Artez216

ARTEZ | 216

EDITORIAL

MAYO | JUNIO | 2017

Hay que rearmarse de valor y voluntad para seguir mirando al futuro con esperanza

N Carlos Gil Zamora Director editorial

o hay más remedio que respirar hondo, levantar la vista nos viene, no al que dejamos atrás. un poco de nuestras pantallas que nos mantienen cauti- Voy a repetir un concepto brechtiavos, otear los boletines provinciales, procurarse una firma no porque me duele la inocencia o electrónica de manera irremediable y afrontar estos tiem- ignorancia de muchos mercachifles pos confusos, muy confusos, en donde la charca política que predominan en los lugares de empieza a emanar hedores insufribles. No hay forma de decisión administrativa, política o abstraerse. Podemos simular una enajenación transito- gremial. El teatro no debe ser sólo esria, pero al final todo se desbordará y hay, me temo, de- pejo de la realidad, sino herramienta masiadas aguas fecales estancadas en todos los órdenes de de cambio y transformación de la la vida pública que, por lógica cartesiana, debe estar con- misma. No se debe hacer teatro para taminando a las actividades culturales, tanto en su parte dejar constancia de lo que ya dicen dura, los edificios, como en su parte de gestión y de pro- los medios de comunicación o las gramación hacia la ciudadanía. redes sociales, sino que debe converPor lo tanto seguiremos poniéndonos nuestras particulares tir las angustias, los deseos, las ansias orejeras para no mirar de manera periférica y seguiremos de vida y de superación de sectores de manera rutinaria a una zanahoria virtual que nos incita de la sociedad en carburante para sus a continuar por un camino incierto acciones escénicas. Buscar un como si se tratar a de un destino o de más allá, no un más acá. Y eso, La singularidad, una obsesión. O de una obstinación. seguramente, no es mercantilla variedad, el A costa de retrocesos estructurales, mente apropiado en nuestros riesgo que sí se laborales, creativos, sindicales y de días, pero es una actitud hove en algunas calidad vamos cubriendo el expenesta, entregada, artística, podiente. Existimos como una somlíticamente necesaria para no escrituras, no se bra de lo que fuimos. Confiamos de convertir las artes escénicas ve en la misma manera inconsciente en una resuen un mero entretenimiento intensidad y rrección de los valores políticos y que se mide por audiencias. vocación en los culturales, como si no quisiéramos Debe ser algo más. Debe ser escenarios atender a la circunstancia histórica mucho más. que nos toca vivir en donde parece Lo difícil es ponerse de acuerque hemos girado hacia el pasado, do en dónde colocamos el lisque no parece que avancemos, sino que todo es un simula- tón. Voy regularmente al teatro, cada cro de progreso que se vuelve tardío, atrasado, reconstru- día, veo obras de todos los niveles de yendo un ayer sin que sepamos siquiera si hoy podemos producción y puedo asegurar que hay alzar la mano para pedir la vez. O la voz. un nivel medio suficiente, pero a la No desesperamos porque ya estamos desesperadamen- vez se detecta un conformismo que te asustados, perdidos en la resistencia que nos ha de- paraliza. Hay unas líneas invisibles de jado además de canas una desazón que se convierte en búsqueda de unas obras que ni huedesilusión o en renuncia pura y simple. No es necesario lan, ni tengan mucho color, ni suden, hacer estadísticas, ni encuestas ni sondeos: para saber ni molesten. Formalmente muy bien de nuestra situación general: hemos entregado la inicia- resueltas, con dramaturgias en ocativa cultural básica a los menos interesados, a quienes siones técnicamente correctas, pero han destruido lo poco o mucho que tenía esa actividad que no rozan, no buscan otra cosa que de ambición artística, transformadora, que ampliase las la conformidad de los poderes tácitos, posibilidades de entender el mundo desde otras miradas críticos del pesebre, programadores mucho más activas, más dispuestas a mirar al mundo que de la servidumbre al sistema, públicos – 4 –

MAYO | JUNIO | 2017

índice

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Opinión

que no quieren complicaciones. Y este mal se va haciendo endémico, y se ha logrado que se aplauda con fervor espectáculos de una mediocridad boreal, que se premien actuaciones, direcciones y dramaturgias notablemente mejorables y que todos andemos, encantados de habernos conocido.

No está mal este optimismo barroco, pero como no espabilemos vamos hacia un teatro inerte, insulso, casi de franquicia. Y quizás sea el momento en donde aparecen más dramaturgas con voz diferente, cuando empiezan a sacar su talento directoras que inciden en cambiar la mirada desde su género, asuntos relacionados con este incipiente empoderamiento que son de los pocos que van procurando a la masiva producción detalles singulares. Sí, se escribe mucho, pero se escribe de manera muy igual. Es como si hubieran plantillas en los ordenadores, procesadores de texto que te arreglan tus palabras siguiendo unas premisas previas muy mecanizadas para que sea lo que necesita el mercado. Y eso no es bueno.

La singularidad, la variedad, el riesgo que sí se ve en algunas escrituras, no se ve en la misma intensidad y vocación os escenarios. Ni en los alternativos, ni en los comerciales privados u oficiales. Se sigue haciendo mucho teatro, e insisto, en términos generales de mucha mejor factura que hace años, pero es más efímero que nunca, más intranscendente, más casual. Quizás sea necesario pasar por esta etapa, quizás de esta cantidad que abruma salgan voces que perduren, que prosigan en su idea del mundo y de este arte, que crezcan y se desarrollen hasta adquirir valores hoy imprevisibles. No son precisamente las mejores creadoras y más arriesgadas las que tienen más sitio. Pero habrá que confiar.

Porque este número de ARTEZ, tiene tanto contenido, informamos de tantos eventos, festivales, ferias, encuentros, estrenos que nos alienta a reiniciarnos, a olvidar lo anteriormente expresado y en un acto de contradicción extremo volcarnos en lo que se nos propone para sacar después las consecuencias que podamos atendiendo a nuestra propia posición en este mundo tan recargado de sueños, soñadores y somnolientos. Algo está cambiando en todo nuestro entorno social, político, económico y cultural, y al estar metidos en el fragor del acontecimiento no somos capaces de detectar sus valores auténticos, dudamos si es para bien o para mal. Nos armamos de valor y voluntad para mirar con esperanza al futuro. — – 5 –

Editorial Rondas escénicas | Maria-José Ragué-Arias Desde la Caverna | David Ladra Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud El lado oscuro | Jaume Colomer Cronicón de Villán y Corte | Javier Villán Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado El método griego | Maria Chatziemmanoui Las lejanías | Carlos Be

Entrevista Estrenos Festivales En gira Zona abierta

4-5 10 11 68 69 70 - 71 72 73 74 75 76 77 6-8 13 - 20 21- 60 61 - 66 67 - 81

Portada Fotografía del espectáculo ‘Lullaby’ de Godot

Número: 216 - año 21 | Mayo / Junio 2017 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

ARTEZ | 216

ENTREVISTA | ROCÍO MOLINA

MAYO | JUNIO | 2017

“Hay cosas que no tienen nombre; no me gusta etiquetar” ‘Caída del cielo’, creada para el Chaillot de París, es una celebración de la feminidad y una obra “grotesca” y de “extremos” donde sigue buscando su “verdad” y vuelve a colaborar con el veterano Carlos Marqueríe.

Paco sánchez múGica PABLO GUIDALI

R

Félix Vazquez

ocío Molina, a sus 32 años, se ha convertido en uno de los faros de la danza contemporánea y en una de esas artistas cuyos trabajos siempre se esperan con enorme expectación. La transgresora y explosiva creadora malagueña, que ha renovado con lenguaje personal la tradición del baile flamenco más enraizado, sigue de gira con ‘Caída del cielo’, creada para el Théâtre de Chaillot –de la que es artista asociada– y estrenada a finales del pasado año en este mismo escenario parisino. En esta ocasión, Molina presenta una celebración de la feminidad que arranca en el silencio intrauterino, estalla con el nacimiento de Venus y desciende hasta los infiernos, “porque también hemos elegido sufrir”. Todo ello narrado con su habitual descaro y frescura, con sus extremos, y con un toque irónico sustentado en pasajes de “performance” grotesca.

Junto al veterano director de escena Carlos Marqueríe, que ya ha colaborado en anteriores espectáculos suyos como ‘Bosque ardora’ o ‘Afectos’, entre otros, la iconoclasta bailaora concedía esta entrevista coincidiendo con su paso por el Teatro Español de Madrid, donde presentó una creación cuyo estreno en España tuvo lugar en el Temporada Alta de Salt (Girona).

Si ‘Bosque Ardora’, su última producción, era una fábula acerca de la auto– 6 –

destrucción y del hombre como animal que pelea contra sus semejantes, ‘Caída’ es en parte una continuación del anterior montaje: “Siempre hay una continuación entre todas mis obras y realmente ‘Caída’ en sí muestra dos caras tanto de mí como de los músicos que me acompañan. De alguna manera voy buscando siempre los extremos, esos contrastes, esas dualidades. Aquí hay otra vez una papel como mujer muy fuerte, con un poco de ironía, como suele haber en todas mis obras, y es un recorrido desde un lugar más elevado, muy amplio, muy bello, muy perfecto, tanto que puede llegar hasta aburrirte, hasta llegar a un descenso directo a las profundidades, donde se salta, se come, donde hay más oscuridad, donde decidimos vivir, pero también donde hemos elegido sufrir. Todo eso se vuelca y se convierte en una especie de explosión, en una celebración”.

Con la escena teñida de rojo, suenan los versos de ‘Asesinado por el cielo’ en la versión de Morente y Lagartija Nick (Vuelta de paseo). Y luego está El Bosco y su ‘Jardín de las delicias’. Y los ‘Caprichos de Goya’. Y ‘La leyenda del tiempo’, casi como un fogonazo.

Y, como siempre, en medio de todo, hay mil Rocíos en una sola bailaora: la exhuberante, la torera, la carnal, la ensimismada, la chabacana, la grotesca....

“Todo lo hago de forma muy directa, más

ARTEZ | 216 provocadora, y aparece mucho el arte grotesco. Junto con Carlos, me he metido mucho por ahí, observando muchas pinturas con la que me he sentido muy identificada con el arte grotesco, que aparece con esa ironía, en el sentido popular, del pueblo, y está el juego de la mujer, y lo que suponía a nivel social hace siglos y ahora”. “En la obra hay esos extremos, tanto silencios reales, que se convierten en algo difícil pero bello de mirar, y luego hay un contraste en el que una bailaora quizás no debería permitirse bailar así porque es bailar mal, ¿no? Hay mucha mezcla pero al final una cosa se entiende cuando terminas de ver la otra”.

Su relación artística con Marqueríe ya acumula numerosos trabajos y, aunque veces es difícil que intérpretes-creadores, como es su caso, y directores de escena se entiendan, esta unión es una de las más sólidas del panorama dancístico nacional. Quizás, similar a la que mantenga su reverso masculino, Israel Galván, con Pedro G. Romero. “La verdad es que tengo mucha suerte con Carlos porque nuestra forma de trabajar no es yo quiero que hagas esto o yo voy a hacer esto, sino que convivimos; e igual con los músicos. Abrimos una comunicación y todo tiene que pasar por mi cuerpo. Él me habla de cosas, yo le hablo de mis ideas, de mis inquietudes, y creemos mucho en la casualidad. Entonces, de pronto, todo se pone en orden. Y luego Carlos tiene una forma de iluminar muy bonita, una forma de entender el todo y de dar forma a una obra que va mucho conmigo, es un trabajo muy carnal.

Usted ha dicho en alguna ocasión que ante todo se siente flamenca.

ENTREVISTA | ROCÍO MOLINA Sí, yo me siento flamenca siempre. Y tengo mi forma de hacer mi flamenco y de entender y escuchar a mi cuerpo. Pero necesito cada vez sentir más a Carmen Amaya o a otros genios.

Cuando salgo a correr, incluso antes de un ensayo, me pongo a Camarón, a Paco de Lucía, a Chocolate, al Niño de Almadén… Eso no quita que luego me meta en un estudio y, aparte de hacer llamadas, montar una soleá o bulerías, tengo otras curiosidades y mi cuerpo también tira por otros sitios. Pero si tiene que expresar una caída, pues es una caída flamenca, no lo hago con ninguna técnica de contemporáneo, no sé bailar contemporáneo. Y mis músicos son grandes artistas y más flamencos no pueden ser. Me gusta estar bien rodeada. ¿Vivimos demasiado encasillados con las etiquetas?

El ser humano, para no sentirse perdido, necesita poner nombre a las cosas.

O porque lo desconocido le crea más inquietud o le da más miedo. Colocar cada cosa en su sitio parece que ayuda, pero hay cosas que no tienen nombre.

Hay colores que no conocemos. Me gusta verlo así, no me gusta etiquetar.

Solo me gusta ver lo puro de una persona en el sentido de que esa es su verdad.

Me da igual la que sea, si es más bonita o más fea, con más miedo o más bella. Si es verdad, se detecta rápidamente. ¿Y qué opina de lo que llaman vanguardia?

Bueno, es otra forma de llamar a las cosas. Al final el arte evoluciona y Dios quiera que siga siendo así. Pero para mí hoy en día la mayor vanguardia flamenca es poner a alguien tradi-

– 7 –

MAYO | JUNIO | 2017

Pablo Guidali

ARTEZ | 216

ENTREVISTA | ROCÍO MOLINA

cional, de hace 40 o 50 años. En eso me fijo, lo que pasa que somos generaciones que nos criamos a otro ritmo, ya no salimos de un cuarto, sino que vamos a escenarios, a teatros… es diferente y todo evoluciona. ¿Usted huye del artificio?

Al final voy desnudando, voy quitando, llegar a la esencia para mí es lo más difícil pero es lo más bello. Intentar complicarme menos, que también me complico mucho, para quitar las capas y que no sea nada envasado. Hoy en día parece que nos cuesta hablar claro, decir las verdades, estamos en una dinámica… aprovecho mi arte para eso porque es lo que me va guiando hacia mi verdad.

Ha llegado a decir que el escenario es el único sitio en el que no tiene miedo. ¿Qué teme?

Bueno, en el escenario me atrevo con todo aunque soy una persona un poco miedica. A veces no es bueno pero me gusta ser así, con una mezcla de miedo e ingenuidad. Luego en la vida a lo mejor me las van pegando más dobladas (risas) pero el escenario es mi territorio y me creo que ahí es donde nadie me ve. Es todo lo contrario pero así lo siento. ¿Alguna vez en esta carrera tan meteórica se ha sentido un producto de márketing?

Yo no. Tampoco creo que sea un gran producto de marketing. Mi peculiaridad es que soy una chica sin cara de flamenca, que no tengo un cuerpo esbelto, en el conservatorio era la más pequeñita, con la musculatura más apretadita, nunca he sido un gran producto y nunca he sentido eso (risas). ¿En algún momento ha dejado de hacer lo que le da la gana sobre las tablas?

Pues que yo recuerde… Anteriormente sí, en mis comienzos sobre todo, pero también porque, por mi edad, yo defendía algo y se me enfrentaba mucha gente porque no entendía que siendo tan joven tuviera las cosas claras. Y entonces sí me he visto haciendo cosas que no he querido, pero eso me ha ayudado a saber lo que no quería hacer; entonces sé que así no funciono, el arte y yo nos destruimos.

Por eso siempre cojo el camino de libertad que es lo que perseguiré toda mi vida: la verdad.

Premio Nacional de Danza en 2010, con 26 años. Javier Latorre, uno de sus maestros, lo logró un año después. ¿No ha sentido a veces vértigo de lo rápida que iba su carrera?

Pues al principio no te das cuenta porque llevas tu ritmo natural, siempre he sido así: muy inquieta, muy trabajadora también... Ahora sigo siendo joven pero igual sí te da un poco de vértigo en el sentido de decir: hacia dónde van mis motivaciones, qué más quiero hacer… No soy persona de plantearme nada en mi vida, ni premios, ni llegar a tal

MAYO | JUNIO | 2017

festival o tal teatro… no entra dentro de mis planes. Solo quiero bailar, me da igual dónde. Hay veces que te puede dar un poco de vértigo cuando ves que ha ido todo tan rápido, pero entiendo que ha sido natural y tengo que aceptar como artista y como persona que haya sido así. ¿Qué sintió cuando se le arrodilló Barishnikov?

(Risas) De eso no me di ni cuenta. Al cabo del tiempo sí te das cuenta y dices ¡ostras!, pero en ese momento todo pasó tan rápido... Salí enfadada al camerino, porque no me gustó cómo salió la función, y me lo encontré y fue… Lo bonito es que nos sirvió para empezar una relación de cariño y admiración que nos tenemos. Él me invita a sus festivales, a sus estrenos, hablamos de flamenco, de nuestras ideas. Lo bonito es ver que ese gran genio es persona como yo, y es una persona humilde, llana, y eso es lo que he descubierto. Lo que entendí que me dijo entonces, con sus ojos llenos de lágrimas, era que fue lo más bonito que vio nunca, y luego en conversaciones que hemos tenido coincidíamos en que a los dos nos gustan las cosas pequeñas, los detalles, soñábamos con bailar para los amigos, en un sitio muy pequeño. Fíjate que él ha estado en todos los grandes escenarios del mundo y, en cambio, su ilusión era bailar una o dos veces en sitios muy pequeñitos.

Usted tiene la suerte de que produzcan sus espectáculos en Francia, pero ¿qué opina de la degradación cultural que viene sufriendo desde hace años España?

Tengo una gran suerte por eso, pero siento impotencia por saber de tanta gente que está aquí, con talento e intuición en un arte tan nuestro, que no la tiene porque no se le preste atención a la cultura. Es triste y muy torpe habiendo tantos espacios. Cualquier arte se valora más fuera y dices, joder, que tengamos que irnos de nuestro país y que fuera nos apoyen... es una pena. ¿Cómo se ve dentro de diez años? Supongo que bailando...

Bailando me veo siempre, me da igual cómo, no quiero llegar a ningún teatro en especial… Pudiendo tener mis zapatos, mis rodillas… y si no tuviera piernas, me inventaría cualquier otra cosa y bailaría. Con el tiempo me gustaría poder apoyar a la gente joven, si puedo guiar a personas que puedan estar perdidas o necesitan ayuda, también me veo. Pero sobre todo me veo bailando, creando, con mis músicos, escuchando cante y ya está.

La gira nacional e internacional de ‘Caída del cielo’ continúa con representaciones en San Sebastián (Teatro Victoria Eugenia, 7 de mayo); Valencia (El Musical, 13 de mayo); Barcelona (Mercat de les Flors; 20-21 mayo); y Montreal – Canadá (7-8 junio). —

– 8 –

ARTEZ | 216

RONDAS ESCÉNICAS

MAYO | JUNIO | 2017

Cales Canut al frente del Teatre Romea de Barcelona

E

María-José Ragué-Arias

l Romea se inauguró en 1863 y no ha cesado en su actividad teatral. Para el publico barcelonés, aunque hoy haya grandes e importantes teatros como el Lliure y el TNC con sus varios espacios, el Romea es el teatro más emblemático de la ciudad. Desde que el grupo Focus se hizo cargo de su gestión a finales del siglo pasado, Carles Canut ha tenido un papel relevante en la organización y también entre muchas cosas de menor impacto publico, como seleccionar los textos que se envían para intentar su programación. Canut en los últimos tiempos ha organizado las lecturas dramatizadas y las conferencias de “los lunes en el Romea”, ha dado vida teatral-cultural a una sala y ha establecido importantes contactos con el mundo cultural de Barcelona y también en muchos casos del estado español. Pero por encima de todo lo que digo no hay duda de que Carles Canut es un gran hombre de teatro.

Le conocí en 1966 cuando ambos éramos alumnos de Alberto Miralles en el Institut del Teatre en su vieja sede de la calle Elisabets, en el barrio antiguo de la ciudad. Por allí circulaba también Mario Gas y junto a un pequeño grupo en el que también andaba Emma Bertrán (luego Emma Cohen) organizarían Go Go y presentarían sus espectáculos en el Instituto Americano de la Vía Augusta.

Canut es del Pallars y sin exagerar habla pallarésque no es lo mismo que catalán-. Pronto se fue a Venezuela “porque era el puerto más barato vecino a Barcelona” y encontró trabajo en la tele. En política se turnaban democratacristianos y socialdemócratas, con complicidad e impunidad-como ocurría aquí con Psoe y PP. Allí tienen una riqueza increíble, en Orinoco hay una franja rica en uranio, pero quieren que los pobres sean analfabetos.

Cuando volvió hizo giras y con la compaña del Romea, con ‘Maestros Antiguos’ incluso fueron a Venezuela. Hace dos años hizo gira con ‘Tirano Banderas’ con la compañía del Teatro Español.

Canut me cuenta su vida paso a paso y me gusta. Es buen narrador. En 1968 actuó en el Romea con ‘El deseo cogido por la cola’ de Picasso y en ‘La Tempestad’ con Nuria Espert en 1983. A continuación en 1984 hizo ‘La opera de cuatro cuartos’ dirigida por Mario Gas. Pese a su aspecto imponente en el escenario, Canut es físicamente un hombre muy normal también parece serlo en sus costumbres cotidia– 10 –

nas Cuando hablo con él es domingo y tiene que irse a las dos para comer con la familia. En sus vivencias, a menudo vuelve a Gerry de la Sal lugar que él considera su pais.

Le gusta mucho dirigir pero sobre todo dirige lecturas dramatizadas en el Romea. Ahora se le presenta un nuevo reto. Tiene ganas de hacer ‘Andorra’ de Max Frish, prepara recitales de poetas malditos como Palau i Fabra, Baudelalire, Pavese, Silvia Plath, pero no cree que haya cambios demasiado sustanciales en la programación del Romea. Pero no cree que en el teatro se transluzca ningún cambio sustancial. Es el teatro privado más privilegiado, me dice. y su actual posición no cree que cambie su vida El se dedica al Romea pero el resto del tiempo lo dedica a andar, pasear,... y actuar. Actuar es lo que más le gusta pero él dice haber nacido actor, si un personaje le va le entusiasma y dirigir un teatro le encanta pero él se confiesa actor. Ha encargado un proyecto para el Grec con texto de Ramón Madaula, dirigido por Jordi Casanovas y con él mismo en el reparto junto a Ramón Madaula, Jordi Bosch y Rosa Renom . Pero en realidad seguirá siendo asesor de contenidos, selecciona obras y luego ya se verá si se hacen o no.

Una idea interesante es su propósito de tener cada año un grupo histórico que abra la temporada. Este año será La Zaranda, también podría ser Atalaya o Animalario...

Ha pedido a Ramon Madaula que haga un texto para ser interpretado por Rosa Renom, Jordi Bosch y él mismo para el Grec. Cree que habrá cambios básicos en la programación del Romea.

Ahora mismo han ofrecido presentar ideas a Jordi Manrique y Oriol Broggi la presentación de una idea para un espectáculo.

Me dice que es independentista pero se crió en la cultura española y todavía la lleva dentro Y le gusta más Valle Inclán que Sagarra y Pío Baroja que Josep Pla Lleva veinticinco años trabajando en Focus, ¿supondrá su nuevo cargo un cambio en la programación del Romea? ¿Podrá hacer él un Calígula o un Max Estrella, dos personajes que confiesa que le gustaría hacer ostentando este cargo?

Hablar con Carles Canut ha sido como si aquellos viejos recuerdos de hace cuarenta años se hubieran mantenido vivos. —

ARTEZ | 216

DESDE LA CAVERNA

MAYO | JUNIO | 2017

La enrevesada escena contemporánea de Madrid

C

David Ladra

uando, con el advenimiento de la Transición, el “teatro independiente” que había dominado los últimos años del franquismo fue perdiendo potencia, ardor político y a medida que sus miembros más valiosos se integraban en la escena institucional patrocinada por el recién creado Ministerio de Cultura (1977), lo independiente dejó de ser un movimiento teatral en marcha para convertirse en un lugar, el de las “salas alternativas”, que venían de este modo a completar, junto con el teatro comercial, las tres patas de las que constaría nuestro teatro hasta entrado este siglo. Aún antes de fundar la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) y consciente de la necesidad de tener un espacio abierto a la escena contemporánea, el Ministerio creó en 1984, en la sala Olimpia de Madrid y bajo la dirección de Guillermo Heras, el Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas (CNNTE) con el fin de montar obras teatrales “de riesgo”, es decir, no comerciales, espectáculos de teatro-danza y ciclos de ópera contemporánea, todos ellos de autores españoles. La experiencia duró diez años hasta que, en 1994 y a la vista de una frecuentación excesivamente fluctuante en función de la programación, la Administración clausuró el CNNTE alegando una reestructuración general de los teatros nacionales.

El caso es que nuestro teatro más avanzado hubiese quedado huérfano del todo de no ser porque ciertas salas alternativas –la Cuarta Pared, la Triángulo, el Teatro Pradillo…– respondieron a esta carencia y se volcaron en el nuevo teatro que escribían autores del país: Rodrigo García, Paloma Pedrero, Juan Mayorga, Itziar Pascual, José Ramón Fernández… Incluso salas como el Teatro Pradillo, o El Canto de la Cabra se fijaron como objetivo el fundir el teatro con la música, las artes plásticas y la danza en un espacio interdisciplinar semejante al del grupo ZAJ que constituyeron en los años sesenta compositores como Juan Hidalgo, Ramón Barce, Walter Marchetti o Tomás Marco, poetas como José Luis Castillejo, pintores como Martín Chirino o “performers” como Esther Ferrer.

El trabajo de las salas alternativas a favor del nuevo teatro se vio potenciado por la celebración de festivales anuales –La Alternativa, Escena Contemporánea…– Así, en el Teatro Pradillo – 11 –

y durante el Festival Escena Contemporánea, se llevó a cabo un ciclo denominado Ciclo Autor que, dirigido por Vicente León (premio Max de la Crítica 2007) se ocupó de dar a conocer en profundidad el teatro de Samuel Beckett, Heiner Müller, Harold Pinter, Pier-Paolo Pasolini, Bernard-Marie Koltès, Elfriede Jelinek, Sarah Kane, Caryl Churchill o David Hare entre otros, dotando así a la escena española de ese conocimiento del nuevo teatro foráneo que siempre le ha faltado. No quiere ello decir que haya disminuido su interés por lo performativo como lo vino a demostrar hace dos años organizando, junto con el CDN y el Reina Sofía, una muestra en el Teatro Valle-Inclán, “el lugar sin límites”, con la participación de artistas como Angélica Lidell, Rodrigo García, el profesor de teoría de la danza Roberto Fratini, el grupo “El conde de Torrefiel” de Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, o la pareja formada por el músico Fran MM Cabeza de Vaca y la rapsoda María Salgado. Una demostración más de que el texto y las artes escénicas no sólo deben convivir sino participar conjuntamente en lo que habrá de ser la escena avanzada del futuro.

Eso sí, respondiendo a nuestro desorden mental y a las rivalidades entre compañeros, que nunca faltan, nuestra escena contemporánea se ha convertido en un campo de batalla donde, con ayuda de unos políticos desnortados y sus arribistas asesores, se dirimen todas las justas personales.

Primero fue, como se ha dicho, la supresión de la CNNTE por parte del Ministerio de Cultura; luego, la escisión del Festival La Alternativa de las salas para crear el Escena Contemporánea subvencionado por la Comunidad; después le llegó el turno a una primera disputa entre teatro de texto y teatro interdisciplinar que terminó con la eliminación del Ciclo Autor; más tarde y utilizando los mismos argumentos de renovación que utilizó Cultura en su tiempo, la voladura del Festival Escena Contemporánea por parte de la Comunidad que lo había creado retirándole la subvención. Y ahora, pasados unos años y la vara de mando en el Ayuntamiento, se escinden el teatro Español y el Matadero, dedicando el primero al teatro de texto y el segundo a las llamadas “artes vivas”. Cercado por la profesión y sin apoyo político ninguno, difícil se presenta la tarea de su director. —

ARTEZ | 216

ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2017

Estreno de L´Orfeo y madrigales de Claudio Monteverdi

La música de Monteverdi se pasea por el Teatro Arriaga El escenario bilbaíno acoge el estreno de la ópera L´Orfeo, además de dos propuestas sobre sus madrigales

La directora Barbora Horáková Joly da indicaciones en un ensayo

FOTOGRAFÍAS

E. Moreno Esquibel

E

l bilbaíno Teatro Arriaga presenta su gran producción propia de la temporada, ‘L´Orfeo’, la gran pieza del compositor italiano Claudio Monteverdi (15671643), considerada la primera ópera de la historia. Siete voces solistas, un coro, una orquesta, matices de música electrónica y unos dibujos realizados y proyectados en directo componen este espectáculo que se estrenará los días 5 y 6 de mayo. El montaje se enmarca dentro de la programación que el Arriaga ha impulsado coincidiendo con el 450 aniversario del nacimiento de Monteverdi, que también prevé el estreno de varias piezas sobre sus cuatro primeros libros de madrigales, dos de las cuales se podrán ver durante el mes de mayo.

‘L’Orfeo’, con dramaturgia de Ludovic Allenspach, está dirigida por la joven directora checa (pero afincada en Suiza) Barbora Horáková Joly, quien opta al máximo galardón en los prestigiosos Ring Awards, la competición internacional que premia, por parejas, a los mejores directores de escena jóvenes de teatro musical. En cuanto a la dirección musical del montaje, corre a cargo del también checo Karel Valter.

El espectáculo cuenta con intérpretes locales e internacionales. Destacan, por su papel de solistas, los siete cantantes principales de la obra, entre quienes se encuentran Jonathan McGovern, barítono inglés que interpreta el papel de Orfeo, y la soprano suiza afincada en Alemania Marysol Schalit, quien da vida a los papeles de La Musica, Speranza y Ninfa. También tiene un peso específico en la obra el tenor José Manuel Zapata, ejerciendo de Apollo. Junto a ellos actúan la soprano burgalesa (afincada en Álava) Alicia Amo en la piel de Eurídice, el bajo leonés Ismael Arroniz, la mezzosoprano catalana Anna Alàs i Jové, y el tenor vasco José Manuel Díaz. Asimismo, el coro de chicos y chicas jóvenes San Juan Bautista Abesbatza–SJB, dirigido por Ba-

– 14 –

ARTEZ | 216

ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2017

silio Astúlez, ofrecerá momentos vocales y ágiles escenas coreografiadas, gracias al trabajo corporal realizado con el coreógrafo francés Adrien Boissonet, quien se ha encargado de diseñar el movimiento escénico de los artistas y los pasajes de danza del espectáculo. Además, la Orquesta Barroca de Sevilla pondrá su intensidad interpretativa al servicio de la obra.

El vestuario y la escenografía cuentan con el diseño de EvaMaría Van Acker. Utilizando un enorme andamiaje y elementos como el agua y la tierra, la artista belga ha creado un escenario oscuro, de aspecto algo gótico y de carácter apocalíptico, que penetra hacia el patio de butacas y refleja una imagen de ruina y devastación, acorde con lo que transmite por momentos la propia pieza de Monteverdi, con esos cantos que exhiben la más profunda emoción humana, manifestada de múltiples maneras durante la lucha de un hombre, Orfeo, enfrentándose a la muerte. Como inspiración estética y visual, la directora Barbora Horáková Joly ha tomado como referencia la guerra de Bosnia, recordando a una amiga suya que huyó de aquel conflicto, y en general el concepto mismo de la Guerra, para crear una ciudad bombardeada y derruida, como marco de la desesperación entre la que se ha de abrir paso la música. El montaje también reivindica, en cierta forma, la cultura y el arte como herramientas para la reconstrucción.

Otro aspecto a destacar de la puesta en escena es la iluminación, que corre a cargo de Michael Bauer. Además, el compositor de música electrónica Janiv Oron, conocido en la escena internacional de la música electrónica como DJ y también por ser miembro de la formación Goldfinger Brothers, aportará durante las funciones un colchón sonoro al espectáculo, si bien su utilización no responde a ninguna pretensión de incluir música nueva en la pieza, sino a la de utilizar otro lenguaje para expresar, en un estilo más actual y propio de nuestra generación, las mismas emociones que transmitió Monteverdi, un autor ya de por sí siempre contemporáneo, no en vano fue un adelantado a su época. En este sentido, es preciso recalcar que el espíritu del L’Orfeo original se mantiene en todo momento.

El montaje también cuenta con la participación del artista Hervé Thiot, conocido por sus performances en las que mezcla distintas disciplinas artísticas. Esta vez y valiéndose de la tecnología, creará en directo unos dibujos que se proyectarán en audiovisuales, con el objetivo de mostrar y reforzar los sentimientos que se expresan o sugieren en la propia ópera.

Otro elemento novedoso que ha introducido la directora es la utilización en algún momento de spoken word, es decir, de recitado, con algunos guiños al euskera y al castellano.

Cabe recordar que la ópera se interpreta mayormente en italiano, con sobretítulos en castellano y euskera.

4º libro de madrigales por Khea Ziater

Madrigales: 4º libro Los días 19 y 20 de mayo, la compañía Khea Ziater, junto con un coro de seis personas y una instrumentista, llevará a escena el cuarto libro de los madrigales de Monteverdi.

Publicado en Venecia en 1603, los textos están basados en poemas de Gian Battista Guarini, Ottavio Rinuccini y Giovanni Boccaccio. En esta propuesta, que cuenta con la dramaturgia y dirección de Alex Gerediaga, la actriz Arrate Etxeberria interpreta a una mujer que se encuentra frente al abismo de su soledad; frente a la decisión de vivir o morir. “Llevaremos a cabo una propuesta reconocible en cuanto a la línea poética y estética de la compañía, sin perderle la cara al riesgo”, afirman.

Madrigales: 2º libro Para los días 30 y 31 está prevista la puesta en escena de ‘Duermevela’, ensayo plástico sobre la melancolía a partir del segundo libro de Monteverdi. Publicado en 1590, utiliza un número significativo de poemas de Torcuato Tasso.

Se trata de una producción del Teatro Arriaga y Kabia Teatro, interpretada junto con el Grupo Vocal Alegría 4, con la dirección musical de Gorka Robles.

La obra presenta a una mujer que intenta dormir en una noche de insomnio. Durante el duermevela la mujer reflexiona sobre su estado de ánimo que mezcla desamor y tristeza, al tiempo que le acompañan diferentes imágenes plásticas que reflejan su sentir interior, melancólico. El espectáculo combina textos entorno al estado melancólico de la mujer insomne (sin acompañamiento musical) y escenas visuales acompañadas por la música de Monteverdi. La pieza tiene como base dramatúrgica un breve texto de Joseba Sarrionaindia. Joseba Uribarri, Iosu Florentino, Ane Pikaza, María Goirizelaia y el bailarín y coreógrafo Natxo Montero forman el elenco de este montaje, cuya dirección de escena corre a cargo de Borja Ruiz. “La pieza tiene un gran punto de experimentación”, destaca el director. —

– 15 –

ARTEZ | 216

ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2017

Estrenos de La Ternura y Sueño

Teatro de la Ciudad aborda la comedia shakespeariana Alfredo Sanzol y Andrés Lima dirigen dos espectáculos basados en tramas y obras del dramaturgo inglés

SUEÑO

Andrés Lima vuelve a acercarse al trabajo de Shakespeare, después de haberlo hecho en torno a las figuras de Falstaff, Tito Andrónico y Macbeth

LA TERNURA

Comedia romántica de aventuras en la que Alfredo Sanzol intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor

FOTOGRAFÍAS Luis Castilla

D

espués de investigar sobre la tragedia griega en su primera temporada, Teatro de la Ciudad regresa para enfrentarse a la comedia. Tras la realización de varios talleres, el proceso del ‘Proyecto Comedia’ culmina con el estreno de dos espectáculos en el madrileño Teatro de La Abadía, co-

productor de la iniciativa. Se trata de ‘La Ternura’ de Alfredo Sanzol y ‘Sueño’ de Andrés Lima, ambas propuestas que jugarán, cada una a su manera, con motivos y mecanismos de la comedia de William Shakespeare.

El primero en estrenarse será Alfredo Sanzol, que presenta ‘La Ternura’ del 27 de abril al 4 de junio en la Sala José Luis Alonso. Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón interpretan a unos personajes que Sanzol sitúa en una isla

– 16 –

ARTEZ | 216

ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2017

desierta lejana. “Quiero que ‘La Ternura’ sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar ‘La Ternura’ como sea, donde sea, con quien sea”, explica el director.

Y del 10 de mayo al 18 de junio, llegará el turno de Andrés Lima con ‘Sueño’, que ofrecerá sus funciones en la Sala Juan de la Cruz. El director conecta ‘Sueño de una noche de verano’ con un recuerdo personal: la muerte de su padre. Forman el reparto del montaje Chema Adeva, Laura Galán, Nathalie Poza, Ainhoa Santamaría y María Vázquez. “¿Porqué

ALFREDO SANZOL Y ANDRÉS LIMA

– 17 –

decimos te necesito? ¿Cuál fue tu primer amor? ¿Qué te vuelve loco: un amor no correspondido o una vida no vivida? ¿Porqué nos intranquilizan los locos? ¿y los simples? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Y antes? Quiere esta comedia mirar el placer y el dolor y darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida”, afirma Lima.

Continúa por tanto la iniciativa Teatro de la Ciudad (Premio Max 2016 a la Mejor Producción Privada de Artes Escénicas), un proyecto concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, creación, producción y exhibición del teatro contemporáneo. —

ARTEZ | 216

MISCELÁNEA

May Zircus

Teatre Nacional de Catalunya El TNC suma energías con el Institut del Teatre y la Escola Superior de Música de Catalunya en ‘Esquerdes parracs enderrocs’, pieza de Carles Santos y Jordi Oriol a partir de Joan Brossa que nace con el objetivo de que el legado del poeta catalán, puesto en manos de los jóvenes creadores (jóvenes graduados) de ambas instituciones, sea revisado con una mirada de hoy. Una mirada que no pretende abandonar el impulso brossiano, sino, al contrario, actualizar su intempestividad esencial, es decir, todo lo que lo hace contemporáneo. Los propios Carles Santos y Jordi Oriol dirigen esta

Centro Dramático Nacional El CDN presenta dos nuevas propuestas dentro del programa denominado Escritos en la escena. ‘La rebelión de los hijos que nunca tuvimos’ de Quique y Yeray Bazo es una obra dirigida por Eva Redondo que ofrecerá sus funciones del 31 de mayo al 11 de junio en el madrileñoTeatro María Guerrero. Y del 21 de junio al 2 de julio, el Teatro Valle-Inclán de Madrid acogerá las representaciones de ‘Por toda la hermosura’ de Nieves Rodríguez Rodríguez, con dirección de Manu Báñez.

MAYO | JUNIO | 2017

propuesta que se podrá ver del 11 al 21 de mayo.

Y del 4 de mayo al 11 de junio el público tendrá la posibilidad de disfrutar del espectáculo ‘Ricard III’ de Shakespeare, otra producción del TNC que en esta ocasión cuenta con la dirección de Xabier Albertí. Lluís Homar se pone en la piel del rey más controvertido entre todos los grandes personajes creados por el monstruo de Stratford para protagonizar este magnético viaje al fondo del alma humana y el dolor que pueden causar las dificultades de aceptar la propia identidad. Un periplo conmovedor, con una teatralidad explosiva heredada de los grandes retablos dramáticos medievales. La ascensión imparable de un ser marginado debido a las deformidades físicas, que con sus ansias insaciables de poder llegará a ocupar el trono de Inglaterra hasta acabar atrapado en el remolino de sus propios vacíos, dispuesto a ofrecer todo el reino por un simple caballo que le permita continuar su lucha.

Acompañan a Lluís Homar en el reparto los siguientes intérpretes: Roger Casamajor, Jordi Collet, Antoni Comas, Carme Elias, Oriol Genís, Robert González, Joel Joan, Lina Lambert, Albert Prat, Anna Sahun, Aina Sánchez, Julieta Serrano y Oscar Valsecchi. La pieza está traducida por Joan Sellent y adaptada por Lluïsa Cunillé.

Además, destaca el estreno de ‘Inconsolable’ de Javier Gomá, espectáculo dirigido por Ernesto Caballero e interpretado por Fernando Cayo que se presentará del 28 de junio al 23 julio en el María Guerrero. “Un hombre de cincuenta años comparece en escena y sin más preámbulos inicia una exposición íntima, lúcida y conmovedora. Explica que la muerte de su padre, todavía reciente, ha atravesado su vida como un acontecimiento. Asombrado ante la magnitud del suceso, que él no había podido ni imaginar, desea compartir públicamente el itinerario de sus primeros cuarenta días de duelo. Escogidas anécdotas de su vida familiar ilustran cada una de las fases del itinerario, sus vueltas y retrocesos inevitables. Huyendo de lo que llama literatura maleducada, una plaga que nos contamina, según él, prefiere un estilo más civilizado, que combina la inteligencia con la amenidad y no desdeña el sentido del humor. Todo parece bajo su control cuando, de pronto, sin apenas advertirlo, el monólogo se desliza hacia un terreno distinto, porque, a consecuencia de determinadas revelaciones, la situación obliga al protagonista a experimentar en toda su desnudez y crudeza el sentimiento de lo absolutamente inconsolable por la pérdida, aquello que no tiene ni quiere tener consuelo”, explica el autor.

– 18 –

ARTEZ | 216

La cantante calva

MISCELÁNEA

Javier Naval

Arte

Pentación Espectáculos y el Teatro Español presentan este espectáculo sobre la obra de Eugène Ionesco que ofrecerá sus funciones del 3 de mayo al 11 de junio en el mencionado espacio madrileño. Luis Luque se encarga de la dirección de este montaje interpretado por Adriana Ozores, Fernando Tejero, Joaquín Climent, Carmen Ruiz, Javier Pereira y Helena Lanza.

Fuente Ovejuna

Alberto Nevado

Después del ensayo

Javier Naval

Felipe Mena

Joan Ollé rinde homenaje a Jaime Gil de Biedma realizando un retrato del autor barcelonés a partir de sus textos y de textos de otros. Literario, dramático y poético. Ivan Benet, Judit Farrés, Mario Gas y Pep Munné son los intérpretes de este espectáculo que estará en cartel del 3 al 28 de mayo en Teatre Lliure de Barcelona. “Hoy, en el Lliure, poesía catalana en lengua castellana”, resume el director.

Oleanna

Juan José Afonso dirige esta obra de Ingmar Bergman interpretada por Emilio Gutiérrez Caba, Carmen Conesa y Rocío Peláez. “En Después del ensayo Bergman nos habla de la tragedia del desamor, de la asunción de la soledad y de la derrota de las creencias ante el paso arrasador de la vida”, afirma Afonso. De la mano de Grey Garden Tossal Producciones, se estrenará el 2 de junio en el Teatro Palacio Valdés de Avilés.

Vanessa Rábade

El Pavón Teatro Kamikaze produce esta obra de Yasmina Reza dirigida por Miguel del Arco que se podrá ver en el mencionado teatro de Madrid del 1 de junio al 30 de julio.

Roberto Enríquez, Cristóbal Suárez y Jorge Usón representan esta historia en la que una obra artística desencadenará un combate dialéctico entre tres amigos que, sin querer, terminan por debatir sobre el sentido último de su amistad.

Las personas del verbo

Javier Hernández-Simón dirige a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico en este clásico de Lope de Vega que, con versión de Alberto Conejero, se presentará en el Teatro de la Comedia de Madrid del 19 de mayo al 11 de junio.

“Hay obras que son como un torrente; una vez que te sumerges en ellas, te arrastran con tal fuerza y de forma tan intensa que ya no puedes salir”, afirma el director sobre la obra.

MAYO | JUNIO | 2017

Sergio Parra

Fernando Guillén Cuervo y Natalia Sánchez protagonizan este polémico texto de David Mamet que dirige Luis Luque.

“Es una historia sobre la lucha de poder entre dos personas. Eso sí, una encarnizada lucha donde se mezcla el acoso sexual además de cuestionar el sistema académico vigente (...)”, afirma Luque. Por Pentación Espectáculos, el estreno será el 16 de junio en el Teatro Palacio Valdés (Avilés).

– 20 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XXII Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga

Los clowns campan a sus anchas en Arrigorriaga La presente edición del ya mítico festival de payas@s presenta varios espectáculos, un taller y una exposición

FOTOGRAFÍAS

‘Lurrak’ ‘Wet floor’

A

rrigorriaga alcanza la 22ª edición de su Festival de Clowns y Payas@s, en la que participarán nueve artistas y compañías que realizarán once funciones entre los días 5 y 7 de mayo.

Además de los espectáculos, la programación se completa con un taller infantil de circo impartido por la compañía Bambolea y la exposición ‘Feria de los inventos’ a cargo de Civi Civiac.

La compañía italiana Circolabile dará comienzo a la cita con ‘O como… cacahuete’, espectáculo y protagonizado por el malabarista Stoppino que crece en plazas italianas y festivales internaciones encontrándose con la sorpresa y el entusiasmo del público. Después será el turno de la catalana Cía. Cristina Solé con su primer solo: ‘Wet floor’.

Por primera vez en Euskadi, se podrá ver esta “comedia hilarante que te hará perder los nervios”. El público llegará para ver el espectáculo de danza que está a punto de comenzar, pero antes, la empresa de limpieza deberá dejar el espacio adecuado para la bailarina.

Ya el sábado, el público podrá disfrutar de ‘Tras la escoba’ de Cía. Barré, un montaje que trabaja técnicas como la acrobacia y la manipulación de objetos. Es un espectáculo basado en un barrendero de los años 60 e impregnado del carisma del cine mudo. Naoto Okada ofrecerá, tanto el sábado como el domingo, ‘Campeón mundial de yo-yo’. El japonés es un maestro del 4A, con dos campeonatos de Japón y dos títulos mundiales. La perfecta sincronización, la precisión absoluta y una velocidad de vértigo convierten su show en algo sorprendente con el que demostrará que un yo-yó es más que un juguete. También ambos días, los argentinos Duo Laos demostrarán que la acrobacia en dúo es su mejor herramienta de expresión. ‘Otros aires’ es un viaje a un universo argentino donde también tienen cabida el tango, el rock latinoamericano y la danza clásica. Y desde Andalu-

– 22 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

FOTOGRAFÍAS

‘Otros aires’ ‘Bambalas’ ‘Tras la escoba’

Mia Ibarguen

cía cierra la programación del sábado La banda del otro con ‘Yee-Haw’. Sumergidos en un universo musical inspirado en el Country, el Ragtime y el Bluegrass, la compañía presenta un espectáculo de circo donde es imposible distinguir a los músicos de los malabaristas, o de los payasos.

Durante el domingo y además de los mencionados, los payasos Gari, Montxo ta Joselontxo representarán su espectáculo ‘Kolore’, donde el humor, la música y el circo son los principales ingredientes. La compañía Bambolea, en coproducción con Alas de Circo, interpretará ‘Bambalas’, espectáculo que presenta a las Hermanas Bambalas, cada cual más presumida, juguetona y coqueta, desperezándose sobre una hamaca situada a cuatro metros de altura. Sorprendidas ante la presencia del público, se afanarán en demostrar todas sus habilidades, pero su obsesión por impresionar a los presentes les hará errar una y otra vez. En sus constantes traspiés, mostrarán una habilidad incomparable que, sin embargo, ellas mismas no acaban de valorar. Un impresionante columpio en forma de trapecio servirá para probar que la unión hace la fuerza y que son muchas las ocasiones en que, cegados por nuestros objetivos inmediatos, no apreciamos lo suficiente nuestras acciones. Y clausura la presente edición del festival un espectáculo de circo contemporáneo vasco con música en directo: ‘Lurrak’.

En él, el trabajo de cuatro acróbatas, cuatro músicos y un clown se funde para dar lugar a una espectacular y emotiva historia que nace de la tierra vasca para un público universal. Así, la escena se sitúa en una fábrica que, aunque podría encontrarse en cualquier lugar del mundo, quiere trasladar al público a aquella época en la que la industria poblaba los alrededores de la Ría de Bilbao. Debido a diferentes conflictos y a una creciente tensión con el jefe, los trabajadores de esta fábrica, decidirán iniciar una rebelión. — – 23 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XVIII Umore Azoka - Feria de Artistas Callejeros de Leioa

Celebrando la mayoría de edad con las artes de calle Los estrenos destacan en una programación en la que 50 compañías realizarán más de 150 representación

L FOTOGRAFÍAS

‘Sefiní’ ‘Suddenly’ ‘ Topa’

os números no engañan y Umore Azoka sigue creciendo: las 50 compañías que conforman la programación de su décima octava edición pondrán en escena 51 espectáculos en más de 150 funciones que se llevarán a cabo en diversos espacios del municipio durante los días 18, 19, 20 y 21 de mayo. Porque un año más, Leioa vuelve a convertirse en una cita ineludible para conocer y disfrutar con las artes de calle, tanto para los profesionales del sector –que tendrán además la oportunidad de participar en encuentros, foros de reflexión y actividades profesionales varias– como para el público en general. Y es que durante las cuatro jornadas en las que se celebra esta Feria de Artistas Callejeros, estarán presentes en

Leioa 22 compañías llegadas de diversos puntos de la geografía vasca, 20 más del Estado y 8 compañías más de Francia, Hungría, Países Bajos y Suiza, todas ellas con el objetivo de presentar sus últimos trabajos.

21 estrenos Como estrenos absolutos se definen los espectáculos que se presentan por vez primera ante el público y esta edición acoge en su programación un total de 21, 13 de ellos a cargo de compañías vascas. Es el caso de ‘Topa’ para la que se han unido las compañías Kukai Dantza & Brodas Bros y ofrecen una enérgica mezcla de hip hop y danza tradicional vasca y que ha sido coproducida por la propia Umore Azoka y el festival Sismògraf de Olot. Asier Zabaleta es el coreógrafo y director de ‘Meeting point’, montaje de Ertza Dantza que funde el break dance, el hip hop y la danza contemporánea, y Jaiotz Osa presenta ‘Suddenly’, un solo con el que el coreógrafo y bailarín da rienda suelta a su imaginación. Eva Guerrero por su parte llevará a cabo el pre-estreno de ‘El fin de las cosas’, una pieza de danza contemporánea sobre la acción, la reacción o la no-acción.

– 24 –

ARTEZ | 216

FOTOGRAFÍAS

‘Femmes’ ‘Bankal Balkan’

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

La danza, el teatro y el circo se funden en ‘Pausoz pauso’, un espectáculo poético y lleno de carácter en el que el pueblo vasco y sus tradiciones cambian de escenario de la mano de Garazi & Cia., mientras que Shakti Olaizola funde danza, música, circo y pintura en las travesuras de la protagonista de ‘Baldin bada’.

Como teatro de calle al 100% puede definirse lo nuevo de Trapu Zaharra, ‘Sefiní’, en el que Santi Ugalde y Rubén Ontiveros se ponen en la piel de dos cómicos dispuestos a liquidar todo su atrezzo. Cía. Tornado presenta la versión en euskera y castellano de ‘Lapur minak - Amigos con derecho a robo’, una comedia de situación comprometida, absurda y gamberra, mientras que Teatro a la Boina hace lo propio con ‘I´m a real artist’, en la que cuatro intérpretes nos acercan a sus vidas. ‘Pink impact’ de El Gran Rufus está protagonizado por dos personajes reconvertidos en artistas de varietés de un mundo totalmente rosa y los malabares imposibles componen las ‘Historias de un baúl’ de Compañía Trotamundos. Cía. Barré llegará con sus exquisitas palomitas de maíz para ofrecer una experiencia festiva con ‘Juan Palomo ya está aquí’. Itinerante es también ‘Primatium. Un tropiezo en la carrera espacial’ de El Mono Habitado, que ofrecerá un visión de la carrera espacial ‘re-evolucionaria’. Y llegada la noche, la música en vivo y la pirotecnia tomarán las calles con ‘Anabasa’ de Lekittoko Deabruak.

Nacho Vilar Producciones estrena su cuarta producción de calle, ‘Odisea 80’, itinerante protagonizado por cinco extraños personajes llegados a la Tierra en misión científica que trasladan al público a la década de los – 25 –

ARTEZ | 216

ochenta. Blocc Quilombo también se irá moviendo por las calles de Leioa con ‘De la jungla al asfalto’, un nuevo paso de este laboratorio rítmico que ha logrado un sonido propio e inconfundible. Estrenan también en Leioa la compañía Lanórdika, con el amor, guiado por el circo y la danza, es pieza clave de ‘Rojo estándar’. ‘Polos’ de Compañía Es es un viaje sin rumbo al encuentro absurdo de los extremos.

Cía. Migrants narra a través de teatro gestual una historia de emigrantes en ‘Frontera’ y María Villate presenta el solo ‘Mutaciones’, una intervención urbana que aúna teatro físico y danza acrobática.

La larga lista de estrenos de Umore Azoka se completa con ‘Felicia, la mujer sin cabeza’, magia y divertidos experimentos de la mano de Miguelillo, y la instalación de autómatas animados construida con juguetes reciclados, ‘Automàtics’, de Red Button.

Vida en la calle Pero en los más de veinte espacios de Umore Azoka, se podrá disfrutar también con mucho más. La danza toma las calles con propuestas como Haatik Dantza Konpania que presenta ‘Korronteari aurre eginez’ y la pieza ‘70+1’, inspirada en Euskal Herria y la Guerra Civil. Movimiento ritual y danza tradicional se funden en ‘Negua’ de Bilaka, mientras que en ‘Esku harriak: Oteizaren (h)aria’ Mugmus Laborategia conjuga la danza con la música en directo, la escultura o el bertsolarismo.

También se podrá disfrutar con una propuesta de técnica contact, ‘Raw’ de Amaia Elizaran, o del choque de dos culturas muy arraigadas con ‘Fundiendo el hierro’ de MDV Danza.

FESTIVALES

FOTOGRAFÍAS

‘Bug n´Buzz’ ‘L´entresort’

MAYO | JUNIO | 2017

La poesía, la danza contemporánea y el flamenco se funden en el nuevo proyecto de los andaluces Marcos Vargas & Chloé Brûlé, ‘Naufragio universal’ y Projecte Esvorell Popular - Magí Sierra llegan con ‘Esvorell’, una pieza cargada de energía y muy vital. Iker Karrera es el coreógrafo “#7fm’. Sobre zancos bailan las intérpretes de Cía.

Maduixa en la premiada ‘Mulïer’. Y también habrá tiempo para la danza vertical con ‘La ilusión de la Golconda’ de The Opposite Hand.

Teatro, circo y mucho más Los espectáculos itinerantes son conocidos en Umore Azoka y además de los ya mencionados se podrá pasar un buen rato con las reivindicativas protagonistas de ‘Femmes’ de Hortzmuga Teatroa , sorprenderse con el espectáculo homónimo de La Guàrdia Reial y bailar al ritmo del R&B de Nueva Orleans con ‘SteamFunk Show’ de El Puntillo Canalla Brass Band.

Tutukutupá aborda el tema de la obsolescencia programada a través del teatro sonoro en ‘Basuromio’, y bajo la carpa de un circo Têtes des Mules presentan ‘L´entresort’, una tragicomedia mágica protagonizada por grotescos personajes del “slide show”. A través de diversas técnicas circenses Zen del Sur reflexiona sobre la despersonalización de nuestra sociedad en ‘Wake App!’, y el virtuosismo de los miembros de La Trócola Circ vuelve a brillar en ‘Emportats’. En cuanto al clown, estará el unipersonal de Cristina Solé, ‘Wet floor’, o ‘Libèlul.la’ de Cía de Toti Toronell. Y Karla Kracht & Andrés Beñadiez son los creadores de la particular instalación multimedia ‘6ºbelow nothing’.

La presencia internacional en Umore Azoka es notoria con la participación de 8 compañías. Los franceses Bazarnaüm Prod. se presentan en una caravana resplandeciente con un espectáculo explosivo, ‘Bankal Balkan’. Madam Kanibal se atreve con ‘Anatomik’, espectáculo burlesco que mezcla juego y faquirismo. Los títeres son los protagonistas de ‘Little boy, the king of harmonica’ de La Malette y unipersonal es la poética pieza de danza de Claire Ducreux, ‘Silencis’. Pudding Théatre presenta un espectáculo de gran formato, ‘Geópolis’. Desde Hungría llega Bandart con el espectáculo de danza multimedia ‘It sarted with de dance’; desde Holanda Cie. Concordance con la pieza de danza ‘Bug n´Buzz’ y de Suiza una propuesta del más puro circo, ‘L´envers’ de Ici´Bas. — – 26 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XVIII Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

El TAC de Valladolid se abre a nuevos horizontes La sección Oficial, con montajes de sala y calle, y las secciones Off y Estación Norte vertebran el TAC

FOTOGRAFÍAS

‘Flux’ ‘[Hullu]’ ‘Paysages intérieurs’

D

el 20 al 28 de mayo, Valladolid celebra la décima octava edición del Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle con la participación de 62 compañías que, procedentes de 12 países, llevarán a cabo más de un centenar de representaciones. La basta programación del TAC se presenta ordenada en tres secciones, la Oficial –que como ya lo hiciera la edición del pasado año incluye junto a los espectáculos de calle una programación específica de sala que se desarrollará durante todo el festival–, la sección Off y la sección Estación Norte .

Un espectáculo de sala será el encar-

gado de inaugurar esta edición, se trata de ‘Paysages intérieurs’ de Compagnie Philippe Genty, la última creación del reconocido artista francés que continúa con la exploración del lenguaje visual a través de la danza, el cuerpo humano y la relación con los objetos. La danza, en este caso contemporánea es el lenguaje de expresión del italiano Roberto Castello y Aldes que presenta ‘In girum imus nocte (et consumimur igni)’, y desde Taiwán, Cloud Gate Dance Theatre, compañía capitaneada por el coreógrafo Lin Hwai-Min, pondrá en escena ‘Rice’. Entre la danza y el teatro se mueve Cie. Mossoux & Bonté y en ‘Whispers’, última creación del dúo belga, el universo sonoro toma especial protagonismo.

A través del trabajo de actores y de marionetas, los franceses Blick Théâtre reflexionan sobre las enfermedades mentales y el autismo en la obra ‘[Hullu]’. ‘For sale’ de los rumanos Odeon Theatre es un proyecto que se incluye en ‘Hunger for Trade’ y que reúne a artistas, investigadores y

– 28 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

Ben Hopper

espacios de nueve países en torno a un problema global, la escasez de alimentos.

El encuentro imaginario con Juana I de Castilla sube a los escenarios con ‘Juana. La reina que no quiso reinar’ de la mano de Histrión Teatro, al igual que otro unipersonal protagonizado también por una mujer, ‘Las mil noches de Hortensia Romero’, obra basada en la novela de Fernando Quiñones que pone en escena La Torrent. En colaboración con el Teatro Carrión de la ciudad, el festival acoge la versión que Inextremis Teatro ha realizado de la obra ‘Medida por Medida’ de Shakespeare, y completa la programación de sala ‘La mirada del otro’ de Proyecto 42-3.

FOTOGRAFÍAS

‘inTarsi’ ‘All the fun’

Mucha calle El eje principal del TAC, nos referimos a la sección Oficial, tiene el grueso de su programación en la calle. Entre otros acogerá el estreno de la última creación de Varuma Teatro, ‘Repudiados’, propuesta en la que la formación andaluza combina danza contemporánea y flamenco. Además, dos montajes premiados en la edición anterior, ‘Ye orbayu’, de los asturianos Vaques, galardonada como Mejor Espectáculo de la sección Off, y ‘Flux’, de Zanguango Teatro, que fue reconocido como Espectáculo más Original e Innovador.

También se podrá disfrutar con otra pieza ya premiada en el TAC, ‘inTarsi’ de la Compañía de Circo EIA, que logró en 2012 el premio circense Emilio Zapatero.

– 29 –

La danza tendrá un especial protagonismo con espectáculos como ‘Mulïer’ de Maduixa , ‘Olea’ de Visitants o la última propuesta de Kukai Dantza, ‘Topa’, creada conjuntamente con Brodas Bros. Junto a la compañía gipuzkoarra, y gracias a la colaboración entre el festival y el Gobierno Vasco se podrá disfrutar en el TAC con las propuestas ‘A cal y canto’ de la veterana Trapu Zaharra y la ya mencionada obra de Zanguango Teatro.

La presencia de compañías internacionales es notoria en la sección Oficial, es el caso de: ‘Ma bête noire’, dúo de danza entre un hombre y un caballo de Eclats de Rock; los espectáculos circenses ‘Sol bemol’ de D’irque & Fien y ‘All the fun’,de EaEo o ‘L’espectacle’ de Frères Troubouch, y ‘Les moldaves’ de PasVuPAsPris.

La danza y el teatro visual se funden en ‘Silencis’ de Claire Ducreux, ‘Todo lo que está a mi lado’ es una intervención urbana de Fernando Rubio y ‘Sinergia’, circo contemporáneo de Nueveuno. El

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

FOTOGRAFÍAS

‘Ye orbayu’ ‘En vano’ ‘Hoax’

clown llega de la mano de Los Excéntricos y su espectáculo ‘The mel ng pot pourri’, y también habrá tiempo para shows como los propuestos por Lee Hayes con ‘Maestro de ceremonias’ y Daraomai con ‘Tiravol’. La programación de calle de la Sección Oficial se completa con la performance ‘Les irréels’ de Créature, ‘Cooperaz a’ a cargo de Le G. Bistaki y la gala ‘Coreógrafos del XXI. De dos en dos’, en la que participarán con diferentes dúos, B. Dance, Mahilde van de Wiele, Sara Angius, Murali Simon Baro y Pablo Mandaras, Dimo Kirilov Milev y Sharon Fridman.

Fiesta circense La sección Off de esta edición se presenta con los espectáculos de 15 compañías, entre ellas internacionales como Joshua Monten que pondrá en escena ‘Joy’, un espectáculo para cinco bailarines que explora el arte del stage fighting, la holandesa Compagnie With Balls con ‘Join the parade’, itinerante protagonizado por una marioneta gigante, y la propuesta circense ‘L’entresort’ de la compañía Têtes de Mules.

Y es que las artes circenses son las protagonistas indiscutibles de esta sección con propuestas como ‘Contiguo’ de Cía IO, ‘El plan’ de Con Plot . Magia, clown y circo se unen en ‘Wooow’ de Nando Caneca, mientras que en ‘Juguete roto 3p0’ de Pass & Company y ‘Up2down’ de trasPediante el circo es el lenguaje utilizado.

La danza también tendrá su lugar con ‘Salida de emergen– 30 –

cia’ de Alba González, ‘We-ding!’, de Los Moñekos, ‘Hoax’ del búlgaro Denislav Valentinov, y la danza inclusiva de Danza Mobile con ‘En vano’. El clown de Pere Hosta y su ‘Open door’, la música de Lapso Producciones y su ‘Clásicos excéntricos’ o la work in progress de los alumnos de la Escuela de Circo de Madrid conforman la programación de esta sección.

Pero el TAC propone más espectáculos, que se incluye, en la sección Estación Norte, que reúne a diez compañías de Valladolid entre las que cabe destacar cuatro estrenos: ‘La inopia’, pieza de danza contemporánea del bailarín y coreógrafo Alberto Velasco; la adaptación que de ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca ha realizado Ghetho 13-26; ‘Fuegos’, una intervención con la que reflexionar sobre el drama de los refugiados a cargo de La Nave del Teatro Calderón, y ‘400.001 millones de estrellas’, montaje de clown de Luciérnagas Teatro. A estos estrenos se suman seis compañías más: The Freak Cabaret Circus con ‘Bicirco’; Vauxhall 3 con ‘Monocromo’; Miguel Gigosos Ronda con ‘Möbius’; Carlos Tapia con ‘Te estás volviendo Chéjov’; el colectivo de danza urbana Fresas con Nata Crew con ‘AVATUS’ y José Luis Gutiérrez con ‘Love’.

A la programación de esta edición hay que sumarle además las actividades paralelas como la performance que realizará el Colectivo Indignado de Valladolid el 27 de mayo en la playa de las Moreras con el objetivo de visibilizar la realidad de las personas que fallecieron en 2016 en el mar huyendo de los conflictos de sus países, titulada ‘Sueños ahogados’; el taller de interpretación de verso, y el primer ‘Encuentro Nacional de Impro Ciudad de Valladolid’. —

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XVIII Bilboko Kalealdia - Festival de Teatro y las Artes de Calle

Kalealdia se hace mayor destacando la diversidad El parque de Doña Casilda se consolida como espacio habitual, donde se ubicará la gran carpa de circo FOTOGRAFÍAS

‘Femmes’ ‘Je te haime’ ‘Naúfragos’ ‘Irrintzi’

R

ecién estrenado el periodo estival, del 26 de junio al 1 de julio, se desarrollará la programación de la décimo octava edición del Kalealdia de Bilbao, cita ineludible de las Artes de la Calle en la que se prevén 58 representaciones a cargo de 27 compañías procedentes de diversos puntos de Europa, tales como Francia, Portugal, Dinamarca, y Reino Unido, así como de Chile. Cabe destacar también la participación de seis compañías vascas, dos catalanas y una madrileña, que presentarán sus últimos montajes. Junto con los emplazamientos habituales de la Plaza Arriaga, el Arenal o la Plaza Nueva, hay que destacar el Parque Doña Casilda, que se consolida como un gran espacio al aire libre, en

el que además de cinco escenarios abiertos, se instalará de nuevo una gran carpa de circo donde la compañía francesa Le Cirque Dans Les Étoile representará ‘Petites histories de cirque’, una creación que combina circo, música, títeres y teatro de objetos.

La programación contará la presencia de un total de seis propuestas nunca vistas en el Estado español, cinco de ellas de manos de compañías francesas, comenzando con Cirque Content por Peu, que realizará un número basado en equilibrios acrobáticos, revestido de humor que se inspira en el género burlesco y el cine mudo; continuando con Les Frelots y su ‘Comme un petit air d´antan’; Cie. Rêve e ‘Impact’; la Cie. HMG y ‘3D3’; Quignon Sur Rue y su singular trabajo ‘Pizza participative’, donde el público podrá presenciar el ritual de la elaboración de una pizza con todos los ingredientes de un show. El sexto estreno vendría por parte de la compañía chilena Apokellen Marionetas y su ‘La recicleta’, un espectáculo visual sobre ruedas. Junto con los ya citados, debemos señalar trabajos de peso que respaldan el carácter internacional del Kalealdia como ‘Dodo´s dream’

– 32 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017 FOTOGRAFÍAS

Cirque Content por Peu Cuerdo

Andrea Macchia

de los británicos Circle of two, una pantomima poética que mezcla circo, teatro y títeres, ‘Cuerdo’ del titiritero danés Karl Stets, la pieza fresca y divertida ‘Chansons à riques’ del Duo Bonito y ‘Fille d´Hestia’ de Mystica Salvaje.

Tres compañías portuguesas participarán en la presente edición. Se trata de Farra Famfarra y su ‘L´Orgarêve et sex Joyeux Nuages’, ‘Lullaby’ de Godot, un montaje interactivo donde confluyen clown, mimo y teatro de improvisación, y la performance ‘Vicent’ de Cao a Chuva + Projeto Ez. A través del programa de colaboración transfronterizo ‘De Mar a Mar - Pirineos de Circo’ se posibilitará la presencia dentro del Kalealdia de algunas de las compañías de circo más relevantes del panorama europeo. Entre ellos están los franceses Bivouac, que presentarán el montaje de circo y danza ‘A corps perdus’; Daraomaï que propondrá el espectáculo que fusiona danza y circo ‘TiraVol’; y Éclats de Rock, que llevará a escena la singular pieza ‘Ma bête noire’, en la que interviene un caballo y que junto al artista se revela como un bailarín. De esta colaboración también surge ‘inTarsi’ de los catalanes Eia. Especiales son siempre las propuestas de La industrial teatrera, que en esta ocasión vienen a presen-

tar ‘Naúfragos’, un homenaje a todos los viajeros que alguna vez se sintieron náufragos. Por su parte, los madrileños Hurycan llevarán a escena ‘Je te haime’, una reflexión física sobre el compartir y tratar de avanzar junto a otra persona.

Dentro de las propuestas de compañías vascas que se verán en Kalealdia se encuentra la pieza de danza contemporánea ‘El fin de las cosas’ de Eva Guerrero y ‘Baldin bada’ de Shakti Olaizola. Tampoco faltarán a su cita Hortzmuga, Organik y Dikothomia. La primera escenificará el espectáculo itinerante ‘Femmes’, un canto reivindicativo y políticamente incorrecto donde un grupo de ancianas que desde el humor hacen de la provocación una nueva forma de vida y de lucha. ‘Irrintzi’, propuesta que mezcla danza, teatro, música y humor de Organik también está protagonizada por dos ancianas que se mueven con limitaciones articulares pero que cuando recuerdan su juventud regresan momentáneamente a ese pasado de forma eufórica. Dikothomia, por su parte, propone en ‘Spazio...O’ un trabajo de circo contemporáneo donde los personajes reflejan sus vivencias. Por último, Deabru Beltzak se encargará de cerrar Kalealdia con ‘Su à feu’. —

– 33 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XXVII Mostra de Teatre d’Alcoi

La Mostra de Alcoi se estira a lo largo de una semana En la sección especial denominada ‘La mostra més jove’ se ofrecen doce espectáculos para los públicos menudos

E FOTOGRAFÍA

‘Odisseu’ ‘Himmelweg’ ‘Akari’

empieza el 27 de mayo y termina el 2 de junio, una semana en la que en los teatros, salas, centros culturales y plazas de Alcoi se van a presentar un total de veintinueve espectáculos a cargo de igual número de compañías, grupos o empresas, de las cuales una docena forman parte de la ‘Mostra més jove’, que es la sección especial dedicada al teatro realizado para niños y niñas, que va tomando un peso mayor en esta edición de la Mostra de Teatre de Alcoi, la genuina Fira d’Arts Escèniques de la Comunitat Valenciana que ha vuelto a colocarse en un lugar de privilegio para que

se den a conocer a los programadores locales y venidos de otros puntos del Estado las últimas producciones del teatro producido en Valencia, además de ofrecer una selección de algunos montajes punteros recién estrenados de otras comunidades.

La sección especial para niños y niñas arranca el día 27 de mayo con el estreno de un espectáculo de danza para la inclusión realizado por Paco Valls titulado ‘Sentiments’ a cargo de FaulaTeatre/Escolas de dansa. Le seguirá otro espectáculo de danza, en esta ocasión dedicado especialmente a la primera infancia, creado por Omar Meza, ‘Akari’, por la compañía andaluza Da.te Danza.

El teatro aparecerá el día 29, un día repleto de actuaciones de todos los géneros, que comenzará en una función para público escolar concertada que realizarán los oscenses de Producciones Viridiana, que ofrecerán el espectáculo de Jesús Arbués titulado ‘Mantero’. ­—

– 34 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

Un acontecimiento musical y teatral es la propuesta que presentan Factoría Los Sánchez + Imaginary Landscape Factory con su espectáculo titulado ‘Tocaticó - tocatá (Carles Sntes per a bebés)’ que han realizado R.Sanchéz, J. Villarroya y A. Fonollosa, con música en directo, sin texto y dirigido a la primera infancia.

También musical, pero proveniente de Catalunya, es la obra ‘Terra de Dracs’ de Pep López a cargo Afónix Producciones & Pep López, un teatro familiar de entrada libre. Abierto al público, un espectáculo dedicado al público adulto, pero especialmente a los jóvenes a cargo de los valencianos de El Punto G y su obra ‘Vives’ de Gabriel Ochoa, también con música en directo.

Completa la programación de este glorioso 29, un espectáculo itinerante, ‘Femmes’, de los vascos de Hortzmuga Teatroa, sin texto. Y cierra la jornada la compañía La Subterránea con ‘Maldito Otoño’ de Paco Zarzoso, teatro para adultos en castellano.

Seis espectáculos más conforman esta sección para los pequeños: el día 30, será en sección escolar concertada

FOTOGRAFÍAS

‘Kitikraft’ ‘Oníricus’ ‘Paradís Pintat’

– 35 –

cuando se produzca el estreno en castellano de ‘El gorrión y el poeta’, de F. Guirado y Juan León a cargo de la compañía valenciana La Carreta, y Jordi Ballester ofrecerá el espectáculo para jóvenes y adultos titulado ‘Odisseu’ de M.T. Beltrán, M.T. Cases y M. García.

Las dos ofertas del día 30, ambas concertadas, serán dos producciones valencias, ‘Kitikraft’ de Jaume Policarpo a cargo de la compañía Bambalina Teatre Practicable, realizada con títeres y Teatre de l’Abast que presentará ‘Lluna, dos i tres’ de Isabel Martí.

Un musical valenciano de Roberto García, ‘Las 3 cerditas’ a cargo de L’Horta Teatre/Eventime, en castellano para toda la familia el día 1 y se

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

cierra el ciclo con una obra de Illes Balears, ‘Hanna del tres països’, que presentarán Teatre Sargantana e Iguana Teatre.

El la Plaça de Dins se ofrecerán otros tres espectáculos de calle: ‘Hathi’ del Centre de Titelles de Lleida; ‘Oníricus ‘de La Troupe Malabó y ‘El apartamento’ del Circ About It. Además en la glorieta Arrimados ofrecerá su trabajo de circo ‘Menás a truá’.

Jordi Disla a partir de Vicente Blasco Ibáñez es el autor de ‘Els Quatre genets de L’apocalipsi’ que representará la compañía de Institut Valencià de Cultura Teatre del Poble Valencià y que está recomendada para jóvenes, al igual que la presencia de la obra del madrileña Ignacio García May, ‘Sofía’, que presentará el Teatro Español de Madrid.

Otro autor madrileño, de gran trayectoria, Juan Mayorga, llega de la mano de los catalanes de la Sala Atrium, que presentarán en castellano la obra ‘Himmelweg. Camino del cielo.’ La compañía alcoyana La Dependent en coproducción con el Institut Valencià de Cultura realizará el día 31 el estreno absoluto de la obra de Gemma Miralles titulada ‘De Sukei a Naima’, que se dirige también a públicos jóvenes.

Los valencianos de Bramant Teatre se presentan en esta ocasión con la obra que firman varios autores titulada ‘Hijos de Verónica’, cuya representación se celebrará en un lugar no teatral, el Centro Industrial, y su asistencia será por invitación profesional.

Juli Disla, autor que aparece en varias propuestas de esta edición, estrenará en castellano su obra ‘Cariño’ que produce Pérez & Disla. A partir de la obra de Franz Kafka, Belén Santa Olalla reconstruye ‘El Proceso’ que llegará de la mano de la compañía andaluza Factoría Echegaray.

Un concierto teatralizado, dirigido por Jordi Purti,’ Concerto a tempo d’umore’ que sin palabras y buscando la asistencia del público joven, ofrecerá el día 1 de junio en el Teatro Calderón, la Orquestra de Cambra

FOTOGRAFÍA

de l’Empordà.

‘Maldito Otoño’

Otro grupo madrileño, el Teatro del Barrio, representará ‘Emilia’ de Ana

– 36 –

Rosa Costa y Noelia Adánez. Cierra las actuaciones ‘Paradís Pintat’ de Ferruccio Cainero y Pepa Planas, que también la interpreta.

Dentro de la sesión nocturna dedicada a entregar los Premis Off que otorgan un grupo de programadores valencianos, se podrá presenciar la animación teatral que hará Rafa Alarcón titulada ‘La dura vida del programador’.

Como es habitual hay numerosas actividades paralelas que se enmarcan dentro de la Mostra de las que destacamos la presentación de un libro/ audiovisual del veinte aniversario de la importante Xarxa Alcover que se dedica a hacer circular algunos espectáculos en catalán por Catalunya, Valencia y las Illes Balears.

Para el día 30 está previsto que se presenten los informes del Circuit Valencià de Cultura 2015/2016, ese mismo día se celebrará un debate sobre la autoría teatral.

La Junta Directiva de ADGAE, los distribuidores, presentarán sus proyectos de producción.

En Àgora Escènica, se podrá ver desde el 29 una exposición dedicada José Estruch que organiza el Instituto de Cultura Juan Gil-Albert. —

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

X Circolmedo

Olmedo se prepara para un fin de semana circense Propuestas para todos los públicos, Gala de circo y escuela y talleres serán los atractivos del festival

A

lo largo del segundo fin de semana de mayo, del día 12 al 14, tendrá lugar la décima edición de Circolmedo, como es habitual con una programación pensada para que puedan disfrutar los públicos de todas las edades con funciones y actividades que se desarrollarán tanto por la mañana, la tarde, e incluso por la noche. Dentro de las actividades paralelas cabe destacar la Escuela de circo ‘Cirqueamos’ a cargo de la Compañía Tiritirantes en la corrala del Palacio del Caballero, donde los asistentes podrán descubrir y probar técnicas circenses tales como trapecio, malabares, acrobacias o equilibrios el sábado y domingo al mediodía. El domingo, en ese mismo emplazamiento, también se llevará a cabo talleres para público infantil.

Uno de los platos fuertes del festival es la ‘Gala de circo’ prevista la noche del viernes y sábado presentada por el dúo cómico YeOrbayu, donde intentará descubrir el ‘más difícil todavía’ con números de trapecio volante, cuerda vertical, malabares con mazas, cuerda floja, equilibrios, pulls, báscula y mimo clown.

El grueso de la programación se llevará a cabo en el Palacio del Caballero a excepción del ‘Gran pasacalles’ que los Jóvenes de Olmedo realizarán por la Corrala y Patios de San Pedro. Entre las compañías participantes se encuentran Trotamundos que proponen ‘Historias de un baúl’, protagonizada por dos entrañables personajes viajeros y soñadores; ‘Cabaret’ de la Compañía Circo Mediterráneo, que recoge lo mejor de la tradición circense incorporando las características del circo contemporáneo; el espectáculo ‘La Bella Tour’ de la agrupación homónima, al tiempo que ‘Vaya circo’ de la Compañía Kamabahiota y Xarivari Blues de Circo Los que será el montaje encargado de cerrar la programación. —

Luisan Optura – 38 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XXXVII Feria Internacional del Títere de Sevilla

Títeres y titiriteros por todos los rincones de Sevilla La extensa programación de la presente feria ofrecerá montajes en todos los distritos de la ciudad

Txelu Angoitia

S FOTOGRAFÍAS

‘Andante’ ‘Garbancito en la barriga del buey’ ‘Pirata barba’

evilla celebra la 37ª edición de la Feria Internacional del Títere, que tendrá lugar del 12 al 22 de mayo con la participación de compañías de Portugal, Argentina y diferentes puntos del Estado español.

Además de en los espacios habituales (Teatro Alameda, Sala Cero, Sala La Fundición y Alameda de Hércules), se programarán espectáculos en todos los distritos de la ciudad, tanto en centros cívicos, como en salas (Sala La Imperdible, Sala Viento Sur y Centro TNT) y en calles peatonales.

Dirigidas al público familiar, el Teatro Alameda acogerá dos piezas: Tropos Teatro de Títeres representará su versión de ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca, ‘Y los sueños, sueños son’; y La Rous llevará a cabo ‘Una niña’.

La Sala Cero contará con ‘La semilla’ de La Canela, un espectáculo sobre las diferentes maneras de crecer; y ‘Pequeña Max’ de Arena en los bolsillos. El Teatro Duque-La Imperdible programará ‘La gallina de los huevos de oro’ de App Creacions y ‘El mundo de Dondo’ de la compañía Julia Sigliano, una historia contada con la interacción del público y con gran variedad de recursos artísticos.

También para el público familiar están dirigidos los montajes que se podrán disfrutar en el Centro TNT y en la Sala Viento Sur. El primero acogerá dos espectáculos: ‘La extraordinaria historia de la vaca Margarita’ de Títeres Caracartón y ‘Mukashicuentos’ de Cabana Kojachi “Mukashi Mukashi”/Flash Teatro, un encuentro con la narración oral, objetos y títeres de animación. En la segunda se podrán ver, además de ‘Mukashicuentos’ y ‘El mundo de Dondo’, ‘El teatro más pequeño del mundo’ de Ana Santa Cruz, un espectáculo de teatro de figuras y títeres corporales donde la titiritera, con ayuda de sus manos, contará pequeñas historias visuales de corte cómico y poético.

– 40 –

ARTEZ | 216

La Sala La Fundición presentará tres propuestas de títeres para adultos.

El Centro Dramático de Évora (CENDREV) ofrecerá ‘Bonecos de Santo Aleixo’. Las marionetas de Santo Aleixo están entre los títeres más antiguos de Europa (su referencia más lejana data de 1798). Son títeres de varilla manipulados desde arriba, están hechos de madera y corcho, y su vestuario permite identificar a personajes históricos. La también portuguesa Lafontana–Formas Animadas interpretará ‘Peregrinaçao’. Fernando Mendes Pinto, navegante y aventurero portugués, relató las aventuras que vivió en los lejanos reinos y señoríos de Orien-

FESTIVALES

FOTOGRAFÍAS

‘La extraordinaria historia de la vaca Margarita’ ‘Una niña’

MAYO | JUNIO | 2017

te en su libro “Peregrinaçao” a finales del siglo XVI. Así, la pieza se traduce ahora al lenguaje teatral en un escenario multimedia. Además, Ymedioteatro representará ‘Solos’, Premio al Mejor Espectáculo en Titirijai 2016.

La Alameda de Hércules será escenario de diferentes propuestas al aire libre. El teatro de calle llegará de la mano de Xarop Teatre (‘Pirata barba’), Julia Sigliano (‘Asfixia, breve cuestionario de un amor virulento’), Zero en Conducta Teatre del moviment (‘La dernière danse de Brigitte’) y La Gotera de Lazotea (‘Garbancito en la barriga del buey’, Premio al Mejor Espectáculo de Títeres en FETEN 2017).

Además, se ofrecerán los pasacalles de Markeliñe (‘Andante’) y Rolabola Teatro (‘080 y tantos’), y tres cortos de animación de Coke Riobóo.

A todo ello se suman las numerosas propuestas que tendrán lugar en los centros cívicos, además de actividades como exposiciones y talleres. —

– 41 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XXI Trapezi - Fira del Circ de Catalunya

Reus, una gran carpa para el mejor circo

FOTOGRAFÍA

‘Quixot’

U

Luis Antonio Barajas

n total de 39 compañías ofrecerán más de cien funciones en la vigésima primera edición de Trapezi, la Fira del Circo de Catalalunya que del 11 al 14 de mayo convierte a Reus en el mayor escaparate del mejor circo nacional e internacional.

Esta nueva edición se presenta con varias novedades ya que estrena dirección artística; Leandro Mendoza Artagaveitia es el encargado de dar forma a esta cita con el circo y con el que ha “comenzando una etapa con el objetivo de consolidar una feria con identidad territorial que se convierta en una herramienta imprescindible para el circo de Cataluña y un referente en el sector profesional a nivel internacional”, explican desde la organización.

Otra de las novedades de esta edición es la coproducción que por vez primera realiza Trapezi, y lo hace junto

con el festival Sismògraf de Olot, se trata de ‘MiraT’ montaje de pértiga china con música en directo de Circ Pànic.

Y entrando ya en la programación, cabe destacar que esta edición vuelve a contar con espectáculos de compañías catalanas, estatales e internacionales de diversas tendencias, formatos y técnicas pero todas ellas cumplen las tres premisas establecidas por la dirección: “que presenten excelencia técnica y/o variedad en los números y/o disciplinas de circo, que sean producciones de factura profesional y que tengan una clara voluntad de comunicación con el público”.

Son varios además los estrenos que se llevarán a cabo esta edición. La Cia. Eia vuelve a Trapezi para estrenar ‘Espera’; desde Bélgica llegan Collectif à Sense Unique con un espectáculo de gran formato, ‘Léger démêlé’ –con el que clausuran esta edición–; los preestrenos llegan con la Cia. ES y ‘Polos’, un montaje de pole-dance, malabares y danza y ‘Udul’ de Los Galindos. Pero habrá mucho más con lo que disfrutar con propuestas como ‘Invisibles’ del Circo d´Hivern de l´Ateneu Popular de 9 Barris, ‘Ni cap ni peus’ de Circo Vermut, ‘Náufragos’ de La Industrial Teatrera –Premio Trapezi en los Premios Zirkòlika 2016–, ‘Sinergia 3.0’ de Nueve.uno, ‘Doux’, montaje de pértiga china y báscula de los franceses Supplice de la Planche o el suizo George

– 42 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

Carles Calero

Martela Molucas

Traber que presentará los números ‘Heinz Baut’ e ‘Hikohki Gumo’ entre otros.

También habrá lugar para dos propuestas de gran formato que se encargarán de inaugurar y clausurar esta edición.

Con el inaugural ‘Cabaret’ se podrá disfrutar también todas las noches de Trapezi y contará con unos presentadores de lujo, los payasos Jordi Martínez, Joan Arqué ‘Arquetti’ y Oriol Boixader ‘ Oriolo’ vinculados a Monti & Cía y a Rhum & Cia. Los belgas Collectif À Sense Unique serán los encargados de despedir esta edición con el ya mencionado ‘Léger Démêl’, un montaje que incluye acrobacias, palo chino, malabares y mucho circo.

Como viene siendo habitual en las últimas ediciones, Trapezi también ha programado varias propuestas de circo de sala como el ya mencionado ‘Invisibles’, ‘Quixot’, espec-

FOTOGRAFÍAS

‘Invisibles’ ‘Paradís Pintat’ ‘Möbius’

– 43 –

táculo de trapecio y teatro gestual de Markeliñe, la propuesta de clown ‘Paradís Pintat’ de Pepa Plana, ’Pulso’ de Atempo Circ y ‘Möbius’ de Miguel Gigosos. Y este año como novedad Trapezi ha organizado una Galería de personajes peculiares en homenaje a los personajes excéntricos de circo y para ello propone tres recorridos, a través de tres montajes protagonizados por tres personajes peculiares: ‘El señor de las Peonzas’, de la Cia Penelope y Aquiles, ‘El hombre rueda’, a cargo del Profesor Karoli y ‘El hombre orquesta’, que da vida el Señor Stets. —

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XL FITEI

Cuarenta ediciones del Festival de Expresión Ibérica de Porto Cerca de veinte espectáculos y actividades diversas con creadores de Portugal, Argentina, Chile y España

D

el 1 al 17 de junio se celebra en las ciudades de Porto, Matosinhos y Viana do Castelo la cuadrogésima edición del Festival Internacional de Teatro de Expressâo Ibérica con espectáculos iberoamericanos llegados desde Argentina, Chile, España y Portugal, que tiene como temas centrales la memoria y la comunidad.

De entres ellos destaca ‘Campo Minado’, un trabajo de la dramaturga y directora argentina Lola Arias que está realizado con veteranos de la guerra de las Malvinas, donde se confunden las fronteras entre la realidad y la ficción, siguiendo en una indagación que la creadora argentina lleva realizando en los últimos tiempos trabajando la memoria con personas directamente afectadas por el asunto tratado .

En la misma línea se encuentra una mirada crítica a la problemática memoria del propio colonialismo portugués y de las historias y recuerdos que recorren el proceso de descolonización de después de la revolución de los claveles de 1974 que es de lo que trata ‘Filhos do Retorno’ de Joana Craveiro con Teatro do Vestido Las representaciones de esta edición comenzarán con un ‘Macbeth’ en colaboración del Festival con el Teatro Nacional Sâo Joâo en un montaje de Nuno Carinhas. Dos obras inéditas en Porto presentará Tiago Rodriguez, la primera con el dúo Sofia Dias y Vítor Roriz que serán ‘António e Cleóprata’, y a partir de historia contados por su abuelo se verá ‘Bye Heart’, donde se mezclan historias de escritores y de personajes librescos.

Todo el delirio de Eurípides aparece condensado en ‘As Bacantes - Preludio para um purga’ que presentará Marlene Monteiro Freitas, donde la música, la danza y el misterio nos hacen asistir al combate de las apariencias y disimulos entren Apolo y Dionisio. Hugo Cruz ofrece ‘Solange_uma conversa de Cabeleireiro’, a partir de las voces de poetisas portuguesas. y brasileñas, situando la acción en una peluquería donde So-

– 44 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

lange espera a la clientela y nos muestra que no tiene pelos en la lengua y que es un amante de la poesía.

De Chile llega ‘Pájaro’, una obra escrita, dirigida e interpretada por Trinidad González que es una tragedia reflexiva que se mueve entre el drama y la comedia y que a partir de una situación aparentemente normal, la llegada de un desconocido nos descubre el miedo que sufrimos los humanos ante los diferentes. También de Chile llega ‘Casco Azul’ de Antonio Altamirano, que narra las vicisitudes de cuatro cascos azules destacados en una base militar en Puerto Príncipe donde se produce una revolución en sus calles mientras ellos asustados, están leyendo a Hegel con la intención de comprender lo que pide el pueblo. Pero no lo consiguen.

Dos obras gallegas, ‘Calypso’ de Voadora que construye el escenario para un gran despedida, elegante y extravagante, que anuncia el fin de un sistema. Pablo Fidalgo crea un espectáculo donde se indaga sobre la trascendencia a partir de ‘Daniel Faria’, poeta y monje portugués que falleció a los veintiocho años.

En las calles se podrá ver el trabajo de Erva Daninha titulado ‘E-nxada’, una alusión poética al trabajo en la tierra a través de un objeto, ancestral, la azada, que relaciona al hombre con el paisaje. Y completará la experiencia escénica única que el creador argentino Fernando Rubio ha realizado en muchas partes del mundo, ‘Todo lo que está a mi lado’, siete actrices, en siete camas colocadas en una plaza pública donde reciben a los espectadores de uno e uno en micro relaciones de diez minutos.

Entre las actividades paralelas y dentro de lo que se llama ‘Isto nâo é uma escola FITEI’, donde se producirán trabajos con Lola Arias y Joana Craveiro, además de tres talleres a cargo de los críticos e investigadores Óscar Cornago, Diana Damian-Martin y Sergio Lo Gatto para entender la relación entre Teatro y Política junto a estudiantes, curadores, artistas y programadores .

Se presentará el libro ‘O Livro dos Exilios’, un texto de Jorge Louraço escrito a partir de los archivos de estas cuatro décadas del festival, que sirve para mirar al propio pasado de manera íntima y desde una perspectiva histórico-social que sirva para entender en su globalidad este FITEI que es el festival más antiguo de Portugal de artes performativas. —

FOTOGRAFÍAS

‘E-nxada’ ‘Pájaro’ ‘Campo Minado’ ‘Solange_uma conversa de Cabeleireiro’

– 45 –

Ashleight Geourgin

Matias Delacroix

Tristam Kenton

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

II Festival de Danza Contemporánea de Navarra

Diversidad en el Festival DNA

E

n su 2ª edición, el Festival de Danza Contemporánea Navarra pasa a celebrarse en primavera, en concreto del 20 de mayo al 3 de junio, y estrena dirección artística a cargo de Isabel Zarzuela.

Esta cita, promovida por la Dirección General de Cultura del Gobierno de Navarra-Institución Príncipe de Viana en colaboración con la Fundación Baluarte, apuesta este año por la diversidad, por su mirada internacional y por sus conceptos de comunidad, ecopolítica y futuro. La programación está compuesta por 15 espectáculos, tres de ellos preestrenos, además de numerosas actividades paralelas.

Todo ello tendrá lugar en Pamplona, Barañain, Huarte, Noain, Villava, Lesaka, Aoiz, Alsasua y Tudela.

La idea de apostar por la diversidad se debe entender desde muchos prismas. Bien comprendido por la fusión entre lenguajes artísticos, claro ejemplo son las dos piezas que presenta Gilles Jobin: ‘Womb’, donde el movimiento se mezcla con el cine, y ‘Força forte’, que se mezcla con la filosofía y la física cuántica. Kukai Dantza hace lo propio en ‘Oskara plazara’, fusionando la danza con las artes visuales y plásticas. Y diversidad también en lo referente al tamaño, formato o procedencia, donde cabe destacar la presencia de la estadounidense Martha Graham Dance Company, que está celebrando su 90 aniversario con una selección de sus piezas más emblemáticas. Otras convocarán 50 personas en espacios públicos como ‘Árboles’ de la brasileña Clarice Lima. Asimismo, habrá espectáculos en clave de concierto de rock, punk, como ‘Anarchy’ de Societat Doctor Alonso, o ritmos hip hop en ‘Sinestesia’ de los catalanes Iron Skulls. Y también diversidad en la procedencia de los artistas invitados, ya que otra de las claves de DNA 2017 será su mirada internacional. Hasta 7 propuestas llegarán de otras latitudes, como la del congoleño Faustin Linyekula, uno de los coreógrafos más prestigiosos de África, que presentará ‘More more more... future’.

Las diversidad de los cuerpos y las capacidades llegará con ‘Homem Torto’ del brasileño Eduardo Fukushima y con ‘Sobre ruedas’ de Becky Siegel, que trabaja con bailarines de su compañía Kon moción, y del grupo Lua de ANIMET, uno de los primeros conjuntos de danza en silla de ruedas de España.

A nivel conceptual, esta edición girará en torno a tres líneas de pensamiento: comunidad, ecopolítica y futuro.

Por tanto, el festival contará, entre otros, con trabajos que reflexionan sobre la necesidad de conectar el arte con las urgencias de la sociedad como ‘Rice’ de la compañía taiwanesa Cloud Gate Dance Theatre, ‘Extranos Mares Arden’ de Txalo Toloza y Laida Azkona y ‘Transoceánica’ de Uxue Montero y Larraz. — – 46 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

‘Rice’ de Cloud Gate Dance Theatre

– 47 –

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XL Festival de Teatro de El Ejido

El Ejido celebra el cuarenta aniversario de su festival

Guillermo Casas

David Ruano

E

l veterano Festival de Teatro de El Ejido cumple este año cuarenta años y lo celebra por todo lo alto con una programación en la que destacan compañías y artistas de reconocida trayectoria.

Del 19 de mayo al 10 de junio el Auditorio y el Teatro Municipal serán los espacios centrales del festival en una edición cuya programación se hará extensiva a otros puntos de la provincia como los municipios de Adra, Huércal-Overa, Vera, Vícar y el Teatro Cervantes de la capital almeriense.

Más de ochenta espectáculos de teatro, danza y música tanto de sala como de calle y dirigidos a todos los públicos convierten el festival en una cita ineludible, entre los que destacan ‘La Magia de la Ópera’, espectáculo liderado por Montserrat Caballé y con el que comienza la que será su gira de despedi-

da, el también estreno ‘ADN’, último espectáculo de La Fura dels Baus con el que la compañía catalana “vuelve a sus orígenes” y del que realizará dos funciones en el Pabellón de Deportes, además del último trabajo de Botavara Teatro, ‘Terrazoteas’.

Participan en esta edición veteranas compañías como Tricicle, que llega al festival con ‘HITS’, obra con la que está realizando su gira de despedida, Joglars con ‘Zenit. La realidad a su medida’, o el que fuera su director, Albert Boadella, que pondrá en escena el monólogo ‘El sermón del bufón’. Julia Gutíerrez Caba y Miguel Rellán dan vida a los dos protagonistas de ‘Cartas de amor’, obra de A. R. Gurney que ha llevado a escena Producciones Teatrales Contemporáneas, y en ‘Miguel de Molina al desnudo’ de Lazona, su único intérprete da vida al reconocido artista – 48 –

acompañado por la música del piano.

Mayores y pequeños pondrán disfrutar en familia del festival con montajes como ‘Amour’ –Premio FETEN al mejor espectáculo de 2016– de Marie de Jongh, ‘El legado’ –un espectáculo de cerca en un especial ambiente creado por un microcosmos lleno de curiosidades— de Axioma Teatro, ‘Oscar, el niño dormido’ obra de teatro de títeres de El Espejo Negro o ‘Tripula’, particular propuesta escénica que lleva al público al interior de un globo estático de Farrés Brothers i Cia. También habrá lugar para la música con ‘La increíble gira del Violín’ del virtuoso Ara Malikian o con el concierto de la Orquesta Sinfónica de El Ejido y una extensa programación de espectáculos de artes de calle que se desarrollarán por las calles y plazas de la localidad durante todo el festival. —

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

IV Surge Madrid - Muestra de Creación Escénica

La creación madrileña re-Surge en mayo

D

el 3 al 27 de mayo se celebrá la cuarta edición de Surge Madrid, una Muestra de Creación Escénica que tiene como objetivo “poner en valor la compleja y contundente realidad escénica de las salas madrileñas impulsando la rica oferta de trabajos en distintos formatos y géneros que presentan cada noche en su agenda en reconocimiento al fenómeno único que el movimiento ‘Alternativo’ ha significado durante décadas”. Además, Surge Madrid es una muestra que potencia estrenos de compañías y creadoras madrileñas y su programación se gesta a través de una concurrencia competitiva y se orquesta según los criterios estéticos y de afinidades con los que trabaja habitualmente cada una de las salas participantes.

A la espera de que se anuncie la programación completa de la presente edición, así como que se hagan públicas las salas participantes, se pueden

adelantar algunas propuestas como la que presentan María Velasco y Gon Ramos, ‘Petite mort’, un ensayo sobre el suicidio y su incidencia en la sociedad actual. Javier Ballesteros parte del dilema shakesperiano de la existencia en ‘La (mujer en obras)’, interpretada por once mujeres que despojadas de toda identidad individual, buscan “de ser algo”. Las mujeres son también las protagonistas de ‘Lo que sus ojos vieron: las mujeres que me habitan’, obra escrita y dirigida por Marta Arteaga que indaga en la figura de la mujer a través “del poder creador femenino” en un canto a la mujer y a la vida. Santi Senso también presenta en el festival su último Acto Íntimo, ‘Casta, peste y eternidad’, un viaje en el tiempo que en palabras del actor y director “nunca fue, nunca es y nunca será pues para el alma no hay tiempo, solo existe pa los cuerpos que tienen prisa”.

Además, se llevarán a cabo cuatro talleres de creación y alrededor a 10 actividades transversas. —

– 49 –

Pelayo Zurrón

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XXXIV Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería

Los grandes del Siglo de Oro se citan en tierras almerienses

Sergio Parra

L

as 34 Jornadas de Almería, que se celebrarán del 3 al 20 de mayo en Almería y Roquetas de Mar, estrenan dirección artística de la mano de Ricardo Arqueros: “Cuando dejé Almería para formarme en la profesión a la que he dedicado estos últimos trece años de mi vida, comencé un largo viaje. No podía imaginar que yo sería el responsable último del evento que me hizo descubrir a qué quería dedicar mis esfuerzos, energías e ilusiones”, afirma.

Las Jornadas proponen una inmersión en los conflictos y alianzas existentes entre los poderes de los monarcas y los de la fe durante el Siglo de Oro, que se asienta sobre los tres espectáculos de gran formato del Ciclo Espectacular. Así, Carlota Pérez Reverte y Al-

berto Castrillo-Ferrer presentarán su versión de ‘Cyrano de Bergerac’ de Edmond Rostand, interpretada por José Luis Gil, Ana Ruiz, Álex Gadea, Nacho Rubio, Joaquín Murillo, Rocío Calvo y Ricardo Joven. Con autoría de Ernesto Caballero, Concha Velasco protagonizará ‘Reina Juana’, dirigida por Gerardo Vera. Y destaca el estreno de ‘El rufián dichoso’ de Cervantes, dirigida por Tim Hoare/Rodrigo Arribas y a cargo de la Fundación Siglo de Oro. Además, también se podrá disfrutar de ‘Triunfo de amor’ de Nao d’amores, obra que cuenta con dramaturgia y dirección de Ana Zamora; ‘Bastardos en lucha’ por Quijada Qaín Teatro con dirección y dramaturgia de Francisco Alberola; ‘Malvados de oro’ por Apata Teatro, dirigida por José Bornás e in– 50 –

Javier Herrero

terpretada por Daniel Albaladejo; y la Orquesta de Cámara Ciudad de Almería, dirigida por Michael Thomas.

En el Ciclo Didáctico se enmarcan las representaciones de ‘El Quijote’ por Acuario Teatro, ‘La vida es sueño: El bululú’ por El Aedo Teatro, y ‘Carpe diem’, monólogo basado en el personaje de La Celestina de Fernando de Rojas. Completan el ciclo las Jornadas Didácticas de Teatro del Siglo de Oro y la actividad Clásicos ¡A escena!.

El Ciclo Académico, en el que destaca la propuesta ‘Flamenco. Cantes del Siglo de Oro’, ofrecerá conferencias, coloquios y mesas redondas con directores, actores e investigadores del Siglo de Oro. A todo ello hay que sumar actividades como exposiciones, talleres y danzas dramatizadas. —

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

XXXIV Festival de Otoño a Primavera

Últimos retazos del gran festival madrileño ‘4’ de Rodrigo García y ‘Hamlet’ dirigido por Oskaras ˇ Korsunovas cierran la programación de este año

‘Hamlet’

‘4’

L

a 34ª edición del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid concluirá estos meses tras haber ofrecido numerosas propuestas desde su comienzo en octubre. Con la dirección artística de Carlos Aladro, la cita de este año ha abarcado formatos muy diferentes, con visiones y lenguajes escénicos diversos.

Los dos últimos espectáculos, que se representarán por primera vez en Madrid, tendrán lugar en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Del 1 al 4 de junio, el público tendrá la oportunidad de disfrutar de ‘4’ de Rodrigo García junto con Humain trop humain-CDN Montpellier. El creador narra una historia de acumulación de cascabeles, de cabezas de coyotes, de movimientos

‘4’

Marc Ginot

con ropa enjabonada, de tocadiscos con la Sinfonía nº 4 de Beethoven, de gallos campando a sus anchas, de gusanos atrapados por plantas carnívoras, de niñas de nueve años, de samuráis, de dibujos animados, de luces de estadios de fútbol y de drones que traen a la ciudad ensoñaciones en forma de música de campanas.

Y por último, del 8 al 11 de junio, el director lituano Oskaras Koršunovas y su OKT-Vilnius City Theatre presentarán su particular versión de ‘Hamlet’.

Su revisión del texto constituye una lúcida denuncia de la falsa seguridad, la comodidad y las apariencias que reinan en nuestra sociedad occidental.

Así, se centra en la duda y habla sobre el teatro como una obsesión, como una adicción. El montaje constituye – 52 –

D. Matvejev

Marc Ginot

un viaje increíblemente profundo, reflexivo y entretenido, que nos invita a preguntarnos a nosotros mismos “¿quiénes somos?” a través de un juego de espejos que toma el escenario.

En palabras de Koršunovas: “esta obra de Shakespeare es como un desafío.

Para mí, para los actores, para el público. Es una oportunidad de encontrar la confrontación con nosotros mismos, de examinarnos a nosotros mismos y de comprender quiénes somos. Para un director, sacar a escena Hamlet es un poco como casarse. Es algo que sientes que tendrás que hacer cuando llegue el momento adecuado. Y tarde o temprano llegará ese momento. En este punto, siento que mi propia vida interior está relacionada con la vida de Hamlet como una personaje dramático”. —

ARTEZ | 216

FESTIVALES

MAYO | JUNIO | 2017

Selección de teatro familiar para públicos selectos

E

ibar celebra un año más la conocida Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba, que ha evolucionado hacia una muestra de teatro dirigida al público familiar y cuya trigésima tercera edición tendrá lugar del 6 al 26 de mayo. A los escenarios del Teatro Coliseo y el de la Universidad subirán ocho compañías con otros tantos espectáculos como el montaje de danza ‘Xihiko’ de Elirale, en el que tres bailarines, acompañados de la música en directo de un violín y un percusionista narran la historia de la yegua Xihiko. Dantzaz Konpainia presenta en Eibar ‘Harri, orri, ar’ días después de llevar a cabo en dos centros escolares del municipio una ‘Residantza’.

En ‘Quixote’, Markeliñe toma como

base los personajes arquetipos de la universal novela de Cervantes para poner sobre el escenario una historia de amistad, y amistad y creatividad son los temas que abordan los tres personajes de ‘Teatro Mohicano’, tres componentes de una compañía de teatro de poco presupuesto pero mucha ilusión de Laboratorio teatral de P6 y Mohicano Producciones. Teatro Teloncillo ofrece su particular visión del universal cuento de Perrault con ‘Caperucita. Lo que nunca se contó’ y Glu Glu Producciones presenta una comedia científico musical, ‘Desoxirribonucleico’. La música es también la gran protagonista de las aventuras de Violino y Guitarrilla, intérpretes junto con el público de ‘Dolce Clave Kids!’ de Dolce Clave Duo.—

– 53 –

‘Quixote’

ARTEZ | 216

MISCELÁNEA

MAYO | JUNIO | 2017

FitCarrer de Vila-real El Festival Internacional de Teatro Al Carrer celebra su 30ª edición del 5 al 7 de mayo. La cita se inaugurará con las Jornadas de Artes de Calle y la entrega del VI Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer a la cía Trapu Zaharra. Así, se podrá ver: ‘Femmes’ de Hortzmuga Teatroa, ‘Tempus’ y ‘Olea’ de Visitants, ‘Sinergia 3.0’ de Cia. Nueveuno, ‘Emportats’ de La Trócola Circ, ‘Vincles’ de Circ Bover, ‘Ekilibuá’ de Maintomano, ‘Todo encaja’ de UpArte, ‘Quixote’ de Grupo Puxa!, ‘Odisea 80’ de Nacho Vilar Prod., ‘Mira T’ de Circ Pànic, ‘Wake App!’ de Zen del Sur, ‘Spaña’ de Purna Teatre, ‘Open de door’ de Pere Hosta, ‘Entre le Zist et le Geste’ de Cirque Content Pour Peu, ‘Asuelto’ de Hurycan, ‘Mülier’ de Maduixa, ‘Tu vas tomber’ de Cia. Moveo, ‘#De Traca’ de A Tempo Dansa, ‘El viatge de la vergonya’ de Nafrat Collectiff, ‘Momentos estelares’ de Eléctrico 28, ‘Huellas en la arena’ de Didi Rodán y ‘El Mensaje de Gabriel’ de La Cueva de Penélope.

David Ruano

Fira de Titelles - Lleida La Fira de Teatre de Titelles celebra del 5 al 7 de mayo su 28ª edición, en la que se rendirá homenaje al titiritero Jordi Bertran. Están programadas casi una treintena de compañías, como las internacionales Théâtre Motus (‘Elisapi y las auroras boreales’), Cie. Créatures (‘Les Irréels’), Men in Coats (‘Men in Coats’), Plexus Polaire (‘CENDRES’) y T&T Productions (‘HAND STORIES’); las estatales Bambalina Teatre Practicable (‘Kiti Kraft’), Baobab Teatro (‘Luppo’), Quasar Teatro (‘Deaguaybarro’), Markeliñe (‘Crusoe’), Siesta Teatro (‘Punchinelis’) y Karla Kracht & Andrés Beladiez (‘6º below nothing’); y las catalanas Teatre Nu, Centre de Titelles de Lleida, Cia. Jordi Bertran, Cia. Sebas, Cia. Teatre de l’Aurora, HOLQUÉ, Matito, Néstor Navarro-La Puntual, Peus de Porc, Red Button, Tombs Creatius Cia. d’arts de carrer, Xip Xap, Teatre, Zum-Zum Teatre, Guillem Albà&Clara Peya, Kimani, Zero en conducta y Lluís Danés–Santa Mandra.

– 54 –

ARTEZ | 216

MISCELÁNEA

Lekuz Leku La Fundición presenta el XIII Festival Internacional de danza en paisajes urbanos y muestra de Video-danza, que tendrá lugar los días 23 y 24 de junio en diferentes espacios de la zona de Abandoibarra (Bilbao). Para el viernes están previstas tres representaciones que se enmarcan en la denominada Red Acieloabierto: ‘# 7 FM’ de Iker Karrera, ‘Larrua’ de Proyecto Larrua y ‘De camino al otro’ de Laly Ayguade y Julia Sicard, artistas que han trabajado juntos por primera vez con el objetivo de investigar un lenguaje común entre la danza y la acrobacia. Además, se representará la pieza ‘Raw’ de Amaia Elizaran. Y el sábado se realizarán las funciones de ‘Señor Smith’ de Laura Cobo, ‘Suddenly’ de Jaiotz Osa y ‘To be continued’ de Krego Martín Danza, interpretada por María Martín Escudero y Judit Ruiz Onandi; todo ello además de las premiadas ‘Triple Suerte’ de César Ibarra y Daniela Vázquez (Premio SóloDos en Danza 2017) y ‘Ómnira’ de Stella Ariadne Spyrou, pieza inspirada por el monólogo ‘Adiós’ de Yannis Ritsos que obtuvo la Mención Especial del Jurado en el Certamen Coreográfico 22Masdanza.

Ambos días, el púbico tendrá la oportunidad de disfrutar de la propuesta de danza de participación (Lindy Hop) y del punto de encuentro situado en la propia sala bilbaína.

ACT

Tristán Pérez-Martín

El Festival Internacional de Piezas Cortas celebra su XIV edición del 7 al 10 de junio. Con 12 piezas seleccionadas a concurso y cuatro de exhibición, este ACT propone un tratamiento de teatro de choque. Desde diversos géneros, danza, teatro textual, performance… se presentan piezas con propuestas arriesgadas. Durante las cuatro jornadas, Bilbao y Barakaldo recibirán a más de 70 artistas que participaran en piezas provenientes de Irán, Corea, Polonia o Italia, además de otras de lugares más cercanos como Barcelona, Madrid o Donostia. Así, se podrán ver: ‘Give me a moment’ de Giselda Rainieri, ‘Labor’ por Unplush, ‘Cheerleaders’ de Collettivo Pirate Jenny, ‘Silence’ de Ssudance Project, ‘I can’t imagine tomorrow’ por Bohemian Theater Group, ‘Burn’ de Cora Panizza, ‘YI-HA’ de Los Moñekos, ‘Lear’s daughters’ de Elaine Feinstein y Daria Kopiec, ‘Agua’ de Chey Jurado, ‘Trinity’ de Bravenwworlds, ‘Suddenly’ de Jaiotz Osa, ‘Werner o el azul de los orígenes’ de Vera Miranda, ‘Un cuerpo sin vergüenza’ por Ángela y Koldo, ‘Situation with outstreched arm’ de Oliver Zahn/Hauptaktion, y ‘Las cosas se mueven pero no dicen nada’ de Poliana Lima. El festival, organizado por la escuela de artes escénicas de Barakaldo, BAI Bizkaiko Antzerki Ikastegia, se completa con cursos y talleres.

– 57 –

MAYO | JUNIO | 2017

ARTEZ | 216

MISCELÁNEA

MAYO | JUNIO | 2017

Ian Grandjean

KALDeARTE

Festival Internacional de Teatre de Teresetes

La XII Muestra Internacional de Artes de Calle de VitoriaGasteiz se celebra del 9 al 11 de junio. ‘A corps perdus’ de la cía francesa Bivouac será el montaje inaugural, un espectáculo de gran formato que mezcla drama, música en vivo, movimientos de danza y técnicas de circo. Además, se podrá ver ‘El fin de las cosas’ de Eva Guerrero, entre otros.

El festival de teatro de marionetas de Mallorca celebra del 17 al 21 de mayo su 19ª edición con más de 45 representaciones y diferentes actividades paralelas que se podrán disfrutar en 14 municipios de la isla. Así, 16 compañías participarán en una programación compuesta por 17 espectáculos. De la comunidad anfitriona se podrán ver ‘La The Giant Peach’ de Colorín Coloradas, ‘El peix lluent’ de Conte Contat, ‘En Martí i el siurell màgic’ de Disset Teatre, ‘Gerda i les quatre estacions’ de Els músics viatgers, y ‘Pastiiik’ de Melicotó Titelles. De otros puntos del Estado llegarán la castellano leonesa La Chana Teatro para representar ‘Gaudeamus!’ y ‘Vulgarcito’, la aragonesa Los Titiriteros de Binéfar que estará con ‘Maricastaña’, la catalana Matito Titelles con su obra ‘Matito’, y la murciana Periferia Teatro con ‘Vola Ploma’. En cuanto a las propuestas de compañías internacionales, se llevará a escena ‘Le cirque du botte-cul / El circ de botte-cul’ de la suiza 2KI. De Francia llegarán Désuète con ‘Plus rien ne bouge? / Res es mou?’ y Plexus Polaire con ‘Opéra opaque/ Òpera opaca’. Y desde Bélgica, Théâtre de l’alambre llevará a cabo ‘Le dompteur de vents / El domador de vents’ y Le Théâtre du Sursaut, por su parte, interpretará ‘Post-Scriptum / Postdata’.

Entre las actividades paralelas se encuentran las jornadas profesionales, la conferencia ‘Les Ombres: un llenguatge, un art i una metàfora’, el taller infantil ‘El titella acròbata’ y un taller de manipulación coreográfica.

Galicia Escena PRO AGADIC presenta la 4ª edición de esta cita que tendrá lugar del 12 al 15 de junio en diferentes espacios de Santiago de Compostela. En la programación destacan 19 espectáculos, una sesión de ‘pitching’ (presentación rápida de proyectos de artes escénicas) y diversas actividades paralelas. Castillla y León será la comunidad invitada de esta edición.

– 58 –

ARTEZ | 216

EN GIRA

MAYO | JUNIO | 2017

Las artes escénicas se instalan en Bizkaia

E

FOTOGRAFÍAS

‘Soka’ ‘El cartógrafo’ ‘Yo Feuerbach’

l compositor Claudio Giovanni Monteverdi, conocido como la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco, tiene un importante protagonismo en la programación del mes de mayo del Teatro Arriaga de Bilbao, ya que además de la ópera ‘L´Orfeo’ que se pondrá en escena los días 5 y 6, dos compañías de Bilbao, Khea Ziater y Kabia Teatro, estrenan sendos espectáculos con la figura de Monteverdi como hilo conductor (más información en la sección estrenos de este número).

Los días 9 y 10 por su parte se pondrá en escena ‘Soka’, una coproducción del Teatro Victoria Eugenia y Tanttaka Teatroa creada dentro del proyecto Nuevas Dramaturgias impulsado por La Fundación San Sebastián 2016 que con vocación de continuidad, tiene como objetivo promover una escritura dramática propia. Este montaje teatral es un unipersonal escrito por Mikel Gurrea y dirigido por Fernando Bernués en el que Iñaki Rikarte da vida a un profesor de gimnasia que emprende una búsqueda entre la culpa y la responsabilidad tras encontrar ahorcado a un alumno y ser conside-

rado culpable de lo ocurrido por su entorno.

Dos montajes más conforman la programación teatral antes del periodo estival. Del 11 al 14 de mayo Blanca Portillo y José Luis García-Pérez interpretan la historia que recoge ‘El cartógrafo’, una obra escrita y dirigida por Juan Mayorga en la que siguiendo la leyenda del cartógrafo del gueto de Varsovia, una mujer comienza la búsqueda del mapa que le llevará a la búsqueda de su propio yo. Y del 6 al 10 de junio será el turno de ‘El padre’, una farsa trágica y a la vez divertida del dramaturgo Florian Zeller sobre la pérdida de la realidad debida a la vejez. José Carlos Plaza dirige el montaje protagonizado por Héctor Alterio.

La Danza llega al Arriaga de la mano de dos compañías de reconocimiento internacional, la estadounidense Martha Graham Dance Company –24 de mayo– y la Compagnie Marie Chouinard –2 y 3 de junio–, en la que la coreógrafa canadiense parte del tríptico El Jardín de las Delicias del Bosco con una coreografía en tres actos: ‘El jardín de las delicias’, ‘Infierno’ y ‘Paraíso’ que se corresponden con cada uno de los paneles del tríptico. Además se podrá disfrutar con la ópera para público infantil ‘El guardián de los cuentos’ a cargo de ABAO - OLBE y Ópera de Cámara de Navarra (del 27 al 29 de mayo) y ‘War Requiem’ de Benjamin Britten (23 y 24 de junio).

La Fundición La sala La Fundición ha organizado una nueva edición de ‘Tinto de Verano - Txotx Ekainean’ ciclo Zer(k)nias 2017, un programa compuesto por montajes de compañías y artistas vascos que se desarrollará entre el 4 de mayo y el 4 de junio. Inaugura el ciclo Horman Poster con ‘Las palabras que

– 62 –

ARTEZ | 216

EN GIRA

nos construyen #1’ “un proyecto de mediación y creación que aborda la relación entre palabras-cuerpos en la construcción de la identidad con grupos de jóvenes”. EN2DO presenta ‘KITTO - yo lo dejo’, unipersonal creado a partir de textos de Teresa Calo, Carlos Zabala, Dorleta Urretabizkaia, Eneko Olasagasti con dramaturgia y dirección de este último. Matxalen Bilbao y Ana Capilla presentas sendas piezas de danza, ‘Serenity Suit’, con la que la coreógrafa bilbaína quiere elogiar la madurez como una etapa completa en la que el cuerpo y la mente cohabitan en armonía, y ‘En el Péndulo de mi Pelo’, respectivamente. A ambas piezas se les une el montaje teatral ‘Hipólito’ de Bea Insa. Este ciclo también incluye el montaje de danza teatro ‘24 horas’ de Lorea Ibarrondo Arakistain, ‘The inviseibol man’ de Blanco Roto formada por Laia Ricart y Oskar García o ‘43º13´44´´N’ de Olatz Gorrotxategi. Leyre Berrocal y Bea Insa interpretan la obra de Angel Mirou, ‘Plano secuencia’ y El Conccertino Teatro funde teatro de humor y música en ‘Réquiem para Enríquez’. Nilda Diarte dirige ‘Con los brazos abiertos’ de LANZATEatro y Jauna Lor y Javier Liñera son los directores de ‘Sal marina’ de Alanbike Teatroa.

Pero además de la nutrida propuesta de ‘Tinto de Verano’, La Fundición ha programado tres los espectáculos de danza, ‘Ahora que no somos demasiado viejos todavía’ de Jesús Rubio Gamo (6 y 7 de mayo), ‘Los micrófonos’ de Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol y ‘L´arbe intgral’ propuesta multidicipli-

MAYO | JUNIO | 2017

nar de Le Labo que se enmarca dentro del proyecto de internacionalización Regards Croisés 2017.

FOTOGRAFÍAS

‘Idiota’ ‘Serenity Suit’

– 63 –

Teatro Barakaldo El Teatro Barakaldo presenta el Ciclo Blan, en el que se agrupan espectáculos que se exhibirán en la sala 2 o en espacios alternativos dentro del propio teatro. Comienza este nuevo programa en mayo con ‘Dudas razonables’ a cargo de Banarte Antzerki Taldea (día 2) y le seguirán ‘Una comedia española’ por Teatro Estudio de San Sebastián (7), ‘Barro rojo’ de Javier Liñera (13) y ‘Arquetipos de mujer: Una búsqueda’ de Juana Lor (21).

Pero además, el Teatro Barakaldo ofrece una variada oferta de espectáculos como ‘El minuto del payaso’ de Teatro del Zurdo (6), ‘Yo Feuerbach’ (12) de Buxman Producciones, ‘Idiota’ de Kamikaze Producciones (20) o ‘Euskal musikaren benetako istorioa’ de Ez dok hiru!, entre otros. —

ARTEZ | 216

EN GIRA

MAYO | JUNIO | 2017

El teatro y la danza bullen en los escenarios de Donostia

‘Electra’ | ‘Esku Hariak: Otizaren (h)aria’ | ‘Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano’

L

a programación escénica de Donostia comienza el 5 de mayo con un espectáculo de danza muy particular, se trata del montaje ‘Una conferencia bailada’ que interpretará en Gazteszena Toni Jodar, con el que siguiendo su formato habitual, una propuesta entre la conferencia y el espectáculo, habla de historia y las tendencias actuales de la danza. Otro espectáculo de danza, en este caso flamenco, es el encargado de abrir la programación del mes de mayo (día 7) del Teatro Victoria Eugenia. Se trata de ‘Caída del cielo’, con el que Rocío Molina “ahonda en sus raíces y al mismo tiempo, con libertad, lo enfrenta y colisiona con otras maneras de entender la escena y con otros lenguajes”. Al mismo escenario pero el día 21 subirán los bailarines del Ballet Nacional de Cuba para deleitar al público con ‘La magia de la danza’, en el que se ponen en escena fragmentos de ‘Giselle’, ‘Coppélia’ o ‘El lago de los cisnes’. Los días 23 y 24 y en el Foyer, la compañía taiwanesa B. Dance rea-

lizará una exhibición de danza contemporánea con piezas a cargo de diversos grupos de creación interdisciplinares, y el 30 de junio llega Losdedae con ‘El desierto’. Aunque antes (7 de mayo) y en el exterior de Casares K.E. Mug Mus Laborategia presentará ‘Esku Hariak: Otizaren (h)aria’, y los días 11 y 12 de mayo en el Parque Cristina Enea y en la Plaza Nestor Basterretxea se podrá disfrutar con una performance de Janis Claxton y Dantzaz Konpainia.

Josep Maria Pou protagoniza ‘Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano’, texto escrito y dirigido por Mario Gas en el que el reconocido intérprete da vida a uno de los grandes filósofos de pensamiento occidental (26 y 27 de mayo en V. E. Antzokia). Días antes, el 21, se espera la puesta en escena de ‘Tierra de Fuego’ dirigida por Claudio Tolcachir a cargo de PTC. Junio (3) comienza en el teatro donostiarra con ‘Danzad malditos’, una adaptación libre de la película ‘Danzad, danzad, Malditos’ de Sidney Pollack que pone en escena Compañía Malditos, y finaliza con ‘Ca– 64 –

margo’ (del 15 al 17) pieza teatral de Secuencia 3 basada en hechos reales que descubre a uno de los asesinos en serie más sanguinarios de Latinoamérica, Daniel Camargo Barbosa.

Pero Donostia ofrece más teatro. Los días 13 y 14 de mayo los portugueses Companhia do Chapitô presentan su particular versión de ‘Electra’ en Gazteszena. Un día antes Asier Hormaza llega a Ernest Lluch K.E. con un monologo, ‘Superviviendo’, y un poquito antes, el día 6, Cuántica Producciones hará lo propio con ‘Mujeres al rojo vivo’ en Lugaritz K.E. En la programación de Teatro Principal destacan entre otros los montajes ‘Miss Karaoke’ de Metrokoadroka & Pez Limbo (13 de mayo) y ‘Erdibana’ (9 y 10 de junio) de Txalo, ambos espectáculos en euskera, junto con ‘Pareja abierta’ del Nobel Dario Fo a cargo de Descalzos Producciones, el día 11. Cabe destacar además que desde el 29 de abril y hasta el 7 de mayo Vaivén Producciones escenificará ‘Ultimo tren a Treblinka’ en Larratxo K.E. —

ARTEZ | 216

La edad de la ira

MISCELÁNEA

David Ruano

MAYO | JUNIO | 2017

Apuntes sobre la felicidad

Basada en la novela homónima de Fernando J. López, José Luis Arellano García dirige a La Joven Compañía en esta obra que se ha estrenado y se representa en el Teatro Conde Duque de Madrid hasta el 6 de mayo, y estará el 18 y 19 de mayo en los Teatros del Canal. Los personajes adolescentes de la novela, finalista al Premio Nadal 2010, toman la voz en este retrato realista y a la vez poético de toda su generación. El supuesto asesinato cometido por un estudiante de Bachillerato constituye el punto de partida de una investigación que nos permite adentrarnos, a través de sus amigos y compañeros, en sus miedos, sueños e inquietudes.

Escrita para La Joven Compañía por el propio autor, ofrece una mirada radicalmente nueva con respecto a la novela original: una función en la que los adolescentes son los únicos protagonistas y que nace como un canto a la diferencia y a la búsqueda -libre y valiente- de nuestra identidad.

Durante los jueves del mes de mayo, Residui Teatro seguirá representando este espectáculo dirigido por Gregorio Amicuzi e interpretado por Viviana Bovino en el Teatro La Puerta Estrecha de Madrid. Libremente inspirado en la historia real de la bailarina y coreógrafa Anna Halprin, ‘Apuntes sobre la felicidad’ es un ritual de teatro danza para acercarse a la felicidad. El viaje de empieza pasando por reflexiones de filósofos, recuerdos e historias populares. El espectáculo no da respuestas, pero ofrece preguntas.

Presentado como “work in progress” en junio de 2015 en ODIN TEATRET (Dinamarca) y en septiembre de 2015 en el TTT Festival en la RESAD (Madrid), el estreno de ‘Apuntes sobre la felicidad’ tuvo lugar en el Festival Fanatika Ahmedabad (India).

El montaje quiere ser un proceso de búsqueda de la armonía, un encuentro consigo mismo.

– 65 –

ARTEZ | 216

MISCELÁNEA

Maria Ignacia Lorca Oliver

Ciclo Teatro Hoy Organizado por la Fundación Teatro a Mil, el Ciclo Teatro Hoy celebra su 7ª edición con una programación que se desarrolla del 20 de abril al 9 de julio y que muestra lo más reciente del teatro chileno contemporáneo. Regresa así a Santiago de Chile esta cita que presenta innovadoras puestas en escena a cargo de reconocidos creadores. Se trata de seis

Jacobo Medrano

Desembarco de la Danza La danza desembarca en El Pavón Teatro Kamikaze con una programación especial que se desarrollará del 9 al 21 de mayo. Serán dos semanas intensas de danza en las que Lucas Condró impartirá el taller de movimiento ‘AsymmetricalMotion’. Antonio Ruz, por su parte, presentará con su com-

MAYO | JUNIO | 2017

estrenos y una reposición que, sin proponérselo, provocan a la audiencia. Así, se podrá ver ‘Ópera’ de Ana Luz Ormazábal y su compañía ANTIMÉTODO, del 20 de abril al 6 de mayo en la Sala Agustín Siré. Los Contadores Auditores celebran 10 años con el dramedy (mezcla de drama y comedia) ‘Surinam’ del 5 al 28 de mayo en el Centro Cultural Matucana 100. ‘La Fábrica’ dirigida por Camila Karl con Cuerpo Indisciplinado, proyecto Fondart, estará del 12 al 21 de mayo en Espacio Fábrica. Del 1 al 5 de junio en Nave, la directora y dramaturga Manuela Infante estrenará ‘Estado Vegetal’, coproducción de Fundación Teatro a Mil y Nave. El actor y director teatral Roberto Cayuqueo, con dramaturgia en conjunto de Cristián Martínez, presentará ‘El Pacto de Renv’, que estará en cartel del 2 al 25 de junio en Teatro del Puente. La cía Tercer Abstracto encabezada por David Atencio vuelve a Teatro Hoy con ‘Croma’, que se podrá ver del 3 al 25 de junio en el Teatro Camilo Henríquez. Y cerrará el ciclo ‘Beben’ por Antonia Mendia con texto de Guillermo Calderón, del 22 de junio al 9 de julio en Teatro Duoc UC. pañía ‘Beautiful Beach’ (días 9-10). Chevi Muraday celebrará sus veinte años de compañía con Losdedae, que preparan un espectáculo que se llamará ‘Marikón, ¡esto acaba de empezar!’ (días 11-14). Manuela Barrero presenta junto a DlcAos ‘I’ll Be Your Mirror’ (días 14-17), además del taller propio ‘Especies de espacios’. Alberto Velasco presentará por primera vez ‘La inopia. Coreografías para un bailarín de 120kg’ (días 15-17), con coreografías de Sol Picó, Chevi Muraday, Daniel Abreu, Carlota Ferrer, Vero Cendoya y Carmelo Segura. Y la Compañía Nacional de Danza ofrecerá ‘CDN a la carta’ bajo el lema “Ven a ver lo que quieras vernos bailar” (días 19-21).

Se trata de un espectáculo interactivo que permitirá a los espectadores elegir las coreografías que deseen ver guiados por una especial maestra de ceremonias.

En palabras del director artístico Miguel del Arco, la danza llega al mencionado espacio madrileño “con el anhelo de que la próxima temporada (y la siguiente, y la siguiente…) se haga fuerte en la programación y convierta este Teatro Kamikaze en su casa natural”.

– 66 –

ARTEZ | 216

LUZ NEGRA

MAYO | JUNIO | 2017

Veinte años de BAI. Aprendiendo a escribir teatro

V

Josu Montero

einte años. Los primeros meses de 1997 andaba yo desmontado una librería –La Karaba– que había abierto cuatro años antes. En Barakaldo, mi pueblo, esa voraz ciudad sin fondo. La decisión de cerrarla supuso para mi una pequeña rendición, pero también un gran respiro. Así que allí andaba yo felizmente liberado haciendo devoluciones sin parar, metiendo libros y libros en cajas,… cuando una mañana me visitaron Fer Montoya y Joseba Lazkano y me propusieron dar unas clases en una Escuela de Teatro que tras mucho empeño y bastantes batallas por fin estaban a punto de conseguir que se hiciera realidad; iba a estar ubicada en el mismo barrio en el que estaba La Karaba: Bagatza. Sabían de mi amor por el teatro, de mi pasión por la literatura y de mi afición a escribir, también a escribir teatro. Y sabían también que me había fogueado en Talleres de Escritura; en aquella experiencia colectiva, combativa y creativa que fue La Galleta del Norte, e impartiendo talleres aquí y allá. Me proponían impartir la asignatura Escritura Dramática –luego di también algunas otras– en la BAI, la Barakaldoko Antzerki Ikastetxea, que abriría sus puertas en septiembre.

Los veinte años de esta revista nuestra coinciden por tanto con los veinte años de la BAI, que como sabéis ahí sigue dale que te pego fresca como una lechuga. En aquellos tiempos arcaicos vivía yo en una casa okupada, Berrietxea, un viejo edificio en la calle Apuko: si leeis al revés el nombre de la calle, ¿qué tenemos? Okupa. ¡La vida nos ofrecía entonces azares y dones insólitos! Acabada la bajada de persiana opté aquel verano por airearme, hacer el petate y volar: Madrid, Valencia, Menorca, Barcelona. Y mucho sol, y amigos, y mucho teatro. Y de regreso a casa a finales de agosto, en plena Aste Nagusia que deja Barakaldo deshabitado, aquella noche estival, al doblar la esquina contemplé anonadado que Berrietxea no era ya sino un montón de escombros. Las servidumbres de la vida no me habían empujado hace veinte años a poseer un móvil. Pocas de mis cosas pudieron ser salvadas por mis compañeros. Así que yo también nací un poco en aquel año del Señor de 1997.

Tuve tiempo así para preparar aquella asignatura de Escritura Dramática en la BAI que recién abría sus puertas, para buscar los textos propicios, más prácticos que teóricos, y para ubicarme en un apa– 68 –

sionante mundo, conocido por mi pero sólo de vista hasta entonces. Y de eso quería escribir aquí, de aquella experiencia y de aquellos libros que nos acompañaron curso tras curso, por si a alguien le sirviese de forma placenteramente práctica para introducirse o profundizar en la dramaturgia.

Pronto vino en mi ayuda mi admirado José Sanchis Sinisterra. En su llamado Teatro Menor experimenta en los límites del teatro y procede a desmontar pieza por pieza sus convenciones. En “Pervertimiento y otros gestos para nada”, “Mísero Próspero y otras breverías” y “Vacío y otras poquedades” aprendimos a preguntarnos por la esencia, por el mínimo común denominador.

Vamos a anular algunos de los elementos básicos del teatro para potenciar los otros; si planteamos por ejemplo una escena con un escenario totalmente a oscuras, tendremos que cuidar los elementos auditivos: sonidos y palabras; y si proponemos una escena con un par de personajes que no abren la boca, intensificaremos irremediablemente los elementos visuales como el movimiento y la gestualidad. Y así todo lo que se nos ocurra. Estos tres libros de Sanchis fueron –son– una constante invitación práctica y gozosa a diseccionar las convenciones teatrales, y a jugar, ellas. Si nos imponemos condiciones, normas, limitaciones para escribir una escena, esas constricciones, lejos de atarnos, nos dan alas creativas. Todo un curso práctico intensivo a nada de imaginación que le echemos. Gracias Sanchis.

De Sanchís nos fuimos un poquito hacia atrás para intentar sacar algo más de agua de las mismas fuentes de las que él había bebido. Así que acudimos a don Samuel Beckett, no a su puñado de grandes dramas, sino a sus textos teatrales breves, a sus Dramatículas: “Fragmento de Teatro I”, “Fragmento de Teatro II”, “Aliento”, “Nana”, “La última cinta de Krapp”… Y ahí de nuevo nos topamos con la fuerza poderosa de lo esencial, de lo mínimo máximo: escenas que son sólo acotación minuciosa y precisa o movimiento esencial o juegos de luz y de oscuridad y de penumbras o diálogos necesarios y feroces o monólogos al borde del precipicio o sonido puro y trágico. ¡Ah, Sam, Sam! Por ahora hasta aquí hemos llegado; próximamente acabaremos con este recorrido por las obras prácticas y teóricas que nos enseñaron a escribir teatro. Bueno, al menos a amarlo. —

ARTEZ | 216

VIVIR PARA CONTARLO

Lo innombrable

H

Virginia Imaz

e tenido el placer de coordinar el boletín nº 51 de marzo de 2017 de Aeda, Asociación de Narración Oral, sobre la Muerte en los cuentos y en los mitos. Si aún no la conocen, les invito a entrar en la web http://www.narracionoral.es .

Los cuentos me han acompañado siempre. Soy privilegiada porque en ellos he encontrado raíces y alas. Las historias me han nutrido, me han ofrecido orientación y esperanza. En las épocas de duelo me han permitido, me siguen permitiendo, elaborar un sentido de la vida pese a la ausencia de la gente amada. Este boletín ha sido la expresión de mi gratitud por el consuelo recibido, a todas las personas que nos precedieron en la tarea de vivir y que imaginaron que la Muerte no es el fin sino el comienzo de otra vida.

Y a todas aquellas gentes que no sólo lo imaginaron sino que se atrevieron a contarlo. Porque narrar es a menudo un acto de coraje donde los secretos son desvelados y donde pese al tabú hemos elegido como oficio dedicarnos a nombrar lo innombrable.

El artículo de la narradora Jennifer Ramsay “Cuando la Muerte vino a visitar mi colegio”, es la conmovedora crónica de cómo a través de los cuentos es posible abrir un espacio para expresar lo que siente una comunidad escolar ante la pérdida o el duelo de alguno de sus miembros.

A Txabi Arnal, profesor de literatura infantil y juvenil del Departamento de Didáctica de Lengua y Literatura en Magisterio de la UPV, en Vitoria- Gasteiz, tuve la fortuna de escucharle, hace unos años en la biblioteca de Ermua, una charla tan interesante como transgresora sobre el abordaje de la Muerte con los niños y las niñas a través de los cuentos ilustrados. De su tesis sobre “El tratamiento de la muerte en el álbum infantil, nos ofrece algunas reflexiones, en el artículo: “El tratamiento de la muerte en el álbum infantil”.

Luis Correia Carmelo, un narrador portugués a quien admiro mucho, ha investigado ampliamente también sobre la personificación de la Muerte en las historias de la tradición oral. De él podemos disfrutar el magnífico artículo: “La muerte personificada en el repertorio de los narradores orales”.

El imaginario colectivo me conecta con una sabiduría ancestral que me recuerda como lo hace Ana Griot (Ana García Herreros) en el artículo – 69 –

MAYO | JUNIO | 2017

“Muerte de mi vida” que la verdadera guadaña que nos siega la vida es el miedo a morir. Este texto compartido del prólogo de su libro _Cuentos populares de la Madre Muerte_ es una invitación a conocer o a recordar, 44 cuentos populares donde la Muerte no es un castigo sino la hermana de la Vida. Ambas se alimentan la una a la otra en una rueda infinita, eterna.

De Víctor Ríos, Terapeuta Gestáltico y Corporal, doy lugar en ese boletín, al artículo: “Una experiencia terapéutica con la muerte desde la perspectiva gestáltica”. En su acompañamiento a las personas cercanas a la muerte, nos habla de cómo fue su metamorfosis en Caronte. La metáfora resuena en mí poderosamente. ¿No somos todas las personas que narramos historias sobre la muerte, en un momento dado, como este barquero que conduce las almas de quienes han muerto al “otro lado”? Aunque la narración oral es ante todo arte, sus aspectos terapéuticos pueden ser tenidos en cuenta, ya que sólo nombrar lo silenciado, el tabú, es profundamente sanador.

Yo por mi parte, quise contribuir a recordar algunas de las múltiples representaciones de la Muerte en algunos mitos y leyendas, en el artículo “Mitología de la Muerte.” La Muerte representada como un ser antromórfico ha existido en muchas culturas desde los inicios de la humanidad. A partir del siglo XV, por ejemplo, en nuestra cultura, comenzó a ser representada como una figura esquelética que lleva una enorme guadaña y viste con un manto negro con capucha. También se le da el nombre del Ángel de la Muerte. La Muerte, no puede ser detenida de ninguna manera y a menudo es una mera funcionaria: no posee control sobre el destino ultra terreno de las almas a las que le toca conducir; solo se presenta a buscar a aquellas personas a quienes les ha llegado la hora. En muchas ocasiones, la Muerte es muda, no habla ni se deja ver, ni conocer y su visita es inevitable, pero en algunos cuentos de la tradición oral, la Muerte habla, bromea, hace tratos, amadrina a algún humano y en el imaginario de las historias filmadas, puede incluso jugar al ajedrez.

En las cartas del Tarot, la Muerte es la “innombrable”, sería la única carta que no tiene nombre, sólo número, el XIII, mientras que “El loco”, no tiene número porque lo que representa la esencia del ser humano no puede reducirse a algo computable. En castellano, además del término propio de la Muerte es frecuente utilizar el nombre de la Pelona, la huesuda y sobre todo, él de la Parca, proveniente de la mitología romana. Las Parcas (en latín Parcae) eran tres hermanas hilanderas que controlan el hilo de la vida de cada mortal e inmortal en el nacimiento, el matrimonio y la muerte.

Definitivamente, narrar puede resucitar a los muertos. —

ARTEZ | 216

POSTALES ARGENTINAS

MAYO | JUNIO | 2017

Memoria(s) de García Lorca en el teatro argentino

L

Jorge Dubatti

a Argentina ha jugado un rol protagónico en la construcción de memoria(s) de Federico García Lorca, en la difusión y legitimación de su obra, en el reclamo político por su asesinato y desaparición. No se trata de una memoria sino de memorias, en plural, que construyen imágenes diversas del dramaturgo. En todo caso, una memoria entendida como ramillete de memorias. Distintos agentes en la Argentina: exiliados españoles, inmigrantes republicanos o filo-republicanos, hijos y nietos de los inmigrantes, nativos y extranjeros contrarios a la dictadura de Franco, impulsores de la diversidad de género, entre otros, han trabajado desde diversos ámbitos y oficios (edición, puesta en escena, análisis crítico y escritura histórica, inclusión de sus obras en el canon escolar, o simplemente desde la poderosa red de oralidad del “boca-en-boca”) para transmitir y consolidar el valor simbólico múltiple de su legado.

Venimos investigando en la cultura argentina una auténtica “pasión” por García Lorca y sus textos, como se desprende de un indicador revelador: el conocimiento que los espectadores de Buenos Aires poseen de sus obras, la frecuentación de su teatro y su poesía estimulada por los maestros y profesores desde la escuela secundaria. Lorca se ha constituido en un símbolo compartido para un amplio sector de la sociedad argentina. Símbolo, por la pluralidad de significados que porta y genera: hay muchos García Lorca en la cultura argentina actual.

Nuestra hipótesis es que las representaciones de la(s) memoria(s) de García Lorca configuran una tendencia del teatro argentino de la Postdictadura dentro del canon de la multiplicidad, variante del teatro de los muertos, que opera como “máquina de la memoria” (Marvin Carlson) para mantener vivo el recuerdo de Lorca, del horror de la Guerra Civil Española y sus consecuencias. Al mismo tiempo, las imágenes de la persecución, muerte y desaparición de García Lorca se han transformado, para el teatro argentino contemporáneo, en metáfora de otros abusos, violaciones, desapariciones y exilios de las dictaduras en Latinoamérica y el mundo, así como de derechos y reclamos de justicia y diversidad.

Algunos de los casos teatrales a los que nos referimos son justamente producciones de exiliados argentinos (en España, en Venezuela) de la últi– 70 –

ma dictadura (1976-1983) que se valen del símbolo García Lorca para referir también a su propia experiencia de artistas perseguidos en la Argentina y Sudamérica. La persecución a Lorca por su homosexualidad (como han demostrado sus biógrafos, entre ellos Ian Gibson y Leslie Stanton) lo transforma además en un símbolo de defensa de la diversidad sexual y de género.

Esa tarea memorialista, artística y política, con diferentes grados de intensidad y concentración, conforma una constante con variaciones desde fines de la década del 30 hasta hoy, y no se interrumpe en años de sangrientas dictaduras. Una línea de trabajo fundamental para el sostenimiento de esa continuidad referencial y la irradiación de la obra de Lorca ha sido la actividad permanente de Editorial Losada. Fundada en Buenos Aires en 1938 por el español Gonzalo Losada, este sello incluye entre sus primeros trece títulos las “Obras completas” de Lorca, a apenas dos años del asesinato del autor. Entre otras iniciativas meritorias, Losada descubre y publica una copia mecanografiada de ‘Así que pasen cinco años’ y realiza la edición príncipe de ‘La casa de Bernarda Alba’, cuyo original Margarita Xirgu le entregó a Gonzalo Losada en octubre de 1938. Losada sigue publicando ininterrumpidamente a García Lorca a través de las décadas, hasta el presente. En 2013 sobresale la edición de Losada del ‘Teatro completo’, volumen de casi 600 páginas, con reedición de estudios preparados para publicaciones anteriores por Guillermo de Torre y la reproducción facsimilar de una carta de 1945 de Federico García (padre del escritor) a Gonzalo Losada, donde le expresa su “sincero agradecimiento” por cuanto hace por la obra de su hijo.

Esa constante se proyecta con fervor en el siglo XXI, incluso se manifiesta multiplicada respecto de décadas anteriores. En los últimos años se han realizado numerosas ediciones de sus textos (a partir de 2007 están liberados los derechos), investigaciones históricas, análisis y crítica de sus obras, puestas en escena de sus textos dramáticos y escenificaciones a partir de su poesía, e incluso García Lorca aparece como personaje o es referido en la representación de piezas teatrales de ficción o biodramáticas.

Hay mucho por hacer al respecto para los investigadores comparatistas. Se han estudiado con bue-

ARTEZ | 216

POSTALES ARGENTINAS

nos resultados la visita de García Lorca a la Argentina y los primeros pasos de la recepción de su obra, así como las ediciones y las puestas de sus obras inmediatamente posteriores a su muerte, especialmente hasta 1945, año del estreno mundial de ‘La casa de Bernarda Alba’ en el teatro Avenida de Buenos Aires por la compañía de Margarita Xirgu. Pero menos se ha investigado la presencia de García Lorca en los escenarios en años posteriores a aquel estreno, y escasamente se ha escrito, de forma sistemática, sobre Lorca en la Postdictadura (1983-2016). Falta todavía un libro que se haga cargo de esta materia, Las representaciones y en eso estamos. de la(s) memoria(s) de Menos aun se ha dedicado el análisis a su García Lorca configuran presencia como personaje en piezas del una tendencia del teatro argentino, una tendencia que, si bien tiene antecedentes, en los últimos teatro argentino de la años se ha intensificado. Demos algunos Postdictadura dentro del ejemplos. canon de la multiplicidad En enero-febrero de 2010, el grupo La Galera, dirigido por Héctor Presa, presenta ‘Federico de Buenos Aires’ en el Museo Larreta (dependiente del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires). Lo hace en el marco de la temporada “Verano en los jardines del Museo”, en un escenario al aire libre, en la sección “Espectáculos para Adultos”. El programa de mano editorializa esta “versión libre de Héctor Presa” con las siguientes palabras: “Federico de Buenos Aires cuenta la visita que Federico García Lorca hizo a la ciudad de Buenos Aires a fines del año 1933. Se presentan en la obra fragmentos de las obras ‘Mariana Pineda’, ‘Bodas de sangre’ y ‘Yerma’ en el marco de los encuentros, charlas, reuniones y espectáculos que el poeta viera en una visita que inicialmente iba a durar una semana y que finalmente se prolongó por seis meses”. En escena vemos a Federico (encarnado por Andrés Granier), quien evoca y vive momentos de aquella visita.

En el CELCIT, en las temporadas 2010 y 2011, Juan Carlos Gené ofrece ‘Bodas de sangre (Un cuento para cuatro actores)’. Los intérpretes son el mismo Gené, Verónica Oddó, Violeta Zorrilla y Camilo Parodi. Gené firma la dirección, la iluminación y también la dramaturgia, que lo incluye como narrador (de allí el subtítulo: “un cuento”), un narrador a la vez presentador y generador que va articulando las escenas actuadas por los cuatro intérpretes. Gené tiene a su cargo dos roles principales: el de narrador y el del personaje del Padre de la Novia. La pieza alterna narración y escena, como es procedimiento organizador de la poética en el teatro del relato. Gené narra a público, en su propio nombre (a la manera de un performer o un narrador oral), acontecimientos y características de la pieza de Lorca, al mismo tiempo que refiere, como dice el programa de mano, “un mito familiar. Un mito: un relato con abundancia de leyenda y abundancia, también, de verdades traspuestas, de esas que fundamentan existencias” (texto firmado por Gené en el programa, pero que luego le oímos decir en el espectáculo, en boca del narrador).

El “mito” se vincula con su madre y su tía, espectadoras de ‘Bodas de sangre’ en 1933, con la visita de Lorca a Buenos Aires en 1933-1934, con la asistencia a una de sus conferencias, y dos años más tarde con la llegada a la casa de Gené (casa de descendientes de inmigrantes españoles que arriban a la Argentina en el siglo XIX) de la noticia de la muerte de Lorca a manos de “los Rebeldes” (así, con mayúscula – 71 –

MAYO | JUNIO | 2017 en el texto). Mito gestado en plena infancia de Gené, ya que en 1933 tenía apenas cinco años, y en 1936, ocho.

Biodrama (no-ficcional, testimonial) y drama (la ficción lorquiana, en forma de relato o de escena) se alternan, se cruzan, se confunden y fusionan en la trama del espectáculo, como se desprende del texto.

Con motivo del Bicentenario de la Revolución de Mayo, el 25 de mayo de 2010, en la Sala Alberto Ginastera del Teatro Argentino de La Plata, Provincia de Buenos Aires, se presenta la ópera ‘Ainadamar’, música del argentino Osvaldo Golijov (radicado en Estados Unidos) sobre textos del escritor norteamericano David Henry Hwang, “basado en la vida del escritor Federico García Lorca”, según se detalla en el programa de mano. El programa de mano detalla: “La ópera cuenta la historia del escritor Federico García Lorca y su musa, la actriz catalana Margarita Xirgu. Subtitulada “una ópera en tres imágenes”, ‘Ainadamar’ está contada cronológicamente de modo inverso e involucra la oposición de García Lorca a la Falange Española, acusaciones de homosexualidad y su subsecuente muerte”.

El listado de otras obras recientes es numeroso: ‘Anda jaleo (Presas por buscarte, Federico)’ (2010), de la dramaturga y directora argentina Susana Toscano; ‘El mar dejó de moverse’ (2010) de Ariel Varela, títeres; 1941. ‘Bodas de sangre’ (2013), del director Jorge Eines; ‘Los caminos de Federico’ (2015), unipersonal de Cristina Banegas inspirado en el espectáculo de Alfredo Alcón, con dirección de Jorge Vitti; ‘Mil Federicos’ (2016), de Mariana Mazover; ‘Poeta en Buenos Aires’ (2016) de Patricio López Tobares y ‘La terquedad’ (2017), de Rafael Spregelburd, entre otros muchos.

Valgan estos primeros señalamientos para continuar una investigación que, a través del legado de Federico García Lorca, las relaciones culturales entre España, Argentina y Sudamérica, la Guerra Civil y las dictaduras latinoamericanas, invita a reflexionar sobre las heridas que han dejado más de 80 años de violencia, duelos pendientes y desencuentros. A la par, el arte opera, de alguna manera, como práctica de duelo, de transformación de la relación con la muerte. Estas indagaciones se enmarcan en el estudio del teatro de los muertos y ponen el acento en la contribución social del teatro al necesario ejercicio de la memoria. —

PIEDRA DE SACRIFICIO

ARTEZ | 216

Teatro por la dignidad

E

Jaime Chabaud

l teatro no debe tener otra moraleja que la opinión de los espectadores. Sin embargo, vivimos un momento histórico en que resulta necesario hablar con énfasis y aludir a la realidad que circunda el escenario donde presentamos nuestra versión de los sueños. Esta noche hacemos teatro en un país amenazado. El presidente más poderoso de la Tierra ha lanzado una cruzada contra los mexicanos y construye un muro empeñado en demostrar que las divisiones y la desconfianza son formas de protección.” De esta manera empieza el texto leído por el novelista y dramaturgo Juan Villoro durante la presentación, hace unas semanas, del Movimiento Teatro por la Dignidad (MTD) en México.

Esta provocación para llevar a cabo desde el teatro una cruzada anti-Trump desde la escritura de obras, su escenificación, la lectura del manifiesto del MTD al final de las representaciones y mil y un posibilidades de representación simbólica de lo que la relación bilateral y el nuevo cavernícola que habita la Casa Blanca representan, me llevan inevitablemente a meter las narices en la historia.

Y el personaje de Sam Houston, quien fuera uno de los incitadores de la apropiación de Texas por los Estados Unidos desde la primera mitad del siglo XIX, escribía en 1833 a su mentor Andrew Jackson, Presidente de los gringos en aquel momento, algo que no dista mucho del pensamiento Trumpiano: “México es un país con grandes recursos naturales, que podría levantar cabeza bajo un gobierno responsable y honesto. Entre sus políticos hay hombres con grandes luces, relegados a segundo plano por la insaciable ambición de los militares.

Si alguno de ellos logra sostenerse en el poder, quizá México tenga la fuerza suficiente para reclamar con las armas el territorio del que ha sido despojado.”

Debemos, por tanto, fomentar la discordia civil por todos los medios a nuestro alcance y para ello puede sernos muy útil el general Antonio López de Santa Anna, quien en los últimos diez años ha sido cabecilla de otros tantos pronunciamientos. Contra el sentir de muchos convencionistas, que desearían comérselo vivo, prefiero dejar en libertad al ave depredadora. Te suplico reconsideres tu posición y le concedas una entrevista en Washington. La conferencia no reportaría beneficio alguno, pero serviría de pretexto para ponerlo a salvo y facilitarte el regreso a su patria, donde será nuestro mejor agente sub– 72 –

MAYO | JUNIO | 2017

versivo. Con su díscolo genio agitando la arena política, ningún gobierno podrá enderezar la nave del Estado y México se mantendrá sumido en el caos, donde nos conviene que permanezca por mucho tiempo, para que su débil ejército no pueda impedir las futuras anexiones de Arizona, Colorado y las dos Californias.”

Y este documento histórico puede leerse de varias maneras, contextos y en países diferentes que han sido y son sometidos por la bota militar norteamericana. El teatro, en diversos contextos de guerra, ha servido como herramienta de la memoria, un ejercicio que se rehúsa al olvido.

Ha sido testimonio de las atrocidades dejando asentada su numeralia, sus procederes, los dolores que dejan a su paso en los que sobreviven.

Por tanto se constituye como acto de resistencia, reclamando justicia y reparación. En Colombia manifestaciones teatrales y performáticas (o el término que aquí acomode al lector) resultaron (y resultan) rescates simbólicos de las víctimas de la guerra. El contenedor o dispositivo escénico es asumido incluso por no profesionales: deudos o afectados por la violencia que ejercen desde lo escénico expresiones para visibilizar lo que el storytelling de los poderes fácticos busca sistemáticamente borrar. Y es que la normalización del horror no pasa necesariamente por acostumbrarse la población civil a los cuadros sangrientos recurrentes que se presencian, sino a los discursos oficiales del “aquí no pasa nada”, a la minimización y al control de medios que es capaz de sepultar cadáveres más rápido que los propios asesinos, sean de la facción que sean o bien de las fuerzas del estado.

Y esto se aplica también a México. Por eso es importante que el teatro o las maneras de la representación traigan a la luz y resignifiquen los resultados de la guerra. A veces el teatro denuncia, otras es memoria, y de vez en cuando le da por recordar para adelante y volverse bola de cristal o herramienta para desmantelar o desenmascarar estrategias del terror. El teatro argentino, uruguayo y chileno durante las dictaduras fue poderosísimo al trabajar desde las catacumbas.

Posteriormente tuvo un papel fundamental en la exigencia de justicia y reparación. El Movimiento Teatro por la Identidad en Argentina, proyecto vinculado a las Abuelas de Plaza de Mayo, ha ayudado a muchos de los bebés secuestrados por militares a recuperar su verdadero origen.

Por lo pronto, algunos escritores nos hemos puesto a la tarea de escribir obras de bajo costo de producción y pocos personajes con el fin de abonar al MTD y se ha lanzado una convocatoria para el Premio Internacional de Dramaturgia Teatro por la Dignidad (http://pasodegato. com/Site/convocatorias/Convocatoria_Teatro_por_la_dignidad.pdf) que pretende expandir sus efectos. —

ARTEZ | 216

EL LADO OSCURO

MAYO | JUNIO | 2017

Cómo incorporar a nuevos espectadores en 4 pasos

E

Jaume Colomer

s muy difícil que un ciudadano sin intereses escénicos participe, de repente, en una práctica escénica como espectador previo pago de una entrada como resultado de una campaña de comunicación.

Cuando un operador escénico intenta incorporar a nuevos públicos, lo más habitual es que apueste por intensificar y diversificar la comunicación de su programación. No nos cansamos de repetir que la mejor estrategia a medio o largo plazo para la formación de nuevos públicos es facilitar experiencias escénicas de calidad a los niños y adolescentes.

Para incorporar a nuevos espectadores adultos hay que diseñar un proceso de acompañamiento siguiendo las recomendaciones del marketing para que el potencial espectador recorra varios estadios, que resumimos en los siguientes: 1. Comunicar de manera eficaz que un espectáculo está en cartel para conseguir dos objetivos: a. Que el potencial espectador conozca, en primer lugar, su existencia y accesibilidad (cuándo y dónde). b. Que conozca, también, la experiencia vital que ofrece con el fin de que valore si puede satisfacer los valores y beneficios que busca.

2. Ofrecerle al potencial espectador que pueda probarlo, teniendo en cuenta tres factores. a. Probar un producto o un servicio es la manera más eficiente de reducir la percepción de riesgo y de aumentar la confianza. b. Probar un espectáculo es más complejo que probar un perfume o un vino porque es una experiencia vital compleja en la que intervienen varios elementos. c. La prueba de un producto la puede hacer el propio espectador o una persona de referencia que le relate, después, la experiencia vivida.

3. Dar al espectador potencial, un pequeño empujón para que compre una entrada. a. La necesidad de dar un “pequeño empujón” la argumentan Thaler y Sunstein en su libro ‘Nudge’ (Taurus, 2009) porque consideran que varios prejuicios nos llevan muchas veces a la indecisión y pérdida de oportunidades. b. El pequeño empujón se puede dar en forma de acompañamiento y de incentivo en el marco de una metodología de gestión relacional de públicos.

– 73 –

c. En el proceso de compra de una entrada hay que conseguir un canal de contacto con el nuevo espectador, a poder ser un correo electrónico o un teléfono móvil. y procurar una aproximación a sus gustos o preferencias.

4. Acompañar al espectador primerizo para conseguir que repita. La repetición es tan importante como la primera vez ya que aumenta notablemente la confianza y la probabilidad de nuevas repeticiones sin acompañamiento.

5. Conseguir que se convierta en prescriptor de otros ciudadanos sin intereses escénicos para que sigan el mismo proceso. Esto se consigue ofreciéndole canales de expresión. ¿Cómo se puede ofrecer la prueba de un espectáculo? Aportamos algunas ideas al respecto: • De cada espectáculo se puede producir un “trailer” o avance que pueda ser representado en cualquier lugar y que de una idea básica de lo que se ofrece. Una acción escénica breve y con pocos recursos humanos y materiales, que llame la atención y despierte el interés. Se pueden representar estos trailers en centros de enseñanza o espacios culturales, sociales y comerciales o en la calle y lugares con elevada concurrencia para que los ciudadanos conozcan su existencia y valoren si les interesa.

• Las salas de exhibición deberían realizar parte de su programación (un 10% por ejemplo) en espacios públicos (calles y plazas) para que los ciudadanos puedan acceder gratis a las representaciones sin la compra previa de una entrada. Las programaciones en recintos cerrados cuentan con más condiciones tecnológicas pero carecen de visibilidad social y no generan nueva demanda. Hay que dar a los públicos asistentes información sobre el resto de la programación y ofrecerles la posibilidad de recibir información con la sola condición de dar un correo electrónico.

• Las salas de exhibición pueden seguir destinando una pequeña parte de su aforo a acciones promocionales que permitan probar un espectáculo por un precio simbólico un número limitado de veces a cada nuevo espectador.

Los que disfruten esta oportunidad probablemente relatarán su experiencia a terceros y se convertirán en prescriptores para nuevos espectadores. —

ARTEZ | 216

CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

MAYO | JUNIO | 2017

Ifigenia; conmoción en el Ambigú

V

Javier Villán

uelven los viejos ritos y las viejas costumbres.

Este miércoles día 19 abril, seguro que es coincidencia no buscada, ha sustituido al sábado de Gloria de las viejas calendas. En la cartelera se concentran estrenos que, a lo largo del año, afirmarán su primacía o testificarán su condición de sucesos efímeros. Todo lo cual y plagiando a Paul Eluard en bélicas circunstancias, nos permite proclamar a Madrid “capital de la gloria”. De la gloria teatral, quiero decir. Hoy se estrenan en Madrid, Ifigenia en Vallecas’, (TeatroPavonKamikaze) un texto vitriólico de Gary Owen; vitriólico pero con fisuras. ‘La vida es sueño’, (Teatros del Canal); ‘En la orilla’ (Sala Francisco Nieva), sobre la obra de Rafael Chirbes y en el Marquina, ‘el Bufón’, de Albert Boadella. Miércoles de Resurrección, miércoles de estreno, después de que se estrenara recientemente en La Comedia ‘Los sueños’, de Quevedo, versión y dirección de Gerardo Vera e interpretación de Juan Echanove.

Las fisuras del texto de Ifigenia no son de índole estructural, pues el ritmo, la vorágine vital de Ifigenia la virgen sacrificada a los dioses, es un constante torbellino bien controlado por Guijosa, el director. El espectáculo se centra sobre todo en la magnífica interpretación de María Hervás. Y en el meritorio esfuerzo de adaptar a estos tiempos un asunto mitológico. El objetivo era aplacar la cólera de los dioses y predisponerlos a favor mediante un sacrificio humano Es difícil enlazar esa idea de víctima sacrificial con los recortes de una política perversa y ello más parece un argumento oportunista traído un poco por los pelos. Aunque puede que atraiga a los sectores más epidérmicos de la izquierda española y podemita. Casi todos sabemos que la izquierda es otra cosa. Cuando la protagonista es una “nini”, ni trabaja, ni estudia, ni contribuye de ninguna manera a la marcha de la sociedad es difícil que pueda esperar algo de ella. Ifigenia es un ser trágico, todo le sale mal, la mienten la engañan es un ser marginal: una quinqui drogadicta y borracha; vive de su abuela cuyo dinero desprecia pero acepta. A mi me interesa más como ser trágico, que en nada ni en nadie halla un atisbo mínimo de felicidad. Las borracheras le producen unas resacas insoportables. Y la única vez que folla por amor, un hombre casado y militar héroe de guerra amputado en todo me– 74 –

nos en la polla, la deja preñada. Ifigenia es generosa y cuando para defender su maternidad y su derecho se decide a contarlo todo a la esposa de su amante, la conmueve la niña que llama papi a su padre, se da media vuelta y se va.

Los fallos médicos en cadena, que conducen al mal parto de Ifigenia, le producen a esta, imprevistos y pingües beneficios por indemnización a los que generosamente renuncia. La denuncia y la renuncia, más aquella que esta, contribuirán sin duda a la modificación del sistema; pero ideológicamente el desenlace es confuso. A no ser que, en contra de lo que pensaba Marx, consideremos al lumpen como sujeto revolucionario y motor de la historia. Aludiendo a la etapa de recortes que siempre castigan a los mismos, a los pobres y desposeídos, Ifigenia se pregunta y a la vez amenaza; “cuánto tiempo vamos a tener que soportar esto? Y qué va a pasar cuando no podamos soportarlo más?” Para mí ahí está el quid de la cuestión, la posible o imposible naturaleza redentora de Ifigenia.

Como estudio del lenguaje coloquial, popular y barriobajero Ifigenia, la versión de Hervás pues desconozco el original, me interesa mucho. Umbral escribió de Madrid y su lenguaje, de Vallecas y suburbios canallas, de jergas y dialectos; el lenguaje castizo y el marginal. A su ‘Trilogía de Madrid’, crónica y elegía, reportaje de periodista de raza y ensayo de escritor total le puso prólogo memorable Eduardo Haro Tecglen. Ifigenia le hubiera interesado, desde cualquier plano: salvo esos momentos de humanidad generosa, Ifigenia se manifiesta desde el rencor. Y Umbral defendía que solo desde el rencor se escribe bien. Algunos, como García Márquez y Cervantes escribían para que la gente los amase; Quevedo, Umbral, Haro Tecglen escribían para que los odiase. O los temieran; es una opción.

En los momentos previos al estreno salió a relucir la idea de “Actriz Fetiche”. Conviene aclarar el concepto tergiversado con frecuencia. Un crítico no puede tener actrices o actores fetiches. Eso es cosa que atañe a los directores. Un crítico, puesto que es humano y tiene corazón, aunque algunos no lo crean, puede tener intérpretes favoritos que le gusten más que otros. Actriz fetiche es la que soluciona al director todos los problemas y le garantiza un éxito seguro. —

ARTEZ | 216

NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

MAYO | JUNIO | 2017

Sobre el teatro documental en Suecia

H

Victor Criado

ace un par de semanas supe del inminente estreno en Madrid de una obra teatral que tomaba como punto de partida una entrevista realizada a un miembro de ETA. En este momento en el que la actividad armada ha cesado parece que el teatro comienza a ocuparse de una realidad tan cercana como dramática. Algo que me llamó la atención no sólo por el tema, sino, o más bien, por el modo de afrontarlo, fue el uso de un material (la entrevista) documental. No puedo evitar hacer una comparación entre este tipo de teatro aquí, en Stockholm, como en Madrid.

Desconozco parte de la realidad de la oferta teatral madrileña, pero si me ciño a la oferta de los teatros públicos observo una ausencia de este tipo de propuestas. La sensación inevitable que me invade es la de que se montan “textos”, “propuestas” que ya han funcionado en otros lugares, países, idiomas… O bien se estrenan textos de autores que fueron olvidados, denostados, omitidos…

Hay muy poco espacio para este tipo de trabajo que implica riesgo, que obliga a un esfuerzo crítico sobre la marcha.

Imagino que hay muchas propuestas que tratan de hablar de lo que está sucediendo ahora mismo. De los miedos, incertidumbres, análisis y diagnósticos que los seres humanos somos capaces de hacer.

En la programación de los teatros públicos en Stockholm hay espacio para este tipo de propuestas. Pero creo que no es sólo una cuestión (que también) de la política cultural del programador de turno. Obedece a que los directores y dramaturgos forman las dos bases de un triángulo isósceles sobre el que se sitúa el público, siendo los actores el área necesaria para que la figura geométrica quede completa. En este sentido la aportación de Suzanne Osten es decisiva. Cada vez que veo una de esta índole y veo al director o directora que la dirige compruebo que, o bien se ha inspirado en la obra de Suzanne o directamente ha formado parte de alguna de las propuestas que en su momento dirigió. Cosa que es posible gracias a la formación dramática que “obliga” a directores, actores, dramaturgos, escenógrafos… a realizar prácticas durante su proceso formativo. Eso obliga a las futuras generaciones de creadores a tomar contacto directo con los profesionales que les preceden.

Es el alumno el que decide dónde y con quién – 75 –

quiere realizar su práctica, siempre y cuando la otra parte acepte. Es esto lo que ha permitido que este tipo de propuestas basadas en la investigación y análisis de la realidad puedan desembocar en una idea de “teatro documental”.

Ahora mismo hay en cartel en el Dramaten una puesta en escena en la que el espectador debe ponerse unos auriculares para escuchar las “instrucciones” que un “trabajador del inem” da a un parado para “rehabilitarle” y “reconducirle” hacia el mercado laboral. Obra directa, tan desagradable como necesaria de escuchar. Teatro “documental”, basado en entrevistas realizadas a algunos de estos trabajadores. Propuesta dirigida por Matias Andersson.

Esto que se ve en los teatros públicos tiene su continuidad, con mayor vigencia aún, en las propuestas de compañías independientes, permitiendo que se establezca un diálogo con el público que se ha acostumbrado a ver un teatro que habla “sin elipsis argumentales” de lo que sucede .

Hace un par de semanas un atentado en el centro de Stockholm conmocionó al país. En las navidades del 2010 otro individuo trató de provocar una matanza en el centro de la ciudad activando un cinturón de explosivos que llevaba adosado al cuerpo. Por fortuna algo falló y la detonación solo provocó la muerte del propio individuo. A los pocos meses uno de los dramaturgos suecos de los que ya he dado noticia aquí, Jonas Hassen Khemiri, había escrito y estrenado una obra que trataba ese suceso, ‘Jag ringer mina böder’ (‘Voy a llamar a mis hermanos’). Ahora en Göteborg se acaba de estrenar una obra que trata de “explicar” la conversión de un musulmán en un extremista, lo cual ha provocado airadas reacciones de miembros del partido conservador, ocupando espacio en los noticiarios nacionales. ¿Para cuándo un festival de teatro documental?

Teatro que trata de comunicarse con el espectador con lo que tienen en común: el presente.

Pd: Espero que alguna propuesta de este tipo pueda arrojar luz a un conflicto, el vasco, que ha afectado a toda la sociedad pero a la que el teatro, con su capacidad de afrontar la naturaleza humana en toda su complejidad, ha dado la espalda.

Las razones de este silencio son muy complejas, casi tanto como las del propio conflicto. Que el silencio de las armas permita abrir el telón. —

ARTEZ | 216

El MÉTODO GRIEGO

MAYO | JUNIO | 2017

Festival de Atenas: pluralismo a pesar de la crisis

L

María Chatziemmanouil

a verdad es que me ha costado mucho leer toda la programación. Son más de 80 actos de música, teatro, danza, performance, ópera, cine, etc. que se realizarán en un amplio abanico de espacios que incluye desde los más convencionales, como son el Teatro Nacional de Atenas y el Teatro de Herodes, hasta los más insólitos, como una fábrica de fertilizantes y el ex-barrio de las prostitutas en el Pireo, o las playas y las tabernas de esa misma ciudad. Y me cuesta todavía más intentar presentar aquí, con un número de palabras tan limitado, un Festival enorme y polifacético como es el Festival de Atenas en su edición de este año.

El eje central de su temática es “el forastero”, un término bajo el cual figuran desde los refugiados e inmigrantes de otros países en Grecia hoy en día, hasta los niños de la Guerra Civil Griega de 1947-49, quienes fueron refugiados en países comunistas de entonces. (La temática es la misma para el Festival de Epidauro como ya dijimos en nuestro artículo en el No 215 de Artez) Por primera vez el Festival se abre al Piréo y a Elefsis (capital cultural de Europa para 2021), programando un gran número de actividades de varios tipos sobre la historia de estas ciudades durante el siglo 20.

En la edición de este año hay que destacar las colaboraciones tanto con organismos públicos o/y sin ánimo de lucro, como con Facultades de Teatro de dos Universidades, comunidades locales, colectivos de ciudadanos de los barrios de Atenas y Piréo, etc.; y la inauguración de varios espacios poco convencionales como es el Jardín Nacional en la Plaza Síntagma y la cima de la colina de Lycabettus, donde se estrenarán performances relacionadas con la historia de cada lugar (la de Lycabettus se celebrará a las 6 de la mañana del 21 de junio, día del Solsticio de verano).

La duración del Festival es otra novedad de la presente edición, ya que por primera vez en su historia, va a arrancar a finales de mayo y durará hasta el 19 de agosto, día en el que se clausurará en el Teatro de Epidauro con un homenaje festivo a la rica tradición musical del Peloponeso, una arca atemporal de la identidad y de la memoria histórica.

Entre las producciones invitadas del extranjero cabe destacar el homenaje a Volksbühne con tres montajes de la compañía alemana; además, ‘Carta – 76 –

M. Stafylidou

a un hombre’ de Robert Wilson, protagonizado por Mijail Barísnikov; ‘Democracy in America’ de Romeo Castellucci; y Olivier Py en Epidauro con su montaje sobre ‘Prometeo encadenado’ y ‘Suplicantes’ de Esquilo.

El director del Festival, Vanguelis Ceodorópulos, dice que sus prioridades son “brindar apoyo a la producción artística interna, y especialmente a los artistas jóvenes, conectar el Festival con la sociedad local de cada lugar donde se realizan sus actividades y presentarle al público griego importantes artistas de la escena internacional contemporánea”.

Entre esos últimos se incluyen dos artistas de España: el coreógrafo Pere Faura, con su espectáculo ‘Sweet fever’ (inspirado en la película ‘Saturday night fever’) y la cantante Maria del Mar Bonet, quien va a participar en un gran concierto con canciones del Mediterráneo.

Con un gran número de conciertos al aire libre que engloban varios tipos de música, con un festival de cine, con jornadas sobre temas como la crítica teatral, con talleres a cargo de especialistas destacados, con un homenaje al gran director de teatro, profesor y académico griego Spyros Evanguelátos, quien falleció hace unos meses y con muchas más actividades, no es casualidad que el Festival de Atenas sea este año uno de los más interesantes de Europa. Con un presupuesto de 10 millones de euros solo, –de los cuales solo 4 están destinados a cubrir los costes artísticos, con los demás 6 destinados a los costes operativos– y sin ninguna deuda de años anteriores, el Festival de Atenas es la prueba de que en la cuna del teatro todavía se hacen milagros. (www.greekfestival.gr). —

ARTEZ | 216

LAS LEJANÍAS

De repente, Pepe en la luz

P

Carlos Be

epe, hace que te fuiste y aún hay mañanas que amanezco y no sé por qué, pienso en ti. Guardo aún en mi escritorio la última foto que encontré de ti, una foto póstuma en algún medio digital que hablaba sobre el público y la guardé porque ahí estabas, de repente, Pepe en la luz, tu propia luz, con tu sombrero y tu propia luz. Te fuiste un 22 de agosto de hace dos años, cómo pasa el tiempo y cómo pasamos todos, ¿verdad?

Estas son las palabras que te leímos Carmen Mayordomo y yo en tu despedida, la que se organizó en la Sala Cuarta Pared el 16 de noviembre de ese mismo año.

Pepe, un fuerte abrazo.

“Cuando escribo esta presentación, las fotos muestran el barrio de Shajaya hecho escombros. En trece días, el cerco y exterminio de Gaza por los bombardeos y el ejército israelí suma 526 palestinos muertos, en su mayoría civiles, más de 3.000 heridos, decenas de miles de ciudadanos expulsados de sus casas. La masacre se autodenomina ‘Margen Protector’ y se justifica como venganza por tres jóvenes israelíes muertos supuestamente por Hamas.”

Con estas palabras empieza el prólogo que escribió Pepe para la publicación de “Muere, Numancia, muere”, un texto de Carlos que estrenamos en el Conde Duque el verano de 2012, un texto que enlazaba la Numancia de Cervantes con los acontecimientos vividos el año anterior en Madrid, durante el 15-M. Carlos: Lo publicaron en México, Paso de Gato, prólogo y texto. Los ejemplares de la primera edición salieron de imprenta hace nada, me los enviaban a Europa. En cuanto llegó el paquete, quise avisar a Pepe, quedar con él y entregarle su prólogo en papel, o dejárselo en algún sitio para que él lo recogiera más tarde, da igual: nunca pudo ser.

Carmen: Es muy raro cuando no puedes quedar con alguien con quien debías quedar porque ya no existe.

Carlos: Sí.

Carmen: Ahora se lleva mucho eso de estar puesto en todo, Pepe, en eso, también fue un pionero, un avanzado a su época, con esa lucidez… y el temple del que sabe las medidas de las cosas.

La última vez que la vi estaba tó pelón, hablamos muy poquito, él siempre con su sombrero, claro, pero tó pelón. Además de su sombrero, – 77 –

MAYO | JUNIO | 2017

me acuerdo también de su delantal. Pepe estaba puesto incluso en gastronomía. Actué en un par de ocasiones en La Selecta, ese sueño brotado en mitad de un picadero de caballos, y Pepe siempre estaba ahí con su delantal recibiéndonos, ofreciéndonos los platos del restaurante, platos que él mismo cocinaba.

Carlos: Alimento. Pepe nos alimentaba.

Carmen: Se programaba, se cocinaba… Pepe nunca dejó de alimentar al teatro para que el teatro viviera. Le veo guisando mientras piensa “El teatro está vivo…”. Yo le conocí en los noventa, anda que no ha llovido, anda que no me ha dado de comer… Estaba yo con El Norte de Venus, nuestra compañía. A ti aún no te había picado el escorpión del teatro.

Carlos: No. Yo le conocí en Menorca, en el 2006.

Hace nada, vamos. Si he conocido a una persona sosegada, era él. A ver, que todos tenemos nuestras cositas, pero él transmitía… Voy a decirlo mejor. Transmitía sosiego. Así fue el día que le conocí y así fue en adelante, incluso ahora que no está me sigue transmitiendo sosiego. La gente que te enseña, la gente de la que aprendes, nunca se olvida porque van a seguir en ti.

Carmen: Un hombre de teatro como pocos. Un señor del teatro. Con él se compartían momentos de esos que sabes que ya se están convirtiendo en recuerdos.

Carlos: Tengo una foto muy mala. La hizo muy madre y lo que sale, lo que se ve a primera vista, es una cabeza gigante comiéndose un flash, la de la mujer de la fila de delante, pero más allá, en pequeñito y desenfocado, sobre la tarima, está Pepe, él de pie y yo sentado, él con su mano en mi hombro.

Carmen: Otro recuerdo.

Ahora, te traemos aquí de vuelta gracias a todos esos recuerdos. Vamos, que no nos vas a dejar tan alegremente, te lo vamos a poner difícil, y no hablo sólo de hoy… Ah, y no me lo voy a callar que ya sabes que yo no me callo nada: mira que tenga que ser por ti que vuelva a pisar el escenario de la Cuarta, ¡ya te vale!

Carlos: ¿Quién nos alimenta ahora?

Carmen: Aparte de un sombrero vacío, anda por ahí también un cucharón en el fondo de un cazo, falta su mano girándolo… Sigue habiendo hambre en el teatro, y él lo sabía. Siempre la hubo, la hay y siempre la habrá. Era lo más bello de él, que era de los pocos que se dedicaba a darnos de comer. Alimento. Alimento para estos numantinos del siglo XXI que estamos hechos, con hambre de ideas, de coraje, de preguntas y respuestas.

Carlos: Nos dabas valor para seguir adelante.

Carmen: Y nos lo sigues dando. Y seguiremos adelante. Ah, por cierto, Pepe tituló su prólogo, le puso un título a su último prólogo. Una única palabra. Resistencia. —

ARTEZ | 216

MAYO | JUNIO | 2017

ESCAPARATE L

I

B

R

O

S

Teatro Breve

Los mares de Caronte

Bajo este título Algar Editorial ha publicado tres obras de otros tantos autores: ‘Cartas de amor a Mary’ de José Luis Alonso de Santos, ‘La consulta’ de Ángel Camacho y ‘Epitafio’ de Jorge Díaz. En todas ellas sus autores abordan temas serios desde el humor y la ironía.

Comedias Bárbaras Editorial Esperpento a publicado las ‘Comedias Bárbaras’ de Ramón del Valle-Inclán. Un solo volumen en el que se incluyen tres de las grandes obras del de uno de los más grandes dramaturgos en lengua castellana: ‘Cara de plata’, ‘Águila de Blasón’ y ‘Romance de lobos’.

Dentro de la colección Biblioteca Temática de la RESAD, Editorial Fundamentos ha publicado ‘Los mares de Caronte. Dieciséis calas dramáticas sobre migraciones’ una edición a cargo de Concha Fernández Soto y Francisco Checa y Olmos en el que se recogen diecinueve textos breves de diversa autoría. El nexo de unión de todos ellos es que comparten una misma sensibilidad: son interpelados por el impacto emocional de las migraciones y manifiestan la necesidad urgente de abordar estas temáticas debido a su enorme repercusión social”. Entre otros encontramos textos de: Paco Bezerra, Antonia Bueno, Juana Escabias, Ozkar Galán, Raúl Hernández Garrido, César López Llera, Gracia Morales, Fernando Olaya, Diana de Paco, Paloma Pedrero, Carmen Resino, Laila Ripoll, Némer Salamún, Vanesa Sotelo, Pedro Víllora, Antonio Zancada y Alfonso Zurro.

Teatro-matriz, Teatro Liminal

La escena del siglo XXI

Teatro-matríz y Teatro liminal son dos nociones teóricas que defiende Jorge Dubatti en el marco de sus investigaciones en Filosofía del teatro. Ambas son herramientas para un programa de investigación sobre la historia del teatro y el análisis escénico. Un publicación de la editorial Atuel.

Producción artística en tiempos...

Juan Vicente Aliaga y Carmen Navarrete son los editores de ‘Producción artística en tiempos de precariado laboral’ libro que surge en un seminario que organizó el grupo de investigación de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Valencia y ha sido publicado por Tierradenadie Ediciones.

R

E

V

I

En ‘La escena del siglo XXI’ el profesor y crítico José Gabriel López Antuñano recorre las tendencias escénicas presentes a través del análisis de 24 directores de impacto internacional. Publicado por la Asociación de Directores de Escena, el presente volumen aúna la descripción y la reflexión personal de López Antuñano “de los que, en mi opinión, con su competencia, capacidad, investigación y trabajo han realizado aportaciones al teatro en estos últimos años” explica. Entre otros, el autor recorre os estilos y los presupuestos estéticos e ideológicos de creadores tan relevantes y diversos como Krystian Lupa, Declan Donnellan, Robert Wilson, Thomas Ostermeier, Robert Lepage o Romeo Castellucci, entre otros. Un trabajo que López Antuñano presenta como “las reflexiones de un espectador que trata de ver hacia dónde y con quiénes (no todos) puede ir la escena del siglo XXI”.

S T A

S

Zirkolika

Fiestacultura

El número 52 de Zirkolika tiene como tema central la Circus Arts Fundation, que creada en 2011 tiene como objetivo popularizar el circo. Le siguen al tema de portada diversos artículos sobre la actualidad circense mundial y una entrevista con Leandro Mendoza, nuevo director de Trapezi.

Correspondiente a la primavera de 2017, el número 70 incluye varios artículos sobre la figura de José Monleón y su relación con Xarxa Teatre o las artes de calle. Le acompañan diversas crónicas de festivales como el FAICP de Bogotá o el MUT de Castelló, entre otros.

– 79 –

ARTEZ | 216

MAYO | JUNIO | 2017

20 años de portadas

– 80 –

ARTEZ | 216

MAYO | JUNIO | 2017

– 81 –