Artez212 by montaje

octubre 16 septiembre Carlos Gil Zamora

De Olimpiada en Olimpiada con el desprecio olímpico institucional persistente

dvertencia: escribo estas líneas el día que finalizan los JJ.OO. de Río de Janeiro, mientras tengo delante de mí el magnífico programa de la séptima edición de la Olimpiada Teatral que organiza el Instituto Jerzy Grotowski y se va a celebrar en octubre-noviembre en Wroclaw (Polonia). Debo elegir qué días acudir y qué espectáculos de primer orden internacional presenciar. Decisiones difíciles de tomar porque se deben combinar con otros compromisos de especial relevancia y de compromiso adquirido desde hace tiempo que suceden en las mismas fechas en diferentes lugares. Si miro lo hecho en los dos meses anteriores, tanto en lo personal, como en lo referido a esta publicación y todo su entorno, solamente puedo que sentir satisfacción, vamos cumpliendo con nuestro modestos objetivos, conseguimos permanecer en todos los ámbitos donde deseamos estar, es decir, no se trata de poner sobre el papel los problemas propios, que son muchos, en ocasiones estructurales, graves, irremediables, sino de hacernos ecos de una sensación que flota en el ambiente. Miren ustedes, escribir sobre las Artes Escénicas en el Estado español, cuando pesa una posibilidad de unas terceras elecciones que se celebrarían el día de Navidad, es la peor situación posible. Es comprender que de nuevo pasan los días, las semanas, los meses y los años y la situación sigue sin moverse un milímetro. Si se quiere ver la botella medio llena se puede decir que siguen existiendo los festivales, que la temporada se va a inaugurar con las programaciones más previsibles, que se siguen convocando ayudas y subvenciones, que se van nombrando directores en las instituciones públicas, hasta puedo admitir que haya un repunte de asistencia, especialmente en las actividades de verano, pero con todo, es casi imposible encontrar la tranquilidad a no ser que se entre en un estado de alienación

sobrevenida o de conformismo cobarde o miedoso, según se quiera interpretar este silencio o anuencia. No vamos a quejarnos más allá de lo que tenga de efecto el señalar las cosas como a uno le parece entender. Una confesión, me parece que esta editorial ya está escrita, no una, sino decenas de veces. Y me temo que no sea un simple síntoma de incapacidad del escribano por encontrar nuevos temas, sino porque la reiteración en los mismos lugares comunes, en las programaciones tan similares, los festivales de franquicia, ese tufo a corruptela de baja intensidad que se vive en ciertos lugares, contamina bastante lo general. No hay manera de establecer unos debates que ayuden a cambiar el actual sistema productivo, el paradigma agotado en el que nos movemos, hacer propuestas que escapen de lo primario, de lo coyuntural y urgente, para entrar en lo necesario, en aquello que puede abrir nuevas vías para el desarrollo de los lenguajes, de los nuevos públicos, de la salida de los nuevos creadores en compañía de los consolidados. Alguna fórmula que procure aliviar las desigualdades existentes actualmente. Unos reglamentos que comprometan a los espacios públicos a tener políticas públicas, democráticas y no ser simples instrumentos del mercado. Un mercado copado en un porcentaje poco saludable por lo institucional y lo comercial, sin apenas territorio para la indagación, la experimentación y el riesgo. Sí, esto es lo obvio, pero lo es para algunos, porque la inmensa mayoría considera que en esta vorágine, en esta lucha entre todos por miserias y residuos de las grandes inversiones, si le ha tocado caer en la parte buena, todo está solucionado. De acuerdo, puede ser una profesión poco solidaria o dicho de otro modo muy competitiva porque parece ser que lo que le dan al otro te lo quitan a ti, pero hay que empezar a levantar la cabeza del ombligo o de los pies

Número: 212 - año 20 · Septiembre / Octubre 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Fotografía del espectáculo ‘Inês’ de Volmir Cordeiro tomada por Fernanda Tafner

septiembre octubre

Editorial

Opinión 4 - 5 6 7 64 65 66 - 67 68 69 70 71 72 73

Editorial Rondas Escénicas - María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El método griego - María Chatziemmanoui El lado oscuro – Jaume Colomer Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud Cronicón de Villán y Corte - Javier Villán Las lejanías – Carlos Be Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado

Estrenos 10 - 11 La mentira / Invencible / Catalin 12 - 13 Último tren a Treblinka por Vaivén Producciones y DSS2016 / Tratos por DSS2016 y CDN 14 Escuadra hacia la muerte de Alfonso Sastre por CDN y Metaproducciones 15 Incendios de Wajdi Mouawad por Teatro de La Abadía e Ysarca 16 Miscelánea de estrenos

Festivales

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

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índice

o del césped del chalet y mirar hacia adelante, en lo que somos y en comparación con lo que quisimos ser. En todo proceso hay pérdidas y ganancias, pero cuando el discurso es de protección del gremio, del sueldito, de la subvención y no de engrandecer con ambición artística su oficio, su arte y su relación con la ciudadanía, la situación puede llegar a convertirse en irreversible. Y voy a pedirles que comparen, que se fijen de manera superficial en las informaciones que siguen en las próximas páginas, para que vean que no es por casualidad que sucedan las cosas, que los festivales son parte del mismo sistema, del mismo ideario, de la misma angustia. Que los estrenos se suceden, no paran de aparecer nuevos textos, directoras, actores pero escarbando parece que estamos siempre en el mismo sitio, que la dependencia con los clásicos para revisarlos es un mal endémico, que apostar por la autoría contemporánea y lo incierto no es lo habitual. Y que las estructuras institucionales, desde la formación a las unidades de producción, tanto estatales como de las comunidades autónomas, deberían ser propiciatorias de nuevas vías, de nuevos caminos, de nuevas fórmulas. Cambiar el eje, poner en la creación todo el monto presupuestario, no sólo en lo funcionarial, buscar maneras de incendiar teatralmente nuevas capas de ciudadanos que conforman las nuevas generaciones. Todo está por hacer. Todo se puede hacer, pero hace falta voluntad política y eso sí que no existe, no hay forma de escuchar un programa político, un discurso que nos despeje alguna duda o nos oriente. O nos aliente. Todo es chato, viejo, agotado, clientelar, populista, basado en lo mismo de siempre, en lo que sirvió hace treinta y cinco años, que hoy debería, cuando menos, reformarse, reinventarse, si no es lo más útil su disolución definitiva, como es la función del INAEM, por poner aquello que más colapsa, domina y parece más colonizado por intereses particulares por encima de su función pública. El desprecio olímpico de la clase política, la sumisión en los mejores casos al poder de la oligarquía teatral, la confusión interesada entre lo público y lo privado que nos lleva a una descalificación objetiva de la calidad y del contenido cultural de las programaciones de algunas instituciones y festivales, es lo que quisiera señalar. En funciones o no, se pueden tomar decisiones para empezar ya el camino. En los ayuntamientos del cambio de las grandes ciudades, el fracaso, el desengaño parece aumentar con nombramientos en ocasiones incomprensibles. Pero lo que más duele es la falta de tensión, de ambición artística, una suerte de conformismo suicida de quienes dicen amar las Artes Escénicas y parecen cada vez más unos funcionarios de tercera. Por eso aplaudimos el paso dado por Kamikaze Producciones, tomando en alquiler el madrileño Teatro Pavón para convertirlo en su principal instrumento de trabajo. Apostaremos siempre por la totalidad de quienes hacen, sueñan, practican, viven para (no de) las Artes Escénicas. A ellos nos dirigimos, con ellas queremos seguir caminando. De Olimpiada en Olimpiada.

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XXXVI FiraTàrrega XLI Festival Int. de Teatro de Vitoria-Gasteiz XXX Feria Int. de Teatro y Danza de Huesca XXVII Mostra Internacional de Mim de Sueca XVIII BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao XXXIV Jornadas de Teatro de Getxo XVI Danza Xixón XXV FIOT - festival Int. Outono de Teatro XVII Dantzaldia XXXV Festival Int. de Títeres de Bilbao Festivales de Teatro en Latinoamérica XIX Fira Mediterrània de Manresa XVII Festival EnClave de Calle de Burgos XIII Muestra Int. de Títeres para adultos de Bergara IX MITIN - Muestra Int. de Teatro de Investigación VII Olimpiadas teatrales en Wroclaw Miscelánea de festivales

Suplemento FIT 2016 - Festival Iberoamericano de Cádiz

Teatro amateur 54 - 56 Programaciones varias

En gira 58 - 62 Programaciones varias

Zona abierta 76 - 77 Escaparate 78 - 81 Crónicas de: New York y Experimenta 2016

16 septiembre octubre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

GREC, un festival con tradición

l Teatre Grec de Montjuic cuya construcción había empezado en 1919 se inauguró en 1929, año de la Exposición Internacional de Barcelona pero tuvo una existencia irregular hasta 1976. Margarita Xirgu y Enric Borrás actuaron a principio de los 30, la Xirgu estrenó la Medea de Unamuno… en 1952 Mercedes de la Aldea y Juan German Schröder quisieron renovar el repertorio clásico… en 1973 María Luisa Oliveda lo dirigió hasta que en 1976 el festival acogió textos de Espriu y de muchos autores que habrían sido censurados por el franquismo; la gestión fue de La Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC) que promovió obras prohibidas o rechazadas por los teatros comerciales. Más tarde vale la pena recordar que en 1979, Joan Anton Benach trajo al Grec, espectáculos internacionales. Luego hubo varios directores… Este verano ha sido, en principio, el último que ha gestionado Ramón Simó a quien desde mi perspectiva de espectadora tengo que aplaudir por la cantidad, pluralidad, variedad y calidad de la gran mayoría de espectáculos. Limitándome al teatro y empezando por el comienzo, me pareció muy interesante “Daurrodó”, en la Sala Petita del TNC, concebido por el artista brasileño Cildo Meireles y el director Joan Baixas -cofundador de Claca- con vestuario de Toni Miró, una especie de circo destruido con cinco actores extrañamente vestidos articulado en cinco piezas e instalados en un espacio teatral a dos bandas, rodeado de obras artísticas de Meireles que trata de ser una aportación sensorial. Fue una de las experiencias más interesantes de este último Grec. En otro ámbito fueron interesantísimas las experiencias teatrales de la Sociedad Dr. Alonso y la Agrupación Sr. Serrano. La Sociedad Dr. Alonso reivindica la atención sobre los cuerpos enterrados en las cunetas. “Y los huesos hablaron” se presentó en el Museo de Arqueología. Se centra en la reivindicación de la dignidad de las personas enterradas en las cunetas , ya sean víctimas de la guerra o asesinadas por las mafias. Profunda y virtuosa es la reflexión de “Birdie” de la Agrupación Sr. Serrano, un teatro con técnicas de performance que nos habla del movimiento, con el espejismo de los pájaros, para mostrarnos las guerras, la explotación de los seres y de los recursos humanos, con los espejismos de las pésimas condiciones de nuestro planeta… miles de pájaros en constante migración en contraste con las materias primas, la quimera del reposo donde todo es movimiento desde el espejismo de la sociedad opulenta a las catástrofes de la humanidad… una inteligente reflexión teatral sobre nuestro mundo donde el reposo es imposible. Ramón Simó se había propuesto no hacer Shakespearre en el Grec pero uno de los pequeños espectáculos de mayor interés se basa en “La Tempestad”, una “creación” de Jordi Oriol y Xavier Albertí, basada en los personajes de Ariel y Caliban aderezada con algo de Camus, una “tormenta” real junto a un piano que toca Carles Pedragosa y al que el agua –muy desbordada– no quita el sonido a la famosa sonata de Beethoven. Es un trabajo del colectivo Indi Gest que arranca en el momento en que Pròspero y Miranda abandonan la isla donde fueron a parar tras naufragar. Ariel y Caliban recuperarán la libertad y este volverá a ser el amo y señor de su pequeño reino. Pero nada ya será lo mismo… Caliban habrá aprendido la palabra para poder expresar

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la traición en la que se ha visto envuelto; un espectáculo inteligente, sorprendente e innovador. Me vienen a la memoria espectáculos muy diversos. Pluriforme fue la programación de este festival que cada día ofrecía varios espectáculos de interés, además de lo que ya supone una fiesta teatral que es la plaza Margarita Xirgu que , en Montjuic, une el Mercat de les Flors, el Lliure y el Institut del Teatre, vecino todo al Teatre Grec. Los mejores espectáculos fueron para mí “Lehman Trilogy” y especialmente el del TonelGroup de Amsterdam, que dirige Ivo van Hove a quien seguimos desde que presentó sus “Tragedias romanas” hace cuatro años y que nos trajo “La fuerza oculta” de Louis Couperus (1863-1923) sobre el enfrentamiento de culturas situado en Java durante los monzones cuando el gobernador, convencido de su superioridad como europeo, controla la cultura de los nativos. Un enfrentamiento que bajo el monzón y el protagonismo del agua, desencadenará fuerzas sobrenaturales y ocultas. Gran tema, grandes actores, gran movimiento escénico, gran ritmo, belleza en todo momento: espléndido todo. En otro nivel, tuvo también gran interés “Lehman Trilogy”, la historia que en 2008 sacudió al mundo con la caída de un banco americano que se declaró insolvente, la vida de tres generaciones de banqueros. Son las vivencias de una familia judía que llegó a Nueva York a mediados del siglo XIX; de hecho es la historia del capitalismo y de su degradación. Es obra de Massini, director del Piccolo de Milan y que se represento con actores locales y una funcional y brillante escenografía de modulaciones geométricas, con gran éxito, en la Villarroel. Hubo cosas “pequeñitas” que el Grec valoró y que tuvieron interés en diferentes aspectos. Una de ellas fue “Claudia”, otra “Joana”. Con “Joana2015.Batalla Campal” se estrena la participación de la Escuela de Teatro “Eolia” con dirección de Pablo Ley. Es la historia de Juana de Arco (Raquel Ferry) que dejando su aspecto histórico recupera la inocencia y lucha contra los males de nuestra contemporaneidad. Delicioso. Más duro pero entrañable es “Claudia”, poema fragmentado sobre la memoria y la identidad de una joven mujer argentina hija de desaparecidos, criada por una familia del entorno militar, una experiencia presentada por La conquesta del Pol Sud que indaga sobre lo individual y lo colectivo, sobre revolución, memoria y educación. No vamos a obviar, por supuesto, el espectáculo inaugural dirigido por Andrés Lima en el Teatre Grec y que en otoño irá a Madrid, “Las brujas de Salem”, en traducción de Eduardo Mendoza, es un homenaje al centenario de Arthur Miller. La obra es reflejo del macartismo de la época que escenifica el sangriento episodio de 1692, sobre el rumor de que una de las chicas del pueblo es sacudida por un maleficio y que acabará con la condena a muerte de más de veinte mujeres. El espectáculo que protagoniza Lluís Homar, pese a cierto exceso de grandilocuencia en todos los sentidos, tuvo interés. En otro nivel, en el Teatro Goya, otra obra del mismo autor, “El precio” dirigido por Silvia Munt con sólo cuatro excelentes actores, tuvo un enorme éxito de publico y crítica. ¿Qué más puedo contarles de lo mucho que hubo? Muchísima danza, bastante circo, eventos y charlas…

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Desde la caverna

David Ladra

Crítica teatral y deontología

recedidas por un perspicaz llamamiento de Ernesto Caballero, director artístico del Centro Dramático Nacional, se programaron para el mes de junio de este año unas Jornadas de Crítica Teatral en el teatro Valle-Inclán a las que, desgraciadamente y a pesar de estar abiertas al público, no tuve la oportunidad de asistir. En nuestros tiempos, la cuestión de la crítica teatral no es baladí, reducida a un suelto en el diario como está o confundida con cientos de reseñas cuyo único objetivo es venderse como publicidad. El crítico ve limitada su influencia a la más mínima expresión y ha perdido aquel papel privilegiado que le otorgaba la sociedad, el de ser el guía designado para calificar la obra escénica, auparla al éxito o hundirla en el fracaso, y establecer de esta manera tanto el gusto del público como su canon teatral. Jibarizada pues en los periódicos y reducida a las pocas revistas teatrales que aún subsisten, la crítica teatral o se refugia hoy en el inmenso campo del discernimiento que aporta la filología (con el grave peligro de quedarse en el texto marginando la representación y no ver más allá de ese abstruso y contradictorio concepto que es la “literatura dramática”) o se diluye en el ciberespacio a través de decenas de “blogs” en los que espectadores que se consideran cualificados dan a conocer su opinión. Los primeros publican y son poco leídos por el público en general. Y los segundos invierten sus esfuerzos en competir los unos con los otros por ver quién es el más original, rasposo o analítico a la hora de abrirse un hueco en la parroquia, adquirir cierto nombre y ocupar un lugar. Por una u otra causa, el espectador se queda “in albis” y se ve forzado a recurrir a las viejas usanzas a la hora de escoger un espectáculo: si algún o alguna intérprete le encandila o le hace tilín, por ser un éxito notable avalado por la propaganda y, sobre todo, por ese soplo que va de boca a oreja y, desde los corrales de comedias, es el mejor canal de comunicación. Así, quien se queda compuesto y sin novia no es otro que el crítico profesional: fue guía iluminado en sus tiempos, después intermediario comercial y ahora, prácticamente residual. Supongo que temas como éstos o similares –eso sí, con una mayor circunspección– se tratarían en la mesa redonda celebrada en la primera sesión de las Jornadas dedicada al “Presente y futuro de la crítica teatral”. Objetivo de ésta era también la presentación del tomo I del necesario y excelente libro titulado “Historia y antología de la crítica teatral española (1763-1936)” del profesor e investigador Fernando Doménech. Pero lo que me dejó descolocado al leer el propósito de la sesión final fue encontrarme de buenas a primeras con un vocablo –el de “deontología”– que nunca hubiera podido sospechar que tuviese su sitio en una discusión sobre la actividad teatral. Por su repercusión e intenciones, lo cito casi entero a continuación: “(…) Tal vez sea útil preguntarse por la razón de ser de una crítica profesional y especializada en un mundo en el que, desde la posibilidad de la inmediatez que proporcionan los nuevos medios tecnológicos, se abre camino la opinión de quien quiera expresarla y difundirla. Esta circunstancia podría permitir una democratización de la crítica, a la que despojaría de sus últimos vestigios de jerarquía o aristocracia intelectual, pero también, y con alguna frecuencia, prescinde de la reflexión crítica propiamente dicha y la sustituye por la expresión del entusiasmo o el desagrado. En este contexto queremos plantear si es

posible y si es conveniente, que los críticos propongan y asuman un código deontológico desde el que llevar a cabo su tarea, cuya aplicación permita distinguir una crítica profesional, analítica y reflexiva, de una opinión espontánea que rechaza un espectáculo sin la necesidad de justificar las razones del gusto o disgusto”. Párrafo semejante, por muy ecuánime y afablemente redactado que se nos aparezca dentro de su confusión y promiscuidad, no logra tan siquiera ocultar el corporativismo que lo instiga. Por un lado los profesionales, la “jerarquía o aristocracia intelectual”, que defienden denodadamente sus intereses y los puestos que ocupan. Y por otro, los eternos aficionados, a quienes se relega a esa entidad inaprensible y remota que es el ciberespacio por carecer de la suficiente capacidad para razonar sus comentarios o ponerle freno a sus pasiones. De modo que, por muy desagradable y hasta traumático que sea (pero guardando siempre las formas), procedamos a la segregación utilizando los numerosos medios que las instituciones manejan sin pudor en el frondoso campo de la jurisprudencia: estatutos, preceptos, reglamentos, normas, disposiciones… Claro que, tratándose el arte dramático de una creación del espíritu, el dichoso párrafo rehúye cualquier medida coercitiva para centrarse en un sistema de control fundado en la ética personal y consagrado ya en unas profesiones tan selectas como lo son la medicina o, en menor grado, el propio periodismo: un código deontológico cuya aplicación distinguiese a la churras de las merinas y viniese naturalmente redactado por los ejemplares de estas últimas, apriscados para lo ocasión al abrigo de un ilustre organismo como podría ser la propia Academia de las Artes Escénicas de España. Si esta entelequia se llevase a cabo (que, sinceramente, no lo creo) surgirían las preguntas a raudales: ¿Qué estudios habrían de seguir quienes aspirasen a ser profesionales? ¿Quién les acreditaría como tales? ¿Habrían de empezar como aprendices o sufrir un examen psicotécnico? Y lo más importante, ¿se les retribuiría su trabajo o lo seguirían haciendo, como hasta ahora, tan sólo por el amor al arte? No nos dejemos engatusar, las cosas seguirán como están: un buen crítico se reconoce por sus escritos, se editen éstos en la universidad, una revista teatral, un diario o un “blog”. En una sociedad innominada como en la que vivimos, globalizada en lo que se refiere a la geopolítica, la economía y el comercio, profundamente fragmentada a nivel individual y carente del todo de sentido social no hay orden ni concierto, tan sólo un ardiente deseo personal de que no ocurra nada que nos impida llegar indemnes al final. Nuestro nihilismo es total. No es de extrañar entonces que, en estas condiciones, la sociedad no piense en el futuro y se desentienda del presente. Cautivada por la nostalgia, no hace más que mirar hacia atrás: ¡aquellos años de la Transición, recién recuperada la libertad! Pero no hay que pasarse en el retroceder no vaya a ser que terminemos otra vez en el lodazal del franquismo. Entonces sí que había un verdadero “bunker” de la crítica profesional que no sólo se oponía en la prensa a toda novedad sino formaba parte – oficial u oficiosamente – de la censura teatral. Y es que más vale mirar hacia adelante respetando la plena libertad y personalidad de quien escribe que volver al pasado restringiendo la expresión de la mayoría a una reducida casta de “profesionales”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre Estrenos de La mentira, Invencible y Catalin

Tolcachir y Veronese estrenan sus obras en el Teatro Arriaga demás de ‘La mentira’ e ‘Invencible’, se presentará el montaje A ‘Catalin’ de Rita de Barrenechea

La mentira

l Teatro Arriaga de Bilbao acogerá tres estrenos durante los próximos meses. El primero llegará del 15 al 18 de septiembre, La mentira de Florian Zeller, con dirección de Claudio Tolcachir. Después será el turno de Invencible de Torben Betss dirigida por Daniel Veronese, que se podrá ver del 22 al 25 de septiembre. Y por último, Catalin de Erre Produkzioak-Arteka-Maskarada con dirección de Gorka Mínguez, que estará en cartel los días 21 y 22 de octubre. 10

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La mentira

La mentira se presenta como un auténtico tratado sobre la vida conyugal. “¿Dónde nos lleva la verdad y la mentira dentro del matrimonio? Cada mentira que se cuenta tiene una consecuencia dentro de la relación que no tendrá vuelta atrás y solo se podrán arreglar con otra nueva o, lo que puede ser peor, con una verdad que resulte más convincente…”.

En la obra, Alicia sorprende al marido de su mejor amiga con otra mujer. Esa misma noche van a cenar con la pareja. ¿Debe contarlo? Su propio marido insiste con vehemencia en que no lo haga. ¿Por qué? ¿Tiene él algo que ocultar?. “Un juego de mentiras y verdades que, con una perfecta maquinaria, nos dirige a un sorprendente final”. El texto de Florian Zeller, traducido por Alberto Castrillo Ferrer, estará esta vez dirigido por Claudio Tolcachir, quien también se

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Invencible

ha encargado de la dramaturgia. El elenco lo forman los intérpretes Carlos Hipólito, Natalia Millán, Armando del Río y Mapi Sagaseta. La iluminación ha sido creada por Juan Gómez Cornejo y la escenografía y el vestuario por Elisa Sanz. Invencible

Sátira social de Torben Betss, Invencible es una obra que, contada desde la comedia, muestra la crudeza de las relaciones entre personas de diferente estatus social y cultural, así como el daño que se pueden hacer entre ellas. La versión de Jordi Galceran ha trasladado la acción a nuestra propia sociedad. “Todos nos podremos ver identificados en ella, como víctimas o verdugos, en algún momento”, afirman desde la producción. La historia presenta a una pareja con un estatus social y cultural elevado que se ve obligada, por la crisis económica, a trasladarse a un barrio más humilde de la periferia. Deciden entonces relacionarse con sus vecinos para adaptarse a su nuevo entorno. Lo que en un principio parece una

declaración de buenas intenciones acaba convirtiéndose en una pesadilla para las dos partes, causando un daño irreparable en la pareja más débil. Daniel Veronese se ha encargado tanto de la dramaturgia como de la dirección del montaje, con un reparto compuesto por Maribel Verdú, Jorge Bosch, Natalia Verbeke y Jorge Calvo. Elisa Sanz realiza las labores de escenografía y vestuario, y Juan Gómez Cornejo e Ion Anibal las de iluminación. Catalin

Catalin es una obra de Rita de Barrenechea, primera dramaturga del Estado español en tener su pieza teatral editada. Se trata de una pieza silenciada durante dos siglos que vuelve a salir a la luz ahora. María Rita de Barrenechea, marquesa de la Solana y condesa del Carpio, (17571795) es un nombre olvidado del teatro español y de la literatura vasca. Nacida en Bilbao, emigró pronto a Valladolid, donde se casó, y más tarde a Madrid donde falleció a los 37 años. En la capital española formó

Catalin

parte de los mejores círculos literarios, entabló amistad con Jovellanos y fue retratada por Goya. Se conservan sólo tres de sus obras: ‘La aya’, otra sin título y ‘Catalin’. De Barrenechea da una fiesta en su casa para sus amigos ilustrados: Goya, La Duquesa de Alba, Jovellanos… y aprovechará la ocasión para presentar la obra de teatro que acaba de escribir y que tiene por título ‘Catalin’, una obra que se desarrolla en un caserío y cuya temática son los matrimonios desiguales. Es una comedia de corte neoclásico y sentimental ambientada en el Portugalete de finales del siglo XVIII. Pero Rita no ha organizado la fiesta sólo para mostrar su obra, sino también para proponer a Jovellanos que favorezca la incorporación de las mujeres en la Sociedad Económica Maritrense. Teresa Calo se encarga de la dramaturgia en esta producción de Erre Produkzioak, Arteka, Maskarada. Gorka Mínguez dirige a Begoña Maestre, Alfonso Torregrosa, Ales Furundarena, Iñaki Urrutia, Maria Goiricelaya, Gergori Ayarzaguena y Aitor Borobia en esta pieza que cuenta con la música de Ismael Merino.

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16 septiembre octubre Donostia 2016 estrena Último tren a Treblinka y Tratos

Donostia 2016 homenajea a Cervantes y Janusz Korczak

Último tren a Treblinka

onostia / San Sebastián 2016 Capital Europea de la Cultura presenta dos nuevos montajes: Último tren a Treblinka y Tratos. El primero pretende rendir homenaje a la figura del pediatra, pedagogo y escritor Janusz Korczak; y el segundo recordará la obra del dramaturgo Miguel de Cervantes con motivo del 4º centenario de su muerte, dentro del programa oficial del Año Cervantino.

Último tren a Treblinka

El judío polaco Janusz Korczak fue un innovador pedagogo, autor de publicaciones sobre la teoría y la práctica de la educación. Precursor de la lucha en favor de los derechos y la igualdad de los niños, fue director, con la ayuda de Stefania Wilczynska, de un orfanato de Varsovia donde vivieron 200 niños judíos. Allí formó “una verdadera república infantil”, con una Constitución y un Código Penal. Creó un tribunal compuesto por los pupilos del centro donde los pro12

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pios niños examinaban los casos llevados por ellos mismos al juicio y podían juzgar incluso a sus educadores. Además, fundó una revista redactada a partir del material enviado por los niños y dedicada principalmente al lector infantil. Así, buscaba fomentar el respeto, la democracia y la participación. “Compartió con los niños todas las horas del día y de la noche. Fue el médico, el limpiabotas, el contador de cuentos, el compañero de juegos, el bibliotecario, el tutor sentimental, el levantador de mesas, el fiscal de la Asamblea de Justicia, el editorialista de la Gaceta, el flautista, el actor, el payaso, el pelador de patatas, el luchador que conseguía el dinero para la subsistencia. Conocía sus secretos, sus vergüenzas, sus ilusiones, y cuando era posible oír el silencio del orfelinato, cumplía su última tarea: controlar la respiración de los niños dormidos.” Korczak, que desempeñó este cargo durante 30 años, fue también uno de los primeros en promover la investigación en

el campo del desarrollo, la psicología y el diagnóstico educativo del niño. Pese a que pudo salvar su vida, decidió no abandonar a sus pupilos y murió junto a ellos el 5 de agosto de 1942 en el campo de exterminio alemán de Treblinka. En 1972 se le concedió, a título póstumo, el Premio de la Paz de los libreros alemanes. Se sabe también que en base a sus planteamientos se elaboró la Convención de los Derechos de los Niños (Ginebra 1959). En palabras de Korczak: “No se puede dejar el mundo tal y como está”. En la propuesta de Vaivén Producciones, el público, aposentado en las camasliteras, será testigo de ese último día en el orfanato, y de cómo funciona el mismo. De esta manera quieren dar a conocer algo del legado pedagógico, humano y social de Korczak, tal y como lo han hecho las corrientes pedagógicas más modernas que han estudiado a fondo sus prácticas autogestionarias y las han aplicado. El espectáculo se estrenará el 1 de

septiembre octubre

Tratos del Centro Dramático Nacional ©marcosgpunto

octubre en el donostiarra Centro Cultural de Larratxo, que, transformado en un orfanato surgido en el ghetto de Varsovia, ofrecerá funciones a lo largo de todo el mes. Los centros escolares acudirán los días de diario, mientras que las representaciones abiertas a todos los públicos tendrán lugar los fines de semana: los días 1, 8, 9 y 15 (castellano), y 2 y 16 (euskera). Según afirman, se trata de un espectáculo para público familiar, pero no al uso, ya que además de espectadores adultos, podrán acudir también niños a partir de 10 años, buscando así una propuesta con carácter intergeneracional. La pieza, interpretada por 9 actores, es una idea original de Ana Pimenta que cuenta con el texto Patxo Telleria, la dirección de Mireia Gabilondo, la escenografía de Fernando Bernúes y la música de Iñaki Salvador. “Nuestro espectáculo es un homenaje a estas víctimas y un recuerdo a Janusz Korczak, ese ser excepcional que luchó hasta la muerte por dignificar la vida de los niños; pero también una denuncia que señale con dedo acusador

cómo todavía hoy, la mayor parte de los pobres del mundo son niños, y la mayor parte de los niños son pobres”, afirman desde la producción. Tratos

Junto con el Centro Dramático Nacional se presenta esta obra creada a partir de ‘El trato de Argel’ de Miguel de Cervantes y que forma parte del programa oficial del Año Cervantino. Con dramaturgia y dirección de Ernesto Caballero, ofrecerá sus funciones del 14 al 24 de septiembre en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, y del 6 al 9 de octubre en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera de Donostia. El texto será llevado a los escenarios gracias a la producción teatral de la compañía Traspasos. Los personajes estarán interpretados por Chema Adeva, Carmen Gutiérrez, Ione Irazabal, Astrid Jones, Primo José Meñán y Elton Prince. En palabras de Caballero, «Cervantes escribió la obra en 1580, inmediatamente después de ser liberado de su cautiverio

en Argel. Se trata de un ejemplo de literatura testimonial basada en la propia experiencia autobiográfica del autor. Como señala el profesor Enrique Fernández: “Trato de Argel tiene el claro compromiso político de las obras testimoniales de quienes han sobrevivido a cautiverios colectivos. Primo Levi, Jorge Semprún o las víctimas de la represión en Latinoamérica mostraron su compromiso no sólo con su militancia política tras su liberación sino con sus obras testimoniales que reivindicaban a los compañeros muertos o aún cautivos”. De la misma manera que el autor de El Quijote en su comedia se sirve de una estructura episódica propia del martirologio cristiano, Tratos toma como punto de partida el texto clásico para desarrollar una narración autónoma en sintonía con esta nueva realidad de confinamiento y deslocalización que tiene lugar en los centros de internamiento para extranjeros. Tratos desarrolla la experiencia vital de una pareja confinada en un CIE que, tras abandonar su país de origen, pretende vivir dignamente en el continente europeo».

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16 septiembre octubre El CDN y Metaproducciones estrenan Escuadra hacia la muerte

Alfonso Sastre vuelve a los escenarios madrileños

©John Humble

l 18 de marzo de 1953, la Compañía del Teatro Popular Universitario estrenó Escuadra hacia la muerte en el Teatro María Guerrero de Madrid, bajo la dirección de Gustavo Pérez Puig. El mismo escenario volverá ahora a ser testigo de una nueva propuesta de este texto de Alfonso Sastre, esta vez con versión, dirección y escenografía de Paco Azorín. Esta coproducción del Centro Dramático Nacional y Metaproducciones que toma a Stanley Kubrick y George Orwell como referentes para el montaje, ofrecerá sus funciones del 7 de octubre al 27 de noviembre. “Sastre -afirma Azorín-, somete a seis individuos al miedo más común de todo ser humano: lo desconocido, lo contrario a lo que hoy llamamos espacio de confort”. Jan Cornet, Iván Hermes, Carlos Martos, Agus Ruiz, Unax Ugalde y Julián Villagrán serán los encargados de dar vida a esos individuos. “Alfonso Sastre nos plantea su particular ‘huis clos’, situado en la Tercera Guerra Mundial, un conflicto futuro pero inminente para nuestro autor. Lo cierto es que nadie duda que ese tercer gran conflicto llegará, si no es que ya está entre nosotros en un formato distinto al hasta ahora conocido. Me interesa especialmente ese aspecto futurista a la vez 14

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que universal de la pieza de Sastre: futurista por su localización temporal, y universal por la presencia del hombre como medida y símbolo de toda una civilización. El tono realista y existencialista de las escenas nos sitúa cara a cara con los temas fundamentales de la literatura de todos los tiempos: el sentido de la existencia, el determinismo de nuestra conducta, el peso de la culpa, la jerarquía, la existencia o no de Dios, y así sucesivamente hasta recorrer todo el ideario de un convulso siglo XX, que todavía está dando sus últimos coletazos”, explica el director. En cuanto a la puesta en escena, según relata Azorín, requerirá de una mínima dramaturgia para llevar todas las escenas a un interior, “en donde se intensifiquen las relaciones humanas y en donde tomen otra dimensión las tensiones propias de un grupo de soldados que no pueden esperar más que la muerte. Como si del mito de la caverna se tratara, sólo nos llegarán ecos y reflejos del exterior, cual sombras deformadas de una realidad hostil que habrá que asimilar y, quién sabe, quizá también trascender con la propia experiencia humana”. En relación a la propuesta de vestuario, que firmará Juan Sebastián Domínguez, consistirá en recrear un uniforme militar de un

ejército desconocido pero cercano en nuestro imaginario. Del mismo modo, la acción ambientada en un futuro próximo deberá tener su reflejo en el vestuario: formas y cortes muy estructurados, típicos de la moda militar, pero llevados hacia materiales más tecnológicos y hacia tejidos desconocidos. En cuanto al espacio sonoro de la obra, tendrá como base el “Cuarteto para el fin de los tiempos” del compositor francés Olivier Messiaen. Es una pieza para música de cámara compuesta durante la Segunda Guerra Mundial, concretamente en 1940, durante la entrada del ejército alemán en Francia, cuando Messiaen fue hecho prisionero de guerra y encarcelado. Durante su estancia en la prisión compuso la obra, estrenada el 15 de enero de 1941 ante cinco mil reclusos, con el propio compositor al piano. Está esta escrita para clarinete, violín, chelo, y piano, ya que fueron estos los instrumentos y músicos de los que pudo disponer de entre los prisioneros del campo. “Escuadra hacia la muerte es, bajo mi punto de vista, una pieza luminosa, que bien podría llamarse Escuadra hacia la vida. Si toda tragedia necesita un rayo de esperanza final, en esta obra la esperanza lo inunda todo”, expresa Paco Azorín.

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Teatro de La Abadía e Ysarca S.L.

Mario Gas dirige a Nuria Espert en ‘Incendios’

ario Gas dirige la obra Incendios del dramaturgo canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad. Se trata de una producción de Ysarca S.L. en coproducción con el Teatro de La Abadía que estará programada en la Sala Juan de la Cruz del mencionado espacio madrileño del 14 de septiembre al 30 de octubre. Tras permanecer en un silencio hermético durante cinco años, fallece una madre, Nawal Marwan (interpretada por Núria Espert). Hoy, en la lectura del testamento, ella abre la puerta a su silencio y a sus secretos, a los misterios dolorosos de una familia. Ha dejado a sus gemelos, Jeanne y Simon, un cuaderno rojo, una chaqueta de tela verde y dos sobres que comportan una petición llena de consecuencias, como otras tantas cajas de Pandora, orígenes de males y maravillas, cuyo contenido arrastrará a los gemelos hacia un pasado desconocido, hacia un continente lejano, hacia un segundo nacimiento. El público, así, será testigo de la búsqueda de las huellas de una vida marcada por la

guerra y el desamparo, en que la tragedia política y la humana se entrelazan en un estremecedor relato. “La infancia es un cuchillo clavado en la garganta. No se lo arranca uno fácilmente”, escribe Wajdi Mouawad. “Solamente las palabras tienen el poder de arrancarlo y calmar así la quemadura.” Además de Núria Espert, completan el elenco del montaje los intérpretes Ramón Barea, Álex García, Carlota Olcina, Alberto Iglesias, Laia Marull, Edu Soto y Lucía Barrado. Forman parte también del equipo artístico Eladio de Pablo (traductor), Carl Fillion (escenografía), Antonio Belart (vestuario), Álvaro Luna (videoescena), Orestes Gas (espacio sonoro) y Felipe Ramos (iluminación), entre otros. “Producir en castellano Incendios, una obra que se ha traducido a más de 15 idiomas, supone la posibilidad de exponer con fuerza los valores con que nos hemos educado y con los que hemos construido nuestro sistema de vida y conseguir una importante difusión en España y en los países de habla hispana”, expresa Pilar de Yzaguirre, de Ysarca S.L. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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De Damasc a Idomeni El Teatre Lliure ofrecerá el 12 de septiembre un espectáculo solidario con la ONG Proactiva Open Arms, con la participación de 60 grandes nombres de la escena catalana. Se realizarán dos funciones en un mismo día con el objetivo de mantener el barco de salvamento marítimo Astral en activo durante un mínimo de 15 días. Así, 20 dramaturgos, 20 directores y 20 intérpretes trabajarán en un proyecto solidario con expertos en emigración y representantes de ONGs que hayan vivido personalmente la crisis de los refugiados.

Valladolid Jordi Rebellón y Alberto Jiménez interpretan El pintor de batallas, basada en la novela de Pérez-Reverte, con versión y dirección de Antonio Álamo. Se representará en el Teatro Calderón del 7 al 9 de octubre. También en Valladolid se estrena Comedia multimedia de Álvaro Tato, con dirección de Yayo Cáceres e interpretación de Inma Cuevas, Jacinto Bobo, Francesco Carril y Fran García. Ofrecerá sus representaciones en el Teatro Lava del 1 al 11 de septiembre.

TNC El Teatre Nacional de Catalunya presenta dos estrenos en estos meses. L’aplec del remei es un espectáculo de Josep Maria Miró y Wanda Pitrowska a partir de la primera obra de teatro musical en lengua catalana. Estará en cartel del 29 de septiembre al 2 de octubre. El coratge per matar, por su parte, cuenta con los textos del sueco Lars Norén, la dirección de Magda Puyo y un elenco formado por Nao Albet, Manel Barceló y María Rodríguez. Se podrá ver del 6 al 30 de octubre.

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Hariak La compañía Ertza estrena la pieza Hariak el día 17 de septiembre (castellano) y 18 (euskera) en la sala Gazteszena (C.C. Egia) de Donostia-San Sebastián. Se trata de una obra multidisciplinar dirigida por Asier Zabaleta, con textos ©Gorka Bravo de Harkaitz Cano y Joseba Sarrionaindia. La creación, interpretada por Natalia de Miguel, Thiago Luiz Almeida, Caio Henrique de Souza, María Andrés y Claudio Rojas, se podrá ver más adelante en el Festival BAD de Bilbao y en el Topic de Tolosa, coproductores de la misma.

La rebel·lia possible La rebel·lia possible de Javier G. Yagüe y Luis Garcia Araus presenta la historia de un hombre que decide reclamar a una teleoperadora la devolución de una cantidad de dinero por no estar de acuerdo con el cri©Eduardo Pelach terio aplicado en las tarifas. El montaje está dirigido por José Sánchez Orosa e interpretado por Toni González, Blanca Solé, Joan Sureda, Júlia Bonjoch, Xavi Casan y Núria Valls. Este espectáculo en catalán estará en cartel en La Seca Espai Brossa (Barcelona) del 7 de septiembre al 9 de octubre.

Cuaderno en blanco Hika Teatroa presenta, por primera vez en castellano, esta obra basada en ‘La casa de Bernarda Alba’ de Lorca, que definen como “una mezcla sugerente de conflicto, emoción, humor y poesía”. La pieza cuenta la historia de dos hermanas que se encuentran después de 20 años y tras la muerte de su madre. Forman parte del equipo artístico Arantxa Iturbe (autora) Agurtzane Intxaurraga (autora, actriz, directora), Itziar Ituño y Miren Gojenola (actrices). El montaje se podrá ver en Kultur Leioa el 21 de octubre.

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16 septiembre octubre XXXVI FiraTàrrega

El potencial intercultural de las Artes de Calle La interculturalidad es el eje vertebrador de la 36ª edición de FiraTàrrega. 60 espectáculos de 57 compañías conforman la programación de este año que se desarrollará del 8 al 11 de septiembre en diversos espacios públicos y en varias salas de la ciudad de Tàrrega. El programa de la Fira se estructura en 5 secciones: ‘Sección Oficial’, con una selección de éxitos de la temporada y estrenos de ámbito internacional; ‘Plataforma’ compuesta por propuestas del Programa de Apoyo a la Creación y diversos proyectos de coproducción; ‘Ondara Park’, con proyectos centrados en la programación más festiva; ‘Programa Abierto’ espacio de colaboración entre el sector privado y FiraTàrrega y ‘Bonus tracks’ que incluye propuestas que complementan la programación de esta edición. Cabe destacar que este año Chile es el país

invitado por lo que contará con el Focus Chile, donde se podrá ver el trabajo de cuatro compañías invitadas y se desarrollarán diversas actividades profesionales para conocer las artes escénicas de este país. Como en ediciones precedentes, FiraTàrrega va más allá de la exhibición de espectáculos y continúa trabajando la parte profesional del sector y al pabellón ferial de la Llotja, con stands y puntos de encuentro para profesionales, se une el Club Pro, espacio de encuentro de tarde-noche más lúdico e informal. Caben destacar a su vez nuevos acuerdos nacionales e internacionales con otras entidades o el proyecto CASA - Circus and Street Arts Circuit, dentro del cual profesionales de todo Europa visitarán Cataluña para explorar las artes de calle y el circo de primera mano y participar activamente en la Fira.

Oskara de Kukai Dantza

a interculturalidad “como cualidad de las artes de calle que hace que sean capaces de dirigirse a personas y contextos muy diferentes” es el eje conductor de esta nueva edición de FiraTàrrega motivo por el que se van a ofrecer una selección de producciones que buscan superar contextos culturales concretos y dirigirse a públicos muy diversos, además la programación incluye una serie de espectáculos centrados en la temática de la justicia social y la construcción de la ciudadanía en Europa hoy día.

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Siguiendo esta línea la compañía encargada de inaugurar esta edición será la francesa Ar tonik que con The Colour of Time ofrece un ritual efímero que hace desaparecer las diferencias entre las personas y celebra colectivamente la amistad, la interculturalidad y el mestizaje. En esta misma dirección y para celebrar el potencial intercultural de FiraTàrrega tendrá lugar el estreno en el Estado español de Misa Fronteriza, una reflexión sobre la hibridación cultural de los mexicanos Universiteatro & Gorguz Teatro, el estreno Mulïer de

Unraveled Led Heroes de Fattoria Vittadini

Maduixa Teatre, un homenaje a todas las mujeres que, durante siglos de opresión, han luchado y luchas por sus derechos o Cafe Europa, una alegoría que retrata la hipocresía y los vicios de nuestra sociedad a cargo de los italianos Ondadur to Teatro. Sección Oficial

Además de las mencionadas, la Sección Oficial, que este año quiere ofrecer una mirada transversal a la actualidad de la creación escénica, incluye un total de 30

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Massager de CCOT

espectáculos entre los que se encuentran varias propuestas de danza como Oskara, un trabajo instalativo que recorre algunos pasajes de la cultura vasca de Kukai Dantza, Asuelto de HURyCAN, Unraveled Led Heroes de Fattoria Vittadini, Menar de Joan Català o la fusión de danza y teatro de Claire Ducreaux en Silencis. También habrá lugar para el circo con obras como Garbuix, 20è Circ D’hivern de Ateneu Popular 9 Barris & V de Vavel, Intarsi de Companyia de Circ ‘Eia’ o All genius all idiot de los suecos Svalbard

además del teatro de texto de la mano de El Pont Flotant y su El fill que vull tindre o Conservas-Xnet / 15mparato-Minoria Absoluta de Hazte banquero. Tarjetas Black: Todo lo que quisieron ocultarte con sus propias palabras obra que no necesita más presentación de Simona Levi y Sergio Salgado o propuestas de nuevas dramaturgias como Si sabes lo que hay de Fundación Collado-Van Hoestenberghe entre otras. Además, dentro de esta sección este año se incluyen también los proyectos

‘#EspaiZebra’ y ‘#UrbanNation’. En el primero las compañías Baal y Les Impuxibles ofrecen con los montajes Crotch (entrecuix) y Limbo respectivamente dos miradas sobre los lugares de paso entre sexualidades y reflexionan sobre la identidad de género, la aceptación de la sexualidad y la desaparición de la dicotomía hombre-mujer. El segundo de los proyectos está dedicado a la cultura urbana con una programación compuesta por los espectáculos de compañías como la norteamericana Ephrat Asherie Dance,

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©Ben Hopper

Iron Skulls Co, la instalación Celodrak de Montana Colors o el taller de danza urbana impartido por Getbak entre otros. Plataforma

Esta sección de FiraTàrrega muestra los espectáculos gestados dentro del Programa de Apoyo a la Creación 2016 que tiene como objetivo fomentar la creatividad escénica y la producción de espectáculos de calle y en espacios no convencionales propuestas todas ellas que comparten valores como creatividad, laboratorio, territorio, investigación, riesgo, red, innovación, servicio público y comunidad. Un total de 12 trabajos conforman esta sección 5 de ellos enmarcados en el programa ‘Laboratorios de Creación’ como Terra Condere de la leridana Silere, A mí no me escribió Tennessee Williams danza, teatro gestual, texto clásico, canciones en directo y performance de la mano de Roberto G. Alonso, o El diván de la peluquera de Sienta la Cabeza. Junto con El Graner, FiraTàrrega incluye los ‘Laboratorios de Movimiento’ para acompañar a artistas emergentes que apuestan por las piezas de movimiento en el espacio público como Handle with care de Diana Gadish o Molar de Quim Bigas. Las ‘Residencias Artísticas’ presenta laso obras de tres compañías catalanas, Escarlata Circus con CorroC, una visita guiada por las intrigas del corazón humano, Náufragos de la Industrial Teatrera y Apocalypse Uploaded, la transhumanització de las Abelles, última parte de la trilogía de LAminimAL en la que a través de teatro, música y nuevos lenguajes modifica las acciones apocalípticas de los personajes. 20

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FiraTàrrega también ha participado en la producción de Barcelona (contra la paret) realizado dentro del Proyecto IT emergents en colaboración con los festivales Grec 2016 y Temporada Alta. Una pieza de teatro documental en la que cuatro personajes relatan los hechos recientes que han marcado a la ciudad desde el 4F o el asesinato de Juan Andrés Benítez de LaPública. Una vez más, el Programa de Apoyo a la Creación acoge tres producciones transnacionales. De Chile llega Teatro Niño Proletario para estrenar Fulgor, obra en la que aborda la realidad de la inmigración en un mundo con un sistema económico de crecimiento sin límite que perpetúa la injusticia social. Dentro del proyecto ‘#Mirades” y por encargo de FiraTàrrega la compañía CCOT de Corea del Sur presentará Massager, donde un masajista asiático realiza su actividad en una parada en la calle y Carretera 45 Teatro de México ofrecerá Algo de mí, algo de ti, del dramaturgo y director Antonio Zúñiga. Ambas propuestas son dos visiones particulares sobre nuestra forma de entender la ciudad como punto de encuentro, todo ello con el objetivo de generar espacios de coproducción transcontinental y hacer una apuesta por miradas no eurocentristas. Resto de secciones

La programación de FiraTàrrega se articula en tres secciones más. ‘Ondara Park’ es la más lúdica y festiva y ofrece una programación de ocho espectáculos dirigidos a todos los públicos. Manifesta es una coproducción de gran formato de la Fira con la compañía Obskené que reivindica el espacio público, la comunidad

Silencis de Claire Ducreaux ©Nerea Coll

y el ritual colectivo a través de una propuesta visual, lúdica y crítica desde una simbiosis de circo, texto y música. La Cia. Toti Toronell propone Libélu·la, una pieza/instalación que se resiste a perder la esencia del circo de las maravillas y otra instalación #ciutatvisible de Colordellop. La propuesta musical Entropia, Entalpia, Utopia de Diga´ls-hi inquiets, los títeres holográficos de L´oníric món de Dins de Holoque o Tank, el espectáculo participativo de los polacos Muzikanty harán disfrutar a grandes y pequeños. Diez compañías conforman la sección ‘Programa Obert’, el espacio abierto a la participación del sector privado que organizan 23 Arts y La Maleta dels Espectacles en sus respectivos espacios. En ellos se podrá disfrutar con las propuestas de circo Au pied du mur y Furieuse tendresse de los franceses 100 Racines y Cirque exalté respectivamente, Spazi...o de los vascos Dikothomia, Split del colectivo Circo 9.8 o The Audition de Xa! Teatre. También se podrá conocer los espectáculos Huellas en la arena de Didi Rodán, Quixote de Grupo Puja, The special rocket de Cia. Peus de Porc, Périples immobiles de los belgas MéliMélo & Compagnie o la instalación Van de bòlit de El Pájaro Carpintero. La programación de FiraTàrrega 2016 se completa con ka sección ‘Bonus Tracks’ en la que se incluyen las propuestas de las noches musicales a cargo de D. WattsRiot, Dj Filasine y BATBatuka y el espectáculo del concurso de grupos amateurs de teatro Ciutat de Tàrrega L´home amb qui somien les dones quan somien amb homes del Grup Centre Cultural i Recreatiu. Además en el Museo Comercal se expondrá el Premio Bellas Artes Sant Jordi 2016 y en la Sala Marsà la exposición ‘Una mica de poc’ de Marcel Gros.

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16 septiembre octubre XLI Festival Internacional de Teatro de Vitoria - Gasteiz

Nueva edición del veterano festival de la capital alavesa

El público ©Ros Ribas

l Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz ofrecerá 35 espectáculos en su 41ª edición, que tendrá lugar del 6 de octubre al 29 de noviembre y contará con la presencia de 10 compañías internacionales, 10 de Gasteiz y 6 creaciones en euskera. Entre las nacionalidades están Reino Unido, Estados Unidos, Argentina, Francia, Italia, Alemania, Japón y Holanda. Algunos creadores locales son Oreka Tx, Kulunka Teatro, Pikor, Pez Limbo, Slep Walk Collective y Teatro Paraíso. Este año el festival contará con directores emblemáticos tanto de nivel internacional (Nelly Hunter, Mauricio Kartun, Claudio Tolcachir o Moses Pendelton), como estatal (Andrés Lima, Alfredo Santol, Àlex Rigola o Mario Gas), y acogerá a intérpretes como Núria Espert, Verónica Forqué, Irene Escolar, Bárbara Lennie o Israel Elejalde, entre otros. Como en otras ocasiones, la programación

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incluye la sección del festival de Teatro Abierto con talleres, encuentros con el público o visitas guiadas. Además, contará con el pionero Proyecto Bebés, que alcanza su 11ª edición en el Teatro Federico García Lorca. Continúan también los ciclos en los centros cívicos y el Jim Aktual en el Teatro Jesús Ibáñez Matauco. La compañía británica Flute Theatre inaugurará la programación con el espectáculo minimalista Hamlet, who’s there? de Shakespeare, dirigido por Kelly Hunter. También desde Gran Bretaña llega Lindsay Kemp con Kemp Dances, inventos y reencarnaciones. Otras creaciones internaciones estarán a cargo de la Compañía Junior del Dutch National Ballet o de la bailarina y coreógrafa japonesa Mokoto Hirayama, que presentará junto a Oreka TX y la cantante de la etnia Ainu, Emi Toko, el proyecto Hybrid. Además se podrá ver Terrenal, Pe-

queño Misterio Ácrata de Mauricio Kartun, obra estrenada en 2014 que lleva ya más de 300 funciones en el Teatro del Pueblo de Buenos Aires y ha recibido más de 15 premios. Desde Estados Unidos, W Momix Forever es la culminación de 35 años de existencia de MOMIX, una de las compañías de danza más innovadoras y prestigiosas del mundo. Se trata de un espectáculo con el que Moses Pendleton, su fundador, celebra una historia llena de éxitos. Otras propuestas incluyen La clausura del amor (Buxman Producciones/Kamikaze Producciones) del autor y director francés Pascal Rambert, que dirige por primera vez en castellano su pieza más representada. Bárbara Lennie e Israel Elejalde son los protagonistas de esta dura obra. También se podrá ver Tierra del Fuego de Mario Diament y dirigida por Claudio Tolcachir. La compañía Avanti Teatro presentará El Jurado

septiembre octubre de Luis Felipe Blasco Vilches bajo la dirección de Andrés Lima e inspirado libremente en “Doce hombres sin piedad” de Reginald Rose. Además estará Iván Off de Antón Chéjov con versión y dirección de José Martret por La Casa de la Portera; La respiración de Alfredo Sanzol; El público de Lorca con dirección de Àlex Rigola; e Incendios de Wadji Mouawad con dirección de Mario Gas e interpretación de Núria Espert. En cuanto a la danza, Foot-ball de Cesc Gelabert presenta la unión entre el fútbol y la danza en una descodificación coreográfica de algunas de las mejores jugadas del FC Barcelona. Entre los montajes en euskera se encuentran la pieza poética y sensorial Hautsa de Parasite Kolektiboa y Francoren bilobari gutuna de Artedrama, Le Petit Théâtre de Pain y Dejabu Panpin Laborategia. MUCHO MÁS TEATRO

Además de los mencionados espectáculos, que serán representados en el Teatro Principal, otra parte de la programación tendrá lugar en diferentes centros cívicos de la ciudad. Así, el Teatro Jesús Ibáñez de Matauco acogerá El minuto del payaso de Teatro El Zurdo con Luis Bermejo, y lo mejor del Be Festival de Birmingham, con Situación con brazo en alto de Oliver Zahn (Alemania), Overload de Teatro Sotterraneo (Italia) y Quintetto de TIDA (Italia). En el Teatro Félix Petite se podrán ver Taxidermia de un gorrión de Kulunka Teatro, el espectáculo de circo contemporáneo vasco con música en directo Lurrak y Azken trena Treblinkara/Último tren a Treblinka de Vaivén Producciones. Seis son los espectáculos propuestos para disfrutar en compañía de toda la fa-

El Jurado de Avanti Teatro ©Luis Castilla

milia. La compañía Ananda Dansa llevará a Gasteiz una pieza contemporánea y personal inspirada en el inmortal cuento de Collodi: Pinoxxio. El montaje cosechó 7 Premios Max en la edición de 2016, incluido el de mejor espectáculo familiar. También cuenta con diversos galardones Dot de Maduixa Teatre (Premio Feten 2014 y Premio Max 2015 al mejor espectáculo infantil). Es un espectáculo de danza, teatro, música y nuevas tecnologías cuya combinación ofrece un rompecabezas mágico. Así como Luppo de Baobab Teatro, Premio al Mejor Espectáculo Infantil en la Feria de Teatro de Ciudad Rodrigo 2015. Danza, autómatas y vídeos serán los protagonistas de Vuelos de Aracaladanza. Lunaticus Circus, obra en euskera de Teatro Paraíso, será un circo para soñar, reír y jugar a transformar la realidad. Además, se buscará la participación del público con la instalación interactiva Micro Shakespeare.

Para bebés de entre 1 y 3 años están dirigidas Sin Palabras de Lasal Teatro, ¡Ooooo! (Boucle d’O) de Cie du PorteVoix y Cie a Tous Vents, y la instalación Secretos en el bosque de Teatro Paraíso, que tendrán lugar en el Teatro Federico García Lorca. Un año más el festival propone la iniciativa Teatro Abierto, que busca exhibir propuestas de creadores escénicos locales en espacios diferentes al escenario de los teatros, donde la cercanía y complicidad con el espectador son claves. Así, se presentarán La cuestión de Pikor Teatro; Where are your friends tonight de Sleep Walk Collective; Madame B de Pez Limbo Creaciones; y Usteak Ustel de Parasite Kolektiboa. Visitas guiadas, tertulias y talleres completan las actividades de esta 41ª edición del Festival de Gasteiz, que acogerá también los días 14, 21, 28 y 29 de noviembre las 8 Jornadas de Artes Escénicas.

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16 septiembre octubre XXX Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca

Tres décadas trabajando para el teatro y la danza el 26 al 29 de septiembre Huesca celebra el treinta aniversario D de su Feria Internacional de Teatro y Danza

a Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca cumple treinta años y los asume “con ilusión, con una programación que trae algunos de los “imperdibles” del teatro y la danza no solo de este año, quizá de esta última década”, afirma su director, Jesús Arbués, una de las pocas personas que puede hablar de las 29 ediciones ya celebradas. “Recuerdo esa Feria como un divertido caos. Los horarios se superponían, había que salirse de una obra para llegar a la siguiente. Huesca no tenía ni espacios teatrales, ni establecimientos hoteleros, ni equipo de gestión y, misteriosamente, la Feria arraigó en la ciudad”, explica Arbués para añadir que “si hay algo que marcó esos primeros años de Feria ha sido su “mala salud de hierro”. Arbués es claro: “es obvio que siempre ha habido un equilibrio difícil. La ecuación entre apostar por el teatro de la comunidad sin desvirtuar su carácter de referente del mercado nacional, ser capaz de llegar al público como si se tratara de un festival y, al mismo tiempo, realizar un evento comercial absolutamente profesional ha sido una operación difícil de resolver”, y recuerda a las personas que durante estas tres décadas han estado al frente de la feria: Juancho Graell, Jose Maria Pons, Javier Brun, José Luis Melendo, Luis Calvo, Benito de Ramón y Francisco Ortega sin olvidar a Anabel Salcedo, “figura esencial en la producción de la mayoría de ediciones de este certamen y parte esencial en la configuración actual”. Sobre la situación actual, Arbués hace hincapié en que “sigue habiendo una cier24

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participación aragonesa sin que eso cause ningún trauma. Trabajar con perspectiva, equipos y espacios”. Programación

Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa ©Ros Ribas

ta inestabilidad en la organización (...) y el presupuesto ha quedado anclado tras la crisis” pero con todo la Feria goza la última década de una mayor estabilidad, con unos criterios que le han dado una inusitada consistencia (...) La feria de teatro sin teatros se ha convertido en la Feria con mejores infraestructuras de todo el estado”. Sobre la programación de la feria, su director afirma que destaca el “apoyo a los coreógrafos y dramaturgos que asumen riesgos (...) Pasar de “lo internacional” a “lo internacional posible (y necesario)” buscando sinergias mayoritariamente con el sur de Francia”, para concluir que “el éxito de la Feria de hoy es su continuidad. La capacidad para dejar de dar bandazos. Poder trabajar manteniendo unos criterios de programación, manteniendo un 30% de

Al cierre de la edición de esta revista, aún no se ha cerrado la programación de esta edición de la feria, por lo que quedarán sin nombrar algunas compañías participantes en una programación en la que vuelve a ser relevante el peso de la danza contemporánea y en la que cabe destacar el estreno del nuevo trabajo de Compañía Sharon Fridman, All Ways proyecto con el que cumplen diez años de creación sintiendo que finaliza un ciclo que comenzó años atrás con unas primeras intuiciones, unas primeras pasiones. Una pieza sobre la libertad de percibir siempre todos lo caminos, la libertad de seguir el camino que se es llamado a recorrer. Estrena también en la feria Cía. Mar ta Carrasco que como ya lo hiciera con las obras ‘Aiguardent’ y ‘Blanc d´Ombra’ vuelve a los escenarios con el unipersonal Perra de nadie. Sobre las tablas Carrasco da vida a Lili, una perra, porque perra se nace, no se hace. Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa propone en Escrito en el aire un ritual creado tras el encuentro de Gelabert con el escritor, pintor y director de escena francés Valère Novarina y la fusión de la danza contemporánea y la danza tradicional vasca desde la visión de Carles Morau de La Veronal se convierte en Oskara de Kukai Dantza, mientras un solo es Dis-Connect proyecto que surgió a raíz del proyecto

septiembre octubre SABA de la coreógrafa y bailarina Lali Ayguadé que pone en esena Diego Sinnige. La danza multimedia toma la escena con Nagore, de Circle of Trust & Logela y la danza es también el lenguaje escénico de dos montajes de las aragonesas Lamov Compañía de Danza 7 pecados capitales para el que han contado con las visiones de 7 coreógrafos y Manos pegajosas de Dos en paralaje presenta el último trabajo de la coreógrafa Ingrid Magrinyà. El teatro de texto llega de la mano de compañías como Wichita Co. y la obra A España no la va a conocer ni la madre que la parió, texto de Lucía Carballal, Víctor Sánchez Rodríguez en torno a dos generaciones de jóvenes en una familia española de izquierdas. Acorar es una obra escrita e interpretada por Toni Gomila que reflexiona sobre la identidad colectiva de los pueblos a cargo de Producciones de Ferro y Borobil Teatroa convierte el escenario en terreno de juego para mostrar en tono de comedia, el mundo del fútbol en Fuera de juego. Con Ragazzo, Teatre Tot Terreny propone un grito a la vida, a la dignificación de las historias personales, a la reivindicación de la memoria colectiva y de la Historia a partir de los hechos acaecidos durante la reunión del G8 en Génova en 2001. Kubik Fabrik presenta Historias de Usera basada en esas historias que narran los acontecimientos histórico/populares ocurridos en el barrio madrileño de Usera y para la que han contado con dramaturgos como Miguel del Arco, Alfredo Sanzol, Denisse

Diego Sinnige

Electra de Companhia do Chapitô

Despeyrus o el novelista Alberto Olmos. Después de ‘Edipo’, la Companhia do Chapitô hinca el diente a otra tragedia griega, Electra desde su particular estilo propio e inconfundible y en clave de absoluta comedia. La producción aragonesa estará representada por la shakesperiana Mucho ruido y pocas nueces sound party de Esencia Producciones, Lagar tolagar to y Tornabis, el nuevo espectáculo de improvisación de Teatro Indigesto, Podemos conseguirlo ARAGÓN y El año de Ricardo de Angélica Liddel de la mano de Alasarmas Teatro. Aragonesa es también la compañía Teatro Arbolé que pondrá en escena el único espectáculo de esta edición

dirigido al público infantil, Veoleo para acerca los cuentos de siempre, los que siempre están, los que no solo se leen, sino que las más de las veces se trasmiten de forma oral. Las artes circenses tienen una notoria presencia. Maria Cavagnero presenta Me and Wheel, un proceso de conocimiento, de esfuerzo, dasafío y unión en el que se ve reflejado el duro camino con el que a diario se encuentran los acróbatas. La Fem Fatal lleva al circo una metáfora sobre la intensidad de las relaciones en la vida en Anton i Polina. Biel Jordà es el autor y director de Fuga de Res de Res una invitación a reflexionar sobre aquellas limitaciones impuestas o que nosotros mismos hemos creado y desde Francia llegan Cie. Daraomai y Nacho Flores. Los primeros presentan TiraVol una acrobacia inédita, desafiando la frontera entre pértiga china, funambulismo y acro-danza. Con Tesseract F y tras diez años de trabajo sobre la cuerda floja Flores cambia hacia el equilibrio sobre cubos de madera. Los holandeses Voices of the city llegan con Circ/Us un proyecto de arte comunitario internacional, una plataforma para descubrir artistas y crear un teatro poético e interdisciplinar. Pero habrá más porque junto con la zona de mercado, tendrán lugar dos talleres y la presentación del proyecto ‘De mar a mar- Pyrénées de Cirque-DMAM’, iniciativa de cooperación transfronteriza del que es parte la feria además de las Jornadas sobre acompañamiento de proyectos de nuevo circo.

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16 septiembre octubre XXVII Mostra Internacional de Mim de Sueca

El MIM propone un viaje emocional a través del gesto

Mulïer de Maduixa Teatre

a Mostra Internacional de Mim a Sueca alcanza su 27ª edición, que se celebrará del 14 al 18 de septiembre bajo el lema “Emocionario del gesto”. El MIM es un festival dedicado específicamente a exhibir espectáculos de teatro de sala y de teatro de calle en los cuales el gesto, la gestualidad, el mimo, el cuerpo y el movimiento de los intérpretes son el principal elemento artístico del espectáculo y el más importante canal comunicativo con el público. La presente edición presenta un programa en el que participan 20 compañías: 6 de la Comunidad Valenciana, 7 del resto del Estado (Catalunya, Islas Baleares, País Vasco, Madrid y Andalucía), 6 de Francia y una de Portugal. Nueve serán los espectáculos de sala y once los de calle, de los que trece serán gratuitos. En su vertiente formativa y pedagógica, el MIM de este 26

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año ofrecerá la clase magistral “La teatralidad del movimiento”, impartida por Clarie Heggen, eminencia del teatro gestual y teatro de objetos; y el curso “El cuerpo expresivo”, impartido por Pau Bachero, actor, creador, director teatral e integrante de la compañía francesa Théâtre du mouvement. Entre los montajes destacan cuatro estrenos. Metamorfosi es la propuesta de La Panda de Yolanda, compañía valenciana que se caracteriza por mezclar diferentes disciplinas artísticas en sus creaciones. La nueva pieza es un montaje artesanal de investigación escénica, basado en la novela de Kafka y producido en colaboración con los Forman Brothers Theatre (República Checa), La Protectora y el MIM. Biblioteca de ruidos es el nuevo proyecto de dos personalidades creativas singulares: el escenógrafo y maestro de escue-

la José Antonio Portillo y el músico Enric Monfort. Siguiendo la serie de Bibliotecas del primero (Archivo de gestos emocionales, Biblioteca de cuerdas y nudos, etc.), aúnan por primera vez sus dos mundos artísticos para ofrecer al espectador un viaje emocional al mundo de los sonidos. También se podrá disfrutar de Ylanna 25 de la compañía madrileña Yllana, que cuenta con 25 espectáculos que han viajado por todo el mundo. Entre su larga lista de reconocimientos destacan dos Premios Max, uno al Mejor Espectáculo Musical por ‘Avenue’ y otro al Mejor Espectáculo Infantil por ‘Zoo’. La compañía vuelve al MIM para celebrar su 25 aniversario con el estreno de este montaje que recoge los mejores momentos de su historia. Por último entre las primicias, El silenci de l’estima es una pieza realizada ex profeso para esta edición producida por el

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MIM y el Taller Municipal de Teatre Sueca. Los alumnos del taller han preparado un espectáculo expresamente para el festival: una acción itinerante que jugará con la intimidad y emociones de los espectadores de una manera directa. “Si te encuentras con ellos, sólo tienes que dejarte llevar y, sobre todo, dejarte querer”, afirman. MÁS NOVEDADES

Siete son los montajes que se podrán ver por vez primera en la Comunidad Valenciana. Maduixa Teatre apuesta por la creación de espectáculos singulares con la aplicación de las nuevas tecnologías. Ha realizado una extensa gira por Europa, Asia y América y cuenta, entre otros, con el premio MAX 2015 al Mejor Espectáculo de Teatro Infantil por ‘Dot’. Su nueva producción, Mulïer, investiga las posibilidades de la danza con zancos para poner voz a las mujeres de todo el mundo y a su lucha en todos los ámbitos de la vida. Solitudes es el segundo montaje de los vascos Kulunka Teatro, compañía de teatro especializada en máscara expresiva. Después de ‘André y Dorine’, presentan una historia que, a través del humor, ahonda en la soledad y la incomunicación de los miembros de una familia. El mismo equipo creativo ha puesto en pie un nuevo trabajo de teatro de máscaras que, sin una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo. También desde el País Vasco llegará Amour, producción del bilbaíno Teatro Arriaga y Marie de Jongh, compañía referente dentro del panorama teatral dirigido a toda la familia. Con un sello basado en la creatividad de su director Jokin Oregi, quien escribe y dirige todos los espectáculos hasta la fecha, ha ganado numerosos premios, entre ellos el FETEN al Mejor Espectáculo Infantil con Amour, un espectáculo que muestra el verdadero significado de amar a través de la historia de dos niñas que se enamoran. El clown gestual y la manipulación de objetos articulan las creaciones de la catalana Cia ES, que estará por primera vez en la Comunidad Valenciana con In, tras realizar su gira por Europa con más de 400 representaciones. Se trata de un espectáculo de malabares creado en colaboración con el Centro de Artes Circenses Lido de Tolouse e impregnado de un humor muy personal. La formación cuenta con otros espectáculos como ‘Igloo’ y ‘Iceberg’. La compañía portuguesa Cão à Chuva, que plantea en cada espectáculo una sacudida, un revuelo, un caos donde todo está bajo control, estará en el MIM con Lullaby. El excéntrico clown Rui Paixão propone un espectáculo interactivo (ganador del Premio OFF Circada) donde el clown, el nuevo circo, el teatro físico y el mimo se funden para reivindicar el poder de las artes de calle en la creación de emociones y risas en el público. Procedente de Normandía, la compañía de danza contemporánea Cie Beau Geste es fiel a la tradición artística que antepone siempre la personalidad del bailarín y los movimientos que le son propios. Con Transports Exceptionnels recala por primera vez en la Comunidad Valenciana para ofrecer un impactante dúo entre un bailarín y una pala excavadora que se funden en un espectacular juego poético. Es un montaje con diez años de recorrido por las calles de los cinco continentes. Por último, la también francesa 1Watt llegará a Sueca con Parfait Etat de Marche, un espectáculo de calle fuera de cualquier norma que se nutre de la improvisación, la experimentación, la inspiración artística del momento y la exploración del espacio público. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre XVIII BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

Equilibrio entre la creación vasca y la internacional

A Room For All Our Tomorrows de Igor & Moreno ©Alicia Clarke

rganizado por el Ayuntamiento de Bilbao, la 18ª edición del BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea tendrá lugar del 20 al 29 de octubre en los escenarios habituales como BilbaoArte, La Fundición o Bilborock, además de nuevos espacios que se suman este año, como el auditorio del Guggenheim, el Teatro Campos Elíseos o Pabellón 6. Una veintena de compañías componen la programación en la que destacan 1 estreno absoluto, 3 en el Estado y 10 montajes que podrán verse por primera vez en Euskadi, además de varias colaboraciones con otros festivales e iniciativas de apoyo a la creación escénica. El BAD mostrará también el preestreno de la versión para sala del espectáculo de circo contemporáneo Lurrak, coproducido por los festivales Kalealdia y Kaldear te. Una programación equilibrada entre la nueva creación vasca y una destacada presencia de compañías internacionales caracteriza la presente edición del BAD. De la veintena de compañías programadas, casi la mitad son artistas que pueden enmarcarse dentro de la escena contemporánea vasca. Así, el BAD ha coproducido junto 28

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con el TOPIC de Tolosa el espectáculo de danza y teatro Hariak de la compañía Er tza. Dirigida por Asier Zabaleta y con textos de Harkaitz Cano y Joseba Sarrionaindia, es una obra multidisciplinar creada a partir de las experiencias de gente que ha visto cómo los hilos que sostenían sus vidas se han quebrado repentinamente y ha tenido que comenzar una nueva vida desde cero. El BAD está también presente en las últimas creaciones de MAuMA, Mugmus Laborategia, Parasite Kolektiboa y Olatz Gorrotxategi, ya que sus proyectos resultaron seleccionados en la última convocatoria del programa de BilbaoEszena de apoyo a la creación escénica “Artistas en Residencia”, aunque sólo dos de ellas se estrenarán en el festival. La primera es la pieza de danza Esku harriak: Oteizaren (h)aria, primer trabajo de la compañía MugMus Laborategia. Este montaje hace una relectura del imaginario creado por el artista Jorge Oteiza a lo largo de su trayectoria ofreciendo una puesta en escena multidisciplinar a través de la danza contemporánea y la música original en directo, pero combinando e hilando también con la escultura, el tratamiento del espacio y texto. De esta

manera, se pretende recordar y reconstruir el amplio y particular universo de Oteiza. Y la segunda es KT83 de MAuMA, una pieza de danza site specific. En ella se presenta un hombre con un megáfono, un foco, una mujer con un micrófono, sonidos del cuerpo, música de otro tiempo, un baile de la mano de Marta Álvarez, Jon Koldo Vázquez y Atxarte López de Munain. Otras creaciones de artistas vascos son la instalación coreográfica Lur Away de Sra. Polaroiska y el film escénico Malmö de Khea Ziater. Como preestreno se ofrecerá la versión para sala de Lurrak, pieza de circo contemporáneo enraizada en la cultura vasca en la que Adrian Schvarzstein dirige a cinco actores y actrices y cuatro músicos. Entre el resto de propuestas programadas sobresalen algunos artistas como el coreógrafo y bailarín catalán Alber Quesada, que llevará a escena su último dúo inspirado en el flamenco UnDosTresUnDos que interpreta con el bailarín húngaro Zoltan Vakulya. Otros destacados artistas de la escena contemporánea estatal son la madrileña Janet Novas (en coproducción con el BAD y en colaboración con el Festival Escenas do Cambio); la compañía gallega Noente Paradise; los artis-

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Malmö de Khea Ziater

tas escénicos y audiovisuales Germán de la Riva e Itsaso Iribarren; y el chileno afincado en Barcelona Txalo Toloza, que presentará su tercer trabajo Extraños mares arden junto con la coreógrafa navarra Laida Azkona, en otra apuesta del BAD en colaboración con el Antic Teatre y el Festival Terrassa Nuevas Tendencias - TNT. Roger Bernat estará también en Bilbao con dos piezas teatrales que se podrán ver por primera vez en Euskadi. El creador catalán, para muchos uno de los investigadores y creadores más estimulantes del momento, es conocido por crear espectáculos en los que el público ocupa el escenario y se convierte en protagonista. Oferta internacional

Volmir Cordeiro, joven bailarín y coreógrafo brasileño afincado en Francia, representará por primera vez en Euskadi su solo de danza Inês. Esta propuesta cuenta con la colaboración del Instituto Francés en París y también en Bilbao, ya que está considerado como uno de los artistas emergentes en el mundo de la danza contemporánea francesa. Igor & Moreno, dos jóvenes artistas con base en Londres que fueron nominados por los National Dance Awards de Reino Unido, presentarán en primicia en el Estado su última creación A Room For All Our Tomorrows. Los otros dos estrenos estatales llegarán de la mano de Matija Ferlin y Taoufiq Izzeddiou. El coreógrafo croata Matija Ferlin presentará su solo de danza-performance Sad Sam Lucky, un homenaje muy físico, emocional y turbulento al singular poeta esloveno Kosovel. En cuanto a Taoufiq Izeddiou, llevará a cabo En Alerte, un montaje coproducido por el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas, donde se estrenó el pasado mes de mayo.

El coreógrafo, bailarín, profesor y director artístico de la compañía Anania y del festival de danza contemporánea On Marche, dibujará con su cuerpo a partir de la poesía contemporánea del célebre poeta palestino Mafmoud Darwish. La programación internacional se completa con dos propuestas llegadas de México y Corea. Por un lado, la compañía Lagar tijas Tiradas al Sol ofrecerá dos espectáculos relacionados entre sí: Tijuana, una pieza de teatro documental de Gabino Rodríguez que indaga en las posibilidades de la representación para reflexionar sobre la política, la democracia y la influencia de la economía en la percepción que tenemos de ambas; y Veracruz, un relato performativo sobre las situación política de México y los vínculos con el narcotráfico, interpretado por Luisa Pardo. Y por otro lado y desde Corea, JBK Company ofrecerá Gynn, que fue premiado en la última edición del ACT Festival de nuevos creadores. La oferta del festival se completa con diversas actividades para profesionales de las artes escénicas. Albert Quesada ofrecerá el taller “Moverse para escuchar” e Igor & Moreno harán lo propio con “Daily Dances”. Además, se ha organizado un encuentro en colaboración con ADDE –Asociación de profesionales de la danza de Euskadi– que tendrá como invitada a la Asociación de profesionales de la danza de Cataluña. La parte formativa se completará con un encuentro monográfico sobre “Nuevas tecnologías: herramientas emergentes en las artes escénicas” organizado por Asociación de Técnicos de las Artes Escénicas - ATAE, y en colaboración con la iniciativa “Bilbao-Santander Tan Cerca” habrá un taller sobre el papel del vídeo en la escena contemporánea. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre XXXIV Jornadas de Teatro de Getxo

Llega a Getxo una rica oferta teatral para todos los gustos

as trigésimo cuartas Jornadas de Teatro de Getxo se celebrarán los días 7, 8, 9, 14, 15 y 16 de octubre con un programa que incluye once espectáculos. Las representaciones se realizarán en tres espacios: la Plaza San Nicolás de Algorta, la Escuela de Música Andrés Isasi de Las Arenas y la Avenida Basagoiti de Algorta. Además, se podrá disfrutar de once piezas dentro de la III edición de Teatro Breve, que tendrá lugar los días 9 y 16 de octubre en el Aula de Cultura. Tres serán los montajes dirigidos al público adulto que se podrán ver en Getxo. Tras la frontera de Plataforma Tirante es un espectáculo multidisciplinar, “un viaje desde nuestro terrible pasado ligado a las guerras y al exilio forzoso de nuestro pueblo hacia Francia y otros destinos. Un emotivo viaje que continúa por nuestra vergonzosa actualidad en la que repetimos los errores del pasado, pero desde el lado del opresor, sin recordar el dolor vivido. Un viaje que acaba en un futuro inventado donde pasar una frontera se convierte en un reality show que hace espectáculo de la injusticia y la miseria, mostrándonos en qué nos podemos convertir”. Heroiak de Txalo Producciones cuenta la historia de tres veteranos de guerra que se encuentran en una residencia para ex-soldados, viendo pasar la vida. Enrique cojea, Gustavo padece de agorafobia y Felipe tiene mareos frecuentes, a causa de un fragmento de metralla que tiene incrustado en el cráneo. Consecuencias de la guerra. “Nuestros tres héroes (cuatro, si contamos una pequeña estatua de un perro de piedra) deciden fugarse de la residencia. Pero, ¿adónde? ¿A Indochina? ¿A un pueblo cercano? ¿O a la cima de un monte azotada por el viento?”. En La flaqueza del bolchevique de K Producciones, el protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué 30

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Gear de Matxalen Bilbao

4X4 de Ertza

Heroiak de Txalo Producciones

La flaqueza del bolchevique ©Sergio Parra

frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse “al acecho y aniquilación moral de Sonsoles”. Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Aunque no tiene ninguna fijación con las jovencitas, conserva un retrato de las hijas del zar Nicolás II. Le atrae especialmente la duquesa Olga y a menudo se pregunta qué debió sentir el bolchevique encargado de matarla. “Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista”. Otras tres obras serán representadas para el público infantil. En Herriko jaiak, Potxin eta Patxin mostrarán sus habilidades con los malabares, el mimo y harán a todos los asistentes partícipes de sus juegos. Robando magia de Txalo Produkzioak presentará a Dorleta, que acude al teatro a hacer un casting para ayudante de mago; Txomin que también va al teatro, pero no al casting, sino a llevarse unas cuantas cosas “prestadas”, ya que es un ladrón; y Vladimir, que irá a presentar su increíble espectáculo de magia. Y Glu Glu Producciones llevará a cabo el cuento clásico del siglo XIX, Marikixkur eta hiru hartzak (Ricitos de oro y los tres ositos), con música, danza, comedia y mucho juego teatral para el disfrute del público. Otras cinco obras para todos los públicos completan la oferta de las Jornadas. En cuanto a la danza, seis bailarines de la compañía de Matxalen Bilbao se buscarán, se seguirán, se reunirán, se separarán y viajarán a través de diferentes situaciones con sus cuerpos sobre música de W.A. Mozart y J.S. Bach, en la pieza Gear. Sus movimientos se basan en procesos de organización, migración, ligereza y singularidad para crear paisajes humanos, físicos y emocionales, dentro de un plano poético. Y la compañía Ertza llevará a escena 4X4 (Premio Umore

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Azoka 2013 al Mejor espectáculo vasco), una propuesta de danza urbana que mezcla con humor el virtuosismo singular de sus intérpretes y una pequeña gran reivindicación: “el derecho a ser diferente”. Tomando como punto de partida la rivalidad de las batallas de baile, se crea una danza frenética en la que diferentes estilos se hacen uno en pos de una sola energía que no para de subir. Dos espectáculos sin texto son Su à feu de Deabru Beltzak y Funes van de The Funes Troup. El primero, basado en la danza urbana, el fuego y el ritmo, explora desde un ángulo nuevo y fantástico el espacio urbano. Así, curiosos personajes que recuerdan a figuras del futuro invaden la calle transformándola en un espacio en el que los rituales modernos integran gestos de la vida cotidiana mezclados con los ritmos de diversas partes del mundo y el fuego primitivo. El segundo, por su parte, presentará a tres personajes que están en una caravana sin ninguna preocupación más que divertirse, ser felices y compartirlo con los demás. Por último, en Ongi etorri Findemundo, Amaia Erauskin, alias “lluvia”, tendrá una visión: quedan 15 días para que llegue el fin del mundo. TEATRO BREVE

Las piezas seleccionadas para la presente edición de Teatro Breve, con una duración de entre 15 y 20 minutos, ofrecerán tres funciones al día. Así, el día 9 de octubre se podrán ver Alineada, Manar, I’m a Real Artist, El diablo del teatro y Boxers. Y para el día 16 están previstas Prohibido soñar despierto, El falso paraguayo, Berriz Topatzean, Un hombre apunta a otro hombre con una pistola, El árbol de Hiroshima y El primer tren que salga.

Funes van de The Funes Troup

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16 septiembre octubre XVI Danza Xixón - Muestra Internacional de Artes del Movimiento

Todos los cuerpos se ponen en movimiento con ritmo na muestra de importantes espectáculos de dieciséis compañías U para la edición número dieciséis

a Muestra Internacional de Artes del Movimiento Danza Xixón es un proyecto coordinado por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular que a través de los espectáculos, talleres y seminarios que conforman su programación fomenta la creación, la producción y la difusión de la danza contemporánea y el espectáculo gestual en Gijón. Del 12 de octubre al 1 de noviembre se celebra una nueva edición con un programa compuesto por diecisiete compañías que llevarán a cabo veinticinco funciones, dos de ellas en la calle y el resto en los diversos escenarios de la ciudad. Los talleres de esta edición serán impartidos por Marco Vargas y Choé Brûlé -’Tarantos’, taller de iniciación y ‘Bulerías’ de nivel avanzado- y el taller de danza contemporánea será a cargo de Dana Raz mientras que Estrella García y Miguel Quiroga se encargarán del seminario ‘Danzando en familia’, un taller que acerca la danza al entorno familiar desde una perspectiva lúdica y participativa.

Sobre los escenarios

La programación de esta edición se inaugura con El amor brujo de Manuel de Falla en una coreografía de Víctor Ullate, una propuesta que ahonda en el misticismo gitano a través de “una historia de amor y pasión, de lágrimas y desconsuelo, de brujería y seducción, de muerte y de danza”. El Teatro Jovellanos será también el escenario donde conocer Carmen vs Carmen, “un viaje fascinante al universo de la mujer y su libertad” en palabras del coreógrafo Manuel Segovia. Con este espectáculo inspirado en la música de Bizet y la novela de 32

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W Momix Forever de Momix Dance Company

Merimée, Ibérica de Danza refleja a través de la danza española y su dramaturgia el grave problema del maltrato y la violencia de género. En el mismo enclave, una de las compañías de danza más conocidas del mundo, Momix Dance Company presenta W

Momix Forever, espectáculo que reúne las señas de identidad de la compañía capitaneada por Moses Pendleton y con la que celebran su 35 aniversario. Sobre el escenario un collage de piezas de sus siete creaciones más reconocidas junto con 4

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Oskara de Kukai Dantza Konpainia

nuevas piezas creadas para esta efeméride. También el Teatro Jovellanos, la obra de teatro Sin pan de Kamante, un proyecto que indaga en las razones del hambre tomando como punto de partida el relato ‘Un artista del hambre’ de Franz Kafka. En el Centro de Cultura Antiguo Instituto se podrá disfrutar con Oskara, fruto del trabajo de Kukai Dantza Konpainia con Marcos Morau de La Veronal que recorre algunos pasajes de la cultura vasca desde su origen hasta la época contemporánea dibujando un recorrido plástico y emocional de símbolos e iconografía de fuerza ambigua y desconcertante que contiene, dentro de sí, la historia de la experiencia humana. Con Tormenta la compañía que dirige Igor Calonge Cia. Cielo Raso ofrece “una mirada pura a la capacidad de transcender a la palabra desde el cuerpo”. Welcome to the Montogomery Experience es una experiencia dancística y musical inspirada en la estética de los años cincuenta y sesenta ideada por el músico Miguel Marín en colaboración con las coreógrafas Teresa Navarrete y María M. Cabeza de Vaca todos ellos presentados como Montgomery. Las acrobacias por su parte vertebran Todo encaja una combinación de potencia, técnica y plasticidad de la mano de Cia. Up Arte mientras que a través de lenguajes urbanos como el break dance o el hip hop Fernando Lima ha creado la coreografía El Olimpo no es aquí que presenta El Punto: Danza. Y con Libertino de Marco Vargas y Chloé Brûlé llega “un ritual vertebrado por un profundo latido flamenco, de estética depurada y esencial; un poema sensorial escrito con voces, sonidos, silencios, cuerpos, miradas y respiraciones”. La Cia. Fernando Hurtado por su parte presenta Confesiones de un primate en el km 50, obra creada a partir de la colaboración entre el coreógrafo Francisco Centeno y el propio Hurtado, encargado de interpretar la pieza. Hurtado es también el director de De flor en flor, una obra sobre el esfuerzo y el trabajo que la compañía presenta en el CMI Ateneo de La Calzada y el CMI Pumarín Gijón Sur. En este espacio Zig Zag Danza presenta Disculpe caballero, una coreografía de Ramón Ollér que parte de una idea de desdoblamiento de los personajes, abordándolos desde el cuerpo y desde la voz. En el Espacio Escénico El Huerto se pondrán en escena las obras Para regalo, pieza de Compañía Nómada en la que el bailarín y coreógrafo Roberto Torres presenta el afán de un hombre por encontrar el regalo perfecto y Mi casa infinita, una pieza para la primera infancia de Larumbe Danza. Completan la programación los espectáculos de calle Estudio 3: Miradas de Hojarasca y Circus-Stancia de Factoría Norte/Alice Archini y la pieza Babaol que la compañía Enambardanza subirá el primero de noviembre al escenario de Laboral Ciudad de la Cultura y con la que se clausura esta nueva edición de Danza Xixón. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre XXV FIOT de Carballo

40 actividades para festejar la trayectoria del festival gallego

l Festival Internacional Outono de Teatro llega este año a su 25ª edición con una programación que incluye, además de representaciones teatrales, otras propuestas que favorecen el encuentro y la convivencia entre todos los amantes del teatro. Todo ello tendrá lugar del 23 de septiembre al 30 de octubre en Carballo (A Coruña). FIOT presentará más de 25 espectáculos, con tres estrenos absolutos y ocho propuestas que se podrán ver por primera vez en Galicia. Las compañías provienen de 7 comunidades autónomas y 2 países, tratándose tanto de agrupaciones consolidadas como de emergentes. El hilo conductor de la programación estará este año condicionado por la propia trayectoria del festival, por esa idea de celebración de un aniversario, de evocación del recorrido y conmemoración. Una de las novedades será precisamente un pequeño prólogo del festival con la realización de un espectáculo de celebración del aniversario y la apertura del festival en la calle. Asimismo, no faltará a esta especial cita una representación de las compañías que marcan la trayectoria del festival, entre las que se encuentran algunas de las galardonadas con el Premio do Público. La madrileña Yllana, que cumple también 25 años, lo celebra con una selección de los mejores 25 sketches de sus espectáculos: Yllana 25. Desde su primera visita en 1997, han pasado por Carballo ya en nueve ocasiones, ganando tres veces el Premio do Público. Kulunka Teatro, que estuvo en Carballo con su primer trabajo ‘André y Dorine’, ofrecerá esta vez Solitudes, espectáculo que sin una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo. Tendrán también su espacio los homenajes a Cervantes y Shakespeare en el IV centenario de su fallecimiento. Así, Ron Lalá y la Compañía Nacional de Teatro Clásico llevarán a cabo Cervantina, una manera fresca, musical y divertida de acercarse a los clá34

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La Crazy Class de L`Om-Imprebís

sicos que constituye una señal de identidad de estos creadores. Y Sueño de una noche de verano, la popular comedia del dramaturgo inglés, será la propuesta de Metatarso Producciones, compañía dirigida por Darío Facal. El montaje enfatiza el espíritu divertido y cómico de la obra y acerca esta pieza universal a todo tipo de público. Además de la celebración, la comedia será también uno de los principales ingredientes de la presente edición del festival. Así, se podrá disfrutar de La estupidez de Feelgood. Se trata de un hilarante montaje en formato de road-movie teatral en el que cinco actores interpretan a 25 personajes. Entre las compañías gallegas, Contraproduccións es una de las referentes de FIOT, con la que coproducen y estrenan O tolleito de Inishmaan, un texto del irlandés Martin McDonagh en versión y dirección de Cándido Pazó. Un espectáculo de gran formato en el que el público se sentirá atrapado por el humor y la ternura. Y otro espectáculo gallego que forma parte de la programación es la última propuesta de una de las grandes compañías de Galicia,

Chévere, Premio Nacional de Teatro. Ya participaron en la primera edición de FIOT con Río Bravo, y vuelven ahora con Eroski Paraíso, un resultado de un proceso de investigación que recuerda, precisamente, la vida gallega de los años 90, vista desde los ojos de una estudiante de cine en la actualidad. También estuvo presente en FIOT en más de una ocasión L`Om-Imprebís, que presentará en Galicia su última creación, La Crazy Class. En ella se podrá participar de su homenaje al teatro, donde el público verá desde dentro lo que nunca puede presenciar como espectador, en un divertido y trepidante espectáculo. Otra de las propuestas es el primer trabajo de La casa de la portera, Ivan Off. Carballo acogerá el prestreno de un nuevo formato en gran escenario de este espectáculo que tuvo un gran éxito en formato de proximidad. La programación de sala está, al cierre de esta edición de ARTEZ, aún por completarse con algún espectáculo más, además de una propuesta internacional que está también pendiente de confirmación.

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Solitudes de Kulunka Teatro

Más actividades

La oferta de FIOT se completa con el Ciclo OTNI, un formato creado para dar cabida a proyectos de carácter contemporáneo y con una dimensión más experimental, arriesgada o alternativa, que emplean nuevas dramaturgias y códigos y lenguajes menos convencionales. Esta edición presentará tres propuestas que utilizan técnicas y lenguajes muy diferentes y que están también pendientes de cerrar. El teatro estará también presente en las calles, con animaciones teatrales participativas en diferentes espacios de la ciudad. Rudo es un montaje de circo contemporáneo de la compañía catalana Manolo Alcántara que se encargará de la apertura de FIOT. La narración oral de pequeño formato estará representada con el ciclo pionero en Galicia, Rúa dos contos, que llega a la mayoría de edad y que presentará, entre otros, a Rafael Maza y Riki López. Se podrá disfrutar también de un amplio y diversos programa de actividades de intermediación cultural y dinamización. Con motivo de la 25ª edición del festival está prevista una exposición especial, de producción propia, en la que harán un recorrido por la trayectoria y la evolución de FIOT. Se incluyen también el Proyecto fotográfico Zoom FIOT, encuentros entre las compañías y el público, y la escuela del espectador. Dentro de Fiotiño y dirigida al público infantil estará de nuevo la ‘Noite branca no teatro’, una oportunidad de conocer los secretos del teatro durante a noche. Los niños y niñas son los protagonistas de un divertido recorrido por la historia del teatro protagonizada por un cuentacuentos y un actor. Los participantes inician la actividad por la tarde, cenan y duermen en el interior del teatro y, a la mañana siguiente, crean y escenifican una obra. Además, se ofrecerán talleres como ‘Locutores de radio’ o ‘Como facer un conto?’. La oferta teatral infantil incluye también el espectáculo familiar Tripula de Farrés Brothers, una aventura escénica para espacios no convencionales. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre XVII Festival Internacional de Danza Dantzaldia - Bilbao

Caleidoscopio de novedosas liturgias dancísticas El Festival Internacional de Danza Dantzaldia de Bilbao celebra su décima séptima edición entre el 22 de septiembre y el 7 de diciembre con una programación compuesta por siete espectáculos y cuya inauguración tendrá lugar en la Sala Rekalde con la presentación de un fragmento de la pieza Cul de sac de KOR´SIACompañía Nacional de Danza. Esta nueva cita anual con la danza contemporánea que organiza La Fundición incluye el estreno absoluto de la citada pieza de KOR´SIA en el Teatro Barakaldo a la que le seguirán las propuestas de la compañía austríaca Cie Laroque en la propia La

Fundición, el nuevo trabajo de Claudia Dias en Azkuna Zentroa, Russia de los catalanes La Veronal y la nueva creación de Rocio Molina, ambas en la Sala BBK y la obra de Cia. B- Dance de Taiwán en el Museo Guggenheim. También habrá talleres realizados en colaboración con Dantzabiz y clases impartidas por los coreógrafos Mattia Russo y Antonio de Rosa; una oportunidad para disfrutar con el cine con una selección del Festival Choreoscope, además de conversaciones, encuentros profesionales y trabajo de mediación en torno al cuerpo y la evolución de la danza.

ras la inauguración de Dantzaldia el 22 se septiembre con un fragmento de Cul de sac, la Compañía KOR´SIA estrena al día siguiente la versión completa de esta pieza creada como homenaje al artista plástico Juan Muñoz por los coreógrafos italianos Mattia Russo y Antonio de Rosa, ambos bailarines de la Compañía Nacional de Danza. La pieza, se ha desarrollado como un proyecto de investigación sobre “los límites físicos y mentales que se oponen a los deseos de realización de todo ser humano” en el marco de la convocatoria de Residencias de Creación CND. Una obra que “exporta el imaginario del escultor, imprimiendo vida a sus figuras monocromáticas –gris plomo–, e imbuyendo de movimiento a las tensiones entre individualidad y sociedad que sugieren sus instalaciones”. La austríaca Cie. Laroque presenta Democrazy una pieza con coreografía y dirección de Helene Weinzierl “sobre la autonomía para decidir, en todas sus facetas: en el contexto de la democracia, de la libertad y de una sociedad hedonista, combinado con la publicidad y con muchas preguntas y observaciones sobre las estructuras de poder”. Claudia Dias por su parte presenta la primera pieza de su proyecto a siete años denominado ‘Sete anos sete peças’ 36

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Cul de sac la Compañía KOR´SIA

y que lleva por título Monday - Watch Out For The Right. En formato de un combate de boxeo, la coreógrafa y bailarina de Lisboa reflexiona sobre los golpes y es que “antes de que alguien nos agreda inesperadamente, es una buena idea prever en nuestra mente las posibles consecuencias del hecho. No saber ni la motivación ni la finalidad del acto es estar en desventaja… Pero si evaluamos el hecho, el antes y el después del impacto, podemos construir

el tiempo, la historia y nuestra memoria del futuro” explica Dias para añadir que “No teniendo miedo. No teniendo miedo de nada. No dejando al miedo que lo acapare todo. No construyendo el Portugal del futuro sobre las bases del miedo”. Con Russia Marcos Morau y La Veronal parten de la road movie y la convierten en el relato de un viaje hacia el lago Baikal, el lago más profundo del planeta. Mediante imágenes que se desprenden

septiembre octubre de la idea de Rusia y su descontextualización, la pieza se pierde en el camino entre la abstracción y la narración haciendo que la obra sea la representación geográfica del miedo; “el fuerte lenguaje de movimiento que La Veronal viene generando utiliza la estimulación y recreaciones de patrones y formas para tejer el movimiento en torno al intérprete”. La compañía B. Dance creada por el coreógrafo taiwanés Po-Cheng Tsai presenta cuatro piezas, todas ellas dúos creados por el propio Tsai. La pieza Floating flowers se inspira en la tradición religiosa del sudeste asiático mientras que Huginn / Muninn parte de la mitología nórdica. Silence Scream es un vuelo sobre los momentos de impavidez e Innermost busca en la armonía interior del ser humano para evitar el sufrimiento. Rocío Molina, artista asociada a Chaillot – Théâtre National de la Danse de París será la encargada de clausurar esta edición de Dantzaldia su Nueva creación recién estrenada en dicho teatro. Un recital con su cuerpo como instrumento espléndido que acompaña a todos los demás en esta pieza de planteamiento díptico para la que ha con-

Democrazy de Cie. Laroque

tado con Carlos Marquerie, encargado de la puesta en escena y el diseño de iluminación. Una obra “relacionada con el silencio y la sonoridad siempre potente del flamenco; la fragilidad al lado de la fuerza del flamenco; la luz dialogando

con la oscuridad; la inmensidad que tiende al infinito y el espacio fragmentado que en su caos se vuelve también eterno; ‘La divina comedia’ de Dante Alighieri o ‘El jardín de la delicias’ de Hieronymus Bosch”.

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16 septiembre octubre XXV Festival Internacional de Títeres de Bilbao

Revivir los comienzos a través del encuentro E spectáculos para todos los públicos y tres exposiciones vertebran una nueva edición del veterano festival

l Festival Internacional de Títeres de Bilbao cumple su 35 edición y llegados a este punto sus organizadores quieren que la de este año sea un “encuentro” de personas y grupos que desde un inicio han estado y apoyado este proyecto. Tanto es así que Erramun Landa se ha encargado del diseño del Cartel de la presente edición tal y como lo hiciera los primeros años del festival. La programación se desarrollará del 18 al 25 de octubre en tres espacios principales como son Pabellón 6, donde se concentrarán las propuestas y actividades para adolescentes y adultos, en el Salón El Carmen de Indautxu donde se podrán ver los montajes para público familiar y en la Casa de Cultura de Barrainkua donde básicamente se dará cabida a las actividades paralelas. Dentro de estas actividades cabe destacar tres exposiciones que se podrán ver del 17 de octubre al 15 de noviembre. La titulada ‘La minuciosidad del teatro de lo oculto’ recoge más de 400 sellos y postales de 95 países de los cinco continentes que reproducen imágenes de máscaras y marionetas, de las singularidades culturales de cada país. Por otro lado, ‘Titereando: marionetas del mundo’ contempla 12 paneles donde se recoge la historia de los títeres por continentes, y por último se podrá disfrutar del ‘Homenaje exposición a Alberto Urdiales’ director en los años 80 del Teatro de la A y realizador del personaje del festival, ‘Txirlora’. Puestas en escena

Ligado al carácter internacional del festival la programación incluye actua38

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El niño que soñaba de La Mar de Marionetas

ciones de compañías venidas de distintos países como Brasil, Perú y diversos puntos del Estado español. Los burgaleses Alauda Teatro se encargarán de la actuación de la jornada inaugural el 18 de octubre con Macbeth, ya somos el olvido que seremos en Pabellón 6. La propuesta creativa parte de una premisa implícita en el texto; el misterio de lo que es “ser hombre” donde Alauda hace uso de una gran variedad de técnicas: marionetas de hilos, bunraku, miniaturas, fantoches, títere de guante y máscaras, todo ello presidido por la máquina de la guerra y el poder, un artilugio - instalación con elementos móviles. En este mismo espacio se podrá disfrutar de varias piezas más entre el 20 al

23 de octubre. Teatro La Tartana escenificará Don Juan en la sombra de la noche una versión contemporánea del texto de Zorrilla en una función especial dedicado a público adolescente. Teatro Arbolé por su parte mostrará la pieza Tragedias de amor y cuernos, una propuesta que recoge dos textos inmortales en la tradición titiritera de Don Ramón del Valle Inclán ‘Los cuernos de Don Friolera’ y de Federico García Lorca ‘El retablillo de Don Cristobal’. El autor y titiritero Antton Bastero de la Compañía Toni La Sal representará la versión en euskera de Alfonsina y el mar de las golondrinas donde traza una visión intimista sobre el poema ‘Golondrinas’ de la poeta Alfonsina Storni y los peruanos Proyecto mariposa darán

septiembre octubre a conocer Lucía del espejo testimonios de una piel en el que se trata temática de género. En la Sala El Carmen de Indautxu se llevarán a cabo el resto de propuestas en horario escolar por la mañana y abierto por las tardes desde el 19 al 25 de octubre. Desde Brasil Trapusteros Teatro escenificará Los cuentos de Otro donde nos presentan al niño Pancho que ama leer y vive con su madre, asimismo los colombianos Arlequín y los juglares llevarán a escena El cedro y la efímera obra que muestra la serie de relaciones juguetonas, alegres, nostálgicas, divertidas y asombrosas que se establecen entre la vida efímera del insecto y la vida milenaria del cedro. Por su parte la compañía de Baiona Azika Txotxongiloak viene a presentar Barne iluna en el que su protagonista anda detrás de un viejo sueño y camino se va encontrando con diversos personajes como el músico Kokin el cabezota, el conejo de un admirador, un osito y un mago. Tampoco faltarán a su cita el actor

Tragedias de amor y cuernos de Teatro Arbolé

y juglar titiritero cubano Adalett que en esta ocasión representará una versión contemporánea de la La cucarachita Martina o los peruanos Tárbol Teatro de Títeres que escenificarán Juancha y Mariacha donde dan vida a una pareja de campesinos andinos que viven cultivando sus tierras sembrando y cosechando. Cierto día la tranquilidad de la pareja se ve perturbada y su relación vivirá un cambio radical. La compañía madrileña La Mar de Marionetas dará por terminadas las actuaciones previstas para el público familiar con El niño que soñaba interpretada en euskera. Esta pieza es el fruto de un proyecto de cooperación cultural con artistas y entidades de Guinea Bissau. En ella se cuenta la historia de Moni, un niño que vive en GuineaBissau y sueña con ser músico. Esta escenificación de mitos y leyendas africanos pone de relieve la importancia de la amistad, la diversidad, la generosidad y la empatía con música en directo de Simao Félix D’Acunha y Toni Dalmau.

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16 septiembre octubre Festivales Iberoamericanos

Muestrario de excelencia del teatro iberoamericano actual anizales, Santos, Guanajuato y Quito concurren con excelentes M festivales donde tomar el pulso al teatro iberoamericano actual

a trigésima octava edición de l Festival Internacional de Teatro de Manizales, se celebrará del 2 al 11 de septiembre y tendrá como foco principal diversas obras como Labio de Liebre de Teatro Petra y Los Malditos una coproducción de Galicia, Canarias, Colombia, Uruguay, Aquitania y País Vasco dirigida por Mario Vega. Este año habrá dos ejes temáticos. El primero, transversal a la muestra artística y a los eventos académicos, como el Congreso Mundial de Teatro Universitario en el que participarán instituciones de Corea, Lituania, México, Estados Unidos y Colombia, pretende aportar a la construcción de escenarios para el postacuerdo en el marco de los diálogos de paz que vive el territorio colombiano. El segundo eje corresponde a la celebración de la obra de Miguel de Cervantes Saavedra y de William Shakespeare, en la conmemoración de los 400 años de muerte de los dramaturgos. A partir del teatro y las artes escénicas, ambas temáticas se ven reflejadas en una programación que proyecta sus vestigios literarios a través de producciones como El Quijote de Bambalina Teatro y La Venganza de Ricardo de Viajeinmóvil. La historia de Colombia, también, forma parte de la estructura artística y cultural del Festival de la mano de Teatro La Candelaria con su obra Camilo, que alberga la 40

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Labio de Liebre de Teatro Petra

que, “en esta edición del Festival, veremos espectáculos que se construyen desde la historia de nuestro país y del mundo, sus víctimas, sus carceleros, sus memorias y olvidos que se reviven para darle una mirada al conflicto desde otros ámbitos y otras voces, además de reflexionar acerca del futuro y cómo nos encaminaremos hacia la paz”. MIRADA

La cuarta edición de MIRADA Festival iberoamericano de artes escénicas se celebrará en Santos del 8 al 18 de setiembre y ofrecerá 43 espectáculos de 10 países iberomericanos, siendo España el país homenajeado presentará ocho montajes entre los que destacan Figura 1- Espectáculo 4, con la dirección de Rodrigo García, del colectivo Dínamo de Timbre 4 ©Sebastian Arpesella español La Carnicería Teatro, que abrirá el evento y el último historia de una de los personajes embletrabajo de Angélica Liddell, ¿Qué Haré yo con esta Espada?. máticos que definió la religión y la política, Desde Barcelona, los directores Roger y Casa Grande de Teatro Matacandelas, que nos presenta una adaptación escéniBernat y Yan Duyvendak llevan al príncipe ca de la novela de Álvaro Cepeda Zamudio, shakesperiano al banco de los imputados con la finalidad de traer a la memoria actual en Please Continue, Hamlet. En l Fugit, la Compañía Kamchàtka, de Cataluña prolos sucesos que dieron lugar a uno de los pone un recorrido itinerante. Agrupación acontecimientos más dolorosos de la histoSeñor Serrano presentará dos obras: ria de Colombia en el siglo XX. Birdie, que discute el fenómeno de la miraFrente a la temática que se abordará en da, y Brickman Brando Bubble Boom, una el marco del evento en el 2016, Octavio reflexión a partir de la especulación inmoArbeláez Tobón, Director del Festival Interbiliaria en el país. Andante de Markeliñe y nacional de Teatro de Manizales asegura

septiembre octubre Libertino, de Marcos Vargas & Chloé Brûlé, completan la oferta. Portugal participa con tres trabajos y el colectivo Kiknteatr ofrece Trilogía Boliviana del director y dramaturgo Diego Aramburo, Ecuador (Barrio Caleidoscopio, del Teatro de la Vuelta) y Perú (Cruzar la Calle, de Daniel Amaru Silva). De Cuba, Antigonón, un Contingente Épico, una profunda reflexión sobre el país y su gente en la perspectiva del Teatro El Público. De Chile, Teatrocinema, de Santiago, con La Contadora de Películas, desde Montevideo, Complot, ofrecerá La Ira de Narciso, texto y dirección de Sergio Blanco, y desde Buenos Aires, Timbre 4, presenta Dínamo. Desde México llega Psico/Embutidos, Carnicería Escénica, de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana. y Cuando todos Pensaban que habíamos Desaparecido - Gastronomiaescénica, de Vaca 35 Teatro en Grupo. La selección de los 15 espectáculos brasileños involucra ocho unidades federativas e incluye dos de las más esperadas obras de este semestre: Leite Derramado, adaptación escénica del romance homónimo de Chico Buarque, y A Comédia Latino-Americana, segunda parte del díptico idealizado y guionado por Felipe Hirsch junto con el colectivo Ultralíricos (SP - RJ), así como también A Tragédia Latino-Americana, el nuevo trabajo estructurado por algunos trechos de obras de la literatura de la región. cervantino

El XLIV Festival Internacional Cervantino en recuerdo y homenaje al creador de ‘El Quijote’ se desarrollarán del 2 al 23 de

octubre en Guanajuato (México). Conciertos, obras de teatro, óperas, funciones de danza, conferencias, actividades para niños, exposiciones y presentaciones de libros, son algunas de las actividades que se enmarcan dentro del programa ‘Cervantes 400. De la locura al idealismo’ y con más de mil actividades durante 21 días, es el festival más grande de todo el continente americano. Participarán artistas de 12 países con más de 20 obras de música y teatro. Destacan las actuaciones de la Orquesta Nacional de España o La Grande Chapelle, que ofrecerá Requiem para Cervantes de Mateo Romero, bajo la dirección de Albert Recasens. En danza se presenta la oportunidad única de apreciar tres versiones diferentes del clásico Don Quijote, con música de Ludwig Minkus a cargo de la Compañía Nacional de Danza de España, el prestigioso Dutch National Ballet y el Ballet de Jalisco. Destacan las óperas inspiradas en la obra del autor de las Novelas Ejemplares, que serán interpretadas por destacadas agrupaciones como el Dunedin Consort (Gran Bretaña), Le Concert Spirituel (Francia), Teatro Comunale di Bologna (Italia), la Ópera de Cámara del Teatro Colón (Argentina) y Les Nouveaux Caractères (Francia). Con el objeto de fomentar la creación, el FIC encargó a ocho compañías mexicanas la producción de ocho comedias de Cervantes. Teatro gestual, físico, clown, cabaret, farsa y títeres son algunas de las técnicas que usarán los directores que forman parte del proyecto Cervantes Off,

que también incluye la representación de cuatro Entremeses. El proyecto de llevar a escena la obra dramática completa de Cervantes se completará con dos selecciones de Entremeses cervantinos, una ya tradicional, a cargo del Grupo de Teatro de la Universidad de Guanajuato, y otra representada por la compañía española Teatro de La Abadía. La Compañía Nacional de Teatro presentará Numancia y se estrenarán dos montajes teatrales que fueron también comisionados por el Festival. Quito

Del 21 al 30 de octubre, Quito vivirá la segunda Fiesta Escénica en Quito–FIEQ, con once obras nacionales e internacionales entre las que destacan Amarillo de Teatro Línea de Sombra (México); No daré hijos, daré versos de Teatro La Morena (Uruguay); una delirante versión de Edipo a cargo de la Companhia do Chapitô (Portugal); Ifigenia Peep Show de The Winged Cranes (España); Mañana es Mañana de Cridacompany (Francia); Intérpretis por la Humanum Company (Ecuador / Francia); Tazas rosas de té del Colectivo Mitómana (Ecuador), obra ganadora de convocatoria a Dramaturgia Inédita 2016; Hamlet, un viaje de ida y vuelta por Antrópolis Colectivo Teatral (Ecuador) y División de gozo de Xona Bastarda (Ecuador), obras ganadoras de la convocatoria de Grupos Nacionales 2016; Un dolor infinito de la Compañía El Tiatro/ Montse Serra (Ecuador), ganadora del Pitch 2015; Ñucanchik antisuyu riman de la Compañía La Mestiza (Ecuador), ganadora del Showcase 2015.

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16 septiembre octubre XIX Fira Mediterrània de Manresa

La creación colectiva como leitmotiv en Manresa

a Fira Mediterrània de Manresa llega a su 19ª edición con una programación que reúne a más de 100 compañías y alrededor de 300 actividades. Del 6 al 9 de octubre, se podrá disfrutar de 38 estrenos y 12 coproducciones. La creación colectiva será el leitmotiv de esta edición en la que comunidades, público, entidades, artistas y profesionales formarán parte de procesos creativos basados en metodologías colaborativas y promovidas por la propia Fira. La propuesta que mejor recoge este espíritu es el nuevo proyecto singular de la Fira, Cadàver Exquisit, que combina videomapping, creación colectiva y danza comunitaria. En él participan de forma colaborativa David Carabén (líder de Mishima), la actriz Mercè Sampietro, el colectivo de creación sonora Cabo San Roque y el artista Toni Mira. Además, inaugurarán la Fira otros dos estrenos: los noruegos Frikar Dance Company, especialistas en el diálogo entre la danza contemporánea y la cultura tradicional, bailarán sobre la fachada del ayuntamiento a 30 metros de altura con la música en directo del trompetista franco-catalán Raynald Colom en Vertical dance; y Mar de Fuelles, un proyecto que une a los acordeonistas Kepa Junkera (a la trikitixa de Euskadi) y Chango Spasiuk (tocando el chamamé del norte de Argentina). Los tres espectáculos, que han sido coproducidos por la Fira Mediterrània, forman un programa inaugural triple que potencia la tradición, innovación y participación. Otra de las apuestas importantes de este año será la danza. Además de Leahkit de Frikar Dance Company, se podrá disfrutar de Tata Mala (Fira Mediterrània y Festival Grec) y Esvorell (Laboratorio de creación de la Fira Mediterrània 2015). También en el ámbito dancístico, la Fira se hace eco del trabajo de una nueva generación 42

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de creadores que están llevando la danza flamenca al espacio público, con la participación de Leonor Leal y Daniel Doña. Los nuevos formatos escénicos tendrán

Frikar Dance Company ©Cathrine Dokken

también su protagonismo. Es el caso de Pluja, con el actor Guillem Albà y la pianista y compositora Clara Peya, que tendrá lugar en una antigua central eléctrica. También estará en Manresa la ópera mecánica para marionetas automatizadas, El Somni de Gulliver, que estrenará formato de calle. O La Corde et On de los franceses Hydragon y la nueva creación de Toni Gomila, Peccatum, basada en cuentos populares mallorquines. MÚSICA

En el apartado musical, Manresa estrenará propuestas impulsadas por la Fira y enmarcadas en la creación musical vinculada a la raíz tradicional. En cuanto a la escena musical catalana, se presentarán las propuestas de Mayte Martín, Sanjosex & Carles Belda, Chicuelo & Mezquida, Aspencat y Coetus con Carles Dénia. En lo relativo al panorama estatal e internacional, se incluye una selección de bandas que combina artistas de referencia contrastada, nuevas tendencias y valores emergentes. Destacan

el concierto de Rozalén, la banda balcánica Fanfare Ciocarlia, el congoleño Baloji, el joven prodigio libanés Bachar Mar-Khalifé, el dúo belga de violonchelo y acordeón Belem, los argelinos Djmawi Africa, Mazagan desde Marruecos, Kalàscima de Italia, los castellanos Fetén Fetén, los gallegos Uxía y Narf, el grupo de folk de vanguardia bretón Spontus y el graller catalán Manu Sabaté, coproducción de la Fira. Por otra parte, la Fira explorará las potencialidades de la cultura popular y tradicional como elemento participativo, de trabajo comunitario y también de arraigo al territorio. Estará también presente la conexión entre las artes y la transformación social, con piezas como el proyecto Dance Generation de los valencianos Taiat Dansa, la propuesta de danza de los vasco-catalanes Colectivo el Brote, o el proyecto de gran formato Orquestra Integrada, espectáculo para orquesta sinfónica, con más de 70 personas, incluyendo músicos profesionales, estudiantes y personas con diversidad funcional. En cuanto a la programación paralela, cinco ciclos formarán este año parte del OFF. Los ya habituales Circuit Estepa Mediterrània, Concurso Sons y Humus Mediterrani; a los que se les suman la Xarxa Alcover y la Federación de Grupos Amateurs de Teatro de la Catalunya Central. Clausurará el programa de la 19ª Fira una pieza del patrimonio musical catalán, Tempesta esvaïda. Se trata de una comedia lírica en tres actos de Joaquim Serra con texto de Carme Montoriol. Contará con la Orquesta Camera Musicae, el coro Lieder Cámara y voces solistas destacadas, como Helena Copons, Anna Alàs y Toni Marsol, entre otros. La actividad profesional, por su parte, se reestructura en cuatro ejes: conocimiento, nuevos proyectos escénicos, internacionalización e innovación.

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16 septiembre octubre XVII Festival Enclave de Calle

Circo, feria, teatro y danza, apuestas seguras en Burgos

l Festival de las Artes Enclave de Calle prevé en su 17ª edición una programación muy variada donde reinarán las propuestas de circoteatro y teatro de feria. Del 16 al 18 de septiembre, más de una quincena de compañías de diversas procedencias actuarán en Burgos, centralizando la oferta en el entorno del Paseo del Espolón y la Plaza Mayor. No podrán faltar los artilugios que ya se han hecho tan familiares en el festival, ingenios que destacan por su extravagancia y la curiosidad que generan en el público. En la presente edición, la compañía Antigua y Barbuda se encargará en gran medida de que el teatro de feria siga siendo uno de los ejes de esta cita con Arquitectura de feria y la instalación de las Tumbonas. La primera estará ubicada en la conocida como Plaza de los ingenios (Plaza de la Libertad), donde también se podrá disfrutar de la noria Tingalya, el carrusel de caballitos, el árbol de hierro o la caseta de tiro. Esta propuesta está concebida como un fenómeno de emociones. Y la segunda, ubicada en el Paseo de Marceliano Santa María, será el lugar donde el público encontrará el remanso de paz gracias a sus hamacas, tras mover las atracciones de la Plaza de los ingenios, y donde un narrador contará historias. También se enmarcan dentro de teatro de feria tres propuestas de tres compañías francesas. Collectif la Mèandre y su Avión de papel tiene lugar dentro de una pequeña caravana que contiene un espectáculo a medio camino entre una función de cine y un concierto. Escargópolis de Cie. 2 Rien Mercí es una instalación-espectáculo donde el tiempo discurre despacio y los protagonistas indiscutibles son unos caracoles. Por último, Chimerarium de Cie Six Faux Nez también se desarrolla en el interior de una caravana, donde el público está invitado a disfrutar de un viaje extraño y extravagante. 44

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A cal y canto de Trapu Zaharra

Delirium saga circus de Bazar Forain

En el espacio del Parral estará la compañía francesa Bazar Forain con Delirium saga circus. Cabe destacar también la exposición circense-teatral Cor roC de la compañía catalana Escarlata Circus, que se podrá ver el Monasterio de San Juan. Se trata de una experiencia concebida como una visita guiada a una colección de piedras con forma de corazón que cobran vida, explican historias y son el eje, como dicen sus creadores, de un ejercicio “geocardioteatralcircense”. Asimismo, en la iglesia del citado emplazamiento tendrá lugar la propuesta especial dirigida

a bebés: Bu, de la burgalesa Margarito y Cía. En la Plaza Mayor actuará Gaudini Juggling, destacados malabaristas que regresan al festival con su nuevo montaje, 8 songs, compuesto por una serie de viñetas coreografiadas en lenguaje malabar sobre 8 clásicos del rock & roll. Circ Bover, por su parte, representará Vincles, una producción especial creada para la celebración de su 10º aniversario, cuya escenografía está construida en gran medida con cañas de bambú, con el objetivo de transmitir la elegancia y la técnica de las artes circenses. Compañías veteranas como Trapu Zaharra o Leandre no faltarán a su cita en Burgos. Los primeros mostrarán su último trabajo de carácter itinerante impregnado de su humor característico, A cal y canto, protagonizado por un matrimonio al borde de los 60 que malvive con su hijo Koldo de 31 años, que no ha trabajado jamás. En el mismo paseo a la altura de Cuatro Reyes, el artista catalán presentará Iceberg, una oda a la felicidad, al optimismo y a la belleza. La compañía burgalesa Tiritirantes también actuará en este emplazamiento con una propuesta de carácter itinerante, Ulterior. El viaje, un viaje al futuro de la mano del científico loco Copérnico. En un viaje también se centra el espectáculo de Farrés Brothers, Tripula, que estará en el Teatro Principal. Inspirado en el universo visual y el imaginario fantástico de Verne, en las aventuras del explorador Roald Amundsen y sobre todo, en la película Life Aquatic, propone al espectador convertirse en un explorador más viajando nada menos que en un globo aerostático. En cuanto a la danza, la compañía francesa Les Mobilettes escenificará Café frappé, una pieza que retrocede al año 1959, donde sus dos protagonistas se encuentran al azar en la terraza de un café donde se dejan seducir por el sonido de una radio.

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16 septiembre octubre XIII Muestra Internacional de Títeres para adultos - Bergara

Compañías veteranas para el público de Bergara

el 20 al 23 de octubre en Bergara tendrá lugar la Muestra Internacional de Títeres para adultos que en esta ocasión celebra su XIII edición. La programación incluye tanto propuestas de sala como de calle que se llevarán a cabo en el Zabalotegi Aretoa, en el Gaztetxe y en la Plaza San Martín; además se ha previsto un curso de Stop Motion y la proyección de una selección de cortos de animación de creadores vascos. La programación comenzará el 20 de octubre con la propuesta itinerante de calle de Deabru Beltzak, que este año está celebrando su 20 aniversario, Su à feu, donde no faltará la percusión y el fuego, cerrando así la trilogía del fuego iniciada con ‘Les tambours de feu’ y ‘Bande deplacée’ El 21 será el turno de otra veterana compañía, hablamos de los franceses Volpinex que actuarán en Zabalotegi con su propuesta cómica Bang en la que mezclan teatro de objetos y cine. La propuesta traslada al público al lejano Oeste, repre-

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Fauno de In-Pulso

sentando todos sus elementos: cow-boys, pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y balas bajo un fondo de montañas rocosas. La jornada del viernes se concluirá con la citada proyección de cortos de animación en el Gaztetxe. La jornada del 22 concentrará el mayor número de actuaciones. Por la mañana tendrá lugar el curso de Stop Motion y hacia el mediodía en la Plaza San Martín se celebrará la primera de las actuaciones de la compañía burgalesa Cal y Canto Teatro.

Lost dog… Pero perdido es un montaje con materiales reciclados que abundan en cualquier suburbio. Un espectáculo de títeres y objetos en el que los pies y zapatos de los actores operan como los sugerentes conductores del espectáculo. En este mismo emplazamiento pero a partir de las 22:30, la compañía La Industrial Teatrera escenificará Náufragos un montaje en clave de clown de dos náufragos que llegan, que se encuentran, que juegan, que buscan… que comparten… con otros náufragos. También el sábado pero en Zabalotegi tendrá lugar Fauno de la compañía In-Pulso en que a través de la manipulación de una marioneta y la danza el espectador viajará hacia la belleza, la mostruosidad, el amor, el odio, el apego y desapego, la necesidad de amar y ser amado. En la jornada de clausura, el día 23, Cal y Canto volverá a ofrecer ‘Lost dog… perro perdido’ y El patio Teatro presentará A mano, una historia contada con barro, con un pequeño personaje con un enorme deseo de escapar.

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16 septiembre octubre IX MITIN - Muestra Internacional de Teatro de Investigación

Las mujeres protagonizan la programación de MITIN Mi relación con la comida de Angélica Liddell

oce propuestas de Italia, Colombia, México y el Estado español participan en la novena edición de MITIN – Muestra Internacional de Teatro de Investigación, que homenajea al italiano Teatro Potlach cofundado por Daniela Regnoli y Pino di Buduo, uno de los referentes del Tercer Teatro que pusiera en marcha Eugenio Barba. Las representaciones tendrán lugar en el sevillano Centro TNT del 21 de octubre al 1 de noviembre. La actual edición de MITIN presenta una programación marcada por el protagonismo de la mujer: la mayoría de los espectáculos están creados y protagonizados por ellas. Las dos compañías llegadas de Latinoamérica ofrecerán montajes interpretados al completo por mujeres. Suponen sendas visiones poéticas y de denuncia, desde el punto de vista de la mujer, de la realidad de México y Colombia. Del manantial del corazón de Teatro de la Memoria habla del ritual del parto y el nacimiento en la ancestral cultura Maya. Un teatro antropológico con una fuerte carga emocional dedicado a todas las mujeres mexicanas que han perdido a sus hijos y no han podido despedirse de ellos. Antígonas, tribunal de mujeres de Tramaluna Teatro es una adaptación del mito clásico creada con mujeres víctimas de cuatro diferentes casos de violación de los derechos humanos en Colombia. 48

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En cuanto al homenajeado Teatro Potlach, llevará a cabo dos de sus creaciones. I primi cento anni di Edith Piaf (Los primeros cien años de Edith Piaf) es un viaje musical por de la Francia del período entre los años 30 y 50, a través de las canciones de Edith Piaf. Y Uragani (Huracanes) supone un viaje a través de las debilidades humanas, en la Alemania de los años 30, a partir de las canciones de Bertolt Brecht y Kurt Weill interpretadas, como actriz y cantante, por Daniela Regnoli. Por primera vez se podrá ver en TNT una pieza de Angélica Liddell, principal referente de la vanguardia teatral en el Estado español. Escrito y dirigido por ella, Mi relación con la comida (Premio del Público al mejor espectáculo de Teatro en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca 2015), está interpretado por Esperanza Pedreño. El Teatro Laboratorio de Barcelona, creado y dirigido por Jessica Walker, llegará a MITIN con dos montajes: Altazor, un homenaje al poeta chileno Vicente Huidobro que el pasado año ganó todos los premios del VII CENIT - Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales; y Hamletología, inspirado en la humanidad de Hamlet como punto de partida para entrar en la propia, y que supone otro homenaje a Shakespeare y una “vuelta de tuerca” en la investigación del grupo. Dentro de la apuesta de MITIN por el teatro de inclusión social, por segunda vez

se programa al Grupo de Personas Discapacitadas de la Escuela Municipal de Teatro Ricardo Iniesta de Úbeda, que llega con un nuevo montaje: El gato manchado y la gaviota sin nombre. Se trata de una metáfora sobre las barreras y el respeto a lo diferente, basado en el cuento del mismo nombre de Luis Sepúlveda. Además, las mujeres ágrafas de etnia gitana de El Vacie regresan a TNT con su último espectáculo, Fuente Ovejuna de Lope de Vega, dirigido nuevamente por Pepa Gamboa. Fue precisamente en MITIN donde se estrenó ‘La casa de Bernarda Alba’ hace 7 años, recorriendo a continuación todo el Estado. Así, las 8 mujeres de El Vacie se convirtieron en referente del teatro social, ganando una decena de galardones, incluyendo alguno de ámbito europeo. La Comisión de Justicia Europea las puso como ejemplo de buenas prácticas en la inclusión social. Por su parte, Atalaya representa en Sevilla varios años después uno de sus espectáculos más galardonados, Ricardo III, con el que MITIN rinde homenaje a Shakespeare en el IV centenario de su muerte. La programación se completa con dos eventos de teatro comunitario: Tiempo del Vacie, jornada abierta para los habitantes del asentamiento chabolista; y un espectáculo a determinar procedente del Distrito Norte, en el que se ubica el Centro TNT.

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16 septiembre octubre VII Olimpiadas Teatrales

Wroclaw reúne a grandes maestros del teatro mundial

a séptima edición de la Olimpiada Internacional de Teatro tendrá lugar del 14 de octubre al 13 de noviembre en Wroclaw (Polonia), organizada por el Instituto Grotowski en colaboración con la Capitalidad Europea de la Cultura 2016. La cita congregará alrededor de una docena de los directores más aclamados del mundo. Serán Tadashi Suzuki y su Suzuky Company of Toga (Japón) los encargados de dar el pistoletazo de salida a las representaciones de este gran evento teatral con The Trojan Women. Valery Fokin y el Alexandrinsky Theatre llegarán de Rusia a Wroclaw con Masquerade: Recollections of the Future. También desde allí, Heiner Goebbels y Electrotheatre Stanislavsky realizarán funciones de la obra Max Black, or 62 Different Ways of Supporting the Head with an Elbow and a Hand. Eugenio Barba y el Odin Teatret (Dinamarca) estarán presentes con The Tree.

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The Tree de Odin Teatret ©Rina Skeel

Desde Italia, Romeo Castellucci y Socìetas Raffaello Sanzio llevarán a escena Go down, Moses; y Pippo Delbono y su Compagnia Pippo Delbono harán lo propio con Vangelo. Los estadounidenses Robert Wilson y Change Performing Ar ts escenificarán Krapp’s Last Tape. Desde Bélgica, Jan Fabre y su Troubleyn/Jan Fabre interpretarán Attends, attends, attends…

(pour mon père). El griego Theodoros Terzopoulos y su Attis Theatre participarán con Prometheus Bound y Amor. El director inglés Peter Brook y Théâtre des Bouffes du Nord (Francia) representarán Battlefield. Y del país anfitrión son Jaroslaw Fret y el Teatr ZAR, que representarán Medee. On Getting Across y Armine, Sister; y Eimuntas Nekrošius y el National Theatre in Warsaw, que llevarán a cabo Forefathers’ Eve. Además de la programación principal, que reunirá a producciones del mejor teatro mundial, diferentes secciones de las olimpiadas dedicarán su espacio al teatro polaco; al teatro joven e independiente del centro y este de Europa; a montajes realizados por artistas con discapacidad; a seminarios y conferencias, al programa educativo (workshops y seminarios por y para intérpretes, directores y críticos); y al programa creado por el Instituto Grotowski.

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Temporada Alta El Festival de Otoño de Cataluña llega a la 25ª edición con una programación formada por más de 100 propuestas de teatro, música, danza, circo, cine, espectáculos familiares y creación contemporánea. El festival comenzará el 30 de septiembre con el estreno de In memoriam. La quinta del biberó de Lluís Pasqual. Acogerá algunos de los grandes nombres de la escena internacional y una treintena de estrenos absolutos. Se podrán ver, entre otros, Arte, con Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva; Un obús al cor, dirigida por Oriol Broggi y Ferran Utzet; o Dybbuk de la Cía Sixto Paz y la Sala Beckett. Peter Brook, Oskaras Kursonovas, Guy Cassiers, Alain Platel o Milo Rau visitarán también Girona-Salt. Además, habrá ciclos dedicados al teatro de Latinoamérica y de Flandes. El espectáculo Cirkopolis de los canadienses Eloize o el mimo escocés Johnny Melville son otras de las propuestas, junto con la programación de música y secciones propias dedicadas al cine o al teatro familiar. Temporada Alta se prolongará hasta el 4 de diciembre.

Dantza Hirian Esta cita con la danza contemporánea llega del 17 al 25 de septiembre a su 11ª edición, que recorrerá 8 localidades vascas de la Eurociudad Bayonne-San Sebastián. Su programación está formada por 12 compañías que ocuparán 17 espacios públicos, entre las que se encuentran la reconocida Compañía Mudances de Angels Margarit, que presentará Capricis Sites. Con la red Acieloabierto se presentará Bolero de Jesús Rubio, No Half Measures de Taiat Dansa, Race to Grace de Alma Libre.Co y Charon de Julia Maria Koch. En el marco de Aterpean se estrenarán las pìezas Esku Harriak – Oteizaren (h)aria de MugMus Laborategia y Ocho Deportes Vascos de Helena Lizari. Además, en el programa Ibili estarán Natxo Montero con un extracto de Barbecho, Haatik con 70+1 y Amaia Elizaran con Raw. También participará la joven bailaora Ana Florido con Porvenir. Completarán la programación las sesiones escolares, las master class y BergiraDan, un concurso de fotografía. Como novedad este año, Gorka Bravo, fotógrafo oficial del festival desde hace más de ocho años, impartirá un taller de danza y fotografía.

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Terrassa Noves Tendències El Festival TNT se celebrará del 29 de septiembre al 2 de octubre. La programación se inaugurará con el último trabajo del bonaerense Rodrigo García: 4. Además, se podrán ver otras dos propuestas internacionales. Veracruz nos estamos deforestando del colectivo mexicano Lagartijas tiradas al Sol es una conferencia, una charla, una intervención; es ver de cerca el problema de un estado de la República Mexicana que lleva más de 12 años siendo gobernado por una alianza entre narcotraficantes y políticos: el PRI (Partido Revolucionario Institucional). Y L’Effet de Serge de Philippe Quesne, retrata con ironía varios aspectos de la vacuidad de la vida contemporánea y la repetitividad de los días sin sustancia. La programación, con una treintena de espectáculos en total, incluye también 13 coproducciones con algunas de las compañías más interesantes de la creación contemporánea del país. Como novedad, contarán con la sección TNT Kids, que mostrará, entre otros, Heliceo. Concierto para seis ventiladores y

un piloto solo de La máquina de hacer pájaros.

ÍDEM - La Casa Encendida La Casa Encendida (Madrid)celebra la IV edición del festival internacional de artes escénicas, con propuestas realizadas en torno a/o por colectivos en riesgo de exclusión social. Del 9 al 25 de septiembre, se podrá disfrutar de artistas procedentes de diferentes lugares del Estado, Austria y Portugal, que presentarán piezas de teatro, danza, música, cine o performance. Este año se incorpora una propuesta dirigida a personas con discapacidad intelectual severa: Bailar el agua. Desde Madeira llega Bichos de Dançando com a Diferença. Desde Austria, Cie. Laroque Helene Weinzierl representará DEMOC RAZY: how to peel an onion without crying. También se podrá ver los estrenos Piano and Dancer, de Muriel Romero y Pablo Palacio (Instituto Stocos), y el último trabajo de la compañía Palmyra Teatro: Lucrecia & Judith. A lo largo del festival, el barrio de Lavapiés será testigo de un taller intergeneracional sobre la memoria, la situación actual y las posibilidades futuras del barrio, reconstruidas a partir la historia íntima de sus habitantes. El taller, coordinado por Mirage Teatro culminará con el espectáculo Retablo de Lavapiés.

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Amateur o profesional… ¿esa es la cuestión? (y 2)

niciaba en el número anterior de esta revista este artículo que ahora termino. Mi propósito es defender al teatro amateur de una serie de tópicos, que esgrimen los que, de una manera u otra, descalifican al teatro amateur, y que yo resumía en una frase: Los amateur son grupos de amigos, desorganizados, que van a lo suyo, que adolecen de preparación y de calidad, que hacen competencia desleal, fomentan la economía sumergida, practican el intrusismo, actúan en sitios que no reúnen las mínimas condiciones y por cuatro “duros”. En los próximos párrafos sigo en mi empeño de aportar esos elementos de reflexión que ayuden a sacar conclusiones, sobre cada uno de los argumentos más usados por los “menos amigos” del teatro amateur. Así que…cumplamos lo prometido.

Los amateur son grupos… / …que hacen competencia desleal…

También se dice que el teatro amateur hace competencia desleal. Pero por mucho que lo intente no consigo ver esas prácticas contrarias a los usos honestos en materia de artes escénicas. Es cierto que el teatro amateur compite porque pugna por la conquista de un mercado. Pero lo hacen desde el respeto al marco legal y el ordenamiento jurídico que regula esa lucha concurrencial. El verdadero amateur no es desleal porque no necesita inducir al público a la confusión, no se aprovecha del mérito ajeno, no imita, no engaña, ni denigra para lograr mayores beneficios materiales. No viola normas o secretos, ni infringe o quebranta acuerdos o contratos. Su actividad no entiende de coerción y fraude. Por otro lado, solo podríamos calificar al 54

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teatro amateur de desleal cuando aquellos con los que se relaciona entienden como lealtad esa gratitud y amor servil que si muestran algunos animales hacia sus amos, hacia los que cohabitan con ellos en el mismo espacio y se ocupan de satisfacer sus necesidades. Pero en el terreno de los iguales, de justa reciprocidad, la lealtad del los amateur es máxima. …fomentan la economía sumergida…

Las compañías amateur son, en su práctica totalidad, como ya dije, asocia-

ciones sin fines lucrativos, salvo algunos grupos, de una o dos personas, actúan bajo la cobertura de persona física. Es decir, tienen personalidad jurídica por lo que adquieren y ejercen derechos, y contraen obligaciones y responsabilidad legal. Como asociaciones tienen capacidad para actuar como sujetos de derecho, esto es, capacidad para adquirir y poseer bienes de todas clases, para contraer obligaciones y ejercitar acciones judiciales. Las asociaciones también están sometidas al control del fisco y no pueden evitar el pago de impuestos salvo en las excepciones contempladas en la Ley y para las que se requiere solicitud expresa de exención de IVA, por tener concedida la condición de entidad de utilidad pública, por ejemplo. Las asociaciones sin fines lucrativos, como lo son las Organizaciones No Gubernamentales, pueden ser acreedoras y deudoras. Por ello también pueden contratar con entidades o a personas y por lo tanto pagar salarios, pagar dietas, adquirir propiedades, y así un largo etcétera. Lo que diferencia a las asociaciones sin ánimo de lucro de las empresas, fórmula propia de los grupos profesionales, es que, en las primeras, los beneficios que se obtengan del desarrollo de las actividades de la asociación se destinarán a la propia entidad para que ésta pueda seguir desarrollando sus actividades de forma que la colectividad obtenga de mejor manera los objetivos que la asociación persigue. Y esta actividad se hace con luz y taquígrafos. A los grupos aficionados no les queda más remedio que tener sus papeles en regla, dado que son fundamentalmente las entidades públicas, ayuntamientos

sobre todo, los que tramitan las compensaciones económicas. Es de ilusos pensar que los interventores municipales no te exigirán todo lo necesario, renunciando así a cubrirse las espaldas ante la fiscalización del Tribunal de Cuentas. Por otro lado son varias las leyes, decretos, reales decretos o normas que recogen las obligaciones legales de información económica y derivadas de la justificación de subvenciones, que afectan y obligan a las asociaciones. …practican el intrusismo…

Se entiende por intrusismo el ejercicio de una actividad profesional regulada, por persona no autorizada o habilitada para ello. Si no se requiere para ejercer la actividad un título oficial (diplomatura, licenciatura, doctorado) y, por lo tanto, no existe una entidad que lo regule o controle (colegio oficial) o una ley que lo impida expresamente, cualquiera puede ejercer esa actividad, si así lo desea y estima reunir las condiciones necesarias para hacerlo. Intrusismo, lo comete quien ejerce de médico, abogado, arquitecto, maestro, etc. sin tener título habilitador, y puede incluso constituir delito. El teatro amateur no ejerce el intrusismo. Casi ninguna de las actividades teatrales ligadas a un espectáculo teatral (actuación, dirección, escenografía, etc.) están reguladas, ni son exigibles o imprescindibles los títulos (aunque estos existan) para ejercerlas. Los espacios escénicos, las salas y los teatros, si deben cumplir con unas especificaciones técnicas y de seguridad muy estrictas. En algunos casos, y en algunos países, es exigible la concurrencia de profesionales habilitados, durante el desarrollo del espectáculo y para evitar riesgos a los actores o personal técnico y de sala o al público, como por ejemplo arquitectos o ingenieros para escenografías muy complejas, profesionales de la seguridad –bomberos- o personal sanitario. Pero para subir a un escenario y actuar ante unos espectadores que espera ver tu trabajo objetivamente, no hace falta más que reunir las condiciones suficientes (preparación, talento…) para que ese público no se levante de su butaca antes de que finalice la función, y reconozca tu trabajo con su aplauso. Muchos de los profesionales que se suben a la escena no tienen título oficial ni falta les hace. Tampoco se les exige para formar parte de una compañía profesional ser titulado. ¿Son por eso intrusos?

…actúan en sitios que no reúnen las mínimas condiciones…

Es verdad que los amateur a veces se encuentran con espacios a los que los profesionales no van, bien sea por que no pueden, no caven o no quieren. Gracias a esta mayor disponibilidad de los grupos amateur, en las épocas de crisis sistémica de las artes escénicas, se mantiene viva la llama del teatro. Y gracias a su adaptabilidad, en algunos pueblos, se pueden ver excelentes espectáculos sin necesidad de que exista un gran escenario superdotado en medios y recursos. Pero los mismos amateur que hacen eso también pueden ocupar grandes teatros y llenarlos de público, calidad, aplausos y reconocimiento. …y por cuatro “duros”?

El dumping, es decir vender debajo del costo, es quizás el reproche más extendido de aquellos que solo entienden las artes escénicas como una fuente de ingresos, y como competencia desleal a aquellos que aceptan lo que ellos rechazan. Ambos tendrán buenas razones para hacer lo uno y lo otro. Pero muchos espectadores fueron bautizados teatralmente por compañías amateur, aprendieron a amar el teatro con ellas y luego fueron espectadores fieles al teatro, incluido el profesional. Y son también muchos los actores y actrices que han obtenido un reconocimiento en sus carreras y que no ocultan, e incluso manifiestan con orgullo, el haber crecido y haberse formado al amparo y abrigo del teatro amateur. Pero ¿existe realmente esa confrontación, o son solo reproches mutuos entre mediocres que suelen condenar todo aquello que está fuera de su alcance?. De existir alguna atmósfera viciada no es culpa, ni de los amateurs, ni de los profesionales. Si debemos imputar a alguien esta dosis de desconfianza por mínima que sea, es a las autoridades y poderes públicos que entienden de materia cultural y de artes escénicas, por no haber sido capaces de formular un marco más adecuado de normal convivencia entre ambos. Papel del tejido asociativo

Es necesaria una definición clara de las prácticas amateurs y profesionales, y por extensión de esa zona intermedia donde los modelos se cruzan y donde los protagonistas titubean. Unos responsables de la polí-

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tica cultural valientes, deberían imponerse la tarea necesaria de ocupar ese terreno yermo, ese vacío estatutario y jurídico. Entre aquellos que responden más fielmente al perfil de “grandes amateurs” y de “grandes profesionales” o, dicho de otra forma, al amateur o profesional puro, existen múltiples formas y formatos de grupos y compañías que no son ni lo uno ni lo otro, o todo a la vez, de personas que buscan, intentan, van y vienen… es decir que podrían denominarse semiprofesionales o semiamateurs. Teniendo claro el marco jurídico al que debe atenerse cada uno, y el espacio de desarrollo que le es propio, resultaría más fácil una coexistencia pacífica y fructífera, una colaboración creativa eficaz. Una definición clara de los distintos formatos establecería además una vía sólida de transición entre el mundo amateur y el mundo profesional en cualquiera de las direcciones. Por y para eso están las asociaciones que deberían recoger en su seno a personas individuales, a grupos de teatro amateur y a federaciones de grupos de gran parte del territorio Español. Para proponer a los poderes públicos la definición de un marco jurídico del teatro amateur y para reivindicar ese necesario espacio natural para la alternativa amateur, para valorizar la práctica del amateurismo consciente y para reivindicar la coexistencia pacífica y la colaboración con la alternativa profesional. A partir de aquí son muchos los retos: Promover la presencia o representación del teatro aficionado en las instituciones o foros locales, autonómicos, nacionales e internacionales; proponer a los poderes públicos políticas específicas de ayuda a la producción y a la distribución; favorecer la interlocución con los órganos nacionales de coordinación de Ayuntamientos; promover una relación estrecha entre el teatro aficionado y las sociedades administradoras de los derechos de autor; proponer y articular canales y circuitos de distribución del teatro aficionado; establecer de estrategias para la creación y fidelización de nuevos públicos; y el fomento de centros de documentación, recursos, asesoramiento, orientación y espacios de encuentro y debate. La tarea, es ambiciosa y el camino largo y tortuoso. Y seguramente habrá que superar muchos obstáculos, muchas encrucijadas que nos harán reconsiderar nuestros fines y objetivos, pero también habrá puntos de encuentro, y puestas en común con el mundo profesional para beneficio de las artes escénicas. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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Certamen de Teatro Tierra de Comediantes

l Ayuntamiento de Santa Elena de Jamuz (León) convoca el XVI Certamen Nacional de Teatro: “Tierra de Comediantes” en el que podrán participar los grupos aficionados de teatro del territorio español, admitiéndose cualquier género y debiéndose representar las obras en lengua castellana. El certamen de teatro se celebrará del 5 de Noviembre al 3 de Diciembre de 2.016, durante los fines de semana, en el Teatro Municipal de Jiménez de Jamuz (León). Los grupos interesados en participar deberán inscribirse bien, en las Oficinas Municipales del Ayuntamiento de Santa Elena de Jamuz (León), o remitiendo por correo dicha inscripción, acompañando la documentación indicada en las BASES antes del 9 de septiembre de 2016 La gestión y pago a la SGAE (Sociedad General de Autores de España, derechos de autor, si los hubiera) correrán a cargo de cada grupo seleccionado Cada grupo seleccionado para participar en el XVI Certamen de Teatro: “Tierra de Comediantes” recibirá la cantidad de 1.000,00 euros (800,00 euros en concepto de participación, desplazamiento, montaje; y 200,00 euros para el pago de los derechos de autor. Si la obra estuviera exenta de derechos de autor se sumará a la cantidad estipulada por participar en

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el certamen). Se establecen los siguientes premios: • Mejor obra-grupo: 1.200,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Accésit: 600,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Mejor escenografía: 300,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Mejor Actor: 200,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Mejor Actriz: 200,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Mejor Actor secundario: 150,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Mejor Actriz secundaria: 150,00 € y obsequio alfarería jiminiega. • Premio especial del público 250,00 € (Este premio estará supeditado al patrocinio de una empresa privada) Las solicitudes se remitirán a la siguiente dirección: Ayuntamiento de Santa Elena de Jamuz C/ Real Nº 23 24762 Santa Elena de Jamuz (León) Teléfono: 987642309 - Fax: 987656678 Correo electrónico: desarrollojamuz@gmail.com (para cualquier consulta) BASES completas en: http://www.aytosantaelenadejamuz.com/teatro2016/ Bases%20teatro2016.pdf

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Estrenos, obras clásicas y nuevas creaciones en Bizkaia

l 10 de septiembre finalizan las funciones del musical Mamma Mia!, en cartel en el Teatro Arriaga desde el 15 de agosto, para dar paso a dos estrenos teatrales, La mentira e Invencible dirigidas por Claudio Tolcachir y Daniel Veronese, respectivamente. Ambos estrenos tendrán lugar en septiembre pero no son los únicos, ya que en octubre tendrá lugar el de la obra Catalin; de todos ellos se da cumplida información en las páginas 10 y 11 de este número. Por orden cronológico, a los dos estrenos de los espectáculos dirigidos por los dramaturgos y directores argentinos arriba citados le seguirá un clásico, El alcalde de Zalamea (29 de septiembre al 2 de octubre) de Calderón de la Barca de la mano de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Helena Pimenta dirige esta versión de Álvaro Tato interpretada por un elenco formado por David Lorente, Nuria Gallardo, Carmelo Gómez o Clara Sanchis entre otros. Pascal Rambert es el autor y director de La clausura del amor (5 y 6 de octubre), obra interpretada por Bárbara Lennie e Israel Elejalde que pone en escena la ruptura sentimental de una pareja. Buxman Producciones y Kamikaze Producciones suben al escenario a dos amantes que, palabra a palabra, tratan de cerrar una relación que les ha construido y destruido durante varios años. Los días 11 y 12 es el turno de La Reina Juana, en la que Concha Velasco da vida a Juana de Castilla, protagonista de este unipersonal escrito por Ernesto Caballero. “Nuestra reina se nos presenta caracterizada por la falta de adecuación a la realidad que hoy define a un buen número de las patologías mentales, pero también, por un temperamento indómito y transgresor obstinado en contravenir las pautas de comportamiento convencionales” explica el autor de esta coproducción de Juanjo Seoane para Grupo Marquina y Siempre Teatro bajo la dirección de Gerardo Vera. 58

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La respiración ©Javier Navas

Hybrid: Rhythm & Dance (26 deoctubre) es un proyecto de la compañía de la bailarina y coreógrafa japonesa Makoto Hirayama, Oreka TX y la cantante de la etnia Ainu Emi Toko. Estrenado en el New National Theatre de Tokio, el espectáculo explora y experimenta la fusión de la danza y los ritmos de la txalaparta partiendo de las raíces de dos pueblos de los extremos de Eurasia. Además los días 3 y 4 de octubre y dentro del programa ‘Cuartitos’ se pondrá en escena On/Off. La travesía, en un instante de Pablo Ibarluzea y el público familiar podrá disfrutar del cuento musical de los Hermanos Grimm El sastrecillo valiente en una coproducción de ABAO-OLBE, Etcétera, Teatro Real y Festival Internacional de Música y Danza de Granada los días 15, 16 y 17 de octubre.

Panorama desde el Puente ©David Ruano

La Fundición

Completa la programación teatral una obra de uno de los grandes dramaturgos del siglo XX, Arthur Miller, Panorama desde el Puente (del 27 al 30 de octubre). El francés Georges Lavaudant dirige esta producción de Teatre Romea y LG Théâtre en la que Eduard Fernández interpreta a Eddie Carbone, personaje del que Lavaudant afirma que “acepta sacrificarlo todo, incluso la vida, para sentirse satisfecho consigo mismo”. Junto a Fernández, Jordi Martínez, Mercé Pons, Marina Salas, Bernat Quintana, Pep Ambrós, Rafa ruz y Sergi Vallés dan vida a esta historia con la que su autor obtuvo su segundo Premio Pulitzer. Asier Etxeandia vuelve a liderar un viaje musical junto con The Constriktors con El Intérprete XXL (8 y 9 de octubre) en la que siguiendo la estela de su anterior propuesta, ‘El Intérprete’, y acompañado por ocho músicos sobre el escenario, Etxeandia ofrece un espectáculo con y para el público desde la desinhibición, el desenfado y el exceso. Versiones clásicas y temas originales renovados en un viaje emocional que hará bailar a los congregados.

Además de los espectáculos que conforman la programación de los festivales BAD y Dantzaldia (más información en páginas precedentes de este número), la sala La Fundición ha preparado una oferta que comienza los días 1 y 2 de octubre con El hombre menguante de Pérez & Disla, obra teatral escrita por Juli Disla y dirigida por Jaume Pérez “que destila tristeza, agotamiento, rabia, pero que también propone una reflexión sobre este momento, una denuncia, una esperanza”. Igor & Moreno por su parte presentan dos piezas de danza. Los días 15 y 16 Idiot -Sincrasy, con la que Igor Urzelai y Moreno Solinas han creado un mundo íntimo y a la vez universal en el que a través de una serie de imágenes en constante cambio activan la imaginación del espectador, invitándolo a sentir y a pensar. El 21 será el turno de A room for all our tomorrows, en la que ambos coreógrafos e intérpretes llevan al público a un lugar para imaginar las cosas de otra manera. El 29 de octubre, la compañía gallega

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Acental Folque presenta Os contos de Joselín, en la que tres reconocidos oradores, Quico Cadaval, Celso F. Sanmartín y José Luis Gutiérrez ‘Guti’ recrean los cuentos de José Rodríguez de Vicente, Joselín, protagonista de los primeros documentos sonoros del teatro gallego. Cabe destacar además, que entre el 12 y el 30 de septiembre Laurentzi Producciones prepara el que será su nuevo espectáculo, ‘El Hermano de Sancho’ de Pierre Menard con dramaturgia de Alberto Iglesias dentro del ‘Programa Residencias de Creación’ de La Fundición. Teatro Barakaldo

Comienza la programación del último cuatrimestre del año con un espectáculo del Festival Dantzaldia, el estreno de la pieza Cul de Sac de la compañía Kor´sia el 23 de septiembre (más información en las páginas 36 y 37 de esta revista). El primero de octubre llega al Teatro Barakaldo la última obra de Alfredo Sanzol, La respiración. Una coproducción de Teatro de La Abadía y La Zona dirigida por el propio Sanzol de la que la prensa especializada ha escrito que es “una joya brillante y divertidísima con actuaciones sobresalientes”. El 7 es el turno de la danza urbana de la mano de Iron Skulls Co que en Sinestesia funden el “hip hop”, la acrobacia y la danza contemporánea para representar un mundo post-apocalíptico donde se unen lo humano y lo animal. ¡Enradiados! (día 8) es el particular homenaje que Mariano Mariano y Javier Segarra realizan al mundo de la radio a través de entrevistas, sketches, gags y monólogos. Ultramarinos de Lucas por su

El hombre menguante de Pérez & Disla

parte presenta un espectáculo dirigido al público familiar el día 23, Las aventuras de Huckleberry Finn, obra basada en la novela del mismo título de Mark Twain en la que un niño es escapa de la civilización en busca de la libertad. Y el día 28 es el turno de Caperucita feroz, nueva obra de Glu Glu Producciones escrita y dirigida por Galder Pérez, una comedia musical a modo de vodevil que le da una vuelta de tuerca al cuento tradicional. Kultur Leioa

La respiración de Sanzol también subirá al escenario de Kultur Leioa, en este caso el 30 de septiembre para dar paso el 2 de octubre a una pieza de danza dirigida al público familiar, Vuelos de Aracaladanza. El día 15 Doos Colectivo presenta Anotación

nº7, espectáculo de danza contemporánea que habla sobre el miedo e incluye proyecciones y el contenido de varias entrevistas creada y dirigida por Eva Guerrero. Hika Teatroa ha elegido Kultur Leioa para estrenar el día 21 la versión en castellano de ‘Kuadernoa zuri’, Cuaderno en blanco, obra escrita por Arantxa Iturbe y Agur-tzane Intxaurraga, quien se encarga de la dirección de esta historia de dos hermanas basada en ‘La casa de Bernarda Alba’ de Lorca. La programación de estos meses finaliza con el espectáculo para público familiar A la luna de Iraya Producciones y Voilà Producciones, meses en los que se podrá disfrutar también con los conciertos Lapsus, desconcierto acústico de Lapso Producciones (23 de septiembre), Talabar te (14 de octubre) y Xabi Aburruzaga Band (28 de octubre).

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Raíces y latidos escénicos en los teatros de Donostia

a pastoral Katalina de Erauso es la primera propuesta escénica del Teatro Victoria Eugenia de Donostia en septiembre, concretamente los días 1 y 2 se podrá disfrutar con el teatro popular zuberotarra escrito por Maite Berrogain sobre la historia de la donostiarra Catalina de Erauso, también conocida como ‘La Monja Alférez’. Pantxika Urruty y Maitena Lapeyre son las directoras de esta pastoral llegada de Baiona y a la que seguirán dos zarzuelas, Marina (6 y 7 y La alegría de la huerta (10 y 11), ambas a cargo de la Asociación Lírica Sasibil. En octubre, del 6 al 9, Opus Lírica presentará la última de las grandes óperas bufas italianas, Don Pascuale de Gaetano Donizetti y Giovanni Ruffini para dar paso, los días 21, 22 y 23 a Hybrid Rythm & Dance, un espectáculo de Oreka TX, la coreógrafa japonesa Motoko Hyrayama y la cantante de la etnia Ainu, Emi Toko en el que se exploran las raíces de la danza y los ritmos creados a través de la txalaparta. Días antes, 15 y 16, dentro de las ‘Conversaciones’ de San Sebastián 2016 y su programa ‘Cartas Blancas’ la bailarina y coreógrafa Jone San Martin presenta el programa doble 7 Dialogs & Those Specks of Dust de la compañía berlinesa Dance On, de la que San Martín forma parte hoy día. Completa su carta blanca Huts, una nueva pieza de la creadora donostiarra que combina bertsolarismo y danza y que tendrá lugar en el San Telmo Museoa; la performance Gold del dúo S.A.D. –formado por Cyril Baldy y Josh Johnson– y una instalación de William Forsythe y Ryoji Ikeda, que se podrá disfrutar en Tabakalera. Cabe destacar además que en la Sala Club del Teatro Ramon Agirre & Inazio Tolosa presentan los días 1 y 2 de septiembre Putinen guardasola en la que la música y el humor están 60

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Hybrid Rythm & Dance de Oreka TX y Motoko Hyrayama

servidos y los días 19 y 20 la obra Un beso a cargo de Tanttaka Teatroa. El Teatro Principal por su parte comienza septiembre (del 1 al 4) con No te vistas para cenar, comedia de Marc Camoleti en la que se narra los sucesos de lo que iba a ser una velada romántica, que acaba convirtiéndose en una noche muy movida en la que todos fingen ser lo que no son. Y otra comedia, en este caso romántica, es la propuesta que se podrá ver del 7 al 11, Amores minúsculos, la adaptación al teatro del cómic de Alfonso Casas a cargo de Los Zurdos. La programación escénica se extiende por los escenarios de diversos barrios de Donostia. En Larratxo K.E. tendrá lugar el estreno del último espectáculo de Vaivén Producciones, Último tren a Treblinka / Treblinkara azken trena que estará en cartel del 1 al 15 de octubre (más información en la sección ‘Estrenos’ de este número). Los días 17 y 18 de septiembre en Gazteszena se podrá ver Hariak, último espectáculo de Ertza, una propuesta multidisciplinar dirigida por Asier Zabaleta con textos de Harkaitz Cano y Joseba Sarrionaindia creada a partir de las experiencias de gente que ha visto cómo los hilos que sostenían sus vidas se han quebrado repentinamente, y han tenido que comenzar una nueva vida desde cero. También habrá propuestas de teatro amateur como La soirée del Grupo Oroimenak (22 de septiembre en Intxaurrondo K.E) además de más de una veintena de espectáculos en las calles y plazas de la ciudad durante todo el mes de septiembre. Entre otras, obras dirigidas al público infantil y familiar como Astokillo Cirkus de Panta Rhei, Km0 de La Banda o, Sardina freskue de Eidabe; las artes circenses en Morse de Zirkozaurre o Shake Shake Shake! de Cía. PakiPaya. Y también en la calle, la danza contemporánea de Lasala con la pieza Trip.

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m i s c e l á n e a L a Guerra de los... La Guerra de los Mundos 2.0 es una coproducción de L’Horta Teatre con CulturArts que mezcla el teatro, la música en vivo y las nuevas tecnologías audiovisuales. El punto de partida del proyecto es la versión radiofónica que Orson Welles hizo de “La guerra de los mundos” a finales de 1938. Durante aquel programa, millones de norteamericanos creyeron que unos invasores marcianos, que solo estaban en su imaginación, sobrevolaban la Tierra, destruían los ejércitos humanos y ocupaban zonas de poder. Fue la emisión del pánico. El primer fenómeno verdaderamente viral del mundo moderno. El espectáculo, escrito y dirigido por Roberto García, cuenta con la interpretación de Jordi Ballester, Verònica Andrés y Álvaro Báguena. Tres músicos en directo interpretan la música creada por Andrés Valero Castells. Forman también parte del equipo artístico Luis Crespo (escenografía), Ximo Rojo (iluminación) y Pasqual Peris (vestuario). La obra se podrá ver, entre otros, en Sueca (22/10), Aldaia (18/11), Ontinyent (25/11), Alcoy (27/11) y Catarroja (10/12).

gilipollas sin fronteras Gilipollas sin fronteras, pieza de la compañía homónima, es una producción de Morfeo Teatro que cuenta con la autoría, la dirección y la interpretación de Santiago Nogués y Adolfo Pastor. Basado en las reflexiones existenciales de dos actores, merced a las cuales recabaron la suficiente información como para darse cuenta de que, tras casi diez años de profesión (ahora treinta), nunca llegaban a fin de mes (dato que no ha cambiado). Tal descubrimiento les llevó a una cruel conclusión, que dejaba claro que, si insistían en dedicarse a esta profesión sufriendo tales penalidades, es que deberían ser, cuando menos, “medio gilipollas” (hoy en día, visto lo visto, “gilipollas enteros”). El resultado es un show, en formato de dúo cómico, con un trepidante repertorio de sketchs burlescos, donde la gilipollez es terapia, y la carcajada, remedio, a cualquiera que sufra la triste enfermedad de “tomarse la vida en serio”. El montaje hará temporada en el Teatro Marquina de Madrid de martes a sábados del 1 al 30 de septiembre.

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Penev La compañía La Teta Calva representará su espectáculo Penev el día 20 de octubre en Teatro Principal de Alicante. La obra, escrita por Xavo Giménez y dirigida e interpretada por el propio Giménez junto a Toni Agustí, es tanto una comedia cruda como una tragedia entrañable. Se trata de una pieza que nace de la desidia y la esperanza frustrada. Habla del gol anulado y del partido amañado. “No hablamos de fútbol, o sí. Hablamos de teatro. Hablamos del partido de la vida que perdemos siempre los mismos”, explican.

Carne de gallina Dirigida por Maxi Rodríguez, Carne de gallina es una reflexión en clave de humor negro sobre la situación de las cuencas mineras de Asturias, de su falta de futuro y de la dependencia de las pensiones de los jubilados para la subsistencia de familias completas. Desde Arteatro P. T., Teatro del Cuervo y La Estampa Teatro han hecho una versión teatral de la película estrenada hace 14 años. La obra se podrá ver en el Teatro Filarmónica de Oviedo (19/09) y en Calahorra (08/10).

Las Cervantas Matadero Madrid acogerá del 20 de octubre al 13 de noviembre las funciones de la obra Las Cervantas de Escénate y DD&Company Producciones. El espectáculo está dirigido por Fernando Soto, escrito por ©Laura Ortega Inma Chacón y José Ramón Fernandez, e interpretado por Gracia Olayo, Sole Olayo, Clara Berzosa, Irene Ruiz y Yaël Belicha. El montaje es un encargo de la Biblioteca Nacional de España con motivo del IV Centenario de la Muerte de Miguel de Cervantes.

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Crudo Ingente Crudo Ingente de Nacho Vilar Producciones está creada a partir de un texto de Juan Montoro Lara. Dirigida por Sara Serranno, está interpretada por Susi Espín y Blas Sánchez. Un vehículo aparcado en un espacio urbano se convierte en un espacio escénico inusual e íntimo donde dos personajes se encuentran y se enfrentan en una historia de agresión y supervivencia. Una experiencia inmersiva donde el transeúnte es invitado a participar. Se podrá ver el 17 de septiembre dentro del programa ‘A escena calle’ de Móstoles.

Latente La danza contemporánea, el flamenco, el teatro y el humor absurdo tienen cabida en Latente. La intérprete Paula Quintana pregunta al público si entre ellos se encuentra Paula, que tiene un paquete para ella que debe entregarle. La pieza fue premiada como mejor espectáculo de nueva creación en la Umore Azoka de Leioa 2015. Estará el 25 de septiembre en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña y el 15 de octubre en el Teatro Cine Monumental de Los Santos de Maimona.

Las Expertas Las Expertas de la Cía Albadulake es un espectáculo de actrices que dominan diferentes técnicas de circo. Ellas son Ilia Miña (Cuerda aérea, danza), Sandra Carrasco (Aros y equilibrio objetos), Olga Calle (Equilibrio Pulls y acrobacia) y Dolores Carmona (Clown). Con idea original y dirección de Juan Antonio Moreno Fernández y Ángeles Vázquez Ortega, realizarán un ciclo de funciones en Ecuador del 7 al 12 de septiembre. También pasarán por Salamanca, Albacete, Extremadura, Amposta y Granollers.

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16 septiembre octubre Josu Montero

Luz negra

La guerra civil en el teatro (y II)

ste verano se han cumplido los 80 años del inicio de nuestra guerra civil, una contienda con heridas aún abiertas debido al al afán de desmemoria de nuestros aún gobernantes en funciones y de su hipocresía democrática. El caso es que como tal vez recuerde alguno de los improbables lectores de esta página, en el número anterior decidimos dar un somero paseo por el teatro español que ha llevado a escena la guerra y sus consecuencias. En aquella primera entrega revisamos obras de Lorca, Cervantes, Alberti, Pedro Salinas, Buero, Alberto Miralles, Max Aub, Sastre, Joaquín Calvo Sotelo, Mihura, Víctor Ruiz Iriarte y Juan José Alonso Millán. Hablamos también de cómo algunas de las obras de estos últimos autores, dramaturgos orgánicos o próximos al régimen, se enmarcaban en la campaña propagandística que el franquismo desarrolló en los 60 sobre las bondades de la “reconciliación nacional” y que culminó con la promulgación en el 67 de una ley de amnistía para los delitos de guerra. A esa cara falsamente amable se opusieron las obras de autores que imprimían a sus dramas el real desgarro del dolor impuesto por los vencedores. En 1967 un jovencísimo Antonio Gala escribió “Noviembre y un poco de yerba”, la única de sus obras cuyo estreno supuso un estruendoso fracaso, como no podía suceder de otra manera en aquella España a obras que planteaban abiertamente y sin paños calientes los devastadores efectos de la guerra. La de Gala es una visión áspera de las duraderas, trágicas e insalvables consecuencias de la contienda. A caballo entre el realismo y el vanguardismo nos muestra las estancadas existencias de unos seres para los que ya no hay salida. En la bodega de una metafórica y fantasmal estación de tren viven desde hace 27 años un puñado de seres humanos, bajo tierra, enterrados en vida. Tomás, el guardabarreras que perdió una pierna en la guerra; Paula, una inocente y enamorada jovencita antes de estallar el conflicto; su Madre, a la que los bombardeos y las ruinas enloquecieron pero que aún tiene tremendos momentos de lucidez; y Diego, un soldado republicano oculto en el sótano. Precisamente esa promulgada entonces ley de amnistía, la esperanza de Diego y la última bala de la guerra son los desencadenantes del drama y de la muerte. Una ley no puede cambiar la realidad, la grieta que separa a vencedores y vencidos. Igualmente cruda resulta “La casa de las Chivas”, de Jaime Salón, estrenada en 1969 y que constituyó un éxito sin precedentes en el teatro español de la época permaneciendo en cartel 1.300 funciones; se realizó una versión cinematográfica, y obtuvo unos cuantos premios a pesar de su audacia al mostrar la humanidad y el drama de los vencidos. Las protagonistas son las dos hijas de la Chiva -personaje ausente- ; Petra y Trini fueron encarnadas por dos actrices principiantes: Terele Pávez y Amparo Baró. Estamos en el verano del 38 en zona republicana, entre ruinas y seres humanos reducidos a lo elemental. Petra, la mayor, es la hermana de carácter y de desgarro, sobrevive de los favores sexuales a los soldados, lo que agrava su desesperación. La aparición de Juan, que resultará ser sacerdote, desata la tragedia del amor y de la muerte. Lo cierto es que esos toques de folletín y esa pulsión cristiana de fraternidad y redención que subyace en la obra son los factores que marcaron su inesperado éxito. Precisamente este año se cumplen cien del nacimiento de Antonio Buero Vallejo; con 20 años al inicio de la guerra su vida quedó mar-

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cada a fuego, máxime cuando su participación como soldado republicano y su posterior activismo en la reorganización del PC hicieron que fuera condenado a muerte en juicio sumarísimo, pena que fue posteriormente conmutada. En una de las cárceles en las que permaneció entre 1939 y 1947 coincidió con Miguel Hernández, quien le hiciera el famoso retrato a lapiz. En 1967 Buero estrenó “El tragaluz”, que mantiene curiosas semejanzas con la obra de Gala –del mismo año– que hemos visto un poco más arriba: un sótano, un tren metafórico, la locura -allí de la Madre, aquí del Padre-. Los efectos del conflicto son más trágicos en tanto que invisibles y latentes. En un audaz efecto dramático distanciador, dos habitantes del futuro analizan las secuelas de la guerra civil, para ello observan al microscopio a una familia. Dos hijos, Vicente y Mario, supondrán dos formas contrarias de enfrentarse a la vida, Vicente es el integrado en el sistema –un sistema asesino–, la pérdida de la humanidad en favor de lo material. Aún críos, en plena guerra, Vicente fue el primero en subirse al tren en marcha que los demás no lograron coger, se fue además con todo -lo poco- que tenían, de resultas de lo cual la hermana pequeña, enferma, murió. Ahí nace la locura del padre, que finalmente, impartirá justicia. El 23 de enero del 39 una niña de 7 años y su madre llegaban a la frontera francesa, dos de los casi 300.000 exiliados que llegaron a Francia esos días y que fueron recluidos masivamente en improvisados campos de refugiados –de concentración– en las playas. Esa niña y su madre estuvieron en los de Saint-Cyprien y Argèles, y allí padecieron hambre, frío, enfermedades y desesperación. Uno de los recuerdos más vivos y presente en su obra son los inmensos e improvisados cementerios pegados a los campos: más de 14.000 seres humanos murieron en esos campos durante las primeras semanas del éxodo. Y otro recuerdo indeleble, las primeras palabras oídas en francés: la omnipresente e imperiosa exclamación de los gendarmes: “Allez, allez!”, acompañada a veces de culetazos. Así que esa niña se refugió en su idioma: “Defender los restos de mi lengua, y para ello debía estar muy cerca de cierta desgracia humana. El exilio consistió en recorrer las fronteras de mi idioma para devolverle la vida que le faltaba. Logré vivir en el mismo centro de mi patria ( mi lengua). Tuve que limitarme a la lengua que no varía, la de la poesía, cuya virtud consiste precisamente en deshacer todas las frases hechas para que el lenguaje de mis personajes pareciera indestructible y único. En la poesía toda palabra ha de ser justificada y mantiene viva su relación con la verdad y la belleza so pena de servir sólo a la insustancial fantasía. En la poesía dramática además cada palabra parece llevar una especie de valentía interna para transmutarse en hecho vivo”. Teresa Gracia, que así se llamaba aquella niña, vivió luego en Toulouse, París, Venezuela, París de nuevo –donde se licenció en Filosofía y Periodismo–, Roma, y regresó a España en 1981. Poeta y dramaturga, secreta escritora de culto, en 1972 en Roma terminó “Las Republicanas”, cruce de tragedia griega, vanguardia poética y absurdo –el tiempo y el espacio se han detenido–, en la que plasma su vivencia de los campos franceses, y que quiere que sean todos los campos de concentración de la historia. En la tremenda primera escena las mujeres y los niños contrastan su hambre con el hartazgo de pulgas y piojos. “No tengo voz propia, soy un simple recinto de voces”, afirmó Teresa Gracia, una autora y una obra a redescubrir.

septiembre octubre

Vivir para contarlo

Virginia Imaz

Los finales de los cuentos (III)

a gente que narramos, profesionalmente, en la actualidad, estamos creando la tradición del futuro y como los narradores y las cuenteras que nos precedieron tenemos la obligación de revisar, del legado que nos ha llegado, especialmente, los finales de los cuentos. No se trata de cambiar cualquier cosa porque sí y entrar en un cuento lleno de tesoros que quizás desconocemos, como un elefante en el taller de un alfarero. Se trata de probar y de testar otras restituciones, primero en nuestra propia psique y después en la respuesta del auditorio. Con humildad pero con coraje. Intentarlo al menos. Tampoco se trata de proteger a quien escucha de los conflictos o de viajes iniciáticos de dureza y crueldad extraordinarias. Todo lo contrario. Hay que entrarle a lo que nos desgarra, pero ofreciendo un final reparador. Cuando el héroe o la heroína mueren sin poder regresar con lo aprendido, con aquello que restablecería el equilibrio o la paz, lo que estamos transmitiendo a quien escucha, es la desesperanza y la creencia limitante, de que en la vida no hay segundas oportunidades. Hay finales truncados en versiones de cuentos tradicionales que son ejemplos de verdadero terrorismo emocional. Ofrezcamos a la tribu, y de forma inexcusable a los seres en construcción, viajes con regreso. Cuando hablo de finales reparadores, no incluyo a aquellos cuentos que no siguen el esquema del viaje. Que los hay. Existen, por ejemplo, los denominados cuentos de fórmula, que tienen su manera particular de concluir un relato o de no hacerlo. O los cuentos circulares, que acaban igual que como han comenzado, en una especie de bucle literario, porque el espíritu profundo de estos cuentos es mostrar el equilibrio de un ecosistema, donde lo que un personaje hace afecta a toda la comunidad y este flujo de interrelaciones no necesariamente precisa de un desenlace. También existen los finales abiertos, donde se consulta a quien escucha, sobre cómo debiera terminar una historia, y quien narra no cierra el relato, sino que arbitra en la exposición de diferentes finales posibles por parte de la comunidad. También existen los cuentos poema o relatos parábola donde prácticamente todo el viaje se ha elidido y todo está al servicio de un estremecimiento estético, de un efecto humorístico o de un despertar. Pero los cuentos que siguen el esquema de la metáfora de un viaje, precisan de un desenlace. Y no es lo mismo acabar un cuento que ofrecer un final. Mientras que a un cuento no le encontramos un final y mientras que este final no es reparador, yo al menos, vivo cierta sensación interna de no realización. Y padezco la condena de ir acabando el cuento, poniéndole un punto y final, y añadiendo alguna fórmula ritualizada, como el conocido “y colorín colorado este cuento se ha acabado”, que es la manera que el imaginario colectivo ha encontrado, para ir contando lo que nos preocupa, aunque aún no sepamos cómo resolverlo. Estas fórmulas ritualizadas tienen como función, traer al público de regreso a lo cotidiano del lugar al que les hemos llevado de viaje en lo simbólico. Y también, claro, de avisarle que hemos acabado la narración, y que, por el momento, no sabemos finalizarla de otra ma-

nera. A veces cumplen cierta función de verosimilitud, poniendo a la persona que narra como testiga de los sucedido: “y este cuento se ha acabado, tal como me lo contaron te lo he contado”. “…y ahora se acaba el cuento y como me lo contaron te lo cuento”. O como una invitación a contar a las personas del auditorio: “Cuento corto, cuento largo, yo ya le he contado, cuéntate tú algo”. También hay fórmulas llenas de comicidad y o de surrealismo, magníficas para amortiguar el aterrizaje en el aquí y en el ahora: “…y se acaba mi cuento con pan y rábano tuerto”. “…y colorín colorado, por la chimenea sale un cohete, y tú que lo viste, ¿por qué no lo cogiste? “y viruento viruento , este cuento se lo llevó el viento”. Y es que encontrar un final reparador, en primera instancia para una misma, puede llevarme años y de repente un día, ocurre. A mí, a menudo, contando. Y el alivio es tan rotundo que me deslumbra. Hasta entonces, y en el mejor de los casos, seguimos contando el cuento, seguimos buscando. Y en nuestra búsqueda creativa vamos dando palos de ciego y sorteando todo tipo de trampas. Como reemplazar con una moraleja un final reparador, o sacrificarlo por un chiste. O dar gato por liebre, esto es, provocación por reparación, que sólo muestra más claramente la profundidad de nuestra herida. O dejarnos seducir por un golpe de efecto trágico o melodramático. Porque si conseguimos emocionar al público, la catarsis debe estar a un paso. Incluso podemos llegar a cerrar con un “happy end” tan vilipendiado y minusvalorado, más que nada por previsible, especialmente en los relatos para público adulto, como si las personas adultas no necesitáramos de la esperanza, de la conciliación o la reparación en cualquier etapa vital. Yo adoro y defiendo los finales “y fueron felices para siempre”. Mi único reparo, es que no creo que un final feliz, sea en todos los casos, además, un final sanador o reparador. De hecho, esta es precisamente y tal y como nos ha acostumbrado Hollywood, en las historias filmadas, una de las trampas más recurrentes: un “happy end” puede ser una manera perversa, de no completar la reparación. Además, un final sanador no necesariamente nos hace felices. Su objetivo no es proporcionar la felicidad sino traer la paz, disolver la pelea interna. Un cuento donde la crisis es por ejemplo, un problema de celos entre hermanos, donde uno quiere matar al otro, malamente se va a reparar encontrando un tesoro o acabándolo en boda. Un cuento que no repara la situación que ha motivado la crisis, perpetúa el conflicto y la violencia, y pide a gritos otra versión. Como narradora oral yo ya me he rendido hace rato, y he aceptado mi responsabilidad para rescatar, actualizar o inventar finales reparadores, a los cuentos que cuento. A veces duele hurgar en la herida, pero el coraje y la toma de conciencia siempre tienen premio. Más allá de las trampas del ego o de la búsqueda del aplauso, el reconocimiento o una remuneración digna, por nuestro trabajo, contar cuentos es ante todo para mí, un camino de realización personal y consecuentemente, de sanación. Una forma de mirarme y de mirar lo que me rodea, al servicio de la vida y de la conciliación. Una manera de estar en el mundo, a la que no sabría renunciar. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre Jorge Dubatti

Para redescubrir a Goethe y Beckett

uchas veces el libro es un aliado del teatro. En Buenos Aires se ha generado un doble acontecimiento en la biblioteca teatral. Por un lado, las 600 páginas de Fausto de J. W. von Goethe, texto completo de la primera y segunda parte, con traducción en verso, introducción y notas de Miguel Vedda. Por otro, la edición bilingüe de Asunción, el primer cuento de Samuel Beckett, por el flamante sello EUFyL (Editorial Universitaria de la Facultad de Filosofía y Letras), de la Universidad de Buenos Aires. En los últimos tiempos la Colección Colihue Clásica, que coordina Mariano Sverdloff, ha venido realizando sustanciales aportes a una biblioteca teatral esencial: piezas de Eurípides, Anton Chéjov, Iván S. Turguéniev, Alexander Pushkin, en valiosas traducciones directas de las lenguas originales y con estudios, notas y apéndices críticos a cargo de prestigiosos especialistas universitarios. Acaba de sumarse a ese fecundo catálogo Fausto de J. W. von Goethe, al cuidado de Vedda, profesor titular de Literatura Alemana en la Universidad de Buenos Aires e investigador del CONICET. Estas 600 páginas de texto de Goethe, con 1204 notas al pie, un apéndice de esquemas y esbozos, junto a otras condensadas 150 páginas de estudio preliminar, constituyen un verdadero hito en la cultura, por al menos tres razones que queremos detallar. Primera: la vigencia del texto de Goethe y del mito de Fausto en la contemporaneidad. Fausto es un clásico “histórico” de las primeras décadas del siglo XIX, tanto la primera parte como la segunda, compuestas entre 1772 y 1831. Llamamos “histórico” al clásico insoslayable para comprender los procesos del teatro mundial, al clásico que

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Fausto

configura una época y como tal no puede ser ignorado. Pero Fausto trasciende su época y proyecta su productividad hacia el futuro, es también un clásico en otro sentido, acaso el más relevante: clásico “viviente”, por su llamado a ser leído desde cualquier presente y en particular a ser reinterpretado en el siglo XXI, “viviente” por su significación radiante para la vida mientras es vivida, hoy o en cualquier momento. Su permanente disponibilidad estimulante. Recientemente presenciamos en el Festival Cervantino de Guanajuato, México, la maravillosa versión del Fausto de Goethe del director esloveno Tomaz Pandur, en clave política local, que transcurre en un escenario transformado en una pileta llena de agua de unos diez centímetros de profundidad. Los actores caminan en el agua, caen al agua, sus vestidos se empapan, el chapoteo y las salpicaduras proponen una música, los movimientos escenográficos generan corrientes y olas, las luces se reflejan en las ondas y alcanzan con fantasmagorías el espacio de los espectadores y el techo de la sala. Todos somos Fausto en la Eslovenia, en México y en la Argentina contemporánea, por distintas razones y de diferentes maneras. Por amor o por espanto, el mito fáustico está omnipresente en la cultura argentina, de las páginas de Esteban Echeverría y Estanislao del Campo a las piezas teatrales de Javier Villafañe, Pedro Orgambide, Alberto Adellach, Emeterio Cerro, Sixto Pondal Ríos y Carlos Olivari, Guillermo Yanícola, Patricia Suárez y María Rosa Pfeiffer, entre muchos textos más. Daniel Veronese planea actualmente emprender una reescritura del Fausto goetheano. ¿Por qué tanta seducción y horror en la cultura mundial por el pacto con el Mal? Segunda: la magnífica traducción de Vedda, que supera las versio-

septiembre octubre

Postales argentinas nes anteriores en criterios de vertido y en precisión semántica. A diferencia de las ediciones de circulación reciente, que prefirieron la prosa, Vedda traduce en verso lo que fue escrito en verso por Goethe, es decir, casi todo el texto de Fausto salvo los pasajes finales de la primera parte. Vedda enumera las dificultades con las que se enfrentó y que –celebramos- logró resolver exitosamente: “la variedad métrica, el espectro de registros –que van desde la lengua vulgar y cotidiana hasta el estilo sublime-, la complejidad del contenido y, en sí, las comprensibles divergencias entre el alemán de la época de Goethe y el castellano de comienzos del siglo XXI”. Vedda prefiere no valerse de la rima para la traducción de los pasajes rimados, lo justifica con inteligencia: “Creemos que la determinación contraria no sólo violenta el sentido del original sino que además –salvo honrosas y raras excepcionestermina produciendo un texto estéticamente deficiente, cuando no directamente caricaturesco”. Tercera: la nueva traducción en verso no rimado, y muy especialmente el estudio preliminar y las notas de Vedda, permiten el hallazgo de un Fausto de Goethe nunca antes leído. Las reflexiones de Vedda sobre el proceso de composición de la obra, los vínculos entre literatura y vitalismo, la tradición hermética, la dimensión de Fausto en tanto tipo, o sobre la potencia universal del amor (que articula la salvación final de Fausto), enriquecen las perspectivas del lector. Lo mismo puede decirse de las abundantes notas, en las que conecta el texto de Fausto con el resto de la obra de Goethe, con su pensamiento y su circunstancia. Estudio preliminar y notas son de lectura ineludible, proveen herramientas de auténtica multiplicación. En suma, tres razones que invitan a descubrir o redescubrir esta obra monumental de un autor viviente. Hay en la Argentina auténtica pasión teatral por Samuel Beckett, de cuyo nacimiento se cumplen en 2016 110 años. Ya en 1954 se publica en Buenos Aires la primera traducción al castellano de Esperando a Godot, en versión de Pablo Palant, revisada por Beckett. En 1956 Jorge Petraglia monta la primera puesta de la misma pieza, también en Buenos Aires. Desde entonces, las obras de Beckett se llevan a escena una y otra vez, y cada vez con mayor frecuencia, sea en las salas abiertas al público o en la intimidad de los talleres y clases de teatro. En Buenos Aires se están presentando la versión de Esperando a Godot del director Rubén Pires y otros tres espectáculos sobre textos beckettianos. El autor de Final de partida es una clave insoslayable para analizar Terrenal de Mauricio Kartun. Los textos de Beckett aparecen reelaborados en la dramaturgia nacional de muy diversas maneras, baste recordar La espera trágica de Eduardo Pavlovsky, El viejo criado de Roberto Cossa o La China de Sergio Bizzio y Daniel Guebel. Beckett y sus creaciones han dado nombre a revistas, salas teatrales y bares. Desde hace diez años se realiza el Festival Beckett Buenos Aires, con dirección de Patricio Orozco, autor de una biografía del escritor irlandés. Pero el interés por la producción de Beckett excede el teatro, es integral: abarca la narrativa, los ensayos, la poesía, el cine. Así lo demuestran las páginas de la Revista Beckettiana, creada por Laura Cerrato en la Universidad de Buenos Aires, de la que acaba de

salir un nuevo número. También la reciente publicación bilingüe de Asunción, el primer cuento de Beckett. “Assumption” se publicó en 1929 en transition, revista de literatura experimental editada y distribuida en París por Shakespeare & Company, entre 1927 y 1938. El hermoso libro impreso por la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA rescata el texto original en inglés y lo acompaña con la traducción al castellano de José Francisco Fernández (conocido por su traducción de las novelas de Beckett Mercier y Camier y, junto con Miguel Martínez-Lage, de Sueño con mujeres que ni fu ni fa), una introducción de Terrenal Lucas Margarit (profesor de Literatura Inglesa en la UBA) y un revelador epílogo de James Donald O’Hara –traducido por María Inés Castagnino–. Profesor de la Universidad de Connecticut, O’Hara relaciona el texto de Beckett con “dos fuentes insospechadas”: el novelista Honoré de Balzac y el filósofo Swedenborg. Asunción es un relato fascinante, en el que ya están inscriptas imágenes y preocupaciones de la producción posterior de Beckett. La voz narrativa refiere a un artista encerrado en su habitación, que apartado del mundo –como en una epojé cartesiana, tan frecuente en obras beckettianas de años siguientes–, reflexiona con angustia sobre la creación artística, la auto-percepción y las relaciones entre el mundo y la conciencia. De pronto su soledad es interrumpida por la presencia de una mujer, en cuyos brazos acaba muriendo. Asunción es, por un lado, un cuento meta-literario, una elíptica y profunda reflexión sobre el proceso creador, la escritura y el asumir –de allí el título– la existencia del artista. “El arte más excelso” –piensa el personaje– no es el que busca estrategias para conseguir determinados efectos en el público lector, sino el que “reduce su significado hasta alcanzar esa perfección inexplicable que nos hace estallar”. El personaje opone “el placer de lo Bonito” a “el dolor de lo Bello” y persigue la conexión entre micro y macrocosmos, percibe “su deseo de ser liberado en un soberbio grito ebrio que se fundiera con el desorden cósmico”. Dejar entrar el caos, construir ausencia, despalabrarse, convertir en poética la experiencia del fracaso de “ese proceso absurdo, extravagantemente absurdo, como cocer un huevo en una hoguera”. Por otro, Asunción parece un texto alegórico, que opone corteza y meollo, que hay que leer en clave interpretativa, en el que hombre y mujer asumen la conexión con moldes míticos, arquetípicos, o la representación de contenidos filosóficos. La muerte final no es real sino simbólica, implica asumir una transfiguración y renacimiento espiritual. En esta dirección escribe O’Hara: “Asunción tiene que ver con asuntos espirituales, cuya presentación Beckett basa en Les Proscrits (1831), Louis Lambert (1832) y Séraphita (1834-1835), de Balzac. Estos asuntos espirituales son evocados en Les Proscrits por medio de lo que se llama ‘la Mística’, que incluye ‘la gran secta de los Extáticos’, y de su personaje principal. En las otras novelas los personajes y acontecimientos ponen en práctica y disertan sobre ideas tomadas de los voluminosos escritos de Swedenborg. Las tres novelas de Balzac fueron a menudo publicadas como Estudios filosóficos”. En suma, una edición que contribuye a multiplicar la pasión argentina por Beckett, en esta ocasión en busca de los orígenes del escritor. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre El método griego

María Chatziemmanouil

Teatro Nacional de Grecia: visión y renovación

a temporada 2016-17 será prácticamente la primera que Stacis Livacinós pondrá en marcha su programa como director artístico de la primera escena del país, dado que en la temporada 2015-16, estando él al frente de la institución, fue obligado a aplicar el programa elaborado por la dirección artística anterior. Livacinós, el director de la grandiosa “Ilíada” que el público español conoció en Mérida y en el CDN en verano de 2014, estará al timón del TNG durante los tres próximos años. Su filosofía y su visión consiste en que “el papel de un Teatro Nacional, no es sólo estrenar buenos montajes; eso lo pueden hacer otras organizaciones o instituciones culturales privadas. El TN debe fomentar la cooperación entre las instituciones culturales del país y crear las condiciones susceptibles de producir cultura.” Su política cultural se implementa esencialmente en tres direcciones:

guró en junio pasado en Delfos un taller internacional sobre la actuación en la tragedia y la comedia. Ese taller, para actores hasta 30 años, tendrá lugar cada verano en la misma ciudad, dirigido por la gran actriz griega Lydía Coniórdu, contando con la participación de los mejores especialistas de todo el mundo. En septiembre está invitado al TNG el teatro de San Petersburgo con 3 montajes: “El casamiento de Gógol” con dirección de Yury Butusov, “Macbeth” de Shakespeare con dirección de Luk Perceval y “Los hermanos Karamázov” de Dostoyevski con dirección de Evgeniya Safonova. Asimismo, la co-producción del TNG con el Teatro Vajtangkov de Moscú que se estrenó en Epidáuro en julio dirigido por Rimas Túminas (un espléndido montaje), se estrenará en Moscú en noviembre.

1. Educación

De las cuatro escenas del TNG, una permanecerá cerrada este año para que se realice la restauración necesaria que le permitirá acoger montajes para jóvenes y niños en la temporada 2017-18. De las otras tres (aparte de las producciones ya mencionadas), en la Escena Principal se estrenarán: “Noche de Reyes” de Shakespeare, “Deseos bajo los olmos” de O´Neil, “Nuestra clase” de Slobotzianek y “El príncipe feliz” de Oscar Wilde (para niños). La Nueva Escena se transforma este año en el “hogar” de la dramaturgia griega, con 3 versiones de obras emblemáticas de nuestra historia teatral y con 4 estrenos de obras de autores vivos (“el autor del mes”). En la escena “Rex” las producciones van a combinar el teatro con la música o/y la danza. Entre sus 4 producciones cabe destacar una experimentación musical de Ceódoros Abazis sobre “Los endemoniados” de Dostoyevski. “El contenedor”, una escena teatral móvil en los distintos barrios de Atenas, será una nueva iniciativa de un interés particular, dirigida por Efi Ceodóru. Una historia, un mito, un cuento, fragmentos de la literatura y de la poesía griega; un pequeño grupo de actores a poca distancia de un pequeño grupo de espectadores: una actividad que conecta directamente el TNG con la ciudad, en búsqueda de un público que quizás no tenga el dinero o las ganas de ir al teatro. El programa de la refundada Escena Experimental se espera con máximo interés a principios de septiembre. En la rueda de prensa-presentación del programa, el director artístico del TNG recordó las palabras de Arian Mnushkin: “”La utopía no es lo que no se puede realizar, sino lo que todavía no se ha realizado”. Creo que en un país en el que todo parece ir de mal en peor, es bueno que haya gente en posiciones clave que siga persiguiendo cualquier utopía.”

El objetivo es la mejora del nivel educativo de la Escuela Dramática del TNG y el establecimiento en su seno (por primera vez en Grecia) de departamentos de Dirección y de Escenografía. 2. Colaboraciones a nivel nacional

Colaboraciones con otros organismos culturales griegos, públicos o privados, en el marco de la producción de espectáculos y la organización de otras actividades, e.g. el Teatro Municipal del Pireo, el Museo Benaki, la Ópera Nacional, el Instituto Francés, etc. En este contexto, cabe mencionar especialmente la colaboración con el Teatro de Arte de Atenas. Los dos pilares históricos de la vida teatral de la capital van a colaborar en la producción de una trilogía emblemática de la literatura neogriega: “Ciudades a la deriva” de Stratís Tsircas (que consiste en tres novelas, “El club”, “Ariagni” y “El murciélago”, publicadas entre 1961 y 1965). Tres ciudades, Jerusalén, El Cairo y Alejandría, constituyen el escenario en el que se entremezclan —en una compleja red de relaciones de poder— militares y civiles, nativos y refugiados, políticos y espías, comunistas, liberales y fascistas, europeos, árabes y judíos, idealistas y cínicos, víctimas y verdugos. Espacio de encuentro entre historia y ficción, novela-río de múltiples dimensiones, la trilogía (traducida al castellano y publicada por Ediciones Cátedra en 2011) está regida por la pregunta si «éste» era el mundo por el que se llevó a cabo la guerra contra el fascismo. 3. Colaboraciones a nivel internacional

Con su mirada fijada siempre en Europa y el mundo, el TNG inau68

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Las producciones

septiembre octubre

El lado oscuro

Jaume Colomer

Segmentación de públicos para una gestión personalizada

¿Q

ué beneficios comporta la segmentación de públicos? Si la gestión personalizada de los públicos, de acuerdo con el marketing relacional, es la mejor manera de conseguir la satisfacción de sus expectativas y, en consecuencia, el incremento y la continuidad de su consumo, una segmentación adecuada es el primer paso. Morris Hargreaves Mcintyre, autor del modelo Culture Segments, considera que “nuestros mercados se componen de individuos que son infinitamente diferentes, los motivos por los que están interesados en lo que les podamos ofrecer son muy variados y, además, les impulsan necesidades diferentes. En un mundo ideal, confeccionaríamos a la medida de cada uno de los individuos, nuestras comunicaciones y todo lo que ofrecemos. Pero esto no es práctico. La segmentación, sin embargo, es una solución pragmática. Es una manera de agrupar, a los miembros de una audiencia particular, en grupos de tamaño manejable, a los que puede dirigirse uno según sus necesidades específicas, sus deseos y motivaciones”. Estas agrupaciones las podemos realizar a partir de variables de segmentación. ¿Cuáles son las principales variables de segmentación? A partir de varios estudios podemos considerar que, entre otras, son importantes las siguientes variables: • La edad/generación/estilo de vida y valores: niños, adolescentes, jóvenes (de la generación Y1, adultos (de la generación X2 o de la generación Baby Boomer3) y personas mayores4. Cada generación adopta y mantiene a lo largo de los años un estilo de vida, unos valores y una estética que determinan sus intereses y hábitos de consumo cultural. • El resultado que buscan: diversión, juego intelectual, emotividad, impacto estético, conocimiento de la dramaturgia local o universal, creación o refuerzo de relaciones sociales, etc. Estos beneficios buscados son susceptibles de ser combinados entre ellos. • Las preferencias artísticas: el lenguaje y el género (teatro de comedia o musical, danza clásica o contemporánea, ópera, circo, música clásica o contemporánea, etc...) o el estilo (convencional, mediático, tradicional, alternativo o experimental). La preferencia por propuestas más convencionales o alternativas la argumentó Bernard Lahire con su teoría de la disonancia cultural.

• El estadio de la demanda: demanda inexistente o latente, activa ocasional o regular (de baja o alta frecuencia5). Esta variable está altamente correlacionada con el nivel de estudios (a mayor nivel mayor frecuencia de consumo) y condicionada por el entorno social en el que se ha desarrollado la primera socialización (según la teoría del clasismo de Bourdieu). También podríamos apuntar ciertas circunstancias personales, como la situación laboral (asalariado, autónomo, jubilado, en paro) o la situación familiar (single, pareja sin cargas familiares, miembro de núcleo familiar con cargas de ascendientes o descendientes) que condicionan no sólo el tiempo disponible sino también la motivación para el consumo cultural. También podríamos distinguir entre distintos regímenes de consumo: omnívoros, monívoros y paucívoros, de acuerdo con la lógica explicativa de Richard Peterson. Para definir segmentos se pueden cruzar variables: A. Adultos de la generación X, espectadores habituales, con responsabilidades familiares, que buscan diversión y les gusta el teatro de comedia de estilo convencional. B. Jóvenes de la generación del Milenio, espectadores ocasionales omnívoros que buscan emotividad y les gusta el teatro de texto alternativo de autores contemporáneos comprometidos con el cambio social. C. Adultos de la generación Baby Boomer a quiénes gusta la música clásica por su impacto estético. ¿Cuál es el modelo de segmentación más adecuado para las artes escénicas? Hay varios modelos de segmentación en el mercado. Los tradicionales se basan en variables sociodemográficas o en la frecuencia de consumo. Pero hay nuevas propuestas que se basan más en aspectos subjetivos, como los valores, creencias, estilos de vida, etc. que son más difíciles de conocer. Uno de los modelos más innovadores y utilizados es el que propone Morris Hargraves McIntyre llamado Culture Segments (http://mhminsight.com/static/pdfs/culture-segments/ es.pdf) que propone 8 perfiles de consumo basados “tanto en lo que las personas creen sobre el papel que la cultura juega en sus vidas, como en sus arraigados valores culturales” para “llegar al fondo de lo que les motiva”.

1.- Generación Y o del Milenio (nacidos entre los años 1980 y 2000, ahora tienen entre 16 y 35 años). 2.- Generación X (nacidos entre los años 1965 y 1980), ahora tienen entre 36 y 50 años. 3.- Generación Baby Boomer (nacidos entre los años 1945 y 1965, ahora tienen entre 50 y 70 años). 4.- Podemos considerar personas mayores a los que tienen más de 70 años. 5.- Una variante de la frecuencia es el histórico acumulado: los que han venido una sola vez, los que han repetido dos o tres veces o los que han venido muchas veces. 6.- En algunos proyectos se definen los siguientes segmentos estratégicos: niños, adolescentes, jóvenes i adultos ocasionales, asiduos, abonados, personas mayores. 7.- Por ejemplo: espectadores que han asistido una sola vez y no han repetido, espectadores que habitualmente leen los emails que les enviamos, espectadores que han asistido más de cinco veces a obras de teatro musical, etc.

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16 septiembre octubre Jaime Chabaud

Piedra de sacrificio

Sistema de teatros CDMX

as buenas gestiones siempre serán notorias si la imaginación intermedia. De 2013 a 1016, los espacios del Sistema de Teatros (ST) de la Ciudad de México (CDMX) han recibido a 643.385 espectadores, según numeralia oficial. Ciertamente incluye espacios alternativos y plazas públicas que multiplican la labor que se realiza en los Teatros Sergio Magaña, Benito Juárez y de la Ciudad “Esperanza Iris”. Las 4.747 funciones que se han dado en el mismo periodo, desde que el poeta Eduardo Vázquez tomara a su cargo la Secretaría de Cultura local y ratificara a Ángel Ancona como Coordinador del ST, han dado un nuevo ímpetu a la cultura escénica de la capital. Si bien no es nuevo y desde la administración anterior, con Nina Serratos al frente del ST, hubo una intensificación muy importante, ahora pareciera perfilarse la política en difusión de las artes escénicas hacia nuevos rumbos con ideas con empuje y garra. En esta administración se ha buscado una mayor interacción entre artistas y sociedad y es por ello que tanto los Asaltos Artísticos implementados en el Sistema de Transporte Colectivo METRO (intervenciones en estaciones del subterráneo de música, teatro, ópera y danza que quien esto escribe inventó cuando era funcionario de la Universidad Autónoma Metropolitana de la mano de Ancona y el hoy diputado Alfonso Suárez del Real) y el Teatro en Plazas Públicas han sido herramientas para sacar de los recintos de prestigio cultural propuestas artísticas que van a la caza de nuevos espectadores. Esto de ninguna manera ha impedido que nuevos discursos escénicos convivan tanto en esos programas como en los escenarios formales. De hecho la diversidad de estéticas y procedimientos artísticos ha sido la norma. Desde música cardenche del norte de México o danza folklórica hasta las más vanguardistas expresiones en un amplio diapasón, han sido parte del proyecto cultural del ST. Tampoco han sido pocas las gestiones para apoyar grupos independientes como la iniciativa para que se recategoricen los espacios culturales en la infame Ley de Establecimientos Mercantiles de la CDMX que sólo propicia la extorsión permanente de las autoridades delegacionales. Jaime Chabaud: ¿Qué significa para las comunidades de artes escénicas las políticas públicas del ST de la SC? Ángel Ancona: Como Sistema de Teatros no podemos hablar en nombre de la Comunidad Artística para decir qué significan para ellos nuestras políticas públicas, pero podemos decir qué significa la Comunidad Artística para nuestras políticas públicas. El ST ha impuesto como una de las políticas principales el empleo de una convocatoria de programación que tiene como objetivo abrir a las diferentes comunidades artísticas de cada disciplina la posibilidad de participar en conjunto para la población de la Ciudad de México. Para el ST la Comunidad Artística es el principal cómplice para lograr, como objetivo final, que el discurso que elaboremos en conjunto encuentre un eco en la sociedad y pueda transformar la cotidianidad fortaleciendo la identidad que nos conecta.

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Jaime Chabaud: En la ciudad más grande del mundo y una de las más pobladas, ¿cuáles pueden ser los alcances de ST? Ángel Ancona: Uno de las virtudes de ser parte de una de las ciudades más grandes del mundo es que la producción escénica y los discursos artísticos se multiplican de la misma forma. El ST tiene como objetivo hacer visibles esos discursos a través de la consolidación de las compañías locales de artes escénicas a través de su programación en los recintos que opera así como a través de los diferentes proyectos que comparte con otras instituciones para sacar las expresiones escénicas de los foros cerrados y confrontarlos directamente al público en su espacio más inmediato, cotidiano incluso. De esta manera se busca que el alcance real de la labor de esta Coordinación se lleve a cabo con una programación constante, variada y profesional en teatros, calles, estaciones de metro, espacios alternativos y demás formas de divulgación que se tiene. Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los retos, más allá de los burocráticos, presupuesta les y espaciales del ST? Ángel Ancona: Se puede ubicar en dos campos los retos que tiene esta institución, aquellos que se relacionan con su interacción interna y aquellos que se conectan con la comunidad directamente. En lo interno es necesario lograr que la reglamentación que rige a los espacios tanto públicos como privados se actualice y permita mayor competitividad de todos los actores que participan en las empresas culturales consolidadas y recién establecidas. El reto correspondiente a la relación entre el ST y su entorno es instalarse en el imaginario social como una institución que ofrece productos artísticos de calidad que al mismo tiempo son accesibles. El objetivo es ser un punto de referencia tanto para la comunidad artística como para la población en general. Jaime Chabaud: ¿Qué crees que requiere CDMX para un verdadero acceso ciudadano a las artes escénicas? Ángel Ancona: La CDMX tiene una de las ofertas culturales más rica y accesible del mundo, sin embargo necesita descentralizarse para generar múltiples células culturales que funcionen de forma autosustentable y ayuden a reforzar el bienestar social dentro de la comunidad en donde se sitúen. Las dificultades que Ancona enfrenta no son pocas: una burocracia aterradora que hace que los pagos a artistas salgan hasta con un año de retraso, pocos espacios teatrales formales qué programar (urgiría plantear un programa de rescate de espacios teatrales de la CDMX), escases de personal, un aparato de difusión con estrecheces y falta de recursos para extender la tarea. Y no obstante, en el breve lapso que lleva al frente de su cargo podemos decir, al igual que en la administración anterior de la Secretaría de Cultura, el Sistema de Teatros es la joya de la corona. No son fáciles los retos. Urge crecer su infraestructura y presupuesto. Los logros hablan solos. Honor a quien honor merece.

septiembre octubre

Cronicón de Villán... y corte

Javier Villán

El mapa teatral de España

unca afronté, ni siquiera cuando era joven, una aventura teatral de la envergadura del reciente mes de julio. Recorrer durante un mes los cuatro festivales más importantes de Iberia: Almagro, Mérida, Almada (Lisboa) y Olmedo. Naturalmente, incompletos. O sea, cubrir casi todo el mapa teatral de esta reseca piel de toro que, aparte de su barbarie taurina como dicen sensibilísimos animalistas, es también la patria de Cervantes y de Lope de Vega. Abundantes muestras cervantescas o cervantinas se han visto estos días en los escenarios españoles. Y shakesperianas, pues si parejos fueron en cronología e historia (IV Centenario), puntos de contacto tuvieron también sus vidas teatrales; magna la vida de Shakespeare y más modesta y precaria la del manco de Lepanto. Con todo, sigo defendiendo lo que muchos consideran herejía: que al teatro español sería otro, yo creo que mejor, de haber seguido el camino de Cervantes y no el de Lope, preludio y pauta de la comercialidad y la evasión. Releo los entremeses de Cervantes y sigo admirándome de la genialidad de casi todos; de su humor y su ironía. Pasatiempo con el transfondo humano de los personajes y la infinita compasión de don Miguel. Cervantes o la libertad. El virus de la cervantina que dicen los de Ron LaLá y que debiera recorrer España del uno al otro confín. Naturalmente, mi paso por los festivales ha sido fugaz, lo estrictamente necesario para tomarles el pulso y ver lo más señalado de los mismos que no vendrá a Madrid. A mi entender, los festivales tienen un doble misión: escaparate de producciones con vocación de continuidad, y misión investigadora de esa parte del campo escénico que no puede afrontar el circuito comercial. La estancia en Almagro coincide necesariamente con las Jornadas de críticos e informadores teatrales que organiza la Unir. Suelen ser debates intensos, calientes y sin que llegue a debatirse en profundidad la posible diferencia entre críticos e informadores. Respecto a la posible formación teatral y los conocimientos de ambos colectivos, mi convicción es que pueden ser parecidos, -depende del crítico, del aristarco, y del informador- pero con distintos fines. Con frecuencia la información invade el campo de la crítica y, a menudo, la crítica utiliza abundante información histórica. Si el informador ha tenido acceso a algún ensayo, está en condiciones de emitir un juicio en las llamadas previas. Si no, es la correa de transmisión de los gabinetes de prensa de las compañías. Estos y los productores prefieren que los periodistas no vean ensayos y se atengan al material oficial. Hace tiempo le escuché a un poderoso empresario que una previa en un periódico, le beneficia más que una crítica de cuatro estrellas al dia siguiente del estreno. Como parte interesada que soy, dejémoslo ahí. Por parte del sector crítico estábamos Javier Vallejo, de El País; Ignacio García Garzón, de ABC, y el que suscribe; o sea Javier Villán, de El Mundo. Por parte de la información Esther Alvarado, Catalán Deus, Raúl Losánez, Julio Bravo, Daniel Galindo……y alguno/a más. De invitado de honor, el autor Borja Ortiz de Gondra a punto de estrenar en el CDN su última obra, Los Gondrá. Una familia vasca. Borja se implicó enseguida en las discusiones, obviando con evidente generosidad, su obra por la que, como periodistas, todos queríamos saber algo Como conozco el texto hace dos o tres años,

hago una síntesis brevísima; cuenta la obsesión que tenemos los españoles a matarnos cada treinta o cuarenta años. Y es la historia de una familia vasca, desde las guerras carlistas del XIX hasta la guerra de Eta. Borja pudo comprobar la diversidad y la divergencia de opiniones entre la tropa periodística lo que, probablemente, le trazó el mapa de lo que le espera a su intenso, polémico y áspero texto; probablemente Los Gondra no contentará a nadie; ni a la rama más híspida del nacionalismo de las pistolas y las bombas, ni a la más suave del diálogo político, ni probablemente a los nacionalistas españoles. Profundo desgarramiento en Euzkadi, profunda curiosidad y recelo en Madrid. La triunfadora del Festival, Concha Velasco; por el premio y por su papel en Reina Juana. Almagro, además, tiene para mí un recibimiento fastuoso. Hace tres años descubrí los Apartamentos Arroyo que tienen una profunda raíz clásica a tono con el ambiente de todo el festival, cuatro nada más: Calderón de la Barca, Lope de Vega, Tirso de Molina y Cervantes. Antonio me reserva siempre el Calderón. Mérida fue un accidente en el camino a Almada. Había dos espectáculos estrella dentro de la atractiva programación de Cimarro: Alejandro Magno y Lisístrata, la guerra de las mujeres. Alejandro Magno me pareció deplorable, no por la historia en sí, ni por la versión de Eduardo Galán y Luque, sino por todo lo demás, en especial por la interpretación. Un reparto televisivo para adictos a la caja tonta. Y, en líneas generales, los actores y actrices de televisión desconocen el arte de interpretar en escena. Lisístrata ya no tuve oportunidad de verla. Ejercer la crítica de teatro empieza ser un deporte de alto riesgo en algunos sectores y entre algunas personas que no nombro. ¡!Y yo que me quejaba de la intolerancia de los apoderados de toreros!!. Almada era otra historia. Iba de “estrella invitada” por haberme otorgado el premio Carlos Porto, cuyo nombre sigue siendo un referente inexcusable en el teatro portugués. Rodrigo Francisco, director del Festival me hizo el honor de la presentación. Y cuando dije que consideraba el premio justo y merecido y no podía cometer la descortesía de negarle autoridad al jurado que me lo dio, el teatro de vino abajo de aplausos y carcajadas. No pude sustraerme al encanto, a la belleza plástica y al ingenio de El Feo, la única función que pude ver, por exigencias de tiempo. Me impongo el deber de asistir el próximo año a la mayor parte del Festival; ir a Almada para una función y para recibir un premio, es un despilfarro. Tampoco puedo sustraerme a la multiforme vivacidad de cuatro intérpretes en estado de gracia: María Joao Falcao, Andre Pardal, Joao Ferrán, Joao Tempera. El feo es un texto de Marius von Mayemburg, en versión de Elena Probst y Rodrigo Francisco, dirigido por Toni Cafiero, que hace un verdadero alarde de sensibilidad y de autoridad. Es de una comicidad patética, un ejercicio de belleza plástica; un ritmo vertiginoso de vodevil con injertos de alta comedia. Y con una fibra fuerte y estilizada del absurdo puro. Cuatro intérpretes, para más de una veintena de personajes. Y no me resisto a destacar, en una línea común de escuela actoral, el poliformismo, la proteica flexibilidad, de María Joao Falcao. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre Carlos Be

Las Lejanías

Mes de la Lectura de Autor

ntes de entrar a Kouzelný cirkus –será la segunda vez que veo este espectáculo inclasificable cuyos artífices, Jan Švankmajer y Josef Svoboda entre otros, lograron que, habiéndose estrenado en 1977, siga representándose en la actualidad. Cuentan en su haber con más de 6.300 representaciones, a saber cuántos elencos habrán pasado por sus filas– me cruzo en la cafetería del Teatro Nacional con David Llorente, autor español afincado en Praga. Él, como yo, también participó en el Mes de la Lectura de Autor que se celebró entre julio y agosto en Chequia, Polonia, Eslovaquia y Ucrania. Recordamos entre risas la conducción del chófer ucraniano, ahora nos hace gracia pero en su momento los tuvimos por corbata, el chófer situándose a más de cien kilómetros por hora en el carril contrario para adelantar durante centenares de metros a la hilera de automóviles que nos precedía, nosotros confiándonos a saber quién por tal que no apareciera un solo vehículo en contradirección, y es que había que llegar a la hora prevista a Leópolis a cualquier precio. Ésta y más anécdotas, algunas compartidas entre varios autores y otras individuales, colmaron un viaje de cinco días que permitió divulgar las creaciones de treinta y un escritores españoles y otros tantos procedentes de los países anfitriones en teatros, bibliotecas nacionales, antros undergrounds y centros culturales de Brno, Breslavia, Ostrava, Košice y Leópolis. El próximo año invitarán a treinta y un autores de Georgia, y por las ediciones anteriores ya han pasado Alemania, Bielorrusia, Austria, Francia, Luxemburgo, Suiza y Escocia: una iniciativa fabulosa para dar a conocer la obra de un amplio crisol de autores (en el caso de los españoles, procedíamos de diversas comunidades autónomas y también combinábamos diferentes géneros literarios), una muestra suficientemente representativa en gira por países abiertos al conocimiento y otras culturas, como se comprobaba nada más llegar a cada sede, donde un despliegue de intérpretes, traductores, periodistas y voluntarios nos acogían con los brazos abiertos y un interés real en la mirada, algo que honra y se agradece, porque llegar a una ciudad desconocida siempre implica cierto desarraigo que hiela un poco la piel a pesar de los días soleados que lucían por fechas fechas el centro de Europa. ¿Quién puede estar detrás de semejante disparate: sesenta y dos escritores dando vueltas casi simultáneamente durante un mes por cuatro países? Nada más y nada menos que a una pequeña, pequeña en tamaño pero enorme en vocación, editorial checa que en un alarde de energía, entusiasmo y gracias a tan maravillosa idea han conseguido los apoyos necesarios para configurar una organización excelente al tiempo que enormemente humana y generosa. Y además

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te publican un libro. Y te graban un cortometraje documental sobre el texto que se presenta en las lecturas, en mi caso el monólogo inédito A Margarita, que se publicará antes en checo que en castellano o catalán, no me extrañaría nada. Allí estábamos Carme Riera, Rosa Montero, Lluís Anton-Baulenas, Adolfo García Ortega, David Llorente, Jesús Ruiz Mantilla, Lorenzo Silva, Ignacio Vidal-Folch, y muchos más. Fernando Arrabal debía venir pero no pudo en el último momento. La primera parada es en Brno, en el teatro alternativo Husa na provazku, “El ganso amarrado” en castellano, un teatro que para empezar se ubica en la plaza mayor de la capital de Moravia –seguid tomando nota o bien citadme cuántos teatros alternativos así conocemos en nuestro país, por favor–, casi puerta con puerta con el Teatro Nacional de esta región de tres millones de habitantes. Al día siguiente volvíamos a leer media hora de nuestra obra ante un público entregado en la Mediateka, complejo cultural perteneciente a la Biblioteca Nacional de Breslavia, Polonia, y además descubrimos que estamos incluidos dentro de la programación de Breslavia 2016, Capital Cultural Europea este año en curso. Una nueva entrevista, un nuevo coloquio con los espectadores y al hotel, que al día siguiente tocaba regresar a Chequia, al Absintový klub Les, un bar underground en la capital de Silesia donde después de la lectura, tal como puede deducirse por su nombre, la absenta corría sin parar por la barra. El cuarto día nos sitúa en la Biblioteca de Košice, segunda ciudad en importancia de Eslovaquia, con su paseo lleno de colores y miradas. Por error, cómo si no, me planto en la puerta de la casa de Sándor Márai. Y al día siguiente cruzamos la aduana para entrar en Ucrania, un país dividido por la guerra, de maravillas ocultas y otras expuestas casi a la fuerza, desgarradas por la miseria humana, y conocemos Leópolis, una ciudad con un castillo que no existe, pero con unas vistas preciosas y un alma que pide y conseguirá volar, y lo hará y muy lejos. En Dzyga leo en un salón repleto de espectadores y al final nos tienen que echar a todos de la tarima porque había programado un concierto y nos hemos pasado de la hora, y en la terraza situada al final de un callejón del casco antiguo seguimos hablando y me piden el manuscrito de A Margarita, realmente destrozado tras cinco días de lecturas, anotaciones varias, cera y demás, y veo como se lo llevan abrazado al pecho hacia la parada de autobús y la noche lo apaga todo un día más. Un agradecimiento y una lección antes de terminar. Muchas gracias a la organización del Mes de la Lectura de Autor, con Renata Obadálková siempre velando por nosotros, a las anfitrionas en cada sede y a las traductoras Iveta Gonzálezová, Ilona Narebska e Irina Yevdokimova. Sin todas ellas y muchas más –y mantengo el femenino porque la mayoría fueron mujeres–, este viaje no hubiera sido posible. Ah, y la lección: La vida es la que más te regala; así pues, no esperes más que vivir.

septiembre octubre

Noticias desde los fiordos

Víctor Criado

Del “como si” al “como que”

sa fue mi primera reflexión, que surgió de modo casi inconsciente, observando a un actor interpretar un papel que muchos años antes yo mismo había trabajado (durante más de cuatro años tuve la oportunidad de jugar-indagar-profundizar-mejorar ese personaje). La nostalgia es un filtro peligroso que puede deformar los ojos del afectado, pero en aquel momento, como espectador, considero que el veneno no estaba haciendo demasiado efecto, o quizás lo que sucedió fue que el antídoto, en forma de curiosidad, contrarrestó sus efectos. Sea como fuere aquel actor, famoso, de los que salen en la tv y el cine, pero que quieren hacer teatro, interpretaba el rol de un enamorado con evidente falta de emoción-credibilidad-entrega... Aquí entra en acción el término “como si” que Stanislavski desarrolló en su teoría sobre el arte de la interpretación del actor; actúa, aconseja el director, el personaje en las circunstancias dadas a través del “como si”. Un término lingüístico que trata de contener en su fórmula verbal el elixir mágico del arte teatral. Un concepto que nos remite a la empatía; esa capacidad de ponernos en la situación del otro para, en el caso del actor, ser ese otro ante los espectadores que, aun sabiendo que la convención adoptada es una representación, está dispuesto a aceptarla como verdad siempre y cuando ese “como si” cumpla su función. El actor debe actuar su personaje tratando de hacer algo “como si” estuviera enamorado. El problema de muchos actores es que en demasiadas ocasiones sustituimos ese mágico concepto que Stanislavski se sacó de la chistera de su experiencia, por este otro, mucho menos convincente, aunque quizás a bote pronto más efectivo: el “como que”. Voy a actuar “como que estoy enamorado” en el caso del actor que yo comento. Con lo que la empatía queda sustituida por la imitación y ahí (influidos como estamos por un incesante bombardeo de estímulos visuales y de modelos preconcebidos) surge el estereotipo, la imagen preestablecida. Algo que nuestra imaginación empobrecida, devastada por ese bombardeo inclemente, convierte en cliché. Durante unos cuantos siglos el cliché, como forma artística, cumplió su función. El público, a través de una serie de formas aceptadas lograba disfrutar con ese código establecido. Pero a partir de Stanislavski (poco antes algunos otros ya lo habían intuido) la cuestión se hizo más compleja y ser actor exigió un grado de sinceridad que tuviese su reflejo en la forma expresiva. El “como que” había sido expulsado de la escena por el “como si”, a pesar de su obstinado intento en permanecer. Pero el público, cuando ha degustado el rotundo sabor de la verdad paradójica que es el teatro (entre otras muchas cosas), ya no puede conmoverse con un cliché más o menos bien ejecutado. Y a pesar de la ayuda que la fama concede a este actor, en forma de positiva suposición (si sale en la tv, o el cine tiene que ser bueno, ya que todos quieren y solo unos pocos lo consiguen…), si en su actuación sigue haciendo uso, y abuso, del “como que”, el espectador se aleja sin poderlo evitar de ese lugar del alma donde reside la conmoción. Asiste amable al trabajo en directo de ese actor “conocido” pero jamás llega a ver a ese personaje que, en este caso, ama. En el caso de los que conocemos el oficio nuestro juicio suele ser

más inclemente, como lo fue el mío. Aun reconociendo la maravillosa dificultad de nuestro oficio no pude evitar enfadarme, a un nivel profesional, con el trabajo tan flojo de ese intérprete. Otra de las consecuencias negativas del uso de esa errónea fórmula es su reflejo en la palabra hablada, que queda vacía de intención, siendo sustituida por el “tono apropiado”, primo hermano el “como que”. Hace poco más de un año recibí un mail en el que Suzanne Osten me animaba a presentarme a un puesto de rector en la STDH (escuela de arte dramático en Stockholm). Animado por su confianza presenté mi solicitud, de modo un poco precipitado pero con ganas e ilusión. A las pocas semanas recibí una respuesta: la convocatoria se había suspendido pero me avisarían cuando se reanudase la para continuar el proceso de selección. Mi capacitación resultaba, según su criterio, adecuada a las necesidades del puesto. Siete años antes había tratado de convalidar mi experiencia teatral en la UPV-EHU, con base a mi CV (con más de 20 años de experiencia en ese momento) y apoyándome en una formación académica (una licenciatura universitaria de psicología), para obtener un título universitario que me acreditase como actor a nivel oficial. En vano. Una concisa respuesta me remitía a realizar el curso de un año previsto y realizar la prueba correspondiente. Un compañero de profesión, con una experiencia y un CV mayor y más lucido que el mío, se interesó hace poco tiempo por conocer los requisitos necesarios para entrar a formar parte del cuadro docente en una nueva titulación universitaria de artes escénicas en el País Vasco. La respuesta fue que carece de la capacitación académica solicitada. Otro compañero, al que respeto artísticamente, y con una trayectoria más que contrastada, a la que añadía también una titulación universitaria, también lo intentó, no se si optando al mismo puesto o a otro diferente, con similares resultados. Se supone que en esas escuelas se van a formar profesionales, sin embargo, quienes atesoran el valor de la experiencia contrastada, que en esta profesión-artesanía es decisiva, son relegados por su carencia de títulos académicos. Unos títulos que nunca pudieron obtenerse al comenzar su trayectoria profesional ya que, sencillamente, no existían. Entonces no puedo evitar remitirme a una reflexión que escuché a una socióloga durante uno de los procesos de ensayo e investigación en Unga Klara. Alguien que había estudiado y analizado la estructura y el funcionamiento de las bandas criminales organizadas durante varios años, especialmente en New York, a través de un intenso y concienzudo trabajo de campo, jugándose su propia integridad física y poniendo a prueba los límites de su valor. Obteniendo a cambio conocimiento real, empírico sobre la materia estudiada. En una de sus exposiciones nos confesó que “La mayoría de los sociólogos se dedican a dar conferencias sobre este tema frente a otros sociólogos que escuchan atentamente, luego discuten, analizan, contrastan datos y extraen conclusiones que son publicadas en revistas especializadas, pero ninguno de ellos ha pasado más de diez minutos de su tiempo junto a una de esas bandas”. w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre m

congreso Mundial El XI Congreso Mundial de Teatro Universitario de la AITU/IUTA se realizará del 5 al 9 de septiembre del 2016 en la Universidad de Caldas (Manizales, Colombia), con el título de ‘La investigación teatral en la Universidad’. Creado en el año 1994, el congreso ha venido realizándose en diferentes países miembro de la Asociación Internacional de Teatro Universitario (AITU). Sin embargo, la mayoría de eventos se han realizado en Europa y tan sólo una vez en América Latina, en el año 2008 en México. Es por este motivo, que traer el congreso por primera vez a Suramérica se convierte en un importante logro para el teatro universitario ya que fortalecerá los lazos académicos y de creación entre las universidades de la región, sobre todo de aquellas que se han vinculado a través de la Red Latinoamericana de Creación e Investigación Teatral Universitaria (constituida actualmente por 16 universidades de México, Colombia, Perú, Brasil, Chile y Argentina) y otras que llegarán de los demás continentes. Se reunirán 30 países, congregando a más de 300 académicos.

El Teatro de Cervantes Del 9 al 12 de noviembre con la organización de la Asociación Internacional de Teatro Español y Novohispano de los Siglos de Oro (AITENSO), el Instituto Almagro de teatro clásico de la Universidad de CastillaLa Mancha (UCLM) y el Patronato Municipal del Teatro Rojas, se celebrará en Toledo el congreso extraordinario de AITENSO titulado ‘El Teatro de Cervantes y el nacimiento de la comedia española’, que se desarrollará en el convento de San Pedro Mártir de Toledo (Cobertizo de San Pedro Mártir s/n) sede de la Facultad de Ciencias Jurídica y Sociales de la Universidad de Castilla-La Mancha. La sesiones matinales del sábado 12 tendrán lugar en el Teatro Rojas. El Congreso contará con cuatro ponencius planarias, una mesa redonda sobre ‘Cervantes y la escena actual’ y presentaciones de proyectos y publicaciones especializadas y la representación de la obra de Miguel de Cervantes, ‘El Retablo de las Maravillas’, a cargo de la compañía Morfeo Teatro. Está abierto el plazo de presentación de comunicaciones hasta el 30 de setiembre de 2016. Más información en ialmagro@ uclm.es. El plazo de inscripción para las actividades del congreso termina el 8 de noviembre.

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FeLiT Con la finalidad de promover, difundir y promocionar el trabajo de los creadores teatrales nacionales e internacionales, la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordinación Nacional de Teatro con el apoyo de la Dirección General de Publicaciones, el Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli y PasodeGato: Revista Mexicana de Teatro, organizan la IX Feria del Libro Teatral (FeLiT 2016) que se llevará a cabo del 27 de septiembre al 2 de octubre en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque, en la Ciudad de México. Esta Feria, la más importante de Iberoamérica en cuanto a participación de expositores y por el número de visitantes, realiza muchas actividades paralelas como son el Rally Teatral, las lecturas dramatizadas, encuentros y debates temáticos, presentaciones de libros de las diferentes editoriales presentes, tanto mexicanas como extranjeras, y además se proclama al ganador del Premio Internacional de Ensayo Teatral que propician las entidades convocantes de esta feria, más la editorial Artezblai.

Mercartes Mercartes, encuentro bienal de los profesionales del sector de las artes escénicas de España, se celebrará en Valladolid del 9 al 11 de noviembre. Es una feria convocada por las principales entidades del sector: FAETEDA, LA RED y AAT, y es el principal espacio de debate y networking del sector, que permite a los participantes conocer a muchos otros operadores para incrementar su red de contactos profesionales y encontrar o consolidar oportunidades de negocio, a partir del espacio de feria o de las actividades y temas que propone la organización. Todo esto aportando una mirada actual sobre las necesidades de la escena española. Mercartes se celebrará en el recinto de la Feria de Valladolid y se dirige a creadores, compañías, empresas de producción y distribución, programadores y gestores de festivales y espacios escénicos, empresas de servicios y equipamiento técnico, e instituciones públicas. Se trata de un mercado sin exhibición, con los stands expositores como punto de encuentro, y varias actividades programadas para dinamizar la compra-venta de espectáculos, como un itinerario para programadores, un foro de los negocios o una sesión informativa sobre mercados.

septiembre octubre

16 septiembre octubre Estantería Texto Teatral Labio de liebre, conserva muchos de los rasgos que caracterizan al trabajo de Fabio Rubiano y del Teatro Petra. Pero esta obra con la que la compañía colombiana ha cosechado gran éxito por parte de la crítica y del público y que ha publicado Artezblai, “destaca frente a las demás y no porque en ella se indaguen nuevas convenciones o formas del drama, sino porque el efecto que suscita, en lo que la dramatología denomina la recepción teatral, produce resonancias de todo tipo pues se acerca la fecha en que el gobierno y las FARC firmarán la paz, así que los habitantes del territorio colombiano experimentamos un momento de trascendencia para nuestra historia. La latente configuración de ese utópico y soñado momento de tregua hace que la sensibilidad de los espectadores esté desbordada”. Son palabras de su autor, Fabio Rubiano, quien ha dirigido y escrito más de veinte obras de las cuales cuatro han sido Premio Nacional de Dramaturgia de Colombia.

Texto Teatral

Fundación SGAE ha publicado las obras del III Laboratorio de Escritura Teatral. En un mismo volumen se recogen: ‘El pequeño poni’ de Paco Bezerra, ‘Territorio Madre’ de Zo Brinviyer, ‘Nueve elefantes blancos’ de Arturo Echevarren, ‘Crudo’ de Fernando Epelde, ‘Un resplandor en el cielo del norte’ de Iñigo Guardamino y ‘Betún’ de Alberto Ramos.

En una edición dirigida por Francisco Gutiérrez Carbajo, Castalia ha publicado dos obras de Juan Mayorga ‘Cartas de amor a Stalin’ y ‘La paz perpetua’. Dos textos teatrales que en palabras de Gutiérrez “invitan a reflexionar sobre el ser humano , y también sobre temas tan actuales como la censura, la violencia o las políticas de Estado”.

Bajo el título ‘Teresada’. Inspirado en la vida y la obra de Teresa de Jesús’ la Universitat de Valéncia ha publicado la traducción, a cargo de Evelino Miñano Martínez de la obra de Louise Doutreligne. Este volumen, se presenta con un estudio de la obra realizado por Miñano sobre las ‘Séducionts espagnoles’ y Teresa de Jesús en la literatura francesa.

Estantería Texto Teatral La editorial La Uña Rota ha publicado ‘¿Qué haré yo con esta espada?’ una de los tres textos de la nueva trilogía de Angélica Liddell denominada ‘Trilogía del infinito’. Esta pieza se articula a partir de dos hechos violentos: el crimen caníbal de Issei Sagawa y la masacre del 13 de noviembre de 2015 en París, “canibalismo y terrorismo, como toma de conciencia de la propia existencia, en el corazón mismo del racionalismo” explica la autora. La obra, nace del enfrentamiento entre la poesía y la ley; o, más bien, del enfrentamiento entre la prosa del Estado y el arrebato del espíritu. “Del mismo modo que los científicos investigan el origen del universo colisionando protones, esa hermosa violencia de la batalla entre las partículas, es necesario regresar al origen de la tragedia, para descubrir la fuerza, la energía, los nervios, antes incluso de que apareciera el sentimiento, esa sensación pura y sin nombre” aclara Liddell.

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Texto Teatral

ADETeatro ha publicado dentro de la serie Literatura Dramática Iberoamericana dos comedias de José Sanchis Sinisterra ‘Misiles melódicos’ una tragicomedia musical en la que la parodia y lo grotesco se dan cita para desenmascarar las prácticas mercantiles llenas de doble moral y ‘Vitalicios’ en la que el autor realiza una critica a los recortes sociales.

La colección Teatroautor Exprés de la Fundación Autor tiene como objeto difundir textos teatrales de reciente estreno; las cinco obras seleccionadas en 2015 son: ‘Juanita Calamidad de Antonio Álamo Ana López Segovia, ‘GoZazo’ de Tino Antelo, ‘Snorkel’ de Albert Boronat, ‘Port Arthur’ de Jordi Casanovas y ‘40 años de paz’ de Pablo Remón.

La CNTC ha publicado ‘La villana de Getafe’ obra de Lope de Vega que ha llevado a escena la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico en versión de Yolanda Pallín. Esta comedia tiene la diferencia de clases como base y se pregunta sobre la existencia de los prejuicios entre clases sociales y la verdad de los sentimientos representada en dos mundos diferenciados.

septiembre octubre

Estantería Teoría Teatral

‘Teatro y representación - Perspectivas contemporáneas sobre teoría, historia y crítica del teatro latinoamericano y europeo’ es una publicación de la Colección Biblioteca Plural La universidad de Montevideo realizado por un consejo editor formado por varios estudiosos en el tema y capitaneado por el Doctor en Teoría e Historia de las Artes Roger Mirza.

Teoría Teatral

José Manuel González es el autor de ‘Cervantes Shakespeare. Una aproximación comparativa’ aborda la magna obra de dos de los más grandes autores de todos los tiempos. “Sólo Cervantes puede considerarse igual a Shakespeare y sólo éste puede compararse con aquel” explica el autor de este trabajo publicado por la editorial Síntesis.

Teoría Teatral

La editorial Fundamentos ha publicado ‘Lecturas globales del teatro español del siglo XX’, un estudio realizado por John P. Gabriele cuyo propósito es mostrar cómo el teatro de nuestro siglo puede leerse bajo el prisma de la globalización. Para ello realiza un análisis de diversas obras teatrales de varios de los dramaturgos españoles más significativos de hoy.

Teoría Teatral J. A. Sánchez y E. Belvis son los editores de ‘No hay más poesía que la acción’ título publicado por la editorial mexicana Paso de Gato dentro de su colección ‘Artes Escénicas’ que aborda la noción de teatralidad a partir del análisis de la potencialidad del cuerpo en aquellos procesos de investigación y práctica artística que buscan recuperar el espacio público como lugar de manifestación de la comunidad. En este volumen confluyen distintas propuestas que abarcan el lado más visible de la historia reciente de la teatralidad disidente, que incluye el uso de la representación y la organización de los cuerpos para manifestar el desacuerdo directamente en las calles, en los espacios públicos, en la manifestación del deseo y la dignidad ciudadanas frente a las instancias del poder atrincheradas en un teatro donde la realidad es aún regulada. Además comprende experiencias de pequeño formato, laboratorios de trabajo íntimo que crean espacios personales en los que la colonización de lo espectacular no penetra.

Kiosko Zirkolika

Cuando se cumplen 40 años de la muerte del payaso Fofó, el número 49 de ‘Zirkolika’ le dedica varios artículos en los que se repasa su trayectoria artística. Destaca también en esta edición una entrevista con la payasa Pepa Plana y vuelve a publicar la entrevista que el periodista Joan Armengol realizó a la célebre trapecista Pinito del Oro en 1960.

ADEteatro

La revista ‘ADEteatro’ presenta en su número 161 artículos y reportajes sobre tres temas centrales: ‘Premio Europa para el Teatro 2016’, ‘Cervantes a escena’ y ‘El sonido y la imagen’. El texto teatral elegido esta edición es ‘Ultima edición’ de Eduardo Galán y Gabriel Olivares al que le siguen varias entrevistas con diversos directores españoles.

Artescénicas

Las entrevistas con Pedro Moreno, último Premio Nacional de Teatro, con el director de escena Declan Donnellan. la directora del Festival de Almagro, Natalia Menéndez o Jesús Cimarro del Festival de Mérida son sólo algunas de las propuestas del número 4 de ‘Artescénicas’ publicación cuatrimestral de la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE).

Conjunto En su número 179, la revista ‘Conjunto’‘, realiza su particular homenaje al teatro de grupo. Tal y como explica en la editorial de este número su directora, Vivián Martínez Tabares, el festival Mayo Teatral celebrado en La Habana reunió a varios grupos de teatro de América Latina que han celebrado sus aniversarios como el colombiano Teatro La Andelaria o Grupo Culural Yuyachkani de Perú. demás de diversos artículos sobre el mencionado tema, el presente número incluye los textos ‘Camilo’, creación colectiva de Teatro La Candelaria y la también creación colectiva ‘Cartas de Chimboe’ de los peruanos Yuyachkani. Destacan a su vez los reportaje ‘La política y lo político en el vínculo con el teatro independiente’ que firma María Fukelman y ‘Uhuru, Eshú, y otras impertinencias sin nombre: Una tempestad” que Gustavo A. Remedi ha realizado sobre la adaptación que Aimé Césaire ha realizado sobre el clásico de William Shakespeare.

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16 septiembre octubre Temporada de teatro en Nueva York

Obras para entender un mundo en constante conflicto

n lo que va de año el gran espectáculo ha sido, sin lugar a dudas, “Hamilton” de Lin-Manuel Miranda que, para los amantes del hip-hop, ha constituido un crisol de experiencias y sensaciones cónsonas con el ritmo de esta música, extraída de los guetos norteamericanos, donde la comunidad afroamericana todavía se halla confinada. Un confinamiento, cobrando visos de urgencia desde los recientes enfrentamientos entre la policía y la población negra de Dallas, que se ha cobrado vidas de ambos lados y ha escindido aún más la percepción del problema racial en los Estados Unidos. Resulta entonces paradójico que un musical, macerado por la pobreza y la marginación social de las minorías raciales, se haya convertido en el espectáculo más económicamente rentable en la larga historia de Broadway. De hecho las entradas, para el performance final de Miranda el pasado 9 de julio, se cotizaron a un precio de hasta 1500 dólares cada una. Otras contradicciones, igualmente urgentes, han venido acompañadas de la mano de obras como “The Crucible” de Arthur Miller. Esta nueva producción para el Walter Kerr Theater de Broadway, en la dirección de Ivo van Hove con música de Philip Glass, se ha constituido en un hito importante de la temporada, no solo por el poder intrínseco de la obra, sino por sus connotaciones presentes. Aquí el fanatismo de los miedos atávicos, que llevaron a la cacería de brujas en Salem durante el siglo XVII, espejea tanto la cacería de “rojos” iniciada por el congreso en el Washington de los años cincuenta del pasado siglo, intertexto de la obra de Miller, como los miedos contemporáneos, espoleados por la derecha norteamericana de la mano de su representante más vergonzoso: el billonario neoyorkino y candidato republicano a la presidencia, Donald Trump. De hecho, Van Hove trasladó la acción al Brooklyn actual, para evaluar hasta qué

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punto la integración racial y el respeto hacia las creencias del otro son una realidad y no una ficción. Pese a encontrarnos en una de las ciudades más tolerantes, no solo del país sino del mundo, son patentes las grandes desigualdades entre sus habitantes a todo nivel. Desigualdades, que la globalización ha profundizado en lugar de cerrar, pues ha dado origen a una minoría de enorme poder adquisitivo, dedicada a explotar y manipular a la gran mayoría modesta, creando una ilusión de igualdad e interacción, desde las plataformas tecnológicas y las redes sociales, cuyos auténticos beneficiarios son las grandes corporaciones que deciden, manejan e imponen. “¡Oh, qué duro es cuando se desenmascaran las falsas pretensiones!”, le echa en cara Abigail (Saoirse Ronan) a Proctor (Ben Whisham), cuando el odio y la intolerancia han envenenado a los restantes caracteres, denunciando así la hipocresía del colectivo. El recurso de ubicar la mayor parte de la acción en un salón de clase, hizo más aguda la sensación de pérdida y descorazonamiento, al convertirse el espacio del aprendizaje en un espacio de rencor, fanatismo, sectarismo y superstición, donde Van Hove puso a actuar a los personajes, hasta hacer trizas el frágil tejido social al cual se aferran para no perder su “integridad” y “respetabilidad”. En sus palabras: “El salón de clases es un espacio perfecto para mostrar el desarrollo de la gente que debería constituir una sociedad bien integrada pero que, al final de la pieza, se ha transformado en una sala de emergencia, un eral y una prisión”. Una sensación similar nos dejó también la producción de “The Cherry Orchard” de Anton Chejov en la Brooklyn Academy of Music (BAM), adaptada y dirigida por Lev Dodin para el Maly Drama Theatre de San Petersburgo. Aquí la acción se centró en el modo como la pieza anticipó el cataclismo histórico que supuso la revolución bolchevique y los

desgarramientos de las guerras civiles y mundiales del pasado siglo, pero sin perder de vista el lugar que los caracteres ocupan en el trazado de la Historia desde sus pequeña historias. Historias que quedaron interconectadas con las del público asistente, desde una puesta en escena que integró los espacios del teatro a la representación, borrando la distancia entre el escenario y la audiencia. Tal estrategia hizo aún más inmediata la sensación de aplazamiento y digresión que nutre el argumento y moviliza la acción; cual si con sus vanas discusiones los personajes pudieran detener el irremisible paso de la Historia, que terminará por desintegrar los últimos fragmentos de una forma de vida llegando a su fin. El acto de cubrir con fundas blancas muebles y paredes, donde simultáneamente se proyectaban escenas de la familia retozando entre los cerezos en una época más feliz y los retratos de sus protagonistas cual alter egos de sí mismos, profundizó la sensación de pérdida y naufragio, con la cual Chejov cerró no solo su carrera sino su vida, al dramaturgo fallecer seis meses después del aclamado estreno de esta obra. El muro de ladrillos con que en la escena final la escenografía selló no solo el paso al jardín, leitmotiv del argumento, sino la casa misma, se constituyó en alegoría del encierro interior de la sociedad previa a la revolución, ciega a los cambios necesarios para que el país entrara en la modernidad. Una modernidad que el marxismo-estalinismo siguió negándole, y que ni el capitalismo salvaje, nacido con la desintegración del bloque soviético, ni el régimen autocrático de Vladimir Putin en el nuevo milenio han logrado extender, al interior de una colectividad fuertemente arelada a atavismos y tradiciones inmemoriales. BAM igualmente trajo a los espacios del Harvey Theater el ciclo de los reyes shakes-

septiembre octubre perianos que marcaron los hitos más importantes del medioevo inglés, “Richard II”, “Henry IV” y “Henry V”. Este extraordinario tour de force, dirigido por Gregory Doran para el Royal Shakespeare, le permitió al público neoyorkino apreciar el amplio registro de unas obras, fluctuando de la tragedia a la comedia, al interior de un marco históricosocial donde las guerras europeas y las intrigas internas por el poder imprimieron su sello a los turbulentos reinados. David Tennant (Richard II), Jasper Britton (Henry IV) y Alex Hassell (Henry V) dieron vida a los monarcas cuya autoridad terminó de unificar lingüística y territorialmente a Inglaterra, además de incrementar sus posesiones europeas; si bien el precio fue sumamente alto, especialmente a lo largo de las guerras de los cien años, la guerra de las rosas y los conflictos con Francia. En la pluma de William Shakesperare, estas enormes hazañas quedaron inscritas en la cotidianeidad de quienes formaban parte del entourage de sus hacedores, destacando por su agudeza e hilaridad la figura de Sir John Falstaff (Antony Sher), amante del vino, las mujeres y los bajos fondos, cuya actuación catalizará con su cinismo el reinado de Henry IV y educará a su hijo para asumir las responsabilidades de la corona. Una minimalista mise-en-scène, con proyecciones digitales simulando ambientes y paisajes sobre un fondo negro, enmarcó con su sobriedad los excesos de estos reyes y la época, sirviendo de contrapunteo a los desplazamientos sobre la escena de cortesanos, plebeyos y soldados. Sus proezas, victorias, derrotas y debacles reverberan en nuestra contemporaneidad y hacen del bardo inglés, cuyo cuatricentenario se celebró hace apenas unos meses, un visionario de las pruebas que aún le quedan por pasar a la Gran Bretaña, todavía sacudida por las consecuencias del Brexit, puesto a instalar otro período de incertidumbre tanto para el país como para el resto de la Europa comunitaria. Otro gran dramaturgo inglés pero de signo opuesto, Oscar Wilde, fue el protagonista de la pieza “The Judas Kiss” de David Hare, dirigida por Neil Armfield para el Hampstead Theater de Londres. Rupert Everett hizo de Wilde el protagonista, no solo de esta pieza, sino de las libertades recientemente ganadas por la comunidad homosexual en varios países del mundo occidental, haciendo de su actuación un estamento político a favor de las minorías sexuales. Tal cual escribió para The New York Times, en ocasión del estreno de la obra en BAM: “Todos nosotros dentro de nuestra comunidad —gay, lesbiana o transgénero— todavía estamos discutiendo, vibrando, marchando alborozados por

ello. Tal como Wilde predijo, nuestro triunfo está no obstante manchado por la sangre de muchos mártires, pero hemos progresado mucho desde aquella mañana de mayo de 1895, cuando un juez condenó a un hombre a dos años de trabajos forzados por ser homosexual y recibió una ovación de pie por ello”. La obra en dos actos de Hare centra los eventos previos y subsecuentes al juicio y la condena del dramaturgo. En el primer acto nos hallamos en el hotel de donde la policía se llevó a un Oscar Wilde seguro de sí mismo y de su decisión de no huir de Inglaterra para enfrentar a sus detractores, y en el segundo, asistimos a la decadencia de un hombre destruido por la enfermedad, el abandono y el olvido de quienes tanto lo habían celebrado, recordando desde su exangüe exilio en Nápoles, la vida y la espléndida carrera que quedaron truncadas por la intolerancia de la época. En la actuación de Everett, la figura de Wilde cobró visos mesiánicos, por su poder de escudriñar en la conciencia de amigos y enemigos, a fin de exponer la hipocresía de quienes hicieron de él el chivo expiatorio de sus propios miedos. Y ninguno como Lord Alfred Douglas, admirador, oportunista y ocasional amante de Wilde quien, aun viendo el estado lamentable del poeta, siguió anteponiendo sus nimiedades al drama del escritor. Aquí la presencia del autor acaparó la escena sin anegarla, manteniendo un mesurado balance entre lo emocional y lo intelectual, especialmente en los monólogos del protagonista, donde Everett mantuvo en vilo al auditorio, entregado al fraseo y los gestos del actor. Si bien Everett apuntó en una entrevista su intención de llevar al cine el texto de Hare, se hace difícil visualizar el paso a la pantalla de una obra, que exige el grado de intimidad y cercanía inherente al trabajo sobre las tablas. Por lo pronto, sin embargo, esta producción de una pieza que, estrenada en 1998, no tuvo entonces la resonancia actual, seguirá su recorrido por los teatros del mundo. Y, tal cual ha ocurrido en numerosas ocasiones, se hizo necesario esperar por el actor que lograra darle todo su sentido y más, a fin de transformar un fracaso previo en un éxito rotundo. Otro triunfo actoral fue la producción de “Long Day’s Journey into Night” de Eugene O’Neill, dirigida por Jonathan Kent para la Roundabout Theater Company de Nueva York y el American Airlines Theater de Broadway. Jessica Lange (Mary Cavan Tyrone), Gabriel Byrne (James Tyrone), Michael Shannon (James Tyrone Jr.), John Gallagher Jr. (Edmund Tyrone) y Colby Minifie (Cathleen) constitu-

yeron el magnífico elenco, dable de extraer los múltiples matices de cada personaje, sin caer en el melodrama y el exceso. Si bien esta obra, montada póstumamente, es quizás el mejor testamento que O’Neill pudo dejarnos, la producción del Roundabout Theater honró al dramaturgo, manteniendo la tensión de un argumento donde los Tyrone se constituyen en el ejemplo perfecto de disfuncionalidad producto de las drogas, la enfermedad, el alcohol y, sobre todo, el desencanto consigo mismos y la sociedad de su tiempo. Una sociedad que, al momento de escribirse la pieza, se hallaba inmersa en la Segunda Guerra Mundial. No extraña entonces que O’Neill, quien obtuvo póstumamente el Premio Pulitzer con la obra, quisiera exorcizar sus propios demonios, mediante un texto que espejea además en parte su propia biografía. La violencia, el alcoholismo, la recriminación descarnada, las frustraciones por lo que pudo haber sido y no fue, tan cercanas al dramaturgo, tuvieron en la dirección de Kent un lugar primordial en el desarrollo del guion. La veteranía de los actores contribuyó especialmente al éxito de la pieza, desde un histrionismo de gran complejidad y fuerza, donde el público pudo asistir a la desintegración de los valores familiares de manera total y lapidaria. Jessica Lange en el papel de la matriarca encargada de mantener una apariencia de felicidad conyugal, pese a su adicción a la morfina, Gabriel Byrne como el violento y alcohólico actor cuya carrera quedó mutilada por su sexismo y adicción a la bebida, Michael Shannon, como el hijo cuyo cinismo y desencanto ante el mundo se aúnan a su alcoholismo y personalidad autodestructiva, y John Gallagher Jr., como el hijo soñador de frágil constitución minada por la tuberculosis, se sumergieron profundamente en la catarsis del drama, manteniendo sin embargo una saludable distancia para con sus respectivos caracteres, pudiendo mostrarlos en todo el esplendor de su miseria. La incomunicación de este microcosmos familiar, espejeó ampliamente la imposibilidad de negociar y el ansia de poder de las grandes potencias que llevó al estallido de la guerra, arrasando a su paso con incontables sueños y deseos. Algo que, ante la falta de compasión y exceso de ambición de tantas sociedades en nuestra contemporaneidad, se hace mucho más urgente hoy, cuando pareciera que el mundo se acerca cada vez más a una conflagración global por culpa de los mismos fanatismos que desencadenaron las del pasado siglo.

Alejandro Varderi w w w. a r t e z b l a i . c o m

16 septiembre octubre Experimenta Teatro 16

Experimenta alcanza mayores cuotas de espectadores

os números tienen un gran significado para El Rayo Misterioso, que comenzó su actividad como grupo hace 22 años, y los descubre para el mundo de los amantes de esta forma de teatro en un festival al que llama Experimente Teatro. Esta nueva entrega es la decimosexta y la simbología de este número está representada por la torre o La casa de Dios, que marcó a los volantes, la revista y afiches sobre este encuentro. El número 16 equivale al 7, representa el arma, y es una ley arquetípica que se relaciona con el paso el hombre por infinidad de puertas para alcanzar la perfección. A su vez el 22 está representado por el 4 la puerta (bitul) que es el camino de entrada a la verdad. Casualmente este año ambos conceptos coinciden: la puerta y el arma, que al unirse

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lograron generar un encuentro de “Teatro de Grupo” diferente con improntas cuyas sutilezas permitieron acceder a propuestas, provenientes de España, Latinoamérica y Corea del Sur, en las que el tema de la tiniebla y la muerte fue preponderante y en casi todas el substrato estaba ligado a la tragedia griega. Este año como siempre lo hace El Rayo misterioso entregó su Orden del Guerrero Teatral a Carlos Gil Zamora. Y una vez más se reunió el Foro de Críticos con especialistas argentinos y extranjeros y el de Directores teatrales. El crítico rosarino Julio Cejas coordinó las diversas mesas de desmontaje teatral que se realizaba al finalizar de cada espectáculo. El Grupo Haddangse Theatre (Seul, Corea del Sur) inauguró el Experimenta Teatro, por provenir de una cultura diferente a

la occidental, y aportó una nota fresca con su espectáculo para toda la familia “Brush” (Brocha o pincel) dirigido por Si joong Yoon. La historia trata de unos niños que van en busca de sus ancestros para que les expliquen temas de la vida. El espectáculo estaba concebido a mediante el dibujo realizado en grandes paneles y cuyas líneas dimensionaban el viaje de los actores a través signos y juegos. La magia de las líneas permitió al Grupo Haddangse Theatre compartir con el público una delicada, deliciosa y cautivadora puesta en escena colmada de personajes maravillosos que a semejanza de la Linterna Mágica podían entrar y salir del dibujo y jugar con la platea mediante la música y plasticidad única. “La Historia de Ixquic” (Costa Rica -Argentina). El director Juan Fernando Cerdas

septiembre octubre entretejió junto con Rubén Pagura, actor, dramaturgo y músico, relatos del Popol Vuh que se refieren a la muerte de los dioses. A semejanza de la mitología griega los Mayas sostenían la idea que el mundo tal y como lo conocían se acabaría por la muerte de sus dioses y para sostenerlo debían instaurar una nueva religión. Las aventuras de Hunahpú y Xbalanqué, cuya madre fue Xkik’, hija del señor del inframundo transcurren en dos escenarios. El primero es la superficie de la tierra; el segundo, el inframundo, el Xibalbá. Con un excelente dominio corporal y esquemas de romper el espacio en varios planos Rubén Pagura logró recrear el universo Maya, sostenido por música de percusión y flautas mesoamericanas en un fantástico juego de luces y sombras, a semejanza del entendimiento que cada pueblo hace de sus mitos, que a su vez están cercados por metáforas y simbolismos. “Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz” (Porto Alegre- Brasil) recreó para el público rosarino, a través de su creadora Tânia Farias, sus métodos de investigación que parten de su trabajo en teatro de calle y de perfomance, y de una vertiente llamada Teatro de Vivencia. “Evocando os mortos – poéticas da Experiencia” es la demostración del camino del actor o del guerrero en la creación de personajes que abordan la problemática femenina y de violencia de género a través de la historia, reelaborando especialmente la visión de, dos autores alemanes y un chileno. Tomando el concepto de teatro ritual del cual parte Antonin Arteaud, el espacio se fue transformando en un templo cuya sacerdotisa –actriz se desdobla en Ophelia de “Hamlet – machine”, y Saspotás en “A Missão – Lembrança de uma revolução” a partir de Der Auftrag de Heiner Müller, “Kassandra” en “Kassandra en process”, de Christa Wolf, y Sofía en “Viúvas – Performance sobre a Ausência” tomando como base “Viudas” de Ariel Dorfman. Tânia Farias no sólo demostró ser una excelente actriz sino que hizo gala de una gestualidad y plasticidad extraordinarias, con las que consiguió cautivar al público sin mayores esfuerzos. “Teatro del Norte” dirigido por Etelvino Vázquez llegó de Asturias (España) con la tragedia de “Yerma” de Federico García Lorca. En magnífica síntesis, manteniendo la línea de acción del autor, la desequilibrada vida del personaje se expuso mediante un ejercicio interpretativo que conllevaba un extremo esfuerzo. El travestismo, en este caso muy justificado, le dio a Yerma una fuerza inusual. La visión de la locura, muy

presente en otras obras de Lorca, se posesionó en una poética escénica minimalista, como esos espectáculos de naturaleza lejana. “Yerma” es la tragedia de la sequedad, del vacío, de una asesina que redujo su necesidad de maternidad a la enajenación. Todo en “Yerma” es la dialéctica de un ser que queda encarcelado en una geometría de seres semimuertos y semivivos, y de eso trató la puesta de Etelvino Vázquez de mostrar esa geometría interior en el afuera, sobre un escenario que era una tarima rectangular abierta, como un gran signo de interrogación, con imágenes que pusieron en movimiento la esperpéntica realidad del personaje. El Grupo de Asunción (Paraguay) se presentó con el espectáculo “Isla Piano” dirigido por Hugo Luis Robles, com música original de Pilli Ortiz que reforzó la propuesta con acentos lastimeros sobre creativas variaciones de su música tradicional. “Isla Piano” trajo una historia desconocida sobre la defensa del Paraguay en la llamada Guerra Grande o Guerra de la Triple Alianza (Brasil-Uruguay-Argentina). En esta versión la historia es narrada por las mujeres que padecieron el acoso de los invasores, las vejaciones y sobre todo se partícipes en la muerte de sus hijos. Desde el mundo de lo ocre, la tierra y el polvo de la historia, el grupo paraguayo descendió al infierno de su guerra y apostaron a través del arte al redoblamiento de la vida. Esa guerra pertenece al pasado y fue necesario revivirla de un modo nuevo y pictórico a la vez. La puesta estuvo teñida por una luz muy suave, una luz comunicativa, que trató de explicar la angustia y la desazón que ha sufrido un pueblo al que se le mató varias generaciones de hombres. “Flores Ácidas”, con dramaturgia y dirección de Carlos Gil Zamora. El Grupo “Las Damas” de Córdoba (Argentina) basó su trabajo en la creación de compartimentos estancos sobre una clase que por motivos propios y ajenos está en decadencia. Las actrices con gran histrionismo fueron des-

granado la realidad de tres generaciones ligadas a la clase media, que como el agua de un río turbulento busca su salida al mar. Los tres personajes están relacionados con un cuarto que hace las veces de coro griego y como éste es el nexo con el público. Este conflicto es una metáfora de la trasmodernidad cuyo esquema parte de una realidad sociopolítica y el avasallamiento de los medios de comunicación. La realidad de estos personajes está inmersa en una tragedia shakespeariana, pesimista, pero con notas de humor inexpresivo y melancólico. La puesta es un formidable ejercicio de minimalismo extremo, en el cual las actrices casi no realizan movimientos y la acción se repliega al momento en que la tensión se evidencia, cuando cada una de ellas interpreta su monólogo. “Flores Ácidas” es una metáfora del mundo actual en donde la realidad es como un abanico que al desplegarse va mostrando cada una de las situaciones de éstas mujeres, víctimas perfectas, que chocan con una realidad avasallante y se desdibujan en su propio laberinto. El Rayo Misterioso presentó: “El fabuloso mundo de la Tía Betty” (Teatro fantasmal), dirigido por Aldo El Jatib. La obra se interna en vertiginoso recorrido por el mundo de la locura, que parte de un hospicio convencional con enfermos encorsetados en chalecos de fuerza para abrirse a una sucesión de cuadros que muestran los instintos más bajos, y lo más miserable y también, porque no, lo sublime de los hombres, La llamada Guerra Sucia de los años 70 desapareció a una generación de jóvenes y cercenó el crecimiento de otra. La niebla, “leiv motiv” de la puesta en escena, acentuó el claroscuro de la historia que el grupo quería contar, y era ese paso por un mundo de celdas, torturas, muertes, y cuerpos cuya desnudez hería por el significado que cobraban. Desde una “Deus ex machina”, que por momentos rompía con la lógica del espectáculo y lo transformaba en un mundo que rozaba el surrealismo, El Rayo Misterioso se adentró en lo superlativo de lo oculto, en donde el espacio de la intimidad de las celdas o de la locura y el espacio del mundo se vuelven consonantes. Y cuando se profundiza en la gran soledad del hombre al enfrentarse a la muerte, como lo hace “El fabuloso mundo de la Tía Betty”, el grupo contrapone realidades fuertes y estables, a imágenes dolorosas que subyacen en el recuerdo de un mar profundo.

Beatriz Iacoviello w w w. a r t e z b l a i . c o m