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ARTEZ | 217

EDITORIAL

JULIO | AGOSTO | 2017

Cambio de tercio. Miremos al pasado y olvidemos el amor.

El verso converso.

P Carlos Gil Zamora Director editorial

oca paciencia se genera en los cuerpos presentes cuando ha perdido solamente el amor por el llega este tiempo veraniego que abre la ruta de los fes- riesgo, por la búsqueda de unos nuetivales miles, que se hacen en marcos incomparables o vos públicos, como si se considerase en plazas comparativamente muy mal aprovechadas que a estas ofertas de teatro, en verso, o cuando se inventan tiempos, espacios y se proyectan o en prosa conversa, para que todos los mensajes que dejan al hecho teatral casi en un lugar se- conversos puedan recitar con mayor o cundario. Nadie se puede privar de tener su festival de menor sabiduría pero con la unción de verano en las fórmulas y categorías que le parezca opor- estar haciendo teatro clásico. Y sobre tuno. La cultura democratizada parece en ocasiones una todo, satisface a amplias capas de nuescultura estacional, turística y de resultados estadísticos tros conciudadanos que se sienten abantes que de consolidación de una auténtica plataforma solutamente satisfechos por un año, en su relación con las artes escénicas, de difusión de las artes escénicas.

Algunos de estos festivales han configurado durante dé- porque el teatro clásico, es clásico y fundamental. cadas una opción bien apoyada que unía la En épocas cercanas, con creación de nuevas oportunidades de traLo diría de manetoda la mercadotecnia bajo para actores, directores y compañías, ra muy clara: ha partidista colocada en además de incardinarse en los proyectos de ganado el merlos mismos parámetros, más alcance de las comunidades autónomas cado. O sea los con algo más de aleo las ciudades implicadas. Existe un mermercaderes. Los gría presupuestaria, los cado específico, proyectos levantados con resultados estaequipos de dirección la clara intención de cubrir la demanda de dísticos sin poner sucesivos intentaban estas programaciones. En ocasiones se ha en la balanza vabuscar en el repertorio llegado a la producción o la coproducción, lorativa su interés invisible, en produccioy ahí queda claro porque después alimentan cultural, social o nes atrevidas, algún resa otros festivales con menos recursos y alpolítico. quicio de innovación gunos espectáculos tienen vida posterior en o de enfrentamiento los teatros generalistas. con nuevos lenguajes.

Hemos cambiado de tercio. En las grandes Pero me parece que en ciudades se hacen programaciones específicas veraniegas, para satisfacer a propios y visitantes. En estos momentos hay cambios formaplazas y espacios habilitados. También en los teatros se les, aproximaciones, pero sin tocar anuncia no la obra sino el “aire acondicionado” que incita a el fondo, sin retocar los mensajes, en un asunto que tiene mucho de comapartarse de los calores.

Año tras año se suceden de manera rutinaria, algunos festi- placencia y falta de incentivos hacia vales crecen, otros se comprimen, cambian de orientación, otros territorios menos cómodos. Lo se intenta repetir lo que funciona y en las fiestas patronales diría de manera muy clara: ha ganado el teatro vuelve a ser una oferta comercial en ciudades de el mercado. O sea los mercaderes. Los demografía media y alta o espectáculos ligeros de anima- resultados estadísticos sin poner en la ción o de calle, destinados preferentemente a los públicos balanza valorativa su interés cultural, infantiles. Y una constante, quizás un estigma, se celebran social o político. Números. Números. los grandes festivales en poblaciones que durante el resto Y como tenemos todos la coartada del del año tienen una vida teatral menguada, impulsiva y sin calor abrasador que nos incomoda, presupuestos suficiente comparables en una décima parte voy a abrir un paréntesis local, pero que es muy ejemplarizador. En las al gasto propiciado con el Gran Evento.

Así estamos en este presente pero que si miramos al pasado, Naves del Matadero de Madrid, tras – 4 –

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índice

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Opinión

‘La vida es sueño’ de Teatro del Temple

Marcos Cebrián

la destitución por el actual equipo de gobierno al director del Teatro Español y varios teatros y salas habilitadas más, José Carlos Pérez de la Fuente, se singularizaron las direcciones de cada equipamiento y en las Naves fue nombrado Mateo Feijoó que plantea una necesidad, la creación de un centro de investigación en la capital matritense, pero lo ha formulado con tantos defectos de forma, con una especie de torpeza, que se ha provocado un enfrentamiento en la profesión. Es difícil, resumir posturas en estas líneas. Yo espero resultados. Quisiera ver cómo remonta una entrada muy poco conciliadora, utiliza esas palabras tabú que a algunos todavía siguen encantando. Esperemos. Abolir el texto de manera graciosa es un gesto de poco conocimiento de la realidad actual en donde proliferan las dramaturgas de talento que escriben y dirigen y parten justamente de un texto. A algunos nos duele leer en los carteles que va a ser un centro de “artes vivas”. Es una obviedad tan grande que me abruma. Pero ojo con estas disputas, seamos todos un poco menos intransigentes y compremos paciencia aunque sea al por menor. Veamos qué se propone.

Es decir el pasado no fue solo amor. No podemos anunciar muchas cosas nuevas, celebrar la persistencia de algunos festivales legendarios. Aplaudir a los nuevos si se hacen desde una necesidad orgánica, social, artística y no para aprovechar un claustro de un convento que tiene en medio una fuente y no se puede trasladar. Defenderemos la inversión de las instituciones, de todos los organismos públicos en cultura, y más en cultura en vivo, estas artes escénicas y musicales que recorren muchas carreteras y llegan a muchos rincones de poblaciones que multiplican por cien sus habitantes en verano.

Pero quizás no sea mala advertencia solicitar una continuidad, que esta temporalidad no cree subproductos, que se dediquen a tener en colonias y campamentos de jóvenes talleres creativos de artes escénicas, que no lo dejemos todo en manos del concejal de cultura y turismo, que como todos saben de ahí sale el culturismo, que debe ser algo así como un deporte de exhibición de cuerpos aceitosos. Que es a lo que parece muchas veces que se dedican algunos. Pedimos más selección, más cantidad de actos, mejor programados, todo el año, con sus características estacionales, pero sobre todo, mejor. Mucho mejor. Empecemos a meter en el concepto las palabras arte, calidad, trascendencia, excelencia y busquemos una tabla de conversión de estas ideas en cultura democrática y popular.— – 5 –

Editorial Rondas escénicas | Maria-José Ragué-Arias Desde la Caverna | David Ladra Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti Cronicón de Villán y Corte | Javier Villán El método griego | Maria Chatziemmanoui Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado El lado oscuro | Jaume Colomer Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud

4-5 6 7 54 55 56 - 57 58 59 61 62 63

Estrenos

9 - 16

Festivales

17- 46

En

47 - 52

gira Zona abierta

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Portada Fotografía del espectáculo ‘Bigremeló burlesque’ de Pierre Guillois tomada por Pascal Pérennec

Número: 217 - año 21 | Julio / Agosto 2017 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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RONDAS ESCÉNICAS

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Nueva etapa en el Grec con Francesc Casadesús

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María-José Ragué-Arias

os directores del Grec suelen tener cinco o seis años para consolidar su capacidad creativa, su energía y sus conocimientos y ajustarlo a las condiciones económicas y prácticas para llenar durante el mes de julio, el Teatre Grec. Ramón Simó sucedió y mejoró las programaciones de Schwarzer y en estas semanas –y sin desmerecer a Simó– creo que veremos uno de los mejores Grec –si no el mejor– de nuestra historia reciente. Cesc Casadesús viene del mundo de la danza si nos atenemos a su brillante gestión de los últimos años en el Mercat de les Flors.

Nació en Vic, su padre tiene un taller de mecánica, tiene dos hermanas y una madre que naturalmente le adora. Pero ese caldo de cultivo tuvo que ser abandonado cuando estuvo en edad de ir a la universidad, pensó y tuvo contactos con Dansaengrup pero tomó las riendas de la formalidad y la seriedad. Hizo Biología pero influyó en él el Instituto del Teatro, se hizo amigo de Hermann Bonnin, descubrió a Peter Brook…En su periplo laboral ha programado el teatro de Vic… ha actuado algunas veces como actor o bailarín pero no en papeles protagonistas. Durante los últimos seis años ha dirigido con gran tino y convirtiéndolo en el mejor exponente de la danza, el Mercat de les Flors, espacio dedicado a la danza que nos ha ofrecido grandes y mágicos espectáculos, como por citar solo un ejemplo el grupo DV8.

Una de las novedades de este Grec será la utilización frecuente del espacio que da nombre al festival, el teatro griego de la montaña, el que vieron Unamuno y Margarita Xirgu. Ahora estará Mario Gas con su “Calígula” protagonizado por Pablo Derqui. Habrá dos jornadas protagonizadas por Wajdi Mouawad, “Des mourants”, una reescritura de Sofocles…, pero el espacio del Mercat albergará también grandes espectáculos, Dimitris Papanopoulos, presentará –entre danza e instalación– “El gran domador”.

Francesc Casadesús está absolutamente alejado del “star system”, pero sorprenden sus conocimientos y su erudición que es de absoluta sencillez pero a la vez percibo sus enormes conocimientos sobre el teatro internacional o no.

Ha sabido organizar un programa del Grec en el que se destacan una selección rigurosa en su in– 6 –

terés teatral pero también añade una selección “con algunos hits que incluyen al gran grupo Complicité, o la inaugural Jacobo Godani/Dresden Frankfurt Dance Company.

Me habla de algunos espectáculos que él considera especialmente interesantes. Y muchos van al Lliure, “Complicité” con Simon Mcbourney con “Beware of city” de Stefan Zweig, o “Who is me Passolini” de Àlex Rigola. Y por supuesto habrá que ver los espectáculos “off”. En la Beckett Pau Miró presenta “Un tret al cap” con Emma Vilarasau en la Beckett mientras en la Villlarroel “Paraules encadenades” de Jordi Galceran es dirigida por Sergi Belbel quien por primera vez estrenará en la Comédie en París Y Pau Miró encabece con su participación en este Grec desde la Beckett la última generación de autores catalanes.

La inauguración es danza “Beware of pity”, tres números de la Dresden Frankfurt Dance Company. Me señala el interés del circo que viene de Tanger “Halka” del Groupe Acrobatique. Me doy cuenta de que el festival lo cierra ceremoniosamente Jordi Savall con un “El viatger de l’Islam”. Para quienes descubrimos hace años en Avignon a Wajdi Mouhawad, las dos partes de “Les larmes d’Oedipe” pueden ser transformadoras para el espectador como lo han sido prácticamente todos los espectáculos de Mouhawad. Un hit para el director del festival es el espectáculo de James Thierrée, en un lenguaje que recoge la fusión de artes escénicas.

Me doy cuenta de que lo que era en principio una entrevista se ha convertido en pura información matizada por las palabras del director que me recomienda “The Great Tamer” procedente de Grecia, un espectáculo de teatro visual que se verá en el Mercat, donde también estarán Roger Bernat o Àlex Rigola. No se ha excluido el teatro que se produce en Barcelona, está “Hiroshima” (entre otras cosas con Marta Carrasco) estará el Antic Teatre, habrá incluso teatro de calle a final de mes…

Mientras yo trataba de escribir, Cesc ha comido frugalmente. Me ha dicho que lo último que había leído es “Nosotros en la noche”. Lo compré por la tarde, lo leí por la noche y me gustó. Junto a su innegable sabiduría teatral veo mucha humanidad en este nuevo director del Grec. —

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DESDE LA CAVERNA

Refugiados en el María Guerrero

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David Ladra

e los telares, bambalinas y diablas que pueblan los altos del María Guerrero se vienen descolgando a lo largo de estas últimas semanas lastimosos racimos de cuerpos lacerados, unos ya muertos y otros a punto de morir que, después de invadir la escena principal por un momento, prosiguen su caída hacia el abismo hasta terminar amontonándose en la llamada sala de la Princesa. Son los restos de quienes, por preservar su vida de la guerra o evitar la miseria, arriesgan su existencia en un mar cuyas simas rebosan de cadáveres desde la Antigüedad. Según las razones de su exilio, las autoridades de la Unión Europea clasifican en dos categorías –inmigrantes o refugiados– a los que consiguen llegar: los primeros serán expulsados, y los segundos consignados en “campos de acogida” que tanto nos recuerdan los “de concentración” en que los europeos son expertos. Pero hay mucha gente que “se pierde”: entre ellos, unos 15.000 niños que caen en manos de las mafias. Un problema angustioso que, como tantos otros, a Europa le tiene sin cuidado (¿cómo ponerle puertas al campo?) y que, sin embargo, obsesiona a los hermanos Quique y Yeray Bazo.

Autores, con Juanma Romero y Javier G. Yague, de la muy relevante Nada que perder que lleva ya, entre giras y la sede central, tres temporadas en la Cuarta Pared y Tres días sin Charlie, presentada en el Frinje de 2016 con la compañía Nuevenovenos, nos proponen ahora con dicha compañía y dentro del programa “Escritos en la escena” del María Guerrero, La rebelión de los hijos que nunca tuvimos, una obra referida al enigma de los niños perdidos y las fatales consecuencias que tal pérdida podría tener. Los hombres rescatados pueden servir para el trabajo y ampliar el dumping salarial; las mujeres, para toda clase de servicios; pero, ¿y los niños?: en estos tiempos de austeridad y crisis, no son más que un incordio y nadie los reclama. Agrupados, de pie, medio asfixiados en el fondo del mar, de pronto deciden avanzar, salir a tierra firme e invadir la ciudad. Pero no aparecen en escena: “La nuestra –dicen los Bazo– no es una obra sobre el que llega sino sobre el que recibe, no sobre el otro, sino sobre nosotros, sobre cómo reaccionamos ante la presencia del otro”.

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Una compañía joven pero cuajada como lo es Nuevenovenos, en la que la mayoría de sus miembros se han formado en el Nuevo Teatro Fronterizo del maestro Sanchis Sinisterra, no puede vivir sin buscar nuevas formas, sin experimentar. Así lo hicieron ambos autores al trabajar con Yagüe en aquel sainete popular crítico-realista que es la marca de la Cuarta Pared.

Y para montar Tres días sin Charlie recurrieron a un lenguaje coral, directo y sincopado como lo es hoy el de los medios o el del teatro - documento. Aquí, su decisión ha sido otra: la de narrarnos la trama de la acción como si se tratase de un cuento infantil, pero no como el Hamelin de Mayorga, crudo, veraz y devastador, sino, por tratarse de niños, en forma de una fábula “blanca” no exenta de piedad, lirismo y compasión. Un vocablo, éste de “compasión”, propio de las doctrinas evangélicas y siempre en labios de George W. Bush en su guerra contra el terror, con el que habrá que andarse con cuidado cuando quiera sustituirse a otros conceptos más activos como son los de “testimonio”, “justicia” o “reparación”. Para este crítico –y se trata de una opinión– el contraste entre la reflexión introspectiva, por muy ética y poética que sea, y el “shock” del intelecto producido por lo real, se hace positivamente patente cuando, al terminar la obra y abandonar la sala, nos vemos inundados por cientos de dibujos infantiles que cubren las paredes del vestíbulo. Ahora sí que lo entiendo: sin niños que pinten esos folios no habrá arte, ni ciencia, ni civilización, sólo barbarie. Desde el punto de vista de la puesta en escena y la interpretación, tanto la directora –Eva Redondo– como los intérpretes –Rebeca Hernando, Marina Herranz, Rafa Núñez, Ricardo Reguera, Carmen Soler, Juan Vinuesa– no pudieron estar mejor en un trabajo basado en la palabra, el grito y la expresión corporal dentro de la mayor austeridad.

En su caída hacia los fondos del teatro, una pareja y su bebé quedaron atascados en el escenario principal como personajes de una segunda obra, Refugio, del director y dramaturgo Miguel del Arco. Los cuerpos del niño y la mujer yacen en el fondo del mar aunque ella se comunique con su esposo, asilado por una familia de sainete. De este modo, un tanto artificial, se introduce el tema de los refugiados en un conflicto que empezó como estrictamente político sobre el problema de la corrupción nacional. Es lo que tiene el drama, que a diferencia de las fábulas simples como en la obra anterior, mezcla asuntos, circunstancias y situaciones hasta armar un batiburrillo que satisfaga al espectador y a buena parte de la crítica. La persona se vuelve personaje y deja sus problemas atrás para participar en un guiñol como una marioneta más. —

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ESTRENOS

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Teatro Avante estrena Notas que saben a olvido

Teatro Avante reflexiona sobre la realidad del Alzheimer La obra se presenta dentro del 32º Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami

teatro avante

Fundada en 1979, es una organización cultural sin fines de lucro que tiene el objetivo de preservar la herencia cultural hispana.

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Asela Torres

L

a

estadounidense Teatro Avante (Miami) estrena un

nuevo espectáculo los días 20, 21, 22 y 23 de julio en el Carnival Studio Theater de Miami.

Se trata de ‘Notas que saben a olvido’ de Araceli Mariel Arreche, obra de cuya dirección se encarga Mario Ernesto Sánchez.

La pieza indaga la compleja realidad de aquellos que conviven con el síndrome de Alzheimer. “Proponemos un espacio de reflexión que ayude a reforzar e innovar los vínculos entre los que padecen esta enfermedad demoledora y su entorno cotidiano”, explican. El montaje, que se ofrecerá en castellano con subtítulos en ingles, está copatrocinado por Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, National Endowment for the Arts y State of Florida Division of Cultural Affairs. —

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ESTRENOS

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Teatro del Norte estrena Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín

Teatro del Norte vuelve a apostar por Lorca El estreno de la obra del autor granadino será el 7 de julio en la Semana de Teatro de Pola de Siero teatro del norte

Creado en 1985 por Etelvino Vázquez como espacio de investigación y búsqueda en torno al hecho teatral.

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Rafa Pérez

“

Don Perlimplín es teatro de monigotes humanos que empieza en burla y acaba en trágicos”. Así definía el propio García Lorca esta pieza que escribió en 1933. Ahora, Teatro del Norte y su director Etelvino Vázquez presentan su propuesta sobre ‘Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín’, uniéndose a la lista de tra-

bajos que han realizado ya sobre obras del mencionado autor, que incluyen ‘El Retablillo de Don Cristóbal’, ‘Yerma’, ‘Doña Rosita la soltera’, ‘La Zapatera prodigiosa’ y ‘Mariana Pineda’. En esta ocasión, el reparto está formado por Cristina Lorenzo, David González y Etelvino Vázquez. “Perlimplin es farsa y tragedia, es candoroso y lascivo, bufo y lírico, grotesco y sublime. Los elementos de la tradición popular aparecen fundidos en un delicado equilibrio con los procedentes de la más refinada cultura literaria”, opina E. Vázquez. —

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ESTRENOS

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Oinkari Dantza Taldea e Hika Teatroa estrenan Sagartu

Coger la manzana, bailar con la manzana

D Otxabi studioa

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espués de presentar las piezas ‘Amantalen ahotsa’ e ‘Itsasoaren emazteak’, Oinkari Dantza Taldea e Hika Teatroa vuelven a colaborar en ‘Sagartu’, propuesta que se estrenará el día 8 de julio en el marco del Festival de Teatro de Calle de Zarautz, Kalerki. “Venimos repletos de manzanas con humor, alegría y mucha fuerza, para dar a conocer todos sus significados, no sólo en nuestro pueblo, sino que desde los tiempos del paraíso hasta nuestros días”, explican. Agurtzane Intxaurraga dirige este multidisciplinar espectáculo de calle que ofrece teatro, danza y música en directo. —

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ESTRENOS

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Andanzas-TNT estrena Amazonas

AndanZas reivindica la fuerza de la mujer

fotografías

Felix Vázquez

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ndanZas, sello de danza ligado al Centro TNT de Sevilla, presenta su tercer montaje ‘Amazonas’. Tras ‘Aleluya erótica’ (Mejor Espectáculo en la Bienal de Flamenco de Sevilla) y ‘Última parada’, la directora de la compañía, Juana Casado, repite colaboración con Rosario Toledo (Aleluya erótica) e Inma La Carbonera (Última parada) que, en esta ocasión, contarán con el trabajo de siete mujeres más para hacer un homenaje al mito grecolatino de las amazonas. La pieza se estrenará en el XXXIV Festival Sagunt a Escena el día 26 de julio. Después, comenzará una gira que tendrá como segunda parada el Festival de teatros romanos de Málaga, donde se representará del 2 al 5 de agosto.

‘Amazonas’ es un montaje que aúna diversos lenguajes de las artes escénicas: teatro, danza y música. El espectáculo parte del mito de las Amazonas, y su configuración dramatúrgica se crea a través del imaginario encontrado en textos y estudios sobre la forma de vida, costumbres y pensamientos de esta comunidad de mujeres guerreras. Las Amazonas eran un pueblo compuesto solo por mujeres descendientes de Ares, dios de la guerra y de la ninfa Harmonía. Se ubicaban a veces al norte, otras en las llanuras del Cáucaso, y otras en las llanuras de la orilla izquierda del Danubio. En su gobierno no intervenía ningún hombre, y como jefa tenían una reina.

La obra toma, renovándolos, procedimientos formales de la tragedia griega, mientras su temática acude al legado mitológico clásico con matices y contemporaneidad. “Aquel Estado legendario del que nos han llegado expresiones artísticas y referencias literarias estaba formado exclusivamente por mujeres autosuficientes y en permanente lucha contra la violencia machista. Sin embargo, algunos de sus valores resultan extrapolables a la actualidad”, afirman desde AndanZas. —

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MISCELÁNEA

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El cíclope y otras rarezas de amor

Actes obscens en espai públic

‘El cíclope y otras rarezas de amor’ es una pieza escrita y dirigida por Ignasi Vidal e interpretada por Manuel Baqueiro, Daniel Freire, Eva Isanta, Sara Rivero y Celia Vioque. Se trata de una obra de vidas cruzadas en la que los personajes tienen que volver a aprender a amar. La desaparición fortuita de uno de ellos hará que el resto se replanteen su forma de entender la vida y de experimentar el amor. “En la misma línea de mis otros montajes, busco impregnar la hora y veinte de función de un realismo absoluto. Sin embargo esta vez, todos y cada uno de los personajes, transitan durante unos segundos en un lirismo que eleva sus almas, sus pensamientos y su lenguaje”, explica Vidal. Este montaje de Unahoramenos Producciones, Olympia Metropolitana y Emilia Yagüe se estrenará el 18 de agosto en el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer de Avilés, y del 24 de agosto al 17 de septiembre llegará a los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid.

El Teatre Nacional de Catalunya presenta ‘Actes obscens en espai públic’ (Maneres amenes d´esperar l´adveniment del messies), pieza dirigida por Albert Arribas que estará en cartel del 6 al 16 julio. Davide Carnevali, dramaturgo italiano afincado en Barcelona y con una amplia trayectoria internacional, galardonado en su país con el premio nacional de nueva dramaturgia, ha aceptado el encargo del TNC de enfrentarse a la fuerza rompedora del ‘Teorema’ pasoliniano con la voluntad de cuestionar la auténtica capacidad política —transformadora— del gesto artístico y la renovación de los códigos lingüísticos. Carnevali ha reabierto la obra y la ha puesto en contacto con sus fuentes, las escrituras sacras, procurando instaurar a la vez un nuevo diálogo con la contemporaneidad. Esto no significa que la obra hable una lengua sencilla, al contrario: se trata de polemizar con la estética y el lenguaje de hoy, tal como quería Pasolini para su ‘Teorema’ hace cincuenta años.

Nacho Peña

Man Ray

Cuatro corazones con freno y marcha atrás

La compañía valenciana Taiat Dansa estrena un espectáculo de gran formato sobre el autor estadounidense. Se trata de una coproducción que realiza junto con el Festival Grec 2017, Institut Valencià de Cultura, Ballet de la Generalitat y Sagunt a Escena 2017. La pieza, con un elenco formado por nueve bailarines, está dirigida por Meritxell Barberá e Inma García. Ambas creadoras se sienten en esta ocasión interesadas en el tratamiento de la mujer en la obra de Man Ray, y por ende de otros artistas de su tiempo, y en el uso de la fémina a veces como modelo de inspiración y otras como un simple objeto. El “Man Ray” de Taiat Dansa encierra muchas figuras en sí, algunas sobradamente conocidas por el público en general y otras mucho menos difundidas.

El montaje se presentará los días 13 y 14 de julio en el Sant Andreu Teatre de Barcelona dentro de la programación del Grec. Y posteriormente se podrá ver el día 23 de julio en Sagunt a Escena.

Gabriel Olivares dirige un nuevo espectáculo con su compañía TeatroLab Madrid: la comedia ‘Cuatro corazones con freno y marcha atrás’ de Enrique Jardiel Poncela, que estará en cartel del 5 de julio al 2 de septiembre en el Teatro Galileo de Madrid. En la misma, el público tendrá la oportunidad de conocer a Emiliano, un cartero que lleva todo el día esperando a que le firmen una carta certificada enviada al joven Ricardo. Misión imposible: la casa se encuentra inmersa en un lío descomunal, y todo por culpa de la herencia de un extravagante tío; el arruinado Ricardo solo podrá cobrarla al cabo de 60 años. Un drama. Pero el doctor Bremón tiene la solución: científico revolucionario, acaba de descubrir la fórmula de la eterna juventud. Él mismo, su prometida Hortensia y la pareja formada por Ricardo y Valentina, van a disfrutar, eternamente, de la fortuna del tío. Y no solo ellos, también el cartero Emiliano, quien ha descubierto el secreto y está más que dispuesto a participar en él.

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FESTIVALES

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XXXIV Festival de Almada

Almada nos permite disfrutar del mejor teatro europeo Se podrán ver espectáculos de Pippo Delbono, Tiago Rodrigues, Juni Dhar y Christoph Marthaler, entre otros

Fabienne Rappenan

Oameni Adi Bulboaca FOTOGRAFÍAS

‘Gente comum’ ‘Bigre-meló burlesque’ ‘Moeder’

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el 4 al 18 de julio tendrá lugar en Almada la edición de 2017 de su legendario festival. Se podrán ver un total de cuarenta y cuatro actuaciones de teatro, danza, música y animación de calle en catorce espacios diferentes de Almada y Lisboa a cargo de grupos y compañías procedentes de Francia, Rumania, España, Bélgica, Suiza, Argentina, Italia, Israel o Noruega, además de los creadores portugueses.

Este año se homenajea al escenógrafo y figurinista António Lagarto.

El espectáculo inaugural será ‘Bigremeló burlesque’ del autor, actor y director Pierre Guillois. El espectáculo de honor, elegido por votación popular la edición de 2016 es ‘Hedda Glaber’ de Ibsen, en versión y mon-

Herman Sorgloos

taje de la noruega Juni Dhar. Tiago Rodriguez escribe y dirige ‘Bovary’ una coproducción del parisino Theâtre de Chaillot y el lisboeta Teatro Nacional D. Maria II, del que es director.

Dos espectáculos belgas. Raoul Colectif presentará ‘Rumeur et petits jours’, una creación colectiva, al igual que ‘Moeder’, con dirección de Gabrila Carrizo a cargo del grupo Peeping Tom (Bélgica).

De Argentina se podrán ver los espectáculos ‘Svaboda’, texto y dirección de Bernardo Cappa; ‘Descenso’, creación colectiva dirigida por Jorge Eiro; y ‘Diário de uma assistente de sala’ de Mariano Clemente, con dirección de Gonzalo Facundo López. ‘Ricardo III está prohibido’ de Matej Visniec, dirección de Razvan Muresan con Teatro Nacional de Cluj-Napoca, y ‘Gente comum’ de Gianina Carbunariu por el Teatro Nacional de Sibiu, son las obras rumanas.

‘Golem’ de Suzanne Andrade por la compañía 1927 llegará de Inglaterra. ‘Neverland’, una coreografía de Tamir Ginz para la Kamea Dance Company, es la representación de Israel.

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FESTIVALES

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A. Piemme

FOTOGRAFÍA

‘Rumeur et petits jours’

Estará ‘Vangelo’ de Pippo Delbono, por la italiana Emilia Romagna Teatro Fondazione. De Suiza llega ‘Une île flotante’ a partir de Eugène Labiche, dirigido por Christoph Marthaler de Théâtre de Vidy-Lausanne.

La compañía gallega Voadora presenta ‘Sonho de uma noite de Verão’, a partir de Shakespeare, dramaturgia del chileno Marco Layera, y dirección de Marta Pazos.

De Portugal se podrá ver: ‘Ela diz’ de Carlos J. Pessoa de Teatro da Garagem; ‘Operários’ de Miguel Moreira e Romeu Runa, Útero; ‘História do cerco de Lisboa’, a partir de José Saramago, dramaturgia de José Gabriel Antuñano, dirección de Ignacio García, co-producción de Companhia de Teatro de Almada, Companhia de Teatro de Braga, A Companhia de Teatro do Algarve y Teatro dos Aloés; ‘Moçambique’ de Jorge Andrade por Mala Voadora; ‘A perna esquerda de Tchaicovski’ de Tiago Rodrigues, Companhia Nacional de Bailado; ‘Topografia’, creación colectiva del Teatro da Cidade; ‘Karl Valentin Kabarett’ de Karl Valentin, dirección de Ricardo Neves-Neves para Teatro do Eléctrico; el Espectáculo final da Escola Superior de Teatro e Cinema, con dirección de John Romão; ‘Por nascer uma puta não acaba a Primavera’, a partir de Gabriel García Marquez, dirección de Alexandre Tavares e Anouschka Freitas; ‘Cânticos de barbearia’ de Carlos Tê, dirección de Luísa Pinto, Narrativensaio; y ‘A morte do príncipe’, a partir de Fernando Pessoa, Heiner Müller y William Shakespeare, con dirección de Ricardo Boléo. — – 19 –

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FESTIVALES

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XXXII Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami

Ocho piezas de ocho países en los escenarios de Miami La actriz mexicana Julieta Egurrola recibirá el premio a Una Vida de dedicación a las Artes Escénicas

‘Tres viejos mares’

Bienal de Arte Joven los monstruos

Ganadora de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires

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l Festival Internacional de Teatro Hispano (FITH) de Miami celebrará su 32ª edición del 6 al 23 de julio en diversos locales del condado de MiamiDade. Organizado por Teatro Avante, Adrienne Arsht Center for the Performing Arts y Miami-Dade County, presenta una programación formada por ocho espectáculos de compañías procedentes de ocho países: Argentina, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Honduras, México y Portugal. Las obras se representarán en español, algunas con supertítulos en inglés. Gracias al Programa Educativo del Festival, se realizarán coloquios después de cada estreno. Además, tendrá lugar una celebración por el Día Internacional del Niño.

‘Piedras preciosas’

Renao Figueroa

Al fin y al cabo

Escrita y dirigida por Adrián Vázquez, la cita se inaugurará con ‘Algo de un tal Shakespeare’, una invitación de Los Tristes Tigres de México a jugar sobre la escena, a ser irreverente. Se trata un divertimento creado a partir de improvisaciones sobre la literatura de Shakespeare, un recorrido lúdico por algunas de las obras del escritor inglés. La pieza busca acercar a niños y jóvenes al teatro isabelino.

Desde Argentina llega la propuesta ‘Todo lo que está a mi lado’ de Fernando Rubio, una intervención urbana realizada con actrices de cada lugar donde se representa. La obra nace después de un sueño, con el recuerdo olvidado de una historia de la infancia, una historia alojada en algún lugar de la mente y el cuerpo durante 25 años.

Al fin y al cabo (Málaga, España) llevará a escena ‘Piedras preciosas’ de Pablo Díaz, dirigida por Andrea Chacón Álvarez y Raúl Mancilla. Durante la década de los 60, Jean Cocteau pasó varios años en Marbella disfrutando sus playas y su agitada vida social. La obra propone imaginar la relación entre Cocteau y Manuel, un joven bailaor flamenco, desplegando su aprendizaje mutuo y el especial cariño que

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FESTIVALES

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Gerardo Sanz NIDOS

Premio al mejor espectáculo para la primera Infancia en FETEN 2014

‘Edipo’

Filipe Dámaso

se profesaron el uno al otro. Esta anécdota sirve de marco para tratar temas como la diversidad sexual o la dificultad de aceptación social para los homosexuales.

El público también podrá disfrutar de ‘Edipo’ de la portuguesa Companhia do Chapitô, una creación colectiva a partir del clásico de Sófocles dirigida por José Carlos García.

Esta terrible historia se cuenta desde la hilaridad absoluta.

La argentina Compañía Criolla representará ‘Los monstruos’, montaje escrito y dirigido por Emiliano Dionisi. En la obra, Claudio y Sandra saben que sus hijos tienen cualidades únicas que los separan de la media. Son especiales. ¿O no es así? La pieza resultó ganadora de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y recibió múltiples distinciones.

Otra obra muy premiada, dirigida a un público infantil y familiar, es la española ‘Nidos’ de los vallisoletanos Teloncillo Teatro. Escrito y dirigido por Ana Gallego y Ángel Sánchez, se trata de un espectáculo-árbol cargado de objetos y magia. Entre otros, fue galardonado con el Premio al mejor espectáculo para la primera Infancia en FETEN 2014.

Los anfitriones Teatro Avante presentarán ‘Notas que saben a olvido’ de Araceli Mariel Arreche, dirigida por Mario Ernesto Sánchez. La obra, de la cual se da cumplida información en la sección de Estrenos de este número, indaga en la compleja realidad de aquellos que conviven con el síndrome de Alzheimer.

Por último, Escena Norte (El Salvador), Grupo Teatral Bambú (Honduras) y Rayuela Teatro (Guatemala) llevarán a cabo ‘Tres viejos mares’ de Arístides Vargas, dirigida por el propio autor y Charo Francés. Tres ancianos se reúnen frente al mar a dialogar sobre el ocaso de sus vidas. La obra gira en torno a la memoria, y conjuga el humor, la ternura, la desesperación y la inocencia de unos personajes que tratan de reconstruirse a sí mismos. — – 21 –

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XL Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro

Público y artistas, protagonistas de una edición de aniversario Más de cien representaciones para ofrecer visiones muy variadas de los grandes clásicos del Teatro

C

Fotografía de ‘El divino Narciso’

on el lema “Respira Festival”, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro celebra su 40 edición del 6 al 30 de julio. La cita dará comienzo con la entrega del Premio Corral de Comedias a José Sacristán en reconocimiento “a su calidad humana y actoral, su dedicación y su vocación”, para dar paso a las más de 100 representaciones –25 de ellas estrenos– que pondrán en escena 50 compañías, una programación que se convierte en la más internacional del festival con la presencia de creaciones llegadas de 13 países diferentes. Además, esta es una edición especial que quiere rendir homenaje al público y a las actrices y actores que han pasado por los escenarios de Almagro, moti-

vo principal del espectáculo inaugural ‘Clásicos en escena’, un homenaje a 40 actores y actrices que han dado vida a los personajes más representativos del Siglo de Oro, o la exposición ‘El Festival y yo’, que recoge las fotografías realizadas por el público a lo largo de estos años.

Entre los estrenos de esta edición encontramos ‘La dama duende’ de Calderón, dirigida por Helena Pimenta a cargo de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, o la versión que los mexicanos Los Colochos han realizado de ‘Romeo y Julieta’. La Joven Compañía de Teatro Clásico pondrá en escena ‘Fuente Ovejuna’ con dirección de Javier Hernández Simón. ‘Las verdaderas aventuras de Don Quijote de la Mancha’ es una coproducción del Festival Grec y el Festival de Almagro, y coproducción es también ‘Sueños’ a partir de ‘Los sueños’ de Quevedo a cargo de la CNTC, La Llave Maestra y Traspasos Kultur.

‘El divino Narciso’, auto sacramental de Sor Juana Inés de la Cruz de los mexicanos Teatro de la Rendija, la comedia musical ‘La Calderona’ dirigida por David Ottone, la comedia de enredo ‘Don Gil de las calzas verdes’ de Tirso de Molina

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Jordi Pla

dirigida por Hugo Nieto, y ‘El rufián dichoso’ de Fundación Siglo de Oro, son otros de los montajes con los que disfrutar esta edición. También tiene su lugar Azorín con ‘La Ruta del Quijote’, con dirección de Eduardo Vasco de Noviembre Compañía de Teatro, y ‘La vida es sueño [vv. 105-106]’, en esta ocasión bajo la dirección de Carles Alfaro coproducida por Teatros del Canal y Moma Teatre. Llegan a Almagro a su vez las coproducciones realizadas por Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía de las versiones de dos obras de Shakespeare, ‘La ternura’ y ‘Sueño’, dirigidas por Alfredo Sanzol y Andrés Lima, respectivamente.

Destaca a su vez la particular versión en clave de clown y cabaret que de ‘Sueño de una noche de verano’ presentan el Teatro Nacional Alemán y la Orquesta Estatal de Weimar.

Otro Shakespeare, ‘Julio César’, de la mano de Hungarian Theatre of Cluj. También se podrán ver unipersonales como ‘El Lazarillo’ de El Brujo, el humor de ‘El lindo Don Diego’ a cargo de Morboria o ‘Los enredos de Scapin’ de Molière de The Jerusalem Khan Theatre, además de una nueva versión de ‘La vida es sueño’ de Teatro del Temple. ‘MÛ’ de la compañía francesa Transe Express será la encargada de cerrar el festival, un gran espectáculo aéreo que invita a una inmersión entre el cielo y la tierra.

Tampoco podían faltar este año nuevas ediciones de los certámenes Almagro OFF y Barroco Infantil y de la programación nocturna After Classics. La primera mantiene su

Fotografías de ‘La vida es sueño [vv. 105-106]’

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apuesta por la creación joven y la mirada contemporánea a los clásicos. De las más de 100 propuestas recibidas se han seleccionado 10, que se pondrán en escena un año más en el espacio de La Veleta, mientras que un jurado experto seleccionará la ganadora. Entre ellas, ‘El monstruo de los jardines’ de Calderón de la Barca dirigida por el actor David Lorente y con versión de Juan Mayorga, varios Shakespeare, ‘Yellow Macbet’, dirigida por Asun Alonso, ‘Romeo y Julieta’, por Marc Chornet, ‘Pericles’ a cargo de Pilar Valenciano, o ‘Aparece un corazón en un descampado’, basada en la obra ‘Lástima que sea una puta’ de John Ford, dirigida por Itxaso Larrinaga. Para el Certamen Internacional Barroco Infantil se han seleccionado 6 montajes de los 75 recibidos, y la sección After Clasics ofrece la posibilidad de disfrutar de los clásicos de madrugada; tres montajes que se pondrán en escena los fines de semana en el Patio de los Fúcares. —

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XVIII Festival de Teatro de Olite

Autores contemporáneos revisan los clásicos en Olite El nuevo director artístico, Luis F. Jiménez, propone piezas de teatro, flamenco, poesía y músicas del mundo

Marcos Cebrián

FOTOGRAFÍAS

‘La vida es sueño’ ‘Medida por Medida’ ‘Iliria’

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l fundador y director del Festival Don Quijote de París, Luis F. Jiménez, se estrena en la dirección artística del Festival de Teatro de Olite con una premisa: partamos de los clásicos para hablar de nuestro tiempo. «Tomando esta máxima como referencia, deseo que la programación del festival de Olite, en esta edición 2017, transporte al público a la escucha y a escucharse. Considero el teatro como el arte de contar y el arte de escuchar, quiero, en estos tiempos borrascosos y plenos de incertidumbres, que se cuenten hermosas historias que le hablen al corazón y al alma del público.

Que la palabra, la música y los cuerpos de los actores y actrices colmen todos los espacios y rincones del pueblo, que se abran sus casas y ventanas, y como dice

García Lorca en la voz de María Josefa, la madre de Bernarda Alba, “yo quiero campo. Yo quiero casas, pero casas abiertas… y los hombres fuera sentados en sus sillas”».

La programación del festival, que se desarrollará del 21 de julio al 5 de agosto, presenta varias propuestas en las que destacados autores contemporáneos ofrecerán su visión de los grandes clásicos. Así, Cervantes llegará de la mano de Alberto Conejero en ‘Rinconete y Cortadillo’, pieza dirigida por Salva Bolta e interpretada por la compañía SeXpeare; Lope de Vega estará presente gracias a Laila Ripoll en ‘La judía de Toledo’, producción de CNTC-Micomicón-A Priori; y con Antonio Álamo llegará ‘Fuenteovejuna’ (AtalayaTNT), creación dirigida por Pepa Gamboa con mujeres del barrio sevillano El Vacie, poblado chabolista más grande y más antiguo de Europa. Y no podía faltar William Shakespeare, que tendrá su espacio con ‘La Ternura’ de Alfredo Sanzol y ‘Sueño’ de Andres Lima, ambas producciones de Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía, además de la pieza ‘Iliria’ de Denise Despeyroux, una red social de contactos, donde los perfiles virtuales se corresponden con los

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personajes que Shakespeare creó en ‘Noche de reyes’. También se podrá disfrutar de nuevas adaptaciones de la mano de directores con larga trayectoria como Carlos Martín, que mostrará ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca, interpretada por Teatro del Temple. José Padilla, por su parte, estará en Olite con su ‘Medida por Medida’ de Shakespeare, cerrando el ciclo de residencia de la compañía navarra InExtremis Teatro en la pasada edición del festival.

Versarán sobre la mujer, además de la mencionada ‘Fuenteovejuna’, la obra ‘Juana la reina que no quiso reinar’ de Jesús Carazo, texto inspirado en “Juana la loca” que interpretan Gema Matarranz y Enrique Torres para Histrión Teatro; y ‘Nacida sombra’, creación de Rafaela Carrasco que supone un encuentro del baile flamenco con las grandes creadoras del Siglo de Oro en España: Teresa de Jesús, María de Zayas, María Calderón y sor Juana Inés de la Cruz, todo ello con la dramaturgia de Álvaro Tato y la voz en off de Blanca Portillo. ‘Rosaura’, obra de Teatro Inverso interpretada por Paula Rodríguez y Sandra Arpason, está inspirada en ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca. “Contamos lo que en ella acontece desde el punto de vista del personaje de Rosaura”, afirman las actrices. Y la soprano Raquel Andueza y el actor Ángel García Moneo son los protagonistas de ‘Cuando el amor habla, el corazón canta’ de Producciones Maestras, un espectáculo en el que la poesía y la música barroca se dan la mano.

FOTOGRAFÍAS

‘Sueño’ ‘Juana la reina que no quiso reinar’ ‘Rinconete y Cortadillo’

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El apartado internacional estará formado por la portuguesa Companhia do Chapitô y su singular lectura de ‘Macbeth’ y el grupo Gabacho Maroc y sus músicas del mundo, a cargo de músicos occidentales y músicos tradicionales del Norte de África.

En diferentes puntos de Olite y por compañías navarras, se ha programado un ciclo de textos poéticos que Luis F. Jiménez califica como “Propuestas poéticas de proyectos escénicos”, desde la búsqueda de textos de autores, poetas clásicos y la tradición popular, utilizando la música y la narración, para crear un diálogo entre artistas y paseantes. Formación y encuentros destacan entre el resto de las actividades que completarán el programa de esta edición en la que “autores y autoras clásicos y contemporáneos, teatro de integración social, personajes históricos, flamenco, poesía y músicas del mundo serán las herramientas artísticas y estéticas para atraer nuevos públicos al festival”, finaliza Jiménez. —

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XII Olmedo Clásico

Olmedo: un clásico Doce propuestas en la Villa del Caballero

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a 12ª edición del Festival Olmedo Clásico ofrecerá doce espectáculos del 14 al 23 de julio, seleccionados en base a la calidad y la variedad. “Hemos querido que las obras dieran cuenta de la diversidad de autores, géneros, épocas y territorios que abarca el teatro clásico; así como de las distintas posibilidades dramatúrgicas y estéticas con que se pueden abordar por parte de las compañías profesionales”, afirman.

Cervantes, Lope de Vega y Calderón de la Barca serán los autores más representados, con tres piezas cada uno de ellos. Sobre el primero, la Fundación Siglo de Oro representará ‘El rufián dichoso’, versión de José Padilla dirigida por Rodrigo Arribas. En la sección “Olmedo Clásico en familia”, Azar Teatro llevará a cabo ‘Sancho en Barataria’, con versión y dirección de Javier Esteban Labarca. Y ‘Barataria’ es una propuesta basada en textos de Cervantes que interpretará Teatro Corsario, en versión y dirección de Luis Miguel García.

En cuanto a Lope de Vega, la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico presentará ‘Fuente Ovejuna’, obra dirigida por Javier Hernández-Simón que cuenta con la versión de Alberto Conejero. Y una coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico / Micomicón / A Priori es ‘La judía de Toledo’, de cuya versión y dirección se ha encargado Laila Ripoll. Dentro de la sección “De aperitivo un clásico”, Alas Tablas Teatro y Pablo Gómez Pando proponen su versión de ‘El perro del hortelano’.

Las palabras de Calderón estarán representadas por otras tres compañías. Teatro del Temple llevará a escena ‘La vida es sueño’ en versión de Alfonso Plou y con la dirección de Carlos Martín. ‘Eco y Narciso’ es un espectáculo de Miseria y Hambre Producciones que versiona Elena María Sánchez y dirige David Martínez. Y por primera vez en el Estado se podrá ver ‘La hija del aire’ de la Compañía Nacional de Teatro de México. Se trata de una versión de José Gabriel López Antuñano dirigida por Ignacio García.

Tampoco faltará un texto de William Shakespeare, que en esta ocasión será el ‘Hamlet’ realizado por Teatro Clásico de Sevilla, en versión y dirección de Alfonso Zurro. Rafael Álvarez “El Brujo”, por su parte, llegará a Olmedo para interpretar ‘La luz oscura de la fe’, montaje basado en textos de – 26 –

San Juan de la Cruz. También habrá oportunidad de ver un espectáculo de Agustín Moreto, que el próximo año celebrará el IV Centenario de su nacimiento. Se trata de ‘El lindo don Diego’ por Morboria Teatro, en versión y dirección de Eva del Palacio. Y un recital homenaje a José Zorrilla es ‘Palabra de Don Juan’, donde se rememorarán las palabras más reveladoras de la condición del personaje en las sucesivas reencarnaciones teatrales de Don Juan.

Además de los espectáculos, tendrán lugar las XII Jornadas sobre Teatro Clásico bajo el lema “Un teatro clásico de cine” y el XII Curso de Análisis e Interpretación para Actores “Fernando Urdiales”, a partir de escenas de ‘El perro del hortelano’ de Lope de Vega y ‘La verdad sospechosa’ de Ruiz de Alarcón. Completan el programa sesiones para comentar las obras, recitales y una exposición fotográfica a cargo de Pio Baruque Fotógrafos. —

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‘La vida es sueño’ de Teatro del Temple

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Marcos Cebrián

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XXXIII Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla

Cultura andaluza y clásicos se funden en la magia del castillo

Curro Casillas Fotografía

‘Quejío’ de La Cuadra de Sevilla

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el 8 de julio al 19 de agosto se celebra la 33 edición del Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla, que se inaugura con la puesta en escena de ‘Sueño’, una comedia muy trágica para la que su autor y director, Andrés Lima, se ha inspirado en el universo de las comedias de William Shakespeare. Esta coproducción de Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía tiene como punto de partida una tragedia personal, la muerte de su padre, y pone en escena la historia de un hombre que, conforme se acerca a la muerte, va teniendo más y más deseos de vivir y amar. “En nuestro proceso de investigación hemos partido de la fórmula matemática Tragedia + Tiempo = Comedia para poder sonreír con el recuerdo de la muerte de un ser querido… Para poder hacerlo necesitamos

perspectiva del tiempo”, explica Lima.

El 15 de julio llega ‘La judía de Toledo’ de Lope de Vega, espectáculo coproducido por la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Micomicón y A Priori con versión y dirección de Laila Ripoll. Y es que Micomicón inició su andadura hace 25 años con otra obra de Lope, ‘Los melindres de Belisa’, y celebra esta efeméride con una obra del mismo autor, “pero esta vez toca tragedia porque estamos para pocas bromas”, afirman, para añadir que este “es un texto complejo, como complejo queremos que sea el espectáculo, como complejo es el momento que estamos viviendo, como compleja es la situación que nos rodea”.

Otro clásico, Calderón de la Barc,a es el autor de ‘La hija del aire’, obra de la mexicana Compañía Nacional de Teatro que se presenta en Niebla el día 22 en una adaptación firmada por José Gabriel López Antuñano. “Un drama político y mitológico situado en un tiempo histórico lejano que se hunde en la noche de los tiempos”, explica su director, Ignacio García, para añadir que “la leyenda de Semíramis y su corte puede ser cualquier reino totalitario y personalista, cualquier régimen absolutista en el que el acaparamiento del poder conduce a una sociedad hacia su destrucción”.

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Sergio Carreón Ireta

marcosGpunto

FOTOGRAFÍAs

‘La hija del aire’ ‘La judía de Toledo’

La danza estará presente en Niebla de la mano del Ballet Flamenco de Andalucía, que pondrá en escena el día 29 ‘Aquel Silverio’, proyecto que toma su título de los primeros versos del ‘Retrato de Silverio Fanconetti’ que incluyó Federico García Lorca en su ‘Poema del Cante Jondo’, un montaje coreográfico, musical y flamenco sobre la figura, aportación, labor y repertorio de Franconetti.

Agosto comienza el día 5 con el espectáculo seleccionado por los socios de Niebla 2.0, que no es otro que ‘El lindo don Diego’ de Agustín de Moreto en una puesta en escena de Morboria Teatro, dirigida por Eva del Palacio.

De Sevilla llegan las intérpretes de la versión que Antonio Álamo (dramaturgia) y Pepa Gamboa (dirección) han llevado a cabo de ‘Fuente Ovejuna’ de Lope de Vega. Y es que las intérpretes gitanas del barrio sevillano vuelven a los escenarios como ya lo hicieron con la también particular versión de ‘La casa de Bernarda Alba’ en esta producción de TNT - El Vacie.

Clausura esta edición el día 19 La Cuadra de Sevilla con ‘Quejío’, espectáculo que se estrenó en 1972 y que vuelve a llevar a los escenarios para “volver a plantarles cara a la incertidumbre, a la sombra de la pobreza, a las desigualdades y sobre todo al olvido del compromiso cultural de Andalucía como Nación”, afirma su director, Salvador Távora.

El festival se completa con el programa Atr3vete, compuesto por espectáculos de calle como ‘Tanque Gurugú’ de Asaco Producciones, el montaje de danza ‘Meeting Point’ de Ertza Dantza, ‘Hambre’ de La líquida, ‘Do not disturb’ de Vaivén Circo, ‘Rojo estándar’ de Lanórdika o ‘Frida Khalo’ de Iris Teatro. — – 29 –

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MISCELÁNEA

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Festival de Teatro Clásico de Mérida

Festival de Teatro Clásico de Alcántara

El Teatro Romano de Mérida vuelve a ser el epicentro en la 63 edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida, que se celebra del 5 de julio al 27 de agosto. Inaugura esta edición ‘La Orestíada’ de Esquilo en versión del poeta y dramaturgo Luis García Montero y con dirección de José Carlos Plaza. Le seguirá ‘Calígula’ de Albert Camus, adaptada y dirigida por Mario Gas, que dará paso a ‘Troyanas’ de Eurípides en versión de Alberto Conejero y dirección de Carme Portaceli.

Estarán además, una obra de Antonio Gala, ‘Séneca’, dirigida por Emilio Hernández, y ‘La bella Helena’ de Jacques Offenbach en versión de Miguel Murillo y Ricard Reguant.

Pep Antón Gómez y Sergi Pomermayer han realizado una versión tendente a la carcajada de ‘La comedia de las mentiras’ de Plauto y 0viriato, obra inédita del autor Florián Recio que cerrará esta edición que incluye la programación off y las extensiones en teatros de Madrid, Medellín y Regina. Y se une la antigua ciudad romana de Cáparra, en Cáceres.

El festival de Teatro Clásico de Alcántara celebra su 33 edición del 2 al 8 de agosto y el Conventual de San Benito vuelve a ser su escenario principal. Inaugura esta edición uno de los personajes más célebres de la literatura universal, ‘Hamlet’ de William Shakespeare con dramaturgia y dirección de Alfonso Zurro en una propuesta de Teatro Clásico de Sevilla.

Otro grande llega a Alcántara en forma de monólogo, ‘Misterios del Quijote’ de la mano de Rafael Álvarez “El Brujo”.

Personaje entre personajes es también el protagonista de ‘Don Juan Tenorio’ de José Zorrilla, en una adaptación de Miguel Murillo que bajo la dirección de Pedro A. Penco pone en escena De Amarillo Producciones. El célebre autor es protagonista de ‘Cervantina’ de Ron Lalá y en su obra se ha basado Alberto Iglesias para escribir ‘El hermano Sancho’ de Laurentzi Producciones. ‘Fuente Ovejuna’ de TNT-El Vacie y ‘Eco y Narciso’ de Calderón en versión de Elena Sánchez y dirección de David Martínez completan la programación.

Luis Castilla

Clásicos en Alcalá

Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola

El 15 de junio dio comienzo la décima séptima edición del festival Clásicos en Alcalá bajo el lema ‘Alma de mal’, una nueva edición que se presenta con la propuesta de revivir a los clásicos y su legado a través de una mirada contemporánea cargada de futuro. Hasta el 9 de julio se podrá disfrutar en Alcalá de Henares de un total de 31 espectáculos que pondrán en escena 30 compañías. En la programación correspondiente al mes de julio caben destacar varios estrenos como ‘Santa Juana de la Cruz’, con dramaturgia y dirección de Ana Contreras, ‘Pericles’ de La Sed Teatro y ‘El clásico orden de las cosas’ de Juan Ayala y Annie Lok. En la parte final del festival se podrá disfrutar también con las coproducciones como la de Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía, ‘La ternura’ de Alfredo Sanzol y ‘Sueño’ de Andrés Lima, o la también coproducción de Micomicón y la CNTC ‘La judía de Toledo’ con versión y dirección de Laila Ripoll, y ‘Please Continue, Hamlet’ de Roger Bernat.

Del 6 al 30 de julio se celebra la 20 edición del Festival de Teatro Clásico de Peñíscola con ocho espectáculos en el Castillo del Papa Luna. Así, darán comienzo con un shakespeare, ‘Otelo’, a cargo de la Compañía Clásicos Contemporáneos. ‘Don Quijote en la patera’ es una obra de Alfonso Zurro que ha llevado a escena Teatro Clásico de Sevilla, y de allí son también las intérpretes de ‘Fuente Ovejuna’ de TNT - El Vacie. Gustavo Funes dirige ‘El perro del Hortelano’ de Lope de Vega en una puesta en escena de la compañía El perro andalook, e Hiperbólicas Producciones se basa en obras de varios autores en su ‘Jácara de pícaros’. La Bottega Teatrale presenta ‘La fame di arlecchino’, obra escrita y dirigida por Giuseppe Cardascio, y Compañía Comedia de los Enredos pondrá en escena su obra homónima. Completa esta edición ‘Cyrano de Bergerac’ de La Nariz de Cyrano y los espectáculos que Amarillo Prod. y Teatro Avanti pondrán en escena en las calles del casco antiguo.

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XXIII Encuentro Internacional de Artistas Callejeros - ARCA

Encuentro con las artes de calle en Aguilar de Campoo

‘Yee-haw!’

‘Suhde’

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lrededor de una docena de compañías venidas de diversos puntos de Europa y África se darán cita en la presente edición de ARCA, Encuentro Internacional de Artistas Callejeros de Aguilar de Campoo. A lo largo de tres jornadas, del 18 al 20 de agosto, la Plaza de España, los espacios al aire libre concentrados en la Isla San Roque, el Patio La Compasión y la Puerta Barbacana acogerán las propuestas previstas.

Adrian Schvarzstein será quien dé el pistoletazo de salida a la programación. En la segunda y tercera jornada, se podrá disfrutar también del personal estilo de este artista circense, clown, actor y director, con las propuestas itinerantes ‘Arrive’, ‘Dans’ y ‘La cama’.

El carácter internacional de ARCA propicia el encuentro de compañías

y artistas de numerosos países, como los daneses Brunette Bros Circus, que presentan un peculiar teatro humorístico de títeres en ‘The greatest and second smallest circus in the world’. La compañía italiana Bubble on circus muestra en ‘Soplido mágico’ la magia de las pompas de jabón. Por su parte, los finlandeses Kate & Pasi escenificarán ‘Suhde’, equilibrios imposibles para reflexionar sobre la relación entre un hombre y una mujer. Tras su primera experiencia en el 2015, la compañía etíope Fekat Circus vuelve a ARCA con ‘The rise of the full moon’, un espectáculo circense impactante y de gran fuerza.

También se podrá disfrutar con propuestas llegadas de Catalunya, como la compañía El Cruce con ‘Punto y coma’, en el que sus protagonistas propician un mundo fantástico donde los objetos toman vida, los movimientos hablan y – 32 –

‘A cal y canto’

las palabras vuelan, o con Passabaret y su ‘Tandarica circus’, montaje que sus integrantes describen como “retrobalkan-rock´n´roll circus”. Tampoco faltará a su cita en Aguilar de Campoo la emblemática compañía vasca Trapu Zaharra, que en esta ocasión presenta ‘A cal y canto’, donde se verá a un matrimonio al borde de los sesenta que malvive con su hijo, Koldo, que no ha trabajado jamás.

Desde Andalucía llega La Banda del otro con ‘Yee-haw!’, circo inspirado por el Country, el Ragtime y el Bluegrass. Zen del Sur, por su parte, presenta ‘Wake App!’, trabajo que mezcla circo y danza, donde reflexiona sobre el comportamiento social y su manera de relacionarse en los últimos años.

Por último, cabe destacar la propuesta ‘The crazy Mozart’, último trabajo del internacional clown Sebastian Guz, más conocido como Niño Costrini. —

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Al Carrer de Viladecans

MISCELÁNEA

Xevi Vilaregut

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Me vuelves Lorca

La 28 edición del Festival Al Carrer de Viladecans se celebra los días 30 de junio y 1 y 2 de julio con la participación de 37 compañías que pondrán en escena 38 espectáculos en casi un centenar de funciones. Entre las compañías participantes destaca la presencia internacional de compañías como Bilbobasso, Cie. Bakhus, Cie. Hors Surface y Luca & Tino.

Un año más el festival vuelve a ser lugar de encuentro de compañías catalanas como Psirc y su ‘Acrometria’, ‘Démodés’, espectáculo creado en colaboración por Cia. La Tai y Leandre, ‘Enfila SA’ de Cia. Estampades, la danza participativa de Quim Bigas con ‘Molar’, el conocido clown Toti Toronell con su delicado ‘Libél·lula’, o la nueva producción de El lado oscuro de las flores, ‘B U B B L E’. En esta edición, cabe destacar también la participación de 5 compañías del propio municipio: Cia. de dansa Anthurium, Street Style, Contacans, LeDanse Project y QuimBel-do.

En Laroles, localidad de la Alpujarra granadina, se celebra del 28 de julio al 12 de agosto la tercera edición del festival Me vuelves Lorca, un cita con la escena que pone a esta pequeña localidad del municipio de Nevada en el epicentro cultural de la zona. El festival dará comienzo con una personal versión de la obra universal obra de Lope de Vega ‘Fuente Ovejuna’ a cargo de TNT - El Vacie, interpretada por mujeres de etnia gitana del citado barrio sevillano. Le seguirá ‘El minuto del payaso’, monólogo de José Ramón Fernández interpretado por Luis Bermejo, todo un “tour de force” interpretativo por Teatro del Zurdo. La danza llega de la mano de la bailaora Belén Maya, que pondrá en escena ‘Romnia’, una pieza con la que explora la cultura gitana femenina. Finaliza la parte escénica con un espectáculo de improvisación ‘Jamming On Tour’ de Jamming Compañía. La música este año la llevan dos grandes: Jorge Pardo y Juan Perro.

Kaleka - Lekeitio

Pirineos Sur

Kaleka es el nombre del proceso por el cual, el Festival Internacional de Teatro de Calle de Lekeitio, desemboca en un “Acontecimiento de Cultura Contemporánea” y afronta su 28 edición (que tendrá lugar del 5 al 9 de julio) con diversas novedades. Dentro de la programación oficial se podrá disfrutar con 14 espectáculos como ‘Van’ de The Funes Troup, ‘Lapur minak’ de Cia. Tornado, ‘Tren geltokia’ de Zirika Zirkus, ‘Do not disturb’ de Vaivén Circo, ‘Open door’ de Pere Hosta, o con la danza de Marcos Vargas & Chloé Brûlé y su ‘Naufragio universal’, entre otros. La nueva sección denominada Scratch es una muestra de trabajos en proceso de creación que incluye la puesta en escena de seis montajes como ‘Karabana norte’ de Ehkie, ‘Martirio y Adela’ de Compañía Calor y ‘Tomando medidas’ de Teatro Reforma, entre otros. La también novedosa sección Kalekaz blai incluye trabajos de las secciones anteriores y ha tenido lugar durante el mes de junio.

El Festival Internacional de las Culturas Pirineos Sur se celebra del 13 al 27 de julio en La Lanuza y Sallent de Gállego, Huesca. Este festival es un evento musical que año tras año ha ido incluyendo nuevas propuestas. Para esta edición, incluye varios talleres (de circo, danza y percusión, entre otros) y una programación escénica en la que destacan los espectáculos circenses. ‘Cabaret Caminos Emergentes’ es un espectáculo enmarcado en el proyecto “De Mar a Mar – Pyrénées de cirque” y se conforma por varios números circenses integrados en forma de cabaret. D´Click pondrá en escena ‘Isla’ (día 19) y dará paso el día 23 a ‘TiraVol’ de Daraomaï. Completa la programación circense la compañía etíope Fekat Circus (día 27) con su ‘The rise of the moon’.

Todas las representaciones tendrán lugar en el Patio de las Antiguas Escuelas, mientras que en el polideportivo tendrá lugar el día 25 el espectáculo teatral ‘Mantero’ de Viridiana Producciones.

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Experimenta 17 Teatro - Encuentro Internacional de Grupos

Rosario tiene una nueva cita con los amantes del mejor teatro Ocho piezas escénicas destacan en la programación de este encuentro teatral promovido por El Rayo Misterioso

Ovidio Aldegunde

sarabela teatro

Cuenta con 6 Premios Compostela, 39 María Casares, 5 Fetén, 1 Celestina, 1 Premio Max, 7 Premios de Honra y el Premio de la Cultura otorgado por la Xunta de Galicia en 2017

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l Grupo Laboratorio de Teatro El Rayo Misterioso organiza del 7 al 13 de agosto la 17ª edición del Encuentro Internacional de Grupos en Rosario (Argentina), que reunirá a compañías e invitados de Argentina, Brasil, Canadá, Croacia, Eslovaquia, España, Italia y México. Se llevarán a cabo espectáculos, talleres, seminarios, charlasdebate, desmontajes teatrales y proyecciones, todo ello para promover el encuentro e intercambio entre grupos de teatro, participantes seminaristas, espectadores, directores y críticos teatrales llegados de diferentes lugares del mundo.

Los gallegos Sarabela Teatro representarán ‘Normas para saber vivir en la sociedad actual’ de Jean Luc Lagarce, una

sátira social, un divertimento irónico y una crítica feroz a una sociedad que, con sus normas e hipocresías, se aparta de los sentimientos humanos. Desde Sicilia Teatro Libero Palermo llegará con ‘Il Visconte Dimezzato’, una prueba de que la literatura nos permite hacer un viaje imaginario a territorios perdidos, a través del laberinto de la fantasía y la irrealidad. Pacun Peras The-A-Tro (Canadá) llevará a cabo su obra ‘La noche de los asesinos’, que cuenta la historia de dos hermanas y un hermano que atrapados en un orden establecido que los sofoca y no los deja ser, juegan un juego macabro: asesinar a sus padres. Completan la programación cuatro grupos argentinos. Colectivo Ficción Física interpretará ‘Cinco. Ficción física’, una obra sobre el cuerpo, la ficción y lo humano en su desmesura. Elenco Concertado Carne de Juguete hará lo propio con ‘Carne de Juguete’ y La Estación con ‘Máquina Schreber’. Por último, los anfitriones El Rayo Misterioso escenificarán dos espectáculos: ‘El fabuloso mundo de la tía Betty’ y ‘Dionisios aut’. Este año la Orden del Guerrero Teatral será entregada a Beno Mazzone, fundador del Teatro Libero Palermo. —

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XLVIII Festival de San Javier

Las artes llegan a San Javier La cita presenta 15 piezas de teatro, música y danza

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l Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier celebra su 48ª edición del 2 al 24 de agosto con una quincena de variadas propuestas.

La programación comenzará con el pasacalles ‘Metaworphosis’ de Ardalén Creaciones y Planta Baja Producciones, dirigido por Ana García. Inspiradas en las comedias de Shakespeare, el público podrá ver ‘La Ternura’ de Alfredo Sanzol y ‘Sueño’ de Andrés Lima (Teatro de La Abadía y Teatro de la Ciudad). ‘La comedia de las mentiras’, con dramaturgia de Pep Antón y Sergi Pomermayer, es la nueva coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos . Y una tragicomedia es ‘La cantante calva’ de Ionesco que dirige Luis Luque, por el Teatro Español y Pentación Espectáculos.

La tragedia llegará de la mano de Rovima Producciones, que presentará la obra ‘Troyanas’ de Eurípides en versión de Alberto Conejero, con dirección de Carme Portaceli. Y ‘Calígula’ de Albert Camus es una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Teatre Romea y Festival Grec, de cuya dramaturgia y dirección se ha encargado Mario Gas. El Grupo de Teatro de San Javier,

por su parte, representará ‘Donde hay agravios no hay celos’ de Francisco de Rojas Zorrilla, adaptada y dirigida por José Antonio Navas. La mítica compañía Els Joglars interpretará ‘Zenit’, montaje dirigido por Ramon Fontserè que centra su mirada en los medios de comunicación. Y un musical familiar es ‘Cenicienta’ de La Ratonera Teatro, un homenaje a las familias de cómicos ambulantes que hace muchos años viajaban de pueblo en pueblo. Y también habrá espacio para el teatro de calle, que en esta ocasión ofrecerá el espectáculo ‘Odisea´80’ de Nacho Vilar Producciones.

Una pieza de danza, teatro y competición es ‘Danzad malditos’, montaje que, con dirección de Alberto Velasco, se hizo con el Premio Max 2016 al espectáculo revelación. Y la compañía china TAO Dance Theater llevará a cabo sus coreografías 6 y 7. Se trata de una formación que apuesta por una danza minimalista y se centra en la exploración del cuerpo humano como elemento visual desprovisto de narración o de representación.

Por último, las propuestas musicales incluyen a Pitingo y a Noa y Pasión Vega. — – 36 –

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‘Danzad malditos’

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Dominik Valvo

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XVIII Cena Contemporânea - Festival Internacional de Teatro de Brasília

La libertad como inspiración de la mayoría de los espectáculos FOTOGRAFÍAS

‘Black Off’ ‘A Moscou. Um palimpsesto’

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el 22 de agosto al 3 de septiembre se podrán ver un total de 23 espectáculos de cinco países, España, Francia, Colombia, Argentina y Sudáfrica, además de montajes de diversos estados brasileños y del Distrito Federal, para proponer una gran reflexión sobre la contemporaneidad, hablando dwe la libertad racial, de género y política.

La programación contiene trabajos de jóvenes creadores como la sudafricana Nando Cele y el español Rodrigo Cuesta, y también de directores consagrados y experimentados, como los brasileños Aderbal Freire-Filho, Grace Passô y Georgette Fadel.

El prejuicio racial está en el centro de los espectáculos ‘Black Off’ de Sudáfrica, donde la actriz y directora Nando Cele utiliza el humor ácido para hablar de los estereotipos ligados a la población negra. Y ‘Vaga Carne’ de Minas Gerais trae el talento de la actriz y directora minera Grace Passô, que se divide entre dos personajes: un cuerpo y una voz que se encarga de ese cuerpo, que plantean temas como el sentimiento de pertenencia y el prejuicio racial.

La intolerancia de género inspira dos trabajos: ‘Barro Rojo’ (Estado español), que recupera la historia real de un personaje que fue encarcelado en un campo de concentración y poste– 38 –

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riormente en una cárcel sólo por ser homosexual, y El ‘Evangelio según Jesús, Reina del Cielo’ de San Pablo, un texto muy polémico de la británica Jo Clifford, pues se cuenta que Jesús vuelve a la Tierra en la piel de una transexual, asumiendo la identidad de alguien una vez más renegado y crucificado.

Ecos de la dictadura militar brasileña son revisados en ‘Las Guerrillas o Para la Tierra No hay Desaparecidos’ con dirección de Georgette Fadell, historias de doce mujeres que fueron asesinadas durante la guerrilla de Araguaia, y ‘Dos Gotas de Lágrimas en un Frasco de Perfume’, escrito y dirigido por Sérgio Maggio, que presenta el relato de madres, hijas, esposas de desaparecidos políticos. Georgette Fadel además es protagonista como actriz en ‘Afinación I’, que, citando a Brecht, Hegel y Marx, recupera para la actualidad la figura y el pensamiento libertario de la filósofa y mística francesa Simone Weil.

Realidad fantástica y humor negro en espectáculos como el colombiano ‘Maratón de Nueva York’ de la compañía El Hormiguero Teatro, que provoca el diálogo entre realidad y ficción usando elementos cómicos para construir una historia casi metafísica en Maratón de Nueva York.

Y el argentino ‘Volver a Madryn’ trae a la escena el celebrado trabajo del autor y director Rodrigo Cuesta para hablar también de acontecimientos extraordinarios.

Y también habrá diálogo entre música y movimiento en el espectáculo franco-brasileño ‘Danza y Percusión’; el lenguaje infantil con el bello y premiado ‘Simbad, el Navegante’ del paulista Rodrigo Matheus, fundador de la compañía Circo Mínimo; la crítica a la violencia y el deseo de poder de ‘La Paz Perpetua’ de Juan Mayorga, traducido y dirigido por Aderbal Freire-Hijo; el contacto con las culturas latinoamericanas en ‘Hay Más Futuro que Pasado’, una muestra de genuino teatro-documento basado en testimonios reales sobre la alienación de la población brasileña con relación a sus hermanos de continente, y el trabajo de la Cia Casa Preta de Bahía con ‘Disidente’, que ofrece un verdadero retrato del cotidiano de muchas familias brasileñas.

Se mantiene el Festival Primer Mirador - Festival Internacional de Teatro para la Primera Infancia, realizado

‘Tsunami’

Diego Bresani

por la compañía brasileña La Casa Incierta. La programación tendrá lugar los sábados y domingos, en el Auditorio I del Museo Nacional de la República.

Las obras se presentarán en los principales escenarios del Distrito Federal. La programación se extenderá del Teatro Funarte Plínio Marcos a la red de teatros del SESC (en el Plan Piloto, en Ceilândia, Taguatinga y Gama), al Teatro da Caixa, Museo Nacional, además de llegar a espacios alternativos como Imaginario Cultural (Samambaia), Teatro Lieta de Ló (Planaltina), Parque Ojos de Agua, Plaza del Conjunto Nacional y Estructural. —

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XX Feria de Teatro de Castilla y León - Ciudad Rodrigo

El occidente peninsular, centro de las artes escénicas Protagonismo a las producciones de Castilla y León, Extremadura y Portugal en Ciudad Rodrigo

FOTOGRAFÍAS

‘El jardín musical’ ‘Herederos del ocaso’

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a Feria de Teatro de Castilla y León celebra su vigésima edición del 22 al 26 de agosto convirtiendo un año más a Ciudad Rodrigo en lugar de encuentro y mercado de las artes escénicas.

Organizada por la Junta de Castilla y León, en y con especial protagonismo de las producciones de Castilla y León, Extremadura y Portugal, las más de cuarenta representaciones que conforman el programa de este año se llevarán a cabo en quince espacios escénicos diferentes, aprovechando el marco monumental de Ciudad Rodrigo.

En la presente edición de la feria destacan los contenidos sociales de los espectáculos seleccionados con montajes que “introducen en su temática

cuestiones como la igualdad de oportunidades, el machismo, el acoso escolar, la corrupción, el desarraigo, la identidad sexual y la soledad de los mayores en un entorno cada vez más complejo”, destacan desde la organización. Muestra de todo esto es el espectáculo inaugural de este año, ‘Esta no es una historia de mujeres’, montaje con el que el Ballet Contemporáneo de Burgos celebra sus 25 años.

La danza también estará presente de manera “muy versátil” en los espectáculos ‘Deambulantes’ de La Imperdible, fundida con el circo en ‘Up2down’ de Traspediente y con el teatro en ‘Imagini’, montaje dirigido a la primera infancia a cargo de la compañía portuguesa Passos e Compassos.

Los espectáculos que se presentan por vez primera ante el público tienen un especial atractivo, sobre todo en el público profesional. Esta edición Ciudad Rodrigo será el escenario para los estrenos de ‘Genoma B’, fusión de flamenco y circo de la mano de Albadulake, una propuesta para espacios singulares de Viridiana Producciones, ‘Amor Oscuro (sonetos)’, el montaje de teatro infantil ‘Pum, Pum!’, que aborda la pederastia de los gallegos Baobab, ‘Las emprende-

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doras’ de la compañía burgalesa Las Pituister, y ‘La Mudanza’ de la compañía de Ignacio Andreu.

El protagonismo de las compañías del Occidente Peninsular vuelve a ser una de las señas de identidad de la Feria, que acoge catorce compañías de Castilla y León, entre las que se encuentran Nao d´amores con ‘Europa’, Teatro Corsario con ‘El Patio’, Teatro del Azar con ‘Sancho en Barataria’, o las últimas producciones de Títeres de María Parrato, ‘El viejo y el mar’, ‘El jardín musical’ de Teloncillo, –ambas Premio Nacional de Teatro– así como el nuevo espectáculo de teatro gestual para público infantil de Spasmo Teatro, ‘El mundo lirondo’.

Y también habrá lugar para compañías emergentes como Perigallo Teatro, que presenta su propuesta de teatro contemporáneo ‘Espacio Disponible’, La pequeña Victoria Cen con su espectáculo de nuevo circo ‘Gigante’, o Intrussión Teatro que muestra ‘Detrás de un gran hombre’.

La celebración de efemérides estará presente con ‘Cartas al Emperador’, una propuesta sobre Carlos V de Teatro del Navegante y con ‘Este no es otro estúpido espectáculo romántico’, un guiño a Zorrilla en su bicentenario a cargo de Valquiria Teatro.

Un año más, los espectáculos de sala para público adulto tendrán lugar en el Teatro Nuevo Fernando Arrabal y en el Espacio AFECIT, donde se pondrán en escena un Molière, ‘Tartufo’ de Venecia Teatro, ‘Shakespeare en Berlin’

©Quintas fotógrafos

FOTOGRAFÍAS

‘Tuberías ‘ ‘Imagini’ ‘Lunaticus Circus’

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de Arden Producciones o ‘Contra la democracia’ de Esteve Soler a cargo de Teatro del Noctámbulo. Desde Cataluña, dos propuestas de teatro visual, ‘Euphoni en clave de fa’ de L´anime visual y ‘Móbilus’ de Addaura.

El público infantil podrá disfrutar además con otras montajes como ‘La Calderona’, propuesta que combina el teatro clásico con el rap, o ‘Nada’ propuesta sobre el acoso escolar de Ultramarinos de Lucas.

También habrá lugar para las artes de calle con, entre otras propuestas, el estreno en calle de ‘Lunaticus Circus’ de Teatro Paraíso o el montaje de clown ‘Lullaby’ de los potugueses Godot, sin olvidar la programación nocturna donde los trabajos de impro toman protagonismo.

A su vez, cabe destacar el rico apartado de actividades paralelas tanto para profesionales como para el público que, un año más, hacen de Ciudad Rodrigo una fiesta ineludible de las artes escénicas. —

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MISCELÁNEA

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José Toro

MIT de Ribadavia

Christina Georgiadou

Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río La 34ª Feria de Teatro de Palma del Río (Córdoba) tendrá lugar del 4 al 7 de julio con una destacada selección de creaciones andaluzas, con propuestas de danza, teatro, circo, espectáculos para niños y niñas y teatro de calle. Entre las obras teatrales están: Atalaya Teatro con ‘Marat/Sade’, El Hangar con ‘Cómo amar al ministro de Cultura’, ‘Quejío’ de La Cuadra, ‘Ahora todo es noche’ de La Zaranda, ‘Garbancito en la barriga del buey’ de La Gotera de lazotea, ‘Lorca, la correspondencia secreta’ de Histrión Teatro, ‘La dama de trapos’ de Alas Circo-Teatro o ‘Flamencoclown’ de Laura Vital. En cuanto a la danza, se podrán ver 8 piezas: ‘Rojo estándar’ de LaNórdika, ‘Convoy’ de Horacio Macuácua, ‘El Paraíso de los necios’ de Fernando Hurtado, ‘Hay cuerpos que se olvidan’ de Dos proposiciones danza, ‘Wake App!’ de Zen del Sur, ‘La Gramática de los mamíferos’ de María del Mar Suárez La Chachi, ‘En vano’ de Danza Mobile/Incubo Teatro y ‘Akari’ de Da.Te Danza.

Bruno RascaO¯

La Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia celebra su 33ª edición del 15 al 24 de julio con un programa que apuesta por grandes maestros y nuevos creadores, hibridación de géneros escénicos, creación contemporánea a partir de la obra de Shakespeare, distintas disciplinas y la puesta en escena de Valle-Inclán en gallego con ‘A cabeza do Dragón’ de PT. Excéntricas. Montajes procedentes de Reino Unido, Grecia, Alemania, Francia, Portugal o Lituania convivirán con estrenos, coproducciones y funciones (especiales) gallegas y del resto del Estado. Entre otros, se podrán ver: ‘La Ternura’ de Sanzol, ‘Sueño’ de Lima, ‘Sueño de una noche de verano’ de Voadora, ‘Clean City’ del Onassis Cultural Centre-Athens y del Goethe-Institut, ‘Golem’ de Suzanne Andrade por la cía 1927, ‘A Hunger Artist’ de Kafka dirigida por Eimuntas Nekrosius con su compañía Meno Fortas (estreno en el Estado), una edición especial de ‘Annus Horribilis’ de Chévere y piezas de calle como ‘Vincles’ de Circ Bover.

Julian Mommert

Mostra de Teatro Cómico e Festivo de Cangas

GREC de Barcelona

Del 30 de junio al 8 de julio, Cangas de Morrazo (Pontevedra) celebra la XXXIV edición de su Mostra Internacional de Teatro Cómico e Festivo con 5 estrenos absolutos, 2 internacionales, 14 gallegos y 2 coproducciones. En el Auditorio están programadas: ‘Nacidas libres’, coproducción de la gallega Contraproducións con la Mostra; ‘Río Bravo’ de Chévere; ‘La extinta poética’ de Eusebio Calonge por Nueve de Nueve; ‘A galiña azul’ de Tanxarina Títeres; ‘Encore une heure si courte’ de la francesa Teâtré du Movement; ‘Emilia’ de Teatro del Barrio; y ‘La sección’ de A Tiro Hecho. En la calle: ‘Xanciño “Chismes”’ de Adrián Ríos; ‘Up2Down’ de trasPediante; ‘Teatro na mochila’ de Carballo con botas; ‘A vida tola’ de Natalia Outeiro “Pajarito”; ‘Outono’ de Pistacatro; ‘Las polis’ de Las Polis Dúo Clown; ‘Equilibrando ilusiones’ de Circovito; ‘Ekilibuá’ de Maintomano; y ‘Pequeno cabaret infantil’ de Nelson Quinteiro. Además, se podrán ver otras 5 piezas en espacios alternativos.

El Festival GREC de Barcelona tendrá lugar en julio con una programación que aglutina 102 espectáculos (40 de teatro, 43 de música, 15 de danza y 4 de circo) y 412 funciones.

Destacan 27 estrenos absolutos y 32 producciones internacionales. Para disfrutar de la cita, la organización propone 7 itinerarios que dividen los espectáculos según su temática o el público al que van dirigidos. Así, en “Grecia en el Festival Grec” se podrán ver ‘Troyanas’ (Eurípides/Carme portaceli), ‘Clean City’ (Anestis Azas/Prodromos Tsinikoris), ‘Inflammation du verbe vivre’ y ‘Les larmes d’Oedipe’ (Wajdi Mouawad), ‘The Great Tamer’ (Dimitris Papaioannou) y ‘Cementary’ (Aerites Dance Company); en “Grec Noches de verano” estarán ‘Calígula’ (Albert Camus/Mario Gas) o ‘Fidelis Fortibus’ (Circus Ronaldo). Por “Grec Selección” pasarán la Dresden Frankfurt Dance Company o Israel Galván, por “Grec_Exploradores” Roger Bernat o Àlex Rigola, y por “Grec En familia”, entre otros, Escarlata Circus.

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EN GIRA

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Ritmo y diversión en los escenarios de Bizkaia

‘Priscila reina del desierto’

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ras el descanso por vacaciones en el mes de julio, el Teatro Arriaga abre sus puertas a mediados de agosto, días antes de que comience Aste Nagusia, y como viene siendo ya un clásico, para estas fechas programa un único espectáculo, el musical ‘Priscilla reina del desierto’, que estará en cartel del 16 de agosto al 10 de septiembre.

Este montaje tiene como origen la película australiana ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’, dirigida por Stephan Elliot y galardonada con un Oscar en 1995, y de la que años después Broadway creó un musical que se ha producido en diversas partes del mundo a partir del libreto escrito por el propio Elliot junto con Allan Scott.

La propuesta que llega a Bilbao, dirigida por Ángel Llácer –encargado a su vez de la versión española–, está basada en la puesta en escena original con la que fue estrenada en Londres, y en una producción a cargo de SOM Produce en asociación con Nullarbor Pro-

ductions y MGM On Stage que ha sido

galardonado como el Mejor Musical en Madrid por Broadway World Spain en la temporada 2014/15.

Más de cuarenta artistas en escena, un exuberante vestuario y el espectacular autobús que da nombre al espectáculo conforman la historia de tres artistas drag que atraviesan el desierto australiano para representar un atrevido espectáculo en un viaje que va más allá y se convierte en una búsqueda del amor y la amistad.

Y todo ello a ritmo de algunos de los éxitos más bailados de la historia de la música. Jose Luis Mosquera como Bernadette, Jaime Zaratain como Tick y Christian Escuredo como Felicia harán reír y emocionar al público a lo largo de dos horas, pudiendo disfrutar además con composiciones tan conocidas como ‘Go west’ de Village People, ‘I love the nightlife’ de Alicia Bridges, ‘I will survive’ de Gloria Gaynor o ‘Mamma Mia’ de ABBA, entre otras.

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‘La puerta de al lado’

Al igual que en Bilbao, la programación del Teatro Barakaldo también se concentra en torno a sus fiestas patronales para dar paso después al descanso vacacional. Comienza el 15 de julio con la propuesta de Barco Pirata Producciones Teatrales, ‘La puerta de al lado’, obra de Fabrice Roger-Lacan con adaptación y dirección de Sergio Peris-Mencheta en la que Silvia Marsó y Pablo Chiapella acompañados por la música en directo de Litus dan vida a dos vecinos que se detestan pero, sin saberlo, están hechos el uno para el otro. Tras finalizar este espectáculo, y en el exterior del teatro, se podrá disfrutar del espectáculo de la danza vertical ‘Uno’ de la compañía DelRevés. Los días 21 y 22 será el turno de los monólogos interpretados por caras conocidas: ‘Monólogos 10’ con Yolanda Ramos y Txabi Franquesa la noche del día 21, y al día siguiente, ‘Aupa y Olé. Monólogos de Allí Abajo’ de la mano de Alazne Etxeberria, Gorka Aginagalde y Salva Reina. —

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La comedia es la gran protagonista en Donostia Mayumana y Huts Teatroa abren una programación estival en la que abundan propuestas más comerciales

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‘Hozkailua’ ‘El test’ ‘Bajo terapia’

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a programación escénica del periodo estival en Donostia dará comienzo con la danza a ritmo de percusión de la conocida compañía Mayumana, que los días 1 y 2 de julio presenta ‘Rumba’ en el Kursaal.

La sala Club del Teatro Victoria Eugenia acogerá un único espectáculo durante el verano, ‘Hozkailua’ (13-15 de julio), obra escrita por Unai Iturriaga y estrenada el pasado mes de abril por Huts Teatroa bajo la dirección de Manex Fuch y protagonizada por Ander Lipus y Patricia Urrutia. La obra pone en escena una historia de amistad en la que dos amigos viajan de un lado a otro con un frigorífico dentro del cual llevan a Jimmy, amigo que ha fallecido en Londres y quieren enterrar en su pueblo, aunque no recuerdan bien cual es.

En el escenario principal del Victoria Eugenia, por su parte, se podrán en escena propuestas protagonizadas por reconocidos intérpretes como Rafael Álvarez “El Brujo”, que del 7 al 9 de julio representa ‘Autobiografía de un yogui’, obra con la que presenta al público de forma sencilla y con su poderosa palabra a Yogananda, el hombre que trajo a Occidente el yoga... pero desde la particular visión de un comediante, tal y como se define el conocido intérprete. Le seguirá del 28 al30 el espectáculo ‘Toc toc’, obra de Laurent Baffie dirigida por Esteve Ferrer y producida por Lazona que ha realizado más de dos mil funciones en Madrid y que pone en escena a seis personajes que acuden a la consulta de un prestigioso doctor para tratar sus trastornos obsesivo compulsivos: sus TOC. Otra comedia, ‘5 y... Acción’, dará comienzo a la programación del mes de agosto (días 3-6), una producción de Pentación interpretada por Javier Veiga, Marta Hazas, Carlos Sobera. Otra comedia, ‘El test’ (9-13) con dirección de Alberto CastrilloFerrer e interpretada por caras conocidas como Luis Merlo, Antonio Molero, Maru Valdivielso e Itziar Atienza, o la también comedia ‘Bajo terapia’ (16-20), dirigida por Daniel Veronese y que narra la historia de tres parejas que acuden a

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terapia con el fin de tratar sus conflictos, aunque las sesiones se convierten en un caos hilarante. El humor es también protagonista en ‘El mundo de la tarántula’, que se pondrá en escena días antes (14 y 15), un monólogo musical de Pablo Carbonell basado en sus memorias y con las que realiza un viaje emocional sobre los últimos 30 años. Juan José Afonso dirige ‘El intercambio’ (23-27), una divertida comedia de enredo que llevan a escena Gabino Diego, Teté Delgado, Rodrigo Poisón y Juanma Lara, entre otros, y que dará paso a ‘Obra de Dios’ (del 30 de agosto al 3 de septiembre), coproducción de Txalo y Pentación con dirección de Tamzin Townsend en la que se cuenta, con gran sentido del humor, la verdadera historia de los protagonistas de la Biblia.

FOTOGRAFÍAS

‘Rumba’

Antzoki Zaharra - Teatro Principal En la programación veraniega del Teatro Principal destaca el estreno del espectáculo ‘Etxeko saltsak’ (18, 19 y 20 de agosto), versión en euskera de ‘Relativity speaking’ de Alan Ayckbourn, una comedia de enredo producida por Txalo con dirección de Begoña Bilbao e interpretada por Aitziber Garmendia, Ane Gabarain, Mikel Laskurain y Aitor Fernandino. Pero antes, del 1 al 11 de agosto, se pondrá en escena ‘Alta seducción’ protagonizada por Arturo Fernández y Carmen del Valle, y del 12 al 15 Lamarsó-produce presenta ‘24 horas en la vida de una mujer’, una pieza teatral que conjuga música y dramaturgia entrelazando canciones y diálogos.

Silvia Marsó protagoniza esta obra de Stefan Zweig en el 75 aniversario de su muerte del autor austríaco.

‘El mundo de la tarántula’

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Los giros inesperados, las conversaciones salpicadas de ironía, las frustraciones y el deseo sexual no correspondido son los ingredientes de ‘Prefiero que seamos amigos’ (23-27), obra de Laurent Ruquier producida por Pentación con dirección de Tamzin Townsend y Chema Rodríguez-Calderón e interpretada por Lolita y Luis Mottola. Completa la programación del mes de agosto una comedia de enredos familiares, ‘Cosas de mamá y de papá’ (del 31 de agosto al 3 de septiembre). Esta conocida obra de Alfonso Paso ha sido llevada a los escenarios por Descalzos producciones y tiene como intérpretes principales a María Luisa Merlo y Juan Meseguer .—

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MISCELÁNEA

Marcos Cebrián

La vida es sueño

Quejío

Teatro del Temple presenta su versión de la obra de Calderón de la Barca, que cuenta con la dirección de Carlos Martín y la dramaturgia de Alfonso Plou. El montaje realizará varias funciones en los meses de julio y agosto: Olmedo (16/07), Almagro (28 y 29/07), Olite (3/08), Rubielos de Mora (5/08) y Sagunto (26/08). “La vida es sueño es verso, es ritmo, es expresión existencial, denuncia frente al poder cruel, reflexión vital. Todo ello podemos encontrarlo aquí y ahora en lenguajes estéticos y musicales de cultura urbana.

La Polonia que aparece en la obra es un mundo opresivo, cerrado, claustrofóbico al que vemos un paralelismo en determinados ámbitos contemporáneos urbanos, con sus propias leyes internas, donde la violencia se expresa en reglas de poder estrictas. Los siete actores, que están permanentemente en escena, van a crear ese mundo casi penitenciario, donde la pertenencia o no al grupo marca la posibilidad misma de la existencia”, expresan.

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Curro Casillas

Salvador Távora y su agrupación teatral La Cuadra vuelven a llevar a escena este clásico del teatro andaluz 45 años después de su estreno. Hiperbólica Producciones produce esta reposición de ‘Quejío’, espectáculo que cuenta con dos intérpretes del montaje original: el guitarrista Jaime Burgos y Juan Romero, bailaor de La Cuadra y que en esta ocasión realiza una colaboración interpretando las partes de flauta de la obra. Además, participan cinco intérpretes más: los cantaores Manuel Vera Quintanilla, Florencio Rolán y Manuel Márquez de Villamanrique, el bailaor Juan Martín, y la actriz Mónica de Juan. La escenografía recupera además algunos elementos del montaje original. Este verano, la obra se podrá ver en el Teatro Poliorama de Barcelona (1 y 2 de julio), en Palma del Río, Córdoba, en el marco de la Feria de Teatro en el Sur (5 de julio), y en Niebla, Huelva, en el marco del Festival de Teatro y Danza Castillo de Niebla (19 de agosto).

Miguel Vargas Rosas María Cárdenas

Empieza por –J- y termina por –I-

Síndrhomo

Nueva creación del grupo Teatro del Vinagre, que aborda una vez más la figura de uno de los peruanos más leídos y estudiados en el extranjero: José Carlos Mariátegui. Esta obra, con dramaturgia y dirección de Maloka Rincón e interpretada por ella misma junto con Sandra Villanueva, se podrá ver el 7 de julio en la Casa Museo José Carlos Mariátegui (Lima). La dramaturga toma como excusa el encuentro entre una alumna y su tutora, para reflexionar sobre la penosa realidad del “alzhéimer” actual en relación a los legados que dejaron grandes hombres, en este caso, Mariátegui. La alumna prepara una exposición de JCM cuando es interrumpida por su tutora. En este encuentro a través de humor y drama se irán descubriendo aspectos relevantes de la vida del amauta y algunos menos conocidos, que incluso no aparecen en libros biográficos. Cabe destacar que en esta obra hay una marcada influencia de la reciente visita de la autora a las comunidades nativas del bajo Urubamba.

Del 7 al 16 de julio Cuarta Pared (Madrid) ofrecerá las funciones de ‘Síndrhomo’ de La Teta Calva, Premio Max 2017 a la Mejor autoría revelación (María Cárdenas). Xavo Giménez dirige esta tragicomedia diogénica que refleja el instinto de supervivencia de una ciudad amenazada por la gran plaga. Dos hermanos. Uno, sufre el síndrome de Diógenes como forma de luchar contra los cuatro jinetes del Apocalipsis que acechan desde avenidas, rotondas hipnóticas y semáforos cegadores. Un ejército formado por pescateras, autobuseros y mercenarios del día a día. Otra, sin trabajo, abandonada, sumida en sus adicciones, sus miedos y sus delirios de esquiadora de jet set que lucha por una nueva oportunidad. Venderlo todo y salir. Venderse y sobrevivir. Caer en la ceguera navideña o ser un mesías de barrio. Y entre ellos, ella/él. Un comodín para los descarriados. En total, un trío enfermizo metido en una jungla de luces y sombras, en un juego absurdo de verdades y locuras comprensibles.

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LUZ NEGRA

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20 años de BAI. Aprendiendo a escribir teatro. II

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Josu Montero

sta revista nuestra y la Bizkaiko Antzerki Ikastegia (BAI) despegaron al unísono hace ahora veinte años, y aprovechando esta coincidencia me planteé rememorar los inicios de mi andadura como profesor de Escritura Dramática en la Escuela barakaldesa, no por egotismo melancólico sino por dar un somero repaso a las cuestiones y problemas que suscitó en nosotros aquella sobrevenida pedagogía y, sobre todo, a las obras dramáticas y a los textos teóricos que nos ayudaron a salir con bien del atolladero. Y la idea es que estos textos puedan auxiliar a todo aquel neófito que se proponga escribir teatro o acercarse creativamente al texto dramático. Escribí en Artez del magisterio esencial y gozoso de Sanchís Sinisterra a través de sus tres libros de heterodoxos y breves textos teatrales; y también de su maestro, Samuel Beckett, y sus Dramatículas, textos dramáticos breves. Comenzamos por reducir el teatro a lo esencial: despojarlo de lo accesorio y ceñirlo a sus elementos básicos.

De los grandes dramaturgos que crearon el teatro moderno en el filo del XIX y el XX, aprovechamos tres grandes dramas para aprender cómo crear personajes y cómo éstos se transforman a través de la acción y del paso del tiempo; en dos de ellos de forma intensiva ya que la acción sucede en un día: “Largo viaje hacia la noche”, de O´Neill, y “Casa de muñecas”, de Ibsen; y en el otro, a lo largo de los años: “La gaviota”, de Chejov. En ellos aprendemos la importancia esencial y la fuerza dramática de los detalles; la arquitectura espacio-temporal de las escenas y los actos; la estructura al servicio de la trama; así como los cruces de personajes en escena, los cara a cara, las escenas a tres bandas y las escenas corales.

En tres obritas breves, frecuentemente editadas además en un volumen, aprendimos los rudimentos básicos del monólogo, su tremenda variedad de registros y sus muchas posibilidades.

Me refiero a “La más fuerte”, de Strindberg, “Antes del desayuno”, de O´Neill, y “La voz humana”, de Cocteau. Y aprendimos de otros intensos monólogos. Del sorprendente y orgánico “Potestad”, del argentino Eduardo Pawlovsky. De la voz de esa mujer a punto de salir de la cárcel tras años de reclusión en “La esclusa”, del francés Michel Azama. Y de un libro de Enzo Corman, “Oratorios”, que contiene cinco piezas, cinco – 54 –

monólogos a veces disfrazados, de altísimo voltaje, como por ejemplo, “Mingus, Cuernavaca” o “Me llamo”. Un penúltimo monólogo que nos dejó pasmados y cuyo ritmo enfebrecido intentamos seguir, el agónico y exasperado Koltès de “De noche justo antes de los bosques”. Y el último que reseño de todos con los que trabajamos es “Pared”, de Itziar Pascual, en el que se cruzan las voces de dos mujeres al límite de sus fuerzas por distintas razones, separadas por esa pared.

Vamos a los duetos. Dos personajes que dialogan, que hablan, que intercambian palabras. Y algo más con ellas. Casi nunca hablan cara a cara, más bien casi siempre oblicuamente. Todo un arte. Y un reto. Para aprender que las palabras más que mostrar, ocultan; más que tender puentes, los arrasan; más que acercar, alejan; más que acariciar, amenazan; más que decir, mienten. “Caricias”, de Sergi Belbel, está compuesta por unos cuantos gélidos duelos sin piedad en los que las palabras son casi siempre dagas; y cuenta además con la peculiaridad de que uno de los personajes de cada escena, repite en la escena siguiente. Y así la última escena da la mano a la primera, y ahí justo al final se produce el milagro. Otro dramaturgo catalán y otra estructura tan matemática como poética nos fascinó sin remedio con su misterio: “Deseo”, de J.M. Benet i Jornet. Cuatro personajes que siempre aparecen en escena de dos en dos, hasta agotar las combinaciones. Únicamente dos personajes, madre e hijo, escenas breves y el paso de los días, impotencia del lenguaje y ternura del lenguaje a su pesar. Y en esta ocasión, además, a pelo, sin acotación alguna. Me refiero a “Disidente, claro”, de Michel Vinaver.

Otro dueto que nos dio mucho juego fue “El día de autos”, del asturiano José Busto: dos chavales medio colgados y bastante descerebrados, aguardan al dealer de madrugada en una playa. El público es el mar. Otro joven dramaturgo, Paco Bezerra, es el autor de “Grooming”. En un parque, también de noche, el ciberacosador ha citado a la víctima a la que chantajea, una indefensa adolescente; pero todo es aún más peligroso de lo que parece. Y un último dueto también bien escalofriante, y eso que los personajes son un peluquero y su cliente; hablamos de esa terrible metáfora que es “Decir sí”, de la argentina Griselda Gambaro. Hasta aquí llegamos. —

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VIVIR PARA CONTARLO

Días de Cuentos en Gran Canaria

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Virginia Imaz

a Biblioteca Insular del Cabildo de Gran Canaria está desarrollando un año más la programación “Días de Cuentos” que contempla, desde mayo hasta finales de año, un sinfín de actividades relacionadas con los cuentos. Yo he tenido el inmenso placer y el privilegio de haber sido invitada, una vez más, en esta edición y de asistir al Circuito Insular de Narración Oral en las Bibliotecas Públicas Municipales de Gran Canaria, al Itinerario de narración oral en Vegueta “Cuentos eróticos por los rincones”, al 17ª edición de la Maratón de Cuentos de la Biblioteca Insular de Gran Canaria y a la sesión de narración para adultos “Tómate un cuento…” además de dinamizar un taller sobre el arte de contar historias.

Regresé de las Islas con mi corazón lleno de gratitud y de admiración por el equipo incombustible de la Biblioteca Insular de Gran Canaria, por su pasión, por su buen hacer y por el cariño con el que nos tratan y nos acompañan a las cuenteras y a los narradores. Según relata Nieves Pérez, Directora de la Biblioteca Insular del Cabildo de Gran Canaria, el programa DÍAS DE CUENTOS, es un proyecto que surgió con la voluntad de hacer que la presencia del cuento (contado, escrito, leído, ilustrado, pensado…) no fuera algo ocasional en la isla. Antes del diseño de esta propuesta global desde la Biblioteca Insular del Cabildo de Gran Canaria se realizaban diversas y variadas actividades alrededor del cuento, pero siempre había una sensación de acciones desconectadas o actividades puntuales que exigían sumas de empeño y esfuerzo disgregadas, pero toda esta actividad carecía de un marco general, que hiciera más visible lo que se estaba haciendo.

Sin embargo, al agrupar todas las propuestas y darles una línea común, al sumar todas las energías empleadas para su realización, se optimizaron los recursos y se posibilitó ahondar en algunos de sus frentes.

En sus primeras ediciones, DÍAS DE CUENTOS, era un programa que abarcaba un total de diez meses al año, con sesiones de cuentos contados por los 21 municipios de la isla (combinando en cada mes un narrador de las islas con uno de la península); charlas, conferencias, exposiciones, cursos, visitas de autor e ilustrador… y, como fin de fiesta, el Maratón de los Cuentos de la Biblioteca Insular de Gran Canaria.

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Mientras que los espectáculos de narración se organizaban en el Circuito insular de narración oral, el ámbito formativo se agrupaba, en los primeros años, en una propuesta denominada Alrededores del cuento, en la que participaron escritores, ilustradores, narradores, bibliotecarias, dinamizadores culturales…

En sus inicios además de aunar recursos y sinergias perseguía los siguientes objetivos: • Una programación estable alrededor del cuento que permitiera la formación de un público estable, que disfrutara de los espectáculos de narración oral y que fuera adquiriendo un criterio propio.

• Facilitar el acceso a las diversas posibilidades del cuento (contado, escrito, ilustrado…) y por ende, del libro.

• Al mismo tiempo, esta presencia continuada de las propuestas alrededor del cuento, podría aprovecharse para la formación de educadores, dinamizadores, bibliotecarios, maestros, narradores, ilustradores… de las islas. Se buscaba que esta lluvia fina calara hondo en quienes trabajan en ámbitos educativos y culturales.

• Y con esto, se pretendía un intercambio entre profesionales de las islas y de la península, una vinculación formal y emocional que acercara a gentes con intereses similares.

En la medida en que el cuento contado de viva voz, fue asentándose como práctica y que se consolidó un público ávido de la palabra dicha, surgieron nuevas propuestas narrativas que, de manera natural, se fueron incorporando al programa.

Con diferentes nombres y espacios: Tómate un cuento, Palabras al mar, Sólo palabra, Palabras contadas…, se desarrolló una programación continuada para público adulto, en cafés, museos, bares y otros espacios de pequeño formato.

En mayo de 2006 nació el itinerario de narración oral de cuentos eróticos por los rincones: cinco o seis espacios preparados con pequeños escenarios en la zona de Vegueta (Patrimonio de la Humanidad) donde, a lo largo de tres horas se cuentan y escuchan cuentos eróticos. Entre escenario y escenario una pequeña orquesta va animando el paseo nocturno e incitando a los ciudadanos a que acudan al espectáculo. No es de extrañar que al final de la noche haya un numeroso grupo con más de mil personas escuchando las historias.

En la actualidad, a pesar de los años difíciles a partir del advenimiento de la crisis (2008) y de los recortes que han ido llegando, DÍAS DE CUENTOS pervive, lo cual en mi opinión adquiere dimensiones épicas. Su duración a es de cinco meses, pero igualmente mantiene el rescoldo de la palabra dicha y la esencia de sus actividades fundamentales: itinerario de cuentos por toda la isla, cuentos eróticos y de miedo, maratón de cuentos, charlas, cursos, formación… —

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POSTALES ARGENTINAS

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Javier Daulte: clarividencia, deseo y apocalipsis

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Jorge Dubatti

avier Daulte vuelve a sorprender, y esta vez doblemente, con la publicación de su primera (y gran) novela y con el estreno de una nueva obra teatral de su autoría, que también dirige.

La novela se llama El circuito escalera (Alfaguara, 2017) y ya va por su segunda edición. Próximamente saldrá la edición española. Despliega la historia de los integrantes de una familia no convencional, y de los diversos mundos y personas a ellos vinculados. Regresa con especial interés a las figuras del padre y el hijo, pero al mismo tiempo abre un vasto territorio de otras representaciones.

Tiene una estructura interna originalísima, que en parte se cifra en el principio del circuito eléctrico que nombra el título. La voz del narrador (omnisciente, en tercera persona) suena como la voz del mismo Daulte, y resulta una vía de acceso maravillosa a la cosmovisión de este gran artista, a su forma de pensar la existencia y el arte. Esa voz es, por otra parte, un testimonio único para comprender a la generación de los argentinos que atravesaron su adolescencia en dictadura y hoy ocupan lugares centrales de la actividad del país. Una contribución relevante a la narrativa nacional. De lectura tan atrapante como imperdible.

En cuanto a su obra teatral, Clarividentes, se presenta en el Espacio Callejón (en el barrio porteño del Abasto, sala dirigida desde 2015 por Daulte) y es destacable punta de vanguardia del nuevo teatro de Buenos Aires. A través de la investigación experimentalista, que persigue la renovación, en Clarividentes Daulte lleva su poética inconfundible (desarrollada, con coherencia y organicidad, hito tras hito, en Gore, ¿Estás ahí?, Automáticos, 4D Óptico, Personitas, entre otras creaciones) a un grado de radicalización y complejidad inéditos.

Sigue indagando dentro de sus propias coordenadas, pero sube la apuesta y exige cada vez más a los espectadores, a los que desafía con una auténtica aventura estética e intelectual.

Es difícil resumir la(s) historia(s) que inscribe Clarividentes por sus diversos planos y relaciones internas. Hay que verla o leerla como un microcosmos de multiplicidad. Se divide en tres partes.

En la primera, un “equipo” de desesperados que buscan “salvarse”, se confabulan para vender a un inversionista arruinado un método para ganar en la Bolsa. Han descubierto a una clarividente, Validia, que tiene la capacidad de predecir los hechos – 56 –

que acontecerán en el futuro inmediato, y ella puede anunciar al financista cuáles acciones subirán y cuáles bajarán. Para demostrarle el poder de Validia, el “equipo” realiza un singular experimento: contratan a tres “conejillos de indias” a los que meten en un cubo de paredes internas espejadas, que cuando se cierra queda herméticamente aislado y que, a la manera de una Cámara Gesell, permite ver el interior desde afuera. La adivina, de espaldas al cubo, adelanta con precisión lo que harán enseguida los allí encerrados. Inversionista y espectadores atestiguan el fenómeno.

En la segunda parte, el país declara el estado de sitio y al mismo tiempo se obtiene mayor información sobre los poderes de Validia (cuyo verdadero nombre es Ana): en realidad no predice hechos, sino que hace que se produzca lo que desea.

No exactamente pasa lo que quiere que pase, sino lo que desea que pase. Y el deseo conduce al caos porque no se maneja: “Lo que querés es lo que sabés que querés. Y lo que deseás es lo que no sabés que querés, pero lo querés sin que te des cuenta”, dice Mery. El deseo es incontrolable y precipita la catástrofe.

En la última parte, la degradación es absoluta: en pleno apocalipsis (se rumorea que el gobierno ha caído, no hay internet ni teléfonos, ni televisión ni radio, no hay alimentos ni agua ni remedios y están por cortar la electricidad), los “conejillos” se adueñan del poder, castigan a los embaucadores encerrándolos en el cubo e intentan explotar la situación transformándola en show. El estallido final es inminente. Un apocalipsis demasiado parecido al que todo el tiempo sentimos que está por producirse en el mundo real. Los menos indicados para estar al frente del poder, lo toman. Cualquier semejanza con la realidad argentina y norteamericana actual no es mera coincidencia. Sin duda, la visión apocalíptica de Clarividentes la hace una obra eminentemente política.

En Clarividentes Daulte trabaja con elementos ya conocidos de su poética y a la vez introduce cambios. ¿Cuáles son las coordenadas habituales?

Primero: como en obras anteriores, en Clarividentes Daulte instala una convención ficcional que vuelve verosímil lo imposible (como en el fantasy de la literatura o el cine), y que abre infinita y gozosamente el territorio de lo imaginario. El mismo texto de Clarividentes lo explica: “Lo extraño den-

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tro de un marco exótico se vuelve verosímil”, dice el personaje de Isa sobre el “efecto teatral”. Así surgen la adivina y el cubo perturbador, que a lo largo de la pieza va cobrando vida propia y aumenta su misterio.

Segundo: también como en obras anteriores, Daulte sostiene esa convención en el trabajo de actores excepcionales, especialmente entrenados para componer esta poética. Sin muy buenos actores, el fantasy se tornaría absurdo. Quienes integran el elenco de Clarividentes constituyen un grupo que entrenó con Daulte, y son realmente uno mejor que el otro para llevar adelante el desafío de esta poética: el “equipo” de embaucadores integrado por Mauro Álvarez, Jorge Gentile, Juan Ignacio Pagliere y Carla Scatarelli; los “conejillos de indias” Matías Broglia, Daniela Pantano y Luli Torn; el “fenómeno”, Silvina Katz; el inversionista, Rubén De la Torre. Más allá de sus méritos individuales, transmiten un espíritu de cuerpo y la convicción colectiva de quien cree en el proyecto y se siente orgulloso de lo que se está haciendo. Hay un “entre” de subjetividad artística (dimensión conmovedora del teatro independiente, casi siempre ausente o débil en el teatro comercial y en el oficial), así como extremada pericia interpretativa para construir en escena la ilusión de la presencia del cubo. Una máquina actoral digna de verse.

Tercero: Daulte suele buscar modelos estructurales fuera del teatro, ya sea en el cine y la literatura, en las matemáticas (la topología), en la filosofía o en la física. La idea de un cubo de paredes internas espejadas recuerda al principio físico del “termo”. La alteración perceptiva que produce el vínculo de correspondencias entre el mundo, el teatro (especialmente el escenario) y el cubo, a la manera de la “estructura en abismo” (el todo en la parte, la infinita serie de cajas chinas), remite a la escritura borgeana y su visión metafísica del universo. Justamente el texto de Clarividentes lleva un epígrafe de Borges: “Sólo una cosa no hay. Es el olvido. / Dios que salva el metal salva la escoria / y cifra en Su profética memoria / las lunas que serán y las que han sido” (del poema “Everness”). Las observaciones sobre las relaciones entre pasado, presente y futuro, la predicción y la memoria, reenvían a la filosofía, la historia y a la lectura de Nassim Nicholas Taleb. Otro epígrafe de Clarividentes pertenece a Antifrágil de Taleb: “Quiero ser feliz en un mundo que no entiendo. Los Cisnes Negros (en mayúsculas) son sucesos a gran escala, imprevisibles, irregulares y con unas consecuencias de muy gran alcance que sorprenden y perjudican a ciertos observadores que no lo han previsto y a los que llamaremos ‘pavos’”. Dice Validia o Ana: “El futuro es tan obvio; siempre caótico y fúnebre. Pero el pasado es impredecible y nos acecha siempre de la forma más inesperada. Y la vida es nada más que tratar de luchar contra eso”.

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Cuarto: Daulte concibe el teatro no como un vehículo transmisor de ideas, sino como un constructor, un portador de ideas en sus mismas estructuras dramáticas y en sus artificios. Ya lo ha teorizado Daulte en su ensayo “Juego y compromiso”: se trata de construir dispositivos de estimulación del espectador que, lejos de repetirle explícitamente lo que ya sabe o de decirle lo que debe pensar, le proponen descubrir lo que está inscripto implícitamente en las estructuras dramáticas y todavía no conoce. El teatro encarna ideas, no las ilustra ni las explicita. El teatro no es un medio para el pensamiento, sino un fin en sí mismo para el descubrimiento de otras ideas que no han sido pensadas.

Daulte no cree en un teatro tautológico, al que el espectador va a refrendar lo que ya sabe, sino que hace un teatro jeroglífico, de descubrimiento de saberes a los que sólo se accede de manera teatral. Justamente el teatro se ha vuelto útil porque permite construir el sentido que la realidad se empeña en disolver. A su manera, lo cifra el personaje de Gera hablando de su relación con el cine: “Las cosas que pasan en la vida no las entiendo. En las películas sí. Y me sirven para pensar”.

En el marco de estas coordenadas ya conocidas, ¿cuáles son los cambios? En Clarividentes Daulte radicaliza la experimentación y compone una obra intensamente jeroglífica.

Multiplica las intrigas, la duración, los planos y la cantidad de situaciones narradas, al punto que para acelerar el tiempo del discurso y separar los actos utiliza el logrado recurso de las “fotos” (que permiten elipsis, saltos en la historia). Como el mismo Daulte lo ha señalado, su estructura tiene mucho de objeto topológico, a la manera de la Botella de Klein o la cinta de Moebius. No hay afuera ni adentro, la obra genera la ilusión de un microcosmos autosuficiente. ¿Hay afuera y adentro del deseo, del sujeto, del mundo ficcional?

Respecto de sus obras anteriores, todo es más barroco, cargado y se acentúa la metamorfosis. Clarividentes es, en términos de Taleb, un “Cisne Negro”, una pieza autorreferente, automodélica, de estructura irregular y única, cuya comprensión sólo puede hallarse en la indagación del sistema de sus propias reglas internas. Un mundo paralelo al mundo, cuya organización interna es metáfora y cosmovisión del otro mundo, el externo, en el que vivimos. Por eso el estallido del cubo en mil pedazos marca también el estallido (o el final) de la pieza.

En suma, Clarividentes reclama otras competencias y otras disponibilidades al espectador del teatro independiente. Es celebrable que el Espacio Callejón cumpla sus 25 años de historia desde un presente y un futuro tan ambiciosos como los que proyecta Daulte. —

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

Algunas cosas sobre Teatro

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Javier Villán

l campo del teatro es tan amplio que abarca todo lo que es vida; vida sensorial o intelectual. Para demostrar esta identidad escribió el poeta; “creyó que conocer le libraría de la pasión, intentó redimirse y descubrió la pasión del conocimiento”. Yo tengo pocas cosas claras sobre el teatro, casi ninguna. Primera y principal; una sociedad que no ama el teatro es una sociedad muerta: no le interesa su pasado ni su presente y mucho menos el futuro. Es por lo tanto una sociedad amorfa, fuera de la historia. Una única cosa, quizá, considero imprescindible; teatro es una forma de contrapoder.

Pero a menudo el teatro es el espejo del poder.

No soy partidario de la versiones actualizadas de los clásicos. Los clásicos son lo que son. Sin embargo, en Fuenteovejuna celebré con alborozo una prevaricación de Alberto Conejero. Llegan los reyes al pueblo justiciero que ha linchado al Comendador semental; la gente se postra ante los monarcas, entona loas, hace genuflexiones.

De pronto, Mengo muerto, asesinado por los esbirros del garañón, apéndice del poder real, resucita, y pregunta a sus amigos ¿para esto he muerto yo? Y vuelve a morirse. Lope en política era un reaccionario. El mejor poeta de España era colaborador de la Inquisición.

La esencia del teatro es transparente y sencilla; alguien que hable y alguien que escuche, eso es todo; una manta colgada de una cuerda en un escenario, eso es todo. Tanto ha calado esta simplicidad del teatro, que para definir a un gran actor decimos que es capaz de emocionar con la lectura de la guía de teléfonos.

El término belleza aplicado al teatro empieza a preocuparme. Y en Rodrigo García mucho más. Rodrigo García es, sobre todo, un poeta.

Lo cual no está necesariamente reñido con el teatro. Pero la poética dramática no es una poética literaria. Escribe en 4, por ejemplo: “Ella es luminosa por las tinieblas que la habitan”. Es la iluminada oscuridad que los poetas buscan en la amada. Es la mujer de la que un poeta inventársela sólo para que lo lleve al infierno de la mano.

Es bonito, pero ¿es teatro? Una frase brillante.

O sea, teatralmente nada. A mí, casi se me saltaron las lágrimas; pero me di cuenta de que era una trampa sentimental, no una razón teatral. Y menos en Rodrigo, en quien siempre vi “esen– 58 –

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cia de teatro”, vitriolo, rabia, sarcasmo; Rodrigo devoraba la vida insurgente y la convertía en teatro. Aquí, en 4, se ha convertido en un esteta inconexo. “La libélula vaga de una vaga ilusión”, que diría Rubén Darío. Su espíritu, entra en el bello latinismo “animula, blandula, vagula”, que escribió Adriano para describir la etérea belleza de un espíritu. Rodrigo García era un nihilista; pero en 4 ha pasado del nihilismo a la nada El público del estreno, en buena medida adicto a Rodrigo, recibió con frialdad a un autor que con frecuencia ha rozado la genialidad. Unas veces, con menos acierto que otras, nunca dejaba indiferente. Irritaba o entusiasmaba. El otro día ni una cosa ni la otra. El teatro de Rodrigo García se ha quedado viejo y proclive a un cierto conservadurismo. Una mezcla de dibujos animados, videoclip y largas parrafadas en las que brilla siempre la espléndida dicción de Gonzalo Cunill hasta que empieza a aburrir al personal y a aburrirse a sí mismo.

Nada hay en estos tiempos que cause escándalo. Ni siquiera ese coño inmenso del cuadro de Courbet que ocupa toda la pantalla y contra el que se estrellan las pelotas de tenis. Ignoro si eso es un símbolo moral, una muestra de misoginia, o todo lo contrario, o simplemente un gesto gratuito como la mayor parte de 4 .

Decepcionante Rodrigo García. Pero lo último que podía esperarse de él es el aburrimiento y un raro manierismo. 4 es un espectáculo híbrido sin hilazón y coherencia. Esto es lo de menos en el libre albedrío de un creador. Los impulsos creativos se expresan de distinta forma en cada uno. Está muy bien que se respete y estimule la fantasía y la inventiva del público, pero el creador tiene que poner algo de su parte. Un fracaso carece de importancia siempre que no sea anuncio de la decadencia. Esperemos que no.

Antes que arte y que belleza, el teatro es vida.

Y la vida no es buena, ni noble ni sagrada. El teatro sí es sagrado si consideramos que es una ceremonia cuyo realismo supera la mera transcripción de la realidad. La realidad cotidiana, la sinceridad de las pasiones no es teatro. La vida necesita otro lenguaje, la pasión necesita otro lenguaje. Esta elemental reflexión encierra un peligro evidente: el esteticismo, el manierismo amanerado como su propio nombre indica.

Es decir, la belleza como objetivo y modelo preferente. Esta es una discusión eterna, como la paradoja del comediante de la que participa. El teatro no es un panfleto grosero y sin elaboración, aunque la vida sea con frecuencia un panfleto miserable; el teatro es un lenguaje autónomo. Sus claves son eternas y renovables; clásicas, romántica, vanguardistas. Sin olvidar nunca que las vanguardias se devoran a sí mismas. Rodrigo fue vanguardia y hoy es esteticismo. —

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El MÉTODO GRIEGO

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omenaje al teatro contemporáneo griego rinde este año el Festival Grec de Barcelona. A pesar de la crisis, Grecia con sus más de 1.000 estrenos (solo en Atenas) es un centro de teatro y danza polifacético, del cual los organizadores del Grec han elegido 4 montajes: 1. De una intensidad visual descomunal que deriva de su pasión conjunta por las artes plásticas y la escena, El gran domador, igual que todos los espectáculos de Dimitris Papaioannou, es una mezcla de acciones experimentales, teatro físico y performance. El destacado artista diseña cada escena creando unos storyboards que son el antecedente de las imágenes oníricas que se plasman después sobre el escenario. Una banda sonora formada por los sonidos amplificados y distorsionados que los intérpretes producen y que se acompañan de músicas fragmentadas y paisajes sonoros envuelve la acción.

Todos estos elementos sirven a Papaioannou para hablar sobre la vida como ‘El gran domador’ si se tratara de un viaje destinado a hacer grandes descubrimientos, a buscar tesoros ocultos o a explorar los significados más escondidos de la existencia humana. (2-4/7) 2. Eurípides Laskaridis es un creador excéntrico y carismático quien utiliza las acciones para explorar los conceptos de ridículo y transformación en un espectáculo tan salvaje como grotesco y perturbador. En Titanes, un ser cósmico, una especie de dios sin sexo definido pero con un vientre hinchado por el embarazo, se sienta en una mecedora, omnipotente y omnipresente, en un espacio vacío e indefinido. Ha estado allí, desde antes de que todo empezara, siempre necesitando la presencia de un compañero, una sombra imperceptible que hace girar su peculiar mundo. Dice el mito que los titanes gobiernan el universo desde antes incluso que existiera el tiempo, una de las primeras invenciones de la humanidad. En esta

oscura farsa cósmica, Laskaridis emplea tanto los viejos mitos como su personal mitología, que se nutre de su familia, su país, su amor por el teatro del absurdo, el circo, el burlesque y el cine. En Titanes, el artista emplea su propia voz y lenguaje para hacer arte sin tomarse a sí mismo demasiado en serio. (5-7/7) 3. La ciudad y las formas en que los humanos la habitan (o no) es el tema del montaje Cementerio de la joven compañía “Aerites” que emplea un lenguaje poderoso para crear un ballet urbano en las calles de una urbe imaginaria.

La ciudad y la manera en que la habitamos, o en que utilizamos sus espacios vacíos, son sus protagonistas. Quizás las ciudades, en un tiempo de crisis en el que la prosperidad de otros tiempos ha pasado a ser un sueño que no volverá, se convertirán en grandes cementerios de cemento, como parece sugerir el título de la pieza. El lenguaje contradictorio y provocativo de la compañía está al alcance del público, con el cual recrean un futuro de guerra, caos y desorden.

“Aerites” investigan el movimiento teniendo como herramientas la danza, las artes escénicas, la poesía, la práctica teatral y las nuevas tecnologías.

(7-8/7) 4. En Ciudad limpia, cinco inmigrantes, mujeres de la limpieza en la Atenas actual, protagonizan un montaje duro y divertido a la vez que bebe de la realidad y que nos habla de la Grecia actual a partir de las historias de las mujeres que la limpian. Ellas suben al escenario para Julian Memmert contarnos sus historias y ofrecernos la visión que tienen del país que las ha acogido. Una mujer filipina, una soprano de Moldavia, una albanesa, una sudafricana casada con un griego y una mujer búlgara nos invitan a compartir sus experiencias y nos muestran los cambios radicales que ha experimentado el mundo del trabajo en Grecia en los últimos años. El mensaje de fondo no es esperanzador, pero se transmite con humor, logrando hacer divertidas las situaciones más duras.

Los autores, Anestis Azas y Prodromos Tsinikoris han estrenado también Telemachus Should I Stay or Should I Go?, en la que ponían en contacto a las jóvenes generaciones griegas con la vieja generación de inmigrantes que fueron a trabajar a Alemania. Desde 2015, son directores artísticos de la Escena Experimental (-1) del Teatro Nacional de Atenas.

(13-14/7). —

Grecia en el Grec

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María Chatziemmanouil

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

Radioteatro / Encrucijada

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Victor Criado

El actor tiene un prestigio, una posición lograda a base de oficio, talento y marketing. Actor de mediana edad. Ha formado parte de varias producciones en TV (que le han hecho famoso ante el gran público, o público en general), papeles en cine y teatro que siguen cimentando su prestigio, afianzando su respeto artístico. Forma parte de la élite que logra hacer de la interpretación un modo de vida. Estamos en Colombia, 2016/17. O sea está sucediendo ahora mismo.

El actor recibe una propuesta un tanto peculiar.

Arriesgada e interesante a partes iguales. En el marco de los acuerdos de paz que se están desarrollando en estos momentos en el país, se le plantea a este actor acomodado la posibilidad de dramatizar algunas de las experiencias que varias víctimas de tan largo y cruento conflicto están dispuestas a narrar. Su trabajo consiste en escuchar atentamente lo que con detalle y mimo le cuentan para más tarde ser él mismo el transmisor frente a los espectadores de dichas experiencias.

En un primer momento el actor realiza su labor con toda la profesionalidad que su experiencia y talento le permiten, pero poco a poco comienza a sentir que esto que está haciendo va mucho más allá del ámbito profesional. Cuando se va a casa, se lleva esos trozos de vida rasgada con él, jirones empapados de dolor que le van poco a poco dejando un poso que no puede limpiar. A tal punto llega el proceso que en un momento el actor entra en una especie de crisis existencial/artística y comienza a cuestionarse la meta de su trabajo.

Junto con una compañera actriz/dramaturga inician un viaje que ya no va a tener vuelta atrás. La fama, el éxito y la posición alcanzada abren paso a un futuro plagado de interrogantes. En estos momentos esas dos personas se encuentran en Barcelona, auspiciadas económicamente por una persona que trata de (imagino esto último) dar sentido a la vida y dinero obtenidos. El proyecto va a durar varios años y les va a llevar a visitar varias ciudades europeas, en busca de otros testimonios, de otras víctimas, de otros jirones con los que seguir rasgándose.

Sentado en el sofá de mi casa, escribiendo este artículo me pregunto si son personas especiales, o son especiales las circunstancias que los rodean. ¿Sería capaz algún actor en el estado español, con su misma y posición y prestigio, de embarcarse en – 61 –

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tan frágil patera? ¿Dejarse arrastrar por un proceso que se sabe dónde comienza pero se desconoce el puerto al que arriba? ¿Cuestionarse su modo de vida, su profesión, el sentido último de su trabajo y pasión? ¿Ir más allá del muro de convenciones sobre el papel de la cultura, y apostar por abrirse en canal y ser transmisor de los afectos de la violencia, de la propia condición humana?

Conflictos ha habido, y los hay. Algunos tan recientes que sus víctimas están ahí con el dolor apretándoles las entrañas. Otros, un poco más ancianos, testigos últimos de una brutalidad que, como un manto oscuro, nos encerró en el miedo y la oscuridad. Historias hay para contar, para llenar las horas y los teatros de todo ese país llamado España. En Euskadi las historias rebotan como un eco para estallarnos en el presente.

Yo puedo consolarme diciendo que mi posición no es tan sólida, mi prestigio camina de puntillas y no he protagonizado ningún film ni serie de tv, por lo que el gran público no me conoce. Y sin embargo…

Acabo de terminar unas sesiones de grabación para la radio sueca de la dramatización de un libro que ganó varios premios hace pocos años. Un papel hermoso en una historia aún más hermosa con un elenco de actores importante (el adjetivo utilizado, “importante” suena raro pero no encuentro otro que me permita salir del paso sin caer en la arrogancia o la falsa humildad).

En las pausas del mismo los productores comienzan a hablar de la larga tradición que el teatro en radio tiene en Suecia, para acto seguido preguntar cómo es la situación en España, ya que en los certámenes internacionales a los que acuden apenas ven producciones que provengan de allí.

Esto me lleva a preguntarme por qué no se realizan más producciones en la RNE (que se paga con dinero público) o en Euskal Irratia (que me toca más de cerca).

Por lo poco que sé veo que realizar este tipo de producción no es tan complejo ni costoso como una producción teatral convencional, y las posibilidades de seducir a un público potencialmente elevado son muchas. En Suecia son muchas (estoy hablando tanto del público adulto, como tanto del compuesto por niños y jóvenes) las producciones realizadas y el número de radioyentes que las disfruta.

Dejo la pregunta en el aire, a ver si así, el mensaje (como el de la botella) llega a los oídos de alguien que pueda y quiera hacer algo con esto.Y no me refiero a grandes producciones, con nombres muy famosos, directores aún más famosos, y obras ya más que conocidas, que de eso algo hay.

Me refiero a algo mucho más modesto y al mismo tiempo cercano, porque he comprendido (realizando esta producción) que el teatro y la radio comparten la magia que solo la imaginación del espectador/oyente pueden convertir en arte. —

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EL LADO OSCURO

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Los nuevos hábitos e intereses de los espectadores

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Jaume Colomer

uchos espacios escénicos siguen programando de la misma manera que en los años noventa y se lamentan de lo difícil que es incorporar a nuevos públicos y conseguir porcentajes de ocupación satisfactorios sin caer en la trampa de la banalización de contenidos. Por esto es necesario reflexionar sobre las nuevas tendencias de consumo.

Los sociólogos consideran, además, que la generación de pertenencia determina de manera muy significativa los estilos de vida y los hábitos de consumo. El Estudio Global Nielsen propuso establecer cinco etapas vitales: • Generación Silenciosa (65+): una generación, antes marginal, con demanda creciente debido a la mayor esperanza de vida, la buena salud y ganas de ocio activo, a un notable tiempo disponible y a una alta movilidad.

• Boomers (50-64): es la generación más conocida por los programadores de espacios escénicos porque son los públicos habituales y mayoritarios.

• Generación X (35-49): la mayoría son muy activos en el ámbito profesional y tienen hijos en edad escolar, por lo que están muy ocupados.

• Millennials (21-34): Son digitales nativos que pueden estar conectados a internet entre 4 y 10 horas diarias, preferentemente a través del móvil, mientras hacen otras actividades, son activos en las redes sociales, han incorporado los hábitos de la cultura lowcost, se encuentran cómodos en economías colaborativas y compran productos de segunda mano o los intercambian.

• Generación Z (15-20): Están conectados permanentemente a internet, son muy activos en las redes sociales y usan siempre el móvil para relacionarse con los demás. No les interesa poseer bienes sino sólo disfrutarlos.

El Anuario de estadísticas culturales 2015 del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes indica que del 2007 al 2015 han cambiado poco los hábitos de consumo de los ciudadanos: • El 29,9% de ciudadanos dicen que asisten anualmente a algún espectáculo, preferentemente de teatro (el 23,2%), algo por encima del 2007 (el 29%).

• El 85,5% escuchan música 1 vez al mes y el 29,2% han asistido a conciertos en el último año, algo menos que en 2007 (el 31,2%).

• El 54% han asistido a una sala de cine en el úl– 62 –

timo año.

La gran diferencia entre la música y las artes escénicas es que la primera se ha digitalizado y la segunda sigue siendo exclusivamente presencial.

Vemos que se ha diversificado la manera de consumir música: de forma mayoritaria la escuchan en línea o grabada en su dispositivo y de forma complementaria asisten a conciertos. El hecho de que los ciudadanos que van a conciertos sean casi la misma magnitud que los que van a ver espectáculos nos hace considerar que éste es el techo actual de consumo de cultura presencial frente al consumo virtual.

Si se confirmara esta hipótesis, tendríamos sólo dos opciones: digitalizar las artes escénicas para llegar a un mayor número de ciudadanos, o aceptar que el techo potencial de demanda se encuentra por debajo del 30%. Aquí conviene hacer referencia a algunas consideraciones del libro “Implica a tu público” de Alan Brown y Rebeca Ratzin, traducido por Asimétrica: Los públicos culturales piden un diálogo permanente con los creadores, promotores y organizadores, muestran una mayor predisposición al engagement, es decir, a implicarse y a participar en la definición y gestión de propuestas escénicas y buscan experiencias más intensas, dinámicas, alternativas y multisensoriales que los públicos tradicionales.

Por esto, tal vez habría una tercera opción: diversificar drásticamente nuestras programaciones en varios aspectos: • Equilibrar las propuestas más convencionales con las más alternativas, las propuestas pausadas y de larga duración con propuestas breves e intensas, las producciones locales singulares con las globales y mediáticas.

• Envolver los espectáculos en un pack que permita una experiencia intensa y relacional pero que se pueda seguir estando conectado.

• Diversificar los canales de acceso, potenciar los sistemas de comunicación y prescripción horizontal propios de las redes sociales y equilibrar la compra anticipada con la que se pueda hacer el mismo día.

• Equilibrar la programación de propuestas de prestigio con tarifas elevadas con propuestas lowcost accesibles a los Millenials, a la que hay que considerar como generación clave para el futuro de las artes escénicas. —

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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David Olguín a la Academia de Artes

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Jaime Chabaud

l arquitecto Alejandro Luna, maestro de escenógrafos, entregó a principios de este mes el diploma que acredita a David Olguín como Miembro de Número de la Academia de Artes de México. Gran cosa que una institución que enfoca sus baterías en otras disciplinas, cuente con tres hombres de teatro fundamentales para la escena mexicana (Hugo Hiriart completa la lista). Amén de ser uno de los pocos que le vieron actuar en un papelito en Manga de Clavo de su también maestro Juan Tovar (bajo la dirección de José Caballero en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón de la UNAM en 1985), conozco de David otro secreto que ahora confieso: su manera de roncar como ferrocarril. Éramos los invitados para una semana de la dramaturgia latinoamericana en París y nos tocó compartir habitación.

También asistí al estreno de su ópera prima: La representación, en el Teatro Santa Catarina por ahí del año 86. Así que le he seguido la pista y lo he oído roncar. Pero lo que nunca dejará de sorprenderme de David es el ser humano fuera de serie que le habita, su generosidad, sus opiniones sensatas y certeras, su fino humor. Hace mucho que no hacía este chiste (que aplicaban a Usigli), pero David es el único dramaturgo inglés nacido en México; y uno muy grande que valdría la pena lo conozcan en España.

“El teatro es el arte de los sentidos –apunta David en su discurso de aceptación–. Pensar la palabra en plural da cuenta de su esencia colectiva como representación del mundo, como reunión de especialidades que armonizan saberes para lograr un hecho escénico y como experiencia sinetésica que nos impacta en un lapso de tiempo.

No es la vida pero es el arte que la representa de manera más certera: presente que transcurre y se escapa, arte efímero, la fugacidad misma con voluntad de forma, la búsqueda de sentido no en su corolario sino en los borradores articulados donde existir transcurre en presente, arte del tiempo, siempre en presente. Si el teatro es el arte más parecido a la vida, entonces también puede permitirse celebrar su sinsentido, nuestra desesperación, nuestro fracaso por ordenar el caos y por entender lo incomprensible, materia prima de las grandes emociones y pensamientos imperfectos que habitan la escena.”

Narrador, ensayista, dramaturgo y director de – 63 –

escena, Olguín encontró su axis mundi en el teatro. Imposible dudarlo. Como director visita por igual Shakespeare, Strindberg o Chejov que Ibargüengoitia o Lorca. Y como autor de piezas tan memorables como Siberia, Bajo tierra, La Belleza, Belice, La maizada y, entre otras, Los asesinos, el director no le permite al dramaturgo buscar otras voces. “El teatro es refractario a la globalización y a la industria cultural. También a la exportación como vara que mide los méritos de una tradición escénica. La generación de los Margules, Luna, Gurrola, Mendoza, Castillo, Tavira es extraordinaria como lo es la obra de dramaturgos como Garro y Liera, entre otros. Y hacia atrás y hacia adelante podríamos nombrar a notable gente de teatro de este país y, al frente de ellos, a numerosos actores de altos vuelos. ¿Requerimos del reconocimiento de una cultura central para valorarlos?”

David también es conocido por dos labores fundamentales que desempeña con pasión extrema: la de editor (codueño de la Editorial El Milagro que cumple 25 años en este 2017) y la de pedagogo en diversos centros de enseñanza. Ambas tareas han sido complementarias y han permitido que textos de teoría y dramaturgia fundamentales de nuestra contemporaneidad lleguen.

Muchos autores hemos sido beneficiados por el proyecto editorial de El Milagro que contempla otra parte crucial que es la sala independiente que con el mismo nombre funciona en la ciudad de México dando funciones toda la semana.

La generosa presencia de este hombre de teatro en la escena mexicana ha sido reconocida también con el Premio Juan Ruiz de Alarcón que es la máxima que México otorga a un dramaturgo por su trayectoria. . Que en otros países de habla española se conozcan obras como La puerta del fondo, Clipperton, Los conjurados o Casanova o la humillación se vuelve indispensable. En sus palabras: “La vida, como el teatro, pasa. En algún momento, lo accesorio se diluye y queda lo esencial, un tanto ajeno a las pasiones y desánimos del ahora. El discurso, el método, la voluntad de resistencia, la postura ética y estética, las maneras de hacer y deshacer, la reflexión y el juicio crítico de contemporáneos de antaño, permanecerán a pesar de nuestra condición efímera para dar luz a nuevas formas y posturas teatrales.”. —

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Historia y antología de la crítica...

El método.

La pajarita de papel ediciones ha publicado ‘El método’ de Konstantín Stanislavski en el que se recogen “las innumerables notas que tomó Stanislavski desde 1935 hasta 1938, y que se conservan en los archivos del Teatro de Arte de Moscú en la actualidad”. Tal y como explican desde la editorial, Stanislavski “propone, tanto al actor como al director, una serie de herramientas que sirvan para orientarlos en el camino que lleva a la vivencia y a la encarnación de los personajes (...) La práctica del método implica, necesariamente, una flexibilidad rica y variada y cuanto más personalizada sea su aplicación, más fecundo será el resultado obtenido en el proceso creador”. Con la publicación de este volumen La Pajarita de Papel continua con su labor de publicar en castellano, en traducciones corregidas y revisadas los libros de los grandes maestros de la historia en el arte del teatro.

Fernando Domenech y Eduardo Pérez -Rasilla son los coordinadores de ‘Historia y antología de la crítica teatral española (1936-2016)’, volumen publicado por el CDN y que da continuidad a uno anterior que comprende la crítica llevada cabo entre los años 1763 y 1936.

Stanisvlasky, Myerhold y ...

Susana Egea es la autora de ‘Stanislavski, Meyerhold y Chaliapin: la interpretación operística’ trabajo en el que indaga en las aportaciones que en el campo de la ópera realizaron estos tres grandes hombres de la escena.

Una publicación de la Asociación de Directores de Escena.

William Layton: ...

¿Qué es la escenografía?

En ‘William Layton: La implantación del Método en España’, monográfico de reciente publicación de la Editorial Fundamentos, su autor, Javier Carazo Aguilera realiza un repaso por el trabajo realizado por Layton desde su llegada al Estado a finales de los años cincuenta. Entre las aportaciones realizadas por este hombre de teatro norteamericano, destacan la creación de una de las primeras academias privadas de teatro, la aplicación del Método en los montajes escénicos y una dignificación del actor que tal y como explica Carazo, “al adaptarse a la idiosincrasia del intérprete en España, esta enseñanza terminó por derivar en el Método Layton, una fórmula propia que ha saltado a la dramaturgia y a la dirección de escena, con el imprescindible análisis de texto y el trabajo de mesa. El presente volumen se acompaña de un prólogo firmado por Jose Carlos Plazo, reconocido director y alumno de Layton.

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En esta publicación de Alba editorial, la escenógrafa Pamela Howard explica las claves de la creación de un espacio escénico. El volumen incluye una serie de variadas ilustraciones tanto de la autora como de sus maestros inspiradores como Léon Bakst, Caspar Neher o Robert Planchon entre otros.

El poder de la actuación Método de la maestra y entrenadora de actores Ivanna Chubbuck, conocida por haber sido profesora de varias estrellas de Hollywood. Publicado por Jorge Pinto Books, el libro presenta su método a través de doce pasos con los que conseguir una interpretación realista.

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Primer Acto

ADE Teatro

Los textos teatrales ‘Los días de la nieve’ de Alberto Conejero y ‘La grieta, entre animales salvajes’ de Gracia Morales y Juan A. Salvatierra se incluyen en el número 352 de ‘Primer Acto’ con el que celebra su seis décadas a través de seis temas y con artículos de más de sesenta colaboradores.

Un reportaje de los Premios ADE 2016, un dossier sobre el teatro polaco contemporáneo, sendas entrevistas con Carme Portacelli y George Lavaudant y el texto teatral ‘La mujer rechazada’ de Louise Doutreligne conforman el número 165 de la revista ‘ADEteatro’.

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De Sukei a Naima

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Catálogo de cicatrices

Gemma Miralles es la autora de esta obra galardonada con el Premi Eduard Escalante de Teatre. Publicada por Bromera, parte de un hecho histórico, la expulsión de los moriscos en 1609 para abordar diversos temas de absoluta actualidad a través de la vida de tres generaciones de una familia.

El cuerpo oculto

Con esta obra Alberto de Casso Basterrechea habla, en clave poética y a través de diversas voces tanto internas como externas, del rapto, violación y muerte de una adolescente en una isla y de su huella omnipresente a través del tiempo en su familia y en su raptor. Una publicación de Ediciones Invasoras.

Bajo este título, publicado recientemente por la editorial Artezblai se encuentra la obra dramática creada por Eusebio Calonge desde 2010 a 2017. Siete obras, sus siete últimos textos teatrales porque antes hubo más, hubo otros.

Miembro de la reputada compañía teatral La Zaranda, en las siete obras que se pueden encontrar en este volumen su autor “busca un sentido poético y trascendente que confiera una fuerte expresividad visual, sin perder la vinculación con la cotidianidad que lo rodea”. Y es que tanto Calonge como La Zaranda tienen su propio lenguaje, su particular poética, y la oportunidad de disfrutarla con la lectura de las obras ‘La patria de los espectros (Nadie lo quiere creer)’; ‘El régimen del pienso’; ‘El grito en el cielo’; ‘La extinta poética’; ‘Ahora todo es noche (liquidación de existencias)’; ‘Este sol de la infancia’; y ‘El corazón entre ortigas’.

Siete piezas de teatro breve

Al otro lado del mar

Elena Marqués, José Carlos Carmona, Vicente Marco, José Luis Ordóñez, Sandra R. Fernández, Pedro Pablo Picazo y María Zaragoza firman la autoría de las siete piezas breves que conforman este volumen publicado por la SGAE que se presenta con prólogo del propio José Luis Ordóñez.

Gran cabrón La pérdida de un hijo es uno de los hechos más trágicos en la vida de una persona, y es la situación en la que se encuentra el protagonista de esta obra escrita por Ángel Navas Mormeneo.

Una situación desesperada en un acto y dieciséis escenas publicada por Círculo Rojo Editorial.

La dramaturga salvadoreña Jorgelina Cerritos es la autora de ‘Al otro lado del mar’ obra con la que ganó el Premio Literario Casa de las Américas en la categoría de teatro en 2010 y que acaba de publicar la editorial mexicana Paso de Gato. “Con extraordinaria economía de medios —dos personajes y un único lugar de acción—, exalta una poesía cargada de humanismo y de auténtica vida escénica, para hablar de la necesaria comunicación humana, de la plenitud y la libertad versus lo establecido por órdenes, normas y convenciones que reducen los rasgos de la identidad personal a números, documentos y datos, y esconden la sensibilidad humana”. Así presenta la obra Vivián Martínez Tabares, directora de la revista cubana ‘Conjunto’ quién afirma además que “la obra recrea una fábula de contradicciones y anhelos que sostienen una inteligente reflexión sobre la condición humana y la esperanza”.

Espinas

Aire de Vainilla - Ainhara

Tras este título encontramos once piezas de teatro breve para jóvenes y tres piezas para una edad llamada “de transición” escritas por Luis Fernando de Julián y creadas tras sentarse junto a jóvenes de estas edades y escucharles . Una edición a cargo de la editorial AlfaSur.

El número 20 de la Colección de Teatro ASSITEJ corresponde a dos obras de la dramaturga Itziar Pascual, ‘Aire de vainilla’, una comedia que huele a vacaciones, playa y siestas infinitas y ‘Ainhara (Poema dramático) una fábula de viaje y de aprendizajes y una búsqueda de la identidad.

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20 años de portadas

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