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ARTEZ | 215

EDITORIAL

MARZO | ABRIL | 2017

Auditorio, convocatorias y la imposibilidad de hacer tortillas sin romper huevos

E Carlos Gil Zamora Director editorial

stamos tan acostumbrados a convivir con actos pestilentes que hemos perdido la capacidad olfativa. Si la palabra que define a los tiempos es posverdad, acercarse a alguna fuente donde mane algún relato comprensible va a resultar una tarea hercúlea. En la etapa de la burbuja inmobiliaria se construyeron centenares de teatros, casas de cultura, auditorios y otras instalaciones culturales que con el tiempo se han convertido en mamotretos, en edificios estigmatizados por su alto coste, por su infrautilización y en demasiadas ocasiones por las sospechas de corrupción.

O malversación de fondos. O prevaricaciones. O cohecho.

O todo a la vez. Lo que no se quiere reconocer, es que se hicieron sin ninguna planificación, sin ninguna ley que los amparase y los dotara de reglamento para su funcionamiento posterior. Un político murciano tiene comprometida su carrera de cuando era alcalde y se quiso lucir con un auditorio para Punta Umbría.

En este ejemplo están a la vista ¿No estamos en todos los vicios de aquella época. un momento en Si no se toman medidas con una donde lo que reina relativa urgencia, los cientos de es la confusión edificios que apenas tienen dos décadas se convertirán en vetusmás absoluta? tos sin haber alcanzado un nivel aceptable de uso. Está claro que definir un nivel aceptable es una decisión política. Se trata de afrontar parámetros de calidad, utilidad, cantidad, frecuencia y objetivos más allá que la simple exhibición. Los edificos culturales deben ser rescatados de la desidia y la rutina y puestos al servicio de la sociedad a través de los profesionales. Pero dentro de un contexto de política cultural bien definida tras un proceso de debate y puesta en común. No desistiremos, al menos en señalar su necesidad.

En el contenido de este número de ARTEZ que está mudando su maquetación, verán que varios festivales, organizaciones, grupos o compañías cumplen años redondos como nosotros con estos veinte que representan doscientas quince entregas. Ahora cada dos meses vienen las prisas, los cambios de última hora, los afectos y también los desafectos. Darse cuenta del paso del tiempo, de la constancia y la necesidad de empezar cada día como si fuéramos una reproducción pequeña de Sísifo.

Con todos nos sentimos solidarios, porque entendemos las dificultades para ir cumpliendo años e ir renovando – 4 –

las ilusiones y las ganas de seguir en la brecha pese al ambiente tan poco propicio.

Comprobando la gran cantidad de convocatorias de las que informamos en nuestros medios de comunicación, asistiendo al nerviosismo de muchos compañeros y gentes de teatro reuniendo papeles para poder entregar las instancias y peticiones a tiempo, uno se hace una reflexión apartada de la utopía: el artista dedica más tiempo a estas solicitudes y peticiones que a su proceso de formación continua y gasta más energías en estos menesteres que a una dedicación absoluta y obsesiva a la creación. Es un sistema aceptado por todos, hemos defendido siempre que debe existir la igualdad de oportunidades, pero esta proliferación de concursos, premios, ayudas, subvenciones y demás figuras de libre concurrencia nos convierte en unos neuróticos cazadores de subvenciones y reconocimientos. Ya no pensamos en aquello que se llamaba labrarse una carrera, sino que ahora es una sucesión de juegos de azar, convocatoria tras convocatoria en donde los méritos cuentan de manera relativa ya que existen muchos otros filtros que sin llegar a ser corruptos o manipulados, sí inciden en la decisión final debido a las circunstancias temporales, económicas y de composición de los jurados que hacen ver que son los que deciden.

Y sobre todo es un estado constante de estrés, de inseguridad, lo que lleva a que casi nadie piense en producir, crear, juntarse con otros artistas de manera orgánica, espontánea y por afinidad estética, sino que todo debe encajar, además, en las posibilidades

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índice

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Opinión

‘The Gabriels’

Joan Marcus

de acudir a las distintas convocatorias, en tiempo, en formato, en una suerte de acomodación al mercado de las ayudas y subvenciones. Quizás eso se note más mirando con perspectiva. ¿No se está viendo trabajos muy similares? ¿No estamos en un momento en donde lo que reina es la confusión más absoluta? Algunos la defienden hablando de diversidad, pero si profundizas no hay tanta diversidad, hay moda. Hay seguimiento. Y creo que pese a todo, cuando algo destaca, encuentra su acomodo, se hace un hueco en las programaciones. Es mi mirada optimista.

Porque la realidad es que instituciones de raigambre, como el CELCIT y su espacio de creación e investigación, La Veleta, en Almagro están pasando apuros económicos graves que les tiene colocados al borde la desaparición.

Estuve viendo en Sevilla en el Teatro Salvador Távora, el reestreno de ‘Quejío’ de La Cuadra, cuarenta y cinco años después y además de la sobrecarga emocional, la comprobación de que sigue siendo un espectáculo vigente, uno debe asistir a ese dolor de un mítico grupo que está bajo administración judicial, con la sala embargada que puede desaparecer en cualquier momento. Tras una vida dedicada al teatro el pavor de un desahucio.

Duele que la gente que ha puesto en marcha el Pavón-Kamikaze de Madrid, esté al borde del colapso económico.

Un teatro privado, con una programación de entidad, que no recibe ninguna ayuda y que su supervivencia se podría mantener con ocupaciones de más del setenta por ciento que es mucho ya que es una oferta no comercial. O el maravilloso Festival Alt de Vigo, que tras dieciséis años celebra su y última edición. Fracasos colectivos.

Por todo lo expuesto, solamente queremos celebrar la existencia de estos focos de resistencia teatral. Que son faros que cuando dejen de alumbrar estaremos todavía más en la oscuridad por lo que debemos rearmarnos desde al honestidad, la profesionalidad, la idea de unas artes escénicas al servicio de los ciudadanos de nuestro tiempo, sin demagogias, sin exclusiones, para al menos enseñarles a los políticos que tienen los presupuestos, que no se pueden hacer tortillas sin romper huevos, y que si no dedican más inversión en los sectores culturales un día será un simple recuerdo, un llanto eterno, una falta de uno de los elementos más importantes para la identificación de una sociedad o de un pueblo. Es básico proteger los bienes culturales en vivo para seguir existiendo como ciudadanía. — – 5 –

Editorial Cronicón de Villán y Corte | Javier Villán Desde la Caverna | David Ladra Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud El lado oscuro | Jaume Colomer El método griego | Maria Chatziemmanoui Las lejanías | Carlos Be Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado

Reportaje

Estrenos Festivales En gira Zona abierta Suplemento

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dFERIA 2017

Portada | Fotografía del espectáculo ‘Antes de la metralla’ de Matarile Teatro tomada por Rubén Vilanova

Número: 215 - año 21 | Marzo / Abril 2017 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

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Mi visión de ‘Los Gondra’

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Javier Villán

arlos Gil, el timonel de este barco que viene haciendo aguas hace varios siglos y tormentas pero nunca se hunde, me había pedido un trabajo para Artez sobre ‘Los Gondra’. O se lo ofrecí yo, no lo sé. Deduje que podía tratarse de una aproximación política a la cuestión vasca, una inmersión en el tema del terrorismo etarra que, desde mi punto de vista, tiene un correlato, el terrorismo de Estado, lo cual no legitima, naturalmente, las muertes, las bombas y las dianas pintadas en los frontones contra el propio hermano o la propia familia. Si Ainara la etarra me llamó la atención cuando leí ‘Los Gondra’, antes de saber qué actriz iba a encarnarla, es porque veía en ella el ángel de la muerte, un ángel vengador que disfraza de ideología soberanista la violencia estructural de sus diatribas.

Pese a sus soflamas, siempre consideré a Ainara incapaz de apretar el gatillo. Y aquí viene el primer obstáculo que Borja Ortiz de Gondra como autor debía superar: el problema de la culpa, el soporte teórico de los asesinos materiales, fácticos. Y si hay un problema de culpa, hay también un problema de perdón; lo cual forma parte de la actual sociedad vasca. Y hasta dónde llevar a Ainara, al borde de qué precipicio ponerla. Porque Ainara carece de cultura política profunda¸ al verla en escena, interpretada por María Hervás, mi visión del personaje se reafirmó; A Ainara la mueve el odio y el odio puebla sus gestos. Sus gestos son ásperos, crispados porque carecen de fundamentos teóricos y espirituales: una diana, España y el españolismo. Es una adolescente airada que necesita blindar su fragilidad interior.

Segundo problema para el autor; buscar un equilibrio imposible pues es parte del conflicto, sin entrar en razonamientos doctrinarios ni literaturas ornamentales. ‘Los Gondra’ es una obra muy bien escrita, con injertos euskéricos en los que me es imposible entrar, pero no es una obra literaria; es pura acción. Y eso requería un director como Josep María Mestres con un rotundo concepto de la dirección sin esteticismos vacuos: un gran dinamismo con injertos de tiempo congelado y enorme capacidad de riesgo para buscar una plasticidad sensorial y orgánica.

Lo cual nos lleva, inevitablemente a una idea de interpretación realista pero sin llegar al naturalismo. El magnífico elenco de hombres y mujeres que – 6 –

Alvaro Ledesma

ha manejado en ‘Los Gondra’ procede de distintas escuelas, distintos estilos y distintos temperamentos actorales. Sonsoles Benedicto, Pepa Pedroche han sido siempre estampas de mi altar teatral con lamparilla encendida; Sonsoles en todos los registros de actriz, de una gran modernidad instintiva.

Pedroche, ahormada en la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Cecilia Solaguren y Victoria Salvador forman ya parte de este altar a partir de ahora.

María Hervás, la poliédrica mora de ‘Confesiones a Ala’, la enigmática amnésica de ‘Teatro Solo’, sale reforzada de su interpretación de Ainara. Y de Garbiñe, la enamorada, que agarrada a un cesta rota, evoca todas sus soledades, la ausencia del amado y los fundamentos de su tristeza. Es la antítesis de la belicosa y feroz Ainara. Y ese cambio de registro, conociendo el texto de la obra era el enigma de María Hervás. Enigma resuelto con flexibilidad de gran actriz. Tenía más dudas sobre el reparto de actores y ahí me llevé, con todos ellos en especial con Marcial Álvarez por la dificultad d sus distintos roles, la sorpresa que roza la excelencia. Juan Pastor es maestro de actores, pero quería verlo dirigido por otro. Lo vi a la perfección. Recuperar a José Tomé, tras su intenso paso por la escenografía ha sido una aventura gozosa.

Conclusión de fondo; Borja Ortiz de Gondra ha reflejado la funesta manía de los españoles, y por lo tanto de los vascos, de matarse unos a otros cada 30 años más o menos.

En estas reflexiones andaba cuando en la escalerilla, a un metro más o menos de mi butaca veo que se sienta como hace todos los días Borja Ortiz de Gondra. Es parte del movimiento escénico.

Puedo pegarte un tiro en la nunca sin que te des cuenta, pensé. Peo no era cierto. Al día siguiente me confesó que me tenía controlado desde el primer momento, pero un actor no puede delatarse. Gran actor en momentos imprevistos. Actor que en ‘Los Gondra’, hace de sí mismo que, como todo el mundo sabe es lo más difícil. Y Borja Ortiz de Gondra, actor, autor y persona, es de una conmovedora y alarmante complejidad. Lo tuve a un metro, en la quizás la mejor función de todas, y no lo ejecuté. —

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DESDE LA CAVERNA

El ‘Orlando’ de Guy Cassiers

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David Ladra

strenado en el Reino Unido en 1992 a partir de la novela ‘Orlando. Una biografía’ de Virginia Woolf (1882 - 1941), el film que llevaba dicho patronímico sorprendió a los cinéfilos occidentales por la depurada estética que le imprimió su directora, Sally Potter, la andrógina belleza de su protagonista, Tilda Swinton, y la originalidad de su tema que ponía de nuevo de relieve la envergadura artística de su autora, amortizada ya como un valor seguro en la literatura universal y pronta a ser amortajada en el panteón de las viejas glorias. Aunque Sally Potter se tomó ciertas libertades con la trama de la novela a la hora de pasarla al cine (la mayor, la de hacerla llegar hasta nuestro tiempo), su argumento seguía siendo el mismo: el de un joven aristócrata de la corte de la reina Isabel I de Inglaterra que, dada su inteligencia y atractivo, es favorecido por ésta con numerosos títulos y bienes a cambio de una sola condición: que se mantenga siempre apuesto y joven, que no envejezca.

Y así vivirá durante casi cuatrocientos años sin que ni una arruga aparezca en su frente; eso sí, su cuerpo cambiará lo imprescindible cuando, siendo embajador en Constantinopla, un día se despierte siendo mujer. Woolf, una feminista convencida y liberada desde el punto de vista sexual, va tejiendo una serie de aventuras, generalmente de carácter ambiguo, durante las cuales, valiéndose de las experiencias amatorias de Orlando, no sólo repasa con franca ironía la historia y las costumbres de su británico país sino que va trenzando como tela de fondo el porte y la figura de su amiga y amante Vita SackvilleWest, su compañera del círculo de Bloomsbury en el que se lucían las dos.

Partiendo de esta historia que, desde la aparición de la novela, se convirtió en leyenda en todo el continente, el gran director belga de origen flamenco Guy Cassiers ha dirigido a una de sus actrices más veteranas, Katelijne Damen, en el monólogo que, dentro del XXXIV Festival de Otoño a Primavera, se ha presentado del 2 al 5 de febrero en la sala Verde de los teatros del Canal. Autora también de la adaptación a la escena y profunda conocedora de la obra de Victoria Woolf, Damen no sólo nos ofrece una espléndida interpretación sino que introduce en el relato la excelencia estilística, la exquisita sensibilidad – 7 –

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y la motivación feminista de la autora. Presente en muchos de sus escritos y en ensayos como ‘Una habitación propia’ (1929) –de la que Clara Sanchis acaba de llevar a cabo unas magníficas representaciones dirigida por María Ruiz– o su continuación, ‘Tres guineas’ (1938), tal vez su novela más leída con el título de ‘Los años’, dicho feminismo no sólo se manifiesta en el terreno político y social de las mujeres de principios del pasado siglo, sino también en la postura que empiezan a adoptar en el campo de la sexualidad, como bien lo demuestra, siendo Woolf una esposa felizmente casada, su relación con Vita.

Por tanto y en lo que se refiere a la emancipación femenina, puede decirse del ‘Orlando’ que se trata de una novela con un final feliz y acorde con los sucesos de la época en cuanto el año de su publicación (1928) coincide con el de la concesión del sufragio a todas las mujeres británicas. Claro que ese objetivo no tendría por qué ser un epílogo y se podría conjeturar que, para Woolf, el cambio de sexo de su Orlando tan sólo represente, como abogan ciertas pensadoras postmodernas, un paso más en el largo camino hacia la total igualdad, es decir, la plena conjunción biológica entre los dos géneros en los que hoy se divide la humanidad.

Sin llegar a tales extremos, Guy Cassiers considera también la novela de Woolf como una muestra de que el género humano puede cambiar la historia gracias al pensamiento y la imaginación. Acostumbrado a mostrar el lado oscuro de la condición humana en obras como ‘Tríptico del poder’ (‘Mefisto para siempre’, ‘Wolfkers’, ‘Atropa’, 2006-2008) escrita con su colaborador Tom Lanoye, ‘El hombre sin atributos’ (2010-2012) sobre la novela de Robert Musil, ‘Blood&Roses’ (2011) inspirada en el proceso de Juana de Arco, o ‘Dark Heart’ (2011) a partir de ‘El corazón de las tinieblas’ de Joseph Conrad, una de sus últimas puestas en escena en 2016 ha sido la tenebrosa ‘Las benévolas’, el libro sobre las SS del norteamericano Jonathan Littell que, escrito en francés, se hizo merecedor al premio Goncourt. Estrenada en 2013, habría que considerar, por tanto, que su ‘Orlando’ ha sido una necesaria excepción en esa continuidad de horrores que ha venido constituyendo su producción hasta la fecha. Y es que hay en el personaje de Victoria Woolf una pasión por el Arte y la Naturaleza que es el verdadero motor de su transformación y que ha llegado a fascinar hasta al precavido director del Toneelhuis de Amberes. Sin embargo, contra imaginación y pensamiento lucha la realidad. Las ilusiones y esperanzas que la autora pudo tener en vida se vieron siempre contrarrestadas por su naturaleza enfermiza que la sometía en ocasiones a graves episodios de enfermedad mental causados por la muerte de sus seres queridos. —

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Un quejío teatral desde El Vacie de Sevilla Bajo la producción y dirección de TNT-Atalaya, no se consideran actrices ni artistas pero sí proclaman que en las tablas lo que importa es “la gracia y la fuerza” Paco sánchez mújica Félix Vázquez

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uando llueve, Rocío Montero Maya, con 56 años, pasa la noche en duermevela. Se levanta una y otra vez. Comprueba que el agua no ha calado el techo de chapa de su chabola. Revisa agitada que las mantas donde duermen sus siete hijos, su legión de nietos y su bisnieta de seis meses no estén mojadas. En verano, con el calor húmedo y pegajoso, las ratas salen por la noche hambrientas a engordar en un bufé libre de basura y desechos. A veces muerden a algunos de los 200 pequeños que viven en El Vacie, el poblado chabolista más grande y más antiguo de Eu-

ropa. Por la noche, casi sin luz, rebotan los reflejos de los letreros luminosos de un cercano Carrefour, en el que les tienen vedada la entrada a muchos de los habitantes de este asentamiento sevillano. Más abajo, entre fango, chatarra y planchas de pladur, está el cementerio de San Fernando. Como una brutal metáfora que cierra el enorme muro virtual que oprime a esta comunidad de etnia gitana conformada por unas 600 personas, 90 chabolas y 60 casas prefabricadas.

Parece impensable escapar de este parque temático de la miseria. Aquí cualquier posible ascensor social está

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averiado y la luz eléctrica se engancha como se puede. sus protagonistas, en su mayoría personas analfabetas 80 años de promesas se amontonan sin que hasta la fe- que aprenden sus frases machacándolas de memoria. El cha se haya erradicado este lado oscuro y marginal de texto se extrapola, entre montañas de ropa de un merla, por otra parte, colorida y luminosa Sevilla. Sin em- cadillo de gitanos, a la realidad que sufren los habitanbargo, ya hace casi diez años que el teatro sirvió de sal- tes de un poblado en los márgenes de la sociedad pero voconducto para un puñado de gitanas de El Vacie. No que deciden rebelarse contra las injusticias, los prejuisolo para escapar —aunque sea temporalmente— de ese cios y los abusos del poder. pozo de exclusión en el que residen, sino sobre todo Como explica Pepa Gamboa, que vuelve a dirigir al para visibilizar y amplificar ese grito de unos vecinos grupo de mujeres de El Vacie tras ‘La casa de Bernarda que exigen dignidad. Ni método Stanislavski, ni teatro Alba’, “Antonio Álamo ha hecho una dramaturgia muy a pie de obra. No en plan entomólogo, sin trapobre de Grotowski. La voz de estas seis bajar desde lo literal, sino desde la imaginagitanas mana de sus entrañas sin preme“Reivindicamos ción, la fantasía y las aportaciones que estas ditación. Inconsciente. Y van todas a una, el teatro propias mujeres han ido haciendo”. Ricardo en una suerte de teatro comunitario que comunitario, algo Iniesta, Premio Nacional de Teatro, añaincluso ha sido reconocido por organisque en España de: “Con esa energía y esa verdad telúrica mos internacionales y que llamó tanto la que tienen en escena, no es necesario entenatención de las autoridades europeas con apenas se conoce” der, no es una adaptación del texto basada su primera experiencia, ‘La casa de Beren la oratoria o en bustos parlantes. Reivinnarda Alba’, que incluso ahora prometen, dicamos el teatro comunitario, algo que en a través del Ayuntamiento de Sevilla, fiEspaña apenas se conoce”. nanciar el desmantelamiento definitivo ‘Fuenteovejuna’ se encuentra de gira por todo el país y de El Vacie y su realojo en viviendas sociales dignas.

En 2009, el centro de investigación teatral TNT, el es- ya ha hecho parada en el madrileño Teatro Español tras pacio que puso en marcha Ricardo Iniesta —fundador su estreno en el Central de Sevilla. En el encuentro con de la compañía Atalaya— en las cercanías de este asen- el público posterior a una de las funciones programadas tamiento marginal, trasladó el universo de la lorquiana en Madrid, sus protagonistas aprovechan, más que para Bernarda Alba al día a día de estas mujeres. El éxito de reflexionar sobre la propuesta escénica, para reivindila experiencia fue arrollador. Tanto es así que ahora Ro- car una necesidad básica: “Queremos una vivienda digna”, cío ha cambiado el bastón de la Bernarda por el del al- demanda Lole del Campo, una de las siete intérpretes. calde de ‘Fuenteovejuna’. Tras la revolución que supuso Rocío la interrumpe: “No es lo mismo estar en una chaboaquella primera incursión en las tablas, ahora el equipo la que en un apartamento; allí estoy a las siete levantada y de TNT aborda el clásico de Lope de Vega, pero dejan- aquí me levanto a las diez, duermo tranquila, aunque llame do atrás el Siglo de Oro y asumiendo el amateurismo de a mi marido tres veces al día. Pero es que allí siento que caen – 9 –

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goteras y ya estoy preparando cubos para que nadie se moje, me levanto a ver si a los niños se le han mojado las mantas… esto no lo cuento por contar, querría que un día vinieran y vieran la chabola, aquello son tablas y chapas”. “¿Quién manda más el rey o el alcalde?”, pregunta una de las vecinas de esta revisión sui generis de ‘Fuenteovejuna’. A lo que le contesta otra: “El rey gana más porque lo tiene todo pagado pero el alcalde manda más”. Entre pequeños parlamentos, escenas de vida cotidiana en el poblado, movimientos casi coreográficos y visitas del despótico Comendador, que les recuerda que el desconocimiento de la ley no impide su cumplimiento —en este caso el derecho de pernada—, las gitanas, muchas de raíces lusas, lo mismo pregonan sus productos de mercadillo que entonan Grândola, Vila Morena y un fado. Una hora de montaje que traslada la cruda realidad de estas gitanas a lo alto del escenario y del que, argumenta Gamboa, “se sienten muy orgullosas”. “Esto es muy emocionante y muy duro a la vez porque, de pronto, es como un cambio de paisaje tremendo, están en el escenario y luego vuelven a su chabola. Pero se sienten útiles y sienten que pueden transmitir en un espacio de libertad”.

“En realidad, Fuenteovejuna es la historia de un poder lejano que aparece y desaparece, y que el pueblo no entiende, pero que les putea la vida. Su relación con la sociedad normal es también así: asistencia social, policía, médicos y jueces. Poderes que no comprenden y les putean. Muchas veces pisan la cárcel porque las notificaciones judiciales no les llegan nunca”, explica David Montero, que interpreta al Comendador y es el único actor payo del elenco junto a Bea Ortega. El “payo malo”, como le llamaron en el primer día de ensayos, abunda en su experiencia ante lo que califica como “un gran reto, porque son muy espontáneas, muy naturales; ellas no son actrices profesionales con las que si pactas que deben asustarse, se asustan. Si no les

Rocío Montero Maya, Lole del Campo Díaz, Carina Ramírez Montero, Sandra Ramírez Montero, Ana Jiménez / Pilar Ramírez, Rocío Rivas Flores, Beatriz Ortega Chamorro, David Montero componen el reparto.

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da miedo, no les da, con lo cual te obligan a apretar más”. Montero, aparte del trabajo interpretativo, ha tenido que enfrentarse durante su estancia en Madrid a las miradas prejuiciosas hacia sus compañeras de reparto; a que no les dejasen entrar en una farmacia; o a que incluso una de ellas haya sido denuncia por hurto después de gastarse 150 euros en la tienda de una conocida marca textil. “Al parecer no le pasaron bien una prenda en la caja entre el montón de ropa y la alarma sonó. El vigilante de seguridad me dijo que si le hubiese pasado a él, seguro que no habrían denunciado”.

Gamboa, que es incapaz de destacar una sola de las muchas vivencias y aprendizajes que le ha proporcionado el contacto y el trabajo “sin jerarquía” con estas mujeres, puntualiza: “Ellas en ningún momento se consideran actrices, es una experiencia puntual, admiran muchísimo el trabajo artístico”. Y lo cierto, añade, es que “son las más desclasadas porque en su caso ni siquiera tienen al flamenco como patrimonio como otros gitanos andaluces. No tienen ningún elemento cultural que las defina, pero sí tienen su vida. Está la expresión vital, que creo que es la más importante porque nos da derecho a todos a emocionar, aunque no sepamos leer ni escribir”.

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El alcalde de ‘Fuenteovejuna’ (Rocío Montero) proclama sobre las tablas del Español: “Lo que importa es la gracia y la fuerza”. A Rocío, que ha llegado a pedir en la puerta de Mercadona, Núria Espert —que entonces era protagonista del texto de Lorca de la mano de Lluis Pasqual— le dijo: “Yo estoy haciendo de Bernada Alba pero tú eres Bernarda Alba”. Ella, modesta como su chabola, solo espera que “hagamos más obras, ojalá”; y deja claro que “nosotras no somos actrices, ni artistas, ni somos ná.

Solamente estamos en un barrio muy antiguo que tenía que estar acabado porque es una miseria. Solo quiero una

vivienda para que cuando llueva yo sepa que mi familia no se moja”. Junto a ella asienten el resto de compañeras de El Vacie: Ana Jiménez (una señora reina de aquel poblado que retratara Lope), Rocío Rivas (la más joven y la única de todas que sabe leer), Carina Ramírez, Lole del Campo y Sandra Ramírez.

El quejío, la letanía, no para de resonar entre unas mujeres que se han habituado a combinar los escenarios con una vida real marcada por la precariedad y los despojos.

Como relata Lole, esta experiencia “no nos ha cambiado en nada. Si nos vamos dos semanas a Madrid sí cambiamos porque nos dedicamos a nosotras, miramos por nosotras, pero cuando regresamos a nuestra casa somos lo último: están los niños, la chabola, los maridos… y te miras y dices: si no tengo tiempo ni para mí…”. Cuando regresen a El Vacie volverán a desmaquillarse, dejarán de sentirse admiradas, abandonarán las comodidades de su piso u hotel cercano al teatro, se pondrán una trenza y se vestirán de negro luto por la muerte reciente de un familiar. “Eso es sagrado y tenemos que respetar el luto junto a nuestra familia como ellos respetan nuestras decisiones”. Un día tras otro, vivirán pendientes de si suena ese teléfono que las lleve al próximo bolo, repasando en voz alta sus parlamentos mientras atienden a sus multitudinarias familias y a sus destartaladas chabolas.

Con la certeza inconsciente de que solo eso que llaman teatro puede ser capaz de transformar su realidad. Y pensando, al mismo tiempo, en que quizás algún día se alejen las goteras y las ratas. Si eso alguna vez sucede, no podrán olvidar aquello de “Fuenteovejuna lo hizo”. —

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TARTEAN Teatroa estrena EZ DOK HIRU!

Un viaje por el imaginario común de la música vasca ‘EZ DOK HIRU! Euskal musikaren benetako istorioa’ se presenta los días 7 y 8 de marzo en el Teatro Arriaga

FOTOGRAFÍA

Guillermo Casas

T

artean Teatroa presenta una pieza teatral que realiza un repaso irónico, absurdo y divertido del imaginario musical de Euskal Herria. Se trata de un proyecto dirigido al público adulto, en clave de humor y en euskera, que cuenta con los textos de Patxo Telleria y la interpretación de Mikel Martinez y el propio Telleria. Se unen a esta pareja teatral tres músicosactores: Adrián García de los Ojos, María Arriaga e Iván Allue. Esta propuesta, dirigida por Jokin Oregi, recordará más de 200 canciones diferentes. Según afirman, el público será capaz de reconocer la mayoría de las mismas, sino todas.

“Nuestro patrimonio musical es un tesoro, un testigo emocional de nuestra memoria histórica”, explican los creadores.

‘EZ DOK HIRU! Euskal musikaren benetako istorioa’ realizará una extensa gira después de estrenarse en el Teatro Arriaga de Bilbao. Así, en el mes de marzo visitarán Iruñea, Agurain, Tafalla, Intxaurrondo, Durango e Igorre. Más adelante la pieza recalará en escenarios de Tolosa, Gasteiz, Barakaldo, Gernika, Getxo, Soraluze, Bilbo, Basauri, Sopela y Zumaia. — – 14 –

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ESTRENOS

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Histeria Kolektiboa, La Fundición y Zinegoak estrenan Inundación

La primera obra de teatro 100% lesbofeminista de Euskadi La dramaturga argentina Magda De Santo estrena ‘Inundación’ los días 3 y 4 de marzo en La Fundición

Fotos de la producción argentina de ‘Inundación’

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eire Ucha, Estíbaliz Villa y Maite Fombellida protagonizan ‘Inundación’, coproducción de Histeria Kolektiboa, La Fundición y Zinegoak (14º Festival Internacional de Cine y Artes Escénicas Gaylesbotrans de Bilbao) escrita y dirigida por Magda De Santo, autora del manifiesto ‘Lesbianizar el teatro’.

‘Inundación’ destaca por su innovación temática: el posporno, el poliamor, el aborto, alianzas y disputas entra lesbianas, bi, cis y trans y más items de la agenda lesbo-feminista salen a flote en las tensiones de una pareja en ruinas. Es una obra futurista pero ambientada durante las inundaciones de 2013 en La Plata. La escenografía sitúa la escena en una

historia de estigmatización: están sobre un triángulo negro, que fue la marca de los nazis para lesbianas y putas.

“Se trata de hacer una ciencia ficción feminista, distópica, donde no haya salvadoras heroicas o versiones de la típica guerrera que son como personajes de hombres en cuerpos de mujeres”, afirman.

En palabras de la directora: “La obra se desarrolla a partir de las historias vigentes alrededor de la inundación de la ciudad de La Plata en 2013 y un hecho político grave: bebés flotan ahogados por las calles de la ciudad. Con esa imagen y las denuncias por la cantidad de cuerpos desaparecidos, surge el texto. En el cruce de esa realidad situada y la proliferación textual de un barroco posmoderno muy vertiginoso, la puesta intenta ser una suerte de documento extremo que declina en una ciencia ficción teatral con estética dark. Inspirada en películas de Zombies de Gorge Romero, la novela de Joan Russ ‘El hombre hembra’ y las discusiones locales del activismo lesbo-feminista, ‘Inundación’ recorre la micropolítica de una familia imposible”. —

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ESTRENOS

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Albanta estrena ‘Bendita Gloria’ La obra de Juan García Larrondo se presenta los días 21 y 22 de abril en la Sala La Lechera de Cádiz

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loria, tras la muerte de su padre, se recluye en su casa como un ermitaño en una laberíntica caracola, convirtiéndose en usurpadora, dueña y esclava de una cárcel en la que conviven también los fantasmas de otras almas atormentadas. Aferrada a esa soledad y recuerdos hace de su paraíso una fortaleza y una trampa para navegantes, donde acuden otros personajes igual de náufragos, igual de perdidos, que también necesitan, desesperadamente, amarrarse al primer clavo ardiendo que les salve y un lugar donde refugiarse de sus íntimos temporales.

Pero Gloria defenderá su territorio. Les hará entender que nadie podrá sobrevivir sin acatar una serie de normas…

Así describe Juan García Larrondo su obra ‘Bendita Gloria’, representada por Albanta y dirigida por Pepe Bablé, quien afirma que se trata de “un texto duro, actual, poco complaciente y muy corrosivo”. En su opinión, la pieza “es el retrato de cómo la desdicha se convierte en tragicomedia de manera involuntaria. Es el espejo que nos visibiliza nuestras inquietudes más ocultas”. —

Estreno de ‘En la orilla’ La adaptación teatral de la novela de Chirbes se presenta el 3 de marzo en el Teatro Principal de Alicante

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l Centro Dramático Nacional, K Producciones, La Pavana/Diputación de Valencia y Emilia Yagüe Producciones presentan la adaptación teatral de ‘En la orilla’, novela de Rafael Chirbes que en 2014 cosechó numerosos galardones, entre los que se encuentran el Premio Nacional de Narrativa, el Premio Nacional de la Crítica y el Premio Francisco Umbral al libro del año.

El hallazgo de un cadáver en el pantano de una pequeña localidad costera pone en marcha la narración. Su protagonista, Esteban, se ha visto obligado a cerrar la carpintería de la que era dueño, dejando en el paro a los que trabajaban para él. Mientras se encarga de cuidar a su padre, enfermo en fase terminal, Esteban indaga en los motivos de una ruina que asume en su doble papel de víctima y de verdugo, y entre cuyos escombros encontramos los valores que han regido una sociedad, un mundo y un tiempo.

En palabras de Chirbes, “En la orilla nace de las pavesas de Crematorio, del mal olor que deja la especulación y una crisis que trasciende lo económico”. En opinión de Adolfo Fernández, autor de la adaptación junto con Ángel Solo: “ninguna novela como En la orilla ha descrito mejor este muestrario de burgueses de medio pelo caídos en desgracia el día después de – 16 –

la explosión de la burbuja”.

César Sarachu, Marcial Álvarez, Rafael Calatayud, Yoima Valdés, Sonia Almarcha, Adolfo Fernández y Ángel Solo son los intérpretes de este montaje que después de estrenarse en Alicante pasará por el Teatro Arriaga de Bilbao (10 - 12 marzo), el Teatro Valle-Inclán de Madrid (19 abril - 21 mayo) y el Teatro Principal de Valencia (26 mayo - 4 junio). —

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MISCELÁNEA

©Alvaro Ledesma

Miss Karaoke Metro Koadroka y Pez Limbo presentan ‘Miss Karaoke’, espectáculo que se estrenará el día 5 de abril en el Teatro Principal de Gasteiz. Este texto de Oier Guillán fue el seleccionado en la primera convocatoria de Nuevas Dramaturgias, un proyecto de colaboración impulsado por el Teatro Principal de Gasteiz, el Teatro Arriaga de Bilbao, el

El último canto del Basajaun ‘El último canto del Basajaun / Basajaunaren azken kantua’ es un espectáculo multidisciplinar que aúna teatro, vídeoproyección, música y danza y que gira en torno a la relación del hombre con lo ancestral, con la tierra, con la naturaleza… El montaje ofrece música en vivo, percusión, piano y txalaparta; una coreografía, una dramatización y una esce-

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Teatro Victoria Eugenia de Donostia y la Fundación Donostia 2016-Capital Europea de la Cultura, que pretende facilitar el acceso al entorno teatral a dramaturgos emergentes, profesionales vinculados a las artes escénicas y a aquellos creadores que procediendo de otros ámbitos artísticos (literatura, cine...) deseen aventurarse en la creación escénica, buscando así nuevas voces de dramaturgia.

En esta ocasión, es el propio Guillán quien se encarga de la dirección de esta pieza en euskera interpretada por Iñaki Ziarrusta, Javier Fernandez (Jabitxin), Marina Ortiz de Zarate y Unai Lopez de Armentia que fue escogida para su producción en Gasteiz y que se podrá ver también en mayo en Bilbao y Donostia.

En la obra, Miss Karaoke ha recibido el encargo de cantar una canción, y empieza a sentir los nervios. ¿Qué va a cantar en el Gran Evento? ¿En qué idioma va a cantar? ¿Cantará para las minorías minorizadas, para las mayorías minorizadas, para las minorías mayorizadas o para las mayorías mayorizadas? nografía innovadoras.

La música la conforman dos obras de gran fuerza rítmica que hablan del sacrificio primitivo, de rito y de mito; la pequeña cantata ‘Falaun’ (En la aldea) de Béla Bartók y la gran cantata ‘Basajaunaren azken kantua’ (El último canto del Basajaun). Esta última es una obra encargada por la Agrupación Coral de Cámara de Pamplona al compositor navarro Koldo Pastor Arriazu sobre un importante texto simbolista del poeta de Leitza Patziku Perurena.

El orgánico vocal e instrumental está compuesto por un coro, dos solistas, un importante set de percusión, un piano percutido y una txalaparta. Todo ello conforma un soporte original y vanguardista para una coreografría y puesta en escena de gran innovación y fuerza, que cuenta con la autoría de la artista Cristina Fernández.

Este espectáculo, en el que el intérprete Fernando Albizu se mete en la piel del personaje de Basajaun, se presentará durante los días 3 y 4 de marzo en el Teatro Gayarre de Iruñea.

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ESTRENOS

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Estrenos del Centro Dramático Nacional

‘Festen’, primera de las nuevas propuestas del CDN Magüi Mira, Emilio Hernández, Ainhoa Amestoy y Miguel del Arco dirigen las próximas producciones

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E FESTEN

La danesa ‘Festen’ (1998) fue la primera película del movimiento Dogma

l Centro Dramático Nacional presenta cuatro montajes estos meses. El Teatro ValleInclán acogerá del 3 de marzo al 9 de abril el estreno de ‘Festen’, texto de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov con adaptación teatral de Bo Hr. Hansen y versión y dirección de Magüi Mira. En la obra, Christian, después de años de ausencia, vuelve al hogar de sus padres con sus hermanos y familiares, a celebrar el 60 cumpleaños de su padre, el poderoso Helge. La cena en la que se celebra el feliz aniversario empieza con un discurso de Christian en el que denuncia el incesto al que su padre le ha sometido de niño, a él y a su hermana gemela muerta. En opinión de Magüi Mira, “Festen no solo habla sobre el in-

cesto y la pedofilia, es ante todo un texto que nos habla de la brutal cohesión de la hipocresía social”.

En el mismo escenario pero del 24 de marzo al 14 de mayo se podrá ver ‘Séneca’ de Antonio Gala, con versión y dirección de Emilio Hernández, quien afirma que se trata de “una obra que indaga en la corrupción endémica del poder y presenta unos personajes que se debaten por sobrevivir, con diferentes armas, en esa ciénaga. Ocurrió en el siglo primero en Roma, pero nos resulta lacerantemente actual”.

Y en el Teatro María Guerrero, Lidia Navarro y Muriel Sánchez interpretarán ‘Hablando (último aliento)’ del 5 de abril al 7 de mayo. Este texto de Irma Correa dirigido por Ainhoa Amestoy presenta a dos mujeres encerradas en un apartamento. “Es la historia de un secuestro, pero es también la lucha de dos mujeres por defender su dignidad”, explica Correa.

Por último, Israel Elejalde, María Morales, Raúl Prieto, Macarena Sanz y Hugo de la Vega escenificarán ‘Refugio’, montaje escrito y dirigido por Miguel del Arco que estará en cartel del 28 de abril al 11 de junio. —

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Furiosa Escandinavia

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Javier Naval

Ushuaia

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Javier Naval

Del 9 de marzo al 16 de abril, el Teatro Español presenta el estreno de esta obra de Antonio Rojano que se hizo con el Premio Lope de Vega 2016. Víctor Velasco se encarga de la dirección de este montaje interpretado por Sandra Arpa, Irene Ruiz, David Fernández ‘Fabu’ y Francesco Carril. En la obra, Erika conoce a Balzacman en Internet y establece con él una relación marcada por la ausencia y la extrañeza. La mujer acaba de ser abandonada por T. y el amor perdido se ha transformado en un hondo abismo del que no es capaz de salir. Con la ayuda del joven misterioso, un apasionado de la literatura francesa que se esconde tras un sombrero de cowboy, Erika emprenderá una huida hacia adelante enfocada en el olvido. Pero allí donde la mujer decide borrar el agrio pasado, luchando contra su memoria, Balzacman se aferra al recuerdo lanzándose a un demente viaje en busca de T., aquél que fue el amor de Erika y que ya sólo es la inicial de un nombre o, quizás, de un lugar.

Otra producción del Teatro Español es ‘Ushuaia’ de Alberto Conejero, obra que se podrá ver del 16 de marzo al 16 de abril y que contará con la labor de Julián Fuentes Reta en la dirección, y la de José Coronado, Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas en la interpretación. En Ushuaia, la ciudad más austral de mundo, Mateo vive recluido en el corazón del bosque. Allí el misterioso hombre custodia las reliquias de una historia de amor imposible. Esa vida solitaria se quiebra cuando, acuciado por una incipiente ceguera, contrata a Nina. Pronto se descubrirá que la joven asistenta esconde también más de un secreto. La casa se convierte entonces en el tablero de un juego de identidades donde se confunden presente y pasado, necesidad y deseo, víctimas y victimarios, realidad y ensueño. En ese paisaje glaciar —”fin del mundo, principio de todo”—, el tiempo se plegará sobre sí mismo para enfrentarnos a los fantasmas de Europa, nuestros fantasmas...

He nacido para verte sonreír

Blackbird

Pablo Messiez dirige esta pieza de Santiago Loza producida por el Teatro de La Abadía e Ignacio Fumero Ayo que estará en cartel del mencionado teatro madrileño del 1 al 19 de marzo. Isabel Ordaz y Nacho Sánchez son los intérpretes del montaje. En la obra, una madre se despide de su hijo, mientras esperan al padre que vendrá a buscarlos; enseguida partirán para un viaje largo, aunque de alguna manera el hijo ya se fue hace tiempo. El padre ha de llevarlo a un hospital y dejarlo internado para que se cure de su trastorno mental. Al buscar palabras para despedirse, la mujer va desvelando las relaciones paterno-filiales, y de pareja, que van más allá de su historia personal. Esta será la primera vez que se presente en España una obra teatral de Santiago Loza, figura clave de la dramaturgia actual en Latinoamérica y uno de los autores contemporáneos más representados en Buenos Aires. “Amor y horror conviven en sus obras, encarnados generalmente en mujeres”, afirma Messiez.

El Pavón Teatro Kamikaze y el XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid presentan ‘Blackbird’, uno de los textos más controvertidos de los últimos años firmado por David Harrower, quien tensa los límites de lo moralmente aceptable a través del reencuentro entre un hombre y una mujer que tratan de curar una herida imborrable. Carlota Ferrer es la directora de este espectáculo protagonizado por Irene Escolar y José Luis Torrijo. En palabras de Ferrer: “Nos acercamos a Blackbird como a una tragedia contemporánea donde el espectador se convierte en juez implacable. Eso significa reconocerse en lugares incómodos, donde una cosa es lo que sucede en el texto y otra, lo que sucede en la cabeza de quienes asisten a la representación. ¿Ha venido ella a pedirle cuentas tras tantos años? No. Solo que eso es justo lo que piensa tu cabeza. Lo que quizá necesita pensar”. El montaje se podrá ver del 7 de abril al 7 de mayo en El Pavón Teatro Kamikaze (Madrid).

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Vanessa Rabade

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marcosGpunto

Teatro de la Comedia ‘La judía de Toledo’ de Lope de Vega es una coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Micomicón con versión y dirección de Laila Ripoll que se presenta del 8 al 26 de marzo en el Teatro de la Comedia de Madrid.

Elisabet Altube, Teresa Espejo, Manuel Agredano, Marcos León, Mariano Llorente, Federico Aguado, Jorge Varandela y Ana Varela son los intérpretes de la obra. Según Ripoll, “es un texto complejo, como complejo queremos que sea el espectáculo, como complejo es el momento que estamos viviendo, como compleja es la situación que nos rodea. Desprende este texto una tremenda fuerza poética; sugestiva, embriagadora, perturbadora. Hay escenas, pasajes, momentos, frases… que no se pueden olvidar. Y estamos seguros de que puesto en un escenario puede crecer y provocar toda una catarata de sensaciones”.

Otra coproducción de la CNTC es ‘Los sueños’ sobre la

Jaime Villanueva

Teatros del Canal Tres son los estrenos que tendrán lugar en los escenarios de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid durante los meses de marzo y abril. ‘El sermón del bufón’ es una pieza creada, dirigida e interpretada por Albert Boadella que coproducen los Teatros del Canal y el Teatro Marquina.

Interpretándose a sí mismo, Boadella realiza un repaso mordaz al oficio de comediante y una mirada irónica a su agitada vida con Els Joglars de fondo. Las proyecciones de los fragmentos más relevantes de sus obras se entremezclan con osadas reflexiones sobre la belleza y la transgresión, los tabús de la modernidad, el estímulo que ejercen los enemigos o la realidad como supremo objetivo del arte. La obra se podrá ver del 8 al 11 de marzo en los Teatros del Canal y del 19 de abril al 21 de mayo en el también madrileño Teatro Marquina.

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obra de Francisco de Quevedo, que presenta junto con Karamázov y que dirige Gerardo Vera. La pieza, adaptada por José Luis Collado, estará también en cartel en el Teatro de la Comedia, del 7 de abril al 7 de mayo. En cuanto al reparto, lo conforman Juan Echanove, Óscar de la Fuente, Markos Marín, Antonio Medina, Antonia Paso, Lucía Quintana, Marta Ribera, Chema Ruiz, Ferrán Vilajosana, Eugenio Villota y Abel Vitón.

En palabras del director: “Enfrentarse a Quevedo y, sobre todo, zambullirse en ese caudaloso discurso lúcido y doloroso sobre la decadencia de un imperio, es una insensatez de la que solo eres consciente cuando ya estás con el agua al cuello tratando de sobrevivir a esa embestida directa contra las conciencias que es la obra magna del gran cronista de la realidad española sin adornos, sin coartadas, yendo a lo más profundo de la herida aunque te empapes en su sangre. La realidad del XVII era tan contundente que «solo se podía vegetar o vivir en carne viva». Y así vivió Quevedo, contemporáneo de Velázquez, pintor también de la liquidación española. Eso hemos intentado reflejar a partir de su obra más personal, sus Sueños, crónica dolorosa y lúcida de una España presa de la corrupción de las monarquías de Felipe III y Felipe IV, presa del ocio y de la ignorancia, donde la filosofía era esclavizada por la teología. Todo olía a podrido en Madrid y en las Españas, y ahí es donde escandalizan los sueños, chismosos y veraces, caricatura, testimonio, dolor y carcajada, escritos por una mano manchada por el dolor que rezuma su propia herida interior. Quevedo se convierte, sin querer, en el testigo más el de cómo un imperio empieza a desmoronarse”.

Además, Gustavo Tambascio versiona y dirige ‘El frigorífico’ de Copi, una producción de los Teatros del Canal protagonizada por Enrique Viana que estará en cartel del 28 de marzo al 9 de abril. Se trata de una transgresora sátira del humorista, dramaturgo y narrador argentino/francés en la que un único actor encarna diez roles diferentes. Un vertiginoso periplo por su piso parisino, en cuyo salón, la madre del protagonista ha plantado una nevera como regalo de cumpleaños.

Y una coproducción de los Teatros del Canal, Moma Teatre y Producciones Teatrales Contemporáneas es ‘¿Qué delito cometí…?’, adaptación de ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca que realiza Moma Teatre.

Carles Alfaro dirige este montaje que se podrá disfrutar del 19 de abril al 14 de mayo. “Sumergirse en el universo de La vida es sueño supone sentir el latir de los seres que nos habitan, que nos hacen vivir plenamente otra realidad, que no es más que nuestra propia y descarnada realidad… ¿soñada?, ¿vivida? Esta es la pesadilla y la belleza de Calderón. ¿Quién es dueño de sus sueños? ¿Es deseo o es razón lo que nos guía y orienta? ¿Qué nos distingue de la bestia que encarna nuestras pasiones? ¿Es la razón una represión que nos permite vivir en sociedad? ¿Puede un ser aislado desde su nacimiento, abandonado a su propio raciocinio, no engendrar el monstruo: esa hipertrofia de la razón desconectada de la experiencia sensorial que nos humaniza?”.

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ESTRENOS

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Estrenos en Barcelona

La ciudad condal será testigo de varias primicias teatrales

Felipe Mena

Las tablas del Teatre Lliure, La Seca Espai Brossa y el Teatre Nacional de Catalunya acogen 5 nuevas piezas

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l Teatre Lliure presenta dos nuevas producciones estos meses. ‘L’ànec salvatge’ de Henrik Ibsen presenta una sociedad blindada que se autoprotege y entra en crisis cuando alguien vuelve a casa y empieza a revelar el pasado. Se trata de un drama psicológico de 1884 que podrá verse del 2 de marzo al 9 de abril y que cuenta con las labores de Julio Manrique en la dirección. En su opinión, “En L’ànec salvatge (un Ibsen maravilloso y, sorprendentemente, poco conocido y aún menos representado en nuestro país), sucede algo así: alguien llama a la puerta y los pobres pero razonablemente felices miembros de la familia Ekdal deciden abrir…”.

También en el escenario de Montjuïc se representará ‘Ivànov’ de Anton

Chéjov, montaje dirigido por Àlex Rigola que estará en cartel del 27de abril al 28 de mayo. “Todos nosotros hemos tenido momentos de crisis en la vida, cada uno por varias razones, que nos han creado angustia. Observemos ahora, por tanto, qué le ocurre a Ivànov y a sus compañeros en una sociedad perdida, desestabilizada y con los valores muy maltrechos. ¿Os suena? ¿Vamos bien?”, afirma Rigola.

Y en Lliure de Gràcia, del 31 de marzo al 2 de abril, se podrá ver ‘Dale recuerdos XXX (Je pense à vous)’, montaje concebido por Didier Ruiz y la formación parisina La compagnie des Hommes que se realiza a medida del teatro en el que se representa, haciendo subir a escena a la gente mayor del barrio.

La Seca Espai Brossa, por su parte, – 21 –

acogerá el estreno de ‘Protesta’ de Václav Havel, pieza dirigida por Jordi Casasampera y producida por Pavel Bsonek/Manel Ruiz/Exquis teatre que realizará sus funciones del 9

de marzo al 2 de abril. Esta obra fue prohibida por los gobiernos estalinistas y se convirtió en un auténtico objeto de culto clandestino entre los círculos de la cultura checa de los últimos treinta años.

Por último, el Teatre Nacional de Catalunya presentará un espectáculo escrito y dirigido por Marc Rosich: ‘A tots els que heu vingut’. Esta comedia enloquecida será interpretada por Mercè Aránega, Lurdes Barba, Montse Esteve, Carles Gilabert, Àurea Márquez y Mireia Pàmies, del 6 de abril al 7 de mayo. —

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MISCELÁNEA

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El ciclista utópico

Intrusión

El Teatro Calderón de Valladolid presenta ‘El ciclista utópico’ de Alberto de Casso, Premio Teatro Calderón de Literatura Dramática que se estrena el 24 de marzo. Fran Perea y Fernando Soto interpretan esta obra dirigida por Yayo Cáceres, quien opina: “¿Puede un accidente cambiarnos la vida? ¿Podemos usar un accidente para cambiar nuestra vida? La obra me despierta éstas y otras preguntas. Dos personas encerradas en una relación que se va complicando con el paso del tiempo.

Uno, intentando mantener la utopía en la que vive. El otro, intentando conseguir la suya a raíz de un accidente que reúne a dos hombres en medio de una carretera. Un texto incómodo.

Una relación incipiente y oscura que desnuda a su vez otras relaciones en el entorno de los personajes. Humor duro y con el sarcasmo suficiente como para importunar. De Casso nos ofrece este texto en el que, una vez más, el teatro nos ayuda y nos sirve para escrutar la condición humana y el profundo e intrincado laberinto de las relaciones.”

El bonaerense Teatro del Abasto estrena el 9 de marzo la obra ‘Intrusión’ del autor francés Frédéric Sonntag. El reparto está formado por Johanna Aravena, Leandro Lombardi, Clara Pino, Matías Rossomando y Gabriela Seminara, a quienes dirige Leonardo Saggese. Forman también parte de la producción, entre otros, Edna Fernández Chajud (escenografía y vestuario), Lucas Regeiro/Tomás Visco (música) y Miguel Rivarola/Salvador González (iluminación). En la obra, dos parejas de amigos deciden pasar un largo tiempo en una casa lejos de todo para reencontrarse consigo mismos y descansar. Pero su tranquilidad se ve perturbada repentinamente por una presencia: una jovencita que no habla y que aparece en la casa sin un motivo aparente. ¿Qué nos sucede cuando nos enfrentamos a algo desconocido? ¿Cómo reaccionamos ante lo que no comprendemos y no podemos controlar? ¿Cuánto tiempo somos capaces de tolerar una situación tan absurda como real?

Las bicicletas son para el verano

Matrioska

La Ruta Teatro, en coproducción con el Teatro Circo Murcia y el Teatro Romea, presenta ‘Las bicicletas son para el verano’ de Fernando Fernán Gómez, obra que cuenta con la adaptación y dirección de César Oliva. El elenco lo forman Llum Barrera, Patxi Freytez, Esperanza Elipe, Alvaro Fontalba, Teresa Ases, Agustín Otón, Adrian Labrador, María Beresaluce, Ana Caso y Lola Escribano. El argumento cuenta los avatares de una familia de clase media en el Madrid durante la guerra civil, pues comienza días antes de la sublevación del 18 de julio, y termina poco después del 1 de abril de 1939. Esa familia, sus vecinos, y las particularidades cotidianas, ofrecen una mirada alejada, pero certera, de cuánto vivió la España de entonces. El enfoque principal procede de la perspectiva de Luis, el chico que pide a sus padres una bicicleta para ese verano del 36. El espectáculo se podrá ver del 2 al 4 de marzo en el Teatro Circo Murcia, y del 9 de marzo al 30 de abril en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.

LANAU escénica estrena ‘Matrioska’ de Gabriel Fuentes, II Premio del II Certamen de nuevos dramaturgos LANAU escénica. La obra, bajo la dirección de Óscar Pastor, está interpretada por Elena Rey, Manuela Morales, José Juan Sevilla, Charo Gabella, Dolores Cardona, Violeta Guindal y Macarena García. El estreno será el 24 de marzo en MINIMA espacio escénico no convencional (Madrid). El autor nos enfrenta a la tragedia de la esclavitud sexual desde tres generaciones de mujeres que sufren diferentes momentos del inevitable camino de destrucción de una esclava sexual.

En palabras del autor: “Matrioska surge de la investigación en la tragedia como género y su vigencia en la actualidad.

Esta búsqueda explora el lenguaje dramático y sus límites con la poesía”. En opinión del director: “La propuesta escénica combina la abstracción de la metáfora que nos ofrece el texto con la cruda realidad que nos rodea y podemos encontrar en nuestras calles”.

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José Reguera

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FESTIVALES

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III Festival Loraldia

La cultura vasca más actual a través de todas las artes En su tercera edición, Loraldia presenta dos producciones propias y varios estrenos

D Fotografías de los espectáculos ‘E, Petrel’ de Astrolabium Teatroa, ‘Txoriak’ de Dantzaz Konpainia y Kukai Dantza Konpainia

Blanca Razquin

urante 29 días, del 7 de marzo al 8 de abril, el Festival Loraldia acoge una treintena de espectáculos que se representarán en diversos espacios de Bilbao como el Teatro Arriaga, el Teatro Campos, Azkuna Zentroa o el Museo Guggenheim, entre otros.

El puente es el símbolo de esta tercera edición que se inaugura en el Teatro Arriaga con el estreno de ‘Ez dok hiru’ de Tartean Teatroa, obra de la que se ofrece más información en páginas precedentes. También se podrá disfrutar con ‘Lorca, Dali, Buñuel. Aborigenak’, montaje dirigido por Felipe Loza de la Joven Compañía de Pabellón 6, y con ‘E, Petrel’, espectáculo basado en el libro del mismo nombre escrito por

Julio Villar que ha llevado a escena Astrolabium Teatroa.

El público familiar tendrá una cita con ‘Drag.e’ de Logela Multimedia, y se llevará a cabo una lectura dramatizada de textos de Franca Rame y Dario Fo a cargo Mikel Martínez e Irati Agirreazkuenaga, además de dos estrenos más: ‘Loraldia Eskolak’, espectáculo multidisciplinar a cargo de un centenar de escolares, y la primera producción propia de festival, ‘Strip-tease’. Este montaje ha sido creado por los directores de escena Fernando Bernués, Mireia Gabilondo, Garbi Losada y Jokin Oregi, una “experiencia creativa” compuesta por cuatro piezas teatrales inéditas: ‘Orduan zer, ez naiz biluztu behar’, ‘Zutaz blai’, ‘Lady Godiva, ikusten ez dena, ez da’ y ‘Leun, samur’, todas ellas con un tema común: el strip-tease. También habrá lugar para la danza con ‘Txoriak’, un viaje al universo de Mikel Laboa por Dantzaz Konpainia y una gala de celebración de los quince años de la compañía Kukai Dantza. La programación de artes escénicas incluye además un taller de lenguaje corporal impartido por Ander Lipus y Onintza Enbeita. —

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Festival de Teatro e Inclusión Social Organizado por la Escuela Municipal de Teatro y el Ayuntamiento de Úbeda, del 8 al 30 de marzo tendrá lugar la primera edición del Festival de Teatro e Inclusión Social. Cada una de sus jornadas estará centrada en un aspecto diferente de lo que es la inclusión. Así, comienzan las actividades del festival con la sesión de teatro foro sobre ‘Micromachismos’, y le seguirá la representación de la pieza ‘El gato manchado y la gaviota sin nombre’ a cargo del grupo de personas con discapacidad de la Escuela. El grupo de personas mayores de la escuela pondrá en escena la obra ‘Recuerdos compartidos, el poder de la memoria’. Teatro Tiflonuba de la ONCE de Huelva, por su parte, llegará a Úbeda para presentar el espectáculo ‘La eterna herencia’, y Teatro de la Inclusión de Sevilla acercará al público el montaje ‘Breves relatos de venganza y olvido’. Completan la programación de representaciones las propuestas escénicas ‘El enfermo imaginario’ interpretada por el grupo de mayores de la Escuela Municipal y el montaje ‘Historias de una estación’.

Durante esta primera edición del festival también habrá tiempo para el debate y la reflexión con una mesa redonda titulada ‘Inclusión y teatro: experiencias sociales’, en la que participarán profesionales sensibilizados con esta realidad.

TeatrA El espacio escénico Mínima y el espacio creativo Lanau de Madrid organizan la segunda edición de TeatrA, unas jornadas dedicadas a dar un valor y una visibilidad al papel que desempeñan las mujeres en el sector de la escena, con una programación de actividades y exhibición realizada por mujeres del panorama teatral actual que tendrá lugar en los citados espacios del 8 al 12 de marzo. Tras la buena acogida de las jornadas del pasado año, esta segunda edición abre su acción a los países Iberoamericanos, “sociedades donde las Mujeres sufren mayor discriminación por género, siendo las Artes Escénicas disciplinas en expansión, donde la reivindicación de la situación de las Mujeres puede expresarse y visibilizarse”, explican desde la organización, para añadir que desde Mínima y Lanau “queremos valorar la creatividad y esfuerzo de muchas mujeres cuyos trabajos han sido exitosos sin ellas alcanzar el reconocimiento merecido, ya que sus oficios quedan en la sombra y sumando la realidad todavía masculina en la que vivimos”. Para ello han organizado un programa de actividades en el que tendrán lugar exposiciones, mesas redondas, work in progress o la presentación en Madrid de la obra ‘Flores ácidas’ a cargo de la compañía argentina Las Damas. Además, entre diversas actividades más ,se dará a conocer el Premio TeatrA 2017.

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XL Jornadas de Teatro de Eibar

Eibar celebra cuarenta años ofreciento el mejor teatro Las XL Jornadas tendrán lugar del 3 de marzo al 6 de abril en el Teatro Coliseo y el Complejo Educativo

Ros Ribas

L

a programación se inaugurará con la ‘XV Muestra de Estatuas Humanas’ y el acto de apertura a cargo de Josep María Flotats. Además, se podrá disfrutar de una veintena de espectáculos. “Queremos que las instituciones que nos impulsan y los espectadores que nos acompañan celebren también esta fecha redonda con una programación digna de nuestra trayectoria”, afirman desde Narruzko Zezen (Grupo de Teatro del Complejo Educativo).

Las propuestas escénicas comienzan con ‘Héroes’ de Gerald Sibleyras por Txalo Produkzioak. Tamzin Townsend dirige a Juan Gea, Luis Varela e Iñaki Miramón, quienes interpretan a tres veteranos de guerra. De la mano

Ros Ribas

de Josep María Flotats y su Taller 75 llega otra comedia, ‘Serlo o no. Para acabar con la cuestión judía’ de Jean-Claude Grumberg, que dirige y además protagoniza junto con Arnau Puig. Se trata de una obra construida a partir de varias conversaciones entre dos vecinos, uno de ellos judío, de horizontes, conocimientos y creencias antagónicas. Otras de las propuestas que intentará generar la risa entre los asistentes es ‘La Crazy Class’ de L´Om Imprebís, pieza creada y dirigida por Santiago Sánchez y Michel López. ‘Cervantes ejemplar’ de Micomicón con versión de Laila Ripoll y Mariano Llorente, está creada a partir de ‘El licenciado Vidriera’ y ‘El celoso extremeño’.

Dejando la comedia a un lado, Unahoramenos presenta ‘Los Malditos’, una obra de Antonio Lozano en clave policiaca sobre el drama de las migraciones humanas. Dirigida por Mario Vega, se trata de la primera coproducción del proyecto de los Corredores Culturales, creado por la Red Eurolatinoamericana de las Artes Escénicas (REDELAE).

Una producción del Teatro Arriaga es ‘Una casa de muñe-

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Manuel Díaz de Rada

cas’, versión libre de Pako Revueltas y Ángel Mirou sobre el texto de Ibsen. Y Mario Gas, por su parte, dirige ‘Incendios’ de Wajdi Mouawad, montaje protagonizado por Núria Espert que habla “del origen y del renacer, y de los fuegos que, a veces, hay que sembrar para encontrarse con uno mismo”.

También se podrá ver ‘Frida’ de Humberto Robles por Iris Teatro. Rosa Martínez-Alcocer protagoniza esta pieza dirigida por Paco Obregón.

La tragedia llegará de la mano de Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía con ‘Medea’, versión de Andrés Lima sobre el texto de Séneca que interpreta Aitana Sánchez-Gijón, esta vez en un formato más íntimo. En cuanto a la comedia musical, ‘Liquidación por cierre’ es un montaje con cinco músicos-actores que lleva a escena Teatro Che y Moche. Y tres serán las piezas dirigidas al público infantil o familiar.

El payaso Marcel Gros representará ‘Universario’. Fábrica de Magos, por su parte, presentará a cinco magos llegados de diferentes puntos en una ‘Gala de Magia’ que ofrecerá dos funciones: una para público familiar y otra para público adulto. Y ‘Festara!!!’ es un espectáculo en euskera de Tomaxen Abenturak.

También en euskera y ya para público adulto, Xake Produkzioak llega a Eibar con la obra ‘Mami Lebrun’ de Kepa Errasti, donde se narra la historia de una pareja que prepara un homenaje póstumo a la abuela de uno de ellos que tuvo una “vida secreta” en París, como cantante de cabaret. Tanto en euskera como en castellano se podrán ver ‘Treblinka-

Luis Castilla Medea

Aitana SánchezGijón hablará con el público en una versión en la que da voz a todos los personajes

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ra azken trena/Último tren a Treblinka’ de Vaivén Producciones, montaje que pretende rendir homenaje a la figura del pediatra, pedagogo y escritor Janusz Korczak; y ‘Jokoz kanpo/Fuera de juego’ de Borobil Teatroa, comedia dirigida por Anartz Zuazua e interpretada por Joseba Apaolaza, Asier Rota y Asier Hormaza.

En cuanto a los grupos universitarios, escuelas y asociaciones, se podrá disfrutar de cuatro montajes. Banarte Antzerki Taldea llevará a cabo ‘Guernica 1913’ de Rafa Herce. ‘Terror y miseria en el primer franquismo’ de José Sanchis Sinisterra será llevada a escena por el Grupo de Teatro de la Universidad de Cantabria.

Cambiando de tercio, Richard Sahagún dirige ‘Lola y Dolo, el musical’, Premio Wanted de Iniciativas Jóvenes por el Ayuntamiento de Getxo.

Por último, los anfitriones Narruzko Zezen estrenarán ‘La educación de los cerdos’ de Víctor Zegarra Montes, comedia inspirada en ‘La cata’, cuento de Roald Dahl. —

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IV FITA - Alentejo

Teatro de otras latitudes 14 compañías conforman la programación de este año

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a región portuguesa de Alentejo acoge la cuarta edición del Festival Internacional de Teatro do Alentejo, que se celebra del 10 al 25 de marzo en las localidades de Beja, Portalegre, Elvas, Campo Maior, Santiago do Cacem y Grandola con la participación de un total de catorce compañías procedentes de la propia Portugal, España, Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Ecuador y Mozambique.

Los portugueses Culturpoject inauguran esta edición con ‘A Mordaça’ de Éric-Emmanuel Schmitt y extractos de textos de Maricla Boggio, Charles Silverstein y Edmund White. Portuguesa es también Umcoletivo, que pondrá en escena ‘As Tres Irmãs’, espectáculo formado por las piezas ‘Irina’ de Luisa Monteiro, ‘Macha’ de Valério Romão y ‘Olga’ de Rui Pina Coelho. TEP- Teatro Experimental do Porto presenta ‘Casa Vaga’, obra protagonizada por tres cowboys portugueses con la que abordan temas como las condiciones socio-laborales de Portugal o los problemas del modelo capitalista.

Projecto Ruinas por su parte llega con ‘Edit’ y Asta, Paulo Lage y Al Teatro harán disfrutar al público infantil y familiar con las obras ‘Um Classico’ y ‘O Prinvipe Feliz’ y ‘Os 3 érres’, respectivamente.

La presencia americana es notable con la participación de cinco compañías llegadas desde diversos puntos del continente. Las argentinas Las Damas presentan ‘Flores ácidas’, una obra escrita y dirigida por Carlos Gil Zamora que a través de una estructura dramática fragmentada narra las vidas de tres mujeres, contadas por ellas mismas a base de recuerdos, secretos y negaciones que pueden ser sueños o pesadillas.

Brasil estará representado por la Cia Teatro da Cidade que pondrá en escena ‘Eu, Leila’, y Cuba por Teatro D’ Dos y su ‘El último café’.

La compañía colombiana Teatro Tierra se sumerge en la vida y obra de Fernando Pessoa con ‘Los cinco entierros de Pessoa’. Con dramaturgia y dirección de Juan Carlos Moyano, la obra se presenta como un drama de heterónimos y fantasmas. Desde Ecuador, ‘Barrio Caleidoscopio’ de Teatro de la Vuelta es un monólogo del actor, dramaturgo, director de teatro y fundador de la compañía, Carlos Gallegos.

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Desde Madrid viaja al festival la compañía Proyecto 43-2 para presentar ‘La mirada del otro’, espectáculo que nace “tras el proceso de investigación desarrollado en 2011 a través de encuentros entre ex miembros de ETA y víctimas con la preparación previa de los mediadores” explican los miembros de la compañía, y añaden que como resultado de la citada investigación han creado “una propuesta veraz que pretende ser herramienta para el diálogo y la reflexión sobre el conflicto vasco en pos de la convivencia pacífica y el fomento de la cultura de paz”. La programación de esta edición se completa con un espectáculo llegado de Mozambique, ‘Nos Tempos de Gungunhana’, unipersonal interpretado por Klemente Tsamba que parte de la historia de un guerrero de la tribu Tsonga llamado Umbangananamani, que además de narrar su historia refleja la forma de vida en la época del rey Gungunhana. —

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IX Sismograf - Olot

Epicentro, erupción y réplicas de la danza en Olot Medio centenar de espectáculos, siete de ellos estrenos y coproducciones, en una edición con varias novedades

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el 20 al 23 de abril se celebra la novena edición de Sismògraf, “el festival que detecta el movimiento”, con una programación que tiene como objetivo “conectar el arte con la realidad sociopolítica, con la voluntad que lo político y lo social estén presentes desde una mirada creativa”, según explican desde la organización.

Varios escenarios y espacios de la ciudad de Olot acogen los 48 espectáculos de compañías llegadas de diferentes lugares del mundo en una edición que “apuesta decididamente por ayudar a las compañías a sacar adelante sus producciones”. Muestra de ello es la participación del festival en la producción de siete espectáculos: ‘Sweet Precarity’ de Pere Faura, ‘Let sleeping dogs lie & Of no fixed abode’ de Laura

Aris & Jos Baker, ‘Mira-T’ de Circ Pànic, ‘Topa’ de BrodasKukai, ‘OVNI’ de Big Bouncers, ‘Spoutnik Blanc’ de Anna Ventura y ‘Hablar con las plantas para llegar a un paisaje’ de Artistas Salchichas. Además, el festival promueve indi-

rectamente la producción de espectáculos, es el caso de: ‘Dispositivo LABranza’ del Colectivo Lamajara, ‘Monstruo’ de Laila Tafur, ‘Ji Gou: Preludi i fuga en La Menor’ de Neus Villà Jürgens y en el marco de SismoHop el proyecto de Diego Sinniger.

NOVEDADES La edición de este año destaca también por presentar varias novedades e inaugura una nueva sección denominada ‘Erupciones’, que tiene como particularidad poner el foco sobre un aspecto concreto de la danza, o un territorio. Este año se centra en el País Vasco con la presencia de los espectáculos ‘Lur Away’ de la compañía Sra. Polaroiska, ‘The Endgame’ de Lokke/Olatz de Andrés y ‘Barbecho’ de Natxo Montero_danza. A su vez, la Sala El Torín se convertirá en la sede vasca y se programarán diversas actividades relacionadas con esta ‘Erupción’.

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Otra de las novedades lleva por título ‘Pro 365 / Sismo’, iniciativa con la que Sismògraf quiere impulsar la programación de espectáculos de danza en todo el territorio y que se desarrolla mediante “un proyecto de acompañamiento para diez profesionales de la gestión escénica de Cataluña en el ámbito de la danza, las artes del movimiento y la creación contemporánea, que se desarrollará durante todo el 2017”.

A su vez el festival incorpora un proyecto de colaboración con el entorno más próximo y una iniciativa participativa con la que se quiere expandir la programación del festival a la comarca de la Garrotxa, por lo que Colectivo Lamajara– que también impartirá un taller de formación – pondrá en escena ‘Dispositivo LABranza’ en las localidades de Les Planes, Santa Pau, Besalú y Vall d´en Bas. La programación de esta novena edición incluye también ‘Siete Réplicas’, compuesta por siete espectáculos que su-

pere faura

En Sismògraff se podrá ver por vez primera la trilogía entera de ‘Sweet Suite’: ‘Sweet Fever’, ‘Sweet Tyranny’ y ‘Sweet Precarity

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birán a los escenarios antes y después del festival. Se trata de ‘Anarchy’ de Societat Doctor Alonso; ‘Afasians, The Last Conference’ de loscorderos.sc y Za!; ‘Tots Dansen’ con alumnos de los centros educativos Cor de Maria; ‘SismOFFgraff’ –festival de danza local–; ‘8del9: FestaMajor’ del Esbart Olot; y ‘Medea’ de Thomas Noone. Y como es ya habitual en esta cita, también habrá tiempo para las jornadas profesionales ‘SismògrafPRO’, un itinerario de actividades diversas como talleres, presentaciones o masterclass relacionadas con la danza y dirigidas a profesionales de las artes escénicas.—

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XXX FitCarrer - Vila-real

Celebrar y enfrentar nuevos retos de las artes de calle Una veintena de compañías celebran junto al público el 30 aniversario del FITCarrer

colaboración

FITCarrer mantiene sus ayudas a la producción y la colaboración con los festivales Escena Poblenou y AD Festival de Molina de Segura

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n su treinta aniversario, el Festival Internacional de Teatro Al Carrer de Vila-real mantiene su esencia y perdura en su trabajo por y para las artes de calle con una programación integral de calle y totalmente gratuita.

Muestra de ello es la programación de esta trigésima edición –que se celebra los días 5, 6 y 7 de mayo– en la que las artes de calle están prácticamente representadas en todas sus disciplinas y que al igual que en años anteriores, será inaugurada por las ‘Jornadas de Artes de Calle’, que en su quinta edición van a girar en torno al pasado,

presente y futuro del propio festival y propiciarán el debate sobre los nuevos retos a los que se enfrenta.

Tras las Jornadas, se hará entrega a Trapu Zaharra del VI Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer, y comenzará la programación de esta edición en la que participarán una veintena de compañías, algunas de ellas con espectáculos itinerantes que buscan la participación directa del público como ‘Femmes’ de Hortzmuga Teatroa o ‘Tempus’, una intervención escénica de artesanía teatral de Visitants –que también representará, en horario nocturno, la propuesta ‘Olea’–.

El circo en sus diversas posibilidades tomará la calle con obras como ‘Sinergia 3.0’, que combina técnicas de malabares, manipulación de objetos, verticales y danza a cargo de Cía. Nueveuno, y la combinación de acrobacia, malabares, música y trabajo con objetos –en esta ocasión puertas– es

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Paco Manzano

el lenguaje utilizado por La Trócola Circ en ‘Emportats’.

También se podrá disfrutar con la premiada ‘Vincles’ –Premio al mejor espectáculo de calle FETEN y Zirkolika en 2016– de Circ Bover, y con ‘Ekilibuá’ de Maintomano, en el que artistas y objetos de madera realizan equilibrios imposibles. Seis cuerpos, suben, bajan, bailan y saltan en ‘Todo encaja’, técnica acrobática pura de UpArte. Las acrobacias, en este caso aéreas acompañadas de música en directo, conforman un paisaje escénico en el que Grupo Puja! propone un viaje interior del caballero de la triste figura con el espectáculo de gran formato ‘Quixote’.

Espectáculos de reciente creación como ‘Odisea 80’ de Nacho Vilar Producciones, ‘Mira T’ de Circ Pànic –una reflexión sobre la precaria condición de la humanidad de la mano del acróbata Jordi Panareda– o ‘Wake App!’ de Zen del Sur sorprenderán al público, al igual que ‘Spaña’, una

Trapu zaharra

La veterana compañía vasca recibirá el VI Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer

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obra de humor que llega de la mano de Purna Teatre. En clave de clown, Pere Hosta transforma lo cotidiano en diferente con ‘Open de door’, y el humor es también compañero de los despistados protagonistas de la obra ‘Entre le Zist et le Geste’ de los franceses Cirque Content Pour Peu. La danza estará presente con varias piezas como ‘Asuelto’ de Hurycan; ‘Mülier’, espectáculo de danza sobre zancos que explora la identidad femenina a través del juego corporal de Maduixa Creacions; el festivo ‘Tu vas tomber!’ de Cía. Moveo o la propuesta ‘#De Traca’, de A Tempo Dansa, pieza en la que una bailarina y con la participación del público reflexiona de una manera tierna y poética sobre los refugiados.

Y la terrible realidad de los refugiados es también el tema central de ‘El viatge de la vergonya’, un “site specific” de aforo limitado que propone vivir en primera persona la odisea de los refugiados a cargo de Nafrat Collectiff. Y de aforo limitado es también ‘Momentos estelares’ de Electrico 28, una de las creaciones del proyecto ‘Embrions’ del Festival de Creación Contemporánea Escena Poblenou. La programación de esta edición se completa con la singular propuesta dirigida a todos los públicos de la artista de arena Didi Rodán ‘Huellas en la arena’ y con ‘El Mensaje de Gabriel’, espectáculo de La Cueva de Penelope que se encargará de clausurar este trigésima edición de FITCarrer. —

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XXVIII Mostra d´Igualada

Igualada pone el acento en temas tabú del teatro familiar

Fotografías de los espectáculos ‘Safari’ de La Baldufa, ‘Cospress’ de Kimani y ‘El col·leccionista de pors’ de L’Estenedor Teatre

estrenos

De los 52 espectáculos programados, 15 son estrenos (6 absolutos y 9 en Catalunya)

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a 28ª Feria de Teatro Infantil y Juvenil, que tendrá lugar del 30 de marzo al 2 de abril, contará con la participación de 51 compañías procedentes de Catalunya (38), de otros puntos del Estado (11) y de otros países (2), dando paso a 102 representaciones divididas en cuatro itinerarios o secciones en función del público al que se dirigen, y que se llevarán a cabo en 16 espacios diferentes (9 salas y 7 puntos en la calle). Las jornadas para profesionales tendrán lugar en La Llotja.

El director artístico de la Mostra d´Igualada, Pep Farrés, destaca que la presente edición pone el foco en temáticas poco tratadas en el teatro familiar o incluso tabú, como la guerra, el miedo, la identidad sexual o el culto al cuerpo, entre otros. Siete serán las propuestas programadas empezando con el propio espectáculo inaugural, que además es un estreno, ‘El Buit’, coproducción entre la Compañía Estampadas e Impàs Dansa, inspirado en el libro homónimo de la escritora e ilustradora Anna

Llenas, que ve el arte como terapia. Otro de los montajes es ‘Maravilla en el país de las miserias’ de Atikus Teatro, que habla del dolor, de la miseria y de las injusticia que provocan las guerras. ‘El col·leccionista de pors’ de L’Estenedor Teatre trata el tema de los miedos. ‘Euria’ (Lluvia) es una obra de Markeliñe que habla de lo que nos pasa y sentimos cuando perdemos algo. La pieza acaba de obtener el Premio al Mejor Espectáculo en FETEN 2017. ‘Limbo’ de Las Impuxibles es un espectáculo de teatro musical que narra las vivencias y el imaginario de un chico que antes era una chica. También cumplen estas características dos propuestas de la sección La Mostra JOVE: ‘Safari’ de La Baldufa, un espectáculo de actores y títeres ambientado en la sabana donde, a través de la situación de un león que no sabe rugir, se construye una fábula sobre el bullying en la escuelas; y ‘Cospress’ de Kimani, una obra de teatro físico y objetos que, con un tono poético, irónico y surrealista, habla de la obsesión por el culto al cuerpo. Además, dentro de La Mostra PRO, tendrá lugar una mesa redonda sobre cómo hablar de temas comprometidos o que no se tratan en el teatro familiar. Y el teatro inclusivo estará presente con la compañía profesional Pot de Teatre, formada por actores con discapacidad intelectual que representarán ‘Los músicos de Bremen in concert’. También forman parte de la programación 6 obras presentadas en el Mercado de proyectos de espectáculos, consolidando La Mostra como motor de creación. —

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XXVIII Fira de Teatre de Titelles de Lleida

Los títeres ya están de camino a Lleida La Fira rendirá homenaje a Jordi Bertran, titiritero catalán con 40 años de profesión

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a Fira De Teatre de Titelles de Lleida, que este año celebra su 28ª edición del 5 y el 7 de mayo, es considerada actualmente una de las plataformas más importantes de la profesión titiritera y de la divulgación artística. Este año, alrededor de 26 compañías procedentes de diversos puntos de la península ibérica y de otros países ofrecerán cerca de 75 funciones, programadas tanto en espacios exteriores como en sala.

La programación se extenderá a numerosas actividades paralelas como la Feria del Libro de las Artes Escénicas, la Feria de artesanos, las exposiciones, las novenas Jornadas Técnicas o el Espacio PRO, lugar de intercambio profesional que sigue adelante con varias

actividades encaradas al sector, donde la formación de profesionales tendrá más protagonismo.

Los estrenos serán varios y de todo tipo. ‘Cendres’ de la compañía franco noruega Plexus Polaire, que por vez primera se representará en el Estado español, será la encargada de inaugurar la Fira. Asimismo, cabe destacar el espectáculo ‘Hathi’ del propio Centre de Titelles de Lleida, que por primera vez en 30 años ha producido un montaje de calle, sirviéndose de un elefante de tres metros que paseará por las calles de la ciudad. También se podrá disfrutar de ‘Kitikraft’ de la valenciana Bambalina Teatre, la última propuesta de Teatre Aurora y ‘Hand stories’, del asiático Yeung Fai. Zum Zum Teatre estrenará en Catalunya ‘La gallina dels ous d’or’ y la producción ‘6º below nothing’ de Karla Kracht & Andrés Beladiez será estreno en Europa. Otros espectáculos programados son ‘Punchinelis’ de Siesta Teatro y ‘NÀUFRAGS’ de Lluís Danés–Santa Mandra. Los mejores trabajos serán premiados con los Premios Drac d’Or. —

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XI Festival Internacional Escena Mobile - Sevilla

Trabajando en favor del Arte Inclusivo Escena Mobile reconvierte su sección de artes escénicas en un certamen coreográfico con carácter internacional

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l Festival Internacional de Arte y Discapacidad de Sevilla Escena Mobile “traza un nuevo rumbo en su trayectoria en favor de la normalización y profesionalización del Arte Inclusivo con la reconversión de su sección de artes escénicas en un Certamen Coreográfico con carácter internacional”.

Con estas palabras presenta la organización el nuevo formato de la décima primera edición, formato que tiene su germen en las dos ediciones anteriores, en las cuales la dirección artística del festival optó por potenciar la innovación coreográfica a través de piezas cortas de danza.

“El Certamen no es sino una consecuencia lógica de esta evolución a través de la cual se apoya la producción de danza inclusiva, se constituye una plataforma de lanzamiento para nuevos proyectos y se fomenta una red internacional de intercambios y experiencias” explican.

En esta renovada edición, que tendrá

lugar los días 21, 22 y 23 de abril en el Teatro Alameda de Sevilla, participarán diez compañías a concurso, todas ellas con piezas en formato dúo y de la que la organización adelanta que “el 80% de estas piezas serán además estreno absoluto (...) y como preámbulo a cada uno de los días del Certamen se presentarán tres piezas invitadas fuera de concurso”. Entre ellas se encuentra la anfitriona Cia. Danza Mobile que estrena ‘Sertrifugados’, una pieza de Raúl Márquez interpretada por él El Certamen fomenta mismo y por la bailarina con discapacidad una plataforma de lanvisual Sara Gómez. La segunda de las piezas zamiento para nuevos invitadas es una coreografía de la creadora proyectos y una red suiza Andrea Frei, y la tercera es la propuesinternacional de interta ‘Meet Fred’ de los galeses Hijinx Theatre, cambios y experiencias que llega a Sevilla tras realizar más de 200 funciones en Reino Unido.

Además de la renovada sección de Artes Escénicas, en Escena Mobile siguen muy presentes otras disciplinas como las artes plásticas, representadas por el artista Ricardo Rojas y su exposición de arquitectura en cartón ‘Creando Imposibles’, además de la formación. En este apartado tendrán lugar un taller de cuentacuentos y otro bajo el título ‘Video Dance Game’, sobre las posibilidades del movimiento interactivo, sin olvidar las diversas actividades paralelas “a través de las cuales se realiza una labor de difusión y pedagogía en torno al Arte Inclusivo”. — – 36 –

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MISCELÁNEA

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Miriam Useros Barbero

Feria de Artes Escénicas de CLM

Teatralia

Del 3 al 5 de abril se celebra la XXI edición de la Feria de Artes Escénicas y Musicales de Castilla La Macha con una programación compuesta por 24 espectáculos que pondrán en escena otras tantas compañías de la propia comunidad junto con las llegadas de diversos puntos del Estado. El Teatro Circo, el Auditorio Municipal, la Filmoteca, el Teatro de la Paz y la Sala Saramago de Albacete serán los escenarios en los que disfrutar con los espectáculos de sala dirigidos tanto al público infantil y familiar como al adulto como ‘Eroski paraíso’ de Chévere, ‘Romeo & Juliet’ de Ultramarinos de Lucas, ‘La batalla’ de Burka, ‘Iberian Gangsters’ de Teatro Meridional, y ‘Comedia Multimedia’ de Emilia Yagüe Producciones, entre otros. Además el centro de la ciudad se convertirá en el escenario para las obras ‘Tempus’ de Visitants, ‘Todo en caja’ de UpArte o ‘De traca’ de A Tempo Dansa. Y como es habitual durante las mañanas se desarrollará el mercado para profesionales.

Un total de 140 funciones de 24 espectáculos conforman la programación de la XXI edición de Teatralia, el Festival Internacional para niños y jóvenes de la Comunidad de Madrid que se celebra del 3 al 26 de marzo en la capital y 31 municipios. Una edición con una programación en la que los espectáculos propuestos se unen a través de un hilo conductor apenas perceptible que entrelaza clásicos de la literatura con la vanguardia más actual. Es el caso de ‘Gretel y Hansel’ de Le Carrousel, ‘El zapatero y los duendes’ de Manicomio de Muñecos, ‘Romeo y Julieta de bolsillo’ de Compañía Criolla, ‘Moby Dick’ en versión de Teatro Gorakada o ‘Alicia’ de El Retablo. Además visitan el festival compañías internacionales como Le fil rouge théâtre con ‘Enchantés’, David DynamO Théâtre con ‘Devant moi, le ciel’, Théâtre Motus con ‘Elisapi y las auroras boreales’, Ljubljana Puppet Theatre con ‘Lamparita, Guisante y Pluma’ o Le Clan des Songes y su ‘Fragile’.

Francesc Meseguer

ALT - Festival Alternativo das Artes Escénicas El Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo celebra su última edición este año, del 10 al 12 de marzo. “Llegamos al finALT”, afirma su director Roberto Taboada, para explicar que “después de 16 años de actividad ininterrumpida el ALT muere, pero muere por eutanasia, ya que creemos en la muerte digna: terminar con una agonía que ya se prolonga en demasía”. Esta triste noticia está motivada por los incesantes recortes que ha ido sufriendo el festival desde 2012 por parte del Ayuntamiento de Vigo. “Este 2017 nos despedimos con un programa muy pequeño, sustentado básicamente por ‘ALT.procrea en Femenino’, un programa de apoyo y visivilización de la creación en femenino”, explica Taboada. Dentro de este programa el día 10 Sonia Gómez presenta ‘Bailarina’ en el MARCO que dará pasó al

estreno de ‘Bailarina Hipnótica’, pieza de Begoña Cuquejo producida por el festival que es “el resultado de un proceso de transmisión coreográfica basada en la pieza de Sonia Gómez, que durante 6 meses, y en distintas residencias, acompañó el proceso creativo de Begoña”. También en el MARCO pero el día 11, Masu Fajardo presenta ‘Sujeto visible - sujeto invisible’, pieza en la que la creadora parte de la relación entre Visible e Invisible para ofrecer una metáfora sobre la propia dualidad. Y el sábado pero en el Auditorio Municipal de Vigo tendrá lugar una sesión especial de “celebración de despedida” con la representación de la pieza ‘Antes de la metralla’ de Matarile Teatro, una propuesta escénica que no pretende ser una representación sino “un encuentro real entre personas que por una parte aportan su punto de vista y, por otra, están dispuestas a mostrarse más allá del refugio de la palabra. El objetivo es exponer algunas orientaciones e interpretaciones de la escena contemporánea desde diferentes ángulos, perspectivas o implicaciones.

Antes de la metralla se idea como un trabajo in situ”. La última función de la también última edición del ALT será al día siguiente con la presentación de ‘Wakefield Poole: Visiones y revisioes’, solo de danza de Marco Celeste González con el que realiza un estudio comparativo a partir de la figura de Wakefield Poole, uno de los bailarines americanos que formaron parte de los Ballets Rusos de Montecarlo y director de cine erótico gay. Esta obra recibió el premio de la crítica 2015 de Barcelona al mejor solo de danza.

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La primavera la escena altera en Bilbao y alrededores

Societas RC

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Félix Vázquez Marat/Sade

Atalaya estrenó esta obra de Peter Weiss en su 40 aniversario

a programación del Teatro Arriaga de los meses de marzo y abril comienza con el espectáculo ‘Serlo o no’ del prestigioso dramaturgo francés Jean-Claude Grumberg que dirige Josep Maria Flotats en una coprodución de Taller 75 y Teatre Lliure. Del 2 al 5 de marzo, los dos personajes —interpretados por el propio Flotas y Arnau Puig– y mediante el diálogo incisivo y un inteligente humor, llevarán al público a cuestionarse los temas más importantes de la condición humana. Le seguirán tres espectáculos de los que se da cumplida información en páginas precedentes de este número: ‘Ez dok hiru. Euskal musikaren benetako istorioa’ de Tartean Teatroa y ‘Strip - Tease’, producción del festival Loraldia, marco en el que tendrán lugar ambos estrenos los días 7 y 8 y 24 y 25 de marzo, respectivamente; y una obra que llega al coliseo bilbaíno pocos días

Miguel Barreto

después de su estreno en Alicante, ‘En la orilla’, una coproducción de K Producciones, La Pavana, Diputación de Valencia, Emilia Yagüe Producciones y Centro Dramático Nacional (días 10, 11 y 12 de marzo).

Del 31 de marzo al 1 de abril se podrá disfrutar con ‘In memorian. La quinta del biberón’, creación y dirección de Lluís Pasqual y Kompanyia Lliure que pone en escena una historia real, la de unos jovencísimos reclutas que lucharon por la II República en los últimos momentos de la Guerra Civil Española. Tras la coproducción de Teatre Lliure y Temporada Alta llega a Bilbao los días 21 y 22 de abril una obra dirigida por una de las figuras más reconocidas del teatro europeo contemporáneo, el italiano Romeo Castellucci, ‘Democracy in America’, inspirada en el libro homónimo escrito por Alexis de Tocqueville en 1835. Y también habrá tiempo para la ópera con ‘Combattimento’, producción del Festival Castell Peralada inspirada por la música de Monteverdi. La cita del público infantil será en marzo, del 18 al 20 con ‘Bost axola bemola’ de ABAO-OLBE y Teatro Arriaga.

La también bilbaína sala La Fundición arranca el mes de marzo con el estreno de ‘Inundación’ de Histeria Kolektiboa los días 3 y 4 (más información en la sección Estrenos de éste número) y prosigue con ‘Flores ácidas’, una retrato agridulce de la condición humana narrado con voces de

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Marion Morin

mujeres escrita y dirigida por Carlos Gil Zamora, director de esta revista, y que ha llevado a escena la compañía argentina Las Damas. De Amsterdam llega los días 11 y 12 Katie Duck para poner en escena ‘Cage’, pieza de danza con la que investiga cómo la mente se ve limitada por nuestra falta de habilidad social para liberar emociones. El teatro volverá los días 25 y 26 de la mano de Criaderos de morsa y ‘La Maratón de Nueva York’, en el que dos actores reflexionan sobre porqué corren y sobre la vida. En abril se podrá disfrutar con ‘Para regalo’, un trabajo creado por Carmen Werner –coreografía y dirección– y Roberto Torres –intérprete– a cargo de Compañía Nómada (1 y 2) y con la propuesta de danza-teatro ‘Somewhat paler’ de Bárbara Sánchez (8 y 9).

Kultur Leioa por su parte ha programado para el 10 de marzo ‘Una casa de muñecas’, producción de Teatro Arriaga dirigida por Pako Revueltas que pone sobre el escenario los ensayos de una compañía que va a montar la obra de Ibsen y las discusiones entre el elenco. El 12 tendrá lugar ‘Kaput’, espectáculo en clave de clown dirigido al público familiar de Ganso & Cia que dará paso a la compañía Rouge Élea. ‘Hau da nire ametsen kolorea’ (día 24) es un espectáculo que fusio-

na circo, danza, música y objetos y que conforma la segunda parte de un díptico sobre la memoria formado junto con la propuesta ‘Zuek’. Y la danza tiene protagonismo absoluto en el mes de abril con las piezas ‘Oskara Plazara’ de Kukai Dantza, la singular propuesta que han creado Alos Quartes & Aukeran, ‘Xihiko’ coreografía de Pantxika Telleria para Elirale y el flamenco de Marcos Vargas & Chloé Brûlé en ‘Libertino’ (días 5, 7, 9 y 29 respectivamente).

El Teatro Barakaldo Antzokia será el escenario en el que conocer dos propuestas de BAI - Bizkaiko Antzerki Ikastegia, ‘Bodas de sangre’ de Lorca y su festivo Match-Impro. (días 10 y 11 y 24, respectivamente). Teatro del Temple llega el día 25 con un clásico, ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca con dramaturgia de Alfonso Plou y dirección de Carlos Martín. Ya en abril, María Adánez y Roberto Enríquez dan vida a los dos personajes de ‘El pequeño poni’, una obra sobre el acoso escolar escrita por el dramaturgo Paco Bezerra (día 8). El 22 se podrá disfrutar con Los Ballets de Francia y el 2, será el momento de otro texto universal, ‘Marat/ Sade’ de Peter Weiss, con dirección de Ricardo Iniesta y a cargo de Atalaya, para finalizar el mes con ‘Go!azen’ de Glu Glu Producciones. —

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Premio de Teatro, Gala de Danza y más en Donostia

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demás de la vasta programación de dFeria, de la que se informa en el suplemento de este número, los diversos escenarios de Donostia acogerán una veintena de espectáculos durante los meses de marzo y abril. El Teatro Victoria Eugenia será el espacio en el que disfrutar de la conocida zarzuela ‘El dúo de la africana’ de la mano de Asociación Lírica Sasibil los días 11 y 12, que dará paso a ‘Maurizia’, espectáculo de danza con el que Aukeran Dantza Konpainia homenajea a todas las mujeres a partir de la figura de la conocida panderojole de Arratia (24). Al día siguiente será el turno de ‘La respiración’, una obra escrita entre el equipo de actores y el director Alfredo Sanzol que ponen en escena Teatro de la Abadía y Lazona y cuenta, en clave de comedia, las vicisitudes de una mujer separada.

El 27 de marzo es el Día Mundial del Teatro, fecha en la que, como es tradición, se dará a conocer el Premio Donostia de Teatro, que este año cumple

su décima séptima edición. En abril, los días 8 y 9, Héctor Alterio protagoniza la obra ‘El padre’, una farsa trágica sobre la perdida de la realidad en la vejez, y el día 15 Secuencia 3 presenta ‘Tristana’ de Benito Pérez Galdós en versión de Eduardo Galán.

Del 20 al 23 será el turno del “musical entre musicales”, se trata de ‘Cabaret, el musical de Broadway’, dirigido por Jaime Azpilicueta y a cargo de SOM Produce, que ha sido elegido como Mejor Musical de la temporada. ‘Quatre tendances’ da nombre a la propuesta del Ballet de l’Ópera National de Bordeaux (día 28) y una importante cita para los amantes de la danza, que podrán disfrutar el día 30 con la ‘XXI Gala del Día Internacional de la Danza’. Además, en la Sala Club del teatro y los días 26 y 27 se pondrá en escena la controvertida ‘Fakiu’ de Atx Teatroa.

Al Teatro Principal o Antzoki Zaharra llega L’Om Imprebís los días 17 y 18 con su último espectáculo, ‘La crazy class’, una clase de teatro muy loca en – 42 –

la que Carles Castillo y Carles Montoliu dan vida a sus doce personajes. Y el 31 Glu Glu Producciones presenta la comedia científico - musical ‘Desoxirribonukleikoa’. ‘Ele!! Lorca - Lauaxeta’ (8 y 9 de abril) es un espectáculo multidisciplinar de Karabansarai Produkzioak que tiene como hilo conductor la obra de los dos poetas.

Ados Teatroa presenta en Imanol Larzabal Aretoa los días 3 y 4 de marzo la comedia ‘Idiot Txou’ y el 17, Metrokoadroka Kolektiboa ofrece ‘Mr. Señora’, un recital de teatro creado a partir de los 7 textos teatrales que recoge el libro del mismo título de Oier Guillán en la casa de cultura Ernest Lluch. El 24 Tartean Teatroa llega a la casa de cultura de Intxaurrondo con ‘Ez dok hiru’ (más información en la sección Estrenos de este número). Gazteszena por su parte es el espacio donde disfrutar de dos piezas de danza: Breathless & Until the end de Noone Dance y ‘Suddenly’, nueva pieza de Jaiotz Osa, los días 25 y 30, respectivamente. —

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Apuesta por las propuestas del teatro más radical

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on el objetivo de impulsar nuevas dramaturgias de jóvenes creadores, el Teatro Español de Madrid ha organizado el ciclo ‘ZIP’ para “apostar también por estar al lado de las propuestas del teatro más radical”. Del 19 al 23 de abril se celebra esta “especie de maratón de teatro radical donde hasta siete compañías ‘okuparán’ todo el edificio del teatro, desplegando sus muy diversos lenguajes en los diferentes espacios (...) el espectador podrá asistir a las propuestas más arriesgadas y verlas en otros espacios de exhibición poco habituales en el Español”, explican los responsables del teatro madrileño.

‘Cabosanroque’ de Laia Torrents y Roger Aixut es un concierto vertical sin-

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fónico. Compañía Vértebro presenta ‘Ciclo de las peregrinaciones’, unas piezas que hacen referencia al concepto de identidad permeable. ‘Kokoro’ es una pieza de danza dirigida por Lali Ayguadé y ‘Anar de carenes al cel’ un artefacto compuesto por texto, proyecciones y música en directo, que propone un punto de encuentro entre la tradición y la contemporaneidad. ‘The course of memory’ es una autobiografía de la artista que dialoga con experiencias ajenas; ‘Wohnwagen’ es una propuesta de Rémi Pràdere y música de Pierre Omer y Txalo Toloza-Fernández se encarga de la dramaturgia y la puesta en escena de ‘Extraños mares arden’, coreografía creada por Laida Azkona . —

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Misántropo

MISCELÁNEA

Eduardo Moreno

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Sueño de una noche de verano

Miguel del Arco dirige ‘Misántropo’ a partir del clásico de Molière, obra de Kamikaze Producciones que obtuvo el Premio Ceres al Mejor Espectáculo en 2014. Israel Elejalde, Ángela Cremonte, José Luis Martínez, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez interpretan este montaje que podrá verse en El Pavón Teatro Kamikaze de Madrid del 9 al 26 de marzo. Alcestes es un hombre que, en mitad de una exaltada celebración, no soporta la ‘civilizada’ falta de sinceridad de quienes le rodean. Inmerso en un caso judicial y enfrentado a la sociedad, Alcestes lucha por defender su integridad frente a la vanidad, el miedo, la ambición y la euforia de su círculo más cercano. El callejón de atrás de una sala de fiestas –oscuro, sucio y con el rumor de la música de fondo– es el escenario donde se desarrolla la obra en la que Del Arco traslada los personajes del autor francés hasta nuestro siglo XXI con la ayuda de otros genios como Michel Montaigne, Michel Foucault o Luis Cernuda.

Voadora gira con su recién estrenado ‘Sueño de una noche de verano’, montaje adaptado por el dramaturgo chileno Marco Layera y dirigido por la gallega Marta Pazos. La obra realizará actuaciones en Galicia antes de presentar su versión en castellano en el Teatro Principal de Zaragoza (31 de marzo y 1 de abril). Dentro de su área de trabajo con textos clásicos, Voadora vuelve a apostar por Shakespeare y crea una propuesta sensual, enérgica y muy plausible, donde los personajes se mueven confundidos entre las normas de su clase social y sus impulsos más primarios. El montaje, de gran formato, cuenta con ocho artistas que provienen del mundo de la interpretación y/o de la danza y una novena persona ajena al mundo del espectáculo que continúa con la estela de trabajo de habitar el teatro con personas de la calle. Shakespeare presenta el tema de las transformaciones en el texto, de vivir en tránsito, e introducen en el elenco una persona trans joven.

Padre Carlos, el rey pescador

El pintor de batallas

Tras pasar por el Antic Teatre de Barcelona, la obra argentina ‘Padre Carlos, el rey pescador’ de Cristina Escofet llega a Madrid para representarse los días 2 y 3 de marzo en El Umbral de Primavera y el día 8 de marzo en la Sala Azarte. José María Paolantonio dirige esta obra interpretada por Pablo Razuk. Se trata de una pieza sobre la vida del Padre Carlos Francisco Sergio Mugica Ehagüe, que nace en el seno de una familia acomodada en la Argentina del 1930 y en medio del golpe de Estado al presidente democrático y popular Hipólito Irigoyen. Desde chico su vocación entra en disputa de ser futbolista o sacerdote. En los dos casos su deseo de vincularse con El Otro en su juventud fue determinante en el periplo de su historia. Antiperonista en su juventud y ya dedicado al sacerdocio, entra en contradicción directa con la iglesia a partir del bombardeo de la Plaza de Mayo en el Bs As del 1955, en donde murieron más de 300 civiles que manifestaban en favor de su líder político.

Jordi Rebellón y Alberto Jiménez interpretan ‘El pintor de batallas’, obra basada en la novela de Arturo Pérez-Reverte que cuenta con la versión y dirección de Antonio Álamo. El espectáculo estará en cartel del 22 de marzo al 16 de abril en la Sala Verde de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid.

Esta obra —la primera vez que una de las ficciones de Pérez-Reverte se lleva al teatro— concentra gran parte de la experiencia vital del escritor y nos confronta con la imposibilidad de mantenernos al margen, de ser solo espectadores. Un pequeño gesto, en apariencia insignificante, como el de pulsar el disparador de una cámara fotográfica, provoca una cadena de acontecimientos imprevisibles. Años después los dos protagonistas de ese gesto azaroso se vuelven a encontrar en un duelo a vida o muerte.

“Es la primera vez que aplaudo la adaptación de un texto mío sin fisuras”, ha afirmado el escritor Arturo Pérez-Reverte.

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EN GIRA

Las mujeres, protagonistas de la escena madrileña

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urante el mes de marzo se multiplican las actividades que tienen a las mujeres como protagonista. Hemos elegido tres iniciativas que se llevarán a cabo en Madrid, tres programas con y sobre las artes escénicas y las mujeres. Los Teatros Luchana proponen un ciclo de espectáculos bajo el nombre ‘Mujeres en la escena’ que tendrá lugar del 4 al 30 de marzo. 17 montajes de dramaturgas y directoras contemporáneas conforman esta programación que incluye también diversas actividades paralelas. Entre otros se pondrán en escena montajes como la tragicomedia ‘Sufrida Calo’ de Las Grotesques, ‘Fragmentos de teatro I de Beckett’ de Compañía Recabarren, la comedia negra ‘El techo de cristal (Anne&Sylvia)’ de La Pitbull Teatro o el espectáculo ‘The Funamviolistas’ de la compañía homónima.

El 25 de marzo por su parte se celebra la décima edición de La Noche de los Teatros con una programación de espectáculos gratuitos de teatro, danza y lecturas para acercar las artes escénicas al público madrileño y que este año dedica la temática de

los mismos a “la mujer y su destacado papel en las artes escénicas”. De la extensa programación prevista caben destacar las representaciones que se llevarán a cabo en la Real Casa de Correos Sol: ‘Interrupted’ de Teatro en Vilo, ‘Cáscaras Vacías’ con texto y dirección de Laila Ripoll y Magda Labarda, ‘Esencia’ de Aída Gómez, ‘Leyendo Lorca’ de Irene Escolar, ‘Mi lucha’ de Antonia San Juan, ‘Penal de Ocaña’ de Nao D’Amores dirigido por Ana Zamora o ‘Material frágil’ de Carlota Ferrer, entre otras.

Por último y dentro del ciclo de formación ‘Aprender de los maestros’ que organiza Residui Teatro, el mes de marzo está dedicado a las mujeres creadoras, motivo por el que han invitado a dos reconocidas artistas. Se trata de la actriz y escritora dominicana-york Josefina Baez y la bailarina y coreógrafa indiana de danza Kathak Vaishali Trivedi. Ambas artistas realizarán sendos encuentros con el público dentro del ciclo ‘Transmitir y transformar la herencia del laberinto teatral’ y un taller monográfico en el que compartirán su experiencia y sabiduría. —

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LUZ NEGRA

De tiempo en tiempo

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Josu Montero

Que veinte años no es nada…” dice la famosa y triste canción de la frente marchita. Bien es sabido que en la juventud –que en nuestros infantilizaos tiempos dura hasta los treinta y muchos o más– el tiempo transcurre en progresión aritmética, esto es, de uno en uno y despacito, pero que poco a poco el tiempo –o más bien la subjetiva sensación que tenemos de él– pasa a transcurrir en progresión geométrica, esto es, multiplicándose atropelladamente y arrollándonos ante nuestra estupefacción.

De Jorge Manrique a Jaime Gil de Biedma pasando por Monsieur Proust o por J.B. Prestley, el tiempo se adueña de la literatura y del teatro, que si lo pensamos bien, hasta la llegada del cine, son las únicas artes que transcurren temporalmente, que fluyen como los ríos manriqueños. “No volveré a ser joven”, sentenció Gil de Biedma, y luego constató cariacontecido y sorprendido “que la vida iba en serio”, lo de que “envejecer, morir, es el único argumento de la obra” ya se me antoja un tanto melodramático e impropio del maestro de la antisentimentalidad. El dramaturgo inglés J.B. Prestley nos anima un poco con esas obras suyas en las que nos muestra que al fin y al cabo el tiempo es relativo y está además lleno de agujeros negros que nos llevan del presente al futuro y viceversa o nos abren paréntesis temporales.

Como esos ‘Cuatro corazones con freno y marcha atrás’ de Jardiel, que una vez alcanzada la edad provecta deciden regresar paso a paso a su más tierna infancia. Idem de lo mismo hace magistralmente el gran Alejo Carpentier en su ‘Viaje a la semilla’, en el que una mansión que está siendo derruida da marcha atrás y tras volver cada elemento arquitectónico a su lugar vuelve a revivir a sus moradores; curiosamente, aunque sea hacia atrás, el tiempo corre raudo, pero se va ralentizando progresivamente a medida que llega a la juventud, a la adolescencia y, sobre todo, a la extensísima y vasta niñez, para luego ascender de regreso al útero materno. Sea como fuere, ese transcurso cangrejil no se detiene y finalmente las piedras y demás elementos de la mansión acaban desmantelados y sus materias naturales regresando incluso a las lejanas geografías de donde procedían. Así pues presente y pasado son a fin de cuentas lo mismo.

Don Marcel Proust necesitó siete prolijos y be– 48 –

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llísimos volúmenes para bucear en el tiempo pasado, y, eso sí, recobrarlo para sí y para todos nosotros a partir además de algo tan bobo como una magdalena mojada en el té. Y es que los mecanismos de la memoria son inescrutables. Constantino Cavafis, el poeta alejandrino, nos enseñó más o menos lo mismo que Proust: la mirada hacia el pasado no ha de ser elegiaca, nostálgica; bien al contrario nos sirve para entender lo vivido, para darle sentido, para iluminarlo, y por lo tanto para volverlo a vivir más plena y gozosamente, (¡chúpate esa, Gil de Biedma!). Eso sí, esa transformación alquímica se produce a través del lenguaje poético, gracias al que descerrajamos el tiempo y abrimos un boquete en su pretendida objetividad.

El gran profeta James Joyce le tocaba los huevos al tiempo con su potencia verbal; se permitió el lujazo, el tío chulo, de vivir los diez años de la Odisea de Ulises en un solo día mondo y lirondo. Ese Bloosmsday, que los forofos del dublinés siguen celebrando cada año a base de pintas, es sin duda uno de los mayores triunfos del género humano sobre el tiempo. Algo parecido, pero

en oscurísimo, hace Eugene O´Neill en su ‘Largo viaje del día hacia la noche’, en el que condensa, sin movernos además del salón de los Tyrone, no una tragedia griega, sino al menos un par de ellas, en un solo y único día de aúpa. Otro titán del tiempo es el discípulo predilecto y díscolo de Joyce, Samuel Beckett; el sí que muestra como pocos el estancado pantano en que convertimos el tiempo, ¿noche?, ¿día?, o en el que, llegados al cabo de la vida, éste se convierte: ‘Esperando a Godot’, ‘Días felices’, ‘Fin de partida’… No se me ocurre ahora mismo una puesta en escena más escalofriante y escueta y clownesca sobre la dramática torpeza del ser humano en su relación con el tiempo, esto es, al fin y a la postre, consigo mismo, que ‘La última cinta de Krapp’, esa obra que Harold Pinter quiso interpretar subiéndose al escenario un poco antes de morir.

Todo esto venía a cuento –o no– de los veinte años que cumple esta revista nuestra y de Don Carlos Gil, o viceversa. Y la verdad es que mi intención era andar en esta página otros caminos que nada tienen que ver con este finalmente andado, pero bueno, lo que me proponía contar aquí, mucho más práctico y útil que esta digresión peregrina, lo contaré en la próxima ocasión.

Y es que camino se hace al escribir. —

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VIVIR PARA CONTARLO

Recuperar la tradición oral

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Virginia Imaz

oordinado por Almudena Frances, la Asociación AEDA de Narración Oral (www.narracionoral. es) ha editado su último boletín bajo el título “Recuperar la tradición al oral”, con reflexiones que me han conmovido profundamente. A las cuenteras y narradores nos preocupa que la tradición oral esté viva, pero, la pregunta que se plantea es… ¿por qué ? ¿Por qué este empeño en rescatar y preservar la tradición oral? Me recuerdo grabando a mis parientes, principalmente a las abuelas y a las tías abuelas, desde que era muy joven. Tenía poca fe en mi memoria cuando intentaba recordar alguna de las historias que me habían contado.Y mucho más tarde, ya de profesional, me di cuenta de que a menudo después de una contada, alguna persona mayor venía a contarme alguna historia, de forma espontánea.

Así que empecé a llevar una grabadora conmigo. Es una situación que me ha ocurrido más de cien veces, en treinta años de profesión. Y es una situación que siempre me sorprende y me honra. Ser “elegida” como depositaria de un legado tan precioso también es algo que me hace sentir muy responsable. Un abuelo me dijo en una ocasión: te voy a contar un cuento que me contaba mi abuelo. Si tú no lo conoces y te gusta, quizás puedas contarlo. Es tan bonito que me da pena que nadie más lo escuche cuando yo muera. Era un cuento que yo no conocía. No lo había escuchado nunca. El cuento no es que me entusiasmara, pero me encantó el legado y lo incorporé a mi repertorio. Es algo que nos sucede a la gente que narramos según he podido saber por otras personas. En general buscamos las historias que queremos contar, pero en ocasiones, las historias nos buscan para ser contadas. Hay una conciencia colectiva empujándonos. Yo ya no me peleo. No me asusto. Sólo acepto. Agradezco ser utilizada por algo más grande que yo misma.

Porque… ¿qué es la escena sino un ritual donde oficiar de canal al servicio de la tribu y de la vida?

Al comenzar a grabar historias quizás intuía ya, que cada voz es un tesoro único y que conservarla era preservar en parte la impronta vital, la presencia de la gente que amaba. Todavía escucho alguna de estas grabaciones y me emociono. Recuerdo que no estoy sola y tomo conciencia de mi lugar en la cadena de la vida. ¡Ah, las voces…! ¡Qué fascinación…! Las palabras a veces mienten, – 49 –

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pero la voz jamás. Miope desde niña, siempre he confiado poco en lo que veía, en las apariencias.

Soy eminentemente auditiva. La gente me seduce por cómo dice lo que dice y la vida es fascinante porque tiene banda sonora. La narración oral tradicional trae voces que a su vez contienen miles de voces. La huella de los acentos y de las antepasadas está en su timbre, su tono, su color, sus inflexiones y pausas, su calidez, sus huellas emocionales. Las historias transcritas, incluso las de tradición oral, pulcramente tecleadas, perfectamente embalsamadas ya no son lo mismo. Por eso llevo un tiempo en Antzuola (Gipuzkoa), el lugar donde mi corazón ha elegido enraizarse, conduciendo unos encuentros mensuales de recuperación de la memoria oral con las personas jubiladas del pueblo, con la grabadora en la mano. La experiencia está siendo, tanto a nivel personal como a nivel profesional, profundamente nutritiva. Me gusta escuchar a la gente mayor contar historias. Me gusta escuchar a todo el mundo, pero esta generación de abuelos y de abuelas que tenemos ahora en nuestra cultura, es probablemente la última que se crió en oralidad.

Lo que no registremos amorosamente ahora, corre el riesgo de perderse para siempre. Hay una oralidad primaria, viva, imperfecta, balbuciente, políticamente incorrecta, irreverente, diversa y dispersa… que está todavía viva. Y no por mucho tiempo. Preservar este imaginario en vías de extinción se ha ido convirtiendo para mí, más y más, en una misión de vida. Yo tenía una abuela de las de antes, de las de de la guerra, se entiende, que al final de su vida de “escapaba” de la casa familiar y deambulaba, asilvestrada, por donde le daba la gana. En casa no podíamos decir que se escapaba, porque eso hubiera sido reconocer que la abuela se sentía prisionera con su propia familia, así que utilizábamos el eufemismo de que la abuela se había “perdido”. A menudo me enviaban a mí a buscarla. En una ocasión, al encontrarla le dije: “Abuela, me han dicho en casa que venga a buscarte, que seguramente andarías perdida ”. Y la abuela me contestó: “¿Yo perdida? Perdida está la gente que no sabe quién es. Que no sabe de dónde viene y que no sabe adonde va. Pero yo siempre he sabido quien soy. Y sé muy bien de dónde vengo… Y ¿sabes por qué? Porque a mí me contaron historias.

Por eso yo te las he contado a ti, para que cuando te sientas perdida recuerdes quién eres y de dónde vienes. Sólo cuando sabemos quienes somos y de dónde venimos podemos decidir libremente adonde vamos.” No pude evitar preguntarle: “Y… ¿dónde vamos abuela?” Y ella riéndose, me respondió: “A casa, ahora vamos a casa, a comer, que ya he hecho hambre.” Almudena Frances en el boletín que ha coordinado ha preguntado a colegas profesionales, por qué cuentan cuentos tradicionales y les invito a visitar la página web de AEDA, para conocer algunas de estas respuestas. —

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POSTALES ARGENTINAS

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Sobre lo político en el teatro latinoamericano

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Jorge Dubatti

n Heidelberg, Alemania, por única vez, entre el 11 y el 18 de febrero, se realizó ¡Adelante! Festival de Teatro Iberoamericano, organizado por el Theater und Orchester Heidelberg , con gran afluencia de público, en su mayoría local, que llenó las salas programadas.

La selección de los espectáculos de diez países (Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, España, México, Perú, Uruguay) estuvo a cargo de Jürgen Berger (en representación de Alemania) e Ilona Goyeneche (gestora chilena, actualmente radicada en México), bajo la dirección artística de Holger Schultze y Lene Grösch.

Se presentó además una coproducción Alemania-Chile y un libro editado con Theater der Zeit: ¡Adelante! Teatro Iberoamericano en tiempos de cambio, que reúne reflexiones de artistas, críticos y teóricos.

Hubo mesas de análisis de los espectáculos, política teatral y una muestra de artes visuales. Por el valor de las discusiones es deseable que el registro en video y fotográfico del encuentro sea accesible en algún archivo digital próximamente, como forma de conservar una memoria de su intensidad.

Una creación de Brasil, de gran producción, abrió el Iberoamerikanisches TheaterFestival: Una tragedia latinoamericana, con dirección de Felipe Hirsch, collage de tres horas y cuarto de duración sobre una selección de textos literarios de Augusto de Campos, Juan Rodolfo Wilcock, Leo Masliah, Roberto Bolaño, Guillermo Cabrera Infante y otros, en sus lenguas originales.

En este teatro liminal, cuya teatralidad surge mayormente de una literatura no-teatral friccionada con la escena, Hirsch construye una cartografía latinoamericana a partir de la polifonía y la paridad de voces literarias y actorales (el elenco multilingüístico cuenta con actores de varios países). Con la heteróclita recopilación de textos logró desviarse de la imagen que se suele atribuir, por mero “mirage” europeo, al teatro latinoamericano, en tanto lugar excluyente de representación de las crisis sociales, las dictaduras y “lo bananero”.

La Latinoamérica de Hirsch es muchísimo más compleja. Para Hirsch la “tragedia latinoamericana” es macropolítica y micropolítica, e incluye el pensamiento sobre la estética y la poética. Acaso – 50 –

la ruptura de ese “mirage” quedó expresada en el caótico estallido de un gigantesco bloque de decenas de bloques de telgopor blanco, que con laboriosa manipulación de los actores asume diferentes formas a lo largo de la pieza, todas ellas de renovado, cambiante valor simbólico.

Literatura encarnada en los cuerpos, espacio y música/sonorización ejecutadas en vivo se desvían del formato “recital” literario y recolocan los textos en otra dimensión que los resignifica.

Creemos que fue muy bueno abrir el Festival con este espectáculo, ya que desde el comienzo se invitó a pensar a Latinoamérica desde otra complejidad y multiplicidad de ángulos. ‘Una tragedia latinoamericana’ propone otra manera de pensar el nuevo teatro político.

Chile fue el país más representado, con tres espectáculos: ‘Donde viven los bárbaros’, texto de Pablo Manzi con dirección de Manzi y Andreína Olivari; ‘Nimby’, coproducción de Colectivo Zoológico con Theater Heidelberg; ‘Inútiles’, con dirección de Ernesto Orellana. ‘Donde viven los bárbaros’ es un gran acontecimiento teatral, de enorme inteligencia dramática y escénica, elaborado con mínimo despliegue de producción.

Teatro del actor y de la palabra, que explota inmejorablemente lo que en la Argentina se ha llamado la “riqueza de la pobreza”, el “hacer todo con nada”, el “menos es más”.

Con efectiva comicidad y una narrativa inteligente de múltiples planos y ritmo sostenido, que parte de una sencilla situación familiar que se va complejizando, ‘Donde viven los bárbaros’ reflexiona sobre la otredad y la diferencia en las relaciones sociales, políticas e interculturales.

Cruza dos imágenes/ideas poderosas: la del “velo” cotidiano que impide ver al otro, reconocerlo y salir a su encuentro para el diálogo posible; la de la invención del “bárbaro” (el extranjero, el migrante, el diferente, el extraño) como una construcción de la subjetividad. Velo y bárbaro interior se imponen a la experiencia de la realidad, intensificados por el miedo, la violencia de la discriminación, el sexismo. Velo y bárbaro están dentro de nosotros.

Teatro de la decolonialización y la poscolonialización, también involucrado por las problemáticas de género y violencia contra las mujeres (que invita a ver lo que “no se ve debajo del vestido”),

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POSTALES ARGENTINAS

‘Donde viven los bárbaros’ se transforma inesperadamente en un teatro de pensamiento político profundo y necesario, destinado a cumplir con inteligencia una función social y política indispensable en los tiempos de oscurantismo y guerra sorda que estamos viviendo.

No sólo constituye una brillante crítica a la derecha latinoamericana y al trumpismo xenófobos; resonó magníficamente contra la subjetividad derechizada de Alemania y Europa, puso en el tapete el neonazismo y el conflicto que implica en Europa resolver una política con los refugiados.

‘BaqueStritBoys’ (Cuba), del director José Ramón Hernández, propone desde la poética del nuevo teatro documental, con sus tensiones entre ficción y no-ficción, metáfora y literalidad, drama y vida, una mirada excepcional sobre la prostitución masculina en La Habana. Hernández ha contado con el apoyo de las investigadoras Yohayna Hernández y Marta María Ramírez, quienes aportaron insumos documentales reelaborados escénicamente por la dramaturgia del director y los actores.

Tres actores (¿acaso ellos mismos prostitutos en la vida real?; esto nunca se desambigua), desnudos, interactúan con un abogado (real) especializado en el tema, una cantante trans maravillosa (que canta y cuenta su historia) y proyecciones de entrevistas con travestis. El teatro, en su concepción liminal, tiene un alto valor artístico y a la par se transforma en una herramienta de visibilización política complementaria con la consigna “Homofobia no, socialismo sí”. Resulta estimulante el uso de imágenes y acciones metafóricas, que operan a la par como síntesis simbólicas y multiplicadoras: el trabajo con bolsas de plástico, bananas, piedras, líquido de fumigación o un merengue batido en la entrepierna. El desnudo, inexorable, adquiere en esta poética sentidos ilimitados, vinculados en primera instancia con el tema de la prostitución, pero también con el desamparo, el desenmascaramiento, la indigencia, la fantasía, la libertad y el erotismo.

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Costa Rica aportó ‘Algo de Ricardo’, con actuación y dirección de Fabián Sales, a partir del texto de Gabriel Calderón. El espectáculo se aparece, inicialmente, como una conferencia performativa del mismo Fabián Sales sobre ‘Ricardo III’ de William Shakespeare, pero promediando la obra se advierte un giro en la convención: se está ante un actor de ficción, un personaje actor (con el mismo nombre de quien actúa, pero ya no es él), que va desplegando sus miserias, violencia, egoísmo, vanidad, estupidez y vacuidad en el ejercicio de la profesión, incluso con agresión y desprecio hacia el público.

El título se resignifica: no se trata sólo de hablar “algo de” (sobre) ‘Ricardo III’ y sus personajes, sino también de sostener que “algo de Ricardo” tiene todo actor. En un sentido demitificador e irrevente, la pieza muestra al actor como un “monstruo” semejante a Ricardo III, y el ámbito teatral como campo de batalla, ambiciones absurdas y traición. Al mismo tiempo, Fabián Sales compone, de acuerdo con el ancestral cross-dressing, los principales personajes femeninos.

Esta creación de La Carne Producciones es, sin duda, una de las más inteligentes reescrituras (apropiaciones) latinoamericanas de Shakespeare y, en particular, de ‘Ricardo III’, por la original, sorpresiva política de la diferencia que traza sobre la pieza isabelina.

También la línea de las reescrituras de mitos y textos clásicos, México participó con ‘Antígona’, dirección y dramaturgia de David Gaitán y producción de Teatros UNAM. El mito de Antígona es uno de los más recurrentes en la dramaturgia latinoamericana, como ha investigado Rómulo Pianacci. Gaitán imprime al mito una singular política de la diferencia: pone a los personajes a discutir en el marco de un pseudo-juicio invocado por el personaje de “Sabiduría” (a la manera del antiguo teatro alegórico), y ante un tribunal compuesto por jóvenes. La oposición de ideas y concepciones de mundo queda manifiesta, pero sobresale el tratamiento de la ambigüedad: un Creonte joven y extremadamente simpático; un tribunal que acaba generando el acto, tan brutal como lo que repudia, de lapidar a Creonte.

Integraron la programación, además, ‘Un poyo rojo’ (Argentina), dirección de Hermes Gaido; ‘La cautiva’ (Perú), dirección de Chela De Ferrari; ‘Yilliam de Bala coming soon’ (Cuba), coreografía y dirección de Sandra Ramy; ‘Los incontados’ (Colombia), dirección de Heidi y Rolf Abdenhalden; ‘Sobre la teoría del eterno retorno aplicada a la revolución en el Caribe’ (Uruguay), dramaturgia y dirección de Santiago Sanguinetti; ‘Hause in Asia’ (España), de Álex Serrano, Pau Palacios y Ferrán Dordal.

El teatro latinoamericano mantiene intacta, a través de las décadas, su fuerza política, gracias a la búsqueda y construcción de nuevas poéticas para la escena. Es deseable que se dé periodicidad a estos encuentros, ya que contribuyen al conocimiento de algunas de las zonas más valiosas del teatro iberoamericano fuera de su contexto, y esto genera un diálogo de cartografías de alto valor político en el mundo actual. Sabemos del esfuerzo económico, cultural y logístico que ha hecho Heidelberg para concretar esta magnífica reunión teatral. Sería bueno que los gobiernos de los países latinoamericanos estuvieran más presentes con su compromiso real (no virtual o nominal) en una próxima oportunidad. —

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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Responder a Trump

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Jaime Chabaud

acer parodias de Donald Trump ha sido inevitable, viral, urgente y sencillo para el mundo. Pasa por mi cabeza la preocupación de que parecen estar más conscientes en otros países del peligro que representa para México el personaje, que los propios mexicanos en general. Por ello resulta apremiante responder también desde la cultura y el arte porque son bisagras que pueden detonar la reflexión y la acción. Los mecanismos pueden ser muchos: el humor, la ironía, la proyección futurista de la catástrofe, etcétera. Igualmente no se limita a formato alguno aunque por lo pronto la farsa descarnada sea la respuesta iracunda que parece más a la mano para azotar no sólo al nieto de migrante alemán dueño de burdeles, nuevo habitante de la Casa Blanca, sino también para fustigar al pusilánime de Los Pinos con casa blanca (en algo habían de coincidir).

El cantautor cubano-mexicano Alejandro García “Virulo” lleva meses cantando los peligros trumpianos a través de su sin igual humor: “Qué le pasa a Donald Trump / Que se peina de prestado /Algo le han querido hacer los mexicanos /O tal vez Carlos Slim se lo ha chingado…” En los terrenos del cabaret, Ceci Sotres y Andrés Carreño encarnan a Peña Nieto y a Trump en el espectáculo ‘Dos copetes de cuidado’ en el Teatro-Bar El Vicio y no es difícil suponer que cada noche tienen carnita fresca para matarnos de risa porque el par de oligofrénicos que lo inspiran resulta fuente inagotable. La caricatura política tiene material para mil años. El teatro, sin embargo, a veces tarda demasiado en responder.

Cuando hablo de que el arte, y en particular el teatro, tienen hoy un papel urgente, quisiera pensar en que no planteo solamente abordar lo que se nos viene desde la inmediatez, el chiste, la parodia (necesarias y poderosas), sino también desde otros niveles de lectura de la realidad. Recuerdo en 1995 cuando Vicente Leñero, Luis de Tavira, Víctor Hugo Rascón Banda y un grupo de creadores se plantearon el proyecto Teatro Clandestino que era una manera de responder desde el escenario a la encrucijada que abría el levantamiento zapatista en Chiapas, encabezado por el Subcomandante Marcos. Teatro Clandestino era urgencia, inmediatez y, al mismo tiempo, análisis profundo del contexto político-social. Era un teatro que intentaba adelantarse a la realidad o – 52 –

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cuestionarla con la prontitud necesaria para generar un cambio, opinión, memoria adelantada (en esa rara virtud del teatro de “recordar para adelante”, diría Juan Tovar en ‘Manga de Clavo’).

‘Todos somos Marcos’ de Leñero fue una de las obras que guiaba ese breve movimiento.

Cuatro mujeres curtidas por el sol, de manos ajadas por el trabajo con la tierra, con arrugas prematuras tres de ellas y ora con carreteras surcándole el rostro añoso, deciden juntar dineros para que se construya un muro. Un muro que impida a sus maridos, hijos y nietos las dejen solas, abandonen el terruño, la milpa, la silla junto al fogón de barro y las dejen esperando con los uchepos y las corundas enfriando para siempre en un plato despostillado y humilde.

Y estas mujeres juntan aún otros pequeños recursos para ir a la embajada de Estados Unidos en Ciudad de México para ofrecer los dineros reunidos para que el señor Trump construya su muro para que no les maten o apresen a sus hombres, para que no se vayan. O peor, para que no regresen después de años y las dejen infectadas con VIH Sida.

El anterior es uno de los muchos argumentos que se pueden emprender en un teatro que responda a las políticas del infame Trump. Está apartado el argumento anterior, que conste.

Pero muchos otros aparecen para un teatro de emergencia que nos regrese la dignidad y nos involucre como artistas dignos de mi país. Otro, por ejemplo, requiere de historiadores expertos que nos asesoren: recuerdo que alguien, alguna vez, me contó que cuando Antonio López de Santa Anna (el presidente al que los gringos robaron la mitad del territorio) se hallaba preso en cárcel norteamericana, su guardia de vista era un tal capitán Adams. Su Alteza Serenísima masticaba de cotidiano algo y el capitán, intrigado, preguntó al fin: era chicle. Y al parecer dicho capitán conquistó bajo su apellido el mercado gringo de la goma de mascar. De ser cierto, es una joya sobre cómo el pueblo del otro lado del Río Bravo debe tanto a México.

Otra de esa época es la historia del Río Nueces y de cómo los militares norteamericanos (perfectamente equipados, con armamento nuevo, bien vestidos y alimentados), fingieron un ataque de los malvados mexicanos en 1846. Este pretexto fue el fulminante que encendió la guerra entre las dos naciones y nos costó la mitad del territorio. La ironía es que los soldados mexicanos, huarachudos, harapientos, muertos de frío y con armamento de la época de la colonia o la independencia (siglo XVIII), poco podían hacer. ¿Cuántas historias pueden contarse? No hay más que asomarse a la nota roja de ambos lados de la frontera para construir una nueva, una que nos diga e inflame nuestra indignación y nuestro coraje. —

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EL LADO OSCURO

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La locandiera de Goldoni como primera experiencia

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Jaume Colomer

ace unos días asistí, en la Biblioteca de Catalunya, a una representación de ‘La locandiera’ de Carlo Goldoni producida por La Perla 29, dirigida por Pau Carrió y protagonizada por Laura Aubert y David Verdaguer.

El espacio escénico es singular y la puesta en escena me sorprendió muy favorablemente porque tuve la sensación de haber participado en una magnífica fiesta teatral. La historia sucede en una locanda italiana que su dueña Mirandolina, una joven atractiva y seductora, gestiona con la ayuda de Fabrizio. Al entrar uno de los actores te acomoda en una mesita redonda con mantel de cuadros y compartes la mesa con otros espectadores. Estás, en una trattoria con olor a pasta y queso. Y empieza la función...

Para describir la experiencia citaré un fragmento de un comentario publicado por un espectador en la web de Teatre Barcelona: “Si pensáis que sólo vais a ver teatro os equivocáis. Vais a hacer un viaje a Italia y os alojaréis en una vecindad donde pasaréis una velada que os hará reír y disfrutar de tal manera que no recuerdo haberlo hecho con tanta intensidad desde hace tiempo. Fantástica la escenografía que ha convertido la nave gótica de la biblioteca en un hostal y sustituido las gradas por mesas y dónde, además de ver el espectáculo, los propios actores te sirven en el descanso un plato de macarrones. Genial la orquestina formada por los propios actores interpretando temas italianos de los años 60. Uno de los factores que hace que los espectadores disfruten una comedia es ver que en escena los actores también se lo pasan bien, cosa que sucede en este caso. Todos los actores, sin excepción, están espléndidos en sus personajes. Recomendable no, imprescindible!”

En su comentario, el espectador destaca, principalmente, cinco elementos: la obra, la interpretación, la escenografía, la música y la puesta en escena. Yo destacaría también el encaje perfecto de estos cinco elementos en una fiesta teatral completa e intensa porque la vivimos desde dentro como protagonistas reales de la historia.

Pretendo partir de esta experiencia singular para argumentar que esta función sería una excelente primera experiencia para espectadores noveles con el objetivo de provocar en ellos el deseo irrefrenable de repetir.

En algunos foros se discute a menudo sobre qué – 53 –

estrategias podemos aplicar para la formación de nuevos espectadores. Los expertos consideran que hay que gestionar bien varios elementos: a. La obra debe ser de calidad y accesible a todos los públicos. Esta es la primera condición imprescindible. b. La puesta en escena debe ser concebida para ofrecer a los espectadores una experiencia vital integral y placentera. Se debe ofrecer un espectáculo vibrante, intenso y festivo arropado por una atención personal amable con aquellos servicios que puedan ayudar a los espectadores a disfrutar del momento (cafetería, por ejemplo). Hay que planificar el antes, el durante y el después desde la perspectiva de la primera vez y las inseguridades que conlleva. c. Para conseguir que los ciudadanos sin intereses escénicos compren entradas hay que pensar y gestionar bien la comunicación y aplicar las propuestas metodológicas del marketing relacional. Para ello hay que hacer una buena segmentación y comunicar a cada segmento, por los canales adecuados, los argumentos que conectan con sus valores y la experiencia que buscan, así como los precios promocionales exclusivos que se les ofrece por ser la primera vez. d. El sistema de ticketing, además de accesible y fácil de usar, debe tener en cuenta los distintos bioritmos en la toma de decisiones: la venta anticipada para las personas mayores y los amantes de la seguridad, y la venta el mismo día para la generación whatsapp que decide en grupo cómo ocupa su ocio en el último momento. e. Antes de la representación o al finalizar la misma, hay que conseguir los datos de contacto de los espectadores. Eugene Carr insiste, con razón, que hay que eliminar “la quinta pared”, la que da a la calle y que comporta la pérdida de capacidad de contacto con los espectadores una vez abandonan el recinto. f. Si la experiencia ha sido satisfactoria para los espectadores y hemos conseguido sus datos de contacto, podemos dialogar con ellos el día siguiente y preguntarles si tienen interés en participar en una segunda experiencia. La mayoría confirmarán su interés y serán candidatos a repetir. La segunda experiencia es el camino eficiente para la consolidación de intereses escénicos. —

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El MÉTODO GRIEGO

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Festival de Epidauro(s): el programa

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María Chatziemmanouil

ay un refrán griego que dice que el verano empieza en marzo y el invierno en agosto. Puesto que estamos a comienzos de marzo, hagamos, pues, nuestros planes teatrales de cara al verano. Y veamos primero el festival nacional más importante que es el de Epidauro. (El próximo artículo tratará sobre el programa del Festival de Atenas).

Del teatro grande de Epidauro más o menos se sabe. Pero no del pequeño, situado junto al mar, en el pueblo de la antigua ciudad de Epidauro.

Tiene un aforo para unas 2.000 personas y se fundó en el siglo 4º A.D. Está dedicado al dios Dionisos. Los epígrafes son una de sus características fundamentales, y la razón por la que se ha transformado en un verdadero museo vivo.

De allí que se llame “teatro hablante”. Después de 23 siglos de silencio, en 1971 comenzó la excavación y desde 1998 se organizan allí conciertos musicales cada julio. Desde 2002, el teatro participa en el Festival de Atenas-Epidauro, acogiendo conciertos de música y montajes teatrales.

Este año adquirirá por primera vez un carácter diferente, al vincularse directamente con el Liceo de Epidauro (que se inaugura este año) y sus clases. La temática del Liceo, a la que se van a adaptar ambos teatros de Epidauro, girará en torno a la llegada del extranjero en la tragedia y la comedia antigua. Así pues, este año se estrenarán en el pequeño teatro tres montajes resultantes de las clases del Liceo y de su temática, dirigidos por tres de los directores más destacados de nuestra nueva generación teatral: 1. Medea de Eurípides, dirigido por Dimitris Karantsás 2. Cíclope de Eurípides, dirigido por Pantelis Dentakis 3. Dos rapsodias de la ‘Odisea’, dirigidas por Ió Vulgaraki Por otra parte, parece que en el Teatro (Grande) de Epidauro, este será el año de Eurípides y Esquilo, puesto que habrá solo un montaje de Sófocles y uno de Aristófanes. Más concretamente: El Teatro Nacional de Grecia estará presente con dos producciones: la tragedia de Eurípides ‘Alcestis’ dirigida por la joven y talentosa directora Katerina Evanguelatos (es su primera dirección en el teatro argólico) y la comedia aristofánica ‘Paz’ dirigida por el reconocido director Konstantinos Arvanitakis, quien colaborará inespera– 54 –

damente con el compositor Nikos Kipurgós y el cantante subversivo e iconoclasta Tzimis Panusis, un artista muy popular en Grecia durante los últimos 40 años.

El Teatro Nacional del Norte de Grecia va a repetir su éxito del 2016, la tragedia de Esquilo ‘Siete contra Tebas’, dirigida por el lituano Chésaris Grausínis, con el destacado protagonista Yianis Stánkoglu en el papel de Eteocles.

El Teatro de Arte de Atenas vuelve a Epidauro con la tragedia de Eurípides ‘Medea’ protagonizada por la brillante María Nafpliotu y dirigida por la directora artística del mismo teatro, Mariana Cálbari.

Uno de los estrenos más esperados es la producción del Teatro Nacional de Chipre (THOC) de la obra de Esquilo ‘Persas’, principalmente porque será dirigida por el joven y talentoso músico y director Aris Biniaris y protagonizada por Kariofyliá Karabeti, la mejor actriz griega de su generación quien interpretará el papel de Atosa.

El Teatro Municipal de Patras presentará ‘Edipo en Colono’ con su director artístico, el actor Kostas Kasakos, en el papel del viejo y exiliado rey de Tebas, en dirección de Stavros Tsakiris.

El último montaje será ‘Las Bacantes’ de Eurípides, dirigida por el joven director Héctor Ligizos y con Argyris Pantazaras en el papel de Dionisos.

Se trata de uno de los actores emergentes más interesantes, de los últimos años quien ha sido alabado por la crítica y el público y multipremiado por su interpretación en ‘Faust’ (en el papel del Mefistófeles) y en ‘1984’ de Orwell (ambos montajes dirigidos por Katerina Evanguelatos). ¿Estáis preparando las maletas para Grecia este verano? ¡Hacéis muy bien! —

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LAS LEJANÍAS

Conocimiento es poder

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Carlos Be

e un tiempo a esta parte no dejamos de escuchar que “la información es poder” y yo me pregunto quién habrá sido el primero en abrir el hueco de sus manos y ofrecer tal frase al cielo. Dice Google que se trata de Francis Bacon, quien adoba esta sentencia con otra del mismo estilo: “El hombre no es sino lo que sabe”, a pesar de que la frase en cuestión no aparezca en ninguna obra escrita de Bacon, sino en la de Thomas Hobbes, tres generaciones más joven que el anterior aunque por la fotografía de referencia que ha escogido Wikipedia para ilustrarnos su retrato pueda parecernos el tatarabuelo de Bacon. “Knowledge is power”, es la frase en inglés, vaya una traducción liberal la anterior: “El conocimiento es poder”. Wikipedia ya no se moja a la hora de asignar la autoría de la siguiente cita: “El dominio público de la información creará conciencia y nos hará libres”. O se trata de otra traducción liberal o su origen se ubica bastante más cerca de nuestro siglo que del de Bacon y Hobbes.

Llevo cerca de un año impartiendo tutorías individualizadas de escritura teatral y si algo puedo destacar de los escritores que han acudido a mí –además del riesgo de sus propuestas literarias, la mayoría de ellas nada convencionales, y en las que se nota que el escritor deja algo de sí palabra tras palabra– ha sido el talento, un talento que les lleva a perseverar en la escritura aunque muchos de ellos ya hayan dirigido sus carreras profesionales hacia otros destinos, algunos más cerca de la dramaturgia teatral que otros. También me sorprendió que no contaran con ciertas informaciones acerca de las posibilidades que posee un texto recién terminado aparte, claro está, de irse directamente al fondo del cajón del escritorio.

Soy de la opinión que el talento no puede estar supeditado a la falta de oportunidades y es por esta cuestión que retomo el tema de la información y el conocimiento. Durante muchos años me he dedicado a recabar información acerca de los certámenes literarios, ayudas y subvenciones, residencias y demás apoyos tanto públicos como privados para descubrir que tal información es poder y, por desgracia, muchas personas que la poseen se muestran reticentes a compartirla, algo por otra parte muy característico de este tipo de personajes que destacan en el panorama teatral, y por extensión literario, – 55 –

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más por sus artimañas que por su talento. Hay que aclarar que la siguiente relación que quiero compartir con vosotros no supone la panacea de nada, porque en todas partes cuecen habas y una convocatoria literaria puede contar con un jurado no amañado pero también con uno amañado o uno que antes no estaba amañado y ahora sí –generalmente es difícil dar con un jurado amañado que ya no lo esté, o al menos yo no tengo constancia de este cuarto tipo de jurados en la escena española de los concursos y certámenes literarios–. Otras convocatorias esgrimen unos requisitos tan draconianos que ya apuntan directamente al ganador y otras favorecen la segregación en los autores (sólo pueden participar autores de la SGAE, sólo pueden participar mujeres...), ya no en la temática de la ficción ni el género, algo que nunca he logrado entender al menos si sigues yendo de “liberal” y “público” cuando no lo eres.

En fin, no me enrollo más. Aquí está el listado.

No están todos los que son pero son todos los que están. Espero que os aprovechen. ¡Salud y muchas letras!;-)

Escritores.org > http://www.escritores.org Iberescena > www.iberescena.org http://www.madridartprocess.com/concursos-arteconvocatorias-becas.html http://www.cultunet.com/es/recursos-culturales/convocatorias http://www.mzv.cz/madrid/es/cultura_becas_cursos/ index.html http://www.accioncultural.es/es/programa_movilidad http://www.iac.org.es/tag/becas-y-ayudas http://hipermedula.org/convocatorias/ http://www.injuve.es/convocatorias/becas/ayudasfundacion-bbva-a-investigadores-innovadores-y-creadores-culturales http://www.resad.es/departamentos/dramaturgia/ convoc_drama.htm http://www.madrid.org/cs/Satellite?cid=12249152422 85&language=es&pagename=PortalContratacion%2FPa ge%2FPCON_buscadorAvanzado http://lletrescatalanes.cat/ca/patrimoni-literari/basede-dades-premis-literaris http://www.convocarte.com/listaconvocatoriasarte.php http://playsubmissionshelper.com/blog/?blogtop http://recursosculturales.com/convocatorias-y-oportunidades/ http://www.xtrart.es/category/xtrart-jobs/ https://www.culturepartnership.eu/en/opportunities https://www.opensocietyfoundations.org/grants http://yeseuropa.org/category/empleo-internacional/ http://www.agetec.org/category/convocatorias/ http://www.madrid.es/portales/munimadrid/es/Inicio/ Cultura-ocio-y-deporte?vgnextfmt=default&vgnextchannel= 7911f073808fe410VgnVCM2000000c205a0aRCRD&vgnex toid=7911f073808fe410VgnVCM2000000c205a0aRCRD http://www.redescena.net/actualidad/listado. php?tipoNoticia=5&text=&start=0 http://www.salabeckett.cat/es/becas-y-otras-convocatorias/ http://queer-zines.tumblr.com/ http://www.berlinerfestspiele.de/en/aktuell/festivals/ theatertreffen/stueckemarkt_tt/ausschreibung_stm/ ausschreibung_stm_1.php http://www.lacasaencendida.es/convocatorias https://obrasociallacaixa.org/es/convocatorias http://www.tea-tron.com/convocatoriasayudas/blog/ http://factoriaculturalmadrid.es/becas/

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

La arrogancia de los perdedores

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Victor Criado

Recibo una invitación para asistir a una representación de ‘La casa de Bernarda Alba’ en el Kulturhuset, en Stockholm. En una breve presentación la directora de la puesta en escena indica que se trata de “una afilada pieza humorística sobre el fascismo y el control social, en la cual un grupo de seres humanos reaccionan ante una situación en la cual todos comparten la responsabilidad sobre las normas a seguir y los actos individuales”.

2. Decido leer un artículo en un periódico español de gran tirada y prestigio en el cual un reputado escritor reflexiona sobre sus preferencias a la hora de asistir a una representación teatral sobre un clásico. En el artículo el autor reniega de las puestas en escena modernas, en las cuales se tergiversa, siempre según su criterio, el sentido original de la obra, con mal gusto casi siempre, llegando a cambiar el sexo de los personajes principales, lo cual distrae al autor del artículo nuevamente de la trama.

3. Reacciono con cierta indignación, no exenta de suficiencia y superioridad, a la información que leo sobre la obra de Federico García Lorca.

Pienso que ese espectáculo está condenado al fracaso, ya que la directora ha traicionado el espíritu original con el que fue concebida la obra.

No puedo evitar una sonrisa maliciosa: ¿cómo es posible que considere la obra de Lorca una comedia?

4. Reflexiono sobre el artículo de ese escritor. ¿No se da cuenta de que lo que hizo Shakespeare con muchas de sus obras no fue sino una actualización, adaptación o versión de historias anteriormente contadas? Sin duda que mejorando los originales, pero su trabajo fue transformar, darle una vuelta de tuerca, actualizar. Por lo que concluyo que, o bien ese afamado escritor desconoce el origen de una parte de la obra de William Shakespeare (que es tan brillante como la que creó sin fuentes previas) o simplemente desde la ventana que le concede ese medio de comunicación decide sentar cátedra sobre lo que es, siempre según su propio gusto, buen teatro basado en textos clásicos.

5. Días más tarde me doy cuenta de que la crítica que hago a la directora de la pieza de Lorca y la reflexión que hago sobre el articulista del medio de comunicación se contradicen, ya que lo que reprocho en una, lo utilizo en sentido inverso para desmerecer la opinión, lícita como cualquier – 57 –

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otra, del escritor. La directora ofrece una lectura de la obra de Federico García Lorca tan novedosa como arriesgada, algo que el articulista sin duda reprobaría.

6. Me doy cuenta también de que el escritor crítica todo aquello que suponga una modificación, tanto en la interpretación del texto como de la elección del elenco, de su idea de “cómo debe montarse a Shakespeare”.

7. La directora sueca decide hacer una lectura “errónea” de la pieza lorquiana.

8. Unas actrices españolas cargan contra la opinión del articulista, por considerar que su artículo fomenta algunos prejuicios machistas, que el propio autor niega en una respuesta airada y con cierta superioridad.

9. Veo arrogancia por todas partes. En la directora sueca, en el escritor del periódico de gran tirada, en mi mismo ahora convertido en articulista, en las actrices…

10. Considero entonces que debo bajarme de la burra de las opiniones arrogantes, aquellas que tiene su origen en una aparente victoria del conocimiento, principalmente porque considero que, en aquello que atañe alas artes escénicas (que es lo que conozco un poco), no hay una verdad tan definitiva, tan positivista, como para apropiarse de la vara de mando y comenzar a fustigar a los demás. Lo que hay es un campo abierto, lleno de minas es cierto, sobre el que podemos ir construyendo, a veces siguiendo los planos marcados, y en otros casos, comenzando desde la base, pero siempre teniendo en cuenta el paisaje que nos rodea.

11. Entonces me viene a la mente la frase de H. Muller en su obra ‘Camino de Wolokolansk’, la que da título (con una leve variación) a este artículo: ‘La arrogancia de los vencedores’, refiriéndose a las tropas nazis en su incontestado, hasta aquel momento, avance hacia Moscú.

12. Mejor, concluyo, dejar hacer, dejar pensar, dejar jugar libremente con todo lo que tenemos a mano: historias escritas o contadas, experiencias adquiridas. Nuevas y más evolucionadas formas de considerar al ser humano con sus normas, códigos éticos y roles en continuo movimiento.

En resumen, mantenernos en el territorio de los perdedores, allí donde la humildad y el respeto echan raíces.

Como el número que continúa no me gusta demasiado dejo aquí el artículo deseando que el espectáculo de la directora sueca tenga una buena acogida, confiando que el articulista se arriesgue a ver alguna “novedosa adaptación” de algún clásico, que las actrices airadas sigan interpretando los roles que puedan, independientemente del sexo en el que fueron concebidos, y en lo que a mi respecta, que sea capaz de leer todas esas noticias dejándome guiar sólo por el respeto que siento hacia el teatro, sin más.. —

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Teatro completo de Koltés Dentro de la Serie Dramaturgia de la Colección de Artes Escénicas, la editorial mexicana Paso de Gato ha publicado ‘Teatro completo I’ y ‘Teatro completo II’ de Bernard-Marie Koltés. En el primer volumen se recogen las obras ‘Las amarguras’, ‘La caminata’, ‘Proceso ebrio’, ‘La herencia’, ‘Relatos muertos’, ‘Voces sordas’ y ‘Combate de negro y de perros’ acompañadas de los prólogos de David Ferré, Christophe Bident y Arnaud Maïsetti. En el segundo tomo –con Édgar Chías y Beatriz Luna como editores–, se incluyen algunos de los textos dramáticos más reconocidos del autor: ‘El día de los homicidios en la historia de Hamlet’, ‘Sallinger’, ‘La noche justo antes de los bosques’, ‘Muelle Oeste’, ‘Tabataba’, ‘En la soledad de los campos de algodón’, ‘Retorno al desierto’, ‘Roberto Zucco’ y ‘Coco’, Las obras de ambos volúmenes han sido traducidas por Pilar Sánchez Navarro.

Galardonado con el premio al mejor texto original 2016 otorgado por la SGAE en el Festival FETABI de Bilbao, esta nueva obra de Fer Montoya que ha publicado Artezblai recoge siete citas amargas y divertidas que conforman una red de relaciones en torno a una carnicería.

Las canciones que les cantaban...

Con este texto Raúl Dans ha sido galardonado con el XXIV Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela. Publicada dentro de la colección Teatroautor de Fundación SGAE, es una obra de contenido político en la que se exploran temas como la culpa, la redención y el perdón.

Trilogía del infinito

Hola y chau, papá

La Uña Rota presenta una nueva trilogía de Angélica Liddell, ‘Trilogía del infinito’ a la que definen como “una ‘Eneida’ delirante, una guerra por la nostalgia de la belleza en busca de lo inaprensible, de lo sagrado”. Los textos que reúne este libro son ‘Esta breve tragedia de la carne’ una nueva versión de ‘¿Qué haré yo con esta espada?’

‘Génesis VI: 6-7’ de los que los editores dicen “son una rebelión contra el racionalismo y nacen del enfrentamiento entre la prosa del Estado y el arrebato del Espíritu”. En palabras de la también dramaturga María Velasco, con esta nueva trilogía Liddell –autora de obras como ‘El año de Ricardo’ o ‘La casa de la fuerza’, “continúa danzando para no morir; a las afueras del logos, como una Medea extranjera en el siglo XXI; por la tragedia, su Dios, o lo que es lo mismo –y como todo lector del Antiguo Testamento sabe– el sexo y la violencia”.

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De la mano de la editorial argentina Quipu llega ‘Hola y chau, papá’ una obra de teatro en un acto de María Inés Falconi dirigida a niñas y niños a partir de 8 años en la que su protagonista cuenta cómo que “desde que mis papás están separados, todo se tiene que hacerse separado”.

La vida de los salmones Itziar Pascual es la autora de esta obra protagonizada por una mujer y una niña que luchan para descubrir los monstruos de un pasado de guerra.

Dirigida a niños y niñas a partir de 10 años, se presenta acompañada de ilustraciones de Beatriz Castro. Una coedición de Anaya y Fund. SGAE.

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Zirkolika

Con el número 62 la revista de danza ‘SusyQ’ cumple su décimo aniversario y lo celebra con una edición especial de 50 páginas en la que recuerdan diez acontecimientos que en su momento fueron portada además de un amplio reportaje sobre Peeping Tom y varias entrevistas.

Un reportaje sobre la décima edición del Festival Internacional de Circo de Albacete es el encargado de abrir su número 51 y al que le siguen otros como la experiencia vivida por un colaborador de la revista con el Circo Nacional de Cuba además de diversas entrevistas y sus secciones habituales.

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Impro. 90 juegos y ejercicios...

El arte de ser payaso

Alfredo Mantovani, Borja Cortés, Encarni Corrales, Joserra Leza y Pablo Pundik son los autores de ‘Impro. 90 juegos y ejercicios de improvisación teatral’, un libro que reúne, en fichas claras y concisas, 90 propuestas creativas y juegos con variantes fáciles de aplicar publicado por Octaedro.

La vida no es puro teatro Javier Tenías es el autor de este libro de Ediciones Dispares y cuyo subtítulo ‘Aportaciones desde el mundo escénico para una vida sin manual de uso’ es un estudio que parte del teatro creativo, es decir parte de la práctica del teatro para “arrojar algunos puntos de luz” sobre esta sociedad.

En ‘El arte de ser payaso’ , su autor, Hernán Gené reúne, partiendo de su propia experiencia, una serie de herramientas y ejercicios para conocer y practicar el oficio del payaso. Con el material que incluye esta nueva publicación de la editorial Artezblai, Gené “guía al lector durante todo el proceso, desde la explicación sobre qué es un clown hasta el primer montaje, un camino de experimentación y descubrimientos que llevará al interesado a revelar su propio clown”. Esta edición se acompaña de un prólogo de José Pedro Carrión en el que define a Gené como un “payaso serio” que en palabras del actor significa que es “un payaso que tiene mucho fundamento”. Un libro valioso para principiantes y profesionales, interesados y curiosos que “si ayuda a que aumenten las mujeres y los hombres que eligen la risa como oficio, sea muy requetebienvenido” afirma su prologuista.

Europa en su teatro

Lo singular

Un grupo de profesores especialistas del teatro español, francés e italiano coordinados por Irene Romera Pintor, reflexionan sobre los orígenes de la tragedia, el teatro como espectáculo y el espacio escénico y rinden homenaje a Federico Doglio en esta publicación de la Universitat de València.

Navegaciones escénicas En ‘Navegaciones escénicas: de la aldea global a la táva teatral guaraní’ la paraguaya Raquel Rojas realiza un recorrido por la historia universal del teatro desde una perspectiva contemporánea. Una publicación de la editorial Servilibro de Paraguay con prólogo de Ticio Escobar.

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La editorial Continta me tienes ha publicado ‘Lo singular’ continuación práctica de ‘Notas sobre pedagogía y movimiento’ –publicada también por la editorial madrileña– y con la que Lucas Condró y Pablo Messiez inauguraron ‘Asymmetrical-Motion’ , un proyecto de investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea. En este ensayo, Condró – bailarín, coreógrafo y docente natural de Buenos Aires–, propone una serie de procedimientos para el cuerpo sobre lo uno, el sí mismo y la relación con los otros. Todo ello con el objetivo de pensar y producir expresión, a producir efectos, ya que, según sus propias palabras “toda puesta en relación crea un juego continuo de cercanía y distancia donde emerge la posibilidad de lo singular, o sea, de algo que se desprende de mi propia naturaleza pero que a la vez me permite alejarme de ella”.

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ADE Teatro

Latin American Review

Junto con el texto teatral ‘Puertas afuera (por debajo las palabras)’ de Blanca Baltés, el nº 163 incluye tres temas centrales, cada uno de ellos con varios artículos: el centenario de Buero Vallejo, la Compañía Nacional de Teatro de México e Ideología, dramaturgia y tecnología en el teatro.

El número 50 de esta publicación de la Universidad de Kansas incluye varios artículos y reportajes sobre el teatro mexicano, además de una entrevista con la también autora mexicana Elena Guiochins y las habituales secciones como las de críticas de espectáculos y crónicas de festivales.

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ZONA ABIERTA

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Teatro en NY: Obras para una época de incertidumbres Alejandro Varderi

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uizás el episodio más distintivo del ambiente puesto a marcar la temporada teatral neoyorkina haya sido la intervención de Brandon Victor Dixon, el actor afroamericano que interpretó al tercer vicepresidente de los Estados Unidos, Aaron Burr, en el musical ‘Hamilton’ de Lin-Manuel Miranda, conminando al actual vicepresidente, Mike Pence, sentado esa noche entre el público, a reconocer la importancia de la diversidad racial y de los inmigrantes en el desarrollo del país. Una preocupación haciéndose eco en otras salas de la ciudad, de la mano de actores, autores y directores, como Ivo van Hove —‘The Crucible’ de Arthur Miller y ‘Kings of War’ de William Shakespeare—, Richard Nelson — ‘The Gabriels’ del mismo Nelson— y Declan Donnellan — ‘The Winter’s Tale’ también de Shakespeare. Obras todas donde la pregunta es, justamente, cómo lidiar con la ignorancia, el miedo y el resentimiento, que los populismos y absolutismos explotan a su favor para hacerse con el poder e imponer sus dogmas.

Lo divisivo de las últimas elecciones, donde el nuevo presidente ha obtenido dicho poder explotando el discurso del odio para enfrentar a la población, espejea las arengas tristemente célebres de otros gobernantes que solo dejaron a su paso ruina y destrucción. ‘Kings of War’, visto en el Harvey Theater como parte del Next Wave Festival de la Brooklyn Academy of Music (BAM), resultó ser en este sentido premonitorio y un extraordinario tour de force del Toneelgroep Amsterdam, para revisitar la trilogía del terror inglés compuesta por Henry V, Henry VI y Richard III. Desde la Guerra de los Cien Años con Francia, pasando por la Guerra de las Rosas y la multitud de rebeliones y conspiraciones, en una época de gran violencia para Inglaterra y el resto de Europa, la versión de Van Hove trasladó la acción a nuestra contemporaneidad, en un guiño a los eventos que van a marcar los destinos de la cultura anglosajona a ambos lados del Atlántico en el tiempo por venir: la ruptura del Reino Unido con la Comunidad Económica Europea y el ascenso de Donald Trump a la Casa Blanca.

El uso de grandes pantallas dables de amplificar los gestos en primer plano de los protagonistas, vestidos como soldados del mundo corporativo, permitió al espectador detallar la inextricable simbiosis entre poder político y económico, en su afán por mantener subyugados a quienes se hallan marginados de ambos discursos. Una certeza que se agudizó con el performance de los intér-

pretes de aquellos reyes, sin remordimientos a la hora de falsear la realidad y asesinar a sus rivales para legitimar su soberanía.

Formas más sutiles pero igualmente peligrosas de proceder, se desprendieron a su vez de la acertada dirección, donde Van Hove hizo excelente uso de la doble arena, la de la guerra y la de la escena misma, creando un espacio claustrofóbico, como un bunker, donde se desenvolvía la acción ante el espectador, y una serie de pasillos del otro lado de la escena donde se acumulaban las víctimas del horror, y a los cuales solo podía accederse desde la pantalla. Con ello Van Hove construyó una alegoría de lo público y lo privado, de lo que se ve y lo que se esconde, propio de las épocas turbias del devenir histórico de las naciones. En sus palabras: “Quería traer a la escena los pormenores de una sociedad gobernada por el miedo, y cómo ese miedo afecta a la gente hasta llevarla a culpar al otro de su infelicidad, tal cual ha ocurrido en la reciente elección estadounidense”.

En este sentido, ‘The Gabriels’, para el Public Theater ha sido una obra visionaria, en su seguimiento en tiempo real de una familia típica del suburbio neoyorkino durante el año electoral. Aquí sus problemas familiares, sociales y económicos fueron observados bajo la óptica de la carrera presidencial, llevando a sus integrantes a identificarse con los candidatos, dependiendo de sus propios temores y ansiedades con respecto al futuro. Ello cual alegoría de la profunda escisión de la sociedad norteamericana expuesta a lo largo de la campaña, donde se han revelado en toda su miseria las divisiones aparentemente irreconciliables entre liberales y conservadores, ciudadanos y campesinos, educados e ignorantes, privilegiados y desclasados.

La obra acudió a la nostalgia, propia de la generación que hoy frisa la setentena, por épocas anteriores cuando la sociedad norteamericana parecía ser mucho más simple y directa. Esto, obviamente, para la población blanca que entonces ocupaba todos los espacios y no se sentía “amenazada” por la inmigración proveniente de áreas menos favorecidas del planeta. Acudir al viejo recetario de Betty Crocker con el cual crecieron, a los primeros logros del movimiento feminista de los años sesenta, a los discursos de “buenos” contra “malos” propio de la Guerra Fría, resultaron ser algunas de las estrategias utilizadas por el grupo para cobijarse contra la maquinaria republicana dirigida por un presidente que parece llevar al país, cual “Titanic”, directo al iceberg.

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El “esto también pasará”, reiterado por los personajes, apuntó consecuentemente hacia un conformismo, intrínseco a las colectividades viviendo en estado de emergencia permanente, que está infiltrándose también en la norteamericana, hasta ahora creyéndose a salvo de los absolutismos estigmatizando a gran parte del mundo. La preocupación de los distintos caracteres, en cuanto a la resistencia de las instituciones democráticas contra los embates del populismo corporativo perfilándose para los cuatro años siguientes, igualmente condensó el desasosiego percibido en las discusiones de café, las salas de estar, los medios de comunicación y las aulas académicas de los sectores liberales de la nación.

‘The Winter’s Tale’, por su parte, bajo la aparente ligereza del argumento, denunció los peligros que las fuerzas perniciosas e intrigantes tienen para los colectivos, tergiversando la realidad, esparciendo falsedades y aprovechándose del atraso de los más relegados para alcanzar sus objetivos. En la producción del Cheek by Jowl londinense, la acción también se trasladó al momento presente, trayendo resonancias de las preocupaciones contemporáneas, donde tales peligros se han vuelto cada vez más apremiantes.

La iluminación privilegió los colores fríos para acentuar la aridez del entorno, y una minimalista puesta en escena utilizó paneles móviles, cajas y cajones que contenían, ocultaban o exponían indistintamente, la intemperie emocional de caracteres buscando en sus gobernantes una protección inútil, pues tras las tormentas y decepciones quedarían todavía más desasistidos. “Comprendo el negocio: mantener el oído atento, la vista rápida y la mano ágil para vaciar los bolsillos de la gente.

Un buen olfato es igualmente necesario para oler el botín. Veo que esta es la época donde quien triunfe será el hombre más injusto”, apunta uno de los personajes, haciendo aún más punzantes las conjunciones con el momento presente.

‘Battlefield’ en producción del Théâtre des Bouffes du Nord de París bajo la dirección de Peter Brook, trajo a las tablas neoyorkinas la pluralidad de voces otras, que tan amenazadoras resultan para los fascismos del siglo XXI, a partir de las leyendas épicas del “Mahabharata”, basadas en la guerra a muerte entre dos clanes enemigos que no solo destruyen a ambas familias, sino sumergen en el oscurantismo al territorio entero. Una épica para esta contemporaneidad entonces realizada con gran economía de recursos, a diferencia del mismo “Mahabharata”, presentado por Brook en Nueva York a fines de los ochenta, donde a lo largo de siete horas numerosos actores dieron vida a los personajes de las leyendas.

Aquí cuatro caracteres y un músico hicieron uso de muy pocos elementos, pero utilizados con gran efectividad, para reflexionar acerca de las extremas consecuencias del odio, implantado por los poderosos en la memoria de los pueblos, arruinándolos en el largo plazo, pues renace con mayor virulencia en cada generación; una certeza aceptada con más resignación que combatividad por la gran mayoría, lo cual impide romper el ciclo de injusticias y desafueros donde se hallan inmersos. De la mano de este director, maderas y tejidos cobraron vida como alegorías de la existencia y la muerte con solo volcarlos sobre la escena, extenderlos ante los personajes o cubrirse con ellos para buscar – 61 –

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refugio ante tanta intemperie.

No extraña entonces que lo cíclico de las catástrofes se mantenga inamovible al paso del tiempo, dada la reiteración con la cual el ser humano cae en los mismos vicios y repite idénticos errores, negándose a aprender de ellos, cual si solo existiese un ilimitado presente. Una certeza, que Peter Brook reiteró con esta pieza, pues para él “lo que importa es que todo esté en el presente. Uno no mira hacia atrás con nostalgia, porque el pasado, para bien o para mal, vuelve a renacer con cada nuevo presente”.

‘Memory Rings’ de Jessica Grindstaff para el Phantom Limb Company neoyorkino, condensó algunas de estas preocupaciones, acudiendo a la naturaleza y, dentro de ella, a la reflexión sobre el papel del individuo en el ecosistema, tomando como referencia uno de los árboles más longevos del mundo: un pino californiano de 5.000 años de antigüedad. A partir de los círculos concéntricos dibujados en su tronco, los personajes, representados por actores y marionetas, fueron desbrozando el camino, limpiando impurezas y despejando claros en la vegetación, que pareciera cerrarse sobre nosotros impidiéndonos ver más allá de nuestras más apremiantes urgencias.

Paralelamente, la pieza buscó crear conciencia en torno a la destrucción del medio ambiente, el calentamiento global y la contaminación marina, utilizando proyecciones digitales superpuestas a las figuras, a fin de acentuar los males que aquejan al planeta y recaen en sus habitantes. El escenario, donde actores metamorfoseados en animales y muñecos personificando leyendas populares dialogaban, le permitió a la directora repasar algunas de las catástrofes climatológicas recientes y crear un tapiz de la biodiversidad, recreando lugares hoy amenazados por la extinción. Ello con la idea de generar conciencia y llevarnos a escuchar al entorno, a pesar de los oídos sordos de tantos gobernantes, entre ellos el nuevo presidente norteamericano, que no creen en el amenazador cataclismo cerniéndose sobre la Tierra.

El director canadiense Robert Lepage, quien en producciones multimedia como ‘The Seven Streams of the River Ota’, ‘Tectonic Plates’ y ‘The Far Side of the Moon’ ya había abordado estos asuntos, presentó en el Metropolitan Opera su versión de ‘L’Amour de loin’ de la dramaturga y compositora finlandesa Kaija Saariaho. Para ello creó una superficie, constituida por luces electromagnéticas formando un enorme tapiz puesto a cubrir la escena y parte del foso de la orquesta, con la intención de simular un océano en movimiento del cual emergían los coros, y sobre el que los cantantes, actores y bailarines recrearon leyendas medievales de trovadores y juglares. Las luchas durante el tiempo de las cruzadas aludieron a la relación entre Oriente y Occidente, pudiendo perfectamente trasvasarse a las tensiones contemporáneas producto de las guerras, el terrorismo y las migraciones masivas.

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El cambiante registro de colores y movimientos del tapiz marino hechizó a la audiencia, provocando un efecto relajante que concentró la atención sobre los caracteres, igualmente sumergidos en los juegos de luces del montaje, en tanto deshilaban enfrentamientos, encuentros y desencuentros. Según el director: “El montaje dramático es muy lento y contemplativo. Mi meta era hipnotizar al espectador utilizando una tecnología sumamente envolvente”.

Efectivamente, las particularidades del montaje fueron fundamentales en la percepción de la producción en su conjunto. Algo que Lepage, junto con Robert Wilson, ha llevado a niveles de gran excelsitud, influenciando la manera de ver y percibir de los espectáculos donde estos dos geniales artistas se han involucrado.

De hecho Wilson, en colaboración con el legendario bailarín y coreógrafo Mikhail Baryshnikov, le dio vida a los Diarios del también legendario Vaslav Nijinsky, quien revolucionó la danza moderna desde su debut con los Ballets Rusos en París a principios del pasado siglo, hasta su realización de ‘Le Sacre du Printemps’ con música de Igor Stravinsky. Poco después, sin embargo, caería en la esquizofrenia que lo confinó en un sanatorio de por vida.

Fue justamente en aquel encierro donde escribió los Diarios, extractos de los cuales Wilson y Baryshnikov seleccionaron en el espectáculo unipersonal ‘Letter to a Man’ para BAM. Aquí el diálogo entre estas dos grandes figuras de la danza, tuvo en la mise-en-scène de Wilson su expresión más certera. Esto sin olvidar la importancia del empresario Serge Diaghilev, a quien va dirigida la “carta”, descubridor y amante de Nijinsky, hasta que este lo abandonó por quien sería su esposa y lo cuidaría por el resto de sus días.

El maquillaje blanco de Baryshnikov como una máscara de payaso o arlequín, espejeando probablemente el ballet ‘Petrushka’ compuesto para Nijinsky, creó la conexión temporal entre ambos artistas, además de espejear el efecto dramático del texto. Un texto a todas vistas inconexo, dado el estado de delirio en el cual fue escrito, pero que guarda chispazos geniales de sentido de los cuales su hacedor no debía estar consciente, y que calca el estilo de escritura automática preconizado por el movimiento surrealista.

Recriminaciones, declaraciones, amenazas, agonías, visibles en el lenguaje escrito, fueron trasladadas con gran verosimilitud al lenguaje de la danza y el teatro por el binomio Wilson-Baryshnikov. La escena simulando un teatro de variedades al estilo de los de la Belle Époque, y una iluminación privilegiando los colores fríos, contribuyeron a crear la sensación de desmoralización e impotencia que debió sentir Nijinsky en sus momentos de lucidez, mostrando una vez más el poder del arte para enfrentar las adversidades, tanto personales e íntimas como universales y públicas, que esta y otras obras de la cartelera neoyorkina han brindado al público asistente. —

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Miguel Ángel Tidor, galardonado con el Premio ABKE 2016 Próximamente se darán a conocer las bases de la edición de 2017

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l jurado del IX Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas, compuesto por Guadalupe Soria, Manuela Vera y Joanna Gdowska, decidió por unanimidad otorgar el premio de la edición correspondiente a 2016 al trabajo titulado ‘El Circo en España. Una revisión crítica desde la investigación’ de Miguel Ángel Tidor López. El jurado valoró que en este trabajo “se hace un recorrido riguroso por la historia del Circo y añade elementos objetivos y datos para su estudio, viniendo a llenar un hueco para la investigación sobre todas las artes escénicas”.

Miguel Ángel Tidor ha trabajado más de una década como artista callejero, dramaturgo y director de distintos espectáculos, principalmente de calle. Además, obtiene el título de Doctorado con la presentación de la Tesis Doctoral ‘Hacia una Formación de la Artes Circenses en España’, primera

tesis que aborda este tema en el Estado. La relación entre circo y educación está presente en su vida, especialmente con la compañía Animasur, la escuela de circo de Granada CAU y el movimiento de circo de la ciudad.

“Mi vida se ha relacionado casi de forma paralela con el ámbito de la docencia y el teatro de calle, donde utilizábamos técnicas circenses, principalmente malabares, acrobacias y equilibrio”, afirma Tidor, para añadir que “ser ganador del IX Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas supone el reconocimiento personal a un trabajo de investigación de más de cuatro años, que ha tenido cierta complejidad en su desarrollo por la peculiaridad del tema y por el poco reconocimiento institucional que tiene el circo dentro del ámbito académico, teniendo que superar muchas barreras que por desconocimiento o poca sensibilidad no sabían identificar el valor y necesidad de abordar la temática de este trabajo”.

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20 años de portadas

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