Artez211 by montaje

agosto 16 julio Carlos Gil Zamora

Atrapados en una trama de incertidumbre que propicia el inmovilismo arbitrario

os oportunistas, arribistas y funcionarios de la sopa boba son los que mejor saben aprovechar estos tiempos de calma chicha administrativa. Desgraciadamente en Madrid y Barcelona los gobiernos del cambio no han sabido manejar el asunto crucial de la Cultura. Lo de la capital de España es lamentable, especialmente en el campo de las artes escénicas. Es una demostración palpable de insensibilidad, de desprecio total y absoluto a las artes escénicas, a la ciudadanía y a los profesionales. No se puede manejar peor una crisis artificial. Si se ha de destituir a alguien por falta de confianza o por las razones que sean se debe tener en primer lugar una solución al problema que se crea y después un poco de educación y tacto para lograr que la transición sea lo menos traumática posible. Y ha sido un encadenado de malas maneras. De momento es mucho, pero muchísimo peor el remedio, que la supuesta enfermedad. Lo de Barcelona es todavía más extraño. El equipo de gobierno, pacta con el partido socialista catalán para que entren a formar parte del mismo y les dan Cultura. Y el nuevo concejal intenta poner al frente de la Cultura pública de un Ayuntamiento tan activo a un vicepresidente de la empresa privada teatral más importante de España. La puerta giratoria por excelencia. Una contradicción monumental. No se sabe cómo terminará este sainete demencial. Todos están esperando a los resultados de las votaciones del 26J. Después de ese día, por arte de magia se solucionarán todos los problemas, pero mientras tanto, en funciones, se van prorrogando contratos en las unidades de producción y el dominio de una parte de la producción privada estatal sobre las decisiones del INAEM empieza a ser de manual de contaminación que podríamos hasta calificar con unos considerandos, pero que nos quedamos aquí, señalando que por unas

razones u otras tenemos el futuro inmediato totalmente hipotecado por el inmovilismo. Cuando los que lleguen, si es que llega alguien, puedan tomar decisiones de calado, la situación habrá empeorado un poco más. Se necesitará algo más que buena voluntad y sonrisitas y abrazos para solucionar la precaria situación de la Cultura y sobre todo de las Artes Escénicas, con un viso de sostenibilidad para lo menos la próxima década. Lo importante es que se sigue produciendo, se organizan festivales, temporadas, muestras y ferias. Cuando cuantificamos todo lo que está sobre la mesa nos entra una suerte de orgullo, respiramos, porque parece que estamos salvados, que se ha recuperado el pulso. Y debe ser algo así, pero ¿alguien ha hecho las cuentas pensando en lo cualitativo, que es el futuro? El presente es hacer, pero para hacer mañana de manera sostenible lo que hagamos hoy debe ser lo suficientemente bueno para establecer esa trazabilidad y proyección de futuro. Se nota, quizás con cierta constancia de una realidad parcial, una euforia que lleva a señalar a algunos que se está viviendo una época de esplendor dramatúrgico. No lo voy a negar, pero vamos a recapacitar y reflexionar con mayor perspectiva. Parece que existen nuevas voces que se están haciendo un hueco, que algunas obras han alcanzado el favor de los públicos, pero el grueso de la programación se sustenta en clásicos de toda índole, adaptaciones más o menos acertadas, pero todas con la percha de un nombre incuestionable del que se parte. Los autores y autoras actuales, están llamando a la puerta, vamos a estar atentos, a apoyarles, a darles contextualización, pero se producen en lugares muy concretos, con una repercusión todavía limitada, en crecimiento, pero no alucinemos con los destellos, veamos si hay continuidad, si estamos ante una generación excepcional o son los movimientos lógicos, temporales, coyunturales.

julio agosto

Editorial

Opinión 4 - 5 6 7 56 57 58 - 59 60 61 62 63

Editorial Rondas Escénicas - María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El lado oscuro – Jaume Colomer Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado El método griego – María Chatziemmanouil

Estrenos 10 - 11 Sueño de una noche de verano de W. Shakespeare por Tanttaka Teatroa - DSS2016 12 El puerto de los cristales rotos por Teatro Avante 13 Flores ácidas de Carlos Gil por Grupo Las Damas 14 - 16 Miscelánea de estrenos

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Festivales

índice

Lo que sí se puede asegurar es que destacan las mujeres autoras y directoras (en la interpretación es lo habitual) y que se está empezando a ver propuestas de riesgo estético, de estructuras dramáticas no convencionales, colocadas en tendencias más actuales, pero que esa presencia incipiente no significa que vayan a sustituir, de momento, a las programaciones de oligopolio teatral, con sus versiones, sus obras comerciales que son las que unos públicos habituados a este tipo de producción consumen sin reparos. Por decirlo de alguna manera hay unos focos que irradian nuevos creadores que vaticinan un tiempo nuevo que debe ser apoyado por los nuevos gestores que lleguen tras estos años de inmovilismo arbitrario. Cambios de maneras, pero que todo quedará en la superficie si no se hace alguna vez un estudio en profundidad, se intenta desde todos los puntos crear un nuevo paradigma en la relación entre formación, producción y exhibición en toda la península ibérica. Existen los medios básicos: los teatros, cientos de teatros sin apenas vida interna que deberían ser incluidos en un proyecto de progreso y de socialización de las artes escénicas. Desde estos teatros y salas se debe emprender todo el desarrollo de los nuevos tiempos. De lo contrario será más de lo mismo, pero con otros dirigentes de cortas miras al frente. Tomemos nota de lo que está sucediendo en autonomías y ayuntamientos con cambio de gobierno para imitar lo bueno y denunciar las malas prácticas. Hay lugares donde se han hecho ambas cosas a la vez. Convocatoria pública de la dirección de un teatro y a la vez cesión a dedo de un programa que otros años había sido licitado. La transparencia, la igualdad de oportunidades, el respeto por los profesionales es lo que hace falta reconstruir, poner como un elemento fundamental para poder avanzar. Y ayudar a que este movimiento de jóvenes realidades tenga todas las posibilidades de desarrollarse en las mejores condiciones. Por eso hay que estar muy alerta con la decisiones que se van tomando en ciertos lugares, protegerse de manera inteligente de oportunistas y de los centenares de recién llegados que aparecerán con facturas que cobrar. Siempre ha pasado igual, pero como hasta la fecha nadie, en ningún debate ha nombrado a la Cultura, como no la tienen considerada como un valor electoral, debemos insistir en que sea un valor democrático, una exigencia ciudadana de protección de la propia identidad. Además de las grandes palabras y los eventos monumentales, la cultura se fundamenta en todas esas pequeñas iniciativas que suceden en los lugares más recónditos y a las que nadie atiende. Un tejido cultural renovado, una nueva ilusión cultural, nos llevará, probablemente, a que el futuro sea bastante menos sórdido que este presente. Y que si se ponen condiciones, se tiene paciencia, se sabe priorizar en el tempo y el presupuesto lo importante y lo necesario, todo es posible todavía. Lo peor es quedarse como estamos creyendo que es el mejor de los tiempos. Una postura reaccionaria de un pesimismo agotador.

18 - 19 LXII Festival Int. de Teatro Clásico de Mérida 20 XXXII Festival de Teatro Clásico de Alcántara 22 XXXIX Festival Int. de Teatro Clásico de Almagro 24 - 25 XXXII Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla 26 - 27 XVII Festival de Teatro Clásico de Olite 28 - 29 XI Festival Olmedo Clásico 30 XXXIII Festival de Almada 32 XXII ARCA - Aguilar de Campoo 33 Festivales de Artes de Calle 34 - 35 XXXI Festival Int. de Teatro Hispano de Miami 36 - 37 XLVII Festival Int. de Teatro, Danza y Música de San Javier 38 XVII Cena Contemporânea de Brasilia 40 XVI FITAG - Festival Int. de Teatro Amateur de Girona 42-43 XIX Feria de Teatro de Castilla y León Ciudad Rodrigo 45 Experimenta 16 Teatro - Rosario 46 Miscelánea de festivales 47 XXI El Rioja y los 5 Sentidos

En gira 50 - 54 Programaciones varias

Zona abierta 64 - 65 Escaparate

16 julio agosto María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

“La Calórica”

e vez en cuando, en el teatro, tengo sorpresas agradables. He de reconocer que como tantos, me dejo llevar por promociones y publicidades, como por otra parte es lógico si una no se limita a los espectáculos que representan compañías de especial prestigio o que se exhiben en ciertos teatros. Supongo que podría haber descubierto mucho antes a “La Calórica”, un grupo teatral que trata de buscar una personalidad y un funcionamiento propios. Y está aprendiendo a andar con bastante acierto. Pero no lo hice hasta ahora que el Tantarantana Teatre de Barcelona, ha organizado durante la pasada primavera, un ciclo de Compañías Independientes de Barcelona. Ignífuga, Casa Real, la Santa…, tuvieron como La Calórica, sus semanas de exhibición. No entonaré el “mea culpa” pero creo que La Calórica merece cierta atención. Y aunque no he visto todos sus espectáculos, me parece muy interesante todo lo que hasta ahora han estrenado. Su primer espectáculo, premiado en el valenciano festival de Foios, se estrenó en 2010, fue “Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I” comedia grotesca sobre el hambre de poder del personaje y su desesperación ante el hecho de que la única posibilidad de sucederla en el trono sea Juana …la loca… Le siguió “L’Editto Bulgaro” que pudo verse en el Grec 2012 , espectáculo inspirado en teatro documento y una compleja anécdota histórica que escenificaba un escándalo periodístico en la Italia de Berlusconi. Este, en visita oficial a Bulgaria y ante 200 periodistas internacionales, acusa al humorista Daniele Luttazi de hacer mal uso de sus espacios en la televisión pública italiana- El escándalo fue tal que provocó un veto del personaje en la televisión que parece ser vigente todavía hoy… “Ekstraordinarnyy” es una obra breve en lengua pseudorusa sobre una adolescente que quiere conseguir la fama a través de Internet. La obra pudo verse en el Lliure. Luego ya sus siguientes espectáculos fueron premiados: La nau dels bojos y Bluff, la primera con el Adrià Gual, Bluff con el Quim Massó 2014. Su penúltima creación se estrenó hace un año en el Tantarantana en este mismo ciclo de teatro independiente. Fue Sobre el fenòmen de les feines de merda. Parte de un artículo del antropólogo David Graeber que entre humor y pequeñas anécdotas se pregunta sobre qué es el trabajo, por qué trabajamos y dedicamos una parte tan importante de nuestra vida a trabajar… El pintor Hyeronimus Bosch representó una barcaza llena de seres humanos que malgastan su vida entregándose al amor en un mundo en el que se han perdido los valores. En su espectáculo, la Calórica pone en el barco a unos personajes que buscan un lugar en el que todavía se pueda vivir. En el barco hay una serie de personajes famosos de la literatura y la historia pero la muerte les sigue lentamente. La pregunta es: ¿Cómo podemos hablar de dignidad laboral si invertimos ocho horas al día en hacer un

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trabajo que no debería existir ¿Cómo podemos no sentir esta mezcla de tristeza y rencor? Este breve resumen sirve sin duda alguna como incitación a conocer los trabajos del equipo. La Calórica surge en 2010 de un grupo de licenciados del Institut del Teatre de Barcelona. Quieren basar su trabajo en la vigencia de los motivos y las formas teatrales clásicas, en el diálogo estético contemporáneo y también en el papel del humor en el tratamiento de problemáticas serias e importantes. Hasta ahora sus componentes son Xavi Francés, Aitor Galisteo-Rocher, Esther López, Albert Pasqual, Marc Rius, Israel Solà, Julia Truyol y Joan Yago, (este último parece ser habitualmente el dramaturgo aunque en esta ocasión el espectáculo se anuncia como una creación colectiva). Como siempre, el director de escena de El Profeta es Israel Sola, en cuyo currículo consta que además de licenciado en el Instituto del Teatro es Licenciado en Física por la universidad de Barcelona y ha estudiado también guitarra clásica. Como decíá, el pasado junio La Calorica ha estrenado “El Profeta” obra que medita sobre cómo enfrentarnos a nuestras creencias. Son tres historias fusionadas, son tres personajes paralelos, son tres épocas, 1915, 1968, 2015. ¿Para qué sirve la ciencia? ¿Para qué sirve la fe? La aparición de Jesucristo, la milagrosa curación de un cáncer, el primer trasplante de corazón… texto y dirección son de Israel Solà. La nueva espiritualidad y la crisis del pensamiento científico son la base de tres anécdotas que parecen fundirse. Transcurren en tres momentos que también se unen en la estética y el fondo temático del espectáculo en tres fechas tan distantes como 1916, 1957 y 2016 ¿Hay límites entre la fe y la ciencia? ¿qué estamos dispuestos a creer? La fe, el avance tecnológico, la crisis del razonamiento científico son los puntos de partida de las tres partes del espectáculo que en realidad pueden fusionarse temáticamente en una sola. Una joven religiosa cree y dice que ha tenido dentro a Dios y parece contarlo a una pareja que está cenando, él sería su hermano, que no la cree, ella, su cuñada sí la cree pero en realidad ésta sería la misma mujer que ante un cáncer incurable huyo de su casa y al cabo de seis años regresa curada no se sabe cómo y también la cuñada la toma en serio y trata de investigar. Son historias que se funden. Entre ambas escenas,, la del médico capaz de hacer trasplantes de corazón, de salvar vidas… ¿Ciencia? ¿Religión? ¿Ideología? ¿Ilusión? ¿Realidad? ¿Investigación? ¿Engaño?… ¿colectividad? ¿individualidad? Éste parece ser el combate que nos muestra la Calórica… con interés y amenidad y con una cuestión trascendente ¿en qué podemos creer? ¿en quién? Diría yo –y lo desearía también– que La Calórica es un grupo teatral en auge. Espero que la realidad y el entorno cultural y teatral favorezcan su camino ascendente.

julio agosto

Desde la caverna

David Ladra

Max Aub en el laberinto español

a propia existencia de Max Aub (1903-1972) fue un enrevesado laberinto como la de tantos hombres y mujeres que tuvieron que vivir los turbulentos tiempos de las guerras mundiales prolongadas, en el caso español, por una encarnizada dictadura y un exilio que, para los más puros, llega hasta el 78. Su carrera como joven poeta (Los poemas cotidianos, 1925; A, 1934), novelista (Geografía, 1929; Fábula verde, 1933; Luis Álvarez Petreña, 1934), dramaturgo (Crimen, 1923; El desconfiado prodigioso, 1924; Una botella, 1924; El celoso y su enamorada, 1925; Espejo de avaricia, 1927; Narciso, 1928), director del grupo El Búho de Valencia, comisionado para la compra del Guernica en la legación de París y miembro de la Administración (fue secretario del Consejo Nacional de Teatro) se vio truncada por la Guerra Civil. Junto con más de trescientos mil compatriotas, tuvo que cruzar la frontera francesa en enero del 39 procurando evitar los campos de concentración (de “internamiento” les decían ellos) que el frente popular de Léon Blum, tras haber decretado el embargo, tenía preparados al efecto para recluir a los republicanos y contentar al gobierno alemán. A partir de ese mismo momento, la obra de Max Aub como escritor deja de ser exclusivamente “literaria” para confundirse por completo con su agitada biografía en los primeros años del destierro. Instalado en París, en 1939 comienza un borrador de su Campo Cerrado, la primera de las seis narraciones que escribirá sobre nuestra guerra. En abril de 1940, denunciado como judeo-comunista, es retenido en Roland Garros hasta ser transferido al mes siguiente al campo de concentración de Vernet. Allí preparará su Manuscrito Cuervo. Historia de Jacobo (editado en 1999), uno de sus libros más originales y profundos. De Vernet saldrá, en septiembre, para ser deportado a Marsella. Mientras trabaja en la segunda parte de los “campos”, Campo de Sangre, será de nuevo detenido en 1941 y confinado esta vez en el de Djelfa, en pleno desierto argelino. Durante los meses que allí pasó, escribió su impresionante poemario Diario de Djelfa (1945). También fue durante el viaje que le llevaba prisionero de Port-Vendres a Argelia a través del Mediterráneo cuando, pasando a la altura del Ampurdán, concibió una de sus grandes obras dramáticas, San Juan (1943). Evadido del campo de Djelba en mayo de 1942, llega hasta Casablanca donde consigue embarcarse en septiembre de aquel año rumbo a Veracruz, en México, país en el que se nacionalizará y vivirá el resto de su vida. Mientras Max Aub trabaja sin descanso en la reconstrucción de su obra de los años de plomo y la composición de su obra nueva, de él, como del resto de nuestros “trasterrados”, no se sabe nada en su país. La primera noticia del escritor que nos llega a la España franquista es precisamente el texto íntegro del San Juan que aparece en el nº 52 de la revista Primer Acto correspondiente al mes de mayo de 1964. A pesar del sentido que el autor quiere dar a la anécdota como ejemplo de la falta de solidaridad europea en tiempos difíciles, ese buque que, con seiscientos judíos a bordo, navega por el Mediterráneo en busca de un puerto que le deje atracar y acoja a su pasaje (ningún país lo hace y se hunde en el mar), es visto en

aquellos momentos como un episodio más del Holocausto. ¿Quién iba a suponer que, invertido el origen de sus protagonistas, sería un tema ahora de la más rabiosa actualidad? Tendrá que morir Franco y pasar muchos años para que el San Juan, dirigido por Juan Carlos Pérez de la Fuente, se estrene, el 25 de febrero de 1998, en el Teatro Principal de Valencia, ciudad donde creció el autor, para pasar posteriormente al María Guerrero de Madrid. Un segundo momento de contacto es de carácter personal: el viaje que Max Aub realiza a España del 10 de septiembre al 4 de noviembre de 1969 (“He venido, pero no he vuelto”), justo el tiempo que la autorización gubernativa le permite estar en Madrid, Barcelona y Valencia, las tres ciudades que quiere visitar reencontrándose con su pasado. De vuelta de este viaje, el autor escribe un libro, La gallina ciega (diario español), que es, sin duda, el más sincero de los suyos en cuanto nos relata, a corazón abierto, su amargura y su desolación ante esta “nueva España” que prescinde de él como hombre y como escritor. El diario lo edita la editorial Joaquín Mortiz de México en 1971, pero no llegará a España hasta 1995, publicado por Alba Editorial con un estudio introductorio y notas de Manuel Aznar Soler. A partir de este texto, José Monleón prepara una “estructura dramática” que, dirigida por José Carlos Plaza, fue estrenada en el Teatro María Guerrero de Madrid el 16 de diciembre de 1983 obteniendo un éxito clamoroso. Lo cual no es de extrañar si nos atenemos al reparto: José Luis López Vázquez, Ana Belén, Juan Ribó, Enriqueta Carballeira, José Luis Pellicena, Fernando Delgado, José Sacristán, Nuria Espert, Ángel Picazo y Julia Gutiérrez Caba, es decir, todos los grandes de la época. En cierta manera y como suele ocurrir en el país, aquella representación constituyó el reconocimiento oficial de su existencia y de su valía como autor. En todo caso, si el lector desea conocer a Max Aub y la vida intelectual bajo la República, es por este libro por donde debiera comenzar. Basta con revisar su bien nutrida bibliografía para comprender que Max Aub fue, desde su exilio en México, uno de los mayores escritores e intelectuales españoles de nuestro siglo XX. Como novelista, no sólo por El laberinto mágico (Campo cerrado, 1943; Campo de sangre, 1945; Campo abierto, 1951; Campo del moro, 1963; Campo francés, 1965; y Campo de los almendros, 1968) que, bajo la dirección de Ernesto Caballero y en versión de José Ramón Fernández, se está poniendo ahora en el teatro Valle-Inclán, sino por trabajos tan galdosianos como lo fueron Las buenas intenciones (1954) o La calle de Valverde (1961), ésta última uno de los retratos más precisos de la dictadura de Primo de Rivera. En cuanto a su teatro y puestas aparte su San Juan y las obras de vanguardia ya citadas, cabe señalar aquellas referidas a la situación histórica de nuestro continente (El rapto de Europa, 1943; Morir por cerrar los ojos, 1944; No, 1949) que serían de aplicación incluso hoy. Una serie que inició en realidad durante nuestra guerra civil con su llamado “teatro de circunstancias”: El agua no es del cielo (1936), Pedro López García (1936), Las dos Hermanas (1936), Por Teruel (1937), Qué has hecho hoy para ganar la guerra (1937), o Juan ríe, Juan llora (1937). Aub, siempre comprometido y reflejando la triste realidad.

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16 julio agosto DSS2016 y Tanttaka Teatroa estrenan Sueño de una noche de verano

La ciudad de Donostia sueña con Shakespeare

a Fundación San Sebastián 2016 y Tanttaka Teatroa presentan la producción Sueño de una noche de verano de William Shakespeare, que ofrece ya sus funciones en el parque donostiarra de Cristina Enea. Es allí donde tiene lugar la boda de Hermia y Demetrio, a la que el público asistirá como grupo de invitados, pudiendo incluso disfrutar de su correspondiente banquete. El 400 aniversario de la muerte del dramaturgo inglés está también presente dentro de la programación de San Sebastián 2016, Capital Europea de la Cultura. El montaje de esta comedia shakespeariana se representa desde el 21 de junio cada noche (a excepción de los lunes) para una audiencia de 250 personas. Se llevarán a cabo un total de 30 representaciones de la obra, 10 de ellas en euskera y 20 en castellano, hasta el 24 de julio. Asimismo, la obra estará adaptada a un público internacional, garantizando la presencia del inglés y francés.

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una Experiencia multisensorial

El espectáculo, que fusiona teatro, danza y música, da comienzo con los espectadores convertidos en invitados de la boda de Hermia y Demetrio, dos de los protagonistas de la obra. Así, se sentarán en sus respectivas sillas para disfrutar de una original propuesta culinaria antes de adentrarse en la magia de la obra. El banquete forma parte de la primera escena del montaje, por lo que el público comenzará la velada saboreando la comida mientras presencia los primeros momentos del montaje y degusta los vinos ofrecidos. La propuesta gastronómica ha sido diseñada para recrear las progresivas fases del amor, por lo que la cena recreará el flirteo, los susurros, la pasión y la reconciliación. La obra, dividida en cinco actos, tendrá lugar en diversos espacios del parque, de modo que la audiencia no presenciará la representación de forma habitual. Se aden-

trarán, candil en mano, a los diferentes rincones del bosque mágico siguiendo el hilo conductor de la trama, donde se mezclan personajes reales con otros fantasiosos. “El parque más emblemático de la capital guipuzcoana ofrecerá, más allá del puro teatro, un espectáculo único en el que la magia y la fantasía aunarán fuerzas con diversas disciplinas artísticas para llevar a la audiencia a un mundo fantástico lleno de hadas y hechizos, amor y desengaño”, afirman desde la producción. Adaptación

Patxo Telleria ha sido el encargado de adaptar Sueño de una noche de verano para su representación en el parque de Cristina Enea. En su opinión, una de las principales características a tener en cuenta a la hora de escribirla ha sido la futura puesta en escena. La pieza no se escenificará en un teatro, como es lo habitual. El propio bosque será el escenario y, al tratarse de un

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recorrido donde incluso el público asistente forma parte de la obra, la escritura del texto ha estado condicionada por distintos factores. Por esa razón la adaptación ha estado ligada desde el principio al desarrollo de la obra en cuanto a producción, y como el propio Telleria señala, “el trabajo de grupo llevado a cabo junto a los directores de la obra ha resultado esencial”. La obra que tendrá el parque de Cristina Enea como escenario dista de la propuesta original del dramaturgo inglés en algunos aspectos, pero no de la trama central. De esta forma, desaparecen personajes como Teseo e Hipólita, para centrar la atención en otros personajes originales de la obra de Shakespeare. Además, aunque teniendo en cuenta “la musicalidad y la hermosura literaria del autor inglés”, explica Telleria, se ha querido utilizar “un lenguaje más plano adaptado a nuestro

oído buscando una efectividad teatral”. Según el autor de la adaptación, “las traducciones literarias resultan bastante forzadas, como de cartón, y hemos querido alejarnos de ello”. Equipo artístico

Esta propuesta, que fusiona gastronomía y naturaleza, contará con un equipo de más de 80 personas trabajando cada noche, entre actores, músicos, bailarines, coro, camareros y técnicos. La dirección corre a cargo de Fernando Bernués e Iñaki Rikarte. Además, Alberto Huici ejerce las labores de ayudante de dirección, e Iñaki Salvador está al mando de la dirección musical. El coreógrafo Jon Maya, director de la compañía Kukai Dantza, se ha encargado de crear una coreografía ad hoc para un grupo de ocho bailarines. Participan también en el

montaje Ikerne Giménez (escenografía, vestuario y caracterización), Tytti Thusberg (confección del vestuario) y David Alcorta y Xabi Lozano (iluminación). La banda sonora de la experiencia teatral se compone a partir de un cuarteto de cuerda y un quinteto de viento y el acompañamiento vocal del Coro Easo. En cuanto al elenco, el espectáculo contará con la interpretación de 18 actores y actrices: Isidoro Fernández, Ane Gabarain, Gorka Otxoa, Aitziber Garmendia, Sara Cozar, Vito Rogado, Miren Gaztañaga, Josean Bengoetxea, Jose Ramon Soroiz, Mikel Laskurain, Ramon Agirre, Naiara Arnedo, Aitor Beltran, Amankay Gaztañaga, Itziar Urretabizkaia, Ainara Ortega, Itziar Atienza y Joseba Apaolaza. Además, cabe destacar la participación de un grupo de alumnos del Taller de Artes Escénicas de San Sebastián, bajo la coordinación de Ana Pérez.

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16 julio agosto Teatro Avante estrena El puerto de los cristales rotos

Teatro Avante propone una reflexión sobre la inmigración

eatro Avante (Miami) clausurará el 31º Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami con el estreno del montaje El puerto de los cristales rotos (Harbor of broken glass). Esta pieza de Mario Ernesto Sánchez y Patricia Suárez se representará en castellano con subtítulos en inglés, y se podrá disfrutar del 21 al 24 de julio en el Carnival Studio Theater del Adrienne Arsht Center. El 13 de mayo de 1939, el trasatlántico alemán MS St. Louis zarpó de Hamburgo (Alemania) rumbo a La Habana (Cuba). De los 937 pasajeros, casi todos eran judíos que huían del Tercer Reich. Cuando el barco llegó a La Habana, sólo 28 pasajeros fueron autorizados a desembarcar, incluidos cuatro españoles y dos ciudadanos cubanos. Después de que Cuba y más tarde Estados Unidos negaran la entrada de refugiados, el barco fue obligado a regresar a Europa. Tras su regreso a Europa, la mayoría de los pasajeros judíos pudieron encontrar refugio en Bélgica, Francia, los Países Bajos y Gran Bretaña, pero esto proporcionó un alivio temporal, ya que la mayoría terminó pereciendo en campos de concentración una vez que la Alemania nazi invadió Europa Occidental. El puerto de los cristales rotos se inspira en este suceso histórico. “Esta pieza hará pensar y proporcionará una plataforma para la exploración y la discusión de un tema que es importante para los miles de judíos que hacen del Sur de Flo-

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rida su casa y que comparten esta oscura historia. También permitirá que el público reflexione sobre temas polémicos de la inmigración que todavía son relevantes”, afirman desde la producción. Mario Ernesto Sánchez, fundador y director artístico de Teatro Avante, se encarga de la dirección del espectáculo, que cuenta con un elenco formado por los siguientes intérpretes: Alina Interián, Gerardo Riverón, Marilyn Romero, Julio Rodríguez, Carlos Acosta-Millán, Juan David Ferrer, Jorge Hernández, Jorge Carlos Oviedo (violín) y Amaya y Sienna Borroto (niñas judías). “Esta obra expondrá y examinará profundamente un oscuro pedazo de la historia de Cuba y de Estados Unidos”, afirman.

Teatro Avante

Fundada en 1979, Teatro Avante es una organización cultural sin fines de lucro cuyo objetivo esencial es la preservación de la herencia cultural hispana. En 1994, las Olimpiadas Culturales del Comité Olímpico de Atlanta honraron a Teatro Avante con el Premio Regional de las Artes. Ese mismo año recibió el premio Ollantay en Madrid. En 1995 le fue otorgado el Federico García Lorca en Fuente Vaqueros (España). Además, cuenta con otros galardones como el Kusillo en La Paz (2004), el FIT de Cádiz-Atahualpa del Cioppo (Cádiz, 2009) y el de la Universidad Científica del Sur (UCSUR) en Lima (2012). Teatro Avante produce y presenta el galardonado Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami.

julio agosto

El Grupo Las Damas estrena Flores Ácidas

Tres mujeres y una voz de la conciencia colectiva

l Grupo Las Damas estrena la pieza Flores ácidas de Carlos Gil Zamora, quien también se encarga de la dirección de este espectáculo que se podrá ver los días 5 y 6 de agosto en el Teatro Real de Córdoba (Argentina). Gabriela Grosso es la ayudante de dirección del montaje, que cuenta con la música original de la ecuatoriana Chia Patiño. La obra se plantea como una estructura dramática fragmentaria donde se narra de manera encadenada las vidas de tres mujeres, contadas por ellas mismas a base de recuerdos, secretos y negaciones que parecen sueños o pesadillas a la vez, pero con un elemento concatenador de todas las acciones, el otro personaje, el cuarto, Toni, que es algo así como la voz de la conciencia del propio autor, que interpela al público de manera directa y que va creando un nuevo estadio de comunicación de máxima intensidad. Se va desde un principio de la obra en donde las actrices se transforman a la vista del público en unos entes escénicos, casi

robots, deshumanizados, que conforme van sucediendo las escenas se van convirtiendo en personajes reconocibles, perfectamente cercanos, y que a lo largo de su desarrollo quedan tan bien retratados que al final se demuestra que sus vidas se van cruzando, para llegar a esa parte resolutiva en donde el misterio, el dolor, la manifestación de la soledad y hasta la solidaridad se convierten en una suerte de gran confesión, acompañados por ese gran conductor que es Toni.

Patricia Rojo, Fabiana García, Fernanda Alvárez y Amalia Freytes son las intérpretes de la obra. En opinión del autor y director, se trata de “una exigencia para las actrices, porque deben salir de su zona de comodidad y desplegar todos sus conocimientos para transitar por todas las secuencias y diferentes tonos, claves estéticas y necesidades técnicas interpretativas para lograr el equilibrio entre la textualidad y la fisicalidad, desde lo individual a lo colectivo y coreográfico”.

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16 julio agosto m

e lektra

Sófocles, Eurípides, Hugo Von Hofmannsthal, Jean Paul Sartre, Heiner Müller y Strauss son los autores de Elektra, espectáculo que Teatro del Norte estrenará el día 8 de julio en el marco de la Semana de Teatro de Pola de Siero (Asturias). Etelvino Vázquez realiza las labores de dramaturgia y dirección de este montaje interpretado por Cristina Lorenzo, David González y el propio Etelvino Vázquez. Carlos Lorenzo es el creador del espacio escénico y el atrezzo y Manuela Caso se encarga del vestuario. Alberto Rionda, por su parte, ha creado la música original, y Rubén Álvarez la iluminación. Con el estreno de Elektra la compañía cierra una trilogía que ha estado dedicada a tres personajes femeninos fundamentales de la historia del teatro europeo: Mariana Pineda, Nora y Elektra. La trilogía de la Mujer se inicia en el año 2013 con el estreno de ‘Mariana Pineda’ de Federico García Lorca. Mariana Pineda, personaje real y personaje ficticio, es capaz de enfrentarse al absolutismo del rey Fernando VII para defender la libertad y el amor. En ‘Casa de muñecas’ de Ibsen, estrenada en 2014, su protagonista, Nora, es la primera mujer que se enfrenta a su marido, a su matrimonio, y a toda la sociedad, para defender la libertad de las mujeres y su igualdad con respecto a los hombres. En Elektra de Sófocles (2016), Elektra lucha sin descanso hasta conseguir que se cumpla la ley y se castigue a los asesinos de su padre. Que la justicia sea implacable con todos los corruptos que han transgredido la ley. Tres mujeres, tres personajes, fuertes y decididas a llevar sus ideales hasta el final para conseguir que la justicia y la libertad triunfen por encima de todo. “Todo un ejemplo para hombres y sociedad, todo un espejo en que todos debemos mirarnos, toda una lección que el teatro nos da a todos desde la ficción de sus personajes. Todo un ejemplo de compromiso y dignidad”, afirma Etelvino Vázquez, creador de Teatro del Norte en el año 1985 como un grupo de encuentro, como un espacio de investigación y de búsqueda en torno al hecho teatral.

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El somni de Gulliver

Roland Olbeter estrena la ópera mecánica El somni de Gulliver, que se podrá ver los días 8, 9 y 10 de julio en el Lliure de Montjuïc, dentro de la programación del Festival Grec de Barcelona. Se trata de una ópera mecánica que utiliza las proyecciones audiovisuales, los autómatas y la música interpretada por instrumentos robotizados para explicar la historia de un viaje universal. Una puesta en escena que, sin actores ni voces en el escenario, mostrará el trabajo de muchos creadores: composición musical, voces, escenografía, proyecciones, instrumentos robotizados y autómatas. Es una coproducción del Grec 2016, Miavion S.L., Bayerische y el TNC, y tiene como socio tecnológico a Festo. El universo de Olbeter está muy presente en el montaje y construye un gran teatro de personajes mecánicos donde Gulliver, el protagonista, se mueve en un mundo recreado mediante la música original de Elena KatsChernin, grabada previamente e interpretada por reconocidos cantantes de ópera (Joan Martin Royo, Antoni Comas, Claudia Scheneider, Antonio Fajardo, Néstor Pindado, Oriol Rosés y Toni Gubau, entre otros) e instrumentos electro-acústicos robotizados. En palabras de Olbeter: “la idea de hacer la opera mecánica surgió

hace unos 10 años cuando me topé con una bonita edición ilustrada de este libro de Jonathan Swift durante un viaje a Londres. Llevaba tiempo con la idea de hacer una obra de marionetas automatizadas en la línea de mi trabajo de maquinas y artefactos robotizados y veía en este libro una oportunidad ideal de hacerlo. Su contenido muchas veces surrealista, pero también su carácter universal y su profundamente humanista lo predestinaban para convertirlo en una ‘Opera mecánica’. La música, escrita por la compositora Elena KatsChernin, es un fiel reflejo de lo muy poco ortodoxo que ha sido el carácter de esta obra hasta hoy en día. Los instrumentos que generan la música podrían haber sido inventados por los habitantes de la isla ‘La Putana’ del tercer capítulo del libro de Gulliver. Todo respira el mismo carácter entre grande y pequeño, cómico y trágico, verdad y mentira”.

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16 julio agosto m i s c e l á n e a Decir lluvia y que llueva

Creado en 2006 en el seno de la compañía Gaitzerdi Teatro, el espacio de investigación teatral y compañía de teatro Kabia cumple este año su 10º aniversario, que celebrarán volviendo a llevar a escena su espectáculo Decir lluvia y que llueva. Se trata de una pieza que está basada libremente en el imaginario poético de Joseba Sarrionaindia y que pretende plasmar una poética visual onírica. Las funciones se llevarán a cabo del 18 al 22 de agosto en el bilbaíno Pabellón 6. “El impulso y las áreas de trabajo de los inicios aún siguen vigentes”, afirman desde la compañía. Se refieren al entrenamiento como lugar de investigación y formación permanente, al colectivo como caldo de cultivo, a los procesos largos de creación y al contacto con grandes maestros y maestras del arte escénico como estímulo ©Borja Relaño imprescindible. Como sello de la compañía, destacan las dramaturgias no convencionales, la poética visual, la fisicalidad de los actores y actrices y el canto en directo. Bajo estas premisas crearon en 2010 Decir lluvia y que llueva, montaje que cosechó diversos reconocimientos, entre los que se encuentra la candidatura al Mejor Espectáculo Revelación en los XIV Premios MAX de las Artes Escénicas y el Premio del II Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales CENIT. Juana Lor, Iosu Florentino, Ane Pikaza, Joseba Uribarri, Karol Benito, Oskar García, Sara González, María Goirizelaia y Yolanda Bustillo son los intérpretes del espectáculo, dirigidos por Borja Ruiz. Son ellos los diez miembros del equipo estable que forma esta compañía afincada en Bilbao. Además del mencionado montaje, Kabia Teatro cuenta con una trayectoria formada por otros cuatro espectáculos: Paisaje con argonautas (2008), Rojo al agua (2012), Itzala (2013) y La noche árabe (2015), además de la pieza breve El árbol de Hiroshima (2016), con la que recibieron el Premio del Público en las IV Jornadas de Teatro Breve de Pabellón 6. Así, la compañía ha llevado sus trabajos por escenarios de España, Italia, Francia, Portugal, Brasil, Argentina y Estados Unidos, donde, además de tomar parte en festivales, ha impartido cursos y conferencias, realizado demostraciones de trabajo y participado en distintas charlas y jornadas de investigación. “Tomando como fuente de inspiración los laboratorios del siglo XX,

profundizamos en el conocimiento del arte del actor desde el entrenamiento a la creación”, finalizan.

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16 julio agosto LXII Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

©Jero Morales / Festival de Mérida

Espacio y obras del pasado por creadores del presente Siete estrenos, todos ellos coproducciones del propio festival y un concierto sinfónico en el Teatro Romano de Mérida

l Teatro Romano se convierte, un verano más, en el epicentro del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida que este año celebra su edición número sesenta y dos entre los días 6 de julio y 28 de agosto. El primero de los siete estrenos previstos para representarse en este escenario, es La décima musa de Guillem-Jordi Graells, coproducción del Festival y el Teatre Romea en el que Paloma San Basilio dará vida a grandes éxitos musicales ambientados en el teatro clásico bajo la batuta de Josep María Mestres y en compañía del actor Ignasi Vidal. Por orden cronológico le seguirá Alejandro Magno de Jean Racine en versión de Eduardo Galán y dirigida por Luis Luque. Esta coproducción con Pentación Es18

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pectáculos será interpretada por actores y actrices como Armando del Río, Amparo Pamplona, Unax Ugalde, Diana Palazón, Aitor Luna o Marina San José. La tercera coproducción llegará de la mano de ToomPak que pondrá en escena Los hilos de Vulcano un espectáculo repleto de luz y sonido escrito y dirigido por Marta Torres e interpretado entre otros por Verónica Forqué, Carmen París o Fele Martínez. Las propuestas para el mes de julio culminan con Aquiles, el hombre de Roberto Rivera, una obra que narra la leyenda del inmortal guerrero de ‘La Ilíada’ de Homero. José Pascual se encarga de la dirección de esta coproducción con Tal y Cual Producciones protagonizada por Toni Cantó, Ruth Díaz, Pepe Ocio o Philip Rogers entre otros.

Agosto comienza con La guerra de las mujeres, obra póstuma de Miguel Narros basada en ‘Lisístrata’ que se presenta por vez primera en una versión flamenca a cargo de Faraute Producciones. Espectáculo de danza y música bajo la dirección de José Carlos Plaza con Estrella Morente, Antonio Canales y Aída Gómez sobre el escenario y dirección musical de Juan Carmona. Como viene siendo habitual en las últimas ediciones, la programación del Teatro Romano incluye coproducciones con compañías extremeñas. Los Pelópidas de Jorge Llopis es una comedia coproducida con Suripanta Teatro dirigida por Esteve Ferrer mientras que la compañía Teatrapo hará lo propio con Marco Aurelio e Agustín Muñoz Sanz, una tragedia sobre el filósofo y em-

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©Jero Morales / Festival de Mérida

perador romano dirigida por Juan y Olga Margallo. Pero antes de ambas coproducciones con compañías extremeñas, el 8 de agosto, habrá la oportunidad de disfrutar con el concierto del violinista Ara Malikian que en 15 Sinfónico funde ópera, música clásica, contemporánea y popular.

la ciudad romana y todos los domingos, a media mañana tendrá lugar ‘CuentaClásicos’, un proyecto dirigido al público infantil a partir de cinco cuentos inspirados en la mitología clásica.

Programación Off

El Museo Nacional de Arte Romano será la sede de la exposición ‘Theatrvm’ que muestra “todo lo que envolvía y envuelve el Teatro, el edificio (Theatrum),sus compañías de actores (Grex theatralis) y sus espectáculos (Ludi scaenici), desde el pasado al presente siempre” y en la sede del festival se ubicará la exposición ‘El mundo y la cultura del vino’ con piezas originales pertenecientes a la antigua Grecia relacionadas con el mundo de este “caldo”. La clase magistral de esta edición, será impartida por José Luis Alonso de Santos y tiene como título “La interpretación de la comedia grecolatina”. Por tercer año consecutivo, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida llega a Medellín y en el recuperado Teatro Romano de esta ciudad se pondrán en escena los espectáculos la coproducción de Pentación Espectáculos La asamblea de las mujeres, el musical de Rodetacón Teatro Hércules y El cerco de Numancia de Verbo Producciones los días 29, 30 y 31 de julio respectivamente. Este último espectáculo también viaja a la segunda de las extensiones del festival, el Festival de Teatro de Regina, de Casas de Reina y cuya puesta en escena tendrá lugar el día 6 de agosto.

El Off del festival tiene como objetivo “divulgar la cultura clásica a través de acciones lúdicas y artísticas” por lo que además de representaciones teatrales, incluye proyecciones cinematográficas y diversas actividades como la segunda edición del Campo de Trabajo Internacional en coordinación con el Instituto de la Juventud de la Junta de Extremadura o el Ciclo de Conferencias denominado ‘Encuentro con los clásicos’ coordinado, un año más, por Santiago López Moreda, catedrático de la Universidad de Extremadura. Las representaciones de esta programación están dirigidas por la Escuela TAPTC? Teatro que en el Templo de Diana pondrá en escena las obras La paz de Aristófanes en versión de Juan Carlos Tirado, El Pseudolus de Plauto a cargo de Javier Llanos y Medea de Eurípides por Raquel Bazo. En las Termas de Pontezuelas de podrá conocer la versión realizada por Jonathan González del mito Orfeo y Eurídice y en la Alcazaba Al caer el día (Los Labdácudas: ¡qué familia!) de Raquel Bazo. Además, todos los sábados del festival Ardalén Creaciones llevará a cabo el pasacalles Metamorfosis por el centro de

Extensiones y más

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16 julio agosto XXXII Festival de Teatro Clásico de Alcántara

Alcántara vuelve a festejar al son de los mejores clásicos

Reina Juana ©Sergio Parra

a trigésima segunda edición del Festival de Teatro Clásico del municipio extremeño de Alcántara se celebrará del 3 al 7 de agosto con la figura de Cervantes como trasfondo, sumándose así a la celebración del IV Centenario de la muerte del ilustre autor. El festival se presenta como una oportunidad para citarse con los clásicos del siglo de oro y disfrutar del resto de actividades que propone la programación. Concha Velasco estará por primera vez en el Conventual de San Benito el día 3 de agosto para interpretar Reina Juana, un texto de Ernesto Caballero que dirige Gerardo Vera. Ella será la única actriz sobre el escenario, convirtiéndose así en Juana de Castilla, más conocida como “Juana la Loca”. Contará sus vivencias y rendirá cuentas a las personas que estuvieron en su vida, antes de morir sola y alejada de lo que más quería: sus hijos. El Cerco de Numancia dirigido por Paco Carrilo será el primer Cervantes que se representará en el certamen, el día 4 de 20

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agosto, en el que se habla de la heroica lucha contra la invasión, la humillación y la injusticia de un pueblo que se siente arrollado por el poder militar de Roma. Durante los veinte años que duró el asedio de Numancia, los celtíberos opusieron una resistencia que se convirtió en un mito en la historia y que Cervantes lo reflejó como tal. Nao d’amores llegará con su Triunfo de amor, en el que el equipo artístico se enfrenta a Juan del Enzina, autor dramático y compositor del renacimiento español. El montaje “más gamberro” que la compañía ha realizado hasta la fecha, es un espectáculo que, de alguna manera, refleja el paso del debate amoroso de tradición medieval, al que será el gran tema de la literatura renacentista: el poder del amor. La divertida comedia de Morfeo Teatro, El Retablo de las Maravillas, lleva a Cervantes a la barbarie del ‘Guernica’. La compañía rendirá homenaje a los ideales cervantinos con una selección de textos que servirán de “retrato de los pecados nacionales”, con la

obra de Picasso de fondo. La compañía dirigida por Francisco Negro ha preparado una versión personal de la obra, un homenaje a los ideales del autor, “un hombre que creía en el honor, los principios y la justicia” y que murió “desencantado”. También se podrá ver a Nuria González, Marta Aledo, Natalia Hernández, Juanan Lumbrera y Paco Déniz, que interpretarán a Las harpías de Madrid. Convertidas en improvisadas nobles, llegan a Madrid convencidas de que allí han de encontrar riqueza y fama. Ambiciones que conviven en su ánimo con una secreta esperanza: vengar la muerte de don Fernando y dar así una lección a quienes desprecian e ignoran el poder de la mujer. Así mismo, cabe destacar las actividades adheridas a la Universidad de Extremadura con el XVII Curso Internacional de Verano, donde se realizarán conferencias, ponencias y talleres formativos en torno a la temática de este año: El camino hacia la dramaturgia moderna.

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16 julio agosto XXXIX Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro

Miguel de Cervantes, gran protagonista en Almagro

l Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro llevará a cabo del 7 al 31 de julio su 39ª edición con un objetivo principal: celebrar a Cervantes en el 400 aniversario de su muerte. El autor de ‘El Quijote’ es por tanto el gran protagonista de la presente edición, en la que están programadas un total de 101 representaciones a cargo de 52 compañías, entre otras actividades como exposiciones, conciertos, jornadas, encuentros y talleres. India es el País Invitado de Honor en esta edición en la que la actriz Concha Velasco recibirá el Premio Corral de Comedias. 17 estrenos, 5 coproducciones y 2 colaboraciones completan la extensa oferta de espectáculos que ofrece el festival, que se celebra bajo el lema “¡Vive los clásicos!”. Así, compañías de 11 países representarán sus piezas en 17 espacios diferentes. Destacan las 23 piezas que rendirán tributo a Cervantes, además de seis exposiciones y dos eventos especiales. Entre los montajes

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Margi Kathakali ©Chuchi Guerra

destaca el estreno de Pedro de Urdemalas, dirigido por Denis Rafter y representado por La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. En coproducción con el festival y conducido por Ignacio García se podrá ver un novedoso Quijote puesto en pie con una de las técnicas teatrales más antiguas del mundo: el Kathakali. Desde la región india de Kerala llega esta pieza de la compañía Margi Kathakali de Trivandrum.

William Shakespeare contará también con su homenaje, de la mano de 14 espectáculos. Entre ellos se encuentran Shakespeare’s villains de Steven Berkoff y Songs of Lear de la innovadora compañía polaca Song of the Goat. La programación incluye también la 2ª edición de After Classics, con dos coproducciones del festival: Double Bach de Antonio Ruz y Malvados de Oro, interpretada por Daniel Albadalejo. Completa esta sección Clásicas envidiosas de Chema Rodríguez-Calderón. Destacan a su vez los dos certámenes internacionales convertidos ya en secciones fijas del festival: el de directores nóveles de escena Almagro OFF, que ofrecerá proyectos del Estado español, Brasil, Grecia, Uruguay y Francia; y el Barroco Infantil, que tendrá lugar del 11 al 16 de julio. Paralelamente se llevarán a cabo el 4º Encuentro de Crítica Teatral, el 4º Encuentro Internacional de Gestión Teatral y el 2º Encuentro Internacional de Blogueros Teatrales.

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16 julio agosto XXXII Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla

Cervantes y Shakespeare acompañados por Molière

El retablo de las maravillas de Morfeo Teatro

a obra Ricardo III de William Shakespeare será la encargada de inaugurar el 9 de julio la trigsima´segunda edición del Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla que se extenderá hasta el 20 de agosto con una programación compuesta por siete espectáculos. Gerardo Vera dirige al universal tirano, el quinto Shakespeare que sube a escena Noviembre Compañía de Teatro, una obra que la compañía ha elegido “porque nos permite narrar una historia sobre el poder y la ambición ciega, sobre nuestra confianza y la falta de escrúpulos, sobre los fines y los medios, y, en definitiva, porque no está tan lejos de nosotros. La realidad que nos rodea contiene elementos suficientes para que asociemos esta historia truculenta a nuestras estructuras de poder, y podamos sacar conclusiones sin necesidad de excesivas explicaciones ni redundancias” explica el propio Vera sobre esta versión que firma Yolanda Pallín. 24

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La segunda cita, el día 16, será con Cervantes a través de Cervantina, coproducción de Ron Lalá y la CNTC, una aproximación al universo del autor a través de sus textos, versos, versiones y diversiones. Yayo Cáceres dirige “una fiesta de piezas breves que reúne las adaptaciones ronlaleras de algunas novelas ejemplares y entremeses, además de fragmentos de piezas menos conocidas” explican desde la compañía para añadir que esta obra es “un homenaje y un encuentro con el arte arte lúcido, lúdico, hilarante y profundamente humano del autor del Quijote... entre otras obras maestras que urge redescubrir”. Para el día 23 de julio se ha previsto la única propuesta de danza de esta edición, Reversible, espectáculo formado por coreografías inspiradas en juegos infantiles; un viaje emocional en la memoria de los primeros recuerdo. Una obra de Compañía por Manuel Liñan con baile y coreografía de Lucía Álvarez “La Piñona”, Jose Maldonado

y bajo la dirección del propio Liñán. Con Reina Juana finalizarán las representaciones del mes de julio. Será el día 30 cuando suba al escenario Concha Velasco quien da vida a la hija de los Reyes Católicos, también conocida como ‘Juana la loca’, la protagonista de este unipersonal escrito por Ernesto Caballero en el que el dramaturgo “plantea desde reflexiones de una gran contemporaneidad todas las grandes preguntas de una época marcada por la intolerancia religiosa, la corrupción política y la ambición desmesurada de una monarquía absolutista cuyos ecos aún resuenan en nuestros días desgraciadamente” afirma Gerardo Vera, director de esta producción de Grupo Marquina - Siempre Teatro. El 6 de agosto subirá al escenario del Castillo de Niebla El burgués gentilhombre de Molière. Morboria Teatro celebra su treinta cumpleaños con esta obra maestra de la comedia ballet del siglo XVII en la que la música, la danza, la pantomima y la

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Cervantina de Ron Lalá y la CNTC ©David Ruano

poesía están incorporadas en la acción. Una obra en la que se describe la ignorancia social de un burgués enloquecido por aparentar con la aristocracia; una obra de un autor sin igual “para descubrir todos los defectos del ser humano a través de la risa, la comedia y el juego”. Cervantes volverá a ser protagonista de la mano de Morfeo Teatro que el 13 de agosto presentará El retablo de las maravillas. Este espectáculo, seleccionado por los socios del Festival y que dirige Francisco Negro recoge además del citado texto, una selección de diversas obras como ‘La Elección de los Alcaldes de Daganzo’, ‘El Juez de los Divorcios’ y ‘Don Quijote de la Mancha’ y de “aforismos, cartas y singularidades poéticas del autor, dentro de un juego de ilusiones teatrales que permite que el ácido discurso de Cervantes se exprese como metáfora de nuestros días, y para criticar la mediocridad de los gobernantes de su tiempo así como la decadencia ética de sus coetáneos. Todo ello enmarcado en un espacio escénico inspirado en la pintura de Picasso” explican los miembros de la compañía que añaden que han creado este espectáculo “en rendido homenaje a Cervantes que aunque muriendo pobre, con sus obras, nos hizo ricos a todos”. La edición de este año culmina el 20 de agosto con Miguel Will, obra que parte de la “existencia, más que probable” tal y como apuntan desde la compañía 13 entre L y M, “de un apieza desconocida de Shakespeare llamada ‘Cardenio’, inspirada en los primeros capítulos del Quijote de Cervantes”. A partir de esta idea la acción se desarrolla en Stratford y el Globe Theatre donde ensayan la obra y en la que el personaje de Don Quijote se resiste a ser llevado a escena... tras un diálogo entre ambos autores y con el fin de dar solución al problema nace un insólito personaje llamado Miguel Will. Junto a la programación general del festival, esta edición ofrece una exposición de bocetos de vestuario escénico titulada ‘Andalucía viste su escena’ que tendrá lugar en la Casa de Cultura de Niebla. Además el festival continúa con el programa de fidelización de públicos Niebla 2.0, una iniciativa que reclama la participación y la complicidad del espectador asiduo al festival y para ello han creado un carné de socio, descuento en las entradas, visitas guiadas previas a las actuaciones etc. Cabe destacar además que los días 14 de julio y 18 de agosto se llevará a cabo el programa ‘Atrévete’ con la puesta en escena de las obras En busca del gran tesoro de Valagume Teatro, A pie de calle de Daniel Doña y Oh vino de La Líquida la jornada de julio y con Ludo de Noletia, Las 24 de Marco Vargas & Chloé Brûle y Cómo ser una estrella en Cuba y no morir en el intento de Laura de la Uz en la de agosto. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 julio agosto XVII Festival de Teatro Clásico de Olite

Belleza arquitectónica como espacio para la acción teatral Una docena de montajes conforman la programación general y el ciclo OT4OS KLA2IKO2

a decimoséptima edición del Festival de Teatro Clásico de Olite se celebra entre el 22 de julio al 6 de agosto con una programación en la que destacan varios estrenos teatrales de esta temporada como Reina Juana, obra de Ernesto Caballero en la que Concha Velasco da vida a Juana de Castilla, “una reina destrozada emocionalmente por sus grandes contradicciones, por su rebeldía, por su fuerte personalidad y por un enorme desequilibrio afectivo que cristaliza en ese paseo por el amor y la muerte que es su matrimonio con Felipe de Habsburgo” en palabras del director de esta producción de Grupo Marquina y Siempre Teatro, Gerardo Vera. Un año más La Cava será el espacio donde se pondrán en escena la gran mayoría de las obras que conforman la programación de esta edición y al igual que la mencionada ‘Reina Juana’, este bello enclave será escenario para El triunfo del amor, la nueva propuesta de Nao d´amores construida a partir de diversos textos dramáticos y músicas de Juan del Enzina “el gran autor dramático del renacimiento español, el más famoso, aquel que rompería los moldes del teatro cortesano condicionando toda la escena posterior” explica Ana Zamora, encargada de la dramaturgia y dirección de esta obra de la que explica que “refleja el paso del debate amoroso de tradición medieval, al que será el gran tema de la literatura renacentista: el poder del Amor”. Le seguirá la puesta en escena de Ricardo III de William Shakespeare en una versión de Yolanda Pallín dirigida por Eduar26

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Restos / Fedra de TNT - Centro Internacional de Investigación Teatral ©Félix Vázquez

do Vasco y a cargo de Noviembre Teatro que dará paso a Cervantina con la que la CNTC y Ron Lalà vuelven a Cervantes –su anterior espectáculo fue ‘En un lugar del Quijote’– con una serie de “versiones y diversiones sobre textos de Cervantes” dirigida por Yayo Cáceres que describe la obra como “adaptaciones “ronlaleras” de algunas novelas ejemplares y entremeses, además de fragmentos de piezas menos conocidas como puntos de partida en busca de la esencia de nuestro más radical contemporáneo”. Pocos días después de su estreno en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, llega a Olite Las harpías de Madrid, coproducción del citado festival y Flower Power es una comedia de enredo de Fernando J. López creada a partir de

la novela de Castillo Solórzano con dirección de Quino Falero para dar paso a otro Shakespeare, Trabajos de amor perdido de Fundación Siglo de Oro y Shakespeare’s Globe Theatre. Tim Hoare y Rodrigo Arribas se encargan de la dirección de esta adaptación firmada por José Padilla de una de las primeras comedias del bardo inglés. El público familiar también tiene una cita en Olite con El Quijote en la Patera obra de Alfonso Zurro que pone en escena Teatro Clásico de Sevilla. Inspirada en la universal obra de Cervantes, este montaje “es comedia divertida y juguetona, con altas dosis de encuentros y aventuras mágicas, como si un nuevo Don Quijote contemporáneo estuviera enfrentando los desmanes de nuestros días” explica su director, Antonio Campos.

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Con esa denominación se presenta el ciclo Otros Clásicos que incluye cuatro espectáculos que realizan una revisión de obras clásicas u ofrecen una particular versión de las mismas. Es el caso de la propuesta de Oymyakon de Compañía Viviseccionados en la que José Andrés López –encargado de su dramaturgia y dirección– utiliza la historia de Romeo y Julieta “pues es en la soledad donde encuentro el mayor de los conflictos” explica. Otra obra universal de Shakespeare, ‘Macbeth’ inspira a Alauda Teatro en Macbeth- Ya somos el olvido que seremos un montaje en el que el teatro de actores, de títeres –utilizando diversas técnicas– y la música se funden con dramaturgia y dirección de Rafael Benito. Y David Espinosa propone en Much Ado About Nothing “la versión más arbitraria, efectista, artificial y hueca de las obras completas de William Shakespeare. Una delirante obra visual que especula

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presentan acompañados de un Coro en esta nueva versión de la universal tragedia que presenta TNT - Centro Internacional de Investigación Teatral. Pero en Olite habrá más. Como el último espectáculo de La Industrial Teatrera, Náufragos, la particular Micro Shakespeare, una original puesta en escena en la que en tan sólo 8 minutos se condensan las grandes obras del dramaturgo inglés –idea y dirección de Toronell–, dirigida a todos los públios de Latrium Teatre y el ciclo ‘Micro Clásicos’, en la que varios arEl triunfo del amor de Nao d´amores tistas profesionales navarros pondrán en escena versiones con las convenciones de espectacularidad, libres de obras clásicas en formato Microa través de figuras y objetos cargados de teatro. Y además de todo esto, Yayo Cáaventuras, romances, lujuria, guerra, traceres ofrecerá Clases Magistrales los días gedia y poder”. 23 y 24 de julio y el primer día del festival Juana Casado dirige Restos / Fedra, de tendrá lugar la proyección de los 37 corRaúl Hernández Garrido quien se inspiró tometrajes realizados para conmemorar el para su escritura en la tragedia griega. 400 aniversario de la muerte de ShakesLos personajes de Fedra e Hipólito se peare denominada ‘The Complet Walk’.

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16 julio agosto XI Olmedo Clásico

Una docena de propuestas en la Villa del Caballero

La hostalera de Carlo Goldoni por Teatres de la Generalitat

l Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero, Olmedo Clásico, celebrará su undécima edición del 15 al 24 de julio, con una programación formada por doce espectáculos, además de diversas actividades. El IV centenario de las muertes de Cervantes y Shakespeare estará presente en Olmedo con varias representaciones. En cuanto al autor español, se podrá ver Cervantes ejemplar de la compañía Micomicón con versión de Laila Ripoll y Mariano Llorente, a partir de ‘El licenciado Vidriera’ y ‘El celoso extremeño’. La pieza está interpretada por Manuel Agredano, Elisabet Altube, Marcos León, Jorge Varandela y Mariano Llorente. También se ofrecerá Cervantina de la CNTC y Ron Lalá, basada en las ‘Novelas Ejemplares’ y otros textos de Cervantes. Dirigida por Yayo Cáceres, se trata de “un diálogo abierto y sin complejos para contagiar a los espectadores la risa inteligente, sensible y honda de Miguel de Cervantes”. El escritor inglés, por su parte, tendrá su representación con Ricardo III de Noviem28

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bre Teatro, con versión de Yolanda Pallín y dirección de Eduardo Vasco. Además se podrá disfrutar de Macbeth de Alquibla Teatro, montaje en el que el protagonista, amparado en las engañosas profecías de las Hermanas Fatídicas, brujas o diosas del destino, decide asesinar a su rey y tomar la corona. Antonio Saura se encarga de la dirección de la pieza que cuenta con Ángel Luis Pujante como autor de la versión y Alba Saura de la dramaturgia. Otro autor representado será Lope de Vega, a cargo en esta ocasión de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico y su montaje La villana de Getafe, un texto dinámico que se pregunta sobre la existencia de los prejuicios entre clases sociales y la verdad de los sentimientos. La diferencia de clases sociales entre ricos y pobres (cortesanos y campesinos) es, por tanto, la base de esta historia dirigida por Roberto Cerdá. También se podrá disfrutar de Triunfo de amor de Nao d´amores, pieza creada a partir de textos de Juan del Enzina, con versión y dirección de Ana Zamora, quien

dice de la obra que es “un espectáculo que, de alguna manera, refleja el paso del debate amoroso de tradición medieval al que será el gran tema de la literatura renacentista: el poder del Amor”. Reina Juana estará interpretada por Concha Velasco, que actúa bajo las órdenes de Gerardo Vera. Se trata de una reina “caracterizada por la falta de adecuación a la realidad que hoy define a buen número de las patologías mentales, pero, también, por un temperamento indómito y transgresor obstinado en contravenir las pautas de comportamiento convencionales”, explica Ernesto Caballero, autor del texto. Teresa, miserere gozoso está basado en Teresa de Jesús y llega de la mano de Teatro Corsario, dirigido por Luis Miguel García. Según explican, la obra no pretende hacer una biografía de Teresa de Jesús, sino resaltar aquellos pasajes de su vida que descubren su persona, su optimismo y tenacidad. De esta forma, el texto, la música y la luz ilustran este descubrimiento vitalista, que es acompañado por cuatro actores en

julio agosto escena, en cuatro representaciones contextualizadas en la época actual, que desvelan el periplo vital de Teresa: un ser humano, una mujer, en continua pelea consigo misma en una sociedad monolítica y jerarquizada. La hostalera de Carlo Goldoni, por Teatres de la Generalitat bajo la dirección de Vicente Genovés, contará la historia de Mirandolina, una astuta y bella mujer, dueña de una posada en Florencia. Morboria Teatro, por su parte, llevará a escena El burgués gentilhombre de Molière. Dirigida por Eva del Palacio, la obra trata sobre el mundo del engaño y la apariencia, de la incorporación a la sociedad de los llamados nuevos ricos. Así, describe la ignorancia social de un burgués enloquecido por emparentar con la aristocracia, con profundo sentido del humor crítico. En la sección “De aperitivo un clásico” se podrá ver Crónica de una Casa Real, basada en ‘La venganza de Tamar’ de Tirso de Molina y ‘Los cabellos de Absalón’ de Calderón de la Barca. El espectáculo será escenificado por Galo Real Teatro, con dirección de

Cervantina de la CNTC y Ron Lalá ©David Ruiz

Gustavo Galindo y Mamen Camacho. La historia comienza cuando, tras una tregua establecida con el ejército enemigo, Amón y Absalón, los hijos mayores del rey David, vuelven a su casa a la espera del regreso de su padre. “Clásicos en familia”, por su parte, presentará El mágico prodigioso de Calderón de la Barca, obra en la que un libro nace de las manos de Justina, que encuentra en su lectura emociones maravillosas. El montaje está a cargo de la compañía ElViajeEntretenido y cuenta con la dirección y la dramaturgia de Yolanda Mancebo. Por otra parte, las XI Jornadas sobre Teatro Clásico se celebrarán del 18 al 20 de julio bajo el lema “Cervantes: el teatro o la vida”, y el XI Curso de Análisis e Interpretación para Actores “Fernando Urdiales” se impartirá del 15 al 20 de julio a partir de escenas de ‘La Numancia’ de Cervantes, y de ‘Cardenio’ y ‘El sueño de una noche de verano’ de Shakespeare. Además, se ofrecerá una exposición fotográfica de los montajes de Cervantes y Shakespeare que han pasado por las diez ediciones del festival.

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16 julio agosto XXXIII Festival de Almada

Nuevos maestros en una gran cita a orillas del Tajo Ostermeier, Richter o Pommerat son algunos de los nombres que destacan en esta edición que homenajea a Ricardo Pais

a 33 edición del Festival de Almada se inaugura el 4 de julio con un concierto sinfónico de Fundação Calouste Gulbenkian para dar paso, al día siguiente al primer espectáculo teatral, el estreno de Nao d´amores, una coproducción de la compañía homónima que dirige Ana Zamora con los anfitriones de la cita lusa, la Companhia de Teatro de Almada. Tras quince años sobre los escenarios, la compañía segoviana pone en escena la obra de Gil Vicente que precisamente les da su nombre y cuya elección fue “una declaración de principios y, al mismo tiempo, una metáfora alrededor de aquello que se supone que sea el devenir apasionado de una compañía teatral” en palabras de la propia Zamora. Junto al nuevo trabajo de Nao d´amores, y entre los veintinueve espectáculos con los que se podrá disfrutar hasta el 18 de julio en diversas salas de Almada y la cercana Lisboa encontramos tres estrenos más. Teatro Meridional presenta A lição de Eugène Ionesco, obra dirigida por Miguel Seabra que reflexiona sobre como han gestionado la educación pública los últimos gobiernos portugueses. La anfitriona Companhia de Teatro de Almada estrena O feio una obra sobre el lado oscuro del mundo de los negocios del dramaturgo alemán Marius von Mayenburg para cuya dirección han contado con el italiano Toni Cafiero. Y Teatro do Barrio en coproducción con ACT School lleva a escena una de las últimas tragicomedias escritas por Shakespeare, Cimbelino bajo la dirección de António Pires. 30

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para la Compangie Louis Brouillard de Paris. Otras compañías de renombre internacional ponen en escena versiones o adaptaciones de grandes autores como la noruega Visjoner Teater que llega con una intimista Hedda Gabler de Ibsen. La compañía neoyorquina de teatro experimental La MaMa presenta una de las obras más emblemáticas de Pier Paolo PasoMay B, If at all de Cie Maguy Marin lini, Pylade y la francesa Compagnie Du Zieu parte de Shakespeare en Othello, variations pour trois ateurs. Se podrá disfrutar con otro Shakespeare Ricardo III, de los también lusos HomemTambién se podrá disfrutar con obras bala y portuguesa es también Teatro do como Housewife de Esther Gerritsen en Vestido que repite en el festival con Um una puesta en escena de Théâtre National museu vivo de memórias pequenas e esde Bruxelles y con Trópico del Plata y Rat quecidas, obra de teatro documento dirigide las argentinas La Carpintería Teatro y Compañía Otra respectivamente. da por Joana Craveiro. Entre las propuestas teatrales de esta Grandes directores edición destacan también las cinco obras de compañías italianas que se engloban La presente edición presenta dos monen el ciclo denominado ‘O novíssimo teatajes dirigidos por el reconocido director tro italiano’ y tres espectáculos de danza: alemán Thomas Ostermeier La mouette, la coreografía más emblemática de Cie Maguy Marin, May B, If at all coreografía adaptación de ‘La Gaviota’ de Chéjov en de Rami Be´er a cargo de la israelí Kibuna producción de Théâtre Vidy - Lausanne butz Contemporary Dance Company y el y Susn del bávaro Herbert Achternbusch a cargo de compañía Münchner Kammerspieespectáculo de baile flamenco Déjame que le. El también director alemán Falk Richter te baile de la Compañía Mercedes Ruiz. ha creado junto a Nir de Volff Città del VatiPero el Festival de Almada también ofrece cano propuesta de Schauspielhaus Wien en una programación de calle compuesta por la que unifican danza y teatro para preguncinco espectáculos, una docena de contarse sobre la influencia de la religión en la ciertos dentro del programa ‘Música na sociedad globalizada de hoy día. Joël Pomesplanada’ además de exposiciones, enmerat por su parte firma la dramaturgia y cuentros con los creadores y el homenaje la dirección de la personal versión que ha a Ricardo Pais así como varias actividades realizado del clásico de Collodi, Pinocchio con el propio Pais.

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16 julio agosto XXII Encuentro Internacional de Artistas Callejeros - ARCA

Los artistas salen a las calles de Aguilar de Campoo

Xarivari Blues de Circo Los ©Luisan García

a localidad de Aguilar de Campoo (Palencia) llega a la vigésima segunda edición de su Encuentro Internacional de Artistas Callejeros (ARCA), que tendrá lugar del 19 al 21 de agosto con una programación que presenta una decena de actuaciones. Circ Bover inaugurará el encuentro el viernes con su espectáculo Vincles, donde, a partir de cañas de bambú, se construye un espectáculo en el que los elementos escénicos primarios se transforman junto a las emociones, y entre ellas surgen diferentes números de circo contemporáneo. Circo Los se inspira en la película “The Blues Brothers” para crear Xarivari Blues, un espectáculo donde cuatro artistas de circo ofrecen malabares, monociclos y una cama elástica con equilibrios imposibles y vertiginosas acrobacias con elegancia y mucho humor. Huellas de arena es una propuesta donde la artista en arte de arena Didi Rodan cuenta la historia de un viaje, un viaje forzado por una guerra, y que muestra al protagonista de la historia que las diferentes danzas y bailes del mundo 32

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quizás sean un arma de construcción masiva, un viaje idílico que le enseña que en ellas y en sus gentes se encuentra el verdadero sentido de la vida, los valores que en ellas encuentra le alimentan de esperanza para volver a su hogar, ya en paz y así transmitir todas las huellas que se han impregnado en él y que han ido marcando un camino de ida y vuelta. Ya el sábado seis cuerpos sobre el escenario subirán, bajarán, bailarán y saltarán en Todo encaja, una obra visual de UpAr te donde sus seis componentes intentarán contagiar al espectador con la alegría de su música y de emociones más intensas mediante saltos de banquina, vuelos y torres humanas, dejando ver el lado más personal y divertido de la acrobacia. Esta disciplina estará también representada por Ortzi Acosta en Ilusión, un espectáculo que busca sensibilizar al público a través de una historia narrada mediante la expresión corporal, la acrobacia, la comedia, el drama y su música en directo, y todo ello dirigido por un lenguaje universal: las emociones. Ortzi Acosta es también uno de los intérpretes

de Lurrak, un encuentro entre el teatro, el circo y la música producido por los festivales Kalealdia y Kaldear te. El clown, actor y director de circo y teatro Adrián Schvarzstein dirige a cinco artistas multidisciplinares y cuatro músicos especializados en instrumentos tradicionales vascos en este montaje de circo contemporáneo vasco con música en directo. Tres son las piezas que se podrán ver el domingo en Aguilar de Campoo. Bambalas de Bambolea y Alas Circo Teatro descubrirá a las Hermanas Bambalas desperezándose sobre una hamaca situada a cuatro metros de altura. Sorprendidas ante la presencia del público, se afanarán en demostrar todas sus habilidades. Desde Finlandia llegarán Lotta y Stina, dos artistas de circo mujeres especializadas en acrobacias solos de bola rola con un toque burlesco. Y Alicia Soto-Hojarasca representará la performance de danza Encuentros, “un cuerpo a cuerpo en un espacio urbano”. Se trata de un espectáculo con interactuación del público donde se funde la energía del movimiento y la emoción.

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Kaleka Lekeitio El 27º Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio, denominado ahora Kaleka, se celebrará del 6 al 13 de julio. Entre las propuestas que presenta la actual edición se encuentran el espectáculo de calle itinerante Vincles ©massay Femmes de Hortzmuga Teatroa; Vincles de Circ Bover, que combina el circo con la música en directo, el teatro y la danza; Walkman de Ganso & Cia (denominado como “una exhibición de habilidades inútiles”); Los amigos de Crusó de Toc de Fusta; Sub. el mundo de los oscuros de Lapso Produkzioak; Su à feu de Deabru Beltzak; Sin remite de Philippe Kikolas, un espectáculo de circo teatro inspirado en la comedia slapstick, entre otros; Potted de Trocola Circo; Mesa para 2 de Cía Estampades; Kale kolore de Zurrunka; Pete&Pat y Wonderwool de Bigolis Teatre; y Su-seso taladro y Fisura-dos de Murmuyo. Además, el festival propone otras actividades como la formación, con diferentes talleres como el de clown, a cargo del artista Murmuyo, y el de teatro físico, de la mano de la escuela londinense LISPA.

Me vuelves Lorca La II edición del Festival Me Vuelves Lorca tendrá lugar del 16 de julio al 13 de agosto en Laroles, Granada. Inspirado en la figura de Federico García Lorca y su afán de llevar la cultura a las zonas rurales, el festival de artes escénicas suLa casa de Bernarda Alba pone una nueva etapa para el proyecto de desarrollo social Un Teatro Entre Todos, que se ha materializado en la construcción de un teatro al aire libre, una apuesta por la cultura y el turismo sostenible protagonizada por los habitantes de la zona. Este año la programación hace un guiño, además de al poeta granadino, a Miguel de Cervantes y a William Shakespeare, en el 400 aniversario de la muerte de estos autores universales. Durante cinco fines de semana presentarán en Laroles sus piezas compañías y artistas como Tribueñe Teatro (La casa de Bernarda Alba), Sudbury Dramatic Society (La Tempestad), Autorretrato de un joven capitalista español con Alberto San Juan, La Tigresa y otras historias por Julián Ortega, MC. Manco y de La Mancha de J.P. Cañamero, Noche flamenca de Las Migas, Jamming Show de Jamming Compañía Teatral y Noche de tango con Osvaldo Jiménez.

A l Carrer Viladecans El Festival Al Carrer de Viladecans llega a su 27ª edición y ofrece una programación variada de artes escénicas que se podrá disfrutar del 1 al 3 de julio. Entre las propuestas destacan tres coproducciones del Náufragos festival. Junto con La Central del Circ se presenta el espectáculo Circant de la Cia. Cuncurulla, que llevará sus aires de circo mediterráneo, inspirados en el viento de la Tramuntana. De este modo, el Festival Al Carrer continúa con su firme apuesta por el circo de creación contemporánea. En la misma línea pero con un enfoque más cercano al clown y el teatro, La Industrial Teatrera pone la nota de humor tierno y lúcido con su nuevo espectáculo, Náufragos. Se trata de un homenaje a los pequeños naufragios de la vida cotidiana, con el sello poético y visual de la compañía. Por su parte, la compañía vasca Deabru Beltzak representará un espectáculo lleno de innovaciones, Su à feu, una puesta en escena que combina la percusión y la pirotecnia para sorprender al público y hacerlo partícipe de un espectáculo itinerante.

Bilboko Kalealdia El Festival de Teatro y las Artes de Calle - Bilboko Kalealdia sigue con su edición número 17, cuya programación se extenderá hasta el día 2 de julio. Para estos dos primeros días del mes estarán presentes las compañías Café de las Artes Teatro Nicole & Martin (Tachán!! La historia del circo ilustrada por la Familia Musculinni), Malas Compañías (Letter), Marie de Jongh (Marie?), Marco Vargas & Chloé Brûlé (Me va gustando) y Marcel Gros (Particular). Además, desde Suiza llegarán los artistas Nicole & Martin para ofrecer diferentes piezas. Otras compañías internacionales que ofrecerán sus montajes serán las francesas Cie Les Güms (Stoïk), Moral Soul (Du-All), Kadavresky (L’effet escargot), Cirque Rouages (Sodade) y Libertivore (Hêtre). Organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, el festival Kalealdia presenta en esta edición una programación que incluye números que van desde el más puro teatro de calle hasta la música itinerante, el circo contemporáneo, el clown, el cabaret, la danza o las acrobacias aéreas, además de otras propuestas cargadas de humor y originalidad para todos los públicos, que se podrán disfrutar en diferentes puntos de la ciudad.

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16 julio agosto XXXI Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami

Cita anual en Miami con el teatro en lengua hispana Ocho compañías conforman la programación en la que destaca el estreno de la anfitriona Teatro Avante, ‘El puerto de los cristales rotos’

eatro Avante, Adrienne Arsht Center for the Performing Arts, Miami-Dade County Auditorium y Miami Dade College son los encargados de organizar la trigésima primera edición del Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami que se celebra del 7 al 24 de julio en Miami y Key Biscayne con la participación de ocho compañías que pondrán en escena otros tantos montajes. La compañía uruguaya Teatro La Morena inaugura esta edición con No daré hijos, daré versos, obra escrita y dirigida por Marianella Morena con la que la dramaturga se acerca a Delmira Agustini, poeta uruguaya asesinada por su ex marido en 1914. Morena propone un montaje en tres actos, tres géneros y tres lenguajes interpretado por seis actores y actrices cantantes que rotan roles y puntos de vista sobre Agustini. El mismo día se hará entrega del ‘Premio a Una Vida de Dedicación a las Artes Escénicas’ a la actriz uruguaya Nidia Telles. De Miami es Teatro Prometeo, compañía dirigida por Joann Yarrow y Cristina Rebull que presentan Cacería, una versión libre de ‘Las brujas de Salem’ de Arthur Miller protagonizada por las adolescentes de un pueblo que pasan a convertirse en fiscales de un juicio injusto y cruel. Un montaje sobre la intolerancia, el poder absoluto y la ignorancia que encarnados en una joven despechada da lugar a una cacería de inocentes desatando la traición, el miedo, la avaricia y la miseria humana entre los habitantes del lugar. Conchi León es la autora y directora de Del manantial del corazón, un espectáculo que viaja a la cultura yucateca a través de la escenificación de los rituales y cuidados sobre el parto en las mujeres de esta 34

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No daré hijos, daré versos de Teatro La Morena ©María Trabal

cultura, el uso de hierbas medicinales, las costumbres populares... La compañía mexicana Sa´As también pone en escena con la participación del público la ceremonia del bautizo Maya; un montaje donde se relatan estas historias que al hablar de la vida acaban hablando de la muerte. Desde Argentina llega Grupo Ojcuro con La isla desierta de Roberto Arlt. Dirigida por José Menchaca y en completa oscuridad, la pieza ofrece una crítica sobre problemas actuales como la automatización de las personas, la rutina laboral o el tedio burocrático. Para ello presenta una historia que comienza en una oficina cerca el puerto, donde un jefe irritable y autoritario mantiene un ambiente rigurosamente disciplinado entre los empleados. En un momento que éste se ausenta, el ordenanza, inspirado en el sonar de los

buques, comienza a relatar aventuras que vivió como marinero llevando a sus compañeros a soñar con otra vida y dejando los prejuicios de lado, buscar la ansiada isla desierta. La compañía madrileña PanicoEscénico Producciones presenta El Greco y la Legión Tábana, una obra con la que su autor, Alberto Herreros “pretende reflejar la dificultad y la importancia de la perseverancia y la adhesión fiel a las convicciones, a los ideales, los cuales pueden llegar a tambalearse por las presiones a las que nos somete el medio en que vivimos, a través de unos personajes del siglo III a quienes pintó El Greco y de la propia obra del inmortal pintor”. Tras la representación en Ciudad de México dentro de su gira Internacional, esta obra ha sido galardonada con el premio ‘Dama de la Victoria’ 2015,

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Piedra a Piedra de Teatre de L´Home Dibuixat

otorgado por la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) de dicho país. También se podrá disfrutar en el festival con una obra dirigida al público infantil y familiar Piedra a Piedra de Teatre de L´Home Dibuixat. Galardonada con importantes premios, este montaje de la compañía de Castellón tiene como objetivo despertar la imaginación de los más pequeños a través de objetos inanimados como las piedras. El Hombre Lata es el protagonista de esta historia y piedra a piedra irá construyendo un universo lleno de tesoros. La compañía peruana El Sistema Solar –encargada de clausurar esta edición– presenta su espectáculo homónimo escrito y dirigido por Mariana de Althaus. La obra tiene lugar una noche de Navidad, donde se reúne después de mucho tiempo la familia Del Solar. Los hijos, Pavel y Edurne, están enfadados con el padre, el señor Del Solar, porque éste dejó a su madre por otra mujer, Paula, la ex novia de Pavel. Lo que no esperan es que el padre tiene una revelación que creará una verdadera crisis en el Sistema Solar. Estreno de Teatro Avante

Entre las representaciones de esta edición se incluye el estreno del espectáculo El puerto de los cristales rotos de la anfitriona Teatro Avante. Mario Ernesto Sánchez y Patricia Suárez firman la autoría de esta obra dirigida por el propio Sánchez inspirada en un suceso histórico. “En la primera mitad del siglo XX, no hubo incidente más emblemático de la controvertida política inmigratoria estadounidense y de la abrumadora apatía del gobierno cubano que la negativa de este, en 1939, de permitir el desembarco en La Habana de los 937 pasajeros del buque MS St. Louis, en su mayoría refugiados judíos provenientes de la Alemania nazi. Casi todos los refugiados fracasaron en su intento de llegar a puerto seguro y tuvieron que regresar a la aterradora Europa de Hitler” explican sus autores. El programa educativo de esta edición bajo la dirección de Beatriz J. Rizk, Ph.D., incluye una conferencia acerca del trágico viaje del MS St. Louis que tendrá lugar al día siguiente del estreno del espectáculo de Teatro Avante titulada ‘En conmemoración del trágico viaje del MS St. Luis en 1939’ con la participación de Lucas Correa, Redactor jefe, People en Español, una reseña de ‘El puerto de los cristales rotos’ de Teatro Avante y una conferencia de prensa con algunos sobrevivientes del viaje. Además a lo largo del festival tendrá lugar una exposición de fotografías del MS St. Louis, en el Carnival Studio Theater - Adrienne Arsht Center. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 julio agosto XLVII Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier

Todas las artes encuentran su espacio en San Javier

Los vecinos de arriba ©David Ruano

l Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier celebrará su edición número 47 del 3 al 23 de agosto, con la nueva dirección de David Martínez Gómez, quien afirma que pretenden crear un “ambiente de festival” en toda la localidad mediante diversas actuaciones encaminadas a lograr una mayor implicación por parte de la ciudadanía y una mayor penetración en todos los colectivos. La presente edición del festival, en la que vuelven los cursos de formación para profesionales y aficionados, presenta más de una docena de propuestas para todos los gustos. Dará el pistoletazo de salida La estupidez, una obra de Rafael Spregelburd que versa sobre la fragilidad de la inteligencia en los tiempos que corren. Un grupo de personas intenta hacerse rica en Las Vegas. Un método matemático para ganar a la ruleta guarda relación 36

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con la temible ecuación matemática que encripta el secreto del Apocalipsis. Dos criminales deben vender un cuadro antiguo robado antes de que se termine de deteriorar por completo. La mafia siciliana fabrica una nueva estrella del pop y unos policías motorizados viven una intensa historia de traiciones. Todo esto ocurre al mismo tiempo. Y en Las Vegas. Parte del atractivo de este espectáculo dirigido por Fernando Soto es que los cinco actores del grupo dan vida a los 24 personajes. Como uno de los platos fuertes de la programación se presenta Macbeth de William Shakespeare, una coproducción del propio Festival de San Javier, Teatros de Murcia y Alquibla Teatro. Se trata de una historia de crimen y castigo entreverada de brujería y elementos sobrenaturales. Leonor Benítez dirige El enfermo imaginario de Molière, quien con gran maestría satiriza a los médicos de su tiempo. La

comedia está llena de intrigas, amor, pero sobre todo, enredos familiares. El protagonista, Argán, es un hipocondríaco, cree estar muy enfermo y acude a los médicos para que lo curen de sus imaginarias enfermedades; en el fondo lo que quiere es reclamar la atención de su esposa, su hija y su criada Antonia. Lluis Luque se encarga de la dirección de Alejandro Magno, texto teatral en el que el mito se hace carne y se presenta como un hombre de genio contradictorio y eterno conflicto. Por un lado su ansia imparable de conquista y de guerra y por otro su deseo de ser un hombre que trae la paz y el respeto a los pueblos conquistados. La respiración de Alfredo Sanzol parte de un hecho dramático, la separación de una mujer que lleva 15 años con su pareja, y ve como un día de la noche a la mañana, todo se termina. “Es un regalo para todos los que hayan visto el pabellón

julio agosto de su autoestima en lo más alto gracias al amor. Para todos los que hayan visto el pabellón de su autoestima en lo más bajo gracias al amor. Para todos los que hayan conseguido que la posición del pabellón de su autoestima no dependa de nadie. Para todos los que sienten y piensan que a pesar de lo que hagas con el pabellón de tu autoestima cuando te enamoras te la juegas. Para todos los que se la juegan. Para todos los que ganan. Para todos los que pierden. Para todos los que han conseguido aprender a empatar con la vida”, afirma el autor y director. Yayo Cáceres dirige Cervantina de la CNTC y Ron Lalá, obra compuesta por piezas breves que reúnen sobre el escenario las adaptaciones de algunas novelas ejemplares y entremeses, además de fragmentos de piezas menos conocidas de Cervantes, como el ‘Persiles’, ‘La Galatea’ o el ‘Viaje del Parnaso’. Cesc Gay dice sobre Los vecinos de arriba, obra que también se podrá ver durante el festival: “hace un par de años, unos nuevos vecinos ocuparon el piso de encima de donde vivimos con mi familia. Muy pronto empezamos a oír ruidos extraños, a cualquier hora, seguidos siempre de una gran variedad de gemidos y resoplidos. Sin duda para mí fue inspirador, y así, sin quererlo, me acabaron regalando la que ha acabado siendo mi primera obra de teatro”. Más que teatro

La Compañía Nacional de Danza estará también presente en San Javier, donde diferentes bailarines que destacan como solistas interpretarán diversas piezas. Se

Macbeth de Festival de San Javier, Teatros de Murcia y Alquibla Teatro ©Pepe h

trata de coreografías tanto del puro estilo clásico así como del clásico contemporáneo. UpArte presentará un espectáculo vivo que mantiene la línea de la técnica acrobática de alto nivel, pero esta vez los artistas muestran su lado más humano con pequeños toques de humor y un elemento en escena. Todo encaja moverá sus cajas y al espectador con la alegría de su música y a las emociones más intensas. La Fura dels Baus y Divina Mysteria presentarán Free Bach 212, una versión libre de la Baukernkantate (Cantata de los agricultores) BWV.212 de JS Bach, dirigida por Mikel Espuma y David Cid. En ella atienden como comensales reservando nuevas cruces interdisciplinares, donde las músicas electrónicas, la imagen multimedia, el fla-

menco y una poética contemporánea del espectáculo quieren resignificar al público actual: un precepto atemporal e inherente a la Cantata de los agricultores BMW 212, el de conmover y deleitar sin barreras ni limitaciones. Typical es un espectáculo itinerante con música, coreografías y con pirotécnica, dirigido por Antón Valén. Basado en el cuento de los Hermanos Grimm, Hydra Audiovisual presentará una nueva versión de Hansel y Gretel en formato musical con canciones originales de Miguel Antelo. La actuaciones musicales llegarán de la mano de Miguel Poveda (flamenco, poesía y copla) y Ana Moura, artista portuguesa de fado con más de una decena de galardones, entre los que destacan dos Globos de Oro.

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16 julio agosto XVII Festival Internacional de Teatro de Brasilia - Cena Contemporânea

Lenguajes diversos de diversas latitudes Siete compañías internacionales, doce brasileñas y ocho brasilienses en una nueva edición de Cena Contemporânea

Hysterica Passio de Teatro Kaus Cia Eperimental

a décima séptima edición de Cena Contemporânea, el Festival Internacional de Teatro de Brasilia se celebra del 23 de agosto al 4 de septiembre en las principales salas y espacios alternativos de la capital. Dando continuidad al espíritu de búsqueda de lenguajes novedosos de todas las dramaturgias del mundo, esta edición gira en torno a la incomunicación, la soledad, la afirmación de las identidades, el diálogo entre los diferentes lenguajes y la integración del mundo virtual en el teatro. Entre las propuestas internacionales encontramos el último trabajo de Diego Lorca y Pako Merino o lo que es lo mismo, Titzina el celebrado Distancia Siete minutos. Tormenta por su parte es una coreografía de Igor Calonge que pone en escena con su compañía, Cia Cielo Raso y desde la península Ibérica llega también Circolando para presentar Noite, una obra que explora la fisicalidad y la expresión corporal. Teatro de Açúcar por su parte presenta Naufragé(s), coproducción con Cena Contemporânea y el Centro Dramático Nacional Francés La Comédie de Saint-Étienne que 38

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fusiona danza, música y dramaturgia para narrar la historia de un artista utiliza la ficción para recrear su propia biografía. Una obra inédita en Brasil, la celebrada Ex-Que revienten los actores del uruguayo Gabriel Calderón quien también se encarga de su dirección de esta puesta en escena de Complot y los chilenos Viajeinmóvil viajan con su particular versión del Otelo de Shakespeare. Los prejuicios contra las mujeres, los homosexuales y las personas transexuales son realidades que se reflejan en varios trabajos tales como la obra que presenta el coreógrafo y director argentino Pablo Rotemberg, La Wagner, o la propuesta de la brasileña Colectivo Artístico as travestidas, Br-Trans. También están presentes grandes escritores a través de las versiones o adaptaciones de sus obras, todas ellas de la mano de compañías de Brasil. A floresta que anda, con dirección de Christiane Jatahy es de inspiración shakesperiana ya que parte de la obra ‘Macbeth’ y forma la trilogía de Cia Vértice junto con ‘Julia’ a partir de la obra de Strindberg y ‘E Se Ela Fossem pra Moscou’ a partir de ‘Las tres hermanas’ de Chéjov. Teatro da Vertigem pone en escena O filho , inspirada en ‘Carta al padre’

de Franz Kafka y también hay lugar para la revisión de los mitos con Kassandra de Cia La Vaca y Laio e Crísipo a partir de la interpretación popular del mito de Edipo a cargo de Aquela Companhia de Teatro. Teatro Kaus Cia Eperimental llega con Hysterica Passio de Angélica Liddell y Guiselle Rodrigues y Édi Oliveira proponen Fio a fio, un espectáculo de danza teatro que aborda de manera poética la realidad del envejecimiento. La danza vuelve a tener un importante lugar en el festival con varios montajes como Buraco de Elizabete Finger y la danza se mezcla con la performance y las artes visuales en De carne e concreto de Anti Status Quo Companhia de Dança. Además esta edición incluye el denominado ‘Projecto tubo de esaio’, un programa de experiencias artísticas que propone el diálogo entre la performance, la música y la danza sobre el ‘Pós-apocalipse’. La primera etapa es formativa y tiene lugar la primera semana de agosto. La segunda etapa es de exhibición y se desarrolla el 27 de agosto y la etapa final o reflexiva culmina con la publicación de artículos elaborados sobre las experiencias vividas en todo el proceso.

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16 julio agosto XVI Festival Internacional de Teatre Amateur de Girona

El mejor teatro amateur se vuelve a citar en Girona

a Diputació de Girona presenta la décimo sexta edición del FITAG, que se celebra del 23 al 27 de agosto con un aumento del número de municipios a los que se extiende la programación, pasando este año de los 8 a los 12. Se trata de Besalú, Figueres, La Jonquera, Llançà, Lloret de Mar, Maçanet de la Selva, Palamós, Puigcerdà, Salt, Sant Gregori, Sant Pere Pescador y Vidreres, lugares que también acogerán diferentes montajes programados. “Queremos ver lo que hay fuera, pero también que nos vean”, declara Martí Peraferrer, director artístico del festival. La obra de William Shakespeare, Hamlet, será uno de los platos fuertes en la presente edición del festival. Se trata de una coproducción del FITAG que dirigirá Raúl Rodríguez, para la que se está realizando un casting de actores no profesionales a nivel estatal. Una vez seleccionados, se encerrarán en una casa de campo durante 20 días para preparar el montaje, proceso que será filmado y presentado a modo de película en el año 2017. “EL TEATRE I LA VIDA (FITAG cinc dies per ser feliç)” es una película dirigida por Xavi Villanueva que se estrenará en el festival, un documental de una hora de duración que fue grabado durante la anterior edición del FITAG y que tiene el objetivo de enseñar, desde dentro, cómo es un festival.

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Poses para (no) olvidar

Otro de los proyectos destacados es una obra de corte social que trata el tema de la guerra y los refugiados, para la cual los alumnos de El Galliner y el director Juanma Casero abrirán un espacio que nunca ha sido utilizado para la representación teatral: un refugio antiaéreo. En cuanto al resto de programación, será la catalana I per què no? la que inaugure el festival con el montaje de danza/teatro Revolution. Otras compañías catalanas programadas son Teatre de Contacte con El recreador, Inestable Ceretana de Teatre con Dotze sense pietat, Teiatrolics con Bluf, Teatre Centre Arbúcies con Diner negre, Quantus Teatre / El Mirall con Els boscos de’n William, Corset Teatre

con Codigo Alfa, Taller de Teatre con Fuita, Cràdula Teatre con UAP 16. Jo també sóc Malala, IncreIxendo-Grup de Teatre con Cendra, La inestable 21 con Q y Crash Teatre con Döner Kebab. También estarán presentes las navarras La trapera con El juego del amor y del azar y Complexus con Cabarexus, además de la madrileña La luciernaga-ONCE con la comedia Quién va: Destino Hamlet. Completan la programación de espectáculos las diferentes compañías internacionales. Desde Polonia Teatr Krzywa Scena representará GODOT(33). Llegados de Senegal, la Compagnie de Theatre La Rénédrame llevará a cabo La mauvaise conscience. Desde Chile Geografia teatral interpretará el monólogo dramático Terreno en venta. El mismo género estará representado por los uruguayos EXTRA conglomerado con Potencialmente Haydée. La obra Poses para (no) olvidar de la compañía homónima llegará desde Brasil. Los ucranianos Splash Drama School llevarán a cabo el espectáculo visual1984. El Bachin Teatro, desde Argentina, escenificará la comedia política Crónicas de un comediante. Otras piezas dramáticas son Vital Signs de Galgal Theatre desde Israel, el iraní BOUTIAALL Teatre Group. con Woyzeck y el egipcio Creation Group. con Miss Julie.

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16 julio agosto XIX Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo

Estrenos y diversidad de creaciones en Ciudad Rodrigo

a Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León organiza la 19ª edición de la Feria de Teatro de Castilla y León, que se desarrollará en Ciudad Rodrigo del 23 al 27 de agosto con la presencia de 44 compañías y 53 funciones en el marco de la programación oficial. Además, otra docena de compañías participarán en el marco de las actividades paralelas. “La programación escénica nos conectará con la realidad del mundo que nos rodea, y será reflejo de las preocupaciones de nuestros tiempos con propuestas artísticas comprometidas y lenguajes escénicos contemporáneos”, afirman desde la organización. Creaciones contemporáneas y propuestas emergentes forman parte de una programación en la que existe una gran variedad de formatos como teatro, teatro de títeres, danza, circo, teatro gestual, espectáculos multidisciplinares y artes de calles. La diversidad de formatos teatrales y géneros escénicos destaca por tanto en una edición en la que muchos espectáculos serán estrenos. Se podrán ver los montajes de 17 compañías de Castilla y León y de otras 8 comunidades del resto del Estado (Extremadura, Madrid, Andalucía, Galicia, Cataluña, País Vasco, Comunidad Valenciana y Asturias), además de trabajos de Portugal, Bélgica, Francia y Brasil. Las funciones tendrán lugar en 15 espacios escénicos diferentes, 8 de sala y 7 de calle. El 31% de las actuaciones serán al aire libre y gratuitas, con 14 compañías de artes de calle, y el resto en espacios cerrados con entradas a precios populares. Estrenos

Cinco compañías de Castilla y León estrenarán sus nuevos espectáculos para público infantil y familiar: Teloncillo Maquina Teatral presentará Caperucita Roja, Teatro La Sonrisa hará lo propio con Star 42

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Tamdem de Théâtre d’images

clown, Miguelillo con El mágico efecto secundario, Teatro Mutis con Maleta, misión espacial secreta y Escaramuza Teatro con Barba azul. Además, otras compañías castellano leonesas estrenarán otros cuatro espectáculos para todos los públicos. De este modo, Hojarasca Danza llegará con Miradas, Tiritirantes con Ulterior, el viaje, Puntito Canalla presentará Trece y Arawake ofrecerá una pieza multidisci-

plinar sobre Cervantes. A estos hay que añadir los estrenos de Festuc Teatre (La ratita presumida), Cómicos del Drama (Pequeño catálogo sobre el fanatismo y la estupidez), Fadunito (Adopted), Troula Animación (Cyberdrags), Felix Albó (Tanatorium), El Callejón del Gato (Crecer) y Pepa Plana (Paraíso pintado). Por otra parte, representarán sus obras por primera vez en el Estado español las

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compañías internacionales Virtual Danza de Brasil (Desculpe o trastorno); Wetumtum (Crash babies), Marionetas de Mandrágora (Descubridores) y Quorum Ballet (Arístides) de Portugal; y Accidental Company (Esos días azules) y Théâtre d’images (Tamdem) de Francia. Además, Ibuprofeno Teatro de Galicia y Fes T´ho Com Vulguis de Cataluña interpretarán sus obras por primera vez en castellano. Se trata de Raclette y Manos, respectivamente. Homenajes y mucho más

La presente edición se suma también a los actos conmemorativos del IV Centenario de Miguel de Cervantes, ofreciendo cada día un espectáculo cervantino. De este modo, la programación en el Espacio Afecir la abrirá Morfeo Teatro con El Retablo de las Maravillas, y se le sumarán la también compañía burgalesa Arawake con Y tú ¿Qué sabes de Miguel de Cervantes?, los madrileños Sexpeare con Rinconete y Cortadillo y la extremeña Verbo Producciones con El Cerco de Numancia. Del mismo modo, la feria recuerda el año de Shakespeare incorporando una producción de los burgaleses Alauda, Macbeth-

Quorum Ballet

ya somos el olvido que seremos, un espectáculo inquietante de teatro de títeres y marionetas para adultos. Ciudad Rodrigo ha invitado al dramaturgo Alberto Conejero a realizar la intervención en el acto inaugural del festival, cuya programación se completa con actividades paralelas

como seminarios de formación express, presentaciones, reuniones de negocios, talleres, café-tertulia, presentaciones de proyectos, jornadas de trabajo y reuniones técnicas, así como la continuación de la programación específica dentro del programa de animación infantil “Divierteatro”.

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Experimenta 16 Teatro - Encuentro Internacional de Grupos - Rosario

Encuentro e intercambio entre creadores y público

l Grupo Laboratorio de Teatro El Rayo Misterioso organiza la décima sexta edición de Experimenta Teatro - Encuentro Internacional de Grupos que se celebrará en la ciudad argentina de Rosario del 7 al 13 de agosto, una semana en la que habrá lugar para la puesta en escena de espectáculos, talleres, seminarios, charlas-debate, desmontajes teatrales y proyecciones con el objetivo de promover el encuentro y el intercambio entre las compañías, seminaristas, críticos y público. Por vez primera participará en el festival una compañía de Paraguay, Isla piano que pondrá en escena su obra homónima creada a partir de los relatos de héroes anónimos de la Guerra Grande y con un lenguaje contemporáneo interpretan cuatro mujeres que hablan de sus temores y esperanzas, de la solidaridad y la lucha. Con Evocando os mortos-Poéticas da experiecia los brasileños Oi Nois Aquí Traveiz recorren el camino del actor en la creación de personajes emblemáticos de la dramaturgia contemporánea siguiendo la línea de investigación sobre teatro ritual a partir de Antonin

Artaud y la performance contemporánea. Música en vivo, canto, danza y actuación se funden en La Historia de Ixquic, una coproducción de Ruben Pagura y Juan Fernano Cerdas –Costa Rica y Argentina– que habla “sobre las antiguas historias del Popol Vuh, libro sagrado de los Maya-Quichés, tejidas en una trama de acción, amor y magia”. La compañía Grupo Las Damas de la ciudad argentina de Córdoba llegará a Rosario con su último trabajo, Flores ácidas. Escrita y dirigida por Carlos Gil Zamora, la obra narra las vidas de tres mujeres contada por ellas mismas a base de recuerdos, secretos y negaciones que parecen sueños o pesadillas a la vez; un cuarto personaje se encarga de encadenar toda la acción, un personaje que puede ser algo así como

la voz de la conciencia del propio autor. La compañía asturiana Teatro del Nor te presentará una tragedia de Lorca, Yerma recluida en un hipotético manicomio dirigida por Etelvino Vázquez y dirigido a todos los Yerma de Teatro del Norte públicos, en la obra coreana The Brush se escenificará una cautivadora historia llena de las más misteriosas curvas orientales y los más coloridos dibujos occidentales; os espectáculos se completan con El fabuloso mundo de la Tía Betty de los anfitriones El Rayo Misterioso. En todas las ediciones, el Festival entrega la ‘Orden del Guerrero Teatral’ que este año recibirá Carlos Gil, quien impartirá un taller e dramaturgia, una edición que contará con la participación de Carlos Gil, director de ‘Artez’, Albemar Araujo, director del ‘Festival Recife do teatro nacional de Brasil, Rubén Darío Zuluaga Gomez, Director de ‘Revista de Artes Escénicas de Colombia’, las críticas teatrales Nina Mazur de Ucrania y María Säkö de Finlandia y la coreógrafa alemana Anna Mazur.

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16 julio agosto m

MIT Ribadavia Del 16 al 24 de julio la 32ª Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia ofrecerá 20 piezas. Entre ellas: A Gaivota (Oskaras Koršunovas Theatre), Gritando sin hacer mucho ruido (Cie. Yifan), Trópico del Plata (Rubén Sabadini), Historia de Amor (TeatroCinema), Penal de Ocaña (Nao d’amores) Amour (Marie de Jongh), Madre Coraje (Atalaya), Flux (Zanguango Teatro), La piedra oscura (LAZONA/CDN) o El pájaro prodigioso (La Maquiné/ABAO). Entre las cías gallegas, Matarile Teatro interpretará varias obras.

Palma del Río La Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río (Córdoba), se celebrará del 5 al 8 de julio con propuestas de 27 compañías. Se podrán ver 4 estrenos de compañías andaluzas: El Legado de Axioma Teatro, La luna me mata de Manuel Álvarez Producciones, ¿Qué se esconde tras la puerta? de Siete Teatro y Bombillas de La compañía Barataria. Destacan también Me llamo Suleimán de Una Hora Menos (Canarias) y Danzad Malditos de Malditos (Madrid).

GREC El 40º Festival Grec de Barcelona tendrá lugar del 1 al 31 de julio con propuestas de teatro (48), música (47), danza (16) y circo (8), además de las actividades paralelas. El Grec presentará 45 producciones propias y coproducciones, y 7 coproducciones internacionales. Les bruixes de Salem de Arthur Miller, dirigido por Andrés Lima y con un reparto de 14 actores encabezado por Lluís Homar inaugurará el festival. Entre las compañías están: Kibbutz Contemporary Dance Company, Circus Klezmer, etc.

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Mostra Cangas La 33 Mostra Internacional de Teatro Cómico y Festivo de Cangas tendrá lugar del 1 al 9 de julio. El Auditorio Municipal acogerá Las Cervantas (ES&DD Arte), El Rey (Teatro del Barrio), Princesas del Pacífico (La Estampida), El cuello de la jirafa (Matarile), Tête de pioche (Heyaka Theatre), Interrupted (Teatro en Vilo) y Eroski Paraíso (Chévere). Y el Teatro na rúa: Lois Soaxe, Desastronauts, Mundo Mandarina, Cão à Chuva, Limiar Teatro, Circ´Hulon, Les Bleus de Travail, Dani García y Pisando ovos.

Burgos-New York El 15º Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York tendrá lugar del 26 al 29 de julio, y reunirá las creaciones de coreógrafos procedentes de 7 países.La programación se distribuye en 3 secciones: ©Mplanells Danza Moderna y Contemporánea, Danza Urbana y Grafiti. Entre las piezas están EHiza (Héctor Plaza), Until the sad (Klevis Elmazaj), Dans l´arène (Bouside Aït Atmane), Párate y respira (Ruth Prim Murilla), Downtango (Lucía Marote), Encuentros (Denis Santacana) y Phase (Simon Feltz).

Frinje Organizado por el Teatro Español, el 5º Frinje tendrá lugar del 1 al 17 de julio en Matadero Madrid, con 23 compañías seleccionadas y apostando por la multiplicidad de miradas en la creación contemporánea. Frinje presenta una programación ecléctica dispuesta a establecer un diálogo con la realidad política y social de nuestro tiempo. Entre las propuestas: Testigo de las ruinas (Mapa Teatro), BBBB (Agrupación Sr. Serrano), Calypso (Voadora) o Trípula (Farrés Brothers i Cia).

julio agosto

XXI El Rioja y los 5 Sentidos

Una copa de vino y diversas propuestas culturales

esde el pasado mes de febrero se está desarrollando la amplia y diversa programación gastrovinícola-cultural de El Rioja y los 5 Sentidos, iniciativa que tiene como eje principal la divulgación de la cultura del vino. En septiembre, mes de la vendimia, se concentrarán las actividades centradas en el sentido del oído, donde se dará paso a aquellas actividades de carácter escénico que a su vez son las más tradicionales del programa. Entre tanto se incluyen conciertos que tienen lugar en los incomparables marcos de las bodegas, así como el recorrido entre viñedos para llegar al Barrio de la Estación de Haro, además de las ‘Conversaciones en torno al vino’ y la ‘Cata con sentidos’. Las citadas propuestas escénicas están previstas para los días 3, 4, 10 y 11 de septiembre. La primera de las actuaciones tendrá lugar en las Bodegas Los Arandinos con Mayalde, grupo de música tradicional creada en 1980 que vienen a presentar Tinajoria, un espectáculo para reír y dejarse llevar por lo tradicional que se vuelve nuevo, mientras se disfruta de un buen vino.

La misma jornada del 3 pero en las Bodegas Valenciso se prevé la actuación de Eva Fernández Group, liderada por la saxofonista y cantante del mismo nombre, que forma parte de la nueva hornada de jóvenes y destacadas voces femeninas. En esta ocasión actuará con reconocidos músicos de prestigio, como son el jazzman David Pastor, José Luis Guart, Toni Pagès y Miquel Ángel Cordero, ofreciendo un repertorio de jazz contemporáneo y clásico, arriesgado, elegante y fresco. Al día siguiente, el 4 de septiembre, se llevará a cabo un único concierto de manos de Dead combo en las Bodegas Martínez Lacuesta. Se trata de una agrupación portuguesa formada en 2003 por Tó Trips y Pedro Gonçalves, con un estilo musical muy particular que mezcla música fado con música spaghetti-western, el jazz, la música alternativa y del mundo. Sus conciertos son considerados como “muy visuales”, con fuertes alusiones a Lisboa e inspirados en músicas antiguas, que sorprendentemente suenan a nuevas. El día 10 habrá doble actuación. En la

Cooperativa Nuestra Señora de Vico se llevará a cabo Crimen entre barricas, una propuesta teatral en el que el público deberá resolver un misterioso suceso ocurrido entre las barricas de la bodega, mientras recorren las instalaciones de la cooperativa y catan sus vinos. Por su parte, en la Bodega Lan actuará Juan Zelada, uno de los músicos más prometedores de soul de la escena internacional, que junto a su banda presenta Back on Track, su última grabación. Las Bodegas Ramón Bilbao albergarán el último de los conciertos el 11 de septiembre de la mano de Pancho Varona y Antonio García de Diego. Ambos músicos darán paso a la Noche sabinera, en la que interpretarán canciones de Joaquín Sabina. En 2006 una serie de músicos, que acompañan a Sabina desde siempre, decidieron formar un grupo y tocar sus canciones, con su particular instrumentación e invitando al público a compartir el momento en una gran fiesta, donde todo el mundo es bienvenido para disfrutar de un momento de memoria y placer. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Verano teatral donostiarra para todos los gustos

Cenicienta de Malandain Ballet Biarritz

a programación veraniega de Donostia comienza con Mamma Mia! el conocido musical de Abba con el que se podrá disfrutar del 30 de junio al 3 de julio en el Kursaal. El Teatro Victoria Eugenia por su parte comienza la programación del mes de julio con Misterios del Quijote montaje en el que Rafael Álvarez ‘El Brujo’, y fiel a su estilo, se adentra en el universo de Cervantes dando vida a un investigador que pierde la cabeza estudiando “al ingenioso caballero de la palabra”. Con un registro diferente se presenta la coproducción de Cobre Producciones, Olympia Metropolitana y Nearco Producciones, Taxi, una comedia de enredo dirigida por Josema Yuste y Alberto Papa-Fragomén en la que el propio Yuste da vida al protagonista de esta obra escrita por Ray Cooney (13-17 de julio). Cesc Gay es el autor y director de Los vecinos de arriba (28-31 de julio) una producción de Elefant, Focus y Pentación en la que Candela Peña, Cati Solivellas, Andrew Tarbet y Xavi Mira dan vida a las dos parejas de vecinos que protagonizan una comedia que con ironía y humor aborda temas tan universales como la convivencia, la valentía, el sexo, el amor y la apariencia. Del 11 al 15 de agosto Lola Herrera Juanjo 50

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Artero dan vida a una madre, Alejandra y su hijo, Cris, los dos protagonistas de La velocidad del Otoño, una obra mordaz, divertida y profundamente conmovedora acerca de la fragilidad y frugalidad de la vida escrita por Eric Coble, dirigida por Magüi Mira y producida por Pentación. Del 17 al 21 de agosto otra veterana actriz, Concha Velasco, se mete en la piel de Juana de Castilla, más conocida como ‘Juana la loca’ en el unipersonal Reina Juana de Ernesto Caballero. Dirigida por Gerardo Vera, en esta propuesta de Iraya Producciones la protagonista rinde cuentas a las personas que estuvieron en su vida antes de morir sola y alejada de lo que más quería, sus hijos. Dirigida por Tamzin Townsend, Héroes (del 24 al 28 de agosto) pone sobre el escenario la hilarante y conmovedora comedia de Gérald Sibleyras en la que tres veteranos de guerra, que pasan sus últimos días de vida en un hospital militar, reflexionan sobre la vida, sobre lo vivido y sobre lo que están viviendo. La coproducción de Txalo y Pentación está protagonizada por Luis Varela, Javier Gurruchaga e Iñaki Miramón y se pondrá en escena del 24 al 28 de agosto). Además de las ya mencionadas, a las propuestas teatrales se les une la pieza ganadora del primer premio del Premio a la Creación

del Teatro de Bolsillo 2016, Sarean kateatuak de Nomofobikak (días 27 y 28 de julio en la Sala Club) y dos propuestas de danza. El 27 de julio se mostrará al público los resultados del proceso de creación de Metamorphosis Summer Course Residency, la tercera edición del curso intensivo de danza contemporánea itinerante en el que varios bailarines internacionales como Iratxe Ansa e Igor Bacovich realizarán una residencia en el propio Teatro Victoria Eugenia junto a un nutrido grupo de artistas visuales. Malandain Ballet Biarritz por su parte pondrá en escena los días 4 y 5 de agosto Cenicienta, una coreografía a la que Thierry Malandain aporta una visión muy personal, explorando ciertos temas por los que siente especial interés pero desde el respeto a la dramaturgia de la pieza original y a la partitura de Prokofiev. Cenicienta es el recorrido de una estrella danzante a través de esta visión hecha de cenizas y de magia, a ratos trágica, a ratos cómica que se escribe algo universal. TEATRO PRINCIPAL

El Teatro Principal presenta una programación teatral que comienza con Datorren urtean hobeto montaje con el que los días

julio agosto 29 y 30 de julio las actrices Itziar Urretabizkaia, Ainhoa Garai e Iraitz Lizarraga dan vida a multitud de mujeres que quieren hablar de todo lo que les rodea. Otro montaje en euskera, El mismo escenario acoge otro espectáculo en euskera en este caso el estreno de Bi izarren kalenturak que tendrá lugar los días 19, 20 y 21 de agosto. Iñake Irastorza y Ane Gabarain protagonizan esta sátira sobre el mundo del teatro, una obra por la que su autor, Victor Haïm, fue galardonado con el premio Molière en 2003 y que lleva a escena Txalo Produkzioak. Tras su paso por dFeria, El florido pensil “Niñas” vuelve a Donostia. La obra de Tanttaka Teatroa que dirige Fernando Bernués pone sobre el escenario “el día a día de cinco muchachas sometidas a la absurda e ilógica brutalidad del sistema educativo que dominó la España de la postguerra”; la cita de 2 al 9 de agosto. Del 10 al 17 Bibiana Fernández y Manuel Bandera y acompañados en escena de un pianista protagonizan El amor está en el aire, una comedia mordaz compuesta por diez sketches y diez canciones a través de las que indagan en las relaciones de pareja. Otra pareja, la formada por Silvia Marsó y Pablo Chiapella dan vida a dos solteros

El florido pensil “Niñas” de Tanttaka Teatroa

urbanitas que se sumergen en internet con el objetivo de buscar pareja. Estos son los protagonistas de La puerta de al lado, obra dirigida y adaptada por Sergio PerisMencheta y que se representa del 26 al 28 de agosto acompañada de la música en directo de Litus. La programación escénica de julio y agosto finaliza con el espectáculo de magia Volver a creer. Magia de la mente de Toni

Bright que se pondrá en escena del 29 al 31 de agosto. Antes también habrá la oportunidad de conocer los monólogos de Goyo Jiménez en By the way de (días 8, 9 y 10 de agosto en el Teatro Victoria Eugenia) y con La Gira, espectáculo en el que Enrique San Francisco repasa sus mejores monólogos con el humor ácido y gamberro que lo caracteriza (del 22 al 29 de agosto en el Teatro Principal).

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16 julio agosto

julio agosto

A ritmo de Abba

ras cerrar por vacaciones durante el mes de julio, el Teatro Arriaga abre sus puertas el 15 de agosto con Mamma Mia! el musical sobre ABBA que llega a Bilbao tras su paso por el Kursaal de Donostia y que hasta el 10 de septiembre se ofrecerán 31 representaciones. Al igual que en su anterior visita al coliseo bilbaíno en verano de 2009, –reunió a más de treinta y ocho mil personas convirtiéndose en el espectáculo más visto de la historia reciente del teatro–, el papel principal de esta comedia musical producida por Stage Entertainment esta protagonizado por la actriz y cantante Nina, que lidera un elenco totalmente renovado de treinta intérpretes. Con música y letra de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, escrito por Catherine Johnson y dirigido por Phyllida Lloyd, el estreno mundial de este musical tuvo lugar en Londres en marzo de 1999 y tras el éxito cosechado se han realizado diversas producciones por todo el mundo; en la actualidad conviven en cartel nueve de ellas y se calcula que han disfrutado de este espectáculo más de cincuenta millones de personas. Muestra de su éxito es también

sabe quien de los tres hombres que pasaron por la vida de su madre hace veinte años, es el que debe llevarla al altar. Así da comienzo una divertida historia acompañada de la interpretación en directo de las canciones más conocidas del emblemático grupo sueco tales como “Chiquitita”, “Super Trouper”, “Dancing Queen”, “Waterloo” o la propia “Mamma Mia”. La programación veraniega del Teatro Barakaldo se concentra duMamma Mia! de Stage Entertainment rante las fiestas patronales de la localidad. El día 8 de julio Glu Glu Producciones presenta De cuerpo presente, que el musical ocupa el octavo puesta en “una comedia de muerte” escrita por Galla lista de espectáculos de mayor permader Perez y Gorka Aginagalde y dirigida nencia en cartel en la historia tras capor el propio Perez en la que la muerte torce años en cartelera. Por su parte, la repentina de Don Vicente Jiménez desenproducción de Stage Entertainment lleva cadena una batalla entre sus herederos. representándose siete temporadas ininteSobre el escenario y “con cuerpo presenrrumpidamente y se calcula que han diste”, sus descendientes esperan disfrutar frutado con ella en torno a dos millones de su fortuna aunque ninguno espera lo de personas. que está a punto de ocurrir: que la ansia‘Mamma Mia!’ traslada al público a una da herencia ha desaparecido. Los días 15 idílica isla griega donde viven Donna y su y 16 será el turno de Monolokos 3, monhija. La joven esta a punto de contraer taje de mónologos interpretados por Mamatrimonio y hasta allí han viajado las dos ribel Salas, Sol Maguna Javier Merino (día grandes amigas de Donna con motivo de 15) y Gorka Aginagalde, Iñigo Salinero y la celebración. Pero la novia tiene un proGemma Martínez (16). blema: quiere invitar a su padre pero no

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16 julio agosto

Macbeth Antonio Saura dirige Macbeth de William Shakespeare, una producción de Alquibla Teatro en coproducción con Teatros de Murcia y Festival de San Javier. “Desde nuestra mirada contemporánea, Macbeth continúa siendo fascinante por su tratamiento dramático del mal: el mal que nace del ansia de poder. Este punto de partida nos ha llevado a la exploración de lo prohibido y la transgresión en un mundo, el nuestro, bañado en sangre, golpeado por una violencia extrema, dirigido por una ambición desmedida, poblado de crímenes políticos y seres desleales. Un mundo en el que no hay buenos y malos, pero tampoco inocentes: sólo hombres y mujeres sucumbiendo ante la ambición de poder, los resortes del mal que hay en todo ser humano. Y es en este aspecto donde nos encontramos más alejados de reyes y generales, rivales por el poder, y mucho más próximos al entorno Bilderberg. La tortura interior y el proceso de degeneración psicológica y física de sus protagonistas, Macbeth y Lady Macbeth; el protagonismo de Las Brujas marcando el clima de superstición, hechicería y sexualidad, por medio de una estética surrealista; un espacio escénico determinado por elementos corpóreos movidos por la escena y la banda sonora creada por Salvador Martínez son alguno de los elementos que determinan estéticamente la puesta en escena”, explica la dramaturga Alba Saura. La obra ofrecerá diversas funciones este verano, entre las que están: 16 de julio en ZGZ Escena (nuevo festival internacional de artes escénicas en Zaragoza), 20 de julio en Olmedo Clásico y 17 de agosto en el Festival de San Javier.

El Retablo de las Maravillas Con dramaturgia y dirección de Francisco Negro, Morfeo Teatro presenta esta cruel sátira basada en una selección de varias obras de Cervantes y teniendo como pieza principal el famoso entremés cervantino escrito hace cuatro siglos. El Retablo de las Maravillas narra una divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final, que sirve de retrato de los “pecados nacionales” de nuestros gobernantes, pasados y actuales. Todo ello enmarcado en un espacio escénico inspirado en la pintura ‘Guernica’ de Picasso. El espectáculo está interpretado por Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy (habituales de la compañía), además de Joan Llaneras, que protagoniza al propio Cervantes. El montaje, que se presenta como una provocación visual e intelectual, ofrecerá varias representaciones durante los próximos meses, entre las que se encuentran: 6 de agosto en el Festival de Alcántara (Cáceres), 13 de agosto en el Festival de Castillo de Niebla (Huelva) y 23 de agosto en la Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo (Salamanca).

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julio agosto

16 julio agosto Josu Montero

Luz negra

La Guerra Civil en escena (I)

l trístemente famoso 18 de julio se cumple este año el 80 aniversario del comienzo de la guerra civil española. Casualmente la obra que se llevó los principales galardones en la última edición de los Premios Max fue “La piedra oscura”, de Alberto Conejero, que gira en torno a la figura de un joven miliciano herido y prisionero en un hospital militar cercano a Santander y custodiado por otro aún más joven soldado nacional; el herido no es otro que Rafael Rodríguez Rapún, secretario de La Barraca y último amante de Federico García Lorca, que guarda celosamente los últimos papeles del poeta granadino. Esta coincidencia ha provocado que se me ocurra realizar aquí un breve recorrido por el teatro español que ha abordado el espinoso asunto de nuestra guerra civil. Y vamos a empezar con el propio Lorca, quien el 19 de junio del 36, pocas semanas antes de su fusilamiento, había terminado su último drama: “La casa de Bernarda Alba”; Ian Gibson, el mayor experto en Lorca, ha escrito: “No pudo ser casualidad que Lorca concibiera una obra sobre la tiranía y la muerte cuando España estaba al borde del golpe franquista”. Adela es víctima sacrificial en esa casa cerrada y regida con mano férrea, Lorca estaba también a punto de ser víctima sacrificial, y España... En pleno Madrid sitiado, Maria Teresa León llevó a escena una versión de “La Numancia” de Cervantes, metáfora de toda resistencia al sitio y al poder imperiales. También Jean Louis Barrault apoyó a la España republicana montando en París la misma obra cervantina siguiendo además las enseñanzas del Teatro de la Crueldad de Artaud. La República se propuso pronto poner a salvo de la guerra y de los saqueos el Patrimonio Artístico. Los bombardeos alemanes sobre el Prado aceleraron la salida de las obras del primer museo español a Valencia primero y más tarde a la sede de la Sociedad de Naciones en Ginebra, donde se desarrollo una gran exposición. En la evacuación tomaron parte activa María Teresa León y Rafael Alberti, que escribió un vibrante reportaje sobre esa larga noche de traslado para la revista “El mono azul”. El encargado de la evacuación a Suiza de más de 300 cuadros fue el pintor, y a la sazón director del Tesoro Artístico, Timoteo Pérez Rubio, marido de Rosa Chacel. Ese vivido reportaje de Alberti fue años después la base de una de sus principales obras teatrales: “Noche de guerra en el Museo del Prado”, escrita en 1956, en la que evoca el perdido museo como un añorado paraíso en el doloroso exilio; en este “aguafuerte escénico” da vida sobre las tablas a cuadros y a pintores: Goya o Velazquez tienen un lugar esencial en esta elegía que es también un canto de esperanza. En Berlín el propio Bertolt Brecht sugirió a Alberti algunos retoques. Estrenó la obra el Piccolo Teatro en Roma en 1973; Ricard Salvat hizo la primera edición de la obra en España en 1975, y bajo su dirección el entonces recién creado Centro Dramático Nacional la estrenó en 1978. Pero no es la única obra sobre este asunto. También en el exilio, el poeta Pedro Salinas, revisando la foto de unos milicianos que en el Madrid sitiado custodiaban un Palacio de Liria repleto de obras de arte, escribió su drama: “Los santos”. En 1999 Buero Vallejo -al que luego volveremos- estrenó su última obra: “Misión al pueblo desierto”, cuyo eje es la evacuación de un Greco abandonado en una iglesia en tierra de nadie en plena guerra civil. Alberto Miralles cambia radicalmente de tono en “Okupas en el Museo del Prado” , en la que presenta en el mismísimo museo una esperpéntica barricada de la que forman parte

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Lorca, Picasso, Ortega, Buñuel, Xirgu o Alberti. Max Aub es el autor del que es a buen seguro el gran fresco novelístico sobre la guerra civil: las seis novelas que componen “El laberinto mágico”. Con el título de la primera de ellas “Campo cerrado” se ha titulado la gran muestra de arte español de la década de los 40 que se puede ver este verano en el Reina Sofía. Pero es que además -y volvemos al teatro- el Centro Dramático Nacional se ha atrevido este verano a llevar a las tablas una versión escénica de esta magna obra. El propio Aub realizó una versión cinematográfico-teatral de la quinta de las novelas de la serie: “Campo francés”, escrita en 23 días en la travesía que le llevaba finalmente de Casablanca a Veracruz en 1942; esta adaptación de su propia novela fue publicada en 1965 por Ruedo Ibérico, y en ella nos presenta la salida de España de miles de fugitivos y la estancia en los infernales campos de refugiados franceses -no es el único, como veremos, en llevar al teatro esta vivencia. Ese autor juguetón que fue Max Aub escribió en el exilio un ficticio Discurso de Ingreso en la Real Academia de la Lengua, ¡en cuyos sillones imaginaba a escritores como Lorca o Buero! Pero probablemente la primera obra teatral escrita en España sobre la guerra fue “Escuadra hacia la muerte”, que un joven Alfonso Sastre consiguió estrenar en el María Guerrero en 1953, si bien tras tres funciones llegó la prohibición fulminante. Y eso que Sastre no habla de ningún país ni de ninguna guerra concretos; pero esa espera de seis turbios soldados en una perdida caseta en medio de un bosque perdido en una misión suicida, oculta referencias inequívocas y un claro, además, mensaje antibelicista en plena sociedad militarizada. Ya sabemos cómo Sastre renunciaría más tarde a estrenar negándose a plegar su escritura a la censura. También la guerra o sus secuelas fue llevada a las tablas por dramaturgos próximos al régimen, de forma, claro, muy descafeinada. En 1954 Joaquín Calvo Sotelo estrenó “La muralla”, en la que el complejo de culpa del protagonista hundía sus raíces en la guerra civil, muere arrepentido de lo que hizo entonces y salva así su alma. En los años 60 el régimen despliega una patriótica campaña de propaganda sobre la necesaria reconciliación nacional, e incluso en el 67 promulga una ley de amnistía para los “delitos de guerra”. Aquí se inscriben al menos en parte comedias como “Ninette y un señor de Murcia” (1964), de Miguel Mihura, en la que la hija de un exiliado republicano casa con murciano. Por supuesto nada del dolor del exilio y del sufrimiento de la guerra en estas farsas de reconciliación. En el 67 y el 68 Víctor Ruíz Iriarte estrena el díptico: “La muchacha del sombrerito rosa” y “Primavera en la Plaza de París”: la boda de la hija del vencido republicano que regresa tras años de exilio con el hijo del recalcitrante franquista; el mensaje es nítido: es preciso olvidar el pasado para entrar juntos en una nueva era de unidad. En la segunda de estas obras debutó como actriz Ana Diosdado. En 1974 Juan José Alonso Millán estrenó la farsa “Se vuelve a llevar la guerra larga”; un soldado franquista sufre una reclusión de 35 años porque la mujer en cuya casa buscó refugio durante la guerra le engaña haciéndole creer que el conflicto continúa y que los rojos siguen siendo dueños de la ciudad, y todo para no perder su amor. Antonio Gala, Antonio Buero Vallejo o Jaime Salón abordaron de una forma radicalmente distinta en el escenario esa propaganda de reconciliación, pero será en otra entrega.

julio agosto

Vivir para contarlo

Virginia Imaz

Los finales de los cuentos (II)

n la búsqueda de un final reparador a la hora de contar un cuento, analizábamos en la crónica anterior, la importancia de revelar la verdad como parte de proceso sano de resolución de conflictos. Esa es la reivindicación: verdad, justicia y reparación. Y es que la defensa de la justicia es también fundamental. Nuestros actos tienen consecuencias. Somos responsables de lo que hacemos y de lo que decimos. No debería haber delito o maldad que quedase impune, aunque al imaginario colectivo, lo mismo que al sistema penal de los diferentes países, les cueste dirimir en numerosas ocasiones, cuál sería la pena más justa para según y qué delito. Desde la ley del Talión, del ojo por ojo y diente por diente, donde la práctica de la justicia se parece mucho a la venganza, el imaginario colectivo y los sistemas penales han ido evolucionando siguiendo caminos muy diferentes y la administración de justicia, siga siendo en ocasiones, un tema tan complejo como polémico. Y luego está la reparación. Asumir y depurar las responsabilidades, implica intentar corregir las consecuencias que nuestros actos pudieran haber ocasionado. Así lo que está roto ha de ser reparado. Lo que fue robado ha de ser devuelto, restituido. Lo que fue envenenado ha de ser desintoxicado. Donde hubo difamación o calumnia ha de haber una confesión pública y una demanda de perdón. Donde hubo un comportamiento corrupto ha de haber, cuando menos, una inhabilitación para permanecer en el puesto donde el delito se llevó a cabo, etc… Hoy por hoy, tanto en los cuentos como en la vida real, lo que sigue costando reparar, son los delitos de sangre. ¿Qué hacemos cuando alguien arrebata la vida a otra persona? ¿Y con la tortura? ¿Cómo se reparan las violaciones? Y en esas estamos. Los cuentos tradicionales, en este sentido, no se andan con medias tintas, desdeñan lo políticamente correcto y aplican en lo simbólico, las sanciones que anhela nuestro corazón. La crueldad del castigo está relacionada con la crueldad del delito cometido. Muchas de estas reparaciones no serían aceptadas, afortunadamente, por los tribunales de justicia, pero es sanador que puedan ocurrir en el imaginario. Nos tranquiliza saber que existe la justicia. Nos da esperanza, al menos a mí, saber que las buenas acciones reciben su recompensa y las malas su castigo. Dentro de la reparación, están como comentábamos las recompensas. Los premios, según mi análisis pueden ser de tres tipos, en función de la naturaleza de la crisis que ha activado el viaje del o de la protagonista. La recompensa más extendida, es la prosperidad: el hallazgo de un tesoro, de un cofre de monedas de oro, de una mesa mágica que siempre tiene comida sobre la mesa… Este premio vela por la supervivencia individual, y está relacionado con situaciones de crisis donde las necesidades básicas no están cubiertas: el hambre, la sed, el frío, un techo para cobijarse… La segunda categoría de recompensas es la fecundidad: el encuentro del amor, de la pareja y la promesa de la reproducción, que velará por la supervivencia de la comunidad. Cuando la crisis tiene que ver con la búsqueda del amor o la elección entre pretendientes, el premio es la boda y la fertilidad, con las criaturas que nacerán de esa unión. En la mayoría de los cuentos maravillosos, la culminación del viaje está

representada, con la boda del héroe o la heroína, con una princesa o un príncipe. Lo que constituye un doble premio, él de la prosperidad y él de la fecundidad, y donde la boda, tan denostada a veces como final inexorable de los cuentos, alude simbólicamente, a la integración de los opuestos, de lo femenino y de lo masculino. Se trata de hacer la paz dentro de mis células, ya que, por mandato genético, la mitad exactamente son de papá y la otra mitad de mamá. Este proceso de maduración personal es uno de los grandes viajes épicos de la apasionante tarea de ser gente. La tercera categoría de premios y la menos habitual es la revelación. Se corresponde con situaciones de crisis, donde las necesidades básicas ya están cubiertas y la supervivencia individual y de la especie están garantizadas. El malestar tiene otro origen. Es ese desasosiego existencial, cuando “lo tenemos todo” y tiene que ver con la misión de vida que nos está destinada. Esta recompensa permite asomarse y quizás intuir los grandes misterios, y nos conecta en última instancia, con la supervivencia del alma. Su objetivo es recordarnos que todas las personas tenemos un lugar en el mundo y que en realidad somos uno y lo mismo. Los conflictos y las guerras tienen su origen en el espejismo de creernos que no formamos parte de una totalidad. En un cuento, cada uno de los personajes de la historia representa un aspecto de nuestra psique. En el cuento de la Caperucita Roja, por ejemplo, tanto cuando lo cuento como cuando lo escucho, yo soy la Caperucita, y la mamá y la abuelita. Y también el lobo feroz y el leñador y el padre ausente y las flores del camino y el tarrito de miel… Todos los personajes que aparecen en una historia, nos habitan. Algunos expresan nuestra sombra y nos atemorizan, otros desatan nuestra rabia. Cuando no somos capaces de integrar en nuestro interior, todos y cada uno de los personajes de un relato, los juzgamos y excluimos, dejamos fuera, entre las personas que nos están escuchando, a aquellas que en ese momento se estén identificando con esos arquetipos proscritos. Entonces, sentimos que hemos perdido la conexión con el auditorio, que el cuento se nos resiste, que no funciona tanto o que no funciona en absoluto. Narrar profesionalmente, es una ocasión privilegiada para cultivar el desapego y la ausencia de juicio. El cuento que nos sana, funciona sobre estos principios: incluir y reparar. En los cuentos que cuento, intento ser consciente de si estoy ofreciendo o no, un final reparador. De entrada, y más con los seres en construcción, es importante que el viaje iniciático que ofrece el cuento, sea un viaje con regreso. Hay quienes creen, particularmente con los cuentos tradicionales, que hay que “respetarlos” tal y como son, tal y como están, con los finales que nos han llegado, como si hubiera sólo una versión de los cuentos poderosos y no cientos, como si no nos lo jugáramos en los finales o como si no tuviéramos una responsabilidad con las siguientes generaciones y no debiéramos intentar las reparaciones que la humanidad sigue teniendo pendientes en el imaginario colectivo. Nos la jugamos en los finales de los cuentos. Y sigue habiendo muchas reparaciones pendientes. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 julio agosto Jorge Dubatti

Filosofía y praxis del teatro según Omar Pacheco

mar Pacheco es uno de los directores de teatro más originales de la Argentina. Posee un lenguaje escénico único, resultado de una profunda investigación. Dirige la sala La Otra Orilla y el grupo que sostiene el concepto de “Teatro Inestable”. Se cuentan en su producción espectáculos excepcionales, hitos en la historia de la renovación de la escena nacional, tanto en el circuito independiente –Sueños y ceremonias, Memoria, Cinco puertas, Cautiverio, La cuna vacía, Del otro lado del mar– como en el comercial de arte –Tanguera, Nativo–. Acaba de publicar un volumen de reflexiones en el que sintetiza los secretos de su filosofía y su praxis: Cuando se detiene la palabra (Colihue), con material fotográfico. Lleva prólogos de Víctor Hugo Morales y Rodolfo Braceli. Se trata de una tendencia creciente en la Argentina: la de los artistas que producen teoría sobre sus prácticas, artistas-investigadores que generan un pensamiento singular, que sólo ellos pueden producir. - ¿Cuál es el objetivo fundamental del libro? - Cuando uno decide apostar a una forma de vivir y sentir, se ubica en un lugar del mundo donde en cada acción del hombre se puede percibir la búsqueda de la coherencia y la justificación de su existencia. Escribir el libro es reafirmar mi postura en la vida puesta en el sentido artístico, en el sentido de la formación y de la convivencia con el otro, en la humilde certeza de haber encontrado una propuesta que justifica en el plano teórico y práctico la diferencia con lo establecido, con lo legalizado, con lo aparentemente unívoco. Los estamentos que forman al hombre, la organización de un sistema que lo empequeñece, lo empobrece y lo cosifica, no lo llevan a ser libre y mucho menos un artista o un creador. Por lo tanto, encontrar respuestas inéditas a preguntas que simplifican el arduo y profundo trabajo de formación que debe tener un artista en su crecimiento permanente, también me carga de responsabilidad igual o más que en cualquier producción que he realizado. - ¿Cómo definís el concepto de Teatro Inestable? - En realidad siento el Teatro Inestable como la vida, que resuelve a cada paso situaciones inesperadas y no establece lugares de seguridad aparente, por lo cual se crea una vinculación directa con el método de trabajo. Una cosa es que un actor o un individuo se acomode para repetirse ininterrumpidamente, y otra es reaccionar a los cambios abruptos o las sutilezas que se nos plantean frente a una mirada, una circunstancia azarosa. Para decidir en el momento. A eso lo defino como actuación del impulso, ahí está la carnadura y el germen de una acción que no está atravesada por una especulación intelectual. En lo conceptual, utilizo cotidianamente el término de inestabilidad creativa que permite el instante sagrado de la creación. En la formación, los límites que nos atan a conceptos de falta de decisión, diversos prejuicios

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que nos transfirieron en los círculos de pertenencia, la falta de libertad real y autoestima, el miedo al error, no nos hacen libres como para poder tener un impulso creador. Por lo tanto, yo no pondría solo en una obra de teatro el sentido del Teatro Inestable, lo pondría básicamente en la formación, en el método de trabajo y como conclusión en la estética narrativa, que parte de un actor que altera constantemente la estabilidad. Por lo tanto, la lectura de su cuerpo se da cuando él mismo entra en crisis y puede resignificar espacios, objetos y vínculos. Cuando el cuerpo se estabiliza, empieza un proceso racional e intelectual vinculado al naturalismo, a la cotidianidad. Cuando él mismo construye la alteración de estas leyes por haber habitado otro cuerpo y haber aprendido otro comportamiento puede permanecer en un estado de creación muy cercano al territorio de lo simbólico. Los actores están todo el tiempo resolviendo porque ese hombre que está trabajando zonas desconocidas de él mismo empieza a reencontrarse con certezas y con percepciones que le permiten elegir y en general, no equivocarse demasiado sobre cuándo hay algo genuino o cuándo algo empieza a distorsionarse por la impostación de una verdad aparente. En definitiva, sin ser grandilocuente, el sentido del método de trabajo con el actor, la filosofía, la estética, la ética; cada uno de los adjetivos que plantea la pregunta, son indivisibles y hacen a la totalidad de la búsqueda de la propuesta. - ¿Cómo pensás la relación entre teatro, memoria y política? - Siempre que no llamemos política a lo partidario y que podamos llamar a la memoria cuestionamiento del pasado, la relación con el arte es y será indivisible. Por eso no concibo un artista naufragando en búsquedas estériles donde solo la belleza aparente o la falta de contenido lo hagan superficial y muy beneficioso para cualquier sistema que pueda hacer uso de esos valores. Por lo tanto la recuperación y permanencia de la memoria hará posible sostener a los jóvenes en el replanteo constante del hecho político, si como política vemos cada acto cotidiano, mucho más cada obra de arte que lleva implícita este compromiso. - ¿Reconocés etapas en tu trayectoria, a partir de transformaciones o cambios? - El momento de transición que podría definir fue en los años 70, mientras me formaba y producía obras con cierto prestigio y facilidad. Me daba cuenta que lo que se producía no completaba mi necesidad de comunicación y comenzaba a presentir que otra búsqueda en el terreno de la formación podía provocar otro tipo de actor y otro tipo de teatro. Puedo ligar esto a una anécdota con Hedy Crilla, que a través de mi obsesión, de mis preguntas y cuestionamientos, me dio consciente o inconscientemente la llave para que abriera la puerta de un territorio que iba a ser trascendente para mi vida. Ella me comentó en ese momento que no me

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Postales argentinas servía seguir formándome en su estudio porque presumía que yo tenía otro tipo de necesidades y búsquedas, que respetaba, pero de las que no podía hacerse cargo. Su respuesta me sirvió no solo para ganar tiempo siendo joven, si no para que en plena militancia comenzara esta búsqueda intuitiva a darle sentido a mi existencia. Esto transcurría mientras mi compromiso con la cultura estaba estrechamente ligado con la acción. Pude con otros artistas trabajar en villas, recorrer el interior del país y formar el Movimiento Nueva Cultura (MONUC). En paralelo fundar el grupo Acción y desarrollar una obra que fue Satemeton de Héctor Alexandrowich, que marcó, por sus características, un momento histórico en mi vida. La militancia en esos años era una actividad permanente donde sin conocer con absoluta certeza todo lo que estaba pasando, ya la muerte, el secuestro y la tortura eran muy conocidas por quienes estábamos comprometidos. Habíamos quedado con un grupo de artistas plásticos, cineastas y dramaturgos, como el caso de Haroldo Conti, reunirnos en un departamento de Callao y Sarmiento. Con las debidas medidas de seguridad que teníamos por los momentos que se vivían, llegue al segundo piso del departamento y mi sorpresa fue encontrar una puerta derribada y un enorme cuadro que la enfrentaba, tajeado de punta a punta. No tuve otra reacción que saltar por las escaleras, presintiendo que alguien jadeaba a mis espaldas. Recuerdo haber corrido hasta Rivadavia por Callao, sin tener noción de cómo hice en tan breve tiempo, para verme colgado de un colectivo que pasaba a toda velocidad. Nunca pude tener precisión si fue el momento donde el querido Haroldo pudo haber sido secuestrado en ese departamento. Sí que la tensión en el país y los compañeros que iban desapareciendo indicaban que no había más margen de error ni tiempo. - Comienza tu exilio. - Con una hija recién nacida y en 48 horas, con pasaporte falso, partí para Estados Unidos. Algún familiar de mi compañera de ese entonces vivía en Connecticut, por lo tanto era la única posibilidad de salir con cierta velocidad en un viejo Braniff y nunca olvidaré la caminata por Ezeiza con mi pasaporte falso y la sensación muy parecida a aquella búsqueda del departamento. Todo hacía suponer que alguien iba a aparecer, que alguien iba a gritar, que alguien nos iba a detener en las escalinatas del avión. - ¿Cómo fue la experiencia en Estados Unidos? - Mi primer salida a New York fue casi de película ya que me esperaba un compañero, creador del grupo Once al Sur, cuyo nombre es Oscar Ciccone, quien dijo que me iba a esperar en la puerta de la Estación Central. La copiosa nieve, el frío intenso y las sirenas me aterrorizaban, mientras con una boina roja me detiene de espaldas diciéndome: “¿Omar, sos vos?”. Y casi ni pude contestar, porque durante muchísimos años mi nombre fue “Gustavo Ralón”. En esos tiempos el cambio de identidad era inevitable para asegurar la supervivencia. Al descubrir que Oscar me tendía una mano, me tranquilicé y me llevó a su casa debajo del Lower East Side, lugar donde solían parar los argentinos como Alberto Adellach, con quien nos unió una profunda amistad, junto a Oscar Minero y otros artistas exiliados. Nos quedamos con mi compañera un tiempo importante en su domicilio y pude conocer su grupo Teatro Cuatro, que estaba conformado por chicanos y puertorriqueños. Luego Connecticut, el grupo Exilio Hoy que fundé con el colombiano Tulio Ossa, y mi paso en la Universidad de Yale en el Departamento de Portugués y Español, hicieron que pudiera se-

guir con mi profesión habiendo transitado previamente por otros trabajos circunstanciales. Después Brasil, el trabajo con Augusto Boal y gente que había pertenecido al grupo Arena. Otros países completaron un extenso y aparentemente interminable exilio. Pude con certeza, entender que hay un teatro universal, emociones comunes y un punto exacto donde encontrar la sensibilidad del individuo para poder comunicarle lo esencial de una idea. Esto no hacía otra cosa que ratificar lo que venía experimentando, siempre con el deseo de poder comprobarlo en mi país. Así transcurrieron años hasta mi retorno en el ‘82, con la progresiva llegada de la democracia. Allí se establece el comienzo del proceso que hoy seguimos transitando: la creación del grupo que sostiene la definición del “Teatro Inestable”. - El espectáculo en el que tu poética queda absolutamente configurada es Cinco puertas. - Creo que en Cinco puertas se dieron una serie de factores que generaron una búsqueda, un cambio o una ruptura que marcaron un quiebre en el teatro de investigación. La adversidad del espacio, la formación avanzada del grupo y el concepto de una sociedad travestida, me impulsaron una noche sentado en las pequeñas gradas del espacio de una casa “tipo chorizo”, a observar las cinco puertas que, enfrentadas a mí, recorrí como en una gran panorámica. Primero me pregunté quién habría vivido en ese conventillo y después empecé a construir una propia fantasía, en la cual la recurrencia o lo que me tomó como concepto era descubrir siempre lo sugerido y no lo obvio. Empecé a pensar cómo podría completar un espectador lo que no podría ver, cómo una obra podría ser más importante en su espacio oculto que en lo visible de un escenario, o un espacio informal donde el actor produjera el hecho teatral. Esta combinación mágica de conflictos que se resolvían a veces arbitrariamente, sugeridos en el espacio oculto y en otras visiblemente expuestos, provocó un punto de partida estético y de búsqueda para hablar del genocidio universal, de una sociedad travestida, de lo que se dio en llamar “La trilogía del horror” junto a Memoria y Cautiverio. En tanto el conflicto inicial de la adversidad del espacio hacían suponer que esto iba a ser una dificultad insalvable, se convirtió en una de las atracciones por la incomodidad creativa del espectador y por la cercanía de prácticamente rozar al actor. Hablo de la puesta de la sala en la calle Tucumán y Billinghurst, cuando La Otra Orilla hace más de 20 años funcionaba en ese espacio. Cuerpos que por estar preparados en su formación desaparecían mágicamente y que, por el efecto de la velocidad de la fragmentación, el blackout y la construcción de campo, quedaban suspendidos en la retina del espectador y provocaban algo que siempre me preocupó en el teatro: la magia que convoca al niño que tiene todo espectador para el asombro, para intentar descubrir cómo sucede lo que está observando, para movilizar la inocencia y la emoción. Ese espectador vulnerable y vulnerado, en ese pequeño ámbito, confirmaba algo que trabajé muchos años: afirmar a los actores en espacios adversos, lugares donde se tuvieran que exponer frente a cualquier tipo de situación. Eso fortaleció a un actor que después, formado, podía establecer lo que llamo siempre una “sana lucha” entre su convicción, su idea y su técnica frente los espectadores que no se dejan vulnerar y que siempre buscan afanosamente el error debido a que ofrecen resistencias intelectuales y atentan contra el viaje que les plantea el espectáculo.

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16 julio agosto Jaume Colomer

El lado oscuro

Para una mayor centralidad social de las artes escénicas

n un proceso de participación ciudadana impulsado en el municipio de El Prat del Llobregat para definir un sistema local de artes escénicas y música hubo bastante consenso en considerar que la tasa de penetración social de las artes escénicas es muy baja, bastante más que la de la música. A pesar del notable desarrollo que ha vivido el sector en las últimas décadas, la valoración social de las artes escénicas está bajo mínimos debido a que los ciudadanos no consideran que las artes escénicas sean una práctica social imprescindible. En el intento de formular una hipótesis explicativa apunto tres factores clave: • La profesionalización del sector se ha hecho a costa de las prácticas sociales amateur que han sido estigmatizadas para marcar la diferencia. El sector ha elaborado un discurso en el que las prácticas profesionales garantizan la calidad y contribuyen al desarrollo social y económico de nuestra sociedad mientras que las prácticas amateur son prácticas relacionales sin ningún valor artístico. • La centrifugación de las prácticas escénicas en el sistema educativo: nunca han tenido una gran centralidad, pero las recientes ordenaciones educativas las han situado en una mayor marginalidad. Esta centrifugación es consecuencia de su pérdida de valor social pero, al mismo tiempo, es el factor que más bloquea su desarrollo. • La invisibilidad de las artes escénicas en los medios de comunicación es también consecuencia y causa de su marginalidad estructural. Se propone actuar en tres ejes sinérgicos: a. Fomentar las prácticas escénicas, tanto de consumo como de creación, en el sistema educativo. Pierre Bourdieu ya argumentó, hace años, que la necesidad cultural se forma, principalmente, en la primera y, también, en la segunda socialización. Más allá de acompañar a los escolares a disfrutar de propuestas escénicas como espectadores (sobre todo, asegurando que sean de calidad!) es necesario fomentar prácticas de creación, a cargo de profesionales competentes, que les permitan disfrutar interpretando sus vivencias y emociones en la línea de los talleres de teatro que se organizan en muchos centros como actividad curricular o extraescolar. • Estas primeras experiencias de creación escénica se han mostrado claves para el desarrollo de interés y valor por las artes escénicas en la vida adulta, sobre todo en escolares de entornos sociales donde no tienen presencia, gracias a la universalidad del sistema educativo, aunque esta línia de acción no tiene resultados inmediatos y hay que buscarlos en el medio plazo. • Las prácticas escénicas en centros educativos tienen, además, un valor instrumental como didáctica eficiente en el aprendizaje de ciertos contenidos curriculares o para resolver las dificultades de aprendizaje que ciertos alumnos tienen con las didácticas convencionales. Conviene, sin embargo, que el valor didáctico derivado no sustituya a su valor intrínseco. b. Desarrollar en los municipios una oferta de formación ciudadana en artes escénicas. Hay una cierta tendencia en considerar, erró-

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neamente, que los ciudadanos que participan en prácticas lúdicas de creación escénica no tienen que formarse. Esto es consecuencia del estigma creado en las prácticas amateurs como carentes de valor. Sin embargo, la existencia de una oferta ciudadana de formación básica en artes escénicas en el ámbito municipal tiene tres objetivos complementarios: • Romper las barreras subjetivas y los prejuicios que impiden a muchos ciudadanos participar en prácticas escénicas amateur. • Ayudar a los intérpretes amateur a desarrollar su capacidad creativa y a tener un mayor dominio de los lenguajes escénicos para conseguir, progresivamente, resultados de mayor calidad que les motiven a seguir avanzando y les permitan disfrutar más de sus prácticas creativas. • Descubrir a personas con talento creativo e interpretativo, o con capacidad técnica o de producción, para ayudarlos, si lo desean, a canalizar sus intereses hacia una formación especializada y profesionalizadora. c. Incrementar la visibilidad de las artes escénicas en los medios de comunicación. Los responsables de las políticas culturales tienen la capacidad de fomentar una mayor presencia de las artes escénicas en los medios de comunicación de titularidad pública en horarios prime-time para que formen parte del paisaje cotidiano de los ciudadanos y consigan mayor centralidad social. Considerando que la marginalidad social de las artes escénicas son los pies de barro del sector profesional es necesario incrementar su valor social a partir del desarrollo cuantitativo y cualitativo de prácticas sociales y educativas: • Las prácticas sociales de creación escénica forman públicos y desarrollan demanda, el principal factor de sostenibilidad de la oferta que se produce a través de la cadena de valor. La oferta, por sí misma, nunca forma públicos, sólo activa la demanda latente. • Los creadores profesionales con talento emergen habitualmente de las prácticas sociales, especialmente si en éstas la formación tiene un papel primordial. Por los motivos apuntados habría que considerar que la misión primordial de los espacios escénicos de titularidad municipal debería ser el fomento de la formación y la creación escénica de los ciudadanos por encima de la programación de espectáculos profesionales. El consumo de espectáculos profesionales es necesario, pero considero que no es imprescindible satisfacerlo en el mismo municipio. Según datos consultados las programaciones profesionales de la mayoría de los espacios escénicos del área metropolitana de Barcelona sólo retienen al 20% de los espectadores que residen en el municipio y el resto prefiere ver espectáculos en la ciudad de Barcelona. ¿Hay que considerar la baja retención de espectadores como un problema? Tal vez, más que un problema, es un argumento que nos lleva a considerar que, tal vez, la programación profesional no es la misión primordial de los espacios escénicos municipales. Conviene reflexionar sobre ello.

julio agosto

Piedra de sacrificio

Jaime Chabaud

México regala 47 millones de dólares al Cirque du Soleil

arecería una mala broma la que han soltado algunos medios de comunicación nacionales, incluso con bombo y platillo: México le dará 47.7 millones de dólares al consorcio del Cirque du Soleil para promover la cultura, historia y música de México en el extranjero. El espectáculo que lleva por nombre Luiza (según sus creadores mezclaron ingeniosamente las palabras “luz y lluvia”) ya fue estrenado en Montreal con la asistencia de nuestro Secretario de Turismo, Enrique de la Madrid. Este negociazo que aportará al Cirque du Soleil una cantidad equivalente al 3.3 % de lo que costó su venta a inversores internacionales en 2015, viajará a 450 ciudades alrededor del mundo llevando “nuestra identidad” a rastras. Nos políticos brillantísimos se han dejado estafar como ocurriera en la conquista en el siglo XVI, cambiándonos cuentas de vidrio y espejitos por oro. O bien, en el país de la opacidad y la impunidad (si no cómo se explican más de 36 mil desapariciones forzadas y más de 180 mil muertos de una guerra

apreciadísimo en circuitos internacionales pero siempre viajan a contrapelo, no con 47.7 mdd respaldando. La torpeza de la iniciativa del titular de Turismo, y de quien lo dejó hacer, es brutal cuando su Secretaría no se preocupa ni mucho menos por la devastación de manglares y reservas naturales que también son patrimonio nacional y atractivo turístico. Y parece un insulto aún más grave cuando la flamante Secretaría de Cultura nació con recortes brutales a su presupuesto. ¿En qué cabeza cabe? Sólo los gastos de cambio de papelería y de logotipos en todos los edificios gubernamentales de cultura está siendo un dineral que incide, obvio, en la tarea sustantiva. Porque el aparato burocrático y sindical es intocable sin importar su profunda ineficacia. En más de una ocasión he escuchado que del presupuesto al sector el pago de burócratas, trabajadores a nómina y operación se gasta entre el 80 y el 90 %. Dejando una adelgazadísima cantidad para la tarea sustantiva de pago de artistas y producción. El

no convencional que ni la ONU reconoce), alguien se está hinchando los bolsillos en lucrativo negocio. A primera vista, el video promocional de Luiza posee todas las cualidades y rigor artístico de la empresa, qué dudarlo. Sin embargo, el contenido parece una mierda bastante lejana de lo que cientos o miles de creadores mexicanos ya hacen espléndidamente llevando nuestro arte a distintos destinos del mundo, muchas veces apoyados por la Secretaría (equivalente a Ministerio) de Relaciones Exteriores y la recientemente instaurada Secretaría de Cultura, pero muchas otras con recursos propios, dejando el pellejo en el intento. El cine mexicano viaja y gana premios, los artistas plásticos mexicanos son muy cotizados a nivel mundial, nuestros literatos nos representan espléndidamente al igual que el gremio de la danza, y los teatreros visitan decenas de países llevando nuestras particularidades idiomáticas e idiocincráticas cada vez con más frecuencia. Pero un grupo teatral invitado a festivales internacionales, por ejemplo, suele pasar por un calvario para conseguir los boletos de avión y ningún gasto de mano. Tienen que hacer la visita de las 7 casas y no siempre resulta y terminan poniendo de sus bolsillos. En los últimos diez años el teatro mexicano es

contrasentido es bestial: la gente que le da sentido a todo el aparato es la última de la fila. En México el gobierno Federal gasta no más de 6 mdd anuales en artes escénicas y Turismo le otorga a una empresa privada extranjera de las mismas artes 8 veces tal cantidad. ¿Por qué no se invirtió hace años en el proyecto “circo para todos” que pretendía atender a jóvenes en vulnerabilidad cuando se propuso al gobierno mexicano? La cantidad de jóvenes y niños (a veces desde los 8 y 10 años) reclutados para servir de halcones (vigilantes), el trasiego de droga o para el sicariato representa una cifra en constante crecimiento. El narcotráfico ha invadido la vida de los niños y jóvenes y en este país se piensa en la bonita imagen que va a dar el Cirque du Soleil, multinacional que estamos viendo cada vez se vuelve más ajena al espíritu de su fundación, con su espectáculo Luiza. El proyecto “circo para todos” que adoptó una ciudad como Cali, Colombia, con una inversión ínfima al lado de lo que México regala a Cirque du Soleil transformó la vida de miles de adolescentes y niños. ¿No es eso invertir realmente en un proyecto social que puede incluso ser un atractivo turístico como el caso colombiano que atraía a los visitantes extranjeros? ¿A quién se le ocurrió esta imbecilidad? w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 julio agosto Víctor Criado

Noticias desde los fiordos

Hace setenta mil años

uval Noah Harari es autor de un libro titulado “Sapiens”. Editado en castellano bajo el título “De animales a dioses. Breve historia de la humanidad” (lo de la traducción de los títulos es un tema que podríamos tratar en otro artículo). En el mismo se hace un muy condensado análisis del proceso que nos ha llevado de ser una rama de los simios más o menos insignificante a convertirnos en lo que hoy somos, lo cual no sé si es más o menos insignificante, la verdad. Pero capaces, a pesar de todas las críticas justificadas, de escribir libros como este “Sapiens”. La cuestión es que no suelo tener revelaciones de ningún tipo. Si acaso alguna intuición que pocas veces “si soy sincero” se cumple. Pero lo que me ha ocurrido con este libro ha supuesto para mi un cambio de paradigma desde un punto de vista teatral, casi como una revelación. Sin ánimo alguno de sentar cátedra. Vaya por delante. Siempre he considerado el teatro como un lugar de encuentro entre seres humanos, que lo es. También un espacio en el cual nuestra condición humana se ve reflejada sobre el escenario en el otro, reflejo que de algún modo nos permite mejorar la misma y fatigosa condición. Algo que nuevamente es cierto. El teatro a menudo lo he entendido, cuando me ha dado tiempo a reflexionar sobre el mismo, como una metáfora del mundo, o a la inversa. Incluso he llegado a concebir el arte teatral como un acto político; una manera de crear conciencia en el espectador, tanto sobre los conflictos morales a los que nos vemos enfrentados como sobre el muestrario de las pulsiones que nos dominan, separan y que de modo dolorosamente natural obedecemos. Lo cual sigue siendo cierto. En el párrafo anterior resumo lo que he aprendido sobre la naturaleza del hecho teatral, conocimiento adquirido tanto a nivel teórico como práctico. Algo que creo la mayoría de los lectores compartirán conmigo, bien porque lo han escuchado o leído, bien porque lo han reflexionado. Hasta hoy. Bueno, hasta el día en que comencé a hojear el libro arriba mencionado. El autor del libro plantea una sugerente hipótesis sobre qué es aquello que nos hizo diferentes al resto de simios. Revolución cognitiva es el nombre que utiliza para denominar esa decisiva transformación; la capacidad para imaginar historias y transmitirlas a través del lenguaje. Eso es lo que, según el autor, definitivamente nos diferenció del resto. La historia del ser humano es la historia de un inventor de ficciones. Siguiendo este nuevo impulso, yo diría que es en ese momento en el que comprendí que el origen del teatro no está situado hace 3.000 años, en Grecia. Aunque a ellos les debemos una codificación y elaboración que perfectamente podría ser denominada “revolución escénica”, que tuvo su siguiente paso con la llegada de Shakespeare, el cine, la tv, internet y así hasta hoy.

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Eso que nos arrebata y convoca a un grupo de seres humanos para observar (o ser observados) lo que otros seres humanos nos cuentan, no es otra cosa que esa capacidad diferenciadora de inventar historias, de crear mitos que más tarde llegaremos a creer ciertos, como si fueran la propia realidad. Y de hacerlo a través del lenguaje, a través de sus múltiples codificaciones. El libro, en esa primera parte es apasionante, revolucionario, cautiva. No me voy a extender, simplemente recomiendo su lectura. Recuerdo haber leído unas cuantas veces la “Anatomía del actor” de Eugenio Barba y Nicola Savarese y haber aprendido de su búsqueda, a través de las diferentes culturas, del origen del arte y la técnica del actor. Un aprendizaje que observo ahora a la luz de este nuevo paradigma. Un recuerdo primario que tengo del teatro es la fascinación que me producía el imaginar qué había detrás de las paredes y las telas que delimitaban la escena cuando un actor miraba por ejemplo hacia los lados para indicar que alguien o algo se acercaba, o para describir un paisaje. O como cuando en un espectáculo de Studio Hinderik sobre el tren, en el cual solo se veía la mitad partida a tamaño real de dos vagones de tren yo me imaginaba cómo era todo el convoy a ambos lados del teatro, extendiéndose por las calles y comercios que rodeaban el edificio. Esa fascinación la llevaba en secreto, con una cierta vergüenza, como si esa “inquietud” formase parte del país de los juegos secretos. Más tarde he comprendido que ahí, sobre el escenario, quien gobierna es la imaginación al servicio de un relato, de una anécdota, drama, peripecia… Y es esta constatación la que ahora cobra más fuerza, después de leer este libro que, en principio, nada tiene que ver con el teatro, o sí. Por eso, siguiendo esta línea de pensamiento lo que hace que nos arrebate el efecto “distanciador” que Brecht plantea en su dramaturgia no es tanto su origen teórico-político como la afirmación dentro de una historia de que estamos contando “dicha historia”, lo cual refuerza nuestra naturaleza humana de inventores de ficciones. Shakespeare, como plasmé en el anterior artículo, sería el máximo exponente de esa capacidad para crear historias, y sobre todo roles, mitos, que más tarde nos creeremos e imitaremos. De este modo, somos convocados a un acto escénico no tanto para reflexionar sobre nuestra naturaleza, que también, sino para constatar esa naturaleza creadora, y destructora. La gran pregunta que queda por hacerse es quién y por qué decidió utilizar su capacidad cognitiva para crear y contar historias. Porque es eso lo que, a juicio del autor (al que yo me sumo como parte interesada), nos transformó hace ahora 70.000 años en el ser vivo que somos. Capaz de tocar el cielo y el infierno sin necesidad de dioses. Aunque alguien decidiese también incluirlos en el invento.

julio agosto

El método griego

María Chatziemmanouil

Festival de Atenas (B)

l Festival de Atenas-Epidauro 2016, se inauguró el 10 de junio y durará hasta el 20 de agosto. En nuestro anterior artículo en mayo tratamos las tres producciones del Teatro Nacional de Grecia en el antiguo gran teatro de Epidauro. En el presente artículo, el cual constituye la segunda parte del ciclo dedicado al festival más grande de Grecia, nos centraremos en las propuestas más interesantes, sean griegas o invitadas del extranjero. Los espectáculos de este año son en total 70 (33 montajes de teatro, 10 de danza y varios conciertos). El nuevo director artístico, Vangelis Theodorópulos, mantiene el carácter internacional del Festival, invitando a Atenas a Romeo Castellucci, a Rodrigo García, a Lola Arias y a la Compañía Belga Needcompany de Jan Lauwers, entre otros; al mismo tiempo, el Festival brindará la oportunidad a la creación griega y a sus artistas emergentes y consagrados del teatro y de la danza de presentar sus propuestas. Por último, el Festival organiza un importante homenaje para el 400 aniversario de la muerte de Shakespeare, en el marco del cual se impartirán seminarios y se realizarán montajes y proyecciones dedicados al gran dramaturgo británico. La mayoría de las producciones griegas e internacionales tratan temas de interés universal, inspirados en la realidad política y social de nuestros tiempos. En este marco, el director griego Yianis Cacléas presenta su montaje intitulado “Sara Kane- Psicosis 4.48- Mírame” (8-9/7), un espectáculo que empieza a medianoche mientras que a las 4.48 en punto se pronuncia la primera réplica del montaje de la tragedia contemporánea homónima escrita por la dramaturga inglesa. En “Si vous pouviez lécher mon coeur”, inspirada en la novela “2666” del autor chileno Roberto Bolaño y dirigida por el joven francés Julien Gosselin en el Palacio de la Música (30-31/7), el sexo, la violencia y la trata de personas constituyen la lona del proyecto, a través del cual emergen la cansada Europa del futuro y la corrupta América. El espectáculo se divide en dos partes, cada una de las cuales dura 5 horas. La presencia de espectáculos de artistas iberoamericanos es muy importante este año. Rodrigo García vuelve a Atenas después de su controvertida “Golgota Pic Nic” en 2014, con su nuevo montaje “4” sobre el tema tabú de la sexualidad infantil (4-5/7). También vuelve Lola Arias, a quien el público griego conoció el año pasado, en el marco del Festival Transitions III de la Fundación Onasis. Esta vez la directora argentina presenta un montaje de teatro documental intitulado “Campo minado/Minefield”, en el que seis veteranos de la Guerra de las Malvinas (3 argentinos

y 3 ingleses) cuentan la historia de la guerra 34 años después, cada uno según sus experiencias personales. “La memoria es un campo minado”, dice Arias, jugando con la palabra del título de su montaje que enfoca en el tema del arte como vehículo para el reavivamiento del pasado y el papel de la memoria en este campo. La compañía belga Needcompany presenta “The blind poet” (28-29/6), una reflexión sobre la esencia de la identidad de la Europa multicultural de hoy, por medio de un viaje al pasado, un retorno a la Córdoba del siglo 11 donde vivían el poeta sirio ciego Abu al ‘ala al Ma’arri y la poetisa arabo-andaluza Wallada bint al Mustakfi. El homenaje del Festival a Shakespeare incluye tres producciones invitadas y tres proyecciones de películas basadas en tragedias del genio: Romeo Castellucci viene con “Julius Caesar” (17-20/6), un fragmento de su estudio sobre la personalidad del emperador romano. El lituano Oscáras Korsunóvas presenta “Hamlet”(25-26/6) y el activista sudafricano Brett Bailey dirige la ópera “Macbeth”, en la que la acción se desarrolla en Congo (22-23/7). Las películas que se proyectarán son “Rey Lear” de Peter Brook, “Macbeth” de Roman Polansky y “La tempestad” de Derek Jarman. En estreno absoluto se presenta en el Odeón de Herodes, la obra “Aminta”, del poeta griego del siglo 18 Geórgios Mórmoris, dirigida por una de las personas más emblemáticas y renovadoras de nuestro teatro del siglo 20, el académico Spiros Evanguelatos (8/7). También en estreno absoluto, el director Costas Gakis (quien ganó el Premio de Almagro Off el año pasado con su magnífico montaje “Romeo y Julieta para dos”) presenta una colección de fragmentos de obras de Aristófanes, intitulada “Aristofaniada”(11/7). En el pequeño teatro de Epidáuro, Argyris Pandasáras, ganador del premio para actores jóvenes el año pasado y uno de los actores más prometedores, dirige “Metrópolis”(22-23/7), un montaje sobre los mensajeros de la tragedia: siete de estos últimos se encuentran en un lugar desierto y cuentan las historias de dolor y violencia, de muerte y milagros de las que fueron testigos. El montaje se desarrolla en torno al concepto de la fuga, de la llegada a un lugar ajeno, de la memoria y del olvido, en un momento de la historia en el que la guerra y la violencia obligan a los pueblos a buscar nuevas patrias. El programa completo del Festival de Atenas/Epidauro en inglés con más propuestas interesantes en: http://greekfestival.gr/en/home w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 julio agosto Estantería Texto Teatral Teatro Arbolé ha publicado un nuevo título en su colección Titirilibros - Serie Roja, el número 19 que corresponde a ‘Pasillos (Tiempo de silencios y mentiras)’ de Ángel Navas Mormeneo. Esta “docuficción teatral dividida en dos partes” se presenta acompañada por una “Coda a modo de justificación” en la que Navas, autor de una treintena de obras como ‘Agón’, ‘Náufragos del Subsuelo’, ‘Remansos’, ‘Al margen del camino’ o ‘Matarile’ explica las motivaciones que le han llevado a escribir esta obra. “Había que dejar testimonio de un tiempo y un país, guerra civil aparte, cuando no llegó la paz, sino la victoria. Cómo empezó todo, lo que luego continuó. No es fácil, cómodo, ni agradable convivir con el fascismo. No sólo porque la gran derecha actual tenga su raíz franquista, la creó su ministro de propaganda, sino porque, habiendo muerto hace cuarenta años, la mentalidad del Régimen sigue viva y ha contaminado la vida y los reflejos condicionados de la gente, su forma de pensar y ver las cosas”.

Texto Teatral

‘Disparates (Piezas breves)’ es una compilación de los textos dialogados de Llorenç Villalonga publicada por Editorial Fundamentos. Disparates que se distinguen por un humor fuera de razón o regla consecuencia de imaginar una situación posible con un enfoque distorsionado. Estos textos, de gran potencial teatral fueron escritos entre los años 40 y 60.

La linterna sorda editorial ha publicado ‘El poder se tambaleará’ volumen en el que se incluye la obra escrita por Marc Blitzstein y el guión que de esta obra realizó Orson Welles. Un texto en el que confluyen cuatro grandes genios del siglo XX: Blitzstein y Welles, Bertolt Brecht, de quien el texto es directo heredero y Tim Robbins, que lo llevó al cine.

Elena Belmonte es la autora de ‘La herida’ obra publicada por la editorial ADE que aborda a través de la triste y monótona vida de una familia la “búsqueda del por qué y del para qué, una explosión de todo aquello que nos va matando por dentro poco a poco y que, inevitablemente, algún día debemos gritar, si aún queremos sobrevivir. Pero ¿Sobrevivir a qué?”

Estantería Texto Teatral Con ‘Hermanas’ de Fer Montoya Artezblai publica el número 106 de su colección Textos Teatrales, un drama oscuro protagonizado por “dos mujeres en un pueblo pequeño, un padre alcohólico, violencia, un trastorno psicológico y ‘Qué fue de Baby Jane’ como telón de fondo” explica Montoya, encargado de su creación y director de la puesta en escena estrenada a finales de 2015 en Bilbao con las actrices Maite Agirre, Justi Larrinaga y Olatz Gorrotxategi. “El texto surge de la idea de juego entre lo teatral y lo cinematográfico. Los primeros elementos que hicieron hablar a los personajes fueron imágenes más relacionadas con el espacio escénico (...) y el film clásico ‘Qué fue de Baby Jane’ para dibujar los caracteres que iban a habitar ese lugar. La casa como un personaje más, una especie de jaula, un lugar sombrío y misterioso (...) con una intención clara, generar inquietud, miedo o, al menos, desasosiego en el espectador” explica sobre la obra Montoya en el prólogo de esta edición.

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Texto Teatral

‘Pingüinas’ y ‘Un esclavo llamado Cervantes’ son dos textos de Fernando Arrabal vinculadas con Miguel de Cervantes. La primera es una pieza teatral estrenada en 2015 y el segundo es un ensayo y biografía sobre el autor de ‘El Quijote’ convertida en una conversación entre el propio Arrabal con Cervantes. Una publicación de Libros del Innombrable.

‘Todas las noches de un día’ de Alberto Conejero fue el texto ganador del III Certamen para textos teatrales dirigido a los miembros de la Asociación de Autores de Teatro, premio entregado en noviembre de 2015 en el marco del Salón Internacional del Libro Teatral. Una historia de amor inconfeso convertido en obsesión publicada por la propia AAT.

La editorial Paso de Gato ha publicado ‘Karaoke para el fin del mundo’ una obra de Verónica Villacaña dirigida al público juvenil y publicada dentro de la colección Cuadernos de dramaturgia para joven público. Una obra sobre la pérdida de la infancia y la inocencia de tres adolescentes que de pronto, deberán afrontar la responsabilidad de sus actos.

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Estantería Teoría Teatral

Raúl Serrano es el autor de ‘¿Se puede enseñar a crear? Clases de actuación’, un volumen teórico - práctico publicado por la editorial argentina Atuel en el que Serrano recoge las experiencias de actores, actrices y docentes de teatro tras trabajar las ideas y estudios realizados por el mismo, con el objetivo de hacer de la actuación un hecho vivo y singular.

Teoría Teatral

Continta me tienes ha publicado ‘Asymmetrical-Motion’ un ensayo conjunto de Kucas Condró y Pablo Messiez en el que ofrecen un conjunto de notas sobre pedagogía y movimiento surgidas de su experiencia impartiendo talleres sobre el trabajo con el cuerpo. Una investigación para rescatar un cuerpo sabio con prólogo de Claudia Faci.

Teoría Teatral

En ‘Cuaderno de dirección’ de Konstantín Stanislavski se describen los mecanismos y conceptos basados en la práctica, que ayudarán a los actores a manejar sus propias emociones y poder trasladarlas al personaje que debe representar. Un clásico entre los clásicos, notas y apuntes del popular “método” publicado por La Pajarita de Papel.

Teoría Teatral ‘Notas y contranotas para una estética teatral’ de Enrique Herreras es el trabajo de investigación galardonado con el VI Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas. Publicado por la editorial Artezblai, este volumen se presenta con el subtítulo “aportaciones de la escena al pensamiento contemporáneo” y da una pista de lo que el lector encontrará en sus casi trescientas páginas. “Este libro parte de la preocupación que surge a raíz de la pérdida del prestigio intelectual del teatro acaecida en las últimas décadas” explica su autor, añadiendo que “ello ha ocurrido por múltiples circunstancias, una de ellas por sentir esta actividad cada vez más ajena de los territorios intelectuales. Por el contrario, la mejor tradición del teatro nunca se ha sentido fuera del pensamiento de cada época (...) así pues, la necesidad de la estética en el escenario se debe a que esta es imprescindible para lograr que el acontecimiento dramático confirme su condición de arte” afirma Herreras.

Kiosko Zirkolika

Una entrevista con los patinadores acrobáticos Leo y Úrsula, crónicas sobre el 40 Festival du Cirque de Montecarlo, el 37 Festival Mondial du Cirque de Demain, el V Festival Elefant d’Or Ciutat de Figueres y el IX Festival de Albacete junto con la información de nuevos espectáculos son algunas de las propuestas del número 48 de ‘Zirkolika’.

Conjunto

La revista cubana ‘Conjunto’ abre su número 178 con ‘De la escena y las mujeres’ como tema central y bajo el que se incluyen artículos, reflexiones y entrevistas con creadoras como Patricia Ariza, Marianella Morena o Susana Cook. Acompaña este número la publicación por vez primera en español de ‘La tempestad’ de Augusto Boal inspirado en la obra de Shakespeare.

ADEteatro

La XXIX edición de los Premios ADE tiene un gran protagonismo en el número 160 de ‘ADEteatro’ en el que se incluye la publicación de dos obras teatrales: ‘Encuentro inesperado’ del dramaturgo y director Alfonso Zurro y ‘Citerea’ tragicomedia en catorce escenas del mexicano Luis de Tavira además de las secciones habituales de esta publicación trimestral.

Primer Acto La revista ‘Primer Acto’ publica, en su número 350 tres textos teatrales acompañados por varios artículos. ‘La República Análoga’ de Arístides Vargas es precedida por un texto del propio Vargas y las reflexiones de Eduardo Graham y Marita Foix. ‘Nada que perder’ de QY Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe se publica junto con una entrevista con los tres autores a cargo de María Velasco y ‘Monstruos’ de Carmen Losa se acompaña del artículo ‘El animal que llevo dentro’ de Itziar Pascual. Este número se presenta con un tema central titulado ‘Travesías: Diálogos pendientes’ que se compone de trece artículos firmados por autores como Borja Ortiz de Gondra, Itziar Pascual o Diana Luque. Le sigue varios artículos sobre ‘Maria Zambrano: 25 años tras tu voz’ todos ellos entorno a la figura de esta creadora. Completan este número sendos artículos obre la compañía colombiana Teatro La Candelaria y reflexiones en torno al ‘Teatro de y para la infancia’.

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