Artez207

diciembre 15 noviembre Carlos Gil Zamora

Pensando en la Buena Vida lleguemos a interesarnos por la Muerte Digna

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dvertencia para pusilánimes: todo lo que sigue es un artificio, un pensamiento atrofiado, una manera de estar en este mundo caótico en el que solamente se salvan los poetas.

Nadie tome lo que sigue como un manifiesto ni una declaración de principios ni de finales. Empiezo a escribi esta editorial en un avión con destino a Menorca, para asistir a la ceremonia de proclamación del vencedor del Premi Born de 2015.

Ayer salí de Cádiz, estuve rodeado de amigos y conocidos iberoamericanos a los que admiro y en todos los casos respeto pese a mis profundas distancias estéticas o ideológicas con alguno de ellos.

En estos ambientes, uno desarrolla su sentimiento de pertenencia. El teatro por encima de toda contingencia. Pero una vez fuera de esos microclimas en los que te pasas veinticuatro horas sobre veinticuatro viendo, leyendo, discutiendo, soñando teatro, la realidad es muy tozuda. La desconsideración de los dirigentes políticos en cuestiones culturales es insultante, la poca certidumbre que generan sobre el futuro es desconcertante y en ocasiones puede generar parálisis. Es por eso que hablando de la buena vida, de los sueños utópicos, del vino, de la creación, del teatro actual o las dramaturgias expandidas, dándonos cuenta que entramos en nuestros veinte años como revista, es cuando a uno le da por pensar sobre el testamento vital que debería uno firmar al empezar cualquier proyecto, ya sea una institución, una compañía, un premio, un festival, una editorial o una revista.

En lo personal uno lo tiene muy claro, uno puede escribir y dejar firmado en plenas condiciones físicas y mentales, hasta dónde quiere sufrir. Dónde establece esa línea que no se quiere atravesar, que puede ser en el umbral del dolor o de las dependencias o de las consideraciones propias de estar vivo. ¿Pero cuándo sabemos que

debemos cerrar una compañía, un grupo, una revista? ¿Hasta dónde estamos dispuestos a disminuirnos, a sobrevivir, a hacer las cosas por un instinto confuso de supervivencia pero sin más arraigo que ese impulso vegetativo.

Yo no quiero vivir si mi memoria es una esponga sucia, o si dependo de otros seres humanos o máquinas para mantener mis constantes vitales. ¿Hasta dónde estoy dispuesto a mantener esta revista viendo que se deteriora, que está al borde del colapso económico, de que es necesario revisar todos sus principios, su funcionamiento, su utilidad?

Quizás estas decisiones se deben tomar no solamente entre los que la sustentamos y hacemos, sino con la intervención de quienes nos leen, con alguna conexión con quienes deben proteger y procurar la existencia de estos proyectos. Pero no está el horno para bollos.

Deberemos hacerlo con prudencia, sin asustar, con la comunicación previa a colaboradores, proveedores, anunciantes y suscriptores. No vamos a hacer ruido cuando lo decidamos, ni vamos a montar acciones de solidaridad ortopédica y banal para mandar cartas a nadie. No lo hicimos para nacer, no lo haremos para administrarnos la muerte digna, si es que tomamos esa decisión.

Porque estamos en esa reflexión interna que dura una eternidad. ¿Para qué nos esforzamos? ¿A quién interesamos? ¿Quiénes son realmente los que nos transmiten energía positiva para continuar? ¿Existe alguna posibilidad de que tras las elecciones generales cambie la actitud de las instituciones estatales dedicadas a las artes escénicas? Siento vergüenza al contestarme estas preguntas, porque es casi colocarse en el filo de la navaja. Es cuando todo se reduce a una decisión personal, a saber si se encuentra algún resquicio por algún lado que ayude a seguir sin las ganas tremendas de denunciar tantas y tan vergonzosas actitudes. Y voy

Número: 207 - año 19 · Noviembre / Diciembre 2015 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | ‘El público’ del Teatro de la Abadía y el Teatre Nacional de Catalunya ©Ros Ribas

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Editorial

Opinión 4 - 5 6 7 56 57 58 - 59 60 61 62 63 64 65

Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El lado oscuro – Jaume Colomer El método griego – María Chatziemmanoui Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be

Estrenos 10 - 11 Etxekoak de Jon Gerediaga por Artedrama Huts Teatroa 12 - 13 El circo dorado por Teatro Paraíso 14 - 15 El público de F. García Lorca por Teatro de la Abadía y Teatre Nacional de Catalunya 16 Futbolariak eta printzesak de Galder Pérez por Eidabe 17 Amour por Marie de Jongh (Tartean) 18 Atalak XXV por Dantzaz Konpainia 19 - 20 Miscelánea de estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Festivales

índice

a seguir siendo un cobarde que calla, pero lo hago por amor al Teatro, que no necesita de más soberbios y egocéntricos que reivindiquen únicamente lo suyo.

Por eso hay que recordar que existen Festivales que llaman a la convivencia, a la reflexión, al crecimiento, que se hacen siguiendo ideas y guías éticas que lo enmarcan y que cumplen una treintena de años, como el FIT de Cádiz. Que una sociedad civil como el Centre Artístic de Ciutadella de Menorca acaba de celebrar la cuatrogésima edición de su Premi Born, que existen en este mundo nuestro vocaciones tan claras como la de Etelvino Vázquez que cumple también treinta años de su última casa común Teatro del Norte.

Por estas cosas y otras muchas más, por los ojos de esos estudiantes que escuchan una clase magistral de Eugenio Barba, de esas actrices que buscan desesperadamente textos en las baldas de nuestra librería para su próximo montaje, por esos profesores que se preocupan por formarse, aprender, crecer para poder enseñar mejor, por ese autor que todavía confía en la capacidad de la palabra para transformar el mundo son por la que vamos a mantenernos en la duda, aplazando la decisión de dejar un bonito cadáver veinteañero.

Algunos pasaremos a la reserva o nos reservaremos un poco más, pero mantendremos lo básico, esta revista, con las páginas justas, las que podamos pagar y la frecuencia actual, cada dos meses. Nuestro periódico digital, www.artezblai.com al que daremos un nuevo giro, lo haremos más ágil y fresco, dedicado de manera más clara a lo actual en todo el planeta.

La editorial seguirá procurando textos dramáticos de nuestros días, buscando ofrecer nuevas voces de otras dramaturgias, de otros puntos del globo. Es nuestro cambio más sustancial, buscar relaciones con otros puntos creativos, otras lenguas, no solamente de Iberoamérica, sino de toda Europa. Mantendremos nuestra línea de libros de Teoría y Práctica que tantas satisfacciones nos ha deparado en estos años, implementaremos nuestra fusión fría con la mexicana Paso de Pato incrementando algo tan fructífero como la co-edición ya iniciada con Las acrobacias del espectador de Gabrielle Sofia.

Hemos acabado el año sin ayudas ni subvenciones de ninguna institución, ni para la revista, ni para el periódico ni para editar libros, ni siquiera para convocar el Premio Internacional de Investigación. No es un orgullo, es un castigo, una realidad. Pero vamos a disfrutar de esta libertad sobrevenida. Vivimos con sobresaltos entre las contradicciones propias y las incongruencias ajenas.

Pero como hemos dicho otras veces no somos unos alucinados que estamos por encima de las contingencias. Nos hemos sacrificado unos más que otros por seguir con esto para adelante, pero como estamos pensando en dónde colocamos la línea roja, en cuanto veamos de manera más clara la imposibilidad de continuar en las condiciones mínimas, iremos cerrando capítulos, escenas o secciones.

Feliz año. Muchas gracias a quienes nos soportan.

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22 - 23 24 Festival Don Quijote de París 24 - 25 XXIII Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante 26 XXXIII Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia 28 - 29 33 Titirijai - Tolosa 30 - 31 III Galicia Escena Pro - Santiago de Compostela 32 XXXI Mostra Internacional de Titelles de la Vall d´Albaida 34 XVI Dantzaldia - Bilbao 36 12 FIDESP - Fórum Internacional de Dança do Estado de São Paulo 38 VII CENIT - Sevilla 39 Danza a Escena / Festival Madrid en Danza 40 III Festival Iberoamericano de Teatro para niños y niñas - Zaragoza 42 Miscelánea de festivales

En gira 44 - 48 Programaciones varias

Teatro amateur 50 - 51 FEGATEA 52 Noticias y convocatorias

Zona abierta 54 66

Seat Advisor Ediciones de dos continentes de Enrique Atonal 67 XVI Salón Internacional del Libro Teatral Madrid 68 - 69 Escaparate

15 noviembre diciembre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

El teatro de William Kentridge: Ubu y la comisión de la verdad

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adie podrá seguir mi consejo desde nuestro país pero quiero dejar constancia de la creatividad de William Kentridge que hemos podido ver en Girona Temporada Alta donde en octubre presentó su espectáculo “Ubu y la comisión de la verdad”– espectáculo estrenado en Johanesburgo en 1997– y he de decir también que desde que vi hace siete años su ópera de Monteverdi “Il ritorno de Ulisse” o luego su “Woyzeck on the Highweld”, nunca me perderé un espectáculo suyo, extraño artista de Sudáfrica, pintor, escritor, escultor y cineasta que también escribe y dirige teatro y ópera.

Con sus dibujos, sus películas animadas y sus espectáculos teatrales, el gran artista sudafricano William Kentdrige es un creador político y moral. Lo considera ineludible: el régimen del apartheid le exigió un compromiso. Tomando como referente a Ubu, el personaje tiránico y cruel que Alfred Jarry ideó a fines del siglo XIX para abordar en clave grotesca el abuso del poder político, Kentridge concibió y dirigió hace dieciocho años un espectáculo a propósito de la llamada Comisión de la Verdad y la Reconciliación que entonces se había llevado a cabo en su país. Una comisión controvertida porque, recogiendo el testimonio de las víctimas e invitando a los verdugos a la confesión sin juicio, se ha considerado que, apelando a la reconciliación contribuyó a la impunidad de los criminales.

Podemos hablar de este Ubú en el que todo tiene sentido en relación a Sudáfrica y a la Comisión de la Verdad pero lo que me sorprende es la polifacética actividad artística de Kentridge (Johannesburgo, 1955) cuyo teatro parece más un hecho coyuntural que una dedicación plena. Kentdrige es un artista conocido por sus películas en blanco y negro que parten de dibujos realizados al carboncillo, por su actitud política durante el pre y post Aparheid, íntimamente ligada a su labor artística que combina dibujo, formas artísticas que van del arte visual al teatro y a la imágenes en movimiento del cine. Inspirado en la literatura europea, la música clásica y la ópera así como en el cine antiguo, Kentridge utiliza caracteres arquetípicos para construir narrativas artísticas y a menudo sarcásticas, melancólicas y mágicas que según él dice reflejan una sociedad brutalizada abandonada a a su suerte. Es un artista político y moral que considera ineludible el compromiso que le exigió el apartheid.

En el teatro, la utilización de las marionetas de Handspring puppet Company, es siempre la esencia para contemplar el contenido del espectáculo porque éstas no son actores que interpretan sino muñecos de madera que intentan ser personas reales y acaban siendo metáforas de la humanidad.

Tomando como referente Ubú, el personaje tiránico y cruel que

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Jarry ideó a finales del siglo XIX para abordar en clave grotesca el abuso de poder político, Kentridge concibió y dirigió hace dieciocho años un espectáculo a propósito de la llamada Comisión de la Verdad y la Reconciliación , comisión controvertida porque, recogiendo el testimonio de las víctimas e invitando a los verdugos a la confesión sin juicio, se ha considerado que, apelando a la reconciliación, contribuyó a la impunidad de los criminales.

Estrenado en Johanesburgo en 1997 y representado en Washington en 1998, comienza con un “Pschitt” equivalente al “Merde” en el “Ubu” de Jarry de 1896. Sólo Ubu y la Madre Ubu son actores, el resto son las marionetas polisémicas que declaran ante la Comisión de la Verdad en marcha en 1997 para destapar los crímenes racistas cometidos bajo la protección de leyes también racistas. Algunas aberraciones de los testimonios se proyectan en la pantalla. Los dos actores se mezclan con los títeres que incluyen significativos animales.

Todo es una farsa grotesca cargada de verdad como la falta de castigo a los culpables que se van tranquilamente en barco sin que la Comisión de la Verdad pueda hacer nada para impedirlo.

Todo se une para mantener a un régimen asesino. Los muñecos son mediadores del horror, intentan ser seres reales y pueden ser metáforas de la humanidad. No son actores, son muñecos de madera que tratan de ser personas y que niegan y afirman lo que sucede, acaso metáforas de la humanidad.

Se dramatiza con claridad la política de la traición. Y nos quedamos con la sensación de que la reconciliación podría haber sido posible.

En “Ubu y la Comisión de la Verdad” Kentdrige aborda la cuestión con la conciencia indignada anate tantos crímenes impunes.

Están presentes los testimonios reales de algunas víctimas y se representa el cinismo de los verdugos (Ubu y sus generalesperros) mientras que los diálogos expresan el procedimiento y los efectos de ciertas políticas de reconciliación “Hubo litros de sangre y luego litros de lágrimas para limpiar las paredes” Hay actos catárticos de las víctimas mientras que los verdugos limpian su culpa.

El referente es Sudáfrica pero podemos reconocer los efectos de otros procesos y transiciones políticas. En un momento del espectáculo se proyecta en una pantalla el dibujo de una cámara con un trípode que ataca a Ubu. Es un modo de expresar que hay que incomodar al poder y atacarle. Es lo que hace Kentridge con títeres, con muñecos, con dibujos animados,… con actores… con su gran creatividad artística.

Ojalá podamos ver más espectáculos de Kentridge. Yo pediría su Fausto…

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Desde la caverna

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David Ladra

Reikiavik

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a última obra de Mayorga se presenta, en lo que tiene de documental, como una analogía entre el “combate del siglo” que disputaron por el Campeonato del Mundo los ajedrecistas Boris Spassky y Bobby Fisher en las heladoras tierras de Islandia y la Guerra Fría que enzarzaba a la URSS y a los Estados Unidos –esto es, al bloque soviético y al “mundo libre”– que en julio de 1972, fecha del comienzo de la competición, batía su pleno. Más que un encuentro bélico que nunca existió, al menos de manera directa, aquella confrontación deportiva enardeció a las multitudes de ambos lados del “telón de acero” hasta el punto de mantenerlas pegadas hasta su desenlace, el 1 de septiembre de aquel año, a prensa, radio y televisión. Y cuando el torneo concluyó con la victoria de Bobby Fisher, puede decirse que todo Occidente respiró y empezó a pensar muy seriamente en que iba a ganar la otra partida, la de la hegemonía universal y el final de la historia, aunque para ello tuviera que esperar diecisiete años más hasta la caída del muro.

Con una sencillez, precisión y eficacia propias de su extensa experiencia como autor, Mayorga nos relata qué ocurrió durante los cincuenta días que duró la contienda, período que le da ocasión para trazar un vívido re trato de cada contrincante que se hace con nosotros, nos subyuga y nos lleva a anhelar, según las simpatías que concite, su triunfo o su derrota. Levemente escorada hacia Occidente, la visión que nos da de Bobby Fisher es la de un joven de origen judío-alemán que, muy dependiente de su madre pro-rusa, lo empieza a ganar todo en ajedrez a partir de los trece años hasta cumplir los veintinueve con los que se enfrentará a su rival. Solitario, excéntrico, desgalichado, renegará de las mujeres y se entregará por completo a su entrenamiento físico y mental; ávido de dinero para poder vivir, jugará siempre por el interés monetario e impondrá a sus rivales estrafalarias condiciones con el fin de elevar el importe contante de la recompensa final. En cuanto a Spassky, aprendió a jugar de niño en Leningrado durante el asedio a la ciudad en la Segunda Guerra Mundial. A los treinta y cinco años que tenía en Islandia y con una carrera semejante a la de su rival, lo que tal vez le falte de genial lo compensa la cantidad de maestros que le acompañan y haber sido entrenado desde chico para ganar. Y es que la URSS, a la que se dedican en la obra las “chanzas” de costumbre, llevaba un cuarto de siglo sin perder el Campeonato Mundial…

La pieza finaliza con un breve resumen de lo que aconteció tras el torneo. Una vez reprendido duramente por parte del Partido, Spassky prosiguió su carrera; incluso se volvió a enfrentar con Bobby Fisher en el 92 en Belgrado y volvió a perder. Mujeriego y lector, se casó por tercera vez y siguió leyendo a Dostoyevsky. Vivió en Francia, enfermó y volvió a Rusia, donde vive en la actualidad. Nunc a presumió de comunista. Pero si su vida ha sido amena, la de Fisher se convirtió en un guión de cine que, por lo que dice la crítica, ni siquiera el reciente estreno de Pawn sacrifice (El sacrificio del peón) del director Edward Zwick ha logrado superar. Anticomunista feroz, renegó de la religión judía y por diferencias pecuniarias no defendió su título. Siendo presidente George H. W. Busch, el departamento

del Tesoro de Estados Unidos le condenó a prisión por romper el embargo en plena guerra de Yugoslavia en su segundo duelo con Spassky. Fugitivo, vivió en Hungría, las Islas Filipinas y Japón que estuvo a punto de deportarlo a los USA. Tan solo la conmiseración de sus amigos le permitió encontrar asilo en Islandia en donde murió en 2008. Para las dos grandes potencias y los sistemas que defendían, puede que el duelo fuera a muerte pero sus paladines les fallaron: uno nunca fue comunista y al otro, fue su propio país el que le convirtió en un exiliado. Es lo que suele suceder en estos combates singulares, que las patrias luchan por el honor y ellos, por defender su vida.

Pero el espectador podría preguntarse si son Fisher y Spassky los verdaderos héroes de la obra o sólo lo aparentan. En realidad, vienen “representados” por dos “médiums” que son, junto con el Muchacho, quienes aparecen ante el público. Dos seres enigmáticos, casi irreales, que se identifican por los nombres de dos derrotas napoleónicas, Bailén y Waterloo. ¿Será que son dos perdedores? Como Vladimir y Estragón y a pesar de que sus personajes, los dos ajedrecistas, se concretan en nuestro imaginario, su propia entidad de intermediarios nos aparece como difusa, no sabemos gran cosa de ellos y sus revelaciones nos sorprenden. El hecho de que combatan como boxeadores, no sepan jugar bien al ajedrez y muevan las fichas de memoria ya nos hace pensar que estamos frente a una pantomima. Todo lo aprendieron en un libro: el duelo, las partidas, las circunstancias… Y ellos se limitan a poner algo impreciso que designan “el resto”. Como si el existir nos viniese predeterminado y las reglas siempre fueran las mismas pero, a pesar de ello, todo no fuese “siempre igual” sino distinto cada vez. Dice Bailén al chico que va a sustituir a Waterloo: “Hay infinitas jugadas posibles, pero no todas son la mejor. Quién ganará y quién perderá, eso no puedes cambiarlo, pero puedes conseguir que tu personaje, el que te toque, esté a la altura de su victoria o de su derrota. Lo más importante es la seguridad del rey”. Un rey, una convicción, un afán, un sentimiento que cada persona ha de elegir. Toda una lección de vida que amedrenta al Muchacho, que desaparece un instante abrumado por la verdad. Porque el ajedrez, del que el autor es un apasionado impenitente, te lo puede dar todo como la vida, pero también te puede volver loco como le ocurrió a Fisher. Y es que, en definitiva, como dice el autor, es un juego sobre la muerte. Una reflexión entreverada con la anécdota que le da sentido a Reikiavik aunque quede a veces parcialmente eclipsada por la brillantez, el lucimiento y la celeridad de la acción.

Y es que el trabajo de Daniel Albaladejo como Bailén y César Sarachu como Waterloo, adecuadamente secundados por Elena Rayos haciendo de muchacho, es verdaderamente extraordinario. Dirigidos por Juan Mayorga con la ayuda de Clara Sanchis, realizan el portento de encarnar a varios personajes –los “maestros”, sus entrenadores, la madre de Bobby, la segunda mujer de Boris y hasta el propio Henry Kissinger– intercambiándolos en décimas de segundo y con una sola pieza de vestuario –un sombrero, una estola, una gorra– como referencia. Inenarrable. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre Artedrama y Huts Teatroa estrenan Etxekoak

Las fronteras, el impedimento de una historia de amor

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rtedrama y Huts Teatroa presentan el espectáculo Etxekoak, obra dirigida por Ander Lipus con texto de Jon Gerediaga que se estrenará el 1 de noviembre en la Harri Xuri Kultur Gela de Luhuso, y visitará hasta el próximo junio numeros espacios de la geografía vasca. El montaje abarca el tema de la inmigración, sin situar al inmigrante como protagonista. El punto de vista, en este caso, es el de una familia vasca; “etxekoak”, precisamente (los de casa).

Al cierre de esta edición de ARTEZ, la compañía se encontraba inmersa en el proceso de ensayos, trabajando en la que dicen es ya la octava versión de la obra, sin un final estipulado, que no se descubrirá hasta el último momento. “Entrar a trabajar con Ander Lipus en un trabajo de creación significa abandonar la comodidad de la casa y empezar a sudar, y a

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jugar en serio, como los niños. Y a trabajar firme”, afirma Jon Gerediaga. “Las cosas, más o menos, suelen suceder así: Lipus cierra los ojos, y poco a poco o de repente, aparecen en escena imágenes y acciones. Entonces no resulta difícil ponerse de acuerdo: yo debo colocar palabras en el mismo lugar en el que él coloca imágenes y acciones: a favor del hombre, a favor de la poesía”, finaliza. La compañía ha realizado varias residencias de creación de la obra, pasando por Leioa, Zumaia y Luhuso.

Etxekoak parte de una vivencia personal de Ander Lipus. El director, que trabaja también como actor en el montaje, quería dar a conocer lo complicado que llega a ser el poder traer a una persona de otro país, debido tanto a temas económicos como a asuntos burocráticos. Así, hace unos tres años, Lipus acude con la idea a

Jon Gerediaga, con quien ya había trabajado anteriormente. “Han pasado 15 años desde que nos conocimos y empezamos a trabajar juntos. Siempre me ha atraído su manera de escribir, su sensibilidad”, comenta Lipus sobre Gerediaga. El poeta mostró su interés, y de ahí comenzaron a trabajar en la estructura del texto. “Stanislavski dirigió los trabajos de Chejov.

Kantor los de Witkiewitz. Y yo, los de Gerediaga”, comenta Lipus.

El director quiere incidir en el hecho de que la historia no esté narrada desde el punto de vista del inmigrante, sino del de la gente que le va a acoger, de la familia, del propio pueblo, “de nosotros”. La casa es por tanto la protagonista de la historia, que servirá de escenario donde mostrar la dureza de la situación a la que los personajes se enfrentan, contada a veces con un punto de ironía y sarcasmo que deriva

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de las propias situaciones que van surgiendo en la obra. En palabras de Lipus: “Lo triste es que haya tantos impedimentos para que esas personas puedan salir de sus países”.

Mamadou

“Cualquiera no puede entrar en casa.

Eso dice la ley. Maddi ama a Mamadou.

Eso dice el corazón”. Así se presenta la trama, que comienza cuando Maddi llega de África y le cuenta a su familia que se ha enamorado de un africano, y que quiere traerlo a casa. La historia, que se desarrolla en la propia casa, muestra el proceso que han de seguir los protagonistas para poder traer a casa a Mamadou, el susodicho.

Cuatro son los personajes que forman parte del montaje, encarnados por un elenco que Lipus describe como “especial”. Maika Etxekopar, actriz que ha trabajado con la compañía Le Petit Théâtre de Pain, interpreta a Maddi. Kristiane Etxaluz da vida a su abuela. Javier Ba-

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randiaran (Ados Teatroa, Trapu Zaharra, Hika...) es uno de los tíos de Maddi, Goio, “el idiota del pueblo”, que será presentado con unas orejas de burro. Y por último, Ander Lipus interpreta al segundo de los tíos, Imanol, más responsable y un poco neurótico, preocupado por el papeleo de la burocracia. Lipus destaca que “es un placer tener este equipo de trabajo”, nombrando también la música de Asier Ituarte o la iluminación de Josep Duhau.

Forman también parte del equipo artístico Leire Orella (vestuario) o Jose Pablo Arriaga (escenografía), entre otros. Mariya Aneva es la ayudante de dirección del espectáculo.

El montaje tiene ya más de una treintena de representaciones programadas hasta que finalice su recorrido en junio de 2016. Entre las funciones del mes de noviembre se encuentran la de Iruñea (día 11), las dos de Bilbo (18) o las cuatro de Donostia, donde estarán del día 26 al 29. Antes del periodo navideño pasarán también por localidades como Hazparne, Elorrio, Berriz o Markina. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre Teatro Paraíso estrena El circo dorado

La metáfora de la crisis en relación con la infancia

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l 40 Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz acogerá el día 8 de noviembre el estreno de El circo dorado, obra que Teatro Paraíso presenta en colaboración con la veterana compañía belga Les Ateliers de la Colline. El espectáculo forma parte de un proyecto presentado en Europa Creativa, programa de la Unión Europea destinado a impulsar los sectores cultural y creativo. El proyecto incluye la realización de actividades paralelas a las representaciones, así como la realización de dichas actividades en Bélgica, Francia y España durante los años 2016/2017.

Teatro Paraíso conoció el trabajo de Les Ateliers de la Colline en el MARS de París en 1990, compañía de la que dicen les sedujo “la fuerza de sus puestas en escena y el compromiso vital y social de sus tex12

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tos”. Las creaciones realizadas y dirigidas por Mathias Simons son las que más les conmovieron, interesados por la poética de sus representaciones. Todo ello les llevó a querer realizar una colaboración, que supondría además una oportunidad para retomar el lenguaje clownesco de sus inicios como compañía.

Ya en 2007 y esta vez en Festival de Huy (Bélgica), la compañías se volvieron a encontrar, y comenzaron a proyectar un trabajo conjunto con dos áreas de trabajo: la formación actoral en el lenguaje clownesco y la puesta en escena. El espectáculo Vuela si puedes (2010) fue el resultado de esta colaboración. La obra, que trata el tema del cambio climático, recibió en 2012 el Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud junto a la trayectoria de la compañía. Además,

realizó una nueva gira en 2014, dentro del Plan Platea del Ministerio de Cultura.

Después de estos años, las compañías deciden comenzar una nueva colaboración, que integra la formación en torno a la máscara y el clown y la creación de un nuevo espectáculo: El circo dorado.

La gran escasez

En la obra, “la gran escasez”, como desde Teatro Paraíso denominan a la crisis, ha llegado también al mundo animal.

La pobreza se ha adueñado de la ciudad, y los animales tienen que ganarse la vida tal y como pueden. Esta situación llevará a un gato que quiere salvar su circo a contratar a dos hambrientos perros. De esta manera intentarán contar por qué existe esta crisis de la que los Ogros son los res-

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Mathias Simons y Tomás Fernández son los autores de este montaje que la compañía de Gasteiz describe como “un trabajo especial”. El propio Simons se encarga junto con Dino Corradini de la dirección de la pieza, dirigida a un público a partir de los 7 años. La producción corre a cargo de Teatro Paraíso, mientras que la compañía belga se encarga del diseño del proyecto europeo y la gira en el continente. Además de presentar el montaje, el proyecto propone otras actividades que también tratarán el tema de la crisis, como charlas o una exposición interactiva. “Queremos acercarnos a la fábula como herramienta dramatúrgica para hablar de temas tales como egoísmo, indiferencia, ansias de poder... pero también solidaridad y respeto.

Pretendemos de forma sensible e inteligente construir un bello espectáculo que convoque a la emoción y la reflexión”.

La compañía se servirá de metáforas que abarcarán el tema de la crisis, siempre con tintes musicales y sin olvidarse

del humor. “Es una apuesta decidida por la dramaturgia contemporánea, dirigida a niños/as y familias. Una ocasión para estimular su imaginación, confrontándoles con un mundo animal en un espacio poético que nos lleva de la mano al futuro representado por un viejo circo”.

Tomás Fernández y Ramón Monje son dos de los intérpretes de la obra, que

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están acompañados en el estreno por el actor belga François Sauveur. La compañía ofrecerá también una versión en euskara próximamente. Después del estreno, El circo dorado tiene previsto viajar a Málaga en el mes de enero. Además de otras fechas programadas en el Estado, el espectáculo recalará en Bélgica en marzo.

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15 noviembre diciembre Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de Catalunya estrenan El público

Desnudar la obra y conectarla con el público de hoy

©Ros Ribas

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lex Rigola dirige la obra El público de Federico García Lorca, producción del Teatro de La Abadía y el Teatre Nacional de Catalunya que se puede ver ya en el escenario del mencionado teatro madrileño y que estará en cartel hasta el 29 de noviembre. “Se trata de una pieza de enorme belleza poética que habla sobre el amor, la identidad y el arte”. El montaje se representará en Barcelona a partir de mediados de diciembre.

El público está escrita en su mayor parte en Cuba, hacia 1930. La obra permaneció inédita hasta 1976, cuando fue publicada en versión incompleta. La primera representación se realizó en el año 1978 en Puerto Rico. El primer montaje en España data de

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1986, a cargo del director Lluís Pasqual, en el Centro Dramático Nacional.

La pieza, de tinte surrealista, reflexiona sobre ese colectivo anónimo tan desconocido, el público, que asiste a la representación teatral que sucede fuera de escena, el que nosotros, los espectadores reales, nunca llegamos a ver. Lorca quiere que el público se vea reflejado como en un espejo, y en cierto modo denuncia al público convencional, a “la burguesía frívola y materializada, que no quiere que se les haga pensar sobre ningún tema moral”. El concepto del público simboliza también el sector de la sociedad que reacciona violentamente ante “las verdades más inocentes”. Lorca pretende enfrentar al público con los dos

tipos de teatro, el burgués o “teatro al aire libre” y el drama auténtico o “teatro bajo la arena”, es decir, la falsedad y la verdad en el teatro, respectivamente. En opinión de Àlex Rigola: “todos los creadores tenemos la obligación de conectar cada día con el público, y a veces eso puede convertirse en una cierta esclavitud, pues a la vez anhelamos hacer viajes más profundos...”.

El texto, que el escritor mandó destruir si le pasaba algo, habla de los deseos reprimidos, siendo la homosexualidad uno de los puntos importantes de la obra. “Tengo muchos versos de escándalo y teatro de escándalo también. He escrito un drama de tema francamente homosexual. Creo que es mi mejor poema”, afirmó Lorca.

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©Ros Ribas

El público de hoy

En palabras de Rigola, “la grandeza de Lorca no termina con el texto, sino que comienza en él, pues la potencia de las imágenes visuales es enorme. No pretendo añadir capas o interpretaciones al material, sino dejarlo desnudo y descubrir cómo puede esta poesía conectar con el público de hoy”. Para ello, el director cuenta con un reparto formado por numerosos intérpretes, que encarnan en su mayoría a más de un personaje. Se trata de Nao Albet, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Jaime Lorente, David Luque, Pau Roca, Pep Tosar, Jorge Varandela, Nacho Vera y Guillermo Weickert. “Esta pieza de Lorca es un reto, un viaje intenso y valiente de una belleza extraordinaria y que refleja un posicionamiento personal y artístico. Desde muy joven me he sentido fascinado por esta obra, pero necesitaba un bagaje vital o madurez para enfrentarme a ella, y ahora he encontrado también un equipo artístico óptimo”, afirma el director. Además de los actores, forman también parte del mencionado equipo Max Glaenzel (espacio escénico), Carlos Marquerie (iluminación), Silvia Delagneau (vestuario), Nao Albet (espacio sonoro), Eleonora Herder (colaboración dramatúrgica) y Carlota Ferrer (ayudante de dirección). Àlex Rigola afirma que este texto le interroga sobre su compromiso con el teatro: “para qué nos sirve, qué estamos buscando en él, cómo seguir avanzando, hasta qué punto me traiciono (o censuro, o asumo riesgos) para seguir adelante, tanto en la vida personal como en la artística...”.

En su día, Lorca sabía que su obra sería muy difícil de llevar a escena sin el enfado del auditorio, pero tenía fe en que en el futuro la pieza encontraría “su” público. Es eso precisamente lo que intentará este montaje de Rigola, quien desvela que “como espectador, cuando acudo al teatro, me gusta que suceda algo irrepetible. Por eso al montar esta obra aspiro a lograr que los espectadores se introduzcan literalmente en la cabeza de Lorca, que escribió este trabajo en un momento personal y artístico muy especial”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre Eidabe estrena Futbolariak eta printzesak

Una comedia que rompe con los tópicos sexistas

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on texto y dirección de Galder Pérez, Eidabe presenta la obra Futbolariak eta printzesak, espectáculo dirigido a niños y niñas de 7 a 13 años que trata temas como la igualdad y la libertad de las personas. El estreno será el 21 de noviembre a las 12 del mediodía en Pabellón 6 (Bilbao).

La pieza se podrá ver anteriormente en Legutio, el 20 de noviembre.

Jon Zubiaga y Olatz Pagalday interpretan a los dos protagonistas de Futbolariak eta printzesak, Lur y Odei, respectivamente. Lur es un chico que, aunque no le gusta demasiado jugar a fútbol, no tiene más remedio que hacerlo, ya que todos sus amigos dedican su tiempo a ello. Él prefiere leer cuentos o escuchar música. Odei es, por otra parte, una chica aventurera a la que le gustaría, por ejemplo, poder luchar y vencer a un dragón. Sus amigas, sin embargo, prefieren jugar a juegos previamente establecidos para chicas. “Se sienten diferentes a los demás porque no quieren cumplir las reglas que se les son impuestas a un chico o a una chica. Lur quiere ser Lur y Odei quiere ser Odei, sin que nadie les diga cómo se tienen que comportar; sin tener que jugar a fútbol por ser chico; sin tener que gustarte las princesas por ser chica”.

Ambos actores darán vida también a otros personajes de la historia, como profesores o familiares, utilizando marionetas, además de pequeños cambios de vestuario. El desarrollo de la obra lleva un ritmo rápido, formado por pequeñas escenas. La comedia es el género principal de la obra, que contará también con canciones y bailes para completar y reforzar algunas partes.

Desde Eidabe expresan que “cada persona somos un ser individual, todas diferentes, cada una con sus peculiaridades 16

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y características que son imposibles de repetir. Desde que nacemos, sin embargo, se nos imponen algunas etiquetas, seamos chicos o chicas, que nos impiden desarrollarnos como personas libres”.

Aunque piensan que poco a poco los jóvenes van rompiendo con esas normas tradicionales, afirman que hay todavía mucho que hacer, que hay todavía muchas preguntas en el aire: “¿cómo es la vida diaria en las aulas y en el patio entre los chicos y las chicas? ¿Hasta qué punto son libres de vivir y expresar lo que sienten, como se sienten?”. Es por ello que han decidido crear esta puesta en escena, que tiene ya varias funciones programadas, como las tres que realizarán el 3 de diciembre en Bilbao con motivo de la celebración del Día del Euskara. El día 6

del mismo mes estarán en Bastida, el 12 en Iruñea, el 13 en Oñati y el 17 nuevamente en Bilbao.

Eva Sáenz de Ugarte, Facilitadora de procesos de igualdad y empoderamiento en Equipare koop, afirma lo siguiente: “Si queremos construir una sociedad más justa y equitativa, urge visibilizar otras historias, otros relatos, otros modelos que muestren la diversidad y así, podrán desarrollarse más libremente, eligiendo el camino que ellas y ellos prefieran, avanzando hacia otras formas de ser chicas y chicos, o incluso no definiéndose como uno u otra. Necesitamos construir identidades no basadas en estereotipos sexistas que son la base principal de la discriminación, la desigualdad y la violencia machista.”

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Marie de Jongh estrena Amour

Marie de Jongh nos invita a liberarnos de los prejuicios

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l Teatro Arriaga de Bilbao y Marie de Jongh (Tartean Teatroa) presentan el estreno de Amour, espectáculo que cuenta además con la coproducción del Social Antzokia de Basauri y la colaboración del Teatro Victoria Eugenia de Donostia. La obra de teatro familiar sin palabras se podrá ver del 23 al 27 de diciembre en el Teatro Arriaga. Jokin Oregi es el autor y director de la pieza, que pretende hacer reflexionar sobre la delgada línea que existe entre la desafección y el amor incondicional. Se trata de “un canto al encuentro entre diferentes, una llamada a liberarnos de los prejuicios.”

Amour cuenta la historia de dos personajes que juegan en su infancia, imitando a los mayores. “Se atreven a amar sin saber cuál es su verdadero significado”, afirman desde la compañía. De pronto, el público podrá ver a esos mismos personajes envejecidos, cuando ya han transcurrido más de sesenta años. “Lo que no saben es que el amor siempre nos da una oportunidad”.

La pieza cuenta con el trabajo de los siguientes intérpretes: Ana Meabe, Andurina Zurutuza, Ana Martínez, Javier Renobales y Pablo Ibarlucea. “Amour es un ambicioso reto que pretende poner en valor el teatro que se puede disfrutar conjuntamente entre niños y mayores. El teatro como lugar de encuentro para compartir emociones y reflexiones, dudas y certezas”, explican desde la compañía.

Así, afirman que se trata de teatro de adul-

tos para niños y teatro infantil para adultos.

“Queremos ofrecer un espectáculo poético, de sorprendente carga visual”. La figurinista y escenógrafa Elisa Sanz es la encargada de la dirección artística de la pieza. Por otra parte, la iluminación corre a cargo de Xabier Lozano y el espacio sonoro lleva el nombre de Pascal Gaigne.

Creada en 2008, Marie de Jongh trabaja en la creación de espectáculos de índole gestual, sin diálogo alguno; una particularidad que, según dicen, neutraliza cualquier obstáculo idiomático y facilita la internacionalización de la misma. “Amour nace con una clara vocación de llegar más

allá de nuestras fronteras”. Los montajes de la compañía cuentan con diversos galardones, entre los que destacan el Premio LARRUZ 2012 a la Compañía Revelación, el Premio Tournesol 2015 Festival Avignon al Mejor Espectáculo por Kiburu y numerosos premios FETEN. Después del estreno, Amour tiene ya confirmadas alrededor de una decena de funciones, que se llevarán a cabo durante los primeros meses de 2016. Entre otros, el espectáculo se podrá ver el día 9 de enero en Donostia, el 14 de febrero en Gasteiz, el 6 de marzo en Barakaldo y los días 23 y 24 de abril en Valladolid.

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15 noviembre diciembre Dantzaz Konpainia estrena Atalak XXV

Dantzaz Konpainia abre sus puertas a coreógrafos vascos

©Blanca Razquin

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a Sala Club del Teatro Victoria Eugenia de Donostia acogerá los días 16 y 17 de diciembre el estreno de dos piezas creadas por la compañía Dantzaz junto con dos coreógrafos vascos invitados: Olatz de Andrés y Natxo Montero. “Queremos dar la posibilidad a coreógrafos vascos de poder trabajar y crear con nuestros 12 bailarines, y tener así un espacio de relación con el sector de la creación en Euskal Herria, para poder tener la oportunidad de implementarlo en futuras producciones.”

Dantzaklub es un proyecto de Dantzaz Konpainia que desde 2008 ha presentado más de un centenar de trabajos coreográficos, combinando las creaciones de sus bailarines venidos de toda Europa, así como de numerosos creadores coreográficos vascos (23 en total). Para esta edición 2015-16, la compañía ha desarrollado un proyecto en colaboración con Ballet T (Victoria Eugenia y Malandain Ballet Biarritz) y Dantzagunea. De este modo quiere dar la oportunidad a coreógrafos vascos de trabajar con la compañía, invitándoles a realizar una creación con sus 18

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bailarines. “Queremos que el público pueda presenciar un proceso fresco y cercano, acercándoles la danza y sus procesos de creación, ya que existe un público fiel generado durante las ocho temporadas de DantzaKlub.”

El proyecto abarca entre tres y cuatro procesos cada temporada, con lo que Dantzaz tiene la oportunidad de, en su faceta de plataforma para jóvenes bailarines europeos, “darles la posibilidad de liderar microprocesos de creación y producción, lo que redundará en su experiencia ‘Learning by doing’.”

Procesos

En esta ocasión, serán tres los procesos que formen parte del proyecto, cuyas presentaciones se podrán ver en la Sala Club del Victoria Eugenia. En esta primera fase, Dantzaz Konpainia ha invitado a los coreógrafos Olatz de Andrés y Natxo Montero, que antes de su estreno, realizarán un ensayo abierto de la pieza el 15 de diciembre en Biarritz. Para el 14 de diciembre, por tanto, habrá finalizado su residencia en Dantzagunea.

Formada en danza clásica, contemporánea, contact improvisación, improvisación, body weather y yoga, Olatz de Andrés ha realizado varios trabajos como coreógrafa, entre los que se encuentran dos solos, dos creaciones compartidas con otros artistas y dos trabajos de trío.

En cuanto a Natxo Montero, comienza su recorrido trabajando en danza tradicional vasca, y más tarde continúa su formación en danza contemporánea e interpretación.

Ha trabajado en diferentes compañías y ha tomado parte en varias óperas y zarzuelas.

Ha colaborado con varios creadores como asistente de movimiento e investigación. En 2008 crea su propia compañía: Natxo Montero_danza. Además, ha dirigido varias piezas como creador, coreógrafo y bailarín.

El segundo proceso del proyecto está programado para el mes de febrero, y contará con la participación de los coreógrafos Jon Ugarriza y Jorge Jauregi, que también presentarán sus trabajos en la Sala Club, esta vez los días 10 y 11 de febrero. El tercer proceso está previsto para el mes de abril de 2016.

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No sabemos qué hacer Alicia Soto y Carmen Werner son las autoras de No sabemos qué hacer, espectáculo de danza contemporánea coproducido por las compañías Alicia Soto-Hojarasca y Provisional Danza. Las creaciones de Alicia Soto-Hojarasca están basadas en la innovación, en el encuentro entre la danza y el teatro y en la utilización de nuevas tecnologías. Creada en 1987, Provisional Danza ha puesto en escena más de 60 coreografías, obteniendo el Premio Nacional de Danza 2007.

Sobre el proyecto, afirman que “surge del encuentro, entre dos mujeres creadoras, dedicadas a la danza, con diferentes formas de expresión y trayectorias artísticas; sin embargo este encuentro se produce en una línea de tiempo y espacio lleno de similitud y coincidencias. Enton©BSLG ces como siempre la danza. La frase ‘No sabemos qué hacer’ subyace como una certeza”.

La pieza, denominada como “un diálogo cuerpo a cuerpo”, se estrenará el 4 de diciembre en el Teatro Principal de Burgos. “Cuando las palabras muestran su fragilidad descubrimos las dudas que permanecen ocultas en el pensamiento.

Somos un muro bailando fuera de él en un espacio donde las huellas evaporan el aire soñado por las miradas. Los movimientos adoptados por el lugar encuentran el aliento en la intimidad liberada por las emociones generadas con el cuerpo. Los diálogos atraídos por el silencio de la sombra buscan en la claridad de las aguas reflejadas la certeza de la duda. No sabemos que hacer... Seguiremos bailando.”

Itzulera - Jaietan La Asociación Ballets Olaeta – Olaeta Balleta Elkartea presenta del 6 al 7 de noviembre en el Teatro Arriaga el estreno de su nuevo espectáculo con un doble programa: Itzulera y Jaietan.

Con idea original de Kirmen Uribe, la obra Itzulera (El regreso) narra los últimos días del escritor vasco Andima Ibiñagabeitia. En el año 1967, se encuentra exiliado en Caracas y está preparando su regreso a Bilbao, después de tantos años. Enfermo, sueña que viaja en avión y que desde la ventanilla contempla los rincones de Bizkaia: el Elantxobe de su infancia, la Gernika bombardeada, los caseríos de la zona del Gorbea y el Bilbao industrial. Y narra ese supuesto regreso a su amigo Jon Mirande, a través de una carta. Pero esa carta no se llegó a escribir nunca, y el propio Ibiñagabeitia no regresaría jamás a su lugar de nacimiento. No fue más que un sueño anterior a la muerte.

En Jaietan (En fiestas) el ballet de niños y jóvenes refleja la organización y la celebración de las fiestas. “Después del duro trabajo, regresamos a casa y dejamos a un lado nuestras obligaciones cotidianas para gozar de la fiesta / las fiestas. Tenemos que prepararnos bien, no puede faltar ningún detalle. El objetivo es huir de la cotidianeidad y poder gozar de todo lo que nos ofrece nuestro pueblo, con la participación de todos”.

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Los hermanos Karamázov

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Paraules d´amor

©Sergio Parra

Dirigida por Gerardo Vera, el CDN estrena Los hermanos Karamázov, última novela de Fiódor Dostoievski. Juan Echanove, Óscar de la Fuente, Fernando Gil, Markos Marín, Antonio Medina, Antonia Paso, Marta Poveda, Lucía Quintana, Chema Ruiz, Ferran Vilajosana, Eugenio Villota y Abel Vitón forman el elenco del montaje. La obra, con versión de José Luis Collado, se podrá ver en el Teatro Valle-Inclán del 20 de noviembre al 10 de enero. En opinión de Collado, “enfrentarse a la que quizá sea la cumbre de esa explosión literaria, a una obra maestra sin paliativos, a un referente del que han bebido novelistas de todo el planeta a lo largo de los siglos, requiere un alto grado de valor, o quizá de inconsciencia. Manipular, transformar la novela de Dostoievski para convertirla en una pieza destinada a los escenarios supone un enorme ejercicio de destilación de las esencias y de los grandes temas que el genial novelista modeló como nadie”. Para Gerardo Vera: “el proyecto largamente acariciado de poner en escena Los hermanos Karamázov empezó a convertirse en realidad un día en que, sentado en un café con Juan Echanove, de pronto vi aparecer en sus ojos el brillo de la inspiración y tuve el convencimiento de que este desafío común empezaba a apoderarse de él como ya se había apoderado de mí. No había vuelta atrás: Fiódor Karamázov estaba sentado frente a mí, por fin se iba a hacer realidad el sueño compartido de trabajar juntos.

En un largo proceso creativo junto a José Luis Collado conseguimos adaptar una de las grandes cumbres de la novela universal, siempre al amparo de Dostoievski, que nos ha guiado y deslumbrado con ese monumento a la compasión humana y a la comprensión de la naturaleza oscura de los hombres. Un proyecto así solo tiene un camino: escuchar con pasión, respeto y admiración a un novelista ruso, europeo y universal que, como todos los grandes artistas, al final solo habla del hombre, mirándolo con la más potente lente de aumento y con la mayor compasión de la que es capaz”.

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Con dramaturgia y dirección de Joan Ollé, la Sala Leopoldo Fregoli de La Seca - Espai Brossa (Barcelona) acogerá el estreno del espectáculo Paraules d’amor, que estará en cartel del 11 de noviembre al 6 de diciembre. Iban Beltran trabaja como ayudante de dirección en esta obra que cuenta con un elenco formado por tres actrices. Laura Pujolàs ya trabajó con Joan Ollé en el montaje “El somni d’unanit d’estiu” de William Shakespeare que presentó el pasado año el Teatre Nacional de Catalunya. Cristina Arenas y Blanca Garcia Lledó son las otras dos protagonistas del espectáculo.

Profesor en el Institut del Teatre, Joan Ollé fue director del Sitges Teatre Internacional de 1992 a 2001.

El barcelonés fue miembro del equipo de dirección artística del Teatre Lliure (2003-2004). Sobre Paraules d’amor explica que quieren poner en escena un diccionario, “el ‘Diccionario Tòntu (Elogio del barbarismo y de otras barbaridades del habla catalana)’, que, por más osadía, he escrito yo mismo. El título ya insinúa las intenciones: rendir homenaje a las muchas maneras de hablar el catalán -no siempre conforme a las normas de la Academia- de nuestros abuelos, padres, nosotros mismos y nuestros hijos. Sacar a pasear estas palabras como altivas y altivos modelos desfilando por la pasarela de la lengua y la memoria.”

“Sí -continúa Ollé-, Paraules d´amor, porque como dice Serrat en su canción, no sabíamos más, y con ellas hemos ido tirando. No deja de ser curioso que Cataluña, que ha exhibido reiteradamente su lengua como gran firma de identidad, sea, sin ningún tipo de duda, el país de Europa y parte del extranjero que, por convivencia con el castellano, peor el habla con respecto a la normativa vigente. ¿Y qué tendrá de ‘teatral’ todo ello? No lo acabo de saber. En todo caso, agradezco a mis cómplices haber aceptado la aventura, y a Hermann Bonnin, buen amigo de la heterodoxia, que nos haya invitado a su pequeño y precioso teatro.”

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15 noviembre diciembre 24 Festival Don Quijote - París

La Historia a través del teatro, protagonista en París ueve espectáculos conforman la programación de esta edición N marcada por el testimonio y la resistencia contra el olvido.

Ligeros de equipaje de Viridiana Producciones

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a 24 edición del Festival Don Quijote de París se celebra del 21 de noviembre al 6 de diciembre con una programación compuesta por ocho espectáculos. seis de ellos llegados desde el Estado español junto con una compañía boliviana y una producción francesa. Una nueva edición de este veterano festival que en palabras de su director artístico, Luis Jiménez se presenta como “un Festival de testimonio y de resistencia contra el olvido” no solo por la temática que abordan las obras seleccionadas, sino porque se realiza “a pesar de las carencias institucionales, de la ausencia de política cultural y de una cierta prensa que piensa que el teatro español debe venir de Aviñón” afirma Jiménez. Muchas son las dificultades a las que debe hacer frente Zorongo, encargado de la organización del festival desde su primera edición pero que con esfuerzo ha conseguido preparar una interesante programación que se llevará a cabo en el Théâtre Café de la Danse.

Comienza esta edición con Famélica una obra escrita por Juan Mayorga para la compañía La Cantera y dirigida por Jorge Sánchez cuya base “es una vaga intuición 22

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acerca de lo que temes y deseas y ocultas cada mañana cuando ves ante ti las puertas del edificio corporativo” en palabras del propio Mayorga. Sobre el escenario cuatro intérpretes que dan vida a unos personajes que como a tantas y tantas personas, su trabajo no les apasiona, es más les parece desagradable e incluso inútil.

Los nadadores nocturnos de José Manuel Mora es un espectáculo de danza y teatro dirigido por Carlota Ferrer con puesta en escena de la compañía Meine Seele, una obra que “retrata un mundo enfermo y fragmentado que no deja margen para la inocencia”; un montaje lírico, íntimo e impúdico en el que el desamparo y la necesidad de amor son los sentimientos en los que sumergen a sus protagonistas. La obra se conforma por un conjunto de voces fragmentadas y múltiples historias abortadas que componen el paisaje humano de una ciudad golpeada.

La guerra

Viridiana Producciones pone sobre el escenario Ligeros de equipaje, una obra escrita y dirigida por Jesús Arbués basada

en multitud de crónicas y testimonios reales que tiene como objetivo recuperar unos hechos casi olvidados y perdidos en el tiempo, el éxodo de casi medio millón de personas que cruzaron la frontera huyendo a Francia por los Pirineos en 1939. Javier García y Pedro Rebollo dan vida a casi cincuenta personajes a través de esta historia que “no es una obra sobre la guerra civil, sino un trabajo que trata sobre el olvido, el pasado, la ausencia, la muerte, la vida... y del hombre, capaz de lo mejor y lo peor”.

La memoria y la guerra civil son también los temas que aborda Solo son mujeres de Carmen Domingo. Factoria Escènica Internacional pone en escena la historia real de cinco mujeres que vivieron la “nefasta y terrible guerra fascista llamada la guerra civil” explica Carme Portacelli, directora de la obra. “La memoria de la guerra ha ocupado un espacio esencial a las familias de las víctimas y nosotros queremos explicar esta realidad silenciada a cinco voces.

Queremos hablar de las mujeres que, por el hecho de serlo, fueron el punto de mira del dictador mientras llevaban adelante sus familias con los hombres fusilados, desaparecidos o encarcelados, mientras hacían

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la resistencia a sus pueblos o ciudades, mientras luchaban por un mundo mejor y nadie se los ha tenido en cuenta” aclara Portacelli quien añade que “la invisibilidad de la lucha y del sufrimiento de las mujeres impregna, incluso, los propios estudios sobre la memoria histórica”.

La voz de las mujeres

Histrión Teatro pone en escena Juana, la reina que no quiso reinar, el imaginado y emocionante testimonio de Juana I de Castilla, conocida como Juana la loca. La obra escrita por Jesús Carazo es una mezcla explosiva de amor y desamor, ternura, crudeza, dolor y pasión. Gema Matarranz da vida a Juana –finalista a Mejor Actriz Protagonista en los Premios Max 2015–, que rebusca entre el recuerdo y la desesperación para entender una vida impuesta por las necesidades de un Estado. Una obra que se convierte en “el grito desgarrado y feroz de quien sobrevivió a los que tejieron su locura”.

En la misma época fue creada por Fernando de Rojas la protagonista del espectáculo que presenta Atalaya, Celestina, la tragicomedia con dramaturgia y dirección de Ricardo Iniesta. La compañía sevillana pone en escena la considerada como la segunda obra literaria más importante en lengua española tras El Quijote, una obra en la que se describen con maestría las relaciones sociales y de clases dominadas por el dinero y el sexo liberadas de la moral religiosa. Esta versión está caracterizada por el expresionismo y el grotesco como reveladores de la crueldad de la condición humana.

Los nadadores nocturnos de Meine Seele ©Sirai

Una mujer es también la protagonista de Una niña espectáculo unipersonal dirigido al público familiar –el único de esta edición– de La Rous. Rosa Diaz da vida a una mujer que vive en un muelle oxidado pescando todo lo que la gente abandona hasta que un día atrapa con sus redes algo nunca visto: una niña dentro de una botella. Asustada la vuelve a tirar al mar pero... no deja de pensar en esa niña y decide buscarla aunque ya es demasiado tarde el mar se la ha tragado...

Aún así ella continúa con la esperanza de encontrarla y esa búsqueda la lleve a tal vez hacia la niña que lleva dentro.

La programación de esta edición se completa con dos espectáculos que tienen dos hechos históricos, en este caso acaecidos en Latinoamérica, como tema central.

Desde Bolivia llega a París Teatro de los Andes que pondrá en escena Mar, creación colectiva de la compañía con el dramaturgo, director y actor Arístides Vargas que ahonda en la pérdida de Bolivia de su litoral en la denominada como guerra del Pacífico a través de la historia de una familia.

Del 4 al 6 de diciembre por su parte y en el Théâtre de Belleville Charles González se encargará de protagonizar Potestad, una obra de Eduardo Pavlovsky con una puesta en escena de Bertrand Marcos en la que el recientemente fallecido dramaturgo argentino aborda un sangrante hecho que legó la dictadura militar como es el secuestro o rapto de niños a través de un plan organizado por las fuerzas armadas. Una obra sobre este terrible hecho y la complejidad de la represión.

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15 noviembre diciembre XXIII Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos

La autoría dramática toma el mando en Alicante na Diosdado es la dramaturga homenajeada esta edición en la A que se representa su obra ‘El cielo que me tienes prometido’

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el 6 al 14 de noviembre se celebra la vigésima tercera edición de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante, la cita anual con la dramaturgia contemporánea española que año tras año, ofrece una variada programación teatral además de actividades en torno a la escritura teatral como el taller de dramaturgia que va a impartir Alfredo Sanzol, la presentación de publicaciones y el consabido homenaje a toda una trayectoria que este año toma una relevancia especial por el reciente fallecimiento, a primeros del mes de octubre de la homenajeada esta edición, Ana Diosdado.

En una carta dirigida a la dramaturga, directora y actriz por el director de la Muestra, Guillermo Heras, de la que reproducimos la parte final, se recoge el sentido homenaje que se rendirá esta edición a la autora. “En noviembre vamos a hacerte el Homenaje que siempre deseé que tuvieras y que por falta de un espectáculo en el mercado no pudimos hacerte antes en la Muestra de Autores de Alicante. Ese Homenaje será compartido por todo el Patronato de la Muestra que se mostró orgulloso al saber que este año abrirías oficialmente la Muestra. Y, así, en el Ayuntamiento en que se recordará tu trayectoria y luego, en ese lugar que pienso sería de tus preferidos, las tablas del Teatro Principal, se oirá tu voz a través de las actrices que interpretarán los personajes que soñaste y luego tú misma pusiste en escena. Tus palabras, tus ficciones, tu poética seguirán ahí, en 24

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mujeres de la Guerra Civil de Alicante de la mano de Teatre La Clandestina.

Y la guerra civil es también el tema central de Ligeros de equipaje, obra escrita y dirigida por Jesús Arbués basada en un hecho histórico, el éxodo de casi medio millón de personas que cruzaron la frontera francesa a través de los Pirineos en 1939 de la mano de Producciones Viridiana.

Crisis y fútbol

El hombre menguante de Pérez&Disla

los libros o en los archivos televisivos, como pasa siempre con los artistas que dejan huella. Nunca desaparecen, su memoria queda presente, no solo en los momentos recientes, sino en la memoria que se construye para el futuro”.

Y como no podía ser de otra manera, el mismo día, 9 de noviembre y como colofón al homenaje, se pondrá en escena El cielo que me tienes prometido, última obra escrita y dirigida por Diosdado sobre el choque entre Teresa de Jesús y la Princesa de Éboli el día que se vieron por última vez en Pastrana y que sube a los escenarios la Compañía Salvador Collado.

Otra dramaturga, Josi Alvarado firma la autoría de Fulanas un homenaje a las

Jordi Galcerán es el autor de El crédit una coproducción de Maror Produccions, Biò Produccions y La Villarroel dirigida por Sergi Belbel en la que un tema central de la crisis económica actual, las hipotecas es el hilo central de la obra. Con Carne de Gallina Maxi Rodríguez y Javier Maqua ofrecen una comedia negra para reírse de la crisis con la representación de situaciones tan locas como reales a cargo de Arteatro, La Estampa Teatro y Teatro del Cuervo.

El fútbol por su parte es el hilo de conexión de dos obras. Serenata para un país sin serenos de Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso con dirección de este último y puesta en escena de Companyia Hongaresa de Teatre comienza con el funeral del presidente de un equipo de primera división que tras su muerte violenta, y en la sala VIP del estadio, su mujer y el hijo de su primera esposa recibirán las visitas de diversas personas relacionadas con el difunto. Xavo Giménez es el autor y director junto a Toni Agustí de Penev, célebre jugador de fútbol del que parte esta obra de La Teta Calva para ha-

noviembre diciembre blar sobre dos jugadores de el tongo de lo cotidiano.

La realidad contemporánea se refleja desde diversos puntos de vista y con factura diferente en la gran mayoría de las obras que se pondrán en escena. Revisión con texto y dirección de Pascual Carbonell está protagonizada por cinco universitarios que se encuentran a la espera de la llegada del catedrático para revisar un examen, están a la espera del infierno de la revisión. Eva Zapico y Àngel Fígols son los autores y directores de El gran arco en la que dan vida a su vez a un terapeuta y su paciente, un recorrido por la neurosis mental acompañada por la confusión espiritual de la obra de Piranesi.

Dos obras sobre el conflicto político vasco La mirada del otro de María San Miguel y Chani Martín historia sobre las entrevistas entre algunos presos disidentes de ETA y sus víctimas a cargo de Proyecto 43-2 y Las guerras correctas, la historia dramatizada de la entrevista entre Iñaki Gabilondo y Felipe González en el plató de TVE con un tema central: los GAL y el Sr. X. escrita por Gabriel Ochoa y llevada a escena por Teatro del Barrio, La Rambleta y Teatro del Temple.

Luis Araújo es el autor de Kafka enamorado producción del Centro Dramático Nacional que trae a escena la imbricación de la experiencia personal del gran autor y su obra, la verdad del mundo percibida y expresada por Franz Kafka. Otro personaje real, en este caso Enrique IV de Castilla y las extrañas circunstancias de su muer-

El cielo que me tienes prometido de Compañía Salvador Collado

El gran arco

te son abordadas por Chema Cardeña en Matar al Rey, producción de Culturarts Generalitat y de cuya dirección también se encarga Cardeña.

El humor toma protagonismo con las obra Asalto de cama y Juanita Calamidad.

La primera, a cargo de Teada Producciones y escrita y dirigida por Juan Luis Mira se cuestiona sobre un cuadrilátero de boxeo sobre la eterna guerra entre sexos; Antonio Álamo por su parte firma la autoría y la dirección del último espectáculo de Chirigóticas que sigue fiel al hacer de la compañía.

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Las confesiones de un payaso en la soledad del foso antes de salir a escena en el día del “Festival de homenaje al circo” conforma la obra El minuto del payaso de José Ramón Fernández con dirección de Fernando Soto a cargo de Teatro del Zurdo y tres son los personajes que suben al escenario a poner en escena una obra, porque lo pone el cartel, así sin más. Esto es El hombre menguante de Juli Disla que pone en escena Pérez&Disla.

La programación para adultos incluye además dos espectáculos que se representarán a media noche, Sol@ ante el peligro compuesto por siete monólogos de otros tantos autores y el nuevo espectáculo de un veterano de la escena, El brillo del jengibre de Pepín Tre. El público infantil y familiar podrá disfrutar con tres espectáculos Ya está una particular clase en clave de clown de Eduardo Zamanillo que pone en escena P.T.V Clowns, El sofá de Sophie de Tuttilifamili y Kibubu, premiado espectáculo escrito y dirigido por Jokin Oregi y con puesta en escena de Marie de Jongh.

Y para todos los públicos varios espectáculos en calle como el particular Crudo Ingente, obra que sucede en el interior de un vehículo de Nacho Vilar Producciones, La familia Romanesku, espectáculo circense con números de acrobacia, malabares y voladores de La Finestra Nou Circ y Andante espectáculo itinerante lleno de poesía con el que Markeliñe relata historias de guerra.

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15 noviembre diciembre XXXIII Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia

Nueva cita de la creación escénica en euskara E spectáculos para público adulto y familiar además de la celebración de EHAZE Eguna y el ciclo de Teatro Alternativo

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HAZE Eguna (día de la asociación de aficionados y amigos del teatro de Euskal Herria) tendrá lugar en Azpeitia el 24 de octubre una cita anual que este año se encargará de abrir la trigésima tercera edición de Euskal Antzerki Topaketak de Azpeitia cuyo espectáculo inaugural Lukurreria, lizunkeria eta heriotzaren erretaula se llevará a cabo en Soreasu Antzokia el día 30 a cargo de Eromen Produkzioa-Zestoako Interpretazio Eskola para dar paso a l día siguiente a otra propuesta de teatro aficionado, Itsaroari negar de Ze Onda Taldea. Para el primer día de noviembre está prevista la tercera edición del día de las escuelas de teatro, ‘III Antzerki Eskolen Eguna’, iniciativa organizada por EHAZE en la que la compañía Metrokoadroka realizará un acto “muy muy especial” en las calles de la localidad que dará paso a la representación en Soreasu Antzokia del espectáculo Quixote de Markeliñe.

La programación continúa el 5 de noviembre con Zu Gabe obra escrita y dirigida por Alex Tello a cargo de Atea Teatroa en la dos personajes reflexionan sobre los grandes temas universales mediante una conversación que les llevará toda una noche.

El día 6 será el turno de Artedrama-Huts Teatroa que llega con su recién estrenada Etxekoak, obra escrita por Jon Gerediaga y dirigida por Ander Lipus de la que se da cumplida información en las páginas 10 y 11 de este número.

También en Soreasu Antzokia pero el día 7 se podrá disfrutar con el estreno del espectáculo Eskutitzak de Izar Films y Itzel Antzerkia. Itziar Elias e Izaskun Arandia son las autoras de este drama histórico que dirige la propia Arandia y en la que se cuenta 26

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Amodioaren ziega de Lauka Teatroa

la historia de amor de dos vecinos de Azpeitia, Joxe, un joven cartero hijo de una familia republicana y Emilia hija de una familia franquista; una historia de amor que tendrá comenzará en julio de 1936 poco antes del comienzo de la Guerra Civil hecho que marcará sus vidas. Para el domingo está prevista una obra estrenada también pocos días antes, se trata de la última producción de Gorakada, Moby Dick, escrita por Julio Salvatierra a partir de la conocida novela y dirigida por Alex Díaz.

Durante los días 9, 10, 11 y 12 el escenario de Soreasu Antzokia acogerá los espectáculos de diversos centros educativos que darán paso el 13 a la puesta en escena de Jokoz kanpo montaje de Borobil Teatroa, una comedia dirigida por Anartz Zuazua con el lenguaje del fútbol como hilo conductor y la propuesta Punto ta Punto de

Azpeitiako Emakume Tailerra el día 14.

El segundo estreno de esta edición llega de la mano de Txalo Produkzioak que presenta Magia Lapurra, un espectáculo lleno de magia y sorpresas acompañado de la música en directo interpretada al piano dirigido al público infantil y familiar dirigido por Begoña Bilbao Lejarzegi.

Un año más el Gaztetxe de Azpeitia acoge el ciclo Antzerki Alternatiboa (teatro alternativo) que este año incluye dos espectáculos Zer duzu Amy? de Oh My God! y Amodioaren ziega de Lauka Teatroa los días 18 y 20 respectivamente.

El colofón a esta edición lo pondrá el día 31 sobre el escenario de Soreasu Antzokia Mozkorra parregarri, ópera cómica escrita en 1764 por Xabier María Munibe, Conde de Peñaflorida y que han llevado a escena vecinos del municipio de Bergara.

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15 noviembre diciembre 33 Titirijai - Tolosa

Fiesta internacional del mejor teatro de objetos

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os escenarios del Teatro Leidor y del TOPIC acogen los espectáculos que conforman la programación de la trigésima tercera edición de Titirijai, festival internacional de títeres de Tolosa que se celebra del 21al 29 de noviembre, una edición en la que destaca la presencia de compañías llegadas desde Argentina o Colombia así como de Reino Unido, Noruega o Grecia junto a algunas de las más significativas del panorama estatal casi todas ellas, con espectáculos dirigidos al público familiar aunque también habrá dos propuestas para el público adulto. Es el caso del espectáculo Ovidia-Corazones en tránsito una particular historia y puesta en escena de La Societé de la Mouffette, creada por Vera Glez con la finalidad de servir de plataforma de sus

La isla del tesoro de Teatro Arbolé

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proyectos creativos especializados en títeres para adultos y en la intervención con objetos. La segunda propuesta para jóvenes y adultos es Cóctel un montaje compuesto por diferentes técnicas de títeres, teatro de objetos, bocones con varilla, títeres corpóreos y un titiritero a la vista que pondrán en escena cuatro historias. El argentino Manu Mansilla es el autor de este espectáculo de sala y de la obra Títeres a Cielo abierto que pondrá en escena en la Plaza Euskal Herria.

La compañía colombiana Manicomio de Muñecos –galardonada con el premio del jurado infantil al mejor espectáculo del Festival en el año 2000 por su obra ‘Lo tres cerditos– vuelve a Titirijai esta vez con El Zapatero y los duendes y desde Noruega Konstellasjonen pondrán en escena En for-

ma de pera, una obra protagonizada por los Kronkelmonks que viven en el interior de un gran monte compartiendo todo lo que allí se les ofrece. El globo rojo de la compañía londinense String Theatre cuenta la historia de amistad de un niño y un globo utilizando marionetas de hilo y madera tallada. Objetos de la vida diaria cobran vida para contar una historia inspirada en la gente que los usa; esta la idea principal de Lambico, espectáculo que presenta la compañía griega Trabala.

Grandes historias

Personajes de grandes historias y grandes historias escritas por célebres autores son algunas de las ideas que comparten varios espectáculos como La isla del tesoro

noviembre diciembre que presenta Teatro Arbolé, una versión libre de la genial obra de Robert Louis Stevenson protagonizada por unos personajes creados con troncos, desechos y otros elementos recogidos en las playas. Otro cuento universal, El principito de Antoine de Saint-Exupéry es un viaje en el tiempo y el espacio para hablar de la amistad, el respeto, el amor y la vida a través del teatro, los títeres, as sombras y las proyecciones de N54 Producciones.

Basado en el cuento Fernán Caballero y en la película de Fernando Fernán Gómez ambas inspiradas en leyenda popular de ‘Juan sin miedo’, con Juan Soldado Carlos Alba “Cellero” intenta infundir los valores de la confianza en uno mismo a la hora de enfrentarse a las dificultades de la vida. Y personaje entre los personajes Quijote toma vida de la mano de Bambalina en una propuesta que va más allá de su locura, del teatro, de la vida a través de un Quijote mudo y sin embargo elocuente, de evocaciones goyescas, góticas y expresionistas.

Alcanzar los sueños

Pablo Vergne dirige Giuseppe y Pepina, obra de El Retablo en el que dos artistas que tras el cierre del circo en el que trabajan

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Quijote de Bambalina

deciden volver a su pueblo con un espectáculo ambulante y único en el mundo en el que representan, con la ayuda de objetos los números del circo donde habían trabajado.

Vuela pluma de Periferia Teatro es un cuento sobre la libertad y el respeto a la naturaleza de los seres vivos, una historia sobre un pájaro que vivía “feliz” en su jaula hasta que un día soñó que se abría la puerta y por fin... La compañía murciana presenta en Tolosa, en la Plaza Euskal Herria un segundo espectáculo Huellas con el que acerca

al público una historia sobre el origen de la relación entre el ser humano y su mejor amigo, el perro. La programación de este año se completa con el espectáculo Egun batean de Behi Bis, una obra protagonizada por un niño que nació con un cazo y un extraño don, es invisible por lo que la gente no lo ve, solamente ve un cazo que además le molesta para hacer lo que más le gusta subirse a los árboles o a cualquier lugar porque el quiere ser un gran escalador-explorador y tal vez algún día lo consiga.

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15 noviembre diciembre III Galicia Escena Pro - Santiago de Compostela

La última creación gallega en exhibición concentrada 2 4 compañías gallegas conforman una programación en la que destacan los estrenos de Voadora y Teatro de Ningures

Presidente de Teatro do Morcego

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antiago de Compostela vuelve a ser la sede de Galicia Escena Pro, el mercado gallego de las artes escénicas que se celebra del 3 al 6 de noviembre en cuatro espacios de la ciudad, el Auditorio Abanca, el Salón Teatro y el Teatro Principal y la Fundación SGAE, una nueva cita que tiene como objetivo “ofrecerles a las formaciones artísticas gallegas una plataforma para el encuentro con los representantes de los teatros, auditorios, salas y muestras escénicas de cara a la configuración de su próxima temporada de programación” como explica desde AGADIC, la Axencia Galega das Industrias Culturais, encargada de su organización.

Para el intenso programa de esta tercera edición han sido seleccionadas 24 30

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compañías, todas ellas gallegas, –14 de ellas representarán espectáculos completos y las 10 restantes lo harán en formato ‘showcase’– y entre los espectáculos completos destacan dos estrenos Calypso de Voadora y Unhas poucas picadelas de Teatro de Ningures. Fernando Epelde firma la autoría del último trabajo de Voadora que dirigido por Marta Pazos protagonizan tres intérpretes con el particular lenguaje que caracteriza a la compañía, basado en la musicalidad la irreverencia y la plástica. Según la información facilitada por la compañía “la temática e idiosincrasia de la producción, y parafraseando a Homero, la verdad está en la rodilla de los dioses” aunque también se ha podido “saber” que el espectáculo es una reflexión sobre el ridículo.

A cegueira de Sarabela Teatro

La nueva propuesta de la veterana Teatro de Ningures se adentra en la sangrante realidad de la violencia de género, una historia sin ser una historia concreta, sino miles de historias reales y anónimas, historias todas ellas de violencia machista que muchas de ellas acaban con el asesinato de la mujer y otras muchas aunque sin muerte física acaban aniquilando las vidas de tantas y tantas mujeres. Una obra escrita por Laila Ripoll y dirigida por Etelvino Vázquez.

Otra compañía veterana, Sarabela Teatro sube a los escenarios la célebre novela de José Saramago ‘Ensayo sobre la ceguera’ con el título de A cegueira y dramaturgia y dirección de Ánxeles Cuña Bóveda mientras que Teatro do Atlántico hará lo propio con una obra de Josep Ma-

noviembre diciembre ría Miró i Corominas O principio de Arquímedes, ganadora del Premi Born de Teatre y traducida del catalán por Afonso Becerra de Becerreá y con dirección de Xúlio Lago.

Dos comedias, Presidente, escrita y dirigida por José Prieto con la que Teatro do Morcego pone en escena la historia de un presidente al que las encuestas vaticinan una estrepitosa derrota electoral y decide conseguir votos visitando directamente a sus posibles votantes y Panamericana comedia musical con sabor a guiso tropical de A Panadería creada e interpretada por Areta Bolado, Noelia Castro y Ailén Kendelman.

Los espectáculos para el público adulto se completan con el montaje AIREnoAR que pone en escena la compañía homónima y que busca nuevos lenguajes artísticos a partir de la fusión de diferentes disciplinas como la danza, el circo y la música.

Rut Balbís se encarga de la dirección de esta creación colectiva que pone ante el público una historia de encuentro y desencuentro, de búsqueda del equilibrio entre las cuerdas. todos los públicos

Los siete espectáculos restantes están dirigidos al público infantil y familiar en los que destacan las propuestas protagonizadas por títeres u objetos. Baobab Teatro presenta Luppo una obra de Andrea Bayer dirigida por Óscar Ferreira que habla del ciclo de la vida en una historia llena de

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Feo! de Caramuxo Teatro es un montaje de pequeño formato basado en “El patito feo’ de Hans Cristhian Andersen; un canto a la diversidad escrito por Juan Rodríguez y Laura Sarasola Pontón. Redrum Teatro pondrá en escena el espectáculo de ambiente navideño Noiteboa y Entremas llega con Xoga, un viaje desde la imaginación al conocimiento con contenido didáctico sobre el funcionamiento de nuestro cuerpo. Don Quixote, unha comedia gastronómica de Limiar Teatro ofrece a través del teatro, la narración oral, la manipulación de objetos y la conica en directo una versión gastronómica del clásico de Cervantes.

Showcases

Peer Gynt de Viravolta Teatro

sentimientos y emociones. Para Jim e a Illa do Tesouro su autor, Jokin Oregi ha partido de las conocidas aventuras creadas por Stevenson en una propuesta de Eme2 producción e distribución dirigida por Álex Díaz y Javi Tirado e interpretada por actores y títeres en la que la música y el humor se funden con todo tipo de divertidos piratas.

Viravolta Teatro ofrece un concierto teatro con marionetas a partir de una adaptación libre del clásico de Henrik Ibsen Peer Gynt con composición musical de Edward Grieg. Marionetas y música clásica para todos los públicos.

Como en ediciones anteriores, Galicia Escena Pro incluye una programación de ‘Showcases’ o presentación de fragmentos de espectáculos, diez propuestas como O furancho con dramaturgia de Santiago Cortegoso a cargo de Ibuprofeno Teatro, Zugunruhe de ArtesaCía, la comedia Os amos do mundo de Bucanero, la propuesta de danza teatro Ulises e a nena durmida de Ánxela Blanco y la de danza y música tradicional de Nova Galega de Danza, Abrente. Junto a las mencionadas, varias dirigidas al público familiar como Non toques os meus círculos de Artello Teatro, Xurdefet de Berromambán, STRPTS// Episodio1:Mirlo&Rula de Colectivo Cinema Sticado, Manawee de Matrioshka Teatro y Baraka de Mago Xacobe.

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15 noviembre diciembre XXXI MIT - Mostra Internacional de Titelles de la Vall d´Albaida

Los títeres tienen una nueva cita en el Valle de Albaida

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el 5 al 8 de noviembre los títeres serán los protagonistas en 15 municipios del Valle de Albaida, que acogerán las funciones de los 13 espectáculos programados en la XXXI edición de la MIT, Mostra Internacional de Titelles de la Vall d’Albaida. La cita, impulsada por el Área de cultura de la Mancomunidad de la Vall d’Albaida y la Diputación de Valencia, contará con la presencia de 5 compañías valencianas, 6 nacionales y una internacional, que presentarán montajes dirigidos a espectadores a partir de 4 y 5 años.

Los títeres, la música en directo, la danza y la mímica están entre las disciplinas representadas en las diferentes propuestas, que estarán dirigidas a escolares, familias y adultos. Además de los espectáculos, la Mostra incluye actividades paralelas como un encuentro con tres dramaturgos valencianos, una clase magistral del creador Jaume Policarpo, un taller de construcción de títeres o una instalación interactiva con materiales reutilizados. Todo ello se podrá disfrutar en Agullent, Aielo de Malferit, Albaida, Atzeneta d’Albaida, Benigànim, Benissoda, Bocairent, Fontanars del Alforins, Montitxelvo, L’Olleria, Otos, El Palomar, La Pobla del Duc y Salem.

Como novedad en la programación, este año se podrá ver una propuesta escénica para adultos a cargo de la compañía catalana Zero en Conducta. Títeres, manipulación de objetos, mimo y danza forman parte de su espectáculo Allegro ma non troppo. Desde Francia llegará la compañía Philippe Genty, que presentará su última producción para niños, La llamada del mar.

Utilizando una cortina de ducha, un recogedor y una escoba contarán una historia basada en La Odisea de Homero. La compañía barcelonesa Teatre al Detall representará L’endrapasomnis (Premi de la Crítica Catalana 2014), una versión de la historia creada por Michael Ende sobre la princesa 32

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Adiós Bienvenida de Mimaia Teatro

del País del Buen Sueño. Los zaragozanos Teatro Arbolé llevarán a escena una versión libre del clásico de R.L. Stevenson, La isla del tesoro, con títeres confeccionados a partir de elementos encontrados en la playa, maderas, desperdicios y abalorios que ha devuelto el mar.

El Mejor Espectáculo Infantil de los Premios Max (2014) también estará presente en la programación. La Maquinè representará El bosque de Grimm, obra en la que se puede disfrutar de historias como Pulgarcito, Blancanieves, Caperucita Roja o la Bella Durmiente, todo ello bajo la música de Maurice Ravel. La compañía murciana Mimaia Teatro llevará a cabo Adiós Bienvenida, pieza que aborda el paso del tiempo, la distancia y la necesidad de cerrar ciclos para empezar nuevas etapas, a través de la historia de una tabernera que tiene que aprender a despedirse. Un espectáculo sin texto que mezcla humor y manipulación de objetos llegará de la mano de la compañía JAM: El Mêtre. La gaditana La Gotera de Lazotea llegará con A cuentagotas, espectáculo formado por dos cuentos.

de la tierra

Cinco son las propuestas de la Comunidad valenciana que participarán en la MIT. El Ball del Sant Vito presentará el espectáculo La Terra dels Babaus, donde a través de los cuentos, los títeres, el humor y la música en directo se rendirá un homenaje a la tradición cultural más puramente valenciana. Teatre a mà llevará a cabo una versión de El patito feo de Hans Christian Andersen utilizando títeres de mano con apariencia clásica.

Desde Castellón llegará Teatre Plegable con La fàbrica de les joguines defectuoses, una aventura en la que un juguete tratará de conseguir su sueño ayudado por un hombre de gran bigote, una bailarina y un enorme ratón, entre otros curiosos personajes. El Circ de La Safo, por su parte, escenificará su obra Don Pepino, donde un títere, empresario teatral de baja estopa, se convertirá en titiritero. Por último, el tándem Factoría Los Sánchez y Imaginary Landscape llevará a cabo su Xup-Xup.

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15 noviembre diciembre XVI Dantzaldia

Miradas desde la danza actual al encuentro de nuevo público

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a coreógrafa argentina residente en Bruselas Ayelen Parolin es la encargada de abrir las representaciones del mes de noviembre del festival Dantzaldia de Bilbao cuya décima sexta edición arrancó en septiembre con la pieza ‘Aimless’ de Tamako Akiyama & Dimo Kirilov y con las propuestas de Spin of Danza y Tania Arias Winogradow que pusieron en escena, en octubre, los montajes ‘Persona’ y ‘Bailarina de fondo en concierto’ respectivamente. Parolin pondrá en escena el 6 de noviembre en la Sala BBK Héréctiques una coreografía que observa la naturaleza humana con insistencia metódica ofreciendo un obsesivo retrato de los tiempos y las relaciones a través de la repetición y la acumulación. En escena, “una compleja estructura en capas que se yuxtaponen y se disgregan al infinito”.

El 15 de noviembre y en el Palacio Euskalduna Damián Muñoz y Jordi Cortés acercan al público Ölelés, pieza creada en 2004 con la que recorrieron incontables teatros y festivales y que retomaron diez años después en la que los dos coreógrafos y bailarines ofrecen un duelo interpretativo a partir del reencuentro de dos amigos tras cuarenta años de distanciamiento tango físico como espiritual. Un duelo sin armas en el que los dos hombres son cazado y presa al mismo tiempo.

En la sala La Fundición –encargada de

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y guitarra se van sofisticando en una propuesta en la que se funden el flamenco en estado puro, la teatralidad, el humor, la excelencia y las ganas de divertirse y divertir al público.

Más en diciembre

Héréctiques de Ayelen Parolin

la organización del festival– se podrá disfrutar con un trabajo de nuevo flamenco de Juan Carlos Lérida. El coreógrafo y bailarín presenta los días 21 y 22 Bailografía, una pieza creada a partir de su propia trayectoria, desde su experiencia y evolución como coreógrafo, bailarín y pedagogo.

Una obra de la que dice es una “grafía del baile. Trazo coreográfico de un cuerpo. O en el cuerpo. Un lugar de encuentro entre dos temporalidades: la el presente y la de la ausencia. Huella de la memoria, cicatriz o sendero”.

Otro espectáculo de flamenco o nuevo flamenco es el que pondrán en escena en la Sala BBK Belén Maya y Niño de Elche el 5 de diciembre. Ya! (Ensayos) muestra los caminos de ambos artistas y de Raúl Cantizano, artista que les acompaña a la guitarra, caminos que los tres han explorado en conjunto y que les ha llevado a encontrar un lugar común que ha germinado este insólito encuentro. Baile, cante

El 12 de diciembre y en el Museo Guggenheim tendrá lugar un espectáculo en una línea totalmente diferente. Lisbeth Gruwez plantea en It’s going to get worse and worse and worse, my friend un soberbio duelo cuerpo-voz, una pieza que muestra cómo un discurso puede ser un arma muy poderosa. Para ello la coreógrafa e intérprete belga baila ese estado de trance, de éxtasis verbal. Una voz masculina marca el ritmo que va in crescendo hasta llegar al límite.

Al día siguiente, Cía. Sharon Fridman se encargará de clausurar esta edición con la presentación de Free fall / Caída libre en el Palacio Euskalduna. Esta es “una pieza de participación en la que el equipo realiza un trabajo de una fisicalidad soberbia y en la que la compañía compartirá el espacio escénico con los integrantes del taller que se habrá impartido previamente” explican desde la organización. La pieza reflexiona como desde los grupos “las personas intentamos encontrar el sentido y la libertad, levantarse después de caer en un ciclo infinito que se reproduce cada día”.

15 noviembre diciembre 12º FIDESP - Fórum Internacional de Dança do Estado de São Paulo

São Paulo piensa en danza

no Singular de Quasar Cia de Dança ©Lu Barcelos

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a 12ª edición del Foro Internacional de Danza del Estado de São Paulo se celebrará del 2 al 7 de noviembre, con un programa compuesto por 12 espectáculos de compañías brasileñas e internacionales en un circuito de presentaciones y actividades formativas que tendrá lugar en tres ciudades del Estado de São Paulo. El foro pretende mejorar la enseñanza, la producción y la profesionalización de la danza.

FIDESP es una iniciativa para pensar la danza, los sentidos de la formación, la creación y la producción junto a grupos y profesionales que desarrollan un trabajo continuo. El objetivo más importante es fortalecer la discusión productiva y el intercambio de conocimientos, asumiendo responsabilidades mediante una planificación de acciones formativas, comerciales y técnicas inherentes a la actividad. Cada año, la región de São José do Rio Preto (São Paulo, Brasil) prepara una programación guiada por conceptos e ideas que provocan cuestionamientos acerca de la danza. Así, el evento se ha convertido en el encuentro más importante de la danza profesional del Estado de São Paulo.

La programación de 2015 se desarro-

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llará en las ciudades de São José do Rio Preto, Cedral y Votuporanga, ofreciendo 31 presentaciones, 9 talleres, una mesa redonda, una exposición de fotografías y una muestra de videodanza. FIDESP 2015 está organizado por la Associação de Amigos da Arte e Mantenedores da Virtual Companhia de Dança y la Prefeitura Municipal de São José do Rio Preto. Entre sus objetivos está promover el debate, el pensamiento y la difusión de la danza. programación

Desde Lyon (Francia) llegará la compañía Kastor Agile con el espectáculo São Cosme e Damião Duo, dirigido por Gilles Pastor. La española Victoria P. Miranda protagonizará I leave the lights on. El Grupo SEDA de Argentina representará su pieza de danzateatro Niebla. También forma parte de la programación la bailarina y coreógrafa de danza contemporánea Ana Cecilia Moreno, que llegará desde Cochabamba, Bolivia.

En cuanto a los artistas brasileños, estará presente la compañía Giradança, que llevará a cabo la pieza Sem Conservantes.

El espectáculo, que fue estrenado el pasado marzo, cuenta con la coreografía de Ânge-

lo Madureira y Ana Catarina Vieira. Núcleo Mercearia de Idéias llevará a escena su tercer proyecto coreográfico: Nossos Sapatos. Quasar Cia de Dança, por su parte, mostrará no Singular, coreografía de Henrique Rodovalho que propone un diálogo sobre el exceso de velocidad de las informaciones del mundo contemporáneo. Estará dentro de la programación también el montaje Tempo, espectáculo que forma parte de una trilogía creada por la Cia Abrindo Por tas de Experimentação Cênica. Por útimo, la artista Zilda Arali interpretará la performance S.O.P.A., un discurso plástico y artístico sobre la conciencia ambiental.

Por otra parte, tres serán los espectáculos que se presenten en el marco de la Plataforma de Jóvenes Creadores.

El Grupo ExPressão escenificará Protesto, un montaje de danza contemporánea inspirado en la situación política de Brasil.

Del país anfitrión es también el Grupo UP, que llevará a cabo la representación de Sinquise, espectáculo que pretende explorar una nueva idea de organización y reorganización respecto a la creación del movimiento. Una función a cargo del Colegio Laredo de Cochabamba completa la lista de montajes.

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15 noviembre diciembre VII Cenit - Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales

7ª edición del CENIT, que bate record de inscripciones

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l Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales celebra una nueva edición del 5 al 15 de noviembre, con seis espectáculos que ofrecerán sus funciones en el Centro TNT, organizador del certamen junto con el CICUS de la Universidad de Sevilla. Esta séptima edición ha logrado batir el record de número de inscripciones: 125, de 6 países de América y 5 de Europa (Argentina, México, Cuba, Brasil, Costa Rica, Chile, Alemania, Croacia, Polonia, Dinamarca y España), y 20 provincias de 10 comunidades autónomas. 700 son los montajes inscritos en las siete ediciones pasadas, procedentes de 22 países distintos y la totalidad de las comunidades autónomas del Estado español.

Seis son los espectáculos que la organización ha escogido para participar en la actual edición del CENIT. Además, se podrá ver el montaje ganador de la pasada edición, Viaje a ninguna parte de Catalina Carrasco & Gaspar Morey, y el premiado con la mejor puesta en escena, Entre todos la mataron y ella sola se murió de Estigma Teatro. Como novedad, este año formará parte del jurado un representante del festival Frinje de Madrid, con el objetivo de dar cabida en su programación a uno o varios de los montajes programados.

En cuanto a los espectáculos seleccionados, desde Barcelona llegará la compañía Mov i Menst para representar Lady, Frank & Stein, una pieza de teatro gestual, clown, danza y manipulación de objetos. Rosa Forteza interpreta a Lady, la mujer de Frank que está muerta. Alejandro Navarro es Frank, el Doctor Frank que la va a resucitar. Núria Valerio, por su parte, dará vida a Stein, la ayudante que nadie querría tener. Todos ellos trabajan bajo la dirección de Xavi Estrada, en un montaje que cuenta con la música original de Cesc Muntané y la escenografía de Felip Forteza.

La compañía sevillana Salamandra pre38

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No exit ©Andi Bancic

sentará el espectáculo de teatro gestual Amor, en el que los personajes buscan respuestas a la pregunta “¿Qué es para ti el amor?”. Así, se plantea el amor no como algo absoluto, sino como un recorrido. “La comunión entre Teatro de Gesto y Teatro Social es uno de los pilares de esta obra, donde las metáforas físicas tienen el reto de comunicar profundas reflexiones sociales”, afirman. La dirección artística y la interpretación de la obra son de Patricia Trujillo y Piermario Salerno.

Jeito producciones llevará a escena Anónimas, espectáculo que combina música y teatro en un espacio en blanco y negro.

Julia Varley es la dramaturga y directora de esta obra en la que se presentan a tres hermanas (una actriz, una guitarrista y una muñeca) en una habitación con suelo de ajedrez, y se cuentan las historias de sus abuelas y de sus madres, mujeres queridas pero “anónimas”.

Janusz Stolarski (director y actor), Tomasz Jarosz (proyecciones) y Patrik Lichota (compositor y músico) son los tres creadores de Orfeo y Eurídice, monodrama inspirado en el poema con mismo título que Czeslaw Milosz

creó después de la muerte de su segunda esposa Carol. “Sirviéndose del lenguaje propio de la poesía, lenguaje metafórico, narración incompleta, elipsis, los artistas quieren despertar la imaginación de los espectadores y provocarlos para hacerles sus propias preguntas y para que a la vez estos respondan sus propias respuestas”.

Nataliya Andrukhnenko es la directora de No exit, quien también trabaja como intérprete junto a Carlos Alcalá y David Ventosa. La historia muestra a tres personajes que se encuentran en el infierno.

Esperaban ser torturados, pero pronto descubren que no habrá ningún torturador y que están ahí para atormentarse entre ellos y descubrir su verdad. “La puerta se abre pero ninguno decide salir, entonces se dan cuenta de que no pueden vivir los unos sin los otros. Están condenados a escuchar los pensamientos del otro y a vivir en su mirada eternamente”.

Por último, la Compañía Laboratorio Teatro de Jessica Walker ofrecerá Altazor, un espectáculo inspirado en un poemario en siete cantos del chileno Vicente Huidobro.

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El magma de la danza en circuitos y festivales

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l circuito ‘Danza a Escena’ es un programa que tiene como objetivo el impuso de la danza está promovido por el INAEM y es desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública en colaboración con la Federación E española de Compañías y empresas de Danza. La sexta edición de ‘Danza en Escena’ comenzó el mes de septiembre y concluirá a final de año con la participación de dieciocho compañías que ofrecerán un centenar de funciones en treinta y siete espacios escénicos de once Comunidades Autónomas.

Propuestas contemporáneas, flamenco, danza neoclásica y montajes dirigidos al público infantil y familiar conforman la oferta de este circuito que durante sus cinco ediciones precedentes han disfrutados de sus propuestas más de cien mil espectadores.

La danza contemporánea es la gran protagonista de esta edición. La compañía liderada por Teresa Navarrete pondrá en escena Salón Otto, una pieza inspirada en la obra de la fotógrafa checa Jitka Hanzlová. La compañía capitaneada por el coreógrafo de origen israelí Sharon Fridman presenta una creación de danza ‘contact’ Free fall/ Caída libre, Roser López Espinosa hará lo propio con Lowland al igual que Proyecto Titoyaya con La metamorfosis, una coreografía creada por Gustavo Ramírez y Hurycan con Je te haime. La presente edición también incluye dos espectáculos unipersonales Episodios Temporada 25 de 10 & 10 Danza y el solo One-hit wonders de Sol Picó. Dantzaz viaja por diversos puntos del Estado para presentar Flash!

Cienfuegos danza ofrece su particular

One-hit wonders de Sol Picó

visión de dos de los ballets rusos más significativos en 15 años Cienfuegos Danza y el flamenco llega de la mano de dos creadores: Spin Off Danza con Persona y De una pieza de la coreógrafa Olga Pericet.

Los nuevos lenguajes coreográficos urbanos tienen su lugar con Street Dance de Kulbik Dance Company al igual que la danza integrada de la mano del espectáculo Todo me dice algo de Danza Mobile. La artista francesa Claire Ducreux pondrá en escena una propuesta que aúna la danza y el teatro visual en Réfugiée Poétique.

El público familiar también podrá disfrutar con tres espectáculos. La compañía Zig Zag presenta Aupapá, Au Ments pondrá en escena Malasombra, una pieza que transforma el cuerpo a través de la luz y las sombras y Thomas Noone ofrece una particular visión de la obra de Carroll con Alicia.

El Festival Madrid en Danza celebra su trigésima edición del 13 de noviembre al 5 de diciembre con una programación en la que participan 18 compañías llegadas desde diversos puntos del Estado español y de Alemania, Francia, Estados Unidos y Japón. Además esta nueva edición de cuya dirección artística se ha encargado la bailarina y creadora Aída Gómez acogerá seis estrenos absolutos como el de Teresa Nieto en Compañía que presenta por vez primera ante el público el espectáculo Las 4 estaciones. También estrenan en el festival Pablo Esbert Lilienfeld y Federico Vladimir Strate Pezdirc, en este caso Introducing the Star una propuesta de danza, una película y un álbum de música. La Compañía de Patria Ruz presenta un espectáculo de danza teatro titulado Animales de compañía y estreno es también la pieza de danza neoclásica Memorias de Elephant in the black box Cpny al igual que Eran casi las dos de Compañía Carmen Fumero y Venere de Cía Daniel Abreu ambas piezas de danza contemporánea.

Entre las compañías extranjeras destaca la presencia de las francesas Ballet du Nord que pondrá en escena Tragédie, coreografía de Olivier Dubois y Compagnie Peter Agardi que llega con dos piezas Ecdysis y Racines. La compañía germano-japonesa Yui Kawaguchi & Yoshimasa Ishibashi presenta una instalación coreográfica multimedia, MatchAtria y la alemana Dresden Fankfurt Dance Company The Primate Trilogy del coreógrafo Jacopo Godani. Desde Japón llega Organworks con Tsura de Shintaro Hirahara y desde EE.UU. Kyle Abraham/Abraham.

In.Motion con Pavement.

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15 noviembre diciembre III Festival Iberoamericano de Teatro para niños y

niñas - Zaragoza

Poesía visual que toma vida a través de objetos y marionetas

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eatro Arbolé organiza la tercera edición del Festival Iberoamericano de Teatro para niños y niñas que tendrá lugar en el propio Teatro Arbolé del 4 al 13 de diciembre. 17 representaciones de teatro de 9 compañías conforman esta edición en la que también habrá lugar para la formación con el taller dirigido a maestras y maestros denominado ‘Los títeres en la escuela’ y que impartirá del 5 al 11 Kike Di Mauro, de la compañía argentina Teatro El Telón.

De Piratas y marineros es la obra que pondrá en escena la formación argentina, un desfile de personajes muy peculiares que protagonizan pequeñas historias que utilizan los elementos más característicos del teatro de títeres. Desde México llega Teatro al Hombro con El doctor improvisado, adaptación libre sobre el clásico ‘Macario’ de B. Traven en una divertida versión interpretada por títeres. Los muñecos son los protagonistas de El Zapatero y los duendes de la compañía colombiana Manicomio de muñecos, una historia sobre un zapatero anciano que a pesar de trabajar duro no puede seguir adelante... hasta que reciba la ayuda de unos traviesos duendecillos.

Los títeres son también el lenguaje escénico utilizado por las compañías portuguesas. Marionetas do Por to pondrá en escena Pelos Cabelos una obra creada a partir de las ilustraciones creadas por João Vaz de Carvalho con el mismo nombre, un espectáculo habitado por personajes in-

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As minhas mais.... Marionetas de Teatro de Bonecos Trule

sólitos, de miradas ausentes y alucinados, donde el humor y el absurdo se funden para ofrecer una experiencia diferente.

Teatro de Bonecos Trule presenta As minhas mais.... Marionetas una antología que resumen los más de treinta años de investigación de las diversas técnicas de construcción y manipulación de títeres de Manuel Dias. Pura poesía visual en la que los títeres son movidos por la gracia infinita y los dedos mágicos del titiritero.

Desde Brasil, Teatro La Plaza presenta Revolución en la cocina un divertido juego entre sueño y realidad en la que los objetos de la cocina toman vida y acompañan en el quehacer diario a un singular cocinero.

José Antonio Por tillo viaja desde Va-

lencia con Biblioteca de cuerdas y nudos, su particular estructura circular de madera habitada por cientos de objetos llenos de polvo y poesía cotidiana en la que increíbles historias impregnan el ambiente. Y valenciana es también Teatre Bambalina que con Cubos hará participar al público asistente y lo llevará a imaginar mundos e historias mágicas de una forma lúdica y divertida. La compañía argentino-andaluza La Canela Teatro de Títeres pondrá en escena el único espectáculo para bebés.

Nanas del mundo, un viaje sonoro, visual y poético por nanas y canciones populares provenientes de diferentes culturas y lenguas en una creación dirigida expresamente a la primera infancia.

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De Otoño a Primavera El Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid celebra ya su 33ª edición, que prolongará su cartel hasta junio de 2016. Hasta el mes de diciembre, el festival acogerá tres nuevos montajes: La clausura del amor, con Bárbara Lennie e Israel Elejalde bajo las órdenes de Pascal Rambert; el estreno de la última creación de Pablo Remón, 40 años de paz; y Golem, coproducción de 1927 junto al Festival de Salzburgo, Théâtre de la Ville de París y Young Vic Theatre Londres.

Cielos del Infinito La octava edición del Festival de Artes Cielos del Infinito en la Patagonia tiene este año un especial enfoque en la educación. Hasta el 8 de noviembre las ciudades de Punta Arenas, Puerto Natales, Porvenir, Puerto Williams y Cerro Sombrero acogerán actividades como obras de artes escénicas de China, Brasil, Francia, España y Argentina, proyecciones de cine, un concierto musical, cátedras abiertas para la ciudadanía y talleres de formación artística para jóvenes y adultos.

El Més Petit de Tots Dirigido a un público de niños y niñas de 0 a 5 años, El 11º Festival El Més Petit de Tots tendrá lugar del 7 al 22 de noviembre en 10 ciudades y 13 teatros. En esta edición el festival coproduce Loo con la compañía PonWanikan ten Pie. Entre la programación está también el espectáculo Wanikan de los belgas Compagnie 4Hoog.

Desde el año pasado el festival se ha extendido también al País Vasco y se celebra bajo el nombre de “Txiki, Txiki, Txikia”. Este año crece y estará presente en ocho ciudades del territorio.

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Temporada Alta La 24ª edición del Festival Temporada Alta de Cataluña continúa con su extensa programación, que se alargará hasta el 8 de diciembre. Varios son los estrenos que se podrán ver en las semanas que restan, entre Conillet ellos: We need to talk (dirigida por Roger Bernat), La banda de la fi del món (Los corderos - Miss Q), Sota la ciutat (con texto y dirección de Llàtzer Garcia), Patetisme il·lustrat (bajo las órdenes de Carles Santos) y Conillet, a partir de “El conejito del tambor de Duracell” de Marta Galán Sala.

Mes de Danza Del 29 de octubre al 8 de noviembre, Mes de Danza, la Muestra Internacional de Danza Contemporánea de Sevilla, celebrará su vigésimo segunda edición con actividades en diferentes espacios de la ciudad. Este año, bajo el lema “Mes de Danza Danza para ti”, el festival estará dedicado de manera explícita al público.

El Premio Nacional de Danza Daniel Abreu estará presente en la programación, con sus trabajos Silencio y Vertebral, este último un encargo expreso de la Red de festivales A Cielo Abierto.

Festival de Santurtzi El 36 Festival de Teatro de Santurtzi se celebra del 23 de octubre al 28 de noviembre con una programación que reúne a veinte espectáculos. El Serantes Kultur Aretoa servirá de escenario para espectáculos como La sesión final de Freud (Fundación Unir), Macbeth (Companhia do Chapitô), Si la cosa funciona (Verteatro), Pinocchio (La Baldufa), Laboratorio inocencia (Krego-Martín Danza), Kreditua (Tanttaka Teatroa) o El crimen de la hermana Bel (Pavana Produccions).

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Gran oferta escénica en Bilbao para todos los gustos

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l proyecto teatral conjunto de Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol, Teatro de la Ciudad en coproducción con Teatro de la Abadía presenta sus tres montajes en el Teatro Arriaga de Bilbao. Medea (día 14) con versión y dirección de Andrés Lima parte de los textos clásicos de Séneca. Junto a Lima, Aintana Sánchez-Gijón, Laura Galán y Joana Gomila interpretan una obra que “mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores” explica su director.

Alfredo Sanzol se encarga de la versión y dirección del Edipo Rey de Sófocles, una propuesta en la que, en palabras de Sanzol, “Edipo descubre que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada”.

Miguel del Arco hace lo propio con otra obra de Sófocles, Antígona para recrear su particular visión de la historia de Antígona y Creonte y reflexionar sobre “cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fatales para su identidad y su progreso” explica Del Arco. Ambos montajes se pondrán en escena el día 15.

Tras su reciente estreno ArtedramaHuts Teatroa presenta Etxekoak (ver páginas 10 y 11 de este número) el día 18 mientras que del 26 al 29 el mismo escenario acoge el estreno en castellano de Páncreas. Concha Busto y el CDN coproducen con la colaboración de Tartean y Fernando Cayo esta obra escrita por Patxo Telleria que ya fue estrenada la temporada pasada en este mismo teatro en su versión en euskara y que llega ahora bajo la dirección de Juan Carlos Rubio e interpretada por Alfonso Lara, Fernando Cayo y Santiago Ramos.

Dentro de la oferta del programa 44

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La Fundición

Osos en el agua de Labuena Compañía

‘Cuartitos en el escenario’ está previsto el estreno los días 11 y 12 de Hermanas, una historia de misterio, de abusos y maltrato psicológico la película ‘Qué fue de Baby Jane’ como telón de fondo que dan vida las actrices Maite Agirre Justi Larrinaga, Olatz Gorrotxategi y cuya autoría y dirección firma Fer Montoya. En el mismo programa tendrá lugar el 1 de diciembre el unipersonal + Jon Koldo Vázquez. La programación de artes escénicas finaliza con la reposición de la zarzuela La corte del faraón producción propia del Teatro Arriaga dirigida por Emilio Sagi y estrenada en el propio teatro en 2012 y el estreno del montaje para público familiar Amour de Marie de Jongh - Tar tean (más información en la página 17 de este número).

La programación de la sala La Fundición comienza los días 13 y 14 de noviembre con el espectáculo Time leaps, una pieza de la coreógrafa italo-holandesa Gabriella Maiorino producido por IDEA – tanztheaterperformance, Südtiroler Tanzkooperative que reflexiona sobre el envejecimiento de las personas y explora la transformación de los cuerpos. El hecho de cambiar, de evolucionar y de reinventarse es el tema central de Osos en el agua montaje con un particular lenguaje teatral que los días 28 y 29 presentan Labuena Compañía dentro del Circuito Red de Salas Alternativas 2015. David Franch y Arantza López utilizan el texto, la danza, la performance, el vídeo y la música para hablar sobre un tema tan presente en nuestra actualidad.

Los días 11 y 12 de diciembre Juan José Morales ‘Tate’ presenta ROMEO (o Julieta dormida) montaje teatral unipersonal escrito, dirigido e interpretado por el propio Morales con el que trabaja “una temática muy poco visible en el teatro español: el VIH, su relación con el amor, con el sexo, con la idea de pareja, con la idea misma de vida y futuro” explica.

Esta propuesta escénica comienza con el último monólogo de la obra de Shakespeare en la que Romeo se encuentra en la tumba de Julieta y se apoya en ‘El Público’ de Federico García Lorca que dan paso a un texto completamente nuevo y biográfico.

Culmina la programación del 2015 el espectáculo de danza Silencio de Cía. Daniel Abreu. El coreógrafo y director vuelve a visitar la sala bilbaina los días 19 y 20 con esta pieza seleccionada para el Circuito Red de Salas Alternativas 2015. El montaje “discurre en la idea de que cualquier espacio vacío acabará llenándose. La vida no se afronta desde el vacío, sino desde la incapacidad para ver que siempre hay algo, que siempre llegará. El silencio es difícil encontrarlo, de igual manera que aunque uno cierre los párpados seguirá viendo, si no con el ojo, sí con la imaginación” explica Abreu.

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Kultur Leioa Correction es una coreografía “sobre la libertad, la reclusión la predeterminación y la capacidad para tomar decisiones, apasionarnos y creer en algo” explican desde la compañía checa VerTeDance Company & JiriHavelka, que se presenta el 6 de noviembre en Kultur Leioa.

El público adulto podrá disfrutar además del nuevo espectáculo dirigido por Ander Lipus, Etxekoak a cargo de Artedrama-Huts Teatroa (20 de noviembre) y con la versión que David Serrano ha realizado de la obra Lluvia constante de Keith Huff que protagonizan Sergio Peris Mencheta y Roberto Álamo (11 de diciembre). Kultur Leioa ha preparado una variada programación dirigida al público familiar para los dos últimos meses del año. En noviembre, día 8, La Baldufa llega con su premiado Pinocchio, una particular versión del original de Carlo Collodi interpretada por singulares títeres construidos con papel y madera. El 21 Imaginart presenta el espectáculo-instalación sensorial Planeta KA y al día siguiente, la compañía alemana Florschütz & Döhnert ofrecen con Rawums una viaje por el país de las maravillas de la gravedad. La recién estrenada versión que Gorakada ha realizado de Moby Dick deleitará a grandes y pequeños el 26 de diciembre y canciones infantiles de todos los tiempos recorren Kontu Kantari de Colectivo La Ressistens-Laenananaranja el 27. Burbujas de papel es un montaje muy visual de Múcab Dans-Bàcum (28), la música también protagoniza Gaueko entziklopedia koxkorra de 2princesesbarbudes y los títeres son los protagonistas de Pintto Pintto de Anita Maravillas (día 30).

Teatro Barakaldo Antzokia Una Gala Internacional de Magia presentada por Jorge Blass y en la que participan Carlos Adriano, Galilea, Raúl Alegría y Mago Sun es la encargada de inaugurar la programación de noviembre del Teatro Barakaldo el mismo día 1. El día 6 la compañía CienfuegosDanza pondrá en escena 15 años Cienfuegos Danza un espectáculo con el que celebran su quince aniversario y pone en escena su visión de dos de los ballets rusos más representativos, ‘La Consagración de la Primavera’ y ‘La Siesta del Fauno’ junto con la coreografía ‘Furtivo’ creada por Yoshua Cienfuegos para su último espectáculo, ‘Odeim’. Alfredo Sanzol es el autor y director de La calma mágica una coproducción de Tanttaka Teatroa y el CDN con la que se podrá disfrutar el día 7. Otra propuesta teatral, Desde Berlin, un homenaje a Lou Reed escrito por Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró con dirección de Andrés Lima y producción de Teatre Romea (15 de noviembre) será precedido por un montaje dirigido al público familiar y que se enmarca dentro del ciclo Titereszena, En forma de pera perfecta de la compañía noruega Konstellasjonen. La programación del mes de noviembre se completa con varias propuestas musicales y la instalación Planeta KA de Imaginart, en la que los más pequeños podrán desarrollar su creatividad mediante diversas experiencias sensoriales. Fer Montoya es el autor y director de Hermanas una obra de miedo que se pondrá en escena los días 12 y 13 de diciembre.

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Rico fin de año escénico en Donostia

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a oferta escénica de Donostia para los dos últimos meses del año destaca por el número de propuestas de danza que darán comienzo con Correction (5 de noviembre en Gazteszena), una pieza de danza contemporánea que habla sobre la libertad y su falta, la reclusión, la predeterminación y sobre nuestra capacidad para tomar decisiones, para apasionarnos y para creer en algo. La compañía checa Vertedance & Jiri Havelka & Clarinet Factory fue galardonada con el Dance Piece of the Year 2014 de su país por esta pieza. En el mismo espacio Lasala pondrá en escena dos piezas el día 21, Hooked (Still) y Lauesku, ambas en un lenguaje contemporáneo al igual que La Intrusa –Premio Nacional de Danza 2015– que el 19 de diciembre pondrá en escena su último espectáculo, una nueva coreografía de Virginia García y Damián Muñoz, Mud Gallery.

En el Teatro Victoria Eugenia la compañía lusa Vor tice Dance Company aborda la crisis de conciencia y la impotencia humana para la eliminación de las marcas indelebles de los excesos del pasado en Your majesties, Wellcome to the Anthropocene (14 de noviembre) y en diciembre, el día 3 y en la sala club del mismo teatro la danza integrada toma protagonismo con Gure gaitasuna espectáculo de Verdini Dantza Taldea que responde a la pregunta “¿dónde está la frontera entre la capacidad y la incapacidad?” escenario que acogerá a su vez los días 16 y 17 Atalak XXV de Dantzaz Konpainia.

Los grandes Ballets

En el Kursaal se podrá disfrutar como es habitual en estas fechas de espectáculos de danza clásica como El lago de los cisnes (7 de noviembre) de Petipá e Ivanov que pondrá en escena el Ballet Nacional de Cuba en una versión de Alicia Alonso que rescata la esencia del romanticismo y el clasicismo. El 20 de diciembre Saint Petersburg Ballet ofrecerá Cascanueces acrobático una fusión de danza clásica, magia y acrobacias sin renunciar al espíri46

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Your majesties, Wellcome to the Anthropocene de Vortice Dance Company

tu del clásico de Chaikovski y el 30 será el turno de un espectáculo de folklore ruso de la mano del Coro, Ballet y Orquesta del Ejército Ruso de San Petersburgo.

Bianco su bianco es un espectáculo teatral clownesco que presenta la compañía suiza Finzi Pasca el 8 de noviembre en el Teatro Victoria Eugenia; un montaje donde la estética se mide con el vértigo de la simpleza, un simpleza cargada de pequeñas sorpresas. El VIH y las relaciones de pareja son el tema central de Romeo (o Julieta dormida) una obra que parte del último monólogo de la tragedia de Shakespeare escrito, dirigido e interpretado por Juan José Morales “Tate” (10 de diciembre) que dará paso Diablillos rojos (día 26), una comedia sobre la soledad y la necesidad de amor protagonizada por Beatriz Carvajal.

El público adulto también tiene varias citas teatrales en otros escenarios de la ciudad como en Gastezsena con Etxekoak de Ar tedrama-Huts Teatroa (26-29 de noviembre) o Eskutitzak un espectáculo que integra cine y teatro de Izar Films&Itzel Antzerkia (12 y 13 de diciembre en Lugaritz K.E.), ambas en euskara. Y en el Teatro Principal/Antzoki Zaharra dos propuestas: un clásico de Tennesse Williams, El zoo de cristal en una adaptación de Eduardo Galán dirigida por Francisco Vidal en producción

de Secuencia 3 (28 de noviembre) y Gila, Gran Reserva (4 y 5 de diciembre), unipersonal de Pepe Garamandy que ha adaptado para teatro relatos seleccionados de los libros del conocido humorista.

En el mismo escenario se podrá disfrutar también los días 11 y 12 de diciembre con Una comedia española de Yasmina Reza a cargo de Teatro Estudio de San Sebastián que también pondrá en escena días antes, el 21 y 22 de noviembre y en Lugaritz K.E. Ensayo para siete.

Teatro familiar

El público infantil y familiar tiene una agenda repleta de para los dos últimos meses del año. Recién estrenado llega a Donostia el espectáculo Moby Dick de Gorakada que se podrá ver el 7 de noviembre y el 29 de diciembre en Gazteszena y Lugaritz K. E. respectivamente espacio en el que también podrán disfrutar de otro espectáculo estrenado hace pocas semanas, Pintto Pintto de Anita Maravillas.

Entre la gran cantidad de espectáculos programados para el público familiar destacan además Tren geltokia de Zirika Zirkus, Magia lapurra de Txalo Produkzioak, Txanogorritxo de Glu Glu Producciones o Gaueko entziklopedia koxkorra de 2princesesbarbudes entre otras.

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Todas las recetas para cocinar en Murcia las artes escénicas

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y varias marionetas para dar vida omo una “creación coleca la fábula Juan sin miedo y cotiva de Gastronomiaescénocido es también el cuento munica, en base a la comida, sical del que parte Títeres Etcéla celebración del día de tera en El sastrecillo valiente de muertos y el cruce de dos tielos hermanos Grimm (15 de norras” se presenta Cuando todos pensaban que habíamos desviembre). Esta propuesta creada aparecido el espectáculo de los por el compositor Tibor Hansanyi mexicanos Vaca 35 encargado de llega en versión de la compañía dar comienzo a la programación realizada con objetos propios de escénica para adultos de nola sastrería de un teatro y acomviembre (día 4) del Teatro Circo pañada por la música en directo Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido de Vaca 35 ©Mart E. Berenger Murcia. Desde Berlín, tributo a de la Orquesta Sinfónica de la Lou Reed (13) es una historia de Región de Murcia. amor, “como lo es la obra de Lou Reed” Tato llevada a escena por Ron Lalá, Galo Xebas y Cocó son dos payasos con más Films, Seda Producciones y Emilia Yagüe escrita por Juan Villoro, Juan Cabestany y ilusión que éxito que han decidido contar Producciones.

Pau Miró y dirigida por Andrés Lima con con un gorila “de carne y hueso” para su Para el día 10 de diciembre está proproducción de Teatre Romea. Mario Gas es próximo espectáculo. Así comienza Kibubu el autor y director de Sócrates (día 20) (22 de noviembre) de Marie de Jongh, una gramada 1940: un aviso desde el cielo una coproducción del Teatre Romea y el una obra que narra las últimas clases de obra para público familiar escrita y dirigiFestival Grec una obra que pone sobre el teatro impartidas por Louis Jouvet en el da por Jokin Oregi en la que las cosas nos escenario el juicio al gran filósofo atenienParís ocupado por los nazis escrita y dison siempre como parecen. Con la llegada se interpretado por Josep María Pou. Le rigida por Carlos Roi y de la mano de El de Chef Mostachó el día 29, niñas y niños pájaro subterráneo. podrán practicar sus habilidades culinarias sigue la conocida Ninette y un Señor de Murcia de Miguel Mihura, una coproducAdemás dos propuestas teatrales deny aprender con este singular cocinero y su ción de La Ruta Teatro y el TCM dirigida tro del ciclo Microscena para el día 18 de ayudante Pintxo al igual que podrán disfrupor César Oliva (días 26, 27 y 28). noviembre: Tu eres distinto y Crímenes tar los jóvenes y no tan jóvenes de la magia ejemplares, ambas con diversos pases Nacho Vilar Producciones estrena el 3 más divertida con Lari Poppins, el último cada 30 minutos y un espectáculos de espectáculo de Mag Lari en el que la Made diciembre Curriculum Inmaculata, una gia, la música y sobre todo el humor son los flamenco, el 12 de noviembre, Flamenco obra de Juan Montoro Lara sobre dos mude vino y rosas del Ballet Español de Murprincipales ingredientes (7 de noviembre). jeres que se conocen tras una mala nocia bajo la dirección de Carmen y Matilde El Teatro Circo Murcia dará por finache y... una comedia interpretada por Susi Rubio y con un elenco de 17 bailarines y lizado este año con un musical en 3D Espín y Rocío Bernal bajo la dirección de Sherlock Holmes y el cuadro mágico, una ocho músicos en directo. Y como colofón, Jorge Fullana. Yayo Cáceres dirige Ojos de agua (día 5), un monólogo basado en La Angel Martín y Ricardo Castella presentan divertida propuesta de Trencadís Produccions protagonizada por el famoso Celestina de Fernando de Rojas en la que el 11 de diciembre Love pain love.

Anem Anant Teatre sube a los escenainvestigador y su acompañante (26 y el la conocida alcahueta revive en la piel de rios el 1 de noviembre a tres comediantes 30 de diciembre).

Charo López. Una dramaturgia de Álvaro

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M orfeo Teatro

Morfeo Teatro continúa con la gira con La escuela de los vicios, espectáculo que durante el mes de noviembre pondrá en escena en Aranjuez, el día 6, y en A Coruña, Castrillón (León) y Langreo (Asturias) los días 13, 14 y 15 respectivamente para finalizar el año el 3 de diciembre en Badajoz. Este controvertido montaje de Morfeo Teatro esta basado en las sátiras y discursos políticos de Francisco de Quevedo. Estrenada en febrero de 2014, el espectáculo pone en escena una historia en la que se refleja como gobiernan el mundo está gobernado por golfos desde casi el comienzo de los tiempos. Los textos de Quevedo, que en su momento lograron gran éxito y polémica están en esta época en plena actualidad. Sobre el escenario dos necios cautivados por un extravagante diablo y su “escuela de los vicios” en las que podrán optar a titulaciones como bachiller de mentir, licenciado en engañar, doctor en robar o catedrático en medrar.

Morfeo Teatro llevará a escena además los días 21 y 28 de noviembre en Torrevieja y El Palmar respectivamente otra obra de Quevedo, El Buscón espectáculo que tras el estreno hace diez años en el Festival de Teatro Clásico de Almagro realizó más de doscientas funciones y que la compañía ha re-estrenado en febrero de este año para viajar después a varios festivales de América. Escrita y dirigida por Francisco Negro, quien también se encarga de su interpretación junto a Mayte Bona, esta obra narra las andanzas de un personaje único, el buscón Pablos que finge estar enfermo en una fonda de principios del XVII con el único fin de no pagar sus deudas a una desconcertada posadera. Por último, cabe destacar a su vez que el próximo mes de enero Morfeo Teatro tiene previsto el estreno de un nuevo espectáculo, El retablo de las maravillas de Cervantes.

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Matarile Teatro

Tras el estreno el pasado mes de octubre de su último espectáculo, El cuello de la jirafa en el marco del FITO Festival Internacional de Teatro Ourense, Matarile Teatro comenzará la gira del mismo a principios del año próximo pero durante los meses de noviembre y diciembre girará con sus creaciones anteriores, Hombres visagra y Teatro invisible.

Estrenada en la edición 2014 de FITO, ‘Hombres visagra’ es una propuesta escénica híbrida nacida de una idea de Baltasar Patiño –encargado de la dirección del montaje junto con Ana Vallés–. Cuatro hombre sobre el escenario, en un espacio cambiante transformado continuamente a través de la sonoridad y las atmósferas de luz que van transformado continuamente por la mezcla entre lo que se ve y lo que se escucha, entre lo que se muestra y lo que es evocado. La cita, el 14 de noviembre en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña.

El espectáculo ‘Teatro invisible’ fue estrenado en el Festival Alt das Artes Escénicas de Vigo en marzo de 2014. La idea del mismo surgió tras el encuentro de la directora de la compañía, Ana Vallés, con alumnos de dirección de la ESAD de Vigo. El encuentro tenía como fin analizar las formas teatrales de Matarile, un encuentro que se concretó en una conferencia de apariencia teatral que dio lugar a un coloquio.

A partir de esta experiencia Vallés desarrolló este montaje donde se muestran las principales claves del teatro de la propia Ana Vallés y de Matarile. La gira de este espectáculo llevará a Matarile a la Sala Central Lechera de Cádiz el 21 de noviembre para viajar después a la Muestra Internacional de Teatro Contemporáneo de Santander donde presentarán la obra los días 26, 27 y 28. En diciembre se podrá disfrutar con esta singular propuesta el 12 de diciembre en la Universidad de León.

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15 noviembre diciembre X Xornadas de Teatro (FEGATEA)

Perspectiva de la Federación Galega de Teatro Afeccionado

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oaña, un municipio de la provincia de Pontevedra, acogió entre el 25, 26 y 27 de septiembre a gentes del teatro amateur de Castilla y León, el Miño portugués y Galicia para participar en las jornadas que cada año organiza la Federación Galega de Teatro Afeccionado y que, ya desde hace varios años, cuenta con la participación de integrantes de la Plataforma Transfronteriza de Teatro Amateur (PLATTA). Las jornadas, que en esta ocasión alcanzaban su décima edición, tenían además como referencia el décimo quinto aniversario de la federación gallega.

En este marco se desenvolvió también el Festival “Móvete nas jornadas” que contó con cinco funciones de teatro de tres grupos gallegos, un salmantino y otro de Vila Nova da Cerveira (Portugal). En la organización de estos actos participaron la propia FEGATEA y los grupos moañeses asociados a ella de la Asociación de Mulleres de Moaña y Teatro Aurin, contando con la colaboración del Concello de Moaña y con el apoyo de la Consellería de Cultura, Educación e Ordenación Universitaria de la Xunta de Galicia.

Como sus páginas en la web nos informan (fegatea.blogspot.com.es) la FEGATEA fue creada en 2000 por siete grupos de teatro amateur de diferentes puntos de Galicia. En 2002 contaban ya con su propio festival, el “Agustín Magán”, que desde entonces constituye una cita ineludible en Santiago de Compostela cada mes de diciembre. La federación fue asentándose poco a poco, consolidando una labor y una presencia entre las administraciones y en los foros teatrales, de información y de debate que la hicieron experimentar una 50

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progresión sin parangón entre las federaciones que por entonces componían la CETA (Confederación Española de Teatro Amateur) que tuvo su puesta de largo en noviembre de 2005 con la organización del Encontro Estatal de Teatro Afeccionado que se celebró en Narón (A Coruña).

Desde sus inicios se trabajó en la consecución de un circuito de exhibición estable, la creación de nuevos festivales en diferentes ciudades e villas, la programación de cursos de formación y la organización de jornadas y congresos que propiciasen la toma de acuerdos y la colaboración con otras organizaciones teatrales de dentro y fuera de Galicia. Fruto de estos esfuerzos ponen a andar cursos de teatro, que en estos últimos años han sido en colaboración con la ESAD de Galicia, en los que los asociados tienen una acogida preferente; crean los Fegatea Móvete, unas pequeñas muestras de teatro que organizan los propios grupos asociados y se celebran en varios concejos de las cuatro provincias; programan (en colaboración la Dirección Xeral de Cultura de la Xunta de Galicia) Ciclos anuales de teatro y más tarde se añaden a estos los Circuitos; desde diciembre de 2006 se celebran las Xornadas de Tea-

tro de la FEGATEA; en 2010 instaura el premio bianual Fegatea a la labor teatral y finalmente, fruto de su decidido labor de alcanzar acuerdos y colaborar en actividades con otras federaciones y colectivos, en 2012 crea, conjuntamente con Comédias do Minho (www.comediasdominho. com), la Federación de Grupos Aficionados de Teatro de Castilla y León (www. teatroaficionado.es) y la Revista Gallega de Teatro (www.revistagalegateatro. com), la Plataforma Transfronteriza de Teatro Aficionado (platta-teatrotransfronterizo.blogspot.com). Esta iniciativa, tan singular como prometedora, tuvo su génesis en las jornadas que en agosto la federación gallega había organizado en la localidad fronteriza de Salvaterra do Miño (Pontevedra). Un año después, en el mismo lugar, José Luís Ramos (por entonces presidente de la federación castellano y leonesa), João Pedro Vaz (director de Comédias do Minho), Chelo Pampillón (presidenta de la FEGATEA) y Pedro P. Riobó (en representación de la RGT) firmaron el acuerdo que propició así una serie de actividades en las tres comunidades y que en el caso gallego se concretan en la participación de grupos miñotos y castellano-leoneses en los Fegatea Móvete, las jornadas y en los cursos de formación, así como la participación de todos ellos en las lecturas dramatizadas que promueve la Revista Gallega de Teatro. La PLATTA, sin embargo, carece de los apoyos de la Comunidad Europea ni del Ministerio de Cultura a causa de unas normativas tan absurdas como ciegas a la diversidad y el emprendimiento cultural, de forma que son los mismos asociados los que han de

noviembre diciembre sufragar las actividades con sus propios recursos.

La trayectoria de la federación gallega, sin embargo, tuvo su reconocimiento en 2012 con el premio Tablas de la Federació de Teatro Amateur de la Comunitat Valenciana. En la actualidad la FEGATEA cuenta con más de cincuenta grupos federados.

Volviendo a las décimas jornadas, el programa de actuaciones se realizó en el Centro Cultural Daniel Castelao. El viernes 18, el grupo Falcatrueiros, de Monterroso (Lugo) presentó “Clowvento” y el sábado 19 fue el turno de A Fiestra, de A Coruña, que representó “O anel máxico”.

Al fin de semana siguiente, el viernes 25, prólogo de las jornadas, el grupo portugués Outra Cena, conjuntamente con la Coral Polifónica de Vila Nova da Cerveira, puso en escena “Primarcka” y el sábado 26 se celebró la gala del XV aniversario, en la que fueron reconocidos los grupos que llevan diez o más años en la FEGATEA. La ceremonia, que contó con la presencia del Secretario Xeral de Cultura da Xunta de Galicia, Anxo Quintana y de autoridades locales, fue introducida por Chelo Pampillón que repasó la trayectoria de la federación. Antes el grupo salmantino Esfinge Teatro escenificó “El verbo amar”. Finalmente, el domingo 27 el grupo vigués Atrezo cautivó a los más pequeños con “A verdadeira historia da Carapuchiña”.

En la programación de las jornadas, propiamente dichas, se desenvolvieron dos mesas de trabajo, además de la de carácter interno dedicada a la renovación de

los estatutos de la federación gallega y a la redacción de un reglamento de régimen interno. Bajo el lema de “O teatro galego, un labor en común”, que contó con la presencia de Roberto Pascual, como director

de la Muestra Internacional de Ribadavia y del director de la RGT, Antón Lamapereira, se puso de relieve el momento crítico que está atravesando el teatro gallego y las expectativas que se abren para asentar las bases de una nueva construcción, en la que se hizo patente el destacado papel que tendrá que desempeñar un proyecto de ley sobre las artes escénicas consensuado por todos los sectores de la escena gallega. En ese sentido, se trató sobre el lugar que el teatro aficionado debe tener en esa labor y de cual debe ser la participación de la FEGATEA en dicho proceso.

El domingo 27, se reunió la VII Mesa de trabajo da PLATTA que abordó de manera particular el tema de una mayor agilidad en la reserva de plazas para los socios de la PLATTA en las actividades de formación

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que cada parte organice en su ámbito geográfico y, además, elaboró el plan de encuentros para el próximo año que contará con tres hitos principales: un festival en Castilla ye León en febrero, el FITAVALE en el Miño portugués en mayo y las Xornadas da FEGATEA en septiembre.

Todos estos encuentros contarán con la participación de grupos de las tres agrupaciones así como de la preparación de lecturas dramatizadas en las tres lenguas.

Las jornadas acogieron en esta ocasión la preparación de cuatro lecturas de textos cuya dramatización tuvo lugar en la sede de la Asociación de Mulleres de Moaña el domingo por la tarde. Doro Piñeiro (director del grupo Escoitade, de Vigo) condujo a actrices castellanas en la lectura de algunos textos relacionados con la mujer de la obra “Micropezas” (VV.AA.), editada en la RGT 76. Rui Mendoça y Silvia Barbosa (Comédias do Minho) dirigieron a actores y actrices gallegas en “Grupo de vangarda”, de Vicente Sanches. Finalmente, J.A. Jiménez (director de Lagasca, de Ávila) se ocupó de las actrices portuguesas en la lectura de “Tiempos modernos”, de Alejandro Licona.

Todas y todos los participantes en la actividad convinieron en resaltar las dificultades de trabajar en una lengua ajena y el gran enriquecimiento que esto supone así como el de trabajar con un director o directora diferente.

Y, emplazándose para el próximo encuentro en febrero del 2016 en Castilla y León, concluyeron estas jornadas, las décimas de la FEGATEA y las séptimas que acogen la mesa de la PLATTA.

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15 noviembre diciembre Noticias y Convocatorias MÓSTOLES ACOGE EXPOSICIÓN ESCENAMATEUR El Museo de la Ciudad de Móstoles acoge la exposición de fotografías y carteles premiados en los Premios Escenamateur de artes escénicas amateurLa exposición recoge las obras que resultaron seleccionadas y premiadas en la categoría Menciones especiales de fotografía y cartel de los Premios Nacionales de artes escénicas Amateur ESCENAMATEUR que esta Confederación convoca cada año.

La presentación de esta exposición coincide con la celebración en Móstoles de dos importantes encuentros: el del Consejo ejecutivo del CIFTA (Consejo Internacional de Federaciones de Teatro Amateur) y la de constitución del nuevo Centro Nacional de AITA/IATA España (Asociación Internacional de Teatro Amateur) PREMIO EN MADRID A ESCENA DE SAN BLAS-CANILLEJAS El grupo UGTeatro ha sido el ganador del 1º Premio del Certamen Nacional de Teatro Amateur ´Madrid a Escena´, de San BlasCanillejas, con la obra ´Juegos Prohibidos´, obteniendo además el premio a la mejor dirección (Jorge Fullana), mejor Vestuario y mejor actor principal (Antonio Ortín). Por su parte el grupo LaTEAdeTRO recibió el 2º Premio así como el premio al Mejor Actor de Reparto para Alberto Fernandez Villa y a la Mejor Actriz de Reparto para Marta García Rubio concedidos en San BlasCanillejas “A Escena” .

CATA SE REÚNE CON PARLAMENTARIOS ANDALUCES LA Coordinadora Andaluza de Teatro Aficionado, que agrupa a un total de 74 grupos de teatro de toda Andalucía, ha mantenido varios encuentros en el parlamento de Andalucía con representaciones de los grupos parlamentarios de Podemos, Ciudadanos, Socialistas y Popular, con el fin de trasladarles las necesidades del teatro aficionado de Andalucía, sus propuestas e iniciativas entre las que destacan: Plan de Teatro Andaluz, orden de subvenciones específicas, financiación y espacios para celebrara una Muestra Anual Andaluza de Teatro Amateur, posibilidad de que Canal Sur 2 abra un espacio semanal, posibilidad de colaboración de los grupos aficionados en campañas de concienciación social, financiación de circuitos e intercambios de grupos de teatro amateur con otras comunidades autónomas.

BIBLIOTECA VIRTUAL La biblioteca virtual es un servicio exclusivo para socios de ESCENAMATEUR, que pone a disposición de los asociados su fondo de textos teatrales. Los autores suben a este espacio virtual sus textos, cediendo sus derechos de autor por un tiempo determinado a los grupos de escenamateur que así lo soliciten.

Desde este espacio podrá conocer los títulos que componen nuestra biblioteca y consultar una ficha detallada de cada obra.

Mediante el buscador podrá elegir las características de la obra que desea consultar y entrar en su ficha, una vez en ella nos puede solicitar el texto para su utilización. ESCENAMATEUR dispone en su sede de libros cedidos por el Centro de Documentación del INAEM - Ministerio de Cultura, la SGAE y otras instituciones públicas y privadas. Son publicaciones de carácter variado que tratan sobre el mundo del teatro en general: obras de teatro de todas la épocas, novelas, historia del teatro, anuarios, etc.

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15 noviembre diciembre Seat Advisor - sistema de venta de entradas

Conoce a tu público y comunícate de forma directa

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eat Advisor es uno de los principales sistemas de ticketing europeos con más de 3 millones de entradas y 550 recintos. La compañía acaba de aterrizar en España, donde ya cuentan con varios clientes, entre los cuales están el Teatro Alfil de Madrid, el Ayuntamiento de Colmenar Viejo, el Ayuntamiento de Soria y el Teatro Alameda de Málaga.

“Nuestro sistema está en la nube por lo que no necesita instalación previa y se integra perfectamente para que el usuario nunca tenga la sensación de sentirse abandonado, ya que estará en todo momento dentro del marco de la página web”. Según explican, esto permite crear una relación mucho más fuerte entre el teatro y el usuario y es el punto de partida para incrementar las ventas y captar más datos llegando a fidelizar al público. mejor marketing

Seat Advisor da la oportunidad de “conocer a tu público y comunicarte con él de forma personalizada y directa”. Esto 54

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se consigue gracias a una herramienta de CRM (sistemas informáticos de apoyo a la gestión de las relaciones con los clientes, a la venta y al marketing). Otra de las ventajas que ofrece el sistema es el poder integrarse con las redes sociales y hacer campañas de email marketing. Con Seat Advisor se pueden crear abonos (fijos y/o con asiento asignado) y tarjetas de socios/amigos del teatro, además de preparar promociones y ofertas, vender merchandising o personalizar las entradas de taquilla, las de Print-atHome y los planos de butacas. Otros aspectos incluyen el poder automatizar informes y recomendar eventos durante el proceso de compra. Según explican, “puedes vender para más recintos con diferentes actividades aprovechándote de una única base de datos para hacer segmentaciones, análisis de comportamiento e email marketing.

Además el sistema de ventas de entradas es tuyo por lo que cuentas con tu propia base de datos.”

Con sede central en San Diego (California), sus productos de impresión y de venta de entradas están en uso por todo

el mundo, incluyendo Estados Unidos, Australia, Europa, Canadá, Singapur, Malasia, México y el Caribe. SABO es el acrónimo de su software basado en la nube (SeatAdvisor Box Office), que está diseñado para equipar a los recintos con las herramientas y recursos necesarios para gestionar su propia venta de entradas. SABO también está diseñado para reducir el costo de las operaciones y mejorar la productividad.

Por otro lado, MapCrawler, que se utiliza internamente para crear planos de butacas interactivos, genera automáticamente la ubicación del asiento, los planos y con un clic de ratón permite al usuario obtener vistas desde el asiento hacia el escenario así como la disponibilidad de localidades en tiempo real. “La tecnología SeatAdvisor permite al comprador o al vendedor de entradas reservar y comprar o vender entradas directamente gracias a estos planos de butacas interactivos.”

Entre los clientes internacionales de Seat Advisor se encuentran The Royal Hall (Harrogate, Inglaterra) o la Royal Opera House (Mascate, Omán).

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15 noviembre diciembre Josu Montero

Luz negra

El monstruo en su laberinto

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parezca o consiga disimularlo, se nos va revelando la matriarca, Violet. gosto” fue estrenada en Chicago en 2007 por la Compañía SteSeñalaba antes que el patriarca, Beverly, aparece sólo en el breve Próppen Wolf, de la que es miembro el autor de la obra, Tracy Letts. logo de la obra, cuando contrata a Jhonna, la criada, pero parece más bien Ese mismo año se llevó a Broadway, donde estuvo en cartel hablar consigo mismo, un tanto afectado por el alcohol, del que es por lo visto hasta 2009. Entre otros premios, la obra recibió los prestigioasiduo. Poeta frustrado él mismo, habla de poetas; de Eliot, del admirable sos Pulitzer y Tony, ambos en 2008. A España llegó en diciembre de 2011: El sentido de la supervivencia de Eliot, que le llevó a internar en el psiquiátrico CDN la estrenó en el Valle-Inclán con dirección de Gerardo Vera y versión del a su mujer Viv. Frente a un problema semejante, otros poetas poeta Luis García Montero; en el exitoso montaje participaron -suicidas-,como Hart Crane o John Berryman, habrían reacactrices como Amparo Baró, Carmen Machi, Clara Sanchís cionado saliendo corriendo en busca del puente más cercano. o Alicia Borrachero. Ya en 2014 se estrenó la versión cine“Admiro mucho a Eliot -concluye- pero tengo poco que ver matográfica del drama, con actores como Meryl Streep, Julia con él. Siento más simpatía por quienes están condenados a Roberts, Juliette Lewis, Ewan McGregor o el mismísimo Sam sufrir. Berryman lo dejó claro: “El mundo se ha convertido en Sheppard en el brevísimo papel del patriarca de la familia un lugar en el que ya no me apetece vivir”. No tardaremos Weston, que sólo aparece en el Prólogo de la obra y cuyo en descubrir que está contándonos su decisión de suicidarse, fallecimiento desata la acción. ya que al igual que esos poetas, él tampoco ha sabido finalEsta es una obra de mujeres: las Weston: la matriarca mente negociar con su sentimiento de culpa, ni siquiera con Violet; las hijas -hermanas-, Bárbara, Ivy y Karen; y la hermala ayuda del alcohol. Al final de ese Prólogo aparece una cona de Violet, Mattie Fae. Aparecen también: el marido de Bárlocada Violet: tiene cancer de boca y completa la medicación bara, Bill, y la hija adolescente de ambos, Jean; el marido de correspondiente con un buen número de pastillas extras.

Mattie Fae, Charlie, y su hijo, Pichu; el prometido de Karen, AGOSTO En el primer acto comprobamos que Beverly lleva varios Steve; y en papeles menores, pero menos de lo que parece, TRACY LETTS días desaparecido; a Violet le acompañan su hija Ivy -la única la sirvienta india, Johnna, y el jefe de policía y viejo amigo de Puntodelectura que sigue viviendo en el pueblo-, su hermana Mattie Fae y el la familia, Deon Gilbeau. Tracy Letts sitúa la acción en agosto marido de ésta, Charlie. Llegan también la hija mayor, Bárde 2007 en una casa de campo del Condado de Osage, en bara -la más fuerte de las tres-, con su marido Bill y su hija Pawhuska, Oklahoma. Dado que el autor nació en Oklahoma adolescente Jean. Violet se va mostrando poco a poco en toda su adicción, en 1965 no es difícil suponer cierta cercanía afectiva y vital con sus personay surgen los primeros enfrentamientos con Bárbara, así como hebras de un jes, con lo que cuenta y con el tórrido y enloquecedor mes. pasado doloroso. Acaba este primer acto con la llegada del jefe de policía Algún crítico americano afirmó que “Agosto” es lo que O´Neill habría que anuncia la aparición del cadáver del patriarca, ahogado. “Gracias a Dios escrito hoy en día; sin embargo en la obra resuenan también otros dramaque no podemos adivinar el futuro. Si nos dijesen lo que iba a pasar, no turgos. Sin duda Chejov: en esa estructura tan coral y en esa casa de campo nos levantaríamos nunca de la cama”, afirma Bárbara. La aparición final de en que se desarrolla la obra,un chejov especialmente acelerado, eso sí. Y una Violet absolutamente colocada es de antología. En los otros dos actos y sobre todo Strindberg: hay de hecho algunas referencias en el tramo final de con la progresiva llegada del resto de los personajes tras el funeral del pa“Agosto” a “La más fuerte”; y en esa matriarca que se nos va revelando sin triarca, los conflictos cruzados se multiplican; el dramaturgo teje una red de tapujos en todo su egoísmo y toda su crueldad está sin duda esa madre de múltiples hilos: madres/hijos, maridos/esposas, hermanas/madre, hermana/ “El pelícano”, que devora a sus hijos. Decíamos que ésta es una obra de muhermana... El segundo acto se cierra con una cena familiar que poco a poco jeres, sobre todo en su faceta de madres. No sólo Violet no tiene demasiada se va desmadrando a causa sobre todo de una Violet progresivamente despiedad con sus tres hijas; tampoco Bárbara con la suya, Jean; ni Mattie Fae fasada y cínica que acaba con un enfrentamiento, incluso físico, entre ella y con su hijo Pichu. Hay momentos en que se ceban con ellos, más con los más su hija mayor, Bárbara, y la consiguiente redada colectiva de las pastillas de débiles, o en sus momentos más vulnerables. la matriarca. Tracy Letts se mueve estupendamente en ese tono patético, lo Una larga cita de “Todos los hombres del rey”, de Robert Penn Warren, tremendo y lo cruel rebajado con el humor. Los conflictos que van surgiendo abre la obra: “Existe una especie de codicia o avidez de la sangre y es cono los que afloran del pasado van tiñendo la obra de melodrama, pero la sustancial a la especie humana. Es lo que distingue al hombre del resto de agilidad y la gracia de los diálogos y los giros de las situaciones y de los los animales de la creación. Cuando nacemos, nuestros padres pierden algo equívocos, y esa mezcla de crueldad y de humor, conduce el drama hacia un de sí mismos, que somos, precisamente, nosotros, y se parten los cuernos final sorpresivo y desgarrador pero justo. El dramaturgo sabe graduar en el tratando de recuperarlo. Saben que no podrán lograrlo nunca del todo, pero tercer y último acto el progresivo y ambiguo desenmascaramiento de Violet, intentan recuperar la porción más grande que puedan de sus hijos”. Aunque que en su duelo final con Bárbara y en su confesión se muestra en todo su sea a costa de despedazarlos. egoísmo, en todo su rencor, en toda su crueldad, en todo su dolor, en su Ya desde el inicio define el autor la casa de campo como “laberíntica”. absoluta soledad. “¿Quién es ahora el más fuerte, eh, hijo de puta?”, le lanza Vemos en escena la planta baja, con sus tres estancias principales, el priViolet a su suicidado marido. “Sí, tienes razón mamá. Tú eres la más fuerte”, mer piso y el desván; la acción se desarrolla aquí y allá, y a veces en varios le responde una Bárbara desolada antes de darle un beso e irse, probableespacios simultáneamente. Señalaba lo de “laberíntica” porque laberínticas mente para siempre, mientras ésta le llama y le llama y le llama, a ella y a sus son las complejas relaciones familiares; y sobre todo porque en medio del otras hijas; pero sólo está Jhonna, la sirvienta, que le canta y le acuna en voz Laberinto habitaba -rey y prisionero- el monstruoso y solitario Minotauro, que baja antes del telón. demandaba sacrificios humanos. Y así, aunque en muchos momentos no lo

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

El viaje heroico (I)

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as personas que narramos historias de viva voz, tarde o temprano, tropezamos en nuestra andadura, con el mitógrafo estadounidense Joseph Campbell. En su libro, “El héroe de las mil caras” aborda el tema del viaje del héroe, como un monomito o patrón narrativo presente en las historias y leyendas populares. Según Campbell, el héroe suele pasar a través de ciclos o aventuras similares en todas las culturas y épocas, alrededor del mundo. Este viaje estaría resumido en la tríada: Separación - Iniciación - Retorno. Su obra es también una referencia obligada para quienes escriben historias para el cine épico.

Proponiendo el término monomito como estructura mitológica universal y aplicando los principios del psicoanálisis como método de aproximación y el estudio de los símbolos y los arquetipos propuestos por Jung, Campbell presenta el viaje heroico como la historia más antigua del mundo, con una estructura entretejida de mitos, cuentos de hadas y leyendas que nos relatan cómo una persona se pone en marcha para dar cumplimiento a la gran tarea, la búsqueda de un tesoro difícil de encontrar.

Es la misma historia detrás de todas las historias conocidas. No ha sido creada ni inventada por nadie sino por el imaginario colectivo. Es un mensaje de sabiduría que procede directamente del alma. Podríamos decir que hemos traído este conocimiento con nosotros. Es una historia ejemplar, una parábola del camino que los seres humanos recorremos a lo largo de nuestra vida.

Muchos etnólogos, psicólogos y sociólogos han estudiado este tesoro escondido en nuestros mitos y cuentos de hadas. Fue precisamente Carl Jung quien realizó una interpretación muy esclarecedora de este fenómeno: los temas comunes a estas tradiciones están conectados con el alma del ser humano. No sólo tenemos características externas que nos individualizan, sino que tenemos un universo interior común llamado Inconsciente colectivo. Este nivel que nos conecta es él de los arquetipos del alma Los mitos se refieren siempre al desarrollo del alma, al pathos que acompaña el viaje del alma heroica, mientras viaja, desde formas obsoletas de la existencia, hacia los nuevos estadios de conciencia.

Los mitos del héroe de cualquier cultura o individuo, nos dicen qué atributos son percibidos como lo bueno, lo bello, lo verdadero (ideal platónico) y, por consiguiente, nos enseñan valores deseables culturalmente. Todos estos valores y modelos cambian con el tiempo y la cultura.

Los héroes emergen siempre en épocas de muerte: de la identidad, de las formas sociales, de las religiones ortodoxas, de gobiernos, economías, psicologías, relaciones.

Al contestar el llamado de lo eterno, los héroes descubren el coraje de soportar las gestaciones, crecimientos, y traumas necesarios para un nuevo nacimiento.. De manera que en la sociedad ellos sirven como parteras para el continuum de nacimientos necesarios para redimir a la época y a la sociedad en que viven y llevarlos al siguiente nivel de evolución. Establecen los nuevos parámetros y records a alcanzar. Otro punto importante es que cuando la psique humana necesita evolucionar tiene que dar paso a la integración de la sombra (Jung). Por eso desde el punto de vista iniciático no hay viaje heroico, no hay camino del héroe si no hay encuentro con la sombra, descenso al infierno, confrontación con las fuerzas de la oscuridad.

Dado que la meta del viaje es la totalidad, veremos que cuando hablamos del héroe no sólo nos referimos al guerrero, si no que el héroe sufre un proceso iniciático, es decir de transformación, a lo largo del viaje. Entonces un mismo héroe y, al igual nosotros, puede ser a la vez el huérfano, el vagabundo, el guerrero, el mártir o el mago, como por ejemplo, Odiseo.

Hoy, el mundo evoluciona hacia el arquetipo del Mago, un hombre que puede sanarse a sí mismo. El viaje del héroe es siempre circular, o deberíamos decir, espiral y se produce muchas veces a lo largo de la vida. Este esquema pone a funcionar las distintas etapas del viaje, considerando que cada una es también un nivel de la conciencia, y por lo tanto un arquetipo que el héroe necesita incorporar, actuar, dominar. Esto mismo puede ser aplicado a las diferentes situaciones de nuestra vida cotidiana. Asimismo cada arquetipo tiene una tarea que desarrollar y vive esa tarea como la meta de su vida.

En “El héroe de las mil caras” Joseph Campbell distingue doce etapas en el viaje heroico: 1.- Mundo ordinario. El mundo normal del héroe antes de que la historia comience.

2.- La llamada de la aventura - Al héroe se le presenta un problema, desafío o aventura.

3.- Reticencia del héroe o rechazo de la llamada - El héroe rechaza el desafío o aventura, principalmente por miedo al cambio.

4.- Encuentro con el mentor o ayuda sobrenatural - El héroe encuentra un mentor, que lo hace aceptar la llamada y lo informa y entrena para su aventura o desafío.

5.- Cruce del primer umbral - El héroe abandona el mundo ordinario para entrar en el mundo especial o mágico.

6.- Pruebas, aliados y enemigos - El héroe se enfrenta a pruebas, encuentra aliados y confronta enemigos, de forma que aprende las reglas del mundo especial.

7.- Acercamiento - El héroe tiene éxitos durante las pruebas.

8.- Prueba difícil o traumática - La crisis más grande de la aventura, de vida o muerte.

9.- Recompensa - El héroe se ha enfrentado a la muerte, se sobrepone a su miedo y ahora gana una recompensa.

10.- El camino de vuelta - El héroe debe volver al mundo ordinario.

11.- Resurrección del héroe - Otra prueba donde el héroe se enfrenta a la muerte y debe usar todo lo aprendido.

12.- Regreso con el elixir - El héroe regresa a casa con el elixir (la sabiduría, la habilidad o el remedio) y lo usa para ayudar a todos en el mundo ordinario.

Cada individuo traza su propio y singular itinerario atravesando estas etapas. Carol Pearson nos dice: “…Los héroes emprenden viajes, enfrentan dragones y descubren el tesoro de su propia identidad…”

Eduardo Cirlot nos dice. “…desde el punto de vista espiritual, el viaje no es nunca la mera traslación en el espacio, sino la tensión de búsqueda y de cambio que determina el movimiento y la experiencia que se deriva del mismo. En consecuencia estudiar, investigar, buscar, vivir intensamente lo nuevo y profundo son modalidades de viajar o, si se quiere, equivalentes espirituales del viaje.”

En mi opinión lo que distingue al héroe o a la heroína es que no acaba la historia como la comenzó. Es heroico quien se mueve. Y es que los héroes son siempre viajeros, las heroínas, inquietas. El viajar es una imagen de aspiración, dice Jung, del anhelo nunca saciado, que en parte alguna encuentra su objeto. Señala luego que ese objeto es el hallazgo de la madre perdida. Pero el verdadero viaje no es nunca una huida ni un sometimiento, es evolución. Viajar es buscar. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre Jorge Dubatti

La escena liminal, entre lo dramático y lo no-dramático

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on numerosos los artistas argentinos que, nacidos en la década del setenta, consolidan su espacio creativo en el campo teatral de Buenos Aires. Son numerosos: entre ellos figuran Romina Paula, Manuel Santos Iñurrieta, Lola Arias, Claudio Tolcachir, Santiago Loza, Fernando Rubio, Agustín Mendilaharzu, Walter Jakob, José María Muscari, Federico León, Maruja Bustamante, Pablo Rotemberg, Mariano Pensotti. Quiero detenerme en estos dos últimos, en dos espectáculos representativos de los cambios recientes en la escena argentina.

Pablo Rotemberg es coreógrafo, pianista, director y, sin duda, uno de los artistas más originales y desafiantes de la escena argentina actual. Así lo ratifica La Wagner, tan difícil de clasificar como El lobo, La idea fija y Savage, trabajos anteriores. Estrenada en 2013, La Wagner se presenta, en su tercera temporada, en Espacio Callejón (teatro independiente del Barrio del Abasto). Experiencia de lo extremo, La Wagner es una de las puntas de renovación más potentes del teatro porteño.

Cuatro intérpretes magníficas: Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Josefina Gorostiza y Carla Rímola, hacen posible la poética de Rotemberg en La Wagner. Durante una hora, bailan violenta, peligrosa, ferozmente, con movimientos repetitivos, por momentos tan brutales –golpes, caídas, fricciones, choques– que el espectador teme que puedan lastimarse.

La cuatro están, además, totalmente desnudas (si se exceptúan las zapatillas, coderas y rodilleras, así como las bellas batas transparentes del saludo final). Se mueven “sobrenaturalmente”, furiosas, sagradas, al ritmo de pasajes instrumentales –no vocales– de los grandes dramas musicales de Richard Wagner: los preludios de Parsifal, Sigfrido, La Walkiria, Lohengrin, Tristán e Isolda, enlazados por secuencias de silencio o contrastantes fragmentos de partituras de Phill Niblock y Armando Trovajoli, entre el minimalismo y el pop. Las cuatro presentan los sucesivos cuadros nombrándolos ante un micrófono de pie. En pasajes estratégicos, el baile es desplazado por situaciones dramáticas, como la espeluznantemente verista “La violación de Carla Rímola”, cargada de los alaridos de la bailarina, o la inmovilidad de las actrices que se sientan frente a los espectadores como si estuvieran viendo una ópera de Wagner sentadas en las butacas del Teatro Colón. Rotemberg domina magistralmente la construcción de narrativas de intensidades. ¿Cómo caracterizar la poética de Rotemberg? Es, por una parte, un teatro liminal, fronterizo, excéntrico, que lleva a preguntarse: ¿es esto teatro?, ya que se desvía de las estructuras canónicas del teatro de representación. Es un teatro liminal con la performance, con la danza, con la no-representación, con la vida. Un teatro de estados, emparentado al de Ricardo Bartís, pero con preeminencia de lo musical y del movimiento. Un teatro del acto y del acontecimiento, que pone en primer plano la cultura viviente y adelgaza el espesor ficcional imaginario, un teatro heredero de los saberes y procedimientos de la vanguardia histórica y de la postvanguardia. Pero que, al mismo tiempo, nunca

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pierde su ilimitada energía simbólica.

Un aspecto singular es que estos componentes nunca están del todo cohesionados: no es un “teatro total” wagneriano -que integraba todos los lenguajes en una unidad con jerarquías internas-, sino un espacio de cruces que desafía la unidad y exhibe deliberadamente en el montaje zonas de heterogeneidad, discontinuidades, omisiones y ausencias.

Nada más lejos de la idea de “total”.

La de Rotemberg es, también, una poética de lo extremo: trabaja con los límites de representación paroxística de la violencia y de la sexualidad. ¿Hasta dónde se puede exponer un cuerpo, hasta dónde puede soportar? ¿La muerte y el sexo son susceptibles de ser llevados a la escena teatral? No es que Rotemberg ponga en riesgo la integridad física de sus intérpretes, pero ciertamente los entrena para colocarlos en un estado de violencia escénica. Hay que poner el teatro de Rotemberg en relación con las expresiones artísticas latinoamericanas que estudian Elena Oliveras y equipo en el libro Estéticas de lo extremo (Emecé, 2013) e Ileana Diéguez en Cuerpos sin duelo (Córdoba, Documenta/Escénica, 2013). Con La Wagner Rotemberg hace avanzar el teatro argentino en los nuevos paradigmas contemporáneos que alcanzan también a la plástica, la música, la fotografía, el cine y las artes intermediales. ¿Qué valor adquieren aquí los desnudos? Son esenciales, sin ellos La Wagner no sería la misma. Los desnudos ponen en primer plano la presencia viva, existencial de los cuerpos. Recuerdan de la manera más elocuente el sustrato “natural”, la materialidad de la naturaleza en la condición humana, y a la par verticalizan la percepción de cómo esos cuerpos están trabajados, educados, estilizados, “violentados” contra la naturaleza por las técnicas y los artificios del arte. Los desnudos multiplican la sensorialidad y la emocionalidad de la violencia. Sobre todo, nos recuerdan la realidad y alejan la ficción: no hay nada más real que la presencia de un cuerpo desnudo. Pero en su desamparo en el frío y en su desprotección frente a la mirada del público, evocan –con la ayuda de la “alemanidad” wagneriana– el horror, la desolación de las víctimas de los campos de concentración. Con su poética de lo extremo, La Wagner genera fascinación o rechazo, nunca indiferencia.

Desde una poética teatral muy diferente a la de Rotemberg, Mariano Pensotti reafirma en Cuando vuelva a casa voy a ser otro (Centro Cultural San Martín, circuito oficial) la relevancia del aporte de su grupo Marea. Aunque con sustanciales variaciones, Cuando vuelva a casa... se relaciona con sus creaciones ya consagradas (El pasado es un animal grotesco, Cineastas). Vuelven a estar presentes en Cuando vuelva a casa... la preocupación por la relación con la pasado, la memoria y la figuración de una identidad; el entrelazamiento de la historia de varios personajes, a la manera de las grandes novelas tradicionales; la relación contrastiva con el padre, la confrontación entre la experiencia histórica de los jóvenes de los años sesenta-setenta y los de los años noventa-nuevo siglo. También el diseño de un dispositivo espacial que

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Postales argentinas en sí mismo simboliza y narra la historia (siempre con diseño de la escenógrafa Mariana Tirantte), y el trabajo con un puñado de actores (en este caso cinco, los excepcionales Santiago Gobernori, Javier Lorenzo, Mauricio Minetti, Andrea Nussenbaum y Julieta Vallina) para componer varias decenas de personajes. Todo esto en un acontecimiento único, excepcional, complejo, que sin duda está entre los estrenos más relevantes del 2015 en Buenos Aires. Cuenta además con una producción internacional –en la que confluyen los aportes de Bélgica, Alemania, Francia-, hecho que ratifica que Pensotti es una de las personalidades sobresalientes en los procesos actuales de internacionalización del nuevo teatro argentino.

Fascinante cruce de ficción y no-ficción, el punto de partida de Cuando vuelva a casa... es un hecho real que le aconteció al padre de Pensotti y que el dramaturgo-director reelabora imaginariamente de esta manera. A principios de la dictadura de 1976, Alfredo, un joven militante revolucionario, entierra en el jardín de la casa de sus padres, en el conurbano, unas bolsas donde esconde objetos –libros y revistas, un arma, agendas, entre otros- que se han vuelto peligrosos en el contexto de la represión ilegal y el terror. Finalizada la dictadura Alfredo quiere rescatar esos objetos, pero no recuerda exactamente en qué lugar del jardín los ocultó. La casa se vende y en 2015 los nuevos dueños, cuando excavan en el jardín para instalar una pileta de natación, dan con las bolsas. Casi cuatro décadas después, el ahora maduro ex militante se reencuentra con aquellas cosas, como si abriera una cápsula del tiempo. A la manera del personaje de La última cinta de Krapp de Samuel Beckett, Alfredo no se reconoce del todo en esas epifanías del pasado. Hay un objeto en particular, un cassette con una grabación musical, que no logra identificar. Alfredo transmite esta experiencia a su hijo Manuel (alter ego de Mariano Pensotti), quien se obsesiona con desentrañar qué es esa grabación y quién la canta. A partir de esa búsqueda, Pensotti va conectando la historia de Manuel con la de Natalia, Damián y otros personajes de su misma generación –es importante señalarlo–.

Cuando vuelva a casa... es un tratado sobre la existencia proyectada en el tiempo, una inquisición para una Filosofía de la Historia, y por sobre todo la pregunta por una razón práctica, por una ética que per-

mita redefinir nuestra manera de estar en el mundo. ¿Cómo sostener una estabilidad de la identidad si permanentemente cambia el deseo, si cambian los acontecimientos históricos en un mundo de multiplicidad infinita, de interfaz con el universo digital? ¿Cómo aceptar esa unidad histórica como un espacio dinámico, en el que poder reconocer constantes y diferencias? ¿Cómo no convertirse en “un doble de sí mismo”, cómo no mitificar lo que ya no existe? ¿Vivimos en presente pero pensamos ese presente con categorías y representaciones del pasado? Pensotti interroga al espectador sobre una ética de la identidad en tanto ésta es una construcción tenazmente desafiada. Una ética proyectada hacia el futuro pero que quiere conciliar con los valores heredados. Una ética no-tanguera, pero que al mismo tiempo no corra el riesgo de perder el rumbo. Guía a Pensotti la inquietud frente al peligro de la trivialidad, de la locura, de la desintegración. De ahí la síntesis en la confrontación con el padre: “A la gente de la generación de mi viejo le pasan cosas extraordinarias y a nosotros nada”. ¿Cómo equilibrar épica y nuevo mundo, sentido y estallido?

El dispositivo escénico es la clave de comprensión de la obra: el museo. Dos cintas transportadoras que van la mayor parte del tiempo en sentido contrario, a velocidad cambiante, un telón de fondo que corre y un cartel con inscripciones evocan el espacio de la representación desde la teatralidad didáctica de los museos tradicionales. “Voy a hacer un museo de mis momentos felices”, afirma un personaje. ¿Vivimos construyendo nuestro propio museo? ¿Podemos evitarlo? En suma, una creación notable, que reclama la participación de un espectador-filósofo.

La Wagner y Cuando vuelva a casa... son obras muy diferentes, pero tienen en común un profundo sentido político. Desde sus poéticas diversas, confluyen en la dimensión política. Un teatro que indaga en la razón práctica, en la ética, en el vínculo existencial entre los comportamientos de los personajes teatrales y de los espectadores. En ambas opera la voluntad de agitar la memoria. También confluyen en su solidez estética, en su autonomía como construcciones poéticas, en su trabajo con la intensidad estética, entre lo dramático tradicional y lo no-dramático experimental. Arte de excelencia que está cambiando la historia del teatro argentino.

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15 noviembre diciembre Piedra de sacrificio

Jaime Chabaud

CASA Festival, Londres

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l Latin American Theatre Festival CASA 2015, de Londres, Reino Unido, es un encuentro de solidaridad y reflexión que este año se dedicó a México. Lagartijas Tiradas al Sol es la compañía que ha abierto la programación con el montaje Montserrat, que puso a los espectadores en una guerra de twiters discutiendo si la historia es parte de la vida del actor o si pertenece a la ficción solamente. Polémica que habla de lo entrañable que resulta la historia que Gabino Rodríguez comparte respecto de su madre muerta cuando él contaba apenas con 6 años de edad. O al menos tal es el relato que él dio por cierto hasta que descubrió que el acta de defunción era un documento imposible: signado en 1987, pertenecía a un juzgado que había colapsado en el terremoto de 1985 en la Ciudad de México. A partir de tal peripecia, la imagen borrosa de su progenitora se convirtió en una obsesión irrenunciable que condujo a pesquisas muchas para encontrarse con la intuición de que se encontraba en Costa Rica, su tierra natal. Después de oposiciones varias de una tía, que era el único eslabón viviente que le quedaba a Gabino, se encuentra con un hombre que lo recibe detrás de una verja verde al frente de una blanca casa con la frase “te estábamos esperando”.

No, no es el trabajo más político de los espectáculos de Lagartijas si se quiere mirar desde la superficie. Sin embargo, a Londres ha venido su violenta historia sobre el PRI Derretiré con un cerillo la nieve de un volcán que, sobra decirlo, tuvo mucho qué decir al calor de la conmemoración de un año de la desaparición de los 43 jóvenes normalistas de Ayotzinapa. Recuerdo que en Barcelona, mientras yo estudiaba en la Sala Beckett en 1996, lo que estaba en las discusiones europeas era el levantamiento zapatista en Chiapas y la figura del Subcomandante Marcos. Hoy es Ayotzinapa sin entender muy bien que es una guerra en nuevo formato que lleva más de 30,000 desaparecidos y poco más de 150,000 muertos en sólo 9 años. Europa quiere entender y es por ello que el Latin American Theatre Festival CASA 2015 de Londres –y su director Daniel Goldman– puso a dialogar compañías con una marcada línea política y poco tradicional en su hacer como Colectivo Alebrije (Sara Pinedo) de León, Guanajuato, que teje en Aparte los recuerdos familiares con la extinción de las tenerías tradicionales que dieron fama a esa ciudad por el calzado para sucumbir bajo la industrialización; o Misa fronteriza de Gorguz Teatro (Alberto Ontiveros) de Monterrey, Nuevo León, que ritualiza a partir de un relato de Luis Humberto Crosthwite la temática de la migración y de los más de 3,000 kilómetyros de frontera compartida con los

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Estados Unidos.

El Latin American Theatre Festival CASA 2015, de Londres, Reino Unido, finalizó después de una intensísima semana de reflexión, talleres, obras de teatro y música gracias al equipo que encabezan Daniel Goldman, Director, y Lora Krasteva, Productora, con un pequeño-gran equipo que convierten en un cálido regocijo el estar presentes en esa fabulosa ciudad. Lagartijas Tiradas al Sol, Los Guggenheim, Colectivo Alebrije y Gorguz Teatro representaron a México, país al que estuvo dedicado el CASA 2015, como ya dije.

Lo que se vuelve estimulante de esta participación es el énfasis que Goldman puso en no privilegiar de manera exclusiva a agrupaciones chilangas (de la capital mexicana), que es lo que suele suceder, para dar espacios a grupos de Guanajuato y Nuevo León, con lo que se demuestra que el potencial del teatro mexicano se ha desplazado a otras ciudades y ya no es la gran ciudad el único polo de interés para programadores internacionales.

El grupo Yuyachkani, de Perú, no asistió por causas de fuerza mayor, pero los brasileiros Café Cachorro arrobaron con el espectáculo Ondenunca Beckett, que sin palabras y con una estética minimalista apoyada en el cuerpo, nos sumergió en los mundos del autor irlandés. Cuando ellas desaparecen se seleccionó en 2014 a partir de Nuestra CASA Scratch Night, que presenta 5 muestras de 15 minutos de artistas latinos residentes en Reino Unido con la finalidad de llevar a cabo una residencia artística y un espectáculo.

Así, después de un año de labor, el colectivo Las Nanas de la Cebolla (RU-Letonia-México) presentó este resultado abordando la temática de las mujeres desaparecidas en México, que pueden ser las de Ciudad Juárez o las de cualquier punto del país dada la pandemia de feminicidios que padecemos.

Y en este 2015, y bajo la tutela de la directora Gaël Le Cornec, 5 grupos se aventuraron en esta Scratch Night que resulta una plataforma de lanzamiento cuya importancia es obvia en un país donde el teatro tiene pocos espacios para los latinos. Así, Germán Muñoz presentó una obra que aborda la muerte de 2 estudiantes en Monterrey, Sebastian Hau-Walker un divertido sketch sobre lo prehispánico y la identidad a partir de la preparación del chocolate, los grupos Ella Mesma y Nyctalopic reflexiones a partir del cuerpo y un cuento de Bolaño; y los Hermanos Brothers un show de teatro musical titulado Sudamerican Rockers que explora las dificultades de ser artista en una ciudad como Londres, así como los problemas de integración y las ganas de triunfar. Mucho qué decir de este CASA que se convirtió en nuestra casa.

noviembre diciembre

El lado oscuro

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Jaume Colomer

La gran confusión entre arte e industria

A

A primeros de octubre tuve la oportunidad de asistir en el Teatro Melico Salazar de San José de Costa Rica a una función de la obra “Alayé” de la Compañía Los Despiertos.

Los actores, que no eran profesionales sino habitantes del municipio de Escazú, habían dedicado 10 meses a la creación y producción de la obra a partir de leyendas tradicionales que habían rescatado de la memoria de ciudadanos de la comunidad. La obra se había estrenado en el Encuentro Nacional de Teatro con la etiqueta de “teatro comunitario”. No pude evitar hacer una referencia comparativa con el sistema teatral español y volví a darme cuenta de la gran confusión que reina en nuestro sector entre los diversos ámbitos de actividad escénica.

En España, desde el inicio de la actual etapa democrática, las instituciones públicas se han implicado muy activamente en el desarrollo del sector. Y en su actividad de fomento de las artes escénicas han apostado por las empresas como estructuras de producción óptimas, convirtiéndolas en destinatarias preferentes de los fondos públicos a través de convocatorias que no diferencian a los agentes por su tamaño ni sus objetivos. El modelo único de fomento ha puesto en el mismo saco a todos los agentes escénicos y ha potenciado el desarrollo de operadores con economías de subsistencia y dependientes de las aportaciones públicas. De esta manera no han tenido en cuenta ni las necesidades de las industrias escénicas, más interesadas en las ayudas financieras reintegrables que en las pequeñas subvenciones a fondo perdido, ni las necesidades de los agentes sin ánimo de lucro (más del 80% de los registrados) que han tenido que disfrazarse de sociedades mercantiles para poder acceder a los fondos públicos.

En el sistema escénico español hay una gran confusión de identidades y objetivos. Todos los agentes están en el mismo saco, como si buscaran lo mismo. Sin embargo podríamos diferenciar varias categorías de operadores con objetivos y modelos de negocio distintos. a. En primer lugar podemos identificar las prácticas escénicas no profesionales de las que forman parte las prácticas comunitarias y las amateur.

• Las primeras operan en el marco de una comunidad territorial recopilando expresiones actuales o tradicionales como leyendas, creencias, pensamientos, miedos, deseos, etc. para construir un relato escénico y presentarlo a la comunidad a modo de retorno o feedback para promover el cambio y la mejora social. Los actores son miembros de la comunidad, a menudo en manos de un director de escena profesional.

• Las segundas las realizan de forma voluntaria personas que quieren disfrutar su tiempo libre compartiendo una experiencia creativa consistente en llevar a escena obras del repertorio local o internacional. Pueden ser personas con formación escénica o sin ella, pero su actividad no responde a fines económicos ni tiene como finalidad el desarrollo comunitario. b. En segundo lugar podemos identificar prácticas escénicas profesionales con finalidad económica, que persiguen el lucro personal o el desarrollo social.

• Las primeras se configuran como sociedades mercantiles y

buscan captar ingresos en el mercado para compensar el capital invertido. Pueden ser consideradas industrias culturales en la medida que producen bienes de mercado y operan con modelos de negocio similares a las demás industrias.

• Las segundas buscan colaborar en el desarrollo económico y social de la comunidad de la que formen parte y se financian de manera mixta con ingressos de mercado y recursos públicos porque no pueden depender sólo de la demanda. c. Finalmente podemos identificar las prácticas promovidas por agentes públicos que tienen la finalidad de satisfacer necesidades básicas de los ciudadanos. Las instituciones públicas, en la actual etapa democrática, además de fomentar iniciativas escénicas en la sociedad civil y garantizar el derecho de acceso a los ciutadanos, han considerado que debían producir y proveer servicios escénicos para satisfacer necesidades básicas. Estos agentes operan en el mercado pero su modelo de negocio corresponde al de los servicios públicos.

Es obvio que cada categoría de operadores desarrolla modelos de negocio distintos y tienen necesidades financieras y de gestión distintas, por lo que no se puede aplicar desde las instituciones de gobierno la misma política de fomento para todas. Ya empieza a ser hora de aplicar políticas públicas que respondan a las necesidades específicas de cada ámbito de actividad escénica a diferencia de las políticas de “café para todos”.

Pero también es obvio que cada ámbito de actividad debería tener una plataforma asociativa específica que defendiera sus intereses y desarrollara estrategias comunes. Si los operadores de teatro comunitario o independendiente forman parte de la misma plataforma asociativa que las industrias escénicas es muy probable sea inoperante o que un ámbito de actividad tenga mayor capacidad de decisión sobre las prioridades que hay que satisfacer y genere marginación o insatisfacción en los ámbitos más débiles.

Al mismo tiempo, cada ámbito de actividad debería reflexionar sobre las figuras jurídicas que se corresponden mejor con sus finalidades y su modelo de negocio.

Está también la definición de la etiqueta “sector de las artes escénicas”, que considero que corresponde sólo al sector profesional. El teatro comunitario y las formaciones amateur, a mi modo de ver, no forman parte del sector, aunque sí del sistema escénico.

También seria necesario que las instituciones públicas reflexionaran sobre cuál debería ser su papel en el nuevo contexto de acuerdo teniendo en cuenta el estadio de desarrollo actual del sector.

Sería bueno, en definitiva, para deshacer la gran confusión que hay en el momento actual, establecer y homologar un vocabulario y unas categorías que permitan entendernos y redefinir las políticas públicas para que puedan satisfer de manera eficiente las necesidades específicas de cada ámbito de actividad. El sistema escénico, si clarifica y diversifica sus ámbitos de actividad, se desarrollará con más solvencia en el nuevo escenario postcrisis. ¿No sería, éste, un debate central en el momento actual? w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre El método griego

María Chatziemmanouil

La escena experimental del TNG

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a “Escena Experimental” (EE) del Teatro Nacional de Grecia (TNG) se fundó en 1996 y su primer director artístico fue el actor Nikos Perelis, quien tuvo la idea de su fundación y la propuso al entonces director artístico del Teatro Nacional, Nikos Kúrkulos. Perelis se mantuvo en la dirección artística de la EE hasta el 2001, substituido por el director de escena Stathis Livathinós. Su primera puesta en escena -de la obra de Shakespeare Trabajos de amor perdidos- no solo forjó el carácter y definió el futuro de la EE, sino marcó para siempre la escena griega contemporánea. La EE aportó a nuestro teatro nuevos directores y especialmente excelentes actores, quienes formaron un grupo artístico valiente y eficaz alrededor de Livathinós, hasta el 2007, cuando el nuevo director artístico del TNG Yianis Juvardás quiso ponerse él mismo al frente de la dirección general de todas las escenas del TNG. Este acontecimiento provocó el cierre de la EE, puesto que, según Livathinós- quien se marchó del TN seguido por casi todos los actores de su equipo- la EE no podía funcionar de una manera que no garantizara su autonomía.

Desde mayo de 2015, Stathis Livathinós es el director artístico del TNG. Una de sus prioridades ha sido abrir de nuevo la EE y asignar su dirección a dos jóvenes directores de un valor incuestionable, que habían colaborado durante los últimos cinco años en proyectos teatrales destacados, tanto en Grecia como en el extranjero: Anestis Azás (Tesalónica, 1978) y Pródromos Chinicoris (Wuppertal, 1981, hijo de inmigrantes griegos en Alemania). Ambos se han formado en la Facultad de Teatro de la Universidad de Tesalónica y han ampliado sus estudios sobre dirección escénica en Alemania, especializándose en teatro documental.

Con la ocasión del espectáculo documental del grupo alemán Rimini Protokoll titulado Prometeo en Atenas, Azás y Chinicóris empezaron a colaborar a partir de 2010.

En 2011, presentaron en el Festival de Atenas su proyecto Un viaje en tren, mostrando de manera impactante las políticas estatales de transporte ferroviario llevadas a cabo de manera devastadora por casi todos los gobiernos durante décadas. En 2012, en el marco del Festival de Epidáuro, produjeron un espectáculo documental sobre la historia de dicho Festival. En 2013, en la Fundación Onasis (Stegi), montaron un espectáculo sobre la crisis y la inmigración de los griegos jóvenes, titulado: Telémaco- Should I stay or should I go?

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En el Festival de Atenas de este año presentaron cada uno su propio proyecto: Azás y su colaboradores un montaje-documental sobre la tragedia en la isla griega de Farmakonisi (enero de 2014), en la que se ahogaron once personas, entre las cuales ocho niños. Se trataba de un espectáculo sobre la actitud de la justicia hacia la cuestión fundamental de los refugiados y los inmigrantes; y Chinicoris un “paseo” diferente por el centro de Atenas, titulado En medio de la calle, en el que los 15 espectadores de turno, se encontraban (en espacios teatrales no convencionales) con 15 personas indigentes de Atenas, después de haber escuchado su historia por un MP3.

Esos dos últimos espectáculos serán los que van a inaugurar la nueva etapa de la EE (durante una semana cada uno), y después cogerán el relevo producciones y coproducciones artísticas ambiciosas con gente del teatro innovador griego (entre ellas obras de Sófocles, Thomas Bernhard y Mijaíl Bulgakov) y artistas invitados (el suizo Christophe Meierhans va a presentar la performance Some use for your broken clay pots y Roger Bernat con Yan Duyvendak el juicio de Hamlet para el asesinato de Polonius en su montaje Please continue, Hamlet) “Esta primera temporada de la EE marcará el camino por el que vamos a seguir en los próximos años”, explican los dos directores, que acaban de anunciar el primer festival temático sobre la Guerra Civil Griega (1946-1949) que va a realizarse en el marco de la EE entre el 30 de marzo y el 3 de abril, puesto que en 2016 se cumplen 70 años desde su comienzo.

Sus planes para la EE son “la extroversión, la innovación y la colaboración”. El repertorio-como ya demuestran las primeras propuestas de cara a la temporada corriente-no va a incluir solo proyectos de teatro documental, sino está abierto a toda propuesta interesante.

En febrero, ambos colaborarán otra vez con la Fundación Onasis (FO), para estrenar Ciudad limpia, una coproducción de la FO con el Festival Internacional Sirenos (Vilnius), el Teatro Maria Matos (Lisboa) y el Tiger Dublin Fringe, en el marco del proyecto EUROPOLY de los Institutos Goethe de Europa. Dado que es una obra de teatro documental, Ciudad limpia detecta y redefine los estereotipos, a través de la mirada y los testimonios personales de los expertos en temas de limpieza: las inmigrantes que trabajan de asistentas en Atenas. Una vez estrenada la obra en Atenas, realizará una gira por teatros europeos y festivales internacionales.

noviembre diciembre

Cronicón de Villán... y corte

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Javier Villán

Teatro, política, liturgia

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e recibido recientemente dos libros que, por caminos distintos, quizá me permitan armar este artículo postrero de 2015. Uno es Campos de sangre.-La religión en la historia de la violencia. El otro, El teatro y el crítico, de José Bodelón, con prólogo de José Monleón y epílogo de Jerónimo López Mozo. José Monleón es el sabio del teatro español, el agitador, la punta de lanza desde la trinchera de Primer Acto; Jerónimo López Mozo es un gran autor que no halló acomodo con el franquismo, un autor incómodo; y tampoco lo ha encontrado con la democracia; una democracia putrefacta y degenerativa hasta este momento de putrefacción absoluta.

Me parece recordar que hace tres o cuatro años Jerónimo preparaba algo sobre la corrupción rampante que envenena el país; pero no estoy muy seguro. Fue sueño quizá o fantasmagoría producto de mis deseos de verlo en los escenarios. Ante la falta de perspectivas, no me extraña que se haya aburrido. Desde aquí hago una llamada a los teatros institucionales para que lo consideren. La democracia española no se normalizará hasta que se normalice el teatro de algunos autores españoles. Sobre esto poco puede hacer la crítica y el periodismo.

En realidad la crítica puede hacer pocas cosas. Casi nada: cabrear a alguna estrella de vez en cuando.

Función de la crítica

Considero que la crítica, como elemento sancionador, no pasa de ser un mal necesario. Necesario en la medida que los artistas esperan un pronunciamiento sobre su trabajo, y los espectadores una corroboración de sus juicios personales. Es un mal porque, en líneas generales, nadie la acepta con conformidad. Según Bodelón el crítico debe ser un mediador entre el autor, la obra, el director, los actores, las escuelas, las salas, los festivales y el público. Visto así hasta parecemos, los críticos, importantes, criterio que parece razonable e incluso exigible.

La verdad es que, en líneas generales, a las compañías la crítica les sirve como soporte para contratar bolos. Una buena crítica ayuda a vender y facilita la labor con los programadores, pero todo es relativo.

La crítica ha perdido inmediatez y urgencia en los periódicos; suele salir con retraso, y no siempre sale, y ha perdido esa imagen romántica y azarosa de los cómicos esperando de madrugada en la chocolatería de San Ginés el veredicto del crítico, para bailar de contento o tirarse por el viaducto.

Luis Cernuda ha sido, con Juan Ramón Jiménez y Francisco Umbral, el mejor crítico de poesía el siglo XX. En este libro de José Bodelón se recogen sus comentarios sobre teatro; no la crítica puntual de un estreno, que creo nunca hizo, sino su sagacidad para profundizar en los males del teatro. A diferencia de sus compañeros de Generación del 27, Alberti y García Lorca, Luis Cernuda no escribió teatro y dio de lado una materia por la que se sentía sin duda atraído. Bodelón recoge en su libro parte de una conferencia que el autor de La realidad y el deseo pronunció en Londres en 1946. Cita a Pérez Galdós y su inclinación inicial por el teatro, que abandonó para dedicarse a la novela, por la dificultad de unir sus gustos a las exigencias de público y empresarios. Dice: “en esa limitación e inferioridad a la cual el dramaturgo debe someter sus cualidades, con tanto mayor riesgo cuanto más excelentes sean ellas, si quiere ver representadas sus

obras, hallamos la razón principal para la vulgaridad y la trivialidad de la producción dramática contemporánea, y no solo en nuestro país, con respecto a los demás géneros literarios”. Cernuda parece que establece un paralelismo entre su vida de poeta y Galdós que halló en adaptaciones de sus novelas cumplida recompensa.

Los problemas del público.

La dificultad del teatro español tiene sus propios problemas, sus problemas específicos. Y tiene también los problemas del público. No se puede hablar de la decadencia en el teatro sin hablar de la decadencia del público de Madrid y supongo que España en general vive una etapa, estadísticamente, de enorme esplendor. Se estrena más que nunca, hay más salas que nunca y lo que llamamos teatro alternativo ofrece a los nuevos autores muchas oportunidades. Pero maticemos; la mayor parte de esas obras se ponen una vez al mes y a horas fijas que limitan mucho los movimientos del crítico para ver todo lo que quisiera. Pasa como con el paro que disminuye a través del empleo precario, troceadas las ocho horas laborales en miniempleos fraccionados. Uno se encuentra con sorprendentes propagandas: “un año en cartel”. Echando cuentas, ese año en cartel viene a ser doce representaciones, y en el mejor de los casos, si es una representación semanal, cincuenta representaciones, lo cual es ya un hit.

Liturgia y teatralidad

La religión en la historia de la violencia tiene la virtud de poner sobre el tapete la responsabilidad del aparato político de las religiones, de todas las religiones. Lo ha escrito Karen Armstrong, una monja, y atañe no sólo a la religión católica, sino a la naturaleza esencialmente violenta de todas las religiones y su aparato institucional.

Traigo esto a colación porque la reciente propuesta de aconfesionalidad y laicización del Estado de Pedro Sánchez y el Psoe en pleno espectáculo de la campaña electoral se presta a muchas reflexiones teatrales. Hay más teatro en la calle, aunque menos verdad, que en los escenarios. Por otra parte, considero la liturgia de la Iglesia como la puesta en escena más colosal que ningún director ha sido capaz de hacer. Nada hay comparable a un oficio de difuntos o a una misa de tres curas, con sus casullas, sus dalmáticas, sus capas pluviales. La historia de la Iglesia es una historia de sangre y de Inquisición. Tiene argumento y tiene escenografía que en sucesivos aggiornamentos ha ido simplificando y quitándole boato. Y eso ha sido un error. El Papa Francisco, que cuenta con todas mis simpatías de exseminarista ateo, está escribiendo otra función. Pero los feligreses tradicionales se le rebelan y escenifican un pateo, cuando en el teatro ya no existe el pateo. Es también, como en el teatro, una cuestión de público, del problema del público al que alude Luis Cernuda en el libro de José Bodelón: el teatro tiene sus problemas y el público los suyos. En la medida que sean capaces de resolverlos juntos habremos resuelto la cuestión.

El libro de José Bodelón es un texto ameno, periodístico en cierto sentido, pues en vez de adoptar el formato de ensayo, usa como vehículo de la dramaturgia que pretende establecer, la entrevista y el reportaje. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre Noticias desde los fiordos

Víctor Criado

Henning Mankel

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i trabajo en el Teatro Avenida ha sido una de las grandes aventuras de mi vida, y al mismo tiempo uno de los más grandes retos a los que me he enfrentado.

Trabajar con personas que pertenecen a otras culturas me ha hecho ser consciente de que es más lo que nos une que lo que nos separa.”

Hace menos de un mes que ha muerto H. Mankell. Lo primero que sentí al conocer la noticia fue “el próximo artículo se lo dedico a él”.

Mejor dicho, a su trabajo como hombre de teatro ya que Mannkell, además de un gran escritor de novela negra (con Wallander como punta de lanza), era un hombre que dedicó una gran parte de su vida al teatro. De hecho antes de escribir su primera novela ya había escrito una pieza dramática “Nöjesparken”, concebida al mismo tiempo que trabajaba como técnico en el Stockholms Stadsteatern.

En las noticias aparecidas en la prensa se menciona esa parte de su actividad, un poco de pasada, especialmente en lo referido a la creación, dirección y gestión del Teatro Avenida desde 1.986 junto a su colaboradora y fundadora Manuela Soeiro…. en Maputo, capital de Mozambique, donde vivía una gran parte del año desde hacía muchos años. Pero había más, mucho más.

En anteriores artículos he hablado un poco sobre su relación con Unga Klara, de cuyo consejo artístico formaba parte. También de cómo, con dinero de su bolsillo, había financiado una parte de la gira que hicimos hace unos años a Reims (Francia).

Durante este verano se ha rodado la última película de Suzanne Osten “Flickan, mamman och demonerna” (La niña, su madre y los demonios), en la cual he hecho una breve aparición. Financiar este film, que trata de la relación entre una madre psicótica con su hija, y que está basado en la propia vida de Suzanne, ha sido una tarea compleja. No es un proyecto “comercial” y el tema tratado (como siempre sucede con Suzanne) es “complejo, arriesgado, incómodo”, por lo que conseguir respaldo económico ha sido un largo y fatigoso viaje, incluso en Suecia. Hasta encontrar, otra vez, a Mankell.

Suzanne se entrevistó con él meses antes, pero no tenía la intención de solicitar su apoyo. Sin embargo, cuando Henning conoció la naturaleza del proyecto, y supo de sus problemas de financiación no dudo un instante. Unos 120.000 euros de su propio bolsillo fueron destinados a la realización del film. Su apoyo fue decisivo para que otras instituciones se sumasen al proyecto, lo cual en última instancia hizo viable el proyecto.

Cuando, al saber la noticia de su muerte, me puse en contacto con Suzanne, era difícil decir algo. “Era un gran hombre, generoso, amable y necesario” me respondió con pena, de esa que hace brotar lágrimas.

Unga Klara había puesto en escena una obre escrita por él, “Mörkrets tid” (Tiempos oscuros), en el cual se narra el aislamiento al que se ven sometidos un padre y una hija que clandestinamente se refugian en un país europeo. Su estreno tuvo lugar hace más de diez años, pero podría estrenarse, sin perder vigencia, la próxima semana, mes, año…

Quiero pensar que la obra dramática de Mankell tendrá la repercusión que merece. A ver qué fuerza tienen mis deseos. De momento debo conformarme con ver el estreno próximamente de ese film de Suzanne, en el cual trabajan bastantes compañeros y que, como he comentado antes, he supuesto mi debut cinematográfico (lo que visto

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ahora es un honor), y que seguro será un gran trabajo. Tan seguro como que nunca se verá allí, a no ser que internet no lo remedie.

Otra cosa que recuerdo es que hace poco más de tres años estuve a punto de compartir escenario con él, en un proyecto teatral en el que se ponía sobre la mesa, en un juicio simbólico desarrollado en Stockholm, la política de inmigración aplicada por la UE ( por desgracia el tema mantiene plena su vigencia), y en la cual él formaba parte de la acusación. Yo debía leer el testimonio (real) de un emigrante ante el trato recibido por parte de las instituciones europeas. Al final, por un problema de agenda y compromiso laboral no pude formar parte del proyecto. Me tuve que conformar con verlo desde una pantalla de TV. Podría haber contado a mis nietos en el futuro que una vez yo compartí…

Pero esta visto que a mi vanidad le toca hacer dieta.

Todo esto que he escrito sobre Mankell, sobre Unga Klara, sobre sus proyectos me lleva a una reflexión un poco pegajosa, y siempre actual. ¿Qué es el teatro comprometido? Porque es algo de lo que hablamos mucho, por lo menos los que hacemos teatro, pero que como Dios es imposible de ver, solo creer. Muchos son los que se arropan con el término, para cubrirse de una gloria con la rematar su nómina de premios y distinciones: “yo hago teatro comprometido”, “esta obra, a pesar de estar escrita hace 80 ( o 100, o 200, o 2.000) la he montado porque mantiene su vigencia intacta”, “lo que cuenta sigue estando, desgraciada o afortunadamente, de actualidad”, “hay que comprometerse con el tiempo que uno vive”, “esta programación está comprometida con el presente”... Yo la verdad es que no sé que es eso de estar comprometido, más allá del anillo en el dedo, no dispongo de los términos que regulan ese contrato del hombre de teatro con su sociedad. Si sé lo que es hacer teatro mirando la realidad que vives con los ojos abiertos, más allá del iphone. También lo que significa darle una vuelta de más a lo que se cuenta que sucede en el mundo, para intentar descubrir qué es lo que realmente sucede.

Para después irme a una sala de teatro, y tratar de darle forma, o de incluirlo en una dramaturgia. Pero luego no sé si el resultado es más o menos comprometido.

Intuyo que el término es empleado de modo inversamente proporcional a su utilización, pero tampoco puedo asegurarlo, no hay modo de comprobar empíricamente la afirmación.

Si sé que Suzanne, tanto en sus puestas en escena como en sus películas, y Henning Mankell, en toda su obra, son personas comprometidas con lo que hacen, con su tiempo. Pero no porque lo digan ellos, sino porque son otros los que lo dicen. Entre ellos me encuentro yo.

Quiero terminar este artículo con una interrogación, para comenzar el próximo año quizás con una certeza más. Me gustaría saber si hay alguien, dentro de lo que denominamos cultura, en España que emplee (más allá del teatro comercial, en el cual es evidente) sus recursos económicos para financiar, en este caso, un proyecto teatral (pero puede ser en cualquier otro ámbito artístico), con un más que incierto resultado económico. Alguien que decida arriesgar a fondo perdido parte de los recursos obtenidos con su actividad profesional para dar forma a un proyecto comprometido con algo más que el bolsillo y la cuenta de resultados. ¿Qué pensaría Wallander de todo esto?

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Las Lejanías

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Carlos Be

El off se hunde

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n estos últimos años, y no estoy hablando de más de cuatro o cinco años atrás, el teatro off ha perdido su ánimo por la diferencia y lo que venía siendo una alternativa a la escena on ha terminado por convertirse en la hermana quejumbrosa, tullida y envidiosa de un teatro comercial que funciona porque se halla es su idiosincrasia ser rentable, algo que el teatro off no puede plantearse motu proprio, al menos con las condiciones culturales que se dan en este país.

A lo que iba, en estos últimos cuatro o cinco años la escena off ha intentado rentabilizarse por sus propios medios y ha pagado el arancel de ponerle un precio a sus propuestas y no un valor como hasta ahora venía siendo lo habitual. El exceso de propuestas teatral en detrimento de la calidad artística ha colapsado un mercado que nunca ha sido suficientemente vasto y, disculpas por el juego de palabras, ha terminado por convertirlo en un panorama por desgracia basto y sobre todo árido, asfixiado en la redundancia y en la falta de recursos.

Sé que no corresponde a las compañías ni a las salas, porque en esto están juntas, solventar esta situación y creo que poco pueden hacer sin el apoyo de los estamentos superiores que es donde realmente radica la solución, una solución por la que no interesa apostar a pesar de los atractivos referentes ya existentes como pueden ser las políticas culturales de países como Gran Bretaña o República Checa. Vamos, que me entristece mucho que un teatro como el Nuevo Teatro Fronterizo liderado por una personalidad tan emblemática como pocas en este país como es Jose Sanchis Sinisterra deba recurrir a “cómplices” particulares para tirar adelante un proyecto en la capital de España.

Un oasis intangible

Y si esto me entristece, imaginad lo que me provoca conocer la situación de todos aquellos que carecen de referencias siquiera nacionales y no dejan de cejar en el empeño, día tras día, noche tras noche, sobre los escenarios abandonados. En este país, una plataforma artística en condiciones no es más que un oasis intangible en lo más remoto del desierto.

El teatro off no puede aspirar a convertirse en teatro on, primero porque perdería su propia definición, la de una minoría, y segundo porque no está en su carácter el saber venderse, algo que aparentemente puede parecer un salvavidas pero acaba por convertirse en una trampa mortal. Además, el cedazo de la denominada crisis ha provocado que lo que debía resultar una criba se convierta en una malla obturada por la podredumbre, un tejido obstaculizado donde nadie deja salir al otro por el simple efecto del hacinamiento: todos empujan para intentar avanzar y sólo consiguen aplastarse unos a otros y acabar dis-

cutiendo por las últimas moléculas de oxígeno existentes entre tanta purulencia.

A pesar de los intentos de desembozar este cedazo atroz, las compañías y las salas se encuentran atadas de mano a la hora de presentar sus propuestas a los estamentos superiores, más empeñados en estimular políticas contradictorias desde sus diferentes tentáculos que impelan a los artistas a aplastarse si cabe aún con más fuerza contra esa malla masificada.

A nadie le importa el off

Las salas jóvenes no interesan: si sobreviven dos años, pensaremos en subvencionarlas. Antes, que lo intenten, que lo intenten todas las que quieran, es lo que dice la ley, pero parece que hemos olvidado que la ley debería ser una herramienta del pueblo y no de los políticos, aunque ya es muy tarde para toda esta demagogia, somos demasiado cobardes y somos -ya ni siquiera “estamos”- demasiado civilizados.

No se quiere aceptar que en España al teatro no se le deja aprender, progresar, siempre supeditado a las reyertas, pactos del gobierno y demás sillones de sus entretelas. No existe respaldo a la cultura, ni al público y a su creación, ¿qué vamos a conseguir nosotros solos ante una sala vacía? ¿Por qué no se pide ayuda al espectador que debería ser mucho más numeroso que nosotros? Yo mismo respondo, veréis la trampa: porque esos espectadores no son tan numerosos pues hemos acabado siendo nosotros mismos los espectadores de algunos espectáculos y muchas vanidades. El público del off ya no es un público, ha dejado de serlo. Ese público es privado, un reducto endogámico, una malformación de lo que debería ser, otro monstruo surgido del cedazo podrido.

El teatro on se mantiene. Publicidad a espuertas y una oferta que para el espectador general parezca única, a todo bombo y platillo, que no se escuchen otras voces más débiles. Y además siempre gusta o, por lo menos, se aseguran el entretenimiento.

Sin embargo, en el teatro off te la juegas al todo o nada. Si un espectador que no pertenezca a la profesión se asoma a tu propuesta y no le gusta, no volverá.

En el on se sobreentiende que existen unos criterios de calidad. Se sobreentienden, porque en qué momento la calidad se casó con la taquilla, y el interés con la taquilla, y el arte con la taquilla... La taquilla, la liquidación, esa gran amante polígama que ahora tienta a la escena off como una mujer madura promete hacerle descubrir el amor a un recién adolescente.

A pesar de todo, siguen abriendo sus puertas enclaves que no poseen ambiciones económicas, sino artísticas. Probad a encontrarlos. No es fácil, pero saben mejor si implica esfuerzo. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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15 noviembre diciembre

El libro teatral en dos continentes

S

i editar un libro de teatro es una quijotada, hacerlo en comunidad iberoamericana de las artes escénicas.

España y México lo es doble. ¿Por qué? La publicación de Las Acrobacias del espectador de Gabriele Sofia libros que no sean novelas, impulsadas por la mercadotecUn misterio ancestral: la reunión de la masa compacta equivania, no tiene ningún futuro lente a un ser monstruoso de mil ojos a comercial. Editar poesía, ensayo o la espera de su alimento, el acto escéteatro es un acto de fe que algunos nico que ha de proporcionarle emoción, aventureros asumen con dignidad. risa, terror y placer.

Gracias a ellos estos géneros funEl público siempre ha sido un enigma damentales de la literatura siguen en la creación teatral: cómplice y adverpresentes en algunas librerías. sario; ente en apariencia pasivo, indisY aquí entran en escena las revispensable física y económicamente para tas que acogen este artículo: Artez el espectáculo; frívolo, dador de glorias en España y Paso de Gato en Méxiefímeras. Tal vez por un temor atávico, el co que han creado sus respectivas público ha sido poco estudiado por parte editoriales: Artezblai y las ediciones de teóricos y creadores escénicos.

Paso de Gato; gracias a estas dos Esta carencia se subsana en parte empresas independientes tenemos gracias a este ensayo de Gabriele Sofia acceso a obras teatrales de escrien el que el autor utiliza los avances de tores contemporáneos, a nuevos las neurociencias para aproximarse al textos de dramaturgia, a ensayos estudio del público. sobre la teoría teatral y hasta ensaEl autor parte del principio que el auyos científicos en torno al quehacer ditorio está formado por individualidades escénico. Recorrer el catálogo de lo que conforman una unidad multiforme. publicado por estas editoriales es Las neurociencias se acercan a la explientrar a una caverna de asombros cación de esta comunión entre el público por la calidad de libros que ofrecen, y el espectáculo gracias al estudio de las indispensables para la comprensión llamadas neuronas espejo. Estas neude la escena contemporánea. ronas se encargan de crear la empatía Artez y Paso de Gato ya han reatan necesaria para la existencia del acto lizado varias colaboraciones, por teatral. Actores y público se encuentran ejemplo la convocatoria del Premio inmersos en la misma realidad del insLas Acrobacias del Espectador Internacional de Ensayo Teatral apotante escénico con una bagaje intelectual Neurociencias y teatro, y viceversa yados por el INBA (Instituto Nacioy emocional semejante. En este contexto, Gabriele Sofia nal de Bellas Artes) de México. Pero el escenario reúne al actor-público, en traducción de Juana Lor en 2015 han dado un paso adelante una acción-recepción que se confunde, prólogos de Eugenio Barba y Clelia Falletti al publicar de manera conjunta un lipues frecuentemente somos ambos a la epílogo de Borja Ruiz bro e iniciar de este modo una nuevez. De hecho la palabra actor significa colección El Gato en Zapatilla va colección: El gato en zapatilla. Y el que conduce la acción. publicado en México y España por Paso de Gato y la obra elegida para esta apertura La vida es acción y la eficacia del teaArtezblai. es: Las acrobacias del espectador. tro es convertir una realidad hipotética Neurociencias y teatro, y viceversa, en una verdad escénica. Esta es una de Gabriele Sofia un ensayo sobre función propia del cerebro según nos el cerebro, la teatralidad y las percepciones del público, una obra explica Gabriele Sofia. ideal para iniciar una colección.

En fin se trata de una obra indispensable para el entendimiento Nos dicen los editores en la presentación de la obra: del fenómeno teatral pactado entre sus dos creadores: el actor Dos editoriales que llevan una vida paralela muy similar, con (como representante del dramaturgo, del director escénico y de los mismos objetivos, (…) unen sus sellos y plantean, fuera de su propia idea del teatro) y el público (que también tiene su concualquier tutela institucional, una alianza operativa: hacer libros texto socio-cultural y económico). conjuntamente; el mismo libro impreso en México o España, eleEnrique Atonal gido de manera común para que sirva al progreso de toda la

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El teatro también se lee en el Salón del Matadero

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a Asociación de Autores de Teatro, en plena celebración de su 25 aniversario, organiza una nueva edición del Salón Internacional del Libro Teatral, la décima sexta, que tendrá lugar del 6 al 8 de noviembre en el Matadero de Madrid.

Un año más autores, editoriales, librerías, entidades culturales, asociaciones, centros de documentación y profesionales y aficionados al teatro volverán a reunirse en esta cita en la que se pueden no sólo conocer las últimas publicaciones sino adquirirlas junto con libros de fondo tan necesarios para la formación y el enriquecimiento de la profesión.

Pero además de la parte expositiva y de venta, el Salón incluye diversas actividades veteranas ya como el Concurso de Teatro

Express, en el que este año colabora ETC - Cuarta Pared y que tendrá lugar el primer día. Como novedad este año y tras el cierre de la actividad en Matadero la última jornada y en la Sala Cuarta Pared se representarán las cuatro obras finalistas del concurso, el Festival Escena Exprés.

Un año más se realizarán diversas presentaciones de novedades editoriales y se otorgará el Premio a la Mejor Labor Editorial que este año es para ‘Estreno Contemporary Spanish Plays’, por su difusión de las obras de autores españoles en EEUU. Además en el marco del Salón tendrá lugarla sesión inaugural del Máster en Escritura Dramática de la AAT y la UAH y se llevarán a cabo como ya es tradición lecturas dramatizadas, algunas de ellas en colaboración con la RESAD, la EMAD o ASSITEJ.

Los más pequeños serán los protagonistas de las sesiones de Microteatro Juvenil que tendrá lugar el día 6 por la mañana.

Los dramaturgos Javier De Dios López y Juan Pablo Heras.

Además en el marco de esta edición se va a celebrar el tercer Encuentro de Autores con Traductores organizado por la propia AAT y la Fundación SGAE el colaboración con Acción Cultural Española (AC/E).

Este encuentro contará con la participación de Marta Graziani (Italia), Stefanie Gerhold (Alemania), Maria Jatsiemanuíl (Grecia), Ivana Krpan (Croacia), Iride Lamartina-Lens (Estados Unidos) y Junko Okamoto (Japón).

Cabe destacar que la Asociación de Autores de Teatro, a propuesta unánime de su Junta Directiva, nombrará Presidente de Honor a Jesús Campos García.

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15 noviembre diciembre Estantería Teoría ‘Iluminación escénica.

Procedimientos del diseño’ de Arturo Nava Astudillo se suma a los escasos volúmenes que tratan el tema de la iluminación escénica en castellano. La editorial mexicana Paso de Gato es la encargada de la publicación de este cuidado y completo volumen que pretende ser, además de un instrumento para reducir la incertidumbre y saltar de la teoría a la práctica lumínica, parte del bagaje de los iluminadores escénicos, sin cuyo aporte las puestas en escena permanecerían en la oscuridad. El libro se presenta con un dvd con animaciones tridimensionales que brindan un panorama de los distintos diseños lumínicos y de sus resultados. Un completo libro en el que los profesionales pueden encontrar nuevas ideas y tener a mano las últimas novedades en esta materia. Un libro muy útil para todas aquellas personas interesadas en ampliar sus conocimientos y que debido a las escasas publicaciones se convierte en imprescindible y su edición, sumamente necesaria.

Teoría

Rubén Szuchmacher es el autor de ‘Notas para la puesta en escena y la dirección teatral’ un completo manual publicado por la UNAM de México. En esta obra, el autor, de una forma fluida y clara y a partir de su larga y fructífera carrera como creador escénico, brinda a la escena teatral contemporánea y a toda persona interesa sus grandes conocimientos.

Teoría

‘Entre láminas’ de Laura Szwark ha sido publicado por la editorial argentina Las Parientas y tal y como explica en su subtítulo, en su interior encontraremos una experiencia artística y educativa sobre el teatro kamishibai. Un libro teóricopráctico donde la transmisión y animación a la lectura se realizan interactuando con el Kamishibai- teatro de papel.

Teoría

Marta Jiménez Salcedo, alumna del máster en vestuario escénico impartido en el London College of Fashion de la Universidad de Artes de Londres recoge en ‘Jazmín de vestido, cristal y papel’, su experiencia en este máster. El curso, reivindica el vestuario de espectáculos como soporte de expresión artística. Libro editado por la Diputación de Huesca.

Estantería Teoría Ya está en la calle la tercera edición de ‘El actor creativo. La actriz creativa (Manual para conseguirlo)’ de Jesús Jara y Alfredo Mantovani. Al igual que las dos anteriores esta nueva edición es también de la editorial Artezblai y recoge a lo largo de trescientas páginas las experiencias de ambos pedagogos y clowns y que es considerado por ellos mismos, y en el buen sentido, como un libro “de autoayuda para los amantes del teatro”. El presente volumen sirve para los profesionales que quieran comprobar como andan “sus resortes creativos” convirtiéndose en una “auto-exigencia” como para aquellas personas que se inician en el arte de la interpretación pasando entonces como un libro de “auto-estimulación”. En palabras de sus autores es también “una guía inmejorable para quienes se enfrentan a la pedagogía teatral e incluso a la dirección de un montaje, porque aporta ejercicios y ejemplos suficientes como para conocer el ciclo completo”.

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Teoría

‘Cuerpos en movimiento’, volumen coordinado por Silvia Citro y Patricia Aschieri presenta los principales abordajes sobre la danza elaborados en la antropología sociocultural y da cuenta de su aplicabilidad para el análisis de una amplia variedad de prácticas de movimiento provenientes de diferentes tradiciones culturales. Publicado por Editorial Biblos.

Teoría

El libro ‘En clowncompañía’ de la Editorial Lumen se conforma de diversos ensayos de especialistas varios que además de conceptualizar este arte, abren nuevas vías en la poética del clown teatral para llegar a conseguir “la clownización de la cotidianeidad, un nuevo suspiro en cada una de nuestras respiraciones” tal y como explica su autor, Lucas Bruno.

Teoría

Denis Guénoun establece la genealogía del concepto, disipando así el estado de confusión teórico y práctico en el que hasta ahora se había mantenido la doble relación de la identificación del espectador y del actor con el personaje para lo que distingue tres grandes épocas esenciales en ‘¿El teatro es necesario?’ de Ediciones Antígona.

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Estantería Texto Teatral

La editorial Rey Lear ha publicado ‘Historia de Cardenio’ de William Shakespeare y John Fletcher. Esta obra, la más cervantina del genio inglés, estuvo desaparecido durante siglos y ha sido autentificada recientemente por la Royal Shakespeare Company. Su protagonista, está inspirado en Cardenio, uno de los personajes de la primera parte del Quijote.

Texto Teatral

Tusquets Editores ha publicado el ‘Teatro reunido’ de Arthur Miller en la que se recogen las piezas más significativas de uno de los dramaturgos estadounidenses más importantes del siglo XX. En este volumen se incluyen obras como ‘Todos eran mis hijos’, ‘Muerte de un viajante’, ‘Panorama desde el puente’ o ‘Después de la caída’ entre otras.

Texto Teatral

Tras la publicación de ‘Cenizas escogidas’ la editorial La Uña rota ha publicado ‘Barullo’ volumen que recoge las obras creadas por el dramaturgo y director Rodrigo García entre 2009 y 2015. Entre otras ‘Muerte y reencarnación en un cowboy’, ‘Gólgota Picnic’ y ‘Daisy’ junto con varios ensayos y reflexiones y algún texto antiguo pero inédito.

Texto Teatral La editorial Artezblai ha publicado las traducciones en castellano y euskara del Premi Born de Teatre 2014 ‘Un pie gigante lo aplasta todo’ / ‘Oin erraldoi batek denak zapaltzen ditu’ de Xavi Morató. Enric Gallén se ha encargado del prólogo que acompaña a ambas ediciones en el que destaca lo que realmente importa de esta obra, lo que en su opinión quiere contar Morató, “la preocupación de un sector de la juventud para sobrevivir en el marco de una sociedad occidental que se ha vuelto hostil contra ella”.

Xavi Morató es licenciado en Comunicación Audiovisual y con estudios de Dirección y Dramaturgia. Morató es el autor de más de una docena de obras (y guionista, como principal modo de vida) y casi todas ellas han sido llevadas a escena. Destacan ‘Boom Boom Boom’ galardonada con el Premio de Teatro Ciutat de Manacor Jaume Vidal i Alcover en 2015, ‘Musi...cal?’, ‘1 Altre Musical’, ‘La Dama’, ‘Generació de merda’ o ‘The Feliuettes’ entre otras además de varias obras de Microteatro.

Kiosko ADEteatro

Con un sugerente tema central como ‘Orson Welles y la teatralidad’ se presenta el número 157 de ‘ADEteatro’, un monográfico sobre el gran autor, actor, director y productor estadounidense que incluye además la publicación del texto teatral ‘UMMO un misterio’ de Ignacio García May, obra que tiene como personaje principal al propio Welles.

Sipario

La publicación mensual italiana Sipario publica su última edición, que conforman los números 785/786.

Entre lo destacado de esta doble edición se encuentra la entrevista realizada a Carlo Cecchi, un contenido especial dedicado a los festivales italianos y varios reportajes de eventos internacionales, como un festival en Budapest o programaciones en China.

Conjunto

La revista de teatro latinoamericano ‘Conjunto’ que publica la Casa de las Américas de Cuba da cuenta, abre su número 175 con dos extensos artículos sobre la performance en el continente americano firmados por Dwight Conquergood y Óscar Cornago junto a varios artículos sobre la escena latina en EE.UU y el texto ‘Noche tan linda’ de Pablo García Gómez.

Fantoche El número 9 de la revista ‘Fantoche’, continúa con su labor de investigación y estudio del arte de la marioneta y publica sendos artículos de Adolfo Ayuso y Francisco Cornejo sobre la desconocida relación del titiritero Harry Vernon Tozer, “considerado por muchos como el Gran Maestro del títere de hilo” según se destaca en la editorial de este número, con el titiritero castellano Teo Escarpa. La revista también recoge un reportaje sobre el Museo Galego da Marioneta ubicado en el Pazo de Liñares en Prado-Lalín, Pontevedra.

Inmaculada Palomar es la autora de la crónica sobre el taller impartido por Forman Brothers que tuvo lugar en el Monasterio de Santes Creus, Tarragona en julio del pasado año. Una extensa crónica en la que la autora ahonda en la metodología y los procesos creativos de la compañía checa. Completa el número la obra para títeres ‘Ayudad a las marionetas’ de Tomás Afán que se publica acompañada por las ilustraciones de Loida Cano.

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