200 Festivales, Muestras o Certámenes de Teatro Amateur. Algunos grupos mantienen la cuota de socios dentro de la agrupación. ¿Cuántas representaciones al año de media puede hacer un grupo? Nuestro último estudio realizado nos da una media de 5,86 funciones por grupos. Pero hay grupos de 40 funcio-

bre competencia desleal pasa porque las administraciones regulen y creen los espacios definidos para cada uno.

nes anuales y por el contrario grupos de una función en su pueblos y coincidiendo con el estreno del espectáculo. ¿Cuántos espectadores por año ven las obras de los grupos pertenecientes Escenamateur? Según los últimos datos que ofreció la SGAE el teatro amateur ha recaudado el 7,5% de la recaudación realizada por SGAE en derechos dramáticos. Es decir 1 millón de euros. Si tenemos en cuenta que la entrada media de un espectáculo amateur es de 5 euros, nos da 2 millones de espectadores, un 14% del total de espectadores que ven dramáticos pasando por taquilla. A esta cuantía debemos de sumarle el número de funciones que no pasan por el control de SGAE que a nuestro entender pueden ser un 60% más. El reconocimiento ministerial de vuestra asociación os ha dado un impulso importante pero a la vez, ¿no os puede burocratizar demasiado? La estructura teatral del estado esta burocratizada desde hace muchos años. En este país nadie puede hacer artes escénicas dentro de la legalidad sin estar burocratizados. Si el reconocimiento ministerial se realizara, fuera

una realidad, entraríamos en un nivel superior al que estamos y también a mi entender crearía esa burocratización de la que hablas y una división, posiblemente, entre distintos niveles de teatro amateur, que no sería bueno. Pero entendemos que desde el gobierno todo lo aprobado puede que quede solo en papel. ¿Desde las asociaciones empresariales se os acusa de competencia desleal, ¿qué tenéis que decir al respecto? Nada y todo. El teatro en el estado, a mi entender, creo que creo unas estructuras demasiado grandes para la realidad de un gran número de compañías teatrales que son la mayoría. Estructuras empresariales que a muchas de ellas les ha llevado a la desaparición e incluso a la ruina. La realidad del Estado, a nivel teatral, refleja dos modelos de subirse a un escenario: 1.- Teatro Profesional, aquel que busca ánimo de lucro, aunque cada vez sea más difícil 2.- Teatro Amateur, sin ánimo de lucro. Los dos modelos son legales y necesarios. Y si alguna de las partes entra en campo ajeno, debe de denunciarse o ponerse los medios para que esto no suceda. Todos estos comentarios so-

¿Qué aporta el teatro amateur en estos momentos históricos, culturales y políticos? Más que decir lo que aporta, deberíamos decir, lo que debería de aportar. El Teatro amateur en el aspecto cultural pone en escena espectáculos y autores que no son representados por compañías profesionales, por el número de actores necesarios o por lo que supone, a la hora de producir un espectáculo, sus costes. En el aspecto histórico ha marcado una época en los años de la transición, la sigue marcando y tiene que tener un futuro en este país que pasa por reproducir modelos europeos e Iberoamericanos. Y en lo político debería de ser más independiente y reflejar las situaciones que se viven en estos momentos en nuestro país e incluso en países cercanos a nosotros. Son pocos aún los espectáculos que denuncian los desahucios, las manipulaciones políticas, la corrupción, la emigración, etc... ¿Cuál es el futuro inmediato de este movimiento? El futuro de Escenamateur pasa por conseguir que muchos grupos y alguna federación, que aún no comparte nuestro proyecto, dejen de lado los enfrentamientos históricos, y caminemos juntos en la defensa del Teatro Amateur. Que cada vez existan más festivales, certámenes y muestras con el Sello de Calidad Escenamateur que dignifiquen a las compañías que participan en ellos. Que la administración cree circuitos propios para el teatro amateur y que se nos abran los espacios públicos en las mismas condiciones que a otros colectivos. Todo esto sin olvidar en ningún momento que somos Compañías o Grupos de Teatro Amateur (Asociaciones sin Ánimo de Lucro). w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre Noticias y convocatorias -IX FESTIVAL DE TEATRO AMATEUR “CIUDAD DE OVIEDO” La Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo y la Federación de Grupos de Teatro Amateur del Principado de Asturias (FETEAS) realizan este festival que cuente en esta edición con un total de 15 compañías amateur del Principado de Asturias que pondrán sus espectáculos sobre las tablas del Teatro Filarmónica de Oviedo. Las últimas actuaciones serán: 3 septiembre “Cosas de la mi muyer” Teatro El Hórreo; 5 septiembre “Paraisu fiscal” Santa Bárbara Teatro; 7 septiembre “La Muralla” Odisea Teatro; 17 septiembre Gala de Entrega de Premios Grupo de Teatro La Máscara. II FESTIVAL IBÉRICO DE TEATRO AMATEUR Organizado por la Federación Portuguesa de Teatro de Amadores y por Escenamateurendrá lugar en los municipios de Palmela y Sétubal los próximos 2,3 y 4 de Octubre el II Festival Ibérico que nace del convenio que las dos organizaciones de Teatro Amateur tienen firmado desde hace más de cinco años y que permite fluir conocimientos teatrales entre Portugal y España a través de los Encuentros que desembocaron en este festival. El primer año se celebró en la Ciudad de Mérida y participaron dos grupos portugueses y tres españoles. III EDICION DE LOS PREMIOS ESCENAMATEUR La Confederación de Teatro Amateur Escenamateur convoca la tercera edición de los Premios Escenamateur de las Artes Escénicas. Dichos Premios se entregarán el 2 de Abril de 2016 en un espacio aún sin concretar. Del 10 de Julio al 30 de Agosto de 2015 se abrió el plazo para la inscripción al censo de votantes y entre el 1 de Septiembre y el 31 de Octubre de 2015 se podrán inscribir los espectáculos para esta edición. Ya se pueden descargar las bases y los formularios de inscripción para la presente convocatoria. El ganador del Mejor Espectáculo irá al FITAG (Festival Internacional de Teatro Amateur de Girona) en la edición del año 2016.Desde la anterior edición existen tres Nominaciones Especiales a la Fotografía, Cartel y Mejor artículo, documental, etc. que hable del Teatro Amateur. III CERTAMEN IBEROAMERICANO CIUDAD DE TRUJILLO En la ciudad de Trujillo (Extremadura) se celebró la tercera edición del Certamen Iberoamericano de Teatro donde la Compañía Teatro Kumen de Langreo (Asturias) con su “Casanova, memoria de un libertino”, consiguió cuatro premios. A esta edición se presentaron numerosas compañías de Teatro tanto amateur como profesionales, quedando seleccionadas ocho obras- Los premiados fueron: 1º Premio a “Casanova, memorias de un libertino” de Teatro Kumen de Langreo; 2º Premio a “Juegos de damas” de Emulsión Teatro de Cáceres; 3º Premio da “Mamaaaaa” de Seguimos siguiendo comedy de Talavera de la Reina; Mejor dirección a Paula Moya de Teatro Kumen por “Casanova, memorias de un libertino”; Mejor actriz a Asunción Mieres y Elisabeth Ruiz (ex –aequo) de Emulsión Teatro por Juegos de Damas; Mejor actor a Cristian Vázquez de Seguimos siguiendo comedy por “Mamaaaaa”. Mejor actor de reparto a José M. González de Teatro Kumen por “Casanova, memorias de un libertino”; Mejor actriz de reparto a Guiomar Ardura de Teatro Kumen por “Casanova, memorias de un libertino”. 80

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15 septiembre octubre Josu Montero

Luz negra

El alma y la piel

intuye que a pesar de la belleza del mundo el tiempo acaba siempre ganando. l retrato ha ocupado en la historia de la pintura una posición central. Mostrar el interior a través del exterior. La fotografía heredó Pasolini juega al fútbol con una pandilla de chavales de barrio, de extraesa ambición. Desvelar lo más hondo, lo más invisible a través de lo rradio; corre detrás del balón con su traje en un descampado del barrio de más superficial. El alma a través de la piel. Los escritores tratan con las palabarracas de Quarticciolo. Todo es gris, la foto, el día. Al fondo acechan las bras, con algo tan intangible como el lenguaje; los fotógrafos se han interesado urbanizaciones de la metrópoli que avanza, y que aplanará toda esa energía en ellos intentando extraer por medio de una imagen todo un mundo interior. proletaria con su aburguesamiento y su conformismo. La voz radical y poética La editorial Blume ha editado este librazo de 512 páginas y tapa dura titulado de Pasolini denunciará esa mutación antropológica hasta su oscuro asesinato “Escritores” y subtitulado “Grandes autores vistos por grandes fotógrafos”. el 2 de noviembre de 1975, pronto hará ya 40 años. Genet aparece también Doscientas cincuenta retratos de otros tantos escritores. En las páginas impaen su salsa. Entre dos fornidos negrazos, viva imagen del Black Power, acaba res el retrato y en las pares una singular semblanza del escritor y de la foto. Ende participar en una manifestación de los Panteras Negras en la universidad tre estos 250 escritores, 15 autores dramáticos, o esencialmente dramáticos. de Yale. Estamos en 1970. Enfant terrible del teatro de los 60, el también Cinco han sido fotografiados por Henri Cartier-Bresson. iconoclasta Peter Handke sí posa. Lo hace sentado en un Para empezar enfrentemos los retratos de dos de las bases escalón interior de su casa de Chaville, cerca de París, donde del teatro del siglo XX. Por disímiles. Los retratos tampoco puereside rodeado de bosques y libros. En vaqueros y camisa den ser más diferentes. Beckett y Brecht. En la foto de Cartier oscura apoya un codo en la rodilla y la palma de la mano se Bresson, Becckett queda desplazado a la derecha del encuaahueca sobre su mejilla izquierda. La expresión de su cara, con su melena y sus gafitas, es de una profunda paz. dre, pero con sus penetrantes ojos, inquietos, fijos en algo al Los retratos más burlones y sardónicos son los de Ionesco lado contrario; su rostro surcado por escultóricas arrugas –en y Bernard Shaw. Sentado en el doméstico sillón de su casa, la foto tiene sólo 57 años- le asemeja a un halcón o a un águila: eso sí, con chaqueta y polo de cuello alto, Ionesco nos mira su nariz aguileña, su pelo hacia arriba, híspido. Ber tolt Brecht es retratado tres años después de que abandonara Alemania sutilmente retador. Cartier-Bresson le ha fotografiado en un tras el incendio del Reichstag; en París en 1936. Tiene 37 años leve picado y el escritor mira por tanto hacia arriba. Su exy ya peina hacia atrás su escaso pelo. Está sentado rígidamenpresión trasluce escepticismo, pero al mismo tiempo es la de te, tieso como un palo, en un sofá. Se nota que está posando. un niño travieso tramando sus tropelías. Aunque en la foto ESCRITORES En el bolsillo de su chaqueta, demasiado grande, se distingue no tiene aún 50 años, parece tener más de 60. Sin embargo GRANDES AUTORES perfectamente un lapicero. Parece uniformado. Lo que más VISTOS POR GRANDES en su espléndido retrato Bernard Shaw tiene 88 años, y su FOTÓGRAFOS destaca son sus enormes y redondas gafas sobre un rostro rostro, y lo que de él emana, es el de un golfillo adolescente; Editorial Blume sonriente pero tenso. El autor es el fotógrafo David Seymour; socialista, ibseniano, vegetariano y pionero de la fotografía hasta hacía poco su nombre era David Szymin, y hace sólo seis él mismo. El autor de este prodigioso retrato de 1943, Yosuf años, en 1930, este estudiante polaco había sido uno más Karsh, recuerda que Shaw irrumpió en su estudio con una del piquete de jóvenes nazis que había intentado boicotear en el Teatro de la energía desbordante. Ópera de Leipzig el estreno de “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny”. El fotógrafo Dennis Stock capta la tensión de Ar thur Miller tras los bastidoSeis años después, convertido en fotógrafo, renegado del nazismo y exiliado en res de un teatro de Nueva York en el estreno de “Después de la caída”, obra París, retrataba con admiración a Brecht. en la que se entrevé su borrascoso matrimonio con Marilyn Monroe y la trágica Si estos dos retratos están realizados en interiores, los de Camus y Sartre muerte de la actriz. Estamos en 1964 y Miller está a punto de cumplir los 50. lo están al aire libre. Y ambos son obra de Cartier-Bresson. Con las solapas Posa con su negro smoking, su pajarita, su blanca camisa y su pipa en un rincón de su gran abrigo subidas, Camus gira la cara y mira de soslayo al objetivo. tras bastidores. Contrasta con el lugar elegido: el recodo de una tubería, un plateado extintor y una gran hacha para incendios anclada en la pared. En ese momento es un hombre de 30 años, y entre sus labios el sempiterno La foto de Lorca, obra de David Seymour, forma parte de la famosa “may casi consumido cigarrillo “Me rebelo, luego somos”, escribió este tipo que recibió el Nobel a los 44 años y que tres años después se mató al estrellarse leta mexicana” reencontrada en 2007 con 4000 negativos de Capa, Gerda su coche. Hay algo en esa figura descuidada de la foto que despierta simTaro y el propio Seymour de nuestra guerra civil. Tomada en Madrid en julio patía, una extraña mezcla de fragilidad y de dureza, tan paradójica como el del 36, días antes del glorioso alzamiento y de la fatal marcha del poeta a existencialismo lleno de sol que impregna su obra. El retrato de Sartre es Granada. Aquí Lorca no trasluce su proverbial duende, su centrífugo encanto, todo lo contrario. Con su chaquetón y su pañuelo al cuello perfectamente su contagiosa alegría. Aquí Lorca parece simplemente un español de aquella compuestos. Sostiene con la mano izquierda la pipa que cuelga del extremo época. Casi hasta un poco feo; su boca es aquí pequeña y grande su nariz. izquierdo de su boca. La seriedad, casi gravedad, se adueña de un rostro Sus ojos pequeños sí centellean mirando a su interlocutor. En el 36 murió tan inexpresivo al que el estrabismo y las lentes deshumanizan un poco más. también Valle-Inclán, eso sí, a los 70 años. Aquí aparece retratado por René Esa sólida figura contrasta con la densa niebla que se adueña del paisaje Dazy en 1930. Un retrato tradicional, sobrio, de estudio. En él Valle no paparisino del fondo. recería Valle si no fuera por su descuidada barba y sus anteojillos. Conserva Robert Doisneau es el autor del retrato de Marguerite Duras. Sentada en una piel sorprendentemente tersa y unos ojillos de adolescente curioso. Ni rastro de su virulenta furia. Parecería más bien un beatífico monje trapense. una terraza solitaria, con la espalda y la cabeza apoyadas en la pared, y con A Thomas Bernhard ya Friedrich Dürenmatt simplemente los citamos para su copa y su botella sobre el blanco mantel, esboza una sonrisa limpia, casi soterminar y volver a recomendar este inesperado libro. ñadora, tal vez un poquito irónica. Es una joven mujer de 40 años pero que ya

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septiembre octubre

Vivir para contarlo

Virginia Imaz

Contar desde el cuerpo

l 20 y el 21 de octubre de 2014, se celebraron, en la Facultad de Filología de la UNED de Madrid, las I Jornadas Internacionales Tomo la palabra. Mujeres, voz y narración oral, dirigidas por Marina Sanfilippo y codirigidas por Helena Guzmán. En estos días, por encargo de Marina Sanfilippo, y con el objetivo de la publicación de las actas me he ocupado de transcribir y de coordinar la información relativa a una mesa redonda en la que tuve el placer y el honor de participar: “Narradoras y construcción del personaje escénico” Un tema apasionante y complejo, que me ha ofrecido de nuevo la ocasión de repensarme en mi práctica escénica como cuentera. Porque soy narradora oral, pero provengo del mundo del teatro, y en mi experiencia de mestiza, aunque la narración oral y el teatro, especialmente el código clown, que es él que más transito en la escena, comparten muchas cosas, son códigos escénicos muy diferentes. La construcción de un personaje es algo que asocio al teatro y no a la narración oral. Cuando cuento, procuro no narrar desde un personaje. Intento narrar desde lo que soy, desde lo que creo que soy, desde lo que voy siendo. Porque, ¿quién soy yo? ¿No son acaso nuestras identidades un extenso repertorio de diversos personajes? Cuando narro, por lo general, aparece una Virginia social, pública, amplificada… pero ¿se trata de un personaje? Cuando ejercía de maestra en el aula aparecía esta Virginia social, con recursos expresivos y teatrales incluidos… Aparecía esta yo que era una yo distinta de la íntima, de la privada, de la que está por ejemplo de charla con una amiga. Distinta y sin embargo, la misma. Narrar puede ser, de hecho creo que a menudo lo es, un arte escénico. No teatro, pero sí un arte escénico y como en todo lo relativo a la escena, todo comunica, todo deviene significativo. De manera consciente o inconsciente estamos en un estado de performance, extracotidiano. Soy yo, pero no soy yo y sin embargo, no soy un personaje. Al menos según mi percepción, no a la manera en que se define y construye un personaje teatralmente hablando. Como todo arte escénico, la narración oral, nos demanda adaptaciones, de naturaleza puramente técnica: adecuarse a los espacios, a los tiempos, a la luz, a los artefactos, a la disposición del mobiliario, a la edad del auditorio… Y probablemente, cada ocasión demande de una yo distinta para contar eficazmente la misma historia. En nuestro gremio, por ejemplo, a veces surgen cuestiones como si contar o no con micro, porque la voz amplificada pierde matices. Mi recomendación es que si vais a contar, por ejemplo, en un instituto, para doscientos adolescentes, que utilicéis micros. Seguro que se pierden matices, pero seguro también que se os oye. Y cuando se va a contar debería ser un objetivo prioritario que se te oiga. Que se te oiga y que se te vea. La cuestión de las identidades es bastante más compleja Pero a veces, en medio de tanta confusión, experimento una certeza: puedo confiar en el cuerpo. Soy el cuerpo desde él que cuento. Un cuerpo de mujer, caucásica, con pelo largo, que está entrando ya en lo que se denomina delicadamente, una edad venerable… Cuando cuento, mi cuerpo es lo primero que se escucha. Es por eso importante para mí, ser consciente de que al narrar soy este cuerpo habitado por la palabra. Que el cuerpo se convierte en texto, subtexto, contexto y

pretexto. Cualquier cosa que cuente se descodificará desde el cuerpo que soy, lo quiera yo o no y sea o no consciente de ello. Contar desde un cuerpo de mujer y más si se trata de un cuerpo estéticamente divergente y en un espacio público, puede constituir una transgresión y exige un ejercicio permanente de empoderamiento. Así pues, es ya tan trasgresor contar desde un cuerpo de mujer, que intento no distraer al auditorio con disfraces u otro tipo de protecciones. Intento despojarme de todos los “personajes”, teatrales o no, que acuden al rescate cuando me siento tan expuesta y vulnerable. Me empeño incluso, en desnudarme lo más posible del ego, de lo que creo que soy, para estorbarme lo menos posible a mí misma. El objetivo es que lo que yo creo que soy, limite lo menos posible lo que voy siendo, y lo que puedo llegar a ser cuando narro. Me doy permiso para oficiar de canal, o cuando menos, me pongo al servicio de la historia y de la gente que escucha. Disponible para el trance. Dispuesta. Y a veces –no siempre– ocurre y es una sensación maravillosa. Tomo conciencia de mí contando con una voz que no es la mía y a la que, sin embargo, también pertenezco. Y esta experiencia no tiene nada que ver con la construcción de un personaje, o con dejar la responsabilidad de la contada fuera de mí. Es otra cosa. Es sentirme guiada, habitada… Entonces siento diferentes la piel, el aliento, la mirada, la luz, la temperatura, la escucha del auditorio… y eso me hace colocarme en la contada y en el mundo, de otra manera. A un nivel menos “zen”, claro… ¡Yo también soy gente¡ Y tengo experiencia en contar desde un personaje teatral. Yo contaba desde niña por tradición familiar, por afición, por vocación, por compulsión y sí, también, seguramente, por llamar la atención. Y he contado en todos los ámbitos de mi vida en los que me he movido: en los campamentos y colonias, en las bibliotecas con un grupo de teatro amateur que hacía promoción a la lectura, en las escuelas, en mi práctica docente… Contaba donde podía, en todas partes, porque me gustaba contar y porque necesitaba hacerlo. El salto a la profesionalidad, si por profesionalidad podemos convenir que te paguen por realizar una actividad, lo di cuando me llamaron para contar en una Feria del Libro que se iba a celebrar cerca de mi pueblo. Me contactaron Conchita Chaos y Pello Añorga. Pello Añorga es uno de los narradores históricos en la renovación de la narración oral en Euskadi. Y Conchita Chaos, ahora ya jubilada, era bibliotecaria en la sección infantil y juvenil de la biblioteca municipal de San Sebastián y mi bibliotecaria de cabecera. Una persona referente para mí. Cuando me llamaron, me dijeron que la organización de la Feria quería hacer promoción a la lectura y que eso que yo hacía de contar en la biblioteca, que a ver si podía hacerlo allí. Me solicitaron seis sesiones de cuentos para público infantil, tres en euskera y tres en castellano. Y recuerdo que me dijeron: yo aceptaría, porque pagan. Y yo respondí algo parecido a lo que en alguna ocasión le he escuchado decir al narrador africano, Boni Ofogo: ¿Cómo van a pagar por contar? En aquel entonces no concebía siquiera que contar pudiera llegar a ser un trabajo remunerado. Es evidente que hemos hecho camino desde entonces, porque ahora lo que no se me alcanza es que en la actualidad haya quien pretenda que contemos sin cobrar. (Y pueden creerme, lo pretende mucha gente.) w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre Jorge Dubatti

Las primeras gemelas de la dramaturgia argentina

aría y Paula Marull constituyen dos de las grandes revelaciones de la temporada teatral 2015 en Buenos Aires. Tienen mucho en común: son hermanas gemelas (las primeras gemelas de la dramaturgia nacional) y ambas son actrices-dramaturgas-directoras. Una se formó con Mauricio Kartun; la otra, con Javier Daulte. Presentan en el circuito independiente de Buenos Aires, respectivamente, las obras La Pilarcita (en el Camarín de las Musas) y Yo no duermo la siesta (en el Espacio Callejón). Una mejor que la otra, imperdibles. Y ambas tienen en común la representación de la vida en provincia. La Pilarcita, escrita y dirigida por María Marull, encarna quintaesencialmente algunas características sobresalientes de la nueva dramaturgia argentina en este siglo XXI. Combina en su escritura el ejercicio del dramaturgo con el del director, es decir, saberes más amplios que los de la literatura dramática. Propone, por un lado, una poética muy personal, una “poética de autor” (opuesta a una “poética de género”), a partir de un universo único atravesado por los imaginarios, las experiencias, las obsesiones de su creadora (un teatro “íntimo”, diría Jean-Pierre Sarrazac), construcción de territorio de subjetividad alternativa sólo comprensible en términos micropoéticos y micropolíticos, esto es, al margen de los grandes discursos de representación. Nos invita a asomarnos oblicuamente, al sesgo, a un mundo minimalista, del que no llegamos a comprender ni a saber todo. Recurre a la comicidad como vía de revelación de lo dramático, la risa como un medio de manifestación de un cosmos no cómico. La Pilarcita está excelentemente interpretada por Paula Grinszpan, Julián Kartun, Lucía Maciel y Luz Palazón. Pero, por otro, La Pilarcita persigue una diferencia, un desvío de otros exponentes de esta nueva dramaturgia argentina. Destaquemos dos componentes de esa diferencia: la figura del cantor, que cuenta la historia de la Pilarcita y la parábola existencial de los personajes; la inclusión de un tema nada minimalista, la religiosidad popular –tan potente en la Argentina actual- y su conexión con lo sagrado, con la trascendencia, con el misterio, tratado con respeto, podríamos decir homenajeado a través de esta poética, paradójica e inteligentemente al margen de todo catecismo o dogma. Creemos que el tono respetuoso del cantor, en su mutación, es la clave y síntesis del desvío de La Pilarcita. La pieza de María Marull debe su nombre a una “santita” de culto en los altares de la religiosidad popular, en Corrientes (provincia del Nordeste argentino). En el pasado, una niña muere al caer de una carreta cuando quiere rescatar a su muñeca, y pronto la gente comienza a peregrinar a su tumba para hacerle ofrendas, le llevan muñequitas, a cambio de ayudas, milagros. En el pequeño pueblo correntino donde se hace culto a La Pilarcita las casas particulares ofrecen improvisado albergue a los creyentes y necesitados. La vida del pueblo se convulsiona por la invasión de visi-

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tantes (la obra comparte algo del universo de la película uruguaya El baño del Papa). En la obra de María Marull asistimos al patio trasero de una casa (diseño de Alicia Leloutre y José Escobar) donde, junto a la ropa tendida, se ve la puerta de una humilde piecita en la que se ha hospedado una pareja que viene desde la provincia de Santa Fe. Paula Grinszpan y Lucía Maciel, excepcionales actrices, componen dos correntinas de ese pueblo encargadas de recibir y atender a los visitantes: es magistral su dominio de la forma de hablar del correntino, entre la observación costumbrista y una leve caricatura simpática, en la mejor tradición de reelaboración del sainete criollo cómico-dramático. Es relevante la relación de estos personajes con su contexto, del que de alguna manera quieren escapar. Julián Kartun es el cantor folklórico – el “Homero” de la Pilarcita, y sin duda el alter ego de María Marull- con características litoraleñas, mezcla de narrador y payador, que cuenta y canta con su guitarra. Luz Palazón, la gran actriz de Rancho y La de Vicente López, es una típica mujer urbana que inicialmente entra en contraste con las jóvenes provincianas, pero a diferencia de Rancho o La de Vicente López cada vez se acerca más a ellas. Se relaciona fuera de escena con el hombre que ha traído a la procesión, y sin duda es ella el personaje más atravesado por la experiencia dionisíaca –no sólo cristiana- que le depara el contacto con la creencia y la festividad popular. Las luces de Matías Sendón generan sutilmente una ambientación entre el realismo y el sentimiento de lo maravilloso que propicia la devoción popular, la inminencia del milagro. Justamente este es uno de los aspectos más destacables de la puesta: el equilibrio entre el realismo y la sugerencia de lo sobrenatural, la creencia en lo numinoso más allá de lo material inmediato. La puesta le recuerda al espectador: hay gente que cree, y esto es una forma muy eficaz de representación de lo sagrado. La comicidad está hermanada a la exaltación de lo humilde en su proximidad a lo sublime (de acuerdo al tópico ancestral de la identificación franciscana de humilitas / sublimitas: lo más humilde es lo más cercano a lo sublime). He aquí, entonces, la fuente de fascinación de La Pilarcita: su poética tiene una zona en lo profano y otra en lo sagrado, como la religiosidad popular. Paula Marull es autora y directora de Yo no duermo la siesta, donde investiga en el universo de la infancia desde una “poética de autor” muy personal, en la que reelabora materiales de su subjetividad, de su memoria, de sus imaginarios más entrañables. En un pueblo o ciudad provincianos, cerca de un río, dos niñasadolescentes juegan a la hora de la siesta. Las cuida Dorita, joven empleada, quien además está a cargo del tío enfermo de la familia y es buscada, contra su voluntad, por un novio del que se ha distanciado. Está presente la información de que la madre de una de las niñas -de visita en la casa- está muy enferma, agonizando. Una inteligente disposición espacial longitudinal -diseñada por Alicia

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Postales argentinas Leloutre y José Escobar, los mismos escenógrafos de La Pilarcita-, permite ver en simultaneidad, en escena paratáctica, las distintas partes de esta casa de provincia: el patio del fondo, la pieza de Dorita, el comedor-cocina, la vereda y la calle. Las excelentes actuaciones de María Marull (la autora y directora de La Pilarcita, aquí dirigida como actriz por su propia hermana), Sandra Grandinetti (la “señora” de la casa), Marcelo Pozzi (su hermano enfermo), William Prociuk (el novio de Dorita) y las adolescentes Agustina Cabo y Micaela Vilanova, componen el equilibrio justo que requiere esta poética: cruce de realismo costumbrista, caricatura de comicidad asainetada y expresionismo. Este último componente, el expresionista, no es el menor, y se articula en una doble inflexión. Por un lado, en la literatura y la puesta hay algo de construcción de la memoria, de “amarcord”, desde la mirada de la autora, que objetiva el recuerdo de su propia infancia provinciana. Por otro, especialmente en el encuentro musical entre Dorita y “el Hijo de Cacho”, se objetiva escénicamente la mirada de una de las niñas, o acaso de ambas. El espectador hallará en ese momento magistral de la pieza -auténtico estallido de teatralidad- una multiplicación de planos de narración: ¿esa escena está aconteciendo “realmente”, es proyección de la imaginación de los personajes, es acaso una resolución a la manera de las situaciones musicales “daultianas” en las que se impone el juego con la convención consciente, como en Nunca estuviste tan adorable o en Para vestir santos? Creemos que es una ratificación de que buena parte de la pieza se cuenta desde un doble punto de vista de la infancia: desde la infancia de los personajes dentro de la escena, o desde la memoria de la infancia de la autora. La infancia termina imponiéndose apoteóticamente en el final de la obra. Para escribir Yo no duermo la siesta Paula Marull investiga en diversos ángulos de la infancia: los juegos, las fantasías amorosas, cómo los niños repiten las palabras de los padres, su intuición de lo trágico y la muerte, las relaciones entre la ingenuidad y lo siniestro (como en la historia de las niñas con el Lauchi). Ver a Natalí y a Rita con las manos ensangrentadas, o escondiendo al novio de Dorita,

recuerda el perturbador efecto de las pinturas de la portuguesa Paula Rego o de las narraciones del tucumano Juan José Hernández, efecto que en Paula Marull está integrado a una efectiva, gozosa comicidad. Lo siniestro y lo cómico fusionados. Ese extrañamiento se corporiza además en un detalle no menor: las niñas juegan con pescados. En lugar de muñecas, pescados, pescados-muñecos de sorprendente verismo que traen a escena el recuerdo de la naturaleza tan próxima en el contexto provinciano. Yo no duermo la siesta conecta al espectador con su propia infancia, y con la observación de los niños -hijos, nietos, sobrinos, vecinos, etc.- que tiene cerca. Pero además, en su excelencia de acontecimiento teatral, la obra de Paula Marull conecta con la in-fancia del teatro. Es decir, etimológicamente, con aquella zona donde el teatro es in-fante: no habla. Puro acontecimiento de experiencia más allá del lenguaje de los signos. Experiencia conmovedora que atraviesa y excede los signos. Como dice Giorgio Agamben: “Una teoría de la experiencia solamente podría ser en este sentido una teoría de la in-fancia, y su problema central debería formularse así: ¿existe algo que sea una in-fancia del hombre? ¿Cómo es posible la in-fancia en tanto que hecho humano? Y si es posible, ¿cuál es su lugar? (...) Como infancia del hombre, la experiencia es la mera diferencia entre lo humano y lo lingüístico. Que el hombre no sea desde siempre hablante, que haya sido y sea todavía in-fante, eso es la experiencia (...) Lo inefable es en realidad infancia. La experiencia es el mysterion que todo hombre instituye por el hecho de tener una infancia”. Yo no duermo la siesta religa al espectador con ese maravilloso misterio por el que sigue siendo infante. La obra de Paula Marull se cuece en los fuegos de la infancia. Tanto La Pilarcita como Yo no duermo la siesta llenan cada función desde su estreno. Tanto María como Paula Marull demuestran con estas piezas ser tan buenas dramaturgas como directoras. Ambas transforman la experiencia provinciana en poesía teatral y reelaboran, de manera más o menos indirecta, trazos autobiográficos en sus mundos ficcionales. Sin duda, entre lo mejor de la actual cartelera porteña.

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15 septiembre octubre María Chatziemmanouil

El método griego

Tres obras del teatro griego contemporáneo llegan al CDN

el 1 al 4 de octubre de 2015, se van a estrenar en el Centro Dramático Nacional de Madrid tres obras destacadas del teatro griego contemporáneo en forma de lectura dramatizada. Las obras, que se presentan en el marco del programa Una mirada al mundo del CDN, son las siguientes: Hijos e hijas, una obra sobre la búsqueda de la felicidad de Yiannis Kalavrianós (traducción de Alberto Conejero), Ejercicios para rodillas fuertes de Andreas Flurakis (traducción de Marilena Paterianaki) y M.A.R.I.L.U.L.A de Lena Kitsopúlu (traducción de Kyriakí Cristoforidi). La dirección de las lecturas correrá a cargo de Claudia Tobo, Juan Ollero y Juana Casado respectivamente. Durante su estancia en Madrid, los autores griegos tendrán la oportunidad de encontrarse con un grupo de dramaturgos españoles, en el marco de un acto organizado por Fernando Cerón, director de Relaciones Internacionales e Institucionales del CDN. Se trata de un proyecto recíproco, ya que en febrero de 2016, un grupo de tres autores españoles viajará a Atenas, para asistir a las lecturas dramatizadas de sus obras, que tendrán lugar en el Instituto Cervantes de la capital griega. Hijos e hijas es una obra basada en 85 entrevistas de gente mayor (la compañía ha recorrido toda Grecia para recoger su material dramatúrgico), a quienes se les pidió recordar , destacar y narrar una historia que cambió su vida. Luego, de las 85 historias se han elegido las que ocurrieron en paralelo con eventos históricos conocidos y se montó una producción modular que cuenta -por medio de la vida de la gente común- los acontecimientos de la historia griega oficial del último siglo. Se estrenó en marzo de 2012 en el Teatro Municipal Público de Comotiní (Tracia, en el norte de Grecia) y en junio del mismo año en el Festival de Atenas, en una versión actualizada. A partir de entonces y hasta la fecha se ha presentado en dos teatros de Atenas y en ocho ciudades de Grecia, siempre con las entradas agotadas, además de haber sido traducida a tres idiomas y de haber viajado a Festivales en Italia, en Bosnia-Herzegovina y en Chipre. Asimismo, ha sido galardonada con el Premio Nacional Karolos Kun para la mejor obra de teatro 2013-2014. Ejercicios para rodillas fuertes es una obra que trata la lucha por la supervivencia hasta la última gota de sangre . La jefa de una empresa, presionada por el comportamiento de su hijo adolescente, decide, despedir a uno de sus dos asistentes. Los dos empleados,

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cada uno a su manera, llegarán a extremos inimaginables para mantener sus puestos de trabajo. Todos jugarán un juego por el que se requieren estómago y rodillas fuertes, dando paso a que el público sea testigo de la violencia en un mundo laboral cínicamente inmoral. ¿Existen alternativas? Y si existen, ¿no será que estén muy bien escondidas y que basta con arrodillarse para encontrarlas? La obra ha sido galardonada con el Premio de la Plataforma Eurodram 2014. Se estrenó en el Teatro de Arte de Atenas en diciembre de 2013 (reestreno en octubre de 2014) y ya se ha traducido a tres idiomas. El monólogo de Lena Kitsopúlu M.A.R.I.L.U.L.A, escrito por encargo del Teatro Nacional de Grecia (Atenas) se estrenó en abril de 2009. Una mujer de 37 años, harta de todo y de todos, rechaza una visión de la realidad que le exige ser enérgica y optimista, y sus palabras se derraman a la vez con crudeza y humor, con emoción y sarcasmo, con intimiM.A.R.I.L.U.L.A de Lena Kitsopúlu dad y con la distancia que requiere el hecho de estar en la defensiva. En su monólogo, que es al mismo tiempo una conversación con el público, asistimos a las confesiones de un ser humano que cada día se acerca más a la muerte, alcanzando los extremos del aspecto negativo de la vida con el fin de encontrar una nueva forma, una salida. Es una mujer que sabe que no hay nada que pueda cambiar sus angustias existenciales, que pueda aliviarlas. Una mujer que sueña con algo más que simplemente pasárselo bien con sus amigos una noche. Aparte de su exitosa temporada en Atenas, M.A.R.I.L.U.L.A (la producción griega) se estrenó en Chipre y en el Piccolo Teatro de Milán (en el marco del Festival “Greece meets Milano”). Asimismo, se ha traducido a cuatro idiomas y se ha estrenado en inglés (sigue en gira, protagonizada por Aliki Chapple), en francés (en Paris, en forma de lectura dramatizada) y en Barcelona, en La Seca Espai Brossa con traducción de Joan Sellent, dirección de Josep Maria Mestres, y Mònica Glaenzel en el papel de la protagonista (septiembre-octubre 2014). Los tres autores destacan entre las voces más interesantes del teatro griego contemporáneo, mientras que sus obras se estrenan de manera regular en las salas públicas y alternativas del país en estos últimos seis años. Es la primera vez que se presentan obras de dramaturgos griegos contemporáneos en una de las salas más importantes de España. Y esperamos que no sea la última.

septiembre octubre

Piedra de sacrificio

Jaime Chabaud

La escena mexicana en el mundo

n fenómeno muy notorio de los últimos años es el de la presencia del teatro mexicano en los escenarios internacionales. En la Cuadrienal de Escenografía en Praga ya somos la pesadilla de los demás competidores porque nuestros vestuaristas, iluminadores y escenógrafos son una seria amenaza, su nivel nos coloca como potencia de la que hay que sentirse profundamente orgullosos. Teatro Ojo que comanda Héctor Burges ganó la medalla de oro en 2011. Y en el World Stage Design de Toronto de 2005, Mónica Raya obtuvo otra medalla de oro para nuestro teatro nacional. Y a pesar de los recortes presupuestales que han limitado los pasajes aéreos internacionales en este 2015, el teatro mexicano sigue viajando con una frecuencia inimaginable dos décadas atrás. Hace un par de meses Algo de un tal Shakespeare estaba dando funciones en Almagro, España. Y hace menos, el festival que dirige Mario Ernesto Sánchez en Miami, recibía Simulacro de idilio de David Gaytán. Y al mismo tiempo Seña y Verbo de Alberto Lomnitz se presentaba con éxito brutal en Francia con Un gato vagabundo en el festival más importante del mundo dedicado al cine y teatro de sordos. El amor de las luciérnagas y Más pequeños que el Guggenheim de Alejandro Ricaño, Baños Roma y Amarillo de Teatro Línea de Sombra que dirige Jorge Vargas (que estuvieron hace muy poco en Brasil y Colombia) o Mendoza de Antonio Zúñiga dirigida por Juan Carrillo, son hoy algunas de las obras consentidas en los festivales internacionales. Apoyados por SRE-Conaculta-INBA o no, los grupos viajan continuamente llevando nuestro teatro a otras latitudes, representándonos, diciéndonos como nunca antes. El amor de las luciérnagas de Ricaño (Veracruz), Aparte de Sara Pinedo (Guanajuato), Misa fronteriza de Luis Humberto Crosthwaite dirigida por Alberto Ontiveros (Nuevo León) y Monserrat del colectivo Lagartijas Tiradas al Sol (DF) abrirán en primeros días de octubre el CASA Latin American Theatre Festival en Londres. Y la curaduría de Daniel Goldman permite un diagnóstico muy interesante. La escena republicana, la escena no chilanga, no capitalina, ha cobrado relevancia y es digna de toda la atención por parte de los programadores internacionales. Años atrás era casi imposible que las agrupaciones de provincias trascendieran de los festivales nacionales y hoy, por la potencia de sus propuestas y a fuerza de cojones, alcanzan la visibilidad en el extranjero. Sin duda no tiene nada que ver el panorama actual al de hace 20 años. La circulación de nuestros espectáculos en los escenarios del mundo es brutal hoy día. Con apoyos o sin apoyos. Porque además los grandes Festivales comisionan a nuestros artistas escénicos con nuevas creaciones sin esperar –necesariamente– participación de las instituciones de cultura mexicanas.

Jorge Vargas, de Teatro Línea de Sombra (18 países visitados, 52 ciudades en los últimos 10 años), desde la sabana brasileña, me ha comentado que reconocen por anticipado que la participación del gobierno es crucial, pero…: “Te diría que no somos la imagen que el gobierno de México, éste y los anteriores, quieren dar en el exterior. Nos lo han dicho varias veces. Eso, esta especie de censura disfrazada, solo querría decir en tu realidad que deberás hacer más gestión y más estrategia para alcanzar tu objetivo. Sin embargo, pienso que insistir en solicitar los apoyos a quien corresponda, es defender tu derecho a ser visto o escuchado, por que la difusión es labor sustantiva de esos aparatos y no debieran ser ellos los que eligen qué se ve o qué no se debe ver afuera. Pensemos que del 100% de viajes al extranjero, el 70% o más, son viajes de los funcionarios culturales que se supone están gestionando la visibilidad de la cultura mexicana TODA en el exterior. Sabemos que siempre preferirán al Ballet Folclórico, a la Banda de Tlayacapan (con todo respeto), y otras manifestaciones domesticadas y a veces, disneylandizadas. ¿Y la apertura y la pluralidad de miradas? Básicamente, lo que pides a los aparatos institucionales es ponerte en el lugar donde te abriste el espacio, fuera o dentro de México. Es muy fácil decirte que no y se acabó. Y si no tienes financiamiento para moverte, que es lo más costoso, se acabó, no circulas aunque tengas la carta de invitación más chingona del festival más extraordinario. “Nuestra experiencia nos ha llevado a exigir a cier tos festivales que la invitación incluya el caché del grupo y el transpor te. Pero si queremos ir, por ejemplo, a Cuba o Sudamérica, sabemos que vamos a inver tir, va a ser gasto del grupo. De esa manera, equilibramos la balanza de nuestros intereses ar tísticos y de difusión. Un festival que nos invita y paga todo, nos permite ir a otro lugar que nos interesa pero no puede o no tiene capacidad para el financiamiento que implica programar una obra. “Diría que el hecho de que en México la cultura esté muy subsidiada por las instituciones culturales permite la distancia con el carácter de mercado de los festivales. Nosotros procuramos que el trabajo hable primero antes que el mercadeo. Si a los programadores les llama la atención, buenísimo. Los subsidios son un arma de doble filo. Claro que lo que digo será polémico, porque hay que ver el lado cuestionable de estas subvenciones que están orientadas al control y a la domesticación. Claro que se domestica el que no se resiste, se domestica el que quiere y el que no, pues tendrá que poner en juego sus propias estrategias para hacer sobrevivir su proyecto.” Llevar el nombre de México al mundo es costoso y tan complicado como un asalto al banco. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre Jaume Colomer

El lado oscuro

Carta abierta a los alcaldes

eñor Alcalde, En primer lugar, expresarle mi enhorabuena por su nueva o renovada responsabilidad. Deseo que sea un mandato provechoso para todos los ciudadanos del municipio. Quisiera expresarle mis consideraciones sobre dos cuestiones que son claves para definir cuál debe ser la contribución del ayuntamiento al desarrollo de las artes escénicas en el ámbito territorial de su competencia durante los próximos años. La primera cuestión es considerar si el ayuntamiento debe implicarse en el desarrollo de las artes escénicas. A pesar de que en las décadas precedentes los ayuntamientos han sido las administraciones públicas que más han invertido en su fomento, durante los últimos años el impacto de la crisis económica en las haciendas locales ha frenado la construcción de infraestructuras y ha comportado una reducción significativa en cantidad y calidad de las programaciones y otros servicios escénicos. A pesar de que la Constitución española reconoce que el acceso a la cultura es un derecho fundamental de los ciudadanos que todos los poderes públicos deben garantizar, ninguna norma jurídica desarrolla qué servicios concretos deben prestar los ayuntamientos en el ámbito de las artes escénicas. La falta de desarrollo jurídico lleva a algunos gobiernos municipales a considerar que deben dedicar los recursos disponibles a atender las competencias obligatorias y dejar las artes escénicas en manos de la iniciativa privada considerando, de forma errónea, que son prácticas culturales no tienen valor en el desarrollo local y que deben ser reguladas por el mercado. La literatura existente, sin embargo, reconoce desde hace tiempo el valor intrínseco de las artes escénicas en el desarrollo personal, social y económico. Además, desde hace algunos años, reconoce también que las industrias culturales y creativas son un factor de dinamización de otros ámbitos de actividad. Pau Rausell, reconocido especialista en economía de la cultura, argumenta1 que numerosas investigaciones demuestran que “el tamaño de los sectores culturales es la variable más determinante para explicar las diferencias de renta per cápita de las regiones europeas y que hay una relación causal bidireccional entre cultura y riqueza”. Si el equipo de gobierno que preside, señor alcalde, está de acuerdo con estos argumentos las artes escénicas deberían ocupar un lugar central en la política de gobierno del nuevo mandato y el ayuntamiento debería destinar a su desarrollo los recursos propios o de terceros que se consideren necesarios. La segunda cuestión, si se acepta que los ayuntamientos deben implicarse en el desarrollo de las artes escénicas, es definir su papel. En el I Foro Mercartes, celebrado en Valladolid el día 7 de noviembre de 2014, Xavier Marcè 2, presidente de ADETCA, apuntó

algunas tendencias generales en el sector cultural y argumentó que “la irrupción de las dinámicas de mercado cambiará el marco de referencia en la gestión de contenidos culturales, se incrementará el consumo de productos globales y el papel cultural directo de los municipios tendrá un carácter nuevamente sociocultural”. Añadió que se producirán, entre otros, los siguientes cambios: mayor autonomía de gestión de los centros culturales públicos, circunstancia que los convertirá en plenos agentes de mercado; mayor exigencia de rentabilidad económica para los programas públicos de cultura, y pérdida de valor de la idea de servicio público a favor de las dinámicas de mercado. Estas previsiones llevan a considerar que las políticas escénicas de los ayuntamientos en los próximos años deben atender, principalmente, estas dos prioridades: a. Fomentar el talento y la creación escénica poniendo a disposición de los creadores locales infraestructuras adecuadas y haciendo difusión ciudadana de sus propuestas. b. Proveer una programación estable de carácter profesional para que los ciudadanos puedan acceder a experiencias escénicas sin barreras de ningún tipo, priorizando las propuestas para niños y adolescentes. Sabemos que la oferta de una programación estable en un contexto de escasez de recursos conlleva dificultades y riesgos, especialmente la pérdida de frecuencia y calidad. Pero se pueden aplicar dos estrategias para evitarlo: a. Estrategia de cooperación con los municipios del entorno territorial: Aplicación de economías de escala en la gestión mancomunada de las respectivas programaciones tanto en la compra conjunta de espectáculos (para reducir costes y coordinar los contenidos) como en su comercialización (para aplicar estrategias más eficaces de comunicación y desarrollo públicos, e incrementar los ingresos de taquilla). b. Estrategia de riesgo compartido con los proveedores de espectáculos. Aplicación de un régimen económico mixto en la contratación de espectáculos que asegure al proveedor un ingreso mínimo y le permita obtener el importe restante hasta cubrir el valor de mercado del espectáculo a través de un porcentaje de taquilla, que variará en función del aforo disponible y del mercado potencial. De esta forma se evita el elevado coste del caché y que sea la recaudación potencial lo que decida los contenidos. No sé, señor alcalde, si estos argumentos le ayudarán a tomar decisiones en favor de las artes escénicas. En cualquier caso estoy a su disposición para dialogar sobre ellos. Muchas gracias por su atención. Un saludo.

1 - RAUSELL KÖSTER, P. (2012): La cultura como factor de innovación económica y social. Proyecto europeo Sostenuto. Universitat de Valencia. El proyecto ha investigado durante 3 años el impacto de la creatividad, la innovación y el talento que aportan las industrias culturales y creativas en el desarrollo económico y social en varias regiones de Europa. 2 - MARCÈ, X. (2014): “Mercado de las Artes escénicas: situación actual, tendencias y oportunidades. Una perspectiva empresarial”. Foro MERCARTES 2014. 3 - Optando por la gestión directa o indirecta según se estime conveniente en cada caso.

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septiembre octubre

Noticias desde los fiordos

Víctor Criado

Stockholms KulturFestival “En la base del primitivo temperamento del actor encontramos tres elementos: soledad, egoísmo y erótica.”

sto lo dice Fredrik Schyberg en su libro “Skådespelarkonst” (“El arte del actor”), un curioso ejemplar que cayó en mis manos de modo casual hace unas semanas. El autor era un crítico teatral que escribió este ensayo sobre nuestra profesión, publicado en su primera edición en 1949, y del que yo no tenía conocimiento (ni del autor ni del contenido). Un crítico que debía conocer muy bien (además de amar y respetar) nuestro trabajo, y que en sus reflexiones sobre el teatro que vio y criticó, se escondían anotaciones muy útiles sobre cómo mejorar nuestro trabajo, según leo en la introducción del mismo. Pero esta afirmación, tan contundente y categórica despertó mis recelos, aceptando al mismo tiempo su contenido. Contradicciones con las que uno debe vivir. El Stockholms KulturFestival es un evento cultural que tiene lugar a principios de Agosto. Cuatro días en los que hay una enorme oferta cultural, entre la cual se incluye el teatro. Siempre, o casi siempre, son espectáculos concebidos para exhibirse en la calle, que cuentan con una enorme aceptación. Imagino que el precio de la entrada (gratuito) ayuda a que la demanda se dispare. Como actor de “sala”, casi toda mi vida dedicado a trabajar en el interior, suelo tener mis prejuicios ante el trabajo del actor en la calle; poco sutil, demasiado ruidoso, casi siempre divertido… Pero antepongo siempre mi respeto por el esfuerzo, la generosidad, capacidad de improvisación y los obstáculos vencidos por parte de esos actores que se dejan la piel, voz y sonrisas esparcidas entre calles y asfalto. Me recuerda, de un modo vago, a la Fira de Tàrrega, pero sin programadores. Reflexiono durante estos días repletos de actividades sobre el origen del teatro, sobre los griegos (aunque imagino que el arte de contar historias es mucho más antiguo) y su modo de confrontar la naturaleza humana, tratando de dar respuestas a preguntas imposibles. “El hecho por el que nos planteásemos hacer teatro para niños tiene un origen más egoísta (nótese el adjetivo) de lo que en un principio puede parecer; enfrentar nuestra actividad creadora con un público tan receptivo, falto de prejuicios, sincero y con una enorme capacidad creativa, es estimulante, nos ayuda a mejorar nuestro arte, a pulir aristas, a encontrarnos con el público.” Quien dice esto es Erik Uddenberg, dramaturgo de Unga Klara, con más de veinte años de trabajo a sus espaldas dentro de la compañía. Lo dice y pienso en el teatro para niños y jóvenes que se hace en el Estado Español. Y en los griegos. ¿Me pregunto entonces dónde está la catarsis y liberación en el teatro que se realiza para ellos allí? ¿Es solo una cuestión de distracción lo que genera esas propuestas escénicas, de entretenimiento, de pasar el rato, de tenerlos ocupados en temas sencillos que sus “mentes limitadas” pueden comprender…? “¿No entiendo nada de lo que está pasando?”, dice un padre confundido, mientras observa, en uno de los espectáculos programados en el festival, un trabajo de calle con malabaristas que juegan a crear situaciones teatrales. “Pero papá, no hay nada que entender, solo hay que dejarse llevar, verlos jugar con las manzanas, los vasos y las copas”.

Como es lógico hay mucho circo, performance, zancos… En una zona reservada para niños, con multitud de actividades, me quedo observando un espectáculo de nuevo circo ejecutado por principiantes con cierta dramaturgia (un poco de guerra, de niños que huyen, de papeles que se niegan o conceden…). Una chica de unos15 años ejecuta en un trapecio una serie de ejercicios complicados con fondo musical. A mi lado se acerca, atraído por sus movimientos, un emigrante rumano de su misma edad (y al mismo tiempo mucho más adulto), con una bolsa de basura llena de latas vacías que más tarde “convertirá” en coronas. Se queda mirando fijamente a la bella jovencita sueca que se mueve ágil en el trapecio. Mi atención teatral se divide en dos frentes. Imagino que él se llama Romeo (también bello) y ella Julieta. Ya tengo montado el espectáculo en la cabeza. Los emigrantes rumanos están generando un gran debate en la sociedad sueca, son muchos y han aterrizado repentinamente, con su carga de culpa, ensuciando las calles de todo el país con su incómoda y desconocida presencia, plagada de manos vacías, botes y fotos de familiares plastificadas. Varios conatos violentos contra ellos han comenzado a aparecer aquí y allá. La extrema derecha se frota las manos con cada mirada esquiva de un ciudadano sueco, con cada olfateo de olor a sudor rancio que escandaliza. Los Capuletos y Montescos siguen viajando en el tiempo. Ahí está un espectáculo que podría, si se realiza con sinceridad y talento, provocar una catarsis, dar respuesta a una de esas preguntas imposibles. Seguimos, en cambio, atados a las viejas concepciones. Distrayendo a un público gratuito que aplaude entusiasmado. Los malabaristas acaban su espectáculo rompiendo todas las tazas, destrozando todas las manzanas, simulando un caos catártico que produce sonrisas de reprimida complicidad en el público. El actor (principal) finaliza acallando los aplausos del público con un mensaje en inglés: “Les rogamos que esto que acaban de ver (destrozo de vajilla y fruta) no se lo permitan a sus niños en casa”, risas cómplices del público. “Pero si les pueden dejar hacerlo en la escuela”, más risas más cómplices. Yo me quedo con cara de tonto. ¿Por qué? ¿De qué está hablando este actor? ¿Catarsis de plástico para aliviar mentes adormecidas? Si yo me pregunto esto, me imagino la cara, aún más anonada, de ese niño que trataba de explicar a su padre lo inexplicable, y ante el cual se presenta ahora una cuestión de índole moral aún más inexplicable. ¿En casa no puedo romper nada, pero en la escuela sí? Aunque quizás, de un modo inconsciente, ese actor malabarista ahora sudoroso y satisfecho que flirtea con el público, está poniendo sobre la mesa (en formato teatral) uno de los grandes conflictos del ser humano. Es lo que tiene la cultura, de un modo u otro siempre se le puede sacar provecho. Cada vez que actúo ante chicos en las escuelas, y observo cómo se fascinan y sorprenden con el teatro agradezco a los griegos su lucidez. Supongo que en el temperamento del actor (por lo menos en el mío) hay un ingrediente, un poco mas amable, que al crítico del comienzo del artículo se le escapó: respeto. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre Las Lejanías

Carlos Be

Público fronterizo

s voy a revelar un secreto. Desde mi llegada a Madrid, mantengo una relación epistolar con una espectadora de ensueño. Nos conocimos en los teatros, en una sucesión de ellos, y actualmente la relación se mantiene en las horas bajo los focos pero también en las horas de escritorio. Tras el ritual de la caligrafía y el ensobrado, aplanar el sobre mullido y los sellos –ya casi inexistentes–, y el camino de correos, se suma la recogida en el apartado de correos, nunca está vacío el casillero, siempre hay palabras que saben a delicia y amargor, así son las cartas de Teresa Alonso, delicadas y fuertes, con caligrafía segura; la última de las cuales, que tituló Público fronterizo reproduzco, con su permiso a continuación:* Vengo observando de un tiempo a esta parte como el interés del posible público de teatro por ir a ver teatro mengua. ¡Bonito trabalenguas! Desde siempre he sentido la inquietud de saber por qué va la gente al teatro (los que asisten) y por qué no van los que no lo hacen, y siempre con ánimo observador, pensando en cómo llamar a otros, en cómo atraerlos a ellos también. Se necesitan más niños para jugar a este juego. Saco poco en claro. De los que no vienen, porque no les interesa, el teatro parece constituir más bien una nebulosa, como una ciudad fantástica que flotara entre brumas, un territorio desconocido, algo que está hecho para otros. No les llama ese viaje, o no se atreven a salir de sus rutinas. No traspasan las puertas de la magia, pese a tenerlas a un palmo de su mano. Hay otros pocos que lo probaron, pero no les interesa. Pareciera que el teatro no les dice nada. Esto, sobre todo, en teatros a la italiana, más convencionales; los nuevos formatos de teatro “inmersivo” parecen no dejarles tan indemnes, pero incluso en estos se aburren. Y se aburren de cerca, que no sé qué es peor. Existen los consabidos públicos adscritos a un determinado teatro, por costumbre, por vecindad o cercanía, aunque poco inclinados al cambio de escenario, siendo una versión más “tradicional”; también están los muy aficionados y “entendidos”, quizá más orientados a un determinado autor, interprete o tendencia del momento, y que se suelen acompañar de una nada desdeñable presencia a través de redes sociales, con un estilo más “moderno”. No obstante, y más allá de categorizaciones, hay una importante cuota de público más gris, más indefinido, que está ahí y suele ser el que acude al teatro por el simple arte del boca a boca, al margen de lo que dicte el escaparate social; público que se pronuncia poco y por eso suele ser difícil de definir, pero resulta ser el alma intangible del teatro, su gran público, ese al que todos los que os dedicáis a la profesión soñáis con poder llegar para que abarroten vuestras funciones (grandes o pequeñas) y podáis sentir su abrazo, su calor, y eso que se viene a llamar “éxito”. Yo presto atención a todos los públicos, pero en particular a estos últimos, los públicos de gris, los que no llaman la atención pero terminan por llenar las salas. Esos públicos menos visibles, anodinos sólo en apariencia, que yo siento como mis hermanos, porque sé lo que

sienten, y cómo se sienten. Ellos son como yo. Esa franja de espectadores últimamente está aturdida. La dramática consecuencia que esto tiene es que está huyendo del teatro, fluyendo en dirección opuesta. Sin querer acercarse ni querer oír. ¡Basta ya de cháchara, de bombardeo de publicidad estruendosa! La mágica ciudad teatral se les antoja como un Las Vegas de cartón fallero, repleto de rótulos luminosos y reclamos sonoros, a cual más chillón y obsceno, vulgarmente repetitivo. No, nuestro tejido de espectadores sencillos no tiene tanta tradición de teatro cómo para contender con ese confuso sentido de supermercado teatral que ahora se estila, con teatros de solera convertidos en grandes superficies teatrales donde se vociferan las mercancías, los 2x1, ¡tenemos las mejores ofertas, señores!, ¡el teatro más variado! Al final, lo malo no convence. Lo barato, sale caro. El maravilloso público inadvertido del que podrías sacar oro se está confundiendo con tantas señales; se siente estafado cuando va a ver “A” y se encuentra “B”; desorientado, confuso, pierde el interés en escuchar más señales, en oír las voces. ¡Está hasta las narices! Todas parecen iguales. Todas aturden lo mismo. Mentiras y más mentiras. Patrañas. A mí no me invites a ir más al teatro. Para ver eso, me quedo en mi casa. Y yo me pregunto: ¿quién les va a conducir en medio de tanta luz cegadora? ¿Quién les va a devolver la confianza en el teatro? Tenéis razón cuando observáis que ahora va mucha menos gente al teatro que antes, porque es verdad que eso está pasando. Y los discursos a través de redes sociales no llegan, o se mantienen circulando solo entre los mismos de siempre, sin salir del círculo (los categorizados). Y ya no importa lo mucho que disfraces la mentira, o lo quieras maquillar con la palabra. Este delicado tejido que conforma el espectador de a pie, se da cuenta del engaño. A ver quién es el guapo que ahora les conquista con la verdad. Mentira sobre mentira. El discurso propagandístico de las redes sociales ya no vale. Las carteleras ya no tiran. Los espacios no se llenan. Encuentra lo auténtico. Trabaja en pro de ello. Resultará duro, porque será como volver a empezar, pero tu discurso marcará la diferencia y el mencionado tejido, la gran ballena blanca del público, se pondrá de tu parte y acudirá a tu llamada. No hay otra fórmula más que apostar de corazón por lo que ahora parece un imposible. Lo que quiero decir, en definitiva, es que hay que volver a lo simple. Que los anhelos del público son muy básicos: tan sólo quieren que se les cuente una buena historia. Una mentira verdadera. Yo misma estoy saturada. Y amo el teatro con verdaderas ganas, pero no puedo con más “teatro-basura”: teatro en serie, teatro industrial, marketing teatral, redes escaparate y teatro propaganda. Ha empezado a provocarme un fuerte rechazo, haciendo que ponga distancia de todo ello. Y esta es toda mi reflexión, que hoy pongo por escrito porque se me ocurrió que podía interesarte, o cuando menos ayudarte a entender uno de los porqués (que habrá más ¡seguro!, uno o varios) de que la gente no vaya al teatro, ni aunque te plantes con un bombo a la puerta de su casa.

*T eresa Alonso recibió el Premio al Mejor Público en reconocimiento al papel del espectador en el teatro en la Gala Inaugural de Clausura celebrada el 15 de septiembre de 2014 en la Sala Cuarta Pared.

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septiembre octubre

Cronicón de Villán... y corte

Javier Villán

Farsa y tragedia de la política

n tiempos en que el teatro manifiesta un gran vigor en la Metrópoli y buena parte del Imperio, sombras de incertidumbre amenazan Madrid, este “poblachón manchego” como lo definió no sé quien. Madrid rompeolas de todas las Españas, Madrid capital de la gloria; desde Antonio Machado a Paul Eluard, Rafael Alberti, Vallejo. Y la Comunidad Autónoma que es un Madrid a lo grande: muchos “poblachones manchegos” adunados. Lo de poblachón me suena a Azorín, pero no estoy seguro. Azorín no era escritor de palabras agudas. Azorín era amante del teatro y en cierta medida un autor vanguardista y frustrado. A Azorín, como autor dramático, lo eclipsó, como a tantos otros, su condición de prosista pulcro, de narrador de los campos de España. Anarquista en sus orígenes como todo el 98. Luego, evolucionó a zonas más cómodas y templadas. Tras la guerra incivil no evolucionó, se quedó estático viendo cine, su gran pasión. En Madrid el teatro resiste, como resistía los bombardeos según célebre canción; el teatro resiste gracias a sí mismo, pues el teatro es inmortal por su propia naturaleza . Sobrevive no gracias a privilegios institucionales, sino por su propia naturaleza expansiva y rebelde. Tampoco exige mucho, la verdad. Y sabe que como producto de consumo, el teatro está sujeto a las leyes de Mercado. No me atrevo a decir a la oferta y la demanda, porque la demanda cultural de la sociedad española suele ser paupérrima, proporcional a la educación que proporcionan a la gente los poderes públicos. En España para hacerse una cultura medianamente presentable hay que ser un francotirador. Y hacerse un cultura específicamente teatral y, sobre todo, hacer teatro es una guerra de guerrillas, glorioso invento español contra los ejércitos organizados.. La cultura es un baluarte contra la arbitrariedad del poder y en defensa de la libertad: peligro de dictadores, acólitos y leguleyos. Pero el teatro, además de un producto de consumo, es un bien de primera necesidad. Como pudiera y debiera serlo, salvando la distancias o sin salvarlas, la educación o la sanidad al alcance de todos los españoles. Y al considerarlo bien de primera necesidad, pues conduce a la libertad, las instituciones debieran prestarle más atención. No queremos privilegios. Bastaría con un tratamiento fiscal razonable; el 21% de IVA, por ejemplo, es una salvajada. Si las compañías lo asumen, se arruinan. Si lo cargan en taquilla al bolsillo del espectador se arruina el espectador. Es necesario comprender que la temperatura de una sociedad la marca el teatro. Un teatro muerto descubre una sociedad muerta. O, por lo menos en coma. Algo se está moviendo en la sociedad española. Y el circuito alternativo es ejemplo de esa pujanza. Algunos lo acusan de falta de de profesionalidad y en algunos casos pudiera ser verdad. Pero ahí están los jóvenes autores verdaderamente comprometidos con la vanguardia y la tradición, con la sociedad actual y con el arte del futuro. No sé si la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento se dan cuenta de ello. El nombramiento de Jaime de Santos como responsable máximo de Cultura de doña Cristina Cifuentes ha sumido a todos en una perplejidad perplejísima. Veremos qué sale de eso. Mientras tanto, Pérez de la Fuente al frente del Español y con un contrato de cuatro años, parece tener a punto una programación que incluye dos fidelidades inexpugnables en su dramaturgia: Max Aub y Alfonso Sastre el exiliado de Hondarribia. A

estas alturas del partido, debiera tenerla publicada , pues los repartos ni los equipo artísticos se improvisan en un día. En España el momento para la creación dramática es inmejorable, para la Comedia o para la Tragedia. La política española es un festín, debiera serlo; para Aristófanes o para Eurípides. Rodrigo Rato, por ejemplo, es un personaje de Shakespeare. Un malvado con una corte maravillosa de secundarios, propios también de Shakespeare. O de Aristófanes. ¿Quién escribirá la tragedia o la comedia de Bankia? Quién la corrupción, la justicia venal, la política enfangada de estos tiempos?. Algo hay en Teatro del Barrio o La Mirador, o La pensión de las Pulgas y el resto del circuito alternativo. Pero es insuficiente. Max Aub y Alfonso Sastre no prescriben; los proscriben que es cosa muy distinta. De momento Natalia Menéndez pudiera tener resuelto el problema de Cervantes para Almagro el próximo centenario que, en España, amenaza ser el centenario de Shakespeare y no el del Manco de Lepanto. Volveremos a lo de siempre: el Quijote; y su teatro ¿qué?. Fuentes argentinas confirman que está firmada con el Español una coproducción del Teatro de Buenos Aires, creo, para estrenar en el primer trimestre de 2016. Un lector un poco despistado, me sugiere que felicite al actual director del Español, por programar a Vargas Llosa. El teatro de Vargas no es cosa de Pérez de la Fuente, sino de su antecesor Natalio Grueso, no le quitemos méritos a Grueso que, además, es muy buen novelista como atestigua en el prólogo de La Soledad, don Mario; y yo, con menos autoridad, he escrito. Supongo que Pérez de la Fuente lo mantendrá, aunque con una representación al año, que sería lo lógico. Hay más autores españoles. Vargas es, antes que un dramaturgo universal, un novelista genial. Don Jaime Miguel de los Santos

Volvamos al mandamás de Cultura de la CAM de doña Cristina Cifuentes. ¿Alguien sabe quién es Jaime Miguel de los Santos? Desconocerlo no le quita méritos y puede ser producto de mi ignorancia. A veces surgen lumbreras ocultas e ignoradas que ponen la política, y el teatro es también política, patas arriba. Parecer ser que hasta ahora era machaca de la honorable esposa de Rajoy, presidente del gobierno. Machaca significa asistente en términos militares. En cualquier caso no hay que juzgar a don Jaime de los Santos antes de verlo actuar al frente del teatro de la Comunidad, aunque solo sea a efectos burocráticos. El teatro de la CAM incluye la Abadía, el Canal, el Auditorio del Escorial, el Festival de Otoño… Prueba de democracia: en la CAM, cualquier estilista colaborador de revistas de modas, recadero fino de doña Viri, puede llegar a gran jefe, aunque ignoro cuáles son sus atribuciones exactamente. Daría cualquier cosa razonable por ver dialogar de teatro a Jaime Miguel de los Santos con Albert Boadella o José Luis Gómez. Estos ya han hecho pública su programación para la temporada 2015-2016. No estaría de más que el Ayuntamiento de doña Manuela Carmena hiciera pública la programación de los Teatro Municipales. A no ser que a Manuela Carmena y su nuevo equipo el teatro se la sude, cosa que no creo. Si así fuera nos quedaríamos tan perplejizados como con el nombramiento de don Jaime de los Santos al que deseo suerte y buen teatro. w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre

septiembre octubre

Estantería Texto Teatral ‘Retablo Incompleto de la Pureza’ es el título de la última obra de Raúl Cortés, dramaturgo y director de la compañía andaluza Trastro Teatro. La obra “es el silencio que sucede al grito de horror, ese silencio que es sepulcro donde enterrar la culpa y el espanto. Un páramo habitado por un puñado de sombras que, asustadizas, ocultan el rostro y se esconden, avergonzadas de ser lo que son, mortificadas por la certeza de no poder ser jamás otra cosa. Dos autos profanos, dos cuerpos, forman este retablo: Muerte, resurrección y muerte y La mujer barbuda. Dos cuerpos anormales, deformes, monstruosos, geografía del castigo y los daños. Dos almas retorcidas por un infierno, condenadas por descubrir el espejo que otros taparon justo a tiempo para conjurar el miedo. Otros: los hombres que, despojados de toda paz, toda gloria y todo lo sagrado, le construyeron un altar a la superstición y sus artefactos. Una coedición de Pepitas de Calabaza y Llaüt.

Texto Teatral

Ana Martín Puigpelat es la autora de ‘Amortal’, una historia de amor en la que el enemigo es la medida, tal y como explica en el prólogo de esta edición de la colección Apuntador de la editorial Lastura, el dramaturgo José Ramón Fernández. La obra, una historia sobre la vida de las personas, fue estrenada en Madrid en 2009 por la compañía Proyecto Amortal.

Con ‘¡Nunca más!’ Julián Pavón Fuentes cuenta la historia de Jesús Sierra, superviviente de Mauthausen. Un profesor anarquista que cree que el mejor campo de batalla es el de las ideas y la mejor arma la razón. Una obra que narra la historia de un combatiente. La historia de un hombre que empuñó las armas para defender la libertad. Una publicación de Eirene Editorial.

‘Adentro’ de Carolina Román es la historia de una familia argentina con raíces españolas. Una obra que maneja un continuo juego de contrastes entre la violencia y la ternura; situaciones dramáticas pero con momentos de humor; el tercer mundo versus el primer mundo, América latina versus Europa. Una edición del CDN, encargado también de su producción escénica.

Texto Teatral

La Editorial Penguin Clásicos ha publicado ‘Obra completa. Teatro y poesía’ de Christopher Marlowe. Esta edición, una versión de Aliocha Coll, Andrés Ehrenhaus y Andreu reúne las dos partes de Tamerlán el grande, El judío de Malta y Eduardo II, La trágica historia del doctor Faustus, Dido, reina de Cartago y La masacre de París además de dos poemas.

Ediciones Cátedra ha publicado dos obras de Juan Mayorga, ‘Hamelin’ y ‘La tortuga de Darwin’. Ambas son ejemplos destacados de una poética basada en la conjunción de filosofía y drama y tienen tiene en Walter Benjamin, entre otros pensadores y escritores contemporáneos su más destacado guía. Edición con prólogo de Emilio Peral Vega.

‘El 6º continente’ es una obra de Daniel Pennac creada a partir de las improvisaciones de un grupo de actores bajo la dirección de la francesa Lilo Baur. Un drama familiarplanetario que es a su vez una ópera bufa estrenado en el teatro Bouffes du Nord de París. Esta edición de Random House incluye el monólogo ‘Ex paciente de los hospitales de París’.

Estantería Texto Teatral Teatro del Astillero ha publicado ‘Pasión contenida en el silencio: Antología de teatro contemporáneo finlandés’ en colaboración con el Instituto Iberoamericano de Finlandia. Una antología en la que se presenta cinco obras de otros tantos dramaturgos escritas en la última década y que han sido elegidas específicamente para el público hispanohablante. Las obras ‘Broken Heart Story’ de Saara Turunen, ‘Los juegos de reina’ de Antti Mikkola y ‘Caos’ de Mika Myllyaho –director del Teatro Nacional de Finlandia– hablan de la identidad femenina mientras que ‘¡Es niña!’ de Otso Kautto trata las relaciones entre un padre y su hija. Completa la antología la obra ‘Fundamentalista’ de Juha Jokela ene la que se aborda un tema de candente actualidad como el papel de la religión en la sociedad. La introducción de esta antología ha sido escrita por Hanna Helavuori, directora del Centro de Información Teatral de Finlandia y la traducción de las obras es de Luisa Gutiérrez Ruiz.

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15 septiembre octubre TTT - Territorios Teatrales Transitables

Encuentro internacional sobre las artes escénicas

a compañía Residui Teatro organiza, en ocasión de su 15º aniversario, un encuentro internacional sobre teoría y práctica de las artes escénicas que se celebrará en Madrid del 24 septiembre al 3 octubre, y que recibe el nombre de TTT - Territorios Teatrales Transitables. El encuentro, que contará con la participación de diversos maestros internacionales, tiene el objetivo de reflexionar sobre los caminos posibles del teatro, la poética y la transformación que el arte escénico conlleva a nivel personal, social y político. Eugenio Barba, director del Odin Teatret, y Julia Varley, actriz de la misma compañía, impartirán la master class que abrirá el encuentro que pretende proponer una reflexión sobre las artes escénicas, con un programa compuesto por workshops, demostraciones de trabajo, espectáculos, mesas redondas, proyecciones y conferencias. Destacados invitados nacionales e internacionales se darán cita en Madrid, entre los que se encuentran: Keiin Yoshimura (Japón), Susanne Linke (Alemania), Vladimir Olshansky (RusiaUSA), Marta Ruiz (Colombia), Paolo Baroni y Paolo Vignolo (Italia), Carthaphilus Teatro (México), Parvathy Baul (India), I Wayan Bawa (Bali), Hernán Gené (Argentina) y José Sanchís Sinisterra (España). Gregorio Amicuzi, director de Residui Teatro y responsable artístico del festival, define como Territorios Teatrales las comunidades artísticas que estos maestros lideran en algunos contextos geográficos o culturales. Así, la compañía propone diferentes territorios en los que los invitados reflexionarán en mesas redondas, presentarán demostraciones de trabajo y ofrecerán talleres. “El festival quiere ser un lugar de encuentro entre jóvenes, que se dedican a las artes escénicas y los maestros, que

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se ocupan de transmitir la sabiduría. Los maestros invitados proceden de distintos contextos culturales, cada uno, según su ámbito de acción, se ocupa de transmitir al joven experiencia y tradición para que este la asuma y a lo largo del tiempo la enriquezca y, a su vez, la transmita”, afirman desde Residui Teatro. territorios

En palabras de la Organización del encuentro, el Territorio de la Tradición unirá a maestros de Asia y África, firmemente arraigados a conocimientos antiguos y fuertemente interesados en nuevos horizontes e intercambios, y a maestros de Europa, que han generado una nueva tradición a partir de una lógica de trabajo transversal, “la antropología teatral”, que los ha llevado a una nueva definición de “El Arte secreto del actor”. En este apartado se podrá ver el espectáculo White Bird/ Pájaro Blanco dirigido por Keiin Yoshimura, con Keiin Yoshimura y Viviana Bovino, o participar en el “Encuentro con Directores”

dirigido por Eugenio Barba e Julia Varley (Odin Teatret, Dinamarca). El Territorio en la Frontera reflexionará sobre la frontera como lugar de encuentro entre artes y lugar de intercambio y crecimiento, presentando propuestas como la demostración de trabajo ¿Qué es un Clown? de Vladimir Olshansky (Rusia-USA) o su ponencia “El clown en el hospital, la profesión y la apuesta”. Por su parte, en el Territorio de la Performance, Política y Transformación están programadas las siguientes ponencias: “Relación entre performance/ ciudad / política y trasformación” a cargo del italiano Paolo Vignolo; y “Danza comunitaria, la experiencia en las comunidades indígenas de las Amazonas”, de la mano de Marta Ruiz. Además, la mesa redonda “Teatro de Todos” reflexionará sobre la accesibilidad del arte en la sociedad española contemporánea. En el Territorio en la Ciudad “el arte tomará la calle para volverse un acto comunitario”. Así, la Jornada Popular “Generando Territorio” presentará el 3 de octubre en el barrio de Acacias/Embajadores diversas intervenciones de grupos y asociaciones locales. El Territorio en la Red tratará el tema de la creación de redes locales nacionales e internacionales, con actividades como los workshop “Taller de dirección” dirigido por el mexicano Luis Ibar y “El Cazador de Mariposas” dirigido por Alma Bernal, también de México. Por último, el Territorio de los Niños cuenta con un programa compuesto por un workshop y un espectáculo. “Transversalidad del teatro” se presenta como un taller inter-generacional para niños de 0 a 99 años dirigido por Paula Pascual De la Torre (España). Y Mala Tierra es un montaje de Residui Teatro dirigido por Gregorio Amicuzi, también con Paula Pascual de la Torre.

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15 septiembre octubre Temporada teatral de Nueva York

La contemporaneidad en conflicto sobre la escena

a primera parte del año ha sido de bonanza económica, especialmente para Broadway, batiendo records de taquilla con 44 producciones entre musicales y obras de teatro. Ello por supuesto, no significa que la calidad de las producciones haya superado la de temporadas anteriores. De hecho, la factura de los espectáculos se ha dirigido principalmente al gran público, constituido por el contingente de turistas nacionales y extranjeros que llenan continuamente las calles de la ciudad. Encontramos así antiguos musicales como The King and I (Premio Tony a la mejor reposición) de Rodgers & Hammerstein, On the Town de Leonard Bernstein y An American in Paris con música de George Gershwin. Obras de tema adolescente como The Curious Incident of the Dog in the Night-Time de Simon Stephens (Tony a la mejor obra), acerca de un adolescente autista y genio de las matemáticas, o piezas capitalizando el éxito de películas comerciales como The Audience de Peter Morgan, quien escribió también el guion para The Queen, dándole a Hellen Mirren el Oscar a la mejor actriz, y también el Tony de este año, por su interpretación de Isabel II de Inglaterra. Pocos son los neoyorkinos de a pie que circulan por el área de aquellos teatros o pagan el alto precio de las entradas, sin embargo. Otros espacios, como la Brooklyn Academy of Music (BAM), el Theater for the New City, el Public Theater o el Cherry Lane Studio Theatre constituyen alternativas mucho más sugerentes y menos costosas, a la hora de escoger entre el inmenso catálogo de la oferta teatral de la Gran Manzana. En tal sentido, BAM sigue siendo el mejor lugar para disfrutar de excelentes producciones a precios asequibles, realizadas por importantes compañías, no solo de Esta96

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A Human Being Died That Night de Fugard Theatre

dos Unidos sino del mundo. Y aquí cabe destacar la obra The Iceman Cometh de Eugene O’Neill realizada por el Goodman Theatre de Chicago, considerada como la mejor compañía regional del país. Esta producción, dirigida por Robert Falls, con un inmejorable reparto encabezado por Nathan Lane (Hickey) y Brian Dennehy (Larry), mantuvo en vilo al público desde la primera escena, trayendo ecos de la intensa adaptación del Abbey Theatre de Dublin, con Kevin Spacey en el rol principal, vista en Broadway en 1998. Bajo la dirección de Falls, sin embargo, la obra adquirió todo su sentido y más, dada la sintonía del Goodman con los dramaturgos norteamericanos, desde Tennessee Williams a David Mamet, pudiendo captar las sutilezas y complejidades de unos personajes extraídos de las profundidades del imaginario yanqui, enterrados en vida en un bar de mala muerte del Bowery de Manhattan. Allí, perennemente alcoholizados, lanzan sus últimos cartuchos, mientras descienden a los infiernos donde les espera el encuentro consigo mismos; de ahí que el mayor miedo sea el estar sobrios,

pues entonces podría penetrar un rayo de lucidez en la lobreguez de sus existencias, y alumbrar la oscuridad que constituye este refugio definitivo. Una iluminación puesta a transformar a los personajes en sombras de sí mismos, emergiendo en los momentos de euforia y hundiéndose en un sopor autodestructivo cuando el alcohol comenzaba a surtir efecto, ambientó puntualmente la puesta en escena, constituida por las mesas y la barra del bar que conformaron el único trayecto válido para ellos. La traición de sus ideales, ya fueran políticos, sociales o personales, como motor del nudo argumental de la pieza, quedó descarnadamente expuesta ante el espectador, hacia el cual los actores repentinamente se dirigían para profundizar en la universalidad de los temas aquí tratados. Al igual que en muchas otras de sus obras, la destrucción de las convicciones, la ausencia de fe en sí mismos, el abatimiento ante la imposibilidad de luchar en un mundo que los sobrepasa, movilizó a los personajes, llevando a la más abyecta realidad las palabras del propio dramaturgo en relación al conjunto de su obra: “Mis piezas, hasta

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Churchill de New World Stages

las más materialistas son, en lo que a sus implicaciones espirituales respecta, un grito en medio de la selva en protesta hacia un destino deslastrado de toda esperanza”. Quizás haya sido por ello que una obra como Ghosts de Henrik Ibsen, caló tan hondo en la psiquis del público de BAM. Esta controversial pieza, en producción del Almeida Theatre de Londres bajo la dirección de Richard Eyre, que ya cuando fue estrenada causó amplio revuelo y fue prohibida en numerosos países, contó con Helene Alving (Premio Olivier a la mejor actriz) como Lesley quien, siguiendo el patrón de muchas de las heroínas de Ibsen, destruirá a quienes más ama y con ellos a sí misma, en tanto busca empinarse por encima de la represión y las convenciones de la vida pequeñoburguesa de provincias. La mise-en-scéne creó dos niveles de sentido en la separación de los espacios mediante una pared transparente, mostrando simultáneamente el rostro público y el privado de los caracteres. La hipocresía de las instituciones religiosas, el amor libre, las enfermedades venéreas, el incesto circularon paralelamente entonces a la apariencia de probidad y solidez de los valores familiares, que los personajes anteponen como una mampara puesta a camuflar los miedos y fracasos tanto personales como colectivos. No extraña pues, que la sociedad de su tiempo no quisiera verse reflejada en lo turbio del espejo donde el dramaturgo mostró sus dobleces y carencias. Pero es posiblemente la particularidad de la obra, en cuanto a no señalar con el dedo a un responsable, sino potenciar la culpabilidad colectiva ante los dramas allí expuestos, lo que la hace tan actual, pudiendo trasvasarse su contenido hacia las tragedias mundiales de las cuales nadie debe evadir su responsabilidad. Porque no es tanto el que Lesley ayude a su hijo a morir, como consecuencia de una enfermedad venérea de la cual ella fue víctima durante el embarazo, entre los violentos rojos de una iluminación espejeando el horror de la escena, sino el modo como Ibsen lleva hasta esas últimas consecuencias la desesperación de los personajes, mientras disecciona los pormenores de su existencia, vivida como representación tanto dentro como fuera de las tablas. Es allí donde la pieza se sale de cuadro y nos obliga a tomar conciencia ante el espanto circundante, donde las víctimas mortales van apilándose continuamente a causa de las guerras, la miseria y el terrorismo contemporáneos. Y aquí es importante señalar el impacto de The Tallest Tree in the Forest y A Human Being Died That Night; dos obras que expusieron el racismo norteamericano y surafricano, recientemente w w w. a r t e z b l a i . c o m

15 septiembre octubre revivido con el asesinato de nueve feligreses afroamericanos, en una iglesia de la ciudad sureña de Charleston, por un joven supremacista blanco. La primera, dirigida por Moisés Kaufman para el Tectonic Theater Project de Nueva York y protagonizada por Daniel Beaty, sostuvo, con la fuerza de este monólogo, la atención del público sobre la figura del abogado y cantante Paul Robeson. Robeson, el tercer hombre negro en graduarse de la Universidad de Rutgers, y uno de los primeros que obtuvo un título en la Universidad de Columbia, es especialmente recordado por haberle dado vida al esclavo que canta “Ol’ Man River” en el musical Show Boat (1927) de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II. Su labor en pro de los desasistidos y su cercanía al partido comunista soviético, le valieron además el ostracismo y la inclusión en la lista negra durante los años duros del macartismo. En la poderosa interpretación de Beaty, quien también escribió el texto, la imagen del artista llenó con su presencia la escena de BAM, recorriendo simultáneamente la historia de la población afroamericana, desde la oscuridad del esclavismo a la opacidad actual cuando sigue sometida a la opresión y el miedo. Según el mismo dramaturgo: “Por tiempo he estado interesado en esta figura por su autoridad para conciliar lo artístico con el activismo; algo que yo también intento hacer con mi trabajo. Robeson fue muy claro al exponer los problemas que seguimos confrontando hoy. Su capacidad de poner la fama al servicio de sus ideales y movilizar a la gente siguen tendiendo amplias resonancias en nuestro tiempo”. Por su parte, A Human Being Died That Night de Nicholas Wright para el Fugard Theatre de Cape Town, dirigida por Jonathan Munby, se devolvió a las raíces de la violencia durante el apartheid, mediante la figura del supremacista blanco Eugene de Kock (Matthew Marsh), quien fue encarcelado por las torturas y crímenes cometidos, amparado por la legalidad y el estatus quo. La visita en la cárcel de la doctora Gobodo-Madizikela (Noma Dumezweni) quien sufrió en carne propia las torturas y violaciones del régimen, a fin de entrevistar a De Koch para una novela sobre la época, revisita los porqués del terror, al tiempo 98

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que busca clausurar el pasado y abrir una puerta hacia la comprensión de las razas en el nuevo milenio; algo cuya urgencia se hace igualmente patente, dado el odio, la xenofobia y el racismo presentes. “Nada puede borrar las injusticias cometidas contra los demás. Pero una disculpa sincera, verbalizada en el contexto de los

por los derechos de los más vulnerables, pese a los obstáculos que los fanatismos e intransigencias ponen en el camino. Con una sobria puesta en escena, que no obstruyó la fuerza y rigor del monólogo, Keaton logró reavivar la figura de Winston Churchill y Europa, desde la era victoriana hasta la modernidad, en tanto iba desgranando su biografía. De hecho, fue el yo autobiográfico lo que le dio sentido a la pieza, sin obstruir por ello la capacidad del público para inferir conjunciones con su propia historia y la del tiempo que nos ha tocado vivir. Algo imprescindible si no queremos caer en los errores del pasado, ahora cuando aún estamos a tiempo de evitar mayores catástrofes. Una obra más intimista pero no por ello menos acerba, ha sido A Significant Other de Joshua Harmon, bajo la dirección de Trip Cullman para la RounGhosts de Almeida Theatre dabout Theater Company de Nueva York. Aquí nos encontramos con la generación de los terribles actos cometidos, tiene el poder de milenaristas, a la cual el mercado de todo transformar las cosas; limpia o asienta la tipo de productos va fundamentalmente atmósfera, a fin de reconstruir las conexiodirigido hoy en día, quienes desde sus nes truncadas entre dos seres humanos”, veinte años manejan, controlan e imponen apunta la doctora en un momento de la al resto del mundo sus gustos y preferenobra. Ello les permitió a los personajes cias, desde las plataformas virtuales y las entrar en un diálogo productivo, donde las redes sociales. Acudiendo a las peripecias diferencias podían ser limadas, con vistas a sentimentales de Jordan (Gideon Glick), un congeniar el pasado y construir un futuro muchacho homosexual enamorado de un más justo para todos. compañero del trabajo ajeno a sus avan“El coraje implica no solo alzarse y haces, entramos en el universo de Instagram, blar, sino sentarse y escuchar”, nos dice Facebook y Twitter, donde los jóvenes, y no igualmente Winston Churchill en uno de sus tan jóvenes, se postergan, mientras la vida discursos, entrelazándose dentro del esles pasa por delante. pectáculo unipersonal Churchill, adaptado y actuado por Ronald Keaton del SoloChigago Del exceso sin profundidad provenienTheater, para el New World Stages de Nuete de los encuentros en el ciberespacio, al va York, dirigido por Kurt Johns. Esto, como intercambio real en bares, discos, bodas y una manera de recuperar, para las nuevas fiestas, el director delinea, con ironía y gusto, generaciones, el valor de quienes pelearon el perfil de dicha generación, cuya inmaduen una guerra, puesta a aniquilar formas rez y falta de interés en todo lo que no sea de pensar y vivir que se habían perpetuado ellos mismos, no augura un futuro brillante por siglos en el inconsciente colectivo de para el planeta. Quizás el diálogo entre Jorlas naciones, pero sin olvidar el poder de la dan y su abuela sea el mejor momento de palabra para razonar y entenderse. la obra, pues contribuye a darle gravedad y Recuperar aquí la legendaria figura del esun sentido de pertenencia al protagonista, a tadista y escritor inglés los años posteriores la vez que confronta la futilidad de sus prea la Segunda Guerra Mundial, nos permitió ocupaciones con los problemas realmente poner en perspectiva, cómo hemos ido olviapremiantes de esta contemporaneidad en dándonos del idealismo y la voluntad de suconflicto, cual constante en el nuevo milenio. peración que aquella generación tuvo, buscando crear un mundo mejor. Una utopía, no Alejandro Varderi obstante, real para quienes siguen luchando