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ARTEZ | 219

EDITORIAL

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

Como quien no quiere la cosa acabamos un año de efeméride sin novedad

P Carlos Gil Zamora Director editorial

arece que el tiempo se excusa ante nosotros por no darnos las artes escénicas para sobrevivir. tregua. Este es el último número de ARTEZ de este año Aunque cueste encontrar alguna que 2017 en el que hemos celebrado nuestra primera veintena ofrezca alguna seguridad de progreso, de vida. Un año más que ha pasado sin apenas tener tiempo lo evidente es que existen unas difede madurar ninguna idea nueva. Nos debatimos siempre rencias muy notables entre ellas. entre el clima circundante en ocasiones muy contamina- Catalunya si llega a ser gobernada por do y la atmósfera interna que nos proporciona un ambien- el PP por golpe de decreto, ¿perderá te purificado de ambiciones exógenas al compromiso de en sus campos culturales de máxima mantener esta oferta informativa sin más desgarros de los expresión de su singularidad como que produce la situación de precariedad económica en la son las artes escénicas toda su entidad que nos movemos desde hace un tiempo excesivo. particular? ¿Se premiará el uso del esSin novedad en casi ningún frente que no sea la de la incer- pañol, se impondrá el teatro clásico tidumbre política. Parece que no son tiempos de matices, español para reconquistarla? ni de aspiraciones legítimas. Suenan clarines de incom- En nuestra reciente estancia en Poloprensión y encorsetamiento por no llamarlo de la manera nia constatamos cómo un gobierno adecuada, represión y vuelta atrás que afectará, sin lugar a de extrema derecha está realizando dudas, a todo el tejido social y cultural. políticas de exterminio Pensar, es un hábito relegado a la confecde todos los logros en el La desregulación ción de la quiniela. En nuestro ámbito se campo cultural, y muy es un foco de ha llegado a un punto de conformismo especialmente en el culbacterias donde realmente sorprendente. Esclerosis mentural había desarrollado incuban los agratal o miedo cerval. Todo parece ir magníese país que cumple ficamente, nadie tiene nada que reclamar, vios comparativos cien años de indepenlos políticos andan a sus cosas, los asuntos dencia en 2018 y que y los desánimos de calado político referentes a la cultura se hace un año celebró los corporativos. mantienen, como siempre, en estado de doscientos cincuenta congelación o de revisión forense, pero sin años de sus teatros nasaber cómo se resolverán todas las necesicionales, que son las dades manifestadas a bocanadas e impulsos por los dife- instituciones que están sufriendo los rentes gremios concurrentes en este negocio, como así mayores atropellos con la destitución lo entienden de manera coincidente e impropia demasia- de sus directores más valiosos para ser dos sectores de la profesión. sustituidos por otros más afectos al Pongamos que no se aprueban los presupuestos del año nuevo régimen, con lo estas decisiones próximo, sino que se prorrogan, que se aplica el 155 en significan de deterioro y de pérdida de Catalunya, que se convocan elecciones tanto en Catalunya calidad. La profesión está en lucha allá como en el resto del Estado, ¿de cuántos meses estamos por mantener una concepción pública hablando de paralización administrativa y política? En los de la cultura. Acá está en la lucha por asuntos culturales en estos momentos la continuidad sin colocarse en alguna cadena de promás, la inercia, es un retroceso. La desregulación de facto ducción teatral o televisiva pública o es un motivo para la desesperanza y un foco de bacterias privada, que tanto se parecen. La sidonde incuban los agravios comparativos y los desánimos tuación en Polonia demuestra que un corporativos. Depende de tu residencia social y fiscal, así mal gobierno puede crear situaciones puede irte la vida. Habrá que deslocalizar las empresas, de destrucción de los derechos adquilas compañías, los grupos y trasladarse a aquellas autono- ridos y de los valores culturales de primías donde se proteja mejor o de manera más efectiva a mer orden para convertirlo todo en un – 4 –

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

índice

41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

Opinión

Mathilda Olmi

mal remedo, en un entretenimiento donde no quepa ni el más mínimo resquicio para la crítica.

Pero todo puede ir a peor. Incluso a mucho peor. No hay que confiarse ni mucho ni poco: no hay que confiarse nada. Llegados a nuestra situación coyuntural actual podemos detectar sensaciones de decepción creciente. En los lugares e instituciones donde se podía haber visto algún cambio, pese a las esperanzas voluntariosas que algunos nombramientos nos produjeron, lo cierto es que poco o nada se ha notado. Incluso se ha notado un cierto estancamiento cuando no retroceso al no existir un proyecto claro y consensuado. Supongo que es cuestión de tiempo. Pero si no hay nuevas ideas, si se parte de la misma no filosofía para desarrollar los nuevos tiempos, acabaremos haciendo lo mismo, aunque con un nuevo diseño en los logos. Y eso no es precisamente lo que se necesita ahora mismo.

Estamos en una calma chicha, o en una tormenta de baja intensidad, pero lo cierto es que se sigue programando, se sigue estrenando, se siguen haciendo festivales, congresos, semanas, ferias, muestras encuentros y otros eventos, todos se organizan con muy buenas intenciones, incluso con muchas ganas por debatir sobre asuntos de importancia. Pero se queda todo aislado, no existe una comunicación fluida entre los sectores, ni entre los festivales, se puede poner de moda un profesor o conferenciante y repetirse, como se pueden repetir encuentros con la misma temática a cuarenta kilómetros de distancia y no saber unos de los otros, ni antes, ni durante, ni después. Probablemente sea cuestión de organizarse, de conocerse, de comunicarse, de escucharse. De hacer una agenda común, porque lo que se necesita, más que nada, es unión, es un plan, es pensar en el mañana y el pasado mañana.

Decir qué es lo que se necesita ahora mismo es mucho decir. Y como estamos hartos de decir y maldecir, sin que siquiera nos devuelva el eco una opinión, mejor nos colocamos en la cola de la sopa boba por si acaso nos toca algo. De momento nos toca apechugar con nuestra independencia inducida por el abandono de las instituciones, sabemos que tras los primeros veinte años, todo es una prórroga en estas cosas de revistas teatrales, salvo honrosas excepciones. Veremos hasta dónde llegamos con la solidaridad de lectores y anunciantes. A todos les deseamos feliz año nuevo. Nuestra voluntad y nuestro compromiso es seguir con esta cita bimestral en papel y diaria en www. artezblai.com si no nos colapsamos. — – 5 –

Editorial Rondas Escénicas | María-José Ragué-Arias El método griego | María Chatziemmanoui Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti El lado oscuro | Jaume Colomer Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado

4-5 6 7 50 51 52 - 53 54 55 56

Estrenos

9 - 18

Festivales

19 - 42

En

43 - 48

gira Zona abierta

49 - 58

Portada

Fotografía del espectáculo ‘Fémina. Las mujeres mueven el mundo’ de Maracaibo Teatro

Número: 219 - año 21 | Noviembre / Diciembre 2017 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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RONDAS ESCÉNICAS

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

Jordi Coca, escritor, profesor y director teatral

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María-José Ragué-Arias

uando me planteo las temáticas que quiero abordar en estas páginas, dando relevancia al panorama local o internacional de Cataluña, acabo siempre hablando, como por otra parte es lógico, de creadores teatrales. Para mí tiene mayor interés la persona que la teoría e incluso que el espectáculo en concreto, aunque en este caso el espectáculo tiene interés teatral e histórico.

“Parlàvem d’un somni” Conocí a Jordi Coca cuando yo andaba por el Instituto del Teatro, años ha, y él, algo más joven que yo, ya se ocupaba de organizar bibliotecas teatrales, bibliografías, documentos… discreto, educadísimo y amable, he ido sabiendo de él desde hace décadas, en torno al teatro barcelonés, su historia, sus documentos, sus estudios… sí, en buena parte creo que “estudioso” es un adjetivo adecuado para él. Sin menoscabo de la creación que le ha llevado a publicar mas de veinte novelas y libros de narrativa. Pero nunca nada es gratuito. Su personalidad es amable, educadísima, culta pero discreta… De ahí que su discreción me haya llevado justamente a sorprenderme al ver que reseñadas en internet, podía hallar más de cincuenta publicaciones de estudios, novelas, ensayos… Agudo y refinado, educado e inteligente, atractivo y discreto… su mundo es el teatro, su mujer Vicky Sanz también vinculada al teatro como actriz aunque lleve tiempo sin actuar. Creo que para admirar a Jordi Coca hay que conocerle... y conocer su entorno y su obra…

Su jubilación laboral le ha llegado hace meses, quizá un año, al Institut del Teatre de Barcelona que dirige Magda Puyo. Como trato de decir, Coca no es una persona convencional y no lo es en su profesión. Recuerdo algunas puestas en escena suyas pero siempre tienen algo de recóndito, de profundos ensueños y a menudo se ponen en pie sobre escenarios poco convencionales.. Si no me traiciona la memoria, ha dirigido un delicadísimo Strinberg, una tragedia griega minimalista en el mejor sentido del término, en el Instituto del Teatro y otra que pese a su puesta en escena más convencional tampoco se adecuaba al modelo histórico clásico de los espectadores… y muchas cosas más. Y sin embargo, si buscamos en los archivos modernos, lo que hallamos sobre todo es una cantidad sorprendente de novelas, muchas de ellas premiadas.

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Nació en 1947. recientemente, como decía, trabajaba en el Institut del Teatre donde siempre ha trabajado de un modo u otro, como técnico superior de enseñanza, profesor, responsable de actividades culturales, jefe del centro de Investigación y documentación y director entre 1988 y 1993. Y además, su prestigio y su erudición, le ha llevado a participar en cursos de universidades extranjeras de prestigio como por citar la más atractiva para mí, la Universidad de California en Berkeley. Entre narrativa, traducciones y ensayos ha editado cerca de cuarenta obras además de colaborar con cierta frecuencia en prensa y en televisión.

Su último espectáculo se acaba de estrenar, Parlàvem d’un somni”, una versión libre de Jordi Coca, a partir de una conversación que en 1983 sostienen Pasqual Maragall y Maria Aurèlia Capmany -en el escenario protagonizada por Anna Güell y Oscar Intente-,y que es transcrita por Xavier Febrès. Es una charla en la que ambos hablan de sus raíces en Barcelona y de su modelo de ciudad, un texto que hoy, en nuestra urbe cambiante, tiene especial interés y que lo tiene como espectáculo sobre el escenario del Teatro Nacional.

Pregunto a Jordii Coca por qué empezó a escribir y su respuesta me resulta estimulante. Duda al principio pero enseguida me dice que de repente a los trece años se dio cuenta de que estaba emborronando unos papeles. Me dice que posiblemente fue influido por unos vecinos que le hablaban de libros y de literatura. Esta situación la describe en su novela “Sota la pols”.

Lógicamente también hablamos de su publicación inmediata y que verá la luz ya en este mes de marzo “Els ulls dels homes mentiders” en la editorial Comanegra. y yo diría que por lo que sé, Jordi Coca no tiene publicada poesía, estamos ante un poeta del teatro, la novela y tal vez de la vida. Entrevistarle ha sido un placer. —

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El MÉTODO GRIEGO

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Los demonios griegos

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María Chatziemmanouil

n enero de 2016 asistí a un montaje que mientras las neuronas de mi cerebro funcionen, no voy a olvidar nunca: “Los Karamazov”, del Teatro de Arte de Moscú con dirección de Constantin Bogomolov, en la Stegi de la Fundación Onasis en Atenas.

La Stegi invita este año al mismo director ruso para dirigir un montaje de Los demonios de Fiódor Dostoyevski, esta vez solo con actores griegos. Es la primera vez que la fundación Onasis invita a un director del extranjero para estrenar una obra con un elenco griego y con razón: el antes mencionado montaje de los Karamazov fue aclamado por parte del público y de la crítica de Grecia ofreciéndonos 5 inolvidables horas de grandeza teatral. La trama de la novela emblemática de Dostoyevski se había trasladado de los finales del siglo 19 a los salones de la oligarquía rusa contemporánea. Su sátira fue despiadada y su resultado artístico innegable.

En sus representaciones estéticamente no convencionales y políticamente imaginativas, una práctica común es que los roles masculinos estén interpretados por actrices y, por el contrario, los roles femeninos por actores, mientras que la acción se desplaza en diferentes marcos espaciotemporales de los originales. Por ejemplo, para “El rey Lear” de Shakespeare, el papel homónimo fue interpretado por una actriz, y la acción fue transferida a la Unión Soviética en 1941, poco antes de la invasión alemana. “Cuando yo miro a los actores veo a personas sin sexo que pueden desempeñar cualquier papel. Es por eso que a veces en nuestra compañía los jóvenes interpretan papeles de viejos y viceversa”, dice el director ruso.

El creador innovador con su elenco griego, nos llevará al oscuro universo de Stavrogin, Verjovenski y los otros antihéroes del gran clásico ruso. Es una obra polifónica y marginal, un libelo político y al mismo tiempo una novela filosófica, tanto confesional como sarcástica, que enfoca a la acción de un círculo de jóvenes nihilistas.

“Los instintos oscuros y los demonios arcaicos se despiertan en lo más profundo de nuestra naturaleza y nos engañan. ¿Son estos demonios, sin embargo, nuestros jóvenes dioses y nuestra nueva verdad? ¿Dónde nos llevará esta búsqueda de una nueva verdad? ¿A una nueva salvación o – 7 –

Vladimir Chernous

a un nuevo fascismo?” Esto es lo que se pregunta escépticamente Bogomolov y traslada la acción de los antihéroes dostoyevsquianos de la Rusia prerrevolucionaria a la Grecia contemporánea, la antigua cuna de la cultura europea que se ha trasformado hoy en día en el epicentro de una crisis no solo económica o política, sino también cultural, como dice el director, añadiendo que “”Los demonios” nunca estuvieron más presentes, “griegos”, “rusos” y “ecuménicos”.

Hijo de una pareja de críticos del cine, Constantin Bogomolov (1975), licenciado en filología de la Universidad Lomonosov de Moscú y en Dirección escénica de la Academia Rusa de Artes GITIS, se describe por la prensa internacional como el “enfant terrible” del teatro ruso.

Ganador de varios premios y distinciones en su país y socio de teatros rusos históricos (Teatro de Arte de Moscú y Lenkom), ha presentado su trabajo también en teatros europeos muy importantes y en festivales internacionales como por ejemplo el Teatro Nacional de Polonia en Varsovia, el Festwochen en Viena y el Theaterformen en Hanover.

Ha dirigido más de 20 montajes, firmando también su dramaturgia en la mayoría de los casos.

Entre ellos cabe destacar “Rey Lear” de Shakespeare, “Nieve negra” de Mijaíl Bulgakov, “El juicio” de Franz Kafka, “La gaviota” y “Platonov” de Antón Chejov, “El Idiota” y “Los Karamazov” de Dostoyevski etc. Uno de sus últimos montajes fue “Maridos y mujeres”, basado en la película homónima de Woody Allen.

“No solo estoy trabajando en textos clásicos, estoy tratando de trabajar con proyectos buenos e interesantes. No tengo miedo de decir que los clásicos son los más interesantes y que no hay tantas obras contemporáneas interesantes. Quiero mucho estrenar obras de Vladimir Sorokin. ¡En Rusia, sin embargo, es muy difícil encontrar un teatro que acepte estrenar a Sorokin!”. —

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ESTRENOS

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Estrenos de ‘Martín Zalakain’ e ‘Izar-Estrella’

El Teatro Arriaga, escenario propicio para los estrenos El espacio bilbaíno acoge las nuevas propuestas de las compañías vascas Argia y Marie de Jongh

FOTOGRAFÍAS

‘Martín Zalakain’ de Argia

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l 11 de noviembre el Teatro Arriaga de Bilbao ofrecerá el estreno de ‘Martín Zalakain’, nuevo espectáculo de la compañía Argia, dirigida por Juan Antonio Urbeltz, que toma como referencia uno de los mayores clásicos de la literatura vasca, la novela ‘Zalacaín el aventurero’ de Pío Baroja, para presentar esta propuesta en la que Ander Lipus interpreta los textos de Harkaitz Cano. Danza, juego, música, canto… se funden en esta obra que cuenta con la participación de un numeroso grupo de bailarines y músicos llegados de diferentes puntos de Euskal Herria.

Después del estreno, el montaje iniciará su gira pasando por Donostia en diciembre, Iruñea en enero y Baiona en febrero.

El proyecto se presenta con la ambición de establecer nuevos límites en el ámbito de la danza. Para ello cuentan con un equipo formado por artistas de diferentes provincias y generaciones. Además de la donostiarra Argia, participan en el montaje las agrupaciones de danza Kezka (Eibar), Haritz (Elgoibar), Duguna (Iruña), Maritzuli (Miarritze) y Elai-Alai (Portugalete). En el apartado musical destaca el trabajo de Marian Arregi (acordeón), Mikel Urbeltz (violín), Arantzazu Mujika (violín), Maider Urbeltz (arpa), Dugunako Musikariak (txistu, instrumentos de viento y percusión), Ezpelur (dulzaina) y Plectro (instrumentos de cuerda) . Serán alrededor de 80 personas las encargadas de trasladar al público esta historia que será narrada por Ander Lipus en el papel de Pío Baroja. Así, será él quien cuente las andanzas de Martín Zalakain, un joven vasco de un pueblo ficticio llamado Urbia. Se trata de un chico travieso que tras sufrir la muerte de su madre será educado por el viejo mesonero Migel Tellagorri. Zalakain odia a Karlos Ohando, el cacique del pueblo, que está enamorado de la hermana de Martín. Para que éste no la engatuse, Martín la

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ESTRENOS

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Izar-Estrella

esposa con su amigo Bautista Urbide. Los recién casados se trasladan entonces a Iparralde, donde Bautista y Martín vivirán numerosas aventuras. En palabras del director y coreógrafo Urbeltz: “hemos querido revitalizar nuestras danzas tradicionales llevando a escena la gran fuerza de estos héroes populares”.

Y sobre las mismas tablas la compañía Marie de Jongh estrenará ‘Izar-Estrella’, espectáculo sin palabras que se representará del 28 al 30 diciembre. Se trata de un montaje coproducido por Théâtre Montansier de Versailles, Teatro Social Antzokia de Basauri y Donostia Kultura, con autoría y dirección de Jokin Oregi. La pieza, interpretada por Anduriña Zurutuza, Javier Renobales, Ana Meabe y Ana Martínez, cuenta con la música de Iñaki Salvador, la escenografía y el vestuario de Elisa Sanz, la iluminación de Javi

Marie de Jongh

Obtuvo el Premio Max 2017 al Mejor Espectáculo Infantil o Familiar con su último trabajo, ‘Amour’

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Kandela y los audiovisuales de Carles Porta, entre otros. Según explica la compañía, Izar es una niña, de apenas seis años, que va camino de convertirse en una pianista de fama mundial.

Gracias a una férrea disciplina a la que le someten sus padres, su virtuosismo ha alcanzado unos niveles prodigiosos para su edad. Izar es una estrella feliz, tanto, que no querría crecer nunca.

Pero la vida le depara otro destino, un laberinto emocional inesperado del que solo podrá salir guiada por otra estrella, pero no una estrella cualquiera, sino una estrella de mar. —

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ESTRENOS

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Teatro Defondo estrena Orlando

Una oda a la vida, la creación artística y los sentidos La compañía madrileña presenta una obra de Virginia Woolf que plantea temas como el género o la identidad

Javier Naval orlando

Sexta novela de Virginia Woolf, obra de mayor éxito de la autora en vida

E

l Teatro Barakaldo acoge el 4 de noviembre el estreno de ‘Orlando’, obra de Virginia Woolf que la compañía Teatro Defondo lleva a escena en su 15º aniversario. Dirigido por Vanessa Martínez, el montaje está interpretado por Rebeca Sala, Gustavo Galindo, Pablo Huetos, Pedro Santos y Gemma Solé.

A través de más de tres siglos de historia, Virginia Woolf describe en ‘Orlando’ (1928) la vida de un personaje que se transforma: el hombre que era al comienzo asume con el paso del tiempo la conciencia de ser mujer. Así, la autora inglesa reflexiona, en tono cómico y crítico, sobre los géneros y sus roles, sobre lo sexual, lo transexual y lo homosexual; sobre el papel de la mujer a través de las sociedades.

Se trata de una obra basada en la vida de la novia de Woolf, Vita Sackville-West. Aunque se presente como una biografía, es en realidad una parodia de este género literario. “El poder expresivo del lenguaje que crea Virginia Woolf es fenomenal, en el sentido literal de la palabra. Los fenómenos y la ‘fenomenalidad’ serán elementos claves de la puesta en escena”, afirman desde la compañía. —

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ESTRENOS

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

Aukeran Dantza Konpainia estrena Aukeran 20 urte

Aukeran celebra 20 años de trayectoria dancística La compañía donostiarra presenta una nueva propuesta sobre tres de sus últimos espectáculos

A

ukeran Dantza Konpainia

estrena ‘Aukeran 20 urte’, un espectáculo que conmemora sus 20 años sobre los escenarios y que llevará a cabo el 5 de noviembre en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia.

El montaje, que cuenta con la dirección escénica de Ainhoa Aierbe, ofrece una mirada retrospectiva, pero a la vez revisada y actualizada, de tres de sus últimos espectáculos: ‘Gernika’, ‘Geltokia’ y ‘Maurizia’. La música de esta nueva creación estará en manos de Mixel Ducau, que contará con la ayuda de Xabi Zeberio, Xabi Solano e Iñigo Egia, que le acompañarán sobre el escenario. En cuanto a la iluminación y el vestuario, son labor de Carlos Solano y Oscar Armendariz, respectivamente.

Maurizia

Aukeran Dantza Konpainia, afincada en Donostia, se crea en 1997 por iniciativa del bailarín y coreógrafo Edu Muruamendiaraz. Su labor coreográfica destaca por el mestizaje entre la danza tradicional y contemporánea, rompiendo, cambiando, ralentizando o desestructurando el ritmo y las reglas de la danza y la música tradicional.

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La compañía ha propuesto creaciones innovadoras desde que inició su labor artística, entre las que se encuentran: ‘Sutargi’, ‘Izena duen guztia omen da’, ‘Bideak’, ‘Gernika, danza sobre lienzo’, ‘Burnia’, ‘Geltokia’, ‘Fusioak’ y ‘Maurizia’, que se podrá ver en Zornotza, Basauri, Sopela y Gasteiz en los meses de noviembre y diciembre. —

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ESTRENOS

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Eidabe estrena Zutuberrak

Una comedia que reflexiona sobre el uso del euskera La obra mostrará, de forma positiva, la complicada situación actual de la lengua

Ilara EIdabe

A la hora de crear y producir un espectáculo, tiene siempre muy en cuenta las preocupaciones sociales, con el objetivo de influir en los niños, niñas y jóvenes, además de dar nuevos pasos artísticos, en cuanto a la forma se refiere

E

idabe presenta ‘Zutuberrak’, obra de Galder Pérez

dirigida al público infantil, juvenil y familiar que valiéndose de elementos esenciales para la juventud actual (Internet, YouTube, rap, imágenes...) plantea una reflexión sobre el euskera y su uso. “Por qué no hablamos en euskera? ¿Qué nos dan otros idiomas para que pasemos del nuestro? ¿Qué pasaría si no tuviéramos nuestra propia lengua?”. El estreno tendrá lugar el 26 de noviembre a las 12 del mediodía en el bilbaíno Pabellón 6.

Los intérpretes Olatz Pagalday y Jon Zubiaga llevarán a cabo una función que sucede a un ritmo frenético intercalando el juego teatral, los vídeos, las imágenes en directo y el rap. La obra se compone de escenas actuales de una youtuber, situaciones de ciencia ficción y sketches sobre el uso cotidiano del euskera en las aulas, en las calles y en casa.

Se trata de un espectáculo que quiere hacer reflexionar a las personas más jóvenes, al profesorado y a madres y padres sensibilizados con la lengua, sobre el uso del euskera, las herramientas actuales para la comunicación y el valor de un idioma. Todo ello a través del humor y la comedia. —

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MISCELÁNEA

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Teatros María Guerrero y Valle-Inclán

Teatro Español

Dentro del programa Escritos en la escena, el Centro Dramático Nacional presenta el estreno de ‘Juegos para toda la familia’ de Sergio Martínez Vila, pieza dirigida por Juan Ollero que se podrá ver del 1 al 30 de diciembre en el Teatro María Guerrero de Madrid. La historia presenta a una familia ligada a la élite industrial y financiera del viejo continente que se reúne para jugar durante todo un fin de semana en su villa privada. Para interpretar a la misma se cuenta con el trabajo de Ángela Boix, Mercedes Castro, Lolo Diego, Miquel Insua, Daniel Jumillas y Lola Manzano. Y en el mismo espacio el día 18 de diciembre se podrá ver ‘Fuga de cuerpos’ (Nueva Dramaturgia Contemporánea) de María Velasco con dirección de Javier Giner. Según afirman, la obra podría definirse como “una comedia romántica que no hace ninguna gracia”.

El Teatro Valle-Inclán, por su parte, acogerá del 1 al 3 de diciembre el Salón Internacional del Libro Teatral.

Denise Despeyroux escribe y dirige ‘Un tercer lugar /3D/’, nueva producción del Teatro Español interpretada por Jesús Noguero, Vanessa Rasero, Giovanni Bosso, Sara Torres, Pietro Olivera y Lorena López que estará en cartel del 16 de noviembre al 17 de diciembre. Seis personajes profundamente neuróticos tratan de relacionarse entre sí lo mejor que pueden, y también de amarse lo mejor que saben. Unos se decantan por el modelo del amor cortés, colocando al otro en el lugar de lo incondicionado, donde se vuelve imposible cuestionarlo, y disponiéndose a cualquier sacrificio a la espera de que el amado se convierta por fin en amante.

Otros observan con perplejidad cómo su propia verdad les es arrebatada; cómo en respuesta a su imperiosa necesidad de ser tomados en serio solo reciben extrañas tergiversaciones y comunicaciones defectuosas. Todos, en definitiva, anhelan la posibilidad de un contacto auténtico y una comunicación verdadera.

Teatro de la Comedia

Teatros del Canal

La Compañía Nacional de Teatro Clásico estrena una nueva producción, ‘La dama boba’ de Lope de Vega en versión y dirección de Alfredo Sanzol. En sus palabras: “Me gustaría dedicar el espectáculo que hagamos con el texto de La dama boba de Lope de Vega a todas y a todos los que en algún momento de la vida nos ha hecho falta hacernos «las rubias», «los suecos» o «las Fineas» (...) También me gustaría dedicárselo a todos los que hemos tenido miedo de volvernos estúpidos a fuerza de que nos traten como a tales (...) Y a todas y todos los que han sentido el poder milagroso que tiene el amor para hacer despejar nuestra mente”. El montaje se podrá ver en el madrileño Teatro de la Comedia del 28 de noviembre al 30 de diciembre, con un elenco formado por Daniel Alonso de Santos, Miguel Ángel Amor, Cristina Arias, Marçal Bayona, Pablo Béjar, José Fernández, Paula Iwasaki, Georgina de Yebra, Silvana Navas, Kev de la Rosa, Carlos Serrano y David Soto Giganto.

Draft.inn y Teatros del Canal presentan ‘Esto no es La casa de Bernarda Alba’, obra basada en ‘La casa de Bernarda Alba’ de Federico García Lorca, adaptada por José Manuel Mora y dirigida por Carlota Ferrer. El montaje, que se podrá ver del 14 de diciembre al 7 de enero en la Sala Verde, estará interpretado por Eusebio Poncela, Igor Yebra, Oscar de la Fuente, Jaime Lorente, José Luis Torrijo, David Luque, Guillermo Weickert y Julia de Castro.

Según explican sus creadores: “En ‘Esto no es La casa de Bernarda Alba’ nos hallamos ante la búsqueda de un discurso feminista radical, es decir, que intenta viajar a la raíz: al poner en boca de hombres actores y bailarines las palabras de Federico (en numerosas ocasiones sus personajes manifiestan el deseo de ser hombres para poder gozar de libertad) se evidencia la fragilidad de la mujer ante la visión dominante del orden heteropatriarcal y su gestión del mundo a través del miedo”.

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MISCELÁNEA

Barcelona

‘Parlàvem d’un somni’

Avilés

El TNC estrena ‘Parlàvem d’un somni’ (Pasqual Maragall y Maria Aurèlia Capmany en la calle Mallorca de Barcelona).

En el Lliure se podrá ver ‘Molsa’ a partir de la novela de David Cirici, por la cía Thomas Noone Dance, y 3 lecturas dramatizadas de La Kompanyia Lliure dirigidas por Lluís Pasqual. Y en El Canal (Salt) se presenta ‘Medusa’ por La Virgueria (obra ganadora del Premi Quim Masó 2016).

Valladolid

‘Escenas de caza en la baja Baviera’

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

Vanessa Rábade

El Teatro Palacio Valdés acoge el 10 de noviembre el estreno de ‘Tebas Land’ del franco-uruguayo Sergio Blanco, obra de Compañía Salvador Collado y El Pavón Teatro Kamikaze dirigida por Natalia Menéndez y protagonizada por Israel Elejalde y Pablo Espinosa. La pieza, que toma como tema central la figura del parricidio, fue declarada Obra de Interés Cultural por el Ministerio del Interior de Uruguay.

Laguna de Duero

Dos estrenos tendrán lugar en el Teatro Calderón. ‘El caballero de Olmedo’ de Lope de Vega llega de la mano de Noviembre Teatro en versión y dirección de Eduardo Vasco (3-5 noviembre). Y la dramaturga María Velasco presenta ‘Escenas de caza’ sobre la película ‘Escenas de caza en la baja Baviera’ de Peter Fleischmann, dirigida por Alberto Velasco y por Malditos Compañía (18-19 noviembre).

El 11 de noviembre Dantzaz Konpainia estrena ‘Growing young’ en la Casa de las Artes. Es una propuesta que aúna los trabajos de 4 coreógrafos internacionales que han realizado 4 creaciones especialmente para la cía, en colaboración con varias Casas de la Danza e Instituciones Europeas: Itzik Galili, Wubkje Kuindersma (KORZO), Janis Claxton (DANCEBASE) y Daniele Ninarello (PIEMONTE DAL VIVO).

‘Curso de autoayuda para perversos y otros colectivos’

Málaga

Murcia

Factoría Echegaray presenta dos nuevas producciones que estarán programadas estos meses en el Teatro Echegaray.

Del 1 al 18 de noviembre llega ‘Curso de autoayuda para perversos y otros colectivos’ de Beatriz Mori con dirección Juan José Afonso. Y del 29 de noviembre al 16 diciembre se podrá ver ‘Hécate y la frontera’ de Samuel Pinazo, dirigida en este caso por Jose Padilla.

‘Alicia y las Ciudades Invisibles’ es la nueva obra de Onírica Mecánica en coproducción con Teatro Circo Murcia y Teatro Romea de Murcia. Se trata de una pieza de artes en vivo para público familiar a partir de 6 años, que se podrá ver en TCM el 7 y 8 de diciembre. Con dramaturgia y dirección de Jesús Nieto Pieza, cuenta con los actores-manipuladores Alicia Bernal, Brígida Molina y Enrique de la Cañina.

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FESTIVALES

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

XXXV Euskal Antzerki Topaketak - Azpeitia

Fiesta del teatro en euskera 14 montajes y varios ciclos teatrales en Azpeitia

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a trigésima quinta edición de Euskal Antzerki Topaketak de Azpeitia se inaugura el 1 de noviembre con la quinta edición de ‘Antzerki Eskolen Eguna’ (día de las escuelas de teatro) que viene organizando EHAZE en las cuatro ediciones precedentes y que este año correrá a cargo de Metrokoadroka, compañía que el día 3 presenta en Soreasu Antzokia su última propuesta escénica junto con Pez Limbo, ‘Miss Karaoke’, montaje escrito por Oier Guillán y dirigido por el mismo junto con Javi Barandiaran y los actores de esta obra en la que el humor, el absurdo y la performance son los principales ingredientes.

Prácticamente toda la programación de esta edición se llevará a cabo en Soreasu Antzokia (a excepción de la función que Anodino Teatroa llevará a cabo en una sala del ayuntamiento de la obra ‘Erbeste edo sahiets baten aldarrikapenak’), teatro en el que se podrá disfrutar con espectáculos como ‘Ez Dok Hiru’, “un repaso irónico, absurdo y divertido del imaginario musical del País Vasco” de Tartean Teatroa interpretado por tres músicos-actores con “música en riguroso directo”; ‘Hau da nire ametsen kolorea’ de Compagnie Rouge Elea o ‘Etxeko saltsak’, adaptación realizada por Txalo Produkzioak de la comedia de enredo ‘Relativity speaking’ de Alan Ayckbourn.

Dirigidas al público adulto son también las obras ‘Heriotza bikoitza (Doble Malta)’ de Jon Ander Alonso e ‘Hysteria’ de Eromen Produkzioak, mientras que el colofón a esta edición lo pondrá el día 26 un montaje de danza dirigido a todos los públicos, ‘Maurizia’ de Aukeran Dantza Konpainia.

Sobre las tablas de Soreasu Antzokia se pondrán en escena también espectáculos dirigidos al público infantil y familiar. Es el caso de ‘Mendi tontorrean’ de Txalo Produkzioak o ‘Azken itzulia’ de Théatre des Chimeres, una obra de Joël Jouanneau que trata sobre la necesidad de transmitir experiencias que tiene el ser humano, de la importancia de nombrar correctamente las cosas, sobre la desaparición de las personas queridas, de la muerte, de los recuerdos. Teatro Paraíso hará lo propio con ‘Lunaticus Circus’, y también habrá lugar para una obra dirigida a la denominada como primera infancia (niñas y niños de hasta tres años), ‘Plistiplasta’ de Pantzart Teatroa .

Cada año, Azpeitia se convierte en el escaparate del teatro – 20 –

creado en euskera y como viene siendo habitual en las últimas ediciones, la cita incluye además el denominado ‘Ziklo berezia. Antzerki Alternatiboa’ (Ciclo especial de Teatro Alternativo) con dos montajes teatrales que se representarán en el Gaztetxe de la localidad gipuzkoana. ‘Hozkailua’ de Huts Teatroa es una obra de pequeño formato escrita por Unai Iturriaga e interpretada por Ander Lipus y Patricia Urrutia y ‘Bihotz salataria’, último montaje de Atx Teatroa, es un unipersonal interpretado y dirigido por Iñaki Ziarrusta a partir de la obra de Edgar Allan Poe. Esta edición se completa con el programa ‘Eskola edo gaztetxoei zuzenduriko antzerkia’, con montajes dirigidos al público escolar que se llevarán a cabo los días 13, 14,15 y 16 en Soreasu Antzokia en horarios de mañana y tarde, y con ‘Txotxongiloen ametsak’, exposición sobre la metodología del títere de Corrado Masacci que se podrá visitar del 1 al 17. —

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Miss Karaoke

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Kauldi Iriondo

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XXV Mostra de Teatre Reclam

Apuesta firme por la variedad en la 25 edición de Reclam

FOTOGRAFÍAS

‘Las aventuras de T. Sawyer’ de La Teta calva ‘En el jardín’ de Teatro Paraiso

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uspiciada por la Universitat Jaume I junto con el Ayuntamiento y la Diputación de Castellón, la Muestra de Artes Escénicas RECLAM cumple su 25ª edición con una programación que se hará extensiva desde el 2 de noviembre hasta el 3 de diciembre en diversos espacios de doce municipios de la provincia de Castellón. Uno de los principales objetivos será ofrecer una variada selección de cerca de cuarenta compañías que proponen montajes teatrales, de danza, música y carácter circense, gran parte de ellas con contenidos que inciden en temas de contenido social.

La propuesta teatral de la Companya La Líquida ‘Oh, vino’ iniciará la programación el día 2 de noviembre, en ella se recoge la historia del hombre.

Tanto Il maquinario Teatro como Ornitoricns realizan un ejercicio de reflexión o mirada atrás, el primero reconstruye en ‘Resaca’ su propio memoria generacional, y el segundo realiza un viaje a través de las canciones de éxito de todos los tiempos en

‘La mejor canción del mundo Saw Comedy Show’. En esta misma línea se enmarcan también ‘In memoriam, la lleva del biberó’ de La Kompanya Lliure, donde se recuerda a aquellos jovencísimos combatientes que participaron en la Guerra Civil; el montaje musical ‘Records de viatge. Eugeni Muriel’, en el que se lleva a cabo una recopilación de experiencias visuales y musicales de un turista; y el recital poético que proponen Sergio Peris-Menches y Marta Solaz en ‘A voz en cuello’. Destacable también el homenaje que La Nona Teatro realiza al poeta Miguel Hernández en ‘Palabras de Miguel’.

El humor, la ironía o la sátira son elementos que comparten muchos de los trabajos previstos dentro de la programación, algunos de las cuales reflexionan sobre la sociedad actual desde puntos de vista distintos, como ocurre en ‘Spaña’ de Purna Teatro, ‘No son ningú’ de Les incidents, ‘Eroski paraíso’ de Chévere, ‘La cantante calva al McDonals’ de la Compañía Hongaresa de Teatro, ‘Fairly’ de La calórica o ‘La onironauta’ de Teatro de la Catrina. Félix Albo invita en ‘Tanatorium, la sola muerte espera’ a recorrer los vericuetos de la muerte desde la carcajada escandalosa; Pot de Plom Teatre realiza en ‘Xavi Castillo news’ una particular reflexión sobre las últimas noticias; y Titzina Teatro reflexiona en ‘Distancia siente minutos’, pieza a medio camino entre el drama y la comedia, sobre la justicia y la felicidad humana. ‘Hotot’ da nombre a la última propuesta de Marcel Tomas, un cabaret moderno en el que interpreta, improvisa, canta ópera y baila.

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Ros Ribas

Las mujeres serán protagonistas de varias propuestas. La dramaturga, directora y clown Patricia Pardo utiliza todas sus facetas en ’El fandango de Marx’, obra que expone la desigualdad, la exclusión y el castigo de nuestra sociedad. Ana Fernández, por su parte, reflexiona en ‘El lunar de Lady Chatterley’ sobre el hecho de ser mujer y sobre aquellas cosas por las que mujeres de todo el mundo han luchado durante siglos. A tiro hecho a través de ‘Les solidàries’ declara la próxima revolución que será feminista o no será, un punto de partida rompedor que no desea reivindicar nada. La coproducción entre la Sala Beckett y el Obrador Internacional de Dramaturgia ‘Un tren al cap’ habla sobre las diversas formas de la censura que tanto en el ámbito público como en el privado han sufrido las mujeres. Y Esther Lázaro presenta ‘De algún tiempo a esta parte’, monólogo estremecedor que narra la angustiosa existencia de una mujer en la Viena de 1938, tras el Anschuss, la anexión de Austria dentro de la Alemania nazi. Por su parte, El Teatro Español llevará a escena otro monólogo bajo el nombre de ‘Sofía’, que tiene como protagonista a la reina emérita de España.

Con tintes más dramáticos y poéticos destaca el montaje ‘El acto más hermoso del mundo’ de Teatro de la Inestable, en el que desarrollan un testimonio hacia el viaje a la vida sexual placentera en la vejez. Por otro lado, La Pavana escenificará ‘Iván y los perros’, un monólogo estremecedor basado en la vida del menor de tan solo 4 años, Iván Mishukov, que en la deprimida Rusia de los noventa vivió al cuidado de una manada de perros.

Propuestas de carácter musical, de circo y danza también tendrán cabida en esta ocasión de la mano de Yllana y Primital Bros, que proponen ‘The primitals’, mientras que Companie d´Àcôte llevará a escena ‘Opus 1-Blancs’. No faltará a su cita la coreógrafa y bailarina Sol Picó, que propone ‘Dancing with frogs’, Kukai Dantza con su pieza ‘Oskara’ y Alicia Soto-Hojarasca con el montaje ‘Estudio 3: miradas’.

Las propuestas circenses vendrán de la mano de Los hermanos inconfundibles con ‘La banda del otro’, la Compañía ambulante con ‘La cine-maleta ambulante’ y la pieza ‘Rhümia’ de Rhum & Cia. El teatro para niños y niñas estará presente con Teatro Paraíso y ‘En el jardín’, una experiencia visual y lúdica como la que propone L´Home Dibuixat en ‘Screen man’, o la adaptación que La Teta Calva realiza de la obra ‘Las aventuras de T. Sawyer’. Factoría Los Sánchez, por su lado, presenta ‘Tocatico tocatà’, donde introducen al público en el universo del creador Carles Santos con música en directo. —

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‘In memoriam, la lleva del biberó’ de La Kompanya Lliure

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XXV Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos - Alicante

La autoría de las obras toma protagonismo en Alicante La Muestra celebra su cuarto de siglo del 3 al 11 de noviembre

Lola Blasco

Será la encargada de impartir el taller de dramaturgia en el Teatro Principal el 4 de noviembre, y el día 10 se llevará a cabo el Encuentro ‘Palabra de traducto@s

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‘La extinta poética’ de Nueve de Nueve

ste año la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos cumple su 25 aniversario y lo celebra con más de una veintena de montajes y diversas actividades, entre las que caben destacar la ‘Exposición 25 años’ que se podrá visitar en el Centro Cultural Las Cigarreras y el homenaje a Ignacio García May que tendrá lugar el 6 de noviembre en el ayuntamiento de la ciudad.

Siete espacios acogerán la programación de espectáculos de esta edición.

En el Teatro Principal se pondrá en escena ‘Sofía’ del homenajeado García May, quien también se encarga de la dirección de esta coproducción del Teatro Español y Divant Producciones; Chévere por su parte presenta ‘Eroski paraíso’, una obra escrita por Xesús Ron, Miguel de Lira, Patricia de

Lorenzo y Manuel Cortés dirigida por el propio Ron. Y en el mismo teatro estará la última propuesta de Meridional Producciones, ‘Iberian Gangsters’, una obra sobre la corrupción política de Julio Salvatierra dirigida por Álvaro Lavín.

Juan Luis Mira es el autor de ‘Caries’, comedia que sube al escenario del Teatro Arniches en una coproducción de Teatre del Poble Valencià y el Institut Valencià de Cultura bajo la dirección de Pascual Carbonell. Y comedia es también, aunque en este caso ácida, ‘No hay papel’ de Beatriz Bergamín, una propuesta íntima interpretada por la propia autora junto con Ángeles Martín que dirige Víctor Velasco para Desafora2, mientras que la comedia y el horror se funden con la visión surrealista de Esteve Soler, autor de ‘Contra la democracia’, obra que ha llevado a escena Teatro del Noctámbulo con dirección de Antonio C. Guijosa.

El poder es el tema central de la versión de la que ha bebido Juan Carlos Rubio para escribir ‘El príncipe de Maquiavelo’, unipersonal interpretado por Fernando Cayo bajo la dirección del propio Rubio en una propuesta de Concha Busto Producción y Distribución.

Juan Mayorga es el autor de ‘Famélica’, una obra que reflexiona con ironía sobre el callejón sin salida de una po-

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‘Fémina. Las mujeres mueven el mundo’ de Maracaibo Teatro

lítica como teatro a través de la historia de los empleados de una empresa que se plantean ser felices en el trabajo. Se trata de un montaje de La Cantera Exploraciones Teatrales dirigido por Jorge Sánchez. Y Víctor Sánchez Rodríguez es el director y autor junto con Lucía Carballa de ‘A España no la va a conocer no la madre que la parió’, que llega al Teatro Arniches de la mano de Wichita CO. ‘Síndrhomo’ de María Cárdenas es una comedia “que nace de la basura, de los escombros de nuestras vidas” de La Teta Calva.

En la sala Caja Blanca del Centro Cultural Las Cigarreras AMEM-Marías Guerreras presenta ‘Silenciadas’, un recorrido en el tiempo sobre mujeres creadoras que fueron relegadas a un segundo plano por su condición de género, cuya autoría firman Margarita Reiz, Eva Barceló, Isabel Ameyugo y Dora de Miguel. En el mismo espacio pero en la sala Caja Negra, Anómico Teatro presenta ‘Optimismo Florence’, un manifiesto a favor de la alegría y la libertad de Julio Fernández Peláez, mientras que en ‘La pendiente resbaladiza de la maldad’ de Andrés Ariza, Diego Juan y Marianne Pakula que ponen en escena Almadraba Teatro y Mi corazón en formol, se reflexiona sobre la naturaleza humana, la responsabilidad colectiva en los males del mundo.

Eusebio Calonge es el autor de ‘La extinta poética’, un canto a la fragilidad de la belleza siempre amenazada a través de la futilidad de los deseos y las tragedias mezquinas de una familia; poesía escénica a cargo de Nueve de Nueve bajo la dirección de Paco de la Zaranda. La subterránea, por su parte, presenta ‘Maldito otoño’ obra escrita e interpretada por Lucía Abellán, Ester Martínez y Lucía Sáez que dirige Paco Zarzoso.

En la misma sala pero a media noche se podrá disfrutar con

De Sukei a Naima

La obra de Gemma Miralles se pondrá en escena en el Paraninfo de la Universidad de Alicante a cargo de La dependent con dirección de Cristina Lügstenmann

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‘Contra la democracia’

dos propuestas en tono de cabaret: ‘Sol@ ante el peligro’ a cargo de Clan Cabaret, T.U. Universidad de Alicante y ACTUA, y ‘Cabaré a la gaditana’ de Las Niñas de Cádiz.

En los jardines del mencionado centro cultural, Maracaibo Teatro pondrá ante el público ‘Fémina. Las mujeres mueven el mundo’, un canto visceral y hermoso al poder histórico de las mujeres para mover el mundo. Cristina Maciá es la autora y directora de esta propuesta que habla del rol de las mujeres en la sociedad actual desde una perspectiva claramente feminista; danza, teatro físico y poesía visual se funden en este comprometido espectáculo. También al aire libre, en este caso en la Plaza 25 de Mayo, unas mujeres de avanzada edad que se revelan protagonizarán ‘Femmes’ de Izpiñe Soto, que pone en escena Hortzmuga Teatroa.

Esta edición de la Muestra también incluye dos montajes dirigidos al público infantil y familiar. Se trata de ‘La gallina de los huevos de oro’ de Ramón Molins a cargo de Zum Zum Teatro y ‘Piedra. Papel. Tijera’ de Tuttilifamilia, ambas representadas en el CEIP Gloria Fuertes. —

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XXVI Festival Don Quijote de París

Danza y teatro a la luz de París Se presentan 9 obras de Colombia y Estado español

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l Festival Don Quijote de París celebra su 26ª edición del 21 de noviembre al 3 de diciembre. En palabras de su director artístico, Luis F. Jiménez, las propuestas teatrales y coreográficas programadas “hablan a los hombres y mujeres de ayer y de hoy, de su humanidad, son experiencias teatrales que invitan a la reflexión y cuentan historias individuales o colectivas con el deseo que nos ayuden a proyectarnos en un futuro de horizontes infinitos”.

Tras pasar el umbral de las 25 ediciones, el festival se abre a nuevos horizontes con una escala en el Théâtre 13, espacio municipal que acogerá especialmente la creación madrileña, como ‘Nada que perder’, una producción de la Compañía Cuarta Pared. Javier G. Yagüe dirige esta obra que parte de un asesinato y que se estructura en ocho interrogatorios sucesivos. También se podrá ver el espectáculo ‘Sueño’ de Andrés Lima por Teatro de la Ciudad, que muestra la historia de un hombre que, conforme se acerca a la muerte, va teniendo más y más deseos de vivir y de amar. Se trata de una comedia que, en el fondo, esconde una tragedia. Y en esa contradicción, que no es más que la tragedia de no ser amado, surge una serie de personajes inspirados en la vida de Lima y de las comedias de Shakespeare. De la mano de Producciones Teatrales Contemporáneas llegará ‘Tierra del fuego’ de Mario Diament, con dirección del argentino Claudio Tolcachir. Inspirada en un hecho real, la obra cuenta la historia de una ex azafata israelí, víctima de un atentado en el que resultó herida y su mejor amiga muerta. 22 años después decide visitar y encontrarse con el terrorista autor del atentado, que está detenido en una prisión de Londres, condenado a cadena perpetua. Además, la compañía castellano leonesa Nao d’amores representará su ‘Triunfo de amor’, dirigido por Ana Zamora e inspirado en la obra de Juan del Enzina, considerado el padre del teatro español.

En el Café de la Danse, el festival participará en el Año Colombia Francia 2017 programando dos compañías de danza: Danza Concierto de Medellín con ‘La’Serie’, espectáculo coreográfico con ritmos de bolero que homenajea al cubano Rolando Laserie; y Sankofa Danzafro de Chocó con ‘La ciudad de los otros’, en representación de la cultura afrocolombiana en la danza contemporánea colombiana.

En el mismo espacio se podrá también disfrutar de ‘La – 26 –

vida es sueño’ de Calderón de la Barca, obra por excelencia del teatro español, hoy inscrita en el repertorio del teatro francés, que correrá a cargo en este caso de la compañía aragonesa Teatro del Temple. Carlos Martín Bazán dirige este montaje en el que los siete intérpretes y la música en directo crearán ese mundo donde la pertenencia o no al grupo marca la posibilidad misma de la existencia. Los vascos Kulunka Teatro, por su parte, llevarán a París ‘Edith Piaf, Taxidermia de un gorrión’ de Ozkar Galán, con dirección de Fernando Soto. La obra narra el encuentro ficticio entre Camile Schultz, una reportera especializada en fotografiar animales, y la gran diva Edith Piaf. Por último y desde Madrid, Club Caníbal interpretará ‘Desde aquí veo sucia la plaza’, obra de Chiqui Carabante que reflexiona desde el humor negro sobre la identidad, la idiosincrasia española y las líneas rojas para defender una creencia. —

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‘Edith Piaf, Taxidermia de un gorrión’

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XXXV Festival de Otoño a Primavera

Madrid reúne a grandes maestros y jóvenes creadores

A partir de 2018, el festival dirigido por Carlos Aladro retomará su nombre y su calendario original de otoño FOTOGRAFÍA

‘Rain’ de Rosas

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l Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid afronta nuevos retos en su 35ª edición, que se celebra del 19 de octubre de 2017 al 21 de abril de 2018 bajo la dirección artística de Carlos Aladro. Artistas de reconocido prestigio, compañías veteranas y nuevos colectivos se darán cita en cinco espacios madrileños (Teatro de La Abadía, La Casa Encendida, Sala Cuarta Pared, Teatro Kamikaze y Teatros del Canal) para ofrecer sus propuestas dirigidas a todo tipo de públicos de teatro, danza y performance. En palabras de Carlos Aladro: “considero el festival como un espacio que genera altos riesgos artísticos en el contexto con garantías para el público. Es decir, el trabajo de un artista estética o subjetiva-

mente puede gustar más o menos pero el festival garantiza la calidad, la honestidad, la fiabilidad y la belleza intrínseca de su obra. Mis objetivos son, por un lado, seguir con los maestros reconocidos, los artistas que gozan de una historia y de un prestigio, y por otro lado, proponer a los espectadores riesgos controlados, descubrir a los creadores que surgen y las obras poco conocidas que no caben en las tendencias habituales. El recuerdo de mi propia experiencia como espectador del Festival de Otoño me ha abierto los ojos a creadores que no conocía y me ha dado la oportunidad de ver en directo a creadores que conocía solo por los libros o por las críticas. Creo que esa es la misión y la esencia del festival”.

La cita propone esta edición un total de 11 espectáculos procedentes de diez países (Argentina, Suecia, México, Reino Unido, Bélgica, Francia, Suiza, Portugal, Italia y Estado español). Así, fue el dramaturgo y director argentino Mauricio Kartun el encargado de inaugurar la programación en octubre con la representación de ‘Terrenal. Pequeño misterio ácrata’, considerada como uno de los mayores fenómenos de la escena independiente bonaerense de la

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Mathilda Olmi

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‘En manque’ de Théâtre Vidy-Lausanne

Cultura UDG

última década. Después fue el turno del coreógrafo sueco Mårten Spångberg y su performance de casi 7 horas de duración, ‘Natten’, vocablo sueco utilizado para designar la acción de pasar la noche.

Ya en noviembre, la compañía mexicana Los Colochos interpretará ‘Mendoza’, adaptación de Macbeth trasladada a la realidad del país azteca. Juan Carrillo, director de la obra, explica: “creíamos que los clásicos tienen algo muy universal y, partiendo de esa universalidad, lo hemos llevado a la particularidad de México, para que los espectadores pudiesen entrar en la obra con sus propios referentes y con personajes que les resultasen más familiares”. Los ingleses Gecko llegarán con ‘Missing’, una creación de Amit Lahav sobre la memoria y la identidad, sobre cómo nuestro pasado moldea el tipo de personas que somos. La danza llegará de la mano de la coreógrafa y bailarina belga Anne Teresa De Keersmaeker y su compañía Rosas, que llevará a escena ‘Rain’, inspirada en la composición ‘Music For 18 Musicians’ de Steve Reich.

En diciembre se podrá asistir al estreno de ‘La fundación’ de Buero Vallejo, pieza dirigida por José Luis Arellano García que se presenta en versión de Irma Correa e interpretación de La Joven Compañía. Se trata de una inquietante fábula estrenada en los estertores del franquismo en la que cinco personajes se encuentran encerrados en una cárcel esperando a que se cumpla la ejecución de su sentencia de muerte.

‘Mendoza’ de Los Colochos

En 2018 llegará la performance ‘En manque’ de Vincent Macaigne y Théâtre Vidy-Lausanne, una pieza que profundiza en las fantasías más íntimas de una mujer encarcelada que lidia con la melancolía. La portuguesa Companhia do Chapitô, por su parte, ofrecerá dos montajes en el festival: ‘Edipo’ y ‘Electra’. La compañía emplea siempre la comedia por su poder para cuestionar todos los aspectos de la realidad física y social. Desde su nacimiento en 1996, ha creado espectáculos multidisciplinares que se asientan en el trabajo físico del actor, en un proceso colectivo y en constante desarrollo que interpela a la imaginación del público y que se relaciona estrechamente con él.

Para marzo se espera la última creación de Sara Molina, ‘SenecioFicciones’, que reflexiona sobre un tema trascendente con intensidad, humor y un fantasioso lirismo: ¿cuántos tipos de ignorancias existen entre nuestros jóvenes? ¿Cuántos tipos de inteligencias? ¿Cúal es la tarea de esta edad de excesos?.

Por último, cerrará la programación de la presente edición ‘Elvira’ de Piccolo Teatro di Milano - Teatro d’Europa y Teatri Uniti di Napoli, pieza dirigida por Toni Servillo y basada en ‘Elvire Jouvet 40’ de Brigitte Jaques, un texto sobre la condición última del actor, su manera de trabajar en el teatro, la técnica, los valores, el día a día y la relación que se establece con el mundo más allá de los límites del escenario. —

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Festivales en Ecuador

Ecuador celebra dos citas escénicas ineludibles Grandes obras nacionales e internacionales en la Fiesta Escénica en Quito y el Festival de Artes Vivas de Loja

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Els Comediants Contadores de Mentiras Odin Teatret

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urante la segunda quincena de noviembre, Ecuador celebrará dos eventos teatrales de altura. Se trata de la 2ª edición del Festival Internacional de Artes Vivas Loja y de la 3ª edición de la Fiesta Escénica en Quito –FIEQ 2017–.

El Festival Internacional de Artes Vivas de Loja, que se enmarca en la política pública del gobierno nacional que busca brindar mejores condiciones para el desarrollo cultural en el país, reunirá este año a 30 obras en 10 escenarios distintos, a cargo de 14 grupos internaciones y 16 nacionales durante 11 días de programación (16 al 26 de noviembre). Previamente se ha podido disfrutar del ‘Camino a Loja’, con la participación de 12 grupos nacionales

que presentaron espectáculos en 12 ciudades del país, entre el 15 de octubre al 1 de noviembre.

En cuanto a las propuestas programadas, se contará con las siguientes compañías internacionales: Maîtres Du Désordre y Accordzéâm (Francia), Astrid Hadad y Teatro Rodante (México), Ensamblaje Teatro y Mi Compañía Teatro (Colombia); Elastic (Bélgica); La Intrusa y Els Comediants (España); Odin Teatret (Dinamarca); Contadores de Mentiras (Brasil); Peregrinas (Chile); y Humo Negro y Martín Pons (Argentina).

Y los espectáculos nacionales serán representados por Ceibadanza (Manta); La Mestiza, Compañía Teatral Antrópolis, Estudio de Actores, Ma Luisa González, Funeral para una Idea, Talía Falconí, Wilson Pico y Catarnica Hueca de Artes-Teatro de los Silfos-Do Pingüé Terapia Festiva (Quito); Colectivo Artístico Espacio en Blanco, Juan Castro y Municipio de Loja (Loja); Teatro de las Entrañas (Cuenca); Itzel Cuevas, Corporación Zona Escena, Teatro del Cielo y Teatro Sánchez Aguilar (Guayaquil); y Le Voci Compañía Lírica (Montecristi).

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Además, más de 200 espectáculos y actividades culturales y artísticas formarán parte del Festival Internacional de Artes Vivas Loja 2017 en el marco del “Festival OFF”. Esta programación, a cargo del Municipio de Loja, se desarrollará en las calles, plazas y parques de la ciudad, en paralelo a la programación “IN” del festival que está organizado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio del Ecuador. Las propuestas “OFF” expondrán algunos de los géneros de artes vivas, entre los que se encuentran el microteatro, el teatro de calle, las artes plásticas visuales, la danza, coreografías, música, orquestas, artes audiovisuales, literatura, etc. Se contará con 147 propuestas nacionales y 8 internacionales que provienen de Francia, España, Chile, Argentina, Perú, Cuba, México, Costa Rica, Colombia, Uruguay y Bolivia.

Todas estas serán de carácter gratuito.

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Los Colochos Proyecto Coyote Compañía Teatral Antrópolis

en La capital Del 17 al 26 de noviembre se desarrollará la Fiesta Escénica en Quito –FIEQ– con el mejor teatro iberoamericano contemporáneo programado en espacios como el Teatro Nacional Sucre, el Teatro Variedades Ernesto Albán, el Teatro México o la Plaza del Teatro.

Entre las propuestas, de Ecuador llegarán dos obras especiales invitadas: ‘Frida’ del Proyecto Coyote y ‘El corazón de la cebolla’ del Grupo de Teatro Malayerba, basada en el cuento de Gunter Grass ‘El Bodegón de las Cebollas’. Desde México se presentará ‘Mendoza’ por la compañía Los Colochos, una adaptación de ‘Macbeth’ de William Shakespeare situada en un contexto mexicano. La propuesa ‘Padox’ de la francesa Maîtres Du Désordre está formada por una treintena de marionetas habitables, para un grupo de 15 a 30 participantes.

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Se trata de un laboratorio de experimentaciones artísticas en el espacio público que desemboca en una especie de performance espectacular adaptada al espacio y al grupo. Y desde Japón se podrá ver ‘Utsushi: Entre dos espejos’, un sorprendente espectáculo que expone la belleza de la ritual danza butoh por Sankai Juku. Interpretada por seis bailarines, se compone de fragmentos de algunas de las producciones más exitosas de la compañía.

Completan la programación las obras finalistas en la convocatoria nacional: ‘Canto Yermo’, adaptación de ‘Yerma’ de Federico García Lorca con dirección de Charlie Calvache; ‘Fragilidad’ de la Compañía Teatral Antrópolis; ‘Pareidolia: Los objetos cobran vida en la vida sin objeto’ del Proyecto Cultural Rama de Plata, con dirección de Circo Gómez Acevedo; ‘Celeste’ de Teatro Arawa, con dramaturgia y dirección de Aníbal Páez; ‘En la Vida como en la Muerte, el Agua’, con dirección de Klever Viera; y ‘Funeral para la idea de un hombre’, dirigida por el chileno Javier Díaz Dalannais y creada en julio de 2016 por jóvenes artistas profesionales de las artes escénicas de México, Argentina y Ecuador. —

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IX CENIT - Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales

Certamen para los nuevos lenguajes escénicos De las casi cien propuestas presentadas han sido seleccionados seis montajes

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Después de Camarina

l CENIT - Certamen de Nuevos Investigadores Teatrales que organizan TNT y Atalaya celebra su novena edición del 3 al 5 de noviembre en el Centro TNT de Sevilla, aunque los días 1 y 2 se presentarán los dos espectáculos galardonados el pasado año: ‘Bombillas, no te veo’ de Barataria y ‘FF Remake’ de La Zentraleta Escénica.

Del centenar de propuestas recibidas para participar en esta novena edición, provenientes de Argentina, Brasil, Portugal, Gran Bretaña y diez comunidades del Estado español, la organización ha seleccionado seis montajes. ‘Nos encontrarán dormidos’ de Compañía Decollage es un “sitespecific” nómada, un ejercicio de rea-

Jesús Cabrera

lidad aumentada analógica, que usa la realidad existente como escenografía y actores. De Madrid son también Teatro Xtremo que presentan ‘Oblivion o cisnes que se reflejan como elefantes’, “una reflexión descarnada, directa y sin ambages sobre el difícil arte del canto lírico”, mientras que HisPanic Breakdown Theatre Company recupera la tradición músico-teatral española de la copla al tiempo que teje una historia política y pasional sobre la identidad y la libertad en ‘The Copla Musical’.

Los vallisoletanos Malalengua beben de un clásico y ponen en escena su visión del ‘Woyzeck!!’ de Büchner. De Vigo llega Teatro Ensalle para presentar ‘Después de Camarina’, el resultado de dos años observando una casa habitada, interpretada por Artús Rey, Raquel Hernández y María Costa, y escrita y dirigida por Pedro Fresneda.

Completa la selección de la edición de este año ‘Soy una mosca que mira a través del agujero de una llave un lugar en llamas’, pieza de danza contemporánea de Lola Jiménez (Islas Canarias). —

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XXXV Titirijai - Festival Internacional de Marionetas de Tolosa

Las marionetas despliegan sus hilos en Tolosa

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‘Identitats’ ‘Far away’ ‘Kiti kraft’

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el 25 de noviembre al 3 de diciembre se celebra una nueva edición de Titirijai, la número 35 del Festival Internacional de Marionetas de Tolosa con una programación de sala y calle en la que participan una decena de compañías con espectáculos dirigidos tanto al público familiar como al adulto. Las funciones en horario de mañana tendrán lugar en el Teatro Leidor Antzokia y correrán a cargo de Bambalina, que pondrá en escena ‘Kiti kraft’, un poema visual que discurre por la vida de un títere que ama la música y el canto; el italiano Michele Cafaggi con las pompas de jabón de ‘El hombre de la lluvia’; y El espejo negro con ‘Oscar, el niño dormido’, la historia de un niño que despertó tras varios meses en estado de coma.

En el TOPIC se ofrecerán funciones en horario de mañana, tarde y noche.

Por las mañanas se podrá disfrutar con espectáculos como ‘Detrás de mi casa’ de los suizos Guigñol a Roulettes, ‘Far away’, propuesta con la que los protagonistas se enfrentan a sus miedos de la mano de Eilertsen & Granados Teater Kompani y Lama-

tracataca, ‘Pinocho etc. y tal’, particular versión del cuento de Collodi a cargo de Teatro por um Triz de Brasil, y la deliciosa ‘Antón Retaco’ de la veterana Titiriteros de Binéfar. Los pies de Verónica González, por su parte, se convierten en todos los personajes que podamos imaginar en ‘Érase una vez... dos pies’, y en ‘Nymio’ son las manos de los intérpretes de Zero en Conducta las que se transforman en maravillosos personajes.

Titirijai también incluye una programación de espectáculos de títeres para adultos que se desarrollará en TOPIC. El marionetista Carles Cañelas combina la pureza de la marioneta de hilo con una exploración de las infinitas capacidades dramáticas del muñeco en ‘Identitats’. Sin texto es también ‘El sillón’ de Winged Cranes, obra protagonizada por una títere gobernante que reflexiona, desde el humor, sobre el influjo y la adicción al poder. El mimo corporal, los títeres, la danza y el teatro visual son el lenguaje de ‘El último baile e Brigitte’, segunda obra que presenta Zero en Conducta en el festival, mientras que en ‘Parias’ de Javier Aranda los títeres son el símbolo de la degradación y la marginación del ser humano obligando al público a la reflexión. El veterano pintor y director de escena Joan Baixas, por su parte, reflexiona sobre la trayectoria del titiritero, la relación con otras artes, el viaje y la aventura en ‘Oh! Lá Lá, La Marionette’. Por último, cabe destacar que además de las mencionadas obras de sala, se llevarán a cabo diversas funciones en las calles y plazas de la localidad gipuzkoarra, sin olvidar las extensiones del festival que llegan este año a Eibar, Ordizia, Pasaia, Sestao, Donostia y Bilbao. —

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XXXIII Mostra Internacional de Titelles a la Vall d´Albaida

Diversidad titiritera para todos los públicos

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na veintena de municipios que componen la comarca de la Vall d´Albaida acogerán del 9 al 12 de noviembre la programación de la 33ª edición de la MIT - Mostra Internacional de Títelles, donde una vez más apuestan por la calidad y la variedad artística, así como la diversidad de públicos.

A lo largo de cuatro jornadas una quincena de compañías, la mayoría llegadas desde diversos puntos de la península ibérica, llevarán a escena cerca de una treintena de representaciones.

Los catalanes Zum Zum Teatre serán los encargados de iniciar las funciones con ‘La gallina de los huevos de oro’, y La Baldufa escenificará ‘Safari’, donde conservan los protagonistas de una de sus propuestas más célebres ‘Lío en la granja’, Piñote y Calabación. Los valencianos Teatro de la estrella representarán su versión de ‘Los tres cerditos’ de mano de los payasos Coscorrito y Cuchufleta. L´Horta Teatre ‘Martina llevará a escena ‘Martina y el bosque de papel’, combinando el trabajo actoral y

la manipulación de títeres, y La Carreta estará con ‘El sol i el gira-sol’, una imaginativa historia realizada con la técnica de teatro negro.

La primera infancia también podrá disfrutar gracias a obras como las que proponen los granadinos Arena en los bolsillos y su ‘Pequeña Max’ o Teatre de l´Home Dibuixat y ‘Screenman’, protagonizada por un ser un tanto peculiar que juega con las imágenes y las transforma. La compañía vasca Teatro Paraíso presentará ‘Kubik’, en el que proponen un juego de construcciones experimentando físicamente con su entorno, mediante la manipulación de los objetos a su alcance, y así ir construyendo su pensamiento y abrir la puerta del imaginario. Desde Murcia Periferia Teatro escenificará ‘Vuela pluma’, una historia que habla sobre la libertad, mientras que la cía Kimani presenta ‘Cospress’. Tampoco faltará a su cita Eugenia Manzanera con ‘Retahilando’ o la músico Clara Peya y el artista multidisciplinar Guillem Albà, que presentarán ‘Pluja’, espectáculo que trata sobre la vulnerabilidad. Se podrá disfrutar del buen hacer del artista italiano Gaspare Nasuto en ‘La Domus di Pulcinella’ , uno de los grandes maestros de la Guarantelle napolitano, y de la compañía malagueña El Espejo Negro con ‘Óscar, el niño dormido’, una historia un tanto cruda y triste, protagonizada por un niño que tras un accidente de tráfico se queda en coma durante nueve meses y vive una gran lucha interna para intentar despertarse, que está abordada con gran naturalidad, humor y cercanía. — – 35 –

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‘Pequeña Max’ de Arena en los bolsillos ‘Safari’ de La Baldufa ‘Vuela pluma’ de Periferia Teatro

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II Extremadura Escena. Muestra Ibérica de Artes Escénicas

Nueva cita extremeña con las artes escénicas El Gran Teatro de Cáceres y la sala La Nave del Duende serán el centro neurálgico de esta segunda edición

FOTOGRAFÍA

‘Emportats’ de La Trócola Circ

L

os días 21, 22 y 23 de noviembre se celebra en Cáceres la segunda edición de Extremadura Escena. Muestra Ibérica de Artes Escénicas. Organizada por el Centro de las Artes Escénicas y la Música (CEMART), de la Secretaría General de Cultura de la Junta de Extremadura, y la Asociación de Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX), esta muestra tiene como finalidad la promoción del teatro profesional, prestando especial atención a las compañías de Extremadura y Portugal. Además, con el objetivo de contribuir a la dinamización del sector, durante los tres días habrá espacios para el debate y la reflexión, con el fin de facilitar la actividad comercial entre compañías y programadores.

Karlik Danza Teatro & El Desván Teatro presentan ‘Licen-

ciado Vidriera’ de Miguel de Cervantes con dramaturgia y dirección de Cristina D. Silveira, una adaptación en la que el teatro textual y físico y la danza contemporánea se funden con el flamenco, convertido en símbolo del quejido y el grito de a locura del protagonista. La compañía Z Teatro por su parte pondrá en escena ‘Miguel Hernández, el grito herido’, un montaje poético y social con el que intenta trascender la realidad desde la poesía del alma al tiempo que rinde homenaje al poeta en el 75 aniversario de su muerte.

Ambas obras se representarán en La Nave del Duende de Casar de Cáceres, al igual que el último trabajo de La Trócola Circ, ‘Emportats’, un espectáculo de circo para todos los públicos que combina acrobacia, malabares, música y trabajo con objetos; en este caso, puertas.

Viridiana pondrá en escena en el Ateneo de Cáceres ‘Amor oscuro (Sonetos)’, un recorrido por los once mejores poemas de Federico García Lorca y, a su vez, un paseo por una historia de olvidos, ocultaciones y desapariciones. Un mon-

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En vano

taje que no es una obra de teatro al uso ni un recital poético, sino un lugar para escuchar los mejores versos de Federico, y encontrar una historia amorosa en cada uno.

El Gran Teatro de Cáceres acogerá el groso de la programación, y allí se podrán ver obras como ‘Atelier de Tempos Mortos’ de los portugueses Companhia do Chapitô, creación colectiva en la que ponen en escena a cuatro ancianos que mientras se ríen de sí mismos van recordando al público que son muchas las veces que son abandonados, dejados a su suerte, o eventualmente explotados. Antonio Tabares es el autor de ‘Tal vez soñar’, una comedia “sobre la estrecha línea que separa la vida de la muerte y sobre el amor que perdura más allá (o más acá) de la pérdida de un ser querido” de la compañía canaria Factoría Unahoramenos.

Y TAPTC Teatro presenta ‘Edipo y los Labdácidas. ¡Qué Familia!’, original de Raquel Bazo y Javier Llanos que en clave de comedia llevan a escena el ciclo tebano (Edipo Rey, Edipo en Colono, Los siete contra Tebas y Antígona).

La danza llega de la mano de Excéntrica con ‘La maldición de los hombres Malboro’ con coreografía y dirección de Isabel Vázquez y textos de Max Arel. Y circo, flamenco y

Raquel Álvarez

teatro se unen en ‘Genoma B’ de Cía.

Albadulake para dar vida a esta adap-

Karlik Danza Teatro & El Desván Teatro presentan ‘Licenciado Vidriera’

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tación personalizada de ‘La Casa de Bernarda Alba’.

Samarkanda Teatro presenta ‘El gigante que quería ser pequeño’, obra cargada de magia y basada en la vida de Agustín Luengo el Gigante extremeño de Puebla de Alcocer. Dirigida al público familiar es también ‘El reto de Zeus o el Mito de Phisque y Eros’ de Panduro Producciones.

Y también habrá tiempo para las artes de calle con el pasacalles ‘Dioses y monstruos’ de La escalera de tijera o la propuesta de danza inclusiva ‘En vano’ de Danza Mobile. Galardonada con tres premios Lorca de la Asociación de Artes Escénias de Andalucía, esta pieza con coreografía y dirección de Arturo Parrilla e Incubo Teatro parte de la idea de habitar los espacios huecos de una obra escultórica. —

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Noviembre acoge varios eventos de danza en Madrid

Alfredo Anceschi

Juan David Cortes

FOTOGRAFÍAS

Carmen Werner Aterballetto Titoyaya

V

anguardia y tradición se unen en la 32ª edición del Festival Madrid en Danza, que se celebra del 21 de noviembre al 17 de diciembre en los Teatros del Canal, el Teatro de La Abadía, la Sala Cuarta Pared, el Teatro Real Coliseo de Carlos III de El Escorial, el Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte de La Cabrera y el Centro Cultural de Paco Rabal - Palomeras Bajas. 18 espectáculos forman la programación de esta edición en la que destacan artistas y compañías como la italiana Aterballetto o la coreógrafa canadiense Virginie Brunelle junto a creadores como Isabel Bayón, Losdedae, Titoyaya, Daniel Doña, Patricia Guerrero o la Compañía Kor’sia, y en la que se homenajea al coreógrafo Antonio Canales, que repondrá dos de sus creaciones más aplaudidas: ‘Torero’ y ‘Bernarda’.

Los amantes de la danza tienen otra cita en la capital madrileña con el Fes-

Alberto Rocafull

tival Territorio Danza, cuya décima cuarta edición se celebra del 24 de octubre al 11 de noviembre en Cuarta Pared.

El festival dio comienzo con la presentación de dos obras de la compañía que dirige Igor Calonge, Cielo RasO: ‘Tormenta’ y ‘Jardín de invierno’. La parte del festival que se desarrollará durante el mes de noviembre incluye las piezas ‘Amor, locura y muerte’ y ‘Tiempo de conversación’ de Carmen Werner, fundadora de Provisional Danza, compañía residente en Cuarta Pared que celebra sus tres décadas sobre el escenario. Se cierra esta décima cuarta edición con la pieza ‘Nº IV La fiesta de la vida se celebra de diversas formas’ de la Compañía Rubik, creada e interpretada por Estitxu Zaldua y Juanjo Herrero. La pareja conducirá al público por un viaje de sensaciones y recuerdos que los llevará por momentos memorables de las fiestas de los pueblos.

También en noviembre y en Madrid se celebra otro evento de danza, el Certamen Coreográfico de Madrid que organiza Paso a 2 Plataforma Coreográfica Asociación Cultural y cuya trigésima primera edición se tendrá lugar del 29 de noviembre al 2 de diciembre en el Teatro Conde Duque.

De las cerca de 60 propuestas coreográficas que la organización ha recibido para esta edición (todas ellas inéditas o de reciente creación y con una duración no superior a los 15 minutos) han sido seleccionadas 14 coreografías cuyos creadores optarán a más de treinta premios. —

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‘The Endgame’

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‘Da capo’

XII Festival Catropezas

Danza a escena

La sala Teatro Ensalle de Vigo organiza la décima segunda edición del Festival Catropezas, que se celebra entre el 28 de octubre y el 26 de noviembre. La coreógrafa Olatz de Andrés inaugura esta edición con su última creación, ‘The Endgame’; una partida de ajedrez, una jugadora y la belleza de los movimientos. Le seguirá una compañía que está íntimamente ligada a la sala, Cielo rasO, que ha elegido el festival para estrenar su última pieza, ‘Pequeños Actos’. Igor Calonge dirige este montaje que cuenta con las bailarinas Leire Otamendi y Nekane Mendizabal. Y por último, Neus Villa presenta ‘Ji Gou: Preludio y fuga en La Menor’, propuesta con la que la coreógrafa y bailarina reflexiona sobre la identidad sus límites. Tras el festival la sala organiza el programa especial ‘Seis Cordas’, que este año se presenta renovado, y es que los coreógrafos participantes, compartirán, crearán, convivirán… durante una semana y presentarán lo “cosechado” en dos días. Y los artistas seleccionados son: David Santos por un lado, y Ana Buitrago, Raquel Sánchez, Aintana Cordero, Sara Martín, Xavi Manubens y Nilo Gallego, por otro.

Promovido por el INAEM y desarrollado por la Red Españolas de Teatros en colaboración con sus espacios escénicos asociados, para incrementar la presencia y visibilidad de la danza en programaciones, el circuito artístico Danza a escena en su séptimo año consecutivo propone de nuevo una selección de piezas de compañías estatales y para públicos de todas las edades. Entre ellas se encuentra ‘+45’ de Sebastián García Ferro, ‘30 elefantes bajo un paraguas’ de La Petita Malumaluga, ‘Áureo’ de Dantzaz, ‘Best of you’ de la Intrusa Danza, ‘Da capo’ de OtraDanza, ‘El quinto invierno’ de Mal Pelo, ‘Frágil’ de Leonor Leal, ‘inTarsi’ de la Compañía de circo eia, ‘Invisible wires’ de La Macana, ‘Jardín secreto’ de Zig Zag Danza, ‘Kokoro’ de la Compañía Lali Ayguadé, ‘Lur away’ de Sra Polaroiska, ‘Medea’ de Thomas Noone Dance, ‘Mesa para tr3s’ de Fritsch Company, ‘Moniquilla y el cascanueces’ de Titoyaya Dansa, ‘Mulïer’ de Maduixa Teatre, ‘Nagare’ de Circle of Trust-Logela, ‘Reencuentro’ de Choni Compañía Flamenca, ‘Shy blue’ de Elías Aguirre y ‘Una conferencia bailada.Tendencias actuales’ de BdDansa_ExplicaDansa.

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Press

Dantzaldia Después de ofrecer las propuestas de Taiat Dansa y Sol Picó, la programación del 18º Festival Internacional de Danza, organizado por La Fundición de Bilbao, continúa en noviembre y diciembre. Así, se podrá ver ‘Sinergia’ de Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza 2017 y Premio Max 2017) el 4 de noviembre en la Sala BBK. Para el día 9 están programadas en Azkuna Zentroa varias actividades que se enmarcan dentro del Monográfico “La pelota vasca, una perspectiva de género”. El día 18 el Museo Guggenheim acogerá la pieza ‘Press’ de la Cie. Dernière Minute Pierre Rigal. Y diciembre traerá a otros dos Premios Nacionales de Danza: Daniel Abreu representará ‘Perro’ los días 9 y 10 en La Fundición; y Carmen Werner llevará a cabo el día 16 en el mismo espacio ‘Allí donde las flores mueren’. Todo ello además de masterclasses, encuentros y las III Jornadas de Investigación Performativa: Cine, ciudad, danza y mirada(s) de género.

Out of context for Pina

Christophe Raynaud

Temporada Alta El Festival de Otoño de Catalunya celebra su 26ª edición hasta el 10 de diciembre con propuestas internacionales (18), del Estado español (68), 20 de creación contemporánea y un total de 26 producciones y coproducciones. Entre los 97 espectáculos están grandes figuras internacionales de las artes escénicas contemporáneas (Romeo Castellucci, Guy Cassiers, Declan Donnellan, Alain Platel, Josse de Pauw, Oskaras Korsunovas, Federico León, Christiane Jathay, Mariano Pensotti), algunos de los artistas españoles más reconocidos internacionalmente (Rocío Molina, Faemino y Cansado, Diego el Cigala) y estrenos coproducidos por el festival de algunos de los mejores creadores del Estado (Àlex Rigola, Pau Miró, Sol Picó, Alicia Gorina). Además, se apuesta por la creación contemporánea y los nuevos lenguajes (El Conde de Torrefiel, María Muñoz y El Niño de Elche, Roger Bernat, Mal Pelo, Atresbandes, Animal Religion).

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Festival Iberoamericano de Teatro para Niñ@s

Encuentros Te Veo

El Teatro Arbolé de Zaragoza celebra hasta el 5 de noviembre la 5ª edición del Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas, donde se homenajeará a Argentina. Doce compañías realizarán 16 representaciones, seis de las cuales se realizarán en el Centro de historia. En noviembre, el día 1, actuará La galera encantada con ‘Malas palabras’ y el 4 Galiot Teatre con ‘Sopa de lobo’.

La 19ª edición de los Encuentros Te Veo se celebrará en Valladolid del 7 al 12 de noviembre dedicada a los jóvenes como punto de reflexión y exhibición. Se podrá disfrutar de espectáculos tanto para jóvenes como para otras edades, entre los que se encuentra ‘Pulgarcito’ de Teatro Paraíso, ‘Nadie’ de Compañía Teatro Paladio o ‘Sin palabras (se las llevó el aire)’ de LaSal Teatro.

El Més Petit deTots

Títeremurcia

Dedicado a niños de entre 0 y 5 años, la 13ª edición de El Més Petit de Tots se llevará a cabo del 17 al 19 de noviembre y contará con una veintena de actividades (espectáculos y talleres) que tendrán lugar en 11 ciudades de Catalunya. Este año hay una fuerte presencia de espectáculos internacionales, entre los que están ‘A gruta de garganta’ de La casa incierta y ‘Besa af aebler’ de Nordkraft.

En la 16ª edición del Festival Internacional de Teatro de Títeres de la Región de Murcia, Títeremurcia, que se llevará a cabo del 10 al 20 de noviembre. Se podrá disfrutar de cerca de una veintena de trabajos dirigidos tanto a niños y niñas como a adultos como ‘Los narigudos’ de Tanxarina, la obra ‘Los dog... perrros perdidos’, así como la proyección de varias películas.

Festival Internacional de Teatro de Santurtzi

Zinetika - Festival Internacional de videodanza

Del 1 de noviembre al 2 de diciembre se desarrollará la programación de la 38ª edición del Festival Internacional de Santurtzi, donde se podrá disfrutar de cerca de una quincena de obras, entre las que están ‘La vida en sueño’ de Teatro del Temple, ‘Atelier de tiempos muertos’ de la Companhia do Chapitô o la adaptación de Calixto Bieito de la obra de Bernardo Atxaga ‘Obabakoak’, interpretada en euskera.

La programación de la 2ª edición de Zinetika tendrá lugar del 22 al 23 de noviembre en el Palacio Condestable de Pamplona y la Filmoteca de Navarra, y del 24 al 25 en el Cine de la Tabakalera donostiarra. Hay 3 secciones: oficial, Open screen y Zinetika, además de la master class ‘Un film, tres planos’ impartida por Óskar Alegría y un taller sobre el cuerpo y la cámara a cargo del Colectivo Sra Polaroiska.

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Ricas y variadas propuestas en los escenarios vizcaínos

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‘La conquista de lo inútil’ de Cie L´Alakran ‘Para que o céu não caia’ de Lia Rodrigues Companhia de Danças ‘La veritá’ de Compagnia Finzi Pasca

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l 1 de noviembre se estrena en el Teatro Arriaga de Bilbao la versión en castellano de ‘La casa de la llave’ (el día después de su estreno en euskera bajo el título ‘Giltzadun etxea’) de Tanttaka Teatroa, una obra que muestra la labor de tres trabajadoras sociales en sendos refugios para mujeres que escapan de la violencia de género que están sufriendo. Una obra basada en el poemario de Mada Alderete que dirige Fernando Bernués. Le seguirá otro estreno, ‘Martín Zalakain’, espectáculo de danza y música basado en ‘Zalacaín el aventurero’ que presenta el día 11 la compañía Argia, dirigida por Juan Antonio Urbeltz y del que se informa en la sección Estrenos de este número. Y estreno es también ‘Izar-Estrella’ de Marie de Jongh Teatroa que tendrá lugar del 28 al 30 de diciembre (más información en la sección estrenos).

El 16 será el turno de ‘Tierra baja’, unipersonal escrito por Àngel Guimerà que pone en escena Lluís Homar bajo la dirección de Pau Miró; una coproducción de Temporada

Alta, El Canal –Centre d’Arts Escèniques Salt/ Girona y el propio Lluís Homar. Y del 23 al 26 habrá una nueva oportunidad para ver la última producción del Teatro Arriaga,

la adaptación que de la novela ‘Obabakoak’ de Bernardo Atxaga ha realizado Calixto Bieito, en castellano.

Diciembre comienza con un espectáculo de danza (días 4 y 5), ‘Para que o céu não caia’, una potente y rítmica creación de la brasileña Lia Rodrigues Companhia de Danças, y continuará (del 6 al 9) con ‘La cantante calva’ de Eugène Ionesco. Pentación y Teatro Español co-producen esta obra considerada una de las más representativas del teatro del absurdo en una versión de Natalia Menéndez que dirige Luis Luque. Del 12 al 17 llega el circo de la mano de ‘La veritá’ de Compagnia Finzi Pasca un espectáculo de teatro acrobático creado en torno a un telón que Salvador Dalí pintó en 1940 para un montaje de ‘Tristán e Isolda’ a estrenarse en Nueva York. Y Els Joglars vuelve al Arriaga (del 21 al 23) para poner en escena su particular mirada, siempre satírica, sobre los medios de comunicación con ‘Zenit. La realidad a su medida’. Y continúa el ciclo Madrigales dedicado a Monteverdi con dos propuestas, la realizada por Horman Poster, ‘Monteverdi gurea/Nuestro Monteverdi’ los días 14 y 15 de noviembre, y la realizada por Gerard Jones sobre el ‘Quinto libro de madrigales’.

La Fundición Cambaleo Teatro, compañía muy conocida por el público

de La Fundición, regresa a la sala bilbaina para presentar su nuevo trabajo ‘Memoria en blanco’ los días 4 y 5 de noviem-

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Gerardo Sanz

bre. Carlos Sarrió firma la autoría de este nuevo montaje que parte de la premisa “todo es recordar” y bajo el cual se articula toda la acción y dramaturgia. En noviembre se pondrán escena dos performances; los días 11 y 12 ‘Masa’ de Colectivo Cualquer formado por Luciana Chieregati e Ibon Salvador y Carolina Campos, y el 23 ‘Anarquismo doméstico. Soñé que mi piso estaba limpio’ de Anna Mezz. Otros grandes conocidos de La Fundición, la Cía. Ensalle, presentan los días 18 y 19 ‘Procedimientos ante el vacío’ con dramaturgia y dirección de Pedro Fresneda y Mónica Valenciano.

Y conocidos son también Cie L´Alakran, que vuelven con ‘La conquista de lo inútil’ (25 y 26), nueva propuesta dirigida por Oskar Gómez Mata e interpretada por Javier Barandiarán, Txubio Fernández de Jauregui y Esperanza López.

La programación de diciembre incluye varios espectáculos del Festival Dantzaldia (más información en páginas precedentes) y la pieza que Provisional Danza- Carmen Werner pondrá en escena los días 16 y 17, ‘Una mirada sutil’.

FOTOGRAFÍAS

‘Ahora todo es noche’ de La Zaranda ‘Universario’ de Marcel Gros

Teatro Barakaldo Antzokia ‘Oskara’ (3 de noviembre), galardonada entre otros on el Premio Max al Mejor espectáculo de danza de 2017, es un espectáculo de Kukai Dantza creado a partir de la idea de Marcos Morau (La Veronal), con dramaturgia de Pablo Gisbert y dirección de Jon Maya. Tradición y vanguardia en un mismo universo escénico. Para el día siguiente, el Teatro Barakaldo ha previsto el estreno de ‘Orlando’ de Virginia Woolf a cargo de Teatro Defondo (más información en la sección estrenos de este número), y el día 11 Venezia Producciones pondrá en escena una versión firmada por Pedro Víllora del clásico ‘Tartufo, el impostor’ de Molière, dirigida por Jose Gómez-Friha.

‘Ahora todo es noche’ es el espectáculo con el que La Zaranda celebra su cuarenta aniversario (día 18). Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez dan vida a los tres mendigos que protagonizan el texto escrito por Eusebio Calonge y que dirige una vez más Paco de la Zaranda, un montaje con “tintes esperpénticos y regusto de tragedia, un humor

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perturbador y un compromiso poético insobornable”. Y al día siguiente el público familiar tiene una cita con la deliciosa ‘Hilos’ de La Rous. La programación de diciembre incluye el montaje de teatro musical ‘Alarde de tonadilla’ de Teatro Tribueñe el día 2 y un clásico entre los clásicos el 26, ‘La cenicienta’ a cargo de Ballet Clásico de Moscú.

Kultur Leioa La pieza de danza inclusiva ‘Mesa para tr3s’ de Fritsch Co. inaugura la programación de noviembre de Kultur Leioa el día 3 para dar paso el 11 a la obra teatral ‘La extinta poética’ de Nueve de Nueve, y al día siguiente a la propuesta para público infantil ‘Arturo y Clementina’ de Titiritrán Teatro.

El 1 de diciembre vuelve la danza con ‘Invisible wires’ de la compañía gallega La Macana, y le sigue al día siguiente ‘Miss Karaoke’ de Metrokoadroka y Pez Limbo, que dará paso el 15 a ‘Soka’ de Tanttaka Teatroa. Dentro del programa Gabonetan Antzokira (en Navidad, al teatro) el teatro familiar toma protagonismo. En noviembre se podrá disfrutar con ‘Chouz’ de Cia. Nathalie Cornielle y ‘Bitels para bebés’ de La Petita Malamaluga (días 25 y 26), y en diciembre con ‘Jon Braun’ de Anita Maravillas & Portal 71, ‘Universario’ de Marcel Gros, ‘Safari’ de La Baldufa, ‘Wabi sabi’ de Mons Dansa y ‘Kontukantari, Nanu ibiltari’ de Laenananaranja & La Ressitens, los días 26 al 30, respectivamente. —

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Gran gala de danza, un musical y mucho más en Donostia

Katja Illner

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a gran bailarina donostiarra Alicia Amatriain, galardonada con el Premio Benois de la Danse –considerado el Óscar del ballet– en el Teatro Bolshoi de Moscú tras una espectacular temporada, presenta los días 10 y 11 de noviembre su segunda gran gala en el Teatro Victoria Eugenia. Bajo el título ‘Donostia bihotzean’ Amatriain propone “un verdadero tour de force al alcance de pocas bailarinas, donde mostrará la versatilidad de sus registros interpretativos, desde el clásico hasta el contemporáneo”; un programa hecho a medida que mostrará lo mejor de la aclamada artista.

Días antes, el 5 de noviembre, Aukeran Dantza Konpania celebrará su 20 aniversario (más información en páginas precedentes de este número) y ya en diciembre, el 3, Verdini Dantza Taldea & Landarbaso Abesbatza pondrán en escena ‘Gernika - Ilunetik argi’, montaje de danza y música creado en el 80 aniversario del bombardeo de Gernika. Los días 16 y 17 estará ‘Martín Zalakain’ de Argia, montaje del que

‘Invisible wires’ de La Macana

se da cumplida información en la sección Estrenos de este número.

Además de danza, el teatro donostiarra propone varias piezas teatrales. La función del 4 de noviembre de ‘Obabakoak’ de Bernardo Atxaga se podrá ver finalmente los días 20 (castellano) y 21 (euskera) de diciembre. Estará por tanto primero el musical ‘Priscilla, reina del desierto’ de Som Produce (16-19 noviembre), y finaliza el mes Tanttaka Teatro con ‘Giltzadun etxea - La casa de la llave’, estrenada recientemente y que se presenta en euskera y castellano los días 30 de noviembre y 1 de diciembre, respectivamente.

El día 2 llegará una divertida versión de diversas obras de Cervantes con ‘Cervantina’ de Ron Lalá. Completa la programación del teatro este año la propuesta de danza para todos los públicos ‘Pinoxxio’ de Ananda Dansa.

El Teatro Principal cierra el año con dos montajes, ‘Mendi tontorrean’ (26 de noviembre), nuevo espectáculo de Txalo Produkzioak dirigido al público infantil, y una de las obras más emble– 46 –

Carlos Quezada

Alicia Amatriain

máticas de David Mamet, ‘Oleanna’ (30 de diciembre), a cargo de Pentación, El cuervo y Txalo.

‘Invisible wires’ es una pieza enormemente física de La Macana que se pondrá en escena el 4 de noviembre en Gazteszena; el 11 Matarile Teatro llega con su particular ‘El cuello de la jirafa’ y el 26 Igor Calonge y su compañía Cielo RasO mostrarán su último trabajo, ‘Pequeños actos’.

Como es tradición, en torno a las fiestas navideñas son innumerables las propuestas escénicas dirigidas al público familiar que tendrán lugar en las casas de cultura de la ciudad. Entre otras, en noviembre se podrá disfrutar con ‘Zergatik bizi da basoan Txanogorritxuren amona?’ de Txotxongilo Taldea (11), ‘Adel’ de Gen Theater Company (25), ‘Lunaticus circus’ de Teatro Paraíso o ‘Ali Baba eta 40 lapurrak’ de Borobil Teatro, ambos el día 25. Y ya en diciembre la cita será con ‘Oceanus’ de Baraka Teatro y ‘Odina Glups’ de Caleidoscopio Teatro, los días 16 y 27, respectivamente. —

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MISCELÁNEA

‘Pinochet, la obra censurada en dictadura’

Semana Uruguaya

‘Rabiosa melancolía’

Ciclo Teatro y Memoria

El Teatro Español de Madrid presenta del 1 al 5 de noviembre un programa formado por el espectáculo ‘Rabiosa melancolía’, con texto y dirección de Marianella Morena; el concierto de la intérprete y compositora Malena Muyala, acompañada por el pianista Fernando Herrera; y la obra ‘Solo una actriz de teatro’ de Gabriel Calderón, interpretada por Estela Medina.

Ciclo Les Refusés

El ‘Hamlet’ de Tarambana

Fundación Teatro a Mil (Chile) programa 6 obras gratuitas en 11 comunas de la Región Metropolitana: ‘La Amante Fascista’ de Alejandro Moreno; ‘Pinochet, la obra censurada en dictadura’ de Sebastián Squella; ‘Esto (no) es un testamento’ (Teatro Ictus-La Laura Palmer); ‘No tenemos que sacrificarnos por los que vendrá’ (Colectivo Zoológico); ‘Comisión Ortúzar’ de Ana Harcha; y ‘Villa’ de Guillermo Calderón.

Ciclo Migrats

Teatro Arbolé (Zaragoza) presenta el III Ciclo Los Rechazados con obras que reflexionan sobre el devenir de los seres humanos: ‘María Zambrano’ (Karlik Danza), ‘Síndrhomo’ (La Teta Calva), ‘Ligeros de equipaje’ (Producciones Viridiana), ‘Después de cortar el césped. El valor de no hacer ruido’ (Zig Zag Danza), ‘La plancha’ (Teatro del Andamio); y ‘¿Hamlet… es nombre o apellido?’ (Tarambana).

Vicente Esteban

‘Mujer’

Los valencianos Centre del Carme y Espacio Inestable presentan el ciclo de danza Migrats (en breu) del 8 al 19 de noviembre con piezas breves de creadores valencianos emigrados, como ‘Mujer’ de Cia. Dunatacà y ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’ de Prácido Domingo. Entre otros, se podrá ver el trabajo de Pep Garrigues, Néstor García, Alicia Cubells, Vicente Gisbert o Irene Cortina.

‘Segixetina, el Poder del Miedo’

Ciclo Mujeres

‘Desde la guerra... desde las mujeres’

Ciclo Mujeres a Escena

El espacio madrileño PlotPoint programa los miércoles de noviembre cinco espectáculos con un leitmotiv en común: la mujer. Así, se podrán ver diferentes historias de mujeres interpretadas por mujeres. Las propuestas son ‘Desde la guerra... desde las mujeres’, ‘Impro en femenino’, ‘Visible’, ‘Después de Fedra’ y ‘Las criadas’. Después de cada función se podrá disfrutar de un coloquio con las actrices.

El Teatro de las Esquinas de Zaragoza presenta la primera edición de este ciclo con cuatro propuestas: la comedia de auto-ficción ‘Lacura’ de Bibiana Monje; ‘El éxito de Whitney’ de Raquel Burbano; el estreno de ‘Guerra ¿Y si te pasara a tí?’, interpretado por Inma Oliver y de la mano de La Casa Escénica; y ‘Segixetina, el Poder del Miedo’, con dirección y versión de Leonora Lax.

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MISCELÁNEA

948 Merkatua-Mercado de las artes de Navarra Los días 15 y 16 de noviembre se celebrará en Pamplona la primera edición de 948 Merkatua, Mercado de las artes de Navarra, una nueva feria profesional del sector cultural que será punto de encuentro de más de 400 artistas y profesionales, en la que se programará más de 70 propuestas artísticas de distintas disciplinas. Esta cita tendrá como objetivo mostrar la producción del ámbito cultural de Navarra a distribuidores y agentes de distintos sectores y territorios y ser un punto de encuentro para profesionales y agentes culturales. Organizada por la Dirección General de Cultura

X Jornadas de las Artes Escénicas de Murcia Cumplen su décima edición las Jornadas de las Artes Escénicas de la Región de Murcia organizadas por MURCIAaESCENA, Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas, junto con la colaboración de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Murcia y del Instituto de las Industrias Culturales de la Región. En la presente edición, que tendrá lugar del 7 al 9 de noviembre, se han marcado una serie de objetivos, tales como crear un espacio de debate y reflexión sobre las Artes Escénicas; descubrir a la sociedad murciana

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de Navarra, 948 Merkatua - Mercado de las artes escénicas de Navarra propone como novedad principal su condición de feria de ferias, ya que abarca todas las disciplinas artísticas, tanto el cine y televisión, artes escénicas, artes plásticas, música, edición de libro, disco y otros soportes y nuevas industrias creativas y culturales (ICCs), como diseño digital, de moda y textil, arquitectura, ingeniería o nuevas profesiones. Se trata de un modelo nuevo de feria que va a permitir un diálogo prácticamente inédito entre todas las disciplinas en un mismo espacio de trabajo.

Dentro de la programación de propuestas artísticas habrá dos grandes bloques: en horario matinal, Baluarte PRO; y por las tardes, showcases de propuestas artísticas de Navarra, que se va a desarrollar en diferentes espacios y equipamientos de Iruñea, públicos y privados, que son motor de la actividad cultural de la ciudad durante todo el año. Las mañanas del miércoles 15 y del jueves 16 de noviembre, de 9 a 14,30 horas, la actividad tendrá lugar en Baluarte, que será el espacio de trabajo para más de 300 profesionales y punto de encuentro y lugar para el diálogo entre disciplinas.

Algunas de la áreas destacadas son los stands de entidades y proyectos, Tres itinerarios con 48 presentaciones con expertos, wikizona, espacios networking, etc.

la labor creativa y empresarial de los diferentes profesionales del sector; valorar el trabajo realizado por creadores y productores regionales en el campo de las Artes Escénicas; ayudar a la promoción exterior de las Artes Escénicas de la Región de Murcia y poner en valor el trabajo desarrollado por MURCIAaESCENA en pro de las Artes Escénicas de la Región de Murcia.

La jornada inaugural comenzará con la Gala de los Premios Azahar de las Artes Escénicas de la Región de Murcia, que tendrá lugar a las 20:00 horas en el Teatre Romea, donde cabe destacar la entrega del Premio honorífico al autor y director teatral Antonio Morales. A lo largo de los dos días siguientes se desarrollará el grueso de la programación. El día 8 están previstas la ponencia ‘Gestión de espacios escénicos’ con María Sánchez de la Cruz y ‘El plan estratégico para las Artes de la Región de Murcia’ con Esperanza Clares.

El día 9 y dentro del Foro de negocios, las empresas asociadas realizarán la presentación de sus producciones a programadores regionales invitados, y después se dará paso a varias ponencias, por un lado ‘Nuevas estrategias en distribución’ con Elena Carrascal, y por otro ‘15 años de MURCIAaESCENA’ con Fulgencio M. Lax .

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LUZ NEGRA

Que la tierra nos sea leve

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Josu Montero

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Hay que decir que este canto fúnebre está tamizado en muchos momentos por el humor, porque ante la seriedad superlativa, ante el aplastante totalitarismo de la muerte, acude a nuestro rescate el relativismo del humor. En estos trances suele dispararse con frecuencia la risa, “porque riéndonos derramamos unas gotas de liviandad sobre la realidad y la hacemos otra vez humana”. Cuenta por ejemplo el descubrimiento, en medio de la solemnidad del entierro, del nombre de Petra Trompeta en la lápida conn cierto extrañamiento es inherente al negocio tigua. O esos episodios con los propios hijos en de la vida, sin duda. Aunque a veces el mundo los que el Hijo recurre al depurado arma de los parezca un lugar hospitalario, no, no acabamos chistes malos y comprueba admirado la complinunca de adaptarnos del todo a él. Nunca. Nun- cidad de los pequeños. Pero a pesar de todo, el ca será una casa para nosotros, siempre una dolor es absolutamente inconsolable. Esa es la mala posada. Y ese extrañamiento íntimo al palabra. Y el título de esta obra. vivir llega al colmo cuando quien muere es una El ser humano es una entidad temporal en conpersona amada”. Son palabras de el Hijo, único tinuo devenir; lo vivo es provisional. Sólo la personaje de este monólogo dramático de tintes muerte hace aparecer el retrato acabado. Por filosóficos. El Hijo nos interpela directamente a primera vez, la imagen de su vida queda enmarlos espectadores; conmocionado aún por la re- cada definitivamente entre dos fechas. Sólo en ciente muerte de su padre intenta no obstante medio de esa desolación comprendemos en la diseccionar esa conmoción que se está produ- plenitud de su verdad quién era, y que ya nada ciendo en él. Es más, persigue lo que de común, podemos. Disecciona también otros hitos de lo que de universal tiene, ya que la muerte del ese itinerario: el sentimiento de culpa ante los padre –la más democrática–, nos iguala a todos rencores subterráneos; o ese abismarse en la en un mismo estado de orfandad universal. inexplicable injusticia del mundo; o los primeLas palabras con que el adivino ros intentos por hallar vías para eleTiresias profetiza a Ulises su final varse hacia alguna forma de idealisacuden a la boca del Hijo para demo; o la confianza en que el tiempo finir la repentina y buena muery las rutinas familiares y laborales te de su padre. Pero una cosa es recuperen el espesor de antes. anticipar la idea de la muerte y Pero todo eso en suma no es sino otra tener experiencia inmediata “una pomada psicosocial para sanar de ella. Compara su efecto en él una herida metafísica”. Tras esta exa la convulsión de un meteorito periencia de lo inconsolable, se preque choca con violencia contra gunta el Hijo si “el verdadero arte de un planeta y desplaza unos gravivir no consistirá en inventarse una dos su órbita con consecuencias ingenuidad sabia, capaz de renovar formidables. “Un hecho, no sé, las fuentes de un entusiasmo tardío a dejadme que lo califique pomla edad en que otros, lúcidos pero en LA IMAGEN DE posamente de cósmico. Porque el fondo un poco necios, dimiten de TU VIDA los padres no son simplemente cualquier ideal y se envuelven en la JAVIER GOMÁ personas amadas, son… ¡el últicapa del cinismo”. Inopinadamente Galaxia mo animal mitológico!”, afirma algo se revuelve y amaga desde las Gutemberg, 2017 el Hijo. El niño desconoce las leprofundidades insondables, un íntiyes de la realidad y vive la etapa mo movimiento de afirmación de la feliz de la explicación mítica del vida; y poco a poco va emergiendo un mundo. Y los padres para nosotros permanecen coraje inesperado que transforma la pena “en dede alguna manera siempre ahí, con su presencia finitiva inteligencia de nuestra condición mortal potente y mágica, y la primitiva mitología sigue movilizando nuestra voluntad de vivir”. operante en el fondo de nuestra conciencia. “Al Ya es hora de decir que este “Inconsolable” formorir mi padre tuve la sensación de retornar a ma parte de un libro más extenso del filósofo ese momento sagrado, anterior a la fundación Javier Gomá (Bilbao, 1965) titulado “La imagen del mundo, cuando el universo vaciló entre de tu vida”, y que de alguna manera continúa su el ser y la nada. Mi padre, el héroe primigenio “Tetralogía de la ejemplaridad”. poco menos que invencible, había sido derrota- “Inconsolable” se estrenó a finales del pasado judo por el dragón de aliento de azufre, y la deso- nio en el Teatro María Guerrero de Madrid, con lación se extendía por el orbe”. dirección de Ernesto Caballero. — – 50 –

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VIVIR PARA CONTARLO

Atletas del imaginario (II)

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Virginia Imaz

maginario, del latín imaginarius, es aquello que solo existe en la imaginación. La imaginación, por su parte, es el proceso que permite a un ser humano manipular información generada intrínsicamente (es decir, sin que sean necesarios los estímulos del ambiente) para crear una representación en la mente.

El cuento es una narración breve de hechos imaginarios, protagonizada por un grupo reducido de personajes y con un argumento sencillo. Hay dos grandes tipos de cuentos: el cuento popular y el cuento literario. El cuento popular: es una narración tradicional de transmisión oral. Se presenta en múltiples versiones, que coinciden en la estructura pero cambia en los detalles. Tiene tres subtipos: los cuentos de hadas o maravillosos, los de animales y los cuentos de costumbres.

Lo real, lo imaginario y lo simbólico son términos utilizados por Jacques Lacan como sustantivos en género neutro, para señalar unos campos que él llama “registros” de lo psíquico. Según este autor, estos tres registros posibilitan conjuntamente el funcionamiento psíquico, de modo que cualquier entidad, proceso o mecanismo de lo psíquico puede ser enfocado y analizado en sus aspectos imaginarios, reales y simbólicos. Así, por ejemplo, un proceso de pensamiento del orden simbólico involucra siempre, una base o soporte en lo real y una representación en el registro de lo imaginario.

Lo imaginario, se funda –tal cual su nombre lo indica– en el pensar con imágenes; pensamiento que –según Freud– es el tipo de pensamiento más primario (representación). En la concepción freudiana, la percepción deja huellas o marcas psíquicas (signos perceptuales) que conforman un espacio psíquico compuesto de imágenes provenientes de todos los sentidos y de los movimientos del otro y del propio cuerpo que, cuando logran significarse como propias, hacen a una imagen integrada del sujeto que pasa a comprenderse como uno, distinto de otro.

Lacan conceptualiza este proceso, definiendo que a partir del denominado estadio del espejo el sujeto puede identificar su imagen como un Yo, diferenciado de otro humano. Esto requiere una cierta enajenación estructural dado que lo designado como «yo» es formado a través de lo que es el otro —es decir, mediante la imagen que, en es– 51 –

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pejo, proviene del otro.

Lo imaginario es el continente en el cual se desarrolla el pensar en imágenes, no solo visuales, sino imágenes en sentido semiológico. La pregnancia del campo de lo visual se entiende porque en la imagen visual quedan subsumidas todas las demás imágenes. El antecedente está en el texto de Freud La Afasia (1891), donde desarrolla la idea de que es el particular estatus de la palabra (y del lenguaje) lo que torna imposible su reducción a las teorías de la transmisión neurofisiológica de impulsos y donde resalta la importancia que tiene la “impresión sonora” (la imagen sonora) en contraste con la relativa irrelevancia que asigna a la correspondencia entre el campo de las representaciones de la palabra y las de objeto.

Para comprender por qué Lacan señala a lo imaginario como la “dimensión del engaño”, podemos pensar en los ejemplos del espejo que él mismo ofrece. Las imágenes visuales son de tanta importancia en este registro, que podemos tomar como modelo a las ilusiones ópticas, que nos entrampan, y provocan nuestra fascinación. La sugestión y la hipnosis operarían sobre lo Imaginario.

Lo real es un concepto críptico y difícil de definir en la teoría de Lacan, ya que para hacerlo, se requiere el concurso de los otros dos registros, puesto que se trata de lo que no es imaginario ni se puede simbolizar. Lo real es todo aquello que tiene una presencia y existencia propias y es norepresentable.

Aunque las palabras se asemejen, no debe confundirse con el concepto de “realidad”, puesto que ella más bien pertenece al orden del lenguaje, simbólicamente estructurado. Lo real aparece en la esfera de la sexualidad, de la muerte, del horror y del delirio. Lo real es lo que no podemos pensar, imaginar o representar, es decir, lo que no se puede poner en la palabra constituyendo un indeterminado incontrolable. Sin embargo, no se encuentra completamente alejado del orden de lo simbólico sino que justamente constituye el nofundamento inmanente del significante.

Finalmente, lo simbólico es el registro psíquico que se origina en el lenguaje y la instancia del Gran Otro, o bien, la Madre.

Debido a que no basta con poseer una noción de la propia imagen corporal (que como se ha visto procede de otro); el Sujeto propiamente dicho surge recién mediante la inscripción en el orden Simbólico (orden del lenguaje verbal y orden de la cultura) momento en el cual una criatura, adquiere la habilidad de utilizar el lenguaje –es decir–, de materializar “su” deseo mediante el discurso y con un pensar basado en símbolos. En el registro de lo simbólico se tiende en lo posible a transducir toda clase de información a unidades discretas del tipo signo (por ejemplo, significantes), por medio del proceso dialéctico de la metonimia/metáfora. —

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POSTALES ARGENTINAS

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Dramaturgias argentinas: proliferación de poéticas

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Jorge Dubatti

a dramaturgia argentina, en su conjunto, a través de los procesos históricos, y especialmente la de Postdictadura (desde fines de 1983 hasta hoy) y en el canon de multiplicidad, constituye un corpus patrimonial que dialoga por relaciones y diferencias con las otras formas discursivas de la literatura. Las “letras teatrales” despliegan un territorio de subjetivación relevante en la cultura argentina contemporánea.

Se puede establecer una periodización interna en los procesos de Postdictadura, y advertir ciertas constantes e intensificaciones a través de las décadas. Ya en los primeros años, entre 1983 y 1990, se advierte en el teatro nacional el efecto –a nuestro juicio mal llamado “posmoderno”– de la caída de los grandes discursos de representación y la proliferación de micropoéticas y micropolíticas. En los ‘90 el estallido se acentúa y va ampliando sus límites, como una suerte de “big bang” que marca la expansión del canon de multiplicidad. Aumenta el número de autores, y cada uno escribe siguiendo sus propios parámetros. Los años 2001-2017 marcan una ampliación cada vez mayor del arco de proliferación de poéticas: el paisaje teatral incrementa más aún la proliferación de mundos y poéticas ya característica de los años anteriores.

En 2015 se estrenaron en Buenos Aires 2.300 espectáculos, y, en 2016, otros 1.800. Entre los estrenos figuran varios centenares de textos de autores nacionales. En 2017, la tendencia se acentúa hacia una disminución de la cantidad de estrenos.

En Postdictadura, tanto en la dramaturgia como en la dirección, la actuación, el trabajo grupal, la escenografía y el diseño espacial, la música, el vestuario, etc., incluso en la actividad de los espectadores, en su forma de relacionarse con los acontecimientos escénicos, se produce un “gran estallido” poético, de dimensiones artísticas excepcionales. El teatro nacional se moleculariza, se produce un fenómeno histórico que hemos tratado de llamar de diversas maneras: desdelimitación, destotalización, canon de la multiplicidad, canon imposible (ya que en él no podrían estar representadas todas las expresiones micropoéticas y micropolíticas), conquista de la diversidad. Dejan de imponerse regulativamente los modelos de autoridad antes vigentes, se instala en la creación el “cada loco con su tema”. La desregulación es la norma del campo.

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En dirección contraria a la creciente homogeneización globalizadora, cobran auge las poéticas elaboradas en coordenadas singulares, irrepetibles, únicas, de rasgos diferentes, que no responden a estándares prefijados ni a moldes de mercado, es decir, las micropoéticas. Se internacionaliza –paradójicamente– lo regional y lo local en las formas de producción, en los imaginarios, en los procedimientos. Ya no hay creadores “faro” teatrales internacionales de recurrencia unánime, como aquellos referentes a los que antes nadie podía ignorar y a los que se debía seguir según las tendencias hegemónicas: Henrik Ibsen, Luigi Pirandello, Bertolt Brecht, Antonin Artaud, Samuel Beckett, Arthur Miller... Ninguna micropoética es igual a la otra y hay que comprender a cada una en su singularidad: entender las claves de Clarividentes de Javier Daulte no sirve directamente para entender las de las obras de, por ejemplo, Ariel Barchilón (Cartas de la ausente), Eva Halac (Café irlandés) y Mariano Tenconi Blanco (Las lágrimas). Comparten sus diferencias. No se puede comprender a uno con los mismos parámetros que al otro: son ciertamente creaciones micropoéticas, productos de proyectos, subjetividades, deseos y circunstancias de producción singulares. Exigen evitar las generalidades y producir conocimiento sobre/desde lo particular, teniendo en cuenta, como dice Peter Brook en diálogo con su hijo, «el detalle del detalle del detalle», o lo que Nicolas Bourriaud llama el ejercicio de una actitud “radicante”. Imponen al lector, al espectador, al crítico y al investigador operar como el “matemático loco” del que habla Beckett en la “Carta de 1937 en alemán”: “Hagamos por lo tanto como ese matemático loco (?) que solía aplicar un principio de medición diferente en cada fase del cálculo” (Disjecta).

En escala, a manera de muestra, toda antología pone en evidencia que hay ilimitados mundos poéticos, y su percepción depende de la mirada filosófica del pluralismo, aquella que “acentúa la diversidad de perspectivas que nos entrega nuestra experiencia del mundo, sin que se juzgue posible, conveniente o necesario, un procedimiento reductivo que reconduzca tal experiencia múltiple a una unidad más básica o fundamental” (S. Cabanchik, Introducciones a la Filosofía).

Los diversos dramaturgos trabajan con procedi-

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POSTALES ARGENTINAS

mientos diferentes, no proponen los mismos imaginarios ni referentes, despliegan concepciones (de mundo, de arte, formas de comprender la función del teatro y el rol del creador) y vínculos diversos con el pasado teatral que no pueden homogeneizarse en una misma y única perspectiva.

Justamente se trata de leer los trazos de esas diferencias.

En este contexto se clasifican las formas dramáticas de acuerdo a su relación con el acontecimiento teatral: hay una dramaturgia pre-escénica (escrita a priori, antes e independientemente de la escena); hay otra directamente escénica (que acontece en el escenario); hay otra post-escénica (que surge de la notación y transformación del texto escénico en otra clase de texto verbal). Se abandona la vieja definición reduccionista y excluyente de “texto literario para ser representado en escena” o la identificación del drama sólo con el texto escrito y de estructura aristotélica, con la idea de contar una historia. Otro de los grandes logros de la Post-dictadura es la consideración de la dramaturgia ya no sólo como territorio literario (lo que antes se llamaba “literatura dramática”, eventualmente representable), sino como producción específica y diferenciable marcada por el hacer teatral, que surge del riñón mismo del acontecimiento escénico, de los cuerpos produciendo estructuras rítmicas y relatos de intensidades en el espacio.

Se suma a esto una multiplicación categorial por la consideración de la instancia de producción: dramaturgia de autor (o de gabinete), de adaptador o versionista, de actor, de director, de grupo o de equipo, de iluminador, etc. También se atienden rasgos discursivos vinculados a poéticas antes no reconocidas: dramaturgias del relato, del circo, del teatro comunitario, de la “escena muda”, del kamishibai (teatro de papel), del movimiento y la danza, de teatro de calle, de clown, dramaturgias performativas, biodramáticas, de no-ficción, nuevo teatro documental, escena neotecnológi-

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ca (con relevante presencia de la tecnología en la escenotecnia), de stand up, de títeres u objetos, de teatro musical, de teatro infantil, de “impro”, etc. Ya no se habla sólo de puesta en escena de estas dramaturgias, sino también de escritura escénica y de reescritura.

La dramaturgia ya no se hace sólo con modelos teatrales: se inspira en el cine, la plástica, la música, la ciencia, la matemática, la lógica, la física cuántica, los manuales de buenas costumbres, los museos, la historieta, la fotografía... La creación dramática se rige por nuevas cartografías del deseo, funda micropolíticas, es decir, territorios de subjetividad alternativa a los grandes discursos de representación.

El teatro se transforma radicalmente en una forma de vivir, en una biopolítica, en un medio de construcción de la realidad y subjetivación del mundo más que en una representación especular y objetiva de la realidad.

La imagen que resulta de la distribución cartográfica de las poéticas ya no es piramidal ni jerárquica, sino horizontal y comunitaria: a manera de islotes en red, las distintas micropoéticas y micropolíticas conviven en el mismo nivel. La proliferación de mundos poéticos genera la ilusión de que es posible cualquier tipo de expresión, formas híbridas y liminales, transversalidad con otros campos artísticos y extra-artísticos. No hay líneas internas que se sigan orgánicamente, sino más bien molecularización y red de vínculos que conectan los “fragmentos” incontables del campo teatral estallado.

Por otra parte, en la Post-dictadura la dramaturgia empieza a enseñarse sistemáticamente en espacios institucionales terciarios o universitarios, de grado y posgrado, y proliferan los talleres, los concursos, los encuentros y festivales.

Se multiplican también las ediciones en libros y revistas, en papel y formato digital.

Esta nueva situación del funcionamiento de los campos teatrales en la Argentina, nueva también en la historia del teatro occidental a partir de la Posguerra de 1945, adelgaza paradójicamente la percepción de novedad y originalidad.

Lo nuevo parece definirse como aquello que es necesario o inexorable para las búsquedas de expresión en cada proyecto anclado históricamente en una nueva estructura de subjetividad, experimentación y coordenadas de trabajo. De esta manera los campos teatrales se han complejizado. La diversidad asiste también a las trayectorias internas de los artistas que, aunque manifiestan líneas de continuidad de una obra a otra, han acentuado su dinámica de metamorfosis.

Muy importante: este nuevo funcionamiento del campo teatral ha generado cambios en la crítica y en la expectación. Se ha construido un espectador-modelo abierto a la diversidad, dotado necesariamente de las competencias de la amigabilidad, el dialogismo, la disponibilidad y el compañerismo frente a la multiplicidad de expresiones y concepciones que se despliegan ante sus ojos. Un espectador pluralista, “politeísta”, que puede relacionarse con distintas concepciones de teatro. El canon imposible exige en los críticos profesionales un reposicionamiento de sus prácticas respecto del pasado. En cuanto al crítico especializado, ha desaparecido la figura del “experto” que puede ver “todo” o que puede filiar las manifestaciones escénicas a tendencias binarias a priori, y esto ha favorecido el empoderamiento de los espectadores como críticos y la democratización de los discursos de la crítica en la Argentina actual. —

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EL LADO OSCURO

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Los espacios y el paradigma de la democracia cultural

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Jaume Colomer

onsidero que la represión ejercida por el aparato del Estado en Catalunya el día 1 de octubre sobre unos ciudadanos que expresaban pacíficamente su deseo de constituir una república independiente es inadmissible y preocupante en una sociedad que se rige por una Constitución que considera en su artículo 20 que la libertad de expresión es uno de los derechos fundamentales de los ciudadanos.

Llevamos casi 39 años de democracia constitucional y la represión ejercida para resolver las discrepancias sobre el modelo de Estado muestra que nuestra cultura democrática es muy frágil.

Cuando surge un problema lo mejor es siempre preguntarse sobre sus causas para saber qué hemos hecho mal y deducir qué debemos reparar. En este ejercicio autocrítico pienso que, tal vez, uno de los factores explicativos de la baja calidad democrática de nuestra sociedad es la acomodación a una democracia representativa basada en la dominación más que en el diálogo, en el ejercicio del poder más que en el desarrollo de un modelo de buena gobernanza que promueva el acuerdo y el consenso.

En las sociedades avanzadas el ejercicio de la democracia representativa se equilibra con el ejercicio de la democracia participativa. La primera es más económica y eficiente, la segunda aporta mayor cohesión social. En nuestra sociedad no se han implementado, de manera global, procesos de democracia participativa que ejerciten el diálogo, la negociación y los acuerdos win-win entre las partes. Por esto, ante cualquier discrepancia entre el aparato de Estado y una comunidad, se aplican estrategias de dominación que fomentan la fractura social.

El sector cultural también ha puesto su grano de arena en la marginación de la democracia participativa. En las últimas cuatro décadas se ha desarrollado en España políticas culturales basadas en el paradigma de la democratización cultural que tiene como finalidad promover el acceso de los ciudadanos a prácticas culturales de alta cultura en el que se concibe a los públicos como consumidores de las propuestas seleccionadas por gestores expertos. Las prácticas culturales

de los españoles son cautivas de tecnócratas que gestionan, con buena intención, los recursos públicos asignados a las políticas culturales y que no tienen ningún interés en que los públicos desarrollen su capacidad crítica y de autogestión de sus experiencias culturales con el argumento del riesgo de banalización.

Un estudio reciente realizado en Francia por el Observatoire des Politiques Culturelles1 considera que las políticas de democratización cultural han fracasado, básicamente, por dos motivos: • Por no haber conseguido la ampliación y diversificación de los públicos (su finalidad) sino sólo el incremento de la frecuencia de consumo de los públicos habituales o del número de ciudadanos de su mismo grupo social.

• Por haber consolidado el rol pasivo y silencioso de los públicos en el desarrollo de proyectos culturales dirigidos por gestores públicos.

Por contra, el paradigma de la democracia cultural tiene como finalidad el desarrollo de la máxima diversidad de prácticas culturales sin jerarquizarlas y la participación de los públicos en la toma de decisiones para que se empoderen y sean cada vez más sujetos de su desarrollo personal y colectivo.

Este modelo nunca ha interesado al sector cultural, a pesar de que nuestra Sociedad, a partir de la revolución digital, se estructura cada vez más en comunidades de valor (de interés, de aprendizaje o de práctica) basadas en la interacción entre las partes, el diálogo y el consenso.

El sector de las artes escénicas ha navegado por estos mares. Los espacios escénicos son un ejemplo de democratización cultural: sus programaciones son impermeables a la participación de los públicos en la toma de decisiones.

Sería necesario repensar su función y su modelo de gobernanza para contribuir al desarrollo de la democracia participativa y a la cohesión social.

También sería necesario que nuestro sector, que siempre ha denunciado cualquier injusticia social, no fuera ajeno a la denuncia de la represión de la libertad de expresión ejercida por el aparato de gobierno de un Estado que se considera democrático y avanzado. —

1.- Élargir la participation à la vie culturelle: expériences françaises et étrangeres (2015). Estudio dirigido por JeanPierre Saez en el que hay un capítulo de L. Arnaud, V. Guillon y C. Martin titulado “Les multiples grammaires de l’accés à la culture” (http://www.observatoire-culture.net).

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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Esta obra debe ser una mierda, entendí todo (II)

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Jaime Chabaud

n la entrega pasada de esta columna hablaba del conflicto deliberadamente ficticio que cierto sector de creadores mexicanos pretenden (¡desde hace una década!) desatar entre las tendencias archi-modernas (con todos los post algo) y lo que llaman el teatro hegemónico o tradicional. Lo interesante del fenómeno quizá se cifra en que los más encarnizados profetas suelen ser los artistas menores de las nuevas corrientes.

Eso sí, con una enorme capacidad de verbo, de oradores con tonos que recuerdan encendidos discursos como los que llevaron a la raza aria a la eliminación de millones de judíos. Los practicantes verdaderos de las nuevas estéticas y contenedores escénicos, en general, están dedicados a hacer muy bien las cosas; es decir: a trabajar.

El peligro de los profetas radica en que desde de las escuelas realizan un proselitismo que lleva a los desorientados estudiantes a olvidarse incluso de que entraron a estudiar teatro porque se enamoraron de la ficción. ¡Muera el teatro! Claman. Y los jóvenes les siguen ciegos por el ansia de pertenecer a lo ultra archi cool de la escena post lo que sea. Insisto en declararme fan de artistas como Alberto Villarreal, Héctor Bourges, Raquel Araujo, Ricardo Díaz, Jorge Vargas o la jovencita y talentosa Sara Pinedo, y apreciar y disfrutar todas sus indagaciones escénicas no ficcionales. De tal manera que no manifiesto mi rechazo sino a los profetas, esos que ya encontraron el Santo Grial pero que no se lo muestran a nadie porque se les gasta. Lo que me llama la atención y enciende en mí focos rojos es la vehemencia de los profetas en descalificar todo aquello que no esté en su camino de iluminación.

Cual flautistas de Hamelin, los profetas llevan a su nuevo credo a los muchachos haciéndolos abjurar del demonio, es decir, del teatro. ¡Vaya!

Todo lo que huela a ficción, a una historia bien contada, por principio, es execrable. Así, hay una sobreabundancia de hacer la copia de la copia por parte de los epígonos que no han comprendido aún un carajo el de qué va la nueva religión pero ya la practican a rajatabla. ¡Muera el teatro de ficción! Puede salvarse un poco si el apellido del autor suena a polaco, alemán o francés, un poco solamente. Por ello el título de este artículo: “¡Esta obra debe ser una mierda, entendí todo!”

En los años recientes, al menos los últimos 4, en los festivales estatales (provinciales) y regiona– 55 –

les, un número creciente de experiencias escénicas no ficcionales o elaboradas desde el biodrama, aparecen como una tendencia cada vez más innegable. Y como decía antes, los resultados son desiguales y en muchas ocasiones el copy paste no permite ver un discurso propio.

En este nuevo contexto, se dan algunas paradojas interesantes: por un lado la dramaturgia mexicana está en uno de sus mejores momentos, habitando buena parte de las carteleras de las principales ciudades del país en una convivencia de generaciones de autores muy estimulante. Por otro lado, surgen nuevos seguidores del llamado teatro posdramático o performático, del teatro expandido y/o liminal, con resultados variopintos; algunos sin duda muy buenos como el caso de la ya citada Sara Pinedo en León, Guanajuato, o Murmurante Teatro en Mérida, Yucatán, bajo la dirección de Juan de Dios Rath. También la dramaturgia universal “clásica! tiene su cada vez más reducido nicho para dar paso a autores contemporáneos de diversas procedencias y lenguas.

Conocemos en México a los escritores québécois Wajdi Mouawad, Michel Tremblay, Michel Marc Bouchard y tantos otros gracias a la tenacidad de Boris Schoemann como traductor. Nos ha regalado, de hecho, decenas de textos de lengua francesa para el repertorio de los escenarios mexicanos materializándolos en las tablas bajo su dirección o bien convirtiéndolos en papel a través de la espléndida labor de editor que realiza a través de Los Textos de la Capilla. Y no es poca cosa, en escasos países de habla hispana los autores francófonos son tan bien recibidos, escenificados y difundidos como en México. La efervescencia por Angélica Liddell o, en menor medida, Rodrigo García, ha sido evidente en la última década y media. También el influjo de José Sanchis Sinisterra o Juan Mayorga no puede obviarse. Los autores alemanes, de Ronald Schimmelpenning a Anja Jilling hacen también presencia importante. Los latinoamericanos esporádicamente, aunque con mayor frecuencia aparecen en nuestros escenarios.

Podríamos decir que el mapa es, por lo pronto, diverso y poco mensurable, sin fronteras tangibles. En ocasiones un mismo creador va de un extremo a otro del diapasón demostrando su flexibilidad. En fin, este artículo prometía más de lo que es pero por algún lado se empieza. —

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

Haciendo historia

N

Victor Criado

o tengo el dato concreto, pero a golpe de click cualquier lector podrá confirmarlo, de cuándo se fundó el primer teatro público. Quiero decir, el primer teatro que fue sufragado por un estado, monarquía, república, o la forma que adquiriese ese modo de organización humana. Sé que el Dramaten fue fundado en 1788 por el rey Gustav III. Hasta hoy sigue siendo de titularidad pública, y que sea por muchos años.

El 12 de septiembre de 2017, o sea poco más de un mes antes de que escribiese este artículo, el ministerio de cultura sueco ha decidido denominar a Unga Klara como un teatro público de interés nacional. El tercero después del nombrado Dramaten y el Teatro de la Ópera.

Esto significa que ese nombramiento protegerá a Unga Klara a nivel presupuestario, con una dotación anual importante a partir del próximo ejercicio. Lo que le permitirá consolidar un elenco de actores estables, aumentar el número de producciones anuales de 4 a 6 y, sobre todo, sentir el respaldo y respeto de un estado.

Bien. Esto es un hecho importante. Más que importante, y de ahí el rimbombante título del artículo, histórico. Porque es el primer teatro de titularidad pública a nivel mundial que se destina única y exclusivamente al público infantil y juvenil.

Y para un servidor, que ha formado parte de esa estructura teatral durante cinco años, en unos momentos en los que, a nivel económico, se vivía en una permanente crisis existencial, es un orgullo.

Pero más allá de ese empujoncito a mi autoestima, y la sensación de haber colaborado, aunque sea en un corto periodo, a su desarrollo y consolidación la noticia supone un hito importante.

Por primera vez se considera al público infantil y juvenil (por lo menos el sueco) con el derecho a disfrutar del arte teatral en igualdad de condiciones, con el mismo rigor y seriedad, que el que se emplea en producir un teatro subvencionado por el estado para el público adulto.

Aunque Suzanne Osten ya no es la directora artística de Unga Klara (decidió finalizar su periplo de más de cuarenta años a finales del 2014), es evidente que esta distinción ha supuesto la consolidación de un sueño que se inició en su mente a mediados de los años 70. No a título personal, ya que su prestigio a nivel nacional – 56 –

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lleva ya muchos años consolidados, pero sí en cuanto al logro de que su apuesta por un teatro con el mismo rigor y calidad sea ofrecido al eslabón con menos poder práctico de una sociedad: los niños y adolescentes.

Allí estaba Suzanne, frente a los periodistas, sonriendo sinceramente: “Mejor ahora que no cuando ya esté muerta, que es lo que suele suceder en estos casos” confirmaba en la rueda de prensa posterior.

Ahora regresemos a la realidad que tiene el teatro dedicado a los niños-adolescentes allí.

La distancia me impide hacer un juicio objetivo basado en hechos, datos…, pero algo me dice que va a tardar unos cuantos años en crearse una unidad de producción con dinero público destinada a ese público que ni vota, ni consume, y para el cual la palabra arte no significa demasiado, pero que sabe apreciarlo como el más avezado crítico de arte o teatro. Tardará un tiempo en desenmarañarse la fórmula teatro para niños/adolescentes=entretenimiento.

Colores chillones, gestos exagerados y un simplismo en los caracteres que se presentan a los niños, son una rémora que poco a poco va perdiendo peso pero que sigue lastrando el arte escénico a ellos dirigido.

Lo que más lamento de todo esto es que teniendo la posibilidad de aprender de quien ha sido la artífice de este acontecimiento, pudiendo disfrutar de su conocimiento en vivo, las veces que he tratado de presentar a esta creadora y ofrecer la posibilidad de entablar una colaboración, coproducción, muestra de trabajo, workshop… la respuesta haya sido el silencio.

Imagino que a otros creadores, transgresores, generadores de estéticas propias avaladas por un corpus teórico les ha sucedido lo mismo. La inicial indiferencia como bandera. Pero me cuesta trabajo aceptar el silencio, la indiferencia. Imagino que la etiqueta de creadora de teatro dirigido a niños/adolescentes la coloca en un incómodo lugar, donde el escepticismo y la incredulidad caminan de la mano. A darse de frente con la pared de la ignorancia.

Por eso no dejo de aprovechar la ventana que me brinda esta revista para contar este suceso que imagino en un tiempo futuro será reconocido como lo que es desde mi punto de vista. Un relevante hecho histórico dentro del minúsculo pero honroso espacio que el arte teatral ocupa en la historia de la civilización.

Pd. Un duende electrónico me ha dado la solución a la pregunta con la que iniciaba el artículo: el Teatro di San Cassiano, situado en Venecia y fundado en 1637 fue el primer teatro público del mundo, pasando ser demolido, después de cumplir tan “histórico” papel, en 1812.

Confío que a Unga Klara le quede, por lo menos, el mismo tiempo de vida por delante. —

ARTEZ | 219

NOVIEMBRE | DICIEMBRE | 2017

20 años de portadas

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Rítmica y creación

Teatro de invasión

La pajarita de papel ha publicado ‘Rítmica y creación. Gesto, movimiento y forma’ volumen con el que el pedagogo musical suizo Émile Jaques-Dalcroze, acerca diversas propuestas para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente. Pionero en utilizar el movimiento corporal como medio para enseñar música, desarrolló un método llamado Rítmica basado en “en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento”.

El particular método de Jaques-Dalcroze, consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión poniendo a los alumnos a experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario.

André Carreira, reconocido en el terreno de la práctica teatral y respetado teórico ofrece con este trabajo una nueva visión del arte y del entorno cotidiano a partir de la premisa de que el teatro, bajo las formas más diversas invade las calles de pueblos y calles. De Ediciones DocumentA/Escénicas.

El carrer és nostre Aída Pallarès y Manuel Pérez se encargan de la edición de ese volumen que incluye las reflexiones que doce articulistas como Mara Ballesta, Jordi Duran, Agnés Maeus o Maria Thorson realizan sobre las artes de calle en Catalunya y encaran su pasado, presente y futuro.

Una edición de Raig Verd.

La clausura del amor / ...

Acreedores / La más fuerte

Pascal Rambert es el autor de ‘La clausura del amor’ y ‘Ensayo’ obras publicadas en un mismo volumen por la editorial La Uña Roa dentro de su colección Libros Robados. La primera de las dos obras está protagonizada por una pareja sentimental compuesta por Stan y Audrey que abordan la ruptura de su relación. La historia comienza con las razones que el le lanza a ella, en forma de monólogo pues Audrey calla y escucha paciente hasta que llega su derecho a la réplica. En ‘Ensayo’ los protagonistas son dos parejas (entre ellos Audrey y Stan) que forman un grupo de teatro, una estructura. En esta obra es una mirada la que enciende la mecha del discurso que se irá multiplicando incendiando cada una de las voces hasta quebrar la estructura creada durante tantos años. Con ambas obras el dramaturgo, coreógrafo director francés describe con nitidez el proceso de una ruptura, de una demolición.

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Alianza Editorial ha publicado dos de las grandes obras de August Strindberg ‘Acreedores’,inspirada en su experiencia matrimonial y ‘La más fuerte’, pieza en un acto que el autor sueco escribió para su mujer y considerada hoy como uno de los monólogos más brillantes de la historia del teatro.

Agón (En la ronda de sombras) Letrame ha publicado el primer texto teatral de Ángel Navas Mormeneo, una obra que trata sobre la agonía y muerte de Felipe II para lo que el personaje es presentado sin sus diferentes pieles: la de tirano, la de rey, la de hombre, la de ser... hasta dejarle en una nada a la espera de la muerte.

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ADE Teatro nº 167

Fiestacultura nº 72

ADE celebra el bicentenario de José Zorrila y para ello incluye artículos y reportajes que abordan sus obras y las puestas en escena de las mismas.

El presente número incluye el texto ‘Caín, pirata’ del propio Zorrilla y una entrevista con el compositor y musicólogo Tomás Marco.

Las crónicas de festivales como el de Teatro Clásico de Peñíscola, Kaldearte de Vitoria-Gasteiz, la Mostra de Teatre de Alcoi, el TAC de Valladolid o el Festival preceden a diversos artículos como el realizado sobre el espectáculo ‘Welcome’ de Amebeu Teatre, entre otros.

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