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ARTEZ | 222

EDITORIAL

MAYO | JUNIO | 2018

Como es costumbre, las dudas estructurales nos convierten en pesimistas crónicos

P Carlos Gil Zamora Director editorial

or si acaso, como perfectos relativistas, ponemos una vela gestiones y que no parecen responal ministerio y otra al mercado. En una misma semana co- der a necesidades, ni a mejoras, sino a nocemos que Juan Mayorga entra en la Real Academia de complacer a los particulares, a los que la Lengua Española, lo que nos llena de satisfacción y or- proclaman una cultura de mercado, gullo, además de emoción y de esperanza. Pero a la vez en para satisfacer a las élites pudientes, el consejo de ministros se aprueba la fusión, absorción o que se aleje del sentido más democráanulación del Teatro de la Zarzuela por el Patronato del tico y europeo, la de procurar una culTeatro Real. Es decir, de ser una Unidad de Producción tura al alcance de todos. directa del INAEM, pasa a formar parte de una estructura No tenemos dudas, si se repasan que no acaba de ser privada, pero tampoco es pública de estas editoriales de los últimos años, manera absoluta. Lo que nos coloca, una vez más, ante la hemos proclamado siempre que el sospecha de que se trata de una privatización que actual- INAEM era un núcleo de poder que mente tiene un bajo perfil, pero que se irá produciendo debido al mapa institucional espasin que apenas nos enteremos, a no ser que los sindicatos, ñol, con diecisiete autonomías con como tantas veces, nos adviertan de lo que está sucedien- la Cultura transferida, cuatro de ellas do en las tinieblas de los despachos y de las empresas in- con el remarcado de “Exclusividad”, teresadas y nos coloquen en la necesidad su funcionalidad era de apoyarles en su lucha porque de lo que reducida, que era preUno de los grandes se trata al final, es de la descapitalización ciso un Gran pacto males de las últide los instrumentos, los edificios, la hispor La Cultura, donde mas décadas, es toria más clara y significativa de nuestro en el ámbito que más que todo se mida patrimonio cultural singular, propio e conocemos las Artes intransferible.

Escénicas, hay que con ábacos y no Tendríamos que añadir un hecho muy imtomar medidas urgencon instintos filoportante para nuestra entidad en la misma tes y profundas. Aquí sóficos o artísticos. semana, un gran honor: ser reconocidos hemos hablado y secon una distinción por Escenamateur, la guiremos hablando federación de grupos de teatro aficionado, de una posible Ley, una entidad en pleno desarrollo que cumple una función de un instrumento de coordinación, importante como es coordinar, cohesionar, visualizar de unas políticas culturales armoniy proyectar interna y externamente la amplia labor que zadas, tanto en el territorio ibérico, hacen las asociaciones de teatro aficionado, amateur, que como europeo en general, y eso se en ocasiones muestra unos niveles de calidad bastante re- plasma, primero en la negociación comendables y que mantiene todavía parte del repertorio política y después en los presupuesuniversal que el teatro profesional e institucional parece tos. Y nos tememos que no se haya haber abandonado, en un caso por asuntos mercantiles y llegado ni a pensar nada. Que se deja de posibilidades de amortización y en otros por estar pre- todo en manos del azar, de las preocupados por objetivos más cercanos a lo inmediato. siones de los auténticos dueños del Por eso las contradicciones nos provocan a partes iguales oligopolio, que influyen de manera astenia primaveral e hiperactividad defensiva, porque de grosera y descarada en las decisiones las pocas novedades, movimientos, decisiones que se pro- más absurdas y que nos coloca ante ducen en el Ministerio de Cultura, siempre nos provocan una incertidumbre que solamentemores, escepticismo, preocupación, porque parecen to- te beneficia a quienes piensan en la marse de manera aleatoria, casual, sin seguir otro plan que rentabilidad económica y no en la el de adelgazar las responsabilidades directas en todas las cultural, que ve a los públicos como – 4 –

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índice

43º 15’ 19.417’’ N | 2º 55’ 34.997’’ E

Opinión

Bruno Simao

clientes y no como ciudadanos. Uno de los grandes males de las últimas décadas, es que todo se mida con ábacos y no con instintos filosóficos o artísticos.

La realidad sigue produciendo espectáculos, proyectos, montajes, festivales, muestras, ferias, eventos que se sobreponen a las circunstancias y los avatares. Se advierte a los navegantes que entramos en fase electoral. Una vez más, con todo patas arriba. Parece que las encuestas valen más que los programas. O que no existe otro programa cultural que el confeccionado con cuatro frases hechas, sin proyección de futuro, sin la búsqueda de un paradigma que enmarque todas las decisiones para los próximos años. Sobreviven las insuficiencias. Los asesores conocidos de los partidos forman parte del problema no de las soluciones.

Los públicos parece vuelven a los teatros y salas. Ese es un dato positivo que debemos analizar. En las estadísticas, los musicales siguen siendo una fuente inagotable de espectadores. No los despreciemos, cuidémoslos y juzguémoslos como se merecen, pero intentemos que algunos se interesen también del teatro de drama, del de verso, de la danza contemporánea, esa gran desconocida. Nos parece que el factor público es imprescindible para los análisis y la valoración de las obras. Pero no el único. Hay que saber medir, contextualizar, promocionar, poner en valor cada género, cada propuesta artística y desde la programación saber a qué fragmento de los públicos se dirige e incentivar así la presencia de futuros espectadores que se sientan cómodos y satisfechos acudiendo con una frecuencia normal a presenciar espectáculos en vivo, que es de lo que estamos hablando.

Si la vida es efímera y heterogénea, las artes escénicas son inigualables entre lo inefable y lo imborrable, pero necesitan de un cuidado como bien cultural, no como producto de cambio. Tienen un valor de uso impagable, tanto en su práctica en todos los niveles de compromiso, desde la afición al estrellato, como para comunicarse con el resto de sus conciudadanos. La República de las Artes Escénicas, tiene que ser un lugar de progreso, de debate, de confrontaciones filosóficas, de diálogo entre los hombres y mujeres con los demás y con los dioses. Lo contrario es convertir el Gran Teatro en un sucedáneo, en un entretenimiento banal.

Con decisión, vocación e ilusión, seguiremos propiciando lo más importante, lo que nos haga mejores. — – 5 –

Editorial Desde la caverna | David Ladra Luz Negra | Josu Montero Vivir para contarlo | Virginia Imaz Postales argentinas | Jorge Dubatti El lado oscuro | Jaume Colomer Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado Cronicón de Villán… y corte | Javier Villán

4-5 7 50 51 52 - 53 54 55 56 57

Estrenos

9 - 16

Festivales

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En

43 - 48

gira Zona abierta

49 - 58

Portada

Fotografía del espectáculo ‘Oh! Socorro’ de Teatro del Silencio tomada por Raynaud de Lage

Número: 222 - año 22 | Mayo / Junio 2018 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

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DESDE LA CAVERNA

La crítica como creación (y 3)

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David Ladra

i tras tantas vueltas y revueltas como hemos dado en los dos artículos anteriores la crítica de una obra literaria no es más que un “simulacro”, una perífrasis, de su texto, ¿qué podría decirse de la de un espectáculo teatral en el que confluyen tantos y diversos elementos?

No me refiero, claro está, a toda esa miríada de “escritos teatrales” que, en forma de comedias chocarreras, sainetes costumbristas o dramas biempensantes de ONG, son “puestos” en escena solamente por el realce que les pudiera dar el aporte corpóreo, verbal y gestual de sus intérpretes o (siempre según el presupuesto) los alardes de la decoración y el vestuario (los escotes de la primera actriz, el diseño del típico tresillo, un efecto de luz de atardecer…). En tales ocasiones, todo está dicho en el libreto y lo demás es accesorio, aunque a veces sea de muy buen ver.

Para convertirse en una obra de arte, es decir, en una creación que apele a nuestro entendimiento y provoque nuestra emoción, el espectáculo teatral debe tener en cuenta y situar al mismo nivel todos y cada uno de sus elementos: texto, interpretación, vestuario, escenografía, artes escénicas… No en vano su sentido proviene de la comprensión de su conjunto en cuanto, como en los fenómenos holísticos, la simple suma de las partes no abarca la totalidad y ésta se va constituyendo, incrementándose, a partir de la interacción entre las mismas. Es como si se construyese un edificio a partir de unos materiales determinados: el resultado último de la obra –si ésta es bella y bien proporcionada, si su contemplación nos impacta o bien nos deja indiferentes– dependerá, sin duda, de la calidad de dichos materiales pero, también y sobre todo, del trazado general del proyecto, la disposición de sus estructuras, la distribución de sus soluciones arquitectónicas o sus detalles decorativos. Todo debe encontrarse en su lugar y colaborar con el resto sin fagocitar el conjunto como, frecuentemente, es el caso del texto, que se hace prioritario y domina todo lo demás. Y es que el discurso, en el teatro, no es solamente hablado sino que también se manifiesta mediante otros elementos como pudieran ser el movimiento, la luz o el – 7 –

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entorno sonoro. Buena muestra de ello son creaciones como el Stifters Dinge del compositor alemán Heiner Goebbels, una de sus “musical plays” que se caracteriza por la total ausencia humana sobre las tablas. Aquí el protagonista es un robot, un desvencijado piano que, montado sobre una plataforma rodante y dotado de una serie de varillas motorizadas “interpreta” la música del compositor.

También José Sanchis está dedicando en la actualidad varios de sus talleres al desarrollo de lo que él denomina Sistemas Minimalistas Repetitivos (SMR). Sobre un escenario prácticamente desnudo varios actores repiten una y otra vez los mismos movimientos aunque, si nos fijamos, estos vayan variando imperceptiblemente (un poco como hacían los ejecutantes de Bob Wilson en Einstein on the Beach). La iluminación y el sonido van cambiando a voluntad del director y se incluyen grabaciones de textos y canciones (igual que se podrían proyectar imágenes fijas o de cine). Para evitar “significar”, los actores no se dejan influir por ninguna de estas aportaciones y prosiguen, impasibles, con el trabajo que tienen asignado. Se crea así una obra “abierta” en la que los elementos son autónomos y el protagonista es el espectador. Él es quien le da sentido al conjunto a partir de los datos de partida dispuestos por el creador. Naturalmente, es de esperar que el margen de las posibles interpretaciones sea amplio aunque su concentración en un número reducido vendría a atestiguar la valía de la propuesta. En el fondo, ésa es la labor de la crítica en el nuevo teatro de arte: aportar la información necesaria para que el público, sin ser coaccionado, pueda establecer el sentido que vaya a conceder a la obra. Y ello sólo se puede hacer de una manera y es que, rehuyendo toda actitud enjuiciadora a la que suele ser tan propicio, el crítico se limite a dar con transparencia su propia interpretación del espectáculo junto con los argumentos que la fundan. Son estos argumentos, y no una sentencia, los que pueden convencer o, al menos, guiar al respetable. ¡Qué diferencia con la crítica al uso que suele acompañar al teatro de ocio del que hablábamos en primer lugar! Se acabarían ya las reseñas que, con independencia de la obra, se siguen redactando como siempre: prolegómenos (antes sacados de la enciclopedia y hoy de la Wikipedia de Internet), encendido elogio del autor, enaltecimiento de los intérpretes (si son jóvenes féminas, plenas de gracia y sensibilidad; de prestancia y bravura si varones de media edad), algún reproche a la dirección (el crítico lo hubiera hecho mejor), veredicto final (si no entusiasta, siempre benevolente). Y así sigue el teatro sin moverse. —

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ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2018

La Fundación Teatro Nacional Sucre estrena La flauta mágica de los Andes

Una ópera de Mozart que explora la cosmovisión andina Chía Patiño dirige una propuesta que cuenta con 300 títeres originales en escena

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a Fundación Teatro Nacional Sucre presenta su nueva producción propia ‘La flauta mágica de los Andes’, que se estrenará el 14 de junio en el Teatro Nacional Sucre de Quito (Ecuador).

La ópera en dos actos de Mozart, rica en símbolos y caracteres mitológicos, se funde en esta ocasión con elementos propios de la cosmovisión andina.

Para esta adaptación escénica se ha realizado una profunda investigación musical y estética de la cultura

andina. La obra cuenta con la participación de la Orquesta de Instrumentos Andinos, formada en 1990 e integrada por 38 músicos, y los elencos vocales de la Fundación, dirigidos por la estadounidense Carmen-Helena Téllez. La dirección escénica, a cargo de Chía Patiño, traslada al público a un mundo mágico, con 300 títeres originales en escena diseñados por la artista española Alejandra Prieto, el vestuario del galardonado figurinista brasileño radicado en Madrid, Felype de Lima, el diseño de luces del español Carlos Alzueta, y el diseño escénico de la colombiana Liliana Duque. La traducción del libreto en alemán de Emanuel Schikaneder ha sido realizada por Chía Patiño. —

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ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2018

Moon Produkzioak estrena Las muertes de los otros

Una pieza íntima dedicada al pueblo sirio

Miguel Osvaldo Salveto

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l Teatro Barakaldo acoge el 6 de mayo el estreno de ‘Las muertes de los otros’, propuesta de Moon Produkzioak escrita y dirigida por Fer Montoya e interpretada por Marta Álvarez del Valle y Andrés Arias.

La obra habla de la guerra de Siria, de los refugiados y de las dificultades de comenzar una nueva vida. El montaje se retransmite íntegramente por radio-frecuencia, por lo que el público recibirá la señal por cascos wifi directamente en sus oídos. Así, la pieza pretende ser un viaje a través de la radio-frecuencia, donde lo pregrabado y el directo van enlazando la dramaturgia del espectáculo.

‘Las muertes de los otros’ trata sobre la intransigencia, la guerra, las huidas y la emigración, pero sobre todo, es un encuentro entre personas a través de la literatura y las soledades. Mariam, la protagonista, es una refugiada Siria que llega a Cracovia de la mano del Sr. Tomazewski, un librero de la localidad que la acogerá en su casa. Ella, a

cambio, trabajará como ayudante en su librería unas horas al día. Los personajes interactuarán con Mariam a través de apariciones sonoras.

El texto parte de la idea de plasmar reflexiones sobre el concepto de la vida/la muerte, el abandono, la emigración/inmigración, el conflicto de los refugiados en Europa y la guerra. El Sr. Tomazewski será un gran apoyo para Mariam en su nueva vida. Entre ellos se creará una relación muy especial ligada a la lectura, la literatura y sus charlas nocturnas. ‘El lenguaje perdido de las grúas’ de David Leavit o ‘1984’ de George Orwell serán algunos de los textos que el librero compartirá con Mariam. La pieza abarca el espacio de un año en la vida de Mariam, desde su llegada a Cracovia y su primera toma de contacto con la vida en Europa, hasta la muerte del Sr. Tomazewski. Mariam se topará también con la publicación de las cartas de Marie Curie a su esposo Pier, una vez éste ha fallecido. Las emotivas cartas servirán como telón de fondo a la situación que está viviendo en su nueva realidad. Este hallazgo generará en Mariam cierta fascinación y a medida que irá leyendo las cartas se irá creando un vínculo y una identificación con las palabras de Curie y con los temas que se exponen en éstas.

“Con este texto pretendemos hablar de la guerra de Siria y de los refugiados, así como de las dificultades que encuentran estas personas para comenzar una nueva vida en un lugar absolutamente ajeno a su cultura y a su verdadero hogar”, explican desde la producción. — – 11 –

MARIAM

Para construir el personaje, el equipo tuvo varios encuentros con refugiadas en Berlín, cuyas historias forman también parte de la obra.

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ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2018

LAZONA y El Pavón Teatro Kamikaze estrenan La valentía

Los recuerdos de la infancia florecen en lo nuevo de Sanzol

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Javier Naval

l Teatro Palacio Valdés de Avilés acoge el 11 de mayo el estreno de ‘La valentía’, última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol (Premio Nacional de Literatura Dramática 2017). Se trata de una producción de LAZONA y El Pavón Teatro Kamikaze interpretada por Jesús Barranco, Francesco Carril, Inma Cuevas, Estefanía de los Santos, Font García y Natalia Huarte. Después de su estreno, el espectáculo llegará a Madrid para representarse en el mencionado Teatro Kamikaze del 17 de mayo al 17 de junio.

En la obra, una pareja de hermanas, Guada y Trini, han heredado la casa familiar en la que pasaban sus veranos en el campo. Las dos aman la

casa, pero tiene un pequeño problema: a cinco metros de la puerta de entrada pasa una autopista. A pesar de eso, Guada quiere conservarla y ha decidido quedarse para pasar el invierno, pero Trini está preocupada con la obsesión que le ha entrado a su hermana con la casa y quiere sacarla de ahí cueste lo que cueste.

En palabras de Alfredo Sanzol: “La belleza es tan grande que cuando nos visita no cabe en nuestro corazón y sufrimos porque nos gustaría hacernos más amplios para darle sitio. Pensamos que quizás podemos hacer espacio sacando recuerdos y trozos de dolor esparcidos, o fealdades atornilladas a la memoria, pero vemos que eso es imposible porque ya forman parte de nosotros.

Entonces sólo nos queda transformarnos para crecer. Crecemos todo lo que podemos para que la belleza tenga sitio, pase y se quede, y al crecer las articulaciones y los músculos de nuestra alma sufren, se resquebraja lo que pensábamos sólido, se tambalea lo que considerábamos fijo y sentimos miedo. Entonces solo nos queda llamar tímidamente a la única fuerza que podrá ayudarnos para continuar: la valentía”. —

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ESTRENOS

MAYO | JUNIO | 2018

Tranvía Teatro estrena ‘Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna’

Un irónico viaje por la vida en sociedad

30 ANIVERSARIO

Tranvía Teatro celebra con este proyecto sus 30 años de trayectoria, con más de 50 espectáculos estrenados y más de 3.000 representaciones realizadas.

T

ranvía Teatro, compañía

aragonesa residente en el Teatro de la Estación de Zaragoza, presenta en este espacio ‘Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna’, un espectáculo lleno de humor que esconde una feroz crítica a la hipocresía de las normas sociales. Aitana Galán dirige esta propuesta sobre el texto de Jean-Luc Lagarce que interpretará Cristina Yáñez (directora de Tranvía Teatro) hasta el 13 de mayo.

Tranvía Teatro, que ha cumplido recientemente tres décadas de trayectoria, presenta una comedia que describe irónicamente la vida en sociedad. El francés Jean-Luc Lagarce, uno de los autores contemporáneos más representados en Europa, firma este texto que repasa con ironía y comicidad ciertos mandatos sociales, y que critica una

sociedad que, con sus normas e hipocresía, hace imposible no vivir en una farsa. Una propuesta llena de humor, a partir de un manual de urbanidad francés escrito en el siglo XIX, donde las reglas para poder atravesar con éxito la vida en sociedad son expuestas con precisión quirúrgica.

En palabras de la actriz Cristina Yáñez, “todo se cuenta desde una óptica irónica, corrosiva, incluso con un punto de humor negro, porque lo que en realidad queremos es hacer una reflexión contemporánea sobre la vida”. Por eso la trama se sitúa en “un espacio atemporal; podría ocurrir en el pasado pero también en un futuro más o menos lejano.

Pretendemos hacer pensar sobre eso, sobre el futuro al que nos dirigimos”, añade.

Por su parte, la directora Aitana Galán destaca que el proceso de creación ha sido “un trabajo minucioso, de investigación, para conseguir que un texto inicialmente complejo se presente al público de forma directa y sencilla. Para Cristina, como intérprete, este texto es un reto”.

Después de las funciones programadas en el teatro zaragozano, la pieza comenzará una gira estatal e internacional que le llevará a lugares como Cáceres, Sevilla y Valencia, además de a varios escenarios portugueses. —

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MISCELÁNEA

MAYO | JUNIO | 2018

David Ruano

Centro Dramático Nacional

Teatre Nacional de Catalunya

El Teatro María Guerrero de Madrid acogerá las funciones de las nuevas producciones del CDN. Del 4 mayo al 3 de junio llega ‘Un idioma propio’ de Minke Wang, pieza dirigida por Víctor Velasco e interpretada por Ji A Yu, Huichi Chiu, Claudia Faci, Sara Martín, Wenjun y Xirou Xiao. Se trata de la historia de una familia china oprimida por el régimen comunista que ha buscado en España abrir una vía de fuga. Y el 25 de junio se podrá ver ‘Hydra’ de Blanca Doménech, espectáculo dirigido por Ignacio García que nace como resultado de un trabajo de investigación realizado en el Laboratorio de Neurotecnología de la Universidad de Columbia de Nueva York, dirigido por el neurocientífico Rafael Yuste.

La obra propone un viaje a través de “las junglas impenetrables del cerebro”, explorando cuestiones acerca de su funcionamiento, la identidad, la consciencia y el amor. Así como una reflexión en torno a los retos que estos avances en neurociencia plantean a la sociedad del siglo XXI.

El TNC presentará tres nuevas producciones. La primera llega junto con La Brutal. Se trata de ‘La importància de ser Frank’ de Oscar Wilde, dirigida por David Selvas. La obra, interpretada por Laura Conejero, Miki Esparbé, Mia Esteve, Paula Jornet, Paula Malia, Norbert Martínez, David Verdaguer, estará en cartel del 3 de mayo al 10 de junio. Después llegará ‘Temps salvatge’ de Josep Maria Miró, pieza con dirección de Xavier Albertí programada del 10 de mayo al 17 de junio que llevarán a escena Manel Barceló, Sara Espígul, Marina Gatell, Alícia González Laà, Míriam Iscla, Laia Manzanares, Carme Elias, Borja Espinosa, Eduard Farelo y Malcolm McCarthy. Y junto con el Festival GREC se presenta el espectáculo ‘Falsestuff’, con dramaturgia y dirección de Nao Albet y Marcel Borràs, que interpretarán Nao Albet, Marcel Borràs, Naby Dakhli, Jango Edwards, Thomas Kasebacher, Victor Lauwers, Diana Sakalauskaité, Laura Weissmahr y Sau-Ching Wong del 28 de junio al 15 de julio.

Teatros del Canal

Compañía Nacional de Teatro Clásico

En la Sala Negra de los Teatros del Canal de Madrid se podrá ver ‘My Only Memory’, nuevo proyecto coreográfico de Juan Domínguez (30-31 mayo). En sus palabras: “En el proceso me centro en el momento imperceptible en el que las cosas se transforman. Esas transiciones son inapresables, casi imposibles de ser pensadas y sentidas en tiempo presente. Se trata de momentos efímeros de diferente duración que cobran relevancia cuando miras atrás, como si las transformaciones solo pudieran ser percibidas como parte del pasado. Lo cual no siempre es irreversible”. Y La Veronal ofrecerá en la Sala Roja ‘Pasionaria’, dirigida por Marcos Morau e interpretadaa por Àngela Boix, Ariadna Montfort, Núria Navarra, Lorena Nogal, Shay Partush, Marina Rodríguez y Sau Ching Wong (2-3 junio). La pieza quiere colocarse en el punto de partida de la pasión entendida como obsesión, como enfermedad que cura. Para ello recurre a la música de Bach y al método de la descontextualización.

La CNTC estrena dos nuevos montajes en el Teatro de la Comedia. Helena Pimenta y Catherine Marnas dirigen ‘El banquete’, espectáculo basado en textos de varios autores con versión de Álvaro Tato que estará en cartel del 3 de mayo al 3 de junio. Todo sucede en una reunión, un banquete en el que los actores hablan en torno a una mesa recordando que la civilización se teje de fábulas, leyendas, ficciones y relatos. Lope, Calderón, Molière, Shakespeare y muchos otros se suman a la celebración, convirtiendo así la velada en una gran esta del lenguaje. Los intérpretes de esta obra son Lola Baldrich, Pablo Béjar, Jimmy Castro, Gonzalo de Castro, Aleix Melé y Manuela Velasco. Y del 7 al 17 de junio estará ‘La cueva de Salamanca’, montaje basado en la obra de Juan Ruiz de Alarcón y en textos de otros autores que dirige Emilio Gutiérrez Caba. Es una pieza realizada junto con Euroscena y la Universidad de Salamanca, con motivo del VIII Centenario de ésta última.

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FESTIVALES

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XXIII Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga

Arrigorriaga, espacio reservado para clowns El festival de payas@s programa este año 11 espectáculos, un taller y una exposición

FOTOGRAFÍAS

Juguete roto Rola Bola

A

rrigorriaga celebra del 4 al 6 de mayo su ya clásico Festival Internacional de Clowns y Payas@s, que alcanza su vigésimo tercera edición con una programación que incluye 13 funciones, además de un taller a cargo de la Cia. Passabarret y la exposición ‘El armario del circo’, con trajes de artistas circenses de los mejores circos del mundo y un espacio representando las bambalinas de un circo.

La cita comenzará con ‘Rola Bola’, propuesta de las danesas Lotta & Stina, dos artistas de circo especializadas en acrobacias y solos de rola bola con un toque burlesco. La argentina Cia. Levelibular representará ‘Portamundos’, obra de circo, teatro y humor con un artista en escena: Sigimundo, que

emocionará al público fusionando las técnicas circenses (malabares y palo chino) y teatrales. Desde Reino Unido llegarán Men in coats con una comedia que mezcla bufonería e ilusionismo visual: ‘A little less conversation’. A través de antiguas técnicas de circo y la parodia de lo actual, ‘Si el mundo estuviera al revés’ de Trinity (Chile) invitará al público a pensar cómo sería un mundo al revés. La italiana Cia. Lucchettino, formada por los comediantes Luca & Tino, llevará a cabo ‘Lucchettino classic’. Ganadores en 2016 del premio Mandraked’or, considerado el Óscar de la magia, están entre los últimos supervivientes de la gran tradición cómica de la commedia dell’arte en clave renovada. Y ‘Juguete roto’ será la pieza que represente Pass & Company (España/Colombia), donde tres payasos desvelarán los enigmas circenses; secretos de un circo sin carpa, un circo sin pista, un circo sin decoración...

En cuanto a los espectáculos vascos, el público podrá disfrutar del pre-estreno de ‘Etxea/Casa/Home’ de Aimar y Cia., un espectáculo de teatro circo sin texto sobre el hogar y la identidad personal. El protagonista es un extraño per-

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FESTIVALES

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Baldin bada Si el mundo estuviera al revés Portamundos

sonaje que se enfrenta a sus fantasmas en un viaje de crecimiento personal para construir un nido propio. Zozongo, por su parte, interpretará ‘Reziklator’, un espectáculo de calle pedagógico y musical en euskara, cuya finalidad es enseñar a niños/as de hasta 12 años a reciclar de una manera divertida y participativa, combinándolo con la percusión corporal y la reciclada. Shakti Olaizola interpretará ‘Baldin bada’, montaje cuya protagonista es una peculiar pintora para la que la simple acción de pintar puede llegar a ser toda una aventura. Así, mostrará grandes habilidades como pintar con los pies, hacer equilibrios imposibles y cantar en posturas muy raras.

La extremeña Cia. Albadulake estará en Arrigorriaga con ‘Las expertas’, Mejor espectáculo de calle en los premios otorgados por el público en la 18ª Feria de Teatro de Castilla y León (Ciudad Rodrigo). Valentía, desparpajo, fuerza, técnica, sueños, humor y mucho circo se unen en esta arriesgada pieza. Y cerrará la programación el estreno en el Estado de la ‘Gala de Magia Clownesca’, espectáculo de variedades donde el clown es el gran protagonista. Contará con la participación del andaluz El Gran Dimitri (maestro de ceremonias), Manolo Costa y Mindanguillo (Elche), y Los Taps (Madrid). Entre las tres compañías cuentan más de 10 premios y menciones nacionales e internacionales de magia y humor. — – 19 –

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FESTIVALES

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XIX Umore Azoka de Leioa

Con todas las artes de calle 41 compañías tomarán Leioa del 17 al 20 de mayo

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ás de cien representaciones llevarán a cabo las 41 compañías que conforman la programación de la décima novena edición de Umore Azoka - Feria de Artes de Calle de Leioa que este año se celebra del 17 al 20 de mayo y que un año más junto a la parte de exhibición se llevará a cabo una intensa actividad profesional con diversas reuniones y encuentros de colectivos artísticos.

Como ya es habitual, de la programación de Umore Azoka destaca el número de estrenos programados, que esta edición suman 13: los multidisciplinares ‘Etxea/Casa/Home’ de Aimar & Cía y ‘Los Mañas’ de Cía. Lucas Escobedo, la site specific ‘Kale gorrian/Desahucio’ de Cía. Barsanti, la magia de ‘Misterios de Mr.Blanco’ de Dramagia o el circo con ‘Aukerak’ de The Funes Troup.

Destacan a su vez las creaciones de veteranas compañías de la escena vasca que han elegido Umore Azoka para presentar sus nuevas creaciones. Nos referimos a Hortzmuga Teatroa, que presenta ‘Jule’, un espectáculo para público familiar que conjuga el humor, la fantasía y el imaginario; Iñaki Mata Antzerkia con ‘Welcome!’, Markeliñe, que con ‘Chef Nature’ presenta un restaurante al aire libre lleno de naturaleza e imaginación, o el inconfundible estilo de Ganso & Cía, que volverá a impregnar esta vez la propuesta ‘Babo Royal’. El clave de clown presenta también lo nuevo Manolo Carambolas, ‘Duo Fitness’, mientras que la danza es el lenguaje de los tres montajes que completan la oferta de estrenos de esta edición: ‘Ozkol’ de Proyecto Larrua, ‘Festamentua’ de Tio Teronen Semeak y la danza junto con la performance y en forma de instalación ‘Tria’ de Node Akziona!.

Pero no solo de estrenos se conforma la oferta de Umore Azoka, ya que hasta 41 son muchas más las compañías que participan este año. Entre otros, se podrá disfrutar con los espectáculos de danza de Amaia Elizaran, ‘Pool’, Compañia InPut con ‘Un.Y.Dos’, Denis Santacana Compañía de Danza y su ‘Encuentros’, ‘Bihotz2’ de Elirale Dantza Konpainia, ‘Microclimate’ de Lasala o ‘Moliendo Café’ de Krego-Martin Danza. El circo tendrá un gran protagonismo con ‘Envà’ de Amer i África Circ o ‘Mira´T’ de Circ Panic, al igual que el humor con propuestas como ‘Rodó’ de Chapertons Cómic Teatre o el Microteatro de humor – 20 –

corrosivo de la obra ‘Óxido’ de Pez Limbo, entre otros. A lo ya mencionado, cabe añadir la presencia de varias compañías llegadas de otras tierras como el chileno Murmuyo y su pieza ‘¡Fuera!’, el circo de los italianos Kolektiv Lapso Cirk y de los daneses Brunette Bros, la instalación teatral de Vicent de Rooij & Csilla Lacatos de Países Bajos titulada ‘Boat’, la pieza de danza ‘E-nxada’ de la portuguesa Erva Daninha, o el espectáculo de teatro y danza nocturno ‘Amor’, en el que los franceses de Cie. Bilbobasso ofrecerán además un derroche de fuego para sorprender a los y las asistentes.

En estas líneas no están todos los que son por la lógica falta de espacio debida a la basta programación que un año más, y ya son diecinueve, ofrece Umore Azoka. Una cita con las Artes de Calle que volverá a hacer disfrutar a grandes y pequeños durante las cuatro jornadas en las que las artes escénicas gobernarán Leioa. —

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Cie. Bilbobasso

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FESTIVALES

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XIX Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

La edición más internacional del TAC 61 compañías y más de 200 funciones en salas, calles y plazas de Valladolid

FOTOGRAFÍA

La Juan Gallery

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n total de 62 compañías llegadas de 22 países se darán cita en una nueva edición del Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, que este año se celebra del 19 al 27 de mayo y que se desarrollará en 28 espacios en los que tendrán lugar más de 200 representaciones.

Con estos datos se presenta esta nueva edición del TAC, la más internacional de las celebradas, en palabras de la organización, y en la que como novedad se presenta un ciclo dedicado propiamente a las performances denominada ‘Arte VA’ y enmarcada dentro de la Sección Oficial.

La compañía belga Peeping Tom será la encargada de inaugurar esta edición en el LAVA con su montaje

‘Moeder’, una obra sobre la memoria en la que destaca el sarcasmo y la sensibilidad que les caracteriza. Este será a su vez el primero de los 9 espectáculos de sala programados este año, en el que destacan nombres como Wadji Mouawad y su obra ‘Seuls’, Victoria Chaplin y Jean Baptiste Thierrée con ‘Le Cirque Invisible’, los mexicanos de Los Colochos con ‘Mendoza’, o el veterano Távora Teatro Abierto con su último trabajo, ‘Quejío’. De sala son también los espectáculos ‘Underground...’ de Ghetto 13/26, ‘Por fin el río’ de La Estancia Doble o ‘El patio’ de Teatro Corsario, al igual que el circense ‘Opus’ de los australianos Circa o ‘La DévORée’ de los franceses Rasposo, que realizarán las tres funciones programadas bajo su carpa.

ESTRENOS Y SECCIONES Como es habitual, el TAC sirve cada edición como escenario para el estreno de los espectáculos de algunas de las compañías participantes, que este año ofrecerá 10 estrenos absolutos. Es el caso de The Freak Cabaret Circus que presentará ‘In-Útil’, Immaginario Teatro ‘Hojas

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Thibaut Baron

al viento’, la instalación ‘Sombras de ilusión’ de Eduardo Cuadrado, y también es estreno la propuesta de la ya mencionada Ghetto 13/26, estrenos todos ellos enmarcados en la sección Estación Norte. Se unen a los estrenos ‘Por fin, el río’ de Estancia Doble (de la Sección Oficial) y cinco estrenos más en la nueva Arte VA. En lo que al groso de la programación se refiere, la Sección Oficial se forma con 41 compañías, entre las que cabe destacar Pass & Company, que volverá con ‘Juguete roto 3p0’, montaje premiado el pasado año como mejor espectáculo de la Sección OFF. Destaca a su vez en esta sección el protagonismo de montajes de danza como ‘Erritu’ de Kukai Dantza o la ‘Gala de Danza Dos en compañía’ que desarrolla el TAC en colaboración con el Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York y la Universidad de Valladolid, una cita en la que se podrá disfrutar de la variedad de estilos, desde el flamenco a la danza contemporánea. Sin olvidar a compañías internacionales como The Beat Brothers (EEUU - Italia), que presentará ‘The Beat Brothers’, Luc Amoros (Francia) con ‘La tortue de Gauguin’; Teatro del Silencio (Chile / Francia) que estrenará ‘Oh ! Socorro’, etc.

El teatro, el circo y sus infinitas variantes son las protagonistas de la Sección OFF, que esta edición cuenta con la participación de 15 compañías, entre las que cabe destacar a Stefano D’Argenio, que presentará un singular espectáculo de clown para un solo espectador a bordo de un cuadriciclo. Las compañías de Valladolid volverán a tener su propio espacio con la denominada Esta-

ción Norte. Alicia Maravillas, Teatro Corsario, The Freak Cabaret Circus, Immaginario Teatro, Ghetto 13/26 y Eduardo Cuadrado dan forma a esta

Raynaud de Lage FOTOGRAFÍAS

Teatro Corsario Wadji Mouawad Teatro del Silencio

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sección, cuatro de ellos ya mencionados por ser estrenos absolutos.

El TAC de Valladolid continúa ampliando su oferta escénica, y tras el éxito de ImproValladolid la edición anterior, este año organiza el segundo Encuentro Nacional De Improvisación Teatral, que incluye estrenos de espectáculos, funciones infantiles etc. Además el TAC ofrece diversas actividades paralelas como la masterclass que ofrecerá la Compañía de Danza Contemporánea Daksha Seth de India. Y enmarcado dentro del propio festival, La Pocha Nostra (colectivo fundado y dirigido por Guillermo Gómez Peña) y Juan Alemán (director de La Juan Gallery de Madrid) impartirán sendos talleres que profundizarán en las performances.

El escritor Fernando Arrabal completa las actividades paralelas con una conferencia bajo el título ‘Bajo la importancia de la locura y la imaginación’. —

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MISCELÁNEA

Cie D’Irque & Fien

Jeremy Noblecourt

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Errata Natural

FITCarrer de Vila-real

Festival de Danza Contemporánea de Navarra

La 31ª edición se celebra del 4 al 6 de mayo con obras de Maria Cavagnero, Lapso Cirk, Irrwisch, The Black Blues Brothers, Cie D’Irque & Fien, Hurycan, Maintomano, Cirk Abaut It, Markeliñe, Trapu Zaharra, Kukai, Brodas Bros, Atirofijo, La Cueva de Melpòmene, Bandada, Le Troupe de Malabó, La Trocola, Pepa Cases, NUC y Produccions Scura.

El DNA celebra su 3ª edición hasta el 13 de mayo con 15 espectáculos que comparten los conceptos de naturaleza, ecología, comunidad y arquitectura. Entre las propuestas se podrán ver los estrenos de ‘Erritu’ de Kukai y Sharon Fridman, y ‘Ura’ de Zuk Performing Arts, dos obras que dialogan con paisajes singulares navarros como la cima del monte Artxueta en Aralar y los parajes desérticos de las Bardenas, respectivamente. Por otro lado, los artistas de Calling Tree dirigidos por Rosemary Lee y Simon Whitehead propondrán paseos y performances itinerantes en las calles, parques y jardines de Iruñea. La Ciudadela acogerá una carpa que dará cobijo a las experiencias nocturnas de los daneses hello!earth, que estrenan ‘The Night, Visioning a Post-capitalist Society While We Sleep’. La celebración de la diversidad de cuerpos, edades y capacidades es también el punto de partida de ‘Gala’ de Jérôme Bel y de ‘Gustavia’ de Mathilde Monnier y La Ribot. Además de la mencionada ‘Ura’, el festival presenta otras tres obras de artistas navarros. Por un lado están los estrenos de ‘Cuerpo–Documento’ de Estitxu Arroyo y ‘Errata Natural’ del colectivo Led Silhouette, y por otro, se podrá volver a ver ‘Kirolak’ de Helena Lizari y Laida Aldaz. También habrá piezas que aproximen al público a la historia de la danza, como las conferencias bailadas de Toni Jodar y ‘Sin baile no hay paraíso: mi propia historia de la danza’ de Pere Faura. Se cerrará el festival en los jardines de la Ciudadela, con obras de varios artistas navarros, estatales e internacionales.

Javier Aranda

Fira de Titelles de Lleida Del 4 al 6 de mayo tendrá lugar la 29ª edición con piezas de Onírica Mecánica, Di Filippo Marionette, Vincent de Rooij, Le clan des songes, Projecte Cases, Titiriteros de Binéfar, Pickled Image, Alauda, Teatro Gioco Vita, A2Manos, Galiot, Jam, El Sidral, La Maquiné, La Canica, Ortiga, Xirriquiteula, Un Teatre, Instantropia, Trukitrek, Mimaia, Javier Aranda...

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XXVIII Mostra de Teatre d’Alcoi

La gran cita anual con las artes escénicas valencianas Junto a las últimas producciones del teatro valenciano se verán espectáculos de Catalunya, Aragón y Madrid

Consuelo Bautista

FOTOGRAFÍAS

Dancing With Frogs Microepisodis de faixisme cotidià

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a vigésima octava Mostra de Teatre d’Alcoi tendrá lugar en la población alicantina del 29 de mayo al 1 de junio, presentando una completa programación compuestas de las recientes producciones de teatro, danza y circo de la Comunitat Valenciana, junto a espectáculos procedentes de Madrid, Catalunya y Aragón. Como es habitual, espectáculos de todos los géneros y de todos los formatos completan una oferta de calidad que acapara la atención, durante seis intensos días, de los profesionales de la gestión, la distribución y la exhibición, tanto valencianos como de todo el Estado. Las representaciones empezarán el día 26 de mayo en El Teatro Calderón con la

presentación del musical ‘Merlín, la leyenda’, protagonizado por Javier Gurruchaga, una coproducción de Trancadís Producciones y La Seda Producciones. En este mismo teatro se podrán ver espectáculos como ‘Mulier’, un magnífico espectáculo de danza sobre zancos a cargo de la compañía valenciana Maduixa. El día 29 estará una coproducción entre la compañía de danza de Fernando Hurtado y Factoría Echegaray, ‘37 Guernica 17’, que quiere homenajear la obra de Pablo Picasso y entrar a responder las preguntas, “¿Qué quiso plasmar el pintor? ¿Qué reflexión hace de este suceso y como está plasmado en la pintura?”.

El barcelonés Teatro Goya presentará ‘Moby Dick’, un espectáculo basado en la novela de Melville, adaptada por Juan Cavestany, que protagoniza Alfonso Pou y dirige Andrés Lima. La alcoyana Sol Picó volverá a su amado Teatro Calderón para presentar su último espectáculo, ‘Dancing With Frogs’, que cuestiona y analiza el mundo de la masculinidad, ésta otra mitad, el complemento biológico del femenino.

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José Hernández

Cerrará las actuaciones de esta Mostra en el Teatre Calderón, el espectáculo ‘Els Nostres’, que dibuja un recorrido por los diferentes lugares alrededor del mar Mediterráneo, donde está produciéndose un éxodo masivo de personas que huyen de la guerra, el hambre y el miedo.

En el Teatre Principal se podrán ver: ‘Wilkommen Merkel’ a cargo de Pérez& Disla; Lucas Locus con un espectáculo de circo-mimo, ‘Habitación 801’; los alcoyanos de La Dependent mostrarán ‘Separeu-vos junts’, y cerrará el espectáculo familiar ‘Kailo’ que presentará el día 1 Yapadú Produccions.

La programación que se desarrollará en el Centre Cultural está compuesta por ‘Microepisodis de faixisme cotidià’, que presentará Bramant Teatre; el espectáculo de títeres sobre ‘La Celestina’ de Bambalina Teatre, y los también títeres de El Ball de san Vito con su espectáculo ‘El Rei Midas y les metamorfosis’.

FOTOGRAFÍAS

Moby Dick Merlín, la leyenda Konvergenz

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El Teatre Salesians tendrá una programación matinal con La Teta Calva y ‘El Tambor de Cora’; Gorokada y ‘El viaje de Ulises’; y la coproducción entre El Pont Flotant y Teatro Escalante, ‘Les 7 diferències’. En la Sala Majors se podrá ver un único espectáculo: ‘El Día D’ de La Ravalera.

Los espectáculos al aire libre se verán en la Plaza de Dins, con ‘Konvergenz’ de Tremor Dancing Company, el ‘Tom Pak Show’ de la compañía homónima y ‘El funeral, Oua umplute’ de Teatro Che y Moche. Y en la Plaza Ferrandiz i Carbobell estará la pieza de circo ‘Seute’ de Acrobacia mínima. —

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XLI FITEI

Los empoderamientos como inspiración de la programación Amplia representación portuguesa en una edición con presencia de Argentina, México, Brasil y España

Caranguejo Overdrive

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el 12 al 22 de junio se celebrará en Porto el 41 Festival Internacional de Teatro de Expresión Ibérica, en una edición en la que toda su programación y las actividades paralelas se inspiran en el concepto de los empoderamientos, no para condicionar a los artistas, sino para fijar el discurso sobre sus obras. Empoderamientos entendidos como la necesidad de dar poder a quienes normalmente no lo tienen. Mujeres, minorías étnicas, pobres, habitantes del sur de Europa, del sur del mundo, indígenas y muchos otros ejemplos que nos obligan a reflexionar y cuestionar la idea de centro y de periferia, así como la propia idea de verticalidad jerárquica.

‘Caranguejo Overdrive’ de Aquela

Companhia de Brasil, ‘Mendoza’ de Los Colochos de México, ‘A house in Asia’ de Agrupación Señor Serrano de Espa-

ña, y el regreso del argentino Federico León constituyen los atractivos internacionales.

Se podrá ver la nueva obra de Victor Hugo Pontes, ‘Margem’, a partir de Capitães da Areia de Jorge Amado, adaptada por Joana Craveiro con un elenco de adolescentes. La nueva obra de Marco Martins, ‘Provisional Figures: Great Yarmouth’, sobre el flujo migratorio portugués en la última década para esta pequeña ciudad inglesa.

Cuatro directoras estrenan sus obras en el festival: Sara Barros Leitão, Ana Luena, Raquel S. y Diana de Sousa. André Amálio se acerca al pós-colonialismo en su ‘Trilogia’, Nuno M. Cardoso a la animalidad en ‘Lulu’, y Miguel Bonneville a la transexualidad y el feminismo revisitando en su obra de 2008 ‘MB’.

También estarán Teatro Didascália y Teatro do Noroeste, con sus recientes obras de Paulo Ribeiro y Tonán Quito. El festival propone varias actividades paralelas y una sección formativa titulada ‘Isto não é uma escola FITEI’. — – 28 –

Elisa Mendes

FITEI es uno de los festivales iberoamericanos más importante y de mayor trayectoria en el tiempo.

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XIII KaLDeARTE - Muestra Internacional de Artes de Calle de Vitoria-Gasteiz

Escena y calle se complementan en Vitoria-Gasteiz La muestra homenajea a Trapu Zaharra en una edición con 35 compañías

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Barbecho Halab Soy ellas

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os días 8, 9 y 10 de junio se celebra la décima tercera edición de KaLDeARTE, Muestra Internacional de Artes de Calle de Vitoria-Gasteiz en la que durante las calles, plazas y rincones del centro de la ciudad se convertirán en un escenario improvisado para artistas y un lugar donde disfrutar de variados espectáculos para el público.

La compañía francesa Cirque Rouages será la encargada de inaugurar esta edición con ‘Sodade’, espectáculo nocturno de acrobacias sobre una estructura de gran tamaño y música en directo que hará vibrar al público asistente. Franceses son también Toi D´abord, un mini circo al aire libre que pondrá en escena

dos propuestas, ‘Encore plus’ y ‘Tu viens!’; Madam Kanibal que con ‘Anatómik’ ofrece un espectáculo de calle burlesco de aforo limitado, y La Contrabande, compañía circense especialista en el balancín sobre el que veremos a seis virtuosos acróbatas en ‘Bal Trap’. Desde Suiza llegan D´Irten Et Fien, formado por un dúo creativo cuyo idioma es el circo como muestran con ‘Sol bemol’, e Ici´Bas con ‘L´envers’, danza y circo con un toque de locura a la vuelta de la esquina. ‘Kalabazi’ es un conjunto de clown, circo y poesía de la suiza-brasileña Jessica Arpin. La compañía portuguesa Godot presentará una performance cómica y provocadora en clave de clown con ‘Lullaby’, y desde la lejana Nueva Caledonia llega a Gasteiz Le Chapitô de Nouvelle con su espectáculo de teatro gestual ‘Caillasse’.

HOMENAJE A TRAPU ZAHARRA Este año, KaLDeARTE realiza un homenaje-reconocimiento a la veterana compañía vasca Trapu Zaharra. Para celebrar su 35º aniversario presentarán ante el público de

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Sodade

Kalabazi

la ciudad dos espectáculos en los que destaca su característico y particular humor: ‘Sefiní’ y ‘A cal y canto’.

Además de los montajes de la compañía homenajeada en esta edición, cabe destacar el alto número de propuestas de danza, como el flamenco contemporáneo de Marco Vargas & Chloé Brülé y su ‘Naufragio universal’, ‘Block’ de Amaia Elizaran, ‘Meeting point’ de Ertza, ‘Lau eme’ de Haatik Dantza Konpainia y ‘Barbecho’ de Natxo Montero Danza.

De danza aunque itinerante es ‘Halab’, una propuesta especial interpretada por el alumnado de Conservatorio Municipal de Danza José Uruñuela que, dirigidos Sol Picó, acercan la terrible realidad de los refugiados sirios. También itinerantes aunque más cercanos al teatro y con el humor como lenguaje son los montajes ‘Open door’ de Pere Hosta y ‘De farra por el mundo’ de The Farra Marching Band.

CIRCO Y MUCHO MÁS Los diversos lenguajes circenses son los protagonistas de montajes como ‘Soy ellas’ de Rojo Telón, ‘Etxea’ de Aimar & Cia, ‘Envá’ de Amer i Àfrika, ‘InTarsi’ de Circo EIA o ‘Lunaticus Circus’ de Teatro Paraíso. Y en clave de clown se presentan también diversos es-

pectáculos como ‘Rien à dire’ del conocido Leandre, ‘Babo royal’ de Ganso & Cia, el espectáculo de teatro gestual ‘Bola bai!’ de NAI, o el humor de Los Moñekos en ‘We-ding’.

Tampoco faltarán espectáculos en euskera como ‘Sagartu’, nueva propuesta de la compañía Hika Teatroa junto con Oinkari Dantza Taldea, y el poético ‘Xori-gizonaren elezaharra’ de Mysterieuses Coiffures, además de montajes divulgativos como ‘Transhumancia’ con el que Xip Xap aborda esta forma de pastoreo.

Este año se han programado además espectáculos y conciertos para público adulto como los de Rodrigo Cuevas y Dr. Sax, ‘La muerte en familia’ de Juanjo Monago o ‘AC-NUN, un ciprés en un desierto’ de Zurrunka, algunas de ellas con aforo limitado y con invitación, al igual que el concierto que ofrecerá Irene Goñi, o el montaje ‘Nadie va a los cumpleaños en verano’ de Hermanos Picohueso.

La programación de esta edición de KaLDeARTE incluye además el estreno de ‘Txoriak’ de Irantzu Lekue, una instalación artística compuesta por miles de aves que unidas en bandadas que prenderán el vuelo llenando de color el cielo y las calles de la ciudad, y una coproducción de KaLDeARTE titulada ‘Balcony Sessions’. —

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XXII Trapezi - Fira del Circ de Catalunya

El Trapezi de Reus apuesta por el circo internacional Además de las coproducciones, en esta edición se reforzará el espacio profesional de encuentro

Christophe Raynaud De Lage

FOTOGRAFÍAS

Santa Madera Flou Papagayo 3D

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a vigésima segunda edición de Trapezi se celebrará en Reus del 10 al 13 de mayo, con una programación variada de estilos, disciplinas y formatos para todas las edades con más de cien representaciones a cargo de treinta compañías, bajo la dirección artística de Leandro Mendoza Artagaveitia. Todas las propuestas cumplen con las tres premisas básicas: presentan excelencia técnica y/o variedad en los números y/o disciplinas de circo, son producciones de factura profesional y tienen una clara voluntad de comunicación con el público que es muy armónica con los horarios y los públicos a los que va dirigida y con tres objetivos claros: incrementar la programación

internacional, con la presencia de nueve espectáculos foráneos de Suiza, Francia con cuatro trabajos, Bélgica y Alemania; consolidar el espacio profesional convertido en un espacio donde se propicie el negocio y mantener la ayuda a la coproducción de espectáculos, con el estreno del espectáculo ‘Gregaris’ de la compañía Soon, un espectáculo de báscula, percha china y acrobacia de 45 minutos que habla del lado más humano del deporte.

A través de la acrobacia y el humor los dos artistas ponen el foco en su relación de amistad y cómo transitan de la colaboración al conflicto buscando el equilibrio entre el líder y el gregario.

El circo de carpa vuelve al Trapezi con una propuesta de gran formato a cargo de David Dimitri, que se representará en una gran carpa instalada en la Plaça d’Anton Borrell. Una de las producciones de gran formato más destacadas es la propuesta de Mumusic Circus, que presentará ‘Flou Papagayo’, un montaje que se podrá ver en la Plaça de la Llibertat, donde se montará una grada para mil personas aproximadamente. El cabaret, uno

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Gerard Riera

Joao Paulo Santos

de los formatos más emblemáticos de la Fira, se podrá ver todas las noches en la Plaça del Mercadal con dos presentadores de lujo: Itziar Castro y Piero Steiner. Se trata del espectáculo inaugural, pero que cada noche tendrá números diferentes de compañías como Júlia Farrero, Lorenzo Mastropietro, Avital&Jochen, Duo Leti&Fer, Rhum&Cia, Joel Martí & Pablo Molina, Amer i Àfrica y Chaperton, acompañados por la música en directo de Circonautes, hábiles músicos de música circense.

El circo es un formato que va tomando fuerza. Así, se podrán cinco montajes en el Teatro Fortuny, donde estará la compañía belga D’Irque & Fien con ‘Sol bémol’.

El Teatre Bartrina presentará ‘Santa Madera’ de la compañía M.P.T.A, y la compañíaa H.M.G presentará ‘3D’ en la Sala Polivalent de La Palma. Por último, el Teatre Bravium acogerá el espectáculo ‘Mobil’ de la compañía andaluza La Güasa Circo Teatro.

Destacan muchas actividades paralelas, especialmente en el marco de la sección profesional, con encuentros, debates y conferencias organizadas con el apoyo del Área de Mercados del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya para programadores, artistas, distribuidores, gestores, instituciones, medios de comunicación y otros representantes del circo y otras artes escénicas a escala local, estatal e internacional. — – 33 –

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XLI Festival de Teatro de El Ejido

Lluvia de espectáculos en la fiesta escénica de El Ejido Destacan 70 representaciones en una edición que se desarrollará del 18 de mayo al 16 de junio

FOTOGRAFÍAS

Sensible André y Dorine

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a edición número 41 del Festival de Teatro de El Ejido arrancará el 18 de mayo con dos importantes eventos: la inauguración de los espectáculos de calle en la que siete compañías actuarán en la Plaza Mayor y que dará paso, ya en horario nocturno, al estreno en el Teatro Auditorio del nuevo espectáculo de Yllana, ‘The Opera Locos’. En el nuevo montaje de la veterana compañía, fiel a su estilo, el humor será el principal protagonista. En esta ocasión Yllana lleva al público a la ópera, ofreciendo un espectáculo cómico operístico. Sobre el escenario cinco cantantes de ópera repasarán los grandes éxitos de la historia de la ópera fusionados eso sí, con otros estilos de música, y todo ello aderezado con la

comedia gestual y el clown propios de Yllana. Pero no será el único espectáculo que lleve Yllana a El Ejido, ya que días después del estreno pondrán en escena la gamberra ‘The Primitals’, con más humor, más diversión y más Yllana.

Otro de los platos fuertes de esta edición es el espectáculo sinfónico que ofrecerá el cantaor flamenco José Mercé, que se presenta con un título claro y escueto: ‘José Mercé Sinfónico’.

La danza y la percusión llegan a El Ejido de la mano de una compañía de renombre internacional, Mayumana, que ofrecerá varias funciones del espectáculo ‘Rumba!’, en el que la música de Estopa es la banda sonora; una rumba mestiza que será el hilo conductor del desbordante ritmo del montaje. De danza es también otro de los espectáculos esperados, ‘Del infierno al paraíso’ de la italiana NoGravity Dance Company, propuesta en la que a través de la danza y el movimiento sin gravedad los intérpretes en escena ofrecen increíbles imágenes imposibles de realizar. De danza es también otro de los estrenos de esta edición, el espectáculo

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El funeral

‘Las Galeras’ del Conservatorio Profesional de Danza ‘Kina Jiménez’ de Almería.

En el Auditorio se presentará a su vez el montaje teatral ‘El funeral’, espectáculo de Pentación que tiene a dos conocidos intérpretes como protagonistas: Concha Velasco y Antonio Resines. Comedia es también la propuesta de Iraya Producciones ‘El intercambio’, obra llena de gags visuales y verbales protagonizada a su vez por dos conocidos de los escenarios: Gabino Diego y Teté Delgado, entre otros.

Kulunka Teatro pondrá en escena la deliciosa y aclamada ‘André y Dorine’, e Histrión Teatro su particular homenaje a Lorca con la obra ‘Lorca, la correspondencia personal’.

Entre los espectáculos de sala de esta edición destaca también ‘Sensible’, adaptación teatral de Juan Carlos Rubio a partir de la novela de Constance de Salm en la que interpretación, música y danza se funden a través de sus dos protagonistas, interpretados por Kiti Mánver y Chevi Mudaray. Cabe señalar a su vez ‘Hambre’ de Cía. La Lí-

quida, una divertida propuesta multidisciplinar de teatro, música y gastronomía por las necesidades más primitivas del ser humano.

La programación de los montajes de sala se completa con ‘El Emocionómetro del Inspetor Drilo’ de Acuario Teatro, ‘Desde aquí veo sucia la plaza’ de Club Caníbal, ‘En un solo latido’ de Nórbac Erfus Teatro y el espectáculo que se encargará de la clausura de esta edición, ‘Nacidos para bailar’ de Los Vivancos.

Pero antes de eso son otras muchas las propuestas que guarda esta edición. Entre otras las múltiples propuestas de artes de calle con la participación de compañías como La Banda del Otro, Alas Circo, VdeBanana, Los Vinilos, La Gotera de Lazotea o Compañía IO. Como ya es habitual en las últimas ediciones, este año también habrá tiempo para la programación denominada ‘Noches Golfas’, con propuestas de todo tipo y formatos que se desarrollarán a partir de las once de la noche en diversos espacios y núcleos de población. —

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XIX Bilboko Kalealdia

Bilbao: el show está en la calle Kalealdia programa 26 variados espectáculos

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l Festival de Teatro y Artes de Calle - Bilboko Kalealdia celebra del 2 al 7 de julio su 19ª edición con varios estrenos en el Estado y en el País Vasco, obras premiadas y grandes actuaciones de clown.

La cita, organizada por el Ayuntamiento de Bilbao, ofrecerá un total de 59 funciones distribuidas en ocho espacios de la ciudad, destacando las zonas de El Arenal, la Plaza Nueva, la Plaza Arriaga y el Parque de Doña Casilda.

Entre las propuestas internacionales, destacan nuevamente las obras francesas, que serán un total de nueve. El circo llegará de la mano de Aller-Retour Cie con ‘JournaL de nos corps’ (espectáculo subvencionado dentro del proyecto De mar a mar - Pirineos de Circo), Zirkus Morsa con ‘La fin demain’, y Saseo Cie con ‘Cabaret de poche’, que presentará números de tela, acrobacia, lanzamiento de fruta y verduras y adiestramiento de leones. La música será la protagonista en ‘Le Ginger Brass Experiment’ y ‘La Parade Impériale du Kirikistan’, el clown en ‘Yadéwatt’ de Rosie Volt, y la performance en ‘Les Irréels’ de Creature Cie (Mejor Espectáculo infantil-familiar en la Fira de Titelles de Lleida 2017). También se podrá disfrutar de las piezas teatrales de Le Chapito de Nouvelle-Calédonie (‘Caillasse’) y Pudding Théâtre (‘Géopolis’). Completan la oferta internacional los belgas The Primitives con ‘Three of a kind’, la premiada ‘Barada Street’ de Reino Unido y la italiana ‘Operativi’ por la compañía Eccentrici Dadaró, ganadora del Premio Nacional italiano Cantieri di Strada 2014, que tendrá a tres payaso-soldados como protagonistas.

Serán varios también los espectáculos que lleguen desde Cataluña. Destacan las piezas circenses ‘MiraT’ de Circ Pànic, ‘Envà’ de Amer i Àfrica (De mar a mar - Pirineos de Circo) y ‘UduL’ de Los Galindos (Premio Nacional de Cultura 2016 por la Generalitat de Cataluña). Katakrak estará en Bilbao con su instalación lúdica ‘Els Recicloperats’ y la Cia. Moveo con su premiada pieza de danza ‘Conseqüències’, espectáculo de movimiento que rompe la distancia entre el que mira y el que es mirado, entre el que vive y el que actúa. Y desde Valencia llegará la multipremiada ‘Mulïer’ de Maduixa, una pieza de danza sobre zancos que busca homenajear a las mujeres y que consiguió el Premio Max 2017 al Mejor Espectáculo de Calle, entre otros.

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La danza es también una disciplina destacada en los montajes de Euskal Herria. Amaia Elizaran representará ‘Block’ y Mystériouses Coiffures ‘Xori-gizonaren elezaharra’, ganadores ambos de la segunda convocatoria de ayuda de la Plataforma Karrikan. Ertza hará lo propio con ‘Meeting point’, propuesta que les valió el Premio al Mejor Espectáculo de Euskadi en la pasada Umore Azoka. Hika Teatro y Oinkari Dantza Taldea, por su parte, interpretarán la multidisciplinar ‘Sagartu’. El público podrá asistir también a espectáculos de clown como ‘Babo Royal’ de Ganso & Cia y ‘Psycho-Clown’ de Zo-Zongó!!, basado principalmente en la percusión. Têtes de Mules interpretará ‘L’Entresort’, una tragicomedia mágica y grotesca, mezcla de sueños y realidad, que nos transportará al misterioso mundo del “side show”. Y la escultura, la pintura y distintas técnicas de collage son parte del trabajo que mostrará el artista plástico Miguel Llanes. —

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Sagartu

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XI Circolmedo

Un sinfín de actividades circenses se dan cita en Olmedo

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La Coquette Gala Nuevo Fielato

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a variedad será la nota dominante de la undécima edición de Circolmedo, cita que del 3 al 6 de mayo se llevará a cabo en el municipio vallisoletano de Olmedo. Su diversa programación contempla entre tanto la Gran Gala, la Escuela de Circo, espectáculos de calle y pasacalles, además de talleres infantiles y animación, que se desarrollarán en el Centro de Artes Escénicas de San Pedro, la Corrala del Palacio del Caballero, la Escuela Infantil Alborada y los Patios de San Pedro.

El pistoletazo de salida lo dará la ‘Gala Nuevo Fielato’ con números de telas aéreas, pole dance, cyr, aro y magia, propuesta que se repetirá otros días.

El día 4 comenzará con una función de cuenta cuentos, seguida por la compa-

ñía Kanbahiota, que presenta ‘La Coquette’, con números de trapecio doble, acrobacias, equilibrios, humor y circo.

Por la tarde se dará paso a talleres de manualidades y ‘Cabaret Al vuelo’ cerrará esta jornada ya por la noche.

Para el sábado 5 y domingo 6 por la mañana y tarde se ha previsto una peculiar feria de puntería, habilidad y destreza, coordinada por los miembros del Espacio Joven. El día 5 también se llevarán a cabo los espectáculos ‘Blim Blam...!’ del mago Gonzalo Granados, la propuesta clown-circense ‘Juguete roto 3.0’ de Pass&Company y ‘Todo Encaja’ de la compañía UpArte. Por la noche llegará el turno de la ‘Gran Gala de Circo’, capitaneada por el maestro de ceremonias Pink Impact.

En la jornada de clausura (6 de mayo) se realizará un taller de aéreos de manos de la Escuela de Circo. La compañía Rola Bola (Premio Nacional de Circo 2017) representará ‘Emergencias 080 y tantos’, protagonizada por un bombero un tanto excéntrico. Y por último, la ‘Gala Circolmedo’ de la mano del Gran Wilbur dará paso a cinco espectaculares números de circo. —

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XXXIV Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba

Cita veterana de teatro familiar en plena primavera

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lo largo de todo el mes de mayo se desarrollará la 34ª edición de la Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba, cita veterana dirigida al público familiar que contará con la participación de 8 compañías que representarán propuestas tanto en euskera como en castellano, y actuaciones previstas en diversos puntos de Eibar, como el Teatro Coliseo, la Universidad y varias localizaciones en el exterior.

Así, en la Plaza Unzaga se ubicará ‘El diminuto teatro sobre ruedas’, una caravana vieja reconvertida en una atracción de feria y regentada por Clavileño e hijos. En su interior presentarán propuestas de pequeño formato para un aforo reducido con funciones de ocho minutos. Por su parte, Dantzaz presentará ‘Dantza pote’ en el parque del ambulatorio, una sesión de seis minutos de danza en los bares, que pasa gradualmente de un ambiente “bar”, más ruidoso y de atención más dispersa, a un ambiente “teatro”, con

la atención de la clientela focalizada en un delicado duo. En el Teatro Coliseo tendrán lugar el montaje ‘Drag-e uraren bila’ de Logela Multimedia, que aúna disciplinas como teatro, danza, video animación, interacción, música y robótica; y la pieza ‘Growing Young’ también de la compañía Dantzaz, que reúne las coreografías de Itzik Galili, Janis Claxton, Daniele Ninarello y Wubkje Kuindersma.

El resto de programación tendrá lugar en la sala de la Universidad. Así, se podrá disfrutar de ‘Isabelita la miracielos’ de Narruzko Zezen, ‘Euria’ de Markeliñe (Premio al Mejor Espectáculo FETEN 2017), ‘Enperadorearen jantzia’ de Lekim Animaciones, ‘Mendi tontorrean’ de Txalo Produkzioak, y ‘Alberti, un mar de versos’ de Teatro de Malta, Teatro Páramo y SMsuena Producciones, una propuesta con música, danza, dramaturgia, video creación, espacio escénico y vestuario al servicio de la poética de Rafael Alberti y de los niños y niñas. —

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Alberti, un mar de versos

Euria

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bozzo

Lekuz Leku La Fundición presenta los días 22, 23 y 29 de junio en el área del Paseo de Abandoibarra de Bilbao la 13ª edición de Lekuz Leku, festival internacional que tiene como objetivo acercar la gran variedad de lenguajes de la danza contemporánea a todos los públicos en espacios urbanos. El día 22 se podrá disfrutar de las piezas ‘Moliendo café’ de KregoMartín Danza, ‘Business World’ de Montón de Paja & Trigo, ‘Iu’ de LaSala, ‘plangere ’ de Carla Diego y ‘Cosmopolitan Beauty’ de Associazione Va con Davide Valrosso. El día 23 están previstos el proyecto colectivo de danza inclusiva ‘Habrá Que Ponerse Cachas’ y ‘Fragmento de Distopia’ de Patricia Guerrero. Además, La Intrusa junto con Virginia Garcia & Damián Muñoz escenificará ‘Billie Jean’ y Atama To Kuchi mostrará ‘Inverted Tree’. Y el 29 de junio se podrá ver en el Bizkaia Aretoa ‘Biraka’ de Nerea Martínez Martín, además de las piezas ‘Watcher’ y ‘Birdy’ de Hung Dance.

ACT Festival Organizado por BAI Antzerki Eskola, el ACT Festival Internacional de Escena Emergente cumple 15 años. La presente edición se llevará a cabo del 30 de mayo al 2 de junio en diferentes espacios de Bilbao y Barakaldo, con un programa formada por una quincena de piezas cortas, cursos de artes escénicas, encuentros con artistas, programadores y público. Las piezas programadas son: ‘At one point’ de Jonathan Rogerson & Nohar Lazarovich, ‘Confetti’ de Emilien Truche & Guillaume Auzépy, ‘Iocari’ de Daniball, ‘Liov’ de Diego Sinniger, ‘Lo.Li.Ta’ de La Taimada, ‘Loop’ de Atom Theatre, ‘Palma’ de Compagnie Caminante, ‘Projecte 92’ de Las Huecas, ‘Trigger Warning’ de Yang Han Bi, ‘Volitant’ de Góbi Dance Company, ‘We´ve got each other’ de Paul O’Donnell, ‘We-Ding!’ y ‘Yi-ha’ de Los Moñecos, ‘What does stuff do?’ de Robin Dale y ‘WRECK-List of extinct species’ de Insiemi Irreali.

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Festival de Teresetes - Mallorca

Surge Madrid

La 20ª edición del Festival Internacional de Teatre de Teresetes de Mallorca se celebrará del 14 al 20 de mayo con 20 espectáculos del género de los títeres, los objetos, las sombras, el movimiento y artes asociadas. Las 19 compañías programadas llegarán de Francia, Italia, Chequia, Andalucía, Cataluña, Valencia, Ibiza y Mallorca para representar un total de 51 funciones: 20 en Palma, 19 en los municipios y 8 en los centros escolares y colectivos en riesgo.

Las compañías internacionales son La Mue/tte, Luca Ronga, Pelele, Sombras Chinas/Valeria Guglietti y Teátr Pavla Šmída. Del Estado español proceden Biosca/Kuchinow/ Subirana, El espejo negro, La Gotera de Lazotea, La panda de Yolanda, La Rous, Petit Bonhome, Teatro Buffo y Tombs Creatius. Completan la programación escénica seis compañías de las Islas Baleares. Se trata de Besllum, Colorín Coloradas, Disset Teatre, Elàstic Nou Produccions, Encarna de Las Heras y Teresetes Paradís.

La Comunidad de Madrid celebra del 10 de mayo al 3 de junio la 5ª edición de la muestra de creación escénica Surge. La programación ofrecerá 50 estrenos que tendrán lugar en 22 espacios alternativos de toda la región en un total de 163 funciones. Entre los artistas participantes en la muestra se encuentran coreógrafas como Carmen Werner y Mónica Runde (ambas galardonadas con el Premio Nacional de Danza), y creadores y creadoras teatrales como Carlos Be, Gon Ramos, Carlota Gaviño, Ozkar Galán, María Velasco, Miguel Ángel Altet, Antonio Fernández Lera y Hernán Gené. Otras propuestas incluyen la ‘Free Wee Party (La fiesta del pipí libre)’, una intervención de La Fabulosa y Free Wee Project para anular los géneros binarios en las puertas de los servicios públicos de las salas durante el certamen, y ‘El surco debe ser proporcional al goce’, una “conferencia performativa peregrinaje y confesionario” del Colectivo Namoradas.

Galicia Escena PRO El mercado Galicia Escena PRO celebra su 6ª edición del 11 al 14 de junio en Santiago de Compostela. El programa, organizado por la Xunta de Galicia a través de la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic), presenta cuatro jornadas de trabajo, diálogo, ocio y formación. Todo ello tendrá lugar en cuatro espacios de la ciudad: Auditorio Abanca, Fundación SGAE, Salón Teatro y Teatro Principal.

El eje central del evento son los espectáculos en cartel. Este año serán 17 producciones gallegas recientes, algunas estreno absoluto, además de dos montajes madrileños que se representarán en Compostela gracias al intercambio entre Agadic y MADferia. Continúa así la colaboración con otras comunidades autónomas, como la realizada en 2016 con el País Vasco y en 2017 con Castilla y León.

Como en ediciones anteriores, las representaciones serán gratuitas para el público general. Por su parte, los profesionales acreditados tendrán la oportunidad de conocer los nuevos proyectos en los que trabajan diez compañías gallegas en la ya habitual sesión de pitching de Galicia Escena PRO. Tanto estas 10 propuestas como los 17 espectáculos gallegos son seleccionados por una comisión artística con el objetivo de diseñar una cartelera variada, equilibrada y de calidad, en la que tengan cabida todas las disciplinas escénicas. En cualquier caso, se trata de montajes con fecha de estreno posterior a junio de 2017 para los espectáculos, y pendientes de estreno en el caso de los proyectos del pitching.

En esta sexta edición se mantiene también la oferta de actividades paralelas, entre las que destaca el taller de comunicación para profesionales de las artes escénicas “¿Cómo convertir tu proyecto en noticia?”, así como la habitual propuesta musical.

La prioridad de Galicia Escena PRO sigue siendo impulsar la contratación de los espectáculos de producción gallega por parte de los teatros, auditorios, salas y festivales tanto públicos como privados presentes en la cita, que cada año congrega a unos 150 agentes culturales. Al mismo tiempo, el evento busca ser un escaparate del sector hacia la ciudadanía, de modo que su programa de exhibición se abre también al público general con el objetivo de lograr una mayor proyección social del actual panorama escénico.

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Novedades escénicas para finalizar el curso teatral

FOTOGRAFÍAS

Opus Tendríamos que haber empezado de otra manera El cuerpo sinvergüenza

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Justin Nicholas

na familia destrozada por la pérdida de un hijo es la protagonista de ‘Cronología de las bestias’, obra teatral escrita y dirigida por Lautaro Perotti que sube al escenario del Teatro Arriaga del 3 al 6 de mayo en una producción protagonizada por intérpretes conocidos en la escena encabezados por Carmen Machi.

Toman el relevo los días 11 y 12 el director de teatro suizo Milo Rau y su International Institute of Political Murder (IIPM) con ‘Five easy pieces’, propuesta teatral que pone a prueba los límites de lo que los niños saben, sienten y hacen. Fernando Cayo por su parte protagoniza ‘Inconsolable’ (23 y 24), un monólogo de Javier Gomá en el que la negrura y la tragedia se apoderan de un espectáculo que se precipita a su vez hacia un inesperado desenlace en una producción del CDN dirigida por Ernesto

Caballero. Días antes, (19 y 20) los australianos de Circa Contemporany Circus llegan a Bilbao con una nueva y valiente visión de circo contemporáneo, ‘Opus’, en la que diez acróbatas y un cuarteto de cuerda celebran la música de Dimitri Shostakovich.

Del 1 al 3 de junio se podrá disfrutar de una adaptación del clásico de Albert Camus ‘Calígula’, con dramaturgia y dirección de Mario Gas, que dará paso a la más reciente creación de Calixto Bieito, ‘The string quartet´s guide to sex and anxiety’, una colisión entre música y drama sobre la relación entre sexo, ansiedad y música; un montaje repleto de melodía y locura para los días 8 y 9. También habrá lugar para el concierto escenificado ‘I hate music’ a cargo de Ainhoa Arteta y BOS (21 al 23 de junio) o para el espectáculo de iniciación a la ópera ‘Allegro vivace’ a cargo de Comediants, dentro del programa Ópera Txiki, los días 26, 27 y 28.

LA FUNDICIÓN Las piezas de danza ‘Mirro(s)’ y ‘D-Due’ de ALPsMOVE – Asoc.Errante DanzaTeatro los días 5 y 6 y ’Suddenly III’ que OSA&MUJIKA presentan los días 12 y 13 de mayo darán paso al ciclo ‘Tinto de Verano / Txotx Ekainean’, un programa especial dirigido a la creación de artes es-

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cénicas del País Vasco que incluye a nueve espectáculos y que se desarrollará del 24 de mayo al 10 de junio.

Comienza esta edición con ‘Le jour se lève’, una pieza creada a partir del curso Teatro Laboratorio, una exploración, ampliación y desarrollo de los medios expresivos, interpretativos y creativos del actor dirigida por Bea Insa con dramaturgia de Angel Mirou. Insa por su parte es la intérprete de ‘Paradigma’, unipersonal sobre la depresión postparto dirigido por Pako Revueltas. ‘Elle n´est pas Liz Taylor’, escrita y dirigida por Chema Trujillo, fue galardonada con el XIV Premio de Teatro Breve “Café Bar Bilbao” y sube a los escenarios de la mano de La 9ª Cia. La venganza lícita es el tema que aborda el unipersonal de ATX Teatroa, ‘Tomiris’, y el alumnado de la escuela superior de Arte Dramático y Danza Dantzerti hará lo propio con ‘Espacio experimental’.

Denis Santacana y Victor Fernández presentan la coreografía ‘Encuentros’ , fruto de la construcción, reposo, reflexión y deconstrucción repetida una y otra vez. Desde Barcelona, Ángela Perís y Koldo Arostegi llegan con la pieza de danza ‘El cuerpo sinvergüenza’. Cierra este ciclo un programa doble: la pieza de danza ‘Clara’ de Natalia de Miguel y la de teatro ‘Rendezvous, 1938’ de Samuel Beckett escrita por Gorka Garde y con dirección de Ricardo Padilla.

BARAKALDO Y LEIOA La programación de Kultur Leioa presenta un único espectáculo, ‘No sin mis huesos’, danza urbana de la mano de Iron Skulls para la tarde del 4 de mayo, ya que el municipio se prepara para una nueva edición de Umore Azoka, la feria de artistas callejeros que se celebra del 17 al 20 de mayo (más información en páginas precedentes).

El escenario del Teatro Barakaldo, por su parte, acoge diversas propuestas de teatro de sala como ‘Óxido’, obra llena de humor corrosivo de Pez Limbo, ’Alicia después de Alicia’ de Kabia Teatro, o el estreno de ‘Las muertes de los otros’ de Moon Produkzioak (más información en sección estrenos) los días 4, 5 y 6 de mayo, respectivamente. Recién estrenada llega ‘Tendríamos que haber empezado de otra manera’ de Ékoma teatro y Javier Liñera dirigida por Pablo Molinero de loscorderos.sc (11), que dará paso al humor de Zanguango Teatro y su ‘Esto no me lo esperaba’ (18). Vaivén Teatro presenta su última producción ‘Sherezade y las capas de la cebolla’ (19) y Noviembre Teatro llega con el clásico de Lope ‘El caballero de Olmedo’ (26), para finalizar la programación del mes al día siguiente con el espectáculo en euskera ‘Hozkailua’ de Huts Teatroa. —

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Donostia, mucha danza y teatro de calidad

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on danza comienza la programación donostiarra, ya que el primero de mayo se celebra la gala anual del Día Internacional de la Danza, que este año cumple su XXII edición. Además, el Teatro Victoria Eugenia ha programado para el día 12 a dos figuras de danza contemporárena de reconocimiento internacional, Mathilde Monnier y La Ribot, que pondrán en escena ‘Gustavia’, un espectáculo que se apoya en el universo del burlesco del cine clásico y en el que ambas artistas interpretan un mismo personaje. La danza, en este caso el flamenco, vuelve el 16 de junio con ‘Carmen’ de Salvador Távora, reconocido espectáculo en el que el dramaturgo y director sevillano plasma su visión del conocido mito en un montaje de profundas raíces andaluzas que funde el baile y cante flamenco, el toque de guitarras, la música en directo de la Banda de Cornetas y Tambores de las Tres Caídas de Triana, un caballo y el lenguaje teatral propio de Távora.

Y de danza es también ‘Mutu’, espectáculo que estrena el 6 de mayo Myriam Pérez Cazabón en Gazteszena, pieza coreográfica sobre el silencio, sobre esas situaciones que nos dejan sin palabras, o sobre esas otras en las que las palabras sobran… Leire Otamendi, Iker Arrue y Myriam Perez interpretan esta coreografía acompañada por la música de Maite Arroitajauregi (Mursego).

El teatro por su parte tomará protagonismo con el uniper-

sonal ‘La muerte de Judas’ de Olivier Pilloni, una obra que opone la Razón y la Fe con estilo irónico, cínico, pragmático, contando con un gran potencial cómico en una propuesta que se llevará a cabo los días 26 y 27 de mayo y con el público sobre el escenario del Teatro Victoria Eugenia.

En el mismo escenario se podrá disfrutar con ‘La comedia de las mentiras’, producción de Pentación del 8 al 10 de junio ,mientras que en el Teatro Principal se han programado tres espectáculos: ‘Santxoren anaia’ de Laurentzi Producciones el 12 de mayo, ‘El lunar de Lady Chatterley’, un espectáculo que habla sobre la condición femenina a cargo de Marzo Producciones (días 18 y 19), y las diversas mujeres que lleva al escenario Paz de Alarcón en ‘Las mujeres que hay en mí’ (23 y 24 de junio).

Pero la programación en los diversos espacios donostiarras incluye más propuestas. Es el caso de los dos espectáculos en la sala Club del Victoria Eugenia: la danza urbana de Sergio Nguema & The Groove Killaz con ‘Flying in memories Live’ o el montaje teatral ‘Strep-Tease’, cuatro miradas de otros tantos directores de escena, Mireia Gabilondo, Garbi Losada, Jokin Oregi y Fernando Bernués (días 25 y 26 de mayo y 29 y 30 de junio, respectivamente). También habrá tiempo para los monólogos de Goyo Jiménez en mayo en Victoria Eugenia o para el montaje ‘Las princesas del Pacífico’ de La Estampida el 6 de mayo en Lugaritz, entre otros. — Gustavia

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Génesis 6, 6-7

TE VEO En la calle

Trilogía del Infinito de Angélica Liddell

Fruto de la colaboración entre las Asociaciones TE VEO de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud y ARTEKALE, Asociación de Artes de Calle del País Vasco, nace TE VEO En la calle/Bizi eta hezi kalean, espacio de reflexión y formación profesional que se llevará a cabo los días 7 y 8 de mayo en el barrio de Otxarkoaga (Bilbao). El objetivo de estas jornadas es reivindicar las calles como espacios naturales de desarrollo personal, especialmente para la infancia y la juventud, y como elemento transformador de la sociedad, entendiendo el espacio público como un lugar de relación social y de construcción colectiva. El 7 de mayo la experiencia estará en las calles, con diferentes espectáculos e intervenciones urbanas. Y el 8 de mayo se han previsto ponencias y un debate donde diferentes expertos analizarán la necesidad de recuperar el espacio público, especialmente para la infancia y la juventud, y el papel que juegan las Artes de Calle en este proceso.

Ángélica Liddell - Atra Bilis pondrán en escena en los Teatros del Canal de Madrid los espectáculos que conforman su ‘Trilogía del Infinito’. Los días 23 y 24 de mayo serán las funciones de ‘Esta breve tragedia de la carne’, obra inspirada en la poeta Emily Dickinson. El 26 y 27 se podrá ver ‘¿Qué haré yo con esta espada?’, una obra articulada a partir de dos hechos violentos sucedidos en París: el crimen caníbal cometido por el escritor Issei Sagawa contra una estudiante holandesa y la masacre en la sala Bataclan. “Una rebelión contra el racionalismo. Una guerra por la belleza en busca de lo inaprensible y lo sagrado”. Por último, ‘Génesis 6, 6-7’ se pondrá en escena los días 29 y 30 de mayo. Es una propuesta sobre un mundo que ya no puede seguir esperando y desea desaparecer. Pero lo más importante es la revelación que une la descendencia a la palabra, es decir, el misterio de la creación basado en la analogía entre el verbo y la fecundación.

As veias abertas da humanidade

Eila

II Ciclo de Teatro Portugués

VIII Vigo en Bruto

El 6 de mayo la valenciana Sala Russafa inaugura el II Ciclo de Teatro Portugués como integrante del Circuito Ibérico de las Artes Escénicas, una plataforma en la que compañías teatrales con sala propia del Estado español y Portugal intercambian piezas teatrales. Teatro Art’Imagem de Oporto, que se caracteriza por el riesgo escénico y la revisión de autores literarios en sus piezas, se encargará de iniciar la programación con ‘As veias abertas da humanidade – Memória de amor e guerra’. En ella se escenifican cuentos que hablan de otros mundos, de personas que nunca han tenido voz y cuya memoria está secuestrada por la historia oficial, inspirados en más de 20 textos de Eduardo Galeano.Tras el verano, continuará este ciclo con otros tres espectáculos. El Centro Dramático de Évora (CENDREV) presentará ‘Bonecos do Santo Aleixo’, el Theatro Circo de Braga ‘Ainda o último dos judeus e os outros’ y el Centro Dramático de Viana (Viana do Castelo) hará lo propio con ‘(i)Migrantes’.

El Teatro Ensalle de Vigo ha organizado la octava edición del Festival Vigo en Bruto, que se celebra del 18 de mayo al 10 de junio en la propia sala y tiene como fin mostrar los trabajos de compañías de reciente creación residentes en Galicia. Para la presente edición han sido seleccionadas cuatro propuestas, dos para cada mes. En mayo se podrá conocer el trabajo de Diego M. Buceta, miembro de la compañía de danza Prácido Domingo que interpretará ‘As vacacións máis longas’, y de Samuel Merino y Jose Vaquero, que ofrecerán ‘Mudar a pel’, “el resultado de la inacción, del escepticismo o de la falta de esperanza”. En junio será el turno de las dos propuestas restantes: ‘Eila’, espectáculo que nace a partir de poemas de Rosalía de Castro musicados por David González y dirigidos por Vanesa Sotelo de la cía Incendiaria, y ‘Epiderme’ de BalaBesta Teatro, que nace del grito contra el paso del tiempo, la cosificación de la mujer, el concepto clásico de la maternidad y la violencia social.

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LUZ NEGRA

Un sol inextinguible

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Josu Montero

ECKETT Y CAMUS La gran literatura del siglo XX es en gran medida desoladora, desesperanzadora, reflejo del sinsentido que los escritores han encontrado en las sombrías calles de su tiempo. Por eso seguramente los lectores de hoy prefieren libros más amables, sonrientes y digeribles. Mas es necesario precisar un par de cosas, y a ello nos ayudarán dos de los más abisales creadores del siglo pasado: Camus y Beckett. “Una literatura desesperada es una contradicción en sus términos”, escribió Camus. Explica que si la desesperación habla, razona, si –sobre todo– escribe, inmediatamente ahí brota un sentido. “En lo más negro de nuestro nihilismo, he buscado las razones para superar ese nihilismo. En el centro de nuestra obra, por negra que sea, brilla un sol inextinguible”. Escribe estas palabras en su libro “El verano”; y acaba: “Hemos aprendido que hay una luz a nuestra espalda, que necesitamos darnos la vuelta, rompiendo nuestras ataduras, para mirarla de frente, y que nuestra tarea antes de morir es buscar a través de todas las palabras el modo de nombrarla”. Pero como bien sabía Beckett, el lenguaje fracasa siempre, y sin embargo hay que probar otra vez, fracasar de nuevo, fracasar mejor. Es preciso, pese a todo, seguir diciendo, y convertir así las palabras en símbolos de nuestra fragilidad, en raíces indestructibles.

Aun cuando nos hallemos en el filo, dar un paso más. Sólo en esa osadía, en ese reto rebelde, en ese comerle terreno a la nada, al vacío, nace lo verdaderamente humano. Cuenta Cioran que se encontró un día con Beckett se lanzó a hablarle de su profundo abatimiento y de cómo hasta escribir se había convertido para él en un suplicio.

Preocupado entonces Beckett por su amigo, sorprendentemente le musitó algo sobre las palabras y la alegría. Beckett le habló de la alegría que germina en las palabras más oscuras.

CAMUS No es habitual que el galardonado con el Nobel sea un joven de 44 años, los que tenía Camus cuando lo recibió. Es como si los académicos suecos hubiesen adivinado que el escritor no iba a disponer de tiempo; y es que poco más de dos años después estrellaría su coche contra un árbol. Una vida fulgurante. En su dorada in– 50 –

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fancia argelina experimentó Camus la ausencia del padre, muerto en las trincheras de la I Gran Guerra cuando tenía un año. Algunas de sus páginas más emocionantes son las que narra su visita a la tumba paterna en el Marne: la Historia devorando siempre a los humildes. Y también la figura tutelar de una madre trabajadora, analfabeta, silenciosa. Vivió entonces dos experiencias primordiales: La dignidad de la pobreza: “La pobreza jamás me pareció una desgracia: la luz derramaba sobre ella sus riquezas”, escribió en un bellísimo libro de ensayos líricos lleno de la vitalista luz del Mediterráneo, “El revés y el derecho”, como lo están también otros dos libros recomendables: “Bodas” y el ya citado “El verano”. Afirma Camus que la pobreza material es la expresión de la vida verdadera; y es aquí donde fundamenta una sobriedad elevada a categoría moral. La otra experiencia determinante es el sol, cuya luz atempera y matiza su existencialismo, lo vuelve vitalista. Camus propone una vuelta al pensamiento mediterráneo; sobre las ruinas nihilistas de Europa nos ofrece la inevitable celebración de la unión sensual del hombre con el mundo, la aceptación del amor instintivo por el mundo como única forma de rebelión frente a la inexistencia de sentido.

CAMUS Y CHAR Asocio el sol a dos escritores, de una forma subjetiva. René Char y, de nuevo Albert Camus. La Provenza de Char y el Argel de Camus, dos ámbitos solares. El verano y el sol en ambos son bien reales, sensuales, físicos, pero adquieren también un carácter simbólico, fundante de su ser, de su escritura y de su filosofía vital. “Éramos uña y carne el verano y nuestra vida”, arranca un poema de Char; si bien es en “Las hojas de Hipnos”, ese libro prodigioso y alquímico que escribió en el monte siendo activísimo comandante del maquis antinazi, donde llegó a destilaciones como: “La lucidez es la herida más cercana al sol”. O también: “Envidio a ese niño que se inclina sobre la escritura del sol y luego corre hacia la escuela, barriendo con su amapola castigos y recompensas”. Char le dedicó ese libro esencial y resistente a Camus, el africano, quien se pasó gran parte de su corta vida matizando y refutando su etiqueta de nihilista. Precisamente en su libro “Verano” escribió: “Conservando tanto sol en la memoria, ¿cómo pude apostar a favor de la falta de sentido?”. El más negro nihilismo era más bien la seña de identidad de su tiempo – explica–, y él lo reflejó y buscó razones que permitieran superarlo, y lo hizo “por fidelidad instintiva a una luz en la cual nací y en la cual, desde hace millones de años, los hombres aprendieron a celebrar la vida hasta en el sufrimiento”. Y concluye: “En medio del invierno venía a saber que en mí había un verano invencible”. —

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VIVIR PARA CONTARLO

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Todo lo que tiene nombre existe (II)

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Virginia Imaz

l debate a favor o en contra también está servido entre la gente que contamos historias. La norma académica justifica el uso de un lenguaje no inclusivo.

Y por otra parte cabe señalar que no todas las teorías sobre el lenguaje sexista están de acuerdo en torno a la necesidad de desarrollar acciones modificadoras del mismo. Así, a la cuestión tradicional de si el lenguaje reproduce o produce una determinada imagen del mundo, el feminismo añadió otra disyuntiva plasmada en el debate sobre la necesidad de intervenir sobre él para modificar la desigualdad social o, por el contrario, confiar en que una fuerte acción social igualitaria acabaría consiguiendo que el lenguaje se modifique por la propia inercia del cambio.

Esta dicotomía es apuntada por la lingüista Anne Pauwels de la siguiente manera: Quienes apoyan la postura de que “el lenguaje refleja la realidad” se inclinan menos a promover una acción lingüística ya que dudan de que un cambio en el lenguaje lleve consigo el deseado cambio social. Argumentan que las prácticas sexistas en el lenguaje son el resultado de actitudes sexistas de quienes lo usan que además viven en comunidades que no promueven un tratamiento igualitario entre mujeres y hombres. (…) Por otro lado la postura de que “el lenguaje refleja la realidad social” no excluye del todo la pertinencia o incluso la necesidad de implementar una acción lingüística. De hecho, un grupo importante de quienes proponen guías oficiales para un uso no sexista de la lengua suscriben este punto de vista y, no obstante, argumentan a favor del cambio porque el cambio en la lengua va por detrás de los cambios en las prácticas sociales y culturales (1998: 84 – 85) [4] Habría dos líneas de investigación que, con sus variaciones y particularidades, podemos definir como el “enfoque de la diferencia” y el “enfoque de la dominación” (Eckert y McConnell-Ginet, 2003) El enfoque de la diferencia estudia los diferentes usos del lenguaje por parte de las mujeres y los hombres. Y el enfoque de la dominación entiende el lenguaje como un medio más para la opresión de las mujeres. Los estudios del sexismo en el lenguaje se enmarcaron en estos dos paradigmas hasta que la obra de Judith Butler, Gender Trouble, publicada en 1990, dió paso a – 51 –

una nueva metodología de interpretación de la categoría “género”. De esta manera, el uso del lenguaje pasó a considerarse como un elemento más de los que intervienen en la construcción del género, entendido este como género performativo, es decir, basado en la adecuada “puesta en escena” de sus comportamientos socialmente asignados.

Así, una vez planteadas las primeras reflexiones sobre la discriminación en el lenguaje, comenzaron a surgir todo tipo de estudios y propuestas tendentes a su eliminación y/o corrección que, en los primeros años, se desarrollaron sobre todo en el mundo anglosajón, para ir después ampliándose a otros países y otras lenguas.

En España, la creación en 1983 del Instituto de la Mujer sería fundamental para impulsar las actuaciones tendentes a la eliminación de los usos sexistas de la lengua. El primer Plan de Igualdad de Oportunidades (1988 – 1990) ya recogía la necesidad de revisar los textos reglamentarios para evitar usos y expresiones que reforzaran actitudes de desigualdad hacia las mujeres y, en 1989, se publicaron el primer folleto y la primera guía para la eliminación de los usos sexistas del lenguaje. Estos documentos tenían una clara intención divulgativa y sensibilizadora en cuanto a la necesidad de modificar las representaciones estereotipadas de hombres y mujeres. Los esfuerzos realizados culminarían con la creación, en 1994, de un grupo de trabajo dedicado específicamente a este tema, NOMBRA (no omitas a las mujeres, busca representaciones adecuadas), a cuyas integrantes se debe buena parte de la producción académica española sobre esta disciplina. Siguiendo esta línea, en 1995 el Ministerio de Educación y Ciencia publicó una Orden por la que se adecua la denominación de los títulos académicos oficiales a la condición masculina o femenina de quienes los obtengan (BOE 28/3/95).

El lenguaje no es una creación arbitraria de la mente humana, sino un producto social e histórico que influye en nuestra percepción de la realidad. Al transmitir socialmente al ser humano las experiencias acumuladas de generaciones anteriores, el lenguaje condiciona nuestro pensamiento y determina nuestra visión del mundo. —

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Larvada guerra civil en una “casa tomada”

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Jorge Dubatti

on estas palabras el equipo de Icho Cruz editorializa la obra en Alternativa Teatral: “Dos primos se reencuentran a comer un asado en la casa de sus abuelos en las sierras, a unas cuadras del río.

La Nona no presta la llave de la casa donde años atrás pasaron juntos los veranos, porque ahora, si no va ella, no va nadie. Encerrados en el patio, al lado de la parrilla descuajeringada, el refugio de la infancia se convierte en botín de guerra en la contienda familiar. ¿Cómo se conservan los recuerdos? ¿Pueden ser ellos mismos ladrones de sus cosas? ¿Cómo armar la propia familia? La intimidad del pasado compartido y las diferencias de un presente distante se sacan chispas en este encuentro que se convertirá en celebración porque: al que hace cosas, le pasan cosas”.

Escrito y dirigido por Candelaria Sesín (Córdoba, Argentina, 1987), Icho Cruz contó con las actuaciones y la colaboración en dramaturgia de Nicolás Balcone y Julián Marcove, luego reemplazado por Facundo Aquinos. Se presentó primero, en versión breve, en el Festival El Porvenir (2016), y, ya en formato de una hora en el Beckett Teatro (2017) y actualmente en el Espacio Sísmico.

Villa Icho Cruz es un pueblito turístico de la provincia de Córdoba (Argentina), donde los abuelos tienen una casa y la familia pasaba ahí los veranos. La situación dramática es pregnante: la abuela ya no va a la casa de veraneo en Icho Cruz y, desde hace cinco años, ha tomado la decisión de cerrarla, de no prestarla ni a sus hijos ni a sus nietos. La casa se viene abajo por la falta de cuidados y en el interior tiempo y objetos han quedado suspendidos.

“Está empacada con eso –dice Manuel–, arrancó con que la casa está cerrada, que si no viene ella, no viene nadie. No quiere saber nada con los tíos. Que no le hablan nunca y sólo la llaman para pedirle la llave y que no quiere que vengan y se le instalen, no sé, me dijo algo de la paciencia, no le entendí, pero ya se había puesto muy nerviosa… Repite todo el tiempo que no sabe qué hizo mal para tener esos hijos”. ¿Qué diferencias se juegan entre padres e hijos? ¿Qué conflictos generacionales, qué visiones de mundo en una realidad en permanente transformación? El deseo de los nietos por volver a esa casa es tan fuerte que, cerrada y práctica– 52 –

mente abandonada como está, se meten en ella. ¿La usurpan? ¿La ocupan? ¿Son ladrones de sí mismos? ¿Qué es lo propio y lo ajeno dentro de la familia? ¿Qué contradicciones profundizan o resuelven los nietos al no respetar la prohibición de los abuelos? ¿Qué “guerra” familiar, metáfora de otras guerras civiles, ya se ha desatado o se desatará? La dedicatoria de Sesín en el texto nombra el amor y la violencia intrafamiliares.

Icho Cruz es una fascinante variación del cuento “Casa tomada”, de Julio Cortázar. La de Candelaria Sesín es una “casa tomada” por sus propios dueños, por los hijos de los hijos. Dueños por pertenencia a la familia y dueños porque esa casa “es” su infancia. Pero al mismo tiempo se instala el conflicto de la transgresión: los dueños “reales” son los abuelos. ¿Qué harán los abuelos cuando se enteren de que su decisión no ha sido respetada y la casa ha sido tomada contra su voluntad? ¿Violación de propiedad privada o justo derecho? ¿Cómo soportar la locura de los mayores? ¿Acaso hay en la Argentina una latencia de filicidio o una germinal “guerra del cerdo”? Notable potencia del final abierto, que otorga a la historia una dimensión política: la familia como espacio de tensiones, disputas, jurisdicciones y legalidades, como metáfora de la sociedad y del país en larvada guerra civil, donde se confrontan legitimidades, pero sobre todo donde las partes no se reconocen ni se escuchan.

En entrevista con la dramaturga-directora, le preguntamos cómo se originó el mundo dramático de Icho Cruz: “Nació de una mezcla de tres imágenes / obsesiones: el fuego, los hombres, la casa. La primera fue la situación de encender el fuego, esa fue la primera imagen tuve. Desde ahí comenzamos a trabajar y así empieza la obra. No es tan importante el hecho de que coman un asado, sino cómo se configuran roles y actividades en relación al ritual de encender el fuego para cocinar la carne. La segunda fue el mundo de los hombres, que siempre me resultó muy atractivo.

De hombres entre hombres. La sensibilidad, la violencia y el erotismo que manejan y, por supuesto, el amor, el miedo. Y la tercera: la historia real de la casa de mi Nona en Icho Cruz, que está cerrada. En estos 30 años me mudé más de 20 veces y esa casa siempre fue el eje, el territorio que configuró mi identidad y un espacio iniciá-

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POSTALES ARGENTINAS

tico en mi infancia, adolescencia y adultez. Que esté cerrada me produce angustia, terminé por pensar que una casa cerrada representa un nudo en la garganta familiar. Esa angustia me hizo pensar sobre el pasado y sobre el futuro, que fue lo que terminó poniendo en cuestión la casa y lo que configuró la obra”.

En los últimos años se ha conquistado en la Argentina y en el mundo una visión teórica más compleja de la dramaturgia, gracias a una ampliación de las categorías con que hoy pensamos las prácticas dramáticas. En este sentido hay que rescatar la complejidad del proceso de escritura de Icho Cruz. Se trata de un texto de dramaturga-directora o directora-dramaturga, de carácter post-escénico.

Drama y acontecimiento espectacular son inseparables en esta obra. Escena y texto dramático se tejen conjuntamente. El texto de Icho Cruz se manifiesta hetero-estructurado: lo constituye tanto la literaturidad de la escritura dramática de autor, como la teatralidad de la experiencia de la escena con los actores, el tiempo y el espacio, íntimamente fusionadas. El drama incluye como referencia, a la vez interna y externa, el espectáculo del que proviene.

Se trata de literatura dramática post-escénica, porque su fijación textual final ha sido a posteriori y como síntesis de un estadio avanzado del trabajo escénico. No quiere esto decir que Icho Cruz no pueda ser leído sin el conocimiento del espectáculo y no pueda generar nuevos espectáculos en manos de otros directores que monten este texto.

Sostenemos que, aunque el lector no lo advierta, porque no ha tenido contacto con el espectáculo, éste forma parte del subtexto, está en el sistema referencial, en la matriz de este texto, y de alguna manera los acontecimientos escénicos son leídos en / con los textos.

La poética de Icho Cruz podría filiarse a una tendencia actual del teatro de Buenos Aires señalada por Javier Daulte: “No hace mucho que vengo observando un fenómeno que arraiga en nuestra tradición de teatro costumbrista y al que yo llamo neocostumbrista. Vos decís que esto quizá tiene más visibilidad en el Espacio Callejón. Yo creo que está más extendido. En la Diplomatura de Dramaturgia que se empezó a hacer en el Centro Cultural Paco Urondo de la Universidad de Buenos Aires también lo noté, y mucho.

Estamos en un momento en que han madurado aquellos que migraron desde la provincia en los ’80, ’90 y 2000, y que ahora escriben y describen sus lugares de origen como lo hicieron en otras épocas los inmigrantes de toda especie, dándole una fuerte impronta al teatro local”.

Daulte ubica en esta tendencia a La Pilarcita de María Marull, Yo no duermo la siesta de Paula Marull, Como si pasara un tren de Lorena Romanin, Lo único que hice fue jugar de Sebastián Irigo, entre otras. Sería el caso también de Icho Cruz. Este “neocostumbrismo”, en palabras de Daulte, se diferencia del costumbrismo a secas. Mauricio Kartun ha reflexionado sobre esa diferencia: “El costumbrismo toma el habla popular sin voluntad poética. Sólo le interesa la verosimilitud. El costumbrismo busca la verosimilitud tratando de copiar cómo habla la gente, cómo se comporta la gente y cómo son sus costumbres. Lo que a mí me interesa en cambio es tomar las costumbres y el habla de la gente en una búsqueda de distorsión poética que la transforme en

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otra cosa. Observación obscena, descubrimiento de zonas contracostumbristas. El objetivo es que el lenguaje adquiera una dimensión distinta, literaria, merced a un tratamiento sobre él. A un procedimiento”.

Candelaria Sesín hace, en términos de Kartun, una distorsión poética del costumbrismo, un costumbrismo “contracostumbrista”, en el que sin duda es fundamental el trabajo con la comicidad, lo lingüístico y la elaboración formal y simbólica que se entreteje con el expresionismo.

El tópico del regreso a la casa de la infancia es recurrente en el arte mundial. Mencionemos En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust, y Wielopole-Wielopole, de Tadeusz Kantor, como ejemplos canónicos de dos modalidades diversas de apropiarse del tópico. En el arte nacional también es recurrente: “La vuelta al hogar”, de Olegario Víctor Andrade; “El hogar paterno”, de Rafael Obligado; “Dicha”, de Arturo Marasso (poema que empieza con el verso “Dichoso aquel que vive en mansión heredada…”); “La lluvia”, de Jorge Luis Borges (donde en un patio que ya no existe resuena la “voz deseada” del padre, de los antepasados; “La casa”, de Manuel J. Castilla (“Ese que va por esa casa muerta…”); numerosas letras de tango y su reelaboración teatral, por ejemplo, en “La casita de los viejos” de Mauricio Kartun, entre otros. Justamente uno de los momentos brillantes de Icho Cruz es el final, donde se produce la consumación del ingreso / regreso a la casa.

La situación es significativa no solo por su conflictividad familiar (como señalamos arriba), sino también por otros componentes que Sesin resalta. Cuando Manuel ha logrado entrar a la casa, primero no lo vemos (se hace apagón total), y luego la luz de la lámpara de kerosén sólo ilumina su cara, muy próximo al público. Como la casa está a oscuras, no sabemos qué ve, ni qué lo hace reír y explotar de emoción (“Mirá lo que es esto, no lo puedo creer (…)

Estas cosas si no las hago con vos, no las hago con nadie. ¡Primo! (…) Te quiero”). La casa se construye en nuestra imaginación metonímicamente, la parte por el todo en juegos de contigüidad: el patio por la casa, el rostro iluminado de Manuel por el interior de la casa. Sustraer al espectador la información de lo que hay dentro de la casa, de lo qué está viendo Manuel y de qué le genera semejante emoción, multiplica infinitamente la imaginación y la sensibilidad del espectador, quien seguramente estará, a partir de esa ausencia de información, ingresando en su propia casa de infancia, completando el vacío con su propio mundo interno. Magnífico dispositivo de estimulación de la imaginación: la construcción de ausencia.

En la primera escena de Icho Cruz los sonidos del campo se mezclan con la música de una ópera, interpretada por una soprano. El texto no da mayor detalle, pero un poco más adelante Primo le pregunta a Manuel: “¿Y el Nono sigue escuchando ópera?”. Le preguntamos a Sesín por este comienzo: “Es María Callas en Tristán e Isolda [de Richard Wagner]. Mi Nono vive y escuchaba, pero ya no escucha más, muchísima música clásica”. La presencia de la ópera no está en la casa cerrada, sino en la conciencia de Manuel.

El espacio al que asistimos no es entonces solo la casa “real” o material, sino la casa de la memoria, la casa subjetivizada por la experiencia de la infancia. —

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EL LADO OSCURO

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Zygmunt Bauman: la cultura como bien de consumo

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ste texto quiere invitar a reflexionar sobre nuestras prácticas teatrales y sobre los públicos que participan en ellas a partir de las aportaciones de Zygmunt Bauman con relación a la cultura en la era del consumo.

Bauman escribió hace unos años que un equipo de investigadores dirigidos por el reconocido sociólogo de Oxford John Goldshorpe llegó a la conclusión de que ya no es posible diferenciar fácilmente a la élite cultural de otros niveles más bajos en la jerarquía mediante la asistencia regular a prácticas de alta cultura y el menosprecio a los que asisten a prácticas de cultura popular.

De acuerdo con las tesis de Richard A. Peterson, a las clases dominantes hoy se las puede considerar omnívoras culturales porque “en su repertorio de consumo cultural hay espacio para la ópera y también para el heavy metal y el punk, para el ‘arte elevado’ y también para la televisión comercial, para Samuel Beckett y también para Terry Patchett”. Según Peterson, se observa un deslizamiento en los grupos de élite hacia la intelectualidad omnívora que consume un amplio espectro de formas populares y de alta cultura.

Hace unas décadas, Pierre Bourdieu argumentó que cada práctica cultural estaba dirigida a una determinada clase social como factor de distinción y pertenencia. En la Ilustración la cultura ha sido considerada un instrumento para la construcción del Estado moderno y las políticas de democratización cultural han buscado, según Bauman, “salvar al salvaje de su barbarie” haciendo una “función homeostática” para mantener el equilibrio social.

La pérdida de posición de la cultura fue el resultado de procesos que estaban transformando la modernidad llevándola de su fase “sólida” a

su fase “líquida” (también llamada postmodernidad). Por este motivo “la cultura puede ahora concentrarse en la satisfacción y la solución de necesidades individuales ocupándose de ofrecer tentaciones y establecer atracciones, con seducción y señuelos en lugar de reglamentos, produciendo, sembrando y plantando nuevos deseos y necesidades”. La cultura es, ahora, un depósito de bienes “en competencia por la atención fugaz y distraída de potenciales clientes” que tienen una gran flexibilidad en sus preferencias porque son “omnívoros que se sienten en casa en cualquier entorno cultural”. En nuestra sociedad un juego ininterrumpido de conexiones y desconexiones reemplaza a la fidelidad y pertenencia. Bauman considera que “la cultura de la modernidad ya no tiene un ‘populacho’ que ilustrar y ennoblecer, sino clientes que seducir”.

Adolfo Vásquez Rocca considera que la metáfora de la modernidad líquida de Zygmunt Bauman intenta también dar cuenta de la precariedad de los vínculos humanos en una sociedad individualista y privatizada, marcada por el carácter transitorio y volátil de sus relaciones que se miden en términos de costo y beneficio. ¿Qué buscan en nuestras programaciones los espectadores? ¿Debemos programar sólo espectáculos de excelencia? ¿Quién debe escoger los espectáculos? ¿Cómo debemos relacionarnos con los espectadores? ¿Qué vínculos y compromisos están dispuestos a establecer con los gestores de los proyectos? ¿Cuál es nuestro papel como gestores? ¿Cuál es, en un contexto de modernidad líquida, el papel del Estado en las prácticas teatrales? ¿El teatro es sólo un bien de consumo para satisfacción de necesidades individuales? ¿El teatro ha perdido su valor público? —

1.- Zygmund Bauman (1925-2017) sociólogo polonés. Su ámbito de investigación ha sido la modernidad y postmodernidad.

2.- Bauman, Z. (2013) La cultura en el mundo de la modernidad líquida. http://ssociologos.com/2013/10/01/ zygmunt-bauman-la-cultura-en-la-era-del-consumo/. Traducción de Lilia Mosconi. FCE. 3.- Peterson, R.A. sociólogo, profesor de la Vanderbilt University, creador del concepto de “omnivorismo cultural” que argumentó en (2005) “Problems in Comparative Research: The Example of Omnivorousness”. Poetics.

4.- Bourdieu, P. (1988) La distinción. Criterios y bases sociales del gusto. Madrid: Taurus. (original del 1979).

Jaume Colomer

5.- Adolfo Vásquez Rocca, Doctor en Filosofía, Universidad Complutense de Madrid. (2008) Zygmund Bauman: Modernidad líquida y fragilidad humana. Nómadas. Revista crítica de ciencias sociales.

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PIEDRA DE SACRIFICIO

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Dramaturgia y derechos de autor (I)

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Jaime Chabaud

uando nací al teatro desde la escritura dramática, hace ya 30 años, el contexto era muy diferente al que enfrentan hoy mis jóvenes colegas mexicanos. Mi generación fue de las últimas en creer y tener un gran Maestro detrás de uno para ser validado, respaldado, catapultado. Si no pertenecías al taller de Emilio Carballido, Hugo Argüelles, Luisa Josefina Hernández (sus clases en la UNAM) o Vicente Leñero, prácticamente no eras nadie, no tenías tierra, pertenencia. Luego vendrían los talleres de Jesús González Dávila, Miguel Ángel Tenorio, Gerardo Velázquez y otros de aquellos englobados en el movimiento de la Nueva Dramaturgia Mexicana, hijos de los Maestros. Éstos, menos deseos de pedestal, fueron más flexibles, me parece; menos dados a que se les deificara.

Para mi generación (Estela Leñero, Luis Mario Moncada, David Olguín, etc.), al parecer, ya no fue una necesidad convertirse en gurús y de hecho sostuvimos talleres acéfalos en donde nos reuníamos colegas a leernos textos para despedazarlos con las precarias herramientas teóricas y técnicas que llegaban de vez en vez, en fotocopias deslavadas. Por supuesto los textos de Aristóteles, Usigli, Luisa Josefina, Enrique Buenaventura, John Howard Lawson y Eric Bentley eran como biblias que se devoraban y defendían. Por ello prevaleció la teoría genérico-estilística (que hoy importa tres cacahuates) por décadas. Muy pocos libros renovadores llegaban a nosotros, algunos pocos de teoría del guión cinematográfico.

A nuestros predecesores les tocó el pleito a muerte entre dramaturgos y directores de escena. Éstos últimos, empoderados desde fines de la década de los 60, ignoraron la dramaturgia nacional por el advenimiento de la figura del director-creador. Así, era pecado mortal aspirar a dramaturgo y al mismo tiempo admirar a Héctor Mendoza, Luis de Tavira, Ludwik Margules o Julio Castillo. Mucho costó tal conflicto a los escritores de la Nueva Dramaturgia. Sobrevivir en un contexto tan hostil fue un acto de resistencia y al final habrían de terminar algunos como González Dávila, Rascón Banda o el propio Leñero, haciendo mancuernas con algunos de aquellos directores-enemigos.

Llegar a escena, tener un estreno en los circuitos – 55 –

oficiales “de prestigio cultural” era un absoluto milagro. Salvo autores como Oscar Liera o Felipe Santander que dirigían sus propias obras, el logro de llegar a escena era eventual y ello produjo mucha frustración. Muchos dramaturgos optaban por no cobrar derechos autorales con tal de que se les montara. El chiste era llegar a escena aunque fuese regalando las regalías.

Para mi generación (los nacidos en los 60 del siglo XX) fue poco complicado no heredar el pleito dramaturgo-director del movimiento Nueva Dramaturgia Mexicana y sus Maestros porque, a diferencia de nuestros mayores, veníamos de una formación en escuelas donde se nos enseñaban todas las áreas, cumpliendo varios roles en la maquinaria teatral. Así, en las filas de mis contemporáneos no fue raro que surgieran las figuras dramaturgo-actor, dramaturgo-director o dramaturgo-gestor que antes eran casi impensables. Esto vino a fracturar definitivamente la confrontación dramaturgo-director que dominó dos décadas. Nosotros abrimos puentes de comunicación y, mejor, de estrecha colaboración en dónde incluso se comenzaron a dar escrituras desde la escena con el equipo actoral y artístico de la mano sin ser necesariamente lo que en Latinoamérica se ha conocido como “creación colectiva”. Con ello fue disminuyendo la especie que a directores llenaba los labios en el sentido de que no había mejor autor que el muerto.

Cuando arrancábamos como escritores de teatro a mediados de los años 80, la cartelera mexicana a nivel nacional se componía en un 80 a 90 % por obras de autor extranjero. El magro resto era para la dramaturgia nacional. Poco a poco, con una nueva interacción entre los responsables de la escena y los que juntábamos las letras, esta tendencia se fue revirtiendo. Múltiples deben ser los factores pero uno crucial fue el fin natural de la llamada “dictadura del director de escena” y el surgimiento de poderosos relevos en la dramaturgia mexicana en los albores del siglo XXI. La proliferación de premios, publicaciones y el acceso a internet también visibilizaron a los entonces jóvenes dramaturgos Edgar Chías, Iván Olivares, Zaría Abreu, Carlos Nóhpal, Edgar Álvarez, Denise Zúñiga, Noé Morales y un largo etcétera que estaban mucho más actualizados en las tendencias mundiales de la escritura. —

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NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS

Villanos/Héroes

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Victor Criado

n el artículo que se publicó en Enero expliqué las consecuencias que el movimiento “metoo” había tenido en la sociedad sueca, centrándome en su eco dentro del teatro y el cine. Nuevos acontecimientos me obligan a retomar el hilo de lo entonces expuesto.

Hace poco más de tres semanas apareció una noticia en la cual se anunciaba la muerte de quien, en el artículo mencionado, quedaba retratado como un “villano”. Una persona, que según la desmesurada cantidad de acusaciones formuladas, había ejercido el poder más allá de lo aceptable, dibujado como el responsable de crear una atmósfera de constante control y seguidismo, bajo amenaza de, en caso de discrepancia, sufrir las consecuencias de su poder en forma de rescisión de contratos, ninguneo…

Esa noticia, que había muerto durante un viaje a Australia acompañando a su mujer, pronto se transformó, tras el comunicado oficial difundido por la familia, en un suicidio, lo cual removió muchas conciencias y actitudes, generando críticas hacia el procedimiento y “linchamiento mediático”, pasando a ser calificado de acoso con un cierto ensañamiento, por parte de la prensa hacia su persona.

No sé, porque no conozco a ningún implicado personalmente, cómo deben haberse sentido las más de cien personas que presentaron voluntariamente sus testimonios para iniciar la investigación puesta en marcha. El sindicato de actores prometió llevar a cabo una investigación independiente de todo lo ocurrido para tomar medidas y evitar que hechos como este volviesen a tener lugar.

En esas estábamos cuando la noticia arriba comentada cambió de pronto todo el escenario. Un drama de carácter político se tornaba en una tragedia. Los personajes cambian repentinamente de rol y el público se sacude en sus asientos con este giro de guión imprevisto.

Como siempre suele ocurrir en estos casos, más allá de la cultura imperante, se comenzó a ensalzar su trabajo, su compromiso, su persona. En la misma medida en que comenzaron a aflorar análisis, reflexiones, disculpas… Una foto del finado con un libro de recogida de firmas se colocó en la entrada de esa Kulturhuset que, hasta finales del año pasado, había dirigido con mano de hie– 56 –

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rro ahora envuelta en seda. El periódico de mayor tirada abría al día siguiente de conocerse la noticia la sección de cultura con una foto suya junto a las fechas de nacimiento y muerte. La sección de cultura de la SVT (televisión pública e independiente sueca) hacía lo propio, con un montaje audiovisual recreando varios capítulos de su vida.

En ese momento no pude evitar ponerme a pensar en cuál fue el motivo que le indujo a tomar la única verdaderamente drástica decisión que un ser humano puede adoptar, la de quitarse la vida.

La investigación que se estaba llevando a cabo por parte de un organismo independiente estaba cerca de finalizar y los resultados, como no podía ser de otro modo, serían publicados en los principales medios de comunicación. El acusado ya había presentado su dimisión a finales de año para, según sus propias palabras, evitar dañar la reputación del centro cultural que durante tantos años había dirigido. La foto, en caso de haberse publicado esas conclusiones, habría sido una bien distinta. El reportaje televisivo también, de eso sí estoy seguro. El eco de esa foto “crítica”, “acusadora” se podría haber convertido en su última imagen, esa que deja el sabor final en la boca, como el último cacahuete podrido que estropea la experiencia de toda la bolsa.

En vez de eso parece que decidió, en un gesto supongo mezcla de coraje y desesperación, cambiar el final y dar un digno final a su biografía, a un precio enorme, ya que deja mujer, hijos y nietos.

Un viaje a Australia acompañando a su mujer que, cantante de ópera, presenta una producción en Sidney. Un cuerpo muerto, una escueta noticia que a los pocos días se amplía, generando un debate sobre el abuso de poder de los medios de comunicación hacia su persona. El abuso de poder hacia alguien que precisamente es acusado de eso mismo.

Todo esto convierte el suceso en material casi perfecto (si hubiese surgido en la mente de un dramaturgo) para un drama en la cual el presunto villano acaba convirtiéndose en un héroe.

Con la muerte violenta, en forma de suicidio, como catalizador. ¿Había tanto que esconder como para decidir tomar esa decisión? ¿Era el sentimiento de culpa/ vergüenza tan intenso que se transformó en insoportable?

No podemos obviar el dato de que en la cultura sueca la culpa como elemento corrector cumple una función mucho más relevante que en la cultura católica. Aquí no hay lugar para la absolución, el perdón es un proceso interior que exige una constante actualización.

La mancha no se quita con ningún “mágico” o “celestial” producto.

Todo esto no se puede obviar en este caso. —

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CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE

El crítico, la obra y el espectador

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Javier Villán

uerido director Carlos Gil. Antes que nada pido disculpas a los posibles lectores que aún me quedan por los errores de mi artículo anterior que la sagacidad de quienes nos leen ya habrán subsanado: se cruzaron algunos nombres, con lo cual nombres y un aspecto de la España de la Transición quedaban distorsionados. Es justo que lo lamente, sin buscar responsabilidades y sin más pase a esta carta propiamente dicha.

Me alegraría que al recibo de esta estuvieras bien; yo bien a Dios gracias. Nos vemos con demasiada frecuencia en los estrenos o sea que no sé por qué pregunto, tú me cuentas tus males y yo los míos. Hacemos tertulia en el vestíbulo o en el pasillo, mientras van pasando los rezagados, con Ignacio Amestoy, el sabio tolerante que todo lo entiende y todo lo sabe. Y de paso analizamos los males del teatro que acabamos de descubrir en una función, pero como no amamos nada, o nada nos queda por amar, que no sea el teatro por encima de todo, parecemos dos hombres felices. Entre el público, entre todas las caras del público, se pueden descubrir todas las preguntas que el teatro suscita. Sin respuestas porque los espectadores se limitan a ver la función y con eso cumplen con su obligación.

Ser crítico no es ni ninguna ganga, escribía yo el otro día en mi columna del Mundo. Eso es lo que la gente cree, pero no. La gente que gusta del teatro envidia al crítico porque ve de él solo la parte externa, su externidad gozosa podríamos decir, y no sus tribulaciones interiores.

En tiempos de tribulación no hacer mudanza decía Ignacio de Loyola, máxima moral, política y militar que nunca he acabado de entender.

Pero el crítico se ve obligado a hacer mudanza con frecuencia. Juzga puntualmente la función, pero puede ocurrir que un autor al que siempre alabó y de cuyo talento siempre disfrutó se vea obligado renegar de él. Y con un actor o una actriz pasa lo mismo. Nadie es sublime sin interrupción y la gente de teatro menos. Y los críticos mucho menos todavía; tenemos lectores que nos atribuyen una cierta autoridad, incluso un prestigio. Y lo toleran todo; desde una errata nimia a un juicio de valor equivocado, lo cual ya es más discutible, pues si de algo hemos de estar seguros todos es de que en arte no hay verdades absolutas. La verdad más rotunda que – 57 –

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uno pueda expresar se estrella contra la chácena infranqueable del fondo del escenario y rebota rompiéndole la cara al crítico.

Muchos colegas piensan que el crítico es una autoridad “per se”, que no ha de prestar oídos a lo se comenta en su entorno y cerrar los ojos a la expresividad del espectador que tiene al lado. A mí me sigue sorprendiendo la conformidad de los espectadores en los estrenos, me sorprende por ejemplo que haya desaparecido el pateo que en nuestra juventud tanto nos divertía. Pero yo no estoy muy convencido de lo que se dice o se calla en un estreno en el patio de butacas o en el gallinero. Solo la vanidad puede hacerle creer a un crítico que sus sentencias van a cambiar el rumbo del teatro, variar el volumen de la taquilla o modelar los gustos del espectador. Nos lo creemos cuando alguien viene con la revista o el periódico en la mano y dice muy buena tu crítica; eso quiere decir, no que sea buena o mala, sino que la crítica está de acuerdo con lo que él piensa. La crítica es un ejercicio prescindible o si prefieren un mal necesario. Pero la gente de teatro, las compañías, las empresas, la exigen.

Todo lo que ocurre en el mundo existe para ser contado, y el teatro también. Y ninguna narración es aséptica, todo tiene su sentido. Eso lo sabemos los periodistas, tú lo sabes querido director, antes que nada eres periodista, el silencio es la tumba del suceso, es el despojamiento.

La crítica da noticia de un hecho. Acaso sea una pasión inútil. Para ejercerla hay que privarse de simpatías y rencores, lo cual no es fácil. Aunque no lo parezca y muchos no lo crean los críticos tienen su corazoncito. No es un chollo ser crítico. Y lo que es más difícil, debe prescindir del propio criterio, de una cultura elaborada a lo largo de muchos años de lectura. Puede el crítico fundamentar su opinión en miles de libros subrayados y anotados, que la lectura tampoco sirve de mucho. Decía doña Gertrudis Gómez de Avellaneda: “no aprovecha lo que se come, sino lo que se digiere”.

Sentarse en el patio de butacas es un ejercicio de humildad que el simple espectador no tiene por qué ejercer. Con la entrada en la mano, el público es la verdadera autoridad. El crítico descubrirá o no el placer del teatro, pero se revestirá de incómodos ropones de juez. Podría aplicársele la máxima “obrar bien es lo que importa”, pero esta recomendación resulta insuficiente pues con frecuencia desconocemos los límites del bien obrar mal, salvo la propia conciencia y honradez. De todas formas tampoco hay que exagerar y despojarnos de cualquier efecto benéfico. El otro día publiqué una crítica, buena crítica sobre ‘El burlador de Sevilla’, y, en el estreno de la Zaranda, la gente lo estaba comentando si no con alborozo sí con infinito respeto. Era una crítica ni buena ni mala, simplemente elogiosa. —

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Arte y oficio del actor

El juego en escena

Alba editorial ha publicado dentro de su colección Artes Escénicas ‘Arte y oficio del actor. La técnica Meisner en el aula’. William Esper, discípulo y mano derecha de Meisner ha transmitido y ampliado la técnica Meisner durante años y recoge ahora en este volumen con el apoyo de su también discípulo Damon DiMarco, volumen en el que sumerge al lector en el aula y le permite asistir, como un alumno más, a uno de sus cursos participando de animados debates, del reto de la improvisación, divertidas anécdotas sobre grandes actores... Todo ello en el marco del proceso de formación de un grupo de actores y poco apoco se van desvelando ante el lector de forma lúdica y sencilla los conceptos y ejercicios fundamentales de una técnica única. “La esencia de este libro es como el propio William Esper: amable/claro, atento/generoso, apasionado/elegante...”.

Con el subtitulo ‘carteles para una función’, este libro rinde homenaje a las artes escénicas a través de los carteles que el diseñador Isidro Ferrer realizó entre 2006 y 2016 para el CDN. Cien carteles y textos de una amplia representación de la escena española en esta edición de Nørdica teatro.

Recordando a Beckett Publicada por Editores Argentinos, en el interior de este volumen se incluyen entrevistas inéditas y testimonios de quienes conocieron a “uno de los escritores más importantes del siglo XX”, tal y como señala James Knowlsonen en la introducción de este libro, un tributo y homenaje a su persona.

De familias y otras catástrofes

La deriva

La mexicana Paso de Gato ha publicado ‘De familias y otras catástrofes’, volumen que se incluye en la colección Anatomías Textuales. La dramaturga mexicana Bárbara Colio es la autora de las obras que podemos encontrar en este libro, seleccionadas de toda la creación que Colio ha realizado entre 2003 y 2013; seis obras en el que las historias de familias, son el común denominador; historias todas ellas con las que la dramaturga muestra el funcionamiento de las distintas relaciones humanas. En el presente volumen podemos encontrar las siguientes obras: ‘Pequeñas certezas’, ‘Usted está aquí’, ‘Cuerdas’, ‘El día más violento’, ‘Carnada’ y ‘Vuelve cuando hayas ganado la guerra’. Además de las citadas obras, el presente volumen incluye un estudio crítico de Ana Laura Santamaría sobre la obra dramática de Colio y una entrevista a la propia autora, realizada por David Olguín.

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La deriva reúne seis textos dramáticos de Daniel Veronese, la nueva versión de ‘El líquido táctil’ y las piezas inéditas ‘Mujeres soñaron caballos’, ‘Eclipse de auto en camino’, ‘La noche devora a sus hijos’, ‘XYZ ‘y ‘Sueño de gato’ y un conjunto de aforismos teórico-estéticos. Edición de Adriana Hidalgo Ed.

Teatro reunido El ‘Teatro reunido de Eduardo Mendoza’ incluye las obras ‘Restauración’, ‘Gloria’ y ‘Grandes cosas’ todas ellas escritas en catalán y traducidas al castellano por el propio Mendoza . Una muestra de la originalidad y del humor satírico del reconocido autor publicada por Seix Barral.

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Fiestacultura nº 74

Zirkolika nº 55

Con este número se inicia la edición de dosieres temáticos sobre las Artes de Calle que comienzan con el titulado ‘La calle de la vanguardia’ con artículos sobre la contracultura, el happening, la performance, Joan Brossa, Carles Santos o el último que se lleva el sugerente titular ’El declive de la utopía’.

El tema de portada del presente número hace referencia una efeméride, los 250 años del circo moderno al que le siguen las secciones habituales en las que destaca el reportaje sobre los VIII premios Zirkolika de circo de Catalunya o la entrevista con el malabarista Emiliano Sánchez Alessi.

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