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EDITORIAL

SEPTIEMBRE | OCTUBRE | 2017

Reuniones tumultuosas de emociones y resabios que nublan y aclaran el sentido

P Carlos Gil Zamora Director editorial

referiría poder atrasar la escritura de estas líneas ya que alguien, un ejército, unas policías, me encuentro absolutamente trastocado por lo sucedido unos servicios secretos pueden enen Las Ramblas de mi Barcelona natal con veinte muertos contrar una solución. Y no hay otra y un centenar de heridos. En ese tramo recorrido por la solución que volver a colocar al ser furgoneta asesina existe el Teatro Poliorama, el Capitol y humano en el centro de todos los disfrenó frente a la puerta del Liceu. En otros espacios yo he cursos. El teatro es por definición el visto a lo largo de mi vida espectáculos. Y en las calles ad- arte de la humanidad, donde los seres yacentes se encuentran otros puntos fundamentales de mi humanos nos reconocemos, donde es memoria teatral. Junto a la fuente de Canaletas se realizó imprescindible la existencia de esas la primera manifestación de la profesión teatral en 1976 dos personas, la que habla, actúa o se que derivó en la Assamblea d’actors i directors de Barce- expresa con movimientos de su cuerlona que realizó el Festival Grec de ese año. Podría seguir po y la que escucha y ve, para lograr tirando del hilo de mi memoria pero ahora quiero buscar esa convergencia que da en el hecho el hilo de mi esperanza hacia el futuro. teatral. Por ello, nos declaramos miPorque llegados a este punto a uno se le abren todas las re- litantes del teatro que sana, que nos flexiones sobre la función del arte, por la actitud que debe complementa y no del que nos aliena. tomar la Cultura, por la necesidad de penEn las programaciosar una vez más sobre la responsabilidad nes que comienzan, Nos declaramos social y política de las Artes Escénicas. ¿Se los festivales de medio militantes del tea- mundo que se van a cepuede hacer un teatro de entretenimiento tro que sana, que y desmovilización con cargo a los dineros lebrar al olor del otoño nos complementa públicos? ¿Se puede seguir haciendo un re(o de la primavera) pertorio machista, reaccionario en nombre vemos obras, espectáy no del que nos del mismo Estado? culos de toda índole. Paaliena.

Se puede, porque se hace, pero ¿es ese el rece evidente que en la teatro que necesitamos hoy y ahora? Ya sé continuidad de las proque los neutrales dirán que no se debe poligramaciones encontratizar la Cultura, que el Teatro es un bien culmos un alivio, una matural de todos, pero esa es la postura reaccionaria, la que nera de confiar en el futuro inmediato. nos mantiene en el limbo estético, en el adocenamiento, No es este lugar donde analizar o criel mercantilismo y la escala de valores del éxito contra el ticar sus contenidos. Lo único, repetir, rigor que reproduce el pensamiento neoliberal que nos ha como siempre, que el único manifiesto llevado a este punto de difícil retorno en donde las dife- que firma de manera nítida un prograrencias se agrandan y surgirán conflictos sociales que en mador o una directora de festival se ocasiones se expresarán de esta manera tan cruel como lo deduce de las obras que se ofrecen a la sucedido en Barcelona. Reprobamos estos actos crimina- ciudadanía. Y ahí tenemos mucho que les, pero pedimos que se piense por las causas y no se siga discutir, aprender y visionar sobre el azuzando el odio de clase, religión o étnico. teatro actual europeo e iberoamericaNo pueden solucionarse estos asuntos desde los escena- no. Podremos comparar, y compararrios, pero se pueden plantear preguntas, dudas, intervenir nos. Y eso siempre es positivo, aundesde la postura ética, con la estética para plantear opcio- que pasemos por crisis de identidad o nes políticas que escapen de la lujuriosa verbena de nade- comprendamos que existe una distanría del pensamiento único. cia, en ocasiones abismal, entre lo que Cada uno sabe dónde debe colocarse. Muchos creen, por hacen nuestras unidades de producignorancia, que todo se soluciona de manera mágica, que ción institucionales allá donde existen, – 4 –

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índice

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Opinión

Christophe Raynaud

nuestras compañías de referencia o el común de los que sobrevivimos con nuestras supuestas capacidades limitadas por unas circunstancias poco propicias con lo que se logra tras décadas de estructuras sólidas, políticas no restrictivas y otra manera de enfocar el valor de la cultura y de las artes escénicas, como sucede con regularidad por encima de los Pirineos. O en Portugal, sin ir tan lejos.

Insistiremos en la necesidad de cambiar el paradigma existente en lo referente a la formación, la producción, la exhibición de las artes escénicas. Creemos que se debe revisar y cambiar todo el entramado reglamentario, consensuar una ley de las artes escénicas que nos sitúe en este siglo y mire hacia el provenir. Adaptarse a los tiempos actuales. Trabajar con la mirada puesta en el futuro, no con las urgencias del presente. Es nuestra obsesión, nuestro discurso reiterativo, pero no encontramos otra manera de advertir de que no vamos por un camino de progreso, sino de mediocridad, de aceptación de un estado de cosas que solamente lleva a la confusión entre lo privado y lo público, a las componendas, el miedo, las amenazas encubiertas o manifestadas, las corruptelas aceptadas sin objeción crítica. A un desmoronamiento de todo el bagaje ético, estético, político que alguna vez se apuntó, y que debe concretarse en cambios absolutos de las maneras de afrontar la gestión de estos bienes etéreos que son la cultura en vivo.

De paso desenmascarar a quienes han colocado el anzuelo de la internacionalización como panacea. Yo pido, solemnemente, una nacionalización de las producciones de cada autonomía, que giren por las otras, que no existan esas barreras abominables e insufribles que propician los clanes y la reducción de las posibilidades a unos circuitos menores que no pueden soportar la profesionalización en términos competitivos.

Contemplo, no solamente aquí, sino en los lugares de otras partes del mundo que tengo la suerte de visitar, una suerte de mantra general, que se canta o se susurra sobre la creación de nuevos públicos. Una especie de obstinación. Y he llegado a la conclusión que los públicos son esos ciudadanos que se pierden mientras seguimos hablando y destinando recursos de manera infructuosa a buscarlos. Se debe estudiar, se deben utilizar recusos técnicos, nuevas maneras, pero la fundamental es que desde el nacimiento hasta el adiós, una ciudadana sepa que el teatro forma parte de su vida y de su identidad. Las valoraciones posteriores vendrán por añadidura. — – 5 –

Editorial Cronicón de Villán y Corte | Javier Villán Desde la Caverna | David Ladra Luz Negra | Josu Montero Postales argentinas | Jorge Dubatti Vivir para contarlo | Virginia Imaz El método griego | Maria Chatziemmanoui El lado oscuro | Jaume Colomer Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado

4-5 6 7 64 66 - 67 68 70 72 73 75

Estrenos

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Festivales

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En

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gira Zona abierta SUPLEMENTO

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FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ

Portada

Fotografía del espectáculo ‘Edgar Allan Poe´s Haunted Palace’ de The Tiger Lillies tomada por Thor Brødreskfit

Número: 218 - año 21 | Septiembre / Octubre 2017 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

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Las Ramblas y la tragedia impura

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Javier Villán

alos tiempos para la lírica dijo el inmortal Bertold Brecht. Y para la épica y para la dramática.

Barbarie y tragedia de mis queridas Ramblas, mi segunda patria cuando fui joven, donde tuve un amor pasajero y donde nos citábamos, Fuente de Canaletas sagrada, para ensayar en un local de la Boquería La venganza de don Mendo. Ella hacía de Magdalena, la traidora “más coqueta que las clásicas gallina”, y yo hacía unas veces de Mendo y otras de don Nuño Manso de Jarama aquel que dice, “la cuna de los Mansos de Jarama a fuerza de ser alta cual ninguna, más que nunca dijérase que es cama”.

Todo esto me ha traído a la memoria el horror de las Ramblas en el que he creído percibir la sonrisa ensangrentada de aquella novia que apenas lo fue y que hacía de la Magdalena de don Mendo ligera de cascos. Apoteosis del terror nunca puede llevar a la hilaridad, 14 muertes y la instalación súbita de la barbarie y llegaron los bárbaros, el gran poema de Konstantin Kafavis preguntándose “y qué haremos ahora sin bárbaros”.

Por las Ramblas, que ya han revivido y brillan frescas otra vez vencida la barbarie, paseaba Ocaña, artista vestido de mujer, ángel transexual o solo homosexual y demonio. La Barcelona libérrima de los últimos sesenta y primeros setenta.

Sobre Ocaña escribió Andrés Ruiz, recopilador de Coplas de la Emigración, una obra que publicó Moisés Pérez Coterillo en su colección de textos del Ministerio cuando llegó la democracia; Ocaña el fuego infinito. Ocaña, la reina loca de las Ramblas. Nunca esa obra se puso en escena como nada se puso de Andrés Ruiz a cuya autobiografía, El muchacho de los ojos verdes, yo le puse prólogo. Era una historia atroz de violaciones y abusos por parte de profesores y enseñantes de un niño pobre y de familia roja.

Días atroces de terrorismo en las Ramblas, recuerdos de Canaletas que han propiciado esta reflexión inicial. Y total, para decir que no son buenos tiempos para el teatro esta canícula, que Madrid en verano ya no es Badem Badem. No es accidental que haya recurrido en este artículo a Muñoz Seca; el otro día en el Galileo hube de recurrir a Jardiel Poncela y sus Cuatro corazones con freno y marcha atrás, para constatar que la gente es feliz; que a la gente le basta con media docena de cómicos de medio pelo pero eficaces, – 6 –

un pincho de tortilla y un poco de aire fresco a las 24:00 horas para ser feliz.

No había llegado todavía esa tragedia del horror de las Ramblas que ni Eurípides, ni Sófocles ni Esquilo, serían capaces de escribir. Una tragedia celérica y colérica, de ritmo superior a la tragedia estática, senequista o no. En las Ramblas no ha habido protagonistas individuales, todo coros sin corifeo conductor. Y público de golpe convertido en víctima, héroes de la nada antes o después del conductor asesino.

El verano no es buen tiempo para el teatro; comedias intrascendentes, salas vacías… Y volví a ver Pares y Nines, la comedia de José Luis Alonso de Santos, que cimentó su fama. Enredos de parejas, adulterios conocidos y consentidos. Risas de gentes que se aburren, que han ido al teatro porque no tenían otra cosa mejor que hacer.

Buena elección; prefiero que, para matar el ocio, la gente elija un teatro, que Fernando Fernán Gómez no tenga razón y si la tiene tampoco importa. Decía el genial pelirrojo; el teatro se ha quedado para cuatro señoras que aprovechan para ir a merendar a Embassy.

Julio ha sido un mes horribilis por peripecias infortunadas que no sabe de teatros, de estrenos, de reposiciones. Marta Poveda me llama y dice que en Almagro me echan de menos y que hasta octubre no vendrá a Madrid La dama duende.

María Hervás, Ifigenia en Vallecas, maldice contra esas peripecias imprevistas como ella solo sabe hacerlo, su “poética de barrio” que es la poética de barrio de Ifigenia. Me pierdo las crónicas de José Padilla en el Ambigú, de Pavonkamikaze.

Dejo colgada varias veces a una actriz que admiro sin reservas, Pepa Pedroche a la que han rendido no sé cuantos homenajes.

Y para colmo, como remate de todas las tragedias, en agosto, apéndice del malvado julio, se me muere Terele Pávez, mi amiga de aquel viejo café Gijón libre, libertario y dipsómano. Terele Pávez, que no abominó nunca de su padre, Ramón Ruiz Alonso, el asesino fáctico de Lorca pero se borró el apellido. Terele el azote del Gijón y todos sus clientes, menos unos pocos privilegiados, cuando se revolucionaba. Como sus hermanas Enma Penella y Elisa Montés siempre quiso hacer teatro de Lorca; hasta que alguien les explicó la historia. Terele Pávez, In memoriam. —

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DESDE LA CAVERNA

Los clásicos en su integridad

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David Ladra

esmontados los focos, recogidos los bártulos y devueltos los trajes a Cornejo, ya quedó atrás el abrasador mes de Julio con todo su cortejo de festivales teatrales dedicados, en su mayor parte, a la revisión de nuestros clásicos. Obviando las provincias tradicionalmente desafectas, alcázares, castillos, plazas mayores y hasta iglesias se engalanan en todo el territorio nacional para que el pueblo, hoy soberano, disfrute por la noche, además de un poco de aire fresco (si lo hace, que no lo suele hacer) de ese donoso ingenio y esa elevación del espíritu que suelen conllevar nuestros dramas y comedias áureas.

Aunque el aire siguiese sin correr –o lo hiciera muy raramente– no cabe duda al fin de que el proliferar de estas celebraciones nada tiene que ver con aquellos Festivales de España con los que el dictador amenizaba la nación a base de zarzuelas o de Coros y Danzas. El incremento y la mejora de las escuelas y talleres de teatro, el conocimiento, la responsabilidad y el esfuerzo de jóvenes directores e intérpretes y el permanente ejemplo de la Compañía Nacional de Teatro Clásico permiten en la mayoría de los casos que, a pesar de la escasez de medios, las funciones no sólo sean dignas sino, con frecuencia, brillantes. Nada que añadir, por lo tanto, si no son parabienes, a la reposición de los clásicos exceptuando un reparo notable: que siempre se programen los mismos.

De autores, ya se sabe: Calderón, Lope y Tirso. Y de higos a peras, por hacer ver que son muchos y buenos, una pequeña muestra de sus más destacados prosélitos: Ruiz de Alarcón, Vélez de Guevara, Rojas Zorrilla, Moreto… Y si hablamos de obras, sota, caballo y rey: Fuenteovejuna, La vida es sueño y El alcalde de Zalamea. De no haberse inventado la imprenta, estaríamos hoy como los griegos: a base de repetir los predilectos, tan sólo quedarían éstos.

Enmarcados en el XVII, los clásicos vendrían a representar nuestros “valores”: el coraje, la lealtad, la hidalguía, la devoción, el honor y la honra… Valores todos ellos ya en su tiempo caducos –si es que llegaron a ser alguna vez– pero defendidos a capa y espada por sus contemporáneos con el fin de ahuyentar el fantasma que veían venir de la decadencia y de la ruina. Mucho ha ocurrido desde entonces y el – 7 –

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actual espectador lo conoce pero, en su fuero interno, sigue añorando aquella época y se deja llevar, en consecuencia, por las comedias que transcurren en ella. Y es que la escena ejerce una función de primer orden en la mitificación de la Historia: primero, la adecúa a los gustos y necesidades del momento; y en segundo lugar, la va manipulando a medida que, con las reposiciones, se lo piden los tiempos.

Tan es así que, a pesar de marcar el XVI el apogeo imperial de nuestra patria, para el mundo literario y artístico su recuerdo ha quedado anublado por el auge y esplendor del teatro en el Siglo de Oro. Pero la Comedia Nueva de Lope no nació por generación espontánea sino como resultado de un movimiento que se inicia hacia el último tercio del siglo anterior y, como si el desenlace de una prueba se conociese antes que sus inicios, se califica a veces, un tanto despectivamente, de pre-lopista. Y es que se asiste en dicha época a un intenso período de renovación que deja tras de sí un teatro renacentista aún fascinado por la Antigüedad para internarse definitivamente en el barroco, esto es, el comienzo del drama moderno. Respondiendo a la complejidad de aquel tiempo –la colonización, el cisma luterano, las guerras en Europa y en el Mediterráneo, la Contrarreforma…– la actividad dramática en nuestro país se bifurca en varias direcciones como indica Ignacio Arellano: el teatro palaciego; los pasos dirigidos al pueblo llano, escritos e interpretados por Lope de Rueda; la influencia de cómicos y compañías italianas incluyendo la commedia dell´arte; el fallido intento de creación de una tragedia vernácula española por parte de Jerónimo Bermúdez, Lasso de la Vega o Argensola; la escuela modernista de Valencia que tanto influyó en Lope, con autores como Guillén de Castro, Rey de Artieda, Cristóbal de Virués, Gaspar de Aguilar o el canónigo Tárrega; la comedia histórica nacional de Juan de la Cueva, modelo de tantas creaciones del teatro aurisecular; o, por no ser exhaustivos, el teatro representado en los colegios jesuitas junto con todo el teatro religioso que proliferará el día del Corpus en las calles y plazas llevando el auto sacramental a su apoteosis. Será también a partir de los años setenta cuando se desarrolle el teatro comercial de los corrales (del Príncipe y de la Cruz en Madrid, del Santets y la Olivera en Valencia, de doña Elvira y las Atarazanas en Sevilla…) así como su organización y monopolio por parte de concejos y órdenes religiosas.

Un teatro que, culminando en la figura de Cervantes, llevan años sacando a luz los estudiosos aunque raramente se represente: ¿o es que nos basta con lo acreditado y no queremos saber la historia entera? —

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El Teatro Arriaga estrena Obabakoak

Obabakoak se convierte en una experiencia multisensorial El teatro bilbaíno presenta una versión de la novela de Bernardo Atxaga dirigida por Calixto Bieito

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l Teatro Arriaga de Bilbao estrena una de sus grandes producciones de la temporada, ‘Obabakoak’, adaptación que Calixto Bieito, director artístico del mencionado espacio, realiza sobre la pieza homónima de Bernardo Atxaga, considerada la novela vasca más internacional y traducida a múltiples lenguas. La versión en euskera podrá verse del 18 al 21 de octubre, y la de castellano –previo estreno en el Teatre Lliure de Barcelona, donde también se ofrecerán funciones en euskera– se representará en el Arriaga del 23 al 26 de noviembre.

Escrita originalmente en euskera y

publicada en 1988, ‘Obabakoak’ (‘los de Obaba’) narra las historias de los habitantes de Obaba, una pequeña población vasca imaginaria donde se sitúan los numerosos cuentos que componen la obra. Ganadora en 1989 del Premio Nacional de Narrativa, Calixto Bieito la describe como una “grandísima” novela que recrea un “universo mágico”. Joseba Apaolaza, Ylenia Baglietto, Gurutze Beitia, Ainhoa Etxebarria, Miren Gaztañaga, Iñake Irastorza, Karmele Larrinaga, Itziar Lazkano, Koldo Olabarri, Lander Otaola y Eneko Sagardoy serán los encargados de interpretar este “poema sinfónico multimedia”, en palabras del director. “Según cita el propio Atxaga, un cuento es un poema. Nosotros vamos a explicar e interpretar los cuentos, construidos con diferentes voces”, explica Bieito. Acostumbrado a realizar versiones de obras en idiomas que no habla, el director revela que el público tendrá la oportunidad de asistir a “una experiencia multisensorial”.

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Vamos a explicar e interpretar los cuentos, construidos con diferentes voces

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Además de las mencionadas funciones en el Teatro Arriaga y en el Teatre Lliure (25 y 26 de octubre en euskera y 27, 28 y 29 en castellano), la producción recalará con su versión en euskera en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia (4 de noviembre), Serantes Kultur Aretoa de Santurtzi (9 de noviembre), Amaia Kultur Zentroa de Irun (12 de noviembre) y Teatro Principal de VitoriaGasteiz (14 de noviembre). —

Aparte de ‘Obabakoak’, el Teatro Arriaga acogerá estos meses el estreno de ‘La casa de la llave/ Giltzadun etxea’ de Mada Alderete, propuesta de Tanttaka Teatroa que se representará también en euskera (31 de octubre) y castellano (1 de noviembre).

Se trata de una obra donde tres actrices (Ainhoa Aierbe, Mireia Gabilondo y Vito Rogado) encarnan a trabajadoras sociales que muestran el día a día de dos refugios –una Casa de Emergencia y una Casa de Acogida– para mujeres que eran víctimas de la violencia, donde la propia autora de este poemario trabajó durante siete años como educadora. En sus palabras, los nombres propios que utiliza, son “la única mentira” del espectáculo. Dirigido por Fernando Bernués, el montaje contará con la composición musical y la música en directo de Ainara LeGardon y las imágenes de Maialen Sarasua.

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Morfeo Teatro estrena Los cuernos de don Friolera

Una crítica al machismo ibérico con forma de esperpento Se trata de una de las obras que compone la trilogía ‘Martes de carnaval’ de Ramón del Valle-Inclán

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estrenará el 22 de octubre en el Teatro Principal de Burgos su nuevo espectáculo, ‘Los cuernos de don Friolera’, con la ayuda en la producción de Montse Lozano y Gloria Muñoz. Con dramaturgia y dirección de Francisco Negro, el montaje está interpretado por el propio Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy. La obra forma parte junto con ‘Las galas del difunto’ y ‘La hija del Capitán’ de la trilogía teatral ‘Martes de Carnaval’ de Valle Inclán. Publicada en 1930, se considera una de las piezas de pleno desarrollo del modo del esperpento.

La pieza retrata una España de prinorfeo Teatro

cipios del siglo XX en la que su autor critica los prejuicios morales de la pérdida del honor por “los cuernos”; por eso pretende, y logra con ironía, burlarse de sus personajes y de sus comportamientos de folletín sainetero, en una parodia satírica que provoca risas sobre la tradición machista de los españoles.

La historia narra cómo el teniente Astete -don Friolerarecibe un anónimo avisándole de que su mujer le engaña.

Vuelto loco por los celos de su frívola mujer, doña Loreta, tentada por un chulapo de medias tintas y vecino, el barbero Pachequín, e instigado por un malintencionado vecindario, trama tomar venganza. La hija de ambos, Manolita, entra en escena justo cuando el supuesto cornudo va a matar a los inocentes amantes, amansando las iras de su padre. Sin embargo, la presión de sus colegas militares le ofusca en lo más hondo de su orgullo, y recurriendo a un ancestral código del honor y pistola en mano, se conmina a cometer el crimen, al grito de “¡En el cuerpo de carabineros no hay cabrones!”.

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Valle-Inclán hace también un repaso del ambiente del hampa y clases populares, de la connivencia de los contrabandistas y oficiales del ejército. En definitiva, un retrato despiadado de la deteriorada consistencia moral de la sociedad española y del ambiente de frustración tras la pérdida de las Colonias. El autor reniega también del conservadurismo intelectual y político de su época, de la mojigatería religiosa y de la conservadora y altiva tradición literaria española desde Cervantes a sus días. En sus palabras: “En la literatura aparecemos como unos bárbaros sanguinarios. Luego se nos trata, y se ve que somos unos borregos”.

Pero sobre todo ese pesimismo Valle-Inclán descarga su arma más poderosa: la risa, con la que él mismo da ejemplo: “Todo nuestro arte nace de saber que un día pasaremos.

Ese saber iguala a los hombres mucho más que la Revolución Francesa. Soy como aquel pobre, que al preguntarle el cacique qué deseaba ser, contestó: Yo, difunto”.

Decorado Según explican desde Morfeo Teatro, el decorado (unas gasas ajironadas en técnica de pintura collage que permiten diferentes juegos de transparencias) está inspirado en la serie de cuadros ‘Elegía a la República española’ del pintor Robert Motherwell, perteneciente a la Escuela de Nueva York del expresionismo abstracto de mediados de siglo XX. Frente a esa gasas pictóricas se manifiesta la presencia de un gran teatrino de títeres de época en su frente, llevado a escala humana, donde se desarrollan las escenas del esperpento.

“Esta serie de cuadros que pinta Motherwell al visitar España tras la guerra civil y quedando impresionado por las trágicas consecuencias del conflicto, es un tributo del pintor a sus admirados artistas españoles, Picasso y Miró, escogiendo la forma de la elegía pictórica como ritual de duelo a la manera de Lorca en su poesía, enraizando la expresividad de sus trágicas formas negras ocultando un fondo luminoso, con la cultura y la tradición del barroco español y como transmisora de un abismo emocional”, recalcan desde la compañía. —

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Teatro Corsario estrena Traidor

Política y erotismo en lo nuevo de Teatro Corsario ‘Traidor’ de José Zorrilla es una trama policíaca que tiene su origen en una historia real

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a veterana compañía Teatro Corsario, reconocida por sus espectáculos de títeres para adultos y la puesta en escena del teatro en verso del Siglo de Oro, ha elegido para su nuevo espectáculo una obra del siglo XIX, ‘Traidor’ de José Zorrilla, cuyo estreno tendrá lugar los días 7 y 8 de octubre en el Teatro Calderón de Valladolid.

‘Traidor’, “su mejor obra” según el propio Zorrilla, está escrita en verso y tiene su origen en una historia real, la de un pastelero de Madrigal que a finales del siglo XVI dio lugar a un proceso que sería declarado secreto de Estado durante trescientos años.

Jesús Peña se ha encargado de la versión y dirección de esta trama poli-

cíaca que comienza con la desaparición en una terrible batalla del rey Sebastián de Portugal, situación que aprovechó el rey Felipe II de España para hacerse con el trono del reino vecino e instaurar una política de represión, silencio y miedo, ya que cualquiera que se atreviera a conspirar contra el nuevo monarca era torturado y condenado a muerte.

En este ambiente hostil, el pastelero Gabriel Espinosa llega en secreto a Valladolid junto con su hija Aurora y es identificado por varias personas como el desaparecido rey portugués, por lo que es recluido en la posada en la que se aloja. A pesar de que Gabriel niega las acusaciones, el juez prepara el patíbulo mientras su hijo se enamora de la joven Aurora y se muestra perplejo ante lo que parece una relación incestuosa entre los detenidos.

La versión que de esta enrevesada trama ha realizado Peña incide, en palabras de los miembros de la compañía vallisoletana, “en los aspectos más escabrosos de la obra”, dando fuerza por una parte a la trama política, con

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importantes conflictos y luchas por el poder entre los personajes, parte de ellos históricos, y por otra parte el erotismo, a veces latente y a veces explícito de la pareja protagonista. Cabe destacar que esta puesta en escena evita reproducir la época de Felipe II y remite al público a la del propio Zorrilla, al apasionante y oscuro romanticismo del siglo XIX. Para la representación de esta nueva obra, Teatro Corsario ha contado con gran parte de su elenco; Carlos Pinedo interpreta a Gabriel Espinosa, Blanca Izquierdo a la joven Aurora, Luis Miguel García al juez de Valladolid; Javier Bermejo a su hijo, el capitán; Teresa Lázaro a Burgoa, la posadera, y Borja Semprún al marqués portugués. La cuidada iluminación del espectáculo es obra de Luis Perdiguero y la música del compositor Juan Carlos Martón.

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Teatro Corsario y Jesús Peña Desde su fundación en 1982, Teatro Corsario ha llevado a escena 38 obras, de las que Jesús Peña ha dirigido todas las creaciones de títeres para adultos –’La maldición de Poe’ (1994 y una nueva versión en 2010), ‘Vampyria’ (1997) y ‘Aullidos’ (2007)–, además de las obras de teatro de actores ‘El médico de su honra’ de Calderón de la Barca (2012), los entremeses de burlas ‘Clásicos cómicos’ (2014) y el recital de verso ‘Palabra de Corsario’ (2016). —

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Kabia Teatro estrena Alicia después de Alicia

La eterna lucha entre el deber y el querer

TRACKEN Studio

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abia Teatro estrena su nuevo espectáculo ‘Alicia después de Alicia’, pieza dirigida por Borja Ruiz que se presentará el 28 de octubre en el Social Antzokia de Basauri (Bizkaia), espacio donde la compañía bilbaína ha realizado la residencia de creación. El montaje plantea la contradicción que surge a veces entre el deber y los sueños, a través de la conocida ‘Alicia en el país de las maravillas’.

En esta propuesta, Alicia es una mujer de 40 años que ha perseguido siempre el sueño de ser una gran violinista de orquesta; pero no lo ha conseguido. Se trata de un sueño que le fue inculcado por su madre, quien acaba de fallecer cuando comienza el espectáculo. Es entonces cuando, en un ataque de crisis, Alicia cae dormida, dando inicio a un sueño en el que su vida personal se mezclará con la de la protagonista del clásico de Lewis Carrol, libro que su madre le leía de pequeña. Así, el públi-

co verá cómo las personas de su vida cogerán la apariencia de personajes de la obra original, como el Conejo Blanco o el Sombrerero.

La compañía inició el proceso de creación con el objetivo de tratar el tema de la depresión, una “pandemia silenciada”, en palabras de Borja Ruiz, “de la que se habla poco”. Intentando alejarse del cliché oscuro que rodea a esta enfermedad, surge la idea de plantearse la obra con la estructura de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Es entonces cuando comienzan un trabajo de campo para recabar información sobre la depresión y los sueños, consultando a expertos en sueño, psicoanalistas y psicólogos, entre otros. Según explica el director, “no es un espectáculo sobre la depresión, sino un espectáculo que habla de perseguir un deseo”.

En cuanto al equipo artístico, es Emilio Encabo quien ha desarrollado la dramaturgia partiendo de la idea inicial de la compañía. El elenco de in– 16 –

térpretes, por su parte, está formado por Haizea Aguila, Florentino Badiola, Karol Benito, Yolanda Bustillo, María Goiricelaya, Javier Liñera y Juana Lor. Además y como novedad, Kabia Teatro empleará las técnicas de la animación y el video mapping en esta pieza.

Para ello, Ane Pikaza ha creado las ilustraciones que serán animadas por Gheada y proyectadas en diferentes superficies de la escena, produciendo así una interactuación entre las imágenes y la acción que llevarán a cabo los intérpretes. Borja Ruiz revela que se ha tratado de un “reto” para la compañía, llevado a cabo gracias a un trabajo realizado “muy en equipo”.

Después del estreno, la producción tiene ya previstas una docena de funciones por el territorio vasco, pasando por localidades como Eibar, Amurrio, Durango, Zornotza, Gasteiz, Errenteria, Zumaia, Gernika, Leioa, Donostia y Barakaldo entre los próximos meses de enero y mayo. —

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MISCELÁNEA

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Centro Dramático Nacional

Teatros del Canal

El CDN presenta tres nuevos montajes en octubre. ‘Dentro de la tierra’ de Paco Bezerra con dirección de Luis Luque podrá verse en el Teatro Valle-Inclán de Madrid (11 octubre-19 noviembre), interpretada por Jorge Calvo, Mina El Hammani, Samy Khalil, Chete Lera, Raúl Prieto, Pepa Rus y Julieta Serrano. ‘Bodas de sangre’ de Lorca llega en versión y dirección de Pablo Messiez al madrileño Teatro María Guerrero (18 octubre-10 diciembre), con un elenco formado por Guadalupe Álvarez, Pilar Bergés, Francesco Carril, Juan Ceacero, Fernando Delgado, Claudia Faci, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Carmen León, Gloria Muñoz, Julián Ortega y Estefanía de los Santos. Y ‘Espía a una mujer que se mata’, con texto y dirección de Daniel Veronese a partir de ‘Tío Vania’ de Chéjov, estará interpretada por Jorge Bosch, Pedro García de las Heras, Ginés García Millán, Malena Gutiérrez, Marina Salas, Susi Sánchez y Natalia Verbeke. Estará en cartel del Teatro Valle-Inclán (27 octubre-10 diciembre).

Después de obtener con su primer montaje el Premio Max como Mejor Espectáculo Revelación 2014, The FunamViolistas presenta su segunda pieza: ‘ContraEscena’ (21-24 septiembre). Los argentinos Osqui Guzmán y Leticia González de Lellis dirigen a este trío de músicas formado por Ana Hernández, Mayte Olmedilla y Lila Horovitz.

‘La desnudez’ de Daniel Abreu es una coproducción del Festival Danzatac y Teatros del Canal que se presenta del 19 al 22 de octubre. Interpretada por Dácil González y el propio Abreu, es una pieza que gira en torno a la belleza de las cosas. Según ellos, este trabajo podría titularse ‘Geografía’, porque trata de recomponer y revisitar lo que hay, ya sea un cuerpo material o un impulso.

Y Fernando Soto dirige la comedia ‘Ay, Carmela’ de José Sanchis Sinisterra, espectáculo interpretado por Cristina Medina y Santiago Molero que se podrá ver del 27 de octubre al 11 de noviembre.

Teatro Kamikaze

Vanessa Rábade

Teatro Fernán Gómez

El Pavón Teatro Kamikaze ha programado cuatro estrenos estos meses. Del 5 al 28 de septiembre se presentará ‘Venus’, pieza con texto y dirección de Víctor Conde en la que 5 personajes coinciden en un café. Escrita y dirigida por Pascal Rambert, ‘Ensayo’ llegará de la mano de Buxman Producciones del 12 de septiembre al 8 de octubre. Interpretada por Israel Elejalde, María Morales, Fernanda Orazi y Jesús Noguero, la pieza fue galardonada con la Medalla de Bronce 2015 del Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía otorgada por la Academia Francesa. Del 2 al 11 de octubre llegará el turno de ‘Un cuerpo en algún lugar’, obra con autoría y dirección de Gon Ramos e interpretación de Fran Cantos y Luis Sorolla. Por último, Roger Gual adapta y dirige ‘Smooking Room’ sobre la película homónima de Julio Walovitz y el propio Gual. Protagonizada por Secun de la Rosa, Miki Esparbé, Manuel Morón, Pepe Ocio, Manolo Solo y Edu Soto, estará en cartel del 12 de octubre al 19 de noviembre.

Nacho Peña

TeatroLab Madrid y El Reló estrenan ‘Gross Indecency’ (Los tres juicios a Oscar Wilde) de Moisés Kaufman, montaje con dirección de Gabriel Olivares que se podrá ver en el Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa del 14 de septiembre al 8 de octubre. En 1895 Oscar Wilde llevó a cabo una demanda por difamación contra el Marqués de Queensberry, padre de su joven amante, quien públicamente le tachó de sodomita. Al hacer esto, puso en marcha una serie de eventos que culminarían en su asedio y encarcelamiento. A lo largo de un año un desconcertado Wilde fue juzgado por cometer actos de “grave indecencia” e implícitamente, por una visión sobre el arte que indignó a la sociedad Victoriana. Se calificó el arte y la literatura de Wilde de inmoral, llevando a su abogado a declarar, “¡parece que lo que está en juicio no es Lord Queensberry sino el arte del señor Wilde!”. En esta obra de teatro Moisés Kaufman transforma los juicios a Oscar Wilde en un drama humano e intelectual.

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MISCELÁNEA

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Sergio Parra

Barcelona

Avilés

‘El metge de Lampedusa’, a partir de ‘Lágrimas de sal’ de Lidia Tilotta y Pietro Bartolo, es una adaptación de Anna Maria Ricart que dirige Miquel Górriz. Pietro Bartolo lleva treinta años siendo el médico de Lampedusa. Su autobiografía -Lágrimas de sal- relata una vida dedicada a la atención a los exiliados que navegan hasta la isla desde las costas africanas. Coproducción del Teatre Lliure, Temporada Alta y Punt produccions Teatrals interpretada por Xicu Masó, se presenta del 20 de octubre al 12 de noviembre en el espacio de Montjuïc. Y el Teatre Nacional de Catalunya llega con tres nuevas producciones. ‘Desig sota els oms’ de Eugene O’Neill está dirigida por Joan Ollé y se podrá ver del 19 de octubre al 26 noviembre. ‘Islàndia’ de Lluïsa Cunillé con dirección de Xavier Albertí se representará del 5 de octubre al 5 de noviembre. Y Jordi Prat i Coll dirige ‘Après moi, le déluge’ de Lluïsa Cunillé y Miquel Ortega, en cartel del 26 al 29 de octubre.

El Teatro Palacio Valdés acoge el 22 de septiembre el estreno de ‘Sensible’ de Constance de Salm, en versión y dirección de Juan Carlos Rubio, interpretación de Kiti Mánver y Chevi Muraday y de la mano de Concha Busto y Rovima. Se trata de un espectáculo multidisciplinar en el que música, danza e interpretación se funden y superponen para sumergir al público en el abanico de obsesiones y afectos del alma, trazados por Constance de Salm en su afamada novela epistolar del siglo XIX. En ella se descubre cómo una madura aristócrata pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche de otra mujer. Despechada, a lo largo de un intenso día se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado. A partir de octubre, la pieza iniciará una extensa gira, que le llevará por numerosos teatros del Estado español hasta mayo de 2018.

Vigo

Valencia

Ensalle Teatro estrena el espectáculo ‘Procedimientos ante el vacío’, con dirección y dramaturgia de Pedro Fresneda y Mónica Valenciano. Raquel Hernández, Artús Rei, David Santos, Nacho Muñoz y Pedro Fresneda forman el elenco de la pieza. Programado del 29 de septiembre al 1 octubre, se trata de un trabajo nacido del encuentro de la compañía con Mónica Valenciano en el Canchal IV. Según Pedro Fresneda: “creo que es el momento de observar el comportamiento del individuo y de esa colectividad a la que llamamos sociedad ante lo inesperado. ¿Cómo se mueve un cuerpo ante el vacío? ¿Qué significa su silencio? ¿Cuál son las palabras que un actor/persona/animal social puede decir frente a la incertidumbre de lo desconocido? ¿Cuáles son los pasos de esa “coreografía” que se realiza sobre un terreno tan resbaladizo? Sí, creo que es el momento de saber con que herramientas contamos para abordar el vacío, quienes estamos dispuestos a llenarlo y cual es el contenido que hemos preparado”.

El Espacio Inestable contará con varias primicias en el mes de septiembre. Del día 7 al 11 se podrá ver ‘Else y Henry’ por la compañía Da Capo, con dirección de Puy Navarro.

Ganadora del Tercer Premio en el Concurso Nacional de Escritura en EEUU de la Fundación MetLife “Nuestras Voces” otorgado a las nuevas voces de la dramaturgia hispana en Nueva York, la obra está inspirada en la historia real del afamado arquitecto alemán Henry Klumb y de su esposa Else, que vivieron en Puerto Rico por más de 40 años.

Los días 23 y 24, Teatro de lo Inestable presentará la versión de sala de ‘El acto más hermoso del mundo’, dirigida por Maribel Bayona y Rafa Palomares. Y del 28 de septiembre al 1 de octubre se podrá ver el estreno de ‘Creatura’ de Ester Garijo, residente en Espacio Inestable. Interpretada por Paloma Calderón, Paula Romero e Iris Pintos, el tema central de la pieza es la persona humana concebida como unión de cuerpo, mente y espíritu.

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XXXVII FiraTàrrega

La participación como eje vertebrador de FiraTàrrega 2017 La acción comunitaria ‘urGENTestimar’ inaugura esta edición que tendrá lugar del 7 al 10 de septiembre

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‘Ferida’ ‘Wetfloor’ ‘Mátria (Narrar el silenci)’

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a trigésima séptima edición de FiraTàrrega se presenta con la participación como eje vertebrador, dando continuidad al trienio temático que reivindica los principales potenciales de las artes de calle contemporáneas iniciado el pasado año con la interculturalidad y que acabará la próxima edición con el espacio público.

Para cumplir con este objetivo, la programación de este año se estructura en cinco secciones (Participa, Reclama, Actúa, Celebra y Juega) en las que se incluirán los 54 proyectos seleccionados provenientes de 8 países, entre los que destacan 21 estrenos en los que FiraTàrrega participa en la coproducción de 14 de ellos a través del programa Apoyo a la Creación, además del

espectáculo inaugural, ‘urGENTestimar’ de Ada Vilaró y Josep Perelló, una acción comunitaria que “pretende eludir las fronteras desde el arte y la ciencia” y que se encuadra en la sección Participa, por ser un espacio de participación integral y poner en práctica diversos momentos de comunión colectiva. Una experiencia relacional con una duración de 40 horas y cuyo resultado se conocerá en los meses posteriores a esta acción artística presencial.

Dentro de la sección Reclama se podrá disfrutar con producciones como ‘Mátria (Narrar el silenci)’ de Carla Rovira, una pieza de teatro que reflexiona sobre la muerte, la familia, el silencio, la memoria y la mujer; ‘Pool (no water)’ de Íntims Produccions, pieza visceral sobre fragilidad de la amistad, la envidia, el éxito y el significado del arte en la vida de los creadores; ‘The Meeting Point’ de Patricia Habchy Company, una coreografía de gestos entre un hombre ciego y una mujer como búsqueda de nuevas correspondencias entre la información visual, la sonora y la textual, o ‘Proyecto Opreso’ de DNA Cia, una exploración de diversas realidades sociales a través de la danza urbana.

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Hamlet (entre todos)

Barbecho urbano

La sección Actúa incluye los espectáculos de danza ‘Bologna: Pasolini’, coreografía con la que La Veronal recrea el asesinato de Pier Paolo Pasolini, ‘Lucky shots’ de las holandesas Woest, o el experimeno circense ‘Breaking Point’ de Wibel Weibl Co. En esa misma sección se ubican montajes como ‘Hamlet (entre todos)’ de [los números imaginarios] y ‘Ningú no va als aniversaris a l´estiu’ de Los Hermanos Picohueso, ambas con un lenguaje festivo, mientras que La Licuadora ofrece una experimentación escénica del cuerpo en movimiento con efectos lumínicos en ‘Lúcidos’. También destacan en esta sección otras propuestas como el site specific ‘Ferida’, coproducción de FiraTàrrega con el Festival Imaginarius de Santa Maria da Feira, Portugal, que parte del concepto de memoria como eje vertebrador; ‘Momentos estelares de la humanidad’ de Eléctrico 28, ‘Harinera (te ganarás el pan con el sudor de tu frente)’ del colectivo del mismo nombre, que trata el concepto de precariedad como forma de gobierno, o el encargo que la Fira le ha realizado a la uruguaya Pamela Montenegro sobre la explotación agraria del territorio, una crítica a la construcción del canal Segarra-Garrigues titulado ‘Experimentación Psicobotánica’.

En la sección Celebra destacan el itinerante de percusión y pirotécnia ‘Silence!’ de Les Commandos Percu, ‘Odisea´80’, un viaje a la España de esa década a cargo de Nacho Vilar Producciones o ‘Wetfloor’, el primer solo de la clown Cris-

ERTZA

Además de Ertza con ‘Meeting point’, participan en FiraTárrega dentro del programa Euskal Teatroa Kukai Dantza con ‘Topa’ y Natxo Montero Danza con ‘Barbecho urbano’

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tina Solé presentado por Cia Cris_is, además de tres grupos locales de música que animarán las noches de la Fira.

Por último, la sección Juega incluye espectáculos lúdicos como ‘Archipiélagos, Jardines efímeros’ de Calamar Teatro o ‘Sonarium’ de El Pájaro Carpintero, entre otros.

Esta edición propone a su vez la exposición ‘Love is in the fair’ en la Sala Marsà, que gira sobre las experiencias del amor y/o sexo que el público ha vivido en el marco de la feria a través de testimonios gráficos, una exposición oral, un dispositivo de audio y una edición digital descargable. Además, FiraTàrrega va más allá de la exhibición de espectáculos, por lo que continúa propiciando un ecosistema profesional de encuentro e intercambio. Entre otras actividades, ha organizado una charla sobre ‘Creación y Memoria’, una conversación abierta con artistas que han usado la creación como herramienta para abordar la memoria histórica.—

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XXVIII Mostra Internacional de Mim a Sueca

La musicalidad a escena como lema del MIM 19 compañías conforman una programación que hace una apuesta firme por las valencianas

Emilio Tenorio

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‘Doctor

Dapertutto’

‘Vuelos’ ‘Pluja’

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as 27 ediciones celebradas en las que han participado más de 400 compañías y se estima han disfrutado de las más de 1200 representaciones alrededor de 470.000 espectadores, han convertido a la Mostra Internacional de Mim a Sueca en “uno de los tres festivales de teatro gestual y corporal más importantes de Europa junto con el festival MIMOS de Peroguéux en Francia y el London Mime Festival”, explican desde la organización (Ayuntamiento de Sueca, Consejería de Educación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana y Fundación Bancaja).

Con estos datos llega la vigésima octava edición, que tendrá lugar del 13 al 17 de septiembre y que se articulará bajo el lema ‘La musicalidad en la escena’, “ya que en todas las propuestas la música, los instrumentos, sonidos o canciones brillarán con voz propia”,

afirman sus organizadores. Para ello se ha vertebrado una programación compuesta por 19 compañías que pondrán en escena otros tantos espectáculos, entre los que cabe destacar el estreno de ‘En els núvols’, primera producción de La Negra, compañía valenciana formada por Carlos Amador, Diego Guill y Xavo Giménez que presenta un montaje dirigido al público infantil en el que a través de un lenguaje poético y visual en el que las pompas de jabón se convierten en títeres, sus protagonistas hablan de esas personas diferentes, solitarias y en muchas ocasiones rechazadas.

El MIM realiza una firme apuesta por la creación valenciana con la presencia este año de además de la citada La Negra, varias compañías de la tierra como A Tempo Dansa, que pondrá en escena ‘#De traca’, pieza que reflexiona sobre la realidad de los refugiados a través de una bailarina, la participación del público y el olor a pólvora. Propuestas con aires circenses para todos los públicos como ‘Ludi Planet’ de Scura Produccions; la danza clásica como excusa para un espectáculo cómico en ‘The Audition’ de Xa Teatre; o la intervención socioeducativa de circo social de La Finestra Nou Circ. También estarán en el MIM Truna con ‘A la balconada’, propuesta retrofuturista que combina música experimental y cine, Visitants con ‘Tempus’, una pieza

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Carillí mauricio celedón

Considerado una de las figuras más destacadas del teatro físico y gestual de América Latina

A la balconada

de artesanía teatral que explora la privacidad en el espacio público, y Cia. Quitter con ‘Tant de bo’, propuesta de teatro físico, gestual y títeres.

De la vecina Catalunya llegan Guillem Albà & Clara Peya con ‘Pluja’, en el que realizan un divertido y poético viaje en busca de un refugio donde protegerse de la vulnerabilidad, mientras que Cia. Estampades propone una pieza de danza aérea con ‘Far’. Catalana es también Brincadeira, que en ‘Vertical’ funden coreografías imposibles al ritmo de música vertiginosa; los personajes de ‘Carillí’ de La Tal emergen de un enrome reloj para contar curiosas historias.

Cor de Teatre presenta ‘Allegro’, un grupo de cantantes dispuestos a explorar y borrar las fronteras entre la música clásica y el humor visual más sofisticado, y los mallorquines La Mecánica se sirven de la destreza de los músicos en ‘Els Ravinovich’, pieza teatral que combina el teatro físico con la música y el clown contemporáneo.

‘Doctor Dapertutto’ de los franco chilenos Teatro del Silencio es un itinerante que conmemora el centenario de la revolución rusa al tiempo que rinde homenaje a Meyerhold.

Unas estrambóticas marionetas toman vida en ‘Hullu’ de Blick Theatre, y los también franceses La Faux Populaire llegan con un carrusel de circo en el que funden teatro, manipulación de objetos y danza, ‘Cirque Pussière’. Los belgas Okidok transgreden todos los códigos del clown y del circo con ‘Slip experience’, y desde Chile, Mauricio Celedón, una de las figuras más destacadas del teatro físico y gestual de América Latina, sorprenderá al público con ‘Un día yo hice mimo’. Completan la programación ‘Aupapá’, una propuesta gestual y coreográfica de la asturiana Zig Zag Danza, y el fascinante universo de ‘Vuelos’ de la compañía madrileña Aracaladanza. Además, habrá tiempo para talleres de formación para grandes y pequeños, la exposición-instalación ‘Arrimat a la música’ y una exposición ‘Mulïer, creación escènica’ de Cia. Maduixa, recientemente galardonada con el Premio Max al Mejor Espectáculo de Calle. — – 23 –

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V Cir&Co -Festival Internacional de Circo de Castilla y León

La internacionalización como objetivo potencial Nuevos espacios escénicos, secciones, acciones y agrupaciones artísticas como novedades destacables

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‘Bibeu et

Humphrey’

Imperial Kikiristan Circle of Two

A

lo largo de seis jornadas, del 5 al 10 de septiembre, se desarrollará en Ávila la quinta edición del Circ&Co, Festival Internacional de Circo de Castilla y León, donde se espera la participación de 32 compañías y más de 150 actividades. Nuevos espacios escénicos, secciones y agrupaciones artísticas serán algunas novedades de la presente edición, que continúa abogando por consolidar Ávila como capital internacional del circo contemporáneo familiar.

Clara es la apuesta de esta cita por destacar su carácter internacional. Y para lograr ese objetivo abogan por una presencia importante de agrupaciones y escuelas de circo internacionales, sumando alrededor de 20 compañías

extranjeras, llegadas de Italia, Argentina, Bélgica, Holanda, Alemania, Gran Bretaña y Francia. Se podrá disfrutar de varios estrenos, como ‘Comme un vertige...’ de la compañía francesa Cie. Avis de Tempête en la plaza del Mercado Chico, dentro de la sección Circ&Co Acrobático. Asimismo, se podrán ver numerosas propuestas a cargo de compañías extranjeras como la de Les Arts Mar Saud, de Circusdrome, de Les Zygomates, de Roulottes en Chantier, de Bubble on Circus, de L’Attraction Celeste, de La Faux Populaire, de The Gerlings, de Imperial Kikiristan y de Circle of Two, entre otras.

Como apuesta por el talento joven e internacional del festival, dentro de Cir&Co 2017 se desarrollará el IV Encuentro de Escuelas Europeas de Circo, con procesos creativos abiertos al público y la presentación de un espectáculo-gala en el patio del Episcopio, los días 8 y 9 de septiembre. El espectáculo en el que se trabajará este año está relacionado con la figura de Santa Teresa de Jesús, como homenaje a la santa abulense, en vísperas del inicio del Año Jubilar Teresiano 2017-2018, que se iniciará en el mes de octubre.

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The Gerlings

La Faux Populaire

El crecimiento de Cir&Co 2017 se refleja también en la incorporación de nuevos espacios escénicos vinculados al patrimonio artístico de la ciudad, como seña de identidad propia del festival. De esta forma, la programación de este año incorpora el Palacio de Polentinos, dentro de la sección ‘Cir&CoCarpa’, que acogerá el espectáculo ‘Bibeu et Humphrey’ de la compañía francesa L’Attraccion Céleste, con una función diaria del 7 al 10 de septiembre. Esta pieza, junto a ‘Le Cirque Poussière’ de la compañía La Faux Populaire en el Atrio de San Isidro, convierten a Cir&Co en el único festival en España con este formato y concepto de circo contemporáneo bajo carpa.

Otra de las novedades de la presente cita es la sección ‘Cir&Co Cine’, que va a proyectar tres películas clásicas al aire libre, con una selección de títulos que ostentan diferentes premios internacionales como lo son ‘The Greatest Show on Earth’ (EEUU 1952), ‘Dumbo’ (EEUU 1941) y ‘Había una vez un circo’ (Argentina 1972).

El componente social estará de nuevo muy presente en esta quinta edición, con una programación los días 7 y 8 de septiembre en ocho centros residenciales de la ciudad de Ávila. Se trata de un montaje concebido para las personas que viven en estos centros que se enmarca dentro de la estrategia de la Consejería de Cultura y Turismo de facilitar la oferta cultural y turística ‘para todos’, apostando por la accesibilidad. — – 25 –

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XVIII Festival Dantzaldia

Los solos brillan en la mayoría de edad de Dantzaldia ‘Sinergia’ de Manuel Liñán

Félix Sánchez

Seis espectáculos y varias actividades paralelas en una edición que va de septiembre a diciembre

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l 14 de septiembre dará comienzo la décima octava edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Dantzaldia de Bilbao con la instalación coreográfica ‘No half measures’ de Taiat Dansa en la Sala Recalde, que dará paso a un programa que se extenderá hasta el 15 de diciembre y del que sus organizadores, la sala La Fundición, quieren remarcar que “hay tres artistas, Sol Picó, Daniel Abreu y Carmen Werner, que comparten dos características: los tres han obtenido, entre muchos otros, los Premios Nacionales de Danza de diferentes años como un reconocimiento a su trayectoria.

Y los tres comenzaron su andadura en las Salas o Teatros Alternativos, esos espacios que en los años 80 y 90 sostuvieron-sostuvimos la danza y la creación contemporánea y han

apoyado, entonces y después, a tantos y tantos equipos artísticos de nuevos lenguajes. Esta relación de reciprocidad se mantiene a lo largo del tiempo y a pesar de los avatares culturales. Esta presentación es un homenaje hacia ell@s y también hacia estos Espacios”.

Sol Picó pondrá en escena el 21 de septiembre en Azkuna Zentroa ‘One-hit wonders’ retrospeciva en clave de humor y de fracaso “bien asumido” en palabras de la organización de Dantzaldia, que añaden que con Daniel Abreu el público participará “de esa observación de lo que hay entre la fiera y el manso” en su pieza ‘Perro’ (9 y10 de diciembre en La Fundición), y con Carmen Werner el lugar ‘Donde las flores mueren’, tercer unipersonal y que clausurará esta edición el 15 de diciembre en La Fundición.

Pero antes habrá oportunidad de disfrutar con dos solos más. Manuel Liñán, Premio Max 2017 al mejor intérprete de Danza, presenta ‘Sinergia’ (4 de noviembre en la Sala BBK), pieza de flamenco que “nos acerca a las emociones propias y a las que ponemos en común”, y el 18 de noviembre, en este caso en el Museo Guggenheim, Pierre Rigal con su Compagnie Dernière minute de Toulouse pondrán en escena ‘Press’, pieza que se presenta con el subtítulo ‘Tragedia coreográfica o la inquietante extrañeza de lo cotidia-

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Frédéric Stoll

no’ y en la que Rigal, encerrado en su dispositivo-caja, crea inquietud emocional e intriga escénica en el público ofreciendo “una tragedia del hombre moderno”.

Para el 9 de noviembre Dantzaldia ha preparado un monográfico especial denominado ‘La Pelota Vasca’, una mirada de género que tendrá en Azkuna Zentroa y se desarrollará en tres partes. La primera es una conferencia a cargo de la antropóloga Olatz Gonzalez Abriskea titulada ‘Cuerpos Desplazados’, que dará paso a la proyección del vídeo ‘Pilota Girls’ de Sra. Polaroiska, y concluirá con la pieza ‘Lauesku’, con coreografía y dirección de Judith Argomaniz y puesta en escena de Cía. Lasala.

Cabe destacar además que en el marco de Dantzaldia Da-

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‘Press’ ‘One-hit wonders’

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niel Abreu y Carmen Werner impartirán en la sala La Fundición sendos talleres de danza contemporánea los días 10 y 17 de diciembre, respectivamente. A su vez, el festival va a colaborar con las III Jornadas de Investigación Performativa: Cine, ciudad, danza y miradas(s) de género de UPV-Comunicación Audiovisual, que tendrán lugar los días 26 y 27 de octubre en Bizkaia Aretoa de EHU-UPV y en el Colegio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarro.—

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XVII Danza Xixón

Gijón no para de danzar La cita de este año presenta 30 variadas funciones

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H.K. Quintett de Dancelab Berlin

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a Muestra Internacional de Artes del Movimiento, Danza Xixón, celebra del 11 al 28 de octubre su 17ª edición. Organizada por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular, cuenta este año con una programación compuesta por 18 compañías y una treintena de funciones, de las cuales seis son funciones escolares, ocho funciones familiares y cuatro funciones de calle, que tendrán lugar en nueve espacios diferentes. La intención de la organización es seguir avanzando en un programa que tiene como motor el riesgo creativo, el mestizaje de técnicas y la diversidad de públicos a los que va dirigido.

La compañía Dancelab Berlin dará inicio a la presente edición con ‘H.K. Quintett’, pieza que se podrá ver en el Teatro Jovellanos, espacio donde se podrá disfrutar también de la interpretación de ‘We Women’ de Sol Picó. En el Museo Nicanor Piñole, Meraki Cía representará ‘Amalgama’ y Zig Zag Danza hará lo propio con ‘Jardín Secreto’. El Centro Municipal Integrado Pumarín - Gijón Sur acogerá las representaciones de ‘Retales’ de Higiénico Papel, ‘¡Aire!’ de Producciones Nun Tris, ‘(H)inercia’ de Little Boxes Creaciones Escénicas y ‘Eva y Adán’ de OtraDanza.

Quien se acerque al Centro de Cultura Antiguo Instituto tendrá la oportunidad de ver las actuaciones de Kukai Dantza (‘Oskara’), Iron Skulls (‘Sinestesia’), Paula Quintana (‘Siempre, en algún lugar’), Sara Cano (‘A palo seco’), Nueveuno (‘Sinergia 3.0’), Taiat Dansa (‘Still Life’) y Carmelo Segura (‘34/35’). Y Kukai Dantza repite, esta vez junto con Brodas Bros y su espectáculo ‘Topa’ en la calle Tomás y Valiente. Allí se podrá ver también otro montaje de Iron Skulls, ‘Kintsugi’, además de la ya mencionada obra de Sara Cano, ‘A palo seco’. El público que asista al Teatro de La Laboral, por su parte, conocerá el trabajo ‘Akari’ de DaTe Danza. Y la compañía OtraDanza repetirá función en el Ateneo De La Calzada y en El Llano. Por último, el Colectivo Las Twins llevará a escena su obra ‘Twins’ en el Espacio Escénico El Huerto.

Además de las propuestas escénicas, completan la oferta de Danza Xixón conferencias, talleres -a cargo de Marisa Amor, Sara Cano y Paula Quintana- y la presentación del libro PINA BAUSCH danza- teatro de Norbert Servos. —

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I Festival Internacional ZGZ Escena

Espectáculos en todos los espacios escénicos de Zaragoza Una veintena de compañías participan en esta primera edición que se desarrollará en los 5 teatros de la ciudad

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‘A house in Asia’ ‘Where is down?’

‘Gretel et Hansel’

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rganizado por el Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen del Ayuntamiento de Zaragoza junto con las dos asociaciones de empresas de Artes Escénicas de Aragón, Ares Aragón Escena y Asemtar, y la colaboración de los cinco teatros de Zaragoza, se celebra del 15 de septiembre al 1 de octubre la primera edición del Festival Internacional ZGZ Escena. Tras una positiva valoración de la pasada edición Zero de ZGZ Escena, este año el festival tiene como objetivo promocionar las últimas producciones teatrales profesionales y sobre todo las de “talento local”, las de Zaragoza y Aragón, y para ello se ha elaborado un programa en el que participan más de 20 compañías.

Inaugura esta edición ‘Abre la puerta’, una propuesta escénica interdisciplinar y mestiza creada en coproducción por Teatro del Temple y Tanttaka Teatroa a partir de materiales textuales que provienen de obras que van de Lorca a Nicolás Guillén, de Manuel Vilas a Walt Whitman, de John Giorno a Charles Bukowski, bajo la dirección de Fernando Bernués y Carlos Martín.

El Teatro del Mercado será también el espacio en el que Agrupación Señor Serrano pondrá en escena ‘Brikman Brando Bybble Boom’, un biopic escénico sobre la vida de Sir John Brickman, un constructor que inspiró el primer sistema hipotecario de la historia, un montaje que es también un biopic escénico sobre la vida de Marlon Brando, un actor salvaje en busca de un hogar. La compañía catalana también presentará ‘A house in Asia’, un western escénico donde la realidad y sus copias se mezclan, dibujando un retrato despiadadamente pop de la década que siguió al 11S. La italiana ATIR presenta ‘Federico, vida y misterio de García Lorca’, unipersonal dirigido e interpretado por Maria Pilar

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‘Os cegos’

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Paulo Nogueira

‘El hijo que quiero tener’

Pérez Aspa, que da vida a una mujer que recuerda las personas y los lugares que poblaron al poeta granadino antes de ser asesinado por la España fascista. Los portugueses Companhia do Chapitô pondrán en escena su particular visión de ‘Edipo’.

Los espectáculos del Teatro Principal comienzan con dos coreografías a cargo de Ballet National Marseille, ‘Bolero’ y ‘Two’ de Emio Greco y Pieter C. Scholten, y habrá más danza con ‘Where is down?’ a cargo de la Compañía Danza Mobile, pieza en la que indagan en la identidad, la comunidad y la convivencia, y con ‘País gravedad’ del laboratorio de artistas y creativos de Veracruz (México), Cuatro X Cuatro.

La portuguesa Companhia de Teatro de Braga presenta ‘Os cegos’ de Maurice Maeterlinck, “la metáfora más horrenda de esta Europa”, y TNT-El Vacie hará lo propio con su versión del clásico de Lope deVega ‘Fuenteovejuna’.

Los primeros en actuar en el Teatro de Las Esquinas serán Matarile Teatro con ‘Antes de la metralla’, “un acontecimiento para un marco específico” que más que un espectáculo, es la muestra del resultado del encuentro entre algunas personas relacionadas con la escena.

Desde Grecia llega Rootlessroot para poner sobre el escenario ‘Europium’, una pieza de danza que parte de los mitos e historias de la cultura europea para reflexionar sobre la realidad del Mediterráneo hoy. ‘Último tren a Treblinka’ de Vaivén Producciones nos hará partícipes de la vida del doctor y pedagogo Janusz Korczak, y las compañías zara-

José Ignacio de Juan Díaz

gozanas Alodeyá Circo Danza y D´Clik funden el circo y la danza en y ‘Aware’ e ‘Isla’, respectivamente.

La programación en el Teatro de la Estación dará comienzo con ‘El hijo que quiero tener’ de El Pont Flotant “una reflexión sobre la educación y el papel del padre, de los abuelos, de los maestros y de los hijos en el proceso de aprendizaje”.

Nao d´Amores llega con ‘Triunfo del amor’, espectáculo que parte de textos y músicas de Juan del Enzina. La oscense Viridiana presenta ‘Mantero’, unipersonal escrito y dirigido por Jesús Arbués en el que su protagonista narra historias lejanas, historias de sus pueblos de origen. Los más jóvenes tendrán una cita con ‘Antón Retaco’, teatro popular que da valor a las cosas sencillas de la mano de Titiriteros de Binéfar.

Completan la programación del Festival ZGZ Escena las propuestas que se pondrán en escena en el Teatro Arbolé, como ‘La primera piedra’, “una obra con un formato atípico, un entramado de historias, realidades que han experimentado los bailarines en la búsqueda de generar empatía con el público” de Cressida Danza Contemporánea de Yucatán, México. El resto de propuestas están dirigidas al público familiar, como la adaptación para el teatro de sombras de ‘El pirata que quiso capturar la luna’ de Dennis Haseley a cargo de Teatro de Media Noche, ‘Lluvia’ de Markeliñe, que habla de lo que nos ocurre cuando alguien que queremos ya no está, o la adaptación que los canadienses Le Carrousel han realizado del clásico de ‘Gretel et Hansel’. —

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El Rioja y los 5 Sentidos

La música reina en El Rioja

elbicho

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l programa de actividades de El Rioja y los 5 Sentidos continúa adelante en septiembre concentrado en el sentido del oído. La programación contará con conciertos en bodegas, una cata musical, la conversación en torno al vino con Kiko Veneno, así como el Tren del Vino, los Cursos de Iniciación a la Cata, la Cata con Sentido y la Cata Capital.

El 2 de septiembre se podrá disfrutar de varios conciertos. En la Bodega Campo Viejo de Logroño, Susana Shelman Quinteto actuará a las 12:00 y a las 20:00 y, a las mismas horas, Antílopez en el Museo del Vino de Aldeanueva de Ebro. Por su parte, Miguel Campello, cantante del grupo elbicho, actuará en bodegas Altanza de Fuenmayor el domingo 3 de septiembre.

El siguiente fin de semana, el día 8 de septiembre a las 20:00 en Bodegas Urbina de Cuzcurrita de Río Tirón, tendrá lugar la conversación en torno al vino con la presencia de Kiko Veneno. Asimismo, Anaut ofrecerá un concierto el sábado 9 a las 12:00 y a las 20:00 en Bodegas Rioja de Cenicero, y Ruth Baker Band actuará a las mismas horas en Bodegas Bohedal de Cuzcurrita de Río Tirón. El programa de conciertos finaliza con la actuación de Revolver acústico en la bodega Ramón Bilbao de Haro el domingo 10 de septiembre a las doce del mediodía. —

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XIX BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

El BAD apuesta por la nueva escena vasca El festival presenta diversos estrenos locales y varias coproducciones

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‘The Company’ ‘White Lies’ ‘Os Serrenhos

do Caldeirão, ejercicios en antropología ficcional’

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l Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao presenta una programación en la que participan 19 compañías en su 19ª edición, que tendrá lugar del 20 al 29 de octubre. Organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, las funciones se realizarán en diferentes espacios de la ciudad, como Pabellón 6, La Fundición, Sala Cúpula del Teatro Campos Elíseos, Bilborock, BilbaoArte o Sarean.

La presente edición del BAD hace una firme apuesta por los artistas locales con 9 compañías programadas, de las cuales 6 presentarán sus piezas en primicia. Destaca la nueva creación y las obras de artistas que comienzan sus trabajos en solita-

rio, primando sobre todo las propuestas de danza. Una de ellas es la de Kanpai, compañía creada por Natalia De Miguel y Jorge Jáuregui Allue que presentará, con el apoyo de Bilbaoeszena, el estreno de ‘White Lies’, pieza que, desde un planteamiento escenográfico indicador de límites, fronteras entre el adentro y el afuera, el presente y la memoria, transita la confrontación de mundos aparentemente irreconciliables hacia la transcendencia y la superación del dolor.

Por primera vez se podrán ver también dos de las propuestas que obtuvieron la Beca Artistas en Residencia 2017 que promueve el propio Ayuntamiento de Bilbao.

‘Biraka’ es una reflexión sobre la evolución en el tiempo y en el espacio de dos técnicas de danza: la tradicional vasca y la contemporánea. En palabras de su autora, Nerea Martínez: “con este proyecto quiero plasmar cómo conviven en mí la tradición y lo contemporáneo, lo rural y lo urbano, lo íntimo y lo universal”. Y ‘Baserri’ de Proyecto Larrua (Aritz López y Jordi Vilaseca) es un viaje por la

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Poliana Lima

Ana Capilla

cultura vasca, haciendo un paralelismo entre lo terrenal y lo mitológico, rescatando una manera tradicional y determinada de vivir, trabajar, socializar… con una cultura y costumbres muy arraigadas y estipuladas.

Más danza en primicia de la mano de la cía. Nuria Pérez Danza con ‘Funtzak’, la historia trágica de una asesina; una depredadora de esencias humanas. Matar no es el objetivo, es una consecuencia para conseguir… aunque sólo sea por un instante, ser esencia, ya que ella es incapaz de reconocer la suya propia. Otras propuestas de danza incluyen la de Olatz de Andrés (‘The Endgame’), que dibuja una partida caleidoscópica, y el concierto escénico de Ana Capilla (‘Feedback’). Y Peru Saban Calabaza & Lagunak estrenan ‘Juego Non Stop’, donde se podrá disfrutar de un espacio de juego libre permanente.

Destacan a su vez dos espectáculos impulsados por el BAD. En coproducción con Pabellón 6 y Makiescénica se estrenará ‘Buñuel’, pieza con dramaturgia y dirección de Ramón Barea a partir de los textos e imágenes de Luis Buñuel y de Jean-Claude Carriére, biógrafo oficial de Buñuel, su amigo y guionista de varias de sus principales películas. Un músico en directo y dos intérpretes representarán un reencuentro y una surrealista conversación entre Buñuel y su biógrafo, convertido en biógrafa, que hablará del arte, del cine, de ecología, de los fundamentalismos, de la muerte, del amor, del humor, de la mentira… “de su vida y de la nuestra”. El material audiovisual estará compuesto con retazos de películas de Buñuel.

Y en coproducción con Sarean y después de su estreno en la última edición del BLV-ART se podrá ver ‘Misión Käpsa’, donde la compañía Gabinete Sycorax propone una experiencia escénica con cena incluida. Los comensales podrán conocer los últimos 500 años de historia del pimiento mientras degustan un menú basado en este singular vegetal.

Internacional Seis son las compañías internacionales que participan en la cita. Cally Spooner presenta ‘The Company’, producción del proyecto de Europa Creativa Corpus del que es integrante Bulegoa z/b y con el que ha colaborado el BAD para esta performance. Se trata de un ensayo de una propuesta que se estrenará en el Festival Playground de Lovaina en noviembre. Situada entre el happening, la ocupación, la programación, el ensayo y

la sinopsis de un libro, tal vez la mejor manera de describirla sea definiéndola como una exposición en vivo.

Además, Cally Spooner realizará un seminario en el que hablará de la pieza junto a los performers participantes en la misma.

El festival presenta también, por primera vez en el Estado, otras cuatro piezas de artistas europeos. Desde Italia, Michele Rizzo representará ‘Higher’, inspirado en la experiencia del baile en las discotecas, y Alessandro Sciarroni hará lo propio con ‘Chroma’. Malika Djardi (Francia) presentará su solo de danza ‘Sa prière’, cuyo origen es la fe islámica de su madre y su práctica de la oración.

Y la portuguesa Vera Mantero llevará a escena ‘Os Serrenhos do Caldeirão, ejercicios en antropología ficcional’, pieza sobre la desertificación/deshumanización de la Serra do Serra do Caldeirão (Algarve, Portugal).

Y por primera vez en Euskadi se podrá ver ‘55’, la primera creación del coreógrafo y bailarín Radouan Mziringa, llegado desde Bélgica. Según explica, la pieza quiere compartir con el espectador, para comunicarse con él, para ayudarle en una situación de incertidumbre.

Además de ofrecer un equilibrio entre la creación local y la internacional, el festival propone una selección de destacados montajes estatales. Entre ellos se encuentra el estreno de ‘Hueco’ de Poliana Lima (Premio Circula 2017), un solo de danza contemporánea con un único cuerpo lanzado a la escena. Un cuerpo expuesto que danza frente al vértigo y lo sostiene. Además, la artista ofrecerá el taller ‘Identidad y memoria’ durante el festival.

Después de su estreno en Terrassa se presentará ‘Sumario 3/94’ de Vicente Arlandis, coproducción del Festival TNT y el Festival BAD. El 25 de junio de 1994, Vicente Arlandis (padre del artista) es detenido por la Guardia Civil acusado de asesinar a Mª Lidia Bornay, su vecina de 84 años. Después de un largo proceso de juicios y recursos, es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de prisión. Este proyecto pretende interrogar la multitud de historias que se sucedieron alrededor del caso y la forma en que fueron narradas. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos.

Otra primicia en Euskadi es la propuesta de Edurne Rubio. Guiada por espeleólogos, ‘Light years away’ es una visita a través de la oscuridad del teatro, un recorrido en el que todo lo que aparece al paso sorprende. Por último, LaBuena Compañía pondrá en escena la obra ‘A placer’, que trata el placer y el contraplacer. —

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XXXI Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca

Teatro y danza de calidez y calidad en Huesca Una treintena de compañías en una programación internacional con importante presencia aragonesa

Bruno Rascao FOTOGRAFÍAS

‘La extinta poética’ ‘Souvenir’ ‘Vida’

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na treintena de montajes de teatro y danza contemporáneos conforman la programación de la trigésima primera edición de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, que se celebra del 25 al 28 de septiembre con un programa que tiene “un 50% de teatro y otro 50% de danza, pero esto es a priori pues en demasiadas ocasiones es difícil distinguir o categorizar espectáculos que mezclan varias disciplinas y a los que es difícil catalogar”, explica Jesús Arbués, director de la Feria. Otra de las señas de identidad de la Feria es ofrecer una programación abarcable: “no hay dos espectáculos al mismo tiempo, se trata de que todo el mundo pueda ver todo.

Eso implica que la selección es más reducida, eso implica que arriesgas más en la programación. También implica

condiciones de exhibición: espacios de calidad para la danza contemporánea tan necesitada de exhibición pero también de exhibición en buenas condiciones”, afirma Arbués, para añadir que “es una feria de calidez y calidad”.

En lo que a la selección de compañías se refiere, Arbués explica que “tampoco nos basamos en la programación solamente de espectáculos de formato y duración convencional, hay también espectáculos para espacios especiales y no convencionales, espectáculos en formatos extraños, espectáculos con una duración más reducida de lo habitual”, a lo que hay que añadir que la organización cree que es una obligación incluir a la industria aragonesa, haciéndose la feria donde se hace, a lo que Arbués añade que “no es ningún problema dado el excelente nivel de nuestras producciones”. Muestra de ello es el grupo de compañías aragonesas que participan esta edición, como Nueve de Nueve con ‘La extinta poética’, obra escrita por Eusebio Calonge y dirigida por Paco de La Zaranda , las coproducciones de Teatro del Temple y Tanttaka Teatroa ‘Abre la puerta’, ‘Milagro’ con texto de Luis Miguel González Cruz y dirección de Fernando Vallejo a cargo de Tranvía Teatro y Teatro del Astillero, o la pieza de danza ‘Esfera’ de Tarde o Temprano Danza y la

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‘Sindrhomo’

‘Help’

coreógrafa Olatz de Andrés. La danza es también el lenguaje de Iván Benito en ‘Galápago’. El drama de la demencia y el olvido es el tema central de ‘Help’, obra escrita, dirigida e interpretada por Alfonso Desentre y que pone en escena Teatro Imaginario. Las manos de Javier Aranda se convierten en los personajes protagonistas de la obra ‘Vida’ y ‘Esperando’, un espectáculo musical de Decarneyhueso.

De mar A mar De Mar a Mar es un proyecto europeo de cooperación transfronteriza España-Francia, cuyo objetivo es estructurar el sector transfronterizo mediante el fomento de la formación, la orientación y el acompañamiento de los artistas de circo que reúne a 14 socios de Cataluña, Aragón, País vasco, Occitania-Pirineos-Mediterráneo y Nueva Aquitania, entre ellos, la Feria de Huesca. Y dentro de este programa la Feria incluye en su programación los espectáculos de siete compañías, entre ellas las aragonesas Alodeyá Circo Danza y D´Click, que presentarán en Huesca sus últimos trabajos, ‘Aware’ e ‘Isla’, respectivamente.

La mayoría de compañías que conforman este programa llegan de la vecina Francia. Lazuz con su espectáculo homónimo que fusiona los malabares y la acrobacia, ‘3D’, un juego acrobático de una particular estructura de circo de HMG, ‘12 Manières ou d´une autre’ de La Collective du Biphasé o la sorprendente ‘Opéra pour sèche cheveux’ de Bizzard Concept. Este programa se completa con ‘Envà’ de los

catalanes Amer i Àfrica Circ Cia. La compañía germano cubana Cooperativa Maura Morales presenta en Huesca una pieza de danza en torno al mito de Fedra titulada ‘Fedra-El dolor virtuoso’, y de danza son también ‘Encuentros’ de Denis Santacaña Compañía de Danza o ‘Now’ de Lasala, ambas compañías vascas. Y habrá más danza con la compañía balear UNAiUNA y su pieza sobre la locura ‘Dosis’, la fusión de las danzas urbanas que presenta Legacy Dance Company con ‘One’, o ‘Buscando’, coreografía de Mario Bermúdez Gil que presenta Marcat Dance.

‘El lunar de lady Chatterley’ de Marzo Producciones es un unipersonal interpretado por Ana Fernández que homenaje a todas las mujeres del mundo. Homenajes son también, en este caso a María Zambrano en el 25 aniversario de su muerte, la obra ‘La palabra danzante’ de Karlik Danza Teatro, y el que Histrión Teatro realiza al poeta granadino en ‘Lorca. La correspondencia personal’. Con ‘Souvenir’ Feelgood Teatro y Factoría Echegaray traen al público la historia de Solom Shereshevski, el hombre que no podía olvidar, mientras que La Teta Calva pondrá en escena ‘Síndrhomo’, una comedia que nace de la basura y por la que su autora, María Cárdenas, ha sido galardonada con el Premio Max Autoría Revelación.

Completan la programación las propuestas circenses ‘Cirkuz Rupt’ de El Gran Dimitri, ‘Genoma B’ de Albadulake, la zarzuela bufa ‘El mundo por montera’ de Rodrigo Cuevas, la música de ‘Los Rabinovich - Jêtlåk’ de La Mecánica y ‘Asuelto’ de HURyCAN. —

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XXXV Jornadas de Teatro de Getxo

Otoño escénico en Getxo

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a primera quincena del mes de octubre se celebrará la 35 edición de las Jornadas de Teatro de Getxo con una programación variada donde no faltarán propuestas de teatro, danza y magia para público adulto e infantil, que tendrán lugar en espacios al aire libre y en el interior. Cabe destacar también el Ciclo de Teatro Breve, con funciones los domingos 1 y 8 de octubre de 18:30 a 21:00 horas en el Aula de Cultura de Algorta.

La programación general arrancará el día 6 con la pieza dramática ‘La zanja’ del grupo de teatro intercultural Caminamos para crecer, agrupación que apuesta por un teatro de emociones, como una herramienta terapéutica donde trabajar los miedos y bloqueos. Los protagonistas de la obra son María y Ousmanne, una pareja extraña, ella quizás algo desequilibrada y él probablemente resignado. Juntos se embarcarán en las profundidades de la Noche Despierta.

Un programa de realidades, de experiencias, de testimonios. El espectador viajará con personas reales, con sus historias reales. Personas llenas de verdad, que contarán su verdad, que incomoda al mundo.

Cambiando totalmente de registro Erre Producciones representará la disparatada comedia dirigida por Gorka Minguez y Teresa Calo ‘Play out’ el día 7. Carlos, un escritor que cosechó un gran éxito con su primera novela, se encuentra sin inspiración y sin el respaldo de los lectores. Su editor y su mujer tratarán por todos los medios de cambiar la actitud de Carlos, que se ha alejado de la escritura y cuyo único interés es jugar a la play station, ya que está convencido de que sólo valorarían su obra si estuviera muerto. También se trata de una comedia pero con tintes dramáticos la propuesta ‘Un dios salvaje’ de Txalo Producciones, prevista para el 12 de octubre. En ella se cuenta cómo un matrimonio se reúne para solucionar de manera cívica la agresión que ha sufrido el hijo de uno de ellos a manos del otro. Pero cuando la esforzada corrección se derrumba, aparecen frustraciones y las miserias. Aitziber Garmendia, Mikel Losada, Mikel Laskurain y Tessa Andonegi componen de esta comedia ácida y con muy mala leche.

Las propuestas en euskera para público adulto las protagonizarán Hodei Magoa con su nuevo espectáculo ‘Ilusioaren indarra’ el día 8 y Tartean Teatroa, que llevará a escena el día 14 ‘Ez dok hiru’, basado en el cancionero en euskera, que al igual que sus intérpretes, lo presentan alocado y cómico en la superficie... pero rezumando amor en el fondo.

La danza también tendrá su espacio en la presente edición con las actuaciones de La Glo, que propone un montaje de danza vertica, con cuatro piezas con los cuatro elementos de la naturaleza ‘Entre cuatro tiempos’, programada día el 13. Y el 14 llegará KTTQA Collective con su pieza ‘Eight’, – 38 –

en la que habla sobre el número ocho, un número perfecto en cuanto a su forma, símbolo de equilibrio entre fuerzas antagónicas. Y Olatz de Andrés estará con ‘Privolva Landing’, donde reflexiona sobre la identidad y las consecuencias de su difuminación.

Las propuestas para el público familiar incluyen los trabajos de calle ‘Historias de un baúl’ de Trotamundos el 7, ‘Supituki’ de Gari, Montxo y Joselontxo el día 8, ‘Rezikletas’ de Turukutupa el 11 y ‘Kikilkon’ de Dj Porru el 12. Para la clausura de las jornada el día 15 se están previstas las actuaciones ‘Kalean otso, etxean uso’ de Patata tropikala en la calle, y ‘Nómadas’ de Teatro Paraíso en sala, donde adentrarán al público en un gran territorio por descubrir: el mundo, a través de dos mujeres nómadas que caminan sin parar cuidando con gran amor un singular huevo. Pero en ese viaje sin destino claro llegan a un lugar extraño, desorganizado y caótico. —

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‘Nómadas’ de Teatro Paraíso

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Aitor Audicana

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XLII Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz

Artes escénicas para todos los públicos y por toda la ciudad

‘Voronia’

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on el otoño llega una nueva edición del Festival Internacional de Vitoria-Gasteiz, la número 42, que tendrá lugar del 6 de octubre al 26 de noviembre en el Teatro Principal y que se inaugura con una obra de shakespeare, la adaptación que de ‘Noche de reyes’ ha realizado Cheek by Jowl. La compañía de teatro de Declan Donnellan y Nick Ormerod regresa al festival tras su visita anterior con el montaje ‘Measure for measure’. Noviembre Teatro pondrá en escena una de las más celebradas tragedias del gran dramaturgo, ‘Ricardo III’, con dirección de Eduardo Vasco. Y Teatro de la Ciudad presenta dos obras basadas en el universo de las comedias del bardo inglés: ‘La ternura’, con texto y dirección de Alfredo Sanzol –obra con la que ha obtenido el Premio Max a la mejor autoría teatral 2017– y ‘Sueño’, cuyo texto y dirección firma Andrés Lima.

La presencia de compañías internacionales en el Festival incluye a dos compañías inglesas más, 1927, que con ‘Golem’ pone en escena un mundo futurista en forma de novela gráfica que funde la animación artesana con el stop motion, y la música en directo y The Tiger Lillies, que con su estilo surrealista y el humor negro que les caracteriza presentan con ‘Edgar Allan Poe´s Haunted Palace’, una “maravillosa extravagancia musical”.

Completa la presencia internacional la italiana No gravity Dance Company con el espectáculo ‘Del infierno al paraíso: el viaje del alma’, coreografía de Emiliano Pellisare basada en la ‘Divina Commedia’ de Dante. Y de danza es también el espectáculo ‘Voronia’, coreografía de Marcos Morau que busca de una respuesta al enigma del mal y lleva a escena La Veronal.

Pocos días después de su estreno se presentará en el festival la nueva producción del Teatro Arriaga, la adaptación que de la novela ‘Obabakoak’ de Bernardo Atxaga ha realizado Calixto Bieito y de la que se da cumplida información en la sección de estrenos de esta revista. Y ‘Soka’ es una coproducción del Teatro Victoria Eugenia y Tanttaka Teatroa que nace dentro del programa Nuevas Dramaturgias, impulsado por Donostia2016 y ANTZERK3Z. Se trata de un unipersonal que dibuja los límites entre la culpa y la

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Thor Brødreskift

responsabilidad. La bilbaina Khea Ziater, por su parte, pone sobre el escenario un talk show con música en directo, y es que ‘Los visitantes’ es un espacio para el humor y la música.

Juan Echanove da vida a otro grande de la literatura universal, Quevedo, que en ‘Sueños’, coproducción de la CNTC y Traspasos Kultur, ofrece una dolorosa y lúcida crónica de las monarquías absolutas de Felipe III y IV, bajo la dirección escénica de Gerardo Vera. Producciones Teatrales Contemporáneas llevará a escena ‘Los universos paralelos’ de David Lindsay-Abaire con versión y dirección de David Serrano. Luis Luque dirige una de las obras cumbre del teatro del absurdo, ‘La cantante calva’ de Eugène Ionesco, en una producción de Pentación.

El programa ‘Teatro en los centros cívicos’ llevará además el festival a otros espacios. Así, en el Teatro Jesús Ibáñez de Matauco se podrá ver ‘Party’, pieza de inmersión en la danza que implica la participación activa del público a cargo de Beaches; y ‘Best of Be Festival’, que por segundo año consecutivo trae al festival los tres espectáculos favoritos del citado festival de Birmingham. En el Teatro Felix Petite La Tristura volverá a los escenarios con ‘Cine’, y

‘Edgar Allan Poe´s Haunted Palace’

Laurentzi Producciones abordará el tema de la memoria en ‘Coordenadas’.

También habrá lugar para las compañías locales con el programa Off Local, que incluye tres micro piezas donde la cercanía y complicidad con el público son claves. Cabe destacar también que Parasite Kolektiboa presentará en la Sala Baratza su cuarta colaboración con el festival, ‘Jokoa’, una propuesta escénica con formato de juego y fuerte acento en la danza.

El programa ‘Teatro en familia’ se llevará a cabo en el Teatro Principal, donde se pondrán en escena seis espectáculos: ‘Ballenas’ de Larumbe Danza y ‘Laboratorio inocencia’ de Cía Krego Martín Danza, ambas de danza, los títeres de ‘Pedro y el lobo’ de Títeres Etcétera, ‘Malas palabras’ de La gotera en la azotea, ‘Euria’ de Markeliñe y la instalación interactiva ‘Biblioteca de cuerdas y nudos’ de José Antonio Portillo. Por último, la octava edición del ‘Proyecto Bebés’ se desarrollará con la puesta en escena de tres espectáculos, todos ellos en noviembre: ‘Jardín secreto’ de Zigzag Danza, ‘Jongle’ de Théâtre Bascule y el estreno de ‘Txokolarte’ de Teatro Paraíso.—

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XXVI FIOT de Carballo

Carballo, fiel a su cita con el mejor teatro

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Todo el tiempo del mundo

l Ayuntamiento de Carballo y la Asociación Cultural Telón e aparte son artífices del Festival Internacional de Outono de Teatro, que este año celebra su vigésimo sexta edición con un programa ambicioso que se hará extensivo del 16 de septiembre al 28 de octubre.

Las actuaciones de sala tendrán lugar en gran medida en el Pazo de Cultura y en el Museo Bergantiños, y las propuestas de calle (a cargo de Cirk about it con ‘El apartamento’ y Godot con ‘Lullaby’) en la Praza do Concello.

Una de las novedades de esta edición será el recién convocado Certamen de Teatro Metro cuadrado, un formato que propone a las compañías y artistas crear espectáculos de 10-20 minutos para espacios no teatrales. Serán piezas de teatro mínimo, intenso, en primer plano, dando la posibilidad al espectador de vivir intensamente una

Vanessa Rábade

experiencia teatral diferente. Para este primer año se han previsto un total de seis montajes, entre ellos varios estrenos absolutos. Asimismo, una vez más se dará paso a la Rúa dos contos, donde las actuaciones de cuentacuentos tienen lugar en las calles, cafés y bares durante tres fines de semana, con un total de 12 obras programadas.

La presente edición de FIOT se inaugurará con el preestreno de la tragicomedia ‘La Zanja’ de Titzina Teatro, compañía que no ha faltado a su cita con el festival desde sus comienzos. A través de una historia actual trasladan al espectador a un momento histórico que formula temas esenciales como la condición humana y sus diferentes formas de entender el progreso. Otro de los estrenos lo protagonizará la compañía de Carballo Galeatro con la obra para público infantil ‘Muiñada’. Se trata de una pieza de gran formato en el que una vez más pretenden promover la cultura y tradición gallegas.

Dentro de la programación oficial de sala se prevé la comedia romántica de aventuras inspirada en el universo de las comedias de Shakespeare de Teatro la Ciudad y Teatro de la Abadía, ‘La Ternura’. También se podrá disfrutar de otra comedia sobre la amistad y la manipulación de los deseos ocultos que discurre por el laberinto de las relaciones hu-

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Muiñada

manas, ‘El ciclista utópico’ de Feelgood Teatro. En ‘Resaca’ de Ilmaquinario Teatro se combinan teatro, poesía, música en directo y teatro de objetos. La adaptación de la obra ‘Incendios’ de Wajdi Mouawad producida por Ysarca y Teatro de la Abadía llega bajo la dirección de Mario Gas. Kamikaze tendrá gran protagonismo, ya que escenificará junto con Buxman Producciones el cuento onírico y poético‘Todo el tiempo del mundo’, además de la comedia ‘Arte’. Por su parte, la compañía belga Okidok, considerada una de las agrupaciones de clown actuales más creativas y sorprendentes, presentará ‘Slips inside’. Por último, actuarán los gallegos Contraproducións con su último trabajo ‘Fillos do sol’.

También continúa adelante el Ciclo OTNI, un formato creado para dar cabida a propuestas de carácter contemporáneo y una dimensión más experimental, donde nuevamente se podrán ver tres trabajos. La primera propuesta será El hijo que quiero tener’, montaje de creación colectiva que reflexiona sobre la educación y el papel de los padres, de los abuelos, los maestros y de los hijos en el proceso de aprendizaje, a cargo de El pont flotant. Los catalanes Atresbandes en colaboración con Reckless sleepers y en coproducción con FIOT presentan en primicia ‘La última cena’ en el Museo Bergantiño, La citada compañía británica lo creó en el 2012 obteniendo una gran éxito y poniéndola posteriormente en escena junto con compañías de Italia y Francia. La pieza se vislumbra como una comida-performance basada en historias reales o de ficción que tuvieron lugar en el pasado y vuelven al futuro. Los espectadores estarán convidados a sentarse alrededor de tres mesas, compartiendo las últimas doce cenas de condenados a muerte. Y la tercera pieza será ‘Hamlet entre todos’ de Los números imaginarios, en la que los espectadores también tendrán un papel activo. Al inicio de la obra serán repartidos en cuatro grupos: los hombres adultos representarán al tío de Hamlet, el nuevo rey Claudio; las mujeres adultas a la reina Gertrudis; los chicos estarán con el mejor amigo Horacio; y las chicas con su enamorada Ofelia. — – 43 –

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Río Sin Fronteras en Sevilla

Retos del tercer milenio

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aravan Next es un proyecto europeo de colaboración a gran escala en el que a través de eventos de teatro a lo largo de toda Europa, se estimula a individuos y comunidades a reflexionar sobre los desafios del viejo continente en este tercer milenio.

Un proyecto de Teatro Social Comunitario en el que se utiliza el arte y el teatro para crear empoderamiento cultural ampliando el concepto de teatro y audiencia con el fin de repensarlos en un proceso social y artístico en el que coinciden comunidades locales, ciudadanía y profesionales de arte. Este proyecto tiene como procedente el ‘Caravan. Artist on the road’ que tuvo lugar entre 2011 y 2014 bajo el lema “Rissing the crisis” (cabalgando la crisis) y cuyo ideólogo y director artístico fue Alberto Pagliarino, profesor de Universidad de Turín. Caravan Next da por tanto continuidad al anterior, pero esta vez liderado por el Odin Teatret de Dinamarca junto con cuatro socios: Social Community Theatre de Turín, Teatro Brama de Polonia, Zid Theatre de Amsterdam y TNT-Atalaya de Sevilla. Cada uno de los cinco socios se encarga de organizar un macro-evento y varios micro-eventos con el apoyo de otros socios en su propio territorio, todo ello con un claro objetivo: “incidir en lo local para intentar construir un mundo global más justo y equitativo, sin que se pierda la identidad de cada una de las comunidades”.

Y siguiendo este planteamiento, TNT-Atalaya ha organizado dos micro-eventos. El primero tuvo lugar en Úbeda en noviembre de 2016, ‘Rompiendo barreras’, con la participación de varios colectivos desfavorecidos, y el segundo el pasado abril en La Rinconada, bajo el lema ‘Haz lo posible’ y con la participación de discapacitados psíquicos, personas con Alhzeimer y niños saharauis, entre otros. El tercero tendrá lugar en Oporto en junio del próximo año, pero antes, del 12 al 18 de octubre, se celebrará el Macro Evento en Sevilla con el lema ‘Río sin fronteras’, convirtiendo al Guadalquivir y sus dos orillas en escenario de todas las acciones y actividades como una alegoría de un mundo sin fronteras.

Participarán en la cita el tejido cultural de Sevilla junto con colectivos que merecen una especial atención, como son los refugiados, inmigrantes, personas sin hogar, personas con discapacidad o personas en riesgo de exclusión social, además de creadores procedentes del Odin Teatret, ZID de Amsterdam y Brama Teatre de Polonia. Todos ellos participarán en las actividades programadas, como la celebración el 12 de octubre del Día del Respeto a la Diversidad Cultural, espectáculos itinerantes, fiestas, encuentros, talleres... todo ello envuelto por la magia de la creación escénica. — – 44 –

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X MITIN - Muestra Internacional de Teatro de Investigación

Una década dedicada a la indagación escénica

(FF) Remake

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4 rosas

e cumplen diez años no sólo del arranque de la Muestra Internacional de Teatro de Investigación (MITIN), sino también del comienzo de la temporada del Centro TNT de Sevilla, con el común denominador del teatro de investigación. Además de centrar su actividad en la indagación escénica, esta cita anual ha apostado desde el comienzo por el teatro comunitario y social. La presente edición supone un salto cualitativo con la participación de un total de doce compañías, entre los que tendrán especial relevancia el teatro latinoamericano, con 5 colectivos, además de compañías estatales llegadas de Madrid, Cataluña, Galicia y Andalucía. Cabe destacar también la celebración del Foro sobre el teatro comunitario como forma de lucha contra la exclusión en diferentes ámbitos sociales.

Los ecuatorianos Malayerba presentarán su obra ‘El corazón de la cebolla’, basada en ‘El tambor de hojalata’ de Gunter Grass. Desde Argentina El

El fabuloso mundo de la Tía Betty

Rayo Misterioso propone dos montajes: ‘Dionisos Aut’ y ‘El fabuloso mundo de la Tía Betty’. Será la primera vez que una compañía salvadoreña actúe en el MITIN. Se trata del colectivo teatral La Cachada. No es una apuesta escénica más, sino uno de los proyectos de teatro comunitario más pujante, integrado por mujeres procedentes en su mayoría de comunidades urbano-marginales que supone el fruto de un trabajo intensivo de empoderamiento femenino a través del teatro. Desde México llegará Teatro Bárbaro con ‘Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató’, una apuesta radical en el que, a partir del personaje de Ricardo III, se adentra en la violencia que sacude a Chihuahua; y Chipotle Teatro, con un espectáculo familiar de sombras.

Dentro de las compañías estatales se encuentran los espectáculos ganadores de la última edición del CENIT, Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales, ‘Bombillas no te veo’ de los sevillanos Barataria y el espectáculo de teatro-danza ‘(FF) Remake’ de la Zentraleta Escénica de Barcelona. También estará presente el espectáculo ‘Oro’ de los cordobeses Vértebro, propuesta que ganó la primera edición de la CINTA, Cita de Innovadores Teatrales Andaluces. Los gallegos Tricotouses presentan su pieza de danza ‘Emoticores’, y Atalaya presenta en coproducción con el GREC de Barcelona ‘Marat/Sade’. También se podrá disfrutar de la especial propuesta ‘4 rosas’ de Rocío Montero, mujer de raza gitana que vive en el asentamiento chabolista de El Vacie (Sevilla). —

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Festivales Internacionales en Iberoamérica

Allá donde el otoño teatral europeo es pura primavera Manizales, Buenos Aires, Guanajuato, Córdoba y Montevideo celebran sus magnos festivales

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no de los festivales de más larga trayectoria, el colombiano de Manizales, celebra su 39ª edición del 2 al 8 de octubre con el lema “El teatro te abre los brazos”, una apertura que responde a la necesidad de un país de reconciliarse tras muchos años de conflicto y que contará con 34 compañías teatrales provenientes de Europa y Latinoamérica, que ofrecerán 35 obras en 92 funciones de sala y de calle y y tendrá como invitado de honor a Tenerife, Islas Canarias, región que también tiene la responsabilidad de inaugurar el festival con la obra ‘Cambuyón’ de la compañía Enlace SC., además de poderse ver otros dos espectáculos tinerfeños: Tenerife Danza Lab. con ‘Garganta’ y Delirium

teatro con ‘La punta del iceberg’.

Del 2 al 16 de octubre se celebrará en Montevideo el FIDAE con una amplia presencia de piezas internacionales de Alemania, Argentina, Chile, Colombia, Ecuador, España, Italia, México y Perú. La programación uruguaya fue seleccionada por un jurado internacional integrado por Mariel Bravo (Chile), Deborá Colker (Brasil), Juan Meliá (México), Norka Chiapusso (España) y Matía Umpiérrez (Argentina-España), y consta de circo: ‘Yenn’ de la Compañía Circo Tranzat; danza: ‘​Big Bang’ con dirección de Andrea Arobba; ‘Manada’ de la Compañía de danza Martín Inthamoussú; ‘Indiviso’, concepto y dirección coreográfica de María Inés Dantes; y ‘Caravana Sísmica’ con dirección de Carolina Guerra. En teatro: ‘Mi hijo solo camina un poco más lento’, dramaturgia de Ivor Martinic y dirección de Gerardo Begérez; ‘Otros problemas de humanidad’ con dramaturgia y dirección de Sebastián Calderón; ‘Pasos Largos’ con dramaturgia de Maru Fernández y dirección de Gerardo Martínez; ‘Rabiosa Melancolía’, dramaturgia y dirección de Marianella Morena; y ‘Juegos Mecánicos’ con dramaturgia y dirección de Fernando Nieto Palla-

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dino. Además, el jurado destacó tres menciones especiales a ‘Permitirse estar’ de Natalia Farias y Lucia Bidegain, ‘​La Fiera’ con dramaturgia y dirección de Mariano Tenconi Blanco, y ‘Todo por culpa de ella’ de Andrei Ivanov con dirección de Graciela Escuder.

Del 5 al 21 de octubre se celebrará el XI Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), que surge en 1997 organizado por el Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires, con la intención de convocar, en una ciudad con una destacada actividad teatral, a las figuras centrales de las artes escénicas a nivel mundial, así como a los más destacados programadores y curadores internacionales para que se encuentren con lo más sobresaliente de la escena local. Cada dos años la ciudad se convierte durante dos semanas en una fiesta en la que conviven distintos estilos y géneros en espectáculos internacionales y nacionales, montajes al aire libre, talleres, mesas redondas y charlas con creadores. En esta nueva edición y de la mano de su nuevo director artístico, Federico Irazábal, en su programación internacional se puede destacar ‘Hamlet’ por The Tiger Lillies en coproducción con el Republique Theatre de Copenhague; ‘2666’, basada en la novela de Bolaño con dirección de Julien Gosselin; ‘Nathan’, dirección de Nicolas Steman; y ‘Five easy pieces’ con dirección de Milo Rau. Esta edición el FIBA sale a la calle, con varias obras en diferentes locaciones de la ciudad, nacionales e internacionales, donde se destacan ‘La velocidad de la luz’ de Marco Canale, coproducida por el Festival, que tendrá lugar en la Villa 31, y ‘Remote Buenos Aires’ del grupo alemán Rimini Protokoll, que propone un recorrido por la ciudad. Una extensión del FIBA se presentará en Santiago de Chile del 7 al 14 de octubre con la presencia en el Teatro Municipal Las Condes de ‘Constanza muere’ de Argentina, The Tigers Lilles con ‘Hamlet’ de Dinamarca y ‘País Clandestino’, una coproducción entre Argentina, Francia, Uruguay, España y Brasil.

Del 6 al 15 de octubre se celebrará en paralelo la 11ª edición del Festival Internacional de Teatro Mercosur de Córdoba (Argentina), que realiza la Agencia Cultural Córdoba a través del Teatro Real y que cuenta con – 49 –

una programación internacional y una muestra local que se representa por escenarios de toda la ciudad y provincia.

Desde 1977 se celebra en la ciudad mexicana de Guanajuato el Festival Internacional Cervantino, que en la edición de este año será del 11 al 29 de octubre con revoluciones en todos los sentidos, desde revoluciones artísticas y sociales hasta políticas, manifestando cómo los cambios drásticos en la sociedad transforman las distintas disciplinas artísticas, los espacios y las naciones. Por ello el tema central será Revoluciones–100 años, para conmemorar 100 años de la Constitución Mexicana y de la Revolución Rusa, y además casi 200 años de la Revolución Industrial en Europa. Francia y el Estado de México son los países invitados. Con una actividad desbordante destaca el programa “más allá de Guanajuato”, donde la riqueza cultural y artística que se vive en el festival, se busca compartir con el mayor número de públicos posible. En coordinación con la Alianza Francesa se proyecta una selección de arte escénico en 72 instituciones públicas y privadas, con 180 pantallas en 31 entidades federativas, además de países como España, Argentina, Perú y Guatemala.

Cabe destacar que al otro lado del océano tendrá lugar el XVII Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo (Almagro, España), del 30 de septiembre al 15 de octubre y en homenaje a Antonio Lozano. —

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FESTIVALES

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XLVIII Festival Internacional de Molina de Segura

Amplio abanico de propuestas en Molina de Segura Quinta edición del AD Festival, Concurso de Acciones Artísticas Urbanas, además de Cursos y Talleres

FOTOGRAFÍAS

‘El sermón del

bufón’

‘Hullu’

D

el 11 al 30 de septiembre la localidad murciana de Molina de Segura acogerá la 48 edición de su Festival Internacional de Teatro, en el que como es habitual han previsto una programación variada donde no faltarán montajes de calle y sala, para adultos y público familiar, de carácter musical, así como una gran variedad de géneros teatrales. Asimismo, se llevarán a cabo actividades paralelas como cursos y talleres, además de varias exposiciones, dos de ellas fotográficas y una tercera dedicada a los títeres.

Entre tanto también se celebrará la quinta edición del AD Festival, Concurso de Acciones Urbanas que se llevará a cabo entre el 20 y 22 de septiembre. En él participarán trece com-

pañías que proponen montajes tanto de calle como de sala, la mayoría de ellos dirigidos a todos los públicos, de todos los géneros artísticos imaginables.

A pesar de que el festival arranca el día 11 de septiembre, el espectáculo inaugural está previsto para el día 12 de la mano del clown Guillem Albà y su troupe Marabunta, dando paso a un energizante concierto teatralizado que tendrá lugar en el Teatro Villa de Molina. En este mismo espacio se darán cita la mayor parte de las propuestas de sala de carácter teatral, como el montaje gestual ‘Hullu’ de Blick Theatre el 13 de septiembre, resultado de una investigación sobre los trastornos mentales en general y el autismo en particular. Por su parte, la compañía Ferroviaria propone ‘Sedientos’, pieza que toma como punto de partida la obra del dramaturgo francocanadiense-libanés Wajdi Mouawad, en el que reflexiona sobre la juventud, el día 23. Por su parte, la compañía andaluza Axioma levará a escena el día 28 ‘El legado’, un espectáculo de cerca, como ellos mismos lo reconocen, que completa la trilogía iniciada con ‘Azul, Bleu, Blue’ y ‘El compromiso’. Los montajes humorísticos tampoco faltarán dentro del programa, claro ejemplo de ello es

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FESTIVALES

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‘Sedientos’

‘Eroski paraíso’ de los gallegos Chévere el día 29, proyecto escénico construído sobre la promesa de un paraíso hecha por un estado de bienestar que ahora se desmorona. Albert Boadella por su parte, clausurará el 30 el festival con ‘El sermón del bufón’, donde realiza un repaso mordaz al oficio de comediante y una mirada irónica a su agitada vida, con Els Joglars de fondo.

El día 28 los valencianos Nafrat Colletif llevarán a cabo el site specific art ‘El viaje de la vergüenza’, espectáculo que quiere sensibilizar a cada uno de los espectadores que accedan a ser partícipes de esta experiencia, que parte de la reciente noticia de un furgón abandonado repleto de cadáveres de refugiados.

Las propuestas musicales tendrán gran espacio dentro de la programación, una de las actuaciones más esperadas será la del virtuoso violinista libano-español Ara Malikian y ‘La Increíble historia del violín’ en el Auditorio Municipal Parque de La Compañía el 14 de septiembre. En la Sala Music Joll del Centro Comerial Vega Plaza se han previsto varias propouestas musicales como ‘El mensaje de Gabriel’, con la Dj invitada Shira Fussion el día 22, el espectáculo musical inspirado en la obra cinematográfica de Quentin Tarantino, en el que se incluyen piezas de rock, blues y soul el día 23, y John Nemeth, natural de Idaho en Estados Unidos, el 29 con un concierto soul blues muy particular.

En diversos espacios al aire libre tendrá lugar gran parte de la programación, donde de forma cronológica actuará LaDinamo con ‘Music on cycles’, trabajo itinerante y musical que se llevará a cabo el 11 de septiembre. Esa misma jornada, Zanguango escenificará ‘Flux’, en el que en mitad de la calle una alfombra roja de 20 metros de longitud se convierte en un escenario inusual. El día 12 La Trócola propone al propuesta circense, con música en directo ‘Emportats’ y Okidok el montaje clown ‘Slips Experience’, y el día 13 Nacho Vilar Producciones llevará a cabo ‘Odisea 80’, protagonizado por un comando que llega a España de los años 80 con la misión de rescatar a Naranjito. El 14 se podrá disfrutar del virtuosismo circense de Circ Bover y su pieza ‘Vincles’, y el 28 Maduixa Teatre mostrará su propuesta de danza sobre zancos ‘Mulïer’. El público familiar contará con tres obras específicas: la verbena interactiva ‘Vamos a contar... canciones’ de Pepita y los Bichejos el 13, ‘Bambolina y Dodo’ de Circle of two el 14, y ‘2 segundos’ de Petit monsieur el día 30.— – 51 –

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MISCELÁNEA

Fira Mediterrània de Manresa La Fira Mediterrània celebra este año su 20ª edición del 5 al 8 de octubre, días en los que Manresa volverá a convertirse en el epicentro de la cultura popular y las músicas del mundo. La Fira celebrará este aniversario lanzando cuatro mensajes que han definido la filosofía de este proyecto a lo largo de los años: futuro, patrimonio, innovación y Mediterráneo.

Así, presentará un proyecto artístico singular asociado a cada uno de estos cuatro ejes. Además de estas actividades, la cita presenta una selección de destacadas propuestas, tanto musicales como teatrales. Entre ellas están las que presentarán tres artistas que han iniciado un proceso de investigación artística de raíces, propiciado por la Fira. Se trata de la cantautora Maika Makovski, la unión de Mazoni & Estambul Street Ensemble y el coreógrafo ebrenco Roberto Olivan. En el ámbito musical, destacan también tres voces femeninas: la cantante portuguesa Mísia, la voz flamenca

Chris Van der Burght

Dialog - Wrocław International Theatre Festival La 9ª edición del festival internacional de teatro Dialog tendrá lugar del 14 al 21 de octubre en la ciudad polaca de Wrocław bajo el lema “Adelante, ¿pero hacia dónde?”. En la programación destacan siete grandes producciones.

El director y coreógrafo belga Alain Platel tendrá un protagonismo especial, ya que participará en la cita con dos montajes. El creador está particularmente interesado en conocer cómo está organizada una comunidad y qué energía y valores crea. Así, el protagonista del montaje ‘En avant, marche!’ es un trompetista moribundo, un personaje inspirado en el protagonista de la obra ‘El hombre de la flor en la boca’ de Luigi Pirandello, que tiene que decir adiós a su banda y a su instrumento. Y en el caso de ‘Nicht schlafen’, Platel utiliza como punto de partida la música del compo-

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de Rocío Márquez y Amparo Sánchez (Amparanoia).

En cuanto a las artes escénicas, se presentarán espectáculos tanto de sala como de calle. Entre los primeros, se podrá ver ‘Halka’ del Groupe Acrobatique de Tanger y ‘Displacement’ del sirio Mithkal Alzghair. En la calle se llevarán a cabo, entre otros, ‘Sodade’ de los franceses Cirque Rouages y ‘EgurRa’, liderado por Oriol Escursell, además de trabajos de los clowns Toti Toronell, Pere Hosta y Marcel Tomás. Regresa también la programación off de Xarxa Alcover, el circuito teatral en catalán que une a las Islas Baleares, Cataluña, Andorra, la Franja y Valencia. En este apartado destacan las piezas ‘Hannah dels tres Països’ de Iguana Teatre, ‘Renard o el llibre de les bèsties’ de Teatre Obligatori, la premiada ‘Mulïer’ de Maduixa Teatre y ‘Ventura’ de Meriyanes Produccions.

La Fira ofrecerá también un espacio a los colectivos asociativos que están actualizando día a día el patrimonio inmaterial catalán. Para ello organizará un Focus Occitània y programará al grupo de teatro amateur de Granollers Quatre per Quatre. Además y para ir abriendo boca, se celebrará una jornada (22 de septiembre) que servirá como pórtico del evento y que contará con un itinerario de actividades, como la inauguración de la exposición ‘L’Envelat’, una previa del espectáculo ‘MiraT’ de Circ Pànic, y ‘Bella Ciao’, espectáculo que marcó un punto de inflexión en el folk italiano hace más de 50 años en el que participan artistas como Ricardo Tesi, Lucilla Galeazzi o Ellena Ledda. En esta ocasión, contará con la participación excepcional de los artistas catalanes Jaume Arnella y Carles Belda.

sitor austriaco Gustav Mahler para contar una historia de sufrimiento y muerte, sobre el declive de la civilización y los intentos de reconstruir las relaciones sobre las ruinas del viejo mundo.

Jan Klata presentará su versión de ‘Un enemigo del pueblo’ de Ibsen en ‘Wróg ludu’. Con dramaturgia de Michał Buszewicz, la obra plantea qué debería hacer una persona hoy en día para convertirse en enemiga del pueblo. ‘MDLSX’, espectáculo interpretado por la italiana Silvia Calderoni e inspirado por la novela de Jeffrey Eugenides, es una poderosa contribución a la discusión sobre la libertad y el derecho a auto-determinar la identidad y la sexualidad. ‘Jeden gest’ de Wojciech Ziemilski introduce al público en el diverso mundo del lenguaje de signos, demostrando la riqueza y las limitaciones de la comunicación. Los cuatro protagonistas difieren en cuanto a su edad y grado de discapacidad auditiva. En la polaca ‘Hymn to love’, creada y dirigida por Marta Górnicka, el público se enfrenta a las amenazas planteadas por una oleada creciente de xenofobia y nacionalismo. Por último, Ivo van Hove parte en ‘Kings of War’ de tres históricas piezas de Shakespeare (Enquique V, Enrique VI, Ricardo III) para revelar los mecanismos que gobiernan la política contemporánea y provocar al público a asumir una mayor responsabilidad por el mundo que le rodea.

Además, la cita propone actividades paralelas como debates, reuniones, workshops y otras representaciones teatrales que complementan el programa principal.

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MISCELÁNEA

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Julien Fortel

Dantza Hirian

Enclave de Calle

La 12ª edición tendrá lugar del 22 al 30 de septiembre en 8 localidades de la Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebastián, con 13 compañías de danza contemporánea programadas.

Entre ellas se podrán ver las piezas de Elías Aguirre, Montón de Paja y Trigo, Jaiotz Osa, Proyecto Larrua, Iker Karrera, Lucia Marote, Jesús Rubio, Dantzaz, Eva Guerrero, Kanpai, Amaia Elizaran y Ertza.

Del 15 al 17 de septiembre Burgos celebra la 18ª edición de esta cita que contará con compañías como Circus Drome (Holanda), TheThird Hand Group (Eslovenia), Kabaret de Poche, 3 x Rien, Le Cirque Dans les Étoiles, Jordi Galí/ Arrangement Provisoire y Compagnie Créature desde Francia, las catalanas Campi Qui Pugui y Capicua Circus, y las burgalesas Colectivo Chiribitil y Javier Ariza.

Fira B!

Miguel Gómez

TNT - Terrassa Noves Tendències

El tercer el mercado profesional de música y artes escénicas de las Illes Baleares será en Palma del 20 al 24 de septiembre con 41 grupos de música y 24 compañías escénicas. Entre las últimas: ‘He vist balenes’ (La Impaciència), ‘Ricard3’ (Iguana Teatre), ‘Síndrhomo’ (La Teta Calva), ‘Una furia patria’ (Grupo Caníbal), ‘Replay’ (Trampa Teatre), ‘Dosis’ (UnaiUna), ‘Frontera’ (Migrants) y ‘Makam’ (Cía. Makam).

Temporada Alta

Consuelo Bautista

El festival cumple 10 años impulsando la creación contemporánea. Del 27 de septiembre al 1 de octubre se podrá disfrutar de 35 espectáculos, entre otros: La Fura dels Baus (‘Dreams’), Xavier Bobés (‘Cosas que se olvidan fácilmente’), Vicente Arlandis (‘Sumario 3/94’), Vértebro (‘Dios tiene vagina’), Angélica Liddell (‘Angélica [una tragedia]’), Xesca Salvà (‘Cases’) y Oriol Morales (‘Granotes’).

El Gallinero

El Festival de Tardor de Catalunya celebra en Girona–Salt su 26ª edición del 11 de octubre al 10 de diciembre, con una programación en la que destacan 17 coproducciones. Entre ellas están ‘Cyrano’ con Lluís Homar y dirección de Pau Miró; ‘Dancing with frogs’ de Sol Picó; ‘Blasted (Rebentats)’ de Sarah Kane dirigida por Alícia Gorina; y ‘Vània’, versión libre de la obra de Antón Chéjov dirigida por Àlex Rigola.

Del 1 al 3 de septiembre se celebra la 3ª edición del Festival de Teatro Contemporáneo El Gallinero en el municipio navarro de Cabanillas. Las cuatro obras programadas son ‘Mordrake, canción de Cuna’ de Bendita Maldición, ‘Cómo amar al ministro de cultura’ de El Hangar, ‘El tren chimeneo’ de Tras el trapo teatro y ‘Barro rojo’ de Javier Liñera, quien también impartirá una master class.

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Kalerik Kale

MISCELÁNEA

Optura Factoría Visual

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ÍDEM

La localidad vizcaína de Mundaka celebra el día 2 de septiembre la primera edición de este festival de artes de calle. La programación está compuesta por siete montajes: ‘Juan Palomo’ y ‘Eskobien atzetik’ (Cia. Barré), ‘Walkman’ (Ganso & Cia), ‘Irakurtzen’ (Shakti Olaizola), ‘Pausozpauso’ (Garazi & Cia), ‘Sefini’ (Trapu Zaharra) y ‘Su à feu’ (Deabru beltzak).

El festival internacional de artes escénicas de La Casa Encendida (Madrid) celebra su 5ª edición del 12 al 24 de septiembre con propuestas articuladas en torno a los grandes temas que preocupan o afectan a la sociedad actual. Destacan las piezas ‘Still in Paradise’ de YanDuyvendak y Omar Ghayatt, ‘The Making of Justice’ de Sarah Vanhee y ‘Awake.

Cheer up…Armageddon’s coming!’ de Michael Achtman.

Circarte

Escena Poblenou

El 8º Festival de Circo Contemporáneo tendrá lugar del 15 al 27 de septiembre en El Campello, Alicante, San Juan de Alicante y la Universidad de Alicante. Entre las piezas programadas están ‘Seu-Te!’ de Acrobacia Mínima, ‘Emportats’ de La Trócola Circ, ‘The rise of the full moon’ de Fekat Circus Etiopía, ‘Mecha show you’ de Jimena Cavalletti, ‘La bella tour’ de la cía homónima y ‘El apartamento’ de Cirk About It.

La 16ª edición del Festival de Creación Contemporánea tendrá lugar del 19 al 22 de octubre en Barcelona, con una programación centrada en las artes escénicas contemporáneas, implicadas con el territorio y con la realidad social actual. Se podrán ver, entre otros: ‘Saunterer’ (Colectivo Ameno), ‘Likes’ (Núria Guiu), ‘Envà’ (Amer i Àfrica circ cia) y ‘Sessiones Remotes’ (Mònica Muntaner).

Festival de Teatro y Danza - Tribueñe

Divadelná Nitra

El Teatro Tribueñe de Madrid celebra del 30 de septiembre al 29 de octubre la 1ª edición de esta cita con la Cía Tribueñe (‘El embrujado’), El Gato Negro (‘Ildebrando Biribó, el último Cyrano’), DonDavel (‘Le Fumiste’), In.Da.Co. Dance Company (‘We-Men’), The Madrid Players (‘Un tranvía llamado deseo’), Agathe Alexis (‘A puerta cerrada’) y El Rayo Misterioso (‘Dionisos aut’ y ‘El fabuloso mundo de la tía Betty’).

Este festival internacional de teatro tendrá lugar del 22 al 26 de septiembre en la ciudad eslovaca de Nitra con una programación principal que presenta 10 montajes. Entre ellos están ‘Jánošík’ con dirección de Rastislav Ballek; ‘Miracles’ de Iveta Ditte J. y Michal Ditte; ‘Black Black Woods’ por Jozef F. y Linda Kapetanea; ‘Possessed’ dirigida por B. Mazúch; y ‘Jeden gest’ con dirección de Wojtek Ziemilski.

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Kobas Laksa

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EN GIRA

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Movimientos escénicos con la llegada del otoño en Bizkaia

Tine Declerck

FOTOGRAFÍAS

‘Las actrices

siempre mienten’

‘Built to last’

D

urante el mes de septiembre continúa la programación estival en el Teatro Arriaga, ya que hasta el día 10 se representará, tras un mes en su cartelera, el musical ‘Priscilla, reina del desierto’, que dará paso al espectáculo que como su despedida de los escenarios ha preparado Tricicle, ‘Hits’, con el que se podrá disfrutar del 13 de septiembre al 1 de octubre. Ya en octubre comienza la última temporada del año en la que destacan dos estrenos: ‘Obabakoak’, producción del Teatro Arriaga basada el la novela de Bernardo Atxaga y con versión y dirección de Calixto Bieito (del 18 de octubre al 26 de noviembre), y ‘La casa de la llave / ‘Giltzaren etxea’ nueva producción de Tanttaka Teatroa dirigida por Fernando Bernués (31 de octubre y 1 de noviembre). Ambas obras, de las que se da cumplida información en la sección Estrenos de este número, se representarán en euskera y en castellano.

Pero antes, los días 6 y 7 de octubre, habrá tiempo para la danza de la mano de Damaged Goods, compañía de la coreografa norteamericana afincada en Bruselas y Berlin, Meg Stuart, que presenta ‘Built to last’, un viaje por la historia de la danza en el que destaca la

sutileza del movimiento. El día 23 Metrokoadroka presenta en Bilbao ‘Miss Karaoke’, personal propuesta teatral escrita por Oier Guillan para el proyecto ‘Nuevas dramaturgias/ Antzerkigintza berriak’ de DSS2016. Y del 25 al 28 del mismo mes será el turno de ‘Sueños’, obra a partir de ‘Los Sueños de Quevedo’ en versión libre de José Luis Collado en la que Juan Echanove interpreta a Francisco de Quevedo bajo la dirección de Gerardo Vera en una coproducción de la CNTC con La llave Maestra y Traspasos Kultur.

La Fundición La programación de la sala bilbaina comienza con el estreno los días 16 y 17 de septiembre de ‘La boca o cuidado con el perro’, una obra sobre el abuso y el maltrato a la infancia de Enriqueta Vega que sube a los escenarios tras una residencia de creación en la propia sala. La compañía yucateca Créssida Danza llega a Bilbao dentro del Proyecto de intercambio y movilidad para las compañías vascas y presenta los días 23 y 24 ‘La primera piedra’, coreografía de Roberto Oliván.

Ander Lipus y Patricia Urrutia dan vida a los dos protagonistas de ‘Hozkailua’, obra escrita por Unai Iturriaga y dirigida por Manex Fuchs que sube a los escenarios Artedrama y con la que se podrá disfrutar los días 29 y 30 de septiembre y el 1 de octubre. Desde Barcelona y dentro del Circuito de la Red de Teatros Alternativos, El pollo campero comida para llevar presenta ‘Las actrices siempre mienten’, una investigación escénica que parte del estereotipo y los tópicos asociados al universo de la actriz. Y en la Fundición habrá muchas más propuestas con parte de los programas de los festivales BAD y Dantzaldia y del programa Residencias en Creación.

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‘Bette & Joan’

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‘El príncipe de Maquiavelo’

Kultur Leioa

Barakaldo Antzokia

La compañía portuguesa Crassh presenta el 23 de septimebre dos espectáculos, ‘Crassh babies’, pieza de interior para los más pequeños, y ‘Crassh streetnonstop’, animado y rítmico pasacalles que tendrá lugar en la Plaza Errekalde. El 28 BdDansa, es decir Beatriu Daniel y Toni Jodar, presentarán una performance pedagógica, ‘Toni Jodar, una conferencia Bailada’, en la que abordan la historia reciente y las tendencias actuales de la danza.

Yolanda Aristegui y Goizalde Núñez dan vida a Bette Davis y Joan Crawford en ‘Bette & Joan’, una obra dirigida por Carlos Aladro que aborda la enemistad de las dos protagonistas de la película ‘¿Qué fue de Baby Jane?’ y que pondrán en escena Descalzos Producciones, Txalo y Saga el día 30.

El 6 de octubre Cia. Eva Guerrero/Doos Colectivo estrenan la versión en sala de ‘El fin de las cosas’, pieza de danza que habla de esa frontera entre lo que callamos y lo que hacemos. El 8, los más pequeños tienen una cita con la música en vivo, los juegos, el teatro, el circo y la danza de la mano de Mumusic Circus y su espectáculo ‘Petits Princeps’ ,y el día 20 el estreno de otro espectáculo, en este caso dirigido al publico adulto, ‘Esto no me lo esperaba’ de Zanguango Teatro. Una obra metateatral con la figura de Emiliano Zapata como hilo conductor que dirige Miguel Muñoz. Las funciones de octubre se completan con el concierto de Antonio Lizana Group (27) y la obra para público familiar ‘Malas palabras’ de La Galera Encantada.

El 13 de octubre el coreógrafo y bailarín Igor Calonge presenta su último trabajo creado con su compañía Cielo rasO, ‘Tormenta’, que dará paso al estreno, el día siguiente, de una nueva propuesta escénica de Erre Produkzioak, ‘Play out’ de Teresa Calo. Una comedia que se pregunta sobre lo que podemos estar dispuestos a hacer para conseguir el éxito a través de la historia de un escritor convencido que para triunfar debe morir.

El día 15 Mago Oliver y Eva harán las delicias del público infantil y familiar con sus ‘Inventos mágicos’. El 21 los amantes de la música tienen una cita con el espectáculo músico-teatral ‘Zarzuela on air’, una selección de las mejores zarzuelas a cargo del Coro Rossini.

Más de 30 bailarines de la Compañía de baile DanceDay ponen en escena ‘El conjuro de la brujas de Salem’ con coreografía y dirección de Marta Casas (22). Y el día 28 Fernando Cayo da vida al único protagonista de ‘El príncipe de Maquiavelo’ en versión y dirección de Juan Carlos Rubio.—

zanguango teatro

Estrena ‘Esto no me lo esperaba’ el 20 de octubre en Kultur Leioa.

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EN GIRA

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Humor y artes de calle para el fin del verano donostiarra

L

a comedia protagonizada por Mariano Peña ‘Obra de Dios’ que dirige Tamzin Townsed comienza el mes de septiembre (hasta el día 3 en cartel) en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia, a la que le seguirá otro montaje, esta vez en euskera y en el que el humor es también protagonista, ‘Ez dok hiru’ de Tartean Teatroa (días 5 y 6). La Asociación Lírica Sasibill por su parte pondrá en escena ‘Bohemios’ (del 8 al 10), y dará pasó a otra propuesta en la que la música, en este caso vocal es protagonsita indiscutible, ‘Mundo intréprido’, última propuesta de Golden Apple Quartet (12 y 13), a quien sucederá una de las obras más representativas del llamado teatro del absurdo, ‘La cantante calva’ de Eugène Ionesco en una coproducción de Pentación Espectáculos y Teatro Español dirigida por Luis Luque (del 14 al 16 de septiembre). Y ya en octubre, del 5 al 15, otros grandes del humor, Tricicle con ‘Hits’.

María Luisa Merlo y Juan Meseguer dan vida a los protagonistas de ‘Cosas de papá y mamá’, obra de Descalzos Producciones encargada de dar continuidad a la programación estival en septiembre en el Teatro Principal (días 1, 2 y 3), escenario al que subirá del 8 al 10 el Mago Sun para hacer las delicias de jóvenes y mayores con su montaje ‘Magia spectacular’. Septiembre culmina en Antzoki Zaharra con ‘The primitals’, una divertida comedia musical a capela interpretada por una extraña y surrealista tribu que pondrán sobre el escenario los días 16 y 17 Yllana & Primital Brothers.

Al cierre de esta edición no se ha presentado aún la programación de otoño de los escenarios de Donostia, pero además de los ya mencionados durante el mes de septiembre, diversos

‘The primitals’

escenarios de la capital acogerán propuestas teatrales como ‘Barro rojo’ de Javier Liñera o ‘Arturo y Clementina’, propuesta para público familiar de Titiritrán Teatro, ambas en Lugaritz K. E., los días 16 y 30 respectivamente. En Gazteszena se podrá disfrutar con varias propuestas de danza como ‘Cristal, madera y ceniza’ de Denis Santacama y ‘Extraña en mi piel’ de Myriam Pérez; ambos creadores realizarán una residencia artística en Gipuzkoako Dantzagunea dentro del programa ‘Sortutakoak’ y mostrarán sus procesos creativos los días 9 y 20, respectivamente. También se podrá ver otra propuesta de danza contemporánea ‘Harri, orri, ar’ de Dantzaz Konpainia (día 16), precedida por varios montajes de danza en la calle como ‘Mülier’ de Maduixa Teatre (día 6) o ‘Raw’ y ‘El fin de las cosas’ de Amaia Elizaran y Doos Colectivo, respectivamente, el día 15.

Y en la calle también se podrá disfrutar con más de una docena de espectáculos como ‘Silencis’ de Claire Ducreux o ‘A cal y canto’ de Trapu Zaharra, además de con las dirigidas al público más joven como ‘Txapela buruan eta dantza munduan’ de Eidabe o ‘Burutik jota’ de Trokolo Teatroa, ambas el 14 de septiembre.— – 58 –

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MISCELÁNEA

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Diego Seixo

Teatro Español

Sala Tarambana

El Teatro Español de Madrid colabora con la ONG InspirAction apoyando el proyecto “I am home”, que ofrece un hogar seguro para las mujeres refugiadas y sus hijos en Atenas. Por ello ha juntado a 8 autoras, 8 autores, 8 directores, 8 directoras, 8 actrices y 8 actores que trabajarán en un proyecto solidario a partir de los testimonios de los y las refugiadas. 16 monólogos de 5 minutos conformarán un espectáculo de unos 45 minutos aproximadamente. ‘Home-El Español con las refugiadas’ se llevará a escena los días 15 y 16 de septiembre. Del 20 de septiembre al 15 de octubre se podrá ver ‘Los universos paralelos’ de David Lindsay-Abaire bajo la dirección de David Serrano. Interpretada por Malena Alterio, Daniel Grao, Carmen Balagué, Belén Cuesta e Itzan Escamilla, es una historia sobre cómo los miembros de una familia se enfrentan a la pérdida y al dolor. Y del 31 de octubre al 2 de noviembre tendrá lugar la primera edición de la Muestra de Danza Contemporánea Española.

Entre los espectáculos que se podrán ver en el mes de septiembre en la madrileña Sala Taramaba se encuentra ‘¿Hamlet... es nombre o apellido?’. Programado los jueves, es un montaje de Tarambana Espectáculos con dirección de Gorka Martín, dramaturgia de Oskar Galán e interpretación de Eva Bedmar, Ricardo Cristóbal, Laura García-Marín y Antonio Nieves. Del 29 de septiembre al 1 de octubre Ibuprofeno Teatro representará su premiada ‘Raclette’, con dirección y dramaturgia de Santiago Cortegoso e interpretada por Toni Salgado, Deborah Vukusic, Marián Bañobre, Iria Sobrado y Salvador del Río. La Raclette es una forma de comer en comunidad inventada por los pastores suizos que, para ahuyentar el frío y la soledad de la montaña, se reunían en torno al fuego para ir cocinando sobre una piedra caliente -a medida que comían- queso, carne y verduras. Esta raclette urbana y contemporánea une, durante una cena, a cinco personajes que conforman un complejo mosaico humano.

Teatro Galileo

Vicente S. Román

Paranimf UJI

Teatro del Noctámbulo presenta ‘Contra la democracia’ de Esteve Soler, pieza traducida a 19 idiomas y dirigida por más de 70 directores en todo el mundo que se podrá ver del 14 de septiembre al 8 de octubre. Es la tercera obra de una trilogía formada junto a ‘Contra El Progreso’ y ‘Contra el amor’. Compuesta por 7 obras cortas, está dirigida por Antonio C. Guijosa e interpretada por José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio.

Y del 11 de octubre al 5 de noviembre estará también en cartel en este espacio de Madrid la obra ‘¡Corre!’, que cuenta con la dramaturga y dirección de Yolanda GarcíaSerrano. El espectáculo transcurre a lo largo de un año, desde el invierno en que Emma visita a su hermano en la cárcel, por primera vez en mucho tiempo, hasta la primavera cuando las ganas de correr de Kico determinan el futuro de ambos. El montaje está interpretado por Carlos Librado “Nene” y Nur Levi.

La Universitat Jaume I de Castelló de la Plana desarrolla un amplio programa dedicado a las artes escénicas que se lleva a cabo en el Paranimf. El 15 de septiembre inicia la programación con el espectáculo ‘InTarsi’ de la compañía de circo eia, al que le seguirán propuestas como ‘Hamlet canalla’ de Teatre Micalet (29 de septiembre) y ‘Afasians. The last conference’ de loscorderos.sc & Za! (6 de octubre).

Y del 2 de noviembre al 3 de diciembre entrará de lleno en la muestra de artes escénicas Reclam, que en esta edición celebrará su XXV aniversario, en la que además de la universidad participan la Diputación Provincial y los ayuntamientos de Almassora, Benicàssim, Betxí, Borriana, Castelló de la Plana Onda, Orpesa, la Vall d’Uixó Vilafranca, Vila-real y Vinaròs. Durante un mes, diferentes propuestas y espacios confluyen para llenar una programación mayoritariamente comprometida en la vertiente social y que está pensada con vocación de servicio público.

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Teatro del Temple

MISCELÁNEA

Marcos Cebrián

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Morfeo Teatro

Los días 30 de septiembre y 1 de octubre Teatro del Temple presenta en Pabellón 6 de Bilbao ‘El alma en vilo’, un recital poético musical inspirado en la obra de Garcilaso de la Vega, Juan de la Cruz y Teresa de Jesús, máximos exponentes de la poesía española del siglo XVI. José L. Esteban recita los versos acompañado al piano por Jaime López Coscolla en una puesta en escena dirigida por el propio Esteban.

La compañía zaragozana sigue además con la gira de ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca con dramaturgia de Alfonso Plou y dirección de Carlos Martín. Esta obra se pondrá en escena los días 1 y 29 de septiembre en la Casa de Cultura de Andorra y en el Teatro Rojas de Toledo, y en octubre estará en cartel en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña los días 6 y 7, en el Pazo da Cultura de Narón el 14 y en el Serantes Kultur Aretoa de Santurtzi y el Teatro Bellas Artes de Tarazona los días 1 y 11 de noviembre, respectivamente.

Tras su gira por Estados Unidos y México -donde la compañía ha participado en las Jornadas de Teatro Español de San Antonio en Texas, el Festival Siglo de Oro de El Paso (Texas) y el Festival de Teatro Clásico de Ciudad de Juárez-, continúa con sus funciones de ‘El retablo de las maravillas’.

Esta nueva propuesta del clásico con dramaturgia y dirección de Francisco Negro presenta el juego de las apariencias de Cervantes dentro de un vacío ‘Guernica’ de Picasso, uniendo así a dos genios del arte. En el mes de octubre Morfeo Teatro viajará a Cáceres y subirá al escenario del Gran Teatro esta divertida obra, para continuar el viaje en noviembre en Granada, el día 9 en el Auditorio. Al día siguiente estarán en el Auditorio de Alcázar de San Juan, para desde allí dirigirse al norte, a la localidad asturiana de Langreo. Al cierre de esta edición está confirmado que el 17 de noviembre estén en Aranjuez y ya en diciembre, el día 1, llegarán al Lonbo Aretoa de Arrigorriaga (Bizkaia).

Kulunka Teatro

Cía de Dança Déborah Colker

Kulunka Teatro presenta en la sala Guirau del Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid sus dos espectáculos de máscaras. Del 27 de septiembre al 8 de octubre vuelven a poner en escena ‘André y Dorine’, una historia que a través del humor ahonda en la soledad y la incomunicación de los miembros de una familia. Y del 13 al 29 de octubre y en la misma sala se podrá disfrutar con ‘Solitudes’, su segundo espectáculo de máscaras y al igual que ‘André y Dorine’, sin palabras. En este caso, la obra aborda el tema de la vejez a través de la historia de un anciano que no se resigna por conseguir lo que desea, cosas muy sencillas, pero no por ello menos importantes. Cabe destacar además que Kulunka Teatroa llega a Madrid tras haber presentado ‘André y Dorine’ en Uruguay en agosto y realizar una gira con la citada obra por China y Jong Kong. Por último, reseñar que la compañía pondrá en escena la obra ‘Edith Piaf. Taxidermia de un gorrión’ el 20 de octubre en Alcobendas.

La Compañía Deborah Colker de Brasil está de gira por España con ‘Vero’, espectáculo que nace de la unión de dos de las creaciones de mayor éxito de la coreógrafa: ‘Velox’ y ‘Rota’ (estrenadas en 1995 y 1997 respectivamente). En el primer acto de ‘Vero’, diferentes movimientos funden el lenguaje del ballet clásico y la danza contemporánea a través de un repertorio de gestos habituales transformados en precisos y elegantes movimientos. En el segundo acto, los bailarines pasan a un estado de fluctuación donde los movimientos ganan en densidad, demandan equilibrio y experimentan con varias posibilidades de caminar en suspensión en todos los sentidos y direcciones. La compañía de danza Déborah Colker, encargada de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro, presentará la obra el 10 de septiembre en el Teatro Ramos Carrión de Zamora, los días 12 y 13 en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía y el 16 en Sevilla.

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LUZ NEGRA

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Veinte años de BAI. Aprendiendo a escribir (y III)

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Josu Montero

anchis Sinisterra y Samuel Beckett, Ibsen y Strindberg y Chejov y O’Neill y Cocteau, Michel Azama y Enzo Corman y Bernard Koltés y Michel Vinader, Eduardo Pawlovsky y Griselda Gambaro, Benet i Jornet y Sergi Belbel y Lluïsa Cunillé, Itziar Pascual y José Busto y Paco Bezerra, David Mamet y Harold Pinter y Jazmina Reza, Paco Zarzoso y Alfredo Sanzol, Alfonso Sastre y Alonso de Santos y Marco Antonio de la Parra…

Y nos dejamos muchísimos de los dramaturgos que a lo largo de los veinte años de andadura de la BAI, nos han guiado en nuestro errático pero entusiasta camino en pos del misterioso arte de la escritura dramática. Nos guía la convicción de que estas pistas pueden ser útiles a cualquiera que desee acercarse al complejo pero apasionante mundo del texto teatral. Escenas sin texto o reducidas a sus elementos mínimos esenciales, monólogos, diálogos a dos o corales, estructuras dramáticas engañosamente simples, obras sin acotación alguna o con solo acotación pura…

Para trabajar el tiempo y el espacio dramáticos utilizamos unas cuantas obras, desde J.B. Prestley a Eusebio Calonge de La Zaranda pasando por Diego Lorca y Pako Merino de Titzina Teatro; pero voy a acordarme aquí de otras dos. En ‘Rodeo’ Lluïsa Cunillé nos sitúa en un lugar que poco a poco vamos descubriendo se trata de una funeraria, un negocio familiar. En cada una de las cuatro escenas de la obra la acción va girando sobre sí misma, esto es, la cuarta pared, la del público, se va moviendo, y los espectadores ocupamos y observamos sucesivamente lo que sucede desde las bien diferentes perspectivas de los cuatro lados de la funeraria. Rodeo espacial por tanto, pero también rodeo verbal –ya que el de las relaciones familiares es el ámbito de lo oblicuo, lo lateral, lo elíptico–, y rodeo dramático –porque no tenemos otra forma para hablar de la muerte–. En ‘Olores’, J.M. Benet i Jornet plantea una estructura temporal endemoniada: la primera escena de la obra es cronológicamente la central; a partir de ahí y alternativamente nos llevará hacia adelante y hacia atrás, siendo la penúltima escena la última cronológicamente y la última de la función, la primera. Abrir grietas en el muro del tiempo para intentar vencerle, o al menso comprenderle. Los juegos con el tiempo y con el espacio suscitados por estas obras nos llenaron – 64 –

de problemas, de retos, de placeres.

No quiero olvidarme de obras bien fructíferas en cuanto a la creatividad que nos suscitaron.

La riquísima ‘Glengarry Glen Ross’ de Mamet: tres endiablados monólogos paralelos para abrir, como planteamiento; y luego un segundo acto coral a ese trepidante ritmo suyo a modo de desenlace. Mamet elude el nudo para imprimir más intensidad y dinamismo a la obra. Dos autores españoles contemporáneos, dos prestidigitadores del teatro, nos enseñaron como pocos la magia de las palabras sobre el escenario. Me refiero a Paco Zarzoso y Alfredo Sanzol, a cualquiera de sus obras: ‘Umbral’, ‘Valencia’ ‘Ilusionistas’ del valenciano o ‘Días estupendos’, ‘Sí, pero no lo soy’, ‘En la luna’ del navarro. Nos enseñaron y motivaron extraordinariamente: Harold Pinter y Jazmina Reza: la lectura de cualquiera de sus obras además suscitan la curiosidad creativa; la fuerza esencial de lo no dicho en el inglés y la tragicómica esgrima verbal en la francesa.

Acabamos con unosextos teóricos que también vinieron en nuestra ayuda. La sabiduría práctica y seductora de Don Alfonso Sastre en los dos tomazos de ‘El Drama y sus lenguajes’: ‘Drama y Poesía’ y ‘Gramaturgia y Textamento’. Sastre le sigue la pista a ese “tercer lenguaje” que no es ni habla ni escritura, ese ente llamado Parlatura. A pesar del análisis sistemático que Sastre realiza, abramos por donde abramos, la lectura supondrá un disfrute cierto y un ensanchamiento de nuestra perspectiva. ‘La escritura dramática’ de J.L. Alonso de Santos, nos sirvió también algunas veces, pero casi más un libro de Sanchis Sinisterra titulado ‘Dramaturgia de textos narrativos’, en el que nos da interesantes claves dramatúrgicas al abordar la transformación parta el teatro de relatos y novelas. Pero a buen seguro el librito teórico que más energía nos insufló, y que nos dio no sólo más respuestas a nuestras acuciantes preguntas sino incluso más preguntas para nuestras respuestas y que nos trastocó casi todo para que lo recolocáramos se titula: ‘Para un joven dramaturgo. Sobre Creatividad y Dramaturgia’ del chileno Marco Antonio de La Parra, libro que editó en 1993 el ya legendario Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas dirigido por Guillermo Heras, ¡y que ojalá alguien haya reeditado para que podáis disfrutarlo! —

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POSTALES ARGENTINAS

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¿Procesos de globalización de los espectadores porteños?

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Jorge Dubatti

uestra experiencia en el campo teatral de Buenos Aires (ya sea por la asistencia a funciones, el diálogo con los artistas, el trato con los espectadores y las instituciones, el periodismo especializado, el trabajo en gestión y programación, el contacto con la oralidad, lo que se discute, lo que se opina, etc.) nos permite observar una tendencia preocupante. Llamémosla, provisoriamente, procesos de norteamericanización del teatro argentino, en el sentido de avance de la homogeneización cultural globalizadora impulsada por la cultura “americana”, el idioma inglés, los imaginarios de uniformación social y neoliberalismo, y, especialmente, la positivización de la cultura norteamericana y su centro, Nueva York, como modelos de ciudad cultural y ciudad teatral.

Para muchos espectadores argentinos, implícita o explícitamente, Nueva York se ha transformado en un ilusorio “centro de la cultura mundial”, y su teatro en una suerte de aspiración o meta a conquistar. Se trata de un grupo muy grande de espectadores que, justamente, no frecuentan regularmente los teatros porteños, sólo de vez en cuando asisten a las salas independientes, y prefieren de Buenos Aires el circuito oficial y comercial. Así cuestionan a la capital porteña como campo teatral porque no tiene las características de Nueva York. Algunas de las observaciones que hemos escuchado: “Teatro-teatro, teatro en serio, el de Nueva York. Eso sí es teatro, deslumbrante”; “¿Por qué no podemos hacer acá teatro con tecnología como la que se hace en Estados Unidos?”; “¿Nunca fuiste a Nueva York?

Te falta una de las experiencias más importantes de tu vida, cuando vayas me contás”; “Buenos Aires tiene un atraso impresionante”; “¿Por qué no tenemos teatros equipados como en Nueva York?”; “¿Por qué en Buenos Aires no hacemos El Rey León?”; “¿Por qué Buenos Aires no es una plaza teatral turística del teatro comercial a la que visiten extranjeros de todo el mundo?”; “¿Por qué en Buenos Aires no hay una formación especializada como la que reciben los artistas norteamericanos?”. Son estas algunas de las inquietudes que hemos oído y que regresan una y otra vez, de manera creciente, con variaciones.

Este proceso de positivización de lo norteamericano como modelo a alcanzar, acentuado no– 66 –

tablemente en la nueva etapa de restauración neoliberal abierta desde diciembre de 2015 e impulsada por las políticas oficiales pro-mercado, impulsa un cuestionamiento de la realidad del campo teatral de Buenos Aires, a la que se ve deficiente, anacrónica e incompleta respecto de “hacia dónde va el mundo”. Hay una falla epistemológica, un error teórico: consiste en pensar que todos los grandes centros teatrales deberían funcionar de la misma manera, o que deberían tener un modelo único. No sólo se trata de ignorancia; se impone una concepción ideológica globalizadora y, supuestamente, modernizadora, de progreso. No se reconoce la diversidad del mundo, su multicentralidad, y especialmente los fenómenos de la territorialidad y la localización, que son inseparables del acontecimiento teatral (contrario a la cultura envasada o enlatada, a la industrialización y la producción en serie). Se da por sentado que Nueva York es el centro, sin preguntarse qué pasa en París, Londres, Berlín, México o Tokio, y si estas grandes ciudades teatrales también deberían asimilarse al modelo neoyorkino. No se puede comprender a una con los mismos parámetros que otra: son ciertamente ciudades distintas.

Exigen evitar las generalidades y producir conocimiento sobre/desde lo particular. Imponen operar como el “matemático loco” del que habla Beckett en la “Carta de 1937 en alemán”: “Hagamos por lo tanto como ese matemático loco (?) que solía aplicar un principio de medición diferente en cada fase del cálculo” (Disjecta). Su percepción depende de la mirada filosófica del pluralismo, aquella que, según Samuel Cabanchik, “acentúa la diversidad de perspectivas que nos entrega nuestra experiencia del mundo, sin que se juzgue posible, conveniente o necesario, un procedimiento reductivo que reconduzca tal experiencia múltiple a una unidad más básica o fundamental”.

Por culto al modelo uniformante de Nueva York se deja de valorar la gran singularidad del teatro de Buenos Aires: su vasta producción independiente, y se la ataca por su alejamiento de las condiciones de producción norteamericana. Se dice de las salas independientes que son incómodas, inseguras, que no están habilitadas, que no tienen equipamiento, que son pequeñas y de

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POSTALES ARGENTINAS

baja sustentabilidad, que están “condenadas” a un público minoritario y al trabajo artesanal. Se desconoce así su valor experimental y micropolítico, su investigación poética, su fundación de territorios de subjetividad alternativa, su aporte a los desarrollos de un teatro único de alta calidad y singularidad, y especialmente se niega su dimensión existencial, su aporte a otras formas de relacionarse con el mundo, su biopolítica de resistencia. En vez de evaluar el teatro independiente por lo que es, se lo piensa por lo que debería ser: masivo, tecnológico e integrado al mercado globalizador.

Hemos escuchado (y seguimos escuchando) expresiones de este tipo: “Con la trayectoria que tiene Ricardo Bartís, ¿no puede conseguir una sala más grande?”; “¿Este grupo no puede atraer a algún productor?”; “Ahora que está la Ley de Mecenazgo, ¿no pueden lograr el apoyo de una empresa?”; “¿Por qué no clausuran esta sala si no es segura?”; “Yo no voy más a las salas chicas porque me dan miedo”; “El espectáculo es tan bueno que me parecía estar viendo una película”; “¿A Carlos Rottemberg (empresario) no le conviene que Bartís trabaje en el Liceo?”. Incluso hemos escuchado recientemente a algunos funcionarios culturales del gobierno que cuestionaban que el teatro de Buenos Aires se había acostumbrado a trabajar en la pobreza, la precariedad y las limitaciones. Cuando sabemos que el teatro independiente ha sabido transformar desde siempre esas condiciones de producción, muchas veces restrictivas, en potencia creadora. En el teatro independiente generalmente lo menos es más, se hace de necesidad virtud, la precariedad se torna desafío creativo. La paradójica, en términos artísticos, “riqueza de la pobreza”. Este año un periodista de un medio masivo propuso que Buenos Aires “se sincere”, dejemos de mentir y veamos de frente que Buenos Aires no es una gran ciudad teatral.

Dichosamente, el teatro independiente de Buenos Aires va en dirección contraria a la globalización y la producción comercial sucursalizada: es territorial, no enlatable, aurático, convivial, de escala reducida, investigativo, y no coloca el dinero como fundamento de valor. Pero para muchos espectadores esa singularidad es una falta, una carencia.

Frente a esta tendencia creciente, creo que hay que generar estrategias de concientización entre los espectadores que fomenten la valorización de Buenos Aires como centro teatral singular y del teatro independiente como forma de producción que debe ser pensada en sus mismas coordenadas, es decir, de forma automodélica. Venimos desarrollando esas estrategias en la Escuela de Espectadores de Buenos Aires, en la radio, en la cátedra, en la investigación.

Creemos profundamente en el resultado de esa concientización sobre el “teatrar del teatro”, que modifica la aproximación de los espectadores a los acontecimientos teatrales y genera un espectador “compañero”, caracterizado por la amigabilidad, la disponibilidad, la apertura, el dialogismo, la escucha, la hospitalidad, la voluntad de frecuentación.

Se trata de percibir a Buenos Aires como una capital teatral única con su idiosincrasia, su historia, sus formas de producción, sus estructuras y procedimientos, su pensamiento, sus tendencias internas, que no se rige ni se mide con el “Meridiano Estados Unidos” o más específicamente el

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“Modelo Nueva York”. Mostrar que el “teatrar” de Buenos Aires constituye uno de los tesoros de la cultura actual, y que lo que se puede ver como carencia es, en realidad, riqueza cultural.

Creemos que hay dos grandes herramientas teóricas a tener en cuenta para generar concientización en los espectadores.

Primera: una comprensión triádica de la poética teatral, a la que debe pensarse como Estructura + Trabajo + Concepción. No alcanza con pensar Estructura, sino también hace falta pensar Trabajo y Concepción. Hay diversas formas de Trabajo y pluralismo de Concepciones, en la expresión de lo que llamamos micropoéticas y micropolíticas. Si Trabajo y Concepción cambian, cambia la Estructura y cambia la poética. Mauricio Kartun lo repite en los seminarios de desmontaje de sus espectáculos, encuadrables en la forma de producción independiente, antiglobalizadora: “El proceso creador se cumple dentro del objeto creado”. O como ha dicho Sebastián Kirszner en la reciente apertura de su Sala La Pausa Teatral: “El espacio es parte de la poética”. Es decir que la poética no sólo se define por la estructura que fenomenológicamente se despliega ante los ojos del espectador, sino que hay que preguntarle insoslayablemente por el Trabajo (pasado y presente en el acontecimiento) y por la Concepción que porta (formas de concebir las relaciones con la historia, la sociedad, el arte, el lenguaje, lo sagrado, la sexualidad, la naturaleza, el trabajo, etc.).

Segunda: la noción de lo pre-semiótico, sobre lo que hemos reflexionado en nuestra Filosofía del Teatro. Llamamos pre-semiótico a todo aquello que es condición de posibilidad de la emergencia de los signos, pero que no se constituye en signo. Aquello de la poética a lo que nunca podríamos acceder fenomenológicamente, pero que al mismo tiempo no podemos ignorar porque está condicionando lo que se manifiesta fenomenológicamente.

Cuestionamos así la ley de semiotización y proponemos reemplazarla por una ley de poietización: en el acontecimiento teatral no todo se transforma en signo, pero sí todo se transforma en poética. En el acontecimiento teatral no sólo hay lenguaje: también hay una dimensión de experiencia, aquello que no se constituye en lenguaje y permite que el lenguaje se formalice. En la poética del teatro independiente las condiciones de trabajo, las concepciones y la producción configuran una dimensión de experiencia que instalan otras formas de pensar, vivir y hacer teatro, y que producen afectación, pasión, subjetivación, voluntad de existencia. Ir a un teatro independiente de pequeña escala y participar en él de un acontecimiento teatral producido de manera independiente implica una experiencia diversa, única, cargada de sentido. El sentido no sólo está en el lenguaje, sino también en el Trabajo, en la Concepción, en lo Pre-Semiótico, en el orden de experiencia, existencia, contagio, subjetivación.

Para un espectador compañero el teatro independiente no es un estadio provisorio o transicional hacia un teatro “en serio”, profesional o comercial, sino otra forma de concebir, hacer y experimentar el teatro, auténtico tesoro cultural. —

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VIVIR PARA CONTARLO

Atletas del imaginario (I)

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Virginia Imaz

n momentos de crisis, la imaginación es más importante que el conocimiento.” Albert Eistein.

Del 4 al 7 de julio de 2017 celebramos en Alcalá de Henares (Madrid), nuestra Escuela de verano de AEDA que r dio inicio con la III Jornada sobre Narración Oral y Lectura cuyo lema fue “Cuentos y versos”. La conferencia inaugural fue dada por Antonio Rubio, excelente poeta y maestro de maestros. Además de un espectáculo a cargo del Coro Poético y Peripatético, disfrutamos de talleres y charlas a cada cual más inspiradora.

La conferencia franquicia fue “El Universo de la imaginación” a cargo de Estrella Ortiz, narradora, actriz y poeta a. El título hacía referencia al cuento mínimo de Aloe Azid que dice: “¿Qué es el universo sino un verso?” Una frase que resume hasta qué punto la imaginación dirige todo el trabajo de preparación y realización oral de los poemas. .

Me sentí capturada por su discurso desde el primer momento. ¿Qué es para mí en mi práctica como cuentera la imaginación? Y lo primero que me llegó a la mente fue una frase de nuestra entrañable Maritxu de Guller, sorgina (bruja), euskal chamana, mujer medicina, vidente… pues para las personas “videntes”, como para quien narra y “ve” lo que está narrando, los lugares, situaciones y personajes se imaginan a partir de la visión interior.

En una charla sobre la intuición y la adivinación nos invitaba a ser atletas del imaginario, a desarrollar nuestra intuición o nuestro músculo de imaginar. Creo haber comprendido por qué para ella era fácil “adivinar” el futuro, porque nuestros pensamientos son creativos. Creamos en nuestras vidas aquellas experiencias en las que creemos. Y respondemos en lugar de reaccionar a lo que nos va sucediendo, todas las personas estamos condenadas a repetir nuestro pasado sin tregua. Si nos aferramos al pasado, es fácil hacer hipótesis de cómo será nuestro futuro más probable.

Para Platón todo lo que hacemos es recordar: en un proceso de reminiscencia o de anamnesis, recordar nos permite reconocer lo bueno, lo bello, lo verdadero. Lo inmanente. Por eso considero que puede llegar a ser tan sanadora nuestra práctica de la cuentería. Narradores y cuenteras “recordamos” un futuro posible, porque imaginamos pasados que hubieran podido ser una vez, pretéritos nuevos, esperanzadores. Es imposible cambiar nada sin imaginarlo previamente. Y es – 68 –

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complejo imaginar el futuro. Pero el pasado pasado lo estamos cambiando cada vez que entramos a recordarlo. La narración oral lo hace con premeditación, alevosía y con suerte, oficio, técnica y compasión.

Para frivolizar lo que podría llegar a resultar de entrenarla, se jerarquiza dentro de las actividades mentales el pensar sobre el imaginar y donde la razón es “lo importante” dentro de la actividad del pensamiento. También contribuye a desprestigiarla asociarla al mundo infantil y a la “excentricidad” de las prácticas artísticas. Las artistas padecemos de ese terrible mal de “soñar despiertos”.

Para Estrella Ortiz, pensar ES un ejercicio de imaginación, dado que el lenguaje es profundamente simbólico. Y es que imaginar es lo que hacemos cuando, recordando, traemos al presente las imágenes de las cosas ausentes. Pero la imaginación es mucho más.

Dentro de este concepto de lo inmanente, del “ánima mundi”, la teoría del inconsciente colectivo de Jung: Aflora en el pensamiento que concibe a la Imaginación como un todo, que se reavivó con el movimiento romántico, y que viene a decir que “la imaginación es la realidad en sí misma (…) Es dinámica y sustenta todas nuestras percepciones. Y genera mitos: los relatos universales que moldean y gobiernan nuestras vidas, así como las vidas de las culturas y las economías, nacen todos ellos de la Imaginación Primigenia, de la que nuestras tenues imaginaciones no son más que un eco. Cada cuento que contamos, cada historia que inventamos, cada teoría que elaboramos hunde sus raíces en la imaginación. Ésta es sinónima del alma, que no es sino la posibilidad imaginativa de nuestra naturaleza, el hecho de experimentar a través de la especulación reflexiva, el sueño, la imagen y la fantasía; ese modo que reconoce todas las realidades como esencialmente simbólicas o metafóricas”.

Al final Estrella Ortiz, rindió homenaje a Gianni Rodari, citando unas palabras de la primera página de su Gramática de la fantasía : “Si tuviésemos una Fantástica, así como tenemos una Lógica, estaría descubierto el arte de inventar”. Y a modo de conclusión, copiando esta prodigiosa tirada de piedra en el estanque de la imaginación: “Una palabra, lanzada a la mente por azar, produce ondas de superficie y de profundidad, provoca una serie infinita de reacciones en cadena, atrayendo en su caída sonidos e imágenes, analogías y recuerdos, significados y sueños, en un movimiento que interesa a la experiencia y a la memoria, a la fantasía y al inconsciente, y que es complicado por el hecho de que la misma mente no asiste pasiva a la representación, sino que interviene en ella continuamente, para aceptar y repeler, enlazar y censurar, construir y destruir.”

Es el nuestro un oficio atlético. Es urgente creer y crear en imaginarios que permitan que sea fácil alcanzar lo imposible. —

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El MÉTODO GRIEGO

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El “Diazoma” y el arreglo de los teatros de Grecia

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María Chatziemmanouil

l teatro antiguo más conocido de Grecia es sin duda el Gran Teatro de Epidáuro, el mejor restaurado y el más grandioso, además de ser la sede del Gran Festival de Atenas y Epidáuro desde hace 60 años. En Grecia hay, sin embargo, muchos más teatros, estadios y odeones antiguos (102 en total), aunque pocos –unos 4-5– se mantienen en buen estado, ya que la condición de los demás varía entre mala y miserable. Afortunadamente, durante los últimos años, esos monumentos de nuestro pasado, parece que van a tener también un futuro prometedor, gracias al Diazoma.

El “Diazoma” se lanzó (8 de julio de 2008) por iniciativa del ex Ministro de Cultura Stavros Benos y con la participación clave de tres “familias” las cuales son partes integrantes del proyecto: la familia de la comunidad arqueológica (arqueólogos, restauradores, conservadores, etc.), la familia de los artistas e intelectuales del país y la familia de las comunidades locales (alcaldes, gobernadores, sociedad civil).

El enfoque de su interés es el renacimiento de los teatros antiguos, la búsqueda de recursos para su restauración completa y su integración en la vida cotidiana tanto de la sociedad local como de la sociedad griega e internacional. El “Diazoma”, un proyecto abierto a todos los amantes del teatro griego de todo el mundo, quiere abrir sus brazos para proteger los teatros antiguos, estas obras maestras de la arquitectura, con las que se produjo la explosión de las instituciones democráticas y floreció la creación cultural e intelectual.

“El cuidado de los monumentos siempre ha ocupado y sigue ocupando un lugar especial en mi corazón”, dice Stavros Benos. “No puedo abordarlos como si fueran solo ruinas, cosas muertas. En ellos veo unos organismos vivos que transmiten mensajes de conocimiento, de sabiduría, de belleza, de armonía, de diálogo con el medio ambiente y la naturaleza, mensajes de vida al fin y al cabo. Y estuve siempre en desacuerdo con la mentalidad convencional que los trata como piezas de museo, que los deja al margen de nuestra época, que condena al olvido la vida secreta de estos monumentos, que ignora su propia versatilidad y armonización con cada uno de los períodos históricos.”

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La gran meta del “Diazoma” es la socialización de los monumentos y la promoción del desarrollo sostenible en Grecia. Con los ciudadanos y sus ideas como vehículo se está desarrollando un movimiento a favor de los teatros antiguos que va creciendo cada día. Los esfuerzos ya han aportado sus frutos importantes al conseguir la restauración de 55 teatros.

El “Diazoma” busca financiarse a través de fondos públicos y europeos, de las autoridades locales y regionales, de mecenas griegos y extranjeros, pero también de los ciudadanos, puesto que cada teatro está conectado con una cuenta bancaria particular (“hucha”), donde cada ciudadano puede ingresar lo que quiere.

En paralelo con el objetivo fundamental del proyecto que es la creación de un amplio rango de sinergias sociales para brindar su apoyo a la Secretaria General de Cultura que se encarga de de promover y proteger los monumentos, se está desarrollando una rica variedad de actividades basadas en las ideas pioneras de miembros y voluntarios del “Diazoma”, como por ejemplo el recorrido digital a través de teléfonos móviles, de rutas culturales, de imágenes tridimensionales etc. Así los teatros se transforman en el foco de dos encuentros importantes: con la sociedad civil, por un lado, y con la economía del turismo, del medio ambiente y de la cultura, por el otro.

El proyecto “Diazoma” está en constante colaboración con el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte para estimular y unir todas las fuerzas de la sociedad griega (ciudadanos, alcaldes-gobernadores, universidades, instituciones culturales) con el fin de poner de relieve la importancia de estos monumentos tan excepcionales y de promover su protección por la comunidad mundial.

Para conocer Diazoma pueden visitar la página www.diazoma.gr (en griego y en inglés). —

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EL LADO OSCURO

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Antes, durante y después del atentado de Barcelona

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Jaume Colomer

scribo este articulo sólo cuatro días después del atentado terrorista en las Rambles de Barcelona. Por la radio acaban de anunciar que los mossos han abatido al autor de la masacre. Estos días todo lo relaciono con el atropello porque este hecho ha significado para mi, y para muchos, la violación de un espacio urbano que siempre ha estado presente en mi vida y en el que se han producido muchos encuentros agradables y significativos.

En este momento en las Rambles se funden tres escenarios secuenciales. Antes del atentado las Rambles significaban uno de los mayores locus amoenus de una ciudad multicultural e integradora y en lugar de encuentro y símbolo de convivencia de barceloneses y visitantes. Durante el atentado terrorista ha sido el escenario del máximo horror que es capaz de producir el ser humano. Después del atentado se ha convertido en escenario de una de las mayores muestras de solidaridad ciudadana y de cohesión social.

Los hechos han sido narrados exhaustivamente por los medios de comunicación, y seguramente en los próximos días nos seguirán dando detalles del qué y del cómo.

Lo que me pregunto es el porqué. Y el porqué del porqué.

En estos momentos parece que la respuesta al porqué está en la capacidad que tuvo el imán de Ripoll de crear en pocos meses una célula yihadista formada por adolescentes plenamente integrados, según los familiares y la mediadora municipal, en su entorno social.

Es más complicado dar respuesta al porqué del porqué. Si el imán transmitió a los adolescentes que quien muere en el yihad es un mártir del Islam y, por ello, tiene asegurada la entrada directa en el Paraíso y la jerarquía más alta entre los bienaventurados, seguramente ha encontrado una manera de dar sentido a sus vidas.

Es posible que en la sociedad actual, ajena a los valores humanitarios, a estos adolescentes y a muchos ciudadanos, les cueste encontrar sentido al hecho de vivir y que el ofrecimiento de un camino para llegar al paraíso les deslumbre y fascine. ¿Qué estamos haciendo mal? ¿Por qué motivo no priorizamos la formación de valores sólidos en nuestros niños y adolescentes?

Mientras estaba construyendo esta interpreta– 72 –

ción de los hechos recibí un correo del director de Artez recordando que debía entregar el artículo.

Inmerso en la reflexión sobre el porqué del porqué, me pregunté sobre la capacidad del teatro de ayudar a los adolescentes a encontrar el sentido de sus vidas. Consciente que la emotividad del momento podía traicionarme, quise recurrir a argumentos empíricos y recordé las valoraciones que hicimos del impacto de las prácticas teatrales que impulsa el programa CaixaEscena de la Obra Social La Caixa en muchos centros de secundaria de España. Las valoraciones realizadas con los docentes pueden resumirse en cuatro: a. Las prácticas teatrales son una metodología muy eficaz para el aprendizaje de contenidos curriculares. b. Las prácticas teatrales mejoran las relaciones interpersonales y aumentan la cohesión del grupo social que las realiza. c. Las prácticas teatrales forman la capacidad de analizar críticamente la realidad personal y social. d. Las prácticas teatrales ayudan a la formación de valores personales basados en el respeto, la solidaridad y el compromiso.

Estoy convencido que si fuéramos capaces de generalizar las prácticas teatrales en la infancia y la adolescencia a través del sistema educativo, contando con la complicidad de los docentes, y consiguiéramos generar interés por las prácticas teatrales, como espectadores y como intérpretes, que trascendiera la etapa escolar, seguramente en nuestros municipios surgirían muchos grupos de teatro comunitario que serían eficaces escuelas de ciudadanía, darían sentido a la vida de muchos jóvenes y les comprometerían con su comunidad de vida de tal forma que nadie podría deslumbrarlos con propuestas de llegar al paraíso por el camino de la violencia contra los herejes.

Tal vez la emotividad ambiental ha provocado un artículo muy utópico. Pero tal vez estamos huérfanos de utopías que nos ayuden a construir un mundo razonable para dejarlo como herencia a nuestros descendientes. Por otro lado, la mayoría de casos de prácticas teatrales en centros educativos nos permiten considerar la necesidad de promover una mayor presencia del teatro en el sistema educativo. ¿Seremos capaces de conseguirlo? —

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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¡Esta obra debe ser una mierda, entendí todo! (I)

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Jaime Chabaud

ace algunas semanas, una amiga funcionaria me escribió preguntándome, de manera informal, lo que pensaba del estado de cosas que guarda el teatro mexicano hoy. Explicar en dónde estamos y hacia dónde vamos en la República del Teatro en territorio azteca es bastante complicado pero me pareció importante tratar de contestar a mi amiga, al menos parcialmente, a través de este artículo para Artezblai. Por supuesto, cualquier pretensión totalizadora sería una torpeza. Puedo insinuar un mapa (incompleto) y pretender dar luz sobre algunos territorios del mismo, nada más.

Me gustaría comenzar por el título que aparece arriba. Es un chiste que me contó un gran teatrista colombiano donde ironizaba la urgencia de algunos sectores del teatro por enrarecer lo raro y descalificar a cualquiera que no haga exactamente el mismo teatro que ellos que sí han encontrado el Santo Grial del teatro archi moderno: expandido, posdramático, liminal, no representacional, performativo-no-sé-qué-cuántos y anexas. Cabe decir que el teatro sin intenciones fabulares (que no quiere contar una historia ni dramática ni narrativamente) tiene su tradición de varias décadas en territorio mexicano. Tenemos exponentes maravillosos como el grupo Teatro Línea de Sombra del que se han visto por muchos puntos de nuestra Hispanoamérica dos de sus montajes emblemáticos: Amarillo y Baños Roma. Del colectivo Lagartijas Tiradas al Sol que mantienen un pie entre lo fabular y lo no fabular también han circulado trabajos como para demostrar que este tipo de expresiones tienen su lugar destacado en el México contemporáneo.

Es curioso que algunos exponentes de dicho teatro, quizá menores, abjuren del teatro mismo y deseen la desaparición de lo que llaman un “teatro hegemónico”, es decir (por lo que entiendo), del teatro tradicional, burgués, que cuenta una historia. Y reclaman enfurecidos que al “teatroteatro” se le den presupuestos y espacios cuando incluso claman por la desaparición de la arquitectura tradicional para la representación. Sin embargo, cuando contemplamos las programaciones en teatros oficiales o bien los resultados a las convocatorias de becas personales o grupales y demás subsidios de la cultura gubernamental, las expresiones no tradicionales de la esce– 73 –

na mexicana actual suelen estar perfectamente cobijadas en términos presupuestarios. Con lo cual, me parece, la discusión sobre la validez de un teatro u otro se centra en el dinero y el poder más que en fundamentos estéticos.

Pocas semanas atrás, fungiendo como jurado en un festival provincial, una de mis colegas me decía al oído: “Cómo extraño ver teatro de verdad teatro”. Me acordé de mi amigo el colombiano que diría: “¡Esta obra debe ser una mierda, entendí todo!”. La verdad es que yo escribo dramaturgia dentro de una tradición y de vez en vez, cuando el material lo necesita, me permito deslices novedosos. Pero no tengo ninguna obsesión por la post-post-post lo que sea. Y sin embargo soy fan declarado de ciertos artistas o colectivos cuyas búsquedas me parece generan una poética que me sorprende, me descoloca, me interroga o me sacude. No, no le tengo fobia a ninguna nueva tendencia. En cambio sí soy fóbico de los nuevos profetas de la teatralidad, de esa especie de Henrich Himmler o Josef Mengele que ven una única ruta para el teatro “contemporáneo” y crean desde las escuelas de teatro, a base de descalificación e inducción, clones empobrecidos.

Digamos que lo triste es que no se vea en el estallamiento de las formas del teatro tan encapsuladas a lo largo de casi todo el siglo XX una oportunidad de riqueza. Yo aprecio, en cambio, un horizonte amplio, plural, de expresiones teatrales en el México del siglo XXI. También, no dentro del mapa conceptual o de las estéticas sino el geográfico, percibo una disparidad muy grande en las calidades y las posibilidades. En mi país, como en muchos, el centralismo condena el desarrollo cultural de las provincias, sobre todo las más desprotegidas o ayunas de políticas culturales estatales. Después de la Ciudad de México, capitales como Guadalajara, Xalapa, Monterrey y Mérida pueden considerarse con un desarrollo importante en cuanto a vida y calidad teatral. Otras que destacan, suelen hacerlo más por el brillo de uno o más (pocos en realidad) creadores que hacen la diferencia. En otra parte mayoritaria, quizá, el retraso es notorio.

A veces incluso con la paradoja de que la Universidad local cuenta con licenciatura en teatro (con una mayoría de docentes lamentables).

Continuará… —

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

¡Te acostumbras!

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Victor Criado

os técnicos del teatro estaban haciendo pequeños ajustes de sonido, comprobando la simetría y limpieza de las patas, recogiendo los últimos enseres. Para este momento ya habíamos establecido esa cierta relación que se da entre los miembros de la compañía en gira y el personal técnico del teatro. Una relación tan necesaria y decisiva como provisional. Como una historia de amor en verano, solo que comprimida en unas horas, perfecta metáfora de un texto teatral: intensa, conflictiva, a veces finalizando como comedia, otras como tragedia (las menos, afortunadamente). Manos que se estrechan, furgoneta cargada, y hasta la próxima!?

En una pequeña pausa comenzamos una breve conversación que, cómo no, deriva hacia el hecho teatral. ¿Os gusta el cine?, pregunto yo cuando les escucho hablar de actores de una película que uno de ellos acababa de ver en la sala el día anterior.

Sí, claro. Unanimidad en la respuesta. Evidente, casi logra que mi pregunta se enrojezca, por inoportuna y obvia. ¿Y el teatro?, también parece una pregunta evidente. La hago además con parte del llamativo vestuario que necesita mi personaje, en esa transición entre el actor y el personaje, en ese equilibrio tan inestable que se establece entre lo litúrgico y lo ridículo.

Después de una pausa contesta uno de ellos, como portavoz del sentir general. ¡Te acostumbras!

Esta anécdota que sucedió hace más de 10 años en un teatro de provincias muestra uno de los males que aquejan a nuestro hermoso oficio. Ese acostumbrarse a algo que en un principio ¿incomoda?, ¿molesta?, ¿se siente como un cuerpo extraño al que uno debe…?

Sea cual sea la respuesta no deja de ser un síntoma de algo que hace que nuestro trabajo se quede, de un modo u otro, en los márgenes de la sociedad. Es cierto que ese margen está muy bien resguardado bajo el paraguas de la palabra cultura y que se le protege pero me pregunto cómo ha llegado a esta situación. Más aún cuando es algo que sucede “aquí y ahora”, algo con lo que no pueden competir ni el cine ni la tv.

Sobre este tema se han escrito muchas hojas, muchas personas han reflexionado, celebrado – 75 –

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conferencias, charlado en mesas redondas o cuadradas. A veces pienso que quizás, solo quizás, es ese exceso de reflexión una de las causas. Ese arroparse de análisis y conclusiones, de planes y soluciones lo que lastra su propio deseo. Un amor mal entendido que acaba por ahogar al objeto amado. Aquí lo dejo.

Me quedo con el grito de Artaud, pero despojándolo de su vertiente más perturbada. Un grito que cautiva más que conmueve.

Pero para contradecirme voy a continuar este artículo presentando a un hombre de teatro sueco que simboliza precisamente parte de aquello que un poco más arriba he diagnosticado como posible causa del anquilosamiento que hace que el teatro se convierta en algo lejano, serio, academicista, aburrido. A lo que te tienes que acostumbrar para cogerle el gusto. Thorsten Fink. Un actordirector, considerado por la crítica y profesión como un genio, con algunos montajes muy brillantes, que fue derivando en una especie de tirano descontrolado que amenazaba violentamente a actores (que lógicamente huían en medio del proceso de ensayos). Acabó por ser expulsado del elenco estable del Dramaten por negarse a seguir un tratamiento de desintoxicación para el alcohol y otras drogas, viviendo en la calle, o en un auto prestado por un amigo. Fue el actor más joven en ingresar en la escuela de arte dramático y nadie ha puesto en duda su talento. Sin embargo el paso del tiempo ha jugado en su contra convirtiendo todo ese potencial creativo en una especie de montaña rusa a la que nadie, o casi nadie, quiere montar.

Yo no he podido ver ninguno de sus montajes y toda la información que tengo sobre él proviene de terceras personas o artículos de prensa. Pero trataré, en breve, de ser más objetivo una vez haya leído su biografía. Seguiré hablando de este personaje al que también había que “acostumbrarse”, aunque de aburrido no tuviese nada.

Termino este artículo con otro personaje al que no voy a poner nombre. Un director de teatro de origen yugoslavo que aterrizó en Suecia a comienzos de los años 90, huyendo de la guerra en su país. Pronto comenzó a integrarse en la sociedad sueca, y ha acabado convirtiéndose en un nombre más o menos habitual dentro de la política sueca, hasta que hace poco tiempo le llegó su hora siendo acusado de abuso de poder y trato degradante. Lo que tiene de interesante este sujeto es que comenzó a labrarse su carrera como director de escena copiando literalmente puestas en escena que habían tenido mucho éxito en su país. Así, como suena, sin pudor.

Me pregunto cuántos de estos sujetos inundan nuestra profesión y de qué modo influyen en ella obligando a los que se acercan con cierta curiosidad a ese esfuerzo de “adaptación” que los técnicos de aquel teatro de provincias tan atinadamente describieron. —

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Trilogía de Titzina Teatre

Cerrado por aburrimiento...

Ediciones invasoras ha publicado cuatro obras de Ana Vallés, fundadora junto a Baltasar Patiño de la compañía Matarile. Los cuatro títulos que incluye este volumen ‘Cerrado por aburrimiento’, ‘Staying alive’, ‘Teatro invisible’ y ‘El cuello de la jirafa’ son en realidad “transcripciones de las dramaturgias textuales de cuatro piezas que con el mismo nombre ha generado Matarile” explican sus editores, quienes añaden que Vallés, “avisa de la incompletud que representa su escritura por el hecho de construir apenas una parte de la dramaturgia escénica y a causa de la abundancia de acontecimientos no escriturables que las articulan” pero no evita que sean “cuatro documentos de exquisita relevancia que nos ayudarán a comprender los procesos creativos de Matarile”. Esta edición se presenta acompañada por un prólogo de Eduardo Pérez-Rasilla.

Artezblai ha publicado la segunda edición de la trilogía de Titzina Teatre; un volumen en el que se incluyen las obras ‘Folie à deux’, ‘Entrañas’ y ‘Exitus’, tres obras escritas por Diego Lorca y Pako Merino, o lo que es lo mismo la compañía de Cerdanyola del Vallès llamada Titzina.

Las princesas del pacífico Sara Romero, Alicia Rodríguez y José Troncoso son La Estampida, creadores de esta obra al borde de lo grotesco “y sin embargo tremendamente humana” en la que se combina el trabajo de bufón contemporáneo con el melodrama. Una publicación de Editorial Acto Primero.

Hamlet, Tartuf, Don Juan...

El techo de cristal

Bajo el título ‘Centre Dramàtic Vila-Real 2012-2015’ encontramos los textos de las cuatro producciones que ha llevado a escena esta unidad pública de producción de espectáculos dramáticos de Vila-real: ‘Hamlet’, ‘Tartuf’, ‘Don Juan’ y ‘Marguerite Gautier’ acompañadas a su vez con imágenes de las puestas en escena realizadas por Mireia Raga, Joan Rubert y V&S. Las cuatro obras han sido estrenadas en el Auditorio Municipal de la citada la localidad de Castellón, todas ellas con versión y dirección de Hadi Kurich, director a su vez del propio Centre Dramàtic. La obras de Shakespeare, Molière, Tirso de Molina y Alexandre Dumas se presentan precedidas por varios artículos introductorios en un volumen publicado por Fiestacultura dentro de la colección del mismo nombre con el apoyo del Ajuntament de Vila-real, Cultura Vila-real y las compañías Teatro de la Resistencia y Xarxa Teatre.

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La obra de Laura Rubio Galletero tiene como protagonistas a las escritoras norteamericanas Anne Sexton y Sylvia Plath que en compañía de un dry martini “discuten sobre el sacrificio y el poder de la palabra, sobre el suicidio y el amor”. Un texto mordaz y poético publicado por Antígona.

Teatro Yeses Fundamentos ha publicado ‘Teatro Yeses: conciencia, voluntad y coraje’, una edición a cargo de Milagros Sánchez que tiene como objetivo visibilizar el teatro que ha realizado Yeses y Elena Cánovas y tras un estudio sobre su evolución se incluyen los textos de ocho de las 30 obras llevadas a escena.

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Zirkolika

Latin American Theatre Review

El número 53 dedica tanto su portada como la editorial y el tema central a la reapertura de El London Bar de Barcelona el mítico local que tras un tiempo cerrado pasa a manos de Carlos Raluy, director del Circ Históric Raluy. Un número que incluye muchos mas artículos sobre la actualidad circense.

El número 50 de esta publicación de la Universidad de Kansas se presenta con un tema central sobre el cruce de géneros entre el teatro y lo audiovisual en la Argentina contemporánea, además de entrevistas y diversos artículos, como el realizado sobre el FITde Cádiz 2016.

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Esto acaba de empezar

Perspectivas de ...

Tal y como el título expresa ‘Esto acaba de empezar. Recorrido, recorrer.

20 años de ‘Losdedae Danza’ ofrece un recorrido por la historia de esta compañía a través del diálogo entre el periodista Paco Tomás y el director, bailarín y fundador de la compañía, Chevi Muraday.

Notas de Dirección Frank Hauser y Russell Reich son los autores de este manual clásico de dirección e interpretación teatral estructurado en breves notas tal y como detalla su subtítulo ‘130 lecciones desde la silla del director’. Un práctico volumen del director de la compañía Oxford Playhouse publicado por Alba Editorial.

Yoloxóchitl García Santamaría, Maestra en Artes Escénicas por la Universidad Veracruzana y Licenciada en Literatura Dramática y Teatro por la UNAM es la autora de ‘Perspectivas la dramaturgia para niños en México’ publicación de la colección de Ensayo ASSITEJ España. Este ensayo, estudia el panorama más reciente de la dramaturgia para niños en México “partiendo de una revisión sobre el concepto de infancia, su relación con la literatura infantil, los autores y los temas en la dramaturgia”. Para ello, su autora profundiza en el estudio de tres obras ‘Martina y los hombres pájaro’ de Mónica Hoth, ‘Adiós, querido Cuco’, de Berta Hiriart y ‘Niño de Octubre’ de Maribel Carrasco, “obras que permiten determinar si existe una estructura particular en la dramaturgia para niños actual y conocer cuáles son los elementos que la componen y sus constantes.

Lope de Vega en la escenografía

Entrenamiento actoral

‘Lope de Vega en la escenografía teatral’ es el catálogo de la muestra comisariada por Miguel R. Massip que muestra la importante influencia de las obras literarias del Siglo de Oro español y en especial las de Lope de Vega en la escenografía teatral de los siglos XX y XXI a través de imágenes y textos literarios.

Conversaciones con Lorca Editorial Confluencias ha publicado ‘Conversaciones con Federico García Lorca’ una recopilación de las entrevistas realizadas con el autor desde el principio de su carrera hasta poco antes de su asesinato. Una muestra que permite observar el desarrollo de uno de los grandes artistas del siglo XX.

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La argentina Eudeba Editorial ha publicado ‘Entrenamiento actoral’ volumen en cuyo subtítulo, ‘Ejercicios teatrales y fundamentos teóricos’ su autor, Alberto Rubinstein da pistas de lo que esconden las más de doscientas páginas que conforman el libro. Un trabajo dirigido a actores y directores que “no tuvieron acceso a los grandes maestros del arte teatral” planteando que el estudio de teatro “no es solo para aquellos que lo practican como profesión, sino también para aquellas personas (...) que buscan canalizar una necesidad expresiva o una vocación reprimida”. Para ello, Rubinstein plantea “que lo esencial es encarnar personajes y eso se logra por el uso del cuerpo y las vivencias emocionales. Cuanto mayor sea la riqueza de vivencias emocionales y culturales del actor, mayor será el espectro de personajes que podrá expresar”. Una guía útil para poder conseguir este propósito.

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ADE Teatro

Fantoche

El número 166 tiene como tema central ‘Las artes escénicas y la Revolución de Octubre’ e incluye una extensa entrevista con Montserrat Iglesias, Directora General del INAEM y el texto teatral ‘Bolcheviques’ de dramaturgo moscovita Mijail Shatrov en una edición de Marietta Suárez Recio.

Un artículo sobre los 40 años de la compañía La Tartana abre el número 11 de ‘Fantoche’ en el que se incluyen diversos reportajes entre los que destacan los realizados sobre la evolución de los tipos y técnicas de títeres en España, los títeres de Francisco Nieva o los carteles de teatro polaco.

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Teatro en NY: un reflejo de nuestra contemporaneidad Alejandro Varderi

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La primera parte del año ha traído a la ciudad una cartelera repleta de interesantes propuestas producidas tanto dentro como fuera de las fronteras nacionales. Unas fronteras hoy amenazadas por la intransigencia gubernamental en su labor por cerrar espacios para el diálogo intercultural, lo cual no solo refuerza peligrosamente el extremismo sino que empobrece abrumadoramente a la nación. Para contrarrestar tales amenazas, Nueva York ha desafiado la cortedad de miras del poder político, presentando un amplio registro de obras donde la temática espejeó la coyuntura global actual. Una coyuntura caracterizada por la violencia institucional, producto de la ignorancia y el miedo al otro: el mestizo, el marginado, el extranjero; y donde la población se halla mayoritariamente indefensa ante los desmanes del populista o el dictador de turno.

En este sentido, el Isango Ensemble de Cape Town, trasladó al contexto surafricano contemporáneo el texto de Jonny Steinberg “A Man of Good Hope”, acerca de un joven refugiado somalí quien huye de la guerra civil en su país, solo para encontrarse en una nueva y violenta realidad cuando emigra a Suráfrica. En la dirección de Mark Donford-May este grupo, ganador del prestigioso premio Olivier, actuó sobre las tablas de la Brooklyn Academy of Music (BAM) los pormenores del horror. Ello, utilizando no solo su personal adaptación de la novela de Steinberg, sino generando un concierto de voces, cantos y ritmos donde la musicalidad de los instrumentos de percusión se asoció a la

danza y el performance.

Una puesta en escena llena de colorido y energía acompañó el desarrollo argumental del horror que atraviesa la vida de aquel joven, quien en la niñez presencia el asesinato a sangre fría de su madre a manos de las milicias somalíes y enfrenta la xenofobia, la desilusión y la rabia de la Suráfrica post-Mandela. El trabajo corporal, actoral y musical del conjunto apuntó tanto a la denuncia del genocidio en Somalia y el repudio al inmigrante de las naciones africanas –Kenia, Tanzania, Zimbabue– por donde transita, como a la política de puertas cerradas del actual gobierno norteamericano.

De hecho, alcanzar los Estados Unidos “donde todo el mundo es rico y libre”, como le informa muy ingenuamente su primo, es la meta definitiva del protagonista, atrapado no obstante tras una puerta que difícilmente se abrirá para él en esta contemporaneidad llena de recelos, aprensiones e incertidumbres hacia quienes “nos quitan el trabajo, se llevan a nuestras mujeres y fomentan el crimen por donde quiera que vayan”, tal cual respaldan quienes buscan avivar el odio al otro para imponer su estrechez de miras en nuestras sociedades.

Una consecuencia de tales acciones ha sido la ruptura del Reino Unido con la Comunidad Económica Europea, instigada por el voto de quienes desde su desconfianza o su ignorancia pretenden aislar a la nación del resto del mundo, tal cual lo intenta también hoy el presidente norteamericano. Los nacionalismos históricos, que buscan igualmente

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la fractura interna de la Gran Bretaña, han sido exhaustivamente explorados por la narrativa y el teatro, sobresaliendo en este sentido la trilogía del dramaturgo irlandés Martin McDonagh.

Desde la intimidad de personajes extraídos de la Irlanda profunda, el autor dibuja un ácido perfil de individuos desclasados, marginados o embrutecidos por la pobreza y la falta de oportunidades. Ello constituye en sí mismo un explosivo coctel, que quienes buscan turbiamente hacerse con el poder explotan, a fin de alcanzarlo y someter por la fuerza de las armas o de las amenazas a todo aquel que esté en contra de sus acciones.

“The Beauty Queen of Leenane”, una de las obras de la trilogía, fue presentada en el Harvey Theater de BAM por el Druid Theatre Company irlandés bajo la dirección de Garry Hynes, y en ella pudimos encontrar todos los elementos que perfilan a este sector de la sociedad. Aquí la disfuncional domesticidad, de una madre y su hija atrapadas en el villorrio de Leenane, moviliza la acción desde la amargura de la madre y el ansia de escapar de la hija antes de convertirse en una solterona tan autodestructiva como su progenitora.

Los desencuentros entre ambas mujeres se vuelven más sádicos y feroces con la llegada de un pretendiente que quiere, él también, emigrar a los Estados Unidos y casarse con la joven. El temor de la madre a quedarse sola en aquel lugar perdido genera un sinfín de maquinaciones y mentiras, formando el sustrato donde se asienta la frustración de la mujer, anestesiada por la aridez del entorno y el agobio de sus propios fantasmas.

La dirección de Hynes profundizó en el drama psicológico de los personajes enfatizando la falta de oportunidades de los jóvenes, que ven en la huida el único futuro posible; además de la urgencia por remover de su imaginario los tabúes, deformaciones e intransigencias de la generación anterior, culpable en gran parte de la coyuntura política, social y económica causada por el Brexit. En palabras del dramaturgo: “los valores liberales que compartimos en Europa, dables de moldear las sociedades occidentales desde el Renacimiento, se hallan amenazados hoy. Y yo, ni por un segundo, subestimo esa amenaza”.

“Oslo”, escrita por J.T. Rogers y dirigida por Bartlett Sher para el Vivian Beaumont Theater de Broadway, se hizo eco de estas aseveraciones, devolviéndonos al acuerdo de paz entre Israel y Palestina que, con el Tratado de Oslo, se se-

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lló en la Casa Blanca de Bill Clinton en 1993, gracias a los buenos oficios del primer ministro israelí Yitzhak Rabin y el premier palestino Yasser Arafat. Si bien los años y eventos subsecuentes han roto aquel acuerdo, el optimismo de entonces todavía reverbera en el inconsciente colectivo del Medio Oriente, abriendo una puerta a la esperanza por lograr la pacificación de la zona. Algo que se encuentra igualmente en peligro hoy, por culpa del terrorismo y los actos de violencia tanto rusos como norteamericanos en la región, que han roto el frágil equilibrio geopolítico e impulsado un éxodo masivo de la población hacia los países fronterizos y Europa, con el consecuente incremento de la xenofobia y el racismo en Occidente.

“Oslo”, que obtuvo el Tony a la mejor obra del año, se centra en el papel jugado por dos diplomáticos noruegos en la negociación del tratado, reuniéndose con ambas partes durante nueve meses seguidos hasta lograr el acuerdo. La pieza, estructurada en 60 escenas cortas desarrolladas en varios países sobre un mismo escenario, es un canto a la esperanza, que la mise-en-scène fomentó utilizando un espacio donde destacaron los colores neutros y los muebles cómodos, en el cual paradójicamente se desarrollarían las batallas verbales puestas a sacar a los mandatarios de su zona de confort para sellar el compromiso. Un compromiso que, aún en el convulsionado marco actual, ha conseguido mantener la paz en Jordania y es el referente obligado para cualquier otro acuerdo futuro de negociación entre Israel y Palestina.

El Tony al mejor musical lo obtuvo “Dear Evan Hansen”, escrito por Steven Levenson, con música y letra de Benj Pasek y Justin Paul para el Music Box Theatre de Broadway.

Aquí nos encontramos con un agudo perfil de la nueva generación de adolescentes norteamericanos, atrapados entre la presión social por alcanzar el éxito y las inquietudes propias de la edad. Ello se resuelve en un drama donde la droga, los desequilibrios emocionales, las relaciones abortadas y el suicidio marcan a los protagonistas, inmersos en el frenesí de las redes sociales y el mundo virtual, lo cual añade una capa más a la sensación de ansiedad y desconexión con el mundo que todos ellos experimentan.

Una producción minimalista donde destacaron las pantallas móviles como constante en la cotidianeidad de la generación nacida con el nuevo siglo, reflejó el espejismo existencial de estos adolescentes para quienes la realidad solo existe desde

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ellas y se borra cuando los problemas personales pasan a un primer plano. El suicidio de uno de estos muchachos como consecuencia de sus íntimos desajustes y desequilibrios espoleó los pormenores del drama, en el cual la incomunicación entre padres e hijos pasó a un primer plano. De hecho, fueron las dificultades intergeneracionales para conectar lo que llevó al protagonista a urdir una compleja trama de equívocos y mentiras en torno a la violenta desaparición del amigo, reverberando ello en las redes sociales, además de traerle fama y el amor de la hermana del finado.

La desinformación y las noticias falsas, tan caras a los nefastos resultados en la última elección presidencial norteamericana, se constituyeron pues en el leitmotiv de un espectáculo dable de mostrar la manipulación de las emociones y el oscurecimiento de los valores morales que, al trasladar estas preocupaciones al mapa político de los Estados Unidos, muestra una fotografía nada nítida de la nación. Algo preocupante, dada la lúgubre encrucijada donde el planeta se halla posicionado hoy, y donde la interconexión a nivel global provoca que cualquier desequilibrio en un punto tenga un efecto multiplicador sobre el resto del mundo.

“Indecent” de Paula Vogel para el Cort Theatre de Broadway, abordó algunos de estos difíciles aspectos, al concebir un texto como el revival de una polémica obra del teatro yiddish polaco de las primeras décadas del pasado siglo donde se mostraba el amor entre dos mujeres. Lo “indecente” del acto, que llevó a ser juzgado al director y al elenco, probablemente desaparecidos en los campos de concentración del nazismo pocos años después, fue histriónicamente revivido por un polifacético grupo actoral y musical, que adoptó distintos papeles a lo largo de la obra.

Rebecca Taichman, quien obtuvo el Tony a la mejor dirección, realzó las injusticias y fanatismos de aquel oscuro período en la historia europea, actualizando y revisitando para nuestra contemporaneidad las raíces del daño. Una operación no solo necesaria sino urgente, a la vista de los desmanes autocráticos del nuevo des-orden mundial. Ello, utilizando muy pocos elementos escenográficos a fin de que fueran los actores, músicos y bailarines quienes densificaran con sus voces, instrumentos y cuerpos la representación de temas, aún polémicos pese a los avances, no sin luchas y pérdidas, de algunas sociedades. Antisemitismo, homofobia, censura, guerra, y masacres en nombre de la religión, las ideologías y los fundamentalismos continúan

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plagando nuestras sociedades con la indecencia y complicidad de muchos gobernantes. En palabras de la directora: “Desafortunadamente, muchos de nosotros compartimos una misma historia de rechazos y odios por parte de una comunidad que no acepta al otro”.

Y nadie mejor que el canadiense Robert Lepage a la hora de reflexionar sobre las intolerancias, pues en sus producciones teatrales la importancia de la historia y la memoria, para entender los males que aquejan a nuestras naciones, siempre ha contado con un lugar privilegiado. El espectáculo multimedia y unipersonal “887” para su grupo Ex Machina que trajo a BAM, fue un claro ejemplo de ello al permitirle desentrañar los pormenores del dolor propio y ajeno. Acudiendo a la autobiografía, tejió un fresco de la sociedad contemporánea y reflexionó acerca de lo que la hace vivible o no, dependiendo del lugar y las situaciones a las cuales sus integrantes se hallen expuestos.

Partiendo del número del edificio donde pasó los primeros años de su existencia, el artista reconstruyó un fragmento de la sociedad canadiense, desde el barrio obrero de Quebec donde creció, destacando las injusticias, luchas y menoscabos que marcaron aquel período de formación y toma de conciencia acerca de los males enquistados en la memoria colectiva. Tal cual él mismo apuntó durante la rueda de prensa: “Los temas de la memoria y el teatro han estado siempre intrínsecamente conectados, principalmente porque el teatro es probablemente la forma de expresión que mejor condensa la memoria colectiva. La prueba es que, a través de la historia, lo primero que los regímenes totalitarios han hecho para asegurarse de erradicar la cultura ha sido quemar los libros. Un acto que generalmente es precedido por el asesinato de cantantes, trovadores y actores que llevan consigo la memoria viva de canciones, poemas y obras teatrales”.

La escenografía se limitó a una ingeniosa estructura dable de transformarse en un edificio, el interior de una casa, un bar o una biblioteca, dependiendo de cómo se organizaban los paneles móviles que la constituían. Un excelente trabajo de iluminación y el uso de animaciones digitales completaron esta puesta en escena de gran intimismo y emocionalidad, pues caló en el sentir del espectador, al tiempo que trascendió los límites de lo particular para universalizar los contenidos, en vista de los retos y desafíos que el teatro tiene hoy en nuestra contemporaneidad. —

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20 años de portadas

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