Artez213

diciembre 16 noviembre Carlos Gil Zamora

Atentos todos al pajarito: nos hacemos la misma foto desde años y sale movida

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ecíamos ayer que uno siente un cansancio ilimitado porque a la hora de ponerse a escribir estas editoriales, el panorama es tan calcado al de hace un año, dos o cinco, que solamente una adscripción momentánea y alienante a un espíritu conciliador y unas ganas de insuflar algo de esperanza al trabajo cotidiano nos impide declarar el mes del silencio administrativo o el del nombramiento que no nombra nada más que el nombre del nombrado.

Sí la decepción puede acelerarse. Los últimos nombramientos no anuncian nada. No hay planes. Las declaraciones son de una insuficiencia intelectual, de una incapacidad para generar alguna expectativa de cambio que uno cree que vivimos en un bucle legislativo en donde empeoramos de una manera alarmante, aunque intentamos por todos los medios remediar los efectos de la catástrofe a base de combatir las infecciones más profundas con azucarillos coloreados homeopáticos.

No tenemos remedio, por eso llegan a los lugares de decisión política en asuntos culturales los menos dotados. Por eso delegamos en los más mediocres, los que no saben ni de cultura ni de política. Por eso vamos caminando como zombis buscando una luz de neón que nos indique la dirección del bar de copas de moda o de la sauna.

Por eso no notamos este año en funciones de manera nefasta, porque es lo habitual, el que todo transcurra dentro de unas vías controladas por unos pocos por las que hacen ver que transitan trenes democráticos, ayudas, planes y son todos trenes fantasmas que mueven basura de un punto a otro y van dejando despojos para que los pobres sacien el hambre de un día o de una noche. Y lo peor es que esto seguirá porque no existe liderazgo, porque se ha entrado en una fase terminal, en una abulia, en una aceptación de la situación a base de mantener a unos pocos en una miseria económica y cultural, pero que les sirve para creerse los mejores, los más premiados, los protegidos por las autori-

dades incompetentes aunque su trascendencia histórica será cero, o menos que eso.

Este es el número doscientos trece de esta revista que cumple en febrero veinte años de vida desde su primera aparición con otro formato y con otras ambiciones.

Nos hemos dejado la vida, hemos crecido, llegado a un tope y hemos ido rebajando nuestra frecuencia y nuestro peso en gramos de papel. Hemos sufrido en los últimos años la desidia y la inquina de las instituciones teatrales españolas comunes de manera injustificada. Las sufridas por casi todas las revistas y todos los gremios de las Artes Escénicas, más las puntuales, las expresas.

El INAEM nos ha tachado con una cruz. Sus unidades de producción nos ignoran, nos han apartado de su planes de comunicación caprichosamente. Yo diría que irregularmente, pero no vamos a darles más importancia ni a perder más el tiempo señalándoles. Solamente confiamos en que o nos toque la lotería el día 22 de diciembre o en el nuevo gobierno, si es que llega, los cambios afecten a quienes nos han censurado económicamente de manera clara. Celebraremos los ceses, sin muchas esperanzas porque nos puede ir todavía peor, pero esto nos ha ayudado a hacer músculo, a sobrevivir con menos, siempre al borde del colapso, pero siempre encontrando en otros puntos, en otras instituciones, incluso del propio Ministerio, otros alientos, pocos, insuficientes, pero sin sentir ese enfrentamiento directo, esas acciones con intención de aniquilarnos, de quitarnos del medio.

Aquí seguimos, débiles, pero con más razones que nunca. Por suerte para nosotros y por desgracia para el conjunto de las artes escénicas estatales, es irrelevante lo que hacen sus unidades de producción. Se han convertido en una fábrica de espectáculos para la cartelera de Madrid sin mucho rigor en su selección. Su influencia en el conjunto es ínfima. Y esperemos se revisen, en serio, las

Número: 213 - año 20 · Noviembre / Diciembre 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Fotografía del espectáculo ‘Incendios’ de Wajdi Mouawad tomada por Ros Ribas

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Editorial

Opinión 4 - 5 6 7 42 43 44 - 45 46 47 48 49 50 51

Editorial Rondas Escénicas - María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El lado oscuro – Jaume Colomer El método griego - María Chatziemmanoui Las lejanías – Carlos Be Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Cronicón de Villán y Corte - Javier Villán

Estrenos 10 - 11 Francoren bilobari gutuna por Artedrama Dejabu-Le Petit Théâtre de Pain 12 Estrenos CDN 13 El cartógrafo de Juan Mayorga 14 Estrenos en Barcelona 15 - 16 Miscelánea de estrenos

Festivales 18 - 19 XXIV Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante 20 - 21 XXV Festival Don Quijote de París 22 XXXIV Titirijai - Tolosa 24 XXXII Mostra Internacional de Titelles de la Vall d´Albaida 25 XXXVII Festival de Teatro de Santurtzi 26 XXXIX Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia 28 VIII CENIT - Sevilla 29 IV Festival Iberoamericano de Teatro para niños y niñas - Zaragoza 30 - 31 Varios festivales y circuitos de Danza 32 Extremadura Escena 33 - 34 Miscelánea de festivales

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

En gira

índice

condiciones de coproducción por si existen abusos o síntomas de corruptelas o de gestión poco clara.

La vida teatral que nosotros abarcamos, limitada, obviamente, trasciende de nuestro ámbito geográfico de residencia. Euskadi es nuestra sede, nuestro soporte, nuestro compromiso primigenio.

Hemos sido y seguimos siendo, quienes tanto en este medio como en el periódico digital, www.artezblai.com, más voces de colaboradores mantenemos, donde la libertad de opinión es manifiesta, en los que se puede tener conocimientos de movimientos teatrales en Grecia, Argentina, México, Colombia, Francia o Suecia de manera cotidiana, con profusión de informaciones de toda Iberoamérica.

Quizás sea el medio de comunicación en español especializado en artes escénicas que más kilómetros recorre, que es invitado a más festivales y muestras, que tiene una presencia constante en eventos internacionales de primera magnitud, que más contribuye al conocimiento en el exterior de lo creado en el estado español y somos los ignorados sistemáticamente por las instituciones españolas.

Sentimos mucha vergüenza cuando vemos cómo somos tan bien tratados en tantos lugares y jamás hemos tenido ni un mínimo soporte de una institución española para llevarnos libros a ferias, como hace el Instituto Vasco Etxepare, o para ayudarnos con los pasajes, como hacen con tantos y tantos personajes que van muchas veces a hacer el ridículo como hemos comprobado.

Esperamos que este número flaquito, os traiga noticias que os interesen. Los finales de año son un poco controvertidos. Nosotros vamos a entrar en un periodo de reflexión profunda. Es un sacrificio personal muy grande seguir en estas condiciones. Vamos a reestructurar lo que seamos capaces para continuar con mejores posibilidades de supervivencia. No podemos esperar nada de las instituciones que seguirán en manos de los amigos de sus amigos.

Tenemos nuestros amigos, pero no son sus amigos.

Verán que seguimos editando, que nuestras relaciones internacionales se amplían, que sigue abierta la librería Yorick, pese a quien pese y que tras tantos años de sufrir esta penosa sensación de querer escribir una editorial esplendorosa, que anuncie cambios magníficos para un futuro esperanzador, solamente podemos confirmar que seguimos con 21% de IVA, siguen dominando las instituciones los mismos, las programaciones de los teatros públicos son todas sospechosamente iguales, la profesión se está muriendo de inanición y los palmeros y voceros nos dedicamos a cantar mañanitas a quienes nos dan un plato de lentejas.

Cada vez será más difícil lograrlo, pero cada día es más necesario y urgente un congreso estatal sobre artes escénicas que sirva para proponer de manera consensuada soluciones a los políticos locales, regionales, estatales y su repercusión europea. Otra manera de funcionar, de producir, de usar los teatros públicos es posible.

Lo digo, hoy, que estoy en Wroclaw, Polonia y veo salas, teatros, programaciones y un festival de primer orden en una ciudad de cuatrocientos mil habitantes. Es un ejemplo coyuntural, uno más.

Lo siento pero la foto sigue saliendo igual y muy movida.

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36 - 40 Programaciones varias

Zona abierta 52 - 53 Escaparate 54 Salón Internacional del Libro Teatral - Madrid 55 El Teatro de Cervantes y el nacimiento de la comedia española 56 - 57 Mercartes

16 noviembre diciembre María-José Ragué-Arias

Rondas escénicas

El drama del Mediterráneo

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e nos agotan los recursos para permanecer en Lesbos.

Llegamos aquí con 15.000€ de nuestros bolsillos, sin ayudas públicas. Los hemos invertido en costear los trabajos de salvamento de un mes. Con ellos hemos conseguido que pisen tierra de manera más segura unas veinte embarcaciones al día, con unas 50 personas en cada una de ellas, incluyendo ancianos y niños.

En total llegan a nuestras playas unas 1.000 personas al día”. La pregunta podría ser ¿Cuántos cadáveres hay hoy en el Mediterráneo?”

Proactiva Open Arms se presenta en la red como una ONG de Badalona (Barcelona) que se dedica a salvar vidas en el mar. A principios de septiembre de 2015 decidieron trasladarse a la isla de Lesbos para ayudar a los refugiados que llegan a la costa griega.

Explican que la travesía por mar es una de las fases más duras de su viaje. Sus embarcaciones son muy precarias. El riesgo de morir ahogados es muy alto. “Nuestro equipo cubre 17 km de costa por tierra y por mar, ayudando a que los refugiados que llegan (20 botes al día) desembarquen con seguridad. Pero se nos agotan los recursos y necesitamos tu colaboración para poder seguir aquí. Ayúdanos, no queremos volver.”

Si leemos estas declaraciones de intenciones, que no son intenciones sino hechos, me parecería natural y lógico que cualquier comunidad, cualquier persona se sintiera solidario con este grupo y también con otras organizaciones benéficas que pretenden ayudar a la humanidad a sobrevivir y a hacerlo con dignidad. Y la humanidad somos todos aunque no todos los países de Europa parezcan creerlo así.

Más bien de lo que tratan en reuniones como la relativamente reciente de Bratislava sin ir más lejos, es de reducir el flujo migratorio y poner en marcha nuevas guardias europeas de fronteras y de costas, amparándose en el hecho de que el caos inmigratorio significa terrorismo.

Cuesta creer que el ministro griego de inmigración Iannis Muzales pidiera un mecanismo europeo de expulsión para la ingente cantidad de refugiados y sin embargo no se haya cumplido el reparto acordado de refugiados. Cuesta creer que se hayan cumplido todos los vaticinios de Guy Debord en la sociedad del espectáculo. “De Damasco a Idomeini” trata de responder a la pregunta ¿Y yo qué puedo hacer? Los pescadores y habitantes de Lampedusa y de Lesbos, los activistas de ayuda a los refugiados, las redes de ayuda, los centros de acogida sí lo saben. Nos jugamos algo más incluso que las vidas humanas, nos jugamos también qué modelo de sociedad queremos y en qué valores se apoyan nuestras vidas y nuestras sociedades. Estamos traicionando las bases de nuestra cultura más genuina.

La situación se la planteó la asociación de dramaturgos catalanes “Barcelona Playwrights”, con una idea que plantearon al Teatre Lliure que la acogió y promovió y en la que ha participado buena parte de la profesión teatral de Barcelona. Se trataba de conseguir a partir de la profesión teatral, mantener al buque medicalizado de salvamento marítimo Astral en activo, durante un mínimo de quince días (en un día es posible atender a más de 2000 personas) El campamento de base está en la isla griega de Lesbos y está ahora trabajando en las nuevas rutas marítimas abiertas hacia Europa desde el acuerdo entre la UE y Turquía para el cierre de fronteras desde el mes de marzo pasado. Se trataba de crear un espectáculo de solidaridad con los refugiados que llegan a Europa o mejor dicho,

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con la ONG que desde Lesbos trata de ayudarles.

Los cincuenta autores de la Asociación son Marc Angelet, Gemma Brió, Marta Buchaca, Jordi Casanovas, Clàudia Cedó, Cristina Clemente, Guillem Clua, Daniela Feixas, Marta Galán, Llàtzer Garcia, Josep Maria Miró, Pau Miró, Jordi Oriol, Anna Maria Ricart, Pere Riera, Marc Rosich, Marilia Samper, Mercè Sarrias, Victoria Szpunberg y Joan Yago. Se reunieron con Òscar Camps, director de l’ONG Proactiva Open Arms y se dedicaron a escribir sendos monólogos para un acto en beneficio de esta ONG, monólogos que fueron dirigidos por cincuenta directores de primerísima línea (Albertí, Pasqual, Belbel, Portaceli, Magda Puyo, Alex Rigola…) y que interpretaban también nuestros cincuenta mejores actores (Lluís Homar, Emma Vilarasau, Vicky Peña, Mónica López, Miriam Iscla, Rosa Renom, Jordi Bosch…) Y la verdad, el espectáculo tuvo interés y entusiasmó al público que contribuía con un mínimo de 50 euros por persona-prensa y crítica incluidos.

Veinte mesas redondas llenaban el suelo –sin butacas– de la platea del Lliure, rodeada cada una por ocho espectadores; recibíamos seis o siete visitas de diferentes actores que interpretaban cada uno un monólogo vinculado a la guerra, de unos cinco minutos, pasados los cuales, una bocina les indicaba que habían de cambiar de mesa para repetir su texto. En cada mesa podíamos asistir a cinco o seis monólogos. Teatralmente era un buen ritmo para un poco más de una hora de duración. El espectáculo resultaba ágil y atractivo aunque algunos espectadores como yo nos quedáramos con ganas de más.

Un monólogo final dirigido a todo el público, de Rosa Sardà cerraba un acto que por su interés, ritmo y agilidad se nos hizo breve, demasiado breve. Para mí fue una experiencia importante, con textos magníficos tanto los que pude escuchar en mi mesa como los que he podido leer después; me fascinó como siempre Emma Vilarasau –que estuvo en mi mesa– con su texto de Marilia Samper, “Mar furiós” …una refugiada que no tiene dinero para coger la lancha y paga para que su hijo se vaya… sin ella que se queda perdida en tierra de nadie. En “Karama” de Marc Angelet, Vicky Peña nos mostró cómo se mentaliza a alguien para disparar contra los refugiados: “hay que pensar que no son tus hijos ni tus padres”. En Refugiada en blanc i negre, de Daniela Feixas dirigido por Ramon Simó, Rosa Renom muestra como la historia próxima de los catalanes refugiados se parece a la que soportan hoy los desterrados. Y también la ambigüedad de la soledad que pide un agradecimiento más allá de los límites de la dignidad humana en “Només una setmana” de Jordi Casanovas, nos conmueve, dirigido por Ferran Utzet e interpretado por Miriam Iscla… ¿Cómo hay que mentalizar a una persona para disparar contra los refugiado? Hay que pensar que no son ni tus hijos ni tus padres, es el texto de Marc Angelet –”Karama”– interpretado por Vicky Peña con dirección de Oriol Tarrasón. Refugiada en blanc i negre, de Daniela Feixas y dirección de Ramon Simó, nos habla por boca de Rosa Renom de cómo nuestra historia reciente, la de los catalanes refugiados, se asemeja a la que sufren hoy los desterrados. No puedo ni quiero resumir cincuenta monólogos escritos con talento y sentimiento desde la solidaridad con Nuestros actores, nuestros autores, nuestros directores, el Lliure y los espectadores que acudimos y colaboramos a recaudar algo de dinero para el proyecto de la ONG, hicimos un acto de solidaridad en favor de los refugiados que llegan a Lesbos.

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Desde la caverna

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David Ladra

Del otro lado del escáner “Cuando Israel estaba en tierra egipcia; / Deja marchar a mi pueblo, / Oprimido hasta no poder más, / Deja marchar a mi pueblo. / Desciende, Moisés, / Hasta la tierra egipcia, / Dile al viejo Faraón. / Deja marchar a mi pueblo”.

Acompañado por una traductora y el nuevo director del Festival de Otoño a Primavera, Carlos Aladro, Romeo Castellucci se sienta una vez más en la sala de conferencias de los teatros del Canal. Se le ve cómodo, pulcro, descansado, alto y enjuto como es, dispuesto a revelar los profundos arcanos de Go down, Moses, la obra que hoy nos presenta, respondiendo a las preguntas de los medios con cierto estoicismo y exquisita amabilidad. Una vez aclarado que la pieza, estrenada en el 2014, nada tiene que ver con su producción de Moses and Aaron este año en el Real (en ésta, por ejemplo, no aparece Moisés) arranca un soliloquio como exordio del que van surgiendo como con cuentagotas (todo lo piensa y todo lo pondera) los principales motivos de la obra: el hombre es infeliz y, aunque no se dé cuenta, vive como un esclavo.

Por ello, hay pueblos todavía, como los afroamericanos de color, que reclaman en sus espirituales la vuelta de un Moisés que los libere, como hizo con los israelitas de Egipto, del dominio de un opresor.

Como nos cuenta el Éxodo, la madre del profeta se sacrificó arrojándole al Nilo en una cesta con el fin de salvarle de la persecución del Faraón que, como haría Pilatos, estaba masacrando a los infantes israelitas para disminuir su población. Una lacra, ésta de abandonar a los recién nacidos a su suerte, que el director de la Societas Raffaello Sanzio encuentra en las noticias cada día y que cada día le conmueve hasta el punto de llegar a pensar si no será la madre, la mujer, la verdadera heroína de la historia. Desmontando el relato bíblico patriarcal, se sitúa del lado de la femineidad haciéndola el principio de la creación, de la cuna a la muerte, dado su poder reproductivo. Y de pronto, Castellucci enmudece, no quiere contar más, habrá que ir al teatro, presenciar el final.

Ahora nos encontramos en la sala Roja de los teatros del Canal, llena hasta la bandera. Antes incluso de que dé la hora de empezar, el telón está levantado, encendidas las luces de la escena y, detrás de una ligera gasa que abarca todo el hueco de la embocadura, siete figuras deambulan. Somos nosotros mismos, los hombres y mujeres de la culta y supuestamente emancipada civilización actual, que parecemos estar en un museo. Pasado un tiempo, el grupo se disuelve y queda, pegado a la pared, un póster de “la joven liebre” de Durero. Al sosiego y la contemplación les sigue una deflagración de energía: un enorme cilindro en posición horizontal se pone a girar a todo gas produciendo un estruendo espantoso que se incrementa lo indecible cuando caen sobre él unos bultos negros y peludos que se le quedan adheridos. Bien podrían ser nuestra contribución al avance de la tecnología. Recobrada la calma, comienza la aventura de la madre que va a procrear que Castellucci nos contó por la mañana: el parto en un servicio público, un llanto que procede de un contenedor de basura, un coro de color que canta “Go down, Moses”, la estancia en la comisaría y el interrogatorio del inspector –“¿dónde está el bebé?, díganoslo por Dios”–, el silencio o las incoherentes pala-

bras de la atribulada madre desangrándose… Todo en un estilo hiperrealista sólo como el creador italiano sabe hacerlo.

Hasta aquí lo que Castellucci contó en la entrevista con los medios.

No voy a ser yo quien revele la continuación. Tan sólo diré que la madre, enferma tras una experiencia tan traumática, va a ser sometida a una tomografía para lo cual un enfermero introduce su cuerpo en un escáner y éste se desliza suavemente por las entrañas de la máquina.

De nuevo, el ruido que produce dicho mecanismo en su interior nos aturde. Y como Alicia a través del espejo, la madre accede del otro lado del escáner a un mundo totalmente imaginario. Un recurso muy común en nuestro creador (por ejemplo, en su Purgatorio) cuando quiere dar sentido a la realidad: “explicarla” por medio de una imagen que pronto se convierte en una parábola. Y es que el ingenio fabulador de Castellucci es innegable: para él, el mundo real no nos dice nada; es más, nos desinforma y oculta la verdad. Por mucho que su imagen se perfile iluminando todas las sombras y sus sonidos se conviertan en aldabonazos, lo único que vemos y escuchamos son apariencias de la verdadera realidad. Por ello, según él, sería preferible recurrir al mito, a las leyendas procedentes del Antiguo Testamento, Platón o la Torah, en cuanto se han ido transmitiendo a través de los tiempos sin apenas variar y manteniendo toda su sabiduría y verdad. No es que Castellucci sea un santón o un místico, aunque no hay que negar que a veces lo parezca, sino que utiliza este contraste entre los mitos y las apariencias como una forma de pensar que, tan sólo en algunas ocasiones, nos permita entrever lo real. Necesita una referencia que le ayude a entender la diferencia entre lo que ve y lo que conoce; y una vez establecida ésta, dejar a su mente discurrir hasta llegar a la deseada confluencia. Es el método del artista, buscar lo cierto entre la bruma como esos frescos de Tiépolo en que los héroes, los santos y los ángeles se adivinan tan sólo, ocultos a medias como están por los celajes de la nubosidad.

Claro que en Castellucci todo es teatro y más que en elucubraciones filosóficas habría que asentar su merecida fama en su capacidad para disponer un decorado, habitarlo con gente, iluminarlo y crear un ambiente sonoro siempre con la ayuda de Scott Gibbons. Todo dentro de la mayor sencillez y funcionalidad. Es como si estuviésemos contemplando el cuidado frente de un altar o el retrato del Cristo que se muestra en Sul concetto di volto nel figlio di Dio sin darnos cuenta de todo el entramado –cables, cuerdas, planchas, varas –que lo mantienen en pie por el envés. Un coloquio con el público cierra el espectáculo. Todos quieren saber: ¿por qué el “conejo” de Durero?, ¿y ese cilindro dando vueltas?, o ¿cuál es el sentido de la escena final? El director permanece imperturbable saliendo como puede del examen. Como buen postdramático que es, él es quien plantea las preguntas y a nosotros nos toca responder.

Bien es cierto que, en determinadas ocasiones, sus argumentos parecen infantiles: la liebre nos incita a la huida, el cilindro contiene la Torah… Pero a él no le interesa la fachada –ello corresponde a nuestra mente y sensibilidad– sino lo que ha montado por detrás.

Una actitud que a veces nos enerva y nos hace decir: “no vengo más”. Y sin embargo, cada vez que está aquí, aquí nos tiene, expectantes y llenando el teatro a rebosar. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre Estreno de Francoren bilobari gutuna

¿Qué hacer para acabar con la herencia franquista?

©Guillaume Méziat

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rancoren bilobari gutuna (Carta a la nieta de Franco) es el tercer espectáculo que presenta el equipo artístico formado por las compañías Artedrama (Bizkaia), Le Petit Théâtre de Pain (Lapurdi) y Dejabu Panpin Laborategia (Gipuzkoa), después de llevar a cabo ‘Errautsak’ y ‘Hamlet’. La idea surge del director del montaje Ximun Fuchs, y se desarrolla en un trabajo conjunto entre las improvisaciones de los intérpretes y el trabajo con los autores, Unai Iturriaga e Igor Elortza. La pieza, que acaba de estrenarse el día 31 de octubre en la sala Harri Xuri de Luhuso, se presenta como “la radiografía traumatológica de los huesos y mentiras de una comunidad enferma de la necesidad de supervivencia”.

El libro “Nosotros, los hijos de Eichmann”, escrito por el filósofo judío-alemán 10

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Günther Anders en 1964, fue el que inspiró a Ximun Fuchs a poner en marcha este proyecto. Adolf Eichmann fue el responsable de los transportes de deportados a los campos de concentración alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. Fue secuestrado por el Mossad en Argentina y enviado a Jerusalén, donde fue juzgado y condenado a morir en la horca por crímenes contra la Humanidad. Sin embargo, Eichmann declaró que se había limitado a ser un simple ejecutor de órdenes superiores.

Fue la filósofa Hannah Arendt quien hizo un estudio de Eichmann y sus obras a raíz del juicio. En él traza la tesis de la banalidad del mal, en la que defiende que lo preocupante de la existencia del mal entre nosotros es que cualquier hombre, en determinadas circunstancias, puede reaccionar como Eichmann y realizar actos tremendamente

malvados e inhumanos porque cree que es “su obligación” o “su trabajo”. Así, el libro de Günther Anders es una carta filosófica dirigida, tras la muerte de Adolf Eichmann, a su hijo Klaus, en la que le escribe declarándose víctima de su padre y le pide que se una a combatir el nazismo.

A raíz de esto, Ximun Fuchs, cuyos abuelos (uno judío alemán y el otro vasco) estuvieron en sendos campos de concentración, se plantea lo siguiente: ¿podemos hacer lo mismo con el franquismo?. “No -es su respuesta-, porque el nazismo ha tenido su juicio, pero el franquismo no. Y no se puede escribir la misma carta”. Aun así, Francoren bilobari gutuna no pretende realizar un juicio al franquismo. “No me interesa Franco -admite Fuchs-. Me interesa lo que hemos digerido de la época del franquismo”.

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©Guillaume Méziat

Propuesta escénica

La historia se sitúa en un hospital, un precario hospital cualquiera que podría ser una metáfora del país. El espacio, bastante vacío, está formado por hierba, camas y un par de sillas. El público irá descubriendo las historias de los enfermos, que deambulan con sus vestimentas blancas y que serán el reflejo de los traumas del país. “Nos basaremos en esas pequeñas historias para convertir el recorrido de la gente vasca en teatro. A través de sus síntomas y de sus vivencias, miedos y percepciones (y de las de sus predecesores) repararemos en los peligros que tienen hoy en día los vascos”, afirman. Es así como han querido tratar esos traumas colectivos, a través de la cultura, desde un punto de vista étnico, teniendo en cuenta el trabajo que la etno-

psiquiatra Nathalie Zadge ha realizado con grupos de personas, descubriendo que tanto sus miedos como sus sueños se transmiten de generación en generación.

“Nosotros buscaremos también las soluciones que se encuentran en las tribus, para hacer frente al traumatismo, de generación en generación”, explican.

Es por ello que estamos hablando de una propuesta en la que los tiempos y las generaciones se mezclan. Todo ello a través de diferentes personajes, entre médicos, pacientes y familiares que acudirán de visita a un hospital golpeado por la crisis económica, lleno de recortes y con escasez de recursos. Una situación que deriva en preocupaciones de todo tipo, con el miedo del cierre sobrevolando el hospital, y hasta con la idea de que la Fundación Franco pueda comprar el mismo.

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©Guillaume Méziat

Será entonces cuando salgan a la luz las conexiones entre los problemas de salud de los enfermos, las vivencias de los familiares de generaciones precedentes y los crímenes del franquismo; llegando así a la conclusión de que “¡Todo es Franco!”.

Ander Lipus, Patricia Urrutia, Manex Fuchs, Zoila Berastegi, Urko R. Pescador, Erika Olaizola y Pako Revueltas son los encargados de dar vida a los diferentes personajes de la obra, partiendo del movimiento escénico trabajado con el coreógrafo Philippe Ducou y guiados por la música de Asier Ituarte. El espectáculo, que se podrá ver en una treintena de localidades vascas hasta el próximo mes de mayo, tiene el objetivo de finalizar de una manera positiva, convirtiéndose casi en algo terapéutico, que pueda, en un futuro, “romper con el bucle del franquismo”.

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16 noviembre diciembre Tres estrenos del Centro Dramático Nacional

Comedia y drama forman las nuevas historias del CDN

©marcosGpunto

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l Centro Dramático Nacional presenta los estrenos de tres nuevas producciones antes de finalizar el año. Se trata de La cocina de Arnold Wesker, con dirección de Sergio PerisMencheta; Navidad en casa de los Cupiello de Eduardo De Filippo, dirigida por Aitana Galán; y Jardiel, un escritor de ida y vuelta a partir de la obra de Enrique Jardiel Poncela con dirección de Ernesto Caballero.

La cocina

26 son los intérpretes que participan en esta propuesta del CDN en colaboración con Barco Pirata que se podrá ver del 18 noviembre al 30 diciembre en el Teatro Valle-Inclán de Madrid. En palabras de Sergio Peris-Mencheta: “El Londres de los años 50, en plena posguerra, es el marco elegido por Wesker para bocetar una metáfora del mundo en que vivimos, mezclando nacionalidades, razas y culturas diversas, y obligándoles a colaborar y a convivir –y sobrevivir– en torno al epicentro creativo de un restaurante de 1000 comensales diarios, donde trabajan y se deshumanizan 12

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día a día. Pero no es la deshumanización de los personajes lo que me interesa, sino precisamente el latido, los sueños y los anhelos que aún habitan en ellos. Un elenco heterogéneo formado por veintiséis intérpretes, representando a las diecisiete comunidades autónomas, llenará de palabras en distintas lenguas, de acentos, de gestos, de baile, de música, y sangre, sudor y lágrimas, un espacio concebido en 360 grados, en el que la imaginación, la magia, y el trabajo con los sentidos envolverá al espectador durante poco más de dos horas”.

Navidad en casa de los Cupiello

“La fiesta de Navidad –fiesta familiar por excelencia– es la excusa de esta deliciosa comedia en la que, como en todo el teatro de Eduardo De Filippo, realidad e ilusión, tradición y memoria, conflicto social y conflicto personal, se entrelazan y difuminan las finísimas líneas que existen entre el teatro y la vida, el mundo real y lo que llamamos ficción”, explica la directora Aitana Galán sobre este montaje que estará en

cartel del 30 de noviembre al 8 enero en el madrileño Teatro María Guerrero.

Jardiel, un escritor de ida y vuelta

Ernesto Caballero versiona y dirige esta obra creada a partir de ‘Un marido de ida y vuelta’ de Enrique Jardiel Poncela. En aquella obra, escrita en 1939, se cuenta la historia de Pepe, marido de Leticia, que fallece repentinamente, no sin antes hacerle prometer al apuesto Paco Yepes que no se casará con la viuda. Pero Paco no cumple su promesa, y dos años después de la muerte de Pepe, durante los tres primeros meses del segundo matrimonio de Leticia, comienzan a producirse sucesos extraños en la casa. En opinión de Caballero, la obra “revisita la inolvidable comedia del gran renovador del teatro cómico en España con una nueva propuesta en la que la semblanza y vida del propio autor se entrelaza, casi a modo de contrafigura, con las andanzas, obsesiones, manías y querencias de Pepe, Paco y Leticia”. El público podrá asistir a las funciones de este espectáculo del 16 de diciembre al 12 febrero en el Teatro María Guerrero.

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Estreno de El cartógrafo

La búsqueda de un mapa; la búsqueda de una misma

©MarcosGpunto

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l Teatro Calderón de Valladolid acogerá del 11 al 13 de noviembre el estreno de El cartógrafo de Juan Mayorga, producción de Avance Producciones Teatrales, Entrecajas Producciones Teatrales y García-Pérez Producciones, con la colaboración del mencionado teatro vallisoletano. La obra está dirigida por el propio Mayorga, siendo ésta la tercera vez que el madrileño se encarga de la dirección de uno de sus textos, después de ‘La lengua en pedazos’ (2012) y ‘Reikiavik’ (2015). Del 26 de enero al 26 de febrero el montaje estará en cartel en Las Naves del Español/

Matadero Madrid, donde se representarán 28 funciones.

Esta nueva propuesta de Mayorga está protagonizada por Blanca Portillo, que interpretará a los tres personajes femeninos de la obra; y José Luis García-Pérez, que encarnará a los nueve masculinos. El espectáculo cuenta también, entre otros, con el trabajo de Juan Gómez Cornejo en la iluminación, el de Alejandro Andujar en la escenografía y el vestuario, y el de Mariano García como encargado de la música y el espacio sonoro.

La historia se sitúa en la Varsovia de hoy día. Allí encontramos al personaje de

Blanca, quien conocerá la leyenda del cartógrafo del Gueto de Varsovia, en la que un viejo cartógrafo se empeñó en dibujar el mapa del mayor gueto judío establecido en Europa por la Alemania nazi durante el Holocausto, implantado en 1940 y destruido en 1943. Para buscar los datos que necesitaba, el hombre contó con la ayuda de una niña que salía a buscarlos para él.

A raíz de escuchar esta leyenda, Blanca comenzará una obsesiva búsqueda de ese viejo mapa, “y, sin saberlo, de sí misma”.

Según afirman, “El cartógrafo es una obra –un mapa- sobre esa búsqueda y sobre aquella leyenda”.

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16 noviembre diciembre Cinco estrenos en barcelona

Nuevas producciones en los escenarios barceloneses

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l Teatre Lliure presenta diversos estrenos entre los meses de noviembre y diciembre. El primero de ellos se podrá ver en Montjuïc del 2 de noviembre al 4 de diciembre. Se trata del debut de las actrices de La Kompanyia Lliure con Revolta de bruixes del dramaturgo catalán Josep Maria Benet i Jornet, dirigido por Juan Carlos Martel Bayod. La historia narra todo lo que les sucede a seis mujeres y a un hombre en el transcurso de una noche de luna llena. Ellas conforman la brigada encargada de la limpieza diaria de unos grandes locales de carácter despersonalizado; él se ocupa de la vigilancia y el control nocturno de estos mismos locales.

Las mujeres tienen un problema común, colectivo, que las enfrentará con el vigilante, pero este problema es casi lo único que las une, y es por eso que la diminuta y doméstica revuelta que sobreviene puede tomar muy pronto caminos inesperados.

En Gràcia estará en cartel la coproducción del Teatre Lliure y Bitò Produccions, Relato de un náufrago, del 3 de noviembre al 4 de diciembre. Marc Montserrat-Drukker dirige a Emilio Gutiérrez Caba y Àngel Llàcer en esta adaptación que Ignacio García May hace sobre la historia de Luis Alejandro Velasco, un marinero que cayó al agua desde la fragata militar colombiana A.R.C. Caldas cuando se aflojó una carga de contrabando que llevaba, y estuvo diez días perdido en alta mar. En opinión de Marc MontserratDrukker: “Relato de un náufrago que estuvo diez días a la deriva en una balsa sin comer ni beber, que fue proclamado héroe de la patria, besado por las reinas de la belleza y hecho rico por la publicidad, y luego aborrecido por el gobierno y olvidado para siempre. Este es el larguísimo título completo de una de las historias verdaderas más sobrecogedoras que jamás he leído. Fue escrita en 1955 por un joven reportero del periódico El Espectador de Bogotá llama14

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©Ros Ribas

do Gabriel García Márquez. Una fantástica aventura que se mueve entre la tragedia de unos hechos reales y el inesperado y cruel sentido del humor de ambos protagonistas: el reportero y el náufrago”.

Y una coproducción del Teatre Lliure y la Compañía Nacional de Teatro Clásico es Les noces de Fígaro, que se representará del 2 de diciembre al 22 enero. En palabras de Lluís Homar: “Lluís Pasqual me ha propuesto montar otra vez Les noces de Fígaro que ideó Fabià Puigserver, con motivo del 40 aniversario de la fundación del Lliure. Aquellas Noces que se estrenaron en febrero de 1989 y que fueron tan emblemáticas, y que significan tantas cosas para tanta gente. Para el público que las vio y también para los que las hicimos. Desde el mayor respeto al montaje, y con un profundo agradecimiento a todo lo que el Lliure me ha dado a lo largo de

tantos años, me pongo ilusionado a procurar volver a llenar de vida un montaje repleto de lo que para Fabià significaba el teatro: juego, generosidad, sabiduría y un grandísimo amor y espíritu de servicio hacia el público”.

La Seca Espai Brossa

Además, en La Seca Espai Brossa se podrán ver otros dos estrenos. Wohnwagen de Rémi Pràdere, con dirección de Max Grosse Majench y Anna Serrano, habla de las comodidades y las dificultades del amor romántico en el siglo XXI. Ofrecerá sus funciones del 9 noviembre al 4 diciembre. Y Jaume Viñas y Toni Galmés dirigen e interpretan Quan arribi la tardor de David Bo, versión libre del relato de Adam Gopnik “The last of the metrozoids” que se podrá ver del 30 de noviembre al 18 de diciembre.

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Atalak XXVIII Dantzaz Konpainia presenta la XXVIII edición de Atalak, propuesta en la que el público podrá disfrutar de dos nuevas creaciones a cargo de dos coreógrafos de Euskal Herria.

En este caso los invitados ©Blanca Razquin serán Vicky Miranda y Gilles Schoenberg, quienes se encargarán de realizar dos piezas junto con doce bailarines de la compañía guipuzcoana. Los montajes se presentarán en la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia de Donostia-San Sebastián el día 8 de diciembre.

Mediante esta iniciativa, Dantzaz pretende dar a coreógrafos vascos la posibilidad de poder trabajar y crear con sus 12 bailarines, y tener así un espacio de relación con el sector de la creación en Euskal Herria, para poder tener la oportunidad de implementarlo en futuras producciones.

Dantzaklub es un proyecto de Dantzaz Konpainia que desde 2008 ha presentado más de un centenar de trabajos coreográficos, combinando las creaciones de sus bailarines venidos de toda Europa, así como de numerosos creadores coreográficos vascos.

Coordenadas Coordenadas es un texto de Olatz Gorrotxategi que cuenta con la producción del Teatro Arriaga y con la colaboración de Laurentzi Producciones y Lander Iglesias, quien además se encarga de la dirección de esta pieza teatral que nace dentro del proyecto ‘Nuevas Dramaturgias’ de Donostia 2016.

La obra, que se representará en el marco de los Cuartitos del Arriaga los días 23 y 24 de noviembre, está protagonizada por Olatz Ganboa, Aritza Rodríguez y Natxo Montero, que interpretan a tres personajes anclados, “como miles de personas que aún hoy continúan el viaje de vuelta a casa”. Así, se escenifica una búsqueda individual de la verdad a través de documentos personales, que finalizará con el encuentro de la memoria colectiva de un país años después. “Coordenadas es una dramaturgia cuya temática, la memoria histórica, incita a la reflexión”, explican. La escenografía propone un espacio indefinido que muestra un laberinto acotado. Completan el equipo artístico del montaje Koldo Belloso, que se encarga de la iluminación y los visuales; Peio Duran, del vestuario; y Carlos Imaz, de la música.

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La noche de las tríbadas Miguel Del Arco versiona y dirige La noche de las tríbadas de Per Olov Enquist, obra que gira en torno a la figura del escritor sueco August Strindberg. Se trata de una historia de “teatro dentro del teatro” sobre el empoderamiento femenino ©Vanessa Rabade y las relaciones de pareja, protagonizada por Manuela Paso, Miriam Montilla, Daniel Pérez Prada y Jesús Noguero, en el papel del célebre dramaturgo. Del Arco estrenará el montaje el día 29 de noviembre en El Pavón Teatro Kamikaze, centro del que es director artístico.

Todo el tiempo del mundo Pablo Messiez presenta su pieza más autobiográfica: Todo el tiempo del mundo. Será la compañía Grumelot quien lleve a escena este texto onírico libremente inspirado en el abuelo del artista que reflexiona sobre el paso del tiempo y la percepción de los recuerdos. El estreno será el 18 de noviembre en el Teatro Palacio Valdés de Avilés. La obra, protagonizada por María Morales, podrá verse también en las Naves del Español/Matadero Madrid del 24 de noviembre al 18 de diciembre.

El intercambio Juan José Afonso dirige El intercambio de Ignacio Nacho, comedia en la que Jaime (Gabino Diego) se muestra muy interesado en iniciar nuevas experiencias amatorias compartidas con su mujer Eva (Teté Delgado). Eva tomará las riendas y en su 15º aniversario de boda le regalará un encuentro sexual con dos desconocidos, para explorar aquellos campos de la sexualidad con los que Jaime siempre fantaseó. El estreno será el 3 de diciembre en el Teatro Municipal José María Rodero de Torrejón de Ardoz.

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Emoticores Las Tricotouses (Cristina Montero y Rut Balbís), estrenan Emoticores el 13 de noviembre en el Teatro Jofre de Ferrol. Se trata de su tercer montaje, dirigido a un público de entre 8 y 12 años. Es una pieza de danza donde las emociones toman forma a través de los colores y el movimiento, que conjugado con el sonido y las proyecciones audiovisuales, tienen como objetivo ayudar a los jóvenes y a su entorno familiar a identificar las emociones. Además, el día 13 realizarán un taller con los niños en el Centro Torrente Ballester de Ferrol.

No sin mis huesos Iron Skulls Co presenta No sin mis huesos, abordando así la identidad mediterránea como un espacio en el que se sumergen multitud de civilizaciones a lo largo de la historia; a través de la cultura hebrea, árabe y española junto con la danza urbana, el Contact Improvisation y el Butoh como un caldo de cultivo que nos lleva a una búsqueda de la identidad de un colectivo a través del movimiento. El estreno será el 16 de diciembre en el Lava (Valladolid), y el 18 estarán en el Mercat de Les Flors (Barcelona).

Mírame Jesús Cracio dirige Mírame de Susana Torres Molina, obra interpretada por Cecilia Sarli y Manuel Domínguez que muestra la violencia sexual contra las mujeres como una expresión extrema del poder social otorgado a los hombres.

La obra plantea una reflexión sobre la vulnerabilidad de muchas mujeres que sufren agresión sexual a manos de una persona conocida. El montaje se presentará en la madrileña Sala Mirador del 18 de noviembre al 18 de diciembre.

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16 noviembre diciembre XXIV Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos

Los mejores textos de hoy se llevan a escena en Alicante

La grieta, entre animales salvajes de Remiendo Teatro ©Pablo MaBe

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a 24ª Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos ofrecerá una variada programación en diversos espacios de la ciudad de Alicante, entre los días 4 y 12 de noviembre.

Se podrá ver un total de 23 espectáculos, además de disfrutar de diferentes actividades paralelas como encuentros, seminarios y talleres. El creador Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional, será el homenajeado de la presente edición, en la que se incluye la representación de su obra Reina Juana, dirigida por Gerardo Vera y protagonizada por Concha Velasco.

La muestra dará comienzo en el Teatre Arniches con La armonía del silencio de Lola Blasco, una obra que, partiendo de nuestro presente y de un hecho aparentemente anecdótico (la recuperación por parte de dos hermanos del piano que perteneció a su abuela), se retrotrae hasta 18

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los años 30, a un cine mudo de la ciudad española de Alicante. En el mismo espacio se podrán ver otras siete propuestas.

Remiendo Teatro representará La grieta, entre animales salvajes de Gracia Morales y Juan A. Salvatierra, una obra dirigida por Julio Fraga que presenta a tres amigos urbanitas que deciden pasar el fin de semana en una casa rural para desestresarse. Los amores diversos de Fernando J. López es una propuesta de Coarte Producciones que cuenta con la dirección de Quino Falero y la interpretación de Rocío Vidal. Ireala Teatro y La caja flotante presentarán La esfera que nos contiene, pieza que cuenta con la autoría de Carmen Losa y la interpretación de Leyre Abadia e Ion Iraizoz. Víctor Sánchez Rodríguez, por su parte, presenta un texto que se sitúa un 16 de julio, día de la Virgen del Carmen. Nosotros no nos mataremos con pistolas parte de una reunión de

viejos amigos en un pueblo con mar. Hace tiempo que no se ven aunque no saben por qué dejaron de verse. “¿Hacia dónde se dirige la generación de los que nacieron en los 80’s?”, plantea el montaje. La compañía madrileña Cuarta Pared llevará a escena Nada que perder, obra de QY Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe, cuyo punto de partida es un asesinato y que se estructura en ocho interrogatorios sucesivos. A través de los interrogatorios se va descubriendo que el pasado siempre vuelve y que es peligroso llevar a alguien hasta un extremo en que ya no tiene nada que perder. Laila Ripoll y Mariano Llorente son los autores de Cervantes ejemplar, libre versión escénica de las novelas ejemplares “El Licenciado Vidriera” y “El Celoso extremeño”, desde una mirada actual y crítica. Completa la programación del Teatre Arniches Iceberg, espectáculo en valenciano de Paco Romeu

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La exiliada, la negra, la puta, el caracol y la mística

dirigido por Elsa Tronchoni que llevará a cabo Teatre Corrent.

También se podrá disfrutar del mejor teatro en el Centro Cultural Las Cigarreras.

Tejido Abierto Teatro representará allí Babilonia, obra de José Ramón Fernández que narra un viaje de la reina de Babilonia y su esclava, que se encuentran tras estallar la guerra. Alcubo Escena llevará a escena Frida; trazos de un mar interior de Elileia Olivas, donde contarán a grandes trazos algunos episodios de su vida, con su nuevo y eterno amor-desamor. Sergi Belbel dirige Una hora en la vida de Stefan Zweig de Antonio Tabares, obra que recrea, en clave de ficción, los últimos momentos del autor austríaco. Mientras el matrimonio Zweig prepara, con calculada meticulosidad, todos los detalles de su suicidio, un exiliado judío, recién llegado de Europa, se presenta en la casa. Y Paloma Pedrero es la autora de Ana el once de Marzo, pieza de El Muro que narra la historia de tres mujeres relacionadas con un mismo hombre; un hombre que podría haber ido en el tren atacado en Madrid el 11 de marzo de 2004.

En la Sala Clan Cabaret se podrá disfrutar de dos montajes. Diversos son los autores de Sol@ ante el peligro, formada por textos para compartir y disfrutar desde la soledad de un escenario, sobre temas variopintos y experiencias personales que garantizan la sonrisa del espectador. El sobrino del diablo y Juan Gómez, por su parte, presentarán Del Barroco Alemán al Funkmetal Californiano, un espectáculo en la encrucijada de la música de autor, el monólogo humorístico y el teatro. Y el Paraninfo de la Universidad de Alicante será testigo de la función de La exiliada, la negra, la puta, el caracol y la mística de Teatro de lo Inestable, dirigida por Maribel Bayona.

El Teatro Principal acogerá tres representaciones. Vientos de Levante es una obra de La Belloch Teatro escrita por Carolina África que presenta a Ainhoa, una escritora en crisis personal que viaja por vacaciones para visitar a su amiga Pepa,

una psicóloga que desarrolla su trabajo en dos centros de Cádiz: una casa hogar de enfermos mentales y el área de cuidados paliativos de un hospital, donde conocerá a Sebastián, enfermo de ELA. Además, se podrá ver Los esclavos de mis esclavos de Julio Salvatierra, dirigida por Álvaro Lavín; y la ya mencionada Reina Juana de Ernesto Caballero, con la interpretación de Concha Velasco.

Infantil y calle

Tres serán las propuestas de calle que presente la Muestra, y dos las dirigidas al público infantil. Comenzando con las primeras, Visitants presenta Lluvia de palabras de Sonia Alejo y Tomás Ibáñez, una intervención teatral deambulante que primero capta la atención visual del espectador desde la distancia para luego acceder a él y regalarle unos minutos de proximidad con una breve lluvia textual. Náufragos es la última pieza de Jaume Navarro y Mamen Olías (La Industrial Teatrera), en la que se podrá disfrutar con dos náufragos que quizás dejen una semilla por donde pasen y quizás se lleven otras que van transformando sus vidas. El montaje ha sido recientemente galardonado como el Mejor Espectáculo de Calle en los VII Premios Zirkólika de Circo de Catalunya. Además, también se podrá ver Mr. Pichichi de Phil Otajole por Roberto Ferro, con dirección de Pablo Ibarluzea y Endika Salazar.

En cuanto a la oferta infantil, El Perro Azul llevará a cabo Superhéroe de Jorge Padín, donde se narra la historia de un joven soñador que vive con su abuela y que verá cómo el técnico de la luz les corta el suministro de energía por falta de pago.

“Este hecho desencadena una maravillosa aventura, en la que el joven lucha por recuperar la luz”, afirman. Y, por último, El niño erizo de Diana I. Luque por La Machina Teatro presentará a Juan, el hijo de unos granjeros que nace mitad niño mitad erizo y crece sintiéndose diferente y siendo marginado en la escuela. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre XXV Festival Don Quijote de París

Contenido histórico y social para el público parisino L a 25ª edición se presenta como “un acto de resistencia utópica”, peligrando por cuestiones económicas su continuidad en 2017

El triángulo azul de CDN y Micomicón ©MarcosGpunto

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orongo presenta la 25ª edición del Festival Don Quijote de París, cuya apertura tuvo lugar en octubre con tres espectáculos que fueron programados en el pasado festival y que finalmente no se llevaron a cabo debido a su suspensión por los atentados sucedidos en la capital francesa. Se trata de La Celestina de Fernando de Rojas por Atalaya; Juana, la reina que no quiso reinar de Jesús Carazo por Histrión Teatro; y Ligeros de equipaje de Jesús Arbúes por Producciones Viridiana. Luis F. Jiménez, director artístico del festival, desveló que la presente edición del festival podría ser la última debido a cuestiones económicas. Este año la programación está compuesta por diez espectáculos de teatro y uno de danza, de autores del Estado español, Chile y Argentina. Las obras seleccionadas, que se podrán ver hasta el 6 de diciembre en tres salas parisinas, expresan la diversidad de 20

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la dramaturgia española y latinoamericana, tratando temáticas sociales e históricas de valores universales. Jiménez afirma que “realizar el Festival Don Quijote, el evento cultural en Francia con la mayor participación de artistas españoles, es desafiar cada año las normas contables y el formato institucional. Esta 25ª edición alcanza dimensiones realmente quijotescas, enfrentándose a molinos de viento de integrismos de toda índole, convirtiéndolo en un acto de resistencia utópica”.

En noviembre, la programación pondrá en el Café de la Danse el foco sobre la creación escénica en Madrid. Así, se podrá disfrutar de La piedra oscura de Alberto Conejero, una producción del Centro Dramático Nacional y Lazona dirigida por Pablo Messiez. La obra, interpretada por Daniel Grao y Nacho Sánchez, está inspirada en la vida de Rafael Rodríguez Rapún, compañero de Federico García Lorca en los

últimos años de sus vidas. El espectáculo se hizo con tres Premios Max 2015: mejor espectáculo, mejor autor y mejor dirección.

Un homenaje a los republicanos españoles deportados como apátridas es El triángulo azul dirigido por Laila Ripoll, coproducción del CDN y Micomicón que pone en escena un cabaret grotesco en el campamento de Mauthausen. “Veremos la violencia implacable de los caprichos de Goya y el sueño de la muerte de Quevedo en una estremecedora simbiosis con la violencia y la muerte del campo de concentración y de exterminio, donde aquellos españoles siempre encontraron una esperanza de vida en el humor y donde dieron un ejemplo de valentía y solidaridad”, describen. La obra cuenta con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2015.

También de Madrid llegará una comedia social en el mundo del trabajo a cargo de la compañía La Cantera. Se trata de Famélica

noviembre diciembre de Juan Mayorga, quien afirma: “He escrito esta obra para la compañía La Cantera, en diálogo permanente con Jorge Sánchez y sus estupendos actores, quienes han ido levantando teatro a partir de esbozos garabateados en el reverso de cuadernos contables, a partir de borradores llenos de tachones que pergeñé en horas de melancolía en medio de la euforia de los mercados, a partir de esquemas cuya famélica base es una vaga intuición acerca de lo que temes y deseas y ocultas. Acerca de lo que temes y deseas y ocultas cada mañana cuando ves ante ti las puertas del edificio corporativo”.

Por último, se llevará a escena la biografía musical Miguel de Molina al desnudo de Ángel Ruiz, dirigida por Félix Estaire. En este espectáculo, un diálogo abierto con el público, Miguel se enfrenta a su pasado, pero desde nuestro presente, trazando un puente entre su mundo y nuestro entorno más cercano.

Otros espacios

El Théâtre de Ménilmontant, por su parte, acogerá Les Bonnes Dames del chileno Cristian Soto por la Cie Patte Blanche, una comedia que mezclando la danza, la can-

Barro rojo de Javier Liñera

ción y el dibujo, encarna el placer del juego sin olvidar su dosis de crueldad. Se trata de uno de los dos espectáculos en francés de autores latinoamericanos que se llevarán a escena en la presente edición. El otro es el monólogo Potestad del argentino Eduardo Pavlovsky, dirigido por Bertrand Marcos e interpretado por Charles Gonzalez, que tendrá lugar en el Théâtre de Belleville. La obra trata la dictadura que Argentina vivió

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entre 1976 y 1983, conocida entre otros excesos y barbaries por el robo de niños nacidos de padres opositores al régimen, siendo en la mayoría de los casos torturados y asesinados. Estos niños fueron y siguen siendo buscados por las “madres de la plaza de mayo”.

En el mismo teatro se podrá ver Barro rojo de Javier Liñera (Mejor Espectáculo del Festival Indifest 2016 en Santander), pieza que trata sobre los gays en los campos de concentración europeos y en las cárceles de Franco y que empieza como un cabaret para ir transformándose en un drama, bajo la dirección de Linda Wise y Daniela Molina; y el espectáculo de danza contemporánea Naftalina de María José Pazos por Arrieritos.

Además, se celebrará un encuentro en la Universidad de la Sorbona, ‘Hablemos de Cervantes’ (Influencias de la literatura del Siglo de Oro en la escritura dramática contemporánea española), entre las hispanistas Mercedes Blanco y Maria Zerari y los dramaturgos españoles Laila Ripoll y Alberto Conejero, con motivo de la conmemoración de los 400 años de la muerte de Cervantes y la celebración del centenario del Instituto de Estudios Ibéricos de la Sorbona.

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16 noviembre diciembre XXXIV Titirijai - Festival Internacional de Marionetas de Tolosa

Titirijai es el epicentro anual del teatro de títeres

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na quincena de compañías de llegadas de diversos países ofrecerán mas de cincuenta funciones en la trigésima cuarta edición del Festival Internacional de Marionetas de Tolosa - Titirijai. Del 26 de noviembre al 4 de diciembre, el Teatro Leidor y el TOPIC serán los espacios en los que disfrutar tanto grandes como pequeños del teatro de marionetas en su sentido más amplio, junto con varias plazas del centro de la localidad en la que se llevarán a cabo las representaciones de calle. Un año más, el festival presenta varias extensiones y llega a otros municipios como Ordizia, Eibar, Pasaia y Sestao, en los que varias compañías participantes en Titirijai pondrán en escena sus espectáculos.

La presencia de compañías llegadas del extranjero es ya un signo de identidad de Titirijai y en esta edición cuenta con la presencia de dos titiriteros argentinos, Julia Sigliano y Roberto White. La primera presenta Los mundos de Dondo en los que a través de títeres de mesa, títere de boca con varilla, teatro, máscara y dibujos en vivo se va gestando una historia sobre la vida, desde la gestación hasta el nacimiento de Dondo, que irá creciendo en el transcurso del espectáculo. Roberto White mezcla el lenguaje del mimo con el teatro de objetos en Criaturas Particulares, una obra sin palabras y de pequeño formato compuesta de siete historias en clave poética y humorística.

Trapusteros Teatro llega desde Brasil con Los cuentos de otros, espectáculo con títeres de guante, que a través de la historia de Pancho quiere incidir en la afición a la lectura y en la necesidad de la imaginación, además de hacer hincapié en la importancia de la amistad y la solidaridad.

La compañía búlgara Atelier 313 se creó en 1989 como una formación alternativa para experimentar con las posibilidades expresivas de la marioneta. En Titirijai presenta 22

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The Parachute de Stephen Mottram

El Clown y su familia, en la que funde la técnica del clown y de la marioneta, ya que tanto el payaso como el muñeco son los grandes amigos de los más pequeños de la casa. Y Out es el montaje con el que se presentan los italianos Unterwaser, el viaje de un niño en busca de su corazón en forma de un espectáculo sin palabras lleno de sentimientos y emociones. Desde Portugal Marcelo Fontana acerca Peregrinaçao, creado a partir del libro escrito por Fernão Mendes Pinto y publicado en 1614, cuyas aventuras son narradas por personajes dibujados y montados en cartón en un escenario transformado en un estudio de cine.

Dirigidas al público infantil y familiar son también propuestas como Solos de Ymedio, un poético espectáculo para reírse de la vida a través de la mirada, cómica y entrañable por el ojo de la cerradura de la casa de uno de tantos ancianos invisibles. Namor el niño pez de los también andaluces The Noe Theater parte de la tragedia de los refugiados para escenificar como el amor puede vencer los más oscuros episodios de la vida.

De Granada son Arena en los bolsillos y su Pequeña Max, una delicada historia que nos habla de la maravillosa capacidad de la infancia de crear y recrear mundos inventados.

Un personaje relacionado con la caída de los dientes en la infancia es el protagonista de La verdadera historia de ratoncito Pérez de Teatro Plus, que se ha basado en el cuento ‘Ratón Pérez’ de Luis Coloma para la creación de este espectáculo. Centre de Titelles de Lleida por su parte habla sobre valores como la curiosidad y el afán de descubrir las diferencias, los sentimientos, las alegrías y los temores a través de la historia que protagoniza el cachorro de lobo Kissu.

Con la historia que protagonizan Nahia eta Neo Rosa Martínez habla del verdadero sentido de la amistad, y los también vascos Pantzart se han inspirado en el trabajo plástico de Květa Pacovská para tratar el tema de los colores en Kolorez kolore.

Un año más el festival ha apostado por la programación para adultos. Coke Rioboó ofrecerá los cortometrajes animados El ruido del mundo y El viaje de Said, Julia Sigliano pondrá en escena Asfixia, la compañía Impulso hará lo propio con Fauno y desde Gran Bretaña llega Stephen Mottram con el delicado montaje The Parachute. Como novedad, este año el festival incluye el programa ‘Copa con...’ en el Ambigú del TOPIC, que ofrecerá la posibilidad de continuar la velada charlando con los artistas tras finalizar la función. En este programa se incluye además de los mencionados artistas la propuesta La Fanfarra cumple 40 años de los catalanes La Fanfarra.

Completa la programación de esta edición Hariak de Ertza, una obra multidisciplinar dirigida por Asier Zabaleta en la que danza contemporánea, manipulación de marionetas de tamaño real y textos se conjugan para contar historias de verdad.

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16 noviembre diciembre XXXII MIT - Mostra Internacional de Titelles de la Vall d´Albaida

Variedad artística titiritera

¿Por qué lloras Marie? de Marie de Jongh

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iecinueve municipios de la Mancomunidad de la Vall d´Albaida acogerán las propuestas de la 32 Muestra Internacional de Títeres, que se desarrollará del 10 al 13 de noviembre. Disciplinas como la danza, las artes plásticas, el circo, la música y el teatro gestual se suman a los títeres en una programación abierta con atractivos tanto para adultos como para niños. Junto con las actuaciones cabe destacar las actividades paralelas para público familiar, que incluyen una instalación interactiva y talleres de marionetas. Además se mantiene el apartado formativo en colaboración con la Universitat de València.

Dentro de los trabajos dirigidos al público familiar encontramos tanto propuestas de concepciones más clásicas, como de corte más vanguardista, como la de la compañía valenciana La Teta Calva, que presenta su primer espectáculo familiar L´or de Jeremies, donde se cuenta la historia de Billy, un joven obsesionado con el éxito y con encontrar una mina de oro. Otras dos compañías valencianas participarán también en la programación. Por un lado, Üiqü’is y La panda de Yolanda, donde proponen una sucesión de sketches de humor surrealista, protagonizados por superhéroes de barrio, niñas voladoras y cerditos hablantes. Y por otro, el histórico titiritero Edu Borja llevará a escena Contes, donde invita a reflexionar sobre la diversidad y la integración a través 24

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de una divertida revisión de los personajes de los cuentos tradicionales y de los tópicos de la literatura infantil.

De carácter multidisciplinar es la obra La casa flotante de la compañía andaluza La Maquiné, una adaptación contemporánea del mito del Arca de Noé con música de Xavier Montsalvatge y Claude Debussy. La compañía vasca Marie de Jongh escenificará ¿Por qué lloras Marie?, propuesta que combina el trabajo gestual de actores con el uso del títere, donde cuenta la relación del propietario de una guardería y su empleada con una niña perversa a quien han de cuidar. Sirenita de la compañía madrileña La Canica también se caracteriza por la exploración de materiales y recursos escénicos para construir historias y personajes cercanos al mundo infantil. Continuando con compañías venidas de otras zonas del Estado, destacan los vallisoletanos Teloncillo, con más de 30 años de trayectoria, que mostrarán Nidos, obra para la primera infancia basada en poemas de Gloria Fuertes y Carlos Reviejo musicalizados.

Desde Catalunya se acercarán por un lado la reputada compañía de marionetas L`Estaquirot con En Jan Totlifan, protagonizada por un títere a quien desde pequeño se lo hacen todo en casa, convirtiéndose en adulto sin saber ni siquiera cómo atarse los zapatos. Y por otro, la joven formación JAM Clown & Street Theatre, que presentará dos espectáculos: Glof, propuesta de teatro

I, Sisyphus de Puppet´s Lab ©Ivan Donchev

de calle que mezcla humor gestual con la animación de objetos en una loca carrera en busca del hoyo nº 18; y El gripau blau, divertido espectáculo en el que conviven números de equilibrismo y malabarismo junto a la interpretación y el uso del títere para contar el viaje de un niño que desea encontrar a su mejor amigo.

La Muestra refuerza en la presente edición su carácter internacional con tres compañías de prestigio que representarán las obras dirigidas al público adulto. Puppet´s Lab es una formación búlgara liderada por la artista plástica Marieta Golomehova y la dramaturga Vaselka Kuncheva, que presentará I, Sisyphus, basado en el mito griego de Sísifo. Mediante la expresión corporal y la manipulación simultánea de diversos títeres, un solo actor representa la lucha agotadora por comprender el comportamiento humano. Los franceses Cie. Pelele, por su parte, interpretarán Pendiente de un hilo, donde trasladan al espectador a un divertido circo clásico en el que payasos, trapecistas, equilibristas y músicos ofrecen una entrañable serie de números. Asimismo, el director y pedagogo teatral argentino Fernan Cardama representará Sopa de estrellas, en la que combina la manipulación de objetos y de títeres para contar cómo dos personajes que viven la calle de maneras diferentes se encontrarán en circunstancias extraordinarias para crear una amistad extraordinaria.

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XXXVII Festival de Teatro de Santurtzi

Intenso mes teatral con el veterano festival en Santurtzi

Hamlet de Kamikaze y la CNTC ©Ceferino Lopez

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rece espectáculos conforman la programación de la trigésima séptima edición del Festival de Teatro de Santurtzi, que un año más vuelve a ser cita ineludible para el público aficionado a las artes escénicas, y tendrá lugar entre el 3 de noviembre y el 3 de diciembre.

El espectáculo inaugural de esta edición es el estreno en sala de Lurrak, cuyo autor y director es Adrian Schvarzstein. Un montaje que en palabras de la organización es “probablemente la producción vasca más ambiciosa de circo-teatro-música”.

También se pondrán en escena dos versiones de grandes obras de William Shakespeare, con motivo del IV centenario de su muerte: Hamlet, escrita y dirigida por Miguel del Arco en una coproducción de Kamikaze y la CNTC, y Otelo, narrada a modo de radionovela y con grandes títeres en escena, a cargo de los chilenos Cía. Viajeinmóvil.

Versiones de grandes clásicos son también La asamblea de mujeres de Aristófanes con dirección de Juan Echanove y producción del Festival de Teatro de Mérida y la Electra de los portugueses Cía. Chapitô, que convierten la universal tragedia de Sófocles en una hilarante comedia.

Además, obras de autores contemporá-

neos como La estupidez del argentino Rafael Spregelburd o la tragicomedia sobre la vejez de Eric Coble, La velocidad del otoño, con Lola Herrera y Juanjo Artero bajo la dirección de Magüi Mira. Los conflictos políticos son el tema central de obras como El pintor de batallas de Arturo Pérez Reverte dirigida por Antonio Álamo, Tierra de fuego de Mario Diament con dirección de Claudio Tolcachir o Ladydi García, obra en euskera sobre el secuestro de niñas a cargo de Ados Teatroa.

También habrá tiempo para el humor con Yllana, que presenta el espectáculo con el que celebra su veinticinco aniversario, Yllana 25. Y el público familiar podrá disfrutar con el mejor espectáculo infantil de los últimos Premios Max, Pinoxxio de Ananda Dansa, El chico de las zapatillas rojas, una historia sobre el respeto a la diversidad sexual de Ados Teatroa y la reposición de Teatro Mohiano, obra que ayuda a comprender a los más jóvenes el arte de Talía. Y además, el día 2 de diciembre ‘Kale Free!’, programa de artes de calle donde conocer las obras Ilusioa de Ortzi Acosta - David Madinabeitia, O como...

Cacahuete de los italianos Cía. Circolabile, Mysterieuses Coiffures de los franceses Salut L´Artiste y el espectáculo La banda de otro - Yee-Haw! w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre XXXIV Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia

Azpeitia hace recuento de la creación teatral en euskera

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l espectáculo de artes de calle L´entresor de Compagnie Tétes des Mules es el encargado de inaugurar, el 1 de noviembre, la trigésima novena edición de Euskal Antzerki Topaketak, evento que se celebra hasta el día 26 convirtiendo la localidad gipuzcoana de Azpeitia en un escaparate para conocer la creación teatral anual en euskera.

Un año más, el Teatro Soreasu es el escenario donde se pondrán en escena obras recién estrenadas como Francoren bilobari gutuna de Ar tedrama, Dejabu y Le Petit Théâtre de Pain o Koadernoa zuri de Hika Teatroa (mas información de ambos espectáculos en diversas páginas de este número).

También se podrá disfrutar con Sarean kateatuak, obra sobre la dependencia que tenemos en relación con los smartphones y las redes sociales y con la que Nomofobikak, o lo que es lo mismo Amaia Lizarralde, Belen Cruz y Olatz Beobide, fueron galardonadas con el premio Creación de Teatro de Bolsillo 2016 promovido por Donostia Kultura.

Xake Produkzioak llega con su primer trabajo, Mami Lebrun, una historia sobre la abuela Conchi, que tras su muerte y al leer sus diarios se descubre que en su juventud fue cantante en un Cabaret de Paris... Una obra escrita por Kepa Errasti e interpretada por él junto con Ane Pikaza, bajo la dirección de Getari Etxegarai.

Iñake Irastorza y Ane Gabarain, por su parte, dan vida a dos mujeres de gran talento pero con una visión opuesta sobre la vida en Bi izarren kalenturak, una comedia de Victor Haïm galardonada con el Premio Moliére que lleva a escena Txalo Produkzioak.

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Zerura eroria de Anodino Teatroa

Eromen Produkzioak presenta la también comedia Sweeney, basada en el conocido musical ‘Sweeney todd’. Y en otro registro, Astrolabium Teatroa sube al escenario E, Petrel! Julio Villarrekin hizketan, basada en la adaptación del libro ‘¡Eh, petrel! Cuaderno de un navegante solitario’, de Julio Villar realizada por Mikel Sarriegi,

encargado también de su dirección.

También se han programado varias obras dirigidas al público familiar como Gu de Borobil Teatroa, Futbolariak eta Printzesak de Eidabe y Azken eguzkilorea de Patata Tropikala, además de el programa para escolares de la zona que se llevará a cabo las mañanas de los días 7, 8 y 9.

En esta edición cabe destacar además el denominado ‘Ziklo berezia Antzerki Alternatiboa’ (ciclo de Teatro Alternativo), un programa que tendrá lugar los días 24 y 25 y que incluye dos espectáculos que se representarán en el Gaztetxe de Azpeitia.

El primero será Zerura eroria de Anodino Teatroa, una comedia en la que tres intérpretes dan vida a unos personajes que intentan responder a cuestiones como: ¿Hay algo después de la muerte?, y si hubiera, ¿a dónde vamos?.

Al día siguiente será el turno de Mr. Señora, obra de Oier Guillan que Metrokoadroka presenta como un “teatro-recital dramatizado” y en la que Mr. Señora realizará una reflexión sobre los cuerpos que se sienten observados y una declaración de amor a todas aquellas personas que en cualquier faceta de su vida, hayan salido del armario.

La edición de este año se completa con la cuarta edición de Antzerki Eskolen Eguna (día de las escuelas de teatro), organizada por EHAZE y en la que Kabia Teatro impartirá talleres de investigación teatral, y la gala de clausura, en la que se rendirá homenaje a Iñaki Bergara “Pio” y Kontxu Odriozola y culminará con el concierto teatralizado Ahantzitako oroitzapenak de la mano de Elkano Abesbatza.

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16 noviembre diciembre VIII CENIT - Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales

Se busca la experimentación en los lenguajes escénicos

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a octava edición del Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales, organizado por TNT y el CICUS, tendrá lugar del 3 al 6 de noviembre en el Centro TNT de Sevilla. En esta ocasión se han recibido casi un centenar de propuestas provenientes de Argentina, Costa Rica, Brasil, Portugal, Italia, Alemania y once comunidades del Estado español. Finalmente serán 7 los espectáculos que pueda presenciar el público. Además y como anticipo, el 29 de octubre se pudo disfrutar de Altazor de Teatro Laboratorio (Chile/Barcelona) dirigido por Jessica Walker, montaje ganador del pasado CENIT que fue catalogado por el jurado como el de mayor calidad de todas las propuestas finalistas en las ediciones celebradas hasta el momento.

Llegados desde Valencia, serán Atirohecho los encargados de inaugurar la presente edición con El mercado es más libre que tú. El carácter social y político del grupo que conforma la compañía, no sólo ahonda en el lenguaje teatral y sus posibilidades como arte contemporáneo (posibilidades expresivas, audiovisuales, estéticas si se quiere), sino también en la profundización del proyecto como un grupo vivo, activo y que trabaja una clara línea de aunar la experiencia teatral con el público, afianzando cada vez mas la búsqueda de esta experiencia social, comunitaria, que no aleje a la gente del teatro, sino todo lo contrario.

Dramaturxia das mulheres de Inherente Teatro (Galicia) es una pieza con la que quieren dar visibilidad a lo que representa ser mujer y lo que es una mujer dentro de una universalidad temporal y espacial. Los caminos venideros están por dibujarse, pero siempre dentro de 28

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Bombillas, no te veo de la Compañía Barataria

Absens de Al descubierto Teatro

un plano de controversia política y social, aspecto que forma parte de una necesidad de expresión, como voces creativas en un intento ingenuo, o no tanto de justicia poética. Por su parte, Bombillas, no te veo de la Compañía Barataria de Sevilla es una pieza contemporánea donde la danza y el teatro se fusionan, en la que cada intérprete conjuga su disciplina para hablarnos del deseo y contarnos cómo a veces el deseo es una luz que encandece en nuestra memoria, entorpeciendo el presente y destrozando la capacidad de brillar hacia delante.

La barcelonesa Zentraleta Escénica lle-

vará a cabo (FF) Remake, propuesta que con un lenguaje hiperrealista y abstracto a la vez, nos trae a la mesa un personaje encantador que vive una existencia repetida que no controla. Una mujer que se aferra a la palabra, a los elementos, a las acciones y a una relación dudosa.

Una pieza atrevida que nos hace viajar a un universo que nos cuestiona constantemente, de tanto esperar la irrealidad de la existencia llamada humana. Armatoste Teatro (Castilla la Mancha) escenificará Controversia, un trabajo escénico sobre Segismundo y Semiramis, los protagonistas de “La Vida es Sueño” y “La Hija del Aire” de Calderón de la Barca.

Se trata de un juego continuo entre la realidad y la ilusión, la vigilia y el sueño, la pasión controlada por la razón como una camisa de fuerza.

Los madrileños Al descubierto Teatro representarán Absens. En la obra, la guerra y el hambre han llevado a tres personas hasta una tierra fronteriza que les separa de Europa. Sin embargo, no pueden alcanzar su objetivo: no se les permite atravesar la valla.

En esta propuesta de danza-teatro los intérpretes reflexionan sobre el hombre que está “ausente” como lo son los refugiados, esas personas “innecesarias” para el sistema político europeo.

Por último, desde Buenos Aires llegará la compañía argentina Ió me marsho para presentar Chicos, Chicos, montaje que tiene como protagonistas a un grupo de personas que no saben a dónde van.

Son payasos modernos, que no intentan generar risas al público y, si eso sucede, se desorientan. La obra resultó ganadora de la Muestra Iberoamericana en el 29º Festival Internacional de Teatro (FITUB) en Blumenau-Brasil.

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IV Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas

Lengua común y un lenguaje artístico compartido

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on el Festival Iberoamericano de Teatro para niños y niñas, Teatro Arbolé tiene como objetivos principales entender “la cultura como elemento de cohesión entre países de la misma lengua, la infancia y juventud como futuro imprescindible en una sociedad de ciudadanos libres, hacer del Parque del Agua Luis Buñuel de Zaragoza algo vivo en torno al teatro, la música, la danza y el libro y poner a Zaragoza en el mapa internacional de los Festivales para niños y jóvenes”.

Así presenta la compañía y sala de Zaragoza este festival que del 2 al 11 de diciembre celebra su cuarta edición, que estará dedicada al Teatro para niños de Colombia, motivo por el que de las nueve compañías participantes este año, cuatro provienen del citado país. Pequeño Teatro de Muñecos presentará El muchas patas, obra inspirada en el cuento ‘El cangrejito volador’ del cubano Onelio Jorge Cardozo.

Los también colombianos El baúl de la fantasía ofrecen un collage de aventuras en La abuela chifloreta y los tres cerditos; dos actores y cinco títeres entremezclan personajes e historias creando una divertida “ensalada” de los cuentos de Gianni Rodari, y de Medellín viaja Jabru Teatro de Títeres con Clownti, un niño que tras perder a su familia vive en una maleta, en la que encuentra un traje de clown y con el fin de sentirse acompañado presenta su show ante el público. La cuarta compañía

DerreTimos de PTV Clowns

colombiana es Manicomio de Muñecos, que pondrá en escena la historia de Agapito con El zapatero y los duendes.

Trapusteros Teatro de Brasil utilizan títeres de guante en Los cuentos de otro, obra protagonizada por Pancho, un niño que ama la lectura. Pizzicato Teatro completa el grupo de compañías internacionales que participan en esta edición. Historia de formas es la propuesta de la compañía argentina que narra la historia de Lolita y Carlitos, amigos a pesar del enfrentamiento de sus familias por sus diferencias de forma: unos son cuadrados y redondos los otros.

De Andalucía llega La Gotera de Lazotea con Garbancito en la barriga del buey,

título de esta obra de títeres, actores y música en directo y el cuento preferido de su protagonista, un cuentacuentos obligado a vender chucherías para atraer al público. Periferia Teatro de Murcia cuenta un cuento sobre la libertad y el respeto a la verdadera naturaleza de los seres vivos.

Vuela pluma recibió el premio al mejor espectáculo en el Festival Internacional de Marionetas de Tolosa - Titirijai 2015. La veterana compañía valenciana PTV Clowns presenta en el festival su última creación, DerreTimos de Eduardo Zamanillo y en la que la payasa Hula recibe una carta de un misterioso personaje que le llevará a embarcarse en un sorprendente viaje.

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Madrid, preñada de danza F estival Madrid en Danza, Territorio Danza y el Certamen Coreográfico: tres eventos para una disciplina

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a diversidad de estilos es una de las principales características de la trigésima primera edición del Festival Internacional Madrid en Danza, que durante tres semanas –del 18 de noviembre al 8 de diciembre– convierte a la Comunidad de Madrid en un gran escenario de la danza. Los Teatros del Canal, el Real Coliseo de Carlos III, el Teatro de La Abadía, la Sala Cuarta Pared y el Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga albergarán 28 funciones de los 18 espectáculos programados.

Un festival que por segundo año consecutivo dirige la bailarina y coreógrafa Aída Gómez y del que desde la organización afirman, cumple “sus tres objetivos: el de permitir a nuestros creadores disponer del elemento comparativo, para no estrechar las miras, para poder aspirar a lo más grande. El de hacer disfrutar de lo sublime a los de la butaca, esos a los que la pócima secreta del mundo de las coreografías abduce del grosero mundo de lo consciente.

Y, por último, el de sacar pecho y convertirse en evento protagonista en la frondosa vida cultural madrileña, poniendo en primer plano a la Danza, con “de” grande”.

Como es habitual en el festival, la danza contemporánea tiene una importante presencia y esta edición estará presente de la mano de compañías como la histórica Batsheva Dance Company con Last work, Gelaber t Azzopardi Companyia de Dansa con el encuentro entre el coreógrafo Cesc Gelabert y el pintor, escritor y director de escena francés Valère Novarina titulado Escritos en el aire y Siena con coreografía de Marcos Morau y texto y dramaturgia de Pablo GIsbert –El Conde de Torrefiel– y Roberto Fratini de La Veronal.

En el mismo lenguaje artístico se enmarca el estreno de 10 & 10 Danza - Narváez Arrospide y Runde, Olvido.... de hilo blanco, Kokoro de Lali Ayguadé, Chasing forests de Larumbe Danza lo último de Pep Ramis y María Muñoz, es decir, Mal 30

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Last work de Batsheva Dance Company ©Gadi Dagon

Pelo, El Quinto Invierno, un poema coreográfico limpio, tierno y potente construido a partir de las palabras del escritor italiano Erri de Luca.

Clásicos universales como Tristán und Isolda de la mano de Dorothée Gilber t.

Mathieu Ganio, estrellas de Ópera de Paris; la emocionante Nijinsky de Gauthier Dance/Dance Company Theaterhaus Stuttgar t y Variations sur le thème de Traviata, danza y ópera a cargo de Catherine Habasque completan la representación internacional.

El flamenco también toma protagonismo con La edad de Oro de Israel Galván, El Mirar de la Maja de Compañía Sara Calero, Romnia de Belen Maya y El Baúl de los Flamencos de Concha Jareño Cía. No debemos olvidarnos del modernizador de la Danza Española Ballet de Rafael Aguilar que presenta dos obras, Rango y Bolero y Rango. Lorca y Rafael e In Pulso, propuesta de las Cías Residentes de la CAM. Por último, cabe destacar la Gala Nacho Duato, espectáculo que inaugura esta edición e incluye un repertorio de las coreografías mas significativas de Duato, quien se encarga de su dirección artística, y la Gala Internacional Madrid en Danza, dirigida por

Aída Gómez y en la que participarán primeras figuras del Stuttgart Ballet, el Royal Ballet o el Ballet Nacional de Bucarest, entre otros.

Territorio Danza y CCM

Del 31 de octubre al 19 de noviembre se celebra la décima tercera edición de Festival Territorio Danza que organiza la Sala Cuarta Pared de Madrid, un programa en el que participan cinco creadores. Carmen Werner, fundadora de Provisional Danza pondrá de manifiesto toda su técnica con Allí donde las flores se mueren. La directora de La Phármaco presenta un trabajo traído desde Malabo, Guinea Ecuatorial, Una mirada sutil. Los coreógrafos vascos Igor Calonge y Asier Zabaleta presentarán sendas creaciones: Cielo Raso la pieza Tormenta y Er tza Dantza N.A.N. La tercera cita es el 30º Certamen Coreográfico de Madrid, que se celebrará del 30 de noviembre al 3 de diciembre en Conde Duque. Organizado por Paso a 2 Plataforma Coreográfica, en el certamen participarán 14 coreógrafos seleccionados de entre las más de 60 propuestas coreográficas recibidas.

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D anza a Escena Danza a Escena es un proyecto promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública en colaboración con la Federación Española de Compañías y Empresas de Danza.

Durante este año se ha celebrado su séptima edición, en la que han participado 24 compañías que han llevado a cabo 121 representaciones en 59 espacios escénicos de todo el Estado español. Aunque ya se ha cerrado la convocatoria para participar en la edición del próximo año, aún quedan funciones durante los meses de noviembre y diciembre, entre otras: Sin baile no hay paraíso de Pere Faura,

Boh! de Mopa Producciones, Venere de Cía. Daniel Abreu, Tránsito de Marco Flores, Oskara de Kukai, Latente de Paula Quintana, Time Takes The Time Time Takes de Guy Nader, Ballem! de It Dansa, ¿Cuál es mi nombre? de DA.TE Danza o Xoga de Entremas.

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Dantza Zirkuitoa La 12 edición del Circuito de Danza Contemporánea que organiza el Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco concluye en diciembre tras todo un año de programación, que se ha llevado a cabo en 22 espacios escénicos de la red de teatros públicos Sarea. Para los dos últimos meses están previstas alrededor de una docena de representaciones, como las siguientes: 2X4 de El lagarto baila (AlegríaDulantzi), Geltokia de Aukeran (Amurrio), Vuelos de Aracaladanza (Arrasate y Vitoria-Gasteiz), El cielo ahora de Olatz de Andrés (Vitoria-Gasteiz y Berriz), Oskara de Kukai (Amorebieta-Etxano y Basauri). De Kukai es también Gelauziak, de la que ofrecerán algunos fragmentos en Sopela. También se incluyen en este programa Venere de Cía Daniel Abreu (Barakaldo), N.A.N. de Ertza (Berriz), Jardín de invierno de Cielo Raso (Donostia), Mud Gallery de La Intrusa Danza y Nundik Nora de Maritzuli Konpainia (Errenteria).

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16 noviembre diciembre Extremadura Escena - Muestra Ibérica de Artes Escénicas

Espectáculos de la casa en Extremadura Escena

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el 22 al 24 de noviembre se llevará a cabo en Cáceres Extremadura Escena - Muestra Ibérica de Artes Escénicas, una cita que tiene como finalidad la promoción del teatro profesional de procedencia nacional e internacional, prestando especial atención a las compañías de Extremadura y Portugal.

Doce espectáculos conforman la programación de esta edición, con 7 representantes de Extremadura. La Historia del Soldado de Bachata Rent es una especie de versión en miniatura del Fausto de Goethe, en forma de cuento tradicional. Un narrador nos cuenta la historia de un soldado que vuelve a casa de permiso mientras sigue la guerra, pero en su camino se cruza el diablo, quien le propone un acuerdo: cambiar el violín del soldado (su alma), por un libro mágico que posee el don de proporcionar todo aquello que se le pide. De esta manera, el soldado se deja embaucar por el diablo. Tanque Gururú de Asaco Producciones es un espectáculo cómico itinerante que quiere hacer reflexionar a la sociedad sobre las absurdas fronteras y la situación actual de los refugiados. Karlik Danza-Teatro representará María Zambrano, la palabra danzante, pieza con la que invitará al público a conocer la figura de María Zambrano como mujer, pensadora, creadora a través de la palabra danzante, de la imagen, la metáfora y el símbolo desde el pensamiento poético. La cabeza del Bautista es una propuesta de El Desván Producciones, cuyo título es una referencia explícita a “Salomé” de Oscar Wilde, que había conmovido y escandalizado a Europa, en la cual, la hija de Herodías siente un obsesivo deseo sexual por Juan el Bautista, que la lleva, una vez decapitado el profeta, a besar con pasión su boca. Valle-Inclán evoca algunos aspectos de estas figuras, crea un grandguignol expresionista y convierte la tragedia en un melodrama malicioso y esperpéntico.

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María Zambrano, la palabra danzante de Karlik Danza-Teatro ©Yorgos Karailias

bucear en algo que recorre trasversalmente la vida de todo ser humano, desde el nacimiento hasta el suspiro final. “Al parecer no somos tan diferentes. El deseo es el motor que está presente en todas nuestras vidas”, afirman. Teatro del Noctámbulo estrenará en castellano Contra la Democracia de Esteve Soler, obra que ha sido traducida a 17 idiomas y llevada al teatro por un centenar de directores en todo el mundo. Se trata de 7 pequeñas obras que mezclan horror y comedia, 7 momentos tan extraños como próximos, 7 visiones surrealistas y contundentes sobre un engaño colectivo cada día más escandaloso. Para acabar con los montajes extremeños, se podrá ver M.C. Manco y de la Mancha de HumorEAmore: “Año 2015 de nuestra era. Un hidalgo defenestrado y manco es despertado de su descanso eterno por ruidos y extrañas voces que no entiende. Tampoco entiende qué hace allí. No sabe su nombre, ni por qué está rodeado de libros. La única pista palpable que tiene para empezar a esclarecer el misterio es una vieja tabla grapeada con las iniciales M.C”.

Dos serán las compañías que lleguen

desde Portugal para participar en la Muestra. Ajidanha llevará a escena su premiada À Deriva, adaptación libre del texto ‘En alta mar’ de Slawomir Mrozek, una sátira implícita del sistema social y político que a menudo resulta absurdo y profundamente injusto. Y Teatro de Ferro representará Objeto Perdido Encontrado, un espectáculo de teatro de marionetas, objetos y formas animadas.

Completan la programación dos montajes de Sevilla y uno de Madrid. Tres mujeres en escena (Raquel Madrid, Laura Lizcano, Laura Morales) son las protagonistas de Pacto de Fuga de 2proposiciones (Sevilla).Sobre Reencuentro de la sevillana Choni Cía Flamenca, Asunción Pérez “Choni” dice: “Un encuentro en el mismo escenario con todas y cada una de esas personas que provocan en mí una emoción especial, única y diferente”. Y desde Madrid, NueveUno interpretará Sinergia, un espectáculo de circo contemporáneo que combina técnicas de malabares, manipulación de objetos, verticales y danza, propuesto para generar una libre reflexión e interpretación del público.

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Otoño a Primavera El XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid continúa con su programación, que presentará cuatro espectáculos en los Teatros del Canal durante los meses de noviembre y diciembre. Los días 11 y 12 de noviembre el público podrá asistir a la representación de 300 el x 50 el x 30 el, creado por C Bergman para el Antwerpse Kleppers Festival de 2011 en el corto plazo de un mes. Con un elevado número artistas invitados, seis extras y una población entera sobre el escenario, el colectivo belga sacó a escena un pueblo unido por la amenaza de una inminente inundación. Lo que ocurre dentro de las casas se muestra en una gran pantalla. Teatro y cine se entrelazan, un evento en vivo toma forma y un espectáculo visual se desarrolla. David Espinosa, por su parte, presentará dos creaciones suyas, ambas del 1 al 4 de diciembre: Much Ado About Nothing, delirante obra visual que especula con las convenciones de espectacularidad, a través de figuras y objetos cargados de aventuras, romances, lujuria, guerra, tragedia y poder; y La triste figura, instalación performativa sobre el uso de la imaginación y su relación con la percepción y el significado, inspirada en la novela de Cervantes ‘Don Quijote de la Mancha’. Y los días 14 y 15 de diciembre tendrán lugar las funciones de Manger del coreógrafo francés Boris Charmatz, pieza en la que asume el desafío de explorar el papel que la boca y el acto de comer juegan en el mundo de la danza y de la interpretación. En la obra, la comida sirve como un motor que destapa nuevas formas de movimiento.

Temporada Alta Temporada Alta - Festival de Otoño de Cataluña sigue adelante, hasta el 4 de diciembre, con la extensa programación de su 25ª edición. Entre las numerosas propuestas que se podrán ver durante las próximas semanas está Werther! del director alemán Nicolas Stemann, un espectáculo sobre el héroe romántico de Goethe, del que creó una primera versión en 1997 con el actor Philipp Hochmair, con quien, casi 20 años más tarde, vuelve a presentar la obra. En Nicht schlafen Alain Platel y los bailarines de les ballets C de la B viajan hasta las convulsas primeras décadas del siglo XX para mostrar la revolución cultural que intentó responder a la gran crisis que desembocó en la I Guerra Mundial. También estará Cleansed de Sarah Kane, con dirección de Oskaras Koršunovas. Peter Brook y Marie-Hélène Estienne dirigen Battlefield, ©Samuel Rubio basado en Mahabharata (anónimo) y la obra de Jean-Claude Carrière. En Equal Elevations La Veronal dialoga con la escultura de Richard Serra, Equal-Parallel: Guernica-Bengasi, con música de Steve Reich, amigo de Serra. Israel Galván interpretará Solo, un espectáculo donde el bailaor crea una banda sonora con su propio cuerpo. Y como coproducción de Temporada Alta 2016 y Mentidera Teatre se presenta Llibràlegs III, breves conversaciones entre dos actrices entre y sobre libros escritas por Cristina Clemente, Marilia Samper, Pere Riera y Joan Yago.

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Caravan Next La Escuela Municipal de Teatro “Ricardo Iniesta” de Úbeda acoge del 17 al 20 de noviembre este Proyecto de Teatro Comunitario de la Unión Europea con diversas actividades programadas, como un Match de Improvisación, una presentación de un libro, una mesa redonda sobre Teatro Comunitario, sesiones de Teatro Foro, acciones de Teatro Invisible o la representación de El gato manchado y la gaviota sin nombre por el Grupo de Personas con Discapacidad de la Escuela de Teatro en el Teatro Ideal.

Títeremurcia El 15º Festival Internacional de Títeres de la región de Murcia se celebrará del 18 al 27 de noviembre con una programación que cuenta con espectáculos como La Sirenita de La Canica (Madrid), Arturo y Clementina de Titiritrán (Granada), Pinocchio de La Baldufa (Lleida), Maricastaña de Titiriteros de Binéfar (Huesca), I, Sisyphus de Puppet´s Lab (Bulgaría), Óscar, el niño dormido de El Espejo Negro y El sastrecillo valiente de Etcétera (Granada), entre otros.

Zinetika

Edith Depaule presentará su film The Dancing. También será proyectado Timecode de Juanjo Gimenez, que ha recibido este año la palma de oro al mejor cortometraje en el festival de Cannes. Además se podrá ver Derrière Elle de Laida Aldaz y Natalia Sardi.

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El Més Petit de Tots Del 5 al 20 de noviembre tendrá lugar, en 11 ciudades y 14 teatros catalanes, la 12ª edición de este festival dirigido a un público de 0 a 5 años. Este año la producción propia del festival es Maleable de Helena Lizarrán. Entre la oferta internacional destacan White de la escocesa Catherine Wheels Theatre Company, Mama Singt Geschenke (Las canciones de la madre son un regalo) de la compañía Dschungel Wien (Austria) y Lala Pop de la compañía Inger Cecilie Bertrán de Lis de Noruega.

Encuentros Te Veo Los XVIII Encuentros Te Veo “Con M” de mujer, de música y marionetas, se celebrarán del 16 al 20 de noviembre en el Teatro Calderón de Valladolid con el objetivo de dar voz a la mujer. Además de actividades como conferencias o mesas de reflexión, se representarán espectáculos como Veo Leo de Teatro Arbolé, Canciones de Titiriteros de Los Titiriteros de Binéfar, Momo de la Compañia Anna Roca, Nómadas de Teatro Paraíso o Lil·liput de L’Horta Teatre.

Festival Títeres Sestao Zinetika, primer festival internacional de videodanza que se crea en Navarra, tendrá lugar del 25 al 26 de noviembre en el Palacio Condestable de Pamplona, con una programación gratuita que incluye proyecciones, talleres y conferencias.

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El XXX Festival Internacional de Títeres de Sestao se celebrará del 26 de noviembre al 4 de diciembre en el Salón de la Escuela de Música. Entre la programación se podrán ver tres montajes internacionales: Uga de Seña y Verbo (México), Out de Unterwasser (Italia) y El clown y su familia de Atelier 313 (Bulgaria). Entre las propuestas Estatales está ¿Caperucita Roja? de Teatro Arbolé. También se podrán ver varias piezas en euskera, como Titirikontu Kontari de Gorakada.

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Danza, teatro musical y familiar en Bizkaia

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a danza es la gran protagonista en el Teatro Arriaga durante el mes de noviembre con los espectáculos de dos compañías de renombre internacional, Momix y Ballet am Rhein. La compañía capitaneada por Moses Pendleton presenta Momix Forever del 1 al 6 de noviembre, una colección de las coreografías más importantes y significativas de la compañía estadounidense pertenecientes a los espectáculos que han marcado sus 35 años de historia como ‘MOMIX Classics’, ‘Passion’, ‘Baseball’, ‘Opus cactus’, ‘Lunar sea’, ‘Botánia’ y ‘Alquimia’, además de cuatro piezas nuevas creadas para esta propuesta.

El alemán Ballet am Rhein (días 11 y 12), considerado como una de las mejores compañías de ballet de la actualidad, presenta un programa denominado 7 y basado en la Séptima sinfonía de Gustav Mahler. El coreógrafo y director Martin Schläper pone sobre el escenario a 45 bailarines y bailarinas para crear escenas de baile puro en las que las formas de ballet clásico no solo progresan, sino que se convierten en símbolos de gran belleza

Dos espectáculos de flamenco abren la programación de noviembre en La Fundión de Bilbao. Alberto Cortés presenta Yo antes era mejor (5 y 6), una pieza de flamenco experimental y teatro que reflexiona sobre la naturaleza humana a través del juicio público al artista, su moral y sus miedos, mientras que Belén Maya propone en Romnia (12 y 13) una búsqueda sobre dos dimensiones de su ser: su gitanidad y su feminidad y a través de su cuerpo presenta las voces de mujeres gitanas no flamencas pero rebosantes de jondura.

El teatro llega de la mano de Voadora que pone en escena Calypso (19 y 20) de Fernando Epelde, “una despedida afectuosa a un sistema que se derrumba y un saludo curioso a un nuevo orden aún por descubrir”. Los días 3 y 4 de diciembre Cambaleo Teatro presenta su último trabajo, Deriva naufragio apáñatelas, un 36

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Som Produce

que deriva de la conciencia de sus propias limitaciones.

El teatro estará presente con una producción en euskera, la recién estrenada Francoren bilobari gutuna (17 de noviembre) a cargo de Ar tedrama, Le Petit Théâtre de Pain y Dejabu Panpin Laborategia y de la que se da cumplida información en las páginas 10 y 11 de este número.

Para diciembre, el Teatro Arriaga ha programado un único espectáculo que estará en cartel durante todo el mes; se trata del musical Cabaret, que está de gira conmemorativa del 50 Aniversario de su estreno en Broadway. Considerado como

encuentro escénico de Antonio Sarrió, Carmen Werner y Carlos Sarrió en el que se hablan de algunas cosas sobre la vida y la muerte, “en el que se indaga en nuestra propia experiencia y en el que no sabemos si se desvela alguna verdad...”.

El flamenco vuelve a La Fundición, en este caso el contemporáneo, con Juan Carlos Lérida que presenta el 10 y 11 de diciembre Al Toque, primera parte de la trilogía dedicada a los fundamentos expresivos del flamenco (Toque, Cante y Baile). Cierra la programación de 2016 el día 17 Fantasía nº 10; “La alegría de vivir”, una rareza audaz de los granadinos Vladimir Tzekov. Pero en los dos últimos meses de año también habrá tiempo para el Taller de Espectadores, y destaca la residencia de creación que llevará a cabo, a primeros de noviembre, la coreógrafa Blanca Arrieta.

una de las obras maestras del teatro musical de todos los tiempos y con canciones emblemáticas de la historia de los musicales, esta producción de Som Produce ha sido adaptada y dirigida por Jaime Azpilicueta y esta protagonizada por Crisitina Castaño –que da vida a la inolvidable Sally Bowles–, junto con Armando Pita como EMCee y Alejandro Tous en el papel de Cliff Bradsjaw, intérpretes todos ellos que encabezan un elenco “de lujo” que ponen en escena el famoso espectáculo escrito por Joe Masteroff y con música de John Kander.

Además, el escenario del Arriaga acoge un espectáculo especial para celebrar el 25 aniversario sobre los escenarios de la soprano Ainhoa Ar teta, La voz del poeta, un homenaje a Federico García Lorca con el que disfrutar el 13 de noviembre. Benito Ler txundi ofrecerá un recital el 20 de noviembre y dentro de ‘Cuartitos del Arriaga’ se estrena los días 23 y 24 Coordenadas, una dramaturgia de Olatz Gorrotxategi sobre la memoria histórica dirigida por Lander Iglesias (más información en la página 15 de este número).

Calypso de Voadora

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Teatro Barakaldo

Venere de Daniel Abreu ©Juan Adrio

Tanttaka Teatroa presenta en el Teatro Barakaldo la versión en euskera y castellano de la obra Muxua /Un beso los días 2 y 3 de noviembre, respectivamente, y en horario de mañana, ya que es una programación dirigida al público de ESO y Bachillerato. El día 4 tendrá lugar una propuesta de danza contemporánea, El cielo ahora, con dramaturgia de El Conde de Torrefiel y dirigido por Olatz de Andrés, que dará paso a Lluvia constante, obra de Keith Huff con versión y dirección de David Serrano en la que Roberto Álamo y Pepe Ocio dan vida a dos policías, amigos desde la infancia, que se verán inmersos en un suceso que pondrá a prueba su amistad. Dirigida también al público escolar, en este caso al alumnado de primaria es la obra Kixote, Santxoren zorabioa de Markeliñe (10 y 11), mientras que el 18 se podrá disfrutar con Venere, último trabajo del coreógrafo y bailarín Daniel Abreu que junto a cinco bailarines despliega un juego

coreográfico que viaja de la materia al símbolo. Al día siguiente Concha Velasco acaparará la atención del público con el unipersonal Reina Juana y el 26 lo hará José Sacristán que junto con Javier Godino dan vida a los dos personajes de Muñeca de porcelana de David Mamet en versión de Bernabé Rico y bajo la dirección de Juan Carlos Rubio. Cierra la programación otra función escolar, el musical Change The Channel.

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Kultur Leioa

La Sirenita de La Canica Teatro de Títeres

Lonely Together es una performance en forma de conversación bailada que se presenta acompañada de la música interpretada en directo por el compositor Laurent Delforge a cargo de Cía. Roberto Oliván-Enclave Arts del Moviment que se podrá ver en Kultur Leioa el 4 de noviembre. Y una conversación dinámica y física es el también el espectáculo de danza Time takes the time time takes de Cía. Guy Nader, que se presentará el día 2 de diciembre.

Pero antes, el 18 de noviembre, la cita será con Francoren bilobari gutuna de Artedrama, Dejabu y Le Petit Théâtre de Pain, que dará paso a otro espectáculo teatral para público adulto el día 16 de diciembre, la galardonada La piedra oscura de Alberto Conejero en una coproducción del CDN y LaZona. El público familiar por su parte ten-

drá una amplia oferta de espectáculos que comienza en noviembre, el día 13, con la deliciosa Amour de Marie de Jongh. El 19 la cita es con Loo, una propuesta de gran poética visual de Ponten Pie, que dará paso a Giratondo, espectáculo de los italianos La Baracca-Testoni Ragazzi. Y ya en diciembre, entre el 26 y el 30 será el turno de Corazón de elefante de Marisa Amor, la música de Mastetta en familia de Mastretta, La Sirenita de La Canica Teatro de Títeres, la magia de Nacho Diago con Viaje a la luna y Euria de Markeliñe. Sin olvidar la música de Olé Swing, Rocío Márquez y Travellin Brothers all stars.

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Donostia cierra el año con un amplio programa escénico

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onostia acoge una extensa programación de teatro y danza en los diferentes espacios escénicos de la ciudad en los dos últimos meses del año, entre las que destacan las organizadas por Donostia Kultura y DSS2016EU Capital Europea de la Cultura y que son parte del programa de DSS2016. Dentro del mismo se encuentra el espectáculo teatral Incendios del autor libanés Wajdi Mouawad, una obra que “habla del renacer, de fuegos que a veces hay que sembrar, del terrible camino que a menudo hace falta recorrer para llegar a uno mismo”. Mario Gas dirige a un elenco de actores compuesto por Núria Espert, Ramón Barea, Laia Marull, Edu Soto, Carlota Olcina, Alex García, Alberto Iglesias y Lucía Barrado que dan vida a los personajes de una obra clave del siglo XXI que llega al escenario del Teatro Victoria Eugenia los días 11 y 12 de noviembre en una coproducción de Teatro de La Abadía e Ysarca.

Con The naked clown, Recirquel Contemporany Circus supera las fronteras entre el arte circense, la danza, el teatro y la música para dar respuesta a la siguiente pregunta: ¿Qué hay detrás de la máscara siempre sonriente del payaso?.

Un espectáculo que se pondrá en escena los días 24 y 25 y que llevará al público a “un inusual viaje interior por ámbitos imaginarios donde las barreras protectoras de la realidad desaparecen”.

Morfeo Teatro presenta el 10 de diciembre El retablo de las maravillas de Cervantes, una “disparatada sátira” que cobra dramatismo y acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final. Y es que la compañía capitaneada por Francisco Negro –encargado de la dramaturgia y direción– y Maite Bona –ambos intérpretes de la obra junto con Felipe Santiago, Adolgo 38

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pero también una denuncia que señale con dedo acusador cómo todavía hoy, la mayor parte de los pobres del mundo son niños, y la mayor parte de los niños son pobres”.

En el Teatro Principal se representará el espectáculo que completa este programa. Se trata de She poems un proyecto creado por Aïda Colmenero Dïaz compuesto por dos piezas de danza creadas a partir de video-danzas construidas en diversos países africanos. Un trabajo audiovisual de danza contemporánea realizado por y para las mujeres que trata el tema de la identidad de las mujeres y la protección de sus derechos. La cita, los días 26 y 27 de noviembre.

Más teatro Kuadernoa zuri de Hika Teatroa ©Dani Blanco

Pastor, Santiago Nogués, Mamen Godoy y Joan Llaneras– presenta esta cruel historia basada en una selección de varias obras de Cervantes teniendo como pieza principal el famoso entremés.

La danza llega los días 16 y 17 a cargo de la Compañía Sharon Fridman, que pone en escena Caída libre / Free fall, una coreografía del propio Fridman que se pregunta cómo un grupo humano puede facilitar la caída individual, cómo puede servir de aliento y soporte para que el individuo pueda redimirse, entregarse a su naturaleza y continuar con su camino.

El 29 de diciembre se podrá disfrutar con Último tren a Treblinka, una obra basada en un hecho real, el final de los niños de un orfanato del Gueto de Varsovia que dirigió el innovador pedagogo Janusz Korczak. Este nuevo espectáculo de Vaivén Producciones “es un homenaje a estas víctimas y un recuerdo a Janusz Korczak, ese ser excepcional que luchó hasta la muerte por dignificar la vida de los niños;

El Teatro Victoria Eugenia acoge además durante el mes de noviembre la puesta en escena de la zarzuela La tabernera del puer to a cargo de la Asociación Lírica Sasibil (día 9) y en el Victoria Eugenia Club se han programado dos obras en euskera: Bihotz salataria de Atx Teatroa (3) y Zerura eroria de Anodino Teatroa (18 y 19). Y ya en diciembre, los días 27 y 28, Parias de Javier Aranda Javier.

Penev de La Teta Calva es tanto una comedia cruda como una tragedia entrañable. Una obra escrita por Xavo Giménez sobre el escenario de Imanol Larzabal Aretoa los días 12 y 13 de noviembre. Y en el mismo escenario Cuántica Producciones rinde un homenaje a Edurne Rodríguez Muro, autora de Mujeres al rojo vivo (3-4 de diciembre) y que vuelve a subir al mismo escenario en el que fue estrenada en 1995 bajo la dirección de la propia Rodríguez.

Son varias las propuestas teatrales que se ofrecerán en Gazteszena (Egia Kultur

noviembre diciembre Etxea), como la recién estrenada Francoren bilobari gutuna (del 9 al 13) de Ar tedrama, Dejabu y Le Petit Théâtre de Pain (más información en páginas precedentes) o la particular The parachute, una obra de teatro de títeres y objetos de Stephen Mottram (27), en la que cuenta una historia divertida y fascinante que habla sobre la juventud, el amor y la confrontación de la edad adulta.

Los días 16 y 17 de diciembre Hika Teatroa pondrá en escena Kuadernoa zuri (su versión en castellano ‘Cuaderno en blanco’ fue estrenada el pasado mes de octubre). Arantxa Iturbe y Agurtzane Intxaurraga son las autoras de esta obra que dirige la propia Intxaurraga, que se encarga también de su interpretación junto a las actrices Miren Gojenola e Itziar Ituño.

Las actrices narran el reencuentro de dos hermanas después de veinte años y tras la muerte de su madre; un encuentro que no resulta nada fácil. Poco saben la una de la otra, apenas nada de las huellas que su madre ha dejado en ellas. Han tenido suficiente con salir adelante construyendo su propia vida. Suficiente con vivir...

También danza

Espectáculos de danza de diversos estilos y para todos los públicos. Amestü Elkartea presenta Maite K, propuesta en la que a través de canciones, imágenes y danzas, se remarcan los valores universales de la mujer y reivindican las trayectorias, cualidades y especial fuerza de cada una de las “mujeres humildes” que forman parte de nuestro pueblo. Ver-

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Incendios ©Ros Ribas

dini Dantza, desde su compromiso con las personas con diversidad funcional, propone un nuevo desafío, el de las capacidades en Gaitasunen iraultza. Todo ello encaminado a crear un mundo de infinitas posibilidades compuesto por capacidades diversas. Ambas obras se pondrán en escena en el Teatro Victoria Eugenia el 27 de noviembre y 3 de diciembre, respectivamente. Les seguirá Atalak XXVIII de Dantzaz Konpainia el día 8 (más información en la sección ‘Estrenos’).

En Gazteszena por su parte es la danza contemporánea la principal protagonista durante noviembre. Jardín de invierno (día 5) de Cielo Raso; Lonely together, “genialidad convertida en humanidad”, una conversación de Sur a Sur o un viaje entre dos

seres que se parecen aunque tengan raíces físicamente lejanas de Roberto Olivan (19) y Time takes the time takes de Guy Nader & María Campos es una rueda en movimiento que sugiere el tiempo como un continuum (3 de diciembre).

La danza para el público familiar llega de la mano de DA.TE Danza, que presenta en el mismo espacio el 26 de noviembre ¿Cuál es mi nombre?, imaginación, movimiento y color para los más pequeños ,que también podrán disfrutar con una amplia oferta entre la que cabe destacar dos espectáculos a representarse en Imanol Larzabal Aretoa: Zapatila gorridun mutikoa de Ados Teatroa y Danborren hotsa de Txotxongilo Taldea (5 de noviembre y 28 de diciembre, respectivamente).

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Martina y el bosque de papel Martina, una niña de papel que vive en una casa de cartón, es la protagonista de Martina y el bosque de papel, un viaje por la naturaleza y una forma lúdica y pedagógica de acercarse a las estaciones del año.

Todo ello a través de la mirada inocente y curiosa de una niña que aprende a amar la naturaleza como un amigo más. Se trata de una propuesta muy visual con manipulación de objetos y títeres a cargo de L´Horta Teatre. Creado y dirigido por Sergio Martínez y Pau Pons, un valor añadido de este espectáculo radica en el hecho de que todos los elementos escenográficos están construidos íntegramente con piezas de cartón y papel, de manera que los niños y niñas verán en directo y en primera persona cómo se crea el bosque, la casa, los animales... Esta propuesta, interpretada por Pau Blanco y Laura Valero, se podrá ver en valenciano en Canals (8/11), Barcelona (25-27/11), Alcàsser (11/12) y Alicante (18/12); y en euskera en Arrigorriaga (29/12).

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Neva Neva de Guillermo Calderón es una producción de Nacho Vilar dirigida por José Bornás. La pieza, con Lola Martínez, Irene Verdú y Jesús Arribas “Risi”, se podrá ver en Las Pedroñeras (4/11) y en Alhama de Murcia (10/12). En San Petersburgo, durante una tarde de invierno en 1905, mientras las tropas reprimen salvajemente a los obreros que se manifiestan en las calles, dos actrices y un actor tratan de ensayar en un teatro de la ciudad frente al río Neva. Una de ellas es Olga Knipper, la famosa actriz del Teatro del Arte de Moscú, dirigida por Stanislavski y viuda de Antón Chejov. Olga se culpa de haber vivido lejos de su esposo durante los últimos años de su vida, mientras escribía aislado para curar su tuberculosis y ella estrenaba sus obras en Moscú. Los otros dos actores tratan de ayudarla a ensayar la obra ‘El jardín de los Cerezos’, soportando con admiración sus aires de diva y tratando de ignorar el terrible hecho de que el resto de los actores no ha llegado.

Lavapiés a Escena La Red de Teatros de Lavapiés presenta el I Ciclo de Teatro Lavapiés a Escena, que este año está dedicado a la mujer en la escena independiente. Se celebrará anualmente y cada edición estará dedicado a diferentes temas sociales y de actualidad. Este año se centra en promocionar la creación artística de las mujeres que trabajan en la investigación y experimentación escénica, la creación literaria y el pensamiento contemporáneo. “Queremos dar visibilidad a un colectivo social desfavorecido en la programación y exhibición de los teatros públicos e institucionales”, afirman. Por ello, las salas que conforman Lavapiés Barrio de Teatros llevarán a cabo en noviembre una muestra de proyectos escénicos (teatro, danza, performance) creados por mujeres, para convertirse en una de las plataformas principales de exhibición, ©Clara Garrido promoción y difusión de montajes escénicos escritos por mujeres y dirigidos por mujeres.

“Tradicionalmente de las mujeres en las artes escénicas se suele esperar que sean actrices, no directoras ni mucho menos dramaturgas. De ahí que este año el ciclo se centre principalmente en dar impulso a textos y creaciones escénicas llevadas a cabo por mujeres”, explican. La programación incluye: Miedo o soltar. Historia de las despedidas en 4 partes de La Familia Rootless en El Umbral de Primavera; Lesiones incompatibles con la vida de Ocara Producciones en La Tortuga; No estoy aquí para entreteneros de F. de Asfalto en MINIMA espacio escénico; Moscú (3.442 km) de La trapecista autómata en El Umbral de Primavera; En clownstrucción de Degustando Placeres en La Tortuga; y La verdadERA historia. Blancanieves de 3 segundos en El Umbral de Primavera.

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16 noviembre diciembre Josu Montero

Luz negra

La guerra civil en el teatro (III)

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a saben que el pasado julio se cumplieron los ochenta años del golpe militar fascista que provocó una contienda tan sangrienta y que, como no puede ser de otra forma, tanto ha marcado el devenir de la historia del estado español. Iban a ser dos las entregas pero serán finalmente tres porque aún nos quedan por repasar cuatro notables dramas sobre esa guerra. Dos de ellos forman ya parte de la historia del teatro español, nos referimos a “Las bicicletas son para el verano”, del gran Fernando Fernán Gómez, y de “¡Ay Carmela”, de José Sanchís Sinisterra. Y los otros dos son bien recientes ejemplos del interés que aquella guerra sigue suscitando en nuestros escenarios. La primera es la premiadísima obra que suscitó este repaso, uno de los grandes éxitos de la pasada temporada teatral: “La piedra oscura”, de Alberto Conejero; y la otra tiene ya todas las pintas de ser uno de los grandes éxitos de esta temporada que se está iniciando, nos referimos a la recién estrenada “La quinta del biberón”, de Lluís Pasqual.

Fernando Fernán Gómez nació en Lima en 1921 en plena gira de la Compañía María Guerrero, a la que pertenecía su madre. Su infancia y adolescencia transcurrieron en Madrid, en el barrio de Chamberí, ese microcosmos en el que situó “Las bicicletas son para el verano”, escrita en el 77 y estrenada en el 82, y que en el 84 Jaime Chávarri convirtió en película. Luisito, el adolescente protagonista, que quiere que su padre le compre una bicicleta a pesar de no haber aprobado el curso, viene a tener la edad que el autor tenía en aquel verano del 36 en que se desarrolla la obra. Don Luis y Doña Dolores, sus hijos Manolita y Luisito, la criada, los vecinos, la cotidianidad de repente hecha añicos. La compra de la bici se retrasa, y ese retraso durará mucho más de lo esperado. El 18 de julio de 2011, con ocasión del 75 aniversario del inicio de la guerra, Radio Nacional realizó una versión radiofónica de esta obra.

Uno de los dramas más conocidos y versionados sobre nuestra guerra es “¡Ay Carmela!”, de 1989, el gran éxito comercial de José Sanchís Sinisterra y gran homenaje al propio teatro, a esos humildes cómicos de la legua que protagonizan la obra, “Carmela y Paulino, variedades a lo fino”. Ella, andaluza, simple, vitalista y de grandísimo corazón; madrileñísimo él, charlatan, altanero y cobarde. Camino de Belchite, donde van a comprar morcillas, la niebla les pierde y cruzan las líneas cuando el pueblo acaba de ser liberado por el ejército nacional, esto es “por italianos, moros y alemanes”. Un teniente italiano con veleidades teatrales les empuja a improvisar una Velada Artística Patriótica Recreativa, a la que asistirá el mismísimo Franco, y cuyo número final consistirá en la exhibición de un grupo de prisioneros de las Brigadas Internacionales que serán fusilados al amanecer. La obra viene a ser esa velada desternillante y terrible. Paulino quiere terminar con un número de burla a la República para congraciarse con los vencedores, pero Carmela no está por la labor y el drama se desata.

Paulino es ahora conserje del Teatro Goya de Belchite como premio a su cambio de camisa, pero loco de culpa y de vinazo, muerto en vida, está condenado a repetir eternamente la función. Para no olvidar. Este sainete trágico es una obra de fantasmas.

Regresamos a donde comenzamos, a esa premiada “La piedra oscura” (2015), de Alberto Conejero, a cargo del CDN. Un duelo en un hospital militar cercano a Santander entre un miliciano herido y

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prisionero y su jovencísimo vigilante. El joven miliciano es Rafael Rodríguez Rapúm, secretario de La Barraca, último compañero de Lorca y albacea de sus últimos papeles. Federico de fondo. De su fusilamiento se acaban de cumplir 80 años. Y sigue desaparecido.

Mi padre nació en 1930 en Madrid. Cuando el ejército franquista sitió aquella capital del dolor y la sometió a terribles bombardeos, el gobierno republicano evacuó a niños y a mujeres a lugares más seguros. Mi padre, mis tíos y mi abuela iniciaron una odisea que recorriendo media España les condujo finalmente a Xerta, un fértil pueblo tarraconense a orillas del río Ebro. Mi abuelo, trabajador del tranvía, se quedó en Madrid. Salieron de las brasas para caer en el fuego, porque meses después de instalarse en Xerta –donde comían naranjas de la Colectividad– estalló la tremenda y sangrienta batalla del Ebro, cuyo frente se hallaba en las cercanísimas sierras de Pandols y de Espadans. Recuerda mi padre cómo los chavales del pueblo –con algunos de los cuales jugaban, sólo unos pocos años mayores que él y sus hermanos– fueron reclutados. No volvieron a saber más de ellos.

Poco después tuvieron que volver a hacer el petate y seguir huyendo hacia el norte. Sirva este recuerdo familiar para introducir “La quinta del biberón”, el drama escrito y dirigido por Lluís Pasqual que se estrenó en octubre en Girona y se representa actualmente en el Lliure, teatro que la ha producido. Un chaval de aquella generación que tenía apenas 17 años en el 38 era tío de Pasqual, como los adolescentes que jugaban con mi padre. 27.000 críos, toda una generación, fueron forzosamente reclutados y enviados casi directamente a primera línea de uno de los frentes más sangrientos de la guerra, la conocida como batalla del Ebro. Pocos se salvaron; los que no cayeron en las trincheras, acabaron en campos de concentración o en penosos penales franquistas o en trabajos forzados en el lúgubre Valle de los Caídos.

Carne de cañón.

Pasqual pone en escena a seis de aquellos inocentes lanzados de cabeza a la desesperación y al absurdo en una obra que es a la vez testimonio y homenaje. Asistimos al entusiasmo inicial de algunos de ellos por luchar por la República, a su lucha por sobrevivir, a su creciente desesperación, a su día a día en condiciones terribles, a su transformación interior y exterior, a la crueldad de los comisarios políticos, a fusilamientos para infundir obediencia, a carreras de piojos, a las cartas que escriben y que reciben y que les trae un mundo ya tan lejano y al que tienen la certeza de no regresar, a la fugaz fraternidad con el enemigo, a los poemas urgentes que escribe uno de ellos en una libreta para agarrarse con rabia a la vida, al terrible momento de la primera vez que se mata, a la matanza cotidiana, a la hora final de cada uno de ellos. Como elemento dramatúrgico incluye Pasqual un telón de fondo de imágenes, videos de los informativos de los dos bandos: la historia oficial frente a la real. Hay también músicos en escena: canciones de guerra, pero también Monteverdi o Purcell.

Requiem. Incluso en un momento dado los jóvenes actores salen de sus personajes, en un distanciamiento casi necesario en un drama tan asfixiante, para contarnos cómo les han construido, a aquellos jóvenes de hace sólo tres generaciones pero tan lejanos para ellos.

Las voces de aquéllos nos llegan desde ultratumba: devolverles la voz a los muertos, que resuenen en nuestros oídos y en nuestras cabezas gracias al teatro.

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Vivir para contarlo

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Virginia Imaz

Munt de Mots: Xclus

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el 17 al 22 de octubre ha tenido lugar, la 7ª edición del Festival de Narración Oral de Barcelona “Munt de Mots”, en el que he tenido el placer y el honor de participar.

Este Festival capitaneado por el narrador venezolano Rubén Martínez Santana, me ha permitido reencontrarme con gente de palabra que me es muy querida: Alekos (Colombia) Quico Cadaval (Galicia), Soledad Felloza (Uruguay) Coralia Rodríguez (Cuba) o Judit Navarro (Cataluña) y conocer a Linsabel Noguera (Venezuela) y a Irma Helou (Francia) entre otras personas apasionadas y apasionantes. También han contado aunque no hayamos podido coincidir, Isabela Méndez (Venezuela) Rosa Pinyol, el propio Rubén Martínez (Venezuela) Juan Pablo Fuentes (La Rioja) Colin McAllister (Irlanda) traducido por Susana Tornero, Alicia Molina (Cataluña) con Oscar Igual al piano, el grupo catalán Narrín Narrán, Martha Escudero (México), Inés Macpherson (Cataluña), Irma Borges (Venezuela), Mónica Torra (Cataluña), la compañía argentina Trastero de las Artes, Tere Monclús (Cataluña), Julia Pérez (Venezuela). Hemos contado en alrededor de 40 espacios diferentes, bibliotecas, centros cívicos, pubs, museos, espacios culturales, salas de teatro y hospitales… Todo un despliegue para festejar la palabra. En esta ocasión, el País “invitado” era Venezuela para visibilidad la compleja situación política y social que está atravesando y porque comparte con Cataluña lo extraordinario.

En la inauguración nos acompañó además el cantautor peruano con sus canciones “Galeano encendido” y en la clausura la cantautor a venezola Yexza Lara con canciones de su nuevo CD “Camino”. Moderado por Alekos, de martes a viernes tuvo lugar una hermosa iniciativa: “Sin venir a cuento”, un espacio de encuentro para poder conversar de manera informal, con los narradores y las cuenteras, sobre la trastienda se sus historias y la “cocina” de sus procesos creativos. Una delicia poder compartir experiencias que a menudo son viajes muy solitarios. Y también, como en las ediciones anteriores, Munt de Mots ha ofrecido conferencias y talleres en torno a la narración oral, de muchísimo interés. Tomo conciencia de que estas ganas que me habitan de conocer otras experiencias e itinerarios en el mundo de la cuentería. Es un hambre que no se me sacia nunca. En esta VII edición se sucedieron las siguientes propuestas: El martes 18 en la Biblioteca Villa de Gracia: NARRACIÓN ORAL Y REFUGIADOS: UNA ACCIÓN con Irma Helou (Francia) que contó como se habían agrupado en la Asociación Xclus, para organizar noches de narración oral en torno al tema de la exclusión, y que , por ejemplo, se habían invitado a diversas asociaciones y ONG-s, en favor de las personas refugiados sirias, para informar al público, para dar voz a las y las sin voz, y sensibilizar a la población, llamando la atención de los medios de comunicación. El miércoles 19: TODAS LAS CUENTAS VAN EN EL MISMO HILO con Quico Cadaval (Galicia) disertando sobre cómo se ordenan las historias. Las peripecias, los rasgos de los personajes, las inclemencias ambientales…, todo es necesario para contar una historia. Muy inspiradoras las reflexiones que compartió

sobre cómo se decide el orden en él que van las historias dentro de un repertorio. El jueves 20, Irma Borges (Venezuela) habló sobre los cuentos como herramienta creativa y divertida que mejora la comunicación y el aprendizaje. Un cuento nos puede acompañar para comprender esto que nos pasa, por ejemplo, en el seno de nuestra familia en su charla LOS CUENTOS DE CADA DÍA. El viernes 21, fue el turno de Linsabel Noguera (Venezuela), investigadora infatigable en propuestas de promoción de la lectura, premiada en su país y narradora oral reconocida. Linsabel nos compartió en JUGANDO ENTRE LIBROS el proyecto que dirige de “La rana encantada” donde expuso las técnicas que utiliza en los barrios de Venezuela en animación lectora. Y el sábado 22 Helena Cabo (Cataluña) impartió el taller: LA VOZ EN LAS NARRACIONES ORALES donde destacó el protagonismo de la voz en el oficio de la cuentería. Nuestra capacidad de conectar el sonido con el pensamiento y las emociones (voz-palabra-alma) es vital para que este vínculo entre el cuento y el público sea único, significativo y placentero. Un Festival lleno de palabras, de historias, de confidencias… Muy nutritivo. Y dentro de lo que se me quedó resonando en el alma, destacaría quizás la experiencia del colectivo Xclus. Me pareció la suya una iniciativa muy conmovedora, digna de importar a nuestro rincón en el mundo. Su objetivo: ser voz de los y de las sin voz. Me tocó mucho: ¿qué puedo hacer yo como cuentera en el caso de las personas refugiadas? ¿Puedo incidir con mi oficio de alguna manera? En materia de exclusión social, de personas y colectivos vulnerabilizados, a menudo me pesco en la impotencia.

El colectivo Xclus, se creó en febrero de 2016 y agrupa artistas de la palabra y de otras disciplinas artísticas escénicas o no, como la música, la danza, el canto o la ilustración, etc…) que se movilizan para denunciar situaciones de exclusión social. En septiembre pasado tomaron la palabra en apoyo de los refugiados y refugiadas, para denunciar las políticas de emigración actuales y para ser portavoces de un mensaje de solidaridad y de apertura en relación a los otros, a las diferentes que resulta que también son gente. El objetivo era también recaudar fondos para las asociaciones que trabajan en esta dirección. La invitación era tentadora: venga a darle placer a sus oídos, al mismo tiempo que se compromete socialmente en una iniciativa por una buena causa. Por toda Francia y también en otros países europeos, se programaron múltiples eventos agrupados en torno a la misma idea: se trataba de una acción en principio nacional, aunque luego transcendió las fronteras para decir no, no estamos de acuerdo con este mundo donde la exclusión es un hecho cotidiano y lo que es peor “naturalizado”. Una cita vital con las palabras, ya que es la vida lo que está en juego. Historias para llamar la atención, para interpelar a nuestras conciencias, para abrir los corazones y las fronteras y soñar colectivamente que otro mundo es posible. Para cambiar el mundo es necesario imaginar primero el cambio y contarlo. Compartir las metáforas que nos cambiarán por dentro. Para mí fue abrir una puerta de salida a la impotencia. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre Jorge Dubatti

La familia, un tópico en variación formal y de sentido

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Contra lo que dicen muchos espectadores y críticos, la presencia en el teatro argentino del tópico de la familia “disfuncional” –esto es, la familia con fuertes conflictos internos, con estructura de desequilibrio, violencia y falta de contención, en sus vertientes parricida, filicida o en su retrato perverso polimorfo– no es un invento de Claudio Tolcachir, el autor de la excelente La omisión de la familia Coleman, que a doce años de su estreno cada día funciona mejor. En realidad la familia disfuncional es una constante de lo mejor de la escena nacional e internacional. Una constante temática con infinitas variaciones formales y de sentido. En el teatro argentino cuenta, a través de las décadas, con exponentes notables, por solo nombrar algunos: En familia (1905) de Florencio Sánchez, Relojero (1934) de Armando Discépolo, El viejo se ha vuelto loco (1943) de Alberto Vacarezza, Esperando la carroza (1962) del rumano-uruguayo-argentino Jacobo Langsner, El desatino (1965) de Griselda Gambaro, Telarañas (1977) de Eduardo Pavlovsky, La familia argentina (1990) de Alberto Ure, La escala humana (2001) de Javier Daulte, Rafael Spregelburd y Alejandro Tantanian, incluso Terrenal (2014) de Mauricio Kartun... En el panorama internacional, ni hablar: El padre del sueco August Strindberg, Los Cenci del francés Antonin Artaud, El zoo de cristal del norteamericano Tennessee Williams, Album de familia del brasileño Nelson Rodrigues, Mi hijo camina un poco más lento del croata Ivor Martinic. ¿Las familias disfuncionales no están ya, a su manera, en las tragedias griegas, en las obras isabelinas, en las comedias de Molière? La familia disfuncional puede aparecer bajo las poéticas teatrales más diferentes, y no constituye un “género” fijo, menos aún una “fórmula” a repetir, ni es algo específico del siglo XXI. Cada época se la reapropia y le otorga un nuevo sentido.

Es una tendencia recurrente del sistema de representación, acaso porque posee una dimensión metafórica potente (la familia como clan o secta, como sociedad, como país, como universo, como tribu, como frontera entre endogrupo y exogrupo, etc.) y porque promueve muy

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fácilmente la identificación. Hay valiosas reflexiones, al respecto, en el ensayo de Stella Martini “La familia que la dramaturgia argentina puso en escena” (Cuadernos de Investigación Teatral del San Martín, N° 2, 1993), para pensar versiones, reversiones, subversiones de las imágenes familiares.

Ahora bien, decir que algunas obras argentinas de los últimos diez años (por ejemplo, la citada La omisión de la familia Coleman, junto a La de Vicente López de Julio Chávez, El loco y la camisa de Nelson Valente, Como si pasara un tren de Lorena Romanín, Una tragedia argentina de Daniel Dalmaroni, El ciclo Mendelbaum de Sebastián Kirszner, Comer de noche de Lorenzo Quinteros y Romina Moretto, Asuntos pendientes de Eduardo Pavlovsky, Cómo estar juntos de Diego Manso, Claveles rojos de Luis Agustoni, Más respeto que soy tu madre de Hernán Casciari y Antonio Gasalla, La denuncia de Rafael Bruza y muchas más) responden a un mismo patrón por el hecho de que toman el tópico de la familia disfuncional, es generalizar demasiado, no percibir diferencias, no leer variaciones. Un espejismo, una proyección de la propia limitación del espectador sobre un campo de riqueza y diversidad que debería sopesarse con más cuidado. La familia es una constante, pero con tratamientos ilimitados. Es bueno disponerse a advertir esa multiplicidad.

Detengámonos en un caso. ¿Qué diferencias pueden encontrarse entre La omisión de la familia Coleman de Tolcachir y Como si pasara un tren de Lorena Romanín respecto de la variación del tópico familiar? Vale decir que ésta última, excelente acontecimiento escénico, atraviesa ya su segunda temporada, y está haciendo cinco funciones semanales a sala llena (en el Camarín de las Musas, en una sala de unas 80 butacas), hecho poco frecuente en el teatro independiente.

Excelentes los trabajos actorales de Silvia Villazur, Luciana Grasso y Guido Botto Fiora.

Lorena Romanín imagina un hogar de provincia, en una ciudad con resabios rurales (podría ser Mercedes, en la Provincia de Buenos Ai-

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Postales argentinas res, entre la vida urbana y el campo, entre la gran ciudad y el pueblo) habitado por una madre y un hijo veinteañero con retraso madurativo.

El padre los ha abandonado y no quiere saber nada de ellos. La madre está llena de miedos y es, con todo su amor y su evidente buena voluntad, terriblemente posesiva y vigilante del hijo, y éste tiene escasa vida social, se la pasa encerrado en la casa permanentemente, o casi, con su tren de juguete y la televisión. De pronto viene a visitarlos, obligada por el castigo materno, una sobrina, proveniente de la ciudad de Buenos Aires. La joven, universitaria, inteligente, sincronizada con la nueva cultura, de aproximadamente la misma edad que su primo, estará en casa de la tía unos pocos días que bastarán para cambiarles la vida a los tres. Durante buena parte de la obra se percibe una acentuada inminencia de violencia (tememos que el muchacho descontrolado agreda a la prima, o que algo le pase cuando comienza a permitirse las primeras libertades sin la vigilancia de la madre).

Sin embargo, la historia se resuelve positivamente, a la manera de la comedia. Coleman es una tragedia, la tragedia de la disolución familiar, de la diáspora y de la enfermedad sin retorno; por el contrario, Como si pasara un tren es una comedia dramática con un desenlace optimista, esperanzador.

Pero además Como si pasara un tren trata el tema de la diferencia generacional desde otro punto de vista: plantea la caída de la figura de autoridad, es decir, la ruptura en la cadena de transmisión de experiencia de una generación a otra, sostiene que los saberes de los padres no le sirven a los hijos para moverse en su propio mundo. El hijo enfermo es, en Como si pasara un tren, no el estudio de un caso clínico ni el registro conmovedor de una enfermedad terminal, sino una profunda metáfora del hijo como otredad, como opacidad y diferencia, desde el punto de vista de la generación de los padres. Un hijo “enfermo” defrauda la expectativa de que sea “normal” como los padres, éstos no pueden esperar que el hijo cumpla con sus mandatos. Para los adultos retratados por Romanín los hijos (por extensión, los jóvenes) no atienden la experiencia de los padres y elaboran un sistema existencial paralelo y autosuficiente, distante, extraño: les hablamos para transmitirles nuestra sabiduría y es “como si pasara un tren”, no escuchan. No parecen reconocer nuestra sabiduría, son indiferentes a esos saberes.

Justamente la última escena, conmovedora, muestra el alivio de la madre, que empieza a entender que puede liberarse de la presión de controlar a su hijo y, especialmente, de la expectativa imposible de que su hijo sea igual a ella o a los saberes de su generación a pesar de todo. Frente a la caída del discurso de autoridad, frente a la imposibilidad de proyectar en el incomprensible mundo de los jóvenes nuestro propio mundo, hay que soltar, relajarse, aflojar la desesperación y aceptar que podemos vivir en mundos diferentes y dialogar desde esos mundos. No se trata, como en el caso del padre abandónico, de rechazar al hijo y desear no verlo nunca más. Se trata de estar disponible para el diálogo desde la diferencia. Como si pasara un tren trabaja sobre una tercera vía de relación de los hijos con los padres: ni adhesión ni rechazo, simplemente convivencia comprensiva y amante en la diferencia. ¿Está esto en Coleman? Por supuesto que no. En Coleman, por otra parte, el retraso madurativo no sólo es del hijo sino también de la madre.

Romanín trabaja una doble articulación entre endogrupo y exogrupo. Por un lado, la imagen del “visitante” (un pattern de raíz bíblica) proveniente del exogrupo que la familia deja entrar en el endogrupo (la sobrina o prima que viene con el mensaje del “afuera”). Por otro, la necesidad del viaje (la hermosa escena del viaje en tren) como forma

de salir del endogrupo hacia el mundo. Doble movimiento: dejar entrar el mundo a la casa, salir al mundo.

La visita y el viaje se relacionan, a su vez, con el tópico de la oposición entre la realidad y el deseo. ¿Es tan cierto lo que dice la madre, que la vida es una frustración permanente, que la realidad se encarga de aplastar toda expectativa, todo sueño? O la causalidad es inversa: ¿los golpes de la vida, las neurosis, la asfixia lúdica de la adultez van amputando la capacidad de desear?

En Como si pasara un tren primo y prima son muy diferentes, pero al mismo tiempo muy parecidos: tienen, a pesar de pertenecer a contextos diversos, un lenguaje común, se entienden rápidamente, comparten modelos y gustos, están conectados a distancia por vasos comunicantes que los adultos no poseen. Romanín acierta al señalar la presencia de la norteamericanización y la globalización en la cultura de los jóvenes argentinos de diversos contextos (una constante que aparece marcadamente en el teatro actual).

Hay quien ha despreciado este tipo de teatro “familiar” llamándolo “teatro de living”. ¿Acaso la mitad de Coleman no transcurre en una clínica? ¿Y qué pasa con el viaje en Como si pasara un tren? El pensamiento esclerosado en cliché no es más que prejuicio. Crítica a la que le hace falta más ejercicio autocrítico.

Más allá del tópico en variación de la familia, Como si pasara un tren es muy distinta a Coleman. Apreciar el arte es detenerse en “el detalle del detalle del detalle”, como dice Peter Brook, es decir, no borrar las singularidades. Advertirlas, calibrarlas, disfrutarlas, otorgarles su sentido. En lo que coinciden Coleman y Como si pasara un tren, sin duda, es en que se trata de acontecimientos teatrales excepcionales, puro y desbordante práctica de teatralidad. Muy buen teatro.

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16 noviembre diciembre Jaime Chabaud

Piedra de sacrificio

Quinceañeros

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unca como hoy siento que el nombre de esta columna en la hermana revista Artez es de lo más adecuado. En los países latinoamericanos editar y no morir en el intento es excepcional. La historia de las revistas especializadas en teatro es la de las muertes prematuras e incluso la de los nonatos. Y en México esa historia comienza en 1841, apenas 20 años después de consumada la Independencia de la península ibérica, con la publicación de El Museo Teatral de la que salió un solo número que fue debut y despedida. Le seguirían en 1845 El Anteojo y El Apuntador con varios números que no pasarían sin embargo de dicho año. Y así, la historia continúa con una serie de vidas fulgurantes de mayor o menor duración.

Hace 15 años, siguiendo impulsos como el de Carlos Gil (que es uno de nuestros ejemplos a seguir como el de nuestros mayores Primer Acto y Conjunto), dimos a la luz Paso de Gato, Revista Mexicana de Teatro, que se habría de convertir en la Editorial Paso de Gato y el proyecto que nos ha quitado el sueño a mi socio José Sefami (actor de tele, cine y teatro) y a mí. Una pasión insana y fetichista por el papel recién salido de imprenta. Más de medio millón de ejemplares de libros de teatro han salido con nuestro sello con ya cerca de 250 títulos, sin contar las revistas. Y digo las porque amén de la de teatro hemos hecho CINE TOMA que ya va por el número 49 mientras la primigenia va en el 68. Son miles de horas de trabajo de ya carca de un millar de plumas diferentes que nos han obsequiado su saber sobre el cine y el teatro desde muy diversas latitudes, construyendo contenidos indispensables.

Hace unas semanas estuvo en Monterrey, al norte de México, el escritor de teatro y director de escena finlandés Juha Jokela, participando de la Semana de la Dramaturgia que se organiza anualmente y, en una de las mesas de trabajo frente a estudiantes, pregunté sobre la “industria” editorial dedicada al teatro en su país.

Lo interrogué si en ese país desarrollado, con tan alto bienestar para sus ciudadanos, un editor de teatro podía “volverse rico”.

Sonrió y moviendo negativamente la cabeza, con un gesto apenas perceptible, sonrió y dijo que no se venden los libros de teatro. Me dejó desbastado porque mi sueño ha sido mudarme a Finlandia o Suecia para por fin vivir de una labor ingrata y apasionada.

En América Latina las editoriales especializadas son rara avis.

En México, hoy, contamos con editoriales independientes como Escenología que tiene más de 35 años, El Milagro con 27, Anónimo Drama con 18, Libros de Godot y Libros de la Capilla con casi 10, y Ediciones de Teatro Sin Paredes con 5. Si sumamos los de Paso de gato nos dan 120 años de experiencia editorial, de esfuerzos mil, de aterradoras presiones económicas y de satisfacciones muy grandes. Quizá lo que no permite estar al cien por cien dichosos es la escasa respuesta del gremio teatral a quien se sirve, ante

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tales hazañas. Es obvio que nadie nos ha puesto una pistola en la cabeza para hacer tal labor, que nace de una vocación de servicio y un placer, una pasión. Y sin embargo se esperaría que cuando menos no la saboteen y no la denosten. Hay de todo, para ser claros.

México, España, Argentina y Cuba son los grandes productores de libros dedicados a las artes escénicas en nuestra lengua. Sólo en los tres primeros existen iniciativas no institucionales poderosas y con el brío suficiente para destacar en el concierto del teatro. El talón de Aquiles es su subsistencia y la distribución de ejemplares más allá de las respectivas fronteras. Hacer viajar al libro de teatro (que le importa un pepino a las grandes y mercenarias distribuidoras) es como escalar el Everest, y sin embargo algo se mueve, con pequeños esfuerzos, con maletas clandestinas, con amigos que terminan por dejar de serlo por los 5 y 10 y 20 kilos que les encaja uno cada vez que viajan a países hispanoparlantes.

Algo se mueve y lo que es evidente es que, aunque sin articulación entre las editoriales, comienza a percibirse un tejido, una red que construye discursos pues los libros dialogan, se contradicen y crean contrapuntos.

Paso de Gato y Artezblai, por ejemplo, han comenzado dos años atrás una alianza, una sociedad sin papeles, surgida desde la amistad y la fe en la palabra empeñada, para realizar proyectos conjuntos. Pero el maridaje no sólo consiste en tener nuestros respectivos títulos en las Librerías Yorick y Paso de Gato sino en construir una nueva colección que lleva por nombre El Gato en Zapatilla (nos hemos quemado las pestañas inútilmente buscando un mejor nombre, un poco menos infantil) con el que hemos parido dos libros hasta el momento: Las acrobacias del espectador de Gabriele Sofia y El arte de ser payaso de Hernán Gené. Así, el mismo libro, con el mismo diseño y la misma tapa, se imprime simultáneamente en Madrid y Ciudad de México asegurando para el mismo su distribución inmediata y amplia en al menos dos países. Los costos bajan muy poco al compartir gastos de derechos, traducción, corrección, maquetación y envíos. Sería fantástico construir puentes más hacia el sur del continente americano. Sin embargo la inestabilidad económica de la región es un tema brutal. Ya veremos.

Estamos de quinceañeros con Paso de Gato. Las cientos de plumas que le han dado vida desde distintos puntos geográficos del mundo son quienes han construido su importancia. Gracias mil, mil gracias a todos. José Sefami y quien escribe estas líneas, estamos en deuda. El equipo de Paso de Gato, con timoneles como Leticia García, Hugo Wirth, Adriana Nájera y otros valientes, hacen posible el día a día. En www.pasodegato.com el lector de Artez puede conocernos un poco mejor.

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El lado oscuro

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Jaume Colomer

Sobre la gobernanza de un espacio de titularidad pública

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os días 22 y 23 de noviembre se celebra en Barcelona la Conferencia anual del programa europeo Be SpectActive! con el título “The proactive role of live performance audiences” sobre el papel activo de los públicos en las artes en vivo, con el objetivo de poner en común las experiencias desarrolladas en varios países en relación a la participación de los públicos en los procesos de creación y programación de espacios escénicos1.

La reflexión sobre el valor añadido de la participación activa de los públicos se enmarca en la reflexión más general sobre los nuevos modelos de gobierno (o gobernanza) de las comunidades territoriales y comunidades de interés (como espacios escénicos de titularidad pública) que se están desarrollando en varios países.

El término gobernanza, o gobierno relacional, viene utilizándose desde la caída del muro de Berlín (1989) en un contexto social caracterizado por la globalización y la concurrencia público-privada en la acción pública. La gobernanza (good governance) expresa una nueva manera de dirigir, gestionar y regular las realidades sociales (comunidades territoriales o comunidades de interés) a partir de la legitimación de la acción pública a posteriori, que ha sido conceptualizada como narrativa del impacto.

Según Juan Arturo Rubio2, uno de los factores clave para entender la postmodernidad es el cambio que se ha producido en el valor que la sociedad otorga a las instituciones, especialmente en la educación, las artes y la cultura. Según esta narrativa, en el caso de un espacio escénico público, el acento no se pone ahora en lo que hace sino en el impacto de sus acciones. Un espacio escénico ya no tiene una legitimidad social a priori por lo que es o lo que hace sino que se legitima en la medida que es capaz de generar experiencias de calidad en los ciudadanos. Esto requiere que sus actores o stakeholders reconozcan su valor a posteriori. En España tenemos estadísticas más o menos fiables de las prácticas escénicas pero no tenemos evaluaciones del valor percibido por los ciudadanos en sus experiencias escénicas.

La buena gobernanza es una nueva forma de gobierno antitética de los modelos burocráticos y jerárquicos derivados de la democracia representativa que se han consolidado en nuestra realidad social.

Consiste en promover en los actores o stakeholders de un espacio escénico el compromiso, la implicación y la participación activa en la toma de decisiones y en la gestión del proyecto.

Requiere que el titular del espacio renuncie a ejercer el poder de forma unilateral para compartirlo y asuma una función de persuasión y liderazgo. Que quiera evolucionar de un modelo de democracia representativa a uno de democracia participativa, convencido de sus ventajas, y que fomente el empoderamiento de sus públicos.

Para aplicar un modelo de buena gobernanza hay que garantizar el desarrollo de varios factores. Apuntamos como básicos los siguientes: 1. La identificación y reconocimiento de los actores o partes interesadas (stakeholders) de la comunidad de interés (titular y equipo gestor, públicos, colaboradores y proveedores, agentes culturales y sociales del entorno).

2. La promoción de la interacción entre los actores a través de redes y espacios de relación como factor que alimenta, dinamiza y cohesiona la comunidad de interés.

3. La participación de todos los actores en la toma de decisiones a través de un procedimiento acordado previamente.

4. La transparencia en la gestión de los acuerdos tomados.

5. La eficacia, la eficiencia y la mejora contínua en la gestión a través de un sistema de planificación y evaluación objetiva de resultados.

6. La satisfacción de todos los actores o partes interesadas por los resultados conseguidos.

En nuestro país la mayoría de espacios escénicos de titularidad pública aplican modelos de gestión burocráticos y jerárquicos, considerando a los públicos solamente como usuarios o beneficiarios de los servicios que prestan. En un estudio realizado recientemente en las CCAA de Catalunya, País Valencià y Balears3, se ha podido conocer que menos de un 30% de los espacios escénicos han impulsado algún tipo de plataforma asociativa de espectadores que facilite su participación activa en el desarrollo del proyecto. Y que la participación se limita, casi siempre, a tareas de apoyo a la difusión y organización de actividades, mientras que la participación en la toma de decisiones es testimonial (cerca de un 15% de las plataformas identificadas).

La no aplicación de modelos de buena gobernanza que promouevan la participación activa de los espectadores y otros actores de la comunidad de interés se explica, no sólo por la tradición burocrática de nuestro sector público, sino también por el prejuicio generalizado en los programadores y gestores de que la participación de los públicos no puede aportar valor al desarrollo del proyecto escénico, además de cierta incapacidad o incomodidad para gestionar el proyecto a través de la persuación y el liderazgo renunciando al ejercicio unilateral del poder.

Pero los tiempos están cambiando. Tenemos sobre la mesa nuevos modelos de gestión basados en la buena gobernanza. Recordando a Bob Dylan, reciente premio nobel de literatura, podemos recitar “Venid senadores, congresistas, por favor oíd la llamada y no os quedéis en el umbral (…) fuera hay una batalla furibunda, pronto golpeará vuestras ventanas y crujirán vuestros muros porque los tiempos están cambiando”.

1- Organizada por el Programa de Gestión Cultural de la Universidad de Barcelona, entidad observadora del programa Be SpectActive!

2- J. A. Rubio. Análisis instituciional y financiero del sector de las artes escénicas. I Foro Mercartes, Valladolid 2014.

3- Estudio realizado el 2016 por la Universidad de Barcelona en colaboración con la Asociación de Espectadores y Amigos de las Artes Escénicas de Catalunya y la ODA de la Diputación de Barcelona. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre María Chatziemmanouil

El método griego

Escuela Internacional sobre la tragedia griega

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iceo (Λύκειον en griego) es el nombre de la Escuela Internacional sobre la tragedia y la comedia griega que se inaugurará en verano de 2017 en Epidauro. El nuevo director del Festival de Atenas-Epidauro, Vanguelis Theodorópulos, anunció su fundación en agosto pasado, y, como él mismo dijo, fue uno de sus objetivos desde el primer momento en que asumió el cargo del director artístico del Festival, en febrero de 2016.

El Liceo se creará no solo con tal de satisfacer la necesidad para la existencia de un centro de práctica sobre el drama antiguo en la cuna del teatro, sino para renovar la mirada sobre la tragedia y la comedia que aún hoy, sigue siendo un asunto pendiente. El encuentro de la tradición teatral griega con el arte del teatro contemporáneo es el principal objetivo de esta iniciativa.

“Epidauro es muy importante para nosotros”, dice Theodorópulos, “no solo por su teatro antiguo, sino también por su posición geográfica, la energía especial que desprende y sus rasgos peculiares que han favorecido la construcción de su teatro emblemático durante la antigüedad. Vamos a “colocar” el Liceo en la zona de Epidauro para desvincular la formación del actor del espacio cerrado y permitirle al estudiante vivir la experiencia y la dinámica del espacio abierto que tanto contribuyó al nacimiento y el desarrollo de la tragedia. Así pues, la mayor parte del programa será diseñada para espacios abiertos, elegidos especialmente para alcanzar los objetivos de esta escuela estival. Asimismo, las representaciones en los dos teatros de Epidauro y el plan de estudios se complementarán mutuamente, enriqueciendo la experiencia final de los estudiantes. Con dos palabras, el Liceo de Epidauro será una institución educativa estrechamente ligada a su ubicación y eso hará que la experiencia de la participación en ella sea realmente única.”

En el campamento que se construirá (en una zona forestal de 20 acres donada por el Miunicipio de Epidauro) se alojarán los estudiantes de la escuela durante 15 días. En 2017 habrá dos ciclos de formación, cada uno de los cuales durará 15 días (22 de junio-6 de julio y 10-24 de julio) y en cada ciclo podrán participar hasta 150 estudiantes. De cara a la próxima temporada, primer año de la puesta en marcha del proyecto, los estudiantes serán actores jóvenes y estudiantes de las mejores Escuelas Dramáticas de Grecia y del extranjero, elegidos por sus escuelas con las que el Festival ya se ha puesto en contacto. La cooperación con escuelas y universidades de prestigio, aparte de mejorar el nivel

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de los estudiantes, contribuirá a la promoción de los intercambios internacionales y la investigación. La idea es que en los próximos años sean también invitados jóvenes directores, escenógrafos, teatrólogos, músicos, productores y representantes de otras especialidades teatrales.

Los talleres del Liceo se llevarán a cabo en espacios especialmente designados en el campamento. Además, se celebrarán, aunque de forma moderada, sesiones al lado de monumentos y dentro de los pinares y los matorrales (en la zona arqueológica más amplia), pero también en el teatro pequeño de Epidauro.

Los talleres los repartirán artistas destacados, tanto griegos como extranjeros, que tienen un punto de vista personal en materia de la interpretación de la tragedia. La cooperación con las autoridades internacionales cuyo nombre es sinónimo de la investigación del teatro antiguo, ayudará a los estudiantes del Liceo a obtener una visión más amplia de la experimentación internacional, a través de prácticas y presentaciones, debates, homenajes, etc. Otro de los objetivos es organizar extensos homenajes a las escenas tradicionales de Oriente, de países como la China, la India o Japón, con tal de fortalecer en la medida de lo posible, el enfoque intercultural al antiguo drama.

Según el director artístico del Festival, a partir del 2017, las tragedias y comedias que se estrenen en Epidauro tendrán una temática común, y serán seleccionadas en función del contenido de los talleres del Liceo. En 2017 la temática será “la llegada del extranjero”, un tema asociado con los actuales dilemas que plantea de nuevo el debate sobre la recepción del teatro político de la antigüedad en la actual situación de un mundo efervescente. El concepto del extranjero podría fomentar el diálogo entre la tragedia griega y el presente, no solo a través de los textos de la antigüedad y sus representaciones en el teatro antiguo, sino también por medio del material de los participantes internacionales “extranjeros” en el Liceo.

Y concluye Theodorópulos: “en este momento histórico, tanto la comunidad artística como la sociedad en general se han dado cuenta de que tienen que unir fuerzas y emprender un camino común, redefiniendo la necesidad de la cultura antigua. Creemos que este encuentro internacional de artistas jóvenes fomentará la educación, la solidaridad, el intercambio de ideas y la democracia y brindará una perspectiva más optimista a las generaciones venideras, beneficiando no solo nuestro teatro sino nuestro país en su conjunto.

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Las Lejanías

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Carlos Be

¿Quién sostiene la cultura?

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yer hablaba con un director de Madrid sobre las ventajas de la privatización en un país cuyo estado representa la máxima expresión de lo ridículo. Todos sabemos que se trata de un tema complejo, principalmente porque cualquiera de sus resoluciones perjudica a unas partes de los implicados o a otras.

Desde mi ignorancia siempre me he preguntado qué implicaría que el acceso a los teatros públicos fuera gratuito para los ciudadanos de a pie, y ya me veo a los expertos sabidos y también a los resabidos expertos instruyéndome sobre la imposibilidad de la propuesta en un país cuya partida armamentística –perdón, a defensa (¡qué digo perdón, que se vayan a la mierda!)– prefiero desconocer, aunque esté mintiéndoos, por desgracia ahí están las cifras públicas que, incluso siendo públicas, asustan.

Es un fin de semana granado de encuentros interesantes. En el restaurante gallego de la plaza Lavapiés, que nadie sabe cómo se llama pero se llama Portomarín, me despido de Arley Ospina, amigo, maestro, director y gran dramaturgo –grande ya en vida, como demuestra su trayectoria dramática premiada sobre el papel y polémica sobre la escena–. Regresa a Bogotá tras un viaje subvencionada por Iberescena, esa organización rara avis que resiste año tras año como un oasis en el desierto a la inclemencias de las políticas de tantos países y que, nadie sabe porqué, será algún tipo de milagro, sigue evolucionando y superándose en sus convocatorias año tras año. ¿Será por el trabajo inenarrable de sus miembros, será que aún existe gente con principios?

Los principios en el siglo XXI, qué paradoja. ¿Para qué sirven los principios al final de una era? El futuro es desesperanzador. Vivimos repentinos vahídos de motivación pero enseguida se enfrían y a pesar de ello nos aferramos a la memoria de ese calor efímero para creer que volamos como los pájaros cuando no somos más que globos a la deriva arrojados desde un barranco.

La sala Cuarta Pared desde su programa ETC se plantea sobre el futuro, ya no sólo del teatro sino de todo aquello que cabe en su interior, es decir, el mundo. Este Espacio de Teatro Contemporáneo, de ahí sus siglas, se define como “un ámbito de investigación y desarrollo de nuevos lenguajes escénicos que, en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid y Ministerio de Cultura, facilita a los profesionales de las artes escénicas realizar las búsquedas que no son posibles en las producciones habituales”. Con Javier G. Yagüe como director y Borja Ortiz de Gondra como asesor artístico, esta iniciativa que también lleva varios años en marcha y, como Iberescena,

se preocupa por mejorar convocatoria tras convocatoria, posibilita a autores, directores y actores que no tienen porqué conocerse de nada el trabajar juntos y mostrar lo que saben hacer en una presentación más o menos conclusa de los montajes.

En su última edición que ocupa este otoño tengo la fortuna de participar como autor junto a plumas tan particulares como la de Sergio Martínez Vila, Premio Borne 2015 por “La obediencia de la mujer del pastor”, y María Velasco. Cada uno de los autores trabajamos codo con codo con un director con el cual se urdirá una propuesta que se presentará en el festival Essencia que llegará a la Cuarta Pared a mediados de diciembre. En el caso de Martínez Vila, se une a Juan Ollero para llevar a cabo un proyecto titulado “En la ley” con la colaboración de los actores Ángela Boix, Begoña Caparrós, Fabián Gómez, Carmen Mayordomo y Carlos Troya. “Robotbunrraku” es el título de la propuesta de Velasco y Alejandra Prieto, que contará con Andrea Jiménez, Marina Herranz, Ivana Heredia y Noemí Rodríguez en el escenario. Un servidor colabora con Juan Ceacero para levantar “The Final Comedy” con Fabia Castro, Fernando Delgado, Helena Lanza y Pedro Ángel Roca. Todos estos trabajos pivotan sobre un eje central: nuestro futuro.

Si os detenéis a contar, la Cuarta Pared, además de involucrarse totalmente en el desarrollo y buen hacer de estos montajes, está empleando e impulsando a diecinueve profesionales de las artes escénicas a ejercer su libertad de contar lo que les permita su arte y su talento en un escenario, algo cercano al sueño de cualquier apasionado que recorra estos áridos lares, de ahí que antes hablara de fortuna, aunque más bien de lo que se trata es de un esfuerzo titánico por parte de los trabajadores de la Cuarta Pared, que sudan literalmente por que estos espectáculos vean la luz año tras año, apostando por las nuevas voces y el trabajo en equipo en un panorama desolador que lanza minúsculos destellos de luz desde la calle Ercilla en el barrio madrileño de Arganzuela.

Existen muchas otras iniciativas similares, pero siguen siendo una minoría si comparamos otras políticas culturales –dos palabras que al juntarlas nos da la risa en España, como tocino y velocidad, vamos– tan cercanas, apenas separadas por unos cientos de kilómetros, y tan... omitidas, sería la palabra.

Otro tema es quién sostiene la cultura en un país donde la cultura no se sostiene sola. Madre mía, suerte –otra fortuna– que el teatro no entienda de fronteras y podamos viajar para saciar la sed en otros escenarios antes de volver a la yerma España. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre Víctor Criado

Noticias desde los fiordos

Falla ur tiden

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u hijo murió dos días después de que él diera una rueda de prensa en la que instaba al gobierno israelí a aceptar un alto el fuego en la guerra entre Líbano e Israel. Murió ese hijo sin más futuro que los veinte años, en el interior del tanque alcanzado por un misil lanzado por Hizbolá.

No puedo imaginar el dolor y desolación que sufrió su familia (madre, dos hermanos pequeños y el padre), pero sí he podido leer el resultado de la indagación en ese vacío infinito, en esa ausencia. Lo he podido hacer porque Suzanne Osten ha puesto en escena un ritual teatral basado en el libro que David Grossman escribió para tratar de comprender y dar forma al dolor que sintió, que todavía sienten (porque eso es algo que a pesar de los diez años transcurridos no cesa).

Si he llamado al espectáculo ritual es porque la intención de Suzanne Osten cuando concibió el espectáculo era esa, que el público asistiese a un ritual, a un viaje a través del dolor, la pérdida, la locura, la tristeza, la desesperanza (podría seguir, hay numerosas palabras que tratan de describir ese hueco en el alma, ese encogimiento de las entrañas sin remedio).

Una apuesta teatral arriesgada, sin concesiones. Utilizando la voz, hablada y cantada, como instrumento. Asesorados por una componente del Roy Hart, Suzanne les pide a los actores que se desnuden, que se rompan el alma en un escenario gris oscuro lleno de arena gris oscura también. Todo es oscuro, todo pesa. Esa es la apuesta de la directora. Buscar que el público comparta ese dolor.

La música es quizás el único elemento que navega a contracorriente en esta puesta en escena para el Dramaten, la primera que dirige esta directora para este emblemático teatro nacional sueco.

Hay un momento, al final del espectáculo lleno de magia. Después de haber asistido a dos horas y media de este ritual sobre el dolor de la pérdida, atravesados por una sensación de angustia que se va cerrando sobre sí misma, una especie de esclusa se abre lentamente detrás del escenario donde se desarrolla la acción, y la luz de la vida normal de una calle en Stockholm entra pausadamente pero con determinación en la sala, aliviando la presión, ofreciendo un final a esa espiral de angustia sin fin. Los actores dibujan un sendero en esa arena gris y por ahí salimos, invitados, los espectadores. Sin aplausos, tras ser levemente humedecidos por agua emitida desde un aspersor que los técnicos del teatro esparcen con amabilidad sobre los espectadores. Para mí ese es el mejor momento del espectáculo, donde Suzanne condensa su capacidad para crear teatro de ese que no se olvida.

Las críticas de la prensa son unánimes. Un trabajo descomunal, descarnado, teatro en estado puro… No continúo, los periódicos están ahí, a golpe de click.

El público de referencia durante la producción del espectáculo lo componen miembros de familias que han pasado por similar trance que el autor: la pérdida. Una de ellas es una compañera de Unga Klara. El tsunami del 2004 en Thailandia le arrebató a su marido y los dos hijos que tenía. Siempre me he preguntado cómo es capaz esa mujer con ojos de cristal azul de (por que de verdad lo hace sinceramente) sonreír.

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Muchos de los miembros de ese grupo de referencia desistieron en algunas de las sesiones de ensayos, cuando los recuerdos con su carga afectiva se hacían insoportables.

En el coctel posterior al estreno hablan el director artístico del Dramaten, el autor del texto, que ha viajado con su mujer para asistir al evento, y Suzanne. Conmoción en algunos rostros.

Conozco a varios de los actores, con los que he trabajado antes.

Otros forman parte del elenco estable del Dramaten. Interesante dialéctica, reflexiono, entre dos modos de acercarse a la profesión; entre el vértigo creativo del freelance y el actor de elenco “fijo”, entre la constante y siempre imprevisible inseguridad y esa dulce, peligrosa monotonía que te lleva sin sobresalto de una producción a otra. Tema para otro artículo.

Noto que pesan los ojos y los cuerpos de los actores. No ha sido sencillo, y lo corroboran algunos comentarios. Lo entiendo, han sido tres meses dando vueltas alrededor de este descarnado texto, donde el tiempo se detiene para siempre el día de la explosión, donde las palabras cortan la boca como cuchillas de afeitar y la sangre se derrama, donde un padre gira y gira arrastrando sus pies en la arena gris oscura, donde… ¿para qué seguir?

El texto es hermoso. A pesar de mi dificultad con el sueco puedo atisbar su belleza. Lo corroboran a la salida algunos conocidos.

Vuelvo a ser testigo del valor de la apuesta, del riesgo nuevamente en la elección de la directora Suzanne Osten, de la ausencia de red. Soy testigo de la calidad de todo el equipo artístico, comenzando por esos exhaustos actores y terminando por el diseñador de ese espacio gris cuarzo: entrega, calidad, compromiso, valor, honestidad. Algunos espectadores necesitan sujetarse los puños, para que no se vean sus pañuelos de papel humedecidos. Los hay que abrazan efusivamente a los actores, en una comunión de esas que solo el teatro puede ofrecer. Personas realmente conmovidas, casi perturbadas por lo que han visto, oído y, en ultima instancia, sentido. Yo observo, y pienso.

Muchas cosas suceden en la escena, en el movimiento y texto de los actores, en su voz cantada, en ese esfuerzo por describir el dolor que todos los que han perdido un ser querido comparten.

Soy testigo de esa quietud insoportable, intentando frenar el paso del tiempo para, en otro esfuerzo aún más vano, tratar de darle la vuelta a lo inevitable.

Palabras hay muchas para describir esa ausencia, pero es inútil tratar de abarcarlo con la razón.

Ha pasado un mes desde su estreno, las imágenes han madurado y no puedo dejar de respetar y admirar el valor, la calidad teatral de todo lo que hace Suzanne. Su insaciable necesidad de probar, de ir más allá. Arriesgar sabiendo que puede jugar con las cartas marcadas, que sabe los trucos del oficio, pero que una y otra vez los desafía. Y con ellos el mundo que le rodea.

Quizás desde algún lugar de la memoria la víctima, las víctimas, todas las víctimas, aplauden.

PD: Falla ur tiden en su traducción literal significa “caído del tiempo”.

noviembre diciembre

Cronicón de Villán... y corte

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Javier Villán

Nuria Espert emperatriz de Asturias

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l discurso de Nuria Espert al recibir el Premio Príncesa de Asturias ha producido un terremoto de opiniones encontradas, en su mayor parte favorables a la actriz. Desde quienes con evidente mala educación y mala fe la acusan de lacaya de la Monarquía a quienes exaltan su firmeza en la defensa de una España pluricultural. Mi entusiasmo monárquico es perfectamente cuantificable. Me declaro republicano. Reyes, los de la baraja. Pero si tienen que existir, como hoy por hoy parece incuestionable en España, que sean justos y benéficos. Prefiero un Rey benéfico a un presidente de República felón y escasamente respetuoso con los derechos no adquiridos, sino conquistados del pueblo. Metidos ya en la realeza, vayamos a los emperadores; por todo lo alto. Nuria Espert, reina de Asturias y Emperatriz de las Españas. Las Españas es un concepto histórico que a mí me gusta más que el monolítico de España.

Prescindo pues del contexto, perfectamente legitimado culturalmente y cuestionado políticamente por otros, para centrarme en el discurso de Nuria Espert. Un discurso en el que dijo, o representó si quieren, Doña Rosita la soltera en una catalán fluido, hasta hacer un repaso de los males de España y sus posibles soluciones en el perfecto castellano de toda su vida. La educación, la cultura como pilares de una sociedad libre. Su pensamiento me ha recordado en cierta medida al de un heterodoxo del XIX, que hubo de exiliarse en Inglaterra, Blanco White y que en aquellos l tiempos absolutistas del rey felón, Fernando VII, declaró: “los males de España no son las corridas de toros, sino religión y mal gobierno”. Pues en esas estamos todavía, aproximadamente dos siglos después.

Lo que acredita el protagonismo de Nuria Espert, es un modelo de actriz insólito y necesario: una intérprete de muchos registros, extraordinaria en todos –quizá un poco menos en la comedia– humanista, culta e implicada con auténtico compromiso en la sociedad que le ha tocado vivir. Ese modelo de actriz parte, acaso, de la figura de Margarita Xirgu; no se le adivina línea sucesoria en el fecundo plantel de actrices españolas, que son muchas y de indudable juventud, calidad y belleza. España es país de actrices.

Tanto, que el Café de Gijón y un grupo enamorado de todas las actrices españolas, de todas sin excepción, hemos recuperado el Premio Mihura a la Mejor Actriz del Año.

Margarita Xirgu, actriz fetiche de Federico, halló sucesión, en cuanto a imagen universal y política, en Maria Casares, hija de Casa-

res Quiroga, el último presidente de la II República, derrocada por el fascismo del 18 de Julio. María Casares fue actriz fetiche y compañera sentimental de Albert Camus, premio Nóbel, el hombre rebelde que acabó aboliendo la autoridad de Jean Paul Sartre, favorito de mi generación cuando el fratricidio de los dos intelectuales más prestigiosas contra el fascismo. Hace poco le dediqué a Nuria Espert cuatro sonetos que reproduzco: Versos de Arte Mayor para Nuria Espert TEJEDORA de sueños, hilandera/del copo, de la flor y de la llama./La que enhebra la aguja y se proclama/diosa de la farándula y santera. / De Eurípides la voz; santa y ramera/ dulcísima en silencio ríe y clama; / en papeles de fámula o gran dama/ a la que el astro sol arde y venera./ La que al verso somete, la que amansa/ tempestad de palabras en espumas./ La que nunca flaquea ni se cansa/volando entre las nieves o las brumas./ Sacerdotisa, en vez de restar sumas./Y en ti el sueño se mece y se remansa.

LORCA te da limones de sol frio./ Yerma, estéril de macho y primaveras,/ sequedad de rastrojos, polvo y eras./ Adela y su tristeza de rocío,/ Bernarda hiena, hierro y enlutada./ Sangre y boda de pana y de cuchillos,/ los cascos del caballo sacan brillos/ a la luna y la noche alborotada./ Relincha el garañón, Pepe el Romano/ busca un virgen desnudo en la ventana./ La luna se desangra vena a vena/ de estaño derretido por tu mano./ Mientras la almohada humedecida y vana/ huele a azahar, romero y hierbabuena.

SARTRE pone en tu boca la emoción/ de puta santa. Brecht y el ángel bueno/ de Swam, te mira dúplice y de pleno/ Hamlet te da venenos sin perdón. /Genet es tu criada y te venera. /Lope te esconde tu alma en el almario. /Y conserva tu amor en un sagrario./Miller te besa y libra de la hoguera./Lope es tu amante infiel y libertino, / mientras Victor García, temerario, /te hace subir del Gólgota al calvario./ Victor sufriente y cruel, el genuino./ ¿De quién eres vestal y relicario?/¿Cuál es tu soplo, cuál tu don divino?

Estrambote múltiple y desorganizado. ¿Eres sacerdotisa o eres diosa? / Eres la religión o su oficiante? / Eres mujer o esa suprema cosa/ que se llama teatro, susurrante. / Altar y sacrificio y camerino./ Lugar sagrado del sueño y el milagro./ ¿De dónde vienes, Shakespeare o Cervantes? Cuál es tu origen, Lorca o Siglo de Oro?¿ Cuál es tu fin o ¿quién te miró errante / desnudarte del pie, velando tu cintura?/ de cortesana dulce, pura, orante. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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16 noviembre diciembre Teoría Teatral La editorial mexicana Paso de Gato ha publicado ‘Fundamentos del diseño escenográfico’ de Arturo Nava Astudillo, escenógrafo iluminador y arquitecto teatral autor a su vez de ‘Iluminación escénica: procedimientos del diseño’ y publicado también por Paso de Gato. Este libro es resultado de un largo quehacer en el diseño escenográfico y una meticulosa investigación que ofrece al lector una completa sistematización sobre el tema desde lo escénico y lo teatral. Para ello, Nava combina aspectos teóricos, estéticos y técnicos que hacen del diseño escenográfico un ámbito que requiere aptitudes que, si bien tienen que ver con la creatividad y sensibilidad artísticas, éstas han de ir acompañadas de destrezas y habilidades técnicas, a la vez que de un conocimiento de aspectos sólidos de la historia del arte en general y del arte teatral en particular. Para exponer todo esto, el volumen se presenta acompañado de cuidadas imágenes a color.

Teoría Teatral Bajo el título ‘En la senda de Stanislavski’ la editorial Fundamentos ha publicado “una selección del extenso legado literario de Nemiróvich-Dánchenko, desde episodios de la creación y los primeros montajes del Teatro del Arte hasta material documental de las puestas en escena que hizo en solitario, pasando por reflexiones sobre el teatro de Gorki, la adaptación a la sociedad nacida de la Revolución de Octubre o el arte del actor”. Nemiróvich-Dánchenko fue un escritor, director de escena y pedagogo de gran importancia en el teatro ruso además de dramaturgo de prestigio en la última década del siglo XIX. Entre otras dirigió la sección teatral de la Sociedad Filarmónica de Moscú, formando a actores como Meyerhold y Olga Knípper. Es conocida la entrevista de doce horas que mantuvo con Konstantin Stanislavski en 1897 y que dio origen al Teatro del Arte de Moscú, posiblemente la compañía que más ha influido en el teatro del siglo XX

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‘Hongaresa. 20 años en las fronteras magníficas del vino’ repasa la trayectoria de las dos décadas de existencia de la valenciana Companyia Hongaresa de Teatre. Josep Lluís Sirera se ha encargado de la edición de este volumen publicado por Episkenion en la que también cinco obras inéditas de la compañía creada por Lola López, Llüisa Cunillé y Paco Zarzoso.

Pablo Población, Elisa López Barberá y Mónica González son los autores de ‘El mundo de la escena’ volumen que se presenta con un clarificador subtítulo: ‘Psicodrama en el espacio y el tiempo’.

Publicado por Biblioteca de Psicología, en este libro sus tres autores penetran en lo más recóndito de las escenas para llegar a la posible catarsis del juego terapéutico.

Con ‘El ritual y la ceremonia en la práctica dramática del Teatro del Absurdo en España’ su autora, Joanna Mankowska, profundizada en éste y lo considera como una corriente destacada en el teatro español de posguerra, tanto por su estética como por su riqueza de formas.

Este trabajo ha sido publicado por la editorial polaca Wydawnictwo Swps.

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Biblos ha publicado ‘Cuerpos significantes’ en el que su autora, Silvia Citro, reflexiona sobre las paradojas que provocan la percepción y la reflexión sobre nuestras corporalidades. Para ello parte del diálogo entre la filosofía, el psicoanálisis y los encuentros de una antropóloga y bailarina con mujeres y hombres tobas del noreste argentino.

Danza

Tras el extenso título ‘¿Por qué bailamos? Papelería sobre la Danza (y el Ballet) Volumen III. Entrevistas Primera Parte’ Editorial Cumbres recopila una treintena de entrevistas del crítico de danza y ballet Roger Salas con artistas como Alicia Alonso, Pina Bausch, Maurice Béjart, Merce Cunningham, Jan Fabre, Antonio Gades o Yuri Grigorovich entre otros.

Danza

‘Bailando un tesoro’ es una publicación del Ballet Nacional de España escrito por Azucena Huidobro con ilustraciones de Mercedes Palacios. El presente volumen tiene como objetivo acercar a los más pequeños, y de manera atractiva a la Danza Española y también descubrir el Ballet Nacional de España como “guardián del patrimonio dancístico”.

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El dramaturgo David Llorente parte de un cuento clásico entre los clásicos para crear ‘Roja Caperucita’, obra con la que propone algunas preguntas como: “¿Por qué un cuento para niños contiene una dosis tan grande de crueldad y descuartizamiento? o ¿por qué Caperucita no teme al Lobo?” cuestiones todas ellas a aclarar en esta pieza publicada por Antígona.

Texto Teatral

Ernesto Caballero ha partido del texto ‘Trato de Argel’ de Cervantes para crear ‘Tratos’ obra desarrollada a partir de testimonios reales de migrantes irregulares para refljar una nueva realidad, la del confinamiento y deslocalización que tiene lugar en los centros de internamiento para extranjeros. Obra producida por el CDN y publicada por el INAEM.

Texto Teatral

Bajo el sugerente título ‘Voces bajo el nivel del mar’ la editorial mexicana Teatro La Capilla ha publicado cuatro obras de otros tantos autores holandeses contemporáneos. Las piezas que incluye este volumen son: ‘Freetown’ de Rob de Graaf, ‘Falsedad’ de Lot Vekemans, ‘Texel/Texas’ de Jibbe Willems y ‘Hambre vieja’ de Peer Wittenbols.

Texto Teatral Artezblai ha publicado en tres volúmenes, ocho obras del dramaturgo, poeta, actor y director de escena Isaac Cuende (Santander, 1930-2015). El primer volumen incluye las obras ‘Brigada 88’, ‘La rastra’ y ‘Dime cómo te mato’ en las que el autor habla de la violencia “emparentada con un concepto de justicia que hoy creemos desechado pero que late todavía con fuera como fantasma. El sometimiento absoluto como forma de castigo” en palabras de Carlos Fernández López encargada de su prólogo. El segundo volumen recoge las obras ‘Maquis’ y ‘Pensión Conchita’ piezas con registros estilísticos dispares en las que “utiliza anacronismos para evidenciar la maldad sin fin o la estulticia intemporal” tal y como destaca en el prólogo Isidro Cicero. En el tercer volumen encontramos una “trilogía conceptual característica del autor” según Francisco Valcarce, prologuista del mismo. Las piezas son: ‘La sucursal’, ‘Casquería fina’ y ‘La fuga’.

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Ediciones Invasoras ha publicado ‘Llega la noche’ con la que Miguel Ángel Mañas “se hunde en la poética de la desaparición como metáfora de una muerte silenciosa que ahoga el interior de los personajes, y en consecuencia cualquier posibilidad de comunicación” sumergiendo al lector “en una atmósfera onírica e inquietante de otredad y extrañeza”.

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‘Progresión’ es “un camino hacia adelante intentando no mirar atrás. El primer obstáculo en esa ruta es la dicotomía Memoria/Olvido” y ‘El incorrecto’ es una pieza “carente de hilo narrativo o argumental e inspirada en la expiación de un pasado sentimental no consumado”.

Ambas obras son de Carlos Herrera Carmona y publicadas por Círculo Rojo.

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El escritor, periodista y político húngaro Géza Szócs acerca al lector a los hechos acaecidos durante la Revolución de Hungría de 1956 con ‘Liberté 1956’. En esta obra publicada por la Asociación de Directores de Escena el autor ofrece un collage multicolor con el objetivo de dar a conocer mejor el hito histórico más famoso de la reciente historia de Hungría.

Texto Teatral Tras publicar una recopilación de obras bajo el título ‘Juan Mayorga.

Teatro 1999-2014’, la editorial La Uña Rota se ha encargado de hacernos llegar los textos ‘Reikiavik’, ‘Elipses’ y recientemente ‘Famélica’ obra que presentan como “una mordaz crítica satírica contra el capitalismo y las comedias que ejercemos a diario en la sociedad actual”. Acompaña a la obra un ensayo de Reyes Mate quien afirma que a Mayorga le vino la idea de escribir esta obra “al observar la salida del trabajo de una gran empresa. Los empleados salían despavoridos, como huyendo de una maldición.

Dedujo que no eran felices en sus puestos de trabajo y se preguntó qué pasaría si lo fueran, si el trabajador dedicara su tiempo a cultivar la pasión más oculta”. A esta explicación Mate añade que el teatro de Mayorga es político “y lo es ya que todo teatro, el suyo también, se hace en asamblea, su autoría es colectiva y porque es el arte de la crítica y de la utopía”.

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16 noviembre diciembre XVII Salón Internacional del Libro Teatral

El libro teatral se cita otro año en el Matadero madrileño on la presencia de más de cuarenta expositores se convierte en C la gran cita anual entre el mundo de la autoría y la edición teatral

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on el fin de dar difusión tanto a los textos dramáticos como a otras publicaciones relacionadas con las Artes Escénicas, la Asociación de Autores de Teatro organiza el Salón Internacional del Libro Teatral, que esté año tendrá lugar del 3 al 5 de noviembre y que de nuevo volverá a ubicarse por cuarto año consecutivo en la Nave 16 de MATADEROMADRID (cuarta institución cultural más valorada entre los profesionales del sector, tras el Museo del Prado, el Reina Sofía y el Teatro Real, según la encuesta anual del Observatorio de la Cultura). Y en esta nueva edición, cuenta con la presencia de expositores de diversos países, entre los que habrá editoriales, librerías, asociaciones, centros de documentación y entidades culturales, así como representantes de los principales portales relacionados con la autoría y la edición teatral.

Paralelamente a la actividad comer-ial propiamente dicha, en el Salón se programan, entre otros eventos: •lecturas dramatizadas a cargo de prestigiosos actores y directores, en colaboración con las escuelas de arte dramático; •jornada de apertura a centros educativos con representaciones y lecturas dramatizadas de textos escritos por autores

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40 expositores (editoriales, librerías, asociaciones, centros de documentación, entidades culturales, universidades…) y más de cien colaboradores entre autores, actores, directores, críticos, investigadores, traductores, etc.; y una asistencia aproximada, durante los tres días de dura el certamen, de unos 5.000 visitantes aproximadamente. españoles para tal fin.

•Encuentro de autores con traductores para la difusión internacional del teatro español. Una actividad que iniciamos hace 4 años, en colaboración con la Fundación SGAE, en la que contaremos con traductores de Alemania, Francia, Hungría e Italia.

•mesas redondas y de debate con editores, críticos y reconocidos autores españoles y de otras nacionalidades en torno a temas clave del sector, •Teatro exprés: Un concurso de escritura rápida que premia y estrena en el Salón elmejor texto de teatro breve escrito in situ; •Acto de entrega del premio del Certamen Jesús Campos para textos Teatrales de la AAT •Premio a la mejor Labor Editorial, que cada año concede la AAT en reconocimiento a una trayectoria.

Otras presentaciones

Una de las actividades más concurridas en el Salón es la presentación de las novedades editoriales, y en este mes de noviembre se celebrarán otras presentaciones como es la del texto de Sergio Blanco, La ira de Narciso, editado por la editorial Artezblai, que tendrá lugar el día 2 de noviembre en la Casa de América con la participación del autor junto al prologuista del mismo, José-Luis García Barrientos y el epiloguista, Abel González Melo y el director de la editorial Carlos Gil Zamora.

El 22 de noviembre tendrá lugar en el Teatro de la Abadía la presentación de la traducción al español del libro “Grotowski y compañía” escrito por Ludvik Flatzen editado por El Baldío con la presencia del autor, José Luis Gómez y Jaroslaw Fret.

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Congreso sobre Cervantes y la comedia española en Toledo

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el 9 al 12 de noviembre tendrá lugar en Toledo un congreso extraordinario de la AITENSO titulado El teatro de Cervantes y el nacimiento de la comedia española y organizado en conjunto por la Asociación Internacional de Teatro Español y Novohispano de los Siglos de Oro (AITENSO), el Instituto Almagro de teatro clásico de la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) y el Patronato Municipal del Teatro de Rojas. En el Convento de San Pedro Mártir de Toledo, sede de la Facultad de Ciencias Jurídicas y Sociales de la Universidad de Castila-La Mancha, se desarrollará la mayor parte de la programación a excepción de las sesiones matinales del sábado 12 de noviembre, que se celebrarán en el Teatro de Rojas.

El Congreso contará con cuatro ponencias plenarias, una mesa redonda sobre ‘Cervantes en la escena actual’ y presen-

taciones de proyectos y publicaciones especializadas. Las plenarias correrán a cargo de José Manuel Lucía Megías de la Universidad Complutense de Madrid, de Luis Gómez Canseco de la Universidad de Huelva, de Aurelio González del Colegio de México y de Javier Huerta Calvo, también de la Universidad Complutense de Madrid. Es-

tas actividades académicas se completarán con la asistencia a representaciones teatrales y una visita guiada al Teatro de Rojas. Morfeo Teatro representará El Retablo de las Maravillas el 10 de noviembre. La pieza, estrenada el 30 de enero de este mismo año, es la adaptación de la obra escrita por Miguel de Cervantes hace cuatro siglos, una divertida sátira sobre la hipocresía de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente y emotivo final. Por otro lado, el 11 de noviembre está previsto un concierto de Música y danza en tiempos de Cervantes.

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16 noviembre diciembre VI Mercartes - Mercado de las Artes Escénicas - Valladolid

La internacionalización como apuesta na programación de espectáculos en diversos espacios de la U ciudad, una de las novedades de la sexta edición de Mercartes

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l recinto de la Feria de Valladolid acoge una nueva edición de Mercartes, la feria bienal de las artes escénicas que organiza FAETEDA –Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza-, La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública y la AAT –Asociación de Autores de Teatro– y que tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de noviembre.

Este encuentro está dirigido a todos los profesionales de las artes escénicas desde creadores y compañías, hasta empresas de producción y distribución pasando por programadores y gestores de festivales y espacios escénicos así como de empresas de servicios y equipamiento técnico e instituciones públicas. En definitiva es un mercado sin exhibición dirigido a todo el sector de las artes escénicas con los stands expositores como punto de encuentro y diversas actividades programadas para dinamizar los contactos y la compra-venta como los itinerarios para programadores, 56

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un foro de los negocios, presentaciones o una sesión informativa sobre mercados internacionales.

Tres grandes novedades

Tras casi doce años de trabajo y cinco ediciones, Mercartes 2016 se presenta con tres grandes novedades: su apuesta por la internacionalización, la ampliación de empresas de servicio y la vinculación con la ciudad de Valladolid.

La principal apuesta de esta sexta edición de Mercartes es la proyección internacional y para ello contará con la presencia de agentes escénicos, empresas de producción e instituciones invitadas llegadas de Argentina, Colombia, México, Costa Rica, Francia, Portugal e Inglaterra con tres claros objetivos: impulsar las coproducciones, vender derechos de autor españoles en el extranjero e impulsar la compra de proyectos españoles.

Otra de las apuestas de este año es la

ampliación de empresas de servicios y tras un estudio de mercado sobre los proveedores habituales implicados en la cadena de valor de las artes escénicas tales como transportes logísticos, atrezzo, vestuario, equipamientos técnicos, asesorías fiscales, estudios fotográficos etc. Mercartes ha llegado a un acuerdo con AFIAL, patronal española de servicios y equipamientos técnicos con el fin de fomentar la integración en el sector.

La vinculación con la ciudad es otra de las apuestas de este año ya que además de la proyección de Valladolid, Mercartes tiene una parte fuera del recinto ferial en forma de programación cultural y teatral dirigida tanto al público de la ciudad como a los programadores participantes y que tendrá lugar en los tres principales espacios escénicos de la ciudad.

En el Teatro Zorrilla la compañía Teatro Corsario pondrá en escena del 9 al 13 Teresa, Miserere Gozoso, obra escrita y dirigida por Luis Miguel García sobre la figura de

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©Henar Sastre

Teresa de Jesús, mujer escritora y audaz para su época que se presenta ante el público tras una terrible enfermedad que la lleva a las puertas de la muerte, de la cual regresa dando comienzo a una representación como un renacimiento.

La segunda de las propuestas escénicas es El cartógrafo, obra escrita y dirigida por Juan Mayorga que se estrena en el Teatro Calderón en una Producción de Avance Producciones Teatrales, García Pérez Producciones y Entrecajas Producciones Teatrales y de la que se da cumplida información en la página 13 de este número. Completa la programación Green eyed monster, una revisión de ‘Otelo’ de Shakespeare dirigido al público joven. Una propuesta del Teatro Calderón producida en el marco del programa La Nave y realizada en colaboración con Rayuela Producciones Teatrales. Las representaciones tendrán lugar los días 8 y 9 en el Teatro Concha Velasco LAVA. Además en los Centros Cívicos Bailarin Vicente Escudero, Delicias Teatro Canterac y José Luís Mosquera y del 9 al 11 se llevarán a cabo ‘Monólogos Breves’ organizados por la ESACYL y la AAT y en la Casa Museo Zorrilla se desarrollarán el día 10 ‘Diálogos con Autores, intérpretes y directores’.

II Foro Mercartes

Este año se celebra una nueva edición del Foro Mercartes, el segundo, un encuentro profesional en el que varios especialistas analizarán la situación del mercado interior y las oportunidades que pueden ofrecer algunos mercados exteriores. Tras un proceso de debate entre los participantes en esta edición se han definido cuatro ejes a tratar: la ‘Presencia de las artes escénicas en los medios de comunicación, redes sociales y sistema educativo’ con el fin de promover su visibilidad y reconocimiento social. ‘Misión, funciones y modelos de gestión de los espacios escénicos de titularidad municipal en el nuevo contexto; ‘Formación y desarrollo de públicos escénicos’ a partir del conocimiento de su hábitos e intereses y la ‘Profesionalización y desarrollo tecnológico de la gestión de las artes escénicas para optimizar los recursos disponibles y mejorar la eficacia’. w w w. a r t e z b l a i . c o m

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