Artez208

febrero 16 enero Carlos Gil Zamora

En el epicentro del sueño de cambios para lograr que la Cultura sea fundamental

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mpieza un tiempo de turbulencias que no tiene que tener consecuencias negativas para la Cultura si no todo lo contrario. Si nos atenemos a lo leído en los programas electorales después de los necesarios pactos y ajustes, tras atender a las urgencias sociales y económicas, se tendrá que establecer alguna estrategia política que libere de las actuales ataduras y esquemas caducos todo lo referente al amplio mundo de la creación, la producción, la exhibición de los valores culturales.

Volver a definir el concepto, su utilidad y su relación con la educación que viene a significar volver a reactivar el valor absoluto de lo cultural como elemento identitario y de significación democrática y ciudadana. Lo cultural por encima de lo mercantil y lo turístico. Sin necesidad de adjetivarlo, no utilitario. Un cambio total en el rango de prioridades para que vuelva a ser la Cultura, en todas sus expresiones, algo que reconstruya lo individual desde una socialización del arte, haciendo que desaparezca el estigma de entretenimiento a todo aquello que es mucho más que un rato de ocio, y que se considere la categoría del creador, del artista, como un bien común. Equiparable al de educador o sanitario, por dejarlo claro.

Los ajustes mencionados más arriba tienen que ver con todo lo que es el mapa cultural, especialmente en el apartado institucional con respecto a la constitución y los respectivos estatutos. Sin una revisión profunda de esta situación estructural que viene de los primeros años ochenta, sin avanzar en decisiones políticas que desbloqueen el actual estado de colisiones y que diseñen un marco de funcionamiento reglamentario nuevo, todo lo que se ha prometido, quedará en buena voluntad, pero sin posibilidades de llevarse a buen término.

Es urgente definir el marco competencial estatal en asuntos de

las artes escénicas, ver qué sentido tiene hoy el INAEM, cómo se puede justificar el despilfarro centralista, madrileñista de las unidades de producción de este ente, su relación con las autonomías y eso solamente se puede hacer, a mi entender, iniciando un proceso constituyente en lo general, pero especialmente en lo que nos atañe, que bien pudiera ser a través de un buena ley y de unos buenos presupuestos, y con la mirada puesta en crear el instrumento referencial que ayude a funcionar de la mejor manera en los próximos años.

Hay que tener la suficiente inteligencia política y cultural para aprovechar todo lo existente, los centenares de teatros, salas y auditorios de titularidad publica que son contenedores gestionados con criterios de mercado, comprometer a todo el mundo creativo y de producción no funcionarial con esos bienes comunes, buscar el equilibrio territorial, no solamente a base de números, sino de letras, de calidades y de planes de futuro, no de chapuzas clientelistas urgentes para dar un pan duro hoy que seguirá siendo hambre o mala alimentación mañana.

Quizás todo lo que se pueda proclamar desde este papel, no sea otra cosa que un acto dogmático sin valor alguno. La influencia que tienen en estos momentos los medios especializados en artes escénicas se circunscribe a un uso perverso de su supuesta capacidad para difundir, es decir como simple acto de propaganda. Se busca al público, a los públicos, como si fuera algo homogéneo, y en ciertos sectores del sistema de producción sí se logra ese producto para un tipo de consumidor específico, que se confirma con la sospechosa unanimidad en las programaciones de demasiados teatros de titularidad pública y programación comercial.

Todos hemos caído en mayor o menor medida en ese pozo sin fondo, en esa confusión. Quizás una revista especializada independiente

Número: 208 - año 20 · Enero / Febrero 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Foto de la obra ‘Julio César, fragmentos’, de Romeo Castellucci por Socìetas Raffaello Sanzio

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Editorial

Opinión 4 - 5 6 7 70 71 72 - 73 74 75 76 77 78 79

Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán El lado oscuro – Jaume Colomer Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be El método griego – María Chatziemmanoui

Estrenos 10 - 11 El Retablo de las Maravillas de Miguel de Cervantes por Morfeo Teatro 12 - 13 El florido pensil Niñas - Neskak de Andrés Sopeña por Tanttaka Teatroa 14 ¿Por qué Jamil? de Patxo Telleria por Tartean Teatroa 15 Oskara de Jon Maya y Marcos Morau por Kukai Dantza 16 - 20 Resto de estrenos

Festivales 22 - 24 XII MADferia 26 - 27 XXIII Festival Internacional Santiago a Mil / V Festival Internacional Santiago Off 28 - 29 XVII Festival Escena Abierta de Burgos 30 XXXIII Festival de Teatro de Málaga / Kultur Maratila 2016 56 - 57 XXXIX Jornadas de Teatro de Eibar 58 Miscelánea de festivales

Suplemento 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

31 - 54 FETEN 2016 - XXV Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas

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debería servir, también, para marcar tendencias estéticas, para dar a conocer movimientos, autores, directoras que estén proclamando algo nuevo. El día que escribo estas líneas, en un periódico barcelonés se recalca que de los escenarios catalanes ha desaparecido el riesgo estético. Es algo obvio. Es una tendencia de mucho antes de la crisis, pero que con su excusa se ha cronificado. Es un síntoma más de un deterioro general, de una falta de criterios, de asumir un discurso imperante en los gremios que controlan hoy en día todo el movimiento más visible del teatro que lleva a ese estancamiento, a esa subrogación de los deberes cuando hablamos de teatros de titularidad pública que sostiene la programación producida por los teatros privados. Esto no es una opción, sino una constatación.

Si quienes están al frente de todas las asociaciones, gremios, sindicatos, redes y academias, son los mismos de siempre, va a ser muy difícil que se introduzcan nuevas ideas, que se acepte como hipótesis de trabajo la imperiosa necesidad de cambiar de paradigma, de estudiar otras posibilidades de organización para aprovechar mejor los recursos y crear vínculos diferentes con la ciudadanía. Hay experiencias notables. No quiero estigmatizar a nadie por su edad, porque veo, leo, escucho a jóvenes gestores y directores con discursos decimonónicos, pero con esa soberbia del adanismo cultural tan nefasto porque las esperanzas creadas se pueden volver frustraciones y desencanto en pocos meses.

Nosotros vamos a seguir buscando nuestro lugar. Quizás con otro tipo de relación. De momento quedamos a la espera, nos metemos en los veinte años, una bonita edad para replantearse todo. No esperamos mucho de los nuevos tiempos, simplemente conque se nos quite de encima la bota de la indiferencia y del desprecio ya sentiremos alivio. No estamos para dar lecciones, queremos acompañar, como hasta ahora, a una parte de las artes escénicas vascas, españolas, europeas e iberoamericanas. Lo hacemos con muy pocos recursos, pero nuestra labor ahí está. Hemos llegado hasta aquí después de muchas fases y circunstancias diversas. Continuar es un reto que tiene que ver más con la ilusión, las fuerzas, el sentimiento de pertenencia y utilidad que de una cuestión meramente económica, que influye, calor que sí, y mucho, porque el año pasado, el 2015, ha sido glorioso, ya que por unas circunstancias u otras, no hemos recibido ni un ayuda ni subvención de ninguna institución pública o privada para la edición de esta revista, ni de nuestro periódico digital, www.artezblai.com, que sigue con unas estadísticas verdaderamente destacables, superando la media de diez mil visitas diarias, ni para la edición de libros, en este caso con alguna salvedad de colaboración puntual, ni mucho menos para la Librería Yorick, que curiosamente es algo que funciona por sí misma, lo que nos coloca ante una contradicción, lo único que es estrictamente mercantil, pues se trata de comprar y vender, es lo único solvente, que se mantiene gracias a su especialización y al trabajo profesional constante y las relaciones con Iberoamérica. Se ha convertido en una suerte de consulado teatral. Y no solo para los amigos americanos, también para muchos teatreros de la península ibérica. Lo que nos honra

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En gira 60 - 64 Programaciones varias

Teatro amateur 66 - 67 Teatro Estudio de San Sebastián 68 Noticias y convocatorias

Zona abierta 80 - 81 Escaparate

16 enero febrero Rondas escénicas

María-José Ragué-Arias

Personajes femeninos de la tragedia griega

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e permitirán hoy que aborde mi comentario con más subjetividad de lo que ya es habitual en todo artículo de estas características. Es para hablar de Tragedia que es para mí lo más profundo que nos ha dado el teatro de todos los tiempos –incluido Shakespeare–. De hecho, el teatro surge justamente de la tragedia, la tragedia griega, claro está. Y sus orígenes están en el ditirambo y en los mitos.

Porque la tragedia surge de las esencias de la humanidad y de su proyecto de colaboración humana, de ese adoctrinamiento del pueblo que se hace partiendo de las grandes representaciones trágicas, de esos mitos y esos personajes tan por encima de los humanos. Especial interés tienen los personajes femeninos que en sus encarnaciones se ligan a las esencias de la mujer, a la maternidad, o a la virginidad, en ocasiones al amor… Si contemplamos los grandes mitos femeninos podemos agrupar los más profundos en torno a la maternidad. Clitemnestra es asesinada por sus hijos Orestes y Electra; Medea, despechada por su marido Jasón, es asesina de sus hijos; Yocasta se acuesta con su hijo Edipo, Fedra quiere acostarse con Teseo, el hijo de su marido, Hécuba es la madre de todos los hijos muertos en las guerras. La maternidad en la tragedia griega está en el núcleo de lo trágico… Pero en nuestra contemporaneidad, si no es para dar relieve a las ruinas y vestigios de los teatros griegos en algunos festivales de verano, la tragedia suele estar ausente de nuestros escenarios.

Me ha proporcionado gran satisfacción comprobar que tres de nuestros mejores directores de escena, y con el apoyo del Teatro de la Abadía, que regenta José Luis Gómez siempre abierto a propuestas de entidad, se ha creado Teatro de la Ciudad formado por Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol. Su primer proyecto- “Mito y razón” ha sido la puesta en escena de tres grandes tragedias, Y tras estrenar en Madrid y girar por otros teatros, las ha presentado en el Lliure de Barcelona, donde he podido ver las tres en una única sesión, lo que también me parece un acierto porque la duración de cada una de ellas se ha concentrado aproximadamente en hora y media. El objetivo de Teatro de la Ciudad es investigación, reflexión, producción, exhibición… y apertura a nuevas propuestas. Son tres nombres que han demostrado ya la creatividad de sus espectáculos. En Barcelona pude ver “Delicadas” dirigida por Sanzol, “Urtain” dirigido por Lima, “La función por hacer” y “La violación de Lucrecia” dirigidas por Miguel del Arco. Para ellos, revisitar la tragedia es un gesto político importante. Ahora han puesto su creatividad al servicio de los trágicos conflictos de “Edipo”, “Antígona” y “Medea”.

Me entusiasmó el “Edipo Rey” que dirige Alfredo Sanzol, un director cuyos éxitos hasta ahora, no habían abordado el tono trágico. Me entusiasmó su aparente sencillez, su nivel de comprensión

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emotiva, su tratamiento poco enfático de los personajes sentados en una mesa, la diáfana claridad del coro,… Sentada en mi butaca sentía revivir las emociones del gran texto clásico, del gran mito de Edipo, casado con su madre Iocasta y asesino de su padre. Nos cuenta una historia, un mito, y podemos comprenderlo, reconocer las palabras trágicas de la tragedia, reconocer a sus personajes, sentados todos en la misma mesa y revivir la emoción de sus esencias, de su tragedia. Es una puesta en escena clara, con el acento puesto en las interpretaciones que nos permiten escuchar las palabras y revivir el mito.

“Medea” que dirige Angel Lima, es la tragedia de la hija del rey de la Colquide que traiciona a su padre y da el Vellocino de Oro al extranjero Jasón con quien huye a costa de matar a su hermano y luego al rey Pelias y que ya en la Cólquide, cuando se ve abandonada por Jasón, interesado siempre por el poder y que va a dejarla para casarse con la hija del rey, su gran venganza es matar a sus hijos. Es el deseo de hacer todo el daño posible al culpable de su desdicha. Una escenografía desbordante llena el espacio presidido por el cuerpo juvenil de Medea presa de alaridos entre las flores de su cuerpo semidesnudo, una estupenda Aitana Sánchez Gijón; y “miles” de niño al fondo esperan la muerte… en una suave coral. Al fondo, una corifea canta y desgrana los sones de un contrabajo. Es un bello espectáculo, quizá demasiado bello pero impactante.

Finalmente tenemos a “Antígona”. El núcleo de la tragedia se basa también en la familia y en la igualdad que en ésta deben tener los hermanos. En la Guerra de Tebas, uno de sus hermanos, Polínices, lucha contra la ciudad, gobernada por Creonte, hermano de Iocasta, quien prohibe darle sepultura. Antígona desafiará al tirano, cubrirá el cuerpo de su hermano y será castigada y conducida a su muerte en una cueva. Espectacular escenografía que nos la representa por un gran globo transparente que sube hasta “el cielo” del escenario. Es la guerra civil, y en este sentido ha sido reutilizado el mito en el teatro del siglo XX entre la Guerra Civil y la Democracia Como ejemplo representativo podemos citar la “Antígona” de Salvador Espriu en catalán. Aquí Miguel del Arco ha creado una versión propia. Lo más innovador es el cambio en la figura del poder que será un Creonte femenino encarnado magistralmente por Carmen Machi, sobria y segura en su protagonismo. Antígona debe atenerse a su propia identidad. Creonte mantiene su ser esencial. la identidad de ambos está en juego pero no se destruye.

Y el espectáculo –excelente–, la trilogía, nos permite reflexionar. Son tres personajes, tres mitos, tres tragedias...

Ojalá el Teatro de la Ciudad prosiga por el camino iniciado.

Revivir y repensar la tragedia griega me parece importante para el teatro actual y para nuestra contemporaneidad.

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Desde la caverna

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David Ladra

El teatro independiente

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l pasado noviembre se ha celebrado en el Museo Reina Sofía el primer seminario de los tres que están previstos sobre “El teatro independiente en España: 19621980”. Participan en dicho proyecto, que se va a extender durante los próximos tres años, el Centro de Documentación Teatral del INAEM que ha organizado este primer encuentro, el Institut del Teatre de la Diputación de Barcelona y el Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía. Una plataforma digital (http://teatro-independiente.mcu.es) llevará a cabo un seguimiento continuado del proyecto en el que se incluirán tanto la documentación objeto de los seminarios como los materiales aportados desde el exterior.

Con el declinar del teatro de cámara y la desaparición de los teatros universitarios al abolir el gobierno franquista el SEU en 1965 quedaba prácticamente practicable aquel espacio “no profesional” que ya habían empezado a invadir desde principios de los sesenta unos cuantos grupos de teatro que alardeaban de ser “independientes”. Y en realidad lo eran puesto que, aun atrapados por las circunstancias históricas en las covachas de una dictadura, se tuvieron que inventar a sí mismos tanto en sus aspectos organizativos como en lo referente a su repertorio, relación con el público, recursos escénicos y forma de actuación. De buscar un fin último que todos persiguieron ése sería la profesionalización. No en el sentido, que más tarde se daría en la Transición, de dar el salto al teatro “profesional” que ellos despreciaban, sino de crear un medio propio que lo sobrepasara en fuerza, entrega, calidad, y sentido social. Una vez planteados estos objetivos, cada grupo de los más de los cien que llegaron a existir tuvo que resolverlos a su manera aunque inspirados todos en fuentes comunes como el recuerdo de La Barraca lorquiana o de las misiones pedagógicas de la Segunda República, el ejemplo del teatro radical que se llevaba a cabo en los USA, la irrupción en toda Europa del teatro épico de Bertolt Brecht o la lectura de revistas que como Primer Acto, además de la información del teatro más avanzado, proporcionaban muchos de los textos que se ponían en escena.

Aparte del afán por profesionalizarse, una segunda característica de los grupos del teatro independiente fue su carácter colectivo. Obligados por la legislación, que limitaba a tres el número de funciones que se podían dar en una sola localidad, los grupos se hicieron itinerantes y sus miembros se convirtieron, como en la época del teatro áureo, en cómicos “de carretera y manta” que recorrían el país de arriba abajo. Ahora bien, esta itinerancia no sólo se convirtió en su manera de vivir sino que fue determinante a la hora de concebir sus medios de producción y su trabajo artístico. Por primera vez en nuestro teatro moderno, se puede hablar de una creación colectiva que atañe no sólo a la materialidad de las artes escénicas (todos hacen de todo) sino también a los dos aspectos que el teatro tradicional siempre consideró fundamentales: la interpretación y la autoría. Partiendo de la base de que lo principal consiste en llegar al público sin trabas, sus actores no se suelen perder en los matices sino que acuden a los medios tradicionales del teatro popular: el gesto, el movimiento, el juego de la voz, la expresión corporal… Y uno de los primeros afectados por esta manera de actuar va a ser el propio texto y, como consecuencia, el autor. Un autor que será a veces todo el colectivo o

que incluso, en ciertas ocasiones, no será. Y es aquí donde se establece la gran diferencia entre los grupos independientes: aquellos que, aunque modernicen las formas, confían el contenido a los renglones del texto de un autor y aquellos otros que, plenamente colectivizados, prescindirán de él.

Profundamente antifranquistas y opuestos al teatro de la burguesía, todos se refirieron a aquel gran sueño de la época que fue la cultura popular. Pero así como muchos aspiraban a reunir al pueblo en torno suyo, pocos fueron los que lo consiguieron. Entre ellos se encuentran el Teatro Estudio Lebrijano de Juan Bernabé y La Cuadra de Sevilla de Salvador Távora, ambos con un título inaugural, Oratorio y Quejío respectivamente, que era puro teatro popular. Un grupo de los más baqueteados en número de prohibiciones gubernamentales y kilómetros recorridos fue Tábano, por el que pasaron gentes como Juan Margallo, José Luis Alonso de Santos, Guillermo Heras, Enriqueta Carballeira o Gloria Muñoz. Su montaje de Castañuela 70 constituyó un excelente ejemplo de lo que fue el teatro político de oposición, teniendo el público que abrirse paso por entre un muro de falangistas, secretas y guerrilleros de Cristo Rey para acceder al teatro de la Comedia en el que se daba la función. Casi hermanos gemelos de los miembros de Tábano, los Goliardos de Jesús Cracio siguieron un camino paralelo. Más que a la creación colectiva a la que tanto recurrió Tábano, los Goliardos montaron autores de vanguardia: Arrabal, Beckett, Mrozek, Brecht, cuya Boda de los pequeños burgueses fue uno de sus mayores éxitos. Otro grupo madrileño de impacto fue el Teatro Experimental Independiente (T.E.I.), dirigido por William Layton y José Carlos Plaza, que se inaugura con dos piezas, Historia del zoo de Edward Albee y Proceso por la sombra de un burro de Dürrenmatt, que dan fe de su vocación por autores extranjeros contemporáneos.

Barcelona fue un verdadero hervidero en lo que a creación de grupos respecta: Els Joglars de Albert Boadella trabajando siempre con argumentos y textos propios; la Escola d´art dramàtic Adrià Gual fundada por Ricard Salvat y Maria Aurèlia Capmany, que puso en escena hasta ciento cincuenta montajes de autores tan relevantes como Espriu (Ronda de mort a Sinera, Primera historia d´Esther), Brecht, Sartre, Peter Handke, Pirandello, Adrià Gual, el propio Salvat o Santiago Rusiñol; el grupo Cátaros del dramaturgo Alberto Miralles, ligado al Institut del Teatre de Barcelona y en el que participaron gentes como Joan de Segarra, Lluìs Racionero, Carlos Ballesteros, Mario Gas o Albert Boadella; y otros grupos volcados en la creación de espectáculos de calle de corte popular como son todavía Comediants o Dagoll-Dagom. Pero no sólo los independientes se dieron en las dos capitales teatrales del país sino que se extendieron por toda su geografía con grupos como Akelarre de Bilbao, Esperpento de Sevilla, La Cazuela de Alcoy, el Teatro de la Ribera de Zaragoza, el Teatro Universitario de Murcia dirigido por César Oliva… y tantos más.

Las fichas de los grupos, sus espectáculos y sus miembros junto a los lugares en que representaron, sus encuentros y festivales y una extensa bibliografía se pueden encontrar en el portal indicado al principio. De su revisión se hace patente que el del teatro independiente fue el fenómeno teatral más importante en el país durante la segunda mitad del siglo XX. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 enero febrero Morfeo Teatro estrena El Retablo de las Maravillas

Un cuarto cubista, escenario de un Cervantes muy actual

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espués de presentar títulos como ‘La Escuela de los Vicios’, ‘El coloquio de los perros’ o ‘El Buscón de Quevedo’, Morfeo Teatro lleva a escena un nuevo montaje, El Retablo de las Maravillas, obra que en este año cervantino pretende rendir homenaje al pensamiento más humanista del autor. Se trata así de una cruel sátira basada en una selección de varias obras de Cervantes, que teniendo como pieza principal el mencionado entremés, recoge también una selección de fragmentos de diversas obras del propio autor, que darán coherencia dramática al conjunto de la obra. Entre ellas se encuentran ‘La elección de los alcaldes de Daganzo’, ‘El juez de los divorcios’, ‘El coloquio de los perros’, ‘Pedro de Urdemalas’ 10

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y ‘Don Quijote de la Mancha’, además de aforismos, cartas y singularidades poéticas de Cervantes. Según Morfeo Teatro, “es uno de los proyectos que prometen ser más singulares y ambiciosos de la compañía”.

El Teatro Principal de Burgos acogerá el 30 de enero el estreno de la última producción de Morfeo Teatro, compañía que tiene el objetivo de adaptar o rescatar piezas poco habituales en el repertorio clásico, asumiendo un vanguardista sentido de la puesta en escena. Su último reto es por tanto ‘El Retablo de las maravillas’, uno de los ocho entremeses escritos por Miguel de Cervantes y publicados en el tomo “Ocho comedias y ocho entremeses nunca representados” de 1615. En la obra, donde el autor opina sobre la sociedad de su época,

se presenta el denominado metateatro o “teatro dentro del teatro”. De esta manera, se verá una historia con la particularidad de que no puede ser vista por hijos bastardos o por gente de sangre no pura, es decir, por aquel que no fuese cristiano viejo y tuviese ascendencia mora o judía (tan de acuerdo con los estatutos de limpieza de sangre de la época). Los mandatarios del pueblo simularán así ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. El espectador, consciente de que están timando a los asistentes, incluyendo a las autoridades, se divierte por la crítica de costumbres que supone esta trama. La obra presenta por tanto un engaño de cómicos, una divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época.

enero febrero El Retablo de las Maravillas cuenta con la dramaturgia y dirección de Francisco Negro.

El elenco está formado por siete intérpretes, entre los que se encuentra el propio Negro, además de otros actores habituales de la compañía (Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy). Por otra parte, destaca la participación como actor invitado de Joan Llaneras (Premio Ercilla de Teatro), que protagonizará el personaje de Cervantes, quien se mostrará indignado por aquellos que aspiran a gobernar, denunciando su ignorancia y falta de preparación. El autor jugará, dentro de su propia obra, un papel crucial a la hora de destapar el mencionado engaño.

Tras el estreno en Burgos, el montaje tiene ya programada una extensa gira nacional dentro del Programa Platea, así como el Teatro Principal de Zaragoza, La Coruña, Aranda de Duero, Motril, Toledo o Donostia, además de su participación en las Jornadas del Siglo de Oro de Almería y el Festival Internacional de Teatro Contemporáneo de Badajoz. En opinión de la compañía, “este montaje rinde homenaje a Cervantes, a la figura literaria más universal que dieron nuestras letras, a un genio

sin precedentes, que tras una azarosa, y a veces contradictoria vida, nos regaló los más bellos y profundos escritos de la lengua castellana sobre la condición humana, sobre el carácter de los españoles.

Cervantes fue un hombre de su tiempo, de sólidas convicciones ante la decadencia de su época; murió viejo, pobre, y desencantado por el olvido en que le tenían sus compatriotas. Fue un hombre que creía en el honor, los principios y la justicia, en la importancia de ser honesto, de repudiar la avaricia, de tener un corazón noble capaz de denunciar los abusos de los poderosos y compadecerse de los débiles. Un hombre que criticó la rapiña en los negocios, el engaño, la prevaricación, la hipocresía, el premio a los necios y el olvido de los honrados, la envidia como pecado nacional. Un hombre que creyó en la ilusión de un mundo mejor y en la necesidad de pelear contra gigantes... un hombre de su tiempo, y ojalá lo fuera del nuestro”. metáfora del presente

La obra resalta con crudeza anhelos y bajezas de la sociedad de la época del

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autor, dentro de un juego de ilusiones teatrales que permite que el ácido discurso de Cervantes se exprese “como metáfora de nuestros días, para criticar la mediocridad de los gobernantes de su tiempo, así como la decadencia ética de sus coetáneos, en claro paralelismo con la nuestra”, afirman desde Morfeo Teatro.

En cuanto a la estética, el montaje se presenta como “una provocación visual e intelectual”. En una búsqueda de un espacio atemporal, la pieza se escenifica en un cuarto en el que se ha realizado una reinterpretación del ‘Guernica’ de Picasso. El famoso cuadro cubista se muestra en una gigantesca pared, esta vez vacío de personajes, ya que han sido sustituidos por los personajes de El Retablo de las Maravillas.

En vez de la tragedia picassiana, la estancia sirve, en tres dimensiones, como espacio de conflictos para representar la obra de Cervantes. De esta manera, Morfeo Teatro pretende equiparar a dos “grandes” de la creación en España: “el viejo autor inventó ‘la novela’, una nueva forma de contar la realidad; el pintor ‘el cubismo’, una revolución que pretendía mostrar la esencia de las cosas, la realidad no aparente”.

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16 enero febrero Tanttaka Teatroa estrena El Florido Pensil Niñas-Neskak

Había dos tipos de mujeres: las decentes y las otras

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Otra vez ‘El florido pensil’? Pues mire usted, qué quiere que le conteste... sí y no. Sí, porque volvemos a la misma escuela; aquella cuyas aulas estaban presididas por la Santísima Trinidad del Crucifijo, la foto del Caudillo y la de José Antonio. No, porque esta vez vamos a entrar por la puerta que tenía grabado en el dintel un cartel que rezaba ‘NIÑAS’. Eran dos mundos paralelos tan cercanos como distantes, dos universos encerrados en el mismo edificio con dos propósitos (des) educativos muy diferentes.”

Los creadores de ‘El florido pensil’, uno de los grandes éxitos del teatro vasco, nos abren ahora, de par en par, la puerta de aquella escuela nacional-católica por la que accedían las “Niñas” al colegio con el fin de formarse para el destino unívoco de madre abnegada y esposa sumisa. Se trata de “la premeditada barbarie de la educación femenina confiada a aquellos feroces y serviles ‘profesores’, puesta en escena, desde una mirada actual e irónica, por cinco de sus angelicales víctimas, hoy día mujeres hechas (y no tan derechas)...”.

El Teatro Arriaga de Bilbao presentará del 18 al 21 de febrero el estreno, tanto en euskera como en castellano, de El florido pensil. Niñas, producción de Tanttaka Teatroa que propone una mirada divertida, liberadora y contemporánea sobre la absurda e ilógica brutalidad del sistema educativo que dominó la España de la posguerra donde la escuela, cincel de la sociedad, y su ideología dominante había decidido poner al día el más profundo patriarcado medieval, y llevarlo a sus últimas consecuencias. “Desde el mismo estreno de ‘El Florido pensil’ en 1996 éramos conscientes de que habíamos contado una parte importante de la (des)educación practicada por la escuela nacionalcatólica, pero no todo. La obra se ceñía al punto de vista masculino. Nos faltaba la otra parte del curriculum, el otro lado del 12

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patio de recreo, la mirada desde la puerta de al lado; el mundo de las niñas”, afirman desde la compañía. Serán las actrices Loli Astoreka, Gurutze Beitia, Teresa Calo, Elena Irureta e Itziar Lazkano las encargadas de dar vida a las cinco muchachas protagonistas de la historia creada por Andrés Sopeña. Fernando Bernués y Mireia Gabilondo son los directores de la obra, que cuenta con la adaptación teatral de Kike

Díaz De Rada. “Siempre hemos querido hablar de esa doble tenaza que aprisionó ideológica y moralmente a la mujer en la España de Franco. Las circunstancias han hecho que se retrasara el momento. Pero ahora que nos han pedido la reposición de ‘El Florido’ con motivo de su vigésimo cumpleaños, hemos rescatado la idea de hacer la versión femenina”.

En ella se puede observar que la mu-

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jer fue el principal objetivo de la empresa moralizadora, pues resultaba que la mujer estaba naturalmente destinada para el matrimonio y para las labores domésticas.

Su carrera profesional venía a ser formar una familia y tener prole. Y en eso se ponían de acuerdo prácticamente todas y todos: la maestra, el cura, los padres, los moralistas, las cupletistas, las escritoras de novelas rosas... “En todos los escenarios de la acción se verá reflejada, a veces a las claras, a veces mediante retorcidos rodeos, que solo existían dos tipos de mujeres: las decentes y las otras”.

Serán una docena los personajes los que interpretarán las mencionadas actrices, entre los que se encuentra un único personaje masculino: el cura Secundino.

El resto de las protagonistas serán chicas que provienen de diferentes familias: la emigrante, la proletaria, la de caserío, la acomodada o la rica. “Ellas sufrieron doblemente esa (des)educación, primero como alumnas y después como mujeres, ya que lo que la escuela pretendió con ellas fue industrializar la producción de amas de casa a base de materias como ‘Labores’ u ‘Hogar’”. Para impartir esa materias estarán precisamente las distintas profesoras que también tendrán su espacio en el espectáculo, como la solterona o la retorcida catequista. La compañía ha contado para la puesta en escena con la participación de Edi Naudò, creador de la escenografía del montaje, Xabier Lozano, autor de la iluminación y Ana Turrillas,

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quien se ha encargado de realizar las labores de vestuario.

En cuanto al estreno, será el día 18 de febrero cuando el público tendrá la primera oportunidad de ver la versión en euskera de El florido pensil Niñas-Neskak, con dos funciones programadas. Del 19 al 21 se realizarán, por su parte, las representaciones en castellano, también en el Teatro Arriaga. A partir de entonces, el montaje tiene ya programada una extensa gira durante prácticamente todo el año, visitando así numerosas localidades vascas. Las citas más próximas serán Ordizia (23 de febrero), Tolosa (26) y Basauri (27). El montaje formará parte también de la programación de dFERIA, feria de artes escénicas que se celebra en el mes de marzo en Donostia.

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16 enero febrero Tartean Teatroa estrena ¿Por qué Jamil?

Dos personajes y un conflicto a resolver

© Guillermo Casas

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l pasado mes de octubre la compañía Tar tean Teatroa estrenó el montaje ‘Zergatik, Jamil?’ en Donostia, el cual sigue ofreciendo sus representaciones en euskera y cuya versión en castellano se podrá ver por primera vez los días 4 y 5 de marzo en el Teatro Arriaga. La compañía ofrecerá además el día 3 dos funciones de su versión en euskera, también en el mencionado teatro bilbaíno.

Jamil, interpretado por Eneko Sagardoy, es un joven de origen magrebí que parece haber asesinado a sangre fría a un inválido indefenso postrado en su cama. El hecho de ser inmigrante alimenta la indignación popular. Por otro lado se presenta Xabier, personaje al que da vida el actor Mikel Martinez. Se trata de un hombre que sufre una parálisis progresiva, y que ha sabido 14

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encarar su enfermedad con valor y alegría de vivir. Un hombre casado con una mujer que le quiere pero que no sabe o no quiere comprender su voluntad.

“Con esta materia prima se podría construir un drama social en toda su crudeza.

Pero he preferido crear una estructura que, sin renunciar a la hondura que los conflictos requieren, resulte un estimulante y activador ejercicio de suspense teatral. Como en todo suspense, el espectador hace desde un principio sus propias cábalas, que, si la estructura está bien armada, resultarán refutadas por la realidad. El espectador realizará sus juicios previos, cayendo, seguramente en las mismas trampas que cae la sociedad que refleja la pieza. Los prejuicios del espectador son los prejuicios sociales”, explica Patxo Telleria, autor del texto.

¿Por qué Jamil? plantea por tanto un conflicto, un asesinato sin explicación. Esa es la trama de la historia dirigida por Jokin Oregi y el propio Patxo Telleria. Forman también parte del equipo artístico de la obra Pascal Gaigne (música) y Xabier Lozano (iluminación), entre otros. El espectáculo ofrecerá diversas funciones en euskera durante estos meses de enero y febrero, en localidades como Lekeitio, Arrasate, Errenteria, Durango, Bermeo y Zumaia, entre otras. A partir de marzo, por tanto, el público tendrá la oportunidad de ver el montaje en su versión en castellano. “Al cerrarse el telón sabremos que además de haber presenciado un ingenioso juego de intriga y suspense, hemos sido capaces de descubrir cuánto de bueno hay en el género humano”.

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Kukai Dantza estrena Oskara

Una pieza que indaga en las raíces de la cultura vasca

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ukai Dantza presenta un proyecto de danza que navega entre la raíz más popular y la expresión más vanguardista: Oskara. Jon Maya (Kukai) es el director del espectáculo, que cuenta con la coreografía de Marcos Morau (La Veronal).

La pieza se presentará los días 30 y 31 de enero en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia. Como anticipo del proyecto, los mencionados artistas ofrecieron del 17 al 20 del pasado diciembre en el Museo Guggenheim Bilbao ‘Oskara in Progress’, en homenaje a la ancestral cultura vasca reflejada en las obras de escultores como Eduardo Chillida y Jorge Oteiza, y diseñada en torno a la exposición ‘Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao’. Así, el Atrio del Museo acogió la propuesta en cuatro pases diarios de 15 minutos, además de una masterclass dirigida por ambos bailarines, en torno a los orígenes del proyecto Oskara, compartiendo con el público su proceso de trabajo. “Oskara es la unión entre dos universos coreográficos y dos miradas hacia la danza que navegan entre la raíz más popular y la expresión más vanguardista, planteando un nuevo universo escénico en el panorama nacional”.

Eneko Gil, Urko Mitxelena, Ibon Huarte, Alain Maya y Martxel Rodriguez son los bailarines del montaje, que ofrecerá también la voz en directo de Erramun Martikorena.

Se trata de un trabajo instalativo que recorre algunos pasajes de la cultura vasca, mitos, desde su origen hasta la época con-

temporánea y dibujan un recorrido plástico y emocional de símbolos e iconografía de fuerza ambigua y desconcertante que, de la manera más absoluta, contiene dentro de sí la historia de la experiencia humana. El código dramático apunta hacia un espectáculo articulado por un lenguaje de abstracción acentuado, casi violento, donde solo el orden en las composiciones puede aportar cierta lógica sensorial.

Para Oskara, La Veronal continúa sus investigaciones sobre el poder de la imagen a través de la oposición entre las propias imágenes en un trazo laberíntico que generan en la audiencia una atractiva experiencia de tropiezos y hallazgos a través del encuentro explosivo de danza, texto e imagen, y en la que cada individuo encontrará su propia

representación. “Enriqueciéndonos mutuamente, descubriendo nuevos espacios, compartiendo territorios comunes... Creando un imaginario que se sostiene en las raíces de la cultura vasca”, expresa Jon Maya.

Después del estreno y durante los próximos meses, el espectáculo tiene ya diversas funciones programadas, de manera que recorrerá ciudades como Bilbao (febrero, 3), Valladolid (marzo, 19), Gasteiz (abril, 15) o Iruñea (abril, 30). Oskara ha sido, por otra parte, seleccionado para el catálogo del circuito ‘Danza a Escena 2016’, un programa promovido por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) y coordinado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública.

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H eroiak

El Teatro Arriaga de Bilbao acoge el 20 de enero el estreno de Heroiak, pieza en euskera que llega de la mano de Txalo Produkzioak. La dirección corre a cargo de Begoña Bilbao Lejarzegi, quien afirma que se trata de un espectáculo que “mezcla el humor, lo absurdo y la tristeza”. Joxe Ramon Soroiz, Kandido Uranga y Ramon Agirre son los intérpretes de la obra de Gérald Sibleyras, que hasta ahora no ha sido representada en el Estado español. Los protagonistas de la historia, situada en Francia, son tres veteranos de guerra que pasan sus últimos días en una residencia enzarzados en batallas verbales de olvidadas campañas militares. Uno de ellos tiene una pierna lisiada, otro sufre de agorafobia y el último tiene desmayos ocasionados por un pedazo de metralla alojado en su cerebro. La obra muestra la relación que se establece entre los tres, sobre todo cuando deciden huir de la residencia.

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Ladydi

Ladydi (Prayers for the stolen) de Jennifer Clement ha sido premiada con el NEA Felloship for Literature y el premio humanitario Sara Curry. A pesar de estar recién publicada, los derechos de edición de la novela han sido vendidos a diecisiete países. La historia muestra la realidad del tráfico de drogas a través de Ladydi García Martínez, una muchacha que se hace pasar por un chico para evitar que los narcotraficantes la secuestren.

En la propuesta de Ados Teatroa, su discurso será un hilo conductor que dará paso a las distintas escenas en las que intervienen el resto de personajes, directamente, sin transiciones. Garbi Losada es la encargada de la adaptación y dirección del montaje, que será interpretado por cinco actrices y en el que no aparecerá nunca ningún personaje masculino. El espectáculo se estrenará el día 19 de febrero en la Casa de Cultura de Villava (Navarra).

Letter “Las cartas sirven para expresar las palabras que no pueden salir de nuestra garganta. Las cartas nos traen los ecos de las palabras que anhelamos escuchar; pero en ese camino pueden ocurrir muchas cosas y a menudo ese camino, ese viaje, se convierte en lo realmente importante, en el verdadero protagonista”. Letter (el viaje de una carta) es la sexta producción de Malas Compañías Zirko Taldea, y la primera creada para representarse en sala.

Diego Aimar, Mikel Pikaza y Aritza Rodríguez son los intérpretes que trabajan bajo la dirección de Agurtzane Intxaurraga. Desde la compañía confiesan que aunque han mantenido su forma de trabajar y entender la escena, el trabajo de creación ha sido diferente para ellos esta vez: “nos hemos alejado del que es nuestro ámbito ‘natural’ y hemos tenido que entender e interiorizar el ritmo, lenguaje y la energía de la sala, lo cual ha supuesto un bonito reto”. Letter es un cuento lleno de melancolía, que nos recuerda aquellos tiempos en los que las personas escribíamos cartas, “un pasaje que nace al mezclar la fantasía con la realidad”. El verdadero protagonista de la obra es el viaje que la carta realiza desde que nace del pensamiento del protagonista, hasta que la escribe, la manda y llega a su lugar de destino. Para ello, la compañía ha seguido el camino y el estilo abordado en sus trabajos precedentes, profundizando en un modo propio de trabajar el circo y el teatro, poniendo todas las habilidades del circo (acrobacia, equilibro...) a servicio de la dramaturgia para contar una historia, entendiéndolas como un lenguaje escénico que ayuda a transmitir ciertas emociones.

A la hora de crear los personajes, la compañía afirma tener claro que “el payaso es la base de nuestros personajes, no porque tengamos que ser graciosos, sino porque tenemos que ser de verdad”. Por ello, la conexión con el público y la transmisión de emociones son los elementos más importantes que buscan con sus personajes. Este montaje sin texto y con música de Carlos Imaz se estrena el 7 de enero dentro de los denominados ‘Cuartitos del Arriaga’ de Bilbao, con el objetivo de suponer un paso firme para que el circo vasco sea programado de un modo más estable en sala.

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Cervantina La Compañía Nacional de Teatro Clásico y Ron Lalá estrenan Cervantina, compuesta por piezas breves que reúnen sobre el escenario las adaptaciones de algunas novelas ejemplares y entremeses, además de fragmentos de piezas menos conocidas de Miguel de Cervantes, como el ‘Persiles’, ‘La Galatea’ o el ‘Viaje del Parnaso’. Se trata de “una celebración del mejor Cervantes, eterno y cer©David Ruiz cano, con sabor al inconfundible sello de Ron Lalá”. Yayo Cáceres es el director del montaje, que expresa: “¿Cómo se le ocurre a nuestro buen Cervantes poner a los personajes leyéndose a sí mismos? ¿Cómo puede hacer decir a una mujer que es libre hace cinco siglos? ¿Cómo crea a dos perros que hablan con discurso, a una gitana defendiendo a su pueblo o a un licenciado que cree que es de vidrio? La respuesta es: con imaginación, que solo existe con libertad”. Juan Cañas, Miguel Magdalena, Álvaro Tato, Daniel Rovalher y Íñigo Echevarría son los encargados de dar vida a esos personajes en una obra que cuenta con el mencionado Álvaro Tato como director literario. “Es tiempo de Cervantes. Su defensa de la libertad de acción, identidad y pensamiento, su ironía permanente, su lucidez generosa, tan necesaria en cualquier lugar y época, da fondo a sus mejores páginas, que parecen escritas hoy, casi mañana. Cervantina propone una inmersión en esas páginas, con respeto pero sin reverencia, para reabrir junto al espectador el arca de tesoros que guardan”, afirma Tato. El espectáculo se podrá ver en el Teatro de la Comedia (Madrid) del 14 de enero al 6 de febrero.

Hamlet Miguel del Arco versiona y dirige Hamlet, obra de William Shakespeare que presentan en coproducción la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Kamikaze Producciones.

En palabras de Miguel del Arco: “enfrentarse a Hamlet tiene algo suicida, lo que no es una mala premisa de partida ni para mí, que soy un Kamikaze, ni para el Príncipe, cuya conciencia anhela en no pocas ocasiones darse muerte para dejar de sufrir. Pero como dice ©David Ruano Harold Bloom, Hamlet «tiene una mente tan poderosa que las actitudes, los valores y los juicios más contrarios pueden coexistir dentro de ella coherentemente». El ser y el no ser a un mismo tiempo y de forma tan ilimitada como él mismo es capaz de pensarse, el sueño de una conciencia infinita. Un poema ilimitado habitado por un personaje ilimitado sobre un escenario que es puro espacio mental. ¡Alto! Si lo sigo pensando, tal vez sea incapaz de seguir adelante… O tal vez siga adelante y no sea capaz de pensar. La contradicción no ha hecho más que empezar. Me agarro a la frase de Nietzsche: «¡Contradícete a ti mismo! Para vivir es necesario permanecer dividido”.

El espectáculo cuenta con un elenco formado por intérpretes como Israel Elejalde, Ángela Cremonte, José Luis Martínez y Cristóbal Suárez.

Forman también parte del equipo artístico, entre otros, Eduardo Moreno (escenografía), Juanjo Llorens (iluminación), Arnau Vilà (música) y Ana López (vestuario). La obra estará en cartel del 18 de febrero al 20 de marzo en el Teatro de la Comedia de Madrid. El 10 de marzo realizarán un encuentro con el público.

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‘Vida de Galileo’ y ‘Cocina’, nuevas propuestas del CDN

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rnesto Caballero es el director de Vida de Galileo de Bertolt Brecht, montaje que cuenta con las labores de traducción de Miguel Sáenz. La obra, producida por el Centro Dramático Nacional, se podrá ver del 29 de enero al 20 de marzo en el Teatro Valle-Inclán de Madrid.

Ambientada en 1609, la pieza se centra en los últimos años de vida del investigador italiano. En su hogar en Florencia, que comparte con su hija Virginia, tiene ocasión de transmitir parte de sus conocimientos a Andrea, el hijo de su casera, la Señora Sarti.

Cuando Galileo hace públicos sus descubrimientos sobre el sistema solar recibe la condena de la jerarquía eclesiástica. Ni siquiera el acceso a la silla de San Pedro del cultivado Cardenal Barberini hace disminuir la presión. Bajo presión de la Inquisición, Galileo

renuncia a propagar sus tesis. En su aislamiento, recibe la visita de Andrea, convertido ya en estudiante universitario, al que hace entrega de su documento Dos nuevas ciencias en el que resume sus descubrimientos, pidiéndole que lo difunda más allá de las fronteras de Italia.

En cuanto al reparto de la obra, está formado por los siguientes intérpretes: Chema Adeva, Marta Betriu, Paco Déniz, Ramón Fontserè, Alberto Frías, Pedro García de las Heras, Ione Iarazabal, Borja Luna, Roberto Mori, Tamar Novas, Paco Ochoa, Macarena Sanz, Alfonso Torregrosa y Pepa Zaragoza. Por otra parte, la obra cuenta con la escenografía de Paco Azorín, el vestuario de Felype de Lima, la iluminación de Ion Anibal, la composición musical de Hanns Eisler y la música y el espacio sonoro de Javier Coble.

©marcosGpunto

La Sala de la Princesa del madrileño Teatro María Guerrero acogerá del 13 de enero al 21 de febrero el estreno de la obra Cocina de María Fernández Ache. “Nos encontramos en una cocina; a través de la puerta escuchamos una animada conversación. La luz y el ronroneo de un horno nos indican que algo se está cocinando... El buen vino fluye, la conversación es brillante, competitiva: arte, literatura, la vida, la muerte, budismo... Los comensales rezuman éxito (¿también los anfitriones?)... A medida que Antonio y Emma entran y salen de su cocina empezamos a conocer sus rostros público y privado y a percibir gélidas corrientes subterráneas de envidia, amargura, desdén... Antonio no puede soportarlo más; en un absurdo acto reflejo de ira, gasta una broma pesada cuyas consecuencias escaparán a su control...”. A partir de aquí, la obra hace al público testigo de una serie de desayunos y cenas en los cuales asistirá al desmantelamiento de un matrimonio, una carrera, y, probablemente, todas las re-

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laciones sociales que rodean a esta pareja. La liturgia del cocinar y comer se repite una y otra vez, mientras, a través de lo que hacen los personajes, crean y se convierten en lo que son.

Will Keen dirige este espectáculo producido por el Centro Dramático Nacional, que cuenta con las interpretaciones de Sonia Almarcha, Bruno Lastra, Luis Martínez-Arasa y Manolo Solo, además de las voces de María Fernández Ache, Mamen Camacho, Pilar Castro, Mercedes Castro y Cristobal Suárez. Forman también parte del equipo artístico, entre otros: Esmeralda Díaz, encargada de la escenografía y el vestuario; Pedro Yagüe, autor de la iluminación; Luis Miguel Cobo, creador de la música y el espacio sonoro; y Esther Gázquez, en las labores de caracterización.

Cocina explora los diferentes niveles de responsabilidad con los que nos enfrentamos a la hora de encarar las consecuencias de nuestras acciones y nos pregunta: ¿cuál es la relación entre la ley y la moral?.

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L a respiración Nuria Mencía, Gloria Muñoz, Pietro Olivera, Pau Durà, Martiño Rivas y Camila Viyuela son los intérpretes de La respiración, obra de Alfredo Sanzol producida por el Teatro de La Abadía y Lazona que se podrá ver en el mencionado espacio madrileño del 20 de enero al 21 de febrero. La obra cuenta, en clave de comedia, las alegrías y penas de una mujer separada, Nagore, en trance de recuperar su autoestima y de rehacer su vida. Gracias a los consejos de su madre, que tiene una intensa vida amorosa, este proceso se convierte en una verdadera aventura. “La respiración teje una red de relaciones familiares y afectivas, que ayudarán a Nagore a encontrar un nuevo equilibrio”. Contrario a su costumbre de terminar de escribir una obra y después iniciar su labor como director de escena, en este caso Sanzol ha querido desarrollar el texto ©Javier Naval en estrecho contacto con los actores del reparto, al hilo de las improvisaciones en dos talleres previos. Alfredo Sanzol expresa sobre la obra: “La respiración es un regalo para Lucía, para mí, y para todos los que como nosotros han visto el pabellón de su autoestima en lo más alto gracias al amor. Para todos los que como nosotros han visto el pabellón de su autoestima en lo más bajo gracias al amor. Para todos los que han conseguido que la posición del pabellón de su autoestima no dependa de nadie. Para todos los que sienten y piensan que, a pesar de lo que hagas con el pabellón de tu autoestima, cuando te enamoras te la juegas. Para todos los que se la juegan. Para todos los que ganan.

Para todos los que pierden. Para todos los que han conseguido aprender a empatar con la vida”.

Rinconete y Cortadillo Con dramaturgia de Alberto Conejero, Salva Bolta se encarga de dirigir a los actores Santiago Molero y Rulo Pardo en la obra de Miguel de Cervantes Rinconete y Cortadillo que presenta la compañía SeXpeare. El texto de Cervantes narra la aventura de dos pícaros de la España del siglo XVII que emprenden juntos un viaje a Sevilla, donde se verán rodeados de rufianes y farsantes. Allí vivirán situaciones de lo más extremo y pintoresco. “Rinconete y Cortadillo es una comedia sobre la picaresca, los niños prodigio, la amistad, la lucha entre la realidad y la ficción y sobre los parias con los que Cervantes dio paso a la modernidad”. En la propuesta de SeXpeare, los verdaderos Pedro del Rincón y Diego Cortado quieren ajustar cuentas con Cervantes por haber publicado a sus espaldas un episodio fugaz de sus vidas pero que les ha condenado por siempre a responder a la imagen de pícaros. “Como El gordo y el Flaco o Los Pecos, Rinconete y Cortadillo están condenados a seguir juntos para sobrevivir. Pero quizá ahora ha llegado la ocasión de limpiar su nombre”. El montaje cuenta con el vestuario de Tatiana de Sarabia, la escenografía de Arte & Ficción y la iluminación de Marino Zabaleta. La obra ofrecerá su primera representación el día 8 de enero en el Teatro Echegaray, en el marco del Festival de Teatro de Málaga. Del 17 de febrero al 13 de marzo el espectáculo estará en cartel en los Teatros del Canal de Madrid.

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La reina de la belleza...

Gerardo Vera es el director de La reina de la belleza de Leenane, primera y más representada obra del autor anglo-irlandés Martin McDonagh. El escritor ofrece una mirada perpleja al mundo rural y enrarecido de su Irlanda familiar, realzando el humor negro, ácido e irónico que destilará el resto de su obra dramática. La pieza está ambientada en el pequeño pueblo irlandés de Leenane, en la comarca de Connemara, donde viven Mag Folan y su hija Maureen, interpretadas en este caso por Terele Pávez y Ariadna Gil, respectivamente.

La anciana mantiene sujeta a su hija con todo tipo de chantajes y manipulaciones. Maureen ve cómo la juventud se le va sin poder encontrar ese hombre con quien formar una familia. Pato Dooley, también en el límite de establecer una familia o emigrar a los Estados Unidos de América, se acerca a ella. La madre intentará por todos los medios deshacer este acercamiento y cualquier posibilidad de futuro para su hija que no sea con ella. El montaje se podrá ver del 4 al 28 de febrero en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid.

El fill que vull tindre Se trata de la primera producción propia de Las Naves (Valencia), que surge de un laboratorio intergeneracional organizado por El Pont Flotant en el que han experimentado con personas de diferentes edades no vinculadas necesariamente al teatro, para recoger sus opiniones, reflexiones y experiencias en sus vidas respecto al tema de la educación y la formación. La compañía valenciana ha trabajado entre noviembre y diciembre con un grupo de individuos divididos en tres segmentos: de cinco años, de quince y de más de 65.

Para ello han localizado voluntarios en colegios, institutos, asociaciones y centros de día, cercanos a Las Naves. Los distintos puntos de vista han servido de material para el montaje final de El fill que vull tindre, que se estrenará en el Espai Mutant de Las Naves el 11 de febrero y en el que se pretende que estén reflejadas algunas cuestiones como las expectativas de los padres con sus hijos, el conflicto generacional, el proceso de reeducación o las alternativas a una enseñanza convencional. El montaje, que se podrá ver hasta el día 14 del mismo mes, está interpretado por Àlex Cantó, Jesús Muñoz y Pau Pons.

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La llista Coproducción del Teatre Lliure y La Brutal, La llista es un monólogo de Jennifer Tremblay, premio Governor General’s Performing Arts 2010. En él se presenta una mujer que elabora listas aparentemente banales de las cosas por hacer. Se ©Felipe Mena trata de un texto de alcance universal en el que se refleja una sociedad cada vez más alejada de lo esencial, perdida en las obligaciones cotidianas y desconectada de los hechos más simples.

Laia Marull es la intérprete de la obra, dirigida por la actriz Allegra Fullton, protagonista del montaje original, que afirma que “es un monólogo riguroso, exigente y atractivo que cuenta, de manera poética, la historia de alguien que sufre una terrible situación en nuestro ajetreado mundo moderno. Mientras hace equilibrios para hacer compatible la vida familiar, el matrimonio, el deber y el placer, un hecho pone en duda su mundo cuidadosamente construido”. Este espectáculo en catalán estará en cartel del 21 de enero al 14 de febrero en el Teatre Lliure de Barcelona, siendo la primera vez que se estrene la obra en el Estado español.

Frankenstein, no soy...

La compañía Pata Teatro estrena su nueva comedia para público familiar, Frankenstein, no soy un monstruo, que cuenta la historia del joven doctor Victor Frankenstein y que se presentará en el Teatro Cánovas de Málaga los días 16 y 17 del mes de enero. Se trata de la decimoséptima obra de la compañía malagueña, la décima de su producción que está dirigida a un público familiar. Esta nueva adaptación de ‘Frankenstein’ es una versión libre de la obra de Mary Shelley, más centrada en la visión de la criatura y en la humanidad del personaje, rompiendo los clichés convencionales del cine o del teatro. “A través de una tierna comedia, las emociones salen a flote, para dar paso a una obra que nos toca el corazón y nos sopla el cerebro”, afirman desde la compañía. El espectáculo está dirigido por Josemi Rodríguez y Macarena Pérez Bravo e interpretado por el propio Josemi Rodríguez y Carlos Cuadros. Pata Teatro, Premio Feten 2015 con su montaje ‘El Árbol de mi vida’, participará, entre otros, en la vigésima edición de Teatralia, el Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Jóvenes de la Comunidad de Madrid.

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16 enero febrero XII MADferia - Feria de Artes Escénicas de Madrid

La docena como muestra de una feria viva atadero y Cuarta Pared repiten como sedes de esta edición y M acogen un total de dieciséis espectáculos

Taxidermia de un gorrión es de L´Atelier

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a décima segunda edición de Madferia, Feria de Artes Escénicas de Madrid se celebra del 19 al 22 de enero en la sala Cuarta Pared y diversos espacios de Matadero, una nueva edición organizada por ARTEMAD, la Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas de Madrid que este año estrena director artístico, Javier Pérez-Acebrón quien recoge el testigo de Eduardo Pérez Rasilla.

Dieciséis espectáculos conforman la programación de este año entre los que se podrá disfrutar con único espectáculo de danza, Pollen Paradise de Cía Mar Gómez.

Dos piezas complementarias conforman este espectáculo creado, dirigido e interpretado por Mar Gómez y Xavier Martínez que dan vida a cuatro personajes en movimiento que junto a un invernadero, flores y plantas y proponen “un viaje humorístico y 22

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poético hacia los imperfectos paraísos que creamos los humanos, empujados por el amor y el deseo” dos piezas en las que sus respectivos personajes “trazan sus propios caminos en la aventura de construir su paraíso emocional”.

Circo y teatro

Las artes circenses toman protagonismo en Vincles de Tiá Jordá, un espectáculo en el que a través de las cañas de bambú, los cuatro artistas en escena transmiten la elegancia y la técnica del circo. Circ Bover estrenala versión de sala de esta obra en la que los elementos escénicos primarios se transforman con las emociones dando lugar a diferentes números de circo contemporáneo.

Junto con las dos obras mencionadas, la programación de adultos se conforma con

espectáculos de teatro como el que lleva a escena Atresbandes, Locus Amoenus, una obra escrita, dirigida e interpretada por Mònica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez una pequeña ficción ubicada en el vagón de un tren con destino incierto en el que se pone de relieve los paraísos prometidos a todas las generaciones y en consecuencia sus contradicciones.

La Rota Producciones presenta Lo que no te digo una reflexión sobre cómo el lenguaje entre los seres humanos se ha convertido en una comunicación y unas relaciones perversas donde nunca o casi nunca se dice lo que se piensa. Nur Levi –autora del texto– da vida a un personaje inmerso en una situación paranoica intentando descifrar los constantes mensajes “ocultos” tras las palabras, un personaje cómicamente obsesivo, única protagonista

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La petita malumaluga

de esta obra dirigida por Cristina Rota.

Taxidermia de un gorrión es una obra escrita por Ozkar Galán que ha subido a los escenarios L´Atelier bajo la dirección de Fernando Soto. Garbiñe Insausti, Lola Casamayor y Alberto Huici ponen en escena el una entrevista ficticia entre Camile Schultz, una reportera especializada en fotografiar animales y una gran diva, Edith Piaf. A partir de este controvertido encuentro la obra disecciona el origen, la naturaleza y la necesidad de creer y crear mitos convirtiéndose en un viaje emocional a través de los acontecimientos que han propiciado el nacimiento y ocaso de una estrella, de una Diosa.

Carolina África es la autora y directora de Vientos del levante una propuesta de La Belloch Teatro que lleva al público a un verano en la bahía gaditana. Hasta allí

ha viajado Ainhoa, una escritora inmersa en una crisis personal para visitar a su amiga Pepa, psicóloga que desarrolla su labor con enfermos mentales y en el área de cuidados paliativos de un hospital. Una historia sencilla llena de humor y amor en la que las protagonistas compartirán la frágil frontera (o el cruel muro) que nos separa de la locura y afrontar la muerte como algo natural y cercano.

Actualidad y geopolítica

La actualidad política es el tema central de varias propuestas de esta edición, entre ellas la que presenta Meridional Producciones, Los esclavos de mis esclavos, una obra escrita por Julio Salvatierra y dirigida por Álvaro Lavín que explora el día a día de los rehenes

en oriente medio. El propio Lavín junto con Elvira Cuadrupani, Inés Sánchez y Fran Cantos dan vida a varios cooperantes secuestrados en las montañas de Afganistán y a uno de sus captores. Una obra protagonizada por cuatro víctimas de la situación geopolítica actual que la compañía aprovecha para “plantear cuestiones a las que quizás no todos demos las mismas respuestas”.

Julio Salvatierra es también el autor de Éxodo un proyecto de investigación con idea y dirección de Roberto Cerdá que parte de la narrativa visual de las imágenes del libro “Éxodos” del fotógrafo brasileño Sebastiâo Salgado y de testimonios actuales de refugiados. A partir de todo esto 181grados / mutisAEscena ha creado un espectáculo teatral que narra la historia de un grupo de niños de diferentes nacionalidades y re-

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16 enero febrero ligiones que viven en una situación de guerra y buscan un lugar donde refugiarse.

El proyecto Hard Candy parte del texto de Brian Belson que dirige Julián Fuentes Reta y presenta LaZonaKubik se vertebra en torno a un laboratorio escénico de creación en el que se han explorado diversos temas como el impacto y la viabilidad pragmática de la inclusión de elementos mágicos de los cuentos de hadas de la tradición europea, la investigación de los conflictos familiares y sexuales a través de textos clásicos de la literatura universal y la profundización en los conceptos de violencia y juventud. Todo ello ha llevado a poner sobre el escenario “un pulso a vida o muerte entre víctima y verdugo. Un juego de roles en el que es difícil diferenciar quién es el depredador y quién la presa”.

De actualidad es también la propuesta de la compañía En Proceso, Periodo de reflexión, una obra que narra la historia de Joy, una mujer africana víctima de trata en un prostíbulo español. Camilo Vásquez es el director y autor de la idea de esta obra creada sobre un texto de Sergio Martínez Vila e interpretada por Fabia Castro, Carolina Clemente, Marta Malone, Viridiana Moreno y Mikeka N’Shimbi.

Tiempo para el humor

El humor tendrá su lugar en esta edición de la mano de Desde aquí veo sucia la plaza una obra escrita y dirigida por Chiqui Carabante. Club Caníbal parte de una tradición festiva real, el lanzamiento de una cabra del campanario de una iglesia, para desde el humor negro neorrealista, absurdo y surreal realizar una crítica descarnada de la idiosincrasia española con esta obra , la primera, que integra su trilogía ‘Crónicas Ibéricas’.

Y el humor es también protagonista de Las alegres casadas, versión libre de varias obras de William Shakespeare escrita y di-

Pollen Paradise de Cía Mar Gómez

rigida por Andrés Lima que trata con gran sentido del humor temas que el bardo inglés desarrolla en Othello, romeo y Julieta o Enrique IV. Esta producción de Tdiferencia tiene como conflicto central la burla de dos acaudaladas casadas a Falstaff. Pero en el trablado taberna que se convierte el escenario cinco intérpretes dan vida a otros personajes en una historia llena de humor y enredo.

La innovación, la mezcla de géneros, el sentido del humor, la provocación y la interacción con el público son las señas de identidad de De La Puríssima cuarteto musical que completa las propuestas escénicas para público adulto de esta edición. Julia de Castro (voz y letras), Miguel Rodrigáñez (contrabajo), Gonzalo Maestre (batería) y Jorge Vera (piano) presentan su espectáculo homónimo caracterizado por la música y el humor desenfadado.

Público familiar

Y la música es también la protagonista principal de Bitels para bebés, un concierto tributo a The Beatles dirigido a los más

jóvenes que pone en escena La petita malumaluga. Cuatro músicos en movimiento y una bailarina realizan un homenaje al grupo capitaneado por John Lennon y Paul McCartney en una propue sta con un lenguaje no infantilizado, respetuoso y artísticamente contemporáneo.

El público infantil y familiar podrá disfrutar también con un espectáculo de danza actual, Eva y Adán creada a partir de la adaptación del mito y desde el cuerpo y sus posibilidades. Esta pieza de la compañía OtraDanza “vuela por encima de cualquier cliché de sexo o de género”. En ella “origen, encuentro, ingenuidad, curiosidad, descubrimiento, juego, desarrollo y progreso” son las bases con las que adentra al público en la comunicación y en las relaciones humanas.

La tercera y última propuesta para el público familiar llega de la mano de Escena Miriñaque que pondrá en escena Iglú un espectáculo teatral que cuenta la historia de Nuka y Malik dos inuits que se verán obligados a abandonar sus blanca tierra debido a los cambios que se venían insinuando desde hace tiempo pero a los que nadie ha hecho caso... y es que cada vez hay menos hielo y más mar, el cielo es diferente y las montañas están cambiando...

Un año más MadFeria será lugar de encuentro de asambleas y juntas de varias entidades del sector de las Artes Escénicas, todas ellas reuniones cerradas aunque también se ofrecerán encuentros abiertos para todos los asistentes. Es el caso de las XI Jornadas ADGAE tituladas ‘La gestión del arte 2015’ o el encuentro ‘Las Artes Escénicas y la cualificación específicas de los profesionales del sector’. También se llevarán a cabo las presentaciones de proyectos como IETM Valencia Plenary Meeting a cargo de la Red de Teatros Alternativos, los Laboratorios de creación de Lazonakubik o de Tuescena, buscador inteligente para las artes escénicas a cargo de Gestionart.

En el marco de MadFeria tendrá lugar la presentación de Tempo de Circo un proyecto de 23Arts que tiene como objetivo llenar los teatros de circo es decir que los teatros, incluyan dentro de sus programaciones, espectáculos de Circo adaptados a sala. Para ello 23Arts ha apostado por 5 espectáculos de otras tantas compañías profesionales, son los siguientes: Vincles de Circ Bover (y con el que se podrá disfrutar en MadFeria), F.Í.R.A. de Colectivo Tierra, Petita Mort de Colectivo 9,8 y L´avant premiere de D´Click.

El 21 de enero, dos representantes de 23Arts presentarán este proyecto concebido para teatros medianos y grandes teatros. Con el dossier que recoge este nuevo proyecto, los y las profesionales encargadas de la programación de salas y teatros podrán conocer los ya citados espectáculos, cada uno con sus condiciones escénicas particulares y de diversas posibilidades económicas. Todo ello con un único fin: que las artes circenses de calidad tomen protagonismo en los escenarios de todos los teatros del Estado Español.

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16 enero febrero XXIII Festival Internacional Santiago a Mil

Chile marca el paso y es vitrina de la creción escénica Chile se convierte en centro de todos los focos con la celebración del Festival Internacional Santiago a Mil que este año cumple su vigésima tercera edición del 3 al 24 de enero de 2014 con unas cifras que hablan solas: 66 espectáculos provenientes de 20 paises que se podrán ver en 22 recintos culturales. Esta edición viene caracterizada por el homenaje que se rinde a William Shakespeare en el 400 aniversario de su muerte y por la relevancia que adquiere el espacio público con la programación de diversos espectáculos de artes de calle.

Destacan a su vez las actividades de la tercerea edición de ‘Laboratorio Escénico’ con una línea de formación

constituidda por los ejes: Escuela de Verano –con talleres y clases magistrales–, Foro Público –diálogos entre creadores y público– y Pequeñas audiencias –programa de acercamiento al teatro para niñas y niños–, y ‘Platea 16’, plataforma de intercambio para la internacionalización del teatro chileno y latinoamericano. Además. del 21 al 30 se celebra la quinta edición del Festival Internacional Santiago Off, que bajo el lema ‘La unión hace la fuerza’ ha preparado una programación con 50 espectáculos y 10 bandas musicales que tendrá lugar en Santiago Centro, en 6 comunas de la región Metropolitana y en Puerto Montt.

Still life de Dimitris Papaioannou ©Miltos Athanasiou

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a edición de 2016 del Festival Internacional Santiago a Mil se presenta con la consigna ‘La vida es puro teatro’ que en palabras de Carmen Romero, Directora Ejecutiva de la Fundación Teatro a Mil –entidad encargada de su organización–, “nos hace presente que el teatro es parte nuestras vidas y, al mismo tiempo, que son las artes vivas las que nos hablan de lo que somos y, de manera anticipatoria, nos conectan con lo que podríamos llegar a ser”.

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Espectáculos de teatro, danza, circo, música, fotografía y performance conforman la programación de este año que vuelve a caracterizarse por ofrecer creaciones de vanguardia tanto chilenas como de la dramaturgia internacional. Como se viene realizando desde 2014 el festival tiene también como objetivo “ser una instancia de homenaje para los creadles chilenos” y este año será el turno del actor y director Héctor Noguera que estrena en coproducción con la Fundación Teatro a Mil su adap-

tación en verso popular chileno de Sueño de una noche de verano de Shakespeare.

Mucho Shakespeare

Y es que esta edición rinde homenaje al genial dramaturgo inglés motivo por el que se han programado nueve espectáculos a partir de sus obras, cuatro de ellas llegadas desde diversos puntos del planeta como The tempest una adaptación desde la cultura y folklore coreano

enero febrero a cargo de Cía. Mokwha Repertory Company; Canciones de Lear, creación del polaco Grzegorz Bral y Song of the Goat Theatre, Julio César, fragmentos, una batalla entre texto, cuerpo y poder de Romeo Castellucci a cargo de la italiana Socìetas Raffaello Sanzio y la versión en tono burlesco de Otelo de la mano del argentino Gabriel Chamé Buendía.

La creación chilena estará representada por una única propuesta de sala, La tempestad en versión de Juan Radrigán ya que las cuatro restantes, todas ellas coproducciones del festival, se realizarán en la calle respondiendo a la apuesta que la organización ha realizado para esta edición con el objetivo de “conquistar el espacio público”. A Reinas de la calle, pasacalle creado por La Gran Reyneta y Mariana Muñoz que inaugurará esta edición y a la ya mencionada ‘Sueño de una noche de verano’ de Noguera hay que sumar el estreno de 31 minutos: Romeo y Julieta dirigida al público familiar y Yorick, la historia de Hamlet unipersonal interpretado por Francisco Reyes que cuenta la tragedia del príncipe danés.

Entre los denominados ‘Grandes Espectáculos’ llegados desde otros países destacan la propuestas de danza m¡ilonga del belga Sidi Larbi Cherkaoui a cargo de Sadler’s Wells London o Political mother del coreógrafo israelí Hofesch Shechter.

Y desde EE.UU. El Select (El sol también se levanta), escenificación de la novela ‘Fiesta’ de Ernest Hemingway dirigida por John Collins a cargo de Elevator Repair Service o Cabaret Brecht - Weill una coproducción chleno-argentina de teatro musical dirigida por Marcelo Lombardero.

Dentro la sección denominada ‘Escena Experimental’ el coreógrafo y performer griego Dimitris Papaioannou presenta Still life, pieza inspirada en el mito de Sísifo; el coreógrafo francés Aurélien Bory ha creado Plexus una singular obra de teatro visual y danza mientras que desde Portugal llega Compañía Bomba Suicida

Barro rojo de Javier Liñera

con Paraíso-colección privada de la coreógrafa y directora Marlene Monteiro Freitas y desde Japón Un cuerpo en lugares de la artista Eiko Otake pieza que se presenta acompañada con una exposición fotográfica sobre el desastre nuclear de Fukushima.

Por último cabe destacar que además de toda la programación escénica y por quinto año consecutivo, el festival incluye el ciclo ‘Tocatas Mil’ evento musical en el que participarán 14 artistas y bandas seleccionados que aportarán con un gran abanico de estilos y géneros musicales. Tampoco hay que olvidar las actividades de ‘Laboratorio Escénico’ que gira en torno al trío Encuentro - Formación - Reflexión con los creadores que participan en este edición y ‘Platea 16’ plataforma de diálogo, intercambio y comercialización que reúne a profesionales de las artes escénicas con el objetivo de ser un escaparate para la internacionalización del teatro chileno y el latinoamericano.

Festival Santiago Off

Santiago de Chile es también la ciudad en la que tendrá lugar la quinta edición del Festival Internacional Santiago Off que entre el

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21 y el 30 de enero y bajo el lema “La unión hace la fuerza” ofrece una programación de cincuenta espectáculos de artes escénicas 42 de ellas chilenas y las ocho restantes llegadas desde otras latitudes.

El enfoque temático de esta edición ha propiciado que las propuestas seleccionadas defiendan “discursos y lenguajes que invitan a reflexionar sobre los sucesos y cambios de la sociedad chilena después del plebiscito de 1988.

De esta manera vemos cómo esta nueva generación de creadores nacionales, expresa desde diversos lenguajes una nueva mirada sobre cómo ha cambiado nuestra sociedad, preguntándose sobre la política, el amor y la subsistencia diaria dentro de las interacciones humanas y familiares actuales” explican desde la organización.

Con el Centro Cultural Matucana 100 como sede oficial, los espacios Centro Cultural Gabriela Mistral, la Universidad de las Américas, el Departamento de Teatro de la Universidad de Chile, el Auditorio Universidad San Sebastián, el Teatro Puente y el Edificio de Correos de Chile serán los espacios en los que tendrán lugar las representaciones además de en diversas comunas como Independencia, El Bosque o Peñalolén además de “un intercambio de circulación con la Corporación Municipal de Puerto Montt a través de los Temporales Teatrales de la ciudad” aclara la organización.

Entre los espectáculos de compañías chilenas que conforman esta edición se encuentran 3X6, informe sobre una vivienda de emergencia de Colectivo Al Margen, El viejo y el mar de Nómades, Los justos de Teatro Sur, Yo te parí mujer de Colectivo Elena o Peligro de mi de Nación Resiliente. Desde otros estados de América llegan las compañías Nada de los rusos (Argentina), El Masticadero (Bolivia), Naranjazul (México) o Compañía de Teatro Físico (Perú) y desde el Estado español viaja al festival Javier Liñera que presentará ante el público chileno su unipersonal Barro Rojo.

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16 enero febrero XVII Festival Escena Abierta de Burgos

Teatro con contenido en el Festival Escena Abierta uatro espacios serán los contenedores de los siete espectáculos C con contenido de la edición de 2016

El Sur de Europa. Días de amor difíciles de La Tristura

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a décima séptima edición del Festival Escena Abierta de Burgos que se celebra del 9 al 17 de enero “apuesta por artistas que desde su individualidad y de maneras muy distintas han reaccionado ante las fuerzas ideológicas, económicas, sociales y políticas que ocupan nuestra realidad en la última década. Arte escénico de contenido social, realizado desde la libertad y la capacidad de analizar y transformar su visión artística en una experiencia contemporánea con vocación de activar nuestro espíritu crítico”. Así presentan esta nueva edición sus organizadores, el Instituto Municipal de Cultura y Turismo, el Vicerrectorado de Estudiantes y Extensión Universitaria desde su Aula de Teatro y la Fundación Caja de Burgos.

Una programación compuesta por “un teatro con contenido que podríamos enunciar, en esta nueva edición, como: Contenidos en los

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Contenedores Escénicos o Contenedores Escénicos con Contenido”, una frase con la que quieren “conferir singularidad” al programa ofrecido este año.

Dos coproducciones

Con el fin de “potenciar la creación de artistas emergentes del arte escénico, con especial interés si además son de nuestra Comunidad” la programación de esta edición incluye dos coproducciones del propio festival, ambas con el tema de la memoria como nexo de unión.

La propuesta de Mercedes Herrero, Acunar al viejo árbol presta atención a la memoria perdida de los mayores. La obra de la actriz, directora y dramaturga palentina es “un documento de vida creado a partir de la observación de personas viejas y los testimonios de personas que acunan a personas viejas”, una

pieza en la que se pone sobre el escenario “un hecho básico en el ser humano: el giro universal. Cuidar a quienes nos cuidaron”.

La segunda coproducción Inventario. Memorias de una aspiradora ha sido realizada por la burgalesa Bárbara Bañuelos y ofrece al público “un recorrido inusual por parte de la memoria, los objetos, y la intuición”.

A través de la recolección de objetos que la creadora ha llevado ha llevado a cabo durante los últimos 18 años, afirma que “he ido constituyendo, a partir de fragmentos autobiográficos un mapa de ramificaciones infinitas, una intención de juego posible que se desplaza entre la ficción y la realidad, una apropiación de estos materiales e imágenes residuales a partir de los cuales comienzo a reconstruir mi historia personal”.

Del tema de la memoria, en este caso de la memoria histórica se ocupa Pablo Fidalgo

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Acunar al viejo árbol de Mercedes Herrero

Lareo en Habrás de ir a la guerra que empieza hoy. En este unipersonal Claudio Da Silva da vida a Giordano Lareo, tío bisabuelo del propio Fidalgo encarcelado durante la Guerra Civil, exiliado tras escapar de una ejecución y también profesor, traductor, tesorero de la República en el exilio etc. Una propuesta escénica con la que el autor y director realiza una reconstrucción de la historia de su familia y de España a través del reencuentro con la figura de Lareo.

Veteranía y juventud

Cambaleo Teatro acude por vez primera al festival con su último espectáculo, 1 día, una obra que la veterana compañía presenta como “un panfleto poético-visual sobre algunos aspectos que acontecen en estos oscuros que vivimos”. Carlos Sarrió se ha encargado de la dramaturgia y dirección de esta obra que parte de los textos escritos por el propio Sarrió, Begoña Crespo y Antonio Sarrió que fieles a su estilo continúan creando un teatro necesario y comprometido.

La Tristura por su parte será la encargada de inaugurar esta edición del festival con El Sur de Europa. Días de amor difíciles “tres historias de amor y rabia que tienen lugar, tal vez incluso al mismo tiempo, en alguna bella y dolorosa ciudad del sur de Europa”. Tras un tiempo alejada de los escenarios la compañía vuelve con esta obra que tal y como afirman y al igual que sus espectáculos anteriores son “casi como retratos, como una forma poética y política de concretar nuestra visión del mundo y nuestras inquietudes en ese momento”.

La ternura y la rabia de la vida llega con Hostiando a M, primera pieza de creación en solitario de Agnés Mateus realizada en compañía del artista Quim Tarrida. Una pieza que refleja la violencia de la sociedad actual: “la vida cotidiana se ha convertido en una ficción, solo puedo decir lo que de verdad pienso desde el escenario, pero qué más da... no me va a creer nadie. El escenario es la realidad, el día a día es una pantomima. Violencia para despertarse como único camino que el mundo entiende. Sin metáforas. Simplemente. Con alguna canción que hable de amor de vez en cuando” explica Mateus.

La séptima propuesta escénica de esta edición de Escena Abierta llega de la mano de Fundación Collado-Van Hoestenberghe, Constructivo. Acción demoledora para inversores utópicos de Piero Steiner y Ernesto Collado. El humor es uno de los lenguajes utilizados en esta obra que ahonda en la realidad de la construcción y de los denominados “arquitectos estrella”, “un juego performativo donde dos auténticos trabajadores de la construcción (los únicos que realmente pueden construir algo) te invitan a repensar cuestiones universales mientras buscan respuestas personales al vacío ético que los rodea con la ayuda de su delirante humor y una desbordante humanidad”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Kultur Maratila

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Festival de Málaga

©Sergio Parra

Del 25 al 28 de febrero se celebra una nueva edición de Kultur Maratila en Kultur Leioa, un ciclo de artes escénicas basado en la creación artística en euskera que este se presenta con una programación compuesta por tres espectáculos de teatro, uno de danza, otro en el que se fusionan la música y la literatura y un concierto. Inaugura esta edición Anodino Teatroa con la obra Zerura eroria de Mikel Fernandino –galardonado en la segunda edición de las Jornadas de Teatro Breve de Pabellón 6 de Bilbao (año 2014)–. A partir de esta pieza breve Fernandino ha creado este montaje en el que tres intérpretes dan vida a unos personajes inmersos en un particular universo absurdo, histriónico con mucho humor negro. En la línea de trabajos anteriores Khea Ziater presenta su último creación, Malmö una propuesta que incide “en la búsqueda de códigos de relación entre el teatro y el arte cinematográfico, tanto en el plano estético como en el plano narrativo”. Alex Gerediaga dirige esta obra escrita por Mikel Somiñona que pone ante el público una historia sobre la traición y posterior venganza entre dos amigas, Claudia y Saga, a las que dan vida las actrices Maria Urcelay y Ainhoa Jauregi. Un intenso viaje desde la exposición del rencor y los sentimientos más infectos, a la comprensión y el perdón. “Muchas veces la relación entre dos persona cambia de color de una forma inesperada o súbita; unas palabras, un hecho concreto y puntual puede transformarla” y es esta realidad sobre la que incide la nueva obra de Khea Ziater. La tercera obra de teatro es Heroiak (‘Héroes’ en castellano) de Gerald Sybleiras a cargo de Txalo Produkzioak.

La danza esta presente en Kultur Maratila de la mano de Idurre Azkue & Joseba Irazoki una pieza con coreografía y dirección de Azkue en la que “el cuerpo se pone a las órdenes de la música a la vez que la música y el sonido giran en torno al cuerpo. El cuerpo se convierte en instrumento musical creando sonidos y ritmos golpeándose contra el suelo o al golpearse entre si”. El escritor Harkaitz Cano (voz), el cantante Petti (voz y guitarra) y el músico Joxan Goikoetxea (voz y piano) se han unido para crear Gau beranduan una propuesta de poesía y música noctámbula en la que atraen y ahuyentan historias, personajes, fantasmas y sueños.

La programación de este año se completa con el concierto a cargo de Joseba N. Lenoir Gang.

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La 33 edición del Festival de Teatro de Málaga dará comienzo el 8 de enero con el estreno de Rinconete y Cortadillo de Sexpeare, un comienzo de altura de una edición que hasta el 14 de febrero propone 87 funciones de 39 montajes además de exposiciones y diversos talleres que tendrán lugar en los Teatros Cervantes y Echegaray, en el Centro de Cultura Activa Pedro Aparacio junto a diversos espacios alternativos de la ciudad.

Obras universales como la producción realizada por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Medea o Marat/Sade de Peter Weiss en una propuesta de Atalaya se intercalan en la programación del Teatro Cervantes junto con obras protagonizadas por figuras conocidas como Lluvia constante de PTC con Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta, Atchússs!!! de Pentación con Malena y Ernesto Alterio y Adriana Ozores o Buena gente, también de PTC y protagonizada por Verónica Forqué. El mismo escenario acoge El triángulo azul de Laila Ripoll, espectáculo galardonado con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2015 en coproducción de Micomicón y el CDN o Reikiavik espectáculo escrito y dirigido por Juan Mayorga que presenta Entrecajas Producciones. El último trabajo de Rafael Álvarez ‘El Brujo’, Teresa o el sol por dentro, Bits de Tricicle, Windermere Club, versión de la obra de Oscar Wilde a cargo de Juan Carlos Rubio o Páncreas de Patxo Telleria en una coproducción de Concha Busto y el CDN son algunas de las propuestas con las que se encontrará el público. El Teatro Echegaray acogerá varios estrenos además del de Sexpeare. Chácena presenta por vez primera ante el público Los amores diversos, Tick… tick… boom! de NTM Producciones, Hacia el amor de Cía. Agua en el desierto, Perras de Sala Chela Mar y Artesano de la Escena y Amor… según, sin, sobre, tras de De Puntillas TeatroDanza. El humor llegará de la mano de Chirigóticas y su Juanita Calamidad, la compañía La Teta Calva hará “doblete” al llevar a Málaga dos obras: Penev, dirigida al público adulto y El oro de Jeremías para público familiar. Y para público familiar son también el delicioso Pinocchio de La Baldufa, el particular Quijote de Bambalina Teatre Practicable o Teatruras de Imrpomadrid que vuelve a Málaga con otra propuesta de improvisación para público adulto, Soup buey.

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4-5 Presentación 6-7-8 Estrenos 9 Teatro para bebés 10-11-12 Teatro 13 Danza 14-15-16-17 Títeres, marionetas y objetos 18 Circo, magia 19 Musicales 20-21 Internacionales 22 En la calle

Est e supl e m e n t o a c om pa ñ a a l a re vi sta Artez 208 de Enero / Febrero 2016

25 Pasan los años. Pasa la vida. Hacemos la vida.

Creamos teatro. Iniciamos a los niños y niñas en mundos creativos, en imaginativos territorios para la sensibilidad, la memoria emotiva, el entrenamiento afectivo y el descubrimiento de la belleza del arte. Veinticinco veces reuniendo en Gijón lo mejor, más novedoso, lo consolidado y lo emergente, lo tradicional y lo renovador. Eso ha sido FETEN, ese lugar en donde no caben las demagogia sin las frases hechas.

Aquí hemos ido creciendo y siendo testigos del crecimiento de las artes escénicas dirigidas a los públicos más exigentes. Desde los bebés a esa edad incierta de la primera juventud, esa pubertad que tantas mariposas anidan en los estómagos y las cabezas. Aquí se han visto nacer propuestas y tendencias. Directoras y autores que han dedicado toda su fuerza de trabajo y creación a renovar y dignificar el teatro para niños y niñas.

Por todas estas cosas, además del carácter acogedor de la ciudad, de la delicadeza del equipo organizativo, FETEN es la referencia para saber en qué punto estamos en este bello rubro de la creación, producción y distribución de las artes escénicas dirigido al público familiar. Por eso celebramos esta veinticinco edición como si fuera la primera. Y así lo es, la primera de una nueva etapa que se augura fecunda y larga.

Carlos Gil Zamora

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3 Sumario y saludo

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FETEN llega a su vigésima quinta edición con ilusiones renovadas Los organizadores recalcan lo de celebrar las veinticinco ediciones porque sienten y con razón que estamos ante un hito. Desde su nacimiento, y sus cuatro primeras ediciones que se realizaron desde la iniciativa privada, un año que se perdió y después ya desde la Fundación Municipal de Cultura de Gijón, hasta hoy en día el crecimiento de esta Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas ha sido reconocido por todos. Por eso no han tenido que hacer muchos cambios estructurales este 2016, simplemente reforzar sus esquemas programáticos, esforzarse en realizar la mejor selección de los centenares de propuestas que les llegan, preparar una exposición de lo sucedido durante estos años y realizar un encuentro con otros directores de festivales internacionales dedicados al mismo apartado de las artes escénicas.

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Marián Osácar Gallego y Humberto Fernández son las dos personas que en los últimos años han estado al frente de FETEN desde el Departamento de Promoción de las Artes de la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón/Xixón. Es la directora del evento quien nos recuerda que “desde que en 1991 comenzó vinculado al pricipado de Asturias, se hicieron cuatro ediciones, se perdió un año y desde 1996 que se creó la Fundación Municipal de Cultura y asumió la organización se ha ido avanzando y hemos sido testigos de la evolución de todas las artes escénicas dedicadas a niños y niñas.

Todavía recuerdo la sorpresa cuando empezamos a programar danza. O la incursión del circo en este terreno”.

Año a año han ido incorporando novedades que se han consolidado, que han ayudado a constituir un estilo, un esquema que se ha

demostrado que funciona de manera efectiva. Las representaciones programadas con niños y niñas de los centros docentes, o las obras abiertas han ido conformando un activo público familiar en la ciudad. Las actividades paralelas para profesionales tienen este año un añadido para todos, una magna exposición de fotografía y carteles de estas veinticinco ediciones.

El espectáculos inaugural será Vuelos con idea y dirección de Enrique Cabrera y Coreografía de Aracaladanza (Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud) , que se adentra en la imaginación del genio visionario de Leonardo de Vinci.

Sus máquinas, sus diseños, sus planos así como su pintura y escultura son el punto de partida de la inspiración para un trabajo escénico en el que se explora el sueño universal del Hombre: poder volar, con un reparto compuesto por Jimena Trueba Toca, Jonatan de Luis Mazagatos, Pedro Dorta y Nadia Vigueras Moreno. La doble visión de la realidad experimentada por el artista del Renacimiento —sabido es que Leonardo escribía de derecha a izquierda— ofrece posibilidades escénicas que, mediante espejos, cobrará vida en ‘Vuelos’.

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Sorprendidos y admirados, Aracaladanza pretende con este nuevo espectáculo —tras su trilogía basada en artistas plásticos, que ha girado por todo el mundo— dar alas a la imaginación con el impulso creador que multiplicó, sin tregua, el hombre renacentista interesado por todos los campos del saber y la creación.

Se celebrará un encuentro a nivel internacional en el que se concitan expertos internacionales en el campo de las artes escénicas para niños y jóvenes. “A través de algunos análisis de caso de festivales para niños analizaremos el papel que tienen hoy este tipo de acontecimientos culturales y los retos que deben de abordar en su futuro próximo”.

Para ello se ha diseñado un marco común de análisis con el objetivo de poder comparar la función social, artística y educativa de los diferentes casos. Así, los temas y características que se tratarán en las conferencias y las mesas redondas son, Tipo de organismo que organiza el festival: Publico/Privado/No lucrativo. Forma/estilo de gobernanza del festival; Financiación de los festivales: Estructura presupuestaria y principales partners / financiadores; Papel de las asociaciones de stakeholders teatrales: Compañías, espacios escénicos, distribuidores en el Festival; Grado de compromiso de las instituciones artísticas educativas y culturales de la región o país en el festival; Objetivos sociales, artísticos, educativos, y mercantiles de la Feria. ¿Cuáles ponderan más?; Con qué indicadores y de qué tipo se analiza la calidad del Festival: pertinencia y éxito del festival; En el caso de que los haya, cómo se mide el impacto del festival en las audiencias de los niños y jóvenes; Qué retos son los que marcarán la agenda el futuro de los Festivales de artes escénicas para niños y niñas.

Los ponentes confirmados son: Yvette Hardie - ASSITEJ South África; Gerdt Taubé - Festival AugenblickMal (Alemania); Peter Manscher - Aprilfestival. Theatre for Young Audiences (Dinamarca); Kim Sookhee - ASSITEJ Korea; Dagmar Domros - FRATZ Festival (Alemania) con la coordinación académica de: Ph D Juan Arturo Rubio Arostegui (Vice- chancellor for Research de la universidad Antonio de Nebrija).

El espectáculo de cierre, que se ofrece previamente a la proclamación de los cada vez más cotizados premios FETEN, será el recientemente estrenado Aire, un espectáculo producido por Caribe Teatro, con la dirección y autoría de Fernando Bernués y Patxi Barco y un reparto con un apellido común: Alejandro Aragón, Alonso Aragón, Gonzalo Aragón, Rodrigo Aragón, Punch Domínguez Aragón que forman una “bojov”, para todos los públicos y haciendo de la música creada con más de ciento cincuenta elementos un lenguaje universal a través de una cuidada estética y contemporánea convierte a la música y el ritmo en su propuesta vital trepidante y muy divertida.

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Estrenos como escaparate de toda una programación Los nueve espectáculos que se estrenan en esta edición son un fiel reflejo del basto abanico de propuestas que existe hoy día en lo que a las artes escénicas para niñas y niños y público familiar se refiere. En clave de clown, Marcel Gros, teatro de actores, en este caso de actriz de la mano de La Rous y la poesía, esta vez la de Rafael Alberti, es la protagonista de la obra de Teatro de Malta. El teatro negro es el lenguaje del que se vale La Carreta Teatro mientras que los objetos tornan vida de la mano de La Canica. El teatro para la primera infancia o para bebés estará presente con Teloncillo, la danza, la música y el teatro con LaSal y la danza es también el lenguaje de Mons Danza mientras que es la música el motor de la propuesta de La Familia Scalofrini. Estas son las nueve compañías que estrenan espectáculo en Fetén: la veteranía y calidad de gran parte de ellas confiere a los estrenos una importancia porque además hay de todos los estilos, y para todos los gustos.

Como un clown, un bufón, un showman... en definitiva como un Payaso se define Marcel Gros un payaso con mayúsculas si reparamos a su fructífera carrera a la que añade ahora un nuevo espectáculo, Universario nombre que nombra “un lugar muy particular en el que vocales gigantes se convierten en edificios y al que ha llegado un payaso como caído de un sueño” explica Gros, encargado de escribir, dirigir e interpretar esta obra que “reflexiona del espectáculo del mundo y del mundo del espectáculo llegando a confundir incluso la línea que divide a ambos mundos” añade.

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25 FERIA EUROPEA DE ARTES ESCÉNICAS PARA NIÑOS Y NIÑAS del 21 al 26 de febrero de 2016

Universario de Marcel Gros

En ‘Universario’ su protagonista “vive como en un sueño del que hace partícipe al público trasformando el encuentro entre payaso y público en un oasis de paz” recalca el veterano creador para añadir que además “el payaso insta al público al Universario que nace del juego de palabras entre Aniversario y Universo” para concluir diciendo que “cada día hay algo que celebrar, y no debemos perder la oportunidad de disfrutarlo, hay que celebrarlo”.

La Rous, la compañía de Rosa Díaz vuelve a Feten con una nueva creación, Hilos, una obra que aúna los hilos con la vida.

“Venimos al mundo unidos por un cordón umbilical que nos entrelaza de una manera única a nuestra madre. El cordón se corta al nacer, pero el vínculo se crea entre las dos par-

La sirenita de La Canica Teatro de Títeres

Poesía y Teatro Negro La poesía se impregna en el movimiento, en el gesto, en las emociones, en los ritmos y en

las imágenes que conforman Alberti, un mar de versos espectáculo realizado a partir del poemario de Rafael Alberti que sube a los escenarios Teatro de Malta. Con dramaturgia y dirección de Marta Torres, música, danza, dramaturgia y video creación se funden para acercar el legado de Alberti a los más jóvenes a través de la historia que protagonizan Alba y Ostro. Ostro es el viento que busca a Alberti en el mar.

Alba no comprende ese mundo pero ella pinta la poesía con un pincel. Alba y Ostro juegan con músicas y con colores, con los colores y las emociones de Alberti.

El Sol y el Girasol es el nuevo trabajo de La carreta Teatro que se vale de la técnica del Teatro Negro para presentar al público una “imaginativa historia llena fantasía, acompañada de una banda sonora original”, que “cuenta la historia del Sol y el Girasol, dos inconformes personajes, que finalmente y gracias a la solidaridad y complicidad de unos pajaritos muy revoltosos logran cumplir sus sueños. Un entrañable cuento que trata sobre el derecho a ser diferente”.

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tes como un hilo invisible” explica. “Se cuenta la historia de una mujer que dio luz a catorce hijos unidos a ella por un hilo: la historia de mi madre” añade. “Se habla de los hilos de sus trenzas cuando fue niña y de los hilos deshilachados con el tiempo (...) de los hilos indisolubles y los vínculos que tenía hacia su familia” aclara. “De los hilos que creó entre ella y sus hijos, del legado que nos dejó a cada uno para ser capaces de tejer nuestros propios hilos” concluye Hilos y más hilos con Rosa Díaz sobre las tablas del escenario con su nueva creación.

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Pablo Vergne dirige Sirenita, una sugerente adaptación del cuento de Hans Christian Andersen escenificada por dos actrices con botellitas de aguas, palanganas, esponjas y varios objetos de plástico. Esta historia se desarrolla en un espacio escénico lleno de botellas de agua que se convierten en el mar donde vive la protagonista junto con peces de colores y otras criaturas marinas. Transparencias y ambiente cristalino, canciones que hablan del sabor del mar y la sal… Como particularidad además, en esta obra de La Canica Teatro de Títeres la sirenita no tendrá que renunciar a su naturaleza ni a su don más preciado, su voz, para dejarse llevar por la marea del amor.

El espectáculo que presenta Teatro Teloncillo, Olas está dirigido a la primera infancia, a la que invita a pasar un rato “muy sensorial con sonidos acuáticos, magia, luz, música y canciones en directo encaminadas a jugar con las gotas, con la lluvia, con el agua, con el mar, con los peces y con las olas” explican sus creadores, Ana Gallego y Ángel Sánchez que han partido de poemas de B.S. Hessling, Celia Viñas, Dora Alonso, Gloria Fuertes, Eduardo Zamanillo y Marieta Monedero. Para su realización. Teloncillo vuelve de nuevo la poesía hecha canción con un tema central: “el agua” y un espacio muy particular, el patio de Chloe.

Una actriz-cantante, Inma González y una actriz-bailarina, Eva Castillo dan vida a las dos protagonistas de Sin palabras, obra de LaSal Teatro con dramaturgia y dirección de Julia Ruiz Carazo. “Las dos protagonistas están ahí, durmiendo tranquilas, como si nada pudiera ni alterarlas. Pero llega el aire sin

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25 FERIA EUROPEA DE ARTES ESCÉNICAS PARA NIÑOS Y NIÑAS del 21 al 26 de febrero de 2016

Alberti, un mar de versos de Teatro de Malta

La Familia Scalofrini

avisar, tocando todo lo que encuentra a su paso. Entonces una de ellas deja que empuje su cuerpo y mueva sus manos.

Y baila por primera vez. La otra deja que entre en sus pulmones y escucha los sonidos que salen de su boca… Y canta por primera vez”. Y así ambas “cuentan sin necesidad de hablar.

Se quedaron sin palabras... o quizá se las llevó el aire”.

Mons Dansa presenta Wabi - Sabi con idea y dirección de Claudia Moreso, una historia de dos personajes inacabados, imperfectos que interpretan Sarah Anglada y Sara Pons. A través de la danza, el video, la magia y el humor este espectáculo quiere “descubrir las historias escondidas que salen de un elemento tan simple como es el papel” explica su creadora. Las dos protagonistas de la obra se dedican a liberar todas las historias tiradas que van encontrando, para jugar con ellas y darles una nueva vida, buscando nuevas posibilidades. “Poco a poco, el escenario se irá llenando de bolas de papel de todas las medidas y colores, se irá llenando de elementos, imágenes y movimientos que nos explican historias absurdas, en principio inacabadas, que van tomando forma y sentido. En estas bolas de papel se esconden, palabras, sonidos, imágenes, objetos... y mucho más” añade Moreso.

Los estrenos de esta edición se completan con Radio Scalofrini segundo montaje de La Familia Scalofrini y con el que la compañía quiere ir un paso más allá y aunar música y teatro. “Queríamos potenciar la teatralidad de las canciones (historias en miniatura), y crear una historia y una atmósfera que envolviera aún más lo que la música cuenta” motivo por el que han contado con Marta Torres para la dirección de esta nueva propuesta.. ‘Radio Scalofrini’ se convierte así “en nuestra emisora para cantar historias, contar canciones, invitar a soñar y compartir viaje con todo el que venga al teatro y sintonice nuestro dial” explica.

Bruno Duque autor de la idea y de la música de este espectáculo. Ante el público un viaja radio que comienza a emitir con los teléfonos abiertos para la deseada llamada del oyente porque el programa da paso a todo aquel que tiene algo que contar pero sobre todo... cantar.

Teatro para bebés: ‘Pequeña Max’ le hizo comprender poco a poco que en realidad ella nunca quiso estar sola. Desaprender todo lo aprendido, desoír todo lo criticado, perdonar todo lo dolido, fue lo que la hizo ligera para bailar su propio sonido, único y precioso. Y desde ahí, abrir los brazos de nuevo al mundo. Elisa Vargas, autora del montaje junto con Jokin Oregi, afirma que “Max es un ser dulcemente rebelde, inmadura, juguetona, ingeniosa. Un ángel travieso que siente claustrofobia dentro del traje de adulto. Nostálgica y celosa de su libertad. Max es diferente, tiene un pie de aleta, una tara que la limita en su día a día, en sus objetivos y en sus sueños, sin saber que precisamente esa tara es lo que la hace especial y única en el mundo”. La pieza tiene el objetivo de hacer sentir, reflexionar, provocar y divertir al pequeño público. “Si un día os cruzáis con algún o alguna Max, sonreídle y mirad al corazón, quién sabe qué desafíos estará enfrentando”.

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Premiada nacional e internacionalmente, Arena en los bolsillos es una compañía granadina especializada en propuestas escénicas para bebés y primera infancia. El público de Feten podrá disfrutar de su nueva creación, Pequeña Max, una pieza teatral dirigida en esta ocasión por el director vasco Jokin Oregi. Max es la protagonista de este espectáculo, interpretada por la actriz y titiritera Ana María Montero. Max vive sola, apartada del mundo, buscando su felicidad lejos de la mirada crítica de los demás. Y es que Max es diferente, nació con un pie de aleta. Construyó su propio mundo, mitad real y mitad inventado, e hizo de él su refugio. La llegada de un intruso a su pequeño y frágil mundo,

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Actores y actrices, grandes protagonistas de deliciosas obras Dos compañías con una larga trayectoria profesional, Teatro Paraíso y la belga Les Ateliers de la Colline se han unido para crear El circo de la luna una obra para la que se han servido de metáforas que abarcan el tema de la crisis, siempre con tintes musicales y sin olvidarse del humor. Mathias Simons y Tomás Fernández firman la autoría de esta obra que cuyo resultado “es una apuesta decidida por la dramaturgia contemporánea, dirigida a niños/as y familias. Una ocasión para estimular su imaginación, confrontándoles con un mundo animal en un espacio poético que nos lleva de la mano al futuro representado por un viejo circo”.

Esta es la segunda vez que colaboran ambas compañías. Su anterior trabajo en común tuvo como resultado el espectáculo ‘Vuela si puedes’ –galardonada con el Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Ju-

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El circo de la luna de Teatro Paraíso y Les Ateliers de la Colline

ventud en 2012– con la que trabajaron el lenguaje clownesco; para esta nueva ocasión han trabajado en torno a la máscara y el clown.

El teatro gestual es el lenguaje utilizado por Marie de Jongh en su última propuesta, Amour, una obra escrita y dirigida por Jokin Oregi que “pretende hacer reflexionar sobre la delgada línea que existe entre la desafección y el amor incondicional”. Se trata de “un canto al encuentro entre diferentes, una llamada a liberarnos de los prejuicios” explican.

‘Amour’ cuenta la historia de dos personajes que juegan en su infancia, imitando a los mayores. “Se atreven a amar sin saber cuál es su verdadero significado”, afirman desde la compañía. De pronto, el público podrá ver a esos mismos personajes envejecidos, cuando ya han transcurrido más de sesenta años. pero “lo que no saben es que el amor siempre nos da una oportunidad”.

Tras varios espectáculos dirigidos al público adulto La Teta Calva se embarca en una obra para los más jóvenes, El oro de Jeremías, un trabajo de Xavo Giménez y Iaia Cárdenas interpretado por el propio Giménez y Jordi Carbonell y ambientada

Desplegados de Teatre Mòbil

Cambio climático y guerra Escena Miriñaque presenta Iglú una obra con la que aborda el tema del cambio climático y la importancia de cuidar el planeta creada y dirigida por Blanca del Barrio. Dos actrices dan vida a Nuka y Malik dos inuits que una mañana comienzan a darse que cuenta que todo su entorno está desapareciendo y deberán abandonar su forma de vida, la de su pueblo, la vida de los Inuit. Y es que ya no encuentran la pista de los renos, las costas se huyen y los animales del mar no llegan porque cada vez hay menos hielo y más mar... aunque llegará a la banquisa Akku, un personaje híbrido reciclado de materiales inútiles que les devolverá la esperanza y sobre todo, les convencerá de la importancia de cuidar el entorno.

Y del Ártico al Sahara con Bahr, una obra de Nun Tris Producciones que parte de las vivencias de Tekbeer una niña que vive feliz con su familia y vecinos en el desierto del Sahara, pero quiere ver el mar y que tiene como objetivo “hacer visible una realidad olvidada” la de los refugiados saharauis, y “provocar

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en el lejano oeste. Música en directo, humor y maderas que cobran vida para hablar sobre la amistad a través de la historia de Jeremías un chico que se embarca en un viaje lleno de aventuras por las lejanas montañas para encontrar una mina de oro. “¡Quedaréis doblados de risa!”. Así se presenta Desplegados espectáculo de Teatre Mòbil creado por sus tres intérpretes junto con Jordi Vilà Zapata en el que una mancha peligrosa en el suelo, unas fregonas multiusos, un muñeco accidental, un presentador que pierde su cuerpo y su doblaje, unos cantantes descoordinados, un cubo de la basura rebelde, y un mago doblegado por los más inoportunos voluntarios, hacen que sea el espectáculo más loco de la compañía y con el que tienen como objetivo cumplir con su amenaza “¡Quedareis doblados de risa!”.

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El oro de Jeremías de La Teta Calva

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un cambio en la mirada del espectador que implique observar otra forma de enfrentarse a la vida través de los ojos de una niña, que hace que “el otro” analice, piense, descubra y, más tarde, empalice con esa nueva mirada” explican desde la compañía.

La guerra es también el tema central de Maravilla en el país de las miserias de Atikus Teatro. Una historia sobre el encuentro de un niño y una niña que viven en un lugar en guerra. Una historia de superación del miedo y la soledad a través del juego, de la fantasía y de la amistad. Una historia en el que ambos protagonistas consiguen crear un mundo “de las maravillas” en el que poder seguir siendo niños e inocentes. Para crear esta obra la compañía se ha inspirado en el relato ‘Macario’ del mexicano Juan Rulfo y en el cuento ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Lewis Carroll.

Una obra escrita y dirigida por Ángel Sagüés que demuestra cómo en un país en guerra la imaginación puede convertirse en un súper poder para sobrevivir.

Los clásicos apuntan Varias compañías han partido de historias de la literatura universal para sus nuevas creaciones. Es el caso de Teatro Gorakada quienes apuntan que “es evidente que la buena literatura (hablamos de la literatura no específicamente teatral) es un pozo sin fondo de historias, de ideas, de imágenes y matices que puede dar para llenar varios escenarios”.

Y así lo han hecho con Moby Dick versión de la novela de Herman Melville a cargo de Julio

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Amour de Marie de Jongh ©Guillermo Casas

Moby Dick de Teatro Gorakada

Salvatierra, dirigida por José Carlos García y con música de Fran Lasuen. Tres intérpretes sobre el escenario dan vida a unos personajes que representan “esa vieja lucha, en la raíz misma de la humanidad, entre el ecologismo y la necesidad de dominar el entorno”.

Una particular versión de un cuento clásico, Hansel y Gretel de los Hermanos Grimm es la propuesta de Higiénico Papel Teatro, en la que tres primos se reencuentran en el destartalado desván de sus abuelos donde entre los antiguos recuerdos encuentran los cuentos que les leía su abuelo cuando eran pequeños. La magia del recuerdo les lleva a relatar su cuento preferido disfrutando de nuevo al igual que lo hacían en su niñez.

Y otra versión libre, en este caso de la novela Momo de Michael Ende, es la última producción de Companyia de Teatre Anna Roca en la que son tres también los intérpretes que contarán la historia de esa niña llamada Momo que posee la maravillosa cualidad de saber escuchar a los demás y que desea ayudar a la gente a humanizar sus vidas” Pero llegarán los hombres grises, unos seres que quieren apoderarse de uno de los bienes más preciados que poseen las personas: su tiempo. Una obra con música en directo dirigida por Jesús Arbués.

Teatro del Norte por su parte lleva a los escenarios El lazarillo de Tormes, “la obra que da comienzo uno de los géneros más representativos y originales de la literatura española de todos los tiempos: la novela picaresca”. Etelvino Vázquez, encargado de la dramaturgia y dirección e intérprete a su vez junto con Moisés González y Carlos Lorenzo afirma que “el teatro nos permite conocer en persona a Lázaro de Tormes, oírle hablar con sus mismas palabras pero, ante todo, y es lo más sorprendente, la presencia viva del Lazarillo en la escena nos hace sentir totalmente próxima su historia — enormemente crítica con su época y aún con la nuestra—, nos identifica con su risa y con su llanto y, sobre todo, nos hace sentir su misma hambre”.

Bhrava! de L’animé ©Guillermo Portillo

Acercando la danza a los más pequeños de la casa rá el espectáculo vitalista Zaquizamí, donde juguetes y trastos abandonados en un desván o trastero (zaquizamí) cobran vida, buscan nuevas oportunidades y hacen de sus defectos virtudes. “Un canto a la diversidad a la solidaridad y al espíritu de superación”, interpretado por Anita Àstrid, Pol Salom y Gisela Vera.

Completando la oferta de danza, la compañía de teatro visual L’animé representará Bhrava!, pieza que narra el sueño de una chica que camina por calles donde las cosas no son lo que parecen. El proceso de creación se ha desarrollado a través del trabajo con materiales, títeres, el mimo y la danza.

“Esta unión escénica ha proporcionado un nuevo lenguaje de expresión para la compañía”, afirman.

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La danza será la gran protagonista de varios de los espectáculos que se podrán ver durante la Feria. Entre ellos, la Compañía de Danza Fernando Hurtado representará su propuesta De Flor en Flor, un montaje que tiene la prioridad de acercar a los más pequeños a la danza, en este caso de entre los 3 y los 6 años. Se trata también de una pieza para la familia, que permite dejar volar la imaginación e intenta inspirar, a través de las estaciones del año, la conciencia de la naturaleza que nos rodea.

De la mano de la Cía. Roberto G Alonso llega-

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Screen Man de El Teatre de l’Home Dibuixat

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Las marionetas, los títeres o los objetos. Elementos inanimados todos ellos tornan vida a través de diversas técnicas y se convierten en protagonistas de más de una docena de espectáculos en los que convergen, en varias propuestas, con otras disciplinas escénicas confirmando, una vez más, la infinidad de posibilidades que ofrecen las artes escénicas y la amplia variedad y rica oferta dirigida al público familiar.

Ejemplo de todo ello son los espectáculos a los que se dedican las páginas siguientes y que damos comienzo con Screen Man de El Teatre de l’Home Dibuixat, donde el trabajo actoral, las marionetas y los objetos, se ven acompañados por la utilización de los audiovisuales, la manipulación de imágenes, títeres y objetos. La obra, escrita por Tian Gombau y dirigida por Panchi Vivó y el propio Gombau sitúa al espectador en un universo mágico que se desarrolla ante sus ojos, para contar una historia reconocible para todas las edades, y por ello, universal. Los sueños individuales y colectivos se dan cita en esta tierna historia

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Las maravillas de la escena con los títeres como protagonistas que propone un camino para su consecución: la perseverancia y la pasión.

La parte negativa de los sueños, las pesadillas son el objetivo de los protagonistas de Atrapasueños, una obra de títeres y actores de La Tartana Teatro que lleva al público a conocer el Gran Almacén, lugar en el que los “Atrapapesadillas” guardan miles de cajas registradas y clasificadas con las pesadillas de todos los niños del mundo. Noche tras noche, nunca dejan de llegar cajas de pesadillas. Pero ya no que da sitio en este particular almacén hecho que provoca incidentes que ponen en peligro la seguridad... ¿Encontraran los protagonistas la manera de deshacerse por completo de las pesadillas?

Otro tipo de sueño, en el que entran las personas en estado comatoso es el hilo conductor de Óscar el niño dormido. El Espejo Negro mezcla la magia escénica con la manipulación de marionetas para llevar a escena un viaje por el inconsciente de Óscar, su protagonista, un niño “que quedó sumergido en un largo y profundo sueño. Un dormir comatoso que lo llevó a estar soñando nueve meses sin poder moverse...

Pero un día algo extraordinario sucedió. Óscar abrió un ojo, luego los dos, bostezó y por fin despertó...”. Una obra creada y dirigida por Ángel Calvente y dedicada “a todos los que han despertado y a los que están por despertar”.

Antón comodón de L’Estaquirot teatre

Ultramarinos de Lucas

Los cuentos clásicos y sus versiones son el nexo de varios espectáculos. Ultramarinos de Lucas -Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2015– parte de la ‘Caperucita Roja’ de Charles Perrault y utilizando la técnica japonesa del “Kamishibai” propone con Little RED Riding Hood and the Wolf “un mundo rojo y en inglés”. Sobre el escenario, un actor despliega un teatro de papel

y juega con títeres, interpreta personajes, juega con el público y todo es... “very Red”.

Un personaje muy querido es el protagonista de Ratoncito Pérez. La verdadera historia versión del cuento de Luis Coloma ‘Ratón Pérez’ interpretado con títeres por Olga Churchich y que bajo la dirección de Aleksandar Curcic pone en escena Teatro Plus. Una obra sobre “la importancia que tienen las pequeñas cosas que nos pasan cuando somos pequeños y de su gran impacto que tienen sobre nosotros cuando nos hacemos mayores. Y de como estos pueden cambiar el mundo”.

Popular es también el cuento del que ha partido Compañía Pu-

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Cuentos, novelas y relatos

Jim en la Isla del Tesoro de Eme2

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paclown para crear Los 7 cabritillos, versión de Juan Pedro Romera en coproducción con Teatro Circo de Murcia. E igual de conocido es el protagonista de Z, las aventuras del Zorro considerado como uno de los primeros percusores del cómic de superhéroes americanos. Para la escenificación de esta obra Eudald Ferré & Luca Ronga han partido de la premisa de eliminar el teatrillo con el fin de que personajes y titiriteros campen a la vista del espectador. “A veces la inconsciencia nos hace ser atrevidos. Fruto de ello, hemos dado muchas vueltas a la presencia de los títeres ya su libertad en el espacio. De rebote, hemos descubierto matices y detalles del titiritero y la acción, y también del titiritero y los personajes” afirman sus creadores.

Kamante Teatro se ha inspirado en el relato Montesín de María Josefa Canellada para crear una obra cuyo protagonista afirma: “¡Me gustan las letras! en bocata, en tortilla y en sopa. Con ellas hago palabras y así imagino muchas historias. Recuerdo una de una cabrita que se encontraba perdida en el monte...”

Eme2 lleva a escena Jim en la Isla del Tesoro una obra creada por Jokin Oregi, Javi Tirado y Álex Díaz protagonizada por el pequeño y valiente Jim Hawkins que se enrolará en un viaje que le llevara por medio mundo y vivirá mil aventuras. Una propuesta con un lengua-

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A la luna de Voilà Producciones

Óscar el niño dormido de El Espejo Negro

je estético muy cuidado en el que actores y títeres aparecen arropados por una atmósfera que traslada al público a un mundo fantástico y aventurero.

La universal obra de Cervantes también tendrá protagonismo en esta edición. La compañía de Maese Pedro contará algunas aventuras del Quijote en Ingenioso Hidalgo. Producciones Teatrales Viridiana se sirve de la palabra, la música y los títeres para acercar al público más joven a la novela de fama universal.

Sobre todo amistad Guillem Albà dirige Antón comodón una obra de títeres manipulados sobre mesa que pone en escena L’Estaquirot teatre Ante el público es la historia de Antón, a quien de niño en su casa se lo hacían todo por lo que sosamente aprendía lo que quería. Cuando creció tenía un ayudante, Nicolás, que era el encargado de hacerlo todo por lo que Antón seguía sin hacer nada. Pero un día Nicolás pensó que ya tenía bastante dinero y se fue a vivir a las islas verdes…. Y Antón no sabía vivir sin ayuda por lo que decidió empezar un largo viaje en busca de Nicolás, un viaje en el que fue aprendiendo muchas. Para cuando encontró a su amigo, había aprendido tanto que era capaz de valerse por sí mismo y decidió quedarse a vivir y echar una mano a Nicolás con su carrito de helados.

Con Solos, Ymedio Teatro ofrece “una mirada, cómica y entrañable, por el ojo de la cerradura de la casa de uno de tantos ancianos invisibles”. Para ello ha desarrollado una obra en la que actores y títeres realizan un “obsesivo trabajo de precisión” con el que crean un poético espectáculo sin texto para “reírse

Ratoncito Pérez. La verdadera historia de Teatro Plus

casa que huele muy bien, Telmo, el vecino equilibrista, Arabela, que es cantante de ópera, y un montón de personajes más.

Dos actrices y varios títeres dan vida a los protagonistas de Chof de La Tejedora de Sueños Teatro. Ante el público Nieves y Renata, la primera odia el agua y ha ido entrado corriendo a la tienda de la segunda para guarecerse de la lluvia y comprar un paraguas. Renata en cambio adora el agua en todos sus estadios y de su mano van a conocer los más pequeños todas las formas de agua con Cubito, Arroyo y Nube, unos acuáticos y fantásticos personajes.

Por su parte, Voilà Producciones aúna teatro y cine de animación para dar forma a la mágica historia llena de ternura y fantasía de A la luna. Tara es la protagonista de esta obra creada por Daniel García Rodríguez y Cynthia Miranda. Una joven que pasa los veranos mirando las estrellas y soñando con ser astronauta mientras vive fascinada con los cuentos que le cuenta su abuelo. Pero un día el abuelo desaparece y se embarca en una misión muy importante: salvar el destino de la luna con la ayuda de una peculiar bandada de gansos.

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de la vida”. Sobre el escenario una vieja radio consuela los rutinarios días de Aurelio. Han pasado muchos años desde que salió la última hornada de magdalenas de su panadería, varios los días desde los que no sale de casa y pocos segundos desde que no recuerda lo que había olvidado... Pero sin darse cuenta ha despertado a los objetos y estos comenzarán a contarle sus secretos.

Música y canciones en directo para contar una historia de casas, o sobre las casas o más bien de lo que ocurre y de las personas que viven en esas casas. Así se presenta En Casa espectáculo para ser representado en un espacio de aforo limitado que pone en escena Caramuxo Teatro. La casa de los protagonistas de esta obra, la casa protagonista, es de madera, con jardín y le da mucho el sol. Y en las casas de al lado viven Hortensia la florista, que tiene una

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Circo, magia y mucho más

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Feten programará también espectáculos de otros géneros, como el circo o la magia. Entre ellos, la compañía Ateneu Popular 9 Barris escenificará F.I.R.A. (Fenómenos Inverosímiles Rescatados del Anonimato). ”Los artistas de circo son como monstruos que nos muestran su savoir faire, cuando deshacen la ilusión de lo imposible creando la ilusión de lo posible delante de todos nosotros. Nuestra F.I.R.A ha mamado de estos fenómenos”, explican. El espectáculo de circo cuenta con música en vivo y un original juego de luces.

“F.I.R.A. está llena de matices y texturas que se entremezclan de manera natural consiguiendo oníricos momentos que se congelan en bellas imágenes”. Utilizando grandes espejos, sombras y absurdos objetos se crea una estética para que estos fenómenos inverosímiles se vuelvan verosímiles y salgan del anonimato. Momentos íntimos y caos colectivo, números poéticos y de humor, imágenes y precisa técnica circense son algunos de los elementos de esta creación colectiva.

Vaivén Circo llevará a cabo Des-Hábitat, pro-

Tripula de Farrés Brothers & cia ©Marta Artalejo

puesta que trata sobre la necesidad de cuatro personajes de convertir en hogar un lugar aparentemente inhóspito. Así, tendrán que aprender a convivir entre ellos y con el entorno, convertido en verdadero protagonista de la historia. La dirección de Rosa Díaz, la música de Iván Monje o la destacada presencia de la escenografía vuelven a ser algunos de los ingredientes principales de este trabajo de Vaivén. Para el proceso creativo también han contado con Antonio J. Gómez, Raquel Pretel y Natalia Ferrándiz, especialista en danza española. “Des-Hábitat es un lugar donde nunca pasa nada, pero donde los personajes quieren estar, ese sitio que nos hace sentir bien y que nos acoge, a veces nos da una de cal y otras una de arena pero siempre nos da, siempre nos aporta”, relatan.

Farrés Brothers & cia presentarán en Tripula de Josep M. Ribaudí a dos científicos iluminados que han descubierto una nueva manera de viajar y lo presentan ese día a un grupo de pasajeros. Después de mucho trabajo y esfuerzo, se atreven a mostrar su gran revolución en los medios de transporte: el Globo Estático. El montaje recibió el Premio Fira de Titelles de Lleida 2015 a la Mejor Escenografía, además de la Mención Especial del Jurado internacional. Por último, Blue Live Produccions presentará a la maga Melanie en el espectáculo de gran formato Amazing, dirigido por el Mag Lari.

El mito del Ave Fénix y la música del conocido compositor Igor Stravinsky son los protagonistas de El Pájaro prodigioso de La Maquiné, montaje dirigido por Joaquín Casanova y que cuenta con la creación y dramaturgia del propio Casanova y de Elisa Ramos. Es un espectáculo que transporta al pequeño y gran espectador a un viaje iniciático en torno a la búsqueda del tesoro más preciado, la chispa de la vida.

Una obra contada a través de la partitura musical interpretada con piano en directo y electroacústica, escenificada con narración, teatro gestual, máscaras, títeres y proyecciones. La pieza narra la historia de Fénix, un pájaro de fuego que vuela todos los días acompañando al sol para que no se pierda en el horizonte.

Factoría Norte interpretará Romeries varietés, un espectáculo en el que actores (Ana

Morán, Chus Serrano) y músico (José Ramón Feito) interpretan en directo una amplia gama de temas “pícaros, descarados, melancólicos...”. Se trata de un show de variedades con dirección, dramaturgia y espacio escénico de Borja Roces.

La compañía Titiritrán, por su parte, propondrá “una historia para la igualdad” a través de un concierto para piano y teatro de objetos protagonizado por dos tortugas: Arturo y Clementina. Pedro Antonio López y Maruja Gutiérrez dirigen este montaje que trabaja la animación con arena o “sand-art”.

Teatre Nu presentará en Mrs. Brownie la historia de una diva de la música negra americana que se encuentra al final de su vida. En la obra el lenguaje actoral, la manipulación de objetos y la canción se combinan a través de los tres protagonistas: Mrs. Brownie (un títere de tamaño humano), una enfermera (Laura Guiteras) y un viejo pianista (Abel Boquera).

Por último, Aarón Zapico dirige una orquesta barroca que tocará música de Haendel en Una de fuegos artificiales, pieza a cargo de la Orquesta de Cámara de Siero.

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La Maquiné

Musicales para todos los gustos

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Tutu de Lichtbende

Seis compañías internacionales presentan sus mejores propuestas

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La compañía irlandesa Branar Téatar do Pháistí llegará a Feten con su espectáculo Spraoi, producción bilingüe (gaélico y catalán) para público de 3 a 6 años. La pieza, dirigida por Marc Mac Lochlainn e interpretada por Miquel Barcelló y Johnathan Gunning, cuenta la historia de dos chicos que llegan a un mismo lugar en el mismo momento y no saben qué deben hacer. No hablan la misma lengua ni entienden los signos del otro. Así, tendrán que aprender a comunicarse entre ellos para poder jugar juntos.

Los holandeses Lichtbende interpretarán su última pieza, Tutu, con dramaturgia y coreografía de Jeannette van Steen. Se trata de un rítmico relato de danza en el que se valen de linternas mágicas proyectadas en una panta-

lla gigante y gramófonos para trasladar a los espectadores al periodo entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. “Es principalmente una fiesta para los ojos y los oídos”, afirman.

La obra presenta a una joven que con sus zapatos rojos baila en todos los estilos de ese periodo: del tango al claqué, del vodevil a los bailes de salón, del clásico al ballet de la Bauhaus. Las imágenes proyectadas surgen de la manipulación, manual y mecánica, de materiales y objetos cotidianos. Las personas encargadas de realizar este trabajo se sitúan frente a la pantalla con sus proyectores, linternas mágicas e instrumentos para que los asistentes puedan ver y escuchar todo lo que hacen.

La compañía francesa Théàtre Du Mouvement también tendrá su espacio de representación en Gijón, donde ofrecerá su creación Encore une heure si courte, dirigida por Claire Heggen y con música de Richard Dubelski. Tres personajes, interpretados por Pau Bachero, Albert Mèlich y Alejandro

Navarro, se sitúan en un espacio abandonado. Su lenguaje es la música en un principio, música compuesta por palabras que carecen de sentido, frases carentes de significado. El público podrá ver más adelante cómo los protagonistas, con la ayuda de un mapa imaginario y unos tablones, se convertirán en unos grandes aventureros.

Tres serán las compañías llegadas desde el otro lado del océano para participar en Feten. Teatro de Ocasión será la encargada de representar a Chile con El viaje redondo, obra dirigida a niños y niñas

la vida y obra del escritor inglés son tema de discusión, y cuando de detalles se trata, nadie mejor que ellos: ¿Cuántas comas utilizó Shakespeare en sus obras? ¿Cuántos puntos? ¿Cuántas veces sus personajes hablan de amor?. Estos estudiosos parecen no haber dejado recoveco sin analizar, ¿o sí?. ¿‘Romeo y Julieta’ termina bien o termina mal?. Cuando de arte se trata hay tantos puntos de vista como personas... Esta simple pregunta impone a los protagonistas su mayor desafío: representar la obra completa, con todos sus personajes, en lo que dura una clase. Tomando lo que encuentran a mano a modo de utilería y vestuario, interpretarán a 11 personajes en un cercano, poético y divertido Shakespeare. El montaje ha sido ganador, entre otros, del Certamen Barroco Infantil del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (2015).

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Théàtre Du Mouvement

de 0 a 6 años. La pieza invita a los espectadores a vivir, sentir y disfrutar las estaciones del año a través de la imaginación. El viaje será recreado a través de la animación de objetos, estímulos sonoros y musicales, donde el texto cantado y la creación de atmósferas a partir del trabajo con elementos cotidianos será la raíz de la aventura. En la historia, tres amigos transitarán desde los cálidos ritmos del verano que se funden con el vuelo otoñal de las hojas, a las tormentas invernales que nutren la tierra para el florecimiento de la primavera. El montaje cuenta con la interpretación y música en directo de María Fernanda Carrasco Blancaire, Álvaro Sáez Ramírez y César Espinoza Araya.

La argentina Compañía de Fernán Cardama mostrará su pieza de teatro de objetos y títeres, Sopa de estrellas. Inspirada en el cuento homónimo de Mercedes Pérez Sabbi, es un espectáculo que se acerca a la vida de los niños trabajadores. El mundo de Blas está hecho de cartón y residuos pero también está hecho de imaginación, juegos, amistad y solidaridad. La obra, protagonizada por Fernán Cardama y dirigida por Carlos Piñero, cuenta con la escenografía de Pablo Lavezzari y la iluminación de Juan Pieroni.

Por último, la también argentina Compañía Criolla llevará a escena su Romeo y Julieta de bolsillo, interpretada por Emiliano Dionisi y Julia Garriz. Se trata de una versión libre del clásico de William Shakespeare para toda la familia, en la que dos catedráticos brindan una clase magistral sobre el autor, “o eso intentan”. Detalles sobre

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Le Petit Studio Cinema de Compañía de Títeres Errantes

Big Dancers de El Carromato

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El Paseo de Begoña y la Plaza Seis de Agosto se convierten estos días en escenarios improvisados donde los viandantes se encontrarán con propuestas de diversos géneros y estilos que les incitarán a parar y “disfrutar del espectáculo”. Todas las tardes se podrá disfrutar de una variada oferta de la mano de compañías como Albadulake o Circ Bover dedicadas ambas a las artes circenses. Los primeros presentan Las Expertas cuatro expertas en cuerda aérea, aros chinos, equilibrio, acrobacia... En Vincles los artistas crean en escena a partir de cañas de bambú un espectáculo con el objetivo de transmitir la elegancia la técnica del circo contemporáneo.

Las técnicas circenses son también las empleadas por Cía. Maitomano en Equilibuá que definen como “el acto por el cual objetos de madera y seres humanos se alían en diferentes formaciones geométricas para conseguir audaces equilibrios por medio de corrientes dinámicas de complicidad y humor”.

Clown, malabares y acrobacias aéreas con telas y trapecio son los números con los que las protagonistas de Bambalas de Cía. Bambolea darán más de una sorpresa y en Todo encaja de Cia UpArte destacan los números de gran técnica acrobática y precisión con toques de humor Números circenses de equilibrio y malabares de alta precisión componen el espectáculo Suhde de

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Artes de calle para sorprender a los viandantes los finlandeses Duo Kate and Pasi mientras que los italianos Eventi Verticali presentan Wanted un espectáculo que tiene como fondo escenográfico una gran pantalla en la que los actores y acrobátas realizan números en altura mientras se van proyectando sobre ellos imágenes en 3D. Se han programado varios espectáculos itinerantes como Big Dancers de El Carromato, marionetas gigantes, música y efectos de luces sincronizados con los ritmos y los movimientos coreográficos, Hakuna Matata de Toula Animación, protagonizado por los animales del circo que acaban de escapar y andan sueltos por las calles e itinerante es también Pete&Pat de Bigolis Teatre, un elegante tándem que empuja a un pianoman que toca animadas melodías. A la vez que circulan, interactúan con el público y cuando paran el piano se transforma en un teatrino de títeres.

La magia también tendrá su lugar con La caja de Nacho Diago, espectáculo de magia para una sola persona en un particular espacio “en el que todo es para ti, en el que puede que lo imposible se convierta en real y lo que es real deje de serlo por momentos”. Y Compañía de Títeres Errantes presenta Le Petit Studio Cinema una particular instalacion en la que la familia Méliès, ofrece la posibilidad concoer una máquina capaz de atrapar el tiempo, de capturar la memoria en movimiento de una historia teatral... Un lugar donde la fantasía y la magia se hacen realidad.

Como es habitual también habrá lugar para juegos e instalaciones.

Este año se podrá disfrutar con los de: Lila (Asturias), Festijeux & Compagnie (Francia) y El Pájaro Carpintero, Toc de Fusta y Gestió I Assessorament d’Actes Culturals de Cataluña.

PROGRAMACIÓN

16 enero febrero XXXIX Jornadas de Teatro de Eibar

Eibar vuelve a ofrecer teatro para todos los públicos Del 13 de febrero al 16 de marzo se celebra la trigésima novena edición de las Jornadas de Teatro de Eibar con los escenarios del Teatro Coliseo y del Complejo Educativo como centro neurálgico y en los que se pondrán en escena los 22 espectáculos que conforman la programación de este año. Verónica Forqué será la encargada de inaugurar esta edición en la que se podrá disfrutar con dos estrenos, ‘La boda de Betty Blue’ de Glu Glu Producciones y ‘Objetos perdidos’ de los anfitriones Narruzko Zezen.Teatro de todos los géneros –comedia, drama o musical–, el humor de Faemino y Cansado, la

danza contemporánea de Nacho Montero, la magia de Yunke o los espectáculos para público familiar de Gorakada y La Machina Teatro. Todo esto además de dos espectáculos de factura internacional de la Companhia do Chapitô de Portugal y del clown belga Joseph Collard junto con obras en euskara como ‘Pankreas’ de Patxo Telleria (que también se escenificará en su versión en castellano) y ‘Etxekoak’ de Huts Teatroa-Artedrama, obra encargada de clausurar esta edición. Esto es solo un aperitivo de lo que ofrece esta nueva edición de la veterana cita teatral eibarresa.

L

a tradicional Muestra de Estatuas Humanas que tendrá lugar el 12 de febrero es la señal de que llega una nueva edición de las Jornadas de Teatro de Eibar que serán inauguradas por otra iniciativa convertida también en tradición: la conferencia-coloquio que este año tendrá lugar el día 15 y estará protagoniza por Verónica Forqué. La actriz, directora y adaptadora teatral iniciará el encuentro con el público hablando de “La alegría del actor”, para continuar “con un coloquio que nos brindará la oportunidad de conocerle de cerca como persona y como artista” afirman desde Narruzko Zezen, encargados de la organización de las Jornadas junto con el ayuntamiento de Eibar.

Al día siguiente comenzará la programación de espectáculos con Buena Gente versión de la exitosa obra de David Lindsay-Abaire que protagoniza la propia Forqué en una producción de Carlos Lorenzo, SOM Produce y Milonga Producciones. Dirigida por David Serrano esta comedia “habla de hombres y mujeres que enfrentan el día a día, que luchan por sueños posibles en su comunidad y que no precisan salir del barrio como respuesta única al éxito en sus vidas”.

Comedia es también La boda de Betty Blue de David Barbero y cuyo 56

w w w. a r t e z b l a i . c o m

Distancia siete minutos de Titzina Teatro

estreno tendrá lugar en el marco de las jornadas (día 19 de febrero). Con dirección de Galder Pérez, Justi Larrinaga y Leyre Berrocal protagonizan esta nueva producción de Glu Glu, en la que la intriga de la obra intenta captar la atención del público que deberá “descubrir quién es el culpable de la muerte conocida en el primer minuto de la primera escena” explica su autor quien añade que “la crítica social busca ser una mosca cojonera que denuncia algunas de las lacras que padecemos y en las que participamos”.

Cías. internacionales

Ziz-Zag de Joseph Collard

Edipo de Companhia do Chapitô

Desde Portugal vuelve a las Jornadas Companhia do Chapitô (día 18) para poner en escena su particular versión de Edipo. El teatro gestual y el característico humor de la compañía convierten la universal tragedia en una propuesta muy especial con la que sus tres intérpretes volverán a sorprender al público. El clown belga Joseph Collard –fundador de la compañía Les Founambules, referente del teatro gestual a nivel mundial– presenta su primer espectáculo en solitario (día 26), Ziz-Zag. Este unipersonal alocado lleno de poética y humor, es una combinación de clown y mimo en el que el público

enero febrero

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Moby Dick de Gorakada

se sorprenderá con el innato talento del veterano actor.

El humor es también el principal ingrediente de ¡Cómo en casa ni hablar! último espectáculo de Faemino y Cansado y del que ofrecerán dos funciones (28 y 29). Una obra que como respuesta de la pregunta “¿en que consiste?” la pareja de humoristas responde: “es una parodia del cómico “lasvegiense”, parodia del mimo “circosoliense”, parodia de la atracción “cruceriense”, parodia del “cuentachistiense”…”, en resumen, las risas están aseguradas.

Otra pareja artística, en este caso la formada por Diego Lorca y Paco Merino o lo que es lo mismo, Titzina Teatro presenta en Eibar su cuarto espectáculo, Distancia siete minutos (día 23), como ya lo hiciera con los tres anteriores, ‘Folie deux, sueños de psiquiátrico’, ‘Entrañas’ y ‘Exitus’. En esta ocasión parten de la relación de un joven juez y su padre para sacar a relucir temas de gran trascendencia como la felicidad, el destino o la propia justicia.

El teatro en euskara llega de la mano de Txalo Produkzioak con un espectáculo recién estrenado, Heroiak (día 22), una comedia de Gérald Sibleyras dirigida por Begoña Bilbao en la que Ramon Agirre, Joxe Ramon Soroiz y Kandido Uranga dan vida a tres veteranos de la Primera Guerra Mundial. En este primer mes de las Jornadas, el público familiar también tendrá una cita ineludible, será el día 27 con la puesta en escena de Moby Dick a cargo de Gorakada. José Carlos García dirige esta adaptación que Julio Salvatierra ha realizado del clásico de Herman Melville. Una obra en la que mares, animales marinos y miles de aventuras se presentan acompañados por la música en directo interpretada por Fran Lasuen y Unai Laso.

La programación de febrero se completa con El Verdugo (20) adaptación teatral del guión cinematográfico de la película del mismo título de Rafael Azcona. Con esta obra, Carro de Thespis, Grupo de Teatro de la Comarca de Las Merindades ha obtenido diversos premios como el del Certamen Nacional de Teatro Aficionado Garnacha de Rioja de Haro.

Las Jornadas continuarán en marzo con una programación que contempla el estreno de ‘Objetos perdidos’ a cargo de la compañía anfitriona, Narruzko Zezen. Se podrá disfrutar además de ‘Teresa, miserere gozoso’ de Teatro Corsario, ‘El arte de las putas’ de Teatro del Temple y de las versiones en euskara y castellano de ‘Pankres’. También habrá danza y magia, de la mano de Natxo Montero y Yunke respectivamente, un musical ‘Cabaret Chihuahua’, el último trabajo dirigido por Ander Lipus, ‘Etxekoak’ y una obra para público familiar de los cántabros de La Machina Teatro. De todo ello se dará cumplida información en el próximo número de esta revista. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Temporada Alta-Timbre 4 Del 29 de enero al 11 de febrero se realizará la cuarta edición de Temporada Alta en Timbre 4 (Buenos Aires). Durante este período se presentarán diversas producciones teatrales de Cataluña y Latinoamérica, ya que en esta nueva ediGroenlandia de La Máquina del Arte ción se sumarán producciones provenientes de México, Uruguay y Chile. Con más creaciones, más experiencias y más contenido artístico, Timbre 4 da comienzo a su temporada teatral 2016 con el encuentro que celebra la fusión de propuestas e intercambio artístico del verano argentino. Entre los montajes que forman parte de la programación se encuentran Informe para una academia, interpretada por Ivan Benet; Está escrita en sus campos, con dramaturgia de Francisco Barreiro; El vacío del otro, dirigida por Camille Decourtye y Blaï Mateu Trias; Ye Katherina, con dirección de Felipe Rubio; Groenlandia, de la compañía La Máquina del Arte; Mi gran obra (un proyecto ambicioso), de David Espinosa; y Lo que los otros piensan, con dramaturgia y dirección de Domingo Milesi.

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El Festival de Artes Escénicas de Sevilla, feSt, cumple diez años y lo celebra con una edición que ofrecerá 28 espectáculos a cargo de 26 compañías. La programación tendrá lugar del 15 de diciembre al 26 de enero, con propuestas de teatro de texto, teatro gestual, ©Félix Vázquez performances, títeres o danza. Entre las novedades de la presente edición se encuentran el ciclo ‘Andalucía a Escena’ y las actividades dirigidas al sector profesional.

Los espectáculos se ofrecerán en diferentes teatros de la ciudad. Dentro de la programación del mes de enero el Teatro Central acogerá propuestas como Madre Coraje de la compañía Atalaya. El Centro TNT recibirá, entre otros, AMOR Según, sin, sobre, tras... de Puntillas Teatro Danza. La Fundición, por su parte, programará montajes como El hombre menguante de Pérez & Disla. En la Sala Cero se podrán ver espectáculos como El pillo de Cascai Teatro. El Teatro Duque-La Imperdible contará con una programación formada por títulos como Galerías Tonterías de Spasmo Teatro. Será en el Teatro Alameda donde tendrá lugar la clausura del festival con la entrega de los premios Escenarios de Sevilla, correspondientes a la temporada anterior. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Escenario Insólito-Actual El Festival Actual 2016 (Escenario de Culturas Contemporáneas), que se celebrará del 2 al 6 de enero en Logroño, ha programado un total de 37 actuaciones a cargo de ocho compañías riojanas en el marco de Escenario Insólito. Se trata de una propuesEl Perro Azul ta teatral que utilizará como escenarios lugares cotidianos de la ciudad y que está pensada para acercar las Artes Escénicas a los ciudadanos de forma original y sorprendente. Las compañías, que ofrecerán representaciones muy diversas y arriesgadas puestas en escena, son Peloponeso Teatro, El Perro Azul, Tres Tristes Tigres, Ipso Facto Impro, Sapo Producciones, Alpiste Producciones, Diego Calavia y Limbo Escena. Las ocho piezas teatrales serán representadas en ubicaciones insospechadas como los autobuses urbanos, la estación del tren o la antigua Iglesia de Madre de Dios, además de otras como el Museo de La Rioja, el hall del IES Sagasta y los calados de San Gregorio y del Colegio Oficial de Arquitectos. Parte de la recaudación de esta actividad se destinará a una entidad sin ánimo de lucro.

Festival de Jerez El Festival de Jerez celebra este año su vigésimo aniversario y ofrecerá 50 espectáculos de baile flamenco y danza española del 19 de febrero al 5 de marzo en Jerez de la Frontera (Cádiz, España). El cante y la guitarra protagonizarán ciclos especiales en una edición a la que llegarán veinte intervenciones inéditas a edificios singulares de la ciudad. Además, el festival propone manifestaciones formativas, de apoyo a la creación y de encuentro con otras artes. Así, se ofrecerán más de 40 cursos y talleres, que contarán con alumnos procedentes de más de treinta países. Entre los artistas que participarán en esta cita escénica se encuentran Eva Yerbabuena con Apariencias, con dirección musical de Paco Jarana; Antonio El Pipa con Gallardía, que contará con Esperanza Fernández y David Peña como artistas invitados; Rocío Molina que llevará a cabo Bosque Ardora, con dramaturgia y dirección de Mateo Feijoo; Sara Baras que interpretará Voces, pieza con la que rinde homenaje a artistas como Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Antonio Gades, Enrique Morente, Moraíto y Carmen Amaya; y Manuel Liñán que estará con Reversible.

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Propuestas escénicas diversas alrededor del Nervión

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na ópera para público familiar del universal cuento El flautista de Hamelin de la mano de Ópera de Cámara de Navarra es la primera cita con la escena (3-5 de enero) del nuevo año en el Teatro Arriaga de Bilbao, que ofrece otra ópera infantil del 27 al 29 de febrero, en este caso basada en el cuento Cenicienta con dirección de Joan Font y producción del Gran Teatre del Liceu.

C.I.C.T. / Théâtre des Bouffes du Nord han concebido una singular producción de la comedia-ballet Monsieur de Pourceaugnac que se presenta convertida en un espectáculo de Teatro-Música bajo la dirección escénica de Clément HervieuLéger (17 y 18 de enero) propuesta que dará paso al estreno del último espectáculo de Txalo Produkzioak, Heroiak el día 20 (más información en páginas precedentes de esta revista).

Una visión contemporánea de Fuenteovejuna (23-25) de Lope de Vega realizada por Juan Mayorga sube al escenario bilbaino en una producción de La Joven Compañía. Una nueva versión del clásico que

Antiche Danze de Ballé da Cidade de Sâo Paulo ©Sylvia Masini

intenta dar respuesta a una pregunta como “¿qué mundo está naciendo en el asalto a la Casa de la Encomienda?”. Y un texto de nueva creación sobre un hecho del pasado, Sócrates. Juicio y muerte de un ciudadano (27-30) en una coproducción de Teatre Romea, Festival de Teatro Clásico de Mérida y Grec 2015. Mario Gas es el autor y director de esta obra protagonizada por José María Pou que lleva al escenario el juicio a un filósofo ateniense condenado a muerte por denunciar la corrupción y la superstición.

La danza es la gran protagonista de la

Con el estreno de Preludio de Gabriel Ocina –proyecto apoyado por los programas de residencias de creación en Muelle 3 y La FuNdicIOn de Bilbao– comienza los días 16 y 17 de enero la programación de 2016 de La Fundición.

La edad del frío. Conversaciones con Antígona del canario Roberto García de Mesa es una propuesta que aúna poesía escénica, performance, teatro visual y teatro de texto (días 23 y 24) mientras que Enduring Freedom es una pieza de danza Butoh a ritmo de percusión de creada por Imre Thormann y Luis Tabuenca en la que hablan “de la salida del espacio convencionalmente estrecho en el que “uno es”, hacia un laboratorio de libertad permanente” (3031). Los días 13 y 14 de febrero la Cia de Danza Fernando Hurtado presenta la pieza Confesiones de un primate en el Km. 50, con dirección y coreografía del costarricense Francisco Centeno y creado en el 15 aniversario de la compañía.

Los días 19 y 20 tendrá lugar el estreno de Haced el favor de estarse quietos, una creación de Elena Bezanilla y Julio Diez realizada también en dentro del programa Residencias de La Fundición. Wakefield Poole: Visiones y Revisiones por su parte es un estudio comparativo que Mauricio González comparte con el público en formato de conferencia-performance (27-28). Con el nuevo año, La Fundición arranca con una nueva propuesta programática denominada ‘Rock de Cámara’, un programa de música que en los dos primeros meses del año incluye los conciertos de Last Fair Deal y Gari los días 28 de enero y 18 de febrero respectivamente.

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programación del mes de febrero que comienza con la presentación en Bilbao (día 3) – y tras su reciente estreno en Donostia–, de Oskara de Kukai Dantza (más información en la página 15 de este número). Desde Brasil, Ballé da Cidade de Sâo Paulo, presenta los días 12 y 13 un programa de tres coreografías: Antiche Danze de Mauro Bigonzetti, Adastra de Cayetano Soto y O balcão de amor de Itzik Galili. Tres nuevas propuestas de danza contemporánea de esta compañía que sorprendió gratamente al público en su anterior visita al Teatro Arriaga en 2009.

Akram Khan Company por su parte pondrá en escena el día 25 Kaash espectáculo del coreógrafo Akram Khan que evoca a los dioses hindúes Ganesh, Krishna y Shiva. Khan ha contado con el compositor Nitin Sawhney y el escultor Anish Kapoor para la creación de este trabajo estrechamente ligada a los ciclos musicales tradicionales de la música hindú.

La programación del Teatro Arriaga incluye además el estreno de El florido pensil - niñas del 19 al 21 de febrero tanto en su versión en castellano como en euskara (más información en las páginas 13 y 13 de

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esta revista) y varias propuestas dentro del ciclo Cuartitos como el también estreno de Letter: El viaje de una carta de Malas Compañías (7 de enero) además de Malmoe de Khea Ziater, obra creada a partir de los textos de Mikel Somiñona bajo la dirección de Alex Gerediaga (13 y 14), la comedia romántica En lo bueno… ¿Y en lo malo?

(22) y el 1 de febrero ¡Tú eres poesía! de Saturnino García.

En Barakaldo y Leioa

Con un espectáculo de magia, Ensueños. La magia de lo imposible de Jorge Luengo comienza la programación escénica del nuevo año de Teatro Barakaldo (2 de enero) una propuesta para público familiar al igual que el increíble Faboo (día 17) el premiado espectáculo de títeres de Escena Creativa o el bello Vuela

pluma, la historia de un pájaro contada a través de títeres por Periferia Teatro (21 de febrero) ambas obras, de la programación del Festival Titerescena. Y para Todos los más pequeños es también el espectáculo de danza ¿Cuál es mi nombre…? que Da.Te Danza pondrá sobre el escenario los días 16 y 17 de febrero.

El público adulto tiene una cita con el teatro y el humor con el estreno, el 16 de enero, de La guerra del sofá coproducción de Erre Produkzioak, Ar teka y Maskarada. Organik por su parte presenta Txapeldun, propuesta ideada por Natalia Monge que muestra las múltiples vivencias de un campeón a través de la danza, el teatro y la música (21 y 22). Un clásico universal, Hamlet, a cargo de Teatro Clásico de Sevilla (23 y 24) con dramaturgia y dirección de Alfonso Zurro, el premiado Cuando deje de llover, producción del Teatro Español de

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Perplejo de IlMaquinario Teatro

la obra del australiano Andrew Bovell (30) y la comedia romántica Amores minúsculos de Los Zurdos (27 de febrero) son las propuestas del Teatro Barakaldo al cierre de esta edición.

En Leioa por su par te se podrá disfrutar el 22 de enero con el espectáculo teatral Síndrome de Estocolmo de Búfalo Produkzioak que dará paso el día 24 a El sueño del pequeño guerrero propuesta para público familiar de La Tar tana mientras que el 29 el circo y la música toman protagonismo absoluto en Heian de Zen del Sur. El 12 de febrero se podrá disfrutar con Perplejo “espectáculo que habla de modo extremadamente cómico de temas esenciales para el ser humano” de IlMaquinario Teatro y el día 14 será el turno de la ya mencionada Letter: El viaje de una carta de Malas Compañías.

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Citas ineludibles donostiarras para comenzar el año

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os espectáculos dirigidos a niñas y niños de la programación especial de Navidad se extienden hasta los primeros días de enero y darán paso a la presentación en el Teatro Victoria Eugenia (9 de enero) del recién estrenado Amour de Marie de Jongh un espectáculo “muy poético de sorprendente carga visual” escrito y dirigido por Jokin Oregi. Además los más pequeños podrán disfrutar de otros espectáculos en los escenarios de las casas de cultura de la ciudad entre los que caben destacar Chef Chof de Trokolo Teatro, Azken portua de Dejabu, Kontukantari de Laenananaranja o Faboo, el encanto de la imaginación de la Cía. Escena Creativa.

La popular zarzuela La del manojo de rosas a cargo de la Asociación Lírica Sasibil (10) dará paso al primer espectáculo teatral para público adulto del año, El juicio de Dayton (21-24) obra de Teatro del Azar que parte del film que Stanley Kramer realizó en 1960 a partir de la obra de teatro Inherit the Wind, escrita por Jerome Lawrence y Robert Edwin Lee. El mismo escenario acoge ya en febrero, Windermere Club (días 12 y 13) a cargo de Ein Producciones.

Una particular adaptación que Juan Carlos Rubio ha realizado de la obra ‘El abanico de Lady Windermere’ de Oscar Wilde.

Un espectáculo llegado de Corea, Hotel Splendid (19-20) a cargo de Cho-In Theatre pone sobre el escenario una historia a partir de un hecho real. Durante la Segunda Guerra Mundial, 200.000 mujeres, la mayoría coreanas, fueron raptadas por el ejército japonés para ser esclavas sexuales. La obra, ambientada en una “estación de consuelo” siniestramente denominada Hotel Splendid, narra las vivencias de cuatro de estas “mujeres consuelo” y un piloto kamikaze que se enamora de una de ellas.

En un homenaje a las mujeres que sufrieron esta atrocidad poco conocida, el público será testigos de los horrores que las visitan y la fuerza, dignidad e incluso el humor con que los enfrentan.

Uno de los platos fuertes del Teatro Victoria Eugenia es el estreno de Oskara de 62

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Hotel Splendid de Cho-In Theatre

Kukai Dantza Taldea - La Veronal (del que se da cumplida cuenta en la página XXX de esta revista) los días 30 y 32 de enero y Dantzaz Konpainia realizarán la presentación de Atalak XXVI (10-11 de febrero) que incluye dos nuevas creaciones de dos coreógrafos vascos: Jon Ugarriza y Jorge Jauregi.

Más danza

Durante el mes de febrero se podrá disfrutar con dos espectáculos más de danza contemporánea. Daniel Abreu presenta en Gazteszena Venere (20), una pieza para seis intérpretes que “contempla la dureza y la frialdad de la materia de un planeta visible y lejano y, al mismo tiempo, la maleabilidad en el símbolo, en el juego de vivir, de creer en los afectos y el amor” y Marta Etura y Chevi Muraday indagan en las relaciones de pareja y las frustraciones que se originan ante las expectativas propias y las generadas por la sociedad en Retun de Losdedae los días 26 y 27 en el Teatro Principal.

Semanas antes sobre el mismo escenario Unahoramenos Producciones (23 de enero) narrará, a través de Isabel la historia de un joven que cansado de la terrible

situación que vive en Malí decide marcharse junto a un amigo a Europa. Esta es la historia de Me llamo Suleman interpretada con música moderna africana de Salif Keita.

Directamente de su estreno llegan al Principal Heroiak de Txalo Produkzioak (30y 31 de enero) y Ladydi de Ados Teatroa (20 y 21 de febrero) y de las que se ofrece cumplida información en páginas precedentes de este número La programación escénica organizada por Donostia Kultura se completa con dos espectáculos con grandes dosis de humor.

Sexperare presenta en Imanol Larzabal Aretoa H, el pequeño niño obeso quiere ser cineasta (16-17 enero), una comedia disparatada que fusiona diversos generos escénicos con grandes películas de cine como telón de fondo y en el mismo escenario Yllana Producciones realizará un divertido repaso a la situación de la mujer y lo que el amor significa para ellas en nuestra sociedad en Nano Cabaret (13-14 de febrero).

Por último cabe destacar que del 11 al 27 de febrero tendrá lugar la 25 edición de Poltsiko Antzerki Jaialdia –Festival de Teatro de Bolsillo–, una edición especial que contará con una programación de treinta espectáculos que se presentarán en otros tantos bares de la ciudad.

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Los escenarios de Murcia

Medea

Entre la extensa programación que ha preparado el Teatro Circo de Murcia para el primer mes del año destaca una coproducción del propio teatro junto con Iniciativas Teatrales, una adaptación de la comedia Un espíritu burlón de Noel Coward dirigida por César Oliva Bernal (días 28, 29 y 30) antes, (día 16) PTC pondrá en escena Como si pasara un tren, una obra de Lorena Romanin bajo la dirección de Adriana Roffi. Para el día 21 está prevista una sesión doble de circo con los espectáculos Heian y Potted de Zen del Sur y La Trócola (21) respectivamente. Artes circenses como elemento principal para disfrutar con dos propuestas muy diferentes entre si. El público familiar podrá disfrutar con dos espectáculos, ¿Cuál es mi nombre? de Da.Te Danza –galardonado con el Premio Mejor Espectáculo para la Infancia FETEN 2015– (24) y Lana de luna (31) un espectáculo que nace del juego y que invita a jugar a los más pequeños ya que esta obra de Ñas Teatro está dirigida a bebés de entre seis meses y tres años. La programación de enero incluye además varios conciertos y dos obras del ciclo Microscena (13): Invocación a traición y Problemas de Estado –en ambos casos se realizarán varios pases de 30 minutos cada uno–. Al cierre de esta edición solamente se conoce un espectáculo para el mes de febrero. Se trata de Medea, la obra que sobre el mito produce Pentación , dirige José Carlos Plaza y protagoniza Ana Belén (día 5).

El Teatro Romea por su parte ha hecho pública la programación del mes de enero que comienza con un clásico de danza, El lago de los cisnes de Tchaikovsky a cargo de Russian Classical Gran Ballet (día 7) al que le siguen las comedias Si la cosa funciona de Woody Allen dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer (9-10), Los caciques de Carlos Arniches bajo la dirección de Ángel Fernández Montesinos (15-16) o la versión que de Sueño de una noche de verano de Shakespeare ha escrito y dirigido Darío Facal (22). Hércules, el musical es como su propio nombre indica un musical escrito por Miguel Murillo y que dirige Ricard Reguant (30). La programación de teatro para público adulto se completa con la versión teatral de La plaza del Diamante de Mercé Rodoreda con Lolita en el papel protagonista bajo la dirección de Joan Ollé (31).

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Teatro Español

El grito en el cielo

El último espectáculo de La Zaranda, En grito en el cielo abre la temporada de la Sala Principal del Teatro Español. La compañía jerezana estará en cartel del 13 al 31 de enero con esta obra escrita por Eusebio Calonge, una nueva creación que junto con la anterior, ‘El Régimen del pienso’, conforma una ácida crítica a un mundo deshumanizado y sin trascendencia “Donde los historiales clínicos suplantan toda biografía y el arte, mutilado de su sentido espiritual, es un engranaje más de esa maquinaria de aniquilamiento” en palabras de su director, Paco de la Zaranda.

La misma sala acoge el estreno de una producción propia el día 18 de marzo, de Arte Nuevo: un homenaje, espectáculo que parte de las obras Cargamento de sueños y El hermano de Alfonso Sastre y Medardo Fraile y que bajo la dirección de escena de José Luis Garci estará en cartel hasta el 27 de marzo. Otro estreno también de producción propia, De un tiempo a esta parte de Max Aub con dirección de Carmen Conesa. Estará en cartel en la Sala Margarita Xirgu de las Naves del Español de Matadero del 26 de enero al 6 de marzo.

En la sala Fernando Arrabal se podrá disfrutar con Sócrates. Juicio y muerte a un ciudadano (del 5 al 28 de febrero) coproducción del Festival de Mérida, Festival Grec y Teatro Romea escrita y dirigida por Mario Gas. Ante el público el juicio que deriva en la muerte de uno de los filósofos y pensadores más importantes de la historia de la filosofía universal. Y es que tal y como queda patente en esta obra “es su condición insobornable la que le lleva a ser acusado por seres insidiosos cercanos al poder” que le llevarán a la muerte.

Y en la Sala Max Aub y dentro del Ciclo Teatro Latinoamericano Feelwood Teatro pondrá en escena La estupidez una obra de Rafael Spregelburd que versa sobre la fragilidad de la inteligencia en los tiempos que corren. Bajo la dirección de Fernando Soto del 14 de enero al 21 de febrero se podrá conocer esta obra que “representa, de manera grotesca y desmesurada, la codicia y el poder del dinero como valor absoluto de una sociedad fragmentada, disociada, que ve solamente el valor monetario en todo lo que la rodea. La parodia y la crítica subyacente se extiende a toda la sociedad y a sus instituciones”.

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Rodadanza en La Usina Rodadanza es un colectivo de coreógrafas y bailarinas compuesto por Cia Input, Cia Caminante, Lara Martorán, Anastasia Shelepova, Anna Resta, Compagnia Impronta Dansa, Cia Artur Villalba y Alba Vergne López que tiene como objetivo invitar a nuevos públicos a participar de la danza contemporánea de una forma dinámica y variada. Para conseguir el mencionado objetivo Rodadanza ofrece espectáculos rotativos en forma de pequeños festivales de danza para las salas y es a su vez una pequeña distribuidora para artistas emergentes que tienen piezas breves de pequeño formato difíciles de programar de forma independiente. El proyecto, cuya primera presentacuón ante el público tuvo lugar en diciembre en el Espacio Labruc de Madrid, llega en enero a La Usina, donde quiere además ser un escaparate para posibles bailarines interesados en integrarse al colectivo y salas interesadas en la danza contemporánea. “Creemos en que la unión hace la fuerza y en el admirable poder de lo breve” afirman las impulsoras de este proyecto.

La Seca Espai Brossa El Teatre La Seca Espai Brossa comienza el nuevo año con La bohèmia (8-24 de enero) de Agustí Humet, un pequeño concierto teatralizado en la que se mezclan “locura, fragilidad, temblor, revolución, surrealismo, picardía, amor, melancolía, libertad, recuerdo, ruptura y anhelo”. Y la música toma también protagonismo en Exacte, el món com no és, (5 al 21 de febrero) y es que la obra de Lara Sendim no es un monólogo a secas, sino un monólogo musicado. Òscar Constantí - Mont Plans son los autores de Sembla que rigui unipersonal interpretado por Plans cuyo estreno tendrá lugar en la Sala Leopoldo Fregoli de La Seca el 13 de enero y estará en cartel hasta el 7 de febrero. Cia Cocotte presenta Les rois fainéants que da nombre a una fábrica francesa que fue en su día ejemplo de perseverancia y eficacia. Esta obra lleva al público a los últimos días de la fábrica a través de la historia de unos entrañables personajes (14 de enero al 7 de febrero). Un espectáculo metateatral es la propuesta que presentará Companyia 11 de novembre con Assaig obert (del 10 al 28 de febrero) y del 11 al 6 de marzo será el turno de Fuenteovejuna de Cia Obskené.

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L a mina en Cuarta Pared La Sala Cuarta Pared de Madrid es el lugar en el que poder disfrutar los días 14,15 y 16 de enero de La Mina tercer proyecto de Producciones Bernardas que “nace de la necesidad de homenajear a un sector industrial que forma parte de la memoria de nuestro país, y a todos los hombres y mujeres que luchan por el futuro de las comarcas mineras”. Tal y como explican desde la compañía, “el impulso para crear La Mina vino provocado por la necesidad de ser un altavoz para un colectivo que ha luchado siempre por visibilizar su situación”. Para ello esta obra escrita por Juanje de los Ríos y Aldara Molero, interpretada por Antonio Velasco, Guillermo Sanjuán, David Rubio y el propio de los Ríos bajo la dirección de Aldara no pone ante el público una mina concreta, sino una mina que pude ser cualquier mina en la que trabajan cuatro mineros con los que el público recorre galerías y tajos. Cuatro mineros que pueden ser de Asturias, Teruel, Inglaterra o Chile. Cuatro compañeros a los que se les oye decir “cuidado al entrar, no os deis en cabeza, pero tranquilos que la mina avisa”.

La Perla en Tarambana Los día s 9, 16, 23 y 30 de enero en la Sala Tarambana de Barcelona tendrá lugar la puesta en escena de la versión teatral de La perla de Yukio Mishima, considerado como uno de los grandes escritores de la historia de Japón.

La Compañía Al descubierto ha elaborado este particular montaje de teatro de gesto a partir de la dramaturgia creada por Nataliya Andrukhnenko y Alberto Menéndez bajo la dirección de este último. Las actrices Alicia Velasco, Nataliya Andrukhnenko y Marta Cavassa dan vida a Matsumura, Sasaki y Yamamoto respectivamente, tres mujeres pertenecientes a la alta sociedad que se han reunido en la casa de una de ellas para celebrar el cumpleaños de una de ellas, y las tres son parte de una sociedad denominada ‘Guardemos nuestras edades en secreto’.

Durante la fiesta y en medio de la algarabía de reglas la anfitriona pierde la perla de su anillo y aunque en un principio cree habérselo tragado, a lo largo de la jornada comenzarán a asomase sus dudas y es que el incidente de la pérdida desata un conflicto “sumergido” que delata la precariedad de las relaciones entre las supuestas amigas.

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16 enero febrero José Ramón López Menéndez

Teatro Estudio de San Sebastián, medio siglo en el teatro amateur Teatro Estudio San Sebastián (TESS) es una Compañía de Teatro Amateur que nació en San Sebastián en 1965, en el barrio de El Antiguo, por iniciativa de un grupo de jóvenes donostiarras que hacían teatro en diferentes compañías de la Ciudad. Han cumplido 50 años.

Han puesto en escena más de 60 espectáculos y de más de 35 autores. Para celebrar su Aniversario han montado en el Barrio donde nacieron una Exposición de Fotografías y Carteles de su larga producción y han estrenado en su Ciudad, Donostia, dos espectáculos “Ensayos para siete” de Boguslaw Schaeffer y “Una comedia española” de Yasmina Reza. Me encuentro con Manolo Gómez director de la Compañía y le pregunto.

Permanecer durante tantos años en una actividad no es tarea fácil. En el caso de una compañía de teatro aficionado lo parece aún más. No os mueve el dinero, ni la fama, ni la gloria. ¿Cuál ha sido la rueda o ruedas que han movido a TESS? En sus inicios se unieron tres factores; por una parte, la inquietud social de los jóvenes antiguotarras (habitantes de El Antiguo), por otra una gran afición al teatro de los componentes que pusieron en marcha el grupo y, entiendo, que por encima de todo ello, estaba el deseo de hacer una aportación cultural a su barrio, el Antiguo, en San Sebastián y por exten66

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o Juan Pastor. Además de viajar para ver que se hacia mas allá de nuestra Ciudad.

sión a todo su ciudad. El Antiguo en 1965 era un barrio fundamentalmente obrero y eran muy escasas las posibilidades de sus gentes de acceder a la cultura y un grupo de jóvenes activos consideraron que el teatro sería una vía. Lógicamente además de los motivos se daba y se da la existencia de alguna o algunas personas dispuestas a tirar del carro.

Durante estos cincuenta años la compañía se ha ido renovando. ¿Cómo ha sido el proceso? ¿Cuales han sido las fuentes de donde se ha bebido la nueva savia?

No se puede hablar de una sola fuente sino de varias. Cada momento histórico ha tenido la suya. En sus comienzos, años 60, éramos jóvenes que, sin ninguna formación teatral, queríamos prestar un servicio a nuestro barrio. La primera preocupación fue aprender y para ello pedíamos la colaboración de las gentes que sabíamos que

en la Ciudad conocían este mundo y nos poníamos en contacto con ellos y atendíamos sus explicaciones. Teóricos y prácticos del teatro fueron nuestros profesores; Villarejo, director teatral amateur, Maribel Belastegui, escenográfa, Jokin Conde, iluminador, etc. Posteriormente, hacia los años 80, con el comienzo de la democracia en España, la madurez adquirida, éramos los mismos jóvenes con 20 años más, la experiencia teatral y los mismos deseos de comunicar nos llevaban a ser más críticos en la selección de los textos y a trabajar con mejores herramientas técnicas. En los últimos años hemos solicitado con frecuencia para enriquecer nuestros productos, la aportación de autoridades en el mundo de la escultura, Ricardo Ugarte, diseño grafico; José Luis Urdapilleta, Tomas Hernández, mundo de la música, Aitor Amezaga. Asistir a algunos cursos que se han propiciado en nuestra Cuidad con José Monleón, Albert Boadella

TESS tiene un estilo definido.

Cómo se han ido adaptando las nuevas aportaciones al grupo. ¿Ha habido tensiones o dificultades a la hora de conjuntar el equipo?

Las incorporaciones al Grupo han venido determinadas por las exigencias de cada uno de los espectáculos que queríamos hacer en cada momento y, además, la elección de los componentes, habitualmente, se ha hecho por consenso a partir del conocimiento que cada uno de los componentes teníamos de la posible o posibles incorporaciones. En este momento hay una escuela de teatro muy importante en San Sebastian, el TAE, y son sus muestras las que nos ayudan a incorporar al Grupo los nuevos fichajes. ¿Si ha habido tensiones? Pues si ha habido tensiones, discusiones y deserciones. Pero el Grupo sigue vivo y yo diría que en este momento con mucha fuerza y ganas de continuar el proyecto emprendido.

Uno de los éxitos del grupo está en la elección de las obras.

Cómo se ha realizado esta selección? ¿Cuáles han sido los criterios?

No ha sido tarea fácil la selección porque para escoger lógicamente, es necesario conocer. Y para conocer hemos acudido a las

enero febrero fuentes que existían en el País, las Revistas Primer Acto y Yorik o El Publico. Visitas a Madrid y Barcelona y a librerías especializadas como La avispa. Durante mucho tiempo hemos tenido un pequeño comité de lectura que hacía sus propuestas y hoy, varios componentes del grupo, más habituados a leer teatro, somos los que ponemos encima de la mesa aquel o aquellos títulos que nos parecen más adecuados en cada momento. Los criterios que sustentan nuestra producción son variados. Por un lado trabajamos autores de reconocimiento universal, como pueden ser Moliere o Priestley. Por otro lado nos interesan las esas joyas del teatro breve que difícilmente van a ser representadas como “Para cuando las reclamaciones diplomáticas” de Valle Inclán o “El caso de las petunias pisoteadas” Tennessee Williams. También nos motivan las criticas con un momento histórico de nuestro País “Un hombre duerme” de Rodríguez Buded, o “Terror y miseria en el primer franquismo” de Sanchis Sinisterra y nos atrae ese teatro “diferente”, por qué no; Pinter, Ionesco, Max Frisch.

Y finalmente no podrían faltar en nuestra producción los autores actuales; Juan Mayorga, Paco Sagarzazu, Iñigo Antsorregi…

En definitiva no tenemos un único criterio. Quizás puede decirse de nosotros que huimos sistemáticamente de intereses “comerciales” sin olvidarnos de los intereses de los espectadores.

TESS tiene un público fiel que le sigue, que ve todas sus funciones, incluso que repite asistiendo varias veces a un mismo espectáculo. Se puede decir que uno de los pilares del grupo están en ese público. ¿Cómo se consigue esto?

Siendo muy exigentes con el trabajo que hacemos. Un día nos enseñaron que “de hacer las cosas hay que hacerlas bien” y ese es el criterio que nos guía en la selección, en la preparación y en la presentación. Destinar los escasos recursos que tenemos a lo

que consideramos importante en cada montaje; en “Tartufo” vestuario, “El tiempo y los Conway” elementos escénicos.

En definitiva hacer de la necesidad virtud.

La palabra “aficionado” es en ocasiones tomada de forma peyorativa por algunos oídos.

TESS prefiere la palabra amateur/amante del teatro. Explícanos esto un poco.

Así es, parece que los aficionados son colectivos que utilizan el teatro como entretenimiento personal para que le vea su cuñada y su prima. Sin obviar este aspecto que puede darse y de hecho se da en algunos casos. Hay un gran número de Grupos, y el nuestro es uno de ellos, con una gran exigencia interna a la hora de seleccionar, producir y presentar un espectáculo por eso yo prefiero y en nuestro Grupo también lo preferimos llamarnos AMATEURS, AMANTES DEL TEATRO. En ocasiones se considera a las Compañías de Teatro Amateur como colectivos carentes de formación y eso no es así. En nuestro Grupo en concreto varios de sus componentes asisten a clases especializadas para mejorar su formación. Hay otra escuela, que yo creo que es muy importante para nuestra formación, y es la asisten-

cia a los espectáculos que se programan en nuestra Ciudad que una vez vistos son juzgados en nuestra Compañía. En nuestra Ciudad hay una Feria de Teatro importante a cuyas sesiones acudimos y nos ayuda en nuestra preparación. De Teatro Estudio San Sebastián, concretamente, han salido algunos de sus componentes para Compañías de Teatro Profesional y para el Cine y han aportando pleno rendimiento al proyecto que les ha sido encomendado en el mundo Profesional. Para nosotros el Teatro no es un entretenimiento.

En el País Vasco se aprovecha la fuerza que en si tiene este teatro amateur? ¿Qué política teatral se lleva a cabo en este sentido?

Con relación al Teatro Amateur no hay ninguna política teatral establecida. Por lo menos yo no la conozco y debiera de conocerla si existiese. El Gobierno Vasco no tiene ninguna preocupación por el Teatro Amateur y en el resto de las Administraciones igual. Hay algunos Ayuntamientos, pocos, que si miman a estos colectivos pero, repito, son pocos. Ojala alguien leyera esta entrevista y me desmintiera inmediatamente. Seria una alegría saber que estoy equivocado.

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En algunos lugares y más en esta situación de crisis se puede dar tensiones entre el teatro amateur y el teatro profesional.

Cómo veis esta circunstancia?

Conozco alguna realidad donde los profesionales consideran que nuestro trabajo es una competencia desleal.

Los aficionados venden a bajo coste. Afortunadamente en nuestra área de trabajo esto no sucede. Los mejores clientes del teatro profesional somos los componentes de las compañías de teatro Amateur.

Hay una Asociación de ámbito nacional; Escenamateur que esta haciendo una gran labor para el prestigio del teatro Amateur. Su esfuerzo se centra en el intento de que el teatro amateur se haga visible ante las instituciones y que se le considere y valorice en su justa dimensión. Nos gusta esta idea y el método que siguen en su trabajo… la coexistencia pacífica y la no confrontación con otras opciones como podría ser la profesional. Entre el mundo profesional y el amateur debe darse un reconocimiento mutuo y una convivencia constructiva que sin duda fortalecerá a las artes escénicas.

Tal vez nos es momento, después del esfuerzo realizado en este 50 aniversario, de hablar de vuestros próximos proyectos, pero nos atrevemos a preguntar. ¿Futuro inmediato?

Cuando esto me preguntan mi respuesta suele ser “si hemos trabajado en 1965 y 1966 y 2014 y 2015 queremos seguir haciéndolo en el 2016, 2017… mientras el cuerpo aguante y la sociedad nos quiera”. Nos gustaría que la exposición y las obras recién estrenadas tengan larga vida.

Y que los Certámenes que se producen en España sean espectadores de nuestro trabajo.

Carlos Taberneiro w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Escenamateur y FGTAC comparten titularidad del Centro Nacional AITA/IATA España

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os pasados 17 y 18 de octubre de 2015 se celebraron en Móstoles (Madrid) dos importantes reuniones para el Teatro Amateur español. Por un lado la reunión del recientemente elegido nuevo Consejo directivo del CIFTA (Consejo Internacional de Federaciones de Teatro Amateur de cultura latina) y por otro la reunión de creación del nuevo Centro Nacional AITA/IATA (Asociación Internacional de Teatro Amateur) España.

Acudieron a dichas reuniones el Presidente de AITA/IATA y diversos representantes tanto del CIFTA, como de la Confederación Escenamateur y de la FGTAC (Federación de Grupos de Teatro Amateur de Cataluña).

En estas reuniones se debatió sobre la situación actual de teatro amateur en España y la representatividad de las distintas federaciones que desarrollan su trabajo en las diversas comunidades autónomas. También se trató la situación actual del Centro Nacional de AITA/IATA España. En este sentido se alcanzó el acuerdo de elevar al Consejo directivo de AITA/IATA una propuesta para reorientar el Centro Nacional AITA/IATA y de pasar la titularidad conjunta a ESCENAMATEUR y FGTAC. Dicho acuerdo fue sometido por Rob Van GENECHTEN (Presidente de AITA/IATA), a la aprobación del Consejo directivo de AITA/IATA que se celebró en Budapest (Hungría) el 24 de octubre, resultando aprobado por la unanimidad.

Por lo tanto la titularidad del nuevo Centro Nacional AITA/IATA España será compartida por Escenamateur y la FGTAC que empezarán a funcionar como tal. Tanto Escenamateur como la FGTAC, que representan a una amplia mayoría del tejido asociativo del teatro amateur español, tienen la intención de reactivar el Centro Nacional de AITA/IATA España.

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16 enero febrero Josu Montero

Luz negra

Molière en la disco

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erdad frente a fingimiento. Honestidad frente a interés. Sinno es la ofuscación la mejor consejera. Me tomo a los hombres como ceridad frente a cinismo. Aunque todas estas dicotomías reson y acostumbro al alma a padecer su comportamiento. Un hombre sultan casi siempre menos absolutas y más delicadas que el injusto, traidor o interesado debería encolerizarnos tanto como un buitre blanco y el negro, aunque están llenas de grises y de matices –como ávido de carroña o un lobo rabioso”. Por supuesto tales argumentos el propio protagonista Alcestes reconoce– lo que aquí nos muestra lejos de convencer a Alcestes hacen que considere a Filinto un hipócriMiguel del Arco, de la mano de Molière, es un cuento ta redomado y odioso. Sí lo son la gran mayoría de los moral en el que tampoco caben demasiados matices. personajes que pasan por ese callejón procedentes de “La educación es un norma de convivencia”, afirma Fila fiesta: Oronte, Clitandro, Cleonte o Arsinoé, en los que linto. “Creía que la educación era el camino para que los contemplamos todos los vicios morales contemporáneos; hombres fueran mejores”, responde Alcestes. Y añade sin duda el autor ha asistido a ese tipo de fiestas tan éste: “Quiero que seamos honestos y que nuestras propias del habitat artístico-cultural y tan rebosantes de palabras muestren el fondo de nuestros corazones”. hipocresía,lameculismo, afán de trepar a cualquier precio, Filinto replica: “Ese tipo de franqueza es lo que los griefalsedad y cinismo. gos llamaban parresía. Pero ellos mismos inventaron el Pero este buen salvaje que es Alcestes y que dearte de la retórica para evitar que se desencadenara sea abandonarlo todo e irse lejos, lejos de cualquier una guerra cada vez que alguno hacía uso de su liberser humano, tiene un punto débil, el absoluto amor tad de palabra”. Y zanja Alcestes: Y nosotros hemos que siente por Celimena, una hermosa joven, pero que evolucionado hasta convertir la retórica en el arte de parece concentrar en ella todos esos vicios morales MISÁNTROPO enmascarar la verdad”. Del siglo XVII al XXI, de Molière a que nos acabamos de referir, y además parece no MIGUEL DEL ARCO al hoy en que del Arco reescribe este “Misántropo”, el tener remilgos en usar su belleza y su juventud para Ediciones Antígona género humano ha hecho sorprendentes avances en el conseguir sus propósitos. Este amor descoloca y trae arte de ocultar, manipular, controlar, sojuzgar a través por la calle de la amargura a Alcestes; aunque Celimena del lenguaje, quizá por eso haya algo de desencajado afirma amarle, sus actos no parecen suscribir sus paen esta traslación de la historia al aquí y al ahora mientras las armas labras. A esta trama pasional se le superpone un pleito judicial entre del combate lingüístico siguen siendo las de hace tres siglos y medio, Alcestes y un preboste, y donde se planteará la falsedad de las leyes por mucho que haya huellas aquí de Foucault, de Montaigne e incluso que rigen la convivencia de los ciudadanos. “Un defecto de forma le versos de Cernuda. hizo perder el juicio. Una frase que bien podría ser mi epitafio”, ironiza Miguel del Arco revisita a los clásicos entrando en sus obras por la Alcestes. Nuestro Misántropo embiste a diestro y siniestro harto de la puerta de atrás; lo hizo exitosamente con Pirandelo en “La función por adulación constante a los poderosos; y también lanza sus cornadas a hacer” o con Gorki en “Veraneantes”. Aquí lo vuelve a hacer e incluso la propia Celimena, lo que va desesperando y colmando la paciencia traslada esa estrategia a la escenografía ya que la obra se sitúa en un de la joven. Afirma Alcestes: “Sabes perfectamente que mi amor hará oscuro callejón al que da la puerta trasera de una gran y concurrida la mayor parte del trabajo para que mi corazón se crea todo lo que discoteca en la que se está celebrando una fiesta que reúne a los más tú le quieres hacer creer. Pero al menos haz ese pequeño esfuerzo”. granado y selecto de ese tan extraño como real ente que podríamos “¿Te parece pequeño el esfuerzo de soportar constantemente tus llamar poder cultural-económico-político-artístico. Cuando esa puerta arrebatos, tus insultos, tu desconfianza? Cuando te abrí mi corazón se abre para que alguien salga, sale a si mismo la atronadora estrilo hice con la esperanza de que fueras su cómplice, no su dueño”, dencia de la música y el jaleo. El arranque del primer acto, con esa replica Celimena. Los combates dialécticos entre los personajes los puerta abierta durante un buen rato y la multitud que adivinamos carga el diablo; el sarcasmo y la caricatura son los recursos elegidos dentro cual estrafalario escaparate viviente me trae ineludiblemente por Miguel del Arco para desenmascarar la vanidad y las banalidades a la cabeza el inicio de “La gran belleza”, la premiada película de de los vendedores de humo que rigen en gran medida nuestro mundo.

Sorrentino, y cuyo protagonista tiene algo del protagonista de “MisánFrente a ellos el orgullo de Alcestes se convertirá en afilada soberbia tropo”, Alcestes, eso sí, un Alcestes con unas décadas más de vida con la que se herirá fácilmente a sí mismo. encima y por tanto menos absolutista en sus planteamientos.

Director, dramaturgo y actor de fulgurante éxito, con obras A partir de esa puerta trasera, del Arco busca mostrarnos la parte como “La función por hacer”, “Veraneantes”, “De ratones y homde atrás, la parte oculta de la sociedad. Cuando la puerta se cierra, bres”, “La violación de Lucrecia”, “El inspector”, “Un enemigo del cesa también el brutal estrépito y en el sucio callejón quedan Alcestes pueblo”, “Deseo”, “Juicio a una zorra” o “El proyecto Youkali”, Miy su amigo Filinto, sí, amigo, que intenta vencer con su real politic la guel del Arco, junto a otros secuaces como Aitor Tejada o los actores trascendente radicalidad de los planteamientos vitales de Alcestes: “¿De Israel Elejalde o Bárbara Lennie, creó su propia compañía, Kamikaqué sirve todo ese asco filosófico si no te enseña a vivir? La razón perze Producciones. Y en el prefacio de este libro quiere del Arco dar fecta huye de los extremismos y busca la sensatez y el comedimiento. fe del trabajo en equipo que desde el primer momento perfiló este Yo también observo todos los días mil cosas que podrían ir mejor. Pero “Misántropo”. “¡Somos compañía!”, proclama.

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

El viaje heroico (II)

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n la crónica anterior reflexionaba, siguiendo a Joseph Campbell, sobre “el viaje del héroe”, ese patrón funcional que se encuentra detrás de una historia poderosa.

Identificar lo masculino exclusivamente con los hombres y lo femenino únicamente con las mujeres es, a mi manera de ver, un error frecuente en el análisis del mundo simbólico. Es protagonista de una historia quien se mueve, quien no acaba el relato como comenzó e independientemente de quién haga el viaje (un hombre, una mujer, una cafetera, un ratón…) quienes escuchamos, leemos o vemos una historia, vamos a identificarnos con quien haga el viaje seamos hombres o mujeres, jóvenes o mayores…

También es un error común, obviar, negar o minimizar la existencia de un sesgo de género, en la elección y valoración de la historia que contamos. Todo cuenta. También el sexo de quien hace el viaje, sus características, valores, dones, estrategias y recursos, la naturaleza de la misión para la que le convocan y la construcción de sexo-género influye en quien recibe la historia.

Las mujeres tenemos características que nos son propias y que van a determinar la mayor o menor resonancia con unos arquetipos o con otros. Como en la cultura que hemos heredado, “el hombre” es la medida de todas las cosas, las mujeres aparecemos, a menudo y en el mejor de los casos, como un anexo, un añadido, una nota a pie de página. Como excepción. La psicoterapeuta y profesora Maureen Murdock escribió: “El viaje heroico de la mujer” a partir del estudio de Campbell. En esta obra se describe la trayectoria de una serie de patrones arquetípicos que se suceden en la vida de una mujer. Todas nosotras podemos considerar nuestra propia vida como una historia que se desarrolla a través de una serie de experiencias cíclicas, cada una de las cuales tiene tres fases: separación, prueba (proceso de aprendizaje), retorno.

Comenzamos, también las mujeres, por el arquetipo del héroe. No tenemos otro modelo de “prestigio” para ser heroicas. Así, la heroína empieza a desarrollar habilidades masculinas, intenta abrirse camino en el competitivo mundo de la productividad y de la búsqueda del éxito. Las mujeres que nos encontramos entre los treinta y los cincuenta años, hemos transitado el estereotípico viaje heroico masculino buscando la aprobación de la sociedad y de lo externo. Hemos pasado gran parte de nuestra vida buscando reconocimiento fuera de nosotras mismas: nuestros padres, nuestra familia, nuestra pareja, nuestros amigos. Depositando nuestra autoestima en los otros.

Muchas dnos hemos esforzado por cumplir con todos los mandatos patriarcales: tener una carrera profesional, ser independientes económicamente, obtener el éxito en lo que realizamos. Y cuando llegamos a este lugar de logros y metas alcanzadas, nos preguntamos ¿Para qué sirve todo esto? Tomamos conciencia de que hemos seguido un modelo que niega lo que en realidad somos.

Cuando las heroínas encuentran ese Tesoro del Éxito dentro de un mundo de varones, o tras haber empleado hasta la propia sangre en el intento, experimentan un profundo sentimiento de Aridez Espiritual. Es entonces, al llegar a este momento de crisis (cambio), cuando decidimos abrazar nuevamente nuestra verdadera natura-

leza, recuperando nuestro valor como mujeres y sanando la herida de lo femenino. Y aquí empieza lo que podemos llamar el viaje post-heroico, el que nos lleva más allá del héroe. Según Maureen Murdock “Cuando una mujer decide dejar de jugar según las reglas patriarcales, no tiene indicadores que le digan cómo actuar y sentir.

Cuando no quiere ya perpetuar formas arcaicas, la vida se hace emocionante, terrorífica.”

La heroína intenta entonces recuperar los valores propios y más genuinos de las mujeres. Busca la Diosa, la feminidad sagrada perdida o robada. Este acostumbra ser un período aparentemente de vagar sin rumbo, de dolor y de rabia, que no parece tener final.

Algunas veces este viaje interno es consciente pero en otras ocasiones no lo es, generándose así en nosotras un significativo malestar emocional, conflictos con nuestros vínculos más próximos, enfermedades psicosomáticas y cierta insatisfacción que comienza a inquietarnos cada día más. Es así como, luego de enfrentarnos con el vacío al que nos arroja el modelo masculino, ya que nos hace sentir incompletas, salimos a buscar nuestra perdida alma femenina.

La heroína anhela volver a reunirse con su naturaleza femenina y a curar la ruptura Madre/Hija, la herida que resultó del rechazo inicial de lo femenino. Posteriormente, en este viaje evolutivo, intentará también la “sanación de lo masculino herido”, recuperando la naturaleza masculina, y hasta es posible ver que la heroína se convierte en una guerrera espiritual al final de este viaje. Se trata de conseguir integrar, sin reservas, la parte masculina y la femenina, lo que significa la culminación de las energías y el no renunciar a nada de lo aprendido.

El viaje de la heroína es un recorrido psíquico y espiritual que nos lleva finalmente a una totalidad donde se integran todas las partes de nuestra naturaleza. La heroína puede así navegar por las aguas de la vida cotidiana y escuchar las enseñanzas de lo profundo.

Ann G. Thomas, en la misma línea, ha escrito “Esa mujer en que nos convertimos”. A través de su experiencia y apoyándose en cuentos, mitos y leyendas, observa las fases y patrones que se suceden a partir de la mediana edad, cuando podríamos decir que comienza el camino hacia la vejez. Una primera tarea es descubrir el “oscuro femenino”, nuestra sombra. Es importante hacerlo porque esto puede convertirnos en mujeres sabias, en contraste con lo contrario, no encontrar esta sabiduría, que lleva al tono incisivo e iracundo de la bruja y de la hechicera malévola.

De igual modo la mujer tiene que saber encontrar el arquetipo de la “buena madre”, con todo el caudal de energía benéfica que ello significa para ella misma y para los demás. Una etapa culminante la ve también Ann Thomas en la integración del ánimus, un complemento de madurez necesario que aleja a la mujer de la agresividad, de la amargura o de la dependencia. Y, aún más al final, señala al sentido personal que es indispensable dar a la vida: “encontrar la historia de la propia vida, y desde ahí, extraer sentido y sabiduría.”

Los cuentos tradicionales y los mitos clásicos tienen poderosos y diversos viajes heroicos que ofrecernos a las mujeres y a los hombres que deseen sanar también su lado femenino. Es urgente rescatarlos, apropiárnoslos, revisarlos y compartirlos. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 enero febrero Jorge Dubatti

Hacerse contemporáneo en la relación con el pasado

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i hay un espacio del arte que refuta la teoría de que vivimos en un “presente perpetuo”, desgajado del pasado, es el teatro: la escena es una vía potente de conexión con los tiempos que nos precedieron. Somos contemporáneos por la forma original en que nos relacionamos con el teatro de los muertos.

En los últimos años, en el marco de las gestiones del director Rubens Correa y el subdirector Claudio Gallardou, el Teatro Nacional Cervantes se transformó en un espacio creativo de búsqueda e investigación sobre la reapropiación de los lenguajes populares de la historia del teatro argentino para la construcción de la escena contemporánea. Dicho de otra manera: en el Cervantes se pudo ver un teatro del presente, sincrónico con la sociedad actual, elaborado deliberadamente a partir de la conexión con el pasado teatral. La contemporaneidad teatral entendida como la necesidad de tomar posición estética, ideológica, política respecto de las poéticas populares argentinas de los siglos XIX y XX: la gauchesca y el nativismo, el sainete, el grotesco, la zarzuela criolla, los payadores, la escena del tango, la comedia blanca, el folclore del “patio criollo” a lo Andrés Chazarreta (tan bien rescatado por Nelly B. Tamer en su libro La danza folclórica en el teatro santiagueño, publicado por la Universidad Nacional de Santiago del Estero).

Podemos ejemplificar esta tendencia con cuatro espectáculos notables que resolvieron de diversas maneras ese vínculo con el pasado teatral, todos ellos en la sala grande el Cervantes: El conventillo de la Paloma, versión de Santiago Doria del sainete de Alberto Vacarezza; Mateo, de Armando Discépolo, con dirección de Guillermo Cacace; Así es la vida, la comedia blanca de Arnaldo Malfatti y Nicolás de las Llanderas, también con puesta de Doria; y, hasta hace muy poco en cartel, Juan Moreira, reescritura del folletín de Eduardo Gutiérrez y del guión escénico de José Podestá, con fragmentos de poemas de Fernán Silva Valdez, dirigido por Claudio Gallardou. He aquí la mejor manera de reconocer que estos textos son clásicos y honrarlos: volverlos a llevar a escena desde un nuevo lugar en cuya novedad podemos reconocer nuestra condición de contemporáneos.

Hay que celebrar que Gallardou nos reencontró con el mito de Juan Moreira a través de un elenco de actores y músicos de primer nivel –Alberto Ajaka, Pablo Brichta, Toti Ciliberto, Cutuli, Laura Ortigoza, Mariana Torres, Roberto Vallejos, Ana Yovino, Lucas Aguirre, Diego Castro, Juan Concilio, Mario Filgueira, Mónica Lerner, Andrés Parodi, Alejandro Sanz– y de un equipo de bailarines folclóricos excepcionales –Bárbara Ercole, Carla Giordanino, Emilce Marcolongo, Griselda Montanaro, Pamela Garegnani, Verónica Bozzano, Ignacio González Cano, Federico Luna, Facundo Bustamante, Nahuel Valenzuela, Néstor “Polaco”

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Pastorive, Ollantay Rojas, Rodrigo Calvete. El director se rodeó además de un equipo creativo de grandes artistas: Oscar Araiz, Horacio Guarany, Alejandro Leroux, Marcelo Salvioli, Mini Zuccheri, Federico Mizrahi. Destaquemos algunos de los procedimientos más singulares de la versión.

En primer lugar, la reescritura de la trama. A diferencia del Moreira de Gutiérrez-Podestá, que se va degradando por la “mala vida”, que va manifestando una “segunda naturaleza” violenta y trágica que lo conduce a la destrucción, el gaucho de Gallardou no muere en un prostíbulo y se reencuentra con su mujer Vicenta, con la que comparte una fiesta hasta poco antes del final. Gallardou acentuó la dimensión de personaje positivo de Moreira, y así lo alejó del código trágico –el personaje culpable– para remarcar el maniqueísmo del melodrama (el Alcalde es el villano, Moreira el héroe inocente perseguido por la maldad del villano). Ajaka era la hipóstasis romántica del Bien, Brichta el Mal encarnado. Justamente Gallardou subtituló la versión “folletín novelesco”, se centró en el vínculo amoroso de la pareja de amantes perseguida por el mal y, desde el marco que abría la obra, el canto de Horacio Guarany invitaba a concentrarse en la línea sentimental.

Un segundo rasgo notable radicó en las referencias al circo criollo y la inclusión de los payadores Alejandro Sanz y Juan Concilio, quienes operaban como narradores-comentaristas de la acción y evocaban la tradición gauchesca en toda su plenitud, en la materialidad de la lengua dialectal, de las voces y la música ancestrales. Finalmente, llamemos la atención sobre el cruce de Juan Moreira con otra poética popular, arraigada en la Argentina por la presencia de la inmigración española: la zarzuela. Uno de los momentos más hermosos del espectáculo era aquel en el que Mariana Torres (la hija de Lolita Torres) reencarnaba literalmente a su madre en el escenario. Gallardou construyó nuevas hipótesis sobre la escena contemporánea invocando los espíritus de nuestra historia.

La lectura de esta tendencia vale también para el trabajo de la directora Eva Halac con Los muertos de Florencio Sánchez. A más de cien años de la muerte de Sánchez (1875-1910), y tras los profundos cambios experimentados en el teatro del siglo XX y XXI por el impacto de las vanguardias y la postvanguardia, es inexorable preguntarse: ¿sigue vigente hoy, estética y temáticamente, la producción del gran dramaturgo autor de Barranca abajo y Los derechos de la salud?

Todo parece indicar que, en términos de sensibilidad escénica contemporánea, la teatralidad de Sánchez –tan deudora de las poéticas convencionales de fines del siglo XIX, especialmente del drama de tesis, el melodrama y el realismo naturalista- hoy se percibe fuertemente anacrónica. Nadie duda de la relevancia de

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Postales argentinas Sánchez en la historia del teatro rioplatense, pero sí parece estar en discusión su proyección en el presente.

Sánchez, “¿vigencia u olvido?”: esta es la consigna de dos recientes encuestas con hacedores de teatro (directores, dramaturgos, actores...) de la escena actual de Montevideo y de Buenos Aires (encuestas recogidas en el libro Florencio Sánchez contemporáneo. Perspectivas rioplatenses, publicado por la Universidad de la República, 2014). Buena parte de los entrevistados sostiene allí que Sánchez está vigente en la representación de núcleos de sociabilidad rioplatense, en su imaginario y su mítica, en su dimensión simbólica trans-histórica, pero que desde el punto de vista de las estructuras dramáticas exige ser “intervenido” por una estética teatral del presente. Hay que reescribirlo.

Así lo han hecho, por ejemplo, en Buenos Aires, al trabajar sobre Sánchez los directores Ricardo Bartís (en De mal en peor, 2005) y Pompeyo Audivert (su versión de El pasado, 1994). Así también el reciente ciclo “Intervención Florencio Sánchez 50 artistas + un autor” que se presentó en 2015 en el espacio Querida Elena con el auspicio de la Embajada de Uruguay en la Argentina.

Un nuevo caso que ratifica la hipótesis de la necesidad de intervenir escénicamente su obra es Sánchez Bulevar, con dirección de Eva Halac (en el Centro Cultural de la Cooperación).

Halac parte de Los muertos (1905) de Sánchez, drama ibseniano de tesis, pero lo recoloca en una nueva situación dramática: imagina a Sánchez en el apuro de entregar el texto de Los muertos a la compañía de Los Podestá mientras discute la pieza, en proceso de su escritura, nada menos que con su modelo vivo, Julián Álvarez. De esta manera se llevan a escena dos tramas paralelas, complementarias y divergentes: la de la vida de Sánchez, apremiado por las necesidades económicas, por la obligación de producir para comer y por la enfermedad que lo va deteriorando; la del protagonista de Los muertos, Lisandro, un “hombre bueno” que es “un muerto que camina” en su incapacidad por integrarse a las fuerzas brutales con que la vida se abre camino. En la pieza de Eva Halac confluyen todas

sus lecturas sobre Sánchez –sin duda es una gran conocedora del mundo del dramaturgo-. El “bulevar” es una suerte de gran avenida de los textos del autor. Como declara la directora en el programa de mano, a manera de advertencia al espectador desinformado, “Sánchez Bulevar contiene fragmentos de textos, cartas, artículos periodísticos, proclamas anarquistas”, incluso unas líneas de su testamento.

Esta “intervención” de Los muertos reconoce dos niveles de ficción, que Halac cruza y entreteje con inteligencia narrativa: la vida de Sánchez y la de sus personajes del drama. Así los actores Ariel Staltari y Federico Lama componen dos personajes en forma alternada y a veces casi superpuesta: Staltari es Florencio Sánchez y Lisandro, Lama es Julián Álvarez y Julián. La discusión entre Sánchez y Álvarez sobre la escritura de Los muertos despliega un plano metateatral (teatro dentro del teatro) que le permite Halac poner en evidencia su distancia estética con la dramaturgia original de Sánchez, a la par que rescatar puntos de contacto entre vida y arte. En algunos momentos esa distancia estalla en comicidad, en ironía, en franco reconocimiento de anacronismo (especialmente en la concesión a los tópicos melodramáticos más esquemáticos). En otros, el procedimiento de reducción de la pieza de Sánchez se complementa con una inesperada amplificación: la que aportan la música original y las canciones de Gustavo García Mendy, así como algunos guiños a la actualidad política de las elecciones presidenciales (“lo van a votar igual”). Sobre el desenlace los planos de la historia se mezclan pirandellianamente bajo el efecto de una posible alucinación de Sánchez o de la presentificación de los personajes que acuden ante su creador. Cristina Dramisino y Emilia Paino componen respectivamente a Doña Liberata y Amelia, madre e hija en la ficción de Los muertos. Una reescritura original que a la par que homenajea a Sánchez pone en evidencia la necesidad de su actualización. En la reescritura se cifra una política de la diferencia que, a la par que religa con el pasado, nos vuelve contemporáneos de nosotros mismos.

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16 enero febrero Javier Villán

Cronicón de Villán... y corte

Trilogía republicana, teatro de la memoria

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cabo de ver Trilogía Republicana al completo. Como su propio nombre indica es arte político, pero no es un arte de partido, ni excluyente ni sectario, aunque tratándose del tema que aborda a mí no me importaría que lo fuese. Yo creo que dando como da voz a los olvidados, ultrajados y exiliados del 36, es un teatro integrador con un pulso dramático notable.. Como arte integrador entiendo el que aspira a una versión global de la historia sin manipulaciones excluyentes. Antes de meterme en berenjenales estrictamente políticos y filosóficos, hay que dejar constancia del equipo que ha hecho posible la aventura. Las autoras, directoras, dramaturgas e intérpretes son Susana Hornos y Zaida Rico. Con Clara Diaz, Maday Méndez y Ana Noguera en el reparto. Escenografía; Valentina Bari, Néstor Burgos, Alejandro Mateo y Daniela Taiana. Iluminación; Mariano Arrigoni, Omar Possemato y Nacho Riveros. La Compañía Trinchera Teatral es una compañía argentina formada por mujeres españolas en Buenos Aires.

Es la tercera pieza, los niños del exilio. La cito primero porque es la que más me conmueve. Del exilio de los niños españoles en México hemos tenido información a través de Eduardo Mateo, estudioso del tema, y de María Luisa Elio. Libros que siempre hay que tener en cuenta, por ejemplo: Los niños de la guerra. –Literatura del exilio español; Diccionario del exilio español en México; La vida como nostalgia y exilio; Exilio, infancia perdida e imposibilidad de retorno.

En general, cuando hablamos de niños exiliados nos referimos a los niños de Rusia, de los que formó parte Ángel Gutiérrez que aprendió teatro en la URSS y luego regresó a España para enseñarnos de primera mano a Vajtangov, Stanislavski y Chejov.

La Trilogía Republicana es, pues, teatro político. Y no hay que alarmarse. Todo teatro es político y a mí me gusta el teatro que ejerce de contrapoder, no el que rema a favor de la corriente. A mí me gusta el teatro panfletario, incluso. Sueño con ver panfletos en un escenario y Trilogía Republicana no llega a tanto. No es panfleto, aunque sea bello y contundente teatro político; sueño con el teatro capaz de convertir en arte el dicterio o el catecismo doctrinario. El catecismo del padre Astete es el más cruel y sofisticado panfleto de la religión católica. Nadie lo ha llevado al teatro todavía; pero ahí queda la idea. El pensamiento español considera teatro político el de resistencia antifranquista, pero no el teatro de evasión que sustentaba al franquismo. Por omisión.

Trilogía Republicana es teatro de la memoria; didáctico en cierto sentido como quería Brecht aunque muy lejos de la estética de Brecht; una poética dramática que no busca el distanciamiento, sino la emoción. La memoria, el recuerdo, la vida de la fama, el no olvido. El derecho a ser recordado, a prevalecer en el recuerdo de los demás.

Una obra colosal de Susana Hornos y Zaida Rico, arropadas por un equipo brillante y cómplice. Teatro político. Naturalmente.

La trilogía republicana es una gran aventura teatral con una caligrafía eminentemente teatral, dura y hermosa que ningún español

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verdaderamente interesado en sus raíces más inmediatas, en la memoria de una guerra que fracturó España y aniquiló su cultura, debiera perderse. Tengo ciertos recelos sobre la acuñación zapateril de “la memoria histórica”, pero esto es otra cosa; recuerdo en carne viva y no un slogan oportunista.

Quedé horripilado cuando un dia, en una aldea de Castilla donde no llegó el frente militar, pero sí duras guerras familiares y vecinales, un anciano ex falangista sentenció con amargo senequismo aldeano: “esas cosas mejor no tocarlas; pudiera ocurrir que a pocos kilómetros de una fosa de rojos se encuentre otra fosa de azules”.

Deduje apesadumbrado que las cunetas de este país son sagradas y malditas, que son un mal recuerdo compartido. Terrible país éste.

Unos han escrito su historia o la escribieron otros por ellos. Es justo que la reescriban quienes no tuvieron historia; sin esto el devenir de España estaría incompleto. O escrito a medias: un país eternamente demediado por la sombra de Cain. Teatro político; naturalmente Pero antes de nada teatro: palabra, luces, sombras, silencios.

Sobre la relación entre arte y política el pensamiento marxista no abunda. Adolfo Sánchez Vázquez el poeta magnífico de El pulso ardiendo, exiliado en México es el pensador que más ha insistido sobre la autonomía del lenguaje del arte, sin excluir por ello una intencionalidad política. Ricardo Carpani, el muralista argentino, el montonero que escapó de Videla y se refugió en España, también escribió un librito sobre el tema, Arte y Revolución en América latina.

El realismo socialista no cuenta y menos en obras como estas, como Sánchez Vázquez. Zdanov y Stalin no sólo hicieron daño irreparable a la expresión artística, sino a la ideología que pretendían transmitir. Sin entrar en una dialéctica sobre la filosofía del arte, prefiero atenerme al Congreso de Yenan, 1942, donde Mao afirmó: “una obra de intención política, no es nada si antes no es arte”.

Trilogía Republicana es un fresco reivindicativo de la República.

Las tres obras pueden verse por separado pero conviene verlas juntas en su totalidad. Granos de uva en el paladar, guerra, posguerra, mujeres asediadas, los exiliados que empiezan a adquirir conciencia de su expatriación y desarraigo; recorre España desde antes de la II República, el golpe fascista, la larga posguerra y la España de la modernidad democrática.

Pinedas tejen lirios, Marianita Pineda y todas las marianitas pinedas del mundo bordando la bandera de la libertad, la del liberalismo, contra el rey felón Fernando VII y la republicana contra otro felón Francisco Franco Bahamonde, Mariana Pineda en cadalso por no declarar. Las mujeres de ahora no cosen ni bordan banderas, tejen sueños: montoneras en Argentina, violadas y maltratadas de cualquier parte del mundo, asesinadas en Ciudad Juárez sepultadas en el desierto. Y Auroras, la infancia desterrada y despojada de todo: “Puedes llevarte lo que quieras con una condición: solo aquello que te quepa en una mano”. Terrible condición para un niño que quisiera llevarse el mundo entero en sus bolsillos.

enero febrero

El lado oscuro

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Jaume Colomer

Mecenazgo en artes escénicas: de utopía a oportunidad

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ace años que, debido a la reducción o estancamiento de los recursos públicos, hablamos del mecenazgo como fuente complementaria (aunque no alternativa) para la financiación de las artes escénicas. La esperanza de contar con una nueva ley que incentive de manera efectiva las prácticas de mecenazgo se ha ido diluyendo por la negativa del gobierno actual de facilitar su aprobación. Ha dejado de ser una esperanza para convertirse en una utopía. La concepción del mecenazgo escénico como utopía nos da la oportunidad de conseguir su aplicación en un grado satisfactorio.

Pero hay que proyectar cómo pasamos de utopía a oportunidad.

Para transformar la utopía en oportunidad es necesario analizar los factores que inciden negativamente en su desarrollo para transformarlos. Apuntamos cinco grandes factores: • Falta de incentivos fiscales • Competencia dominante de otras prácticas sociales • Baja valoración social de las artes escénicas • Desconocimiento y falta de confianza entre operadores escénicos y potenciales mecenas y patrocinadores • Falta de propuestas de interés En nuestro país el mecenazgo y el patrocinio teatral son una práctica escasa por varios motivos: • Falta de incentivos fiscales. No hay una ley que permita aplicar incentivos fiscales significativos y de forma universal a todos los proyectos escénicos que sean de interés general.

• Competencia dominante de otras prácticas sociales. Las prácticas escénicas, en su conjunto, se encuentra en desventaja en relación a las prácticas sociales, educativas y deportivas que ya han conseguido consolidarse como objetos de mecenazgo.

Dentro de las artes escénicas, las prácticas independientes están en desventaja respecto a las prácticas de instituciones públicas por los beneficios añadidos que conlleva colaborar con proyectos gubernamentales.

• La baja valoración social de las artes escénicas. La percepción social de que las prácticas escénicas no satisfacen ninguna necesidad básica de los ciudadanos les lleva a considerar que no es necesario que colaboren en su financiación. Habría que analizar si la pérdida de valor social de las artes escénicas puede tener relación con la prioridad que las políticas públicas han otorgado a las industrias culturales por el indudable valor que aportan al desarrollo económico de las sociedades avanzadas.

• El desconocimiento y la falta de confianza entre operadores escénicos y potenciales mecenas y patrocinadores. Entre la mayoría de los agentes escénicos y las grandes y medianas empresas que pueden aportarles recursos de patrocinio o mecenazgo hay un abismo: no sólo no se conocen sino que, además, entre ellos hay una cierta desconfianza. Muchos agentes escénicos tienen notables prejuicios hacia las empresas y éstas dudan del rigor y la profesionalidad de los operadores escénicos.

• La falta de propuestas de interés. Muchas demandas de patrocinio o mecenazgo no son percibidas por las grandes y medianas empresas como propuestas de interés, entre otros factores, porque muchos operadores teatrales que han explorado la captación de recursos de mecenazgo y patrocinio han trasladado sus solicitudes de financiación a empresas de la misma manera que solicitan ayudas económicas a las administraciones públicas, marcando líneas rojas para evitar la injerencia de éstas en su actividad y desaprovechando su conocimiento en el desarrollo de proyectos y las oportunidades que abriría su colaboración estratégica.

Aunque los agentes escénicos no tienen en sus manos la transformación a corto plazo de los tres primeros factores apuntados, sí que pueden explorar la posibilidad de transformar los dos últimos en los términos que apuntamos a continuación. a. Los operadores teatrales deberían, en primer lugar, eliminar sus prejuicios hacia la empresas y acercarse a ellas para conocerlas y establecer vínculos de cooperación basados en la confianza. Sólo es posible una cooperación a medio o largo plazo si se ha generado antes un grado suficiente de confianza, y ésta se consigue con el conocimiento mutuo de los objetivos, modos de acción, retos y necesidades. Un caso de buenas prácticas sería la constitución, en Catalunya, de la Fundació Catalunya Cultura para fomentar el mecenazgo cultural. Es una experiencia nueva y novedosa, que aún no ha cosechado frutos pero que parece que puede conseguirlos. b. Los operadores teatrales deberían, también, elaborar propuestas de patrocinio o mecenazgo que despertaran interés a los potenciales patrocinadores o mecenas. Para despertar interés hay que satisfacer sus necesidades, y por esto es tan importante conocerlas.

Ya no basta con proponerles la presencia de su logo corporativo en nuestros materiales de comunicación o ofrecerles una bonificación en los precios. En cada caso habrá necesidades distintas y hay que elaborar propuestas personalizadas para ponerlas sobre la mesa cuando consigamos un encuentro con las empresas, encuentro que será más fácil si hemos abierto antes canales de relación y de intercambio. Hay que comunicar bien las propuestas, sin exceso verbal y con datos significativos, para transmitir el indudable valor de nuestros proyectos.

En Francia donde la cultura es constitutiva de su identidad nacional y prioridad de todas las fuerzas políticas, y dónde se ha puesto en práctica una ley de mecenazgo ejemplar (tal vez la más incentivadora que hay en el mundo) a pesar de los importantes presupuestos públicos que se destinan a la cultura, actualmente el mecenazgo y el patrocinio están aportando una financiación significativa a muchas prácticas culturales. Alguien me recordará que tener a Francia como referencia conlleva algo de frustración, ni que sea por la diferencia de IVA que aplica al teatro. Espero que pronto este tema deje de ser una asignatura pendiente y podamos sentirnos más europeos. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 enero febrero Piedra de sacrificio

Jaime Chabaud

¿Nuevos rumbos para la cultura en México?

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n su informe de gobierno 2015, sorpresivamente, el presidente Peña Nieto anunció su intención de crear la flamante Secretaría de Cultura de la nación. La nueva Secretaría (equivalente a Ministerio en otros países) se desligaría de la de Educación (SEP) que históricamente ha asumido las tareas de ese hasta hoy llamado “subsector”. El 31 de diciembre de 1946 se fundaba el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que tutelaba de manera exclusiva la materia que su nombre indica, previamente asumida por la Secretaría de Educación instaurada al triunfo de la Revolución Mexicana en 1921. El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), encargado de velar por el patrimonio prehispánico y colonial, así como las maravillas arqueológicas que México posee, nacía unos años antes que el INBA, en 1939. El 7 de diciembre de 1988 se decretó la creación del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), órgano administrativo superior al INBA para las tareas culturales pero sin una independencia real de la Secretaría de Cultura y sin la atribución de gestionar sus propios presupuestos, entre otras cosas.

El 17 de diciembre de 2015, luego de ser votado en las Cámaras de Diputados y Senadores favorablemente, se promulga el decreto por el cual el Conaculta pasa a ser la Secretaría de Cultura que acogerá en su seno a INBA, INAH y un largo etcétera de instituciones (como Radio Educación, por ejemplo) para ser, al fin, la súper instancia que dialogue con el poder, atienda a la sociedad y trabaje con los gremios culturales y artísticos que –según distintas investigacionesproducen el 2.7% del Producto Interno Bruto. Este acontecimiento es algo esperado y hasta soñado por la gente dedicada a la cultura y, sin embargo, se percibe un cautelosos entusiasmo.

En México, de cada 10 pesos que se invierte en cultura, al menos 8 se gastan en burocracia y sindicatos, y sólo 2 en producción y pago de artistas, según algunos. Hay quienes dicen que la proporción es de 9 a 1. Lo cual es monstruoso. Uno de los argumentos más importantes que se esgrimieron para la creación de la nueva Secretaría fue el reordenamiento del aparato, la disminución de la burocracia y la anulación de funciones duplicadas. Tales medidas –que son urgentes hace décadas- implican unos costos políticos muy importantes porque implica enfrentar a dos sindicatos con vicios brutales (INBA e INAH). Pero lo cierto es que si este no es precisamente el momento para hacerlo entonces no habrá otro. Si permiten que la gran sacudida estructural que debe implicar el paso a Secretaría sea amortiguado por la elefantiasis imperante, lo que es una esperanza de cambio estructural, pasará a ser un simple cambio de membrete con algunas capacidades de gestión aumentadas, solamente.

Y los pendientes del teatro son muchos, por lo que sólo enumeraré algunos que llevo 9 años planteando: 1) La gestión de mayores presupuestos (que en estos tiempos de crisis mundial se ven difíciles pero sería absurdo crear una Secretaría sin dientes).

2) La urgencia de entrarle con decisión a un replanteamiento de la

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relación Sindicatos-Instituciones; y por tanto un cambio radical en la relación del gasto en cultura (80 o 90 centavos de cada peso en burocracia y horas extra cuando en Canadá –por ejemplo- esos rubros no rebasan los 35 céntimos por dólar).

3) Argumentar y provocar la decisión política que haría que los Teatros del IMSS (la red más grande de teatros en México) pasaran, junto con el Fideicomiso Teatro de la Nación, a manos de la Secretaría de Cultura o bien se otorgaran a agrupaciones, Universidades y Secretarías (Institutos-Consejos) de los estados (provincias). Las autoridades del IMSS que hoy llevan los Teatros han hecho esfuerzos importantes y de hecho el INBA ha asumido al menos 3 (Isabela Corona, Julio Prieto y Legaria) pero la discusión es otra: los inmuebles perdieron su sentido y deben pasar a instancias que les darían una vida adecuada; 4) Revalorar e impulsar el Programa Nacional de Teatro Escolar que ha dejado de atender a cientos de miles de niños al año que no conocen ni conocerán el teatro, como el 60 % de nuestros conciudadanos. Este programa lleva teatro profesional a las escuelas o bien lleva a los niños a los teatros. La otra cara de la moneda es incorporar a la currícula de la educación básica el teatro como herramienta pedagógica y de desarrollo humano.

5) La urgencia de apostar por la formación continua promoviendo no sólo cursos, seminarios y talleres de largo aliento sino también generando materiales didácticos y de divulgación. En este rubro hay avances importantes (editoriales y pedagógicos) y podemos decir que si un factor ha jugado en contra de un mayor aprovechamiento ha sido el propio gremio.

6) Legislar en favor de los espacios culturales de iniciativa ciudadana o “independientes” para que dejen de sufrir el acoso permanente de autoridades municipales o delegacionales que los extorsionan miserablemente y hacen de su funcionamiento una tortura cotidiana.

En la Ciudad de México, en particular, sacar a las salas de hasta 300 butacas de la infame Ley de Establecimientos Mercantiles que hace más difícil abrir un teatro que un antro o una discoteca. La acción tendría que ser doble: sacarlos de la ley que hoy los rige y crear una que los proteja y fomente.

7) Que la nueva Secretaría de Cultura federal y las estatales y municipales articulen políticas de fomento y protección de las asociaciones civiles e iniciativas ciudadanas que –a la postre- complementan las tareas culturales o de plano realizan aquellas que las instituciones gubernamentales no logran cubrir. Propiciar a los organismos no gubernamentales (proyectos editoriales, de difusión, de programación, de investigación o de producción) siempre resultará más barato que sostener nuevas burocracias y su zona de influencia se extiende a territorios que no necesariamente son contemplados por las políticas públicas.

Me quedo en este punto con los pendientes del teatro que son más, al menos en México.

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Noticias desde los fiordos

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Víctor Criado

2016 1 El anterior artículo lo finalizaba con una pequeña reflexión sobre qué es hacer teatro político. Comienzo este último artículo del año siguiendo ese hilo rojo (aquí en Suecia se usa mucho este término, “hilo rojo”, para designar el “superobjetivo del personaje”, Stanislavski dixit, pero trasladado a la obra completa).

Hace un par de semanas ha muerto un artista sueco, Lennart Hellsing, músico, compositor, conferenciante… artista. En el reportaje que la SVT sueca emitió en su honor sonó una música que me llamó la atención. La conocía muy bien, cientos de veces escuchada junto a mi hija en nuestra habitación mientras jugamos, acompañados de todo tipo de objetos y dibujos.

En medio del reportaje el autor expresa una de sus ideas básicas como artista: “Todo arte que tiene como objetivo principal ser pedagógico no es más que basura (bueno la traducción exacta de la palabra empleada es “mierda”, “skit”, pero lo suavizo un poco). Sin embargo el buen arte (el arte hecho con calidad), añade, es siempre, a pesar de no pretenderlo (o quizás por eso, añado yo) pedagógico.”

2 ¿Por qué la fealdad provoca silencio? Es algo que el otro día me cuestioné observando una figura que realmente era fea. Siempre en busca de la belleza, en la forma y el fondo, tratando de esquivar su antónimo.

No hablo de aquello que provoca asco, sino de lo que resulta feo, asimétrico, desproporcionado, mal dispuesto. Y sin embargo hay cierta extraña cercanía entre esos opuestos, o por lo menos en la reacción que me provocan; silencio, quietud, ¿reflexión?, calma.

Había una actriz danesa que decía que para serlo hay que ser bella y proporcionada, con buenas maneras y armonía en la voz. ¿Y el resto? ¿Condenadas-os a vagar entre cajas, sin posibilidad de salir a escena?

3 La tiranía de los maestros, de los métodos, de los gurús. Hace unos cuantos años, recibiendo un curso de voz de manos de un “experto” que había trabajado con Peter Brook (un maestro), afirmó en un momento dado y con total convencimiento que una frase solo puede ser enunciada con corrección de “una sola manera”, que nuestro trabajo consiste en entrenar hasta encontrar “esa forma”. Me revolví expresando lo contrario, que hay multitud de modos “correctos” de decir esa frase, y hasta que no se lo mostré en la práctica no cejó en su empeño de establecer como dogma su propio ¿límite?, ¿bloqueo conceptual?. He de decir que lo aceptó a regañadientes y con cierto desdén. Yo era aún demasiado joven, y sin pedigrí (bueno, realmente lo sigo siendo, lo de sin pedigrí, quiero decir). ¿Cuántos de esos conceptos “dogmáticos” bloquean nuestra verdadera capacidad? Poco tiempo después otro maestro nos habló de la belleza del ritmo medido casi matemáticamente: “fin de la estrofa, cuentas 1,2,3 e inicio de la siguiente. Si respetas el 1,2,3 el resultado es bello”. Sino…

También es bello, o susceptible de serlo por lo menos. Depende del intérprete, del momento, de su impulso, de su verdad interior.

Quizás más “sucio” métricamente, pero con la belleza especial que dan los lamparones del alma en vida.

4 Una versión libre o, libérrima de “El inspector” de N. Gogol que me llamó poderosamente la atención, por aquello que de político tenía. El grupo independiente se llama Moment Teater, residen en Stockholm y todo su teatro gira en torno a cómo estar presente ante el público, jugar con el delicado momento de la comunicación, utilizar los hechos reales que están sucediendo en este momento en la sociedad sueca para construir a partir de ellos sus espectáculos, siempre con una visión comprometida, antifascista, antirracista. La puesta en escena juega con la idea de un futuro en el cual el partido de extrema derecha y racista sueco SD llega al poder y nombra a un “inspector” de asuntos culturales que viene a hacer una inspección al teatro, para comprobar la “pureza” del contenido, hecho que se muestra representando una pieza del repertorio clásico sueco. Mucho humor, buenas escenas, complicidad con el público, dramaturgia con muchas dobleces (quizás demasiadas para mi gusto)…

Lo que me atrapó es el compromiso con lo que está sucediendo hoy día en la sociedad sueca. Cómo la gente de teatro puede verse “obligada”, si la predicción anunciada se cumple, a cambiar su discurso y modo de hacer para contentar al poder que nos da de comer. Y que triste es un teatro que se pliega a esa situación, obligado a hacer obras muy suecas, muy afectadas, muy aburridas.

5 Sueño que este 2016 llegue con nuevos aires e ideas, sobre todo en lo que a política teatral se refiere. Siempre he pensado ¿por qué la política teatral que diseño el PSOE a comienzos de los 80 desembocó en la creación, por toda la geografía del país, de empresas teatrales con ánimo de lucro? Lo único que ha hecho este modelo de gestión cultural, desde mi punto de vista, es confundir, mezclar, desdibujar. ¿No había por ahí algún jurista o legislador que añadiese el término “sin ánimo de lucro” a esas empresas, o en su defecto “con obligación de destinar sus beneficios a nuevas producciones” si quieren recibir subvenciones del estado? Digo esto porque muchas personas que fueron obligadas a hacerse empresarios con “ánimo de lucro” han acabado convertidas en eso, en empresarios, olvidando su origen de gente de teatro. En mi sueño aparece alguien que corrige estas “contradicciones” y logra diseñar una política cultural que de verdad ayuda a crear nuevas estructuras capaces de generar buen teatro. En Suecia existe una figura que sería el equivalente a una empresa sin “ánimo de obtener beneficios”. Este tipo de empresa suele ser habitual tanto en el ámbito educativo, como en el artístico. Lo que sucede también aquí es que hay centros de producción pública en cada ciudad de más de 50.000 habitantes.

6 Me queda desear suerte, por lo de la cercanía geográfica, a Donostia 2016an. Y por una cuestión de cercanía aún mayor espero que esta revista, que me permite contar parte de lo que pienso, reflexiono e intuyo, pueda remontar el vuelo, cuente con el apoyo institucional que creo se merece, y pueda seguir sirviendo como plataforma a las artes escénicas hechas con amor y oficio.

Gott Nytt År!! Urte Berri On!! Feliz Año Nuevo 2016!!! w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 enero febrero Las Lejanías

Carlos Be

Biribó Teatro, un año de vida y sueño

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l sábado concluimos el taller de escritura en Biribó Teatro, el mismo sábado que esta joven sala de la escena madrileña cumplía un año y lo celebraba por la noche con la reposición de su montaje “Juegos de guerra”, obra escrita e interpretada por Joaquín Navamuel y Arturo López, miembros fundadores junto a Crismar López del sueño que ocupa este local en el número 16 del paseo de la Esperanza, en el distrito de Arganzuela, muy cerca de la Cuarta Pared.

Este sueño nos a permitido a los asistentes al taller y a un servidor habitar los sábados por la mañana, a una hora casi intempestiva, la sala de estar que se encuentra a pie de calle, un espacio muy acogedor y que podría pasar completamente por una simple cafetería con una reducida pero selecta librería y unos cuantos elementos de decoración que recuerdan todo lo que una numerosa troupe podría haberse dejado entre bastidores una función cualquiera que hubiera enlazado con su correspondiente farra. En esa sala de estar escribíamos, muy cerca del corazón del sueño, el escenario que existe en el sótano, porque todos los sueños tienen un corazón y por lo general están ocultos, a oscuras, en una caja negra, y los escritores sólo oímos sus latidos; la vida y su significado queda en manos de otros, los que descienden a la oscuridad para contemplar el sueño con los ojos abiertos. Y en esa sala de estar, decía, escribíamos muy bien, la verdad.

A la representación de “Juegos de guerra” y la celebración posterior no pude acudir por hallarme en capilla, al día siguiente estrenábamos “Amén” en el Café del Kosako, pero me sorprendió descubrir que en enero programarán una obra titulada “Voces en el silencio (y se llamaban Mahmud y Ayaz)” de José Manuel Lucía, dirigida por Carlos Jiménez e interpretada por Elisa Marina y los actores Daniel

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Miguelañez y Alfonso Gómez, estos últimos los encargados de encarnar a Mahmud Asgari y Ayaz Marhoni, dos jóvenes iranís ahorcados en público en Mashad acusados oficialmente de haber violado a un adolescente de 13 años. Estamos hablando del año 2005, han pasado diez años, pero la pena de muerte sigue existiendo, no hay que remitirse muy lejos en las noticias internacionales para darse cuenta. Y me sorprendió porque una de las escenas de “Amén” también se centra en la ejecución y aprovechamos para exponer un determinado número de testimonios reales escritos por españoles en un periódico digital de la época. Qué coincidencia. O no. No es ninguna coincidencia. Es un sueño en común que creíamos soñar en solitario y de repente, con la misma generosidad que un primer rayo de luz sobre la escena justo en el momento de empezar la función, nos descubre que las ilusiones se cruzan, la gente se encuentra y podemos crecer juntos.

No sé cuántos de vosotros conoceréis Biribó Teatro, pero ahí anida un sueño que hay que conocer. También hablo mucho de sueño y pensaréis que todo esto debe oler a chicle de fresa: para nada.

Os desafío a entrar en su página y leer el blog que tienen, los Birimentarios, donde no se callan una, reparten a diestro y siniestro, y nos impulsan a todos a reflexionar sobre las escenas off y on de Madrid y el resto de España, porque son de los que opinan que no hay que callar y yo que aplaudo más bien poco les aplaudo a ellos y con muchas ganas.

Concluyo con un fragmento de “Voces en el silencio...” que nos va al pelo: “Aquí siguen las sirenas,/ las sirenas silenciosas del miedo./ ¿No las escucháis?/ ¿No os revientan los tímpanos?/ La tragedia no ha hecho nada más que comenzar. Está aquí, a nuestro lado, entre nosotros, a nuestra espalda.../ en silencio”.

enero febrero

El método griego

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María Chatziemmanouil

Pasión ibérica en Grecia

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ederico García Lorca es, con diferencia, el autor extranjero más representado en Grecia. Hasta hace 10 años, su nombre por sí solo era sinónimo del teatro español contemporáneo. Sin embargo, en los últimos años, el teatro español ha empezado a estar presente en los escenarios griegos a través de obras de autores vivos. Los nombres de Juan Mayorga, de Benet i Jornet, de Jordi Galcerán, de Sergi Belbel y de muchos más, ya aparecen en las listas de los autores favoritos de los espectadores de teatro en Grecia.

Este importante cambio es atribuible al incremento de intercambios entre Grecia y España en los últimos años, al aumento que se ha registrado en cuanto al número de hispanohablantes en nuestro país y al gran éxito de crítica y de público que han cosechado algunas obras españolas en los escenarios griegos, sumando a lo anterior el esfuerzo personal de traductores y teatrólogos, especialmente en el marco del proyecto Teatro Pasión (www.teatropasion.gr/es).

El año 2008 supuso un antes y un después en cuanto a este cambio: se estrenaron dos montajes de autores españoles que marcaron la escena griega: El método Grönholm en el histórico “Sótano del Teatro de Arte” de Atenas, dirigido por Diagoras Chronópulos y Rottweiler de Guillermo Heras en el Teatro Epí Kolonó (en una adaptación de la Compañía NAMA) dirigido por Eleni Scoti. Los dos montajes fueron galardonados con muchos premios tanto de la crítica como del público, y estuvieron en cartel siete años (intermitentemente) y tres años respectivamente, con las entradas casi siempre agotadas. La compañía NAMA estrenó durante los años que siguieron otras dos obras del teatro hispánico, también con gran éxito: La Chunga, de Mario Vargas Llosa (febrero 2010-abril 2012) y Kiev de Sergio Blanco (octubre 2012-abril 2013), ambas dirigidas por Eleni Scoti.

Desde entonces el interés para el teatro iberoamericano (no lorquiano) va aumentando año tras año. Entre los éxitos de los últimos cinco años se pueden destacar Dos mujeres que bailan de Benet i Jornet (2 años seguidos en cartel y galardonada con el Premio Nacional del mejor montaje de obra de autor extranjero) y Cartas de amor a Stalin de Juan Mayorga (que aparte del éxito cosechado durante dos temporadas en Atenas, hizo gira por las grandes ciudades griegas).

Durante los últimos cinco años, Chipre, helenohablante en su mayoría, empezó a conocer el teatro español. Más concretamente, en los teatros chipriotas THOC (Teatro Nacional de Chipre), Teatro Ver-

sus en Limassol y Teatro Dionysos en Nicosia, se estrenaron obras de Guillem Clua, de Guillermo Heras, de Benet i Jornet, de Jordi Galcerán y de Marta Buchaca, entre otros.

La temporada 2015-16 los estrenos de obras de teatro escrito en castellano o en catalán alcanzarán los diez, sin calcular las producciones de obras de Lorca. Autores que irrumpen este año en la escena griega por primera vez, como por ejemplo Alberto Conejero y su obra La piedra oscura estrenada en noviembre en el Teatro Kivotós y dirigida por uno de los actores y directores más talentosos de la nueva generación (Konstantinos Aspiotis); o ya reconocidos, como Sergi Belbel que llega a los escenarios atenienses con dos obras: Fuera de juego (Teatro Ex Maquina, en enero) y una producción muy grande de Forasteros en la escena principal del Teatro Nacional de Grecia, contando con una de las protagonistas más destacadas del teatro griego (Lydia Coniórdu) y con la dirección del ingenioso Nikos Mastorákis (estreno: 31 de marzo).

De Guillem Clua se estrena Smiley en enero, dirigida por Manos Petusis en el Teatro Avaton, mientras que se reestrenó a finales de noviembre La piel en llamas en el Teatro Olvio, dirigida por Aspa Tombuli (primer estreno en el Teatro de Arte en 2013, con otro elenco y dirección).

Una puesta en escena que llama la atención por su estética, su dirección y su elenco es la de Plastilina, obra de Marta Buchaca, dirigida por Takis Tzamargiás en el Teatro Stathmós.

En Vault, una de las salas alternativas recién fundadas y más reconocidas de Atenas, se estrenó en noviembre El antidisturbios de Félix Estaire, dirigida por Katerina Polochronopúlu.

En Tesalónica, en enero, se estrena Requiem de Fernando Renjifo, dirigida por Dimitra Siaju (la obra se había estrenado por primera vez en 2009, en el Teatro Epí Kolonó, bajo la dirección de Georgía Mavragani).

No obstante, el éxito más grande del teatro español en Grecia esta temporada es sin duda alguna El crédito, de Jordi Galcerán, estrenada en el prestigioso Teatro de Neos Kosmos, y dirigida por Vangelis Theodorópulos y Pantelis Dentákis. Además, la obra ha contado con espectadores especiales, como por ejemplo el mismísimo primer ministro griego, Alexis Tsipras. A ver si Jordi Galcerán vaya a ayudar a solucionar los problemas de la economía griega. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 enero febrero Estantería Texto Teatral Ronald Brower es el traductor de ‘La rana hervida’ texto teatral de Peter de Graef publicada recientemente por la editorial Artezblai.

De Graef, dramaturgo, actor y director de teatro flamenco, debutó como escritor en 1992 con el unipersonal ‘El voilá’ que el mismo interpretó. Hasta la fecha ha escrito una treintena de obras teatrales, ha colaborado con diferentes compañías y ha sido galardonado con importantes premios como el Louis d’Or (al mejor actor, 1997), el Premio de Escritura Dramática de la Unión de la Lengua por su obra Nada (2002), y el Premio Nacional de Literatura Dramática de la Comunidad Flamenca por ‘Tal como van las cosas’ (2009). En ‘La rana hervida’ las preguntas vitales y el absurdo van de la mano. “Una obra en la que late una fantasía desenfrenada, un humor provocador y un lenguaje lleno de colorido y plasticidad” en la que el autor busca siempre la simbiosis perfecta entre forma y contenido, y seduce al lector/espectador.

Texto Teatral

Texto Teatral

Texto Teatral

La editorial Mishkin ha publicado un volumen en el que se recogen tres visiones sobre el clown. La primera a partir de la novela ‘Jack el payaso’ del sueco Hjalmar Bergman; la segunda, ‘Los dos payasos’, un relato del argentino César Aira y completa esta mirada ‘Los clowns’, el largometraje de Federico Fellini que acompaña a este libro en formato DVD.

El dramaturgo cubano Abel González Melo es el autor de ‘Vendré mañana a despedirte. Cinco juegos de traición’. Publicada por la editorial Letras Cubanas, los personajes de esta obra asumen su existencia como un juego en el que cambian sus reglas incesantemente, conscientes de que la vida puede comenzar en cualquier instante.

La cubana Ediciones Alarcos ha publicado el ‘Teatro Completo’ de Abelardo Estorino, un volumen en el que encontrar, ordenados cronológicamente, 22 textos dramáticos del dramaturgo cubano, desde ‘Un muerto en la calle’ (1954) hasta ‘Medea sueña Corinto’ (2008). Todos los textos sin ningún tipo de comentario y en una edición de lujo.

Kiosko Texto Teatral Dentro de la colección Cuadernos de Dramaturgia Internacional la editorial mexicana Paso de Gato ha publicado ‘Kassandra’ del dramaturgo uruguayo Sergio Blanco. Esta Kassandra es hija de Príamo y Hécuba de Troya; sin embargo no es Cassandra, el conocido personaje de las tragedias griegas.

El personaje que protagoniza Kassandra es un joven marginado que habla en una lengua que apenas conoce para contar su propia historia… Pero las palabras no son lo único “que dice” en este monólogo escrito por Blanco y es que la barrera del lenguaje es superada por la carga emocional que envuelve la historia de una heroína que ilustra algunas de las problemáticas político-sociales más importantes del mundo contemporáneo, una obra fuertemente política con la que el dramaturgo uruguayo ahonda en realidades actuales como la violencia, la migración, la discriminación, la clandestinidad y el exilio.

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Texto Teatral

Texto Teatral

Texto Teatral

La Fundación SGAE ha publicado ‘La tarde muerta’ del dramaturgo Alberto de Casso, obra galardonada en el VIII Certamen Internacional Leopoldo Alas Mínguez. La edición de este texto se presenta acompaña con la presentación de Salva Bolta, miembro del jurado del VIII Premio LAM y el prólogo del dramaturgo y profesor César López Llera.

Patxo Telleria es el autor de ‘Pankreas’ obra llevada a escena por Tartean Teatroa quien también se ha encargado de su edición. Escrita en euskara y en verso, esta tragicomedia ha recorrido los teatros de la geografía vasca.

Recientemente ha sido estrenada en el Teatro Arriaga su versión en castellano en una coproducción de Concha Busto y el CDN.

‘Un monstruo en mi país’ de Rodrigo Muñoz Avia reflexiona sobre el racismo y el rechazo al diferente. Dirigida a niñas y niños a partir de ocho años, esta obra teatral se presenta acompañada por las ilustraciones de Chema García y ha sido publicada dentro de la colección Sopa de Libros de la editorial Anaya en colaboración con Fundación SGAE.

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Estantería Teoría Teatral

‘Hermógenes contra Talía.

Moratín en el teatro español (1828-1928) de David-Félix Fernández-Díaz publicado por la Editorial Iberoamericana rastrea lo que Moratín dejó a su paso, indaga las fluctuaciones de los conceptos influencia y legado según la época en la que se analizan sus obras y contribuye a una crítica que con el tiempo ha sido simplificada.

Teoría Teatral

Con ‘¡Soy una Mozart!’ Ángela Poza Fresnillo ofrece una guía para realizar un taller de teatro musical con niños y niñas en la que se incluyen óperas y obras del genial compositor. Un divertido manual de actividades protagonizado por un particular personaje una niña llamada Charlotte, una mezcla entre Chaplin y Mozart. Una publicación de Editorial Verbum.

Teoría Teatral

Esperpento Ediciones Teatrales ha publicado ‘El teatro de Rodrigo García’ fruto del trabajo de investigación de Fernando Olaya Pérez.

Con prólogo de Francisco Gutiérrez Carbajo, este estudio es una propuesta de análisis semiótico a partir de tres obras de García, ‘After Sun’, ‘La historia de Ronald, el payaso de McDonald´s’ y ‘Versus’.

Teoría Teatral Tras la publicación de `La calidad de la misericordia’ de Peter Brook, la editorial La pajarita de papel acaba de editar ‘Actuación. Las seis primeras lecciones’ de Richard Boleslavsky.

Con prólogo de Lee Strasberg este texto se ha convertido en una herramienta imprescindible del arte de la actuación desde su aparición en Nueva York en 1933. Escrito de forma dialogada entre el maestro y la joven estudiante estos diálogos o lecciones sirven para explorar la técnica de la interpretación.

En realidad el libro recoge seis lecciones, obras de teatro en miniatura sobre la concentración, el recuerdo de la emoción, la acción dramática, la creación del personaje, la observación y el ritmo. Esta obra clásica sobre la actuación revela la vitalidad y la pertinencia de la línea de trabajo y del legado de Constantin Stanislavsky mostrando con claridad, y de una manera amena y directa, las posibilidades de la utilización de estas ideas en la enseñanza del teatro contemporáneo.

Kiosko Zirkolika

Con crónicas de diversos festivales, noticias de actualidad como la separación de El Circo Raluy o la elección de Tortell Poltrona como nuevo director del festival de payasos de Cornellà así como con un extenso reportaje sobre la sexta edición de los Premios Zirkolika y el repaso de diversos espectáculos circenses se presenta el número 46 de ‘Zirkolika’.

Conjunto

Griselda Gambaro es la encargada de abrir el número 176 de la revista cubana ‘Conjunto’ en el que se incluye la publicación del texto teatral ‘El arte da guerra’ de Marcos Barbosa obra que forma parte de las piezas premiadas en el Concurso Iberoamericano de Textos Dramáticos CELCIT 40 aniversario sobre el tema “teatro dentro del teatro”.

Artescénicas

El segundo número de ‘Artescénicas’ publicación semestral de la Academia de las Artes Escénicas de España abre con la editorial firmada por Rodolf Sirera a la que le siguen una veintena de artículos como el escrito por Guillermo Heras sobre los compromisos del director de escena y una entrevista con Arnold Taraborrelli junto con sus ya seccione habituales.

Primer Acto El número 349 de ‘Primer Acto’ destaca entre otros por el número de textos teatrales que incluye ya que entre sus 320 páginas se pueden encontrar las obras ‘Éxodo’ de Julio Salvatierra, ‘Autos’ de Paco Gámez (texto galardonado con el VI Premio de Textos Teatrales Jesús Domínguez), ‘hay’ de María Salgado y MM Cabeza de Vaca y Tres textos (muy breves) de El Conde de Torrefiel. Junto a los textos teatrales, el presente número abre con un tema ‘Travesías: La memoria incómoda’ sobre el que reflexionan dieciséis pensadores –dramaturgos, creadores, etc.– como Arístides Vargas, Diana I. Luque, Itziar Pascual, José Monleón o Gabriel Yépez entre otros. Además se dedica un capítulo especial al ciclo ‘El lugar sin límites’ impulsado por el Teatro Pradillo y el CDN y con el que reflexionar sobre el teatro experimental a través de los artículos y reflexiones de Carlos Marquerie, David Ladra, Óscar Cornago o Federico León y destaca una entrevista con Nuria Espert.

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